text: Enfin la femme placée à droite semble s’éloigner avec rage. Elle est furieuse et surtout impuissante face à la scène qui se déroule devant ses yeux. Son regard est vengeur et uniquement dirigé vers les deux autres personnages. À l’inverse des deux autres protagonistes, le drapé qu’elle porte est d’une couleur beaucoup plus terne. Tout comme son rôle, il est dépassé et flétri. Cette femme en colère, c’est Arsinoé, sœur de Cléopâtre et reine déchue du trône d'Égypte. Tandis que l’une des femmes monte, l’autre descend, s’éloignant à jamais.


title: César remet Cléopâtre sur le trône d'Égypte

text: Au deuxième plan, une colonne de marbre délimite deux espaces. Dans le premier se trouvent des soldats, romains puisque des enseignes et un aigle émergent du groupe. Cette armée semble soutenir Jules César et la nouvelle reine Cléopâtre. De l’autre côté de la colonne, on trouve les partisans d'Arsinoé, la reine déchue. Ces deux foules sont agitées et seuls deux ou trois visages se distinguent sans que l’on puisse réellement les identifier.


text: L’arrière-plan constitue le décor de la scène. Le ciel est bleu, tel un symbole de l’espoir et du bonheur à venir, tout comme la végétation verdoyante. Les bâtiments semblent être en marbre et d’inspiration romaine. La trame dramatique du récit est sous-entendue par un jeu de gestes amples et de regards expressifs. La mise en scène présente les trois principaux protagonistes de manière théâtrale sur deux obliques. Les accessoires de la scène, les soldats disposés à l'arrière-plan évoquent la puissance de l'Empire romain. Malgré le drame, la grâce des figures féminines, la beauté des mains entrelacées au centre du tableau et la richesse chromatique composent une image d'une grande douceur.


text: Avec ce tableau, Pierre de Cortone répond à une commande de trois tableaux, que lui passe Louis II Phélypeaux de La Vrillière. Connu pour être un collectionneur, La Vrillière choisit François Mansart pour lui construire un hôtel particulier. Pour Alexandre Gady, cette réalisation est le « premier chef-d’œuvre architectural de François Mansart ». Pièce centrale de cet hôtel particulier, la « Galerie dorée » est destinée à recevoir une décoration sculptée et peinte. Dix grandes toiles ornent les murs, peintes par les plus grands maîtres italiens du .


text: Il avait commencé sa collection avec une toile importante de Guido Reni (1575-1666), l"'Enlèvement d'Hélène", aujourd'hui au Louvre. Par souci d'harmonie, il souhaitait que les autres œuvres de sa galerie aient les mêmes dimensions et une même unité de style. Il fit donc appel à des peintres italiens contemporains tels que Carlo Maratta, Guerchin, et Alessandro Turchi, ainsi que Nicolas Poussin qui vivait à Rome à l'époque. A part "L'Enlèvement d'Hélène", les sujets se rapportent tous à l'histoire romaine. Ces œuvres sont représentatives des tendances classiques ou baroques des écoles de Bologne ou de Rome, toutes attachées à la « bella manera » et au style noble. Aujourd’hui, seules des copies demeurent à l’intérieur, les originaux ayant été dispersé dans les musées de France.


text: On trouve dans la Sala della Stufa du Palais Pitti, à Florence, une peinture appelée "L'Âge d'Or". Les visages et coiffures des personnages de femmes de ce tableau ne sont pas sans rappeler ceux des femmes de "César remet Cléopâtre sur le trône d'Égypte". Pierre de Cortone a réalisé plusieurs dessins préparatoires de cette œuvre. L’un d’eux est conservé à Florence au Gabinetto Disegni e Stampe degli Uffizi. Curieusement, le format du dessin et les proportions des personnages diffèrent considérablement de ceux du tableau.  Dans la peinture, le groupe central prend plus d’importance, il est cadré de plus près, et le mouvement des groupes de personnages n’est plus parallèle, mais va du fond à gauche vers l’avant à droite, où Arsinoé est sur le point de se retirer du trône installé sous un baldaquin. Sur le dessin, la proportion des personnages par rapport au format correspond à peu près à la première version du "Camille et le maitre d’école de Faléries" de Nicolas Poussin. Ce dernier adapta son tableau pour qu’il s’intègre à la Galerie de La Vrillière. Pierre de Cortone en fit de même.


text: Cortone est éminemment inspiré par les grands maîtres italiens qui ont vu le jour en Italie bien avant lui. La peinture italienne marque l’histoire de l’art, par la variété des genres artistiques qu’elle emploie et par la force de son rayonnement à l’intérieur et à l’extérieur de ses frontières.  Elle a de particulier le fait qu’elle s’est nourrie de l’ouverture au monde qu’elle a connu, tout en nourrissant et en se faisant source d’inspiration ultime pour les autres pays occidentaux. La peinture italienne commence à se développer après l’antiquité romaine. Si à l’origine la peinture n’a pour seule finalité que la religion, elle connaît une transition avec le regard oriental qu’apporte la peinture byzantine, et elle voit son apogée à la Renaissance. En effet, de nombreuses écoles se développent dans les grandes villes de l’Italie telles que Florence, Rome ou encore Venise. C’est l’époque de très grands artistes tels que Léonard de Vinci, Michel-Ange, Raphaël, Le Titien et Le Caravage dont l’influence s’étend sur tout l’art occidental.  La Renaissance marque d’abord un renouvellement des thèmes qui sont abordés initialement par les artistes. Si le Moyen Âge se caractérise par une peinture essentiellement tournée vers des sujets d’ordre religieux, la Renaissance, elle, prend pour thème des sujets dits « humanistes » et profanes, face à la redécouverte de la mythologie antique, les artistes renouent vers l’antiquité et s’écartent de l’unique représentation religieuse, ils se dirigent vers des sujets que portent la tolérance, la paix, l’éducation, l’épanouissement de l’individu, la liberté de penser. Cortone s’intègre parfaitement à cette période. Nombreuses sont ses œuvres qui en témoignent, comme" La découverte de Romulus et Remus" conservé au Louvre ou "L’enlèvement des Sabines" à Rome.


text: Au début du , Rome est devenu le nouveau centre artistique de l’Italie. Les artistes florentins y sont appelés pour répondre à des commandes des papes. C’est le cas de Cortone, qui suivit son maître Andrea Commodi à Rome, ou il entra dans la « bottega » de Baccio Ciarpi vers 1614. Les bottega sont des écoles artistiques destinées à l’apprentissage de la peinture (ou tout du moins des arts) par des jeunes novices, qu’un maître enseigne, et qui permet aux jeunes peintres d’apprendre de la technique et d’assister le maître dans la réalisation de commandes puisque, à l’époque, le peintre travaille essentiellement sur commande (de mécènes principalement).


text: Enfin, Cortone semble très fortement inspiré par l’école napolitaine. Cette dernière s’appuie sur une perception de l’art plus naturaliste s’appuyant sur une vision plus réaliste, orientée vers la nature, la représentation de paysages, une nature inanimée dépeinte. On y dénombre plusieurs natures mortes par exemple. À Rome, Cortone qui décore les plafonds de trompe-l'œil, reste empreint de cette influence Napolitaine.


text: L’art baroque voit son origine dans les grandes villes telles que Rome, Florence et Venise. Si la peinture baroque est originellement une peinture religieuse comme le voulait la Contre-Réforme, il n’empêche que les peintres sans pour autant négliger cet aspect bien précis, s’appuient sur une peinture historique en privilégiant les portraits, les paysages et les allégories. Ils usent d’effets d’illusion associant perspective et jeux de lumière avec le clair-obscur. Les choix des couleurs, des formes, les gestes des protagonistes appellent à des sensations plus intenses et plus fortes, les peintres usent d’un jeu que l’on pourrait presque qualifier de théâtral, empli d’exaltation. C’est bien le cas de Cortone avec "César remet Cléopâtre sur le trône d’Égypte".


text: De nombreux paradoxes se proposent par rapport à l’appellation de ce tableau. En effet plusieurs faits historiques contredisent "César remettant Cléopâtre sur le trône d'Égypte".


text: On pourrait croire, en premier lieu, que c’est finalement Marc-Antoine plaçant Cléopâtre sur le trône. Cependant Cléopâtre étant déjà reine d'Égypte lorsqu’elle reçut ses trente terres de Marc-Antoine, cette possibilité semble infondée. S'ajoute à cela que Cléopâtre dominait Marc-Antoine, alors que dans le tableau, elle affiche une réelle modestie à l'encontre du personnage romain. Ainsi, nous devons nous poser deux véritables interrogations : qui est cette femme qui regarde Cléopâtre avec plein de dédain ? Et pourquoi la couronne est placée sur le trône alors que Cléopâtre est déjà reine ?


text: En reprenant l’histoire romaine, Marc Antoine pourrait proposer de partager le trône et la domination du territoire oriental avec Cléopâtre et ainsi répudier son épouse légitime Octavie. Ceci pourrait permettre d'élucider le premier mystère de l’identité de la femme en bas à droite. Cependant la rencontre entre Marc-Antoine et Cléopâtre et le rejet d'Octavie par ce dernier ne sont pas des événements liés, ce qui pourrait amener à la conclusion que ce tableau superpose plusieurs scènes historiques.


text: Une autre interprétation pourrait être qu'il ne s'agit pas de Cléopâtre. En effet, ce tableau pourrait faire référence à César répudiant Pompéia et épousant Calpurnie, même si ces événements ne sont pas liés.


text: Ces hypothèses ne répondent pas à l’énigme de l’image de la couronne posée sur le trône. Si Cléopâtre était déjà reine, pourquoi ne porte-t-elle pas la couronne sur sa tête ? On peut reporter cela à une allégorie politique. En reprenant les propos de Plutarque sur les protestations de Caton : « Il est intolérable que le pouvoir suprême soit prostitué par le mariage et de voir les hommes s’entraider pour accéder au pouvoir et aux armées et aux terres aux moyens des femmes », on peut y voir une critique. Autre critique de César, Suétone cite un passage du troisième livre du "Traité des Devoirs" de Cicéron, qui rapporte que César avait sans cesse à la bouche ces vers d'Euripide : « Pratiquez la vertu ; mais s’il vous faut régner, / Vertu, justice et lois, sachez tout dédaigner.  L’œuvre de Pierre de Cortone pourrait ainsi constituer une allégorie politique.


title: Épisode de la campagne de Russie

text: Épisode de la campagne de Russie est un tableau de Nicolas-Toussaint Charlet daté de 1836. Cette huile sur toile de est conservée au musée des Beaux-Arts de Lyon.


title: Épisode de la campagne de Russie

text: Le tableau représente la colonne de soldats français se repliant de Russie en 1812 après l'occupation infructueuse de la ville de Moscou, dans un paysage désolé et glacial, comme on concevait les steppes russes à l’époque. Selon les faits historiques, plus de seraient tombés au cours de cette déroute, représentés par les amas informes de corps et de débris qui jonchent le sol. Le ciel lui-même est chaotique et sauvage, typique de la peinture romantique.


title: Épisode de la campagne de Russie

text: Des difficultés résultant du blocus continental, la crainte d'une restauration de la Pologne à partir du grand-duché de Varsovie, l'annexion par Napoléon en 1811 de l'Oldenburg conduisent à l'éclatement de l'alliance franco-russe conclue à Erfurt en 1808.


title: Épisode de la campagne de Russie

text: Napoléon attaque la Russie le . Le , la Grande Armée, forte de (rejoints ensuite par ), franchit le Niémen, marche sur Moscou et, au prix d'une véritable boucherie, bat Koutouzov à Borodino. Napoléon entre dans Moscou mais la ville est ravagée par des incendies d'origine contestée, tandis que l'Armée russe se reconstitue au sud de la ville.


title: Épisode de la campagne de Russie

text: Avec l’arrivée de l’hiver, Napoléon ordonne le retrait de ses troupes. Meurent plus de français, victimes du froid et de la lutte.


title: Épisode de la campagne de Russie

text: Le tableau est réalisé après le fait historique. Il est la marque du traumatisme laissé par la défaite napoléonienne sur les générations qui suivirent. Cet engouement pour les conquêtes de l’Empire est typique de la première partie du , il n’est donc pas surprenant que Charlet reprenne cet événement plusieurs décennies après les faits. C’est un des tableaux fondateurs du mythe de Napoléon.


