title: Georges Eugène Haussmann

text: Jules Ferry rédige la même année une brochure malicieusement intitulée : « Les Comptes fantastiques d'Haussmann », par allusion aux "Contes fantastiques d'Hoffmann" : selon lui, l"'haussmannisation" parisienne aurait coûté de francs, ce qui est loin des annoncés ; on l'accuse également, à tort, d'enrichissement personnel.


title: Georges Eugène Haussmann

text: Napoléon III a proposé à trois reprises à Haussmann d'entrer au gouvernement, comme ministre de l'Intérieur, de l'Agriculture et des Travaux Publics, mais le seul titre qu'il est susceptible d'accepter est celui de ministre de Paris, que lui refuse l'Empereur. Cependant, à partir de 1860, le préfet de la Seine assiste au Conseil des ministres.


title: Georges Eugène Haussmann

text: Haussmann est destitué par le cabinet d'Émile Ollivier le , quelques mois avant la chute de Napoléon III. Son successeur est Henri Chevreau ; néanmoins Eugène Belgrand et surtout Adolphe Alphand conservent un rôle prépondérant et poursuivent son œuvre.


title: Georges Eugène Haussmann

text: Après s'être retiré pendant quelques années à Cestas près de Bordeaux, Haussmann revient à la vie publique en étant élu député en Corse en 1877, face au député sortant, Napoléon-Jérôme Bonaparte, avec le soutien du nonce apostolique et du cardinal Guibert, archevêque de Paris. Il conserve ce mandat jusqu'en 1881 : il siège dans le groupe bonapartiste de l’Appel au peuple. Il est écarté de la vie publique en 1885 et en 1890, il perd successivement sa fille aînée et sa femme. Il consacre la fin de sa vie à la rédaction de ses "Mémoires" (1890-1891), un document important pour l'histoire de l'urbanisme de Paris.


title: Georges Eugène Haussmann

text: Haussmann, mort le , est enterré au cimetière du Père-Lachaise à Paris.


title: Captage du courant

text: Dans un système d'électrification ferroviaire, le captage du courant permet l'alimentation des locomotives électriques ou des rames automotrices en général.


title: Captage du courant

text: Il se fait aujourd'hui principalement de deux façons :


title: Captage du courant

text: Généralement le retour du courant de traction se fait par la voie, en évitant tout retour par le sol. On trouve parfois un quatrième rail (métro de Londres) ou un second fil de contact (Trolleybus par exemple). Des dispositifs d'alimentation triphasés avec 2 fils de contact ont également existé au début du .


title: Captage du courant

text: Ce dispositif est le plus répandu. Il autorise des tensions de caténaire élevées (jusqu'à 25 000 V — et même 50 000 V aux USA pour une ligne affectée au transport du charbon) ce qui permet de transmettre une puissance importante en limitant la section du fil conducteur et en augmentant l'espacement entre sous-stations d'alimentation.


title: Captage du courant

text: La pose d'un fil d'alimentation ("feeder") parallèle à la caténaire et présentant une tension de - 25 000 V par rapport au sol, permet de doubler la distance de transport, en portant la tension de transport du courant à 50 000 V (entre le feeder et la caténaire) tout en restant compatible avec le matériel 25 kV. (technique dite du « 2 x 25 000 »).


title: Captage du courant

text: Le captage du courant s'effectue par un pantographe muni d'un archet. La distance entre le fil de contact et le plan de roulement doit être aussi constante que possible, particulièrement à grande vitesse. La construction de la caténaire, faite d'un fil de contact soutenu par un fil porteur via des pendules de longueurs variables, permet d'obtenir une horizontalité presque parfaite du fil de contact. Les trains à grande vitesse, d'autre part, sont équipés de pantographes à double suspension.


title: Captage du courant

text: Néanmoins, le frottement de l'archet sur le fil de contact génère une onde qui se propage de part et d'autre du point de contact. Pour une tension normale du fil de contact, cette onde se propage à moins de 500 km/h. Si le TGV atteint cette vitesse, le pantographe rattrape l'onde (c'est le phénomène de Mach). Il peut entraîner l'arrachement des caténaires et la destruction du pantographe. C'est l'une des causes à la limitation de vitesse des trains de type TGV. Pour éviter ce phénomène, il faut augmenter la tension du fil, ce qui augmente la vitesse de propagation de l'onde. Mais il est évident que cela pose le problème de la résistance mécanique de la caténaire. Un compromis doit être trouvé entre la bonne tenue mécanique de la caténaire et sa bonne section (pour limiter les pertes par effet Joule).


title: Captage du courant

text: Pour les lignes dont le trafic est modéré et les vitesses peu élevées, on ne monte pas de suspension caténaire, et un « fil simple régularisé » ou non-régularisé est suffisant.


title: Captage du courant

text: Les lignes aériennes de contact (LAC en abrégé) sont utilisées aussi pour des véhicules routiers : les trolleybus, moins connus en France que dans d'autres pays. Du fait de l'absence de rail, la ligne aérienne doit être doublée (d'où l'appellation de bifilaires également donnée aux lignes de contact). Le captage s'effectue alors avec une paire de perches, qui permettent par ailleurs au véhicule une liberté latérale de circulation de plusieurs mètres, afin de s'insérer dans le trafic urbain sans difficulté. Notons également l'usage d'une ligne de contact pour un autre véhicule routier: le tramway sur pneus, muni selon les modèles d'un pantographe (mode guidé exclusif), ou de perches de trolley (mode guidé ou non selon les sections de ligne). Dans certains cas (par exemple pour se rendre à un atelier de peinture ou de réparations) il arrive qu'un trolleybus doive emprunter une ligne de tramway avec fil aérien unique : dans ce cas, le retour du courant s'effectue au moyen d'un trainard ou d'une chaîne métallique dans un rail de tram.


title: Captage du courant

text: Le "troisième rail" est le plus souvent alimenté en courant continu avec une tension ne dépassant pas 1 500 V, ce qui entraîne une double limitation :


title: Captage du courant

text: Ce système est pourtant encore très utilisé en particulier :


title: Captage du courant

text: Historiquement parlant ce système a été très utilisé pour les rames automotrices de la banlieue par exemple en France sur le réseau de la banlieue ouest de Paris (gare Saint-Lazare et gare des Invalides). Il y a été depuis remplacé par une alimentation moderne par caténaire V alternatif (St-Lazare), 1500 V Continu (Invalides) ou 750 V continu (Tram T2 RATP : Pont de Bezons-Porte de Versailles).


title: Captage du courant

text: Le captage du courant se fait par des frotteurs (ou patins) avec ressorts, qui viennent appuyer soit en dessous (cas de la banlieue Ouest de Paris), soit au-dessus (cas du réseau Sud de Londres) ou soit sur le côté du rail conducteur.


