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ジャンゴ・ラインハルト: やけどの影響で左手に麻痺が残ったため、メロディを弾く時は主に人差し指と中指で弦を押さえ、薬指と小指はコードを弾く際に高音弦を押さえるのに用いる程度であった。ジャンゴの演奏を記録した映像を見ると、薬指と小指の2本の指を深く曲げたまま、残りの指のみで演奏しているのがわかる。盟友のステファン・グラッペリは、『メロディ・メイカー』誌1954年3月13号で、ジャンゴはその特殊な奏法から、独特のコード進行を導入するに至ったという分析をしている。ジャンゴの演奏は、技巧の面だけでなく表現力の面でも評価が高い。『Guitar World』2008年7月号の記事「50 Fastest Guitarists of All Time」において、ジャンゴのフィンガー・ビブラートは「ギター界で最も叙情的」と評された。
スウィープ奏法: スウィープ奏法( スウィープそうほう)とは、ギターの演奏においてダウン・ピッキングもしくはアップ・ピッキングを連続して行う奏法。箒で掃くような動作を行うことからこの名前が付いた。特に分散和音を旋律とする場合は「ブロークン・コード」と呼ぶ。分散和音の場合でも、1音1音を鳴らした後ミュートすることで音粒をはっきりさせ、速弾きを行うための奏法である点が一般的に言うアルペジオ奏法とは違う(アルペジオは鳴らした音をミュートさせず、最終的には和音となる)。 しかし近年では「ブロークン・コード」よりも「高速アルペジオ」もしくは単に「アルペジオ」などの呼称のほうが一般的になりつつある。
チアゴ・デラ・ヴェガ: 主に用いる奏法はスウィープアルペジオ、タッピング、ボスハンズタッピングなど一般に速弾き系ギタリストが使用している奏法と同じである。オルタネイトフルピッキングをする際には薬指をギターボディに軽く置き、手首と肘で細かいピッキングをする。
ストリング・スキッピング: ストリング(弦)をスキップ(飛ばす)ことから来ている。ギター奏者なら意識出来ることだが、通常のスケーリング及びコードフォームによるアルペジオを奏でる際には、隣接する弦に移動するということが通常、観察出来る。 ストリングスキッピングとはすなわち、アルペジオ等で隣接した弦をとばして、結果的に一つ以上の異弦をまたぎ奏するという技巧である。
ピッツィカート: 手法は、バイオリンのそれと近似しており、弦の裏側から指を強くひっかけ、弦がフィンガーボードに反発力でヒットする音を利用する。主に打楽器、ドラムスを模した奏法として活用される。ローラン・ディアンスの「リブラソナチネ」が有名である。エレキギターでは、ピッツィカートに似たミュート奏法が開発され、様様に分化されている。主なものとして、セーハ(バレー)した左手を意図的に若干浮かせることで、音量を抑え、硬質な音を出す(ブラッシング奏法)、右手の腹部分を弦の尾部にあて流れ適度に消音することで、クリスピーな音を出す(ミュート奏法)などが存在する。
連弾: 連弾(れんだん)とは、1台の鍵盤楽器を複数人で同時に演奏することである。多くの場合は1台のピアノを2人で演奏することを指し、本稿でも主にこれについて触れる。この場合は2人がそれぞれ両手を用いて合計4つの手を用いるため、四手(よんしゅ)連弾などとも呼ばれる。
ピアノロール: これについては、様々に議論されている。SP78回転時代の演奏家が音階も危なっかしいほどの間違いだらけなのに、ロールが完全無欠のノーミスなのはおかしいという議論である。ガブリエル・フォーレの本人のロール(グラン・カプリス)はありえないほどの演奏の速さであり、パーシー・グレンジャーのロール(アニトラの踊り)は連弾でしか達成できない付け加えられた音符が弾きこまれている。実際にはこれは「ピアノリスト(Pianolist、pianola専門奏者、という意味)」と呼ばれる専門の技術者が本人のパンチングをもとにミスタッチを消して、実際の演奏よりも速く演奏したかのように編集を行っていたのである。これはLPやCD時代の演奏技術の編集にも大いに影響を与えている。このプロのピアノリストはレックス・ローソンがとくに有名な存在として知られている。
タッピング奏法: 右利き用ギターを前提として述べると、ギターには、指板上で左手で弦を押さえるフィンガリングをおこないながら、右手で弦を弾くピッキング(ピック奏法、フィンガー・ピッキング)をおこなって音を出すのが通常の演奏法とされる。この基本的な弾き方に対して、フィンガリングをおこなう指で弦を指板に叩き付けるように勢い良く押下するハンマリング・オンと、押弦している指を弦に引っ掻けるようにして離脱させて音を発生させるプリング・オフという2つの奏法がある。基本的にこの2つを間断なく繰り返して2音を反復することをトリル奏法と呼ぶ。そしてこのトリル奏法を拡張したのがタッピング奏法である。1965年の時点で、イタリア人のヴィットリオ・カマルデーゼは、タッピング奏法をイタリアのテレビで披露していた。
アルペッジョ: アルペッジョあるいはアルペジオ (伊: Arpeggio) とは、和音を構成する音を一音ずつ低いものから(または、高いものから)順番に弾いていくことで、リズム感や深みを演出する演奏方法。日本においては順番に弾くことだけではなく、コードを押さえた状態で弦を一本ずつ弾く事全般を言う場合もある。「ハープ(伊: arpa)を演奏する」という意味のイタリア語 "arpeggiare" を語源としている。余韻の長い鍵盤楽器や撥弦楽器などで効果を発揮し、管楽器ではほとんど使用されない。琵音(びおん)とも呼ばれる。
プリペアド・ピアノ: プリペアド・ピアノ または プリペアード・ピアノ(英: prepared piano、文字通りには「準備されたピアノ」の意)は、グランドピアノの弦に、ゴム、金属、木などを挟んだり乗せたりして(これを「プリペアする」「プリパレーションを施す」などという)音色を打楽器的な響きに変えたものをいう。このようにすることで、ピアノ本来の音色が失われ、金属的な音や雑音の多い独特な音が得られるほか、多くはその音の高さも幾分不明瞭になったり、元の高さとは異なる音高となったりする。プリペアド・ピアノは、ピアノに手を加えたものではあるが、ピアノという楽器の或る状態を指すのではなく、ピアノとは異なる独立した一つの楽器として考えられている。ただし、プリペアする音の数が非常に少ない場合は「幾つかの音にプリパレーションを施したピアノ」という位置づけになり、その境界は必ずしも明確ではない(準備・演奏の欄を参照)。
ギター: (右手について)クラシックギターでは、複数の弦を別々に弾き、複数の指で弾く必要があるのでピックは普通は用いない。なお親指から薬指までを使い弾く(小指は使わない)。クラシックギターはもともと独奏用の楽器であり、クラシックギター用の楽曲は(右手の指も一本一本、独立に用いて)伴奏と旋律を同時に奏でる独奏曲が多い。クラシックギター以外のアコースティックギターは伴奏用に用いられることが多く、右手の方は指やピックで全ての弦を一気に掻き鳴らすストローク奏法が多い。ストローク奏法は、フラメンコ・ギターではダウンストロークの場合は小指から人差し指に向けて4本の指で指先をきっちりと詰めて振り下ろす。アップストロークの場合は親指の爪で下から振り上げるように弾く(通常、他の4本は使わない)。エレクトリック・ギターではピックを用いたソロ演奏もある。
