mteb/JQaRAReranking huggingface dataset:
オペラ・セミセリア: オペラ・セミセリア(Opera semiseria、「半分シリアスなオペラ」の意味)はイタリアのオペラのジャンル。19世紀初期から中期にかけて人気があった。
妙なる調和: 『妙なる調和』(たえなるちょうわ、伊:Recondita armonia)は、ジャコモ・プッチーニ作曲のオペラ『トスカ』の中でカヴァラドッシ(テノール)によって歌われるアリアの通称である。
アドリアーナ・ルクヴルール: アドリアーナ役はオペラほぼ全曲にわたって登場しなければならないが、音域が低く歌唱的にはそれほど歌い難い役ではない一方で、第1、3、4幕のそれぞれで、歌ではなく台詞でドラマティックに語らなければならない聴かせ場があるという特殊な役柄である。このためイタリアではこの役は、好意的に言えば「歌唱力だけでなく演技力のあるカリスマを持ったプリマ・ドンナの役」、皮肉っぽく言えば「かつて有名だったが、歌唱力の盛りを過ぎたソプラノの役」とされている。珍しく若いうちからアドリアーナ役を得意としたソプラノとしては、マグダ・オリヴェロ(1910年 - 2014年)の名が挙げられる。彼女は1939年からアドリアーナを歌い始め、70歳を過ぎるまでこの役を演じて好評だった。作曲者チレア自身もオリヴェロを「理想のアドリアーナ」と評している。
オペラ: 「オペラ」(opera)という単語はイタリア語で「仕事」「作品」を意味し、この語自体は同じ意味のラテン語「opus」(単数属格形 operis)の複数形主格「opera」に由来する。今日「opera」は単独で歌唱によって進行される演劇または楽曲作品を意味するが、元来は「opera musicale」(音楽的作品)と呼んだものの省略から、この語義が生じた。ルネサンス後期の16世紀末、フィレンツェのカメラータにより古代ギリシャの演劇を復興しようという動きが始まった。ギリシャ悲劇を模範に、歌うような台詞を用いる劇が考えられた。今日、オペラと見なされる知られる限り最古の作品は、1597年頃のヤコポ・ペーリ(1561年 - 1633年)による『ダフネ』(Dafne)であるが、作品は現存しない。
歌曲: この流れを受け継ぎ、20世紀前半にはレスピーギやピツェッティなどが優れた歌曲を残している。20世紀前半にはまた「オー・ソーレ・ミオ」に代表されるようなナポレターナ又はカンツォーネ(「イタリア民謡」と呼ばれたこともあるが本来の意味での民謡ではない)が流行するが、ピツェッティに代表される芸術歌曲とは別な物と考えるべきであろう。
ニコラ・ヴァッカイ: ニコラ・ヴァッカイ(Nicola Vaccai, 1790年3月15日 - 1848年8月6日)は、イタリアの作曲家、歌唱指導者。特にオペラの分野で活躍した。
オペレッタ: オペレッタはイタリア語で字義通りには「小さいオペラ」を意味するが、編成や演奏時間は必ずしも小さくも短くもなく2時間前後が平均的である。規模も、巨大管弦楽こそ要求されないものの、二管編成管弦楽で合唱やバレエが加わることが多く、平均的オペラに比べ小さいとは言い難い。語源発祥の地であるイタリアではこの名称の形式はほとんど発展せず、今日各地で上演されるのは、ほぼドイツ語作品、およびフランス語のオッフェンバック作品、そしてそれらの訳詞版に限られる。モーツァルトが自作の喜劇的作品をオペレッタと称した書簡なども残っているが、これには特別ジャンルとして区別する意図は見られず、今日では一般的に、はっきりサブジャンルとして確立された以降のオッフェンバック、スッペ、ヨハン・シュトラウスの系統に属する作品を「オペレッタ」と呼ぶ。基本的には喜劇であり、軽妙な筋と歌をもつ娯楽的な作品が多い。
清教徒 (オペラ): 二人は旋律的なスタイルが似ているだけでなく、時にはなかなかドラマティックな表現を発揮することや、正しく演奏するためには、技術的に優れた真の理解力のある解釈者を必要とする点でも共通している。この時代のイタリア・オペラを論じる際には、すべてが歌手に依存していることを忘れてはならない。作曲者はほとんどの場合、ある特定の歌手を念頭においてパートを書いた。さらに、ベッリーニの作品には、ロッシーニ、ドニゼッティの場合と同じく、しばしば合唱が現れる。特に、ベッリーニがグランド・オペラのスタイルとスケールに迫ろうと試みた『清教徒』では著しい。
ピア・タシナーリ: ピア・タシナーリ(イタリア語: Pia Tassinari、1903年9月15日 - 1995年5月15日)、本名ドメニカ・タシナーリ(Domenica Tassinari)は、イタリアの声楽家(ソプラノ、メゾソプラノ)、オペラ歌手。イタリア語の発音をより正確に転写してタッシナーリと表記されることもある。とりわけイタリア、フランスの作品に優れていた。
トーリードのイフィジェニー: -中略-イタリア風の美しいアリアとフランス風の朗誦バランスが考慮されており、その結果、流れるような音楽構造が実現されている」と評価している。
歌曲: ドイツではリート(LiedあるいはKunstlied。複数形はリーダー)と呼ぶ。明治時代に西欧音楽が輸入された際、このリートの訳語として「歌謡曲」が使用された。しかし日本ではのちに「歌謡曲」はポピュラー音楽を指すようになった(詳細は歌謡曲参照)。フランスでは芸術歌曲をメロディ、通俗的・大衆的なものをシャンソンと呼ぶ。ただし、エリック・サティの一連の歌曲など両者にはどちらにも分類しうる中間層的なものが存在する。イタリアでは芸術歌曲をロマンツァ、通俗歌曲をカンツォーネと呼ぶ。ここにもフランチェスコ・パオロ・トスティなどの中間層が存在する。イギリスではアート・ソングなどと呼ぶ。オペラ、オラトリオなどの大規模な声楽作品の中の1曲や一部分としての声楽曲は歌曲とは通常呼ばない。アリア、カヴァティーナ、カバレッタその他、その性格によって呼び分けている。
オペラ・セリア: オペラ・セリア(正歌劇、イタリア語:Opera seria, or dramma per musica; ドランマ・ペル・ムジカ, melodramma serio; メロドランマ・セリオ)は、1710年代から1770年頃までヨーロッパで支配的だった、高貴かつ「シリアス」(イタリア語:seria)なイタリア・オペラ(英語版)のこと。もっとも当時は「オペラ・セリア」という言葉が使われることは滅多になく、流行が廃れてから使われるようになった。歴史的ジャンルと見られたのである。オペラ・セリアのライバルは、即興的なコメディア・デラルテを手本とした喜劇的なオペラ、オペラ・ブッファである。イタリア語で歌われる「オペラ・セリア」(オペラ台本は例外なくイタリア語で書かれていた)はイタリアだけでなく、イングランドや、ハプスブルク・オーストリア、ザクセンなどのドイツ諸国、さらにスペインでも上演された。
ダニエーレ・バリオーニ: ダニエーレ・バリオーニ(Daniele Barioni、1930年9月6日 - 2022年11月5日、生年には1933年説もあり)は、1950年代から1960年代にかけて活躍したイタリアのテノール歌手である。活躍の時期は短かったが、その強烈なスピントの声質でオペラ・ファンに強い印象を残した。
