title: Étienne Boudet

text: Le sénat le choisit, le , pour représenter le département de la Mayenne au corps législatif où il fut également conseiller général. Étienne Boudet, qui avait été déjà créé chevalier de l'Empire par Napoléon (lettres patentes du ), fut élevé au rang de baron de l'Empire par lettres patentes du . À l’époque de l’invasion de l’ennemi, en 1814, il fut nommé par l’Empereur commandant des gardes nationales du département, et lui prêta un nouvel serment de fidélité, lors de son installation. Il était déjà légionnaire, et le retour du roi lui valut, le , la croix de Saint-Louis, ce qui ne l’empêcha pas d’accepter les fonctions de député à la chambre des représentants du , organisé après le fameux Champ de mai de cette année, mais il y garda le plus profond silence, bien qu’il restera député jusqu’en 1820.


title: Étienne Boudet

text: Étienne Boudet, baron de l'Empire, chevalier de Saint-Louis, officier de la Légion d'honneur, mourut à Laval, le .


title: Étienne Boudet

text: Avec sa femme Marie Gabrielle Delauney de Fresnay, il fut le père de Paul Boudet, sénateur sous le Second Empire, ainsi que de cinq autres enfants, dont postérité actuelle. Ses fils laissèrent tomber en désuétude son titre de baron.


title: Étienne Boudet

text: Son portrait est conservé à la Mairie de Laval (voir la base Joconde de la BN).


title: Liste de photographes

text: Nhàn Nguyen


title: Danio léopard

text: Le danio léopard, appelé aussi danio truite, est une variété de Poisson-zèbre ('). N'existant pas à l'état sauvage, il n'est plus considéré comme une espèce distincte de la forme d'origine et les noms binominaux ' / "" sont devenus des synonymes. Il se caractérise par un remplacement des rayures bleues continues du flanc par des taches bleues bien alignées.


title: Église simultanée Notre-Dame de La Petite-Pierre

text: L'église simultanée Notre-Dame se situe dans la commune française de La Petite-Pierre, dans le département du Bas-Rhin.


text: L'édifice fait l'objet d'une inscription au titre des monuments historiques depuis le et également d'un classement depuis le .


text: Dans le chœur de l'église simultanée, dédiée à Notre-Dame, on peut admirer des fresques peintes au , illustrant les mystères du christianisme, tel que le couronnement de la Vierge, le Jugement dernier. D'autre part, des dalles funéraires sont apposées contre les murs du sanctuaire.


title: Haludaria fasciata

text: Haludaria fasciata est une espèce de poisson de la famille des Cyprinidés originaire du sud de l'Inde.


title: Desmopuntius pentazona

text: Desmopuntius pentazona (anciennement "Barbus pentazona") est aussi appelé "Barbus à 5 bandes" en raison des 5 bandes noires sur son corps. On trouve ce poisson en Malaisie ou à Bornéo. Contrairement à d'autres espèces de Barbus, c'est un poisson sociable mais timide. Les paramètres optimales pour élever ce poisson sont une eau avec une température comprise entre 22 et 26 degrés Celsius, une dureté totale allant de 9 à 18 degrés et un pH compris entre 6 et 6,5 soit une eau légèrement acide (source:poissons et aquarium , le barbus à cinq bandes )


title: S&P 500

text: Le S&P 500 (code mnémonique : ^GSPC, INX, et $SPX) est un indice boursier basé sur 500 grandes sociétés cotées sur les bourses aux États-Unis (NYSE ou NASDAQ). L'indice est possédé et géré par Standard & Poor's, l'une des trois principales sociétés de notation financière. Il couvre environ 80 % du marché boursier américain par sa capitalisation. C'est un indice sans dividendes.


title: S&P 500

text: L'indice S&P 500 a été créé le . Il a détrôné le Dow Jones Industrial Average comme indice le plus représentatif du marché boursier américain parce qu'il est composé d'un plus grand nombre de compagnies et que sa valeur tient compte de la capitalisation boursière des compagnies contenues dans l'indice. De son côté, le "Dow Jones Industrial Average" est basé sur seulement 30 compagnies. La pondération des valeurs au sein du Dow ne s’effectue ni en fonction des capitalisations boursières, ni du flottant, mais en fonction des cours de bourse. Une variation d'un dollar dans la valeur de la plus petite compagnie de l'indice a le même impact sur l'indice qu'une variation d'un dollar dans la valeur de la plus grosse compagnie.


title: S&P 500

text: En 1976, les entreprises industrielles représentaient 86 % de la capitalisation boursière totale du S&P 500. En 2016 après quatre décennies de ralentissement de l’activité manufacturière et la montée de la technologie comme secteur économique majeur. Elles ne représentent plus que 7,8 % du S&P 500, contre 40% pour les acteurs de la technologie et des services de communication.


title: S&P 500

text: Le calcul du S&P 500 se fait en pondérant la valeur de la société sur le marché sur la valeur totale de toutes les sociétés du marché.


title: S&P 500

text: Depuis 2005 l’indice prend en compte le nombre d’actions flottantes. En pratique beaucoup de 500 sociétés cotées sur les bourses n’ont qu’un impact limité sur la variation de l’indice. Les dix plus grands fonds d’actions du S&P 500 avaient une pondération totale d’environ 26,6% dans l’indice à la fin de juin 2021. Critères d’inclusion dans l’indice S&P 500: Si l’entreprise ne répond plus aux exigences ci-dessus, cela n’entraîne pas un retrait immédiat. Le facteur principal du retrait de l’indice est la vente ou la fusion.


title: S&P 500

text: Au début de 2003 il existe l’indice S&P 500 EWI, dans lequel tous les 500 participants ont un poids égal de 0,2%. L’indice est ajusté trimestriellement.


title: Église protestante de Weiterswiller

text: L’église protestante de Weiterswiller (ou "église Saint-Michel") se situe dans la commune française de Weiterswiller, dans le département du Bas-Rhin. Cette église fait l’objet d’un classement au titre des monuments historiques depuis le .


title: Église protestante de Weiterswiller

text: La construction de l'église se situe vers 1100. Le premier document mentionnant la chapelle est daté de 1346 et ordonne que l'inhumation des fidèles ait lieu non plus au cimetière de Neuwiller dont dépendaient les habitants de Weiterswiller, mais dans le cimetière établi à côté de la chapelle du village. En 1366, y fut fondé une prémissairie : la messe devait dès lors être dite plusieurs fois par semaine dans la chapelle. La Réforme y fut introduite par les Fleckenstein vers 1543. L'église devint mixte en 1717 et le resta jusqu'en 1874, date de construction de la nouvelle église paroissiale Saint-Michel.


title: Église protestante de Weiterswiller

text: Au cours des siècles l'église subit plusieurs remaniements notamment en 1525 comme l'indique la date gravée au-dessus de l'arc triomphal. Après l'introduction de la Réforme les murs furent recouverts d'un badigeon, à la fin du ils furent ornés d'une bande de versets bibliques. En 1906 les fresques furent redécouvertes.


title: Église protestante de Weiterswiller

text: L'église, orientée, est située à la sortie du village au milieu d'un enclos, vestige de l'ancien cimetière qui conserve l'ancien ossuaire. L'église n'est pas restée au centre du village, celui-ci s'est déplacé vers le haut du massif rocheux après la disparition du château au cours de la guerre de Trente Ans.


title: Église protestante de Weiterswiller

text: L'église est bâtie de grès et moellons enduits. La tour-chœur de plan carré à trois niveaux, est couverte d'un toit en pavillon. La nef plus large s'appuie contre le mur ouest de la tour. Elle est percée de fenêtres gothiques et irrégulières. Une porte murée donnait accès à l'église sur le côté nord. Le portail de l'entrée situé à l'ouest paraît remanié. À l'intérieur, la nef fut rehaussée en 1525. Dans le chœur une voûte d'ogives remplace un plafond à solives, cachant ainsi la partie supérieure des peintures murales.


title: Église protestante de Weiterswiller

text: Les murs du temple, de style roman, portent un ensemble de fresques datant du début du . Le mur nord retrace la Création et les tribulations de l'homme, le mur sud est réservé au Christ, sauveur de l'humanité. Dans le chœur, au-dessus de l'arc triomphal, ne subsiste que le registre inférieur.


title: Église protestante de Weiterswiller

text: L'église abrite également des tombeaux de quatre nobles de Fleckenstein-Dagstuhl (Jean mort en 1552, Jörg mort en 1553, Henri mort en 1561 et Louis mort en 1577).


title: Abbatiale Saint-Pierre-et-Saint-Paul de Neuwiller-lès-Saverne

text: L'abbatiale Saint-Pierre-et-Saint-Paul se situe dans la commune française de Neuwiller-lès-Saverne, dans le département du Bas-Rhin.


text: L'église fait l’objet d’un classement au titre des monuments historiques par la liste de 1840.


text: On attribue la création de l'abbatiale bénédictine à l'évêque Sigebaud de Metz en 723 ou à Saint Pirmin.


text: L'église abbatiale représente, grâce à sa grande diversité de styles (roman, roman de transition, gothique, baroque), une des églises les plus remarquables de Basse-Alsace.


text: L'intérieur de l'église, dédiée à saint Pierre et à saint Paul, recèle de remarquables pièces de mobilier tels que le reliquaire de saint Adelphe, des fonts baptismaux du , l'orgue Dupont du ou encore des sculptures en bois du , achetées aux enchères en 1792 lors du démantèlement de l'abbaye de Sturzelbronn.


text: Cette église à clocher occidental est prolongée de deux chapelles superposées. Dans la chapelle Saint-Sébastien sont exposées de superbes tapisseries de la fin du , représentant la vie de saint Adelphe.


title: Andage

text: Andage ou Andain (en latin : "Andagina" ou "Andaïna") est un village près du ruisseau éponyme, au cœur de la forêt de l'Ardenne, qui devint plus tard la localité de Saint-Hubert. Il s'y était établi, au , une communauté religieuse dirigée par saint Bérégise grâce à une donation de Pépin de Herstal et de son épouse Plectrude. En 817, à l'initiative de l'évêque de Liège Walcaud, cette communauté fut remplacée par des moines bénédictins qui dirigeront l'abbaye jusqu'en 1797.


title: Andage

text: Andage changea de nom à la suite de la translation en 825 de la dépouille de saint Hubert de Liège dans cette abbaye, devenue l'abbaye de Saint-Pierre en Ardenne. Les moines continuèrent longtemps à écrire "monastère d'Andage à Saint-Hubert".


title: L'Enseigne de Gersaint

text: L'Enseigne de Gersaint est une huile sur toile de grande dimension () peinte en quelques jours à l'automne 1720 par Antoine Watteau, de retour d'Angleterre et peu de temps avant sa mort.


title: L'Enseigne de Gersaint

text: Ce tableau était destiné à servir de panneau publicitaire à son ami marchand de tableau Edme-François Gersaint, dont la galerie était située à Paris sur le pont Notre-Dame. L'enseigne fut accrochée quinze jours à l'extérieur et fit l'admiration de tout Paris.


title: L'Enseigne de Gersaint

text: Le tableau est d'une très grande originalité, car il représente une scène tout à fait ordinaire de la rue (un intérieur de boutique avec ses clients et ses vendeurs). En traitant d'un sujet de la vie quotidienne, elle est « contraire à toutes les normes artistiques de l'époque » et représente une œuvre complètement atypique.


title: L'Enseigne de Gersaint

text: « Cette œuvre de circonstance [...] réalise un double prodige : d'une part elle constitue un document inestimable sur la vie urbaine de l'époque ; d'autre part, par la modernité de sa facture, elle annonce les grands observateurs de la vie parisienne, que seront, plus d'un siècle plus tard, Daumier, Manet ou Degas. »


title: L'Enseigne de Gersaint

text: Même si le projet du tableau est longuement médité, on peut voir des repentirs – le peintre repense notamment la ligne de fuite du tableau ou la position de la femme au comptoir. L’enseigne de Gersaint est peinte sur un morceau mais a été coupée en deux un siècle plus tard pour s'accommoder des modes de l'époque - ou il était de coutume d'avoir deux tableaux se correspondant autour de cheminées ou de portes. Il faut savoir que l'enseigne ne représente pas les vraies œuvres vendues, les vrais clients, etc. D’ailleurs les visages sont très peu caractérisés, ce ne sont pas des portraits. Cette toile est donc une vision repensée, une vision idéale de la boutique de Gersaint. En ce qui concerne l’influence de Watteau, il s’agit sans nul doute des peintres italiens du et flamands du ; les tableaux accrochés aux murs sont « dans le goût de » ces peintres-là.


