title: Francisco de Goya

text: Il est probable qu’à la restauration du régime absolutiste Goya eut dépensé une grande partie de ses avoirs pour faire face aux pénuries de la guerre. C’est ainsi qu’il l’exprime dans des échanges épistolaires de cette époque. Cependant, après la réalisation de ces portraits royaux et d’autres commandes payées par l’Église à cette époque – notamment "Saintes Juste et Rufine" (1817) pour la Cathédrale de Séville — en 1819, il avait suffisamment d’argent pour acheter sa nouvelle propriété de la « maison du sourd », de la faire restaurer, de lui ajouter une noria, des vignes et une palissade. L’autre grand tableau officiel – plus de quatre mètres de large – est "La Junte des Philippines" (Musée Goya, Castres), commandé en 1815 par José Luis Munárriz, directeur de cette institution et que Goya peignit à la même époque.


title: Francisco de Goya

text: Cependant, en privé, il ne réduisit pas son activité de peintre et de graveur. Il continua à cette époque à réaliser des tableaux de petit format, de caprices, autour de ses obsessions habituelles. Les tableaux s’éloignent toujours plus des conventions picturales antérieures, par exemple avec : la "Corrida de toros", la "Procession des pénitents", "Tribunal de l'Inquisition", "La Maison de fous". On note "L'Enterrement de la sardine" qui traite du Carnaval.


title: Francisco de Goya

text: Ces huiles sur bois sont de dimensions similaires (de 45 à x 62 à 73, sauf "L'Enterrement de la sardine", 82,5 x 62) et sont conservées au musée de l’Académie royale des beaux-arts de San Fernando. La série provient de la collection acquise par le régisseur de la ville de Madrid à l’époque du gouvernement de Joseph Bonaparte, le libéral , dont le portrait par Goya est daté 1805 et 1810. Dans son testament de 1836 il légua ses œuvres à l’académie des beaux-arts qui les conserve encore. Elles sont en grande partie responsables de la légende noire, romantique, créée à partir des peintures de Goya. Elles furent imitées et répandues, d’abord en France puis en Espagne par des artistes comme Eugenio Lucas et Francisco Lameyer. En tout cas, son activité resta frénétique, puisque durant ces années il termina les Désastres de la guerre, et commença une autre série de gravures, "La Tauromaquia" — mise en vente dès octobre 1816, avec quoi il pensait obtenir de plus grands revenus et un accueil populaire meilleur qu’avec les précédentes. Cette dernière série est conçue comme une histoire du toréro qui recrée ses mythes fondateurs et où prédomine le pittoresque malgré de nombreuses idées originales, comme celles de l’estampe numéro 21 « Disgrâces survenues aux arènes de Madrid et mort du maire de Torrejon » où la zone gauche de l’estampe est vide de personnages, dans un déséquilibre impensables à peine quelques années avant.


title: Francisco de Goya

text: Dès 1815 — bien qu’elles ne furent publiées qu’en 1864 — il travailla aux gravures des "Disparates". C’est une série de vingt-deux estampes, probablement incomplètes, dont l’interprétation est la plus complexe. Les visions sont oniriques pleines de violence et de sexe, les institutions de l’ancien régime sont ridiculisées et sont en général, très critiques envers le pouvoir. Mais plus que ces connotations, ces gravures offrent un monde imaginaire riche en relation avec le monde de la nuit, le carnaval et le grotesque. Finalement, deux tableaux religieux émouvants, peut être les seuls de réelle dévotion, achèvent cette période. Ce sont "La dernière communion de saint Joseph de Calasanz" et le "Christ au jardin des oliviers", tous deux de 1819, exposés au Musée Calasancio de l’ de Madrid. Le recueillement réel que montrent ces toiles, la liberté de trait, la signature de sa main, transmettent une émotion transcendante.


title: Francisco de Goya

text: C'est du nom de "Peintures noires" qu'on connaît la série de quatorze œuvres murales que peint Goya entre 1819 et 1823 avec la technique d'huile "" sur la superficie de ravalement du mur de la "Quinta del Sordo". Ces tableaux représentent probablement le plus grand chef-d'œuvre de Goya, aussi bien pour leur modernité que pour la force de leur expression. Une peinture telle que "Le Chien" se rapproche même de l'abstraction ; plusieurs œuvres sont précurseurs de l'expressionnisme et autres avant-gardes du .


title: Francisco de Goya

text: Les peintures murales sont transposées sur toile à partir de 1874 et sont actuellement exposées au Musée du Prado. La série, aux œuvres de laquelle Goya ne donne pas de titre, est cataloguée pour la première fois en 1828 par Antonio de Brugada, qui leur donne alors un titre pour la première fois à l'occasion de l'inventaire réalisé à la mort du peintre ; les propositions de titres ont été nombreuses. La ' devient la propriété de son petit-fils Mariano Goya en 1823, après que Goya la lui a cédé, "a priori" pour la protéger à la suite de la restauration de la Monarchie absolue et des répressions libérales de Ferdinand VII. C'est ainsi que jusqu'à la fin du , l'existence des "Peintures noires" est très peu connue, et seuls quelques critiques, comme Charles Yriarte, ont pu les décrire. Entre 1874 et 1878, les œuvres sont transposées du mur vers la toile par Salvador Martínez Cubells sur la requête du baron Émile d'Erlanger ; ce processus cause de graves dommages sur les œuvres, qui perdent grandement en qualité. Ce banquier français a l'intention de les montrer pour les vendre lors de l'exposition universelle de 1878 à Paris. Cependant, ne trouvant pas preneur, il finit par les donner en 1881 à l'État espagnol, qui les assigne à ce qui s'appelait à l'époque le ' (« Musée National de Peinture et Sculpture », c'est-à-dire le Prado).


title: Francisco de Goya

text: Goya acquiert cette propriété située sur la rive droite du Manzanares, près du pont de Segovia et du chemin vers le parc de San Isidro, en février 1819 ; probablement pour y vivre avec Leocadia Weiss hors de portée des rumeurs, celle-ci étant mariée avec Isidoro Weiss. C'est la femme avec qui il aurait vécu et eu une fille, Rosario Weiss. En novembre de cette année, Goya souffre d'une grave maladie dont "Goya et son médecin", le représentant souffrant auprès de son médecin Eugenio Arrieta, en est un terrible témoin.


title: Francisco de Goya

text: Quoi qu'il en soit, les "Peintures noires" sont peintes sur des images champêtres de petites figures, dont il profite parfois des paysages, comme dans "Duel au gourdin". Si ces peintures de ton allègre sont bien de Goya, on peut penser que la crise de la maladie unie peut-être aux événements agités du Triennat libéral l'amène à les repeindre. Bozal estime que les tableaux originaux sont effectivement de Goya du fait que ce serait la seule raison pour laquelle il les réutilise ; cependant, Gledinning pense lui que les peintures Quoi qu'il en soit, les peintures ont pu être commencées en 1820 ; elles n'ont pas pu être terminées au-delà de 1823, puisque cette année-là Goya part à Bordeaux et cède sa propriété à son neveu. En 1830, Mariano de Goya, transmet la propriété à son père, Javier de Goya.


title: Francisco de Goya

text: Les critiques s'accordent à proposer certaines causes psychologiques et sociales à la réalisation des "Peintures noires". Il y aurait d'abord la conscience de la décadence physique du propre peintre, accentuée par la présence d'une femme beaucoup plus jeune dans sa vie, Leocadia Weiss, et surtout les conséquences de sa grave maladie de 1819, qui laissa Goya prostré dans un état de faiblesse et de proximité de la mort, ce qui est reflété par le chromatisme et le thème de ces œuvres.


title: Francisco de Goya

text: D'un point de vue sociologique, tout porte à croire que Goya a peint ses tableaux à partir de 1820 — bien qu'il n'y ait pas de preuve documentée définitive — après s'être remis de ses problèmes physiques. La satire de la religion — pèlerinages, processions, Inquisition — et les affrontements civils — le "Duel au gourdin", les réunions et conspirations reflétées dans "Hommes lisant", l'interprétation politique qui peut être faite de "Saturne dévorant un de ses fils" (l'État dévorant ses sujets ou citoyens) — coïncident avec la situation d'instabilité qu'il s'est produit en Espagne pendant le Triennat libéral (1820-1823) à la suite de la levée constitutionnelle de Rafael del Riego. Les thèmes et le ton utilisés ont bénéficié, lors de ce Triennat, de l'absence de la censure politique stricte qui aura lieu lors des restaurations des monarchies absolues. Par ailleurs, beaucoup des personnages des "Peintures noires" (duellistes, moines, familiers de l'Inquisition) représentent un monde caduc, antérieur aux idéaux de la Révolution française.


title: Francisco de Goya

text: L'inventaire d'Antonio de Brugada mentionne sept œuvres au rez-de-chaussée et huit à l'étage. Cependant, le Musée du Prado n'arrive qu'à un total de quatorze. Charles Yriarte décrit en 1867 une peinture de plus que celles qui sont connues actuellement et précise qu'elle avait déjà été arrachée du mur quand il visita la propriété : elle avait été transférée au palais de Vista Alegre, qui appartenait au marquis de Salamanca. Plusieurs critiques considèrent que pour les mesures et les thèmes abordés, cette peinture serait "Têtes dans un paysage", conservé à New York dans la collection Stanley Moss). L'autre problème de localisation concerne "Deux vieillards mangeant de la soupe", dont on ne sait pas si c'était un rideau du rez-de-chaussée ou de l'étage ; Glendinning la localise dans l'une des salles inférieures.


title: Francisco de Goya

text: La distribution originale de la "Quinta del Sordo" était comme suit :


title: Francisco de Goya

text: C'est un espace rectangulaire. Sur les murs en longueur, il y a deux fenêtres proches des murs en largeur. Entre elles apparaissent deux tableaux de grand format particulièrement oblongs : "La Procession à l'ermitage Saint-Isidore" à droite et "Le Sabbat des sorcières" (de 1823) à gauche. Au fond, sur le mur de la largeur face à celui de l'entrée, il y a une fenêtre au centre qui est entourée par "Judith et Holopherne" à droite et "Saturne dévorant un de ses fils" à gauche. En face, de chaque côté de la porte se situent "" (face au "Saturne") et "Deux vieux", face à la "Judith et Holopherne"). Il possède les mêmes dimensions que le rez-de-chaussée, mais les murs en longueur ne possèdent qu'une fenêtre centrale : elle est entourée de deux huiles. Sur le mur de droite, quand on regarde depuis la porte, on trouve d'abord "Vision fantastique" puis plus loin "Pèlerinage à la source Saint-Isidore". Sur le mur de gauche, on voit "Les Moires" puis "Duel au gourdin". Sur le mur en largeur, en face, on voit "Femmes riant" à droite et "Hommes lisant" à gauche. À droite de l'entrée, on trouve "Le Chien" et à gauche "Têtes dans un paysage".


title: Francisco de Goya

text: Cette disposition et l'état original des œuvres peuvent nous parvenir, en plus des témoignages écrits, du catalogue photographique que Jean Laurent met au point " vers 1874 à la suite d'une commande, en prévision de l'effondrement de la maison. Nous savons grâce à lui que les peintures étaient encadrés avec des papiers peints classicistes de plinthe, de même que les portes, les fenêtres et la frise au raz du ciel. Les murs sont recouverts, comme c'était habituel dans les résidences bourgeoises ou de cour, d'une matière qui provient probablement de la Fabrique royale de papier peint promue par Ferdinand VII. Les murs du rez-de-chaussée sont couverts de motifs de fruits et de feuilles et ceux de l'étage le sont de dessins géométriques organisés en lignes diagonales. Les photographies documentent également l'état des œuvres avant leur transfert.


title: Francisco de Goya

text: Il n'a pas été possible, malgré les différentes tentatives, de faire interprétation organique pour toute la série décorative dans sa localisation originale. D'abord parce que la disposition exacte n'est pas encore tout à fait définie, mais surtout parce que l'ambiguïté et la difficulté de trouver un sens exact à la plupart des tableaux en particulier font que le sens global de ces œuvres reste encore une énigme. Il y a cependant quelques pistes que l'on peut considérer.


