title: Alfred Hitchcock

text: "Psychose" et "Les Oiseaux" sont particulièrement remarquables pour leur bande son inhabituelle, orchestrée dans les deux cas par Bernard Herrmann. Les cordes stridentes jouées dans la première scène de meurtre dans "Psychose" constituent à l'époque une innovation. Quant au film "Les Oiseaux", il laisse de côté les instruments de musique conventionnels et a, au lieu de cela, recours à une bande son produite de façon électronique, uniquement agrémentée par la chanson des écoliers, sans accompagnement, juste avant l'attaque de la véritable école de Bodega Bay. On peut également noter que Santa Cruz sera par la suite cité comme étant le lieu où le phénomène des oiseaux se serait produit initialement. Ces films sont considérés comme les derniers grands films d'Hitchcock. Certains critiques, tels Robin Wood et Donald Spoto, estiment cependant que "Pas de printemps pour Marnie", sorti en 1964, constitue l'une des œuvres majeures du réalisateur, et d'autres encore, comme Claude Chabrol, considèrent que "Frenzy" est injustement sous-estimé.


title: Alfred Hitchcock

text: Sa santé déclinant, Hitchcock est amené à réduire sa production durant les deux dernières décennies de sa carrière. Il tourne deux thrillers d'espionnage sur fond de Guerre froide. Le premier, "Le Rideau déchiré" ("Torn Curtain", 1966), a pour vedettes Paul Newman et Julie Andrews.


title: Alfred Hitchcock

text: "Le Rideau déchiré" se passe principalement en RDA, avec Paul Newman et Julie Andrews dans les rôles principaux. Il marque la fin assez triste de la collaboration, qui durait depuis douze ans, entre Hitchcock et le compositeur Bernard Herrmann. Mécontent de la partition fournie par Herrmann, Hitchcock finit par le remplacer par John Addison. Le film sort aux États-Unis le .


title: Alfred Hitchcock

text: Le , "Le Cinéma selon Hitchcock", publié aux Éditions Robert Laffont, sort à Paris en librairie. Dans cet ouvrage, résultat d'une série d'entretiens accordés à François Truffaut, critique et lui-même réalisateur, Hitchcock se livre sur sa manière de travailler.


title: Alfred Hitchcock

text: Le film suivant d'Hitchcock, "L'Étau" ("Topaz"), est l'adaptation d'un roman de Leon Uris (auteur d"Exodus").


title: Alfred Hitchcock

text: L'histoire commence au Danemark, et se poursuit aux États-Unis, à Cuba et en France. Frederick Stafford est engagé pour tenir le rôle principal ; parmi le reste de la distribution, plutôt hétéroclite, figurent John Forsythe, et les Français Dany Robin, Claude Jade, Michel Subor, Philippe Noiret et Michel Piccoli. À la fin du tournage, comme à l'habitude, des projections-tests sont effectuées, qui se révèlent désastreuses : le film est le plus souvent jugé trop long, ennuyeux et sa fin, un duel opposant Devereaux (Stafford) et Granville (Piccoli), ridicule. À la suite de cela, des scènes sont coupées, d'autres raccourcies, d'autres même accélérées, et deux fins optionnelles sont proposées : l'une montre Devereaux montant dans un avion et apercevant Granville montant dans un autre avion à destination de l'Union soviétique, et l'autre, qui tombe assez sèchement, montre, ou plutôt suggère (les acteurs ne sont plus disponibles pour tourner d'autres scènes) le suicide de Granville : on voit furtivement un homme entrer dans une maison, puis on entend un coup de feu. C'est cette dernière fin qui sera conservée pour la sortie en salle, en 1969. Le National Board of Review attribuera néanmoins la récompense du meilleur réalisateur à Hitchcock pour ce film.


title: Alfred Hitchcock

text: Comme "Le Rideau déchiré", "L'Étau" recevra un accueil mitigé de la part de la critique.


title: Alfred Hitchcock

text: Après l'échec du "Rideau déchiré" et de "L'Étau", Hitchcock renoue avec le succès en 1972, avec "Frenzy", tourné en Grande-Bretagne. Puis "Complot de famille", en 1976, reçoit les hommages de la critique.


title: Alfred Hitchcock

text: En 1971, Hitchcock est fait chevalier de la Légion d'honneur. L'année suivante, il revient à Londres pour y tourner "Frenzy", qui sera son dernier grand triomphe. Après les deux films d'espionnage au succès plus que modéré, l'intrigue du film marque le retour au thriller ayant un meurtre pour point de départ, un genre dans lequel Hitchcock avait beaucoup donné auparavant. Le scénario est confié à Anthony Shaffer, qui venait de connaître un certain succès au théâtre. Le tournage se trouve quelque peu bouleversé au moment où Alma, la femme et première collaboratrice d'Hitchcock, est victime d'une attaque, mais celle-ci se remettra assez rapidement.


title: Alfred Hitchcock

text: L'histoire de base recycle l'un de ses succès du muet, "Les Cheveux d'or" ("The Lodger"). Richard Blaney (Jon Finch), un serveur de bar à l'humeur changeante, prompt à la colère, devient le suspect numéro un dans l'affaire des « meurtres à la cravate », dont l'auteur réel est en fait son ami, Bob Rusk (Barry Foster), un marchand de fruits.


title: Alfred Hitchcock

text: Cette fois-ci, Hitchcock fait de l'« innocent » et du « méchant » des jumeaux plutôt qu'il ne les oppose, comme c'était le cas dans "L'Inconnu du Nord-Express". Seul l'un d'eux, cependant, a franchi la barrière et est devenu meurtrier. Pour la première fois, Hitchcock intègre dans l'un de ses films la nudité et la crudité du langage, sujets autrefois tabous. Il témoigne également d'une rare sympathie pour l'inspecteur en chef et à un aspect amusant de sa vie privée. "Frenzy" rencontrera un succès considérable, ses recettes dépassant même celles de "Psychose".


title: Alfred Hitchcock

text: Certains biographes ont fait remarquer qu'Hitchcock avait toujours repoussé les limites de la censure, réussissant souvent à gruger l'homme qui fut, pendant longtemps, chargé de faire respecter le code Hays à Hollywood : Joseph Breen. En effet, en de nombreuses occasions, Hitchcock était parvenu à glisser dans ses films de subtiles allusions à ce que la censure, jusqu'au milieu des années 1960, condamnait. Selon Patrick McGilligan, Breen et d'autres, le plus souvent, n'étaient pas dupes au sujet de ces connotations et, en fait, ils s'en amusaient tout autant qu'ils s'alarmaient des « déductions inévitables » que l'on ne pouvait que tirer de certaines scènes. Ce n'est qu'à partir du "Rideau déchiré" qu'Hitchcock sera finalement en mesure d'inclure ouvertement des éléments d'intrigue auparavant interdits dans les films américains, et cela restera le cas jusqu'à la fin de sa carrière.


title: Alfred Hitchcock

text: En 1974, la même année qu'il est victime d'une crise cardiaque à la suite de laquelle il sera obligé de porter un Pacemaker, un hommage est rendu à la carrière du réalisateur, le , par la Film Society du Lincoln Center de New York.


title: Alfred Hitchcock

text: "Complot de famille" ("Family Plot", 1976) sera le dernier film d'Hitchcock, alors quasi octogénaire.


title: Alfred Hitchcock

text: Le film relate les péripéties de « Madame » Blanche Tyler (Barbara Harris), une fausse voyante, et de son amant chauffeur de taxi (Bruce Dern), lequel compte tout de même tirer quelque profit de ces soi-disant pouvoirs. William Devane, Karen Black et Cathleen Nesbitt font également partie de la distribution. C'est le seul film d'Hitchcock dont John Williams ait écrit la musique. Le film, dont le scénario sans faille est signé Lehman, est d'une constante drôlerie, et donne l'impression d'être l'œuvre d'un jeune débutant, bourré de talent.


title: Alfred Hitchcock

text: D'une façon qui n'est sans doute pas anodine, "Complot de famille" se termine par un clin d'œil adressé, via le personnage de Blanche, aux spectateurs du film et, on s'imagine, aux spectateurs de tous les films du « Maître ».


title: Alfred Hitchcock

text: Dès le début des années 1970, Hitchcock songeait à faire un film, "The Short Night", basé sur l'histoire de l'espion George Blake qui, en 1966, s'était évadé d'une prison de Londres avant de fuir en Union soviétique.


title: Alfred Hitchcock

text: Il acquiert les droits de deux livres consacrés à cette histoire. Les relations d'Hitchcock avec James Costigan, le premier scénariste engagé pour le projet, seront assez houleuses ; le réalisateur le congédie et fait alors appel à son ancien collaborateur, Ernest Lehman, auteur des scénarios de "La Mort aux trousses" et "Complot de famille". Celui-ci écrit plusieurs versions de l'histoire, mais aucune ne satisfait Hitchcock, et les deux amis se brouillent. Hitchcock s'adresse alors à Norman Lloyd, un autre ancien collaborateur et ami, mais cela ne fonctionne pas mieux. Après avoir travaillé quelque temps seul à l'adaptation, Hitchcock accepte de collaborer avec un quatrième scénariste, David Freeman, qui s'attelle à la tâche à la fin de l'année 1978.


title: Alfred Hitchcock

text: Entre et , Hitchcock et Feeman se verront régulièrement dans les bureaux du réalisateur aux studios Universal. La santé déclinante du réalisateur rend la tâche de Feeman difficile. Hitchcock souffre d'arthrite. Elle lui cause d'intenses douleurs aux genoux. Il consomme beaucoup d'alcool, sans doute pour apaiser sa souffrance. Les difficultés morales du réalisateur sont accrues par l'inquiétude que lui donne la santé d'Alma, sa femme. Au moment où le scénario est pratiquement terminé, Hitchcock apprend que l'American Film Institute (AFI) veut le récompenser pour l'ensemble de sa carrière. Hitchcock, loin d'être flatté, perçoit la chose comme un présage de sa mort et panique. Il se rend malgré tout à la cérémonie.


title: Alfred Hitchcock

text: Le , il reçoit la visite du consul de Grande-Bretagne, qui vient lui annoncer sa nomination au rang de Chevalier de l'Empire britannique. Après son anoblissement, Hitchcock, très mal en point, prend la décision de définitivement renoncer à tourner "The Short Night" ; il en avertit directement Universal, et les bureaux d'Hitchcock ferment. Le scénario de "The Short Night" sera finalement publié dans un livre consacré aux derniers jours du réalisateur. Hitchcock reste chez lui quelque temps, puis revient quelquefois aux studios.


title: Alfred Hitchcock

text: À l'âge de 80 ans, Alfred Hitchcock meurt, le , des suites d'une insuffisance rénale, dans sa maison de Bel Air, à Los Angeles, Californie. Il s'éteint dans son sommeil, entouré des siens. Il laisse sa femme, Alma Reville, leur fille unique, Patricia, et trois petites-filles, Mary Alma, Teresa et Kathleen. Le corps est incinéré. Une cérémonie, sans cercueil, a lieu en l'église catholique du Bon Berger ("Good Shepherd Catholic Church") à Beverly Hills.


title: Alfred Hitchcock

text: Les cendres d'Alfred Hitchcock seront dispersées dans l'océan Pacifique.


title: Alfred Hitchcock

text: À ses débuts, Alfred Hitchcock, en dehors du cinéma, est très influencé par le théâtre. Ses tout premiers films sont en effet pour la plupart des adaptations de pièces. Il confiera par ailleurs souvent l'écriture de ses scénarios à des auteurs dramatiques à succès. Comme beaucoup d'Anglais, il est également très friand de littérature policière et de mystère (Poe figure entre autres parmi ses auteurs préférés) et amateur de faits divers (l'histoire du docteur Crippen, notamment, exercera chez lui une certaine fascination). Lorsqu'il était adolescent, il fréquentera souvent les procès de cours d'assises de l'Old Bailey et pouvait, du moins c'est ce qu'il prétendra lui-même par la suite, réciter de larges extraits de comptes rendus d'affaires célèbres.


