title: Haricot vert

text: Les haricots verts sont cultivés en zone tempérée comme en zone tropicale. La température optimum pour sa culture est entre 20 et , le zéro végétatif est à et les fortes chaleurs sont néfastes à la fécondation des fleurs. Les haricots verts sont cultivés soit dans des potagers familiaux, soit en culture maraîchère spécialisée, soit en culture de plein champ, en particulier pour alimenter les conserveries et les usines de surgélation. Les semis de haricots verts vont s'échelonner toutes les trois semaines pour assurer une production continue. En France, les premiers semis sous abri (châssis ou tunnel) peuvent se faire par une journée ensoleillée dès fin mars, sachant que les protections seront conservées, au moins la nuit jusques fin mai. Il est aussi possible de semer en pots de tourbe qui ne seront mis en place que fin mai. La récolte pourra commencer début juillet. Les semis de plein air commencent à la mi-mai car le haricot est très sensible au froid et il faut attendre que la température moyenne atteigne , soit vers la mi-mai (dans l'hémisphère nord), classiquement après les « saints de glace » en France moyenne, pour le semer sans protection. Les haricots nains entrent assez vite en production (environ 60 jours), les haricots à rames mettent plus de temps mais produisent plus longtemps. Les derniers semis se font à la mi-août, mais devront être protégés dès la fin septembre.


title: Haricot vert

text: Les haricots verts apprécient un apport de potasse et de phosphore, qui doit être fait sous une forme rapidement assimilable (superphosphate, sulfate de potasse), étant donné la brièveté du cycle de culture. Comme toutes les légumineuses, ils assimilent l'azote de l'air. Cependant un apport de 60 à 80 unités d'azote à l'hectare, immédiatement avant ou après le semis, est généralement recommandé et permet une amélioration du rendement. En effet d'une part, les haricots ont une capacité de fixation de l'azote relativement plus faible que d'autres légumineuses et le développement des nodules est progressif et n'autorise une fixation efficace qu'à partir de la floraison, trop tardive dans le cas des haricots verts, surtout filets, cueillis très tôt après la floraison. Les apports d'engrais chlorés sont déconseillés au printemps, le chlore étant nocif pour les haricots. La fumure organique à l'aide de fumier frais, mal décomposé, risque de créer des problèmes sanitaires (fonte des semis). Il est préférable de l'apporter sur le précédent cultural. En culture potagère, les semis, en poquets ou en sillons, se font, sauf pour les semis précoces sous abri, avec des grains préalablement trempés. Il faut, comme pour toutes les cultures de haricots, biner une première fois puis une seconde 15 jours plus tard en butant les pieds jusqu'au niveau des premières feuilles et en créant une rigole pour l'arrosage. Il peut être utile de pailler.


title: Haricot vert

text: La grande culture, mécanisée, ne cultive que les espèces naines, car il est nécessaire de ramer les variétés grimpantes.


title: Haricot vert

text: Certaines variétés se contentent de tuteurs d'un mètre de haut, mais pour la plupart il faut prévoir deux mètres, un treillage ou des tiges de noisetier ou des roseaux par exemple, disposés en « tente canadienne » ou en cercle.


title: Haricot vert

text: L'arrosage est nécessaire pour assurer la continuité de la production de haricots verts, arrosage par écoulement direct sur le sol sans toucher les feuilles et les fleurs pour éviter le développement des maladies. Les "haricots à filets" sont plus précoces mais plus gourmands en eau que les "mangetout". Certains sont très sensibles au manque d'eau, d'autres comme "merveille du marché" résistent mieux à la sécheresse.


title: Haricot vert

text: La récolte des "haricots à filets" doit être effectuée tous les 2 ou 3 jours, celle des "mangetout" qui ne forment pas de fil à maturité pourra être moins fréquente. Certaines variétés ont été sélectionnées pour leur production groupée adaptée à la conserve et à la congélation et la récolte ne nécessite que peu de passages. Pour la production familiale de haricots verts frais, des variétés à production échelonnée sont mieux adaptées. Une récolte régulière stimule la floraison et la récolte peut alors durer jusqu'à quatre semaines.


title: Haricot vert

text: Le rendement varie selon le type de culture et les variétés. Le rendement moyen se situe en général entre 7 et 11 tonnes à l'hectare en culture de plein champ avec des variétés naines. Il peut atteindre et dépasser les 20 tonnes à l'hectare en culture sous serre de variétés à rames. En France il est de 5 à 8 tonnes à l'hectare pour les filets, 6 à 9 tonnes à l'hectare pour les filets sans fil et 9 à 10 tonnes à l'hectare pour les mangetout.


title: Haricot vert

text: Outre les maladies susceptibles d'affecter la plante en cours de culture (voir haricot commun), les haricots verts sont sujets après la récolte à de nombreuses maladies cryptogamiques ou bactériennes qui peuvent endommager très rapidement les gousses et les rendre inconsommables. Il s'agit notamment parmi les champignons des genres "Alternaria", "Aschochyta" et "Pythium", mais aussi "Sclerotinia" et "Botrytis", et parmi les bactéries des genres "Pseudomonas" et "Xanthomonas". Pour contrôler le risque de pourrissement des gousses, il est nécessaire de les maintenir à une température comprise entre +5 et et de contrôler l'humidité de l'air. Les haricots verts frais ne peuvent pas se conserver plus de huit jours. Les traitements fongicides sont interdits après récolte.


title: Haricot vert

text: On distingue deux groupes principaux de variétés de haricots vert : les haricots filets et les haricots mangetout.


title: Haricot vert

text: Les haricots filets sont des haricots à fil et à parchemin qui se récoltent à un stade précoce qui permet d'obtenir des haricots « extra-fins ». Passé ce stade, les fils apparaissent et ne permettent plus la consommation en haricot verts. Ces haricots verts classiques sont les plus hâtifs. Les gousses, de section cylindrique, longues, droites, sont généralement vert foncé, parfois panachées de violet ou de pourpre.


title: Haricot vert

text: Les haricots mangetout sont des variétés sans parchemin qui peuvent être consommées en gousse au stade de la graine presque développée. Les gousses, de section ovale, plus courtes, sont de couleur verte ou jaune (haricots beurre).


title: Haricot vert

text: Des variétés plus récentes sont issues de croisements entre les deux groupes et sont appelées haricots filet-mangetout ou « filets sans fil » ou « faux filets ». Les gousses rappellent celles des haricots filets en vert plus clair. L'apparition du fil est plus tardive que chez ces derniers.


title: Haricot vert

text: Ces différentes variétés se classent en outre en variétés naines et variétés à rames (grimpantes).


title: Haricot vert

text: Certaines variétés, comme le haricot 'Phénomène', sont polyvalentes et peuvent se récolter en gousses, en grains frais à écosser ou en grains secs, ce qui donne une grande latitude quant à la date de la récolte. En 2006, la production mondiale de haricots verts est estimée à 6,42 millions de tonnes (source : FAO). La surface totale consacrée à cette production représentait un peu moins d'un million d'hectares pour un rendement moyen de 6,45 tonnes par hectare. Les douze premiers pays représentent presque 80 % du total mondial. La Chine produit à elle seule près de 40 % du total mondial, mais une grande partie de cette production pourrait consister en dolique asperge (genre "Vigna"), dont les gousses très longues ne sont pas admises comme haricots verts dans l'Union européenne. Le rendement est très variable, les rendements les plus élevées étant obtenus sur des variétés à rames cultivées sous serre. Il varie de 1 à plus de 20 tonnes (21,4 t au Maroc).


title: Haricot vert

text: La France produit 50 % de la production de haricots verts de l'union européenne (85 000 tonnes pour le marché frais et l'autoconsommation, 310 000 tonnes pour l'industrie), et elle importe 35 000 tonnes surtout d'Espagne, du Maroc, du Kenya, du Burkina Faso.


title: Haricot vert

text: Les importations de haricots verts frais dans les pays de l'Union européenne (chiffres UE 15 - 2003) ont porté sur 277 000 tonnes dont 151 000 d'origine intracommunautaire et 126 000 d'origine extracommunautaire (en quasi-totalité d'Afrique). Les principaux exportateurs européens sont dans l'ordre la France (39,1 %), les Pays-Bas (31,7 %) et l'Espagne (18,7 %). Les principaux exportateurs extracommunautaires sont le Maroc (39,1 %), le Kenya (39,1 %) et l'Égypte (39,1 %), suivis par le Sénégal, l'Éthiopie, la Zambie et le Burkina Faso.


title: Haricot vert

text: Les importations de haricots verts frais se font surtout à contre-saison, selon un calendrier variable selon les provenances : Burkina Faso de décembre à mars, Sénégal de janvier à avril, Maroc de mars à juin, Égypte de novembre à juin, Kenya, toute l'année (données 1993, le Kenya était à l'époque le principal fournisseur)


title: Haricot vert

text: Les importations de haricots verts en conserve dans les pays de l'Union européenne (chiffres UE 25 - 2004) ont porté sur 194 000 tonnes dont 125 000 d'origine intracommunautaire et 139 000 d'origine extracommunautaire. Les principaux exportateurs européens sont dans l'ordre la France (28,9 %), les Pays-Bas (23,1 %), la Belgique-Luxembourg (19,1 %), l'Italie (11,6 %) et l'Allemagne (10,2 %). Les principaux exportateurs extracommunautaires sont le Kenya (43,2 %) et la Chine (33,9 %), suivis par le Cameroun, le Zimbabwe et Madagascar.


title: Haricot vert

text: Les haricots verts sont un aliment peu énergétique, recherchés pour leur faible valeur alimentaire notamment dans les pays occidentaux par les personnes souhaitant un régime allégé.


title: Haricot vert

text: Ils se consomment cuits, la cuisson, à l'eau ou à la vapeur, étant très rapide comparée à celle des haricots secs. Ils peuvent se manger chauds, en accompagnement de plats de viande ou froids en salades.


title: Haricot vert

text: Les haricots verts sont un légume très consommé en Europe, particulièrement en France, et disponible toute l'année grâce aux procédés de conservation, principalement l'appertisation et la surgélation qui en ont fait un produit de grande consommation, relativement bon marché. Cependant, les haricots verts frais, vendus sur les marchés ou dans les rayons fruits et légumes des supermarchés, sont un légume assez cher dont la consommation tend à se marginaliser.


title: Haricot vert

text: Le développement des conserves par la méthode de Nicolas Appert au milieu du va permettre la consommation du haricot vert en dehors de sa courte période de production. Ces conserves se font soit en bocaux de verre soit en boîtes métalliques.  Les haricots verts fraichement cueillis sont lavés, équeutés, blanchis à l'eau bouillante salée et bicarbonatée durant 6 à 8 minutes, puis placés très tassés en bocaux et ensuite recouverts d'eau préalablement bouillie salée à 20 g par litre. Les bocaux sont fermés puis stérilisés.


title: Haricot vert

text: Ce sont principalement des conserves en boîtes métalliques de haricots verts fins, très fins ou extra-fins.


title: Haricot vert

text: La chaîne de traitement comprend différentes étapes mécanisées : un premier nettoyage à sec pour éliminer différentes impuretés, terre, gravier, insectes, etc., suivi d'un égrappage pour bien séparer les gousses et d'un lavage, les gousses sont ensuite calibrées dans des tambours constitués de lattes longitudinales, puis éboutées (section des extrémités) ; ces étapes préliminaires sont suivies du blanchiment pendant 5 à 8 minutes dans une eau à 85-95 °C et de la mise en boîte dans une saumure à 1 ou 2 % de sel (haricots verts dits « au naturel »). Les boîtes sont ensuite stérilisées en autoclave pendant 15 minutes à 121 °C. Cette température élevée est nécessaire pour éliminer certains germes, notamment "Clostridium botulinum", bactérie responsable du botulisme.


title: Haricot vert

text: L'arrivée des congélateurs dans les foyers à partir des années 1970 va permettre la congélation de la production familiale et le développement de la vente de haricots verts surgelés. Les haricots verts sont proposés en sacs, seuls ou dans des mélanges de légumes souvent nommées poêlées à utiliser directement.


