title: Nikon

text: En 2006, l'entreprise a refusé que l'on remette son prix - un appareil photo - à un adolescent cubain souffrant d'hémophilie héréditaire incurable, qui venait pourtant de remporter un concours international de dessin organisé par les Nations unies. Nikon craignait de violer l'embargo imposé depuis 1962 à Cuba par les États-Unis.


title: Nikon

text: En , l'entreprise Nikon est sensiblement touchée par les conséquences du tsunami qui frappa le Japon : le site Nikon de Sendai, lieu de production des boîtiers haut de gamme de la marque (D3x, D3s, D700), ne subit certes pas de dégâts, mais est fortement pénalisé par les coupures d'électricité et les ruptures d'approvisionnement de ses sous-traitants.


title: Nikon

text: En 2011, Nikon se lance sur le marché naissant des hybrides avec la gamme Nikon 1. Le nom est issu du Nikon , premier appareil photo commercialisé par Nikon en 1948.


title: Nikon

text: En , Nikon acquiert l'entreprise britannique Optos, spécialisée dans l'optique médicale, pour de dollars.


title: Nikon

text: À l'heure actuelle, les produits Nikon couvrent toute la gamme des technologies optiques, du microscope au télescope. Le principal produit du groupe est le , machine de très haute précision utilisée pour la fabrication des microprocesseurs. Puis viennent les appareils et objectifs photographiques, avec la gamme d'optiques Nikkor, les reflex argentiques de la gamme F, les reflex numériques de la gamme D (pour "Digital") et les compacts de la gamme Coolpix. La troisième activité est l'optique avec les verres, montures, et les appareils de diagnostic (réfracteur "Remote Vision", auto-réfractomètre "Speedy-K"…).


title: Nikon

text: En , Nikon dévoile des résultats annuels dans le rouge pour la première fois depuis la crise économique mondiale des années 2008 et suivantes : perte nette de de yens (54 millions d'euros), avec un recul de 9 % de son chiffre d'affaires.


title: Nikon

text: En 2018, Nikon réoriente sa vision de l’hybrides vers le plein format avec la gamme Z et abandonne la gamme Nikon 1. Voici quelques-uns des objectifs qui ont marqué leur temps :


title: Nikon

text: Et une pléthore de télé-objectifs, tels le Ai f/4 IF-ED (1977) puis les Ai-S f/2 IF-ED (1983), Ai-S f/2,8 IF-ED (1985), Ai-S f/5,6 IF-ED (1986). Les plus extrêmes sont d'une part le fish-eye f/2,8 couvrant ( de diamètre, ), de l'autre le plus puissant télé : f/11 (, ), celui-ci étant de type catadioptrique (= à miroir, comme les télescopes), ou encore le zoom Ai-P - f/5,6-8 IF-ED (1988) (, ).


title: Nikon

text: Depuis le lancement de la marque, la monture des objectifs n'a pas changé physiquement. Des évolutions ont eu lieu : la plus importante a été le passage à la version « AI » (1977) qui transmet directement à la cellule la valeur de l'ouverture maximum de l'objectif. Les anciens objectifs pouvaient être modifiés. Le Nikon F4 (1988-1997) est le dernier reflex Nikon qui permet d'exploiter totalement et automatiquement les vieux objectifs (de type non Ai), provoquant frustration et reproches de la part des clients…


title: Nikon

text: Nikon a proposé la modification en atelier des objectifs F (appelés aussi « non Ai ») pour les mettre à la norme Ai en procédant au remplacement de la bague de diaphragme. Cette modification n'est plus proposée par Nikon aujourd'hui faute de pièces disponibles. On peut néanmoins transformer un objectif en « modifié Ai » par limage, mais cette opération fait perdre toute valeur « collection » (et marchande en grande partie) à l'exemplaire modifié de cette façon. À l'époque de sa commercialisation, le F5 pouvait être équipé (sur commande spéciale uniquement) d'une monture d'objectif équipée du même ergot relevable que celui qui était présent sur le F4, afin d'être compatible avec les objectifs F non modifiés.


title: Nikon

text: Depuis la sortie du F401, la cellule des boîtiers de gamme amateur n'est plus compatible avec les objectifs non dotés d'une puce (c'est-à-dire les transformés Ai, Ai et Ais). Ils sont compatibles mécaniquement mais ne sont utilisables qu'en mode manuel sans mesure de lumière ni aucun automatisme. Pas de problème en revanche avec les modèles pros et semi-pros (F90, F100, F5, F6…). En argentique, seuls le F4 et le FA permettaient la mesure multizones avec les Ai/Ais, les F801/F90/F100/F5 devant se contenter de la mesure spot + centrale pondérée. Les boîtiers de la série D1 étaient soumis à la même restriction. Puis en 2003 la mesure multizones pour les Ai/Ais a fait son grand retour sur le D2h : elle sera reprise sur le F6 sorti peu après puis sur les D200/D2x/D3/D300/D700. Le D200 a été le premier réflex numérique accessible permettant d'utiliser des objectifs Ai/Ais en bénéficiant des automatismes (modes PSAM avec mesure de lumière et mesure TTL au flash).


title: Nikon

text: En plus de ses activités sur le marché des appareils photos numériques, Nikon produit des scanners de film et de diapositive de haute qualité, commercialisés sous le nom de Coolscan. Nikon a présenté en 1988 le premier scanner (Coolscan LS-3500) d’une définition maximale de . Il était encore équipé d’une lampe halogène qui a été par la suite remplacée par des LED. La résolution des premiers modèles suivants n'a pas été augmentée, tandis que la qualité de numérisation, la vitesse et la profondeur de couleur ont été améliorées. Les modèles haut de gamme comme le Coolscan LS-4000 ED ou le Coolscan LS-5000 ED, peuvent recevoir, en option, des accessoires (chargeur de diapositives ou dérouleur de film en bande) dédiés à l'archivage de gros volumes de photos. Il était alors possible de numériser automatiquement et successivement 50 diapositives montées ou 40 images sur une pellicule en bande. Une seule numérisation, avec les options de base, ne durait plus que à résolution maximale. En 2004 a été présenté le Coolscan 9000 ED, qui offre une particularité spécifique : au moyen d'une variante spéciale de la technologie ICE. Le logiciel de numérisation SilverFast de LaserSoft Imaging offre depuis fin 2008 une méthode semblable (isRD) qui permet d'affranchir toutes les diapos Kodachrome de scanner de film Nikon des poussières et des rayures.


title: Nikon

text: Fin 2007, Nikon a annoncé l’arrêt de la prise en charge de son logiciel Nikon Scan. Ce logiciel ou les pilotes indispensables n'existent plus pour les systèmes d'exploitation récents, tant sur Macintosh que sur PC. On doit donc faire appel à des logiciels indépendants comme SilverFast de LaserSoft Imaging ou VueScan.


title: Nikon

text: Entre 1994 et 1996, Nikon a lancé sous le nom de Scantouch trois modèles de scanner à plat qui n’ont pas réussi à s’imposer vis-à-vis de la concurrence.


title: Nikon

text: Liste des actionnaires au . En décembre 2020, Nikon annonce vouloir arrêter de produire des appareils photos d'ici fin 2021 dans son usine de Sendai au Japon. La production doit être transférée en Thaïlande.


title: Nikon

text: En 2021, Nikon annonce la fermeture de deux de ces usines japonaises situés à Aizu et Nagai. Ces usines sont spécialisées dans la fabrication d'objectifs.


title: Arriate

text: Arriate est une commune de la province de Malaga dans la communauté autonome d'Andalousie en Espagne.


title: Arriate

text: La première dans le recensement de Felipe II : Vila.


title: Camblès

text: Dans la mythologie grecque, Camblès (en grec ancien / "Kámblês") ou Cambès ( / "Kámbês") est un roi de Lydie.


title: Camblès

text: Il est victime d'un maléfice lancé par le magicien Iardanos : atteint d'une faim insatiable, il dévore sa propre femme. Pris de regret, il se suicide ensuite.


title: Cinéma britannique

text: Le Royaume-Uni exerce une influence certaine et parfois notable dans les développements aussi bien technologique, commercial et artistique du cinéma. Cependant, malgré une histoire jalonnée de productions à succès, l'industrie est caractérisée par un débat qui n'est pas encore clos au sujet de son identité (incluant les questions économiques et culturelles) et des influences du cinéma américain. Le grand public doit pourtant au cinéma britannique quelques-uns des plus grands réalisateurs, comme Charlie Chaplin, Alfred Hitchcock, Michael Powell, David Lean, Terence Fisher, Ken Loach et Stephen Frears, ainsi que des acteurs parmi les plus marquants comme Charlie Chaplin, Charles Laughton, George Sanders, Laurence Olivier, Peter Cushing, Alec Guinness, Dirk Bogarde, Deborah Kerr, Peter Sellers, Richard Burton, Maggie Smith, Vanessa Redgrave, Sean Connery et Michael Caine.


title: Cinéma britannique

text: Des techniciens réputés et novateurs comme Freddie Francis et Douglas Slocombe, en plus des studios devenus mythiques comme les studios d'Ealing, à l'ouest de Londres, reconnus comme étant les plus anciens au monde et synonymes de comédies spirituelles, les studios Hammer, incontournables lorsqu'il s'agit de parler de l'histoire du cinéma d'horreur, ou encore ceux de Pinewood, contribuent également au succès du septième art. Parmi les artistes britanniques, bon nombre ont pu faire carrière aux États-Unis, comme Hitchcock, Laughton, Caine, mais aussi Julie Andrews et Cary Grant. À l'inverse, le cinéma britannique accueille certains réalisateurs américains comme Joseph Losey, Stanley Kubrick ou James Ivory.


title: Cinéma britannique

text: La production cinématographique au Royaume-Uni a vécu ses périodes de prospérité et ses périodes de récession. Bien qu'il existe différents facteurs permettant de mesurer le succès de l'industrie, le nombre de films britanniques produits chaque année donne une vue d'ensemble du développement de celle-ci : l'industrie a connu un premier essor au tout début de son développement dans les années 1910, mais durant les années 1920 le mouvement s'inverse à cause de la concurrence américaine et des pratiques commerciales. Le "Cinematograph Films Act" de 1927 introduit des mesures protectionnistes, qui permettent de rétablir la situation et d'atteindre un pic de production record de 192 films produits en 1936, un chiffre jamais dépassé par la suite. La production décline ensuite pendant quelques années puis reprend après la guerre, connaissant une longue période de relative stabilité, avec l'augmentation des investissements américains. Une autre période de récession frappe l'industrie au milieu des années 1970, un creux de la vague qui atteint son niveau le plus bas en 1981 avec un record négatif de seulement 24 films. La production continue petitement tout au long des années 1980, mais une remontée s'opère de nouveau dans les années 1990, grâce à de nouveaux investissements, tant privés que publics. Néanmoins, l'histoire du cinéma britannique est une histoire complexe, dans laquelle différents mouvements culturels se développent de façon indépendante. Ainsi, parmi les films britanniques qui ont connu le plus de succès, certains ont été produits dans des phases de récession, comme c'est par exemple le cas des "Chariots de feu" (, 1981).


title: Cinéma britannique

text: L'image photographique animée arrive au Royaume-Uni auprès du grand public dès le 17 octobre 1894, avec l'ouverture à Londres du premier "Kinetoscope Parlor", une salle où l'on peut visionner des films de 30 à 50 secondes, tournés aux États-Unis par le premier réalisateur du cinéma, le franco-britannique William Kennedy Laurie Dickson, ou son confrère William Heise dans le Black Maria, premier studio de cinéma de l'histoire, sous la houlette de l'inventeur et industriel américain Thomas Edison. C'est d'ailleurs à Edison que l'on doit l'utilisation du mot anglais pour désigner les bobineaux d'images impressionnés. Les films sont enregistrés par le Kinétographe, la première caméra de cinéma, . Le Kinétoscope offre ensuite de visionner individuellement les films, au moyen d'un œilleton restituant, grossis par un jeu de loupes, les photogrammes d'une pellicule défilant de façon continue devant une forte lampe électrique dont le faisceau est cycliquement interrompu par un obturateur rotatif. Le succès est immédiat, d'autres s voient le jour dans tout le Royaume-Uni, d'autant que le Kinétoscope, mal protégé par Edison, est contrefait sur le territoire anglais. Avec cette multiplication, le besoin d'alimenter les machines en films nouveaux pousse Robert William Paul et Birt Acres à mettre au point leur propre appareil de prise de vues cinématographique. Paul est ainsi le premier réalisateur britannique, avec ("Mer démontée à Douvres") et en février de l'année 1895, peu de temps avant que les deux inventeurs ne commencent à se quereller au sujet du dépôt de brevet. Fin 1895, l'apparition de l'appareil des frères Lumière, le Cinématographe, bouleverse de toute façon la donne, car le visionnement au moyen des kinétoscopes est dépassé par la projection des « vues photographiques animées », ainsi que les deux frères lyonnais baptisent leurs bobineaux impressionnés.


