title: Phèdre (Racine)

text: Les Dieux sont muets quand les hommes parlent, car les Dieux n’ont pas besoin de paroles pour agir. Les hommes, quant à eux, qu’ils parlent ou se taisent, ne peuvent rien contre la volonté divine et la fatalité. Notons que dans la pièce, la parole tue tout autant que le silence. Phèdre qui avoue son amour enclenche une suite qui mène à la mort ; les propos qu’elle tient à son époux à qui elle laisse entendre que sa vertu et l’honneur de Thésée ont été bafoués, annoncent l’issue fatale. Quand Thésée s’adresse à Neptune, il est entendu, et les mots proférés ont un pouvoir inexorable. Quant au silence d’Hippolyte et d’Aricie, bien que tout à leur honneur, il les précipite dans la tragédie.


title: Phèdre (Racine)

text: Les amours qui naissent dans les familles mythologiques engendrent des monstres, parce que les membres en sont eux-mêmes souvent monstrueux.


title: Phèdre (Racine)

text: La mère de Phèdre aura une relation avec un taureau blanc dont naîtra le Minotaure : Phèdre a donc un monstre pour demi-frère.


title: Phèdre (Racine)

text: Hippolyte, ce « monstre, qu’a trop longtemps épargné le tonnerre » (IV, 2, v.1045), s’exclame Thésée, périt devant un monstre marin, que l’on peut voir comme l’instrument du châtiment imposé à Phèdre. Notons, d'ailleurs, que le monstre envoyé par Neptune rappelle étrangement le Minotaure avec "son front large [...] armé de cornes menaçantes." (V, 6, 1517) Phèdre, parlant d'elle-même implore Hippolyte : « Délivre l’univers d’un monstre qui t’irrite » (II, 6, v. 701), pour qualifier ensuite l’homme qu’elle aime de « monstre effroyable (III, 3, v.884) », quand Aricie tente de faire comprendre à Thésée que parmi les « monstres sans nombre » (V, 4, v.1444) dont il a débarrassé le monde, il ne doit pas oublier sa propre épouse. Même un personnage secondaire comme Œnone a sa place dans cette galerie sinistre : « Va-t-en, monstre exécrable » (IV, 6, v. 1317), lui intime sa maîtresse.


title: Phèdre (Racine)

text: La conception grecque du monde reposait sur l’idée que celui-ci est régi par des lois, par un ordre universel.


title: Phèdre (Racine)

text: Or celui-ci est bafoué par certains humains coupables d’hybris, c’est-à-dire de démesure, d’oubli de leurs limites fixées par leur nature, par leur destin ou par les dieux. L’"hybris", qui conduit à la faute, à l’erreur ("hamartia") et mène à l’égarement ("até") , est puni par "némésis". Némésis, fille de la Nuit et du Chaos – ou, selon de très nombreuses autres versions, d’Océan, symbolise la colère divine et le châtiment qui rappelle à l’homme ses limites. Phèdre, égarée par sa passion, enfreint l’ordre moral, familial ainsi que social et paye les fautes commises à l’égard des divinités. Notons comment Némésis, fille d’Océan, se manifeste dans la pièce par le déferlement des eaux marines.


title: Phèdre (Racine)

text: À l’évidence, Racine, auteur chrétien et qui plus est janséniste, donne à "némésis" les couleurs du péché. On rejoint alors la pensée exprimée par l’auteur dans sa préface. Le théâtre doit être « une école où la vertu n’est pas moins enseignée que dans les écoles des philosophes. » Racine nous assure que dans cette pièce « la seule pensée du crime y est regardée avec autant d’horreur que le crime même »[…] que « les passions n’y sont présentées […] que pour montrer tout le désordre dont elles sont causes. » De même il importe que le poète fasse « connaître et haïr la difformité » – ce dernier mot fait écho bien sûr à la notion de monstre.


title: Phèdre (Racine)

text: Eros, selon la Théogonie d’Hésiode, est né du Chaos. Né du chaos, il engendre, dans les premiers temps de l’amour, le chaos. « Érôs, […], qui rompt les forces, et qui de tous les Dieux et de tous les hommes dompte l’intelligence et la sagesse dans leur poitrine . » Phèdre fait l’aveu impudique de ses sensations : « Un trouble s’éleva dans mon âme éperdue ;/Mes yeux ne voyaient plus, je ne pouvais parler ;/Je sentis tout mon corps et transir et brûler. » (I, 3, v. 273-276) Quand elle s’adresse à sa confidente, elle s’écrie : « Sers ma fureur, Œnone, et non point ma raison. » (III, 1, 792). En cela, elle rappelle les paroles de Socrate dans le Phèdre : « Les amants eux-mêmes avouent qu’ils sont malades plutôt que sains d’esprit ; ils ont conscience de leurs sentiments insensés, mais ils ne peuvent pas se rendre maîtres d’eux-mêmes . »


title: Phèdre (Racine)

text: Notons que l’amour n’a pas besoin d’être entaché d’immoralité pour opérer ses ravages. Hippolyte aussi avoue : « Je vois que la raison cède à la violence » (II, 2, 525). Tous ses efforts pour résister à Eros ont été vains et il finit par reconnaître : « Maintenant je me cherche, et ne me trouve plus. » (II, 3, 548) Toutefois, au désordre initial, la société – famille et cité – fait succéder l’ordre par le biais des alliances et des mariages, de sorte que la raison reprend ses droits. En revanche, si la raison ne peut dominer Eros, alors la tragédie ne voit d’autre issue que la mort. Il ne faut également garder à l’esprit qu’Eros est le principe primordial de vie et qu’il est indissociable de son opposé Thanatos.


title: Phèdre (Racine)

text: Phèdre n’ignore pas que sa passion pour Hippolyte est porteuse de mort et pourtant, elle ne peut s’empêcher d’y succomber, mais elle sait qu’il lui faut mourir et ne diffère cette mort que sur les instances d’Œnone. En outre, on peut se demander si ce n’est pas Thanatos, pulsion de mort, qui pousse Hippolyte à unir son sang à celui d’Aricie alors qu’il est conscient qu’elle est la survivante d’une famille marquée par un destin funeste. Peut-être croit-il qu’en épousant Aricie, il préviendra le chaos, mais il se trompe car la fatalité et les dieux ne l’entendent pas ainsi.


title: Phèdre (Racine)

text: La mythologie grecque nous apprend qu’Eros a un frère méconnu, appelé Antéros. Selon l’occurrence, celui-ci revêt plusieurs visages. Il peut être l’amour réciproque, ce qui fait dire à Socrate dans le Phèdre que l’amour que ressent l’être aimé « est l’image réfléchie de l’amour (antéros) qu’a pour lui son amant. » Mais Antéros est aussi celui qui venge Eros lorsqu’il est dédaigné et devient ainsi, paradoxalement, l’opposé d’Eros, à savoir le désamour, la froideur, l’éloignement, l’antipathie, voire la haine. Rappelons-nous les paroles de Phèdre : « Je le vois comme un monstre effroyable à mes yeux. » (III, 3, 884) Il faut comprendre que les deux frères travaillent à préserver l’ordre du monde : Eros, en rapprochant les êtres ; Antéros en empêchant le rapprochement de ceux dont l’union serait source de désordre. Tous deux préviennent donc le retour du Chaos primitif. Or, l’amour de Phèdre pour Hippolyte, comme celui d’Hippolyte pour Aricie introduisent le chaos dans l’ordre familial, social, politique. Relisons la préface de Racine : « Les passions n’y sont présentées aux yeux que pour montrer tout le désordre dont elles sont cause. »


title: Phèdre (Racine)

text: Eros et Antéros les conduiront tous deux à une mort certaine (thanatos) qui seule pourra rétablir l’ordre.


title: Phèdre (Racine)

text: Dans sa préface, Racine assure qu’il n’y a aucune de ses pièces « où la vertu soit plus mise à jour » que dans Phèdre. Non seulement la faute, mais l’idée même de la faute y sont punies et les errements de la passion amoureuse y sont présentés dans toute leur horreur. Il conçoit sa pièce comme le champ clos où vertu et culpabilité s’affrontent, champ clos dont les bornes sont fixées par l’idée d’innocence, appliquée au couple Hippolyte-Aricie, qui ouvre et ferme la pièce : « Et devez-vous haïr ses innocents appas ? » (I, 1, 55) ; « Le ciel, dit-il m’arrache une innocente vie. » (V, 6, 1561)


title: Phèdre (Racine)

text: Les deux personnages centraux sont parfaitement conscients que leur amour est porteur d’une faute, c’est-à-dire étymologiquement, d’un manquement aux prescriptions, qu’elles soient morales , sociales, politiques, familiales. Phèdre prévient Œnone : « Tu frémiras d’horreur si je romps le silence. » (I, 3, 238), ainsi qu’Hippolyte : « Ne pense pas qu’au moment que je t’aime, /Innocente à mes yeux, je m’approuve moi-même. » (II, 5, 673-674) Elle sait que l’amour qui l’attire vers Hippolyte et celui qui rapproche Hippolyte d’Aricie ne sont pas de même nature et n’encourent pas le même jugement : « Le ciel de leurs soupirs approuvait l’innocence. » (IV, 6, 1238) Mais Hippolyte, lui aussi, voit bien « l’obstacle éternel » qui le sépare d’Aricie et qu’il devrait se plier aux « lois sévères » de son père qui interdit à quiconque de donner une descendance à Aricie. (I, 1, 104-105).


title: Phèdre (Racine)

text: Dans la perspective antique, une grande part de la responsabilité des personnages se dilue dans la fatalité et la volonté divine. C’est ainsi que l’entend Racine : « Phèdre n’est ni tout à fait coupable ni tout à fait innocente. »


title: Phèdre (Racine)

text: Phèdre sent qu’elle n’a plus toute sa raison, mais, dit-elle, c’est que « les Dieux m’en ont ravi l’usage. » (I, 3, 181) ; plus loin, elle s’exclame : « Plût aux Dieux que mon cœur fût innocent […] ! (I, 3, 222). Elle connaît la coupable qui s’acharne contre elle : « O haine de Vénus ! O fatale colère ! » (I, 3, 249) et encore : « Puisque Vénus le veut » (I, 3, 257), « Je reconnus Vénus et ses feux redoutables, /D’un sang qu’elle poursuit tourments inévitables. » (I, 3, 277-278). Enfin, elle ne peut retenir sa douleur : « Cruelle destinée ! » (I, 3, 301) et se présente à Hippolyte comme l’ « objet infortuné des vengeances célestes. » (II, 5, 677)


title: Phèdre (Racine)

text: Jusqu’au bout, Phèdre et Hippolyte se regardent comme les victimes car le mal qu’ils commettent leur a été inspiré par les dieux. Ce sont les divinités et Œnone que Phèdre accuse : « Le ciel mit dans mon sein une flamme funeste ;/La détestable Œnone a conduit tout le reste. » (V, 7, 1625-1626). Hippolyte, quant à lui, ironise sur le dessein des dieux lorsqu’ils favorisent Phèdre et son fils : « Dieux, qui la connaissez, /Est-ce donc sa vertu que vous récompensez ? » (II, 6, 727-728). Avant d’être confronté à son père, il se convainc que « l’innocence n’a rien à redouter » (III, 6, 996) et au moment de mourir il désigne les responsables tout en se disculpant : « Le ciel, dit-il, m’arrache une innocente vie. » (V, 6, 1561)


title: Phèdre (Racine)

text: Nous savons Racine proche du jansénisme. Or pour un janséniste, Phèdre et Hippolyte sont condamnés d’avance, non par la fatalité antique et la volonté des dieux mais parce que la grâce divine ne leur a pas encore été accordée ; quoi qu’ils fassent, ils ne pourront rien changer à leur destin tant qu'ils n'auront pas reçu la grâce divine. Le héros de la tragédie ne voit plus son libre arbitre limité par la faute attachée à une famille mais par le péché originel dont Adam et Eve se sont rendus coupables. Chateaubriand exprime la conviction, en entendant le cri de Phèdre : « Hélas ! du crime affreux dont la honte me suit » (IV, 6, 1291) que « cette femme n’est pas dans le caractère antique ; c’est la chrétienne réprouvée, c’est la pécheresse tombée vivante entre les mains de Dieu : son mot est le mot du damné.


title: Phèdre (Racine)

text: Nous disions plus haut que la scène circonscrit le duel de la culpabilité et de l’innocence. Elle est en même temps le champ clos de la parole et du silence. Dans la pièce, la parole coupable se dissimule, se travestit ou se rétracte, et lorsqu’elle s’exprime, il est trop tard.


title: Phèdre (Racine)

text: Les deux héros sont contraints à « un silence inhumain », pour reprendre les propos d’Œnone. (I, 3, 227), « un silence/Qui de vos maux encore aigrit la violence » dit-elle à sa maîtresse. (I, 3, 185-186). Hippolyte n’y tient plus : il déclare à Aricie qu’il lui faut révéler « un secret que [son] cœur ne peut plus renfermer (II, 2, 527-528), et face à son père : « c’est trop vous le celer » (IV, 2, 1119). Le mal est une torture mais son aveu en est une plus grande encore car ils savent qu’ils ne seront pas compris : « Tu frémiras d’horreur si je romps le silence » (I, 3, 238) prévient Phèdre et les mots d’Hippolyte à Thésée : « ma véritable offense […] malgré votre défense » portent les raisons qui l’ont amené à se taire jusque-là.


