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夕刊: ブロック紙としては『中国新聞』が初めての例となった(この代替として、本編のダイジェストや注目記事解説に特化した『中国新聞SELECT』を2015年5月から創刊している)。地方紙では過去に『秋田魁新報』・『福島民報』(毎日新聞系)・『福島民友』(読売新聞系)・『福井新聞』・『四国新聞』・『愛媛新聞』・『長崎新聞』・『南日本新聞』・『琉球新報』・『沖縄タイムス』・『北日本新聞』・『岩手日報』・『山形新聞』・『岐阜新聞』が朝夕刊セットで発行されていたが、いずれも部数の低迷や会社の合理化などで夕刊は廃止され、朝刊のみの発行となっている。現在でも夕刊を発行する地方紙が幾つかあるが、かつての大分合同新聞や山形新聞のように、夕刊が夕方に直接配達できない山間部などの地域において、翌日の朝刊と一緒にまとめて配達する社もある(かつて大分合同新聞では1頁題字の箇所に「大分合同新聞は朝夕刊完全連続紙。
産経新聞: 1942年(昭和17年)に戦時統合で『産業経済新聞』となった発足当初の題字は波の地紋に楷書体で「産業經済新聞」と書かれていた。戦後も暫くは楷書体の題字が続いたが、1950年(昭和25年)3月1日、東京本社版の発行が始まるのと同時に楷書体から隷書体に変わり、地紋にも手が加えられる。東京本社版では下部に「東京」の文字が追加された。1955年(昭和30年)11月、東京で発行されていた『時事新報』を産業経済新聞本体に吸収して『産経時事』としたが、このときの題字は『産業経済新聞』と同様に波の地紋に隷書体の縦書きで「産經時事」と書かれ、上にカタカナで「サンケイ」とゴシック体の活字で明記されていた。なお産経時事の題字は東京本社版のみで、大阪本社版は従来通り『産業経済新聞』の題字で発行されていた。また現在も時事新報社は休眠状態だが子会社として存続している。
夕刊: 朝刊・夕刊の単独発売は有りません」との説明があった)。また週休2日制により、土・日曜日の休日が定着したことを受けて、2011年に『静岡新聞』が3月末をもって、土曜日付の夕刊を廃止した。全国紙でも『朝日新聞』が、名古屋本社管内で2012年10月上旬をもって土曜日付の夕刊を廃止した(全国紙で初)。土曜も日曜・祝日と同じ発行形態に移行したものとされる。近年では、『大分合同新聞』と『徳島新聞』が2020年3月31日、『東奥日報』が同年8月31日、『山陽新聞』が同年11月30日、『高知新聞』が同年12月25日、『熊本日日新聞』が2021年9月30日、『室蘭民報』が2022年3月31日、『静岡新聞』が2023年3月31日で夕刊を廃止するなど、地方紙の朝刊単独紙への移行が相次いでいる。以下のような動きもある。
エコノミスト (日本の雑誌): エコノミスト、もしくは週刊エコノミストは、毎日新聞出版が発行する経済専門の週刊誌である。毎週月曜日発売。
タイ式フルーツカービング: タイ式フルーツカービングではたった1本のナイフを使って果物を彫る。ナイフには丸い柄のナイフや平たい柄のナイフなどさまざまな種類がある。また、ピーラーやはさみ、ゴム手袋、スコップなど、他の道具も必要とされる。
彫刻: 基本的な区分は、土台を除いて他の壁面と接しない彫像のような丸彫りと、少なくとも部分的に背景面とくっついている浮き彫りである。浮き彫りは、壁からの突出度合いに応じて低浮彫り、高浮彫り、中浮彫りに分類されることが多い。低浮彫りに関しては「薄肉彫り」「浅肉彫り」とも呼ばれる。沈め彫りは古代エジプトで多用された技法である。浮き彫りは、丸彫りで成し遂げることが困難な大人数の集まりや物語の主題を伝えるのに一般的な彫刻媒体であり、建物に取り付ける建築彫刻でも他の小物を装飾する小規模な彫刻でも用いられた典型的な技法である。また浮き彫りは直立した石碑や石板を装飾する場合もあり、しばしば碑文まで含めて彫刻される。もう一つの基本的な区分が、石や木など既存の塊から素材を除去する彫刻(カービング)の技法と、材料から作品を形作ったり構築したりする塑造(モデリング)の技法である。
フルーツアカデミー: フルーツは誰しも親しみのある食べ物ですが、ちょっとした手間を加えることにより、フルーツの魅力はさらに花開き、人の目をそして口を楽しませてくれます。 食卓が華やぐことにより、その場の雰囲気は明るくなり、会話も自然に盛り上がります。 フルーツの持つ魅力をさらに高めるための技術。それが、フルーツカッティング、フルーツカービングです。フルーツの甘みなどを等分に分け、食べやすく、美しく、そして香りも楽しめるようにするための総合的な技術。タイの伝統文化から生まれた技術。素材に彫刻を施すことによって新たな美しさと物語性が引き出され、人の抒情性を刺激して楽しませてくれます。(フルーツアカデミーHPより)
塑像: 二次元的な芸術表現(絵画)に対して三次元的な芸術表現を総称して彫刻(広義の彫刻)といい、これには木や石などを彫り刻む彫像(カービング)と心棒に粘土など可塑性素材を肉付けしていく塑像(モデリング)がある。塑像は広義には刻出像(彫像)に対する捻出像をいい、第一に刻出像が硬材を主に用いるのに対して捻出像は軟材を用いること、第二に刻出像は最初に絵画的な把握を行い造形されるのに対して、捻出像は最初から立体的に把握しながら造形されること、第三に刻出像は基本的に外から内に向かって削りながら完成するのに対して、捻出像は形象の骨をとらえて次に肉付けを行い立体的に形成されることなどを特徴とする。塑像を刻出像に対する捻出像と解すると、史的考察の分野は著しく拡大され、古代の土偶のようなものも含まれる。
タイ式フルーツカービング: タイ式フルーツカービング(タイしきフルーツカービング、タイ語: การแกะสลักผลไม้ 、タイ語発音: [kāːn.kɛ̀ʔ.sa.làk.phǒn.la.máːj] ガーンケサラックポンラマー、原義は「果物の彫刻」)は、果物に彫刻を施すフルーツカービングの一種で、タイ王国の伝統的な工芸。タイ式フルーツカービングには手際よさ、彫刻の正確さ、彫刻の方針を沈思熟考する力、そして個人的な能力が要される。タイ式フルーツカービングは、タイでは何世紀にもわたって尊敬される芸術として存続している。 その起源はチャクリー王朝時代に遡り、元来王室の食卓の装飾のためにのみ使われていた。 現在では、ソンクラーン(タイの旧正月)の期間に広く行われる習慣となっている。
彫刻: 彫刻(ちょうこく、英: sculpture)は、三次元空間に制作する視覚芸術であり、造形芸術の一分野。頑丈な彫刻の製造プロセスとしては、石や木材などの素材を彫り込んで形象を作るものと、粘土や石膏などで徐々に肉付けして作るものがあり、狭義には前者を「彫刻(カービング)」、後者を「塑造(モデリング)」と呼ぶ。これらプロセスにて造形された彫刻作品を「彫塑(ちょうそ)」とも言う。モダニズム以降は素材もプロセスもほぼ完全に自由である。多種多様な素材がカービングなどで彫り込み加工される場合もあれば、溶接や射出や鋳造などで成形加工される場合もある。石の彫刻は、朽ち果てやすい素材の芸術作品よりも非常に良好な状態で残っており、古代文化から現存する陶器以外の作品を代表することも多い。対照的に、木材彫刻の伝統はほぼ完全に消失してしまうこともあったと考えられる。
