title: Oilers d'Edmonton

text: Au cours de l’existence des Oilers, le logo n’a que très peu évolué. Seuls des changements de couleur et l’apparition d’un cercle autour du logo l’ont fait évoluer. Chaque année et depuis 1964, les joueurs des ligues juniors ont la possibilité de signer des contrats avec les franchises de la LNH. Cette section présente les joueurs qui ont eu la chance d’être choisis par les Oilers lors du premier tour. Ces choix peuvent être échangés et ainsi, une année les Oilers peuvent très bien ne pas avoir eu de choix de premier tour ou à l’inverse, en avoir plusieurs.


title: Oilers d'Edmonton

text: Voici les statistiques des joueurs ayant dépassé le cap des 300 points en carrière avec les Oilers d’Edmonton.


title: Oilers d'Edmonton

text: À l'heure actuelle, sept anciens joueurs des Oilers ont vu leur numéro retirés.


Oilers d'Edmonton


title: Captain Beefheart

text: Don Van Vliet, né Don Glen Vliet le et mort le , est un musicien et artiste visuel américain, plus connu sous le pseudonyme de Captain Beefheart. Son œuvre musicale fut principalement réalisée avec un ensemble fluctuant de musiciens nommé le Magic Band, actif depuis le milieu des années 1960 jusqu'au début des années 1980.


title: Captain Beefheart

text: Van Vliet est l'inventeur d'une musique révolutionnaire, sorte de blues-rock déconstruit à la manière du free jazz, qu'il accompagnait de sa voix inquiétante et surprenante (elle s'étalait sur cinq octaves), mais aussi à l'harmonica ou, plus rarement, au saxophone et au clavier. Ses compositions sont caractérisées par un assortiment singulier de signatures rythmiques mouvantes et de paroles surréalistes. Figure excentrique de la scène underground américaine, sa démarche exerça une influence inestimable sur les musiques déviantes à venir, comme le punk rock ou la new wave, en dépit de sa maigre réussite commerciale.


title: Captain Beefheart

text: Van Vliet se joignit au Magic Band en 1965 et s'imposa vite en leader autoritaire. Ses premières productions étaient ancrées dans le blues et le rock, mais "Captain Beefheart & His Magic Band" (nom sous lequel la formation était connue) adopta peu à peu une approche plus expérimentale. 1969 vit la sortie de son chef-d'œuvre, "Trout Mask Replica", produit par son ami de longue date Frank Zappa, dont l'influence et le caractère révolutionnaire sont encore loués de nos jours. Beefheart sortit plusieurs autres albums au cours des années 1970 mais son groupe subit d'importants changements dans sa composition et ne connut qu'un succès commercial fort limité. Plus tard il joua avec d'autres musiciens plus jeunes et connut une gloire relative avec ses trois derniers albums, sortis entre 1978 et 1982.


title: Captain Beefheart

text: Van Vliet mit fin à sa carrière musicale vers 1982 et fit dès lors peu d'apparitions en public, préférant une vie tranquille dans son comté de Humboldt natal et se consacrant à la peinture. Son intérêt pour les arts plastiques remonte à un talent précoce de sculpteur ; son œuvre a été rapprochée du primitivisme et de l'expressionnisme abstrait et a reçu une reconnaissance internationale.


title: Captain Beefheart

text: Van Vliet naît à Glendale (Californie). Son père, chauffeur-livreur pour la société Helms Bread, est originaire du Kansas et d'ascendance néerlandaise. Sa mère venait de l'Arkansas ; son nom de jeune fille est Warfield, d'origine anglaise ; elle est une cousine de Wallis Simpson, l'épouse d'Édouard VIII du Royaume-Uni. On dit que Don ajouta le préfixe 'Van' à son patronyme afin de mettre en avant ses origines néerlandaises, en hommage aux maîtres de la peinture des Pays-Bas.


title: Captain Beefheart

text: Bien qu'issu d'une famille aux origines modestes et n'accordant que peu d'intérêt aux arts, Van Vliet révèle très jeune un talent prodigieux en peinture et sculpture, avec des œuvres réalisées à partir de matériaux qu'il trouve dans la nature. Il est remarqué par Augustinio Rodriguez, qui l'invita à venir sculpter avec lui chaque semaine sur le plateau d'une émission télévisée. Mais ses parents le découragent de poursuivre dans cette voie, en rejetant plusieurs offres de bourses d'étude, notamment en Europe, et, craignant pour leur enfant, font le choix de s'installer au beau milieu du désert de Mojave, puis à Lancaster. Van Vliet conserve toutefois son intérêt pour l'art, et ses peintures figurèrent plus tard sur plusieurs de ses albums.


title: Captain Beefheart

text: Étudiant à l'université d'Antelope Valley de Lancaster, Van Vliet se lie d'amitié avec Frank Zappa. Tous deux passent de longs moments enfermés à écouter des disques de rhythm and blues. Van Vliet devient amateur de blues, en particulier de Howlin' Wolf. Avec Zappa, ils commencent à collaborer en écrivant des parodies de chansons pop et le script du film "Captain Beefheart vs. the Grunt People" ; il s'agit là de la première apparition de ce qui deviendra son nom de scène en 1964. Selon Frank Zappa, le nom (« Capitaine Cœur de Bœuf ») était une allusion à une expression de son oncle Alan, qui avait l'habitude de s'exhiber en train d'uriner devant la petite amie de Van Vliet en lui disant : « Aaah ! Quelle beauté ! On dirait un bon gros morceau de cœur de bœuf ! ». Dans une entrevue de 1970 avec le magazine "Rolling Stone", Van Vliet déclare « ne me demandez pas pourquoi et comment » lui et Zappa avaient trouvé ce nom. Il affirma plus tard lors d'une émission du "Late Night with David Letterman" que le nom faisait référence à « un bœuf enfermé dans mon cœur contre cette société ».


title: Captain Beefheart

text: Plus tard Van Vliet s'inscrit en art, mais il décide de quitter l'université l'année suivante. Après avoir travaillé comme gestionnaire d'une boutique de chaussures, il déménage à Rancho Cucamonga, afin de se rapprocher de Zappa, avec qui il joue pour les premières fois en public. Avec leur groupe "The Soots", ils jouent des morceaux aux thèmes surréalistes et humoristiques, ou des reprises d'artistes de blues comme Little Richard. Zappa tente en vain de démarcher des maisons de disques ; il rapporte qu'un employé de lui déclara, après avoir écouté deux morceaux du groupe : « Nous ne pouvons pas sortir ça, le son de la guitare est saturé ». Van Vliet est décrit comme relativement timide à cette époque, mais capable d'imiter la profonde voix du bluesman Howlin' Wolf. Il devient peu à peu plus à l'aise en public et, après avoir appris à jouer de l'harmonica, commence à jouer dans de petits clubs de la région, accompagné par des groupes locaux comme The Omens et The Blackouts.


title: Captain Beefheart

text: Au début de 1965, Van Vliet est contacté par , un guitariste de rhythm and blues de Lancaster. Ensemble ils forment le premier Magic Band ; c'est à ce moment que Don Vliet devient « Don Van Vliet », Alex Snouffer devenant « Alex St. Claire ». La formation est complétée par Doug Moon (guitare), Jerry Handley (basse) et Vic Mortenson (batterie) bientôt remplacé par Paul Blakely).


title: Captain Beefheart

text: "Captain Beefheart & His Magic Band" signent chez A&M Records et sortent deux singles en 1966 : une version de "Diddy Wah Diddy" de Bo Diddley puis "Moonchild", écrit par David Gates, qui furent des succès locaux. Le groupe commence à jouer dans des salles underground de la région, comme le Avalon Ballroom de San Francisco.


title: Captain Beefheart

text: En 1966 les démos de ce qui deviendra "Safe as Milk", premier album du groupe, sont présentées à A&M. (le « M » de A&M) qualifie cette nouvelle orientation de « trop négative » et le groupe est congédié du label.


title: Captain Beefheart

text: Rejoint par à la batterie, le groupe signe, en 1966, chez Buddah Records. French est l'élément le plus stable du groupe, avec qui il reste jusqu'en 1971, avant de revenir en 1975-1977, puis en 1980 (en tant que guitariste sur les disques "Doc at the Radar Station" et "Ice Cream for Crow"). French a la patience requise pour traduire les idées musicales de Van Vliet (qu'il exprime fréquemment en sifflant ou en frappant sur un piano) aux autres musiciens. En l'absence de French ce rôle est tenu par Bill Harkleroad. En 1966 le groupe partage l'affiche à San Francisco avec les groupes Big Brother and The Holding Company et Love.


title: Captain Beefheart

text: "Safe as Milk" demande un gros travail ; c'est ainsi que le prodige de la guitare Ry Cooder, âgé de 19 ans seulement, est sollicité. Ils commencent à enregistrer au cours du printemps 1967, Richard Perry assurant le travail de production (une première le concernant). Le style du groupe s'affirme à ce moment : mélange étrange de blues et de country, et rythmiques titubantes, et commence à faire parler de lui : on remarque la qualité du jeu de guitare slide de Cooder et, surtout, le chant « hargneux » de Beefheart. Diverses légendes commencent à circuler, aidées par les déclarations plus ou moins mensongères de Beefheart dans des interviews. On dit par exemple qu'il détruit par ses hurlements un micro au cours des sessions d'enregistrement. Cooder quitta le groupe en juin 1967.


title: Captain Beefheart

text: En août est recruté le guitariste et le Magic Band (dans la configuration Snouffer/Cotton/Handley/French) commence à enregistrer en vue du second album. On rapporte qu'ils tentent de se lancer dans la conception d'un double-album intitulé "It Comes to You in a Plain Brown Wrapper", comprenant un disque enregistré live (en concert ou en studio). À la suite de l'échec commercial de "Safe as Milk", le groupe se retrouve cependant une nouvelle fois sans label pour l'appuyer. Le producteur indépendant Bob Krasnow accepte toutefois de financer des sessions qui débouchent finalement sur "Strictly Personal", sorti sur son label , dans lequel se confirme l'orientation free jazz de la musique de Beefheart. Les notes de l'édition originale de l'album affirment qu'il a été enregistré en « une nuit à Los Angeles en 1965 » ; en réalité les bandes dataient de novembre et décembre 1967.


title: Captain Beefheart

text: Le groupe effectue sa première tournée outre-Atlantique ; au cours de son premier séjour en Angleterre, en janvier 1968, Captain Beefheart fait la connaissance de Peter Meaden, icône mod et ancien manager de The Who. Alors que le groupe est en tournée, Krasnow modifie les enregistrements du groupe et ajoute de nombreux effets sonores sur la version finale, qui figure ensuite sur l'album. Beefheart n'apprécie pas cette initiative et, contrarié, fait le choix de retourner en Californie et de se rester un temps dans un endroit isolé.


title: Captain Beefheart

text: Il y retrouve son vieil ami Frank Zappa, qui lui fit la proposition d'enregistrer en totale indépendance un nouvel album et de le publier sur son nouveau label Straight Records.


title: Captain Beefheart

text: C'est ainsi que le sort le chef-d'œuvre incontesté de Van Vliet, "Trout Mask Replica". Combinant un grand nombre d'influences (blues, rock, musique psychédélique, free jazz...) dans une démarche iconoclaste et en rupture totale avec les conventions de la musique rock, il est immédiatement accueilli comme un monument de musique avant-gardiste.


title: Captain Beefheart

text: Van Vliet profite de l'engouement soudain des médias, en particulier, d'une interview avec le magazine "Rolling Stone", pour lancer d'autres légendes sur le groupe, aujourd'hui encore tenues pour véridiques par certains critiques.


title: Captain Beefheart

text: Selon Steve Huey, l'influence de l'album est « plus sensible dans l'esprit que dans l'imitation proprement dite, comme une catalyse plutôt que comme un véritable point de départ », et il inspire d'innombrables expérimentations postérieures de rock surréaliste, au cours des périodes punk et new wave.


title: Captain Beefheart

text: En 1969, la participation de Captain Beefheart à l'album "Hot Rats" de Frank Zappa est particulièrement remarquée par son interprétation du titre "Willie the Pimp", seule partie chantée de l'album.


title: Captain Beefheart

text: "" (1970) se situe dans la même veine expérimentale. Pour l'enregistrement de ce disque, le groupe voit l'arrivée d' (ancien des Mothers of Invention) à la batterie et aux marimbas. Sur "Decals", pour la première fois la formation est créditée dans le titre comme « The Magic Band » et non « His magic band » comme précédemment ; le journaliste l'interprète comme « une concession rechignée à ses membres, d'un minimum d'humanité semi-autonome ».