title: Phèdre (Racine)

text: L’amour fautif est à ce point pesant qu’Hippolyte choisit l’éloignement plutôt que de devoir l’avouer à celle qu’il aime : « Hippolyte en partant fuit une autre ennemie:/je fuis, je l’avouerai, cette jeune Aricie. » (I, 1, 49-50), quand Phèdre prend, elle, le parti du suicide : « Je meurs, pour ne point faire un aveu si funeste. » (I, 3, 226).


title: Phèdre (Racine)

text: Elle laisse d’abord à d’autres la responsabilité des mots coupables : « C’est toi qui l’as nommé. » (I, 3, 264) Ensuite, elle impose le silence à son entourage car entendre le nom d’Hippolyte, c’est entendre sa faute et son aveu : « J’ai même défendu, par une expresse loi, /Qu’on osât prononcer votre nom devant moi. » (II, 5, 603-604).


title: Phèdre (Racine)

text: Les figures de style viennent également au secours des personnages en leur épargnant l’expression brutale de la vérité. Ainsi, dans la bouche de Phèdre avouant son amour, Hippolyte devient, dans une périphrase « ce fils de l’Amazone, /Ce prince si longtemps par moi-même opprimé. » (I, 3, 263) Lui aussi use du même procédé avant d’oser, seulement en fin de tirade, prononcer le mot « amour ». (II, 2). Il a déjà eu recours à la litote « Si je la haïssais, je ne la fuirais pas » (I, 1, 56) qui revient à dire : « Je la fuis parce que je l’aime. »


title: Phèdre (Racine)

text: Quand enfin Phèdre parle, elle exprime en même temps le regret de l’avoir fait : « Je n’ai que trop parlé », « J’ai dit ce que jamais on ne devait entendre. » (III, 1, 740-742) « Ah ! cruel, tu m’as trop entendue » (II, 5, 671), ce dernier mot pouvant prendre son sens premier et celui de « comprendre ». Elle essaie de s’emparer de l’arme d’Hippolyte pour se transpercer le cœur. Et si Hippolyte n’en vient pas à de telles extrémités après sa déclaration à Aricie, il est dans la crainte de n’être pas compris : « Ne rejetez pas des vœux mal exprimés. » (II, 3, 559), ou la certitude de ne pas l’avoir été après avoir essayé de convaincre son père : « Vous me parlez toujours d’inceste et d’adultère ? » (IV, 2, 1149).


title: Phèdre (Racine)

text: Notons aussi que chacun des deux personnages parle des fautes de l’autre à demi-mot et par insinuations : « Je me tais », dit Hippolyte à son père, mais ajoute aussitôt que Phèdre l’accuse d’une horreur dont sa propre famille est pleine. (IV, 2, 1150/1152). Phèdre, quant à elle, confie à son époux, en présence d’Hippolyte (III, 4) : « Vous êtes offensé », paroles dont Thésée comprend les sous-entendus lorsqu’ Hippolyte lui annonce sa décision de le quitter (III, 5).


title: Phèdre (Racine)

text: Si l’on admet que la tragédie est la mise en scène de personnages contraints de livrer un combat où quelle que soit l’issue ils sont perdants, alors on dira que dans Phèdre, la parole est elle-même un enjeu de tragédie : entre parler et se taire, dissimuler ou confesser, Phèdre et Hippolyte sont prédestinés à une alternative qui les condamne.Les deux citations suivantes sont célèbres pour leur métrique parfaite. La seconde n’est constituée que de monosyllabes. "Phèdre" de Jean-Baptiste Lemoyne, avec Judith Van Wanroij (Phèdre), Melody Louledjian (Oenone), Julien Behr (Hippolyte), Tassis Christoyannis (Thésée), Ludivine Gombert (La Grande Prêtresse), Jérôme Boutillier (Un Grand de l'État / Un Chasseur), Purcell Choir, Orfeo Orchestra, dir. Gyôrgy Vashegyi. CD Palazzetto Bru Zane, 2020. Diapason d'or


title: Vitellius

text: Vitellius (en latin : "Aulus Vitellius Germanicus Imperator Augustus"), né le 24 septembre 15 et mort le 22 décembre 69 à Rome, est le huitième empereur romain du 19 avril au 22 décembre de l'année 69, appelée année des quatre empereurs.


title: Vitellius

text: Suétone figure dans la "Vie des douze Césars" une biographie de Vitellius assez brève, largement négative ou parfois neutre, ne citant de façon positive que son proconsultat en Afrique proconsulaire. Suétone fait de Vitellius le pire des Césars dont il retrace la vie, animosité personnelle pour laquelle Eugen Cizek propose plusieurs justifications : Suétone est hostile à la politique de Néron reprise par Vitellius ; il apprécie son prédécesseur et victime Othon, qui fut commandant de son père ; enfin la mort de Vitellius est indigne d'un empereur.


title: Vitellius

text: Tacite, autre source principale, est aussi critique envers Vitellius, qu'il compare aux animaux paresseux qui restent couchés et engourdis tant qu'ont leur donne à manger. Mais Tacite compose une narration des faits historiques selon un enchaînement dramatique à partir de la défaite de l'armée de Vitellius à Bédriac, un processus inéluctable aboutissant à un paroxysme de violences à Rome, quitte à effectuer des simplifications, comme condenser en une seule les trois tentatives d'abdication de Vitellius.


title: Vitellius

text: Aulus Vitellius est le fils de Lucius Vitellius, consul et gouverneur de Syrie sous Tibère ; et de Sextilia, fille de Marcus Sextilius, magistrat monétaire. Lucius s'est fait remarquer par un art consommé de la flatterie mise au service de ses ambitions.


title: Vitellius

text: Vitellius passe sa jeunesse à Capri au milieu des mignons de l'empereur Tibère. Il s'attire ensuite les faveurs de Caligula par ses qualités de conducteur de char et celles de Claude et Néron par ses qualités au jeu de dés Sa stratégie pour être bien vu à la cour est de partager les loisirs des empereurs successifs. L'amitié de ces empereurs lui permet d'être tout d'abord consul en 48, membre de deux collèges religieux majeurs, les Frères Arvales à partir de 50/54 et les Quindecemviri sacris faciundis, un cumul exceptionnel de deux sacerdoces. Aux alentours de 60-62, il est proconsul d'Afrique. Revenu à Rome, il profite de sa charge d'intendant des travaux publics pour voler des trésors dans les temples. Il semble si peu dangereux en apparence, qu'après la chute de Néron, Galba le nomme, à la surprise générale, commandant des légions de Germanie inférieure. C'est là qu'il réussit à se faire apprécier par ses subalternes et ses soldats, pour son indulgence, sa prodigalité et sa démagogie.


title: Vitellius

text: Il se marie une première fois avec Petronia et a un fils, Aulus Vitellius Petronianus. Suétone indique que le garçon était aveugle d'un œil, et qu'il a été tué par son propre père pour hériter de la grande fortune de sa mère et de son grand-père maternel. Elle se sépare de Vitellius peu après. Il se marie une deuxième fois avec Galeria Fundania et a un autre fils (appelé Aulus Vitellius puis Aulus Vitellius Germanicus, comme son père, et exécuté avec lui), et deux filles, Vitellia et Galeria Fundana, mariée avec .


title: Vitellius

text: Vitellius est loin d'être ambitieux, il est plutôt paresseux et très attiré par la nourriture et la boisson. Quelques jours avant la mort de Galba, assassiné par Othon, Vitellius est proclamé "Imperator" des armées de Germanie inférieure et supérieure par ses légions le 2 janvier 69 à "Colonia Claudia Ara Agrippinensium", aujourd'hui Cologne. Après la mort de Galba, Othon est proclamé empereur à Rome par la garde prétorienne. Vitellius partage alors ses légions en deux groupes. Il prend le commandement de l'un et envoie l'autre contre Othon. Il doit son accession à l'empire à ses deux légats Cæcina et Valens qui commandaient les deux légions du Rhin : ceux-ci franchissent les Alpes et battent l'armée d'Othon à la bataille de Bédriac, le 14 avril 69. Tacite décrit la jouissance de Vitellius à la vue du charnier de millers de citoyens, alors que ce succès illusoire se retournera contre lui. Othon se suicide deux jours plus tard et Vitellius marche sur Rome en vainqueur. Il signe un édit dissolvant les cohortes prétoriennes et ordonne de mettre à mort ceux qui ont pris part au meurtre de Galba et réclament une gratification pour cela.


title: Vitellius

text: Le 19 avril, le Sénat romain entérine la nomination de Vitellius comme empereur. L'armée de Vitellius se livre sur son chemin au pillage et au massacre ; le nouvel empereur fait lui aussi preuve d'une grande cruauté et devient rapidement impopulaire. Il confisque la plus haute magistrature en se nommant consul perpétuel et s'arroge plusieurs pontificats, autant de mesures perçues par les Romains comme une promesse de tyrannie. Il imite Néron en s'entourant d'une cour d'histrions et assouvit sa gourmandise proverbiale. Enfin, il ne s'embarrasse pas pour commettre des meurtres notamment des personnes qui viennent lui demander de régler ses dettes. De débauches en injustice, plus personne ne respecte cet empereur en rupture avec toutes les valeurs romaines.


title: Vitellius

text: Le 1er juillet, les troupes d'Égypte proclament Vespasien empereur. En apprenant la nouvelle, les légions de Mésie, de Pannonie, et de Dalmatie se révoltent aussi et prêtent serment à Vespasien. Celui-ci venait d'écraser la révolte des Juifs et représentait une meilleure stabilité aux yeux des Romains. À Rome, Vitellius provoque un mécontentement quasi général et des troubles éclatent. Vitellius abdique puis semble revenir sur sa décision. Titus Flavius Sabinus, préfet de la ville et frère de Vespasien, estime devoir prendre les rênes du pouvoir. Ses partisans se heurtent aux Vitelliens et Sabinus se réfugie avec eux au Capitole. Les Vitelliens les assiègent et le Capitole brûle, sans qu'on sache si c'est du fait des assiégeants ou des assiégés. Sabinus, défait, est tué, malgré une molle opposition de Vitellius, privé d'autorité. Antonius Primus, qui commande les légions du Danube, envahit l'Italie du Nord et bat l'armée de Vitellius à Crémone à la fin du mois d'octobre 69.


title: Vitellius

text: Il prend ensuite la direction de Rome. Les alliés de Vitellius se rallient les uns après les autres à Vespasien. Vitellius tente tout pour négocier une paix, sans succès. Alors que les premiers éléments de l'armée de Primus pénètrent dans Rome, il tente de s'enfuir, et se cache dans la loge du portier de son palais. Capturé par les hommes de Primus, il est reconnu et lapidé par la foule romaine ; son corps est traîné par un croc et jeté dans le Tibre.


title: Vitellius

text: Domitien, le fils cadet de Vespasien, est alors nommé César en attendant l'arrivée de l'empereur Vespasien à Rome à la fin de l'année 70. Lors de son assassinat en 69, la titulature de Vitellius était :


title: Sâdhu

text: Le sādhu ou Sadhou (du sanskrit साधु "sādhu", « ayant atteint son but, homme de bien, saint homme ») est, en Inde, celui qui a renoncé à la société pour se consacrer à l'objectif de toute vie, selon l'hindouisme, qui est le moksha, la libération de l'illusion ("māyā"), l'arrêt du cycle des renaissances et la dissolution dans le divin, la fusion avec la conscience cosmique. En tant que renonçants, ils coupent tout lien avec leur famille, ne possèdent rien ou peu de choses, s'habillent d'un "longhi", d'une tunique, de couleur safran pour les shivaïtes, jaune ou blanche pour les vishnouites, symbolisant la sainteté, et parfois de quelques colliers. Ils n'ont pas de toit et passent leur vie à se déplacer sur les routes de l'Inde et du Népal, se nourrissant des dons des dévots.


title: Sâdhu

text: Au-delà de la recherche spirituelle, les raisons qui poussent à choisir la vie de "sādhu" peuvent être diverses : fuir sa caste, échapper à une situation familiale pénible, à une situation économique calamiteuse, mais aussi pour une femme à l'infamie du veuvage, ce qui fait qu'il existe, bien qu'en nombre bien moindre (10 % de la population "sādhu"), des "sādhu" femmes ou sādhvī (साध्वी "sādhvī").


title: Sâdhu

text: Ils seraient apparentés aux gymnosophes, les philosophes nus que les Grecs d'Alexandre le Grand croisent en pénétrant le monde indien.


title: Sâdhu

text: Dans leur recherche d'absolu, les "sādhu" pratiquent des tapas, récitations de "mantras", rituels magiques, contrôle du souffle, yoga, abstinence sexuelle, vœu de silence, méditation ou mortifications.


