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ロアルド・ダール: ロアルド・ダール(Roald Dahl [ˈroʊəld ˈdɑːl]、ノルウェー語: [ˈruːɑl ˈdɑːl]、1916年9月13日 - 1990年11月23日)は、イギリスの小説家・脚本家。
E・R・エディスン: エリック・ラッカー・エディスン(Eric Rücker Eddison、1882年11月24日 - 1945年8月18日)はイギリスの小説家。公務員でもあった。ファンタジー長編小説『ウロボロス』で知られる。
エイドリアン・ホッジス: 『Amongst Women』はジョン・マクガハンの小説をBBC Twoでドラマ化したもので、英国アカデミー賞ベストシリアル賞を受賞し、映画『The Lost World』(2001年)とドラマ『Charles II: The Power and the Passion』(2003年)がバンフ世界メディアフェスティバル(英語版)でグランプリ賞を受賞した。2005年に彼はHBOとBBCのテレビドラマ『ROME[ローマ]』でエピソード「凱旋式」を執筆した。後に彼はフィリップ・プルマンのサリー・ロックハート(英語版)の物語をテレビドラマ化し、『The Ruby in the Smoke』(2006年)と『The Shadow in the North』(2007年に制作完了)を執筆した。彼はITVのSFドラマ『プライミーバル』の共同制作者でもあり、全5シリーズのうち9エピソードを執筆した。
ポーラ・ホーキンズ: ポーラ・ホーキンズ(Paula Hawkins、1972年8月26日 - )は、イギリスの小説家。
ホビットの冒険: トールキンの死後、テキストの生成、修正、そして発展に関する注釈を施した2つの特別版が出版された。ダグラス・アンダーソンの『注釈版ホビット(英語版)(The Annotated Hobbit)』(1988年)は、これまでに出版された『ホビットの冒険』のすべてのテキストが注釈やイラストとともに収録されている。増補改訂版(2002年)では「エレボールの遠征(英語版)」のテキストが追加された。アンダーソンの注は、『ホビット』を執筆する上でトールキンが使用した資料を明らかにしており、トールキンがそれぞれの改訂で施した修正の詳細が記されている。注釈に加え、フィンランド語版のトーベ・ヤンソンのイラストをはじめとする各国語版の挿絵が使用されている。
英国幻想文学大賞 長編部門: 年度は受賞年(刊行の翌年)。
指輪物語: 『指輪物語』はトールキンの他の作品と同様、その文学的な主題と起源に対し、多くの研究者によって広範囲にわたる分析がなされた。『指輪物語』は大作であるが、実はこの物語は1917年以来トールキンが長年取り組んで来た、巨大な神話群または伝説体系(legendarium、レジェンダリウム)の、最後の一篇でしかない。『指輪物語』への影響をあたえたものとして、言語学、神話および宗教があげられる。そしてそれらと同様、トールキン以前のファンタジー作品と第一次世界大戦でのトールキン自身の経験が作品に大きな影響を与えている。一方で『指輪物語』はかなりの影響を現代のファンタジーに与えたと考えられていて、トールキンの作品の衝撃の大きさから、「トールキニアン」(Tolkienian)と「トールキン風」(Tolkienesque)といった単語の使用が、オックスフォード英語辞典に収録された。
冒険シリーズ: 『冒険シリーズ』(ぼうけんシリーズ)とは、イギリスの女流作家イーニッド・ブライトンが書いた冒険小説。である。このうち「山」だけが日本では翻訳されていない。このシリーズは未だに世界で読まれ親しまれ続けている作品であり、人気が高いことがうかがえる。 当初は冒険物はハッピーエンドでなければならないという思いから、「船」で終わる予定であったが、読者からの「終わらせないで」「続けて」というあまりの反響により、「サーカス」と「川」が加えられた。
アンソニー・ホープ: アンソニー・ホープ(Anthony Hope, 1863年2月9日 - 1933年7月8日)は、イギリスの小説家、劇作家。本名アンソニー・ホープ・ホーキンス (Anthony Hope Hawkins)。冒険小説を中心に数多くの作品を著したが、広く読み継がれた作品は『ゼンダ城の虜』(1894年)とその続編『ヘンツォ伯爵』(1898年)に限られる。イギリス文学における「準古典」であるこの2作は、物語の舞台を架空の国家「ルリタニア王国」に定めており、ルリタニアン・ロマンスと呼ばれるジャンルを産んだ。『ゼンダ城の虜』は、ハリウッドで製作された同名の映画(1922年・1937年・1952年)をはじめ、さまざまな形に展開した。
ジェームズ・ヒルトン: ジェームズ・ヒルトン(James Hilton, 1900年9月9日 - 1954年12月20日)は、イングランドの小説家。『失われた地平線』、『チップス先生さようなら』といったベストセラーが有名で、脚本家としてアカデミー賞を受賞したこともある。『失われた地平線』に登場する「シャングリラ」は理想郷の代名詞としても広く知られる。
ロバート・ホールドストック: 1948年、イングランド・ケント生まれ。ウェールズ大学バンガー校で学んだ。1981年、1984年、1988年、1993年に英国SF協会賞、1985年、1992年に世界幻想文学大賞を受賞した。
デイヴィッド・リンゼイ: デイヴィッド・リンゼイ(David Lindsay、1876年3月3日 - 1945年7月16日)は、ロンドン生まれのイギリスの幻想文学作家、ファンタジー作家。ディヴィッド、デビッドの表記もある。コリン・ウィルソンは、リンゼイの処女作である大作「アルクトゥールスへの旅」を、20世紀の最も不思議な本であると同時に最も秀れた本である、と賞賛している。スパイ・アクション作家のデイヴィッド・L・リンジー(英語: David L. Lindsey)とは別人。
シドニー・サイム: シドニー・サイム(Sidney Herbert Sime、 S. H. Simeとも 1865年 – 1941年5月22日)はイギリスのイラストレータである。ケルト神話や北欧神話を下敷きにしたファンタジーを創作した作家、ロード・ダンセイニの著作の挿絵を描いたことで知られている。
チャールズ・ストロス: チャールズ・ストロス(Charles Stross、1964年10月18日 - )は、イギリスのSF作家、ファンタジー作家、ホラー作家。
中つ国 (トールキン): ほとんどのこれらの著述は、『ホビットの冒険』と『指輪物語』を例外として、彼の息子クリストファが死後に編集し出版した。それらの中で特筆すべきは『シルマリルの物語』で、ヴァリノールやヌーメノールやその他の地と同様に中つ国も含む、より広範な宇宙論を展開する。同じく注意すべきは、『終わらざりし物語』と12巻および別巻索引からなる『中つ国の歴史』シリーズで、それは彼の生涯の初期の草稿から最後の著述までトールキンの著述の発展の過程を詳述すると同時に不完全な物語や小論も含んでいる。
エドガー・パングボーン: 本格的な作家生活25年の中で刊行された作品は、SF、ミステリ、普通小説などを含めて、長編7冊、中短編が30篇程度で、寡作な作家と言える。代表作の1つは1954年に発表した『オブザーバーの鏡』で、3万年前に地球に移住し、地球人の発展を見守って来た火星人の1人と、人類の少年との交流を通して、人類文明に寄せる思いを描いた作品。1955年の国際幻想文学賞を受賞した。もう1つは、1962年に発表され1964年に単行本化された『デイヴィー 荒野の旅』で、核戦争後の荒廃した世界で1人の少年が奇想天外な遍歴を通して成長していく物語。SF版『トム・ジョーンズ』『ハックルベリー・フィンの冒険』とも称された。
