title: Famille Béjart

text: Le cas d'Armande Béjart (vers 1642 - 1700), épouse de Molière, dite " Molière", est particulier, car on ne connaît pas assurément son lien de parenté avec le reste de la fratrie. On ne sait si elle était la sœur ou la fille de Madeleine. Ceci n'aurait pas grande importance si Molière, après avoir été l'amant de Madeleine, ne s'était marié avec Armande. À l'époque, Molière fut même accusé d'inceste, des calomnies ayant rapporté qu'Armande était sa propre fille. Molière se serait justifié auprès du roi en produisant l'acte de baptême de sa femme. Cet acte est introuvable aujourd'hui.


title: Famille Béjart

text: Sœur ou fille de Madeleine, les deux hypothèses sont donc vraisemblables, compte tenu des dates de naissance d'Armande et de Madeleine, ainsi que de la date de décès du père, Joseph, en 1641, et de l'age de la mère Marie Hervé à sa naissance 49 ans. À noter qu'en 1643, Marie Hervé fait une requête de renonciation à la succession de son mari et que cet acte mentionne dans la liste des enfants « une petite non baptisée ». Cette enfant pourrait être Armande.


title: Famille Béjart

text: Enfin Madeleine a bien eu une fille « illégitime », Françoise, née le , dont le père fut Esprit de Rémond, seigneur de Modène, et la marraine sa grand-mère, Marie Hervé.


title: Andrea Mantegna

text: Andrea Mantegna, né vers 1431 à Isola di Carturo et mort le à Mantoue, est un graveur et peintre italien de la Première Renaissance qui a rompu définitivement avec le style gothique en plein milieu du , sans se départir de cette attitude tout au long de sa vie.


title: Andrea Mantegna

text: Marqué par l'héritage gréco-romain, exploitant la perspective par ses recherches sur le raccourci, il innove en matière d'architecture feinte, avec des décors muraux, des voûtes, créant des scènes d'une grande virtuosité, grâce entre autres au trompe-l'œil et à un sens poussé du détail.


title: Andrea Mantegna

text: Au-delà de Mantegna peintre de cour, émerge avec lui, dans l'art occidental, la figure centrale de l'artiste, du génie, qui fait école, et dont l'impact culturel se mesure des siècles plus tard.


title: Andrea Mantegna

text: Andrea Mantegna est né probablement en 1431 dans un petit village, Isola di Carturo (aujourd'hui Isola Mantegna, commune de Piazzola sul Brenta), situé non loin de Padoue, sur les terres de la République de Venise. Gardant des troupeaux, il est le second fils d'un charpentier-menuisier prénommé Biagio, de condition modeste, qui meurt entre 1449 et 1451.


title: Andrea Mantegna

text: Avant l'âge de onze ans, confié par ses parents en adoption, il entre comme apprenti chez le peintre Francesco Squarcione, qui est à la tête d'un atelier à Padoue, l'un des plus importants de cette région. Ancien tailleur et brodeur, Squarcione se passionne pour l'art ancien et la rhétorique. Il est, à l'image de son compatriote Pétrarque, amateur d'antiquités romaines, et avait amassé une quantité impressionnante d'objets datant de l'Empire romain, voire, grâce aux liens commerciaux entretenus par Venise, de la Grande Grèce (statues en marbre, vases, bronzes, bas-reliefs, etc.). Sa collection lui sert de modèle pour ses commandes dans le goût du temps, et on compte jusqu'à 137 élèves l'ayant assisté — dont les ferrarais Cosmè Tura et Francesco del Cossa —, tant son atelier était réputé dans toute l'Italie.


title: Andrea Mantegna

text: Le , dans le plus ancien document mentionnant son existence, Andrea Mantegna est appelé « "Andrea pictore" » : il s'agit du codicille d'un testament liant Squarcione à un notaire de Padoue. Tommaso Mantegna, le frère aîné d'Andrea, également tailleur, vit dans le quartier de Santa Lucia, non loin de l'atelier. Imprégné par l'humanisme renaissant, Squarcione lui enseigne le latin, les auteurs classiques, et lui donne à étudier des fragments de sculpture romaine, et par là, les figures, les volumes, la mise en perspective, comme le souligne Giorgio Vasari en ces termes : ("Les Vies", III). L'apprenti se passionne alors pour l'antiquité et va rester six ans au service du maître. Il est témoin des travaux de l'artiste florentin Donatello entrepris pour la ville à partir de 1443. La sensibilité au monde classique et le goût des antiquités deviennent l'une des composantes fondamentales de son langage artistique, qu'il a suivi tout au long de sa carrière. Mantegna quitte l'atelier de Squarcione, au moment d'un voyage effectué en compagnie du maître à Venise en 1448 ; les rapports se dégradent entre les deux hommes puisque Andrea attaque Squarcione en justice pour travaux impayés : Mantegna s'affranchit et part gagner sa vie.


title: Andrea Mantegna

text: Âgé de dix-sept ans, Mantegna accomplit ensuite son premier travail connu, un grand retable destiné à l'église Sainte-Sophie de Padoue, détruit au : c'était une Vierge à l'Enfant dans une conversation sacrée entre saints, probablement inspirée par l'autel de la basilique Saint-Antoine conçu par Donatello. De cette époque date son "Saint Marc" (Francfort, musée Städel).


title: Andrea Mantegna

text: Andrea, encore dans sa minorité, se voit replacé sous la tutelle de son frère Tommaso qui l'autorise à entreprendre en société la décoration de la chapelle de la famille Ovetari située dans l'église des érémitiques. L'œuvre, en partie détruite en 1944 pendant la Seconde Guerre mondiale, avait été confiée à une équipe hétérogène de peintres, où émergea peu à peu la personnalité de Mantegna, capable également d'affiner sa technique. Durant le chantier, Niccolò Pizzolo, ancien élève de Squarcione, entre en conflit avec Mantegna, ce dernier voulant s'occuper d'une partie de la chapelle qui au départ ne lui était pas attribuée. De plus le manque de fonds, en , fait que les travaux s'arrêtent en 1451.


title: Andrea Mantegna

text: L'engagement dans la chapelle Ovetari, commande qui va s'étaler sur neuf années, n'empêche pas le peintre d'accepter d'autres tâches. En 1447, il avait rencontré le notaire vénitien Ulisse degli Aleotti (mort en 1488) qui lui commande quelque temps plus tard le "Saint Jérôme" (musée d'art de São Paulo), dont il existe une étude sur papier ; Degli Aleotti lui dédia un sonnet dans lequel il le qualifie de « sculpteur en peinture ».


title: Andrea Mantegna

text: En , profitant d'une phase de blocage du chantier padouan, il se rend à Ferrare, au service de Lionel d'Este. Il exécute un double portrait, l'un représentant le duc, l'autre son chambellan Folco di Villafora, mais les deux tableaux sont perdus. Mantegna a sans doute été le spectateur de la collection de son commanditaire, des œuvres de Piero della Francesca et des maîtres primitifs flamands qui y étaient rassemblées. Il s'y plaît puisqu'il y revient en 1450-1451 au service cette fois de Borso d'Este, pour qui il peint une "Adoration des bergers" (New York, MET), visiblement influencée par l'art flamand, du moins dans la minutie des détails.


title: Andrea Mantegna

text: Le , Mantegna termine à Padoue la lunette du portail central de la basilique Saint-Antoine, conservée au Museo antoniano. Pour ce travail, il expérimente pour la première fois le point de vue "" (vu du dessous vers le haut), qu'il a ensuite appliqué aux fresques de la deuxième phase des travaux aux érémitiques qui reprirent en effet en pour se terminer en 1457. Niccolò Pizzolo, mort en 1453, laissait à Mantegna une grande partie des bénéfices de cet accomplissement. Les peintres Ansuino da Forlì et Bono da Ferrara travaillèrent sans doute à cet ouvrage entré dans sa deuxième phase, tandis que deux peintres vénitiens, Antonio Vivarini et Giovanni d'Alemagna, s'étaient jadis attelés à la première. En 1457, la princesse commanditaire Ovetari intente une action en justice contre Mantegna aux motifs que, dans l'une des fresques de la chapelle, celle de "l'Assomption", il n'avait peint que huit apôtres au lieu de douze, pour manque d'espace.


title: Andrea Mantegna

text: 1453 est l'année du mariage de Mantegna avec Nicolosia Bellini, la fille du peintre Iacopo Bellini, également père de deux fils devenus peintres, Giovanni et Gentile Bellini. Du fait de cette union, certains chercheurs estiment que Mantegna a subi l'influence de Bellini, et d'une manière générale, de la peinture vénitienne de cette période primo-renaissante qu'il va cependant marquer par son talent précoce et ses audaces. Sa "Présentation au Temple" est un tableau daté de 1455, qui présente la particularité de ressembler à celle peinte par Giovanni Bellini datée 1460, mais présente des teintes plus constrastées et lumineuses.


title: Andrea Mantegna

text: Au moment de ses fiançailles avec Nicolosia, il reçoit la commande d'un polyptyque destiné au maître-autel de la basilique Sainte-Justine de Padoue. Le "retable de saint Luc", aujourd'hui conservé à la pinacothèque de Brera (Milan), est constitué de douze panneaux représentant des saints bénédictins. Il achève et signe en 1454 une "Sainte Euphémie", "a tempera" sur lin conservée au musée de Capodimonte (Naples), qui rappelle dans sa composition la Vierge en assomption de la chapelle Ovetari, et où l'on devine encore l'influence de l'atelier de Squarcione. Deux ans plus tard, il entame la première version du "Martyre de saint Sébastien" qu'il achève en 1459.


title: Andrea Mantegna

text: Fin 1456, le notable vénitien Gregorio Correr (1409-1464), abbé de la basilique San Zeno de Vérone et futur patriarche de Venise, lui passe commande d'un retable destiné au chœur de l'édifice pour la partie supérieure du maître-autel. Ce nouveau travail prend au moins trois années au jeune peintre, il l'achève en son atelier padouan, avec ce souci du détail qui le caractérise et justifie sa relative lenteur. Le "retable de San Zeno" est un polyptyque centré sur la figure de la Vierge à l'Enfant entouré d'anges musiciens, avec de chaque côté, deux panneaux comportant chacun quatre saints. La prédelle montre trois compositions tirées de la vie et de la Passion du Christ. L'œuvre est la première de son genre en Italie du Nord, et Vérone voit éclore une nouvelle école de peintres dont l'un des maîtres est Girolamo dai Libri.


title: Andrea Mantegna

text: Le maître-autel est encore en construction en 1460, ce que révèle la correspondance que Mantegna commence à échanger avec les princes de Mantoue, qui désirent l'attirer à leur cour. Malgré son succès et l’admiration dont il fait l’objet, Mantegna quitte de bonne heure le Padoue de sa jeunesse.


title: Andrea Mantegna

text: Depuis 1456 déjà, Louis III Gonzague, marquis de Mantoue, pressait Mantegna d’entrer à son service ; aussi en 1460, le peintre finit-il par accepter d'être nommé peintre de cour. Ce départ fut reporté pour plusieurs raisons : Mantegna était très attaché à Padoue où il avait noué de solides amitiés, par ailleurs plusieurs commandes étaient en cours et il se devait de les terminer car être peintre au service d'un prince mécène supposait un emploi exclusif. Au début de sa charge, il réside de temps à autre à Goito : là, une résidence des Gonzague devait être redécorée, projet dont Mantegna avait été averti dès 1458 mais qui ne se fit pas. Mantegna prit des assistants et invita des amis artistes ou savants en renforts. Louis III projeta également la décoration d'une résidence à Cavriana, puis, plus tard, à Revere (1463-1464) : à chaque fois, le peintre et son équipe s'installaient "in situ". Pour Revere, il proposa une suite de fresques figurant des scènes tirées d'Homère dont il ne reste aujourd'hui aucune trace, mais dont on peut retrouver l'écho dans certaines gravures exécutées par Mantegna et ses disciples. Louis Gonzague avait entamé une profonde transformation de son marquisat. Il fit également venir à sa cour le polymathe Leon Battista Alberti et l'architecte-sculpteur Luca Fancelli.


title: Andrea Mantegna

text: À partir de décembre 1466, il s’installe avec sa famille à Mantoue même. Il reçoit au départ un salaire de (ou ) par mois, somme assez confortable pour l’époque, plus le logement et les vivres, et qui indique nettement la haute estime dans laquelle on tient son art. Cela fait aussi de lui un membre de la riche bourgeoisie de la ville, comme en témoigne son testament. Il est en fait le premier peintre parmi tous ceux qui ont été domiciliés à Mantoue. Le logement des Mantegna devient beaucoup plus spacieux après que le marquis lui a offert un terrain en situé au centre de Mantoue, sur lequel l'artiste fait élever une maison que l'on visite de nos jours. Mantegna sera également chargé des collections du marquis et devient son conseiller artistique. Il obtiendra un blason avec ses armes surmontant sa devise, « Par un désir », et vivra à la cour jusqu'à sa mort.


