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のっぺ: 短冊もしくは小さく角切りにしたサトイモを主とし、鶏肉、ニンジン、ゴボウ、油揚げ、加熱したイクラ、ホタテガイの干し貝柱、椎茸、銀杏、筍、レンコン、蒲鉾等を加えた煮物である。地域や家庭あるいは個人の好みにより使用される具材の種類や、暖かいままであるか常温や冷やした状態で食されるかなど、多様な組み合わせが存在する。また、具材の切り方によって祝儀、不祝儀に出される煮物になる。サトイモによって「とろみ」が自然につくため、片栗粉やデンプンは必須ではない。イクラは加熱せず生のまま添えられる場合もあり、またイクラを加熱したものをとと豆(「とと(魚魚)」は魚の幼児語である)と呼ぶ地域もある。主に正月や冠婚葬祭の場で各家庭で食べられてきたが、近年では時期を問わずに食べられる傾向があるほか、郷土料理店や居酒屋や惣菜店でも提供している場合がある。
きぬかつぎ: 衣かつぎ(きぬかつぎ)は、サトイモの小芋を皮のまま蒸し、その皮を剥いて食べる秋の料理、酒肴。
いもなます: 長野県北信地方、飯山市などに伝わる郷土料理で、飯山市ではこれを選択無形民俗文化財に指定している。千切りにして水にさらしたジャガイモを炒めて作る。冠婚葬祭のもてなしに、あるいは精進料理として供される。味付けは醤油や唐辛子、カレー粉など家庭によって異なる。ニンジンを入れると彩りが良くなるが、葬儀の際は避ける。
かて飯: かて飯(かてめし)は、米に他の穀物や野菜・海藻などの食品を混ぜて炊いた飯。「かて」ともよび、「糅飯」とも書く。
芋ケンピ: 芋ケンピ(いもけんぴ、芋けんぴ)は、サツマイモを短冊状に切り、植物油で揚げ、砂糖を絡めた和菓子。揚げ菓子の一つ。
煮こごり: 煮こごりのゼラチンは加熱によって融解するため、そのまま鍋に入れて煮溶かし、熱いうちに調味料として利用したり、あるいは熱い食材にのせて融かしたりする。日本では熱いご飯の上に載せたりする丼物(丼に白米と共に盛り付けた料理)などがみられる。2009年2月22日に神戸市須磨区で行われた須磨発B級グルメ発掘グランプリでは、地アナゴの煮こごりを載せた「須磨丼」が優勝した。
具雑煮: 島原藩領だった島原半島一帯で作られている郷土料理で、正月の食事に供される。餅、野菜、鶏肉、魚介類などの具を豊富に入れて煮込んだ雑煮である。だしにはカツオやいりこ、あごやこんぶを用い、具には鶏肉、高野豆腐、蒟蒻、里芋、白菜、椎茸、春菊、大根、ごぼう、人参、法蓮草、蒲鉾、丸餅などを使用する。使う材料は地域や家庭によって、まちまちである。2007年(平成19年)には、農林水産省の「農山漁村の郷土料理百選」に、卓袱料理とともに選ばれている。
桜飯: 桜飯(さくらめし)は、醤油味で具のない炊き込みご飯。研いだ米に醤油、塩、酒、味醂、出汁などを加え炊き上げたもの。
南部煎餅: せんべいを丸く仕上げる過程で、型からはみ出してしまった部分は切り落とされるが、この部分を集めた「せんべいのみみ」と呼ばれる食べ物もあり、地元ではこちらも人気がある。青森の南部地方と岩手の県北地方の周辺では、醤油仕立ての汁にこれを加えたせんべい汁という料理があり、寒い時期の定番料理として広く親しまれている。煎餅を煮込んで軟らかくすると、同じように小麦粉を原料としたすいとんなどに似た味わいになる。汁に入れて煮込んでも煮くずれしにくい、汁用に作られた「おつゆせんべい」もしくは「かやきせんべい」と呼ばれる調理用のせんべいを使用することが多い。お菓子である白せんべいやごませんべいを使用することも稀にある。なお、ピーナッツ入りを使用することは無い。
芋煮会: サトイモが日本に伝わったのは縄文時代とされるが、里芋は煮て食べるよりは茹でるか焼くか蒸すかが主な調理法であったと考えられるため、「芋煮」の成立は更に後世と考えられる。江戸時代、米の不作に備えてサトイモが作られており、「芋煮」自体は家庭料理としても食べられていたが、サトイモの収穫時期に合わせて「芋煮会」の原型とみられることが農村部で行われていた。ただし、江戸時代には豚肉や牛肉などの肉類は一般に食べられていなかったため、現代のように芋煮に肉は入っていなかったと考えられる。「芋煮会」の原型は、野外で集団で鍋料理を囲む収穫祭的な意味合いの行事だったが、村をあげてのものだったという記載はないため少人数で行ったとされる。
煮しめ: おせち料理の起源は数種の煮しめから始まったといわれている。おせち料理の重箱の構成では与の重(四段目)あるいは三の重(三段目)を構成する。
ふちゃぎ: 旧暦6月は沖縄県では米の収穫時期であり、豊年満作を感謝してヒヌカンや仏壇に供えられる。また、八月強飯はもち米と小豆で作る赤飯で、同じくヒヌカンや仏壇に供えられる。
雑煮: 室町時代に書かれた『鈴鹿家記』に初めて「雑煮」という言葉が登場する。これ以前の名称ないし形態については諸説あり、そのうち一つの名前は烹雑(ほうぞう)といわれる。雑煮を元来は武家社会における料理であり、餅や野菜、乾燥食品などを一緒に煮込んだ野戦料理だったのではないかと考えられる。この説によれば、正月に餅料理を食する慣習は古代より「歯固」の儀式と結び付いた形で存在しており、それと関連して発生した。雑煮は元は烹雑(ほうぞう)と呼ばれており、この料理が次第に武家社会において儀礼化していき、やがて一般庶民に普及したものとみられる。雑煮については、武家での儀礼である式三献での料理であるとする見解がある。
マロンパイ: ガストロノミー的観点から考えると、15世紀にバルトロメオ・プラティーナが発表した論文「名誉ある喜びと健康について」が初出である。同著者の別の料理本では、 乳鉢と乳棒を使用して栗をすりつぶし、ミルクを加えた後、混合物を濾す処理を施したものがレシピとして掲載されている。 ここでは栗の他に、パイ生地にスペルト小麦を用いたタルトを作るためのレシピについての説明があり、色付けにサフランを加えることが推奨されている。16世紀になると、ルネサンス時代を代表する料理研究家バルトロメオ・スカッピの手によって1570年頃に編纂された大作の料理本「Opera dell'arte del cucinare」で新たに発表された。このレシピでは完熟していない栗を乾燥させたものを用いることを推奨している。
おつけだんご: 味噌汁の中に旬の野菜と小麦粉を水で溶いた団子を入れた料理で、しょうゆ味や塩味などそれぞれの家庭によって味や具は様々である。養蚕が盛んだった市内の農家で食べられてきた料理であり、現在町おこしとしてB-1グランプリにも出展されている。これをイメージした「おつたろう」・「おつけちゃん」というキャラクターもいる。すいとん・だご汁・ひっつめ・はっと等、似たような料理がある。おつけだんごが誕生したいきさつは不明であるが、大月市には「大月桃太郎伝説」という伝承があり、これが料理として伝えられたという説がある。また、名前の由来として味噌汁の別称である「おみおつけ」と「団子」を組み合わせた説、「大月」を「おつけ」ともじってつけられた説など様々である。小麦粉で作ったものを野菜と一緒に味噌ベースの汁に入れて食べる点では同じ山梨県の郷土料理であるほうとうやみみとよく似ている。