チャーリー・フレッチャー: チャーリー・フレッチャー(1960年 - )は、イギリスの脚本家・小説家。映画やテレビで長年執筆し、その後は子ども向けの小説『ストーンハート』の著者として知られる。
リン・リード・バンクス: リン・リード・バンクス(Lynne Reid Banks、1929年7月31日 - )はイギリスの児童文学作家、小説家。 バンクスは40以上の作品を出版し、その内の『小さなインディアンの秘密』に始まる「リトルベアーの冒険」シリーズは1000万部以上売り上げ、1995年にはフランク・オズ監督の下映画化された。
ホビット (映画): その後、これらの問題の解決を経て、遂に2011年3月より撮影が開始されるに至った。この間、一時期ギレルモ・デル・トロが監督として決定し、製作プロセスにおいて大きな貢献を果たしてきたが、スケジュールの遅延により調整が付かず辞退となった。当初は前後編の2部作として製作が進められたが、本撮影終了後の2012年7月に全3部作となることが発表された。児童向けで分量も比較的少ない原作を壮大な3部作に仕上げるにあたっては、原作の冒険の背景や同時期に起こっていた出来事についての記述がある『指輪物語』の「追補編」からも素材が引かれている。
指輪物語: BBCは、13回の『指輪物語』ラジオドラマ化を1956年に、6回の『ホビットの冒険』を1968年に制作した。トールキンがどちらかのシリーズを聞いたことがあるかどうかはわからない。1956年のシリーズの録音の存在は知られていないが、しかし『ホビットの冒険』は残っている。非常に原作に忠実なドラマ化であり、いくつかの過去の参照として『指輪物語』や『シルマリルの物語』が組み込まれている。1979年ドラマ化がアメリカで放送され、続いてテープとCDも発売された。キャストまたはクレジットは包装に記されていない。俳優ごとに別々に録音され、様々な部分を編集でつなぎ合わせたようだ。したがって、俳優が一緒に録音した、BBC版と異なり、キャストのだれも現実に互いに対話していないので、非常に出来が悪い。1981年、BBCは構想も新たに、13回の『指輪物語』を26回30分に分けてドラマ化を放送した。
ウィリアム・ボイド (作家): ウィリアム・ボイド(William Boyd、CBE、1952年3月7日 - )は、イギリスの小説家、脚本家。
指輪物語: 以後、ファンタジーの多くの良書が出版されたが、特筆すべき作品としては、アーシュラ・K・ル=グウィン の『ゲド戦記』やステファン・ドナルドソンの『信ぜざる者コブナント』がある。1987年、テキストの電子化により、英米のテキストが一致した。2004年、50周年記念版として、クリスティーナ・スカル、ウェイン・G.ハモンドによる注釈。トールキン作の「マザルブルの書」の挿絵つきで出版された。2005年、クリスティーナ・スカル、ウェイン・G.ハモンドによる索引の再構成、テキストの全面見直し版が出版された。他の芸術分野すべてと同じように、立派な作品を真似ただけの派生本はたくさん現われた。『指輪物語』の筋をなぞっただけの派生品について、トルキニスク(Tolkienesque)という用語が使われるようになった。魔法のファンタジーの世界を邪悪な冥王の軍隊から救う探究に乗り出す冒険者の一団が...
ビヨンド・ファンタジー・フィクション: 『ビヨンド』がその短い歴史の間、世に送り出した中・短編小説の中では以下のものが有名である。このうち「そして私のおそれはつのる」と「壁の中」は2004年度レトロ・ヒューゴー賞の候補となった。
トンネルシリーズ: 『トンネルシリーズ』(英:Tunnels)は、イギリスの作家ロデリック・ゴードンとブライアン・ウィリアムズによる児童文学、ファンタジー小説。
スティーヴン・キング: 世界幻想文学大賞(1982年、1995年、2004年)、ヒューゴー賞(1982年)、オー・ヘンリー賞(1996年)、ブラム・ストーカー賞(1988年、1996年、1997年、1999年、2007年、2009年)など、数々の文学賞を受賞している。
アラン・ベネット: アラン・ベネット(Alan Bennett、1934年5月9日 - ) は、イギリスの劇作家、小説家、シナリオライターである。
イアン・ホルム: 同年、『指輪物語』をラジオドラマ化した『BBC RADIO COLLECTION The Lord of the Rings』(BBC)ではフロド・バギンズを演じた。その縁でホルムは、ピーター・ジャクソン監督作の映画『ロード・オブ・ザ・リング』・『ホビット』ではフロドの養父であるビルボ・バギンズを演じている。1989年に大英帝国勲章を、1998年にサーの称号を授与された。2020年6月19日、ロンドンの病院で死去。エージェントによると、死因はパーキンソン病に関連。
ジュリアン・ストックウィン: ジュリアン・ストックウィン(Julian Stockwin, 1944年 - )は、イギリス、ハンプシャー州ベイジングストーク生まれの海洋冒険小説作家である。
マイケル・スコット (小説家): マイケル・スコット(Michael Scott)は、アイルランドの作家。1959年にダブリンで生まれた。神話や民俗学に対する造詣が深く、ファンタジーを中心に幅広い作風で人気を集めている。アンナ・ディロン(Anna Dillon)のペンネームでも作品を発表している。1983年にアイルランドの民話やおとぎ話を集めた作品でデビューした。1991年に児童文学『The De Danann Tales』(日本語未訳)シリーズの第1作を発表した。2007年に『ニコラ・フラメル・シリーズ』の第1作を発表した。
ジョージ・オーウェル: 『1984年』は、1998年にランダム・ハウス、モダン・ライブラリーが選んだ「英語で書かれた20世紀の小説ベスト100」、2002年にノルウェー・ブック・クラブ発表の「史上最高の文学100」 に選ばれ、オーウェルは20世紀のイギリス文化における最高の記録保持者とみなされている。
夜モノ映画: 夜モノ映画(よるものえいが)とは、映画の一ジャンルである。
アメリカの夜 (映画技法): アメリカの夜(アメリカのよる、フランス語: nuit américaine、英語: day for night)とは、昼間に撮影した場面を夜間の場面のように見せる映画の技法である。技術または予算の都合上、夜間に撮影することが難しいときに用いられる場合が多い。フィルムやデジタルの撮像素子は、光量の少ない状態において人間の目が持つ感度を欠いている。そのため、月明かりの有無にかかわらず、夜間の自然光で撮影された夜間の場面では、ほとんど何も見えないほど露光不足になる。この問題は、暗闇の代わりに日光を使うことによって避けることができる。アメリカの夜を用いる場合、カメラの露出を小さくするか、ポスト・プロダクションで暗くするかして、青みを加えることが一般的である。夜の印象を強めるために追加エフェクトが用いられることもある。
アメリカの夜 (映画技法): フィルムやビデオ・カメラの光感度は向上しているため、この技法が用いられることは少なくなっている。
遅刻: 遅刻(ちこく、英: tardiness)とは、(事前に)決められた時刻に遅れること。