title: Andrea Mantegna

text: Comme tout peintre de cour, il reçoit aussi les commandes les plus diverses de la part du prince : dessins de costumes et de décors pour les spectacles de la cour, cartons de tapisseries, décoration des palais et des villas.


title: Andrea Mantegna

text: Les premières commandes sont des portraits, dont celui du "Cardinal Ludovico Trevisan" (1460, Berlin, Gemäldegalerie), commencé alors que Mantegna était encore à Padoue, et de "Francesco Gonzaga" (v. 1461, Naples, musée de Capodimonte), second fils de Louis et de son épouse Barbara de Brandebourg-Culmbach.


title: Andrea Mantegna

text: Le château Saint-Georges qui fait partie du palais ducal de la ville, comprend un certain nombre de chefs-d'œuvre exécutés par Mantegna. Avant même l'installation définitive du peintre, Louis Gonzague lui commande la décoration de la chapelle privée du château où le marquis avait ses appartements. Datant du , elle est remise au goût du jour par Mantegna lui-même comme l'indique une lettre du marquis datée du , quelques jours avant l'ouverture du concile de Mantoue, dissous en . Ce projet décoratif est donc pour Louis une marque d'auto-célébration et de prestige, quand toute la ville reçoit de nombreux dignitaires religieux. La plupart des retables peints par l'artiste ont été dispersés. Le plus fameux est un ensemble qui comprend "La Mort de la Vierge" (Madrid, musée du Prado) et la partie supérieure que l'on pensait disparue, identifiée comme étant "Le Christ avec l'âme de la Vierge" (Ferrare, Palazzo dei Diamanti). S'y manifeste la maîtrise des effets d'illusion, le peintre ayant inséré dans sa composition des vues du Mincio et du canal San Giorgio, comme on pouvait les apercevoir depuis le château. À cette même chapelle appartenaient, peut-être, trois autres panneaux connus sous le nom du "Triptyque des Offices" (Florence), mais aucune source ne permet de l'affirmer : en effet, Mantegna semble travailler en 1465-1467 à Florence sur un ensemble de peintures similaires. Par ailleurs, trois gravures du maître (ou de ses élèves) peuvent éventuellement correspondre soit aux compositions destinées à la chapelle, soit à celles de Florence, à savoir la "Déposition de la croix", la "Mise au tombeau" et la "Descente aux limbes".


title: Andrea Mantegna

text: Entre chaque commande, Mantegna ne restait pas fixé à Mantoue. Le 23 et le , Mantegna participe à une expédition sur les rives du lac de Garde avec, entre autres, un peintre proche des Gonzague, Samuele da Tradate (?-1466), un ingénieur en hydraulique nommé Giovanni Marcanova, et un spécialiste véronais d’épigraphie, Felice Feliciano, qui connaissait par ailleurs Mantegna depuis Padoue. Après avoir visité divers sanctuaires et recopié dans leurs carnets de vieilles inscriptions, la petite bande vêtue comme les anciens Romains, qui en « empereur », qui en « consul », têtes couronnées de feuillages, se recueille dans une chapelle dédiée à la Vierge afin de lui rendre grâce pour la belle journée passée et le spectacle de tous ces vestiges. Très amis, ils avaient travaillé sur la décoration de la résidence de Cavriana (1463).


title: Andrea Mantegna

text: En 1465, Mantegna s'attele à un ensemble de fresques aujourd'hui connu sous le nom de "Camera degli Sposi" ("La Chambre des Époux") : une série de compositions particulièrement complexes ne comprenant que des fresques dans une seule pièce et montrant différentes représentations de la famille Gonzague dans leur vie quotidienne. La décoration de la pièce est terminée vraisemblablement en 1474, quatre ans avant la mort de Louis. On y voit surtout la célébration de l'élection de Francesco Gonzaga au titre de cardinal.


title: Andrea Mantegna

text: Les effets sont jugés à cette époque admirables. L'architecte Bramante et Le Corrège s'en souviendront, utilisant à leur tour raccourci, trompe l'œil, et représentation "di sott'in sù" : le traitement illusionniste est ici porté à son comble, tandis que le studiolo et autres pièces d'architectures feintes font leur apparition dans les grandes demeures. La formule de la "camera picta" (« chambre peinte ») se répand dans toute l'Italie.


title: Andrea Mantegna

text: Comme prix de ce travail colossal, Louis offre donc à Mantegna un terrain en 1476 sur lequel l'artiste fait bâtir sa maison, comprenant son atelier et décoré par ses soins. La demeure abritera sa propre collection d'antiques et une bibliothèque où figurent les principaux auteurs classiques. Collection et décorations ont à ce jour disparu. Il obtint le titre de comte palatin et dès lors se comporte comme un seigneur.


title: Andrea Mantegna

text: Pendant le long chantier de la "Camera degli Sposi", menés avec une lenteur particulière (comme en témoigne également la période de restauration effectuée entre 1894 et 1987), Mantegna travaille également sur d'autres œuvres, mais leur cohérence et leur identification sont particulièrement difficiles, faute de documentation. On sait donc qu'en 1466 Mantegna était à Florence et à Sienne et qu'en 1467 il retourna en Toscane. Le seul travail qui se réfère à ces voyages est peut-être le "Portrait de Charles de Médicis" (Florence, musée des Offices) dont la date d'exécution remonterait cependant à 1460.


title: Andrea Mantegna

text: Les dix années qui suivent sont, par contraste, parsemés de malheurs : le caractère de Mantegna devient irritable du fait de commandes payées en retard, son fils Bernardino meurt peu avant le décès du marquis en 1478, suivi de celui de la marquise, Barbara, en 1481. Le nouveau marquis, Frédéric I dit "le Bossu" meurt à son tour en 1484 : il avait fait Mantegna chevalier. Ce n’est seulement qu'avec l'avènement de François II que les commandes artistiques reprennent : une période qui, précédant une intense activité militaire, fut propice au mécénat, par le biais de la marquise Isabelle d'Este. Mantegna avait collectionné quelques bustes antiques romains, qui furent offerts à Laurent de Médicis quand le Florentin visita Mantoue en 1483. Il peint quelques fragments architecturaux et décoratifs, et achève le "Saint Sébastien d'Aigueperse" (musée du Louvre). Il ne parvient pas à assumer les dépenses considérables nécessaires à la construction de la grande maison moderne qu'il entreprit de construire vers 1476 ; il dut en céder la propriété aux Gonzague en 1502.


title: Andrea Mantegna

text: En 1488, Mantegna est appelé par le pape Innocent VIII, une offre qui ne se refuse pas, pour décorer de fresques la galerie du Petit Palais du belvédère au Vatican. Cette série de fresques, y compris un remarquable baptême du Christ, seront détruites par Pie VI en 1780 pour constituer la Galerie des statues (Rome, Musée Pio-Clementino). Le pape traite Mantegna moins généreusement qu'il ne l’a été à la cour de Mantoue ; mais, à tout prendre, leur entente, qui cesse en 1500, n'a été nullement désavantageuse pour aucune des deux parties. Mantegna rencontre également le célèbre otage turc Jem et étudie attentivement les monuments antiques, mais l'impression que lui laisse la ville est dans l'ensemble décevante. Retourné à Mantoue en 1490, il reprend avec force sa vision plus littéraire et plus amère de des antiquités gréco-romaines, et va se lier étroitement avec Isabelle d'Este, devenue la nouvelle marquise depuis février, une femme cultivée et intelligente.


title: Andrea Mantegna

text: Revenu en sa ville d'adoption désormais dirigée par François II Gonzague, il continue son travail avec les neuf peintures "a tempera" pour "Les Triomphes de César", qu’il a probablement commencées avant son départ pour Rome, et qu’il termine autour de 1492. Ces grandes toiles carrées de plus de deux mètres de côté étaient destinées à décorer une grande salle de réception du château Saint-Georges. Elles sont peintes à la gloire de François Gonzague et de la tradition familiale à travers le vainqueur des armées des Gaules, ces mêmes armées que le duc vainquit de nouveau en 1495 sur le fleuve Taro. Ces compositions ont été énormément valorisées par l'aristocratie britannique dès la fin du pour des raisons patrimoniales : conservées dans les collections royales depuis 1640, elles finirent par éclipser d'autres œuvres majeures de Mantegna ; Stendhal le constate en 1823, avec regret, dans ses études sur la peinture renaissante italienne.


title: Andrea Mantegna

text: Malgré une santé déclinante, Mantegna reste actif. Parmi d’autres travaux de la même période, on trouve "La Madone de la carrière", Saint Sébastien et "La Lamentation sur le Christ mort", qu’il a probablement peinte pour sa chapelle funéraire personnelle. Un autre travail des dernières années de Mantegna est ce qu’on appelle "La Vierge de la Victoire", maintenant au Louvre. Elle est peinte "a tempera" vers 1495, en souvenir de la bataille de Fornoue dont l’issue est discutable, mais que François II souhaitait montrer comme une victoire de la ligue italienne sur les troupes françaises de Charles VIII ; l'église qui à l'origine a abrité ce tableau, Santa Maria della Vittoria, a été construite suivant les plans même de Mantegna. Le retable y fut installé solennellement en .


title: Andrea Mantegna

text: La Vierge est ici représentée en compagnie de plusieurs saints, de l'archange saint Michel et de saint Georges qui lui tiennent son manteau, sous le prolongement duquel se tient François II à genoux, dans une profusion de riches guirlandes et d’autres ornements. Indépendamment de sa perfection dans l’exécution, cette œuvre compte manifestement parmi les plus belles et les plus attachantes des œuvres de Mantegna où les qualités de beauté et de séduction sont souvent exclues, au profit de la poursuite rigoureuse de ces autres idéaux plus appropriés à son génie grave : la tension de l’énergie s’exprimant dans une passion hagarde.


title: Andrea Mantegna

text: À partir de 1497 Mantegna est chargé par Isabelle d'Este, maîtresse de Mantoue depuis 1490, de transposer les thèmes mythologiques chantés par le poète de cour Paride Ceresara dans des peintures destinées à son appartement privé ("studiolo") au château San Giorgio. Ces peintures sont dispersées au cours des années suivantes : l’une d’elles, "La Légende du Dieu Comus", a été laissée inachevée par Mantegna et terminée par Lorenzo Costa, qui lui a succédé comme peintre de cour à Mantoue. Ses rapports avec la marquise sont difficiles, cette dernière essayant de renouveler le style de la cour en faisant appel à d'autres peintres. Le marquis le défend encore et lui commande une "Vierge à la Victoire".


title: Andrea Mantegna

text: Après la mort de son épouse, Mantegna devient, à un âge avancé, père d'un enfant naturel, prénommé Giovanni Andrea. Il continue à se lancer dans toutes sortes de dépenses (pour ses collections, son personnel d'atelier, sa famille), puis connaît de graves ennuis familiaux : son deuxième fils, Francesco est contraint à l'exil hors de Mantoue car il s’était attiré le courroux du marquis. Le contexte est celui des guerres d'Italie : une crise économique frappe alors la Lombardie. Mantegna revend une partie de ses collections d'antiques, dont un buste représentant Faustine qu’il aimait beaucoup.


title: Andrea Mantegna

text: Très peu de temps après cette vente, il meurt à Mantoue, le . Son fils aîné, Lodovico est chargé de régler la succession de l'atelier, chose faite en 1510 ; l'inventaire en résultant a été conservé.


title: Andrea Mantegna

text: En 1516, la chapelle commanditée en son honneur par ses fils est achevée en la basilique Saint-André de Mantoue, où il avait peint le retable de la chapelle mortuaire dont le dôme a été décoré par Le Corrège.


title: Andrea Mantegna

text: Un certain nombre de dessins de la main de Mantegna ont été retrouvés : certains sont des scènes préparatoires à des compositions peintes, des esquisses donc, et d'autres non. Ceux-ci témoignent d'une précision de trait, d'une ligne assurée, d'une maîtrise parfaite des volumes, par l'emploi de l'encre et parfois du fusain. Leur statut pose problème dans la mesure où certains ont été interprétés en gravure, d'autres ont servi comme modèle préparatoire à des objets de décoration. La question n'est plus vraiment de savoir combien furent gravés par Mantegna lui-même, ou, dans le cadre de son atelier, par des assistants, des collaborateurs : les gravures apparaissent en effet tardivement, après l'installation à Mantoue. Du fait de sa charge, de son prestige, l'artiste a eu de nombreux disciples et admirateurs, son art s'est diffusé de son vivant. Il a été copié et interprété suivant l'usage ou de manière clandestine. Le travail des critiques d'art consiste donc, depuis plus d'un siècle, à statuer sur ce corpus gravé, suivant le matériel disponible.