リストの半音階: リストの半音階(リストのはんおんかい)は、フランツ・リストが編み出した鍵盤楽器の、特にピアノによる半音階の演奏技法である。
自動ピアノ: シリンダは打つのではなく、相対的にやさしく変化する音を奏でる。初期の手回しピアノは演奏者がハンドルを回し続けることでハンマーが行き来して音を奏でたが、シリンダのピンが少しでも前へ行かない限り、ハンマーが弦を叩かず、ピンが去るまでハンマーは弦を叩き続けた。結果として音楽は奏でられるが、その音は人間が演奏するものとは違うトレモロと人工的なダイナミックさがあった。音の継続期間や弦のたたき具合などといった様々な問題点を少しずつ解決していったことで、自動ピアノはより良いものへと進化していった。世界初の自動ピアノ演奏装置はForneaux Pianista社製のもので、シリンダのピンがバルブをあげたときに、送風装置へ圧縮した空気を送り、送風装置がピアノの鍵盤をたたいて音を鳴らす仕組みだった。
自動ピアノ: 自動ピアノ(じどう-)は、巻紙(ピアノロール)に記録された楽譜を読み取り、空気の力で自動的に演奏するピアノ。
ピアノ: カミーユ・サン=サーンスの「交響曲第3番『オルガン付き』」では、第4楽章においてオーケストラ内のピアノが連弾で用いられる(しかし主役はオルガンであり、そちらの方がずっと目立つ)。また一般的な2人で演奏して高音部と低音部を弾き分ける4手連弾のほかに、3人で演奏する6手連弾もラフマニノフなどの楽曲に作例が見られる。ピアノを2台並べて演奏する方法。連弾よりも音量において勝り、また奏者が2人とも音域に制限されずに演奏できる利点がある。その反面、音が混ざり易く、雑多に聞こえ易いという短所もある。2台のピアノは1台ずつそれぞれに調律するのだが、インハーモニシティはそれぞれのピアノに固有のものなので、調律は他のピアノとは完全には一致しない。そのため、微妙なずれによって賑やかな音になる。多くの場合は2台のピアノを向かい合わせに置くため、双方のピアノは反響板が互いに反対方向に開いてしまう。
タッチタイピング: タッチタイピング(英: Touch typing)とは、パソコンやタイプライターなどのキーボード入力を行う際に、キーボードのキーを見ないで、指先の感覚だけを頼りにしてキーを正確に打つタイピング技法。ブラインドタッチ、タッチメソッドとも呼ばれる。ピアノの鍵盤を見ないで弾く場合に「ブラインドタッチ」の呼称が使われることもある。
楽器: 今でこそ鍵盤楽器は、両手と足でふむペダルを使って演奏するが、初期のオルガンは複数の鍵盤の音を出すこともできなかったし、早く演奏したりもできなかった。
鍵盤 (楽器): そのため18世紀頃までの楽器の鍵盤は現在のものより奥行きが短い。しかしながら、古典派の時代には親指をくぐらせる運指が一般的となり、幹音の鍵の手前側の寸法が長くとられた、親指で奏しやすい形状となった。オルガンの演奏台は複数の手鍵盤を持つものが多く、特に多いものでは上部へいくほど傾斜がつけられることがある。18世紀頃までの鍵盤楽器には最低音域がショート・オクターヴやブロークン・オクターヴの変則配列の鍵盤がしばしば見られる。ボタン式鍵盤は、小型の丸いボタンキーが並んだものである。カリヨンはバトンと呼ばれる棒で構成する鍵盤を備え、拳で叩いて演奏する。片手で1音ずつしか演奏できないため足鍵盤を併設するものが多い。足で踏んで使用する鍵盤で、主にオルガンで用いられる。オルガンの足鍵盤についてはオルガン#足鍵盤を参照。クラヴィコード、チェンバロ、ピアノでも足鍵盤を備えるものがある。
アップライトピアノ: アップライトピアノ(英: Upright piano)は、ピアノの形態の一種で、フレームや弦、響板を鉛直方向に配置した打弦鍵盤楽器の一種である。グランドピアノと多くの共通要素を有する。アップライトピアノは、フレームや弦、響板を鉛直方向に配し、上下に延びるように作られている。グランドピアノよりも場所を取らないため、グランドピアノを設置する場所の取れない家庭や、学校の教室、小規模の演奏会場などに広く設置されている。ドイツ語を含む多くの言語ではイタリア語で「小さなピアノ」を意味する「pianino」(ピアニーノ)と呼ばれる。英語では「upright piano」(直立ピアノ)または「vertical piano」(縦型〔垂直〕ピアノ)、フランス語では「piano droit」(直角ピアノ)または「piano vertical」と呼ばれる。
ボウイング: 短い音符で連続したスタッカートなどで、マルトレでは間に合わない場合に使われる。チェロやコントラバスには存在しない。弓の返しぎわができるだけ滑らかになるよう、右手首や右手指の動きを駆使して音の境を目立たないようにするもの。「目立った、際立った、明らかな」という意味。サルタート(「跳ねる」という意味)、飛ばし弓、(弦から弓が完全に離れることから)オフストリングとも呼ばれる。弓を弦上 1 - 2cmのところから落とし、はねかえる力を使って弓を跳ねさせつつ弾く。「跳びまわる、踊る」という意味。半飛ばしとも。弦から弓が離れるようでいてそうでもないことから、「オンフ」(Onff)と言う場合がある。速い16分音符などで、弓の張力で勝手に跳ねようとする力を利用し、返しの時に弦から弓が離れかかっている状態をつくり、それぞれの音をはっきりさせる。「石や弾丸が水面や平面で斜めに跳ね返る」様子という意味。
鍵盤楽器: 鍵盤楽器(けんばんがっき)は、鍵盤を操作することによって演奏する楽器の総称である。オルガン、チェンバロ、ピアノなどが代表的な鍵盤楽器である。1980年代以降はシンセサイザーなど電子楽器としての鍵盤楽器も一般的になっている。
リュートを弾く天使: 日本語では『リュートを弾く天使』 のほか、『リュートを奏する天使』、『リュートを奏でる天使』、『奏楽の天使』 などと称されることがある。イタリア語の名称である『Putto che suona』は「奏でるプット」、『Angiolino musicante』は「音楽する小天使」といった意味である。
コンサーティーナ: コンサーティーナの奏法は多様である。楽器を両手のあいだにはさみ、両手で蛇腹を押したり引いたりして空気の流れを作り、指でボタン鍵盤をおさえてメロディーや和音を奏でる、という基本は同じである。ただし、蛇腹の押し引きの向きや、指づかい、演奏に使う指の本数(特に小指の使用頻度)は、コンサーティーナの種類や、演奏者の好みのスタイル、演奏する音楽のジャンルごとに大きく異なる。コンサーティーナの演奏の基本姿勢は、楽器本体を膝やふとももの上に置く座奏であるが、慣れれば、手で楽器の重みを支える立奏や歩奏も可能である。変則的な奏法も可能で、ベッドに寝たまま仰向けの姿勢で弾いたり、サーカスのピエロのように曲芸をしながら弾くこともできる。どのような姿勢で弾くかは、演奏者のポリシーや、演奏場所の状況にもよる。また、楽器の構造や音楽性から、おのずと適した演奏姿勢の傾向が決まる面もある。
