mteb/JQaRAReranking huggingface dataset:
タイト・ロープ: 日本盤シングルは、アメリカ合衆国盤と同じように「マスカレード」をB面に収めていたが、当初は曲名が「マスカラード」と表記されていた。
金粉ショー: 金粉ショー(きんぷんショー)とは、金粉を全身に塗布してダンスなどを行うパフォーマンスである。
フーダニット: マーダーミステリーディナーショーは数多く存在し、プロの劇団員や地域の劇団員がその役を演じ、通常は食事とともに観客に向かって殺人ミステリー(英語版)が披露される。通常、最後のコースの前か直後に、観客は謎解きに協力する機会が与えられる。
レッドカーペット: レッドカーペット(英語:red carpet)は公式な催事にセレブリティや高官などの要人を歓迎するために、本人の歩行路として伝統的に用いられるもの。文字通りの赤い絨毯。
ドルジェル伯の舞踏会: 「さあ、マオ、眠りなさい! 僕がそれを望んでいる」
ミスディレクション: マジック同様に読者や観客の意識を新相からそらす目的で用いられる技法である。燻製ニシンの虚偽とも呼ばれる。
竹内実花: 竹内実花(たけうち・みか)は暗黒舞踏家を名乗る舞踏家。
ミスティック・クルー・オブ・コムス: コムスとは、ギリシア神話の中においては祭礼の神とされる。コムスのメンバーは、クルーのイベントで公的にアピールするときはいつも仮面をつけていたので、彼らの身元は不明のままだった。現在では秘密主義的要素は消え、普通の会員資格制度をしいている。
パーティー: ユダヤ教徒も、成人期への移行を祝うバル・ミツワーを行う。日本では、60歳の還暦、77歳の喜寿、88歳の米寿など、高齢の誕生日で賀の祝いを盛大に行なうことがある。サプライズパーティーは、祝われる当人には事前告知することなく突然お祝いをするパーティーである。誕生日のサプライズパーティーが最も一般的な形である。大半のこうしたパーティーでは、ホスト側のほうが当人の来る1時間ほど前に到着している。多くの場合、サプライズを仕掛ける友人は何も伝えず(他の理由をつけて)当人をパーティー会場へと連れていく。ホスト側は視界から身を潜めておき、当人が部屋に入ると隠れ場所から飛び出て全員で突然「おめでとう!」と叫んだりする。一部の誕生日サプライズパーティーでは、それは祝う当人に衝撃を与えるために良いやり方だと見なされている。
舞踏家: 舞踏家(ぶとうか)とは、舞台芸術の実演家の一形態。以下の二つを指す。一般に舞踊芸術の世界では、後者の意味で使われるのが普通だが、世間一般では前者の意味で使われることが多い。
森田一踏: 森田一踏(もりた いっとう)は、「暗黒舞踏家」を名乗る舞踏家。
モッツァレラチーズゲーム: モッツァレラチーズゲームは、道具を用いないパーティーゲームの一種。宴会やコンパの席などで多人数で行うゲームの一つで、場の雰囲気が盛り上がった中で行われる。
ディズニー・ハロウィーン: ショー後半にはミニーマウスの早着替えが見られるほか、パイロも上がる。マスカレードをモチーフに仮装したディズニーの仲間達が、マスカレードパーティを繰り広げる。仮装したディズニーの仲間たちが、あいさつを行う。当初はハロウィーンのイベント期間中全日の公演が予定されていたが、予告などがないまま、公式サイトの9月19日以降のショースケジュールから『マウスカレード・グリーティング』の項目は削除され、9月18日をもって終了した。なお9月19日以降は、マウスカレード・グリーティングが開催されていた時間帯にマウスカレード・ダンスが開催された。トリック・オア・ビート(TRICK or TREAT BEAT)は、アマチュアの吹奏楽団と東京ディズニーシーのアトモスフィアなどに出演する東京ディズニーシー・マリタイムバンド、キッチンビートとのコラボレーション。土曜、日曜、祝日のみ開催。
舞踏 (曖昧さ回避): 舞踏(ぶとう、ブトウ)
ストリーキング (パフォーマンス): それは裸で組体操のピラミッドを完成させ、最上段の人間がホースで樽からビールを飲むという荒業に挑戦した。しかし、ピラミッドはすぐに崩壊してしまった。
デビュタント: デビュタントとは、西洋文化において初めて正式に社交界にデビューする若い女性とそれを祝う場のことである。語源はフランス語の名詞(男:débutant、女:débutante)であり、直訳すると初心者、初舞台の人、年若い、若々しい、などの意味だが、興行としてのデビュタントはこれの女性名詞の「débutante、debutante」であり、ここではそれについて述べる。それらは通常、プロムやコティヨン(en:Cotillion)などと同様に男女のペアで式典や舞踏会に出場するが、その場では女性の方がデビュタントと呼ばれる主役であり、片や男性の方は「エスコート」(escort:護衛)と呼ばれる脇役となる。欧米ではデビュタントの初舞台となる舞踏会のことを「デビュタントボール」(en:debutante ball)という。
マーチング・マーチ: マーチング・マーチ(Marching March)は、行進用行進曲を意味する和製英語。
ハーバード大学: 期末試験の最終日前夜、ハーバード大学では、学部生たちによる「産声(Primal Scream)」といわれるストリーキングが行われる。学生は男女を問わず衣服を脱ぎ、ハーバードヤードを2周する。中にはパンティーを着用する人もいた。2学期制のハーバード大学では、この行事が年2回開催されるわけだが、その1回は極寒を誇るニューイングランド地方の冬に行われることになる。参加者の中にはケープやマスクを身につけるものもいるが、性器は丸出しのままである。ストリーキングが行われる周辺は見物者で埋め尽くされ、開始前には楽隊の演奏が群集を盛り上げる。2018年現在も行われている。
トリッキング: 1960年代以降、マーシャルアーツでは派手で複雑なテクニックを実施する傾向が見られるようになり、特にテコンドーでは、1960年代半ばの間に国際競技会の導入により、スピン、ジャンプ、またはフライングキックがますます重視されるようになった。1990年代、北米ではマーシャルアーツ(ここで言うマーシャルアーツとは、空手やテコンドーなど、東洋の武術全般を指す)が大流行した。マーシャルアーツとアクロバットを組み合わせた競技は北米のさまざまな武道大会で一部門として行われていたが、「空手や体操それぞれの分野で独自に修練を積まなければならず敷居が高い」という状況にあった。[1]このような現状の中、Jason Chanはマーシャルアーツやトリックを体系化したエクストリームマーシャルアーツ(XMA)を作り上げた。
社交儀礼: 社交儀礼(しゃこうぎれい、英:Courtesy;Politeness,仏:Courtoisie;Politesse,独:Hoflichkeit)とは、社交上、配慮すべき儀礼行為を指す。
ブラックプール: ウインターガーデンでは毎年5月から6月にかけて世界最高峰の社交ダンス競技会、ブラックプールダンスフェスティバルが行われる。その様子は日本映画『Shall we ダンス?』にも登場する。7月にはプロフェッショナル・ダーツ・コーポレイション (PDC) が開催するダーツ・トーナメントのワールド・マッチプレイが行われ、世界各国からダーツプレイヤーが参戦する。
ムカデ競走: ムカデ競走(百足競争、ムカデきょうそう)とは、複数人が一定の物につながった状態で一組になり、動きを合わせながら前進して速さを競う競技。運動会などで行われる競技の1つでもある。