title: Francisco de Goya

text: Glendinning fait remarquer que Goya décore sa maison en s'en tenant au décor habituel de la peinture murale des palais de la noblesse et de la haute bourgeoisie. Selon ces normes, et en considérant que le rez-de-chaussée servait de salle à manger, les tableaux devraient avoir une thématique en accord avec leur environnement : il devrait y avoir des scènes champêtres — la villa se situait au bord du Manzanares et face à la prairie de Saint-Isidore —, des natures mortes et des représentations de banquets allusifs à la fonction de la salle. Bien que l'aragonais ne traite pas de ces genres de façon explicite, "Saturne dévorant un de ses fils" et "Deux vieillards mangeant de la soupe" évoquent, bien que de façon ironique et avec de l'humour noir, l'acte de manger, comme le fait indirectement Judith qui tue Holopherne après l'avoir invité à un banquet. D'autres tableaux sont à mettre en relation avec la thématique bucolique habituelle et avec la proche ermite du saint patron des Madrilènes, bien qu'avec un traitement lugubre : "Le pèlerinage de Saint Isidore", "Le pèlerinage à Saint Isidore" et même "Léocadie", dont la sépulture peut être liée au cimetière annexe à l'ermite.


title: Francisco de Goya

text: Depuis un autre point de vue, quand le rez-de-chaussée a une faible lumière, on se rend compte que les tableaux sont particulièrement obscurs, à l'exception de "", même si sa tenue est celle du deuil et qu'une tombe — peut-être celle de Goya lui-même — y apparaît. Dans cette pièce la présence de la mort et la vieillesse sont prédominantes. Une interprétation psychanalytique y voit également la décadence sexuelle, avec des jeunes femmes qui survivent à l'homme voire le castrent, comme le font "Léocadie" et "Judith" respectivement. Les vieillards qui mangent de la soupe, deux autres vieux et le vieux Saturne représentent la figure masculine. Saturne est, en plus, le dieu du temps et l'incarnation du caractère mélancolique, en relation avec la bile noire, ce qu'aujourd'hui nous appellerions la dépression. Ainsi, le rez-de-chaussée réunit thématiquement la sénilité qui mène à la mort et la femme forte, castratrice de son compagnon.


title: Francisco de Goya

text: À l'étage, Glendinning évalue différents contrastes. L'un qui oppose le rire et les pleurs ou la satire et la tragédie, et l'autre qui oppose les éléments de la terre et de l'air. Pour la première dichotomie, "Hommes lisant", avec son ambiance de sérénité, s'opposerait à "Deux femmes et un homme" ; ce sont les deux seuls tableaux obscurs de la salle et ils donneraient le ton des oppositions entre les autres. Le spectateur les contemple au fond de la salle quand il entre. De la même manière, dans les scènes mythologiques de "Vision fantastique" et "Les Moires", on peut percevoir la tragédie, tandis que dans d'autres, comme le "Pèlerinage du Saint Office", on aperçoit plutôt une scène satyrique. Un autre contraste serait basé sur des tableaux aux figures suspendues en l'air dans les tableaux de thème tragique déjà cités, et d'autres où elles apparaissent enfoncées ou installées sur la terre, comme dans le "Duel au gourdin" et dans celui du "Saint Office". Mais aucune de ces hypothèses ne résout de façon satisfaisante la recherche d'une unité dans l'ensemble des thèmes de l'œuvre analysée.


title: Francisco de Goya

text: La seule unité que l'on peut constater est celle du style. Par exemple, la composition de ces tableaux est novatrice. Les figures apparaissent en général décentrées, dont un cas extrême est "Têtes dans un paysage", où cinq têtes s'agglutinent au coin inférieur droit du tableau, apparaissant ainsi comme coupées ou sur le point de sortir du cadre. Un tel déséquilibre est un exemple de la plus grande modernité compositrice. Les masses de figures sont également déplacées dans "Le pèlerinage de Saint Isidore" — où le groupe principal apparaît à gauche —, "Le pèlerinage du Saint Office" — ici à droite —, et même dans "Les Moires", "Vision fantastique" et "Le Sabbat des sorcières", bien que pour ce dernier cas, le déséquilibre a été perdu après la restauration des frères Martínez Cubells.


title: Francisco de Goya

text: Les tableaux partagent aussi un chromatisme très sombre. Beaucoup des scènes des "Peintures noires" sont nocturnes, montrent l'absence de lumière, le jour qui se meurt. C'est le cas dans "Le pèlerinage de Saint Isidore", "Le Sabbat des sorcières" ou "Le pèlerinage du Saint Office", où point avec le coucher du soleil la soirée et une sensation de pessimisme, de vision terrible, d'énigme et d'espace irréel. La palette de couleurs se réduit à l'ocre, au doré, à la terre, aux gris et aux noirs ; avec seulement quelque blanc sur les vêtements pour créer du contraste, du bleu dans le ciel et quelque coup de pinceau lâche sur le paysage, où apparaît un peu de vert, mais toujours de façon très limitée.


title: Francisco de Goya

text: Si l'on porte son attention sur l'anecdote narrative, on observe que les traits des personnages présentent des attitudes réflexives et extatiques. À cet état second répondent les figures aux yeux très ouverts, avec la pupille entourée de blanc, et le gosier ouvert pour donner des visages caricaturés, animaux, grotesques. On contemple un moment digestif, quelque chose de répudié par les normes académiques. On montre ce qui n'est pas beau, ce qui est terrible ; la beauté n'est plus l'objet de l'art, mais le pathos et une certaine conscience de montrer tous les aspects de la vie humaine sans rejeter les moins agréables. Ce n'est pas pour rien que Bozal parle d'.


title: Francisco de Goya

text: En mai 1823, la troupe du duc d'Angoulême, les " (« les Cent Mille Fils de Saint Louis ») ainsi que les appellent alors les Espagnols, prennent Madrid dans le but de restaurer la monarchie absolue de Ferdinand VII. Une répression des libéraux qui avaient soutenu la constitution de 1812, en vigueur pendant le Triennat libéral, a alors immédiatement lieu. Goya — de même que sa compagne Leocadia Weiss — a peur des conséquences de cette persécution et part se réfugier chez un ami chanoine, José Duaso y Latre. L'année suivante, il demande au roi la permission d'aller en convalescence au balnéaire de Plombières-les-Bains, permission qui lui sera accordée.


title: Francisco de Goya

text: Goya arrive en été 1824 à Bordeaux et continue vers Paris. Il revient en septembre à Bordeaux, où il résidera jusqu'à sa mort. Son séjour en France n'a été interrompu qu'en 1826 : il voyage à Madrid pour finaliser les papiers administratifs de sa retraite, qu'il obtient avec une rente de réaux sans que Ferdinand VII oppose quelque empêchement que ce soit.


title: Francisco de Goya

text: Les dessins de ces années, rassemblés dans l’' et l’', rappellent soit les "Disparates" et les ', soit possèdent un caractère costumbriste et réunit les estampes de la vie quotidienne de la ville de Bordeaux qu'il récupère lors de ses ballades habituelles, comme c'est le cas dans le tableau "la Laitière de Bordeaux" (entre 1825 et 1827). Plusieurs de ces œuvres sont dessinées avec un crayon lithographique, en consonance avec la technique de gravure qu'il pratique ces années-là, et qu'il utilise dans la série de quatre estampes des "Taureaux de Bordeaux" (1824-1825). Les classes humbles et les marginaux ont une place prépondérante dans les dessins de cette période. Des vieillards qui se montrent avec une attitude joueuse ou faisant des exercices de cirque, comme le ' (conservé à l’"Hispanic Society"), ou dramatiques, comme celui du double de Goya : un vieux barbu qui marche avec l'aide de bâtons intitulé "".


title: Francisco de Goya

text: Il continue à peindre à l'huile. Leandro Fernández de Moratín, dans son épistolaire, source principale d'informations sur la vie de Goya pendant son séjour en France, écrit à Juan Antonio Melón qu'il . Les portraits de ces amis sont les plus remarquables, comme celui qu'il fait de Moratín à son arrivée à Bordeaux (conservé au Musée des beaux-arts de Bilbao) ou celui de Juan Bautista Muguiro en mai 1827 (musée du Prado).


title: Francisco de Goya

text: Le tableau le plus remarquable reste "La Laitière de Bordeaux", une toile qui a été vue comme un précurseur direct de l'impressionnisme. Le chromatisme s'éloigne de l'obscure palette caractéristique de ses "Peintures noires" ; elle présente des nuances de bleus et des touches de rose. Le motif, une jeune femme, semble révéler la nostalgie de Goya pour la vie juvénile et pleine. Ce chant du cygne fait penser à un compatriote ultérieur, Antonio Machado, qui, lui aussi exilé d'une autre répression, conservait dans ses poches les derniers vers où il écrit De la même manière, à la fin de sa vie, Goya se remémore la couleur de ses tableaux pour tapisserie et accuse la nostalgie de sa jeunesse perdue.


title: Francisco de Goya

text: Enfin, à signaler la série de miniatures sur ivoire qu'il peint à cette période en utilisant la technique du sgraffite sur noir. Il invente sur ces petits bouts d'ivoire des figures capricieuses et grotesques. La capacité d'innover dans les textures et les techniques d'un Goya à l'âge déjà très avancé, ne s'est pas épuisée.


title: Francisco de Goya

text: Le , sa belle-fille et son petit-fils Mariano lui rendent visite à Bordeaux, mais son fils Javier n'arrive pas à temps. L'état de santé de Goya est très délicat, non seulement pour la tumeur qui avait été diagnostiquée quelque temps auparavant, mais aussi à cause d'une récente chute dans les escaliers qui l'obligea à rester au lit, et dont il ne se relèvera pas. Après une aggravation au début du mois, Goya meurt à deux heures du matin le , accompagné à ce moment-là par sa famille et ses amis Antonio de Brugada et José Pío de Molina.


title: Francisco de Goya

text: Le jour suivant, il est enterré au cimetière bordelais de la Chartreuse, dans le mausolée de la famille Muguiro e Iribarren aux côtés de son bon ami et père de sa bru, Martín Miguel de Goicoechea, mort trois ans plus tôt. Après un oubli prolongé, le consul d'Espagne Joaquín Pereyra, découvre par hasard la tombe de Goya dans un piteux état et commence en 1880 une série de démarches administratives pour transférer son corps à Saragosse ou à Madrid — ce qui est légalement possible, moins de 50 ans après le décès. En 1888 (soixante ans plus tard), une première exhumation a lieu (lors de laquelle on trouve les dépouilles des deux corps éparpillés au sol, celle de Goya et de son ami et beau-frère Martin Goicoechea), mais ne se conclut pas par un transfert, au grand dam de l'Espagne. Par ailleurs, à la stupéfaction générale, le crâne du peintre ne figure pas parmi les ossements. Une enquête est alors menée et différentes hypothèses sont envisagées. Un document officiel mentionne le nom de Gaubric, un anatomiste bordelais qui aurait décapité le défunt avant son enterrement. Il a peut être voulu étudier le cerveau du peintre pour chercher à comprendre l'origine de son génie ou la cause de la surdité qui l'atteint soudainement à 46 ans. Le 6 juin 1899, les deux corps sont de nouveau exhumés et finalement transférés à Madrid, sans la tête de l'artiste après les recherches non fructueuses des enquêteurs. Déposés provisoirement dans la crypte de l"'église collégiale Saint-Isidore de Madrid", les corps sont transférés en 1900 à une tombe collective d'« hommes illustres » dans la Sacramental de San Isidro, avant de l'être définitivement en 1919 à l'église San Antonio de la Florida de Madrid, au pied de la coupole que Goya avait peinte un siècle auparavant. En 1950, une nouvelle piste émerge autour du crâne de Goya au quartier Bordeaux, où des témoins l'auraient aperçu dans un café du quartier des Capucins, très prisé par la clientèle espagnole. Un brocanteur de la ville aurait vendu le crâne et les meubles du café à sa fermeture en 1955. Mais, le crâne n'a jamais été retrouvé et le mystère quant à son emplacement reste encore aujourd'hui entier, d'autant plus qu'une nature morte peinte par Dionisio Fierros s'intitule "Le Crâne de Goya".


title: Francisco de Goya

text: L’évolution stylistique de Goya fut peu commune. Goya se forma d’abord à la peinture baroque tardive et au rococo de ses œuvres de jeunesse. Son voyage en Italie en 1770-1771 lui permit de découvrir le classicisme et le néoclassicisme naissant, ce que l’on peut observer dans ses toiles pour la Chartreuse de l’Aula Dei de Saragosse. Pourtant, il n’adhéra jamais pleinement au néo-classicisme du tournant du siècle qui devint dominant en Europe et en Espagne. À la cour, il utilisa d'autres langages. Dans ses cartons pour tapisseries, c’est clairement la sensibilité rococo qui domine, traitant les thèmes populaires avec joie et vivacité. Il se laissa influencer par les néoclassiques dans certaines peintures religieuses et mythologiques mais ne fut jamais à l’aise avec cette nouvelle vogue. Il opta pour des voies distinctes.