title: Captain Beefheart

text: Les deux disques suivants, ' (simplement crédité à « Captain Beefheart ») et ' (crédité à « Captain Beefheart And The Magic Band »), sortis en 1972, étaient beaucoup plus conventionnels. En 1974, immédiatement après l'enregistrement de ', dans la continuité des passages les plus commerciaux des albums précédents, le Magic Band, dont le noyau était alors John French, Art Tripp III, Bill Harkleroad et Mark Boston, décida de ne plus travailler avec Van Vliet, un guide qu'ils jugeaient trop sévère, et formèrent le groupe . Van Vliet assembla rapidement un autre Magic Band, au son beaucoup plus lisse et accessible, et auquel certains fans déçus affublèrent le surnom de « Tragic band ». "Unconditionally Guaranteed" et son successeur ' (1974) ont un son se rapprochant du soft rock, complètement différent de tous les autres disques de Beefheart, et aucun ne reçut d'accueil favorable. En 1975, Frank Zappa revient vers son ami Captain Beefheart, pour ce qui sera leur dernière collaboration. Zappa présente son compagnon comme « juridiquement asservi dans toute la région », après avoir signé « une ahurissante série de contrats avec tous les gars qui lui tendaient un stylo ». C'est ainsi presque sans le sou qu'il participe à la tournée "Bongo Fury" de 1975. Zappa le décrit encore comme particulièrement dur à vivre en tournée, car « il transportait la majeure partie de ses possessions terrestres – ses œuvres d'art, des livres de poésie, un sax soprano – dans un sac plastique qu'il oubliait partout » et se plaignait sans cesse de ne pas s'entendre sur scène, et ce quel que soit le volume des retours. Le fruit de ce travail collaboratif figure sur l'album "Bongo Fury" (1975) issu de la tournée du même nom de 1975. On trouve également certains de leurs enregistrements de jeunesse sur les collections de raretés de Frank Zappa "The Lost Episodes" (1996) et "" (1996).


title: Captain Beefheart

text: De 1975 à 1977, aucun nouveau disque ne parut (la version originale de "Bat Chain Puller" fut enregistrée en 1976, mais ne fut jamais publiée). En 1978 fut constitué un groupe totalement nouveau, formé de Richard Redus, , , et Robert Williams. Ils étaient issus d'une nouvelle génération de jeunes musiciens, s'avérant particulièrement aptes à jouer la musique de Beefheart, ayant été pour certains d'entre eux des fans de longue date.


title: Captain Beefheart

text: ' (1978) fut largement considéré comme un retour aux conceptions stylistiques excentriques et novatrices des premiers albums de Van Vliet. ' (1980) confirma la résurgence des moments les plus créatifs de la carrière musicale de Beefheart. Publié par Virgin Records en pleine ère post-punk, sa musique se trouva alors accessible à un public plus jeune et plus réceptif. Van Vliet déclara à propos de sa musique à cette époque : « je fais une musique non-hypnotique pour briser l'état catatonique... et je pense que c'est à présent une de celles qu'il faut ». Vers le même moment il fit deux apparitions dans l'émission de David Letterman et joua également pour le "Saturday Night Live".


title: Captain Beefheart

text: Son dernier disque, "" (1982), fut enregistré avec Gary Lucas (qui était également son manager), Jeff Moris Tepper, Richard Snyder et Cliff Martinez. la même équipe réalisa une vidéo pour promouvoir la chanson "Ice Cream for Crow", qui fut rejetée par MTV car jugée « trop étrange » mais incluse dans le programme de Letterman sur NBC-TV. Peu après, Van Vliet mit fin à ses activités musicales pour se consacrer à la peinture.


title: Captain Beefheart

text: Le Magic Band s'est reformé en 2003, sans Beefheart et sous la direction de John French, avec Gary Lucas et Denny Walley à la guitare, à la basse et Robert Williams à la batterie. Pour leurs deux premiers concerts, au festival All Tomorrow's Parties à Camber et au de Londres, French joua de la batterie pendant la première partie, avant d'être remplacé par Williams pour passer au chant. Williams quitta le groupe après ces deux spectacles et fut remplacé par Michael Traylor. La même année sortit un nouvel album studio intitulé "Back To The Front" chez ATP Recordings, suivi de "21st Century Mirror Men" en 2005. Après un concert aux États-Unis et une trentaine en Europe, le groupe mit fin à ses activités en 2006.


title: Captain Beefheart

text: John Peel, au départ sceptique à propos du groupe reformé, diffusa dans son émission un enregistrement du groupe au festival All Tomorrow's Parties, puis s'en trouva si ému qu'il ne put parler et dut passer un disque afin de reprendre ses esprits. Environ un an plus tard, le groupe enregistra une Peel Session pour lui.


title: Captain Beefheart

text: Van Vliet a ensuite résidé dans le nord de la Californie. À partir du milieu des années 1980, il abandonne la musique et devient quelque peu reclus, soutenant qu'il pourrait gagner bien plus d'argent grâce à la peinture. Certains critiques l'accueillent défavorablement comme un . Avec les années cependant, son œuvre reçoit peu à peu un accueil positif. Ses créations, tout comme sa musique, sont considérées comme radicales et novatrices, et se vendent à prix fort. Certaines sont comparées aux œuvres de Jackson Pollock et de Franz Kline.


title: Captain Beefheart

text: Au début des années 1980, Van Vliet met en place un partenariat avec le galeriste Michael Werner. Eric Feldman affirmera plus tard dans une interview que Michael Werner avait dit à Van Vliet qu'il devrait cesser de jouer de la musique s'il voulait être respecté en tant qu'artiste peintre. Gordon Veneklasen, l'un des directeurs de la galerie en 1995, décrit Van Vliet comme un « peintre incroyable », dont l'œuvre Il est considéré comme un moderniste primitiviste et un expressionniste abstrait. Morgan Falconer d'"Artforum" le mentionne lui aussi comme situé dans une « esthétique néo-primitiviste », établissant ensuite que son œuvre est influencée par les peintres du mouvement Cobra, une ressemblance également reconnue par le critique d'art Roberto Ohrt. Selon John Lane, directeur du musée d'art moderne de San Francisco dans les années 1990, bien que l'œuvre de Van Vliet puisse être associée avec la peinture expressionniste commune, plus importants sont sa qualité d'artiste autodidacte et le fait que sa peinture .


title: Captain Beefheart

text: Van Vliet déclara à propos de sa propre œuvre : Van Vliet met fin à ses activités de peinture vers la fin des années 1990 ; vers le même moment, il apparaît qu'il souffre d'une maladie dégénérative.


title: Captain Beefheart

text: Des expositions tenues en 2007 de ses peintures réalisées à la fin des années 1990 aux galeries Anton Kern et Michael Werner de New York ont été accueillies favorablement. En 2012-2013, une salle lui est consacrée lors de l'exposition de la collection de Michael Werner au musée d'art moderne de la ville de Paris.


title: Captain Beefheart

text: En 2003, Captain Beefheart apparaît sur la compilation "Where We Live: Stand for What You Stand On: A Benefit CD for EarthJustice", chantant une version parodique de "Joyeux anniversaire" intitulée "Happy Earthday". La chanson dure 35 secondes ; elle est enregistrée au téléphone par le compilateur de l'album.


title: Captain Beefheart

text: Il meurt le 17 décembre 2010 à 69 ans des suites d'une sclérose en plaques. Divers hommages lui sont rendus : "Rock & Folk" lui consacre la première page de son numéro 522 (février 2011) ; Jeff Bridges conclut l'épisode de "Saturday Night Live" du 18 décembre 2010 par un


title: Captain Beefheart

text: Selon Michka Assayas, « Avec dix ans d'avance, Beefheart a anticipé les tendances les plus radicales du rock dit indépendant, de Pere Ubu à Nick Cave, en passant par les Residents, Public Image Limited », et PJ Harvey, pour qui les disques de Captain Beefheart avaient la préférence au sein de la discothèque familiale.


title: Captain Beefheart

text: L'animateur de la BBC John Peel affirma : « S'il y a jamais eu un génie dans l'histoire de la musique populaire, c'est Beefheart. J'ai entendu des échos de sa musique dans quelques-uns des disques que j'ai écoutés la semaine dernière et j'entendrai d'autres écho dans la musique que j'écouterai cette semaine ».


title: Captain Beefheart

text: De nombreux artistes l'ont cité comme une influence primordiale, en particulier des pionniers du mouvement punk comme the Clash, John Lydon et Siouxsie and the Banshees. Michael Azerrad présente les Minutemen comme des fans absolus de Beefheart et décrit leur musique des débuts comme du « Captain Beefheart hautement caféiné dévalant du James Brown ». L'inflexion de l'orientation artistique de Tom Waits avec son "Swordfishtrombones" en 1983 était, selon ses dires, la conséquence de son initiation à la musique de Beefheart par sa femme. Il est cité dans la Nurse with Wound list.


title: Captain Beefheart

text: En 1988, l'album hommage "Fast 'n' Bulbous - A Tribute to Captain Beefheart" est une preuve de l'influence de Beefheart sur le mouvement post-punk, avec des groupes comme Sonic Youth, The Membranes et XTC.


title: Captain Beefheart

text: Parmi d'autres musiciens directement influencés par Beefheart on pourrait également citer les précurseurs de la new wave Devo ou le groupe de rock indépendant Franz Ferdinand. Le groupe britannique de shoegazing Spotlight Kid a trouvé son nom en s'inspirant directement du titre de l'album de Beefheart "The Spotlight Kid".


title: Captain Beefheart

text: Van Vliet a fait l'objet d'un documentaire de la BBC en 1997, "The Artist Formerly Known As Captain Beefheart". Le photographe néerlandais Anton Corbijn est également l'auteur d'un court métrage d'une dizaine de minutes intitulé "Some Yo Yo Stuff: An Observation of the Observations of Don Van Vliet" sorti en DVD. Quelques-uns de ses récents sons et bruitages ont été capturés par son guitariste et figurent sur ses albums "Moth to Mouth" (2002) et "Head Off" (2004). Le Magic Band, mené par John French, avec les deux ex-membres Denny Walley, et Gary Lucas s'est reformé en 2003 et a effectué une tournée au Royaume-Uni en 2005


title: St. Louis Blues

text: Saint-Louis Blues est une chanson composée par William Christopher Handy (1873-1958), publiée en 1914, enregistrée en 1916, et reprise un très grand nombre de fois. C'est une des premières chansons de blues dont la partition a été publiée.


title: St. Louis Blues

text: La version chantée par Bessie Smith en 1925 est considérée comme un « enregistrement classique du blues ». La NARAS lui a décerné un Grammy Hall of Fame Award en 1993, et la Blues Foundation l'a intronisée au Blues Hall of Fame en 2019.


title: St. Louis Blues

text: "St. Louis Blues" est devenue un standard de jazz popularisé notamment par Louis Armstrong. Armstrong l'a enregistrée plusieurs fois, et la NARAS a décerné à sa version de 1929 un Grammy Hall of Fame Award en 2008.


title: St. Louis Blues

text: Plus de 1800 versions enregistrées de "St. Louis Blues" sont recensées dans le seul domaine du jazz. Parmi ces versions, 15 ont été classées dans les charts entre 1921 et 1953.


title: St. Louis Blues

text: D'après l'ASCAP, il s'agit de "la chanson la plus enregistrée de la première moitié du ". On va parfois jusqu'à dire qu'il s'agit de « la chanson la plus souvent enregistrée de tous les temps après "Silent Night" ». C'est sans doute exagéré ("St. Louis Blues" n'est pas répertoriée dans le classement des dix premiers titres les plus repris au monde effectué par le magazine Rolling Stone). Mais cette exagération reste crédible, tant les traces de la chanson dans la culture populaire (dans d'autres chansons, dans des films, des bandes dessinées, et même dans le sport) sont nombreuses.


title: St. Louis Blues

text: En 1903, W.C. Handy a quitté son poste de professeur de musique dans l'une des rares universités de l'Alabama alors ouverte aux Noirs, l'Alabama Agricultural and Mechanical University. Il s'est installé à Clarksdale dans le Mississipi où il dirige un petit orchestre, les Knights of Pythias. Avec eux, il fait "la tournée des petites villes et communautés rurales" du Delta, une des régions où le blues est apparu vers la fin du . C'est à l'occasion de cette tournée qu'il découvre à la fois ce genre musical et sa propre vocation de compositeur. En 1909, Handy quitte la région du Delta pour s'installer un peu plus au Nord, à Memphis dans le Tennessee. Là, il publie les partitions des morceaux composés à partir des chansons qu'il a pu entendre.


