Vera e propria rivoluzione nel mondo dell'arte, il design della Pop Art ha sovvertito il canone tradizionale appropriandosi di immagini della cultura popolare, creando collage da un miscuglio di fonti e accentuando i colori per riprodurre lo stile pubblicitario.
Immagini iconiche tratte dalla cultura popolare
Nell'intento di sfidare i confini tradizionali tra arte elevata e cultura popolare, gli esponenti della Pop Art utilizzarono frequentemente immagini e simboli tratti dai media e dai prodotti di uso quotidiano. Si trattava di oggetti commerciali come barattoli di zuppa, foto di celebrità, giornali, fumetti e persino nomi e loghi di marchi come Coca Cola o Campbell. L'obiettivo era quello di distaccarsi dal mondo dell'arte elitaria e di offrire la propria arte a un pubblico più vasto.
Colori vivaci e sgargianti
Con l'obiettivo di competere con altre immagini colorate e vivaci presenti nella cultura popolare, come la pubblicità e i fumetti, la Pop Art ha fatto ricorso a colori brillanti e vivaci per consentire agli artisti di creare opere di grande impatto visivo in grado di catturare l'attenzione dell'osservatore. Colori primari come il rosso, il giallo e il blu sono presenti in molte opere famose, in particolare nei lavori di Roy Lichtenstein e Andy Warhol, quale commento all'artificiosità della cultura consumistica.
Collage e miscela di media differenti
Artisti Pop come Robert Rauschenberg e Richard Hamilton combinarono immagini provenienti da una serie di media, ad esempio fotografie, ritagli di riviste e immagini pubblicitarie, collocandole su un'unica tela per creare un collage. Questo approccio è diventato rapidamente una forma originale di narrazione della Pop Art. L'obiettivo era quello di sfidare le forme d'arte tradizionali, abbattendo le barriere tra pittura, scultura e stampa.