ザ・スライドショー: ザ・スライドショーは、マルチタレントであるみうらじゅんといとうせいこうのユニット「ROCK'N ROLL SLIDERS」によるトークイベントの名称である。
レジェンド・オブ・ミシカ: 企業などによる貸し切り営業であるマジカル・ファンタジー・パーティ(マジカル・イブニング・プライベート・パーティ)の際に、特別に実施される。普段昼間に行われているショーを夜に開催し、ダンサーやキャラクターの上陸が基本的に無いのが特徴である。開催前の挨拶以外は事前のリハーサルが必要なため、あまり実施されていない。
ウォークラリー: 主催者は、参加者が周囲をじっくり観察することで、ウォークラリーを楽しみながら自然や文化財などへの興味を深めてほしいという意図で、後のチェックポイントやゴール後に与える課題のヒントをこのゾーンに設定することが多い。
マサカー: BBCは、マサカーのことを「シャドウズ、キャプテン・ビーフハート、デレク・ベイリー、ファンカデリックの不聖なる結晶」と表現した。
仮装行列: 仮装行列(かそうぎょうれつ)とは、平素とは異なる衣装を身につけ、大勢で行進することをいう。パレードの一種。
マリア崇拝: その例として、2006年5月のイギリスにおける「ウォルシンガムの聖母(英語版)」の祝典の間、聖公会とカトリック教会は、「聖母行列」を行ったが、これにプロテスタントは、「カトリック教会は、偶像崇拝とマリア崇拝(Mariolatry)」と書かれた看板を持ち、野次を飛ばした。
見張り: 見張り(みはり、英語:lookout)とは、目を配って番をすること、もしくはその役職者で監視者などとも呼ばれる。
ストリーキング (パフォーマンス): 1974年3月7日、ジョージア大学で1549人が参加するという最大規模のストリーキングが敢行された。この記録に続き、コロラド大学ボールダー校では1200人が、メリーランド大学では、1974年3月に553人の裸の学生が3マイルに渡ってストリーキングを行った。南カリフォルニア大学では508人がストリーキング行為に及んだ。さらに1974年、アースキン大学では、全学生の1/4に当たる600人の学生がストリーキングをやり遂げ、「最高の参加率を誇るストリーキング」を名乗った。期末試験の最終日前夜、ハーバード大学では、学部生たちによる「産声(Primal Scream)」が行われる。学生は男女を問わず衣服を脱ぎ、ハーバードヤードを2周する。中にはパンティーを着用する人もいた。
薩摩切子: 薩摩切子(さつまきりこ)は、薩摩藩が幕末から明治初頭にかけて生産したガラス細工・カットグラス(切子)である。薩摩ガラス・薩摩ビードロとも呼ばれた。現在は復刻生産されている。
薩摩切子: 生産地は鹿児島県。素材となる色ガラス層の厚い被せガラス生地の生産や切子加工等までの製作・復刻が、前述の薩摩ガラス工芸のほか、薩摩びーどろ工芸等で行われている。切子の加工は、色ガラス層がグラインダーを目視しにくくするため高度な技能を要する。一部は江戸切子職人に外注もされている。
薩摩切子: 長崎等から伝来した外国のガラス製造書物を元に江戸のガラス職人を招くなどして第10代薩摩藩主島津斉興によって始められ、11代藩主島津斉彬が集成館事業の一環とした。安政5年(1858年)、オランダの医師ポンペ・フォン・メールデルフォールトが鹿児島を訪れてガラス工場を見学したが、100人以上がそこで働いていたと記している。大変に先進的な品で斉彬もこれを愛好し、大名への贈り物に用いられたり篤姫の嫁入りの品ともなったが、斉彬の死後は集成館事業の縮小や薩英戦争時にイギリス艦艇による集成館砲撃で被害を受け、幕末維新から西南戦争へ至る動乱もあってその技術は明治初頭で途絶えている。その職人や技術は、東京のガラス(江戸切子等)や大阪(天満切子)へと渡っている。
薩摩切子: 同時期の江戸切子との違いは、江戸切子が透明・無色な硝子(透きガラス)に細工を施したものなのに対し、薩摩切子はより細かい細工(籠目紋内に魚子紋等)や色被せと呼ばれる表面に着色ガラス層をつけた生地を用いたものが多く、またホイールを用いた加工の有無が挙げられる。薩摩切子はヨーロッパのカットガラスに範を取り、色被せの技法はボヘミアガラスや乾隆ガラスから学んだもののようであるが、現在に伝わる当時の品には日本的な繊細さが見られる。近年の研究によって無色の薩摩切子(透きガラス)という区分が整理され、新たな品も発見されている。色被せの薩摩切子の特徴として特にその色の層の厚さがあり、これに大胆な切子を施す事によって切子面に色のグラデーションが生まれる。これが色被せ薩摩の特徴で「ぼかし」と呼ばれるものである。
江戸切子: 江戸時代後期に生産された江戸切子は、透明な鉛ガラス(透きガラス)に鑢や金棒と金剛砂によって切子細工をし、木の棒等を用いて磨き行った手作業による手摺り工程による細工によって制作されたと言われる。当時の薩摩切子が厚い色ガラスを重ねた色被せ(いろきせ)ガラスも用いていたこと、ホイールを用いた深いカットと大胆な形であることとは大きな違いがある。明治期以後は薩摩切子の消滅による職人と技法の移転や海外からの技術導入により、江戸においても色被せガラスの技法・素材も用いられるようになる。色ガラスの層は薄く鮮やかなのが特徴。加工方法も、文様を受け継ぎつつ手摺りからホイールを用いたものへ移行していく。江戸切子の文様としては、矢来・菊・麻の葉模様など着物にも見られる身近な和の文様を繊細に切子をしているのも特徴である。
薩摩切子: 1985年(昭和60年)代以後に薩摩切子の復刻が試みられ、各地のガラス工場・職人・研究家等の協力もあって成功した。1989年(平成元年)、島津家の島津興業 監修・直営の薩摩ガラス工芸に対して鹿児島県伝統的工芸品認定がなされた。(技術が継続しておらず復刻生産の為、国の伝統的工芸品には認定されない。)現在は現存する古い薩摩切子を忠実に再現した復元・復刻物や、その特徴を踏まえた新たなデザインや色の製品や創作品も生産・販売されている。後進の育成や展示会・デザインコンペ等への出品も行われており、また助成金による支援(薩摩びーどろ工芸)や、NHK大河ドラマ「篤姫」のオープニングにも用いられる(薩摩ガラス工芸)など、その認知を広めている。
中根櫻亀: 中根 櫻龜(なかね おうき)は、日本のガラス職人、美術作家である。薩摩切子の復元及び制作における第一人者であり、現在もガラス工芸品を製作を行っている。
薩摩切子: 一方、万延元年(1860年)以降、薩摩と交流のあった硝子師が萩で制作した可能性のあるものや、明治5年(1872年)から明治10年(1877年)にかけて市来四郎の開物社で制作されたと類推される作品もあり、これらも薩摩切子と称される事が多い。ただし、「薩摩切子」は単に薩摩国で作られた切子というより、薩摩藩によって作られた格別の切子という意味合いが強く、開物社製のものは「薩摩系切子」として区別すべきだとする意見もある。当時の薩摩切子は現存するものは大変に少なく、現存数は200点程度と言われる。そのため貴重で、骨董として高価で取引されている。現在のものでも、高いもので300万円を超えることがある。まとまったコレクションとしては、サントリー美術館に彫刻家・朝倉文夫旧蔵品を中心に40点以上所蔵されている。2013年11月12日放送分のテレビ東京系バラエティ番組『開運!