title: Captage du courant

text: Sur la photo, on aperçoit le rail conducteur à droite des deux rails de roulement. Il est surélevé par des blocs de ciment, qui assurent l'isolation électrique. Le rail conducteur est interrompu au niveau du passage à niveau, et ses extrémités sont munies de planches de protection. En pratique, plusieurs frotteurs sont répartis le long des trains, de façon qu'il n'y ait pas d'interruption de l'alimentation électrique.  On remarquera que le troisième rail est légèrement courbé vers le bas à son extrémité, de façon à faciliter l'application du frotteur.


title: Captage du courant

text: Les trains Eurostar qui devaient être compatibles avec l'alimentation par "caténaire" et par "troisième rail" jusqu'à la mise en service en 2007 du dernier tronçon à grande vitesse, ont été équipés de pantographes et de frotteurs pour troisième rail, ainsi que de transformateurs pour chaque type de courant. L'équipement lié au troisième rail a été supprimé fin 2007 et les rames ne sont depuis que bi-courant, voire tri-courant pour celles qui assurent des liaisons vers le Sud de la France.


title: Captage du courant

text: Selon cette technique, le captage de courant est réalisé de façon intermittente, en des points de rechargement prédéfinis, pour recharger un système de stockage d'énergie embarqué à bord du véhicule. Ce système comporte des batteries d'accumulateurs ou des supercondensateurs. Ce système fournit ensuite au véhicule l'énergie dont il a besoin pour se déplacer jusqu'au point de rechargement suivant. Par exemple, les points de rechargements sont disposés aux stations, ce qui permet de profiter des temps de montée et de descente des voyageurs pour recharger le véhicule. Le véhicule n'est pas alimenté par une source d'énergie extérieure en dehors de ces points de rechargement, ce qui permet de ne pas avoir à installer une caténaire ou un troisième rail sur toute la longueur de la voie. Cette alternative est particulièrement intéressante en milieu urbain.


title: Captage du courant

text: De nombreux constructeurs et équipementiers ferroviaires proposent cette technique, parmi lesquels on peut citer : Un système de captage au sol par rail central segmenté a été développé par ALSTOM (système "APS" : Alimentation Par le Sol) et équipe des tronçons de certains réseaux de tramway : Bordeaux, Reims, Orléans, etc. Un système d'alimentation par induction a été testé par BOMBARDIER (système "Primove").


title: Rock progressif

text: Le rock progressif, ou sous sa forme abrégée prog rock, est un sous-genre de la musique rock, qui émerge au Royaume-Uni et en Allemagne vers la fin de la décennie 1960, se développant progressivement en Europe, puis dans le monde entier, durant la décennie suivante. Tirant son origine du rock psychédélique, ce courant a pour particularité de conférer au rock une plus grande crédibilité artistique. Il se caractérise par l'éloignement du format de la musique populaire au profit de techniques musicales et instrumentales plus associées aux musiques jazz et classique.


title: Rock progressif

text: Le rock progressif est caractérisé par ses expérimentations rythmiques, harmoniques, et instrumentales. À cela s'ajoute une certaine liberté dans le choix des instruments : claviers et synthétiseurs, notamment, occupent une place importante au sein des formations progressives. L'ajout de plusieurs instruments jugés étrangers à la musique rock — la flûte traversière, le saxophone, le violon, le vibraphone, voire l'harmonium, notamment — est également courant.


title: Rock progressif

text: Le sommet de la popularité du rock progressif se situe dans les années 1970. Les principaux groupes ayant participé aux premiers développements, sont The Nice, Yes, King Crimson, Genesis, Pink Floyd, Supertramp, Soft Machine, Electric Light Orchestra, Jethro Tull, Tangerine Dream, Camel. De nombreux artistes et groupes se réclamant de cette mouvance progressive se développent internationalement, avec notamment le krautrock allemand et le rock progressif italien. Le déclin de la vague originelle de rock progressif commence à partir de 1977 et est généralement attribué à l'avènement des mouvements musicaux punk et new wave, qui préconisent un retour à la simplicité et à un côté brut du rock. Au cours des décennies suivantes, le mouvement néo-progressif adopte une structure musicale moins sophistiquée et prend la relève. Au début du , le rock progressif connaît une certaine reconnaissance ; il se poursuit non seulement par le mouvement rock néo-progressif mais aussi par le new prog appelé parfois aussi « post-prog ».


title: Rock progressif

text: En préambule, il est bon de rappeler qu'ici, le terme « progressif » vient d'une mauvaise traduction de l'anglais "progressive". La traduction exacte de « progressive rock » est en fait « rock progressiste », ce qui rend tout de suite beaucoup plus claires les ambitions des groupes qui en firent la promotion. L'expression « rock progressif », utilisée pour définir le genre, prendrait son origine dans le livret du disque homonyme de Caravan, paru en 1968.


title: Rock progressif

text: Le terme recouvre bien souvent diverses appellations comme celle de ou bien de ou encore d'« art rock » voire de « rock symphonique » ou « musique planante ». L'appellation la plus communément employée, du moins en France, reste bien . En anglais, le genre est désigné sous l'appellation .


title: Rock progressif

text: À l'exception des groupes originels de rock progressif des années 1970, peu de groupes acceptent d'être étiquetés sous cette appellation. Certains artistes eux-mêmes évitent d'utiliser ce terme. C'est le cas par exemple de Peter Hammill, qui préfère qualifier sa musique d'art rock. Quant aux artistes évoluant dans le courant , la plupart d'entre eux refusent catégoriquement d'être rattachés à ce style, considérant qu'ils ne font pas du rock. Cela s’explique, notamment par le fait que la ligne éditoriale des revues à grand tirage comme "Rock & folk" ou, plus récemment, "Les Inrockuptibles" considèrent cette musique comme savante, et donc éloignée de l’esprit rock des origines qui se voudrait binaire, rebelle et efficace.


title: Rock progressif

text: Les groupes progressifs des années 2000 se revendiquent plus facilement du rock progressif mais en y ajoutant un qualificatif comme néo-(prog), new (prog) voire post-(prog).


title: Rock progressif

text: Le rock progressif est issu directement du rock, mais est caractérisé par ses influences provenant du jazz, du folk et des musiques classique et contemporaine afin d'étendre les possibilités et les limites de la musique populaire. Le style s'attache ainsi à offrir une forme musicale plus libre, ne se limitant pas aux caractéristiques principales du rock (morceaux courts, rythme binaire, schéma caractéristique : couplet/refrain/couplet, les trois accords du blues...). En cela, l'approche des artistes de rock progressif est assez similaire à celle des artistes de jazz de la scène expérimentale : longues explorations instrumentales, suites d'accords complexes, etc.. Les instruments prennent régulièrement le pas sur les voix.


