mteb/JQaRAReranking huggingface dataset:
彫刻: 古代ギリシアの彫刻最初の独特な様式は初期青銅器時代のキクラデス文明期(紀元前3000年)に発展し、そこでは大理石像(通常は女性で小型)が幾何学様式に単純化されて優美に象られている。腕を正面で交差させた立ち姿が最も典型的だが、ハープ奏者の椅子に座った複雑なポーズを見せる像もある。その後ミノア文明とミケーネ文明がシリアなど他地域からの影響を受けて彫刻をさらに発展させたが、クーロス像が登場したのは紀元前650年頃のアルカイック期である。これらは神殿や墓で発見されている青年の大きな裸身立像で、服を着た女性のコレー像などもあり、いずれもアルカイック・スマイルの表情を浮かべている。像には様々な役割があり、時には神々を表したりクロイソスのクーロス像のように墓に埋葬された人物を示すこともあった。
笑顔 (曖昧さ回避): 笑顔(えがお)は、笑った顔、微笑みを浮かべた顔のこと。
ギリシア美術: 古代ギリシアの哲学者達は、美術を「熟練した洞察力と直感を用いた美的な成り行き」として定義している。そこで、絶対的な美の基本は見るものをどれくらい感動させられるか、という点にある。その結果、ギリシアの芸術作品は、完璧な美を備えている神々の姿をとった彫刻が多い。ギリシア彫刻の発展はアルカイック期、クラシック期、ヘレニズム期に分けられる。アルカイック初期の彫刻には、両手を腿に当てた直立したほぼ左右対称的な彫刻があり、エジプトの影響が見られる。これらの特徴は次第に消えていき、クラシック期、ヘレニズム期には、自然主義的で、動作に富む非対照的な彫刻が創られた。後期には顔の表情があまり表れなくなるが、これは当時の考えであった、「人間的感情を公で出すのは野蛮である」に基づくものである。これら古代ギリシアの美術は、ローマ美術やオリエントの美術に大きな影響を与え、またオリエントの美術の影響も受けている。
表情: 表情(ひょうじょう)とは、感情や情緒を、外見や身振りなどに出し表す行為、あるいは現れたもの。
古代ギリシアの彫刻: エジプトとメソポタミアの石像彫刻に触発されて、ギリシア人は再び石に彫刻を始めた。自立する人物像は東洋モデルの特徴的な堅さと正面姿勢を共有しているが、例えばオーセールの婦人像(英語版)やヘーラーの胴体像(アルカイック期初頭、紀元前660-580年頃、ルーヴル美術館)など、それらの形態はエジプト彫刻のものよりも力強さがある。紀元前約575年を過ぎて、男性と女性どちらの人物像も、いわゆるアルカイックスマイルを身に着け始めた。人物や状況の描写に特定の妥当性を持たないこの表現は、人物像に人間ならではの特徴をつけるための装置だった可能性がある。この時期は3種類の人物像が流行した。青年の裸身立像であるクーロス像(kouros, 複数形kouroi)布をまとった娘の立像であるコレー像(kore, 複数形korai)、そして着座した女性像である。
古代ギリシアの彫刻: 古代ギリシアの彫刻(こだいギリシアのちょうこく、英:Ancient Greek sculpture)では、古代ギリシア時代に制作された彫刻について説明する。現代の学芸員は、文献の乏しい暗黒時代からヘレニズム時代まで、古代ギリシア彫刻を幾つかの区分に分けて識別している。全ての時代で、大量のテラコッタ製の人物像と金属や他の素材で作られた少数の彫刻が存在した。ギリシア人は、芸術の追究にとって人間の姿形が最も重要な主題であると、ごく早期に決定した。彼らの神々が人間の姿形になっていることを見ても、芸術において聖なるものと世俗的なものの区別はほとんどなく、ヒトの肉体は世俗的かつ神聖なものだった。アポローンまたはヘラクレスの男性裸体像は、その年の古代オリンピックのボクシング優勝者のもので、表現方法にわずかな違いが見られる程度である。
古代ギリシアの彫刻: 像を依頼する人の社会的地位の目盛りは、芸術的革新性よりも大きさによって示された。古典期ではギリシア彫刻の革命が見られ、時には民主主義の導入を取り巻く大衆文化と、クーロス像に関連する貴族的文化の終わりとが歴史家によって関連付けられた。古典期では、現実的な人間の形を描写するギリシア彫刻家の技術技法の劇的な増加に伴って、彫刻の体型や機能の変化が見られた。ポーズもまた、特にこの期間初頭において、より自然主義的になった。このことはコントラポストの最も初期の知られている彫刻クリティオスの少年(英語版)(紀元前480年)やデルポイの御者(英語版)(紀元前474年)などの作品で具現化されており、これらはより自然主義的な彫刻への移行を示すものとなっている。紀元前500年頃から、ギリシア彫刻は、神話の漠然とした解釈や全く架空の奉納像などとは対照的に、現実の人々を描写することが多くなり始めた。
西洋美術史: 人体彫刻はより自然な骨格と筋肉をまとったものへと発展し、神殿建築分野ではこれまでの日干煉瓦や材木に代わって石材が使用されるようになり、アポロン神殿(ドイツ語版)に代表される周柱式神殿が誕生した。紀元前6世紀にはサモスのヘラ神殿やエフェソスのアルテミス神殿など、イオニア式オーダーによるより巨大な神殿が建立されるに至り、これに伴う建築装飾技法が大いに発達した。浮彫彫刻では静止像に動性を、運動像に瞬間の静止を表現できるよう試行錯誤が繰り返されるようになり、その過程でアルカイックスマイルなどの立体表現が生み出された。なお、ギリシア美術で好んで使用された素材である大理石の色によってギリシア彫刻の特徴としてその「白さ」が取り上げられることがあるが、制作当時はエジプトから輸入された顔料などを用いて鮮やかな彩色が施されていたことが近年の研究によって明らかになっている。
笑い: その関係から、笑いの源泉は「くすぐられ快感−笑い反射」という生得的に与えられた生理心理的な刺激−反応機構にあるとしている。アメリカの心理学者エクマンとフリーセンは、微笑(smile)にも不幸な場面での微笑みなど矛盾するような感情を伴う可能性を指摘し、このような笑いを「偽りの微笑」と称し、感情を伴う純粋な微笑と区別した。一般に、感情を伴う笑いには頬骨筋と眼輪筋の2つの筋肉の不随意的収縮が必要であるが、この「偽りの微笑」においては眼輪筋の活動が見られないのが特徴である。これは、頬骨筋は不随意的にも意図的にも活性化することが可能であるが、眼輪筋にはそれを自らの意思によって活性化する方法がないためである。笑いは構図(シェーマ)のずれによって生じるとする説があるが、異論もある。
古代ギリシアの彫刻: 幾何学文様期(紀元前900年頃から同700年頃)の形態は主にテラコッタの人物像、ブロンズ像、象牙像だった。ブロンズは主に三本足の大釜(tripod cauldrons)と自立した人物像である。こうしたブロンズ像は恐らくシリアから導入されたロストワックス技術を用いて作られたもので、ヘレニズム文明期においてオリンピア、デロス島、デルポイの全ギリシア聖域に残されていたほぼ全ての奉納品である(とはいえ、アテネ、アルゴス、スパルタからの発見により地域スタイルが分かると、他の場所で製造されていたかもしれない)。この時代の典型的な作品には、カルディツァの戦士(Karditsa warrior, 12831)や小型の騎馬像(例えば、Equestrian statue, 21.88.24)が多く含まれる。