title: Cinéma britannique

text: Les cinéastes, réalisateurs et producteurs britanniques (le plus souvent les mêmes personnes) sont des autodidactes solitaires, Ce qui n'est pas le cas en France dans la société Lumière où les patrons sont connus pour être tyranniques et ne permettre aucune initiative personnelle. C'est ainsi qu'Alexandre Promio a le premier l’idée de faire se déplacer la caméra, alors qu’il est à Venise. . Sans l'aval de Louis Lumière, Promio n'aurait pas inventé le futur travelling que la maison baptise aussitôt un "Panorama Lumière". Chez Lumière toujours, le seul cadrage autorisé est le plan en pied des personnages et nul opérateur embauché par la maison ne fait défaut à cette exigence.


title: Cinéma britannique

text: C'est à un réalisateur britannique, George Albert Smith que l'on doit la découverte d'une avancée formelle qui est la base du langage cinématographique, le découpage en plans. Avec son film réalisé en 1900 "La Loupe de grand-maman" (), G. A. Smith expérimente le premier montage dramatique, réalise les premiers gros plans, et les premiers plans subjectifs, pas moins! Ce que souligne l'historien du cinéma Georges Sadoul : Les deux réalisateurs font partie de ce que Sadoul nomme l'École de Brighton, car cette ville balnéaire très fréquentée du sud de l'Angleterre est un lieu où fleurit la photographie, et maintenant le cinéma. Les cinéastes de l'École de Brighton sont ceux qui font preuve de la plus grande imagination, permise par leur liberté totale. Ils inventent un genre : les Chase Films, les films de poursuite, qui sont les premiers films d'action. Ils découvrent aussi le champ-contrechamp. Les cinéastes américains des débuts du cinéma, comme Edwin S. Porter ou des cinéastes comme le Français Ferdinand Zecca avouent qu'ils s'inspirent des films des cinéastes britannique, et qu'ils les copient même. Ainsi, contrairement à ce qui est parfois proclamé le cinéma britannique ne s'est pas contenté à ses débuts d'imiter les films produits par Edison ou ceux des frères Lumière, ses réalisateurs ont innové, à tel point que leurs découvertes formelles n'apparaîtront que peu à peu, tardivement et laborieusement, dans les productions des autres pays.


title: Cinéma britannique

text: Malgré ces débuts prometteurs, et une lente évolution du cinéma britannique (les années 1910 voient le développement des salles de distribution, le développement des genres cinématographiques pour satisfaire au goûts du public, et celui du long métrage), la concurrence très forte des productions étrangères (américaine et française, en particulier), freinent considérablement l'attrait, sur le marché britannique, des films produits au Royaume-Uni. Ainsi, à la fin de la Première Guerre mondiale, l'industrie cinématographique britannique souffre de la concurrence d'Hollywood, avantagé par un marché national plus vaste. En 1914, 25 % des films montrés en Grande-Bretagne sont britanniques ; en 1926, ce chiffre descend à 5 %. Cette situation est à l'origine d'une loi pour protéger le cinéma national, le "Cinematograph Films Act 1927", qui impose aux cinémas de projeter un quota de films britanniques. Si cette mesure se révèle salutaire pour le cinéma "made in Britain" elle a des inconvénients. En effet, on observe bientôt une tendance à produire des films à très petit budget et de mauvaise qualité, surnommés les , destinés uniquement à répondre à la loi. Ces films sont projetés dans les salles en début de soirée, avant les horaires plus favorables, lesquels sont réservés aux grands films américains dont les spectateurs sont friands. Afin de limiter ce phénomène, on en arrive bien vite à imposer un coût minimum de production par mètre de film. Certains critiques accusent les « quickies » de constituer un frein au développement de l'industrie. Il n'en reste pas moins que c'est en réalisant ce genre de films que bon nombre de cinéastes britanniques, parmi lesquels Michael Powell et Alfred Hitchcock, peuvent se lancer dans leur métier…


title: Cinéma britannique

text: À l'époque du muet, le public était réceptif aux films produits dans le monde entier. Mais avec la venue du parlant, nombreux furent les acteurs étrangers ou encore ceux affublés d'un fort accent régional qui virent les offres de rôles rétrécir comme peau de chagrin et l'anglais plus « soutenu » (prononcé selon les conventions) devint la norme. Le parlant accrut également l'influence de films américains qui avaient su s'attirer un public avant l'arrivée du son.


title: Cinéma britannique

text: "Chantage" ("Blackmail", 1929) d'Alfred Hitchcock est considéré comme le premier film parlant britannique. C’est en réalité ce que l’on appelle un « "part-talkie" » : tourné comme un muet, avec une bande son et des effets sonores enregistrés séparément et synchronisés. Le premier film britannique entièrement parlant sortit en fait peu après, la même année ; il s’agit de "The Clue of the New Pin" (1929), un film basé sur un roman d’Edgar Wallace avec, en vedettes, Donald Calthrop, Benita Hume, Fred Rains, et un John Gielgud alors presque débutant. Le film avait été produit par British Lion et le tournage avait eu lieu aux studios de Beaconsfield Film Studios au nord-ouest de Londres. Le premier film sonore en couleur — réalisé comme un muet, avec une bande sonore ajoutée — sortit aussi en 1929 et avait pour titre ' (1929) de . Il était produit par British International Pictures et avait pour vedettes principales Alexander D'Arcy et . Le premier film britannique entièrement parlant et en couleur, ' de Thomas Bentley, sortit quant à lui en 1930 ; également produit par British International Pictures, on y voyait dans les deux rôles principaux et Stuart Hall. Un certain nombre de films entièrement parlants et contenant des séquences en couleur, essentiellement des films musicaux, sortirent également la même année. "School for scandal" (1930) de Thorold Dickinson et Maurice Elvey fut le deuxième film entièrement parlant et entièrement en couleur.


title: Cinéma britannique

text: Dans les années 1930, des metteurs en scènes, groupés en « "units" », financées soit par l'État, soit par différentes entreprises qui avaient vu dans le cinéma le moyen de faire leur promotion — sociétés de transport, de tourisme, voire des sociétés purement commerciales —, produisirent des films qui, sous l'influence de l'Écossais John Grierson, finirent par être formatées selon certaines règles, dont l'idée de base était que le cinéaste devait construire, à partir de ce qu'il observait, une œuvre dramatique, sans pour autant extraire l'individu de son milieu social.


title: Cinéma britannique

text: Ainsi, à partir de "Drifters" (1929) de Grierson, film consacré aux pêcheurs de harengs en Mer du Nord, on put observer l'émergence de cette nouvelle école de documentaires réalistes, appelée par la suite le . Selon certains, c’est Grierson lui-même qui aurait forgé le mot « documentaire », dans un article de 1926 qu'il consacra au film "Moana" de Robert Joseph Flaherty, pour désigner un film qui ne soit pas de fiction. Le terme, cependant, faisait déjà partie du vocabulaire de la photographie dans les années 1920. Quoi qu'il en soit, Grierson produisit dans les années 1930 le film le plus emblématique du courant, "" (1936), écrit et dirigé par et Harry Watt, d'après un poème de .


title: Cinéma britannique

text: Outre "Night Mail", les plus grandes réussites du courant furent "Song of Ceylon" (1934) de , "Coal Face" (1935) de Cavalcanti, et "Contact" (1933) de Paul Rotha. Un autre représentant majeur en fut Humphrey Jennings, dont l'influence devait se révéler prépondérante sur les cinéastes du "Free Cinema", particulièrement Lindsay Anderson qui lui voua toujours une grande admiration. Des écrivains comme Auden, déjà cité, mais aussi des compositeurs de renom, tel Benjamin Britten, collaborèrent également à certains de ces films.


title: Cinéma britannique

text: On y perçoit des recherches techniques touchant autant l'image que le son. Parmi les réalisateurs du courant, beaucoup allaient par ailleurs continuer à produire des films importants pendant la Seconde Guerre mondiale car, au moment où celle-ci éclata, le documentaire devait apparaître comme un excellent instrument de propagande.


title: Cinéma britannique

text: Le music-hall exerça également une influence incontestable sur les films de comédie de cette époque, et plusieurs personnalités populaires se démarquèrent, notamment George Formby — dont le personnage d'imbécile heureux devait apparaître dans des dizaines de films —, Gracie Fields — qui déjà incarnait une héroïne ouvrière —, Jessie Matthews et Will Hay. Souvent, toutes ces vedettes tournaient plusieurs films par an. Ces films, produits pour concurrencer les grandes productions hollywoodiennes de l'époque, comme "Le Magicien d'Oz", connurent un succès non négligeable et conservèrent leur importance durant la Seconde Guerre mondiale, en soutenant le moral des troupes.


title: Cinéma britannique

text: Parmi les films britanniques les plus importants des années 1930, nombreux furent produits par la société London Film, fondée par Alexander Korda, un émigré hongrois. Avant d'arriver au Royaume-Uni, Korda avait déjà tourné en Hongrie, en Autriche, en Allemagne, à Hollywood et en France. Parmi les premiers films que sa société produisit, "La Vie privée d'Henry VIII" ("The Private Life of Henry VIII.", 1933), qu'il réalisa lui-même en investissant un budget confortable, fut un premier grand succès, auxquels d'autres allaient venir s'ajouter. On peut citer "Les Mondes futurs" ("Things to Come", 1936) de William Cameron Menzies, "Rembrandt" (1936) d'A. Korda et "Le Chevalier sans armure" ("Knight Without Armour", 1937) de Jacques Feyder, ainsi que quelques-uns des premiers films en Technicolor comme "Alerte aux Indes" ("The Drum", 1938) et "Les Quatre Plumes blanches" ("The Four Feathers", 1939) de Zoltan Korda tous les deux, et l'œuvre collective "Le Voleur de Bagdad" ("The Thief of Bagdad", 1940). Ceux-ci avaient suivi de peu "La Baie du destin" ("Wings of the Morning", 1937) de Harold D. Schuster, le tout premier film britannique en Technicolor.


title: Cinéma britannique

text: Plusieurs autres nouveaux talents émergèrent durant cette période. Quant à Alfred Hitchcock, qui était déjà placé parmi les jeunes réalisateurs britanniques de tout premier plan, il allait confirmer ce statut avec les thrillers incontournables que sont "L’Homme qui en savait trop" ("The Man Who Knew Too Much", 1934), "Les 39 marches" ("The 39 Steps", 1935) et "Une femme disparaît" ("The Lady Vanishes", 1938), avant de partir pour Hollywood.


title: Cinéma britannique

text: Après la période faste allant de la fin des années 1920 au début des années 1930, avec des dépenses accrues et une expansion trop optimiste en direction du marché américain commença, en 1937, un éclatement de la bulle de production. Des 640 sociétés de production britanniques enregistrées entre 1925 et 1936, seules 20 étaient encore en activité en 1937. En outre, le "Film Act" de 1927 était arrivé à échéance. On lui substitua, en 1938, le "Cinematograph Act", conçu de façon à inciter les sociétés britanniques à réduire le nombre de leurs productions au bénéfice de la qualité. Influencé par la politique mondiale, cette loi encourageait également l’investissement et les importations américaines. L’un des résultats de cette mesure fut la création par la société américaine MGM d’un studio anglais, baptisé « British MGM » et installé dans le Hertfordshire. Parmi les films que ce studio produisit, certains connurent un succès considérable, comme "Vive les étudiants" ("A Yank at Oxford", 1938) de Jack Conway et "Au revoir Mr. Chips" ("Goodbye, Mr. Chips", 1939) de Sam Wood. Puis la Seconde Guerre mondiale éclata.