title: Épisode de la campagne de Russie

text: Par son sujet et son style, L’"Épisode de la campagne de Russie" est associé au mouvement romantique. En effet, la chute de Napoléon et la perte de l’Empire jouent un rôle fondateur pour le romantisme. Cette perte du pouvoir de la France est à l’origine de la remise en question et des traumatismes que subit la France dans la première moitié du . La violence des éléments et des sentiments est exacerbée dans l’œuvre.


title: Épisode de la campagne de Russie

text: D’abord exposé au Salon de Paris, le tableau connaît un vif succès auprès des cercles romantiques notamment.


title: Épisode de la campagne de Russie

text: Les critiques vis-à-vis de cette œuvre sont contrastées. D’un côté, Alfred de Musset dira en admirant le tableau : « C’est la Grande Armée, c’est le soldat, ou plutôt c’est l’Homme ; c’est la misère humaine toute seule, sous un ciel brumeux, sur un sol de glace, sans guide, sans chef, sans distinction. C’est le désespoir dans le désert. »


title: Épisode de la campagne de Russie

text: Nicolas-Toussaint Charlet expose l’état de survie dans laquelle se trouvait la Grande Armée luttant avec la rigueur de l’hiver et la crainte de l’attaque ennemie. Ceux qui ne peuvent suivre sont laissés morts sur le bas-côtés, l’ennemi est sommairement exécuté, on se jette sur la nourriture, , le désespoir se fait sentir, la désertion est plus qu’une éventualité.  Ce tableau illustre cette lutte naturelle de l’homme pour sa conservation, dont Hobbes faisait de cette inclination le fondement de sa théorie contractualiste (voir le Leviathan). L’homme à l’état de nature, vit perpétuellement en guerre, dans une crainte permanente, il est en droit d’user de tous les moyens qu’il juge bons afin de « fuir le pire des maux de la nature, qui sans doute est la mort ». Pour enfin trouver la paix, il pactise avec les autres et abandonne sa liberté sous l’autorité d’un souverain donnant naissance ainsi à l’État civil. Le tableau nous montre alors une organisation humaine, l’armée française, soumise à la souveraineté d’un homme : . Nous avons donc affaire ici à l’État civil, dans sa fragilité toutefois proche d’un retour à l’état de nature. Hobbes, en effet, parmi les causes possibles de dissolution de cet État compte la guerre avec ses voisins ainsi que l’absence de pouvoir vraiment absolu. Nous voyons dans cette scène le délabrement de l’armée à la suite de cette guerre, ce qui laisse présager la chute du souverain. En effet, après cette campagne, Napoléon voit sa force grandement affaiblie, ce qui incite ses voisins à se soulever contre lui. Paris tombe deux ans plus tard, Napoléon abdique et tente de se suicider.


title: Épisode de la campagne de Russie

text: De même, si Hobbes n’a pas développé sa théorie jusqu’à transposer l’état de nature de l’échelle individuelle à l’échelle d’une nation, son œuvre laisse ouverte cette possibilité. Nous observons alors deux nations en état de guerre, dans la crainte l’une de l’autre usant des moyens jugés bons pour maintenir leur sécurité. Si Napoléon justifiait cette guerre par la menace que représentait la rupture du pacte entre la France et la Russie par cette dernière, assurant le blocus commercial avec l’Angleterre permettant d’affaiblir son rival. De leur côté, les Russes défendait directement leurs vies, leur territoire et leurs biens. La mort redoutée n’est plus alors celle de l’individu seul mais celle de la nation. Il est intéressant de noter qu’à la chute de l’Empire napoléonien peu de temps après cette campagne désastreuse, les différents États européens envisagent l’utilité d’une union. Celle-ci naît plus d’un siècle après avec l’Union européenne. Si Hobbes n’a donc pas développé sa théorie jusqu’à l’échelle des nations, l’histoire l’applique.


title: Épisode de la campagne de Russie

text: L’œuvre de Nicolas-Toussaint Charlet illustre le propos de Weber qui consiste à dire que la justice s’exprime dans la légitimité du charisme.


title: Épisode de la campagne de Russie

text: Selon Weber, la justice au sein d’une société repose sur des rapports de domination, ou d’autorités légitimes. Cette autorité peut se légitimer de trois sortes :


title: Épisode de la campagne de Russie

text: Par sa volonté de grandeur, d’extension de l’Empire et de pouvoir devient « l’archétype du "grand homme" amené à bouleverser le monde », figure qu’il possède encore au . Son engagement militaire et le coup d'État du 18 Brumaire font de lui un homme charismatique. Ce charisme comme Weber l’indique lui permet d’exercer une autorité qui est légitimée par cette qualité.


title: Épisode de la campagne de Russie

text: Cette œuvre, représentant la campagne de Russie, campagne qui fut un échec pour l’Empereur, illustre avec force le pouvoir de celui-ci. La justice est donc ici représentée par l’autorité charismatique de Napoléon : autorité qui a permis a celui-ci de provoquer cette campagne. Ce tableau, montre l’échec de l’autorité charismatique ; le manque de précaution de la part de Napoléon a affaibli son armée et entraîné de nombreuses conséquences néfastes à son retour à Paris. Ce tableau montre alors la limite de la justice lorsqu’elle est exercée par une autorité charismatique ; le charisme d’un individu n’entraîne pas nécessairement la justesse de ses actes.


title: Donatus Djagom

text: Donatus Djagom, né le à Bilas dans la province des Petites îles de la Sonde orientales, est un évêque indonésien, archevêque d'Ende en Indonésie de 1968 à 1996.


title: Donatus Djagom

text: Donatus Djagom a fait une partie de ses années de séminaire à Teteringen avant d’être ordonner prêtre pour la Congrégation de la Société du Verbe-Divin le .


title: Donatus Djagom

text: Il a poursuit ensuite des études à l'Université de San Carlos. À son retour en Indonésie, il lui sera confié un certain nombre de responsabilité au sein de la Société du Verbe-Divin.


title: Donatus Djagom

text: Le , Paul VI le nomme Archevêque d'Ende. Il reçoit l'ordination épiscopale le suivant des mains du Nonce apostolique en Indonésie, Salvatore Pappalardo.


title: Il signor Bruschino

text: "Il Signor Bruschino" appartient à une série de cinq opéras comiques en un acte que Rossini écrivit entre 1810 et 1813 pour Venise, série dans laquelle on retrouve les opéras "La cambiale di matrimonio" et "La scala di seta". Ce style d'opéra était très populaire à Venise à la fin du dix-neuvième et au début du vingtième siècle (1813 : fin 19e, début 20e ?). Ces opéras étaient généralement montés par seulement cinq à huit chanteurs, parmi lesquels toujours un couple d'amoureux, dans le cas présent Sofia et Florville, au moins deux personnages comiques, ici Bruschino senior, Gaudenzio et Filiberto, et des rôles secondaires comme ici Marianna, Bruschino junior et le policier.


title: Il signor Bruschino

text: Gaudenzio a fiancé sa protégée Sofia au fils de Bruschino, qu'elle n'a jamais vu, alors qu'elle est amoureuse de Florville, dont le père et celui de Gaudenzio sont liés par une ancienne inimitié. Bruschino doit être présenté à sa future, mais est en chemin retenu à une auberge jusqu'à ce qu'il paie les dettes qu'il y a. Cela donne à Florville l'occasion de se faire passer pour Bruschino fils et de se présenter au château de Gaudenzio. Cependant, Bruschino père se rend également au château, où il se retrouve en présence de Florville. Ce dernier réussit cependant à faire croire qu'il est son fils méconnu et depuis longtemps disparu. Dans un trio qui marque le point culminant de l'opéra, il supplie Bruschino de lui pardonner, tandis que celui-ci est critiqué pour manquement à son devoir de père.L'opéra est écrit pour un orchestre restreint : flûte, deux hautbois, cor anglais, deux clarinettes, basson, deux cors, cordes et basse continue pour les récitatifs.


title: Il signor Bruschino

text: Le passage le plus connu de l'opéra est l'ouverture, qui fit scandale lors de la création, car les deux parties de violon devaient frapper les cordes avec leur archet. Cet effet de percussion qui se retrouve dans toute l'ouverture, fut incomprise de son temps et considérée comme superficiel.


title: Il signor Bruschino

text: "Il signor Bruschino" comprend un découpage typique, avec alternance d'airs et de récitatifs, mais on y retrouve déjà la sensibilité romantique d'un Bellini ou d'un Donizetti avec des passages comme la cavatine de Florville ou son duo avec sa bien-aimée.


title: Granulome facial de Lever

text: Le granulome facial de Lever est une dermatose bénigne et rare.L'examen microscopique montre un infiltrat inflammatoire dense du derme superficiel et moyen, autour de vaisseaux en nombre accru et dilatés sous un épiderme normal. Cet infiltrat est constitué principalement de polynucléaires éosinophiles et neutrophiles associés à des cellules lympho-histiocytaires. Il n'atteint pas l'épiderme (Grenz zone de faible épaisseur) et respecte les annexes. Une légère vasculite leucocytoclasique peut y être associé.


title: Unter Gabelhorn

text: L'Unter Gabelhorn est un sommet des Alpes culminant à d'altitude. Il est situé en Suisse, dans le canton du Valais non loin de Zermatt et de l'Ober Gabelhorn.


title: Unter Gabelhorn

text: L'Unter Gabelhorn est situé sur la rive gauche du Mattertal à l'ouest de Zermatt.


title: Gouvernement Rõivas I

text: Le gouvernement Rõivas () est le gouvernement de la république d'Estonie entre le et le , durant la  du Riigikogu.


title: Gouvernement Rõivas I

text: Dirigé par le nouveau Premier ministre libéral Taavi Rõivas, précédemment ministre des Affaires sociales, ce gouvernement est constitué et soutenu par une coalition entre le Parti de la réforme d'Estonie (ERE) et le Parti social-démocrate (SDE). Ensemble, ils disposent de sur 101, soit 51,5 % des sièges du Riigikogu.


title: Gouvernement Rõivas I

text: Il est formé à la suite de la démission du Premier ministre libéral Andrus Ansip, au pouvoir depuis .


title: Gouvernement Rõivas I

text: Il succède donc au gouvernement Ansip, constitué et soutenu par une coalition entre le Parti de la réforme d'Estonie et l'Union pour la patrie et Res Publica (IRL).


title: Gouvernement Rõivas I

text: Le , Ansip annonce sa volonté de démissionner pour le suivant, après avoir établi le record estonien et balte de longévité à la tête du gouvernement. Le bureau du parti choisit trois semaines plus tard le ministre des Affaires sociales pour prendre sa succession. Ce dernier décide de bâtir une nouvelle majorité parlementaire en changeant de partenaire : c'est ainsi que le SDE prend la suite de l'IRL.


title: Gouvernement Rõivas I

text: L'exécutif prend officiellement ses fonctions le . À cette occasion, le poste de ministre des Affaires régionales disparaît, tandis que sont créés les postes de ministre du Commerce extérieur et de ministre de la Santé.


title: Gouvernement Rõivas I

text: À l'occasion des élections législatives du, le Parti de la réforme perd trois députés et le Parti social-démocrate en abandonne quatre. Ayant perdu leur majorité, les deux formations au pouvoir se tournent vers l'Union de la patrie. Les négociations se révélant concluantes, le gouvernement Rõivas est officiellement nommé le suivant.


title: Guadalupe (San José)

text: Guadalupe est une ville du centre du Costa Rica, dans le canton de Goicoechea. Elle fait partie de la zone métropolitaine de la capitale San José.


title: Guadalupe (San José)

text: La population qui était de en 2011, est estimée à en 2014.


title: Kepler Input Catalog

text: Le Kepler Input Catalog (ou KIC) est une base de données pouvant être consultée par le public et rassemblant environ 13,2 millions de cibles utilisées par le "Kepler Spectral Classification Program" (SCP) et la mission" Kepler".


title: Kepler Input Catalog

text: Les cibles SCP ont été observées par le projet 2MASS de même que par des filtres de "Sloan", par exemple "g,r,i,z". L'ensemble du catalogue n'est pas utilisé pour trouver des cibles pour "Kepler", parce que seule une partie des cibles (environ un tiers du catalogue) peut être observées par la mission. Le catalogue dispose de données allant jusqu'à la magnitude 21, fournissant 13,2 millions de cibles, mais parmi celles-ci seulement de 4,5 à 6,5 millions sont situées dans le champ des senseurs de "Kepler".