江戸切子: このように江戸切子のルーツは長崎を窓口として広まった蘭学による江戸の硝子技術・職人、また薩摩切子廃絶に伴う技術の移転そしてイギリス・アイルランドのカットグラス技術等が融合していったのと考えられる。大正期から昭和初期(開戦前)にかけての大正文化・モダニズムの時代にカットグラスは人気となり、食器からランプにいたる多様な形で普及する(現在、和ガラスと言われるもの等)。第一次世界大戦に伴う産業構造の変化や素材の研究(安価なソーダガラスの素材等)やクリスタルガラスの研磨の技法の開発もあって、高級品の代名詞的存在となった。当時のメーカーには佐々木硝子(後の佐々木クリスタル。現在の東洋佐々木ガラス)、岩城硝子(品川硝子製作所元職工長・岩城滝次郎が創立した日本初の民間洋式ガラス工場。
薩摩切子: ここでは、薩摩切子と呼称されている関係品を参考事例として取り上げる。 この事例は、"鹿児島(薩摩)で生産"される切子という歴史や地域性、また地域ブランドとしての「薩摩切子」やその復刻品ではない。かつて大阪府に存在した硝子食器問屋のカメイガラスが1980年代に大阪の切子加工職人らとともに薩摩切子の復刻商品化を試み、生産・販売を行った。同社は1990年代半ばに廃業。現在はカメイガラスの倒産時の在庫や流通品、また販売・制作に関わった問屋・下請けの切子職人が「薩摩切子」として、あるいは薩摩切子の復刻に関わった経歴を踏まえた商品販売や作家活動・教室を行っている。
天満切子: 「江戸切子」や「薩摩切子」は、主にV字形の刃を用いたシャープで規則的な模様が特徴である。これに対し「天満切子」は主にU字形の刃で蒲鉾掘りを施している。手になじむ角のないカッティングで仕上げられ、薬品処理せず全ての工程を手作業で行う、手磨きと呼ばれる手間の掛かるつや出しをおこなっている。グラスの底に刻んだ模様が側面部分に映り込むようにカッティングされ、酒を注ぐと光の屈折で底から徐々に模様が現れ、万華鏡のように輝く。鑑賞する美術品の要素と、実際に使われる美術的工芸品の要素を兼ね備えている。
江戸切子: これらの活動は、ガラスコースを持つ美術大学・専門学校のカリキュラム内やカルチャー教室の切子講座においてカットグラスの指導を受けた者が修了後に始めるケースも見られる。職人という仕事にはせず、趣味の一環としてや作家専従のケースが多い。江戸切子は薩摩切子と違い、現在に至るまで継続している。その歴史は震災・戦災ほか幾多の困難を経ても途絶える事が無かったこと、また文様や用途も身近な庶民の暮らしとともに発展していったこと等から「庶民の育てた文化」ともいわれている。
江戸切子: 江戸切子(えどきりこ)とは江戸時代末期から江戸、東京都において生産されているガラス細工で、東京都指定伝統工芸品および経済産業大臣指定伝統的工芸品である。
肥前びーどろ: 肥前びーどろ(ひぜんびーどろ)は、佐賀県佐賀市で生産されている伝統的なガラス器。起源は幕末期の佐賀藩にある。佐賀ガラスとも言われる。
津軽びいどろ: 津軽びいどろ(つがるびいどろ)は、青森県津軽地方で生産されているガラス細工の工芸品である。
ガラス工芸: ガラス工芸(ガラスこうげい、英語:Glass art)とは、ガラスを用いた工芸・美術の総称である。ガラス造形・ガラスアート・グラスアートという場合もある。日用品、骨董・アンティーク、美術品・工芸品、現代アートまで、非常に広い範囲の創作表現方法、創作物を含む。「ガラス工芸」は、制作工法・素材・年代・地域・素材・メーカーなどに多岐の分類が可能。その歴史は、紀元前以来のガラスの歴史に遡る。
薩摩焼: 幕末に日本が開国すると、日本の陶磁器のうち美術的に優れたものは欧米へ輸出されるようになった。薩摩藩は1867年にフランスの首都パリで開かれた万博に薩摩焼を出展し、現地で好評を得た。こうした背景から幕末から明治初期に掛けての京都で、欧米への輸出用に、より伝統的な日本のデザインを意識し、絵付けされた「京薩摩」が作られた。横浜や東京で絵付けされ、横浜港から輸出されたものは「横浜薩摩」と呼ばれた。薩摩焼は欧米で「SATSUMA」(サツマ=薩摩)と呼ばれた。フランスではジャポニズムの流れの中で、日本画のようなデザインで鳥や植物を描くなど、薩摩焼の影響を受けた陶器が製作された。
肥後象嵌: 肥後象嵌(ひごぞうがん)は、熊本県における伝統工芸品であり、およそ400年前から熊本市を中心に生産されている金工品である。江戸時代、藩主に仕えた鉄砲師が、銃身や刀の鍔などに象嵌を施したのが始まりとされる。2003年、経済産業大臣により、国の伝統的工芸品に指定された。布目象嵌の方法が使用されている。
ローマ美術: 1世紀初頭前後に、吹きガラス技術がローマ帝国内で発明され、ガラス工芸が大きく発展した。成分としてソーダガラスを主とし、鉛ガラスはほとんど無い。カメオ、ゴールドサンドイッチ、ミルフィオリなど多くの製法が開発され、現代、再発見された技術もあるほどである。帝国の外、東アジアにまで輸出された。神話の情景をカメオに彫った「ポートランドの壺」(大英博物館)が有名である。また、ヒルデスハイムの遺宝(銀器)(英語版)のような優れた銀工芸品が制作された。
ガラス: 紀元前1550年ごろにはエジプトで粘土の型に流し込んで器を作るコア法によって最初のガラスの器が作られ、特にエジプトでは様々な技法の作品が作製され、西アジアへ製法が広まった。新アッシリアのニムルドでは象嵌のガラス板数百点が出土している。年代の確実なものとしては、サルゴン2世(紀元前722年~紀元前705年)の銘入りの壷がある。アケメネス朝ペルシアでは、新アッシリアの技法を継承したガラス容器が作られた。紀元前4世紀から同1世紀のエジプトでは王家の要求によって高度な技法のガラスが作られ、ヘレニズム文化を代表する工芸品の一つとなった。中国大陸では紀元前5世紀には鉛ガラスを主体とするガラス製品や印章が製作されていた。エジプトのアレクサンドリアで、宙吹きと呼ばれる製造法が紀元前1世紀の後半に発明された。
ルネ・ラリック: ラリックのガラス工芸品には、動物、女性像、花などアール・ヌーヴォー時代に好まれたモチーフが多く見られる。素材としては乳白色で半透明のオパルセント・グラス(en)を好んで用いた。これは、光の当たり方によって色合いが微妙に変化するものである。1920年代中頃からは色ガラスの作品も増えるが、色ガラスを使う場合も単色で用いることが多かった。技法的には、鋳鉄製の型を使った型吹き成形およびプレス成形によるものが多い。これらの工程は機械化され、大量生産に対応していた。
肥前びーどろ: しかしながら、現在でも佐賀精煉合資会社から1903年(明治36年)に独立した副島源一郎が創立した「副島硝子工業」により精錬方からの伝統技法が途切れる事無く代々伝えられており、旧来の日用品はもちろん、華やかな色使いのワイングラスや切子などの民芸品が伝統的な製法によって生産されている。1993年(平成5年)にはガラス工芸技術として佐賀市重要無形文化財に指定された。