title: Andrea Mantegna

text: La technique de la chalcographie en Italie du Nord à cette époque est connue, les orfèvres vénitiens l'exploitent, et la diffusion s'opère tout le long du sillon commercial qui relie la vallée du Rhin, la Bourgogne et la Lombardie. C'est Giorgio Vasari en 1550 dans "Les Vies" qui introduit le mythe d'un Mantegna, « inventeur de la gravure sur cuivre en Italie » ; Vasari corrige son assertion dans l'édition de 1568 et attribue l'invention à Maso Finiguerra. Par ailleurs, il donne comme liste de gravures issues de la main du maître : "La Mise au tombeau", "Le Christ ressuscité", les "Bacchanales" (2 plaques), le "Combat de dieux marins" (2 plaques) et "La Descente de Croix" ; il y ajoute les gravures d'après "Les Triomphes de César".


title: Andrea Mantegna

text: Il faut imaginer Mantegna après 1460 investi d'une très lourde responsabilité, celle de peintre de cour, mais aussi de directeur artistique, conservateur des collections, au service presque exclusif de Louis III Gonzague puis de ses héritiers : Gonzague a beau être un humaniste, un mécène éclairé, il est surtout un "condottière", un "podestat", et gère ses affaires avec rigueur, non sans veiller au grain : ses commensaux lui doivent la primeur de leurs découvertes. Aussi, Mantegna fut-il très obéissant, ne voulant en aucun cas perdre son statut. Quand en son atelier ("bottega"), qui comprenait de nombreux apprentis, mais aussi des fournisseurs, des individus plus mûrs, doués de certaines qualités, on se piquait de traduire les dessins du maître en gravure, le règlement du marquisat prévoyait d'en limiter la production sous forme d'estampes d'abord au seul usage du prince. L'enjeu est ici à la fois économique et stratégique : une plaque de cuivre permet de multiplier un motif signé Mantegna, d'où la tentation d'en fabriquer, de répondre à la demande, et de faire de l'argent, mais surtout de diffuser l'image : celle-ci peut donc échapper à son créateur. Peintre de cour, Mantegna était soumis à un contrôle très strict de la part des Gonzague qui lui interdisaient de vendre ses œuvres et cette nouvelle technique de reproduction, au-delà de ses qualités expressives propres, lui permettait de faire connaître ses inventions en dehors de Mantoue. Le contrat que signe Mantegna en 1475 avec Gian Marco Cavalli est très explicite : ce jeune orfèvre est dans l'obligation de tenir ses modèles et ses estampes secrets, sous peine d'une pénalité sévère ; pour avoir enfreint cette interdiction, Simone Ardizzoni, un autre graveur, fut bastonné sur ordre de Mantegna et alla réclamer justice au marquis quand celui-ci partit se vendre à un autre peintre local : la jalousie et la compétition étaient donc fortes.


title: Andrea Mantegna

text: Par ailleurs, l'inventaire des biens de Lodovico, l'un des fils de Mantegna, mort en 1510, fait état de plusieurs plaques de cuivre sur lesquelles étaient gravées des compositions de Mantegna : s'il les a conservées en son atelier, c'est donc qu'il les reconnaissait comme siennes.


title: Andrea Mantegna

text: La question des gravures de Mantegna est assez difficile à étudier, en partie parce qu'il n'a jamais signé ni daté aucune de ses plaques, contrairement à ce qu'il opère après l'exécution de ses peintures, et à la différence des autres peintres-graveurs de son temps.


title: Andrea Mantegna

text: Au fil des siècles, depuis la première liste établie par Vasari, le nombre de gravures qu'on lui attribue change considérablement ; on est passé à une quarantaine au milieu du , puis vers 1900, avec les travaux de Paul Kristeller, on est revenu à sept. Depuis 2000, les travaux de Suzanne Boorsch, figure d'autorité ayant dirigé pendant près de vingt ans le département des dessins et estampes de la Yale University Art Gallery, le corpus s'est stabilisé autour de onze gravures directement supervisées par Mantegna auxquelles s'ajoutent onze autres produites par un artisan embauché par le maître. Le nom de cet homme serait Gian Marco Cavalli, dont il est certain qu'il travailla à l'atelier de Mantoue, mais Boorsch, prudente, le nomme le « Premier Graveur ». En conclusion, elle rejette la thèse d'un Mantegna graveur, mais aussi celle d'une « école de graveurs » fondée par lui.


title: Andrea Mantegna

text: S'il n'a donc pas ou peu manié lui-même le burin, mais seulement fourni les dessins, les modèles, cela ne veut pas dire qu'il n'en connaissait pas l'art : encore une fois, son statut, ses responsabilités, l'obligeaient à déléguer. L’"Encyclopédie Larousse" en fait cependant l'un des représentants de la manière large.


title: Andrea Mantegna

text: La liste qui nous est parvenue montrerait que Mantegna a commencé la gravure à Florence, soit vers 1466, incité à le faire par les gravures qu’avait réalisées le Florentin Baccio Baldini d'après Sandro Botticelli, ce qui semble raisonnable. A été suggéré en revanche qu'il aurait commencé à graver alors qu’il était toujours à Padoue, en recevant l’enseignement d'un orfèvre distingué, un certain « Niccolò ». Cette hypothèse est contrecarrée par le fait que tous les peintres graveurs de cette époque, Antonio Pollaiuolo, Martin Schongauer, Albrecht Dürer, étaient issus de familles d’orfèvres et s’étaient dès l’enfance familiarisés avec le travail du métal et le maniement du burin en évoluant dans les ateliers paternels — ce qui n'est pas le cas de Mantegna.


title: Andrea Mantegna

text: Sa propre technique et celle de son ou ses collaborateurs se caractérisent par les formes puissamment marquées du dessin, et par les hachures de forme oblique pour marquer les ombres, l'utilisation des tailles parallèles et du zigzag, héritée de la manière large florentine et notamment de Pollaiuolo. On trouve souvent les épreuves en deux tirages différents. Pour le premier, les épreuves ont été réalisées au rouleau, ou même par pression manuelle, et elles sont faiblement teintées ; pour le second, a été employé la presse, et l'encre apparaît plus marquée sur le papier. Au moins six plaques de cuivre sont travaillées des deux côtés. La plupart des dessins originaux sont peut-être perdus à jamais, sauf "Le Christ ressuscité entre les saints André et Longin" et "La Descente aux limbes". Les épreuves qui nous sont parvenues, souvent tirées de plaques usées, regravées, ne permettent pas d’apprécier pleinement l’art du graveur. Quelques excellentes épreuves sont cependant conservées.


title: Andrea Mantegna

text: Parmi les thèmes exploités, on trouve des triomphes romains, des bacchanales, des scènes mythologiques (Hercule et Antée, des dieux marins), ou bibliques dont Judith avec la tête d'Holopherne, la Déposition de la Croix, la Mise au Tombeau, la Résurrection, l'Homme de Douleurs, la Vierge. Ses chefs-d'œuvre sont le "Combat de dieux marins", frise en raccord sur deux plaques, et une Vierge de l'humilité dite "Vierge à l'Enfant avec nimbe", auxquels on peut ajouter les deux "Bacchanales".


title: Andrea Mantegna

text: Vers 1494, Dürer, qui voulut rencontrer Mantegna (mais cela ne se fit pas), exécute deux dessins d'après le "Combat de dieux marins" et "La Bacchanale au Silène". Une dizaine d'années après la mort du maître en 1506, neuf plaques sont envoyées en France vraisemblablement par Francesco Primatice pour travailler à Fontainebleau, mais c'est son collègue Giulio Romano qui, en 1532, l'y remplaça. On connaît des gravures reprises par Jean Duvet.


title: Andrea Mantegna

text: Quant aux soi-disant « Tarots de Mantegna », séries d'estampes improprement assimilées au jeu de tarot, leur nom provient de ce que les historiens d'art tenaient ce jeu d’images pour l'œuvre d'artistes influencés par le style d'Andrea Mantegna. De nos jours, on les considère comme des burins de l'école de Ferrare. Il faut les relire à la lumière d'une tradition herméneutique exprimée par exemple dans "Le Songe de Poliphile" (1499).


title: Andrea Mantegna

text: Mantegna a utilisé une technique de détrempe à l'œuf ("tempera") ou détrempe à la colle pour lier ses pigments alors que la peinture à l'huile était déjà pratiquée. La datation de ses œuvres reste souvent imprécise.


title: Andrea Mantegna

text: Mantegna est apprécié en dehors de Mantoue de son vivant : l'impact de son atelier, qui fait école, est tel, que, par exemple, lorsque le "Saint Sébastien" arrive à Aigueperse, en Auvergne, sur les terres des Bourbon-Montpensier, l'aristocratie parisienne s'en émeut. Le cardinal Georges d'Amboise le qualifie même en 1499 de . Il incarne, avant Léonard de Vinci, le génie renaissant.


title: Andrea Mantegna

text: Giorgio Vasari, dans son ouvrage "Le Vite", fait dès 1550 l’éloge de Mantegna, malgré quelques réserves sur l’homme. Il s’est très bien entendu avec ses camarades lorsqu’il apprend le métier à Padoue et conserve des liens solides d’amitié avec deux d'entre eux : Dario da Trevigi et Marco Zoppo. Mantegna prend des habitudes de ce qui lui cause parfois des difficultés financières et il doit parfois faire valoir ses droits auprès des Gonzague.


title: Andrea Mantegna

text: Par la solidité de son goût pour l’Antiquité, Mantegna surpasse tous ses contemporains. L'influence de Mantegna est très nette sur le style et les tendances de tout l’art italien de son époque. Elle est évidente sur les premières œuvres de Giovanni Bellini, son beau-frère. Albrecht Dürer a subi l’influence de son style au cours de ses deux voyages en Italie. Léonard de Vinci a pris de Mantegna les motifs décoratifs avec des festons et des fruits. Le Corrège, mais aussi Giulio Romano, entre autres, payèrent leurs dettes au maître.


title: Andrea Mantegna

text: On considère que l'apport principal de Mantegna est l'introduction de l'illusionnisme spatial, tant dans les fresques que dans les peintures de "Conversation sacrée" : son influence dans la décoration des plafonds s’est poursuivie pendant presque trois siècles. À partir du plafond en trompe-l'œil de la "Chambre des Époux", Le Corrège a développé les recherches de celui qui avait été son maître et son collaborateur dans l’élaboration de perspectives, aboutissant au chef-d’œuvre qu’est le dôme de la cathédrale de Parme.


title: Andrea Mantegna

text: Par sa capacité à transposer efficacement le mythe politique en cours d'élaboration à Mantoue, comme il apparait dans la "Chambre des Époux", Mantegna est considéré comme l'un des fondateurs de la peinture idéologique laïque et comme l'inventeur du « paysage composé » moderne où la nature est transparente à l'histoire humaine.


title: Andrea Mantegna

text: Il invente dans une large mesure, dans le "Studiolo" d'Isabelle d'Este, les principes fondamentaux de la peinture mythologique.


title: Andrea Mantegna

text: Dès le , il apparaît comme le plus grand peintre italien du siècle précédent, notamment du fait de la renommée de son cycle de peintures sur "le Triomphe de César". Baldassare Castiglione et l'Arioste ne tarissent pas d'éloges à son propos.


title: Andrea Mantegna

text: Mantegna est collectionné durant tout le , par le cardinal de Richelieu, Mazarin, Pierre Crozat, le duc d'Orléans... Il est redécouvert peu avant 1800, par une nouvelle génération de collectionneurs. Son impact est alors sensible sur le développement du classicisme et l'art de Jacques-Louis David en particulier. Au moment, où au , surgit la modernité, des peintres comme Edgar Degas ou Gustave Moreau s'enthousiasment pour lui. Au printemps 1900, Marcel Proust découvre les fresques peintes par Mantegna dans la chapelle Ovetari de l'église des érémitiques de Padoue ; il y fait plusieurs fois référence, dans sa correspondance et dans "À la recherche du temps perdu" (tome II).