title: Alfred Hitchcock

text: En ce qui concerne le cinéma, Alfred Hitchcock revendique lui-même l'influence du cinéma muet allemand, expressionniste ou « post-expressionniste ». Parmi les réalisateurs qui l'ont influencé, on peut citer Friedrich Wilhelm Murnau et Fritz Lang, dont il cite, parmi les œuvres qui l'auront marqué, "Les Trois Lumières" (1921) ; selon Claude Chabrol, une bonne partie de l'œuvre d'Hitchcock serait par ailleurs redevable aux "Espions" (1928). Ces influences sont non seulement perceptibles dans certains films muets d'Hitchcock, comme "Les Cheveux d'or" ("The Lodger", 1927), mais se sentent également dans bon nombre de ses œuvres postérieures. Un exemple concret de l'influence de Murnau : le plan-séquence de "L'Aurore" (1927) où « l'homme », après avoir traversé un bois, rejoint « la femme de la ville » rappelle, "a posteriori", la séquence d'introduction de "Rebecca" (1940), où un travelling nous emmène jusqu'aux ruines du château de Manderley ; le goût prononcé d'Hitchcock pour les plans-séquences en particulier, et la technique en général, vient sans doute de Murnau. Un exemple concret de l'influence de Lang : au début de "M le maudit" (1931), la mère attend sa petite fille et guette désespérément son retour sur le palier. Un plan montre alors une vue plongeante strictement verticale sur les volées d'escaliers, que l'on peut rapprocher, entre autres, de plans figurant dans les deux scènes montrant l'ascension du clocher dans "Sueurs froides" (1958).


title: Alfred Hitchcock

text: Selon certains critiques, on peut voir en Cecil B. DeMille une autre influence majeure d'Hitchcock. Au moment où ce dernier entame sa carrière au cinéma, DeMille est en effet l'un des réalisateurs les plus importants du cinéma mondial. DeMille était l'inventeur de ce qu'on a pu appeler les « comédies du remariage », dans lesquelles des couples mariés se séparent puis se retrouvent. La comédie "Joies matrimoniales" (1941), d'Hitchcock, est basée sur ce schéma, dont on peut également trouver des traces dans certains autres films du « maître du suspense », où des couples s'affrontent avant de se réunir ("Les 39 Marches", 1935 ; "La Mort aux trousses", 1959...). Au-delà de ça, on peut trouver un exemple concret de l'influence de DeMille sur Hitchcock dans la seconde partie de la version muette des "Dix Commandements" (1923), plus précisément dans la scène montrant le meurtre de la « vamp » lépreuse échappée de l'île de Molokai, au moment où celle-ci se trouve derrière un rideau, auquel elle s'agrippe quand le « Caïn » de l'histoire tire sur elle. La scène se termine par un plan montrant le rideau qui se décroche progressivement lorsque la femme s'écroule, un plan que l'on retrouve dans la fameuse scène de la douche de "Psychose" (1960) (voir aussi, plus bas, Logo).


title: Alfred Hitchcock

text: Interrogé sur son travail, Hitchcock expliquera : « Le scénariste et moi planifions la totalité du scénario jusqu'au moindre détail et, quand nous avons terminé, tout ce qui reste à faire c'est tourner le film. En fait, c'est seulement quand on entre en studio, qu'on entre dans la zone des compromis. Vraiment, c'est le romancier qui a le meilleur casting, puisqu'il n'a pas à composer avec les acteurs et tout le reste. » Dans une interview de 1969, Hitchcock précise : « Dès que le scénario est prêt, j'aimerais autant ne pas faire le film du tout... J'ai un esprit fortement visuel. Dans ma tête, je visualise un film jusqu'au montage final. J'écris tout ceci le plus en détail dans le scénario, et ensuite, quand je tourne, je ne regarde pas du tout le scénario. Je le connais par cœur, tout comme il n'est pas nécessaire à un chef d'orchestre de regarder la partition... Quand vous avez terminé le scénario, le film est parfait. Mais, pendant la réalisation, il perd peut-être quarante pour cent de votre conception d'origine. »


title: Alfred Hitchcock

text: Souvent, pour les films d'Hitchcock, l'écriture du scénario se fait à partir d'idées de scènes. C'est notamment le cas de la scène des parapluies ou celle du moulin dans "Correspondant 17" (1940), qu'Hitchcock imaginait avant même qu'on ne réfléchisse à l'histoire ou aux personnages, ou celle de l'avion d'épandage dans "La Mort aux trousses" (1959), qui vient de l'idée, ou du défi, d'une scène de suspense se déroulant, non pas comme à l'habitude dans un lieu clos et étouffant, mais au contraire dans un espace complètement aéré, vide, en rase campagne. Les histoires des films où l'on voit les personnages évoluant dans des sites célèbres (statue de la Liberté dans "Cinquième Colonne" (1942), siège des Nations unies ou mont Rushmore dans "La Mort aux trousses"...), sont ainsi en quelque sorte et en partie prétexte à l'utilisation de ces sites comme décor. David Freeman, le dernier scénariste à avoir collaboré avec Hitchcock est au départ assez déconcerté par la méthode utilisée par le réalisateur : « D'abord on décide de ce que vont faire les personnages, puis on les dote de traits de caractère qui rendent plausible leur comportement. [...] On a critiqué Hitchcock pendant des années sur le fait que, chez lui, la forme l'emportait sur le fond. Sa façon de travailler confirmait cette critique. L'astuce tenait en ce que son analyse des personnages était si minutieuse et si pénétrante qu'elle suffisait à leur donner vie dans ses films. ».


title: Alfred Hitchcock

text: Le réalisateur, pour expliquer ce qu'est un « MacGuffin », racontera souvent la même petite histoire drôle :


title: Alfred Hitchcock

text: Le « MacGuffin » est un élément-clé de l'intrigue, matériel ou pas, généralement mystérieux, qui sert en réalité uniquement de prétexte au développement du scénario, et qui n'a, au-delà de cela, aucune importance véritable. Le terme aurait été employé pour la première fois par Angus MacPhail, scénariste et ami d'Hitchcock. Hitchcock et ses scénaristes auront recours au procédé dans de nombreux films. Le « MacGuffin » revêt parfois, peut-être de façon démonstrative, un caractère assez saugrenu. En évoquant le film "La Mort aux Trousses", au cours d'une interview avec Truffaut, Hitchcock dira :


title: Alfred Hitchcock

text: Dans "Les 39 Marches" (1935), le « MacGuffin » est une série de plans que des espions ont dérobé et qui tient en fait en quelques phrases retenues par Memory ; dans "Une femme disparaît" (1938), c'est un message codé sous la forme d'un petit air de musique ; dans "Correspondant 17" (1940), une clause d'un traité qu'un homme politique hollandais est le seul, apparemment, à connaître ; dans "Les Enchaînés" (1946), un composé chimique caché dans des bouteilles de vin. L'un des « MacGuffin » de "La Mort aux trousses" (1959) prend la forme de microfilms dissimulés dans une statuette et contenant des « secrets du gouvernement ». C'est la seule explication qui nous sera fournie... Hitchcock voyait là son meilleur « MacGuffin », « le plus inexistant, le plus dérisoire. ». L'importance du « MacGuffin » diminue progressivement au cours du film jusqu'à parfois ne plus en avoir aucune, le spectateur se laissant entraîner par les personnages et la façon dont ils réagissent aux événements générés par le procédé.


title: Alfred Hitchcock

text: Selon certains, le premier « MacGuffin » du cinéma d'Hitchcock se trouve déjà dans "Les Cheveux d'or" ("The Lodger", 1927), avec le personnage de l'« "Avenger" », le tueur, que l'on ne voit en fait jamais à l'écran. Un autre personnage-« MacGuffin » est bien sûr le mystérieux Kaplan de "La Mort aux trousses", qui n'existe tout simplement pas. Dans ce film, on peut même considérer la scène de la discussion entre les agents américains comme une projection d'une réunion entre metteur en scène et scénaristes débattant pour savoir quel tournant faire prendre à l'histoire. Le personnage joué par Leo G. Carroll, qui apparaît pour donner des instructions, représente alors en quelque sorte le scénariste, en qui a surgi une nouvelle idée d'aventure, qu'il vient, « envoyé céleste », dans l'œuvre-même, proposer au héros.


title: Alfred Hitchcock

text: Hitchcock était toujours amusé quand scénaristes ou producteurs dissertaient sur la nature exacte du « MacGuffin », comme ce fut le cas pour celui des "Enchaînés" ; il dira : « Les gens qui discutent du « MacGuffin » le font parce qu'ils sont incapables d'analyser les personnages. ».


title: Alfred Hitchcock

text: Jean Douchet voit dans le suspense « la principale définition de l'œuvre hitchcockienne », et le définit comme étant « la dilatation d'un présent pris entre les deux possibilités contraires d'un futur imminent ». Selon Douchet, « l'anxiété naît de ce qu'acteurs ou spectateurs sont partagés, déchirés entre l'espérance d'un salut et la crainte de l'irrémédiable entre la vie et la mort. Elle est donc fonction de la durée du conflit, de sa dilatation. Elle aiguise notre perception du temps. ».


title: Alfred Hitchcock

text: Le suspense doit se distinguer de la surprise ou du choc. Dans les films d'Hitchcock, le suspense est obtenu par un décalage entre ce que le spectateur sait et ce que le personnage voit. L'attente anxieuse du spectateur peut ensuite être renforcée par une musique accentuée, des effets de lumière, des ombres... Dans le cinéma d'horreur, l'effet de surprise (le choc) consiste à faire apparaître une chose ou un personnage, souvent terrifiant, alors que ni le « héros » ni le spectateur ne s'y attendent. Mais dans les films hitchcockiens, l'anxiété du spectateur augmente au fur et à mesure que le danger, dont le « héros » n'est pas conscient, se précise ; le public se demande ce qui va arriver quand la menace sera enfin perçue par celui (ou celle) auquel il s'identifie. La plupart des thrillers d'Hitchcock reposent sur cet effet.


title: Alfred Hitchcock

text: Ainsi, dans "Fenêtre sur cour" (1954), le spectateur est seul à voir le voisin d'en face sortir de son appartement avec une femme ; Jeffries dort à ce moment. De même, quand le détective Arbogast monte les escaliers de la maison de Norman Bates dans "Psychose" (1960), le spectateur voit la porte s'entrouvrir et il est seul à prévoir le meurtre. "Sueurs froides" (1958) est aussi particulièrement significatif puisque le spectateur apprend par un flashback, dès le début de la seconde partie du film, la véritable identité de Judy et tout le complot monté contre Scottie. Le spectateur s'interroge ainsi sur la tournure que vont pouvoir prendre les événements.


title: Alfred Hitchcock

text: Dans une interview de 1967, quand on lui demande pourquoi il n'a jamais tourné de comédies, Hitchcock répond : « Mais tous les films que je fais sont des comédies. »


title: Alfred Hitchcock

text: Les thrillers d'Hitchcock, en effet, sont pour la plupart émaillés de touches humoristiques. Le réalisateur, qui a lui-même toujours un peu déconcerté les critiques par son incorrigible côté blagueur, considérait que la tension ne pouvait être maintenue tout au long d'un film et que des moments de répit devaient être ménagés dans la narration. Si l'on trouve plusieurs scènes d'un comique assez bon enfant, comme le début des "39 Marches" (1935) ou les scènes de voyance cocasses de "Complot de famille" (1976), l'humour hitchcockien porte fréquemment sur la sexualité et la mort (humour noir). Dans la première catégorie, on trouve par exemple, dans "Les 39 Marches" toujours, la scène où des représentants en sous-vêtements féminins suscitent le regard un peu désespéré d'un prêtre, ou celle où la main du héros est menottée à la main d'une jeune femme et accompagne celle-ci tandis qu'elle ôte ses bas, ou encore, au début de "Sueurs froides" (1958), la scène où il est question d'un soutien-gorge révolutionnaire conçu par un ingénieur en aéronautique. Dans la seconde, on trouve entre autres les remarques très terre-à-terre de Stella, l'infirmière de "Fenêtre sur cour" (1954), concernant ce que le tueur a bien pu faire du corps de sa victime, ou la femme du policier dans "Frenzy" (1972) s'interrogeant sur le cadavre de Babs tout en grignotant. "Mais qui a tué Harry ?" (1955) est, par ailleurs, une comédie entièrement vouée à l'humour macabre.


title: Alfred Hitchcock

text: La majorité des commentateurs ont cru fermement au fil des ans que les films d'Hitchcock étaient largement « storyboardés » jusque dans le moindre détail. On a dit qu'il ne s'était même jamais donné la peine de regarder à travers l'objectif d'une caméra, étant donné que pour lui ce n'était pas utile, même si des photos destinées à la promotion le montrent en train de le faire. Cela lui servait aussi d'excuse pour ne jamais devoir modifier ses films par rapport à la vision qu'il en avait au départ. Si un studio lui demandait de le faire, il pouvait prétendre que le film était déjà tourné d'une seule façon et qu'il n'y avait pas d'autres prises à prendre en considération.