古代ギリシアの彫刻: 葬式用の彫像は、アルカイック期の剛直で非人間的なクーロス像から古典期の非常に個人的な家族の集団像まで、この時期に進化を遂げた。これらの記念碑はアテネ近郊でよく見られ、古代には都市郊外に墓地があった。それらの幾つかは「理想的」なタイプ、喪に服す母親、忠実な息子を描いているが、 それらはますます実在の人々を描いたものとなった(典型的には当人の家族からの尊厳ある離別を描いた)。このことが、アルカイック期や幾何学文様期に比べて感情の度合いを著しく向上させている。もう1つの注目すべき変化は、彫刻における芸術的信用の急成長である。アルカイック期と幾何学文様期の彫刻について知られていた情報はどれも作品自体に集中しており、彫刻家の情報はたとえあったとしても稀なことだった。
古代ギリシアの彫刻: 古代ギリシア彫刻は元々明るい色で塗られていたが、元の色素が劣化したため今日では白い状態で現れる 。着色された彫刻への言及は、エウリピデス著『ヘレネ』をはじめ古典文献全体を通して見つかっている。一部の良好な保存状態の彫像には、元々の彩色の痕跡が残っており、考古学者はそれらを元々あったように再現することが可能である。19世紀初頭までに、古代ギリシア遺跡の体系的な発掘は、表面の多彩な痕跡を残した彫刻を数多くもたらし、その一部は今でも見ることができる。それにもかかわらず、ヨハン・ヨアヒム・ヴィンケルマンをはじめ影響力を持つ美術史家たちがギリシア彫刻は着色されていたとの見解に強硬に反対し、塗装された彫像の支持者たちを変人だとして追放してしまった。そして彼らの(着色されていたとの)見解は、1世紀以上にわたってほぼ完全に却下されてしまった。
微笑み: 前野隆司は、「情」の存在理由について、エピソード記憶にメリハリをつける(あじけないと明確な記録として覚えにくい=混同しやすい)ためと個人的見解を述べている(微笑み・笑顔もこの一環とみられる)。
彫刻: 装飾のついた小型の置物は大半が陶磁器で、ロココ時代やタナグラ人形が主要産業だった頃の古代ギリシアや、東アジア美術および先コロンブス期美術で存在しており、昨今では人気が高い(ただし奇妙なことに近現代芸術では無視されている)。家具や他のオブジェ向けに彫刻された小型装飾具は古代まで遡り、ニムルドの象牙細工やバグラームの象牙のほか、ツタンカーメンの墓からも発見されている。肖像彫刻は、エジプト(紀元前32世紀の支配者を示す『ナルメルのパレット』)およびメソポタミア(紀元前2144-2124年のラガシュを統治した『グデアの像』27体が現存)で始まった。古代ギリシアや古代ローマにおいて、肖像の立像が公共の場に建てられることはほぼ最高の名誉の証しであり、貨幣に刻印される可能性もあったほど優れた人物の大願であった。
微笑み: 実情的には微笑む場面でなくとも、作為的に満面な笑み(微笑み)の表情を作ることによって、脳内では嬉しい気分を示す反応が得られる実験結果がある(ようは、作り笑顔であろうと、多少、内面では喜びの情が生じる)。人は笑顔を作ると、その時の筋肉の状態が感覚受容器から脳にフィードバックされ、こうした表情を作っている時は嬉しい時であると判断するため、嬉しさの内部モデルが働き、結果として、脳内では嬉しいと感じる反応を示す(心の状態としては、「情」が「私」は今嬉しいのだと判断させている)。いわば、笑った顔を作ってみようとする「意」が能動的であるのに対して、「情」は受動的ということになる。結果論として、「情」は、意図とは関係なく、自動的にわき上がってくるものと判断される。この実験結果からわかることは、「情」は、個が主体的・能動的に作り出すものではないということである。
微笑み: 『武士道』内の説明によれば、悲しい時の微笑は、相手を気遣わせないための配慮であり、他人を心配させないための表情であるとしている。本来なら悲しむ時の状況であるにもかかわらず、作られる微笑み習慣は、現代でも一部で見られる。2010年の日本とオランダの大学による共同実験においても、日本人は文化的に本当の感情を出さない傾向があり、否定的感情も笑顔で取りつくろうため、感情を読み取る際、「顔」ではなく、「声」の方を重視することがわかっている。声までは偽装しにくいためと考えられている(微笑みが本心ではなく儀礼的というのは、日本人間では共通認識)。これに対し、オランダ人は感情を顔の表情で読み取っていたという結果が出ている。このため、文化的誤解が生じやすい。
古代ギリシアの彫刻: アルカイック期で最重要な彫刻の形態は、青年の裸身立像(クーロス像)だった。コレー像や服を着た女性像も一般的であり、ギリシア芸術では紀元前4世紀まで女性の裸体像が展示されなかった(ポルノの意図がない限り)。この時期の服飾を表現する技法の発展は、明らかに重要なものである。陶器と同じで、ギリシア人は単なる芸術的展示のために彫刻を制作したわけではない。彫像は、貴族の個人または国による依頼に基づいて、公的な記念碑、神殿や神託所や聖域の貢ぎ物(しばしば彫像の碑文にて見てとれる)、もしくは墓標などに使われた。 アルカイック期の彫像は、特定個人を表すことを必ずしも意図したものではなく、美しさ、敬意、名誉、犠牲といった理想の描写だった。たとえ高齢者の墓地に置かれたとしても、これらは(恐らく)常に思春期から青年期までの若い男性の描写だった。クーロス像どれも様式的に類似していた。
古代ギリシアの彫刻: このブロンズ作品のレパートリーは立っている男性や馬に限られているわけではなく、当時の花瓶の絵には、牡鹿、鳥、カブトムシ、野ウサギ、グリフォン、ライオンのイメージも描かれている。紀元前7世紀初頭のテーバイにてマンティクロスのアポローン(Mantiklos "Apollo", 03.997)が出現するまで、初期から中間の幾何学文様期彫刻には碑文がない。その全身像は、疑似ダイダロス様式(pseudo-daedalic form)の立っている男性で、その下に碑文 "Μαντικλος μ' ανεθε̅κε ϝεκαβολο̅ι αργυροτοχσο̅ι τας {δ}δε-κατας· τυ δε Φοιβε διδοι χαριϝετταν αμοιϝ[αν]"のヘクサメトロスが書かれている。
古代ギリシアの彫刻: 以前は古典期の傑作と考えられていた多くの彫刻が、今はヘレニズム時代のものとして知られている。ヘレニズム彫刻家の技術的能力は、サモトラケのニケやペルガモンの大祭壇(英語版)といった主要作品が明快な証拠である。ギリシア文化の新しい中心地、特に彫刻においてはアレクサンドリア、アンティオキア、ペルガモン、と他の都市でも発展した。紀元前2世紀までに、共和政ローマの勢力がギリシャの伝統の多くを吸収し、そしてローマ製作品の割合も増えていった。この時代に、彫刻は再び自然主義への移行が起こった。 一般の人、女性、子供、動物、家庭のシーンは彫刻の受け入れ可能な主題となり、家や庭の装飾として裕福な家庭による依頼を受けた。あらゆる年齢の男性と女性の現実的な人物像が制作され、彫刻家はもはや人々を美の理想または完璧な肉体として描写しなくても大丈夫になった。
