title: Sonate pour piano

text: Dans la fantaisie "Wanderer" de Schubert, les deux genres sont fusionnés ensemble, indiquant l'avenir. Cette œuvre peut aussi être interprétée comme un essai anticipant la sonate de Franz Liszt, de transférer les parties formelles du mouvement principal de la sonate à la suite des mouvements de l'ensemble de l'œuvre. Dans ce cadre, l'allegro, l'adagio, le scherzo et le finale reprennent les fonctions d'exposition, développement, reprise et coda. D'autres fantaisies importantes sont la "fantaisie" en "fa-dièse" mineur, op. 28 de Felix Mendelssohn, initialement appelée "Sonate écossaise", qui derrière les gammes et accords brisés parsemés, montre néanmoins un schéma de sonate, ainsi que la "Fantaisie" en "do" majeur, op. 17, qui ne laisse plus que deviner la forme de sonate en raison de nombreuses libertés harmoniques et formelles. Les conséquences des efforts d'émancipation de Beethoven op. 27 vers une "forme plus libre" apparaissent vite : la "sonate Dante" de Franz Liszt à un seul mouvement est appelée par le compositeur "Fantasia Quasi Sonata". De même, on commence à définir à nouveau la relation tonale au sein des œuvres à plusieurs mouvements, si bien que le lien à une tonalité principale bien définie n'apparaît plus nécessaire. Avec sa "Sonata quasi fantasia", op. 6, Felix Draeseke réalise le premier ce type de concept : les trois mouvements sont en do dièse mineur, ré bémol majeur et mi majeur.


title: Sonate pour piano

text: Felix Mendelssohn et Johannes Brahms présentent dans leur œuvre des traits tout à fait classiques, tant formels que par le contenu d'expression, bien que se situant naturellement en plein romantisme. C'est ainsi, par exemple, que Brahms continue la tradition de l'exposition de Beethoven.


title: Sonate pour piano

text: Felix Mendelssohn a été de temps en temps pour ses œuvres parfois plus faibles, lisses et sentimentales, rangé parmi les épigones voulant préserver la tradition du classicisme. Ceci est clair d'après une expression de Schumann, qui à la suite d'une recension des sonates de Mendelssohn écrite en 1827, malgré toute l'admiration pour les œuvres, qu'il faut se représenter le compositeur comme :


title: Sonate pour piano

text: Le fait que cette image n'est pas complètement sans fondement se voit sur certaines analogies de sa création de sonates qui laisse parfois absents, jusqu'à sa vingtième année, des traits personnels. Les sonates de Mendelssohn relient la virtuosité avec la sphère de l’"idylle familière", et un style contrapuntique à l'effet parfois savant. Réellement plus convaincantes se montrent beaucoup de ses "romances sans paroles", la Fantaisie en "fa-dièse" mineur de 1834, et les "Variations sérieuses", que l'on peut ranger parmi les chefs-d'œuvre du genre.


title: Sonate pour piano

text: Dans la foulée de la controverse sur la nouvelle école allemande progressive autour de Franz Liszt, Brahms est hissé par le public en son « antipape » et désigné comme le de Beethoven. Malgré son progressisme longtemps ignoré, il se maintient sur le plan des principes aux formes héritées et au mouvement de la sonate. Les trois sonates pour piano qui tombent dans les débuts de sa créativité évitent la virtuosité de Liszt et de Chopin, et rapportent leur inspiration plutôt à la chanson populaire. C'est ainsi que se rappelle Albert Hermann Dietrich :


title: Sonate pour piano

text: Le dualisme des thèmes usuels s'efface au profit d'un processus continu de dérivation, qui fait ressortir le thème secondaire organiquement du thème principal. Un exemple en est le premier mouvement de la sonate en fa mineur, où le thème principal est transformé graduellement dans le thème secondaire. Ainsi, le motif central des mesures 1 et 2, en "la-bémol", "sol" et "fa" triples-croches-pointées, et la noire "sol", changée rythmiquement dans les mesures 8 et 9 en noires et croches, puis étendues dans les mesures 20 et 21 en intervalles mélodiques ("la-bémol – do – fa – la-bémol, do – fa – mi – ré"). Le thème secondaire arrivant dans la mesure 39 ne fait pas de contraste, mais paraît une suite logique préparée par une variation. Celle-ci doit être comprise comme le cœur de sa technique musicale. Arnold Schönberg verra plus tard dans ce procédé de Brahms un modèle futuriste pour la conception formelle sur une base purement thématique, indépendante des éléments tonaux et formalisés. Tandis que ceci est interprété d'une part comme une "synthèse idéale de la forme de la variation et du mouvement de la sonate", il est souligné d'autre part que "l'enchaînement des parties du mouvement comme une suite de variantes, dont les paragraphes correspondent encore sur le plan formel externe au schéma de construction du mouvement principal traditionnel de la sonate, mais dont la logique et la fonction musicales internes au sein de l'ensemble de mouvement se sont décidément changés par la technique des variantes".


title: Sonate pour piano

text: Face à la première sonate en "do" majeur tenue plutôt pour classique, la deuxième et la troisième sonate dans leur position romantique présentent sûrement une certaine proximité avec la nouvelle école allemande.


title: Sonate pour piano

text: Robert Schumann et Frédéric Chopin sont considérés jusqu'à présent comme les représentants typiques et exemplaires de la musique du romantisme. Cependant leur œuvre présente des hypothèses renvoyant réellement à la musique du . Leur œuvre pour piano se réalise plus sous forme de morceaux assez courts et à petits mouvements, aux formes et titres moins formalisés, comme fantaisie, impromptu, mazurka, nocturne, variation, intermezzo, romance, ou des titres d'inspiration non musicale, comme "morceau de nuit, de forêt ou de fantaisie, scènes d'enfants, chant, arabesque, carnaval", plutôt que sous la forme de sonate.


title: Sonate pour piano

text: Les trois sonates pour piano de Robert Schumann manquent, comme aussi bien d'autres sonates de Schubert, d'une cohérene réellement organique, en raison de leur composition à partir d'éléments très souvent mélodiques.


title: Sonate pour piano

text: Les œuvres sont plutôt caractérisées par des prétextes et concepts poétiques (Florestan et Eusébius), et des relations en pensée avec sa femme Clara, que par un travail visant une cohérence thématique. Le rencontré et déploré alors est apprécié actuellement plutôt comme un progrès harmonique historiquement logique.


title: Sonate pour piano

text: Les parties formelles d'exposition, développement et reprise sont difficiles à délimiter les unes des autres dans ses sonates. Schumann lui-même a aussi été relativement vite envahi de doutes sur la fonction traditionnelle, la justification historique et la position sociale de la sonate. Ceci se voit dans ses énonciations comme critique musical, où le caractère problématique du genre sonate devient exemplairement clair :


title: Sonate pour piano

text: Il est souvent reproché à Frédéric Chopin de ne pas maîtriser les formes majeures comme le concerto pour piano ou la sonate, parce qu'elles vont à l'encontre de ses intentions. Ceci se voit dans une citation contemporaine de Franz Liszt :


title: Sonate pour piano

text: Ce sont surtout ses expositions (spécialement dans la "sonate en "si" mineur") qui apparaissent à beaucoup de ses critiques contemporains embrouillées et thématiquement surchargées. La musicologie a montré depuis que ce jugement simpliste n'est pas justifié.


title: Sonate pour piano

text: Chopin a écrit trois sonates pour piano, qui à côté de la Sonate pour piano en si mineur de Franz Liszt peuvent aussi être considérées comme . La sonate précoce en "do" mineur est considérée comme une œuvre bien résolue sur le plan formel, mais un peu académique du temps des études, qui reste dans l'ombre des deux sonates suivantes de la maturité.


title: Sonate pour piano

text: La plus populaire a été sa deuxième sonate en "si-bémol" mineur — notamment à cause de la marche funèbre souvent jouée par les formations de cuivres à l'occasion d'enterrements. Chopin parcourt dans ces œuvres le chemin en direction d'une unité cyclique en utilisant le principe de la variation développée. Malgré une harmonie moderne, élargie sur le plan chromatique, ainsi que l'ornementation typique de son style et la conduite sinueuse des voix polyphoniques, elle reste cependant clairement composée. Les thèmes secondaires parfois très opposés au contenu expressif sont développés graduellement à partir du thème principal.


title: Sonate pour piano

text: Chopin déroge par là largement aux règles tonales ou formelles du mouvement de la sonate. Ces contre la peuvent toutefois indiquer une au sens des lignes suivies plus tard par Liszt et autres.


title: Sonate pour piano

text: Chez certains contemporains, la deuxième sonate, inhabituelle, provoque la surprise. C'est ainsi que Robert Schumann, qui a présenté Chopin au monde spécialisé comme un génie, écrit : Il aurait voulu remplacer la marche funèbre par un "adagio", par exemple en "ré-bémol"; et le finale rapide à l'unisson, où Anton Rubinstein entend "le vent de la nuit s'engouffrant au-dessus des tombes", il le rejette complètement


title: Sonate pour piano

text: Contrairement à la sombre deuxième sonate, la troisième fait une impression plus lumineuse. La belle cantilène accomplie classiquement du deuxième thème de l'allegro maestoso, les figures aériennes en croches du scherzo, et le largo rappelant un nocturne y contribuent. L'œuvre se termine avec un finale grisant en forme de rondo, qui et la coda brillante réservée aux virtuoses.


title: Sonate pour piano

text: Le centre de gravité du développement de la sonate à l'époque du classicisme et du romantisme se situe principalement dans les pays marqués par la culture et la langue allemandes d'Europe centrale (Pays allemands : Reich allemand, Autriche-Hongrie, Danemark périphérique ainsi que des parties de la Pologne et de la Tchéquie actuelles). Dans des pays avec une autonomie culturelle élevée aussi sur le plan musical, comme l'Espagne, l'Italie ou la France, la sonate pour piano joue plutôt un rôle accessoire dans la création musicale. On peut évoquer des exemples isolés, comme la sonate programmatique op. 33 "Les quatre âges de la vie" de Charles-Valentin Alkan ou la sonate en mi bémol mineur de Paul Dukas, qui conduisent déjà vers le — comme la sonatine en "fa-dièse" mineur obéissant aux règles classiques de Maurice Ravel. La forme de la sonate est restée de façon compréhensible éloignée de la musique impressionniste. Dans l'œuvre pour piano imposante de Claude Debussy, le genre de la sonate n'apparaît pas. Dans les pays scandinaves et en Russie, qui sont plus perméables aux traditions musicales allemandes, le genre s'est épanoui.


title: Sonate pour piano

text: Dans l'espace scandinave, on peut souligner Johann Peter Emilius Hartmann, Niels Wilhelm Gade, et Edvard Grieg. Les œuvres de Hartmann alors très appréciées remplissent presque « scolairement » les exigences de la forme de sonate. Dans sa deuxième sonate, on peut entendre des sons de bourdon et d'orgue renvoyant à la musique populaire d'Europe du Nord. La conception stricte de la sonate est brisée dans l'œuvre de Gade en faveur d'une "humeur de fond poétique" s'exprimant plutôt sous forme de "lieder". Le ton nordique spécifique de Gade est déjà souligné par Schumann :


title: Sonate pour piano

text: La seule sonate du compositeur norvégien Edvard Grieg contredit par contre tout à fait le concept de développement de la sonate, par sa succession d'idées miniatures, à l'effet parfois typiquement nordique, refermées sur elles-mêmes.


title: Sonate pour piano

text: La musique russe du est marquée par la bataille entre les musiciens "pro-occidentaux", reprenant la tradition musicale allemande, comme Piotr Ilitch Tchaïkovski, et les autodidactes qui essaient d'établir une "musique nationale" basée sur des influences indigènes, comme c'est poursuivi par exemple par le Groupe des Cinq. La "sonate pour piano", genre défini dans sa forme, a une chance plutôt chez les traditionalistes. Les sonates virtuoses, mais peu innovantes sur le plan musical d'Anton Rubinstein, sont alors très appréciées. D'autres œuvres à signaler sont la sonate en sol majeur de Tchaïkovski au rythme bouleversant et à l'expression romantique, les deux sonates d'Alexandre Glazounov, ainsi que la sonate en fa mineur op. 27 à un mouvement de Sergueï Liapounov, qui s'oriente vers Liszt. Le seul compositeur foulant formellement et harmoniquement une terre nouvelle devrait rester Alexandre Scriabine.


title: Sonate pour piano

text: Bien que Franz Liszt et Alexandre Scriabine à son début soient à ranger dans le romantisme tardif, en raison de leurs libertés et de leurs innovations harmoniques et formelles, on peut les considérer dans leur œuvre tardive comme des précurseurs de la musique du et d'une forme modernisée de la sonate.