ガラス: この技法は現代においても使用されるガラス器製造の基本技法であり、これによって安価なガラスが大量に生産され、食器や保存器として用いられるようになった。この技法はローマ帝国全域に伝わり、ローマガラスと呼ばれるガラス器が大量に生産され、東アジアにまでその一部は達している。この時期には板状のガラスが鋳造されるようになり、ごく一部の窓にガラスが使用されるようになった。また、ヘレニズム的な豪華なガラスも引き続き製造されていた。しかしローマ帝国の衰退とともにヨーロッパでの技法が停滞した。一方、東ローマ帝国の治める地中海東部やサーサーン朝ペルシャや中国大陸の北魏や南朝では引き続き高水準のガラスが製造されている。日本では福岡県の須玖五反田遺跡などで古代のガラス工房があったことが確認されている。5世紀頃、シリアでクラウン法の原形となる板ガラス製造法が生み出された。
ガラス絵: 西洋では、グラスピクチャー、グラスペインティングと呼ばれる。古くは10世紀に初歩的なものが作られ、14世紀のヴェネツィアで、初歩的なガラス絵が誕生した。その後、ドイツ、チェコ、ルーマニアなど制作され、ワニスをメディウムとすることが多かった。 ガラス絵の技法はインド、中国、日本へも伝播する。中国では、玉板油絵、玉盤油絵、玻璃油絵、玉板画、玉盤画額、画鏡、などと呼ばれた。日本では当初びいどろ絵と呼ばれた。日本へガラス絵が舶載された初見は、寛文3年(1663年)オランダ商館長から将軍への献上品目である。18世紀後半、長崎でヨーロッパ製、中国製のガラス絵の模倣が始まり、明治30年頃まで制作が続けられた。制作地は、長崎、江戸、上方、名古屋が想定される。長崎では、石崎融思やその子融斎、荒木如元ら長崎派の絵師が描いているが、伝世品は極めて少ない。
江戸切子: 現在は、当初からの素材であるクリスタルガラス等の透きガラスよりも色被せガラスを素材に用いたものが切子らしいイメージとして捉えられており、多く生産されている。
ゴールドサンドイッチガラス: ヘレニズム時代の紀元前300年頃から30年頃にキャストガラス技法が開始されると、モザイクガラスやネットワーク(ガラス)が生み出され、それらと共に製造されたと考えられている。作例としての地中海沿岸で製造されたと推定される、植物文様をあしらった「金箔入りガラスボウル」や「金箔入りガラスコップ」がある。ここではボウル形状のものを例にとり説明する。南イタリアやエジプトのアレクサンドリア、ギリシャのロドス島、フリギア王国のゴルディオン(現在のトルコ)、黒海北部沿岸のオルビア(現在のウクライナ)などである。4世紀頃のローマでは「金箔入りガラスメダリオン」や「金箔入りガラスベース」、「金箔入りガラス碑文」が製造されている。ビザンツ帝国時代にモザイク画に使用されるガラス製のテッセラに金箔を挟んだSmalti tileというものがあり、コンスタンティノープルの聖ソフィア聖堂で使用されている。
パート・ド・ヴェール: 古代メソポタミア文明の頃から、金属の鋳造技術を応用した「鋳造ガラス」として伝わっていた。かつては彫りくぼめた石や焼成した粘土製の型に、珪砂(石英砂)や水晶、および着色用として微量の金属鉱石などを粉にしたものを詰め、鋳型ごと窯に入れて、約750°C以上で熔融する工程を繰り返して、ガラスを焼成したとされている。 ビーズ、ペンダント、皿、碗、盃、壷など、多種多様なものが作られたが、ガラスを取り出す過程で鋳型を壊す必要があり、作品ごとに鋳型から作り直さねばならなかったため、大量生産には向かず、高級品として扱われた。しかし古代ローマ時代(紀元前1世紀)に、より大型のものを簡単に大量生産できる吹きガラスの技法が発明されると、その流行に伴って「鋳造ガラス」製法は衰退し、文献も残されないまま完全に失伝したため、「幻の技法」と呼ばれるようになった。
ガラスの成形技法: ガラスの成形技法(ガラスのせいけいぎほう)とは、ガラス素材を形作るための技法のこと。工業的な製造方法よりも、主にガラス工芸の二次加工手法・技法を指す。
ササンガラス: ムスリムによるイスラーム世界と異なるサーサーン朝ペルシアでの文化で醸成されたガラス工芸は、シルクロードを経由して日本に渡来し、白瑠璃碗を初めガラス器具として正倉院に収蔵されている。また、ローマガラスが普及したキリスト教国家であるローマ帝国とも異なる、ゾロアスター教にもとづく独自の文化をサーサーン朝ペルシアは誇り、サーサーン朝ペルシアの工芸において織物と並んでササンガラスは欠かせない存在であった。サーサーン朝ペルシアのガラス工芸品は交易品として東西に広まり、後に続くイスラーム芸術にも大きな影響を与えた。
堆錦: 近年では琉球ガラスとのコラボレーションも見られる。
薩摩焼: 薩摩焼(さつまやき)は、鹿児島県内で焼かれる陶磁器。竪野系、龍門司系、苗代川系がある。主な窯場は姶良市の龍門司窯、日置市(旧東市来町)の苗代川窯、鹿児島市の長太郎窯など。「白もん」と呼ばれる豪華絢爛な色絵錦手の陶器と「黒もん」と呼ばれる大衆向けの雑器に分かれる。初期の薩摩焼においては豊臣秀吉の文禄・慶長の役の際にて同行して来日した朝鮮人が島津義弘の保護の下に発展させた。2002年(平成14年)1月に国の伝統的工芸品に指定された。
ゴールドサンドイッチガラス: チェコ西部のボヘミアガラスの一種で18世紀(特に1730年から1755年)に製造されたen:Zwischengoldglas(英語:gold between glass)は二層のガラスを透明な樹脂で接着させるという点で製造技法が異なるが関連性が指摘される。なおモチーフとして狩猟や風景、宗教的意味合いのあるものが多い。
日本の漆器: 例えば江戸時代に誕生した、貝や金銀の切金を細かい模様にして研ぎだした杣田細工や、漆に様々なものを象嵌してカラフルに飾った芝山細工はますます美的に洗練されて精巧になり海外に輸出された。明治政府は欧米で開催される万国博覧会に七宝焼や陶磁器と共に漆器も出展させて輸出を後押しした。この時期の漆工家としては帝室技芸員になった柴田是真、川之邊一朝、白山松哉、池田泰真などが有名であり、特に柴田是真が海外で人気がある。漆工品に限らずこの時期の優れた工芸品の多くが輸出されたため、メトロポリタン美術館、大英博物館、ヴィクトリア&アルバート博物館などの外国の博物館や美術館には、印籠などの相当数の漆工品が収蔵されている。また、日本美術のうち明治工芸は外国人コレクターに最も人気がある分野であり、ハリリコレクションが高名である。
吹きガラス: 吹きガラス(ふきガラス)とは、ガラス工芸におけるガラスの成形技法のひとつ。熔解炉などで高温溶融されたガラスを、吹き竿と呼ばれる金属管の端に巻き取って、竿の反対側から息を吹き込んで成形する。紀元前1世紀半ばに東地中海沿岸のフェニキア人によって発明された技法であり、製法は古代ローマの時代からほとんど変わっていない。