title: Cinéma britannique

text: Le cinéma de propagande britannique tire un parti immédiat de l'apport du courant documentaire emmené par Grierson. Il fallait montrer la façon de vivre du peuple britannique, définir et montrer l'identité nationale pour donner aux Britanniques une idée de l'enjeu du combat.


title: Cinéma britannique

text: Pendant la guerre, les salles de cinéma britanniques furent conviées par le gouvernement à projeter un documentaire avant la séance principale. De plus, une cinquantaine de camionnettes équipées d'un matériel de projection cinématographique furent envoyées sur les routes du pays, afin d'édifier le peuple par la projection de films documentaires adéquats. Un film — documentaire — tel qu’"" ("Target for Tonight"), qui montre la préparation et la réalisation d'un raid sur l'Allemagne, connut un succès important. Furent projetés également des films traitant de sujets économiques, sociaux, médicaux, etc. L'impact de ces unités mobiles, particulièrement, fut considérable. Ainsi, en 1943-44, donnèrent-elles représentations et elles accueillirent plus de quatre millions de spectateurs. Ce succès engendra une augmentation des moyens alloués.


title: Cinéma britannique

text: Ainsi, les contraintes imposées par la Seconde Guerre mondiale insufflèrent-elles une énergie nouvelle à l’industrie cinématographique britannique. Après un début hésitant, celle-ci commença à recourir de plus en plus souvent à des techniques documentaires et à d’anciens documentaristes pour conférer plus de réalisme aux films de fiction, dont beaucoup aidèrent également à forger la représentation populaire de la nation en guerre. Parmi les plus connus de ces films, on peut citer "Ceux qui servent en mer" ("In Which We Serve", 1942) de Noel Coward et David Lean, "Went the Day Well ?" (1942) d'Alberto Cavalcanti, "Plongée à l'aube" ("We Dive at Dawn", 1943) d'Anthony Asquith, "Ceux de chez nous" ("Millions Like Us", 1943) de Gilliat et Launder, et "L'Héroïque Parade" ("The Way Ahead", 1944) de Carol Reed.


title: Cinéma britannique

text: Pendant les dernières années de la guerre, les studios Gainsborough produisirent une série de mélodrames d’époque, moqués par la critique, mais au succès phénoménal, parmi lesquels "L'Homme en gris" ("The Man in Grey", 1943) et "Le Masque aux yeux verts" ("The Wicked Lady", 1945), deux films réalisés par Leslie Arliss. Ceux-ci contribuèrent à créer une nouvelle génération de vedettes britanniques, au nombre desquelles Stewart Granger, Margaret Lockwood et James Mason.


title: Cinéma britannique

text: Two Cities Films, une société indépendante active depuis 1938 et dont le nom venait du fait qu'elle envisageait au départ de tourner des films dans les deux villes de Londres et Rome, produisit également des films importants durant la guerre, tels que "Heureux Mortels" ("This Happy Breed", 1944), "L'esprit s'amuse" ("Blithe Spirit", 1945), nés de la collaboration entre David Lean et Noel Coward, ainsi que la première des adaptations shakespeariennes de Laurence Olivier : "Henry V" — c'est également Two Cities qui produira après la guerre "Hamlet" (1948), du même Olivier.


title: Cinéma britannique

text: Les années de guerre sont également celles qui virent s’épanouir la collaboration de Michael Powell et Emeric Pressburger avec des films comme "49e Parallèle" ("Forty-Ninth Parallel", 1941), "Colonel Blimp" ("The Life and Death of Colonel Blimp", 1943) et "A Canterbury Tale" (1944), lesquels, quoique se déroulant en temps de guerre, traitaient bien plus de la façon dont celle-ci affectait la population que de batailles.


title: Cinéma britannique

text: Vers la fin des années 1940, la Rank Organisation, société fondée en 1937 par J. Arthur Rank, devint la force dominante de la production cinématographique britannique. Elle fit l’acquisition de nombreux studios et finança certains des grands cinéastes qui émergèrent à cette époque.


title: Cinéma britannique

text: Profitant du succès dont le cinéma britannique avait joui durant la Seconde Guerre mondiale, l’industrie atteignit de nouveaux pics de créativité pendant les années d’immédiat après-guerre. Parmi les films les plus significatifs produits durant cette période figurent "Brève Rencontre" ("Brief Encounter", 1945) de David Lean, ainsi que les adaptations par celui-ci des romans de Dickens : "Les Grandes Espérances" ("Great Expectations", 1946) et "Oliver Twist" (1948), les thrillers de Carol Reed "Huit heures de sursis" ("Odd Man Out", 1947) et "Le Troisième Homme" ("The Third Man", 1949), ainsi qu"'Une question de vie ou de mort" ("A Matter of Life and Death", 1946), "Le Narcisse noir" ("Black Narcissus", 1946) et "Les Chaussons rouges" ("The Red Shoes", 1948), trois films du duo Powell et Pressburger. La réputation internationale grandissante du cinéma britannique fut rehaussée par le succès des "Chaussons rouges", le film qui connut le plus grand succès commercial aux États-Unis l’année de sa sortie, et par le "Hamlet" de Laurence Olivier, premier film non-américain à remporter l’Oscar du meilleur film.


title: Cinéma britannique

text: Les studios Ealing, qui bénéficiaient du soutien financier de J. Arthur Rank, après avoir donné dans des genres plus sombres — avec le film collectif "Au cœur de la nuit" ("Dead of Night", 1945), annonciateur de la vogue horrifique de la décennie qui suivra, et la rude biographie "L'Épopée du capitaine Scott" ("Scott of the Antarctic", 1948) de Charles Frend, entre autres — s’embarquèrent dans une série de comédies à succès, dont "Whisky à gogo !" ("Whisky Galore", 1949) d'Alexander Mackendrick et "Noblesse oblige" ("Kind Hearts and Coronets", 1949) de Robert Hamer furent parmi les premiers jalons…


title: Cinéma britannique

text: Dans les années 1950, l’industrie commença à se détourner quelque peu des productions de prestige qui avaient valu à des films britanniques de rencontrer le succès dans le monde entier, et commença à se concentrer sur des comédies populaires et des drames sur fond de Seconde Guerre mondiale, plus franchement orientés vers le public national. Les films de guerre étaient souvent basés sur des histoires vraies et réalisés dans le même style feutré que celui des prédécesseurs réalisés pendant la guerre. Ils permirent à des acteurs comme John Mills, Jack Hawkins et Kenneth More d’accéder au vedettariat. Parmi ceux de ces films qui connurent le plus de succès, on peut citer : "La Mer cruelle" ("The Cruel Sea", 1953) de Frend, "Les Briseurs de barrages" ("The Dam Busters", 1954) de Michael Anderson, "Les Indomptables de Colditz" ("The Colditz Story", 1955) de Guy Hamilton et "Vainqueur du ciel" ("Reach for the Sky", 1956) de Lewis Gilbert.


title: Cinéma britannique

text: "Le Pont de la rivière Kwaï" ("The Bridge on the River Kwai"), sorti en 1957, marqua par ailleurs le début d'un tournant dans la carrière de David Lean, qui deviendra dans les années 1960 le réalisateur spécialiste des grands tableaux épiques.


title: Cinéma britannique

text: Des séries de comédies populaires apparurent sur les écrans dont les "St. Trinian's" de Frank Launder et la série des "Toubib", dont le premier épisode fut "Toubib or not Toubib" ("Doctor in the House", 1954) de Ralph Thomas. Cette dernière série avait pour vedette Dirk Bogarde, sans doute la plus connue des vedettes du cinéma britannique des années 1950. Michael Craig, et ensuite Leslie Phillips, reprirent le rôle de Bogarde et la série continua jusqu’en 1970. La Rank produisit également des comédies à succès dignes d’intérêt, telle "Geneviève" ("Genevieve") en 1953.


title: Cinéma britannique

text: Le duo de scénaristes–réalisateurs-producteurs composé par les frères jumeaux John et Roy Boulting réalisa aussi une série de satires de la vie et des institutions britanniques qui connut un certain succès, à commencer par "Ce sacré z'héros" ("Private's Progress", 1956), puis "Ce sacré confrère" ("Brothers in Law", 1957), "Sois toujours diplomate" ("Carlton-Browne of the F.O.", 1958), "Après moi le déluge" ("I'm All Right Jack", 1959). Le réalisateur-producteur italien Mario Zampi produisit également quelques comédies d’humour noir à succès, parmi lesquelles "Rires au paradis" ("Laughter in Paradise", 1951), "La Vérité presque nue" ("The Naked Truth", 1957) et "Ni fleurs ni couronnes" ("Too Many Crooks", 1958).


title: Cinéma britannique

text: Après une ribambelle de films à succès, commencée à la fin des années 1940 et qui se poursuivit avec entre autres les comédies "L'Homme au complet blanc" ("The Man in the White Suit", 1951) et "Tueurs de dames" ("The Ladykillers", 1955) de Mackendrick, ou encore "De l'or en barres" ("The Lavender Hill Mob", 1951) et "Tortillard pour Titfield" ("The Titfield Thunderbolt", 1953) de Charles Crichton, et quelques réussites également avec des films plus graves, les studios d'Ealing cessèrent finalement leurs activités en 1958, et les studios furent rachetés par la BBC pour y tourner des émissions destinées à la télévision.


title: Cinéma britannique

text: Un assouplissement de la censure à la fin des années 1950 encouragea la société Hammer, spécialisée dans le cinéma de série B, à se lancer dans la production d'un grand nombre de films d’horreur qui allaient susciter un grand engouement, à commencer par les deux premières adaptations, en noir et blanc, de la dramatique de science-fiction écrite par Nigel Kneale pour la BBC, et mettant en scènes les aventures du professeur Bernard Quatermass : "Le Monstre" ("The Quatermass Experiment", 1955) et "La Marque" ("Quatermass II", 1957). Rapidement, Hammer évolua vers des versions en couleur des classiques de l'épouvante américains des années 1930, redonnant un teint frais aux Frankenstein, Dracula et autre momie. L'énorme succès commercial rencontré les encouragèrent à tourner suites après suites et donna lieu, au Royaume-Uni, à une véritable explosion de la production de films du genre. Cette vogue allait durer près de deux décennies. Pendant toute cette période, c'est la Hammer qui allait dominer le marché, mais d’autres sociétés, comme Amicus Productions et Tigon British, allaient être créées pour la concurrencer face à cette nouvelle demande.


title: Cinéma britannique

text: Les termes « Nouvelle vague britannique » ("British New Wave"), ou « Kitchen Sink Realism » — c’est-à-dire « » —, servent à désigner un ensemble de longs-métrages du circuit commercial, réalisés entre 1955 et 1963, qui dépeignaient une forme plus crue de réalisme social que ce que l’on avait l'habitude de voir jusque-là dans le cinéma britannique. Les films de la Nouvelle vague britannique sont souvent associés à un nouvel intérêt pour la classe laborieuse — cfr. "Un goût de miel" ("A Taste of Honey", 1961) de Tony Richardson —, et des sujets jusque-là tabou, comme l’avortement et l’homosexualité — cfr. "The Leather Boys" (1964) de Sidney J. Furie.


title: Cinéma britannique

text: Les cinéastes de la Nouvelle vague étaient influencés par ce que l’on appelle le « Free Cinema », un des mouvements du cinéma documentaire. Le "Free Cinema" émergea au milieu des années 1950 ; le nom fut donné au mouvement par Lindsay Anderson en 1956. Ils étaient également influencés par les Angry Young Men, qui écrivaient des pièces de théâtre et de la littérature depuis le milieu des années 1950, ainsi que par les films documentaires sur la vie quotidienne commandités par les Postes britanniques, le Ministère de l’Information, et plusieurs mécènes commerciaux comme "Ford of Britain", pendant et après la Seconde Guerre mondiale.


title: Cinéma britannique

text: Ces films étaient personnels, poétiques, imaginatifs dans leur emploi du son et de la narration, et mettaient en scène avec sympathie et respect des gens ordinaires appartenant à la classe ouvrière. De ce point de vue, ils étaient les héritiers de l'organisme de recherches Mass-Observation et d’Humphrey Jennings. La déclaration du Free Cinema de 1956 établit les principes suivants : « Aucun film ne doit être trop personnel. L’image parle. Le son amplifie et commente. La taille est sans importance. La perfection n’est pas un but. Une attitude signifie un style. Un style signifie une attitude. » Un groupe de cinéastes significatifs s’établit autour de la revue de cinéma "Sequence", fondée par Tony Richardson, Karel Reisz et Lindsay Anderson, qui tous les trois avaient déjà réalisé des documentaires comme ' (1955, Reisz et Richardson) et ' (1957, Anderson).