チョーキング: チョーキング(英: bending)とは弦を弾いた後に押弦している指で弦を押し上げ、無段階に音の高さを変えるギターの演奏技法である。ただし、英語表現では「ピッチベンド」という意味でベンディングと呼ばれ、「絞める」という意味のチョーキングという言葉は使われない。この言葉が用いられるのは日本のみである。
連弾: 高音側(鍵盤に向かって右側)に第1奏者(イタリア語でプリモ(Primo)と呼ばれる)、低音側(左側)に第2奏者(セコンド(Secondo))が座り、音域を分担して演奏する。ペダルの操作は第2奏者が行うのが通例である。楽譜は、見開き冊子の右側に第1奏者の、左側に第2奏者のパートがそれぞれ独立して印刷されているものが多い。主に第1奏者が高音を、第2奏者が低音を担当する。中音域で第1奏者の左手と第2奏者の右手が大きく接近し、更にそれらが交差することも珍しくなく、これが視覚的なアクロバット要素を生むこともある。極端なものでは、二人羽織のように、一方の奏者が他方の奏者に覆いかぶさるような格好となり、低音域と高音域の両方を演奏する場合もある(アレクサンドル・ローゼンブラットの《2つのロシアの主題によるコンチェルティーノ》など)。
ピアニスト: ピアニスト(pianist;[pɪˈænɪst])またはピアノ奏者(ピアノそうしゃ)は、広義にはピアノの演奏を行う人のこと、狭義には職業的なピアノ奏者のこと(日本で多く見られる用法)。本記事では狭義、広義のピアニストの両方を解説する。なお、ピアノで伴奏を行う人(伴奏者)のことを、アカンパニスト(accompanist)と呼ぶ場合がある。
グランドピアノ: グランドピアノ(英: Grand piano)は、ピアノの一種。グランドピアノのボディ(胴体)は(他にもいろいろあるが特に)弦を保持するフレーム(鉄骨)と響板から構成され、3本の脚の上に水平に置かれている。これらを合わせると全高は約1メートルに達する。グランドピアノの形状はチェンバロが規範となっている。曲線状のボディ形状が鳥の翼に似ているため、ドイツ語では翼を意味する「Flügel(フリューゲル)」と呼ばれる。フランス語では「piano à queue」(しっぽのあるピアノ)と呼ばれる。英語のGrandは「壮大な、豪華な」という意味である。ボディの端から鍵盤、アクション、ピン板がある。側板の上部は開閉できる大屋根で覆われており、大屋根を開けることで音を上方にうまく逃がすことができる。グランドピアノの下側は、18世紀のかなり初期の楽器を例外として、通常は開放されている。
ギター: 歌謡曲の伴奏用のギターではない場合、たとえばクラシックギターの独奏曲の中の移調・転調やロックのエレキギターのソロパートの移調・転調は、カポは使わずハイコードを駆使して行われるほうが一般的である。なお、アルペジオ奏法は言うに及ばず、ストローク奏法でも、特定の弦を弾かない、もしくは鳴らさないことが可能であるため、以上の記述はあくまで一般論である。音が鳴ると困る弦については、左手の任意の部分で軽く触れておくことによって、発音をほぼ抑えることができる。この技法をミュートという。アルペジオやソロで本来弾かない弦であっても、誤って適切でない弦が演奏されることを防ぐため、予防としてミュートしておくこともある。バレーコードでも、1 - 5弦までのバレー(セーハ)では人差し指の先で6弦をミュートしておくことが多い。
楽器: 弦楽器は特定の民族から起こって西東に伝わったというよりも、狩猟に弓を使っているうちに、いろいろな音の効果を知って、それぞれの弦楽器を作ったものと思われる。弦楽器は振動の起こし方で3種類に分けられる。・擦弦楽器(さつげんがっき)...弦を弓でこすって振動させ、発音に響く楽器でバイオリンや胡弓などがその実例・撥弦楽器(はつげんがっき)...弦をばちや指ではじいて、かき鳴らす楽器で、ハーブやギター、三味線や箏など・打弦楽器(だげんがっき)...・弦をハンマーなどをたたいて鳴らす楽器で、ピアノがその代表鍵盤楽器で一番古い歴史を持つのは、 紀元前3世紀にエジプトで原型が発見されたオルガン(パイプに空気を送って音を作りだす操作を鍵盤でするもの)であった。 それから14~15世紀にかけて改良され、現在のような白と黒の鍵盤が作られた。
トッカータ: トッカータ(伊 toccata)とは、主に鍵盤楽器による、速い走句(パッセージ)や細かな音形の変化などを伴った即興的な楽曲で、技巧的な表現が特徴。toccataは動詞toccare(触れる)に由来しており、オルガンやチェンバロの調子、調律を見るための試し弾きといった意味が由来である。最初期の鍵盤用トッカータは16世紀中ごろに北イタリアで現れた。
ジョヴァンニ・パオロ・チーマ: Breue regola con 12 essempi (12の例による簡単な移調手引き)では、ドリア旋法による短い作品に続けて、これを半音ずつ上に移調して鍵盤上全てのキーから始まる調に移調した譜面を含めている。それぞれの移調を行ったときに、クラヴィコードの調律をどのように直せばよいか、すなわち、ヴォルフを回避するために施すべき調律の修正法を示している事から、この手引きではオルガンやクラヴィコードを平均律やそれに近い音律で調律する事を念頭には置いていない。また、この 12 essempi の冒頭の説明文では「ツァルリーノが『和声論 Institioni harmoniche』の第4巻第17章で述べているように」、「歌手との合奏で便宜を図るためにオルガニストが移調の技術を習得している事は大切だ」と述べている事から、演奏の実践においてしばしば移調演奏が行われていた事が窺える点も興味深い。
ロドルフォ・ビアジ: ラ・クンパルシータの有名な「音無しのリズム」直前に行われる右手の装飾音は1937年のビアジの発案に拠るものだが、非常に素早い指の運動が必要であるため、わざとゆっくり弾くピアニストが多い。
移調: ピアノの自然な運指には黒鍵を多用する調が有利である。ロマン派音楽でピアノ曲に嬰記号、変記号が調号に多いのはこのためである。難解な譜面で愛好家に理解されないのは困るが、演奏は簡単なほうがよいというジレンマから移調譜を作曲家が自ら用意した例も多い。(シューベルトの例)
鍵盤 (楽器): 現在、ピアノに見られるような一般的な手鍵盤は、1オクターヴを、全音が二つ、半音、全音が三つ、半音、という間隔で分割する全音階に基づき鍵を配置し、その幹音群の間の派生音を、上に突き出た短い鍵に割り当てる。両者を視覚的に区別するために色を変える事が一般的である。 現代においては、幹音の鍵盤を「白鍵」と呼び、派生音の鍵盤を「黒鍵」と呼ぶのが一般的であるが、一部のオルガンやチェンバロなどにおいて見られるように、一般的な配色とは逆の仕様のものも存在する。そのため「白鍵」・「黒鍵」という呼称は、音楽の上では場合によって誤解を伴う用語であるため、厳密さが求められる場合は避けられる。このため幹音の長い鍵盤(現代の白鍵に相当)を「長鍵」、派生音の短い鍵盤(現代の黒鍵に相当)を「短鍵」と呼ぶこともある。 親指は他の指とは付き方が異なるため、かつては鍵盤楽器の演奏における使用は消極的であった。