古代ギリシアの彫刻: ラテン語文章は"Mantiklos manetheke wekaboloi argurotoxsoi tas dekatas; to de Foibe didoi xariwettan amoiw [an]"と読めて、抄訳すると「マンティクロスは銀の弓のアポローンに少しばかりの寄付として自らを捧げました。あなたは喜んでお返しを何か施してくれますか、ポイボス(アポローン)」となる。この碑文はアポローン彫像の宣誓であり、その後に恩返しの要請がある。自らの目的を記録するという斬新さとは別に、この彫刻は、より短い三角形の顔とわずかに前に出した左足に見られるように、東洋のブロンズ像の様式に適合している。これはたまに、紀元前7世紀の表現の自由がより広がる予兆だと見なされており、そのため、マンティクロスの人物像は原始ダイダロス様式(proto-Daedalic)として言及されることがある。
法量: 考古学的手段で確認されているものとして「仏像」が歴史に最初に登場するのは、紀元前1世紀にはじまるガンダーラ美術や1世紀頃のマトゥーラの仏像群である。仏像の起源をどちらに帰するかは議論があり、その年代についても諸説がある。ガンダーラの仏像は古代ギリシア由来のヘレニズム文化の影響を強く反映しており、写実的な人の姿で表現されている。古代ギリシアやローマでは、伝統的に神々を人間の姿で像にすることが一般的であり、ガンダーラでは仏像に対してもそれが行われた。仏陀の没後、仏陀を通常の人間とは異なった超人とみなす仏陀観が展開し、釈迦は生まれながらにして常人とは大きく異なる数々の外見的特徴、いわゆる「三十二相」を備えていると賛美されるようになる。すなわち、真っ直ぐに立った時に腕は膝に届くほど長く、指もきわめて長く、その間には水かきがある。
デフォルメ: 古くはエジプト絵画などにも見られる、横を向いている顔に正面を向いた目の形と正面を向いた身体を特徴とする人物造形などにもそのはじめは見られる。人体の構造からするとありえない顔と体勢なのであるが、人物を描く際はこう描くと意図して決定されていた様式である。日本の土偶などは、それがあくまでも人間を形作ることを意図して作ったものか、はたまた神や精霊など人外にあたるものを意図して作ったものかが定かでないため、人体をデフォルメして作ったものだとして語ることは適切ではない。デフォルメとは、対象となる原型を意図をもって変形して表現する手法なのであって、神や精霊はあのような非人間的な形をしているのだとして作られたのだとしたら、それはデフォルメではない。神や精霊をあくまで「見た」がままに写実的に表したことになるからである。埴輪についても同様である。
神神の微笑: 古代ギリシアの詩人・ホメロスが語る叙事詩「オデュッセイア」(英語名・ユリシーズ)が室町時代の日本に伝来して翻案され、「百合若大臣」の物語が生まれた、との説に従ったエピソードだが、この説は現在では否定されている。
古代ギリシアの彫刻: どれもが、人物の本質的な特徴を強調して一般化し、人間解剖学の理解をさらに正確に反映している。若者の像は埋葬か奉納のための彫像だった。その例には、初期作品であるアポローン(Bronze Statuette of Apollo,07.286.91、メトロポリタン美術館)や、後期作品だと アナフィ島(英語版)から出土のアポローン(Strangford Apollo,1864,0220.1、大英博物館)があり、他にもアナヴィソス(英語版)のクーロス像(Anavyssos Kouros,3851、アテネ国立考古学博物館)がある。この彫像には、以前の作品よりも筋肉や骨格構造が多く見られる。布をまとった娘の立像は、アテネのアクロポリス博物館の彫刻のように、幅の広い表現をしている。彼女らの衣装のひだ(ドレープ)は繊細さを持って彫刻および着色がされており、この時期の彫刻の細部に共通する緻密さである。
彫刻: エトルリアの特色はほぼ等身大という墓用のテラコッタ肖像彫刻で、通常は石棺の蓋の上に横たわっていて、その当時は片肘を突き上げる食事の姿勢だった。拡大する共和制ローマがギリシア領土を征服し始めると、最初は南イタリアで、それからパルティアの極東を除くヘレニズム世界全体で、高官およびパトリキの彫刻が主にヘレニズム様式の延長線上のものとなった。特にローマ時代の模刻のみ現存しているギリシア彫刻が多いため、具体的にローマの要素を解きほぐすのは困難である。紀元前2世紀までに「ローマで活動する彫刻家の大半」がギリシア人であり、コリントスの征服(紀元前146年)などで奴隷にされた者も多く、大半がギリシア人かつ多くの場合奴隷でもあった彫刻家は、名前が記録されることが稀だった。戦利品や強奪または商取引の結果として、膨大な数のギリシア彫像がローマに輸入され、しばしば神殿が再利用のギリシア作品で装飾された。
顔: 一般に顔(かお、かんばせ)とは、頭部の正面を指す。顔面(がんめん)ともいう。ヒトの顔には重要な感覚器である眼、耳、鼻、口などが集まり、かつ全体が左右対称になっている。視覚、聴覚、嗅覚などで周囲の環境情報を取得、状況を把握し、さらに呼吸や食事という生命維持に不可欠な活動を行っている。口は発声・会話によるコミュニケーションで中心的な役割を果たす。また顔つきと、顔のたくさんの小さい筋肉(浅頭筋)とそれらをコントロールした微細な動きが作り出す微妙な表情は、他人から見た印象を左右する、他の動物には見られない複雑さがある。表情は感情と密接に関連しており、意図的に表情を作ることもできるが、完全にコントロールすることは難しい。ヒトにとって表情は言葉(言語)を用いない非言語コミュニケーションの代表であり複雑な社会的コミュニケーションを可能とさせている。
古代ギリシアの彫刻: 一般に、ギリシア彫刻の最初期の具現は木彫りの偶像だと考えられており、パウサニアスにより最初は「xoana」と記述された。そうした木像はほとんど現存しておらず、恐らく何百年間にわたって崇拝対象だったのだろうが、その記述も曖昧である。収集されることになったギリシア彫刻の最初の欠片は、恐らくレフカンディ(英語版)のケンタウロス(Lefkandi Centaur)で、これはエヴィア島で発見された紀元前約920年とされるテラコッタの彫像である。この彫像はパーツに分解され、2つの墓に切り分けて埋葬されていた。このケンタウルスは膝の上に意図的な印があり、この彫像は多分ヘラクレスの矢で負傷して膝立ちとなっているケイローンの姿を描いたものではないか、と研究者たちは主張した。もしそうなら、これはギリシア彫刻の歴史において知られている神話の最初期の描写であろう。
古代ギリシアの彫刻: 彫像は元々は単体だったが、ヘレニズム時代では集団のものが支配的な形となった。レリーフ彫刻は、「高い」位置のため彼らがほぼ自立しているようで、やはり重要視された。
微笑の儀式: 大学で法医学を研究していた鳥沢良一郎は、夏の初め、奈良・法隆寺内の飛鳥仏を鑑賞中、30代半ば過ぎの男に声をかけられる。その男は、自分は止利様式の仏像が持つ「古拙の笑い」にとり憑かれている彫刻家だと云い、その大きな眼は情熱的な光を宿していた。秋になったある日、新聞掲載の展覧会評で、「微笑」という題の彫刻作品が取り上げられているのを目にした鳥沢は、予感を抱いて展覧会場へとおもむく。その彫刻の顔つきには飛鳥仏の特徴がよく出ていたが、作者はやはりあの時の彫刻家で、名を新井大助といった。新井に祝意を述べた鳥沢だったが、そのあと鳥沢を呼び止めた生命保険会社の調査員の男は、この彫刻の大きさが「人間の実物大」であり、「本当の人間の顔からそっくり取った」ものではないかと指摘、さらに、この彫刻とよく似た顔の宅間添子という女性が、最近死んだ事実を告げる。しかもその遺体はなぜか、「微笑んでいた」というのだった..