title: Haricot vert

text: Le choix proposé est diversifié avec les haricots verts extra fins, les haricots verts très fins, les haricots verts plats coupés, les haricots verts bio, les haricots beurre, les mélanges haricots verts et haricots beurre, la purée de haricots verts, le fagot de haricots verts liés de lard fumé.


title: Haricot vert

text: Les haricots verts frais sont cuits à l'eau bouillante très peu salée, les haricots verts en conserve sont égouttés et rincés à l'eau froide, les haricots verts surgelés peuvent être décongelés ou passés directement à l'eau bouillante comme les haricots verts frais.


title: Haricot vert

text: Les haricots verts mangetout peuvent, une fois lavés, être cuits à l'étuvée dans une cocotte avec un oignon et un cœur de laitue coupés en lamelles, un peu d'eau, du beurre en morceaux, du sel et du poivre.


title: Aftermath Entertainment

text: Aftermath Entertainment est un label discographique américain, fondé par Dr. Dre en 1996 à la suite de son départ de Death Row Records, situé à Santa Monica, en Californie. Aftermath appartient au label Interscope Records, elle-même filiale d'Universal Music Group. Les artistes de ce label incluent Dr. Dre, Eminem, Jon Connor, Justus, Anderson .Paak, Kendrick Lamar et 50 Cent (découvert par Aftermath Entertainment mais pas totalemement impliqué dedans).


title: Aftermath Entertainment

text: Peu avant la mort d'Eazy-E en , Dr. Dre se réconcilie avec ce dernier afin de reformer le groupe N.W.A, et pense déjà à se séparer de Suge Knight. Après le décès du fondateur de Ruthless Records, Dr. Dre décide alors d'entreprendre un nouveau départ et de se dissocier de Knight donc par extension de Death Row Records ; il crée Aftermath Entertainment, dont il veut être le seul gérant. La direction de Death Row Records sera laissée à Suge.


title: Aftermath Entertainment

text: ' est publié en fin d'année, et fait participer la plupart des premiers signataires. En 1997, Dawn Robinson annonce sa séparation du groupe de RnB En Vogue et sa signature au label Aftermath. En automne 1997, Aftermath l'unique projet collaboratif du groupe de hip-hop The Firm (composé d'AZ, Foxy Brown, Nas, et Nature). Malgré la participation de Dr. Dre, son classement au ' 200 et sa certification en disque de platine, le ventes n'atteignent pas les chiffres escomptées. Le groupe se séparera. L'album suivant d'Aftermath est prévu par King Tee. Son album, cependant, ne sortira jamais, et King Tee est libéré de ses obligations contractuelles en 2001. Last Emperor, lui, signe à cette période, mais est renvoyé à cause de divergences créatives avec l'A&R d'Aftermath. Sous recommandation du dirigeant d'Interscope Records, Jimmy Iovine, Aftermath signe le rappeur Eminem en 1998. L'année suivante, Eminem publie son premier album au label, '. L'album atteint la première place du ', et est certifié quadruple disque de platine. Toujours en 1999, Aftermath publie ', la suite de l'album ' de Dr. Dre.


title: Aftermath Entertainment

text: Plusieurs artistes seront signés, puis renvoyés, par Aftermath, comme Hittman et Rakim à la suite de divergences productives. Des poursuites judiciaires mènent au renvoi de la chanteuse Truth Hurts après la publication de son album. Aftermath publie le premier album de 50 Cent au label, ' par le biais d'une coentreprise avec Shady Records en 2003. Le rappeur The Game, qui signe avec le label en 2003, publie aussi son premier album, ', via une coentreprise avec G-Unit Records de 50 Cent en 2005. Busta Rhymes signe également au label, et publie un album avant son renvoi à cause de divergences avec le dirigeant d'Interscope, Jimmy Iovine. Son album, par la suite intitulé ', depuis renommé ', est publié sur Aftermath. Il est ensuite annoncé qu'à la signature de 50 Cent avec Universal Motown, l'album sera publié à son label, Flipmode Entertainment, grâce à son contrat avec Universal Motown. Stat Quo est aussi renvoyé du label en 2008, à cause de différences dans la direction. Au début de 2009, Slim the Mobster signe chez Aftermath dans une coentreprise avec Shady Records et G-Unit Records. Mais il restera par la suite uniquement à Aftermath. À la fin de 2009, le rappeur Hayes signe une coentreprise avec le label Mosley Music Group de Timbaland, mais plus tard libéré de ses obligations contractuelles.


title: Aftermath Entertainment

text: En , Bishop Lamont quitte le label à cause de reports répétés de dates pour son album ' ; entretemps, la chanteuse Marsha Ambrosius quitte aussi le label. Plus tard en , Game poste une "twitpic" de lui portant des chaînes Aftermath avec la phrase '. Il confirme par la suite son retour à Aftermath Entertainment, bien qu'il confirme par la suite ne pas avoir résilié son contrat avec le label.


title: Aftermath Entertainment

text: En , Dr. Dre se lance dans les enregistrements avec ses protégés Slim the Mobster et Kendrick Lamar. Le , Slim the Mobster est officiellement libéré du label. En , la signature officielle de Kendrick Lamar au label est annoncée. Le , pendant les BET Hip Hop Awards, le rappeur Jon Connor annonce sa signature à Aftermath Entertainment. Le , 50 Cent annonce son départ d'Interscope pour un contrat avec Aftermath Entertainment et Shady Records. Le , la signature du producteur de trap Yogi à Aftermath et au label OWSLA de Skrillex, est annoncée.


title: Aftermath Entertainment

text: En , Asia Bryant réfléchit à une signature chez Aftermath.


title: Aftermath Entertainment

text: Anderson paak


title: Ärsenik

text: Ärsenik est un groupe de rap français, membre du collectif Secteur Ä (d'où le « Ä ») et originaire du quartier de la Cerisaie à Villiers-Le-Bel, dans le Val-d'Oise. Formé en 1992, Ärsenik se compose actuellement de deux frères d'origine congolaise, Lino (Gaëlino M'Bani) et Calbo (Calboni M'Bani).


title: Ärsenik

text: En 1998, le groupe publie son premier album studio, "Quelques gouttes suffisent...", qui atteint les classements musicaux français. Contenant les classiques "Boxe avec les mots", "Sexe, Pouvoir & Biftons" et "Affaires de famille", l'album est certifié double disque d'or en 1999 et, par l'intermédiaire de sa pochette, popularise la marque Lacoste dans la culture urbaine.


title: Ärsenik

text: En 2002 — soit quatre ans après la publication de "Quelques gouttes suffisent... —", le duo publie son deuxième album studio, "Quelque chose a survécu...".


title: Ärsenik

text: Ärsenik est célèbre pour l’utilisation de l'onomatopée « "tch tch" », devenue la signature des deux frères.


title: Ärsenik

text: Le groupe se forme en 1992 à Villiers-Le-Bel, dans le Val-d'Oise. Initialement nommé « Art Sonic », mais créant trop de confusion de la part de certaines personnes, qui le nomment « "Arsenic" », les frères préféreront donner raison à l'erreur et s'appelleront désormais « Ärsenik ». Le groupe commence avec trois membres, Calbo, Lino et Réty Bon Ap' alias Le Cuisto. Ärsenik fait sa première apparition sur la compilation « "L'Art d'utiliser son savoir" », publiée en 1995, avec le légendaire titre « "Ball-Trap »." Par la suite, Kenzy, manager du Secteur Ä, les fait entrer dans le collectif. En 1996, ils apparaissent sur la compilation « "Hostile Hip Hop" », avec le titre « "L'enfer remonte à la surface" », et plus tard sur la compil « "L432" », avec « "Rimes et châtiments" » vers 1997, année durant laquelle ils rencontreront Djimi Finger, qui réalisera quinze des seize titres de leur premier album studio, "Quelques gouttes suffisent..." (1998).


title: Ärsenik

text: L'incarcération de Réty Bon Ap' bouleverse les projets des trois compères. C'est leur cousin, Tony Truand, qui les rejoint alors. Il fera partie du groupe jusqu'en 1997, quand lors d'un retour au pays (Le Congo), il est bloqué sur place pendant trois ans pour un problème de papiers. On le retrouve d'ailleurs sur le tout premier titre du projet Bisso Na Bisso (« "C.O.N.G.O." »), disponible en édition limitée sur le premier album du collectif « "Racines..". ») publié en 1999. À son retour en France, une brouille entre les frères et leur cousin met un terme définitif à leur collaboration, une fin entérinée sur la chanson « "P.O.I.S.O.N." » de leur deuxième album "Quelque chose a survécu..." (dans le refrain : ).


title: Ärsenik

text: Le groupe publie, en , son premier album, "Quelques gouttes suffisent...". L'album atteint la huitième place des classements français et est certifié double disque d'or. À ce propos, Lino du groupe confie : À cette période, le groupe popularise la marque de vêtements Lacoste dans la culture urbaine à travers les diverses pubs, affiches et autres médias promotionnels.


title: Ärsenik

text: Le deuxième album du groupe, "Quelque chose a survécu..." , est publié en 2002 sur le label Virgin. L'album, considéré par RFI Musique comme , atteint la huitième place des classements français et la des classements belges (WA).


title: Ärsenik

text: Un nouvel album est annoncé pour 2005, mais les deux frères préfèrent reporter le projet et se concentrer sur leurs albums solos. Lino sort alors son premier album solo, « "Paradis Assassiné" » en 2005, dont le titre est d'ailleurs repris, d'une chanson solo de leur deuxième album. En 2007, le groupe publie un album intitulé "S'il en reste quelque chose...", sur lequel sont regroupés les meilleurs morceaux des deux frères. En , Calbo publie son premier album solo, « "Regarde Le Monde" ». Depuis 2013, le groupe, à nouveau très actif, est de retour sur scène et enchaîne les dates de concerts en France et à l'international. Lino publie, de son côté, son deuxième album solo, « "Requiem" », le . L'album se classe directement à la du top des ventes digitales et à la du top des ventes fusionnées. clippés de cet album sont dévoilés : "", "VLB", "Wolfgang, Suicide Commercial "et "Faute de Français".


title: Cobá

text: Cobá est un site archéologique important appartenant à la civilisation maya. Il se situe dans la péninsule du Yucatán, au Sud-Est du Mexique (État du Quintana Roo) dans le petit village de Cobá à environ de Playa del Carmen et à de Tulum. Sa localisation géographique est: N et W.


title: Cobá

text: Comme pour la plupart des sites précolombiens, il n’existe pas de source épigraphique permettant de connaître le nom que portait la cité à l’époque préhispanique. Néanmoins, certaines références ethnographiques de l’époque coloniale permirent au célèbre archéologue J. Eric S. Thompson de découvrir que la Cité de Cobá devait s’appeler Kinchil Cobá, en référence au Dieu du Soleil maya (K'inich Ajaw). La toponymie permet d’expliquer le mot Cobá par les mots mayas « cob » (ou « kob ») signifiant trouble ou gué et « ha » signifiant l’eau. Ce qui aurait pu se traduire par « eau trouble » ou « passage à gué ». Ceci faisant référence aux petits lacs qui jouxtent le site. Mais cette question est encore débattue.


title: Cobá

text: Il s’agit du site le plus important de la péninsule du Yucatán qui ne peut être comparé qu’avec Chichen Itza son éternelle rivale. La cité s’étendait sur et développa un réseau de 45 sacbeob permettant de circuler entre les différents ensembles mais aussi de se rendre vers les sites satellites. Le sacbe vers Yaxuná mesurait . Les archéologues pensent que Cobá aurait eu une population de habitants (et peut-être plus) lors de son apogée.


title: Cobá

text: Le site aurait été occupé par des groupes humains dès le comme l’indiquent les traces de plateformes basses et de constructions en bois et en palmier et les datations des céramiques les plus anciennes. Mais la population du site a commencé à croître réellement à partir du


title: Cobá

text: Néanmoins la plupart des monuments de la cité furent construits à l'Époque classique de la civilisation maya (entre 500 et 900 ). La plupart des inscriptions sur les stèles de la cité datent du . Entre 200 et 600 Cobá devint l’une des plus grandes et puissantes cités des Basses Terres du Nord. Elle semble avoir exercé un très fort contrôle territorial sur tout le Nord de l’actuel État du Quintana Roo et sur l’Est du Yucatán.