title: Sonate pour piano

text: Dans l'œuvre de Franz Liszt se montrent déjà des facteurs réels pertinents pour la "dissolution" de la sonate pour piano du . On peut nommer la tendance brisant la forme vers la musique à programme. C'est ainsi que Liszt réclame pour lui "le droit de définir les formes par le contenu", et il écrit :


title: Sonate pour piano

text: Ce changement de centre de gravité est clair sur le titre de sa "sonate Dante", auquel il ajoute, en s'appuyant sur l'op. 27 de Beethoven, le complément "Fantasia quasi Sonata". Sortant du principe de Beethoven de la dérivation par contraste, des principes de composition monothématiques contredisant le principe dialectique de la sonate. La virtuosité y devient un moyen de la variation et de l'intégration formelle du matériau expérimental. La progressivité de Liszt comme précurseur précoce de l'atonalité ne sera reconnue que tardivement. Presque vingt ans avant le Tristan de Wagner qui change le monde musical, des changements harmoniques révolutionnaires se manifestent avant tout dans les œuvres pour piano de Liszt. D'autres compositeurs suivront ce chemin jusqu'à l'éclatement de la forme sonate.


title: Sonate pour piano

text: La sonate en "si" mineur en est un bon exemple, car ses innovations influenceront fortement des compositeurs comme César Franck et Alexandre Scriabine.


title: Sonate pour piano

text: Avec sa grande sonate de 1853, Liszt essaie de donner aux mouvements qui se chevauchent la forme d'un mouvement principal de sonate avec une coda largement arrangée. La musicologie a consacré à cette sonate une profusion d'analyses de formes différentes. Déjà le contemporain Louis Köhler atteste que "malgré les écarts aux formes de sonates connues", elle présente "une construction ordonnée en sorte que son plan de base présente quand même dans ses grandes lignes des parallèles avec celles d'une sonate". Le lien entre structure à un mouvement et à plusieurs mouvements, ainsi que la tentative d'une unité cyclique dépassant les œuvres est mise en relief. Il est souvent essayé de décrire l'œuvre par la définition d'une "synthèse entre mouvement de sonates et cycle de sonates".


title: Sonate pour piano

text: Les sonates pour piano sont marquées comme la musique du en général par trois tendances : Dans les dix sonates pour piano (en omettant deux œuvres de jeunesse) d'Alexandre Scriabine, on peut particulièrement bien observer le développement formel et harmonique trouvé chez Liszt, depuis le romantisme tardif jusqu'à l'atonalité, et la dissolution corrélative de la forme sonate. Ce chemin commence avec des œuvres qui rappellent largement Chopin et occasionnellement Liszt, et font sentir l'influence de Richard Wagner. Il se positionne ensuite après une harmonie d'altérations extrêmes jusqu'à des œuvres à ton libre ou atonales, et y montre aussi un processus de dissolution formelle.


title: Sonate pour piano

text: Déjà dans la première sonate, on trouve une "communauté de substance regroupant tous les mouvements par un motif caractéristique de triton" ainsi qu'une "harmonie d'altération sur la base d'un accord de Tristan". Dans les trois premières sonates cependant, malgré le caractère improvisé de la musique dû à de nombreux ritardandi, points d'orgue, pauses, et impressions sonores difficiles à interpréter sur le plan tonal, on retrouve une logique musicale sur la base des transformations de thèmes et de leur développement/relation, ainsi qu'un lien rudimentaire d'harmonie fonctionnelle. Dans la troisième sonate, malgré les quatre mouvements dans l'organisation globale, les différentes phrases n'ont plus de fonctions dualistes pour le thème ou harmoniques selon le principe de la sonate, mais sont plutôt à considérer comme des développements des thèmes d'une "cellule originale", qui peuvent aussi surgir simultanément en contrepoint. L'association des mouvements avec des intervalles spéciaux, comme le saut de quarte dirigé vers le haut dans la troisième et quatrième sonate, éventuellement les accords de quarte complets (accord mystique), deviennent progressivement plus importants que la formation habituelle de thèmes.


title: Sonate pour piano

text: La forme sonate devient à vue d'œil une coquille vide, et à partir de la cinquième sonate, l'unicité de mouvement est atteinte. Cinq thèmes forment ici la base d'un développement élargissant la forme sonate. Pour la dernière fois, Scriabine met des armures — changeant fréquemment. La métrique, qui par exemple dans les 48 premières mesures de l'op. 53 change entre 2/4, 5/8, et 6/8, et est parfois polymétrique, ne peut plus contribuer à la forme.


title: Sonate pour piano

text: Les sonates 6 à 10 produisent une formation de configuration par la concentration sur certains et formes rythmiques, et accomplissent ainsi la fin définitive ou la transformation de la forme sonate.


title: Sonate pour piano

text: Dans l'atonalité, ou la musique dodécaphonique, la sonate perd définitivement sa force créatrice de forme, qui était liée indissolublement avec la tonalité et l'importance pour l'harmonie fonctionnelle des accords (en particulier de tonique et de dominante). Ceci a conduit Theodor W. Adorno à s'exprimer ainsi :


title: Sonate pour piano

text: Néanmoins, Arnold Schönberg et ses "élèves" s'occupent intensément du problème de la sonate, et créent des œuvres dans ce genre. On a par exemple la "Sonatina Seconda" (1912) de Ferruccio Busoni, qui est atonale, la troisième sonate pour piano d'Ernst Křenek, qui utilise malgré la technique dodécaphonique des techniques de construction de mouvements traditionnelles, ou la sonate pour piano (1923) de Hanns Eisler. Dans sa sonate , la main droite joue la série dodécaphonique, sous laquelle après une mesure, la main gauche joue le renversement à la basse (sans les notes 8 et 9), puis la forme originale. Il semble que la thématique comme élément essentiel pour donner la forme rende possible le paradoxe d'une forme de sonate sans structure tonale.


title: Sonate pour piano

text: L'Américain Charles Ives aborde le problème de façon moins académique, et dans sa "sonate de trois pages" et ses sonates pour piano 1 et 2, il relie de façon syncrétique des formes classiques, des cadences standard, des citations de la  et de la sonate "Hammerklavier" de Beethoven, du ragtime, des choraux, de la polytonalité et de l'atonalité, et du cluster. On peut considérer cela à la fois comme un hommage et un persiflage des "traditions sanctifiées de la tradition musicale européenne". Ives écrit lui-même sur le titre de sa deuxième sonate ("Concord", 1916–1919) :


title: Sonate pour piano

text: La pluralité des mouvements, et un certain appui formel sur les œuvres du se retrouve surtout chez des compositeurs qui travaillent encore sur une base tonale, avec une esthétique ou un langage musical conservateur, comme Igor Stravinsky, Paul Hindemith, Sergueï Prokofiev ou Béla Bartók. À la suite des sentiments antiromantiques du , on évite néanmoins le concept "héroïco-monumental" de la sonate, on se décale sur des désignations plus dépouillées et diminutives, comme , "petite sonate" ou simplement "morceau pour piano".


title: Sonate pour piano

text: Le recours aux formes héritées dans le sillage du néo-classicisme ou du néo-baroque y joue un rôle important — toutefois transposé avec des moyens modernes. Des exemples en sont les sonates 3 et 5 de Prokofiev, qui évitent avec un style dur et clair le "romantisme", et se rapprochent du modèle classique. Dans ses trois sonates, Paul Hindemith prend en compte sa propre "instruction à la tonalité", comme critère formel des sonates ; Béla Bartók tente de satisfaire dans sa sonate créée en 1926 les exigences de la forme sonate par la construction d'éléments rythmiques. De Sergueï Rachmaninov proviennent deux sonates monumentales, post-romantiques (1907 et 1913). Des compositeurs comme Max Reger et, ses successeurs, comme Joseph Haas, Julius Weismann et Hermann Schroeder se montrent dans leurs sonates et sonatines comme des conservateurs de la forme classique/romantique et de son contenu musical.


title: Sonate pour piano

text: Dans les deux premières décennies après la seconde Guerre mondiale, la technique de composition sérielle dominante a relégué la sonate pour piano à une forme quasiment vide de signification. Il est douteux que des œuvres comme les trois sonates atonales de Pierre Boulez puissent encore être nommées sonates, vu ses remarques que La même chose est valable pour les "Sonatas and Interludes" pour piano préparé de John Cage, qui contient 16 sonates. Dans sa "Sonata per Pianoforte" de 1959 en trois mouvements, Hans Werner Henze construit des liens dépassant les mouvements, par la transformation du matériel de base des motifs. Il écrit ainsi :


title: Sonate pour piano

text: Dans la musique contemporaine plus récente, les sonates pour piano ne sont de toute manière que peu représentées, néanmoins, certains compositeurs écrivent même des cycles entiers d'œuvres pour piano, mais la plupart du temps en utilisant des titres programmatiques (par exemple de Moritz Eggert : "piano martelé") ou des compositeurs se décident pour la désignation la plus libre "morceau pour piano". Des représentants importants de ce genre sont Karlheinz Stockhausen et Wolfgang Rihm, qui reprennent des modèles de sonates classiques en les interprétant de façon nouvelle.


title: Sonate pour piano

text: Un lien entre la forme classique et les marques stylistiques du jazz a été créé par Eduard Pütz dans sa "Jazz Sonata for Piano" (1998).


title: Sonate pour piano

text: Généralités


title: Sonate pour piano

text: Baroque et classicime débutant


title: Sonate pour piano

text: Beethoven


title: Sonate pour piano

text: Brahms


title: Sonate pour piano

text: Chopin


title: Sonate pour piano

text: Haydn


title: Sonate pour piano

text: Liszt


title: Sonate pour piano

text: Mozart


title: Sonate pour piano

text: Schubert


title: Sonate pour piano

text: Schumann


title: Sonate pour piano

text: Scriabine


title: Élection présidentielle centrafricaine de 1999

text: L'élection présidentielle centrafricaine de 1999 se déroule le . Au terme du scrutin, la participation atteint 59,1 % des électeurs inscrits. Le président sortant, Ange-Félix Patassé, est réélu dès le premier tour avec une majorité de 51,63 % et voix.


title: Matelândia

text: Matelândia est une municipalité brésilienne située dans l'État du Paraná.


title: Ligne de Vyborg à Joensuu

text: La ligne de Vyborg à Joensuu, dite aussi ligne de Carélie, () est une voie ferrée qui reliait Viipuri et Joensuu.


title: Ligne de Vyborg à Joensuu

text: La voie est à l'origine construite en 1892-1894 par chemin de fer de l'État finlandais dans le Grand-duché de Finlande. Le trajet était Joensuu, Sortavala, Hiitola, Antrea et Viipuri (Vyborg).


title: Ligne de Vyborg à Joensuu

text: Dans les années 1940 à la suite de la guerre d'hiver et de la guerre de continuation, la Finlande cède la plus grande partie de la voie (jusqu'à Niirala) à l'URSS par les Traité de Moscou , Armistice de Moscou et le Traité de Paris. Au Traité de Moscou , la Finlande cède la section Viipuri - Antrea - Hiitola - Jaakkima - Sortavala - Matkaselkä - Värtsilä (240 km) et ne garde que la section Joensuu - Niirala (71 km). La voie est maintenant située dans l'oblast de Leningrad dans l'Isthme de Carélie, la République de Carélie et la Carélie du Nord.  Le tronçon transfrontalier Sortavala – Joensuu a été fermé après la guerre de continuation puis a été rouvert au trafic de marchandise.


title: Ligne de Vyborg à Joensuu

text: Trains de passagers :


title: Della Corte

text: Della Corte est un patronyme d'origine italienne porté notamment par :


title: Wola Duża (Biłgoraj)

text: Wola Duża (prononciation : ) est un village polonais de la gmina de Biłgoraj dans le powiat de Biłgoraj de la voïvodie de Lublin dans l'est de la Pologne.


title: Wola Duża (Biłgoraj)

text: Il se situe à environ au nord-est de Biłgoraj (siège du "powiat") et au sud de Lublin (capitale de la voïvodie).


title: Wola Duża (Biłgoraj)

text: Le village comptait approximativement une population de 106 habitants en 2008. De 1975 à 1998, le village est attaché administrativement à la voïvodie de Zamość. Depuis 1999, il fait partie de la voïvodie de Lublin.


title: Wola Duża

text: Wola Duża peut désigner:


title: Wola Duża

text: en


title: Wola Mała (Lublin)

text: Wola Mała (prononciation : ) est un village polonais de la gmina de Biłgoraj dans le powiat de Biłgoraj de la voïvodie de Lublin dans l'est de la Pologne.