パンプルムース: パンプルムース(pamplemousse)は、フランス語で「グレープフルーツ」もしくは「ブンタン」を意味する単語。
彫刻: 造形表現の置かれる文脈によっても解釈は影響を受け、公的空間に置かれるような宗教的な聖画や聖像の類は偶像崇拝と紛らわしいため一切制作されなかったが、権力者や富裕な市民が私的空間で使用する実用物に彫刻される場合には宗教的規制の及ばないことも頻々であった。レリーフや透かし彫りにおける彫刻の大部分はアラベスクの装飾で、野菜のモチーフに基づきながらも幾何学的文様の傾向がある。ごく初期のムシャッター宮殿のファサード(740年代、現在は大半がベルリンにある)では、高浮彫りで密集したアラベスクの中に動物がおり、浅浮き彫りでは動物や人間の像が後世の多くの装飾と関連して、金属細工、象牙、陶器などの様々な素材で見つかっている。
彫刻: コンセプチュアル・アートとは、作品において従来の美的関心や素材よりも概念や思想が優先される芸術である。作品としては、ジョセフ・コスースによる1965年の『1つおよび3つの椅子(One and Three Chairs)』や、マイケル・クレイグ・マーティンによる『樫の木(An Oak Tree)』などがあり、人物にはヨーゼフ・ボイス、ジェームズ・タレル、ヤツェク ・チリッキなどがいる。一部の現代彫刻は、環境芸術や環境彫刻として、しばしば観客の視野全てにわたる屋外で実践される。光の彫刻、路上彫刻、サイトスペシフィック・アートもまた環境を利用することが多い。氷像は氷を原材料に使った一時的な彫刻の形で、中国、日本、カナダ、スウェーデン、ロシアで人気がある。特にアジアの一部料理で、装飾として氷を彫刻した器が登場する。キネティック彫刻は動くよう設計された彫刻で、モビールが含まれる。
トーテム: トーテムポールは、北米先住民族が制作する彫刻を施した標柱である。彫刻のモチーフとして、制作者の属するクランのトーテムが選ばれることが多いが、トーテムポール自体が信仰の対象ではない。トーテムポールは仏像のような偶像とは異なる。
偶像: ペセルの語は、木や石を彫る、または切りとると言う意味の動詞パーサルに由来する
社会彫刻: 社会彫刻(しゃかいちょうこく、英: social sculpture)は、通常の彫刻家が作る彫刻作品のようなものではなく、人間社会の様々な事象を含めて造形しようとする活動を意味する。代表的な作家として、ドイツのカリスマ的現代美術家ヨーゼフ・ボイスがいる。
ペトログリフ: 他方、日本ではこの定義づけがあいまいで、ペトログリフとペトログラフの両者を混同している記述がしばしば見られる。表現のモチーフが類似しており、英単語も似ているために恐らくは翻訳時の混同が起こったと思われるが、彫刻と絵画は美術界でも明確に区別される(表現のモチーフが同一の場合も)。正しくは英語圏の定義に沿って、岩に刻まれた意匠・図絵の彫刻についてだけを、学問上ペトログリフと呼ぶ。
ペトログリフ: ペトログリフ(英語:petroglyph)とは、象徴となる岩石や洞窟内部の壁面に、意匠、文字が刻まれた彫刻のこと。ギリシア語で石を意味するペトロとグリフ(彫刻)の造語である。日本語では線刻(画・文字)と呼ばれたり、岩面彫刻、岩石線画、岩面陰刻と訳される。似たものとして岩に描くペトログラフ(岩絵)があるが、学問上、ペトログリフとペトログラフは同一ではなく、それぞれ定義があって区別されている(概要にて後述)。日本では、しばしば両者が混同されるため注意が必要である。
モニュメント: モニュメント(Monument)は、記念碑、記念建物、記念館、銅像、慰霊碑、忠魂碑、忠霊塔など、何かを記念したり称えたりするために作られた有形の作品のこと。
模型: 模型を用いて具象化する(=形あるものにする)「何か」は具体的なものから抽象的なものまで非常に広範囲に亘る。ある事象の理解を導くために作られる模造品たる模型であるが、その「何か」の表現力が非常に優れていて他人の感情に訴えかけるものが出来た場合は芸術品に分類されることもある。芸術品の多くは大量生産されないことが前提であるが、ポップアートと呼ばれる近代芸術の発展にともないその境界は曖昧になりつつある。彫刻や彫塑が模型と呼ばれないのはその製作技法や製作過程の違いと伝統的な分類による面もあるが、最も大きい理由はこれらを作る目的が自らの芸術性の発露としてのオリジナルの作品を作ることにあり、現物の模倣たる模型と乖離しているからである。模型をつくる目的は、まず現物を使用する場合と比較して都合がいいという点に負うが、更に大きく分けて3つある。
ペイトンプレイス物語: 『ペイトンプレイス物語』(ペイトンプレイスものがたり、Peyton Place)は、アメリカ合衆国のプライムタイムのソープオペラである。
インスタレーション: インスタレーションとは、元の意味は「設置」「取付」「インストールする」という意味であり、古くから美術館の壁面などへの作品展示も「インスタレーション (installation) 」と呼ばれていたが、壁や床一面に絵画や彫刻を飾り付けていた時代はインスタレーション(設置)の方法はあまり問われなかった。ヴォルフ・フォステルは、1963年にニューヨークのスモーリン・ギャラリーで、インスタレーションを展示した展示方法の工夫を通して鑑賞者への見せ方を意識することはロダンら一部の彫刻家が先駆的に取り組んだが、やがて展示方法によって空間自体を作品化することが美術の一手法として認識されはじめ、彫刻や絵画などから独立した。中国や韓国では「装置芸術」「設置芸術」などと呼ばれることもあるが、日本では一般に「インスタレーション」の名称が用いられる。
ブライアント・ベイカー: ブライアント・ベイカー(Percy Bryant Baker、1881年7月8日 – 1970年3月29日)は、イギリス生まれで、後にアメリカ合衆国に帰化した彫刻家である。イギリスでは国王、エドワード7世の胸像などを制作した。
キャンベルのスープ缶: 作品は一枚高さ20インチ、幅16インチのカンバスに描かれており、計32枚ある。個々のカンバスにはキャンベル・スープ・カンパニーが製造したスープ缶の絵が1缶描かれている。絵はシルクスクリーンという方法で制作されており、一枚の絵の全部が手書きであるわけではない。この絵は、ほぼすべて同じスープ缶をテーマとして画一的に大量生産されたものを描いている。これにより、大量生産されたものに囲まれ画一的な生活を送る現代人、または大量に生産され流通する情報を風刺するものとする見方がある。同じものを繰り返し見せることで本来のメッセージと異なったメッセージを見せ、日常で目にする同じものが並んでいる風景を題材にすることで大量消費について考えるきっかけを作った。また、『キャンベルのスープ缶』が大衆文化由来のテーマに依存していたことにより、アメリカ合衆国における主要な美術運動であるポップアートが到来する一助となった。