title: Alfred Hitchcock

text: Toutefois, cette façon de voir Hitchcock comme un réalisateur s'en remettant davantage à la préproduction qu'à la réalisation elle-même a été contestée dans le livre "Hitchcock au travail" ("Hitchcock at Work"), écrit par Bill Krohn, correspondant américain pour "Les Cahiers du cinéma". Krohn, après avoir examiné plusieurs révisions de script, des notes échangées entre Hitchcock et d'autres membres du personnel de production, étudié des storyboards et d'autres matériaux de production, a observé que le travail d'Hitchcock déviait souvent par rapport au scénario tel qu'il était écrit ou à la conception qui était faite du film au départ. Il a souligné que le mythe de storyboards à propos d'Hitchcock, souvent régurgité par des générations de commentateurs de ses films, avait en grande partie été perpétué par Hitchcock en personne ou par le département des studios chargé de la publicité. Un très bon exemple serait la fameuse scène de pulvérisation du champ de maïs dans "La Mort aux trousses" qui n'aurait fait à l'origine l'objet d'aucun storyboard. Ce n'est qu'une fois la scène tournée que le département publicité aurait demandé à Hitchcock de réaliser des storyboards pour promouvoir le film, et Hitchcock, à son tour, aurait engagé un dessinateur pour reproduire les scènes en détail.


title: Alfred Hitchcock

text: Même lorsque des storyboards étaient faits, la scène tournée était sensiblement différente. L'analyse poussée effectuée par Krohn concernant le tournage de classiques d'Hitchcock tel que "Les Enchaînés" révèle que le réalisateur était suffisamment flexible pour modifier la conception d'un film durant sa réalisation. Un autre exemple donné par Krohn concerne le "remake" américain de "L'Homme qui en savait trop", dont le tournage commença sans script définitif et dépassa les limites de temps prévues, ce qui, comme le note Krohn, n'était pas inhabituel et se produisit pour beaucoup d'autres films d'Hitchcock, dont "L'Inconnu du Nord-Express" et "L'Étau". Même si le réalisateur consacrait effectivement beaucoup de temps à la préparation de tous ses films, il était pleinement conscient du fait que, dans la réalité, le processus de fabrication déviait souvent des plans les mieux établis, et il était flexible pour s'adapter aux changements et aux besoins de la production, étant donné que ses films n'échappaient pas aux habituels aléas fréquemment rencontrés dans la plupart des tournages, ni aux routines auxquelles, souvent, on avait alors recours.


title: Alfred Hitchcock

text: Le travail de Krohn offre également un éclairage au sujet de l'habitude d'Hitchcock de généralement tourner les scènes dans l'ordre chronologique, une habitude dont Krohn fait remarquer qu'elle fut souvent la source pour bon nombre de ses films d'un dépassement de budget et de délais et qui, ce qui est plus important, différait de la façon habituelle de procéder à Hollywood à l'époque du système des studios. Tout aussi importante est la tendance d'Hitchcock à tourner des prises alternatives de certaines scènes. Ce n'était pas nécessairement pour donner au monteur la possibilité de façonner le film de la manière qu'il (ou elle) souhaitait (souvent sous l'égide du producteur) que les films étaient tournés sous différents angles, mais cela témoignait plutôt de la tendance d'Hitchcock de se laisser à lui-même des choix en salle de montage, où il avait pour habitude, après avoir visionné les "rushes", de conseiller ses monteurs. Selon Krohn, cette information, ainsi que beaucoup d'autres révélées par son travail de recherche à travers notamment les archives personnelles et les révisions de script d'Hitchcock, contredisent l'image d'un cinéaste toujours en possession du contrôle sur ses films et dont la conception de ses œuvres ne changeait pas au moment de la réalisation, ce qui, note Krohn, est resté le vieux mythe central concernant Hitchcock.


title: Alfred Hitchcock

text: Hitchcock, en grand perfectionniste, prenait soin de choisir les lieux où il tournait ses films et ses scènes.


title: Alfred Hitchcock

text: Dans L'Ombre d'un doute, Hitchcock choisit la petite ville de Santa Rosa, idyllique et pleine de charme, afin de renforcer l'aspect innocent de ses personnages et criminel de l'oncle Charlie. En 1958, il choisit San Francisco pour tourner son prochain long-métrage, Sueurs froides. Cette ville vallonnée reflétait parfaitement les émotions de Scottie. Dans La Mort aux trousses, il prend un champ vide pour tourner la scène mythique de l'avion. Cet espace vide permettait à Hitchcock de montrer à quel point la situation est inattendue et absurde.


title: Alfred Hitchcock

text: Au sujet de la relation d'Hitchcock avec ses acteurs et actrices, on cite souvent une petite phrase qu'aurait prononcé le réalisateur : « Les acteurs sont du bétail ». Selon Hitchcock lui-même, il aurait dit cela dès la fin des années 1920, en rapport avec les acteurs de théâtre qui, alors, snobaient le cinéma. Cependant, selon Michael Redgrave, ce serait lors du tournage d"Une femme disparaît" que le réalisateur aurait fait cette remarque. La phrase donna lieu en 1941 à un incident, au moment de la production de "Joies matrimoniales" : Carole Lombard, pour surprendre le réalisateur, fit alors amener sur le lieu où des scènes allaient être tournées des génisses avec, écrits sur elles, les noms de Lombard, Robert Montgomery et Gene Raymond, les vedettes du film... Lors de la première de son dernier film, "Complot de famille", Hitchcock fera un petit rectificatif : « C'est un mensonge éhonté. Je n'ai jamais dit une chose pareille. C'est très grossier. Sans doute ai-je dit que les acteurs devaient être « traités comme » du bétail. »


title: Alfred Hitchcock

text: En fait, l'aversion supposée d'Hitchcock à l'égard des acteurs a été en grande partie exagérée. Simplement, Hitchcock, qui pensait que les acteurs devaient s'en tenir à se concentrer sur leur rôle et laisser les réalisateurs et scénaristes gérer l'histoire et le traitement des personnages, ne tolérait pas l'approche de « La Méthode ». Ainsi déclare-t-il dans une interview que « l'acteur de La Méthode est OK au théâtre parce qu'il a un espace libre pour se déplacer. Mais quand il s'agit de montrer un plan du visage et un plan de ce qu'il voit, il doit y avoir une certaine discipline. ». Pour Hitchcock, les acteurs, au même titre que les accessoires, n'étaient que des éléments du film ou, du moins, ils devaient considérer la caméra comme un partenaire de jeu à part entière.


title: Alfred Hitchcock

text: Pendant le tournage de "Lifeboat", Walter Slezak, qui joue le capitaine nazi, déclara qu'Hitchcock percevait les mécanismes du jeu d'acteur mieux qu'aucun autre qu'il connaissait. Il est par ailleurs indéniable que, dans la quasi-totalité des films d'Hitchcock, du moins en ce qui concerne la période américaine, les acteurs, loin d'être de simples marionnettes, donnent la pleine mesure de leur talent, ce qui indique de la part du réalisateur un réel savoir-faire, également, en ce qui concerne la direction d'acteurs, et ne peut que témoigner de la sympathie qu'il éprouvait pour ceux-ci. À titre d'exemple, on peut rappeler qu'avant son rôle dans "Rebecca" et dans "Soupçons", lequel lui vaudra un oscar, on déniait à Joan Fontaine, sœur d'Olivia de Havilland, le moindre talent. Par ailleurs, certains acteurs ne sont aujourd'hui plus guère connus en tant que tels que par leur prestation dans un film d'Hitchcock, non pas simplement grâce à la réputation du réalisateur, mais par la composition qui leur a été permis, alors, de livrer, et qui constitue un ingrédient essentiel de la réussite du film (Kelly dans ses trois films tournés avec le cinéaste, Leigh et Perkins dans "Psychose", Hedren dans "Les Oiseaux", et bien d'autres, jusque dans de petits rôles...). Hitchcock, simplement, stimulait les talents.


title: Alfred Hitchcock

text: En 2016, l'actrice Tippi Hedren relate des faits d'agression sexuelle de la part d'Hitchcock .


title: Alfred Hitchcock

text: Hitchcock semblait se délecter à relever les défis techniques de la réalisation.


title: Alfred Hitchcock

text: Dans "Lifeboat" (1944), il place la totalité de l'action du film à bord d'un petit bateau, mais parvient cependant, dans sa façon de tourner, à éviter la répétition monotone, et aussi à trouver une solution concernant son caméo, devenu sa marque de fabrique, et que l'étroitesse du décor rendait difficile : il apparaît dans un magazine fictif que lit un des personnages, en photo sur une publicité pour un produit amincissant... De même, l'action de "Fenêtre sur cour" (1954) se déroule dans un seul appartement et ne montre de l'extérieur que ce que l'on voit de la fenêtre de celui-ci.


title: Alfred Hitchcock

text: Dans "La Maison du docteur Edwardes" (1945), deux plans montrant une vue subjective ont nécessité la construction d'une main en bois géante, censée appartenir au personnage dont la caméra adopte le point de vue, et celle d'accessoires, d'une taille proportionnelle, que la main tient : un verre de lait en réalité de la taille d'un seau, et un fusil en bois gigantesque. Pour ajouter à la nouveauté et obtenir un effet saisissant, le coup de feu marquant le point culminant de la scène a été colorié en rouge sur la pellicule noir et blanc de certaines copies du film. "La Corde" (1948) constituait un autre défi technique. Le film donne en effet l'impression d'avoir été tourné en une seule et unique prise. En réalité, il est composé de dix prises durant chacune entre quatre minutes et demie et dix minutes, dix minutes étant la longueur maximum de bobine pouvant alors être contenue dans une caméra de l'époque. Certaines transitions entre le passage d'une bobine à l'autre sont camouflées par un objet sombre venant remplir pendant un certain temps la totalité du champ. Ces points étaient utilisés par Hitchcock pour dissimuler les coupures, et la prise suivante débutait avec la caméra placée exactement dans la même position.


title: Alfred Hitchcock

text: "Sueurs froides" (1958) a recours à une technique de caméra développée par Irmin Roberts, une technique imitée et réutilisée de nombreuses fois par la suite par d'autres réalisateurs, et qui donne l'impression d'une image qui s'allonge. L'effet est obtenu en déplaçant la caméra dans la direction opposée à celle du zoom. On a appelé cet effet le « travelling compensé », « dolly zoom » ou l'« effet Vertigo ».


title: Alfred Hitchcock

text: Hitchcock porte un intérêt tout particulier au thème de l'innocent accusé à tort, injustement poursuivi, et obligé de se disculper. Parmi les « classiques » d'Hitchcock, l'un des premiers à aborder ce sujet est "Les 39 Marches" (1935), dont le scénario est coécrit par Charles Bennett, et dont le réalisateur tournera plusieurs variantes au cours de sa carrière, jusqu'à "La Mort aux trousses" en 1959, voire "Frenzy" en 1972. Le thème, cependant, est déjà présent, dans une certaine mesure, dans quatre films antérieurs, muets, réalisés entre 1925 et 1928 : "The Mountain Eagle" (film perdu), "Les Cheveux d'or", "Downhill" et "Le passé ne meurt pas". Il s'agit presque à chaque fois de drames, seul le second pouvant être considéré comme un thriller. De toute évidence, le thème renvoie au christianisme, plus nettement évoqué dans "La Loi du silence" (1952) et "Le Faux Coupable" (1956). Plus prosaïquement, cependant, Hitchcock expliquera que « le thème de l'homme injustement accusé procure aux spectateurs un plus grand sentiment de danger, car ils s'imaginent plus facilement dans la situation de cet homme que dans celle d'un coupable en train de s'évader ».


title: Alfred Hitchcock

text: Hitchcock entretient des rapports difficiles avec les femmes dans son enfance et son adolescence. Il est un enfant solitaire. Plus tard, il dira n'avoir compris vaguement les aspects mécaniques du sexe qu'à l'âge de vingt ans. Dans ses films, les figures féminines sont souvent les plus noires. D'une part, les jeunes femmes aux cheveux bruns représentent souvent le mal. De plus, la figure de la mère, souvent présente, est en général décrite sous un jour assez peu flatteur. Cela est visible dans "Les Oiseaux", où la mère a peur d’être abandonnée par son fils ; le paroxysme de cette relation se trouve, bien sûr, dans "Psychose".


title: Alfred Hitchcock

text: Les héroïnes d'Hitchcock sont le plus souvent des blondes à la beauté glacée qui, dans un premier temps, ont le profil de femmes idéales, mais qui, dès qu'elles sont réveillées par la passion ou le danger, répondent d'une façon plus sensuelle, animale, voire criminelle. La « blonde hitchcockienne », par rapport aux personnages ingénus de « blondes hollywoodiennes », est subversive. Une anecdote, à ce titre, est significative : au milieu des années 1950, quand Marilyn Monroe demande aux studios de travailler avec le réalisateur, Hitchcock aurait refusé, disant ne pas apprécier les femmes qui ont « le sexe affiché sur la figure »...