きんとんまんじゅう: きんとんまんじゅうは、隠元豆の粒あんを用いた饅頭である。地方の銘菓、土産菓子でもある。
おでんぶ: おでんぶ、またはでんぶ、れんぶ、おれんぶは徳島県の郷土料理。徳島県には金時豆を使った郷土料理が多く、本品もそういった金時豆を用いた郷土料理である。下茹でしておいた金時豆を大根やごぼうといった根菜と煮込んで、醤油と砂糖で甘辛く味つけする。地域によっては、梅干しを加えることもある。正月に白味噌仕立ての雑煮や煮しめととも供されたり、新築の棟上げ式のような祝い事の際に供される。おでんぶは豆類が主役となるため「まめに働いて暮らせるように」という縁起かつぎの願いを込めて加えられる。また、高価な食材を使わないことが一般的であり、貧しい家庭であっても正月を楽しく祝おうという思いから生まれた料理だとも言われる。正月料理としては金時豆に替えて黒豆を用いることもある。
菱葩餅: 歯固めの儀式では長寿を願い、餅の上に赤い菱餅を敷き、その上に猪肉や大根、鮎の塩漬け、瓜などをのせて食べていたが、だんだん簡略化され、餅の中に食品を包んだもの(宮中雑煮とよばれた)を、公家に配るようになった。さらには鮎はごぼうに、雑煮は餅と味噌餡でかたどったものとなった。宮中に菓子を納めていた川端道喜が作っていた。明治時代に裏千家家元十一世玄々斎が初釜のときに使うことを許可され、新年のお菓子として使われるようになり、全国の和菓子屋でも作られるようになった。当初はごぼうが2本であったが、現在では1本のものが主流である。
ソウダガツオ: 脂が乗っていない時期でもたたき・カルパッチョにして食べると美味であるほか、タマネギ・シュンギクとともに切り身を煮込んで食べる炒り焼(魚すき)にも向く。カツオの漁場である三重県伊勢志摩地方では漁師がカツオ漁の折に獲れたヒラソウダ(カツオより安い)を船上でぶつ切りにして醤油に漬け、あらかじめ用意した酢飯と混ぜて即席のまかない料理として食べたが、同地方の郷土料理であるちらし寿司の一種「手こね寿司」はこの漁師料理が起源とされる。高鮮度なソマ(ヒラソウダ)が定置網などで多く水揚げされる三重県尾鷲市では刺身・たたきとしての需要が高く、特にカツオがない時に重宝される上、さらなる高鮮度化を目指して船上活け締め(活〆)も行われている。また徳島県太平洋沿岸部(阿南市 - 海部郡海陽町)ではヒラソウダ(地方名スマ)を刺身・山かけ・煮付けなどにして食べる。
中華饅頭: 中華まんじゅう・中花まんじゅう・中皮まんじゅう - 餡には、こしあんが用いられ、三日月の形。東北地方の菓子 東北では主に葬式の時に配られる。上越地方 中香(中か)の表記
福梅: また、皮の表面には蜜が塗られており、砂糖がまぶしてある。皮は白と薄紅色の2種類があり、餡の中身には日持ちさせるように水あめも練り込まれている。また、一般的な最中の柔らかさとは違い硬めに作られている。近年では、嗜好の変化に伴って、小倉餡の他に白餡を詰めたり、一口で味わえるように小さめに作る店舗もある。
小豆粥: 朝鮮のパッチュクも冬至に食べる行事食であり、米の入った小豆粥だが、小豆を先に茹でて裏ごししてから米を加えて炊き、白玉などを浮かべることが多い。
信玄餅: 求肥と餅米で作った餅に、きな粉をまぶした餅菓子で、黒蜜をかけ、付属の楊枝で食べる。食べる際にきな粉や黒蜜が溢れるため、金精軒が薦める「信玄餅の食べ方」がある。
べこもち: べこもちは、和菓子の一つ。北海道から東北地方の一部で、5月の端午の節句に食べられる。他の地方における柏餅のような位置づけの祝い菓子である。
くるみ割り人形: クラシック・バレエを代表する作品の一つであり、同じくチャイコフスキーが作曲した『白鳥の湖』『眠れる森の美女』と共に「3大バレエ」とも呼ばれている。
くるみ割り人形: 『くるみ割り人形』(くるみわりにんぎょう、露: Щелкунчик, 仏: Casse-Noisette, 英: The Nutcracker)は、ピョートル・チャイコフスキーが作曲したバレエ音楽(作品71)、およびそれを用いたバレエ作品である。チャイコフスキーが手掛けた最後のバレエ音楽であり、1892年にサンクトペテルブルクのマリインスキー劇場で初演された。本作は、クリスマス・イヴにくるみ割り人形を贈られた少女が、人形と共に夢の世界を旅するという物語である。原作は、ドイツのE.T.A.ホフマンによる童話『くるみ割り人形とねずみの王様』を、アレクサンドル・デュマ・ペールがフランス語に翻案した『はしばみ割り物語』である。クリスマスにちなんだ作品であることから毎年クリスマス・シーズンには世界中で盛んに上演される。
ドラジェ: なお、チャイコフスキーのバレエ音楽『くるみ割り人形』に登場する日本語訳「金平糖の精」の原語(フランス語)は"Danse de la fee Dragee"(ドラジェの精)である。
バスクラリネット: クラシック音楽でもっとも有名なバスクラリネットが使われている曲として、バレエ音楽「くるみ割り人形」の「金平糖の精の踊り」(チャイコフスキー作曲)が挙げられる。この作品ではバスクラリネットの低い音と、チェレスタの輝かしい高い音が、対照的に使われている。この楽器を使用する主な曲は、ほかに以下が挙げられる:
白鳥の湖: クラシック・バレエを代表する作品の一つであり、同じくチャイコフスキーが作曲した『眠れる森の美女』『くるみ割り人形』と共に「3大バレエ」とも呼ばれている。
くるみ割り人形: 楽器編成は以下の通りである。舞台上におもちゃのトランペット、太鼓、シンバル他打楽器数種、24名の児童合唱(または女声合唱)。全曲の演奏時間は約1時間25分(第1幕約45分、第2幕約40分)である。以下、譜面に明記された各曲のフランス語名称の日本語訳と、【 】内に音盤などで慣例的に用いられている名称、[ ]内に説明を記す。バレエ組曲『くるみ割り人形』(作品71a)は、チャイコフスキーがバレエ音楽から編んだ組曲である。1892年3月、『くるみ割り人形』の作曲中であったチャイコフスキーの元に演奏会の依頼が来た。あいにく手元に新作がなく、また作曲する暇もなかったため、急遽作曲中の『くるみ割り人形』から8曲を抜き出して演奏会用組曲とした。この組曲は、バレエの初演に先立ち、1892年3月19日(ロシア旧暦3月31日)に初演されて好評を得た。以下は慣例名による。
眠れる森の美女 (チャイコフスキー): 『眠れる森の美女』(ねむれるもりのびじょ、露: Спящая красавица, 仏: La Belle au bois dormant, 英: The Sleeping Beauty)は、ピョートル・チャイコフスキーが作曲したバレエ音楽(作品66)、およびそれを用いたバレエ作品である。日本語題は『眠りの森の美女』が用いられることもある。1890年、サンクトペテルブルクのマリインスキー劇場で初演された。本作は、シャルル・ペローによる昔話『眠れる森の美女』を原作としている。クラシック・バレエを代表する作品の一つであり、同じくチャイコフスキーが作曲した『白鳥の湖』『くるみ割り人形』と共に「3大バレエ」とも呼ばれている。