フラクタルアート: フラクタルアート(英:Fractal art)とは、フラクタルなオブジェクトを計算し、計算結果を静止画像、アニメーション、音楽などで表した芸術作品である。フラクタルアートは通常、コンピュータの支援によって作成される。
彫刻: 考古学や美術史では、文化における大型彫刻やモニュメント彫刻の出現(時にはその消失)が大きな意味を持つと考えられるが、その発祥をたどるのは記録に残らない木材ほか腐敗しやすい素材による彫刻の存在が推定されるため、しばしば複雑になる。トーテムポールが、考古学にとって痕跡が消失しかねない木材でできた伝統的なモニュメント彫刻の一例である。モニュメント彫刻を製作するため資源を調達する能力は、一般に非常に重い素材を運搬したり、彫刻を製作する行為に報酬を渡すため、社会組織の観点で比較的高度な文化の証しだと考えられる。古代中国青銅器時代の三星堆遺跡で近年、等身大の2倍以上ある人物像が思いがけず発見されたため、はるかに小型の青銅器だけが従来知られていた初期の中国文明について支持されていた考察の多くが通用しなくなった。
オーガニック (曖昧さ回避): オーガニック (organic; [ɔːˈɡænɪk]; オーガニク)は、「有機的な」、「有機物」を意味する英語。また、有機農業により生産された食料品も指す。
Buffalo Daughter: “コニャクション”というタイトルは、世界中の多数クリエイターとの繋がりを表す“コネクション”と日本人らしい柔軟性を表す“こんにゃく”が結びついた造語。カバー・アートの絵は、イギリス在住の現代アーティストである、ピーター・マクドナルドの作品。
ボデゴン: ボデゴン(スペイン語: bodegón)は、スペイン語での「静物画」(英語のStill life)に対応する言葉である。日本で、ボデゴンという言葉を用いる場合、静物画における17世紀からのスペイン語圏の絵画の静物画のスタイルを示すのに用いられる。スペイン語の「酒蔵」を意味するbodegaが、bodegónのもとになっていて、スペインでの静物画の題材に野菜などの食材が選ばれたことが多かったことから、「厨房画(ちゅうぼうが)」と意訳されることがある。 17世紀の自然主義の風潮の中で生まれ、フアン・サンチェス・コターンによって確立し、ディエゴ・ベラスケスによって浸透した。ラテンアメリカでは素朴画として描かれたものも含まれる。
狩猟の獲物、野菜と果物のある静物: 『狩猟の獲物、野菜と果物のある静物』(しゅりょうのえもの、やさいとくだもののあるせいぶつ、西: Bodegón de caza, hortalizas y frutas、英: Still life with Game, Vegetables and Fruits) は、17世紀のスペインの修道士画家フアン・サンチェス・コターン (Juan Sánchez Cotán) によるキャンバス上の油彩画である。画家が残した数点しか現存しない静物画のうちの一点であり、現存するスペイン最古のボデゴン (スペインの静物画または厨房画) であると考えられている。作品はマドリードのプラド美術館に所蔵されている。
彫刻: 彫刻家は時にファウンド・オブジェを使い、中国の供石は何世紀にもわたって評価されている。石の彫刻は、粗い天然石の塊が管理された削岩によって何らかの形象をなす古代からの活動である。素材の永続性ゆえ、最古の社会でも何らかの形の石工に従事していた証拠を見つけられるが、エジプト、ギリシャ、インド、ヨーロッパみたいに彫刻に適した石が世界のあらゆる地域にあるわけではない。ペトログリフ(岩の彫刻とも呼ばれる)は恐らく最も初期の形で、岩面の一部をその場で刻んだり、突いたり、彫ったり、削って除去することによって図像を創出したものである。モニュメント彫刻は大型の作品で、建造物に取り付けられる建築彫刻もその範疇である。ハードストーン彫刻は、翡翠、水晶、玉髄(瑪瑙、オニキス、カーネリアンの類)といった半貴石の美術品を目的とした彫刻であり、この方法で作られたオブジェの一般用語である。
彫刻: 彫刻家は、石膏、蝋、未焼成粘土、プラスチック粘土などでマケットと呼ばれる小型の予備作品(彫刻の雛型)を構築することも多い。多くの文化が器としての機能と彫刻的な形を兼ね備えた陶製品を生み出しており、陶製の小立像は西洋近代文化にあるのと同じくらい人気が高い。印章や型は、古代ローマやメソポタミアから中国に至るまで古代文明の大半で使用されていた。木彫りは非常に広く実践されているが、他の主要素材に比べてはるかに現存が少なく、腐敗、昆虫による損傷、火災に対して脆弱である。したがって、多くの文化の美術史において木の彫刻は重要ながら隠れた要素となっている。屋外の木彫りは世界の大部分の地域で長持ちしないため、トーテムポールの伝統がどのように発展してきたのかは殆ど分かっていない。特に中国や日本の最も重要な彫刻の多くが木材で、アフリカ彫刻の大部分やオセアニアなどの地域の彫刻も木材である。
彫刻: 彫刻の最も普遍的な目的の1つは、宗教と何らかの形で関わりを持つことにある。偶像は多くの文化で一般的だが、オリンピアのゼウス像みたいな巨像ではないことも多い。エジプト神殿の最奥部にある聖域の偶像は何一つ現存していないが、最大の神殿でも(偶像の大きさは)明らかにかなり小型である。同じことはヒンドゥー教にもしばしば当てはまり、非常に単純な形状をした古代のリンガ(シヴァ神を表す、男性生殖器を象徴した円柱像)が最も一般的である。仏教は宗教的人物の彫刻を東アジアにもたらし、以前ここには同様の伝統がなかったと思われるが、恐らく古代中国の璧や琮のような単純な形状には宗教的意義があったとされている。個人的な所有物としての小型彫刻は先史時代芸術の最初期まで遡り、パブリックアートとして使われる非常に大型の彫刻(見た人達に支配者の権力を特に印象づけるもの)は少なくとも約4500年前のギザの大スフィンクスまで遡る。
ギルバート&ジョージ: ジョージ&ギルバートはパフォーマンス・アーティストとして知られている。彼らの学生時代の作品として"The Singing Sculpture"(歌う彫刻)があるが、これは自分自身を金箔で覆い、Flanagan and Allenの曲に合わせて何時間もテーブルの上でマイムをするというものであった。ギルバートとジョージはパフォーマンスなど作品発表や公衆の場に現れる際はいつも同じようなビジネス・スーツを着て、ほとんどいつも二人一緒に行動している。スーツはイギリス人らしさであると同時に、普通の人の普通の生活の象徴でもある。2人のすることはすべてアートだという事で、自分自身を生きる彫刻、"living sculptures"と称している。パフォーマンスアートだけでなく、写真・ビデオ・ドローイングも制作している。