インターミッション (映画用語): 長編かどうかは関係なく現在でもインターミッションがあるボリウッド映画を除けば、インターミッションを用いることは一般的ではなくなった。このほか、旧作上映の際、公開当時はインターミッションがあっても、再上映の際の観客には上映時間の休息が必要ないと判断され、インターミッションが無くなる場合もある。また、2作以上の作品を同枠で公開する所謂「同時上映」の場合や、旧作の再上映で初編と続編を連続上映するような場合は、フィルムの入れ替えが必要になるため、観客の休息も兼ねて休憩を入れるが、これは休憩前と休憩後で作品が別であるため、通常はインターミッションとは見做されない。
長編映画: 長編映画の長さの概念は、時代や場所によって変化してきた。映画芸術科学アカデミーや、AFI、英国映画協会によれば、長編映画の上映時間は40分以上としているが、映画俳優組合は60分以上と主張している。フランスの国立映画&映像センター(英語版)は、1,600メートル(5,200フィート)以上の35ミリフィルムと定義している。これはトーキー映画の場合、ちょうど58分と29秒である。
短編映画: 短編映画(たんぺんえいが、short film)は、上映時間の短い映画を指す。長さに明確な区分はないが、エンドクレジットを含め主に40分以内である。ショートフィルムとも呼ばれる。日本ではあまり認知されていないジャンルである。対して、欧米では確立されたカテゴリーで、商業として確立しており、かつてはディズニー作品も短編映画が主体だった。タンペレ映画祭(FIAPF公認の北欧最古の映画祭)やアヌシー国際アニメーション映画祭(ASIFA公認の世界最大のアニメーション映画祭)のように長編映画よりも短編映画に重きを置く映画祭も少なくない。近年、インターネット・モバイル等の映像配信メディアにおいて短編映画の重要性が増している。こういったメディアは長時間の映像作品の視聴に向いているとは言えないため、商業的に成功している長編映画作家がインターネットベースで短編映画を配信する例が世界的に増えている。
アート映画: アート映画はポルノグラフィであるという批判を受けることもある。また、メインストリームの観客にとってあまりにも仰々しく気取っているという批判もある。著名な例としてはアンディ・ウォーホルによる1964年の実験映画『エンパイア』があり、これは通常のスピードより遅く、24フレーム/秒で撮ったものを16フレーム/秒で上映する。
インターミッション (映画用語): リール交換のたびに途中休憩を入れる必要は無くなっても、観客に休息を与えるためや、映画館での飲食物の売り上げを伸ばすため、インターミッションは入れられ続けていたが、2015年の段階ではインターミッションのある映画はほとんど制作されなくなっている。長編映画に観客が慣れていないときは、観客に休息が必要ではあったが、長編映画に観客が慣れてしまうと、休息は不要となった。2015年の段階では、観客は2時間前後の上映時間を長いとは感じず、3時間近い作品であっても途中休憩が入らないことがほとんどである。また、かつては4時間を超えるような映画も制作され、長編映画に慣れた観客でもさすがに休息が必要であったため、途中休憩が入れられていた。しかし、2015年の段階ではそのような長時間の映画はほとんど制作されなくなり、作ったとしても前後編に分けて公開し、入場料を2回取ることで採算を取るようになってきている。
失われた映画: 失われた映画(うしなわれたえいが、英語: lost film)とは、フィルムやスチル写真などの作品を記録したメディアの所在が、映画スタジオのアーカイブ、個人コレクション、アメリカ議会図書館をはじめとする公共アーカイブのいずれにも確認できなくなっている長編ないし短編映画。幻の映画(まぼろしのえいが)と称されることもある。「失われたフィルム(ロスト・フィルム)」という言い回しは、長編映画などについて未編集版や別編集バージョンなど、それが制作されたことが知られていながら、もはや映像が残されていない削除シーン(英語版)などを、文字通りの意味で指すこともある。時には、失われた映画とされていた作品のコピーが再発見されることもある。フィルムが現存するものの完全な形ではない作品は、「フィルムが部分的に現存している映画」 (partially lost film) と称される。
映劇大要: 上映時間は朝9時30分から翌日朝6時30分であり、オールナイト上映を行っていた。公式ウェブサイトは存在しなかった。入場料金は1995円(2000円マイナス5円)だった。
長編映画: 「feature film(フィーチャー映画)」という言葉はもともと、短編映画やニュース映画を含む映画館のプログラムの中で、メインとなる長編の映画を指していた。特にアメリカやカナダでは、一般的に昼興行プログラムにはカートゥーンや少なくとも1本の週刊連載映画、そして一般的に週末には2本目の長編映画が含まれていた。
映画: ムービー(えいが、英: motion picture あるいは movie あるいは film、仏: cinéma、中: 電影)とは、長いフィルムに高速度で連続撮影した静止画像(写真)を映写機で映写幕(スクリーン)に連続投影することで、形や動きを再現するもの。活動写真、キネマ、シネマとも。なお、本来の語義からははずれるものの、フィルムではなくビデオテープなどに磁気記録撮影されたものや映画館で上映される動画作品全般についても、慣例的に「映画」と呼ばれている。映画館が普及して以降、一般的に映画というと専用施設(映画館等)の中でスクリーンに投影して公開する作品を指すことが多い。20世紀に大きな発展を遂げた表現手段であり、映画は今や芸術と呼ぶべき水準に達している。
アメリカの夜 (映画技法): 撮影ショットの露出を小さくすることによって、暗さの錯覚や月明かりの錯覚を与えることができる。その代表的な方法は、F値を2段階ほど下げることである。カメラの露出を変えずに、この効果を得るために、中性濃度フィルター(英語版)を使うことが多い。昼間の空を暗くすることにより、夜のように見せることができる。黒白の映画では、赤いレンズ・フィルターを使えば、青い空は黒く映る。ロング・ショットでは赤外線フィルムが使われることがあるが、これは緑の葉を白く見せる。寄りのショットでは、役者の肌の色を維持するために、黄色やオレンジ色のフィルター(ラッテンの8か15)が用いられることがある。カラー映画やビデオでは、中性濃度フィルターや偏光フィルターによって、類似の効果を得ることができる。これらのフィルターを使うと、撮影中のカメラの動きは制限されることになる。
アメリカの夜 (映画技法): 光量と色温度が絶えず変化し、求められている光の状態が短時間しか持続しないため、この方法で撮影することには困難がつきまとう。
インターミッション (映画用語): 日本で劇場公開された映画のうち、インターミッションのある主な作品を以下にあげる。作品によっては、上映プリントにサウンドトラックのみが記述された映像の無いコマが設けてあり、インターミッション中も映写は続いており、場内には上映プリントに刻まれた音楽のみが流れる。この場合、その音楽(もしくはインターミッションそのもの)を間奏曲と呼んだりし、作品の上映分数にインターミッションの時間も含まれている。
映画館: 興行形態は (1)スライド (2)15分ほどの映画上映 (3)歌詞とイラスト付きのカラー・スライド上映と館内合唱 (4)幕間 (5)スライドに戻って3回目の映画上映で終了、といったものが一般的だった。英語を解さない移民でも理解出来るサイレント映画の上映は、彼らをアメリカ文化に同化させるのに重要な役割を果たしたといわれる。一方で、黒人専用映画館や、白人から隔離された黒人専用席などの差別待遇もあった。しかし、興盛を極めたニッケルオデオンも映画の長尺化に伴い、出火対策の不備、スクリーンの見難さ、収容人数の少なさ(100~300名程度)、劣悪な衛生環境、換気・冷暖房諸設備の不備、などの問題のために、1913年頃には衰退していった。1900年代半ばからは、夏期の館内暑気対策として、屋外上映施設が建設され始めた。
