text: Sous Pierre de Médicis, fils de Cosme, le goût pour l'« intellectuel » s'accentue. Les œuvres publiques sont plutôt orientées vers la collection d'objets précieux et souvent de petite taille, recherchés plutôt pour leur valeur intrinsèque que pour leur rareté, démontrant le prestige social.


title: Renaissance florentine dans les arts figuratifs

text: Pierre de Médicis gouverne Florence pendant cinq ans (1464-1469). Il reprend les modes raffinés des cours aristocratiques imitées par émulation par l'aristocratie citadine.


text: L'œuvre emblématique de son époque est l'ensemble des fresques couvrant les parois de la "Chapelle des Mages" de Benozzo Gozzoli, la chapelle privée du palais Médicis (1459), décorée à son initiative. Dans le fastueux cortège des mages figurent les membres de la famille Médicis et leurs partisans transportés dans l'épisode sacré dans lequel le mythe devient prétexte pour représenter la scintillante société bourgeoise de l'époque.


text: Pierre de Médicis est un homme pieux. En 1448, il fait construire par Michelozzo le "Tabernacle du Crucifix" de San Miniato al Monte. Vers 1450, il confie à Michelozzo et à Luca della Robbia la réalisation de son studiolo, détruit en 1659. Il est aussi un grand bibliophile : Le Filarete nous apprend qu’il regardait ses livres « comme si c'était un tas d'or. » C'est également un lettré, comme son père, le protecteur de Marsile Ficin.


text: Les sculpteurs s'inspirent souvent du principe de "Copia et Varietas" théorisé par Alberti, c'est-à-dire la reproduction de modèles analogues avec de légères modifications et évolutions de façon à satisfaire le goût par un effet de mode des donateurs. Dans ce domaine, l'évolution des monuments funéraires est exemplaire, à partir du monument funéraire de Leonardo Bruni de Bernardo Rossellino (1446-1450), en passant par celui de Carlo Marsuppini de Desiderio da Settignano (1450-1450) jusqu'à celui de Piero et Giovanni de' Medici de Andrea del Verrocchio (1472). Dans ces œuvres, en partant du modèle commun "Arcosolium", on arrive à des résultats toujours plus raffinés et précieux. Une des œuvres les plus significatives de cette époque est la chapelle du Cardinal du Portugal à San Miniato al Monte, une célébration de Jaime de Portugal, mort à Florence en 1458, et de sa maison royale. La chapelle est un exemple du goût typique de Florence du milieu du caractérisé par la diversité des matériaux, des techniques, des méthodes d'expression et des références culturelles. L'ensemble concourt à la création d'un effet élégant et finement mis en scène. L'architecture est à forme de croix grecque, dont chaque bras comporte une décoration différente. L'ensemble est unifié par une frise continue comportant les armes de la royauté du Portugal et par l'emploi de revêtement en porphyre et serpentine. Toutes les surfaces sont décorées, depuis le pavement en cosmates jusqu'à la voûte en arc-de-cloître avec des "terrecotte invetriate" de Luca della Robbia.


text: Le summum se situe à l'Est où se trouve le tombeau du cardinal sculpté par Antonio et Bernardo Rossellino. L'espace, théâtral, est complété par un rideau tenu de chaque côté du grand arc par deux anges peints. Chaque décoration concourt à la mise en scène du « triomphe de l'au-delà » du cardinal. Le style général est caractérisé par la richesse des figures et par leur attitude tout en souplesse qui créent une élégante animation, jamais expérimentée jusque-là. Le modelé des sculptures est très sensible, créant des effets illusionnistes, loin de la recherche rationnelle qui avait animé les artistes de la Renaissance de la première génération. Le bas-relief du soubassement comporte un des plus anciens témoignages de mythes antiques réutilisés dans la doctrine néoplatonicienne et chrétienne : le thème de la tauromachie d’ascendance mithraïste, symbole de résurrection et de force morale, l'aurige sur le char (symbole néoplatonicienne de la pensée qui guide l'âme et domine les passions), les licornes qui s'affrontent (symbole de virginité) et les génies assis sur des têtes léonines (symbole de force). Au centre, au-dessus de la guirlande se trouve un crâne entouré de chaque côté d'un lys et d'une palme, symboles de pureté et de l'immortalité de l'âme. L'ensemble symbolique fait allusion aux vertus morales du jeune prélat, à la victoire sur les passions et à l'ascèse.


text: Fra Angelico fait partie des premiers suiveurs de Masaccio et, dans sa phase de maturité, il joue un rôle important dans l'art florentin. Sa culture de tradition thomiste dominicaine l'incite à conforter les avancées de la Renaissance, surtout l'usage de la perspective et le réalisme avec les valeurs du monde médiéval comme la fonction didactique de l'art. Au cours des années 1440, sa production s'oriente vers la « peinture de lumière » influencée en cela par Domenico Veneziano, avec l'utilisation rationnelle de sources lumineuses qui arrangent et unifient tous les éléments de la scène.


text: Parmi les exemples figure "Le Couronnement de la Vierge" du musée du Louvre avec sa prédelle, où les rythmes et les symétries typiquement gothiques sont actualisés par une puissante composition spatiale et par une couleur vive, riche en rehauts et en ombres qui donnent du volume et qui mettent en valeur les matériaux avec sensibilité. Son intérêt pour le rendu des phénomènes lumineux porte Fra Angelico vers sa phase de maturité à abandonner l'illumination indistincte et générique en faveur d'un rendu de lumières et ombres attentif et rationnel où chaque surface est associée à son "lustre" spécifique.


text: Sa décoration du couvent San Marco, financée par Cosme de Médicis, qui débute en 1436 et perdure jusqu'aux années 1450, est une œuvre importante pour la Renaissance florentine. Fra Angelico et son atelier sont les auteurs d'un cycle de fresques qui devait être source de méditation et de prière pour les moines. Les scènes destinées aux cellules des moines montrent saint Dominique qui, par son attitude, sert d’exemple au comportement à assumer devant chaque épisode : méditation, compassion, humilité, prostration, etc..


text: Parmi les fresques réalisées pour les zones communes du couvent, "La Madone des ombres" se détache par son originalité. Elle est peinte dans le couloir étroit du premier étage éclairée, au fond à gauche, par la lumière provenant d'une petite fenêtre. Même dans le tableau, Beato Angelico cherche à utiliser cette même source d'éclairage, avec l'ombre des chapiteaux peints qui se profile en longueur sur le crépi, tandis que sur la droite, les saints ont le reflet de la fenêtre dans les yeux.


text: Domenico Veneziano fait partie des premiers artistes florentins qui ont assimilé les caractéristiques de la peinture nordique, en particulier de la peinture flamande, particulièrement en vogue à l'époque et qui suscite un intérêt certain auprès des collectionneurs, car elle répond au goût de "Varietas" alors dominant.


text: La formation de l'artiste est incertaine (Venise ? Mais plus probablement Florence même), mais il acquiert toutes les bases disponibles en Italie. Une première preuve, commissionnée par Pierre de Médicis est le tondo de "L'Adoration des mages" (1438-1441), où à l'élégance et à la sainteté de style du Gothique international, il ajoute de l'espace et du volume qui uniformisent la vue des menus détails du premier plan jusqu'au paysage du fond. L'œuvre a dû plaire au donneur d'ordre, car au cours des années suivantes Domenico est engagé pour la décoration de l'église Sant'Egidio. Le cycle de fresques auquel ont aussi participé Andrea del Castagno, Alesso Baldovinetti et le jeune Piero della Francesca est perdu. Pendant ces années, Domenico Veneziano développe une palette de tons clairs qui semblent imprégnés de lumière pâle.


text: Son chef-d'œuvre, le "Retable de Santa Lucia dei Magnoli" (1445-1447), met en évidence la pleine maîtrise des règles de la perspective linéaire dans ce tableau à trois points de fuite. L'élément dominant de la peinture est néanmoins le jeu de lumières qui tombent du haut, définissant les volumes des personnages et de l'architecture, réduisant au minimum les suggestions linéaires : le profil de sainte Lucie, par exemple, se détache en douceur de la ligne de contour grâce au contraste de la lueur sur l'arrière-plan de couleur verte.


text: Fra Filippo Lippi est d'abord influencé par Lorenzo Monaco et surtout Masaccio. Il maitrise ainsi les expressions et les postures des personnages et met en pratique les recherches de Filippo Brunelleschi sur la perspective. Plus tard, la peinture flamande et Fra Angelico exercent, à leur tour, une influence sur son style.


text: Après un séjour à Padoue, il rentre à Florence en 1437 et peint la "Vierge de Tarquinia", où son attention est portée sur les volumes, inspirés par Masaccio, les effets de lumière et le paysage qui est représenté avec minutie. L'artiste s'est inspiré aussi des maîtres flamands, comme on peut le voir dans les détails à travers la fenêtre sur la gauche, la présence d'objets précieux et le cartellino à la base du trône.


text: Son art s'oriente graduellement vers la ligne, comme dans la "Pala Barbadori" (1438), où l'unité de la scène est le fruit de l'évolution rythmique des contours. La lumière semble envelopper les figures à partir du dessin dans un chiaroscuro qui restitue le relief de manière plus atténuée.


text: Les fresques "Vies de saint Étienne et de saint Jean-Baptiste" au Duomo de Prato (1452-1464) marquent un tournant dans la carrière de Fra Filippo Lippi. Dans ces scènes, les figures humaines et leur dynamisme dominent la représentation avec des aperçus profonds des architectures construites à partir de plusieurs points de fuite. Les histoires racontées sont fluides et restituent fidèlement la vérité humaine des personnages.


text: Fra Filippo Lippi a une grande influence sur les artistes florentins, mettant l'accent sur la recherche des poses et la prédominance du contour. À ce courant dominant s'oppose minoritairement celui qui cherche l'harmonie entre les couleurs limpides et les volumes purs, proposé par Domenico Veneziano, dont le succès se situe surtout en Ombrie et dans les Marches.


text: Andrea del Castagno, proche de Masaccio par la puissance du modèle, développe un style rigoureux fondé sur un contraste accentué et un rendu plus dramatique par l'utilisation de teintes très contrastées. Ses personnages sont réalistes et les attitudes parfois exaspérées atteignent l’expressionnisme.


text: Son travail le plus représentatif est la peinture à fresque du Cenacolo di Sant'Apollonia à Florence et particulièrement de la "Cène", avec des figures bien délimités par un net contour, mises en relief par une froide illumination latérale. La partie supérieure du cycle contient la "Déposition", la "Crucifixion" et la "Résurrection", qui malgré leur mauvais état de conservation mettent en évidence des épisodes à l'ambiance très expressive, allant à l'encontre de l'image courante diffusée par Vasari « d'un artiste incapable de tendresse qui par son chromatisme sombre rendait les œuvres plutôt "crues et âpres" ».


text: Dans les œuvres suivantes, comme dans la "Trinité et Saints", il accentue les valeurs expressives par le raccourci de la croix et le réalisme des figures. Son style, peu apprécié à Florence où le goût dominant préfère l'harmonie des teintes claires, constitue la souche de l'école de Ferrare.


text: À Florence, Leon Battista Alberti travaille surtout comme architecte pour le riche marchand Giovanni Rucellai. À la différence de Brunelleschi, Alberti n'aborde pas l'architecture en praticien, mais en chercheur et en théoricien. Alberti a une conception particulière de l'architecture fondée sur une activité purement intellectuelle destinée à la création du projet sans assurer une présence constante sur le chantier. Pour lui, il s'agit d'une « philosophie pratique » nourrie par un ensemble d’expériences littéraires, philosophiques, artistiques qui aboutit à des méditations sur l'éthique et l’esthétique.


text: À partir de 1447, il termine le palais Rucellai, la façade de Santa Maria Novella (1456) et enfin le tempietto del Santo Sepolcro. Il s'agit d'interventions toujours partielles qu'Alberti minimise en le définissant comme « décor pariétal ». Au palais Rucellai, il unifie divers édifices existants, se concentrant surtout sur la façade composée d'une grille d'éléments horizontaux et verticaux entre lesquels sont insérées les fenêtres. À partir d'éléments classiques comme les portails, corniches, chapiteaux, il réalise des éléments de tradition médiévale comme le bugnato et les fenêtres géminées aboutissant à un résultat esthétique varié et élégant, grâce à la variation de la lumière entre les zones claires et lisses des lesene et celles sombres des ouvertures et des sillons du bugnato.


