title: Jan Bucquoy

text: Il est écrivain et auteur d'une cinquantaine de bandes dessinées : il a notamment publié la série "Jaunes" (citée en haut) avec Tito inspirée par Alfred Korzybski, "Les Chemins de la gloire" (Glénat (éditeur) 1985) avec Daniel Hulet, "Une épopée française" (Glénat (éditeur) 1990) avec Sels et une parodie pornographique de Tintin, qu'il n'hésite pas de présenter par le personnage du présentateur de Radio Cosmos (Claude Semal) dans une scène délirante avec Lolo Ferrari dans le film culte "Camping Cosmos". Sans oublier le thriller "Le Bal du rat mort" (Glénat 1986) avec J.F. Charles qui se passe entièrement à Ostende (à l'exception de quelques scènes à Bruxelles) et qui obtient le prix Saint-Michel de la meilleure bande dessinée en 1981. Son film "La Vie sexuelle des Belges 1950-78" est basé sur les albums de sa série de bande dessinée "Jean-Pierre Leureux" ("Brèves Rencontres" (1987) et "Tout va bien" (1990), dessinés par Jean-Philippe Vidon), dans laquelle il incarne son personnage principal.


title: Jan Bucquoy

text: Il est le contraire des bons faiseurs de scénarios, des gens réconfortants qui ne commettent pas ses erreurs, mais qui ont tellement moins à dire.


title: Jan Bucquoy

text: Ses héros (par exemple Jean Lamorgue dans "Le Bal du rat mort" ou Raymond Lécluse dans "Les Chemins de la gloire", qui proclame à la fin du premier tome : « Paris, à nous deux ! ») sont souvent inspirés par les personnages principaux d’Honoré de Balzac(comme Lucien de Rubempré, Eugène-Louis de Rastignac, etc.) avec les thèmes récurrents de la grandeur, la splendeur, avec la chute, la décadence, les illusions perdues et les misères. Par contre les personnages de ses films sont des anti-héros qui transcendent plutôt l'optimisme des protagonistes de Charles Dickens comme "David Copperfield" ou "Oliver Twist". Son approche réaliste des personnages dans ses films et bandes dessinées est due à Georg Lukacs, auteur qu'il a appris a connaître grâce à sa lecture de Guy Debord et son interprétation du "fétichisme de la marchandise".


title: Jan Bucquoy

text: Voir lien externe : Bibliographie de bandes dessinées.


title: Jan Bucquoy

text: Il a été proche de quatre partis politiques : BANAAN ("Beter Alternatieven Nastreven Als Apathisch Nietsdoen)", son pendant francophone BANANE("Bien Allumés, Nous Allons Nous Éclater"), Vivant et Spirit.


title: Jan Bucquoy

text: Aux élections législatives belges du , il est candidat sur la liste du Front des gauches. Ces films partent souvent d'un sujet politique entraînant les protagonistes dans des situations burlesques, "la vie sexuelle" étant une métonymie pour la vie sentimentale.


title: Jan Bucquoy

text: Influencé par le "Traité de savoir-vivre à l'usage des jeunes générations" de Raoul Vaneigem et de "La Société du spectacle" de Guy Debord, il considère le monde des médias comme un spectacle continuel qui est transformé en marchandise par le capitalisme. Ceci explique en partie ses manifestations orageuses à la télévision.


title: Jan Bucquoy

text: Son approche de la psychanalyse de certains personnages comme Lolo Ferrari et Tintin est due à sa lecture des "Écrits" de Jacques Lacanpour lequel il a une grande admiration. Son titre du film "La Jouissance des hystériques" avec Claude Semal est tiré de l'ouvrage "La Jouissance de l'hystérique" de Lucien Israël, un des nombreux élèves de Lacan. Jan Bucquoy était considéré par le surréaliste belge Marcel Mariën ("L'Imitation du cinéma") comme étant son unique adepte. L'auteur a aussi été influencé par le livre de Desmond Morris : "Le Singe nu" et ceci dans son approche animale de la sexualité humaine et la comparaison des hommes avec des singes.


title: Jan Bucquoy

text: Déjà dans sa jeunesse, il avait participé à une révolte ouvrière dans les usines Usinor à Dunkerque et plus tard il aurait été participant de la fameuse "Radio Uilenspiegel"qui défendait la cause des Flamands dans le Nord.


title: Jan Bucquoy

text: Outre les films réalisés ou dans lesquels il a joué, Jan Bucquoy est connu pour une série d'extravagances et de manifestations anarchistes. Dont :


title: Jan Bucquoy

text: Jan Bucquoy fait l'objet de nombreuses critiques dans la presse francophone, certaines saluant son intelligence, d'autres regrettant la grossièreté ou la lourdeur du propos :


title: Jan Bucquoy

text: Ces presses sont plus ouvertes à son œuvre :


title: Oak Ridge (Tennessee)

text: Oak Ridge est une ville située à cheval sur les comtés d'Anderson et de Roane, à 41 kilomètres à l'ouest de Knoxville et à 30 kilomètres au sud-ouest de la petite ville de Clinton dans le Tennessee, État du Sud des États-Unis. Lors du recensement de 2010, la ville compte 29 330 habitants.


title: Oak Ridge (Tennessee)

text: La partie de la ville située dans le comté d'Anderson est inclus dans la zone métropolitaine de Knoxville, tandis que la partie du comté de Roane située dans est inclus dans la zone micropolitaine de Harriman ; ces deux domaines sont des composantes de l'aire urbaine Knoxville-Sevierville-La Follette. Les surnoms d'Oak Ridge comprennent "the Atomic City", "the Secret City", "the Ridge", and "the City Behind the Fence".


title: Oak Ridge (Tennessee)

text: Elle a été créée en 1942 dans le cadre du projet Manhattan en prenant la place de plusieurs communautés agricoles. Son existence fut gardée secrète jusqu’à la fin de la Seconde Guerre mondiale. Le laboratoire national d'Oak Ridge, spécialisé dans les recherches nucléaires, y est toujours actif aujourd'hui.


title: Oak Ridge (Tennessee)

text: Les laboratoires d'études sur le nucléaire sont toujours en activité, et sont la principale source d'emplois de la ville.


title: Oak Ridge (Tennessee)

text: Oak Ridge dispose aussi d'un laboratoire de recherche du NOAA, travaillant notamment sur l'étude des flux thermiques au sein des forêts américaines.


title: Oak Ridge (Tennessee)

text: La ville est aussi connue pour son musée des sciences, qui mêle histoire de la ville et histoire des sciences.


title: Oak Ridge (Tennessee)

text: Les axes de communication principaux sont des routes, dont les plus importantes sont l'Illinois Avenue (scindée en deux parties sud et nord) et la Turnpike.


title: Oak Ridge (Tennessee)

text: Intégrée au sein de la « Bible Belt », la ville compte un grand nombre d'églises protestantes ("methodist church" et "baptist church"), ainsi qu'une église catholique.


title: Fever (chanson de Little Willie John)

text: Le titre est régulièrement reprises par des artistes divers, dans des versions plus ou moins célèbres. Parmi les versions les plus connues, figure celle de Madonna en 1992.


title: Fever (chanson de Little Willie John)

text: Les paroles auraient été écrites par Joe Tex (non crédité), qui les aurait vendues pour 300 dollars à (contesté par ce dernier). Pour la musique, Tex aurait préconisé de s'inspirer de l'air de musique country "" de Merle Travis, ce que fit Otis Blackwell. Little Willie John (âgé de 19 ans, une des plus jeunes et importantes voix soul des années 1950) enregistre "Fever" en single (son 3 titre) avec un succès fulgurant chez King Records, avec "Letter From My Darling" en face B, vendu à plus d'un million d'exemplaires.


title: Fever (chanson de Little Willie John)

text: Ce tube est adapté en 1958 en version jazzy-sensuelle-érotique par la star de jazz américaine Peggy Lee , accompagnée de ses claquements de doigt, de Joe Mondragon à la contrebasse, et de Shelly Manne à la batterie, pour atteindre entre autres en 1958 la 8 place du Billboard Hot 100 américain, et 5 place du UK Singles Chart britannique « Tu n'as jamais su combien je t'aime, tu n'as jamais su combien je tiens à toi, quand tu met tes bras autour de moi, tu me donnes la fièvre, quand tu m'embrasses, fièvre ! Quand tu me serres, fièvre ! Le matin, fièvre toute la nuit, Roméo a aimé Juliette, Juliette a ressenti la même chose, quand il a mis ses bras autour d'elle, il a dit Julie, bébé, tu es ma flamme, tu me donnes la fièvre, quand nous nous embrassons, fièvre ! Je suis en feu, fièvre, ouais, à vrai dire je brûle, avec tes baisers... ».


title: Fever (chanson de Little Willie John)

text: Une version parodique comique « historique » du "Muppet Show" est interprétée en 1976 par Rita Moreno et le "Muppet Band" (""), avec Floyd Pepper à la guitare basse, et Animal (Jean-Marie) à la batterie. Elle est reprise par de nombreux interprètes dont Peggy Lee, Ella Fitzgerald, Elvis Presley (album "Elvis Is Back!" de 1960, et "Aloha from Hawaii Via Satellite", de 1973), Ray Charles et Natalie Cole, James Brown, Joe Cocker, Bob Dylan, Johnny Hallyday et Sylvie Vartan, ("Vivre", 1973), Quincy Jones, The Doors, Boney M., Tina Turner, Céline Dion, Beyoncé, Madonna ("Erotica (album)" de 1992)...Par ordre alphabétique :


title: Fever (chanson de Little Willie John)

text: est une chanson de l'artiste américaine Madonna issue de son album . Elle sort en le 6 mars 1993 sous le label en Europe et en Australie. Elle est une reprise de la chanson de Little Willie John.


title: Fever (chanson de Little Willie John)

text: La chanson était en fait un accident, elle devait enregistrer "Goodbye to Innocence" qui devait figurer sur l'album. La chanson ne fonctionnait pas, Shep cherchait la sonorité avant qu'il réussit à trouver la sonorité où tout le monde fait l'affaire. Cependant, lors de l'enregistrement, au lieu de chanter les paroles originales, elle chante les paroles de "Fever" sur la musique de "Goodbye to innocence". Trouvant que cela fonctionne mieux, elle et Shep décident d'abandonner les paroles originales et de faire une reprise de cette chanson. Elle demande à Warner d'envoyer une copie des paroles, une heure plus tard, elle les a reçues et elle fut enregistrée. C'est la dernière chanson qui fut enregistrée pour l'album.


title: Fever (chanson de Little Willie John)

text: La vidéo de "Fever" a été réalisée par Stéphane Sednaoui le 11 mars 1993.


title: Anthony Higgins

text: Anthony Higgins est un acteur britannique né le à Northampton (Royaume-Uni).


title: K5

text: K5, K-5, K.05, KV ou K05 peut faire référence à :


title: Jean-Pierre Garnier (metteur en scène)

text: Jean-Pierre Garnier est un metteur en scène et professeur d'art dramatique français.


title: Jean-Pierre Garnier (metteur en scène)

text: Il enseigne à la Classe Libre du Cours Florent depuis 1990 et à l'école de la Comédie de Reims depuis mars 2003. Il a été également professeur au Conservatoire d'art dramatique de Cracovie et à la Hochschule de Hambourg.


title: Liste des chefs d'État soudanais

text: Cet article dresse la liste des chefs d'État de la République du Soudan depuis son indépendance le .


title: Le Secret de la pyramide

text: Le Secret de la pyramide (""), ou La Première Aventure de Sherlock Holmes au Québec, est un film d'aventure américain réalisé par Barry Levinson, sorti en 1985.


title: Le Secret de la pyramide

text: À Londres en 1870, le jeune John Watson fait son entrée dans sa nouvelle école, "Brompton Academy". Il y rencontre un adolescent à l'esprit de déduction très développé : un certain Sherlock Holmes. Ils se lient d'amitié et Holmes lui présente son mentor, le professeur Waxflatter, un enseignant à la retraite devenu inventeur qui habite toujours dans l'école. Il lui présente également la nièce de celui-ci, Elizabeth, dont il est amoureux.