title: Wola Mała (Lublin)

text: Il se situe à environ à l'est de Biłgoraj (siège du "powiat") et au sud de Lublin (capitale de la voïvodie).


title: Wola Mała (Lublin)

text: Le village comptait approximativement une population de 162 habitants en 2008. De 1975 à 1998, le village est attaché administrativement à la voïvodie de Zamość. Depuis 1999, il fait partie de la voïvodie de Lublin.


title: Wola Mała

text: En Pologne, Wola Mała peut désigner :


title: Bianca Della Corte

text: Bianca Della Corte, née Bianca Licenziati le à Naples dans la région de la Campanie en Italie et morte le à Paris en France, est une actrice italienne.


title: Bianca Della Corte

text: Elle s'installe à Rome en 1937 pour travailler dans le monde du cinéma. Après une audition, elle est choisie par le réalisateur Guido Brignone pour un rôle secondaire dans le film "Per uomini soli" qui lance sa carrière. Elle obtient au cours des années suivantes de nouveaux rôles secondaires dans des productions italiennes, notamment dans les succès "Adieu Jeunesse !" ("Addio giovinezza") de Ferdinando Maria Poggioli ou "Leçon de chimie à neuf heures" ("Ore 9 lezione di chimica") de Mario Mattoli.


title: Bianca Della Corte

text: De passage à Paris pour le tournage du film "Le Comte de Monte-Cristo" de Robert Vernay, elle y rencontre le dramaturge et romancier français Félicien Marceau. Elle cesse dès lors sa carrière d'actrice pour se marier avec lui et s'installe en France ou elle meurt en 2006 à l'âge de 88 ans. Elle repose au cimetière ancien de Neuilly-sur-Seine.


title: Bathelia

text: Bathelia est un genre de coraux durs de la famille des Oculinidae.


title: Bathelia

text: Selon et , le genre "Bathelia" comprend l'espèce suivante :


title: Best of the Geto Boys

text: Best of the Geto Boys est une compilation des Geto Boys, sortie le .


title: Best of the Geto Boys

text: L'album s'est classé au Top R&B/Hip-Hop Albums.


title: Milland

text: Milland est un patronyme porté notamment par :


title: Gloria Milland

text: Gloria Milland, née Mara Fiè le à Cagliari sur l'île de la Sardaigne en Italie, est une actrice italienne.


title: Gloria Milland

text: Elle entre dans le monde du cinéma sous son nom de naissance, avant d'opter pour un pseudonyme à consonance américaine au début des années 1960, comme il était courant de le faire à cette époque.


title: Gloria Milland

text: C'est le réalisateur Giorgio Simonelli qui lui offre son premier rôle en 1958 dans la comédie "Fantasmi e ladri". Elle joue de nombreux rôles secondaires dans des comédies à l'italienne, des péplums et des westerns spaghettis, avant de se retirer à la fin des années 1960.


title: Mato Rico

text: Mato Rico est une municipalité brésilienne située dans l'État du Paraná.


title: Tatiana Farnese

text: Tatiana Idonea, connue sous le nom de scène Tatiana Farnese (née le à Rome et morte dans la même ville le ), est une actrice italienne.


title: Tatiana Farnese

text: Après ses études, Tatiana Farnese joue pour le théâtre et participe à des auditions pour le cinéma. Elle obtient un premier rôle secondaire dans le film "Leçon de chimie à neuf heures" ("Ore 9 lezione di chimica") de Mario Mattoli en 1941. Elle joue au cours des années 1940 quelques rôles secondaires avant de travailler pour la télévision au cours des années 1950 et 1960, notamment sur les programmes commandés par la Rai. Elle s'oriente ensuite vers la peinture et la sculpture, délaissant une carrière d'actrice qu'elle poursuit en parallèle de manière discontinue.


title: Mauá da Serra

text: Mauá da Serra est une municipalité brésilienne située dans l'État du Paraná.


title: Suimin City Destroyer

text: Suimin City Destroyer, écrit SUImin CIty DEstroyer (SUI.CI.DE) est le mini album du groupe japonais You'll Melt More! sorti en .


title: Suimin City Destroyer

text: Il sort le jour de la Saint Sylvestre en une seule édition sur le label You'll Records, après un premier album studio sorti sur Space Shower Music en juillet 2014. Il atteint la du classement hebdomadaire des ventes de l'Oricon et reste classé pendant deux semaines (voir fiche Oricon).


title: Suimin City Destroyer

text: Ce mini-album inclut au total 8 titres : 4 chansons originales et leur versions instrumentales.


title: Suimin City Destroyer

text: Il s'agit du premier EP du groupe réduit à six membres après le départ de Yuizarasu en août dernier et de la mise en repos d'un membre d'origine, Yumikon. En effet, Yumikon, quitte You'll Melt More! en décembre suivant ; étant mise en repos à partir juin en raison de problèmes de santé, tout en restant membre du groupe, elle avait annoncé sa remise de diplôme du groupe le pour le même motif. Yumikon n'a pas participé à l’enregistrement de cet album sorti après son départ.


title: Suimin City Destroyer

text: Au même moment, le clip vidéo d'une des chansons de l'album "Nemutai CITY vs Dokusho Nikki" est mise en ligne sur YouTube.


title: Suimin City Destroyer

text: Comme on peut le remarquer sur le titre de l’album, les lettres du titre écrites en majuscules font un autre mot commun « SUICIDE ». Les chansons de l’album sont même appelées les « suicide songs ». La pochette du disque fait intégralement référence à celle du premier album "SUICIDE" (1977) du groupe du même nom, groupe quasi-fondateur du synthpunk le plus violent.


title: Suimin City Destroyer

text: Membre crédités sur l'album :Membre autre :


title: Irasema Dilián

text: Irasema Dilián, née Eva Irasema Warschalowska le à Rio de Janeiro dans la région du Sudeste au Brésil et morte le à Ceprano dans la région du Latium en Italie, est une actrice italienne d'origine polonaise, ayant fait carrière en Italie, en Espagne et au Mexique.


title: Irasema Dilián

text: Irasema Dilián est la fille d'un diplomate polonais. Elle naît au Brésil ou son père est affecté, avant de grandir en Italie à Rome. Elle suit les cours du Centro sperimentale di cinematografia de la ville et débute en 1940 au cinéma dans le film "La Comédie du bonheur" de Marcel L'Herbier. Remarquée par Vittorio De Sica, elle joue dans ses films "Madeleine, zéro de conduite" et "Mademoiselle Vendredi". Elle obtient un premier succès critique et public en Italie avec le film "Leçon de chimie à neuf heures" de Mario Mattoli, dont elle partage l'affiche avec la jeune Alida Valli et le prometteur Andrea Checchi.


title: Irasema Dilián

text: Elle obtient ensuite plusieurs rôles principaux, notamment dans les films "Violette nei capelli" et "Une nuit avec toi" de Carlo Ludovico Bragaglia ou dans le drame "Malombra" de Mario Soldati.


title: Irasema Dilián

text: Après la guerre, elle travaille en Espagne puis s'installe au Mexique. Elle joue notamment pour les profiliques réalisateurs de l'époque que sont Emilio Gómez Muriel, Alfredo B. Crevenna, Alejandro Galindo ou Julio Bracho. En 1954, elle obtient l'un des rôles principaux du film "Les Hauts de Hurlevent" de Luis Buñuel.


title: Irasema Dilián

text: Elle prend sa retraite à la fin des années 1960.


title: Mercedes (Paraná)

text: Mercedes est une municipalité brésilienne située dans l'État du Paraná.


title: Miraselva

text: Miraselva est une municipalité brésilienne située dans l'État du Paraná.


title: Missal

text: Missal est une municipalité brésilienne située dans l'État du Paraná.


title: Vera Bergman

text: Vera Bergman, née Vera von Bergman le à Berlin et morte en 1971, est une actrice allemande.


title: Vera Bergman

text: Née à Berlin, Vera Bergman suit des cours de théâtre à l'école de Max Reinhardt. Après le tournage d'un long métrage en Allemagne ou elle joue un rôle secondaire, elle vient à Rome en 1939 pour un essai avec le réalisateur Vittorio De Sica. Malgré son jeune âge, elle obtient le rôle de l'enseignante Elisa Malgari dans le film "Madeleine, zéro de conduite". Elle poursuit sa carrière pendant et après la Seconde Guerre mondiale, avant d'y mettre fin en 1954 et de se retirer du monde du cinéma italien.


title: Moreira Sales

text: Moreira Sales est une municipalité brésilienne située dans l'État du Paraná.


title: Munhoz de Melo

text: Munhoz de Melo est une municipalité brésilienne située dans l'État du Paraná.


title: Alessandra Acciai

text: Alessandra Acciai, née le à Rome dans la région du Latium en Italie, est une actrice, scénariste et productrice de cinéma italienne.


title: Alessandra Acciai

text: Étudiante à l'Académie nationale d'art dramatique de Rome, elle débute comme actrice à la fin des années 1980, jouant principalement des rôles secondaires pour la télévision et le cinéma. Elle apparaît régulièrement dans plusieurs pièces de théâtre en Italie au cours des années 1990 et 2000 et obtient à nouveau plusieurs rôles d'importances variables au cinéma et à la télévision. Depuis 2010, elle travaille comme productrice et scénariste en parallèle à sa carrière d'actrice.


title: Jesse Puljujärvi

text: Jesse Puljujärvi (né le à Älvkarleby en Suède) est un joueur professionnel finlandais de hockey sur glace. Il évolue au poste d'attaquant.


title: Jesse Puljujärvi

text: Formé au Tornion IHC, il rejoint les équipes de jeunes du Kärpät Oulu. En 2014, il joue ses premiers matchs avec l'équipe première dans la Liiga et la Ligue des champions. Le Kärpät remporte le Kanada-malja 2015 mais Puljujärvi ne dispute aucun match de séries éliminatoires.


title: Jesse Puljujärvi

text: Il est choisi par les Oilers d'Edmonton au quatrième rang du repêchage d'entrée dans la LNH 2016. Le , il joue son premier match dans la Ligue nationale de hockey avec les Oilers face aux Flames de Calgary et marque son premier but.


title: Jesse Puljujärvi

text: Il représente la Finlande au niveau international. Il prend part aux sélections jeunes.


title: Ainhoa Murúa

text: Ainhoa Murúa Zubizarreta, née le à Zarautz, est un triathlète espagnole, championne d'Espagne de triathlon en 2013.


title: Ainhoa Murúa

text: Ayant remporté de nombreux triathlons dans le Pays basque, sa région natale, Ainhoa Murúa participe à son premier triathlon international en 2001. Remportant une manche de Coupe du monde et plusieurs d'Europe tout au long de sa carrière, Murúa participe aux Jeux olympiques à trois reprises avec pour meilleur résultat une septième place aux Jeux de Londres 2012, et termine vice-championne d'Europe la même année.


title: Ainhoa Murúa

text: Grande admiratrice du cycliste Miguel Indurain et amatrice de cinéma, Ainhoa Murúa parle l'espagnol (langue de son pays natal), le basque (langue de sa région), et l'anglais. Le tableau présente les résultats les plus significatifs (podium) obtenus sur le circuit national et international de triathlon depuis 2001.


title: Anapistula ishikawai

text: Anapistula ishikawai est une espèce d'araignées aranéomorphes de la famille des Symphytognathidae.


title: Anapistula ishikawai

text: Cette espèce est endémique de l'archipel d'Izu au Japon. Elle se rencontre sur Hachijō-jima.


title: Anapistula ishikawai

text: La femelle holotype mesure .


title: Anapistula ishikawai

text: Cette espèce est nommée en l'honneur de Tadashi Ishikawa.


title: Lieux de représentation du Festival d'Avignon

text: La fin du et le début du se caractérisent par une remise en question dans le domaine théâtral. C'est dans cette mouvance que Jean Vilar aménage le T.N.P. et investit des lieux ouverts pour le Festival d'Avignon.


text: Le Festival d'Avignon est dès le début emblématique grâce à ses lieux où se déroulent les représentations. En , Jeanne Laurent, chargée de la politique de décentralisation culturelle, cherche à dynamiser la province en y implantant des troupes permanentes de comédiens. C'est dans ce cadre que Jean Vilar demande à Jeanne Laurent « un mur pour jouer devant » : .


text: C'est Jeanne Laurent qui lui propose le « mur » de la Cour d'honneur du Palais des Papes. Elle raconte : .