title: Cinéma britannique

text: En compagnie de Harry Saltzman — qui plus tard allait produire des James Bond —, John Osborne et Tony Richardson fondèrent la société Woodfall Film afin de réaliser leur premiers longs-métrages. Parmi ceux-ci figurent les adaptations de productions que Richardson avaient créées au théâtre des "Corps sauvages" ("Look Back in Anger", 1958) avec Richard Burton, et du "Cabotin" ("The Entertainer", 1960) avec Laurence Olivier. D’autres films importants de ce mouvement sont "Samedi soir, dimanche matin" ("Saturday Night and Sunday Morning", 1960) de Reisz, "Un amour pas comme les autres" ("A Kind of Loving", 1962) de Schlesinger, et "Le Prix d'un homme" ("This Sporting Life", 1963) d'Anderson.


title: Cinéma britannique

text: Après que le "Tom Jones" (1963) de Richarson obtint un grand succès, le groupe se sépara pour poursuivre différents intérêts. Grâce à ces films aussi, leurs principaux interprètes — Albert Finney, Alan Bates, Rita Tushingham, Richard Harris et Tom Courtenay — accédèrent au statut de vedettes.


title: Cinéma britannique

text: Dans les années 1960, les studios britanniques commencèrent à engranger d’importants succès sur le marché international grâce à toute une série de films qui témoignaient d’une attitude plus libérale vis-à-vis du sexe, tirant profit de l’image du "swinging London" propagée par le magazine "Time". Des films comme "Darling" de John Schlesinger, "Alfie le dragueur" ("Alfie", 1966) de Lewis Gilbert, "Georgy Girl" (1966) de Silvio Narizzano, ou encore "Le Knack... et comment l'avoir" ("The Knack... and How to Get It", 1965) de Richard Lester exploraient tous ce phénomène, tandis que "Blow-Up" (1966) d'Antonioni, "Répulsion" (1965) de Polanski, et plus tard "Love" ("Women in Love", 1969) de Ken Russell, brisaient les tabous entourant la représentation du sexe et de la nudité à l’écran.


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text: Dans le même temps, les producteurs Harry Saltzman et Albert R. Broccoli combinaient le sexe avec décors exotiques, violence désinvolte et même humour auto-parodique dans la série triomphale des James Bond. Le premier, "James Bond 007 contre Dr No" ("Dr. No"), sorti en 1962, connut un succès modeste mais prometteur limité à la Grande-Bretagne ; le deuxième, "Bons baisers de Russie" ("From Russia with Love", 1963) fut un succès mondial. Et, au moment de la sortie du troisième, "Goldfinger", en 1964, la série était devenue un phénomène généralisé, atteignant son pic de recettes l’année suivante avec "Opération Tonnerre" ("Thunderball"). Dans un contexte où la GB perdait ses colonies et sa position de super-puissance, les victoires de James Bond dans le monde imaginaire du cinéma, dues à sa finesse toute britannique peuvent être vues comme une tentative de compenser le déclin de son pays dans le monde réel.


title: Cinéma britannique

text: La réussite de la série provoqua une explosion de films d’espionnages, avec "Le Liquidateur" ("The Liquidator", 1965) de Jack Cardiff, "Modesty Blaise" (1966) de Joseph Losey, "" ("Sebastian", 1968) de David Greene et le retour du héros parodique Bulldog Drummond — un personnage dont les aventures avaient déjà été portées plusieurs fois à l'écran, et ce dès 1923 — : "Plus féroces que les mâles" ("Deadlier Than the Male", 1967) et "Dieu pardonne, elles jamais !" ("Some Girls Do", 1968), deux films de Ralph Thomas. Le coproducteur des Bond, Harry Saltzman, fut également à l’origine d’une série concurrente de films d’espionnage, plus réaliste, adaptée des romans de Len Deighton. C’est Michael Caine qui devait incarner Harry Palmer, l’espion à lunettes, dans "Ipcress, danger immédiat" ("The Ipcress File", 1965) de Sidney J. Furie, "Mes funérailles à Berlin" ("Funeral in Berlin", 1966) de Guy Hamilton et "Un cerveau d'un milliard de dollars" ("Billion Dollar Brain", 1967) de Ken Russell. Le succès de ces derniers ouvrit la voie à un cycle de films d’espionnage pessimistes inspirés de John le Carré, comprenant "L'Espion qui venait du froid" ("The Spy Who Came in from the Cold", 1965) de Martin Ritt et "MI5 demande protection" ("The Deadly Affair", 1966) de Sidney Lumet.


title: Cinéma britannique

text: Également à cette époque, le Royaume-Uni attira des cinéastes d’outre-Manche. Le réalisateur d'origine polonaise Roman Polanski vint tourner "Répulsion" ("Repulsion", 1965) et "Cul-de-Sac" (1966) respectivement à Londres et dans le Northumberland, avant de commencer à intéresser Hollywood. C’est en Grande-Bretagne aussi que le réalisateur italien Michelangelo Antonioni tourna "Blow-Up" (1966) avec David Hemmings et Vanessa Redgrave, et que François Truffaut vint tourner son seul film réalisé hors de France, la parabole de science-fiction "Fahrenheit 451", sortie en 1966.


title: Cinéma britannique

text: Durant la décennie, des réalisateurs américains vinrent également régulièrement tourner à Londres ; plusieurs allaient même élire résidence en Grande-Bretagne de façon permanente. Joseph Losey, mis sur liste noire aux États-Unis par la Commission McCarthy, exerça une influence importante sur le cinéma britannique dans les années 1960, en particulier avec les films qu’il réalisa en collaboration avec le dramaturge Harold Pinter et avec Dirk Bogarde comme interprète principal : notamment "The Servant" (1963) et "Accident" (1967). Stanley Kubrick et Richard Lester, des émigrés volontaires, furent également influents. Les plus grands succès de Lester furent "Le Knack... et comment l'avoir" ("The Knack…and How to Get It", 1965), et les films des Beatles : "Quatre Garçons dans le vent" ("A Hard Day's Night", 1964) et "Help !" (1965), qui créèrent la vogue de tourner un film aux allures de reportage sur chaque nouveau groupe de pop. Kubrick s’installa dans le comté du Hertfordshire au début des années 1960 et allait demeurer en Angleterre pour le reste de sa carrière. L’équipe d’effets spéciaux rassemblée pour travailler sur "2001, l'Odyssée de l'espace" ("2001 : A Space Odyssey"), son film de 1968, allait ajouter de façon décisive à l'importance de l’industrie britannique dans ce domaine particulier durant les décennies qui allaient suivre, pour des films comme "Superman", "Alien" ou "Batman".


title: Cinéma britannique

text: Le succès de ces films, et d’autres aussi divers que "Lawrence d’Arabie" ("Lawrence of Arabia" 1962) de Lean, "Tom Jones" (1963) de Richardson, "Zoulou" ("Zulu", 1964) de Cy Endfield et "Ces merveilleux fous volants dans leurs drôles de machines" ("Those Magnificent Men in Their Flying Machines", 1965) de Ken Annakin, encouragèrent des studios américains à investir de manière significative dans la production cinématographique britannique. Des films majeurs comme "Becket" (1964) de Peter Glenville, "Un homme pour l'éternité" ("A Man for All Seasons") de Fred Zinnemann (1966), "Khartoum" (1966) de Basil Dearden et Eliot Elisofon et "La Charge de la brigade légère" ("The Charge of the Light Brigade", 1968) de Richardson étaient régulièrement réalisés, en même temps que des films plus modestes, comme "Billy le menteur" ("Billy Liar", 1963) de Schlesinger, "Accident" (1967) de Losey et "Love" ("Women in Love", 1969) de Ken Russell, recevaient un très bon accueil de la part de la critique. Quatre des lauréats de l’Oscar du meilleur film de la décennie furent d'ailleurs des productions britanniques.


title: Cinéma britannique

text: Vers la fin de la décennie, le réalisme social commença à refaire surface dans des films britanniques. Dans la continuité de son travail sur l’émission "" réalisée pour la télévision britannique, Ken Loach tourna les drames réalistes "Pas de larmes pour Joy" ("Poor Cow", 1967) et "Kes" (1969).


title: Cinéma britannique

text: Une crise frappa l’industrie cinématographique à la fois au Royaume-Uni et aux États-Unis. Elle amena les studios américains à limiter la production domestique et, en même temps, à se retirer dans bien des cas du financement de films britanniques. Des films majeurs furent néanmoins toujours produits à cette époque, parmi lesquels "Anne des mille jours" ("Anne of the Thousand Days", 1969) de Charles Jarrott, "La Bataille d'Angleterre" ("Battle of Britain", 1969) de Guy Hamilton, "La Vie privée de Sherlock Holmes " ("The Private Life of Sherlock Holmes", 1970) de Billy Wilder et "La Fille de Ryan" ("Ryan's Daughter", 1970) de David Lean, mais plus on avançait dans la décennie, plus il devint difficile de trouver des moyens de financement. Des grosses productions étaient encore montées, mais de manière plus sporadique, et celles-ci avaient parfois un air désuet en comparaison avec les productions américaines concurrentes. Parmi celles qui remportèrent le plus de succès, cependant, on peut citer "Le Crime de l'Orient-Express" ("Murder on the Orient Express", 1974) et "Mort sur le Nil" ("Death on the Nile", 1978), deux films adaptés d'Agatha Christie et réalisés respectivement par les Américains Sidney Lumet et John Guillermin. On compte aussi parmi d’autres films notables : "Le Messager" ("The Go-Between", 1970), de Joseph Losey, un drame edwardien qui remporta la Palme d'Or au Festival de Cannes en 1971, "Frenzy" (1972), dernier film britannique d'Hitchcock, le thriller surnaturel avec Venise pour décor "Ne vous retournez pas" ("Don't Look Now" 1973), de Nicolas Roeg et, enfin, le film de gangsters "La Loi du milieu" ("Get Carter", 1971) de Mike Hodges, avec Michael Caine dans le rôle principal. D’autres productions comme "Parole d'homme" ("Shout at the Devil", 1976) de Peter R. Hunt connurent moins de réussite, et l’entrée d’ITC, la société de , dans la production cinématographique dans la seconde moitié de la décennie eut pour résultat seulement une poignée de succès au box office, ce qui ne faisait pas le poids en comparaison avec le nombre important d’échecs, et la vie de la société s’en trouva abrégée. D’autres films à grand spectacle comme "Les Griffes du lion" ("Young Winston", 1972) et "Un pont trop loin" ("A Bridge Too Far", 1977), d'Attenborough tous les deux, rencontrèrent un succès commercial mitigé.


title: Cinéma britannique

text: L’explosion que le film d’horreur britannique avait connu dans les années 1960 s’arrêta pour finir vers le milieu des années 1970 quand les sociétés de productions leaders, comme la Hammer et Amicus, abandonnèrent complètement le genre face à la concurrence de sociétés américaines indépendantes. Des films comme "Massacre à la tronçonneuse" ("The Texas Chain Saw Massacre", 1974) firent de plus en plus paraître, en comparaison, les films de vampires de la Hammer fades et datés, malgré les tentatives d’épicer la formule par l’adjonction de nudité et de sang. Malgré tout, on procéda à des essais pour élargir le champ des films d’horreur britanniques, comme l’amusant "Capitaine Kronos, tueur de vampires" ("Captain Kronos, Vampire Hunter", 1974) ou le film culte "Le Dieu d'osier" ("The Wicker Man") (1973), des productions qui connurent il est vrai peu de succès au box office, et la vague horrifique cessa tout à fait vers milieu de la décennie.


title: Cinéma britannique

text: Quelques producteurs britanniques, y compris la Hammer, commencèrent alors à s’inspirer de séries télévisées et les versions pour le grand écran de programmes tels que "Steptoe and Son" et "On the Buses" se révélèrent des succès auprès du public national. Le groupe des "Monty Python", issu également de la télévision, exerça l’autre influence majeure sur les films de comédie britanniques de la décennie. "" ("Monty Python and the Holy Grail", 1975) et "" ("Monty Python's Life of Brian", 1979) sont leurs deux films qui connurent le plus de succès, surtout le second, cela étant du moins en partie dû à la controverse considérable qui avait entouré sa sortie.