title: St. Louis Blues

text: Selon l'historien du blues Giles Oakley :


title: St. Louis Blues

text: En 1912, quand il publie "The Memphis Blues", Handy a codifié le blues sous la forme d'une structure en douze mesures. Mais c'est en 1914, avec "St. Louis Blues", qu'il adapte cette structure à l'écriture des paroles ainsi qu'à la mélodie sur laquelle on doit les chanter. Les paroles se présentent en couplets de trois phrases, chacune de quatre mesures - la "phrase maîtresse" (A), sa reprise plus ou moins identique (A), et la phrase de commentaire (B). Depuis "St. Louis Blues", on a tendance à réduire le blues à cette forme : "demandez à n'importe quel musicien de jazz ou de pop de jouer un blues, et c'est ce que vous obtiendrez - un blues en douze mesures (trois séquences de quatre mesures, du type AAB)."


title: St. Louis Blues

text: Malgré cette codification, "St. Louis Blues" n'est pas un blues typique.


title: St. Louis Blues

text: Comme l'écrivent Hugues Panassié et Madeleine Gautier dans leur "Dictionnaire du jazz",


title: St. Louis Blues

text: Seul le premier thème est structuré en trois séquences de quatre mesures. Bien qu'il s'agisse aussi d'un blues, le troisième thème n'est pas structuré ainsi. C'est une reprise du thème de "The Jogo Blues", un morceau instrumental que Handy a publié en 1913.


title: St. Louis Blues

text: Quant au second thème, ce n'est pas un thème de blues. La plupart des commentateurs s'accordent pour dire qu'il est écrit sur un rythme de habanera. Certains d'entre eux affirment que Handy se serait familiarisé avec ce genre musical lors des concerts qu'il avait donnés à la Havane en 1892, lorsqu'il était membre des Mahara's Minstrels. Si ces commentateurs ont raison, il ne s'agit pas d'un "rythme sud-américain" comme l'écrivent Panassié et Gautier, mais d'un rythme cubain. Pourtant, lorsqu'il évoque ce thème dans son autobiographie, Handy parle de tango et non de habanera, ce qui donnerait raison à Panassié et Gautier. Mais Handy associe explicitement habanera et tango : "le rythme de la habanera, qui contient le rythme du tango", écrit-il dans son autobiographie ; "la habanera, mère du tango", écrivait Borges dans "Histoire universelle de l'infamie".


title: St. Louis Blues

text: La succession des trois thèmes est précédée par une introduction de neuf mesures. Elle n'a rien de blues, mais anticipe le second thème et doit être jouée sur le même rythme - habanera ou tango.


title: St. Louis Blues

text: Certains ont pu reprocher à Handy sa codification du blues, trop rigide et réductrice selon eux :


title: St. Louis Blues

text: À l'inverse, d'autres comme T-Bone Walker ont pu lui reprocher de ne pas s'en tenir aux douze mesures, mais d'insérer une habanera au milieu d'un blues :


title: St. Louis Blues

text: Ces reproches permettent de comprendre pourquoi "St. Louis Blues" fait rarement partie du répertoire des musiciens de blues. Il reste à comprendre pourquoi la chanson est devenue un standard de jazz.


title: St. Louis Blues

text: "St. Louis Blues" est devenue un standard de jazz en raison des partis pris que les bluesmen peuvent reprocher à Handy.


title: St. Louis Blues

text: D'abord la codification. Par sa rigueur, elle rend possible l'improvisation collective qui sera pratiquée dans le jazz :


title: St. Louis Blues

text: Ensuite, l'insertion de la habanera. Quand il compose "St. Louis Blues", Handy cherche à dépasser le ragtime. Selon lui, le ragtime a sacrifié la mélodie à l'ivresse de la syncope. Aussi Handy se fixe-t-il comme but de concilier syncope et mélodie. De là son recours au blues et à la habanera (ou, comme il l'écrit, au tango). Handy justifie également son choix du "tango" par des raisons rythmiques.


title: St. Louis Blues

text: Dans les premières années du , d'autres musiciens cherchent également à dépasser le ragtime. Ces tentatives aboutiront au jazz à la fin des années 1910.


title: St. Louis Blues

text: Jelly Roll Morton est l'un de ces musiciens qui ne se satisfaisaient pas du ragtime. Il prétend qu'une composition doit nécessairement, pour relever du jazz, contenir une "nuance espagnole" (ou une "teinte espagnole"). À la Nouvelle Orléans, dit-il, on pouvait entendre à cette époque beaucoup de chansons espagnoles. Il donne comme exemple "La paloma", une habanera. Selon lui, c'est aussi sous l'influence de ces chansons que le jazz a pu se développer à la Nouvelle Orléans.


title: St. Louis Blues

text: On peut donc affirmer, si Jelly Roll Morton a raison, que "St. Louis Blues" est aussi devenue un standard de jazz parce qu'elle contenait, sous la forme d'une habanera, cet "assaisonnement jazzistique essentiel" : la "teinte espagnole".


title: St. Louis Blues

text: À en croire Handy, c'est un souvenir qui est à l'origine des paroles de "St. Louis Blues". En 1893, alors qu'il voyageait avec un quartet en quête de concerts, il échoua à Saint-Louis, dans le Missouri, où il fit l'expérience de la misère et de la faim. Là, il vit un soir une femme dans une situation encore plus misérable que la sienne. Ivre, "trébuchant dans une rue mal éclairée, elle marmonnait en marchant : "Ma man's got a heart like a rock cast in de sea [Mon homme a le cœur comme une pierre jetée dans la mer]."


title: St. Louis Blues

text: Une vingtaine d'années plus tard, Handy écrit les paroles de "St. Louis Blues" en imaginant une situation à partir de cette phrase. La chanson est la plainte d'une femme : l'homme qu'elle aime l'a abandonnée, séduit par une femme habitant la ville de Saint-Louis.


title: St. Louis Blues

text: Handy reprend la phrase entendue en 1893 presque telle quelle pour les paroles qu'on doit chanter lors de la première occurrence du troisième thème. Il la met en valeur en l'associant à une autre phrase, la seule dans laquelle le titre de la chanson apparaît : "Got de St. Louis blues, jes as blue as Ah can be./ Dat man got a heart lak a rock cast in the sea./ Or else he wouldn't have gone so far from me. [J'ai le cafard de Saint-Louis, ça peut pas être pire./ Cet homme a le cœur comme une pierre jetée dans la mer./ Sinon, il serait resté au lieu de partir si loin.]" La phrase est donc donnée comme une explication du titre de la chanson.


title: St. Louis Blues

text: Dans son autobiographie, Handy met en rapport la détresse amoureuse qui s'exprime dans "St. Louis Blues" avec la misère sociale qu'il a lui-même vécue :


title: St. Louis Blues

text: Handy a écrit d'autres passages à partir des souvenirs de ce qu'il a pu entendre, notamment lors de ses tournées dans le Delta. Par exemple, la première phrase de la chanson ("I hate to see de ev'nin' sun go down") pourrait bien être l'inversion de la première phrase d'un chant de travail chanté par les métayers du Mississippi : "But I'm glad to see the evenin' sun go down,/ So I can go back home and lay back down. [Mais je suis content de voir venir le soir et le soleil se coucher,/ Car comme ça je peux rentrer à la maison et m'allonger.]" Dans "La signification du blues", un article qu'il a écrit en 1919, Handy mentionne un autre chant de travail dont le sens est proche :


title: St. Louis Blues

text: Handy inverse le sens des paroles pour connoter, par opposition au travail rural, le mode de vie urbain de ses personnages. Mais en gardant la trace des chants de travail dans ses paroles, il met en rapport, là encore, la détresse amoureuse avec une forme de misère sociale.


title: St. Louis Blues

text: De même qu'il a retranscrit les musiques populaires qu'il a pu entendre dans le Sud des États-Unis, Handy a collecté les bribes de paroles et les phrases qui lui ont paru significatives. Il a ensuite utilisé les paroles et musiques recueillies pour écrire ses propres chansons. Dans son autobiographie, il justifie cette utilisation par son intérêt pour la culture afro-américaine et par sa volonté d'en donner une image fidèle.


title: St. Louis Blues

text: Comme il l'écrit dans son autobiographie, Handy mêle délibérément l'authenticité des matériaux qu'il a recueillis aux conventions des "coon songs". Cela lui permet de tempérer par l'humour l'expression de la plainte amoureuse, conformément à sa conception du blues. Pour lui en effet, les blues sont des chansons fondamentalement insouciantes, à la différence des chants religieux des esclaves afro-américains - chants dans lesquels la tristesse s'exprime vraiment.


title: St. Louis Blues

text: Ce mélange de convention et d'authenticité le conduit à brouiller les registres du naturalisme et du pittoresque. En témoigne sa tentative pour restituer le ton et le style, dans lesquels s'expriment alors les Noirs du Sud des États-Unis : Handy multiplie les "expressions idiomatiques" et les "altérations orthographiques par rapport à la norme anglaise".


title: St. Louis Blues

text: Handy choisit des personnages dont il accentue la couleur de peau : la femme abandonnée présente l'homme qu'elle aime comme étant l'homme "le plus noir de Saint-Louis", "plus noir encore que minuit". Le sociologue Erwan Dianteill remarque que l'accentuation de la couleur noire, loin d'être présentée comme un défaut, est "exaltée comme un sommet de la beauté". Dianteil s'appuie sur un proverbe cité par Handy dans les paroles : "Blacker de berry, sweeter is the juice [Plus noire est la mûre, plus sucré est son jus]". Il n'est pourtant pas sûr que ce "proverbe du folklore nègre" fasse référence à la beauté de la peau noire : Wallace Thurman, dans son roman de 1929, "Plus noire est la mûre", donne au proverbe une connotation plus sexuelle qu'esthétique lorsqu'il le place dans la bouche d'Alva, un des nombreux personnages qui partagent "le préjugé intra-racial en matière de couleur". Ce qui est sûr, en revanche, c'est que la femme délaissée de la chanson ne partage pas ce préjugé.


title: St. Louis Blues

text: Dianteill affirme également que les paroles présentent "un reflet négatif de la morale des églises protestantes", par "le catalogue du monde du péché" qu'elles dressent : l'infidélité, la vanité de la séduction, le goût de l'alcool et des jeux de hasard, la violence et la révolte des fils contre les pères. Dans "St. Louis Blues", écrit Dianteill,


title: St. Louis Blues

text: Handy met l'accent sur l'importance de la sexualité dans les rapports entre ses personnages. Il évoque la frustration sexuelle de la femme abandonnée, d'abord de manière implicite dans la première phrase ("I hate to see de ev'nin' sun go down") puis, plus tard, de manière explicite : "Cause I'm most wile 'bout ma Jelly Roll". "Jelly Roll" est une expression argotique "désignant, selon l"'Oxford English Dictionnary", "les parties génitales femelles ou vagin"". Selon Nick Tosches, Handy aurait été le premier à employer l'expression dans une chanson. Quant à l'emprise sexuelle de la séductrice sur l'homme aimé, Handy l'évoque par la métaphore de la bonne cuisinière : "St. Louis Woman wid her diamon' rings/ Pulls dat man roun' by her apron strings [Cette femme de Saint-Louis avec ses bagues de diamants/ Mène mon homme par les cordons de son tablier.]"


title: St. Louis Blues

text: Dans leur intégralité, les paroles écrites contiennent dix-sept couplets. Elles correspondent à l'enchaînement des trois thèmes répété trois fois et suivi du dernier thème répété deux fois.


title: St. Louis Blues

text: Les paroles écrites par Handy ont été très rarement chantées sur disque dans leur intégralité. Elles ne l'ont peut-être même jamais été. Chanteurs et chanteuses prennent des libertés par rapport aux paroles originales non seulement en omettant de nombreux passages, mais aussi en introduisant de nouvelles paroles. Parfois, ils modifient même totalement ce qu'a écrit Handy. C'est le cas du banjoïste et chanteur dans les différentes versions qu'il a enregistrées.


title: St. Louis Blues

text: Quand ils restent plutôt fidèles aux paroles écrites, les chanteurs et les chanteuses atténuent, pour la plupart d'entre eux, l'imitation de la parole populaire - un des effets que recherchait Handy. Aussi n'utilise-t-on pas, lorsqu'on retranscrit les paroles chantées, d'altérations orthographiques ou grammaticales par rapport à la norme anglaise.


