title: Stable (théorie des graphes)

text: En théorie des graphes, un stable – appelé aussi ensemble indépendant ou independent set en anglais – est un ensemble de sommets deux à deux non adjacents. La taille d'un stable est égale au nombre de sommets qu'il contient.


title: Stable (théorie des graphes)

text: La taille maximum d'un stable d'un graphe, noté "I(G)", est un invariant du graphe. Il peut être relié à d'autres invariants, par exemple à la taille de l'ensemble dominant maximum, noté "dom(G)". On appelle carré d'un graphe "G" le graphe "G"' utilisant les mêmes sommets et ayant une arête entre deux sommets "u" et "v" si et seulement s'il existe un chemin de longueur au plus 2 entre "u" et "v" dans "G". Alors "I(G')" est inférieure ou égale à "dom(G)".


title: Stable (théorie des graphes)

text: La recherche d'un stable de taille maximum dans un graphe est un problème classique de la théorie de la complexité. Il est NP-complet et difficile à approximer.


title: Jiangyan

text: Jiangyan (姜堰 ; pinyin : Jiāngyàn) est une ville de la province du Jiangsu en Chine. C'est une ville-district placée sous la juridiction de la ville-préfecture de Taizhou.


title: Jiangyan

text: La population du district était de en 1999.


title: DMM

text: DMM est un sigle pouvant signifiant :


title: En présence d'un clown

text: En présence d'un clown ("Larmar och gör sig till") est un téléfilm réalisé par Ingmar Bergman, diffusé le 1997.


title: En présence d'un clown

text: Le film s'ouvre sur une citation de Shakespeare, dans "Macbeth" : « La vie n'est qu'un fantôme errant, un pauvre comédien qui s'agite et se pavane une heure sur scène et qu'ensuite on n'entend plus » ("S'agite et se pavane" étant le titre du texte écrit par Bergman en 1993, qui a par la suite été adapté en téléfilm sous le titre "En présence d'un clown"). L'histoire se déroule en octobre 1925 ; elle commence dans le département de psychiatrie de l'hôpital d'Uppsala. Le docteur Egerman y soigne un ingénieur, Carl Akerblom (l'oncle Carl de "Fanny et Alexandre", et celui d'Ingmar Bergman lui-même, tel qu'il le décrit dans "Les Meilleures Intentions"), âgé de 54 ans, ingénieur passionné par Franz Schubert (le film s'ouvre sur un plan de lui en train de faire jouer à plusieurs reprises le début du dernier lied du Winterreise, dans lequel le poète demande au joueur de vielle, qui représente la mort, s'il peut le rejoindre pour en finir), et parfois par Swedenborg, Jésus, Mahler et August Strindberg. Mélancolique chronique, inventeur raté (le Bureau royal des brevets lui refuse le brevet de la "cinématocamera", inventée en 1866 par R. W Paul sous le nom de théatographe), Carl est placé dans un dortoir désert pour le calmer, car il est sujet à des crises violentes. On apprend par la suite qu’il est interné pour avoir lancé une chaise au visage de sa fiancée ; il a accepté d'être interné pour éviter 6 ans de travaux forcés. Carl est consulté par son docteur, à qui il demande ce que Schubert pouvait penser le matin où il a découvert qu'il avait la syphilis, ce à quoi le docteur répond qu'il "s'est senti couler", ce qui le satisfait. Un jour, Carl est rejoint par un autre personnage, Osvald Vogler, lunatique qui se dit membre de la "Société des péteurs du monde", organisation française qui agit en faveur du droit de péter librement. Vogler lui raconte l’histoire de Mizzi Veith, viennoise prostituée par son beau-père et paradoxalement vierge, suicidée très jeune ; il est dit d'elle qu'elle « faisait tout sauf une chose particulière ».  Dans un cauchemar, Carl Akerblom est visité par le clown "Rig-mor" (ce qui renvoie à la rigor mortis, la mort, que l'on retrouve également dans "Le Septième Sceau") qui s'avère être une femme, et qui lui montre ses seins avant de lui enjoindre de "l'enculer", ce que Carl fait. Puis Carl reçoit la visite de sa fiancée, Pauline Thibault, à qui il fait part de son projet destiné à révolutionner le cinéma : un "film vivant", avec des hommes derrière l’écran qui doublent les acteurs en direct et jouent de la musique. Carl veut mettre en scène les amours imaginaires et malheureuses de Schubert et de Mizzi Veith, malgré toutes les incohérences que cela suppose (le décalage temporel entre les périodes de vie et de mort des deux personnes, en premier lieu).


title: En présence d'un clown

text: À l'hôpital succède la salle des fêtes de Granaes, sous la neige ; la troupe s'y produit, et onze tickets sont vendus. Le projet était jusque-là financé par Vogler, mais cette dernière a cessé d'apporter son soutien économique après avoir perdu dans l'affaire. Mia Falk, l'actrice et maîtresse de Akerblom, quitte la troupe. Restent Pauline, Carl, Vogler et le projectionniste Petrus Landahl, avec qui Carl met les plombs du tableau électrique hors service pour que la lampe à arcs puisse fonctionner. Arrive la belle-mère de Carl, qui apprend et accepte les fiançailles entre Carl et Pauline. Pauline Thibault lui énonces les villes de provinces traversées par a troupe : Stenbjoerka, Storforsen, Videvik, et lui décrit les conditions difficiles de tournage du premier et unique film parlant, intitulé "La joie de la fille de joie". Puis la représentation a lieu ; un feu se déclare, éteint par le projectionniste. Finalement les acteurs décident de continuer le film sous forme de pièce de théâtre : ainsi le théâtre prend le relais du cinéma, puis laisse la place à la vie elle-même, lorsque l'une des spectateurs (l'institutrice) se lève et prend la parole pour lire un texte :


title: En présence d'un clown

text: « Tu te plains de crier et du silence de Dieu. Tu dis que tu es enfermé, et que tu as peur d'être emprisonné à vie, bien que personne ne t'ait rien dit à ce sujet. Songe alors au fait que tu es ton propre juge et ton propre gardien. Prisonnier, quitte ta prison ! A ta grande surprise, tu verras que personne ne t'en empêchera. Certes la réalité hors de la prison est effrayante mais moins effrayante que l'angoisse, que l'angoisse que tu éprouvais là-bas dans ta chambre close. Fais un premier pas vers la liberté, ce n'est pas difficile. Le second pas sera plus dur mais ne te laisse jamais vaincre par tes gardiens qui ne sont que tes propres peurs et ton propre orgueil. »


title: En présence d'un clown

text: La pièce se termine par une réplique de Schubert, qui dit « Je coule », puis se reprend : « Je ne coule pas. Je m’élève. »


title: En présence d'un clown

text: Au matin, Carl se dispute puis se réconcilie avec Pauline, et meurt. Auparavant, il aura entrevu plusieurs fois Rig-Mor : lors de la représentation, et dans la pièce où il dort aux côtés de sa fiancée.


title: En présence d'un clown

text: Diffusé pour la première fois à la télévision suédoise le 1er novembre 1997, le film n'est pas passé entièrement inaperçu, y compris en France. Dans ce pays,


title: En présence d'un clown

text: La grâce du film apparaît donc par contraste avec des événements très prosaïques, noyée dans le grotesque et le fantasque qui peuvent être lus soit comme l'expression d'un style rendant possible l’élévation de la joie, soit comme étant en décalage avec l'effet voulu : c'est ce qui fera dire à Jacques Aumont que « Carl propose de jouer la fin de la pièce (la maladie et la mort de Schubert), dans une sorte de théâtre appauvri, avec décors et grimages improvisés ; la pièce est une sorte de sotie, enfilant des calembredaines ; là encore, ce sont des pitres qui s’agitent (et se pavanent, macbethiennement), rendant grotesques et dérisoires les sentiments sublimes auxquels se réfèrent le texte ». Ainsi lorsque l'enchaînement des ratages de la représentation s'achève sur le « je coule » obsédant de Schubert (joué par Carl), ne demeure que le tragique de la mise en scène onirique du troisième "acte" (qui baigne dans une lumière blanche crue, et dans lequel Pauline dit à Carl : « Tu sais que tu peux me réveiller quand tu veux ») et la mort rôdant sous la forme du clown ; le film offre une pluralité d'approche du "voyage en hiver" que propose Bergman.


title: CREB (protéine)

text: CREB (de l'anglais "C-AMP Response Element-binding protein", c'est-à-dire protéine se fixant au CRE) est une protéine ubiquitaire agissant comme un facteur de transcription liant l'AMPc. C'est une protéine essentielle de la régulation de l'expression des gènes. Cette protéine pour être active a besoin d'être phosphorylée par une protéine kinase A (PKA), elle-même activée par de l'AMPc.


title: CREB (protéine)

text: CREB est une protéine ubiquitaire eucaryote, c’est-à-dire exprimée dans tous les types de cellules. Elle agit comme un facteur de transcription qui interagit directement avec l’ADN par sa fixation aux éléments de réponse, dits séquences CRE ("cAMP response element"), induisant la transcription de certains gènes. Le CRE formé de 8 paires de bases « TGACGTCA », est un élément de réponse crucial dans les cascades moléculaires impliquant l’AMPc. Chez l'humain, le gène CREB est situé sur le chromosome 2 à la position 34 et code une protéine composée de 327 acides aminés pour un poids total de 45 Kd. L’épissage alternatif de son ARNm produit deux transcrits différents et conduit à la formation de deux isoformes CREB-A et CREB-B.


title: CREB (protéine)

text: CREB fait partie de la famille des facteurs de transcription à domaine bZIP, de même que et ATF-1 qui ont la particularité de contenir une région basique riche en leucine. Cette glissière à leucine ("leucine zipper") permet la dimérisation de la protéine et une reconnaissance spécifique à l’ADN.


title: CREB (protéine)

text: Plusieurs voies de signalisations cellulaires peuvent mener à l’activation de CREB. Le facteur commun étant l’AMPc qui va mener ultimement à la phosphorylation de CREB, donc à son activation. En général, un signal extracellulaire arrive à la surface de la cellule (une hormone, un neurotransmetteur) et active des récepteurs spécifiques. Ceux-ci permettent ensuite de générer un second messager, l’AMPc, qui va activer une protéine kinase A (PKA) capable de phosphoryler la sérine 133 de CREB située dans son domaine KID (pour Kinase Inductible Domain) pour finalement aboutir à son activation.


title: CREB (protéine)

text: CREB va par la suite recruter des coactivateurs transcriptionnels tels que CBP ("CREB-binding protein") et P300 qui de par leurs fonctions acétyltransférases vont faciliter sa fixation à l’ADN et induire la transcription de gènes.


title: CREB (protéine)

text: La protéine CREB est impliquée dans la régulation partielle de multiples fonctions biologiques dont :


title: CREB (protéine)

text: La protéine CREB est très importante en ce qui concerne la potentialisation à long terme. Dans le cerveau, l’information nerveuse est véhiculée par les neurones qui sont formées d’un corps, d’un axone et de dendrites. Les synapses permettent d’établir une communication entre les neurones et présentent à leur surface des récepteurs qui se lient spécifiquement avec les neurotransmetteurs. Un peu plus du tiers des neurones de notre cerveau sont de types glutaminergiques (avec un neurotransmetteur qui est le glutamate). Il existe plusieurs récepteurs glutaminergiques tels qu’AMPA et NMDA qui sont de type ionotropiques, c'est-à-dire couplés à un canal ionique. Après stimulation glutaminergique, une cascade d’évènements va entrainer la formation d’AMPc, qui va activer la protéine kinase A (PKA). Celle-ci va à son tour phosphoryler CREB qui va ordonner la formation de nouveaux récepteurs AMPA. Ces nouveaux récepteurs seront fabriqués dans les ribosomes du neurone et seront acheminés à la surface synaptique. Ils viendront augmenter la transmission synaptique lors de prochaines stimulations. Ce renforcement de la synapse permettra au neurone en question de réagir plus vite et plus efficacement aux stimulations ultérieures. Aussi, la PKA va phosphoryler les récepteurs AMPA déjà présents ce qui permettra de les rendre plus efficaces. La répétition de stimulus et le renforcement synaptique vont permettre à plusieurs zones du cerveau d’enregistrer l’information.