title: Andrea Mantegna

text: Depuis 1945, l'artiste renaissant fait l'objet de plusieurs expositions parmi lesquelles celle de Mantoue en 1961, de New York et Londres en 1992, plusieurs en Italie en 2006 pour fêter le cinq-centième anniversaire de sa mort (à l'occasion desquelles Giovanni Agosti publie un ouvrage de référence sur Mantegna) et celle de Paris au musée du Louvre en 2008.


title: Andrea Mantegna

text: Des musées réputés possèdent ses œuvres : la National Gallery de Londres, la pinacothèque de Brera, le musée Poldi Pezzoli de Milan, le musée du Louvre de Paris, le musée du Prado de Madrid, etc.


title: François II de Rohan

text: François II de Rohan, né à Paris en 1480, fils de Pierre de Rohan et de Françoise de Penhoüet, mort à Paris le , est évêque d'Angers de 1499 à 1532 et archevêque de Lyon de 1501 à 1536. Il est inhumé dans la nef de l'église primatiale de Lyon.


title: François II de Rohan

text: Sa famille le fait rentrer dans les ordres et il est nommé abbé de Saint-Aubin d'Angers. Le pape Alexandre VI le nomme ensuite administrateur du diocèse d'Angers, puis, par dispense d'âge, évêque d'Angers après le décès de Jean de Rély. Il est ensuite nommé archevêque de Lyon le en conservant son diocèse d'Angers. Il préside le concile de Tours convoqué en 1510 par Louis XII, et participe au concile de Pise (1511).


title: François II de Rohan

text: Il laisse la réputation d'un prélat de grand mérite. À Lyon, il accomplit en 1506 une visite générale de son diocèse pour en prendre la mesure. À la suite, il reprend les statuts synodaux et fait réviser l'antiphonaire et le graduel pour unifier la liturgie. Sensible à la question des déviances doctrinales, il organise en 1528 un concile provincial pour condamner les innovations de Luther et travailler aux bonnes mœurs de son clergé. Comme le concile de Bourges, tenu la même année, celui de Lyon avait aussi pour but de collecter les décimes pour la rançon des fils de François, retenus comme otages en Espagne pour garantir l'application du traité de Madrid (1526).


title: Gisèle de Bavière

text: Gisèle de Bavière, née vers 985 et morte le vers 1060 à Passau, est une princesse germanique issue de la dynastie des Ottoniens, fille du duc Henri le Querelleur et de Gisèle de Bourgogne. Elle fut l'épouse d'Étienne et la première reine de Hongrie de 1001 à 1038. Elle est déclarée bienheureuse par l'Église catholique.


title: Gisèle de Bavière

text: La fille aînée de Henri le Querelleur (951–995), duc de Bavière, Gisèle est la sœur du futur empereur Henri II. Sa mère Gisèle († 1006 ou 1007), fille du roi Conrad III de Bourgogne, dont elle reçoit le nom de baptême, la met au monde vers 985, après deux garçons, Henri II et Bruno (futur évêque d'Augsbourg), et avant une autre fille, Brigitte. C'est l'époque où son père se réconcilie définitivement avec l'impératrice Théophano, veuve de son cousin Otton II et régente du Saint-Empire.


title: Gisèle de Bavière

text: Elle reçoit une éducation chrétienne très poussée, notamment de la part de l'évêque Wolfgang de Ratisbonne, confesseur et conseiller de la cour ducale en Bavière. Toute son enfance, elle voit son père en conflit frontalier presque constant avec la grande-principauté de Hongrie. En août 995, il meurt à l'abbaye de Gandersheim, laissant le duché de Bavière à son fils aîné Henri II. Gisèle est aussitôt fiancée à Étienne (969–1038), l'héritier de la Hongrie. Elle a alors une dizaine d'années.


title: Gisèle de Bavière

text: Après leur défaite à la bataille du Lechfeld en 955 et une série de conflits avec l'Empire byzantin, les Magyars (Hongrois) se sont rapprochés de l'Occident. Étienne (Vajk) et son père, le grand-prince Géza de Hongrie, ont été baptisés par l'évêque Adalbert de Prague en 985. Cette intégration a été renforcée par l'union conjugale de Gisèle et Étienne, souhaitée autant par la cour impériale d'Otton III que par Géza.


title: Gisèle de Bavière

text: Le mariage qui eut lieu au château de Scheyern à la fin de 995 ou au début de 996 ne se fit pas sans concessions : les Hongrois cédaient le sud-ouest de la Grande-Moravie et le bassin de Vienne qui deviennent partie intégrante du margraviat d'Autriche ; de plus, ils acceptaient une évangélisation accrue de leur pays. En échange, la Bavière promettait la paix : durant neuf siècles, la frontière demeura presque stable sur les rives de la Morava et de la Leitha.


title: Gisèle de Bavière

text: Après les cérémonies, une suite nombreuse accompagna Gisèle au pays de son époux et beaucoup étaient des religieux. À la suite du décès de Géza en 997, Étienne lui succède comme grand-prince de Hongrie. Par l'entremise d'Astéric, abbé du monastère de Břevnov à Prague, et soutenu par l'empereur Otton III, il a reçu les insignes du royaume de Hongrie des mains du pape Sylvestre II vers 1001 (la date exacte du couronnement est inconnue).


title: Gisèle de Bavière

text: Étienne lui donna plusieurs fils : l'aîné, peut-être nommé Otton, devait être né avant 1002 et un autre se serait également prénommé Étienne, mais ils sont morts jeunes et les sources qui les mentionnent sont très tardives alors que les informations sont plus riches concernant le cadet, Émeric de Hongrie, qui deviendra Saint Émeric. Né en 1007, il mourut pourtant en 1031, tué au cours d'une partie de chasse.


title: Gisèle de Bavière

text: La théorie affirmant qu'Agathe, épouse du prince anglais Édouard l'Exilé (ou d'Outremer) et mère de la reine Marguerite d'Écosse, était une fille d'Étienne et de Gisèle est aujourd'hui écartée.


title: Gisèle de Bavière

text: Veuve en 1038, elle vit bientôt Pierre, neveu et successeur de son époux, renier ses engagements vis-à-vis de lui et tyranniser les habitants, elle comprise. D'abord arrêtée et dépouillée de ses biens, elle finit par abandonner son pays d'adoption en 1042 pour regagner sa Bavière natale avec l'aide du roi Henri III. Au bout de quelques années à Kochel, elle se retira à l'abbaye bénédictine de Niedernburg dans la ville de Passau, y prit le voile et y mourut vers 1060.


title: Gisèle de Bavière

text: Gisèle fut déclarée bienheureuse en 1975. Son tombeau à Passau, en Bavière, est la destination de nombreux pèlerins.


title: ℝ²

text: ℝ est une notation mathématique qui désigne l'ensemble des couples de nombres réels.formula_1 (qui s'abrège en formula_2) s'écrit aussi : formula_3 ou, avec ,formula_4, tel que le nombre formula_5 de coordonnées formula_6 peut s'écrire sous la forme : formula_7.


title: ℝ²

text: ℝ


title: ℝ²

text: ℂ


title: Franz Gertsch

text: Franz Gertsch est un peintre suisse, né le à Morenges, dans le canton de Berne.


title: Franz Gertsch

text: De 1947 à 1950, Franz Gertsch fréquente l'école de peinture de Max von Mühlenen, à Berne, où la galerie Simmen présente en 1949 sa première exposition personnelle. Jusqu'en 1952, toujours à Berne, où il résidera jusqu'en 1974, il se perfectionne dans le domaine des techniques picturales auprès de Hans Schwarzenbach. En 1967, il reçoit la Bourse Louise Aeschlimann, à Berne: c'est l'époque des images pop aux typologies simplifiées. Il expérimente sa technique réaliste à partir de l’automne 1968, après différentes expérimentations infructueuses en sculpture, puis en peinture. La première des peintures réalistes de Franz Gertsch date de 1969: « Huaa ...! », cavalier au galop, sabre levé, interprète une double page du périodique "Salut les copains". Suivent entre 1970 et 1980 les scènes de famille ou de groupes (comme la série de trois tableaux Saintes Maries de la Mer peints lors d'un voyage dans le sud de la France en 1971 où il a photographié les enfants gitans sur la plage des Saintes Maries de la Mer, le pèlerinage des Saintes Maries ayant lieu les 24 et de chaque année) et les portraits « en situation » d'amis du milieu de l'art. Avec Huaa... ! (1969) marque donc le début de cette période d’exploration de l’illusion hyperréaliste qui se termine avec la série de portraits de Patti Smith en 1979.


title: Franz Gertsch

text: À la fin de l'année 1970, Jean-Christophe Ammann, directeur du Kunstmuseum de Lucerne, invite Franz Gertsch à y présenter, à plus de quarante ans, sa première grande exposition. Pendant la préparation de l’exposition, Ammann présente Gertsch à Luciano Castelli, un jeune artiste, photographe et performer, personnalité phare de la scène lucernoise. Castelli vit alors dans un logement communautaire et Gertsch rencontre son cercle d’amis. En simple observateur, il documente par une série de clichés, le quotidien de ces jeunes gens enclins à confondre l’art et la vie, à transgresser les identités de genre et les catégories artistiques. À partir de ces images, Frantz Gertsch consacrera sept années à l’exécution d’une série de toiles elles-mêmes marquées par leur emprunt simultané aux registres de la photographie et de la peinture.


title: Franz Gertsch

text: En 1972, à la documenta 5 à Cassel, qui « interroge la réalité » et les iconographies contemporaines, son tableau "Medici" a été particulièrement remarqué. Il montre cinq jeunes gens appuyés à une barrière devant le Kunstmuseum de Lucerne ; leurs tenues et leurs poses, leurs expressions aussi, suggèrent une sortie entre amis. L'artiste a pris la photographie et l'a reportée sur la toile puis l'a démesurément agrandie grâce à un système de projection de diapositive. En 1972, à la faveur de Documenta v, Franz Gertsch voyage : France (Paris), États-Unis (1972, 1973, 1986), Italie, Autriche, Écosse, Allemagne, Japon (1987). Grâce à une bourse du DAAD, il passe une année à Berlin en 1974-1975.


title: Franz Gertsch

text: Son œuvre a été présentée à Paris en 1974 (CNAC) dans l’exposition Hyperréalistes américains – Réalistes européens tandis qu’en 1975 une exposition monographique a circulé à Berlin (Akademie der Künste), Brunswick, Düsseldorf et Bâle. Franz Gertsch participe à sa première grande exposition collective. À son retour de Berlin, Franz Gertsch passe quelques mois à Berne, avant de se fixer en 1976 à « Rüschegg » (non loin de Fribourg et de Berne), où il vit et travaille depuis.


title: Franz Gertsch

text: À partir de 1976, avec « Franz et Luciano », son œuvre s'oriente vers les représentations d'un ou plusieurs personnages plus cadrés dans leur présence et spécificité propres.


title: Franz Gertsch

text: Franz Gertsch a choisi comme modèle la légende du rock Patti Smith après avoir vu sa photo sur la couverture de son disque « Horses » prise par Robert Mapplethorpe et après avoir entendu sa voix et sa musique. Il est allé la rencontrer et la photographier à Cologne en 1977. Les peintures de Franz Gertsch de l'icône du rock de toute une génération a largement contribué à notre mémoire collective à son sujet. Il l'a représentée, en toute simplicité d'une manière réaliste et authentique. Accroupie en face d'un amplificateur, vue de derrière ou positionnée du centre vers le bord de la peinture, un peu sur la défensive en étant proche de lourds micros. Cette peinture est une contre-proposition à la mise en scène d'Andy Warhol de personnages médiatiques comme Marilyn Monroe et Elvis Presley. Franz Gertsch a réussi à réanimer les années 1970 dans ses peintures grâce à sa capture parfaite des vêtements et des couleurs, l'ambiance spécifique de ces années.


title: Franz Gertsch

text: La Biennale de Venise l'invite en 1978 à exposer dans le cadre de Dalla natura all'arte. Dall'arte alla natura. À partir du début des années 1980, ses thèmes de prédilection sont des portraits de femmes, des images de la nature. Entre 1980 et 1986, il peint des portraits en grand format uniquement en resserrant les portraits qu’il réalise en se focalisant sur la tête de ses modèles contemporains et déclare que chaque détail de l'image (nez, iris, fond) a une importance identique au sein de l'image. Le spectateur est ainsi incité à dévisager les différentes zones de ces visages paysages.


title: Franz Gertsch

text: Le grave et grand autoportrait de 1980 engage la focalisation de l'artiste sur la tête. Cette vision prévaut jusqu'à « Johanna II », peinture achevée en 1986. Peu à peu, les dispositifs compositionnels se simplifient, le temps d’exécution s’allonge, et la narration disparaît au profit d’une spiritualisation de la peinture. Les paysages accompagnent son parcours, de façon permanente, de même qu’un titanesque travail de xylogravure pendant de longues années (entre 1986 et 1993, mettant entre parenthèses son travail de peintre, alternant ensuite les phases de gravure et de peinture au gré de ses envies.