マルチ・キーボード: この場合、使用楽器とアレンジの関係は重要視されず、ある曲においてはピアノを演奏し、またある曲ではオルガンを演奏する、という具合に、曲ごとに必要な楽器を選択して演奏する形が一般的。ただし、その曲の中でも、主として選んだ楽器以外に、ある程度のアクセントとして、別のキーボードに手を移動させて演奏する場合がある。
ハンドパン: 基本的には両手の指により演奏され、他のハンドパーカッションのメソッドが適応される。その為、演奏者により奏法にも幅があり、目指す音楽表現に適した奏法がその時々で用いられ、また現在も開発され続けている。Tone凹の穴の縁を指先ではじくように叩くと美しく長い音になるが、指で押さえたままだと短く響きのない音になる。その理屈をうまく調整しながら叩くことで、様々な表現が可能になる。Dingと呼ばれる中央の凸は、最低音であり、中央部分をたたくと長く響く音が出る。これもまたToneと同様、はじくか叩いて抑えたままかで音の響きが違う。Dingをはじくだけでなく、こすって独特な響きを出す奏法も見られる。胡坐をかいた脚の上に載せてたたく方法が一般的だと思うが、三脚に載せて体の正面に置いてたたく方法もある。
運指: カール・フィリップ・エマヌエル・バッハ(ヨハン・セバスティアン・バッハの息子)は著書『正しいクラヴィーア奏法についての試論(Versuch über die wahre Art, das Clavier zu spielen)』において、ピアノの運指に関して数段落を割いている。イギリスのピアニスト、トバイアス・マッセイは1900年に『運指の原理(Principles of Fingering)』を出版した。1971年、ジュリアン・ムサフィア(英語版)は著書『ピアノ運指法(The Art of Fingering in Piano Playing)』を出版した。この本はベートーヴェンのヴァイオリンソナタとピアノソナタ、ショスタコーヴィッチのプレリュードとフーガからほとんどの例を引用している。
トイピアノ: 中にはピアノの黒鍵にあたる鍵盤がなかったり、白鍵の上に黒鍵の絵が塗られているだけのものもあり、これらは全音階のみ奏し得る。これらの多くは8鍵で、音域は1オクターブだけである。
アルペッジョ: 左手で弦を押さえる場合には右手の親指・人差し指・中指・薬指の四本で弾く(右手で押さえる場合には左手)。それぞれの指に記号が付いている。親指はp、人差し指はi、中指はm、薬指はa。親指は6~4弦、人差し指が3弦、中指が2弦、薬指が1弦の場合が多い。弦を弾く方向は外側から内側、つまり6 - 4弦は下に、3 - 1弦は上になる。ストローク奏法はピックなどで多数の弦を同時に鳴らすが、アルペッジョ(またはアルペジオ)は弦を一本一本指の爪で弾く。
スライドギター: スライドギター(英語: slide guitar、別名:ボトルネックギター)は、ギターの奏法のひとつ。スライドバーと呼ぶ棒を指に装着または持ち、弦がフレットや指板から浮いた状態のままバーを任意の位置で弦に接触させ、ピッキングして発音する奏法である。
ポルタメント: 技術的にはグリッサンドと全く同じである。 トロンボーンでは呼気を切らずにスライドを伸縮したり、尺八では徐々に指孔を拡げることで、弦楽器ではバイオリン、三味線、一絃琴などは弦の上で指を滑らせたり、または箏やシタールなどでは指で押さえる張力を変えて、行うことができる。管楽器は指を滑らす、もしくは息やアンブシュアをコントロールして行う事が可能である。ただし技術的に不可能な音域もある。ギターではチョーキング、スライドギターなどの奏法を使う。シンセサイザーでは、ほとんどの機種に搭載されオンオフで切り替えられる。特に邦楽、インド音楽、中国音楽などアジアの芸術音楽では多用され、重要な音楽表現技法である。
オートハープ: 当初、オートハープはコンサート・ツィターのように卓上に平置きし、左手でコード・ボタンを押下し、右手には通常、べっ甲、プラスチック、または圧縮されたフェルトで作られたギター用のフラットピックを持ち、1度のストラムにてコードバーの下側の狭い範囲で複数の弦を弾いて和音を鳴らしていた。このような演奏方法によって、オートハープは和音伴奏のリズム楽器として考えられるようになり、現在でも多くの人がそのように考えている。しかしながら、新たなテクニックが開発され、最近の奏者はメロディを演奏することもできる。例えば、ダイアトニック・オートハープの奏者は、個々の弦を弾きながらボタン押し離ししてコードバーを「ポンピング」するオープンコード奏法でフィドルの曲を演奏することができる。熟練したクロマチック・オートハープ奏者も、様々なメロディー、和音、複雑なリズムの伴奏を含むソロを演奏することができる。
ポルタメント: ポルタメント (portamento) は、ある音から別の音に移る際に、滑らかに徐々に音程を変えながら移る演奏技法である。旋律を情感豊かに歌うために使用される。イタリア語の"portar la voce "、フランス語の"port de voix "(いずれも「声を運ぶ」の意味)に由来し、声楽やヴァイオリンなど擦弦楽器の表現方法であった。現在は管楽器や電子楽器でも使用される。近年では抑制される傾向があり、乱用は悪趣味であるとされる。
多調: 多調(たちょう)は、同じ楽曲の同じ時間に異なった調が同時に演奏された状態。またそのことを意図した作曲法。ポリトーナル(polytonal)とも呼ばれる(これは形容詞形)。旋法を用いる場合はポリモード(polymode)と呼ばれる。この技法によってポリフォニー的音楽が更に立体的になったり、半音などで同時に同じ旋律などを奏することによって鋭さと共に「暈し」の手法を入れることができる利点がある。複数の声部を持つピアノ音楽では歴史も古く、ショパンの初期のポロネーズ(第13番)にも既に認められる。さらに古い例では、モーツァルトの『音楽の冗談』がある。ちなみに、異なる調性が2つの場合には特に「複調」という言葉が使われる。多調音楽といっても実際には複調であることが多く、3つ以上の調性が使われることは複調にくらべて少ない。
ピック奏法: また少し特殊な奏法を用いてプレイするミュージシャンにAIONのIZUMIがいる。IZUMIは右手の人差し指の屈伸だけで速弾きしており、この奏法は「IZUMIピッキング」とも呼ばれている。
ピアノ: 武満徹の「雨の樹素描」では楽譜上にこれらの踏み込み具合の指定がある。このペダルを踏み込んでいるときの弦は周囲の音にも共鳴し得るので、合唱曲の伴奏などでは歌唱にピアノが共鳴している現象も聞き取れることがある。ピアノで一切発音せず、ペダルの踏み込み具合や鍵を無音で押し込むことによって他の楽器に共鳴させる奏法もある。例えばルチアーノ・ベリオの「セクエンツァX」(トランペットと共鳴ピアノのための)ではトランペット奏者がピアノの内部に向かってトランペットを吹き、その共鳴を聞き取る場面がある。第2のペダルは、一番左の弱音ペダルであり、ソフトペダル、もしくはシフトペダルと呼ばれる。グランド・ピアノでは、このペダルを踏むと鍵盤全体がフレームに対して少し右にずれ、中高音域ではハンマーが叩く弦の本数、低音域では弦に当たるハンマーの部位が中央から端に変わり、音量が減少する(ウナ・コルダ)。