title: CREB (protéine)

text: La dépendance aux drogues est reliée au circuit de la récompense et plus exactement au circuit de la dopamine qui comprend le noyau accumbens, le cortex préfrontal et l’aire tegmentale ventrale. La consommation répétée de drogues provoque une augmentation de la quantité de dopamine dans le noyau accumbens ce qui entraine la formation d’AMPc et l’activation de CREB. CREB va ensuite activer des gènes codants des protéines qui inhibent le système de récompense comme le dynorphine. Cette protéine va freiner la libération de la dopamine dans le noyau accumbens et atténuer le phénomène de plaisir (récompense). Un phénomène de tolérance est alors observé et le consommateur a besoin d’augmenter les doses pour ressentir le même effet que la prise précédente. La consommation est alors augmentée afin d’éliminer les effets néfastes. CREB va aussi induire la synthèse de la protéine c-fos qui va intervenir dans la sensibilisation du circuit de la récompense. Tous ces phénomènes favorisent l’accoutumance, l’addiction et la dépendance.


title: CREB (protéine)

text: La dépression touche à l’humeur et est notamment caractérisée par un déficit en sérotonine. Les antidépresseurs exercent une fonction thérapeutique en sur-activant CREB via la voie de l’AMPc en permettant la synthèse de protéines intervenant dans la protection et la survie cellulaire.


title: CREB (protéine)

text: Sur NCBI: -NP 004370.1(isoforme A) -NP 604391.1(isoforme B) -gi:33694240 -gene ID:1385


title: Tancrède (chanteur)

text: Tancrède, né Tancrède Lehman à Paris, est un chanteur auteur-compositeur-interprète, acteur, avocat et mannequin français


title: Tancrède (chanteur)

text: Très jeune attiré par la chanson, Tancrède écrit son premier texte à l'âge de 9 ans. Il ne s'arrêtera jamais d'écrire par la suite, et chantera même sur des pièces classiques qu'il apprend au Conservatoire de musique de Ville d'Avray dans la classe de piano.


title: Tancrède (chanteur)

text: Durant ses études de droit à Assas, Tancrède travaille comme mannequin et défile pour divers grands noms de la couture. Il portera sur cette expérience un regard amusé et acide dans sa chanson "Les Femmes postiches".


title: Tancrède (chanteur)

text: Diplômé de l'École de formation du barreau (EFB) et de l'IDA (Institut du droit des affaires), Tancrède monte sur la scène du célèbre Sentier des Halles à Paris le jour même de sa prestation de serment le 26 avril 2001! Après deux ans d'exercice en tant qu'avocat au Barreau de Paris, et un nombre grandissant de concerts, Tancrède décide de quitter provisoirement la "robe" pour la chanson.


title: Tancrède (chanteur)

text: Tancrède sort son premier album ("Tancrède") chez ULM/Universal en septembre 2005.


title: Tancrède (chanteur)

text: Réalisé par Roland Romanelli, arrangeur et musicien de Barbara, l'album est, dès sa sortie, salué par la critique tant pour la qualité des textes, que du style de l'interprétation. Dès lors, Tancrède enchaîne les concerts : l'Européen, la Cigale, le Trianon à Paris et entame une tournée dans toute la France pendant l'année 2006 qui se termine début 2007 par de nouvelles dates à Paris et en banlieue parisienne (le Trianon, l'Opéra de Massy, le Théâtre de Poissy...).


title: Tancrède (chanteur)

text: En 2008, Tancrède a créé avec son frère Fabrice Lehman la comédie musicale "Audimat !", dont la mise en scène a été confiée à Stéphan Druet.Créée au Théâtre National de Besançon, le spectacle est à l'affiche à Paris au Trianon pendant trois mois.


title: Tancrède (chanteur)

text: Décryptant sans pitié l'univers de la télévision, Audimat met en scène les patrons de deux chaînes concurrentes, qui vont s'arracher réciproquement leurs présentateurs vedettes, afin d'avoir toujours plus les faveurs de la fameuse ménagère de moins de 50 ans. Bien reçue par la critique, la comédie musicale a également séduit un large public.


title: Tancrède (chanteur)

text: Les 17 chansons du spectacle font l'objet de l'album "Audimat - La comédie musicale" sorti en 2008 (Classics/Universal).


title: Tancrède (chanteur)

text: Le 11 mai 2015, Tancrède sort un album 12 titres intitulé "Humain, trop humain" (titre emprunté à Nietzsche), réalisé par Polérik Rouvière.


title: Tancrède (chanteur)

text: Tancrède a présenté une version live avec une formation de cet album au China et au Café de la Danse en juin 2016.


title: Taixing

text: Taixing (泰兴 ; pinyin : Tàixīng) est une ville de la province du Jiangsu en Chine. C'est une ville-district placée sous la juridiction de la ville-préfecture de Taizhou. La ville est localisée dans le delta du Yangzi Jiang.


title: Taixing

text: Il existe de fortes pollutions, par exemple des dépôts d'ordures chimiques, dans un secteur d'industries chimiques.


title: Taixing

text: La population du district était de en 1999.


title: Kamenica (Kraljevo)

text: Kamenica (en serbe cyrillique : ) est un village de Serbie situé sur le territoire de la Ville de Kraljevo, district de Raška. Au recensement de 2011, il comptait 152 habitants.


title: Victor Meirelles de Lima

text: Victor Meirelles de Lima (Nossa Senhora do Desterro, 1832 - Rio de Janeiro, 1903) est un peintre et professeur brésilien.


title: Victor Meirelles de Lima

text: Victor Meirelles de Lima est d'origine modeste. Son talent est vite reconnu, et il est admis comme étudiant à l'Académie impériale des Beaux-Arts du Brésil. Il s'est spécialisé dans le genre de la peinture d'histoire, et après avoir remporté le prix de l'Académie pour un voyage à l'étranger, il passe plusieurs années en Europe. Il y peint son œuvre la plus connue, ". À son retour au Brésil, il devient l'un des peintres préférés de l'empereur , s'inscrivant dans le programme de mécénat du monarque et s'alignant sur sa proposition de renouveler l'image du Brésil par la création de symboles visuels de son histoire.


title: Victor Meirelles de Lima

text: Il devient un professeur estimé à l'Académie, formant une génération de grands peintres, et poursuit son travail personnel en réalisant d'autres tableaux historiques importants, tels que la ', ' et ", ainsi que des portraits et des paysages, où se détachent le "Portrait de Dom Pedro II" et ses trois Panoramas. À son apogée, il est considéré comme l'un des principaux artistes du , recevant souvent de grands éloges pour la perfection de sa technique, la noblesse de son inspiration et la qualité globale de ses compositions monumentales, ainsi que pour son caractère irréprochable et son dévouement infatigable à son métier. Il a gagné de nombreux admirateurs au Brésil et à l'étranger, a reçu des décorations impériales et a été le premier peintre brésilien à être admis au Salon de Paris, mais il a également été la cible de critiques acerbes, suscitant de vives controverses à une époque où augmentait le conflit entre les académistes et les premiers modernistes. Avec l'avènement de la République, pour avoir été trop étroitement lié à l'Empire, il tombe dans l'ostracisme, et finit sa vie dans des conditions financières précaires, déjà bien oublié.


title: Victor Meirelles de Lima

text: L'œuvre de Victor Meirelles appartient à la tradition académique brésilienne, formée par une synthèse éclectique de références néoclassiques, romantiques et réalistes, mais le peintre a également absorbé des influences baroques et nazaréennes. Après une période de relative obscurité, la critique récente l'a rétabli comme l'un des précurseurs de la peinture brésilienne moderne et l'un des principaux peintres du , étant l'auteur de certaines des plus célèbres reconstitutions visuelles de l'histoire du Brésil, qui restent vivantes dans la culture nationale et sont sans cesse reproduites dans les manuels scolaires et sur divers autres supports.


title: Victor Meirelles de Lima

text: Ses premières années sont obscures et les rares sources fournissent des informations contradictoires. Victor Meirelles de Lima est le fils des immigrants portugais Antônio Meirelles de Lima et Maria da Conceição dos Prazeres, des commerçants qui vivent avec des ressources économiques limitées dans la ville de Nossa Senhora do Desterro (aujourd'hui Florianópolis). Il avait un frère, Virgílio. On rapporte qu'à l'âge de cinq ans, il a commencé à recevoir une éducation en latin, en portugais et en arithmétique, mais le jeune Victor passe son temps libre à dessiner des poupées et des paysages de son île de Santa Catarina et à copier des images étrangères qu'il trouvait dans des gravures et des brochures.


title: Victor Meirelles de Lima

text: En 1843, alors qu'il a entre 10 et 11 ans, il commence à recevoir l'enseignement du père Joaquim Gomes d'Oliveira e Paiva, qui lui enseigne le français et la philosophie et approfondit sa connaissance du latin. Son talent précoce est remarqué et encouragé par sa famille et les autorités locales, et en 1845, il commence à suivre des cours réguliers avec un professeur de , l'ingénieur argentin Mariano Moreno, qui était docteur en droit et en théologie, ainsi que journaliste, homme politique et ancien secrétaire du premier Conseil de gouvernement des Provinces-Unies du Río de la Plata, jouant, selon Teresinha Franz, . En même temps, il termine probablement ses études générales au Collège des Jésuites, qui dispense des cours de latin, de français, de philosophie, d'histoire élémentaire, de géographie, de rhétorique et de géométrie, et il est possible qu'il soit entré en contact avec des artistes itinérants qui documentaient la nature et les populations locales.


title: Victor Meirelles de Lima

text: Certains de ses dessins sont vus et appréciés par Jerônimo Coelho, conseiller de l'Empire, qui les montre au directeur de l'Académie impériale des Beaux-Arts du Brésil de l'époque, Félix-Émile Taunay. Le directeur accepte immédiatement le jeune homme, alors âgé de quatorze ans, comme élève de l'institution. Transféré à Rio de Janeiro en 1847, il commence à suivre le cours de dessin, ses premières dépenses étant financées par un groupe de mécènes. Il est l'élève de , et , qui a lui-même étudié avec le classiciste Jean-Baptiste Debret. Dès l'année suivante, il remporte une médaille d'or. Les premières de ses œuvres connues datent de cette époque. En 1849, il étudie à l'Académie, en particulier la peinture historique, genre dans lequel il obtient ses plus grands succès. On dit de Meirelles qu'il était un élève brillant, excellant dans toutes les matières. En 1852, il remporte le prix d'un voyage en Europe avec le tableau " (Saint Jean-Baptiste en prison).


title: Victor Meirelles de Lima

text: À l'âge de 21 ans, Victor Meirelles débarque au Havre, en France, en . Il passe brièvement par Paris, puis s'installe à Rome, sa destination initiale. Il y rencontre deux autres élèves de l'Académie qui s'y perfectionnent, et Juan León Pallière, qui lui font découvrir le milieu artistique de la ville et le conseillent sur les maîtres à rechercher. Il entre d'abord dans la classe de Tommaso Minardi, qui, malgré sa renommée, suit une méthode trop austère, où les élèves restent excessivement subordonnés aux préceptes, sans possibilité de développer leurs propres idées. Il quitte donc la classe et s'inscrit à l'atelier de Nicola Consoni, membre de l'Académie Saint-Luc. Consoni est également rigoureux, mais Meirelles fait bon usage des séances de modèle vivant, essentielles pour le raffinement du dessin anatomique de la figure humaine, un élément essentiel dans le genre de la peinture d'histoire, le plus prestigieux du système académique. Parallèlement, il pratique l'aquarelle et entre en contact avec la vaste collection d'art ancien de la capitale italienne. Dans un deuxième temps, il s'installe à Florence, où il apprend à connaître les musées locaux et est fortement impressionné par l'art de Véronèse. Pour étudier, il copie les œuvres du maître, ainsi que celles d'autres personnalités remarquables, comme le Titien, le Tintoret et Lorenzo Lotto. Comme l'exige l'Académie, il envoie régulièrement ses œuvres et ses copies au Brésil comme preuve de ses progrès. Ses performances étaient si bonnes que le gouvernement brésilien a décidé de renouveler en 1856 sa bourse pour trois années supplémentaires, en plus d'indiquer à l'artiste une liste de nouvelles études spécifiques qu'il devrait remplir.