ニュース映画: ドイツで製作された『ドイツ週間ニュース』のように映画館での上映が義務づけられた例もある。第二次世界大戦後、ニュース映画はテレビの普及とともに衰退したが、1960年代末の「ニューズリール運動」などに影響を与えた。なお、ニュース映画の製作はアメリカやドイツなど欧米では映画会社が主流であり、新聞社や通信社が主流だった日本とは異なる。
予告編: 予告編(或いは、予告篇)(よこくへん)は、映画の近日公開作品や連続するテレビ番組(主にドラマ、アニメ、ドキュメンタリー)の次回放送分などを予告紹介するために制作された短時間の宣伝素材である。本編をダイジェスト的に編集し、BGMやナレーション、キャッチコピーなどが効果的に加えられたものが主流。英語ではトレーラー(Trailer)という。
映画: スクリーン上にあたかも現実が動いているかのように(フィルムを使って)投影すること(=日本語で言う「映画の上映」)、3.上映を行う場所(=映画館)、4.フィルムの配給を行う産業(映画の配給会社)、を意味する。フランスでは同国の伝統をふまえて、フランスのリュミエール兄弟が開発したシネマトグラフという概念やその技術(の延長上)というとらえかたで「cinemaシネマ」という言葉や概念が使われているわけである。語源はギリシア語の「κινεῖν(「動く」という意味)」。なお、フランス語でも「film フィルム」という用語もあり、シネマトグラフを実現するための、薄くて細長い物体も当然フィルムと呼ぶが、個々の「映画作品」という意味でもフィルムという。アメリカでは、アート作品をフランス風に「シネマ」と呼び、娯楽作品は英語風に「ムービー」と区別して呼ぶ傾向がある。戦前の日本では、映画は「キネマ」とも呼ばれた。
アメリカの夜 (映画技法): 映画『キャスト・アウェイ』で行われたように、デジタル技術を用いて画面の空一面に月や星を付け加えることも可能である。映画『マッドマックス 怒りのデス・ロード』では、珍しい方法でアメリカの夜が用いられている。露光不足にせず、あえて露光過多にしたのである。デジタル・カメラの持つダイナミック・レンジを利用して撮影されて、ポスト・プロダクションでは暗く、青みがかった色に加工された。これにより、まるで露光不足にして撮ったかのように、細部が影に覆われるという効果を与えられている。真昼に撮影する代わりに、日の出や日の入りに撮影されることもある。この場合、自動車のヘッドライト、街灯、部屋の明かりは点いており、あたかも夜であるのように見える。これは"dusk for night"と表現されることがある。
フィーチャー映画: 公式に映画がフィーチャーとしての資格を得るためには上映時間が40分以上あることが必要である。上映時間が40分以下の映画は短編映画として分類される。 今日のほとんどのフィーチャー映画は75分から210分間上映されるが、さらに長いフィーチャーも多い。映画芸術科学アカデミー、アメリカン・フィルム・インスティチュート、および英国映画協会は、フィーチャー映画は上映時間40分またはそれ以上の映画と定義している。フランスの国立映画センター(Centre National de la Cinématographie)は、フィーチャー映画を、長さ1,600メートル以上の35ミリフィルムによる映画と定義しており、これは上映時間にすると58分と29秒にあたる。映画俳優組合はフィーチャー映画の最短上映時間を80分と定めている。
ニュース映画: ニュース映画(ニュースえいが)は、時事問題などの情報の伝達及び解説を内容とする短編映画・記録映画の一種。「ニューズ映画」と濁って発音されることもある。ニュース映画には記録映像としての価値をもつものも多い。特に第一次世界大戦の前後から第二次世界大戦後に映画館での上映を目的に、家庭にテレビが普及する頃まで活発に制作され、多くが長編映画とともに併映された。
ワンピース (短編映画): ワンピースの複数の作品を上映するときは『夜9時20分のワンピース』(1998年)や『ワンピース・グレカニコフ』(2002年)などのタイトルが付けられることがある。
S21 (トゥール・スレン): (日本語のオーディオガイドもある)。映画は10時と15時の1日2回上映される。
晩: 晩(ばん)とは、夕暮れと夜の間の時間帯のことであり、どちらの意味でも使われる。ただし、最近は「夜」という意味に変化しつつある。
星空映画会: 星空映画会(ほしぞらえいがかい)は屋外で行う映画会を指す。 天候の良い日に行うことから、星空映画会と呼ばれている。
晩: 英語では、日没から平均的に人が寝る時間までがevening、平均的に人が寝ている時間がnightという分け方をしている。
ニュース映画: また、一般の劇映画(本編)の前座として短編アニメ映画と共に上映された。アメリカにおいては、複数のニュース映画を上映する際のフィルム交換時間の穴埋めとして、短編のアニメ映画が上映された。日本でも有名な『トムとジェリー』は、その目的で製作されたアニメ映画である。さらにトーキー(発声映画)の時代が到来するとニュース映画にも同時録音方式が採用され臨場感が高められた。1935年にスタートした『マーチオブタイム』は従来のニュース映画とは異なり、一つの主題に多くの時間を割く手法がとられ、この頃からニュース映画の分野は「スクリーン・ジャーナリズム」と呼ばれるようになった。第一次世界大戦におけるニュース映画の反響を受けて、第二次世界大戦でもニュース映画は宣伝戦のほか国威発揚や戦意高揚のためのプロパガンダ映画として活用された。
ミッドナイトムービー: ミッドナイトムービー(Midnight movie)とは、アメリカ合衆国のアートハウスシアターにおいて1970年代を中心に深夜上映の形態で公開されていたカルト映画の総称。大半は大手映画会社に属さない独立系プロダクションやアマチュア作家によって製作されたものであるが、ミッドナイトムービー出身で後に著名となった映画監督も多数存在する。代表的な作品にアレハンドロ・ホドロフスキーの『エル・トポ』(1970年)、ジョン・ウォーターズの『ピンク・フラミンゴ』(1972年)、ジム・シャーマン(英語版)の『ロッキー・ホラー・ショー』(1975年)、デヴィッド・リンチの『イレイザーヘッド』(1977年)などが挙げられる。
映画: 「映画」という語の本来の意味は「画を映すこと」あるいはそうして「映された画」ということである。そのため、近世末期においては写真と同義に用いられていた。そこから転じて、「(スクリーンなどに)画像を映し出すこと」や「映し出される画像」、さらに長いフィルムに撮影された「動きのある画像」に対しても用いられるようになっていった。なお、『日本国語大辞典第二版』における「映画」の項目には、以下のように記載されている。「活動写真」は英語「motion picture、モーション・ピクチャー)」の直訳語で、元来は幻灯機のことを指すが、後に意味が変じて、映画を指すようになった。「シネマ」は、フランス語の「cinéma」のカタカナ表記である。フランス語のcinémaは、「cinématographe(シネマトグラフ」の短縮形であり、1.シネマトグラフのフィルムを制作し、レアリゼ(=上映、上演)する技術、2.