彫刻: 特に立像はリラックスしたポーズや片足屈曲(神の使いが飛来する表現)が多く、後者は天女としてアジア全域に普及した。ギリシャの葉状装飾も影響を及ぼし、コリント式のインド版が登場した。グレコ仏教美術の起源は、現在のアフガニスタンにあたるグレコ・バクトリア王国(紀元前250-前130)のヘレニズムに見られ、そこからのヘレニズム文化がインド亜大陸に流入して小さなインド・グリーク朝(紀元前180-前10)が興った。インド・グリーク朝やその後のクシャーナ朝(1-3世紀)のもと、ギリシア文化と仏教文化の相互作用はガンダーラ地域(現在のパキスタン北部)で開花し(ガンダーラ美術)、さらにインドへと広まってマトゥラーの芸術やその後グプタ朝のヒンドゥー芸術に影響を及ぼし、これが東南アジアの向こうにまで拡大していった。
壺絵: 壺絵(つぼえ)とは、本来実用品である陶器の壺の表面に、装飾として描かれた絵。三次元曲面上に描かれた絵であって、壺の表面を立体的に装飾加工したものとは区別される。古代ギリシアにおいては、実用道具として数種類の形式の陶器の壺が作られ、それぞれ分類された名前が付けられている。(例:アンフォラ・スキュフォス・レキュトス......等)この壺の外側に(平たい杯状のものでは稀に内部にも)、神話や英雄物語などの主題の絵が描かれた。モノクロの線描画が主流で、背景が黒いベタとなるものと、その逆に人物等が黒くなり背景が土色(または白色)となるものとの二種類が見られる。描線は細くしなやかで格調高く、様式化も高度に洗練されたものとなっている。彫刻とはまた別の古代ギリシア人の感性を知ることが出来る。これらは、イタリア半島南部のギリシア植民地やイタリア半島中北部のエトルリア人などにも輸出された。
引目鉤鼻: つむった眼は細長い墨線ひとすじで、低い外鼻は短い「く」の字形である。 また、顔の輪郭はしもぶくれで、口唇は赤い小さな点であるのも特徴とされる。 描写対象は高貴な人物であることが多い。 法隆寺の聖徳太子絵伝にその初期の例を見ることができ、源氏物語絵巻、扇面古写経の下絵の人物などが好例である。 眼の中ほどにかすかに瞳らしきものが描かれたり、眼の傾きによって人物の心理、表情を読み取らせたりする例もある。
モナ・リザ: 『モナ・リザ』に描かれている女性が浮かべている謎めいた微笑は、幾度となく多くの議論の的となっている。その微笑みは純真で魅力的だと形容されることもある。またダビンチの生きた時代のヨーロッパではキリスト教に権力が集中していた時代で、笑うことはいやしい人間の行なう振る舞い、または精神が錯乱した異常者の行いとして侮蔑され、誰もが自分の笑顔を隠しながら生活をしていた時代であった。 多くの研究者が、なぜ『モナ・リザ』の微笑が人々の心を魅了し続けるのかを明らかにしようとしてきた。研究者による解釈の幅は、人間の知覚における科学的な理論から、『モナ・リザ』に関して言われ続けてきたモデルの特定や作品の雰囲気の謎が影響しているというものまでさまざまである。
仏教の歴史: 仏陀を、グレコ・ブッディズム(英語版)と呼ばれる写実的な方法で最初に擬人化して表現したものは、 紀元前1世紀のインド・グリーク朝統治地域に見られる。仏陀の表現様式における要素のうち、ギリシアの影響が指摘されるものは数多く存在する。例えば、ギリシア・ローマのトーガ(長衣)のような両肩を被う波うったローブ(より正確には、ギリシアの「ヒマティオン」の簡易版)、立像において片足に体重がかかったコントラポストの姿勢(1世紀から2世紀にかけてのガンダーラにおける仏陀の立像を参照)、形が整えられた地中海地方にあるような縮毛や頭部の形(ウシュニシャ(英語版))が一見するとバチカンに保管されているギリシア神話の神アポローンの石像(紀元前330年。)から派生するとみられること、顔を構成する比率がまるで計測されたかのようであり全ての要素が写実主義によって表現されていること(ギリシア美術も参照)などである。
表情: エクマンによれば、文化的背景に関係なく、また文化が孤立しているか他の文化に曝されているかに関係なく他の感情との関係は文化普遍的である。生まれつき視覚と聴覚に障害を持つ人も、儀礼的な作り笑いなどはできないが、基本的な表情は健常者と共通である。
表情: チャールズ・ダーウィンは著書『人間及び動物の表情について』(1872刊)を書く前に、世界各地の先住民族へ手紙を送り、それぞれの表情についてアンケートをとった。このアンケートは現在の基準から見れば不十分な物であったが、その結果に基づいてダーウィンは表情は人類共通であると結論づけた。20世紀中頃まで、大部分の人類学者は表情は完全に学習の産物であり、文化間で全く異なると考えていた。1930年代にニューギニア島高地の先住民が「発見」されたとき、彼らが友好の記として笑顔を用いていたことは西洋の人類学者と社会学者を驚かせた。心理学者ポール・エクマンの研究は、怒り、悲しみ、恐れ、驚き、嫌悪、幸福感、表現に関する表情が人類共通であることをしめし、ダーウィンの100年前の主張を確かめた。
アルカイック期: 美術において、アルカイック期は、象徴的な様式と自然な様式の過渡期とされる。ギリシアに、エジプトやメソポタミアの巨大な彫像の影響が流入し、陶芸においても幾何学文様様式から、赤絵式の初期のものが見られるようになった。アルカイック期の初期には、陶芸と彫刻の両方にオリエントの影響が見られる。この時代はまた、ギリシア文字の発達と現存する最古のギリシア詩が伴う、ギリシア文学の革新の時代である。ギリシアにおいて、等身大の人間の石像はこの時代に作られ始めた。これは古代エジプトの石像に影響されてのことである。ギリシアにおいて、それらの彫刻は宗教施設や墓地などで現存しているものが発見されるが、同じ技法は祭儀の像を作るのにも使用された。アルカイック期の彫刻として最もよく知られるのはクーロスとコレーと呼ばれる、ほぼ等身大の正面を向いた若者や少女の像である。これらは紀元前7世紀中ごろのキュクラデス諸島で発展した。
自画像: 肖像画は古くより存在したが、神仏や社会に仕える存在だった画家が自らの姿を描くようになったのはそう古いことではない。古代ギリシアの彫刻家ペイディアスはアテナ像の持つ盾の模様に自身の姿を紛れ込ませた際、不敬罪に問われたとされる。西洋ではルネサンス期以降、画家や彫刻家は宗教画の群集の一部に自らを紛れ込ませたり、人物画のモデルとして扮装した自分自身を使うなどおずおずと自分自身を描くようになったが、それ以後の16世紀から17世紀にかけて、自画像は公然となり美術の重要なジャンルとなった。自らの姿を宗教画にまぎれさせていたころ、自画像を隅に描く目的は画家自らの謙虚さを表すことだったが、後には自らの姿をさらすことへの恥じらい、あるいは画家の虚栄心や自己愛や地位誇示の反映となった。自画像が盛んになると、自分の客観視を通じた自己探求、あるいは自分の理想化、自己の内面や存在の表現などが目的となっていった。