title: Francisco de Goya

text: Pierre Cabanne distingue dans l'œuvre de Goya une rupture stylistique brutale, vers la fin du , marquée à la fois par les changements politiques - au règne prospère et éclairé de Charles III succède celui controversé et critiqué de Charles IV - et par la grave maladie qu'il contracta à la fin de 1792. Ces deux causes ont un impact importants et déterminent une fracture radicale entre le Goya artiste à succès et du et le Goya du . Cette rupture se traduit dans sa technique, qui se libère et se fait plus spontanée et vive, qui est qualifiée de "botecismo" (signifiant ébauche), en opposition au style ordonné et à la facture lisse du néo-classicisme en vogue dans l'art de cette fin de siècle.


title: Francisco de Goya

text: Lorsqu’il dépassa les styles de sa jeunesse, il anticipa sur l’art de son époque, créant des œuvres très personnelles – tant en peinture qu’en gravure et lithographie – sans se plier aux conventions. Il posa ainsi les fondations d’autres mouvements artistiques qui ne se développèrent que durant les et siècles : le romantisme, l’impressionnisme, l’expressionnisme et le surréalisme.


title: Francisco de Goya

text: Déjà âgé, Goya affirma qu’il n’avait eu comme maîtres que . L’influence du maître sévillan est particulièrement notable dans ses gravures d'après Vélasquez mais aussi dans certains de ses portraits, tant par le traitement de l’espace, avec des fonds évanescents, et de la lumière, que par sa maîtrise de la peinture par touches qui annonçait déjà chez Vélasquez les techniques impressionnistes. Chez Goya, cette technique se fit toujours plus présente, anticipant à partir de 1800 les impressionnistes du siècle naissant. Goya, avec ses dessins d’après nature, psychologiques et réalistes, renouvela ainsi le portrait.


title: Francisco de Goya

text: Avec ses gravures, il domina les techniques à l’eau-forte et à l’aquatinte, réalisant des séries insolites, fruits de son imagination et de sa personnalité. Dans les Caprices, il mélange l’onirique et le réaliste pour réaliser une critique sociale tranchante. C’est encore le réalisme cru et désolé qui domine les Désastres de la Guerre, souvent comparé au photo-journalisme.


title: Francisco de Goya

text: La perte de sa maîtresse et l’approche de la mort durant ses dernières années à la Quinta del Sordo lui inspirèrent les Peintures noires, images d’un subconscient aux sombres coloris. Ces dernières furent appréciées le siècle suivant par les expressionnistes et les surréalistes et considérées comme des antécédents à ces deux mouvements.


title: Francisco de Goya

text: Le premier à avoir influencé le peintre fut son professeur José Luzán qui l’orienta avec une très grande liberté dans une esthétique rococo aux racines napolitaines et romaines, qu’il avait lui-même adopté après sa formation à Naples. Ce premier style fut renforcé par l’influence de Corrado Giaquinto via Antonio González Velázquez (qui avait peint la coupole de la Sainte Chapelle du Pilar) et surtout celle de Francisco Bayeu, son second maître qui devint son beau-père.


title: Francisco de Goya

text: Lors de son séjour en Italie Goya fut ensuite influencé par le classicisme antique, les styles renaissances, baroques et le néoclassicisme naissant. S’il n’y adhéra jamais complètement certaines de ses œuvres de cette époque sont marquées par ce dernier style qui devint prédominant, et dont le chantre était Raphaël Mengs. Il reçut en parallèle l’influence du rococo de Giambattista Tiepolo qu’il exploita dans ses décorations murales.


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text: En parallèle des influences picturales et stylistiques, Goya reçut celles des cercles des lumières et de nombre de ses penseurs : Jovellanos, Addison, Voltaire, Cadalso, Zamora, Tixera, Gomarusa, Forner, Ramírez de Góngora, Palissot de Montenoy et Francisco de los Arcos.


title: Francisco de Goya

text: Certains notent des influences de Ramon de la Cruz sur diverses de ses œuvres. Des cartons pour tapisseries (La merienda y Baile a orillas del Manzanares), il reprit également au dramaturge le terme de Maja, au point qu’il devint une référence à Goya. Antonio Zamora compte également parmi ses lectures, puisqu'il lui inspira "La Lampe du diable". De la même manière, certaines gravures de la Tauromaquia pourraient avoir été influencées par l’œuvre de Nicolás Fernández de Moratín, (1777) ; par José de Gomarusa ou par des textes tauromachiques de José de la Tixera.


title: Francisco de Goya

text: Pour Martín S. Soria, une autre influence de Goya fut la littérature symbolique, signalant notamment cette influence dans les toiles allégoriques, "Allégorie à la Poésie", "L’Espagne, le Temps et l’Histoire".


title: Francisco de Goya

text: Goya affirma a plusieurs reprises . Pour Manuela Mena y Marquez, dans son article , la plus grande force que lui transmit Vélasquez ne fut pas tant d'ordre esthétique que la prise de conscience de l'originalité et de la nouveauté de son art qui lui permit de devenir un artiste révolutionnaire et le premier peintre moderne. Mengs, dont la technique était complètement différente écrivait à Antonio Ponz . Or, Mengs dirigeait en 1776 l'Académie des beaux-arts de San Fernando fréquentée par Goya et imposa l'étude de Vélasquez. L'élève âgé de trente ans en commença une étude systématique. Le choix exclusif de Vélasquez pour réaliser une série d'eaux fortes pour faire connaître les œuvres des collections royales est significatif. Mails, plus que la technique ou le style, il comprit surtout l'audace de Vélasquez, représentant les thèmes mythologiques - La Forge de Vulcain, le Triomphe de Bacchus - ou religieux - Christ sur la croix - d'une façon aussi personnelle. L'enseignement le plus essentiel de l’œuvre de Vélasquez par Goya fut pour Manuela Mena y Marquez, l'acceptation de . Plus que qu'il avait régulièrement soulignée, c'est l'acceptation de la laideur en tant que telle dans les toiles du sévillan, depuis les personnages du palais jusqu'à des êtres difformes - le Bouffon Calabacillas, les ivrognes du Bacchus, les Ménines - qui sont considérés comme des antécédents à la rupture formelle, à l'audace des choix des sujets et de traitement, qui sont autant de marques de la modernité.


title: Francisco de Goya

text: L'historien de l'art Paul Guinard affirma que


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text: Le style raffiné ainsi que les sujets grinçants propres aux tableaux de Goya firent des émules dès la période romantique, donc peu de temps après la mort du maître. Parmi ces « satellites de Goya », il faut notamment citer les peintres espagnols Leonardo Alenza (1807-1845) et Eugenio Lucas (1817-1870). Du vivant même de Goya, un assistant indéterminé — pendant un temps, son assistant Asensio Julià (1760-1832), qui l'aida à réaliser les fresques de San Antonio de la Florida, avait été pressenti — a peint "Le Colosse", si proche du style de Goya que le tableau lui a été attribué jusqu'en 2008. Les Romantiques français vont eux aussi rapidement se tourner vers le maître espagnol, notamment mis en lumière par la « galerie espagnole » créée par Louis-Philippe, au Palais du Louvre. Delacroix sera l'un des grands admirateurs de l'artiste. Quelques décennies plus tard, Édouard Manet sera lui aussi très largement inspiré par Goya.


title: Francisco de Goya

text: L’œuvre de Francisco de Goya commence approximativement en 1771 avec ses premières fresques pour la basilique du Pilar à Saragosse et termine en 1827 avec ses dernières toiles, dont la Laitière de Bordeaux. Durant ces années, le peintre produisit presque 700 peintures, 280 gravures et plusieurs milliers de dessins.


title: Francisco de Goya

text: L’œuvre évolua depuis le rococo, typique de ses cartons pour tapisseries jusqu’aux très personnelles peintures noires, en passant par les peintures officielles pour la cour de Charles IV d’Espagne et de Ferdinand VII d’Espagne.


title: Francisco de Goya

text: La thématique goyesque est ample : le portrait, les scènes de genre (chasse, scènes galantes et populaires, vices de la société, violence, sorcellerie), les fresques historiques, religieuses, ainsi que des natures mortes.


title: Francisco de Goya

text: L'article suivant présente quelques toiles célèbres caractéristiques des différents thèmes et styles traités par le peintre. La liste des œuvres de Francisco de Goya et la catégorie offrent des listes plus complètes.


title: Francisco de Goya

text: "El Quitasol" (« L'Ombrelle » ou « Le Parasol ») est une peinture réalisée par Francisco de Goya en 1777 et appartenant à la deuxième série des cartons pour tapisserie destinée à la salle à manger du Prince des Asturies du Palais du Pardo. Elle est conservée au musée du Prado.


title: Francisco de Goya

text: L’œuvre est emblématique de la période rococo des cartons pour tapisseries de Goya où il représentait les coutumes de l'aristocratie au travers de majos et majas vêtus à la façon du peuple. La composition est pyramidale, les couleurs sont chaudes. Un homme protège une demoiselle du soleil à l'aide d'une ombrelle. Cette toile peinte en 1804 est représentative non seulement du brillant portraitiste à la mode que devint Goya, durant la période qui s'étend de son entrée à l'académie à la guerre d'indépendance, mais aussi de l'évolution certaine qu'ont connu ses toiles et cartons pour tapisserie. Elle est aussi notable par l'engagement du peintre en faveur des lumières qui transparaît dans cette toile, en peignant une marquise de San Fernando, érudite et grande amatrice d’art, en train de peindre un tableau de son mari, à gauche, Francisco de Borja y Alvarez de Tolède.


title: Francisco de Goya

text: Les toiles "Deux mai" et "Trois mai" furent peintes en 1814 en souvenir de la révolte antifrançaise du 2 mai 1808 et de la répression qui l'avait suivie le lendemain. Contrairement aux nombreuses œuvres sur le même sujet, Goya ne met pas ici en avant les caractéristiques nationalistes de chaque camps et transforme la toile en une critique générale de la guerre, dans la continuité des "Désastres de la guerre". Le lieu est à peine suggéré par les bâtiments en fond qui peuvent faire penser à l'architecture de Madrid.


title: Francisco de Goya

text: La première toile montre des insurgés attaquant des mamelouks - mercenaires égyptiens à la solde des Français. La seconde toile montre la répression sanglante qui suivit, où des militaires fusillent un groupe de rebelles.


title: Francisco de Goya

text: Dans les deux cas, Goya entre de plain-pied dans l'esthétique romantique. Le mouvement prime sur la composition. Dans la toile du Deux mai, les personnages sur la gauche sont coupés, comme ils le seraient par un appareil photo saisissant au vol cette action. C'est le contraste qui prévaut dans le tableau du Trois mai, entre l'ombre des soldats et la lumière des fusillés, entre l'anonymat des costumes militaires et les traits identifiables des rebelles.


title: Francisco de Goya

text: Goya utilise un coup de pinceau libre, un riche chromatisme. Son style rappelle plusieurs œuvres du romantisme français, notamment de Géricault et de Delacroix.


title: Francisco de Goya

text: Il s'agit probablement de la plus célèbre des peintures noires. Elle fut réalisée entre 1819 et 1823 directement sur les murs de "la Quinta del Sordo" (« Maison de campagne du Sourd ») dans les environs de Madrid. La peinture a été transférée sur une toile après la mort de Goya et est depuis exposée au Musée du Prado à Madrid. C'est également celle qui a été le mieux conservée. À cette période, à l'âge de 73 ans, et après avoir survécu à deux maladies graves, Goya se sentait sans doute plus concerné par sa propre mort et il était de plus en plus aigri par la guerre civile qui sévissait en Espagne.


title: Francisco de Goya

text: Ce tableau fait référence à la mythologie grecque, où Cronos, pour éviter que ne s'accomplisse la prédiction selon laquelle il serait détrôné par l'un de ses fils, dévore chacun d'eux à leur naissance.


title: Francisco de Goya

text: Le cadavre décapité et ensanglanté d'un enfant est tenu dans les mains de Saturne, un géant aux yeux hallucinés surgissant de la droite de la toile et dont la gueule ouverte avale le bras de son fils. Le cadrage coupe une partie du dieu pour accentuer le mouvement, trait typique du romantisme. Par opposition, le corps sans tête de l'enfant, immobile, est exactement centré, ses fesses étant à l'intersection des diagonales de la toile.