title: Cinéma britannique

text: L’"Eady levy" toujours présente dans les années 1970, combinée avec un relâchement des règles de censure, amena aussi une vague mineure de comédies érotiques et de films pornographiques soft britanniques à petit budget. Parmi ceux-ci, on peut citer les films avec en vedette , comme ' (1977), et la série des "Confessions of...", avec , série qui débuta en 1974 avec ' ("Confessions of a Window Cleaner", 1974), réalisé par Val Guest.


title: Cinéma britannique

text: Une censure plus souple dans les années 1970 permit également la naissance de plusieurs films controversés, dont "Les Diables" ("The Devils", 1970) de Ken Russell, "Les Chiens de paille" ("Straw Dogs", 1971) de Sam Peckinpah, "L'Esclave de Satan" ("Satan's Slave", 1976) de Norman J. Warren, "Théâtre de sang" ("Theatre of Blood", 1973) de Douglas Hickox, "Quadrophenia" (1979) de Franc Roddam, et "Orange mécanique" ("A Clockwork Orange", 1971) de Stanley Kubrick.


title: Cinéma britannique

text: On assista à la fin des années 1970 à un premier "revival" de la série des James Bond avec "L'Espion qui m'aimait" ("The Spy Who Loved Me") en 1977. Malgré tout, le film qui suivra, "Moonraker" (1979), rompit avec la tradition et fut tourné dans des studios français pour bénéficier d’avantages fiscaux qui y étaient proposés.


title: Cinéma britannique

text: Certaines productions américaines firent leur retour dans les principaux studios britanniques durant la période qui va de 1977 à 1979, parmi lesquelles "" ("Star Wars", 1977) aux studios d'Elstree, "Superman" (1978) à Pinewood, et "Alien - Le huitième passager" ("Alien", 1979) à Shepperton.


title: Cinéma britannique

text: Bien que des productions américaines importantes, comme "" ("The Empire Strikes Back", 1980) et "Superman 2" (1980), continuèrent à être tournées dans des studios britanniques dans les années 1980, la décennie commença avec la pire crise que l’industrie ait jamais connue au Royaume-Uni. En 1980, seulement 31 films furent produits dans le pays, ce qui équivaut à une baisse de 50 % par rapport à l’année précédente, et constitue le chiffre le plus faible depuis 1914. La production devait encore baisser l’année suivante, avec un total de 24 films. Toutefois, un nouvel optimisme allait bien vite gagner les années 1980, emmené par des sociétés comme Goldcrest (et le producteur David Puttnam), , HandMade Films et Channel 4.


title: Cinéma britannique

text: Le producteur Puttnam permit l’émergence de toute une génération de réalisateurs britanniques qui purent, et ce dès la fin des années 1970, tourner des films populaires avec une distribution internationale, notamment Ridley Scott ("Les Duellistes", "The Duellists" 1977), Alan Parker ("Midnight Express", 1978), Hugh Hudson ("Les Chariots de feu", "Chariots of Fire", 1981), Bill Forsyth ("Local Hero", 1983) et Roland Joffe ("La Déchirure", "The Killing Fields", 1984).


title: Cinéma britannique

text: Lorsque "Les Chariots de feu" "(Chariots of Fire", 1981), film produit par Puttnam, remporta 4 Oscars en 1982, parmi lesquels celui du Meilleur film, son scénariste Colin Welland déclara, en citant Paul Revere : « Les Britanniques arrivent ! » et il sembla qu’il avait vu juste quand, en 1983, "Gandhi", également produit par Goldcrest, décrocha lui aussi l’Oscar du Meilleur film. Cela donna lieu à un cycle de films en costumes d’époque au budget plus important, parmi lesquels le tout dernier film de David Lean, "La Route des Indes" ("A Passage to India", 1984) et les adaptations par d’autres romans d’E. M. Forster, comme "Chambre avec vue" ("A Room with a View", 1986). Cependant, d’autres tentatives de grosses productions visant le marché américain se soldèrent par un échec et, à cause de cela, Goldcrest finit par perdre son indépendance après un trio de fiascos commerciaux, dont faisait partie la Palme d’Or 1986, "Mission" ("The Mission"). À ce stade de l’histoire, tout ce qui restait de nouveaux talents était parti pour Hollywood…


title: Cinéma britannique

text: HandMade Films, dont George Harrison était en partie propriétaire, produisit une série de comédies et de drames réalistes comme "Du sang sur la Tamise" ("The Long Good Friday", 1980) de John Mackenzie et "Withnail et moi" ("Withnail and I", 1987) de Bruce Robinson, qui allaient se révéler populaires au niveau international et qui, depuis, ont acquis un statut de films culte. À l’origine, la société fut créée pour permettre d'achever le tournage de "" (1979), et s’impliqua également par la suite dans d’autres projets de membres des Monty Python. Ces derniers continuèrent par ailleurs à exercer une influence sensible sur les comédies britanniques des années 1980 ; les exemples les plus notables en sont les films fantastiques de Terry Gilliam : "Bandits, bandits" ("Time Bandits", 1981) et "Brazil" (1985), et aussi "Un poisson nommé Wanda" ("A Fish Called Wanda", 1988), le "hit" coécrit et interprété par John Cleese.


title: Cinéma britannique

text: Des films comme "Bandits, bandits" et "Brazil" donnèrent par ailleurs aux techniciens d’effets spéciaux et directeurs artistiques britanniques la réputation de pouvoir concevoir des effets visuels efficaces pour un coût bien moins élevé que leur concurrents américains, une réputation qui continuera tout au long des années 1990 et jusqu’au avec les James Bond, "Gladiator", et jusqu'à la série des Harry Potter.


title: Cinéma britannique

text: Avec l’implication de Channel 4 dans la production cinématographique, un certain nombre de nouveaux talents purent éclore, comme Stephen Frears, et Mike Newell avec son film "Un crime pour une passion" ("Dance with a Stranger", 1985), tandis que John Boorman, qui était parti travailler aux États-Unis, était encouragé à rentrer en Grande-Bretagne pour y tourner "La Guerre à sept ans" ("Hope and Glory", 1987). , la société de , connut également quelques succès notables, parmi lesquels les deux films de Neil Jordan, "La Compagnie des loups" ("The Company of Wolves", 1984) et "Mona Lisa" (1986), avant de subir des revers de fortune avec d’autres productions, desquels elle ne put se relever. Parmi les autres films britanniques intéressants de la décennie figurent "Une fille pour Gregory" ("Gregory's Girl", 1981) de Bill Forsyth, "L'Éducation de Rita" ("Educating Rita", 1983), de Lewis Gilbert et "L'Habilleur" ("The Dresser", 1983) de Peter Yates.


title: Cinéma britannique

text: Jusque dans les années 1980, de façon significative, les cultures britanniques noire et asiatique étaient sous-représentées dans la production cinématographique grand public du Royaume-Uni, de la même façon qu’elles l’étaient dans bien des domaines de la vie du pays. Un pionnier en la matière fut notamment Horace Ové qui essaya de changer cet état de fait déjà dans les années 1970 — ' (1975) —, mais c’est vraiment dans les années 1980 que l’on vit apparaître une vague de nouveaux talents désireux d'aborder le sujet, avec des films comme ' (1981) de Menelik Shabazz, "Majdhar" (1985) d'Ahmed A. Jamal et "" (1986) de Po-Chih Leong. Beaucoup de ces films purent bénéficier de l’aide de Channel 4 qui venait d’être créé et avait officiellement dans ses attributions de s'adresser aux « publics des minorités ». Le premier parmi ces films à rencontrer un certain succès commercial fut "My Beautiful Laundrette" (1985) de Stephen Frears. Le film, qui abordait des questions relatives à l’appartenance ethnique et à l’homosexualité, fut par ailleurs le point de départ de la carrière de Hanif Kureishi.


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text: Un changement de mentalités de ce point de vue est également perceptible dans des films comme "Chaleur et Poussière" ("Heat and Dust", 1982) de James Ivory, "Gandhi" (1982) et "Cry Freedom" (1987), deux films de Richard Attenborough, quoique les expériences des Britanniques noirs ou asiatiques y soient rarement traitées de façon directe.


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text: Avec Film on Four, et une politique de promotion du cinéma « artistique » vers un public plus large, Channel 4 devait également concourir à une certaine réussite de ce genre particulier que constitue l’« "Art Cinema" ».


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text: C'est en fait la sortie, dès 1978, du film de Derek Jarman "Jubilée" ("Jubilee") qui marqua le début d’une période de réussite pour l’"Art Cinema" au Royaume-Uni, un courant dont est proche le travail de Ken Russell ou de Nicolas Roeg, par exemple, aux styles visuels et aux thèmes narratifs hautement personnels. Il connut son apogée dans les années 1980 avec des réalisateurs comme Peter Greenaway — "Meurtre dans un jardin anglais" ("The Draughtsman's Contract", 1982), "Le Cuisinier, le voleur, sa femme et son amant" ("The Cook the Thief His Wife & Her Lover", 1989) — et Sally Potter — réalisatrice de documentaires dans les années 1980 et d’"Orlando" en 1992. Contrairement à la précédente génération de réalisateurs britanniques, qui s’étaient tournés vers la mise en scène et la production après des carrières au théâtre ou à la télévision, les réalisateurs de l’"Art Cinema" étaient en grande partie issus d'écoles d’art. Beaucoup de ces cinéastes purent bénéficier au début de leur carrière du soutien de la , et leurs œuvres faisaient l’objet d’une analyse théorique détaillée dans la revue "Screen Education".


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text: Par ailleurs, Peter Greenaway fut très tôt un pionnier dans l'utilisation de l'imagerie générée par ordinateur mélangée à des séquences filmées et il fut également l'un des premiers réalisateurs à tourner entièrement en vidéo haute définition des films destinés à être exploités en salles.


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text: Dans les années 1980, les "clips musicaux" commencèrent à se répandre. Des cinéastes qui émergèrent à partir de cette époque eurent l'occasion de faire leurs premières armes avec ce media. D'autres s'en servirent comme d'un véritable support d'expression de leur univers visuel personnel. On peut ici citer les noms de Julien Temple (videos pour David Bowie, Janet Jackson…), Tim Pope (videos de The Cure, e.a.), Derek Jarman (videoss pour Pet Shop Boys, Marianne Faithfull…), également l'Irlandais Steve Barron qui tous ont réalisé également un ou plusieurs longs métrages produits au Royaume-Uni…


title: Cinéma britannique

text: L'art vidéo qui, également vers cette époque, se développa pour finir par acquérir ses lettres de noblesse, exerça une influence sur le cinéma dans son ensemble, et sur le cinéma britannique en particulier, notamment en permettant à des artistes comme Sam Taylor-Wood et Isaac Julien de réaliser des œuvres filmées sans devoir se préoccuper de projections en salles.


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text: L'importance de l'influence sur le cinéma de la vidéo, tant promotionnelle qu'artistique, notamment comme terrain d'expérimentation, deviendra encore plus évidente avec la révolution informatique et numérique qui se mettra en place dans les années 1990. Ainsi, la réputation acquise par des Britanniques sur le plan technique, dans le domaine notamment de la conception des effets spéciaux visuels, est-elle dans une certaine mesure redevable à cette influence.


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text: Dans la foulée de la liquidation complète de la Rank Organisation, une série de fusions de sociétés de distribution cinématographique au Royaume-Uni rendit les productions nationales encore plus problématiques. Un autre coup fut porté avec la suppression de la réduction fiscale connue sous le nom d’« "" » par le gouvernement conservateur en 1984. Cette mesure permettait jusque là à une société de cinéma étrangère de voir une bonne partie de ses coûts de production diminuer en venant tourner au Royaume-Uni ; c’est ce qui avait attiré toute une série de grosses productions vers des studios britanniques dans les années 1970. Quand l’"Eady" fut supprimé, bien des studios soit mirent la clef sous le paillasson, soit se tournèrent vers la télévision.