title: Kepler Input Catalog

text: Le KIC est l'un des catalogues d'étoiles les plus complets, pour un champ de vision d'une mission spatiale. Il a été créé parce qu'à l'époque il n'existait pas de catalogue avec une profondeur et des données suffisantes pour les cibles de la mission. Les données incluses sont : « masse, rayon, température effective, log’’(g), métallicité et extinction du rougissement».


title: Kepler Input Catalog

text: Un exemple d'entrée dans le catalogue est codice_1. Puisque des signaux de transit astronomique ont été détectés pour cette étoile, c'est devenu un "Kepler Object of Interest" (KOI), avec la désignation KOI-730.


title: Kepler Input Catalog

text: Il n'existe pas nécessairement de désignation KOI pour toutes les planètes confirmées autour des étoiles du catalogue, parce que les signaux de transit peuvent être détectés via des observations ne provenant pas de l'équipe "Kepler". C'est par exemple le cas de Kepler-78 b .


title: Comète de César

text: La comète de César (C/-43 K1), ou Grande comète de -43 / de 44 avant Jésus-Christ, est peut-être la comète de l'Antiquité la plus connue. Sa visibilité de sept jours a été prise par les Romains comme un signe de déification de Jules César, mort peu de temps avant qu'elle n'apparaisse.


title: Comète de César

text: La comète de César est l'une des cinq comètes connues pour avoir une magnitude absolue négative et elle fut probablement la comète historique la plus brillante de jour. C'était une comète non périodique et elle pourrait s'être désintégrée.


title: Comète de César

text: Voici une liste de comètes similaires à celle de César et pouvant lui correspondre :La comète de César est connue des auteurs antiques comme "Sidus Iulium" (étoile julienne) ou "Caesaris astrum" (étoile de César). Cette comète brillante et visible de jour apparut soudainement durant les "" – dont longtemps on pensa qu'ils se tinrent en septembre pour l’année -44 (hypothèse de Edmond Halley). La date a récemment été revue à juillet de la même année, quatre mois après l'assassinat de Jules César, ainsi que le mois de naissance de César. Selon Suétone, alors que les célébrations se déroulaient, « une comète, qui se levait vers la onzième heure, brilla durant sept jours de suite, et l'on crut que c'était l'âme de César reçue dans le ciel. »


title: Comète de César

text: La comète devint un symbole puissant de la propagande politique qui lança la carrière du fils adoptif de César, Auguste. Le temple du Divin César fut construit (-42) et dédié (-29) par Auguste aux fins de favoriser un « culte de la comète (il était également connu comme "Temple de la comète"). » À l'arrière du temple une image géante de César fut édifiée et selon Ovide une comète flamboyante fut fixée sur son front :  En 1997, deux chercheurs de l’Université de l'Illinois à Chicago – John T. Ramsey (un classiciste) et A. Lewis Licht (un physicien) – publièrent un livre comparant les preuves astronomiques et astrologiques romaines et chinoises. Leur analyse, basée sur des témoins oculaires de l'époque, les registres astronomiques chinois, la littérature astrologique de l’antiquité tardive et les carottes de glace des glaciers groenlandais, donnèrent une gamme de paramètres sur l'orbite de l'objet hypothétique. Ils établirent une orbite de 0.224 UA pour l'objet qui était apparemment visible avec une queue depuis la capitale chinoise (fin mai) et comme un objet similaire à une étoile depuis Rome (fin juillet) :


title: Comète de César

text: Quelques chercheurs, comme Robert Gurval d'UCLA et Brian G. Marsden du Harvard-Smithsonian Center for Astrophysics, mettent en doute l'existence de la comète. Marsden note dans sa préface au livre de Ramsey et Licht : « Compte tenu de l'unique témoignage deux décennies après l'évènement, je serais négligent si je ne prenais pas en considération la non-existence de la comète comme une possibilité sérieuse ».


title: Comète de César

text: Le poète Virgile écrit dans sa neuvième églogue que l'étoile de César a semblé réjouir les champs. Virgile écrira plus tard au sujet de la période suivant l’assassinat de César, « Jamais la foudre ne tomba plus souvent par un ciel serein, ni ne brûlèrent si souvent de farouches comètes. » Gurval souligne que ce passage ne lie aucunement la comète à la divinité de César mais à sa mort.


title: Comète de César

text: C'est cependant Ovide qui fait l'affirmation finale du rôle de la comète dans la déification de Jules César. Ovide décrit la déification de César dans "Métamorphoses" (8 AD) : Il a été récemment soutenu que l'idée de l'utilisation d'Auguste de la comète pour ses objectifs politiques découle en grande partie de ce passage.


title: Comète de César

text: Dans "Jules César" de Shakespeare (1599), la femme de César remarque le matin du jour de l'assassinat de son mari : « Quand les mendiants meurent, il n'y a aucune comète vue ; les cieux eux-mêmes flambent en avant la mort des princes. »


title: Comète de César

text: L'étude des pièces depuis -44 et à travers le développement du règne d'Auguste montre l’évolution de la relation entre César et le "Sidus Iulium". Robert Gurval monte que l’évolution du statut de la comète dans la monnaie suit un schéma précis. Les représentations en étoile de César déifié apparaissent relativement rapidement, quelques années après sa mort. Cependant vingt années passent avant que l'étoile ne finisse sa transformation en comète. À partir de -44, un fabricant de monnaie appelé P. Sepullius Macer crée des pièces avec à l'avers Jules César couronné de lauriers et une étoile derrière la tête. Au revers, Vénus, la déesse protectrice des Iulii, tient un sceptre étoilé. Gurval maintient que cette pièce fut frappée à l'époque de l'assassinat de César et n'aurait probablement à l'origine pas fait référence à sa déification. Alors qu'elle circulait, cette pièce aurait apporté cette idée dans les esprits à cause du nouveau culte de César. Kenneth Scott réfute cette hypothèse en supposant que la comète a été à l'origine de cette série de pièces à cause de la similarité avec d'autres pièces qu'il avait déjà produites. Une série d"'aurei" et de "denarii" frappées après ce culte commencèrent à montrer Marc Antoine et une étoile, représentant probablement sa fonction de prêtre du culte de César. Dans des pièces plus tardives vers la fin de la guerre d'Octave avec Sextus Pompée, l'étoile supplante entièrement la figure et le nom de César, représentant clairement sa divinité.


title: Moustafa Djemilev

text: Moustafa Djemilev (tatar de Crimée : "Mustafa Abdülcemil Cemilev", Мустафа Абдульджемиль Джемилев, russe : Мустафа́ Абдулджеми́ль Джеми́лев, ukrainien : Мустафа́ Абдульджемі́ль Джемі́лєв), né le à Ay-Serez en Crimée (alors RSFS de Russie à l'époque), est l'ancien président du Majlis du peuple tatar de Crimée (remplacé par Refat Choubarov) et un membre du Parlement ukrainien depuis 1998. Il est un chef de file reconnu du Mouvement national des Tatars de Crimée et un ancien dissident soviétique admiré pour son principe de non-violence.


title: Moustafa Djemilev

text: Dès 1961 (alors que sa famille avait été déportée en 1944), à l'âge de 18 ans, il milite pour la reconnaissance des droits des Tatars et leur retour en Crimée en fondant l'Union des jeunes Tatars de Crimée. Entre 1966 et 1986, il est arrêté à six reprises par les autorités d'URSS pour activités anti-soviétiques et a purgé ses peines dans les prisons soviétiques et les camps de travail, ou vécu sous surveillance. Djemilev est aussi connu pour avoir initié une grève de la faim de 303 jours en 1975.


title: Moustafa Djemilev

text: En , il se voit décerner la médaille Nansen par le Haut Commissariat des Nations unies pour les réfugiés pour ses efforts exceptionnels et « son attachement au droit au retour des Tatars de Crimée ».


title: Moustafa Djemilev

text: En , il est élu à la tête du Mouvement national des Tatars de Crimée nouvellement fondé. La même année, il retourne en Crimée avec sa famille, un mouvement qui sera suivi par le retour des 250 000 Tatars criméens de Russie.


title: Moustafa Djemilev

text: Il devient président du Majlis des Tatars de Crimée le , et exerce cette fonction jusqu'au ; son successeur est Refat Choubarov.


title: Moustafa Djemilev

text: En 2004, il participe à la Révolution orange. Il devient député des Tatars au Parlement ukrainien.


title: Moustafa Djemilev

text: Adhérent au Mouvement populaire d'Ukraine, il annonce au début du mois de de se retirer de la vie politique du pays mais rejoint l'Union panukrainienne « Patrie » pendant les élections législatives ukrainiennes de 2012.


title: Moustafa Djemilev

text: Le (alors qu'il se trouvait à Ankara en Turquie), Djemilev appelle les habitants de Crimée à boycotter le référendum prévu le 16 mars portant sur le rattachement à la Russie, qu'il considère comme « illégal » et « manipulé » par les Russes. Le , il est déclaré "persona non grata" par les nouvelles autorités de Crimée nommées par Moscou et est banni pour une période de cinq ans de rejoindre la Crimée et s'installe alors à Kiev.


title: Moustafa Djemilev

text: En 2015, il organise le Congrès mondial des Tatars de Crimée à Ankara.


title: Moustafa Djemilev

text: En , il est l'un des instigateurs du blocus civil de la Crimée, qui mènera au blocus de la Crimée par l'Ukraine.


title: Quinta das Conchas (métro de Lisbonne)

text: Quinta das Conchas est une station du métro de Lisbonne sur la ligne jaune.


title: Bradano

text: Le Bradano (ancien "Bradanus") est un fleuve de l'Italie et l'un des principaux de la région du Basilicate. Il a son embouchure dans le golfe de Tarente toujours en Basilicate mais après avoir traversé une partie ouest des Pouilles.


title: Bradano

text: Il prend sa source près d'Avigliano à d'altitude dans la Basilicate et se jette dans la Mer Ionienne à Metaponto après un cours de .


title: Bradano

text: Son bassin versant est de .


title: Bradano

text: Il a pour affluents principaux le Fiumarella et le .


title: Bradano

text: Son module est de . Son régime hydrologique est dit pluvial méridional. Il comporte plusieurs barrages formant de petits lacs.


title: Conférence nationale de santé

text: La Conférence nationale de santé (CNS) est un organisme consultatif français placé auprès du ministère de la Santé. Elle se veut lieu de concertation concernant les questions de santé et permet aux acteurs du système de santé d'exprimer leurs points de vues sur les politiques afférentes. Son objet est également de relayer les demandes et besoins de la population, des personnels de santé, et de favoriser le dialogue entre tous les acteurs de ce système et les pouvoirs publics.


title: Conférence nationale de santé

text: Ses missions et sa composition ont été adoptées par la loi du relative à la politique de santé publique. Elles ont été modifiées par un décret de 2011, qui intègre le champ du médico-social au sein de l'instance.


title: Conférence nationale de santé

text: La Conférence nationale de santé est un des éléments du dispositif défini par la loi pour fixer les orientations de la politique de santé. Aux termes de l’article L. 1411-3 du Code de la santé publique, la CNS est un « "organisme consultatif placé auprès du ministre chargé de la Santé" » et qui « "a pour objet de permettre la concertation sur les problèmes de santé" ».


title: Conférence nationale de santé

text: Pour ceci, elle exerce trois missions principales :Elle formule des avis et propositions, en se prononçant sur la stratégie de la politique nationale de santé, sur les projets de loi et sur les programmes de santé. Les avis se fondent en particulier sur :  La CNS peut également s’autosaisir de toute question qu’elle estime nécessaire de porter à la connaissance du ministre.


title: Conférence nationale de santé

text: Elle élabore chaque année un rapport sur le respect des droits des usagers du système de santé, élargi au champ médico-social mais aussi à « l’égalité d’accès aux services de santé et de la qualité des prises en charge dans les domaines sanitaire et médico-social ». Ce rapport est élaboré sur la base des rapports des Conférences régionales de la santé et de l’autonomie (CRSA). De plus, elle analyse les données relatives à la situation sanitaire de la population ainsi que l'évolution des besoins de celle-ci .


title: Conférence nationale de santé

text: Elle contribue à l’organisation de débats publics permettant aux citoyens et aux acteurs du système de santé d'exprimer leurs points de vue sur les questions de santé ou d'éthique médicale. Un débat public sur les jeunes et la solidarité en santé a été organisé en , en partenariat avec le Conseil économique, social et environnemental (CESE). À la suite de ce débat, un cahier d'acteurs contenant les propositions des jeunes a été remis à Marisol Touraine, Ministre des affaires sociales et de la santé. Plusieurs idées de ce cahier d'acteurs ont été reprises dans la loi de modernisation du système de santé de 2015.