title: Francisco de Goya

text: La palette de couleurs utilisée, comme tout au long de cette série est très restreinte. Le noir, l'ocre dominent avec quelques touches subtiles de rouge et de blanc - les yeux - appliquées avec énergie par des coups de pinceau très lâches. Cette toile, comme le reste des œuvres de la Quinta del Sordo, possède des traits stylistiques caractéristiques du siècle, notamment de l'expressionnisme.


title: Francisco de Goya

text: Moins connue que ses tableaux, son œuvre gravé est pourtant important, beaucoup plus personnelle et révélatrice de sa personnalité et de sa philosophie.


title: Francisco de Goya

text: Ses premières gravures à l'eau-forte datent des années 1770. Dès 1778, il édite, avec cette technique, une série de gravures sur des œuvres de Diego Vélasquez. Il s'initie alors à l'aquatinte qu'il emploie dans ses "Caprices", série de quatre-vingts planches éditées en 1799 sur des thèmes sarcastiques sur ses contemporains.


title: Francisco de Goya

text: Entre 1810 et 1820, il grave une autre série de quatre-vingt-deux planches sur la période troublée suivant l'invasion de l'Espagne par les troupes napoléoniennes. Le recueil, appelé "Les Désastres de la guerre", comporte des gravures témoignant de l'atrocité du conflit (scènes d'exécution, de famines...). Goya y joint une autre série de gravures, les "Caprices emphatiques", satiriques sur le pouvoir en place mais ne peut éditer l'ensemble. Ses plaques ne seront découvertes qu'après la mort du fils de l'artiste en 1854 et finalement éditées en 1863.


title: Francisco de Goya

text: En 1815, il commence une nouvelle série sur la tauromachie qu'il édite un an plus tard sous le titre : "La Tauromaquía". L'œuvre se compose de trente-trois gravures, eaux fortes, aquatintes. Il commence une nouvelle série cette même année, les "Disparates" (""), gravures également sur le thème de la tauromachie. Cette série sera également seulement redécouverte à la mort de son fils.


title: Francisco de Goya

text: En 1819, il fait ses premiers essais en lithographie et édite ses "Taureaux de Bordeaux" à la fin de sa vie. Goya produisit plusieurs albums de croquis et dessins, usuellement classés par lettre Album A, B, C, D, E, auquel s'ajoute son Cahier italien, carnet de croquis de son voyage à Rome dans sa jeunesse.


title: Francisco de Goya

text: Si nombre de ces croquis furent reproduits en gravure ou en peinture d'autres n'étaient visiblement pas destinés à être gravés, comme l'émouvant portrait de la "Duchesse d'Alba tenant dans ses bras María de la Luz", sa fille adoptive noire (Album A, musée du Prado).


title: Francisco de Goya

text: L'essentiel de l’œuvre de Goya est conservée en Espagne, notamment au musée du Prado, à l'académie royale des beaux-arts de San Fernando et dans les palais royaux.


title: Francisco de Goya

text: Le reste de la collection est repartie dans les principaux musée du monde, en France, au Royaume-Uni (National Gallery) et aux États-Unis (National Gallery of Art, Metropolitan Museum of Art), en Allemagne (Francfort), en Italie (Florence) et au Brésil (São Paolo). En France, l'essentiel des peintures du maître aragonais sont conservées au musée du Louvre, au palais des beaux-arts de Lille et au musée Goya à Castres (Tarn). Ce dernier musée possède la plus importante des collections, avec notamment l’"Autoportrait aux lunettes", le "Portrait de Francisco del Mazo", la "Junte des Philippines", ainsi que les grandes séries gravées : "Los Caprichos", "La Tauromaquia", "Les Désastres de la guerre", "Disparates". (née en ?, morte en 1812, "la Pepa"), sœur du peintre espagnol Francisco Bayeu (1734-1795, lui aussi élève de Raphaël Mengs), épouse de Goya, est la mère d'Antonio Juan Ramón Carlos de Goya Bayeu, Luis Eusebio Ramón de Goya Bayeu (1775), Vicente Anastasio de Goya Bayeu, Maria del Pilar Dionisia de Goya Bayeu, Francisco de Paula Antonio Benito de Goya Bayeu (1780), Hermenegilda (1782), Francisco Javier Goya Bayeu (1884) et de deux autres sans doute morts-nés.


title: Francisco de Goya

text: Le seul enfant légitime survivant, Francisco Javier Goya Bayeu (1784-1854) est l'héritier principal de son père et le témoin de sa dépression.


title: Francisco de Goya

text: Javier, , , époux de Gumersinda Goicoechea, est le père de Mariano (Pío Mariano Goya Goicoechea, "Marianito", 1806-1878), époux de Concepción, père de Mariano Javier et Maria de la Purificación.


title: Francisco de Goya

text: D'après l'étude de leur correspondance, Sarah Simmons suppose une entre Goya et de Martin Zapater qui est évoquée dans le roman de Jacek Dehnel et .


title: Scoppio del Carro

text: Le Scoppio del Carro ("explosion du char") est une manifestation folklorique de la ville de Florence, capitale de la Toscane, une tradition chrétienne datant de la première croisade, dont le but était de délivrer le Saint-Sépulcre des Infidèles.


title: Scoppio del Carro

text: Accompagné d'un cortège musical une procession en costumes suit un chariot rempli de feux d'artifice, tiré par des bœufs blancs, traverse la ville jusqu'à la cathédrale Santa Maria del Fiore, où, à la fin de la messe, l'archevêque allume une fusée en forme de colombe (la "Colombina") qui déclenche le feu d'artifice, en s'écrasant sur le chariot.


title: Scoppio del Carro

text: Avec la réforme liturgique de 1957, la fête initialement célébrée le Samedi saint, passa au dimanche de Pâques.


title: Scoppio del Carro

text: Selon la tradition, le Florentin Pazzino de' Pazzi fut le premier à monter sur les murailles de la ville sainte de Jérusalem et à hisser sa bannière blanche et rouge.


title: Scoppio del Carro

text: Pour cet acte héroïque Godefroy de Bouillon qui dirigeait la croisade, lui attribua trois morceaux du Saint-Sépulcre.


title: Scoppio del Carro

text: Rentré à Florence le , le valeureux croisé fut acclamé et célébré. Les trois pierres furent conservées au palais des Pazzi et ensuite confiées à l'église Santa Maria Sopra a Porta du Mercato Nuovo, qui ensuite a été agrandie et renommée église San Biagio jusqu'à sa démolition en 1785. Le 27 mai qui suivit les reliques furent transférées en l' église des Saints-Apôtres où elles sont toujours conservées.


title: Scoppio del Carro

text: Après la libération de Jérusalem, le jour du Samedi Saint, les croisés se rassemblèrent dans l'Église de la Résurrection et délivrèrent à tous le feu béni comme symbole de purification. À cette cérémonie remonte l'usage pascal de distribuer le feu saint au peuple florentin. Ce feu était allumé en frottant ensemble les trois pierres sacrées.


title: Scoppio del Carro

text: Depuis le retour de Pazzino, les jeunes de toutes les familles se sont réunis le samedi saint pour allumer, au feu saint qui brûlait, une petite torche ("fecellina") pour ensuite chanter des cantiques dans une procession et rapporter la flamme purificatrice dans chaque foyer.


title: Scoppio del Carro

text: Avec le temps la déroulement de la fête se développa et fut introduit l'usage de transporter le feu saint avec un chariot où, sur un trépied, brûlaient des charbons enflammés.


title: Scoppio del Carro

text: À la fin du Trecento, des feux d'artifice se sont substitués au trépied pour l'« explosion du chariot ».


title: Scoppio del Carro

text: Le privilège, confié à la famille Pazzi, pour l'organisation du chariot et la charge des frais lui fut retiré en 1478 à la suite de la Conjuration des Pazzi contre les Médicis et la cérémonie fut réduite au Baptistère et à la cathédrale sans distribution du feu saint.


title: Scoppio del Carro

text: Sous la pression populaire des Florentins qui voulaient retrouver leur cérémonie complète, la Seigneurie commanda aux consuls de l'Arte di Calimala, administrateurs du Baptistère Saint-Jean-Baptiste, de pourvoir aux futures festivités suivant les rites d'avant la conjuration.


title: Scoppio del Carro

text: En 1494, la prédication du moine dominicain Jérôme Savonarole, eut pour conséquence le départ des Médicis de la ville et le retour de la famille Pazzi dans ses prérogatives et privilèges, y compris celui de l'organisation du chariot du Samedi Saint.


title: Scoppio del Carro

text: Le chariot était initialement beaucoup plus simple que l'actuel, à cause des déflagrations et des dégâts qu'il subissait tous les ans, et il devait être presque entièrement reconstruit pour chaque cérémonie.


title: Scoppio del Carro

text: Les Pazzi en construisirent un beaucoup plus solide et qui devait durer d'une cérémonie à l'autre. Il fut donc construit le grand chariot du type « "trionfale" » à trois plateaux, qui depuis des siècles, plusieurs fois restauré (même après les tragiques inondations de Florence de 1966), continue à être utilisé.


title: Scoppio del Carro

text: Les mouvements erratiques de la "colombina", servant à allumer les feux d'artifice, servaient à tirer des augures pour les récoltes aux nombreux paysans venus assister à la cérémonie.


title: Claude Lecomte (directeur de la photographie)

text: Claude Lecomte est un directeur de la photographie français né le à Loudun et mort le à Trétudans.


title: Florence Crauford Grove

text: Florence Crauford Grove (né en 1838 ; mort en 1902) était un alpiniste britannique du . Il a réalisé la première ascension de l'Elbrouz () en 1874. Il a retracé cette aventure dans un livre publié en 1875, "The Frosty Caucasus". Le titre provient de la pièce Richard II (acte I scène 3) de William Shakespeare : « "O, who can hold a fire in his hand by thinking on the frosty Caucasus ?" » (« O, qui peut tenir un tison dans la main en songeant aux glaces du Caucase ? »).


title: Plumergat

text: Plumergat est une commune française, située dans le département du Morbihan en région Bretagne.


title: Plumergat

text: Le blason :


title: Plumergat

text: Le blason de Plumergat


title: Plumergat

text: Chaque teinte, chaque figure a son histoire.


title: Plumergat

text: Les trois couleurs dominantes sont une synthèse des armoiries des anciennes seigneuries de Plumergat avant le , à savoir : les gueules (rouge), l’argent et l’hermine.


title: Plumergat

text: Les douze hermines représentent les églises et chapelles de la commune. Onze sont en noir pour les bâtiments encore présents ; une en blanc, tel un fantôme, en souvenir des chapelles ayant existé par le passé (elles ont aujourd’hui disparu, sauf dans la mémoire d'anciens).


title: Plumergat

text: Les trois épis de seigle rappellent le caractère léger des terres de la commune, plus propres à la culture de cette céréale qu’à celle du blé. Chaque épi représente l’un des aspects essentiels de cette plante dans les siècles passés, à savoir aliment des hommes et parfois des bêtes, couverture naturelle des habitations et litière des animaux.


title: Plumergat

text: Le hameau de Mériadec est à cheval sur les communes de Plumergat et Pluneret.


title: Plumergat

text: Le climat qui caractérise la commune est qualifié, en 2010, de « climat océanique franc », selon la typologie des climats de la France qui compte alors huit grands types de climats en métropole. En 2020, la commune ressort du type « climat océanique » dans la classification établie par Météo-France, qui ne compte désormais, en première approche, que cinq grands types de climats en métropole. Ce type de climat se traduit par des températures douces et une pluviométrie relativement abondante (en liaison avec les perturbations venant de l'Atlantique), répartie tout au long de l'année avec un léger maximum d'octobre à février.


title: Plumergat

text: Les paramètres climatiques qui ont permis d’établir la typologie de 2010 comportent six variables pour les températures et huit pour les précipitations, dont les valeurs correspondent à la normale 1971-2000. Les sept principales variables caractérisant la commune sont présentées dans l'encadré ci-après.


title: Plumergat

text: Avec le changement climatique, ces variables ont évolué. Une étude réalisée en 2014 par la Direction générale de l'Énergie et du Climat complétée par des études régionales prévoit en effet que la température moyenne devrait croître et la pluviométrie moyenne baisser, avec toutefois de fortes variations régionales. Ces changements peuvent être constatés sur la station météorologique de Météo-France la plus proche, « Auray », sur la commune d'Auray, mise en service en 1994 et qui se trouve à à vol d'oiseau, où la température moyenne annuelle est de et la hauteur de précipitations de pour la période 1981-2010. Sur la station météorologique historique la plus proche, « Vannes-Séné », sur la commune de Séné, mise en service en 1998 et à , la température moyenne annuelle évolue de pour 1981-2010 à pour 1991-2020.