title: Le Secret de la pyramide

text: Très vite, Holmes invite Watson à participer à une enquête concernant M. Bobster et le révérend Nesbitt, tous deux décédés dans des circonstances étranges, s'apparentant à une subite crise de folie — ils sont en réalité victimes d'hallucinations épouvantables après qu'une mystérieuse silhouette armée d'une sarbacane leur ait tiré dessus. Holmes réfute la thèse du suicide, voyant un lien entre les deux meurtres, mais il ne parvient pas à convaincre l'inspecteur Lestrade, de Scotland Yard.


title: Le Secret de la pyramide

text: Peu après, Holmes est convaincu de tricherie à un examen ; c'est un mauvais tour d'un autre élève, Dudley, qui est lui aussi amoureux d'Elizabeth et que Holmes a humilié lors d'une chasse au trésor. Malgré la protection bienveillante de Rathe, son professeur d'escrime, et de la douce Dribbs, gouvernante de l'école, Holmes est renvoyé.


title: Le Secret de la pyramide

text: Le professeur Waxflatter est ensuite lui aussi victime d'une fléchette empoisonnée. Avant de mourir, il parvient à murmurer un simple mot : « Ihtar ». Watson trouve sur les lieux une sarbacane qui s'avère d'origine égyptienne. Caché chez Waxflatter, Holmes poursuit l'enquête et apprend que cette sarbacane est l'arme qu'utilisaient les membres de Rame Tep, une ancienne secte de fanatiques adorateurs d'Osiris. Il découvre aussi que la secte existe toujours et qu'un temple clandestin se trouve dans les bas-quartiers de Londres. Il s'y rend avec Watson et Elizabeth et ils arrivent au moment où une jeune femme est sacrifiée. Holmes ne peut s'empêcher de pousser un cri d'horreur. Découverts, ils s'enfuient tous les trois, mais sont touchés chacun par une fléchette. Par chance, les hallucinations dont ils sont victimes ne leur sont pas fatales.


title: Le Secret de la pyramide

text: De retour chez Waxflatter, ils mettent la main sur une vieille gravure qui montre le professeur en compagnie des deux premières victimes et d'un quatrième homme, Chester Cragwitch. Ils sont alors surpris par le professeur Rathe et Dribbs. Constatant que Watson et Elizabeth sont complices d'un élève renvoyé, ils leur annoncent qu'ils seront eux aussi exclus de l'école dès le lendemain et obligent les trois compères à retourner dans leurs chambres. Échappant à leur surveillance pendant la nuit, Holmes et Watson se rendent chez Cragwitch pendant qu'Elizabeth retourne chez son oncle pour récupérer des documents. Chester Cragwitch apprend à Holmes et Watson que Bobster, Nesbitt, Waxflatter et lui-même faisaient partie d'une expédition en Égypte qui a mal tourné. Depuis, ils subissent la vindicte d'un certain Ihtar et de sa sœur dont ils auraient causé la mort des parents. Il s'agit en réalité de Rathe et de Dribbs.


title: Le Secret de la pyramide

text: Après avoir empoisonné à son tour Cragwitch — qui, dans son délire, s'en prend à Holmes —, Rathe et Dribbs enlèvent Elizabeth. Holmes et Watson parviennent à les poursuivre grâce à une machine volante inventée par Waxflatter. Ils arrivent à temps pour empêcher le sacrifice d'Elizabeth et incendient le temple après avoir éliminé Dribbs. Mais Rathe s'échappe et tire une balle en direction de Holmes alors qu'Elizabeth s'interpose recevant le projectile en pleine poitrine. Bouleversé, Holmes décide d'affronter Rathe (qu'il appelle désormais Ithar) dans un duel à l'épée. À l'issue de ce combat, ce dernier disparaît dans les glaces de la Tamise. Holmes rejoint Watson et Elizabeth, mais la jeune fille meurt de sa blessure. À la fin du film, Holmes et Watson se séparent, mais promettent de se revoir.


title: Le Secret de la pyramide

text: Le générique de fin montre le voyage d'un homme mystérieux qui arrive dans un hôtel. Demandant une chambre, l'homme se révèle être Rathe, qui a survécu, signant le registre au nom de Moriarty...


title: Le Secret de la pyramide

text: Le film n'a pas connu le succès commercial, rapportant environ au box-office en Amérique du Nord pour un budget de . En France, il a réalisé .


title: Le Secret de la pyramide

text: Il a reçu un accueil critique plutôt favorable, recueillant 65 % de critiques positives, avec une note moyenne de 5,7/10 et sur la base de 20 critiques collectées, sur le site agrégateur de critiques Rotten Tomatoes.


title: Larsen

text: Larsen est un patronyme d'origine scandinave, signifiant « fils de Lars » (le prénom Lars est la forme nordique de Laurent). Il est notamment porté par : "(en hommage au capitaine danois Carl Anton Larsen)"


title: Larsen

text: "(en hommage à l'explorateur de l'Arctique canadien Henry Larsen)"


title: Liste des présidents de la Somalie

text: Voici une liste des présidents de Somalie depuis l'indépendance du .


title: Liste des présidents de la Somalie

text: Le titre du chef de l'État a varié ainsi : Le président somalien est élu au scrutin indirect par le parlement fédéral de Somalie pour un mandat de quatre ans, renouvelable une seule fois. L'élection requiert la présence d'au moins deux tiers des membres de chaque chambre du parlement, composé des 275 membres de la chambre basse, et des 54 membres de la Chambre haute. Les candidats doivent obtenir le soutien d'au moins vingt membres de la chambre basse ou un membre de la chambre haute pour pouvoir se présenter.


title: Liste des présidents de la Somalie

text: Le système utilisée est une forme modifiée du scrutin uninominal majoritaire à deux tours. Est élu le candidat obtenant la majorité qualifiée de deux tiers du total des membres du parlement, soit 220 voix. A défaut, un second tour est organisé entre les quatre candidats arrivés en tête, et est élu celui recueillant la majorité des deux tiers. Si aucun candidat n'est élu lors des deux premiers tours de scrutin, un troisième est organisé entre les deux candidats arrivés en tête au second tour, et celui recueillant la majorité absolue est déclaré élu.


title: Liste des présidents de la Somalie

text: "Nota - Après le , aucun gouvernement de la Somalie n'a été reconnu internationalement. Ali Mahdi Mohamed continua à revendiquer la présidence mais il n'exerçait plus aucun pouvoir. Le , le seigneur de guerre Farrah Aidid réclama à son tour la présidence jusqu'à sa mort le . Son fils, Hussein Mohamed Farrah, reprit les revendications de son père à son compte jusqu'au ."


title: Table d'émeraude

text: La Table d’émeraude (" en latin) est un des textes les plus célèbres de la littérature alchimique et hermétique. C’est un texte très court, composé d'une douzaine de formules allégoriques et obscures, dont la plus célèbre : .


title: Table d'émeraude

text: Selon la légende, elle présente l’enseignement de Hermès Trismégiste, fondateur mythique de l'alchimie, et aurait été retrouvée dans son tombeau, gravée sur une tablette d’émeraude. La plus ancienne version connue se trouve en appendice d’un traité arabe datant au plus tard du début du . Elle a été largement commentée au Moyen Âge et surtout à la Renaissance.


title: Table d'émeraude

text: Malgré le discrédit scientifique de l'alchimie et le développement de la chimie moderne au , elle a continué à fasciner occultistes et ésotéristes.


title: Table d'émeraude

text: À partir du , on voit apparaître dans l'Égypte hellénistique des textes grecs attribués au personnage mythique d'Hermès Trismégiste, détenteur de toutes les connaissances. Il s'agit d'un ensemble hétéroclite de textes (les "Hermetica") à caractère parfois alchimique, mais aussi magique, astrologique ou médicinal, qui culmine avec les traités mystico-philosophiques du Corpus Hermeticum du ou . Dans l'un d'eux, la "Koré Kosmou" (la « pupille du monde »), Hermès grave et cache ses enseignements avant de remonter au ciel « afin qu'eût à les chercher toute génération née après le monde ».


title: Table d'émeraude

text: En 640, l'Égypte, devenue entre-temps chrétienne et byzantine, est conquise par les Arabes qui vont perpétuer la tradition hermétique et alchimique dans laquelle s'inscrit la "Table d'émeraude".


title: Table d'émeraude

text: Jusqu'au début du , on ne connaissait que des versions latines de la "Table d’émeraude", les plus anciennes remontant au . Ce sont l’historien des sciences anglais E.J. Holmyard (1891-1959) et l’orientaliste allemand Julius Ruska (1867-1949), qui en ont retrouvé les premières versions arabes.


title: Table d'émeraude

text: La "Table d'émeraude" a été retrouvée sous différentes versions dans diverses œuvres arabes anciennes. La plus ancienne version figure en appendice d’un traité qui aurait été composé au , le "Livre du secret de la Création, ". Ce texte se présente comme une traduction d’Apollonius de Tyane, sous son nom arabe Balînûs. L’hypothèse d'un original grec est vraisemblable, même si aucun manuscrit n'a été retrouvé ; l'attribution à Apollonius, quoique fausse (pseudépigraphique), est courante dans les textes arabes médiévaux de magie, d’astrologie ou d’alchimie.


title: Table d'émeraude

text: L’introduction du "Livre du secret de la Création" est un récit qui explique notamment que « toutes choses sont composées de quatre principes élémentaires, le chaud, le froid, l’humide et le sec » (les quatre qualités d'Aristote), dont les combinaisons expliquent les « rapports de sympathie et d’antipathie entre les êtres ». Balînûs « maître des talismans et des merveilles » pénètre dans une crypte sous la statue d’Hermès Trismégiste et y trouve la tablette d’émeraude entre les mains d’un vieillard assis, et un livre. Le cœur de l’ouvrage est pour l'essentiel un traité alchimique où on trouve notamment pour la première fois l'idée que tous les métaux sont constitués à partir du soufre et du mercure, théorie fondamentale de l’alchimie au Moyen Âge. Le texte de la "Table d’émeraude" vient en dernier, comme en appendice, et la question s'est longtemps posée de savoir s’il s’agissait d’une pièce rapportée, de portée uniquement cosmogonique, ou bien s’il forme un tout avec le reste de l'ouvrage, auquel cas il a dès l'origine une signification alchimique. Il a été récemment avancé qu'il s'agit en fait d'un texte de magie talismanique, et que la confusion vient d'une erreur de traduction de l'arabe au latin.


title: Table d'émeraude

text: L’émeraude est la pierre traditionnellement associée à Hermès, comme le mercure est son métal, Mars étant associée aux pierres rouges et au fer, Saturne aux pierres noires et au plomb. Dans l'Antiquité, Grecs et Égyptiens désignaient comme émeraude la plupart des minéraux de couleur verte (jaspe vert et même granit vert), et au Moyen Âge c'était le cas pour des objets en verre coloré, comme la « Table d'émeraude » des rois wisigoths ou la Sacro Catino de Gênes (un plat dont s'emparèrent les croisés lors du sac de Césarée en 1011, et qui passait pour avoir été offert par la Reine de Saba à Salomon et avoir servi lors de la Cène).


title: Table d'émeraude

text: Cette version de la "Table d’émeraude" se retrouve aussi dans le "Kitab Ustuqus al-Uss al-Thani (Livre élémentaire du fondement)" attribué à l’alchimiste du Jâbir ibn Hayyân, connu en Europe sous le nom de Geber.


title: Table d'émeraude

text: Une autre version se trouve dans un livre hétéroclite du , le "Secretum secretorum" ("Secret des secrets", "Sirr al-asrâr"), qui se présente comme une pseudo-lettre d’Aristote à Alexandre le Grand pendant la conquête de la Perse, et qui traite de politique, de morale, de physiognomonie, d’astrologie, d’alchimie, de médecine Le texte est là-aussi attribué à Hermès mais sans le récit de la découverte de la tablette.


title: Table d'émeraude

text: Le "topos" littéraire de la découverte de la sagesse cachée d'Hermès se retrouve dans d'autres textes arabes des environs du . Notamment dans le livre de Cratès : alors qu'il se trouve en prière dans le temple de Sérapis, Cratès, un philosophe grec, a la vision d'« un vieillard, le plus beau des hommes, assis dans une chaire ; il était revêtu de vêtements blancs et tenait à la main une planche de la chaire, sur laquelle était placé un livre […]. Quand je demandais quel était ce vieillard, on me répondit : "C'est Hermès Trismégiste, et le livre qui est devant lui est un de ceux qui contiennent l'explication des secrets qu'il a cachés aux hommes." ». C'est aussi le cas dans le texte connu sous le nom latin de "Tabula Chemica" de Senior Zadith, c'est-à-dire l'alchimiste arabe Ibn Umail, dans lequel une table de pierre, repose sur les genoux d'Hermès Trismégiste, dans la chambre secrète d'une pyramide. Ici la table n'est pas gravée d'un texte mais de symboles « hiéroglyphiques ».