title: L'Enseigne de Gersaint

text: Il faut noter également qu’il manque la devanture (une femme est en train d’entrer dans la boutique, sur la gauche) ; nous voyons, aussi, les pavés de la rue. Dans le fond, à droite, un marchand présente une scène mythologique. Le chien, à droite, dans l’angle, est directement inspiré de ceux du "Couronnement de Marie de Médicis" par Rubens. Watteau rend comme un hommage à ce peintre. Au comptoir, un homme et sa femme regardent un miroir, nous ne savons pas s’ils contemplent leur reflet ou s’ils admirent l’objet lui-même.


title: L'Enseigne de Gersaint

text: Gersaint vendit aussitôt le tableau à un conseiller au parlement de Paris, Claude Glucq qui demanda à Pater d'en exécuter une copie avant de le céder, plus tard, sans doute à cause d'embarras financiers, à son cousin germain Jean de Jullienne. Ce dernier, directeur de la Teinturerie des Gobelins et mécène de Watteau, fit, du reste, beaucoup pour sa gloire dans la mesure où il fit graver tout l’œuvre de l’artiste. Il tenait, tout comme Glucq, à manifester, par ses qualités de collectionneur d'art, la sûreté de son goût et la légitimité de son ascension sociale, lui, dont la famille devait sa fortune à la politique manufacturière de Colbert dans le domaine textile. Il céda néanmoins à son tour la toile en 1744 au comte Rothenburg, l'agent du roi de Prusse Frédéric II, dit Frédéric le Grand. Le tableau se trouve donc aujourd'hui à Berlin au château de Charlottenbourg. Par son sujet comme par ses pérégrinations, "L'Enseigne de Gersaint" illustre l'importance des circulations artistiques en Europe au siècle des Lumières.


title: L'Enseigne de Gersaint

text: Le tableau fait partie des « 105 œuvres décisives de la peinture occidentale » constituant le musée imaginaire de Michel Butor.


title: L'Enseigne de Gersaint

text: Le graveur Pierre-Alexandre Aveline a gravé ce tableau en 1732.


title: Chapelle de Climbach

text: La chapelle de Climbach est une ancienne chapelle de laquelle il ne reste que des vestiges, située dans la commune française de Climbach, dans le département du Bas-Rhin.


title: Chapelle de Climbach

text: L'histoire de cette chapelle est peu connue. Ce sanctuaire chrétien aurait été construit sur un sanctuaire païen et la première chapelle en bois édifiée par un ermite, Richard, à la fin du ou au début du . Sur ce lieu devenu pèlerinage, une deuxième chapelle est construite en grès rose un siècle plus tard par les Cisterciens de Pfaffenbronn. La chapelle est probablement détruite au cours de la guerre de Trente Ans et seuls subsistent aujourd'hui l'arc ogival séparant l'ancienne nef du chœur et une partie des murs dans le chœur de la chapelle du .


title: Chapelle de Climbach

text: Certaines pierres sculptées d'un autel en un bloc de grès se trouvent aujourd'hui au musée Westercamp de Wissembourg. À l'ouest de l'arc ogival, coule une source, dite "Climbronn". Au Moyen Âge, l'eau de la source est réputée pour ses propriétés curatives ; elle est captée et le sanctuaire transformé en chapelle destinée au pèlerinage.


title: Liste des gouverneurs de Sonora

text: Voici la liste des gouverneurs de l'État de Sonora (Mexique)


title: Gérson

text: Gérson de Oliveira Nunes, connu sous le nom de Gérson, né le à Niterói dans l’État de Rio de Janeiro, est un footballeur international brésilien.


title: Gérson

text: Il a remporté de nombreux trophées avec les clubs de Flamego, Botafogo, São Paulo et Fluminense, et connaît son heure de gloire avec l’équipe du Brésil de football en remportant la Coupe du monde 1970 au Mexique.


title: Gérson

text: Milieu de terrain reculé, il préfigure le style "regista" (expression consacrée du football italien), dans lequel un joueur comme Pirlo s'illustrera des dizaines d'années plus tard.


title: Gérson

text: Gérson nait et grandit dans la ville de Niterói, située à l’Est de la baie de Guanabara, en face de Rio de Janeiro. Jeune, il est surnommé "papagaio" car il parle beaucoup. Il garde le surnom pendant toute sa carrière, de nombreux coéquipiers s’adressant à lui par cet intermédiaire. Son père et son oncle sont des footballeurs professionnels à Rio. Son père est notamment proche de Zizinho, vedette du Flamengo et de la sélection, considéré comme l'un des plus grands footballeurs brésiliens avant Pelé. Quand Gérson annonce à sa famille qu’il veut devenir footballeur professionnel, son entourage ne s'y oppose donc pas.


title: Gérson

text: En 1959, à 18 ans, il rejoint Flamengo, l'un des principaux clubs de Rio. Ses modèles sont les milieux de terrain Zizinho et Jair, ou encore Danilo Alvim de Vasco da Gama, mais son style se rapproche davantage de celui de Didi, autre footballeur fameux des années 1950, dont il est bientôt présenté comme le successeur : il allie une bonne technique balle au pied, une frappe du pied gauche particulièrement puissante et une grande habileté à diriger le jeu.


title: Gérson

text: En 1963, alors qu'il est depuis plusieurs saisons un joueur majeur de Flamengo, il décide de ne pas renouveler son contrat et rejoint Botafogo. La lourde défaite en finale du championnat de Rio de Janeiro de 1962 face au club noir et blanc (0-3), au cours de laquelle il eut l'impossible tâche de marquer Garrincha, semble avoir joué dans sa décision de rejoindre une équipe qui rassemble plusieurs des meilleurs joueurs du Brésil (Garrincha, Didi, Nilton Santos, Mário Zagallo et Quarentinha notamment).


title: Gérson

text: Avec Botafogo, Gérson remporte le Tournoi Rio-São Paulo en 1964 et 1965, le championnat de Rio en 1967 et 1968, et en 1968 la Taça Brasil , considérée alors comme la plus prestigieuse des compétitions brésiliennes.


title: Gérson

text: En 1969, il change d’État et signe au São Paulo FC, avec lequel il remporte le championnat de São Paulo en 1970 et 1971. Il termine sa carrière dans le club de son cœur, Fluminense, entre 1972 et 1974. Il y remporte pour la dernière fois le championnat de Rio en 1973.


title: Gérson

text: Dès sa première saison professionnelle à Flamengo, il est repéré et appelé en sélection « amateur » pour les Jeux panaméricains de 1959 à Chicago. Un an plus tard, il est du voyage pour les Jeux olympiques de Rome où il inscrit quatre buts en trois matchs mais ne peut empêcher l'élimination précoce du Brésil face à l'Italie.


title: Gérson

text: L'année suivante il fait ses débuts en équipe nationale. Appelé par le sélectionneur Aymore Moreira pour la Coupe du monde de football de 1962, aux côtés de Garrincha, Pelé et Didi notamment, il doit déclarer forfait pour une blessure au genou qui nécessite une chirurgie.


title: Gérson

text: Gérson participe à la Coupe du monde 1966 en Angleterre, mais n'y joue qu'un match au sein d'une sélection qui déçoit et se trouve éliminée prématurément. Quatre ans plus tard, il est titulaire dans l'équipe du Brésil qui gagne la Coupe du monde 1970 au Mexique. Gérson est un des principaux artisans de la victoire en finale contre l'équipe d'Italie, où il redonne l'avantage à son équipe en deuxième mi-temps d'une lourde frappe du pied gauche. Il est considéré comme le meilleur meneur de jeu et passeur du tournoi, au sein d'une sélection (Pelé, Rivellino, Jairzinho, Tostão, Carlos Alberto, etc.) restée célèbre pour son niveau de jeu et même régulièrement considérée comme la meilleure équipe de football de tous les temps.


title: Gérson

text: Quand il prend sa retraite internationale en 1972, il compte 70 sélections et 14 buts, dont celui inscrit contre l'Italie lors de la Coupe du monde 1970.


title: Gérson

text: Dans les années 1970, Gérson va accepter de faire de la publicité pour une marque de cigarettes, au cours de laquelle il dit « Gosto de levar vantagem em tudo » . Cette publicité, qu'il dira regretter, lui sera longtemps reprochée et prise en modèle pour lutter contre l'opportunisme supposé des Brésiliens. L'épisode est connu comme la .


title: Gérson

text: Il devient un commentateur réputé dans les médias, sur Radio Globo notamment. Il gère également une école de football, et participe à plusieurs projets sportifs, notamment à Niterói, sa ville natale où il vécut la majeure partie de sa vie.


title: Gérson

text: En 2004, il est oublié par Pelé dans la liste FIFA 100 des 125 meilleurs footballeurs de l'histoire, ce qu'il lui reproche publiquement à la télévision en pointant notamment le grand nombre de Français dans la liste.


title: Gérson

text: Le parcours en club de Gérson est le suivant :


title: Gérson

text: En équipe du Brésil il compte 70 sélections et 14 buts.


title: Basilique Saint-Isidore de León

text: La basilique Saint-Isidore ou plus précisément la basilique collégiale royale Saint-Isidore (en espagnol, "Real Colegiata Basílica de San Isidoro") est un édifice religieux catholique espagnol, situé dans la ville de León en communauté de Castille-et-León.


title: Basilique Saint-Isidore de León

text: Elle constitue un des ensembles architecturaux d'art roman les plus remarquables d'Espagne, par son histoire, son architecture, ses sculptures, ses objets saints qui ont pu être conservés. Elle présente également la particularité de disposer d'un panthéon royal situé aux pieds de l'église, avec des peintures murales romanes et des chapiteaux exceptionnels, ce qui en fait une pièce unique du monde roman. L'ensemble a été construit et agrandi au cours des .


title: Basilique Saint-Isidore de León

text: La basilique s'élève au centre de la vieille ville de León, sur la place du même nom.


title: Basilique Saint-Isidore de León

text: Encastrée dans l’enceinte romane que domine son beau clocher, cette basilique a été dédiée en 1063 à saint Isidore, archevêque de Séville, théologien, le plus célèbre de la période précédant l'invasion arabe, fut également l'auteur d'une encyclopédie. Ses cendres venaient d’être rapatriées avec l’accord du prince musulman de Séville, Abou Amr Abbad al-Motadid, pour que le plus illustre docteur de l’Église wisigothique reposât en terre chrétienne. La sépulture du saint attire toujours des visiteurs admiratifs.  Une statue équestre de saint Isidore est visible, parmi d'autres magnifiques sculptures, en haut de la façade.


title: Basilique Saint-Isidore de León

text: La légende dit que proche de León, les évêques léonais et asturien qui ramenaient les restes de saint Isidore, se sont égarés dans des terres marécageuses, sans que les chevaux puissent avancer. En couvrant les yeux aux chevaux, ceux-ci sortent sans difficultés de ces marécages, et se dirigent vers l’église, récemment reconstruite, des saints Jean Baptiste et Pelayo, qui depuis lors sera appelée de san Isidoro.


title: Basilique Saint-Isidore de León

text: L’église San Isidoro a été élevée sur les ruines d'un temple romain de Mercure, et près d'une église préromane, dédié à saint Jean Baptiste. De l’église consacrée au ne subsiste que le Panthéon royal.