鍵盤 (楽器): 左右方向のみ音の高さが変化する面ではピアノと共通するが、ピアノの配列と異なり、全ての調を平等に扱い、左右方向に隣り会ったあったキー同士が同じ高低差(音程)で均一の距離に配置されているので、転調しても全ての調において同じ運指の演奏ができる。 五線譜と異なり、上下位置関係が隣りあった全ての音符の関係が、同じ高低(音程)差である記譜法も合わせて提唱され、この記譜法(クロマチック・ノーテーション)による表示画面と連動する電子楽器(クロマトーン)もある。 鍵盤上の視覚的な距離の差と音程の差が比例的に一致しているため、「音程を直感的に把握し易い・相対音感が付きやすい」という教育的効果があるとされる。初期は電子楽器ではないピアノを改造したアクースティック楽器として発表され、のちに電子楽器としてホールトーン、クロマトーンが製品化された。
ピック奏法: ピックを使用した演奏方法には以下のようなものがある。上から下へ向かって弦を弾く演奏方法。下から上へ向かって弦を弾く演奏方法。ダウンピッキングとアップピッキングを交互に繰り返して弦を弾く演奏方法。一例としてビートルズの「オール・マイ・ラヴィング」のバッキングギターなどで用いられている。リズムキープがしやすく、テンポが速くなっても安定したサウンドを維持しやすい。休符の際に意図的にピックを空振りさせる「空ピッキング」もオルタネイト・ピッキングにおける技術の一つである。弦移動の際に、高音弦に移る場合はダウンピッキングで、低音弦に移る場合はアップピッキングで弦を弾く演奏方法。オルタネイトピッキングで演奏した場合に生じる移動ロスを回避できる。細かい音価で同音を反復させながら保ち続けること。
チェンバロ: イタリアの多角形のヴァージナルはスピネットと呼ぶことが多い。イタリア語には本来ヴァージナルという語は存在せず、spinetta や arpicordo と呼ばれていた。イタリアのヴァージナル(あるいはスピネット)は、長方形、あるいは多角形のケースで、突き出た形の鍵盤を持つものが多い。フランドルのヴァージナルは、鍵盤が本体の左側に位置するスピネット型と、右側に位置するミュゼラー型(muselar, muselaar)に分けられる。どちらも一般に長方形で鍵盤が窪んだ場所に位置し本体から突き出ない。イタリアのヴァージナルやフランドルのスピネット型のヴァージナルでは弦を弾く位置が通常のチェンバロに近いが、ミュゼラーでは全域で弦の中央に近い所で弾かれる。このことにより、基音が強く倍音の弱い、独特の太くて暖かい音質を持つ。
プリペアド・ピアノ: プリペアド・ピアノは作曲家ジョン・ケージが1940年に「発明」したものである。舞踊家 Syvilla Fort (1917-1975) にダンスの付随音楽を委嘱されたケージは初め打楽器アンサンブルの使用を考えたが、公演場所のスペース上の制約から打楽器を大量に使用することができなかったためピアノで代替せざるを得ず、その作曲を進める中でこの楽器を考案するに至った。この時の作品は「バッカスの祭」(bacchanale)である。参考までに、従来の「鍵盤を弾く」以外のピアノの利用法としては、既に1910年代にケージの師の一人であるアメリカの作曲家ヘンリー・カウエルなどに内部奏法(弦を直接指ではじいたりこすったりする)の作例がある。
ピック奏法: ピック奏法(ピックそうほう)とはギターなどの撥弦楽器の弦をピックではじいて演奏する奏法。ピック弾き(ピックびき)とも呼ばれる。カッティングを多用して演奏する場合において輪郭のはっきりした音色が得やすい。また、単音でメロディ等を演奏する場合には細かい演奏が比較的容易となる。ピックの振り抜き方によって音色に変化を加えることも可能であり、ピックそのものや性質をうまく利用した、トレモロ奏法やピックスクラッチ等の独自の表現方法がある。一方で、特にギターの演奏において、アルペジオや主旋律と副旋律等を同時に演奏しようとした場合の自由度はフィンガースタイルの方が高い。
キーボード (楽器): キーボード(英: keyboard)は、ポピュラー音楽での鍵盤楽器の総称。特にクラシックなどで昔から使われているピアノやオルガン、鍵盤ハーモニカといった従来型の楽器ではないそれらに対して、新種の鍵盤楽器という意味で用いられることも多い。ポピュラー音楽では鍵盤楽器 の奏者をキーボーディストと呼ぶ。クラシック、ジャズの場合はキーボードで括らずに、ピアニストやオルガニストなどと呼ぶ。
エマニュエル・リモルディ: エマニュエル・リモルディ (Emanuel Rimoldi )は、イタリアのピアニスト。
アルトゥーロ・ベネデッティ・ミケランジェリ: リヒテルと違い、鍵盤の上部雑音(指が鍵盤に当たる時に出る衝突音)を出来る限りゼロにする彼特有のピアニズムで知られている。この趣旨を生涯守り続けたために、独自のテンポと独特のアゴーギクなどついて回ることもあったが、そのファンは、それこそがミケランジェリの美学であると思う者も多い。このような演奏は、ブゾーニやラテン系演奏家に近いものがある。日本人の信奉者を多く生んだ理由も、ブゾーニ経由のピアニズムを通過した日本の留学生が多かったからという見方もある。
ピアノ: それに対して外国とくにヨーロッパでは古い楽器や破壊用の楽器も万遍無く用意してあることが多いのでこのような規制はほとんど見受けられない。とはいえ、楽器に傷をつけやすい金属製器具での演奏は控えたり、指の汗が弦につくことを考慮し演奏後にはサビ防止のためにきちんと布でふき取るなどの配慮は必要である。ピアノは1人だけでなく、2人以上が一台の楽器を同時に演奏することも可能である。これを連弾という。19世紀のヨーロッパでは、サロンの愛好家やアマチュアの子女のたしなみとして連弾のための音楽がもてはやされた。ヨハネス・ブラームスはこのような状況を受けて『ハンガリー舞曲』を書いた。さらに後輩であるアントニン・ドヴォルザークに『スラブ舞曲』を書くことを勧めた。どちらも連弾のレパートリーとして欠かせない楽曲であり、またオーケストラ編曲としても親しまれている。
久野久 (ピアニスト): これに対し、音楽学者の渡辺裕は久の演奏について、当時のヨーロッパにおける演奏慣習にありがちなテンポの揺れがなく「楽譜通り」である点に注目し、むしろその後の主流となる原典主義の演奏法を先取りするものだったという見解を述べている。中村紘子によれば、久の演奏法は指を大きく曲げ、手首を鍵盤の下まで下げるという独特のものだったという(「驚きももの木20世紀」より)。