title: Rock progressif

text: Le rock progressif, lorsqu'il apparaît vers la fin des années 1960, poursuit et accentue l'idée d'abandon du format traditionnel de musique populaire, introduit par les groupes psychédéliques de l'époque tels que Cream et The Jimi Hendrix Experience. Ainsi, l'expérimentation de nouvelles formes musicales devient le pivot central du genre, et les morceaux parfois s'étendent sur des durées relativement longues. Dans ce cas, à l'instar des compositions classiques, certaines chansons sont formées de différentes sections contrastant les unes avec les autres, liées par une thématique commune. Ainsi, en règle générale, ces différentes sections alternent entre parties chantées mélodiques et explorations instrumentales très complexes, mettant l'accent sur une utilisation poussée de théorie musicale : polyrythmie, contrepoint, gammes inusitées et signatures rythmiques composées. En outre, certains groupes de musique progressive font référence à des techniques de composition typiques à la musique classique ; la structure de la pièce "Close to the Edge "de Yes est souvent comparée à celle d'une sonate, et plusieurs morceaux de Gentle Giant sont caractérisés par leur utilisation du contrepoint et leurs emprunts au madrigal et à la musique baroque.


title: Rock progressif

text: Cependant, malgré ces fréquentes références à la musique classique, il existe également plusieurs artistes de rock progressif empruntant au jazz en forme et en structure. Cette branche du genre prend ses origines dans la ", "scène locale de l'université du Kent, en Angleterre, avec ses groupes phares comme Soft Machine, Caravan et Gong, et est caractérisée par une approche dirigée davantage vers l'improvisation et la fusion du free jazz et du rock psychédélique. À l'image de la scène jazz qui commençait au même moment à intégrer des influences rock, avec le "Bitches Brew" de Miles Davis et le groupe Mahavishnu Orchestra, par exemple, certains groupes de la scène progressive anglaise incorporaient de longues séquences d'improvisation dans leurs morceaux. Un exemple notoire serait certainement King Crimson, dont la musique emprunte au free jazz (avec des morceaux tels que "Moonchild "et "Providence") suit une forme moins rigoureusement structurée que celle de Yes, Gentle Giant et Genesis.


title: Rock progressif

text: Néanmoins, comme le décrit John Petrucci de Dream Theater, la musique progressive est justement caractérisée par l'absence de limites stylistiques. Ainsi, les influences liées à la structure musicale dépendent largement du groupe dont il est question : il est fréquent de retrouver des influences folk (Jethro Tull, Harmonium), atmosphériques (Pink Floyd, Hawkwind), pop (Supertramp, Nikka Costa, Phil Collins, Peter Gabriel), expérimentales (Magma, Frank Zappa) et hard rock (Rush, Uriah Heep).


title: Rock progressif

text: Outre les instruments classiques du rock (guitare, basse, batterie), plusieurs musiciens et groupes progressifs incluent dans leur musique une instrumentation inusitée et variée, contribuant à leur volonté de repousser les limites de leur musique . Ainsi s'ajoutent à la liste des instruments de base du rock progressif les claviers, à commencer par le piano, mais également l'orgue Hammond, le piano électrique Würlitzer, le mellotron et les synthétiseurs. Coïncidant avec la naissance du genre, plusieurs de ces instruments furent conçus et commercialisés durant les années 1960, et à l'origine utilisés comme substituts à la présence d'un orchestre. Cependant, le mellotron plus spécialement, devint rapidement un élément caractéristique de certains groupes tels que Genesis, Yes et les Moody Blues, non pas pour la précision de la qualité de sa reproduction de sons orchestraux, mais pour sa capacité à construire des ambiances.


title: Rock progressif

text: Cependant, des instruments plus atypiques à la musique populaire ne sont pas rares parmi les groupes du mouvement: la flûte traversière (Genesis et Jethro Tull), le saxophone (Van Der Graaf Generator), la trompette (Ekseption) et le violon (U.K. et Van Der Graaf avec Graham Smith) sont parfois intégrés parmi l'instrumentation principale caractéristique. De plus, certains groupes aux influences plus classiques intègrent des ensembles de cordes, de cuivres ou de bois et des chœurs.


title: Rock progressif

text: La genèse de l'idée d'album-concept dans la musique rock est généralement attribuée à l'album "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band "des Beatles, paru en 1967. L'aspect conceptuel apporté par cet album fut particulièrement développé et exploité dans les années 1970, devenant rapidement un élément important chez plusieurs groupes de la scène progressive. Il devint pratiquement une norme au sein du mouvement que de regrouper les morceaux d'un album sous un thème commun, et parfois même dans des formes plus développées et théâtrales "Tommy" des Who, "Tales from Topographic Oceans" de "Yes", "The Dark Side of the Moon" et "The Wall" de Pink Floyd, "The Lamb Lies Down on Broadway" de Genesis et "Thick as a Brick" de Jethro Tull constituent quelques exemples des plus notoires de cette notion d'utilisation de l'album comme moyen de narration.


title: Rock progressif

text: En outre, les concepts utilisés par les artistes progressifs sont généralement recherchés, et tentent de s'éloigner des thèmes communs à la musique pop, tels que l'amour, la danse et la sexualité. Des domaines plus intellectuels tels que la philosophie et la psychologie comptent parmi les plus fréquentes sources d'inspiration thématiques de plusieurs paroliers de la scène progressive. De plus, les œuvres de fiction et la littérature classique font souvent des influences, et on retrouve régulièrement des thèmes associés au fantastique, à l'ésotérisme et à la science-fiction, et touchent parfois à la critique sociale. Par exemple, inspiré du roman "La Ferme des animaux" de George Orwell, l'album "Animals" de Pink Floyd constitue une vive critique métaphorique du système capitaliste, de même que "Thick as a Brick "de Jethro Tull critique satiriquement la division des classes sociales au Royaume-Uni. En France, le groupe Ange comptera plusieurs albums à thème dans sa discographie dont les légendes de la paysannerie de la Haute-Saône au siècle dernier dans l'album "Émile Jacotey", le Moyen Âge dans l'album : "Au-delà du délire", l'univers magnifié du cirque et des gitans dans "Par les fils de Mandrin" ou encore une transposition de la guerre de Troie au dans "La gare de Troyes"...


title: Rock progressif

text: La notion d'album-concept a également emmené chez certains artistes un désir de graphisme et d'imagerie unique et représentative du concept ou de la musique en question. On désirait développer une identité visuelle. Brisant avec la tradition de représenter les artistes au-devant d'un album, cette volonté donna lieu à la création d'une multitude de pochettes d'albums conceptuellement complexes réalisées par des artistes professionnels. Souvent, dans le format vinyle de l'époque, une pochette de disque, une fois dépliée, pouvait constituer une vaste fresque. Cela est le cas notamment des pochettes réalisées par Roger Dean, spécialement pour le groupe Yes, qui sont caractérisées par un style largement imaginaire soutenant la musique du groupe. On peut également citer la firme de graphisme Hipgnosis, réalisant des illustrations au sens plus subtil et parfois tirant du surréalisme.


title: Rock progressif

text: Vers la fin des années 1960, le rock psychédélique est à son apogée. Certains artistes du genre commencent alors à y mélanger des éléments et des influences de jazz, de musique orientale ou de musique classique. Les deux albums des Beatles, ' () et, encore davantage, ' (), contiennent des éléments précurseurs du mouvement progressif. On parle alors de proto-prog.