title: Basilique Saint-Isidore de León

text: Au , les rois de León ont fondé le monastère et l'église de San Pelayo, où une communauté de religieuses bénédictines s’installa.  Après le passage de Mohammed ibn-Abi Amir dit el-Mansour, al-Manzor en espagnol (938-1002), le victorieux en arabe, et la destruction de la première église, León est repeuplé par des mozarabes, et réorganisée par le roi Alphonse V le Noble (999-1028) au . Un nouveau monastère est fondé. Après le mariage de l’infante Sancha avec le Comte de Castille Ferdinand le Grand (1017-1037-1065), ils héritent du royaume de León et Castille et établissent leur cour à León, autour de San Pelayo. L’église s’agrandit et s’enrichit. Par le chemin de saint Jacques, el Camino francés, arrivent les meilleurs sculpteurs, tailleurs de pierres et artistes de toute l'Europe, qui travaillent la construction du monastère. La reine Sancha décide d'établir dans le nouveau monastère un panthéon pour les rois. Depuis lors sous les voûtes polychromes sont enterrés onze rois et plusieurs reines, ainsi que des comtes et des nourrissons. En 1063 les restes de saint Isidore de Séville sont transférés grâce au privilège des rois Ferdinand et Sancha. Pour le maintien du monastère, la garde des restes et de l'œuvre de saint Isidore une communauté de chanoines s'établit.  L’abside et le transept furent ajoutés à l’époque gothique, et qu’à la Renaissance furent ajoutés la balustrade et le fronton de la façade sud. Les portails romans montrent des sculptures contemporaines à celles de Frómista et celles de la première époque de Compostelle, représentant le Sacrifice d’Abraham et la Descente de croix.


title: Basilique Saint-Isidore de León

text: Saint Isidore est toujours une collégiale, où l'office des chanoines est célébré à vingt et une heure.


title: Basilique Saint-Isidore de León

text: Élaboré vers 1100, sur le collatéral sud.  Le tympan de ce portail représente le sacrifice d'Abraham, un agneau divin, avec des détails qui, pour la plupart, ne sont pas cités dans la Bible : Isaac enfourchant un animal de selle, ou encore Isaac enlevant ses chaussures et se déshabillant une fois arrivé. Cet élargissement de l'action donne à comprendre que le fils d'Abraham s'est rendu à la volonté de Dieu et accepte de bonne grâce son destin. Un détail particulier renvoie ici à l'épisode historique de la Reconquista. Les deux personnages apparaissant sur le bord gauche sont Agar, la servante égyptienne de Sarah, l'épouse d'Abraham, et le fils naturel du couple, Ismaël, qui dans la Genèse (16,12), est décrit comme « un onagre d'homme. » Tous deux seront chassés dans le désert et c'est pourquoi depuis, les descendants de Mohammed sont désignés par les chrétiens sous le terme d'ismaélites, les « rejetés ». Ismaël sur son cheval, son turban se référant directement à la culture arabe, dirige son pieu contre l'agneau de Dieu, au-dessus du sacrifice. Saint Vincent et saint Isidore bénissant les fidèles encadrent ce tympan. Un exemple évident de la sévère répression que les partisans de la Reconquista menaient en Espagne contre tout ce qui était arabe, à l'époque où fut réalisé ce tympan.


title: Basilique Saint-Isidore de León

text: De style roman, elle s'élève sur l'emplacement de plusieurs autres édifices auxquels elle s'est substituée. Le dernier avait été érigé sous Ferdinand , premier roi de León et de Castille, et doña Sancha, son épouse, fille du roi Alphonse V de León, pour abriter les reliques de saint Isidore de Séville que le roi avait fait transférer ici. Cette église qui, comme le révèlent les fondations en parties dégagées, était un sobre édifice à trois nefs sans transept. La basilique actuelle est constituée de trois nefs et trois absides selon le modèle de Jaca. Elle compte aussi un transept novateur aux bras peu saillants. Les arcs de la croisée du transept évoquent l’art islamique. Quoique édifiée en plusieurs étapes, elle forme un tout harmonieux. Elle fut consacrée en 1063.


title: Basilique Saint-Isidore de León

text: C'est l'une des premières manifestations de l'art roman en Castille. Les colonnes, trapues, sont couronnées de chapiteaux qui montrent encore quelques réminiscences wisigothiques, mais représentent une grande nouveauté dans le domaine de la sculpture romane. Les uns s'inspirent du style « asturien » dans le décor floral tandis que d'autres montrent de véritables scènes historiées. Les peintures murales du sont magnifiquement conservées, et composent un ensemble exceptionnel elles sont d'un intérêt particulier pour la représentation des thèmes classiques du Nouveau Testament mais aussi pour les scènes de la vie rurale. À remarquer à l'intérieur d'un arc un calendrier montrant les travaux saisonniers.  Ici reposent vingt-trois rois et reines du Léon ainsi que de nombreux infants.


title: Basilique Saint-Isidore de León

text: Il réunit des œuvres d'art de grande valeur. Une châsse du , en bois recouvert d'argent repoussé et d'une broderie mozarabe qui contient les reliques de saint Isidore, le célèbre calice de Doña Urraca fait de deux coupes romaines en agate réunies au . Dans une monture en or sertie de pierres précieuses, la châsse des ivoires (arqueta de los marfiles du ) où chaque plaque finement sculptée représente un apôtre, et une autre châsse décorée d'émaux de Limoges (.)  La bibliothèque conserve plus de 300 incunables et de nombreux manuscrits ornés de miniatures dont une bible de 960, ainsi qu’un palimpseste (parchemin gratté et réutilisé) avec une version latine de la bible transcrite au , et au-dessous la "" (« Loi romaine des wisigoths »), texte législatif du .


title: Basilique Saint-Isidore de León

text: Chimène qui était paroissienne de la paroisse Saint-Isidore y épousa le Cid Campeador. Le Romancero (troubadour) le dit « Salio a Misa de parida en San Isidoro de León la noble Jimena Gomez mujer del Cid Campeador » (Elle sortit de la messe de relevailles - à Saint-Isidore de León - la noble Chimène Gomes - l'épouse du Cid, le grand chevalier errant.)


title: Basilique Saint-Isidore de León

text: La basilique fait l’objet d’un classement en Espagne au titre de bien d'intérêt culturel depuis le .


title: Clef de voûte (Stargate)

text: Lors de l'épisode 02.14, SG-1 a fait sa découverte technologique la plus importante à ce jour : la Clef de Voûte. Créé par une race extraterrestre inconnue, ce dispositif sophistiqué est capable de contrôler le climat d'une planète et de sauver les Madronans d'une mort certaine.


title: Clef de voûte (Stargate)

text: Les créateurs de la Clef de Voûte seraient une race ancienne d'extraterrestres très avancée. Ils ont terraformé Madrona il y a plus de 900 ans. Seul ce dispositif en forme de sphère et un bâton portant le même dessin subsistent pour nous renseigner sur leur identité.Le dispositif a été créé pour protéger une race primitive. Les Asgard ou les Anciens sont des créateurs possibles. Mais la Clef de Voûte ne ressemble à aucun de leurs autres dispositifs.


title: Clef de voûte (Stargate)

text: Cet appareil est capable de contrôler artificiellement le climat d'une planète. Ses créateurs y ont saisi les conditions atmosphériques de PX7-941 pour réguler les conditions météorologiques catastrophiques qui menaçaient de détruire ce monde. Quand la Clef de Voûte a été volée, les Madronans ont subi des blizzards, une forte chute des températures et des vents très violents. Quand le dispositif fut emporté par des agents non-identifiés, le SGC découvrit que la Clef de Voûte avait aussi un puissant effet sur l'environnement terrestre, provoquant des désastres météorologiques rares, similaires à ceux causés par El Niño.


title: Clef de voûte (Stargate)

text: Les Madronans sont une race primitive incapable de faire marcher la porte des étoiles de leur monde. Seul le grand prêtre et détenteur du bâton, Roham, peut contrôler la Clef de Voûte. Sa nièce, la princesse La Moor, est la seule autre personne autorisée à la manipuler. Guidé par son instinct, ce chef aveugle tourne une série de d'anneaux mobiles pour calibrer le dispositif selon les conditions météorologiques de la planète. Chaque anneau correspond à une pression atmosphérique différente. Si les récoltes sont mauvaises sur Madrona, Roham utilise la Clef de Voûte pour augmenter la puissance du soleil ou de la pluie, suivant les besoins.


title: Clef de voûte (Stargate)

text: La Clef de Voûte est si avancée que le SGC a été incapable de déterminer de quelle façon elle fonctionne. Elle est similaire d'aspect à un petit gyroscope à trois axes, bien que beaucoup plus complexe et intrigante. En mesurant les émissions de l'anneau mobile extérieur, on a découvert que le dispositif émet une chaleur si puissante qu'elle peut créer une baisse thermique réactionnelle dans son environnement immédiat. Le plus petit mouvement de l'anneau intérieur envoie une force vers le haut à une telle vitesse qu'elle provoque une circulation d'air, formant ainsi une zone de basse pression. Ces conditions extrêmes sont typiques lors des orages.


title: Philippe Torreton

text: Philippe Torreton, né le à Rouen, est un acteur de théâtre et de cinéma français. Également engagé dans la vie publique et en politique, il est ancien conseiller de Paris, élu dans le de la capitale.


title: Philippe Torreton

text: Philippe Torreton est le fils de Jacques Torreton, employé de station-service, et de Claudine Lehoc, institutrice et militante syndicale. Philippe Torreton grandit dans la banlieue de Rouen et a deux frères portés à cette époque sur le football. Élève à l'école Maryse-Bastié puis au collège Édouard-Branly de Grand-Quevilly et au lycée les Bruyères à Sotteville-lès-Rouen, il s'y découvre un certain amour pour le théâtre qu'il ne cessera de développer, grâce à des professeurs, aimant souvent citer son professeur de français Gérald Désir qui encourage ses premiers pas dans le club de théâtre dans la salle polyvalente du collège Édouard-Branly où l'avait inscrit sa mère à un stage d’initiation.


title: Philippe Torreton

text: Élève en 1987 du Conservatoire national supérieur d'art dramatique, il fréquente les classes de Madeleine Marion, Catherine Hiegel et Daniel Mesguich ; il y reviendra pour enseigner à partir d'octobre 2008.


title: Philippe Torreton

text: Philippe Torreton entre en 1990 à la Comédie-Française comme pensionnaire. Il en devient le sociétaire en 1994.


title: Philippe Torreton

text: Après des rôles parmi les plus prestigieux comme Scapin, Lorenzaccio, Hamlet, Henry V, Tartuffe ou George Dandin, il quitte la Comédie-Française en 1999.


title: Philippe Torreton

text: Distingué en 1996 par le prix Gérard-Philipe de la ville de Paris, il interprète le rôle-titre du film "Capitaine Conan" de Bertrand Tavernier évoquant un épisode peu connu de la Première Guerre mondiale puisqu’il se passe en 1919. Son jeu dans ce rôle lui vaut le César du meilleur acteur en 1997. C'est lors de la représentation du "Malade imaginaire" en 1991, que Bertrand Tavernier l'avait repéré, lui proposant le rôle d'Antoine dans "L.627", sorti en 1992.


title: Philippe Torreton

text: Acteur engagé, il interprète en 1999, toujours pour Tavernier, le rôle d’un directeur d’école maternelle confronté à la misère sociale dans "Ça commence aujourd'hui".


title: Philippe Torreton

text: Au théâtre, il interprète, entre autres, en 2000, "On ne refait pas l’avenir" d’Anne-Marie Étienne, son épouse, mais continue à tourner régulièrement : en 2001, il donne la réplique à Charlotte Gainsbourg dans "Félix et Lola" de Patrice Leconte, en 2002 il est Monsieur N. pour Antoine de Caunes, en 2004, il est face à Grégori Dérangère dans "L'Équipier" de Philippe Lioret, en 2005, il apparaît dans "Les Chevaliers du ciel" de Gérard Pirès. Il est nommé pour le César du meilleur acteur cette même année.


title: Philippe Torreton

text: En 2005, il est Robert d’Artois, dans la série diffusée sur France 2, "Les Rois maudits", puis on le voit dans "La vie sera belle" en 2007. Entretemps, il est M. Seurel dans "Le Grand Meaulnes" et Charles dans "Ulzhan" de "Volker Schlöndorff. "


title: Philippe Torreton

text: Torreton est en tournée durant la saison 2005-2006 dans le rôle de Richard, dans la pièce du même nom de William Shakespeare, dans une mise en scène de Philippe Calvario. Il se lance à son tour dans la mise en scène en 2007, montant et interprétant "Dom Juan" de Molière.


title: Philippe Torreton

text: En 2006-2007, Antoine Benoit tourne "Au cœur de l'acteur" (sorti en 2008), un film documentaire dans lequel il suit Philippe Torreton dans son travail de comédien dans la pièce d'Alexandre Griboeidov "Du Malheur d'avoir de l'esprit", créée en mars 2007 au Théâtre national de Chaillot. Le film met en avant l'engagement de l'acteur sur scène et son engagement politique, nous entraînant aussi dans la campagne présidentielle à laquelle Philippe Torreton participa activement.