バレエ音楽: 19世紀後半まで、バレエ音楽は音楽家にとってそれほど重要なジャンルとはみなされておらず、「芸術家」の仕事ではなくどちらかというと「職人」の仕事だとみなされていた。ベートーヴェンの「プロメテウスの創造物」は、近年までその序曲のみが音楽史のレパートリーとして残り、他のバレエ付随音楽は長いこと忘れ去られてきた。ただし近年では全曲の復活上演も行われている。アダンの1841年の作品『ジゼル』が近代バレエ音楽の幕開けと言われる。一部をブルグミュラーなど他の作曲家が補筆して嵩増ししているものの、一定の動機を劇全体に用いた音楽として現在でも音楽単体でも演奏される。19世紀後半の、チャイコフスキーの3大バレエ(『白鳥の湖』、『眠れる森の美女』、『くるみ割り人形』)は現代でも最も人気のある作品群となっている。
くるみ割り人形: バレエの台本は、マリインスキー劇場のバレエマスターであるマリウス・プティパが手掛けた。チャイコフスキーはこのバレエの題材をあまり気に入っていなかったが、振付家のプティパから最初の指示書きを受け取り、1891年2月には作曲に着手した。チャイコフスキーは外国での演奏旅行の合間に作曲を進めたが、1891年4月にはフセヴォロジスキー宛ての手紙で、作曲が難航しており、締切を延期してほしい旨を訴えている。それでも同年6月ごろには下書きを完成させ、翌1892年3月ごろに管弦楽配置を仕上げた。本作の振付は、当初プティパが担当する予定だったが、1892年の夏に稽古が始まったころから病に倒れてしまい、部下である副バレエ・マスターのレフ・イワノフが代行することとなった。
ピョートル・チャイコフスキー: 7曲の交響曲(標題交響曲「マンフレッド」を含む)のほか、多数のオペラや声楽曲などを残す。交響曲は第4 - 6番が特に高く評価されており、しばしば「三大交響曲」と呼ばれる。バレエ音楽も有名で、「白鳥の湖」「眠れる森の美女」「くるみ割り人形」の3曲はチャイコフスキーの三大バレエとして知られている。彼の三大バレエ曲はそのままバレエ界全体の三大作品の位置を占めており、これらが彼のバレエ全作品であることを考え合わせると、全作品が当該分野の上位を独占するという、芸術諸分野に類例の少ない現象となっている。上演の頻度が高いだけではなく、組曲やハイライト、単独曲の形で演奏会で取り上げられるケースも多く、全曲盤を含めた録音も数多い。欧米において「くるみ割り人形」はクラシック音楽の年末(クリスマス期)の定番(日本における「第九」のような位置づけ)になっており、年末になると頻繁に上演される。
シュガープラム: シュガープラムは、チャイコフスキー作曲のバレエ『くるみ割り人形』に登場するシュガープラムの精(原語であるフランス語ではドラジェの精:"la Fée-Dragée" だが、日本語では金平糖の精、英語ではシュガープラムの精:"Sugar plum fairy" と訳される)やクレメント・C・ムーアの詩 "A Visit from St. Nocholas"(日本では「クリスマスのまえのばん」) の一節、"While visions of sugar plums danced in their heads,"(頭の中でシュガープラムが踊っていて)などのように、クリスマスと関連した言葉である。
バレエ組曲: バレエ組曲(ばれえくみきょく、英:ballet suite)は、組曲のうちバレエ音楽の組曲のことを指し、かつては舞踊組曲(ぶようくみきょく)とも呼ばれた。クラシック音楽には曲数の多さや演奏時間の長さの関係上、作曲者または編曲者などが曲の一部を取り出して一連の曲の集まりとして再構成をすることがある。これをバレエ音楽で行った作品がバレエ組曲である。とりわけバレエ作品をバレエの演技なしで楽曲だけを楽しむために、通常のコンサートの演奏会形式で演奏する場合に多用されることが多い。例えば、最も有名なバレエ音楽であるチャイコフスキーの『くるみ割り人形』は、細かく分ければ全25曲、演奏時間は約80分であるが、それを抜粋した組曲版は全8曲、約20分ほどである。
バレエ: ロマンティック・バレエでは1回回るのがやっとだったが、32回のフェッテ(連続回転)まで演じられるようになった。2人で踊るグラン・パ・ド・ドゥなどの様式も成立。ダンス(ディヴェルティスマン)とマイムが分離されて演じられるようになり、現在のバレエの構成が完成した。1888年、サンクトペテルブルク・マリインスキー劇場の監督であるウセヴィロジュスキーは、フランスから招いた振付家マリウス・プティパの振付けのもと、ピョートル・チャイコフスキーに「眠れる森の美女」の作曲を依頼した。この作品が1890年に上演、大成功をおさめると、続いて「くるみ割り人形」(1892年、振付:レフ・イワノフ、台本:マリウス・プティパ)、「白鳥の湖」(1895年、振付:レフ・イワノフ、マリウス・プティパ)が上演された。これらは3大バレエと呼ばれる。
くるみ割り人形: 1890年1月、サンクトペテルブルクのマリインスキー劇場で、チャイコフスキー作曲によるバレエ『眠れる森の美女』が上演され、成功を収めた。これに満足した劇場支配人のイワン・フセヴォロシスキー(英語版)は、同年2月ごろに早速チャイコフスキーに次回作を依頼し、オペラとバレエを2本立てで上演したいと提案した。この上演形式は当時のパリ・オペラ座に倣ったもので、オペラを公演の中心とし、その後に余興のような位置づけでバレエを上演するというものであった。1890年の末に最終的な話し合いが行われ、オペラの演目は、チャイコフスキー自身の提案により『イオランタ』に決まった。バレエの題材はフセヴォロシスキーが選び、E.T.A.ホフマンの童話 『くるみ割り人形とねずみの王様』 をアレクサンドル・デュマ・ペールが翻案した『はしばみ割り物語』を原作とすることになった。
ヴァシリー・ワイノーネン: 翌年にはボリショイ劇場でわずかに改訂された形でモスクワ初演が行われ、ジェローム役は当初ワフタング・チャブキアーニ、後にアレクセイ・エルモライエフが演じた。これ以外に有名な作品としては、チャイコフスキーの『くるみ割り人形』の1934年版が挙げられる。これは1954年に蘇演された他、1994年の再演がDVDで入手可能になっているが、今日でもマリインスキー・バレエのレパートリーに残っている。この版では「主人公の少女を大人のダンサーが演じる」という演出がなされているが、これは例えばロイヤル・バレエ団が上演するピーター・ライト版など以降に行われた改訂の多くに取り入れられている。また、ミハイル・バリシニコフやユーリー・グリゴローヴィチなど、ワイノーネン版からアイデアを得て改訂を行った者も多い。