壺絵: アジアやヨーロッパにおいても、陶磁器の上に絵を描くことはなされたが、それらは壺全体の芸術性を高めることが主目的であり、「壺絵」として、絵が壺本体から独立した芸術であるという認識をされることがあるのは古代ギリシアの壺絵のみと思われる。
古代ギリシアの服飾: エフェソスのアルテミス神殿からは、かなり両の眉頭が近い黒い眉に赤茶色のアイシャドー、緑のアイライン、赤茶の頬紅と口紅という化粧をした紀元前530年ごろのものと思われる女性の像が発見されている。
ローマ美術: 肖像彫刻が発達した。現実の人間や事件をテーマにして造形芸術で表現するという習慣は、多くの個性的な肖像彫刻や、トラヤヌス円柱浮彫などの壮大な叙事作品を遺した。これは、戦勝祝を神話で比喩的に表現するギリシアの習慣とは異なる、ローマ美術の特色である。一方、ウェヌスやメルクリウスなどの神像としては、ギリシア彫刻の模刻が大量に制作された。今日、ギリシア時代の巨匠の原作は殆ど消失しているので、ローマ時代の模刻(ローマンコピー)を通してのみ作風を知ることができる。ルネサンス以来の西欧におけるギリシア彫刻のイメージは、ローマ人のフィルターを通しているのである。そのギリシア彫刻の影響を受け、ローマ美術の代表作としてしばしば挙げられるのがプリマポルタのアウグストゥスである。
古代ギリシアの陶芸: 絵付師は戦車の行進などの幾何学様式時代の典型的な場面を好んで描いていた。しかし、単なるシルエットではなく描線を加えるようになっている。紀元前7世紀中盤には白地に黒で図像を描く様式が登場し、肌や衣服の色彩装飾を伴っていた。アテナイで使っていた粘土はコリントスよりもオレンジ色が強く、そのままで肌色を表すことは容易ではなかった。アッティカの東方化様式時代の絵付師としては、「アナラトスの画家(英語版)」、Mesogeia Painter、Polyphemos Painter などがいる。クレタ島やキクラデス諸島では、陶器の胴や口の部分を動物や人の頭部の形状にしたものが流行した。アイギナ島ではグリフォンの頭部を模した陶器が最も多い。パロス島で作られたアンフォラはコリントスの東方化様式の影響をほとんど受けていないように見受けられる。
胸像: 胸像は、主に人物肖像画を立体化したものであり、その人物を模して作るものである。人物の顔の形を写実的に再現することに重きをおかれる。これはおそらく人物を識別する場合に、顔とその周辺(頭部・首・肩・胸部)などに自然に視線が向くことに由来するのであろうが、こういった胸像は古代ローマの時代より世界各地で数多く制作され、また石を使った物では古い物もよく保存されており、当時のそれら人物の面影を現代に伝えている。このような物品が制作される目的は後述の通りではあるが、古くは特に偉人や貴人の功績を留める記念・顕彰の目的で制作されたため、過去の権力者や偉人・貴人の姿を模したものが多く現存する。
古代ギリシアの彫刻: とはいえ、それらが表現していたスタイルはまだ現実的な肖像画の形にまでは発展しなかった。アテネに設置されたハルモディオスとアリストゲイトンの彫像は、貴族的な僭主政治の崩壊を示すもので、実際の個人を表している最初の公的記念碑と言われている。古典期では、建物の装飾として彫像や彫刻を使用するものが多く見られた。アテネのパルテノン神殿やオリンピアのゼウス神殿といった古典期の特徴的な神殿はフリーズ(小壁)を飾るためのレリーフ彫刻を使用し、ペディメントの三角形の妻壁を埋めるために円形の彫刻を施している。困難な審美的かつ技術的な挑戦は、彫刻技術革新の道を大いに刺激した。 これらの作品の大半は例えばパルテノン神殿のように断片だけが現存しており、その約半分は大英博物館にある(エルギン・マーブル等)。
ギリシア神話: ギリシア神話(ギリシアしんわ、ギリシア語: ελληνική μυθολογία)は、古代ギリシアより語り伝えられる伝承文化で、多くの神々が登場し、人間のように愛憎劇を繰り広げる物語である。ギリシャ神話とも言う。古代ギリシア市民の教養であり、さらに古代地中海世界の共通知識でもあったが、現代では、世界的に広く知られており、ギリシャの小学校では、ギリシャ人にとって欠かせない教養として、歴史教科の1つになっている。ギリシア神話は、ローマ神話の体系化と発展を促進した。プラトーン、古代ギリシアの哲学や思想、ヘレニズム時代の宗教や世界観、キリスト教神学の成立など、多方面に影響を与え、西欧の精神的な脊柱の一つとなった。中世においても神話は伝承され続け、その後のルネサンス期、近世、近代の思想や芸術にとって、ギリシア神話は霊感の源泉であった。
古代ギリシアの彫刻: 私たちはほとんど知らないがアクロリス(英語版)以外にも、ほとんどの古代文化において木に彫刻の伝統は疑いようもない。青銅には常に重要な解体価値があるため、オリジナルの青銅はほとんど現存していない、とはいえ近年の海洋考古学やトロール網引き上げではアルテミシオンのブロンズ像(英語版)やリアーチェのブロンズ像(英語版)など幾つかの素晴らしい発見があり、これらが現代理解を大きく広げている。ローマ時代(紀元前30年-紀元後450年)の多くのコピーは、元々はブロンズ製だった作品の大理石版である。アルカイック期には普通の石灰岩が使われ、しかしその後は建築彫刻や装飾のためだけに使われた(現在のイタリア地域を除く)。たまに漆喰やスタッコが髪の毛だけに使用されていた。
ギリシア神話: 天体の新発見が相次ぎ命名に使用するギリシア神話の事物が枯渇し始めると「神話の神々の名を使用する」という慣行による命名が行われており、21世紀になってもなお天文学においてギリシア神話の影響は強い。医学においても医療の象徴にアスクレーピオスの蛇の杖が使用されるなど、ギリシア神話にゆかりのある物が多数ある。アキレス腱、エディプスコンプレックスなどはギリシア神話由来である。また心理学を意味するサイコロジーの「サイコ」も心の女神プシューケーに由来するほか、性愛を意味する「エロス」は愛の神エロースに由来し、「恐怖」「嫌悪」を意味する「フォビア」は「フォボス」に由来する。ギリシア神話はイタリア人文主義の絵画の主題だけではなく、様々な絵画・視覚的芸術の主題ともなる。
ポール・エクマン: エクマンはパプアニューギニアの部族民などを調査することで、基本的な感情のリストを作った。彼は孤立し石器時代の文化で暮らす人々が、他の異なる文化の人の表情を写した写真から意図を正しく読み取れることを確認した。この証拠によって、エクマンは次の感情が全人類に普遍的であり、生物学的基盤を持つと結論した。90年代には以下の表情を追加した。
オルメカ: 特徴的な美術としては、巨石人頭像やベビーフェイスと呼ばれる石像が挙げられる。大きな石彫だけでなく、ヒスイのような宝石を使った小さなものもあった。巨石人頭像は、大きいもので3メートルもの高さがある巨大な石像である。胴体は存在せず、頭部だけが作られたものと考えられている。左右に広がった低い鼻や厚い唇といった顔立ちは、ネグロイド的ともモンゴロイド的ともいわれる。