title: Plumergat

text: Plumergat est une commune rurale, car elle fait partie des communes peu ou très peu denses, au sens de la grille communale de densité de l'Insee.


title: Plumergat

text: Par ailleurs la commune fait partie de l'aire d'attraction de Vannes, dont elle est une commune de la couronne. Cette aire, qui regroupe , est catégorisée dans les aires de à moins de .


title: Plumergat

text: L'occupation des sols de la commune, telle qu'elle ressort de la base de données européenne d’occupation biophysique des sols Corine Land Cover (CLC), est marquée par l'importance des territoires agricoles (91 % en 2018), une proportion sensiblement équivalente à celle de 1990 (91,6 %). La répartition détaillée en 2018 est la suivante :  zones agricoles hétérogènes (40,7 %), terres arables (36,3 %), prairies (14 %), zones urbanisées (5 %), forêts (3,8 %), eaux continentales (0,2 %).


title: Plumergat

text: L'IGN met par ailleurs à disposition un outil en ligne permettant de comparer l’évolution dans le temps de l’occupation des sols de la commune (ou de territoires à des échelles différentes). Plusieurs époques sont accessibles sous forme de cartes ou photos aériennes : la carte de Cassini (), la carte d'état-major (1820-1866) et la période actuelle (1950 à aujourd'hui).


title: Plumergat

text: Le nom de la localité est mentionné sous les formes "Plomorcat" en 1045, "Ploimeagat" en 1251, "Ploimargat" en 1265, "Ploemergat" en 1453, "Ploimergat" en 1516, "Plumargat" en 1558, "Pleumergat" en 1636.


title: Plumergat

text: Plumergat, en breton "Pluvergad", . Une autre étymologie proposée fait dériver de Ploe Maelcat (paroisse de saint Maelcat, du vieux breton mael « chef » et cat « combat).


title: Plumergat

text: Une stèle funéraire portant une inscription gauloise a été réutilisée à l'époque carolingienne, le nom "RIMOETE" y étant rajouté.


title: Plumergat

text: Note de Pierre Le Tallec, recteur de Plumergat placée en tête de l'année 1684 : Hoc anno hyems fuit gravissima, ita ut arbores prce frigore perierint et aruerint. Cette année, l'hiver a été très rigoureux, et les arbres ont été perdus par le froid...


title: Plumergat

text: Une épidémie de dysenterie fit 36 malades (dont 15 moururent) à Plumergat en 1876. Le docteur Alfred Fouquet explique la propagation de la maladie par les conditions de vie déplorables des habitants de la région qui « ne prennent absolument aucun soin, soit de leur propreté, soit de celle de leurs maisons. Ils jettent les selles des malades devant leur porte et parfois les vident dans la maison même, au milieu des cochons et des poulets, au milieu desquels ils grouillent. (...) Ils se refusent d'ailleurs à prendre aucun médicament ».


title: Plumergat

text: Le monument aux morts de Plumergat porte les noms de 128 soldats morts pour la France pendant la Première Guerre mondiale.


title: Plumergat

text: Jean Thomazo, né en 1892 à Mériadec, soldat au régiment de marche d'Afrique, est fusillé pour l'exemple le à Maurepas (Somme) pour


title: Plumergat

text: Le monument aux morts de Plumergat porte les noms de sept personnes mortes pour la France pendant la Seconde Guerre mondiale.


title: Plumergat

text: À la rentrée 2016, 25 élèves étaient scolarisés dans la filière bilingue catholique (soit 6,8% des enfants de la commune inscrits dans le primaire).


title: Histoire des supports d'enregistrement sonore

text: L'histoire des supports d'enregistrement sonore débute en 1857 avec un appareil qui, s'il est capable d'enregistrer une onde sonore complète sous la forme d'un tracé et non plus de simples vibrations, n'en permet pas la restitution : le Phonautographe du Français Édouard-Léon Scott de Martinville — il faut attendre 2008 pour que des chercheurs parviennent à obtenir des fichiers audibles à partir de numérisations de tracés datant de 1860.


text: La restitution arrive vingt ans plus tard, en 1877, avec deux inventions quasi simultanées : le paléophone de Charles Cros, et le phonographe de Thomas Edison. Le matériel d'enregistrement et de restitution a depuis lors constamment évolué jusqu'à un traitement de plus en plus souvent entièrement numérique, de l'enregistrement à la restitution.


text: Avant l'invention des premiers appareils à la fin du , plusieurs auteurs évoquèrent le concept d'enregistrement sonore de manière fictionnelle.


text: C'est le cas de François Rabelais dans un épisode célèbre du "Quart Livre" (1552), qui met en scène Pantagruel et ses camarades témoins de sons « gelés », puis ranimés. La comparaison avec l'enregistrement sonore a été très régulièrement opérée, ainsi que la référence possible à certains auteurs antérieurs : Homère, Plutarque, Castiglione entre autres, évoquant également de telles « paroles gelées ».


text: Savinien de Cyrano de Bergerac suggéra plus tard, dans les "États et Empires de la Lune" (1655), un système proche des baladeurs, employé à la l'écoute de livres enregistrés :


text: Dix ans avant les phonautogrammes de Scott de Martinville, Théophile Gautier tire du récent procédé photographique l'idée d'un possible enregistrement des voix, dans un passage faisant référence à la comédienne Mademoiselle Mars peu après sa mort.


text: Le phonographe est inventé en 1877.


text: Cet appareil fonctionne sur un principe simple : son dispositif permet d'enregistrer des sons grâce à un stylet composé d'une aiguille interchangeable. Ce stylet grave les sonorités sur un cylindre d'étain, remplacé plus tard par un cylindre de cire améliorant la qualité de l'enregistrement. Lorsque l'enregistrement est terminé, la gravure obtenue peut être lue par le stylet. L'aiguille fait vibrer le diaphragme et transforme le sillon gravé en sons. Afin de permettre la diffusion de ces premiers enregistrements, un mécanisme de recopie sur cylindre de bakélite est mis au point : la qualité est meilleure et le cylindre ne craint plus les déformations ni la chaleur.


text: Le gramophone est développé par Émile Berliner dans les années 1880. Disposant d'une tête réversible et d'un cornet en guise de « microphone », il enregistre sur un disque au lieu d'un cylindre.


text: Les cylindres sont difficiles à reproduire, au contraire des disques, et la qualité acoustique est similaire : aussi, les disques s'imposent pour la commercialisation d'enregistrements, et la vitesse de rotation de 78 tours par minute devient le principal standard international jusqu'à l'émergence du microsillon.


text: L'invention de la triode en 1906 débouche sur l'utilisation de microphones et de graveurs électriques pour la réalisation de disques, à partir de 1925. L'enregistrement électrique améliore sensiblement les possibilités offertes à l'enregistrement, en particulier dans le domaine musical.


text: Un nouveau support apparait en 1948 : le disque microsillon, appelé aussi vinyle (parfois orthographié "vinyl" à l'anglaise pour le distinguer du matériau) ou « disque noir », sur deux formats d'abord concurrents puis complémentaires, respectivement à 45 et 33 tours par minute. Le 33 tours permet une restitution de bien meilleure qualité que les disques 78 tours et la reproduction de morceaux beaucoup plus longs, entraînant l'apparition du format dénommé « album », compilation de chansons d'un même artiste ou groupe.


text: Chaque face est parcourue par un sillon microscopique en spirale dont le début est en règle générale à l'extérieur et la fin vers le centre du disque (même si de rares disques sont gravés dans le sens inverse).


text: Au registre des supports propriétaires basés sur la technologie microsillon, il existe également un système allemand, baptisé , qui utilise des bandes souples au lieu d'un disque.


text: L'enregistrement sonore magnétique commence en 1898 avec le télégraphone, premier système d'enregistrement sonore sur fil magnétique.


text: Le magnétophone à bandes tel qu'on le connaît encore aujourd'hui apparaît en 1928, grâce à l'Allemand Karl Stille. Il permet d'enregistrer des sons sur une bande magnétique. Les bandes des divers magnétophones développés à partir de cette époque peuvent prendre la forme de bobines libres, que l'utilisateur doit relier manuellement à une bobine dévidoir, ou être protégées par une « cassette » ou « cartouche » audio à l'instar de la Compact Cassette de Philips et des cartouches 8 pistes qui en sont les modèles les plus répandus. La cassette Philips, presque disparue à la fin du , suscite un regain d'intérêt — similaire à celui du disque microsillon quelque temps plus tôt — chez les amateurs de son « vintage » au début des années 2020.


text: Les magnétophones de studio d'enregistrement professionnels les plus performants, d'abord limités à l'enregistrement simultané de quatre pistes dans les années 1960, ont peu à peu évolué jusqu'à permettre d'en enregistrer 24. En conséquence, le travail de production multipistes en studio a été grandement facilité.


text: En 1964, la Compact Cassette de Philips, couramment appelée « cassette audio » bien qu'il en existe déjà d'autres types depuis plusieurs années, commence à être commercialisée. Elle comporte deux bobines sur lesquelles est enroulée une bande magnétique. Elle permet d'enregistrer ou d'écouter de la musique ou bien tout autre type de sons.


text: Quatre canaux ou « pistes » sont écrits en parallèle sur la bande, soit 2x2 canaux stéréo. Deux sont enregistrés lorsque la bande se trouve sur un côté dans le lecteur ou l'enregistreur et deux autres lorsqu'elle est retournée. Certains lecteurs de cassettes peuvent lire successivement les deux côtés de la cassette sans que l'utilisateur ait besoin de la retourner manuellement, procédé dénommé autoreverse : généralement, cela est possible grâce à une tête de lecture double et par l'inversion du sens de défilement de la bande, mais de rares lecteurs retournent physiquement la cassette.


text: En 1928, on utilise l'enregistrement par phonographie pour les débuts du cinéma sonore ou « cinéma parlant ». Depuis, les techniques employées pour sonoriser les films ont évolué tout comme celles concernant le stockage et l'amélioration de l'image : enregistrement optique sur un côté de la pellicule d'abord, puis son associé au film sur un support externe ou sur le même support pour permettre l'ajout de pistes supplémentaires et favoriser l'immersion du spectateur : stéréophonie, Dolby Stereo avec effet « surround », Dolby Digital et Digital Theater System, etc.


text: Les systèmes home cinema ont suivi une évolution similaire à celle des salles, proposant eux aussi des systèmes sonores à la restitution de plus en plus fidèle et de plus en plus immersive au fil des innovations.


text: Les supports d'enregistrement numériques sont basés sur plusieurs technologies : enregistrements optique et magnéto-optique, enregistrement magnétique, mémoire flash, etc.


text: En 1981 apparaît une révolution dans l'histoire du son : le disque compact (ou CD pour "Compact Disc"), qui apporte la qualité numérique chez l'auditeur, sous la forme d'un disque de plastique de de diamètre, considéré alors comme moins fragile que le disque microsillon. Son fonctionnement est basé sur une lecture optique de creux et bosses balayés par un laser.


text: Avec lui, les enregistrements de qualité professionnelle deviennent portables, le CD se déclinant aussi sous la forme d'autoradios et de baladeurs. Depuis l'introduction de ce support, plusieurs tentatives ont été faites pour imposer des standards grand public concurrents, comme le Minidisc magnéto-optique réinscriptible de Sony, la Digital Compact Cassette de Philips, etc. Tous ont connu une existence éphémère et, en 2022, seul le support Super Audio CD continue d'être considéré comme une alternative supérieure — quoique toujours confidentielle — par les audiophiles.


text: Au niveau professionnel puis en home studio, les principaux supports numériques qui font leur apparition durant les années 1990 sont l' et les systèmes direct-to-disk pour l'enregistrement multipistes, et les cassettes DAT pour l'enregistrement de masters. Depuis les années 2000, les systèmes direct-to-disk intégraux ont pris le pas sur leurs concurrents à bande, à l'exception des studios souhaitant se singulariser en proposant une chaîne de production principalement ou totalement analogique.


text: La démocratisation d'internet et des premiers graveurs de CD abordables à la même époque ont pour leur part de nouveau transformé les habitudes des consommateurs en entraînant respectivement l'apparition du téléchargement de musique légal ou non et du streaming, d'une part, et la gravure domestique de copies privées légales ou illicites, d'autre part. Les effets réels du piratage sur l'industrie du disque sont toujours discutés, s'il reste indéniable que celle-ci a subi une baisse très importante de ses revenus avec par exemple « un chiffre d’affaires qui a baissé de moitié en France entre 2005 et 2011 ».