ミッドナイト: ミッドナイト(英: midnight)は、英語で「真夜中」を意味する語句。以下はこれに由来する。
中編映画: 中編映画とは、通常3~4リール、上映時間にして約22~43分の映画のことで、2リールの短編映画よりは長いが、長編映画よりは短い映画である。したがって「小長編(small feature)」とも表現でき(語尾の「-ette」はフランス語に由来する一般的な短縮形接尾辞)、実際に中編映画(featurettes)は「簡素型長編(streamlined features)」と呼ばれることもあった。中編映画は、『Hal Roach's Streamliners』のような長さの映画や、そのような長さのフランスの映画が製作されなくなったか、あるいは実験映画や芸術映画として製作され、より一般的な短編映画というくくりに組み込まれるようになった1960年代、いわゆるトーキー時代の始まり以前からよく使われていた。
スローシネマ: スローシネマとは、映画における傾向の一種である。長回しの多用、最小限に抑えられたショットのつなぎ、演劇的な内容におけるミニマリズム、物語要素の欠如などが特徴である。ときに「スローシネマ」という用語とともに、「瞑想的映画」という用語が使用されることもある。
イット・ケイム・フロム・ザ・レイト・レイト・レイトショウ: 「アメリカ映画=ハリウッドの壮大な映画」という認識が強い日本ではとても全国劇場公開などされようもなく、深夜の映画枠と木曜洋画劇場のTV放映で初めて知られるようなマイナー映画。映画大国アメリカだからこそ巷にあふれている「思いつきだけで作ったようなゴミのような映画」こそがこのゲームで扱う「低予算映画」である。
映画祭: 映画祭(えいがさい)とは、特定の場所で期間限定で開催される映画関連のイベント。通常、年に一度など定期的な開催サイクルを持ち、名称は(ベルリン国際映画祭などのように)開催地の地名を冠したものである事が多い。映画の上演が主となるが、加えてエントリー作品の審査及び賞の授与や、映画に関するイベント(講演会、研修会、見学会、レセプション、等)を含むこともある。最も有名なのは国際映画祭であるが、ファンタスティック映画祭、ドキュメンタリー映画祭、女性映画祭などテーマ別の映画祭も多数ある。複合的に国際アニメーション映画祭といった名称・分類もあり、東京国際映画祭の協賛企画として東京国際女性映画祭が開かれる場合などもある。作品上映の前後に、監督や出演者などの舞台挨拶、ティーチイン(観覧者との質疑応答)などが行われる事も多い。
テレビ映画: 1941年にNBCが初の商業放送を開始して以降、まだビデオテープレコーダ(VTR)の無い時代で全てが生放送の時代がしばらく続くが、戦後世相が落ち着いてきた1940年代の終わり頃から、バラエティ番組や音楽番組以外にテレビ映画の製作が本格化した。しかし当時の大手映画会社のテレビに対する評価は低く、所属する俳優をテレビに使うことはなかった。テレビの前で1時間も1時間半もじっと小さいブラウン管を見つめ続けることは無いと考えていたからである。したがって初期のテレビ映画の主演スターは劇場用映画で使われることは無く、また知名度のある俳優がテレビに出てくることは落ち目になったからと揶揄される時期があった。最初は15分番組での帯番組として、やがて30分番組枠で毎週同じ時間帯・同じチャンネル(same time、same channel)で翌週も続けていく形態が普通となった。
スローモーション: スローモーション(Slow motion)は映像における効果で、現実よりも遅い速度で再生することである。映画は1秒間に24コマ、テレビは30コマだが、通常の速度で撮影したものをゆっくり再生すると動きがカクカクしてしまうという欠点がある。そのため、後でスローモーションで再生すると分かっている場合は高速度撮影を行い、1秒間に通常よりも多いコマ数を撮影するのが一般的である。映画に関しては、「最後の西部劇監督」と名高いサム・ペキンパー監督による演出が有名であり、過剰な暴力描写をスローモーションで映し出すことにより、激しい暴力の中に圧倒的な「美」を描き、多くのアクション映画、映画監督に影響を与えた。特にジョン・ウーはその典型といえ、スローモーションは、「白い鳩」、「弾数無制限の二丁拳銃」、「男と男の対決」と彼の代名詞的な演出に必要不可欠な要素といえる。
B級映画: 「きらめく映像ビジネス」(集英社新書)の著者の純丘曜彰は「Bムービー」を一時期にアメリカで使われた用語として、これをB級映画と訳すことは誤解を招く表現であると述べている。そしてフィーチャーかBムービーかは純粋に上映形式の問題であって作品の出来とは関係は無いとして『フィーチャーでも駄作は数多く、Bムービーでも名作はいくらでもある』と述べている。そして人気のあるBムービーは、本編のフィーチャーの当たり外れのリスクを抑えて映画館に安定した観客動員をもたらしたとして、低予算で早撮り、ワンパターンで似たり寄ったりだとしても、そのマンネリにこそ親しみがあり、健全なエンターティメントであるとしている。
テレビ映画: 広義でいえば、劇場で上映されることを目的とした映画ではなく、テレビでの放送を目的としてフィルム撮影した映画をさす。しかし、アメリカでは必ずしも劇場用とテレビ用とで区別されるほど当初から厳密なものではなかった。また劇場用は35mmフィルムでテレビは16mmフィルムを用いて撮影されている訳ではなく、アメリカでは最初から35mmで撮影されている。テレビ創成期には、劇場用映画でB級映画で製作されたものを、テレビ用に再編集して放映する例があった。また20世紀FOXは過去の名作の原板フィルムを一部利用して新しい出演者でテレビ用に再製作した映画を放映している。
トワイライト: トワイライト(英: twilight)は、日の出前や日没後の薄明かり、黄昏のこと。本来の意味にちなんで、以下の列車・バス・楽曲・番組などの名称に使われている。
アカデミー賞: アカデミー賞は「米映画の祭典」と銘打ってはいるものの、前記ノミネート条件を満たしていれば、英語音声以外で公開される映画(アメリカ以外の国で製作された映画を含む)であっても作品賞を含む本賞にノミネートされたり、あるいは受賞したりということは可能である。(但し実際には、ハリウッドの関係者が選出するというシステム上、純粋な外国映画はノミネートはされても受賞に至ったことは少ない。)前記ノミネート条件を満たしていないアメリカ国外制作の非英語作品の場合は、各国の映画産業が映画芸術科学アカデミーに推薦する形で「国際長編映画賞」にエントリーされる。国際長編映画賞の従来の名称は「外国語映画賞」であり、その最初の表彰は、1947年の第20回で「特別賞」に選出されたイタリア映画の『靴みがき』。もっとも、この時点で「外国語映画賞」という賞は存在せず、前述の「特別賞」の一つという扱いであった。