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text: La production cinématographique en Grande-Bretagne atteignit l’un des chiffres les plus bas de son histoire en 1989. Alors que le taux d’audience dans les cinémas était en augmentation au Royaume-Uni au début des années 1990, les films britanniques étaient peu nombreux à rencontrer un succès commercial clair, même sur le marché national. Toutefois, parmi les exceptions qu’il convient de citer, on trouve "Retour à Howards End" ("Howards End", 1992) et "Les Vestiges du jour" ("The Remains of the Day", 1993), productions réalisées toutes deux par James Ivory, également "Chaplin" (1992) et "Les Ombres du cœur" ("Shadowlands", 1993), deux films de Richard Attenborough, ainsi que le thriller très remarqué de Neil Jordan, "The Crying Game" (1992). Ce dernier fut en grande partie ignoré lors de sa sortie initiale en Grande-Bretagne, mais il obtint un succès considérable aux États-Unis, où il fut distribué par Miramax. Cette même compagnie connut également une certaine réussite en sortant le drame historique produit par la BBC "Avril enchanté" ("Enchanted April", 1992) de Mike Newell. Les adaptations de pièces de Shakespeare par Kenneth Branagh suscitèrent elles aussi un certain intérêt, notamment son "Henry V" (1989) et " Beaucoup de bruit pour rien" ("Much Ado About Nothing", 1993).


title: Cinéma britannique

text: Cependant, l’accueil enthousiaste réservé à "La Folie du roi George" ("The Madness of King George", 1994) de Nicholas Hytner prouva qu’il y avait encore un marché pour le drame en costumes britannique traditionnel, et un grand nombre d’autres films « historiques » suivirent, parmi lesquels "Raison et sentiments" ("Sense and Sensibility", 1995) d’Ang Lee, "Le Don du roi" ("Restoration", 1995) de Michael Hoffman, "Emma, l'entremetteuse" ("Emma", 1996) de Douglas McGrath, "La Dame de Windsor" ("Mrs. Brown", 1997) de John Madden, "Les Ailes de la colombe" ("The Wings of the Dove", 1997) de Iain Softley, "Shakespeare in Love" (1998) de Madden et "Topsy-Turvy" (1999) de Mike Leigh. Plusieurs de ces films furent financés par Miramax Films, qui reprit également en main la production du film d’Anthony Minghella "Le Patient anglais" ("The English Patient", 1996), lorsque celle-ci rencontra des difficultés en cours de tournage. Bien que, techniquement parlant, il s’agisse d’une production américaine, le succès remporté par ce film, et ses 9 victoires aux Oscars, allait néanmoins redorer le blason des cinéastes britanniques.


title: Cinéma britannique

text: Le succès surprise de la comédie de Mike Newell basée sur un scénario de Richard Curtis, "Quatre mariages et un enterrement" ("Four Weddings and a Funeral", 1994), qui dégagea un bénéfice brut de 244 millions de dollars à travers le monde, amena un regain d’intérêt et une reprise des investissements dans la production cinématographique britannique, en même temps que le film établissait un standard pour toute une série de comédies romantiques « made in Britain », comme "Pile et face" ("Sliding Doors", 1998) de Peter Howitt et "Coup de foudre à Notting Hill" ("Notting Hill", 1999) de Roger Michell. Working Title Films, la société finançant un grand nombre de ces films, devint rapidement l’une des compagnies de production britanniques les plus florissantes de ces dernières années, avec d’autres cartons au « box office », comme "Bean" (1997) de Mel Smith, "Elizabeth" (1998) de Shekhar Kapur et "Capitaine Corelli" ("Captain Corelli's Mandolin", 2001) de Madden.


title: Cinéma britannique

text: La nouvelle soif du public pour des comédies britanniques donna naissance aux comédies populaires "Les Virtuoses" ("Brassed Off", 1996) de Mark Herman et "Full Monty : Le Grand Jeu" ("The Full Monty", 1997) de Peter Cattaneo. Cette dernière rencontra un succès fracassant et battit tous les records au « box office » britannique. Produite pour moins de 4 millions de dollars, elle engrangea 257 millions de dollars de bénéfice net dans le monde, ce qui devait encourager les studios à lancer des filiales plus modestes consacrées à la recherche d’autres productions à petit budget capable de parvenir à des résultats identiques.


title: Cinéma britannique

text: Avec l'investissement de fonds publics dans le financement de films par le truchement de la loterie nationale britannique nouvellement créée, on assista pour ainsi dire à une explosion de production à la fin des années 1990. Cependant, parmi ces films, peu nombreux furent ceux qui obtinrent un succès commercial significatif, et beaucoup même ne sortirent pas, parmi lesquels plusieurs films de gangsters, pâles copies des comédies noires de Guy Ritchie, "Arnaques, Crimes et Botanique" ("Lock, Stock and Two Smoking Barrels", 1998) et "" (2000).


title: Cinéma britannique

text: Au milieu des années 1990, des productions américaines firent aussi leur réapparition dans des studios britanniques, notamment "Entretien avec un vampire" ("Interview with the Vampire", 1994) de Neil Jordan, "Mission impossible" ("Mission : Impossible", 1996) de Brian De Palma, "Il faut sauver le soldat Ryan" ("Saving Private Ryan", 1998) de Steven Spielberg, "" ("Star Wars Episode I : The Phantom Menace", 1999) de George Lucas et "La Momie" ("The Mummy", 1999) de Stephen Sommers, de même que le film français "Le Cinquième Élément" ("The Fifth Element", 1997), lequel revendiquait à l’époque le titre de film le plus cher jamais réalisé en Grande-Bretagne.


title: Cinéma britannique

text: Après six années d’interruption dues à des différends judiciaires, la production de films de James Bond put finalement reprendre avec "GoldenEye" (1995), de la série, réalisé par Martin Campbell. Comme les studios de Pinewood, traditionnellement utilisés pour le tournage des Bond, étaient indisponibles parce que réservés pour d’autres productions, un nouveau studio fut aménagé, spécialement pour le film, dans une ancienne usine de construction de moteurs d’avion Rolls-Royce, située à Leavesden, dans le comté du Hertfordshire.


title: Cinéma britannique

text: C’est aussi dans les années 1990 que Mike Leigh devait émerger comme une figure importante du cinéma britannique avec une série de films financés par Channel 4 et ayant pour sujet la vie des classes ouvrière et moyenne dans l’Angleterre moderne, notamment "Life Is Sweet" (1991), "Naked" (1993), et celui de ses films qui rencontra le plus de succès, "Secrets et Mensonges" ("Secrets and Lies", 1996), lauréat de la Palme d’or à Cannes l’année de sa sortie. Parmi les autres talents qui émergèrent durant la décennie on compte l’équipe de scénariste-réalisateur-producteur constituée par John Hodge, Danny Boyle et Andrew Macdonald, à l’origine de "Petits meurtres entre amis" ("Shallow Grave", 1994) et "Trainspotting" (1996). Ce dernier film généra par ailleurs un intérêt pour d’autres productions « régionales », comme les films écossais que sont "Ratcatcher" (1999) de Lynne Ramsay et, plus récemment, "Young Adam" (2002) de David Mackenzie.


title: Cinéma britannique

text: Un changement de cap dans la politique éditoriale de la chaîne Channel 4 au début des années 1990, devait toutefois porter un coup au cinéma artistique, plus esthétisant et cérébral, et de fait plus élitiste, et des réalisateurs comme Jarman, Greenaway, Russell et Roeg furent contraints de faire le plus souvent appel à la coproduction européenne pour financer leurs œuvres.


title: Cinéma britannique

text: Jusqu’à présent, le nouveau siècle a été une période relativement faste pour l’industrie cinématographique britannique. Bon nombre de films ont trouvé une large audience internationale, et certaines sociétés de production indépendantes, par exemple Working Title, ont conclu des accords de financement et de distribution avec des studios américains importants. Working Title décrocha le "jackpot" avec trois succès internationaux majeurs que sont les comédies romantiques "Le Journal de Bridget Jones" ("Bridget Jones's Diary", 2001) de Sharon Maguire, qui rapporta un bénéfice net de 254 millions de dollars à travers le monde ; sa suite, "" ("Bridget Jones : The Edge of Reason"), de Beeban Kidron, qui permit de récolter 228 millions de dollars ; et le premier film de Richard Curtis en tant que réalisateur, "Love Actually" (2003), qui engrangea 239 millions de dollars. Dans le même temps, des films salués par la critique comme "Gosford Park" (2001) de Robert Altman, "Orgueil et préjugés" ("Pride and Prejudice", 2005) de Joe Wright, "The Constant Gardener" (2005) de Fernando Meirelles, "The Queen" (2006) de Stephen Frears et "Le Dernier Roi d'Écosse" ("The Last King of Scotland", 2006) de Kevin MacDonald apportèrent également un certain prestige à l’industrie cinématographique du pays.


title: Cinéma britannique

text: La nouvelle décennie vit l'apparition d’une nouvelle série de films importante, financée grâce à des fonds américains, mais britannique sur le plan de la réalisation, celle des "Harry Potter". Elle commence avec "Harry Potter à l'école des sorciers" ("Harry Potter and the Philosopher's Stone"), réalisé par Chris Columbus et sorti en 2001. Heyday Films, la société de David Heyman produisit 7 suites : "Harry Potter et la Chambre des secrets" ("Harry Potter and the Chamber of Secrets", 2002) de Columbus — "Harry Potter et le Prisonnier d'Azkaban" ("Harry Potter and the Prisoner of Azkaban", 2003) d’Alfonso Cuaron — "Harry Potter et la Coupe de feu" ("Harry Potter and the Goblet of Fire", 2004) de Mike Newell — " Harry Potter et l'Ordre du phénix" ("Harry Potter and the Order of the Phoenix", 2006) de David Yates — et "Harry Potter et le Prince de sang-mêlé" ("Harry Potter and the Half-Blood Prince", à sortir fin 2008) de David Yates — Les deux derniers épisodes, Harry Potter et les Reliques de la Mort, partie 1 et Harry Potter et les Reliques de la Mort, partie 2 ("Harry Potter and the" "Deathly Hallows part 1 and 2") furent réalisés par David Yates, respectivement en novembre 2010 et en juillet 2011.


title: Cinéma britannique

text: Nick Park, d’Aardman Animations, créateur de Wallace et Gromit et de la série "Creature Comforts", produisit son premier long-métrage en 2000, "Chicken Run". Coréalisé avec Peter Lord, le film fut un succès majeur à travers le monde et l’un des films britanniques qui connut le plus de réussite cette année-là. Le film suivant de Park, "" ("Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit", 2004), fut un autre succès international, malgré une histoire, un décor, une conception et un humour tout anglais. Le film récolta 56 millions de dollars au box office américain et 32 millions de livres au Royaume-Uni. Il se vit également décerner l’Oscar 2005 du meilleur long-métrage d’animation. En 2005, Vanguard et Ealing Studios produisirent le premier long-métrage d’animation assistée par ordinateur de Grande-Bretagne, "Vaillant, pigeon de combat !" ("Valiant"), avec les voix d’Ewan McGregor, Ricky Gervais, John Cleese et Jim Broadbent.


title: Cinéma britannique

text: Le tournant du nouveau siècle fut également marqué par un réveil du film d’horreur britannique, dont témoigne surtout le succès rencontré par le film de Danny Boyle, "28 jours plus tard" ("28 Days Later…", 2002). Parmi d'autres exemples que l’on peut citer figurent "The Hole" (2001) de Nick Hamm, "Dog Soldiers" (2002) et "The Descent" (2005) de Neil Marshall, ainsi que la comédie "Shaun of the Dead" (2004) d'Edgar Wright.


title: Cinéma britannique

text: Au début des années 2000, le succès des films britanniques sur le marché national s’était accrue suffisamment pour déclencher une avalanche d’adaptations d'émissions télévisées et autres comédies visant très nettement le public national, par exemple "" ("Kevin and Perry Go Large", 2000) d’ et "Ali G" ("Ali G Indahouse", 2002) de Mark Mylod, avec Sacha Baron Cohen.


title: Cinéma britannique

text: Parmi les réalisateurs britanniques qui émergèrent durant cette période, on peut citer Paul Greengrass, réalisateur de "Bloody Sunday" (2002), "La Mort dans la peau" ("The Bourne Supremacy", 2004) et "Vol 93" ("United 93", 2006), Michael Winterbottom, auteur de "24 Hour Party People" (2002) et "Tournage dans un jardin anglais" ("A Cock and Bull Story", 2004), et Stephen Daldry, dont le premier film, "Billy Elliot" (2000), fut celui qui rencontra le plus de succès de tous les films britanniques produits la même année.