title: Franz Gertsch

text: En 1994, l'artiste reprend le pinceau à la faveur de quelques peintures sur Japon, à motifs végétaux culminant dans « Lapis-lazuli : 8.III.1995 », qui est une méditation totalement « abstraite » sur la couleur, le ciel nuageux, l'élémentaire et l'eau, dans leur immense magma. Suivent, toujours en très grand format, des toiles sur le thème de l'herbe entre 1995 et 1997.  Il entreprend alors un nouveau portrait monumental, « Silvia », aux échos Renaissance, achevé en 1998 et qu'on verra à la Biennale de Venise de 1999, alors qu'il est en train d'en réaliser une variante, menée à terme en 2000. Silvia I, 1998 est le début d'une nouvelle phase fond bleu peint avant la figure, rappelle les portraits de la Renaissance et émancipe la peinture de sa matrice photographique également dans les peintures d’herbes exécutées à la même période. Le modèle n’est plus tant la nature que le propre travail de l’artiste et les œuvres appartenant à cette série sont toutes issues de détails du premier tableau.


title: Franz Gertsch

text: En 2002, dans le cadre d'une commande publique, il a réalisé pour la Chalcographie du Louvre une xylogravure intitulée "Pétasite III (Pestwurz III)".


title: Franz Gertsch

text: En 2002, à Burgdorf (nord-est de Berne), le Musée Franz Gertsch a été inauguré. Il a été conçu en collaboration avec l’artiste. Constitué de deux parallélépipèdes de béton, l'architecture, réduite à sa plus simple expression, est volontairement austère, et illustrant le concept du fameux white cube de Brian O’Doherty, créant ainsi des espaces neutres permettant de focaliser le regard du spectateur sur les tableaux de l’artiste. À l'entrée du nouveau Museum Franz Gertsch sont visibles le portrait de l'artiste et une citation de Paul Klee «L'art ne reproduit pas le visible, il rend visible». Le mécène du musée, Willy Michel, riche industriel de Berthoud; le directeur, docteur en histoire de l'art Reinhard Spieler et l'artiste gèrent et financent le musée. L’institution a co-organisé avec le Kunstmuseum de Berne, en 2005, la rétrospective de l’artiste la plus importante à ce jour.


title: Franz Gertsch

text: Même s’il serait inexact de parler de peinture abstraite, les toiles de Franz Gertsch nous font basculer, par moments, dans un univers au sein duquel nous perdons nos repères. Par l’échelle utilisée, les dimensions des toiles, les systèmes de représentation ou la gamme chromatique employée, l’artiste nous fait naviguer dans les confins de ses images. Comme si, sous le vernis racoleur de l’hyperréalisme, se cachait un univers parallèle, un monde enfoui auquel il serait dommage ne pas  prêter attention.


title: Franz Gertsch

text: Franz Gertsch transcende l’instant figé de la photographie, lui donne vie et l’immortalise dans un même geste, celui de la peinture. En 1969, à 39 ans, il fixe le protocole de son travail : sa peinture aura pour modèle la réalité objective que lui fournit l’appareil photographique. Il explique que « La réalité ne peut plus être saisie qu’avec un appareil photographique, car l’homme s’est habitué à considérer la réalité photographiée comme le rendu maximal du réel » tout en précisant qu’un « tableau doit rester un tableau et ne pas se substituer à la réalité ». Ses modèles sont des images qu’il a photographiées lui- même : amis, famille, anonymes qui acceptent de poser pour lui dans des mises en scène photographiques. L'artiste peut aussi utiliser des images qu’il trouve dans des magazines ou photographier sans mise en scène préalable. C’est une évidence notamment pour les œuvres récentes, réalisées à partir de photographies de paysages.


title: Franz Gertsch

text: Le peintre est aussi photographe et metteur en scène, gérant accessoires, éclairage, position des acteurs. Il sait qu'au moment de la prise de vue que les images ne resteront pas des photographies et qu'elles serviront de base iconographique pour sa peinture. Son regard de peintre-photographe va permettre de former des photographies-futures-peintures.


title: Franz Gertsch

text: Quand les images sont sélectionnées, Frantz Gertsch en tire des diapositives projetées en très grand format sur une immense toile blanche. Frantz Gertsch fixe l’image sur la toile. La soumission à l’image est donc complète. À l’instar de celle de Chuck Close, la peinture de Franz Gertsch s’appuie sur un « modèle » photographique, l’artiste réalisant des images d’images.


title: Franz Gertsch

text: Les œuvres reproduisent donc certaines des caractéristiques propres à l’utilisation de ce médium : contrastes entre zones floues situées en arrière-plan et zones nettes en premier plan, jeux d’ombres et de lumières dus à la mise en œuvre du flash lors de  la prise de vue, et transparence des couleurs liée à l’utilisation de la diapositive au moment de l’exécution du tableau. La distance devient dès lors une question essentielle, celle à laquelle le sujet est lisible. Cette technique rappelle deux légendes : la légende de Dibutade, la fille du potier de Sycione, rapportée par Pline l’Ancien et la légende de Zeuxis, artiste de l’Antiquité. Dibutade dessine, sur le mur de la maison familiale, le contour du profil de son fiancé, grâce à l’ombre portée de celui-ci. Ce mythe fut considéré, au début , comme l’origine de la peinture et donna lieu à de nombreux tableaux. Zeuxis avait peint une grappe de raisin si ressemblante que les oiseaux  venaient la picorer. Frantz Gertsch nous incite à dépasser la séduction de la mimesis en veiller à ne pas se cantonner à l’aspect hyperréaliste des œuvres, loin de pouvoir résumer à lui seul la pratique exigeante et toujours renouvelée. Ce côté spectaculaire est saisissant et se trouve accentué par les très grands formats utilisés.


title: Franz Gertsch

text: L'artiste réussit à étirer le présent de l’instant de la prise de vue par le truchement de l’acte photographique. En citant Roland Barthes dans son œuvre La Chambre Claire : Note sur la photographie, «  ce que l’on voit sur la photographie « a  été », « a existé » "" Elle atteste d’une réalité, elle continue à faire exister le présent. On peut la comparer à une note de  musique qui s’étire à l’infini et qui semble ne plus pouvoir s’arrêter, comme lorsqu’on entend un larsen : il a été, il est, et il (nous semble qu’il) sera toujours identique.


title: Franz Gertsch

text: La technique de la gravure adoptée par Franz Gertsch s'inscrit dans la vieille tradition asiatique et européenne de l'impression en relief, celle de la taille blanche, mais sous une modalité novatrice. Sa technique renvoie au criblé qui se pratiquait sur métal à la fin du ou au pointillé du . Au moyen de gouges-couteaux, le peintre-graveur pique la plaque de bois dressée devant lui. Ce semis de retraits de matière se traduira au tirage par autant d'éclats lumineux au sein d'un aplat coloré. Le modelé est seulement assuré par un réseau de points sans tracés linéaires ni ombres. Franz Gertsch lève, à strictement parler, les lumières de la forme. Pour se guider de proche en proche sur la plaque de bois, il projette par intermittences une diapositive . Lorsque l’image disparait, l’atelier est allumé et l’artiste peint alors de mémoire ce qu’il a enregistré de l’image projetée. Lorsque l’on s’approche du piqueté réalisé, de minuscules trous incisés apparaissent dans le bois par l’artiste qui deviendront des points qui ont échappé à l’encrage, et qui créent des réserves blanches sur le papier. Cette trame, cette résille fait oublier un temps l’image globale, absorbe dans le motif ornemental répétitif mais toujours différent qui constitue la surface de l’image. Ce code, ce cryptage de l’image se révèle lorsque nous nous mettons à distance de la gravure, offrant alors une image complète, un tout uniformisé par la distance que nous prenons avec lui. Ce réseau piqueté offre à l’image un « grain », une matière, une présence qui en module la surface.


title: Franz Gertsch

text: Le procédé de la xylogravure est réactualisé par le choix des couleurs qu’il utilise (la monochromie apporte une touche contemporaine à cette technique ancestrale) et par les formats choisis qui font écho à l’échelle d’affiches publicitaires, et non ceux traditionnellement utilisés en gravure.


title: Franz Gertsch

text: Les paysages, les portraits ou les scènes représentés dans les gravures de Franz Gertsch ne sont pas hyperréalistes. L’emploi de la monochromie les éloignent de la mimesis. La mise à distance avec l’image-modèle est opérée par une simplification non pas formelle comme le ferait un artiste se dirigeant vers l’abstraction, mais chromatique avec des jeux d’ombre et de lumière, des variations colorées, la texture de l’image. L’image apparaît au prix d’un effort pour la distinguer. Les surfaces des gravures peuvent sembler unies, puis des formes naissent. En observant les gravures de Franz Gertsch, le mouvement inverse intervient : au début, l'observateur ne voit rien, puis l’image apparaît. Dans ses peintures, nous voyons tout, tout d’un coup, puis l’image disparaît au profit d’une fragmentation, effectuée par notre regard qui se disperse, qui se dissout dans l’image.


title: Franz Gertsch

text: Le processus de peinture adopté par Franz Gertsch est très long :il travaille en dehors des temps, des normes, des valeurs contemporaines. Il utilise une toile non apprêtée ainsi que des pigments minéraux naturels liés dans de la résine Dammar et de la cire d'abeille. La dimension des œuvres leur confère un statut particulier. « La monumentalité des formats éloigne toute relation intimiste entre les personnages représentés et le spectateur ». Ces images se transforment en icônes, peintures sacrées qui subjuguent le spectateur à l'instar des fidèles devant des images religieuses de la Renaissance situées dans les églises. Les images sont tirées en très grand format sur papier Japon, des feuilles immenses réalisées par un maître japonais : Ivano Heizaburo.


title: Franz Gertsch

text: Depuis les années 1980, Franz Gertsch omet volontairement les indices permettant d’identifier l’époque à laquelle a été réalisée la peinture que l’on regarde. Si les tableaux des années 1970 semblent pouvoir être facilement rattachés à leur époque (il suffit d’observer les personnages, leur intérieur, leur posture, leur coiffure, leur tenue vestimentaire), les œuvres plus récentes montrent un paysage de campagne sans indice de présence humaine, un portrait sans aucun indice permettant de situer le personnage dans un contexte spatial ou temporel. Les visages des personnages représentés de face comme Sylvia I, ne disent rien, ne communiquent rien. Elle scrute le spectateur la bouche fermée sans dévoiler une émotion particulière. Le spectateur doit donc deviner, dépasser la séduction de la mimesis, pour essayer de commencer un dialogue avec l’œuvre, comme si l'émotion devait être tenue à distance. L'intention de l'artiste va au-delà d'une volonté de reproduire le réel mais de questionner le spectateur sur notre relation à cette réalité. Une impression de mystère se dégage de ces œuvres comme si le spectateur devait creuser au-delà des apparences. Observer un paysage à la densité obsessionnelle et à la précision peut donner le vertige. Les vues évoquant les paysages de Guadeloupe illustrent parfaitement cette approche : cadrage resserré sur un pan de paysage touffu avec une atmosphère moite. Avec un soin attentif au rendu des plantes exotiques comme aux arbres des forêts occidentales, Franz Gertsch se positionne dans la tradition d'une peinture visant à reproduire le réel, d'Albrecht Dürer, le peintre de la Renaissance à l'hyperréalisme du peintre anglais Lucian Freud.


title: Franz Gertsch

text: Se perdre dans l'œuvre, tromper le spectateur, le faire douter de ce qui l’entoure : telle est l'intention de l'artiste de jouer avec la réalité.


title: Franz Gertsch

text: Face aux tableaux de Franz Gertsch, notamment ceux de la série Gräser, nous pouvons à loisir faire circuler notre regard sur la toile, et nous prendre pour des fourmis traversant les hautes herbes représentées. Nous avons la sensation d’être minuscules, et d’observer le monde à une échelle différente de celle dont nous usons habituellement. Dès lors, nous expérimentons un changement de notre rapport à la réalité, faisant une expérience nouvelle, nous immergeant dans un univers familier mais étranger tout à la fois, découvrant d’immenses forêts vierges. Tout ce que nous croyons connaître se trouve d’un seul coup chamboulé. Une  première mise à distance s’opère donc avec l’échelle de l’œuvre. l’échelle utilisée par l’artiste n’est pas le seul facteur opérant une mise à distance du monde réel, détachant les œuvres de Franz Gertsch de leur apparent hyperréalisme, une manière d’inviter l’œil à ne pas rester à la surface des choses, et à entrer dans le détail de l’œuvre. Interprétant à sa manière les bouleversements de la société de consommation, Franz Gertsch invente une peinture atemporelle qui capte un moment de vive intensité.