title: Victor Meirelles de Lima

text: Ainsi, en 1856, il se rend à Milan et peu après à Paris. Il tente, sur la recommandation de Manuel de Araújo Porto-Alegre, alors directeur de l'Académie et son principal mentor, d'être admis comme élève de Paul Delaroche, mais le maître meurt subitement. Il cherche alors d'autres conseils, qu'il trouve auprès de Léon Cogniet, peintre romantique, membre de l'École des Beaux-Arts de Paris et référence pour les étrangers qui vont étudier en Europe. Il étudie ensuite avec Andrea Gastaldi, qui a presque le même âge que Meirelles, mais a une vision plus avancée de l'art et lui donne un enseignement important sur les couleurs. Sa routine, selon les rapports, est presque monastique, se consacrant entièrement à l'art, et ses études sont considérées comme si bonnes que sa bourse est de nouveau prolongée, pour deux années supplémentaires. À cette époque, sa production est nombreuse, avec notamment " (Première messe au Brésil), exécutée entre 1858 et 1861, qui est acceptée au prestigieux Salon de Paris de 1861 et lui vaut les félicitations du jury .


title: Victor Meirelles de Lima

text: La même année, sa bourse d'études prend fin et Meirelles doit revenir, déjà célébré comme un grand artiste. Il expose la "Première Messe" et, parmi de nombreux honneurs, est fait chevalier de l'Ordre impérial de la Rose par l'empereur Pierre II. Peu après, il se rend à Santa Catarina pour rendre visite à sa mère, son père étant décédé pendant son séjour en Europe. Il y reste quelque temps et retourne à Rio, où il est nommé professeur honoraire de l'Académie, promu peu après professeur intérimaire, puis titulaire de la chaire de peinture d'histoire. Les témoignages d'étudiants déclarent leur respect pour l'artiste, attestant de son caractère irréprochable et de son grand dévouement à l'enseignement, étant considéré comme un professeur attentif et patient, réellement intéressé par les progrès de ses disciples. Tandis que sa renommée s'est consolidée, de cette période date ', l'une des œuvres les plus connues de l'indianisme brésilien, mais qui, lors de sa première exposition, n'a pas suscité d'intérêt. Néanmoins, il reçoit des commandes de la famille impériale, peignant le ' (Mariage de la princesse Isabel) et un portrait de l'empereur en 1864, ainsi que des portraits de membres de la noblesse et d'hommes politiques. En 1864, il est décoré de l'Ordre du Christ. Il se fait également connaître pour son dévouement aux causes nationales, ce qui lui vaut d'être engagé en 1868 par le gouvernement pour réaliser des peintures sur la guerre du Paraguay, qui bat son plein, dans un contrat qui l'honore et lui offre une bonne rémunération. Meirelles se rend immédiatement dans la région du conflit pour recueillir des impressions sur le paysage et l'environnement militaire. Il installe un studio à bord du navire ', le capitaine de la flotte brésilienne, et y passe des mois à élaborer des croquis pour ses œuvres. De retour à Rio, il occupe un espace dans le , qu'il transforme en atelier, et se lance dans son travail, s'isolant du monde. Cet effort a abouti à deux de ses œuvres les plus importantes, toutes deux de grandes dimensions : le ' et le ". Alors qu'il se consacre à ces travaux, il reçoit la visite de la famille impériale, avec laquelle il est resté en contact, ce qui donne lieu à de nouvelles peintures et à la soumission du "Combat naval" pour représenter le Brésil dans une foire internationale organisée aux États-Unis. À son retour de l'exposition, l'œuvre a été endommagée. En 1871, il peint le " (Serment de la Princesse Régente), l'année suivante il est fait commendataire de l'Ordre de la Rose, et en 1875, il commence les esquisses d'une autre grande œuvre historique, la "Batalha dos Guararapes", acceptant un projet qui avait été refusé par Pedro Américo, qui préférait travailler sur la "Batalha do Avaí". Comme il l'avait fait auparavant, il se rend dans la région où se déroule le conflit pour concevoir la composition avec plus de vérité. Les deux batailles sont exposées au Salon de 1879, les deux artistes recevant le Grand Prix et le titre de dignitaires de l'Ordre de la Rose, mais elles déclenchent la plus grande controverse esthétique à ce jour au Brésil. Si certains reconnaissent leurs capacités superlatives, les saluant comme des génies et des héros, d'autres les accusent de plagiat et de passéisme. C'est ainsi que deux partis se forment, l'un soutenant Meirelles et l'autre Américo, dans la dispute pour savoir laquelle des deux batailles est la plus parfaite. Le public profane s'engage également et la discussion occupe les journaux et les magazines pendant des mois, mais malgré les nombreux applaudissements, les critiques également nombreuses lui pèsent énormément, le jetant dans un état de mélancolie qui, entre hauts et bas, l'accompagne apparemment jusqu'à la fin de sa vie.


title: Victor Meirelles de Lima

text: En 1883, il est de retour en Europe, où il réalise une nouvelle version du perdu ', et en Belgique, il commence, en 1885, l'exécution du ', une vue prise depuis la colline Santo Antônio. Pour ce faire, il bénéficie de l'aide du Belge Henri Langerock, avec qui il fonde une société de panoramas, un genre qui se popularise alors rapidement dans diverses techniques et qui peut représenter un bon profit pour les artistes en faisant payer des droits d'entrée. En 1887, le tableau est exposé à Bruxelles, à l'aide d'un cylindre rotatif qui permet aux spectateurs de contempler les vues à . L'œuvre est inaugurée en présence de la famille royale belge et d'un grand nombre de nobles et d'autorités, et est visitée par environ , avec un grand retentissement dans la presse. À cette époque, son partenariat avec Langerock est rompu et ce dernier le poursuit pour de prétendues pertes financières, mais l'affaire est tranchée en faveur de Meirelles. En 1889, le panorama est exposé à l'Exposition universelle de Paris, où il reçoit une médaille d'or et d'autres éloges de la presse et du public, mais en raison d'un défaut dans la programmation de l'événement et de la concurrence de nombreuses autres attractions, notamment des panoramas d'autres artistes, sa fréquentation reste négligeable.


title: Victor Meirelles de Lima

text: En 1889, avec la proclamation de la république au Brésil, les artistes officiels de la monarchie sont persécutés politiquement et, en 1890, Victor Meirelles est prématurément renvoyé de l'Académie impériale, devenue l'École nationale des Beaux-Arts. À seulement 57 ans, on le dit trop vieux. Pendant un an, il a un poste de professeur au , mais à partir de 1891, à nouveau au chômage, il installe son Panorama de Rio dans une rotonde spécialement construite pour lui près du Palais impérial de Rio de Janeiro, où il fait payer par visiteur. Selon les rapports de l'époque, au cours de sa première année d'exposition, l'œuvre a été visitée par quelque , mais il s'agit peut-être d'une exagération de la publicité. Un peu plus tard, il offre l'accès aux écoliers ainsi que du matériel didactique détaillé complémentaire à l'œuvre, soucieux de la bonne éducation de la population. En 1893, le gouvernement envoie une représentation à l'Exposition universelle de Chicago, où la "Première Messe" et le "Panorama de Rio" sont exposés avec un grand succès. La même année, il fonde une école de peinture avec Décio Villares et , mais les cours ferment après quelques mois


title: Victor Meirelles de Lima

text: Sa deuxième composition panoramique apparaît en 1896, un vaste paysage de de large sur de haut, représentant l'entrée de la flotte légale dans la baie de Guanabara, un épisode de la révolte de l'Armada de 1894, qu'il a réalisé pratiquement sans aucune aide, dans un effort monumental, et presque sans aide aussi pour les tâches administratives de l'exposition, les contacts, la recherche de sponsors. Sans emploi stable, Meirelles vit essentiellement des revenus des visites des panoramas ; lorsque le gouvernement exige, en 1898, qu'il démantèle la rotonde, il connaît de graves difficultés financières et survit grâce à l'aide d'amis. En 1900, son " (Panorama de la découverte du Brésil), encore incomplet, est exposé dans le cadre de l'exposition du IV Centenaire de la Découverte, comme dernière tentative de relance de sa carrière, ainsi que le mentionne Mário Coelho. L'exposition est inaugurée en présence du président Manuel de Campos Sales, qui qualifie l'œuvre d'extraordinaire, mais Meirelles n'est plus considéré comme un artiste majeur. Il installe un autre pavillon d'exposition dans une ferme de l'ancien séminaire de São José, à l'arrière du couvent du Carmel, mais les panoramas ne sont plus d'actualité et attirent de moins en moins de monde. Il nourrit encore l'idée de les exposer à nouveau en Europe, cherchant à intéresser le gouvernement, mais le projet n'aboutit pas. L'artiste finit par faire don de ces grands tableaux au Musée national, ainsi que de nombreux dessins et études, mais ils sont gâchés et perdus des années plus tard en raison de la négligence de l'institution.


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text: Désenchanté, pauvre et abandonné, au matin d'un dimanche de carnaval, le , Victor Meirelles s'éteint à l'âge de dans la petite maison où il vivait. L'artiste était marié à Rosália Fraga, qui avait déjà un fils d'une précédente union, qu'il a adopté, mais il n'a laissé aucune descendance directe et on ne sait rien de sa vie privée. Sa veuve a fait don de ses biens à l'École nationale des beaux-arts, qui a organisé une exposition posthume en son honneur. Sa veuve est morte peu après, la même année.


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text: Selon son biographe Carlos Rubens, peu avant sa mort, Meirelles aurait dit à un ami et ancien disciple que s'il avait une seconde chance, il ferait prendre d'autres chemins à sa vie, ce à quoi l'ami aurait répondu : Comme l'histoire le montre, sa renommée actuelle repose principalement sur cette grande composition.


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text: Victor Meirelles s'est épanoui à un moment critique de l'histoire nationale. Indépendant depuis quelques années, le pays a cherché à consolider sa position parmi les grandes nations grâce à un programme de modernisation, où la motivation nationaliste était évidente et où le soutien aux arts était indispensable en tant que témoignage et propagande des progrès réalisés en tant que civilisation cultivée et en tant que puissance militaire régionale. Mais à l'époque, un imaginaire symbolique capable d'agréger les forces du peuple et des élites autour d'un sentiment d'identité nationale ne s'était pas encore formé. Dans cette construction, savamment orchestrée par le gouvernement, la performance de peintres comme Victor Meirelles a été fondamentale.