title: Cinéma britannique

text: Dans le même temps sortaient aussi des films de réalisateurs plus établis. En 2004, Mike Leigh dirigea "Vera Drake", sorti en 2005, qui raconte l’histoire d’une femme au foyer qui mène une double vie comme militante pour l’avortement dans le Londres de 1950. Le film remporta le Lion d’or à la Mostra de Venise et trois prix de la BAFTA. Stephen Frears réalisa une trilogie sur la vie en Grande-Bretagne, composée de Dirty Pretty Things (2002), au sujet de travailleurs immigrés illégaux et du travail au noir à Londres, "Madame Henderson présente" ("Mrs Henderson Presents", 2005), dans lequel il est question du "Windmill Theatre" pendant la Seconde Guerre mondiale, et The Queen (2006), basé sur les événements entourant la mort de la princesse Diana. En 2006, Ken Loach fut lauréat de la Palme d’or au Festival de Cannes avec un film sorti la même année, au sujet de l'indépendance irlandaise, "Le vent se lève" ("The Wind That Shakes the Barley").


title: Cinéma britannique

text: Woody Allen se convertit au cinéma britannique, en choisissant Londres comme lieu exclusif de tournage de "Match Point", son film de 2005, avec une distribution largement britannique et un financement de BBC Films. Il enchaîna avec deux autres films également tournés à Londres, "Scoop" (2006) et "Le Rêve de Cassandre" ("Cassandra's Dream", 2007).


title: Cinéma britannique

text: En 2007, un certain nombre de nouveaux films britanniques obtinrent une reconnaissance tant critique que publique, parmi lesquels Control d'Anton Corbijn, biographie du chanteur Ian Curtis ; la comédie policière "Hot Fuzz" d'Edgar Wright ; la suite d’"Elizabeth", également réalisée par Shekhar Kapur : ("Elizabeth : The Golden Age") ; ainsi que l’adaptation par Joe Wright du roman de Ian McEwan, "Atonement", en français "Reviens-moi", dont l'histoire se déroule en 1935 et durant la Seconde Guerre mondiale — ce dernier fut nommé pour 7 Oscars, y compris celui du meilleur film.


title: Cinéma britannique

text: Malgré une concurrence accrue de studios de cinéma en Australie et de pays d'Europe centrale — particulièrement en République tchèque —, des studios britanniques comme ceux de Pinewood, Shepperton et Leavesden continuent à accueillir avec succès des productions étrangères comme "Le Retour de la momie", ("The Mummy Returns", 2001) de Stephen Sommers, "Neverland" ("Finding Neverland", 2004) de Marc Forster, "Closer, entre adultes consentants" ("Closer", 2004) de Mike Nichols, "Troie" ("Troy", 2004) de Wolfgang Petersen, "Le Fantôme de l'Opéra" ("The Phantom of the Opera", 2004) de Joel Schumacher, "Charlie et la chocolaterie", ("Charlie and the Chocolate Factory", 2005) et "Les Noces funèbres", ("Corpse Bride", 2005) de Tim Burton, "V pour Vendetta" ("V for Vendetta", 2006) de James McTeigue, "Vol 93" ("United 93", 2006) de Paul Greengrass, et "" ("His Dark Materials : The Golden Compass", 2007) de Chris Weitz.


title: Cinéma britannique

text: L’industrie cinématographique reste une source de profit importante pour l’économie britannique. Selon un communiqué de presse du de l’"UK Film Concil", durant l’année 2006, 840,1 millions de livres ont été dépensées pour la réalisation de films.


title: Cinéma britannique

text: L’acteur anglais Daniel Craig est devenu le nouveau James Bond avec "Casino Royale" (2006) de Martin Campbell, le de la série du producteur officiel de la série c’est-à-dire EON. Le film fut nommé pour neuf récompenses de la BAFTA, ce qui constitue la plus grande reconnaissance jamais obtenue par un James Bond.


title: Cinéma britannique

text: Les acteurs et actrices britanniques ont toujours occupé une place importante dans le cinéma international. Dans la moisson actuelle de jeunes acteurs, on trouve Catherine Zeta-Jones, Clive Owen, Rachel Weisz, Emma Watson, Paul Bettany, Kate Winslet, Ewan McGregor, Kate Beckinsale, Hugh Grant, Colin Firth, Jude Law, Daniel Radcliffe, Keira Knightley, Ralph Fiennes, Orlando Bloom, Tilda Swinton, Daniel Day-Lewis et Rhys Ifans.


title: Manto fille de Tirésias

text: Dans la mythologie grecque, Manto est la fille du célèbre devin de Thèbes Tirésias qu'Ulysse alla consulter dans l'au-delà de la vie. Lorsque Thèbes capitula devant les Épigones, elle fut emmenée à Delphes auprès d'Apollon. Certain qu'elle avait hérité des dons exceptionnels de son père, le dieu lui confia un de ses propres oracles, à Claros, en Asie Mineure. Elle conçut Mopsos de sa liaison avec le dieu.


title: Manto fille de Tirésias

text: Selon Virgile, elle aurait donné son nom à la ville italienne de Mantoue (en italien "Mantova").


title: Liste des communes de la province de Malaga

text: Liste des 101 communes de la province de Malaga, dans la communauté autonome d'Andalousie (Espagne) :


title: Parti démocrate - demokraci.pl

text: Le Parti démocrate (en polonais, "Partia Demokratyczna", PD, également demokraci.pl) est un ancien parti politique polonais de centre gauche, fondé le qui regroupait des membres n'ayant pas rejoint la Plateforme civique de l'ancienne Union pour la liberté (UW), dont il assure la continuité juridique, et d'anciens membres de l'Alliance de la gauche démocratique (SLD). Il est dissous le et remplacé par l'Union des démocrates européens.


title: Parti démocrate - demokraci.pl

text: Le Parti démocrate est fondé à l'initiative de Władysław Frasyniuk, alors président de l'Union pour la liberté, ainsi que par Jerzy Hausner, Tadeusz Mazowiecki et . Annoncée en , la création officielle intervient le suivant. Le Parti est alors rejoint par Marek Belka, Premier ministre, ancien membre de l'Alliance de la gauche démocratique (SLD).


title: Parti démocrate - demokraci.pl

text: En , il rejoint la coalition Gauche et démocrates avec trois autres partis sociaux-démocrates. Lors des élections parlementaires du 21 octobre 2007, la coalition décroche la troisième place et le Parti démocrate obtient trois sièges à la Diète. Après la dissolution de la coalition en , les trois députés forment leur propre groupe parlementaire.


title: Parti démocrate - demokraci.pl

text: Pour les élections européennes de 2014, il choisit de s'associer à la coalition de centre gauche Europa plus Twój Ruch (Europe Plus Ton mouvement), qui ne réunit finalement que voix, soit 3,57 % des votants au niveau national.


title: Parti démocrate - demokraci.pl

text: En 2015, il soutient à la présidentielle la candidature du président sortant Bronisław Komorowski, battu par le candidat de droite Andrzej Duda. Lors des élections parlementaires, aucun de ses candidats - présents sur des listes de gauche ou de centre gauche - n'est élu.


title: Parti démocrate - demokraci.pl

text: En , le Parti démocrate décide de fusionner avec l' (Stowarzyszenie “Europejscy Demokraci”), constituée par des dissidents de la Plateforme civique comme Jacek Protasiewicz, , Michał Kamiński, Stefan Niesiołowski pour devenir l'Union des démocrates européens.


title: École autrichienne (économie)

text: L’école autrichienne d’économie est une école de pensée économique hétérodoxe. Elle se fonde sur l'individualisme méthodologique et rejette l'intervention de l’État. Elle s'oppose à l’application à l’économie des méthodes employées par les sciences naturelles. Ses partisans défendent des idées très libérales en matière économique et plus généralement d’organisation de la société.


title: École autrichienne (économie)

text: On la fait généralement débuter en 1871 avec la publication par Carl Menger de ses "Principes d'économie". Ses principaux représentants sont Carl Menger, Eugen von Böhm-Bawerk, Ludwig von Mises, Friedrich Hayek, Murray Rothbard et Jesús Huerta de Soto. L'expression « école autrichienne » a été utilisée pour la première fois vers 1870 par les économistes allemands de l'école historique, comme expression de mépris envers les thèses de Carl Menger, opposées aux leurs.


title: École autrichienne (économie)

text: On considère habituellement que la tradition autrichienne est issue de Carl Menger, généralement associé à Léon Walras et William Stanley Jevons dans l’invention du marginalisme. En réalité, ces trois auteurs ont soutenu des positions différentes sur de nombreux sujets, et sont à l’origine de trois écoles de pensée distinctes. L'école autrichienne découle ainsi spécifiquement des idées de Menger et elle prend corps progressivement, sous le nom d'école de Vienne ou d'« école psychologique ».


title: École autrichienne (économie)

text: La tradition autrichienne se rattache à une tradition ancienne qui passe par les scolastiques espagnols du (École de Salamanque) et les économistes classiques français comme Jean-Baptiste Say ou Frédéric Bastiat.


title: École autrichienne (économie)

text: Sous l’impulsion de Carl Menger et de ses deux premiers disciples Eugen von Böhm-Bawerk et Friedrich von Wieser, la tradition économique autrichienne connaît un essor remarquable dans les trois premières décennies du vingtième siècle, pour se diviser ensuite en plusieurs courants.


title: École autrichienne (économie)

text: Wieser s’oriente rapidement vers un rapprochement avec la théorie walrasienne de l’équilibre général, voie sur laquelle le suivront des auteurs comme Schumpeter et Hayek qui fut son étudiant avant de travailler pour Mises à l"'Institut für Konjunkturforschung" (« Institut de Recherches sur la Conjoncture » devenu institut allemand pour la recherche économique) que celui-ci avait créé.


title: École autrichienne (économie)

text: Puis, fuyant la montée du nazisme dans les années trente, les économistes autrichiens trouvent refuge dans le monde anglo-saxon, et beaucoup se rapprochent plus ou moins des thèses dominantes dans les pays d’accueil, principalement la Grande Bretagne et les États-Unis.


title: École autrichienne (économie)

text: D’autres, au premier rang desquels Ludwig von Mises, restent fidèles à la pensée de Carl Menger en ce qu’elle se distingue de celle de Jevons et Walras, et ont des disciples locaux fidèles qui assurent la persistance jusqu’à nos jours d’une école autrichienne spécifique.


title: École autrichienne (économie)

text: L’école autrichienne s’est développée à travers un certain nombre de controverses portant sur la nature même de la discipline économique. La première de ces controverses connue sous le nom de Methodenstreit, oppose Menger à l’École historique allemande menée par Gustav von Schmoller, qui soutient qu’il n’existe pas de lois générales des phénomènes économiques. Sur l’autre aile, elle se double d’une opposition permanente à Léon Walras et aux néoclassiques, inaugurée par Menger et poursuivie par Böhm-Bawerk et Mises. La troisième, lancée par Menger contre la conception objective de la valeur, se prolonge contre Marx et le socialisme avec Böhm-Bawerk, Mises et Hayek. Enfin la quatrième, contre Keynes et les macro-économistes, est lancée par Mises et développée par Hayek. Ces controverses sont encore vivaces et mettent la tradition autrichienne en conflit avec presque toutes les autres écoles de la pensée économique contemporaine.


title: École autrichienne (économie)

text: L'école autrichienne développe également une conception subjective de la valeur et l'importance du marché comme révélateur des préférences individuelles et régulateur de la société.


title: École autrichienne (économie)

text: Les économistes autrichiens fondent leurs analyses sur une prise en compte des limitations cognitives inhérentes aux agents économiques.


title: École autrichienne (économie)

text: Surtout connue pour ses positions politiques libérales, qui condamnent l'intervention de l’État dans l’économie, l’école autrichienne se caractérise en réalité principalement par ses positions épistémologiques et méthodologiques concernant la nature de la discipline économique.


title: École autrichienne (économie)

text: La matière qu’étudie l’économie est faite de phénomènes sociaux complexes résultant de l’action des êtres humains, qui consiste à mettre en œuvre des moyens pour atteindre des fins, les relations entre fins et moyens aussi bien que les fins elles-mêmes étant établies par chaque individu et faisant intervenir son libre arbitre et sa raison.