title: Conférence nationale de santé

text: La Conférence nationale de santé est composée de 96 membres titulaires et 96 suppléants, nommés pour un mandat de cinq ans, notamment pour la mandature 2020-2025. Les membres sont regroupés en 5 collèges. S'y trouvent les représentant(e)s des territoires et des conférences régionales de la santé et de l'autonomie (collège 1), des associations d'usagers du système de santé, de personnes concernées des secteurs médico-social et social, des proches aidants et des associations de protection de l'environnement (collège 2), des partenaires sociaux et des acteurs de la protection sociale (collège 3), des acteurs de la prévention, de l'observation en santé, de la recherche et du numérique en santé (collège 4), des offreurs des services de santé et des industries des produits de santé (collège 5).


title: Conférence nationale de santé

text: Les 17 membres de la Commission permanente sont élus au sein de la CNS.


title: Conférence nationale de santé

text: Au début de la mandature 2020-2025, la Commission spécialisée dans le domaine des droits des usagers du système de santé (CSDU) est remplacée par le Groupe de Travail Permanent des Droits des Usagers (GTPDU).


title: Conférence nationale de santé

text: En 1996, la Conférence nationale de santé (CNS) a été créée par l’ordonnance n° 96-345 du 24 avril 1996. Ses missions et sa composition ont été adaptées par la loi n° 2004-806 du 9 août 2004 relative à la politique de santé publique (article L. 1411-3 du code de la santé publique). Elle est composée de 72 membres, réunissant principalement les professionnels de santé, les établissements et des représentants des Conférences régionales de santé. Sa mission est de donner aux parlementaires, qui votent désormais le Projet de loi de financement de la sécurité sociale (P.L.F.S.S.), des orientations en matière de santé publique.


title: Conférence nationale de santé

text: En 1999, le deuxième mandat de la CNS est alors présidée par le Marc Brodin.


title: Conférence nationale de santé

text: En 2002, la loi du relative aux droits des malades et à la qualité du système de santé est créée mais les décrets d’application ne sont jamais pris. La CNS interrompt son activité pendant plus de 4 ans.


title: Conférence nationale de santé

text: En 2004, la loi du relative à la politique de santé publique rénove en profondeur la gouvernance du système de santé, au niveau national et régional. La CNS comprend désormais tous les représentants des parties prenantes (usagers, élus, professionnels et établissements de santé, financeurs, Conférences régionales de santé, organismes de recherche, industriels des produits de santé, « personnalités qualifiées »). Elle est chargée de formuler des avis pour améliorer le système de santé, évaluer l’application et le respect des droits des usagers, et contribuer à l’organisation de débats publics.


title: Conférence nationale de santé

text: En 2005, le décret du fixe à 110 membres la composition de la nouvelle CNS.


title: Conférence nationale de santé

text: En 2006, notamment le 3 octobre, la CNS est installée par Xavier Bertrand, Ministre de la santé et des solidarités. Pour la première fois de son histoire, elle élit un représentant des usagers à sa présidence : Christian Saout de l’association AIDES.


title: Conférence nationale de santé

text: En 2008, la CNS rend son premier rapport sur le respect des droits des usagers, qui sera reconduit chaque année. Elle organise, à Paris, son premier débat public sur la question du respect des droits des usagers.


title: Conférence nationale de santé

text: En 2010, le premier Forum des associations agréées en santé a lieu.


title: Conférence nationale de santé

text: En 2011, la CNS installe sa quatrième mandature dans sa nouvelle composition de 120 membres fixée par le décret du . Bernadette Devictor, membre du collège des représentant(e)s des conférences régionales de la santé et de l’autonomie pour la région Rhône-Alpes, est élue présidente. Thierry Daël est élu à la Présidence de la Commission spécialisée « droits des usagers » (CSDU).


title: Conférence nationale de santé

text: En 2013, la CNS organise un débat public, en partenariat avec le CESE, sur 'les jeunes et la santé : comment être plus solidaires ?'.


title: Conférence nationale de santé

text: En 2015, le 9 avril, la CNS installe sa cinquième mandature. Bernadette Devictor est réélue présidente tandis qu'Emmanuel Rusch est désigné par les membres de l'instance pour occuper le poste de président de la commission spécialisée dans le domaine des droits des usagers du système de santé (CSDU). Il avait déjà remplacé Thierry Daël en 2012.


title: Conférence nationale de santé

text: Par ailleurs, la CNS constitue cette année-là un groupe-contact jeunes, formé de 18 personnes allant de 16 à 25 ans et représentant une large diversité sociale et géographique. Elle rend un second avis sur le projet de loi de modernisation du système de santé (PLMSS), après son vote à l'Assemblée et avant son passage au Sénat.


title: Conférence nationale de santé

text: En 2016, Thomas Dietrich, qui dénonce les pressions exercées sur la Conférence, ainsi que la mascarade que représente selon lui la démocratie en santé, dépose sa démission. Il publie à cette occasion un document de 23 pages intitulé "Démocratie en santé : les illusions perdues".


title: Conférence nationale de santé

text: En 2020 a lieu la création du Comité de Contrôle et de Liaison COVID-19 .


title: Conférence nationale de santé

text: Voici une liste, non exhaustive, des grands avis, contributions et vœux de la CNS :


title: Conférence nationale de santé

text: À cela s'ajoutent les rapports annuels sur le respect des droits des usagers ainsi que les rapports d'activité de l'instance, rédigés annuellement et pour chaque mandature.


title: Triftbach

text: Le Triftbach est un ruisseau coulant dans les Alpes suisses, dans le canton du Valais. C'est un affluent de la Mattervispa. Le Triftbach est situé dans le bassin versant du Rhône.


title: Claudio Sala

text: Claudio Sala, né le à Macherio dans la province de Monza et Brianza en Lombardie, est un footballeur international italien actif de 1965 à 1982 au poste de milieu (avant de devenir ensuite entraîneur).


title: Claudio Sala

text: Il compte dix-huit sélections en équipe nationale entre 1971 et 1978, et 323 matchs de Serie A pour 27 buts.


title: Claudio Sala

text: Claudio Sala reçoit sa première sélection avec l'équipe d'Italie alors qu'il joue au Torino FC, le , à l'occasion d'un match des éliminatoires de l'Euro 1972 contre l'Autriche (2-2).


title: Claudio Sala

text: Il participe à la Coupe du monde 1978 qui se déroule en Argentine. L'Italie finit quatrième de la compétition.


title: Claudio Sala

text: Il porte dix-huit fois le maillot de l'équipe nationale d'Italie entre 1971 et 1978.


title: Sommet spécial du G7 de 2014

text: Le sommet spécial du G7 est une réunion exceptionnelle du G7 entre les dirigeants des sept pays les plus industrialisés et l'Union européenne, les et , à La Haye. Certains autres pays sont également invités au sommet, que les Pays-Bas accueillent exceptionnellement, sur demande du président américain, Barack Obama. Cette conférence est notamment l'occasion pour les dirigeants présents d'aborder les sanctions contre la Russie et son président Vladimir Poutine, exclu du G8 après l'annexion non reconnue par la communauté internationale de la péninsule de Crimée à la Fédération de Russie.


title: Sommet spécial du G7 de 2014

text: Le Premier ministre néerlandais Mark Rutte est hôte de la conférence, bien que n'y participant pas. Les dirigeants se réunissent à la Catshuis, résidence du chef du gouvernement, et sont reçus pour un dîner par le roi Willem-Alexander dans son palais. En pleine crise de Crimée, les membres du G7 ont pris des sanctions économiques et politiques contre la Russie allant jusqu'à l'expulser du groupe économique. Les dirigeants ont aussi pris des mesures politico-diplomatiques sur la situation en Ukraine. Suite cette réunion, les chefs d'État se sont retrouvés plus tard à Bruxelles pour une réunion spéciale sur les mêmes thèmes.


title: Sommet spécial du G7 de 2014

text: Les avions des chefs d'État présents au sommet spécial du G7 2014 ont été réceptionnés à Schiphol, ce qui est contraire à la règle qui veut que les réceptions diplomatiques aux Pays-Bas se fassent à l'aéroport de Rotterdam La Haye. Cependant, le grand aéroport d'Amsterdam était plus facile à sécuriser et offrait plus d'espace pour garer les aéronefs, en l'occurrence sur une piste d'atterrissage fermée durant le sommet, la "Polderbaan".


title: Cidade Universitária (métro de Lisbonne)

text: Cidade Universitária est une station du métro de Lisbonne sur la ligne jaune.


title: Joseph Hubertus Soudant

text: Joseph Hubertus Soudant, né le à Heer aux Pays-Bas, et mort le 23 décembre 2003 à Lanaken en Belgique, est un prélat néerlandais, naturalisé indonésien, évêque de Palembang en Indonésie de 1961 à 1997.


title: Joseph Hubertus Soudant

text: Joseph Hubertus Soudant est ordonné prêtre pour les Prêtres du Sacré-Cœur de Saint-Quentin le .


title: Joseph Hubertus Soudant

text: Le , le pape Jean XXIII le nomme évêque coadjuteur de Palembang, il reçoit l'ordination épiscopale le suivant, des mains de .


title: Joseph Hubertus Soudant

text: À la démission de Henri Martin Mekkelholt, il devient évêque de Palembang


title: Portes du Temple de Médamoud

text: Ces deux portes monumentales proviennent d'un temple égyptien d'époque ptolémaïque, le temple de Montou, situé à Médamoud, au nord de Louxor, sur la rive droite du Nil. Elles sont le clou de la collection égyptologique du Musée des Beaux-Arts de Lyon. La plus ancienne, la porte de , partiellement conservée, présente encore des restes de polychromie. Les scènes des bas-reliefs suggèrent qu'elle marquait l'entrée d'une salle des offrandes à l'intérieur du temple.  La porte édifiée sous , la plus récente, a pu être entièrement reconstituée. Il s'agit probablement de l'une des entrées principales du temple. Certains détails montrent que la porte est restée inachevée.


title: Portes du Temple de Médamoud

text: Les fouilles ont montré la présence d'un premier temple datant de la Première Période intermédiaire, avant la . Un autre temple fut édifié au Moyen Empire, puis modifié au Nouvel Empire. Ce temple était peut-être encore en activité quand fit construire un petit sanctuaire devant le temple existant.


title: Portes du Temple de Médamoud

text: À la période tardive, Médamoud formait avec Tôd et Ermant un réseau de sanctuaires protégeant Thèbes. Le grand temple de ce centre religieux majeur d’Égypte, Karnak, était dédié au dieu Amon ; ceux de Médamoud, Tôd et Ermant, à une ancienne divinité locale, le dieu Montou.  Le programme iconographique des portes de Médamoud fait ainsi aussi bien référence à la triade locale (Montou, son épouse Tjenenet-Rattaoui, et le roi-enfant Horparê) et qu'à celle de Thèbes (Amon, son épouse Mout, et le dieu héritier Horus).


title: Portes du Temple de Médamoud

text: Les blocs des portes de et sont découverts lors de fouilles menées à Médamoud en 1932 par Alexandre Varille et Fernand Bisson de La Roque, dans les fondations du temple construit par leur successeur . Ils entrent au musée grâce à l'entremise du Lyonnais Alexandre Varille en 1938. La porte à linteau brisé de est remontée dès 1939, la seconde, plus parcellaire donc difficile à reconstituer, devait être initialement présentée sous forme de blocs. Il fallut attendre 1956 pour qu'elle soit remontée selon les plans laissés par Varille.


title: Portes du Temple de Médamoud

text: La porte de est principalement ornée de scènes rituelles d'offrandes, ce qui suggère qu'elle marquait probablement l'entrée de la salle des offrandes, précédant le Saint des Saints. Cet espace, le plus sacré du temple, abritait la statue du dieu. Les offrandes quotidiennes qu'on lui présentait avaient pour but de maintenir l'équilibre du monde (concept appelé maât et incarné par la déesse du même nom, qui se trouve à la base de la pensée égyptienne). Les scènes figurent l'offrande des richesses de l’Égypte par le roi aux dieux, afin que ceux-ci lui accordent en retour la crue du Nil, préservant ainsi le cycle immuable de la vie.