title: St. Louis Blues

text: "St. Louis Blues" étant écrite du point de vue d'une femme, les versions des chanteuses sont généralement les plus fidèles aux paroles de Handy. Souvent elles chantent les cinq premiers couplets (les paroles qui accompagnent le premier enchaînement des trois thèmes) qu'elles complètent par le couplet commençant par "I love that man like a schoolboy loves his pie". C'est le cas notamment de Marion Harris et de Billie Holiday. Bessie Smith chante une version encore plus courte, en se limitant aux cinq premiers couplets. Elle modifie aussi la troisième phrase du premier couplet : "It makes me feel I'm on my last go 'round [Ca me donne l'impression de faire mon dernier tour de piste]", chante-t-elle au lieu de l'habituel "'Cause my baby, he's done left this town".


title: St. Louis Blues

text: Les versions les plus fidèles interprétées par des chanteurs contiennent plus de modifications. Gene Austin et Bing Crosby chantent les mêmes couplets que Marion Harris. Crosby se contente de remplacer "that man" par "that girl" et "the man I love" par "the girl I love", ce qui donne au troisième couplet une connotation lesbienne inattendue : "St. Louis woman with her diamond rings/ Pulls that girl around by her apron strings [Cette femme de Saint-Louis avec ses bagues de diamants/ Mène cette fille par les cordons de son tablier.]" Austin résout le problème de manière plus attendue, en chantant : "St. Louis woman with her diamond rings/ Pulls me around by her apron strings [Cette femme de Saint-Louis avec ses bagues de diamant/ Me mène par les cordons de son tablier.]"  Par sa composition, qui oscille entre blues et habanera, et par ses paroles, tantôt tristes, tantôt amusantes, "St. Louis Blues" est une chanson ambiguë.


title: St. Louis Blues

text: On a pu remarquer que la chanson jouait sur l'opposition de deux archétypes féminins, "l'amoureuse abandonnée et la tentatrice qui rivalisent pour attirer l'attention d'un homme irresponsable". Cette opposition produit aussi de l'ambiguïté : "St. Louis Blues" peut exprimer la plainte de l'amoureuse abandonnée, ou le triomphe de la tentatrice.


title: St. Louis Blues

text: La fréquente utilisation de la chanson dans les films hollywoodiens des années 1930, même lorsqu'il n'y est pas question d'une rivalité entre deux femmes, témoigne de cette ambiguïté. Dans la bande-son de ces films, c'est souvent le second thème, le thème joué sur un rythme de habanera, qui sert à exalter le triomphe de la tentatrice. On l'entend, par exemple, dans "Liliane" ("Baby Face") d'Alfred E. Green, à chaque fois que Lily Powers (Barbara Stanwyck) séduit un homme et gravit un échelon de la hiérarchie dans la banque où elle est employée. L'ambiguïté de la chanson est surtout manifeste au début du film, lorsque, à deux reprises, on entend un personnage chanter "St. Louis Blues", a cappella et en situation. C'est Chico (Theresa Harris), une jeune femme noire qui travaille dans le bar clandestin tenu par le père de Lily. La première fois, on l'entend chanter le premier thème ("Feeling tomorrow like I feel today...") comme une complainte, pendant qu'elle fait la vaisselle. La seconde fois, on l'entend chanter le second thème ("St. Louis woman with her diamond rings...") dans un wagon de marchandise tandis qu'elle observe Lily séduire un agent de la compagnie ferroviaire afin de "payer" leur voyage vers New York.


title: St. Louis Blues

text: L'utilisation de la chanson dans la bande dessinée "Terry et les pirates" témoigne également de cette ambiguïté. Milton Caniff, l'auteur de la BD, fait de "St. Louis Blues" un signal indiquant la présence d'un personnage féminin : Burma - "notre menace blonde", comme la surnomme affectueusement l'un des héros avant de pointer son ambiguïté en affirmant qu'elle a "toujours de bonnes intentions et de mauvaises fréquentations".


title: St. Louis Blues

text: W.C. Handy publie la partition en 1914 et joue "St. Louis Blues" avec son orchestre dans les salles de bal. Mais il ne l'enregistre pas avant 1922.


title: St. Louis Blues

text: Dès 1914, le chanteur noir Charles Anderson interprète la chanson dans les salles de "vaudeville" réservées aux artistes et aux spectateurs noirs. Anderson est un yodleur et un acteur travesti, spécialisé dans les rôles de "mamans de couleur". D'après un journaliste qui fit, dans les années 1910, la recension d'un de ses spectacles :


title: St. Louis Blues

text: Anderson avait déjà chanté un blues ("Baby Seals Blues") l'année précédente, travesti en maman. Quand il interprète "St. Louis Blues", il maintient très probablement, d'une part le point de vue féminin de la chanson (contrairement à ce que feront la plupart des hommes qui la chanteront par la suite) et d'autre part son esprit humoristique (comme le feront après lui des chanteurs amuseurs, "blackface" à l'instar d'Al Bernard et d'Emmett Miller, ou non à l'instar d'Eddie Peabody). Quatorze ans après l'avoir créée sur scène, Charles Anderson enregistrera sa version de "St. Louis Blues" pour le label Okeh.


title: St. Louis Blues

text: Le premier enregistrement de "St. Louis Blues" date du . Il s'agit d'une version instrumentale interprétée par le Prince's Band, l'un des orchestres dirigés par . Publié par Columbia, le disque parvient à la quatrième place des charts en 1916.


title: St. Louis Blues

text: En , le Ciro's Club Coon Orchestra, un orchestre afro-américain qui anime le Ciro's Club de Londres (et qui restera en Angleterre jusqu'à la fin de la Première Guerre mondiale), enregistre pour la branche anglaise du label Columbia une version de la chanson. Il s'agit du premier enregistrement d'une version chantée de "St. Louis Blues". Composé principalement d'instruments à cordes (banjos, mandoline et contrebasse), le Ciro's Club Coon Orchestra est dirigé par le pianiste Dan Kildare. Cette interprétation est, selon Tim Brooks, "extrêmement énergique".


title: St. Louis Blues

text: En 1917, sur le territoire des États-Unis, plusieurs chanteuses noires interprètent "St. Louis Blues" sur scène. A baltimore : Ethel Waters sous le nom de scène Sweet Mama Stringbean, d'abord en solo puis avec les Hill Sisters, sous le nom de groupe : The Hill Sisters Featuring Sweet Mama Stringbean, Singing St. Louis Blues. A Chicago : Alberta Hunter, et Lucille Hegamin sous le nom de scène Georgia Peach. Aucune d'entre elles n'enregistre le titre à cette époque (c'est seulement en 1920 qu'une chanteuse noire, Mamie Smith, a pu enregistrer pour la première fois un disque aux États-Unis). D'après Giles Oakley qui se base sur les enregistrements qu'elles réaliseront quelques années plus tard, ces chanteuses "se reconnaissent à une certaine perfection de la diction, à une grande clarté de l'articulation", et à leur style "très soigné", proche de la musique de variétés.


title: St. Louis Blues

text: La chanteuse blanche Sophie Tucker ajoute le titre à son répertoire, peut-être sous l'influence d'Alberta Hunter. Sophie Tucker est alors l'une des plus grandes stars du "vaudeville". Elle est connue sur tout le territoire des États-Unis pour ses chansons et ses commentaires "osés" et "très drôles". Depuis 1916, elle est accompagnée sur scène par un orchestre de jazz, The Five Kings of Syncopation. Quelque temps après, à New York en 1919, une autre chanteuse blanche, Gilda Gray, chante "St. Louis Blues" sur scène en dansant le shimmy. Gilda Gray avait été découverte et lancée, l'année précédente, par Sophie Tucker.


title: St. Louis Blues

text: On lit parfois que Sophie Tucker aurait été la première à enregistrer la chanson, en 1917. Mais elle n'a rien enregistré entre et . Il est donc très probable que la première version chantée de "St. Louis Blues" à avoir été enregistrée sur le territoire des États-Unis soit celle du chanteur blanc Al Bernard comme l'affirment Tim Gracyk et Frank Hoffmann.


title: St. Louis Blues

text: L'enregistrement d'Al Bernard date de , et est publié en 1919 par le label Aeolian-Vocalion. Par la suite, le chanteur "ne devait pas cesser d'enregistrer" la chanson. Il l'enregistre notamment avec l'Original Dixieland Jazz Band (ODJB) en 1921. Cette version, publiée par le label Victor, parvient à la troisième place des charts.


title: St. Louis Blues

text: D'après la notice que consacre à la chanson Elliott S. Hurwitt dans "Encyclopedia of the Blues", aucune de ces premières interprétations de "St. Louis Blues" ne serait jouée sur un tempo lent. C'est que la chanson est née "à l'époque du ragtime, quand l'Amérique était folle de danse". Les années 1910 voient en effet le succès du tango et des danses à la mode - two-step, "one-step", foxtrot et shimmy : "Déferlement des danses rapprochées et trépidantes, alors que s'éteignent, de mort naturelle, les danses [...] courtoises : mazurkas, polkas, valses, quadrilles..." Et comme le rappelle W.C. Handy dans son autobiographie, "St. Louis Blues" est une chanson écrite pour la danse - une chanson qui a "électrisé" les danseurs des années 1910.


title: St. Louis Blues

text: En 1920, la chanteuse blanche Marion Harris est, d'après Elliott S. Hurwitt, la première à chanter le standard sur un tempo lent, comme une complainte. Son interprétation annonce celles qu'en donneront les crooners une dizaine d'années plus tard : Gene Austin en 1928 et Bing Crosby en 1932. Publiée sur le label Columbia, c'est la seule version de "St. Louis Blues" qui a atteint la première place des charts.


title: St. Louis Blues

text: Cette nouvelle manière d'interpréter le standard atteint, pour reprendre les termes employés par Hurwitt, "son apothéose" dans les versions "lugubres" de Bessie Smith : la version de 1925 où elle est accompagnée par Fred Longshaw à l'harmonium et Louis Armstrong au cornet, et celle de 1929 qu'elle enregistre, avec orchestre et chœur, pour le cinéma - deux interprétations sur un tempo encore plus lent que celui de l'interprétation de Marion Harris.


title: St. Louis Blues

text: "Très lente, accablée, désespérée", la version de 1925 est un enregistrement à part. Elle se distingue des versions des autres chanteuses par "l'accent tragique" de Bessie Smith et par son style vocal, "primitif", "puissant" et "sensuel" - un style auquel on a pu reprocher à ses débuts d'être "trop rugueux". Elle se singularise aussi par l'accompagnement musical. Le choix de l'harmonium à la place du piano et la manière dont Fred Longshaw en joue "donnent un caractère quasi religieux à cet enregistrement". Au cornet, Armstrong semble dialoguer avec Bessie Smith et, par les "contrechants" qu'il "brode", transforme "ce qui devait être un simple vocal en un magnifique duo". Les musiciens suppriment l'introduction sur un rythme de habanera : comme pour signaler qu'il ne s'agit plus d'une chanson faite pour danser, Longshaw remplace l'introduction par "un simple accord d'harmonium d'environ une mesure, hors tempo, sur lequel Armstrong pose une note qu'il joue crescendo". En écho à cette suppression, Bessie Smith et ses musiciens atténuent la rupture qu'introduit le second thème et donnent ainsi "une simplicité classique" à la chanson. Style vocal, accompagnement musical, atténuation des ruptures et des rythmes de danse contribuent à l'effet d'ensemble : une "expression plus intérieure que spectaculaire", comme Boris Vian le remarquera à l'occasion de la réédition française de 1959. Publié par le label Columbia, cet enregistrement est resté six semaines dans les charts en 1925, et a atteint la troisième place.


title: St. Louis Blues

text: Au sujet de la manière dont Armstrong accompagne Bessie Smith, Hugues Panassié évoque


title: St. Louis Blues

text: Très différente de la version dépouillée de 1925, la version pour le cinéma de 1929 est supervisée par W.C. Handy. Bessie Smith est accompagnée par un orchestre (avec James P. Johnson au piano) et par le Hall Johnson Choir (les arrangements du chœur sont de Handy et de Rosamond Johnson). Handy ne revient pas sur la suppression de l'introduction qu'il avait initialement écrite. Il la remplace, non par un simple accord joué sur un instrument, mais par un chant a cappella de Bessie Smith : "My man's got a heart like a rock cast in the sea". Cette nouvelle introduction lui permet de mettre en exergue la phrase qui est à l'origine de la chanson et qu'il avait entendue à Saint-Louis, dans la bouche d'une femme ivre. Handy semble ainsi s'approprier la nouvelle manière d'interpréter "St. Louis Blues". Pourtant il ne renonce pas totalement à la danse : au milieu de la chanson, il introduit un long break instrumental sur un tempo rapide, pendant qu'à l'image les danseurs se déchaînent. Handy ponctue la fin du break par une citation de Rhapsody in Blue de Gershwin, et enchaîne sur "St. Louis Blues" repris sur un tempo lent.