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text: L'Académie impériale, où Meirelles a été éduqué, était l'un des bras exécutifs de ce programme civilisateur, qui cherchait également à s'éloigner du souvenir de l'époque coloniale sous le joug portugais par l'affiliation à d'autres modèles de culture, tels que la France et l'Italie, vers lesquels les pensionnaires se dirigeaient pour se perfectionner. En même temps que, sur le plan culturel, la dépendance à l'égard de l'inspiration étrangère restait inéluctable, des éléments typiquement brésiliens, comme l'indien, étaient réintégrés, loués et mélangés à des références européennes comme faisant partie des racines locales nécessaires à la légitimation de la culture nationale, dans une synthèse non dénuée de contradictions, Teresinha Franz explique :


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text: Symptomatiques de l'intentionnalité et, dans une certaine mesure, de l'artificialité de ce nationalisme inventé par les élites, les circonstances de l'élaboration du premier chef-d'œuvre de Victor Meirelles, la "Première Messe au Brésil". Pendant sa création, Meirelles est resté en contact par correspondance avec le directeur de l'Académie de l'époque, Manuel de Araújo Porto-Alegre, qui servait de porte-parole de l'idéologie officielle et orientait le travail du peintre sous divers aspects, ce qui s'est d'ailleurs produit pendant toute sa période d'étudiant. Et c'est à la bibliothèque Sainte-Geneviève, à Paris, qu'il a trouvé du matériel d'étude sur l'« Indien brésilien », et non au Brésil, où les Indiens avaient depuis longtemps été chassés vers des régions éloignées, décimés ou acculturés. Il y étudie la documentation et les dossiers ethnographiques sur les indigènes laissés par les naturalistes, et c'est là aussi qu'il découvre la Lettre de Pero Vaz de Caminha, considérée comme « l'acte de naissance du Brésil » et qui inspirera le fond de sa création.


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text: Victor Meirelles a développé un style éclectique, et il a été difficile pour les critiques récents de s'accorder sur sa caractérisation exacte. Au cours de ses études, il a pris connaissance de toute la grande tradition de la peinture occidentale, absorbant les références de la Renaissance italienne, parmi lesquelles Raphaël et le Cavalier d'Arpin ; du baroque du Titien et du Tintoret ; des néoclassiques et des romantiques tels que Léon Cogniet, Horace Vernet, Paul Delaroche, Eugène Delacroix. De toutes ces écoles, Meirelles a recueilli des subsides pour la formation de son style personnel. Une influence particulièrement significative dans le sens idéaliste, dans sa période de formation, a été le contact avec la production du mouvement nazaréen, à travers Johann Friedrich Overbeck et ses professeurs Tommaso Minardi et . Les nazaréens prônaient une attitude de pureté qui s'exprimait par une vie exemplaire et une peinture axée sur des thèmes nobles, où la religion avait un rôle central. Meirelles n'est pas devenu célèbre pour ses œuvres religieuses, qui sont peu nombreuses, conservatrices et d'importance secondaire, et même s'il était personnellement un fervent catholique, il était artistiquement engagé dans la proposition d'une société laïque et progressiste, où l'art avait un rôle civique et pédagogique important à remplir, mais les idéaux de pureté, de vie sans tache et de travail dur et honnête du groupe ont marqué la personnalité et l'œuvre du peintre brésilien. Son classicisme se manifeste dans l'harmonie générale des compositions, dans leur caractère placide, dans leur interprétation de la nature chargée de poésie, et même lorsqu'il s'agit de batailles, l'impression de mouvement et de violence, à laquelle on pourrait s'attendre pour un tel sujet, est laissée en arrière-plan, et ce qui ressort, c'est l'organisation équilibrée de l'ensemble, comme l'auteur lui-même l'a reconnu, annulant en grande partie l'effet dramatique. Il est significatif que l'artiste ait utilisé très peu de ses nombreuses esquisses représentant les aspects les plus violents et les plus désolés des batailles lorsqu'il a élaboré les œuvres définitives, mais une pièce comme le ' (Col d'Humaitá) pouvait difficilement s'inscrire dans le profil classique, avec une dramaturgie relevée par plusieurs auteurs, comme Carlos Rubens, qui la considérait comme une véritable vision de l'enfer. Même le ', très éloigné de l'autre dans l'aspect dramatique, a été qualifié d'« allégorie fantasmagorique » par Mário César Coelho.


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text: À son époque, le Brésil sortait à peine de la tradition baroque, encore vivante en plusieurs endroits, mais qui, depuis le début du , sous l'influence de l'avant-garde néoclassique parrainée par la cour portugaise et la Mission artistique française, était déjà considérée comme dépassée par l'élite. Même s'il attache une grande importance aux principes classiques, la façon dont il organise ses compositions, avec des groupes formant des opposés dynamiques, et le traitement fondamentalement pictural et non graphique de la peinture, son goût pour les effets de lumière, le sfumato et l'« atmosphère », le rapprochent des productions baroque et romantique. Les œuvres qu'il copiait dans sa phase d'étude provenaient essentiellement des maîtres issus de ces écoles. Cette dialectique était très ancienne ; elle était présente au sein des académies européennes depuis le , lorsque la querelle des poussinistes et des rubénistes est apparue, défendant la suprématie, respectivement, de la couleur sur le dessin, et du dessin sur la couleur. À la base de cette dispute, il y a la primauté de la raison, de l'orthodoxie et de la pureté de l'esprit, symbolisée par le dessin, ou celle de l'émotion, de l'intuition irrationnelle et du sensualisme, symbolisée par la couleur, qui entraîne d'importantes associations morales dans le contexte de l'époque. Cette controverse n'a en réalité jamais été réglée. Pour des spécialistes comme Mario Barata et , sa production s'inscrit plus correctement dans le cadre du romantisme éclectique typique de la seconde moitié du , avec ses associations patriotiques et idéalistes et un certain sentimentalisme, tendance qui prédomine dans la période de l'empereur Pierre II, et qui coïncide avec l'apogée de l'académisme national. Mais , parlant de Meirelles et Pedro Américo, fait l'observation suivante :


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text: En tout cas, le système académique maintenait la référence classique comme centrale dans son corpus idéologique et dans sa méthodologie d'enseignement, et représentait une tentative remarquablement réussie de formuler une théorie dans laquelle l'art était une incarnation des principes idéaux du Beau, de la Vérité et du Bien, destinée à être un puissant instrument d'éducation publique et de réforme sociale. Ce n'est pas un hasard si le programme académique a été systématiquement soutenu et dirigé de manière décisive par tous les États dans lesquels il a prospéré, comme ce fut le cas au Brésil.


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text: L'académisme brésilien n'a pas hésité à absorber également des éléments de réalisme, dans son amour du détail précis. Les œuvres de Meirelles, surtout dans sa phase finale, révèlent à cet égard une forte influence de ce courant. C'est dans cette phase qu'il compose ses panoramas, les œuvres les plus importantes de l'époque, et celles qui le rapprochent le plus de l'univers moderne, tant dans le genre que dans les techniques de création et d'exposition, et dans ses objectifs commerciaux, publicitaires et éducatifs.


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text: Première des grandes compositions de Victor Meirelles, la "" (Première messe au Brésil) reste l'œuvre la plus célèbre et la plus importante de toute sa production. Peint à Paris entre 1858 et 1861, pendant sa deuxième saison d'études comme boursier à l'Académie impériale, il mesure sans le cadre. L'œuvre lui vaut d'être reconnu au prestigieux Salon de Paris de 1861 et d'être consacré dans sa patrie, étant décoré chevalier de l'Ordre impérial de la Rose par l'empereur . En 1876, le tableau a été emmené à l'Exposition universelle de Philadelphie, aux États-Unis. En raison de problèmes lors du voyage de retour, la toile a dû être restaurée dès 1878, car elle avait été détériorée par l'entrée d'eau dans les cales du navire où elle avait été déposée. En 1921, à l'occasion de l'exposition commémorant le centenaire de l'Indépendance, il était en si mauvais état qu'il a fallu le restaurer. D'autres restaurations ont eu lieu en 1969 et 2000.


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text: L'œuvre est le résultat direct du programme nationaliste, éducatif et civilisateur de , qui, entre autres objectifs, visait à travers les arts plastiques à reconstruire visuellement des moments marquants de l'histoire du Brésil, servant à la cristallisation d'une identité nationale et comme carte de visite pour affirmer le Brésil parmi les nations progressistes du monde. Il a reçu des conseils constants pour son travail de la part d'Araújo Porto-Alegre, directeur de l'Académie impériale, ainsi que de Ferdinand Denis, directeur de la bibliothèque Sainte-Geneviève à Paris, où il a fait des recherches sur l'iconographie se rapportant aux indigènes, et s'est probablement inspiré, pour la scène centrale, de la "Première messe en Kabylie" (1853) du peintre français Horace Vernet, et d’"Une messe sous la Terreur" (1847) de François Marius Granet. Le tableau illustre un événement qui aurait eu lieu le , lorsque Pedro Álvares Cabral a fait dire une messe pour marquer symboliquement la prise de possession de la par la Couronne portugaise et l'implantation de la foi catholique.


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text: La composition s'organise autour de l'autel, dominé par une grande croix en bois brut, où le frère élève le calice pour la consécration. Autour de lui, les Portugais s'agenouillent avec révérence, tandis qu'un peu plus loin une foule d'Indiens observe la scène avec intérêt. Le peintre se réfère fortement à la description de la Lettre de Pero Vaz de Caminha, reproduisant même la figure d'un Indien plus âgé, qui s'adressant aux autres membres de sa tribu . , qui était un critique féroce de certains aspects de l'œuvre de Meirelles, qu'il considérait comme désuets ou inappropriés aux thèmes qu'il représentait, a fait référence à ce travail de manière positive : Et il a fait une observation qui sera reprise plus tard par d'autres critiques, notant qu'il a réussi à dépeindre la scène d'une manière qui s'est imposée comme l'image définitive et véritable de l'événement : .


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text: Pour Coli (1998) et Paiva (2004), la composition dépeint idéalement une « vérité désirée », selon le programme impérial, montrant une rencontre pacifique de deux cultures différentes, une « vérité » que l'Histoire se chargerait de contredire, compte tenu du massacre auquel les Indiens du Brésil ont été soumis par les colonisateurs dans les siècles qui ont suivi la conquête, un fait que l'Empire et les romantiques indianistes de l'époque ont ignoré dans leur tentative de sauvetage artistique et littéraire de leur dignité, cherchant à les dépeindre comme le « bon sauvage » de la tradition des Lumières et comme l'un des éléments formateurs de la nation . Pour Roberta Prestes,


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text: L'œuvre a été saluée à plusieurs reprises par les critiques comme l'une des images les plus représentatives de la peinture brésilienne de tous les temps, un chef-d'œuvre dans le genre de la peinture d'histoire, la plus importante dans la hiérarchie des genres de l'ancien académisme, et comme l'un des symboles nationalistes les plus connus du pays, étant reproduit dans tous les manuels d'histoire utilisés au Brésil, sur des timbres, des billets de banque, des livres d'art, des catalogues et des magazines. Selon l'historien Donato Mello Júnior, qui écrivait en 1962, , et selon la chercheuse Maria de Fátima Couto, dans un article de 2008,


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text: Selon Eliane Pinheiro, Teresinha Franz va dans le même sens en disant que .


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text: Une extension de la proposition de la ' se retrouve dans ', une toile peinte en 1866, où le thème indianiste revient sur la scène de manière encore plus concentrée. Moema est un personnage semi-légendaire, intégrant les récits autour de Diogo Álvares Correia, le . Les premiers récits ne mentionnent pas Moema, mais seulement un groupe de femmes indiennes qui, par amour pour Caramuru, se sont jetées à la mer lors de son départ. Elle apparaît individuellement pour la première fois dans ", du frère , écrit en 1781. Elle a ensuite été reprise par d'autres littérateurs comme un motif fréquent, s'élevant à la position de symbole des vertus morales des indigènes et en particulier de leurs femmes héroïques, étant également attrayante pour ce qui était pittoresque et exotique, gagnant de l'importance surtout après 1826. Meirelles a développé l'intrigue de Durão et montre Moema mort, amené sur la plage par la marée, une scène qui n'apparaît pas dans le poème.