title: Sâdhu

text: Un grand nombre d'entre eux consomment rituellement du haschich, comme Shiva est censé le faire selon eux, pour déchirer le voile de la "maya". D'autres cependant refusent cette consommation qu'ils jugent opposée à leur idéal. Les "sādhu" shivaïtes frottent leur corps avec des cendres, symboles de mort et de renaissance. À l'image de Shiva, ils portent leurs cheveux extrêmement longs.


title: Sâdhu

text: L'allégeance des "sādhu" à Shiva ou à Vishnou se reconnaît par les marques traditionnelles qu'ils peignent sur leur front et parfois par la couleur de leurs vêtements. Il leur arrive de s'affronter lors des "Kumbhamelâ" pour des problèmes de préséance, chacun prétendant entrer le premier dans l'eau sainte.


title: Sâdhu

text: Les "naga baba" forment une tradition shivaïte d'ascètes dont les membres sont considérés comme les plus hauts dignitaires de la brahmanitude, du fait de leur ascèse extrême (ils sont le premier corps de yogis à pouvoir entrer rituellement dans le fleuve sacré lors des Khumba Mela) ; "naga" est un mot polysémique et il signifie en hindi : « montagne », « serpent », « bijou », « pierre précieuse » ou « exemplaire » . Leur existence n'a pas de fondateur connu autre que le Dieu Shiva en personne (signifiant par là que leur origine remonte à la nuit des temps) et, contrairement aux autres "sādhu", ils sont vindicatifs, organisés en sept "akhara", c'est-à-dire en régiments et entrent facilement en conflit avec les autres sectes. Ils luttèrent même militairement contre les envahisseurs islamistes puis contre les Britanniques. Ils arborent souvent des armes, symboliques ou non, comme des épées, des bâtons, des lances et surtout le trishula (trident), un signe du Seigneur Shiva.


title: Sâdhu

text: En signe de non-possession absolue et de maîtrise complète de leur corps grâce au yoga, ils se dispensent souvent de tout vêtement (un des noms de Shiva est "Digambara", « vêtu de Ciel »), de même que les moines jaïna digambara, ces derniers pratiquant scrupuleusement l'Ahimsâ (non-violence absolument et individuellement en n'importe quelle circonstance). La non-violence du jaïnisme est différente de la non-violence conçue par l'hindouisme : même si l'on est attaqué physiquement, ou qu'une violence se présente, s'en défendre ou prendre les armes pour protéger des vies est considéré comme une violence aussi, qui amène du karma impur dont on doit se purifier, selon les jaïns en situation de monachisme ; en revanche, les brahmanes considèrent que « tolérer la violence est une forme de violence », et le statut de Kshatriya ou d'ascète-guerrier n'est donc pas vu comme contraire à l'Ahimsâ, puisqu'ils considèrent que l'on ne doit pas laisser prospérer la violence.


title: Sâdhu

text: Certains sont spécialistes de la mortification de leur pénis, y attachant souvent des masses très lourdes dans le but de le désexualiser et de prouver leur dévotion et abnégation envers le Dieu Shiva (représenté souvent sous forme de Lingam), pratique attestée par l'abbé Dubois, un des premiers indianistes. Leur corps est enduit de cendres provenant du feu sacré brûlant jour et nuit en l'honneur de Shiva, ou issues de bouses de vache sacrée, bouses séchées et brûlées et utilisées en Inde comme antiseptiques, ou recueillies sur les lieux de crémation. La cendre est ce qui reste lorsque le corps et ses sens sont vaincus : l’egoïsme est annihilé. Les "sādhu" clament ainsi leur détachement et la mise à mort des tourbillons mentaux ("cittavriti") faisant obstacle au yoga, abolition de toute pensée permettant l'union avec la Divinité du yoga, Shiva, et appelé moksha (« délivrance »).


title: Sâdhu

text: Les Gorakhnathis ou "Nath babas" suivent les enseignements tantriques du fondateur de leur secte Gorakhnath (peut-être autour de l'an mil), qu'ils considèrent comme une incarnation de Shiva et qui est l'auteur traditionnel du premier traité, maintenant perdu, de Hatha Yoga. Leur secte est supposée aussi vieille que le monde et Brahma, Vishnu et Shiva furent les premiers disciples de Gorakhnath aussitôt après la création. Les Gorakhnathis portent le "kundala", un anneau à l'oreille que l'on perce au cours d'une cérémonie fortement ritualisée. Ils prient aussi Hanuman et Dattatreya. Leur centre principal est Gorakhpur dans l'Uttar Pradesh.


title: Sâdhu

text: Les ascètes Udasin ou "fils de Nanak" ne sont ni adeptes de Shiva, ni même d'origine hindouiste car ils appartiennent à la religion Sikh. La secte a été fondée par Shrichandra le fils du Gurû Nanak, le fondateur du Sikhisme et ses membres le vénèrent ainsi que le "panchayatana", un groupe de 5 divinités : Shiva, Vishnou, Surya, Durga et Ganesh depuis qu'ils se sont tournés vers l'hindouisme lorsque le deuxième gurû sikh les a excommuniés. En cas de conflit entre sectes, ils se rangent aux côtés des shivaïtes.


title: Sâdhu

text: . D'après Aghoreshwar Bhagvan Ram, ils sont au-delà et en amont des traditions connues. Aghor ("qui n'est pas terrible, pas craint") est selon les aghoris avant tout un état de conscience éveillée : le concept engloberait plutôt une union mystique avec la divinité et se manifesterait par une simplicité dans la conduite de la vie quotidienne (comprendre : sans fastes, sans convenances et hypocrisie dans les rapports humains) et une compassion à l’égard de tous les êtres vivants.


title: Sâdhu

text: Aghor désigne pour les aghoris l’état naturel, originel de l'être, et la simplicité de la conscience. Pour l'aghori, la peur, la haine, le dégoût, la discrimination de caste, de naissance ou autre, sont inexistantes, ce qui les distingue d'autres sâdhus pour qui le pur et l'impur existent, l'impur étant à fuir. La qualité principale de l'aghori idéal est l’égalité d'humeur et d'âme.


title: Sâdhu

text: Le saint aghori ("Avadhut", "Aughar", "Aghoreshwar") porte un regard sur l’univers détaché des dualités. Il ne différencie pas en essence le pur de l’impur. Les pratiques des aghoris visent à parvenir à cette connaissance naturelle de l’équanimité notamment par la confrontation à l’impureté : par exemple, par la consommation de chair humaine, de drogues, la fréquentation des crématoires, pour citer les exemples les plus extrêmes. L’accent est également porté sur la connaissance de l’énergie de la manifestation, Shakti, méditée et comprise à travers les trois formes traditionnelles de la déesse (Sarveshwari) : Mahakali représentant la destruction, Mahalakshmi, la préservation, et Mahasarvaswati, la création.


title: Sâdhu

text: Les aghoris insistent particulièrement, comme les tantrikas dont ils peuvent être rapprochés, sur l’importance du guru, du maître spirituel : "Personne ne traverse l’océan de la vie vers la libération sans un maître". C’est ce dernier qui transmet la méthode nécessaire (Sadhana), afin que le disciple puisse comprendre et parcourir "la voie sans peur" (étymologiquement proche du terme "aghor"). L’initiation (Diksha) consiste principalement en la transmission d’un mantra sacré ("Aghor Mantra"), dont la répétition permet au disciple d’avancer dans sa compréhension de la Voie et d’obtenir des connaissances spirituelles. La dévotion ou Bhakti et la droiture du disciple occupent une place prépondérante dans ces pratiques.


title: Sâdhu

text: Différentes fêtes hindoues, dont Guru Purnima (pleine lune dédiée au Guru) et Navaratri (le festival de la Déesse), sont d’une importance capitale chez les aghoris.


title: Sâdhu

text: À l’origine, les pratiques aghoris étaient effectuées principalement dans le "smashan", le crématoire hindou. Ce lieu de désolation et de mort, considéré comme impur, est aux yeux des aghoris le lieu de passage nécessaire menant à la libération. C’est par le feu des bûchers funéraires (agni) que le défunt purifie son âme afin d’obtenir la délivrance. Ainsi, le "smashan" est considéré par les aghoris comme un lieu propice à la pratique rituelle et à la mortification ("tapasya"), en vue d’obtenir une libération de son vivant. Le crématoire représente l’austérité de la vie ascétique et le détachement du monde matériel.


title: Sâdhu

text: Le "smashan" est peuplé dans la mythologie hindoue de nombreuses créatures immatérielles (fantômes, ogresses, sorcières, vampires) qui tentent de déstabiliser l’ascète. Par son courage et sa détermination (vira), il peut traverser les voiles de l’illusion (Mâyâ) afin de percevoir le monde tel qu'il est, sans ses propres projections.


title: Sâdhu

text: Le crématoire est également le lieu de résidence de Kâlî, la déesse sous sa forme terrible, ou encore Tara au Bengale. Shiva, Kalbhairava, ou encore Mahakala, autant de formes destructrices du Divin, sont également liés à ces lieux considérés certes comme impurs, mais sacrés.


title: Sâdhu

text: Les aghoris rendent un culte à ces divinités à l’apparence terrible et espèrent pour certains d’entre eux obtenir des pouvoirs (siddhi) par leurs austérités. Une légende raconte que Shiva sous la forme de Kalbhairava coupa l’une des cinq têtes de Brahma, en raison de l’arrogance de ce dernier. Il se rendit ainsi coupable de brahmicide (meurtre d'un brahmane) et dut expier ses fautes en menant une vie d’ascète pendant douze ans. Il conservait la tête de Brahma avec lui, jusqu’à ce qu’il la laisse tomber au bout de son cycle de pénitence dans la ville de Kashi (Varanasi). Il obtint ainsi la libération. C’est en mémoire de cette légende que les "kapaliks", litt. "porteurs de crânes", apparentés aux aghoris, conservent tout le long de leur vie un crâne humain (kapal).


title: Sâdhu

text: Une pratique supposée des aghoris consiste en une méditation assise sur un cadavre (Shav Sadhana). Le cadavre ("shava") par la puissance de l’ascète ("shakti" dans ce contexte), émanée de la déesse, devient Shiva.


title: Sâdhu

text: Selon la lignée tantrika kinarami, cette pratique est avant tout symbolique, et s’apparente à des techniques d’investigation du "Vedānta" (connaissance de soi). Le crâne porté demeure le siège de la pensée, et donc de l’illusion, puisque c’est la confusion mentale qui entraine l’ignorance. Porter le crâne revient ainsi symboliquement, aux yeux des aghoris "kapaliks", à se libérer soi-même du poids de cette confusion mentale. Ainsi purifié, le sâdakh (aspirant à la connaissance), parvient à la clarté de l’esprit. On retrouve déjà toutes ces notions dans l’enseignement supposé de Bhagvan Dattatreya.


title: Sâdhu

text: Les aghoris possèdent également une forme de médecine spirituelle, qui consiste en une absorption symbolique de la maladie, et une en transmutation de celle-ci en santé, par le pouvoir du feu. Ils sont considérés comme des spécialistes de la psychologie traditionnelle : Bhuta Vidya. Ils peuvent communiquer et chasser les mauvais esprits (comme les ghûls du folklore musulman), responsables des troubles psychologiques de leurs patients. On leur a également attribué des pouvoirs de transmutation alchimique (Rasa Shastra).


title: Sâdhu

text: Une réforme importante dans les pratiques aghoris a été instaurée par "Aghoreshwar" Bhagvan Ram, considéré par certains aghoris comme la réincarnation de Kina Ram Baba, et au-delà même, comme une incarnation de Shiva. Bhagvan Ram, constatant les ravages de la drogue et de l’alcool dans les crématoires et la misère des basses castes, interdit l’utilisation de stupéfiants à ses disciples. Il affirma que le crématoire du monde moderne résidait dans les lieux abandonnés de la société, envoyant ainsi les aghoris en "mission". Aider les plus pauvres, les intouchables, les oubliés du système, soigner les "impurs" () devaient selon Bhagvan Ram constituer les pratiques majeures des aghoris modernes.


title: Sâdhu

text: Les Ramanandi forment une secte créée à la suite de l'enseignement du philosophe Ramananda (). On les appelle aussi Vairāgî, "ceux que le monde indiffère", et Avadhûta, "ceux qui ont renoncé à tout". Ils pratiquent la "bhakti" de Râma et Sita.


title: Sâdhu

text: De nombreuses Upanishads portent sur la manière d'être du renonçant ou sadhu ; par exemple :


title: Sâdhu

text: Le respect absolu de l'Ahimsa (« Non-violence ») est une pratique constante du renonçant ("sannyasin") ; les "Lois de Manu" en donnent quelques exemples pratiques :


title: Sâdhu

text: Dans le jaïnisme, un sadhu écrit aussi saadhu est un moine-ascète du premier échelon. Appelé aussi muni, un groupe de sadhus est géré par un ganin. L'acarya quant-à lui est le responsable de tout un ordre. Le mot sadhu est plus utilisé par la branche shvetambara, le mot muni par le courant digambara.