title: St. Louis Blues

text: A partir de 1929, Louis Armstrong dirige des ensembles de dix musiciens et plus. C'est dans ce contexte qu'il enregistre à plusieurs reprises "St. Louis Blues", un standard qu'il avait laissé de côté lorsqu'il dirigeait des petites formations (les Hot Five et les Hot Seven).


title: St. Louis Blues

text: En , quelques semaines après le krach boursier, il en enregistre deux versions instrumentales et une version chantée pour le label Okeh. Tommy Rockwell, "dur et agressif directeur des enregistrements chez Okeh", lui impose pour l'occasion l'orchestre de Luis Russell (avec, notamment, Henry "Red" Allen à la trompette, J.C. Higginbotham au trombone et George "Pops" Foster à la contrebasse). Armstrong préférait celui de Carroll Dickerson avec lequel il avait enregistré pendant les mois précédents. Pourtant, des historiens du jazz comme Lucien Malson considèrent que l'orchestre de Russell est le meilleur de ceux qui l'ont accompagné durant cette période.


title: St. Louis Blues

text: La version chantée de "St. Louis Blues", la seule des trois versions publiée à l'époque, fait date. Armstrong y prend le contre-pied de la version de Bessie Smith à laquelle il avait participé : il choisit un tempo plus rapide et restaure l'introduction sur un rythme de habanera. Il ne chante que sur le troisième thème, comme le faisait Al Bernard dans la version de l'ODJB, et conclut par une succession de quatre chorus à la trompette. Selon Lucien Malson :


title: St. Louis Blues

text: Selon Hugues Panassié, "le swing de cette interprétation est indescriptible". Cette version atteint la onzième place des charts en 1930.


title: St. Louis Blues

text: Armstrong enregistre ensuite, avec d'autres orchestres, trois versions sur un tempo plus rapide encore : la version instrumentale d' pour le label Victor, et les deux versions chantées qu'il enregistre à Paris en pour le label Brunswick. En 1958, à l'occasion de la réédition d'une des deux versions parisiennes, Boris Vian écrit :


title: St. Louis Blues

text: Dans le même texte, Vian prévient les futurs auditeurs :


title: St. Louis Blues

text: La remarque de Vian montre qu'en France, en 1958, beaucoup identifient "St. Louis Blues" à la seule interprétation de Bessie Smith et par conséquent ignorent ou oublient les autres versions qui, pour la plupart, commencent sur un rythme de habanera (en particulier les versions antérieures d'Armstrong). Cette remarque s'inscrit également dans la querelle liée à la réception du Be Bop en France. En effet, l'introduction de rythmes cubains ou sud-américains, sensible notamment chez Dizzy Gillespie, est l'une des raisons pour lesquelles Hugues Panassié affirmait que "le Be Bop est une musique distincte du jazz".


title: St. Louis Blues

text: En 1954, le producteur commande à Armstrong un album des chansons de Handy pour le label Columbia. Avakian :


title: St. Louis Blues

text: Le LP "Louis Armstrong Plays W.C. Handy" s'ouvre par la version coupée de "St. Louis Blues". Elle dure environ sept minutes. La version non coupée ne sera publiée qu'en 1997, sur la deuxième édition du CD. Elle est jouée sur un tempo lent sans pour autant être une complainte. Armstrong et ses musiciens commencent par une interprétation instrumentale : ils jouent la totalité du morceau mais modifient l'ordre de succession des thèmes. Après cette longue introduction, chante les quatre premiers couplets, en reprenant la modification que Bessie Smith avait introduite dans les paroles mais en évitant le ton tragique. Au cinquième couplet, Middelton prend beaucoup plus de libertés avec les paroles d'Handy. C'est alors qu'Armstrong intervient pour chanter le couplet rarement chanté dans lequel le personnage mentionne son "jelly roll", puis la chanson devient un dialogue entre les deux chanteurs. Les libertés prises avec les paroles et avec la partition visent à retrouver l'esprit humoristique qu'Handy avait insufflé à sa composition. D'après Boris Vian, il s'agit d'une des interprétations "les plus belles" de "St. Louis Blues". Elliott S. Hurwitt considère également qu'il s'agit d'une des meilleures versions du standard. Il attire notamment l'attention sur le solo de clarinette de Barney Bigard, peu après la cinquième minute.


title: St. Louis Blues

text: Le au de New York, Armstrong interprète "St. Louis Blues" accompagné par les All Stars ainsi que par un orchestre, composé de quatre-vingt huit musiciens du New York Philharmonic et dirigé par Leonard Bernstein. Cette version, entièrement instrumentale, est très différente de celle de 1954, bien qu'elle dure également près de huit minutes et soit jouée sur un tempo lent. Le concert est filmé et intégré dans le documentaire "Satchmo the Great", produit par Edward R. Murrow et sorti en 1957. On y voit, parmi les spectateurs, W.C. Handy.


title: St. Louis Blues

text: Dans son autobiographie, W.C. Handy affirme que "St. Louis Blues" a été jouée "devant le palais d'Haïlé Sélassié comme une sorte d'Hymne de bataille du Lion de Juda [Battle Hymn of the Lion of Judah]". Par cette allusion à "The Battle Hymn of the Republic", Handy suggère que les Ethiopiens ont fait de sa chanson un usage patriotique et guerrier. C'est en effet dans le contexte de la seconde guerre italo-éthiopienne que "St. Louis Blues" a, dit-on, été joué par des musiciens de l'armée éthiopienne. Que ce soit une légende ou une réalité, Handy a pu en entendre parler car, aux Etats-Unis, la guerre a attiré l'attention de l' ainsi que de plusieurs groupes au sein de la communauté noire - groupes qui se sont mobilisés en faveur des civils et des réfugiés éthiopiens.


title: St. Louis Blues

text: Le bombardement de Pearl Harbor n'a pas encore eu lieu quand Handy écrit son autobiographie. Peu de temps après l'entrée en guerre des Etats-Unis, Glenn Miller qui dirige l'un des orchestres de danse les plus populaires du moment, s'engage dans l'armée. Trop vieux pour combattre, il demande à être placé à la tête d'un orchestre afin de moderniser la musique militaire. Il obtient le grade de capitaine, dirige le Army Air Forces Training Command Orchestra à partir d', réunit une équipe d'arrangeurs, et demande à d'arranger "St. Louis Blues" pour en faire une marche militaire. L'enregistrement de "St. Louis Blues March" est édité en 1943 sur l'un des premiers V-Discs de Miller.


title: St. Louis Blues

text: Miller meurt en . L'orchestre qu'il avait dirigé entre 1938 et 1942 est à nouveau réuni à partir de 1946, sous la direction du saxophoniste et chanteur Tex Beneke. En 1947, Beneke et l'orchestre de Glenn Miller enregistrent "St. Louis Blues March". Le titre est publié en single par RCA Victor et atteint la cinquième place des charts en 1948.


title: St. Louis Blues

text: "St. Louis Blues", qui au début des années 1930 était souvent utilisée dans le cinéma hollywoodien pour connoter la débauche, la prostitution ou la trahison, est devenue au cours des années 1940 une chanson patriotique, au point d'être immédiatement identifiée avec les Etats-Unis. Langston Hughes le remarque au début du chapitre qu'il consacre à Handy dans "Famous American Negroes", un recueil de portraits écrit pour la jeunesse et publié en 1954 :


title: St. Louis Blues

text: Plusieurs chansons font référence, par leurs paroles ou leur musique, à "St. Louis Blues".


title: St. Louis Blues

text: Trois d'entre elles sont écrites par J. Russel Robinson, qui fut arrangeur et parolier pour W.C. Handy, et membre de l'Original Dixieland Jazz Band.


title: St. Louis Blues

text: D'abord, "St. Louis Gal" en 1922. Cette chanson reprend un personnage de la chanson originale : la séductrice de St. Louis. Bessie Smith interprète "St. Louis Gal" quelques mois avant d'interpréter "St. Louis Blues". On a pu écrire que la version de 1929 par les Cotton Pickers, un groupe de "minstrels", était une parodie de "St. Louis Blues". C'est une erreur : il s'agit en fait d'une parodie des versions antérieures, sérieuses, de "St. Louis Gal".


title: St. Louis Blues

text: Ensuite, "The Ghost of the St. Louis Blues" et "There Will Never Be a Melody Like the St. Louis Blues" en 1929, deux chansons plus explicitement en rapport avec "St. Louis Blues" que la précédente. "The Ghost of the St. Louis Blues" est interprétée par Emmett Miller en 1929"" (un an plus tôt, il avait interprété "St. Louis Blues"), par Leon Redbone sur l'album "Sugar" en 1990, et par Maria Muldaur & her Garden of Joy sur l'album "Good Time Music for Hard Times" en 2009"." En revanche, il est difficile de trouver les traces d'une interprétation de "There Will Never Be a Melody Like the St. Louis Blues".


title: St. Louis Blues

text: Autres chansons écrites en référence à "St. Louis Blues" : En 1935, le Quintette du Hot Club de France enregistre une version de "St. Louis Blues" - selon Daniel Nevers, "un pur chef-d'œuvre" : "L'introduction faussement hésitante de Django [Reinhardt], son long solo sur le rythme de la habanera, l'intervention d'une maîtrise parfaite de Grappelli, contribuent à en faire une des plus belles versions, à égalité avec celle, dix ans plus tôt, de Bessie Smith [...]."


title: St. Louis Blues

text: En 1937, Django Reinhardt enregistre une nouvelle version du standard, en trio cette fois (avec Louis Gasté à la guitare et Eugène d'Hellemmes à la contrebasse).


title: St. Louis Blues

text: En 1938, Jean Wiéner enregistre "St. Louis Blues" dans un arrangement au clavecin : "une version pour le moins insolite", selon Martin Pénet.


title: St. Louis Blues

text: Dans "La Rage de vivre" ("Really the Blues"), son autobiographie publiée en 1946, Mezz Mezzrow raconte que son ami Hugues Panassié a défié l'autorité nazie en diffusant, dans l'émission de radio qu'il animait, une version de "St. Louis Blues" par Armstrong : Quand le censeur allemand venait fourrer son nez dans les programmes pour voir ce que Hugues passait, on leur montrait sur l'étiquette du disque des titres comme "La tristesse de Saint Louis" et Hugues expliquait obligeamment qu'il s'agissait d'une complainte écrite en l'honneur de ce pauvre Louis XIV, enfin un machin historique vieux comme Hérode et aussi respectable. Mais ce que le limier de la Kultur ignorait, c'est que sous cette étiquette, il y en avait une autre de la maison Victor, mentionnant le nom de l'instrumentiste : Louis Armstrong, et le vrai titre "Saint Louis Blues".La complainte inventée par Panassié aurait été un "machin historique" encore plus vieux et respectable que ne le dit Mezzrow, puisque Saint Louis est le nom par lequel on désigne communément Louis IX (et non Louis XIV).


title: St. Louis Blues

text: L'anecdote est reprise en 1954 par Langston Hughes. Mais elle pourrait n'être qu'une légende : selon Daniel Nevers, « cette "Tristesse de Saint Louis" [...] n'a jamais été mentionnée sur la moindre étiquette de disque ».


title: St. Louis Blues

text: Mezzrow a peut-être confondu avec le titre de la version italienne de "St. Louis Blues", enregistrée par le Trio Lescano en 1941 : "Le tristezze di San Luigi".


title: St. Louis Blues

text: S'il n'existe aucune "Tristesse de Saint Louis" sur un disque pressé en France pendant l'Occupation, il existe un enregistrement titré "Saint-Louis Pelouze". Il s'agit d'une version instrumentale de "St. Louis Blues" enregistrée en 1943 par Léo Chauliac et son orchestre. Le titre fait « allusion à la rue Pelouze, quartier des Batignolles, où se trouvait un petit studio d'enregistrement ». Cette version, restée inédite à l'époque, n'a été publiée pour la première fois qu'en 1990 dans la compilation "Swing & Occupation", 1940-1943, vol. 1.


title: St. Louis Blues

text: Dans le livret de la compilation "Les Zazous - Swing Obsession 1938-1946", Eric Rémy se demande si les titres des standards de jazz ont été modifiés pendant l'Occupation à cause de la censure ou en raison d'une volonté de les franciser. Il semble pencher pour la seconde hypothèse : « Les difficultés de prononciation des Français notoirement nuls en langues ont permis qu"'I Got Rhythm" devienne "Agatha rythme" et "St. Louis Blues", "Saint-Louis Pelouze" ».


