title: Izegrim

text: En 2005, le guitariste Bart van Ginkel remplace Carsten. Son style de solo rapide et agressif permet au groupe de se solidifier encore plus. En 2008, le batteur Joep est remplacé par Ivo Maarhuis et le chant est désormais confié à la bassiste Marloes Voskuil, métamorphosant ainsi le groupe. Les paroles sont désormais différentes et la formation peut enfin pleinement se consacrer au groupe. Izegrim jouera alors plus de concerts et dans de grands festivals nationaux et internationaux, avec des groupes comme Onslaught. En 2009, Izegrim enregistre l'EP "", qui leur fait gagner un contrat avec le label français Listenable Records en novembre 2010. Sous Listenable Records, le groupe publie trois albums, "Code of Consequences" (2011), "Congress of the Insane" (2013), et "The Ferryman's End" (2016).


title: Erigonoplus inclarus

text: Erigonoplus inclarus est une espèce d'araignées aranéomorphes de la famille des Linyphiidae.


title: Erigonoplus inclarus

text: Cette espèce est endémique de Corse en France.


title: Erigonoplus inclarus

text: Le mâle holotype mesure .


title: American Music Club

text: American Music Club est un groupe américain de rock fondé à San Francisco en 1983 par Mark Eitzel.


title: American Music Club

text: Le groupe est qualifié par "Melody Maker" comme le "groupe le plus cruellement sous-estimé du monde". Après l'échec commercial de l'album "Engine", éclipsé par R.E.M., le groupe décide d'élaborer un album plus calme, "California" qui, bien que peu vendu, reçoit de très bonnes critiques.


title: Erigonoplus inspinosus

text: Erigonoplus inspinosus est une espèce d'araignées aranéomorphes de la famille des Linyphiidae.


title: Erigonoplus inspinosus

text: Cette espèce est endémique des Cyclades en Grèce.


title: Michael Stevenson

text: Michael Stevenson, né le à Säffle, est un coureur cycliste suédois.


title: John Kersey

text: John Kersey l'Ancien (1616-) est un mathématicien anglais.


title: John Kersey

text: Fils d'Anthony Carsaye (ou Kersey) et d'Alice Fenimore, il est baptisé à Bodicote, près de Banbury, dans l'Oxfordshire, le . Il vient à Londres, où il vit de son enseignement. Vers 1650, il réside à Charles Street, près de Covent Garden, après quoi on le retrouve dans Chandos Street et St. Martin's Lane. Gagnant une solide réputation comme enseignant de mathématiques, il devient le tuteur des deux fils de Sir Alexander Denton à Hillesden House, dans le Buckinghamshire. , son fils


title: John Scott (hockey sur glace)

text: John Scott (né le à Edmonton, en Alberta, au Canada) est un joueur professionnel canadien de hockey sur glace qui évolue au poste d'ailier gauche.


title: John Scott (hockey sur glace)

text: John Scott naît à Edmonton, en Alberta, mais grandit à Saint Catharines, en Ontario.


title: John Scott (hockey sur glace)

text: Scott n'est jamais sélectionné lors de repêchages de la LNH et signe son premier contrat professionnel le avec les Aeros de Houston dans la Ligue américaine de hockey (LAH). Le , il signe cette fois avec le Wild du Minnesota dont les Aeros sont le club école. Jusqu'en 2009, il passe ensuite l'essentiel des saisons avec ces derniers avant de jouer 51 matchs avec le Wild lors de la saison 2009-2010. Le , il signe un contrat d'une saison avec les Blackhawks de Chicago. Le , il est échangé aux Rangers de New York contre un choix de cinquième tour. Il signe ensuite un contrat d'une saison avec les Sabres de Buffalo, le .


title: John Scott (hockey sur glace)

text: Il quitte les Sabres au cours de l'été 2014 en acceptant un contrat d'une saison avec les Sharks de San José. Le , il signe un contrat d'une saison de avec les Coyotes de l'Arizona. Le , il est échangé, en compagnie de Victor Bartley, aux Canadiens de Montréal.


title: John Scott (hockey sur glace)

text: Lors du 61e Match des étoiles de la Ligue nationale de hockey, il est élu capitaine de l'équipe de la division Pacifique par vote du public alors qu'il s'aligne pour les Coyotes. Malgré son échange aux Canadiens de Montréal (division Atlantique) et son affectation au club-école, il participe tout de même malgré la controverse au match des étoiles, arborant un chandail de la LNH. Son équipe remporte le match et il est élu joueur du match avec ses deux buts.


title: Bomberman Kart

text: Bomberman Kart est un jeu vidéo de course sorti sur PlayStation 2 en 2001 en Amérique du Nord et en 2003 en Europe. Il est développé par Racjin, édité par Hudson et distribué par Konami.


title: Bomberman Kart

text: "Bomberman Kart" est un jeu de course qui met en scène les personnages de la série "Bomberman" et dont le principe est fortement inspiré de la série "Mario Kart". Ainsi, le joueur conduit un kart et peut utiliser des objets qui se trouvent à divers endroits sur le circuit afin de faire ralentir ses adversaires, l'objectif étant d'arriver le premier à la ligne d'arrivée. Le titre propose plusieurs modes de jeu centrés sur les courses de kart, qui sont jouables en solo ou en multijoueur. Il propose également un mode classique, qui reprend le concept des autres "Bomberman", à savoir de prendre le contrôle d'un personnage sur un plateau de jeu et de déposer des bombes pour faire exploser ses adversaires.


title: Bomberman Kart

text: Le jeu a reçu de très mauvaises critiques. Il reçoit une moyenne de 40,17 % sur GameRankings. Jeuxvideo.com décrit le jeu comme étant , et . Il déplore les sensations de vitesse qu'a à offrir le titre et souligne aussi que les objets sont trop inintéressant et peu nombreux. Gamekult partage cet avis, trouvant les objets pas suffisamment attrayants. Il déclare que le "gameplay" du soft, qu'il décrit comme étant , échoue à élever la qualité de l'expérience.


title: Bomberman Kart

text: Jeuxvideo.com déplore la qualité des graphismes. Il trouve les décors trop simplistes et vides et trouve que les personnages manquent de personnalité. Il compare les graphismes de "Bomberman Kart" à ceux d'un jeu de PlayStation de mauvaise qualité tandis que Gamekult, lui aussi déçu par cet aspect du titre, les compare à un jeu de Nintendo 64. Malgré tout, les deux sites voient le mode de jeu classique "Bomberman" comme un bon point.


title: Bomberman Kart

text: Une deuxième version du jeu, nommée "Bomberman Kart DX", sort au Japon le . Cette version ajoute notamment de nouveaux circuits et de nouveaux personnages.


title: Frank Udvari

text: Frank Joseph Udvari (né le en Yougoslavie — mort le à London, dans la province de l'Ontario au Canada) est un arbitre de la LNH pendant les années 50 et 60. Il était l'arbitre principal lors du match durant lequel s'est déroulé l'émeute Maurice Richard. Il était membre du Temple de la renommée du hockey depuis 1973.


title: Famille de Sistrières

text: La famille de Sistrières puis de Sistrières-Murat puis de Murat-Sistrières est une famille de robe d'Auvergne, actuellement éteinte, anoblie du en les personnes de Jean-Aymar et François-Michel de Sistrières par lettre patentes de Louis XV avec titre de barons de Murato en Corse, puis en 1812 de baron de l'Empire par Napoléon en faveur de Michel-François de Sistrières-Murat (1765-1825).


title: Famille de Sistrières

text: Cette famille ne figurait pas parmi les nobles d'Auvergne lors des recherches faites par M. de Fortia de 1666 à 1670.


title: Famille de Sistrières

text: Dans un mémoire qu'elle a produit en 1758 à la chancellerie, elle prétendait être le seul rameau subsistant de l'illustre famille des vicomtes de Murat en Haute-Auvergne.


title: Richard Ansdell

text: Richard Ansdell, né le à Liverpool en Angleterre, et mort le à Farnborough en Angleterre, est un peintre et graveur paysagiste et animalier de l'ère victorienne.


title: Richard Ansdell

text: En 1857, The Etching Club — un club d'aquafortistes anglais auquel il appartient — publie plusieurs eaux-fortes dont "Fellow-Commoners" et "The Sentinel".


title: Jacob Johann von Sievers

text: Le baron, puis comte Jacob Johann von Sievers (russifié en "Яков Ефимович Сиверс"; "Jacob Efimovitch Sivers"), né le à Wesenberg dans le gouvernement d'Estland (aujourd'hui Rakvere en Estonie), et mort le à Bauenhof près de Wolmar dans le gouvernement de Livonie, appartenant à l'Empire russe (aujourd'hui Baunu, près de Valmiera en Lettonie), est un aristocrate germano-balte qui fut réformateur, diplomate et homme d'État distingué sous le règne de Catherine II de Russie.


title: Jacob Johann von Sievers

text: Jacob Johann von Sievers est l'aîné des treize enfants du baron Joachim von Sievers (1699-1770), lui-même fils du capitaine Joachim Johann von Sievers, venu du Holstein et fondateur de la branche des Sievers de Russie. C'est aussi le neveu du comte Karl von Sievers (1710-1774) qui fut grand maréchal de la cour impériale de Russie.


title: Jacob Johann von Sievers

text: Il se rend à l'âge de douze ans auprès de son oncle à Saint-Pétersbourg pour parfaire son éducation. Il entre un an plus tard au collège des Affaires étrangères et en 1748 est envoyé à l'ambassade russe à Copenhague, tenue par le baron von Korff. De 1749 à 1755, il est secrétaire d'ambassade à Londres et il voyage avec le comte Tchernychev en Angleterre, en France et en Allemagne. Il est anglophile et s'inspirera des réformes agraires anglaises pour moderniser l'exploitation de ses terres plus tard. Il doit en 1756 se mettre au service de son pays dans la guerre de Sept Ans et il se hisse au fil des ans au rang de major-général sous les ordres du général-comte Apraxine (1702-1758). Il manque d'être tué à la bataille de Gross-Jägersdorf. Après avoir combattu à différentes batailles (en particulier à la bataille de Zorndorf et au siège de Kolberg), il entre à l'état-major du général-comte Wilhelm von Fermor (1704-1771), mais il est réformé pour raisons de santé en 1761. Il voyage avec son frère Peter pour prendre les eaux en Autriche et se soigner en Italie. Il met à profit ses voyages pour parfaire sa formation. Jacob von Sievers parle sept langues. Il retourne en Russie à la fin de 1762.


title: Jacob Johann von Sievers

text: La Grande Catherine fait sa connaissance au cours d'un voyage d'inspection dans les provinces baltes, en 1764. Il fait partie de la suite des fonctionnaires qui l'escortent. Il est nommé gouverneur-général de Novgorod à l'issue de ce voyage, charge qu'il exerce, jusqu'en 1776, lorsqu'il est nommé gouverneur-général de Tver et de Novgorod, jusqu'en 1781. Il échange des courriers officiels avec l'impératrice sur l'organisation de ces territoires, qui étaient en piteux état ; il s'intéresse, en particulier, au problème de l'eau, à la nécessité de moderniser les chantiers navals, ainsi qu'au domaine de l'agriculture et de la sylviculture. Ses propositions sont prises en compte, lorsque des réformes administratives postérieures sont mises en place. Il s'intéresse aussi à l'exploitation de la tourbe et du charbon. Il veut faire de son gouvernement une région-modèle. Il réforme le système scolaire et introduit la culture de la pomme de terre, devenue si importante dans la Russie d'aujourd'hui. Il est aussi à l'initiative de l'abolition de la torture en 1767, en harmonie avec le mouvement général qui se développe dans les autres pays européens à la même époque. Catherine II s'inspire aussi de ses idées pour créer la première banque russe d'assignats à Saint-Pétersbourg.