title: Mandarine

text: La mandarine est un agrume. C’est le fruit du mandarinier, un arbre de la famille des Rutaceae.


title: Mandarine

text: Le fruit d’un diamètre de 5 à est sphérique et légèrement aplati au sommet. Sa chair, sucrée et parfumée, est l’une des moins acides parmi les agrumes, mais elle a de nombreux pépins. Son écorce est fine, d’une couleur mandarine.


title: Mandarine

text: Une mandarine se divise généralement en une dizaine de quartiers. Un quartier est parfois appelé un éclat, un coussin, une cuisse.


title: Mandarine

text: Il existe pour expliquer le nom donné à ce fruit, ayant toutes en commun le titre des hauts fonctionnaires de l'Empire chinois : les mandarins. Selon , le fruit a été baptisé « mandarine », car les mandarins l’appréciaient particulièrement. Selon , c’est parce que l'agrume était de la couleur de leur robe d’officier, ou encore parce qu’il rappelait la forme de leur visage.


title: Mandarine

text: La mandarine a plusieurs appellations, certaines faisant référence à des hybrides. La plupart des mandarines précoces sont de la variété japonaise « satsuma » qui comprend environ 200 cultivars. Les mandarines de pleine saison sont principalement les méditerranéennes, dont la réputée « nadorcott » et les hybrides tropicaux asiatique « ponkan » appréciés en Inde, au Brésil. La clémentine, quant à elle, est un hybride entre une mandarine et une orange douce, recherchée pour son absence de pépins et au goût plus acidulé. C'est la variété la plus vendue en Europe.


title: Mandarine

text: La mandarine peut s’éplucher facilement. En commençant par le sommet du fruit, les quartiers peuvent être séparés sans perdre de jus. Ces qualités en font un fruit facile à consommer.


title: Mandarine

text: Sa valeur énergétique est d'environ pour .


title: Mandarine

text: Les utilisations de la mandarine sont identiques à celles de l’orange. Elle est notamment appréciée comme fruit de bouche. L’écorce et le jus sont utilisés dans les boissons (jus, liqueur, sirop, condiments, bière, etc.), en cuisine salée et sucrée.


title: Mandarine

text: La peau de la mandarine peut également être utilisée dans des préparations médicales, en particulier dans la médecine traditionnelle chinoise.


title: Mandarine

text: La mandarine se conserve environ une semaine à température ambiante. Il est possible de doubler ce temps en la plaçant dans le bac à légumes du réfrigérateur.


title: Mandarine

text: Le mandarinier est un petit arbre aux feuilles simples vert foncé brillant. Il n’est connu en Europe que depuis le début du .


title: Mandarine

text: Il est cultivé en Algérie, en Espagne, en Sicile, en Tunisie, au Maroc et aux États-Unis. Dans les zones trop froides, on le greffe sur Poncirus afin qu’il puisse supporter les hivers plus rudes.


title: Mandarine

text: La mandarine commune est progressivement remplacée par ses hybrides dépourvus de pépins, notamment la clémentine (hybride de l’orange douce et de la mandarine) qui représente à elle seule du marché des petits agrumes en France.


title: Mandarine

text: Les restants sont en majorité occupés par des hybrides, principalement la clemenvilla (croisement de tangelo et de clémentine), les ortaniques (hybrides de tangerine et d’orange), et l'Orri de Jaffa de création récente (années 1990).


title: Symphyta

text: Les Symphytes (Symphyta) ou mouches à scie forment un sous-ordre d'insectes, sous-classe des néoptères, super-ordre des mécoptéroïdés, de l'ordre des hyménoptères. En français les espèces portent des noms vernaculaires comme tenthrède, diprion, sirex…


title: Symphyta

text: Ce taxon paraphylétique regroupait les hyménoptères ne présentant pas d'étranglement du thorax.


title: Symphyta

text: Ces holométaboles sont caractérisés par :


title: Symphyta

text: Les Symphytes sont représentés en Europe par plus de espèces regroupées en super-familles.


title: Symphyta

text: Selon , ils comprennent :


title: Symphyta

text: Les Symphytes forment un groupe paraphylétique vis-à-vis des Apocrites.


title: L-Innu Malti

text: Aujourd'hui l'hymne maltais n'est chanté qu'en maltais mais, à l'origine et jusque dans les années 1970, il était aussi chanté en anglais. Il peut encore l'être puisque la république de Malte reconnaît une langue nationale, le maltais, et deux langues officielles, le maltais et l’anglais. Le site du Ministère de l'information maltais en donne les paroles dans les deux langues. La version anglaise n'est pas une traduction mais une adaptation du maltais faite par May Butcher.


title: L-Innu Malti

text: En 1850, le poète maltais, Ġan Anton Vassallo (1817-1868), écrit "Innu Lil Malta" (un hymne pour Malte) qui est souvent donné dans des réunions publiques ou des manifestations politiques.


title: L-Innu Malti

text: En 1922, le professeur d’anatomie et de pathologie de l’université royale de Malte, Robert Sammut (1869-1934), qui avait commencé par une carrière militaire dans le "King’s Own Malta Regiment" (le régiment de musique de la milice maltaise), compose à la demande du docteur Albert Laferla, directeur de l’éducation de Malte, une musique pour servir de chant aux écoliers des écoles primaires. Il demande ensuite au poète national maltais Dun Karm, de son vrai nom Carmelo Psaila (1871-1961), d’écrire des paroles sur la musique de Sammut. D’abord réticent à raison qu’il considère qu’il faille mettre la musique sur des paroles et non le contraire, Karm compose finalement deux couplets de trois vers. Dès 1922, ce chant est couramment chanté dans les écoles publiques.


title: L-Innu Malti

text: Il aurait été interprété pour les premières fois en public les et lors de concerts au théâtre Manoel à La Valette. Mais les paroles de Karm n’auraient pas été respectées et celui-ci fort mécontent proteste par un article dans le journal. C’est pourquoi il est considéré que ce qui deviendra l’hymne maltais a été chanté pour la première fois, en public, par des enfants de l’école de Sliema, accompagné par le "Duke of Edinburgh's Band", de Vittoriosa, le , lors d’un autre concert toujours au théâtre Manoel. La première représentation de ce chant, lors d’une manifestation officielle, date du , pour la célébration du "" (la victoire marquant la fin du Grand Siège de 1565). Ce chant est joué pour la première fois par un orchestre civil, le "King’s Own Band Club" sous la direction de V. Ciappara, le , sur la place Saint-George’s Square. En 1938, Mademoiselle May Butcher fait paraître une adaptation en anglais des paroles de Karn dans le "Times of Malta".


title: L-Innu Malti

text: C’est le , que la composition de Sammut-Karm obtient officiellement le statut d’hymne maltais, mais Malte étant colonie britannique, l’hymne officiel de Malte est toujours le "God Save the King". Le , à l'Empire Stadium de Gżira, a lieu une rencontre officielle de football entre l’équipe de Malte et les "Hajduks" de Yougoslavie en présence du gouverneur britannique. Avant le match, sont joués les hymnes yougoslave et britannique, mais au moment où le gouverneur allait s’assoir, tout le stade entonne "L-Innu Malti" et le gouverneur dut faire contre mauvaise fortune bon cœur et rester debout jusqu'à la fin du chant. La constitution maltaise officialise, le , "L-Innu Malti" comme hymne officiel de Malte. Mais pour favoriser la version maltaise, la constitution précise : « l'hymne dont les paroles commencent par "Lil din l-Art ħelwa, l-Omm li tatna isimha" ».Sources utilisées pour la rédaction de l'article


title: Claude Debussy

text: Claude Debussy est un compositeur français né le à Saint-Germain-en-Laye et mort le à Paris (16e).


title: Claude Debussy

text: En posant en 1894 avec "Prélude à l'Après-midi d'un faune" le premier jalon de la musique moderne, Debussy place d’emblée son œuvre sous le sceau de l’avant-garde musicale. Il est brièvement wagnérien en 1889, puis anticonformiste le reste de sa vie, en rejetant tous les académismes esthétiques. Avec "La Mer", il renouvelle la forme symphonique ; avec "Jeux", il inscrit la musique pour ballet dans un modernisme prophétique ; avec "Pelléas et Mélisande", l’opéra français sort des ornières de la tradition du drame lyrique, tandis qu’il confère à la musique de chambre, avec son quatuor à cordes, des accents impressionnistes inspirés.


title: Claude Debussy

text: Une part importante de son œuvre est pour le piano (la plus vaste de la musique française avec celle de Gabriel Fauré) et utilise une palette sonore particulièrement riche et évocatrice.


title: Claude Debussy

text: Claude Debussy laisse l’image d’un créateur original et profond d’une musique où souffle le vent de la liberté. Son impact sera décisif dans l’histoire de la musique. Pour André Boucourechliev, il incarnerait la véritable révolution musicale du vingtième siècle.


title: Claude Debussy

text: Achille-Claude Debussy naît dans la maison familiale au , rue au Pain à Saint-Germain-en-Laye, le . Ses parents, Manuel-Achille, un ancien militaire, et Victorine Manoury, sont vendeurs de céramiques et de poteries (« marchands faïenciers »). Onze mois plus tard, le , sa sœur Adèle vient au monde, également au 38, rue au Pain. Claude Debussy est baptisé le en l’église Saint-Germain ; son parrain est le banquier Achille Arosa, sa marraine est Clémentine Debussy, tante de Claude et maîtresse d’Arosa, qui signe le registre du nom d’Octavie de la Ferronière afin de rendre sa liaison plus discrète.


title: Claude Debussy

text: Les Debussy quittent leur boutique de Saint-Germain-en-Laye vers la fin de 1864, faute de rentabilité. Ils passent un moment à Clichy chez la grand-mère maternelle d’Achille-Claude, Edme Manoury, avant de revenir s’installer à Paris même, en , au 11, rue de Vintimille, où naît le troisième enfant de la famille, Emmanuel-Léon, le . Le père Debussy travailla d’abord comme courtier en ustensiles de ménage avant d’entrer en 1868 à l’imprimerie Paul Dupont, ce qui lui permit de déménager à nouveau avec sa femme et ses enfants, cette fois au 69, rue Saint-Honoré. Au début de l’année 1870, Achille-Claude part avec sa mère enceinte, son frère et sa sœur chez Clémentine Debussy (sa tante paternelle et également sa marraine), à Cannes, où naît le quatrième enfant de la famille, Alfred Lucien, le . Le père reste à Paris, où la guerre éclate en juillet. L’imprimerie Dupont licencie son personnel le , et Manuel-Achille se retrouve sans emploi, avant d’accepter un poste au service des vivres de la mairie du , un des futurs foyers de la Commune.


title: Claude Debussy

text: Pendant ce temps, c’est sans doute à Cannes que le jeune Achille-Claude pénètre pour la première fois dans l’univers musical. Sa tante Clémentine aurait décelé en lui des dispositions musicales, et lui aurait déniché son premier professeur de piano, un modeste violoniste italien de quarante-deux ans habitant Cannes, Jean Cerutti. Ce dernier n’aurait rien remarqué de particulier chez Achille-Claude. À Paris, l’insurrection de la Commune éclate ; Manuel-Achille s’engage dans la garde nationale, où, promu, après maintes péripéties, capitaine puis se retrouvant à la tête d’un bataillon, il est arrêté, puis libéré deux jours plus tard, et emprisonné à nouveau, le , par les troupes de Mac-Mahon. Il se trouve interné avec d’autres communards dans le camp de Satory, et doit subir plusieurs interrogatoires suivis d’un procès pour lequel son jugement par le Conseil de guerre est sans appel : quatre ans de prison. Après une année d’incarcération, la peine est commuée en quatre ans de suspension des droits civiques et familiaux. Le reste de la famille, demeuré à Cannes pendant ces événements, rentre à Paris, où Victorine Debussy et ses quatre enfants louent un petit deux-pièces rue Pigalle.


title: Claude Debussy

text: Manuel-Achille rencontre dans les prisons communardes un autre prisonnier, Charles de Sivry, musicien autodidacte (il était notamment chef d’orchestre), et beau-frère de Paul Verlaine. Les deux hommes se lient d’amitié et échangent leurs soucis. Manuel-Achille touche sans doute quelques mots à Sivry de son fils Achille-Claude et de ses facilités musicales, si bien que Sivry propose de confier le jeune Debussy à sa mère, Madame Antoinette-Flore Mauté de Fleurville. Cette dernière, qui avait alors quarante-huit ans, est une excellente pianiste, elle avait même reçu quelques leçons de Frédéric Chopin. Achille-Claude devint ainsi l’élève de Madame Mauté, mais l’on ne sait si les cours débutèrent avant ou après la libération de Sivry du camp de Satory (Sivry fut libéré rapidement, bénéficiant d’un non-lieu). Madame Mauté prenait ces leçons très à cœur, et elle fut convaincue des talents de Debussy, ce dernier progressant de manière significative. Debussy lui-même en gardera un bon souvenir, affirmant plus tard : . La fille de Madame Mauté, Mathilde, est l’épouse de Paul Verlaine avec qui elle s’installe rue Nicolet, au côté des Mauté, non loin de la rue Pigalle où logent les Debussy.