title: Le Feu sur la glace

text: Le Feu sur la glace ou Flamme sur glace au Québec (") est un film américain réalisé par Paul Michael Glaser, sorti en 1992.


title: Le Feu sur la glace

text: Doug, un joueur de hockey sur glace promis au succès olympique est, au cours d'un match, victime d'un accident qui lui fait perdre de manière irréversible une partie de ses facultés visuelles. Alors qu'il désespère de ne jamais retrouver sa place dans le monde du hockey, il est contacté par l'entraîneur d'une patineuse artistique, Kate, dont le caractère exécrable a fait fuir tous les précédents partenaires. Après une première entrevue glaciale, les deux jeunes gens se lancent dans un entraînement sans répit qui devra les mener aux jeux olympiques.


title: Le Feu sur la glace

text: "-Hamilton, Markham, Newmarket en Ontario, Canada" "-Lake Placid, état de New-York, États-Unis"


title: Le Feu sur la glace

text: "-Mayfield Senior School, Pasadena, Californie, États-Unis"Le film a connu trois suites :


title: Icthyophaga

text: Le genre Icthyophaga constituait, avec le genre "Haliaeetus", le groupe des pygargues, rapaces diurnes qui se nourrissent de poissons.


title: Icthyophaga

text: L'étude phylogénétique des Accipitridae de Raposo do Amaral (2009) portant sur l'analyse génétique de neuf gènes, mitochondriaux et nucléaires, de 105 spécimens (54 espèces) marque un tournant dans la compréhension des relations de parentés dans ce groupe. Il en résulte un bouleversement dans la taxinomie du groupe, qui est répercutée dans la version 3.3 (2013) de la classification de référence du Congrès ornithologique international. Les espèces du genre "Icthyophaga" sont alors placées dans le genre "Haliaeetus".


title: Icthyophaga

text: Le genre a longtemps été incorrectement nommé par certains auteurs "Ichthyophaga".


title: Icthyophaga

text: Jusqu'à la classification de référence (version 3.2, 2012) du Congrès ornithologique international, ce genre était constitué des espèces suivantes :


title: Icthyophaga

text: Syromiatnikova a créé en 1949 le genre "Ichthyophaga" pour un Turbellarié parasite de poissons. Comme le genre était préoccupé par "Icthyophaga" Lesson, 1843, il a été renommé en "Piscinquilinus".


title: Sandaraque

text: La sandaraque (du grec ancien σανδαράκη / "sandarákê", réalgar) ou sandarac est une résine végétale extraite du cyprès de l'Atlas ("Tetraclinis reticulata"), originaire d'Afrique du Nord. Elle se présente sous forme de larmes ou de grains. Elle s'utilise fréquemment dans la composition des vernis à alcool dont elle assure la transparence. Elle est en partie dissoute à chaud dans l'huile. Son point de fusion est de . Elle fond en se boursouflant.


title: Sandaraque

text: Connue depuis l’Antiquité, elle est très fréquemment utilisée. Dès le , elle sert à la confection de vernis gras du Moyen Âge. C’était, avec la résine mastic, la résine de choix pour la confection des vernis. Elle se rapproche beaucoup de la colophane mais elle est moins sensible à l’oxydation. Insoluble dans l’eau, partiellement soluble dans l’essence de térébenthine, elle est soluble dans l’éthanol, l’éther et l’acétone (contrairement au mastic, elle donne une solution claire dans l’alcool). Pour la dissoudre dans l’huile, il faut préalablement la fondre, de même si l’on veut la dissoudre dans l’essence de térébenthine, sans cela elle se ramollit en une masse plastique sans se dissoudre. La sandaraque entre dans la composition des vernis durs, incolores et brillants, applicables au pinceau.


title: Sandaraque

text: Elle est utilisée en lutherie, en ébénisterie ou en entomologie en formulation dans l'.


title: Id est

text: L'expression latine signifie « c’est-à-dire » (). Son abréviation, souvent employée, est i. e..


title: Id est

text: Cette abréviation est principalement utilisée pour des définitions ou des théorèmes mathématiques. On la retrouve parfois dans d’autres contextes. Cette locution latine (à l’instar de "e. g.") est (re)venue dans l’usage français par anglicisme.


title: Id est

text: Dans les cas où une expression latine est en concurrence avec une expression française équivalente, l’Office québécois de la langue française suggère d’utiliser l’expression française ou son abréviation dans les textes français. Par exemple, on préférera l’expression française « c’est-à-dire » et son abréviation « », à son équivalent latin "" et son abréviation "i. e.".


title: Philippe Bérot

text: Philippe Bérot (né le à Tarbes) est un joueur français de rugby à XV, évoluant au poste d'ailier ou arrière, reconverti en tant qu'entraîneur. Il compte 19 sélections en équipe de France de rugby à XV. Il joue au cours de sa carrière au sein des clubs du SU Agen, du Lyon OU, du FC Auch et enfin du SA Condom.


title: Philippe Bérot

text: Après une formation à Lannemezan, Philippe Bérot rejoint Agen en 1983-84. Encore junior, il rejoint rapidement l’équipe première avec laquelle il joue la finale contre Béziers (perdue aux tirs au but). Avec Agen, il sera ensuite champion de France en 1988 et perdra 1 autre finale en 1986. Blessé toute la saison, il ne participera pas à celle de 1990.


title: Philippe Bérot

text: Revenu sur les terrains en 1991, il aura toutefois du mal à retrouver son niveau et après la crise vécue par le club en 1991, il rejoint Lyon, club avec lequel il est champion de France de en 1992 et connaîtra deux montées consécutives jusqu'à l'élite que Lyon retrouve en 1994 mais Lyon sera immédiatement relégué.


title: Philippe Bérot

text: Il rejoint alors pour 3 saisons le FC Auch avant de passer 2 saisons à Condom où il fait ses premiers pas en tant qu’entraîneur.


title: Philippe Bérot

text: Il fut ensuite 2 ans l’entraîneur des trois-quarts d’Auch puis 4 ans celui de ceux du Castres olympique, club avec lequel il remporte le Bouclier européen et le Challenge Sud Radio en 2003 . En 2006, à la demande de Laurent Seigne, il quitte le club. Il rejoint le Stade montois pour la saison 2006-2007 puis le Tarbes Pyrénées Rugby en . Il quitte le TPR en 2012.


title: Philippe Bérot

text: De 2012 à 2016, il est entraîneur de l'Italie responsable des arrières auprès du sélectionneur français Jacques Brunel.


title: Philippe Bérot

text: En 2016, il devient entraîneur des arrières du Sporting club albigeois auprès du nouveau manager Serge Milhas. En , ils font face à une fronde des joueurs qui demandent à l’unanimité le départ du trio d'entraîneur Milhas-Bacca-Bérot.


title: Philippe Bérot

text: Il a un fils Erwan Bérot qui a également été rugbymen professionnel.Il a disputé son premier test match le , contre l'équipe de Roumanie et son dernier test match fut contre l'équipe de Nouvelle-Zélande, le .


title: Philippe Bérot

text: Il a disputé les quatre matchs du grand Chelem de 1987.


title: Perdiccas (général)

text: Perdiccas (en grec ancien Περδίκκας / ), mort en 321 av. J.-C., est l'un des principaux généraux et Diadoques d'Alexandre le Grand. À la mort de ce dernier en 323, il devient chiliarque (équivalent du vizir) et manifeste l'ambition de maintenir à son profit l'unité de l'empire, mais il périt assassiné par ses propres officiers lors de la campagne contre Ptolémée en Égypte en 321.


title: Perdiccas (général)

text: Perdiccas est né, à une date inconnue, dans la famille princière d'Orestide, une région de Haute-Macédoine. Il est élevé, selon la tradition argéade, comme page ("paides") à la cour de puis comme somatophylaque (garde du corps) du roi. Il est l'un des trois officiers à avoir tué Pausanias, l'assassin de Philippe en 336 av. J.-C.. Au début de son règne Alexandre le désigne taxiarque de la phalange des "pezhétaires" (Compagnons à pied) d'Orestide et de Lyncestide. Il participe aux premières campagnes : son premier fait d'arme remonte à la guerre contre les Triballes ; il est ensuite gravement blessé devant Thèbes en 335.


title: Perdiccas (général)

text: Il participe, au sein de la phalange, à toutes les grandes batailles contre l'armée perse, au Granique, à Issos et à Gaugamèles où il est à nouveau blessé. En janvier 330, il prend une part active à la victoire aux Portes Persiques.


title: Perdiccas (général)

text: Vers 330 av. J.-C., il reçoit le commandement d'un corps de la cavalerie des Compagnons en tant qu’hipparque (une hipparchie est un escadron d'environ 500 cavaliers), au moment où Alexandre promeut ses fidèles (Héphaistion, Cleitos, Ptolémée et donc Perdiccas). Il devient durant un an l'un des sept sômatophylaques (garde du corps) du souverain. Au printemps 328, pendant la campagne en Sogdiane, il dirige l'un des cinq corps opérant indépendamment qui envahissent en même temps la Sogdiane et Samarcande.


title: Perdiccas (général)

text: Perdiccas prend ensuite une part active à la campagne en Inde entre 327 et 326. Il commande en 327 avec Héphaistion un corps d'armée dans la vallée du Kophen et rejoint les troupes de Taxilès. Les deux généraux commencent la construction d'un pont flottant sur l'Indus pendant qu'Alexandre guerroie contre les tribus des montagnes. Pendant la bataille de l'Hydaspe, il mène, toujours avec Héphaistion, la charge de cavalerie contre l'aile gauche de Poros. Il participe enfin à l'assaut de la capitale des Malliens durant lequel Alexandre est gravement blessé ; Selon Arrien, certaines sources spécifient que Perdiccas aurait retiré la flèche de la poitrine du roi. Après ce siège, il dirige l'attaque d'une autre cité des Malliens à la tête de sa cavalerie et des javeliniers agrianes ; trouvant la ville déserte, il se lance à la poursuite des fugitifs qui sont presque tous massacrés.


title: Perdiccas (général)

text: Il n'est plus mentionné par les sources jusqu'aux noces de Suse célébrées en 324. Il y épouse la fille du satrape de Médie, Atropatès. Après la mort d'Héphaistion en 324, Perdiccas le remplace comme second dans la hiérarchie, bien qu'Alexandre n'ait pas en lui la même confiance qu'en son défunt favori, en exerçant la fonction de chiliarque, soit équivalent du vizir achéménide et aussi commandant de la cavalerie des Compagnons. Mais il n'en porte pas encore véritablement le titre, ni n'en exerce toutes les attributions. Les historiens modernes considèrent en effet que Perdiccas a été chiliarque de la cavalerie mais non pas chiliarque aulique (de "aulè" : « cour royale »).


title: Perdiccas (général)

text: Alexandre, mort en juin 323 av. J.-C., n'a pas désigné de successeur officiel, provoquant immédiatement une querelle entre ses généraux. Mais, selon les principaux auteurs de la Vulgate, il aurait confié, agonisant, l'anneau royal à Perdiccas, son second depuis la mort d'Héphaistion.


title: Perdiccas (général)

text: Alexandre laisse comme seul héritier un enfant à naître, le futur conçu avec Roxane, et son demi-frère , un « déficient mental » inapte à régner. Une solution temporaire est trouvée par le Conseil ("sunédrion") royal afin de conserver l'unité de l'empire. Si Roxane donne naissance à un fils, celui-ci deviendrait l'héritier. Perdiccas et Léonnatos, auxquels le Conseil prête serment, sont désignés tuteurs provisoires de l'enfant à naître. Mais Méléagre, un officier de la phalange récuse cette décision. Il affirme en effet qu'il ne faut pas attendre la naissance de l'enfant, dont le sexe est incertain, alors qu'il y a déjà des successeurs disponibles, à savoir le demi-frère ou encore le fils bâtard d'Alexandre né de Barsine. Par ailleurs, il n'admet pas que le futur roi soit de sang perse tandis que le mécontentement gagne les fantassins de la phalange, indignés qu'aucune part de la décision ne leur soit laissée. Ils choisissent donc de donner le titre de roi à , ce qui provoque de vives tensions avec la cavalerie favorable aux décisions du Conseil.