パーヴェル・ゲルト: パーヴェル・アンドレエヴィチ・ゲルト (露: Павел Андреевич Гердт, Pavel Andreyevich Gerdt, 1844年11月22日 - 1917年8月12日) は、ロシアのバレエダンサーである。ロシア帝室バレエ団で活躍し、チャイコフスキーの3大バレエ(白鳥の湖、眠れる森の美女、くるみ割り人形)の王子役を初演した人物として知られている。
くるみ割り人形 (1979年の映画): ホフマンの童話『くるみ割り人形とねずみの王様』とチャイコフスキー作曲のバレエ『くるみ割り人形』が原作。ストーリーはバレエ音楽に準拠したものではなく、ホフマンの原作内容を元に、辻信太郎が脚色したオリジナルストーリーで進行する。物語の随所には実際のバレエ音楽より「情景」のシーンが挿入されている他、フランツの城の場面ではバレエ組曲より「葦笛の踊り」「行進曲」「金平糖の精の踊り」「花のワルツ」などをメドレー方式にアレンジされたものが使われている。劇中の演奏は小泉和裕指揮新日本フィルハーモニー交響楽団が担当。DVDは2010年2月16日に発売、2013年7月にはデジタル処理を施したHDリマスター版がDVDとブルーレイで発売された。当初発売されたDVDはモノラルで、ステレオでの収録はHDリマスター版からとなる。
くるみ割り人形: 一つは、クララを子役が演じ、金平糖の精を大人のダンサーが踊るもの(イワノフ版など)であり、上述のあらすじはこのケースである。もう一つは、クララを大人のダンサーが演じるもの(ワイノーネン版など)であり、この場合、第2幕のグラン・パ・ド・ドゥは、金平糖の精に姿を変えたクララと、くるみ割り人形の王子によって踊られる。前者の変形として、クララと金平糖の精を別々の大人のダンサーが演じる場合(ライト版など)もある。
首藤康之: 2007年~2016年1986年〜2004年(東京バレエ団)「白鳥の湖」「眠れる森の美女」「くるみ割り人形」「ラ・シルフィード」「ジゼル」「ドン・キホーテ」「パキータ」「ザ・カブキ」「火の鳥」「ベジャール版くるみ割り人形」 「ベジャール版 ペトルーシュカ」「ベジャール版 春の祭典」 「M」「ボレロ」「バクチIII」「中国の不思議な役人」「ゲーテ・パリジェンヌ」「ギリシャの踊り」「リア王—プロスペロー」(ベジャールバレエ)「ロミオとジュリエット」よりパ・ド・ドゥ(ベジャールバレエ)「月に寄せる七つの俳句」 「スプリング・アンド・フォール」「シンフォニー・イン・D」「ステッピング・ストーンズ」「パーフェクト・コンセプション」「ドリームタイム」 「水晶宮」「テーマとヴァリエーション」「カルメン」「コンチェルト・プロコフィエフ」「タムタム」 「フォーキン版 ペトルーシュカ」「牧神の午後」ほか
くるみ割り人形: プティパがイワノフに引き継ぐ前にどこまで振付を完成させていたのかは明らかになっていないが、初演時のポスターには、台本はプティパ、振付はイワノフと記載されている。1892年12月18日(ロシア旧暦12月6日)、マリインスキー劇場において、オペラ『イオランタ』と共に、バレエ『くるみ割り人形』が初演された。初日の主要キャストは、金平糖の精(ドラジェの精)がアントニエッタ・デルエラ、コクルーシュ王子(オルジャ王子)がパーヴェル・ゲルトであった。クララ役のスタニスラワ・ベリンスカヤと、くるみ割り人形役のセルゲイ・レガート(英語版)はいずれも舞踊学校の生徒で、べリンスカヤは当時12歳であった。この公演は、観客には好評であったものの、新聞評では不評であった。批判を受けた点は、第一に、主演バレリーナが演じる金平糖の精が第2幕になるまで登場せず、見せ場が少なかったことである。
夢幻劇: この形式は、名称をフランスのジャンルから、踊りの特徴をイタリアの ballo grande スタイルから取ったものである。伝統的なバレエよりも低級でより商業的な娯楽とみなされることが多く、19世紀後半のロシアの多くの批評家によって、バレエの伝統を脅かす外来種であるとして攻撃された。しかし一方で、芸術的には非常に注目を集めた。チャイコフスキーの『眠れる森の美女』と『くるみ割り人形』は、いずれもこのバレエ・フェリーである。バレエ・フェリーは、フランスの夢幻劇と同様、スペクタクル性と舞台効果を重視する。それまでの舞踊作品では、プリマ・バレリーナのテクニックやソロの妙技が強調されていたが、このジャンルにおいては、アンサンブルの踊りや魔法のような変身、動きや色で演出された舞台転換が重視された。
クリストファー・ウィールドン: 2016年12月にはシカゴでジョフリー・バレエに新たに振り付けた『くるみ割り人形』を初演した。これは第一幕の舞台を伝統的な上流階級のクリスマス・パーティーから1893年シカゴ万博に移したもので、マリーはそこから魅惑的なお菓子の国や外国の土地に誘われる。
エフゲニー・プルシェンコ: 11歳のとき師事していたマリインスキー・バレエの女性振付師から「フィギュアスケートの代わりにバレエをやらないか」と転向の誘いを受けたが、母親に相談し真剣に悩んだ末に断った。ミーシンは教育のため生徒たちを劇場に連れて行った。現在もプルシェンコは時間があると劇場に足を運びバレエやオペラを鑑賞している。ボリショイ・バレエのニコライ・ツィスカリゼらや、オペラ歌手との親交もある。スポーツ専門の振付師を起用する選手が多い中、プルシェンコのプログラムの殆どはバレエを本業とする振付師によるものである。一例を挙げると「サンクトペテルブルク300」はシェミャーキン版「くるみ割り人形」 の振り付けをしたキリル・シモノフの作品であり、「ニジンスキーに捧ぐ」はマリインスキー劇場のソリスト兼振付師のユーリ・スメカロフが手掛けている。
ロシア帝国: ペテルブルク音楽院の最初の卒業生となったピョートル・チャイコフスキーは、卒業と同時にモスクワのニコライ・ルビンシテインに招かれ、モスクワ音楽院の教授となった。ロシアが生んだ世界的な作曲家であるチャイコフスキーの音楽は、当初民族主義的傾向の濃厚なものであったが、彼を特徴づけるのはむしろ主観的な叙情性であり、数々の管弦楽曲のほかに「眠れる森の美女」「くるみ割り人形」や「白鳥の湖」などのバレエ音楽で知られる。チャイコフスキーはしばしばロシア5人組と対比されるが、「5人組」がいずれも大貴族出身で音楽を生活を糧にする必要がなく、音楽をむしろ神聖な芸術と考えたのに対し、チャイコフスキーは資産のない官僚上がりの一代貴族の子息であり、商人出身のルビンシテイン兄弟同様、音楽に進んだ以上はそれで生計を立てていかなければならなかった。
日露関係: ロシアのクラシック音楽はバレエ音楽「白鳥の湖」・「眠れる森の美女」・「くるみ割り人形」などで有名なチャイコフスキーと、ロシア人で最も名高い交響曲作曲家のショスタコーヴィッチが双璧であろう。日本でも、チャイコフスキーとショスタコーヴィッチを一度も演奏したことのない交響楽団を探す方が難しいくらいである。また、チャイコフスキーの名が冠されたロシアのモスクワ音楽院は、1999年にくらしき作陽大学と芸術文化交流協定を締結している。単純なクラシック音楽という括りではドイツとオーストリアの後塵を拝しているロシアだが、クラシックバレエのカテゴリーでは首都モスクワにボリショイ劇場、副都サンクトペテルブルクにミハイロフスキー劇場(旧称のレニングラード国立歌劇場でも有名)を擁するバレエ大国である。