text: À Santa Maria Novella, la façade reste inachevée depuis 1365, son avancement arrive jusqu'au premier ordre d'arcades avec certains éléments comme le rosace déjà définis. Alberti cherche à intégrer la partie ancienne à la nouvelle en poursuivant la décoration en marqueterie en marbre bichrome et en laissant les petites arcades inférieures en y insérant au centre un portail classique dérivé de celui du Panthéon), avec des motifs pilier-colonne sur les côtés. La zone supérieure est séparée de la zone inférieure par une corniche parcourue par une bande à marqueteries de forme carrée. Les deux volutes latérales remplissent la fonction de raccord. L'ensemble est régi par le principe de la composition modulaire fondé sur l'utilisation du carré et de ses multiples, mitigé par quelques asymétries comme le décentrage de certains éléments verticaux et des marqueteries de l'attique.


text: Même pour le "tempietto del Santo Sepolcro", monument funèbre de Giovanni Rucellai, Alberti utilise la marqueterie en marbre blanc et vert de la tradition romane florentine en créant une structure classique dont les dimensions sont dérivées du nombre d'or.


text: Le décalage qui se crée entre les artistes du premier humanisme et ceux de la nouvelle génération orientés vers un goût artistique varié et décoré devient évident quand Donatello revient, après une dizaine d'années de son séjour à Padoue en 1453. Sa poignante "Madeleine pénitente" (1453-1455), d'un réalisme rugueux et défigurée par l'ascèse et la vieillesse, ne pourrait être plus démodée par rapport à "celle" contemporaine de Desiderio da Settignano centrée sur le naturalisme et l’esthétique.


text: Donatello se retrouve ainsi isolé à Florence et reçoit sa dernière commande, les deux chaires de la basilique San Lorenzo, grâce à l'intervention de Cosme de Médicis. Dans la "Chaire de la Passion" (1460-1466), les scènes comme le "Compianto e deposizione", l'artiste ignore des règles de la perspective, de l'ordre et de l'harmonie. Il est difficile de distinguer les personnages principaux dans la masse de personnages. La composition coupe des parties de la scène, comme les voleurs sur la croix, dont seuls les pieds sont visibles, donnant la sensation d'un espace indéterminé, amplifiant avec le déséquilibre le "pathos" dramatique de la scène.


text: Le "Quattrocento" voit une évolution importante de l'image de l'artiste. La figure de l'artisan manuel qui produit des « objets » sur commande évolue vers une conception plus intellectuelle aspirant à faire partie des "arti liberali". Les écrits sur la théorie de Leon Battista Alberti jouent un rôle fondamental. Déjà, dans "De pictura", il trace le portrait de l'artiste cultivé, lettré, habile en technique qui maîtrise toutes les phases du travail, depuis l’idéalisation jusqu'à la réalisation manuelle. Le portrait décrit par Alberti est néanmoins idéalisé et ne sera véritablement effectif qu'au avec la dichotomie entre artiste et artisan et la distinction entre Arts majeurs et mineurs qui au "Quattrocento" étaient encore méconnus.


text: La cellule de base de la production artistique est la " (atelier), qui est en même temps le lieu de production, de commerce et de formation. Le parcours du maître débute précisément de l'atelier où l'on entre apprenti très jeune, entre treize et quinze ans, en contact de manière pratique avec les bases du métier, partant des plus humbles comme le nettoyage et le rangement des outils, puis progressivement pour prendre part à la création et la réalisation des œuvres. La pratique du dessin est primordiale quel que soit l'art choisi. La préparation théorique se limite à quelques notions fondamentales de mathématique et de géométrie. Les processus complexes comme la perspective linéaire étaient appris de manière empirique, sans connaître les principes théoriques.


text: Les " s'occupent de deux types de production :


text: Dans ce cas, les produits sont souvent des copies d'œuvres originales connues. Mêmes les pièces plus innovantes finissent par rentrer dans le catalogue commun et sont ainsi reproduites. Les motifs sont repris et revisités, toutes disciplines confondues, et il est fréquent de retrouver les modèles indistinctement en peinture, sculpture, architecture et orfèvrerie, comme la reproduction en miniature de la lanterne de Santa Maria del Fiore dans la "Croce del Tesoro di San Giovanni" au Museo dell'Opera del Duomo de Florence ainsi que dans les reliquaires, candélabres et ostensoirs.


text: La fin du voit un ralentissement du processus innovatif, le goût prend des formes plus variées par rapport à la rigueur du début.


text: Dans la sculpture, Benedetto da Maiano, interprète de la mesure, entre idéalisation, naturalisme et virtuosité, est l'auteur d'une série de bustes aux lignes souples et riches de détails descriptifs. Dans la peinture, Domenico Ghirlandaio ajoute une part de sensibilité et de réalisme.


text: Vers 1472, les "Cronache" de Benedetto Dei répertorient à Florence plus de quarante ateliers de peintres, quarante-quatre orfèvres, plus de cinquante ' (sculpteurs) et plus de quatre-vingts ' (ébénistes). Ce nombre important d'officines s'explique par une demande importante de travaux aussi bien à Florence qu'en provenance d'autres centres de la péninsule. À partir des années 1480, les plus grands maîtres florentins sont sollicités à l'extérieur sur des chantiers de prestige comme la décoration de la Chapelle Sixtine et la réalisation par Verrocchio du monument équestre à Bartolomeo Colleoni à Venise.


text: Pour les artistes de la « troisième génération », la perspective linéaire est une donnée déjà acquise et les recherches s'orientent désormais vers d'autres centres d’intérêts, comme les problèmes dynamiques des masses de figures ou la tension des lignes de contour. Les figures plastiques et isolées, dans un équilibre parfait dans un espace mesurable et immobile laissent désormais la place à des jeux continus de formes en mouvement avec une tension plus forte et une intensité expressive.


text: La production figurative et la diffusion des idées de l'"Accademia neoplatonica", en particulier grâce aux écrits de Marsile Ficin, Cristoforo Landino et Pic de la Mirandole, fait naître, parmi les diverses doctrines, celles qui sont liées à la recherche de l'harmonie et de la beauté comme moyen d'accéder aux formes supérieures d'amour humain ou divin et du bonheur. La tentative de remettre à l'ordre du jour la philosophie classique dans le champ de la religion chrétienne permet en outre une relecture des mythes comme vecteurs porteurs de vérité et témoins d'une harmonie inaccessible. Des scènes mythologiques commencent ainsi à être commandées aux artistes, rentrant dans le champ des sujets privilégiés des arts figuratifs. Le rapport de Laurent le magnifique avec les arts est différent de celui de son grand-père Cosme de Médicis : il privilégie la réalisation d'œuvres publiques. D'un côté, pour Laurent le magnifique, l'art a une importante fonction publique mais tournée vers les États étrangers, comme ambassadeur du prestige culturel de Florence, présentée comme la « nouvelle Athènes ». Pour ce faire, il favorise une diffusion littéraire systématique comme la "Raccolta aragonese" à Alphonse V d'Aragon, sur la poésie toscane à partir du Duecento, ou alors figurative, par l'envoi des meilleurs artistes dans les cours italiennes. Ces actions favorisent le mythe de l’ère laurentienne comme « époque dorée », favorisée par la période de paix qu'il réussit à maintenir jusqu'à sa mort, mais en contrepartie, ces actions sont aussi à l'origine de l'affaiblissement de la vivacité artistique à Florence, favorisant l'essor d'autres centres, en particulier Rome, en tant que foyer de nouveautés.


text: D'autre part, Laurent, par son mécénat, favorise le goût pour les objets riches de signification philosophique établissant une confrontation intense et quotidienne avec les artistes de son cercle vus comme des sommités créatrices de beauté. Cela détermine un langage précieux sophistiqué et érudit dans lequel les significations allégoriques mythologiques, philosophiques et littéraires sont liées de manière complexe, lisibles uniquement par les élites qui possèdent les clefs interprétatives. Cette difficulté fait que de nos jours, certaines significations d'œuvres emblématiques nous échappent. L'art se détache de la vie réelle publique et civile en se focalisant sur les idéaux d'évasion de l'existence quotidienne tendant à l'harmonie et à la sérénité.


text: La référence au seigneur dans les œuvres est fréquente, mais dissimulée derrière des allusions. Dans "Apollon et Daphnis" (1483) du Pérugin, par exemple Daphnis est la version grecque du nom "Laurus" (Laurent). Comme "L'Éducation de Pan" de Luca Signorelli (1490 environ) aborde le thème de l'incarnation du dieu Pan, porteur de paix de la famille Médicis, comme dans les versets récités par les poètes à la cour.


text: La villa de Poggio a Caiano figure parmi les plus importantes réalisations voulues par Laurent de Médicis. Cette villa est commandée vers 1480 à Giuliano da Sangallo. Son piano nobile se développe avec des terrasses sur tous les côtés à partir d'un soubassement entouré par une loggia à arcade continue. Le volume est à base carrée sur deux étages avec un grand salon central dont la hauteur est celle de deux étages avec une voûte en berceau à la place de la traditionnelle cour. La couverture est assurée par un toit simple, dépassant de chaque côté des murs, sans corniche.


text: La façade comporte un tympan d'ordre ionique qui donne accès à une loge-vestibule couverte d'une voûte en berceau dont le plafond est à caissons. À l'intérieur, les pièces sont disposées symétriquement autour du salon.


text: La villa est ouverte vers le jardin grâce à la loggia qui permet de passer graduellement de l'intérieur vers l'extérieur. Cette caractéristique, associée à des techniques anciennes comme la voûte en berceau et les éléments d'ordre ionique, fait de la villa de Poggio a Caiano un modèle pour l'architecture privée des villa qui s'exporte dans d'autres villes, en Vénétie et à Rome.


text: À cette époque, les plus prestigieuses "" de Florence sont celles de Verrocchio et de frères dont le membre le plus reconnu est Antonio, actif aussi bien dans la sculpture, la peinture que les arts graphiques. Celui-ci réalise pour Lorenzo de Médicis le bronzetto à thème classique "Hercule et Antée" (environ 1475), où le motif mythologique est représenté par un jeu de lignes brisées qui s’enchevêtrent, générant des tensions de grande violence.


text: Dans ses œuvres, la recherche sur l'anatomie humaine lui permet d'obtenir une représentation réaliste du mouvement, de la lutte et de la tension aboutissant à des formes nettes et limpides, même dans les menus détails.


text: Sa caractéristique principale est la ligne de contour forte et vibrante qui donne aux figures une tension dynamique qui semble pouvoir éclater à tout moment. Cet effet apparaît dans la tablette "Hercule et Antée" des Offices (1475 environ), dans la "Danse des nus", fresque de la Villa La Gallina ou le "Combat d'hommes nus" (1471-1472).


text: Les frères Pollaiolo sont parmi les premiers à utiliser une base à l'huile aussi bien dans la préparation des supports bois que dans la réalisation des couleurs, obtenant une brillance qui rappelle celle des œuvres flamandes.


text: Andrea del Verrocchio, artiste polyvalent, habile en dessin, orfèvrerie, peinture et sculpture est enclin au naturalisme et à la richesse de l'ornement. Au cours des années 1470, il réalise des œuvres élégantes qui deviennent graduellement monumentales, comme "David", un thème abordé par d'autres artistes illustres, auquel il applique des canons « courtois », à l'effigie d'un jeune fuyant et audacieux laissant transparaître des expressions psychologiques inédites. L'espace qui est occupé de manière complexe sollicite divers points de vue de la part du spectateur. Le doux modelé, les précisions anatomiques et la psychologie de la figure ont probablement influencé Leonardo da Vinci, élève de Verrocchio.


text: Au cours des années 1470, l'atelier polyvalent de Verrocchio est l'un des plus sollicités de Florence, c'est le creuset où se forment de nouveaux talents comme Léonard de Vinci, Sandro Botticelli, Le Pérugin, Lorenzo di Credi et Domenico Ghirlandaio.


text: Sandro Botticelli est fortement lié à la cour Médicis et à son idéal d'harmonie et de beauté. Déjà dans sa première œuvre datée, la "Force" (1470), il montre sa dextérité dans l'emploi raffiné de la couleur et du chiaroscuro dérivé de la leçon de Filippo Lippi, son premier maître, mais chez lui animé par une plus forte solidité et monumentalité, à l'instar de Verrocchio, avec une tension linéaire apprise auprès de Antonio Pollaiolo. Le style de Botticelli est une résultante particulière de toutes ces influences avec la figure qui semble posée à la surface plutôt qu'assise sur le trône raccourci, animée par un jeu de lignes qui en dématérialisent le physique. La caractéristique fondamentale du style de Botticelli est le dessin et l'évidence de la ligne de contour.