アルファベット・スープ (言語学): アルファベット・スープ(alphabet soup)とは、頭字語や略語が多いことを表す英語の比喩表現である。これは、アルファベットの形をしたパスタ(アルファベット・パスタ)を煮込んだ同名の料理に擬えたものである。この用法と実在の料理のどちらが先に生まれたのかは不明である。料理史家のジャネット・クラークソンは、「私がこれまでに見たアルファベット・スープの比喩的用法の最も古い用例は、『ライフ』の創刊者ジョン・エイムズ・ミッチェル(英語版)が1883年に書いた、『息子にビジネスのアルファベット・スープを教える』という記述である」と述べているが、これは日本語で言う「イロハを教える」の意味で使われている。頭字語の多さに関する表現は、少なくともフランクリン・D・ルーズベルトのニューディール政策まで遡ることができる。
デリシャス: デリシャス(英: Delicious)は、「美味」を意味する英単語。
ボトルシップ: ボトルシップ(和製英語。英語名は ship in a bottle)は、帆船などの模型が、それよりも小さな口を持つ瓶(ボトル)の中に入っている工芸作品。しばしば趣味のひとつとして作成される。
トーマス・ボドキン: 特に、著書『The Approach to Painting』(1927年)は、一般向けの入門書として、30年以上にわたって版を重ねた。晩年には、英国放送協会 (BBC) のパネル・ショー(英語版)『Animal, Vegetable, Mineral?』に出演し、博物館キュレーターのヒュー・ショート (Hugh Shortt)、考古学者モーティマー・ウィーラー(英語版)とともに、世界中の様々な興味深い事物の正体を見極めていった。カトリックであったボドキンは、教会における奉仕活動に対し、ローマ教皇庁から文官として大聖グレゴリウス勲章を授与された。かつて1958年から王立美術院に展示されていたボドキンの胸像は、これを制作した彫刻家で、王立美術院院長も務めたボドキンの友人サー・チャールズ・ウィーラー(英語版)によって、ボドキンの死後にバーバー美術館に寄贈された。
彫刻: 北米では、トーテムポール、仮面、家庭用品、戦争用カヌー、ほか様々な用途のために木材が彫刻され、異なる文化や地域間で独特の多様性があった。最も発展した様式は北西海岸美術 (Northwest Coast art) のもので、ここで精巧で高度に様式化された一群の様式が発展を遂げ、現在も続く伝統の基礎を形成している。有名なトーテムポールに加えて、塗装および彫刻された長屋 (Longhouse) は、内側と外側に彫刻された柱であったり故人の像や物品によって補完されていた。極北のイヌイットの間でも、象牙や石鹸石での伝統的な彫刻様式が現在も続けられている。欧州カトリック文化の到来は、現地の才能をバロック様式に適応させ、非常に精巧なレタブロ(箱型祭壇)ほか主に教会彫刻を様々に合成した様式で製作した。
彫刻: しかしクルアーン中に「造形すること」を明示的に禁じる言葉は存在せず、造形美術に対してどのような態度をとるかは、各時代・各地域の為政者や知識人に解釈・判断が委ねられた。例えば、マグリブ西方イスラーム世界では厳格な態度が取られてきたのに対し、ペルシアやインドでは緩やかであった。造形表現の形態によっても異なり、立体的造形表現(ティムサール)、特にスタンドアローンで成立しているような形態の表現は忌避された。アラビア語では平面的な造形表現をタスウィール taṣwīr といい、立体的な造形表現をティムサール timthāl というが、壁面レリーフやファサード飾りはタスウィールにカテゴライズされる。動植物に象る立体彫刻であっても壁面レリーフやファサード飾りの一部を構成する限りは許容された。
Xmas: クリス(kris)という発音を綴るためにXを使った略記も広がりをみせており、クリスタルに対するXtal、クリサンセマムを意味する花屋の符丁としてのXantなどが代表的である。こうした使い方は、語源的にはキリストとは無関係である。クリスタルは、ギリシア語で氷を意味する言葉に由来しており、クリサンセマムはギリシア語で黄金の花を意味する言葉に語源を持つ。一方でキリストはメシア(受膏者)のギリシャ語訳から来た言葉である。
彫刻: 近代美術および現代美術では、音響彫刻、光の彫刻、環境彫刻、路上彫刻、動く彫刻、ランド・アート、サイトスペシフィック・アートなど、従来存在しなかった形態の多様な彫刻が追加された。彫刻はパブリックアートの重要な形態である。庭園の中に彫刻を集めて設置してあるものは彫刻庭園と呼ばれる。
パブリックアート: パブリックアートの目的は、銅像や彫像、石碑などの記念碑が古来より広場や街角などの公共空間に設置され、第二次世界大戦後にはオブジェなどが置かれるようになっているが、素材は青銅・石のほか、他の金属・樹脂・水・映像・パフォーマンスアートなど、物質にとどまらず多様化している。表現形態も具象的・抽象的な彫刻のみにとどまらずベンチ・街灯・噴水などを兼ねるもの、造園・造景された庭園のような空間、ある種の公園・広場・建築・橋など、公共空間に意図を持って設置された芸術的要素の含まれるものはパブリックアートと考えられる。またパブリックアートのある空間は通常、道路や広場など、公共が所有する土地であるが、ビルの足元にある公開空地など、誰でも立ち入れるようにした私有地にあるオブジェもパブリックアートに含まれると考えられる。この用語は第二次大戦後のアメリカ合衆国で誕生しヨーロッパに広まった。
万暦染付の花瓶に生けた花: サフォークのウィングフィールド城(英語版)のバージョンは現在ドイツの個人コレクションに所属している。プラド美術館のバージョンは王室コレクションに由来している。またプラド美術館には制作年代が離れた同じ構図の作品が知られているが、そこではテーブルの上にクワの葉と青い実、蚕の幼虫、繭、蛹、成虫が描かれている。
クランブル: クランブル ("crumble") とは英語で「ぽろぽろと崩れる」ことを指す動詞、あるいは小さなゴミなど細かく砕けたものを指す名詞である。オックスフォード英語辞典によると、菓子の名称として年代がはっきりわかっている例は1947年が初出である。アメリカ英語ではクランブルをクリスプ ("crisp") と称することがある。ただし、クリスプは生地にオーツを使用したもの、クランブルは使用しないものを指す場合もある。イギリス英語では通常、クリスプはポテトチップスを指す。しばしばコブラーと混同されるが、コブラーはよりビスケットに近い生地である。
彫刻: インダス文明など一部の先進的な文化は、非常に洗練された小立像を製作しているが、モニュメント彫刻を一切持たなかったと考えられている。ミシシッピ文化は、崩壊した時に石の小像があり、その使用に向けて進歩していたようである。古代エジプトやイースター島などの文化では、ごく初期段階から非常に大規模なモニュメント彫刻に膨大な資源を費やしていたと考えられている。昔の時代を含む彫刻の収集は、ギリシャ、中国、メソアメリカで約2000年前にさかのぼり、現代の博物館が発明される遥か昔から多くの蒐集物が半官半民の展示で鑑賞可能だった。20世紀以降、大型彫刻における比較的制限されていた主題の範囲が大きく広がり、抽象的な主題やあらゆる種類の表現が今では一般的である。今日では、多くの彫刻が画廊や美術館での継続展示向けに作られており、ますます大規模な作品を搬送したり保管する能力がその要因となっている。