title: Philippe Torreton

text: En 2010, il joue dans "Un pied dans le crime" de Labiche, dans une mise en scène de Jean-Louis Benoît puis en 2011 dans "Hamlet", mis en scène par Jean-Luc Revol. Durant les saisons 2012-2014, il tient le rôle-titre dans "Cyrano de Bergerac" d'Edmond Rostand, mis en scène par Dominique Pitoiset. Il obtient le Molière du meilleur comédien dans le théâtre subventionné pour ce rôle en 2014.


title: Philippe Torreton

text: Il tourne "Présumé coupable" de Vincent Garenq et est nommé pour le César du meilleur acteur en 2012.


title: Philippe Torreton

text: Le 10 avril 2020, la vénération de la couronne d’épines du Christ a lieu dans la cathédrale Notre Dame de Paris alors que le toit de celle-ci a été dévasté par un incendie l'année précédente. Philippe Torreton y lit des textes de Paul Claudel – dans la cathédrale fermée au public en raison des risques (chutes de pierres, contamination au plomb, pandémie) mais à ciel ouvert – aux côtés de l'archevêque de Paris Michel Aupetit, ainsi que Renaud Capuçon et Judith Chemla


title: Philippe Torreton

text: Le , il est l’un des nombreux intervenants du documentaire "De L’Ombre à la lumière", réalisé par Carine Loubeau et diffusé sur la chaine locale TL7. Carine Loubeau documentaire De L’ombre à la lumière bande annonce sur Youtube.com


title: Philippe Torreton

text: Lors de la campagne du référendum pour une Constitution européenne de 2005, Philippe Torreton fait campagne en faveur du oui.


title: Philippe Torreton

text: Lors de l'élection présidentielle de 2007, Philippe Torreton soutient Ségolène Royal et s'est exprimé lors d'une réunion de la candidate au Bataclan (Paris) le .


title: Philippe Torreton

text: Il s'engage avec Bertrand Delanoë pour les élections municipales de 2008 à Paris en tant que candidat dans le  et est élu conseiller de Paris. Il est également conseiller d'arrondissement, délégué à la citoyenneté, à la lutte contre les discriminations et aux évènements artistiques auprès du maire du . Il est au Conseil de Paris en 2010 le second élu le plus absent, après la ministre Christine Lagarde et devant l'autre membre du gouvernement, Pierre Lellouche, et le premier parmi les élus de la majorité socialiste. Il démissionne de son mandat au Conseil de Paris en novembre 2010.


title: Philippe Torreton

text: Il soutient François Hollande, le candidat PS à l'élection présidentielle de 2012.


title: Philippe Torreton

text: Le 17 décembre 2012, il publie dans "Libération" une lettre s'adressant à Gérard Depardieu, en lui reprochant son exil fiscal : , qui provoque diverses réactions dans le milieu artistique. L'actrice Catherine Deneuve, publiera quelques jours plus tard, toujours dans "Libération", une réponse, où elle fait part de sa , en réaction au jugement de Torreton, Fabrice Luchini ironisera en commentant que « ceux qui jugent Depardieu, surtout s'ils sont acteurs, [...] devraient juger aussi leur filmographie ».


title: Philippe Torreton

text: En janvier 2016, il participe à un collectif de personnalités favorables à une primaire des socialistes et des écologistes.


title: Philippe Torreton

text: Il soutient Yannick Jadot pour la primaire de l'écologie de 2016.


title: Philippe Torreton

text: Dans l'entre-deux-tours de l'élection présidentielle de 2017 qui oppose Marine Le Pen à Emmanuel Macron, il appelle à faire barrage à la candidate FN.


title: Philippe Torreton

text: Philippe Torreton a été le compagnon de la journaliste française Claire Chazal entre 2003 et 2007.


title: Philippe Torreton

text: Il a deux enfants, Louis et Marie, de son mariage avec la réalisatrice Anne-Marie Étienne. Il se marie le 20 juin 2008 avec la journaliste Elsa Boublil avec qui il a deux autres enfants, Jeanne et Simon, nés respectivement en 2008 et 2011.


title: Art chinois

text: L’art chinois, recouvre l'ensemble des arts de culture chinoise dans le monde chinois et la diaspora. La conception occidentale de l'art est utilisée en Chine à l'époque moderne, dans son sens le plus large, pour aborder toutes les formes d'art pratiquées en Chine tout au long de son histoire.


title: Art chinois

text: L'histoire de l'art chinois, dans le déroulement chronologique, analyse les transformations de l'art, jusqu'aux pratiques actuelles. Ainsi, la préhistoire et l'Antiquité montrent déjà des traits spécifiques à la Chine : des terres immensément riches en lœss qui permettent une céramique chinoise inventive à usage quotidien et funéraire. La Chine, disposant de nombreux gisements de métaux entrant dans la composition de l'alliage du bronze, a produit de grandes quantités de bronzes, signes de pouvoir, et ils ont fait l'objet d'une recherche artistique et technique d'une grande sophistication. Les plus anciens textes chinois font allusion à la musique rituelle, où l’usage d’instruments en bronze et en pierre était encore important à l’époque de Confucius (551 - 479 avant notre ère). Les céramistes chinois se sont distingués par leurs céladons et leurs porcelaines (invention chinoise), en usage à la cour et rapidement commercialisés. Les pratiques funéraires de l'élite Han (206 avant notre ère - 220) ont aussi permis de conserver des laques et quelques peintures sur soie contemporaines des premiers grands recueils de poésie chinoise. La calligraphie chinoise est devenue l'art le plus noble pour les lettrés. De nombreuses stèles chinoises gravées et quelques textes soigneusement recopiés avec sensibilité en ont conservé le souvenir et ont servi de modèles pendant des millénaires.


title: Art chinois

text: Les céramiques peintes, les briques estampées et les peintures antiques conservées témoignent de la concision graphique typique des artistes chinois. Les artisans peintres, à la différence des peintres lettrés qui apparaissent ensuite, utilisaient abondamment les couleurs et traitaient tous les sujets décoratifs et religieux dans un style graphique précis. À partir de la dynastie Han une forme nouvelle d'art fut pratiquée par l'élite lettrée (dont les fonctionnaires) : pour eux peinture et calligraphie, à l'encre de Chine, devinrent des arts comparables. Les peintres lettrés du se sont attachés à faire sentir le rapport intime de l'homme à la nature et au temps, dans des lavis à l'encre noire et aux couleurs légères, sur soie ou sur papier. Ce genre de peinture a fait l'objet d'une abondante littérature théorique et critique en Chine, dès les premiers temps, par les lettrés eux-mêmes. Le papier, autre invention chinoise, servit à imprimer toute une littérature en chinois par la gravure sur bois, ce qui permettait dans ces livres d'accompagner le texte par l’image. Le livre était très populaire, en particulier au lorsqu'est né le théâtre-opéra chinois. La gravure s'est considérablement développée au au contact des techniques occidentales. Au la gravure sur bois occidentale moderne, la peinture à l’huile et le cinéma chinois tout comme le réalisme (en République populaire de Chine) ont été utilisés par des artistes dans la voie du modernisme. Ces choix ont été retenus en Chine alors qu'en Occident la gravure sur bois ne marqua qu'un bref épisode du modernisme, que l'on expérimenta des procédés multiples où la peinture à l'huile n'était plus le signe de la modernité, et alors que le Réalisme ne caractérisa guère la modernité en Occident. Les artistes réfugiés en Occident, à Hong Kong et Taïwan ou après la Révolution culturelle (1966 - 1976), ont pu réinvestir leur culture ou expérimenter des pratiques nouvelles. L’art contemporain chinois (surtout après 1990) a réagi rapidement aux productions artistiques de niveau international. Cela se manifeste par la nature et le contenu des œuvres, la multiplication des lieux et des moyens de diffusion de l’art en Chine et hors de Chine. La bande dessinée chinoise, "manhua", trouve un public jeune et enthousiaste et le cinéma chinois, hongkongais et taïwanais est diffusé à l’échelle mondiale.


title: Art chinois

text: La littérature scientifique qui traite de l'art chinois ne traite pas, ou très peu, la musique, le mobilier, la littérature, la poésie et le théâtre chinois, les cinémas chinois, hongkongais et taïwanais ainsi que la bande dessinée, mais aborde l'architecture et le jardin chinois. Enfin les arts martiaux chinois qui relèvent des « arts », au sens ancien du terme, en tant que connaissance technique et méthode, ne relèvent pas de l'art chinois. Quant à l'usage du thé, "gong fu cha" il ne relève pas de l'art à proprement parler.


title: Art chinois

text: Dans la Chine antique la notion la plus proche de notre notion d'« art » (à savoir 艺, "yì", correspondant à nos anciens arts libéraux) s'appliquait à l'étiquette, c'est-à-dire aux rites (la musique, le tir à l'arc, la conduite des chars et les pratiques d'écriture : la poésie et la calligraphie) ainsi qu'au calcul et, au , à la peinture. Tandis que le domaine des « arts techniques » ("shu") s'étendait de la divination à la médecine et de l'astronomie à la géomancie. Les deux notions se recoupaient en « technique des arts libéraux » ("yishu") : toutes deux de natures intellectuelles, relevant de la compétence du lettré antique. Elles étaient distinctes du concept de « techniques manuelles » ("jishu") associé aux métiers de l'artisanat. Tel était encore le point de vue de l'élite lettrée sous l'Empire, personnages ayant la culture des fonctionnaires et qui en avaient très souvent la charge, qui pratiquaient la peinture en non-professionnels, en plus de leur fonction administrative. Leur point de vue excluait, en peinture, toute notion de « réalisme » - « naturalisme » - « vérisme » et de décoratif (tous termes occidentaux qui disqualifient la peinture des artistes professionnels chinois car ils ne correspondent pas à des concepts chinois). Le lettré valorisait ce qui venait du cœur et méprisait ce qui témoignait d’un savoir-faire artisanal, besogneux. Cependant les distinctions n'étaient pas si tranchées : lorsque l'artisan devenait artiste et lorsque le lettré qui appréciait ce travail « naturaliste » et détaillé produisait dans le même esprit.


title: Art chinois

text: Pour un lettré une pratique artistique n'est jamais une distraction. L'étude et la copie, de peintures ou de calligraphies poétiques, ou le fait d'interpréter une ancienne œuvre musicale, sont des sources d'enrichissement au contact de personnalités mortes ou vivantes. L'activité artistique est revendiquée par les lettrés comme un acte de pensée ("si") entendue comme émotion et raisonnement. Et les valeurs positives, dans le cadre général de la culture chinoise, qui caractérisent les œuvres des artistes professionnels (la référence, en particulier) peuvent être prises en considération, même depuis le point de vue actuel, car les artistes actuels continuent de faire référence à des traits de leur culture ancienne.


title: Art chinois

text: D'autre part, avec l’effondrement de l’Empire, au début du , une rupture radicale s'est opérée, alors que la tradition chinoise ne procédait pas par ruptures, plutôt par accumulation et approfondissement. Avec cette rupture et l'ouverture sur les cultures occidentales, les notions modernes nécessitaient l'invention de nouveaux concepts et un vocabulaire rénové.


title: Art chinois

text: L'art chinois actuel (le terme moderne : "yishu", est fondé sur la connaissance de l'art à l'échelle globale, où le modèle culturel proposé par le système artistique occidental sert de référence. C'est cette notion de l'art au sens large qui est utilisée dans cet article pour traiter tous les aspects de l'art chinois depuis les premières formes d'art jusqu'à aujourd'hui.


title: Art chinois

text: Les chronologies culturelles et politiques ne correspondent pas systématiquement avec celles des pratiques artistiques et ce qu'elles représentent. Aussi l'article ci-dessous découpe l'histoire de l'art selon des périodes qui ne correspondent pas toujours avec les événements politiques.