title: Jacob Johann von Sievers

text: Le baron von Sievers demande son congé en 1781 pour s'occuper de ses terres. Il est "Landrat" en Livonie, mais il est rappelé à de plus hautes fonctions officielles en 1792, lorsque l'impératrice le nomme ambassadeur en Pologne. Il s'occupe de représenter les intérêts de l'Empire lors de la seconde partition. Il est relevé en 1794. Paul de Russie le nomme sénateur en 1796 et l'année suivante il est nommé chef du département des communications fluviales et à la tête de la commissions chargée des orphelinats. Il est élevé au titre de comte en 1798, ainsi que ses frères Peter et Karl Eberhard. Il prend sa retraite en 1800.


title: Jacob Johann von Sievers

text: Il n'en continue pas moins de s'occuper du développement de régions délaissées, ainsi il fait venir dans la région de Minsk 2 500 paysans dans des villages dépeuplés et participe à l'organisation de l'université allemande de Dorpat. Il met en place un système de bourses qui sera effectif, jusqu'en 1917. De 1797 à sa mort, il est le second patron ("jus patronatus") de l'église luthérienne allemande de Saint-Pétersbourg. Comme son frère, c'est un opposant à Napoléon, dont il redoute l'influence. Il meurt avant la campagne de Russie.


title: Jacob Johann von Sievers

text: Jacob von Sievers était l'époux de sa cousine Elisabeth von Sievers qui lui donne trois filles, mais il s'en sépara, après le scandale de l'« affaire Poutiatine » : Son épouse étant devenue la maîtresse du prince Poutiatine (1749-1830).Famille von Sievers


title: W. W. Rouse Ball

text: Walter William Rouse Ball, né le à Hampstead, Londres, Angleterre et mort le à Elmside, Cambridge, Angleterre, est un mathématicien anglais. Il eut pour étudiant . Historien des mathématiques, on lui doit aussi quelques travaux sur les pavages et les carrés magiques.


title: W. W. Rouse Ball

text: Rouse Ball entre à Trinity College, Cambridge en 1870. "Second wrangler" et lauréat du prix Smith en 1874, il est associé à Cambridge (Fellow) de 1875 à 1905. Il y demeure le reste de sa vie. En 1919, il est le fondateur et premier président du de magie de Cambridge. , l'une à Cambridge et l'autre à Oxford, ont été fondées en 1927 grâce à un legs de Rouse Ball et portent son nom, de même qu' de droit anglais à Cambridge.


title: Hassan Remaoun

text: Hassan Remaoun, , est un sociologue et historien algérien. Il est professeur à l'université d'Oran Es-Senia. Il est également chercheur au sein du Centre national de recherche en anthropologie sociale et culturelle (CRASC).


title: Pierre Serna

text: Pierre Serna, né le à Castres (Tarn), est un historien français, spécialiste de la Révolution française. Il est actuellement professeur des universités à Paris I - Panthéon-Sorbonne, et membre de l'Institut d'histoire de la Révolution française (UMS 622/CNRS) qu'il a dirigé de 2008 à 2015 avant son intégration dans l'Institut d'histoire moderne et contemporaine (IHMC).


title: Pierre Serna

text: Ancien élève du lycée Masséna de Nice, où il suit les cours d'histoire d'Emile Llorca, Pierre Serna poursuit ses études à Paris au lycée Henri-IV et au lycée Lakanal,puis à l'université Paris I - Panthéon-Sorbonne, à partir de 1984. Il commence alors ses premiers travaux de recherche sous la direction de Michel Vovelle, successeur deux ans auparavant d'Albert Soboul, à la chaire d'histoire de la Révolution française et de l'Empire. Il obtient l'agrégation d'histoire en 1986 et enseigne successivement au lycée Faidherbe à Lille, au Lycée international de Saint-Germain-en-Laye, puis à l'université de Catane en Sicile, en tant que lecteur/attaché linguistique des services culturels de l'ambassade de France en Italie.


title: Pierre Serna

text: Il consacre sa thèse de doctorat à un révolutionnaire méconnu, Pierre-Antoine Antonelle, aristocrate, ancien maire d'Arles et jacobin engagé dans les grands combats démocratiques de la Révolution et du Directoire, le premier penseur du concept de démocratie représentative. En 1998, à la suite de la publication de cette thèse, il obtient le grand prix d'histoire du conseil général des Bouches-du-Rhône, attribué par un jury présidé par les historiens Maurice Agulhon et Robert-Henri Bautier.


title: Pierre Serna

text: Il est maître de conférences en histoire moderne à l'université de Reims Champagne-Ardenne de 1995 à 1998, avant d'être nommé à Paris I à la rentrée universitaire 1999. En 2008, il devient professeur des universités et prend la tête de l'Institut d'histoire de la Révolution française, dixième professeur depuis Alphonse Aulard et septième directeur depuis sa fondation par Georges Lefebvre et Jean Zay en 1937. Il exerce cette fonction de 2008 à 2015, date de son intégration au sein de l’Institut d'histoire moderne et contemporaine (IHMC).


title: Pierre Serna

text: Depuis le , il est membre de l'Institut universitaire de France.


title: Pierre Serna

text: Il dirige la revue électronique "La Révolution française", cahiers de l'Institut d'Histoire de la Révolution française, sur le portail OpenEdition Journals, qui reprend le titre d'une revue anciennement dirigée par Alphonse Aulard. Il est également directeur de la collection « La chose publique » aux éditions Champ Vallon.


title: Pierre Serna

text: Il est vice-président de la Commission internationale d’Histoire de la Révolution Française depuis 2010. Il est co-porteur, avec Anne Simonin, du projet « RevLoi. La Loi en Révolution (1789-1795) » soutenu par l'Agence nationale de la recherche, pour la numérisation des décrets et lois des trois premières assemblées.


title: Pierre Serna

text: Il est également directeur scientifique de la numérisation des Archives parlementaires en collaboration avec Persée, la Bibliothèque inter-universitaire de la Sorbonne (BIS) et l'Institut d'histoire de la Révolution française.


title: Pierre Serna

text: Après avoir consacré une vingtaine d’années de recherches aux élites dans le processus révolutionnaire (nobles jacobins, « girouettes » et noblesse d’État de 1789 à 1816), il travaille désormais sur les humbles en révolution (peuple, esclaves, vieillards et animaux).


title: Pierre Serna

text: On lui doit également l'invention du concept d'extrême centre, qu'il théorise en 2005 dans son ouvrage "La République des girouettes. 1789-1815 et au-delà. Une anomalie politique française, la France de l'extrême-centre", et qu'il étend, redéveloppe et modernise en 2019 dans "L'Extrême Centre ou le poison français : 1789-2019".


title: Pierre Serna

text: Il est aussi engagé dans d'autres terrains de recherche, il s'intéresse principalement à la culture de la violence dans l'Ancien Régime, ainsi qu'aux idées et aux pratiques républicaines élaborées par la Révolution et plus particulièrement sous le Directoire et dans les Républiques sœurs. De plus, il consacre une partie de ses travaux à la place de l'animal au , notamment son rôle et son omniprésence dans le paysage urbain, mais aussi dans l'histoire politique et des représentations.


title: Pierre Serna

text: Actuellement, il anime un courant de recherche sur la Révolution atlantique et l'histoire internationale de la fin du , autour de la naissance de nouvelles expériences politiques, et la circulation du modèle républicain.


title: Pierre Serna

text: De plus il a ouvert le chantier de l’histoire politique des animaux entre 1750 et 1850, et plus particulièrement durant la Révolution. Il a publié deux ouvrages, "Comme des Bêtes. Histoire politique des animaux" et "L’Animal en République. Genèse du droit des bêtes 1789-1802". C’est dans ce cadre qu’il dirige au sein de la MSH, dans le Collège des études mondiales le séminaire sur une « Histoire mondiale des animaux ».


title: Pierre Serna

text: Il a été membre du Comité de vigilance face aux usages publics de l'histoire, il est engagé à ce titre et en tant que responsable scientifique de l'IHRF, dans la réflexion sur les manières d'enseigner la Révolution et les usages de celle-ci dans l'espace public contemporain, et tout particulièrement dans les discours politiques.


title: Pierre Serna

text: Début 2011, il publie plusieurs textes à propos de la révolution tunisienne et de la révolution égyptienne. Il critique en particulier les analyses faites par certains historiens en parallèle avec les événements de 1789, dans les colonnes du journal "Le Monde".


title: Pierre Serna

text: En 2015, il signe un texte paru dans "Le Monde" qui s'élève contre relayés dans l'opinion par les médias à propos des nouveaux programmes d'histoire au collège.


title: Pierre Serna

text: En 2017, il cosigne une tribune dans "Mediapart" intitulée « Faire gagner la gauche passe par le vote Mélenchon ».


title: Pierre Serna

text: À partir de , Pierre Serna tient une rubrique hebdomadaire intitulée « MA ChRONique de l'extrême centre » qui paraît dans l'édition du vendredi de "l'Humanité".


title: Pierre Serna

text: Il s’implique fortement dans une réflexion sur la narrativité historique par le biais de la bande dessinée. Membre du jury de la bande dessinée historique des Rendez-vous de Blois de 2005 à 2018, il chronique pour le journal "L’Humanité" les bandes dessinées d’histoire. Il a fondé et préside en 2019 le prix « Bulles d’humanité » qui récompense la meilleure bande dessinée citoyenne et engagée de l’année.


title: Hédi Lakhoua

text: Hédi Lakhoua (), de son nom complet Mohamed Hédi Lakhoua, né le à Tunis et décédé en 1949 à Tunis, est un homme politique tunisien.


title: Hédi Lakhoua

text: Il exerce la fonction de grand vizir sous les règnes d'Ahmed II Bey et Moncef Bey, de 1932 à 1942.


title: Hédi Lakhoua

text: Mohamed Hédi Lakhoua est issu d'une famille de la grande bourgeoisie tunisoise d'origine morisque qui a fourni une longue lignée de maîtres artisans de chéchia parmi les plus connus du pays ; son père suit cependant une carrière administrative prolongée par sa descendance. Après des études au Collège Sadiki, il remplit plusieurs fonctions telles que secrétaire à la direction générale de l'enseignement public, entre 1890 et 1892, et secrétaire interprète à la municipalité de Tunis dès 1892. Il est rédacteur puis sous-chef de bureau, avant d'être appelé à l'administration générale en 1913 puis, en 1916, comme chef de section à la comptabilité. Délégué du maire de Tunis Khelil Bouhageb en 1922, il sert comme chef de la section d'État avant d'être nommé ministre de la Plume en novembre 1926.


title: Hédi Lakhoua

text: En 1927, il est fait commandeur de la Légion d'honneur.


title: Hédi Lakhoua

text: Ayant les faveurs du résident général de France, il est choisi par Ahmed II Bey pour succéder à Bouhageb au poste de grand vizir. Il compose son gouvernement avec des personnalités peu enclines à aider le mouvement national, comme Tahar Kheireddine (fils du réformateur Kheireddine Pacha) comme ministre de la Justice, Younès Hadjouj comme ministre de la Plume et Mustapha Sfar comme directeur du protocole. Le modéré Abdeljelil Zaouche l'intègre en 1935 comme ministre de la Justice.


title: Hédi Lakhoua

text: C'est sous son administration que se déroule un évènement majeur de l'histoire de la Tunisie : l'affaire des naturalisés en 1933, durant laquelle des incidents éclatent dans tout le pays.


title: Hédi Lakhoua

text: Alors que le gouvernement est très critiqué pour son manque de soutien à la cause nationale, Moncef Bey profite d'un incident mineur entre Zaouche et le résident général Jean-Pierre Esteva pour demander la démission de Zaouche, de Lakhoua et du ministre de la Plume Habib Djellouli. Il nomme le un gouvernement mené par M'hamed Chenik et composé de nationalistes comme Salah Farhat à la Justice, Mahmoud El Materi à l'Intérieur et Aziz Djellouli aux Habous.


title: Maria Vitale

text: Maria Vitale (1924-1984) est une soprano italienne, particulièrement associée au répertoire dramatique.