オクターヴ奏法: クラシックの分野では、リスト・アルカン・パガニーニが、非常に多くの楽曲において、オクターヴによる見せ場を書き残している。単純に8度間隔で打鍵するだけであるが、多くの奏者では親指と小指ないし薬指の組み合わせしかありえない。このためオクターブで移動進行する場合、手を広げながら手首や肘、肩の操作で演奏するので訓練が必要である。不用に頑なになると連続演奏はおぼつかない。両手伴にオクターブで演奏する場合は、ダブルオクターブと呼ばれる事もある。リストの技巧的な曲では、高速のダブルオクターブを要求するものが多々ある。またチャイコフスキーのピアノ協奏曲第1番の第三楽章にもピアニストの見せ場である、高速のダブルオクターブの演奏がある。最低位置(第1ポジション)では人指し指と小指の組み合わせで隣接弦を押さえて演奏する。高位置(第4ポジション以上)では他の運指も可能である。
ウラディミール・ホロヴィッツ: スカルラッティやショパン、シューマン、ラフマニノフ、スクリャービンらの作品の演奏は、一方では「ホロヴィッツの演奏は作品そのものではなくホロヴィッツを聴く演奏である」などと揶揄されることもあるが、やはり他には得がたい魅力を秘めており、高い評価に値する説得力がある。ホロヴィッツは最初セルゲイ・タルノフスキーに、次にフェリックス・ブルーメンフェルトに師事した。指を伸ばして弾く奏法は、日本の音楽学校で長年指導されてきたドイツ系に影響される多数派のピアノ奏法とは大きく異なっているが、コルトー、ペルルミュテールらが同様の奏法で演奏し、指導も行ったことからわかるように、ショパンの奏法を継承したフランスのピアニスト達の中には、この様な指を伸ばして弾く演奏スタイルが存在する。ただし、ホロヴィッツが実に多彩な打鍵方法を使い分けていたことも注目に値する。
調律:  演奏中のピッチの微調整は息のスピード、アンブシュア(唇の力の入れ具合)や、替え指で行う。トランペットのようにバルブのスライドの長さを指で変えられる楽器ではそれも使う。トロンボーンではスライドポジションの修正でも行う。フレンチホルンではベルに差し込んだ右手の調整でも行う。弦楽器における調律は、特に調弦(ちょうげん)と呼ばれる。糸巻きを回すことによって弦の張力を変化させ、開放弦の音高を変える。普通、最初にイ音で基準音を出し、ヴァイオリンとヴィオラとチェロではイ音の高さの弦をそれに合わせる。次に、5度調弦(隣接する弦同士の音程が完全5度である)であるので、隣接する弦を同時に弾き、高い弦の第2倍音と低い弦の第3倍音のうなりを用いて順次隣接する弦を調弦する。ただし、チェロではそれらの倍音をハーモニクス(フラジオレット)を使って出し、同音同士で調弦することも行われる。
カミーユ＝マリー・スタマティ: スタマティのピアノ技巧は19世紀初頭の数十年での、ピアノ製造技術に根ざしている。1850年までにフランスで製造されたほとんどのピアノは、アクションが軽くタッチが緩かった。これらのピアノは急速なスケール、動きの多いアルペジオ、速く連続した音を弾くには理想的であった。このため優美かつ輝くような大胆な演奏が、サロンや小さな会場にちょうど適したのである。スタマティのピアノ技巧はスタインウェイが登場する以前のピアノに深く根ざしており、それらのピアノの面は古い仕組み(木枠のフレーム)で構築されていた。マルモンテルはスタマティに関して、「上品なピアニストではあるが、超絶技巧のヴィルトゥオーゾではない」とはっきりと述べており、彼の演奏には「温かみ、色合い、そして華麗さ」が欠けているとした。スタマティの方法論は全く動くことのない身体と腕で規定される。
エニグマ変奏曲:  彼がピアノを弾く前に鍵盤の上で指を滑らせる、特徴ある全音階の動きが、16分音符のパッセージによって滑稽に描写されている。 トッカータを連想させるけれども、H.D.S.-P.の好みに反して半音階的なパッセージである。ト短調、アレグロ、8分の3拍子。ピアニストのヒュー・デイヴィッド・ステュアート=パウエル(Hew David Stuart-Powell)。エルガーとともに室内楽を演奏した。歯切れのよい跳躍的な旋律は、彼が指慣らしにピアノに触れる様子を描いている。Richard Baxter Townshend, whose Tenderfoot books are now so well known and appreciated. The Variation has a reference to R.B.T.
自動ピアノ: ひとりでに演奏する楽器を作ろうという発想は何世紀も前からあった。打楽器メカニズムを操作する為(例えば時計の中のベルを打つような)にピンを打った金属筒(シリンダ)を使用するアイデアは、ピアノの発明より遙かに前に完成された。こういった仕組みはのちに金属の歯をつま弾いて音を出す、オルゴールなどといった演奏装置などへと発展していった。オルガンは構造上、自動演奏を行いやすく早くから自動化されていた。送風装置から送られてくる空気によって演奏され、演奏者は空気を調節するバルブを操作するだけで良く、自動演奏はピンを打ったシリンダによって理想的に行われ、18世紀半ばには、手回しオルガンが大きく発達した。ピアノという楽器は、演奏する際、さまざまな強さの力で鍵盤が弦を叩く必要のある複雑なものだった。可変的な打撃力と自由な演奏継続時間をうまく合わせた自動演奏装置を作るのはたやすいことではないとわかった。
ピアノ: また低音の鍵を無音で押さえたままソステヌートペダルを踏んで「鍵を押しっぱなし」と同じ状態にし、高音部の鍵をダンパーペダルなしで(多くの場合スタッカートで)弾く事により、低音で押された音の部分音の振動数に対応する音が部分音の共鳴によって若干の残響を伴って聞こえる。多くの現代音楽で使われている奏法である。アップライトピアノの中央のペダルは、マフラーペダルとも呼ばれ、夜間練習などのために、弦とハンマーの間にフェルトを挟んで、音を弱くする。踏み込んだペダルを左右いずれかにずらすことでロックされ、踏みっぱなしにしておくことができる。 もともとのこのペダル効果はハンマークラヴィーアなどでハンマーと弦の間に薄い皮や羊皮紙などを挟み、音色の変化を愉しんだことによる。歴史的楽器では4つないし5つのペダルを持つものもあり、このうちのいくつかはシンバルや太鼓といった打楽器に連動されていた。
ボウイング: ボウイング(Bowing)は、運弓法(うんきゅうほう)ともいい、擦弦楽器にあって弓をどのように動かすかという方法をいう。ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ、コントラバスのヴァイオリン属の楽器など、擦弦楽器では弓の毛の部分を楽器の弦(げん)の上を垂直に交わるように接触させて音を出す。弓や弦の位置、接触させる毛の量(弓を傾ける角度)、弓を動かす方向、弦に加える力の強さ、弓を動かす速さによって音の強さや音色が変わる。あまり使われないがエレクトリックギターを強く歪ませた音にして使われる事もある(ボウイング奏法を参照)。
ボウイング: 指は全て自然な向きに曲げる。親指の先をサムグリップに斜め下から当て、弓の重さを親指で支える。人差し指・中指・薬指の第1関節付近がさおに上から接するように当てる。薬指の先は毛箱に触れる。小指は、ヴァイオリンでは指の先をさおの上に載せ、ヴィオラでは指の腹をさおの上に載せる。チェロは他の指と同様に第1関節でさおに上から接するように当てる。ヴァイオリンの弓の持ち方は、指の接する場所・指の傾き・持つ深さなどによって、ドイツ式・フランコ=ベルギー式・ロシア式に分かれる。右手で弓を持ち、常に弦に対して垂直に交わるように往復させる。弓は直線運動であるのに対し、人体の構造上肘を屈伸させると手先は円を描く。各楽器によって弓の持ち方が異なるが、円運動を直線運動に変換させるためには手首と指の使い方が肝要である。