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text: Jusqu'alors, Moema était une figure littéraire, et Meirelles a été le premier à lui donner une dimension visuelle. Il l'a représentée nue, avec seulement un pagne à plumes couvrant son pubis, dans la tradition des nus classiques du genre héroïque, ce qui dans son cas, selon les intentions de l'auteur, soulignait son martyre par amour, son héroïsme et sa spiritualité, bien plus que la suggestion de sensualité que sa nudité pouvait éveiller. Son corps est d'une beauté statuaire idéalisée, qui contraste avec le paysage marin en arrière-plan, dont les qualités poétiques et évocatrices sont plus typiques du romantisme. L'épisode lui-même avait un fort attrait pour les romantiques brésiliens. L'œuvre ne semble pas avoir été le fruit d'une commande, et lors de sa première exposition, toujours en 1866, bien que le thème soit très populaire, le tableau n'a pas eu d'acheteur et n'a attiré l'attention que des spécialistes, sans répercussion dans la presse. Le , par exemple, a déclaré que . Gomes dos Santos a été encore plus véhément et il en a fait un grand éloge :


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text: Elle est à nouveau exposée à la fin de la même année, en 1866, et reçoit quelques bons commentaires dans la presse, mais aussi des accusations de plagiat de la toile "La Mort de Virginie", d'Eugène Isabey, accusation bientôt réfutée par et Meirelles lui-même. Il n'a commencé à susciter un plus grand intérêt que dans les années 1880, lorsque a consacré une bonne partie de son livre " à son auteur et à ses critiques. Jusqu'à ce qu'elle arrive dans la collection du Musée d'art de São Paulo vers 1949, où elle se trouve aujourd'hui, elle a subi un pèlerinage cahoteux et a même été considérée comme perdue.


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text: Malgré la répercussion limitée qu'a eue l'œuvre en son temps, des critiques plus récentes la considèrent comme l'un des exemples les plus importants de l'indianisme romantique dans les arts visuels et comme un point culminant de la carrière de Meirelles. Et comme ' et d'autres de ses œuvres, ' est entrée dans la catégorie des icônes nationales, a fait l'objet de plusieurs relectures et a été reproduit dans une multitude de publications et de manuels scolaires. Les rapports entre la représentation du corps et du paysage et la possible lecture érotisée de l'œuvre ont également été mis en lumière. Pour Stéphanie Bartista, " est incluse dans une importante série de nus savants qui , inaugurant une lignée fertile de représentation du nu au Brésil alors que ce thème n'était pas encore cultivé dans le pays :


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text: L'image de la "" (bataille des Guararapes) illustre un événement historique qui s'est produit le , lorsque la première lutte contre l' des terres du Brésil colonial a eu lieu. Peinte à Rio de Janeiro en 1870, la toile a une dimension de . Comme la "Première messe", la "Bataille" synthétise visuellement un autre des mythes fondateurs du Brésil, étant un symbole de l'union des Blancs, des Noirs et des Indiens qui ont combattu dans les forces portugaises contre l'oppression étrangère. Contrairement à l'autre, où le temps semble suspendu et où la concorde règne, la bataille est une scène de conflit et de mouvement. La scène demeure néanmoins classique par son sens de l'équilibre des masses, le traitement linéaire des figures, la solidité de sa technique, l'exactitude de ses représentations anatomiques et son atmosphère générale d'harmonie formelle, malgré le thème dramatique. L'axe principal de la composition est structuré par ses deux principaux protagonistes, , commandant des forces portugaises, sur un cheval cabré, et le colonel néerlandais Peter Keewer, déjà tombé au sol, défendu par un groupe de soldats. Trois autres personnages soutiennent l'ensemble : , avec le bouclier sur le bras gauche, dont la silhouette sombre à l'extrême gauche se distingue clairement sur le fond fumé ; , qui arrive à cheval juste derrière André Vidal, brandissant une épée, et , sergent-major de l'infanterie, fortement éclairé à l'arrière-plan, courant à vive allure avec son épée abaissée. Au premier plan, dans des tons plus sombres qui soulignent la clarté de la scène principale, sont regroupés des Néerlandais vaincus et des ressortissants debout. Le nombre relativement restreint de personnages représentés n'annule pas l'impression de foule, grâce à l'utilisation habile des zones de fumée, qui brouillent les frontières entre les personnages et le paysage de fond. La palette chromatique est très riche et les tons sont bien intégrés les uns aux autres.


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text: La toile a été exposée aux côtés de la " de Pedro Américo, suscitant rapidement une intense controverse quant à savoir laquelle des compositions était la plus parfaite. L'œuvre de Meirelles a reçu de nombreux éloges, mais les critiques plus alignés sur les principes du proto-modernisme l'ont jugée trop statique et harmonieuse pour une scène qu'ils attendaient plus dramatique et donc infidèle à la réalité. Gonzaga Duque a critiqué sa méthode : . Cependant, Meirelles s'est défendu, précisant les principes esthétiques et éthiques qui l'ont guidé :


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text: Dans l'appréciation de Jorge Coli, Le drame dans sa peinture est obtenu indirectement par la rencontre d'éléments ponctuels indicatifs de tension et de violence, comme le bras levé brandissant l'épée sur le point de s'abattre sur l'ennemi, l'expression anxieuse du soldat aux yeux exorbités, la contorsion du corps du commandant néerlandais tombé au sol, éléments qui agissent comme des mots individuels dans un discours savant long et élaboré sur la forme et son symbolisme. Ce système, organisé depuis l'antiquité, a été systématisé de manière cohérente en un langage visuel depuis la fondation des premières Académies, et en particulier dans l'Académie royale de peinture et de sculpture de Paris, fondée sous Louis XIV.


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text: Le ' représente la bataille de Riachuelo, l'un des épisodes les plus notables et les plus décisifs de la guerre de la Triple-Alliance, entre la coalition argentine-uruguayenne-brésilienne et les forces paraguayennes, qui a eu lieu le matin du , dans la crique de Riachuelo, un affluent du Río Paraguay. L'œuvre a été commandée en 1868, en même temps que le ' (Col d'Humaitá), par le ministre de la Marine , alors que la guerre était encore en cours. Le , le peintre s'est rendu sur le site du conflit pour faire des études préparatoires. Il n'a pas eu accès à la scène principale de la bataille, mais a recueilli des impressions sur l'environnement, les soldats et l'équipement militaire. Dans une lettre, il écrit : . Il y reste deux mois, puis, avec le matériel qu'il a produit, s'installe dans une chambre du couvent de Santo Antônio à Rio de Janeiro pour peindre l'œuvre définitive.


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text: La marine impériale brésilienne était commandée par , à la tête de la frégate ' et des navires à vapeur ', ', ', ', ', ', ' et '. La flotte paraguayenne, sous le commandement de , compte également neuf navires, mais tous sont des navires marchands improvisés en navires de guerre. Dans une manœuvre audacieuse, Barroso da Silva utilise la frégate ' comme bélier contre la ligne de navires ennemis, endommageant quatre d'entre eux et provoquant la panique parmi les Paraguayens, qui se dispersent. Le tableau montre ce moment précis, la frégate dominant la composition, avec Barroso da Silva à sa proue en position de triomphe. Autour de lui se trouve l'escadron paraguayen dispersé, et au premier plan un de ses navires est en train de couler, avec plusieurs combattants à son bord, certains désespérés, tandis que d'autres tentent encore une défense, le tout au milieu d'un scénario pris par la fumée de l'artillerie et les cheminées des navires, peints dans des couleurs chaudes. Dans la description de Graziely Silva,


title: Victor Meirelles de Lima

text: La toile a été présentée pour la première fois à la générale de l'Académie impériale, qui a débuté le , aux côtés de " de Pedro Américo. Une fois de plus, une polémique s'est instaurée entre les critiques et le public sur les mérites des deux compositions. Moreira de Azevedo, par exemple, a déclaré que . En 1876, il a été expédié avec la "Première Messe" et le "Passage d'Humaitá" à l'Exposition universelle de Philadelphie, et à son retour il a été endommagé, étant irrémédiablement perdu. Une copie, mesurant , a été fournie par l'auteur entre 1882 et 1883, lorsqu'il était à Paris, et fait partie de la collection du Musée historique national depuis 1926. Le peintre a justifié la copie en disant : Cette deuxième version, que certains critiques de l'époque disaient meilleure que l'originale, fut exposée au Salon de Paris de 1883, recevant de nombreuses appréciations positives, et l'auteur fut honoré d'un banquet. Carlos Rubens a recueilli quelques commentaires de la presse française :


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text: De retour au Brésil, elle est exposée au Largo de São Francisco en 1884, puis à une autre Exposition générale de l'Académie impériale, relançant la controverse. Gonzaga Duque, le porte-parole des modernistes, critique l'œuvre dans le même sens qu'il avait parlé de la ", lui reconnaissant quelques mérites mais la condamnant comme irréelle :


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text: Malgré les critiques des modernistes, cette pièce est également entrée dans la liste des images emblématiques de l'identité brésilienne, étant constamment présente dans les manuels scolaires et de nombreuses autres publications. Élaborée selon les dictats du même programme idéologique de l'Empire qui a donné lieu à la création d'autres grandes compositions de Meirelles, celle-ci en particulier servait le désir de l'officialité de présenter le Brésil comme la puissance dominante en Amérique du Sud et comme un libérateur des Paraguayens eux-mêmes des mains du « despote » Francisco Solano López, comme on l'appelait au Brésil, instituant l'intervention militaire comme un acte civilisateur et organisateur. La représentation même des Brésiliens et des Paraguayens dans la scène de bataille va dans ce sens, comme l'a observé Luiz Carlos da Silva : , une destinée à consacrer dans un registre monumental . L'ouvrage était particulièrement important à ce moment de l'histoire car, jusqu'alors, la guerre n'était pas définie, le ministère agissait avec difficulté, les décisions politiques et militaires n'étaient pas en harmonie, et la marine faisait l'objet de nombreuses critiques pour une prétendue inaction, ce qui dérangeait les hauts gradés. Ainsi, toujours selon Silva, , enregistrant avec grandiloquence


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text: Victor Meirelles a réalisé trois œuvres majeures en format panoramique, l'une représentant le paysage de Rio de Janeiro, une autre montrant la découverte du Brésil et une autre l'entrée de la flotte légale dans la baie de Guanabara. Bien qu'il ait été un excellent peintre de paysage dès le début, comme l'a reconnu Gonzaga Duque lui-même, louant sa sensibilité à la nature, il témoigne dans les panoramas de son ouverture à une nouvelle façon de voir et de concevoir le paysage, caractéristique de la modernité, influencée également par la photographie, qui est apparue comme la grande nouveauté de la technologie de l'image et qui, dès le début, a servi d'aide aux peintres pour composer leurs œuvres. Selon Carlos Rubens, . Selon Mário Coelho, les panoramas de Meirelles s'inscrivent dans un genre qui peut être interprété, dans le contexte de l'époque, comme une tentative de sauver l'unité dans un monde qui perdait rapidement son ancienne solidité monolithique, en voulant . Pour Elza Peixoto, ses panoramas voulaient donner au spectateur , en le surprenant par , donnant à l'observateur l'impression illusoire qu'il détient une sorte de maîtrise du monde, placé là sous ses yeux pour sa consommation et son plaisir, un effet semblable à celui obtenu par le théâtre et le cinéma.


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text: Le but principal de ces peintures, selon Makowiecky, était de montrer aux Européens . Comme le raconte Elza Ramos Peixoto, . Il leur attribuait en outre une fonction pédagogique, les exposant avec des dépliants didactiques destinés en particulier aux écoliers, détaillant l'histoire de la création de l'œuvre, les accidents géographiques, les personnages et les bâtiments représentés et leur signification. Le peintre a déclaré : La presse a fait l'éloge de ces œuvres pour le grand effet d'illusion que l'auteur a réussi à imprimer aux scènes, comparant son talent à celui du Grec Apelle, et un commentateur de la "Gazeta de Notícias" a souligné : .