title: Alfred Hitchcock

text: On notera d'abord que, dans "Les Cheveux d'or" ("The Lodger", 1927), qu'Hitchcock considérait comme son premier « vrai » film, les victimes de l'« "Avenger" » sont toutes de jeunes femmes blondes (c'est d'ailleurs ce qui justifie le titre donné en français au film). Daisy (June Tripp), l'héroïne du film, la fille du couple qui héberge le jeune homme suspect et dont celui-ci, malgré une certaine ambiguïté relative à son orientation sexuelle, finit par s'éprendre, bien que blonde elle aussi, n'a cependant pas tout à fait ce qui deviendra plus tard les caractéristiques de la blonde selon Hitchcock.


title: Alfred Hitchcock

text: Le prototype en est, en fait, Anny Ondra, qui tourne sous la direction d'Hitchcock dans "The Manxman" et "Chantage", deux film muets de 1929, dont le second deviendra le premier film parlant du réalisateur. À cause d'un accent à couper au couteau , Ondra devra être doublée pour la version sonore. On a conservé un essai de l'actrice pour cette version, dans lequel on voit et entend Hitchcock lui poser des questions quelque peu grivoises, et elle y répondre d'un air à la fois choqué et amusé. Dans "Chantage", elle joue le rôle de la fiancée d'un policier, qui tue un peintre après que celui-ci a tenté d'abuser d'elle. La blonde hitchcockienne, semble-t-il, est tout d'abord pour le réalisateur, comme le montre la façon dont elle apparaît dans certains de ses films ultérieurs, l'objet d'une fascination s'apparentant au fétichisme : dans "Sueurs froides" comme dans "La Mort aux trousses", certains plans la mettent en scène, avec une insistance que l'on ne peut que relever, comme un sujet d'une œuvre picturale, que l'on pourrait prosaïquement appeler « Blonde mystérieuse de profil regardant vers la droite » ou, mieux, « Blonde mystérieuse, profil gauche »...


title: Alfred Hitchcock

text: Dans "Les 39 Marches" (1935), on découvre une autre blonde, incarnée par Madeleine Carroll, à qui le héros, innocent poursuivi et aux abois, se présente par un fougueux baiser, mais elle, cependant, n'hésite pas à le dénoncer. Plus tard dans le film, elle se retrouvera littéralement menottée au héros, qui finira par la convaincre. Carroll jouera l'année suivante dans un autre film d'Hitchcock, "Quatre de l'espionnage".


title: Alfred Hitchcock

text: Dans "Fenêtre sur cour" (1954), Lisa (Grace Kelly) risque sa vie en s'introduisant dans l'appartement de Lars Thorwald, le tueur supposé, tandis que dans "La Main au collet" (1955), Francie (de nouveau Grace Kelly) se propose de venir en aide à un cambrioleur « à la retraite » mais qu'elle croit toujours en activité. Dans "Sueurs froides" (1958), Judy (Kim Novak), déguisée en blonde, est complice d'un meurtre. Dans "La Mort aux trousses" (1959), la blonde Eve Kendall (jouée par Eva Marie Saint) conduit le héros Roger Thornhill, dont elle est pourtant éprise, dans les griffes de ceux-là mêmes qui cherchent à le tuer. Dans "Les Oiseaux" (1963), Melanie Daniels (Tippi Hedren) est à un moment accusée d'être à l'origine, par sa simple présence, de l'inexplicable catastrophe.


title: Alfred Hitchcock

text: Dans "Pas de printemps pour Marnie" (1964), le personnage-titre (de nouveau Hedren) est kleptomane et frigide. Au début du film, dans une scène qui, de façon frappante, montre trois personnages féminins appartenant à trois générations différentes et qui toutes ont les cheveux blonds on entend, curieuseument, la mère de Marnie critiquer sa fille qui s'est décoloré les cheveux : "" (« Toujours, les cheveux trop blonds, ça fait femme qui essaye d'attirer les hommes. Les hommes et la bonne réputation, ça ne va pas ensemble. »)...


title: Alfred Hitchcock

text: Mais le meilleur exemple se trouve dans "Psychose" où le personnage infortuné joué par Janet Leigh dérobe avant d'être la victime d'un psychopathe vivant isolé de la société.


title: Alfred Hitchcock

text: La dernière héroïne blonde d'Hitchcock sera, des années après Dany Robin et sa « fille » Claude Jade dans "L'Étau" en 1969, Barbara Harris, dans le rôle d'une fausse voyante extralucide se transformant en limier amateur dans le dernier film d'Hitchcock, le "Complot de famille" de 1976. On pourrait aussi inclure dans cette galerie de portraits, dans le même film, la trafiquante de diamants interprétée par Karen Black, qui porte dans de nombreuses scènes une longue perruque blonde et que son activité délictueuse rend progressivement de plus en plus mal à l'aise.


title: Alfred Hitchcock

text: Certains critiques et spécialistes d'Hitchcock, notamment Donald Spoto et Roger Ebert, s'accordent pour dire que "Sueurs froides" représente le film le plus personnel du réalisateur, et aussi le plus révélateur, étant donné qu'il y est question des obsessions d'un homme qui « sculpte » une femme pour la transformer en celle qu'il désire. "Sueurs froides" explore d'une manière moins détournée et plus largement qu'aucun autre de ses films l'intérêt du cinéaste pour la relation entre la sexualité et la mort.


title: Alfred Hitchcock

text: Certains films d'Hitchcock nous montrent des personnages qui ont une relation problématique avec leur mère. Dans "Les Enchaînés" (1946), Sebastian (Claude Rains), le « méchant », subit de toute évidence la domination de sa mère (Leopoldine Konstantin), qui porte un regard méfiant sur sa future belle-fille (Ingrid Bergman). La mère est ici assez surprenante : elle est dépeinte comme un chef autoritaire, d'allure virile, la cigarette « au bec ». Quand il sent que les choses tournent mal pour lui et que la situation devient inextricable, son fils, qui semble pourtant avoir dépassé la quarantaine, redevenu petit garçon penaud, s'en remet complètement à elle ; et elle se révèlera, au dernier moment, capable de rapidement tout renier pour qu'il ait la vie sauve. Bruno, le « méchant » de "L'Inconnu du Nord-Express" (1951) déteste son père au point de vouloir le tuer, mais entretient une relation très étroite avec sa mère (Marion Lorne), qui apparaît bientôt comme à moitié folle, c'est-à-dire, sans doute, à moitié entraînée dans l'amour et la folie de son fils. Dans "La Mort aux trousses" (1959), Roger Thornhill (le personnage joué par Cary Grant) est un « innocent pris au piège » dont la mère (Jessie Royce Landis) se moque quand il lui dit que de mystérieux individus cherchent à le tuer. Dans "Les Oiseaux" (1963), le personnage joué par Rod Taylor voit son univers attaqué par des oiseaux haineux, juste au moment où se présente à lui la possibilité de se libérer des serres d'une mère possessive (Jessica Tandy). Quant au tueur de "Frenzy" (1972), il ne ressent que haine pour les femmes, toutes « des putains », à l'exception de sa mère, qu'il semble idolâtrer, et les femmes qu'il trouve à son goût et qu'il ne peut que tuer...


title: Alfred Hitchcock

text: Mais le plus bel exemple reste bien sûr Norman Bates et sa relation plus que problématique avec sa mère, dans "Psychose" (1960), une mère qu'il conserve et incarne, qui est et qui n'est plus.


title: Alfred Hitchcock

text: En quelques images, montrant généralement de simples objets, Hitchcock parvient à situer un personnage, et à nous expliquer implicitement sa personnalité. Dans "Le crime était presque parfait" (1954), les sentiments du personnage joué par Kelly sont notamment indiqués, au tout début du film, par la couleur de sa robe, blanche tandis qu'elle embrasse son mari, ensuite rouge vif lorsqu'elle fait de même avec son amant.


title: Alfred Hitchcock

text: Cela est encore plus évident dans le film suivant du réalisateur, au début de "Fenêtre sur cour" (1954). Après nous avoir montré Jeffries (Stewart) une jambe plâtrée et condamné à la chaise roulante (une dédicace sur son plâtre le désignant, incidemment, comme « sympathique »), la caméra se déplace ensuite sur des objets évoquant non seulement ce qui lui est arrivé, mais aussi son passé et ce qui constitue alors le centre de ses préoccupations : un appareil photo brisé, des photos accrochées au mur, montrant d'abord des d'accidents, ensuite des scènes d'un conflit quelconque, enfin le négatif d'une photo de femme, dont on voit ensuite le positif sur la couverture visible au-dessus d'une pile de magazines. La signification de ces images apparaîtra plus clairement au cours du film. Le dilemme majeur auquel se heurte alors le personnage (avant qu'il ne soit témoin d'une scène suspecte) est de savoir s'il doit ou non s'engager plus avant dans sa relation avec la femme (un mannequin) dont il est épris, mais qui néanmoins risque selon lui de le freiner dans sa soif d'aventures.


title: Alfred Hitchcock

text: Dans "Psychose" (1960), le personnage joué par Janet Leigh apparaît, avant le vol qui aura pour elle des conséquences tragiques, en sous-vêtements blancs, puis, au moment où elle projette son méfait, on la voit qui porte des sous-vêtements noirs. Elle prend la fuite à bord d'une voiture noire, qu'elle échange, quand des remords de conscience commencent à la ronger, contre une voiture claire (le film, pour rappel, est en noir et blanc).


title: Alfred Hitchcock

text: Dans un grand nombre de scènes de ses films, le réalisateur utilise les sources de lumière (bougies, lampes, lustres...) d'une façon tout à fait particulière.


title: Alfred Hitchcock

text: L'exemple sans doute le plus frappant se trouve dans "Le Procès Paradine" (1947) avec la séquence de la rencontre proprement dite entre l'avocat (Gregory Peck) et celui qui se révèle finalement être son rival (Louis Jourdan). La séquence fait elle-même partie d'une sorte de « chapitre » ou « scène-pivot » dont le début et la fin sont signalés par deux plans montrant chacun un arbre, l'un quasi identique à l'autre, si ce n'est que l'image est inversée. Au cours du dialogue entre les deux hommes, ils apparaissent à l'écran « en compagnie » d'une lampe massive qui, par les mouvements de caméra, semble se déplacer de façon étonnante au-dessus d'eux, entre eux, au-dessous d'eux ou à côté d'eux, et semble jouer un rôle, comme un troisième acteur. Plus tard dans le même film, après la scène du procès, que suit un plan fixe montrant une statue symbolisant la justice, on assiste à une conversation lors d'un repas entre le juge (Charles Laughton) et sa femme, dont la mise en scène fait intervenir des bougies.


title: Alfred Hitchcock

text: Au début de "Cinquième Colonne" (1942), la mère (Dorothy Peterson), dont le fils unique vient de mourir victime d'un attentat, et que vient consoler le héros (Robert Cummings) , apparaît assise à une table entre quatre bougies éteintes, deux d'un côté et deux de l'autre, tandis que derrière elle une lampe projette de façon diffuse sa lumière vers le haut. La maison de l'aveugle (Vaughan Glaser), où l'« innocent » arrive ensuite au cours de son périple, est remplie d'un grand nombre de luminaires éteints pour la plupart, des lampes, et des bougies dont la mèche est intacte et qui n'ont jamais servi. La mère et l'aveugle ont en commun qu'ils défendent l'« innocent » de façon « instinctive », ce qui n'est pas le cas, notamment, de l'héroïne (Priscilla Lane) qui, bien qu'elle soit la fille de l'aveugle, doute à plusieurs reprises de l'intégrité de l'« innocent ».


title: Alfred Hitchcock

text: Dans "Fenêtre sur cour" (1954), le personnage joué par Grace Kelly apparaît à un moment donné entre deux bougies d'abord éteintes, ensuite allumées. Dans le même film, on la voit allumer successivement trois lampes tout en disant à haute voix, comme on prononcerait une formule magique, les trois mots constituant son propre nom. Au début de "La Mort aux trousses" (1959), lors de la première confrontation de Thornhill (Cary Grant) avec les ennemis qu'il ne se soupçonnait pas avoir, on voit le personnage de Vandamm (James Mason) fermer les rideaux et se placer devant une lampe ; il parle, et sa silhouette rendue fantomatique par le procédé prend un aspect particulièrement menaçant.


title: Alfred Hitchcock

text: "Complot de famille" (1976), le dernier film d'Hitchcock, se termine par une scène où la voyante « de pacotille » (Barbara Harris) découvre de façon inexplicable , une pierre précieuse cachée parmi les perles de cristal décorant un lustre (ce qui renvoie à la boule de cristal de la voyante, par ailleurs élément central du générique du film).