ボウイング: 弦楽器を演奏する場合、同じ音形でも弓の使い方によって表情が大きく変わってくるため、音楽的な要求から見て合理的な弓づかいを考えなければならない。弦楽合奏やオーケストラのように複数名で演奏する場合は、弓づかいを統一する必要が出てくる。その相談は「弓合わせ」などと呼ばれ、単に「ボウイング」と言った場合はこのような「弓づかい」を示す場合が多い。以下に示すのは、一般的にレッスンで指導されたり、弓合わせで相談されたり、合奏で指揮者に指示されたりする「ボウイング」の要素である。弦楽器を弾こうとすると、まず弓をどちらかに動かさなければならない。よほど初級の楽譜であれば、が全て書かれている場合もあるが、多くはそうではないため、自分で考えるなり指導を受けるなりして決める必要が出てくる。最初に必要になるため、「ボウイング」と言うとこのような「弓の方向決め」という意味がまず意識される場合が多い。
ギターのボウイング奏法: ギターのボウイング奏法(ギターのボウイングそうほう、英語:bowed guitar)とは、ヴァイオリンやチェロの弓でエレキギターを奏でるギターの特殊奏法。ギターを低めに構えチェロを演奏するように弓で弦をこするかあるいは叩いたり撫でるようにして演奏する。これによって通常のギタープレイでは得られない独特の音響効果を得ることが出来る。しかし、この奏法を使用する事によってヴァイオリンやチェロと似たような音を得られる訳では無く、弓その物もギター演奏用に作られてはいない物なので、余程繊細に弾かなければすぐに弓が駄目になってしまう。安価な機材ではさながらガラスを擦っているような音しか発しないのも難点である。
ボウイング: 腕の重さと弓の重さを自然にかけ、押し付けず、空回りしない圧力で一定させるが、先弓・中弓・元弓と重さのかかり方が変化するので、右手首や右手指での調整が必要とされる。弓のどこでも同じように弾けるように練習するが、場所によって傾向が違うので、求められている表現によって使い分ける。先弓はピアノやトレモロや細かい表現に適し、元弓は音量を出すのに適し、中弓はオールマイティである。基本は、駒と指板の(駒側の)端の中間を弾く。弦の中央(振幅の中心)に向かって駒から遠い方が柔らかく小さい音に、逆に端(駒)に近い方がきつく強い音になる。前者をスル・タスト、後者の極端なものをスル・ポンティチェロと言い、しばしば作曲者によって奏法が指示される。弦に接触させる弓の毛の量が多いほど、量感のある音となり、逆に少ないほど繊細な音になる。弓の毛の量は、ヴァイオリン・ヴィオラでは弓を傾ける手首の角度によって調整される。
ヴァイオリン: 左肩(鎖骨の上)にヴァイオリンを乗せ、顎当てに顎を乗せて押し付け過ぎないように挟み込み、ヴァイオリンを高く持ち上げるように構える。左手でネックを持つが、演奏中に左手で楽器を支えると指や手首の動きが阻害されるので、左手は添える程度にする。体を少し左に傾け、左腕を胸側に少し近づけるが、上腕を胸に密着させてはいけない。そして両腕の距離を詰める(ように意識する)。目線は指板と平行になるようにする。左手の指で弦を押さえ、右手で弓を操作する。弓の操作をボウイング(bowing)と呼び、一見単純な動作だが音色を大きく左右し、熟練を要する。ヴァイオリンにはギターのようなフレットが無いので、開放弦以外では演奏者が正確な音程になるように押さえる必要がある。左手の人差し指、中指、薬指、小指で弦を押さえるが、このとき左手親指の位置が音程を定める基準となる。
ボウイング: 弓のどこで弾くか・どのくらいの弓を使うか・毛を全部つけるのか一本だけにするのか・圧力をどのくらいかけるのかなどによって、出来上がる音楽の表情は大変大きく変わる。レッスンではこの部分の指導が大きな比重を占め、指導内容・音楽的内容そのものと言えるくらい重要な要素である。この意味のボウイングが合理性を獲得することが演奏の向上につながる場合が多く、またパート内で統一されれば演奏は締まったものとなる。そのため、指導者が「ボウイング」と言う場合、この意味の場合が多い。演奏時にコンマスが弦楽器セクションの見本となるように先導するのもこの要素である。この要素は「この音符を弓のここで弾くために」のような理由で、弓の方向の決定に大きな影響を与える。本来、は、このような「どのような表情づけを目指すか」を踏まえて決定されなければならない。
開放弦: ヴァイオリン属の楽器では、指で弦を押さえることで弦の振動が指に吸収されるため音色や音強が変化するが、開放弦はこのような左手による制御が効かないため、一連のフレーズを弾く場合に開放弦の音が挿入されるとそこだけ異質な感じを与える結果になりやすい。また、開放弦ではビブラートが基本的にかけられない。また弓で弾く場合、ボウイング技術が音質に直結する。和楽器と異なり、このような事情から、ヴァイオリン属の楽器では開放弦の使用が避けられる傾向にある。あるいは、無伴奏ソナタといった完全独奏曲では、開放弦と同じ振動数の音を別の弦で同時に鳴らして、結果として開放弦の音に左手運指による制御を加えることも行われる。しかし、開放弦ならではの豊かな響きを利用して多彩な効果を上げる場合もあり、楽器の最低音など開放弦で弾かざるを得ない場合など作曲者によって意図的に利用されていることもある。
ボウイング: 作曲・編曲者の意図が正しくても演奏側に十分な技術がなく長いスラーが弾けないなどでが、適宜弓を返す必要が発生することがある。どの場合でも合理的・統一的に処理する必要があり、指導者・指揮者・コンマス・トップ奏者などがここまでの要素を勘案しながら方針を決定する。これらはボウイングそのものではないものの、使うフィンガリングやポジションは音色やニュアンスに多大な影響を与え、ひいてはボウイングにも多大な影響を与えるため、レッスン・合奏等においてはボウイングと一緒に指導・相談される場合が多い。
ボウイング: ただし、チェロでは手首の曲げ伸ばしは推奨されておらず、チェロでの「指弓」は、弦と毛の摩擦によって指が受動的に曲げ伸ばしされる状態を言うようである。習得が難しい技術として知られる。「指弓は超絶技巧より難しい」と明言しているプロもいる。レイトスターターが気にしすぎると他のもっと大きな動きが崩れてしまう危険があるともされる。
ボウイング: ここで示しているのは「奏法」としての各用語である。奏法としてのボウイング用語は一定したものがなく、時代・国籍・流派によって違っており、また奏法の用語と発想用語が混在し、全体として混乱した状態になっているので注意。フランス語で「分割」の意味で、英語のseparatedに当たる。クリアな発音で弾くが、出だしが特に強いわけではない。「普通の弾き方」とも言える。音の立ち上がりの圧力か速度を高めにし、発音をはっきりさせる。マルテラートとも。「ハンマーで叩かれた」という意味で、英語のhammeredに当たる。高い圧力で音を始め、弓の必要量を一気に移動させて「ポン」という感じで音を出す。スタッカートやアクセントのついた音符で使うと適切な場合が多い。「貼りついた」という意味で、英語のgluedに当たる。マルトレと同様のことを、手首と指の運動だけで行う。