text: Avec la généralisation de l'accès à internet, le format de fichiers MP3 s'est imposé et avec lui, le baladeur numérique dont le principal représentant est l'Apple iPod, écoulé à plus de 250 millions d'exemplaires entre 2001 et 2010. Avec l'émergence de cette nouvelle façon de consommer la musique, les ventes de supports physiques se sont graduellement effondrées, avant de connaître un regain d'intérêt au début des années 2020.


title: La Chasse aux sorcières (film, 1996)

text: La Chasse aux sorcières ("The Crucible") est un film américain réalisé par Nicholas Hytner sorti en 1996 d'après la pièce d'Arthur Miller, "Les Sorcières de Salem" paru en 1952.


title: La Chasse aux sorcières (film, 1996)

text: Salem, en 1692, aux aurores. Toutes les jeunes villageoises se réunissent dans les bois en compagnie de Tituba, une esclave noire venant de La Barbade. Tituba entame un rituel et les jeunes filles appellent les noms des hommes qu'elles désirent épouser. L'une d'entre elles, Abigail, au lieu d'appeler le nom de l'homme qu'elle aime, John Proctor, tue un poulet et en boit le sang en souhaitant la mort de la femme de John Proctor, Elisabeth Proctor. Les villageoises commencent à danser (une des jeunes filles se met même à courir nue) et se mettent à courir à travers bois. Soudain, elles se font surprendre par l'oncle d'Abigail, le Révérend Parris qui s'avance vers elles. Alors que les jeunes filles s'enfuient en criant, la fille de Parris, Betty Parris, tombe inconsciente.


title: La Chasse aux sorcières (film, 1996)

text: De retour à la maison Parris, Betty est toujours inconsciente. De même la fille de Thomas et Ann Putnam, Ruth, qui dansait également. Cette situation accable Mrs. Putnam alors qu'elle a déjà perdu de nombreux enfants emportés par des maladies infantiles. Les Parris et les Putnam reçoivent la visite de Giles Corey, qui condamne le fait que sa femme lit constamment, de Rebecca Nurse, qui pense que les enfants feignent leur inconscience, et de John Proctor. Alors qu'ils sont seuls au dehors, John et Abigail surprennent une conversation parlant de sa relation avec John pendant qu'elle était à son service précédemment. Abigail aime toujours John, mais lui se dit qu'il a fait une erreur et la quitte. Les Putnam et le Révérend Parris pensent que Betty et Ruth sont possédées par le démon et font appel au Révérend Hale. Il examine alors Betty, puis réunis toutes les autres jeunes filles qui ont dansé. Pour se sauver du châtiment, Abigail déclare que Tituba était en relation avec le diable pendant le rituel. L'attention se tourne alors sur Tituba qui clame son innocence. Alors que personne ne la croit, Abigail "se confesse" puis elle et les autres jeunes filles, y compris Betty, se mettent à dénoncer des femmes qu'elles ont vues "avec le diable". Bientôt, toutes sortes de gens, tels que de vieux ivrognes ou des personnes jugées extravagantes, sont accusées de sorcellerie. Parmi eux, Rebecca Nurse (accusée par les Putnam de meurtre surnaturel des bébés de Mrs Putnam), Martha Corey (pour malédiction sur un homme dont les porcs mouraient dès qu'il les avaient achetés), et Elizabeth Proctor, la femme de John Proctor (accusée par Abigail de se servir d'une poupée vaudou afin de lui donner des violents maux d'estomac).


title: La Chasse aux sorcières (film, 1996)

text: John, décidé à sauver son amour affirme que sa servante, Mary Warren, une des jeunes filles "affectées", jure devant la cour que la sorcellerie était factice. Bien que Mary Warren soit effrayée par Abigail, elle finit par tomber d'accord. Lors du procès, Francis Nurse donne une liste de noms de personnes se portant garantes de Martha, Rebecca et Elizabeth. Les juges réagissent en ordonnant l'arrestation de toutes les personnes de la liste afin qu'elles puissent être questionnées. Giles Corey affirme que lorsque Ruth Putnam accusait Rebecca Nurse, on entendit Mr Putnam raconter que sa fille lui avait obtenu un "joli lopin de terre" (La propriété de la famille Nurse convoitée par les Putnam). Cependant, Corey refuse de livrer le nom de la personne qui entendit cette conversation, à cause d'une arrestation certaine de celle-ci. Les juges ordonnent l'arrestation de Corey à cause de ce refus. Pendant ce temps, Mary Warren affirme qu'elle seule pensait avoir vu des esprits et que ses cris furent provoqués par la peur qu'elle éprouva lors du rituel. On dit à John qu'Elizabeth est enceinte et ne sera pas exécutée jusqu'à la naissance de son bébé, mais il veut inculper les jeunes filles de faux témoignages.


title: La Chasse aux sorcières (film, 1996)

text: Les autres jeunes filles sont rappelées et on leur demandent si elles disent la vérité sur leur apparente sorcellerie. Abigail prétend que Mary les a ensorcelées à l'aide d'une brise glaciale et se met à prier pour que Dieu lui vienne en aide. Proctor, en colère, dit à la cour que Abigail est une traînée qui accuse Elizabeth pour se débarrasser d'elle et ainsi épouser Proctor. On appelle Elizabeth pour vérifier cette déclaration, cependant, ne sachant pas ce qu'il vient de raconter, elle dit que cette histoire n'a jamais existé afin de protéger son nom. Le Révérend Hale, qui croit maintenant que les jeunes filles mentent, tente de convaincre la cour qu'Abigail est fausse, mais les jeunes filles prétendent que Mary Warren commence d'une manière surnaturelle à les attaquer sous la forme d'un oiseau jaune. Les jeunes filles sortent en courant de la salle de procès en direction d'un étang et sautent dedans pour échapper à cet "oiseau".


title: La Chasse aux sorcières (film, 1996)

text: Pour se disculper d'être une sorcière, Mary Warren accuse John de l'avoir forcée à chambouler la cour et liberer Elizabeth. John hurle de colère que "Dieu est mort" et est arrêté pour sorcellerie également. Le Révérend Hale quitte brutalement la cour. John, Elizabeth, Martha et les autres sorciers accusés sont excommuniés et 17 d'entre eux sont pendus.


title: La Chasse aux sorcières (film, 1996)

text: Mais le jour précédant la pendaison de John, Abigail tente de convaincre la cour que la femme de Hale est aussi une sorcière, mais le stratagème se retourne contre elle car les juges pensent que la femme d'un Révérend est trop bien pour être possédée par Satan. Abigail et une autre des jeunes filles volent l'argent du Révérend Parris afin de prendre un bateau pour La Barbade, et Abigail supplie John de l'accompagner, lui racontant qu'elle n'a jamais rien souhaité de tel à son sujet. Il refuse, répliquant qu'ils se retrouveront en enfer.


title: La Chasse aux sorcières (film, 1996)

text: La veille des pendaisons de John, Martha et Rebecca, Parris a peur que leurs exécutions cause des émeutes à Salem, car ces derniers sont des citoyens très respectés. Les juges refusent de reporter les exécutions, mais permettent à John de voir Elizabeth, afin de savoir si elle pourrait faire en sorte que son mari se "confesse", comme ils l'ont fait pour Martha et Rebecca lors du procès. Martha et Rebecca refusent de se "maudire elles-mêmes", Mais John lui est d'accord. Après avoir signé sa confession, il la reprend cependant, disant qu'ils n'en ont pas besoin du fait qu'ils l'ont vu signer et connaissent à présent sa confession. Les juges demande que John soit pendu pour prouver son innocence et John arrache la confession d'un geste de colère, déterminé à garder la pureté de son nom. Il est emmené avec Martha et Rebecca afin d'être pendu, alors que Hale et Parris tentent de le faire changer d'avis. Les trois condamnés sont portés sur une plateforme que la foule observe et sont ensuite prêts à être pendus. Ils récitent leurs prières et le dernier, John, finit de dire sa prière mais n'est pas capable de dire "Amen", c'est alors que son cou se rompt sous le choc de la pendaison. Devenant un martyr pour l'espoir et la vérité dans un climat turbulent.


title: La Chasse aux sorcières (film, 1996)

text: L'histoire du film est basée sur les événements entourant le procès en sorcellerie en 1692 à Salem, dans le Massachusetts. Miller décrit l'événement comme une allégorie du maccarthisme.


title: Aïn El Bia

text: Aïn El Bia ou Aïn Biya (arabe : ), anciennement Damesme à l'époque de la colonisation française, est une commune algérienne de la wilaya d'Oran.


title: Aïn El Bia

text: La commune de "Aïn El Bia" est desservie par plusieurs routes nationales:


title: Aïn El Bia

text: Aïn el Bia (arabe : ) signifie en arabe algérien « la source de la lionne », .


title: Aïn El Bia

text: Le village a commencé à être formé à partir de 1848. Il était occupé par les moniteurs-laboureurs militaires qui formaient la garnison de Damesme et de Saint-Leu (actuelle Bethioua).


title: Aïn El Bia

text: Actuellement, la commune d'AÏn el Bia est très cosmopolite. La construction et l’exploitation des complexes pétrochimiques, a mobilisé des travailleurs venus de toutes les régions d’Algérie, principalement des cadres et techniciens qualifiés.


title: Aïn El Bia

text: Essentiellement agricole et balnéaire, la commune d'Aïn El Bia s’est industrialisée après l’indépendance. L’industrie pétrolière et parapétrolière s’y sont installées et des complexes pétrochimiques ont été construits.


title: Aïn El Bia

text: Aïn el Bia, avec les communes d’Arzew, Bethioua et Marsat El Hadjadj constituent le plus grand port d’Algérie, port qui est dédié principalement aux hydrocarbures.


title: Marie-Caroline de Bourbon-Siciles

text: Le nom « Marie-Caroline de Bourbon-Siciles » (en italien, "Maria Carolina di Borbone-Due Sicilie") peut désigner quatre princesses de la maison de Bourbon-Siciles :


title: École de Crozant

text: L'école de Crozant désigne, de façon informelle, une succession de colonies d'artistes pratiquant la peinture de paysage et qui s'étaient établis autour du village de Crozant, situé à la limite nord du Département de la Creuse, d'où son nom.


title: École de Crozant

text: Elle est composée d'une pléiade de peintres paysagistes qui, à partir des années 1850, travaillèrent sur les rives des deux Creuses (Grande Creuse et Petite Creuse), de la Sédelle et de la Gargilesse, à proximité des communes de Crozant, de Fresselines et de Gargilesse.


title: École de Crozant

text: Ces colonies de peintres paysagistes se font plus rares à partir des années 1920. Deux facteurs expliquent cette désaffection. L'intérêt des artistes pour d'autres courants que ceux du paysagisme et la montée des eaux de la Creuse consécutive à la construction de l'un des plus grands barrages français de l'époque à Eguzon situé dans le Departement de l'Indre. C'est une école « sans maître », qui est une commode appellation, imaginée ultérieurement, pour désigner tous ceux qui ont trouvé l'inspiration dans ces vallées Creusoises et Berrichonnes. Durant près d'un siècle, près de 500 peintres fréquentèrent ces lieux. Cette histoire est désormais comptée aux amateurs d'art et de voyages touristiques à travers la Vallée des Peintres entre Berry et Limousin.  L'expression « école de Crozant » qui s'applique aux peintres paysagistes est toujours employée. Au côté de cette dénomination peu précise propre au apparait, depuis quelques années, une formulation patrimoniale englobant tout le périmètre visité par ces colonies d'artistes, celle de « la Vallée des Peintres entre Berry et Limousin ». Berry et Limousin fait le lien avec deux anciennes provinces hôtes de ces foyers artistiques. Parmi les paysagistes qui ont fréquenté Crozant, des figures internationales comme l'impressionniste Armand Guillaumin ou le surréaliste Francis Picabia.