title: Maria Vitale

text: Maria Vitale étudie le chant avec la soprano Giannina Arangi-Lombardi à Milan. On croit d'abord qu'elle est une soprano colorature mais sur les conseils du compositeur Riccardo Pick-Mangiagalli, elle se dirige vers le répertoire de soprano dramatique. Elle commence sa carrière à la radio italienne (RAI) dans le cadre des concerts « Martini-Rossi », puis est invitée à l'Opéra de Paris en 1950, où elle connait un succès considérable dans les rôles de Norma, Leonora, Amelia, Aida.


title: Maria Vitale

text: De retour en Italie, elle chante à nouveau à la radio lors des commémorations du cinquantième anniversaire de la mort de Verdi en 1951, dans les opéras moins connus de ce dernier tels "Oberto, Conte di San Bonifacio", "I Lombardi alla prima crociata", "I due Foscari" et "Aroldo". Elle est alors invitée à Palerme, Florence, Turin, Trieste, etc. Elle chante les rôles-titres dans les opéras de Rossini "Elisabetta, regina d'Inghilterra" et "Otello", ainsi que dans "La Vestale", de Spontini et "Il giuramento" de Mercadante. Également à son répertoire les rôles de Senta et Elsa, dans les opéras de Wagner, "Der Fliegende Hollander" et "Lohengrin".


title: Maria Vitale

text: Elle devient aussi une interprète prisée de lieder, fait rarissime chez une chanteuse italienne. Elle paraît en concert à Stuttgart, Francfort et Berlin.


title: Maria Vitale

text: Maria Vitale n'atteint jamais la renommée internationale qu'elle espérait et se retire encore en pleine possession de ses moyens dans la petite ville de Munsingen (Berne) en Suisse, avec son mari. Elle enseigne le chant un certain temps aux États-Unis, puis revient en Europe, vivant à Munsingen et Milan.


title: Forêts canadiennes médiocontinentales

text: Les forêts canadiennes médiocontinentales sont une écorégion terrestre nord-américaine du type forêts boréales, taïga du World Wildlife Fund


title: Forêts canadiennes médiocontinentales

text: Les forêts canadiennes médiocontinentales s'étendent à partir du sud du Grand Lac des Esclaves, le nord-est de l'Alberta, le centre de la Saskatchewan jusqu'au Lac Winnipeg au centre du Manitoba.


title: Forêts canadiennes médiocontinentales

text: La température moyenne annuelle varie entre et . La température estivale moyenne varie entre et alors que la température hivernale moyenne varie entre et . Le taux de précipitations annuel oscille entre et .


title: Forêts canadiennes médiocontinentales

text: Cette écorégion se subdivise en trois sous-régions : les basses terres de la rivière des Esclaves dans le nord-est de l'Alberta, les basses terres boréales moyennes qui englobent la partie nord des plaines du Manitoba et les hautes terres boréales moyennes constituées de zones au relief plus élevé au sud du Bouclier canadien qui s'étendent de l'Alberta au sud-ouest du Manitoba.


title: Forêts canadiennes médiocontinentales

text: L'altitude des hautes terres se situe entre et . On rencontre du pergélisol en certains endroits, surtout dans les basses terres. Les tourbières et les marais sont nombreux, surtout dans les basses terres.


title: Forêts canadiennes médiocontinentales

text: Les forêts canadiennes médiocontinentales sont des forêts mixtes composées de peupliers faux-trembles et baumiers, d'épinettes noires et blanches et de sapins baumiers. Le mélèze laricin, les éricacées et les mousses colonisent les zones mal drainées.


title: Forêts canadiennes médiocontinentales

text: Le plus important troupeau de bisons sauvages se trouve dans le Parc national Wood Buffalo localisé les basses terres de la rivière des Esclaves. Cette écorégion abrite l'aire de nidification principale de la grue blanche. Les formations karstiques du Manitoba comprises dans cette écorégion abritent les hibernacula à chauves-souris les plus septentrionales en Amérique du Nord.


title: Forêts canadiennes médiocontinentales

text: On estime que 50 % de cette écorégion est toujours intacte. Les perturbations de l'habitat sont principalement causées par les activités forestières et minières et les exploitations gazières et pétrolières.


title: Bridge Resource Management

text: Le Bridge Resource Management (BRM) ou Gestion des ressources à la passerelle est une formation destinée aux gens de mer et visant à réduire les risques d'accidents en aidant l'équipage à anticiper et à réagir correctement les différentes évolutions du navire.


title: Bridge Resource Management

text: La faiblesse dans l'organisation de la passerelle d'un navire ou la gestion des ressources humaines sont souvent citées comme une source des accidents en mer.


title: Bridge Resource Management

text: Les sources d'informations à gérer sont nombreuses :


title: Château de Maarjamäe

text: Le château de Maarjamäe (), anciennement château de Marienberg (, ), ou château Orlov, se trouve à Pirita, quartier de Tallinn, en Estonie. La demeure est depuis 1975 un des bâtiments du musée de l'histoire estonienne.


title: Château de Maarjamäe

text: Résidence d’été du comte Anatole Orlov-Davydov, le château est alors situé dans une petite ville résidentielle et balnéaire du nom de "Sankt-Brigitten", dans les environs de Reval (Tallinn), capitale du gouvernement d'Estland.


title: Château de Maarjamäe

text: Le lieutenant général comte Anatole Orlov-Davydov, fils du comte Vladimir Petrovitch Orlov-Davydov, achète un terrain en 1874 à l’emplacement d’une ancienne fabrique afin de faire bâtir une résidence d’été dans le style néogothique. Il lui donne le nom de château de "Marienberg", en allemand, en l’honneur de son épouse et de sa fille, dont le nom de baptême est "Marie" (en russe ', en estonien ').


title: Château de Maarjamäe

text: Dans les années 1930, Johannes Valdt y installe l'hôtel-restaurant gastronomique "Riviera Palais". En 1937, la République d'Estonie achete le manoir et y installe la nouvelle Ecole d'aviation de défense aérienne. L'intérieur, ainsi que la façade, subissent d'importantes modifications. Le château est ensuite utilisé par l'armée soviétique, avec un club des officiers et une salle de projection ciinématographique. Après le départ des unités militaires, quelques familles des soldats, majoritairement des officiers, restent dans le château et dans certaines dépendances. L'intérieur est alors formé de plusieurs petits appartements avec des cuisines communes. En 2017-2018, l'ancienne salle d'été du château a été reconstruite.


title: Château de Maarjamäe

text: Le 29 avril 1975, en vertu du règlement n° 191 du Conseil des ministres de la République socialiste soviétique d'Estonie, les bâtiments du manoir sont transférés au musée national d'histoire de la République socialiste soviétique d'Estonie. Aujourd'hui, le château abrite, en plus d'une annexe du musée d'histoire, un restaurant et une boutique du musée. Le musée présente des collections à partir du , et retrace l’histoire des germano-baltes. Le parc accueille les anciennes statues du régime communiste de la République socialiste soviétique d’Estonie, ôtées de leur place originelle dans différentes villes du pays.


title: Ariane Bilheran

text: Ariane Bilheran est une psychologue et écrivain française née le à Saint-Denis en Île-de-France, ancienne élève de l'École normale supérieure de la rue d'Ulm, autrice d'ouvrages et d'articles sur le harcèlement, la manipulation mentale et la « psychologie du pouvoir ».


title: 50th Birthday Celebration Volume Four

text: 50th Birthday Celebration Volume Four est un album de Electric Masada enregistré en public au club Tonic de New York en 2003 et sorti en 2004 sur le label Tzadik. Les compositions sont de John Zorn. Cet album fait partie de la série 50th Birthday Celebration enregistrée au Tonic en à l'occasion des 50 ans de John Zorn.


title: Edward Niño Hernández

text: Edward Niño Hernández est l'homme adulte capable de marcher le plus petit du monde avec 72,1 cm de hauteur selon le Guinness. Hernández est né le 10 mai 1986, il vit à Bogota en Colombie.


title: Edward Niño Hernández

text: Ses prédécesseurs étaient He Pingping, un chinois mesurant pour un poids de 7 kg, décédé le 13 mars 2010, Chandra Bahadur Dangi, un népalais de pour un poids de , décédé le 4 septembre 2015, et Khagendra Thapa Magar mesurant 67,08 cm pour un poids légèrement supérieur à 6 kg, décédé le 17 janvier 2020.


title: Aurélia Steiner (film)

text: Aurélia Steiner est une série de deux courts-métrages réalisés en 1979 par Marguerite Duras : Aurelia Steiner (Melbourne) d'une durée de 27 minutes et Aurélia Steiner (Vancouver) d'une durée de 48 minutes.


title: Aurélia Steiner (film)

text: La caméra descend la Seine de Paris jusqu'à Boulogne-Billancourt à la nuit tombante sur une embarcation que l'on ne voit pas ; elle s'attarde sur les arches et les piles des ponts, les passants arrêtés, les jeux d'ombres sur l'eau.


title: Aurélia Steiner (film)

text: Marguerite Duras lit en voix off un de ses textes : une lettre d'Aurélia Steiner, une des figures récurrentes des romans de Duras, écrite à 18 ans à Melbourne. La jeune fille évoque à travers une scène intime - un fleuve qui passe, un chat famélique qui miaule puis meurt etc. - la recherche d'une communion avec une autre personne jamais nommée, étrangère ou inconnue et pourtant intensément aimée.


title: Gothaer Waggonfabrik

text: Gothaer Waggonfabrik ("Gotha", GWF) était un constructeur allemand de matériel roulant ferroviaire établi à la fin du à Gotha. Pendant les deux guerres mondiales, la société s'est développée dans la construction d'aéronefs.


title: Gothaer Waggonfabrik

text: Durant la Première Guerre mondiale, Gothaer est le fabricant d'une série très réussie de bombardiers construits sur un design de 1914 par . À partir de 1917, ces avions ont été capables de réaliser des missions de bombardements stratégiques sur l'Angleterre,le premier plus lourd que l'air utilisé dans ce rôle. Plusieurs dizaines de ces bombardiers ont été construits dans un certain nombre de sous-types - le Gotha G.I, G.II, G.III, G.IV, et G.V. Cette dernière variante a été la plus prolifique, avec trente-six escadrons en service.


title: Gothaer Waggonfabrik

text: Alors que le Traité de Versailles interdit à l'Allemagne de fabriquer des avions militaires, Gotha retourne à ses efforts sur le matériel de chemin de fer, mais revient à l'aviation avec la montée du gouvernement nazi et l'abandon des restrictions du Traité.


title: Gothaer Waggonfabrik

text: La principale contribution de Gotha pour la nouvelle Luftwaffe a été l'avion d'entraînement Gotha Go 145, dont 1 182 exemplaires ont été construits. L'entreprise a également produit le planeur d'assaut Gotha Go 242.


title: Gothaer Waggonfabrik

text: Le produit le plus connu de Gotha pendant la Seconde Guerre mondiale est le Horten Ho 229. Il s'agit d'un avion à réaction de combat en forme d'aile volante conçu par les frères Horten, qui n'ont pas les infrastructures pour la production de masse. Deux prototypes ont volé, le troisième prototype était presque terminé et plusieurs autres étaient à divers stades de fabrication avant la fin de la guerre.


title: Gothaer Waggonfabrik

text: Après la guerre, Gotha est ramené de nouveau à son objectif initial, la construction de tramways et véhicules légers sur rail dans l'ex-Allemagne de l'Est.


title: Saintes chapelles

text: Les saintes chapelles royales et princières comprennent, outre celle de Paris, dix chapelles construites en France sur son modèle entre le et le milieu du . Elles ont été fondées soit par un roi, soit par des princes de sang royal qui souhaitaient s'inscrire dans la lignée de saint Louis et rehausser le prestige de leur résidence.