title: Claude Debussy

text: Les leçons de Madame Mauté furent d’une telle qualité qu’après une année, le jeune Achille-Claude, âgé de dix ans, put envisager l’entrée au Conservatoire de Paris, lui qui ne fréquentait aucune école (contrairement à ses frères et sœurs) et qui apprit à lire, à écrire et à compter avec sa mère. Madame Mauté l’encourage dans cette voie et conseille à ses parents de lui faire tenter le concours d’entrée. Pour cela, il lui faut une relation pouvant appuyer sa candidature. Le père, Manuel-Achille, parvient à joindre le compositeur Félicien David, membre des comités d’examens de chant, d’orgue et de déclamation lyrique. Celui-ci accepte de parrainer le jeune Debussy, et envoie le billet suivant au secrétaire du Conservatoire, Charles Réty :


title: Claude Debussy

text: Ainsi, Claude Debussy est admis au Conservatoire le ; sur les cent cinquante-sept candidats, seuls trente-trois avaient été retenus.


title: Claude Debussy

text: Debussy a passé plus de dix ans au Conservatoire de Paris. Lors de son entrée, cela ne faisait qu’un an qu’Ambroise Thomas en était le directeur. Il fut inscrit dans la classe de piano d’Antoine Marmontel, le et le dans la classe de solfège d’Albert Lavignac.


title: Claude Debussy

text: Tout le monde s’accorde à dire que Debussy était un élève dissipé, arrivant souvent en retard, et subissant en cela le courroux de sa mère, très sévère sur ce point. Cela ne changea pas grand-chose. Debussy était aussi vu par ses professeurs comme un enfant intelligent et plutôt talentueux. À propos d’une toccata de Bach jouée par Debussy en chez Marmontel, Alphonse Duvernoy écrira : . À Marmontel d’ajouter un an plus tard dans un jugement d’ensemble : En revanche, dans la classe de Lavignac, Debussy fut jugé très en retard sur la théorie. Il ne tarda cependant pas à s’améliorer, si bien que Marmontel écrira en : Ces progrès, aussi bien en piano qu’en théorie, l’amenèrent tout naturellement à concourir ; il obtint un de piano (après l’interprétation du "Concerto en fa mineur" de Chopin) et la de solfège. Ses parents étaient présents lors de la remise des prix, et furent très fiers de lui. Son père était sorti de prison depuis presque deux ans, et avait retrouvé un emploi comme auxiliaire aux écritures à la compagnie Fives-Lille, et toute la famille avait déménagé au 13, rue Clapeyron.


title: Claude Debussy

text: En 1875, Debussy était, à treize ans, le plus jeune élève de la classe de Lavignac, qui se montrait satisfait, ayant cependant toujours quelques réserves sur les principes théoriques. En piano, Marmontel était, quant à lui, tout à fait enthousiaste au sujet de son élève. Lors de nouvelles épreuves, Debussy obtint cette fois la en solfège. En piano, il partagea les premiers accessits avec deux autres candidats, il n’y eut pas de premier prix, mais deux seconds (l’épreuve comptait en tout quatorze candidats et comportait notamment la première "Ballade" de Chopin). Un critique de l’"Art musical", présent ce jour-là, écrivit sur Debussy qu’il était . D’ailleurs, du point de vue de Satie, personne n’a jamais mieux joué Chopin que Debussy.


title: Claude Debussy

text: Cependant, 1876 fut pour Debussy une année qui, d’un point de vue scolaire, ne tint pas ses promesses. Changement qui, selon certains, est à mettre au compte de l’adolescence. Cela n’empêcha pas Marmontel d’envoyer Debussy comme accompagnateur d’une élève de classe de chant, Léontine Mendès, lors d’un concert en province (à Chauny, dans l’Aisne). Ce concert-spectacle organisé par la fanfare des manufactures de glaces se tint le . C’était la première prestation publique de Debussy hors conservatoire, il y accompagna Léontine sur un air de "La Juive" d’Halévy, ainsi que sur un air de "Mignon" d’Ambroise Thomas. Il interpréta également une "Fantaisie pour violoncelle et piano" de Donizetti en compagnie du violoncelliste Samary, suivi, entre autres, d’un "Trio pour piano, violon et violoncelle" de Haydn. C’était sans compter qu’après le concert, il fut encore sollicité pour tenir le piano dans une opérette d’Offenbach donnée par la troupe de théâtre locale. La presse locale également fut enthousiaste à son égard, , et, dans "La Défense Nationale", le critique écrit


title: Claude Debussy

text: À la suite de cette prestation remarquée, Debussy fut appelé à donner un concert à Chauny le , organisé par la Musique municipale. Les professeurs du conservatoire se montraient moins enthousiastes. Marmontel écrit dans une note du : Lavignac est plus complaisant () : Comme un fait exprès, ses deux tendances se vérifièrent dans leurs épreuves respectives. En solfège, ce fut la consécration, Debussy obtint la première médaille avec deux autres candidats ; mais, en piano, aucune récompense. Il faut dire que l’œuvre imposée n’aidait pas vraiment, l’"allegro op. 111" de Beethoven, qu’un critique de l’Art musical commente . Ceci explique pour certains que Debussy ait par la suite gardé ses distances avec les œuvres de Beethoven. Dans le jury, on peut noter la présence entre autres de Saint-Saëns et Massenet. En ce qui concerne la technique pianistique de Debussy, ses camarades l’ont toujours considérée comme peu académique. Comme le décrit Gabriel Pierné, un de ses camarades de classe : Opinion contrastant avec celle de ses professeurs ; hormis le « joli son » (cité précédemment) accordé par Duvernoy, celui-ci ajoute : « jeu intelligent », en nuançant toutefois : « joue trop vite », « se presse trop ». Néanmoins, Pierné reconnaît que « ces défauts allaient s’atténuer et il obtenait par moment des effets de douceur moelleuse étonnante ».


title: Claude Debussy

text: De manière générale, l’année 1876-1877 est beaucoup plus encourageante que la précédente sur le plan scolaire. Marmontel trouve que Debussy a renoncé à son « étourderie » et a repris « goût au travail ». Ce que Manuel et Victorine Debussy prennent comme un soulagement (ils sont encore sous le coup de la perte de leur dernier enfant, Eugène, né en 1873 et mort en 1877 d’une méningite). Au concours de cette année, organisé à huis clos, on retrouve le premier mouvement de la "sonate en sol mineur" de Schumann, que vingt-et-un candidats furent tenus d’exécuter. Debussy s’en sort avec le second prix, ce qui est une réussite (il y eut deux seconds prix, et trois premiers, dont l’un alla à José Jimenez, un natif de Trinidad). Durant l’année 1877-1878, Debussy, qui a seize ans, fait son entrée dans la classe d’harmonie d’Émile Durand (le précisément).


title: Claude Debussy

text: L’harmonie enseignée au Conservatoire était une discipline que Debussy trouvait pratiquement sans intérêt. Il la considérait comme futile et n’y attachait pas beaucoup de crédit. Comme il le rapporte lui-même plus tard : ; ou encore :


title: Claude Debussy

text: Pour appuyer cette hypothèse, on pourrait citer une note de François Lesure dans sa biographie sur Claude Debussy : « Sur une petite feuille que je possède, Debussy a noté, sans doute à l’époque où il fut nommé au Conseil supérieur du Conservatoire : « réduire les études d’harmonie à une année ». Néanmoins il avait des rapports très corrects avec Émile Durand, et tous deux s’appréciaient mutuellement. Ainsi il arrivait parfois à Durand de retenir Achille-Claude après la classe et de jeter un œil sur le papier réglé de l’élève. Il y apportait des rectifications, émettait des critiques avant d’ajouter un sourire énigmatique aux lèvres : « Évidemment, tout cela n’est guère orthodoxe, mais c’est bien ingénieux ». Debussy ne reçut cependant aucune récompense en harmonie durant sa première année dans cette classe. Ce qui apparaît logique au vu des témoignages de ses camarades. Ainsi Paul Vidal déclara : « Au lieu de trouver les réalisations harmoniques attendues du professeur, il dépassait toujours le but, inventait des solutions ingénieuses, élégantes, charmantes, mais nullement scolaires, et Émile Durand, qui était un bon professeur, mais dépourvu de souplesse, lui en faisait âprement le reproche », ce qui coïncide avec les souvenirs de Raymond Bonheur : « Qu’il s’agisse d’un chant ou d’une basse donnée, il était rare qu’il n’en apportât une réalisation ingénieuse et n’en relevât l’ordinaire banalité d’une harmonie subtile et inattendue ». Au traditionnel concours de piano annuel, avec au programme l’allegro de la "sonate op. 39" de Weber, Debussy fit vache maigre et repartit sans aucun prix. Cette désillusion annonce l’année 1878-1879 suivante comme étant la pire de ses années passées au Conservatoire, bien que ses notes chez Marmontel fussent positives.


title: Claude Debussy

text: La plupart de ses camarades le devançaient, étant plus appliqués et rigoureux dans le travail et récoltant de nombreux prix. Il n’en eut aucun cette année-là, même au concours de piano, où pourtant il interpréta Chopin ("Allegro de concert, op. 46"), compositeur lui seyant normalement parfaitement. L’atmosphère familiale devint tendue. Heureusement Marmontel sut lui trouver une distraction qui tombait à point nommé.


title: Claude Debussy

text: Il l’envoya au château de Chenonceau chez la richissime Marguerite Wilson, épouse Pelouze – son frère Daniel, député d'Indre-et-Loire, fut le gendre de Jules Grévy – qui avait pour habitude de recevoir des pianistes afin d’animer ses soirées. De réputation excentrique, elle était une grande admiratrice de Wagner. Elle tenait aussi en haute estime Gustave Flaubert (qu’elle avait d’ailleurs invité l’été précédant la venue de Debussy) et la peinture italienne. On imagine l’impression laissée au Debussy de dix-huit ans par ce gigantesque château, lui qui débarquait de son deux pièces familial. Il semble qu’il ait surtout eu à jouer de la musique de chambre, mais il a surtout dû s’imprégner de musique wagnérienne par l’entremise de la maîtresse de maison, et son premier contact concret et enthousiaste avec le compositeur de Bayreuth date probablement de cette époque (bien qu’il en ait tout naturellement eu vent, ne serait-ce qu’au Conservatoire).


title: Claude Debussy

text: Les premières compositions de Claude Debussy datent aussi probablement de l’année 1879, bien qu’il n’y ait aucun manuscrit musical de sa main daté d’avant 1880. Même si comme tout musicien, il a sans doute esquissé quelques pièces au piano dès ses débuts musicaux. Mais les premières compositions abouties sont sûrement celles de 1879 . La plupart sont perdues, mais certaines ont été retrouvées, comme "Madrid". Toujours selon Vidal, il arrivait à Debussy de lui chanter ainsi qu’à d’autres camarades ses mélodies, reçues avec enthousiasme. Entre-temps, Debussy avait quitté Chenonceaux, était rentré à Paris et entamait en 1880 sa septième année de Conservatoire. Les échecs de l’année précédente ne l’avaient pas incité à s’inscrire tout de suite dans la classe de composition. De ce fait il s’est dirigé vers la classe d’accompagnement au piano (créée un an auparavant) sous la tutelle d’Auguste Bazille, organiste et ancien chef de chant à l’Opéra-Comique. C’est dans cette classe que Debussy obtiendra le seul premier prix de ces 10 ans de conservatoire. Bazille disait de son élève : « Grande facilité, bon lecteur, très bons doigts (pourrait travailler davantage) ; bon harmoniste, un peu fantaisiste, beaucoup d’initiative et de verve ». Debussy par ailleurs continuait à étudier l’harmonie chez Émile Durand et lors d’une épreuve, la réalisation de la « basse donnée », le jury souligna une demi-douzaine de fautes de quintes ou d’octaves. Son nom fut rayé de la classe et il ne fut même pas classé.


title: Claude Debussy

text: Pour occulter cet échec, Marmontel lui trouva de nouveau une occupation déterminante ; en effet, une dame russe vint chercher au Conservatoire un pianiste pour faire de la musique durant l’été, et Marmontel désigna Achille-Claude. La dame en question n’était autre que Nadejda von Meck, veuve richissime dans la cinquantaine et mère de cinq garçons et six filles. Grande voyageuse, elle avait connu les Rubinstein et Liszt, mais c’est surtout son amitié épistolaire pour Tchaïkovski qui la rendit célèbre. Chaque été elle se fixait un lieu de résidence précis, et le c’est en Suisse à Interlaken, dans les montagnes, que Debussy âgé de 17 ans, la rejoignit, elle et ses enfants. Ensemble, ils jouèrent beaucoup d’œuvres de Tchaïkovski, dont des transcriptions pour quatre mains. Nadejda von Meck trouvait que Debussy avait une brillante technique, mais était un peu dépourvu de sensibilité.