仏教美術:  北朝の影響が強い高句麗の仏像に比べ、梁などの南朝とも密接に交流していた百済の仏像は、美術史家には百済の微笑(英語版)と呼ばれている、神秘的で穏やかなアルカイックスマイルを浮かべているものが少なくない。 また、新羅では6世紀後半から7世紀後半にかけて半跏思惟菩薩像が盛んに作られた。これは、中国のものからは独立した形式であった。この様式は、日本の広隆寺伝来の宝冠菩薩にみられるように、奈良時代の日本の仏像様式に大きな影響を与えた。これらの朝鮮の文化に根ざした様式は、日本の初期仏教美術にも見ることができるのは、仏教が伝来して間もない、飛鳥時代の仏像制作に(主に百済出身の)渡来人が携わっていたからであると考えられている。上述の半跏思惟像などは、その典型例であろう。
彫刻: それらは明らかにエジプト様式およびシリア様式の影響を受けているが、ギリシア芸術家はその様式内で多くの実験を試そうとした。6世紀にギリシア彫刻は急速に発展し、さらに自然主義的になり、物語の場面では人物のポーズがより活発で多彩であるが、依然として理想化された慣習の内側にいた。アテネのパルテノン神殿など各神殿に彫刻を施したペディメントが追加され、そこにあった約520体の人物像を使ったペディメントは紀元前480年のペルシアによるアテネ包囲戦後に幸運にも新しい建物の内装として使用され、気候影響のない未劣化状態で1880年代に再発見された。それ以外の重要な建築彫刻の遺物は、イタリアのパエストゥム、ケルキラ、デルポイ、エギナ島のアフェア神殿から来たものである。大部分のギリシア彫刻には、もともと複数の彩色が施されていた。
古代ギリシアの彫刻: 神殿の偶像や豪華な作品に使われるクリセラファンティーネ(英語版)彫刻には金箔が使用され、姿形の部分(顔や手)は象牙で、恐らくは宝石や他の素材もあっただろうが、さほど一般的ではなく断片だけが現存している。多くの彫像には、取り付けるための穴から見て宝石が据えられ、武器または異なる材質の別の物体を握っていた。
古代ギリシアの彫刻: 全ての古代ギリシア・ローマにおける神殿は通常、小広間(Cella)に偶像があった。小広間へ行くのは様々だったが、司祭とは別方向からで、少なくとも一般的崇拝者の一部は時おり小広間に行くことが可能だった。けれども神への犠牲は通常、神殿の境内の外側にある祭壇(ギリシャ語でTemenos)で行われた。偶像の中には見るのが簡単で、主要観光スポットと呼ばれたものもあった。像は通常だと神の立像で、元々は実物サイズよりも小さな形だったが、典型的にはおおむね実物大である。中には実物の何倍もの大きさで、大理石やブロンズで作られ、特に高名なクリセラファンティーネ(英語版)彫像は目に見える体の部分には象牙を使い、衣服や木製の枠組みの周囲には金を使用している(横の写真参照)。
グラスゴースマイル: グラスゴースマイル(Glasgow smile)とは主にアメリカなどの海外で使われる「口の裂けた顔」を表す言葉である。ナイフなどの刃物を使用して裂いた「笑っているような」口を意味し、アメリカなどではジャンルの1つとなっている。また、実際にナイフなどで口を裂くと、多量出血で死んでしまうケースがあるため、架空のキャラクターなどがほとんどである。
地中海人種: 地中海人種(ちちゅうかいじんしゅ)はかつての自然人類学におけるコーカソイドの下位区分の一つ。1899年ウィリアム・Z・リプリーにより北方人種、アルプス人種と共に定義され、主に地中海北西岸(フランス南部、イタリア、イベリア、ギリシャ、小アジア、パレスチナ、コーカサス、北アフリカ(ホワイト・アフリカ)、地中海の島々など)に住む。東欧やアジアの地中海人種も、東方の人種集団の影響を受けている。この人種に属する人々は一般に濃い褐色の髪を持ち、瞳の色もそれに伴う。彫りの深い顔立ちをしており、頭蓋は細く長い(長頭)。彼らが築き上げた古代ギリシャ・ローマ時代をヨーロッパ人の父祖とする憧れも相まって、その時代に残された彫刻の顔立ちは美の典型とされた。現在でも美しい顔をした人に対する譬え文句として「ギリシャ彫刻のような」という慣用句が存在する。
西洋美術史: プロト・コリントス式陶器やコリントス式陶器など、こうした装飾モチーフを利用して制作された作品はギリシア美術の中でも特に東方化様式と呼称し、区別されている。一方、アテネでは叙事詩や物語への関心が高まったことによりこれらをモチーフとした陶器や彫刻が制作され、これらはやがて神話表現へと昇華していくこととなった。紀元前7世紀に入るとエジプト彫刻の影響で大掛かりな彫刻が制作されるようになり、この頃作られた男性裸体像(クーロス(英語版))は既に両足を前後させて体重を均等に支えるポーズをとっており、ギリシア彫刻としての特徴が見て取れる。ここまでに培われた表現基盤と技術的要素を背景として紀元前7世紀中盤ごろよりギリシア美術において最も創造力に満ちたアルカイック美術が展開された。
西洋美術史: 都市や建築の遺構は少ないが、ギリシア美術で頻繁にモチーフとされた神話を描いた陶器などが出土している他、墓室壁画においては葬儀宴会、舞踏、競技、狩猟など日常生活に密着したモチーフが好んで選択されており、エトルリア人独自の来世観を保持していたことが伺える。紀元前7世紀から顕現したこうした兆候はヘレニズム期まで継続していた。彫刻分野も遺例が少ないものの、紀元前6世紀末に活躍したウルカ(英語版)はエトルリア人彫刻家として名が知られている特筆すべき人物で、ヴェイオから出土した「アポロン」など、イオニア彫刻の影響を強く受けたテラコッタ像を制作している。紀元前5世紀初頭の古典期に突入すると政治、経済の衰退と共に美術的活動も新鮮味と活力が失われ、様式的にも停滞した。
ポーカーフェイス: ポーカーフェイス(Poker face)とは、感情を表に出さない無表情な様子のこと。
ミイラ肖像画: 希少な現存する古代の優れた絵画作品として、ミイラ肖像画は最大の規模を誇り、その後のエジプト国内の初期キリスト教時代(コプト美術 (en:Coptic art) のみならず、ビザンティン美術や中世以降の西洋美術における板絵へと、その伝統を伝えていった。ミイラ肖像画は、埋葬のためにミイラ化された死者の顔部分におかれていた。出土したときの状況から、埋葬者の身体に巻きつけられていた帯状の布に差し込まれていたと考えられている。現在世界各地に所蔵されているミイラ肖像画は、もともとのミイラから外されて保管されているが、カイロのエジプト考古学博物館、ロンドンの大英博物館では、ミイラと共に出土時の状態で所蔵されている。単独の人物の頭部、ないし頭部から胸部が、正面を向いた構図で描かれているものがほとんどである。美術史的な観点からすると、エジプト美術ではなく古代ギリシア・ローマの美術様式から派生したものである。
胸像: 胸像(きょうぞう)とは、人間の胸より上の部分をかたどった像のこと。 広義では絵画(胸像画)を含める場合もあるが、ここでは彫像や塑像などの立体像について解説する。