title: Perdiccas (général)

text: Afin d'apaiser les tensions nées des querelles de succession, Perdiccas délègue Méléagre et Attale pour négocier avec les fantassins car ils exercent une grande influence sur eux. Oubliant leur mission et afin de satisfaire leurs ambitions personnelles, ils décident de se ranger du côté des soldats et font irruption en armes dans le palais royal où gît encore le cadavre d'Alexandre. Surpris par la tournure des événements, Perdiccas prend la fuite, abandonnant Babylone, et trouve refuge aux portes de la ville, dans le camp de la cavalerie. Pour Méléagre, il est dangereux que ce dernier reste en vie. Il envoie avec Attale des hommes pour le faire assassiner, mais Perdiccas, grâce à son éloquence, parvient à convaincre les fantassins de se ranger derrière lui. Les deux partis trouvent un compromis grâce au chancelier Eumène de Cardia.


title: Perdiccas (général)

text: Les accords de Babylone stipulent donc que les cavaliers reconnaissent comme roi et que si Roxane donne naissance à un fils celui-ci serait également roi. Cratère est désigné protecteur ("prostatès") des rois, Perdiccas conserve le titre chiliarque tandis que Méléagre devient hipparque, soit commandant de la cavalerie. Pour autant Perdiccas s'en méfie car celui-ci exerce encore une grande influence auprès de la phalange.


title: Perdiccas (général)

text: Comme des Macédoniens se sont entretués à la suite des querelles de succession, il est convenu que l'armée doit se purifier par des lustrations solennelles. La cérémonie, selon les usages, se déroule en rase campagne. Un chien est coupé en deux et une certaine distance doit séparer les parties du corps. L'armée doit alors défiler entre les deux parties avec à sa tête le roi et les officiers de haut rang. Puis pour terminer la cérémonie, la cavalerie avec ses éléphants et l'infanterie prennent position l'une en face de l'autre et doivent simuler un combat. Perdiccas et prennent le commandement de la cavalerie et Méléagre celui de l'infanterie. C'est alors que Perdiccas, au nom du roi, menace de charger avec les éléphants droits sur eux s'ils ne livrent pas les meneurs de la dernière révolte. L'infanterie, impuissante, livre une trentaine de soldats et ceux-ci sont écrasés par les éléphants. Méléagre ne quitte pas sa place mais, de retour au quartier militaire, se sentant en danger, part se réfugier dans un temple. Mais Perdiccas est déterminé à le faire exécuter afin d'asseoir son autorité, quitte à trouver de faux prétextes. Il explique alors au roi que Méléagre a voulu le tuer et que c'est pour cela qu'il a pris la fuite. Méléagre, sur ordre du roi, est alors mis à mort sur les marches de l'autel. Par ce geste, Perdiccas montre aux généraux le sort réservé à ses adversaires.


title: Perdiccas (général)

text: Afin de conserver l'intégrité de l'empire d'Alexandre, Perdiccas prétend lui succéder dans l'exercice du pouvoir au titre de chiliarque. Il est probable que la désignation de Cratère comme tuteur ("prostatès") des rois soit une manière de faire contrepoids à ses ambitions. Se forme dès lors une sorte de triumvirat avec Cratère et Antipater, qui conserve la régence de Macédoine au titre de « stratège d'Europe ». Perdiccas s'oppose rapidement aux divers généraux et satrapes, méfiants envers son autoritarisme et désireux eux-mêmes d'accroître leur pouvoir. Son autorité est remise en question dès 323 par Antigone le Borgne et Léonnatos qui refusent tous deux de mener en Cappadoce la guerre au profit d'Eumène de Cardia, le « scribe grec ». Convoqué par Perdiccas devant une assemblée de l'armée, Antigone fuit auprès d'Antipater et de Cratère, alors occupés à réduire la rébellion d'Athènes et de l'Étolie (323-322). Tandis que Léonnatos, une fois arrivé aux portes de la Cappadoce, vole au secours d'Antipater enfermé à Lamia, avec l'armée prévue pour la conquête de la Cappadoce.


title: Perdiccas (général)

text: En 322, Perdiccas prend le commandement de l'armée royale en Cappadoce, avec à ses côtés. Il défait le dynaste Ariarathe qu'il fait crucifier, châtiment que les Perses réservent aux insurgés. Il installe Eumène à la tête de sa satrapie, faisant de lui son principal allié. À la suite de cette victoire, il usurpe à Cratère le titre de "prostatès" (tuteur) des rois et manifeste son intention de maintenir à son profit l'unité de l'empire. Le conflit éclate avec les autres Diadoques lorsque Antigone révèle à Antipater l'ambition de Perdiccas, lequel est censé épouser Nikaia, une fille d'Antipater. Perdiccas est en effet en contact avec Olympias pour arriver en Macédoine avec la dépouille d'Alexandre et épouser une sœur de celui-ci, Cléopâtre.


title: Perdiccas (général)

text: Perdiccas commet des maladresses stratégiques dans sa tentative de conservation de l'autorité impériale. En 322 av. J.-C., il envoie son frère Alcétas en Phrygie assassiner Cynané, une fille de , en chemin pour marier sa fille Eurydice à ; ce qui délivre un prétexte à ses rivaux, dont Antigone qui s'empresse de dénoncer le crime à Antipater et Cratère. Il doit tout de même, sous la pression de ses soldats, accepter le mariage d'Eurydice avec , provoquant la colère d'Olympias et de Cléopâtre qui y voient une menace.


title: Perdiccas (général)

text: Au mépris des accords de Babylone, Ptolémée, le satrape d'Égypte s'empare de la Cyrénaïque et fait exécuter Cléomène de Naucratis, l'administrateur grec laissé à son poste par Perdiccas. Enfin vers 322, Ptolémée « détourne », par l'intermédiaire d'Arrhidée, le convoi funéraire qui doit conduire la dépouille sacrée d'Alexandre de Babylone vraisemblablement jusqu'en Macédoine. Malgré la tentative d'interception du convoi en Syrie par Polémon, envoyé par Perdiccas, Ptolémée a le temps de prendre le relai d'Arrhidée et de récupérer la dépouille. La portée symbolique de ce geste ne peut être niée ; pour autant les historiens modernes ne s'accordent pas tous sur sa réalité, sachant que les sources antiques ne sont guère précises au sujet du lieu où doit être enseveli Alexandre. Peut-être les Diadoques ont-ils tacitement convenu que la dépouille d'Alexandre serait moins dangereuse à Memphis qu'en Macédoine ?


title: Perdiccas (général)

text: La réaction de Perdiccas est néanmoins immédiate. Début 321 il s'avance avec son armée vers l'Égypte tandis qu'Eumène de Cardia est chargé de lutter en Asie Mineure contre la coalition formée par Antipater, Cratère et Antigone. Mais Perdiccas ne parvient pas à envahir l'Égypte dont la frontière orientale est bien défendue. Perdiccas échoue devant Péluse, puis tente en vain de faire passer le Nil à son armée, ce qui sonne le glas de son offensive.


title: Perdiccas (général)

text: Afin de lutter contre une coalition naissante, il laisse Eumène en Asie Mineure avec son frère, Alcétas, faire face à Antipater, Cratère et Antigone pour se diriger avec l'« armée royale » contre l'Égypte. Mais sa morgue, ainsi que ses échecs devant Péluse et dans sa tentative de traversée du Nil, lui aliènent les soldats dont les Argyraspides. Il est assassiné en mai 321 dans sa tente par trois de ses officiers, Peithon, le satrape de Médie, Séleucos, le maître de sa cavalerie, et Antigénès, le chef des Argyraspides.


title: Perdiccas (général)

text: La mort de Perdiccas sonne à terme le glas de l'unité impériale. Les « forces centrifuges » incarnés par les Diadoques n'ont de cesse de se déchirer pour le partage de l'empire d'Alexandre. Les accords de Triparadisos qui suivent sa défaite marquent le renforcement du pouvoir d'Antipater à la tête de la régence de Macédoine et d'Antigone qui s'implante durablement en Asie Mineure. Les grands satrapes (Ptolémée, Séleucos, Lysimaque en tête) n'ont plus de comptes à rendre à une autorité centrale.


title: Perdiccas (général)

text: Perdiccas a trouvé trace dans les archives royales, tenues par le chancelier Eumène de Cardia, des projets d'Alexandre sans avoir eu la possibilité de les mettre à bien : construction navale, grands travaux, conquête de l'Arabie, déplacements de populations, etc.


title: Championnat du Japon de football 1994

text: Le Championnat du Japon de football 1994 est la édition de la première division japonaise et la édition de la J.League. Le championnat a débuté le et s'est achevé le .


title: Championnat du Japon de football 1994

text: Le championnat se déroule en deux phases : les matchs aller ("Suntory Series") et les matchs retour ("NICOS Series"). Le champion de chaque phase est qualifié pour la finale qui détermine le champion du Japon.


title: Championnat du Japon de football 1994

text: Les vainqueurs de chaque phase se rencontrent lors d'une finale qui décerne le vainqueur du championnat.


title: Championnat du Japon de football 1994

text: Note : il n'y a pas de matchs nuls, les victoires sont décernées en cas de matchs nuls, soit au but en or dans la prolongation (1,0), soit aux tirs au but (1,1).


title: Championnat du Japon de football 1994

text: Les 10 de la J League 1993 et les deux premiers de la deuxième division participent à la compétition.


title: Championnat du Japon de football 1994

text: Etablis sur l'ensemble des matchs aller et retour.


title: Championnat du Japon de football 1994

text: Le parcours des clubs japonais en Ligue des champions de l'AFC est important puisqu'il détermine le coefficient AFC japonais, et donc le nombre de clubs japonais présents dans la compétition les années suivantes.


title: Boulet (auteur)

text: Gilles Roussel, dit Boulet, né le à Meaux, est un auteur de bande dessinée français.


title: Boulet (auteur)

text: Après avoir passé quelques années aux Beaux-Arts de Dijon, Boulet intègre l'atelier d'illustration fondé par Claude Lapointe aux Arts décoratifs de Strasbourg. Il fait partie de la même promotion que Erwann Surcouf, Lisa Mandel, Lucie Albon, Reno, Nicolas Wild et Daniel Blancou. Il obtient son Diplôme national supérieur d'expression plastique en 2000.


title: Boulet (auteur)

text: En 1998, à la suite d'un concours de bande dessinée organisé par le festival de Sierre, Boulet est remarqué par Zep, auteur de Titeuf, et Jean-Claude Camano, rédacteur en chef du magazine "Tchô !" qui vient d'être lancé. De 1998 à 2001, il réalise de nombreuses pages pour ce nouveau magazine. En 2001, il publie sa première bande dessinée, "Raghnarok". Suivent ensuite plusieurs séries, toutes publiées par "Tchô !" : "La Rubrique scientifique", "Le Miya" et "Womoks" (avec Reno au dessin).


title: Boulet (auteur)

text: Il débute en 2004 un blog dessiné, Bouletcorp.com, sur Internet. En parallèle, il participe régulièrement au magazine "Tchô" ! et fait une ou deux apparitions dans les magazines "Psikopat" et "Spirou".


title: Boulet (auteur)

text: Boulet cofonde également le blog collectif "chicou-chicou" en 2006 avec Domitille Collardey, Olivier Tallec et Aude Picault, rejoints ensuite par Lisa Mandel, Erwann Surcouf et Ohm. Le blog cesse en 2008 et est suivi d'une publication en album aux éditions Delcourt, collection Shampooing. Dans ce blog, Boulet incarne Ella Forbin, une jeune femme aux cheveux roses, petite et un peu geek, à Château-Gontier.


title: Boulet (auteur)

text: Il prend la suite de Lewis Trondheim pour le dessin de la bande dessinée "Donjon Zénith", issue de la série "Donjon".


title: Boulet (auteur)

text: La popularité de son blog sur Internet en fait le parrain de la première édition du Festival des blogs BD à Paris, en 2005. Les dessins réalisés pour son blog sont publiés en 2008, sous forme d'albums portant le titre "Notes". Il propose progressivement une traduction en anglais et en coréen de certaines des planches diffusées par le blog.


title: Boulet (auteur)

text: En 2014, il illustre "", un ouvrage de Zach Weiner, inspiré du roman de chevalerie "Sire Gauvain et le Chevalier vert". L'album est proposé au financement participatif sur le site Kickstarter.


title: Boulet (auteur)

text: En 2017, avec l'éditrice Marion Amirganian, il lance "Octopus", une collection de bandes dessinées pédagogiques, pour les éditions Delcourt, avec pour premiers auteurs Florence Porcel et Erwann Surcouf ("Mars Horizon") Héloïse Chochois ("La Fabrique des corps"), Colas et Léo Grasset ("Dirtybiology") et Janine ("Balades en philosophie").