title: Rock progressif

text: Les longues expérimentations, toujours issues du rock psychédélique, font leur apparition dans le rock, avec des musiciens tels que Jimmy Page, Jeff Beck et Math Lach. Les Yardbirds imposent l'expérimentation dans le rock dès 1966, pendant que Jeff Beck s'inspire du "Boléro" de Ravel, sur un morceau intitulé ' (), mariant ainsi pour la première fois rock et musique classique. Autre groupe important dans le domaine de l'improvisation : "1-2-3", renommé plus tard The Clouds, qui commence à composer de longs morceaux improvisés, ne possédant pas de structures préétablies. D'autres groupes suivent le mouvement, tels que les américains Grateful Dead ou Iron Butterfly (ce dernier avec, par exemple, la chanson "In-A-Gadda-Da-Vida", mai 1968) et, bien sûr, Jimi Hendrix. Parallèlement, d'autres groupes, comme The Nice ou The Moody Blues (ces derniers sur l'album "Days of Future Passed", novembre 1967), mélangent délibérément rock et musique classique, produisant de très longs morceaux, non basés sur des improvisations. Dans une veine similaire, l'opéra-rock ' (1969) des Who, par ses thèmes récurrents et certains morceaux à l'ambiance changeante, se rapproche de la signature de futurs groupes de progressifs, bien que l'opéra-rock soit un style à part entière.


title: Rock progressif

text: En 1969, le groupe américain Touch sort un album homonyme qui marque les esprits. Le meneur du groupe, Don Gallucci, explique que : Le disque est cité comme une source d'inspiration à la fois par Kerry Livgren (Kansas), Yes et Uriah Heep. Le groupe n'a pas sorti d'autre album. Frédéric Delâge considère le groupe comme l'un des précurseurs du rock progressif injustement oublié.


title: Rock progressif

text: En 1968, quatre groupes britanniques, The Nice, Soft Machine, Pink Floyd et Van der Graaf Generator, ont l'idée de reprendre toutes les innovations de la période proto-prog (longues improvisations, synthétiseurs…), afin de créer un style bien distinct du rock, et plus particulièrement du rock psychédélique. Mais on s'accorde à dire que la pièce fondatrice du rock progressif est l'album ' de King Crimson, publié en octobre 1969. D'autres groupes, venus du rock psychédélique ou du blues pour la plupart, vont décider d'orienter volontairement leur musique vers le rock progressif annoncé par King Crimson. Ainsi Yes sort ' sur lequel ils firent appel à une section de cordes incluant violons et violoncelles, dans une veine plus symphonique ; Genesis publie ' ; Van der Graaf Generator sort ', au son fortement empreint de musique électronique ; Jethro Tull introduit la musique folk dans le style avec '. Pink Floyd également change de style, à la suite de la perte de son guitariste et compositeur Syd Barrett, et sort '.


title: Rock progressif

text: Le succès allant croissant, de nouvelles formations tentent l'aventure. On retrouve alors le groupe Emerson, Lake and Palmer (abrégé en ELP), avec Keith Emerson ex-The Nice, Greg Lake ex-King Crimson et Carl Palmer issu du trio Atomic Rooster, qui devient un des plus grands du rock progressif, ou encore Gentle Giant, qui apporte une touche de médiévalisme dans sa musique. Le succès du style à l'époque s'explique en partie dans le fait que certains courants du progressif touchent un public très nombreux, gagnant notamment des adeptes parmi les fans déçus du mouvement peace and love, qui s'essouffle en cette fin des années 1960. Avec ses textes très élaborés, le rock progressif va également complètement se couper du rock. De la « bonne humeur » des années 1960, on passe à des textes plus réfléchis et plus sombres. On peut citer Van der Graaf Generator et ses textes existentialistes, la philosophie nihiliste de Pink Floyd ou les pamphlets de Genesis (', ').


title: Rock progressif

text: L'école de Canterbury, ou son de Canterbury, naît en 1963 dans la cité de Canterbury, et regroupe, à l'époque, de nombreux futurs grands noms du rock progressif. Ce mouvement trouve son origine dans un ensemble obscur dénommé ". Cette formation ne sort aucun album, mais ses musiciens vont par la suite fonder de très nombreux groupes, dont le style sera désigné sous le nom d'École de Canterbury. On retrouve notamment les musiciens Hugh Hopper, Robert Wyatt, Richard Sinclair, Kevin Ayers, Richard Coughlan, Daevid Allen, Steve Hillage et Pye Hastings. Ces derniers fonderont par la suite deux groupes majeurs du rock progressif : Caravan et Soft Machine. Si le style est parfois plus proche du jazz fusion que du progressif, l'École de Canterbury est reconnue comme un courant de ce dernier.


title: Rock progressif

text: L'École de Canterbury commence vraiment à prospérer en 1969, avec l'arrivée massive de nouveaux musiciens, parfois étrangers, changeant régulièrement de groupe, ce qui explique la richesse du style. On peut citer les Wilde Flowers, qui muteront plus tard en Soft Machine, Gong, Henry Cow, Camel, Khan, Egg, Hatfield and the North, Matching Mole ou National Health.


title: Rock progressif

text: Le collectif rock in opposition, fondé au début des années 1970 par Fred Frith, guitariste d'Henry Cow, regroupe, à l'image de l'école de Canterbury, un grand nombre de groupes de rock progressif. Il est créé à l'origine pour s'opposer à l'industrie du disque, qui refusait de sortir leurs albums. De ce mouvement contestataire naît un véritable collectif d'artistes avant-gardistes du rock progressif. Leur style, aux mélodies sombres et au jeu libre, pousse plus en avant les techniques d'expérimentation. Les principaux groupes sont Univers Zéro, Art Zoyd, Etron Fou Leloublan, Art Bears et Aksak Maboul. Même si ce mouvement ne dure que quelques années, il joue un rôle décisif dans l'histoire du rock progressif des années 1970. L'appellation de est d'ailleurs toujours utilisée pour décrire les groupes restant en dehors des normes établies par le commerce de la musique enregistrée.


title: Rock progressif

text: Outre le rock progressif, la période des années 1970 représente l'apogée de la pop et du hard rock. Ainsi certains groupes, issus de l'un ou l'autre style, sont influencés par le rock progressif et l'injectent dans leur musique. C'est la naissance des groupes dits « à tendance progressive ». On peut citer notamment The Alan Parsons Project, Barclay James Harvest, Manfred Mann's Earth Band et Electric Light Orchestra. Ces derniers, contrairement aux artistes de rock progressif, s'orientent vers une musique plus « " », c'est-à-dire plus commerciale. D'autres, tels Led Zeppelin et Supertramp, laissent constamment une empreinte progressive, plus ou moins prononcée selon leurs albums.


title: Rock progressif

text: La scène d'Europe continentale est désignée sous le nom d'eurock, par opposition au rock progressif britannique, « eurock » étant initialement le nom d'un programme de radio et d'un magazine californiens consacrés au rock progressif européen continental.