title: Art chinois

text: La Préhistoire de la Chine a laissé de nombreuses formes que nous qualifions d'artistiques dans les cultures des chasseurs-cueilleurs du Paléolithique, puis au cours de la néolithisation et du Néolithique, en particulier la céramique et le jade, une pierre polie typiquement chinoise. Par ailleurs les plus anciennes céramiques actuellement découvertes dans le monde ont été découvertes dans la grotte de Yuchanyan, habitée par des chasseurs-cueilleurs. Quant aux fouilles archéologiques depuis les années 1920, longtemps concentrées dans le bassin du fleuve Jaune, considéré comme le berceau de l'ethnie Han, elles se sont étendues progressivement à d'autres régions surtout depuis les années 1980. Elles ont révélé, à côté de céramiques et de jades aux formes variées, une très grande diversité d'architectures préhistoriques ainsi que des pétroglyphes gravés ou peints, dont certains de la période paléolithique, sur l'ensemble des territoires qui sont devenus la Chine actuelle. La céramique joue aussi sur une grande variété de types présentant certaines similitudes pour certains sur des millénaires, mais souvent très différents au cours du temps et des lieux. Les potiers et les céramistes, plus généralement, ont fait preuve d'une très belle créativité dans ces très nombreuses cultures néolithiques, qu'il s'agisse des formes mais aussi des traitements de la surface, d'un point de vue fonctionnel ou ornemental. Enfin les peintures en ont recouvert une bonne partie, tandis que d'autres ont évolué sans cet apport supplémentaire.


title: Art chinois

text: Les premières formes de peinture en Chine, faisant appel aux concepts de « cadre » et de « fond », ont été découvertes dans le bassin du Fleuve Jaune, dans sa partie médiane, avec les céramiques néolithiques de Yangshao (vers 5000-3000). Les trouvailles archéologiques comme celles du site de Banpo (vers 5000 ou 4800-3600), la période la plus ancienne de cette culture, comportent des terres cuites ; les premières n'étaient pas peintes mais présentaient des motifs cordés. Puis vers 4500, sur des poteries non tournées recouvertes d'un enduit rouge poli qui sert de « fond », les peintres ont tracé au creux des écuelles avec un pinceau fin chargé de couleur noire des têtes masquées et somptueusement parées. Les variations entre elles donnent aux créateurs néolithiques l'occasion d'inventions plastiques avec des motifs de poissons et des parures différentes les unes des autres, qui évoquent à certains anthropologues des emblèmes claniques. Une autre solution plastique consiste sur les vases à découper un « cadre », l'espace délimité entre la bande médiane et l'ouverture, après quoi l'artiste peut y répartir des formes figuratives géométrisées (comme à Majiayao) ou simplement géométriques. Dans cet espace fragmenté le motif de la spirale qui suggère si intensément le mouvement du monde revient souvent, dans le nord et le nord-ouest de la Chine comme à Banshan (culture de Yangshao), alors qu'à Miaodigou (culture de Yangshao) ce sont des formes courbes tendues et imbriquées, sur engobe blanc, qui produisent un effet de mouvement bien plus complexe encore.


title: Art chinois

text: Au nord-ouest, par le corridor du Hexi, des contacts répétés entre la culture de Qijia (2200-1600) et des populations d'Asie centrale (Andronovo, Seima-Turbino) ont permis d'introduire et de produire les premiers objets de bronze dans la culture chinoise, selon résultats de l'archéologie chinoise et internationale au cours des dernières décennies au Gansu et au Qinghai.


title: Art chinois

text: On peut parler d'un art du jade, tant les formes produites sont subtiles dans les cultures du Néolithique depuis l'embouchure du Yangzi (culture de Liangzhu) et jusqu'au Sud-est de la Mongolie. Cette pierre très dure est découpée suivant des formes géométriques pures et avec éventuellement des motifs semblables harmonieusement répartis, et le tout parfaitement poli. Ce travail ne pouvait se faire que par frottement, abrasion et polissage. La matière composite du jade, extrêmement dure, a été manifestement choisie en fonction de considérations symboliques qui valorisent la pureté associée à la dureté, et un grand nombre de valeurs propres à la culture chinoise.


title: Art chinois

text: La culture de Liangzhu (vers 4300 — 2400, région de Shanghai), déjà très stratifiée, a livré de nombreuses sépultures qui témoignent de l'exceptionnelle maîtrise atteinte par les tailleurs de jade dans les riches terres du delta du Yangzi. Ce savoir-faire a été célébré dès l'Antiquité où le réemploi des jades archaïques de Liangzhu se pratiquait souvent, avec parfois un travail complémentaire surajouté. Aujourd'hui les fouilles ont révélé la richesse extrême de ces tombes, où les corps étaient posés sur et sous un lit de jades travaillés, en forme de disques "bi" ou de tubes à section carrée, "cong". On attribua au cours des temps qui suivirent, au jade, la propriété de protéger le corps le temps nécessaire à la migration vers le monde des ancêtres, ou mieux, parmi les immortels.


title: Art chinois

text: Avec son étrange forme tubulaire le "cong", souvent recouvert de figures de masques de créatures hybrides, n'est pas unanimement considéré comme ayant eu le pouvoir d'établir un lien entre son possesseur et le ciel. Ce sens reste sujet à discussion. En ce qui concerne le disque "bi", réalisé lui aussi en jade, il a été perçu à l'époque de la dynastie Han comme faisant référence à la cosmogonie ancienne : « le ciel tournant autour d'un pivot central, ainsi que le cycle des dix soleils », où le Ciel et le passage qu'empruntent les morts vers la demeure des « Immortels ». Des formes plus complexes posent encore d'autres questions. C'est le cas des objets désignés par le terme "jue", des figures considérées couramment comme étant des représentations de « dragons ».


title: Art chinois

text: Cette période est caractérisée par l'apparition de l'art de la métallurgie qui passe par une parfaite maîtrise du bronze. Les formes pouvant être très épurées ou extrêmement complexes. Les bronzes ont été déposés en plus ou moins grandes quantités dans les tombes en fonction du statut de la personne inhumée, ils accompagnaient aussi des êtres vivants proches du défunt, femmes, fonctionnaires, serviteurs et animaux, immolés et couchés à proximité. Ces pratiques sont progressivement abandonnées sous les Zhou, les immolations étant peu à peu remplacées par le dépôt de figurines et de modèles de bâtiments en terre cuite peinte ou émaillée. Ces nouveaux types de dépôts funéraires ("mingqi") se multiplient à partir des Zhou orientaux.


title: Art chinois

text: Sur le site d'Erlitou, Henan, ont été trouvés les premiers bronzes, obtenus par fonte et non par martelage, et ceci dès les premiers temps de l'âge du bronze chinois. La fonte nécessitait la confection de moules et leur assemblage parfait. Cette technique évolua sur la longue durée tout en restant simple malgré l'extrême complexité des formes. Pour les parties en haut relief (Shang final, Anyang, 1250-1050), elles étaient coulées sur la forme générale donnée par la première fonte en utilisant la technique de la cire perdue.


title: Art chinois

text: Ces bronzes se sont bien conservés, étant entreposés avec soin sous forme de dépôts funéraires souvent très importants, les plus colossaux du monde antique : ils dépassent parfois en un seul dépôt. Bien que déterminées par leurs fonctions rituelles, leurs formes sont remarquablement variées. La hache d'arme, creusée de formes vides, effrayantes, était utilisée au corps à corps, en combat singulier entre chefs de clans. Ce type de hache était donc un objet symbolisant le pouvoir et l'autorité militaire. Ces haches, vases, coupes, plats et cloches de bronzes déposés dans les tombes portent dès les débuts des Shang, au Henan vers 1500, des décors tapissant où le motif du masque "taotie" permet souvent de composer l'ensemble en renforçant les effets de symétrie, les bandeaux, et le motif répété des spires anguleuses.


title: Art chinois

text: Environ un millénaire avant notre ère, dans l'actuelle province du Hunan, où se déploiera plus tard le royaume de Chu, d'énigmatiques vases de bronze à figures voient le jour. Dans un décor proliférant s’assemblent une multitude de figures et de motifs empruntés à tous les genres, humain et animal, "taotie" et « dragon "kui" », éléments naturalistes et signes stylisés. C'est le cas de la célèbre "Tigresse", du Musée Cernuschi, à Paris, dont la fonction est restée à ce jour une énigme. Une autre énigme est apparue avec la découverte du site de Sanxingdui au Sichuan qui repousse l'étendue des cultures du bronze très au-delà de ce qui était autrefois considéré comme le lieu originel de la Chine moderne. Dans cette dernière culture, au Sichuan, la figure humaine apparaît souvent, plus ou moins stylisée, alors qu'elle est quasi inexistante dans le bassin du fleuve Jaune jusqu'au avant notre ère.


title: Art chinois

text: Il existe des différences significatives entre les œuvres d'art, surtout en bronze, des Zhou de l'ouest et celles des Zhou de l'est, qui leur ont succédé. À la fin de cette dernière dynastie, à l'époque des Printemps et Automnes et à l'époque des Royaumes combattants, les bâtisseurs des tombes de l'aristocratie ont réussi à préserver jusqu'à nous des matériaux fragiles. Sur ces supports, de laque et de soie, les artistes produisent des effets de style radicalement nouveaux. Ils sont moins portés, dans la dernière période ( - ), vers la création de figures imaginaires et de formes « abstraites » que vers la représentation du monde visible.


title: Art chinois

text: L'art du bronze, dont nous conservons encore d'innombrables exemplaires aujourd'hui, poursuit des développements surprenants au contact de l'art de la laque qui devient, semble-t-il, l'art à la mode. L'art du bronze, comme on peut le voir ci-dessus dans cette fiole de bronze du Smithsonian Institute, parvient à en transposer les compositions et la surface dépourvue de relief. La métallurgie du fer apparaît à cette époque, sa rareté justifie qu'on l'enrichisse à l'occasion de cabochons de turquoise sertis dans l'or massif, dans une accumulation de motifs vermiculés et d'yeux qui évoquent des dragons.


title: Art chinois

text: Correspondant à l'époque des grands textes classiques de la littérature chinoise, des découvertes archéologiques exceptionnelles par le remarquable état de conservation de l'architecture funéraire et des objets ont mis au jour en 1978, à côté d'un monumental carillon de bronze, de magnifiques objets en laque, tapissé de figures et de formes géométriques. La tombe du marquis Yi de Zeng, au Hubei, a livré dans cette matière protectrice des cercueils, un mobilier et des objets couverts d'une foule d'oiseaux, de serpents et de créatures fantastiques au sein d'un univers formel composé de divisions géométriques rectangulaires et d'un jeu de variations sur des courbes tendues, parfaitement harmonieuses quoique déclinées à différentes échelles. Ce type de motif, produit par l'art contrôlé de la laque, se retrouvait aussi sur les tissus brodés et tous deux, et , servaient de modèles aux bronziers dans une nouvelle conception du bronze, incrusté d'or et d'argent.


title: Art chinois

text: Les plus anciennes peintures funéraires connues actuellement, du avant notre ère, peintes à l'encre de Chine sur soie, ont été découvertes au pays de Chu. D'un pinceau rapide et elliptique les figures des défunts, debout et de profil, sont accompagnées dans leur voyage par des dragons, une grue et un poisson. Le mouvement y est efficacement suggéré par les attitudes, légèrement déportées vers l'arrière, et par les accessoires flottant presque à l'horizontale.


title: Art chinois

text: Le mausolée de l'empereur Qin, Qin Shi Huang (ou Shi Huangdi de la dynastie Qin), à Lintong, près de Xi'an (Shaanxi), découvert en 1974, ouvre sans cesse de nouvelles perspectives sur l'histoire de cette période et stimule l'étude des périodes précédentes. L'histoire de cette dynastie, fondatrice de l'unité de l'Empire, est, pour les Chinois et surtout depuis la découverte du mausolée, un sujet de reconstruction de « l'Origine » de l'histoire nationale de la Chine. L'enjeu étant situé sur ce plan il va sans dire que les débats sont multiples autour des trouvailles archéologiques confrontées aux textes de l'historiographie classique.