title: Boulet (auteur)

text: En 2018, il scénarise la série "Bolchoi Arena" avec Aseyn au dessin, dont le premier tome est nommé dans la sélection officielle du meilleur album pour Angoulême 2019.


title: Boulet (auteur)

text: En 2019, il participe au tome 7 de la série "Infinity 8".


title: Boulet (auteur)

text: Boulet participe en 2020 au retour de la série Donjons, signant le 7 volume "Hors des remparts" du cycle "Zénith", et à cette occasion, son travail au dessin est largement salué. Cette même année 2020, le deuxième tome de "Bolchoï Arena" est publié, avec de nouveaux bons retours critiques. L'album figure dans la sélection pour le Festival d'Angoulême 2021.


title: Boulet (auteur)

text: Avec les éditions "Exemplaire", Boulet ouvre un financement participatif pour un album tiré de ses publications sur son compte Instagram, album dont la sortie est annoncée au premier trimestre 2022.


title: Boulet (auteur)

text: Il a deux jeunes frères jumeaux, Pierre et Grégoire, qui tiennent chacun un blog dessiné, alimenté par leur quotidien. Il souffre de prosopagnosie.


title: Boulet (auteur)

text: Boulet est un virtuose du dessin mais se plait à exposer des « dossiers de la honte », sans cacher ses imperfections. Selon Henri Garric, il renoue Il utilise volontairement l'. Boulet apparaît en tant que figurant multimédia dans les œuvres suivantes :


L’Inventaire national du patrimoine naturel (INPN) est un portail de diffusion de la connaissance de la biodiversité française dépendant du Muséum national d'histoire naturelle, depuis . Il gère et diffuse en ligne des informations sur le patrimoine naturel terrestre et marin (espèces animales, végétales fongiques et microbiennes actuelles et anciennes, habitats naturels, espaces protégés et géologie) en France métropolitaine et en outre-mer.


title: Inventaire national du patrimoine naturel

text: Les données d'inventaires naturaliste sont fournies par les experts et chercheurs du Muséum et leurs nombreux partenaires. Au sein du Muséum, l'UMS PatriNat organise leur gestion, leur validation et leur diffusion via cet inventaire qui est l’aboutissement d’un long travail associant scientifiques, collectivités territoriales, naturalistes et associations de protection de la nature en vue d’établir une synthèse régulièrement mise à jour du patrimoine naturel en France.


text: Pour gérer cette importante source d’informations (Big data) le Muséum a construit une base de données permettant d’unifier les données par l’utilisation de référentiels taxonomiques, géographiques et administratifs. Il devient peu à peu possible d'accéder à des listes d'espèces par commune, par espace protégé ou par maille . Grâce à ces systèmes de référence, il est possible de produire des synthèses quelle que soit la source d’information et de valoriser la moindre donnée.


text: Dans le cadre de la convention d'Aarhus et de la Directive INSPIRE qui visent à offrir à tous un large accès aux données environnementales, le Système d’Information sur la Nature et les Paysages (SINP) mutualise au niveau national des données et compétences autrefois éparpillées en métropole et en outre-mer, tant pour les aspects terrestres que marins ; il s’agit d'une nouvelle contribution pour la connaissance, l’expertise et l’élaboration de stratégies de conservation efficaces du patrimoine naturel.


text: Cet inventaire est mis à la disposition du public et du commissaire enquêteur ou de la commission d'enquête lors d'une enquête d'utilité publique concernant des ouvrages d'arts ou des projets concernés par le champ de cet inventaire. Il est communiqué, à leur demande, aux associations départementales agréées de protection de l'environnement concernées.


text: Les conservatoires botaniques nationaux comptent parmi leurs missions prioritaires, l'inventaire de la flore et des habitats naturels et semi-naturels sur un territoire comprenant plusieurs départements puisqu'en 2004, huit conservatoires couvraient 78 départements.


text: En 2002, l'inventaire national du patrimoine naturel est institué en France pour dresser l'inventaire des richesses écologiques, faunistiques, floristiques, géologiques, minéralogiques et paléontologiques. Ces inventaires sont conduits sous la responsabilité scientifique du Muséum national d'histoire naturelle (Article 109 de la loi n° 2002-276 du relative à la démocratie de proximité, formant l'article L. 411-5 du code de l'environnement).


text: L’inventaire des sites (ZNIEFF) validés scientifiquement dans chaque région par le conseil scientifique régional du patrimoine naturel (CSRPN) constitue le cœur de cet inventaire national du patrimoine naturel. Un nombre croissant de régions disposent d'un inventaire mis à jour et consultable en ligne.


text: En 2010, deux composantes nouvelles lui ont été ajoutées :


text: En 2012, une convention tripartite de partenariat lie le Ministère de l'écologie, du développement durable et de l'énergie (MEDDE), le MNHN et la FCBN. Dans ce cadre de mutualisation de compétences, le réseau des CBN valide scientifiquement les données nouvelles avant de les envoyer au MNHN.


text: En 2013, l'INPN a reçu de la Fédération des conservatoires botaniques nationaux (FCBN)un grand nombre de données provenant du Livre rouge de la flore menacée de France et relatives aux plantes messicoles.


text: Mi-2015, la fédération a transmis à l'INPN un nouveau lot de plus de 21 millions de données, données qui comprennent aussi des éléments sur la fonge (champignons et par extension lichens) du territoire métropolitain (île de La Réunion et métropole, hors Alsace et Lorraine). L'INPN basculera rapidement ces données vers le Global Biodiversity Information Facility (GBIF) pour une utilisation mondiale.


text: En , les premières données relatives à l'Inventaire National du Patrimoine Géologique ont été mises à disposition.


text: Officiellement identifié comme « Centre national de référence sur la Nature et la Biodiversité », le Muséum est chargé de la coordination scientifique et technique de l’inventaire du patrimoine naturel. Il agit comme tête de réseau et coordonne la mutualisation des données pour produire des synthèses et des cartes thématiques, outils cruciaux dans les stratégies de gestion du patrimoine naturel. Il doit devenir la colonne vertébrale du Système d’Information sur la Nature et les Paysages (SINP) en cours de développement et apporter une information synthétique et valide à l'Observatoire National de la Biodiversité (ONB) mis en place par le ministère chargé de l’Écologie. Depuis 2011, un Comité d'orientation de l'Inventaire National du Patrimoine Naturel (INPN) associe de nombreux partenaires dont :


title: Boulet (homonymie)

text: Un boulet (du latin "bulla", « bulle » ou « sphère ») est un objet sphérique lourd.


title: Boulet (homonymie)

text: Boulet est un nom très répandu dans toute la France, mais le plus fréquent dans le Nord-Pas-de-Calais, la Normandie et la Lozère. Plusieurs explications semblent possibles:


title: Grzegorz Rejchtman

text: Grzegorz Rejchtman (né en 1970) est un auteur suédois de jeux de société.


title: Grzegorz Rejchtman

text: C'est le créateur du jeu Tuki sorti dans l'année 2019 ! Un jeu de briques dans le quel il faut avoir de l'équilibre.


title: Pluvier

text: Les Charadriinae (Charadriinés en français), ou Pluviers sont une sous-famille de limicoles de la famille des Charadriidae.


title: Pluvier

text: Charadriinae vient de "Charadrius" dont le nom grec "χαραδριός" désigne l'oiseau de ce genre type. Le nom pluvier vient du latin populaire "pluviarius", « oiseau de pluie », les pluviers arrivant en troupe vers la saison des pluies.


title: Pluvier

text: D'après Alan P. Peterson et la classification de référence (version 2.6, 2010) du Congrès ornithologique international, cette sous-famille est constituée des genres suivants (ordre phylogénique) :


title: Pluvier

text: D'après la classification de référence (version 2.6, 2010) du Congrès ornithologique international (ordre phylogénique) :


title: William Wycherley

text: William Wycherley (né en 1640 à Clive près de Shrewsbury et mort en 1715) est un dramaturge et un poète anglais dont les œuvres sont typiques de la littérature de la Restauration anglaise.


title: William Wycherley

text: Le jeune homme fit des études en France et à Oxford, mais passa ensuite le reste de sa vie à Londres, où sa prédilection pour les tavernes et les endroits peu fréquentables est longtemps restée dans les mémoires.


title: William Wycherley

text: Ses pièces, pour la plupart des comédies satiriques assez féroces, incluent "L'Amour dans un bois" (1672), "La Provinciale" (1675) et "L'Homme franc" (1676). Après la publication de ses "Miscellany Poems" en 1704, Wycherley conquit l'amitié d'Alexander Pope, qui le fit connaître du grand public en amendant et en atténuant certains de ses écrits.


title: William Wycherley

text: Wycherley fut contraint en 1689 de retourner se réfugier dans la maison paternelle, dans le Shropshire, en raison des troubles politiques : le nouveau roi Guillaume III d'Angleterre appréciait en effet assez peu les écrivains, en particulier lorsqu'ils étaient aussi ouvertement libertins que Wycherley.


title: L'Homme franc

text: L'Homme franc ("The Plain-Dealer" en anglais) est une comédie de la Restauration écrite par le dramaturge anglais William Wycherley et jouée le , puis publiée en 1677. Cette pièce en cinq actes, rédigée en prose, s’inspire ouvertement du "Misanthrope" de Molière et constitue, avec "La Provinciale", l’une des œuvres les plus réussies de l’auteur. Elle s’inscrit dans la littérature de la Restauration anglaise.


title: L'Homme franc

text: Le héros de la pièce se nomme Manly : réputé franc et honnête, ce marin parti en guerre avait placé sa confiance en son meilleur ami Varnish et en sa bien-aimée, Olivia. Il découvre néanmoins à son retour que les deux intéressés se sont mariés, allant même jusqu’à utiliser, pour ce faire, l’argent que Manly avait confié à Olivia.


title: L'Homme franc

text: Manly est accompagné dans ses péripéties par un autre marin, qui est en réalité une femme déguisée en homme portant le nom de Fidelia. Cette dernière voue une passion secrète à Manly, et ce n’est qu’au bout de nombreux malentendus que le héros abandonne son ancienne passion et accepte l’amour de Fidelia.


title: L'Homme franc

text: "L'Homme franc" rencontra un grand succès en raison de son ton satirique et implacable, si bien que son auteur fut ensuite surnommé "Plain Dealer Wycherley" ou "Manly Wycherley". De l’aveu même de Voltaire, les principaux éléments du texte « sont plus forts et plus audacieux que ceux du "Misanthrope", bien que moins délicats » : « Je ne connais point de comédie chez les anciens ni chez les modernes où il y ait autant d'esprit ».


title: L'Homme franc

text: John Dryden y voit l’une des satires les plus « hardies » de l’histoire du théâtre britannique.


title: ENSIM

text: Le sigle ENSIM peut désigner deux écoles d'ingénieurs françaises :


title: Ernest-Auguste

text: Ernest-Auguste peut se référer à plusieurs personnes :


title: Agression

text: Le terme agression dérive du latin "adgredi" signifiant , , . Le mot désigne d'une manière générale tout comportement, d'attaque ou d'opposition, non provoqué qui s'exprime avec violence et brutalité. L'agression peut être éventuellement précédée de manifestations de provocation, ainsi que résulter d'une action préméditée. En sciences sociales et comportementales, l'agression définit une atteinte à l'intégrité physique (agression physique) ou psychologique des personnes (agression verbale).


title: Agression

text: L'agression vise à causer des dommages ou instaurer une domination dans un contexte relationnel, social ou international. Le comportement défensif ou prédateur chez différentes espèces ne peut être considérée comme une agression dans un sens similaire du terme.


title: Agression

text: Le comportement assertif ou la doctrine de la non violence visent à empêcher ou à réduire les comportements agressifs.


title: Agression

text: Il existe deux catégories d'agression communément distinguées. La première inclut l'agression affective (émotionnelle) et hostile ou de vengeance, et l'autre inclut l'agression avec pré-méditation. Un nombre de classifications et de dimensions de l'agression ont été suggérées. Elles dépendent du type d'agression, à savoir si cette dernière est physique ou verbale ; peu importe le cas, elle implique une agression de type relationnel ; peu importe si le mal est intentionnel ou non ; peu importe si elle est effectuée pacifiquement ou avec agressivité ; et peu importe si l'agression est effectuée directement ou indirectement. Elle peut également être associée aux émotions de type agressives (ex. la colère) et des états psychologiques (ex. impulsivité, hostilité). L'agression peut être une réponse émotionnelle aux facteurs sociaux ou non, et peut avoir une relation avec le stress. Elle peut également être utilisée pour intimider.