title: Saintes chapelles

text: Sept de ces saintes chapelles subsistent, outre à Paris, à Aigueperse, Champigny-sur-Veude, Châteaudun, Riom, Sainte-Chapelle de l'Abbaye de Saint-Germer, Vic-le-Comte et Vincennes. Celles de Bourbon-l'Archambault, de Bourges, du Gué de Maulny et du Vivier-en-Brie ont disparu ou sont en ruine. Les saintes chapelles de Dijon (aujourd'hui détruite) et de Chambéry ne relèvent pas du même modèle mais partagent l'appellation.


title: Saintes chapelles

text: Selon Claudine Billot (1998), une sainte chapelle, qu'elle soit royale ou princière, se reconnaît à cinq critères :


title: Saintes chapelles

text: Quatre saintes chapelles ont été fondées par un roi :


title: Saintes chapelles

text: Sept saintes chapelles sont de fondation princière :


title: Saintes chapelles

text: Bien que s'écartant des critères précédents, deux autres chapelles sont désignées comme des saintes chapelles :


title: Alex Gregory

text: Alex Gregory est un rameur britannique, né le à Cheltenham.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: La comédie de la Restauration anglaise désigne le genre des comédies écrites et jouées depuis la Restauration anglaise (1660) jusqu'au début du . Après l'interdiction des représentations théâtrales publiques imposée pendant 18 ans par le régime puritain de Cromwell, la réouverture des salles de spectacle en 1660 marque la renaissance du théâtre anglais. Si le début de cette période est parfaitement défini par l'accession au trône de Charles II, sa date de fin est assez floue. Elle dépasse néanmoins largement la mort de Charles II en 1685, qui marque stricto sensu la fin de la Restauration, et empiète sur les règnes de Jacques II, de Guillaume III et même d'Anne. Les universitaires fixent en effet la fin de cette période, soit en 1710 à la mort de Betterton, l'acteur-vedette de cette époque, soit en 1714 à la mort d'Anne , soit encore en 1722 au retour au pouvoir de Walpole, soit enfin en 1737, date du « "Licensing Act" », qui établit un nouveau régime légal pour le théâtre. Pour établir son anthologie du théâtre de la Restauration, Womersley, conscient de cette indétermination, dit avoir choisi la cinquantaine d'années qui ont suivi la restauration de Charles II en 1660 pour des raisons pragmatiques : les pièces de théâtre de cette période possèdent suffisamment de ressemblances pour constituer un corpus, et suffisamment de différences pour pouvoir mettre en lumière les évolutions et les mutations.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: À la reprise des spectacles, la tragédie retrouve sa forme précédente, le drame héroïque écrit en vers blancs, même si les thèmes des pièces nouvelles changent. Reflétant les préoccupations du moment, les tragédies ont pour sujets dominants une restauration (' de Tatham, ' de Dryden, ' du comte d'Orrery, etc.) ou un roi, homme de principe et de raison, en proie à des traîtres ou à des amours débilitantes ("Mustapha" et ' d'Orrery, " de Dryden). Mais l'esprit du drame héroïque reste inchangé. Le héros est toujours un monarque ou un conquérant, tenant des valeurs aristocratiques : droiture, honneur et courage.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: À l'inverse, la comédie s'épanouit pendant ce demi-siècle dans un tour tout nouveau. Elle hérite pourtant, plus encore que la tragédie, d'un certain nombre de riches traditions de comique, principalement la comédie des humeurs et la comédie spirituelle (« " »), qui datent du théâtre élisabéthain. Elle les absorbe en donnant naissance à un vaste répertoire, extrêmement varié, tout en restant suffisamment souple pour assimiler encore des éléments nouveaux, liés aux préoccupations sociales et politiques, et aux faits d'actualité, et pour emprunter des fragments d'intrigue aux théâtres espagnol et français contemporains. Elle trouve une veine si originale — car rien de tel n'avait été imaginé auparavant —, et si singulière — car elle s'éteint définitivement au début du — qu'un nom lui est donné pour la désigner : la comédie de la Restauration.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Plusieurs éléments vont concourir à l'essor de ce nouveau genre de comédie. Tout d'abord l'existence de seulement deux compagnies théâtrales autorisées à Londres — alors qu'il en existait une dizaine avant la fermeture des théâtres — patronnées par le roi et par son frère permet à ceux-ci et à la cour libertine d'imposer bien plus facilement leurs goûts que cela pouvait se faire du temps de Shakespeare. D'autre part, l'architecture particulière et unique des nouvelles salles de spectacle à proscenium autorise l'utilisation de décors et de coulisses, tout en créant l'intimité nécessaire à ces comédies. Enfin, nouveauté pour les théâtres publics anglais, l'arrivée pour la première fois sur scène d'actrices professionnelles crée une atmosphère sensuelle, exploitée avec succès par les dramaturges. Cette ambiance sensuelle est encore renforcée par l'apparition des premières femmes dramaturges de langue anglaise, Aphra Behn, Susanna Centlivre, Mary Pix, etc.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: La comédie de la Restauration regroupe un ensemble si varié de pièces, qu'il est difficile de donner les grandes lignes qui la caractérisent. Elle se distingue toutefois par une sensualité, et parfois même par une sexualité, exposées franchement, une caractéristique que les courtisans libertins et que Charles II lui-même encouragent. Cette sensualité empêchera la reprise de ces pièces pendant près de deux siècles, et elles tomberont dans l'oubli. Ce n'est qu'au début du que des universitaires s'y intéresseront de nouveau, et que certaines de ces pièces entreront peu à peu au répertoire des théâtres modernes, représentantes d'un pan singulier du théâtre anglais.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Le théâtre de la Restauration fut précédé par le théâtre élisabéthain, « forme de théâtre public, propre à l'Angleterre de la fin du et du début du ». Il est parfois subdivisé, en fonction des souverains régnants, en théâtre élisabéthain proprement dit (1558 – 1603) d'Élisabeth, en théâtre jacobéen (1603 – 1625) de Jacques et en théâtre caroléen (1625 – 1642) de Charles. Cette manière de dénommer les divers théâtres « porte mot à mot, la trace explicite de la corrélation complexe entre théâtre et pouvoir. […] Le lien hiérarchique et symbolique s'est traduit concrètement : le théâtre élisabéthain doit son existence matérielle à la protection accordée aux comédiens » par le monarque. Ce lien restera aussi fort à la Restauration, et sera révélé, par exemple, lors de l'établissement des nouvelles compagnies théâtrales en 1660 par la remise de patentes royales. Le souverain régnant demeure le maître suprême de l'activité théâtrale.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Le théâtre élisabéthain est florissant, et ses auteurs nombreux : Robert Greene (1558 – 1592), Thomas Kyd (1558 – 1594), Christopher Marlowe (1564 – 1593), William Shakespeare (1564 – 1616), Ben Jonson (1572 – 1637), John Fletcher (1579 – 1625), etc. Mais il subit, dès sa naissance, l'attaque des Puritains, concrétisée déjà par les textes de Stephen Gosson, ' en 1579, et de Philip Stubbs, ' en 1583, qui veulent l'interdire. Ces attaques restent sans effet tant que le rapport des forces est en faveur de la royauté. Mais pendant la Première Révolution anglaise, cet équilibre bascule en faveur des forces parlementaires. Les théâtres sont fermés définitivement par l'ordonnance du 2 septembre 1642, émanant du Parlement, au début de la Première guerre civile, peu après le soulèvement contre le roi Charles. Prenant prétexte des troubles de cette période, cette ordonnance décrète « de même que les divertissements populaires conviennent mal en temps de calamités publiques, de même les pièces de théâtre jouées en public sont malséantes en temps d'humiliation, [...] en conséquence il a été jugé convenable d'ordonner que ces représentations publiques cessent et soient abandonnées ». Cette ordonnance n'ayant jamais été respectée totalement, la sévérité se raffermit encore en 1647 et 1648 : de nouvelles ordonnances menacent tout acteur pris en train de donner une représentation d'être, non seulement arrêté, mais fouetté publiquement.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Charles est décapité le . « Le théâtre sombra avec la royauté ». Toute production théâtrale est arrêtée, et les acteurs et auteurs dramatiques doivent trouver un autre métier. Fuyant la dictature militaire de Cromwell, une grande partie des lords, à l'image du futur roi Charles II, quittent l'Angleterre et se réfugient en Hollande, en France et en Italie, où ils mènent une existence sinon misérable, du moins difficile. Fréquentant les cours européennes, ils s'imprègnent de leur atmosphère. Au théâtre, ils découvrent des choses nouvelles, en France la présence d'actrices professionnelles sur scène, l'utilisation de décors actionnés par des machines complexes, et les premières comédies de Molière, en Italie, les opéras à grand spectacle. Quand les lords rentrent à la Restauration, ils ont la frénésie de jouir de la vie, leur cynisme et leur frivolité s'expliquant en partie par leur jeunesse malheureuse.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Quand les théâtres sont autorisés à rouvrir en 1660, après un hiatus de dix-huit ans, il n'existe en fait plus de salles de spectacle, détruites en presque totalité par les Puritains entre 1642 et 1644, ni de compagnies théâtrales. Il n'y a pas non plus de jeunes acteurs, de pièces récentes, et de jeunes dramaturges. D'Avenant et Killigrew mis à part, ceux qui se lancent alors dans le métier sont des jeunes hommes qui, non seulement n'ont jamais écrit de pièces, mais n'ont même jamais assisté à une représentation théâtrale. En effet, parmi les auteurs prépondérants, dits canoniques, de la comédie de la Restauration, Dryden avait onze ans à la fermeture des théâtres en 1642, Etherege sept ans, Wycherley deux ans, et Congreve et Vanbrugh n'étaient pas nés. Tout reste à faire : reconstruire les théâtres, trouver des acteurs et former des compagnies, écrire de nouvelles pièces. « Avec la Restauration de la monarchie en 1660, l'activité théâtrale à Londres ne fut pas juste reprise, mais réinventée. »


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Les nouveaux dramaturges n'ont aucune expérience, mais ils disposent de longues traditions de la scène remontant au début du théâtre élisabéthain. Leur mérite va être de créer un genre neuf en respectant ces traditions.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Le théâtre élisabéthain appartient au théâtre baroque, comme les théâtres français, allemand et espagnol de cette même époque. « L'action du « poëme » baroque est elliptique, foisonnante, pleine de rebondissements et de travestissements. […] Les différents genres, comique, tragique, satirique, établis dans l'Antiquité peuvent cohabiter dans une même pièce. » À ce titre, le théâtre élisabéthain ignore la règle des trois unités. L'unité de temps y est inconnue, le temps de l'intrigue pouvant aussi bien durer quelques heures, le temps de la représentation, que plusieurs mois comme dans "La Nuit des rois", où trois mois séparent l'acte I de l'acte V. L'unité de lieu est ignorée également. La découpe en scènes, à l'intérieur de chaque acte, correspond le plus souvent à des changements du lieu de l'action, alors que, dans le théâtre classique, cette découpe scénique correspond simplement à l'arrivée ou au départ de personnages, le lieu de l'action demeurant inchangé du début à la fin de la pièce. Enfin l'action n'est pas unique : il existe toujours plusieurs intrigues menées en parallèle, chacune à des degrés différents d'importance, et parfois traitées sur des tons différents. Ainsi dans "la Nuit des rois", l'intrigue principale concerne la relation amoureuse entre le duc Orsino et Viola, une seconde intrigue, qui lui fait pendant, se développe entre Sébastien et Olivia, et il en existe même une troisième entre Sir Tobie et Marie ; enfin une mystification subie par Malvolio est traitée sur le ton de la farce.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Le théâtre élisabéthain se permet également le mélange des genres, car, à la différence du public français, le public anglais apprécie toujours une grande diversité dans les représentations théâtrales. Un mélange de comique et de tragique, non seulement ne l’irrite pas, mais au contraire le séduit. Ainsi un intermède comique dans une tragédie, inimaginable chez Corneille, est commun chez Shakespeare, comme l'épisode des fossoyeurs dans "Hamlet" (acte V scène 1), celui du portier dans "Macbeth" (acte II scène 3) ou celui du savetier dans "Jules César" (acte I scène 1). Ce mélange peut être même plus important, comme dans "Roméo et Juliette", où alternent des scènes comiques et des scènes tragiques.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Le théâtre élisabéthain possède deux grandes traditions de comique : la comédie des humeurs, dont les principaux représentants sont Benjamin Jonson et George Chapman, et la comédie spirituelle (« ' »), pratiquée en particulier par John Fletcher, Francis Beaumont et par Robert Greene (', soit "Deux sous d'esprit") (1592). La comédie des humeurs est basée sur un ou plusieurs personnages dominés par une obsession ou un trait de caractère, qui les mène à des situations comiques. La comédie spirituelle est basée « sur les stratagèmes par lesquels un couple de gens d'esprit surmonte les obstacles mis sur sa route par les personnages dénués d'esprit. Sur ce schéma simple s'articulent d'autres thèmes de même inspiration dans lesquels les "" rivalisent entre eux, tandis que les sots cherchent à se surpasser en supercheries ».