title: Rock progressif

text: Dès le début des années 1970, l'Allemagne présente une très riche scène de groupes progressifs. D'un côté, le krautrock, plutôt instrumental et électronique, aligne un nombre impressionnant de groupes : Can, Popol Vuh, Cluster, Klaus Schulze, Faust, Guru Guru, Kraftwerk, Tangerine Dream, Amon Düül II, Ash Ra Tempel, Floh de Cologne, Triumvirat ou encore Neu!. Si ce genre n'est pas reconnu unanimement comme un courant du rock progressif (à commencer par ces groupes eux-mêmes), il n'en reste pas moins un des plus créatifs en Europe. Klaus Schulze et Tangerine Dream sont également à l'origine d'un nouveau courant : l'ambient. De l'autre, quelques groupes produisent une musique très proche de celles des groupes progressifs anglais, comme Triumvirat, très proche d'Emerson, Lake and Palmer, Ramses et, plus tard, Eloy, dans un style situé entre Yes et Pink Floyd.


title: Rock progressif

text: En France, la « vague » rock progressif arrive également très tôt. Les deux premières grandes formations sont fondées en 1969 : il s'agit d'Ange et de Magma. Si le premier est fortement influencé par le rock progressif anglais de Pink Floyd et de King Crimson, le second en est très loin. Le leader du groupe, Christian Vander, très influencé par le jazz de John Coltrane, est à l'origine d'un nouveau courant du prog, le zeuhl, dont Magma reste bien sûr la référence. Le groupe impressionne en France et parvient à percer outre-Manche. Au début des années 1990, un groupe parisien instrumental, Xaal, s'inscrira dans la direction musicale tracée par Christian Vander, sans toutefois parvenir à percer.


title: Rock progressif

text: Les deux albums du groupe Moving Gelatine Plates "(Moving Gelatine Plates" et "The World of Genius Hans)" représentent également le genre musical progressif.


title: Rock progressif

text: D'autres groupes, tels que Carpe Diem, Atoll, Pulsar, Catharsis, Rhesus 0 ou Shylock resteront dans la même veine qu'Ange, sans pour autant égaler le succès de celui-ci ou réussir à imposer leur propre style (Pulsar sera qualifié de « Pink Floyd français », Atoll de « Ange "bis" » ou encore de « Yes français », quant à Artcane, quatuor de Clermont-Ferrand, il produira un rock progressif expérimental et avant-gardiste, plus dans la lignée de King Crimson). Une autre formation française, Taï Phong, créée par deux frères viet-namiens Khanh Maï, chant et guitares et Taï Sinh chant basse, guitare et synthétiseur, avec Jean-Jacques Goldman au chant et guitares, rencontra un succès assez important en France.


title: Rock progressif

text: On peut également citer Mona Lisa ou bien le groupe Elixir influencé par ses aînés français. La vague néo-progressive de la seconde partie des années 1980 touche également la France avec l'apparition d'une série de groupes délaissant l'héritage musical d’Ange pour s'inscrire dans une veine plus anglo-saxonne de néo-progressif (même si la majorité de ces formations conserve un chant en français) : Minimum Vital, Arkham, Éclat de Vers, Elephant & Castle… Le groupe le plus emblématique de cette période demeure Arrakeen qui assurera la première partie de Marillion sur les dates françaises de leur tournée "Season's End" en 1989-1990, se permettant de jouer au Zénith de Paris et d'y décrocher un rappel. Moins connu Elephant & Castle, lui, fait la première partie de deux concerts du groupe anglais Pendragon en avril 1992 à Paris et à Lille et est programmé par Francis Zégut dans son émission Colors sur RTL. Signes que le progressif français avait le potentiel de toucher un public élargi. La totalité de ces groupes a toutefois disparu dans les années 1990, incapables de quitter le monde "underground" de l'autoproduction et de la diffusion confidentielle de leur musique "via" des labels hyper-spécialisés tels Musea et le réseau habituel des fanzines consacrés au rock progressif.


title: Rock progressif

text: La scène italienne est bien souvent considérée comme un style à part entière, connu sous le nom de "rock symphonique italien". Dans un style très proche du groupe anglais Gentle Giant et bien plus empreint de musique classique que les autres scènes européennes, le rock progressif italien aura son heure de gloire durant les années 1970 avec Premiata Forneria Marconi (PFM), Area, Banco del Mutuo Soccorso, Le Orme, Osanna, Saint Just, Goblin, Museo Rosenbach, Il Balletto di Bronzo, Stormy Six, Arti e Mestieri, Opus Avantra, Perigeo, Rovescio della Medaglia, Biglietto per l'Inferno, Alphataurus, ou encore Locanda Delle Fate et Maxophone.


title: Rock progressif

text: Le rock progressif hollandais restera également l'un des plus marquants dans l'histoire de l'Eurock. Plus proche d'un rock progressif plus ancré hard rock, mais pas moins soigné pour autant, il connaîtra son heure de gloire avec Focus, Kayak, Earth and Fire, Water, Supersister, Ekseption et Trace. La formation la plus marquante reste Focus, et les chansons "Sylvia", "Hocus Pocus" (reprise plus tard par Iron Maiden) et "Eruption".L'arrivée du rock progressif se fit plus tardive en Amérique par rapport à l'Angleterre et au reste de l'Europe. La popularité des groupes britanniques aux États-Unis, notamment Pink Floyd et Genesis, encouragea la naissance d'une scène progressive américaine vers le milieu des années 1970. Pavlov's Dog, Ambrosia, Fireballet, Happy The Man, mais surtout Kansas et Styx furent les fers de lance du rock progressif à l'américaine.


title: Rock progressif

text: Autre groupe très important, Rush était une formation canadienne naviguant entre prog et hard rock dont le succès n'a cessé d'augmenter depuis les années 1970. La musique progressive est d'ailleurs très populaire au Canada (Rush, FM) et plus précisément au Québec, avec Harmonium, Octobre, Maneige, Sloche, L'Infonie aussi malgré le son plus jazzé, exemples rares de groupes francophones dans le monde du rock progressif. Notons aussi des groupes tels que Morse Code avec des albums comme "La marche des hommes", "Procréation" ou "Je suis le temps". On peut aussi citer d'autres groupes du Québec, dont Dionysos, avec entre autres "Le prince croule", ou Contraction avec "La bourse ou la vie". De ce dernier groupe d'ailleurs furent issus certains grands musiciens qui firent partie du collectif Ville Émard Blues Band, y compris Yves Laferrière, Christiane Robichaud et Michel Robidoux, ainsi que des futurs Harmonium Robert Stanley et Denis Farmer. Un autre grand du progressif au Québec fut bien sûr Maneige, groupe instrumental très proche de Gentle Giant, avec les frères Vincent et Jérôme Langlois ainsi que le grand Gilles Schetagne à la batterie. On peut également mentionner Beau Dommage qui s'est aventuré dans un style plus progressif sur son deuxième album "Où est passée la noce?", avec les pièces "Bon débarras" et, bien sur, "Un Incident à Bois-des-Filion". Cette dernière occupe d'ailleurs l'entièreté de la seconde face du vinyle. Toujours bien en vie, le rock progressif québécois continue de s'illustrer aujourd'hui, notamment avec le groupe Mystery, dont le chanteur Benoît David un Montréalais, a joué avec Yes sur l'album studio "Fly from Here" et sur le live "In the Present: Live from Lyon" sortis tous les deux en 2011. Notons aussi le groupe Huis, au sein duquel œuvre le guitariste Michel St-Père, qui joue aussi avec Mystery.