title: St. Louis Blues

text: En 1947, Simone Alma enregistre, accompagnée par Jacques Hélian, "Mon âme pleure", une adaptation de "St. Louis Blues". Elle en a écrit les paroles françaises sous le pseudonyme d'Hélène Simon. Le disque est publié par Pathé.


title: St. Louis Blues

text: Onze ans plus tard, Simone Alma enregistre à nouveau le standard, accompagnée cette fois par Pierre Brachet. La nouvelle version est plus rock, mêlant les paroles anglaises aux françaises. Elle est publiée par le label Teppaz sur le EP "Simone Alma n. 2".


title: St. Louis Blues

text: Le de la même année, Simone Alma produit et présente "Jazzorama", une émission de télévision réalisée par Jean-Christophe Averty. À la fin de l'émission, elle rend hommage à W.C. Handy (mort quelques semaines plus tôt, le ) et chante en anglais "St. Louis Blues", accompagnée par Claude Bolling et Sidney Bechet.


title: St. Louis Blues

text: Plusieurs écrivains de la Renaissance de Harlem entretiennent des relations avec W.C. Handy : en 1927, Langston Hughes écrit des paroles pour une de ses chansons : "Golden Brown Blues" ; en 1941, Arna Bontemps édite chez The MacMillan Company "Father of the Blues", son autobiographie. Seront ici mentionnées les références à "St. Louis Blues" dans les seules œuvres de fiction des écrivains de la Renaissance de Harlem.


title: St. Louis Blues

text: Selon certains commentateurs, "Plus noire est la mûre: roman de la vie nègre", que Wallace Thurman publie en 1929, tirerait son titre d'un extrait (rarement chanté) des paroles originales de "St. Louis Blues". Mais Thurman donne une autre source : un "proverbe du folklore nègre". Et rien n'interdit de penser que Thurman ait connu ce proverbe indépendamment de la chanson de Handy.


title: St. Louis Blues

text: On trouve des références beaucoup plus explicites à "St. Louis Blues" dans d'autres œuvres associées à la Renaissance de Harlem :


title: St. Louis Blues

text: Court métrage de fiction, produit par Dick Currier et W.C. Handy, avec Bessie Smith dans le rôle principal (c'est l'unique film dans lequel elle apparaît). D'une durée de 16 minutes et intégralement interprété par des acteurs noirs, le film est moins une illustration qu'une mise en situation de la chanson :


title: St. Louis Blues

text: Bessie (Bessie Smith) surprend Jimmy (Jimmy Mordecai), l'homme qu'elle aime et qu'elle entretient, dans les bras d'une autre femme. Elle chasse brutalement la femme. Jimmy frappe Bessie, fait sa valise et la quitte en riant. Elle reste seule, effondrée, dans son appartement. Sans se redresser, elle saisit un verre et une bouteille, boit, et commence à chanter : "My man's got a heart like a rock cast in the sea". Fondu au noir. Bessie est maintenant accoudée au comptoir d'un bar clandestin, un verre de bière à la main. Elle semble ivre et triste. Elle continue de chanter la même phrase. Quand elle cesse, la caméra la quitte et on découvre qu'elle est dans une boîte de nuit. L'orchestre commence à jouer, lentement, accompagné par les voix des clients attablés. Sur la musique de l'orchestre, Bessie, toujours accoudée au comptoir, chante "St. Louis Blues". Soudain, le tempo accélère et des clients se lèvent pour danser. Comme mise à l'écart par la musique, Bessie s'est tue. Mais voici Jimmy qui entre dans la boîte de nuit. Il retrouve Bessie qui tombe dans ses bras. La musique prend un rythme plus langoureux. Les deux amants, apparemment réconciliés, dansent, serrés l'un contre l'autre. Jimmy en profite pour prendre l'argent que Bessie conserve dans ses bas, rejette brutalement sa partenaire vers le comptoir, compte ostensiblement les billets, et s'en va, hilare. Accablée, Bessie reprend sa chanson.


title: St. Louis Blues

text: Le film a d'abord été distribué par la RKO avant d'être repris par Sack Amusement Enterprises, une compagnie spécialisée dans la production et la distribution de "race films".


title: St. Louis Blues

text: Au début du parlant, les grands studios hollywoodiens produisent des courts métrages musicaux afin de remplacer les "coûteuses représentations scéniques" (les attractions) qui avaient lieu pendant les séances, avant la projection du film. Au fil des ans, ces courts-métrages deviennent plus sophistiqués, intégrant souvent les numéros musicaux au sein d'un récit de fiction. La liste qui suit recense les courts métrages musicaux, disponibles en streaming ou sur DVD, dans lesquels "St. Louis Blues" est interprétée. La liste n'est pas exhaustive. "Astérix chez les Belges", de René Goscinny et Albert Uderzo (1979) : Saintlouisblus est le nom d'un légionnaire romain en garnison en Belgique. Pour comprendre le rapport entre un Romain qui fait bouillir de l'huile et un standard de jazz souvent associé au style hot, il faut lire la seule réplique du personnage : "Ça chauffe !" (planche 21).


title: St. Louis Blues

text: Les Blues de Saint Louis, l'équipe professionnelle de hockey sur glace de la ville de St. Louis dans le Missouri, tirent leur nom de la chanson.


title: St. Louis Blues

text: La liste qui suit n'est pas exhaustive.


title: St. Louis Blues

text: Dans cette liste, certains noms apparaissent plusieurs fois. Ce sont ceux des artistes qui ont enregistré le standard à plusieurs reprises (Al Bernard, Marion Harris, Louis Armstrong, Eddie Peabody, Duke Ellington, Sidney Bechet, Sun Ra...).


title: Edith Jones

text: Edith Hollan Jones, née le à Philadelphie, est une avocate et magistrate américaine, juge à la cour d'appel des États-Unis pour le cinquième circuit depuis 1985.


title: Edith Jones

text: Jones est diplômée de l'université Cornell en 1971, et a reçu son "Juris Doctor" d'avocate de l'université du Texas en 1974. Elle travaille dans le privé à Houston, de 1974 à 1985, pour des firmes comme Andrews, Kurth, Campbell & Jones.


title: Edith Jones

text: Elle est nommée au cinquième circuit par le président Ronald Reagan le , et confirmée par le Sénat le 3 avril suivant. Elle entre en fonction le lendemain de sa confirmation.


title: Edith Jones

text: Jones avait été considérée comme l'une des favorites pour le poste de "Justice", membre de la Cour suprême des États-Unis, laissé vacant après la démission de Sandra Day O'Connor. Selon le "Chicago Sun-Times", elle aurait été proche de la nomination sous la présidence de George H. W. Bush.


title: Liste de villes d'Uruguay

text: Cet article concerne une liste des principales villes d'Uruguay.


title: Milton Keynes Dons Football Club

text: Le Milton Keynes Dons Football Club est un club de football anglais basé à Milton Keynes, créé en 2004 par les dirigeants du Wimbledon Football Club, dont il revendique alors l'héritage. Le club évolue depuis la saison 2019-2020 en EFL League One (troisième division anglaise).


title: Milton Keynes Dons Football Club

text: Fondé en 2004 sous le nom de « Milton Keynes Dons », le club, jusqu'alors basé à Wimbledon, déménage à Milton Keynes en 2003 provoquant une très vive réaction des supporters. Ces derniers boycottent le club au cours de sa dernière saison jouée à Londres et fondent même un club de toutes pièces en 2002 : l'AFC Wimbledon. Le boycott, ordonné par la Football Supporters Federation, se termine à l'été 2006 quand la nouvelle direction remet les trophées gagnés par Wimbledon FC à la ville de Wimbledon.


title: Milton Keynes Dons Football Club

text: À l'issue de la saison 2014-15, le club est promu en Football League Championship (deuxième division anglaise). Après une saison, le club est relégué de nouveau en Football League One.


title: Milton Keynes Dons Football Club

text: MK Dons aura impressionné son public le après la large victoire contre Manchester United en s'imposant 4-0.


title: Milton Keynes Dons Football Club

text: En 2018, le club est relégué au EFL Football League Two (quatrième division anglaise).


title: Milton Keynes Dons Football Club

text: En 2019, le club est promu au EFL Football League One (troisième division anglaise).


title: Milton Keynes Dons Football Club

text: Le tableau suivant présente la liste des entraîneurs du club depuis sa création en 2004.


title: Milton Keynes Dons Football Club

text: Affluences du Milton Keynes Dons FC depuis la saison 2002-2003


title: Beckie Scott

text: Beckie Scott, née le à Vegreville, dans l'Alberta, est une skieuse de fond canadienne. Elle est licenciée au Vermilion Nordic Ski Club.


title: Beckie Scott

text: Elle a remporté une médaille d'or aux Jeux olympiques de Salt Lake City en 2002. Elle devient ainsi la première athlète nord-américaine à remporter une médaille olympique en ski de fond.


title: Beckie Scott

text: Elle a été élue sur le CIO comme représentante des athlètes en remportant la majorité des voix lors des Jeux olympiques de Turin en 2006, tout juste devant le hockeyeur Saku Koivu.


title: Beckie Scott

text: En plus de faire mieux connaître le ski de fond au Canada, la carrière de Beckie Scott est un exemple de la réussite dans le sport sans drogue. Elle continue à faire campagne avec la Fédération internationale de ski (FIS) pour ajouter des règles et s'assurer que les compétitions deviennent plus propres.


title: Americans de New York

text: Les Americans de New York – surnommés « Amerks » – sont une franchise professionnelle de hockey sur glace d'Amérique du Nord. L'équipe évolue à New York aux États-Unis et joue dans la Ligue nationale de hockey entre 1925 et 1942. Lors de sa dernière saison l'équipe change le nom pour devenir les Americans de Brooklyn.


title: Americans de New York

text: Mise en place une saison avant les Rangers, les Americans sont la première équipe de hockey de la ville de New York et jouent leurs matchs à domicile dans le Madison Square Garden. Fondés sur les bases des Tigers de Hamilton, meilleure équipe de la saison 1924-1925, ils ne connaissent pas le succès attendu en ne se qualifiant qu'à cinq reprises pour les séries éliminatoires de la Coupe Stanley en dix-sept saisons. Ils n'atteignent jamais la finale de la Coupe étant éliminés à deux reprises en demi-finale.


title: Americans de New York

text: En 1923, Thomas Duggan, promoteur de New York a une occasion de créer trois nouvelles franchises dans la LNH aux États-Unis. Il vend les deux premières places à Charles Adams qui crée les Bruins de Boston et à Tex Rickard – futur créateur des Rangers de New York. Dans le même temps, les Tigers de Hamilton se qualifient pour la première fois de leur histoire pour la finale de la Coupe Stanley en 1924-1925. Les dix joueurs des Tigers annoncent à leur directeur qu'ils ne sont payés que pour jouer les matchs de la saison régulière et qu'ils veulent une prime de chacun pour jouer la finale de la LNH.


title: Americans de New York

text: En effet leur contrat stipule qu'ils sont payés pour jouer entre le et le et ceci quel que soit le nombre de rencontres programmées. La direction des Tigers refuse le chantage et les joueurs décident alors de faire grève, la première de la LNH. Une rencontre est prévue entre Frank Calder, commissaire de la LNH, Percy Thompson, propriétaire de l'équipe, et Wilfred « Shorty » Green, représentant des joueurs pour tenter de trouver un compromis mais ce dernier ne se présente pas. Le , lors d'une réunion de la LNH une décision est prise : les joueurs des Tigers sont tous suspendus, ils reçoivent une amende de et sont éliminés de la compétition. Au cours de la même réunion, les dirigeants de la LNH annoncent que la franchise est déménagée de l'Ontario pour rejoindre la ville de New York.


title: Americans de New York

text: William V. Dwyer est un des premiers "" de la Prohibition à New York dans les années 1920 et pour , il achète la franchise qui devient les « Americans de New York ». Il est conseillé par William MacBeth, journaliste canadien qui écrit pour le ". Dwyer récupère alors des joueurs comme « Shorty » et Red Green, Harry « Billy » Burch ou encore « Bullet » Joe Simpson. Dwyer signe des contrats inhabituels avec ses joueurs : Burch signe un contrat de trois saisons pour , « Shorty » Green est augmenté de pour atteindre la barre des . Les autres joueurs de la LNH touchent alors en moyenne entre et .


title: Americans de New York

text: Les Americans de New York rejoignent la LNH pour la saison 1925-1926 et ils jouent leurs premières rencontres à l'extérieur avec tout d'abord un match contre les Pirates de Pittsburgh le . Burch inscrit le premier but pour New York. Les Americans inaugurent leur nouvelle salle contre les Canadiens de Montréal le soir du , une défaite 3 buts à 1.