text: Après accord de la municipalité, la Cour d'honneur du palais des papes fut aménagée et "Une semaine d'Art en Avignon" se concrétisa du au . Il y eut , dont , qui assistèrent dans trois lieux (la cour d'honneur du palais des papes, le Théâtre municipal et le Verger d'Urbain V), à sept représentations des trois créations.


text: En 1958, le réfectoire des pères (aussi « », mot régional), qui n’était pas couvert à l'époque, de la Chartreuse Notre-Dame-du-Val-de-Bénédiction à Villeneuve-lès-Avignon est réquisitionnée pour la pièce "Le Triomphe de l'amour", mise en scène par Jean Vilar, il sera ensuite réhabilité en tant que centre culturel de rencontre avec la création, en 1973, du Centre International de Recherche de Création et d'Animation (CIRCA) et le Centre National des Écritures du Spectacle (CNES), en 1990.


text: En 1966, c'est le Parvis du vice-légat, désormais nommé Place de l'Amirande, qui est utilisé par Roger Planchon pour sa mise en scène de la pièce "Richard III".


text: En 1967, sous l’impulsion de Paul Puaux, le Cloître des Carmes devient le premier lieu de décentralisation des représentations. Il n'a jamais cessé d'être utilisé dans le Festival (hormis durant les années 1983-84 et 1990). En 1968, ouverture du cloître des Célestins


text: En 1969, le lycée Saint-Joseph héberge une scène. Jean Vilar meurt en 1971, laissant pour successeur Paul Puaux. Ce dernier, avec un profil d'administrateur plus que de créateur, choisit de nouveaux lieux qui resteront des références, comme la Chapelle des Pénitents blancs.


text: Depuis 2014, un spectacle de l'édition joue chaque soir dans une ville et un lieu différent.


text: Depuis 15 ans, le Festival d'Avignon utilise entre 20 et 30 lieux lors de l'événement Festival. Sur tous ces lieux, 5 sont des lieux de spectacle, équipés et fonctionnant à l'année : La FabricA du Festival d'Avignon, le Théâtre Benoît-XII et la Chapelle des Pénitents blancs de l'Institut supérieur des Techniques du spectacle, l'Opéra du Grand Avignon, l'Autre-Scène de Vedène-Grand Avignon. Tous les autres lieux, gymnases, cloîtres, églises, cours, carrières... doivent être équipés pour accueillir un spectacle, des équipes artistiques et du public. Tous ces lieux sont examinés par une commission de sécurité des pompiers.


title: Cristóbal Olavarría

text: Cristóbal Arnold Olavarría Abarca, né le à Curicó, est un coureur cycliste chilien.


title: Anapistula seychellensis

text: Anapistula seychellensis est une espèce d'araignées aranéomorphes de la famille des Symphytognathidae.


title: Anapistula seychellensis

text: Cette espèce est endémique des Seychelles. Elle se rencontre à Praslin, à Silhouette et à Curieuse.


title: Anapistula seychellensis

text: La femelle holotype mesure .


title: Anapistula seychellensis

text: Son nom d'espèce, composé de "seychell[es]" et du suffixe latin "", « qui vit dans, qui habite », lui a été donné en référence au lieu de sa découverte, les Seychelles.


title: Biwa hōshi

text: Les , aussi connus sous le nom « prêtres au luth », sont des musiciens itinérants actifs au cours de l'histoire du Japon précédant l'ère Meiji. Ils gagnent leur vie en récitant de la littérature orale sur un accompagnement musical de biwa. Souvent aveugles, ils adoptent les têtes rasées et les habits communs aux bhikkhu (moines bouddhistes). Cette profession est probablement originaire de Chine et d'Inde où les prêtres laïques bouddhistes interprètes aveugles étaient autrefois communs.


title: Biwa hōshi

text: Leur style musical est appelé qui signifie littéralement « musique heike ». Quoique ces artistes existent depuis bien avant les événements qu'ils rapportent, ils finissent par devenir célèbres pour leurs narrations. Avant que les "biwa hōshi" ne chantent le "heikyoku", ils sont artistes et interprètes de rituels. Ils endossent un large éventail de rôles dont ceux de poètes et chanteurs, participent à la prévention de la peste et à la purification spirituelle. En fait, c'est probablement en raison de leurs fonctions rituelles qu'ils sont devenus les gardiens du .


title: Biwa hōshi

text: Les "biwa hōshi" sont considérés comme les premiers interprètes du "Heike monogatari" qui est l'une des plus célèbres épopées du Japon. Ce texte détaille les combats entre deux puissants clans, les Minamoto et les Taira vers le . Les Taira sont finalement anéantis par les Minamoto (parfois appelés les Genji) qui tuent systématiquement chaque descendant mâle des Taira. À cette époque, la religion au Japon intègre de nombreuses croyances animistes indigènes (voir shintoïsme) dans son cadre théologique bouddhiste, conduisant de nombreux nobles de la cour et les chefs religieux à se soucier des esprits en colère des Taira qui perturbent la paix. Le grand tremblement de terre vers 1185 contribue à ce sentiment. Comme leurs rituels comprennent l'apaisement des esprits et la prévention des fléaux, la musique heike devient un véhicule pour apaiser le ressentiment durable des esprits Heike. La musique "heikyoku" et les "biwa hōshi" deviennent immensément populaires pendant les siècles suivants.


title: Biwa hōshi

text: "Biwa hōshi" signifie littéralement « prêtre au luth ». est dérivé de "buppo no kyoshi" qui désigne un professeur qui explique les préceptes bouddhistes. Les deux caractères et signifient doctrine et professeur bouddhiste. Ils renvoient aux prêtres aveugles qui jouent du biwa heike pour accompagner leurs chansons sur les légendes, les guerres, les histoires et les mythologies. Finalement, vise les artistes voyants et aveugles et est également utilisé comme suffixe à une série d'autres types de personnes (par exemple, (musiciens danseurs)、 (amuseurs de style chinois)、 (artistes paria) et (hommes de Sanjo / hommes des quartiers temporaires). Les "biwa hōshi" apparaissent dans l'iconographie japonaise de la fin de l'époque de Heian (794-1185) et sont aussi mentionnés dans le "Shin-sarugaku-ki", écrit par Fujiwara Akihira (989-1066).


title: Biwa hōshi

text: Shobutsu, moine bouddhique du Tendai-shu est selon la tradition, le premier "biwa hōshi" à chanter le "Heike monogatari" vers l'an 1220. Par la suite, deux factions différentes de "biwa hōshi" se forment : l'école Ichikata, fondée par Kyoichi Akashi, et l'école Yasaka, fondée par Yasaka Kigen. Des rangs sont affectés aux "biwa hōshi" sur la base de leur compétence, le plus élevé étant "kengyo", suivi de "koto", "betto" et "zato".


title: Biwa hōshi

text: La multiplication des factions Yasaka et Ichikata s'accentue avec les contributions d'Akashi Kakuichi (1300–1371). "Biwa-hōshi" renommé, la narration "heikyoku" de Kakuichi est actuellement acceptée comme la version définitive du "Heike". Une raison documentée à cela est que Kakuichi est largement responsable de la formation de la guilde Ichikata. Celle-ci a précédé la formation de la Todo, guilde autonome de "biwa-hōshi" qui perçoit des revenus de deux façons. Tout d'abord, la guilde est créée avec le soutien de l'aristocratie et des milieux militaires de Kyoto - cette question sera examinée ci-dessous. Deuxièmement, la Todo détient un monopole sur l'enseignement et la transmission du "heikyoku". Pour être accepté comme disciple, un étudiant aspirant doit payer une taxe, après quoi l'étude de chaque nouveau morceau de musique exige un paiement. Aux , les "biwa hōshi" se produisent pour l'élite militaire et l'aristocratie, y compris les seigneurs féodaux régionaux (daimyo). Des représentations publiques sont également données pendant les services des temples bouddhistes. Le grand public a la possibilité d'assister à des spectacles kanjin pour lesquels il est tenu de payer un droit d'entrée.


title: Biwa hōshi

text: La guerre d'Onin (1467), ou perturbation Onin, s'avère être une occasion de difficultés pour les "biwa-hōshi". Cette guerre aboutit à la période Sengoku (), ère de guerre civile et de conflits politiques/militaires qui dure près de deux siècles. À cette époque, beaucoup de musiciens du "Heike" tournent leur attention vers le jōruri ou luth à trois cordes shamisen. Par conséquent, non seulement le conflit provoque-t-il une perte d'artistes mais aussi une baisse dans le nombre d'auditeurs de "heikyoku"


title: Biwa hōshi

text: Cependant, la disparition complète des "biwa-hōshi" est empêchée par un daimyo, Tokugawa Ieyasu, qui favorise l'art de la performance de la musique heike. Il est celui qui finalement réunifie le pays en établissant le shogunat Tokugawa au cours duquel il se montre fervent mécène du "Heike".


title: Biwa hōshi

text: Durant l'époque d'Edo (1600–1868), le shogunat Tokugawa fournit à la Todo des privilèges spéciaux et un financement substantiel, que la Todo redistribue ensuite à ses membres selon leur rang. L'époque d'Edo marque aussi la période durant laquelle le shogunat désigne la heike comme une de ses formes cérémonielles officielles de musique.


title: Biwa hōshi

text: En conséquence, de nouvelles écoles de heike apparaissent, dont beaucoup sont influencées par le style shamisen nouvellement introduit. Les deux écoles prédominantes qui se créent au cours de l'époque d'Edo sont la Maeda-ryū fondée par Maeda Kyuichi et la Hatano-ryū fondée par Hatano Koichi. Ces deux musiciens sont membres de la Shido-ha, la branche la plus active de l'ancienne école Ichikata. Des collaborations se forment entre amateurs passionnés du "Heike" qui, au cours de l'époque d'Edo, apportent de petites révisions à la notation musicale de la partition heike. Le cérémonial de la musique heike interprétée pour le shogunat se fait de plus en plus solennel et raffiné pour répondre aux normes de la classe intellectuelle. En outre, pour assurer le développement de la partition heike, l'improvisation est en nette diminution.


title: Biwa hōshi

text: En 1868, la restauration de Meiji annonce la chute du shogunat Tokugawa et contribue finalement à l'abolition de la Todo, ce qui porte atteinte aux privilèges sociaux dont bénéficient les musiciens et réduit le nombre des lieux disponibles de représentation. La Hatano-ryū en particulier, subit une inexorable baisse de popularité si bien qu'elle lutte pour sa survie à Kyoto jusqu'au milieu du . Par ailleurs, le shamisen, qui accompagne le langage contemporain de chansons et de récits, fait apparaître désuets les contes anciens du "Heike monogatari". À la fin de l'époque d'Edo, le koto a en fait remplacé le biwa comme l'instrument le plus couramment utilisé par les musiciens aveugles.


title: Biwa hōshi

text: Cependant, la tradition Heike se perpétue par les lignées Tsugaru (transmise par des interprètes voyants) et Nagoya (transmise par des musiciens aveugles de la tradition Todo), toutes deux relevant de l'école Maeda-ryū. La lignée Tsugaru comprend Kusumi Taiso (1815–1882), qui apprend le heike de la Maeda-ryū d'Edo, ainsi que ses fils Tateyama Zennoshin et Tateyama Kogo, qui tous deux déplorent le déclin de la musique heike à la fin de l'ère Meiji et cherchent à encourager un certain nombre d'élèves. À Nagoya, ville qui avait été un noyau florissant pour les représentations du "Heike", une petite faction de joueurs masculins aveugles continue à transmettre le "Heike" aux côtés d'autres instruments de musique à la popularité croissante, tels que le koto et shamisen. Des différences existent entre ces lignées en raison de la séparation géographique et des changements intervenus avec le temps. Par exemple, la lignée Nagoya repose presque entièrement sur la transmission orale. Néanmoins, les heike Nagoya et Tsugaru ont tous deux été désignés par le gouvernement japonais « patrimoine culturel immatériel » (Mukei Bunkazai) qui doit être enregistré et conservé : Nagoya en 1955 et Tsugara en 1959. Ces interprètes Nagoya désignés continuent leur transmission ; il s'agit d'Inokawa Koji, Doizaki Masatomi et Mishina Masayasu).


title: Biwa hōshi

text: La notation de livret sur laquelle repose l'interprétation "heikyoku" aujourd'hui à Nagoya est appelée Heike Shosetsu. Elle a été composée par Ogino Tomoichi (1732–1801), à l'origine disciple de l'école Hatano-ryū avant d'accéder au rang de "kengyo" dans la branche de Kyoto de l'école Maeda-ryū. Il possède une grande connaissance des deux grandes écoles comme maître disciple de la Hatano-ryū. En tant que tel, il joue un rôle fondamental dans la renaissance des "biwa hōshi".