遅延: 遅延(ちえん)とは遅れること。
ニアライブ: 遅延送出システムでは数秒の遅れを実現させるものとして注目されるが、数分や数時間の遅れも可能である。例として16:00試合開始のものを18:00に放送開始する。類義語に撮って出しがある。遅れ時間が顕著だと「録画放送」とみなすことがある。
夜の人々 (1948年の映画): 2013年、『The Guardian』紙にて「フィルム・ノワールのトップ10」の1本に選ばれた。
夜の人々 (1948年の映画): ※日本語版:1964年9月26日 TBSテレビにて放映。
サタデイ・ナイト: サタデイ・ナイト、サタデー・ナイト、 (Satuday Night, Saturday Nite)英語で「土曜日の夜」を意味する表現の音写。
ドライブインシアター: もっとも、アメリカ合衆国最高裁判所で争われた「エルズノズニック対ジャクソンビル市事件」では、「ヌードシーンの有無のみで映画上映の可否を判定するジャクソンビル市の条例は表現内容に基づく規制であり、条例は違憲なため無効である」という結論になった。地価の上昇は、広い土地を必要とする一方、夜しか営業できず大雨では上映中止となり冬の観客も少ないドライブイン経営には打撃になった。サマータイム導入が全米の各州に広がったことも、暗くなる時間が遅くなったためドライブインには不利になった。また家庭でのカラーテレビやビデオテープレコーダの普及、レンタルビデオの登場で、家族全員で映画を見る際のプライバシーの問題も解決され、ドライブインシアターの需要は低下した。こうして徐々にシアターの数は減り、アメリカでは山地や離島など辺鄙な土地で残っているほかは、映画を楽しむというより昔を懐かしむための施設となった傾向が強い。
ナイトレイド (曖昧さ回避): ナイトレイドは、英語で「夜襲」を意味する語句。以下はこれにちなむ。
ナイター: ナイター (nighter)とは野球などの夜間試合を指す和製英語である。主に野球の夜間試合(ナイトゲーム)を指すが、それ以外にもテニスやスキー等、野外で行われる競技を夜間に照明下で行う場合にも使用される。ナイターに対して、昼間に開催される試合はデーゲームと呼ばれる。一般には18時(午後6時)以後の開始の試合を指す。また本来であればデーゲームとして扱われる試合開始が15-16時(午後3-4時)以後に行われる場合は「薄暮試合」(準ナイターあるいはトワイライトゲーム)とも呼ばれる。
とよはしまちなかスロータウン映画祭: 2014年の第13回映画祭では計19作品が上映されたが、うち音楽映画3作品は初めての夜間上映となった。
夜間飛行 (2014年の映画): ベルリン国際映画祭以外では、『夜間飛行』は第38回香港国際映画祭、アムステルダムでの第7回「CinemAsia Film Festival」、トリノでの第29回「GLBT Film Festival」、第15回全州国際映画祭(英語版)、第68回エディンバラ国際映画祭、第47回シッチェス・カタロニア国際映画祭、第34回ハワイ国際映画祭(英語版)、第25回ストックホルム国際映画祭、第24回東京国際レズビアン&ゲイ映画祭で上映された。
劇場: 演劇は、倉庫など劇場以外の建物内や路上ばど野外で行われることもあるが、これらの場所は演出空間ではあっても劇場とは呼ばない。後に芝居小屋の多くは映画を上映する設備を備えるようになり、娯楽の移り変わりに伴い映画館へと役割を変えていった。このため、演劇を上演しない映画館であっても「劇場」と名付けられているものが多く残っている。現代においても、映画館を指して「劇場」と表現する場合は多い。テレビドラマやテレビアニメ等の映画化作品を「劇場版」と銘打つ、映画を放送するテレビ番組のタイトルに「...洋画(/邦画/映画)劇場」などと名付ける、といった例も挙げられる。
最後の警告: アメリカン・フィルム・インスティチュートによると、1929年1月6日にニューヨーク市で公開。しかし、前年のクリスマスに、ミズーリ州チリコシー、カンザス州マンハッタンなどで特別先行上映が行われた。公開にはサイレント版と、悲鳴や絶叫など効果音が部分的に入ったムービートーン版の2つが使われた。しかしサウンド版は現存していない。
予告編: また、「どういう映画の上映の前に使われるか分からない」という理由により、本編がR18+等であっても、予告編には全て「一般作」の基準が適用される。予告編では本編に登場しないシーンや出演者が含まれていることがある。これを巡って、「予告編に出演している人物目当てで映画本編をレンタルしたのに本編では該当人物が一切登場していなかった」として、裁判に発展した事例がある。かつては助監督が作ることが多く、監督昇格のための修行の一つだった。現在は大部分が、配給会社からの依頼により「予告編専門の制作プロダクション」によって作られている。
午前十時の映画祭: 1950年代から1970年代を中心とする外国映画が50本上映された。1作品につき土曜日から金曜日までの1週間毎日上映され、全国の劇場を巡回した。原則は午前10時からの1日1回の上映だったが、劇場・作品によっては1日2回以上上映することもあった。デジタル上映ではなく、全作品でニュープリントの上映フィルムが作られた。第一回は、2010年2月6日から2011年1月21日に開催され、全国25の劇場で上映された。第二回は、2011年2月5日から2012年1月20日の予定で開催され、第一回を開催した25劇場のうち24劇場と、新たな26劇場が加わって計50の劇場で上映された。第一回を開催した24劇場に1劇場を加えた25の劇場では、第一回とは異なる外国映画50本が「Series2/青の50本」として上映された。
B級映画: これに応じて撮影所は同じ長編でも二本立てでメインになる映画は長編90分にして、もう1本はそれよりも短い50~70分の時間で予算を抑え、当然スターは使わず、しかも限られた日数で製作することとした。そのため、上映する2本の映画に格差をつけて、もう1本が添え物のような形になったので、それが「B級映画」と呼ばれるようになった。これは必ずしも映画会社だけの発案ではなく、実は興行側の映画館からの要請もあった。当時映画館は景品を出したりして観客を喜ばせる方策を打ち出し、その一つとして二本立ての試みを一部始めていた。それに対応して映画会社も量産体制に入ったのである。