title: Cobá

text: De plus les archéologues supposent que Cobá sut contracter des alliances militaires et matrimoniales puissantes avec les grandes cités de Tikal, Calakmul ou Dzibanché.


title: Cobá

text: Des fouilles des monuments appelés le « groupe des peintures » effectuées en 1999 permirent de mettre au jour des éléments architecturaux de style de Teotihuacan. Ce qui permet de montrer les liens entre cette cité et le centre du Mexique (pourtant situé à ).


title: Cobá

text: Mais dès le la montée en puissance des cités Puuc du Yucatán (Uxmal, Edzna, Izamal, Becán…), puis le développement de Chichen Itza modifièrent les rapports de force dans la péninsule. Vers l’an 900 Cobá du défendre ses territoires notamment face à Chichen Itza qui finira par s’emparer de nombreux satellites de Cobá et notamment la cité de Yaxuná.


title: Cobá

text: Après l’an mil, la cité perd de son importance politique mais elle semble avoir conservé une grande importance symbolique et religieuse qui lui permit de renaître entre 1200 et 1500. De nombreux édifices du style « Côte orientale » datent de cette époque.


title: Cobá

text: Cobá se trouve particulièrement bien situé sur la route commerciale entre les côtes de la Mer des Caraïbes et les cités du Yucatán. Tulum situé à ou XelHa étaient les points d’accès vers les ressources de la mer et les voies maritimes pour se rendre vers les actuels Belize, Guatemala et Honduras ou pour contourner la péninsule du Yucatán vers le Golfe du Mexique.


title: Cobá

text: Sans doute, en partie, pour cette raison Cobá est resté un site majeur de la région durant la Période postclassique (1000 – 1450) et jusqu’à l’arrivée des conquistadors espagnols, à la différence de son adversaire Chichen Itza dont l’importance fut éphémère. Lorsque les Espagnols renforcèrent leur occupation du Yucatán, Cobá avait été totalement laissé à l’abandon par ses habitants.


title: Cobá

text: La présence des 5 petits lacs (Cobá, Macanxoc, Cacalpuc, Yaxlaguna et Xcanh) a été particulièrement propice au développement de la cité en fournissant l’eau nécessaire aux nombreux habitants et en facilitant les activités, notamment l’agriculture.


title: Cobá

text: De nos jours, les ruines de Cobá sont l'une des principales attractions touristiques de la région.


title: Cobá

text: Ce site très vaste, même s’il a été totalement abandonné au , est toujours resté présent dans les mémoires. Les scientifiques le connaissaient mal en raison de son accès difficile (à l’écart des routes, dans la forêt tropicale, au milieu d’une zone impliquée dans la guerre des castes) et c’est seulement dans les années 1920 que les archéologues entreprirent leurs premières observations sérieuses. Les visiteurs étaient rares avant la construction dans les années 1970 d'une route touristique.


title: Cobá

text: L’explorateur Thomas Gann fut emmené sur le site par des descendants maya lors d’une sortie de chasse en février 1926. Il publia un compte-rendu décrivant les ruines et le transmit au groupe d’archéologues de la Carnegie Institution chargée de la mise au jour et restauration du site de Chichen Itza. Ils envoyèrent une expédition dirigée par l’archéologue J. Eric S. Thompson. Il rédigea un rapport décrivant la surprenante étendue du site et la présence de nombreuses inscriptions maya et demanda à Sylvanus Morley d’organiser une nouvelle expédition plus approfondie du site.


title: Cobá

text: Eric Thompson fit de nombreuses visites sur le site et publia en 1932 une description détaillée.


title: Cobá

text: Mais face à la popularité du site de Chichen Itza (partiellement reconstruit et restauré), Cobá resta dans l’oubli jusque dans les années 1970. La zone hôtelière de Cancún fut développée et le gouvernement mexicain prit conscience qu’une mise en valeur des sites archéologiques pourrait être un bon attrait touristique.


title: Cobá

text: En 1972, l'Institut national d'anthropologie et d'histoire mexicain (INAH) dirigé par Carlos Navarrete débuta le développement de la zone en facilitant l'accès au site pour les chercheurs et surtout les visiteurs. Certains monuments furent consolidés, les allées furent aménagées ainsi que les accès et des chantiers de fouilles furent ouverts.


title: Cobá

text: Dans les années 1980, une nouvelle route a été ouverte pour gagner Cobá, une ligne de car mise en place et le village fut connecté au réseau électrique.


title: Cobá

text: Seule une petite partie des quelque du site a été fouillée et peu de visiteurs s'y rendaient avant la construction d'une route touristique dans les années 1970.


title: Cobá

text: La Cité est structurée en différents ensembles qui non seulement ont une relation chronologique entre eux mais aussi une relation urbanistique. Ainsi, il y a des groupes presque exclusivement résidentiels (Groupe Cobá) et d’autres ayant des fonctions cérémonielles ou funéraires (Groupe Macanxoc). Jusqu’à ce jour, on a découvert plus de 30 stèles, autels et panneaux gravés sur le site. Seule une petite portion du site est accessible au public et les travaux de restauration et de mise en valeur ne font que débuter. Ceci donne à ce site situé dans la forêt un caractère sauvage et naturel donnant au visiteur la sensation d’être un explorateur. De petites places donnant sur des stèles en calcaire très abimées donnent aussi la sensation de se trouver en face de monuments placés là sans organisation spatiale préconçue, ce qui est faux.


title: Cobá

text: Cet ensemble ouvert aux visiteurs permet d’apprécier un temple de de hauteur appartenant à la période du Classique ancien et connu localement comme « la iglesia » (l’église). On y trouve aussi un ensemble de palais et de résidences qui montrent par leur taille l’importance que devait avoir cette Cité.


title: Cobá

text: La visite de ce groupe se complète par le jeu de pelote, qui comporte quelques représentations gravées de prisonniers datant de 600 à 900 Il est également possible d'observer une fondation, décorée de gravures, représentant des crânes humains et des glyphes sur les bords de l’escalier.


title: Cobá

text: Le chemin permet d’atteindre ce groupe en croisant l’ancien sacbe 1 (chemin) qui rejoignait la Cité de Yaxuná.


title: Cobá

text: Le temple de Nohoch Mul est l’une des pyramides les plus hautes de toute la région maya. Nohoch Mul signifie le « grand massif » en maya. Il mesure de haut et au sommet a été édifié postérieurement un temple, ce qui lui donne une hauteur actuelle de .


title: Cobá

text: Nohoch Mul fut construit durant le Classique ancien (200 à 600 ) certainement pour célébrer le pouvoir sacré des dignitaires de Cobá et pour servir de dernière demeure aux membres de la lignée dirigeante. Ce temple était certainement associé à d’autres bâtiments aujourd’hui disparus.


title: Cobá

text: Le temple se trouvant au sommet appartient au style « Côte orientale » ce qui indique une période d’édification comprise entre 1200 et 1550 On peut observer une gravure taillée dans la pierre représentant le dieu plongeur (appelé également dieu descendant) que l’on vénérait également à Tulum.


title: Cobá

text: Faisant partie de cet ensemble il existe une construction de près de de haut et de par de base qui n’a malheureusement pas encore été totalement explorée et mise en valeur. Les archéologues pensent que cette plateforme était en cours de construction car elle ne porte aucun bâtiment.


title: Cobá

text: Dans ce groupe, on peut aussi visiter la structure X qui est une construction résidentielle dans laquelle fut trouvée la stèle 20, qui est la mieux conservée du site et sur laquelle on peut facilement déchiffrer la date en compte long 9.17.10.0.0, 12 Ajaw 8 Pax ().


title: Cobá

text: Récemment restauré, on rencontre cette structure appelée aussi « croisement de chemins » ("crucero de caminos") qui a une forme semi-circulaire et une petite gradine dont les dimensions la rende inaccessible. On pense donc qu’il s’agissait d’un monument commémoratif marquant le croisement des "sacbeob" (chemins) 1, 5, 6 et 8.


title: Cobá

text: Ensemble d’édifices construits durant le Post-Classique récent et dont le nom fait allusion aux fragments de fresques observés à l’intérieur du temple principal du groupe. Bien que ses dimensions soient modestes, cet ensemble est remarquable car il regroupe les monuments les plus récents de Cobá. Ils furent construits avec les pierres de taille et matériaux des temples plus anciens.


title: Cobá

text: On observe aussi dans ce groupe une plateforme avec une fondation ayant un style typique de Teotihuacan. Ce qui montre que Cobá était en contact avec la grande Cité du centre du Mexique.


title: Cobá

text: Cet ensemble se compose de plateformes basses avec de petits temples et autels dont la majeure partie est liée à des stèles commémoratives d’événements touchant les classes dirigeantes de Cobá dont certaines furent des femmes. On pense qu’il s’agit d’un site consacré à des cérémonies funèbres.


title: Cobá

text: Pour son importance historique et la beauté de son environnement naturel, la visite du site est un bon moment pour les amateurs de nature et d’archéologie. L’étendue du site et surtout la distance importante entre les différents groupes de monuments ont conduit l’Institut National d’Anthropologie et d’Histoire (INAH) a concéder un service de location de bicyclettes. Pour une somme raisonnable il est donc possible de parcourir le site en louant un vélo ou en se faisant conduire par un triporteur. C’est original et pratique mais cela ne vaut pas une promenade à pied et silencieuse, permettant d’observer la faune (singe araignée, toucan, perruche, mygale, entre autres) et la flore.


title: Cobá

text: Le billet d’entrée est de $80,00 pesos et le site est ouvert tous les jours de l’année de à . Des guides locaux offrent leurs services dans de nombreuses langues étrangères.


title: Cobá

text: À proximité de l’entrée du site, on peut observer le petit lac de Cobá dans lequel seraient encore conservés quelques crocodiles. Le village (1000 habitants) offre peu d’attrait, si ce ne sont quelques snacks ou restaurants et boutiques de souvenirs.


title: Secteur Ä

text: Le Secteur Ä (contraction de secte Abdulaï, qui fait référence à un personnage d'un film "Double Détente" et le surnom de la cité Valéry, un quartier de Sarcelles) est un collectif hip-hop français créé par les membres du Ministère A.M.E.R. et dont le leader et patron était Kenzy. La plupart des artistes présents à la base venaient du Val-d'Oise (Garges-lès-Gonesse, Sarcelles ou Villiers-le-Bel). Le collectif a vendu plus de 6 millions d'albums entre 1996 et 2001.


title: Secteur Ä

text: À partir de 1999 et 2000, de nombreux artistes quittent le collectif. En perte de vitesse, la société d'édition Secteur Ä est placée en liquidation judiciaire le .


title: Secteur Ä

text: En 2018, le Secteur Ä fait son retour médiatique pour une tournée événement qui se déroulera dans toute la France réunissant le collectif du début au complet : Ärsenik, Doc Gynéco, Stomy Bugsy, Passi, Neg' Marrons, Pit Baccardi, MC Janik et Singuila, soit 20 ans après leur concert à l'Olympia en 1998.


title: Secteur Ä

text: En ont fait partie : Passi, Stomy Bugsy, Doc Gynéco, Ärsenik (Lino & Calbo), Neg' Marrons (Jacky, Ben J, Djamatik), Hamed Daye, MC Janik et La Clinique. Autour de l'année 1995 ou 1998, les artistes du Secteur Ä ont vendu beaucoup de disques. Les 22 et de cette année 1998 ont été données deux soirées avec les membres de ce collectif, réunis au grand complet pour l'occasion en donnant deux concerts à l'Olympia, en l'honneur du de l'abolition de l'esclavage. La même année, paraît le premier album du Secteur Ä, ""Live à l'Olympia"", il s'agit de l'enregistrement du concert. Cet album live a été certifié double disque d'or.


title: Secteur Ä

text: En 1999, Pit Baccardi, rappeur du parisien, les a rejoint. Puis après le départ des chanteurs les plus connus (Passi, Stomy Bugsy, Doc Gynéco), les artistes restants se sont soudés en un nouveau groupe, Noyau Dur (Pit Baccardi, Jacky & Ben-J, Ärsenik). Enfin, d'autres sont arrivés comme Futuristiq (Qrono & Nubi), Fdy Phenomen, Quartier Latin Académia ou encore Singuila, chanteur de RnB.