title: Biwa hōshi

text: Tōru Takemitsu sauve le biwa de l'extinction en collaborant avec des compositeurs occidentaux. Takemitsu, et plusieurs compositeurs avant lui, reconnaissent que la musique japonaise devient rapidement obsolète. L'intérêt pour la musique japonaise est presque inexistant. Les études sur la théorie musicale et la composition de la musique consistent presque entièrement dans la théorie occidentale et son enseignement. Certains de ces compositeurs commencent à intégrer de la musique japonaise et des instruments japonais dans leurs compositions. Pourtant, ces compositeurs se focalisent sur les instruments japonais les plus similaires à ceux de l'Occident, par exemple l'utilisation du koto par Michio Miyagi. Takemitsu, d'autre part, collabore avec des compositeurs et des compositions de l'Occident pour inclure le biwa asiatique distinct. Ses compositions - bien reçues - revitalisent l'intérêt pour le biwa et le préserve de l'obsolescence.


title: Biwa hōshi

text: Selon Hugh de Ferranti, les spectacles modernes et en public de narration au biwa sont rares et presque tous les interprètes sont des « pratiquants du biwa de chikuzen et du biwa de satsuma ». Le biwa de Satsuma « émerge de l'interaction entre la Moso (guilde d'aveugles) et la classe des samouraï » dans la province de Satsuma, inaugurant une période de popularité pour le « biwa moderne » jusqu'aux années 1930, tandis que le biwa de chikuzen trouve ses origines dans les années 1890 dans la région Chikuzen du Kyūshū en s'inspirant d'aspects de la musique moso, du shamisen et de la technique du biwa de satsuma. Ces traditions sont particulièrement appréciées au début du pour leurs « sentiments nationalistes et militaristes de l'idéologie impérialiste de la fin de l'ère Meiji ». Dans la période d'après-guerre, ces traditions sont considérées comme des « activités classiques raffinées » d'où leur popularité au-delà du biwa heike. Le biwa lui-même est aussi représenté avec l'image de la déesse Benzaiten dans ses sanctuaires et dans les images des Sept Dieux Chanceux ("shichi fukujin") dans les maisons, les magasins et les bureaux.


title: Biwa hōshi

text: Quoi qu'il en soit, les associations modernes de biwa sont liées principalement au biwa hoshi, lui-même lié au "Heike monogatari" et au "Mimi Nashi joichi", œuvres bien connues enseignées dans les écoles et réadaptées en séries télévisées, en manga, dans la littérature populaire et autres médias. En tant que tel, « la plupart des Japonais ont du biwa l'image d'un vieil instrument à cordes cabossé joué par un aveugle décrépit qui ressemble à un prêtre bouddhiste et se promène en chantant de vieilles histoires de guerre et de fantômes ». Selon Hugh de Ferranti, « En dehors des domaines de l'érudition et des rares praticiens », peu de Japonais sont familiers avec les qualités sonores du biwa et ne peuvent reconnaître ses tonalités avec des références aux anciens contes de guerre. L'instrument est considéré comme archaïque, une relique du passé qui « ne peut pas être une chose de la vie et de l'expérience japonaise contemporaine mais est associée à jamais au monde du "Heike monogatari", un monde sombre de vaillance martiale et de samouraïs fantômes ».


title: Biwa hōshi

text: Pour l'essentiel de la période documentée de l'histoire du Japon, la musique ainsi que les interprétations narrées ont fréquemment été des professions exercées par des aveugles, dont l'importance dans la plupart des autres grands genres est également considérable, sauf pour la musique de cour et le théâtre, à partir du jusqu'au . Le folklore et la littérature attestent « invariablement des "biwa hōshi" et des "zato" aveugles » et ce n'est que dans les temps modernes que les musiciens voyants maîtrisent des instruments tels que le biwa.


title: Biwa hōshi

text: Selon De Ferranti, le fait de jouer du luth pour une aumône par des musiciens aveugles trouve ses racines dans la culture bouddhiste indienne au cours du premier millénaire de notre ère. Dès le , des aveugles itinérants dans l'Asie du Sud, décrits par les textes (tels l"Ashokavadana") comme des hommes saints, jouent du luth pour des aumônes. Un texte chinois du ainsi que le "Konjaku monogatari shū" du début du au Japon comptent cette histoire, tandis que d'autres « mentions dispersées » de prêtres aveugles joueurs de luth peuvent être trouvées dans des ouvrages de la période Tang de la partie continentale de Chine. Dans la région de Shanbei près de la Mongolie intérieure, les « mendiants aveugles qui récitaient des contes et voyageaient en compagnie de joueur de pipa étaient communs » avant la révolution de 1949. Sous Mao, les aveugles itinérants appelés "shuoshude" jouaient d'un luth à trois cordes dans des « contextes rituels de ménages » en utilisant leur récit « comme une puissante force pour la réforme sociale » par le Parti communiste.


title: Biwa hōshi

text: Avant la diffusion du bouddhisme au cours des sixième au neuvième siècles, il était « généralement reconnu que dans la vie rituelle du Japon, les hommes et les femmes aveugles [étaient] respectés comme célébrants chamaniques porteurs d'une puissance lumineuse en raison de leur séparation du monde connu par les autres ». Historiquement, les aveugles pratiquaient des rituels curatifs pour guérir les maladies et exorciser les esprits. Pour la musique, les instruments à cordes pincées ou frappées avaient aussi des significations rituelles et étaient probablement des tâches affectées aux personnes aveugles dans la croyance de leurs capacités chamaniques. L'azusa yumi était utilisé pour convoquer les divinités dans un rituel pré-bouddhiste, impliquant probablement des aveugles. Le rôle des premiers "biwa hōshi" dans l'interprétation de la performance vocale de contes de bataille « pour apaiser la fureur des fantômes des guerriers tués » indique en outre une qualification chamanique des aveugles. Les références historiques suggèrent que les "biwa hōshi" étaient impliqués à la fois dans la divination mais aussi dans le rôle fondamental d'apaisement des esprits meurtris, en particulier ceux tués au combat.


title: Biwa hōshi

text: Les liens intimes entre le biwa et les aveugles dans la Todo et divers groupes régionaux pour la Moso cimentent cette relation inséparable. La cécité est une condition nécessaire à l'adhésion à ces organisations qui protègent respectivement les interprètes aveugles de la musique heike et les professionnels ainsi que les joueurs de biwa pour rituels. En ce qui concerne la Todo, les interprètes heike finissent par contrôler la guilde et donc les vies de nombreux Japonais aveugles. Par ailleurs, selon les légendes de ces institutions, « la lignée des joueurs aveugles de biwa remonte en dernier ressort à… un disciple aveugle du Bouddha Shakyamuni historique, appelé Ganjutsu Sonja ».


title: Biwa hōshi

text: Toutefois, selon Hugh de Ferranti, tous les joueurs aveugles de biwa de l'ancien temps « n'étaient pas complètement dépourvus du sens de la vision et de connaissance de la musique ». En effet, beaucoup de gens appelés aveugles n'étaient probablement affectés « seulement de facultés affaiblies de leur vision », en témoigne la dénotation de mots dans le style de "mojin", "sato" et "mekura". En outre, de nombreuses personnes aveugles étaient progressivement atteintes par le handicap résultant du vieillissement, de la maladie ou d'un accident, ce qui signifie qu'une alphabétisation pouvait avoir été acquise tôt dans la vie. Hugh de Ferranti soutient qu'un nombre important d'interprètes de biwa « disposaient du sens de la vue et, dans certains cas étaient alphabétisés », comme mis en évidence par les enregistrements de la tradition Jojuin de Moso et l'adhésion historique de la Gensei Horyū. Ces personnes doivent donc être reconnues pour leur importance potentielle dans la production de textes écrits et dans la « transmission du répertoire ».


title: Biwa hōshi

text: L'iconographie bouddhique dans tout l'Orient et l'Asie du Sud-Est dépeint des luths au cou court joués par des êtres célestes, ainsi que la déesse hindou Saraswati qui mène ces musiciens célestes. Les avatars de Sarasvati, « la déesse hindoue de la musique, de la sagesse et de l'éloquence qui joue du biwa », jouent également du luth dans les représentations iconographiques tibétaines et chinoises. Ces avatars correspondent à Benzaiten, divinité japonaise connue pour tenir un biwa dans ses bras bienveillants.


title: Biwa hōshi

text: L'iconographie japonaise indique deux divinités joueuses de luth : Benzaiten susmentionnée et Myoon Ten. Leurs identités sont souvent fusionnées mais les deux ont leurs racines dans la tradition asiatique continentale et peuvent être déduites de Sarasvati à travers diverses formes. Benzaiten représente l'éloquence tandis que Myoon Ten incarne la musique elle-même. En tant que bodhisattva appelée « Son miraculeux », Myoon Bosatsu est décrite dans le Sūtra du Lotus et tient un rôle important pour les joueurs de biwa dans la société de cour. Son influence s'étend au-delà de la cour et s'intègre particulièrement dans la tradition des "biwa hōshi". Après le début du cependant, la plupart des sculptures et des représentations iconographiques montrent le pipa au lieu du luth.


title: Biwa hōshi

text: Les lieux dont le nom contient les caractères ou les sons « biwa » ont également des traditions sanctifiées. Le lac Biwa est renommé pour Chikubushima, où Taira no Tsunemasa joue au sanctuaire de Benzaiten dont la divinité apparaît sous la forme d'un dragon blanc. Dans tout le Japon et dans le Kyūshū en particulier, il existe des collines, des vallées, des étangs et des ponts « biwa » où les artistes ont prétendument enterrés ou offerts des instruments aux eaux des indigènes. D'autres légendes de certaines sectes et les mentions dans des textes anciens témoignent des associations sacrées de l'instrument biwa.


title: Biwa hōshi

text: Malgré la représentation de Benzaiten, la divinité protectrice de la musique vénérée par les "biwa hōshi" et la Moso, comme une entité féminine et l'existence de joueuses de biwa très célèbres au , à l'« exception des interprétations amateurs par les femmes dans la tradition de musique de cour » , les joueurs de biwa professionnels sont des hommes jusqu'à l'emploi du shamisen au . Avec la cécité, la masculinité est une condition nécessaire pour l'admission dans la Moso et la Todo. Cependant, il est commun pour les femmes dans la Chine des Tang de jouer du pipa comme il est également fréquent pour les femmes de cour de l'époque de Heian jusqu'à l'époque de Muromachi d'apprendre à jouer du biwa dès l'enfance. Il existe aussi quelques rares références à des interprètes féminines - voyantes et aveugles - qui peuvent avoir joué du biwa, bien qu'au cours de l'époque d'Edo, quelques amateurs féminins se sont formées auprès de professionnels du biwa heike comme activité de loisir.


title: Biwa hōshi

text: Pourtant, des interprètes féminines itinérantes ont existé dans le Japon médiéval même si elles sont le plus souvent représentées jouant du tsuzumi. Au cours de l'époque d'Edo, des chanteuses appelées "goze" s'accompagnent souvent au shamisen ou au koto, ce dernier étant joué par des « femmes aveugles aisés qui l'enseignent aux femmes de samouraï et de marchands ». Le koto, avec son imitation en bois, le gottan, sont joués de maison en maison afin d'obtenir des aumônes, pratique appelée "kadozuke". Dans le Kyūshū, les "goze" ne sont pas rares avec des artistes mentionnées à la fin du dans les registres de la Todo. Bien que n'étant pas membres de la guilde, les "goze" organisent un festival annuel et cette profession continue d'être viable au milieu des années 1900.


title: Biwa hōshi

text: Bien que la cécité dans la société japonaise a toujours été stigmatisée « à la suite d'une interprétation bouddhiste de ce handicap comme une forme de punition karmique », d'autres facteurs ont également conduit à la marginalisation et la discrimination des musiciens aveugles. En général, les aveugles étaient traités selon les restrictions imposées à leur rang social. En d'autres termes, les citadins roturiers (chōnin) et les aveugles des rangs guerrier « étaient autorisés à exercer les professions accessibles à tous ceux d'un rang similaire, dans les limites de leur insuffisance visuelle » tandis que ceux appartenant à des foyers agricoles pouvaient contribuer au paiement des taxes foncières par tout moyen de travail possible. Cependant, les professions les plus courantes pour tous ces gens comprenaient la musique, les massages, l'acupuncture et la moxibustion tandis que le travail rituel était courant dans des endroits spécialisés.