くるみ割り人形: 本作は、バレエ以外のダンスとしても上演されることがある。2016年12月、雑誌『ニューズウィーク』では、2つのバレエの他にヒップホップとブレイクダンスを合わせたもの、そして3つのバーレスクを紹介している。
眠れる森の美女 (チャイコフスキー): 本作は、単純な筋書きのおとぎ話を題材としながらも、クラシック・バレエ(古典バレエ)の様式美を体現した豪華絢爛な作品として知られる。本作の振付家であるプティパは古典バレエの確立者とされているが、彼の作品の特徴は、物語の筋書きよりも純粋な舞踊を見せることに重点が置かれており、かつ、作品全体が明確な形式構造に基づいていることである。『眠れる森の美女』は、プティパがこの古典バレエの様式を完成させた作品であり、作品全体に、コール・ド・バレエや、童話の登場人物などによる多様な踊り(ディヴェルティスマン)、主役2人によるグラン・パ・ド・ドゥ等が秩序立って配置され、古典主義的な調和が作り出されている。また、本作の物語も古典主義的な世界観に基づいており、悪の精カラボスの死の呪いによってもたらされた混沌が、善の精リラによって再び調和へと導かれる様が描かれている。
チャイコフスキー・パ・ド・ドゥ: 『チャイコフスキー・パ・ド・ドゥ』(Tschaikovsky Pas de Deux)は、1960年にニューヨークで初演されたバレエ作品である。ピョートル・チャイコフスキーが『白鳥の湖』初演の後に追加作曲した第3幕のグラン・パ・ド・ドゥの曲にジョージ・バランシンが振り付けたもので、バレエコンサートなどで頻繁に上演されている。
空中ぶらんこ (バレエ): 『空中ぶらんこ』(ロシア語: Трапе́ция)は、セルゲイ・プロコフィエフが作曲したバレエ音楽。五重奏曲 作品39と深いつながりを持っている。全8曲のバレエ音楽の全曲は1925年11月6日にハノーファー近郊のドイツの都市、ゴータで初演された。
バレエの情景: 『バレエの情景』(仏:Scènes de ballet)は、イーゴリ・ストラヴィンスキーが作曲したバレエ音楽、およびその音楽を用いたバレエ作品。舞台装置の移動などを伴わない抽象バレエであり、最初に振付をしたのはアントン・ドーリン(1944年11月初演)。その後フレデリック・アシュトンによる振付(1948年2月初演)で知られるようになった。コンサートとしての全曲の初演は、1945年の冬にストラヴィンスキー指揮のニューヨーク・フィルハーモニックによって行なわれた。曲はブロードウェイを意識してジャズやブルースの要素が取り入れられており、トランペットとホルンによる応酬など新古典主義的な彩りが強いものとなっている。
妖精の接吻: パリを中心に活動していた舞踏家イダ・ルビンシュタインは、独自のバレエ・カンパニーを結成し、1928年11月にパリ・オペラ座において旗揚げ公演を行うこととなった。イダはこの公演のためにストラヴィンスキーやラヴェルにバレエ音楽を委嘱し、その結果、本作品や『ボレロ』が誕生することとなった。1927年末に委嘱を受けたストラヴィンスキーは、イダの片腕であった美術家アレクサンドル・ブノワから、「チャイコフスキーの音楽にインスピレーションを得たバレエ音楽」を提案された。偶然にも、イダ一座の旗揚げ公演が予定されている1928年11月がチャイコフスキーの没後35年に当たっていたこともあり、ストラヴィンスキーはこのプランを採用した。バレエの筋書きについても一任されていたストラヴィンスキーは、チャイコフスキーの音楽に合う、ロマン主義的で幻想的なテーマを持つ作品として、アンデルセンの『氷姫』を選んだ。
月に寄せる七つの俳句: 『月に寄せる七つの俳句』(つきによせるななつのはいく、英:Seven Haiku of the Moon)は、1989年に初演されたバレエ作品である。振付、装置、照明コンセプトはジョン・ノイマイヤー、音楽はヨハン・ゼバスティアン・バッハ、アルヴォ・ペルト、衣装は花井幸子による。ノイマイヤーが東京バレエ団創立25周年記念公演のためにオリジナルとして振り付けたこの作品は、松尾芭蕉、小林一茶などが「月」を詠んだ俳句を題材にした1幕物の小品である。
ヴァシリー・ワイノーネン: 例えば、バリシニコフは自身の改訂版にワイノーネンの「雪片のワルツ」の振付を借用し、ワイノーネンの名をクレジットしている。また、ワイノーネンのように、第一幕のクリスマスパーティーでドロッセルマイヤーが人形劇を見せるシーンを含めている。この人形劇には王子、王女、ネズミの王が登場しており、後のシーンの伏線となっている。その後はクラシック・バレエの改訂版に取り組み、『ライモンダ』(1938年、キーロフ劇場)、『アルレキナーダ』(1945年、ミンスク劇場)、『眠れる森の美女』(1952年、ノヴォシビルスク劇場)などを制作した。他にヴァシレンコの『ミランドリーナ』(1949年、ボリショイ劇場; 1965年、ナヴォイ劇場)、『ガイーヌ』(1957年、ボリショイ劇場)、スメタナのオペラ『売られた花嫁』(1948年、ボリショイ劇場)などがある。
赤いけしの花: 『赤いけしの花』(あかい けしの はな、露:Красный мак)、作品70は、レインゴリト・グリエールが作曲したバレエ音楽。ソビエト連邦初の、また、近代の革命を題材とした最初のバレエでもあった。
セレナーデ (バレエ): 『セレナーデ』(英:Serenade)は、ジョージ・バランシンがピョートル・チャイコフスキーの『弦楽セレナード ハ長調 作品48』を使って1934年に振り付けた1幕のバレエ作品である。バランシンが渡米後の初作品として振り付けたもので、彼の代表作として人気が高く、ニューヨーク・シティ・バレエ団の恒久レパートリーに入っている他、各国のバレエ団で上演されている。
チャイコフスキー・パ・ド・ドゥ: ブルメイステルは、曲の差し替えやリッカルド・ドリゴによる編曲を排し、チャイコフスキーの原曲を尊重して新たに演出した『白鳥の湖』3幕の『黒鳥のグラン・パ・ド・ドゥ』にアダージョと男性(王子)のヴァリアシオンの2曲を使用した。後にこの曲の存在を知ったジョージ・バランシンは、クラシックバレエのグラン・パ・ド・ドゥ形式による作品を振り付けた。初演はニューヨーク・シティ・バレエ団で当時プリンシパルを務めていたヴィオレット・ヴェルディとコンラッド・ルドローによって、1960年3月29日に行われた。その後この作品は、バランシンの代表作として評価され、名だたるスターダンサーたちが世界中で踊っている。
ペトルーシュカ: 『ペトルーシュカ』 (露語:Петрушка, 仏語:Pétrouchka)は、ストラヴィンスキーが、1911年にバレエ・リュスのために作曲したバレエ音楽。おがくずの体を持つわら人形の物語で、主人公のパペットは命を吹き込まれて恋を知る。ペトルーシュカ(ピョートルの愛称)は、いわばロシア版のピノキオであり、悲劇的なことに、正真正銘の人間ではないにもかかわらず真の情熱を感じており、そのために(決して実現しないにもかかわらず)人間に憧れている。ペトルーシュカは時おり引き攣ったようにぎこちなく動き、人形の体の中に閉じ込められた苦しみの感情を伝えている。「ペトルウシュカ」とも表記される。