title: Secteur Ä

text: La société d'édition du Secteur Ä n'existe plus. Elle a été placée en liquidation judiciaire le . À la suite de la sortie de son album "Révolution," en 2007, Passi annonce un possible retour du Secteur Ä en réunissant les membres du groupe sur le morceau "Pas 2 limite".


title: Secteur Ä

text: En 2017, le Secteur Ä annonce sur les réseaux sociaux que le collectif se reforme au complet pour une tournée événement dans toute la France, d'avril à , fêtant le vingtième anniversaire de leurs concerts à l'Olympia en 1998, sous la direction et l'organisation de Mazava Corp, qui était à l'initiative de la tournée "L'âge d'or du rap français" en 2017.


title: Architecture de la Renaissance

text: Larchitecture de la Renaissance, née en Italie, gagne progressivement tous les autres pays d'Europe entre le début du et le début du . Elle procède d'une recherche consciente et de l'assimilation d'éléments historiquement authentiques de la pensée et de la culture matérielle des Grecs et des Romains. En effet, l'époque antique apparaît aux érudits italiens de cette période comme l'apogée de tous les arts. Pourtant, ils ne cherchent pas à simplement l'imiter, mais à s'en inspirer pour l'égaler, voire la surpasser. Ce retour à l'Antiquité est appelé « hellénisme » (du mot « hellène » qui désigne le peuple grec).


title: Architecture de la Renaissance

text: Du point de vue de l'esthétique, l'architecture de la Renaissance succède à l'architecture gothique et sera suivie elle-même par l'architecture classique. Apparu d'abord à Florence avec les innovations de Filippo Brunelleschi, le style Renaissance gagna en peu d'années les autres cités-États de la péninsule ; à la faveur des guerres d'Italie, il touche la France, puis les Flandres, le Saint-Empire, les Balkans, l'Angleterre, la Russie en exerçant une influence variable et contrastée d’une région à l’autre.


title: Architecture de la Renaissance

text: Le style Renaissance met en valeur les notions de symétrie, de proportion, de régularité et d'équilibre des motifs, tels que les humanistes ont cru pouvoir les déceler dans les vestiges de l’architecture de l’antiquité classique, et de l’architecture romaine en particulier. Les ordres de colonnes (colonne dorique, colonne ionique, colonne corinthienne), la position des pilastres et des linteaux, de même que les voûtes en plein cintre, les dômes hémisphériques, les niches, trompes et édicules se substituent aux formes irrégulières, disparates et rarement préméditées des édifices médiévaux. Les artistes de cette époque sont polyvalents et cherchent à obtenir le savoir absolu, aussi bien pour ce qui concerne l'ingénierie, les arts ou la philosophie.


title: Architecture de la Renaissance

text: Le mot « Renaissance » provient du mot italien "rinascita", qui apparaît d'abord dans "Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes" (1550–68), dues à la plume du peintre et biographe Giorgio Vasari. Mais, aux et siècles, ce style était plutôt évoqué comme celui des Anciens : « l’architecture à la manière des Anciens », ou « l’architecture à l'antique » ("all’antica").


title: Architecture de la Renaissance

text: Bien que ce terme de Renaissance ne retrouve un écho à l'époque contemporaine qu'avec l'historien Jules Michelet, c'est le Suisse Jacob Burckhardt qui, quelques années plus tard, donne dans son livre "La Civilisation de la Renaissance en Italie" (1860), l’interprétation la plus magistrale des réalisations de cette période de l'histoire. Pour l'architecture, le recueil de planches in-folio de Paul Letarouilly, intitulé "Édifices de Rome moderne ; ou Recueil des palais, maisons, églises, couvents et autres monuments" (éd. Firmin Didot, 1840) a joué un rôle décisif dans le regain d'intérêt pour cette période.


title: Architecture de la Renaissance

text: Les historiens reconnaissent volontiers trois phases dans la Renaissance italienne ; toutefois, si les historiens de l’art parlent d'une « pré-Renaissance » où ils incluent certaines peintures et sculptures du , les architectes, eux, s'en démarquent : d'ailleurs, les conditions économiques et sanitaires catastrophiques de la fin du furent généralement défavorables à l'art des constructions en Europe. Aussi, la « Renaissance », pour l'architecture, renvoie généralement à la période comprise entre 1400 et 1525 à peu près pour l'Italie.


title: Architecture de la Renaissance

text: Cette période voit la redécouverte et l'imitation encore partielle et maladroite de l'architecture romaine antique ("cf. infra" : § Traits distinctifs de l'architecture Renaissance), à la fois à partir de l'observation des ruines romaines, et du déchiffrement du "de architectura" de Vitruve. Les peintres italiens contemporains explorent, simultanément, les possibilités de la perspective linéaire.


title: Architecture de la Renaissance

text: L'utilisation de l'espace connaît un bouleversement : à la conception médiévale de la nature hostile et imparfaite (conséquence du péché originel) se substitue une organisation géométrique et logique du terrain disponible : forme et rythme des édifices sont désormais de plus en plus dictés par des principes de symétrie et de proportion, plutôt que par l'intuition et l'opportunisme des bâtisseurs médiévaux. Le premier exemple de cette nouvelle attitude esthétique est la basilique San Lorenzo de Florence exécutée par Filippo Brunelleschi (1377–1446).


title: Architecture de la Renaissance

text: C'est au cours de la "Haute Renaissance", que les architectes et humanistes conceptualisent l'architecture à l'ancienne. Le recours aux motifs à l'antique se fait plus sûr. L’architecte le plus significatif de cette période est Bramante (1444–1514) qui, le premier, montre les possibilités pratiques des ordres anciens dans l'architecture de son temps. Son église San Pietro in Montorio (1503) est directement inspirée par le temple romain circulaire décrit chez Vitruve. Pour autant, Bramante ne fut pas l'imitateur servile des Romains : ses choix personnels devaient faire autorité dans l’architecture italienne jusqu'au .


title: Architecture de la Renaissance

text: La "période maniériste" est celle qui suit la mort de Raphaël (1520) et le sac de Rome (1527). Au cours de cette période, les architectes expérimentent très librement avec les motifs architecturaux : leur but n'est plus la conformité aux traditions, mais la création, à partir des règles connues, de nouvelles tensions dans la matière et les volumes. L’idéal d’harmonie de la Renaissance donne cours à des modes d'expression libres et variés. L'architecte emblématique du style maniériste est certainement Michel-Ange (1475–1564), inventeur de l’Ordre colossal, caractérisé par l’extension des pilastres du sol au dernier étage de la façade, qu’il employa notamment pour le Campidoglio à Rome.


title: Architecture de la Renaissance

text: Si jusqu’à l’aube du , le terme de "maniérisme" était connoté négativement, on l’utilise aujourd’hui exclusivement pour désigner le mouvement artistique de la dernière Renaissance.


title: Architecture de la Renaissance

text: Alors que l’« architecture à l'antique » commençait à se diffuser hors d’Italie, la plupart des autres pays d'Europe voyaient naître des modes d'expression réellement post-médiévaux ; ces pays ont naturellement imprimé leur marque et leurs traditions architecturales propres au nouveau style, si bien que les édifices de la Renaissance présentent une grande variété à travers les régions d'Europe.


title: Architecture de la Renaissance

text: En Italie même, les mutations de l’architecture Renaissance vers le Maniérisme, marquées par les innovations divergentes des Michel-Ange, Giulio Romano et Andrea Palladio, devaient mener vers un style que l'on qualifia de « baroque » (d'un mot portugais signifiant « grossier, mal équarri ») ; le vocabulaire de l'architecture à l'antique se conserva, mais perdit toute référence à l'art des Romains.


title: Architecture de la Renaissance

text: L’architecture baroque se diffusa hors d'Italie et murit bien plus vite que le style Renaissance un siècle plus tôt : elle s'exprima dans des colonies aussi éloignées de son berceau d'origine que le Mexique ou les Philippines.


title: Architecture de la Renaissance

text: Les architectes de la Renaissance firent leurs motifs les plus apparents de l'architecture romaine antique. Mais l’ornementation, les besoins, la géométrie des édifices et l'ordonnance des villes avaient été bouleversés depuis l'Antiquité ; aussi, parmi les premières églises de la Renaissance, il se trouve des constructions présentant un caractère que les bâtisseurs romains auraient certainement jugé composite ou hétéroclite ; et l’on peut dire la même chose des somptueux hôtels particuliers que les riches négociants du se firent construire. À l’inverse, les gymnases, les amphithéâtres, les grands stades et les bains publics, indispensables à la ville antique, étaient des abstractions pour les villes chrétiennes de la Renaissance. On étudia donc les ordres anciens pour les employer à de nouveaux types d'édifice. Les édifices de la Renaissance sont généralement à plan carré, un parti-pris de symétrie où les longueurs des côtés résultent généralement de calculs à partir de la notion de module. Pour une église, ce « module » est souvent la largeur d'une aile. On attribue ordinairement à Filippo Brunelleschi la préoccupation de combiner les proportions en plan avec celles de la façade, quoique ce savant artiste ne parvînt jamais véritablement à appliquer pratiquement cette contrainte. Le premier édifice à la satisfaire est la basilique Saint-André de Mantoue, l’un des chefs-d'œuvre de Leon Battista Alberti. L'adoption du plan prémédité dans l’architecture profane ne s'imposa qu'au et culmine avec l’œuvre de Palladio. Les façades de la Renaissance présentent un axe de symétrie vertical. Les façades des églises sont fréquemment surmontées d'un fronton et divisées régulièrement (« rythmées ») de pilastres, d’arcs et d’entablements. Baies et colonnes dessinent une progression vers le centre. L'une des premières façades authentiquement Renaissance fut la cathédrale de Pienza (1459–62), attribuée à l’architecte florentin Bernardo Gambarelli (son nom d'artiste est « "Rossellino" », litt. le « Petit Roux »), mais où l'on croit déceler l'influence d’Alberti.Les hôtels particuliers sont souvent surmontés d’une corniche. Les ouvertures ponctuent régulièrement les différents étages, et la porte, au centre de la façade, est surlignée par un balcon ou des ornements rustiques. La façade du palais Rucellai (1446 puis 1451), à Florence, avec ses trois registres de pilastre, est l'un des premiers hôtels de ce genre, et elle a été souvent copiée par la suite. On utilise pour la conception des colonnes les trois ordres grecs : dorique, ionique et corinthien, auxquels Sebastiano Serlio et ses successeurs ajoutent deux autres ordres : le toscan et le composite. Ces ordres peuvent avoir une fonction structurale, comme base d'une arcade ou d'un architrave, ou être purement décoratifs, engagés dans une muraille. L’un des premiers édifices à employer des pilastres engagés est la Vieille Sacristie (1421–1440) de Brunelleschi. Les arcs sont soit en plein-cintre, soit (dans le style maniériste) surbaissés. Ils se déclinent souvent en arcades, supportées par des murets ou colonnes. Alberti fut l’un des premiers à employer les arcs à l'échelle monumentale, comme à la basilique Saint-André de Mantoue. Les voûtes ne comportent plus de nervure. Ce sont des voûtes (en plein-cintre ou surbaissées) à plan carré, à la différence des voûtes gothiques, qui étaient le plus souvent à plan rectangulaire. La voûte en berceau réintègre la grammaire architecturale (là encore, la basilique Saint-André est caractéristique).


title: Architecture de la Renaissance

text: Le dôme, rare au Moyen Âge, retrouve sa place dans l'architecture européenne grâce à l’exploit de Brunelleschi sur la cathédrale Santa Maria del Fiore et à l’usage qu’en a fait Bramante à la basilique Saint-Pierre de Rome (1506). Le recours au dôme devient fréquent pour les églises, non seulement parce que c'est une structure immédiatement reconnaissable, mais aussi pour recouvrir des espaces entièrement intérieurs à l'édifice. Plus tard, il trouve des applications à l'architecture civile avec la Villa Rotonda de Palladio. Les toits comportent des plafonds plats ou à caissons, souvent peints ou sculptés. Contrairement à l'architecture médiévale, ils ne sont plus ouverts. Les portes comportent des linteaux carrés. Elles peuvent s’inscrire dans une arche ou être surmontées d’un fronton, triangulaire ou surbaissé. Les entrées dépourvues de porte sont le plus souvent des arches dont le voussoir de clef est mis en valeur par une pierre plus massive ou un ornement quelconque (bucrane par exemple). On abandonne le vitrail. Les fenêtres vont par paire et s’inscrivent dans des arcs en plein-cintre. Elles comportent des linteaux carrés et sont surmontées de frontons triangulaires ou surbaissés, souvent en alternance. Le palais Farnèse de Rome, commencé en 1517, est caractéristique à cet égard.