title: École autrichienne (économie)

text: L’école autrichienne affiche donc une conception du jugement de valeur comme "acte de la pensée", ce qui a conduit à la qualifier de « subjectiviste ». La valeur d’un objet singulier — et non pas d'une classe d'objets — est le "jugement" qu’un être pensant porte sur la capacité de cet objet à "servir ses projets", et c'est là son seul lien avec les attributs matériels de la chose. La valeur ne se prête donc à aucune mesure ni comparaison, ni addition entre les individus, réalité que d'autres économistes reconnaissent verbalement, mais sans en tirer toutes les conséquences. Elle varie suivant les projets, les personnes qui forment ces projets et la disponibilité des substituts.


title: École autrichienne (économie)

text: Chaque acte économique a un très grand nombre d’effets, et chaque phénomène économique observable résulte de la conjonction des effets d’un très grand nombre de causes. Il en résulte que l’économie est une discipline différente des sciences physiques : l’expérimentation y est impossible, mais l'introspection nous permet de connaître directement les faits fondamentaux de l'action, dont découlent la plupart des lois économiques : seule la complexité de leurs interactions fait donc obstacle à l’analyse.


title: École autrichienne (économie)

text: Pour les économistes autrichiens, la méthode de raisonnement applicable à l’économie est donc de partir de notre connaissance de nous-mêmes en tant qu’êtres humains agissants pour en dériver par simple déduction logique les lois qui régissent les phénomènes. Cette méthode « a priori » soutenue par la logique, est semblable à celle des mathématiques. Elle s’oppose à la méthode expérimentale ou hypothético-déductive des sciences physiques (dualisme méthodologique).


title: École autrichienne (économie)

text: Par exemple, la proposition « l’homme agit » est incontestablement vraie puisque nier que l’homme agit serait déjà une action (contradiction performative ou pratique). Dans "L’Action humaine", Mises montre que cet « axiome de l’action » implique nécessairement les catégories de fin, de moyen, de causalité, d’incertitude, de préférence temporelle, et, de proche en proche, de valeur, de coût, d’intérêt, etc., et engendre enfin toute la théorie économique.


title: École autrichienne (économie)

text: Mais ces lois économiques sont purement qualitatives et décrivent les effets d’une cause prise isolément. Les phénomènes concrets, qui résultent de la conjonction d’une infinité de causes indépendantes, sont essentiellement imprévisibles. En particulier, le raisonnement mathématique leur est inapplicable.


title: École autrichienne (économie)

text: Cette conception est appelée « réalisme abstrait » : abstrait car elle prend en compte les caractéristiques des êtres humains réels et de leurs actions une par une et non dans leur ensemble ; réaliste parce que les caractéristiques retenues sont effectivement présentes chez les humains réels, contrairement aux hypothèses constitutives de l’homo œconomicus de la théorie néoclassique.  Pour les « autrichiens », une explication d’un phénomène économique n’est valide que si elle rattache logiquement ce phénomène à ses causes ultimes, qui sont par définition les choix volontaires d’êtres pensants (individualisme méthodologique). La tradition autrichienne récuse donc la distinction entre microéconomie et macroéconomie : elle reconnaît comme contradictoires et tient pour dépourvus d'intérêt les agrégats comme le niveau général des prix, le taux d’inflation ou le produit intérieur brut, ainsi bien sûr que les relations fonctionnelles postulées entre ces statistiques.


title: École autrichienne (économie)

text: L’école autrichienne étudie les processus de changement en plus des tendances à l'ajustement, considérant les états d’« équilibre » comme des constructions imaginaires utiles au raisonnement, notamment pour dégager les effets de l'incertitude, mais irréalisables et même impensables et naturellement incapables de justifier aucune norme. Ses apports originaux se situent principalement dans les domaines où elle se sépare de l’économie néoclassique, c’est-à-dire ceux où le passage du temps, l’incertitude, les limitations intrinsèques de l’esprit humain et son libre arbitre jouent un rôle crucial, en particulier :


title: École autrichienne (économie)

text: Il faut néanmoins se garder de voir ces apports comme de simples variantes ou des compléments par rapport aux autres théories, en oubliant que la tradition autrichienne repose sur des bases épistémologiques différentes, qui impliquent des incompatibilités et des contestations radicales.


title: École autrichienne (économie)

text: À titre d'exemple, voici un résumé de la théorie autrichienne des cycles économiques, qui repose sur les conceptions autrichiennes du capital, de l’entrepreneur, de la valeur, du marché et de l’intérêt, illustre le mode de raisonnement des économistes autrichiens, et conduit à des préconisations radicalement opposées à celles de l’économie « orthodoxe ».


title: École autrichienne (économie)

text: Dans la conception autrichienne, le capital est un ensemble structuré de biens utilisés dans les processus de production et non une masse homogène résumée par un équivalent monétaire macroscopique. À chaque processus de production est associé un ensemble de biens capitaux particuliers, et chaque bien capital occupe une place particulière dans le processus de production. La liste des biens et la population des producteurs ne sont pas exogènes ; leur formation et leur évolution sont des sujets fondamentaux de la théorie économique.


title: École autrichienne (économie)

text: Une entreprise est un assemblage spécifique de moyens de production, notamment de biens capitaux, pour produire des biens ou services spécifiques. Ces assemblages n’existent pas a priori mais doivent être construits par des agents économiques. Créer et faire fonctionner de tels assemblages constitue la fonction d’entrepreneur. Cette fonction est distincte à la fois de celle de fournisseur de travail et de celle de fournisseur de capitaux (avec lesquelles elle peut se combiner).


title: École autrichienne (économie)

text: Pour comparer des plans d’actions alternatifs, l’entrepreneur utilise un outil appelé « calcul économique », qui consiste essentiellement à estimer la différence entre les revenus tirés de la production et le coût des ressources utilisées dans cette production, la différence constituant le profit de l’entrepreneur. Ce calcul utilise les prix de marché observés ou prévus. Il peut être effectué "ex ante" pour établir les plans d’action de l’entreprise ou "ex post" pour en estimer les effets réels, cette utilisation "ex post" étant la base de la comptabilité.


title: École autrichienne (économie)

text: Si les prix résultent du libre fonctionnement du marché, la théorie autrichienne considère qu’ils représentent correctement la valeur que la société attache aux différents biens. Le profit de l’entrepreneur est alors un indicateur de la valeur que la société attache à l’activité de l’entreprise, en même temps que la rémunération de l’activité propre de l’entrepreneur.


title: École autrichienne (économie)

text: Les entrepreneurs vont normalement lancer tous les projets dont la rentabilité prévisionnelle est supérieure au taux d’intérêt du marché, et notamment procéder aux investissements nécessaires, complétant ainsi la structure du capital par l’acquisition de moyens de production plus ou moins spécifiques.


title: École autrichienne (économie)

text: Or l’entrepreneur ne peut prévoir ni le comportement futur des consommateurs, ni celui des autres producteurs, qui sont soumis à une incertitude radicale non probabilisable. Les résultats réels peuvent donc être différents des résultats attendus, et le profit attendu peut ne pas se matérialiser. Dans un marché libre, cela indique que les consommateurs préfèrent les biens consommés par cette production aux biens qui en résultent. L’assemblage spécifique de moyens de production qui constitue l’entreprise doit alors être défait et les moyens, en particulier le personnel, rendus disponibles pour d’autres usages dans la mesure du possible.


title: École autrichienne (économie)

text: Dans le cas normal, les conséquences de cet échec sont limitées à l’entreprise, à son environnement immédiat et au marché des biens concernés. Pour qu’il y ait crise généralisée, il faut que les calculs de tous les entrepreneurs soient faussés, ce qui ne peut résulter que de manipulations de la monnaie et/ou des taux d’intérêt qui servent de référence aux calculs de tous.


title: École autrichienne (économie)

text: Dans la théorie autrichienne, les taux d’intérêt observés sur le marché ont plusieurs composantes, dont le « taux originaire » qui traduit la préférence pour le présent des agents, c'est-à-dire leur propension à consommer aujourd’hui plutôt qu’à l’avenir. Un taux faible indique une faible préférence pour le présent, c'est-à-dire à la fois une forte tendance à épargner et l’intention de consommer beaucoup dans le futur.


title: École autrichienne (économie)

text: Dans un marché libre, le taux s’établira à un niveau cohérent avec les intentions réelles des consommateurs. Si le taux d’intérêt est artificiellement maintenu trop bas, soit directement par décision des autorités, soit par création monétaire abondante, les entrepreneurs croient que les consommateurs veulent investir plus que ce qu’ils souhaitent réellement. Ils vont donc engager des projets d’investissements qui ne sont pas justifiés par les intentions réelles des consommateurs, et qui devront donc tôt ou tard être abandonnés. Et comme cette erreur de prévision touche tous les entrepreneurs, l’abandon des projets entraîne une crise généralisée.


title: École autrichienne (économie)

text: Les Autrichiens voient donc les cycles économiques comme formés d’une phase ascendante d’investissements provoqués par des manipulations de la monnaie et de l’intérêt, mais non justifiés par la demande réelle, suivie d’une phase descendante où les investissements réalisés à tort sont obligatoirement abandonnés, entraînant baisse des revenus et chômage, mais nécessaire pour rétablir une structure de capital cohérente avec la demande. Les crises économiques apparaissent ainsi comme la conséquence inévitable des booms artificiels. Ils en déduisent que toute intervention étatique pour empêcher ou retarder la crise est contre-productive, et que le seul moyen d’empêcher les crises est de ne pas créer de boom artificiel par la manipulation des taux d’intérêt et de la monnaie. Ils recommandent notamment de laisser le marché fixer librement les taux d’intérêt.


title: École autrichienne (économie)

text: Sur les moyens de limiter la création monétaire, les économistes de la tradition autrichienne se divisent en deux camps. Outre les taux de change flottants, les uns recommandent le régime de l’étalon-or et la limitation des crédits consentis par les banques au montant de leurs actifs. Les autres recommandent le système de la banque libre, considérant que des banques libres de leurs décisions mais supportant pleinement les conséquences de leurs actions, concurrentes entre elles pour l’émission et le maintien en circulation de signes monétaires et sans possibilité de recours à une banque centrale, seraient obligées par leurs clients et par la concurrence de maintenir un taux de réserve relativement élevé qui les garantirait contre le risque.


title: École autrichienne (économie)

text: Les autrichiens soutiennent que les interventions de l'État en économie n'ont que des effets destructeurs. Ils insistent sur la probabilité qu'une politique publique ait un effet contraire à l'intention des décideurs. Les autrichiens sont donc économiquement libéraux.


title: École autrichienne (économie)

text: Ludwig von Mises, en particulier, met en lumière le caractère illusoire de la plupart des propositions étatistes, tandis que Friedrich Hayek souligne le caractère totalitaire pour les libertés individuelles des actions publiques.


title: École autrichienne (économie)

text: L'économie autrichienne a fait l'objet de critiques et de débats parmi les économistes. Les débats ont principalement eu lieu dans les années 1970, lorsque les travaux des autrichiens sont redécouverts.


title: Lauryn Hill

text: Lauryn Hill, née le à East Orange, dans le New Jersey, est une auteure-compositrice-interprète de hip-hop et de RnB. Elle est principalement connue pour avoir été membre du groupe Fugees.


title: Lauryn Hill

text: Élevée à South Orange (New Jersey), elle commence à chanter avec sa famille. Elle jouit du succès en tant que chanteuse à son jeune âge , participant fréquemment à un soap opera appelé ' et dans le film "Sister Act 2". Au lycée, elle fait la rencontre de Pras Michel avec qui elle démarre un groupe que rejoint par la suite son ami, Wyclef Jean. Ils se renomment les Fugees et publient deux albums, ' en 1994 et " en 1996. Ce dernier se vendra à plus de 6 millions d'exemplaires aux États-Unis.


title: Lauryn Hill

text: ', publié en 1998, est, en date, le seul album solo de la chanteuse. Elle y conte sa vie dans le genre neo soul. L'album est très bien accueilli par la presse spécialisée et atteint la première place du classement ' 200, se vendant aux États-Unis à plus de 8 millions d'exemplaires. Il contient les singles ' (aussi classé premier), ', et ". Elle remporte grâce à l'album cinq prix à la des Grammy Awards.


title: Lauryn Hill

text: Peu après, Lauryn Hill est de plus en plus populaire dû à son succès, continue les scènes, les interviews et les chansons. Son dernier album, le live " publié en 2002, divise la presse spécialisée et se vend faiblement comparé au premier. La chanteuse apparaît ensuite de temps à autre en tournée.