ルチアーノ・パヴァロッティ: ルチアーノ・パヴァロッティ(Luciano Pavarotti、1935年10月12日 - 2007年9月6日)は、イタリアのオペラ歌手。声域はテノール。「神に祝福された声」「キング・オブ・ハイC(二点ハの王者)」「イタリアの国宝」と評された豊麗な美声、申し分ない声量、明晰な発音、輝かしい高音が魅力の、20世紀後半を代表するオペラ歌手の1人。プラシド・ドミンゴ、ホセ・カレーラスと共に三大テノールとしても知られる(3人の中でパヴァロッティが最年長)。
カバレッタ: カバレッタ(イタリア語: Cabaletta)は、オペラの歌曲の種類で、特に19世紀のイタリア・オペラの複数曲からなるアリアまたは二重唱の形式(カンタービレ=カバレッタ)の最後の部分で歌われる。通常は速く輝かしい音楽である。オペラにおいてカバレッタが単独で歌われることは滅多になく、通常はカンタービレと組みあわせて歌われる。しばしば幕の最後の曲になる。
イタリア歌曲集: 日本では「イタリア歌曲」と呼ばれることが多いが、上述の通りここに掲載されている作品のオリジナルはほとんどが17、18世紀のオペラや宗教曲のアリアであり、歌曲ではない。また、編集したパリゾッティが19世紀の人物であったため、作曲当時のバロック音楽や古典派音楽の様式とは異なった19世紀ロマン派音楽の様式でピアノ伴奏版に編曲され、様々な演奏記号が加えられている。また、他人の曲(時にはパリゾッティの自作も)を別人の作と称していることが現在では判明している。全音楽譜出版社版は原題が「アリア集」であるのに「歌曲集」としている点なども含め、今日の観点から見ると問題点も多い(教育芸術社版では「古典声楽作品集」となっている)。イタリア声楽作品の代表的なものからマイナーなものまで、幅広く掲載されており、日本においては声楽家を志す大抵の者が学習の過程で使用している。
プリモ・ウォーモ: プリモ・ウォーモ(イタリア語: Primo uomo)とは、オペラにおける主役男性歌手。相対する概念に、主役女性歌手を意味する「プリマドンナ」がある。
「リゴレット」による演奏会用パラフレーズ: 演奏時間は約7分。オペラの中から何曲かを抜き出すのではなく、第3幕の四重唱「美しい恋の乙女よ」("Bella figlia dell'amore")のみを扱っている。これは同時に出版された2曲のヴェルディによるパラフレーズ(『エルナーニ』によるS.432、『イル・トロヴァトーレ』によるS.433)も同様である。即興的な序奏はホ長調で始まり、主部でマッダレーナとジルダの歌う二つの動機を扱う。主部はアンダンテ、変ニ長調、4/4拍子。即興的なパッセージの付加や繰り返しがある他は、ほぼ原曲の構成に忠実に編曲されている。短いコーダはプレストとなり、ダブルオクターヴの華麗なパッセージで締めくくる。大きな音量が要求される場面は少なく、スケール、アルペジオ、重音などによる繊細なパッセージや、原曲の多声部の絡みを生かすための音色の使い分け、後半で重用されるオクターヴなどを処理する技巧が必要となる。
レチタティーヴォ: このレチタティーヴォ・セッコは、ナポリ楽派の作曲家たちによって高い効果をもたらされたが、オペラ・ブッファにおいてはこれが重要な役割を果たした。また、モーツァルトにおけるレチタティーヴォ・セッコは、特筆すべき効果が発揮されている。イタリア以外では、レチタティーヴォはその新奇さによっても評価された。フランスではリュリによってフランス語に適応したレチタティーヴォが作られた。17世紀イギリスではオペラは定着しなかったが、パーセルはオペラのほかに仮面劇や付随音楽で英語の美しいレチタティーヴォを書いた。一方、ドイツのジングシュピール、イギリスのバラッド・オペラ、フランスのオペラ・コミック、スペインのサルスエラなどでは台詞部分は歌われず、地のせりふが用いられる傾向があった。
歌劇: 西洋のオペラを指すことが多く、オペレッタ(operetta)は、「軽歌劇」「喜歌劇」などと訳される。また、レビューまたはミュージカルを上演している日本の少女歌劇も、「歌劇」と称されている。
フランチェスコ・プロヴェンツァーレ: 悲しみや痛みを強く表現するイタリアの声楽スタイルの特性は、彼のオペラ『Il schiavo di sua moglie』のアリア「Lasciatemi morir」に見られる長い旋律線と表情豊かな半音階的な和声において、他に例を見ないほど見事に表出されている。
プリマドンナ: プリマ・ドンナ(イタリア語: Prima donna)は、オペラの主役となる女性歌手。直訳すれば「第一の女性」という意味。
オペレッタ: ハッピーエンドで終わるのが主流。ただし、後期作品となると一部に喜劇的に推移しながらもカタストロフ・エンドとなるもの、笑いの要素がほとんどないものもある。このため、日本語の「喜歌劇」という訳語は不適切であるという見解もある。原則としてオペラ系の声楽家、合唱団、オーケストラによって上演されるが、セリフのみの役だけでなく、一部の役を俳優やポピュラーシンガーによって地声で歌わせることもある。ドイツ圏のオペラ歌手や指揮者の多くは地方歌劇場のオペレッタからキャリアをスタートするが、その後もオペラはあまり歌わずオペレッタ専門に近い歌手も少なくない。
ヴィルトゥオーソ: ヴィルトゥオーソ(virtuoso)とは、音楽演奏において格別な技巧や能力によって名人、達人の域に達した人物を指すイタリア語。イタリアでは哲学や建築等の、学術、技術に優れた者に対しても用いられた表現だが、16世紀頃から主に芸術分野で用いられるようになる。17世紀に音楽劇が発足して以降は優れた歌手の形容詞として用いられ、その後ヴァイオリン等の弦楽器の発達により、器楽の演奏者にも適用されるようになり、当時音楽文化の中心であったイタリアから諸外国にも広まった。英語ではイタリア語がそのまま用いられ、フランス語ではヴィルトゥオーゾ(virtuose)、ドイツ・オーストリア諸国では、ヴィルトゥース(virtuos)というラテン語由来の単語が定着していたため、演奏の名人に対してもそのまま使用された。
イザベラ・コルブラン: コルブランはほぼオペラ・セリアのみを歌い、またイタリアを代表する一流の劇場でのみ歌った。コルブランの声は悲劇的な役割に向いており、ナポリ時代のロッシーニのオペラでは多く彼女が悲劇的な役割を演じている。彼女のために書かれた曲では高音はあまり多くなく、中音域から低音域が多く使用される。彼女は師のクレシェンティーニばりのトリルを聞かせることもあったが、より低い声域において優れていたという。コルブランの声をカルパーニ (Giuseppe Carpani) は絶賛しているが、スタンダールはナポリ時代のコルブランについて音程が外れていたと批判している。ただしスタンダールによるロッシーニ伝はきわめて信頼性が低い。