截金: アジア以外の作例として、ヘレニズム時代(紀元前300-30年頃)の地中海沿岸で製造されたと推定される、金箔による植物文様を2層の透明ガラスの間に挟み込んだゴールドサンドイッチガラス(金箔入りガラス)と呼ばれるものがある。「金箔入りガラスボウル」、「金箔入りガラスプレート」、「金箔入りスキュポス」や「金箔入りガラスカップ」が例である。4世紀頃には「金箔入りガラスメダリオン」、「金箔入りガラスベース」、「金箔入りガラス碑文」が製造されており、これらは金箔をガラスに貼り付けた後、先の細い道具を使って刻むことにより、模様を浮かび上がらせた截文の例であると考えられる。
ササンガラス: ファセットカット・ガラスはササンガラスの特徴の一つであり、高品質で美しいカットガラスが国家規模の管理により大量に生産された。切子はササンガラスの主流であり、5世紀から6世紀にかけて円形・楕円形などの形状をした様々な切子が作られた。正倉院に収蔵されている白瑠璃碗も切子であり類似品である国宝円文カットボウルが安閑天皇陵古墳から出土している。白瑠璃碗と似たガラスで作られた水瓶がサーサーン朝ペルシアが栄えたイランで発見されたことより、サーサーン朝ペルシアから伝来したと考えられている。天平文化期のガラス器具には由来に諸説があり論争が続いている。なお、SPring-8を用いた岡山市立オリエント美術館などの研究により、天平文化期のものとみられる出土したガラス片は時期の異なるササンガラスであることがと解明されており日本にササンガラスが伝わっていたのは確実である。
ペルシアングラス: 西暦3世紀から7世紀にかけてサーサーン朝ペルシャではガラス器具の生産が盛んに行われ、東西交易を通じて日本にも伝来して正倉院に白瑠璃碗として保存されている。当時の製法を伝えるガラス製品をペルシアングラスと呼称しており、必ずしもサーサーン朝時代に製造されたもののみに限定されるわけではない。
江戸切子: 1834年(天保5年)に江戸大伝馬町のビードロ屋、加賀屋久兵衛(通称:加賀久)が金剛砂を用いてガラスの表面に彫刻で模様を施したのが始まりと言われている。加賀久は日本橋通油町の硝子・眼鏡問屋・加賀屋(通称:加賀吉)から暖簾分けし、切子も始めたとされる。1873年(明治6年)、明治政府の殖産興業政策の一環として日本初の硝子工場、品川興業社硝子製造所が開設され日本での近代的な硝子生産の試みが始まった。興業社は三条実美,村井三四郎,丹羽正庸が品川宿東海寺裏に設立したガラス工場で、1876年に工部省が買上げて「品川硝子製作所」と改称した。1881年(明治14年)には当時最先端の技術を持ったイギリスからお雇い外国人としてカットグラス技師・エマヌエル・ホープトマンを招聘し技術導入が行われ数名の日本人が師事、近代的な技法が確立されて発展していった。
小川破笠: ただし当時から人気作家だったので、本人が手がけた作品以外にも彼の工房製、つまりは弟子の手による作品も「破笠細工」として流通している。また近代になって、欧米でも評価が高くなったことにより、輸出目的で製造された明治以降の職人の手による「破笠風に作られた新作」も多い。幕末の漆芸家柴田是真もしばしば破笠写しの作品を作り、外国人観光客に売っている。
日本の漆器: 本阿弥光悦や尾形光琳などの琳派の作家は屏風のデザインや古典作品のイメージを漆器の箱や棚にも応用し、遊び心のあるデザインの漆工品を作った。この時代には男性の装身具として印籠が流行り、漆で精緻なデザインが施されたものが大量に作られた。天下泰平を迎え、刀剣の鞘や甲冑がより豪華に漆で装飾されるようになった。この時代に生きたマリー・アントワネットやマリア・テレジアは日本の漆工をコレクションしていた。鎖国政策が敷かれていたものの、オランダ商館などを通じての貿易品の生産も一部行われていた。この時期には、経済の発展に伴い肉合研出蒔絵が流行した。幕末から明治に入ると殖産興業の一環として国の威信をかけて輸出用の極めて高度な漆工品が作られた。
とんぼ玉: 奈良時代から平安時代初期には、とんぼ玉は厨子の装飾に使用されるなど、仏教美術と深く結びついていた。その技法は秘伝とされ、とんぼ玉に接することが出来る人間も限られていたと言われている。江戸時代に、南蛮貿易を通じて中国のガラス技術とヨーロッパのガラス技術が伝えられ、長崎などで安価なとんぼ玉が多数作られるようになった。その結果、長崎の技法が江戸で発展したもの(江戸とんぼ玉)、アイヌ民族との山丹貿易用に作られたもの(アイヌ玉)、奈良時代からの製法で作られたもの(泉州玉、さかとんぼ)が庶民の手に渡るようになり、根付けやかんざし、帯留、羽織紐の飾り(無双)、などの装飾品に使用された。しかし、とんぼ玉の製法は奢侈禁止令により明治時代には絶えたと言われている。戦後に入り、江戸とんぼ玉や外国産のとんぼ玉を参考に復元が行われ、ガラス工芸として多数の現代作家のもとで作られている。
ペルシアングラス: 古くから伝わる一種の伝統工芸品であり、手作りならではの温かみがあり、表面に装飾が施されているものもある。当時の製法ではガラスの融点を下げる目的で植物の灰をアルカリとして珪素に混ぜたソーダガラスだった。そのため、出土品のように長期間地中に埋まっていると表面のアルカリ元素が溶出してすりガラス状に曇ってしまう。 交易品として世界中に広まっていたので現在でも各地で出土する。現在では当時の伝統的な手法を継承して工芸品として販売されている。
乾隆ガラス: 乾隆ガラスには、カメオ彫り・無垢彫琢法といった世界的にも特異な技法・様式が特徴である。カメオ彫りは中国で古くから確立されていた玉細工の技法が、ガラス工芸にも浸透して乾隆カメオ・ガラスが大成した。 乾隆ガラスの創始者でもあり、画期的な技術を清に伝えたとされるのはイエズス会宣教師のジュゼッペ・カスティリオーネ、ガブリエル=レオナール・ド・ブロサール (Gabriel-Léonard de Brossard) である。特に、 カスティリオーネはエナメル絵付け技法を初めて清へ導入することで乾隆ガラスの色合いを多彩なものにした。他にも、 ヨーロッパからの技法の移入とともに乾隆ガラスは清国内でも技術革新が活発になり、フラックスである硼砂や脱色を可能とする亜ヒ酸といった物質の利用、金アベンチュリンの開発などが進んだ。
びん細工手まり: 淡海文化推進事業(1998年度)の一環として取り組んだ愛知川町の調査によれば、ガラス瓶の中に手まりを入れる工芸品は、山形県鶴岡市、山梨県一宮町、岐阜県神戸町、滋賀県愛知川町、福岡県柳川市、熊本県本渡市、山鹿市の7ヶ所に伝わっており、技術は絶えたものの伝世品が伝わっている地域が他に12ヵ所存在する。
ガラスペン: 1989年に、ペン軸からペン先まで全てガラスで出来た、一体型のガラスペンが作られた(特に「ひねりガラスペン」と呼ばれる)。見た目が美しく、工芸品としても評価されている。
工芸: 「近代工芸発祥の地」を記念したプレートが残されている。伝統的な民具など、実利的な使われ方をしながら世代を超えて使い続けられた物の中には、骨董品として現存するものも少なくなく、いわゆる「生活骨董」の分野ではこういう時代を経て利用されてきた工芸品を珍重、高値で売買する市場も存在する。