title: Table d'émeraude

text: Le "livre du secret de la création" fut traduit en latin ("Liber de secretis naturae") au début du par Hugues de Santalla, mais cette version de la "Table d’émeraude" ne fut pas très répandue.


title: Table d'émeraude

text: Le "Secretum Secretorum" est traduit en latin en version courte par Johannes Hispalensis ou Hispaniensis (Jean de Séville) vers 1140, puis en version longue par Philippe de Tripoli vers 1220, et est un des livres les plus célèbres du Moyen Âge.


title: Table d'émeraude

text: Une troisième version latine se trouve dans un traité d’alchimie datant probablement aussi du (mais dont on ne connaît pas de manuscrit avant le ), le "Liber Hermetis de alchimia" ("Livre d’alchimie d’Hermès)". C'est cette version, dite « vulgate » qui est la plus répandue. Le traducteur de cette version ne comprit pas le mot arabe "tilasm" qui signifie talisman, et le transcrivit en latin "telesmus" ou "telesmum" (qui deviendra en français "télesme"), et fut diversement interprété par les commentateurs « devenant l’un des termes les plus caractéristiques - et les plus vagues - de l’alchimie ».


title: Table d'émeraude

text: "Tabula smaragdina Hermetis Trismegisti"


title: Table d'émeraude

text: "La Table d’émeraude d’Hermès Trismégiste, père des Philosophes" (traduction de l’Hortulain)


title: Table d'émeraude

text: « Il est vrai, sans mensonge, certain, & très véritable : Ce qui est en bas, est comme ce qui est en haut ; et ce qui est en haut est comme ce qui est en bas, pour faire les miracles d'une seule chose. Et comme toutes les choses ont été, & sont venues d’un, par la médiation d’un : ainsi toutes les choses ont été nées de cette chose unique, par adaptation. Le soleil en est le père, la lune est sa mère, le vent l’a porté dans son ventre ; la Terre est sa nourrice. Le père de tout le "telesme" de tout le monde est ici. Sa force ou puissance est entière, si elle est convertie en terre. Tu sépareras la terre du feu, le subtil de l’épais doucement, avec grande industrie. Il monte de la terre au ciel, et derechef il descend en terre, & il reçoit la force des choses supérieures et inférieures. Tu auras par ce moyen la gloire de tout le monde ; et pour cela toute obscurité s’enfuira de toi. C'est la force forte de toute force : car elle vaincra toute chose subtile, et pénétrera toute chose solide. Ainsi le monde a été créé. De ceci seront & sortiront d'admirables adaptations, desquelles le moyen en est ici. C’est pourquoi j'ai été appelé Hermès Trismégiste, ayant les trois parties de la philosophie de tout le monde. Ce que j’ai dit de l'opération du Soleil est accompli, et parachevé. »


title: Table d'émeraude

text: La "Table d'émeraude" et sa découverte légendaire sont citées pour la première fois dans son "De essentiis" (1143) par Herman de Carinthie, ami de Robert de Chester, le traducteur en 1144 du "Liber de compositione alchimiæ" considéré comme le premier traité d'alchimie en occident.


title: Table d'émeraude

text: Un commentateur anonyme du explique que « "le père de tout le télesme" signifie "de tout le secret". En effet, la divination chez les Arabes se dit "télesme" ; cette divination est donc supérieure à toutes les autres » ; par la suite seul le sens de secret fut retenu.


title: Table d'émeraude

text: On la retrouve dans le "De mineralibus" d’Albert le Grand, vers 1256.


title: Table d'émeraude

text: Vers 1275-1280, Roger Bacon traduit et commente le "Secret des Secrets", et par une interprétation entièrement alchimique de la "Table d’émeraude", en fait un résumé allégorique du Grand Œuvre.


title: Table d'émeraude

text: Le commentaire le plus connu est celui de l'Hortulain, alchimiste dont on ne sait presque rien, dans la première moitié du : . Ce texte se situe dans la lignée de l'alchimie symbolique qui se développe au , avec notamment les textes attribués au médecin catalan Arnaud de Villeneuve, qui poussent la comparaison allégorique entre les mystères chrétiens et les opérations alchimiques. Dans le commentaire de l'Hortulain, dépouillé de considérations pratiques, le grand œuvre est une imitation de la création divine du monde à partir du chaos : « "“Et comme toutes choses ont été et sont venues d'un par la méditation d'un”" : Il [Hermès Trismégiste] donne ici un exemple disant : comme toutes choses ont été et sont sorties d'un, c'est à savoir, d'un globe confus "“par la méditation”", c'est-à-dire, par la pensée et création d'un, c'est-à-dire, de Dieu tout-puissant. » Le soleil et la lune représentent l'or et l'argent alchimiques. L'Hortulain interprète le "télesme" comme « secret » ou « trésor » : « On lit ensuite : "Le père de tout le télesme du monde est ici", c’est-à-dire : dans l’œuvre de la pierre se trouve la voie finale. Et notez que le philosophe appelle l’opération ‘père de tout le télesme’, c’est-à-dire de tout le secret ou tout le trésor du monde entier, c’est-à-dire de toute pierre découverte en ce monde ».


title: Table d'émeraude

text: La "Tabula Chemica" de Senior, dans laquelle la table est gravée de symboles, est traduite dès le ou le . Et à partir de 1420, de larges extraits en sont repris dans un texte illuminé, l’"Aurora consurgens", qui est l'un des tout premiers cycles de symboles alchimiques. Une des illustrations montre la découverte de la table d'Hermès, dans un temple surmonté d'aigles sagittaires (représentant les éléments volatils). Ce motif est fréquemment repris dans les imprimés de la Renaissance, et est l'expression visuelle du mythe de la redécouverte du savoir antique — la transmission de ce savoir, sous forme de pictogrammes hiéroglyphiques lui permettant d'échapper aux déformations de l'interprétation humaine et verbale.


title: Table d'émeraude

text: À la Renaissance s'impose l'idée qu'Hermès Trismégiste est le fondateur de l'alchimie, en même temps que la légende de la découverte évolue et s’entremêle aux récits bibliques. C'est notamment le cas à la fin du dans le "Livre de la philosophie naturelle des métaux" du pseudo-Bernard le Trévisan : « Le premier inventeur de cet Art ce fut Hermès le Triple : car il sut toute triple philosophie naturelle, savoir Minérale, Végétale et Animale ». Il retrouve après le déluge, dans la vallée d’Hébron, celle où Adam vivait après avoir été chassé du paradis terrestre, sept tables de marbre sur lesquelles sont gravés les principes des sept arts libéraux. Il en tire un bref ouvrage (qui reproduit le début de la "Table d’émeraude"), qui passe à son disciple Pythagore, puis à Platon, Aristote et enfin à Alexandre le Grand. Ainsi, la sagesse antédiluvienne s’est transmise, indépendamment de la révélation faite à Moïse au Sinaï.


title: Table d'émeraude

text: Elle évolue encore avec Jérôme Torella, dans un livre d’astrologie "Opus Praeclarum de imaginibus astrologicis" (Valence, 1496), où c’est Alexandre le Grand qui, en se rendant à l’oracle d’Amon en Égypte, découvre une "Tabula Zaradi" dans le tombeau d’Hermès. Cette histoire est reprise par Michael Maier, médecin et conseiller de l’« empereur-alchimiste » Rodolphe II dans son "symbola aureae mensae" (Francfort, 1617), et qui se réfère à un "Liber de Secretis chymicis" attribué à Albert le Grand. La même année, il publie le célèbre "Atalanta Fugiens (Atalante fuyante"), illustré par Théodore de Bry de cinquante emblèmes alchimiques, chacun accompagné d’un poème, de la partition d'une fugue et d’explications alchimiques et mythologiques. Les deux premiers emblèmes illustrent un passage de la "Table d’émeraude" : « le vent l’a porté dans son ventre ; la terre est sa nourrice », et le texte explicatif commence par « Hermès, le plus diligent explorateur de tout secret naturel, dans sa "Table d’émeraude", décrit parfaitement, bien que brièvement, l’œuvre de la nature. »


title: Table d'émeraude

text: En 1541 paraît la première édition imprimée, dans le "De alchemia" publié par Johann Petreius et édité par un certain Chrysogonus Polydorus, qui est probablement un pseudonyme du théologien luthérien Andreas Osiander (Osiander édite en 1543, chez le même imprimeur, le "De revolutionibus orbium coelestium" de Copernic). Il s'agit de la version dite « vulgate », accompagnée du commentaire de l'Hortulain.


title: Table d'émeraude

text: En 1583 est publié à Francfort chez Christophe Corvinus un commentaire de Gérard Dorn. Dans le "De Luce naturae physica", ce disciple de Paracelse fait un parallèle détaillé entre la "Table" et le premier chapitre de la Genèse attribuée à Moïse.


title: Table d'émeraude

text: Aux , des versions en vers apparaissent, dont un sonnet anonyme remanié par le poète alchimiste Clovis Hesteau de Nuysement dans son "Traittez de l'harmonie, et constitution generalle du vray sel, secret des Philosophes, & de l'esprit universel du monde" (1621) :


title: Table d'émeraude

text: C'est un point assuré plein d'admiration, Que le haut & le bas n'est qu'une même chose : Pour faire d'une seule en tout le monde enclose,  Des effets merveilleux par adaptation.


title: Table d'émeraude

text: D'un seul en a tout fait la méditation, Et pour parents, matrice, & nourrice, on lui pose, Phœbus, Diane, l'air, & la terre, où repose, Cette chose en qui gît toute perfection.


title: Table d'émeraude

text: Si on la mue en terre elle a sa force entière : Séparant par grand art, mais facile manière, Le subtil de l'épais, & la terre du feu.


title: Table d'émeraude

text: De la terre elle monte au ciel, & puis en terre,  Du Ciel elle descend, recevant peu à peu, Les vertus de tous deux qu'en son ventre elle enserre. Mais à partir du début du , un certain nombre d'auteurs contestent l'attribution de la "Table d'émeraude" à Hermès Trismégiste, et à travers elle, attaquent l'Antiquité et la validité de l'alchimie. C'est d'abord un alchimiste « repenti », le médecin lorrain Nicolas Guibert, en 1603. Mais c'est le jésuite et génie des langues Athanasius Kircher qui porte l'attaque la plus forte dans son monumental "Oedipus Aegyptiacus" (Rome, 1652-53). Il note qu'aucun texte ne parle de la "Table d'émeraude" avant le Moyen Âge et que sa découverte par Alexandre le Grand n'est évoquée par aucun témoignage antique. En comparant le vocabulaire utilisé avec celui du "Corpus Hermeticum" (dont il avait été prouvé par Isaac Casaubon en 1614, qu'il datait seulement du ), il affirme que la "Table d'émeraude" est un faux d'un alchimiste médiéval. Quant à l'enseignement alchimique de la "Table d'émeraude", il ne se résume pas à la pierre philosophale et à la transmutation des métaux, mais porte sur « la substance la plus profonde de chaque chose », la "quintessence" des alchimistes. Dans une autre perspective, Wilhelm Christoph Kriegsmann publie en 1657 un commentaire, dans lequel il essaie de montrer, avec les méthodes linguistiques de l'époque, que la "Table d’émeraude" n'était pas originellement écrite en égyptien mais en phénicien. Il poursuit ses études des textes anciens, et en 1684 soutient qu'Hermès Trismégiste n'est pas le Thot égyptien, mais le Taaut des Phéniciens, de surcroît fondateur du peuple germanique sous le nom du dieu Tuisto, cité par Tacite.


title: Table d'émeraude

text: Entretemps, les conclusions de Kircher sont discutées par l'alchimiste danois Ole Borch dans son "De ortu et progressu Chemiae" (1668), où il essaie de séparer les textes hermétiques entre les écrits tardifs et ceux véritablement attribuables à l'ancien Hermès égyptien, parmi lesquels il penche pour classer la "Table d'émeraude." Les discussions continuent, et les traités d'Ole Borch et de Kriegsman sont réédités dans la compilation "Bibliotheca chemica curiosa" (1702) du médecin suisse Jean-Jacques Manget. Même si la "Table d'émeraude" est encore traduite et commentée par Isaac Newton, l'alchimie perd progressivement tout crédit scientifique au cours du , avec l'avènement de la chimie moderne, et les travaux de Lavoisier.