黒絵式: 黒絵式(くろえしき、英: black-figure)は、紀元前7世紀からあらわれた古代ギリシア陶器の壺絵の技法の一つである。黒像式(こくぞうしき)とも呼ばれる。黒絵式の時代は、特に紀元前7世紀から5世紀の間とされるのが一般的だが、紀元前2世紀頃と遅い説もなされている。技法のスタイルは、黒絵式より先に起きた東方化様式と続いて起こる赤絵式の時代と区別された。素焼きの明るい地の上に黒色を主とする装飾画が描かれるのでこの名称がある。焼成前に人物像などを黒色の平塗りで形をとり、細部は針で引っ掻いて白や赤線で描かれるので、きびきびとした描線を特色とした。紀元前7世紀のコリントスで発明され、アッティカ(アテナイ)に伝わった。重要な生産拠点としてラコニア(スパルタ)、ボイオーティア、エウボイア島のエレトリア、東部ギリシア、エトルリアなどに広まっていった。
ハート形土偶: ハート形土偶 (ハートがたどぐう)は、縄文時代に制作された人物土偶の一つ。顔面がハート形を呈することからこの通称がある。
ミイラ肖像画: 両者には直接の関連性があるのではないかともされているが、ミイラ肖像画は膨大な古代ギリシア・ローマの伝統のごく一部に過ぎず、後世の古代末期芸術やビザンチン芸術には、これら古代ギリシア・ローマの芸術すべてが影響を与えたと考えるのが自然である。セラピスとイシスが描かれた一対のイコンが、ロサンゼルスのJ・ポール・ゲティ美術館に所蔵されている。紀元前からローマで信仰されていたミトラ教の美術品と同じく、宗教的美術品の最初期の例は彫刻や壷絵だが、3世紀ごろから制作されたレリーフや絵画作品も発見されている。
顔: 顔はその人物を代表するものとして扱われる。また、顔の表情が対人関係において重要であることから表情や感情を指す場合もある。表情や感情の変化によって温度や色が変わることがあることから以下のような言葉もある。また、「顔役」「番組の顔」「朝の顔」など、ある特定の分野などを代表する人物やものを「顔」と評することがある。
ギリシア美術: ギリシア美術(ギリシアびじゅつ)は、現在のギリシャ共和国を含むバルカン半島、アナトリア半島などの古代・中世のギリシア人居住地域を中心に発展した美術および、現在のギリシャ共和国の美術。単に「ギリシア美術」といった場合は、古代ギリシア時代の美術を指すことが多い。
拈華微笑: 拈華微笑(ねんげみしょう)とは、禅宗において禅の法脈を釈尊が摩訶迦葉に微妙の法門として付嘱したとする伝説のこと。禅宗の起源を説く寓話であり、公案の一つでもある。宋代以降の禅宗において、不立文字・教外別伝の立宗の基盤を示すものとして重用された。
スマイル: スマイル(英語: smile)は、英語で微笑みのこと。
栄笑: 栄笑(えいしょう、生没年不詳)とは、江戸時代の浮世絵師。
古代ギリシアの陶芸: John Boardman は「彼らの経歴、共通の目的、競争を解き明かしたことは、考古学の成果ということができる」としている。次の世代のアルカイク期後期の絵付師(紀元前500年から480年)は、自然主義的な作風を増大させ、横顔の目の描き方にもそれが現れている。この時期には絵付師が大型陶器を専門とする者と小型陶器を専門とする者に分化していった。大型陶器の絵付師としては「ベルリンの画家(英語版)」と「クレオフラデスの画家(英語版)」がおり、小型陶器の絵付師としてはドゥーリス(英語版)やオネシモス(英語版)がいた。紀元前480年から紀元前425年にかけて、赤絵式は様々な流派に発展していった。ミュソン(英語版)の工房と結びつけて見られるマンネリストと呼ばれる絵付師たちや「パンの画家 (Pan Painter)」などは、衣服の描き方やポーズが古風で誇張された身振りを伴っていた。
彫刻: ところで古代彫刻の大部分は彩色が施されていたものの、こちらは失われている。彫刻は多くの文化で信仰宗教の中核となっており、個人で作るにはあまりに高価な大型の彫刻は100年程前まで一般に宗教や政治の表現だった。彫刻が大量に現存する文化としては、古代地中海、インド、中国、それから中南米やアフリカ諸国にも多い。西洋彫刻の伝統は古代ギリシアで始まり、古典時代に偉大な傑作を生み出したと広く見なされている。中世時期のゴシック彫刻は、キリスト教信仰の苦悩と受難を表現した。ルネサンスにおける古典期モデルの復活は、ダビデ像 (ミケランジェロ)などの有名な彫刻を生み出した。モダニズム彫刻は伝統的なプロセスから離れて人体の描写に重点を置いたり、寄せ集め彫刻を製作して、完成した芸術作品としてファウンド・オブジェを披露するに至った。
ソシオニクス:  タイプの特徴を普段の顔の表情や視線の一定性に結びつける考えも存在する。
浮絵: 浮絵(うきえ)とは、江戸時代に描かれた浮世絵の様式のひとつ。
自画像: 芸術作品における芸術家自身の姿は、古代エジプトの壁画や、古代ギリシアのアンフォラ(壷)の絵柄などに現れる。特定の芸術家の自画像に関する最初期の言及は、古代ギリシアの哲学者で伝記作家のプルタルコスの書物に見られる。彫刻家ペイディアスは、パルテノン神殿に収められる女神アテナの巨像を制作したが、アテナの持つ盾に描かれた「アマゾン族との戦い」の中に自分自身に似た人物を彫ってしまったという。「アマゾン族とギリシャ人との戦い」のモチーフはアテナ神像のほか、神殿西壁にも浮き彫りにされていた。
古代ギリシアの陶芸: これを πρόθεσις / prothesis(死者の陳列と悲嘆)または ἐκφορά/ ekphora(墓地への棺の輸送)と呼ぶ。若干盛り上がっているふくらはぎ以外の体の部分は幾何学的に単純に表現されている。戦士像はディアボロのような真ん中が細い盾で隠すようにしており、その特徴的な描き方から “Dipylon shield” と呼ばれている。馬や戦車も遠近などを考慮せずに横から見た形が描かれている。絵付師の署名がないため、この絵付師を「ディピュロン・マスター(英語版)」と呼んでおり、いくつかの記念碑的アンフォラもこの絵付師のものとされている。この時代の末期にはギリシア神話を描いた陶器が見られるようになった。ほぼ同じころホメーロスがトロイアの叙事詩環を『イーリアス』や『オデュッセイア』にまとめたと考えられる。
古代ギリシアの陶芸: 赤絵式(あかえしき red-figure)の技法は紀元前6世紀末にアテナイで生まれた。赤像式(せきぞうしき)とも呼ばれ、黒絵式のような線刻ではなく描線で詳細を直接描くことで表現の幅が広がった。赤絵式の初期の絵付師は、黒絵式の絵も描いたしシックステクニック(英語版)と呼ばれる技法や白地技法(英語版)も使った。白地技法は赤絵式と同時期に開発された。しかし約20年もすると、Pioneer Group は人物像を主題とする陶器には常に赤絵式を使うようになり、黒絵式は初期の花模様にのみ使うようになった。彼らは偉大な芸術家だったというだけでなく(特にエウフロニオスとエウテュミデス(英語版))、何らかの価値観と目標を共有して意識的に活動していたという意味でも注目に値する。ただし、彼らが作品以外に何かを書き残したというわけではない。