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text: Peu avant sa mort, le peintre avait fait don de ses panoramas au Musée national, dans le Parc de Boa Vista. On ne sait pas exactement ce qu'ils sont devenus, mais le fait est qu'ils ont fini endommagés et perdus. De plus, la manipulation des œuvres, toutes immenses, était extrêmement compliquée ; les plus grands des panoramas avaient utilisé plus de trois tonnes de peinture à eux seuls, et comme ils n'avaient pas de cadre fixe, ils s'abîmaient un peu plus à chaque manipulation. Depuis la donation en 1902, le danger de détérioration des œuvres avait déjà été signalé dans un rapport. Les années ont passé jusqu'à ce qu'en 1910, lors de la rénovation du musée, João José da Silva, restaurateur de l'École des Beaux-Arts, soit désigné pour les localiser et faire une inspection. Il a dit les avoir trouvés déjà proches de la décomposition dans trois grandes boîtes pourries, abandonnées dans un pavillon en ruine, sale et détrempé, et a mentionné qu'il avait été informé qu'avant d'être amenés là, ils avaient été laissés dehors pendant longtemps, dans une cour de ferme. Ils ont ensuite été à nouveau exposés aux intempéries, enroulés, on ne sait par qui, dans trois grands cylindres et laissés dans la cour du musée sans aucune protection ni couverture, où ils sont restés pendant des mois, dans l'attente d'une solution bureaucratique à leur cas, qui n'est jamais venue.


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text: Le sort final des panoramas est nébuleux. Selon Sandra Makowiecky, L'artiste espérait être reconnu par les générations futures grâce à ces grands panoramas, cependant, il n'en reste que quelques études.


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text: Victor Meirelles était l'un des plus brillants diplômés de l'Académie impériale et l'un des premiers maîtres nationaux à être reconnu à l'étranger. À son apogée, il était l'un des artistes les plus respectés de l'Empire du Brésil et l'un des plus estimés par l'administration. Pour les critiques sensibles au programme civilisateur de , la génération de Meirelles, dans laquelle Pedro Américo et lui-même se distinguent comme les plus grands, est la fondatrice de l'école nationale de peinture moderne, et donc considérée comme la véritable avant-garde de l'époque. Il a été le professeur de nombreux peintres qui se sont fait connaître par la suite, parmi lesquels Antônio Parreiras, Belmiro de Almeida, Décio Villares, Eliseu Visconti, Oscar Pereira da Silva, João Zeferino da Costa, Modesto Brocos, Rafael Frederico, Rodolfo Amoedo, et José Ferraz de Almeida Júnior.


title: Victor Meirelles de Lima

text: Sa production la plus importante, reconnue de son vivant, est celle qu'il a laissée dans la peinture d'histoire, le genre académique par excellence, et bien que ses portraits et ses paysages aient également été loués en son temps, ils sont aujourd'hui plutôt oubliés par la critique. Parmi ses peintures d'histoire, l'œuvre capitale est sans aucun doute ", pour laquelle il est devenu le plus connu et célébré jusqu'à aujourd'hui. En 1861, récemment achevé, il a été accepté avec éloges par le jury du Salon de Paris, un exploit sans précédent pour un artiste brésilien. La richesse des détails du tableau, représentant de multiples expressions et situations, ses qualités évocatrices, techniques et esthétiques, ont éternisé la version officielle de la découverte du Brésil comme un acte héroïque et pacifique, célébré dans l'œcuménisme par les colonisateurs et les indigènes. Jorge Coli, reflétant le consensus des critiques, écrit : Ses panoramas, à leur tour, ont été reçus avec beaucoup d'enthousiasme, mais aujourd'hui, alors qu'il ne reste que des esquisses préparatoires, on ne peut que conjecturer sur leur aspect et leur qualité réels.


title: Victor Meirelles de Lima

text: Mais s'il a gagné des admirateurs, il a aussi gagné de nombreux opposants, qui le considéraient comme dépassé et ne voyaient dans les conventions académiques qu'une artificialité et une rhétorique dépourvue de sens pour les temps nouveaux. Si, d'une part, la "Première Messe" lui a valu des honneurs tels que l'Ordre de la Rose, elle a également donné lieu à ses premières critiques, précisément pour ce qu'il considérait comme un et une infidélité à la réalité. L'exposition d'une autre de ses grandes compositions, ', aux côtés de la ' de Pedro Américo, au Salon de 1879, a donné lieu à un débat public sans précédent sur la scène artistique brésilienne. On estime qu'environ ont été publiés sur l'événement, inaugurant une période fertile pour la formation d'un corps de critique national sur l'esthétique et l'idéologie, abordant les questions brûlantes de l'époque telles que le nationalisme, la fonction de la critique et l'opposition entre l'avant-garde et la tradition académique. Cette exposition est également devenue mémorable parce qu'elle a réussi à mobiliser la quasi-totalité de la population de Rio de Janeiro, avec enregistrées sur une période de , démontrant l'énorme intérêt de la population générale pour l'agitation artistique de l'époque et les thèmes nationalistes. À l'époque, Meirelles a tout entendu, passant de génie et maître à farceur et incompétent, marquant le moment où sa brillante carrière a commencé à décliner. L'avancée irrésistible de l'esthétique moderniste se reflétait en lui, et de façon particulièrement poignante en raison de sa grande importance personnelle et de sa position de grand symbole de l'académisme, qui s'opposait à tout ce qu'il représentait. La critique incisive de Gonzaga Duque, dont un exemple a été donné précédemment, était légère comparée à celle d'Angelo Agostini, qui excellait dans le sarcasme. Parlant de "Guararapes", et répondant à la déclaration d'intentions du peintre (mentionnée précédemment), il a dit que tout était faux, tout était un montage, une fantaisie et une convention, ne correspondant en rien aux événements et aux sentiments qui auraient dû avoir lieu dans la véritable conflagration :


title: Victor Meirelles de Lima

text: Il convient également de noter son intérêt personnel pour la fonction éducative de l'art, ainsi que le fait qu'il y voyait un excellent moyen de faire connaître le Brésil à l'étranger, ce qui correspondait au programme officiel du gouvernement. Selon Sandra Makowiecky, Carlos Coelho et d'autres, cela était particulièrement clair dans ses panoramas. Avec ces œuvres, Meirelles a fait un grand pas vers la sensibilité moderne, ce qui rend la critique de son supposé anachronisme quelque peu injuste. En même temps, le "" a dû être, d'après ce que l'on peut voir dans les études conservées, un témoignage fascinant de la physionomie de la ville dans une phase de grands changements urbanistiques et architecturaux.


title: Victor Meirelles de Lima

text: Ainsi identifié à l'Empire, les critiques négatives s'accentuent avec l'avènement de la République, et finissent par l'emporter, le jetant dans l'ostracisme. Mais il n'a jamais été complètement oublié. Ses élèves ont conservé nombre de ses enseignements et les ont relayés, lorsque ses panoramas ont été redécouverts en 1910, on s'est souvenu de lui comme d'un artiste exceptionnel et en 1924, le moderniste l'a décrit comme l'un des principaux artistes du , louant sa sensibilité à la nature, à la lumière et à l'« atmosphère », son dessin correct, sa technique exquise et ses compétences de peintre de paysage et de panorama.


title: Victor Meirelles de Lima

text: Sa figure a été retrouvée avec plus de force après les célébrations du centenaire de sa naissance, en 1932, lorsqu'il a été salué comme un humaniste, un martyr et un peintre de l'âme nationale. Aujourd'hui, ses œuvres se trouvent dans les plus grands musées nationaux brésiliens et n'ont cessé d'intéresser les critiques d'art et les chercheurs, et des rues et des écoles portent son nom. Il a été biographié par Carlos Rubens, Argeu Guimarães, Angelo de Proença Rosa et d'autres, et le , situé dans sa ville natale de Florianópolis, se consacre à la préservation de sa mémoire, en plus du qui organise un Salon national portant son nom. Le musée Victor Meirelles a lancé en 2006 un projet visant à recenser et cataloguer systématiquement l'ensemble de son œuvre. Selon Sandra Makowiecky, il est pour beaucoup le plus grand peintre brésilien du . Meirelles, ainsi que son plus grand rival, Pedro Américo, ont réussi à façonner des images d'une grande puissance évocatrice, qui restent à ce jour vivantes dans la mémoire collective de la nation comme la visualisation canonique de certains de ses principaux mythes fondateurs. Mário Coelho offre une synthèse de sa figure :


title: Jingjiang

text: Jingjiang (靖江 ; pinyin : Jìngjiāng) est une ville de la province du Jiangsu en Chine. C'est une ville-district placée sous la juridiction de la ville-préfecture de Taizhou.


title: Jingjiang

text: La population du district était de en 1999.


title: Jingjiang

text: Un parc industriel est en cours de construction entre Jingjiang et Jiangyin, ville située sur la rive nord du Yangtze en face de Jingjiang.


title: Parc national du Gran Sasso e Monti della Laga

text: Le parc national du Gran Sasso e Monti della Laga est un parc national italien créé en 1991 sur , entre les régions des Marches, des Abruzzes et du Latium.


text: Le parc s'étend sur trois régions italiennes, les Marches, les Abruzzes et le Latium ; , , .


text: Il est constitué de montagneux : le massif du Gran Sasso et les monts de la Laga. Le Gran Sasso est typique des montagnes de la région, avec ses sommets de roche parmi les plus hauts d'Europe. Il abrite le glacier du Calderone, le seul glacier des Apennins et le glacier le plus méridional d'Europe. Au sud, le plateau de Campo Imperatore, surnommé le "petit Tibet" à cause de ses landes karstiques sauvages, a été le lieu de tournage de nombreux "westerns spaghettis".


text: Le parc naturel abrite une grande richesse floristique et faunistique. Le site internet du parc recense plus de dont de plantes en danger d'extinction ( d"'Adonis vernalis").


text: Après cent ans d'absence, les isards des Apennins ont été réintroduits dans le parc en 1992. Aujourd'hui la faune du parc compte environ des Apennins, , , de faucons pèlerins et d'aigle royal.


title: Kamenjani

text: Kamenjani (en serbe cyrillique : ) est un village de Serbie situé sur le territoire de la Ville de Kraljevo, district de Raška. Au recensement de 2011, il comptait 252 habitants.


title: Surveillance

text: La surveillance est l'acte d’observer des activités (humaines en général) ou un lieu. Techniquement, on parle aussi de supervision ou de "monitoring".


title: Surveillance

text: Secrète ou évidente, elle est ancienne ; il y a , "L'Art de la guerre" de Sun Tzu, décrivait comment utiliser des espions contre des ennemis. Récemment, l’électronique moderne et la technologie informatique, conjointement au développement des satellites, de l'internet et du smartphone ont ouvert de nouveaux champs et moyens à la surveillance (individuelle ou de masse).


title: Surveillance

text: La contre-surveillance est la pratique d’éviter la surveillance ou de la rendre difficile. Avec les développements récents – comme Internet, les systèmes de sécurité électroniques, les bases de données – la contre-surveillance s’est étendue en champ et complexité, dont pour protéger la vie privée.


title: Surveillance

text: La sousveillance (ou « surveillance inversée ») est la pratique inverse, ou par exemple des citoyens photographient la police, des clients photographient des vendeurs.


title: Surveillance

text: L'épidémiosurveillance vise à détecter et contrôler les maladies infectieuses ou chroniques, au profit de la santé publique. En France, elle est confiée à l'Institut de veille sanitaire et à des réseaux de médecins ( réseau Sentinelles de l'Inserm).


title: Surveillance

text: La notion de surveillance de masse a été popularisée par des fictions comme celles de George Orwell.


title: Surveillance

text: En 2018, presque la moitié des pays mondiaux utilisent des systèmes de surveillance en intelligence artificielle (IA). Différentes sociétés comme le chinois Huawei ou les américains IBM et Palantir créent et distribuent du matériel nécessaire à cette surveillance dans le monde. Ces technologies IA sont notamment utilisées dans les démocraties pour surveiller les frontières ou faire fonctionner les villes intelligentes.