title: Table d'émeraude

text: À partir de la fin du , la "Table d’émeraude" est souvent accompagnée d’une figure symbolique, appelée "Tabula Smaragdina Hermetis".


title: Table d'émeraude

text: Cette figure est entourée d’une acrostiche en latin ("« visite l'intérieur de la terre et en rectifiant tu trouveras la pierre cachée »"), dont les sept initiales forment le mot VITRIOL (ancien nom de l’acide sulfurique). En haut le soleil et la lune se déversent dans une coupe au-dessus du symbole du mercure. Autour de la coupe mercurielle, les quatre autres planètes, association classique entre les sept planètes et les sept métaux : Soleil/Or, Lune/Argent, Mercure/mercure, Jupiter/étain, Mars/fer, Vénus/cuivre, Saturne/plomb, qui étaient aussi reliés par des couleurs traditionnelles (or, argent, gris, bleu, rouge, vert, noir) aux sept mots de l’acrostiche dans les premières versions du symbole. Au centre, figurent un anneau et un globe impérial, et en bas les sphères du ciel et de la terre (autant d’allusions au macrocosme et au microcosme). Trois écussons représentent d'après le poème les trois principes ("tria prima") de la théorie alchimique de Paracelse par les associations Aigle/Mercure/Esprit, Lion/Soufre/Âme et Étoile/Sel/Corps. Enfin deux mains prophétiques encadrent l’image et « attestent par serment le vrai fondement et la vraie doctrine ».


title: Table d'émeraude

text: La plus ancienne reproduction connue est la copie datée de 1588-89 d'un manuscrit circulant alors de façon anonyme et écrit probablement dans la seconde moitié du par un paracelsien allemand. L’image était alors accompagnée d’un poème alchimique didactique en allemand, intitulé "Du secret des sages", probablement du même auteur. Le poème en explique la symbolique en relation avec le Grand Œuvre, et les objectifs classiques de l'alchimie : fortune, santé et longue vie. Elle était seulement secondairement accompagnée du texte de la "Table d’émeraude". Mais très rapidement, au cours du , le poème d’accompagnement disparaît dans les reproductions imprimées, et l’emblème devient, jusqu'à l'époque moderne, sous le nom de "Tabula Smaragdina Hermetis", le symbole, ou la représentation graphique, de la "Table d’émeraude", aussi antique qu’elle.


title: Table d'émeraude

text: Ainsi par exemple en 1733 selon l’alchimiste Ehrd de Naxagoras ("Supplementum Aurei Velleris"), on fit à la mort d’Hermès une « plaque d’émeraude précieuse », gravée d’inscriptions et du symbole, et retrouvée dans la vallée de l’Ébron par une femme nommée Zora. On situe cette emblème dans la tradition mystérieuse des hiéroglyphes égyptiens, et dans l’idée des platoniciens et alchimistes de la Renaissance que les « secrets les plus profonds le nature ne pouvaient être exprimés de façon appropriée que suivant un mode de représentation obscur et voilé ».


title: Table d'émeraude

text: L'alchimie et son prétendu « texte fondateur » continuent néanmoins à intéresser les occultistes. C'est le cas du mage Éliphas Lévi : « Rien ne surpasse et rien n'égale comme résumé de toutes les doctrines du vieux monde les quelques sentences gravées sur une pierre précieuse par Hermès et connues sous le nom de "table d'émeraude". [...] c'est toute la magie en une seule page. », de la « curieuse figure » de l’allemand Gottlieb Latz qui publie à ses frais un monumental "Die Alchemie" en 1869, ainsi que de la théosophe Helena Blavatsky et du pérennialiste Titus Burckhardt.


title: Table d'émeraude

text: Au début du , la pensée alchimique trouve un écho chez les surréalistes, et André Breton reprend l'axiome principal de la "Table d'émeraude" dans le "Second manifeste du surréalisme" (1930) : « Tout porte à croire qu'il existe un certain point de l'esprit d'où la vie et la mort, le réel et l'imaginaire, le passé et le futur, le communicable et l'incommunicable, le haut et le bas cessent d'être perçus contradictoirement. Or, c'est en vain qu'on chercherait à l'activité surréaliste un autre mobile que l'espoir de détermination de ce point », même si plusieurs commentateurs y voient surtout l'influence de la pensée de Hegel. Toutefois la pensée du philosophe allemand a été elle-même influencée par Jakob Böhme.


title: Président de la République du Liberia

text: Le président de la République du Liberia est le chef de l'État libérien. Depuis l'indépendance du pays en 1847, son titre officiel a varié.


title: Président de la République du Liberia

text: Pendant les colonies de Cape Mesurado, puis du Liberia, le Liberia était dirigé par des agents coloniaux et des gouverneurs.


title: Président de la République du Liberia

text: Le président libérien est élu au scrutin uninominal majoritaire à deux tours pour un mandat de six ans, renouvelable une seule fois, depuis l'entrée en vigueur de la constitution de 1986.


title: Président de la République du Liberia

text: La longue tradition de mandat présidentiel de quatre ans renouvelables indéfiniment mise en place par la constitution de 1847 avait préalablement pris fin à la suite du changement de constitution portée par le président William Tolbert, qui l'amende en 1975 pour introduire un mandat de huit ans non renouvelable


title: Président de la République du Liberia

text: Voici la liste des présidents du Liberia depuis son indépendance en 1847 :


title: Dora Wasserman

text: Dora Wasserman est une femme de théâtre, née le à Jytomyr (Ukraine) et morte le à Montréal.


title: Dora Wasserman

text: Originaire d'Ukraine, elle est la cadette d'une famille juive de milieu modeste (fratrie de cinq enfants). Son père est serrurier. Après des études à l'École de chant Rimsky-Korsakov de Moscou, elle entre à l'école du Théâtre juif de Moscou (le GOSET), d'où elle sort en 1939, après 4 années de formation avec des grands maîtres de l'époque. Son diplôme en poche, Dora Wasserman quitte Moscou pour l'Ukraine, mais la Deuxième Guerre mondiale la force à partir plus loin vers l'est, dans le Kazakhstan. C'est là qu'elle rencontre son futur conjoint, un intellectuel juif réfugié de Pologne. Elle entreprend des tournées théâtrales en Ouzbékistan et au Tadzhikistan. Après la guerre, le jeune couple avec ses deux petites filles Ella et Bryna, se retrouve en Autriche dans des camps de personnes déplacées, puis s'installe en 1950 à Montréal au Canada. Dora Wasserman donne des cours de yiddish et initie des jeunes juifs montréalais au Théâtre yiddish. Avec l'appui du comédien Gratien Gélinas, elle parvient à produire des spectacles yiddish avec des adultes amateurs et des enfants. En 1958, elle fonde le Groupe du "Théâtre yiddish" au Centre Segal de Montréal. Elle monte des classiques ou traduit en yiddish des auteurs contemporains comme Michel Tremblay. Selon Jean-Marc Larrue, « Montréal est la seule ville au monde où le théâtre yiddish est demeuré actif depuis plus d'un siècle. Dora Wasserman est la principale responsable de cette formidable singularité ».


title: Art de l'Égypte antique

text: L'art de l'Égypte antique apparait dès les premiers signes de la culture de Nagada, vers 3800 avant l'ère commune (AEC). Certains traits, caractéristiques à une époque, peuvent s'atténuer ou disparaitre à une autre. Mais un grand nombre de ces caractères se sont maintenus sur la très longue durée de l'histoire de l'Égypte antique, jusqu'à la fin de l'Empire lagide, en 30 AEC, avec les derniers des 345 pharaons.


title: Art de l'Égypte antique

text: L'Empire romain a laissé en Égypte un ensemble artistique de la plus grande valeur avec les portraits du Fayoum (), qui ne relèvent plus de l'art de l'Égypte antique, mais de l'art de la Rome antique. De même, l'art copte (), aussi en Égypte mais plus récent encore, a développé sa propre voie, dans la mouvance de l'art byzantin.


title: Art de l'Égypte antique

text: Le pouvoir établi par des étrangers, comme les Hyksôs, n'a eu que peu d'effet sur cet art égyptien antique. Jusqu'à la dynastie lagide (époque ptolémaïque, 330-30 AEC) les artistes-artisans ont su, ou ont pu maintenir leurs traditions. Les périodes de troubles politiques se sont clairement manifestées par des dérèglements passagers. Ces traditions étaient non seulement respectées, mais aussi admirées ailleurs. La sculpture grecque, dans la figure du kouros, a su tirer parti de la sculpture égyptienne que l'on pouvait voir à l'époque de la , entre 664 et 525 AEC et qui était encore en place depuis des temps immémoriaux. Cet art égyptien, apparu dans le plus grand oasis africain, est ainsi l'une des sources de l'art occidental : tout en se développant autour d'une niche régionale, il a été connecté, à l'Ouest avec les autres oasis et la savane à l'Est et à l'Ouest (le futur désert du Sahara), au Sud, avec le Soudan et le reste de l'Afrique, et avec le bassin Levantin, au Nord.


title: Art de l'Égypte antique

text: La céramique égyptienne de terre cuite mérite d'être mieux connue. Le site de Médamoud a été le plus grand centre de production de céramique d'Égypte dans l'Antiquité. Par ailleurs, une technique, celle de la faïence égyptienne à couverte bleue, mais pas seulement, est particulièrement remarquable, en particulier pour les ouchebtis, au cours des dernières périodes.


title: Art de l'Égypte antique

text: Les pyramides d'Égypte étonnent, éblouissent, géantes et pures. L'espace vide qui les environne renforce, aujourd'hui, leur impact. L'architecture égyptienne s'inscrit d'abord dans un espace. La longue coulée verte du Nil abritait les villages, les villes, les temples et les palais. Tandis que le monde des morts trouvait sa place aux marges du désert, où l'aridité allait préserver les tombes et leur contenu. La pyramide de Khéops, celle de Khéphren et celle de Mykérinos, les grandes pyramides de Gizeh ont été édifiées au cours de la (Ancien Empire). Elles avaient été précédées par un autre dispositif architectural, le mastaba à redents. Le plus ancien d'entre eux, déjà une énorme structure, la tombe « royale » de Nagada, pourrait être celui d'une reine, la reine Neith-Hotep, cofondatrice de la avec son époux Narmer (art de l'époque thinite, vers 3100).


title: Art de l'Égypte antique

text: Pour prendre un autre exemple significatif, le dispositif funéraire de (Moyen Empire), a longtemps créé le trouble. Une pyramide, la pyramide de Dahchour, avait été édifiée en bordure de l'oasis du Fayoum. Elle se trouvait ainsi à proximité des deux premières « vraies » pyramides, dès le pharaon Snéfrou, au début de l'Ancien Empire, environ auparavant. Mais un hypogée s'est révélé, récemment, contenir la tombe véritable, un tombeau souterrain de de longueur, à proximité du temple d'Osiris à Abydos, celui-ci est souterrain, invisible, mais plus au Sud. Cet hypogée a été creusé sous la « montagne d'Anubis » (le dieu funéraire), une montagne du Gebel (falaises du désert) qui présente, approximativement, la forme d'une pyramide. Tandis qu'un temple dédié à son culte était édifié à proximité du Nil. La vallée des Rois (art du Nouvel Empire égyptien) a conservé de nombreuses tombes en hypogée et le majestueux ensemble funéraire de Deir el-Bahari, associé à la tombe de la reine Hatchepsout, et sa colonnade monumentale adossée à la montagne. La montagne aride, semblable à d'innombrables pyramides, est encore le lieu qui convient à ces tombes. Quant au culte d'Osiris et de ses mystères, il ne cessa de prendre de l'importance, au fil du temps.