title: École de Crozant

text: Au début du , les critères artistiques s'étaient fixés autour de la tradition néoclassique, dans la suite du peintre Jacques-Louis David. En marge de cet académisme, le romantisme formalisé par Géricault, Bonington et Delacroix prenait de l'ampleur. En 1824, tandis que le Salon de Paris exposait quelques-unes des œuvres de John Constable, déjà Camille Corot trouvait en la forêt de Fontainebleau, à Barbizon, un lieu d'inspiration dans sa quête de nature. Une nouvelle génération de peintres abandonne peu à peu le formalisme académique et puise son inspiration dans la campagne : ils produisent des toiles souvent rurales, s'éloignant des scènes et drames mythologiques, du maniérisme, du bucolisme féérique, et surtout, ils quittent l'atelier pour le plein air, privilégient la peinture d'après nature, directement et face aux éléments. Peu avant la révolution de 1848, des peintres comme Gustave Courbet et Jean-François Millet (avec "Le Semeur" (1850) ou "Les Glaneuses" (1857) étendent leurs visions aux personnages ruraux, peignant la paysannerie, les travaux des champs, le terroir, une évocation de la vie simple, sans mise en scène dramatique ni démonstration. Sur le plan littéraire, les influences de Jean-Jacques Rousseau et surtout de George Sand sont déterminantes.


title: École de Crozant

text: Le village de Fresselines est située à une cinquantaine de kilomètres de Nohant la résidence de George Sand (1804-1876). Celle-ci, accompagnée d'hôtes prestigieux, appréciait les promenades dans les vallées creusoises autour de Fresselines et de Crozant. Elle évoquera Crozant ou Fresselines dans plusieurs de ses romans : "Lettres d'un voyageur", "Le péché de Monsieur Antoine", "Jeanne". George Sand se voit offrir en 1857 par son compagnon Alexandre Manceau une petite maison à Gargilesse-Dampierre à une dizaine de kilomètres de Crozant. Elle y passera de nombreux séjours.


title: École de Crozant

text: La renommée de Crozant et de ses environs attirent alors de nombreux artistes peintres.


title: École de Crozant

text: Le terme d'« école de Crozant » a été forgé dès 1864, mais c'est un terme générique, aucun maître n'ayant jamais enseigné dans les vallées creusoises. De même, il faut attendre 1891 pour voir le terme d'« école de Barbizon » apparaître. Ce genre d'appellation sert donc à qualifier une successions de colonies de peintres venues s'installer à Crozant entre les années 1860 et jusqu'au milieu du .


title: École de Crozant

text: Dès le début des années 1850, Jules Dupré (1811-1889) et Georges de Lafage-Laujol (1830-1858) y posent leurs chevalets. Armand Guillaumin (1841-1927), qui a eu la chance de gagner le gros lot de la Loterie nationale en 1891, est désormais débarrassé de tout souci matériel et peut se consacrer entièrement à la peinture. En 1893, après avoir exploré le Limousin dont la Creuse, il choisit Crozant comme résidence de prédilection. Non loin de l'église de Crozant, se trouve son buste en bronze. Claude Monet, au cours d'un séjour à Fresselines de mars à mai 1889, réalise une série de tableaux sur le site du confluent des deux Creuses. Il produit 23 toiles dans la vallée.


title: École de Crozant

text: * René Juste (1868-1954), (Signature René-Juste) sociétaire du salon des artistes français depuis 1902, Il emportera de ses séjours nombre de tableaux ayant pour sujet les beaux paysages de la CREUSE et de CROZANT en particulier. A côté de cela,il peindra avec un égal bonheur les paysages des environs de Fontainebleau et de Rambouillet (Grosrouvre en particulier).


title: École de Crozant

text: Le poète Maurice Rollinat (1846-1903), filleul littéraire de George Sand, se retira à Fresselines en 1883 pour y continuer son œuvre. Il s'y entoure d'amis avec lesquels il partagera les dernières années de sa vie. Maurice Leblanc visita Rollinat, qu'il avait connu à Paris. "Les Névroses", publié chez Charpentier en 1883, annoncé dès 1882, ce recueil est le plus célèbre de Rollinat, en 1886, il publiera l"'Abîme", puis "Paysages et Paysans" ainsi qu'un recueil en prose "En errant". Claude Monet partagea la table de Rollinat, à Fresselines en 1889. À sa mort en 1903, Auguste Rodin offre à la commune de Fresselines un bas-relief sculpté intitulé "La Muse et son Poète". Cette sculpture est exposée sur le mur de l'église du village.


title: École de Crozant

text: En 1926, une autre histoire commence pour les bords de Creuse, qui sont noyés par un barrage pour cause de production d'électricité, sous les eaux de la plus grande retenue d'Europe à l'époque, le barrage d'Éguzon. Le nouveau pôle d'attraction touristique est désormais le lac de Chambon du nom d'un village de la commune d'Éguzon-Chantôme, riveraine du nouveau lac. Si les gorges profondes perdent alors une partie de leur caractère sauvage qui plaisait tant aux peintres, on y gagne une zone touristique à la « plage de Fougères ».


title: Belozersk

text: Belozersk (en ) est une ville de l'oblast de Vologda, en Russie, et le centre administratif du raïon de Belozersk. Sa population s'élevait à habitants en 2013. Belozersk est située sur la rive méridionale du lac Beloïe, qui lui a donné son nom. Elle se trouve à au nord-ouest de Vologda.


title: Belozersk

text: Jusqu'en 1777, la localité était connue sous le nom de Beloozero (Белоо́зеро), littéralement ; elle était effectivement située sur la rive sud du lac Beloïe, qui lui donna son nom.


title: Belozersk

text: La première mention de Belozersk dans les archives remonte à l'année 862. Belozersk était la cinquième ville russe après Staraïa Ladoga, Novgorod, Polotsk et Rostov). La localité fut déplacée à plusieurs reprises d'un point à un autre sur les rives du lac Beloïe.


title: Belozersk

text: Au encore, la région était surtout peuplée par des tribus finno-ougriennes qui résistèrent férocement aux tentatives de christianisation. En 1071, les prêtres païens locaux se révoltèrent, mais furent battus par le chef militaire kievien Ian Vychatitch. La Première Chronique rapporte que les corps des prêtres morts furent suspendus à un chêne jusqu'à ce qu'ils soient déchirés par un ours, considéré par les païens comme un animal sacré.


title: Belozersk

text: Beloozero fut la capitale d'une petite principauté entre 1238 et 1370. Ses monuments médiévaux comprennent l'église de l'Assomption (1552) et la cathédrale du Sauveur (1668). L'église en bois, Saint-Elias fut construite en 1690. Plusieurs monastères existent dans les environs, tels que le monastère de Kirillo-Belozersky et le monastère de Ferapontov.


title: Belozersk

text: Recensements (*) ou estimations de la population


title: La Semaine du Roussillon

text: La Semaine du Roussillon est un hebdomadaire local français des Pyrénées-Orientales, diffusé tous les mercredis, dont le siège est situé à Perpignan. La zone de diffusion du périodique est située sur le département des Pyrénées-Orientales.


title: Chicoutimi-Saguenay (circonscription provinciale)

text: Chicoutimi-Saguenay est un ancien district provincial du Québec qui existe au sein de la Confédération jusqu'en 1912. Chicoutimi-Saguenay fait partie des 65 premières circonscriptions provinciales (alors appelées districts électoraux) créées à la Confédération de 1867.


text: Elle est représentée pour la dernière fois à l'Assemblée nationale du Québec en 1912.


title: Griazovets

text: Griazovets (en ) est une ville de l'oblast de Vologda, en Russie, et le centre administratif du raïon de Griazovets. Sa population s'élevait à habitants en 2013.


title: Griazovets

text: Griazovets est située à au sud-est de Vologda.


title: Griazovets

text: Griazovets a été mentionné pour la première fois le , dans un document du monastère Kornilevo. En 1780, Griazovets reçut le statut de ville. Une gare de chemin de fer y fut ouverte sur la ligne Iaroslavl – Vologda en 1872.


title: Griazovets


title: Nicole Pot

text: Nicole Pot, née Jalladeau, est une haute fonctionnaire française.


title: Nicole Pot

text: Elle fut directrice générale de l'Institut national de recherches archéologiques préventives de 2003 à 2009.


title: Nicole Pot

text: Elle est nommée en 2009 inspectrice générale à l'Inspection générale des affaires culturelles.


title: Nicole Pot

text: Nicole Pot est agrégée de lettres modernes et ancienne élève de l'École nationale d'administration (promotion Denis Diderot). Après avoir enseigné pendant une dizaine d'années, elle a rejoint, à sa sortie de l'École nationale d'administration, le ministère de l'Agriculture. Puis successivement la direction des musées de France et à la Caisse nationale des monuments historiques et des sites (1994-2000). Enfin, elle a assuré la direction générale de la Cité des sciences et de l'industrie de 2000 à 2003. Elle est notamment l'auteur d'un rapport au ministre de la Culture et de la Communication, en , sur le rôle du ministère dans la démocratisation de l'accès à la culture.


title: Henri Canonge

text: Henri Albert Canonge, né le à Barre-des-Cévennes, village situé à quelques kilomètres de Florac (Lozère) et mort le à Rodez (Aveyron), est un syndicaliste français et figure du mouvement coopératif d'après guerre.


title: Henri Canonge

text: Le père de Henri Canonge est le pasteur Albert Adolphe Canonge (1872-1946) et sa mère Alix Rosalie Lamarche (1873-1961). Après des études au lycée du Parc à Lyon, il intègre l’Institut national agronomique en 1934 et en sort avec le titre d'ingénieur agronome.


title: Henri Canonge

text: Il se marie le avec Germaine Puech, nièce de Denys Puech ( à Bozouls - à Villejuif). Veuf, il se remarie le avec Ida Henriette Lambert, ( à Carrières sur Seine - à Courbevoie).


title: Henri Canonge

text: Henri Canonge décède le (à 67 ans).


title: Henri Canonge

text: Henri Canonge débute sa vie professionnelle à la Caisse nationale de crédit agricole avant d'être nommé directeur du Comité interrégional du roquefort à Rodez en 1940. Il est militant actif de la Confédération nationale paysanne (de tendance socialiste) à partir de 1936. Avec, entre autres, René Dumont, Michel Cépède, Henri Deramond et François Tanguy-Prigent il crée le Centre International Agraire.


title: Henri Canonge

text: A la Libération il est membre du cabinet du ministre de l'Agriculture Tanguy-Prigent


title: Henri Canonge

text: Henri Canonge est directeur de la Confédération générale de l'agriculture, confédération mise en sommeil par la domination de la Fédération nationale des syndicats d'exploitants agricoles à partir de 1953. De 1954 à 1975 il est secrétaire général puis directeur général de la Confédération nationale de la mutualité, de la coopération et du crédit agricoles.


title: Henri Canonge

text: Simultanément il est directeur de la Maison du Rouergue, 3 rue de la Chaussée-d'Antin à Paris .


title: Henri Canonge

text: Nommé conseiller d'État en service extraordinaire en 1970 (section des travaux publics), Henri Canonge a également été membre du Comité économique et social européen de 1958 à 1976. Il en est le président de 1974 à 1976.


title: Henri Canonge

text: Président de l'Amicale des enfants du canton de Bozouls à Paris de 1970 à 1973 .


title: Henri Canonge

text: Au début des années 1970, il fait partie des notables aveyronnais défavorables au camp du Larzac et agit en sous-main à Paris en faveur des paysans contre l'armée lors de la lutte du Larzac.


title: Henri Canonge

text: Maire de la commune de Mont-Saint-Père (Aisne) en 1977-1978. Une rue de Bozouls porte son nom.


title: Anal

text: L'adjectif anal fait référence à l'anus :L’anal est une langue sino-tibétaine parlée dans l'État indien du Manipur.


title: Acide 5-hydroxyindolacétique

text: L'acide 5-hydroxyindolacétique ou 5-HIAA est un métabolite urinaire de la sérotonine.


title: Acide 5-hydroxyindolacétique

text: Libéré dans certaines tumeurs (comme les tumeurs carcinoïdes du tube digestif, dont il est un critère de diagnostic), c'est un agent vasoactif.


title: Zach Condon

text: Zach Condon, né le à Albuquerque, est un compositeur, musicien et chanteur américain, leader du groupe Beirut.


title: Zach Condon

text: Sa musique est un mélange de folk, de musique traditionnelle d'Europe de l'Est et de chanson francophone (il reprend "Le Moribond" de Jacques Brel, "La Javanaise" de Serge Gainsbourg...).


title: Zach Condon

text: Encore jeune, Condon a déjà sorti quelques albums. Il enregistre, sous le nom de "The Real People" et à l'âge de 15 ans, "The Joys of Losing Weight", qui est un album de musique électronique lo-fi. À 16 ans, il enregistre un album de doo-wop. Il sort aussi un EP intitulé "Small Time American Bats" sous le nom de "1971" ; l'album, enregistré en 2001-2002, n'est officiellement jamais sorti dans le commerce. Il quitte la Santa Fe High School pour voyager en Europe où il rencontre des groupes de musique gypsy comme le Boban Marković Orkestar.