スポティッド・ディック: スポティッド(Spotted)は、中に入っているドライフルーツ(見た目が斑点に似ている)を指している。ディック(Dick)"はプディングに広く使われていた方言で、生地(dough)と同じ語源から来ており、よって、現代風に言うとスポティッド・プディングになる。19世紀末のハダースフィールドでは、地元の用語集に以下のような説明がある。
ボディジャム: この「ボディジャム」という片仮名表記の名称は、レスミルズインターナショナルのニュージーランド本部が権利者となって、日本の特許庁に商標登録されている(商標登録番号第4658119号)。
ノワジー＝ル＝セック: ラテン語でクルミを意味するnucetumからnoisyが生まれた。le Secとは、水路がない乾いた土壌であることに触れている。
ブリスボール: ヘルシーさから「Guilt-free treat(罪悪感ゼロ!なおやつ)」とも言われる。ナッツやドライフルーツなどを用い、動物性食品を使わず加熱もせずに作ることができる。エナジーボールやビューティーボールと呼ばれることもある。
アップルシード: 独特の生物的なフォルムや動作原理や素材、内部構造などの詳細な描写が本作の特徴の一つでもある。
奇妙な果実 (曖昧さ回避): 奇妙な果実(きみょうなかじつ)、ストレンジ・フルーツ
彫刻: ビザンティンの伝統継承に続いてカロリング朝美術が象牙彫刻を復活させ、しばしば壮大な装飾写本の宝飾装丁用パネルのほか司教杖先端部や他の小型装具を復活させた。ビザンティン美術は、素晴らしい象牙レリーフや建築装飾彫刻を生み出したが、モニュメント彫刻は一切復興することなく、丸彫りの小型彫刻もさほど復興しなかった。しかし、西洋ではカロリング朝とオットー家の時期に、宮廷や大きな教会でモニュメント像の生産が始まった。これは徐々に普及して10世紀末から11世紀までに、アングロサクソンの教会にはエッセン大聖堂の黄金マドンナ (Golden Madonna of Essen) のように木枠の周囲を貴金属で覆った明らかに等身大の彫刻が幾つか記録されている。アングロサクソンの例は現存しておらず、1000年以前の大きな非建築型彫刻の例は非常に稀である。
テンセグリティ: テンセグリティ(tensegrity)とは、バックミンスター・フラーによって提唱された概念であり、tension(張力)と integrity(統合)とを合成した造語。実際はケネス・スネルソン(英語版)が彫刻として取り組んでいた引張材と圧縮材からなるオブジェに対して「テンセグリティ」という造語を発案して用いたのがバックミンスター・フラーであった。
ポップアート: ポップアート(pop art)は、現代美術の芸術運動のひとつで、大量生産・大量消費の社会をテーマとして表現する。雑誌や広告、漫画、報道写真などを素材として扱う。1950年代半ばのイギリスでアメリカ大衆文化の影響の下に誕生したが、1960年代にアメリカ合衆国でロイ・リキテンスタインやアンディ・ウォーホルなどのスター作家が現れ全盛期を迎え、世界的に影響を与えた。
ホンノンボ: ホンノンボ(Hòn non Bộ)は、ベトナム語でミニチュアの風景を作る芸術を意味する。この芸術は中国の盆景芸術の特別な発展と見なすことができ、日本の盆栽芸術にも関連している。ホンノンボという表現はベトナム語に由来する:「ホン」は「島」を意味し、「ノン」は「山」を意味し、「ボ」は水、山、森の組み合わせを意味する。また、「風景がミニチュアでどのように見えるかを模倣する」ことも意味する。この芸術形式は、伝統的なベトナムの家の中庭への入り口を飾るために使用された。ベトナムの歴史を通じて、ホンノンボは皇帝、将軍、その他の重要な人々のために作品を制作してきた。カリフォルニア州サンディエゴのバルボアパークにホンノンボの風景の一例が展示されている 。
キャンベルのスープ缶: 成功した作家、出版者、画家そして映画監督であったウォーホルは、1962年7月9日にカリフォルニア州ロサンゼルスのフェラス・ギャラリー(Ferus Gallery)で美術家として最初の画廊での個展をひらいた。この展示は、アメリカ西部におけるポップアートの嚆矢となった。1940年代からアメリカ合衆国の美術界で支配的であった抽象表現主義の技法と哲学に対して、この作品があからさまな通俗的商業主義で露骨に侮辱したため芸術界で波紋を呼び、作品の理非と倫理に関する多くの議論につながった。大きな騒動が広く知られたことで、ウォーホルは、洗練された1950年代の商業イラストレーターから、有名な美術家に変身し、彼をほかの新進のポップ・アーティストから区別させる一助となった。
ボー・サンシー: 外見は、ずんぐりとしたセイヨウナシ型ともいえる形状。34.98カラットの大きさを誇り、110面のカットが施されている。もともとの産地は、インドのゴルコンダ産とされている 。
バーモント国際彫刻シンポジウム: バーモント国際彫刻シンポジウム は、アメリカ合衆国での第一回国際彫刻シンポジウムとして、1968年の夏にバーモント州で開催された。
篆刻: 主に篆書を刻することから篆刻という。ただし、甲骨文、金文、隷書、楷書、あるいは肖形(イラスト)を彫ったものも含めることがあり、厳密な定義はない。
フルーロン: フルーロン、あるいはフリューロン (英語: fleuron、[ˈflʊərɒn, -ən, ˈflɜːrɒn, -ən])とは、タイポグラフィで使用する要素のひとつで、一種の記号である。句読点のように使ったり、植字上の装飾として使用することもある。フルーロンは花や葉を様式的に表現したものである。語源は古フランス語の単語で「花」を指す"floron"である。ロバート・ブリングハーストはThe Elements of Typographic Styleにおいて、この形を「園芸のディングバット」と呼んでいる。
バイオアート: バイオアート(BioArt)とは、生体組織、バクテリア、生体系、生命プロセスを扱うアートのこと。遺伝子工学、組織培養、クローニングなどの生物工学を利用する。作品の制作はスタジオ、ギャラリーだけでなく、研究所でも行われる。「バイオアート」という語は、1997年にエドワルド・カック(英語版)が彼の作品『Time Capsule』に関して生み出した造語である。その後、スザンヌ・アンカー、ジョー・デイヴィス、西オーストラリア大学のSymbiotica研究室のアーティストによって発展した。バイオアーティストが人間の生体組織を取り扱う時、それが人間なのかそうでないのかで議論されることがある。ライフサイエンスにおける生命創造は倫理的・社会的・美学的問題を避けて通れない。
フルーツ (曖昧さ回避): フルーツ、FRUITS