title: Art de l'Égypte antique

text: Le Nouvel Empire fait aboutir un nouveau motif architectural, le pylône, énorme masse trapézoïdale encadrant une porte d'accès au temple. Les pylônes étant placés l'un derrière l'autre sur la voie d'accès à la porte du temple. « Leur forme symbolise la montagne derrière laquelle surgit le soleil ». Quant au sanctuaire, le temple, il représente le monde, la création. Son organisation reflète celle de l'univers.  Emblématique de l'architecture sacrée en Égypte, la grande salle hypostyle du temple d'Amon-Rê à Karnak crée une sensation d'égarement tant les colonnes, immenses et énormes, sont rapprochées : l'homme s'y sent infiniment petit ; cette sensation redouble le sentiment de la présence du divin, pour l'égyptien de l'antiquité. Cette salle immense n'était pas conçue pour recevoir une foule mais pour accueillir et conserver la barque solaire. Les colonnes énormes et rapprochées, élevées sous (Nouvel Empire), s'inscrivent dans la continuité de ses prédécesseurs immédiats : les dieux sont adorés dans l'ombre, derrière de hauts murs (à l'inverse des temples éphémères dédiés à Aton, construits sous Akhenaton (Amenhotep ), à ciel ouvert, et sans lendemain). Le message est aussi inscrit dans la pierre, jusqu'au sommet de l'édifice. Les colonnes s'élèvent jusqu'à leurs chapiteaux en forme de « fleurs ». Les colonnes égyptiennes symbolisent la forêt originelle de papyrus portant le ciel. Les fleurs des chapiteaux, plongées dans l'ombre des bas-côtés, restent fermées ou « en bouton », mais en corolles « ouvertes », dans la nef centrale. La lumière solaire pénètre l'espace du temple sur les côtés de la nef centrale, et ruisselle sur les colonnes depuis les chapiteaux, souvent peints de couleurs vives.


title: Art de l'Égypte antique

text: La relation qui s'établit entre l'homme et le temple est celle du microcosme avec le cosmos. Le temple offre à l'homme un choc émotionnel puissant. Quant au dehors le soleil d'Égypte est intense, l'ombre règne presque partout à l'intérieur. La porte franchie, cette progression vers une luminosité douce, venant d'en haut décrit le parcours accompli par le dieu. Le rapport d'échelle, écrasant, la lumière atténuée venant d'en haut, tout cela participe aussi d'un rapport vertical avec le pouvoir, avec le dogme royal. Dans cette ombre surgissent, au-dessus des têtes, les immenses chapiteaux, « fleurs » ouvertes. C'est un message de renaissance qui vient de la nature des fleurs, s'inscrit par leurs images minérales, éternelles, et conforte les aspirations les plus profondes du croyant. Le temple, demeure du dieu, suit le modèle d'une demeure privée avec des pièces spécialisées : trésor, laboratoire, magasins à onguents et à tissus. Mais aussi pièces abritant les membres de la famille divine à proximité de la partie la plus sacrée. Le saint des saints, étant plongé dans les ténèbres, abrite un petit édifice, le naos, qui protège la représentation du dieu tutélaire. Seuls, le pharaon ou le grand prêtre officient dans cet « appartement divin ».


title: Art de l'Égypte antique

text: Les spécialistes de l'art égyptien mettent en avant le fait que les Égyptiens recherchaient, non pas la beauté mais l'efficacité dans les réalisations que nous considérons comme artistiques. En conséquence, certaines d'entre elles étaient mutilées, martelées, détruites. Cette croyance était largement partagée. On peut parler même d'efficacité magique, « une forme d'expression au service de l'au-delà ».  . Pour cette raison l'artiste ou l'artisan utilise une forme de figuration naturaliste dans laquelle les détails significatifs seront reproduits afin d'éviter toute erreur de lecture


title: Art de l'Égypte antique

text: La plupart de cet art que nous admirons a été déposé dans des tombes, et n'était pas destiné à être admiré. C'est chaque fois un don de la plus haute valeur, dans la mesure des moyens du commanditaire, un lien avec le divin. Ce qui n'empêche pas certains artistes de faire preuve d'une habileté technique exceptionnelle, dans le travail de pierres dures comme l'obsidienne ou le basalte noir par exemple et d'introduire une subtilité qui peut se manifester dans le traitement du détail, du trait ou de la forme. L'efficacité magique n'aurait-elle pas bénéficié d'un investissement artistique ? Probablement.


title: Art de l'Égypte antique

text: Pour ce qui est du portrait, depuis au moins le Moyen Empire, son efficacité tient au fait qu'il est support du souvenir, et le souvenir des défunts est un signe de piété. Les générations sont donc incitées à venir rendre au défunt un culte garant de sa survie dans l'au-delà. Ce culte est rendu à la sépulture mais aussi à la statue que celui qui va décéder un jour dépose dans le temple, de son vivant. Dans les demeures privées, un buste, image idéalisée de l'ancêtre, était placé dans une niche et servait au culte familial.


title: Art de l'Égypte antique

text: Dans certains cas le travail des artistes devait servir la politique et parfois la propagande au service de tel groupe ou individu.


title: Art de l'Égypte antique

text: Toute image issue du monde des divinités égyptiennes doit, pour la même efficacité, être immédiatement reconnaissable de tous. Elle répond donc impérativement aux exigences d'une iconographie de figures canonisées dès les premiers temps du pouvoir pharaonique. Divinités et pouvoir étant intimement liés l'un à l'autre. Ces images de divinités manifestent idéalement la puissance, avec des attributs spécifiques et, éventuellement les signes hiéroglyphiques de leur nom, au-dessus de la tête. Suivant les mêmes principes, les attributs du pharaon le désignent aux yeux de tous, humains ou dieux.


title: Art de l'Égypte antique

text: Dans cet univers, nommer, représenter est un acte quasi magique, c'est faire venir à l'existence ce que l'on nommait ou représentait. Pour les Égyptiens, le démiurge crée, à son image, toutes les créatures terrestres, hommes, animaux, végétaux et minéraux. En retour, le choix de l'image, par le prêtre ou l'artiste est alors essentiel: on comparait, par exemple, les manifestations d'une espèce animale à un trait caractéristique d'une manifestation du démiurge, une manifestation de ce qui est inexprimable trouvait alors sa forme métaphorique. Ainsi le prêtre pouvait dire : « La déesse Bastet vous protège comme une chatte protège ses chatons ». D'où l'attention au détail significatif qui manifeste, dans la représentation, une chatte vigilante et en pleine possession de ses moyens. Et, en Égypte antique, l'attention au détail significatif vient de là.


title: Art de l'Égypte antique

text: Une célèbre maxime, attribuée au vizir Ptahhotep (vers 2400), énonce ainsi le concept d'art pour les anciens Égyptiens :On ne peut atteindre les limites de l'art. Et il n'existe pas d'artiste qui maîtrise totalement son savoir-faire L'art comme tension vers la limite, et tendance à se surpasser, pour l'artiste, semblent bien perceptibles dans ces quelques mots.


title: Art de l'Égypte antique

text: La question de l'existence d' « artistes » dans l'Égypte antique pose, plus globalement la possibilité de transposer les concepts de l'Occident moderne ailleurs et en d'autres temps. L'artiste, ici, est envisagé du point de vue de sa position sociale. Il est désigné en fonction de ses compétences ou activités sous un angle technique : le dessinateur égyptien de l'Antiquité est « scribe des formes » (peintre ou spécialiste des arts graphiques), à côté du « teneur de ciseaux » (le sculpteur) et du « directeur de la construction » ou « des travaux ». Il ne semblerait pas y avoir de hiérarchie entre eux à la Basse époque. La racine "hémou", proche de notre notion d'art sert aussi à désigner certains spécialistes, orfèvres ou tailleurs de pierres précieuses, ou plâtriers. Cette racine sert aussi à désigner des métiers où la plus grande précision est nécessaire comme le facteur de chars (charron) ou d'avirons. De nombreux spécialistes et « petites mains » travaillent sur le chantier que dirige l'artiste chargé du projet (un « chef des scribes-dessinateurs »), celui qui conçoit et supervise, et qui met éventuellement la main à l'ouvrage. Ce type de fonction, « chef des artisans », pouvait être assuré par un créateur « pluridisciplinaire ». Une stèle significative du début de l'art du Moyen Empire égyptien le prouve, la stèle sur laquelle un certain « technicien », Irtysen, se présente en tant que scribe (-dessinateur) et sculpteur, mais au domaine de compétence quasi universel : sacré, arithmétique, artistique, technique.


title: Art de l'Égypte antique

text: Le hiéroglyphe utilisé pour transcrire les différents termes de cette racine "hémou" (± « art ») représente le foret de silex lesté qui servait à creuser les vases de pierre au cours de la Préhistoire, en Égypte : un travail de spécialiste producteur de signes de prestige, déposés dans les tombes, des « super-vases », incassables-éternels, ou, peut-être, des images de vases, pour l'au-delà.


title: Art de l'Égypte antique

text: Indice que certains grands imagiers étaient considérés comme exceptionnels : un prêtre et scribe savant signa - à plusieurs reprises - le décor d'une tombe qu'il avait été invité à « inscrire », en gravant : « Le scribe des écrits divins, ce n'est pas quelqu'un qui appartient à la catégorie des « scribes de formes ». C'est son cœur (soit son intelligence) qui l'a conduit lui-même, sans qu'un supérieur ne lui ait donné de directive. ». Il y a donc bien des noms d'artistes, reconnus comme tels, inscrits sur certains monuments.


title: Art de l'Égypte antique

text: Le sculpteur en ronde-bosse était désigné comme « celui qui fait vivre », celui qui donne vie au bois, à l'ivoire, comme à la pierre la plus dure par la magie de son art. Cette aptitude à donner vie sera aussi celle attribuée au sculpteur par les Grecs, comme déjà chez Homère avec la figure d'Héphaïstos, capable de donner la vie à une statue d'Hermès.


title: Art de l'Égypte antique

text: L'enseignement se transmettait, habituellement, de père en fils ; et l'apprenti éventuel se considérait comme le « fils » de son maître. L'apprentissage se faisait en étudiant et en reproduisant les œuvres des prédécesseurs : traces des signes, graphie des mots et correction de l'expression, dessins de formes ou de figures. Des traces de cet enseignement subsistent sur ostraca - sur des éclats de calcaire, le plus souvent, et aussi bien peints que sculptés, mais aussi sur des plaques de bois stuqué. Ces premiers essais se trouvent aussi dans des tombes restées inachevées. Quelques membres de l'élite ont pu recevoir une formation artistique, comme les deux filles aînées d'Akhenaton et de Néfertiti.


title: Art de l'Égypte antique

text: Notons, par ailleurs, que les travaux les plus durs, comme l'extraction des pierres, leur portage n'étaient pas le fait d'une armée d'esclaves, comme la tradition le voudrait. Cette tradition littéraire s'est fondée en Grèce et dans la Bible, dès les derniers siècles avant l'ère commune. Selon une approche plus documentée et rigoureuse la servitude dans l'Égypte antique était limitée aux prisonniers de guerre, mais il existait des serviteurs, aussi des servants, en particulier lors des services funéraires et le peuple des agriculteurs était tenu de corvées pendant la mauvaise saison, durant la crue du Nil, mais était bien traité. Ce sont surtout ces derniers qui ont élevé les pyramides et tous les travaux gigantesques que ce peuple a bâtis.


title: Art de l'Égypte antique

text: L'expression égyptienne pour désigner le dessinateur, « scribe des contours », traduit le fait qu'il n'y avait pas de distinction claire entre écriture et image. Suivant l'expression concise de Luc Delvaux, « le scribe dessine l'écrit, et le dessinateur écrit l'image. »


title: Art de l'Égypte antique

text: Dans l'Égypte antique la peinture est d'abord un dessin, qui est éventuellement mis en couleur par des coloristes ; le dessinateur se fait rarement peintre. Plus généralement, le dessin est la source commune des autres arts ; sous forme de plan, d'esquisse, de grille, il est fondamental.


title: Art de l'Égypte antique

text: Le dessin en Égypte ancienne est régi par des codes, comme le canon classique ou l'usage de la frontalité. Le réalisme visuel lui est totalement étranger. « Leur but [aux dessinateurs] est de ne pas cacher ce qui est essentiel à la scène telle que leur esprit la conçoit et veut la faire revivre. » D'ailleurs le matériel est le même : l'encre et les pinceaux ou le calame, une palette pour les deux couleurs : rouge et noir, les dessinateurs et peintres disposent de palettes d'un plus grand nombre de couleurs (le mélange pigment eau se faisant dans des godets creusés dans la palette de bois). Le dessinateur broie le pigment (noir de carbone et ocre rouge ou d'oxyde de fer) puis le mêle à un liant de gomme végétale (probablement (?) gomme arabique) ce qui donne de petits pains de couleur qui seront fondus dans l'eau du godet.


title: Art de l'Égypte antique

text: En principe, le dessin représente toujours les visages de profil. Cependant la frontalité (le corps vu de face) s'applique dans certains cas : d'abord aux animaux, pour en souligner la fougue, l'énergie dans la vitesse, le regard aiguisé. Mais le visage humain peut être montré de face : traditionnellement, celui des ennemis. Exceptionnellement, ce peut être celui d'un prêtre qui se distingue par son acuité visuelle, comme le prêtre astronome. Et dans un groupe de musiciennes de la (actuellement au British Museum), deux d'entre elles ont le visage de face, ce qui pourrait indiquer un lien entre ces musiciennes et la déesse Hathor. Les égyptiens utilisent le profil comme ce que l'on peut observer dans l'art grec antique. Par contre, à la fin de l'Antiquité, l'Égypte romaine s'ouvre à de nouvelles techniques, et la frontalité peut s'appliquer alors au défunt.


title: Art de l'Égypte antique

text: En termes de couleur, il existe aussi des codes. L'exemple le plus frappant, à nos yeux, est celui qui distingue (comme en Grèce), dans la représentation du couple, le corps de la femme [appartenant à l'élite], qui est généralement en clair (jaune pâle) alors que celui de l'homme est brun. Mais, en principe, tous les corps humains du peuple, et ceux des divinités égyptiennes anthropomorphes sont bruns.