title: Portes du Temple de Médamoud

text: L'offrande alimentaire classique du pain blanc qui synthétise toutes les autres nourritures, est présentée à Montou sur la façade. La scène de l'offrande de la bière figurée au revers de la porte, symbolise toutes les offrandes liquides. Cette boisson, la plus répandue en Égypte ancienne, est reconnaissable par l'image des vases à bière. L'offrande tout aussi typique du vin, boisson plus festive que la bière car rattachée aux rois et aux dieux, était présentée traditionnellement dans les vases « nou », de forme ronde.


title: Portes du Temple de Médamoud

text: Cette symbolique de la régénération est très présente parmi les offrandes figurées sur la porte. On trouve ainsi sur la façade l'offrande des laitues au dieu Amon-Mîn-Kamoutef, forme du dieu Amon associée à la fertilité. C'est un présent spécifique à cette divinité car il est symbole de fécondité. Toujours suivant cette idée de régénération, on trouve l'offrande du lait, reconnaissable par des vases spécifiques, destinée à assurer, en retour, force vitale et pureté au roi. Elle est ici offerte à Horparê, le roi-enfant, fils de la triade de Médamoud, ce qui renforce l'idée de régénération. En parallèle, on trouve l'offrande des plantes au dieu Horus, fils de la triade thébaine cette fois, portant encore la mèche de cheveux de l'enfance. Dans la main droite du roi, un lotus, dans sa main gauche, un lys. Ces plantes, associées au dieu-enfant, représentent elles aussi le renouveau et la fertilité, elles sont symboles des bienfaits du Nil.


title: Portes du Temple de Médamoud

text: L'offrande de Maât occupe le panneau principal du passage intérieur. C'est une offrande symbolique qui résume le but initial de toute offrande: le maintien de l'ordre universel, incarné par la déesse Maât, représentée assise sur une corbeille que le roi présente à Amon.  L'offrande des sistres, un instrument de musique, avait pour but d'apaiser la déesse à laquelle il était offert. La signification de l'offrande du symbole appelé « chebet » demeure inconnue.


title: Portes du Temple de Médamoud

text: Le linteau de la porte de figure des scènes de rituels liés au pouvoir royal : la course à la rame et la course aux vases, deux rituels pratiqués lors du jubilé royal, fête destinée à renouveler le pouvoir du roi.


title: Portes du Temple de Médamoud

text: Les motifs s'organisent autour de la thématique du Maître des Deux Terres. On y voit de part et d'autre du passage, le roi représenté de manière symétrique tantôt en tant que seigneur de Basse-Égypte, c'est-à-dire la partie Nord du pays, autour du Delta, tantôt en tant que maître de Haute-Égypte, le Sud du pays. Ces deux représentations sont reconnaissables par les différentes couronne : la couronne rouge de Basse-Égypte, et la couronne blanche de Haute-Égypte, en forme de mitre. Lorsque l'on passe sous la porte pour entrer dans le temple, on peut observer, de l'autre côté, le roi représenté en tant que Maître des Deux Terres, portant la double-couronne, appelée pschent.


title: Portes du Temple de Médamoud

text: Le passage intérieur est orné de signes monumentaux qui s'inscrivent eux aussi dans la symbolique du pouvoir royal. Les croix ânkh, signe de vie, porte les sceptres Ouas, symboles du pouvoir royal, et le signe du jubilé royal est rattaché à des génies des millions d'années, promettant un long règne.


title: Portes du Temple de Médamoud

text: La porte de "Philopator" est inachevée. Il semble que des troubles politiques survenus vers -206 aient interrompu les travaux. On trouve plusieurs traces de cette interruption : dans la partie saillante du passage, certaines lignes de séparation entre les hiéroglyphes sont tracées mais non sculptées, et la paroi en bas du montant droit est lisse, tandis que son parallèle est sculpté. Au revers de la porte, on peut également voir que les personnages sont gravés seulement jusqu'au niveau du mollet. Les blocs ont ensuite servi comme éléments de fondations du nouveau temple érigée par .


title: Massacre de Boali (2014)

text: Le massacre de Boali se déroule pendant la guerre civile de Centrafrique.


title: Massacre de Boali (2014)

text: L'incident survient le , lorsqu'un chef anti-balaka local, le général auto-proclamé Maurice Mokono, tire deux coups de feu en l'air avec un fusil AK-47, alors qu'il est totalement ivre. Alertés par les tirs, les soldats congolais de la MISCA interviennent pour confisquer l'arme. Mais le général Mokono refuse et une violente altercation s'ensuit avec le capitaine Abena, le commandant du contingent congolais. Mokono demande même à un moment à ses hommes de prendre les armes contre la MISCA. Mokono et Abena demandent alors à Xavier-Arnaud Fagba, prêtre catholique local qui avait abrité 700 musulmans dans son église de janvier à mars, d'intervenir en tant que médiateur. Les deux partis semblent alors se réconcilier et Mokono repart chez lui vers 17 heures.


title: Massacre de Boali (2014)

text: Mais vers , un véhicule transportant trois soldats de République du Congo, servants au sein de la MISCA, est attaqué par des insurgés dans le marché de Boali. Un des soldats congolais est tué et les deux autres occupants du véhicules sont légèrement blessés. L'Union africaine annonce alors que les Congolais ont répliqué et tué 12 assaillants, dont un chef.


title: Massacre de Boali (2014)

text: Le , l'Union africaine qualifie désormais les anti-balaka de « terroristes » et déclare dans un communiqué :


title: Massacre de Boali (2014)

text: Mais selon Human Rights Watch après l'affrontement, une vingtaine de soldats congolais viennent cerner la maison du général Mokono et capturent toutes les personnes à l'intérieur, soit au moins sept hommes et quatre femmes. Les Congolais abattent également un garçon qui tentait d'avertir le général anti-balaka et avait refusé d'obéir à l'ordre donné par les soldats de la MISCA de s'arrêter et de s'asseoir.


title: Massacre de Boali (2014)

text: Selon les déclarations d'un témoin à HRW, les personnes enlevées sont : . Deux enfants âgés l'un de 10 ans, l'autre de 7 mois figurent parmi les personnes enlevées.


title: Massacre de Boali (2014)

text: Au moins sept autres personnes sont par la suite arrêtées, car généralement portant des gris-gris caractéristiques des anti-balaka. Selon Human Rights Watch le sort des captifs demeure inconnu en , et l'organisation humanitaire estime qu'ils ont probablement été exécutés.


title: Massacre de Boali (2014)

text: Le , les corps des 12 disparus sont exhumés à Baoli. Selon Human Rights Watch, au moins 18 personnes ont été exécutées par des soldats de la République du Congo en République centrafricaine de à .


title: Elzéar-Louis-Zosime de Sabran

text: Louis, duc de Sabran (né Elzéar-Louis-Zosime-Joseph-Gabriel de Sabran-Baudinard le à Aix-en-Provence et mort le à Paris) est un général et homme politique français, pair de France (1815-1817) puis comte-pair (1817-1825) et duc-pair (1825-1830).


title: Elzéar-Louis-Zosime de Sabran

text: Louis de Sabran naît le à Aix-en-Provence. Il est le fils du marquis Jules César de Sabran-Baudinard (1735-1829) et d'Anne Gabrielle Brémond (1741-1803). Il est le frère jumeau de Dauphine de Sabran ( - ), morte en bas âge. Il est le deuxième enfant et le seul fils d'une fratrie de six enfants (dont trois morts en bas âge). Il appartient donc à l'illustre maison provençale de Sabran, qui compte 2 saints, 3 évêques et 5 généraux. Il est baptisé le sous le nom d'Elzéar-Louis-Zosime-Joseph-Gabriel de Sabran-Baudinard.


title: Elzéar-Louis-Zosime de Sabran

text: Louis de Sabran entre en 1773 au Collège MacNeal, près d'Aix-en-Provence, où il étudie les lettres et l'histoire. En 1779, il entre dans la compagnie provençale des dragons du roi. En 1780, il est envoyé en Amérique pour participer à la guerre d'indépendance des États-Unis, en qualité d'aide de camp du général duc de La Rochefouesnant. En 1781, à 17 ans, il devient capitaine puis s'illustre à la bataille de Yorktown. Il rentre en France en 1782.


title: Elzéar-Louis-Zosime de Sabran

text: Pendant la Révolution française, Louis de Sabran condamne d'abord ses excès tels que la prise de la Bastille ou les journées des 5 et 6 octobre 1789. Louis émigre en 1791 et rejoint l'Armée des princes. L'année suivante, il est affecté au régiment noble à pied de Condé où il devient commandant de la compagnie "Ladevèze, Riollet et Corsac".


title: Elzéar-Louis-Zosime de Sabran

text: En 1796, lors de la bataille de Biberach, Louis de Sabran est grièvement blessé et perd sa main droite. Abandonné presque mourant par ses camarades sur le champ de bataille, il réussit à rejoindre un régiment républicain avant de perdre connaissance. Il sera détenu dans un camp de prisonniers en France de à avant d'être mis en liberté provisoire.


title: Elzéar-Louis-Zosime de Sabran

text: Début 1798, Louis de Sabran se fait greffer une prothèse articulée en acier à la place de sa main droite perdue. Peu de temps après, il est libéré à la condition qu'il s'engage dans l'armée républicaine. Il accepte et il est transféré comme sergent dans qui combat les contre-révolutionnaires commandés par le (1770-1801). Les hommes placés sous son commandement lui attribuent le surnom de "sergent main d'acier" en référence à sa prothèse.


title: Elzéar-Louis-Zosime de Sabran

text: Il est admis à siéger à la chambre des pairs en 1815 et se montre fort peu actif.


title: 1856 en Italie

text: "Cette page concerne l' année 1856 du calendrier grégorien en Italie."


title: Tornabuoni Art

text: Tornabuoni Art est une galerie d'art parisienne spécialisée dans l'art italien de la seconde moitié du .


title: Tornabuoni Art

text: Fondée à Florence en 1981 par Roberto Casamonti dans la rue qui donna son nom à la galerie, Tornabuoni Art a depuis ouvert des espaces d’exposition à Crans-Montana en 1993, à Milan en 1995, à Forte dei Marmi en 2004, Paris en 2009 et Londres en 2015. Ezio Casamonti, le père de Roberto Casamonti était un important collectionneur d'art.


title: Tornabuoni Art

text: Spécialisée dans l’art italien de l’après-guerre, la galerie présente les œuvres d’artistes tels que Lucio Fontana, Alberto Burri, Enrico Castellani, Agostino Bonalumi, Alighiero Boetti, Paolo Scheggi et Piero Manzoni. Tornabuoni présente également une collection permanente d’œuvres importantes par des artistes majeurs du Novecento italien, tels que Giorgio De Chirico, Giorgio Morandi, Giacomo Balla et Gino Severini, ainsi que des maîtres de l’avant-garde internationale du XXe siècle, dont Picasso, Mirò, Kandinsky, Hartung, Poliakoff, Dubuffet, Lam, Matta, Christo, Wesselmann, Warhol et Basquiat. La collection Tornabuoni est complétée par les œuvres de jeunes artistes contemporains comme Francesca Pasquali et l’artiste arménien basé en Italie Mikayel Ohanjanyan, vainqueur du Lion d’Or à la Biennale de Venise de 2015 avec le pavillon arménien, ainsi que l'Enrico Marinelli Contemporary Art Award en 2018.


title: Tornabuoni Art

text: Tornabuoni Art ouvre Avenue Matignon à Paris en 2009 avec une rétrospective de Lucio Fontana. La galerie présente des expositions monographiques élaborées avec les artistes ou les fondations qui les représentent. Elle a ainsi montré le travail d’Alighiero Boetti (2010), Arnaldo Pomodoro (2011), Enrico Castellani (2011), Mimmo Rotella (2012), Giuseppe Capogrossi (2013), Dadamaino (2013). Elle a également présenté « Lucio Fontana, autour d’un chef-d’œuvre retrouvé », une exposition organisée en parallèle de la rétrospective du Musée d'art moderne de la ville de Paris (2014). En 2014, la galerie organise la première rétrospective en France de Turi Simeti, suivi par une d’Alberto Biasi (2015), une exposition monographique de (2015) et les rétrospectives de Paolo Scheggi (2015) et de Piero Dorazio (2016).