title: Biwa hōshi

text: En ce qui concerne les artistes itinérants, les plus riches pouvaient « gagner leur vie au cours de l'époque d'Edo en tant qu'enseignants et interprètes à domicile » tandis que les autres (représentant la majorité des "zato" et "goze") comptaient sur le "kadozuke" considéré comme une forme de mendicité en dépit de ses associations rituelles. Les interprétrations de porte-à-porte par des professionnels associés aux sanctuaires et aux temples avaient également lieu dans le cadre de la pratique historique des rites saisonniers et des célébrations pour les zones agricoles. À l'époque médiévale cependant, ils étaient considérés comme étant de faible statut et affiliés au districts de Sanjo « pour les classes discriminées ». Cependant, les croyances populaires dans les visites de kami pendant ces fêtes de la moisson pour débarrasser les villageois des impuretés lors de la réception des dons de chefs de famille peuvent avoir fourni une base socio-culturelle à la volonté d'offrir de la nourriture et de l'argent aux artistes itinérants. En outre, le "kadozuke" était considéré comme un acte méritoire.


title: Biwa hōshi

text: Selon Hugh de Ferranti, les sources iconographiques et littéraires dépeignent généralement les "biwa hōshi" comme des figures solitaires et pitoyables même si des individus riches et puissants sont également présents dans ces représentations. Ils sont parfois dépeints comme des individus mystérieux, effrayant et potentiellement dangereux tandis que selon d'autres sources, ce sont des personnages « ridicules » qui existent pour « être moqués, parfois avec une cruauté sans limite ». Le folklore associe les "biwa hōshi" aux fantômes grâce à leur faculté d'apaisement des esprits lésés et leur performance des rituels chinkon. Cependant, les pièces du théâtre kyōgen appelées "zatomono" décrivent des tromperies délibérées infligées à un "zato" aveugle de telle sorte qu'il est perdu et désorienté ou souffre de pertes et d'incompréhension. Un tel acte est provoqué par des personnes voyantes pour leur pur amusement, comme dans les histoires de Saru zato et Tsukimi zato. Les parchemins illustrés marient ce « sens similaire des "biwa hōshi" comme des êtres bizarres, un peu effrayants, qui peuvent néanmoins être raillés ». Sur ces images, les gens « regardent de leurs maisons les joueurs de biwa et semblent en rire ou se moquer d'eux » tandis que les enfants les fuient et les chiens leur aboient après.


title: Biwa hōshi

text: La tendance actuelle de l'analyse scientifique est de considérer l'origine de la Heike comme ayant surgi d'abord comme une récitation de biwa dans le but de propager le bouddhisme au Japon. Selon le "Tsurezuregusa", « "Les heures oisives" », Yukinaga du Gotaba en règne, chargé de la maison de Fujiwara no Kanezane, le conseiller en chef de l'empereur, a souvent échangé des poèmes avec la cour impériale. Invité à un discours impérial sur des poèmes et incapable de se rappeler deux des sept vertus, il a donc été nommé Jacques (?) des cinq vertus. Embarrassé, il a renoncé à apprendre la poésie, a pris la tonsure puis est devenu moine sous l'autorité de Jichin Jaso de la secte tendai. Jichin était connu pour rassembler des talents au temple Shorenin dans le quartier Higashiyama de Kyoto afin de discuter des moyens de diffusion de la foi tendai. Nombreux y étaient les "biwa hōshi". C'est ainsi que, selon la légende, Yukinaga a écrit le scénario du "Heike monogatari" et l'a enseigné à un joueur de biwa moso de l'est du Japon, nommé Shobutsu, réputé pour ses impressionnantes narrations et sa connaissance approfondie des guerriers, des arcs et des chevaux.


title: Biwa hōshi

text: Selon George Gish, il y avait cinq éléments essentiels pour le développement du "Heike" :Le heikoyu est musicalement influencé par le chant bouddhiste et les traditions koshiki et shōmyō du biwa des . C'est en effet une combinaison du style de monogatari pratiqué par gakybiwa mosobiwa et de la narration shōmyō. L'écrivain Yukinaga a apporté des éléments de la tradition de cour tandis que Jichin a offert des aspects shōmyō (Gish 139). Shobutsu en tant que "kyotomoso" et un "biwa hōshi" ont également apporté une perspectives unique.


title: Biwa hōshi

text: Le biwa comme instrument heike lui-même est une combinaison des prédécesseurs gaku et moso du biwa. De fait, la distance relative moyenne entre les frettes est égale à celle du biwa heike de même que leur hauteur relative. À partir de Shobutsu apparaissent deux écoles, la Yasaka-ryū conduite par Jogen et l'Ichikata-ryū dirigée par Nyoichi. Askahi Kakuichi est le disciple de Nyoichi et un favori du shogun Ashikaga Takauji,  probablement en raison de liens de sang. Kakuichi atteint bientôt le rang de "kengyo", chef de la guilde pour aveugles, connu sous le nom shoku-yashiki. Il meurt en 1371, à l'apogée du biwa heike.


title: Biwa hōshi

text: Musicalement, le développement se poursuit avec l'Ichikata-ryū qui se diversifie en quatre branches séparées. Puis, au cours de l'époque d'Edo, les principales branches se différencient plus encore sous l'influence du style shamisen. Les principales écoles sont la Hatano-ryū et la Maeda-ryū, nommées d'après leurs fondateurs respectifs. Une intense rivalité entre les écoles, aggravée par les changements dans le monde de la musique dans son ensemble, contribue au déclin de la tradition heike.


title: Biwa hōshi

text: L'utilisation croissante du shamisen au milieu du précipite de nouvelles innovations dans la musique populaire. Certaines des premières innovations sont effectuées par quelques joueurs heike au cours de cette tradition musicale. Ils utilisent un plectre de type biwa sur le shamisen pour émuler les sons et l'effet de bourdonnement du biwa.


title: Biwa hōshi

text: Pourtant, le shamisen aboutit à de nouvelles possibilités créatives séduisantes, attirant des musiciens et leurs clients et auditeurs avec eux. Le nouveau langage de la chanson rend désuets les anciens styles de "heikoyu", surtout avec le koto comme nouvel instrument.


title: 1940 en combiné nordique

text: Cette page reprend les résultats de combiné nordique de l'année 1940.


title: 1940 en combiné nordique

text: L'édition 1940 du festival de ski d'Holmenkollen fut remportée par le Norvégien  devant son compatriote suivi par le Suédois John Westbergh.


title: 1940 en combiné nordique

text: Les résultats du championnat d'Allemagne de combiné nordique 1940 manquent.


title: 1940 en combiné nordique

text: Le Championnat d'Estonie 1940 fut remporté par Aleksander Peepre devant Villem Känd et Helmut Meier.


title: 1940 en combiné nordique

text: Le championnat des États-Unis 1940, organisé à , a été remporté par Peter Fosseide.


title: 1940 en combiné nordique

text: Les résultats du championnat de Finlande 1940 manquent.


title: 1940 en combiné nordique

text: Le championnat d'Islande 1940 fut remporté, comme l'année précédente, par Jónas Ásgeirsson.


title: 1940 en combiné nordique

text: Le championnat d'Italie 1940 fut remporté par Rinaldo Vitalini. Il devance les anciens vainqueurs Andrea Vuerich (1935) et Antonio Mosele (1937).


title: 1940 en combiné nordique

text: Le championnat de Norvège 1940 se déroula à Raufoss, sur le Lønnbergbakken. Il fut remporté par devant Olav Odden et Ola Normann Bakke.


title: 1940 en combiné nordique

text: Le championnat de Pologne 1940 fut annulé.


title: 1940 en combiné nordique

text: Le championnat de Suède 1940 a distingué John Westbergh, du club . Le club champion fut le Djurgårdens IF.


title: 1940 en combiné nordique

text: Le Championnat de Suisse de ski 1940 a eu lieu à Gstaad. L'épreuve fut remportée par le coureur allemand d'origine autrichienne Heinz von Allmen, de Wengen.


title: Heliothis virescens

text: Heliothis virescens (la noctuelle des bourgeons du tabac ou noctuelle verdoyante) est une espèce d'insectes lépidoptères de la famille des Noctuidae originaire d'Amérique.


title: Heliothis virescens

text: "Heliothis virescens" est un insecte ravageur, dont la chenille défoliatrice attaque de nombreuses cultures importantes comme la luzerne, le trèfle, le cotonnier, le lin, le soja et le tabac, ainsi que diverses plantes potagères et ornementales.


title: Heliothis virescens

text: Cette espèce est apparue comme un ravageur important des cultures de cotonnier en Louisiane au milieu des années 1930. Elle a prospéré après guerre dans le sud des États-Unis, conduisant à l'élimination de la culture du coton dans diverses régions. Deux facteurs ont conduit à ce résultat : les traitements insecticides contre le charançon du cotonnier ("Anthonomus grandis"), qui ont éliminé ses ennemis naturels, et la résistance de la noctuelle à tous les insecticides alors disponibles.


title: Heliothis virescens

text: Selon :


title: Anapistula caecula

text: Anapistula caecula est une espèce d'araignées aranéomorphes de la famille des Symphytognathidae.


title: Anapistula caecula

text: Cette espèce est endémique de Côte d'Ivoire.


title: Anapistula caecula

text: Les femelles mesurent de à .


title: Lee Joon-ho

text: Lee Joon-ho, né le à Séoul, est un patineur de vitesse sur piste courte sud-coréen.


title: Liste des métropoles du Vermont

text: Cet article donne une Liste des métropoles du Vermont aux États-Unis.


title: Liste des métropoles du Vermont

text: Une région (ou aire) métropolitaine aux États-Unis se définit par une approche fonctionnelle et non comme en Europe par une approche historique. Elle consiste en un noyau de comtés urbanisés auquel sont rattachés d'autres comtés contigus sur des critères basés sur le degré d'intégration économique et social (la région métropolitaine prend le nom de la ou des villes les plus importantes incluses dans ce noyau).


title: Gare de Sonsveien

text: La gare de Sonsveien est une gare ferroviaire norvégienne de la ligne d'Østfold, située sur le territoire de la commune de Vestby, à trois kilomètres de la localité de Son, dans le comté d'Akershus.


title: Gare de Sonsveien

text: Mise en service en 1932, c'est une halte voyageurs de la Norges Statsbaner (NSB). Elle est distante de d'Oslo.


title: Gare de Sonsveien

text: La gare de Sonsveien est située sur la ligne d'Østfold, entre les gares de Vestby et de Kambo.


title: Gare de Sonsveien

text: La halte qui fut ouverte en 1932 n'était alors équipée que d'une aubette et d'un quai en bois. Lorsque la ligne fut doublée en 1996, la halte fut déplacée d'une centaine de mètres pour laisser place à une structure et des quais en béton .


title: Gare de Sonsveien

text: C'est une gare ferroviaire sans personnel, mais disposant d'un automate, d'un abri, pour les voyageurs, sur chacun des deux quais.


title: Gare de Sonsveien

text: Sonsveien est desservie par des trains locaux en direction de Skøyen et de Moss.


title: Gare de Sonsveien

text: Un parking, de 150 places, pour les véhicules et un parc à vélo couvert y sont aménagés. Un arrêt de bus est situé à proximité de la gare qui permet de rejoindre la localité de Son. Il y a également une station de taxi.


title: NEO PI-R

text: Le NEO Pi-R est un questionnaire de personnalité basé sur le modèle des Big Five.


title: NEO PI-R

text: Il a été conçu par et , et adapté en français par Jean-Pierre Rolland.


title: NEO PI-R

text: Il constitue avec le MBTI un des questionnaires de personnalité les plus connus.


title: Betty Boop's Ups and Downs

text: Betty Boop's Ups and Downs est un court métrage américain réalisé par Dave Fleischer en 1932, dans la série "Betty Boop".


title: Betty Boop's Ups and Downs

text: Saturne achète la Terre à la Lune.


title: Betty Boop's Ups and Downs

text: Ce court métrage représente la Grande Dépression.


title: Betty Boop's Ups and Downs

text: Il a été censuré pour antisémitisme a cause d'un personnage représenté en Juif caricatural.


title: Frédéric Blackburn

text: Frédéric Blackburn, né le à Chicoutimi, est un patineur de vitesse sur piste courte canadien.


title: Mary Wesley

text: Mary Wesley, CBE, nom de plume de Mary Aline Mynors Farmar, née le à Englefield Green, dans le Surrey, et morte le à Totnes, dans le Devon, est une romancière anglaise, spécialisée dans le roman historique qui met en scène des conflits familiaux et dans la littérature d'enfance et de jeunesse.


title: Mary Wesley

text: Née en 1912, fille du colonel Harold Mynors Farmer, elle est élevée dans la somptueuse propriété familiale. Enfant difficile, elle aura seize gouvernantes successives et entretiendra une longue relation conflictuelle avec ses parents, et tout particulièrement avec sa mère.