title: Americans de New York

text: Dwyer est obligé de laisser la gérance de son équipe à Thomas Gorman, étant rattrapé par la justice américaine. Pendant ce temps, MacBeth écrit les comptes-rendus des matchs de l'équipe et il a alors tendance à mettre en avant deux joueurs en particulier. Ainsi, Simpson est surnommé alors que Burch est appelé le . Les deux joueurs deviennent alors les favoris du public de New York et par la suite, le public espère à chaque fois qu'un des joueurs touche le palet qu'un but suivra et n'hésite pas à huer quand ils font des passes au lieu de tenter leur chance. Simpson et Burch rentrent dans le jeu, diminuent leur nombre de passes pour tenter des actions individuelles et sont vite imités par les autres joueurs de l'équipe. Cinquièmes de la LNH, les Americans de New York sont éliminés des séries éliminatoires alors que Burch est le meilleur buteur et pointeur de l'équipe avec vingt-deux buts et vingt-cinq points.


title: Americans de New York

text: En 1941, espérant intensifier la rivalité avec les Rangers, Red Dutton décide de déménager la franchise de Manhattan au quartier de Brooklyn ; l'équipe est alors renommée et devient les Americans de Brooklyn. Ils ne jouent cependant pas un seul match de la saison 1941-1942 dans leur nouveau quartier et ils n'y font que leurs entraînements. En quarante-huit matchs, les Amerks n'en remportent que seize pour trois parties nulles et vingt-neuf défaites. L'équipe est bonne dernière du classement avec trente-cinq points et est éliminée de la course à la Coupe Stanley.


title: Americans de New York

text: En 1942, les États-Unis entrent dans la Seconde Guerre mondiale, de nombreux joueurs de la Ligue nationale de hockey sont alors mobilisés et doivent quitter leur équipe. Les Americans, équipe constituée essentiellement de joueurs américains, sont durement touchés et seuls quatre de leurs joueurs sont exemptés de servir pour leur pays. Les propriétaires des autres franchises s'interrogent alors sur la compétitivité de l'équipe forçant ainsi la LNH à suspendre les Americans jusqu'à la fin de la guerre, Dutton obtenant en retour la promesse de la ligue du retour de l'équipe sitôt la guerre terminée.


title: Americans de New York

text: Alors que la guerre est finie, Dutton discute avec Conn Smythe du retour de son équipe. Ce dernier lui fait comprendre que ce retour n'est pas à l'ordre du jour, les propriétaires du Madison Square Garden, également propriétaires des Rangers de New York, désirant voir jouer une deuxième équipe dans leur enceinte. Dutton, lui oppose la construction d'une patinoire d'un montant de sept millions de dollars négociée avec Brooklyn mais devant la fin de non-recevoir de Smythe, il abandonne l'idée de retour de la franchise : ' ().


title: Americans de New York

text: Finalement, ce n'est qu'en 1972 que la ville de New York voit une deuxième équipe intégrer la LNH avec la création des Islanders de New York.


title: Americans de New York

text: Cette section présente les joueurs importants dans l’histoire des Americans qui ont acquis une des plus belles récompense dans la LNH, l’accès au Temple de la renommée du hockey. Pour être admis au Temple de la renommée, le dossier de chaque pétitionnaire devra passer devant dix-huit membres du comité et recevoir au moins les trois-quarts des votes – soit quinze membres. Chaque année, sont admis au maximum :


title: Americans de New York

text: Pour les joueurs, l’arbitre ou juge de ligne, la personne doit avoir pris sa retraite de sa carrière en glace depuis au moins trois ans. Dans le passé, il y a eu des exceptions pour les joueurs dotés d’un talent exceptionnel qui, selon le comité, méritaient d’être intronisés avant les trois années règlementaires.


title: Americans de New York

text: Les personnalités des Americans admises au temple sont les suivantes :


title: Americans de New York

text: Cette section présente la liste des capitaines de l'équipe au cours des différentes saisons :


title: Americans de New York

text: Cent-cinquante-six joueurs différents ont porté le maillot des Americans ; parmi tous les joueurs, Norman Himes est le joueur le plus utilisé par l'équipe avec quatre cent-deux rencontres jouées. Il est le meilleur buteur de l'histoire du club avec cent-six buts ainsi que le meilleur pointeur avec un total de deux-cent-dix-neuf. Art Chapman est le meilleur passeur des Americans avec cent-quarante-cinq aides. Dans les buts, Roy Worters est le gardien le plus utilisé jouant neuf saisons au club pour un total de trois-cent-soixante apparitions. Le classement des dix meilleurs pointeurs de l'équipe est le suivant :


title: Martín Sánchez

text: Martín Sánchez est un boxeur mexicain né le 3 mai 1979 et mort le 2 juillet 2005.


title: Martín Sánchez

text: Il est mort à la suite d'un combat de super-légers aux États-Unis face au russe Rustam Nugaev disputé le juillet. Sanchez (13 victoires et 10 défaites en professionnel) avait été mis KO à la , mais semblait être en bonne santé en quittant le ring. Il fut toutefois hospitalisé dans la foulée à la suite d'un malaise. Il décéda à l'hôpital à la suite d'un traumatisme crânien.


title: Baloo Gupte

text: Balkrishna Pandharinath Gupte, dit Baloo Gupte (né le à Bombay et décédé le à Bombay) était un joueur de cricket indien. Sa carrière au plus haut niveau s'étend de 1953 à 1968. Il fut international à partir de 1960.


title: Avalanche du Colorado

text: L’Avalanche du Colorado est une franchise professionnelle de hockey sur glace, établie à Denver dans l'État du Colorado, aux États-Unis. Elle fait partie de la division Centrale dans l'association de l'Ouest et évolue dans la Ligue nationale de hockey. La franchise a été fondée à Québec, et se nommait les Nordiques de Québec jusqu’à son déménagement à Denver en 1995.


title: Avalanche du Colorado

text: L’Avalanche a gagné huit titres consécutifs de division de 1996 à 2003, et s’est qualifiée pour les séries éliminatoires à chacune de ses dix premières saisons dans la LNH, la série prenant fin en 2007. L'Avalanche a gagné la Coupe Stanley deux fois : en 1996 contre les Panthers de la Floride et en 2001 contre les Devils du New Jersey. L’Avalanche est également connue pour avoir été la première équipe dans l’histoire de la LNH à gagner la Coupe Stanley la saison suivant son déménagement.


title: Avalanche du Colorado

text: La rivalité de l’Avalanche avec les Red Wings de Détroit est remarquable, notamment parce que les deux équipes se sont rencontrées cinq fois en sept ans en séries éliminatoires, entre 1996 et 2002.


title: Avalanche du Colorado

text: Les débuts de la franchise remontent à l'Association mondiale de hockey, au début de la ligue, en 1972. Après une finale perdue en 1975, les Nordiques remportent le Trophée mondial Avco, en 1977. En 1979, les Nordiques rejoignent la LNH, à la suite de la dissolution de la ligue, avec les trois autres franchises de l'AMH : les Oilers d'Edmonton, les Whalers de Hartford et les Jets de Winnipeg.


title: Avalanche du Colorado

text: Faisant souvent les séries éliminatoires depuis leurs débuts dans la LNH, les Nordiques deviennent une des pires équipes de la ligue en 1987, ratant les séries pendant six saisons de suite. Ils obtiennent le premier choix au repêchage d'entrée dans la LNH pendant trois années consécutives : Mats Sundin (1989), Owen Nolan (1990) et Eric Lindros (1991). Avant le repêchage, Lindros avait clairement annoncé son refus de jouer pour les Nordiques et s'y tient jusqu'à ce qu'il soit échangé un an plus tard aux Flyers en retour de Peter Forsberg, Steve Duchesne, Kerry Huffman, Mike Ricci, Ron Hextall, du premier choix des Flyers au repêchage de 1993 – choix qui s'avérera être Jocelyn Thibault – ainsi que contre et des considérations futures – considérations qui seront finalement Chris Simon et le premier choix des Flyers au repêchage de 1994, Nolan Baumgartner.


title: Avalanche du Colorado

text: En saison 1992-1993, les Nordiques se qualifient pour la première fois depuis six ans aux séries éliminatoires de la Coupe Stanley avec la deuxième place de la division. L'équipe réalise la meilleure performance de son histoire avec 104 points à l'issue de la saison. Alors que la saison 1994-1995 est écourtée en raison d'un "lock-out", les Nordiques sont la meilleure équipe de l'association de l'Est. En tant que premiers de la conférence, les Nordiques ont l'avantage de jouer le premier tour des séries éliminatoires contre les derniers qualifiés de la conférence : les Rangers de New York menés par Mark Messier et Brian Leetch. Québec s'incline finalement 4-2 dès ce premier tour. Avec cette bonne saison, la recrue suédoise des Nordiques, Peter Forsberg remporte le trophée Calder de la meilleure recrue et Marc Crawford remporte le trophée Jack Adams du meilleur entraîneur.


title: Avalanche du Colorado

text: La franchise connaît cependant des difficultés financières puisque Québec a été le plus petit marché de la ligue. Le propriétaire des Nordiques, Marcel Aubut a demandé un plan du gouvernement provincial du Québec pour garder les Nordiques à Québec ainsi qu'un nouvel aréna. Le plan a échoué et Aubut vend ensuite la franchise à un groupe d'investisseurs à Denver. La "COSMAT Entertainment Group" a annoncé un accord pour l'achat de la franchise en mai 1995. L'entente est devenue officielle le , et billets de saison ont été vendus trente-sept jours après l'annoncement du déménagement. La franchise s'appellera l'Avalanche du Colorado le . L'Avalanche est la deuxième franchise de la LNH à s'être installée à Denver ; la première étant les Rockies du Colorado qui ont joué à Denver entre 1976 et 1982 et déménagent ensuite à Newark au New Jersey pour devenir les Devils du New Jersey.


title: Avalanche du Colorado

text: L'Avalanche commence la saison 1995-1996 avec une équipe solide avec en tête des joueurs tels que le capitaine Joe Sakic, Peter Forsberg et le défenseur Adam Foote. Le , l'Avalanche remporte son premier match à Denver 3-2 contre les Red Wings de Détroit. Le tout premier but marqué par un joueur de l'Avalanche est celui de Valeri Kamenski. Le 6 décembre, l'Avalanche reçoit le gardien vedette des Canadiens de Montréal, Patrick Roy, qui rejoint l'équipe après s'être fait humilier quatre jours plus tôt en accordant neuf buts sur une défaite de 11-1 contre les Red Wings le . Il rejoint alors l'Avalanche avec Mike Keane en retour de Jocelyn Thibault, Martin Ručinský et de Andreï Kovalenko. Les Avs terminent la saison régulière avec quarante-sept victoires et cent-quatre points. Ils terminent deuxièmes de l'association de l'Ouest.


title: Avalanche du Colorado

text: L'Avalanche élimine tour à tour les Canucks de Vancouver, les Blackhawks de Chicago et les Red Wings de Détroit. Lors du sixième match, Claude Lemieux réalise une mise en échec sur Kris Draper en arrivant dans son dos. Le visage de Draper s'écrase contre la rambarde et il quitte la rencontre sur une fracture de la mâchoire. Alors que Lemieux n'écope que de cinq minutes de pénalités, il reçoit finalement une suspension pour deux matchs.


title: Avalanche du Colorado

text: L'équipe accède à la finale et y affronte les Panthers de la Floride, tombeurs des champions de la conférence de l'Est de la saison régulière, les Flyers de Philadelphie, puis de leurs dauphins, les Penguins de Pittsburgh. Les Floridiens, emmenés par Scott Mellanby, sont impuissants face à la franchise du Colorado. Après avoir gagné le premier match 3-1, le Colorado remporte également le deuxième match. Au cours de cette rencontre, Forsberg inscrit un triplé en une période devenant le sixième joueur de l'histoire à réaliser cette performance. L'équipe remporte également le troisième match dans la patinoire des Panthers sur la marque de trois buts à deux, le but vainqueur étant inscrit par Sakic. Lors du quatrième match, l'Avalanche du Colorado et les Panthers de la Floride ne parviennent pas à inscrire le moindre but lors du temps réglementaire, Roy et John Vanbiesbrouck arrêtant 29 et 35 tirs chacun. Trois périodes sont nécessaires pour voir un vainqueur et le défenseur de l'Avalanche, Uwe Krupp, inscrire le seul but du match au bout de 104 minutes et 31 secondes de jeu. L'équipe remporte alors sa première Coupe Stanley en battant les Panthers en quatre matchs secs.