夜 (映画): 『夜』(イタリア語: La notte)は、1960年撮影、1961年に製作・公開されたイタリア・フランス合作映画である。
アメリカの夜: 『映画に愛をこめて アメリカの夜』(原題: La Nuit américaine, 英題: Day for Night)は、フランソワ・トリュフォーの監督による、1973年のフランスの長編映画である。アカデミー外国語映画賞受賞。
アメリカの夜 (映画技法): サイレント映画の時代の上映フィルムには、夜間の場面であるかのような錯覚を強めるために青みが加えられた。月明かりは実際には青くないが、プルキニェ現象によって、人間の目には青く見える。カラーの映画では、よりはっきりと青みを出すために、5,000Kの昼光下用フィルムではなく3,200Kのタングステン照明下用フィルムを使うこともある。これにより、人工的な光(街灯、ヘッドライト、窓から見える部屋の明かり)が当たっている部分は白くなり、それ以外の部分は青くなる。プロフェッショナルなビデオ・カメラでは、同様の効果を得るために、色温度を調整する機能が与えられている。デジタル上のポスト・プロダクションが一般的になった現代では、撮影段階では人工的な光の白さを維持するために色温度の調整が行われて、場面全体を暗くする加工については、より細かい調整ができるポスト・プロダクションに委ねられることが多い。
暁の死線: 1946年4月6日にアメリカ合衆国で公開された。日本では劇場未公開でビデオ発売時に『タイムリミット25時』の邦題が付けられた。登場人物名やシチュエーションなど、大幅に異なる。
カミング・スーン: カミング・スーン(Coming Soon)は、英語で「近日公開」「近日発売」といった意味の熟語。
ミッドナイトムービー: ミッドナイトムービーのルーツは1950年代にアメリカの地方局で深夜に放送されていた低予算映画である。その後、ミッドナイトムービーのムーブメントは1970年にエルジン劇場(英語版)で上映された『エル・トポ』を嚆矢としてニューヨークで始まり、1975年の『ロッキー・ホラー・ショー』のヒットで全米に広がっていった。以来このジャンルの映画は「カルト映画」という文脈で認識されるようになり、ミッドナイトムービーもより純粋なキャンプ映画となっていった。現在も「ミッドナイトムービー」という言葉は、深夜上映でロングランされるようなメインストリームに属さないカルト映画に対して、しばしば用いられている。2005年にはムーブメントの発生と主要映画6本のエピソードをまとめたドキュメンタリー映画『ミッドナイトムービー』が公開された。
ボックスオフィス・ボム: ボックスオフィス・ボム / ボックスオフィス・フロップ(Box-office bomb / box-office flop)は、映画産業において興行的に大きな失敗をした映画作品を意味する用語。
ザ・ルーム: 」と語っている。ウィゾーは上映会の盛り上がりに関して「『The Room』の上映会はアメリカの犯罪件数を引き下げました。すべきこともなく町をほっつき歩いていた若者たちの多くが『The Room』を見に行きました。そして楽しみました。『The Room』のない世界を想定してみましょう。人々は町をぶらぶらし、石ころを手にとって誰かに当たるまで投げるでしょう。誰かに石ころが当たったら、彼らは逮捕され投獄されます。これこそ『The Room』がない世界に起こる事態です。犯罪率は急騰するでしょう。私が何を言いたいかお分かりですね。」と語っている。
デイブレイク: デイブレイク (daybreak) は、英語で夜明けを意味する言葉。
パントマイム: パントマイムは大道芸(ストリートパフォーマンス)としても多く見られる表現方法で、実際には無い壁や扉、階段、エスカレータ、ロープ、風船などがあたかもその場に存在するかのように身振り手振りのパフォーマンスで表現する。単にマイムともいうことがある。イギリスでは18世紀以降台詞のある滑稽劇として独特の発展を遂げ、クリスマスの風物詩となっている(後述)。「パントマイムをする人」を、パントマイミスト(pantomimist)、マイマー(mimer)、パントマイマー(pantomimer、まれ)などと呼ぶ。英語圏ではマイムアーティスト(mime artist)という呼びかたもある。
パントマイム: パントマイム(英語: pantomime)は、台詞ではなく身体や表情で表現する演劇の形態。黙劇(もくげき)、無言劇(むごんげき)とも呼ばれる。
無言劇 (曖昧さ回避): 無言劇(むごんげき)は、洋の東西を問わず、言葉を発せずに演じられる劇を指す。パントマイムを参照。
加納真実: 当公演は、島が幹部として携わっていた「マイムリンク(シアターマイムの企画運営する団体)」の企画公演であった。2011年、舞台(屋内)から路上(屋外)までステージを広げ、その狭間にあるような小劇場やライブハウスも含め、演技可能な空間を縦横無尽に行き来する自由な表現者(舞台俳優・パントマイムアーティスト・大道芸人・パフォーマンスアーティスト・コメディエンヌ)として、マイスペースで、マイペースで活動している。2016年、全国各地の大道芸フェスティバルを中心に、引き続き大道芸を主体としたパフォーマンスアーティスト活動を展開中。
加納真実: 加納 真実(かのう まみ)は、日本の舞台俳優(女優)、パフォーマンスアーティスト、パントマイムアーティスト、大道芸人。
大道芸: ただ、「ヘブンアーティスト」等の公認制度や、各ライセンスは合格基準をオープンにしない場合が多く、芸人の実力、種類は、かなり幅がある。ただし、現代の大道芸は大半が欧米からの輸入であり、ジャグリングやアクロバット、あるいはパントマイム等のサーカス芸一辺倒で、観客側も大道芸=欧米の文化として捉えている傾向が強く、日本伝統の放浪芸が廃れゆくことに対する危惧も少なくない。
マルセル・マルソー: 』で演じた役であった)で好感触を得たことを弾みに最初の無言劇(fr:mimodrame, en:mimodrama)『プラクシテレスと黄金の魚』をサラ・ベルナール劇場で公演し、高い評価を得る。1947年には、彼の代名詞ともいえるキャラクター「Bip」を創造。白く塗られた顔、よれよれのシルクハット、帽子に力なく飾られた花、ストライプのシャツなどはパントマイムの一般的なイメージとして認知されるほど、大衆にアピールし影響を与えた。言葉を発せず体ひとつで表現されるそのパフォーマンスは高い評価を受け、とりわけ有名な『若さ、成熟、老年そして死』(en:Youth, Maturity, Old Age and Death)と呼ばれているスケッチは評論家をして「彼は小説家が何冊書いても表現しきれない世界を2分で表現してしまう」と言わせたという。