タリスマン (バレエ): タリスマン(フランス語: Le Talisman)は、マリウス・プティパ振付、リッカルド・ドリゴ作曲の4幕7場のバレエである。台本はコンスタンティン・タルノフスキーとマリウス・プティパ。1889年2月6日にロシアのサンクトペテルブルクにある帝室マリインスキー劇場で初演された。今日では全幕が上演される機会はほとんどないが、タリスマンのパ・ド・ドゥは多くのバレエ団で演じられる。
タリスマン (バレエ): 1955年、キーロフ・バレエ(現マリインスキー・バレエ)のバレエ・マスターであったピョートル・グセフがタリスマンから音楽を抜粋し、今日「タリスマンのパ・ド・ドゥ」として知られるものを制作した。これは現在では世界中の多くのバレエ団がレパートリーとしている。タリスマンのパ・ド・ドゥには、ドリゴによる音楽だけでなく、別の作曲家による音楽も含まれている。特に男性のヴァリアシオンはグセフがプティパ振付、チェーザレ・プーニ作曲の『ファラオの娘』から採ったもので、現在でもパ・ド・ドゥに含まれている。
ヴァーツラフ・ニジンスキー: バレエ・リュスではフォーキン振付けの『薔薇の精』『ペトルーシュカ』(イーゴリ・ストラヴィンスキー作曲)に主演。特に『薔薇の精』では空を飛ぶような高い跳躍を見せ観衆を驚かせた。その後、ニジンスキーはディアギレフのサポートによって3つのバレエ作品を振り付けた。ドビュッシーの管弦楽曲「牧神の午後への前奏曲」による『牧神の午後』(1912年)、ドビュッシーが書き下ろした『遊戯』(1913年)、リヒャルト・シュトラウスの交響詩による『ティル・オイレンシュピーゲル』(1916年)である。しかし『牧神の午後』の振付けはあまりに性的だったため批評家から不評を買い、ディアギレフすらニジンスキーの振付けの才能を疑問視し始めた。そんな中でニジンスキーが振り付けをしたのがストラヴィンスキー作曲の『春の祭典』(1913年)だった。
ボリショイ劇場: また、チャイコフスキーは、交響的バラード 作品78 「地方長官 (Voyevode)」 をラフマニノフはオペラ 『アレコ』、『フランチェスカ・ダ・リミニ』 をボリショイ劇場で公演している。さらにこうしたオペラを後押ししたのが、ボリショイ劇場所属の歌手たちで、フョードル・シャリアピンを筆頭に名歌手の演技が評価されることとなった。ボリショイ・バレエは、モスクワのボリショイ劇場を本拠地とするバレエ団であり、サンクトペテルブルクのマリインスキー・バレエとともにロシアを代表するバレエ団である。チャイコフスキーのバレエ 『白鳥の湖』 は、1877年にボリショイ劇場で初公演が行われた。ソビエト連邦時代にはバレエ団が数百あったといわれるバレエ大国において、バレエ界を牽引する中心的な役割を担ってきた。
春の祭典: 『春の祭典』(はるのさいてん、ロシア語: Весна священная、フランス語: Le Sacre du printemps、英語: The Rite of Spring )は、ロシアの作曲家イーゴリ・ストラヴィンスキーが、セルゲイ・ディアギレフが率いるバレエ・リュス(ロシア・バレエ団)のために作曲したバレエ音楽。オリジナルの振り付けはヴァーツラフ・ニジンスキーが、舞台デザインと衣装はニコライ・リョーリフが担当した。1913年5月29日にシャンゼリゼ劇場で初演され、音楽と振り付けの前衛的な性質がセンセーションを巻き起こした。初演の聴衆の反応は長年「暴動」と呼ばれることが多かったが、近年は誇張表現だったとして見直されている。この表現は10年以上後の1924年の後の公演のレビューまで現れず、負傷者が出たり、物が壊されたりしたことはなかった。
クルト＝ハインツ・シュトルツェ: クランコの『椅子取りゲーム(Wir reisen nach Jerusalem)』(1963年)、『L'Estro Armonico』(1963年、アントニオ・ヴィヴァルディ作曲)、『じゃじゃ馬ならし』(1969年、シェイクスピア原作、ドメニコ・スカルラッティ作曲)および『Kyrie eleison』(1968年、バッハ作曲)で作曲または編曲を手がけた。しかし、シュトルツェのバレエ音楽で最も有名なものはおそらく1965年の『オネーギン』であろう。これはアレクサンドル・プーシキンの小説「エヴゲーニイ・オネーギン」を基にしたバレエであるが、チャイコフスキーの同名のオペラの音楽ではなく、チャイコフスキーの作品ではあるが別の楽曲を編曲して用いた。使用したのはあまり知られていない「四季」などのピアノ曲やオペラ「チェレヴィチキ」、幻想曲「フランチェスカ・ダ・リミニ」などである。
道化師 (バレエ): 『道化師』(どうけし、仏: Le Chout )、正式には『7人の道化師をだました道化師の物語』は、バレエ・リュス(ロシア・バレエ団)が1921年に上演したバレエ作品、またセルゲイ・プロコフィエフが同バレエのために作曲した音楽(作品21)およびこれにもとづく交響組曲(作品21bis)。プロコフィエフにとって、上演された最初のバレエ作品である。
眠れる森の美女 (チャイコフスキー): シャルル・ペローによる昔話『眠れる森の美女』を題材としたバレエは、19世紀前半にパリ・オペラ座で2回制作されている。一度目は1825年に上演された同名のオペラで、作中にバレエ・シーンが挿入されており、ピエール・ガルデル(英語版)が振付を担当した。二度目は1829年に上演されたバレエで、振付はジャン=ルイ・オーメール(英語版)、音楽はフェルディナン・エロルドが手掛け、リーズ・ノブレやマリー・タリオーニといった当時の人気バレリーナが出演したが、1840年の上演を最後にオペラ座のレパートリーから外れている。1888年5月、サンクトペテルブルクのマリインスキー劇場支配人であったイワン・フセヴォロシスキー(英語版)は、チャイコフスキーに手紙を書き、ペローの昔話『眠れる森の美女』に基づくバレエ音楽の作曲を依頼した。
シンデレラ (プロコフィエフ): 『シンデレラ』(ロシア語: Золушка(ゾールシカ)、英語: Cinderella)は、ソ連の作曲家セルゲイ・プロコフィエフが作曲したバレエ音楽、およびそれを用いたバレエ作品である。物語は、フランスの詩人シャルル・ペローの童話集の中の童話『シンデレラ』に基づく。バレエ音楽からプロコフィエフ自身によって、管弦楽組曲3つないし4つとピアノ独奏用組曲3つ、その他の編曲が作られている。
くもの饗宴: 1912年に芸術劇場(Théâtre des Arts)の依嘱によって依嘱されたバレエ(厳密には本作は「バレエ=パントマイム(ballet-pantomime)」と銘打たれている)であり、アンリ・ファーブルの『昆虫記』に霊感を受けている。むしろ象徴主義的な作品であり(モーリス・メーテルリンクも昆虫の生態に情熱を注いだ)、バレエの大筋は、女郎蜘蛛の巣にかかって喰われてしまう昆虫たちに関連している。