title: Avalanche du Colorado

text: Sakic a été le meilleur pointeur des séries avec trente-quatre points, dont dix-huit buts et seize aides, et il remporte le trophée Conn Smythe remis au meilleur joueur des séries éliminatoires. Avec la victoire de la Coupe Stanley, les Russes Alekseï Goussarov et Kamenski, et Forsberg deviennent des membres du "Club Triple Or" des joueurs ayant remporté à la fois les Jeux olympiques, les championnats du monde et la Coupe Stanley.


title: Avalanche du Colorado

text: Lors de la saison 1996-1997, l'Avalanche remporte le trophée des présidents qui est remis à l'équipe ayant obtenu le plus grand nombre de points en saison régulière. Avec une récolte de 107 points, les Avs sont éliminés par les Red Wings, futurs champions de la Coupe .


title: Avalanche du Colorado

text: Au cours de l'été 1997, Sakic signe une offre hostile avec les Rangers de New York pour un contrat de 21 millions de dollars sur trois saisons. L'Avalanche se met à niveau du contrat proposé à Sakic, et par la suite, ce contrat enflamme les salaires et provoque indirectement la situation de crise et la grève de la saison 2004-2005.


title: Avalanche du Colorado

text: Lors des séries éliminatoires de 1997, l'Avalanche rencontre les Oilers d'Edmonton mais ces derniers éliminent le Colorado malgré une avance de 3 matchs à 1. Après la fin de la saison, l'entraîneur Crawford a refusé d'une prolongation de contrat pour deux ans et il est remplacé par Bob Hartley.


title: Avalanche du Colorado

text: La saison 1998-1999 voit l'arrivée du champion olympique Milan Hejduk ainsi que Chris Drury. L'équipe a du mal à démarrer puisqu'il leur faut cinq matchs pour remporter une victoire. Entre le 10 janvier et le 7 février 1999, les Avs remportent douze matchs consécutifs. Les automatismes reviennent et l'équipe finit la saison avec quatre-vingt-dix-huit points, trois de plus que la saison précédente. Ils remportent la division Nord-Ouest, nouvellement créée pour accueillir les Predators de Nashville dans la conférence de l'Ouest. L'Avalanche est la deuxième meilleure équipe de cette dernière, encore une fois derrière les Stars et sont sortis par cette même équipe lors de la finale de l'Ouest. Hejduk, le meilleur buteur en tant que recrue de la saison, et Drury ont été élus membres de l'équipe d'étoiles des recrues. Drury remporte le trophée Calder, trophée remis à la meilleure recrue.


title: Avalanche du Colorado

text: À partie de la saison suivante, l'équipe joue désormais ses matchs à domicile au Pepsi Center. Raymond Bourque et Dave Andreychuk rejoignent la franchise du Colorado juste avant le début des séries alors que l'équipe termine en tête de sa division, troisième derrière les Blues et les Stars. L'équipe de Denver retrouve en finale de conférence les Stars de Dallas, champions en titre de la Coupe, après avoir éliminé l'Avalanche à ce même stade de la compétition en 1999. L'histoire se répète puisque les sept matchs sont une nouvelle fois joués et une nouvelle fois, les Stars en sortent vainqueurs.


title: Avalanche du Colorado

text: La saison 2000-2001 commence très bien pour les Avs obtenant neuf victoires à leur onze premiers matchs avec aucune défaite. Le , l'Avalanche fait l'acquisition du défenseur Rob Blake et du centre Steven Reinprecht venant tous deux des Kings de Los Angeles en retour d'Adam Deadmarsh, Aaron Miller et d'un choix de première ronde en 2001. L'Avalanche termine la saison régulière avec 52 victoires pour 16 défaites, 10 matchs nuls et quatre défaites en prolongation pour 118 points pour remporter le trophée des présidents. Sakic a été le meilleur buteur, passeur et pointeur chez l'Avalanche et il est le deuxième au niveau des points derrière Jaromír Jágr des Penguins de Pittsburgh et le deuxième pour les buts derrière Pavel Boure des Panthers de la Floride. Il est tout de même le joueur avec le plus de buts vainqueurs, le plus de points en supériorité numérique (46) ainsi que le meilleur différentiel plus-moins (+45) de la ligue, à égalité avec Patrik Eliáš des Devils du New Jersey.


title: Avalanche du Colorado

text: Aux séries éliminatoires, les Avs balaient au premier tour les Canucks de Vancouver 4 matchs à 0. Au cours du dernier match, Sakic, Forsberg et Éric Messier inscrivent les trois buts les plus rapides de l'histoire de la franchise avec trois buts en 38 secondes. L'Avalanche rencontre ensuite les Kings de Los Angeles. Lors de la septième rencontre, le match était à égalité 1-1 après deux périodes. En troisième période, les Avs marquent quatre buts sans réplique marqués par Chris Drury, Ville Nieminen, Shjon Podein et Hejduk en l'emportant 5-1 à domicile après sept rencontres. Lors de la finale de conférence, l'Avalanche rencontre les Blues de Saint-Louis, équipe classée au quatrième rang dans l'Ouest et champions de la saison régulière l'an dernier. L'Avalanche élimine la franchise du Missouri après cinq rencontres avec un score de 2-1 par un but de Sakic au bout de 24 secondes de la prolongation. Les Avs remportent alors leur deuxième trophée Clarence S. Campbell et accèdent pour la deuxième fois de leur histoire en finale de la Coupe Stanley.


title: Avalanche du Colorado

text: Les Avs rencontrent en finale les champions en titre de la Coupe, les Devils du New Jersey. Après cinq rencontres, le Colorado tire de l'arrière 3 matchs à 2. Le Colorado remporte le sixième match 4-0 en égalisant la marque à trois victoires partout. Le septième et ultime match se déroule dans le domicile de l'Avalanche. Le Colorado remporte sa deuxième coupe par la marque 3-1 à la suite d'un doublé d'Alex Tanguay. Alors que Sakic reçoit la Coupe, il refuse de la soulever. Même si traditionnellement, c'est le capitaine de l'équipe qui remporte la victoire qui soulève le premier la Coupe, son premier geste est de la donner à Bourque pour que celui-ci puisse enfin, après 22 saisons jouées, avoir cet honneur.


title: Avalanche du Colorado

text: À titre individuel, le gardien du Colorado, Roy, remporte le trophée Conn Smythe du meilleur joueur des séries devenant le premier joueur de l'histoire de la LNH à remporter ce trophée à trois reprises. Sakic remporte les trophées Hart, trophée du meilleur joueur selon les médias, Lady Byng, trophée du joueur avec le meilleur état d'esprit, et Lester B. Pearson, trophée du meilleur joueur selon ses pairs. Shjon Podein remporte le trophée King Clancy, qui est remis au joueur ayant démontré le meilleur exemple de "leadership" et ayant le plus contribué à la société.


title: Avalanche du Colorado

text: En 2001-2002, l'équipe atteint pour la quatrième année de suite la finale de conférence mais s'incline face aux Red Wings de Détroit avec un blanchissage 7-0 de Dominik Hašek.


title: Avalanche du Colorado

text: L'équipe connaît un départ calamiteux la saison suivante : alors que l'équipe n'a que dix victoires à ses 31 premiers matchs, l'entraîneur-chef Bob Hartley est congédié le et son adjoint Tony Granato assura l'intérim pour le reste de la saison. L'équipe s'en tire très bien avec l'embauche de Granato avec 32 victoires en 51 matchs. L'Avalanche remporte un neuvième titre de division consécutif, battant le record des Canadiens de Montréal avec huit titres remportés entre 1974 et 1982.


title: Avalanche du Colorado

text: Forsberg et Hejduk, les meneurs de la LNH, comptent respectivement cent-six points et cinquante buts, Hejduk remportant le trophée Maurice Richard et Forsberg, le trophée Art Ross. Les deux joueurs remportent également à deux le trophée plus-moins de la LNH avec chacun +52. Après avoir mené trois matchs à un contre le Wild du Minnesota, ces derniers effectuent une remontée pour venir à bout de l'équipe de Denver. Forsberg remporte le trophée Hart du meilleur joueur de la saison devenant le premier Suédois dans la LNH à remporter cet honneur alors que Patrick Roy annonce sa retraite le .


title: Avalanche du Colorado

text: En 2003-2004, l'Avalanche fait signer pour un an Paul Kariya et Teemu Selänne, qui formaient un des meilleurs duos de la ligue il y a quelques années avec les Mighty Ducks d'Anaheim. La tentative pour reconstruire le duo est un échec puisque Kariya manque une partie de la saison à cause d'une blessure au poignet et Selänne ne récolte que trente-deux points en soixante-dix-huit matchs.


title: Avalanche du Colorado

text: Le , l'attaquant des Canucks de Vancouver Todd Bertuzzi frappe durement Steve Moore à la tête. Ce dernier est tombé la tête première sur la glace et est demeuré inconscient pendant plusieurs minutes. Il a eu une commotion cérébrale, deux vertèbres fracturées ainsi que plusieurs lacérations faciales qui mettra fin à sa carrière. Cette attaque sauvage se voulait une réplique de Bertuzzi contre Moore afin de venger son capitaine Markus Näslund qui avait lui-même encaissé une rude mise en échec de la part de Moore un mois plus tôt. Faisant l'objet d'une enquête policière, Bertuzzi a été suspendu par la LNH pour le reste de la saison régulière et des séries éliminatoires et a dû payer une amende.


title: Avalanche du Colorado

text: Pour la première fois depuis 1994, l'équipe ne remporte pas le titre de division au cours de la saison régulière mais elle se qualifie tout de même pour les séries. Les joueurs de l'Avalanche éliminent les Stars de Dallas lors du premier tour mais au tour suivant, les Sharks de San José prennent le pas sur les joueurs de Tony Granato quatre victoires à deux. En juillet 2004, Granato redevient entraîneur-adjoint après l'embauche de Joel Quenneville à titre d'entraîneur-chef.


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text: La saison 2004-2005 de la LNH est annulée en raison d'un "" et les franchises de la LNH ne reviennent au jeu que pour la saison 2005-2006. Malgré tout, cette grève a permis à la ligue et l'Association des joueurs de la Ligue nationale de hockey de s'entendre sur une nouvelle convention collective. Pour l'Avalanche, les conséquences sont immédiates : ils doivent abaisser leur masse salariale pour pouvoir continuer dans la ligue. L'équipe est alors obligée de laisser partir plusieurs joueurs talentueux mais onéreux (Peter Forsberg et Adam Foote) pour pouvoir conserver d'autres talents. Ainsi, à eux deux, Joe Sakic et Rob Blake représentent treize millions de dollars alors que le plafond par équipe est fixé à trente-neuf millions.


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text: Les Avs font les séries en terminant la saison en septième position dans la conférence Ouest avec 95 points, le même nombre de points que les Oilers d'Edmonton. Le Colorado cause la surprise en éliminant les Stars de Dallas, qui étaient alors deuxièmes dans la conférence avec cent-douze points. Les Mighty Ducks d'Anaheim vont mettre fin à la saison de l'Avalanche en les balayant quatre matchs à zéro.


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text: La saison 2006-2007 voit l'arrivée de Paul Stastny, fils de l'ancienne vedette des années 1980 des Nordiques, Peter Šťastný. Le 11 mars 2007 contre le Wild du Minnesota, Stastny bat le record du plus grand nombre de matchs consécutifs avec au moins un point pour une recrue avec dix-huit parties ; le record appartenait à Teemu Selänne en 1992-1993. Sa série prend fin le 18 mars dans une victoire 4-3 contre les Sharks de San José et s'arrête à vingt matchs. Ce dernier bat également le record de l'Avalanche pour le plus grand nombre de points pour une recrue avec 78 réalisations. De son côté, Joe Sakic réussit à redorer son blason en réalisant cent points cette saison.


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text: Avec des résultats en dents de scie fin février, les Avs connaissent un excellent mois de mars et à leurs dix-neuf derniers matchs, ils récoltent quinze victoires et deux défaites en autant de défaites en prolongation mais malgré tout, l'équipe ne parvient pas à se qualifier pour les séries éliminatoires avec 95 points, un point de plus que les Flames de Calgary qui occupe la huitième et dernière place qualificative de la conférence. C'est la première fois en onze saisons que l'équipe rate les séries, la première depuis que la franchise joue dans le Colorado. Stastny a été nommé pour remporter le trophée Calder remis à la meilleure recrue mais perd contre Ievgueni Malkine des Penguins de Pittsburgh.