title: Surveillance

text: Le plus grand effet de la surveillance informatisée est le grand nombre d’organisations impliquées dans les opérations de surveillance :


title: Surveillance

text: Les écoutes téléphoniques officielles et non officielles sont étendues, en particulier via les dispositifs SIGINT.


title: Surveillance

text: Les compagnies téléphoniques sont liées légalement par des contrats ou des licences qui donnent accès à l’écoute téléphonique aux autorités. Pour les téléphones portables, les données comprennent non seulement l’heure, la durée, la source et le destinataire, mais aussi l’identification de la station ou antenne d’où l’appel a été effectué, ce qui équivaut à une localisation géographique approximative. Il est également possible de localiser plus précisément un téléphone en comparant l’information d’un nombre d’éléments environnants. Le téléphone mobile est, en termes de surveillance, un handicap et un risque majeur.


title: Surveillance

text: Les conversations téléphoniques peuvent également être enregistrées, pour le compte des autorités locales (c'est-à-dire nationales). La durée d'enregistrement varie en fonction des pays et en fonction des applications. Ces durées sont en général de trois mois, six mois, un an, ou trois ans. Dans des cas sérieux, les conversations peuvent être transcrites par écrit, pour des durées plus longues.


title: Surveillance

text: Alors que davantage de personnes utilisent les télécopies et les courriels, l’importance du système postal dans la surveillance est en baisse. Mais l’interception postale est toujours possible.


title: Surveillance

text: Un appareil de surveillance n’est pas un moyen de communication, mais un appareil qui nécessite un canal communicatif. Un mouchard électronique (ou « "bug" ») comporte généralement un transmetteur radio, mais il y a beaucoup d’autres alternatives pour transmettre un signal ; il est possible d’émettre des signaux radio depuis la connexion principale d’un immeuble et de les récupérer à l’extérieur, il est possible de déterminer la fréquence d’un téléphone sans fil, il est possible de récupérer les données d’un réseau informatique sans fil mal configuré ou de récupérer les émissions électro-magnétiques d’un moniteur pour en reconstituer l'affichage à distance.


title: Surveillance

text: La fonction originale des "bugs" était de relayer le son. Aujourd’hui la miniaturisation de l’électronique a tellement progressé que même des images télévisées peuvent être diffusées via des appareils qui intègrent des caméras vidéo miniatures (très utilisées dans les sports et les caméras cachées). Le coût de ces appareils a beaucoup diminué.


title: Surveillance

text: L’informatique est une des plus grandes sources d’information personnelle. Si une personne accède à un ordinateur ou le vole, il récupère toujours de l’information. Une personne peut installer un logiciel sur un ordinateur pour le transformer en dispositif de surveillance (par l’intermédiaire d’une webcam par exemple). Les ordinateurs peuvent être surveillés par diverses méthodes. Spyware, un terme introduit par l’expert en sécurité informatique Steve Gibson, est souvent utilisé pour décrire les outils de surveillance installés contre la volonté de l’utilisateur. .


title: Surveillance

text: D'après une étude française de Médiamétrie, 86 % des répondants ont le sentiment d'être épiés sur Internet et 91 % voudraient pouvoir garder le contrôle de leurs données.


title: Surveillance

text: Nombreuses sont les entreprises qui se sont mises à surveiller leurs clients internautes. L'exploitation des données personnelles est devenue une industrie pesant plusieurs milliards de dollars. Au mois de , Hans Hagenaars, un directeur de la banque ING se vante sur le site de la société de savoir . Les autorités découvrent alors que la banque néerlandaise analyse les dépenses figurant sur les relevés de compte de ses clients. Ces données ont ensuite été vendues à des fins publicitaires. Lorsque le scandale explose, la banque admet que les données sont la propriété des clients et non de la banque.


title: Surveillance

text: Autre exemple, la société américaine Uber a la possibilité de suivre en temps réel les trajets des véhicules de chaque utilisateur. En 2012, Uber s'est amusé à suivre les gens allant quelque part ailleurs que chez eux les vendredi ou samedi soirs avec une course Uber et qui n'en repartent que le lendemain matin. Ces trajets, nommés « trajets de la gloire », ont fait l'objet d'un article sur le blog de la société qui fut rapidement retiré.


title: Surveillance

text: Une étude réalisée en 2014 par la CNIL et l'INRIA relève que de nombreuses applications enregistrent régulièrement les positions GPS des utilisateurs : . L'étude expose aussi l'exemple de l'application météo d'un smartphone qui a accédé plus d'un million et demi de fois à la géolocalisation pendant les trois mois de l'expérimentation.


title: Surveillance

text: La photographie est de grande valeur dans la surveillance. Récemment, il y a eu une expansion significative dans le domaine de la photographie. Le développement technologique des télévisions à circuit fermé (CCTV) et du traitement informatique donne la possibilité de comparer en temps réel les images numériques provenant des caméras avec des images sur une base de données, permettant de fait la reconnaissance faciale en temps réel et l'analyse automatique du comportement des personnes filmées.


title: Surveillance

text: Les photographies ont longtemps été collectées comme une forme de preuve. Alors que les revendications et la désobéissance civile sont devenues une préoccupation pour les gouvernements et les entreprises, les images sont récoltées non seulement comme des preuves judiciaires, mais aussi comme source de renseignement. La collecte de photographies et de vidéos joue également un rôle dissuasif.


title: Surveillance

text: La télévision à circuit fermé – par laquelle l’image est visualisée ou enregistrée, mais pas diffusée – a initialement été développée comme mesure de sécurité pour les banques. Le développement de la caméra de surveillance a banalisé sa présence quotidienne, et elle est devenue un moyen de surveillance simple et économique.


title: Surveillance

text: L’utilisation étendue de caméras par la police et les gouvernements a été croissante pendant les dix dernières années. En Grande-Bretagne, un grand nombre de caméras sont reliées aux forces de l’ordre. La surveillance croissante est justifiée dans la dissuasion criminelle – bien qu’il n’y ait aucune preuve ni garantie d'une réduction de la criminalité. La croissance de la vidéosurveillance dans le domaine du logement collectif soulève un débat sur le contrôle social.


title: Surveillance

text: Le développement de la vidéosurveillance dans les espaces publics, reliée à une base de données compilant des photos et identités de personnes (interdit en France, voir CNIL), présenterait un sérieux danger pour les libertés civiles.


title: Surveillance

text: La société moderne est source d’une masse de données issues de transactions. Dans le passé, ces données étaient comptabilisées sur du papier mais depuis l’électronique, les traces laissées peuvent facilement être reconstruites. Chaque fois que vous faites un appel, effectuez une transaction, utilisez un automate bancaire ou une carte téléphonique, vous générez une trace électronique. Lorsqu’une partie de ces données est regroupée et analysée, l’information peut servir à déterminer approximativement votre comportement individuel.


title: Surveillance

text: , l’accumulation de cette information est souvent assemblée par de grandes entreprises du Web (Google, Yahoo, Amazon, etc.) et des entreprises de marketing, crédit et autres entreprises d’agrégation analysant le comportement consumériste pour déterminer les perspectives stratégiques. Ces données peuvent être vendues à d’autres entreprises ou agences de renseignement. La disponibilité de l’information transactionnelle facilite l’utilisation de la surveillance automatisée ou de techniques d’analyse comme l'exploration de données ("data mining").


title: Surveillance

text: L’établissement du profil est l’assemblage d’informations d’un individu particulier – une image physique et comportementale. Les profils sont utilisés dans pratiquement tous les domaines de la sécurité. Dans de nombreux pays, le gouvernement est souvent capable d’accéder à l’information sans formalités – par exemple, banques, compagnies de crédit, employeurs, etc. – en faisant une demande d’accès, une citation à comparaître ou d’autres procédures.


title: Surveillance

text: La surveillance biométrique se réfère aux technologies de mesure et d’analyse de caractéristiques physiques ou comportementales par l’authentification ou l’identification. Des exemples de caractéristiques physiques comprennent empreintes digitales, empreinte rétinienne, reconnaissance faciale, alors que des exemples essentiellement comportementaux comprennent signature manuscrite, voix ou écriture. Toutes les caractéristiques du comportement biométrique sont pourvues d’un élément physiologique. La surveillance biométrique est relativement nouvelle, car en cours de développement. Alors que les technologies pour la surveillance biométrique gagnent en précision et fiabilité, le corps aura probablement la possibilité de devenir un mot de passe.


title: Surveillance

text: Les avantages de la biométrie en comparaison de l’identification standard :


title: Surveillance

text: Un système biométrique peut fournir les trois fonctionnalités suivantes :


title: Surveillance

text: En tant que moyen pour combattre la falsification, les chercheurs s’intéressent de plus en plus à la biométrie pour garantir l’identité. Une des plus anciennes formes de biométrie sont les empreintes digitales. Chaque empreinte de chaque personne (même les jumeaux) comporte un motif unique. Ce motif a été utilisé pendant de nombreuses années dans l’identification de suspects lors d’enquêtes policières, ou en tant que preuve. Une empreinte digitale peut être réduite à une brève description numérique, et de tels systèmes sont utilisés dans les banques et les zones sécurisées.


title: Surveillance

text: L’écriture – principalement la signature – a été l’une des premières méthodes d’identification. Toutefois d’autres caractéristiques personnelles peuvent être utilisées pour déterminer l’identité. L’analyse de la voix est également utilisée. Les deux systèmes portables les plus prometteurs, car les identités peuvent être réduites à une série de points numériques plutôt qu’à une image ou un son, sont :


title: Surveillance

text: La combinaison d’une forme d’identification biométrique avec un système de vérification possède le potentiel pour devenir une nouvelle carte de crédit. Le problème majeur réside dans la gestion de ces informations sensibles et privées. Si les traits biométriques étaient tous centralisés, avec des systèmes ayant accès aux descriptions, d’autres utilisations pourraient apparaître ; en utilisant par exemple des caméras avec une base de données d’identités faciales, des personnes pourraient être identifiées automatiquement et à leur insu.


title: Surveillance

text: La disparition de l’anonymat serait une grave atteinte à la liberté civile. C’est une possibilité dans la mesure où l’identité électronique se développe. Il existe deux systèmes :


title: Surveillance

text: Le développement de systèmes d’identification est poussé par :


title: Surveillance

text: Certains pays utilisent une carte d’identité pour aider l’identification. D’autres documents, comme le permis de conduire ou la carte de crédit sont également utilisés.


title: Surveillance

text: Les radio-étiquettes normalisées, souvent désignées par le sigle RFID, remplacent progressivement les code-barres.


title: Surveillance

text: En matière de surveillance, elles posent le problème de la traçabilité des objets. Cette dernière peut en effet conduire à tracer les personnes qui portent ces objets. C'est le cas pour le passeport biométrique, la carte Navigo d'Île-de-France Mobilités et la carte Vélib' utilisée par le service de vélos en libre service à Paris. Mais la plupart des objets manufacturés sont susceptibles de porter des radio-étiquettes dans un avenir proche. Cela signifie que les produits pourront servir à identifier et tracer les consommateurs, éventuellement à leur insu.


title: Surveillance

text: La surveillance électronique est souvent utilisée comme peine alternative à la prison. Expérimentée pour la première fois aux États-Unis en 1983, de tels modes de surveillance, qui incluent notamment le bracelet électronique, étaient aussi en œuvre (en 1999) dans quatre provinces canadiennes sur dix (Colombie-Britannique, Saskatchewan, Ontario et Terre-Neuve).


title: Surveillance

text: L'Angleterre et le Pays de Galles ont utilisé cette technique dès 1989, étant les premiers en Europe à s'en servir. Des projets-pilotes ont été instaurés en Suède (1994), aux Pays-Bas (1995) et en Belgique (1998), tandis que la mesure est introduite pour la première fois en droit français par les lois de 1996 et 1997. La loi du 13 décembre 2005 sur la récidive des infractions pénales introduit spécifiquement le placement sous surveillance électronique mobile (PSEM), élargi à la « rétention de sûreté » par la loi du 25 février 2008.