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text: Le « canon classique égyptien » se reconnait aux mesures standardisées pour représenter le corps humain, dès l'époque pré-dynastique. La grille fondée sur la coudée royale égyptienne est explicite dès l'Ancien Empire (2700-2200). Ensuite, ce canon se modifie en partie à la (664-323). Ce canon s'est ainsi reproduit, pour autant que les valeurs et les principes de l'art respectaient des usages et des traditions ; d'ailleurs, la Première Période intermédiaire (2200-2033) voit ces valeurs s'effondrer, ce qui est un signe de l'effondrement des institutions.


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text: Ces traditions ne sont donc pas éternelles. Au Moyen Empire, la figuration du pharaon assis s'inscrit dans une grille de quatorze carreaux, cette tradition perdure jusqu'au début du Nouvel Empire, mais pas au-delà. Au Nouvel Empire le code impose deux carreaux du front à la base du cou et sept jusqu'à la taille. Quant aux figures de l'époque prédynastique, sur un tesson du Musée de Saint-Germain-en-Lay datant de Nagada (3500-3100) qui montre un couple se tenant par la main, on peut constater la mise en forme d'un code très ancien. La femme présente ainsi des éléments de la « danseuse » du musée de Brooklyn (voir ci-dessous). D'autre part, elle est vue de face, alors que l'homme est déjà en « marche apparente » et de profil. Toutes ces traditions iconographiques se sont donc mises en place lentement, sans pour autant se fixer définitivement, jamais.


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text: Toute représentation, dans l'art égyptien, est caractérisée, en général, par une certaine idée d'« ordre » : des lignes claires associées à des formes simples, et des aplats de couleur quand il y en a. Mais des nuances sont parfois bien visibles. Les artisans, au cours de l'élaboration des figures, utilisaient une grille de lignes perpendiculaires, verticales et horizontales. Ils formaient ainsi un quadrillage. C'est ce qui leur permettait de donner des proportions (le canon classique) correspondant à des codes fixés par le clergé. Ils pouvaient ainsi procéder quelle que soit l'échelle de cette grille, grande ou petite, en fonction de la place dont ils disposaient pour leurs figures. Pour donner un exemple, au cours de l'Ancien Empire, la longueur de correspondait au bras et à la main repliée, celle qui tient. À la même époque, la figure debout mesurait , environ.


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text: L'élaboration de ce modèle indique que la recherche d'une image de la nature ne suffisait pas, concernant l'image de l'homme. Mais pour le reste, l'attention aux choses de la nature, à l'étrangeté des plantes d'origine lointaine, par exemple, amène à développer un naturalisme qui, sans détail insignifiant, sait parfaitement résumer une forme à l'essentiel, sans aucun rapport à un canon. Par contre la mise au carreau est souvent d'usage pour des formes courantes. En effet, la mise au carreau permettait au dessinateur de mettre au point n'importe quel motif, qu'il pouvait, ensuite, reporter sans difficulté pour une quelconque commande, sur une grille agrandie, suivant le principe de l'agrandissement au carreau. Il faisait ces exercices sur ostracon de calcaire préparé, ou sur plaque de calcaire soigneusement aplanie, comme on en conserve une au Louvre avec un chat, un lion et un bouquetin, vus de profil.


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text: Sur des surfaces, en peinture, sur un support plat ou en bas-relief, les artistes égyptiens représentaient les hommes, dans le même temps, de face et de profil. Ainsi les pieds, comme le bas du corps est représenté de profil, tandis que le haut du corps est représenté de face. La tête de profil, mais les yeux sont comme vus de face.


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text: La frontalité, le fait, pour une figure, de faire face à tout regard, s'appuie sur une composition de la sculpture selon l'axe qui est déterminé par la pose du sujet : le pied gauche en avant pour une figure debout, ou sur une base qui se prolonge au-delà des pieds posés au sol, pour une figure assise. Plusieurs figures seront ainsi posées l'une à côté de l'autre, quasi systématiquement, en ligne adossées à un « mur ».


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text: Les statues adossées ou enfermées étaient vues de face. Notre perception, dans les musées, où l'on peut tourner autour, ne correspond donc pas au point de vue égyptien, pour ce type de statue.


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text: Cet art contraint le sculpteur à travailler sur une faible profondeur, tout en restituant l'impression visuelle du volume, dans ses creux les plus nets et ses nuances les plus subtiles. Mais entre le haut-relief qui se détache totalement du fond et le bas-relief qui se détache très peu sur le fond, les égyptiens sculptaient le « relief en creux », où la figure est soit complètement évidée, soit la figure s'inscrit dans un contour profond, afin d'en rendre la lisibilité plus sûre. C'est le cas du portrait d'Akhenaton sur calcaire, du musée de Berlin.


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text: Le premier tracé pourrait en revenir à un « scribe des contours », au pinceau. Le sculpteur « porteur de ciseaux » travaille le bois comme la pierre. Cet art qui permet de maintenir les textes exposés aux intempéries apparait souvent sur la pierre des temples, tant à l'extérieur qu'à l'intérieur et sur toutes surfaces, planes ou courbes, comme sur le tambour des colonnes. Si dès la , avec le bas-relief dans le bois, de la tombe d'Hézyrê le modelé atteint une subtilité exceptionnelle, l'art du Moyen Empire manifeste une maîtrise parfaite, jusque dans le détail, en particulier avec le pilier de Sésostris du temple d'Amon (Karnak), au Musée du Caire.


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text: L'époque amarnienne offre aux sculpteurs l'occasion de trouver de nouvelles solutions pour résoudre les difficultés propres au bas-relief. Ils rencontrent la contrainte supplémentaire de l'affirmation du style imposé par Amenophis - Akhenaton surtout au début de son règne. Le fragment du musée de Berlin fait preuve d'une belle économie de moyens pour passer d'un plan à un autre sans brutalité et sans réalisme non plus, tout en maintenant l'ensemble dans un jeu de rimes, où les courbes répondent les unes aux autres avec élégance.


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text: La sculpture en ronde-bosse nous est souvent parvenue au sein des monuments, exposée aux intempéries et aux destructions. Ces monolithes n'étaient pas seuls. Des fragments de sculptures déposées dans les temples ou dans les palais, ainsi que ce qui a pu être préservé dans certaines tombes nous montrent des pratiques complexes. Parfois un tenon dans le cou d'un portrait sculpté indique l'assemblage qui reliait la tête au tronc, creusé d'une mortaise. Les pierres les plus employées, le calcaire, le grès, le granit rose, le quartzite (grès silicifié) rouge, le Grauwacke gris-vert ont pu recevoir une couverture colorée peinte ou dorée, dont il reste parfois des traces. Couleurs et formes vont dans le sens d'un certain style naturaliste, constant mais souvent idéalisé (figures royales) tout au long de l'histoire de l'Égypte antique - les figures stylisées plus ou moins schématiquement se rencontrent dans les reliefs, comme pour les paysans franchissants le Nil, alors que les bœufs sont soigneusement détaillés avec un quasi-réalisme. Le bois de cèdre, d'acacia, d'ébène ou d'if, est employé seul ou assemblé à plusieurs essences. L'assemblage est, d'ailleurs, une pratique courante qui fait jouer soit la couleur de chaque partie, l'or, le bronze, le verre coloré dans la masse, soit du fait d'un traitement coloré en surface, sur un enduit. Des éléments métalliques, comme les couronnes, les uræus, apportent différentes couleurs et leur éclat sur des éléments saillants. Le bronze peut souligner l'œil comme un trait de khôl, quand le blanc de l'œil sera souvent en pâte de verre.


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text: La sculpture métallique en tôle de cuivre martelée, assemblée, apparait sous l'Ancien Empire : la statue portrait de Pépi Ier - (2350-2200) - est associée aux couleurs apportées par la faïence et une pierre, l'obsidienne (?) pour la pupille. La sculpture à la cire perdue est largement utilisée pour des statuettes. Mais pour des sculptures de plus grande taille, comme la statue de la divine adoratrice Karomama, (du Louvre) « c'est un assemblage de fonderie sur un noyau sableux recouvert de métal ». Enfin, l'orfèvrerie, dont l'élite a su tirer un déploiement de luxe inouï, pratiquait systématiquement l'assemblage des matières et des couleurs les plus variées, sauf à certaines périodes, comme au cours de la où l'accumulation fait place à une bien plus grande homogénéité sans nuire aux qualités sculpturales.


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text: On rencontre souvent un type de composition groupée, de deux figures (dyade) ou de trois figures (triade), comme les triades de Mykérinos (voir ci-dessous).


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text: Sur les chantiers avec peintures de tombes et bas-reliefs de temples, il y avait deux équipes. Le chef de groupe exerçait l'autorité sur le tailleur de pierre, le sculpteur, le plâtrier et le peintre dessinateur ou « scribe des formes ». Celui-ci traçait les contours à la peinture rouge, les corrigeait au noir, tandis que les apprentis posaient les couleurs sur ce dessin. La fonction du peintre en tant que dessinateur était donc essentielle. Le peintre pouvait aussi déployer sa virtuosité au cours du travail de la couleur, qui n'était donc pas toujours un remplissage. Une scène de banquet, datant du règne de , au musée Calvet, montre un travail accompli dans le rendu d'un tissu plissé et dans le dessin des figures.


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text: Sur les bas-reliefs, sur les peintures le traitement de la représentation de l'espace se faisait sans notre perspective. Une surface pouvait être divisée, par des lignes, en registres superposés, ce qui permettait d'évoquer un grand nombre de scènes sous forme de bandeaux horizontaux. Au tout début du Nouvel Empire, on constate un usage plus régulier qu'auparavant de la ligne de registre et les figures qui surmontent la scène principale se trouvent placées au deuxième plan. Mais le texte hiéroglyphique est plus libre. Les hiéroglyphes s'écrivent de droite à gauche, de gauche à droite ou de haut en bas, la direction usuelle étant de droite à gauche, en ligne ou en colonne, donc. Un cartouche franchissant plusieurs lignes, verticalement.


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text: Ces registres superposés étaient bien souvent occupés par la juxtaposition de motifs, de taille semblable, l'un à côté de l'autre, sous forme de quasi-frise. Une stylisation identique permettait d'« orchestrer » tout l'ensemble. C'était, souvent aussi, la répétition du même motif, en silhouettes décalées, se masquant partiellement (comme des rangs de soldats). Ce qui produisait un effet de profondeur. Pour évoquer la profondeur les Égyptiens emploient donc la superposition d'une figure devant l'autre, très tôt, dans la palette de Narmer et les oies de Meïdoum, et plus tard avec les palmiers devant les habitations des habitants de Pount dans le célèbre bas-relief de l'époque d'Hatchepsout. Le procédé du « rabattement » (ou perspective rabattue) favorisait la « lecture » d'un signe, immédiatement reconnaissable (les échelles, comme vues « du dessus », dans le paysage de Pount). Dans la tombe de Ramose, vers 1411-1375, à l'époque d' et  , l'ensemble de ces procédés se retrouve habilement déployé dans le groupe des pleureuses : effet groupé, quasi frise, répétitions décalées, symétrie, variations sur le motif des bras tendus et enfin deux figures a-typiques, l'enfant nue et l'adolescente qui serre sa mère par la taille qui mettent en valeur ce grand mouvement d'ensemble.