title: Art chinois

text: Sur plus de six cents fosses de toutes tailles détectées, l'armée de terre, contenue dans huit fosses, ne constituerait donc qu'un élément de ce complexe énorme. Cette armée, à taille humaine (entre 1,75 et ) est sortie des mains d'une « armée » de modeleurs expérimentés en coroplathie (ou coroplastie) qui ont utilisé des moules pour un grand nombre de parties. Les visages et les mains, en revanche, individualisés et détaillés, donnent l'impression d'une multitude de « portraits » expressifs, comme on peut le voir dans l'image d'un officier de l'armée de terre cuite. Ces statues, après séchage et cuisson à dans une atmosphère réductrice, étaient mises en couleurs, des couleurs claires et vives mais qui disparaissent très rapidement à la lumière du jourSous la dynastie Han le système de recrutement des fonctionnaires (qui remplace peu à peu la succession héréditaire) est organisé sur la base de recommandations qui fait de la maîtrise de l'écriture le rouage indispensable pour le fonctionnement du pouvoir. Or l'instauration d'un nouveau pouvoir allait de pair avec la définition de l'orthodoxie calligraphique. La calligraphie, pour l'expression artistique ou pour la pratique de l'écriture, était intégrée au sein d'un système unifié afin de correspondre aux goûts personnels du souverain et aux exigences de son entourage à la cour. La calligraphie orthodoxe dans la pratique de l'écriture peut ainsi être définie comme un type d'expression calligraphique orienté par le pouvoir et en usage à la cour. De la même façon la musique chinoise traditionnelle prit un essor considérable sous l'empereur Han Wudi (140-87 av. n. é.) avec la création du Bureau de Musique Impérial qui fut chargé de superviser la musique de Cour, la musique militaire, et de décider des musiques populaires qui pouvaient être officiellement reconnues.


title: Art chinois

text: Le fait artistique central à la fin des Han découle donc directement de l'unification administrative du territoire commencée sous les Qin : l'écriture officielle a pris sa forme définitive et l'expression artistique par la calligraphie sera dès lors considérée comme le plus noble des arts à côté de la musique et de la poésie. La peinture est bien pratiquée mais c'est seulement au qu'elle sera considérée comme l'un des arts. Même si la peinture sous les Han peut employer des couleurs, l'essentiel réside dans le trait initial à l'encre qui définit la forme. La couleur vient ensuite. Peinture et calligraphie partagent donc les quatre trésors du lettré : pinceau chinois, bâton d'encre, pierre à encre (pour user le bâton d'encre et le diluer dans l'eau) et papier composé, en Chine, de fibres de lin et d'une proportion variable de divers composants dont le bambou. De la période Han on conserve quelques très rares peintures sur mur (de briques) et sur soie. La pratique lettrée de la peinture sur papier ne se généralisera que sous les Yuan.


title: Art chinois

text: Une importante découverte archéologique, en 1972, de trois tombes (186 - 168 av. n.e.) sur le site de Mawangdui (ou "Ma Wangdui"), à Wulibei, au Hunan, a mis au jour, avec de superbes laques en parfait état de conservation et trente-trois pièces de soie brodée, deux bannières couvertes de peintures (encre et couleurs sur soie). Celle qui est la mieux conservée évoque, dans l'espace vertical de la bannière, le cheminement de la défunte dans l'Au-delà, espace où les dragons, « qui engendrent et tiennent en vie le Cosmos et l'Empire » continuent d'avoir un rôle essentiel.


title: Art chinois

text: La période très tourmentée qui suit l'effondrement des Han, dite des Trois Royaumes, voit apparaître une pensée libre, tournée vers un taoïsme naturaliste, avec les Sept Sages de la forêt de bambous. Ceux-ci deviennent au l'objet de célèbres portraits posthumes qui ont été préservés, sous différentes variantes, dans des tombes. Ce qui montre le lien très fort qui existait alors entre art de cour et art funéraire.Dans la nouvelle structure politique, l'Empereur n'est plus un conquérant mais un « mandataire » "de jure", un leader actif et une sorte de grand pontife garant de la continuité et de l'équilibre de l'empire. Dans le contexte de cet empire immense et unifié, le cheval, le coursier remplaçant l'animal de trait, est devenu un élément incontournable dans la conservation de l'intégralité de l'empire, voire dans son extension momentanée le long de la route de la soie. Dans la sculpture le passage d'un type robuste et corpulent, comme les cavaliers de terre cuite peinte du musée de Xianyang sous les Han occidentaux, à l'autre type sous les Han Orientaux, du cheval saisi dans la course, impétueux et plus fringant, appelé cheval volant, ce passage d'un type à l'autre se remarque clairement dans la sculpture de "mingqi" (substitut de l'animal réel, auparavant immolé) qui accompagne de plus en plus les fonctionnaires militaires dans leurs tombeaux. La catégorie du « naturel », on le voit par ces stylisations qui évoquent l'énergie de l'animal, n'a rien à voir avec notre « naturalisme », apparu dans l'art grec classique et réactivé à la Renaissance, même si la morphologie est globalement bien observée et transcrite. On trouve à cette époque divers types de stylisation dans le traitement de la figure du cheval sculpté avec les chevaux du Shaanxi, dont le cheval doré de Han Wudi, trouvé à Maoling (près de Xi'an en 1981, en passant par la tête de cheval qui henni, du musée Guimet et jusqu'aux confins du désert de Gobi où l'on a découvert à Wuwei (Gansu) cet extraordinaire cheval volant, posé sur une seule patte, elle-même posée sur une hirondelle (très stylisée). Le cheval dans l'art chinois peut être vu comme une métaphore et le naturalisme y est secondaire.


title: Art chinois

text: La richesse des Han occidentaux succède à trois cents ans de difficultés politiques, économiques et spirituelles. Dans ces conditions les pratiques funéraires sont désormais réglementées pour éviter toute dérive et rivalité. La multiplication des figurines "mingqi" dans les tombes correspond ainsi à une poursuite des principes confucéens de modération et de respect de la vie. Dans le même temps les pratiques funéraires témoignent d'une poussée néo-taoïste, attentive à la vie en tant que flux. Les brûle-parfums en forme de montagnes couverte de nuages aux courbes en arabesques sont caractéristiques de l'époque Han. La fumée parfumée évoquait les nuées mobiles au-dessus des monts. Ce sont les premières représentations du séjour des immortels ou des âmes des défunts, le motif préféré des peintres lettrés de paysage au cours des siècles suivant. La ligne en arabesque évoque le mouvement des nuées, il est repris sur les vases à vin. Ces motifs apparaissent au moment où se met en place l'ensemble des valeurs artistiques liées à la pratique élitiste et savante de la calligraphie comme flux énergétique, et de nombreux calligraphes peintres et poètes feront parfois usage de vin en se retirant de la vie mondaine.


title: Art chinois

text: Dans les arts des Trois Royaumes les figurines en terre cuite mais aussi les couvercles des grès proto-céladons donnent l'occasion aux potiers de modeler leurs personnages avec un sens profond du geste naturel. C'est la vie au quotidien qui se retrouve encore dans les tombes sur les briques peintes, d'un pinceau vif et juste.


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text: Wang Xizhi (321-379 ou 303-361) sous la dynastie des Jin orientaux est resté le modèle, inégalé, du lettré (il était fonctionnaire militaire) tant par sa vie que par sa pratique artistique : poète, musicien et surtout calligraphe hors pair. Il subsiste de très bonnes copies de sa "Préface aux poèmes du Pavillon des Orchidées" qui montrent le travail de son pinceau « à la fois puissant, vif et mobile » en raison de la fonction exemplaire de cette œuvre. Les remarquables modulations du trait du pinceau qui distinguent ce texte ont servi à composer le "Classique des Mille Caractères" qui sert à enseigner les caractères chinois aux enfants. Dans le domaine de la peinture Gu Kaizhi (345 - v. 406), peintre de scènes narratives à nombreux personnages au sein des montagnes est aussi le premier à théoriser la pratique de la peinture de paysage.


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text: Cette très courte dynastie Qi du Nord apparaît de plus en plus comme le lieu — la Chine du Nord — et le temps où s'inventa la peinture officielle : celle qui depuis les Tang jusqu'au servit de référence pour penser la peinture officielle en Chine. Les portraits de deux gardiens de la chambre funéraire dans la tombe de Lou Rui (?-570) communiquent, d'un trait ferme, sur le mur, leur image individualisée, peut-être deux Tabghatch. C'est avec le dernier trait de pinceau que le peintre de cette époque donnait la vie au portrait par le regard. Un regard qui est étonnamment perçant et spirituel pour l'un des deux cavaliers. On semble y percevoir déjà la force du style ("fengli") qui conduit harmonieusement l’ensemble des traits de pinceau, et la résonance spirituelle ("qiyun") qui communique l’esprit du sujet dépeint. Certains vont jusqu'à y voir la main d'un très grand peintre de cour : Yang Zihua. La tradition, transmise par Guo Ruoxu (époque Song) a retenu pour cette dynastie, le nom de Cao Zhongda (originaire de Sogdiane), « réputé pour ses images rituelles indiennes » autrement dit : bouddhiques. Ce qui doit nous rappeler l'omniprésence de l'art bouddhique à cette époque, sous forme d'ensembles architecturaux, de sculptures et de peintures sur soie, murales ou sur les reliefs, et qui a quasiment disparu à la fin de la dynastie Tang à l'exception des grottes peintes. Récemment de superbes statues de Bouddha, polychromes, ont été découvertes au Shandong qui permettent des comparaisons avec leurs prototypes indiens.


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text: C'est une période exceptionnelle par sa créativité, la diversité des formes nouvelles et leur perfection. L'unification qui se réalise sous les Sui, après des siècles de guerres, apporta la prospérité à tel point que la Chine des Tang a été, du , le pays le plus puissant du monde médiéval. La capitale était Chang'an, l'actuelle Xi'an, et comptait plus d'un million d'habitants. Deux témoins architecturaux y subsistent grâce aux briques dont elles sont bâties : la Grande pagode de l'oie sauvage et la Petite pagode de l'oie sauvage qui montrent l'introduction, en architecture, des silhouettes de bâtiments massives venues de l'Inde par le bouddhisme. Les plus grands peintres de l'époque se voyaient confier des peintures murales, sur des architectures en bois, pour la plupart. Les peintures ont donc disparu par le feu sauf celles réalisées dans les tombes impériales de la dynastie Tang, et elles sont assez nombreuses, le mausolée de Qianling en particulier, aux environs de Xi'an.La peinture de paysage "shanshui", en général au trait d'encre et avec des rehauts de couleurs, apparaît dans les peintures funéraires, murales et polychromes, ou sur des rouleaux, par des reproductions qui en gardent le souvenir (la "Maison de Wang Wei", par Wang Chuan, au musée des arts de l'Asie de l'Est de Cologne). Dans tous les cas, le paysage est subordonné à l'homme. L'espace est évoqué par des effets de frises, éventuellement superposées à claire-voie ou hiérarchisées. Un trait ferme sait caractériser formes et textures typiques : pins, rochers, montagnes y sont indiqués par des touches ou hachures variées (tombe du prince Jiemin) et quelques passages nuancés suffisent pour suggérer un espace naturel indéfini.


title: Art chinois

text: Avec les peintres Wu Daozi (680-740) et Wang Wei (701-761) se développe une pratique picturale monochrome dont toute la valeur tient dans la qualité et la richesse des jeux d'encre, en particulier avec le lavis d'encre, plus rapide et expressif que la peinture au trait. Cette pratique sera renouvelée dans la peinture lettrée, en particulier dans le paysage philosophique de l'époque Song avec Fan Kuan et ses successeurs, mais aussi dans la peinture de figures, comme celle de Liang Kai des Song et toute la peinture d'inspiration "chan".


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text: Dans l'art du portrait, Yan Liben (v. 600-673), s'attache aux accessoires significatifs du rang dans l'aristocratie ou pour en préciser l'origine étrangère. Il détaille d'un trait ferme ce qui parle du statut de l'individu, par son attitude et sa silhouette. Sous les Tang, le cheval, parfois portraituré, est omniprésent en peinture et en céramique.Le cheval rapide, importé de Bactriane, si nécessaire dans la guerre interminable contre les voisins du Nord et de l'Ouest, accompagne les morts sur les murs peints ou déposé en modèle réduit, sous forme de céramique funéraire ("mingqi") à côté du défunt parmi les images de serviteurs et de danseuses élégantes. Ces magnifiques coursiers, montures de femme pour le jeu de polo (récemment introduit avec la mise au point de la selle) ou dans une position de repos, comme en attente de leur propriétaire pour un dernier voyage, dans ce type de céramiques chinoises inaugurées sous les Tang et dont les glaçures ruissellent, "sancai" : céramique dite aux « trois couleurs ». Le cheval en viendra vite à incarner les plus hautes valeurs humaines. Ainsi la peinture attribuée à Han Gan, connue comme "Lumière éclairant la nuit", évoque déjà les qualités de l'homme à travers l'image de l'animal.