text: Les recherches de Botticelli le portent vers l'élaboration d'un style incisif et « viril » avec un détachement progressif du naturel. Dans la "Madone du Magnificat", de 1483-1485, par exemple, il s'adonne à une vraie expérimentation optique avec les figures qui apparaissent comme en reflet sur un miroir convexe et dont les dimensions sont supérieures à celles situées au centre, s'éloignant de fait de l'espace géométrique et rationnel du début du Quattrocento.


text: Le "Printemps" (1478 environ) est probablement son œuvre principale, correspondant parfaitement aux idéaux « laurentiens » où le mythe reflète les vérités morales et le style moderne inspiré de l'antique. La spatialité est à peine évoquée avec la scène située devant un bosquet ombragé où neuf figures sont disposées en demi cercle. La Venus au centre représente l'axe avec deux groupes symétriques sur les côtés avec des rythmes et des pauses rappelant un ondoiement musical. Le motif dominant est la cadence linéaire, liée à la donnée métrique, comme dans les voiles très fins de Grâces, aux volumes souples et la recherche d'un type de beauté idéale et universelle.


text: Les considérations sont identiques pour la "Naissance de Vénus" (environ 1485), probablement "pendant" du "Printemps", caractérisé par une position archaïsante, aux couleurs opaques de la tempera grasse, à la spatialité pratiquement inexistante, un chiaroscuro atténué en faveur à la continuité linéaire qui détermine le sens du mouvement des figures. Déjà apparaissent les premières prémices d'une crise qui se manifeste à Florence à la mort de Laurent le magnifique et l'instauration de la république de Savonarole. Ce virage graduel est déjà visible auprès d'autres artistes comme Filippino Lippi.


text: En 1469, Léonard de Vinci entre dans l'atelier de Verrocchio comme apprenti. À partir des années 1470, il reçoit une série de commandes qui montrent son adhésion au style «  », avec un rendu du détail méticuleux, une exécution picturale souple et une ouverture aux influx flamands comme l"Annonciation" (1472-1475 environ) et la "Madone à l'œillet" (1475-1480). Dans cette dernière œuvre émerge déjà une rapide maturation du style de l'artiste orienté vers une plus grande fusion entre les éléments de l'image, avec des passages lumineux et de clair-obscur plus sensibles et fluides ; en effet, la Vierge émerge d'une pièce en pénombre, en contraste d'un lointain et fantastique paysage qui apparaît par deux fenêtres sur le fond.


text: La rapide maturation du style de Léonard le met en confrontation avec son maître. Dans le passé, une série de sculptures de Verrocchio ont été attribuées au jeune Léonard comme la "Dama col mazzolino" de Verrocchio (1475-1480), dans lequel le tendre rendu du marbre semble évoquer les effets atmosphériques des œuvres picturales de Léonard comme le "Portrait de Ginevra de' Benci" (1475 environ). Les points communs entre ces deux œuvres se retrouvent aussi au niveau iconographique, si l'on considère que le tableau de Léonard était à l'origine de plus grande taille, avec la présence des mains dans la partie inférieure desquelles il reste une étude de mains sur papier dans la collection royale du Château de Windsor.


text: Le "Baptême du Christ" (1475-1478), une œuvre collaborative entre les deux artistes, signe le point de contact le plus proche, néanmoins, en 1482 l’expérience florentine de Léonard prend fin quand, après avoir commencé l"Adoration des mages", il prend ses distances avec les artistes appelés à travailler à la Chapelle Sixtine et déménage à Milan.


text: Domenico Ghirlandaio figure, avec Sandro Botticelli, Cosimo Rosselli et Le Pérugin, parmi les membres de la mission " décidée par Laurent de Médicis afin de se reconcilier avec le pape Sixte IV. Il est envoyé à Rome afin de décorer la chapelle Sixtine.


text: Domenico Ghirlandaio se forme d'abord dans l'atelier d'Alesso Baldovinetti, où il entre en contact de l'art flamand dont le style reste une constante tout au long de son activité, puis probablement dans celui de Verrocchio.


text: À cette spécificité, il ajoute dès ses premières œuvres un attrait pour les compositions sereines et équilibrées ainsi que pour la réalisation de portraits très expressifs du point de vue physionomique et psychologique. De retour de Rome, il enrichit son répertoire par la reproduction de monuments antiques. Toutes ces caractéristiques complétées par sa capacité d'organiser avec ses frères un atelier performant font de lui au cours des années 1480 le principal artiste sollicité par les clients de la haute bourgeoisie florentine. À partir de 1482, il travaille aux "Histoires de saint François" dans la Chapelle Sassetti de la basilique Santa Trinita, puis à partir de 1485 à la Chapelle Tornabuoni dans Santa Maria Novella.


text: Son talent de conteur, la clarté et l'attractivité de son langage sont à l'origine de son succès. Son public ne se trouve pas dans les cercles intellectuels néoplatoniciens, mais parmi la classe de la haute bourgeoisie habituée aux échanges commerciaux et bancaires plutôt qu'à la littérature et la philosophie antique, désireuse de se voir représenter comme participant aux histoires sacrées et peu encline aux frivolités et aux inquiétudes qui traversent l'esprit de peintres comme Botticelli et Filippino Lippi.


text: À la mort du roi Ferdinand de Naples, en 1494, Charles VIII prend le titre de roi de Naples et de Jérusalem et pénètre en Italie. C'est le début de la première guerre d'Italie (1494-1497). Les équilibres régissant le fragile système politique des « » italiennes sont mis à mal, portant à une première vague d'instabilité. À Florence, un soulèvement populaire chasse Pierre de Médicis, fils de Laurent, instaurant une nouvelle république guidée spirituellement par le prêcheur Jérôme Savonarole. En 1496, le moine condamne ouvertement les doctrines néoplatoniciennes et humanistes, exhortant à mettre en œuvre une vigoureuse réforme des us et coutumes dans un sens ascétique. L'exaltation de l'homme et de la beauté est déchue ainsi que toute production et collection de l'« art profane », culminant avec le bûcher des Vanités. Le , Savonarole est excommunié par Alexandre VI et en 1498, le pape l’accuse d’hérésie, de prophétisme, de sédition et d’erreur religieuse et est brûlé sur la place le . Cette exécution renforce l'égarement spirituel et la crise sociale minant pour toujours le système de certitude humaniste qui fonde la première Renaissance.


text: Ces tragiques événements ont des conséquences dans la production artistique aussi bien pour les nouvelles demandes de la part de donneurs d'ordre « pleureurs », suiveurs de Savonarole, que pour la crise religieuse et la nouvelle orientation spirituelle de certains artistes comme Fra Bartolomeo, Michelangelo Buonarroti et Sandro Botticelli qui après avoir rencontré Savonarole, ne peint plus de nus féminins.


text: Les dernières œuvres de Sandro Botticelli sont toutes caractérisées par une ferveur religieuse et témoignent d'une réflexion sur les principes qui ont guidé la précédente activité de l'artiste. Le repli vers des modes du début du Quattrocento met en évidence l'abandon des systèmes figuratifs traditionnels.


text: Le tournant est clairement évident dans l'œuvre allégorique de "La Calomnie d'Apelle" (1496). L'œuvre prétend recréer une peinture perdue du peintre grec Apelle, qui a été créée afin de se défendre d'une accusation injuste et décrite par Lucien de Samosate. Dans une loggia monumentale, un mauvais juge est assis sur le trône conseillé par l"'Ignorance" et le "Soupçon" ; devant lui se trouve la "Rancœur", l'homme en guenilles tient par le bras la "Calomnie", une belle femme richement vêtue se faisant apprêter par la "Séduction" et la "Fourberie". La "Calomnie" traîne d'une main sur le sol le « calomnié » impuissant et de l'autre main empoigne une torche sans flamme symbole de la fausse connaissance. La vieille dame sur la gauche est le "Remords" et la dernière figure de femme est la "Nuda Veritas", dont le regard tourné vers le ciel indique la seule source de Justice. La décoration dense des éléments architecturaux et la frénésie des personnages accentuent le sens dramatique du tableau. L'ensemble recrée une sorte de « tribunal de l'histoire » dont l'accusation semble dirigée contre le monde antique dont on constate amèrement l'absence de justice, une des valeurs fondamentales de la vie civile.


text: Des exemples de régression stylistique sont le "Retable de San Marco" (1488-1490), avec un archaïsant fond doré et "La Nativité mystique" (1501), où les distances spatiales se confondent, les proportions dictées par les hiérarchies choisies et les poses expressives souvent accentuées finissant par paraître non naturelles.


text: Filippino Lippi, fils de Fra Filippo Lippi, fait partie des premiers artistes à manifester dans son style un sentiment de malaise. Présent probablement à la chapelle Sixtine à côté de Botticelli, pendant son séjour, il enrichit son répertoire de références archéologiques, inspiré par une volonté de commémorer le monde antique.


text: Filippino Lippi est influencé par la période de Savonarole et le débat entre deux partis, un favorable au moine (') et l'autre aux Médicis ('). Pendant ces années, le choix appartient au parti choisi par le commanditaire. Ainsi, à côté des productions flamboyantes destinées à l'aristocratie on trouve aussi des œuvres austères issues des prédications du moine. Filippino Lippi travaille pour les deux partis. Un mysticisme intense se lit dans le couple de panneaux de "saint Jean-Baptiste" et de "Marie de Magdala" conservés à la Galleria dell'Accademia de Florence.


text: Filippino Lippi campe ses personnages dans un paysage qui recrée le monde antique dans ses moindres détails, montrant l'influence du style "grottesco" qu'il avait vu lors de son voyage à Rome.C'est dans les fresques de la chapelle Carafa que l'on peut déceler ce qui va devenir la caractéristique du style de Filippino : l'élégance et la simplicité botticellienne est compliquée par l'introduction de détails de plus en plus nombreux et une architecture fantastique, « où il déploie un faste archéologique étonnant. ». Il crée de cette façon une « animation », mystérieuse et fantastique mais son style inquiétant montre aussi l'irréalité dans un genre de cauchemar. Il dépeint ainsi d'impitoyables bourreaux déformés aux visages sombres qui menacent les saints. Dans la scène "Saint Philippe chasse le dragon de Hierapolis", la statue du « dieu païen » Mars est une figure menaçante qui semble défier le saint chrétien.


text: Michelangelo Buonarroti entre très jeune comme apprenti dans l'atelier des frères Daniele et Domenico Ghirlandaio. Il copie des maîtres comme Giotto à la Chapelle Peruzzi ou Masaccio à la Chapelle Brancacci. Déjà dans ces premiers travaux, il montre une facilité d’assimilation des éléments stylistiques fondamentaux des maîtres, en particulier sur les aspects plastiques et monumentaux.


text: Entré sous la protection de Laurent de Médicis, il étudie les modèles classiques mis à la disposition des Médicis dans le jardin du couvent San Marco, où l'artiste prend conscience de l'indissoluble unité entre les images des mythes et les passions qui les ont animées, devenant rapidement capable de faire revivre le style classique sans être un interprète passif qui copie un répertoire. Dans ce sens, la "Bataille des Centaures" (env 1492) en est un exemple. Le mouvement tumultueux et le fort contraste rappellent les sarcophages romains et les bas-reliefs de Giovanni Pisano, et le "Cupidon dormant" perdu, présenté comme une œuvre classique et qui trompe à Rome le cardinal Riario, qui, une fois la colère passée après la découverte de la supercherie, veut rencontrer l'artiste en le faisant venir à Rome où il réalisera ses premiers chefs-d'œuvre.


text: Mais à côté de ces œuvres animées et vigoureuses, Michel-Ange démontre une capacité à adopter des langages divers comme dans la "Vierge à l'escalier" (1490-1492), de ton plus intime. Inspirée du "stiacciato" de Donatello, elle montre, outre une certaine virtuosité, la capacité de transmettre une impression d'énergie bloquée, donnée par la position insolite de la Vierge et de l'Enfant qui semblent montrer leurs épaules au spectateur.