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text: La dimension temporelle parvient à se manifester aussi. Francesco Tiradritti choisi deux exemples où, sur le même objet, trois moments d'une même action se rencontrent. Ainsi sur la « fausse porte » d'une tombe de l'Ancien Empire, Musée des Beaux-Arts (Boston) (G5032), le défunt est représenté comme s'il entrait, comme s'il se mettait à table, puis comme s'il sortait. Sur une palette (vers 3200, British Museum, EA 20791) le déplacement d'un vautour est aussi décomposé en trois moments d'une action.


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text: La juxtaposition de divers points de vue permettaient d'évoquer un vaste espace sans aucun effet de superposition. Le jardin de Rekhmirê, une peinture murale datant des règnes de et , emploie ce rabattement tout autour du rectangle d'un plan d'eau. La projection orthogonale combine rabattement et échelonnement, c'est ce qui peut servir pour représenter un temple et son pylône, à 180° l'un par rapport à l'autre, ou toute autre situation similaire ; l'échelonnement va permettre de figurer une forme après l'autre, sans superposition ; par exemple, un mur et sa porte, puis au-dessus, les bâtiments qui sont « derrière ».


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text: Les images signifiaient la position de chacun sur une échelle qui hiérarchisait, par la taille, telle figure humaine ou non-humaine, l'une par rapport à l'autre, et cela de manière clairement identifiable. Le roi, ou le maître, le fonctionnaire par rapport aux ouvriers sont ainsi toujours représentés plus grand que les autres hommes. Rois (ou reines, comme Hatchepsout) et dieux sont à la même échelle.


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text: Sur une si longue durée et avec une production si abondante et diverse les styles employés sont d'une grande variété. Au cours de la Préhistoire, c'est parfois le schématisme qui génère des volumes simplifiés à l'extrême. Ainsi la figure de femme de Nagada, au musée de Brooklyn qui semble danser. C'est aussi ce qui caractérise l'art de la période thinite. Ce vocabulaire est employé pour déployer toute une imagerie de la violence sur des objets ayant, comme la palette de Narmer, une fonction de communication, d'affirmation du pouvoir au cours de cette période d'affrontements qui va jusqu'au Nouvel Empire. On peut encore rencontrer ce schématisme stylisé au cours de l'Ancien Empire (statue de , cuivre, Musée du Caire). À ces procédés qui tendent à atteindre l'essentiel de la forme, s'opposent le rendu du modelé sur les corps de la tombe d'Hézyrê, au cours du règne de Djéser et sur un ensemble de sculptures sur bois conservé au Musée égyptien du Caire.


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text: La stylisation qui simplifie la représentation de l'hippopotame se double d'un jeu d'association où les plantes des marais, parfaitement identifiables, dont le lotus bleu, sont figurées sur sa peau, suivant une tradition iconographique qui donne à ce type d'objet la couleur bleu vif de la faïence égyptienne, qui fait reluire l'objet, comme ruisselant, dans ce cas. La femelle qui peut devenir dangereuse pour protéger sa progéniture est rapidement associée à la divinité de la maternité Taouret, et aux constellations. Les hippopotames, associés aux eaux du Nil et au marécage primordial, sont, par extension associés à la renaissance, au delà de la mort.


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text: Cela dit, les artistes avaient, suivant la tradition naturaliste, une attention au détail juste, à la nuance colorée qui permettent d'identifier sans hésitation le sujet représenté surtout pour ce qui est de la représentation des animaux, et même des plantes et des arbres, que ce soit tout au long de l'histoire des hiéroglyphes ou dans les peintures murales, poteries, sculptures, et même les objets utilitaires d'exception et les bijoux.


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text: En ce qui concerne les détails anatomiques, ceux qui ne semblent pas significatifs n'apparaissent pas, ou de manière aléatoire. Dans tous les cas la musculature est très peu visible. Le sculpteur s'attache à respecter les proportions et l'architecture générale du corps en indiquant, toutefois quelques détails, comme la pointe des seins sur le corps des hommes, et cela suivant une tradition qui remonte à l'Ancien Empire. Hommes et femmes de l'élite portent perruque sur un crâne rasé dans les grandes occasions. Mais les femmes aisées prenaient soin de leur coiffure, à la signification érotique marquée : longues mèches, boucles, crêpelures, nattes, éventuellement ornées de rubans et de fleurs. Les hommes de l'élite, les ouvriers, les soldats sont vêtus d'un pagne, plus ou moins simple. Les paysans, comme les enfants, sont représentés nus. De même les paysannes et la plupart des servantes sont nues. Les femmes de l'élite portent une tunique et éventuellement un châle. Sous l'Ancien Empire, les femmes portent une tunique étroite, moulante même, arrivant à la cheville et munie de bretelles. Au Moyen Empire et au début du Nouvel Empire, la tunique s'arrête sous la poitrine, laissant celle-ci découverte. Plus tard, un châle, plissé fait son apparition. Le tissu de lin produit en Égypte est renommé pour sa finesse dans l'Antiquité. Lorsque le tissu est plissé il peut d'autant mieux épouser les formes féminines, mais cela signifie aussi le très haut statut de la personne car le tissu coûte cher. Elles utilisent le bâtonnet des scribes pour se maquiller. Lors de festivités ou de rituels divins, un cône de cire d'abeilles (peut-être parfumé) repose sur leur coiffure et il n'était pas réservé à l'élite. Hommes et femmes portent aussi quelques accessoires : colliers et amulettes, avec parfois ce qui semble une ceinture de perles pour les servantes. Ces généralités comptent aussi quelques exceptions, comme la peau de panthère de dame Néfertiabet (stèle de l'Ancien Empire, musée du Louvre).


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text: L'impression d'« ordre », de stabilité tout comme la lisibilité des formes et des symboles qui nous semblent constants, la plupart du temps, tient à certains procédés traditionnels qui se retrouvent très souvent, comme la frontalité et les effets de symétrie, l'absence de déséquilibre. Seule, l'expression de la force du souverain légitime son corps déporté en avant dans la manifestation de son énergie guerrière, toujours présenté en vainqueur. Par ailleurs, la permanence des symbolismes participe constamment à la conception de l'art égyptien — les symboles sont omniprésents dans l'art égyptien. Ainsi, les animaux sont des représentations symboliques de divinités. La couleur a également un usage précis : le bleu et le vert étaient rattachés au Nil et à la vie, le jaune évoquait le Soleil, le rouge inspirait la force, le pouvoir et la vitalité.


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text: L'idéalisation s'applique à toute image divine. Dans les temples, plus encore que dans les tombes, l'ensemble des divinités appartient au monde idéalisé, dont l'image est contrainte par des codes immuables.


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text: Le souverain est toujours l'objet d'une idéalisation plus ou moins évidente. Certains traits distinctifs sont assemblés pour produire une image conventionnelle du souverain, selon les époques il peut être dans la force de l'âge ou, au contraire, dans un état de jeunesse permanente, tout au long d'un règne. Les portraits de sont des deux catégories. Tandis que les hauts dignitaires, surtout entre la et le début de la sont bien plus typés, et même individualisés.


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text: Dans les peintures, les figures du peuple, les attitudes sont bien plus variées que pour les deux groupes précédents. Les scènes sont peintes avec un certain degré de naturalisme. Mais une étude attentive ne rencontre pas autre chose que la représentation de catégories d'individus : les paysans, les artisans, les pleureuses, Ces catégories de gens du peuple ne sont pas représentées selon des codes fixes. Leurs attributs, vêtements, outils, les attitudes caractéristiques de leur travail peuvent varier. Certains gestes semblent naturels, bien observés. On peut même rencontrer une attitude qui semble le souvenir d'un instant saisi sur le vif, comme cet ostracon à la petite souffleuse. Parfois tel lieu, à telle époque verra ses paysans maigres et fatigués, néanmoins ce ne sont que des groupes, des types d'individus en action, clairement identifiables.


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text: Certaines figures hybrides du monde surnaturel, comme le dieu Bès ou le sphinx, et les différentes variantes : criosphinx, à tête de lion, hiéracocéphale, à tête de faucon, ceux à tête de roi ou de reine (etc.), sollicitent l'esprit d'invention des artistes pour assembler la tête au corps. Les dieux, anthropomorphes ou zoomorphes, doivent être clairement identifiables par leurs attributs. De même, chaque geste, et chaque position dans une scène, accompagnée de son commentaire textuel, est fortement porteur de sens et identifiable. Aucune forme hybride ne peut être le produit d'une invention individuelle. Par contre, la religion égyptienne a évolué, rencontré des crises. Sous Akhenaton, le dieu solaire, Aton, prend la forme éphémère d'un disque d'où les rayons lumineux se terminent par de petites mains.


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text: Du Moyen Empire à la Basse époque, les portraits du pouvoir. C'est l'idéalisation qui caractérise le plus souvent les figures de pharaons et des personnages importants. Cette idéalisation de personnages représente la personne avec un grand naturalisme : on retient des éléments essentiels qui individualisent son aspect, mais on élimine tout détail jugé trop réaliste. Ce qui produit un type doucement idéalisé (statue de Khéphren au faucon (Musée du Caire). Par extension, la manière de représenter le monarque influe sur la façon de reproduire les traits de ceux qui l'entourent, son épouse, ses enfants et les divinités qui l'accompagnent.


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text: Un détail permet de mieux percevoir la nuance essentielle entre naturalisme et réalisme, à propos des portraits d'hommes mûrs. Un bas-relief du Louvre présente le double portrait de que Christophe Barbotin décrit ainsi « ossature simplifiée, plis sur le front, paupières lourdes, poches sous les yeux, joues tombantes marquées par un pli entre le nez et les commissures, lèvres affaissées, tandis que les rides proprement dites ne sont que très rarement figurées, en dehors des rides du front. Jamais la peau ne parait « chiffonnée » comme dans la sculpture hellénistique ou romaine. Le cou demeure lisse et la pomme d'Adam invisible ou estompée. Une telle constance s'apparente à une règle iconographique, ce qui est tout le contraire du réalisme. »


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text: Les premières effigies de personnalités féminines de l'Ancien Empire ne s'attachent qu'aux traits les plus marquants de chaque physionomie. Ensuite, alors qu'elle est peu visible au Moyen Empire et composée sur des modèles masculins, l'image de l'élite féminine du Nouvel Empire s'attache à en rendre permanente la jeunesse, avec la peau lisse et des formes bien pleines, surtout à l'époque ptolémaïque (royaume lagide). Il semblerait que ces conventions puissent être déterminées par les fonctions essentielles attribuées à la femme dans la culture égyptienne comme dans toutes les sociétés rurales anciennes : séduction-conception-naissance, et dans ces images, la grossesse y tient bien peu de place. L'image de la femme mûre et surtout âgée y est excessivement rare. Cette jeunesse, cette beauté dans les images serait l'indice de la fonction performative de l'art égyptien, en l'occurrence faire que les femmes soient toujours belles, aux yeux des hommes, dans le réel comme dans les images (voire dans l'imaginaire) afin que le cycle de la vie perdure éternellement, comme les images. L'image de la Reine Tiyi fait exception.


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text: Seule exception, apparemment à l'éternelle jeunesse des femmes, le portrait de la reine Tiyi, aux traits si caractéristiques qu'ils en confinent effectivement au réalisme, et pose bien d'autres question en raison de son étrange coiffure. Par ailleurs, cette effigie sculptée dans le bois appartient à une catégorie qui, probablement, a été plus commune qu'elle n'apparaît aujourd'hui dans les collections, en raison de sa fragilité.


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text: Le portrait en buste du prince Ânkhkhâf , au début de l'Ancien Empire, correspond à cette recherche des éléments essentiels qui individualisent le personnage tout en conservant la convention de la couleur rouge uniforme qui recouvre le corps, mais ici avec une telle subtilité dans le rendu des traits du visage et dans le modelé du crâne que le sculpteur s'éloigne de tout autre exemple connu.