title: Architecture de la Renaissance

text: Au cours de la période maniériste, le recours à l’arche « palladienne », une ouverture surmontée d'un arc en plein-cintre et flanquée de deux baies plus petites surmontées d'un fronton carré, connut une vogue croissante. Les murs extérieurs sont généralement en maçonnerie de parpaings soigneusement appareillée, par assises horizontales. Les angles de l'immeuble sont fréquemment soulignés par un chaînage d'angle à bossage. Les raccords se font en principe à angle droit (les angles obtus ou aigus sont désormais proscrits). Le rez-de-chaussée est ordinairement de style toscan ou rustique, comme on peut le voir sur cet édifice modèle qu'est le palais Medici-Riccardi (1444–1460) de Florence. Les cloisons intérieures, peintes à la chaux, sont lisses et de ton uni. Dans les salles d’apparat, les cloisons sont décorées à la fresque. Les murs appareillés, linteaux, meneaux, moulages, etc. sont sculptés avec une extrême précision : en effet, le respect scrupuleux et l’imitation de l'art des Anciens constituent des traits caractéristiques de l'architecture de cette période. L'exécution des ordres d'architecture imposait la sculpture d'une ornementation très précise, tant par la forme que les dimensions (respect du « module »). En ce domaine, les architectes étaient plus ou moins sourcilleux sur la conformité aux canons antiques, et il est vrai que dans certaines situations, les règles n’étaient données ni chez Vitruve, ni inscrites dans les ruines : c’était particulièrement le cas pour les chaînages entre deux murs. Autour des portes et des fenêtres, les moulages étaient plus souvent en saillie qu’engagés dans des niches, comme dans le gothique ; au contraire, les effigies sculptées ou statues étaient posées dans des niches ou des trompes, ou reposaient sur des plinthes. Contrairement à l’architecture médiévale, elles ne sont plus solidaires de leur socle. La relation église-palais-place est placée au centre de la réflexion. Les rues sont perçues non seulement comme un régulateur de flux, mais également comme un moyen d’afficher son prestige, d’où l’élaboration de façades spécifiques. La ville, en plus des églises et hôtels particuliers "(palazzi)", s’orne de villas et de places publiques.


title: Architecture de la Renaissance

text: L’Italie du , et plus particulièrement la cité de Florence, fut le berceau de la Renaissance. Le nouveau style architectural s'y démarqua d'emblée du gothique par une recherche consciente d'un petit nombre de constructeurs, désireux de faire renaître un « âge d'or » révolu : celui de l'Antiquité romaine. Les recherches des érudits (particulièrement Alberti) sur l'architecture des Romains s'inscrivaient dans le mouvement général de l'Humanisme. Plusieurs facteurs expliquent ce renouveau.


title: Architecture de la Renaissance

text: Déjà au Moyen Âge, les architectes italiens marquaient une préférence pour les formes clairement définies et des choix structurels raisonnés : on le voit sur plusieurs édifices romans de Toscane, comme le baptistère de Florence ou la cathédrale de Pise.


title: Architecture de la Renaissance

text: L’Italie n'adopta jamais entièrement les canons du style gothique en architecture. Hormis la cathédrale de Milan, qui fut essentiellement l'œuvre de constructeurs germaniques, peu d'églises italiennes présentent cette quête de la verticalité, les gerbes de pinacles, la pierre sculptée et les croisées d'ogives qui caractérisent l’architecture gothique des autres pays d’Europe.


title: Architecture de la Renaissance

text: La présence, surtout à Rome, de vestiges des édifices romains témoignant de ce qu'avait été le style classique, devait inspirer les artistes à un moment où la philosophie, elle-même, redécouvrait le platonisme.


title: Architecture de la Renaissance

text: Dans toute l'Europe, l'étude renouvelée de vestiges antiques offre d'autres modèles que les monuments romains. Ces sources d'inspiration, issues de l'antiquité tardive, ne respectent pas nécessairement les théories de l'architecture classique romaine. Aux XVe et XVIe siècles, les constructions qui les copient sont moins sensibles à l'orthodoxie architecturale qu'au désir de s'ancrer dans l'histoire locale.


title: Architecture de la Renaissance

text: L'expansion commerciale de Florence, Venise et Naples en Méditerranée permit aux artistes de voyager. Florence exerça en particulier une profonde influence sur Milan, et "via" Milan, sur le Royaume de France.


title: Architecture de la Renaissance

text: Avec la fin de la détention des papes en Avignon, en 1377, Rome retrouva sa richesse et son rayonnement politique. Simultanément, la Papauté retrouvait son autorité en Italie, fait confirmé par la tournure que prit le concile de Constance, en 1417. Les papes postérieurs, et tout particulièrement Jules II (1503–13), cherchèrent dès lors à étendre leur pouvoir temporel dans la Péninsule. Au , la République de Venise contrôlait les routes de commerce avec l’Orient. Quant aux grandes villes d’Italie du Nord, elles tiraient leur prospérité du commerce avec le reste de l’Europe, Gênes étant le principal port maritime pour le commerce avec la France et l’Espagne ; Milan et Turin devenaient d’importants carrefours commerciaux et possédaient de nombreuses forges.


title: Architecture de la Renaissance

text: Florence, avec ses moulins à foulon installés sur l'Arno, était un des plus importants débouchés de la laine anglaise et l'industrie du drap fit la fortune de la ville. Après sa victoire sur Pise, elle disposa d'un débouché maritime et bientôt concurrença activement Gênes.


title: Architecture de la Renaissance

text: Au milieu de cette prospérité commerciale, une famille de négociants commença à s'intéresser à une activité encore plus lucrative : le prêt à intérêts. Les Médicis devinrent pour un siècle les banquiers de toutes les grandes familles princières d’Europe, et bientôt, par leurs relations et leur puissance financière, parvinrent eux-mêmes à se faire admettre dans l’aristocratie. Le développement des routes commerciales, protégées militairement compte tenu des enjeux financiers, permirent aux artistes, savants et philosophes de voyager dans une relative sécurité.


title: Architecture de la Renaissance

text: Le retour des papes à Rome en 1377 rendit à cette ville sa place de métropole européenne tout en suscitant une nouvelle ferveur religieuse dans le Latium. Vers 1450, on entreprit la construction de plusieurs églises et, au siècle suivant, les chantiers se multiplièrent, cette fièvre constructive atteignant son apogée à l’âge baroque : la construction de la chapelle Sixtine et la reconstruction de l’église Saint-Pierre, l’une des plus considérables de la Chrétienté, s’inscrivent dans ce mouvement.


title: Architecture de la Renaissance

text: Pour l’opulente République florentine, la construction d’églises procédait moins de la ferveur religieuse que d’un sens civique de l’honneur national : c’est qu’en effet, l’inachèvement de l’énorme cathédrale dédiée à la Vierge Marie n’honorait guère la cité placée sous son patronage. Lorsque la bourgeoisie parvint à réunir les moyens techniques et financiers permettant d’en terminer la construction, l’extraordinaire dôme couronnant l’édifice ne fut plus seulement un hommage à la Sainte Vierge : il fit le prestige, non seulement de son architecte, de l’aristocratie et du clergé local, mais aussi des Guildes qui l’avaient financé et des ouvriers des différents quartiers qui avaient pris part au chantier. Le succès de ce dôme suscita l’engouement pour la construction de nouvelles églises à Florence.


title: Architecture de la Renaissance

text: Les débuts de l’imprimerie, la redécouverte de nombreux écrits des Anciens, l’exploration outre-mer et l'extension des routes commerciales bouleversèrent les connaissances et suscitèrent un goût renouvelé pour les Lettres. La prise de conscience que les philosophies antiques étaient sans rapport avec le christianisme et ses principes théologiques est une des racines de l’Humanisme qui, s'il admet que Dieu a instauré et maintenu le Cosmos ordonné, pose en principe qu’il appartient à l’Homme d'instaurer et de maintenir un ordre social.


title: Architecture de la Renaissance

text: Par l’Humanisme, le sens civique, le respect et la participation au maintien de l'ordre social s’imposèrent comme les nouvelles marques de citoyenneté. L’implication des particuliers dans la vie de la cité s'est traduite de façon spectaculaire à Florence par la construction de l’Hôpital des Innocents de Brunelleschi, avec son élégante colonnade reliant cette institution de charité au jardin public, et celle de la bibliothèque Laurentienne, où la collection de livres et de manuscrits des Médicis était libéralement mise à disposition des érudits de l’Europe entière.


title: Architecture de la Renaissance

text: Les guildes, à l’origine de la prospérité de la ville, commanditèrent elles aussi l’édification de plusieurs édifices religieux. Le dôme construit par Brunelleschi pour la cathédrale de Florence appartenait, plus qu’aucun autre édifice, au peuple dans la mesure où la construction de chacun des huit segments de la coupole avait été payée par un quartier différent de la ville. Au contact des humanistes, les grandes fortunes comprirent que, de même que l’Académie de Platon à Athènes, il appartenait aux hommes favorisés par la fortune et l'éducation de participer à la promotion de l'enseignement et des arts. Ainsi, les familles patriciennes —les Médicis de Florence, les Gonzague de Mantoue, les Farnèse de Rome, les Sforza de Milan, réunirent autour d'elles des cénacles de savants et d'artistes, dont elles assuraient à la fois le bien-être matériel et la notoriété. Au cours de la Renaissance, l’architecture cessa d'être une simple pratique professionnelle pour devenir un sujet de discussion entre citoyens instruits. Les architectes eux-mêmes publièrent leurs idées et l’imprimerie joua un grand rôle dans la diffusion de leur discours théorique :


title: Architecture de la Renaissance

text: Tous ces livres, qui mettaient en valeur les principes, les idées et les innovations des maîtres au détriment de la tradition et des techniques matérielles, étaient bien davantage destinés aux mécènes ou aux clients potentiels (princes ou riches négociants), qu'aux architectes. Ils firent de l'architecture une discipline noble, et non plus un travail de maçon.


title: Architecture de la Renaissance

text: Les grands architectes de la Renaissance florentine, le "Quattrocento", furent Brunelleschi, Michelozzo et Alberti.


title: Architecture de la Renaissance

text: On attribue généralement à Filippo Brunelleschi (1377–1446) le mérite d'avoir inauguré la Renaissance en architecture. La ligne fondamentale de l’œuvre de Brunelleschi peut se résumer au concept d’« ordre ».


title: Architecture de la Renaissance

text: Au début du , Brunelleschi s'intéressa aux rapports entre la forme d'un objet et à l'image que l’œil, depuis un certain endroit, en donne. À partir de structures présentant des contours rectilignes comme le Baptistère de Florence et les pavés qui l'entourent, il se convainquit que la règle donnant l'image vue par l'œil répondait assez exactement à la perspective linéaire.


title: Architecture de la Renaissance

text: Il semblait aux curieux que, contrairement aux constructions gothiques contemporaines, les vestiges de monuments de la Rome antique respectaient des règles mathématiques simples. L'une semblait absolument irréfragable : l'emploi systématique de voûtes en plein-cintre. Les voûtes à arc brisé gothiques présentaient, elles, des rapports hauteur-largeur très variables, et il n'était pas rare que les arcs d'une même église présentent des angles dépareillés.


title: Architecture de la Renaissance

text: Manetti rapporte que c'est par l’observation attentive des vestiges de l’architecture romaine que Brunelleschi finit par s'intéresser à la symétrie et au respect de certaines proportions entre les parties d’un édifice et les dimensions de l'ensemble, chaque partie possédant son jeu de proportions propre. Brunelleschi obtint l'appui de plusieurs riches négociants florentins, dont Cosme de Médicis et la guilde des soyeux.