text: Au cours des années suivantes, touché par les prédications de Savonarole, il abandonne les sujets profanes et charge ses œuvres de significations psychologiques et morales.


text: La dernière période de la République florentine, celle du gonfalonier à vie de Pier Soderini, bien qu'insignifiant du point de vue politique, marque une étonnante reprise de la production artistique, favorisant la reprise des commandes aussi bien publiques que privées. De grands artistes sont rappelés à Florence afin d'accroître le prestige de la nouvelle république, générant un rapide et consistant renouvellement artistique. Les acteurs principaux de cette période sont Léonard de Vinci et Michel-Ange, rentrés en ville après des séjours dans d'autres centres puis Raphaël, revenu dans la cité afin de s'informer sur les nouveautés d'alors.


text: Léonard retourne à Florence un peu avant le mois d'août 1500 après la chute de Ludovic Sforza. Quelques mois plus tard, il expose à la basilique Santissima Annunziata un carton avec "Sant'Anna" dont Vasari fait la description : Il semble désormais admis que ce ne soit pas le "Carton de sant'Anna" aujourd'hui conservé à la National Gallery à Londres mais plutôt un carton préparatoire ayant servi pour "La Vierge, l'Enfant Jésus et sainte Anne" du Louvre, complétée beaucoup plus tard. Les deux œuvres sont néanmoins fidèles à l'œuvre florentine. Dans celle de Londres, les figures sont serrées en un bloc unique et articulées dans un riche entrelacs de gestes et de regards, avec un modelé fluide des plissés et drapés ; très rapprochées au premier plan, les figures sont monumentales et grandioses comme dans "la Cène", tandis que le sfumato génère un délicat équilibre dans l'alternance des ombres et lumières. La composante émotionnelle est puissante, surtout au point de force du regard de sainte Anne tourné vers la Vierge. L'œuvre de Paris est plus souple et naturelle, avec des attitudes élégantes et avec un profond paysage rocheux que le sfumato relie aux figures. La leçon de Léonard eut un fort impact sur les artistes locaux, révélant un nouvel univers formel qui ouvre de nouveaux horizons inexplorés dans le domaine de la représentation artistique.


text: En 1503 Léonard, quelque temps avant Michel Ange, est désigné pour décorer avec une fresque une partie des grandes parois du Salle des Cinq-Cents au Palazzo Vecchio avec une représentation de "La Bataille d'Anghiari", un fait d'armes victorieux pour la République destiné à faire « pendant » avec la "Bataille de Cascina" de Michel-Ange.


text: Pour ce travail, Léonard expérimente une nouvelle technique qui lui permette de ne pas être handicapé par le temps bref nécessaire pour réaliser la fresque, en s'inspirant de la "peinture à l'encaustique" décrite par Pline l'Ancien dans son "Historia naturalis". Comme pour "La Cène", ce choix se révèle inadapté. La dimension de la peinture ne permet pas d’atteindre avec les feux une température suffisante pour sécher les couleurs qui couvrent le crépi, celles-ci s'estompent ou disparaissent. En décembre 1503 l'artiste interrompt le transfert du dessin du carton à la paroi, frustré par ce nouvel échec.


text: Parmi les meilleures copies inspirées du carton de Léonard, toutes partielles, figure celle de Rubens, au Louvre. Le carton est perdu et les dernières traces de l'œuvre ont été probablement couvertes en 1557 par les fresques de Vasari. À partir des dessins préparatoires, on constate la forte différence de représentation par rapport aux anciennes peintures de batailles, organisée par Léonard comme un tourbillon renversant avec une richesse inédite de mouvements et d'attitudes liées à la « folie bestiale » ("", comme la désignait l'artiste.


text: "La Joconde", probablement portrait de Lisa Gherardini, épouse de « Giocondo », date de ces mêmes années. Œuvre majeure de Léonard, elle est caractérisée par des trépas lumineux infimes (sfumato), par la perspective atmosphérique du paysage et le sourire énigmatique qui a contribué au développement du mythe.


text: En 1508, l'artiste repart d'abord pour Milan, puis en 1516 pour la cour de France, devenant le peintre de François .


text: Après avoir résidé quatre ans à Rome, au printemps 1501, Michel-Ange rentre aussi à Florence. Les consuls de l'Arte della Lana et les ouvriers du Dôme de Florence lui confient un énorme bloc de marbre pour sculpter un "David", un défi exaltant auquel l'artiste travaille toute l'année 1503, procédant aux finitions au début de 1504. Le « colosse », comme est appelée à l'époque la sculpture, est un triomphe de virtuosité anatomique ostentatoire, représentant David comme un adolescent rêveur et déjà vainqueur, s'éloignant avec force de l'iconographie traditionnelle du héros biblique athlétique représenté jusque-là en pleine force de l'âge et s'apprêtant à livrer bataille. Le membres du "David" sont tous en tension et le visage est concentré, manifestant une concentration maximale aussi bien physique que psychologique. La nudité, la beauté, le sens de domination des passions afin de défaire l'ennemi font du "David" un symbole de la vertu de la République ainsi que la parfaite incarnation de l'idéal physique et moral de l'homme de la Renaissance. L'emplacement initial prévu sur les contreforts du Dôme est rapidement muré et la statue est placée finalement devant le Palazzo dei Priori.


text: L'œuvre est à l'origine d'un fort enthousiasme qui consacre la renommée de l'artiste et lui garantit un grand nombre de commandes, dont une grande série d'apôtres pour le Dôme. dont il n'ébauche toutefois que "San Matteo", une "Madone" pour une famille de marchands de Bruges et une série de "tondi", sculptés et peints. Michel-Ange part soudainement pour Rome en mars 1505 laissant de nombreux projets inachevés.


text: Michel-Ange est influencé par la "Sant'Anna" de Léonard. En effet, il en reprend le thème dans quelques dessins, dont un est conservé à l'Ashmolean Museum, dans lequel le mouvement circulaire du groupe est bloqué par des effets clairs-obscurs plus profonds, semblant presque sculptés. Dans la "Madone de Bruges", on assiste au contraste entre la froide rigidité de Marie et le dynamisme de l'Enfant qui semble se projeter vers le spectateur, se charger de significations symboliques. Leurs figures sont inscriptibles dans une ellipse d'une grande pureté et d'une apparente simplicité qui en exalte la monumentalité.


text: Vu l'« inachevé » de certains tondi comme le "Tondo Pitti" et le "Tondo Taddei", il est difficile d'établir si Michel-Ange voulait s'inspirer du "sfumato" atmosphérique de Léonard. Une nette réaction à une telle suggestion est témoignée dans le "Tondo Doni", peint probablement pour les noces d'Agnolo Doni et Maddalena Strozzi. Les figures des personnages, la sainte Famille sont enchaînées dans un mouvement en spirale avec une modélisation des plans de lumière et d'ombre nettement distincts, les profils saillants et les couleurs intenses.


text: À partir de 1504, Michel-Ange travaille sur une importante commande publique, la décoration sous forme de fresque de la salle des Cinq-Cents avec la "bataille de Cascina", qui devait faire "pendant" à l'œuvre entamée par Léonard de Vinci. L'artiste prépare seulement un carton qui admiré et très étudié, victime de son succès est d'abord vandalisé, puis détruit. Le carton était devenu un modèle fondamental pour l'étude de la figure humaine en mouvement tant pour les artistes locaux que pour ceux de passage. De nombreuses figures y étaient représentées dans des attitudes extrêmement vivaces et dynamiques, avec de nombreux éléments empruntés à l'antiquité comme témoigné par les quelques copies et variantes étudiées dans les dessins préparatoires.


text: En 1504, l’écho des nouveautés dévoilées par les cartons de Léonard et Michel-Ange arrive jusqu'à Sienne où séjournait Raphaël Sanzio, élève du Pérugin et désormais jeune et prometteur artiste aidant Pinturicchio à la décoration de la Libreria Piccolomini. Décidé à se rendre à Florence, il se fait préparer une lettre de recommandation auprès du gonfalonier par Giovanna Feltria, duchesse de Sora, sœur du duc d'Urbino Jean della Rovere. À Florence, Raphaël étudie la tradition artistique locale du quattrocento jusqu'aux plus récentes nouveautés, démontrant une extraordinaire capacité d’assimilation.


text: Raphaël travaille surtout pour des commanditaires privés, créant de nombreux tableaux de petit et moyen format dont le thème est la dévotion, surtout des "Vierge à l'Enfant" et "Sainte Famille". Il réalise aussi des portraits. Dans ces œuvres, il varie continuellement sur le thème, cherchant des regroupements et attitudes nouvelles, avec une attention particulière pour le naturel, l'harmonie à la couleur riche et intense avec un arrière-plan dérivant du style ombrien.


text: Le point de départ de ses compositions est multiple, il puise certaines suggestions comme la "Madonna Pazzi" chez Donatello dans "La Vierge Tempi", le "Tondo Taddei" chez Michel-Ange dans "La Petite Madone Cowper" ou "Madone Bridgewater". De Léonard, Raphaël adopte les principes de la composition plastico-spatiale, mais évite évite les allusions et implications symboliques. En outre, il préfère les sentiments spontanés et naturels à l'« indéfini léonardien ». Cela est évident dans les portraits comme celui de Maddalena Strozzi, où l'implantation à mi-figure dans le paysage, les mains croisées révèle son inspiration de la Joconde mais avec des résultats où prévalent la description des lignes physiques, des habits, des bijoux et la luminosité du paysage.


text: Alternant les voyages en Ombrie et à Urbino, il réalise à cette période une œuvre à Pérouse, le "Retable Baglioni", réalisée à Florence et inspirée des tendances florentines. Dans le compartiment central, il représente la "Déposition au tombeau", aboutissement de ses études et élaborations à partir de la "Complainte sur le Christ mort" du Pérugin de l'église florentine conservée dans la Galerie Palatine du Palais Pitti à Florence. L'artiste crée ainsi une composition monumentale dramatique et dynamique dans laquelle transparaissent des signes évidents du style de Michel-Ange et de l'antiquité, en particulier dans la "Morte di Melagro" que l'artiste a pu voir pendant un voyage à Rome en 1506.


text: Sa dernière œuvre de l'époque florentine de 1507-1508 est la "Madone du baldaquin", un grand retable avec une "Conversation sacrée" organisée autour du point central constitué par le trône de la Vierge avec un fond architectonique grandiose coupé sur les côtés de façon à amplifier sa monumentalité. L'œuvre constitue un modèle pour la décennie suivante pour des artistes comme Andrea del Sarto et Fra Bartolomeo.


text: Au cours du début du Cinquecento, de nombreux autres artistes travaillent à Florence. Ils apportent souvent des styles et contenus alternatifs de qualité, mais qui ne marquent pas de manière significative la période de leur empreinte.


text: Parmi ceux-ci se trouve Piero di Cosimo, le dernier grand artiste du filon de l'art florentin qui va de Filippo Lippi à Botticelli et Ghirlandaio. Piero, qui doit son surnom à son maître Cosimo Rosselli, est un artiste ingénieux doté de fantaisie, capable de créer des œuvres singulières et bizarres. Son œuvre explore la peinture religieuse, les portraits et les tableaux mythologiques. Beaucoup de ses peintures jouent sur un dualisme entre naïveté charmante et érotisme trouble qui apparaît très « moderne ». Certaines paraissent constituer une suite avec le thème des « Histoires de l'humanité primitive ».


text: En sculpture, Andrea Sansovino est avec son élève Jacopo une alternative à Michel-Ange. Sansovino est artisan de formes élancées et vibrantes.


text: D'autres sculpteurs, bien que très actifs et demandés comme Benedetto da Rovezzano, ne rénovent pas leur répertoire, restant fidèles à la tradition du .


text: En architecture, Giuliano et Antonio da Sangallo le Vieux excellent dans les édifices sacrés à « plan central », tandis que dans la construction privée Baccio d'Agnolo importe des modèles classiques « à la romaine » comme dans le palais Bartolini-Salimbeni.


text: La nouvelle génération de peintres ne peut faire abstraction de la confrontation avec les « grands » et leurs œuvres restées en ville. Léonard, Michel-Ange et Raphaël font école. On assiste néanmoins à des tendances qui cherchent à surpasser leur exemple en mettant l'accent sur d'autres caractéristiques jusqu'à l'exagération. Il s'agit des prémices du maniérisme.