title: Rock progressif

text: Au Brésil, Os Mutantes, issue du mouvement tropicalia, combine dès la fin des années 1960 des éléments de musique traditionnelle brésilienne, de rock psychédélique et de rock expérimental. Dans la même période un groupe américain nommé Starcastle crée un rock progressif très influencé par le groupe Yes. Mis à part Kansas et Rush, le rock progressif des Amériques restera dans l'ombre de ses homologues anglais et européens.


title: Rock progressif

text: À partir de 1973, le rock progressif commence vraiment à devenir populaire en Europe, avec des artistes comme Mike Oldfield qui sort ' (dont un court extrait se retrouve sur la bande sonore du film "L'Exorciste"), Camel qui sort ', son plus gros succès, ou encore Jethro Tull, qui accumule les succès depuis '. Pink Floyd sort coup sur coup trois albums des plus importants dans le rock progressif : ' (1973), ' (1975), ' (1977). En 1975, Camel sort un concept album, "The Snow Goose", basé sur une nouvelle de Paul Gallico et qui propulse le groupe au top des ventes d'albums.


title: Rock progressif

text: Genesis, après deux albums majeurs (' en 1973 et ' en 1974) connaît une rupture importante avec le départ de son chanteur Peter Gabriel qui désole les fans du groupe. Le guitariste emblématique Steve Hackett quitte Genesis deux ans plus tard, en 1977. Le groupe évolue alors vers un style plus commercial. Yes sortiront durant les années 1970 trois grands albums majeurs du progressif, soit ', ' et ', avant de revenir à un rock moins axé sur les longues suites de vingt minutes. Les deux albums qui suivent, ' et ", sont en effet constitués de chansons plus courtes et moins aventureuses. Ces succès importants du style progressif permettent à d'autres groupes de sortir de l'ombre, tels que Colosseum, référence en matière de jazz-rock à l'heure actuelle. Le batteur Jon Hiseman, le sax ténor Dick Heckstall-Smith ainsi que le bassiste Tony Reeves ont fondé Colosseum après avoir fait partie du John Mayall's Bluesbreakers.


title: Rock progressif

text: En 1977, le rock progressif perd de plus en plus d'adeptes et de reconnaissance de la part des médias, avec l'arrivée du mouvement punk. L'opinion critique britannique se rapproche alors de ce style de rock plus simple, plus agressif et surtout plus accessible. Le prog est alors décrié comme un style « pompeux » et « prétentieux ». Malgré cela, en 1978, sortit l'album "". Double album expérimental entre opéra-rock et popularisation des synthétiseurs dans les parties musicales, il devient culte pour cette révolution musicale.


title: Rock progressif

text: Toutefois, les plus grands groupes de rock progressif réussissent à faire face, Pink Floyd sortant, en 1979 ', l'un des albums les plus vendus de l'histoire. Après avoir intégré l'ex-parolier de King Crimson Peter Sinfield, Emerson, Lake & Palmer sort le fameux ', souvent considéré comme le meilleur album du groupe. Puis continuant sur leur lancée, ils vont produire en 1977 le double album "Works Volume I", qui sera leur chant du cygne. En général les groupes rock progressif ont tous dû en venir à un style plus accrocheur et simple, dans l'espoir de rendre leur musique plus accessible pour lutter contre les mouvements punk et disco. Leurs nouveaux styles tendaient de plus en plus à se rapprocher du simple rock, avec la structure refrain-couplet-refrain, réduisant la longueur des chansons et sortant beaucoup plus de singles qu'avant, l'exemple par excellence en est le groupe Asia. Certains groupes y sont brillamment arrivés (Pink Floyd, Genesis, Jethro Tull), d'autres ont continué pendant les années suivantes où, même en simplifiant leur style, n'ont plus réussi à reconquérir le grand public (Camel, Yes, et Eloy, notamment), tandis que d'autres ont totalement arrêté (Gentle Giant). Toutefois, il y eut certaines exceptions confirmant la règle, tels que Rush et Dream Theater, se lançant dans le rock progressif au début de son déclin. Leur style mélangeait le rock progressif et le heavy metal. Ces deux groupes furent à l'origine de ce qui s'appellera, par la suite, le metal progressif.


title: Rock progressif

text: Des groupes new wave ont eu des tendances ou influences progressives, telle que Wire, Magazine, Cardiacs ou Simple Minds. Ainsi le groupe britannique The Cure sort leur huitième album studio Disintegration en 1989, sur lequel on retrouve la pièce "The Same Deep Water as You", plus proche du rock progressif, de par son atmosphère ténébreuse et une sonorité plus calme, elle est aussi plus longue que leurs chansons habituelles.


title: Rock progressif

text: Avec la transition de la musique populaire vers un son centré sur les synthétiseurs et les sonorités plus électroniques, certains groupes phares du mouvement progressif de la décennie précédente se ré-orientent, délaissant leur complexité caractéristique en faveur d'une structure musicale plus simple, et parviennent à attirer de nouveau l'intérêt commercial. Rush lance "Signals" en 1982, nouvellement conduit par les synthétiseurs, Yes et Genesis effectuent un saut vers le pop rock, et atteignent les plus grands succès commerciaux de leur carrière avec les albums 90125 de Yes en 1983 et "Invisible Touch" de Genesis en 1986, respectivement. Une grande partie des groupes ayant constitué la première vague de rock progressif se sont dissouts, bien que certains persistent dans un mouvement dorénavant réduit. Van Der Graaf Generator passent de quatre membres à trois à la suite du départ de leur saxophoniste et flûtiste David Jackson.


title: Rock progressif

text: On peut cependant entendre des échos du mouvement progressif dans certains groupes populaires de l'époque, Kansas, Styx et Foreigner, par exemple, s'appuient parfois sur des arrangements plus recherchés, tout en conservant un format musical simple et des caractéristiques du courant musical de l'époque.


title: Rock progressif

text: Bien que l'intérêt général envers le mouvement progressif ait fortement décliné durant les quelques années précédentes, une seconde vague de groupes, quoique constituant une scène plus marginale, apparaît au début des années 1980, formant une nouvelle branche du genre, dite « néo-progressive ». Ces groupes poursuivent la composition de morceaux exploitant une structure complexe, héritage de leurs influences progressives, dans un contexte cependant plus accessible, influencés par le courant new wave du moment. L'expérimentation musicale et l'improvisation perdent en importance, pour laisser place à un plus grand souci des mélodies et de l'émotion. Malgré ce tournant vers une influence plus accessible, le mouvement néo-progressif n'atteint jamais le niveau de popularité des groupes de la première vague, et décline rapidement.