title: Architecture de la Renaissance

text: Le premier projet confié à Brunelleschi fut la réalisation de la couverture de la croisée du transept de la cathédrale inachevée de Florence, commencée au par Arnolfo di Cambio. Bien qu'on considère cette cathédrale comme l'un des tout premiers édifices de la Renaissance, il faut signaler que Brunelleschi, par delà l'audace de son projet de dôme en brique, continua d'y employer l'arc brisé et les nervures d'ogive, typiques de l'art gothique, et dont apparemment Arnolfio avait envisagé l'emploi. Pour autant, si cette construction se rattache, stylistiquement parlant, au gothique, il est tout aussi vrai que son dôme a été inspiré par le grand dôme du Panthéon de Rome, car Brunelleschi, lorsqu'il chercha la solution structurale à son problème de couverture, n'a pu manquer d'y penser.


title: Architecture de la Renaissance

text: L’intrados de la coupole monocoque du Panthéon romain est élégi en plafond à caissons, ce qui allège considérablement la structure. Les divisions des caissons font nervures, quoique cela soit imperceptible visuellement. Enfin le sommet du dôme est ajouré par une ouverture circulaire de de diamètre. Brunelleschi avait ainsi la démonstration qu'un dôme de taille énorme peut se passer d'un voussoir de clef. Le poids du dôme en brique de Florence est reporté sur huit grandes nervures et seize nervures internes, les briques étant appareillées en arête de poisson. Malgré la différence entre les techniques employées, le Panthéon comme la coupole de Florence reposent sur une armature dense de nervures supportant une coque allégée au maximum (caissons pour le Panthéon, double coque avec espace intérieur pour le "Duomo") ; en outre, les deux coupoles sont ajourées à leur sommet.


title: Architecture de la Renaissance

text: Il n’y a sans doute pas de meilleure illustration du nouveau credo architectural qu'aux églises de San Lorenzo et Santo Spirito de Florence. Ces deux églises, dessinées par Brunelleschi vers 1425 et 1428 respectivement, sont toutes deux à plan en croix latine. Elles respectent la règle du module, c'est-à-dire que chaque portion de l'édifice est un multiple du côté de l'aile à plan carré. Cette longueur unité contrôle aussi les dimensions verticales de l'édifice. Dans le cas de Santo Spirito, dont le plan est entièrement régulier, les transepts et le chancel sont identiques, tandis que la nef en est une version étirée. En 1434, avec l’église Santa Maria degli Angeli de Florence, Brunelleschi inaugura le premier bâtiment de la Renaissance à plan centré. Elle s'articule autour d'un octogone central, entouré de huit chapelles plus petites. Par la suite, plusieurs églises adopteront des variantes de ce schéma.


title: Architecture de la Renaissance

text: Michelozzo Michelozzi (1396–1472), autre architecte pensionné des Médicis, reste comme le maître d’œuvre du palais Medici-Riccardi, qui lui fut commandé par Cosme de Médicis en 1444. Une décennie plus tard, il édifiait la Villa Médicis de Fiesole. Parmi les autres projets qu'il réalisa pour Cosme l'Ancien, il convient de citer la bibliothèque du couvent San Marco, à Florence. Il suivit un temps son mécène en exil à Venise, et fut l'un des premiers architectes à exporter le style Renaissance hors d'Italie, avec la construction d'un palais à Dubrovnik


title: Architecture de la Renaissance

text: L’ornementation du Palais Medici-Riccardi, avec ses baies à fronton et ses portes en renfoncement, reste classique mais, contrairement aux réalisations de Brunelleschi et d’Alberti, les "ordres de colonne" ont l'air absents. Michelozzo a plutôt répondu à la prédilection des Florentins pour l’appareil rustique. À chacun des trois étages, il décline un appareil différent semblant répondre à une logique vitruvienne d'ordre, le tout étant surmonté d'une énorme corniche romane en surplomb de au-dessus de la rue.


title: Architecture de la Renaissance

text: Le "De re ædificatoria" du théoricien Leon Battista Alberti, né à Gênes (1402–1472), exerça une influence décisive sur l'histoire de l’architecture. Un des principaux aspects de l’Humanisme était l’intérêt pour la nature, et en particulier pour l’anatomie humaine, science déjà cultivée par les Grecs de l'Antiquité. L'Humanisme mettant l'Homme au centre du Monde, Alberti considérait l'architecte comme un acteur social majeur.


title: Architecture de la Renaissance

text: Il dressa les plans de plusieurs édifices, mais à la différence de Brunelleschi, il dédaignait la pratique et délégua la direction des chantiers à ses assistants. Miraculeusement, l'un de ses chefs-d’œuvre, la basilique Saint-André de Mantoue, fut achevé sans dévier des intentions initiales du maître ; l'église Saint-François de Rimini, destinée à remplacer une église gothique et qui aurait dû, comme Saint-André de Mantoue, posséder une façade rappelant l'arc de triomphe romain, connut un tout autre sort et resta inachevée.


title: Architecture de la Renaissance

text: Cette basilique Saint-André offre une architecture vivante tant à l'intérieur qu'à l'extérieur. Sa façade triomphante présente les plus violents contrastes : l'ornementation des pilastres, non-fonctionnelle, qui sert juste à en distinguer les différentes parties, est peu protubérante, ce qui contraste avec l’arche profondément encastrée dessinant un gigantesque portique autour de l’entrée. La taille de cette arche s'oppose aux deux ouvertures surmontées d'un carré qui l'encadrent. Les jeux d'ombre et de lumière jouent à plein effet sur la façade grâce à l'ornementation très plate et à ce porche au relief presque exagéré. Pour l'architecture intérieure, Alberti a supprimé la nef et les collatéraux traditionnels pour leur substituer une majestueuse progression alternant arches élevées et berceaux à plan carré, qu'on peut voir comme un miroir du motif d’« arc de triomphe » de sa façade.


title: Architecture de la Renaissance

text: Les deux plus célèbres réalisations d’Alberti se trouvent à Florence : le Palais Rucellai (1446–51) et l'église Santa Maria Novella. Pour le premier, Alberti a décliné les trois ordres classiques de colonne sur les trois niveaux de la façade.


title: Architecture de la Renaissance

text: À Santa Maria Novella, il lui était demandé de terminer l'ornementation de la façade. Son projet était prêt fin 1456, mais sa réalisation s'étala jusqu'en 1470. La partie inférieure de la façade comportait des niches dans la plus pure tradition gothique et des motifs en marbre bichrome (vert et blanc crème). Il fallait aussi à l'artiste intégrer un grand oculus en extrémité de nef. Alberti respecta tout simplement le travail de ses devanciers sur l'ouvrage, d'autant que la tradition florentine des façades polychromes était fermement établie avec le plus célèbre monument de la ville d'alors, à savoir le baptistère de San Giovanni. Les ornements, de par cette richesse de couleurs, sont donc très peu sculptés, mais la division en rectangles et les motifs en carte à jouer autour de l'oculus créent une manière d'ordre architectural. Alberti est aussi le premier à joindre les toitures des collatéraux à celui de la nef par deux grandes volutes, qui deviendra un "leitmotiv" de l’architecture nouvelle pour résoudre le problème du nivellement de la façade entre deux parties de hauteur inégale.


title: Architecture de la Renaissance

text: Tout au long du , plusieurs cours princières italiennes parvinrent à se hisser au premier plan de la scène culturelle et artistique européenne.


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text: C'est ainsi qu'à la cour des princes de Gonzague, à Mantoue, Alberti dressa les plans de deux églises, à savoir la basilique Saint-André et l’église Saint-Sébastien.


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text: Urbino et son palais ducal, était une place militaire de premier plan, qui détenait aussi l’une des plus belles bibliothèques d’Europe. Ferrare, gouvernée par les princes de la Maison d'Este, prit son essor à la fin du : sur le plan architectural, elle rayonna avec le Palazzo dei Diamanti et le Palazzo Schifanoia édifiés pour Borso d'Este. La Milan des princes de Visconti, vit d'abord le parachèvement de la Certosa di Pavia ; les Sforza dotèrent la ville d'une formidable forteresse avec le célèbre "Castello".


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text: À Venise, San Zaccaria reçut sa façade Renaissance des architectes Antonio Gambello et Mauro Codussi, dans les années 1480. Giovanni Maria Falconetto, l’architecte-sculpteur véronais, avec la "loggia" des jardins d'Alvise Cornaro, fit connaître l’architecture Renaissance à Padoue.


title: Architecture de la Renaissance

text: En Italie méridionale, c'est Alphonse V d'Aragon qui, après la conquête du Royaume de Naples, fit venir les maîtres du nouveau style. Leurs plus belles réalisations, à Naples, sont la Cappella Caracciolo, attribuée à Bramante, et le Palazzo Orsini di Gravina, construit par Gabriele d'Angelo entre 1513 et 1549.


title: Architecture de la Renaissance

text: Entre la fin du , quelques architectes : Bramante, Antonio da Sangallo le Jeune, etc. parvinrent à renouveler l'élan originel du siècle précédent et surent exprimer leurs idées dans toutes sortes d'édifices : églises, hôtels particuliers "(palazzi)" très différents de ce qui s'était fait jusqu'alors. L’ornementation se fit plus chargée, la statuaire, les dômes et les coupoles gagnant en exubérance. On appelle cette période, qui coïncide avec la carrière des Léonard de Vinci, Michel-Ange et Raphaël, la « haute Renaissance ».


title: Architecture de la Renaissance

text: Bramante, (1444–1514), natif d’Urbino, délaissa la peinture pour l’architecture. Pendant 20 ans, il fut au service du duc de Milan Ludovic Sforza. À la chute de Milan en 1499, Bramante partit pour Rome et, sous la protection des papes, connut la gloire.


title: Architecture de la Renaissance

text: Le chef-d’œuvre de Bramante à Milan est la combinaison du transept et du chœur de l’église Santa Maria delle Grazie de Milan. Il s'agit d’une structure en brique dont la forme s'inspire énormément de la tradition nord-italienne des baptistères en dôme à plan carré. L'église est à plan centré à ceci près que, compte tenu des particularités du site, le chancel dépasse l'étendue du transept. Les naissances de son dôme hémisphérique, d'environ de diamètre, son cachées par un tympan octogonal ajouré au niveau supérieur de baies en voûte. Les ornements des parements extérieurs sont faits de carreaux en céramique locale.


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text: À Rome, Bramante construisit le Tempietto du cloître de San Pietro in Montorio, un édifice circulaire qu'il qualifiait lui-même de . Ce modeste temple, qui occupe l’emplacement supposé du lieu de supplice de l'apôtre Saint Pierre, adapte l'ornementation retrouvée sur les ruines du temple de Vesta, le plus sacré de la Rome antique. Il contraste spatialement avec le cloître qui l'entoure entièrement. Lorsque l’on s'en approche depuis le cloître, on voit qu'il est bâti dans une cour comportant arcs et colonnes, dont il est un écho.


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text: Bramante poursuivit sa carrière au Vatican, où il réalisa les impressionnants "cortile" de Saint-Damase et du Belvédère. En 1506, le projet de Bramante pour la reconstruction de la Basilique Saint-Pierre fut choisi par le pape Jules II, et il put suivre les travaux des fondations. Après plusieurs modifications du plan d'origine, l'un de ses successeurs sur le chantier, Michel-Ange, rétablit les idées de Bramante


title: Architecture de la Renaissance

text: Antonio da Sangallo le Jeune (1485–1546) était issu d'une famille d'ingénieurs militaires. Son oncle, Giuliano da Sangallo, qui avait concouru en vain pour la reconstruction de la basilique Saint-Pierre, obtint pour un temps la codirection des travaux aux côtés de Raphaël.