title: Alfred Hitchcock

text: Dans "The Lodger", l'arrivée du locataire au sein du foyer se fait alors qu'une coupure d'électricité vient de se produire. Lorsque la mère ouvre la porte pour découvrir qui se tient derrière, la lueur d'une bougie allumée à ce moment-là le révèle comme le probable meurtrier recherché.


title: Alfred Hitchcock

text: Ces éléments, à l'évidence, revêtent un caractère symbolique et se référent, consciemment ou inconsciemment de la part du réalisateur, à des thèmes essentiels du christianisme. Cette religion est abordée plus directement dans "La Loi du silence" (1953), même si l'on peut considérer qu'il s'agit ici d'un simple prétexte, ou dans "Le Faux Coupable" (1956), même si le but ne semble être là que la retranscription la plus fidèle possible d'une « histoire vraie »... Dans "Le Faux Coupable", c'est après que l'« innocent » a prié devant l'image du Christ que le vrai coupable apparaît. Un peu de la même façon que, dans "Les 39 Marches" (1935), l'« innocent » a la vie sauve grâce à un livre de prières, qui appartient à un paysan bigot et vénal, et qui se retrouve par hasard dans sa poche


title: Alfred Hitchcock

text: Dans "Psychose", deux gros plans d'œil semblent se répondre : celui de Norman Bates, qui épie Marion par un petit trou percé dans une paroi et dissimulé derrière un tableau, et celui, grand ouvert mais éteint, de Marion morte, victime du voyeur. Des yeux figurent comme motifs dans le rêve (mis en image avec l'aide du peintre Salvador Dalí) du mystérieux amnésique de "La Maison du docteur Edwardes".


title: Alfred Hitchcock

text: Dans un grand nombre de films d'Hitchcock, on trouve des scènes « d'escaliers ». Dans "Le crime était presque parfait", la clé est cachée sous le tapis couvrant une marche d'escalier. Dans "Sueurs froides", les escaliers constituent eux-mêmes un élément-clé, étant donné que c'est l'impossibilité dans laquelle se trouve le personnage principal de les gravir jusqu'au bout qui est à l'origine du drame. Dans "Psychose", le détective Arbogast se fait tuer sur les marches qui conduisent au lieu où, pense-t-il, il est susceptible de trouver la solution du mystère. Dans "Complot de famille", la scène finale a aussi pour décor un escalier, en haut duquel le héros se réfugie quand surgit le couple malfaisant, et c'est juste au-dessus de cet escalier que se trouve le lustre où la pierre précieuse est cachée.


title: Alfred Hitchcock

text: Les moyens de transport jouent un rôle particulier dans bon nombre de films d'Hitchcock. On a souvent vu dans l'image d'un train s'engouffrant dans un tunnel à la fin de "La Mort aux trousses" un symbole de l'acte sexuel (et telle était bien l'intention, avouée, du réalisateur). Le train, avec cette même connotation, est le lieu où se font certaines rencontres : "Soupçons" et "L'Inconnu du Nord-Express" débutent par une scène de séduction dans un train. La voiture semble jouer un rôle similaire : notamment dans "Le Grand Alibi", "Les Enchaînés"... La longue séquence de filature dans "Sueurs froides", à l'origine de l'obsession du héros pour la mystérieuse jeune femme blonde, et la longue scène où l'on voit le personnage de Marion à bord de ses deux voitures successives, en préambule de sa mort brutale dans "Psychose", peuvent ainsi revêtir un sens particulier.


title: Alfred Hitchcock

text: Hitchcock était complexé par son poids, héritage de son père qui appréciait également la bonne cuisine. Différents acteurs et membres de l'équipe technique racontent qu’Hitchcock les invitait à dîner pour faire plus ample connaissance mais qu’ils parlaient davantage de gastronomie et du bon vin que du film en cours. Dans ses films, la nourriture a un rôle important. La fameuse scène du baiser dans "Les Enchaînés" (1946) est entrecoupée de propos sur le poulet. Dans "Fenêtre sur cour" (1954), Lisa est vue comme une femme parfaite et Jeffries semble l'admettre lorsqu'elle lui apporte son repas, arrivé directement d'un grand restaurant : « Parfait, comme d'habitude ». L'invitation au dîner est souvent l'expression du désir de l'un des deux personnages d'aller plus loin dans sa relation avec l'autre : ainsi, John « le Chat » et Frances s'offrent un pique-nique, Scottie invite Judy à dîner, et Mitch invite Melanie, respectivement dans "La Main au collet" (1955), "Sueurs froides" (1958) et "Les Oiseaux" (1963), et une relation amoureuse peut débuter. La nourriture accentue le désir de Norman Bates pour Marion Crane dans Psychose (1960), puisqu'il lui apporte les sandwiches afin de discuter avec elle. Mais les exemples de scènes où il est question de nourriture abondent dans les films de Hitchcock...


title: Alfred Hitchcock

text: Dans son essai consacré au réalisateur, Jean Douchet analyse le boire, le manger et le fumer dans les films d'Hitchcock, et développe à ce sujet une théorie sur « l'absorption » qu'il aborde en disant : « Ce n'est pas gratuitement que l'œuvre du cinéaste, dont les préoccupations digestives se manifestent avec évidence dans la rondeur bonhomme de sa propre personne, est celle où le manger, le boire et le fumer tiennent une place capitale qu'aucune autre œuvre cinématographique, pas même celle de Renoir, autre gourmet célèbre, ne peut lui disputer. [...] Il ne faut donc point s'étonner si, chez Hitchcock, c'est toujours à l'occasion d'un repas que le héros surprend à la dérobée, le secret ténébreux. ».


title: Alfred Hitchcock

text: Il est intéressant de noter, à ce sujet, que l'une des « plaisanteries » les plus appréciées du réalisateur lie la nourriture et la mort, comme le montre le repas servi autour de la malle contenant un cadavre dans "La Corde" (1948), ou le repas dont le plat principal est l'arme du crime dans "L'inspecteur se met à table" ("Lamb to the Slaughter", 1958) , ou certains passages humoristiques de "Fenêtre sur cour" (1954), "Mais qui a tué Harry ?" (1955) ou "Frenzy" (1972)...


title: Alfred Hitchcock

text: Hitchcock réalise ses films pour le spectateur et il aime jouer avec le côté forcément voyeur, et potentiellement « mauvais », de celui-ci.


title: Alfred Hitchcock

text: Dans "L'Inconnu du Nord-Express" (1951), le montage parallèle entre, d'une part, le parcours laborieux du « méchant » qui se rend sur les lieux de son crime pour y laisser un briquet susceptible de compromettre le « héros » et, d'autre part, le match de tennis que le « héros » doit remporter au plus vite pour avoir une chance d'empêcher le « méchant », son réel adversaire, d'exécuter son projet, suscite chez le spectateur une tension trouble et, quand le « méchant » peine à atteindre le briquet qu'il a maladroitement laissé tomber dans une grille de soupirail, le spectateur en vient à souhaiter que celui-ci parvienne malgré tout à le récupérer. L'idée du match de tennis est d'ailleurs à ce titre intéressante, et aussi, plus tôt dans le film, l'image de Bruno (le « méchant ») seul parmi le public à ne pas tourner la tête pour suivre la trajectoire de la balle : le « méchant » est sûr de son camp ou, plutôt, il n'a pas de camp ; on pourra observer qu'il ne regarde en fait dans la direction d'aucun des deux joueurs, mais bien droit devant lui : la caméra et, partant, le spectateur...


title: Alfred Hitchcock

text: Dans de nombreux autres de ses films, Hitchcock amène par moments le spectateur à soutenir, quasi inconsciemment, le parti du « méchant ». Dans "Le crime était presque parfait" (1954), nous sommes un peu déçus, au cœur de la tension, de voir les plans échafaudés par le mari machiavélique pour se débarrasser de sa femme (la pourtant délicieuse Grace Kelly) ne pas se dérouler comme prévu : de voir que le meurtre risque de ne pas avoir lieu, parce que la montre du mari s'est arrêtée et, ensuite, que la cabine d'où il compte donner le coup de téléphone fatal est occupée. Dans "Psychose" (1960), nous espérons que Norman Bates ne va pas oublier le journal qui risque de le faire suspecter et, plus tard, quand il veut faire disparaître dans un marais la voiture contenant le corps de celle qui au départ était présentée comme l'héroïne, et que le véhicule hésite un moment à s'enfoncer, nous éprouvons avec lui un certain soulagement en voyant tout d'un coup la voiture-cercueil finir de couler. Nous nous surprenons de la même manière, dans "Frenzy" (1972), à souhaiter que le maniaque parvienne à récupérer l'épingle à cravate, qui pourrait le trahir, restée coincée dans la main, raidie par la mort, de Babs, sa victime...


title: Alfred Hitchcock

text: Un commentaire de ce phénomène se trouve d'une certaine façon formulé dans "Fenêtre sur cour" (1954), où la fenêtre du « héros » voyeur, assimilable à un écran de cinéma, place le spectateur dans la même position que lui. Au spectateur est renvoyé le reflet de ses désirs troubles à travers ceux de Jeffries et Lisa et, comme le dit cette dernière, « Nous sommes déçus parce qu'un homme n'a pas assassiné sa femme » ; dans le même temps, elle ne condamne le comportement, comme s'il faisait inévitablement partie de la nature humaine, que d'une honte « de principe ». Le spectateur veut une victime et un meurtrier car il veut de l'action. Hitchcock rend le spectateur, malgré lui, complice du tueur.


title: Alfred Hitchcock

text: Un caméo est l'apparition furtive (souvent muette) d'une personnalité célèbre dans un film. Hitchcock apparaît d'abord dans "Les Cheveux d'or" ("The Lodger", 1926) car il trouve alors plaisant d'équilibrer lui-même un premier-plan (on le voit assis de dos à un petit bureau, devant une baie vitrée d'une salle de rédaction). Par la suite, ses caméos deviennent un jeu pour le spectateur, et on peut le voir dans tous ses films postérieurs. Bien vite, cependant, il se rend compte que cette apparition furtive peut causer une certaine gêne dans la perception du déroulement de l'action : aussi finit-il par ne plus apparaître qu'en tout début de film, de façon que les spectateurs ne l'attendent plus et puissent être pleinement concentrés sur l'histoire. Toutefois, dans les "Enchainés", il apparait deux fois : la première au tout début du film à 30 environ (le passant devant la maison), la seconde au milieu du film à environ 30 (un convive buvant un verre de champagne).


title: Alfred Hitchcock

text: Les caméos d'Hitchcock révèlent un personnage assez paradoxal. Obsédé par son physique, il ne perdait pourtant pas une occasion de se montrer, contrairement à d’autres réalisateurs très discrets. Cela fait partie de son humour cocasse, qui ponctue bien souvent ses films. L'apparition d'Hitchcock dans ses films peut être considérée comme sa signature, et sans doute est-il possible de trouver une signification dans ce que son personnage fait dans cette apparition en rapport avec l'œuvre dans laquelle elle s'insère.


title: Alfred Hitchcock

text: L'exigence et le souci du détail du réalisateur s'étendaient également à chaque affiche de ses films. Hitchcock préférait travailler avec les plus grands talents de l'époque et leur faisait revoir leur copie à d'innombrables reprises, jusqu'au moment où il estimait que l'image unique figurant sur l'affiche représentait fidèlement son film en entier.


title: Alfred Hitchcock

text: Le générique de la série "Alfred Hitchcock présente" montre un dessin représentant, schématiquement mais de manière très reconnaissable, le profil joufflu d'Hitchcock et a pour thème "La Marche funèbre pour une marionnette" de Charles Gounod. La caricature est en fait un autoportrait, dont une première version avait déjà été publiée dans un quotidien en 1923 ; elle aurait été inspirée par Cecil B. DeMille qui avait dessiné un médaillon à son effigie apparaissant au générique de ses films à partir de 1919. Quant au petit air de Gounod, c'est sur le conseil de Bernard Herrmann qu'il sera choisi pour illustrer la série. Ce dessin et cette musique suffisent alors, et suffiront longtemps encore par la suite, à évoquer le réalisateur.


title: Alfred Hitchcock

text: Dans les années 1950, en France, certains critiques des "Cahiers du cinéma" seront les premiers à considérer les films d'Hitchcock comme des œuvres artistiques et à en faire la promotion en tant que telles. Hitchcock sera l'un des premiers cinéastes auquel ces critiques, futurs animateurs de la nouvelle vague, appliqueront leur « politique des auteurs », qui souligne l'autorité artistique du réalisateur dans le processus de fabrication d'un film. Une première rencontre avec Hitchcock aura lieu en 1954, lors du tournage de "La Main au collet". En octobre, "Les Cahiers", à l'initiative notamment de Claude Chabrol et François Truffaut, et contre une certaine réticence de la part du rédacteur en chef André Bazin, publient un numéro spécial consacré au réalisateur (39, t. VII). Trois ans plus tard, en 1957, Éric Rohmer et Claude Chabrol publient l'une des premières monographies consacrées à Hitchcock.


title: Alfred Hitchcock

text: En 1966, François Truffaut publie "Le Cinéma selon Hitchcock", résultat d'une série d'entrevues avec le « maître du suspense » du 13 au dans les bureaux d’Universal. .