陰毛: 西洋では宗教による禁欲主義的な思想の影響等から、陰毛や性器の表現が抑制される傾向が古くからあった。しかし、古代ギリシアに造られたアリストパネスの喜劇『女の平和』には浴場での女性同士の会話として話相手の陰毛が綺麗に脱毛されている事に言及する場面がある。また、イタリアルネサンスの代表的な芸術家であるミケランジェロの彫刻・ダビデ像(1504年)には若い男性の陰毛が表現されている。女性の裸体を描いた絵画や彫刻は古代から数多く存在するがはっきりと陰毛が描かれる様になったのは、19世紀後半のギュスターヴ・クールベによる『世界の起源』(1866年)や20世紀の前半に活躍したベルギーのポール・デルヴォーの絵画辺りからである。女性の陰毛が表現されるのが遅くなったのは西洋においては古代ギリシャ以来、美しい女性は陰毛を含めて体毛を抜いておくのが身だしなみだとされていた事が大きな要因と考えられる。
表情: 基本的な感情とそれに結びついた表情は文化普遍的だが、その表現の強さは文化によって大きく異なる。エクマンのアメリカ人と日本人を対象とした調査によれば、調査員から悲惨な映像を見せられたとき、アメリカ人は困惑したそぶりを見せるが、日本人は儀礼的な笑顔を崩さない傾向があった。しかし誰も同席していないとき、アメリカ人も日本人も顔をしかめた。文化によって、どのような感情を見せることがタブーであるか、好まれないかに違いがある。一部の科学者はなぜ表情がどれほど訓練しても自在にコントロールできないかを疑問に考えた。コミュニケーション信号はそれのやりとりによって発信者と受信者がともに利益を受けられるときに進化する。そのために、アモツ・ザハヴィやジャレド・ダイアモンドなどは、一部の機能が明確ではない表情(泣く、驚くなど)はハンディキャップ信号として進化したのではないかと推測した。
壺: 壺は実用的な道具としてばかりでなく、装飾品として作られる場合も多く、陶磁器の発達した中国を中心とする東アジアで発達した。一方、古代ギリシアにおいては、壺をむしろ絵を描くための素材(台)とみなした壺絵の文化が発達した。また、生命力の象徴として壺自体が装飾のモチーフとされた。古代オリエントでは生命力を象徴する生命の木と呼ばれる文様があったが、ヨーロッパに伝播する過程で「生命の泉」を表す壺の中から植物がのびた図像に変化し、装飾の図柄として好まれた。初期のキリスト教世界では、壺はキリストの復活と再生を象徴する洗礼盤を暗示し、キリスト教の信徒を象徴する鳥獣が壺の左右から水を飲む文様は、キリストと信徒の関係を示すモチーフとして重要な役割を持った。中世になると生命の象徴や宗教的な意味は失われたが、アラベスクや染織の文様などで、花とともにデザインの構成物として好まれ続けた。
パルミラ: 寄り掛かった姿でぶどう酒の盃を手にする構図は、紀元前7世紀のメソポタミアのアッシリア王アッシュル=バニパルの饗宴図浮彫り(紀元前650年頃、大英博物館所蔵)にあるように、もともと古代西アジアの風習であったものが地中海に伝わり、変遷したことがギリシアの青銅像(紀元前6世紀)や壺絵(紀元前5-前4世紀)などから知られる。ローマ時代にそれがパルミラにも伝来し、神々の饗宴と同様、死後も永遠の楽園にいることを示すものになった。墳墓から発掘された肖像はローマの彫像などを想起させるが、M・ロストフツェフはパルミラの美術を単にギリシア・ローマ美術の一形態とせず、東方のドゥラ・エウロポスやハトラとともに、ほぼ同時代の「パルティア美術(英語版)」と名付けた独特な美術の1つとした。
顔:  どのような形が美しいかは、文化によって、また時代によっても異なる。例えば日本人は頬骨やあご骨が発達していない顔を美人とする傾向がある。その一方、頬骨が発達しにくい欧米人は逆に頬骨を張っている方が美人とする向きがあり頬骨を嵩上げする整形手術の方が多い。 顔の見た目はヒトにより評価が様々だが、魅力的な顔が持つ特徴については、さまざまな観点で研究が行われている(美人の項を参照)。近年、身長、体格に比して小さい顔「小顔」を好ましいこととしてそれを求める風潮がある。一方で北米圏においては「脳が小さい」というイメージを与えるため「小顔」という概念は寧ろネガティブなイメージを与える。顔の大きさと特徴を持った細工物を面、あるいは仮面、マスクという。
哄笑: 笑いの種類を動作から分類したとき断続的な呼気を伴うものをさし呼気を伴わない微笑とは対になる。微笑が新生児の頃から既に確認できるのに対し哄笑は生後3〜4ヶ月ぐらい経過しないと出現しない。なんらかの外的刺激への反応として生じる外因性のもので、社会的微笑から派生したものと考えられている。しかし、笑いを喚起する刺激には驚きや恐怖をもたらす要素が含まれることから、実は社会的微笑から発達した物でなく発達して先行する泣きから派生したと考える学説もある。
古代ギリシアの陶芸: 同様に Arthur Dale Trendall、Humfrey Payne、Darrell A. Amyx がそれまで見過ごされていたアプリアやコリントスの系統を年代順にまとめた。Beazleyらはまた、陶器の破片を研究してそれらに描かれている絵の断片がどの絵付師のものか推定していった。このような陶器片を disjecta membra(散乱した部分)と呼び、別々のコレクションに同じ陶器を構成する破片が含まれていることもよくあることがわかっている。
古代ギリシアの陶芸: 絵付けの主題が多様化したことを特徴とし、スフィンクス、グリフォン、ライオンなどが描かれ、陶器の胴の部分に帯状に神話的ではない様々な動物を並べて描くという作風が見られる。さらにこの帯状装飾にハスや唐草の模様を加えるようになっていった。人物像は比較的まれである。よく見られるのは人物のシルエットを描いて若干の細部を描いたもので、後の黒絵式の原型とされている。絵は我々が絵付師を識別できる程度の詳細さで描かれている。東方化様式の元になった原コリント様式では幾何学模様も残っており、同時期に幾何学様式の陶器も生産されていた。コリントスの陶器はギリシャ全土に輸出され、その技法がアテナイに伝わると、そこで東方の影響がやや薄れた新たな作風が発展した。この時期の様式を原アッティカ様式 (Proto-Attic style) と呼び、東方的な主題が描かれているがそれほど写実的ではない。
ゴルゴネイオン: マリヤ・ギンブタスによると、ゴルゴネイオンはダイナミックな生命エネルギーを持つとされる地母神信仰文化に由来し、ヨーロッパオリジナルの肖像であると論じた。それに対してジェーン・エレン・ハリソン(英語版)は、これは原始的な宗教心から生まれたものであり、恐怖の像を所有することで、何か恐ろしいものを取り除いてくれるような英雄が登場するであろうことを期待して作られたものと主張している。