title: Claude Debussy

text: Quelque temps plus tard, ils changèrent de lieu et s’installèrent à Arcachon. Dans ses correspondances de cette époque avec Tchaïkovski, Nadejda von Meck fait à plusieurs reprises mention de Debussy. À propos d’une séance de déchiffrage au piano de la "Symphonie" de Tchaïkovski, elle écrit à ce dernier : « Mon partenaire [Debussy] ne la joua pas bien, quoiqu’il l’ait merveilleusement déchiffrée. C’est son seul mérite, mais c’est une qualité fort importante. Il déchiffre une partition, même la vôtre, à livre ouvert. Il a un autre mérite, c’est d’être ravi par votre musique… ». On peut s’interroger sur la vraisemblance de cette dernière affirmation. Peut-être Debussy appréciait-il la musique de Tchaïkovski à cette époque. Toujours est-il que des années plus tard, le , lors d’un concert de l’orchestre Colonne, il dira, à l’écoute de la "Sérénade mélancolique" pour violon de ce même Tchaïkovski ainsi que d’un concerto de Brahms, que ce sont des « rocailleries ennuyeuses ». D’un autre côté, toujours dans la même lettre de Nadejda von Meck à Tchaïkovski, celle-ci rapporte au sujet d’une fugue de ce dernier que Debussy aurait interprétée en sa compagnie « Il [Debussy] fut charmé par la fugue, affirmant : dans les fugues modernes, je n’ai jamais rien vu de si beau. M. Massenet ne pourrait jamais rien faire de pareil ». Il se peut donc tout à fait que Debussy ait apprécié Tchaïkovski un temps avant de le désavouer par la suite, comme ce fut le cas pour Wagner.


title: Claude Debussy

text: La famille von Meck se lassa d'Arcachon et partit à nouveau pour un long périple, passant par Paris, Nice, Gênes, Naples, avec Debussy « dans ses bagages », avant de s’arrêter finalement le à Florence, à la villa Oppenheim. C’est là que Debussy exposa ses premières compositions, dont une "Danse bohémienne pour piano" que Nadejda von Meck envoya à Tchaïkovsky. Celui-ci dira de cette composition de jeunesse que « C’est une gentille chose, mais tellement courte, avec des thèmes qui n’aboutissent pas et une forme chiffonnée qui manque d’unité ». À Florence, Debussy composera également un "Trio en sol majeur" et réalisera une réduction pour piano à quatre mains de trois danses du "Lac des cygnes" à la suite d’une demande de Nadejda von Meck. Cette réduction sera publiée par l’éditeur Jurgenson avec cette note de von Meck à l’éditeur : « Je vous demande de ne pas indiquer le nom de M. de Bussy, car si J. Massenet en avait vent mon jeune homme se ferait gronder ». Elle a une réelle affection pour Debussy et c’est en pleurant qu’il quitte les von Meck (surtout l’une des filles, Sonia, pour laquelle il fit sa demande que von Meck refusa avec tact ) pour rentrer à Paris en .


title: Claude Debussy

text: À son retour, il finit par s’inscrire dans une classe de composition. La logique aurait voulu qu’il choisît celle de Massenet, qui avait très bonne réputation. D’autant que Debussy avait déclaré à Nadejda von Meck qu’il était déjà l’élève de Massenet. Mais il fut orienté vers celle d’Ernest Guiraud, fraîchement nommé. La classe de ce dernier ne comptait que trois élèves, Debussy compris. C’est aussi en cette année 1880-1881 que Debussy entra dans la classe d’orgue de César Franck, apparemment en tant qu’élève libre, classe qu’il ne fréquentera que quelques mois. Il débuta également comme professeur particulier en donnant des leçons à un élève de 10 ans qu’Albert Lavignac (professeur de solfège) lui confia, Georges Cuignache. Ayant besoin de revenus plus stables, il se fit embaucher comme accompagnateur pour le cours de chant de Marie Moreau-Sainti, poste qu’il occupera pendant 4 ans tous les mardis et vendredis à 15 heures (rue Taitbout, puis rue Royale à l’École internationale de musique). Les cours de Moreau-Sainti sont surtout fréquentés par des femmes du monde, et c’est là-bas que Debussy rencontra une femme mariée de 32 ans, mère de deux enfants, Marie Vasnier.


title: Claude Debussy

text: À 19 ans, Debussy s’éprit de cette femme et lui écrivit beaucoup de mélodies, sur des poèmes de Théophile Gautier, Leconte de Lisle et Théodore de Banville. Autant de mélodies qui sont surtout des preuves d’amour. Sur une des partitions, on peut trouver cette dédicace : « À Vanier, ces mélodies, conçues en quelque sorte par votre souvenir, ne peuvent que vous appartenir, comme vous appartient l’auteur ». Cet amour naissant ne lui enleva pas pour autant l’envie de passer un été loin de Paris. Confiant son élève Cuignache à l’un de ses camarades, et les cours de chants étant en congé, il écrivit à Nadejda Von Meck pour de nouveau passer un séjour avec elle et sa famille. Celle-ci ne refusa pas et c’est ainsi que cette fois Debussy les rejoignit directement à Moscou. Ce fut l’occasion pour lui de découvrir la Russie pour la première fois. Il y passa deux mois avant de se rendre avec les von Meck à Florence en passant par Vienne, Rome, Trieste et Venise, en voyageant notamment dans des wagons-salons de luxe.


title: Claude Debussy

text: Il rentra à Paris dans les premiers jours de décembre 1881 et passa plus de temps chez les Vasnier qu’au Conservatoire. Quand la mère de Debussy apprit que celui-ci avait jeté son dévolu sur une femme mariée, elle fut consternée. La plupart de ses camarades étaient déjà au courant, et furent pour le moins admiratifs de l’audace de leur ami. Du reste, pour se faire pardonner son retour tardif, Debussy dédia son ouverture "Diane" pour piano à quatre mains à son professeur Émile Durand. Au même moment il accompagna au piano Marie Vasnier (Debussy, lui, l’écrivait « Vanier » sans « s » dans ses dédicaces) lors de nombreux concerts publics, et publia sa première œuvre "Nuit d’étoiles" (composée depuis deux ans déjà et dédiée à Moreau-Sainti) chez Émile Bulla, petit éditeur catalan et relation de son père, à qui il vendit la partition pour .


title: Claude Debussy

text: Les années de 1880 à 1882 ont été décisives pour Debussy. Malgré ses relatifs échecs scolaires, ses nombreux voyages avec les von Meck l’ont rempli d’expériences et d’assurance. De plus, il composait à ce moment avec facilité et nourrissait de sérieux espoirs de réussite. Preuve de cette confiance en lui, il imprima des cartes de visite à son nom « A. de Bussy ».


title: Claude Debussy

text: Il échoue au cap des éliminatoires du Prix de Rome en 1882, il obtient le second prix avec sa cantate "Le Gladiateur" en 1883. Pas encore en rupture d’académisme, le jeune musicien décroche le premier prix de Rome en 1884 avec sa cantate "L’Enfant prodigue". Conformément au règlement, il obtient une bourse et un séjour de trois ans à la villa Médicis. Il part pour la « Ville Éternelle » en . Debussy y découvre la musique de Palestrina et les splendeurs de l’Italie mais reste hermétique au "bel canto". Il rencontre plusieurs musiciens importants de l’époque, dont Verdi et Liszt. Il se lie d’amitié avec ses compagnons de l’Académie de France à Rome que sont l’architecte Gaston Redon (frère d’Odilon), le peintre Marcel Baschet (qui réalise à cette occasion le portrait de Debussy comme c’était la tradition pour les pensionnaires peintres) et le sculpteur Lombard.


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text: Cependant, l’artiste vit mal cet exil et ne parvient qu’avec peine à composer quatre pièces : l’ode symphonique "Zuleima" (d’après un texte d’Heinrich Heine, sur un livret de Georges Boyer (1850-1931), la pièce orchestrale "Printemps" et la cantate "La Damoiselle élue" (1887-88, sur le poème "" de Dante Gabriel Rossetti, traduit par G. Sarrazin). Ces œuvres envoyées au Conservatoire furent jugées, en particulier "Zuleima", comme étant « bizarres, incompréhensibles et impossibles à exécuter ». Encore soumise à l’influence de César Franck, la quatrième pièce est une "fantaisie pour piano et orchestre" qui, par la suite, fut retirée de son catalogue par le compositeur.


title: Claude Debussy

text: Au bout de deux ans, Debussy donne sa démission au Conservatoire et rentre en France. Il s’installe dans le quartier de Saint-Lazare et commence une relation avec Gabrielle Dupont, qu’il aime à appeler « Gaby aux yeux verts ». Ils vivront ensemble pendant près de dix ans au 42 rue de Londres, Debussy choisissant la vie de bohème de 1884 à 1892. En cependant, alors que la liaison avec Gaby suit son cours, le compositeur fait part dans une lettre à Robert Godet de la souffrance provoquée par une rupture. Certains ont proposé le nom de Camille Claudel, mais les principaux biographes avouent leur incapacité à nommer la personne dont Debussy écrit :


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text: Vers 1887, Debussy fréquente les fameux mardis de Mallarmé et le salon de la famille de Léopold Stevens. En 1888, il se rend à Bayreuth où il assiste à plusieurs opéras de Richard Wagner : "Die Meistersinger von Nürnberg" ("Les Maîtres Chanteurs de Nuremberg"), "Tristan und Isolde", "Parsifal". Si ces œuvres provoquent chez lui un sentiment mitigé, elles le marqueront à jamais.


title: Claude Debussy

text: C’est, avant tout, l’exposition universelle de 1889, et sa découverte de rythmes et d’associations de sonorités « exotiques », plus spécifiquement celles du gamelan javanais, qui lui font forte impression, et influent profondément sur ses compositions à venir : gamme, « couleurs » sonores, ruptures rythmiques.


title: Claude Debussy

text: Arrive en 1890 la "Suite bergamasque" pour piano, son premier succès dû probablement à son inspiration verlainienne et à son influence fauréenne, suivi du "quatuor à cordes", créé le à la Société nationale de musique par le Quatuor Ysaÿe, puis du "Prélude à l’après-midi d’un faune" pour orchestre, paraphrase d’un poème de Stéphane Mallarmé. La première à Paris, le , fut mal exécutée et l’ouvrage s’attira les foudres d’une majeure partie de la critique, tout en faisant bonne impression auprès de certains cercles artistiques présents. Cette composition remporta un franc succès dans toute l’Europe.


title: Claude Debussy

text: Debussy s’attelle, dès 1894, à son unique opéra complet (sa première tentative, "Rodrigue et Chimène", ne sera achevée qu’en 1993 par le compositeur russe Edison Denisov, et ses deux opéras en un acte d’après Edgar Allan Poe sont restés inachevés à ce jour). En gestation depuis déjà dix longues années, "Pelléas et Mélisande", mélange de poésie (sur un livret de Maeterlinck) et de musique. Sa réputation s’étant entre-temps considérablement accrue, il peut se permettre une grande première à l’Opéra-Comique de Paris le . Ce fut d’abord un échec désastreux, car la musique singulière, la prosodie et le rythme extrêmement lent de l’opéra déconcertèrent le public et une partie de la critique. Heureusement, quelques représentations plus tard, ce fut un triomphe qui lui permit de ne plus se soucier de problèmes financiers pendant un temps, comme il en avait eu quelques années plus tôt à Montmartre. Et pourtant, durant les préparations de la représentation, des incidents se produisirent qui auraient pu en faire un échec cuisant ; Debussy avait reçu l’autorisation de Maeterlinck d’utiliser son livret à la seule condition que sa compagne, Georgette Leblanc (sœur de Maurice Leblanc, l’auteur des aventures d’Arsène Lupin), chante le rôle de Mélisande. Mais l’Opéra-comique et le compositeur accordèrent le rôle à Mary Garden, une jeune soprano américano-écossaise. Debussy ne pouvait s’y tromper : , Mary Garden était incontestablement l’interprète idéale, au sens premier du mot, de l’héroïne de Maeterlinck. Il n’est pas jusqu’à sa pointe d’accent anglais qui ne contribuât à lui donner dans ce rôle, selon un critique du temps, réellement « l’air d’un oiseau qui n’était pas d’ici », selon les mots mêmes du livret. Malheureusement, le librettiste prit très mal l’éviction de Georgette Leblanc et faillit même, selon plusieurs témoignages, provoquer Debussy en duel. Et le , à la veille de la première, Maeterlinck, confiait dans une entrevue au "Figaro" : « Le "Pelléas" en question est une œuvre qui m’est devenue étrangère, presque ennemie ; et, dépouillé ainsi de tout contrôle sur mon œuvre, j’en suis réduit à souhaiter que sa chute soit prompte et retentissante… » Octave Mirbeau, qui avait lancé Maeterlinck en 1890, eut le plus grand mal à calmer sa colère et dut, très diplomatiquement, partager son admiration entre le poète et le compositeur. Il s’ensuivit également des tentatives de sabotage, telle la dégradation de parties orchestrales sur les partitions durant les répétitions, rendant impossible l’identification des bémols ou des dièses.