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Les nouveaux dramaturges reprennent toutes ces spécificités, même si parfois ils apprécient de façon différente l'importance de chacune d'elles. Dryden, plus favorable au ', argumente dans ' (1668) que les meilleurs personnages comiques de Jonson ne sont guère que des automates (« ' »). Shadwell, favorable quant à lui aux humeurs, lui répond dans la préface de sa première pièce, ' (1668), que la comédie spirituelle est non seulement triviale, mais aussi immorale, où bien souvent un vaurien, ivrogne et grossier, tient lieu de jeune premier, et où un garçon manqué, impudent et mal élevé, joue le rôle de l'amante. Pourtant, l'un comme l'autre associent ces deux traditions de comique dans leurs comédies, prenant, comme dit Dryden, « ' », le chemin médian. Mais ils ne se satisfont pas d'être de simples clones des anciens maîtres. Ils incorporent les traditions comiques dont ils ont hérité dans de nouvelles variations, afin de répondre aux attentes et aux besoins de leurs publics. En empruntant très souvent aux comédies de mœurs de Molière des fragments ou des idées d'intrigue, ils introduisent, volontairement ou pas, la comédie de mœurs dans la comédie de la Restauration, qui sera qualifiée parfois de « ' », notamment par John Palmer et Charles Lamb.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Intéressé par le théâtre, qu'il a découvert principalement en France pendant son exil, Charles II en est un mécène actif. Peu après son accession au trône, le , il accorde des droits exclusifs de représentation par lettres patentes à la (« Troupe du roi ») et à la (« Troupe du duc », par référence au duc d'York, frère du roi et futur Jacques II), dirigés par deux auteurs dramatiques d'âge mûr, de l'époque de Charles, Thomas Killigrew et William D'Avenant.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Comme la production théâtrale a été suspendue pendant dix-huit ans, tous deux se précipitent pour obtenir les droits de représentation des pièces de la génération précédente, c'est-à-dire des époques de Jacques et de Charles , condition nécessaire à leur survie financière, en attendant l'écriture de pièces nouvelles. On joue donc Shakespeare, Ben Jonson, et surtout Francis Beaumont et John Fletcher, dans la proportion selon Dryden d'une pièce des premiers pour deux des seconds, ce qui, pour Beljame, prouve que le changement dans le goût du public s'est opéré au tout début de la Restauration, avant même l'écriture des premières comédies de la Restauration : « Préférer Beaumont et Fletcher à Shakespeare, c'est préférer l'amusement […] aux plus nobles émotions de l'art dramatique ». La seconde priorité des deux directeurs est de construire de nouveaux et splendides théâtres patentés, respectivement à Drury Lane et à Dorset Garden. Chacun s'évertuant à surpasser l'autre en magnificence, Killigrew et d'Avenant aboutissent à des théâtres assez semblables, tous deux conçus par Christopher Wren, tous deux optimisés pour la musique et la danse, et tous deux équipés de décors mobiles et de machineries sophistiquées pour produire le tonnerre, la foudre et les vagues.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Dans les premiers temps de la Restauration, le public n'est pas exclusivement composé d'aristocrates de la cour, comme cela a été parfois supposé. Ce public est malgré tout peu nombreux, et il ne peut guère faire vivre deux compagnies. Il n'y a pas non plus de réserve inexploitée de spectateurs occasionnels. Dix représentations consécutives constituent un succès retentissant, comme le signale John Downes au sujet de la pièce "Œdipus" de John Dryden.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Ce système clos contraint les auteurs à être extrêmement sensibles aux goûts du public. Les modes au théâtre peuvent changer presque d'une semaine sur l'autre, plutôt que d'une saison à l'autre, car chaque compagnie réagit aux offres de l'autre, et elles sont en permanence à la recherche de pièces nouvelles. La et la rivalisent pour gagner la faveur du public, pour engager des acteurs populaires, pour monter de nouveaux spectacles. C'est dans ce climat de fièvre que naissent ou s'épanouissent de nouveaux genres théâtraux : le drame héroïque, la tragédie féminine et la comédie de la Restauration.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Le théâtre souffre en qualité et en quantité, lorsqu'en 1682, la , qui a connu plus de succès, absorbe la en difficulté, formant ainsi une compagnie unique, baptisée l'. La production de nouvelles pièces chute nettement dans les années 1680, à cause à la fois du monopole, créé par la fusion des deux compagnies existantes, et de la situation politique (voir ci-dessous le déclin de la comédie). L'influence et les revenus des comédiens chutent également. À la fin des années 1680, des investisseurs rapaces, les « Aventuriers », s'abattent sur l', tandis que l'avocat Christopher Rich en prend la direction. Rich tente de financer un imbroglio de « parts en gérance » et de commanditaires associés, en réduisant considérablement les salaires et, plus maladroitement encore, en supprimant les avantages traditionnels des interprètes principaux, des vedettes qui avaient la capacité de riposter.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Colley Cibber, alors jeune employé de l', écrit : « Les propriétaires de la compagnie, qui avaient créé ce monopole du théâtre, et qui, par conséquent, supposaient qu'ils pourraient imposer ce qu'ils voudraient à leurs employés, ne pensaient pas qu'ils étaient en train de tenter d'asservir un groupe d'acteurs que le public était disposé à soutenir ». Des interprètes, comme le légendaire Thomas Betterton, la tragédienne Elizabeth Barry, et la jeune étoile montante Anne Bracegirdle ont les spectateurs de leur côté, et, confiants en ce soutien, ils quittent la compagnie.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Grâce à l'appui du comte de Dorset, le Lord Chamberlain du moment, les acteurs obtiennent du roi une « licence pour jouer » le , contournant ainsi la propriété de Rich sur les patentes des deux premières compagnies de 1660. Ils forment leur propre compagnie théâtrale sous la forme d'une coopérative et ils s'installent au vieux théâtre de en avril 1695. Cette entreprise originale est dotée d'un règlement détaillé, destiné à éviter l'arbitraire de la direction administrative, et à gérer les parts des dix acteurs principaux, les conditions d'emploi des salariés et des autres acteurs, ainsi que les prestations maladie et les retraites de tous. La coopérative a la chance de débuter le dernier jour d'avril 1695 avec la première de la célèbre pièce de William Congreve, "" ("Amour pour amour"). Elle a également les compétences pour en faire un énorme succès au .


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Londres possède de nouveau deux compagnies théâtrales concurrentes. La lutte de celles-ci pour attirer le public redynamise brièvement le théâtre de la Restauration, mais elle le place aussi sur une pente fatale. Tout d'abord le renouvellement rapide des représentations engendre une précipitation qui fait engager pour les rôles importants des acteurs médiocres, et réduire au strict minimum les répétitions. Colley Cibber en dépeint le résultat : « Le théâtre devint rapidement le champ de l'ignorance et de la vanité. Shakespeare fut défiguré, […] Hamlet et Othello perdirent tout leur bon sens, […] Brutus et Cassius devinrent des bravaches criards, aux yeux vides, aux expressions fausses et à l'élocution ampoulée ! ». Pepys se plaint aussi souvent que les comédiens oublient leurs textes ou improvisent. Puis, pour attirer coûte que coûte les spectateurs, le goût le plus bas du public est privilégié. La compagnie de Rich offre notoirement des attractions du style de la foire Saint-Barthélémy — lutteurs, jongleurs, funambules, animaux savants — tandis que les acteurs de la coopérative, tout en faisant appel au snobisme, en se présentant comme la seule compagnie théâtrale légitime de Londres, ne sont pas non plus sans reproches, faisant « réciter des prologues à des gamins de cinq ans et déclamer des épilogues à des dames à cheval ».


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Déjà à l'époque élisabéthaine, donc bien avant le régime puritain du Commonwealth de l'Angleterre, qui précède la Restauration, la présence des femmes est interdite sur scène, et tous les rôles féminins sont tenus par des hommes. Par exemple, dans "Le Songe d'une nuit d'été" de Shakespeare, on voit Flute, le raccommodeur de soufflets, refuser de jouer le rôle de la jeune fille, Thisbé, parce que la barbe commence à lui pousser (Acte I, scène 2). À cause de cette omniprésence masculine, Shakespeare a manifestement pris grand soin de minimiser les scènes sensuelles, les embrassades et les exhibitions corporelles. Pour les rôles travestis, comme Viola dans "la Nuit des rois", ce sont des garçons qui se déguisent en filles qui se déguisent en garçons


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: La patente royale accordée le aux deux théâtres, réécrite le , stipule que les rôles féminins seraient dorénavant tenus exclusivement par des femmes. Cette révolution théâtrale, inspirée par l'usage français, est sans précédent en Angleterre à une exception près : la toute première actrice anglaise à être montée sur scène est madame Coleman, qui a joué le rôle de Ianthe dans la pièce de D'Avenant " en 1656, dans une petite salle privée, , grâce à une permission exceptionnelle du gouvernement puritain.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Cette pratique nouvelle influence fortement la comédie de la Restauration, en permettant de mettre l'accent sur le réalisme sensuel, la candeur sexuelle, et d'exploiter le pouvoir de séduction des actrices. L'amour, le mariage, l'adultère peuvent être joués avec une franchise et un réalisme impossibles à tenir si tous les rôles étaient tenus par des hommes. Les spectateurs des années 1660 et 1670, majoritairement masculins, sont soit curieux, soit sévères, soit ravis de cette nouveauté. Des scènes prolongées de flirt, des baisers passionnés et même des tentatives de viol permettent à l'auteur de captiver le public avec des jeunes filles en tenue provocante, échangeant des sous-entendus ou de franches paillardises avec des galants tout aussi éblouissants. Samuel Pepys confie à multiples reprises dans son journal combien il aime se rendre au théâtre afin de voir et revoir jouer certaines actrices. Il précise qu'il a vu la première fois des femmes sur scène lors de la reprise de " de John Fletcher le .


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Des scènes de comédie audacieuses et suggestives impliquant des femmes deviennent particulièrement nombreuses, même si, bien sûr, les actrices, tout comme les acteurs, se doivent de jouer fidèlement tous les types de personnages et recréer toutes les ambiances des pièces. (Leur rôle dans le développement de la tragédie de la Restauration est également important. Voir la tragédie féminine.)