title: Didier Matrige

text: Didier Matrige est un peintre et dessinateur néo-expressionniste belge né en 1961 à Charleroi en Belgique et mort dans la nuit du au à Couillet (Charleroi).


title: Didier Matrige

text: Didier Matrige fait ses études aux académies des Beaux-Arts de Mons (dans l'atelier de Gustave Camus et Yvon vandycke), des Beaux-Arts de Liège et des Beaux-Arts de Charleroi (dans l'atelier de Charles Szymkowicz). C'est un peintre et dessinateur aux accents profondément expressionnistes, colorés, rappelant par moment l'esprit satirique de James Ensor.


title: Didier Matrige

text: Il fait de nombreuses expositions de groupe ainsi que personnelles tant en Belgique qu'à l'étranger depuis 1977. Il a enseigné le dessin et la peinture à l'académie de Watermael-Boitsfort, une commune de la région de Bruxelles-Capitale. Didier Matrige fut un membre fondateur des « arts Morpholinics » dont la philosophie, le « Morpholinisme » a été lancé par le mathématicien allemand d'origine nigériane Lere Oyebisi Shakunle.


title: Didier Matrige

text: Il décède () dans la nuit du au à Couillet. Les œuvres de son atelier sont alors dispersées entre son frère Éric et son ami l'artiste plasticien rwandais d'origine belge Tröss Nipanki Le Roij.


title: Halls

text: Halls est une marque anglaise de pastilles et de bonbons appartenant au groupe américain Mondelēz International (issu d'une scission de l'américain Kraft Foods). Présente dans 25 pays, c'est la marque de bonbon la plus vendue au monde. Elle représente à elle seule plus de la moitié des ventes mondiales de pastilles.


title: Halls

text: C'est en 1893 que les frères Thomas Harold et Norman Smith Hall créent leur entreprise à Whitefield, près de Manchester. Ils vendent alors des savons et de la confiture. Les premiers bonbons Halls sont lancés en Angleterre dans les années 1930.


title: Halls

text: La marque est rachetée par Warner-Lambert en 1964, puis par Pfizer en 2000 (avec l'intégralité du portefeuille Adams, dont les chewing-gums ). Deux ans plus tard, l'ensemble est repris par Cadbury, lui-même racheté par Kraft Foods en 2010.


title: Halls

text: Dans certaines parties du monde, les pastilles Halls sont vendues non comme des bonbons, mais comme des pastilles pour la toux (le fabricant les décrit comme pouvant réduire la toux et anesthésier localement la gorge). Ailleurs (Brésil, Argentine, Philippines, Maroc...), elles sont au contraire vendues comme de simples confiseries, sans aucune référence à leurs propriétés pharmaceutiques.


title: Halls

text: Les pastilles Halls ont été lancées en 2007 sur le marché français.


title: Umberto D.

text: Umberto D. est un film dramatique italien réalisé par Vittorio De Sica et sorti en 1952.


title: Umberto D.

text: Dans les années 1950, à Rome en Italie, un modeste fonctionnaire à la retraite, Umberto Domenico Ferrari, dispose d'une pension insuffisante pour vivre. Habitant avec son chien « Flyke » (ou « Flaïk ») chez une logeuse intransigeante et pingre, il s'ingénie à trouver les fonds nécessaires au paiement de son loyer et se démunit petit à petit de tout ce qui lui tient à cœur. Malgré ses efforts, il ne parvient pas à rembourser ses dettes.


title: Umberto D.

text: Il est hospitalisé pour une fièvre persistante et fait semblant d'être pieux pour pouvoir être alité gratuitement plus longtemps à l'hôpital dont les infirmières sont des nonnes. De retour chez sa logeuse, il s'aperçoit qu'on a transformé sa chambre en salon et que son chien, gardé par la jeune bonne, a disparu. La logeuse l'a laissé se sauver. Il part à sa recherche et le retrouve dans un chenil qui euthanasie les chiens recueillis non réattribués à leurs maîtres. Umberto demande alors à ses connaissances de lui prêter de l'argent pour vivre mais toutes y font la sourde oreille. Ces évictions obligent le vieil homme à envisager la mendicité terrible pour lui.


title: Umberto D.

text: Mais trop fier pour être vu en train de mendier, il semble prêt à mourir. Il essaie de confier son chien à des personnes attentionnées mais finalement celui-ci demeure avec lui et l'empêche de se suicider en s'échappant de ses bras près d'un train au moment fatidique et en l'en éloignant. Le scénariste Cesare Zavattini, reliant ce film aux , souhaitait que le film soit , suscitant un réflexe de solidarité chez le spectateur. Or, le film eut une audience très limitée et les milieux politiques italiens de cette époque ne l'encouragèrent point. , s'interrogeait, plus tard, Georges Sadoul?


title: Umberto D.

text: Vittorio De Sica pensait pourtant que L'acteur déclara :


title: Umberto D.

text: , écrit Jean A. Gili. , affirme, de son côté, Jacques Lourcelles.


title: Umberto D.

text: Ce (Cesare Zavattini) est, aussi, un point d'aboutissement dans la démarche néo-réaliste. André Bazin note, en effet :


title: Umberto D.

text: Selon Jacques Lourcelles, il faut, à nouveau, louer la capacité de De Sica à s'identifier, avec tendresse, à ses héros. , juge-t-il plus loin.


title: Umberto D.

text: Le film a été présenté en sélection officielle en compétition au Festival de Cannes 1952.


title: Umberto D.

text: Francis Huster réalisa une adaptation intitulée "Un homme et son chien", avec Jean-Paul Belmondo, sortie en .


title: Gino Capponi

text: Gino Capponi (né à Florence le , mort à Florence le ) est un homme politique, un écrivain et un historien italien.


title: Gino Capponi

text: Gino Capponi est le dernier membre de la vieille et illustre famille florentine des Capponi dont les origines apparaissent vers 1250. Elle a acquis une grande richesse par son activité marchande et bancaire, et beaucoup de ses membres se sont distingués au service de la république et des Médicis, et plus tard au service de la maison de Habsbourg-Lorraine.


title: Gino Capponi

text: Gino est le fils du Marquis Pier Roberto Capponi, un noble très attaché au Grand-duc Toscane, Ferdinand III. Lorsque le Grand-duc est destitué par les Français en 1799 la famille Capponi le suit en exil à Vienne. Les Capponi retourne à Florence en 1811 et Gino épouse la marquise Giulia Riccardi. Bien que la famille soit très anti-français, Gino est choisi avec d'autres notables pour rendre hommage à Napoléon à Paris en 1813. Après la chute de Napoléon, Ferdinand retrouve la Toscane (septembre 1814).


title: Gino Capponi

text: Élève de l'abbé Giovanni Battista Zannoni, Gino Capponi s'intéresse aux humanités ainsi qu'à l'économie, aux statistiques et à l'agriculture. En 1819 à Londres, il a l'idée avec Ugo Foscolo d'un journal littéraire qu'il crée en 1821 avec Giovan Pietro Vieusseux, l"'Antologia". Pendant son séjour en Angleterre, il s'intéresse aux institutions anglaises et étudie la constitution, le système électoral, la vie universitaire, l'organisation industrielle. À Édimbourg, Il rencontre Francis Jeffrey, le rédacteur en chef de la revue d'Édimbourg, et de nombreux éminents hommes d'État et hommes de lettres, dont lord John Russell, le duc de Bedford, Dugald Stewart. Ce voyage a fait de lui un fervent anglophile.


title: Gino Capponi

text: Il est l'ami de Giacomo Leopardi, de Pietro Giordani, de Pietro Colletta, de Guglielmo Pepe, de Giovanni Battista Niccolini, du philosophe Silvestro Centofanti, de Raffaello Lambruschini et de plus grands intellectuels de son temps. Comme pédagogue il est pour la libre éducation des jeunes qu'il considère comme un art et non une science.


title: Gino Capponi

text: Gino Capponi voyage beaucoup en Italie et en Europe. En 1848, il occupe la charge de sénateur et appartient à la mouvance modérée-réformatrice du grand-duché de Toscane. Il collabore et fait la promotion des principales initiatives libérales des modérés. Il devient président du conseil du 17 août à octobre de la même année.


title: Gino Capponi

text: Obligé de se retirer en raison de la restauration des Habsbourg-Lorraine, il poursuit ses études historiques bien qu'il devienne aveugle. En 1859 il soutient l'annexion de la Toscane au royaume de Sardaigne et il est nommé sénateur en 1860, participant activement à la vie parlementaire jusqu'en 1864.


title: Gino Capponi

text: Il est enterré dans la basilique Santa Croce de Florence. Sa réputation d'historien repose sur son ouvrage "Storia della Repubblica di Firenze (1875)", premier livre italien sur le sujet rédigé dans un esprit critique moderne. Si les chapitres sur les débuts de l'histoire de la Ville sont désormais obsolètes au regard des récentes découvertes, il demeure dans son ensemble un ouvrage de référence.


title: Rencontres internationales de télévision de Reims

text: Les rencontres internationales de télévision (ou RITV) se déroulent tous les ans depuis 1988 à Reims, en mars. Il s'agit d'un festival d'œuvres de fiction destinées à la télévision (téléfilms, séries).


text: En 2008, les RITV ont lieu à la Comédie de Reims du 26 au 30 mars.


title: Benjamin Carrard

text: Benjamin Samuel Carrard, né le à Orbe où il est mort le , est un ministre protestant vaudois, qui s’est fait connaître par ses écrits tant scientifiques que juridiques.


title: Benjamin Carrard

text: Fils du pasteur Christophe Louis Carrard, Benjamin Carrard effectue ses études de théologie à l’Académie de Lausanne et obtient sa nomination au ministère du Saint-Évangile en 1753. Par la suite, il séjourne en Hollande jusqu’en 1760 en tant que précepteur. Déjà distingué par ses pairs pour « son savoir, son abondance et son jugements » en sciences naturelles, cet exil de sept années dans les Provinces-Unies lui permet de développer et de parfaire ses connaissances scientifiques auprès de professeurs réputés. Il se familiarise aussi à cette époque avec les nouvelles idées en matière économique, à un moment de l’histoire où le mercantilisme (ou colbertisme) essuie ses premières critiques et se voit peu à peu supplanté par la physiocratie, sous l’impulsion notamment de François Quesnay et de son "Tableau économique". Benjamin Carrard est également influencé par la liberté religieuse et le climat de tolérance qui règnent alors dans la République hollandaise et qui lui font percevoir sous un jour moins favorable le dogmatisme oppressant de son pays d’origine.


title: Benjamin Carrard

text: De retour en Suisse, Benjamin Carrard obtient un poste de suffragant à Arnex et Agiez, poste qu’il abandonne d’ailleurs assez rapidement, en raison vraisemblablement d’une orthodoxie qu’il jugeait trop étroite et trop pesante. C’est alors qu’il commence à rédiger ses premiers traités scientifiques ou juridiques. La « Société hollandaise des sciences de Harlem » et la « Société économique de Berne » dont il est un membre actif, saluent tour à tour ses travaux en les couronnant de nombreux prix. Ainsi, son "Essai sur l’esprit de la législation", paru en 1765, est récompensé par la Société bernoise d’un "accessit" et d’une médaille. En 1770, il reçoit aussi le premier prix de la Société des sciences d’Harleem pour un mémoire intitulé : "Qu’est-ce qui est requis dans l’art d’observer et jusques où cet art contribue-t-il à perfectionner l’entendement ?". Ses autres traités sont : "Usage des tables météorologiques" (1763), "De la jurisprudence criminelle ou Essai sur la question proposée par l’illustre Société économique de Berne pour la confection d’un code criminel" (1782). Ces ouvrages jouissent d’une large renommée auprès de ses contemporains et font l’objet de nombreuses rééditions.


title: Benjamin Carrard

text: Benjamin Carrard était, à sa mort, connu et reconnu en Suisse romande comme un « savant » et une « véritable encyclopédie vivante ».


title: Sentier de grande randonnée 12

text: Le sentier de grande randonnée 12 (GR 12) relie Amsterdam (Pays-Bas) à Paris (France) en passant par la Belgique.


title: Sentier de grande randonnée 12

text: Provinces traversées :


title: Sentier de grande randonnée 12

text: Départements traversés :


title: Sentier de grande randonnée 12

text: Le sentier passe par :