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text: D'autres exemples, hors normes, ne masquent pas l'obésité et tandis que d'autres montrent des difformités manifestes, et cela alors qu'il s'agit d'images déposées dans les tombes. Ces cas exceptionnels révèlent une strate « réaliste » dans leur conception. Par contre, lorsqu'il s'agit de groupes identifiés comme tels, les étrangers en particulier, ils sont distingués collectivement par des attributs spécifiques, la coiffure et la barbe mais aussi le visage de face, corps jetés en vrac, enchevêtrés, voire fragmentés (coffret de Toutânkhamon). Les prolétaires peuvent être évoqués avec un certain schématisme, ce sont ces nombreuses figurines d'ouvriers agricoles ou de marins sommairement taillés dans le bois. Certains traits semblent correspondre à une fait social que l'artiste ne fait que constater, comme les coiffures d'un groupe de marins (Berlin), qui renvoient à un type social, non à une personne.


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text: L'art égyptien est peut-être le plus universellement connu par le trésor de Toutânkhamon, dont la mère est inconnue, mais qui est le fils d'Amenhotep - Akhenaton, celui qui imposa, avec une révolution spirituelle, un nouveau style à l'Égypte. À nouveau, c'est un art essentiellement figuratif, mais qui manifeste, en général, un très haut degré de naturalisme. Pour autant, il ne cherche jamais le réalisme (comme celui-ci s'est manifesté dans l'art occidental moderne, au avec des artistes comme Courbet). Ainsi, un portrait universellement célèbre, le buste de Néfertiti (la grande épouse royale d'Akhenaton) conservé à Berlin, est d'un naturalisme évident, les traits d'un visage féminin sont rendus avec une magnifique précision. Malgré cette impression première d'absolue fidélité dans la représentation de la nature, une étude savante a prouvé que ce visage est réalisé avec une symétrie parfaite entre la gauche et la droite. Cette symétrie parfaite serait la conséquence de sa fonction : un modèle du sculpteur Thoutmôsis, qui serait le nouveau visage officiel de la reine, vers l'an 8 du règne, moment qui marque l'abandon du style rude des débuts du règne et l'émergence d'un style plus doux. Par ailleurs, l'élégance que produit ce visage tendu en avant, tient à ce cou exceptionnel, et qui correspond encore à la stylisation et aux codes en usages dans les portraits des filles d'Akhenaton et de ceux du roi lui-même. Ces codes, dont la fonction symbolique nous échappe, s'appliquaient d'une manière bien plus énergique au début du règne de son époux, Akhenaton, au point de produire des déformations tout à fait singulières. Le portrait de Néfertiti userait d'un procédé moins violent qui idéalise cette effigie de reine et en fait un prototype pour les portraits officiels, dans une perfection intermédiaire entre les dieux et les hommes.


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text: Nagada désigne un site de Haute-Égypte qui permet d'évoquer, avec d'autres sites plus anciens, la Préhistoire de la vallée du Nil et de ses environs, devenus peu à peu des déserts. La culture de Nagada, entre -3800 et -3000, se manifeste avec une production artistique singulière. L'art est principalement connu par les dépôts funéraires qui montrent que déjà l'artisanat a atteint un haut niveau, tant dans le domaine de la céramique que pour la taille des pierres dures (comme les vases en diorite).


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text: L'art des deux premières dynasties met en place les conventions de l'art égyptien, en parallèle avec l'émergence du système politique et social. On connaît à la fois une architecture funéraire qui se développe et un mobilier funéraire varié.


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text: L'Ancien Empire est l'époque des grandes pyramides et de la création du célèbre scribe accroupi. Mais c'est surtout, pour la plupart des historiens de l'art, l'apogée de l'art égyptien, qui atteint alors une perfection inégalée. Le pays enfin unifié, cohérent, sous l'emprise d'une administration forte, réalise d'immenses ouvrages, que ce soit dans l'architecture ou la sculpture.


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text: Après une première période intermédiaire agitée, le Moyen Empire marque un retour au calme. La pyramide a toujours cours pour les inhumations royales, et on connaît quelques exemples de temples non funéraires. À noter, le royaume de Kerma (Nubie) qui prospère d'environ 2500 à 1480, avec une production artistique qui lui est propre, mais avec des rapports évidents avec l'art égyptien.


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text: Le portrait sculpté atteint un sommet de naturalisme. L'Égypte se renouvelle bien, elle n'est pas le lieu de la répétition permanente. La série des portraits de , rassemblée en 2015-16, montre le travail du temps sur le visage du roi, suivant, probablement, la volonté du pharaon lui-même et le choix du matériau n'a probablement pas été laissé au hasard, en raison de la nature de l'objet commandé et de sa fonction.


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text: Des bijoux, trouvés dans une tombe inviolée à Dahchour, sont des exemples d'une orfèvrerie exceptionnelle. La Deuxième Période intermédiaire voit apparaître des formes venues, non seulement du monde des Hyksôs, mais, plus généralement du bassin Levantin (Turquie méridionale, Chypre, Moyen-Orient). Cette période troublée n'a pas été propice aux réalisations artistiques prestigieuses. On assiste au réemploi de statues des dynasties précédentes et à des créations originales dérivées des codes traditionnels, mais très différentes, voire plus « libres » (Tombe des danseuses, de la ).


title: Art de l'Égypte antique

text: Au cours de la , le pharaon Akhenaton décide de mettre en avant le culte d'Aton, dieu du disque solaire. Ce bouleversement se ressent dans l'art : un nouveau style se développe, l'art amarnien (dans la nouvelle ville d'Akhetaton), différent par bien des aspects de l'art idéaliste classique en place depuis , et que l'on peut qualifier, selon Sydney Aufrère, de « maniérisme », par comparaison avec la tendance artistique qui s'est manifestée au en Europe quoique cet art égyptien joue d'écarts beaucoup plus vifs d'avec le naturalisme que ne le fait le maniérisme. Les plus extrêmes manifestations du style sont qualifiées d' « expressionnistes » par Christiane Ziegler et Jean-Luc Bovot, ce qui témoigne encore de l'embarras à nommer une forme artistique non-occidentale au moyen de références occidentales (l'expressionnisme allemand, début ). Akhenaton se fait représenter avec sa famille, ce qui est une nouveauté, mais tous les membres de la famille sont stylisés suivant les mêmes principes. C'est particulièrement spectaculaire au début du règne. En particulier, les statues colossales d'Akhenaton sous la forme d'Osiris, provenant d'un édifice de Karnak (un temple d'Aton) au Musée égyptien du Caire, peuvent se résumer en quelques opérations sur la silhouette : la taille devient très large, et même rebondie, les épaules menues, le cou élancé, le visage étiré et le crâne des enfants et des princesses sont comme déformés, ovoïdes. Mais ces principes s'adoucissent ensuite, comme semblent en témoigner le portrait de la reine Tiyi, et celui de Néfertiti, tous deux au Musée égyptien de Berlin avec les modèles et sculptures inachevées de l'atelier du sculpteur Thoutmôsis. La révolution amarnienne est aussi, à l'inverse de cette idéalisation, le moment d'un passage à un naturalisme poussé mais cela concerne en particulier les animaux et les végétaux.


title: Art de l'Égypte antique

text: Avec la reprise en main par le clergé d'Amon, l'art qui suit la période du règne d'Akhenaton retournent, globalement, aux codes antérieurs. Mais de nombreuses nuances stylistiques persistent et ne s'effaceront que progressivement.


title: Art de l'Égypte antique

text: Les difficultés que rencontre le pays n'ont que peu d'impact sur la qualité des réalisations artistiques. Dans un premier temps (dynasties lybiennes), le style des ramessides sert de modèle. Les constructions de la , ramesside, servira aussi pendant toute la période de matière première pour des remplois dans les nouveaux édifices et les reconstructions. Mais la tendance à une certaine simplicité se fait jour, qui se confirme par la suite. Dans un second temps (dynastie kouchite) cette simplification prend la forme d'un « retour aux sources ». Les conventions mêlent des éléments venus du Moyen Empire et même de l'Ancien Empire, comme le pagne simple et des épaules larges, pour les hommes, à d'autres, issus de traditions bien plus récentes, comme des silhouettes à la taille mince. Les arts du métal sont à leur apogée.


title: Art de l'Égypte antique

text: C'est toujours un art de très grande qualité qui est pratiqué. Les monuments sont de taille plus modeste que précédemment mais ils sont en bien meilleur état encore aujourd'hui. Ils ont souvent conservé en partie leurs couleurs d'origine.


title: Art de l'Égypte antique

text: Au cours de la Basse époque, on assiste à un constant retour aux sources, à une espèce de « classicisme » qui suit le mouvement apparu dans l'art de la Troisième Période intermédiaire, sous la , nubienne ou koushite et issue du royaume de Napata. Puis, lorsque le pays tombe sous la domination étrangère des perses et ensuite des grecs, ces étrangers vont faire construire à leurs frais des monuments dans le style traditionnel ; le temple d'Isis à Philæ en est l'exemple parfait. Par contre les artistes égyptiens qui vivent maintenant au contact de populations étrangères élargissent leurs pratiques tout en faisant appel à tout le répertoire des formes traditionnelles anciennes. Il en résulte un style éclectique, riche et inventif qui perdure jusqu'à l'époque romaine. La tradition de naturalisme qui porte l'attention sur les détails significatifs est particulièrement spectaculaire dans les portraits de cette époque comme dans ceux de Taharqa. Mais l'idéalisation est pourtant bien visible dans une pratique subtile de la symétrie entre les deux côtés du visage et parfois une certaine forme que l'on appellerait « néo-classique », en référence à l'art néo-classique européen de la fin du , une finition d'un « lisse » extrême.


title: Art de l'Égypte antique

text: Les Grecs de l'époque archaïque, qui sont venus s'installer à Naucratis vont s'inspirer des modèles égyptiens de sculpture qui représentent un homme qui marche. C'est ce qui va donner lieu, en Grèce de l'Est, à Chypre et dans les îles, aux premiers types du kouros. La recherche de l'expression du mouvement dans la statuaire est un acte singulier qui tend à donner l'illusion de la vie et qui aura une très longue histoire dans l'art occidental.


title: Art de l'Égypte antique

text: La transition s'effectue presque imperceptiblement dans les décors architecturaux entre la fin de l'époque lagide et le début de l'époque romaine.


title: Route de Matadi

text: La route de Matadi est une route reliant Kinshasa à la ville de Matadi dans le Bas-Congo en République démocratique du Congo. Partant du quartier kinois de Kintambo, où elle prend dans son parcours urbain le nom de « chaussée Mzee Laurent-Désiré Kabila » (précédemment « avenue Makanda Kabobi »), elle sort de la vallée du Congo par le mont Ngaliema (dans la commune de Ngaliema). Une fois sortie du district urbain de Kinshasa, elle se dirige vers l'ouest à travers le Bas-Congo en suivant approximativement le parcours de la voie de chemin de fer Matadi-Kinshasa.


title: Liste des présidents de la Sierra Leone

text: Voici une liste des président de la république de Sierra Leone depuis la proclamation de la république le .


title: Harry Potter et la Chambre des secrets (film)

text: Harry Potter et la Chambre des secrets ("") est un film fantastique britannico-américain réalisé par Chris Columbus, sorti en 2002.


text: Il est adapté du roman du même nom de J. K. Rowling et constitue le deuxième volet de la série de films "Harry Potter". Il est précédé par "Harry Potter à l'école des sorciers" et suivi par "Harry Potter et le Prisonnier d'Azkaban".


text: Alors que l'oncle Vernon, la tante Pétunia et son cousin Dudley reçoivent d'importants invités à dîner, Harry Potter est contraint de passer la soirée dans sa chambre. Dobby, un elfe, fait alors son apparition. Il lui annonce que de terribles dangers menacent l'école de Poudlard et qu'il ne doit pas y retourner en septembre. Harry refuse de le croire. Mais sitôt la rentrée des classes effectuée, ce dernier se met à entendre une voix macabre. De plus, un message peint en rouge sang sur un des murs du château annonce que la redoutable et légendaire Chambre des secrets est à nouveau ouverte, permettant ainsi à l'héritier de Serpentard de semer le chaos à Poudlard. Les victimes, retrouvées pétrifiées par une force mystérieuse, se succèdent dans les couloirs de l'école, sans que les professeurs - pas même le populaire Gilderoy Lockhart - ne parviennent à endiguer la menace. Aidé de Ron et Hermione, Harry doit agir au plus vite pour sauver Poudlard.