イタリア風序曲: イタリア風序曲(イタリアふうじょきょく)またはイタリア式序曲(イタリアしきじょきょく)は、17世紀後半から18世紀初頭にかけて、いくつかの歌劇やオラトリオなどの大規模な楽曲の開始に利用された管弦楽曲ならびにその音楽形式を指す用語。典型的な例では、小規模な3つの楽章を連続して演奏するように構成されており、各楽章は、(多少の変化はあるものの)順に急-緩-急の速度設定を採ることが多く、速度設定などとの違いから、同時代のフランス風序曲と峻別される。イタリア風序曲は、とりわけアレッサンドロ・スカルラッティらのイタリア人作曲家に人気があり、18世紀初頭には「シンフォニア」と呼ばれるのが常であった。その後はシンフォニアと交響曲との混同を避けるために、しばしば「イタリア風序曲」と呼ばれるようになった。しかしながらイタリア風序曲の楽曲構造は、18世紀中葉における古典派の交響曲形式の発展の基礎を生した。
アリア: オペラ・ブッファに由来する単純な二部形式のアリアや、ダ・カーポ・アリアの最初のAを属調で終えてダ・カーポをソナタ形式のように再現させる方式、あるいはカヴァティーナなどが発達した。歌手の技巧を見せるために、ダ・カーポした後により速い別な旋律を加えたり(『フィガロの結婚』より「楽しい思い出はどこへ」〈Dove sono〉)、さらに速いストレッタと呼ぶ部分を加えるなどの工夫がなされた。ここから発達したのが遅いカンタービレと速いカバレッタの2曲からなる形式で、19世紀のイタリアでロッシーニらが用いたアリアではこの形式が他の形式を圧倒した。カンタービレ=カバレッタ形式はさらに発達してシェーナ(レチタティーヴォ的な内容)、カンタービレ(通常ゆっくりした抒情的な内容)、テンポ・ディ・メッゾ(気分の転換)、カバレッタ(通常は速く、合唱をはさんで繰り返される激しい内容)が順に歌われるようになった。
番号オペラ: 番号オペラ(英語: Number opera;イタリア語: opera a numeri ;ドイツ語: Nummeroper )は、大きな作品を構成する個々の曲に番号が付けられたオペラである 。それらはスコアで連続して番号が付けられる場合があり、レチタティーヴォまたは口頭での会話が点在する場合がある。アリアに番号が付けられた作品があり、デュエット、トリオ、カルテット、クインテット、セクステット、コーラスなどのアンサンブルに番号が付けられた作品もある。また、バレエや、行進曲、シンフォニア、間奏曲などの器楽曲に番号が付けられた作品もある 。番号オペラの形式は19世紀半ばまで標準であり、オペラセリア、オペラブッファ、オペラコミック、バラードオペラ、ジンクシュピール、グランド・オペラなど、ほとんどのオペラがこの方法で構築されていた 。
ドラマティコ: ドラマティコ(イタリア語: drammatico)はイタリア語で「演劇の」「劇的な」と言う意味の形容詞で、より正確にはドランマティコと発音する。音楽用語としては声楽の声質名として用いられ、重厚で劇的な表現力を持つ声質を、「テノーレ・ドランマティコ」「ソプラノ・ドランマティコ」等と呼ぶ。一般的には英語による「ドラマティック・ソプラノ」といった言い方も用いられている。
皇帝に捧げた命: 『皇帝に捧げた命』の音楽も、基本的にはイタリア風のオペラ様式に、多くのフランス風の特徴やいくらかのウィーン風の舞踏音楽、ロシア民謡の素材などを織り込んだ折衷的なものとなっている。
オペラ: 後者は直後のアリアや重唱の導入として置かれることが多い。ロマン派時代のオペラではレチタティーヴォ・セッコはほとんど見られなくなった。アリアは主に登場人物の感情を表現するもので、古典的なオペラではアリアを歌う間はドラマの進行が静止することもあるが、時代が下るにつれて、アリアでも登場人物の感情の推移を通じてドラマを進めるようになった。アリアはおおむね大規模なもので、主要な登場人物について割り当てられる。より小規模なものをアリオーソ、カンツォネッタ、ロマンツァなどと、歌の性格によって呼ぶこともある。役柄どうしの対話は重唱で行われ、群集などが登場する場面では合唱も加わることがある。特に各幕の終曲(フィナーレ)では、ほとんどの登場人物による重唱や合唱で構成される場合がある。
イタリア歌曲集: 日本の音楽大学や音楽学部のある大学、音楽科が設置されている高等学校で声楽を専攻している者であれば、ほとんどの者が使用しており、初心者が勉強するために使われることが多い。初心者の大半は「Nina」、「Nel cor piu non mi sento」、「Sebben, crudele」、「Caro mio ben」(いずれも「イタリア歌曲集1」に収録)のような歌いやすい曲から習うことが多く、ある程度上達すれば第2集以降の曲へ進むこともある。
ジュディッタ・パスタ: ジュディッタ・アンジョラ・マリア・コンスタンツァ・パスタ(Giuditta Angiola Maria Costanza Pasta 旧姓Negri 1797年10月26日 - 1865年4月1日)は、イタリアのサロンノ生まれのソプラノ歌手。最も偉大なオペラ歌手の一人と考えられており、20世紀のソプラノ、マリア・カラスもパスタと比較された。
ドラマ・ジョコーソ: ドラマ・ジョコーソ(ドランマ・ジョコーソ、イタリア語:Dramma giocoso、複数形:drammi giocosi)は、18世紀中期に流行したオペラの1形式。正しくはdramma (giocoso) per musica(音楽のためのおどけたドラマ)なので、オペラ全体よりむしろオペラ台本を指す言葉である。
ノルマ (オペラ): 『ノルマ』 (Norma) は、ヴィンチェンツォ・ベッリーニが作曲、1831年に初演された全2幕からなるオペラである。主役を歌うソプラノ歌手にとって最も難度の高いオペラの1つと考えられており、過去にはローザ・ポンセル、ジーナ・チーニャ、ジンカ・ミラノフ、マリア・カラス、ジョーン・サザーランド、モンセラート・カバリェなどが得意とした。ソプラノのアリア「清らかな女神よ」(Casta Diva, カスタ・ディーヴァ)は特に有名であり、リサイタルなどで単独で歌われることも多い。
古代ギリシアの音楽: ならば単純に、多くの人にとって心地よい音楽を演奏し、歌えばいいではないか」と主張した。この単純な哲学は後の平均律の考えを支えた。また20世紀の調性音楽、無調音楽という2つ潮流に分かれ出たことと比較することができるかもしれない。なんでもいいから心地よい音楽を演奏する、ということはプラトンの時代に確立した「様式のエートス(=音楽の道徳論→音楽には道徳的な側面があり、人間の精神はこれに左右されるという考え)」を冒涜するものだった。これはつまり当時のギリシア人が様々な音階様式にたいして感情的で、超自然的な特徴を見出し、それらに関係した複雑な音楽体系をつくりあげていた、ということを示している。古代ギリシア各地の部族、民族の名前から派生した様々な音階名(モード)はそれぞれの民族の気質、精神性をあらわしている。例えばドーリア音階は荒々しく、フリギア音階は官能的...などである。
カーロ・ミオ・ベン: 日本で声楽を志す者のほとんどが歌ったことのある有名な曲であり、小中高の音楽の教科書や、畑中良輔編の『イタリア歌曲集』にも収録されている。