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Une spécialité nouvelle est introduite quasiment en même temps que l'arrivée des actrices. Il s'agit des rôles travestis, qui exigent des actrices de jouer en habits d'homme, le standard masculin de l'époque étant la culotte courte moulante s'arrêtant aux genoux, et se portant avec des bas. On voit, par exemple, une héroïne pleine d'esprit se déguiser en garçon pour se cacher ou pour prendre part à une équipée interdite aux filles. Un quart des pièces jouées à Londres entre 1660 et 1700 contient des rôles travestis.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: En jouant du travestissement, les femmes peuvent agir avec la liberté que la société accorde aux hommes, et certaines critiques féministes, comme Juliet Dusinberre et Jacqueline Pearson considèrent ce travestissement comme une subversion des rôles traditionnels des sexes, et, pour Katherine M. Quinsey, comme une émancipation pour les femmes du public. Elizabeth Howe objecte que le travestissement en homme, quand on l'étudie dans les textes des pièces, dans les prologues et les épilogues, ne se révèle être « qu'un nouveau moyen de présenter les actrices comme des objets sexuels aux spectateurs mâles », en soulignant grâce à l'habit masculin certaines parties de leur corps, hanches, fessiers et jambes, normalement dissimulées par une jupe.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Parmi les actrices à succès de la Restauration figurent Nell Gwyn, la maîtresse de Charles II, la tragédienne Elizabeth Barry, célèbre pour sa capacité à « remuer les passions » et à faire pleurer une salle entière, la comédienne Anne Bracegirdle dans les années 1690, et Susanna Mountfort, alias Susanna Verbruggen, qui a de nombreux rôles travestis écrits spécialement pour elle dans les années 1680 et 1690. Des lettres et des mémoires de l'époque montrent combien les spectateurs, et aussi les spectatrices, apprécient les savoureuses interprétations par Mountfort de jeunes femmes fanfaronnes et noceuses, vêtues de pantalons courts, et appréciant de ce fait la liberté mondaine et sexuelle dont jouissent les libertins de l'époque.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: C'est durant la Restauration que les acteurs et les actrices des scènes londoniennes deviennent pour la première fois des personnalités publiques et des célébrités. Des documents de l'époque montrent que le public est attiré aux spectacles par les talents de certains acteurs autant que par la pièce elle-même, et plus en tout cas que par l'auteur, qui semble disposer du pouvoir d'attraction le plus faible, puisque aucun spectacle n'est promu avant 1699 avec le nom de l'auteur. Bien que les théâtres soient construits de façon à accueillir de vastes publics (le second théâtre de Drury Lane datant de 1674 compte ), ils possèdent une forme compacte avec un proscenium s'avançant en arc de cercle vers les spectateurs, permettant une communion plus intime de l'acteur et de son public. Avec deux compagnies se disputant leurs services de 1660 à 1682, les acteurs vedettes peuvent négocier des contrats de star, qui comprennent, en plus du salaire, des parts de la compagnie et des soirées d'hommage. Cette situation lucrative change lorsque les deux compagnies fusionnent en 1682, mais la façon dont les acteurs se rebellent et prennent les commandes d'une nouvelle compagnie en 1695, montre bien le statut et le pouvoir qu'ils ont acquis depuis 1660.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Les figures masculines dominantes de la sont : Michael Mohun, Charles Hart et John Lacy. Ce dernier, spécialisé dans les rôles excentriques, car il sait prendre à merveille les accents campagnards et étrangers, est l'un des comédiens favoris de Charles II. Celui-ci l'apprécie tant qu'il le fait peindre à plusieurs occasions, et conserve les tableaux aux châteaux de Windsor ou de Hampton Court. On connaît au moins deux tableaux de John Michael Wright, qui le représentent et qui se trouvent maintenant au de Londres. Les plus brillantes étoiles de la sont Elizabeth Barry (« la célèbre madame Barry, qui fit jaillir les larmes des yeux de son public ») et Thomas Betterton, qui organisent tous deux activement la révolte des acteurs en 1695 et qui, tous deux, possèdent des parts de la nouvelle compagnie coopérative.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: À partir de 1660 et jusqu'au , Betterton joue tous les premiers rôles masculins. Après avoir vu "Hamlet" en 1661, Samuel Pepys rapporte dans son journal que la jeune recrue Betterton « joua le rôle du prince au-delà de toute imagination ». Les interprétations expressives de Betterton semblent avoir attiré les spectateurs aussi magnétiquement que la nouveauté de voir des femmes sur scène. Il s'affirme rapidement comme le premier rôle de la , et il joue Dorimant, personnage principal du libertin irrésistible, lors de la première de "L'Homme à la mode" de George Etherege en 1676. La situation de Betterton demeure incontestable pendant les années 1680, aussi bien en tant que premier rôle de la compagnie que comme régisseur et chef de fait au quotidien. Il est très apprécié de Charles II, qui l'envoie en France pour étudier les nouveautés en matière d'art théâtral. C'est sans doute grâce à ce voyage que sont introduits sur les scènes anglaises les décors mobiles, que Betterton observe dans la salle des machines du Palais des Tuileries au Louvre à Paris, et qui remplacent les tentures de tapisserie, héritage du théâtre élisabéthain.


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text: Betterton reste fidèle à Rich plus longtemps que la plupart de ses collègues, mais en fin de compte, c'est lui qui amène le départ des comédiens en 1695, et qui devient le directeur artistique de la nouvelle compagnie.


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text: À la fin du Moyen Âge, en France, en Italie, en Espagne et en Angleterre, le théâtre des mystères et des miracles trouvait place dans un lieu vraisemblablement circulaire. Malgré le peu de dessins et de documents descriptifs, des historiens du théâtre comme Henri Rey-Flaud, Sydney Higgins et Anne Surgers soutiennent cette thèse.


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text: Le théâtre élisabéthain hérita de cette forme caractéristique, un cylindre évidé en son centre, que Shakespeare définit de O en bois (« ' ») dans le prologue de "Henry V". Le trait épais du O correspond au bâtiment circulaire sur trois niveaux destiné à accueillir le public, la scène se trouvant à ciel ouvert au centre du O. La partie du bâtiment circulaire appelée ', la maison des acteurs, est utilisée par ceux-ci pour se préparer et sans doute pour ranger les costumes et les objets nécessaires au spectacle. Aussi les spectateurs ne sont pas répartis sur 360° autour de la scène, mais ils entourent tout de même les acteurs sur plus de 260°. Ainsi, si certains spectateurs sont placés face au spectacle, d'autres le voient de profil et certains même de trois-quarts arrière. Cette scène presque entièrement encerclée par les spectateurs est une caractéristique du théâtre élisabéthain, très différente du théâtre à l'italienne, où les spectateurs font tous face à la scène, établie à une extrémité de la salle. Au début du , Londres compte dix théâtres de style élisabéthain, tous construits hors des murs de la cité, pour une population de . Killigrew et D'Avenant, futurs directeurs de troupe à la Restauration, jouent exclusivement dans ce type de salle circulaire jusqu'en 1642.


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text: Entre 1642, date de fermeture des théâtres, et 1644, la quasi-totalité des théâtres élisabéthains sont détruits par les Puritains. C'est ainsi que disparaissent « », le plus ancien, « », le plus célèbre, théâtre de Shakespeare, mais aussi « », « », « », etc. Quelques rares échappent à la destruction, comme le ou le . Comme le nom de ce dernier l'indique, celui-ci avait été bâti à l'origine, en 1616, pour des combats de coq, et il survit pendant l'Interrègne puritain en servant de salle de classe et, occasionnellement, de salle d'opéra par Killigrew, la musique n'étant pas considérée comme du jeu d'acteur.


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text: Lorsqu'en 1660, les spectacles théâtraux sont de nouveau autorisés, la pénurie de salles est telle que les deux troupes patentées rivales de Londres, la et la , doivent partager pendant quelques mois le . Les seules salles suffisamment vastes disponibles étant d'anciens courts de tennis, la emménage provisoirement au court de tennis de Gibbon, situé , tandis que la Duke's Company prend possession du court de tennis de . Ces salles ont une forme rectangulaire allongée, totalement inhabituelle pour les directeurs de ces troupes, Killigrew et Davenant, alors que leurs protecteurs, Charles II et le duc d'York, qui étaient plus au courant du théâtre français qu'anglais, avaient vu jouer les pièces de Molière dans les jeux de paume parisiens, de forme et de dimension similaires. Comme en France, la scène est établie à une extrémité, sur une des largeurs, donnant une salle de grande profondeur plutôt incommode, car beaucoup de spectateurs se retrouvent loin de la scène, tandis que d'autres sont assis de profil par rapport à celle-ci.


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text: Cette modification de la forme des salles a de multiples conséquences. « Cette disposition en profondeur change considérablement, par comparaison avec le théâtre élisabéthain, le rapport des spectateurs et des acteurs ». Tout d'abord elle modifie le jeu des acteurs : « le théâtre à l'italienne, par sa configuration frontale, a conduit les acteurs à négliger le volume de leur corps, et à oublier leur dos, puisque celui-ci n'avait pas à être vu », alors que les acteurs élisabéthains travaillaient à une éloquence globale de leur corps, y compris « l'éloquence du dos ». Cette forme allongée éloigne aussi l'acteur du public et élimine l'intimité créée par une scène circulaire entourée par les spectateurs. En revanche, cette configuration rectangulaire permet l'utilisation de décors constitués de panneaux coulissants peints, facilement escamotables sur les côtés. Répartis sur plusieurs pans, ils produisent un effet de perspective, ou, regroupés au centre de la scène, ils forment, par exemple, les bosquets propices aux comédies de Shadwell, ou la cachette nécessaire aux « "" », où un personnage caché surprend une conversation ou une confidence, relançant ainsi l'action. Cette configuration permet aussi la création de véritables coulisses, où, grâce aux voix-off, la scène devenue trop licencieuse ou trop choquante peut se poursuivre en toute connaissance du public, mais à l'abri de son regard. Cette possibilité scénographique, une des caractéristiques de la comédie de la Restauration, est exploitée de nombreuses fois.


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text: Alors que le théâtre français s'accommodera des salles de jeu de paume pendant près d'un siècle, les deux compagnies patentées londoniennes se font construire rapidement de nouvelles salles de spectacle. L'ancienne configuration élisabéthaine est abandonnée au profit du théâtre à l'italienne, afin de bénéficier des décors facilement amovibles et de machineries complexes logées dans les coulisses ou dans les cintres. Ces installations sont plus profitables à la tragédie et au spectacle à grande mise en scène qu'à la comédie. En revanche, pour que cette dernière obtienne l'intimité dont elle a besoin, la salle est moins profonde, plus compacte, et surtout, un proscenium profond et aussi large que la scène, s'avançant en arc de cercle vers le public, est ajouté en avant de la scène, ce qui est une caractéristique de tous les théâtres de la Restauration et est propre à l'Angleterre. Quelle que soit la taille ou de la capacité du théâtre, cet espace de jeu, qui fait aussi partie de la scène, proche du public et encadré par des loges de spectateurs, contribue à la sensation d'intimité. « Les comédiens pouvaient s'approcher des spectateurs autant qu'ils le voulaient, afin d'établir la relation la plus appropriée entre le personnage et le public ». C'est en sorte un équivalent de la plate-forme centrale des anciens théâtres élisabéthains publics ou privés, appelée aussi proscenium à cette époque. Ce proscenium ou avant-scène est idéal pour les pièces où chaque mot a son importance, et le maintien de cet espace dans les salles de la Restauration signifie que les nouveaux auteurs sont encouragés à écrire des pièces où le texte, émaillé de mots d'esprit, de monologues, d'apartés et de confidences au public, a une valeur capitale.


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text: Certains directeurs de théâtre, comme Rich, plus intéressés par la rentabilité du théâtre que par la qualité de la représentation, font parfois raccourcir cette avant-scène de quelques mètres pour gagner quelques rangs de spectateurs. Des acteurs, comme Colley Cibber, déplorent cette mesure, qui trouble le spectacle : « La forme originelle permettait aux acteurs de se tenir plus près que maintenant du public de plus de trois mètres. […] Quand les acteurs disposaient de cet espace supplémentaire, leur permettant de s'avancer, leur voix se trouvait alors plus au centre de la salle, ce qui faisait que l'oreille la plus lointaine n'avait pas la moindre difficulté à saisir même l'expression la plus faible ». Cette tendance à la réduction, voire à la suppression, du proscenium se confirme avec le temps. J. Dulck remarque qu'après 1700 le mouvement vers la scène à l'italienne pure se poursuit, l'espace consacré au décor s'agrandit, tandis que l'avant-scène recule. Ainsi s'estompe la salle de théâtre de la Restauration, qui a eu son influence sur la nature de la comédie de cette époque.