text: Après une pause de quatre années causée par sa prise de vœux, influencé par les prêches de Savonarole, Fra Bartolomeo se remet à peindre en 1504. Influencé à l'origine par son maître Cosimo Rosselli et l'entourage de Domenico Ghirlandaio, il s'oriente vers une conception sévère et essentielle des images sacrées s'ouvrant aux suggestions des « grands », en particulier Raphaël avec lequel il s'est lié au cours des années de son séjour florentin.


text: Un voyage à Venise enrichit sa palette comme en témoigne le retable "Éternel en gloire entre les saintes Marie de Magdala et Catherine de Sienne" (1508), caractérisé par une éloquence austère et ordonnée. Dans le "Mariage mystique de sainte Catherine de Sienne" (1511), il reprend le schéma de la "Madone au baldaquin" de Raphaël, en amplifiant la monumentalité des figures et variant davantage les attitudes des personnages.


text: Un voyage à Rome lui permet de voir au Vatican les œuvres de Michel-Ange et Raphaël qui, aux dires de Vasari, le troublent à un tel point qu'il finit par se replier sur lui-même, diminuant sa vigueur et son enthousiasme innovant.


text: Même pour Andrea del Sarto, formé dans l'atelier de Piero di Cosimo, le point de référence est les œuvres des trois « génies » à Florence.


text: Expérimentant de nouvelles iconographies et techniques, ses premiers travaux se trouvent dans le de la basilique de la Santissima Annunziata et dans les fresques monochromes du cloître du Scalzo à Florence. La modernité de son langage, le style narratif et les rythmes bien ordonnés en font rapidement le point de référence pour un groupe d'artistes contemporains comme Franciabigio, Pontormo et Rosso Fiorentino, lesquels au cours des années 1510 forment une école dite " antagoniste de celle du couvent San Marco de Fra Bartolomeo et Mariotto Albertinelli, aux accents stylistiques plus solennels et calmes.


text: Andrea del Sarto sait concilier le clair-obscur de Léonard, le plastique de Michel-Ange et le classicisme de Raphaël grâce à une exécution impeccable, libre et souple dans le modelé qui lui vaut l'appellation de " (« peintre sans erreurs »). Sa "Cène" au réfectoire de San Salvi reste un modèle du genre, une fresque qu'il mettra à peindre.


text: En 1517, il réalise son chef-d'œuvre "La Madone des Harpies", avec ses couleurs pâles et la monumentalité bien calibrée sans forcer sur l'anatomie comme ses jeunes collègues.


text: En 1518-1519, il rejoint la cour de François de France. À Fontainebleau, il travaille dans le sillage de Léonard âgé qui meurt en 1519. Il réalise diverses œuvres perdues ainsi que "La Charité", signée en 1518, œuvre typique de la culture florentine avec une construction en pyramide et au plastique figuratif. Un certain mal-être abrège la présence en France de l'artiste faisant de son séjour une « occasion manquée » (il restera redevable au roi François des sommes avancées), selon Vasari, rappelé à Florence par son épouse.


text: À Florence, il se tourne progressivement vers la révision d'anciens motifs dont il confie l’exécution à son atelier, exception faite de quelques œuvres comme la "Vierge en gloire avec quatre saints" (1530) conservée à la galerie Palatine du Palazzo Pitti dont les caractéristiques anticipent les motifs dévots de la seconde moitié du siècle.


text: Jacopo Pontormo imite tout d'abord le style narratif et les rythmes bien ordonnés de son maître Andrea del Sarto, puis engage un processus de renouvellement des schémas traditionnels. L'organisation spatiale et narrative des épisodes devient plus complexe que celle de ses collègues, comme dans "Joseph en Égypte". La "Pala Pucci" (1518) est encore plus innovante. La structure traditionnelle en pyramide de la "Conversation sacrée" est bouleversée avec une disposition des figures le long de lignes diagonales et les expressions des personnages aux yeux écarquillés et aux expressions inquiètes qui rappellent néanmoins Léonard.


text: Jacopo Pontorno étudie méticuleusement ses sujets, l'œuvre est le résultat d'un travail cérébral dont les figures possèdent une beauté suspendue et cristallisée.


text: En 1521, il réalise "Vertumne et Pomone", une scène bucolique en style classique pour une lunette de la villa médicéenne de Poggio a Caiano. De 1522 à 1525, il réside dans la Chartreuse de Florence, où il est l'auteur d'une série de fresques inspirées des incisions d'Albrecht Dürer. Ce choix du modèle nordique, déjà très populaire dans toute l'Italie septentrionale, entérine sa rupture avec les canons traditionnels de la Renaissance florentine. Ce choix de nouvelles idées réformatrices provenant d'Allemagne est critiqué par Giorgio Vasari.


text: Rosso Fiorentino, lui aussi élève d'Andrea del Sarto, partage le parcours artistique de Pontormo jusqu'en 1523 quand il quitte Florence pour Rome. Il participe à toutes les innovations de la période en révisant les concepts de la tradition. Il s'attache à la déformation expressive, presque caricaturale en puisant dans les œuvres de Filippino Lippi et Piero di Cosimo. Son chef-d'œuvre, la "Déposition de Croix" (1521) conservée à la Pinacothèque communale de Volterra, révèle ses recherches de formes synthétiques. Dans cette peinture, l'implantation des personnages est régie par un entrelacement de lignes presque paradoxales, comme la double direction des échelles posées contre la croix. Divers personnages qui ont des expressions forcées font des gestes frénétiques et exaltés. En , Rosso Fiorentino rejoint la cour de François . Il est considéré comme le fondateur de la première école de Fontainebleau qui lance la Renaissance française dans l'art de la peinture.


text: En 1515, la visite solennelle du pape Léon X (Jean de Médicis, fils de Laurent le Magnifique), dans sa ville natale signe le retour de la "" médicéenne après la parenthèse républicaine. Les meilleurs artistes citadins participent à la réalisation d’apparats décoratifs éphémères. Jacopo Sansovino et Andrea del Sarto réalisent la façade éphémère pour la cathédrale inachevée. Ce travail impressionne le pontife, qui peu après lance un concours pour la réalisation d'une autre façade restée inachevée, celle de la basilique San Lorenzo patronnée par la famille Médicis. Des projets présentés, entre autres par des artistes comme Giuliano da Sangallo, Raphaël, Jacopo et Andrea Sansovino, le pape choisit finalement celui de Michel-Ange, caractérisé par un profil rectangulaire différent de la forme dite « à pignons » des nefs de la basilique. Le projet qui prévoit aussi un vaste décor formé de sculptures en marbre et bronze est mis en œuvre fin 1517, mais une série d’évènements liés à l'approvisionnement en matériaux ralentit les travaux et font grimper les coûts. En 1519, Laurent, duc d'Urbin et neveu du pape meurt après le décès de Julien, duc de Nemours, mettant en péril la dynastie. Le pape change de projet et décide de faire édifier une chapelle funèbre connue comme "" Michel-Ange est chargé du projet.


text: Déjà, en 1520, une lettre de l'artiste, dans laquelle il se plaint du retard pris dans le projet de la façade, rappelle que les études pour la chapelle sont commencées. De forme analogue et symétrique à la ' de Brunelleschi, réalisée un siècle auparavant, la nouvelle chapelle est destinée à accueillir les tombeaux des deux ducs de Laurent et Julien, respectivement père et oncle du pape.


text: Dans un premier temps, Michel-Ange présente un projet à plan central qui reprend le schéma du premier projet du tombeau de Jules II, néanmoins le manque d'espace nécessite une solution alternative avec les monuments funèbres placés contre les parois. Pour ce qui est de l'architecture, le schéma des parois se différencie du modèle de Brunelleschi par l'insertion des fenêtres dans un espace intermédiaire entre la paroi inférieure et les grosses lunettes au-dessous de la coupole. Les tombes sont accolées aux parois avec les statues dans les niches et prennent la forme d'édicules au-dessus des portes et des fenêtres.


text: En 1521, la mort du pape a pour conséquence une première suspension des travaux. Ceux-ci reprennent avec l'élection de Clément VII (Jules de Médicis), puis sont interrompus en 1527 à la suite du sac de Rome et de la dernière instauration de la République à Florence.


text: En 1530, la ville est reprise par les Médicis et Michel-Ange reprend frénétiquement les travaux jusqu'en 1534, année de son départ définitif pour Rome. Il réalise ainsi les statues des deux ducs en style classique sans s'attarder sur l'aspect portraitiste et les quatre "Allégories du Temps", figures allongées de la "Nuit", du "Jour", du "Crépuscule" et de l"Aurore", complémentaires par le thème et la pose, ainsi que la "Madone Médicis". Le thème général est celui de la survie de la dynastie medicéenne et le réconfort apporté par la religion (la "Madone") vers laquelle sont tournés éternellement les regards des deux ducs. Les autres allégories figuratives (des fleuves) resteront en suspens, tout comme les bas-reliefs en bronze et les fresques qui devaient probablement décorer les lunettes.


text: À partir de 1524, les travaux de la sacristie s'entremêlent avec ceux d'un autre grand projet à San Lorenzo, celui de la Bibliothèque Laurentienne, sur commande de Clément VII. La salle de lecture, reprenant celle de Michelozzo à San Marco, possède un développement longitudinal et de nombreuses fenêtres sur tous les côtés sans faire appel à la partition en nefs. La membrure des parois et la copie conforme du plafond et du pavement créent un balayage géométrique de l'espace en conflit avec les violents contrastes plastiques et la forte verticalité du vestibule.


text: Comme le rappelle Vasari, les architectures de Michel-Ange à San Lorenzo ont une forte influence sur la culture artistique de l'époque, car elles introduisent le thème des « » dans le langage architectural classique.


La Coupe du monde féminine de saut à ski 2016-2017 est la sixième édition de la Coupe du monde féminine de saut à ski, compétition de saut à ski organisée annuellement depuis 2011. Elle se déroule du au .


title: Coupe du monde féminine de saut à ski 2016-2017

text: La saison sera entravée par les Championnats du monde qui se déroulent du au à Lahti.La Japonaise Sara Takanashi est la tenante du titre.


text: 19 épreuves sont prévues au cours de cette saison à travers 10 sites de compétition.


text: Ci-dessous la localisation des sites de compétition en Europe et en Asie.


text: Toutes les manches de Coupe du Monde donnent lieu à l'attribution de points, dont le total détermine le classement général de la Coupe du monde.


text: Ces points sont attribués selon cette répartition :


title: Bangaani

text: Bangaani est une commune de l'Union des Comores située dans l'ile de la Grande Comore, dans la Préfecture d'Itsandra-Hamanvou. La commune comprend les localités suivantes :


title: Cyclostomatida

text: Les Cyclostomatida sont un ordre de bryozoaires, le seul représentant actuel (non fossile) de la classe des Stenolaemata. Ils étaient autrefois appelés Cyclostomata, ce qui est à proscrire car ce terme désigne un infra-embranchement de vertébrés agnathes (Cyclostomata Duméril, 1806).


title: Cyclostomatida

text: Les Cyclostomatida, connus depuis l'Ordovicien inférieur et dominants durant le Mésozoïque, constituent moins de 20% des faunes régionales de bryozoaires post-Crétacés. Ils forment habituellement des colonies délicates composées de zoïdes relativement isolés, faibles groupés ou fortement jointifs, comparativement simples, longs, grêlés et tubulaires, à parois calcaires fines et très poreuses.


title: Cyclostomatida

text: Selon :


title: NGC 400

text: NGC 400 est une étoile située dans la constellation des Poissons près de la galaxie NGC 403.  L'astronome irlandais a enregistré la position de cette étoile le


title: Tonga aux Jeux olympiques d'été de 2016

text: Les Tonga participent aux Jeux olympiques d'été de 2016 à Rio de Janeiro au Brésil. Il s'agit de leur aux Jeux d'été, auxquels ils n'ont jusqu'ici remporté qu'un seule médaille (la médaille d'argent en boxe de Paea Wolfgramm en 1996).


title: Tonga aux Jeux olympiques d'été de 2016

text: Le , Pita Taufatofua est le premier Tongien à se qualifier pour les Jeux de Rio, en remportant les épreuves de qualification régionale en taekwondo, dans la catégorie des hommes de plus de 80 kg. Classé au niveau mondial, il est le premier Tongien à participer à des épreuves de cette discipline à des Jeux olympiques.