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text: Quatre de ses films ont été nommés dans la catégorie meilleur film, seul Rebecca l'emporta (en sachant que cet Oscar ne nomme et ne récompense que les producteurs) :


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text: Nommé cinq fois meilleur réalisateur, Alfred Hitchcock n'a jamais obtenu d'Oscar, sauf un prix honorifique. Toutes catégories confondues, ce sont en tout seize films d'Hitchcock qui seront nommés aux Oscars, dont six seulement vaudront à leur réalisateur une proposition à titre personnel : Le nombre de nominations (y compris les lauréats) pour les seize films s'élève à cinquante. Miklós Rózsa remporte l'Oscar de la meilleure musique pour "La Maison du docteur Edwardes", et Joan Fontaine celui de la meilleure actrice pour sa prestation dans "Soupçons" ; elle est, parmi tous les acteurs, la seule à être ainsi récompensée pour un rôle dans un film dirigé par Hitchcock.


title: Alfred Hitchcock

text: En 1967, Hitchcock reçoit l'Irving G. Thalberg Memorial Award.


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text: Dans la saison 4 de Epic Rap Battles of History, Alfred Hitchcock affronte l’autre réalisateur, scénariste et producteur, Steven Spielberg


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text: En 1971, il est fait chevalier de la Légion d'honneur.


title: Alfred Hitchcock

text: Le profil d'Alfred Hitchcock apparaît, avec d'autres « mythes » du cinéma, dans le générique de "Quand la panthère rose s'emmêle" (1976) de Blake Edwards, film faisant partie de la série des "Panthère rose".


title: Alfred Hitchcock

text: Alfred Hitchcock figure, avec James Whale et, plus tard, George Lucas, parmi les quelques réalisateurs parodiés par Mel Brooks. "Le Grand Frisson" ("High Anxiety", 1977), qui fait référence à plusieurs films et à plusieurs caractéristiques de l'œuvre du « maître du suspense », est d'ailleurs dédié à ce dernier.


title: Alfred Hitchcock

text: En 1979, Hitchcock est récompensé par l'American Film Institute (AFI) pour l'ensemble de sa carrière.


title: Alfred Hitchcock

text: Hitchcock sera fait Chevalier Commandeur de l'Ordre de l'Empire Britannique par la reine Élisabeth II lors des "New Year's Honours" de 1980. Bien qu'il ait adopté la nationalité américaine en 1956, il était demeuré sujet britannique et pouvait dès lors utiliser le titre de "Sir". Hitchcock est mort seulement quatre mois plus tard, le , avant d'avoir pu être investi de son titre de manière officielle.


title: Alfred Hitchcock

text: À l'École de cinéma ("School of Cinematic Arts") de l'Université de Californie du Sud (USC), une chaire consacrée à l'étude du film américain a été baptisée des noms d'Alma et Alfred Hitchcock : "".


title: Alfred Hitchcock

text: Depuis 1991, le Festival du film britannique de Dinard (Ille-et-Vilaine, Bretagne) remet un prix portant le nom du réalisateur. On peut par ailleurs voir dans cette ville une statue en bronze du « maître du suspense », évoquant le film "Les Oiseaux" ; inaugurée le , elle remplace une ancienne statue d'Hitchcock faite de plâtre et de résine.


title: Alfred Hitchcock

text: Le , à l'occasion du centième anniversaire de la naissance du réalisateur, une série d'hommages lui sont rendus notamment à Londres, à Los Angeles et à New York.


title: Alfred Hitchcock

text: Des œuvres d'Hitchcock sont en outre très régulièrement citées dans des classements « des meilleurs films », dressés par des critiques et des professionnels du cinéma. Six films sont repris au National Film Registry : "Sueurs froides", "Fenêtre sur cour", "La Mort aux trousses", "L'Ombre d'un doute", "Les Enchaînés", et "Psychose". Tous ces films, à l'exception de "L'Ombre d'un doute" et des "Enchaînés" figurèrent au Top 100 de l'AFI de 1998, et dans la mise à jour de 2007 de cette liste.


title: Alfred Hitchcock

text: En 2008, quatre films d'Hitchcock sont cités parmi les dix meilleurs films de tous les temps dans la catégorie « Mystery » d'un "10 Top 10" dressé par la même institution. Ces films sont "Sueurs froides" (), "Fenêtre sur cour" (), "La Mort aux trousses" () et "Le crime était presque parfait" (). En 1999, le British Film Institute (BFI) publia un classement des cent meilleurs films britanniques ("The BFI 100"), dans lequel on retrouve deux films du réalisateur : "Les 39 Marches" () et "Une femme disparaît" (). Côté appréciation du public, on peut relever qu'en , pas moins de onze films d'Hitchcock figurent au top 250 d'IMDb : "Fenêtre sur cour" (), "Psychose" (), "La Mort aux trousses" (), "Sueurs froides" (), "Rebecca" (), "L'Inconnu du Nord-Express" (), "Les Enchaînés" (), "Le crime était presque parfait" (), "L'Ombre d'un doute" (), "La Corde" () et "Une femme disparaît" (). Ce qui est preuve, sinon de l'importance, du moins de la relative perennité de l'œuvre.


title: Alfred Hitchcock

text: Les innovations et la vision d'Hitchcock ont influencé un grand nombre de cinéastes (citons, par exemple, bien sûr Truffaut et Chabrol, mais aussi Roman Polanski ou Steven Spielberg...), de producteurs et d'acteurs. Cette influence a notamment participé à la tendance qu'auront les réalisateurs de contrôler les aspects artistiques de leurs films en dépit des producteurs.


title: Alfred Hitchcock

text: Parmi d'autres « hommages » qui ont pu lui être rendus, Hitchcock a engendré deux cas assez uniques dans l'histoire du cinéma : un cinéaste, Brian De Palma, qui base une partie de son œuvre sur celle d'un autre, et le "remake" pour ainsi dire au plan près, par un cinéaste, Gus Van Sant, de l'œuvre d'un autre cinéaste.


title: Alfred Hitchcock

text: Hitchcock a exercé une influence énorme sur le développement de certains genres cinématographiques, essentiellement avec deux de ses films : "Psychose" (1960) et "Les Oiseaux" (1963), réalisés alors qu'il était sexagénaire. Le premier est, notamment, à l'origine du "slasher", sous-genre du film d'horreur regroupant des films où un tueur psychopathe élimine un par un les personnages de l'histoire, et le second se trouve à l'origine du film catastrophe, plus particulièrement de toute une série de films mettant en scène des animaux meurtriers.


title: Alfred Hitchcock

text: "Psychose" sert de référence avouée à "Halloween" (1978) de John Carpenter, et a engendré une panoplie de films allant de "Massacre à la tronçonneuse" (1974) de Tobe Hooper jusqu'à "Scream" (1996) de Wes Craven, et bien au-delà, en passant par "Vendredi 13" (1980) de Cunningham ou "Les Griffes de la nuit" (1984) de Craven. Des films qui, pour la plupart, et comme "Psychose" lui-même, connaîtront des suites, au nombre parfois assez important.


title: Alfred Hitchcock

text: "Les Oiseaux" annonce le film catastrophe, bien que le terme soit plus propre à désigner des films où il est question de désastres envisageables, en tout cas plus communs qu'une attaque massive d'oiseaux. On pourrait dire qu'il crée un sous-genre avant que le genre lui-même n'existe, un sous-genre dans lequel on peut ranger un film tel que "Les Dents de la mer" (1975) de Steven Spielberg, et beaucoup d'autres, d'une qualité souvent bien plus discutable. Certains ingrédients des "Oiseaux" se retrouveront dans la plupart des films catastrophe : la description d'une histoire personnelle , la description d'une communauté et de ses réactions face à la catastrophe, et la description, en plusieurs scènes choc, de la catastrophe elle-même. "Les Dents de la mer" se rapproche nettement du modèle offert par "Les Oiseaux". Les deux films sont des adaptations d'œuvres littéraires, mais le choix des éléments que l'on retrouve à l'écran est quasiment identique : dans "Les Dents de la mer" : description de la famille du chef Brody (cfr. Melanie, Mitch et sa mère), de la communauté d'Amity (cfr. Bodega Bay) , et des scènes d'émotion forte distillées progressivement dans le film.


title: Alfred Hitchcock

text: Avec "Psychose" et, dix ans auparavant, "Le Grand Alibi" (1950), Hitchcock est par ailleurs le précurseur de ce qui, dans les années 1990-2000, deviendra presque un genre à part entière : le film « à retournement final ».


title: Alfred Hitchcock

text: Parmi les réalisateurs ultérieurs, celui qui s'est le plus penché sur l'œuvre d'Hitchcock est sans conteste, du moins au début de sa carrière, Brian De Palma, qualifié alors de « maître moderne du suspense ». C'est, pour commencer, après avoir vu "Sueurs froides" que Brian De Palma laisse de côté des études scientifiques prometteuses pour se tourner vers le cinéma. Dans ses propres films, loin de se contenter d'imiter Hitchcock, pâlement ou même brillamment, De Palma le revisite, en propose une lecture particulière. Son attention se concentre essentiellement sur trois œuvres : "Fenêtre sur cour", "Sueurs froides" et "Psychose". Les films de De Palma se distinguent d'abord de ceux d'Hitchcock du fait qu'ils sont réalisés au moment où les contraintes sévères visant la représentation ou même l'évocation de la sexualité se sont considérablement relâchées dans le cinéma américain. Ils sont ainsi fréquemment émaillés de scènes érotiques, visant délibérément à exciter le spectateur, et abordent de front des thèmes comme l'insatisfaction sexuelle, l'exhibitionnisme, la transidentité, la pornographie, voire l'impuissance, l'inceste et le fétichisme. Le voyeurisme, en même temps qu'il est exploité, est exploré sous de multiples facettes, notamment celui de son rapport avec les médias de toutes sortes. Le thème du double constitue également chez De Palma « auteur », comme chez Hitchcock, un sujet permanent d'interrogation. C'est de façon assez indirecte que De Palma se réfère d'abord à Alfred Hitchcock, avec "Sœurs de sang" ("Sisters", 1973), "Obsession" (1976) et "Carrie au bal du diable" ("Carrie", 1976). Le premier, dont la musique est signée Bernard Herrmann, comporte des allusions à "Fenêtre sur cour" , et explore, comme "Psychose", via le cas d'une jeune femme devenue schizophrène à la suite de la mort de sa sœur siamoise, le thème du double et du dédoublement de la personnalité. "Obsession" (1976, scénario de Paul Schrader d'après une histoire de De Palma), est basé sur une relecture de "Sueurs froides", en y intégrant le thème de l'inceste. Le compositeur de la musique du film est encore une fois Herrmann. En ce qui concerne "Carrie", il s'agit de l'adaptation d'un roman de Stephen King. Néanmoins, les effets utilisés sont à l'évidence calqués sur ceux utilisés par Hitchcock, notamment dans "Psychose", auquel il est par ailleurs rendu hommage à travers le nom donné à l'école de Carrie, la Bates High School. "Carrie", cependant, par rapport aux films d'Hitchcock, force le trait, avec des séquences humoristiques frôlant le grotesque et, en guise d'apothéose, une longue séquence de suspense horrifique, dramatisée presque à outrance, jusqu'au sursaut final. La symbolique, présente de façon subtile chez Hitchcock, est tout aussi présente dans le film de De Palma, mais de façon plus ostensible, notamment avec l'image de la mère « crucifiée » rappelant celle du saint Sébastien, ou les centaines de bougies que l'on peut voir partout dans la maison lorsque Carrie, après le bal, l'humiliation et la vengeance, rentre chez elle. La maison de Carrie et sa mère n'est sans doute pas sans rapport avec celle de Norman Bates (et sa mère). En ce qui concerne la musique, Donaggio s'inspire directement de l'utilisation qui en est faite par Herrmann dans "Psychose".