シュプレヒゲザング: シュプレヒゲザング (独: Sprechgesang, ドイツ語: [ˈʃpʀɛçɡəˌzaŋ]「語る歌」)、または シュプレヒシュティンメ (独: Sprechstimme, ドイツ語: [ˈʃpʀɛçˌʃtɪmə]「語る声」) は、 表現主義音楽における、歌と語りの中間に位置する歌唱技法である。シュプレヒゲザングはオペラの歌唱技法であるレチタティーヴォと直接的な関係があり、両者が同様に扱われることがあるが、レチタティーヴォが話し声のように早口で自由な表現でありながらも音高に合わせて歌われるのに対し、シュプレヒシュティンメは特定の音高に縛られないため、より普通の「話し声」に近い。
バロック音楽: ルネサンス音楽において声楽は3声部以上を持つものが主流であったが、カメラータでは劇中の音楽として、劇の登場人物が1人で歌唱する作品の形式を発案した。これをモノディー形式と呼ぶ。カメラータの音楽劇の最初のまとまった試みは1598年にヤーコポ・ペーリ(1561年 - 1633年)を中心として行われた音楽劇「ダフネ」の上演であり、これを以てオペラの誕生とする意見もある。モノディー形式の例として今日最も有名なのは、ジュリオ・カッチーニ(1545年頃 - 1618年)の Le nuove musiche(「新音楽」、1601年)である。「新音楽」の作品は、歌手の歌うメロディーと伴奏用の低音パートの2声部に加えて、低音パートに数字を添えて記譜されている。数字は低音の上に奏すべき和音を示しており、これはいわゆる通奏低音の原型とも言うべきものである。
ナポリ楽派: ナポリ楽派(イタリア語: Scuola musicale napoletana)は、18世紀にナポリを中心にして、オペラの形式に大きな足跡を残した楽派。
美しきエレーヌ: 彼が表現したかったもの(モーツァルトが微笑みによって描いたことをオッフェンバックが笑いによって描こうが、大した違いではない)、それはわれわれ人間の常に満たされることのない欲望である。さらに《ヴィーナスへの祈願》に触れて「一般的に、オペラ・ブフやオペレッタは、ありふれた主題を扱って面白おかしい喜劇となり得るが、オッフェンバックの作品は心理的葛藤など深刻な主題をユーモアと茶番で包み、常にドラマティックであり得る。彼の独創性は本質的に「女性の観点」からの葛藤を分かり易く表現することである。-中略-オッフェンバックのフェミニズムは当時としてみれば、驚くほど進んでいたのであった」ということである。『新グローヴ オペラ事典』によれば「エレーヌとパリスの歌にはオッフェンバックの中で最も表情豊かで均整のとれた声楽の書法が見られる。
アニタ・チェルクェッティ: チェルクェッティは、その秀でた声楽能力により、理想的なヴェルディ歌手として評価されている。力みのない発声から繰り出される、低音から高音までむらのない豊麗な響きと、声楽的な制約から解放された自由な表現力が両立している。ヴェルディのソプラノの中でも最難役の1つである「シチリアの晩鐘」のエレーナ公女の録音(1955年)では、1幕の登場直後でのゆったりとしたテンポを満たす充実した響きは、発声の完成度が頂点に達していることを証明する。終幕の「ボレロ」は快速で歌われるが、鈍重とは無縁のスピード感でも、まったく声の響きの充実度が犠牲にならず、最高音までスムーズに声が出切っている。トリルの切れも申し分なく、技巧的にも極めて高いレベルにある。この録音だけでも、チェルクェッティが「幻のソプラノ」ではなく、真に傑出した歌手であることが明らかである。
オペラ: これらの独唱・重唱・合唱について、古典的なオペラでは各々が独立して作曲されており、一連番号が付けられていたことから「ナンバーオペラ」と呼ばれ、各ナンバーの間は前述したレチタティーヴォによってつながれる。各曲が独立しているため、上演時の都合によりナンバー単位で省略されたり、作品の作曲家または別な作曲家により、代替あるいは挿入用のアリアが加えられたりすることもあった。しかしロマン派の半ば以降にはナンバーによる分割が廃され、各幕を通して作曲されるようになった(上演の際に慣習的なカットを行うことがある)。また、アリアとレチタティーヴォも明確には区別されなくなっていった。ジングシュピール、オペラ・コミック、オペレッタ、サルスエラなどの様式では、レチタティーヴォ・セッコでなく台詞を用いて劇が進められる。歌手、および歌手の演ずる役柄はそれぞれの音高(声域)で分類される。
コロラトゥーラ: コロラトゥーラ(イタリア語: coloratura)は、クラシック音楽の歌曲やオペラにおいて、旋律に細かく速い音符の連なりを用いて装飾を施し、まるで声を転がすように歌う技法である。このような装飾は、音価の長い音符を音価の短い音符に分割するディミヌツィオーネ(イタリア語:diminuzione)という方法が用いられ、音価の長い白い音符から音価の短い黒い音符に変えるため、音符に色を塗るcolorireという言葉からコロラトゥーラという言葉が生まれた。このように細かく速い音符の連なりを敏捷に歌う技法をアジリタ(イタリア語:agilità)とも呼ぶ。この技法は16世紀からロッシーニの活躍した1800年代中頃までの期間に大きく発展した。特にカストラートの歌手達によって極限まで歌唱技術が高められたが、過剰な装飾を施すことは時に音楽の本質を歪めることもあった。
メロドラマ: またベルリオーズ『レリオ』は、メロドラマの手法をオペラではなく交響曲に応用したものである。19世紀に入ると、ピアノの伴奏に合わせて詩を朗読するという室内版メロドラマが人気となり、シューベルト「この世からの別れ」(Abschied von der Erde)、シューマン「美しきヘートヴィヒ」(Schön Hedwig)、リスト「美しき僧侶」(Der traurige Mönch) など名作が多数作られた。また同時期、イタリアではとくにオペラの中で音楽よりも台詞を重視する作曲手法を「メロドランマMelodramma」と呼ぶようになった。
リブレット (音楽): 最初にイタリア語でオペラが書かれたことから、18世紀を通じてヨーロッパでは(フランスを除いて)イタリア語の使用がこのジャンルでは支配的だった。ロシアでは19世紀になっても、サンクトペテルブルクにはイタリア・オペラ一座があり、自国語ロシア語のレパートリーの出現を求められていた。1800年以前の例外としては、ヘンリー・パーセルの諸作品、バロック期のハンブルクのドイツ語オペラ、18世紀にはバラッド・オペラ、ジングシュピールなどがある。文学や歌と同様に、歌詞は多くの翻訳の問題・難問を抱えている。かつて(さらに現在も)台詞のある外国語の音楽劇、とりわけ喜劇は、歌のパートは原語で、台詞のパートはその土地の言葉で上演されることもあった。しかし、それは、ミュージカルやオペレッタを本当に理解できない人々に、「歌詞は重要なものではない」という誤まった考えを与えてしまうことになった。