title: Rock progressif

text: Le rock néo-progressif atteint son apogée vers le milieu de la décennie, guidé par les groupes phares Marillion, Pallas, Pendragon et IQ, entre autres.


title: Rock progressif

text: Parallèlement au développement du rock « néo-progressif » et à la « New wave of British heavy metal » se forme un nouveau mouvement construit sur les cendres du rock progressif des années 1970, celui du metal progressif. Appliquant l’agressivité et la lourdeur du heavy metal à la complexité musicale du rock progressif, ce nouveau sous-genre se développe à partir du milieu des années 1980, avec des groupes tels que Fates Warning, Queensrÿche, Dream Theater et Voivod. Si le genre verra sa popularité augmenter considérablement la décennie suivante, certains groupes attirent déjà un certain nombre de supporteurs.


title: Rock progressif

text: Des influences progressives se retrouvent aussi parmi la scène heavy metal, en expansion à l'époque. Les groupes Iron Maiden et Metallica sont souvent cités comme ayant intégré certains éléments caractéristiques à la musique progressive.


title: Rock progressif

text: Au tournant des années 1990, la tendance progressive ne sera pas entièrement renouvelée; on assistera à la naissance d'une « troisième vague » de groupes progressifs, s'inspirant souvent des groupes des années 1970, effectuant en un sens un « retour aux sources ». Cette tendance sera critiquée par certains, la jugeant contraire au caractère par définition évolutif du rock progressif. Les groupes Flower Kings et Spock's Beard, par exemple, exploitèrent un style faisant référence à leurs racines, tout en explorant les nouvelles possibilités relatives à la durée offertes par le format CD à la popularité grandissante.


title: Rock progressif

text: D'un autre côté, le metal progressif se développera grandement et gagnera largement en popularité au cours de la décennie. Les premiers succès relativement populaires du sous-genre seront les albums "Empire" et "" du groupe Queensrÿche. Dream Theater lancera un peu plus tard ses albums "Images and Words" et "Awake", qui deviendront des succès considérables grâce à une diffusion inattendue à la radio et sur la chaîne de télévision musicale MTV. D'autres groupes tels que Fates Warning, Tool, Opeth, Symphony X et Crimson Glory parviendront à obtenir un succès commercial et critique considérable.


title: Rock progressif

text: L'arrivée de nouveaux mouvements musicaux, tels que le rock alternatif et ses nombreux sous-genres, dans les années 1990, eut également un impact sur la scène progressive. Les groupes Radiohead et The Smashing Pumpkins, notoirement, intégrèrent à leur musique certains éléments d'expérimentation caractéristiques au mouvement progressif. Tirant son inspiration à la fois du rock progressif classique, du space rock, du mouvement alternatif, le multi-instrumentiste britannique Steven Wilson fonda en 1987 le groupe Porcupine Tree, se développant tout au long de la décennie pour finalement atteindre une popularité plutôt importante.


title: Rock progressif

text: Du côté des groupes des première et deuxième « vagues » du mouvement progressif, les années 1990 ne constitueront pas une période plus prospère, au niveau commercial et critique, que la décennie précédente.


title: Rock progressif

text: Le rock progressif n'est pas associé aux classes ouvrières, mais majoritairement aux classes moyennes. Les musiciens sont plutôt, pour la plupart, des intellectuels : entre 1957 et 1962, alors qu'ils sont en âge de fréquenter une école secondaire, ils sont 95 % à mener de telles études, alors que ce taux n'atteint que 44,7 % chez la jeunesse de l'époque.


title: Rock progressif

text: Vis-à-vis de l'éducation musicale, les musiciens de rock progressif se situent entre les instrumentistes d'orchestres classiques et les musiciens de rock en général. Les musiciens les plus éduqués sont les claviéristes et ceux jouant des cuivres, qui forment le groupe ayant le plus fréquenté les institutions officielles de formation musicale. Les batteurs et les chanteurs sont en premier lieu des autodidactes, tandis que les guitaristes occupent une place intermédiaire.


title: Rock progressif

text: Le rock progressif a, depuis son apparition à la fin des années 1960, influencé de nombreux autres styles. Ainsi, on retrouve, dès 1970, des éléments progressifs chez certains groupes de hard rock, parmi lesquels Led Zeppelin (avec notamment ', "No Quarter" (le son du piano électrique) ', All My Love (le solo de synthétiseur de John Paul Jones) et ') ou encore l'américain Blue Öyster Cult, dont la plupart des chansons sont imprégnées de sonorités progressives. Le groupe allemand Scorpions commence sa carrière par deux albums fortement tournés vers le rock progressif et le rock psychédélique (' en 1972 et ' en 1974). UFO a, par certains aspects, développé ses chansons dans une pensée progressive (').


title: Rock progressif

text: Mais le cas le plus flagrant reste Deep Purple, oscillant entre le hard rock et le rock progressif de ses débuts en 1968 (avec ', ' et surtout ') jusqu'en 1970 avec la chanson ', classique du groupe, malgré sa durée de plus de 10 minutes, s'inscrivant indéniablement dans la lignée des grandes chansons de rock progressif. Avec l'arrivée de Ian Gillan en 1970, le groupe perd petit à petit ses influences progressives, malgré quelques chansons ("", par exemple).


title: Rock progressif

text: Plus récemment, certains groupes de heavy metal, comme System of a Down ou Faith No More, ont incorporé des éléments influencés par le rock progressif, tels que des changements soudains de thème ou de tempo. En Europe, un certain nombre de groupes de métal symphonique ou gothique, fortement influencés par la musique classique, ont émergé, tels que Nightwish ou After Forever. Les œuvres d'artistes contemporains tels que Ween, des groupes de post-rock comme Sigur Rós ou Godspeed You! Black Emperor, et des groupes de rock alternatif comme Radiohead et Muse, sont souvent considérés comme incorporant des éléments de rock progressif, parfois combinés avec les sensibilités esthétiques du punk. Le groupe britannique Cardiacs s'est spécialisé depuis 1980 dans un genre de et a influencé de nombreux autres groupes. Le genre math rock, qui a émergé dans les années 1990, comporte de nombreux éléments familiers du genre progressif, notamment l'utilisation de signatures rythmiques complexes.


title: Rock progressif

text: Bien que le rock progressif soit lancé en Angleterre, sa propagation rapide, dans toute l'Europe dans les années 1970 puis dans le monde entier, a permis à de nombreux groupes d'émerger dans des pays n'ayant pourtant au départ aucune culture progressive ni même parfois rock. Méconnue du grand public et dans une certaine mesure des amateurs du genre, l'Europe de l'Est développa en parallèle tout un panthéon du style. La Pologne (avec SBB), la Finlande (avec Pekka Pohjola), l'Estonie (avec Inspe et Ruja), la Tchécoslovaquie (avec Modry Effekt, Collegium Musicum et Fermata) et la Roumanie (avec Sfinx et Phoenix), pour ne citer que les plus importants.