落語: すなわち演劇のように話のすべての部分について仕草がともなっているわけではなく、言葉だけでは表現しきれない部分に補足的な意味を持って仕草が付加されているのである。落語においては、パントマイムのように、実際には無いものであっても聴衆の想像力に頼りながら「そこに在るように」見せなければならない。「言葉だけでは表現しきれない」内容については、仕草は、言葉では端的に表現できない動作や地の文の欠如を補うといった低次のものから、素の芸において聴衆の想像力を刺激するために付加されるきわめて高度のものまで含まれる。仕草においても言葉同様、一人全役が原則であり、噺家は必要に応じて次々にさまざまな役のさまざまな仕草を仕分ける。仕草の主なものには以下のようなものがある。
大道芸: これらのパフォーマンスは、大道芸として演じられることが多いということであって、大道芸そのものという訳ではない。ジャグリングなどは人に見せない趣味としても成立するし、これらの芸がサーカスなど別の場で演じられることもある。その他、音楽芸、ペン回し、ワンマンバンド、マジック(奇術)、猿まわし、南京玉すだれ、蝦蟇(ガマ)の油売り、チンドン屋、人間ポンプ、手話など、種類は非常に多い。
大道芸: 大道芸(だいどうげい)は、路上や街頭、または仮設の掛け小屋(ヒラキ (芸能)も参照のこと)などで行われるさまざまな芸能の総称。路上パフォーマンス(ろじょうパフォーマンス)、またはストリートパフォーマンスとも呼ばれる。路上での演奏ライブ、ストリートライブとは異なるが、一般的な総称としてストリートパフォーマンスと呼ばれることもある。大道芸人は、路上で歌、口上、踊り、軽業、楽器の演奏などを披露し生計を立てている。歴史的には投げ銭を取ることで生計を立てたが、現代の日本のように主催者などから出演料をもらいイベント等で芸を披露する場合もある。
パフォーマンスアート: しかし、普通は、「パフォーマンスアート」という名のある種の芸術表現-視覚芸術の中から誕生した前衛美術やコンセプチュアル・アートの表現活動の一部を指すために使われている。パフォーマンスは大勢の人々に直接訴える方法であり、同時に人々に新鮮な驚きを与え、大衆に自分たちの芸術観を見直させる方法でもあった。
花道: 花道(はなみち)は、劇場や芝居小屋などで、舞台から客席を縦断するように同じ高さで張り出したもので、舞台の延長としてここでも演技が行われる。舞台からひと続きの廊下のように見える。
不条理演劇: また演劇のみならず、映画やテレビドラマなど、他のメディアにおける芸術表現においても、状況や登場人物の設定になんらかの形で不条理演劇的な要素を組み込むことで、その内容がリアルな現代を描いたものであることを強調するテクニックが使われるようになった。
ロービング・パフォーマンス: ロービング・パフォーマンス(英: Roving performance)とは、パフォーマンスの一種。単にロービングとも。英語で放浪者を意味する Rover に由来する呼称で、固定された舞台ではなく、施設内や路上などを常に移動しながら行うことから、回遊型パフォーマンスとも呼ばれる。移動した先々で、その周辺にいる通行人などを観客とする、一種のサプライズ形式のスタイルをとる。
舞台芸術: 舞台芸術(ぶたいげいじゅつ、英語: performing arts)とは、演劇、歌舞伎、ミュージカルなど、舞台や空間上で行われる芸術の総称。
加納真実: 大道芸は特に責任も無く、失うものは何も無いというか、ある意味気楽に出来るところがありました。」と話している。また、同インタビューで大道芸の作品について「独特の作風と言われますが、外でやる(大道芸)となるとおのずと出来ることや作品が決まってくるので、自然と今のような形になっています。でも条件や上演する作品が違うからと言って、舞台と大道芸をあまり分け過ぎないようにしています。分けて考え過ぎると出来なくなってしまうので。ただ、舞台の作品で、作ってみてから大道芸でも出来そうだなという作品はあまりないですね。」とのコメントも残している。2008年8月、東京学芸大学・山田雅彦准教授の公開講座「大道芸に学ぶ授業技術-通行人を客に変える、子どもを児童生徒に変える-」に講師として招かれ、加納大道芸の実演及び講演を依頼された。
大道芸: 戦後、欧米の大道芸が入ってくるに従いショーの内容も派手に華やかになり、アートとしての側面やエンターテインメント性の高さが再認識されてきた。1970年代に小沢昭一やアングラ演劇の関係者らによって、途絶えてしまった日本の放浪芸の再評価が始まり、路上のパフォーマンスや演劇の一要素として再び盛んになっていった。昭和50年代より、愛知県名古屋市の大須大道町人祭、神奈川県横浜市における「野毛大道芸」など、各地でイベントとしての定着が始まった。当初は、暗黒舞踏を基調とした舞踏や、一見して素人には理解が難しい、いわゆる「アングラ」な傾向が強かった。大須では、これらアングラな系譜を長く守り続けている。1992年、静岡県静岡市で大道芸ワールドカップが開催され、サーカス芸を大々的に日本に紹介した。
パフォーマンスアート: パフォーマンスアートには、観客の前で生で上演するものだけでなく、カメラの前で行いその記録を写真や、ビデオに写す者(キャロリー・シュニーマン、ミロ・モアレ、デボラ・ドゥ・ロベルティス、シャーロット・モーマン、オノ・ヨーコ、マシュー・バーニー、シンディ・シャーマン、マリーナ・アブラモヴィッチ、森万里子など)、絵画のキャンバスの上で行う者(草間弥生、ジャクソン・ポロックやイブ・クライン、詩や言葉をオーディオ・ヴィジュアル化するローリー・アンダーソンや詩人で美術家でもあり、演劇的な表現力とヴィジュアルアート、そして、ヴォイスパフォーマンスで詩を視覚芸術化する千葉節子Setsuko Chiba、更には具体美術協会のようなアクション・ペインティングなど)もその一部といえる。
演劇: 演劇(えんげき、英語: theatre, theater)とは、観客に対し、俳優が舞台上で身振りや台詞などによって、物語や人物などを形象化し、演じて見せる芸術のこと。俳優が観客を前にして、舞台上で思想や感情などを表現し伝達しようとする一連の行為であり、それらを鑑賞する目的もある。