ボヘミアガラス: ボヘミアグラスの製法の一つに、18世紀に考案されたドウボイスチェンカ(複層ガラス、英語で「ゴールド・サンドイッチ」)がある。ヘレニズム期から利用されている技法で、密着する相似形の大小のグラスの間に模様を彫刻した金箔や銀箔を挟み込む。1730年代から1750年代にかけて流行したが、19世紀初頭にドウボイスチェンカの技術は消失する。ドウボイスチェンカが流行した18世紀には、黒エナメルや金箔で文様を描くロココ・グラスも考案された。あらかじめ多面カットを施したグラスに単色のシノワズリ文様やロココ文様を描く技法で、無色の素地に文様が浮き出すように見える。ロココ・グラスは19世紀初期まで製造されていたが、ドウボイスチェンカと同様に19世紀中に技術が失われる。
高岡漆器: 骨董品として扱われるほどの渋めの製品であったが、螺鈿、錆絵も用いられる。
七宝焼: 七宝焼(しっぽうやき、英語: enamel)とは、金属とガラスの合体工芸の一種で、その伝統工芸技法および作品のことを指す。金属を素地にした焼物ともいえる。七宝焼の中でも、正式に経済産業大臣による指定を受けた伝統的工芸品に「尾張七宝」がある。「七宝焼き」とは称さず、「七宝焼」が正しい表記。(海外の類例および技法については「七宝」を参照)
アール・デコ: ガラス、金属、陶芸(陶磁器などの工芸作品。)。 他、昭和初期に精工舎が金属・ウランガラス・プラスチックを使用し製作した置時計など。
ローマガラス: 吹き技法の開発に伴い、宙吹きの途中で凹凸のある型を使って紋を施し、さらに膨らませるという方法による「モール装飾」が多用された。また、透明ガラスの普及に伴い、粉状の色ガラスを水や油に溶かして容器に彩色する技法や、エナメル彩色やコールド・ペインティングも盛んになった。
日本の漆器: この室町時代に、蒔絵の代表的な技法のうち最も複雑な肉合研出蒔絵が開発されたほか、高蒔絵の一種の錆上高蒔絵が開発された。安土桃山時代にはヨーロッパとの南蛮貿易によって漆器産業は急成長し、「南蛮漆器」と呼ばれる螺鈿と蒔絵の技術を使った輸出用のヨーロッパ風の品物(例えば箪笥やコーヒーカップなど)が多く作られた。また欧州から来日した宣教師の求めに応じて日本の漆工家たちは大型の西洋式の櫃や教会の調度品を作って輸出した。これらの品物はヨーロッパでは一つのステータス・シンボルとなる高級品として非常に人気があった。漆器が大量生産されたため、この時代の代表的な漆器の高台寺蒔絵には主に平蒔絵の技法が使われていた。江戸時代には藩の産業として奨励された漆工が発展する。会津塗、輪島塗、津軽塗などが特に有名である。
西郷隆文: 薩摩焼の良さを広めようと考えているが、地域に根差した伝統工芸品は、なかなか変えることが難しいこともあり、自身は伝統的な『黒薩摩』作品を制作しつつも、流行は追わず他人と同じものは作らないという信念や、伝統的な窯元には無い新しい薩摩焼に挑戦したいという思いを持つ。
イスラムガラス: 天平文化期の後の鎌倉時代には、勅封蔵開検目録によると源頼朝による大仏開眼供養でイスラムガラスが収められていた可能性が高く、奈良時代から鎌倉時代まで日本には中国交易を通して大量のイスラムガラスが輸入されていたと考えられる。中国の西安からは紐飾り円文装飾瓶などが出土しており、イスラムガラスは重要な交易品であった。豪華な文様で上質なイスラムガラスはイスラーム世界から世界各地に輸出されており、イスラム美術にとって欠かせず世界三大ガラスの一つとしてローマガラスとともに位置づけられる。
長崎漆器: 長崎漆器(ながさきしっき)は長崎県で作られる漆器である。江戸時代に華美に装飾された当地漆器は多く輸出された。輸出漆器に付けられた「長崎螺鈿」の名は当地から輸出されたことに由来する。
濤川惣助: 花瓶や小箱等の濤川の七宝作品の多くは輸出用や海外要人への贈答用に作られたため国内にはあまり残っていなかったが、現在では明治期の工芸品の買い戻しと収蔵に力を入れている清水三年坂美術館等で見ることが出来る。
ローマガラス: ヘレニズム時代の影響として、モザイク技法による装飾、エジプトやギリシアの宗教的なモチーフが挙げられる。一方で新たに、「鋳造技法」や「型押し垂下技法」を利用して、エメラルドグリーン、ペルシアンブルー、ピーコックブルーなどのカラフルな色の容器、特に竜骨状の器が生産された。ローマ人の好んだモチーフとして他には、鳥が挙げられる。青地に白地のガラスを被せて(きせて)白地の部分を浮き彫り彫刻にした、「カメオ・ガラス」も生産された。これは高級品であった。シドン近辺では、銘を入れたガラス器が生産された。銘は、製作者名や標語など様々であった。ガリア(フランス)やゲルマニア(ドイツ)などでは、戦車競技(注:戦車と言っても、現代の戦車とは大きく異なり、馬車の仲間)や剣闘士の試合を描いた「サーカス杯」と呼ばれるものが1世紀後半から出現した。
江戸切子: その背景にはGHQの進駐によるガラス食器の発注や海外向け高級シャンデリア等の輸出など「外貨獲得の戦士」と称された時代、さらに高度経済成長期など生活の洋風化に伴うグラス・花器・洋食器の普及・需要増があった。復興・成長期を経た後は発達してきたロボット・マシンメイドによるカットグラス加工の機械化・量産化がメーカーで進むほか、格安な輸入品の増加によって職人の下請け加工は仕事量と質が大きな影響を受け始める。昭和50年代に入り行政の伝統工芸や地場産業振興の政策をうけ、組合が江戸切子として東京都伝統工芸品指定を受ける等、伝統工芸の看板として掲げた活動も進みはじめる。しかし円高不況による輸出の減少やバブル崩壊からの長期不況を受けメーカー・問屋・吹きガラス工場の廃業・撤退等も見られるようになり、クリスタルガラス素材を始めとする素材入手困難化や取引先・販路の縮小・変化が顕在化する。
高岡仏壇: 慶長時代に指物師による漆塗りの家具製造の記録があり、遅くとも幕末には仏壇製造が産業として形成されていたと考えられている。1846年に作られた仏壇は現在の高岡仏壇様式とほぼ同じであるといわれている。作成者は木地師佐野屋理兵衛、塗師竜口屋又兵衛、金具師二上屋忠兵衛等であった。高岡銅器の製造技術(彫金)も高岡仏壇の技術発展に寄与したと考えられている。
ガラス: これは一旦、手吹き法によりガラス球を造り、遠心力を加えて平板状にするもので、仕上がった円形の板を、適宜、望みの大きさや形に切り出すことができるメリットがあった。また、この技法によって凹凸はあるものの一応平板なガラスを製造することには成功した。イスラム圏では8世紀にラスター彩色の技法が登場した。この技法は陶器にも用いられたが、ガラスに先に使われた。9世紀から11世紀の中東では、カット装飾が多用された。また、東ローマ帝国では盛んにステンドグラスが製造された。8世紀頃から、西ヨーロッパでもガラスの製作が再開した。12世紀には教会にゴシック調のステンドグラスが備わるようになり、13世紀には不純物を除いた無色透明なガラスがドイツ南部やスイス、イタリア北部に伝来した。