マリア・スラティナル＝ニストゥール:  フランス・オペラでは、グノーの「ファウスト」のマルグリートがレパートリーとなる。ルーマニアのオペラでは、エネスコの「エディプス王」、パスカル・ベントユの「ハムレット」、エミール・レレスクの「エカテリーナ・テオドロウ」を歌っている。
オペラ・ブッファ: オペラ・ブッファ(イタリア語:opera buffa)は、オペラの一形態。18世紀前半にナポリで生まれ、その後ローマやイタリア北部でも広く知られるようになった。18世紀後半には豊かに発展し、パイジェッロ、チマローザ、モーツァルトによって頂点を迎え、19世紀前半のドニゼッティの頃まで盛んに書かれた。
バッラータ: バッラータ(ballata, 複数:ballate)とは、13世紀後期から15世紀にかけて使われたイタリアの詩形、楽式。
演歌: 演歌が用いる音階の多くは日本古来の民謡等で歌われてきた音階を平均律に置き換えた五音音階(ペンタトニック・スケール)が用いられることが多い。すなわち、西洋音楽の7音階から第4音と第7音を外し、第5音と第6音をそれぞれ第4音と第5音にする五音音階を使用することから、4と7を抜くヨナ抜き音階と呼ばれる音階法である。この音階法は田中穂積による日本初のヨナ抜き短調曲である「美しき天然」の影響を受けた古賀正男(後の古賀政男、1904年(明治37年)-1978年(昭和53年)) による古賀メロディとして定着し、以降演歌独特の音階となる。ただし、ヨナ抜き音階そのものは演歌以外の歌謡曲などでもよく使われる音階である(例えば1920年代に演歌師が歌い流行した「船頭小唄」「籠の鳥」等はヨナ抜き音階を用いて現代の演歌にも似る。)。
マドリガーレ: マドリガーレ(madrigale)は、イタリア発祥の歌曲形式の名称。マドリガーレには、時代も形式も異なる2種類の物がある。中世マドリガーレはすぐに廃れてしまったため、一般にはマドリガーレというと後者を指す。どちらもペトラルカやボッカチオの詩から題材を得ることが多かったために、ルネサンス期の楽譜出版者が同じ名前を付けたという説がある。
湖上の美人: この作品は、ナポリ時代の他の作品と同じく、序曲を廃し、いきなり導入部から始まるという構成をとっている(これはロッシーニが歌劇本体に観客を集中させるためにとった改革である)。そしてアンガス伯ダグラスのアリア以外の音楽は書き下ろしである。また、この作品はロッシーニのオペラの中でも、特にロマンティックな作風を持つ作品として評価されている。その理由として、原作にウォルター・スコットの騎士道物語が使われていることや、第1幕のフィナーレで主要登場人物にフル・オーケストラ及び混声合唱に加えて、二重のバンダをふんだんに駆使して、規模の大きくかつ重厚な音楽を展開していることが挙げられよう。そして、ナポリ時代のオペラでは初めて、コントラルトを男装させて登場させていることも注目すべきことといえる。
フランコ・コレッリ: フランコ・コレッリ(Franco Corelli, 1921年4月8日 - 2003年10月29日)は、イタリアのテノール歌手。劇的表現に適したスピント系の美声、力感あふれる歌唱、輝かしい高音で知られ、激発性をも含んだ情熱、悲劇性の表現に秀でて高い人気を誇った名テノール。舞台映えする長身の美男歌手としても著名であった。
ア・カペラ: ユダヤ教会の音楽や、初期キリスト教会の宗教音楽では、アカペラによる歌唱が広く実施されていた。また、ルネサンス音楽では、音楽家が教会を舞台にして、複雑で豪華な曲作りを競い合っていた。このため、宗教儀式なのか音楽会なのか分からない状態となり、また肝心な歌詞が聞き取りにくくなっていた。これを問題視したバチカンは、さまざまな教会改革(対抗改革・トリエント公会議)の一環として、教会音楽の簡素化にとりくんだ。こうして生まれたのがア・カペラ様式であり、それを担った代表的な音楽家がジョヴァンニ・ダ・パレストリーナである。事実、パレストリーナの曲は、それ以前の曲よりも平易で歌いやすいものが多い。イタリア語のa cappella(ア・カペラ)は、英語のin chapelに相当し、「聖堂で」「聖堂において」という意味の副詞句である。これが形容詞句・名詞句化して、教会音楽の1つの様式を指すようになった。
裸のチェロ: ヴェローナという都会の環境、そしてアレーナ・ディ・ヴェローナの管弦楽団という環境のなかで描かれる『裸のチェロ』は、「イタリア式コメディ」を代表するもっとも美しい作品のひとつである。
新イタリア楽派: 一方で、年齢的にはこの「第2グループ」に属するエルマンノ・ヴォルフ=フェラーリは、その代表作のひとつ『マドンナの宝石(I gioielli della Madonna)』(1911年ベルリン初演)が典型的なヴェリズモ・オペラであるにもかかわらず、彼自身はもっぱらドイツで活動したこと、イタリアではカルロ・ゴルドーニの戯曲に基づくオペラ・ブッファの作品ばかりが評価されたということなどから、「新イタリア楽派」には含まないことが多い。同様に、オットリーノ・レスピーギはその受けた音楽教育、長じての作風ともこの楽派とはまったく異質の存在であった。第1次世界大戦後は、ピツェッティ、マリピエロ、カゼッラ、ゲディーニ、リエティなど、1880年代以降に生まれた、器楽曲の創作を歌劇よりも重視する新世代の陰に隠れるようになった。
コンチェルタート: ソリタ・フォルマ(英語版)と呼ばれる19世紀のイタリアオペラによく見られるパターンにも適用され、「ペッツォ・コンチェルタート」Pezzo Concertato や「ラルゴ・コンチェルタート」Largo Concertato との呼称がある。
ジローラモ・クレシェンティーニ: ジローラモ・クレシェンティーニ(Girolamo Crescentini、1762年2月2日 - 1846年4月24日)は、イタリアのソプラノ・カストラート歌手、音楽教師。19世紀のフェティスの音楽家事典では「イタリアの生んだ最後の大歌手」と評価している。19世紀はじめにナポレオン・ボナパルトの宮廷歌手として歌ったことでも知られる。
ジェシー・ノーマン: オペラ歌手としてもソリストとしても世界的に著名であり、またクラシック音楽界きっての稼ぎ頭のひとりである。ソプラノ・ドラマティコの声質と圧倒的な声量を持ち、アイーダやカッサンドル、アルチェステ、レオノーラなどの厳粛な役柄を得意としている。
チェーザレ・シエピ: 奥行きの深い声を響かせると共に、バス歌手としては稀有な軽やかで柔軟な歌唱を両立した美声と優れたテクニックで、あらゆる役柄において高い音楽性に裏打ちされた解釈を聞かせた。長身の舞台映えする外見も含めて、世紀のドン・ジョヴァンニとして今なお理想的な歌手と目する人も多い。
タンブレロ: 人が互いにボールを打ち合うという球技は、エジプト文明、メソポタミア文明など紀元前から世界各地でみられるとされるが、タンブレロの源流は、テニスと同じで、紀元前15世紀ごろのエジプトの壁画に確認することができるといわれる。イタリアでは、ローマ時代からさまざまな形でこの球技が行われたという。11世紀頃、ヨーロッパに進出してきたウマイヤ朝の影響を、テニスの原型とも言われる「ジュ・ド・ポーム (Jeu de paume;手のひらのゲーム)」の始まりと関連づける説があり、ラケットという言葉はアラビア語で「手のひら」を意味する「rahat」が語源といわれる。