ドルーシャウトの肖像画: この肖像画は、シェイクスピアの友人ベン・ジョンソンからも讃えられるできばえではあった。版画に並べて印字された詩「読者に」のなかで、ジョンソンは絵が詩人によく似ていると褒めており、彼によれば「彫刻刀は争いの種/自ずから本物にまさる」し、精確に「彼の顔をうがつ」ている。一方でシェイクスピアの読者がめあてにしている彼の「ウィット」はとらえそこねている、とも書いている。しかしこうして肖像画としての正確さについて証言が得られたことで、評論家はドルーシャウトの版画を材料にしてシェイクスピアを描いたと伝えられる肖像画の真贋を見極めたのだった。19世紀の画家であり著述家のエイブラハム・ウィベルはこう言っている。さまざまな時代で世間の注目をほしいままにしてきたペテン師のほとんどがこの鍵によって暴かれ、見破られるといってもよいだろう。
オネスティ (曖昧さ回避): オネスティ(honesty)は、英語で「正直」「誠実」の意味である。植物名としてはゴウダソウ(ルナリア)を意味する。
クランベリー型形態素: 英語におけるクランベリー形態素には以下のようなものがある。
デコレーション: デコレーション(英語: decoration)は、英語からの外来語で、基本的な意味は「装飾」である。何をいかに装飾するかによって様々なデコレーションがある。
オレンジピール (曖昧さ回避): オレンジピール(Orange Peel)とは
インフィオラータ: インフィオラータ(イタリア語: Infiorata)とは、花びらを地面に敷き詰めて表現する作品あるいは技法の総称をいう。ベルギー流にフラワーカーペットと呼ばれる場合もある。
フォークアート: フォークアート(英語:folk art)は、土地固有の文化から生まれたアートで、農業、商工業他の労働者によって生み出されるアートを含む。純粋な美を追求する美術と対照的に、フォークアートは主に実用的で装飾的である。フォークアートの特徴は、様式が単純で、経験的なプロポーションあるいは視線の規則を超えている点にある。関連する用語に、アウトサイダーアート、「独学」のアートと素朴派(ナイーブアート)がある。フォークアートという現象は、ある特定の文化に固有な性質を備えており、文明化を目指して進む間に、年月とともに近代化、工業化や外部からの影響により急速に衰退しつつある。フォークアートはさまざまな地理的要因や時代の流行によって異なり、その多様性は、一部のパターンを示せても、相対的な姿を表しにくい。
アメリカ人: 人種のるつぼ、またはサラダボウルは、何世代にも渡ってアメリカ人が独特のお互いの文化的特徴を尊重し合ってきた過程をよく表象している語である。
オルネク: 装飾には、主に植物と対称および非対称の配置の幾何学的な特徴の構成に組み合わされた小さな要素が含まれていまる。 主な象徴は、ピンク、緑、黄色、青の色合いの花や木のイメージである.装飾は、国の衣服、靴、帽子の装飾の要素として使用されるだけでなく、宝石、陶器、金属の道具、木製品、家庭用品、家具、カーペットにも使用される。
アトリエクラム: アトリエクラム「atelier cram」の名前の由来は、「cree」(フランス語で創造する、作るという意味)と「amour」(フランス語で愛という意味)という2つのワードを組み合わせた造語。
トーテムポール: 場合によっては、紋章を組み合わせることで物語を語らせることがあるとされるが、あまり一般的ではなく、またそのようなかたちで正確に物語が伝えられているトーテムポールはめずらしい。トーテムポール上の彫像は部族によって様式が確立されていて、彫刻者はその枠の中でデザインをしている。彫像がどのような物語が関連しているかは、トーテムポールの建立の際に、彫刻者、あるいは所有者から建立式に参加した人々に対して説明が行われ、それが正式の記録とされる。これらの彫像、彫像に関連した物語は特定の個人(その家族)に属した「(著作権のような)財産」と考えられ、所有者の許可がないと同じものを彫ったり、語ることはできないとされている。
スティラ: エコロジーを意識して、パッケージにリサイクル可能な紙製やアルミ製のマテリアルを使用したり、中身にも天然の植物性原材料が豊富に使われている。
接吻 (ロダン): 『接吻』(せっぷん、フランス語: Le baiser)は、オーギュスト・ロダンの彫刻作品。
コンフィ: この言葉は、フランス語の動詞「コンフィル」("confire"、「保存する」)を語源とする。「コンフィル」はラテン語で「行う、生産する、作る、準備をする」ことを意味する「コンフィケレ」("conficere")が語源である。フランス語の動詞としてのこの語は、中世に果物を砂糖の中で調理保存したものに対して使われ始めた。
胞状奇胎: 英語の「hydatidiform」はギリシャ語でぶどうの房状を意味し、「mole」はラテン語の「mola」から由来し、石臼を意味している。
フルーク (バンド): アパルーソ・レーベルから発表したシングルは、シーン復帰を文字通り示唆する「Slap It」というタイトルで、ソングライターのクレジットはシンプルに「ブライアント/ファグラー」とだけ記されていた。ワン・リトル・インディアン・レーベルから発表した「Pulse」では、よりダークなスタイルを例示していた。前作『リゾット』の発表から6年後、フルークは5作目のスタジオ・アルバム『Puppy』を発表し、ターニアーが不在でもフルークが存続できることをようやく証明した。アルバムのタイトルは、ビルバオ・グッゲンハイム美術館に展示されているジェフ・クーンズが制作した高さ12.4mの子犬の彫刻からインスピレーションを得た。
視覚芸術: 一方、レッシングは、ラオコーン像の彫刻家は美を達成するために見苦しい断末魔のシーンを避けてその寸前を描いたから抑制された印象が現れたのだとした。ここから、レッシングは空間を使って絵具やノミで表現する絵画や彫刻は、人物や風景などの物体を対象とし、唯一の決定的瞬間・最も含蓄のある瞬間を描くものであり、対象の行為を描き時間の中の継続的な行為を描く文学や舞台などとは別のものとして分けた。彼の論によって、それまで「詩は絵のように」と、詩と絵画を姉妹としてみてきた西洋において、視覚芸術(空間芸術)と言語芸術(時間芸術)は厳然と分けられた。ただし、絵画の中に複数の時間を並列して描くことは、古代エジプトの壁画・西洋の中世の宗教画・日本の絵巻物など古くから例が見られる。コマの連続した漫画(カートゥーン)もその伝統を汲むものであろう。
彫刻庭園: 彫刻庭園(ちょうこくていえん、sculpture garden)は、彫刻の展示を目的とした屋外の公園・庭園。ランドスケープがきちんと計画された庭園内に展示される彫刻は、耐久性のある素材で作られた恒久展示を目的としたものが中心である。彫刻庭園は美術館の周囲に付属している場合もあるが、逆に屋内展示室よりも庭園のほうがメインになっており、庭園自体が美術館となっている場合もある。屋外のさわやかな風景の中を彫刻や木々を見ながら散歩できることから、観光地にある観光目的で作られた施設が多いが、自治体が公園の中に多数のパブリックアートを置き、都市公園が彫刻庭園と化しているものもある。彫刻庭園は、ある作家一人の作品に絞った庭園から、伝統的な人物像などが中心の公園、大型の抽象作品が中心の庭園などさまざまである。