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text: Le théâtre des années 1660 et 1670 est dynamisé par la compétition existant entre les deux compagnies patentées, créées à la Restauration, ainsi que par l'intérêt personnel que Charles II porte au théâtre. Les auteurs comiques répondent à la demande de pièces nouvelles, en pillant sans vergogne les répertoires contemporains français et espagnol, les pièces anglaises des époques de Jacques et de Charles, et même celles du théâtre grec antique et du théâtre romain classique, tout en combinant de manière fantaisiste les intrigues subtilisées. Aussi la comédie de la Restauration se caractérise par une grande diversité, créée par des changements rapides de mode. La production est immense. Entre 1660 et 1710, pas moins de deux cents auteurs dramatiques sont à l'ouvrage, sans compter une centaine de pièces qui paraît anonymement. Même si le cours de « Théâtre de la Restauration » enseigné aux étudiants est condensé de telle façon que toutes ces pièces semblent avoir été écrites au même moment, donnant l'impression d'un monolithe statique et lisse, les chercheurs sont maintenant convaincus que le théâtre anglais connut, pendant cette cinquantaine d'années, de constantes mutations, et qu'ils en ont saisi les causes sociales et politiques.


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text: Pourtant le climat de l'époque ne semble guère propice à l'essor de la comédie. La Restauration débute par la chasse aux régicides, et les têtes de onze d'entre eux sont fixées au Pont de Londres. Entre 1666 et 1667, la Grande peste de Londres tue près de , et elle est suivie d'un grand incendie qui ravage Londres. Ces deux catastrophes font fermer les théâtres pendant près de dix-huit mois. Les dissidents de l'Église anglicane sont persécutés, les députés corrompus, les livres censurés, et seuls les journaux gouvernementaux peuvent paraître. Lors du Raid sur la Medway durant la deuxième guerre anglo-néerlandaise, la flotte hollandaise remonte la Tamise en juin 1667, coulant des navires anglais, et mettant à mal l'orgueil national. À cela, il faut ajouter des crises financières, la panique lors du complot papiste et la crainte d'une guerre civile lors de la Rébellion de Monmouth, fils illégitime de Charles II, qui tente de renverser Jacques II. C'est pourtant dans cette période troublée que se développe et prospère la comédie de la Restauration.


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text: La comédie de la Restauration connaît pendant sa courte existence deux apogées. Elle atteint tout d'abord une spectaculaire maturité au milieu des années 1670, plus précisément de 1664 à 1677, avec une débauche de comédies aristocratiques, parmi lesquelles figurent : ' ("Elle le ferait si elle le pouvait") de George Etherege en 1668, ' ("La Conquête de Grenade") de John Dryden en 1670, ' ("La Répétition") du duc de Buckingham en 1671, ' ("La Provinciale") en 1675 et ' ("L'Homme franc") en 1676 toutes deux de William Wycherley, ' ("L'Homme à la mode") de George Etherege en 1676, et "" ("Tout pour l'amour") de John Dryden en 1677.


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text: Ce court âge d'or fut suivi de vingt années moins fécondes, pendant lesquelles il faut toutefois noter la réussite d'Aphra Behn et quelques pièces comme "" ("Venise sauvée") de Thomas Otway en 1682.


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text: Aux alentours des années 1690, plus précisément de 1689 à 1710, la comédie de la Restauration, en visant un public plus large, connaît une seconde mais brève renaissance. On peut nommer pendant cette période : ' ("Le Fourbe") de William Congreve en 1693, ' ("La Rechute ou la Vertu en danger") en 1696 et ' ("L'Épouse outragée") en 1697 toutes deux de John Vanbrugh, ' ("Le Train du monde") de William Congreve en 1700, et "" ("La Ruse du petit maître") de George Farquhar en 1707.


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text: John Palmer résume ainsi cet historique : « La comédie de la Restauration débuta avec Etherege, atteignit la perfection avec Congreve, déclina progressivement avec Vanburgh et Farquhar, et s'éteignit avec Sheridan et Goldsmith ».


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text: Les comédies des deux périodes fastes sont extrêmement différentes les unes des autres. On a tenté de montrer ci-dessous la modification du goût en une génération en décrivant en détail ' ("La Provinciale") de 1675 et ' ("L'Épouse outragée") de 1697. Ces deux pièces possèdent des différences caractéristiques, tout comme un film hollywoodien des années 1950 diffère d'un autre des années 1970. Ces pièces toutefois ne sont pas présentées comme des exemples type de leur décennie, car de tels exemples n'existent pas. Même durant la très brève durée de ces âges d'or, les types de comédie n'ont cessé de muter et de se multiplier.


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text: À leur création, les deux compagnies se partagent de manière inégale le patrimoine dramatique. La obtient la majorité des droits. En plus du monopole sur Jonson, elle gagne une partie du répertoire de Shakespeare, et la meilleure part de Fletcher. Cette répartition injuste force les compagnies à adopter des politiques différentes d'exploitation de leurs fonds dramatiques. La , au répertoire pauvre, est forcée d'innover, tandis que la , jouant principalement le vieux répertoire, devient conservatrice. Faute de matériel suffisant, D'Avenant adapte, en les modifiant considérablement, les pièces qui lui ont été attribuées. C'est ainsi que naissent des adaptations de "Mesure pour mesure" en 1662, où se trouvent mêlées des portions de "Beaucoup de bruit pour rien" et, en 1664, de "Macbeth", où sont ajoutés des couplets rimés et des chansons. Ce travail, nécessaire les premiers temps pour offrir aux spectateurs des spectacles nouveaux, se poursuivra de nombreuses années.


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text: D'autres techniques sont employées pour enrichir le répertoire du moment. L'imitation de la comédie espagnole et des « » apporte aux pièces de l'animation et de la nouveauté. De ces premiers efforts, naissent en 1662 ', une comédie politique de Robert Howard, où deux couples royalistes exemplaires récupèrent leurs biens confisqués par des Puritains malhonnêtes, et une tragi-comédie, ', adaptation par sir Samuel Tuke de la pièce ', que l'on croyait alors écrite par Calderón et qui est aujourd'hui attribuée à Antonio Coello. Cette dernière pièce eut un succès énorme et Pepys en fait un éloge dithyrambique dans son "Journal", la jugeant même supérieure à "Othello". Dryden, pourtant peu doué pour la comédie, commence sa carrière de dramaturge par ' (1663), une comédie des humeurs, à l'intrigue confuse, fortement inspirée par Jonson, où la recherche d'un mari par Isabella est le moteur principal de l'action.


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text: Mais, malgré l'adaptation de nombreuses pièces et une activité théâtrale intense, les gens se pressant en nombre dans les rares théâtres, découvrant ou redécouvrant ce genre de spectacle, rien de véritablement nouveau n'apparaît encore.


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text: La monarchie est fondée sur l'axiome que les aristocrates possèdent le droit naturel de gouverner, car ils sont supérieurs par la naissance. À la Restauration, les lords rentrent en Angleterre, après avoir subi de cinglants revers militaires pendant les guerres civiles, alors que la guerre avait toujours été leur domaine réservé. À leur retour, ils cherchent donc à retrouver une légitimité et à réaffirmer leur supériorité. Le théâtre leur en donne l'occasion. Très vite la tragédie vante les qualités aristocratiques des héros, rois ou conquérants. Le drame héroïque des années 1660 est explicitement royaliste, et Charles II, grand admirateur du théâtre de Corneille, encourage le genre. Il faut, en revanche, quelques années à la comédie pour montrer le royaliste, homme d'esprit (le '), ridiculiser les commerçants cupides de la City (les '), les nigauds de la campagne (les ""), les parvenus enamourés qui envahissent les beaux quartiers, et les puritains hypocrites, démontrant ainsi sa supériorité intellectuelle.


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text: Ceux qui placent le début de la première période à 1664 considèrent que "La Vengeance comique, ou l’Amour dans un tonneau" (« "" ») d'Etherege (1664) est la première véritable comédie de la Restauration. Selon Derek Hughes, cette comédie célèbre la frivolité de l'ordre nouveau et marque l'émergence d'une nouvelle culture et non la reprise du monde de Charles. Edmund Gosse avance : « ce qui donne à "La Vengeance comique" sa valeur particulière et sa nouveauté est qu'elle a été écrite par un homme qui a vu et compris "L'Étourdi" (1653), "Le Dépit amoureux" (1658) et "Les Précieuses ridicules" (1659), et qui s'est empressé de rentrer en Angleterre avec une idée totalement neuve de ce que la comédie devait être. »


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text: "La Vengeance comique" est une comédie à intrigues multiples, mêlant une intrigue héroïque en vers, opposant honneur et amour, à plusieurs intrigues comiques en prose, ainsi qu'à une farce. Etherege y introduit un personnage nouveau, la dame de qualité qui prend l'initiative dans les entreprises de séduction, et qui cache peu ses appétits sexuels, tout en ayant grand soin de sa réputation. On la retrouve dans nombre de comédies de la Restauration ultérieures : lady Touchwood, lady Plyant et lady Froth dans "Le Fourbe", lady Cookwood dans "Elle le ferait si elle le pouvait", lady Faddle dans ', lady Fidget dans "La Provinciale", lady Gimcrack dans ' en seront quelques-unes de ses incarnations. Ce personnage de Don Juan féminin sera un des objets de scandale pour les critiques des siècles suivants. Etherege crée un effet comique en jouant sur l'interversion des rôles de l'homme et de la femme dans le rapport de séduction. À l'acte II scène 1 de cette pièce, la veuve Rich, entreprenante et décidée, tente d'entraîner dans le jardin sir Frederick Frollick, méfiant et timoré :


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text: En s'inspirant de vieux auteurs comme Thomas Middleton, Richard Brome et James Shirley, qui avaient peint sans concession les folies de leur temps en les incluant dans des intrigues ingénieuses et inventives, les nouveaux dramaturges commencent à trouver le ton de la nouvelle comédie de la Restauration. Molière, dont la carrière s'épanouit au même moment, a aussi une énorme influence sur eux, en leur fournissant la matière des intrigues et le sens du comique produit par les aberrations sociales. Aucun autre dramaturge n'a été autant pillé par les nouveaux auteurs que lui. Plusieurs historiens ou critiques, comme Joseph Eugène Gillet, Dudley Howe Miles ou Nicoletta Neri, ont écrit des livres entiers en tentant de recenser les innombrables emprunts faits à Molière par les auteurs de la Restauration. « La seule "École des maris" (1661) fournit à Flecknoe ' (1668), à Sedley son ' (1668), à Wycherley une partie de "La Provinciale" (1675), à Otway des éléments de ' (1680), et à Shadwell quelques idées pour ' (1690) ».


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text: Mais le public du début de la Restauration goûte peu les comédies bien construites, à la structure simple, à l'intrigue unique, telles que le requiert le classicisme français avec la règle des trois unités ; le public anglais réclame des pièces animées, aux personnages nombreux, aux intrigues multiples et à l'action rapide. Etherege l'affirme par la bouche de Courtall dans "Elle le ferait si elle le pouvait" : « Une intrigue unique en amour est aussi ennuyeuse qu'une intrigue unique au théâtre. La première ennuiera encore plus un amant que la seconde un public ». Aussi tout emprunt aux comédies de Molière, de Boursault ou de Dancourt doit être mêlé à d'autres matériaux, afin de multiplier les histoires et rendre les intrigues plus complexes. « Il fallait en effet toujours adapter, on devrait dire naturaliser, le théâtre français pour le rendre agréable au public londonien : corser les intrigues et le langage, remanier les personnages pour les angliciser ». Ainsi "La Provinciale", inspirée par "L'École des maris" et "L'École des femmes", met en scène trois triangles amoureux, formés chacun de deux hommes et d'une femme : sir Jaspar-lady Fidget-Horner, Pinchwife-Margery-Horner, et enfin Sparkish-Alithea-Harcourt, chacun évoluant indépendamment et possédant son propre dénouement. Une touche de drame héroïque, traité en vers, peut aussi côtoyer plusieurs intrigues comiques, et, pour plaire au plus grand nombre, une pantalonnade burlesque peut être rajoutée au tout. À cause de telles incongruités, en plus du langage cru et de situations jugées indignes, la comédie de la Restauration sera peu estimée aux , et au début du . Aujourd'hui, cette expérience de théâtre total est de nouveau appréciée sur scène, ainsi que par les critiques dramatiques postmodernes.