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text: Dans le domaine de la céramique précieuse, déposée dans les tombes, on décèle à l'époque Tang des motifs inspirés de l'orfèvrerie sassanide qui témoigne des échanges avec les cultures au-delà de l'Asie centrale. L'époque est aussi celle des échanges avec l'Inde classique, Gupta et post-Gupta, où se côtoient les cultures bouddhique et hindoue. C'est d'ailleurs dans l'Inde du prince Harsha, post-Gupta, que le célèbre récit de voyage : "Rapport du voyage en Occident à l'époque des Grands Tang" de Xuanzang montre le déclin du bouddhisme en Inde. L'art bouddhique se développe encore en Chine jusqu'à la grande proscription de 845, indice ou agent du déclin de la dynastie Tang.


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text: C'est la grande époque dans l'essor de la peinture de paysage sur soie, à l'encre mais aussi avec des couleurs, parfois intenses souvent légères et aujourd'hui peu visibles. Grâce à la tradition chinoise qui consiste à copier un maître dans la calligraphie comme dans l'art de la peinture sur soie, en conservant l'esprit et l'énergie, nous pouvons encore admirer, venues des collections impériales, plusieurs peintures sur rouleau vertical ou horizontal attribuées aux fondateurs du paysage monumental : Guan Tong (actif fin - début ), Li Cheng (919-967), Dong Yuan (v. 934-962) et Juran (actif v. 960-980). Des paysages philosophiques chargés de signification, "shanshui" majestueux, où l'œil ne distingue qu'avec la plus grande attention l'homme, sur le chemin. L'espace y étant indiqué par la hiérarchie des formes : l'homme, le plus petit, puis l'arbre et les rochers, et enfin la montagne, immense. Tout ceci d'une encre plus ou moins noire ou plus ou moins lavée, pour évoquer ces formes « pleines ». La montagne est souvent encore visible dans le lointain, se dissolvant dans les nuées et dans la lumière. Dans cette construction de l'espace les plans sont séparés les uns des autres par des espaces vierges, immaculés, dont la blancheur signifie tout autant le « vide » que la mouvance des masses nuageuses ou un cours d'eau.


title: Art chinois

text: Le peintre Dong Yuan (v. 934 - 962), inspiré par les paysages du Yangzi Jiang, est considéré comme le père de l'école du Sud, attentive à traiter les effets atmosphériques plus que les formes définies, et donc, plus par des nuances que par des traits.


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text: La peinture de paysage, à cette époque, est composée par masses structurées le long de grands axes et par le cheminement discret du voyageur, au parcours fragmenté par la nature figurée, sans que cela gêne à la cohérence de l'espace peint. Le paysage y est représenté pour lui-même, et les variations d'un peintre à l'autre correspondent aux lieux différents où ils résident. Montagnes abruptes du Nord dans les peintures de Li Cheng, collines au bord des lacs du Sud dans celles de Dong Yuan. Juran est connu pour avoir fait des essais sur différents papiers, réalisés à sa demande, pour en expérimenter les textures. Par ailleurs des fouilles récentes ont montré, sur les murs et sur soie, que les styles de paysage à l'encre étaient plus riches que ce que l'on pensait d'après les œuvres conservées par la tradition.


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text: La peinture de portraits avec Li Gonglin (1040-1106) excelle à évoquer les étrangers, et les cohortes de cavaliers, leurs attitudes et leurs comportements. La scène d'intérieur qui existait sous forme de longs panoramas sous les Tang se complexifie avec la représentation de tableau dans le tableau (une forme orientale de mise en abyme : paravent sur le paravent, ou panneaux imbriqués) de Zhou Wenju, actif durant la seconde moitié du . Cet artiste emploie une forme proche de la perspective cavalière pour construire l'espace intérieur et architectural. La mode du tableau dans le tableau se poursuivra avec les autres peintres de la dynastie Song.


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text: C'est la période de plein épanouissement de la culture chinoise dans les domaines de la peinture, à l'encre sur soie et sur papier, paysagère mais pas seulement, et de la céramique qui donne lieu à de multiples expérimentations pour une production d'une très grande diversité et de très haute qualité. Cette culture rayonne au-delà de ses frontières et imprègne les cultures des Liao et des Jin, au nord de la Chine. Ceux-ci vont déferler successivement sur l'empire et repousser les Song vers le sud. Ensuite, sous les Song du Sud, les peintures de paysages se situent naturellement en bord de mer, ouverts sur de vastes horizons et ils remplacent les peintures de paysages abrupts des Song du Nord. Sous les Ming, les relations commerciales avec l'Occident s'accélèrent (pour l'essentiel dans le sens unique de la Chine vers l'Occident). Les centres de production de porcelaines et autres céramiques chinoises sont regroupés à la Manufacture de Jingdezhen (Jianxi). Le décor bleu sous couverte des Yuan se commercialise très bien. La difficulté pour le peintre de porcelaine à décor bleu vient du fait qu'aucun repentir n'est possible, la couleur étant bue par le corps de la porcelaine. Des pièces de très grande qualité, au dessin complexe harmonieusement composé, sont réservées à l'empereur. La porcelaine monochrome fait la nouveauté : le rouge de cuivre (très difficile à obtenir mais associé au nom de règne du premier empereur Ming) et le bleu turquoise, piquetés comme des « peaux d'orange ». Avec les porcelaines à fond jaune et décor bleu sous couverte, les décors "doucai" (couleurs contrastées) et "wucai" (cinq couleurs) caractérisent le goût des Ming pour les couleurs vives que l'on retrouve ailleurs, dans l'architecture chinoise peinte et ses toits aux tuiles vernissées. Dans la ville de Suzhou, l'un des plus beaux jardins de Chine a été composé par un fonctionnaire qui exerçait la fonction délicate de censeur. Accusé de « corruption » et renvoyé de la cour, il créa son « jardin de la Politique maladroite » (que l'on peut lire aussi: « jardin d'un fonctionnaire qui ne connaît rien à la politique ») à partir de 1506.


title: Art chinois

text: Enfin c'est sous les Ming que furent construits, en 1420, le temple du Ciel et la porte méridionale, "Wumen", mais aussi tout un premier palais de la Cité interdite à Pékin. Puis, après les destructions perpétrées par Li Zicheng, le premier empereur des Qing fit restaurer et reconstruire à l'identique, puis agrandir dans le même style cette Cité impériale telle que nous pouvons l'admirer aujourd'hui. La ville de Pingyao (Shanxi) est l'une des rares villes qui a conservé son aspect ancien, et celui-ci date pour l'essentiel des Ming. Il en est de même de la partie la plus visitée de Grande Muraille, au nord et au nord-ouest de Pékin, qui témoigne de la période de repli sur soi à la fin de la dynastie.


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text: C'est aussi à Suzhou (anciennement : Wu), que se développa une école de peinture lettrée, l'école de Wu. La ville avait été fréquentée par Ni Zan et Wang Meng. Zhu Derun y avait vécu en reclus. L'école de Wu compta quatre grands artistes : Tang Yin, Qiu Yin, Wen Zhengming et Shen Zhou. La peinture de ce dernier, "La grandeur du mont Lu", suit la manière de Wang Meng, des Yuan. C'est un exemple typique de la peinture lettrée fondée sur un perpétuel retour, dans un esprit confucéen, à l'étude des maîtres anciens. L'étude est ici élevée au statut d'œuvre d'art pleine et entière. La peinture de Shen Zhou opère comme une synthèse de plusieurs œuvres de Wang Meng : "Séjour (retraite) dans les monts Qingbian" et "Habiter les forêts Juqu". Shen Zhou étudia aussi les Quatre Grands Maîtres de la peinture Yuan, aussi bien que Mi Fu et Mi Youren des Song, Dong Yuan et Juran des Cinq Dynasties, du . Puis ayant atteint, selon lui, la maturité, il se révéla un immense créateur par des peintures « oiseaux et fleurs » dont les éléments sont pensés en résonances les uns avec les autres. Le tout étant, chaque fois, articulé à une poésie composée pour l'occasion (ici dans un style « cursive folle », par un ami).


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text: L'autre école, qui domina la scène avec les artistes de cour, sous les Ming, est l'école de Zhe, autour de Dai Jin et l'école de Jiangxia qui s'inspirait d'un autre artiste de cour : Wu Wei. Ces deux peintres professionnels subirent le même sort. L'un fut expulsé, l'autre partit de lui-même : leur style était jugé trop « libre » par les peintres lettrés autour de Dong Qichang, le grand théoricien de l'époque, ardemment attaché à la redécouverte et à la préservation des formes anciennes.Les premiers temps de la dynastie sont marqués par des nostalgies et des réminiscences. Le peintre Yun Shouping (actif en 1633-1690) trouve son inspiration dans le sillage des peintures Song « fleurs et oiseaux », « herbes et insectes ». Cette tendance se trouve accentuée au sein de la cour et dans les commandes impériales par l'esprit encyclopédique qui tend à recenser tout ce qui existe et à le pérenniser tout en le contrôlant. Dans cet esprit, la peinture de la Fête de Qing Ming, (Fête des morts) reprend le même thème traité sous les Song. Mais alors que l'original s'attachait, dans la manière propre aux peintres professionnels, aux détails techniques, cette version s'attache aux loisirs : spectacles de théâtre (de plein air), acrobates, lutteurs… et on distingue nettement les pierres étranges qui s'élèvent, traditionnellement, dans les jardins, en couleurs bleu et vert, comme dans certaines peintures de l'époque Song. Quant à la représentation de l'espace des bâtiments, on peut constater des effets de perspective à l'occidentale, combinés aux obliques parallèles (isométrique) propres aux conventions chinoises traditionnelles, mais sans ombre. Ce qui laisserait supposer une influence des conventions occidentales apportées par les peintres jésuites (dont Giuseppe Castiglione) à la Cour. On peut en voir l'effet dans la représentation des figures (par exemple dans les cent portraits de soldats d'élite commandés par l'empereur Qianlong) où un certain modelé a été retenu quand l'ombre, à proprement parler, pourtant omniprésente dans le siècle du Caravage, n'aurait pu être acceptée en Chine.


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text: Le centre de création de la céramique Qing à Jingdezhen exporte vers le monde entier d'innombrables porcelaines qui reprennent les formes et les techniques anciennes, les porcelaines « bleu et blanc » en particulier. Mais toutes ne sont pas conçues pour l'exportation, une autre partie, de très grande qualité est destinée au marché intérieur. Certaines étant réservées à la cour ou aux cours des états voisins, comme les « Bleu de Hué » destinés aux souverains et seigneurs ou mandarins du Viêt Nam. Mais on invente aussi une technique de décor qui démontre une maîtrise plus grande encore : la porcelaine aux émaux de petit feu poudrés, dits en Europe « famille rose » et qui peut donner lieu aux effets éblouissants d'un décor tapissant : véritable accumulation de motifs élégants évocateurs traditionnels de la fragilité du vivant. En France on appelle « porcelaine de la Compagnie des Indes » les productions exécutées en Chine pour satisfaire les commandes des Européens, aux . Le s'écarte souvent de ces dernières et retourne à des modèles anciens proprement chinois.


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text: Dans un mouvement divergent de ce style méticuleux, dès la fin du , tout un ensemble de peintres lettrés restés délibérément hors des sentiers officiels se manifeste. Ils vont bien au-delà du non-conformisme traditionnellement nécessaire à une conduite élégamment et savamment lettrée. Cette fois, c'est une forte indépendance d'esprit qui caractérise cette génération de peintres « excentriques », dont les plus célèbres : les moines Zhu Da (Badashanren) (1625-1705) et Shitao (1642- vers 1707). On les regroupe souvent sous le nom d'« école de Yangzhou » (Jiangsu) avec Li Shan. Alors qu'eux-mêmes se réfèrent, pour l'indépendance d'esprit, aux peintres d'inspiration "chan" (ou, plus simplement, d'inspiration philosophique) : Liang Kai, Muqi, Wu Zhen, Zhu Derun, Ni Zan, Shen Zhou ou Xu Wei, ils influencent à leur tour les Huit excentriques de Yangzhou et de Shanghai du : Ren Xiong (1823-1857), Ren Bonian (ou Rèn Yí) (1840-1896) et Xu Gu (vers 1824-1896) ainsi que des peintres shanghaïens, tel Wu Changshuo (1844-1927), à la fin de la dynastie. Tous sont d'autant plus décidés à affirmer une forme d'individualisme, de révolte et de désespoir quand se répandent, sous les Qing, des cahiers de modèles imprimés, qui répertorient en les banalisant tous les procédés des peintres anciens ; ruinant ainsi les plus hautes valeurs de la Chine dans un monde qui s'effondre, sous le coup des crises et avec l'occupation étrangère. Les peintres « excentriques », de toutes époques, ont servi de référence aux artistes modernes occidentaux, tout particulièrement les surréalistes (André Masson, peut-être le plus concerné) et l'Expressionnisme abstrait de l'École de New York (Mark Tobey, Robert Motherwell…) mais aussi une foule d'artistes comme Hans Hartung ou Jean Degottex.