title: Tornabuoni Art

text: En , Tornabuoni Art Paris inaugure son nouvel espace d’exposition dans le Le Marais, au 9, rue Charlot, avec une exposition personnelle dédié à Alighiero Boetti, et organise pour la première fois en France les expositions personnelles d'Emilio Isgrò et Francesca Pasquali. Ces expositions personnelles ont été suivies par une exposition sur les artistes des avant-gardes de la Rome d'après-guerre "La Dolce Vita", une personnelle du maître italien du XXe siècle Giorgio De Chirico (2018), et des rétrospectives d’Afro (2018) et Alberto Burri (2018).


title: Tornabuoni Art

text: À ces expositions personnelles s’ajoutent des expositions collectives pensées sous la forme d’une carte blanche donnée à un commissaire pour une approche singulière de la collection, comme les expositions « Monochrome sous tension » (2011), « Tout feu tout flamme » (2012), « Bianco Italia » (2013) ou « Entre Signe et Ecriture : parcours dans l’art italien » (2014), « Ceci n’est pas une idée » (2015) et «Roma Pop» (2016).


title: Tornabuoni Art

text: En , Tornabuoni Art se réinstalle dans son espace historique du 16 avenue Matignon, inauguré avec l'exposition « ITALIA Minimal ».


title: Tornabuoni Art

text: Tornabuoni Art participe aux foires internationales les plus importantes dont la FIAC à Paris, TEFAF à Maastricht et New York, Art Basel, Art Basel Miami Beach, Art Basel Hong Kong, Arte Fiera à Bologne, Miart à Milan, Frieze Masters à Londres, Artgenève à Genève et Artmontecarlo à Monaco.La galerie collabore étroitement avec musées et institutions. Grâce à son expérience et sa connaissance du travail des artistes qu’elle représente, la galerie s’est établie en tant que conseiller pour des collections aussi bien privées que publiques.Expositions monographiques :Expositions thématiques :


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: On appelle Hydrie des mystères d'Éleusis une céramique grecque antique à figures rouges et rehauts peints datant du , représentant la réunion de Déméter et Perséphone à l'occasion du printemps. Elle était utilisée dans le cadre des célébrations des mystères d'Éleusis, culte secret en hommage aux déesses et à la renaissance de la nature. Cette hydrie s'inscrit dans le style de Kertch. Elle est aujourd'hui exposée au musée des Beaux-Arts de Lyon.


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: L’œuvre est une hydrie, c’est-à-dire un vase destiné au transport et au service de l’eau, se caractérisant par une large panse, une embouchure évasée, deux anses horizontales pour le transport et une anse verticale pour le service du liquide.  D’une hauteur de 46,5 cm et d’une largeur de 25,5 cm, c'est une hydrie à figures rouges dans le dernier style des vases à figures rouges, le style de Kertch.  Dans les vases à figures rouges le vase, en terre cuite, est recouvert d’un engobe noir (qui revêt un aspect métallique et brillant avec la cuisson) à l’exception du décor et des figures qui gardent la couleur orange clair de l’argile cuite naturelle. Avec le style de Kertch des rehauts peints complètent le tableau figuratif en permettant l’ajout des couleurs : rose, vert, doré ou blanc pour les chaires de Perséphone et Déméter. Cette technique de céramique à figure rouge permet, en plus d’une précision des visages et des drapés, une certaine liberté dans le décor.


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: Le travail de l’artiste ne se limite pas au tableau figuratif, ou à la forme du vase, mais s’élargit à tous les ornements, qui rappellent le sens de la scène. Sur la lèvre, le vase est orné d’une frise d’Ove. Autour du col on peut distinguer des épis de blé, et le dos de l’hydrie est recouvert de palmettes, ornements en forme de palmes stylisées. Le revers est donc constitué d’un décor végétal, dont le motif principal est la feuille de palmier. Les lignes courbes et les volutes soulignent et mettent en reliefs ce motif. Le décor se fait mouvant et foisonnant, en opposition avec le statisme des trois divinités de la scène. La récurrence des motifs végétaux fait de nouveau référence au cycle des saisons, à la culture du blé (Déméter) et de la vigne (Dionysos), qu’évoque déjà la scène entre les trois divinités.


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: L’hydrie des mystères d’Éleusis, datée d’environ -375/-350, a été trouvée en 1883 dans la nécropole Sainte-Marie de Capoue, en Italie du Sud. Initialement trouvée dans une tombe avec un autre grand vase en céramique, cette hydrie appartenait à la collection d’Alessandro Castellani. Elle a été transférée dans la collection Tyszkiewicz lors de la vente organisée au palais Castellani à Rome du lundi 17 mars au Jeudi 10 avril 1884. Enfin elle a été achetée par le musée des Beaux Arts de Lyon lors de la vente de la collection de Tyszkiewicz à Paris en 1898.


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: Sa découverte dans une tombe amène à développer l’hypothèse que cette hydrie était enterrée avec un pèlerin, probablement initié au culte à mystères d’Éleusis. De plus, elles auraient pu être enterrées avec ce pèlerin car les mystères d’Éleusis donnent l’espoir d’une vie après la mort.


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: L’hydrie des mystères d’Éleusis présente une scène illustrant le culte des mystères d'Éleusis.


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: Les personnages de cette scène sont tout d’abord Déméter puis Perséphone, Dionysos, Triptolème et les Ménades.


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: Déméter, deuxième fille des titans Cronos et Rhéa, est la déesse de la fertilité, de la culture et de la moisson. Elle est associée à la ville d’Éleusis. Dans la mythologie, Déméter perdit sa fille Perséphone enlevée par Hadès, et dans son immense douleur refusa ses bienfaits à la Terre, privant ainsi les hommes de ressources. Selon le mythe la déesse, descendue sur Terre pour trouver sa fille, s’est rendue à Éleusis sous la forme d’une vieille dame. Elle y fut accueillie par la reine Métanira. Pour la remercier de son hospitalité, elle lui proposa d’élever son fils Démophon. Déméter voulait le rendre immortel. Pour cela elle le trempait dans l’ambroisie le jour et le plaçait dans le feu la nuit, ainsi la mortalité de l’enfant disparaîtrait dans les flammes.  Mais Métanira avertie par une servante le découvrit et démasqua la déesse, ce qui provoqua la rage de celle-ci. Elle ordonna alors au roi Céléos de construire un temple en son honneur. Déméter s’enferma un an dans ce temple, délaissant les terres et les cultures, amenant à la destruction des hommes. Zeus, pour remédier à la colère de sa sœur, passa un accord avec Hadès. Perséphone devrait passer la période des semailles et des moissons auprès de sa mère et l’hiver auprès de son époux. Déméter demanda à Triptolème, à qui elle confia son char tiré par des dragons ailés, de s’en servir pour enseigner les secrets de l’agriculture à l’humanité et remédier à leur destruction.


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: Perséphone, est la fille de Déméter et Zeus, bien que souvent décrite comme la fille du Styx. On associe souvent à Perséphone la création des saisons et à la renaissance, elle règne aussi sur les enfers aux côtés de son mari Hadès. Elle était très protégée par sa mère Déméter qui l’aimait plus que tout mais un jour, alors qu’elle cueillait des fleurs, Perséphone s’approcha d’une Narcisse, sans savoir qu’elle était observée par Hadès, qui l’avait remarquée et voulait faire de Perséphone sa reine. Il l’a kidnappa et l’amena aux enfers. Perséphone fut alors contrainte de l’épouser et devint la reine des enfers. Devenue inconsolable, sa mère laissa périr la terre et les hommes. Son père Zeus alarmé par l’état de Déméter, passa un accord avec Hadès. Cet accord consistait à partager le temps de la jeune fille, elle serait avec sa mère entre les semailles et les moissons l'été, puis avec son époux pendant l’hiver. On conte souvent cette histoire comme l’origine de la création des saisons. Le culte de Perséphone est lié aux villes d’Éleusis, Thèbes et Mégare. Son retour sur terre au moment du printemps est pour les fidèles une promesse de leur propre résurrection.


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: Dionysos, est le fils de Zeus et Sémélé, princesse thébaine qu’il ramena des enfers en Olympe. Il est associé à la ville de Thèbes. Sémélé voulut voir Zeus dans toute sa magnificence, mais simple mortelle qu'elle était, elle mourut sur place. Zeus retira alors de ses entrailles l’enfant qu’elle portait, le cousit dans sa cuisse et le couva jusqu’à ce que vienne au monde le jeune Dionysos. Il est l’unique Dieu dont les parents ne sont pas tous deux divins. Il est Dieu du vin et de la fécondité. Pour échapper à la colère d'Héra, il a erré d'un endroit à l'autre, il a parcouru le monde accompagné de ses bacchantes et a enseigné la culture de la vigne et la fabrication du vin. Sa vie se déroule entre fêtes, beuveries et orgies qu'on appelle les Bacchanales. Héra pour se venger de l'infidélité de Zeus rendit Dionysos fou. Mais il fut guéri plus tard par Rhéa. Bien que considéré comme un Dieu étranger, il parvint à l'Olympe en épousant Ariane.


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: Triptolème est, selon la tradition principale, fils de Céléos et Métanire, le roi et la reine d’Éleusis. Il est le héros grâce auquel l’humanité apprend l’agriculture, devenant plus civilisée. Déméter lui fit cadeau de son char, tiré par des dragons ailés, ainsi que des grains de blé pour qu’il répande son culte, les mystères d’Éleusis, sur toute la Terre. La confiance de la déesse envers Triptolème lui apporta beaucoup d’ennemis, qui jaloux, tentèrent de le tuer.


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: Les Ménades, ou Bacchantes saisies de folie furieuse, sont décrites comme des femmes rendues délirantes par le vin. Elles se précipitaient à travers les bois, se lançaient à l’assaut des collines et les dévalaient en poussant des cris aigus. Rien ne pouvant les arrêter, elles mettaient les animaux en pièces sur leur passage et en dévoraient les lambeaux de chair sanglants en chantant. Les Dieux aimant voir régner le calme et la prospérité dans leurs temples, n’accordèrent pas de temples aux Ménades. Cependant celles-ci trouvaient refuge dans la nature inculte, les montagnes les plus sauvages, les forêts les plus profondes. Là, Dionysos les abreuvaient et les nourrissaient. Elles dormaient sur la mousse et se baignaient dans un ruisseau, elles se réveillaient avec un sentiment de paix et de fraîcheur célestes. Il entrait beaucoup de beauté dans leur habitat mais le festin sanglant y était toujours très présent. Les Ménades sont le plus souvent représentées dansant autour de Dionysos dans les cultes qui lui sont dédiés.


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: Ces cinq personnages sont mis en scène sur le tableau figuratif situé sur le côté face de l’hydrie. L’utilisation de couleurs : verts, rose, gris blanc et doré permet de reconnaître et de mettre en valeur les trois divinités du centre, représentées dans une attitude assez statique : Perséphone est debout au centre, vêtue d’un chiton rose pâle, et d’un himation vert d’eau. Elle est couronnée de feuilles d’or, et ses cheveux sont noués en chignon. Elle est parée de boucles d’oreilles, d’un collier, de bracelets, de fibules et de boutons d’or, et tient deux torches, elles aussi dorées, associées au royaume des morts duquel la déesse revient.


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: Juste à gauche, sa mère Déméter est elle aussi drapée d’un chiton rose tendre et parée de bracelets, de fibules, de boucles d’oreilles ainsi que d’un diadème d’or décoré de bossages et de rayons. Son bras gauche repose sur le siège sur lequel elle est assise, peint (à l’origine) de bandes alternativement blanches et roses, tandis que son bras droit tient son sceptre doré.


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: À droite de Perséphone se tient Dionysos qui la regarde, reconnaissable grâce à son attribut traditionnel, le thyrse : bâton entouré de feuilles, surmonté d’une pomme de pin et ici orné de bandelettes roses, qu’il tient dans sa main gauche. Le dieu de la vigne et du vin est couronné de lierre doré, il avait à l’origine lui aussi une teinte rosée, même si aujourd’hui sa couleur est plus proche de celle des figures rouges. Il est assis sur l’Omphalos, aussi appelé nombril du monde, point symbolique situé au centre de l’Occident ou de l’Orient. Il est associé ici au culte de Déméter auprès de laquelle il a pris place à Éleusis alors qu’il ne faisait pas partie du mythe à l’origine, mais pour une raison aujourd’hui ignorée.


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: Des personnages secondaires moins travaillés, de la couleur rouge de l’argile cuite, encadrent la scène : une ménade jouant du tambourin, une ménade dansante et Triptolème, « roi d’Éleusis » qui a transmis aux hommes l’agriculture, selon l’enseignement de Déméter, à l’origine du culte d’Éleusis.