カラフル: カラフル(colorful, イギリス英語ではcolourful)は、英語で「色鮮やかな」という意味。
彫刻: 1960年代から1970年代にかけて、様式化された形のモダニズム芸術家によるフィギュラティブな彫刻は、レナード・バスキン、アーネスト・トローバ、ジョージ・シーガル、マリソル・エスコバル、ポール・テック、ロバート・グラハムなどの芸術家によって古典と繋がりのある様式で製作され、フェルナンド・ボテロは自分の絵画の「実物より大きな人物像」をモニュメント彫刻に取り入れた。サイトスペシフィック・アートや環境アートの作品(アンディー・ゴールズワージー、ウォルター・デ・マリア、リチャード・ロング、リチャード・セラ、ロバート・アーウィン、ジョージ・リッキー、クリストとジャンヌ=クロードによって表された)が現代抽象彫刻を新たな方向に導いた。芸術家達は、Land Arts of the American Westプロジェクト内の広大な場所に環境彫刻を創造した。
点刻: 植物種の説明では、点描は、特に顕花植物の場合、花びらやがく片に発生する自然界で生成される一種のパターン。これらは、しばしば複雑なパターンを生成するアートワークのドットパターンに似ている。例は、カリフォルニア固有のユリであるカロチョルトゥス・ルテウス(英語版)の花びらの内側の基部に見ることができる。
トーテムポール: 日本では小学校の図工や中学校の美術や工作の課題として、また学級活動のひとつとして、しばしばトーテムポールが彫刻され立てられていることがあるが、これらは性格的な意味合いを考慮せず単に形状を模倣しただけのものがほとんどである。
ジャポニスム: 木版画によるジャポニスム作品としては、モノクロではあったものの、ゴーギャンとフェリックス・ヴァロットンがあげられる。イギリスへの日本美術の伝達にはホイッスラーが重要な役割を果たした。当時パリは日本の物産の集散地として知られており、ホイッスラーは滞在中に優れたコレクションを蓄積した。米国へは、有田市出身の江藤源次郎が米国へ渡ってコネチカット州のコスコブ・アート・コロニーに参加した際に、そこの印象派画家たちに日本画技法を伝え、米国でのジャポニスムを起こすのに貢献している。ゴッホのいくつかの作品は浮世絵のスタイルを模倣したり、それ自体をモチーフにしたりしている。たとえば『タンギー爺さん』(あるアートショップのオーナー)の肖像画には、背景に6つの浮世絵が描かれている。
外務省: 1869(明治2)年に設置され、改称せずに現存する日本最古の行政機関である。なお大蔵省は名称自体(大宝律令の大蔵省は明治維新まで存続し維新の時に一度廃止されている)は701年(大宝元年)の大宝律令から明治維新を経て2001年(平成13年)の中央省庁再編まで約1300年続いた。最初に「外務省」の名称が用いられたのは、1869年(明治2年)8月15日から始まった太政官制(二官六省制)からである。名称が公議所で議論された際、原案は「外国省」となっていたが、公議員であった依田学海が「雅ならず」として「太宰府」「外務省」「治部省」のいずれかにすべきと提案したという経緯がある。1885年(明治18年)の内閣制度創設以後、一度も名称を変更していない唯一の省である。太政官達(内閣職権)、外務省官制、旧外務省設置法など、設置根拠法に変遷はあるが、省の名称は継続して用いられている。
自治省: 旧内務省の直系を自認した最小の省(定員360名+外局160名)。英語名称として名乗った「Ministry of Home Affairs」は他国の内務省の名称のひとつである。1947年(昭和22年)12月31日に「内務省及び内務省の機構に関する勅令等を廃止する法律(昭和22年12月26日法律第238号)」により内務省(最後の内務大臣は木村小左衞門)が廃され、これに先行して同年12月10日に設置されていた全国選挙管理委員会のほか、翌1948年(昭和23年)1月7日に地方財政委員会(委員長は国務大臣(初代委員長は竹田儀一)をもって充てられた)が、また同年3月7日に、1月1日に内閣総理大臣の管理に属する機関として臨時(存続期間は90日以内と定められていた。
内務省 (日本): 内務省(ないむしょう、旧字体: 內務省、英語: Home Ministry)は、1873年(明治6年)11月10日から1947年(昭和22年)12月31日まで存在した日本の行政機関。警察や地方行政など内政一般を所管した。
内閣 (日本): 内閣総理大臣は、1871年(明治4年)以来三条実美が務めてきた太政大臣とは異なり、公卿が就任するという慣例も適用されず、どのような身分の出自の者であっても国政のトップに立つことができる点で、明治維新におけるひとつの成果の完成をあらわしていた。内閣制度はまた、各省大臣の権限を強め、諸省に割拠して力をつけつつあった専門的な官僚をコントロールできる、大臣レベルの指導者層の主導権を確立するうえで大きな役割を担った。1889年(明治22年)2月11日に大日本帝国憲法(明治憲法)が発布され、同年12月24日には、「内閣職権」を改定する形で「内閣官制」が制定された。明治憲法には内閣総理大臣や内閣に関する記述はなく、国務大臣について規定されているのみだった。
宮内省: 1885年(明治18年)12月22日に出された太政官達第69号は、内閣制度を創設する布告だったが、1.太政大臣、左右大臣、参議及び各省卿の職制を廃し、新たに内閣総理大臣並びに宮内、外務、内務、大蔵、陸軍、海軍、司法、文部、農商務及び逓信の各大臣を置くこととしつつ、2.宮内大臣を除く内閣総理大臣及び各大臣をもって内閣を組織することとされた。宮内大臣は国家の官吏として掲げられたが、宮内大臣は内閣からは除外され、宮内省は内閣から外れて国務には関わらない官庁に位置づけられた。同日をもって宮中に内大臣及び宮中顧問官が設置され、宮内大臣の設置により宮内卿は廃止された。宮内大臣には最後の宮内卿の伊藤博文が就き初代総理大臣と兼職した。
内閣 (日本): なお、各省は、国家行政組織法に基づき内閣の統轄の下に行政事務をつかさどる機関として設置されるものであり、前述の内閣に設置される機関とは位置付けが異なる。2022年7月現在、法律に基づき内閣に設置されている機関は、下記のとおりである。日本国憲法及び内閣法施行前は、企画院、興亜院、情報局といった、いわゆる内閣直属の機関がいくつか設置されていた。内閣法の下、法律に基づき内閣に設置された機関のうち、廃止された機関は下記のとおりである。
近代日本の官制: 1885年(明治18年)12月22日 - 1889年(明治22年)12月24日1889年(明治22年)12月24日 - 1947年(昭和22年)5月2日1947年(昭和22年)5月3日 -
大蔵省: 大蔵省(おおくらしょう、Ministry of Finance, MOF)は、明治維新から2001年(平成13年)1月6日まで存在した日本の中央官庁である。後継官庁は財務省と金融庁。前近代の律令制による大蔵省も奈良時代の大宝律令から明治維新まで存続していたため、「大蔵省」という名称は1300年の長きにわたって用いられたことになる。