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text: La cour, et le roi lui-même, ont des mœurs qualifiées de libertines ou même de dépravées, et ils encouragent l'écriture de comédies dures, cyniques et immorales, où le méchant n'est pas obligatoirement puni à la fin, alors que ses turpitudes ont été complaisamment exposées tout au long de la pièce, et où des infortunés ne verront pas leur sort s'améliorer. Par exemple, Horner, dans "La Provinciale", n'est pas pris, et il est libre de continuer sa prédation sexuelle au milieu de victimes consentantes, tandis que l'innocente Margery ne pourra échapper à son mariage misérable.


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text: Beaucoup de dramaturges parmi les plus connus, comme Dryden, Sedley, Etherege, Wycherley et Congreve, sont eux-mêmes des courtisans, ou des lords, comme Buckingham, et ils sont plongés dans cette atmosphère de licence sexuelle, propre à la cour des premières années de la Restauration. Ils côtoient certaines des maîtresses de Charles II que celui-ci a anoblies et installées à la cour, comme Barbara Palmer, nommée dame d'honneur de la reine, ou Frances Stewart.


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text: Wycherley, Etherege, Henry Killigrew et Villiers font aussi partie de « "" » (« la joyeuse bande »), qui compte encore Henry Jermyn, Charles Sackville, John Sheffield et sir Charles Sedley. Ils se font connaître pendant une quinzaine d'années par des frasques et des scandales, pas toujours impunément. Ainsi Sedley et Sackville, tous deux ivres, doivent payer une forte amende pour s'être exhibés nus au balcon d'une auberge en plein Londres devant une foule en colère. Etherege serait mort à Paris en tombant, ivre, dans un escalier, en raccompagnant des compagnons de beuverie.


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text: Les comédies « dures », dites anti-sentimentales, de John Dryden, William Wycherley et de George Etherege reflètent l'atmosphère régnant alors à la cour, et célèbrent ouvertement le style de vie machiste des aristocrates, fait d'incessantes intrigues et de conquêtes galantes. Le comte de Rochester, libertin, courtisan et poète dans la vraie vie, est complaisamment dépeint dans ' ("L'Homme à la mode") d'Etherege (1676) sous les traits de Dorimant, aristocrate débauché, spirituel, intelligent et sexuellement irrésistible, le « ' », modèle pour la postérité du séducteur libertin de la Restauration, qui est un personnage récurrent de la comédie de cette époque. ' ("L'Homme franc") (1676) de William Wycherley, une variation sur le thème du Misanthrope de Molière, est grandement estimé pour sa satire sans concession, valant à Wycherley l'appellation de « ' » ou de « Manly », du nom du personnage principal de la pièce. En même temps, sa pièce "" ("La Provinciale") (1675) est l'une de celles qui reçoivent le plus l'épithète d'obscène lancée de temps à autre pour qualifier la comédie de la Restauration.


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text: Certaines pièces, d'apparences plus convenables, sont pourtant plus subversives, comme ' (1673) d'Edward Ravenscroft. Les deux amants, Careless et Hillaria, semblent sur le point de se marier, mais les conditions de la traditionnelle « ' » sont peu ordinaires. Hillaria demande à Careless d'être le père de tous ses enfants à venir, sans se préoccuper de qui les aura faits. Careless attend qu'Hillaria soit la nourrice de tous ses bâtards, et qu'elle se lie d'amitié avec toutes ses maîtresses. De tels comportements mettent en danger la légitimité de la classe dominante qui justifie sa supériorité par la naissance.


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text: Malgré le ton et les situations très libres, peu de pièces subissent véritablement une censure ou une interdiction de scène, et dans ce cas, il s'agit le plus souvent de raisons politiques, comme la pièce d'Edward Howard, frère de Robert Howard, "" (avril 1667), qui dénonce la corruption de la cour et la vente des charges. Il faut un cas extrême, comme "Sodome ou la Quintessence de la débauche" (1676) attribuée au comte de Rochester et réputée être la première pièce de théâtre pornographique, pour que des raisons de morale et de bienséance motivent une interdiction de scène.


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text: "La Provinciale" possède trois intrigues imbriquées, mais distinctes, chacune développant son atmosphère particulière :


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text: La comédie connaît une chute brutale en 1678. Alors que la comédie libertine était à la mode depuis près de quinze ans, elle subit une soudaine éclipse, au moment où la crise politique s'intensifie, quelques mois avant la grande peur du complot papiste. Au printemps 1678, on assiste à une série stupéfiante d'échecs de ce genre de spectacle, pièces pourtant écrites par des auteurs renommés, comme ' de John Leanerd, une des comédies les plus agressives du genre, ou ' d'Otway, qui traite de manière dévastatrice de la dégradation des codes aristocratiques de l'amitié et de la chasteté maritale. La saison suivante, 1678/1679, se caractérise par une quasi-absence de comédies, à part " (1679) d'Aphra Behn, une comédie qui s'intéresse à la fois au passé et à l'avenir. Le goût du public bascule de la comédie au drame politique grave, reflétant les préoccupations et les divisions générées par le complot papiste (1678) et l' (1682) qui en dérive.


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text: La comédie libertine souffre de la mauvaise image qu'a de plus en plus Charles II aux yeux de la population en grande majorité anti-papiste. En 1672, il promulgue ', qui tolère les catholiques et les dissidents religieux, alors que ces fois sont officiellement proscrites. Son frère, Jacques, s'est converti au catholicisme et il épouse en 1673 une princesse catholique, Marie de Modène. Charles II s'allie avec Louis XIV, roi français, catholique et absolu, pour mener une guerre impopulaire contre la Hollande, pays protestant. Le libertinage des deux frères est bien connu, et au début de la Restauration, l'opinion publique s'en était accommodé, tout à la joie du retour de la monarchie. Près de deux décennies plus tard, les deux frères accumulent toujours les maîtresses. Mais si Charles II a plusieurs bâtards, dont cinq avec Barbara Palmer, il n'a aucun enfant légitime, et le trône risque de passer à son frère catholique. Aussi le ', irrésistible et cynique séducteur de la comédie de la Restauration, incarnation du courtisan libertin et reflet du monarque, ne rencontre plus la sympathie du public.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Alors que le théâtre était jusque-là largement apolitique, les rares comédies produites alors tendent à mettre l'accent sur ce sujet, l'auteur dramatique Thomas Shadwell bataillant contre John Dryden et Aphra Behn du . Ainsi, la saison 1679/1680 voit l'apparition de deux comédies politiques anti-whig, ' de Behn et ' de Thomas Otway, tandis que Shadwell réplique avec ", où il attribue au prêtre catholique les défauts que les tories prêtent aux puritains : intérêt personnel, variabilité et souplesse de conscience.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Lorsque les deux compagnies théâtrales fusionnent en 1682 et qu'un monopole sur les spectacles s'empare de la scène londonienne, la quantité et la variété des pièces nouvelles chutent dramatiquement. Etherege et Wycherley, deux auteurs phares de la première période malgré leur faible production (trois pièces pour le premier et quatre pour le second), cessent définitivement d'écrire pour le théâtre.


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text: Pendant les années 1690, durant la seconde vague de la comédie de la Restauration, les comédies « plus douces » (par opposition aux comédies « dures » de la première vague) de William Congreve et de John Vanbrugh reflètent la mutation des conceptions culturelles et le changement profond de la société en deux décennies. Les dramaturges des années 1690 entreprennent de plaire à un public plus diversifié socialement grâce à l'arrivée en nombre des classes moyennes, ainsi que de spectatrices, en déplaçant, par exemple, la guerre entre les sexes de l'arène de l'intrigue à celle du mariage. La comédie se désintéresse un peu des jeunes amants dupant la vieille génération pour se consacrer davantage aux relations conjugales quelque temps après le mariage. « Au lieu de s'achever sur un mariage, l'intrigue s'ouvre plus fréquemment sur un mariage qui vient d'avoir lieu. Ce sont donc des problèmes de la vie maritale qui sont portés sur le devant de la scène ».


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text: La pièce sombre de Thomas Southerne, "" ("L'Excuse des femmes ou les cocus se font eux-mêmes") (1691) n'est pas encore très « douce », puisqu'elle montre une femme malheureusement mariée à Friendall, un dandy ami de tout le monde, dont les sottises et indiscrétions minent la réputation de sa femme, car leurs renommées sont liées. Mrs Friendall est poursuivie par un soupirant, Lovemore, en fait un libertin dépourvu de toutes les qualités qui rendaient Dorimant charmant, et la médiocrité de ses choix possibles l'empêchent d'agir et de se décider. Tout le comique de cette « comédie » réside dans les intrigues secondaires, tentatives de séduction et d'ébats sexuels, et non pas dans l'intrigue principale.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Dans ' ("Amour pour amour") (1695) et " " ("Le Train du monde") (1700) de William Congreve, les duels d'esprit entre amants, typiques de la comédie des années 1670, perdent de leur importance. Ces morceaux de bravoure qu'étaient les échanges verbaux des couples testant encore leur attirance mutuelle, se transforment en de spirituels débats prénuptiaux la veille du mariage, comme dans la fameuse « scène des conditions » du "Train du monde". Ce type particulier de scène (« ' ») serait, selon Jean Dulck, inspiré par « la littérature précieuse [française], où le chevalier-servant se voit imposer par sa maîtresse des clauses rigoureuses », et encouragé par la reine Henriette, admiratrice de L'Astrée. ' ("L'Épouse outragée") (1697) de John Vanbrugh marche sur les traces de ' de Southerne, mais avec une touche plus légère et des personnages plus humains.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: "L'Épouse outragée" peut être considérée comme une pièce à thèse. Elle porte en effet son attention sur le statut légalement inférieur de la femme mariée et sur les complexités du divorce ou de la séparation, questions qui sont mises en lumière au milieu des années 1690 par quelques cas célèbres portés devant la Chambre des lords.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Dans la pièce, Sir John Brute est las du mariage. Il rentre toutes les nuits ivre à la maison, et il est constamment grossier et injurieux avec sa femme. Celle-ci, dans le même temps, est tentée de se lancer dans une aventure avec le spirituel et fidèle Constant. Ni elle, ni sir John n'envisagent pour l'instant le divorce. Une sorte de séparation légale, qui prévoit une pension alimentaire pour la femme, vient d'être créée, mais cette disposition ne permet pas le remariage. Quand même, songe Lady Brute, au cours d'une de ses innombrables discussions avec sa nièce Bellinda, « C'est une belle époque, où la femme peut avoir à la fois un amant et une pension alimentaire. »


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Pendant ce temps, Bellinda est courtisée d'un air ronchon par un ami de Constant, Heartfree, qui est surpris et consterné de se découvrir amoureux de Bellinda. Le mauvais exemple des Brute est pour lui une constante mise en garde contre le mariage.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: "L'Épouse outragée" est une pièce qui privilégie les discussions. Elle s'intéresse moins aux scènes d'amour et plus aux échanges entre les deux femmes (Lady Brute et Bellinda) et les deux amis (Constant et Heartfree). Ces entretiens, malgré les nombreuses plaisanteries qui les émaillent, montrent de la réflexion ponctuée de mélancolie et de frustration.


title: Comédie de la Restauration anglaise

text: Après un dernier rebondissement dû à une lettre contrefaite, la pièce se finit par un mariage entre Heartfree et Bellinda, et un statu quo entre les Brute. Constant continue à courtiser Lady Brute, qui continue à hésiter.