title: Mary Wesley

text: Elle travaille au Ministère de la Guerre pendant la Seconde Guerre mondiale, et se marie à plusieurs reprises Adoptant le pseudonyme de Mary Wesley, inspiré par le nom de sa grand-mère (Wellesley), elle amorce sa carrière en littérature assez tardivement, dans les années 1960 avec deux romans de littérature d'enfance et de jeunesse. Elle cesse de publier pendant plus de dix ans, puis donne un dernier titre pour la jeunesse avant de devenir romancière de sagas familiales à partir de 1983.


title: Mary Wesley

text: Ce sont les souvenirs de la situation familiale tendue de sa jeunesse qui sont évoqués dans son roman le plus connu, "La Pelouse de camomille" ("The Camomile Lawn", 1984), dont l'action se déroule pendant la Deuxième Guerre mondiale, et à la publication duquel l'un de ses frères s'est en vain opposé. Par ailleurs, c'est la vie de ses grands-parents maternels qui sert de base au roman historique "Sucré, salé, poivré" ("Harnessing Peacocks", 1985). Ces deux romans, ainsi deux autres, ont fait l'objet d'adaptations par la télévision britannique. Elle dissèque avec ironie l'Angleterre bien pensante, et plonge également dans les tourments émotionnels et sexuels.


title: Mary Wesley

text: Mary Wesley, décorée de l'Ordre de l'Empire britannique en 1995, meurt d'une infection sanguine liée à la goutte en , un an après la parution de son autobiographie "Part of the Scenery" (2001).


title: CoCo (chanson de O.T. Genasis)

text: CoCo est un single musical du rappeur américain O.T. Genasis sorti en octobre 2014. La chanson est un hymne à la cocaïne.


title: CoCo (chanson de O.T. Genasis)

text: O.T. Genasis répète dans "CoCo" son amour de la cocaïne. Le rappeur scande . Pour Les Inrocks, le morceau est . Le magazine poursuit que .


title: Anapistula benoiti

text: Anapistula benoiti est une espèce d'araignées aranéomorphes de la famille des Symphytognathidae.


title: Anapistula benoiti

text: Cette espèce est endémique du Nord-Kivu au Congo-Kinshasa. Elle se rencontre vers Kambaila.


title: Anapistula benoiti

text: La femelle holotype mesure .


title: Anapistula benoiti

text: Cette espèce est nommée en l'honneur de Pierre L. G. Benoit.


title: Église Saint-André de Cénac

text: L'église Saint-André est une église catholique située dans la commune de Cénac, dans le département de la Gironde, en France.


title: Église Saint-André de Cénac

text: L'église est située au cœur du bourg.


title: Église Saint-André de Cénac

text: L'église a été édifiée au . Elle se compose d'une simple nef non-voûtée, terminée par une abside en cul-de-four, voûtée en berceau. À l'ouest, se trouve un clocher-mur à deux baies, précédé par un porche. L'archivolte et les voussures en plein-cintre du portail reposent sur des colonnettes, sculptées avec un décor végétal.


title: Église Saint-André de Cénac

text: La partie la plus ancienne de l'église sont les murs de la nef qui conservent de petites baies romanes, d'origine, qui indiquent une construction du . Le chœur a été reconstruit vers la fin du et le clocher-mur peut dater du .


title: Église Saint-André de Cénac

text: Au , pendant les guerres de Religion, l'église fût fortifiée avec une chambre de tir à meurtrières, au-dessus de l'abside. L'abside a peut-être endommagée par les troupes du duc d’Épernon pendant la Fronde.


title: Église Saint-André de Cénac

text: Le chœur et les baies de la nef ont été repris au , une sacristie construite (avant 1860) et, en 1871, la base du clocher-mur a été remaniée et un porche ajouté, sous l'impulsion de Donnet qui jugeait que le clocher . On trouve les traces de deux cadrans canoniaux sur le mur sud de la nef.


title: Église Saint-André de Cénac

text: Les vitraux datent du dernier quart du et sont des dons de paroissiens : MM. Samazeuilh, Vibert et Largeteaux en 1876 et Gilloux en 1877.


title: Église Saint-André de Cénac

text: La sculpture des chapiteaux intérieurs n'est pas historiée. Les chapiteaux du portail, déplacés lors de construction du porche en 1871, ont un décor végétal. Ils sont assez érodés. Par contre, les modillons qui soutiennent la corniche du chevet sont figurés, en partie, avec des sujets isolés. Ils sont de facture assez frustes. Il est probable que, lors de la fortification de l'église, certains modillons romans ont été remplacés ou remontés dans un désordre.


title: Église Saint-André de Cénac

text: Parmi les modillons, on trouve un mélange de représentations : têtes d'hommes, d'animaux plus au moins monstrueux et des figures géométriques. On n'y trouve aucune leçon de moralité, au contraire des corniches des églises du ou du .


title: Église Saint-André de Cénac

text: La croix du cimetière présente un fût cannelé supporté par un socle cubique. Dans la commune, se trouve également une croix de chemin, dite croix de "Vinagrey" et une croix de mission au lieu-dit "Materre".


title: Église Saint-André de Cénac

text: L'édifice est inscrit au titre des monuments historiques par arrêté du .


title: Michaël Prüfer

text: Michaël Prüfer est un skieur français spécialisé dans le ski de vitesse né le .


title: Michaël Prüfer

text: En parallèle de sa carrière de médecin, Michaël Prüfer pratique le ski de vitesse. Il court un temps sous les couleurs de Monaco, étabilissant notamment un record du monde à 223,741 km/h en 1988.


title: Michaël Prüfer

text: Le ski de vitesse est dans le programme des Jeux olympiques de 1992 à Albertville en tant que sport de démonstration ; il remporte la médaille d'or en établissant un record du monde de vitesse à 229,299 km/h.


title: Leipäsuo

text: Leipäsuo (Russian: Лейпясуо; Finnish: Leipäsuo) est un village du raïon de Vyborg dans l'oblast de Léningrad en Russie.


title: Leipäsuo

text: Leipäsuo est une gare sur la voie ferrée Saint-Pétersbourg–Vyborg située dans l'isthme de Carélie. Avant la guerre d'hiver Leipäsuo était un village de la municipalité de Muolaa dans la province de Viipuri en Finlande.


title: Milan Gajić (football, 1996)

text: Milan Gajić est un footballeur serbe né le à Vukovar. Il évolue au poste de latéral droit à l'Étoile rouge de Belgrade.


title: Milan Gajić (football, 1996)

text: Le , Milan Gajić signe un contrat de cinq ans avec les Girondins de Bordeaux. Il dispute son premier match officiel lors du troisième tour préliminaire retour de Ligue Europa face à l'AEK Larnaca (victoire 0-1).


title: Milan Gajić (football, 1996)

text: Avec les sélections de jeunes, il participe au championnat d'Europe des moins de 19 ans 2014 organisé en Hongrie, puis à la Coupe du monde des moins de 20 ans 2015 qui se déroule en Nouvelle-Zélande. Lors du mondial, il joue six matchs. La Serbie remporte la compétition en battant le Brésil en finale.


title: Anapistula australia

text: Anapistula australia est une espèce d'araignées aranéomorphes de la famille des Symphytognathidae.


title: Anapistula australia

text: Cette espèce est endémique du Queensland en Australie.


title: Anapistula australia

text: La femelle holotype mesure .


title: Anapistula australia

text: Son nom d'espèce lui a été donné en référence au lieu de sa découverte, l'Australie.


title: Karsta Lowe

text: Karsta Lowe est une joueuse de volley-ball américaine née le à San Diego (Californie). Elle mesure et joue au poste d'attaquante. Elle totalise en équipe des États-Unis.


title: Monastère de Kirchberg

text: Le monastère de Kirchberg est un ancien monastère de sœurs dominicaines situé dans la commune de Sulz am Neckar, dans le Bade-Wurtemberg (Allemagne). Il est perché sur une colline boisée, à 571 m d'altitude, entre Forêt-Noire et Jura souabe.


title: Monastère de Kirchberg

text: La première mention du lieu, datant de 1095, fait état d'un château des comtes de Hohenberg. Le monastère est édifié en 1237 par le comte Burkhard III de Hohenberg pour la communauté des sœurs augustines. Sa fondation est entérinée en 1245 par le pape Innocent IV, qui l'incorpore à l'ordre des dominicains, alors bien implanté dans la région. Au nombre de dix à la fondation du monastère, les religieuses sont déjà 60 dix ans plus tard et Kirchberg devient vite un haut lieu de piété mystique.


title: Monastère de Kirchberg

text: En 1381, à l'extinction de la dynastie des Hohenberg, le comté est vendu au Habsbourg et Kirchberg fait partie jusqu'en 1805 d'une enclave de l'Autriche antérieure.


title: Monastère de Kirchberg

text: Au , la rigueur monastique se relâche. Des irrégularités dans l'administration compromettent les fondements économiques du monastère, les querelles entre Habsbourg et comtes de Hohenzollern-Haigerloch divisent les religieuses. Au début du , le monastère de Kirchberg se transforme même en un lieu d'amusement et de débauche pour les junkers de la région. En 1525, le monastère est pillé pendant la guerre des paysans. En 1529, il est partiellement détruit par un incendie, puis très sommairement reconstruit. En 1564, 39 sœurs dominicaines de Pforzheim, ville devenue protestante, s'installent à Kirchberg et donnent au monastère un nouvel essor. Les pèlerins viennent y vénérer une « vierge qui pleure ». Déclaré autel privilégié, l'autel principal, auquel est attachée une indulgence, attire de plus en plus de fidèles et d'importants travaux de reconstruction sont entamés à la fin du et se poursuivent jusque vers le milieu du .


title: Monastère de Kirchberg

text: En 1805, le traité de Presbourg cède au Wurtemberg l'enclave autrichienne de Hohenberg, dont fait partie le monastère, celui-ci est alors sécularisé, puis dissout le . Les religieuses sont autorisées à y rester, la dernière quittant les lieux en 1855.


title: Monastère de Kirchberg

text: Dès 1851, une école d'agriculture y est installée. Elle sera fermée en 1941.


title: Monastère de Kirchberg

text: En 1956, la confrérie évangélique Saint Michaël (connue également sous le nom de Mouvement de Berneuchen) a obtenu la permission de s'installer dans les bâtiments de l'ancien monastère et d'en faire un lieu de recueillement.


title: Monastère de Kirchberg

text: Le monastère abrite par ailleurs depuis 2000 une exposition permanente d'œuvres de l'artiste Helmuth Uhrig (1906-1979) – sculptures sur pierre et sur bois, vitraux, mosaïques, tableaux –, qu'il a léguées à la confrérie, dont il était membre.


title: Monastère de Kirchberg

text: La maison "Berneuchener Haus Kloster Kirchberg", ouverte aux confessions et croyances les plus diverses, propose chaque année une bonne centaine de manifestations dans les domaines les plus variés tels que méditation et prière, peinture, calligraphie et photographie, assistance spirituelle, prière du cœur, yoga, danse, qi gong ou jeûne.


title: Monastère de Kirchberg

text: L'atmosphère spirituelle de la maison est rythmée par les heures canoniales, offices liturgiques auxquels sont aussi invités les hôtes de passage. Du lundi au samedi, les laudes (« louanges ») sont célébrées à 7h45, la sexte (office de midi) à 12 heures, les vêpres à 18 heures et les complies à 21 heures. Ces offices allient la tradition monastique à des cantiques spirituels modernes. Le dimanche, un culte protestant est célébré à 9 heures, ainsi qu'un office de midi à 12 heures et un office du soir à 18 heures.


title: Monastère de Kirchberg

text: Le complexe du monastère, entouré d'un mur, a conservé sa structure et est en bon état de conservation. Le portail d'entrée (1749), qui ouvre sur une cour en déclive entourée de bâtiments disposés en polygone irrégulier, est couronné d'une statue de la vierge flanquée de deux anges entourant les armoiries du monastère. À gauche et à droite du porche se dressent une statue de saint Dominique et une autre de sainte Catherine de Sienne.


title: Monastère de Kirchberg

text: À gauche derrière l'entrée se trouve un bâtiment allongé, l'ancienne école d'agriculture, qui abrite aujourd'hui des chambres et des salles d'activités. Le reste de l'aile gauche du complexe est constituée par des écuries transformées en chambres et en appartements de fonction et par une grange abritant actuellement l'exposition consacrée à Helmut Uhrig.