琉球ガラス: 琉球ガラス(りゅうきゅうガラス)は、沖縄県の沖縄本島を中心に生産される、吹きガラスなどのホットワーク作業のガラス工芸品である。「沖縄ガラス」「琉球硝子」と表記されることもある。この項で述べる「琉球ガラス」は、太平洋戦争後の資源難のため、沖縄にあるアメリカ軍基地で捨てられたコーラやビール,ペリエなどの空き瓶を溶かして再利用したことから始まる品である。最近は、食洗機対応のものが増え人気が出てきている。
サンドブラスト:  また、サンドブラストは削ったり叩き落す用途が最も多いが、近年では磨きに使われることもある。ガラス工芸としては、表面彫刻・加飾の方法や加工後の擦りガラス状態等が、化学腐食のエッチングに似ていることから、20世紀になって用いられだした。文字や絵柄を残したい部分のみマスキングを外し(もしくは掛け)、サンドブラストを行なうと、対象部分がすりガラスとなって残る。グラスのような記念品等の名入れ等でも利用される。近年は、従来のフッ酸混合液(フッ化水素酸と硫酸の混合液)による腐食(エッチング)と比べて、安全性、生産性にすぐれ、設備の小型化も進んだことから個人でも導入可能な簡易性・加工性等もあり、サンドブラスト加工の品も「エッチング」と呼称されガラス工房や作家において普及している。「ガラスエッチング」と表記される事も多いが、エミール・ガレ等のそれとは歴史的にも技術的にも全くの別工法である。
日本の漆器:  また、縄文時代の集落と生活様式の変遷が確認できる垣ノ島遺跡からは、赤漆を染み込ませた糸で加工された装飾品の他に、黒漆の上に赤漆を塗った漆塗りの注口土器なども発見されている。 こういった遺構、遺品から、日本では縄文時代草創期にはウルシを生育していたと考えられている。飛鳥時代に作られた古代の漆工の傑作として有名なのが法隆寺の玉虫厨子である。諸説あるが、奈良時代の正倉院宝物の「金銀鈿荘唐大刀」の鞘の金の装飾「末金鏤(まっきんる)」が日本における蒔絵技法の起源に繋がっていると考えられている。正倉院宝物の95%は外国風のデザインを施した国産品であるが、鞘の部分が日本産であったか唐産であったかは不明である。また奈良時代には螺鈿が唐から輸入され、琥珀や鼈甲と組み合わせて楽器などの装飾に使用された。
薩摩錫器: 万治元年(1658年)に建築された島津家別邸の仙巌園には、薩摩藩主と世継ぎだけが通れる朱塗りの門「錫門」があり、その屋根には瓦ではなく総重量約1トンの錫で作られた板で葺かれている。薩摩で錫器を作り始めたのは、谷山鉱山が生産を増した文化10年(1813年)以後と広く見なされており、献上品として用いられるなど高級品として扱われていたが、橘南谿によって執筆された江戸時代の代表的な紀行文『西遊記』には「薩摩などは格別の遠国故にや、城下にもなお古風残れり。器物も酒の銚子といふものなし、皆 錫の徳利なり」と書かれていることから、執筆された当時は錫器の使用が古風だと考えられていたことや、すでに薩摩では錫器の生産が盛んで、徳利が広く使われていたことが窺い知れる。錫は、和製大砲や建築の材料として幕末の集成館事業にも生かされた。
七宝: 国内では、中世より仏教荘厳における宝石類、ガラス、螺鈿などの珠宝の総称として「七宝」という語が使われており、 室町期の勘合貿易にて明より輸入した七宝器を「七寶瑠璃(しっぽうるり)」と記した(詳しくは七寶瑠璃を参照)。豊臣政権下にあった安土桃山時代後期以降の頃に、伊予松山城下あるいはその界隈(現在の愛媛県松山市の中核)の金工師・嘉長が、豊臣秀吉あるいは小堀遠州に見出されて入洛したという。横井時冬の調べによれば、嘉長は鋳物を釉薬で着色する『七宝流しの法』を心得ており、京都の堀川油小路に住んでいたようである(詳しくは嘉長を参照)。その後、江戸時代初期にかけて、曼殊院・大徳寺・桂離宮・修学院離宮、などの襖の引手や釘隠が製作されていく。
津軽びいどろ: 材料は主に珪砂と色ガラスの二種類を用いており、珪砂を約1,500度の窯で溶かしてガラスのもとを作り、びいどろの種にしている。初期の作品は、長年の浮玉製造で培った宙吹きの技法を用いて大ぶりな花器などが生産された。スピン成形などの技法が取り入れられより安価な製品も作られるようになっている。津軽びいどろの特徴の一つが絵付けなどを行わずに、色ガラスに拘り、多種にわたる色味を再現していることである。なかでも七里長浜の砂とガラスが混ざり産み出される緑色は代表的といえる。
ガラス絵: 画題は西洋の風景・風俗、漢画風の花鳥画など、洋風画の影響が強い。江戸では、司馬江漢が独自の油絵でガラス絵を描いたことがわかっている。葛飾北斎も著作『絵本彩色通』初編でびいどろ絵の描き方を述べているが、北斎が実際にこの方法でガラス絵が描けたかどうかは疑問がある。江戸のガラス絵は歌川国芳系の浮世絵風美人画が多く、他に花鳥画や風景画が見られる。明治に入ると、役者や開化絵などが描かれている。
琉球ガラス: 現在は、いわゆる沖縄ブームもあってメーカーや工房も増え、それぞれが腕を競い合い、廃瓶だけではなく新規にガラスの溶解からの制作も始められている。 新たな材料や手法なども取り入れて、表現方法も芸術的な作品から贈答品向けまで多彩になりつつあり、琉球ガラスの職人が「現代の名工」に選出されるなど、沖縄の伝統工芸や地域ブランドとして認知度を高めている。 また、沖縄独自のとんぼ玉、「ホタルガラス」も作られるようになった。一方で、ベトナム産の品を、沖縄で生産された琉球ガラスと混同される表現を用いて販売していたとして、公正取引委員会から原産国の不当表示として指摘され、景品表示法に基づく排除命令が出た例がある。これは、沖縄での生産能力やコスト面での不利を理由にベトナムに現地法人を設立し、現地採用した職人を指導・育成しながら生産していた品であった。
乾隆ガラス: こうして乾隆ガラスは、製造方法と技法を清に伝えたヨーロッパの芸術にも大きな影響を与えている。
ゴールドサンドイッチガラス: なお現在ではGold Smaltiと呼ばれて販売されている。日本においては藤ノ木古墳(奈良県)・新沢126号墳(奈良県)からは「金層ガラス玉」が、宮山一号墳(滋賀県)・小汐手横穴墓(島根県)・廿山南古墳(大阪府)からは「銀層ガラス玉」が発見されている。中国や韓国からも出土例はあるが製造跡が見つかっていないため、地中海のアレクサンドリアや西アジアで製造されたものがシルクロードを伝って日本に運ばれてきた可能性が指摘される。9世紀から10世紀頃のアッバース朝下のイラクやシリアからは「金箔入りガラスボウル」や、「金箔入りガラスタイル」など発見されている。9世紀から10世紀頃のファーティマ朝下では金箔と銀箔を挟んだ「金箔入りフラスコ」が発見されている。12世紀前半のザンギー朝下のシリアでは「金箔入りガラス瓶」が発見されている。