バスク・ペロタ: 歴史的なジュ・ド・ポームは、ラケットを使用する近代的なジュ・ド・ポーム(イングランドではリアル・テニスと呼ばれた)に発展し、やがて現在のテニスに進化した一方で、農村部やピレネー山麓のコミュニティでは歴史的なジュ・ド・ポームの伝統が維持された。ジュ・ド・ポームは、バスク地方ではパサカやラショアと呼ばれる独特の様式の球技(pilota)に発展し、競技者が中央部のネットを挟んで対面する代わりに、壁に向かってボールを投げつけるようになった。
ボール: 蹴鞠が伝わった東南アジアでは籐で編んだ籠状の鞠による球技が行われ、現在のセパタクローへと発展した。クリストファー・コロンブスによるアメリカ到達前の時代には、南北アメリカ大陸以外ではゴムは知られていなかった。スペイン人たちは中南米各地で、弾むボール(中身までゴムの詰まった、空気で膨らませないボール)が儀式や遊戯としての球技(詳細はメソアメリカの球技 / Mesoamerican ballgame を参照)に使われているのを見て目を見張った。ヨーロッパ大陸では手でボールを打ち合うテニスの原形のようなスポーツ(イギリスでは「ファイブス」と呼ばれた)があり、やがて手を保護する手袋(グローブ)や木の棒を用いて打つようになり、テニスやホッケーやクリケットの元になった。
ラケットボール: 1950年にジョセフ・ソベックにより発明された。 ラケットで中空のゴムボールを壁に向けて打ち合い、得点を競う。他のラケットを使ったゲームとの最も大きな違いは、全ての壁面(天井を含む。スカッシュでは通常天井を使用しない)が利用できるということである。1対1のシングルが一般的であるが、3人や4人で行う場合もある。3人の場合は、カットスロートと呼ばれる1対1対1となり、4人の場合は2対2のダブルスになる。スカッシュと同様密閉された空間での横・後ろの壁をも使用したラケット競技なので、混同されることもある。 道具は、ラケットボールのラケットはシャフトがないか、非常に短く、テニスラケットに近いフェイス面積がある。スカッシュはシャフトが長く、バドミントンラケットを全体的に太くした感じである。スカッシュのボールの方が弾みにくい。
テニスラケット: かつてジュ・ド・ポームという競技においては、素手、素手に革紐、グローブ風、木の棒(1344年という説あり)という段階を経て、バトワール(battoir)と呼ばれる1枚板を削ったラケット状のものに達した。そして1550年頃、ガット張りラケットが生まれた。従来はボール同様にラケットの製造権もギルド組織の管理下に置かれ、ほうき・ブラシなどの製造業者が兼業していたことから生産数が少量だったとされ、ラケット製造業組合が独立したのは1550年頃といわれる)。その後も手作りの木製品が主流だったが、大量生産化され、炭素繊維製のものも登場した。日本では、初期のローンテニスにおけるラケットのことを、バットとも呼んでいたといわれる。1967年にスチール製、1968年にアルミ製、1974年に複合材のラケットが初登場したという説がある。
ジュ・ド・ポーム: 1874年2月、イギリスのウォルター・クロプトン・ウィングフィールドは自らスファイリスティケーと名付けた新スポーツの特許を取得した。当時のイギリス人たちはこのギリシア風綴りの語の語尾だけをとってスティッキーと呼んだが、ここで少佐は自らが考案したと主張する球技を、古代ギリシアの神話で王女ナウシカアが遊んだボール遊びやジュ・ド・ポームの歴史に連なるものとして規定した。「昔のジュ・ド・ポームをやるための新しく改善された、持ち運びのできるコート」としてその新規性を強調したのである。芝生(lawn)の上で競技したことからスファイリスティケーはローンテニス(lawn tennis)の名で呼ばれることとなり、1875年、オールイングランド・クローケークラブがこれを採用、1877年には同クラブによって最初のウィンブルドン選手権が開催された。
バドミントン: 諸説あるものの、最も有力とされている説は次の通り。元々はイギリス植民地時代のインドのプーナで1830年代に行われていた、皮の球をラケットでネット越しに打ち合う「プーナ」(Poona)という遊びを、インド帰りのアメリカ人兵士(イギリス人とインド人の混血とも言われる)が1873年に本国に伝えたのが始まりとされる。その兵士は、プーナを紹介するためにシャンパンの栓に鳥の羽根を刺したものを用い、それをテニスラケットで打って見せたという。紹介されたのがイギリスのグロスタシャーにあるボーフォート公爵サマセット家の邸宅バドミントン・ハウス(英語版)であったため、バドミントンという名称がついた(ただし、1870年代にはかなり進んだバドミントンルールが存在したことなどから、この起源説に対し、疑問を持つ者も少なくない。スポーツの起源というものは往々にして脚色されがちである)。
タンブレロ: 現在のタンブレロの原形となったゲームは、16世紀から18世紀ごろ、中世の北部イタリアで盛んだった、パローネ・コル・ブラチャーレ(Pallone col bracciale, ブラチャーレは「ブレスレット」「アームバンド」の意)という、木製の円筒状の筒を前腕にはめてボールを打つ競技だと言われている。ちなみに、現在のテニスのラケットの原型が登場したのも14世紀のイタリアとされる。タンバリン(太鼓)の起源も同様に、エジプト文明、ギリシャ、ローマ帝国の頃からみられ、スポーツのTamburello(イタリア語のタンバリン)は、このバット(タンバリン)をラケットのように使用してボールを打つことから、この名が付いたと言われている。現在のタンブレロがイタリアで確立されたのは19世紀後半で、1896年にはイタリアで最初の選手権が行われた。今行われている競技の公式ルールが最初に作られたのは1920年とされる。
ろくむし: 誰がどこで始めたか、いつ頃始まったのか、詳しいことは不明である。発生の基盤としては、軟式テニスが日本で広まりテニスボール(ゴムボール)が普及していたことと、そのゴムボールを使用した野球の遊びがあるのは間違いない。野球人気を背景にした昭和期の庶民文化から生まれた子供の遊びである。「ろくむし」の名前の由来は不明。
パレタフロントン: 使用するボールは当初はテニスボールの表面を削り取って使っていたが、その後は最初から羽毛部分の無いボールが使われるようになり、現在は専用の黒いゴム製のボールで行う。ラケットは木製で大きなしゃもじ状の形をしており、当初ウイスキーの樽を分解した板を使っていた。より高い競技性を求めた炭素繊維強化プラスチック製のものもある。
パドルテニス: 1898年にミシガン州で親と一緒にテニスクラブに来た子供のために、コートを二等分して遊ばせたことが始まりとされている。板状のラケット(パドル)や、テニスボールと同じくフェルト付きながらも空気圧の柔らかいボールを使用すること、コートがテニスの約1/3であること等、いくつかの点を除き、基本技術やルールがほとんどテニスと同じである。日本では、地域の学校体育館やスポーツセンターなどを利用して楽しまれている。