title: Tonga aux Jeux olympiques d'été de 2016

text: À la suite des championnats d'Océanie de 2016, Arne Jensen et Lusi Tatafu se qualifient pour participer aux Jeux.


title: CMCC

text: CMCC est un sigle, qui signifie :


title: Dave Smith Instruments

text: Dave Smith Instruments est un fabricant américain de synthétiseurs, notamment du célèbre synthétiseur prophet. Il a produit en particulier le Prophet '08.


title: NGC 401

text: NGC 401 est une étoile située dans la constellation des Poissons près de la galaxie NGC 403.  L'astronome irlandais a enregistré la position de cette étoile le


title: Ayn al-Baydah

text: Ayn al-Baydah, ou Aïn al-Baïdeh (), est une petite ville du nord-ouest de la Syrie, dépendant administrativement du gouvernorat de Lattaquié, et située au nord de Lattaquié, proche d'al-Chamiyeh et de Bourj Islam à l'ouest, d'al-Bahluliyeh et Machqita à l'est et Mochirafeh al-Samouk au sud-ouest. Selon le recensement de 2004, sa population comptait alors habitants, en majorité alaouites.


title: Joanny Durand

text: Joanny Durand est un sculpteur, graveur et écrivain français, né le à Boën-sur-Lignon (Loire) et mort le à Sainte-Agathe-la-Bouteresse (Loire). Il a réalisé de nombreux monuments aux morts dans le département de la Loire. Ses sculptures et ses gravures sont marquées par le style Art déco et le réalisme des années 1930.


title: Joanny Durand

text: Joanny Durand est né le dans le département de la Loire, à Boën-sur-Lignon, où son père, Jean Antoine Durand est vigneron. En 1888, ses parents s’installent à Saint-Étienne. De 1901 à 1904, Joanny Durand suit des cours de ciselure et de gravure sur armes à l'École régionale des arts industriels en 1884 (qui devient École régionale des beaux-arts en 1923). Il obtient une bourse pour étudier la sculpture à Paris auprès de Jean-Antoine Injalbert, Jean Dampt et Eugène Marioton Après son service militaire (1905-1906), il étudie à l’École nationale des beaux-arts et travaille chez Élie Gonon, un graveur stéphanois installé à Paris. Il se marie en 1913 à Paris avec Alice Hélène Mangenot. Ils auront un fils, Clovis, né en 1918. En 1928, il épouse en secondes noces Marie Louise Frater.


title: Joanny Durand

text: Mobilisé en 1914, il est grièvement blessé lors de la première bataille de la Marne et réformé en . Il est mutilé de guerre à 60 %. Dans les années 1920, il réalise de nombreux monuments aux morts, principalement dans le département de la Loire, des œuvres représentatives des courants patriotiques et régionalistes de son époque, et marquées par l'Art déco et le réalisme des années 1930.


title: Joanny Durand

text: Il obtient une médaille d’or à la exposition internationale d’arts décoratifs modernes et de l’habitation de Nice en 1929. Il quitte Paris pendant la Seconde Guerre mondiale et s'installe à Sainte-Agathe-la-Bouteresse (42130) dans la propriété familiale de sa mère, Antoinette Decour. Il est professeur de dessin, de modelage et de sculpture sur pierre à l’École de beaux-arts de Saint-Étienne de 1940 à 1951.


title: Joanny Durand

text: Outre la gravure d'armes et de médailles, il a pratiqué la gravure sur bois et la céramique. Il est également l'auteur d'un recueil de poèmes ("La Folle en liberté", vers 1952) et un recueil de contes du Forez, "Les Contes de mon cuvage""."


title: Joanny Durand

text: Joanny Durand meurt le à Sainte-Agathe-la-Bouteresse. Il est inhumé dans sa propriété.


title: Joanny Durand

text: Quatorze monuments aux morts ont été recensés, dans la Loire, le Puy-de-Dôme, le Rhône et à Paris. Aux côtés des représentations classiques de poilus et de familles en deuil, on trouve des thèmes plus originaux avec des guerriers gaulois ou des chevaliers. Le monument aux morts de Saint-Julien d'Oddes (42260), inauguré en 1923, représente ainsi un gaulois brandissant une épée. Celui de la ville de Thiers (63330), inauguré en 1923, est composé d'un guerrier gaulois soutenant un poilu. À Boën-sur-Lignon (42130), un guerrier gaulois se tient avec un poilu devant la France victorieuse. De même, le bas-relief aux étudiants morts pour la France représente un guerrier gaulois et un soldat romain dos à dos. On relève une inspiration médiévale dans le monument aux morts de Sail-sous-Couzan (42890), inauguré en 1948. De part et d'autre d'un poilu gisant, deux chevaliers en armure se tiennent debout avec leurs chevaux. Enfin, le monument des élèves et des professeurs du lycée Claude Fauriel, à Saint-Étienne, inauguré en 1922, se compose d'une fresque historique, où chaque personnage incarne une grande bataille de France : Poitiers, Bouvines, Patay, Valmy et la bataille de la Marne. La figure de Jeanne d'Arc se trouve au centre du monument.


title: Joanny Durand

text: D'autres monuments s'attachent à la figure emblématique du poilu. Il s'agit des monuments du cimetière de Boën-sur-Lignon (42130), inauguré en 1922, de Sainte-Agathe-la-Bouteresse (42130), inauguré en 1922, et de Cezay (42130), inauguré après 1925.


title: Joanny Durand

text: Certaines de ses réalisations montrent des femmes et des familles en deuil. C'est le cas du monument aux morts de La Fouillouse (42480), inauguré en 1922, de celui de Villié-Morgon (69910), inauguré en 1923, de Chazelle-sur-Lyon (42140), inauguré en 1924 (?) et de Leigneux (42130), inauguré en 1924. Le monument aux morts de Saint-Rambert-sur-Loire (42170), inauguré en 1924, représente une allégorie de la patrie.


title: Joanny Durand

text: Joanny Durand a également exécuté les bas-reliefs du fronton de l’hôtel particulier Subit-Gouyon, de style art déco, à Saint-Étienne (1930-1931). Ils représentent des scènes de cueillette, de chasse et de pêche ainsi que des colombes. Des bas-reliefs illustrant les travaux des champs sont également visibles dans sa maison et atelier, à Sainte-Agathe-la-Bouteresse.


title: NGC 402

text: NGC 402 est une étoile située dans la constellation des Poissons près de la galaxie NGC 403.  L'astronome irlandais Lawrence Parsons a enregistré la position de cette étoile le .


title: Centre militaire de coordination et de contrôle

text: Un Centre Militaire de Coordination et de Contrôle (CMCC) en France est implanté dans un CRNA civil. C'est l'héritier du DMC (Détachement Militaire de Coordination).


title: Préfecture d'Itsandra-Hamanvou

text: La préfecture d'Itsandra-Hamanvou (chef-lieu N'Tsoudjini ) est une subdivision de la Grande Comore.


title: Préfecture d'Itsandra-Hamanvou

text: Elle se compose de cinq communes :  Hamanvou, Mbadani, Bangaani, Djoumoichongoo et Isahari.


title: Smoliska

text: Smoliska (prononciation ) est un village de la gmina de Bełżec, du powiat de Tomaszów Lubelski, dans la voïvodie de Lublin, situé dans l'est de la Pologne.


title: Smoliska

text: Il se situe à environ au sud-est de Bełżec (siège de la gmina), au sud de Tomaszów Lubelski (siège du powiat) et au sud-est de Lublin (capitale de la voïvodie).


title: Smoliska

text: De 1975 à 1998, le village est attachée administrativement à l'ancienne voïvodie de Zamość. Depuis 1999, il fait partie de la nouvelle voïvodie de Lublin.


title: Szalenik-Kolonia

text: Szalenik-Kolonia (prononciation ) est un village de la gmina de Bełżec, du powiat de Tomaszów Lubelski, dans la voïvodie de Lublin, situé dans l'est de la Pologne.


title: Szalenik-Kolonia

text: Sa population s'élevait à habitants en 2006.


title: Szalenik-Kolonia


title: NGC 403

text: NGC 403 est une galaxie lenticulaire située dans la constellation des Poissons à environ 227 millions d'années-lumière de la Voie lactée. Elle a été découverte par l'astronome prussien Heinrich d'Arrest en 1862.


title: NGC 403

text: Les étoiles NGC 400, NGC 401 et NGC 402, cataloguées comme des nébuleuses au , sont situées non loin de NGC 403.


title: NGC 403

text: NGC 403 fait partie du groupe de NGC 452 dont les membres sont indiqués dans des articles d'Abraham Mahtessian paru en 1998 et de A.M Garcia paru en 1993. Ce groupe compte plus d'une vingtaine de galaxies.


title: Alan Wilson (sport mécanique)

text: Alan Wilson, né le à Durban (Afrique du Sud), est un architecte américain. Il est connu pour être le créateur de nombreux circuits de sports mécaniques. Il a également fait partie du Sports Car Club of America entre 2000 et 2004 et commissaire de course pour le championnat Champ Car en 1985.


title: Alan Wilson (sport mécanique)

text: Alan Wilson a dessiné et construit plus de 20 circuits dans le monde.Alan Wilson est marié avec Desiré Wilson, une des plus célèbres pilotes de par le fait de sa participation au championnat du monde de Formule 1 1980 ainsi qu'aux 24 Heures du Mans à 3 reprises, avec comme meilleur résultat une . Le couple n'a pas d'enfant.


title: Zagóra (Bełżec)

text: Zagóra (prononciation ) est un village de la gmina de Bełżec, du powiat de Tomaszów Lubelski, dans la voïvodie de Lublin, situé dans l'est de la Pologne.


title: Zagóra (Bełżec)

text: Il se situe à environ à l'ouest de Bełżec (siège de la gmina), au sud de Tomaszów Lubelski (siège du powiat) et au sud-est de Lublin (capitale de la voïvodie).


title: Zagóra (Bełżec)


title: Emmanuel Guigou

text: Emmanuel Guigou, né le à Montpellier dans l’Hérault, est un pilote de rallye français. Après des débuts en formules de promotion, il a remporté plusieurs titres en championnat de France, dans des formules de promotion, et en championnat de Nouvelle-Calédonie des rallyes au volant de Renault Clio.


title: Emmanuel Guigou

text: Emmanuel Guigou est né le à Montpellier.


title: Emmanuel Guigou

text: Après une courte période en tant que copilote, Emmanuel Guigou fait ses débuts en compétition au volant d’une Peugeot 205 dans la catégorie N1 en 1997. Deuxième de classe à l’arrivée du Rallye Régional des Monts de Vaucluse, il remporte sa première victoire dès son deuxième rallye lors du Rallye Régional du Mistral avec une neuvième place scratch. Neuf victoires dans la classe N1 s’ajoutent jusqu’au terme de la saison 1998 avec un seul abandon mécanique lors du Rallye de la Sainte-Baume.


title: Emmanuel Guigou

text: En 1999, Emmanuel Guigou fait ses débuts en formule de promotion en participant à la Coupe Peugeot 106 Asphalte organisée par Peugeot Sport. En sept courses, il s’impose à quatre reprises (Tour de Corse, Montagne Noire, La Rochelle et Var) et remporte le classement général final.


title: Emmanuel Guigou

text: L’année suivante, il fait ses débuts dans le Volant 206 WRC en participant à quatre manches. En fin d’année, Emmanuel Guigou s’impose au Rallye du Var pour sa première participation en Challenge Citroën Saxo.


title: Emmanuel Guigou

text: En 2001, il continue en Challenge Saxo et ajoute de nouvelles victoires avant de s’orienter vers un programme en Championnat de France des Rallyes Terre avec le Trophée Saxo T4 2002.


title: Emmanuel Guigou

text: En 2003, Emmanuel Guigou passe au niveau supérieur en s’alignant au départ du nouveau Championnat de France des Rallyes réservé aux voitures de la catégorie Super 1600. Il s’impose à six reprises dans sa catégorie et remporte le classement Promotion avec une Renault Clio Super 1600.


title: Emmanuel Guigou

text: L’année suivante, il entre dans le giron de Renault Sport et entame un programme international. Avec des podiums au Tour de Flandres et à l’Haspengouw, il participe à l’obtention du titre Constructeurs de Renault en Belgique.


title: Emmanuel Guigou

text: De retour en France, toujours au volant d’une Renault Clio Super 1600, il ajoute de nouvelles victoires sur asphalte au Touquet, au Cœur de France et au Var en 2005 avant de faire son retour sur le Championnat de France des Rallyes Terre en 2006.