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text: Antonio da Sangallo proposa à son tour ses services pour Saint-Pierre ; à la mort de Raphaël, il devait obtenir la direction des travaux ; son successeur à ce poste sera Michel-Ange.


title: Architecture de la Renaissance

text: Pourtant, il doit sa gloire, non à ces fonctions, mais bien plutôt à la conception du Palais Farnèse, commencé en 1530. L’impression de grandeur de ce bâtiment ne tient pas tant à ses proportions ( de longueur par de hauteur) ou au fait qu'elle occupe le centre d'une magnifique place, qu'à la beauté canonique de ses proportions, inhabituelles pour un palais aussi grand et somptueux, et au fait qu'il fut construit en briques couvertes de stuc, et non en pierre. Le chaînage d'angle en pierre, le massif portail rustique et le rythme des grandes baies se détachant finement sur les aplats rose pâle des murs confèrent un caractère de solennité qui annonce déjà le Classicisme. Le deuxième et dernier étage sera ajouté par Michel-Ange. Il est fort appréciable que ce magnifique édifice ait été construit en brique ; car les pierres de travertin des ornements ne furent pas extraites d'une carrière, mais des ruines du Colisée. Raphaël d’Urbino (1483–1520) fut apprenti chez Le Pérugin à Pérouse avant de s'établir à Florence. Il fut pendant quelques années architecte en chef de Saint-Pierre de Rome, avec pour collaborateur Antonio Sangallo. Il exécuta les plans de plusieurs édifices dont la plupart furent parachevés par d'autres. Son projet le plus fameux est le Palais Pandolfini de Florence, avec ses deux étages percés de fenêtres « en tabernacle », séparées les unes des autres par des pilastres, soulignées de corniches et d'une alternance de frontons en arc et triangulaires.


title: Architecture de la Renaissance

text: Le maniérisme en architecture est marqué par les audaces artistiques de quelques grands noms : Michel-Ange, Jules Romain, Baldassarre Peruzzi et Andrea Palladio, qui marquent autant de jalons vers le style baroque, lequel sera pourtant d'une rhétorique toute différente de celle de la Renaissance. Baldassarre Peruzzi, (1481-1536), architecte siennois actif à Rome, marque la transition entre la Haute Renaissance et le maniérisme. Sa Villa Farnesina (1509) est un cube monumental à deux niveaux égaux, dont les baies sont soulignées par des pilastres respectant la hiérarchie des ordres. Cette résidence se signale par l’abondance des fresques dans la décoration intérieure.


title: Architecture de la Renaissance

text: Mais le chef-d’œuvre de Peruzzi est sans doute le Palais Massimo alle Colonne de Rome, dont la façade courbe épouse les contours de la voirie attenante. Le rez-de-chaussée comporte un grand portique centré parallèle à la rue, mais enchâssé dans un renfoncement, qui d'ailleurs servit longtemps d'abri aux nécessiteux. Des trois étages supérieurs, les deux premiers comportent les mêmes rangées de petites fenêtres délicatement encadrées de linteaux très discrets, provoquant un contraste d'autant plus fort avec la masse sombre du porche.


title: Architecture de la Renaissance

text: Giulio Romano (1499–1546), élève de Raphaël, l’assista pour de nombreux édifices du Vatican. Romano était un architecte inventif et pluridisciplinaire : le palais du Te, à Mantoue (1524–1534), qu'il exécuta pour Frédéric II de Gonzague, témoigne de ses talents de sculpteur et de peintre. Il y combina la construction d'une grotte, l'aménagement de jardins, de pièces aux multiples fresques, où il joue sans cesse d’effets d’illusion, provoque le visiteur par l’incongruité architecturale des thèmes, des formes et des textures, et par une recherche voulue du déséquilibre et de l'invraisemblable. Ilan Rachum voit dans Romano  Michelangelo Buonarroti (1475–1564) est l'un des géants de la période ; ses créations marquent la haute Renaissance. Il excellait tout à la fois en peinture, sculpture et architecture et pour toutes ces disciplines, sa production a bouleversé les conceptions traditionnelles. Il doit sa réputation d’architecte principalement à trois chantiers : la décoration intérieure de la bibliothèque Laurentienne, le vestibule du monastère San Lorenzo de Florence, et la basilique Saint-Pierre de Rome.


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text: Saint-Pierre fut , mais si plusieurs grands noms de l'architecture s'y illustrèrent, son état abouti porte davantage l'empreinte de Michel-Ange que celle d'aucun autre.


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text: Le plan retenu à la pose de la première pierre en 1506 était de Bramante ; ensuite plusieurs changements furent introduits par les architectes postérieurs, mais Michel-Ange, lorsqu'il se chargea du projet en 1546, décida de revenir au plan en croix grecque de Bramante et redessina les piliers, les murs et le dôme, donnant aux infrastructures basses des proportions plus massives et éliminant les allées, identiques au transept, rayonnant autour du chancel. résume ainsi le choix de l'artiste :


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text: Le dôme de Michel-Ange, véritable chef-d’œuvre d’invention, emploie une double coque raidie sur nervures couronnée, comme le Duomo de Florence, d'une tour-lanterne massive. Pour l’extérieur de l’édifice, il imagina un nouvel ordre d'architecture : l’ordre colossal, où toutes les proportions des baies extérieures sont définies, l'ensemble étant relié par une large corniche qui court ininterrompue comme un ruban autour des toits.


title: Architecture de la Renaissance

text: Il existe une maquette du dôme, où l'on peut voir que sa coque externe aurait dû être hémisphérique. À la mort de Michel-Ange, en 1564, le tambour d'appui de la coupole de la basilique était tout juste terminé. Or l’architecte suivant, Giacomo della Porta, réalisa une coupole beaucoup plus élevée que ce qu'indique la maquette : on y voit généralement une initiative de ce della Porta, destinée à diminuer les poussées aux naissances ; mais il est tout à fait plausible, y compris au plan stylistique, que le choix de cette ligne plus aérienne soit le fait de Michel-Ange lui-même La "maniera" de Michel-Ange n'apparaît nulle part mieux que dans le vestibule de la bibliothèque Laurentienne. Il s'agissait d'y accueillir la collection de manuscrits du couvent de San Lorenzo de Florence, l’église même dont Brunelleschi avait bouleversé l'architecture et où il avait, le premier, édicté les règles d'emploi des ordres classiques et de leurs différents ornements. Précisément, Michel-Ange va s'emparer des règles de Brunelleschi et les plier à son propre génie.


title: Architecture de la Renaissance

text: La bibliothèque proprement dite se trouve à l'étage : c'est une pièce très allongée avec des plafonds décorés, auxquels répond un plancher carrelé que les successeurs de Michel-Ange réaliseront dans l'esprit du créateur. Mais malgré sa taille, cette pièce est gracieuse, illuminée par la lumière naturelle éclatant à travers une longue rangée de baies rythmées par des pilastres courant le long des murs. Le vestibule est vaste, plus haut que large et encombré d'un grand escalier qui semble, telle une « coulée de lave » (pour reprendre une image de Pevsner) éjecté de la bibliothèque et s'évase en trois directions lorsqu'il rejoint la balustrade du rez-de-chaussée. L'impression de majesté de ces escaliers est rehaussée par le fait que les marches de la volée centrale sont plus élevées que celles des côtés (elle ne comporte donc que huit marches au lieu de neuf).


title: Architecture de la Renaissance

text: Compte tenu de l'impression d'encombrement du vestibule, on aurait pu s'attendre à ce que les murs soient rythmés par des pilastres semi-engagés ; mais Michel-Ange a préféré employer des paires de colonnes qui, au lieu de s'appuyer fièrement sur la cloison, sont profondément enfoncées dans des niches. À l'église San Lorenzo toute proche, Brunelleschi avait déjà employé des consoles en tasseau pour rompre la monotonie de l'entablement horizontal de l’arcade. Michel-Ange emprunte ce motif à Brunelleschi et fait reposer chaque paire des colonnes en niche sur des paires de consoles en tasseau. Pevsner écrit à ce sujet:


title: Architecture de la Renaissance

text: Giacomo della Porta, (c.1533–1602) reste comme l’architecte qui a effectivement construit le dôme de la basilique Saint-Pierre. On continue de spéculer sur la paternité des modifications survenues entre le dôme actuel et la maquette, attribuées tantôt à della Porta, tantôt à Michel-Ange.


title: Architecture de la Renaissance

text: Della Porta effectua pratiquement toute sa carrière à Rome, où il concevait villas, hôtels particuliers et églises dans le style maniériste. L'une de ses réalisations les plus célèbres est la façade de l’Église du Gesù, projet qui lui fut confié par son maître, Vignole. Plusieurs traits de la conception d'origine y ont été préservés, avec des modifications subtiles pour donner davantage de poids à la partie centrale, où della Porta emploie, parmi différents motifs, un fronton triangulaire surmontant l'arc surbaissé du porche d'entrée. L'étage et son fronton donnent l'impression d'écraser la base. La partie centrale, comme à Saint-André de Mantoue, reprend le motif de l'arc de triomphe, mais avec deux divisions horizontales comme à Santa Maria Novella. La jonction des collatéraux à la nef est traitée avec les volutes d’Alberti, contrairement au projet de Vignole qui prévoyait des tasseaux beaucoup plus modestes et quatre statues pour couronner les paires de pilastres, afin de donner davantage de volume aux collatéraux. L’influence du Gésù se fera sentir sur toutes les églises baroques d'Europe.


title: Architecture de la Renaissance

text: Andrea Palladio (1508–1580), que l'historien britannique B. Fletcher n'hésite pas à qualifier d’, est un tailleur de pierre qui découvrit l'humanisme par le poète Gian Giorgio Trissino. Le premier projet qu'on lui confia fut la reconstruction de la basilique palladienne de Vicence, en Vénétie, région où d'ailleurs il devait accomplir toute sa carrière par la suite.


title: Architecture de la Renaissance

text: Portant un regard de maçon sur les pratiques de l'Antiquité, Palladio bouleversa les tendances architecturales dans la construction des palais comme des églises. Tandis que les architectes, à Florence et à Rome, recherchaient des modèles formels dans le Colisée ou l’Arc de Constantin, Palladio réduisait la structure des temples romains à leur péristyle ; et chaque fois qu'il employa le motif en “arc de triomphe” pour dégager une entrée encadrée par deux baies rectangulaires, il en limitait la taille, contrairement aux arcs monumentaux d'Alberti à l'église Saint-André : on parle ainsi d’"arche palladienne".


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text: L'édifice profane le plus connu de Palladio est la villa Capra, aussi appelée "Rotonda", un hôtel particulier à plan centré au vestibule couvert d'un dôme, comportant quatre façades identiques, dont chacune s'orne d'un portique de temple semblable à celui du Panthéon de Rome. À la villa Cornaro, le portique protubérant de la façade nord et la "loggia" en niche côté jardin s'intègrent chacun à leur propre étage conformément aux ordres, l’étage supérieur faisant balcon.


title: Architecture de la Renaissance

text: Pour ce qui est de la façade des églises, Palladio, de même qu’Alberti, della Porta et d'autres, dut résoudre le problème de la combinaison optique des collatéraux à la nef tout en conférant à l'édifice une unité structurelle ; seulement là encore, la solution trouvée par Palladio se distingue radicalement de celle d'un Della Porta : à la basilique San Giorgio Maggiore de Venise, il superpose à un temple bas et large un temple très élevé dont les colonnes se dressent sur de hautes plinthes, et dont l’étroit linteau et les pilastres se mêlent à l’ordre colossal de la nef centrale.


title: Architecture de la Renaissance

text: En Italie, la transition de l’architecture depuis la Renaissance florentine au Baroque semble s’être faite sans à-coups : Pevsner n'écrit-il pas, évoquant le vestibule de la bibliothèque Laurentienne, qu’ ?


title: Architecture de la Renaissance

text: Mais si la continuité a été de règle en Italie, cela n'a pas toujours été le cas ailleurs. L’adoption du style Renaissance en architecture a été parfois très lente puis s'est accomplie sur une période très brève, comme on peut le voir en Angleterre. En effet, au moment même où le pape Jules II faisait abattre l'ancienne Basilique Saint-Pierre pour reconstruire un édifice à son goût, Henri VII adjoignait une nouvelle chapelle de style gothique perpendiculaire à l’Abbaye de Westminster ; puis lorsque le style qu'on allait appeler baroque naquit dans l'Italie du début du , les premiers édifices de style authentiquement Renaissance voyaient le jour à Greenwich et Whitehall, après une longue période d’expérimentation avec les motifs à l'antique, combinés aux formes anglaises traditionnelles, ou, réciproquement, après l’adoption de structures « Renaissance » dans l'ignorance totale des règles qui président à leur emploi. Et enfin, tandis que les Anglais commençaient à peine à découvrir les règles du Classicisme, les Italiens essayaient de s'en libérer. Dans l'Angleterre post-Restauration (celle des années 1660), la mode architecturale changea de nouveau et le goût du Baroque s'affirma. Ainsi, plutôt qu'une évolution progressive comme en Italie, le baroque arriva en Angleterre « armé et casqué ».


title: Architecture de la Renaissance

text: Pour plusieurs contrées d'Europe où les constructions classiques, inspirées par exemple de l'église Santo Spirito de Brunelleschi ou du palais Medici-Riccardi de Michelozzo, étaient sans exemple, l’architecture baroque prit racine sans transition, à la suite d'un style post-médiéval local. L'expansion du style baroque et l'éradication de l'architecture traditionnelle ou Renaissance est particulièrement manifeste dans les pays gagnés à la Contre-Réforme.


title: Architecture de la Renaissance

text: Si la première moitié du fut marquée par la primauté économique et militaire de la France et de l’Espagne, la fin du siècle vit l'émergence des Provinces-Unies, de l'Angleterre des Tudor, du Saint-Empire et de la Russie. C'est dans cet ordre que ces nations se mirent à acclimater chez elles le style Renaissance, comme marque de leur prestige culturel. Cela explique également qu'il ait fallu attendre au moins le début du pour que le style Renaissance commence à s'exprimer hors d’Italie.