title: Monastère de Kirchberg

text: L'ancienne écurie à droite de l'entrée n'est actuellement plus utilisée. Elle est suivie par une rangée de bâtiments comprenant la maison du gardien, une grange, un café et des appartements réservés au personnel.


title: Monastère de Kirchberg

text: Au milieu de la cour se trouve l'ancien four, transformé en boutique, ainsi que la maison de maître, aujourd'hui bâtiment administratif et appartement du directeur de l'établissement.


title: Monastère de Kirchberg

text: Au fond de la cour se dresse le bâtiment conventuel proprement dit, érigé en 1733 devant le couvent gothique d'origine composé de quatre ailes entourant un cloître. Sa façade est ornée de trois étages de fenêtres encadrées de grès et flanquée de deux pignons baroques. L'église, perpendiculaire au corps du bâtiment, occupe l'aile nord du cloître. Seuls les murs extérieurs de l'édifice gothique sont préservés. On accède à l'église sur le côté nord par la chapelle Sainte-Catherine, baroque (1692) et de plan octogonal. Le cloître conserve encore sur deux côtés ses arcades gothiques aux remplages ajourés. De l'aile est, il ne reste aujourd'hui que le portail monumental s'ouvrant sur le cimetière des sœurs, où l'on trouve les tombes en ruines, certaines ornées de croix en fer forgé, des dernières sœurs de Kirchberg. Au sud du cloître, un puits maintenant asséché, est dominé par une statue de Saint Michel Archange.


title: Monastère de Kirchberg

text: On y accède par la petite chapelle Sainte-Catherine. Dans l'église, très lumineuse, au plan rectangulaire, la disposition des trois autels donne l'impression d'un chœur. La couverture est en neuf voûtes d'arêtes s'appuyant sur des pilastres. Trois travées sont réservées au chœur fictif, à l'est, trois à la nef proprement dite, accueillant les fidèles, et trois au chœur des religieuses, à l'ouest, surélevé par rapport au reste de l'église. Le maître-autel est couronné par une statue de saint Jean-Baptiste, le saint patron de l'église. Le retable représente saint Dominique, le fondateur de l'Ordre dominicain, et sainte Catherine de Sienne, qui reçoivent des mains de Marie, Reine du ciel, et de l'Enfant Jésus le rosaire, invitation à la prière. Sous le retable, un antependium de cuir représente la résurrection du Christ.


title: Monastère de Kirchberg

text: Le retable droit, devant lequel se dresse la statue de saint Thomas d'Aquin montre le grand théologien de l'ordre des Dominicains à genoux devant le Christ en croix, recevant le bonnet de docteur. Le retable gauche représente Joseph prenant sur ses genoux l'Enfant Jésus à qui est adressée la première prière, apportée par un ange gardien. L'événement est si important que le charpentier interrompt son travail, qu'une multitude d'anges s'empressent de poursuivre. Au pied du retable, se trouve la plus importante œuvre d'art de Kirchberg : une pietà très expressive du début du , probablement du même artiste que le crucifix placé au-dessus du maître autel.


title: Monastère de Kirchberg

text: La chaire de vérité revêt une importance particulière dans les églises dominicaines, l'ordre étant celui des Prêcheurs. C'est ainsi qu'on y voit quatre grands saints de l'Ordre entourer le prédicateur (Vincent Ferrier, Dominique de Guzmán, Thomas d'Aquin et Pierre de Vérone). La colombe - symbole du Saint-Esprit - la survole, tandis que l'abondante corbeille de fruits qui orne l'abat-voix fait allusion aux fruits de l'Esprit.


title: Monastère de Kirchberg

text: Les portes près du maître-autel sont surmontées de statues de deux autres saints dominicains : à gauche, le pape Pie V, vigoureux promoteur des réformes du Concile de Trente (convoqué par Paul V en 1545 pour adapter le dogme catholique et réformer l'Église) ; à droite, saint Antonin († 1459) archevêque de Florence, qui tient en sa main une balance : selon la légende, un paysan lui aurait apporté des figues, geste qu'il apprécia et auquel il répondit « Deo gratias ». « Qu'ai-je à faire de ces mots », rétorqua le paysan, « c'est de l'argent qu'il me faut ». « Voyons », dit le saint, « ce qui pèse le plus aux yeux de Dieu ». Il prit alors une balance, mit les figues sur l'un des plateaux, et sur l'autre un morceau de papier sur lequel il avait écrit « Deo gratias ». Aujourd'hui encore, le visiteur peut constater que ce sont bien ces deux mots qui pèsent le plus.


title: Monastère de Kirchberg

text: Les jouées des bancs (datées de 1748) donnant sur l'allée centrale portent des motifs sculptés en bas-relief figurant des scènes souvent très réalistes, telle celle (deuxième banc sur la droite en regardant l'autel) représentant le sculpteur lui-même travaillant dans son atelier sur l'une de ces jouées à demi achevée. La corbeille à pain y est suspendue au plafond, ce qui laisse entendre qu'il devrait être mieux payé, clin d'œil probablement saisi par le commanditaire, qui eut suffisamment d'humour pour tolérer la présence de cette scène.


title: Monastère de Kirchberg

text: Plusieurs pierres tombales apposées aux murs de l'église, dont celle du fondateur du monastère, sont celles de membres de la dynastie des Hohenberg.


title: Monastère de Kirchberg

text: Le chœur des religieuses est disposé en galerie à l'extrémité ouest de l'église. Il comporte un orgue baroque à double façade de 1725, restauré en 1989.


title: Monastère de Kirchberg

text: L'aile ouest du monastère a connu une restauration fidèle à l'original après l'incendie de 1979 et est utilisée par l'association "Berneuchener Haus Kloster Kirchberg". C'est ici que se trouvent les salles de réunion, les chambres d'hôtes, deux réfectoires et la cuisine.


title: Monastère de Kirchberg

text: On peut encore voir dans l'entrée le vieux « tour », meuble circulaire et rotatif qui permettait de faire passer des objets du monde extérieur dans la zone cloîtrée, préservant ainsi la solitude des religieuses.


title: Tarja Mulari

text: Tarja Mulari, née le à Kuopio, est une skieuse finlandaise spécialisée dans le ski de vitesse.


title: Tarja Mulari

text: Le ski de vitesse est dans le programme des Jeux olympiques de 1992 à Albertville en tant que sport de démonstration ; elle y remporte la médaille d'or en établissant un record du monde de vitesse à 219,245 km/h.


title: Julia Berezikova

text: Julia Berezikova, née le , est une pratiquante de MMA Russe évoluant au sein de l'organisation Xtreme Fighting Championships dans la catégorie des poids mouches.


title: Julia Berezikova

text: Julia Berezikova a pratiqué le judo à haut niveau, elle fut médaillée aux championnats asiatiques de judo en 1998. Elle s'est ensuite tournée vers le Sanda puis vers la boxe où elle a remporté plusieurs championnats en Russie entre 2003 et 2005. En 2004 elle remporte un titre de sambo à Saint-Pétersbourg. Passant ensuite au jiu jitsu, elle devient championne de Russie en 2007 et 2008. A l'aise dans de nombreux sports de combats, elle est en 2012 couronnée championne de son pays en lutte, en muay-thaï et en kung-Fu.Le Julia Berezikova commence sa carrière en MMA. Elle est opposée, à l'Américaine Tara LaRosa lors de l'évènement "Bodog Fight - USA vs. Russia" se déroulant à Vancouver, en Colombie-Britannique (Canada). Elle se fait surprendre par une clé de bras au deuxième round et perd le combat.


title: Julia Berezikova

text: Le Julia Berezikova participe pour la première fois à un évènement Xtreme Fighting Championships. Elle est opposée, à la combattante brésilienne Juliana Werner lors de l'évènement "XFC International 9" se déroulant au gymnase du football club de São Paulo au Brésil. Julia Berezikova se montre très agressive dès le début du combat et fait reculer la combattante locale à coups de pied. Juliana Werner est mise plusieurs fois au sol et ne peux que résister sans pouvoir se montrer dangereuse. Au milieu du second round, Julia Berezikova parvient à soumettre son adversaire par clé de genou et remporte la victoire.


title: Anapistula boneti

text: Anapistula boneti est une espèce d'araignées aranéomorphes de la famille des Symphytognathidae.


title: Anapistula boneti

text: Cette espèce est endémique du Veracruz au Mexique. Elle se rencontre vers Atoyac.


title: Anapistula boneti

text: Le mâle holotype mesure .


title: Anapistula boneti

text: Cette espèce est nommée en l'honneur de Federico Bonet Marco.


title: Gare de Kambo

text: La gare de Kambo est une halte ferroviaire norvégienne de la ligne d'Østfold, située sur le territoire de la commune de Moss dans le comté de Viken.


title: Gare de Kambo

text: Mise en service en 1895, c'est une gare de la Norges Statsbaner (NSB). Elle est distante de d'Oslo.


title: Gare de Kambo

text: La gare de Kambo est située sur la ligne d'Østfold, entre les gares de Sonsveien et de Moss.


title: Gare de Kambo

text: La halte fut ouverte en 1895 mais le bâtiment de la gare ne fut construit que trois ans plus tard; il fut détruit en 1985. La halte telle qu'elle est aujourd'hui ne date que de 2006 .


title: Gare de Kambo

text: C'est une gare ferroviaire sans personnel ni automate. Elle dispose d'un abri pour les voyageurs.


title: Gare de Kambo

text: Kambo est desservie par des trains locaux en direction de Skøyen et de Moss.


title: Gare de Kambo

text: Un parking, de 200 places, pour les véhicules et un parc à vélo couvert y sont aménagés. Un arrêt de bus est situé à proximité de la gare qui relie Hølen - Son et Moss .


title: Nemanja Antonov

text: Nemanja Antonov est un footballeur serbe né le à Pančevo. Il évolue au poste de défenseur au Royal Excel Mouscron.


title: Nemanja Antonov

text: Avec les sélections de jeunes, il participe au championnat d'Europe des moins de 19 ans 2014 organisé en Hongrie, puis à la Coupe du monde des moins de 20 ans 2015 qui se déroule en Nouvelle-Zélande. Lors du mondial, il joue sept matchs. La Serbie remporte la compétition en battant le Brésil en finale.


title: Khaled Houissa

text: Khaled Houissa est un acteur franco-tunisien, connu pour avoir joué le rôle de Kamel dans la série télévisée "Naouret El Hawa".


title: Question homérique

text: La question homérique est un problème scientifique philologique et historique portant sur l'identité du ou des auteurs de l’"Iliade" et de l’"Odyssée", les deux grandes épopées mythologiques grecques antiques, mais aussi sur les étapes de leur composition et sur leur unité esthétique. Pressenti par les auteurs antiques, qui ne remettent cependant jamais en doute l'existence d'un auteur unique appelé Homère, le problème de l'identité du poète n'est vraiment posé qu'à partir du et donne lieu à une controverse particulièrement vivace au : c'est cette controverse que désigne l'expression « question homérique » pris au sens étroit. La question homérique est en grande partie renouvelée dans les années 1920-1930 par les travaux de Milman Parry et l'émergence de la théorie de l'oralité qui montre que les épopées résultent d'un savoir-faire poétique issu d'une tradition orale de longue haleine et n'ont donc pas pu être composées par un seul poète de génie comme le pensaient les Anciens. Malgré ces avancées, de nombreuses obscurités persistent sur l'histoire de la composition et de la transmission de l’"Iliade" et de l’"Odyssée".


title: Question homérique

text: En Grèce antique, l’"Iliade" et l’"Odyssée" sont considérées comme les deux principales épopées composées par le poète Homère. Des "Vies d'Homère" rapportent diverses versions des grandes étapes de sa vie et les auteurs qui s'appuient sur ces textes les tiennent pour plus ou moins crédibles, mais personne en Grèce antique ne remet en cause l'existence même d'Homère. Les auteurs antiques considèrent le plus souvent qu'il a écrit lui-même ses poèmes, voire qu'il a aidé à diffuser l'écriture et la lecture en Grèce. De rares auteurs supposent en revanche qu'il n'a composé que des poèmes épars et a laissé à d'autres le soin de les rassembler.


title: Question homérique

text: Mais en dépit de l'affirmation unanime de l'existence d'Homère, plusieurs auteurs s'interrogent déjà sur la façon dont l’"Iliade" et l’"Odyssée" ont été composées et se demandent même parfois si elles sont du même auteur. Selon le philosophe romain Sénèque, qui écrit au , « c’était la maladie des Grecs de chercher quel était le nombre des rameurs d’Ulysse ; si "l’Iliade" fut écrite avant "l’Odyssée", si ces deux poèmes étaient du même auteur. »