title: Surveillance

text: Dans une société où les États et les collectivités se dotent de plus en plus de moyens de surveillance de la population, certains estiment devoir réagir par crainte de voir la société glisser complètement vers un État policier, ou pire un système totalitaire. C'est pourquoi, à côté d'actions directes, illégales ou non, contre les diverses formes de surveillance (par exemple détruire des caméras, refus de se soumettre au prélèvement destiné au fichage ADN, usage de logiciels fonctionnant en P2P anonyme, etc.) des associations de défense de la vie privée, des libertés individuelles et collectives, ou de lutte contre le « tout sécuritaire » se sont formées.


title: Surveillance

text: Elles (avec d'autres) ont identifié des systèmes de surveillance induits par des comportements ou des objets (qu'on utilise ou qui sont présents dans notre environnement) de la vie courante tels que :


title: Tocsin

text: Le tocsin est une sonnerie de cloches civile pour alerter la population d'un danger imminent tel qu'un incendie, une invasion, une catastrophe naturelle, un naufrage, mais aussi pour rassembler la population en urgence. Une cloche réservée à cet effet (souvent située dans le campanile ou le beffroi civil, ou l’une des cloches du clocher de l’église) est alors sonnée à coups pressés et redoublés au rythme de à l’aide du battant tiré par une corde ou d’un martelet. Il n’était jamais sonné sur le bourdon d’une cathédrale contrairement au glas. Il peut aussi être sonné par un marteau électromécanique ou à moteur à partir du tableau de commande d’une sonnerie électrifiée. Dans certaines régions, il peut être sonné par tintement en alternance sur deux cloches.


title: Tocsin

text: Il ne doit pas être confondu avec le glas qui est un tintement lent.


title: Tocsin

text: Le tocsin est progressivement remplacé par la sirène municipale.


title: Tocsin

text: Le substantif masculin "tocsin", apparu en 1611 est une réfection graphique de « touquesain » (mot du ) emprunté à l'ancien provençal "tocasenh" (1369), composé du verbe "tocar", « frapper, sonner », et de "senh", « cloche », issu du latin "signum" .


title: Tocsin

text: Cette sonnerie d’alerte en cas d’incendie était organisée et réglementée. Les villes étaient divisées en sections et sous-sections dont chacune possède une cloche d’alarme. Par exemple, le règlement édicté le divise la ville de Metz en six quartiers. Ce règlement est simplifié en 1802. Metz ne compte plus désormais que quatre sections, divisés en trois sous-sections. A Lyon, un règlement est publié dans le "Bulletin de Lyon", n°24 du 24 frimaires An 12 (1802). Paris comportait 46 tocsins. La façon de sonner indiquait le type d’incendie (feu de cheminée, feu externe dans le quartier, feu important hors du quartier). Il s’agissait de mobiliser la population pour transporter l’eau à l’aide de seaux du point d’eau vers le lieu de l’incendie. En ville, cela s’avère insuffisant et dès le des recommandations ont été émises pour installer des mécanismes destinés à donner l’alarme sur les lieux mêmes où sont stationnés les pompiers. Le matériel de transport de l’eau a aussi évolué (pompe, camion-citerne…). Dans les campagnes, la façon de sonner le tocsin pouvait connaître des variantes. .


title: Tocsin

text: Dans de nombreuses villes, le tocsin était sonné pour alerter la population d’une invasion imminente et inciter les gens à se réfugier à l’intérieur des remparts. Le , le tocsin a retenti à travers la France pour annoncer à la population l’ordre de mobilisation générale. Dans les tranchées, une cloche sonnait pour alerter les soldats de l’usage des gaz. En zone littorale, le tocsin alertait d’un naufrage et mobilisait les secours. Le tocsin était aussi un moyen d’alerter la population en aval d’un barrage en cas de risque de rupture du barrage ou d’un lâcher d’eau important.


title: Tocsin

text: Le gouvernement a invité les maires de toutes les communes de France à faire sonner le tocsin le vendredi à , pour célébrer le centenaire de la « mobilisation générale » d' et celui du début de la Première Guerre mondiale.


title: Tocsin

text: Lors de la pandémie de COVID-19 en 2020, le guet de la cathédrale de Lausanne en Suisse a sonné l'alerte tous les soirs à 22h, jusqu'à ce que la pandémie soit considérée comme terminée. L'alerte était donnée pour appeler à l'entraide et à la solidarité des Lausannois contre le coronavirus. La saccade commence par trois coups, suivis d'une pause, ensuite six coups, de nouveau une pause, trois coups, et ainsi de suite pendant 10 minutes.


title: Tocsin

text: Il s’agit ici d’un usage détourné du tocsin par les émeutiers :


title: Dose minimale infectante

text: La notion de dose minimale infectante (DMI) a été utilisée traditionnellement pour les bactéries contaminant les aliments qui provoquent une infection dans ou à partir du tube digestif. La DMI était définie comme la quantité de bactéries ingérées (la dose) à partir de laquelle une pathologie est observée chez le consommateur.


title: Dose minimale infectante

text: On trouve ainsi dans les manuels des exemples comme celui-ci :


title: Dose minimale infectante

text: Or, dans une telle formulation, on voit immédiatement une inexactitude : pour connaître la dose ingérée, la concentration ne suffit pas. Il faut aussi connaître la masse de la portion :


title: Dose minimale infectante

text: Dose (nombre de bactéries) = concentration (nombre de bactéries par gramme) x masse (grammes)


title: Dose minimale infectante

text: Néanmoins, cette formulation a servi de base de raisonnements fort utiles pour établir les concentrations maximales autorisées par les critères microbiologiques réglementaires destinés à protéger la santé des consommateurs. Ainsi en 1992, comme les épidémies causées jusqu’alors par "Listeria monocytogenes" n’avaient impliqué que des aliments contenant plus de mille cellules de "L. monocytogenes" par gramme, les législateurs des deux côtés de l’Atlantique – en gardant une marge de sécurité – fixèrent à 100 "L. monocytogenes" par gramme la concentration maximale à respecter dans les aliments où cette bactérie ne peut pas se développer.


title: Dose minimale infectante

text: La notion de relation dose-réponse s’est imposée avec le développement à partir de 1995 d’une discipline scientifique nouvelle dans le domaine de la sécurité sanitaire des aliments, l’appréciation quantitative des risques.


title: Dose minimale infectante

text: Une bactérie infectieuse présente dans un aliment peut causer des troubles de santé : diarrhée, vomissement, septicémie, méningite, avortement, maladie de Guillain-Barré, décès, etc. Quand la dose augmente, la gravité des effets pathologiques augmente, et on peut souvent établir une « relation dose-effet ». Par exemple, plus la dose de "Salmonella" augmente plus la diarrhée survient tôt après ingestion et plus elle est éprouvante.


title: Dose minimale infectante

text: Or, parmi les personnes ayant ingéré une même dose, toutes ne sont pas affectées. On appelle réponse la proportion de personnes affectées. La relation dose-réponse, (p.ex. diarrhée) est donc la relation entre la dose et la probabilité de subir cet effet. Quand la réponse est inférieure à environ 10 %, on observe qu’il existe une relation strictement proportionnelle entre la dose et la réponse :


title: Dose minimale infectante

text: Probabilité de l’effet considéré ≈ "r" x dose


title: Dose minimale infectante

text: Il ne faut pas confondre la relation dose-effet et la relation dose-réponse.


title: Dose minimale infectante

text: L’existence de cette relation a une première conséquence importante : le facteur de proportionnalité, symbolisé par la lettre "r", correspond précisément à la probabilité de l’effet considéré quand la dose est égale à une cellule bactérienne. Il en résulte que : on est loin de la notion traditionnelle rappelée au début de cet article.


title: Dose minimale infectante

text: La proportionnalité a une deuxième conséquence, qui saute aux yeux : quand la dose est divisée par dix, la probabilité d’observer l’effet considéré est lui aussi divisé par dix.


title: Dose minimale infectante

text: Et elle a une troisième conséquence, qui ne saute pas aux yeux : il s’agit d'une relation sans seuil. Bien entendu, si une portion d’aliment ne contient pas la bactérie, il n’y aura pas d’effet. Mais dans la pratique industrielle, tout est fait pour réduire la probabilité qu’une portion contienne la bactérie. On trouve donc sur le marché des aliments dont, p.ex. seule une portion sur cent est contaminée. La probabilité de l’effet considéré est alors "r"/100. Si une portion sur dix mille est contaminée, la probabilité passe à "r"/10.000, et ainsi de suite. La droite représentant la relation peut donc être prolongée vers moins l’infini : il n’y a pas de seuil.


title: Dose minimale infectante

text: Pour les lecteurs habitués à la notion de D50 (dose provoquant l’effet considéré chez 50 % des consommateurs exposés au danger considéré), signalons que dans la plupart des cas, la relation suivante s’applique :


title: Dose minimale infectante

text: D50 = - Ln(0,50)/ "r ≈" 0,7/ "r"


title: Dose minimale infectante

text: Pour comparer entre-elles les relations dose-réponse pour différents effets provoqués par une même bactérie, ou pour le même effet provoqué par différente bactéries, on peut bien entendu comparer directement les valeurs de "r." Toutefois, l’expérience montre qu’il peut être plus facile pour l’esprit de comparer les doses causant l’effet considéré chez 50 % ou chez 1 % des consommateurs. Voici quelques valeurs de D1 (dose provoquant l’effet considéré chez 1 % des consommateurs exposés au danger considéré) :Ces exemples mettent en évidence deux choses importantes :On peut avoir l’impression que, si la contamination des aliments par une bactérie pathogène est faible et peu fréquente, le risque de tomber malade est tel qu'il n’y aura pas de problème de santé publique. Une telle vue est incomplète : certes, le fait de consommer une dose faible de cette bactérie est associé à une probabilité faible de maladie. Mais cette probabilité n’est pas nulle. C’est ce qui explique les cas sporadiques que l’on observe dans la population. Et c'est aussi ce qui explique qu'il n'existe pas de concentration en dessous de laquelle il n'y aura pas d'épidémie.


title: Dose minimale infectante

text: Il était question dans ce qui précède de bactéries contaminant les aliments qui provoquent une infection dans ou à partir du tube digestif. D’autres bactéries transmises par les aliments peuvent causer des maladies en produisant des toxines. Il ne s’agit plus d’infection, mais d’intoxination. Parmi ces bactéries, certaines ne synthétisent une toxine que quand leur concentration dans l’aliment avant son ingestion dépasse un seuil. On dit qu’elles sont sensibles au quorum. C’est le cas de "Staphylococcus aureus" et de "Bacillus cereus", par exemple. La notion de DMI ne s’applique pas à elles, mais il existe bien une concentration (non une dose) en dessous de laquelle elle ne constituent pas un danger pour la santé du consommateur.


title: Kovanluk

text: Kovanluk est un toponyme qui peut désigner :


title: Le Schtroumpf financier

text: Le Schtroumpf financier est le seizième album de la série de bande dessinée "Les Schtroumpfs" réalisé par Peyo et ses assistants. Prépublié dans le journal "Schtroumpf !", il paraît en 1992.


title: Le Schtroumpf financier

text: Au pays des Schtroumpfs, l'argent n'existe pas et les biens de consommation courante sont « gratuits ». Un jour, le Grand Schtroumpf fait une expérience qui tourne mal. Un Schtroumpf est envoyé pour demander un remède à l'enchanteur Homnibus afin de soigner le Grand Schtroumpf. Il manque un ingrédient à Homnibus pour le remède, qui demande donc à Olivier de se rendre chez l'apothicaire, au bourg. C'est à cette occasion que le Schtroumpf accompagnant Olivier découvre l'usage de l'argent.