ボウイング: 重弦の際は、両方の弦にほぼ均等に重さがかかるよう、精密な角度が求められる。速い移弦は、ダウン・アップの動きと組み合わさり、右手は円運動のように動く。弓と弦の接点は指板と駒の中央が基本だが、高音弦側に行くほど・音やポジションが高くなるほど駒に近い方が良く響き、逆に低音弦側に行くほど指板に近い方が良く響く。ヴァイオリンのG線は指板の端から1.5cmほどの場所、E線は駒から1.5cmほどの場所が基本になる。圧力は小さすぎれば音が出なかったり弦の表面を弓が滑るだけになったりし、大きすぎれば弦の振動を妨げ音が潰れる。音程も圧力によって変化し、大きすぎる圧力は音程を下げる。速度はあるところまでは速い方が音量が増すが、弦を振動させる適正な範囲より速くなると弓が滑ってかえって音量が出なくなる。接点の場所により、適切な圧力と速度のバランスが変化する。
ボウイング: 当然、まともに音の出るバランスの範囲内で弾くことが前提である。「常に弦に対して垂直になるように往復させる」のは接点が一定になるためであり、音量や音色を連続的に変化させたい場合はあえて斜めに運弓して接点を移動させる場合もある。楽譜にスラーが書かれていれば、それは複数の音に対して一弓(ひとゆみ)で演奏することを意味する。歌やピアノや管楽器のスラーはある意味フレーズを示すマークのようなものだが、弦楽器のスラーは奏法と不可分である。スラーの中では出す音や弾く弦が変わるが、押さえる指により弓との接点の高さが微妙に変化し、弦が変われば弓の角度と速度・圧力・接点のベストバランスが変化する。こうした変化と、元弓・中弓・先弓の変化に同時に対応しなければならず、また左手指を可能な限り残すことも必要とされ、スラーを美しく弾くのは初心者にとっては難関である。
ボウイング: チェロは弓の傾きは一定に保って演奏するため、毛の量は弓の弦への沈め方で調整する。同様の調整はヴァイオリン・ヴィオラでも使われる。元弓から先弓に向かって毛を使う方向をダウン・ボウ(下げ弓)、逆をアップ・ボウ(上げ弓)と言い、それぞれ、の記号を使う。一般的にダウン・ボウを強拍に、アップ・ボウを弱拍に用いる。また、だんだん弱くなる場合にはダウン・ボウが、だんだん強くなる場合にはアップ・ボウが適する。しかし、基礎練習時に関しては別で、ダウン・ボウ、アップ・ボウ両方において、同様の表現が出来る様に(ダウン・ボウとアップ・ボウで、また根元と弓先で均一な音を出せる様に)練習をする。各弦に対しては、両隣の弦と弓の毛の距離が最大になるように角度を決めるのが基本となる。そのための弓の角度は、基本的に右ひじの高さで調整する。速い移弦の際などは、右手首の動きや指弓(後述)を使う場合もある。
ボウイング: ひと弓で音を区切りつつ複数の音を出す。ひと弓で弾くというだけで、やることはほぼポルテ。音の最後に弓圧を軽くし、すぐに弓を弦に食い込ませる。
ボウイング: 合奏の場合、弓の方向がパート内あるいはパート間でバラバラでは視覚的に美しくないため、弓の方向について相談する必要が出てくる。そのため、弓合わせと言えば「、の指導・統一」が大きな比重を占める結果になり、「ボウイング=弓の方向」のように意識されやすいが、次項の方が重要度は高く、弓の方向は「そろっていないと恥ずかしいから合わせる」程度のものである。強拍がダウン・弱拍がアップ・音符が変わるたびに弓を返すが原則であるが、クレッシェンドやデクレッシェンドとの関係や、音価やリズムとの関係、他のパートの動きとの関係などで、原則通りにしない方が良い場合が多々ある。次項の求める必然性によっては、同じ音型がパート間で弓が逆に演奏されるケースも多く、「、の統一」は絶対的なものではない。
ボウイング: 弓を弦の上から落とし、一弓で連続して跳ねさせる。ゴセックのガボット(新しいバイオリン教本版などの楽譜で、16分音符のスラーの中にスタッカートで書かれている箇所)は初心者が最初にリコシェに出会う例。単にスタッカートと言われる場合もある。ソリッド・スタッカートとも言う。一弓で何音も連続させる奏法だが、リコシェと違い跳ねさせることはせず、前腕の回転・手首でトレモロの動き・人差し指と親指で弓をはさむ動きのいずれかで弓を数cmずつ進める。大半はアップボウである。ホラ・スタッカートはワンボウ・スタッカートを駆使した難曲の例である。「振動・揺らぎ」という意味。一つの音を何度も速く細かく弓を返して(方向を変えて)演奏する。独特の聴感が効果的で、描写的な音楽でよく使われる。合奏の場合は全員が同時に返す場合と、同時でなくなるべく速く返すようにする場合とがあり、聴感が異なる。
擦弦楽器: 擦弦楽器(さつげんがっき)とは、弓または棒で、弦をこする(擦・さつ)ことによって音を出す楽器(弦楽器)の総称である。
奏法: ヴァイオリン属の楽器は擦弦楽器であり、弓で弦をこすって音を出すことを本来の奏法とするが、わざわざギターなど撥弦楽器の演奏法である指ではじいて音を出す奏法を取り入れ、音色の変化を獲得したのである。おもな、様々な楽器の本来の奏法でない奏法(伝統的な範囲)現代音楽ではこれらの奏法に加え、より多彩な特殊奏法が求められる。そのうちのいくつかは共有の奏法として奏者の認識が確立している。代表的なものに木管楽器の重音奏法がある。詳しくは特殊奏法の項を参照。
弓 (楽器): ただし良質の木材は近年枯渇気味といわれ、近年では炭素繊維強化プラスチック製の弓が増えつつある。より古い楽器や西洋以外の擦弦楽器の弓はC字形をしているものが多い。和楽器である胡弓の弓は非常に長く、また毛の量が多く、しかも緩やかに張る。弓の棹は逆向きにやや反っている。これは江戸時代初期の音楽家八橋検校の改良によるもので、その後は更に長くなった。八橋による改良以前は短く少量の毛を強く張っていた。現在でも民謡で用いる胡弓ではそのような弓を使用する。馬の尾の毛の部分で楽器の弦をこするが、毛だけでは摩擦力が不足するため、松脂を塗る。なお、弦楽器のほか、ヴィブラフォンの音板や、鋸や釘を弓でこすって演奏する音楽もある。
弓 (楽器): 音楽において弓(ゆみ)とは、擦弦楽器で弦をこするための器具を言う。ふつう、木製の棹に馬尾毛を張って用いる。楽器により、短いものでは10センチ程度から、長いものでは日本の胡弓の1メートル近いもの (棹の長さ) まで、様々な長さがある。また、馬尾毛以外にガット、麻糸、シュロ毛を用いるものもある。現代のヴァイオリン属の楽器にあっては、木で作られ、両端に馬の尾の毛を渡して張力を持って張っているが、その木の形は武器の弓のようなC字形ではなくΣ字のように逆向きに湾曲している。現在のスタイルになるまでに、イタリアのコレッリが毛を強く張るよう改良し、更にタルティーニ、19世紀フランスのトゥールトなどにより改良が加えられ、完成された。木材の材質には、良質の弓にはブラジルボク(フェルナンブコ・フェルナンビーコ・ペルナンビーコなどとも)が使われる。