ジュ・ド・ポーム: 当初は素手で競技していたジュ・ド・ポームであるが、次第に手を保護するために革紐を巻いたり手袋をはめたりするようになり、14世紀にはトリケ(triquet)やバトワール(battoir)と呼ばれる木のへら状の簡易ラケットが用いられるようになった。打ちべらの打球面を補強するのには羊皮紙が用いられた。高価な羊皮紙を得るために写本をばらばらにする者も現れ、ティトゥス・リウィウスの貴重な写本の一部がラケットの覆いに使われているのが見つかったという逸話もある。ガットを用いた今日のラケットに近いものが登場したのは16世紀の中頃である。ジュ・ド・ポームのラケットは、コートの壁ぎわのボールもすくい上げて打ちやすいように、ヘッド部分が片側に偏り、左右が非対称になっている。
クリケット: 初期クリケットは、「club-ball、stool-ball、trap-ball、stob-ballといった古代の競技のように棍棒でボールを打つ競技」と解説される。クリケットの歴史は16世紀初頭イングランド、テューダー朝の時代まで間違いなく遡ることができる。1301年にケント、Newendenにおいてエドワード1世(長脛王)の息子エドワードによって「creag」として知られる競技がプレーされたという文献が存在しており、証拠はないものの、この競技が一種のクリケットであったと推測されている。その他多くの単語が「cricket」の語源として提唱されている。1598年のこのスポーツに関する最も初期の確かな文献では、「creckett」と呼ばれている。
ジュ・ド・ポーム: 16世紀イタリアで『球戯論』を著したアントニオ・スカイノは、フランス王アンリ2世がパリのルーヴル宮殿に建設したジュ・ド・ポームのコートに備え付けられていたギャラリーやタンブール、グリルについて、ボールの動きに複雑な変化をもたらしてプレーヤーや観客を楽しませ、「このラケット球戯の精妙さをさらに増す」ものだとしている。カレ型のコートの特徴はデダーンやタンブールが見られず、代わりにトル(trou「穴」)、エ(ais「板」)、リュヌ(lune「月」)などが存在することである。これらはいずれも勝利の窓と同じ機能を持ち、その穴や板に向かってボールを直接打ち込むと得点できた。デダーン型、カレ型を問わず、現存するジュ・ド・ポームの専用コートは数少ない。コートの総数は約40で、大半はイギリスにある。
ペルメル (球技): 19世紀初頭にイングランドで行われていたゲームに関する著作家のジョゼフ・ストラット(英語版)はコットグレイヴの記述を引用し、王政復古した王権との関連について述べている。競技は19世紀初頭に入っても、多くの英語辞典で言及が見られることから、この時期でもまだ知られていたことが分かる。サミュエル・ジョンソンが1828年に作った辞書では、「ペルメル」の定義として、「打球槌で打ったボールを鉄の輪に通す競技」(英: "A play in which the ball is struck with a mallet through an iron ring")として、クロッケーとの類似性が明確にされている。
スポールブール: ボールを目標球に近づけること自体は、原始的な発想であり、古代エジプトや古代ギリシャの文献によりスポールブールの原型は約5,000年前まで遡ると考えられており、それゆえ世界で最も古い球技の一つという説がある。当時は石を研磨したボールが用いられていた。古代ギリシャではスファエラ(球形の意味)と呼ばれる球技が行われていたことが文献で示されている。古代ローマでもカラカラ寺院等には、今のスポールブールと同じようにボールを投げている人や、得点を測定している人のフレスコ画が残っている。中世においてもラブレーやディドロ、スペインの画家ゴヤなどもスポールブールで楽しんでいたとの記録があり、中世のフランスでは、この球技の人気があまりに高まりすぎたため、14世紀に国王シャルル5世がブール禁止令を出したほどであった。
ラケット: ラケット(racket)は、球技で使用するボールやシャトルを打つために使用するスポーツ用具。
球戯: 球戯の歴史は古い。紀元前460年ごろに、ギリシアの医師ヒッポクラテースが石を使った球を投げることをすすめている。2世紀には、辞典編纂者ユリウス・ポルクスが、レンガに複数の球を投げる遊びについて記しており、その球戯では敗者が勝者を投擲線のところまで肩車で運ばなければならないと書いている。イタリアや南仏の球戯(ボッチェ、ブル・リヨネーズ)は起源がローマ帝国の時代にまでさかのぼる。イギリスの球戯(ローンボウルズ)の起源は12世紀のロンドンにあるようである。その後しばらく記録がない時代が続き、14世紀のトゥルネ(Tournay)大司教区において、フランス王フィリップ5世が球戯を禁止する命令を1319年に下したことが知られている。ルネサンス期のフランスでは、ビルボケ(bilboquet)やジュ・ドゥ・ポムといった球戯に興じることが許されたのは貴族だけであった。
クロッケー: クロッケー(英: croquet [英:ˈkroʊkeɪ, 米:kroʊˈkeɪ])とは、芝生のコートで行われるイギリス発祥の球技。アソシエーション・クロッケーとゴルフ・クロッケーと二種類のゲームが行われ、アソシエーション・クロッケーは日本におけるゲートボールの原型である。クロッケーとはフランス語である。マレット(木槌)により、木製またはプラスチック製の球を打ち、6個のフープ(門)を通していき、最後に中央に立っているペグ(杭)に当てる早さを競う。 競技の際 上下ともに白い服装でする伝統がある。オリンピックでは1900年パリ大会で実施された。また、アメリカにおける変種であるロック(en)が1904年セントルイス大会で実施されている。1983年に日本クロッケー協会、1986年に世界クロッケー連盟が設立され、1989年からは世界選手権が開催されるようになった。
ペルメル (球技): ペル・メル(イギリス: [pælˈmæl]、アメリカ: [pɛlˈmɛl]・[pælˈmæl]・[pɔːlˈmɔːl])は、16世紀・17世紀に流行したローン・ゲーム(英語版)(芝生の上で行う屋外競技)の一種で、クロッケーの原型になったとされる。英語でのスペルには、Pall-mall、paille-maille、palle-maille、pell-mell、palle-malleなどがある。
ヨーロッパのスポーツ: クリケットはイギリスの南東部に起源を持つ競技で、イギリス(イングランドおよびウェールズ)、オランダなどで親しまれている。アメリカンフットボールは、ドイツやスウェーデンなどで親しまれている。
ペタンク: ペタンク(pétanque)は、フランス発祥の球技。ペタンクの名称は、南フランスのプロヴァンスの方言「ピエ・タンケ(両足を揃えて)」に由来する。スポールブールやプロヴァンサルゲームをベースに1907年に考案されたとされている。テラン(コート)上に描いたサークルを基点として木製のビュット(目標球)に金属製のブール(ボール)を投げ合って、相手より近づけることで得点を競うスポーツでもある。