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: Le vase ne narre pas un épisode du mythe à proprement parler mais les personnages présents évoquent le cycle des saisons et la renaissance du printemps, lorsque Perséphone rejoint sa mère Déméter, déesse de la Terre après l’hiver passé aux enfers avec son mari Hadès. La réunion de la mère et la fille entraîne alors le renouvellement de la flore et donc des récoltes, à l’origine du culte des mystères d’Éleusis.


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: Dans la mythologie, lorsque Perséphone est enlevée par Hadès, Déméter, désespérée, se rend, sous la forme d’une mendiante âgée dans la ville d’Éleusis, au nord-ouest d’Athènes. C’est pour remercier le roi de la ville de son aide que Déméter dévoile son « mystère », soit le secret de la culture du blé, donnant naissance à l’agriculture. Par la suite, le fils du roi d’Éleusis, Triptolème fonde les célébrations des mystères d'Éleusis. Ce culte, voué à Déméter, et auquel Dionysos a ensuite été associé, s’est répandu dans tout l’empire grec puis l’empire romain.


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: Les initiés aux mystères d’Éleusis participaient à une vie religieuse très active, ils célébraient Déméter pour les récoltes, et espéraient une vie après la mort. Il existe très peu de textes sur ces mystères qui devaient demeurer secrets et qui n’étaient réservés qu’aux seuls initiés, mais l’archéologie et l’art ont permis d’en comprendre les grandes lignes et les finalités. L’hydrie, qui illustre une scène des mystères d’Éleusis, permet de retrouver les thèmes célébrés lors des cérémonies : l’agriculture, le cycle des saisons, la renaissance après la mort, symbolisée par le retour des enfers de Perséphone. On peut donc émettre l’hypothèse que l’hydrie, en rendant hommage à Déméter, était utilisée lors des cérémonies, ou appartenait à un initié aux mystères d’Éleusis.


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: Comme beaucoup de céramiques à figures rouges, l’artiste de l’Hydrie des Mystères d’Éleusis est demeuré anonyme. Toutefois le vase a été identifié comme relevant du style de Kertch.


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: Inventée au , la céramique à figures rouges a connu plusieurs courants, jusqu’à sa disparition à la fin du La production de céramique selon cette technique, qui donne plus de liberté à l’artiste par rapport à la céramique à figure noire en permettant un plus grand réalisme, plus de souplesse pour le décor, et une plus grande précision, connaît une sorte de décadence, en parallèle avec la chute de l’empire athénien ; on assiste à une certaine médiocrité dans la conception et une banalisation de sujets trop répétés. Néanmoins, vers -370, et jusqu’à environ -320, un regain de qualité va se faire sentir avec l’émergence du style de Kertch.


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: Le site de Kertch, situé en Crimée, sur la mer Noire (Panticapée dans l’Antiquité), où de nombreux vases ont été trouvés, a donné son nom au dernier courant de production de céramiques à figures rouges. Ce « style de Kertch » reprend les tendances décoratives déjà présentes à la fin du , et se caractérise par sa polychromie, les couleurs pastel s’ajoutent aux plages de peinture blanche et aux dorures.  Le style de Kertch s’est surtout exprimé sur des cratères en calice de petite taille, des hydries, des pélikès et des lékanis .  Ce style a disparu vers -320, en même temps que la production de céramiques à figures rouges.


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: L’hydrie, issue du grec « eaux », est un vase à trois anses utilisé pour recueillir l’eau. Bien que dans sa définition un vase soit un objet utile au quotidien, on lui trouve d’autres fonctions. Notamment pour les services funéraires, durant lesquels les vases étaient offerts en offrandes pour être enterrés avec les morts. De ce fait les tombes sont les lieux où a été retrouvé le plus grand nombre de vases grecs, bien qu’on en retrouve aussi certains dans les sanctuaires ou plus rarement dans des habitations. Les vases servaient dans les services funéraires pour diverses raisons, certains servaient d’urne cinéraire, d’autres pouvaient être découpés pour servir de cercueil pour des enfants ou bien pouvaient représenter des objets d’art rendant hommage à une personne. On retrouve toutes sortes de vénérations dans ces offrandes comme pour les athlètes qui étaient enterrés avec des vases aux formes d’appareils génitaux masculins, qui étaient pour eux l’égal de trophées sportifs.


title: Hydrie des mystères d'Éleusis

text: Les différents types de vases grecs se divisent en quatre catégories. La première étant les vases de conservation et transport dont les hydries font partie avec les amphores. La seconde correspond aux vases utiles pour les soins et la toilette comme le lécythe, le pyxis, l’aryballe, et la loutrophore (plus utilisé pendant les noces et les cérémonies de mariages). La troisième catégorie est celle des fêtes et rituels dont le phiale ou la coupe. Pour finir, la dernière catégorie est celle du service de table (surtout pour des célébrations) comme le cyathe, la canthare ou encore le cratère en calice.


title: Palinure de Mexico

text: Palinure de Mexico (titre original en ) est un roman de l'écrivain mexicain Fernando del Paso publié en 1977.


title: Everyday Robots

text: Everyday Robots est le premier album studio solo de Damon Albarn sorti le .


title: Corinne au cap Misène

text: Corinne au cap Misène est un tableau de François Gérard peint entre 1819 et 1821, conservé aujourd'hui au musée des Beaux-Arts de Lyon.


title: Corinne au cap Misène

text: La réalisation de ce tableau se concrétise, pour ainsi dire, grâce à l’interaction de quatre personnages clés : Madame Germaine de Staël, Madame Juliette Récamier, le prince Auguste de Prusse et bien évidemment François Gérard. Ainsi, tout commence lors de l’été 1807 ; le prince Auguste est envoyé en France comme prisonnier d’État à Soissons, après la défaite de l’armée prussienne face aux troupes napoléoniennes, il peut toutefois se rendre fréquemment à Paris, où il fréquente les salons de l’époque. Il y est présenté à Madame de Staël, qui l'invite à se rendre chez elle, au château de Coppet près de Genève. C’est donc lors de ce séjour que le prince fait la rencontre de Juliette Récamier, alors mariée à Jacques Récamier, riche banquier d’origine lyonnaise (tout comme elle). De cette rencontre naît une passion réciproque entre les deux jeunes gens, riche d’échanges épistolaires, mais aussi artistiques (ils s’échangent des œuvres, leurs portraits notamment et font appel aux artistes en vogue de l’époque pour les réaliser).


title: Corinne au cap Misène

text: C’est donc au sein de cette relation amoureuse que naît "Corinne au cap Misène" ; en 1817, le prince et Juliette doivent faire face à la perte de leur amie commune Madame de Staël et pour rendre hommage à la femme qui permit leur rencontre, tous deux décident de commander la réalisation d’un tableau qui témoignerait de l’admiration qu’il portent à l’une des femmes les plus brillantes de son époque. Auguste de Prusse sollicite d’abord, par l’intermédiaire de Juliette Récamier, Jacques Louis David, alors en exil à Bruxelles, pour réaliser l’œuvre. Néanmoins, ce dernier demande une somme trop élevée (40 000 francs). Le prince Auguste sollicite alors François Gérard.


title: Corinne au cap Misène

text: Le prince Auguste impose certains critères à François Gérard : il lui propose pour sujet deux passages possibles du roman "Corinne ou l’Italie" (publié l’année de sa rencontre avec Juliette Récamier et évoquant une histoire d’amour impossible entre Corinne et Oswald). Il lui suggère de retenir les traits de Madame de Staël pour représenter Corinne. Gérard se montre prudent face à ce second point. Le personnage de Corinne avait déjà été représenté sous les traits de sa créatrice quelques années auparavant par Élisabeth Vigée Le Brun.


title: Corinne au cap Misène

text: Une seconde version du tableau est présentée au Salon à Paris en 1822 et remporte un grand succès. Adolphe Thiers est élogieux à son égard : Stendhal écrit que


title: Corinne au cap Misène

text: Plusieurs répliques sont commandées au peintre, réduites au personnage principal.


title: Corinne au cap Misène

text: Quant à l’œuvre initiale de François Gérard, elle fut offerte à Juliette Récamier par le Prince Auguste de Prusse en 1821. Cette dernière l’installe alors dans ses appartements de l'Abbaye-aux-Bois à Paris.


title: Corinne au cap Misène

text: L’œuvre de Gérard est témoin des illustres réceptions de Madame Récamier. Chateaubriand témoigne de sa présence dans ses "Mémoires d'outre-tombe" :


title: Corinne au cap Misène

text: Enfin, à sa mort, Juliette Récamier lègue par testament "Corinne au cap Misène" au musée de Lyon, sa ville natale. Le tableau est depuis cette date exposé au musée des beaux arts de Lyon. L'œuvre a été présentée dans l'exposition "Juliette Récamier, muse et mécène" en 2009.


title: Corinne au cap Misène

text: "Corinne ou l'Italie" est un roman qui évoque les différences de mœurs en Italie, en France et en Angleterre. Le personnage principal est la poétesse Corinne, à la recherche de son indépendance dans l'Europe de la fin du . Le roman lance ainsi un débat sur la condition féminine, sur le droit de la femme à vivre en étant indépendante et à exister en tant qu'écrivain. de Staël se représente elle-même dans le personnage de Corinne. Corinne est une jeune italienne, admirée pour sa culture et son talent de poète. Les Italiens accourent pour l'écouter improviser des vers, ses sorties publiques se font sur un char triomphal à la manière des philosophes de l'Antiquité, elle mène une vie d'une grande liberté pour une femme de son époque, sans contrainte sociale. Corinne n'écrit pas, elle improvise. Elle compose donc sans préparation devant un public. Si cette pratique poétique est risquée, c'est par elle que se manifeste le génie qui habite Corinne :


title: Corinne au cap Misène

text: François Gérard a été l’un des élèves de Jacques-Louis David. Il a donc été très marqué par le style néo-classique, que l’on peut retrouver dans "Corinne au cap Misène".


title: Corinne au cap Misène

text: Nous retrouvons dans la physionomie du personnage principal de l’œuvre une lointaine évocation des traits de de Staël, bien que le peintre ait refusé la demande du Prince de Prusse de la représenter sous les « traits embellis » de celle-ci.


title: Corinne au cap Misène

text: François Gérard a choisi de représenter le passage du roman de de Staël où le personnage de Corinne se trouve au cap Misène ; Elle vient d’improviser un long poème pour celui qu’elle aime, Oswald. Elle est trop émue pour continuer et pose donc sa lyre. Elle détourne son visage vers un ciel menaçant.


title: Corinne au cap Misène

text: De plus, Gérard nous donne l’impression que le temps est figé, comme si l’émotion de Corinne était si forte qu’elle était capable de générer cela.


title: Corinne au cap Misène

text: Le paysage que veut nous montrer Gérard ne reflète pourtant pas la réalité. En effet, il s’appuie sur le texte de de Staël et cette dernière avait décrit un paysage imaginaire.  Lorsque Récamier se rendit sur les lieux supposés de la scène, elle se rendit compte que le Vésuve était à peine visible de là où elle se trouvait. Mais elle convint que Gérard avait eu raison de s’inspirer directement des descriptions de sa défunte amie romancière.


title: Mercure et Argus (Jordaens)

text: Mercure et Argus est un tableau de Jacob Jordaens peint vers 1620, exposé au musée des Beaux-Arts de Lyon (huile sur toile ).


title: Mercure et Argus (Jordaens)

text: Jacob Jordaens (aussi connu sous le nom de Jacques Jordaens) naît à Anvers, aux Provinces-Unies en 1593. Issu d’une famille bourgeoise, Jordaens accède à une bonne éducation comme le montre sa connaissance du français, de la mythologie grecque et de la Bible. En 1620, Jordaens peint Mercure et Argus tandis qu’il devient la même année collaborateur avec Antoine van Dyck du maître Pierre Paul Rubens.


title: Mercure et Argus (Jordaens)

text: Le tableau a été acquis par Jean-François Terme, maire de Lyon, en 1843 à la suite d'une vente, le tableau ayant été vendu par G. Bottan, antiquaire à Lyon, pour la somme de 2000 francs. Il a été restauré en 1991 et a été prêté au Petit Palais pour l'exposition "Jordaens (1593-1678), la gloire d'Anvers" du au .


title: Mercure et Argus (Jordaens)

text: Le tableau fait référence au mythe de Mercure, d’Argus et d’Io dans les "Métamorphoses" d’Ovide (I, 583 ; IX, 687).