バレエ: これにより、バレエはオペラから独立し、台詞のない身振り(ミーム)による舞台演劇として確立した。18世紀後半にフランス革命が起こると、伝統や権威に反発し自由で神秘的なものを重んじるロマン主義がヨーロッパを席巻し、ロマンティック・バレエ(ロマン主義に基づくバレエ)が誕生した。「ラ・シルフィード」「ジゼル」に代表され、妖精や悪魔が登場する幻想的なもの、エキゾチックな異国趣味のものが多い。くるぶし丈のふんわりとしたチュチュを着た女性ダンサーの、ポワント(つま先立ち)の技法による軽やかな動きが特徴。ロマンティック・バレエで用いられるチュチュは、特にロマンティック・チュチュと呼ばれる。ロマンティック・バレエは現在踊られているバレエの中で最も古い形式のものであり、ロマンティック・バレエによりバレエは現在のものとほぼ同じものに完成した。
ピョートル・チャイコフスキー: この公演はたいへんな人気を博し、以降もたくさんの振付師が、独自の作品解釈でこの作品の振り付けと演出に挑戦している。現代では『白鳥の湖』はもっとも有名なバレエの演目のひとつであると同時に、多くの舞踏家振付師の関心をひく作品となっている。なお数は多くないが、正教会聖歌も作曲している(『聖金口イオアン聖体礼儀』など)。これはロシア正教会の事前の許可を得ずに作曲されたものであったため、一時は教会を巻き込んだ訴訟沙汰にもなった。現在ではロシア正教会・ウクライナ正教会・日本正教会などで歌われている。また、のちのロシアの著名な作曲家による批評であるが、ストラヴィンスキーやプロコフィエフは作曲家としてのチャイコフスキーを高く評価する一方、ショスタコーヴィチはまったく評価しなかったとの証言がある。
セルゲイ・ディアギレフ: ミハイル・フォーキン、ヴァーツラフ・ニジンスキー、レオニード・マシーン、ブロニスラヴァ・ニジンスカ、ジョージ・バランシンらが独創的な振付けを行い、『火の鳥』以後、『ペトルーシュカ』(1911年)、『春の祭典』(1913年)、『プルチネルラ』(1920年)、『結婚』(1923年)などを作曲したストラヴィンスキーの他、ラヴェル(『ダフニスとクロエ』、1912年)、ドビュッシー(『遊戯』、1913年)、プロコフィエフ(『道化師』、1920年、『鋼鉄の歩み』、1925年)、サティ(『パラード』、1917年)、 レスピーギ(『風変わりな店』、1918年)、 プーランク(『牝鹿』、1923年)など、多くの作曲家がディアギレフの委嘱に応じてバレエ音楽を作曲し、ピカソ、マティス、ローランサン、ミロなどの画家が舞台美術を手がけた。
かかし王子: 『かかし王子』(ハンガリー語:A fából faragott királyfi, ドイツ語:Der Holzgeschnitezte Prinz, 英語:The Wooden Prince)作品13、Sz.60、BB.74は、バルトーク・ベーラの作曲したバレエ音楽であり、バルトークの唯一のバレエ音楽でもある(《中国の不思議な役人》もバレエと紹介されることがあるが、こちらはパントマイムである)。ストーリーはバラージュ・ベーラ(1884年 - 1949年)による。またこの作品から小組曲(約15分)と大組曲(約30分)も編纂されている。なおハンガリー語タイトルを直訳して《木彫りの王子》あるいは《木製の王子》と訳されることもあるが、ストーリーから「木彫り」でないことは明らかである。全曲版の演奏時間は約55分。
狐 (バレエ): 『狐』(きつね、仏: Renard )は、イーゴリ・ストラヴィンスキーの音楽による1幕のバレエ作品。「歌と踊りのためのバーレスク」の副題がある。バレエ・リュスにより初演された。ロシア語タイトルは「狐・雄鶏・猫・牡羊の物語」(Байка про лису, петуха, кота да барана)。
バレエ・ブラン: バレエ・ブランは非現実的な世界(妖精や精霊、夢の中など)を表現するのに適した形式で、『ラ・シルフィード』を始め『ジゼル』(アドルフ・アダン作曲、ジャン・コラーリ、ジュール・ペロー振付)第2幕、『白鳥の湖』(ピョートル・チャイコフスキー作曲、レフ・イワーノフ振付)第2幕と4幕(湖畔の場面)、『ラ・バヤデール』(レオン・ミンクス作曲、マリウス・プティパ振付)の『影の王国』などが有名な例として挙げられる。ミハイル・フォーキンの『レ・シルフィード』(フレデリック・ショパン作曲、アレクサンドル・グラズノフ他編曲)は20世紀の作品で特定の筋を持たないが、女性ダンサーたちが白いロマンティック・チュチュを着用するなどの表現の引用により、バレエ・ブランへのオマージュとなっている。
白鳥の湖: また、チャイコフスキーは作曲に当たり、振付家のウェンツェル・レイジンゲル(英語版)と打ち合わせを行っていたと推測される。チャイコフスキーは1875年の夏に作曲を始め、翌1876年の春に完成させた。1877年3月4日(ロシア旧暦2月20日)、ボリショイ劇場において、レイジンゲル振付による4幕のバレエ『白鳥の湖』が初演された。 主演のオデット役(オディール役との一人二役)はダブルキャストで、初日から3回はペラゲーヤ・カルパコワが、4回目はアンナ・ソベシチャンスカヤが演じた。 本当であれば、主役のオデットを演じる予定だったバレリーナは、アンナ・ソベシチャンスカヤだったが、モスクワの高官からの結婚を承諾した後、プレゼントされた宝石をすべて売却し、仲間のダンサーと駆け落ちしたと告発され、解任されてしまった。
林野の花々 (バレエ): 『林野の花々』 (りんやのはなばな、英: Flowers of the Forest) は、1985年にサドラーズ・ウェルズ・ロイヤル・バレエ団 (現在のバーミンガム・ロイヤル・バレエ団の前身) で初演されたデヴィッド・ビントレー振付による1幕物のバレエ作品。スコットランドをテーマにした2部構成の作品で、マルコム・アーノルドおよびベンジャミン・ブリテンという2人の異なるイギリス人作曲家の曲を用いる。
青列車 (バレエ): 『青列車』(あおれっしゃ、仏: Le Train Bleu)は、セルゲイ・ディアギレフが率いるバレエ・リュスが1924年に上演した、1幕からなるダンス・オペレッタ(バレエ)、もしくはこのバレエのためにダリウス・ミヨーが作曲したバレエ音楽。
カルタ遊び: このバレエ音楽はアメリカン・バレエ団の支配人フェリックス・ウォーバーグ(Felix M. Warburg, ドイツ出身の銀行家)、およびリンカン・カースティンとジョージ・バランシンの依頼により作曲されたものである。ストラヴィンスキーは、1929年にセルゲイ・ディアギレフの死没に伴いバレエ・リュス(ロシア・バレエ団)が解散して以降、しばらくバレエ音楽の作曲から距離を置いていたが、先の依頼により再びバレエというジャンルに向き合うことになる。作曲は1936年6月に着手、オーケストラの総譜とピアノ譜の2種を同年12月6日に完成させた。なお、台本は当初作曲者とジャン・コクトーによる共作が持ち上がっていたが、コクトーがこれを断ったため、息子スリマの友人ニキタ・マライエフとの共作になった。