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text: Cependant, les architectes italiens furent longtemps les plus demandés en Europe : ainsi Sebastiano Serlio en France, Aristotile Fioravanti en Russie, et Francesco Fiorentino en Pologne ; puis, des artistes non italiens se mirent à étudier leurs devanciers et traduisirent leurs écrits dans leur langue nationale. Pour la France, ce furent Guillaume Philandrier et Philibert Delorme (1510–1570), pour l’Espagne Jean de Bautista de Tolède († 1567), pour l’Angleterre Inigo Jones (1573–1652). Quant à l’Europe du Nord, les livres et les recueils de planches gravées, avec leurs plans et dessins d'ornements cotés, jouèrent un rôle essentiel dans la diffusion du style Renaissance ; pour ces pays, les principaux auteurs sont Androuet du Cerceau (France), Pieter Coecke van Aelst et Hans Vredeman de Vries aux Pays-Bas; L’"Architectura" de l’Allemand Wendel Dietterlin (1593-94) est sans doute un cas extrême de transmission par le seul dessin.


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text: La Renaissance en France commence dès la fin de la guerre de Cent Ans et la chute de Constantinople en 1453. Différents styles s'affirment plus tard et se décomposent traditionnellement en quatre parties. Le premier acte est le style Louis XII (1495-1530 environ) formant la transition entre le style gothique et la Renaissance. Ce premier style fléchit pourtant dès 1515, surtout dans le Val de Loire, où la pleine acceptation de la Renaissance italienne se fait sentir plus rapidement. Comme en Italie, trois phases se démarquent alors jusqu'au début du , une Première et Seconde Renaissance française s'achevant par le maniérisme.


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text: La fin de la guerre de Cent Ans marque l'installation du pouvoir royal dans le val de Loire et le début de la construction des premiers châteaux résidentiels. Charles VII et Louis XI ordonnent ou favorisent l'installation des premiers châteaux de la Loire ; ainsi, dès 1453, le corps de logis principal du château de Montsoreau est construit par Jean II de Chambes. Si l'italianisme existe depuis longtemps en France avec Pétrarque et dans la littérature, Jean Fouquet en peinture ou Laurana à Marseille en architecture, ce sont surtout les guerres d'Italie de Charles VIII et de Louis XII qui mettent la France en rapport avec la renaissance des arts se déroulant alors en Italie. Si l'art gothique ne meurt pas immédiatement, à l'arrivée des premiers artistes italiens à Amboise, en 1495, il n'en donne pas moins des signes de décadence. Malgré quelques beaux succès, dans la première moitié du , le processus transitoire du style Louis XII impose peu à peu les formes de la Première Renaissance. À partir des années 1515, les formes gothiques se diluent alors progressivement dans le décorum italien.Durant la première partie du règne de François (cf. châteaux de la Loire), de nombreux architectes italiens sont invités à la cour. Sous leur influence, les maîtres-maçons français bâtissent de nombreux châteaux en adaptant l'architecture de la Renaissance italienne aux styles régionaux et aux contraintes climatiques de la France (par exemple par ajout de hautes toitures). Les châteaux de la Loire en sont l'exemple le plus connu, tout comme le château d'Écouen, bâti par Anne de Montmorency à son retour des guerres d'Italie. Tous ces châteaux, d'une manière générale, sont caractérisés par le caractère militaire très médiéval dans la forme, accompagné d'une décoration dite « à l'italienne ».


title: Architecture de la Renaissance

text: Malgré ces survivances, le coup fatal sera donné en 1526 avec la création, par François, de l'École de Fontainebleau. Cette nouvelle vague d'artistes italiens, plus nombreux qu'auparavant, va avoir une grande influence sur l'art français, en créant une véritable rupture de par les innovations de ces artistes aussi bien dans la décoration intérieure que dans l'application plus savante des ordres antiques en architecture. Les architectes qui, à l'époque du style Louis XII et de la Première Renaissance, étaient des maîtres-maçons traditionnalistes et plein de verve, sont à partir des années 1530 des savants et des lettrés.


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text: Marquant l'arrivée de la Seconde Renaissance en France, le château d'Écouen (1532-1567) dans le Val-d'Oise, fut réalisé par l'architecte Jean Bullant pour Anne de Montmorency à son retour des guerres d'Italie. Il abrite aujourd'hui le musée national de la Renaissance. L'année 1530 correspond ainsi à un véritable tournant stylistique, généralement considéré comme la fin du style Louis XII, qui avait renouvelé dès 1495 la structure médiévale grâce aux apports italiens, et comme une acceptation définitive de la Renaissance en France, apparue progressivement vers 1515.


title: Architecture de la Renaissance

text: Si l'amorce de ce mouvement est bien marquée, la fin de la période est en revanche sujet de discorde : l'édit de Nantes de 1598, qui marque la fin des guerres de Religion, est souvent considéré comme la fin de la Renaissance, mais certains historiens arrêtent la période dès le début de la première guerre de Religion, avec le massacre de Wassy en 1562 ; d'autres arrêtent la période avec l'assassinat d'Henri IV en 1610.


title: Architecture de la Renaissance

text: D'une manière générale, l'Europe se pacifie considérablement après la bataille de Nancy, en 1477, qui éradique la possibilité d'émergence d'un État puissant entre Royaume de France et Saint-Empire romain germanique. Cette période de paix est favorable à la création artistique ; c'est à ce moment qu'apparait une première Renaissance lorraine (Palais des Ducs de Lorraine) dont l'âge d'or sera le règne du duc Charles III de Lorraine avec la création de l'Université de Pont-à-Mousson ainsi que l'édification de la ville-neuve de Nancy, œuvre urbanistique originale puisqu'elle établit une nouvelle ville juste à côté de la ville médiévale. La Renaissance dans le duché de Lorraine prendra fin avec la guerre de Trente Ans (1618).


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text: Aux alentours de 1564, les artistes français se défont de la tutelle italienne et les architectes français réalisent les grands travaux de la Renaissance française tardive.


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text: Formant un ultime écho de la Renaissance et de l'humanisme en France, cette dernière phase s'écarte du classicisme par sa fantaisie créative, qui peut justifier pour ce style l'appellation de "maniériste". Au moment même où commencent les guerres de Religion, qui seront marquées par le massacre de la Saint-Barthélemy, le pessimisme et le scepticisme envahissent les hommes et les artistes de pure formation humaniste. Les penseurs antiques de référence deviennent les stoïciens de préférence à Platon. Si l'humanisme survit, sa philosophie profonde évolue, tout en étant reprise et repensée par la Contre-Réforme catholique.


title: Architecture de la Renaissance

text: Comme pour la perspective, l’architecture de la Renaissance n'a gagné les Pays-Bas qu'assez lentement, et n'a d'ailleurs pas entièrement supplanté le style gothique. Cornelis Floris de Vriendt, l'architecte de l’Hôtel de ville d'Anvers (terminé en 1564) était directement inspiré par les maîtres italiens. Le style parfois appelé « maniérisme anversois », qui conserve des liens formels avec le gothique flamboyant, mais avec des baies plus grandes, une ornementation florale et des ornements empruntés à la Renaissance italienne, est celui qu'on retrouve majoritairement à travers toute l'Europe du Nord, en Allemagne, ainsi que dans l’architecture élisabéthaine en Angleterre, et il s'inscrit dans une tendance artistique plus large, le maniérisme nordique. Il se caractérise notamment par l'apparition du pignon à volutes richement travaillé et souvent hérissé d'obélisques, qui est en fait une adaptation des anciens pignons flamands gothiques avec des motifs italianisants.


title: Architecture de la Renaissance

text: Dans les Provinces-Unies de l'âge d'or, Hendrick de Keyser s'imposa comme l'un des pères de la Renaissance amsterdamoise, caractérisée par la prévalence de hautes maisons avec pignon à gradins ("trapgevel") qui représente une survivance prégnante de l'architecture médiévale, ou l'emploi systématique de frontons triangulaires élancés vers le haut (en écho au pignon) au-dessus des portes et des hautes fenêtres. L'ornementation des façades est d'un relief généralement peu marqué, « en cuir découpé », figure de style qui vient de l’École de Fontainebleau. Cette mode gagna d'ailleurs l’Angleterre également.


title: Architecture de la Renaissance

text: L’architecture de la Renaissance ne gagna l'Angleterre que sous le règne d’Élisabeth, par les Pays-Bas, où elle s'était enrichie d'ornements spécifiques comme le pignon à volutes flamand et le cuir découpé à motifs géométriques pour la décoration murale. Le nouveau style se décline en grandes maisons carrées et élevées comme Longleat House.


title: Architecture de la Renaissance

text: Le premier grand architecte anglais d'inspiration italienne est sans conteste Inigo Jones (1573–1652), qui avait étudié en Italie à un moment où l’influence de Palladio était à son paroxysme. Jones rentra en Angleterre plein d’enthousiasme pour la nouvelle architecture et entreprit d'emblée de l'appliquer : cela donna la Maison de la Reine de Greenwich en 1616 et la Maison des banquets de Whitehall trois ans plus tard. Ces chefs-d'œuvre, avec leur ligne dépouillée, révolutionnèrent par leur symétrie appuyée les conceptions Outre-Manche, car ils contrastaient dans un pays jusque-là enamouré de baies à meneaux, de créneaux et de tourelles (cf. l'article Style Tudor).


title: Architecture de la Renaissance

text: C'est par les Flandres que l’architecture de la Renaissance fit son chemin en Scandinavie : on y retrouve les hautes façades à pignon et un goût pour les châteaux, comme le montre l'exemple du palais de Frederiksborg. Pour cette raison même, le style néo-Renaissance des pays scandinaves s'inspire des mêmes modèles.


title: Architecture de la Renaissance

text: Au Danemark, l’architecture de la Renaissance s'épanouit sous les règnes de Frédéric II et de Christian IV. Inspirés par les châteaux de la Loire, les architectes flamands imaginèrent des chefs-d'œuvre comme le château de Kronborg à Elseneur et le palais de Frederiksborg (1602–1620) à Hillerod, le plus grand édifice Renaissance de Scandinavie.


title: Architecture de la Renaissance

text: En Suède, le coup d’État de Gustave Vasa et les débuts de la Réforme protestante mirent un coup d'arrêt à la construction de château et d'hôtels aristocratiques, mais virent naître les magnifiques châteaux de la dynastie des Wasa. Ils étaient édifiés à des emplacements stratégiques, autant pour contrôler le territoire que pour accueillir une cour itinérante. Les châteaux de Gripsholm, de Kalmar et de Vadstena se signalent par la fusion d'éléments médiévaux et Renaissance.