title: Mercure et Argus (Jordaens)

text: Jupiter s’éprend de la nymphe, fille du dieu fleuve Inachos et prêtresse au temple d’Héra. Cette dernière, femme de Jupiter, lui reproche sa liaison. Dans le but de protéger Io du courroux d’Héra, Jupiter la transforme en génisse blanche mais se trouve obligé de la donner en présent à Héra. Alors que leur liaison continue, Jupiter se transformant en taureau pour la rejoindre, Io est mise sous la garde d’Argus, un parent. Jupiter ordonne alors à son fils Mercure aux pieds ailés de libérer Io de celui qui la retient avec une baguette ou une flûte qui apporte le sommeil. Mercure, déguisé en berger et avec un troupeau de chèvre volé est invité par Argus pour se reposer. Il charme et endort alors Argus par des récits et des chants puis lui tranche la tête.


title: Mercure et Argus (Jordaens)

text: « Argus te voilà gisant ; la lumière dont tu animais tous tes regards s'est éteinte et tes cent yeux sont plongés dans la même nuit. La fille de Saturne les recueille ; elle en couvre le plumage de l'oiseau qui lui est cher [le paon] et les répand comme des pierres précieuses sur sa queue étoilée. »


title: Mercure et Argus (Jordaens)

text: Io est maudite par Héra, elle s'en va jusqu'en Égypte (Io deviendra d'ailleurs Isis, déesse égyptienne). Afin qu'Io retrouve sa forme humaine, Jupiter « prend les étangs du Styx à témoin de son serment » et parvient à apaiser la colère d’Héra.


title: Mercure et Argus (Jordaens)

text: L’œuvre possède tout d’abord un cadrage resserré : elle est coupée sur le côté droit et le côté haut, ce qui souligne un resserrement de l’action, laissant peu de place au paysage. Les génisses occupent la partie supérieure du tableau et il est difficile de les distinguer autrement que par leur couleur car leurs traits se confondent. Trois d’entre elles, à la manière d'une mise en abyme, regardent le spectateur, lui annoncent aussi l’événement, et s’en font spectatrice. Leurs corps créent une droite imaginaire et viennent, avec les personnages humains, créer une forme de triangle retourné, une structure en chiasme (vache, homme, homme, vache) qui attire l’œil. L’œil devient prisonnier de l’action, chaque coin le ramenant au triangle. Chaque élément annonce le caractère sombre de la scène : les feuillages, le ciel, le noir ou le milieu du triangle bouché par le vert sombre.


title: Mercure et Argus (Jordaens)

text: Mercure et Argus se tiennent assis l’un à côté de l’autre, le premier, déguisé en jeune paysan sans son troupeau, au chapeau de paille et aux pieds nus (peut-être dû à l’influence du Caravage qui représentait ses paysans avec les pieds nus et poussiéreux), regarde le deuxième et s’apprête à porter un geste brusque, tandis que celui-ci, vieil homme dont les traits ont subi le passage du temps, dort appuyé sur sa canne.  Argus, dans le mythe, est censé avoir entre cent et un nombre infini d’yeux, il n’en a ici que deux, et Mercure n’a pas, contrairement au mythe, les pieds ailés. En bas des deux personnages se trouve le chien d’Argus, impassible et penaud. Il est immobile, comme mort, et son regard se porte vers Mercure.


title: Mercure et Argus (Jordaens)

text: Comme les génisses, le chien annonce à sa manière l’acte du meurtre en regardant la lame courbe cachée en dessous de la cuisse de Mercure. Ce geste de Mercure, qui prend sa lame des deux mains, annonce, avec aussi son regard vers le haut, un mouvement circulaire qui va du bas (la cuisse de Mercure) vers le haut (la tête d’Argus), et qui renforce l’impression de mouvement, mais aussi renforce la future intensité dramatique suggérée.


title: Mercure et Argus (Jordaens)

text: Les couleurs sont marquées par une palette marron et des couleurs très sombres, du vert sombre qui marque les feuillages en bas à gauche, sur le côté droit et au centre ; du bleu foncé pour le ciel mélangé avec des nuances de gris ; mais aussi des couleurs très claires, typiques de son style baroque et de la technique du clair-obscur, qui éclairent les personnages et l’action, et met en valeur leur anatomie.


title: Mercure et Argus (Jordaens)

text: La lumière de l’œuvre, qui éclaire les personnages de gauche à droite, rappelle le moment qui précède l’orage, où le ciel est noir et la lumière crue, et le ciel de l’œuvre, menaçant, confirme bien ce « calme avant la tempête », et installe un caractère dynamique à l’œuvre soutenue avec les courbes qui installent, elles, une impression de mouvement. Ce ciel tourmenté fait aussi écho aux feuillages, d’un vert très sombre, qui viennent même, sur la droite, se confondre avec la génisse noire et la génisse brune.


title: Mercure et Argus (Jordaens)

text: Le paysage se fait alors comme annonciateur d’un mauvais présage, sans pour autant faire de la scène une scène d’action violente, car tout est sur le point de se passer. L’un, Mercure, est de couleur bleue et de couleur blanche, l’autre de couleur rouge, soit des couleurs qui s’opposent. Le bleu de Mercure représente sa divinité mais aussi sa discrétion et le blanc son innocence : il n’apparaît pas dangereux au premier abord pour Argus qui va d’ailleurs se laisser charmer. La couleur rouge de ce dernier représente l’annonce de sa mort, de son sang sur le point de couler, mais aussi fait écho au Caravage qui revêtait de rouge Saint Jérôme, c’est aussi la couleur de la longue vie et de la sagesse. La couleur rouge peut aussi être interprétée comme celle de la luxure, comme si Argus, séduit, avait été par la même occasion perverti. Les couleurs des génisses s’opposent aussi, Io est blanche, couleur de la pureté, et celle qui la surplombe est noir, couleur de la fatalité et de la mort, qui bouche l’horizon, comme un rappel du franchissement du point de non retour. Le contraste, ainsi que le mouvement, sont mis en exergue par le point de vue de la scène, en contre-plongée, c’est-à-dire pris du bas vers le haut. Cette représentation du mythe efface tout caractère merveilleux, et penche pour un côté réaliste, comme si la scène pouvait très bien se passer dans la réalité, même si l’on garde tout de même un certain rappel du côté mythique, les deux personnages étant presque nus. Ils portent tous deux des voiles qui cachent leurs attributs.


title: Mercure et Argus (Jordaens)

text: On retrouve un autre point commun avec le Saint Jérôme de 1607 du Caravage dans la précision des traits des personnages humains. Jordaens réalise une étude de l’anatomie, et notamment de l’anatomie du vieillard dont la peau est flétrie. Les muscles de Mercure sont, eux, saillants. Cette précision renforce le style baroque de l’œuvre, s’intéressant plus particulièrement aux muscles contractés, à la peau nue qui se tord et se froisse.


title: Mercure et Argus (Jordaens)

text: On peut interpréter cette œuvre à la manière de Karl van Mander, peintre et poète, qui consiste à voir dans le mythe d’Ovide, en plus d’un conflit de génération – le jeune homme s’apprête à tuer son aîné –, une leçon de morale. Argus est séduit par Mercure, la luxure et le désir, et finalement meurt de ses mains. Jordaens aimait particulièrement faire écho à la morale dans ses peintures, même les plus prosaïques. Mercure et Argus se pose ici comme peinture à la fois représentative du mythe, à travers sa continuité morale, mais aussi le renouvelant en lui imposait un style baroque très marqué par un certain réalisme, rétablissant le mythe dans le réel ce qui par cela lui donne une représentation vulgarisée, accessible à tous.


title: Liste des installations de l'United States Army

text: Voici la liste des bases, forts et installations de l’armée de terre des États-Unis. La liste est organisée par État ou territoire des États-Unis lorsqu’elles se trouvent sur le sol des États-Unis et par pays lorsqu’elles se situent à l'étranger. Les anciennes installations sont aussi mentionnées.États sans installation de l'US Army:


title: José del Castillo

text: José del Castillo, né le à Madrid et mort dans la même ville le , est un peintre et graveur espagnol.


title: José del Castillo

text: Dès 10 ans, José del Castillo commence à assister à des classes de dessin des classes préparatoires à l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando. Avec tant d'application qu'en 1751, le ministre José de Carvajal y Lancaster lui offre une bourse pour étudier à Rome sous la direction de Corrado Giaquinto.


title: José del Castillo

text: En 1753, le roi Ferdinand VI d'Espagne appelle Giaquinto à Madrid, lequel y va, accompagné de José del Castillo. Del Castillo reprend ses études à l'Académie de San Fernando et gagne la médaille d'or au concours de 1756, ainsi que la bourse officielle à Rome en 1758, où il part, tout jeune marié.


title: José del Castillo

text: Il coïncide là-bas avec Juan de Villanueva, qui voyage en Italie, puis rentre à Madrid en 1764.


title: José del Castillo

text: Il travaille alors comme peintre de cartons pour tapisserie à la Fabrique royale de tapisserie. Cela devient sa principale profession, avec quelques incursions dans la peinture religieuse, comme l’"" (1783) dans la basilique de Saint-François-le-Grand, ou l'illustration de livres, dont les célèbres dessins réalisés pour l'édition du "Don Quichotte" d'Ibarra (1780).


title: José del Castillo

text: Le , il est élu Académicien de mérite à l'Académie de San Fernando, mais échoue dans son ambition de devenir Peintre de la Chambre du Roi. Il essaye également de devenir directeur de la Fabrique royale de tapisserie, avec le soutien du comte de Floridablanca, mais Ramón Bayeu, porté en très haute estime à la Cour, s'y oppose. Peu après la mort de celui-ci, il essaye à nouveau, mais sans plus de succès.


title: José del Castillo

text: Del Castillo est reconnu pour sa délicatesse, son élégance, ses couleurs agréables et rythmées, son tracé impeccable. Il a été très prolifique, aussi bien en huile sur toile, en gravure qu'en carton.


title: José del Castillo

text: Il est parfois considéré comme appartenant plus aux courants européens qu'aux espagnols, représentés par Francisco de Goya et les frères Ramón et Francisco Bayeu.


title: José del Castillo

text: Sont particulièrement remarquables ses cartons pour tapisserie, dont certains sont d'une taille énorme et toujours présents dans le Musée d'histoire de Madrid et de Madrid, ainsi qu'au ministère de l'Éducation (où sont notamment conservés ', ', "). Une collection de peintures est également conservée à l'Académie de San Fernando.


title: José del Castillo

text: Il réalise en 1784 une gravure sur le thème de la fuite en Égypte copiant un tableau de Luca Giordano qui se trouvait dans le Palais du Buen Retiro.


title: Danaé (Blanchard)

text: Danaé est une huile sur toile peinte par Jacques Blanchard (1600-1638) entre 1631 et 1633 et conservée au musée des Beaux-Arts de Lyon en France. L’œuvre mesure de hauteur et de largeur. Ce tableau, dans l’objectif de Jacques Blanchard est destiné à un public d’amateur.


title: Danaé (Blanchard)

text: Il a été acquis par le musée des Beaux-Arts de Lyon en 1990 grâce à un achat dans le commerce d’art.


title: Danaé (Blanchard)

text: Ce peintre a peint beaucoup de nus. C’est le cas de cette toile, où il reprend les caractéristiques des nudités mythologiques sensuelles. Ce tableau reprend le mythe de Danaé. Danaé a été emprisonnée dans une tour d’airain par son père, Acrisios, puisqu'un oracle lui a prédit qu’il serait tué par son petit-fils. Mais Zeus, parvient à pénétrer dans la tour sous la forme d’une pluie d’or. De cette union naîtra un enfant, Persée.


title: Danaé (Blanchard)

text: Danaé ne pourra dissimuler cet enfant à son père Acrisios qui, furieux, l'enfermera elle et son fils dans un coffre qu’il jettera la mer. Arrivés sur les rives de Sérifos, ils seront secourus par le roi Polydecte qui voudra épouser Danaé. Voyant Persée comme un danger, le roi l’envoie combattre la gorgone Méduse. Persée réussit à vaincre Méduse et revient vers sa mère. Il ramène la tête mortelle de la gorgone avec laquelle il changera le roi en pierre et réussit à ramener sa mère à Argos. Persée finira par tuer accidentellement son grand-père, Acrisios, réalisant ainsi l’oracle.