title: Emmanuel Guigou

text: Il cumule les victoires en deux roues motrices avec une Clio Groupe N avant de conquérir le titre dans la catégorie avec la Clio R3 en 2007 et 2008. Avec six victoires 2 roues motrices sur sept épreuves en 2008, il termine également deuxième du classement général du Championnat de France des Rallyes Terre.


title: Emmanuel Guigou

text: De retour sur asphalte en 2009, il termine troisième du championnat de France des rallyes et premier des deux roues motrices avec la Clio R3. En 2010, il termine cinquième du championnat et encore premier du Groupe R et des deux roues motrices.


title: Emmanuel Guigou

text: Passé à la Renault Mégane R.S. N4 en 2011, il termine septième du championnat de France et premier des pilotes du Groupe N. En 2012, il remporte à nouveau trois victoires de groupe avec la Mégane R.S. N4, mais son programme principal tourne autour du Championnat de Nouvelle-Calédonie avec une Clio R3. Durant trois saisons, il remporte le titre de champion de Nouvelle-Calédonie des pilotes, 2 Roues Motrices et constructeurs (Renault).


title: Emmanuel Guigou

text: Dans l’hexagone, il remporte son premier rallye scratch lors du Rallye de la Rivière Drugeon en 2012 et s’illustre avec la Twingo R.S. R2 avec trois victoires de classe durant le championnat de France 2013. En 2014, il remporte également sa première victoire internationale scratch lors du Rallye de Nouvelle-Calédonie, manche du Championnat Asie-Pacifique avec une Renault Clio R3. Cette même année, il termine à nouveau cinquième du championnat de France et premier du Groupe N avec la Mégane R.S. N4. Avec la Clio R3T qui dispute sa première saison complète en 2015, il parvient à cumuler les victoires de classe et termine quatrième du championnat de France, avant d'être troisième en 2016 et cinquième en 2017.


title: Emmanuel Guigou

text: Il est annoncé sur six à sept manches du championnat de France des rallyes 2018, toujours au volant d'une Renault Clio R3T de l'équipe Automeca, avec Florian Barral à ses côtés, l'un des finalistes de Rallye Jeunes FFSA Copilotes.


title: Emmanuel Guigou

text: Emmanuel Guigou a participé au développement de toute la gamme rallye de Renault en travaillant sur les Clio R3 Maxi, Clio R3 Access, Twingo R2, Mégane R.S. N4 et Clio R3T. En tant qu’ambassadeur de la marque entre 2010 et 2012, il a participé à de nombreuses opérations commerciales et promotionnelles organisées par le constructeur français et son réseau. Il a participé à de nombreux lancement de produit en France et à l’étranger, notamment au Japon, et à des essais en compagnie de la Patrouille de France. A diverses reprises, Emmanuel Guigou représente la marque avec Jean Ragnotti, autre ambassadeur de Renault, comme lors du Rallye Monte-Carlo Historique en Renault 4 et Renault 5.


title: Emmanuel Guigou

text: En avril 2013, Emmanuel Guigou annonce la reprise de la structure Automeca (anciennement dirigée par Philippe Bugalski) qui prépare des voitures de compétition moderne et ancienne depuis 25 ans. L’entreprise quitte Annecy pour s’installer à Aix-en-Provence.


title: Emmanuel Guigou

text: Emmanuel Guigou s’occupe de la gestion sportive de l’équipe (en plus d’être pilote) et Jean-Michel Astier devient responsable de la partie technique.


title: Emmanuel Guigou

text: Charles Martin, Charlotte Berton, Matthieu Margaillan, Marc Reboa, Philippe Corneau, Patrick Benas, Eric Filippi, Stéphane Consani, Yoann Salvadero, sont parmi les équipiers d'Emmanuel Guigou.


title: Mascarade (Pays basque)

text: La mascarade souletine ("Xiberoko maskarada") est un rite carnavalesque itinérant, passant de village en village, de janvier à avril. Suivant un calendrier précis, les villages prennent en charge l'organisation de la mascarade à tour de rôle. Elle mélange chant, danse et musique.


title: Mascarade (Pays basque)

text: Il y a plusieurs rôles, une partie d'entre eux sont les danseurs, les "rouges" "(gorriak)" qui sont toujours bien habillés et propres. Ils exécutent des danses connues dans leurs villages composées de pas très techniques ("bakun", "frisat", "entrexat"...). Ils sont accompagnés par le son de la "txürüla" (flûte à trois trous), du "ttun-ttun" (instrument traditionnel à corde) et de l"'atabala" (tambour).


title: Mascarade (Pays basque)

text: L'autre partie de la troupe est composée des "beltzak" (noirs), qui sont mal habillés, sales et ont un rôle comique. Ils ne dansent pas et suivent les "gorriak" (rouges), qui marchent en tête du cortège.


title: Mutsamihuli

text: Mutsamihuli est une commune de l'Union des Comores située sur l'ile de la Grande Comore, dans la préfecture de Mitsamiouli-Mboudé.


title: Making Maya

text: Making Maya est un film américain réalisé par Rolla Selbak, sorti en 2003.


title: Making Maya

text: Le but de Maya ("Amy Minderhout") dans la vie, c'est de devenir joueuse de basket-ball professionnelle. C'est alors que Sam ("Sara Marie Taylor") entre dans sa vie.


title: Amy Main

text: Amy Main est une actrice, productrice et scénariste américaine.


title: Amy Main

text: Elle s'est d'abord produite sous son vrai nom "Amy Minderhout", puis en tant qu"'Amy Main".


title: Murrayonida

text: Les Murrayonida constituent un ordre d'animaux de l'embranchement des éponges (les sont éponges des animaux sans organes ou appareils bien définis), et de la classe des éponges calcaires (Calcarea).


title: Murrayonida

text: Selon :


title: NGC 405

text: NGC 405 est un étoile située dans la constellation du Phénix.  L'astronome britannique John Herschel a enregistré la position de cette étoile le .


title: Monsieur Octave (téléfilm, 1972)

text: Monsieur Octave est un téléfilm français réalisé par René Lucot, diffusé en 1972.


title: Coupe du monde masculine de saut à ski 2016-2017

text: La coupe du monde masculine de saut à ski 2016-2017 est la de la coupe du monde de saut à ski, compétition de saut à ski organisée annuellement. Elle se déroule du au .


text: La saison sera entravée par les Championnats du monde qui se déroulent du au à Lahti.


text: La première édition du Raw Air en Norvège aura lieu du au et compte pour le championnat. Durant cette compétition, les scores en qualifications, en compétition par équipe et en individuelle sont prises en compte, soit au total 16 épreuves (4 sauts de qualifications, 8 sauts en individuelle et 4 saut en équipe).


text: Le slovène Peter Prevc est le tenant du titre.


text: 31 épreuves sont prévues, dont 4 par équipes à travers 18 étapes, 16 en Europe et 2 en Asie.


text: Les épreuves prévues à Nijni Taguil ont été reportées à Lillehammer à cause de travaux non effectués etde retards de paiement.


text: Les manches de Coupe du monde donnent lieu à l'attribution de points, dont le total détermine le classement général de la Coupe du monde.


text: Ces points sont attribués selon cette répartition :


title: Allyson Is Watching

text: Allyson Is Watching, est un film américain réalisé par Robert Kubilos, sorti en 1997.


title: Chacal (bateau)

text: Le Chacal est un bâtiment-école de la classe Léopard de la Marine nationale française. Il sert à la formation à la conduite nautique des officiers et officiers-mariniers navigateurs de l'École navale, des écoles de la marine française, des administrations de l'État ou de marines étrangères. Son indicatif visuel est A 753. Il fait partie du dispositif d'action de l'État en mer et peut intervenir pour la lutte anti-pollution avec un équipement adapté.


title: Chacal (bateau)

text: Le "Chacal" est le d'une série de huit navires identiques construits de 1981 à 1983, portant tous, à part lui, des noms de fauves faisant surnommée cette classe de bâtiments (classe Léopard) la "Ménagerie".


title: Chacal (bateau)

text: Au cours des premières sorties de son sister-ship, le Léopard, en février 1982, deux défauts sont observés, le niveau de bruit est trop important à l'intérieur du bateau, à cause des moteurs et l’eau des soutes n’est pas consommable. Le Chacal profite de ce retour d'expérience avec l'installation de supports élastiques sous les moteurs, qui diminuent le niveau sonore.


title: Chacal (bateau)

text: Le navire est versé dans la des bâtiments-écoles, formée le 20 janvier 1983 avec le Léopard comme chef de division .


title: Chacal (bateau)

text: la est dissoute le 13 juillet 1993 et les huit bâtiments forment le groupe des bâtiments-écoles, dont le Léopard est le chef .


title: Chacal (bateau)

text: La commune d'Ouessant devient sa marraine le 29 mai 1996.


title: Chacal (bateau)

text: Le navire reçoit deux mitrailleuses de en remplacement de deux canons de en 2002.


title: Chacal (bateau)

text: Le Chacal et toute sa classe font l'objet d'une opération de rénovation entre 2011 et 2012, pour allonger leur durée de vie de . Faute de budget, la marine nationale a adopté cette solution en coopération avec Piriou Naval Services. La refonte entre dans le cadre d'un contrat de maintien en condition opérationnelle sur une durée de de la classe Léopard. L'opération porte sur le remplacement des moteurs par des modèles de marque Baudouin, des groupes électrogènes, du séparateur d'hydrocarbures, des réfrigérateurs, du radar de navigation et du gyrocompas. La peinture de la coque est refaite et les deux lignes d'arbres sont inspectées.


title: NGC 406

text: NGC 406 est une galaxie spirale située dans la constellation du Toucan à environ 68 millions d'années-lumière de la Voie lactée. Elle a été découverte par l'astronome britannique John Herschel en 1834.


title: NGC 406

text: La classe de luminosité de NGC 406 est III et elle présente une large raie HI.


title: NGC 406

text: Plusieurs mesures non basées sur le décalage vers le rouge ("redshift") donnent une distance de , ce qui est à l'intérieur des distances calculées en employant la valeur du décalage.


title: Alan Wilson

text: Alan Wilson est :


title: Donation Helldorf

text: La donation Helldorf ("Helldorf-Spende"), parfois aussi nommé la donation comte Helldorf, est une contribution obligatoire pour les Juifs les plus fortunés de Berlin pendant la période nazie.


title: Donation Helldorf

text: Cette contribution obligatoire a été conçue par Wolf-Heinrich von Helldorf, en 1935, alors préfet de police de Berlin, et mise en œuvre à partir de 1938 sans aucune base légale. La désignation de cette redevance comme "donation" est un euphémisme, car son paiement n'avait rien de volontaire, mais était au contraire la condition sine qua non pour les Juifs riches qui désiraient obtenir un passeport et donc avoir la possibilité d'émigrer pour sauver leur vie.


title: Donation Helldorf

text: Les Berlinois classés selon les lois raciales nazies comme juifs, et dont les actifs étaient supérieurs à reichsmarks, devaient payer selon leur richesse entre et reichsmarks à un fonds d'urgence mis en place par Helldorf, soi-disant pour venir en aide aux Juifs nécessiteux. Mais les sommes extorquées pouvaient être beaucoup plus élevées.


title: Donation Helldorf

text: Selon le témoignage de certaines victimes, celles-ci étaient convoquées au quartier général de la police où Müller-Scholtes, assesseur du gouvernement, après avoir enregistré l'état de fortune de la victime et confisqué son passeport, lui parlait de façon "attrayante et prometteuse" de la donation Helldorf.


title: Donation Helldorf

text: Parmi les personnes extorquées par les autorités policières nazies, on trouve : Lors d'une des premières réunions du "Reichszentrale für jüdische Auswanderung" (Bureau central pour l'émigration juive), le , Reinhard Heydrich attire l'attention sur le montant de trois millions de reichsmarks de donations Helldorff transféré par la préfecture de police de Berlin au ministère du Reich à l'Économie. Heydrich ne fait aucune mention du montant total ni des sommes restées à disposition de la police.


title: Donation Helldorf

text: Cette taxe perçue dans l"'Altreich" (le Reich avant l'Anschluss) des Juifs allemands désirant émigrer, sert de modèle à Adolf Eichmann, qui dès 1938, l'applique en Autriche par l'intermédiaire de l'Office central pour l'émigration juive à Vienne.