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text: L'art moderne en Chine, se développa en République de Chine (1912-1949) en Chine continentale, et à partir de 1912 sur l'île de Taïwan, alors colonisée depuis 50 ans par le Japon), ainsi qu'en République populaire de Chine à partir de 1949, et dans la République de Chine à Taïwan après 1945 car il proposait tout un système en rupture avec la culture traditionnelle qui était, quant à elle, associée à l'ancien régime.


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text: Liu Haisu (1898-1994), de la toute nouvelle école de peinture à la gouache ouverte en 1911 à Shanghai, prit l'initiative, en novembre 1912 (à seize ans), de fonder une « Académie shanghaienne de peinture nationale ». On y expérimenta tous les moyens et tous les sujets, y compris le nu. Ce thème artistique était réservé à la vie intime des regardeurs, en Chine. Ce fut une conquête, lente à s'imposer. Mais elle y parvint comme tout ce qui éveillait les valeurs occidentales attachées à la catégorie du Beau, et qui furent intégrées par la création d'une nouvelle pensée de la peinture et des arts en général. L'introduction, fin , du néologisme "meixue" pour traduire le concept occidental "esthétique" reflète bien l'effort d'ouverture de la Chine moderne. De nombreuses écoles des beaux-arts virent le jour, ainsi que des salons, puis des musées et des galeries. Dans les années 1920 et 30 certains jeunes artistes purent bénéficier, comme tous les étudiants chinois, de conditions spéciales pour étudier en Occident. Mais déjà ces jeunes artistes firent des choix. Zao Wou-ki se tourna vers l'école de Paris, il retrouva à Montparnasse Pan Yuliang (1895-1977), Xu Beihong (1895-1953), Lin Fengmian (1900-1991), Chang Yu (1901-1966) et Wu Zuoren (1908-1997). Dans une autre voie, Qi Baishi (1863-1957), proche des excentriques comme Zhu Da de la dynastie Qin, se réappropria le riche répertoire traditionnel avec une écriture gestuelle ferme dans l'humide et des détails de végétaux ou de petits animaux observés avec un plaisir ensuite partagé par une large portion du public chinois. Cette voie fut aussi celle, dans une approche plus austère de la tradition, de Fu Baoshi (1904-1965). Tandis que la gravure sur bois, qui servait déjà pour l'impression des livres, fut revisitée par les associations de jeunes graveurs de Shanghai dont Luo Qingzhen et Li Hua (né en 1907) en se référant à la gravure expressionniste et à celle de la Nouvelle Objectivité de Käthe Kollwitz (1867-1945). Leur lisibilité et leur efficacité expressive auprès des couches populaires faisaient l'objet d'un véritable engouement de la part de jeunes artistes engagés, en communistes et en résistants, dès 1932, à l'expansionnisme du Japon prélude à la guerre de 1937. L'homme de lettres et critique d'art Lu Xun, lui-même très engagé, organisa une exposition des gravures allemandes à Shanghai en juin 1932. Peu après Li Hua fonda le mouvement Lu Xun de Gravure Moderne qui a été largement influencé par le réalisme socialiste. Ce « réalisme socialiste » fut imposé par Mao Zedong pendant sa longue période de pouvoir (1949-1976).


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text: Pendant la révolution culturelle, dès 1973, quelques jeunes sans formation artistique se lancèrent dans l'observation de la nature et sa transcription romantique et impressionniste. C'était aller à l'encontre d'une peinture au service de la propagande, explicite et sans recherche formelle particulière (hormis le réalisme visant une communication claire pour tous). Leur première exposition eut lieu deux ans après que la fin de la révolution culturelle eut été décrétée, en 1979, parmi d'autres expositions de groupes non officiels. L'un d'eux, le groupe « Cicatrices », groupe littéraire (Littérature des cicatrices) tout autant que pictural, reprit le style réaliste pour traiter des aspects les plus sombres de la révolution culturelle. En 1979 une autre variante du réalisme pu exposer ses qualités formelles « photo-réalistes » alors qu'elle traitait de sujets documentaires anecdotiques, entre autres les minorités chinoises, un sujet particulièrement sensible. Le groupe « Les Étoiles » beaucoup plus contestataire eut à subir encore une fois la censure. Sur le plan politique, avec l'arrivée au pouvoir des pragmatiques fin 78, ce sont « les années Deng » qui permettent tout de même une assez large souplesse sur les questions culturelles et une nouvelle ère commence pour l'art chinois. Les nouvelles figures de l'art contemporain chinois, artistes, critiques et commissaires faisaient alors leurs premières armes.


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text: En 1985 le mouvement amorcé en 79 produisait des émules de l'art moderne occidental et de très nombreuses publications sur tout ce qui s'était passé en Occident au soutenait la créativité des jeunes artistes. Ce fut la « Nouvelle Vague » chinoise de 1985-86. Les œuvres de "Rauschenberg Overseas Culture Interchange", en novembre-décembre 1985 à la Galerie nationale, eurent un énorme impact contre les idées reçues et pour la créativité. Elles exposaient avec la plus évidente clarté l'arbitraire des limites entre les genres, entre peinture, photographie et sculpture. Et cela causait de l'excitation et souvent du trouble. Beaucoup en venaient à ne plus percevoir la distinction entre art et non-art… Les débats étaient relayés par les revues d'art qui étaient dorénavant très lues et commentées. En 1989, l'« Exposition d'art moderne chinois » fut le point d'orgue de cette période et réunit tous les artistes qualifiés d'« Avant-Garde ». En mai 1989, à l'exposition « Les magiciens de la Terre » au Centre Pompidou, pour la première présentation d'artistes contemporains hors de Chine, le consultant pour la section chinoise de l'exposition était Fei Dawei, critique d'art qui avait « lancé », en 1985, avec ses amis artistes, les premières manifestations d'art contemporain de la « Nouvelle Vague 85 ».


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text: Au printemps 1989, les manifestations de la place Tian'anmen, entre le 15 avril et le 4 juin, furent réprimées brutalement et un nouveau « tour de vis » s'ensuivit pour étouffer tout ce qui voulait s'exprimer en Chine. Des milliers d'artistes émigrèrent au cours de cette décennie et constituèrent une communauté d'artistes chinois d'outre-mer. Mais le pli était pris et bientôt, en 1994, les termes d'« art contemporain » et d'« art expérimental » furent systématiquement employés (« art moderne », attaché à la période qui s'était achevée avec les événements de la place Tian'anmen, devait être remplacé, « art contemporain » faisait plus « chic » et « branché »). Dans ce mouvement le marché de l'art contemporain chinois était lancé sur les places internationales et l'opportunité d'exposer à l'étranger reçu un appui de plus en plus régulier de la part des autorités chinoises. Celles-ci, dès lors, dans les années 2000, ont tout fait pour rapprocher l'art du public, le « populariser » avec un double effet : d'une part une réelle politique de construction d'espaces consacrés à l'art au sens large, le patrimoine et l'art contemporain, d'autre part retirer à celui-ci la part la plus agressive et contestataire ou expérimentale en mettant en avant des produits à la mode, qui se vendent bien et qui sont de bons signes extérieurs de réussite pour les collectionneurs. En 2011, des multitudes d'artistes chinois, jeunes et moins jeunes, libres de circuler ou contraints de rester à l'étranger, manifestent de par le monde leur désir de pratiquer toutes les formes de l'art contemporain, parfois critique sur l'état de la Chine et du monde en général. Ils se font connaître internationalement par des expositions, parfois percutantes, comme ce fut le cas d'Ai Weiwei en 2010-2011 à la "Tate Modern" (Ai Weiwei, est l'un des 303 intellectuels chinois signataires de la Charte 08).


title: Art chinois

text: La culture chinoise sur la longue durée de l'Empire, est, à côté de la culture occidentale, exceptionnellement bien documentée, par des auteurs chinois nombreux, au regard des réalisations sélectionnées pour leur qualités « artistiques » sur des critères explicites mais évolutifs, réalisations elles-mêmes conservées en grand nombre. Aussi une meilleure connaissance interdisciplinaire permet-elle aujourd'hui d'aborder ce qui différencie ces réalisations - artistiques - de l'art occidental en reposant la question de l'artistique, et d'envisager en conséquence une extension du champ de l'art, comme l'art contemporain a pu le faire à la fin du . Dans ce but il est nécessaire de faire appel à l'anthropologie et la sociologie, autant qu'à l'histoire et à l'esthétique.


title: Art chinois

text: La calligraphie est considérée en Chine ancienne comme le plus noble des arts.


title: Art chinois

text: Depuis que les chinois utilisent le stylo, l'écriture courante, dépourvue de toute inflexion autre que l'empreinte graphologique individuelle, n'a plus rien à voir avec la calligraphie traditionnelle au pinceau. Même si autrefois l'écriture n'avait pour le plus grand nombre qu'un usage pratique, c'était le même pinceau qui pouvait servir à donner forme à une expression individuelle. Le pinceau, l'encre et le papier pour les chinois, permettent un art de l'écriture qui par ailleurs n'a rien à voir avec les calligraphies orientale et occidentale. Cette pratique artistique ne relève pas de l'ornement et n'est jamais travaillée dans un but décoratif. Par contre, les types de caractères stylisés utilisés depuis le , les "meishuizi", venus des arts graphiques, ont ce caractère décoratif. On les utilise pour la publicité, dans l'édition et les images vidéo ou la bande dessinée.


title: Art chinois

text: Indépendamment du pinceau les cinq principaux types d'écriture traditionnelle confèrent une tonalité expressive au texte, et des conventions en régissent l'usage habituel tout en autorisant une certaine liberté, surtout pour les artistes contemporains.


title: Art chinois

text: La spontanéité apparente de la « cursive folle » (en particulier la présentation autobiographique de Huaisu) et l'évocation elliptique (de l« "Origine Primordiale" ») par le geste de Zhu Derun et les peintres moines du bouddhisme Chan ont frappé l'imagination des artistes occidentaux au . En particulier ceux de l'école de New York. Ces modèles de spontanéité, mais perçus en tant que gestes et non en tant que vecteurs de sens, venus d'une civilisation aussi ancienne que la civilisation chinoise ont donné une incroyable assurance aux artistes occidentaux pour s'affirmer en rupture des traditions figuratives occidentales.


title: Art chinois

text: Outre ce qui a été dit plus haut pour ce qui concerne la Chine ancienne : « Dynastie Han », « Dynastie des Jin orientaux », « Dynastie Yuan » : Zhao Mengfu, et : « Les peintres », ci-dessous, il est à noter qu'actuellement la calligraphie, encouragée par les autorités à partir des années 1980, est incluse dans les programmes des écoles des Beaux-Arts chinoises.


title: Art chinois

text: Très visible dans l'art d'aujourd'hui au contact de l'art contemporain « occidental », l'usage de la calligraphie est devenu, semble-t-il, un trait spécifique, distinctif, de l'art chinois contemporain (Gu Wenda, avec ses pseudo-caractères fondus dans des cheveux, et sa traduction et retranscription de poésie Tang, et Xu Bing, avec son installation mixed-media interactive, « Classe de calligraphie » de 94-96) entre autres).


title: Art chinois

text: La copie de textes en s'appuyant sur des estampages est le mode traditionnel d'apprentissage de la calligraphie. La copie de peinture par décalque ou par imitation est chaque fois une manière d'étude des peintres anciens. La copie doit être distinguée du faux, produit dans le but de tromper les collectionneurs.