Die Pop-Art-Bewegung stellte in der Kunstwelt eine echte Revolution dar und untergrub die traditionellen künstlerischen Normen, indem sie sich Bilder aus der Populärkultur aneignete, Collagen aus einem Mischmasch von Quellen schuf und intensivierte Farben nutzte, um den Stil der gängigen Werbung widerzuspiegeln.
Ikonische Bilder aus der Popkultur
Getrieben von dem Ziel, die traditionellen Grenzen zwischen hoher Kunst und Populärkultur zu durchbrechen, griffen die Pop-Art-Künstler häufig auf Bilder und Ikonen aus Alltagsmedien und -produkten zurück. Dazu gehörten kommerzielle Gegenstände wie Suppendosen, Fotos von Berühmtheiten, Zeitungen, Comics und sogar Markennamen und Logos wie Coca-Cola oder Campbell. Der Grundgedanke dabei war, aus der elitären Kunstwelt auszubrechen und die Werke einem breiteren Publikum zugänglich zu machen.
Leuchtende, poppige Farben
In Konkurrenz zu anderen farbenfrohen und plakativen Abbildungen, die in der Populärkultur zu finden sind, wie z. B. in der Werbung und in Comics, nutzte auch die Pop-Art-Bewegung leuchtende und poppige Farben. Dies gab den Künstlern die Möglichkeit, visuell auffällige Werke zu schaffen, die die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich ziehen. Primärfarben wie Rot, Gelb und Blau waren in vielen berühmten Arbeiten zu finden, vor allem in den Werken von Roy Lichtenstein und Andy Warhol, die damit die Künstlichkeit der Konsumkultur kommentierten.
Collagen und eine Mischung verschiedener Medien
Pop-Art-Künstler wie Robert Rauschenberg und Richard Hamilton kombinierten Bilder aus verschiedenen Medienquellen, z. B. Fotografien, Zeitschriftenausschnitte und Werbebilder, und stellten sie collagenartig auf einer einzigen Leinwand zusammen. Diese Herangehensweise wurde schnell zu einem elementaren Bestandteil des Pop-Art-Narrativs. Das Ziel war, die traditionellen Kunstformen zu hinterfragen, indem die Grenzen zwischen Malerei, Skulptur und Druckgrafik aufgehoben wurden.