title: Donation Helldorf

text: Apparemment, la contribution Helldorf, sans assise légale, est arrêtée en 1939 par Hermann Göring, qui a été alerté par la communauté juive de Berlin. Avec le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale le septembre 1939, les possibilités légales d'émigrer dans un pays sûr pour les Juifs allemands sont strictement limitées, puis totalement impossibles à partir d'octobre 1941, sur instruction d'Heinrich Himmler.


title: Donation Helldorf

text: À partir de 1956, la République fédérale d'Allemagne décide sous certaines conditions de rembourser la donation Helldorf extorquée aux Juifs, en la considérant comme un "prélèvement réel spécial" conformément à l'article 59 de la Bundesentschädigungsgesetz (BEG - loi fédérale relative à l'indemnisation des victimes des persécutions nazies).


title: Tchetverikov MDR-6

text: Le Tchetverikov MDR-6 est un hydravion à coque conçu en 1936 et employé de 1939 jusqu'aux années 1950, principalement par l'aviation navale soviétique. C'est un monoplan entièrement métallique à aile haute et doté de deux moteurs à piston.


title: Tchetverikov MDR-6

text: Après plusieurs échecs dans la conception d'hydravion, Igor Tchetverikov présente le prototype de son MDR-6 aux autorités soviétiques en . La production est autorisée en 1938 et une cinquantaine d'exemplaires sont construits à l'entrée en guerre avec l'Allemagne.


title: Tchetverikov MDR-6

text: Tout au long de sa période d'utilisation, l'hydravion fait l'objet de modifications en vue de d'améliorer son comportement en vol et sur l'eau ainsi que l'efficacité de ses missions de reconnaissance. Différentes motorisations et des variantes de son armement sont ainsi testées.


title: Tchetverikov MDR-6

text: La production du MDR-6 reste cependant modeste, notamment à cause des accords Prêt-Bail et de l'arrivée en URSS de plusieurs PBY Catalina.


title: Lush Life

text: Lush Life peut faire référence à :


title: Artus Désiré

text: Artus Désiré, prêtre et pamphlétaire français, est né aux alentours de 1510 et est probablement mort en 1579. Sa vie est assez peu connue mais il publia de nombreux pamphlets (il aurait écrit près de 200 pièces) de 1545 jusqu'à sa mort pour dénoncer les progrès du protestantisme.


title: Artus Désiré

text: Né vers 1510, probablement en Normandie, Artus Désiré est un prêtre catholique. L'apparition de la Réforme puis ses progrès le décident à prendre la plume pour dénoncer ce qu'il considère comme une nouvelle hérésie. Il commence à écrire en 1545, sans répit jusqu'à sa mort. En 1561, il est arrêté aux alentours d'Orléans en possession d'une lettre destinée au roi d'Espagne, Philippe II. Dans cette lettre, il demande l'aide du souverain espagnol pour vaincre le protestantisme en France. Pour cet acte de trahison, Artus Désiré est seulement condamné à cinq ans d'isolement dans un monastère par les membres du Parlement. Toutefois, il s'échappe au bout de quatre mois et n'est plus inquiété.


title: Artus Désiré

text: Les textes d'Artus Désiré sont frappants par leur violence. Il insulte vertement les protestants et plus particulièrement les leaders de la Réforme. Si Luther est la cible de ses invectives dans ses premiers textes, Jean Calvin et Théodore de Bèze le remplacent rapidement: Artus Désiré se place véritablement en polémiste lorsqu'il cherche à atteindre ses contemporains. La ville de Genève, refuge et ville emblématique des protestants, est également visée, par exemple dans le "Passevent parisien", où le narrateur témoigne des dommages causés à la ville et se plaint des mœurs de ses habitants.


title: Artus Désiré

text: Mais les invectives ne suffisent pas à exprimer sa haine du protestantisme. Il considère la Réforme comme une hérésie qui gangrène le corps du royaume. Selon lui, l'amputation du corps malade est nécessaire : il appelle régulièrement au massacre des réformés. Son appel est d'autant plus fort qu'il est parfois directement adressé aux princes (comme dans le "Secret conseil", inédit d'Artus Désiré publié par F. S. Giese).


title: Artus Désiré

text: L'autre manière pour lui de ramener ou de maintenir les chrétiens sur le droit chemin du catholicisme est de leur rappeler les dogmes fondamentaux. Sous la forme d'une dispute théologique comme dans les "Combatz du fidelle papiste" ou "Les disputes de Guillot le Porcher" ou encore "Le Deffensaire de la foy chrestienne", il répète systématiquement les arguments bibliques ou patristiques qui justifient les dogmes catholiques. Ainsi, il rappelle l'importance de l'Eucharistie, du culte des saints et de la Vierge, de l'utilisation des chandelles et de l'eau bénite, de l'autorité du pape, de la confession auriculaire et du rôle du clergé, de l'existence du purgatoire, de l'utilité des bonnes œuvres, etc. Son œuvre n'est pas très originale dans le sens où ses arguments ne sont pas neufs: au contraire, il insiste sur l'idée d'une tradition respectée pendant plus de 1500 ans pour légitimer la poursuite des croyances catholiques.


title: Artus Désiré

text: Les protestants ne restent pas sans réaction face aux textes haineux d'Artus Désiré. Théodore de Bèze est le premier à le critiquer et le moquer dans ses ouvrages. Il écrit un "Passavant" dans lequel il dit avoir ri du "Passevent" d'Artus Désiré. Dans la "Comédie du Pape malade", attribuée à Théodore de Bèze ou à Conrad Badius, Artus Désiré devient un personnage, l'Affamé, qui agit en faveur du pape avec l'attente désespérée d'obtenir un avantage financier en retour.


title: Artus Désiré

text: D'autres lui répondent directement, comme Jacques Bienvenu avec sa "Response au livre d'Artus Désiré, intitulé : Les grandes Chroniques et Annales du Passepartout, faite par Jacques Bienvenu, citoyen de Genève," Genève: Jacques Berthet, 1558 ; ou un anonyme caché derrière les initiales J. D. D. C. : "Singulier antidote à la poison des chansons d'Artus Désiré, ausquelles il a damnablement et execrablement abusé d'aucuns psalmes du prophete Royal David, fait par I. D. D. C.," [s. l.], 1561.


title: Artus Désiré

text: Beaucoup de ces textes sont disponibles sur Gallica.bnf.fr. Cette liste n'est pas exhaustive (cf. ). La taille des textes varie énormément: si le dernier fait une quinzaine de pages, le premier compte en revanche plus de 350.


title: Artus Désiré

text: Il n'existe à ce jour qu'une seule monographie entièrement consacrée à cet auteur: F. S. Giese, "Artus Désiré: Priest and pamphleteer of the sixteenth century", Chapell Hill: University of North Carolina Press, 1971.


title: Artus Désiré

text: Mais de nombreux auteurs le mentionnent, dans des publications scientifiques d'histoire ou de littérature (la liste n'est pas exhaustive) :


title: Argent natif

text: L'argent natif est une espèce minérale naturelle, corps simple métallique, dense et rare de formule chimique , correspondant à l'élément chimique argent noté Ag. L'argent appartient à la classe minéralogique des éléments natifs.


title: Argent natif

text: Il se présente le plus communément en masses parfois altérées dans les filons hydrothermaux polymétalliques. Ce minéral de cémentation, c'est-à-dire apparaissant là où la nappe phréatique se stabilise tout en favorisant sa minéralisation, est très rarement d'origine primaire, il apparaît parfois dans les surfaces de fissures des schistes noirs. Il peut se retrouver à l'état de grains ou de pépites dans certains fluviaux ou marins, actuels ou fossiles.


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text: Ce métal natif est un des premiers métaux connus et utilisés par l'homme.


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text: L'histoire antique apporte la preuve de la connaissance millénaire de l'argent natif. La civilisation gréco-romaine nomme ce métal monétaire, en latin "argentum", en grec "αργυροσ" "arguros", terme signifiant "(éclat) lumineux". La racine commune en sanskrit "argunas" signifie "blanc, brillant et clair, blanc laiteux", ce que signifiait à l'origine l'adjectif "argenté" en s'appliquant à une couleur métallique. Cette polysémie du terme argent se retrouve en français avec la couleur argent et l'argent héraldique s'appliquant à tous les types de blanc brillant, au métal argent et ses alliages, ou le minéral argent étendu de façon abstraite à l'argent au sens populaire de monnaies ou de valeurs monétaires, sans que ces dernières contiennent une once d'argent ou n'aient de rapport avec le métal précieux. Notons que chez un grand nombre de peuples, ce métal et la couleur homonyme sont associés à la lune.


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text: Outre le remarquable musée minier de Kongsberg en Norvège, les musées de Londres, de Paris... possèdent de remarquables spécimens, remontant souvent au .


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text: L'adjectif "argental" appliqué à un corps ou un matériau signifie qu'il contient de l'argent. Ainsi le "mercure argental", l"'or argental"... signalent bien des alliages d'argent. Ce n'est pas le cas des vieux termes techniques, "argentan" et "argenton", le premier un alliage variété de maillechort utilisé en orfèvrerie et le second plus cher .


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text: La maille de son système cristallin est cubique à faces centrées. Sa structure est celle d'un métal, empilement cubique de billes de cations Ag baignant dans une "mer de Fermi", constitué d'une organisation liante quantique d'électrons en bandes libres. La présence constatée par l'analyse d'électron libre et mobile explique les remarquables propriétés de conduction de la chaleur et de l'électricité.


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text: La macle qu'il est possible d'observer sur les faces d'un cristal octaèdre est commune. Ceci explique les groupements et associations multiples de cristaux réticulés, générant constamment des angles à 60°.


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text: Il existe de rares cristaux bien formés, cubiques ou octaédriques voire dodécaédriques, toujours petits, mais ils sont le plus souvent réticulés, arborescents ou dendritiques, à faces en escaliers, ou déformés par glissement. Il existe une multitude d'habitus ou faciès : longs fils plus ou moins enchevêtrés, bouclés, contorsionnés ou contournés, bandelettes et plaquettes, voire bandes et lamelles avec des extensions similaires, agrégats en boucles ou en torques, agrégats arborescents ou étoilés, agrégats détritiques ou squelettiformes, par exemple en "arêtes de poissons", petites masses dentelées ou compactes, masses poreuses, masses testacées ou ramuleuses à extension impressionnante...


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text: Prenons le cas des cristaux d'argent natif typique des mines de Mindouli, décrit par Alfred Lacroix. Les cristaux formés sur (111) et (110) possèdent des faces brillantes, mais creuses. Les lamelles correspondent à des groupements d'octaèdres à axes parallèles, aplatis sur (111). Il existe des géodes de dioptase remplies de cristaux dendritiques à faces courbes, réunis de manière lâche, branlante.


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text: Le minéral fait partie du "groupe du cuivre", qui comprend en outre dans l'ordre les éléments natifs le cuivre natif, l'or natif, et le plomb natif, ainsi que la maldonite , un bismuthure d'or. L'argent natif se place à la dernière place de ce groupe ordonné.


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text: Le minéral forme des solutions solides remarquables avec l'or et le platine-palladium.


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text: Lorsque l'argent natif et le cuivre natif sont voisins dans un gisement, il est possible d'observer un alliage stable nommé "halfbreed".


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text: L'argent natif, lourd de densité 10,5, très ductile et malléable, ne s'altère pas à l'air ou à l'oxygène. Il est assez stable sur un plan chimique. Il s'agit d'un métal précieux, excellent conducteur de la chaleur et de l'électricité. Ce métal natif, au toucher doux, figure parmi les meilleurs conducteurs naturels, c'est le plus ductile, le plus facilement pliable et le plus malléable après l'or natif. Il est aisément martelable en lame très mince.


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text: L'argent fond par chauffage au rouge blanc. Au-delà, il bout puis se volatilise car la pression de vapeur de sa phase liquide est élevée. Soumis à refroidissement lent, la matière pure cristallise en pyramides quadrangulaires et en octaèdres.


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text: Sa surface est oxydée par décharge électrique avec étincelles, flammes et éjections de matière microscopique avec formation d'un oxyde gris olivâtre ou se décompose plus insensiblement par la force électrochimique en poussière grise, puis en dispersion colloïdale qui colore bientôt en violet l'eau éclairée du milieu électrolytique.