title: Alfred Hitchcock

text: Le scénario de "Pulsions" ("Dressed to Kill", 1980) s'appuie sur une combinaison entre "Sueurs froides" et "Psychose". Comme "Sueurs froides", le film, après présentation des personnages, se poursuit par une longue séquence de séduction, évoquant une parade amoureuse, se déroulant en grande partie dans un musée et au cours de laquelle aucun mot n'est échangé. Comme "Psychose", le film se termine par un exposé aux allures scientifiques, concernant la personnalité et les motivations du meurtrier. Ce sont les conflits relatifs à son identité sexuelle qui sont cause chez le meurtrier de "Pulsions" d'un dédoublement de personnalité. "Body Double" (1984) est une relecture de "Fenêtre sur cour" et "Sueurs froides". Le rôle principal féminin est par ailleurs tenu par Melanie Griffith, fille de Tippi Hedren. Le film est, au-delà du simple divertissement, une réflexion sur le cinéma et ses artifices (comme le titre du film, en partie, l'indique : la « doublure »), autant que sur les travers sexuels (voyeurisme, exhibitionnisme, voire fétichisme), dans le contexte des années 1980, avec l'émergence de la vidéo, la popularisation relative du cinéma gore et le développement de l'industrie pornographique.


title: Alfred Hitchcock

text: De Palma, dans ces films, recourt par ailleurs au split screen, procédé que n'a jamais utilisé Hitchcock, mais qui correspond à des séquences de "La Corde", ou "Pas de printemps pour Marnie", dans lesquelles il est donné au spectateur d'assister à des scènes concomitantes, l'une étant susceptible d'avoir un effet sur l'autre. Dans les films de De Palma, l'effet n'a toutefois pas toujours la même fonction ; il s'apparente alors plutôt aux fenêtres de "Fenêtre sur cour", ou a pour but de causer une espèce de vertige nauséeux, de « gaver » en quelque sorte d'images le spectateur-voyeur.


title: Alfred Hitchcock

text: "Psycho" (1998) de Gus Van Sant reprend à quelques détails près les mêmes plans que l'original mais est tourné en couleurs. Van Sant explique : . Le film, néanmoins, sera un échec commercial.


title: Alfred Hitchcock

text: Certains auteurs, comme Robert Arthur, Jr. et William Arden ont repris le personnage d'Alfred Hitchcock (avec son accord) dans leurs romans pour la jeunesse : "Les Trois Jeunes Détectives". Cette saga met en scène de jeunes garçons qui enquêtent sur des événements mystérieux et qui sont parrainés par Alfred Hitchcock en personne, qu'on voit apparaître dans la plupart des romans, en introduction et en conclusion. Cette suite de romans a été traduite en France par Claude Voilier, Vladimir Volkoff ou encore L-M Antheyres, et est parue aux éditions Hachette, dans les collections Bibliothèque verte et Livre de poche.


title: Alfred Hitchcock

text: Le nombre total de longs-métrages réalisés par Alfred Hitchcock pour le cinéma est de cinquante-quatre, ou cinquante-trois si l'on omet "Mary", version de "Meurtre" tournée avec des acteurs allemands. Le premier est en réalité "Le Jardin du plaisir", et non "Number Thirteen", lequel demeura inachevé et dont ce qui en avait été tourné semble aujourd'hui perdu. "The Mountain Eagle", le deuxième film d'Hitchcock, est également considéré comme perdu. "Chantage" existe en deux versions : l'une muette et l'autre parlante. "Le Crime était presque parfait" existe, quant à lui, en version 2D et il a, à sa sortie et en quelques rares occasions par la suite, été projeté en 3D. Alfred Hitchcock a par ailleurs dirigé vingt épisodes de série télévisée dont la durée varie d'une demi-heure à une heure environ.


title: Alfred Hitchcock

text: Les trois premières bobines du film "L'Ombre blanche", que l'on croyait perdues, ont été retrouvées en en Nouvelle-Zélande. Ces images sont les plus anciennes que l'on connaisse du « Maître du suspense ». Sur ce film de jeunesse, il aurait été scénariste, décorateur, monteur et assistant au réalisateur.


title: Alfred Hitchcock

text: Le tableau ci-dessous recense les réalisations d'Alfred Hitchcock au cinéma et à la télévision. En ce qui concerne les débuts d'Hitchcock, le tableau s'étend aux films auxquels le cinéaste a collaboré, essentiellement ceux réalisés par Graham Cutts. Pour ce qui est de la télévision, et notamment la série "Alfred Hitchcock présente", seuls sont repris les épisodes réalisés par Hitchcock en personne. Les œuvres sont préalablement classées chronologiquement, dans l'ordre de leur première présentation publique (cinéma) ou de leur première diffusion (TV), dans une tentative de refléter au mieux le parcours créatif du réalisateur.


title: Anime

text: Un , également appelé parfois japanime ou japanimation, désigne une série d'animation ou un film d'animation en provenance du Japon. C'est le diminutif du mot , lui-même transcription de l'anglais "".


title: Anime

text: Alors que les toutes premières animations japonaises connues datent de 1917 et qu'un bon nombre de dessins animés originaux sont produits durant les décennies suivantes, la caractéristique et le style "anime" se développent durant les années 1960 (notamment grâce aux travaux d'Osamu Tezuka) et se popularisent hors des frontières du Japon durant les années 1970 et 1980.


title: Anime

text: L'animé, comme le manga, jouit d'une grande audience au Japon et est facilement reconnaissable dans le monde entier. Les distributeurs peuvent diffuser un animé par le biais de chaînes télévisées, par vidéo, au cinéma ou encore en streaming.


title: Anime

text: Au Japon, le premier terme utilisé pour désigner les œuvres d'animation est "senga eiga" (film dessiné), considéré comme un genre particulier du cinéma, et non un art distinct. Avec la popularisation du manga, le terme "manga eiga" (film de manga) apparaît dans les années 1920 pour désigner une œuvre d'animation scénarisée, tandis que "senga eiga" devient un terme technique désignant l'aspect graphique. "Dōga eiga" (film d'animation) est un des synonymes de "manga eiga", apparu en 1937. Le premier spécialiste japonais à distinguer clairement cinéma et animation est Taihei Imamura dans les années 1940.


title: Anime

text: Après la Seconde Guerre mondiale, l'apparition de séries télévisées à bas coût ("Astro Boy" (1963) étant la première) introduit un nouveau terme, "terebi manga" (manga télévisé), usité jusque dans les années 1980, en opposition à "manga eiga" désignant alors plutôt le cinéma d'animation.


title: Anime

text: Le terme "animēshon", écrit en katakana, apparaît également après-guerre, dérivé du mot anglais "" sous l'occupation américaine ou, selon une autre théorie, du français dessin animé. Son diminutif "anime" se diffuse dans les années 1960 et 1970, supplantant définitivement "manga eiga" et "terebi manga" dans la décennie 1980. Le terme reflète essentiellement la profonde modification de la production d'animation après-guerre portée par le studio Tōei animation, avec deux grands axes : les longues séries télévisées commerciales à bas coût dont "Astro Boy" reste l'archétype, et les longs-métrages d'animation sur le modèle de Disney. Les changements relèvent aussi de l'appropriation de techniques d'animation modernes permettant une production massive, rapide et peu onéreuse, comme la généralisation du celluloïd et l'animation limitée. Ainsi, l’"anime" se définit aussi comme un marqueur temporel pour les spécialistes, délimitant l'avant et l'après "Astro Boy" dans l'animation japonaise.


title: Anime

text: Au Japon, "anime" signifie animation au sens large, y compris étrangère, et couvre tous les supports (films, séries télévisées, OVA). En Occident, le terme "anime" désigne spécifiquement l'animation japonaise. Les réalisateurs Isao Takahata et Hayao Miyazaki préfèrent toutefois définir leurs longs métrages d'animation comme des "manga eiga", en opposition aux "anime" télévisés de moins bonne facture.


title: Anime

text: Les "anime" sont très populaires au Japon : en 2001, "Le Voyage de Chihiro" a battu le record de popularité dans ce pays, devançant le film "". De ce jour, le record a été battu par le film "Demon Slayer: Le Train De L'infini".


title: Anime

text: Parmi les films qui rencontrent le succès, on peut citer ceux issus du studio Ghibli, fondé par Hayao Miyazaki et Isao Takahata, dont "Le Voyage de Chihiro", "Le Château dans le ciel", "Le Château ambulant", "Princesse Mononoké" qui peuvent être considérés comme les chefs-d’œuvre du genre.


title: Anime

text: Très souvent, ils sont en rapport avec un manga : soit l’"anime" est basé sur un manga à succès, soit un manga est créé à partir d’un "anime" populaire. Parfois, les deux sont créés en même temps. D’autres séries, comme "Medabots", ou plus récemment "Tokyo Demon Campus", s’inspirent de jeux vidéo. Enfin, beaucoup d’"anime" s’inspirent également de "visual novels" à succès ; on peut ainsi citer "Clannad", "Fate/stay Night", "" et "", qui se sont vus adaptés en "anime" à la suite de leur succès commercial.


title: Anime

text: Différents types d’"anime" sont distingués :Au fil du temps, certains termes (associés aussi au monde du cinéma, mais plus particulièrement issus de mots anglais) se sont introduits dans le jargon des amateurs d"'anime" :


title: Anime

text: Les prémices du dessin animé se trouvent dans les Pantomimes lumineuses d'Émile Reynaud. Celles-ci sont projetées au musée Grévin à Paris partir du , grâce au Théâtre optique, appareil complexe qu'Émile Reynaud a breveté en 1888. Plus tard, en 1908, Émile Courtet, dit Émile Cohl, sera considéré comme l'inventeur et le père du dessin animé cinématographique.


title: Anime

text: L’histoire des "anime" commence au début du , en 1917, faite par quelques pionniers suivant les traces des Occidentaux, en particulier de France. Après quelques expérimentations, une longue période suivit où la production fut réduite à quelques courts métrages, quelques commandes de l’armée ou des cinémas.


title: Anime

text: Avec la fin de la guerre, l'industrie cesse d'être anti-américaine et devient le deuxième producteur mondial après les États-Unis.


title: Anime

text: Dans les années 1950 apparaît la Tōei Dōga ou Toei Animation, le plus gros studio d'animation du Japon. Dans la même décennie, l'industrie japonaise se spécialise pour les deux marchés que sont l'export et le marché local.


title: Anime

text: Il fallut attendre 1963 pour qu'apparaisse "Astro Boy", une série animée adaptée du manga d’Osamu Tezuka : "Astro, le petit robot". C'est la première grande série animée dotée de personnages récurrents au sein d’une histoire suivie. Ou bien encore "Le Roi Léo" (1965), première série animée japonaise en couleur. "Tetsujin 28-gō" se rendit également célèbre au Japon.


title: Anime

text: Les années 1970 virent l’explosion de grandes franchises comme "Lupin III" (1971-1972) et des séries de mecha : "Mazinger Z" (1972-1974), "Yamato" (1974-1975), ou bien encore "Mobile Suit Gundam" (1979-1980). Les années 1980 montrent un fort développement du "space opera". On regarde "Macross" (1982), lequel sera utilisé par Harmony Gold pour créer son Robotech en 1985, "Lamu" de Mamoru Oshii (1984). Le studio Ghibli fait parler de lui avec "Le Château dans le ciel" (1986), deux ans après "Nausicaä de la vallée du vent" (1984), tous deux de Hayao Miyazaki, et les "otaku" apparaissent. On voit également "Le Tombeau des lucioles" (1987), "Akira" (1988) ou "Kiki la petite sorcière" (1989). Les OAV apparaissent, le "hentai" également.


title: Anime

text: Les années 1990 sont marquées par plusieurs œuvres choc, très recherchées : "Neon Genesis Evangelion" d’Hideaki Anno (1995) abordant des sujets philosophiques, "Ghost in the Shell" d’Oshii (1995), "Cowboy Bebop" (1998) ou "Serial experiments Lain" (1998). La fin des années 1990 et les années 2000 voient un fort retour des œuvres commerciales, utilisant des schémas bien connus, visant essentiellement un public très jeune et ayant fait leurs preuves : "Pokémon", "Yu-Gi-Oh!" (1997), "Digimon" (1999)", Beyblade" (2001), ou encore "Mahoromatic" (2001).


title: Anime

text: Mais on assiste également à une reconnaissance des "anime" à travers le monde : le chef-d'œuvre de l'animation "Le Voyage de Chihiro" reçut le ex-æquo du Festival du film de Berlin 2002 et gagna l’Oscar du meilleur film d'animation en 2003, et "" fut sélectionné pour le Festival de Cannes 2004.