title: Claude Debussy

text: D’autres événements extérieurs eurent lieu. Ainsi, peu de jours avant la première, Claude Debussy dut composer de longs interludes orchestraux, car on constata que les temps nécessaires aux changements de scènes et de décors, tels qu’écrits dans la partition, n’étaient pas suffisants. Pour couronner le tout, des pamphlets contre l’ouvrage furent même distribués à l’entrée par des détracteurs. Le jour de la répétition générale, on put lire un livret intitulé "Pédéraste et Médisante". Néanmoins, "Pelléas et Mélisande" assit définitivement la réputation de Debussy et ce, sur un plan international. L’opéra fut joué, entre autres, à Londres et à New York.


title: Claude Debussy

text: Entre-temps, Debussy se sépare de Gabrielle Dupont pour épouser, le , à Paris , Marie-Rosalie dite Lilly Texier, une couturière de Bichain, un hameau de Villeneuve-la-Guyard (Yonne). Claude Debussy y demeure durant les étés de 1902 à 1904, et y compose la plus grande partie de "La Mer". La maison où il habita, est toujours visible le long de la nationale 6 à au sud de Paris.


title: Claude Debussy

text: En 1901, Claude Debussy crée le personnage de Monsieur Croche dans le cadre de son activité de critique, qu’il débute au mois d'avril. À cette époque, sollicité par les fondateurs de La Revue blanche, qui paraît depuis 1891 et qui donne son point de vue sur l’actualité musicale parisienne, Debussy accepte l’offre. Il explique dans ses textes qu'il n'aime ni  Gluck, ni Berlioz, Saint-Saëns, ni les véristes italiens mais il reste inconditionnel de Rameau, Weber et Moussorgsky.


title: Claude Debussy

text: Quatre ans plus tard, il rencontre Emma Bardac, nièce de Daniel Osiris-Iffla et épouse du banquier Sigismond Bardac, grand collectionneur d'art comme son frère Joseph (les deux hommes sont cités par René Gimpel dans son Journal en février 1918), qui avait été l'égérie et la maîtresse de Gabriel Fauré et avec qui il entame une nouvelle relation, délaissant alors son épouse. En 1905 il en eut une fille, Emma.  Cette rupture pousse cette dernière à une tentative de suicide, d’une balle dans la poitrine, à laquelle elle survit. L’affaire fait scandale, Debussy est fermement critiqué pour son attitude dans cette histoire, même par des amis proches. Cependant, il obtient le divorce et se marie avec Emma le .


title: Claude Debussy

text: Dans son "Journal littéraire" à la date du , Paul Léautaud avance que "La femme nue", pièce d'Henry Bataille créée le au théâtre de la Renaissance, serait inspirée de cette affaire. Seules les initiales sont indiquées.


title: Claude Debussy

text: Le , Emma et Claude Debussy ont une fille, Claude-Emma Debussy, surnommée "Chouchou", à qui il dédie sa suite pour piano "Children’s Corner", composée entre 1906 et 1908. L’album que Claude Debussy lui consacre porte cette dédicace : . Après la mort de Debussy, le pianiste Alfred Cortot jouera ces morceaux en sa présence. Elle aurait alors déclaré : .


title: Claude Debussy

text: Au début du , et pour assurer l’aisance de son foyer, Debussy diversifie quelque peu ses activités. Outre son activité de critique musical, il collabore avec Diaghilev et Bakst, sur une idée de Nijinsky, lors de la création du ballet "Jeux" qui ne connait pas le succès. Parmi ses nouvelles rencontres, on peut souligner une amitié avec Igor Stravinsky, encore jeune homme. Il met en musique certains poèmes de l’écrivain français Paul Bourget ("Romance, Paysage sentimental"). Il suscite la controverse, admiré ou haï ; une enquête est faite en 1909, demandant aux personnes si elles pensent qu’il va faire école.


title: Claude Debussy

text: Lié à Louis Laloy, il compose en 1907, chez lui à Rahon (Jura), et lui dédie, la deuxième "Image" pour piano, "Les Cloches à travers les feuilles", œuvre inspirée par celles du clocher du village, alors que Laloy lui écrit l"Ode à la France".


title: Claude Debussy

text: Cet ami, Louis Laloy, est aussi son premier biographe : il publie, en 1909, aux Éditions aux Armes de France; l’ouvrage "Debussy".


title: Claude Debussy

text: Vers 1910, la Faculté de médecine diagnostique à Debussy un cancer du rectum. Sa santé se détériore rapidement et ses souffrances sont de plus en plus difficiles à supporter, surtout la dernière année de sa vie. Il ne sort alors plus que très rarement et achève ses dernières œuvres. Pourtant, il accepte enfin de se rendre en Russie avant de mourir. Il fait une tournée en à Saint-Pétersbourg. Comme beaucoup de musiciens et de personnalités de l’époque, il descend à l’hôtel Europe, au coin de la perspective Nevsky et en face de l’Assemblée de la Noblesse, où se tiennent ses concerts. La mauvaise santé du compositeur rend ce voyage éprouvant. Il est fatigué par les répétitions ; aux concerts il lui arrive de pleurer à l’entracte. Ses représentations sont couronnées de succès, toute la société mélomane de la capitale lui rend hommage. Il est invité à une soirée d’hommage par la revue Apollon, où Serge Prokofiev se met au piano pour Debussy qui le remercie. Il rencontre aussi pendant ce voyage son amour d’antan, la fille des von Meck, Sonia, devenue princesse Galitzine. « Il me semble que nous avons bien changé », lui dit-elle, « Oh non, Madame, nous n’avons pas changé, c’est le temps qui a changé. Nous sommes restés comme avant », lui répond-il.


title: Claude Debussy

text: Claude Debussy meurt le au 24 square du Bois de Boulogne. D’abord inhumé au cimetière du Père-Lachaise, sans discours et sous les tirs d’obus des "Pariser Kanonen", Claude Debussy repose désormais au cimetière de Passy, dans le .  Chouchou meurt de la diphtérie le , elle est enterrée dans la tombe de son père. Emma, morte en 1934, est enterrée à leurs côtés.


title: Claude Debussy

text: Plus encore que les romantiques, Debussy marque une rupture avec la forme classique, bien que la perfection formelle et le sens de l’unité qui structurent ses compositions en fassent, d’une certaine manière, un « classique ». Sa musique se distingue en effet par une architecture secrète, mais souveraine : inspirée parfois des musiques orientales, elle anticipe tantôt le jazz, tantôt la musique contemporaine, mais n’exprime souvent que son propre mystère. Les thèmes sont épars, disséminés, les recherches harmoniques audacieuses, les nuances infinies et les rythmes complexes. Le discours musical debussyste donne globalement l’impression d’être à la fois logique et imprévisible et d’obéir à une rationalité imparable, mais inconnue, à une « arithmétique occulte ». Ses œuvres sont de prime abord sensorielles, elles visent à éveiller chez l’auditeur des sensations particulières en traduisant en musique des images et des impressions précises. Les titres évocateurs de ses pièces illustrent d’ailleurs assez bien cette ambition, même s’ils ne sont qu’indicatifs et ne constituent pas de « programme » : "Des pas sur la neige", "La Fille aux cheveux de lin", "Ce qu’a vu le vent d’Ouest", "La Cathédrale engloutie", etc. ("Préludes"). Il substitue de cette manière les couleurs aux notes (et préfigure ainsi ce kaléidoscope de timbres que la Seconde école de Vienne appellera "klangfarbenmelodie") : il n’est qu’à écouter Arturo Benedetti Michelangeli, Walter Gieseking ou Claudio Arrau pour accéder à cette synesthésie. Ainsi, même s’il est difficile de le rattacher à un courant artistique, on le qualifie généralement d’, étiquette qu’il n’a lui-même jamais revendiquée et qui est plutôt abandonnée aujourd’hui.


title: Claude Debussy

text: Ces "Préludes", (Vladimir Jankélévitch), illustrent plutôt une conception nouvelle du temps et de l’espace musical, qui transcende les catégories esthétiques connues jusqu’alors, et s’affranchit précocement aussi bien du post-romantisme que d’un impressionnisme strictement décoratif. Alberto Savinio moquera Debussy , mais c’est bien une construction forte et précise qui informe les œuvres de ce compositeur, dont la pensée musicale intempestive constitue, pour reprendre une formule de Friedrich Nietzsche, « un événement européen ». La mobilité et l’imprévisibilité permanentes du discours musical sont des caractéristiques essentielles de l’esthétique debussyste, et non le signe d’un quelconque vice de forme : , écrit à ce propos Harry Halbreich. On pourrait dès lors rattacher cette révolution artistique à une énergie spirituelle nouvelle : une fragmentation, une dissolution et une dispersion des données de la conscience, toutes choses qui nous dirigeraient vers l’idée bergsonienne d’une hétérogénéité du temps à l’espace, dont l’œuvre de Proust est, en littérature, l’exemple le plus frappant (Richard Wagner faisait déjà dire à Parsifal : ). Sans aller jusqu’à établir des parallèles historiques (la modernité et sa marche accélérée), ou scientifiques (la physique quantique et sa liquidation de la temporalité linéaire), il est certain que les forces d’apesanteur et de déracinement qui singularisent la musique de Debussy, et qu’on pourrait croire produites par une évaporation et une relativisation des structures architectoniques de la partition, sont en réalité partie intégrante de l’économie générale de son œuvre, et contribuent à l’expression d’une vision du monde dont la portée est d’une profondeur incommensurable à la seule analyse esthétique. Si bien que la musique de Debussy est tout sauf atmosphérique, et porte en elle une force d’expression et une forme de beauté radicalement neuves et singulièrement puissantes. Comme Nietzsche disait que ,


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text: De caractère non conformiste et créateur iconoclaste, Debussy n’aura ainsi pas eu de réels devanciers ni de successeurs proclamés, mais il doit beaucoup à la musique de Wagner qu’il raillait constamment, et tout un pan de la musique du lui est à son tour redevable. Son innovation principale réside dans le refus du développement et de la forme-sonate de type A-B-A’ qui malgré les variations et les innovations que lui auront apportées entre autres Beethoven, Brahms et Bruckner, contraint le compositeur à avancer selon un schéma fixe et prédéfini (« Au secours ! Il va développer ! », est le cri d’alarme parfois attribué au Debussy auditeur de concert). Mais, du même coup, Debussy affronte plus qu’aucun autre la liberté absolue du créateur fixant lui-même les règles de l’œuvre qu’il invente. C’est en cela qu’il appartient indéniablement à ce qui commence avec lui plus qu’avec Wagner, dont le "Tristan et Isolde" était selon ses propres mots . Il est cependant remarquable que Debussy, fidèle comme Baudelaire ("Nocturnes"), n’adopte jamais de formules figées ou de système de composition arbitraire, comme ce sera par ailleurs le cas dans le sérialisme de Schoenberg, tout en construisant des œuvres d’une extraordinaire cohérence interne ("Jeux", son œuvre la plus audacieuse est le point d’aboutissement de cette révolution formelle). Cette esthétique est si novatrice qu’elle suscite des controverses entre debussystes et anti-debussystes.