メソアメリカの球戯: メソアメリカの球戯(メソアメリカのきゅうぎ)とは、先コロンブス期以来メソアメリカで行われてきたゴム製ボールを使った競技である。メソアメリカでは紀元前から盛んに球戯が行われ、現在も一部の地域で伝統的な球戯が行われている。球戯にはスポーツとしての側面のほかに、宗教的・政治的な意味を持っていた。なお、球戯は球技と同じだが、メソアメリカの場合は慣用的に「球戯」の字が使われることが多い。
ラプター (競技): ラプター (ロシア語: лапта́) は、ロシアに発祥するバット・アンド・ボール・ゲーム(英語版)。中世の古文書においてもラプターについての言及があり、ノヴゴロドのある発掘現場からは、14世紀の地層からバットとボールが見つかっている。クリケットや野球、ラウンダーズ、ペサパッロ、brännboll、oină などと似ているところがある。
ボール: ボールを用いた遊戯は古くから自然に行なわれていた。初期のボールは羊毛や髪の毛などの繊維を布や革の袋に詰めたもので重いものだった。古代ローマでは球技ごとに異なるボールが用いられ、中に羽毛を詰めたボール、中に砂を詰めたボール、空気で膨らませたボールが存在した。ただし、空気で膨らませたものは動物の腸を素材にしたもので完全な球形ではなくエアチューブを小さくまとめたような形状だったと考えられている。日本の蹴鞠用の鞠は鹿皮でできていた。中国では蹴鞠は戦国時代より軍事用の訓練として始められ、漢代以後チーム対抗球技として発展し、唐代には鞠はより弾むように羽根を詰めたものから空気を入れた動物の膀胱へと改良されたが、宋代に得点を競う球技から地面に落さないことを競う球技へと変化し、やがて風俗の退廃などを理由に清代に禁止令が出されほぼ消滅した。
ペルメル (球技): ペルメルは、フランスのグランド・ビリヤードの一種であるジュ・ド・マイーユ(英語版)から近世に発展したものである。またイタリアのトゥルッコ(英語版)(近代英語ではローン・ビリヤード、またはトラックとも)や類似のゲームとも関係がある。名前は「木槌 (Mallet) ・球」を意味するイタリア語の pallamaglio から来ており、これを更に突き詰めると、ラテン語で「球」・「大木槌(英語版)、槌、木槌」という意味の palla、malleus に至る。語源学上では、縛った藁で作った的輪を意味する中世フランス語の pale-mail(英:"straw-mallet")に由来するという説もある。
野球の歴史: 先史時代に既に、野球のボールと同じくらいの大きさの石がヒトにより使用されていたことが確認されている。アフリカ大陸の地中海沿岸地域から、その石が多数出土した。これは、何らかの武器であったと考えられている。足の速い動物を仕留めるために、命中率と威力を兼ね備えた武器を求めた結果、「野球ボールと同じくらいの大きさの」石が最も適した武器であるという結論を得たと思われる。農耕が発展すると、球体は「世界と宇宙」、つまりは権威の象徴として祭儀に利用されるようになった。古代エジプトやその他の地方では、王が球を棒で打ち、その飛び方で農作物の豊凶を占っていたことが判明している。中世ヨーロッパでは、12世紀頃のフランスで、「ラ・シュール」が誕生した。2チームに分かれ、足や手、棒などを使い敵陣にある2本の杭の間にボールを通すゲームで、今日のあらゆる球技の原型とされるスポーツである。
球戯: 1906年にリヨンの球戯の競技団体(La Fédération lyonnaise et régionale)が創設され、1933年にはフランス国内を統括する国内競技団体(la Fédération nationale des boules)へと発展した。この連盟は1942年には(la Fédération française de boules)に改名する。ペタンクとブル・リヨネーズは、1985年からワールドゲームズの種目になっている。投擲用の球は、最初は粘土や岩、木片などであったが、19世紀までに硬い木で作った球になった。鉄くぎが大量生産されるようになった19世紀半ばごろに、球に鋲打ちする補強がなされるようになって耐久性が向上した。1904年にフェリクス・ロフリッツ(Félix Rofritsch)が木製の芯材を金属で被覆し、鋲を打って固定した球を発明し、製造しはじめた。
シュラークバル: シュラークバル(Schlagball)は、イギリスのクリケットが原形とされるドイツ式野球のこと。ドイツ語で「球を打つこと」という意味。1890年代にドイツで始まり、20世紀初めにドイツで流行した。第2次世界大戦後衰退したが、最近ではドイツで再び人気が出ている。現在、夏にドイツ北部の2島でトーナメント大会が開かれている。日本においては、第1次世界大戦中にドイツ兵捕虜約1,000人を収容した徳島県鳴門市の板東俘虜収容所内で盛んだったが、1920年1月に最後のドイツ兵が帰還して以降ほとんど行われていない。
パレタフロントン: パレタ フロントン(Paleta Frontón)は、ペルー生まれのラケットスポーツで、壁に向かってボールを打ち合うスカッシュに似た競技。単にフロントン(Frontón)とも呼ばれる。
サッカー: 少なくとも古代の頃からあったとされる。新石器時代(紀元前約1万年前)の現中国地域の地層から石の球が発見され、中国マスコミはこれをサッカーの起源として報道したが、蹴った証拠は見つかっていない。南米ではアマゾンの熱帯雨林から天然ゴムが採取できた為、早くからボールを蹴る競技が行われていた。パタゴニアやアンデスのインディオ文明からは、様々なボール(もしくはそれに類するもの)や、ボールを蹴る競技の証拠が見つかっている(紀元前1500年チリのピリマタム、パタゴニアのチョエカ、紀元前800年メキシコのマヤ文明のポク・タ・ポク)。足でボールを蹴る遊戯は、考古学的には、古代エジプト、古代ギリシャ、古代ローマから足でボールを蹴る人物のレリーフが発見されている(紀元前200年古代ギリシャのエピスキロス、紀元前200年古代ローマのパルパツウム)。
フットボール: 古代ギリシア人および古代ローマ人は多くの球技を行っていたことが知られており、そのうちの一部は足を使っていた。ローマの球技「ハルパストゥム(英語版)」は、"ἐπίσκυρος" (episkyros) あるいは "φαινίνδα" (phaininda) として知られている古代ギリシアのチーム競技から作られたと考えられている。この競技はギリシャの劇作家若アンティファネス(英語版)(紀元前388年 - 紀元前311年)によって言及され、後にキリスト教神学者 アレクサンドリアのクレメンス(150年頃 - 215年頃)によって参照されている。これらの競技は現在のラグビーフットボールに似ていると思われる。ローマの政治家キケロ(紀元前106 - 紀元前43年)は、床屋にボールが蹴り入れられた時にひげをそられていたために刺傷を負って死んでしまった男性の事件について記述している。