title: Anime

text: Récemment les animes visent aussi une certaine réalité, notamment ceux ayant pour thème principal le sport, du premier en 1984 ("Jeanne et serge") jusqu'à aujourd'hui ("Haikyū", "Yuri on Ice" et autre).C'est l'un des types d'animes se rapprochant le plus de la réalité par certains aspects, par exemples par les noms des techniques et les sports représentés. On retrouve les aspects japonais primordiaux tels que le respect de la hiérarchie, de la discipline et le sens de l'effort. Tout cela est contre-balancé par des clins d'œil comiques dans les moments sérieux.Avec le temps, ils ont pris de l'ampleur et sont devenus de plus en plus connus jusqu'à inciter des nouvelles vocations.


title: Anime

text: Les films d'animation japonais peuvent avoir des caractéristiques particulières sur le public ciblé, sur les techniques de production parfois à bas coût ainsi que sur les questions de genre et de violence.


title: Anime

text: L'industrie japonaise de l'animation cible un public adulte là où en Occident l'industrie de l'animation cible un public enfantin.


title: Anime

text: L'industrie japonaise de l'animation bénéficie de technique de production à bas coût, tel que le faible nombre d'images par seconde, ou des plans fixes sur des personnages, qui permettent de réduire le nombre d'images à produire.


title: Anime

text: Ces bas coûts lui ont permis d'être compétitive pour l'animation d'histoires occidentales. Mais d'autres films d'animations japonais se basent sur des concepts culturels différents.


title: Anime

text: Sur la question du genre, les films d'animation japonais comptent autant d'héroïnes féminines que de héros masculins, toutefois, ceux-ci sont très genrés.


title: Anime

text: Sur la question de la violence, les films d'animation japonais ont, en France, eu la réputation de ne pas être adaptés aux émissions pour la jeunesse, en raison de leur caractère violent. Cette question a été défendue par des ministres comme Ségolène Royal.


title: Anime

text: Du début des années 1980 jusqu’aux années 1990, les maisons de productions franco-américaines Saban et DiC ont eu tendance à supprimer les crédits des auteurs des séries importées ou coproduites.


title: Anime

text: "Ulysse 31", "Jayce et les Conquérants de la lumière", "Les Mystérieuses Cités d'or" sont autant de séries associées à des sociétés de productions occidentales. En réalité, elles étaient produites en collaboration avec des studios japonais tels que Studio Junio, Studio Pierrot ou TMS (Tokyo Movie Shinsha), et des réalisateurs et "character designer" tels que Shingo Araki ou Michi Himeno.


title: Anime

text: Le terme japanimation regroupe simplement la totalité de l’animation japonaise. Ce terme fut créé du fait de la spécificité de la production locale par rapport à celle du reste du monde. En effet, là où l’animation occidentale est souvent considérée comme destinée aux enfants (en dehors d’œuvres d’auteurs indépendants ou de quelques comédies satiriques comme "Les Simpson" ou "Daria", pour citer les plus connues), l’animation japonaise bénéficie dans ses sujets d’un traitement proche du cinéma en prises de vue réelle, abordant quasiment tous les genres, y compris la pornographie ("hentai").


title: Anime

text: Dans les années 1970 arrivent les premières séries japonaises sur la première chaîne de l'ORTF : "Le Roi Léo" en 1972 et "Le Prince Saphir" en 1974. Par la suite, des séries issues de collaborations entre compagnies européennes et japonaises sont diffusées : "Vic le Viking" (1974 ; "Wickie" en allemand), "Maya l’abeille" (1975 ; en allemand) et "Les Trois Mousquetaires" (1981, Espagne).


title: Anime

text: À partir de "Goldorak" en et "Candy" en , diffusés tous deux dans "Récré A2" sur  et qui connurent un énorme succès, pulvérisant tous les records d’audience, l’animation japonaise fit une entrée sur les chaînes de télévision françaises. D’autres séries japonaises cultes furent lancées en 1979 dans l’émission "Récré A2", dont "Albator, le corsaire de l’espace" en 1980 et "Capitaine Flam" en 1981 sur TF1. Une deuxième vague de séries animées déferlera avec "Tom Sawyer", "Rémi sans famille" et "Cobra", qui marquèrent la période "Récré A2".


title: Anime

text: Au début des années 1980, s'inspirant de ce style graphique de film d'animation, des Français produisirent diverses séries avec succès en s’entourant d’équipes japonaises. Ainsi, Jean Chalopin créa des séries comme "Ulysse 31" en 1981, puis "Les Mystérieuses Cités d’or" en 1982, et "Inspecteur Gadget" également en 1982. En fait, de très nombreuses séries japonaises sortirent après 1980, mais le genre fut alors noyé dans le flot de l’animation enfantine, les télévisions opérant une sélection drastique dans la production japonaise.


title: Anime

text: Avec l’arrivée des chaînes privées, à la suite de la déréglementation de 1986 et la privatisation de TF1 en 1987, la jeunesse devient un enjeu de sensibilisation, et de véritables unités d’émissions jeunesse sont mises sur pied comme le célèbre "Club Dorothée" d’AB Productions sur TF1. Ces unités jeunesse trouvent dans la production japonaise un flot important de séries, qui plus est, à bas prix. Par ailleurs, la concurrence nouvelle et exacerbée entraîne une recherche de l’émotion et du dynamisme qui trouvera un cadre idéal dans la japanimation, et amènera petit à petit à certaines dérives.


title: Anime

text: En 1988, alors que la chaîne La Cinq importe "Olive et Tom", TF1 réplique le avec "Les Chevaliers du Zodiaque", série qui deviendra le symbole de l’époque, précédée le par la série "". Celle-ci ne connaîtra vraiment le succès que plus tard, dans son second volet, (1990), qui déclenchera une nouvelle vague d’inconditionnels, grands consommateurs de produits dérivés. "Cherry Miel", une série contemporaine de Goldorak, a dû attendre quinze ans avant sa diffusion française.


title: Anime

text: Ces séries ont souvent été décriées pour leur violence. En fait, elles n’étaient pas destinées au public auquel elles ont été présentées (entraînant d’ailleurs une censure, rendant certains épisodes incompréhensibles). En effet, au Japon, il y a une très grande segmentation du manga : les combats de "Ken le Survivant" n’ont rien à voir avec la candeur ou l’humour de "Juliette je t'aime", "Lamu", "", "Le Collège fou, fou, fou" ou "Une vie nouvelle". Autres séries phares : "Nicky Larson", et , qui auront un impact similaire à .


title: Anime

text: La réception critique de l'animation japonaise en France a connu un tournant au cours des années 1990 avec la sortie sur les écrans de films comme "Le Tombeau des lucioles" d’Isao Takahata et "Perfect Blue" de Satoshi Kon. Le festival "Nouvelles images du Japon", organisé par le Forum des images à partir de 1999, a contribué à la reconnaissance d’auteurs majeurs comme Hayao Miyazaki, Isao Takahata, Satoshi Kon, Koji Yamamura qui ont été, parmi d'autres, les invités de cette manifestation très suivie par le public et la presse.


title: Anime

text: Le mot « anime » entre dans l’édition 2014 du dictionnaire "Le Petit Larousse" et les mots « anime » et « animé » dans l'édition 2021 du "Petit Robert".


title: Anime

text: Aujourd'hui, peu de chaînes diffusent des "anime" ; on peut noter la chaîne J-One et Game One qui diffusent activement en J+1 plus de au , les spectateurs d"'anime" francophones, qui souhaitent regarder plus que ce que propose la télévision, se tournent vers des sites internet de diffusion en ligne (VOD) comme Netflix, Crunchyroll, ADN ou Wakanim qui propose un catalogue bien plus fourni que la télévision.


title: Anime

text: La diffusion d'anime japonais en Chine débute avec "Astro, le petit robot" dans les années 1980, mais ne se développe réellement que dans les années 2000 avec des "anime" pour enfants : "Doraemon", "Ikkyû-san", "Détective Conan", "Crayon Shin-chan" ou encore "Chibi Maruko-chan". Depuis 2006, la diffusion de dessins animés d’origine étrangère aux heures de grande écoute est interdite, ce qui a favorisé le développement d'un marché parallèle, ainsi que de la vente en ligne.Les "Seiyū" sont les comédien(ne)s spécialisé(e)s dans le doublage des "anime". Ils sont, au Japon, considérés comme de véritables stars et sont très populaires, par contraste avec le métier de comédien de doublage en Occident.


title: Anime

text: Les musiques d’"anime", appelées "anison" (pour "anime song"), sont souvent éditées en CD séparés, singles et albums, à destination des fans des séries. Certaines musiques sont parvenues en tête du classement Oricon (l’équivalent du Top 50), tel que "Hare hare yukai", "ending" de "Suzumiya Haruhi no yūutsu". Les artistes font aussi parfois des CD regroupant toutes les "anison" qu’ils ont pu faire.


title: Anime

text: La plupart des musiques d’"anime" sont tirées d'un titre ou d'un album d'un groupe de "Jpop" ou "Jrock" du moment, sollicité au départ par les studios d'animation: les morceaux présentés sont souvent plus courts, voire légèrement modifiés, par rapport aux morceaux originaux (citons par exemple le titre "Tough Boy" de TOMCAT, générique de début de l’"anime Hokuto no Ken" saison 2. Le succès, pour ces groupes, dépend bien évidemment de celui de la série, mais est généralement au rendez-vous au moins à court terme, bénéficiant ainsi d'une publicité inespérée. Les "anime" utilisent donc souvent des gens de talent et, parfois, en découvrent, comme Asian Kung-Fu Generation (révélé par "Fullmetal Alchemist") ou Orange Range.


title: Anime

text: Parmi les principaux compositeurs de ces musiques, on peut citer :


title: Anthropologie

text: L'anthropologie est une science, située à l'articulation entre les différentes sciences humaines et naturelles, qui étudie l'être humain et les groupes humains sous tous leurs aspects, à la fois physiques (anatomiques, biologiques, morphologiques, physiologiques, évolutifs) et culturels (social, religieux, linguistiques, psychologiques, géographiques). Chapitre le plus vaste de l'histoire naturelle, l'anthropologie constitue une monographie sur le genre "Homo", qui décrit et analyse les , c'est-à-dire caractéristiques de l'hominisation et de l'humanité.


title: Anthropologie

text: Le terme "anthropologie" vient de deux mots grecs, "anthrôpos", qui signifie , et "logos", qui signifie science, parole, discours. L'anthropologie constitue jusqu'au une branche du savoir philosophique plaçant l'homme au centre de ses préoccupations mais, avec la naissance des sciences sociales, le terme change de sens pour désigner essentiellement la nouvelle science. La démarche anthropologique .


title: Anthropologie

text: Les premiers anthropologues s’appuient sur des documents de seconde main comme les récits de voyages d'explorateurs ou de missionnaires ou encore les rapports des administrations coloniales. Cette division du travail entre celui qui collecte les informations et celui qui les interprète reste la norme dans les pays d’Europe jusqu’en 1914. La figure de l’« anthropologue en chambre » ("armchair anthroplogist") dont James George Frazer peut faire figure d’archétype est alors dominante. Les voyages d’exploration à visée scientifique formalisent progressivement la tâche que remplissaient spontanément mais de manière aléatoire les explorateurs, en fixant des objectifs de collecte d’information sur les populations rencontrées : l’expédition Baudin (1801) vers les Terres Australes compte ainsi dans ses rangs François Péron qui voyage en qualité d’« anthropologiste ». Les visées géopolitiques de l’expédition Lewis et Clark, soutenue par Thomas Jefferson, s’accompagnent également d’un plan d’étude des tribus amérindiennes qui se trouveraient sur son parcours.


title: Anthropologie

text: L’anthropologie du se caractérise par une intense volonté de collecte d’information concernant les populations extra-européennes, première étape d’un travail de mise en ordre et de classification, conçu dans une perspective évolutionniste.


title: Anthropologie

text: L'anthropologie et l'ethnologie sont nées au . L'anthropologie est l'étude de l'homme et des groupes humains. L'ethnologie étudie l'ensemble des caractères de chaque ethnie afin d'établir des lignes générales de structure des sociétés et de leur évolution. Historiquement, ces deux termes ont désigné des concepts différents : l'anthropologie était une science de la nature et l'ethnologie concernait le classement culturel puis « l'analyse comparée des mœurs et des institutions des sociétés traditionnelles ». Selon Marcel Mauss, il est possible de distinguer dans le métier d'anthropologue une phase ethnographique qui observe et collecte les faits, une phase ethnologique qui les analyse, et une phase anthropologique qui compare, synthétise et théorise. Mais pour certains anthropologues contemporains, ce découpage en diverses phases n'est pas applicable dans la pratique : « toute ethnographie est déjà ethnologie, toute observation déjà interprétation ».