title: Claude Debussy

text: Il aura aussi trouvé dans une attention scrupuleuse aux mille échos physiques et poétiques des sonorités et dans la transgression de la rhétorique musicale traditionnelle, une expressivité unique et une forme de sensualité qui ne débouchent sur aucun hermétisme ni aucun intellectualisme ("Prélude à l’après-midi d’un faune"). Alors qu’auparavant la mélodie et le déroulement « horizontal » de la musique primaient sur tout autre paramètre, Debussy accorde au timbre de chaque instrument un rôle dramatique en soi : avec lui, le son lui-même prend du sens, et non plus seulement l’architecture globale de l’œuvre. Cette modification constitue une révolution dans l’attitude mentale européenne qui identifie généralement la beauté à l’élaboration raisonnée d’un travail construit, d’où toute improvisation est impitoyablement bannie. Et si la musique de Debussy est tout sauf improvisée, elle peut néanmoins donner ce sentiment jusque dans ses œuvres les plus savantes, comme les "Études", où l’exploration systématique de la technique pianistique se conjugue pourtant magiquement au sentiment de la plus totale liberté. Dans son unique opéra achevé, "Pelléas et Mélisande", peut-être son chef-d’œuvre, il parvient à exprimer l’inexprimable avec des « correspondances mystérieuses entre la Nature et l’Imagination » et créer un climat « d’inquiétante étrangeté » à travers un lyrisme réinventé (taxé parfois d’anti-lyrisme) et une temporalité fondée sur le vécu intérieur de la conscience, sans que l’on puisse pour autant parler de « drame psychologique » : comme l’écrit Jerry Fodor, . Son génie de l’orchestration et son attention aiguë aux couleurs instrumentales font de Debussy le digne héritier de Berlioz et l’égal au moins de son contemporain Ravel. Mais surtout, son art de l’instantané qui « fixe des vertiges » ("Images pour orchestre") et s’affranchit de la logique rationnelle au profit d’un « dérèglement de tous les sens » ("L’Isle joyeuse"), jusqu’à adopter le point de vue de l’enfant « amoureux de cartes et d’estampes » ("Estampes"), font de lui un frère spirituel de Baudelaire et de Rimbaud, mais aussi de Verlaine : La rupture que Debussy instaure volontairement entre le goût classique, dont musiciens et mélomanes possèdent les codes, et la musique nouvelle qu’il défend, est l’une des racines du divorce partiel entre le public et la musique contemporaine. D’une audace imprévisible, mais d’une sûreté de goût absolue, harmoniste inclassable et dramaturge subtil, Debussy est comme Rameau auquel il a rendu hommage dans ses "Images" pour piano, un compositeur d’esprit très français (il signait d’ailleurs certaines de ses partitions Claude de France). Mais grâce à la révolution qu’il opère dans l’histoire de la musique, à travers les ponts qu’il lance en direction des autres arts et des multiples sensations qu’ils éveillent (les sons et les parfums, les mots et les couleurs), il fait accéder sans doute mieux qu’aucun autre la musique française à l’universalité : celle du corps, de la nature et de l’espace. À ce titre, le chef d’orchestre Sergiu Celibidache qui, par le recours à la phénoménologie de la musique, a su restituer les sonorités de l’orchestre telles qu’elles nous parviennent, indépendamment des cadres d’analyse hérités et des formules apprises, a contribué peut-être mieux que quiconque à dévoiler la puissance émotionnelle brute que contiennent les plus belles pages de Debussy (dont "La Mer", « Bible musicale française » selon lui). Messiaen, Takemitsu, Dutilleux et de nombreuses figures incontournables de la musique du reconnurent en Debussy si ce n’est leur maître commun, du moins celui grâce auquel la musique occidentale tout entière pouvait connaître une nouvelle et magistrale Renaissance.


title: Claude Debussy

text: Claude Debussy laisse musicales. La maison natale du compositeur, qui se trouve au 38 rue au Pain à Saint-Germain-en-Laye, est devenue un musée depuis 1990. Elle présente un certain nombre de souvenirs autour de Claude Debussy et organise régulièrement des concerts.


title: Claude Debussy

text: Deux ans après la mort de Claude Debussy, Henry Prunières, directeur de la "Revue musicale", sollicite dix compositeurs afin de former un : le "Tombeau de Claude Debussy" est publié le et créé l'année suivante dans le cadre des concerts de la Société musicale indépendante.


title: Abbaye de Murbach

text: L'abbaye de Murbach est située en Alsace, au fond de la vallée vosgienne de Guebwiller après la commune de Buhl, où une bifurcation mène vers le vallon de Murbach.


title: Abbaye de Murbach

text: Depuis ce site sont visibles les deux hautes tours de grès, vestiges d'une célèbre abbaye romane. Sur la clé de voûte du porche d'entrée figurent les armes du prince-abbé : le lévrier d'argent surnommé autrefois le « chien de Murbach » par les habitants de la région. L'abbaye comptait parmi les plus riches et les plus influentes du Saint-Empire romain germanique.


title: Abbaye de Murbach

text: L'abbaye fait l’objet d’un classement au titre des monuments historiques depuis 1841.


title: Abbaye de Murbach

text: L'abbaye de Murbach fut fondée en 727 par le comte Eberhard d'Eguisheim, neveu de sainte Odile et puissant seigneur qui venait de perdre son unique héritier. Il appela pour ce faire saint Pirmin, qui avait déjà fondé ou organisé de nombreux monastères et notamment Reichenau. Selon la chronique du moine et savant Hermann Contract, Pirmin vint à Murbach accompagné de douze moines de Reichenau. Il semble cependant que Pirmin ait plutôt organisé à Murbach une petite communauté de moines, installée depuis le début du à Bergholtzzell. L'abbaye prit le nom de (ce qui attesterait selon l'origine écossaise ou irlandaise des premiers moines) et un certain Romanus fut placé à la tête du couvent.


title: Abbaye de Murbach

text: Le , le roi franc Thierry IV accorda au monastère le privilège de l'immunité et confirma les donations d'Eberhard. Le , l'évêque Widegern de Strasbourg accorda aux moines le droit d'élire librement leur abbé. L'abbaye de Murbach devint très vite florissante, en raison des prestigieux dons et legs dont elle bénéficia. Sa bibliothèque conservait au près de 350 volumes. L'abbaye était également le siège d'un scriptorium.


title: Abbaye de Murbach

text: Le , Charlemagne lui confirma son immunité. Vingt ans plus tard, il rappela l'abbé de Murbach Simpert sur le siège épiscopal d'Augsbourg. Le souverain devint dès lors et pendant une année, abbé laïc de Murbach (). Charlemagne conserva par ailleurs pendant de nombreuses années le titre de recteur de Murbach.


title: Abbaye de Murbach

text: Le , les Hongrois dévastèrent l'abbaye et assassinèrent sept moines, qui furent vénérés comme des martyrs dans l'Église d'Alsace jusqu'à la Révolution.


title: Abbaye de Murbach

text: L'abbaye fut alors restaurée sous la direction de l'abbaye de Cluny et grâce à de généreux dons de l'impératrice Adélaïde de Bourgogne. À la demande de son épouse Théophanu, l'Empereur Otton II confirma à l'abbaye le toutes ses possessions et tous ses privilèges.


title: Abbaye de Murbach

text: Dans son roman "Il nome della rosa" traduit en français sous le titre "Le Nom de la rose", au chapitre "Tierce" du "Premier jour", l'écrivain italien Umberto Eco cite cette abbaye comme un atelier de copie encore actif au .


title: Abbaye de Murbach

text: Au Moyen Âge, l'abbaye de Murbach était particulièrement riche, possédant des biens dans près de localités, du Palatinat à la Suisse, et notamment la ville de Lucerne. L'abbaye avait non seulement des terres et des châteaux-forts mais aussi des établissements thermaux, des verreries et des mines.


title: Abbaye de Murbach

text: En 1228, l'empereur Frédéric II accorda à l'abbé Hugues de Rothenbourg le titre de prince du Saint-Empire. Par la suite, l'abbé de Murbach eut le privilège de ne plus siéger au sein du "Conseil des prélats d'Empire" comme la majorité des abbés de l'époque mais de siéger lors des Diètes impériales au sein du "Conseil des princes d'Empire" (où seuls une dizaine de supérieurs de monastères avaient droit de siéger). Par ailleurs, l'abbé de Murbach avait, au même titre que ses homologues de Fulda, Kempten et Wissembourg, préséance sur tous les abbés réguliers de l'Empire. Au , l'abbé Barthélémy d'Andlau fit restaurer un grand nombre de volumes de la bibliothèque.


title: Abbaye de Murbach

text: L'empereur Charles Quint accorda également en 1544 à l'abbaye un nouveau privilège, celui de battre monnaie.


title: Abbaye de Murbach

text: Par ailleurs, dix ans plus tard, l'abbaye de Murbach fut réunie perpétuellement à l'abbaye de Lure, fondée au par saint Desle.


title: Abbaye de Murbach

text: En 1570, Jean Ulrich de Raitenau fut sacré prince-abbé de Murbach. Il fit nommer en 1576 son neveu, Wolf Dietrich de Raitenau, comme coadjuteur, bien que celui-ci ne soit âgé que de 19 ans. En , à la mort de son oncle, Wolf Dietrich lui succéda, mais dès le mois suivant, fut nommé prince-archevêque de Salzbourg et se résigna de l'abbatiat. Le couvent élit pour lui succéder Gabriel Giel de Gielsberg, mais cette élection ne trouva pas l'agrément du pape. Les moines furent contraints d'élire comme abbé, le cardinal André d'Autriche. C'est le début du régime de la commende qui dura jusqu'au milieu du et fut une grande source de conflit entre le couvent, le pape et le souverain (l'empereur puis le roi de France).


title: Abbaye de Murbach

text: L'abbaye fut par ailleurs dévastée entre 1625 et 1640 par les troupes de Bernard, duc de Saxe-Weimar. En 1648, l'Alsace est en grande partie cédée par l'Empire au Royaume de France. L'abbaye de Murbach conserva son immédiateté impériale mais perdit le droit de battre monnaie.


title: Abbaye de Murbach

text: En 1704 et après plusieurs abbés commendataires, dont certains ne vinrent jamais à Murbach, un coadjuteur fut élu au sein du couvent. Il s'agit de Célestin de Beroldingen, qui succédait en 1720 au prince-abbé Philippe-Eberhard de Löwenstein-Wertheim-Rochefort. C'est sous son abbatiat que les moines décidèrent de quitter leur vallon isolé pour s'installer à Guebwiller, capitale de la principauté ecclésiastique, où le prince-abbé résidait déjà. Le nonce apostolique en Suisse refusa. Des travaux de reconstruction de l'abbaye devinrent le prétexte pour les moines de quitter Murbach (où ils ne revinrent pas).


title: Abbaye de Murbach

text: En 1736, dom Célestin fut contraint d'abdiquer au profit d'un nouvel abbé commendataire, François-Armand-Auguste de Rohan-Soubise, futur cardinal et prince-évêque de Strasbourg. En contrepartie, le couvent put à nouveau élire un coadjuteur en son sein. Il s'agit de Léger (Casimir) de Rathsamhausen, qui devint prince-abbé en 1756. Trois ans plus tard, Dom Léger obtint du pape Clément XIII l'autorisation officielle pour le couvent de s'établir à Guebwiller et en 1764, l'abbaye, qui ne comptait plus que 10 religieux, fut sécularisée par le pape. Le monastère devint un chapitre de chanoines nobles mais l'abbé demeura prince d'Empire et conservait tous ses droits sur le chapitre collégial de Thann.


title: Abbaye de Murbach

text: En 1789, le chapitre fut saccagé et ferma ses portes l'année suivante. Le dernier prince-abbé, Benoît-Frédéric d'Andlau-Hombourg, mourut en 1839 exilé à Eichstätt.


title: Abbaye de Murbach

text: "Source : Gallia Christiana"


title: Abbaye de Murbach

text: L'abbatiale de Murbach est considérée comme un des grands chefs-d'œuvre de l'art roman rhénan. Elle fut construite au milieu du et fut consacrée en 1216 par l'évêque de Bâle, Heinrich II de Thoune, en l'honneur de la Sainte Trinité, de la Sainte Croix, de la Vierge Marie et de saint Léger.


title: Abbaye de Murbach

text: Les travaux de démolition des trois nefs commencèrent en 1738, afin de laisser la place à un édifice baroque qui ne vit jamais le jour. Les pierres serviront à la construction du presbytère de l'ancienne collégiale de Lautenbachzell. Le cimetière attenant l'église occupe l'emplacement des trois nefs. L'église abbatiale devint église paroissiale de Murbach en 1765.


title: Abbaye de Murbach

text: Elle fut notamment restaurée en 1868-1869, 1900-1905, 1964-1966 et 1981-1986. À l'issue de cette dernière restauration, l'église reçut deux nouvelles portes en bronze et trois nouvelles cloches. L'église Saint-Léger sera pourvue, en 1906 par Martin et Joseph Rinckenbach, d'un orgue de tribune (instrument actuel).


title: Abbaye de Murbach

text: Un exemple de manuscrit du , les "Épîtres de saint Jérôme", provenant du scriptorium de l'abbaye de Murbach, ensuite conservé à l'abbaye de Moyenmoutier (Vosges) est aujourd'hui à la Bibliothèque multimédia intercommunale d'Épinal (bmi) (MS 149 P/R).


title: Karel Ančerl

text: Karel Ančerl est un chef d'orchestre tchécoslovaque, né le à Tučapy (Bohême) et mort le à Toronto à l'âge de 65 ans.


title: Karel Ančerl

text: Après des études de violon, de composition et de direction d'orchestre au Conservatoire de Prague de 1925 à 1929 où il est élève de Alois Hába, il est remarqué par le grand chef tchèque Václav Talich dont il va devenir le disciple. En 1930, il dirige pour la première fois l'Orchestre philharmonique tchèque en interprétant sa propre "Sinfonietta" pour orchestre en tant que performance dans le cadre de ses études supérieures. Hermann Scherchen en fait son assistant de 1929 à 1931 à Berlin puis à Munich.


title: Karel Ančerl

text: Il retourne en Tchécoslovaquie, y acquiert une certaine notoriété avec sa direction de l'orchestre de jazz du Théâtre libéré (1930 à 1933). Il est engagé à la radio de Prague où dans un premier temps, on lui confie essentiellement des travaux de régisseur et quelques remplacements. C'est lors de l'un de ces remplacements, que sa direction de la difficile  de Sergueï Prokofiev lui attira attention et reconnaissance et lui valut une invitation à l'Orchestre philharmonique tchèque ainsi qu’à un festival de musique international à Barcelone. Il travaille à l'Orchestre symphonique de la radio de Prague de 1933 à 1939.