スプリング・アンド・フォール: 本作は、ジョン・ノイマイヤーがアントニン・ドヴォルザークの『弦楽セレナーデ』第1・4・5楽章を用いて振り付けた作品である。1991年4月28日、ハンブルク・バレエ団が開催した「ニジンスキー・ガラ」において初演された。その後、1994年10月10日に、ジュネーヴ大劇場(英語版)バレエ団により、全5楽章の完全版が上演された。ハンブルク・バレエ団で完全版が初演されたのは、翌1995年の5月21日である。本作は、装置・照明・衣装もノイマイヤー自身が手掛けている。本作の題名は、イギリスの詩人であるジェラード・マンリ・ホプキンスの詩から引用されている。「スプリング・アンド・フォール」には、「春と秋」に加えて「跳躍と落下」という意味がある。他にも、「スプリング」には「泉」や「根源」、「フォール」には「滝」や「崩壊」の意味も含まれており、多義的な題名となっている。
眠れる森の美女 (チャイコフスキー): 作曲は1888年の秋から開始され、途中に何度か中断を挟みながらも、翌1889年の夏には全曲が完成した。作曲に当たり、プティパはチャイコフスキーに対して指示書きを手渡し、各場面の楽曲の雰囲気やテンポ、小節数などを細かく指定したが、チャイコフスキーはそのすべてを厳密に守ったわけではなく、指定された小節数を超えて作曲した部分もある。また、作曲が完了した後も、プティパが振付を進めていく過程で、楽曲には随時修正が加えられた。1890年1月15日(ロシア旧暦1月3日)、マリインスキー劇場において、バレエ『眠れる森の美女』が初演された。主要キャストは、オーロラ姫がカルロッタ・ブリアンツァ、デジレ王子がパーヴェル・ゲルト、リラの精がマリヤ・プティパ(振付家プティパの娘)、カラボスと青い鳥の二役がエンリコ・チェケッティであった。
風変わりな店: 『風変わりな店』(仏: La boutique fantasque )は、バレエ・リュス(ロシア・バレエ団)が1919年に初演した1幕からなるバレエ。もしくは、このバレエのためにイタリアの作曲家オットリーノ・レスピーギが、ロッシーニの音楽に基づいて作曲したバレエ音楽(以下、バレエ音楽を中心に記述)。
チャイコフスキー (映画): ボリショイ・オペラ、ボリショイ・バレエのメンバー、レニングラード管弦楽団、ボリショイ劇場管弦楽団、ゲンナジー・ロジェストヴェンスキー等、ソビエト音楽界を代表するメンバーが演奏・出演している。
バレエ: チャイコフスキーの3大バレエであると同時に(彼はこの3つしかバレエ音楽を書いていないが)、上演・演奏人気において、すべてのバレエにおける3大バレエでもある。マリウス・プティパにより確立されたクラシック・バレエだが、その古典的な世界に不満を持つ者もいた。その1人、ミハイル・フォーキンはイサドラ・ダンカン(モダン・ダンスの祖)に衝撃を受け、クラシック・バレエにない新しいステップや民族舞踊を採り入れた、革新的な振付をした。そのモダン・ダンスの要素を取り込んだバレエをモダン・バレエと言う。ミハイル・フォーキンはセルゲイ・ディアギレフに見出され、1907年にバレエ発祥の地・パリで公演を行い、バレエ・ブームを巻き起こした。アンナ・パヴロワ、ヴァーツラフ・ニジンスキー、タマーラ・カルサヴィナなどのダンサーたちが大人気となり、セルゲイ・ディアギレフはバレエ・リュスを結成する。
バレエの情景: 出足は成功とはいえなかった『バレエの情景』をバレエ作品として完成させたのは英国ロイヤル・バレエ団のフレデリック・アシュトンである。アシュトンは以前からストラヴィンスキーのバレエ音楽にひそかな憧憬を抱いており、1946年から1947年頃ラジオでこの曲を聴いてから振付を思い立ったという。当初は曲が短すぎると判断し、米国にいたストラヴィンスキーに改作を依頼したが、これを断られたため、様々な工夫をこらすことになる。まず無機質な旋律しかない中で、どのようにして観客を惹きつけるかを考えなければならなかった。しかし曲が同時にロマンティック・バレエの特徴を備えていることに気がついたアシュトンは、『眠れる森の美女』薔薇のアダージョと同様の動きを第5曲目パ・ド・ドゥ・アダージョに採用する。またアシュトンにしては異例なほど曲の拍子を読みこんで、シンコペーションを重視することになった。
バレエ・メカニック: 『バレエ・メカニック』(Ballet Mécanique)は、1924年にフェルナン・レジェによって製作された、実験映画。『バレエ・メカニック』の「機械が踊る」というコンセプトは、坂本龍一のアルバム『未来派野郎』、とりわけ収録曲「Ballet mecanique」に影響を与えた。
パ・ド・カトル: 『パ・ド・カトル』(Pas de Quatre)は、1845年に初演されたバレエ作品である。
ジゼル: 結婚を目前にして亡くなった娘達が妖精ウィリとなり、夜中に森に迷い込んできた男性を死ぬまで踊らせるというハインリヒ・ハイネによって紹介されたオーストリア地方の伝説に着想を得て作られた。2幕物で、第1幕の昼間の森の場面と第2幕の夜の場面の対照が印象的である。主人公が死装束で踊る唯一のバレエ作品といわれる。なお、音楽は1841年の初演の時点で、オリジナルのアダンのものに加えて、ヨハン・ブルグミュラー作曲による 《レーゲンスブルクの思い出》 (Souvenir de Ratisbonne) と称するワルツ1曲と、ジゼルと友人たちが踊るための5曲が挿入されていた。これらは第1幕の “村娘のパ・ド・ドゥ” と呼ばれる部分を構成しており、ワルツがその最後に来る。『ジゼル』 は翌1842年に早くもロシアのサンクトペテルブルクで上演された。
ナムーナ: 『ナムーナ』 (Namouna) は、エドゥアール・ラロ作曲によるバレエ作品である。
大地の歌 (バレエ): 初演者は「男」役のヴァエ・マーティロスヤン、「永遠」役のキャリーヌ・セネカ、「死」役のフィリペ・プルトゥガル、「離別」役のアルマン・グレゴリヤン、「少女」役のガリーナ・ミハイロヴァ、「美」役のサラ=ジェーン・ブロードベックの6人であった。シュペルリは、マクミランのように詩の意味を説明しようとはせず、代わりに詩の単語や句、雰囲気を手がかりに振付を行い、各曲に瞑想的なダンスを振り付けた。その結果、「現代のクラシック・ダンスの語法で言えば大小のアンサンブルがあってソロはほとんどないが、その結果、忘れ得ぬほど美しい一連の情景が生み出された」と評された。
愛と哀しみのボレロ: クライマックスのモーリス・ベジャール振付のジョルジュ・ドンによるバレエのボレロが有名であり、この「ベジャールによるボレロの振付」は、日本で初めて、パフォーマンスとしての知的財産権を獲得しており、許可なくこの振付で踊ることは許されない。また、シナリオ技法的には、より縄形式の代表的作品としてしばしば取り上げられる。第34回カンヌ国際映画祭で高等技術委員会賞を受賞している。