宮川香山: 香山は当初欧米に流行していた薩摩焼を研究していくつもの作品を制作、この工房の作を「真葛焼」と名づけて輸出したが金を多量に使用する薩摩焼は制作費に多額の資金を必要とするため、香山は「高浮彫(たかうきぼり)」と呼ばれる新しい技法を生み出す。これは金で表面を盛り上げる薩摩焼の技法を、金のかわりに精密な彫刻を掘り込むことで表現したもので、薩摩焼の技法に変わる新しい表現方法を確立した。香山はより細密な表現を身に着けるため庭に鷹や熊を飼うまでし、明治9年(1876年)、35歳の時、高浮彫で作られた真葛焼はフィラデルフィア万国博覧会に出品されると多くの国に絶賛され、真葛焼と宮川香山の名を世界に知らしめた。明治29年(1896年)6月30日には帝室技芸員を拝命。ところがのちに高浮彫は生産が難しいだけでなく精度を上げるほど完成まで何年もの時を必要とする生産効率の低さが問題化することになる。
ガラス: このような特性を利用して、窓ガラスや鏡、レンズ、食器(グラス)など市民生活及び産業分野において広く利用されている。近代以前でも装飾品や食器に広く利用されていた。また金属表面にガラス質の膜を作った「琺瑯(ほうろう)」も近代以前から知られてきた。ガラスの表面に細かな凹凸を付けた磨りガラスや内部に細かな多数の空孔を持つ多孔質ガラスは、散乱のために不透明である。遷移金属や重金属の不純物を含むガラスは着色するものがあり、色ガラスと呼ばれる。2002年(平成14年)の統計によれば日本だけでも建築用に3900億円、車両用に1700億円、生活用品に3000億円、電気製品等に8300億円分も出荷されている。
芝山漆器: 1775年頃、上総芝山村(現在の千葉県芝山町)に生まれた大野木専蔵が始めた芝山象嵌を発祥とする。その後、大野木は芝山専蔵と改姓して、江戸に出て芝山象嵌を広げた。幕府直参の武士であった村田鋼平は、幕末の開国を機に横浜からの輸出品として、芝山象嵌を発展させた。外国人貿易商から高い評価を受け、横浜に職人が移住して、分業制による輸出向けの生産が本格化した。 1893年のシカゴ万博において入賞した真珠貝花紋小箱を契機に、横浜の職人は芝山象嵌とはことなる独自の芝山漆器を作り始めるようになる。 明治時代は海外貿易用を中心に盛んに生産が行われ、芝山師と呼ばれる職人も100人程度存在した。関東大震災と第二次世界大戦により芝山漆器は打撃を受けたが、戦後しばらくは在日米軍人の土産物などとして人気があり、「鈴蘭荘」という芝山師集団の共同住宅兼工房で生産が続いた。
コバルトガラス: 15世紀から17世紀のヨーロッパ絵画ではスマルトが一般的に使用され、今日に至っては色が抜けてしまっている。 ヨーロッパでスマルトの製造法を発明したのは、1540–1560年ごろのボヘミア人ガラス工 Christoph Schürerと信じられているが、1455年頃のディルク・ボウツのThe Entombmentにスマルトの使用がみられるため、少なくとも一世紀前には存在していたことは確かである。
乾隆ガラス: 乾隆ガラス(けんりゅうガラス、英語: Peking glass)は、清朝第6代皇帝の高宗乾隆帝の在位した18世紀頃に作られたガラスを指すが、広義的に乾隆ガラスは清代に作られたガラスのことを指す。それまで中国で作られたガラスに対して、ヨーロッパから伝わったガラスの着色技術によって乾隆ガラスには多彩な色ガラス作品が多く作られた。ガラスの着色にはイスラムガラスのラスター法と同様に金属酸化物を使用するが、添加する金属酸化物の量によって膨張率が異なるために生産は習熟が求められ困難である。色ガラスの生産を初めとした乾隆ガラスの発達にはヨーロッパからのベネチアンガラスの技術の移入とともに、中国独自の技法と造形の確立によって大成された。海禁政策の解除にともない乾隆ガラスはヨーロッパに渡り、従来のヨーロッパ美術からの転換を唱えた美術運動であるアール・ヌーヴォーの展開のきっかけとなった。
ガラスエングレービング: 全て手作業で行うため大量生産には向かないが、型やマスキング等を必要とせず臨機応変に彫ることが出来るため、贈答品などの個人名の刻印等に向いている。また、使用する工具が比較的安価なため趣味ではじめる者も多い。手彫りのグラスリッツェンと混同されがちだが、電動工具を使用しないグラスリッツェンとは手法が違うため別物である。手法の性質上、彫るか彫らないかの二色しか表現できないため、日本では文字や線のはっきりしたイラストしか彫られていなかったが、2010年に動画投稿サイトで濃淡をつけた作品が公開されてからは、その手法に習った作品も多数見受けられるようになった。
象嵌: 象嵌(ぞうがん、象眼とも)は、一つの素材に異質の素材を嵌め込む工芸技法。象は「かたどる」、嵌は「はめる」と言う意味があり、金工象嵌・木工象嵌・陶象嵌等がある。その中の金工象嵌は、シリアのダマスカスで生まれ、シルクロード経由で飛鳥時代に日本に伝わったとされる。江戸時代には京都などに優れた職人が多数生まれ、日本刀の拵えや甲冑、鏡や根付、文箱、重箱などに腕を振るった。素材としては金属だけではなく、彩色した木材や骨片、貝殻、陶磁器なども用いられる。日本国内に現存する最古の象嵌製品は石上神宮の神宝「七支刀」。
薩摩焼: 薩摩焼は、2002年1月に伝統的工芸品としての国の指定を受け、2002年7月には伝統的工芸品としての振興計画について経済産業大臣の認定を受けており、2007年1月、『薩摩焼』は鹿児島県陶業協同組合によって商標登録される。2007年11月には、万博初出展140周年を記念し、フランス国立陶磁器美術館(セーヴル美術館)において「薩摩焼パリ伝統美展」が開催された。
ガラス: 1670年代に入ると、ドイツ・ボヘミア・イギリスの各地でも同時多発的に、無色透明なガラスの製法が完成した。これは精製した原料にチョークまたは酸化鉛を混ぜるものである。この手法によって厚手で透明なガラスが得られ、高度な装飾のカットやグレーヴィングが可能になり、重厚なバロックガラスやロココ様式のガラスが作られた。また、アメリカ合衆国ではヴァージニア州に来たヨーロッパからの移民がガラスの生産を始めた。産業的にはなかなか軌道に乗らなかったが、大規模な資本の投下が可能な18世紀末になると豊富な森林資源を背景に工場生産が行なわれるようになった。18世紀に入ると、フランスで板ガラスの鋳造法が開発され、また同時期に吹きガラス法を利用して大型の円筒を作り、それを切り開いて板ガラスを製造する方法が開発され、この2つの方法は20世紀初頭にいたるまで板ガラス製造の基本技術であり続けた。
香川漆器: 香川漆器(かがわしっき)とは、香川県で生産される漆器である。讃岐漆器あるいは高松漆器とも呼ばれることがある。
七宝焼: 金・銀・銅・青銅・鉄などの金属素地に、釉薬を800°C前後の高温で焼成することによって、融けた釉薬によるガラス様あるいはエナメル様の美しい彩色を施す。七宝焼の釉薬は二酸化珪素を主成分とする鉱物資源から作成されたフリットを砂状、粉末状にしたものを使用することが多い。砂状、微粉末にした釉薬は、水と糊(フノリなど)を合わせて、または、ペースト状にしたものを使うことが多い。 明治時代の一時期に爆発的に技術が発展し、欧米に盛んに輸出された。特に京都の並河靖之、東京の濤川惣助、尾張の七宝師の作品が非常に高い評価を得て高額で取引されたが、社会情勢の変化により、急速にその技術は失われた。