官房: 中央省庁再編に際し、新府省庁の官房は「内閣府大臣官房」、「総務省大臣官房」、「防衛庁長官官房」のように「府省庁名+大臣官房(長官官房)」へ表記が統一されたが、旧府省時代は「(頭に総理府を付けずに)内閣総理大臣官房」、「法務大臣官房」などのように「大臣職名+官房」つまり「府・省」の字を省いたものを正式呼称とするのが多数派であった(「庁」を省かないのは現在と同じ。)。大蔵省、文部省、厚生省、運輸省の4省は「省」を挿入する表記が自省における正式呼称であったが、少数派のため、法令の条文あるいは議院事務局や他官庁の公文書上で「省」を省いた多数派式の表記(例:大蔵省大臣官房とすべきところを大蔵大臣官房)をされることもあった。
省: 中国の漢代には、宮中のことを省または省中といった。魏や晋のころからは、宮中に置かれた官庁の呼称となった。唐代の律令制では、尚書省、中書省および門下省の3省(三省六部)が置かれた。宋でも三省六部は引き続いて置かれたが、実質的な機能は他の機関によって行われ、有名無実化した。日本では、隋や唐の律令制度に倣い、701年の大宝律令によって確立した律令制において、太政官の下に八省が置かれた。ただし、中国の三省に当たる機関は日本では太政官と称され、日本の省は中国の六部に相当して、太政官の部局である(左・右)弁官局の管轄下に置かれた。これらの機関は律令制の崩壊とともに有名無実となったが、1869年(明治2年)の官制改革で復活、1885年(明治18年)の内閣制度にも引き継がれた。現代の日本では内閣直属の中央行政機関のうち最上位のものを指す。
内事局: 内事局(ないじきょく)は、かつて存在した内閣の機関。1947年末に内務省が廃止された後、内事局令(昭和22年12月31日政令第333号)に基づき、旧警察法の施行に至るまでの67日限定で限定で設置された。
総理府: 総理府(そうりふ)とは、内閣総理大臣自らが分担管理する事務、及び各行政機関の総合調整にかかる事務を所掌した日本の行政機関である。明治憲法下における内閣所属部局を基礎として過渡期における総理庁を経て、1949年(昭和24年)に新設され、2001年(平成13年)に中央省庁再編により内閣府に統合された。
日本の内閣の一覧: 1947年(昭和22年)5月3日に日本国憲法が施行され、以後、内閣の設置は同憲法65条以下を根拠としている。なお、第45代・第1次吉田内閣は内閣官制に基づいて成立したものの、同憲法103条により、同憲法に基づいて成立したものとみなされた。日本国憲法の施行に合わせて、内閣官制の後継法令となる内閣法(昭和22年法律第5号)が施行された。日本国憲法に定められた内閣の成立過程は、以下の通りである。
大日本帝国憲法第55条: 内閣制度は、明治18年(1885年)12月22日の改革をもって初めて定められたものであって、それまでの太政官制度を廃して、内閣総理大臣及び外務、内務、大蔵、陸軍、海軍、司法、文部、農商務、逓信の諸大臣を置き、これらの諸大臣をもって内閣を組織するものとした。この改革によって、従来の制度が改められたのは、主として次の3点にある。内閣の官制は、内閣の新設と同時に、主として内閣総理大臣の職責を定めた7箇条の規定が発布されたが、内閣官制(明治22年勅令第135号)をもって、改めて10箇条の規定が発布され、閣議を経るべき事件の概目が初めて定められた。
宮内庁法: 1947年(昭和22年)4月18日に「宮内府法」の題名で公布、翌5月3日に日本国憲法とともに施行され、1949年(昭和24年)6月1日施行の改正(総理府外局への移行)により現在の題名となった。中央省庁再編後は、宮内庁が内閣府に置かれる機関となったことから、宮内庁法の存在根拠については、内閣府設置法第48条第2項に基づくものとされる。他の中央省庁の設置に関する法律の題名の多くが「設置法」となっているのに対し、本法には「設置」の言葉が含まれない(同様の例として海上保安庁法がある)。
内務: 国家レベルでは、一般に「内務省」(「自治省」または「総務省」)という名称の省が置かれている。日本では、第二次世界大戦の敗戦まで内務省が地方行財政と警察行政を所管するなど、強い行政権限を誇り、官僚機構の中枢として各省庁にも影響を及ぼしたが、連合国軍最高司令官総司令部(GHQ)によって、1947年に同省は解体・廃止され、現在の総務省、警察庁、国土交通省、厚生労働省、公安調査庁、文化庁が、旧内務省の流れを汲んでいる。
大臣委員会: 翌2008年12月31日施行の改正でさらに「大臣委員会等」に置き換えられ、かつての大臣庁をも包含する語となっているが、大臣委員会以外についての規定はないままである。
内閣 (日本): なお、日本国憲法下の現在の防衛大臣(旧:防衛庁長官)については、自衛隊(陸上・海上・航空)の服務経験者(他国における退役軍人)は可能ではあっても、幹部クラス含む現役の自衛官ないし自衛隊員が就任することはなく、他の大臣と同様、日本国憲法第66条の規定により、文民統制(シビリアンコントロール)の観点から文民が任命されている。1947年(昭和22年)に日本国憲法が施行され、第5章に「内閣」の規定を置き、「行政権は、内閣に属する。」(65条)と定めた。内閣は、内閣総理大臣及びその他の国務大臣から組織され(66条1項)、行政権の行使について国会に対し連帯して責任を負うとされるなど(同条3項)、名実共に国の行政の中心的機関に位置づけられた。
宮内省: 宮内省(くないしょう)は、古代と近代の日本に存在した皇室事務を司る官庁。古代の宮内省は律令制下の官制における八省の一つであり、宮内卿以下が宮廷庶務を担った。近代の宮内省は1869年(明治2年)に古代の宮内省に倣って太政官制のもとで発足した組織で、当初の長官は宮内卿だったが、1885年以降の内閣制度下においては宮中と行政各官庁は区別され、宮内省を所管する宮内大臣は内閣の閣員とはされず独立していた。GHQ占領下の1946年(昭和21年)に縮小再編され、1947年(昭和22年)に宮内府、1949年(昭和24年)に現在の宮内庁となった。
中央省庁等改革推進本部: 中央省庁等改革推進本部(ちゅうおうしょうちょうとうかいかくすいしんほんぶ)は、かつて内閣に設置されていた組織である。
日本国政府: 日本における近代政府は、1885年(明治18年)の内閣制に始まるとされる。現在の日本における統治機構の基本的部分は、日本国憲法によって定められている。
内大臣府: 内大臣府(ないだいじんふ)は、明治中頃から戦前昭和にかけて日本に存在した制外官の一つ。宮中にあって天皇を常侍輔弼し、宮廷の文書事務などを所管した内大臣(ないだいじん)を支える機関として1885年(明治18年)に設立され、敗戦直後の1945年(昭和20年)11月に廃止された。
日本の政権一覧: 日本の政権一覧(にほんのせいけんいちらん)は、日本の歴代政権の一覧である。1885年(明治18年)以後の日本の内閣については、「日本の内閣の一覧」を参照。
行政改革推進事務局: 行政改革推進事務局(ぎょうせいかいかくすいしんじむきょく)は、かつて日本の内閣官房に設置されていた機関である。