title: Rock progressif

text: Le Brésil compte quelques groupes d'hier et d'aujourd'hui (comme Bacamarte, Tempus Fugit, Quantum, Angra - Symphonic Metal à tendance progressive - ou Dogma). L'Argentine également (principalement avec Nexus, Crucis), ou encore le Mexique, pays accueillant actuellement le plus grand festival mondial du genre, le "Baja Prog Festival". Le Japon est un cas particulier. C'est le seul pays asiatique à avoir développé le genre dans les proportions européennes. Les années 1970 lancent le genre et posent le socle des styles symphoniques et psychédéliques traditionnels anglais, avec des formations telles que Cosmo's Factory ou Shingetsu. Et pourtant, l'âge d'or du progressif japonais aura lieu dans les années 1980, époque moins faste en Europe. L'archipel voit se développer tout un arsenal de groupes (Gerard, ou Outer Limits sont les plus connus), pour ensuite se tasser vers la fin des années 1990.


title: Rock progressif

text: Depuis le début des années 2000, le rock progressif est présent partout. L'Indonésie, l'Iran, l'Ouzbékistan, la Russie, Israël, Cuba, l'Islande et bien d'autres encore ont un patrimoine progressif, certes excessivement dissimulé et vraiment minime, mais réel. D'autres pays, tels la Chine, la Corée et certains pays africains, sont dotés de leur propre culture progressive, mais il est malheureusement très difficile d'y avoir accès par la voie commerciale officielle et certains fans du genre se procurent ces raretés grâce aux relations et aux échanges favorisés par internet.


title: Rock progressif

text: NEARfest, à Bethlehem, annuel depuis 1999 et sur trois journées, mais dont l'édition 2011 a été annulée.


title: Rock progressif

text: ProgDay, à Chapel Hill, annuel depuis 1995 et sur un jour.


title: Rock progressif

text: Festival Terra Incognita (autrefois nommé "Convention Terra Incognita"), se tient à Québec (ville), dans la province de Québec au Canada. Ayant débuté le , l'événement se tenait en une journée, avec surtout des groupes locaux (six groupes la première année), puis sur deux jours depuis 2009 et sur trois journées à partir de la dixième édition de 2014. Trois groupes sont présents à chacune des journées. En plus de groupes internationaux, sont présentes de jeunes et moins jeunes formations québécoises. La convention avait lieu en octobre à ses débuts. Depuis quelques années, l'événement se tient au mois de mai. Le 15e anniversaire a eu lieu les 17, 18 et . Terra Incognita, ce sont aussi un magazine et une émission radiophonique hebdomadaire consacrés au rock progressif d'aujourd'hui. La 16e édition du festival, qui devait avoir lieu en 2020, est reportée pour une seconde fois dû à la pandémie, les 20, 21 et 22 mai 2022.


title: Opéra Garnier

text: L’opéra Garnier, ou palais Garnier, est un théâtre national qui a la vocation d'être une académie de musique, de chorégraphie et de poésie lyrique ; il est un élément majeur du patrimoine du de Paris et de la capitale. Il est situé place de l'Opéra, à l'extrémité nord de l'avenue de l'Opéra et au carrefour de nombreuses voies.


title: Opéra Garnier

text: Il est accessible par le métro (station Opéra), par le RER (ligne A, gare d'Auber) et par le bus. L'édifice s'impose comme un monument particulièrement représentatif de l'architecture éclectique et du style historiciste de la seconde moitié du . Sur une conception de l’architecte Charles Garnier retenue à la suite d’un concours, sa construction, décidée par dans le cadre des transformations de Paris menées par le préfet Haussmann et interrompue par la guerre de 1870, fut reprise au début de la Troisième République, après la destruction par incendie de l’opéra Le Peletier en 1873. Le bâtiment est inauguré le par le président Mac Mahon sous la .


title: Opéra Garnier

text: Cet opéra a été appelé « opéra de Paris » jusqu'en 1989, date à laquelle l'ouverture de l'opéra Bastille, également opéra de Paris, a influé sur son appellation. On le désigne désormais par le seul nom de son architecte : « opéra Garnier » ou « palais Garnier ». Les deux opéras sont aujourd'hui regroupés au sein de l'établissement public à caractère industriel et commercial « Opéra national de Paris », institution publique française dont la mission est de mettre en œuvre la représentation de spectacles lyriques ou de ballet, de haute qualité artistique. L'opéra Garnier est classé monument historique depuis le .


title: Opéra Garnier

text: est visé par un attentat, le , rue Le Peletier où se situe la salle d'opéra du moment. Des républicains italiens, dirigés par Felice Orsini, jettent plusieurs « machines infernales » dans le cortège et la foule qui l'entoure. Le couple impérial est miraculeusement épargné, mais se retrouve au milieu de huit morts et de près de cent quarante-deux blessés. La construction d'une nouvelle salle dans une grande rue moins propice aux attentats est décidée par l'empereur, au lendemain même du drame, pour la construction d'un nouveau grand théâtre digne de Paris surnommée la Ville-Lumière   Le projet est déclaré d'utilité publique par arrêté impérial du .  Pour certains historiens, Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc semble à l'origine de l'idée d'un concours, craignant l'attribution du projet et la direction du chantier à Charles Rohault de Fleury, architecte ordinaire de l'Opéra et donc logiquement destiné à réaliser cette nouvelle commande. Selon l'avis d'autres spécialistes, ce sont et surtout son épouse, l'impératrice Eugénie, qui souhaitent écarter Rohault de Fleury pour favoriser Viollet-le-Duc.


title: Opéra Garnier

text: Toujours est-il que le concours, pour l'édification d'une « Académie impériale de musique et de danse » attendue depuis cinquante ans, est organisé et annoncé dans un second arrêté du de la même . L'usage voulait que l'on fasse appel à un architecte désigné. Le préfet de Paris, Haussmann, en urbaniste intransigeant, propose une parcelle exigüe et mal adaptée à ce projet.


title: Opéra Garnier

text: L'événement est tel que les Parisiens et la province suivent le déroulement de la compétition et attendent impatiemment le résultat.


title: Opéra Garnier

text: Charles Garnier (1825 – 1898) est premier grand Prix de Rome en 1848. C'est toutefois un jeune architecte n'ayant pas encore fait véritablement ses preuves sur un projet de grande envergure. Ambitieux et secondé de confrères et nombreux amis de l'École des Beaux-Arts, pour partie d'entre eux qui sont également lauréats de la même distinction, il remet un projet innovant dont les châssis portent le numéro 38 et une devise — les projets devant rester anonymes — qui résume assez bien le caractère de son auteur : « "J'aspire à beaucoup, j'attends peu" ».


title: Opéra Garnier

text: Le jury est présidé par le prince Walewski, fils naturel de et de la comtesse Walewska. Ce serait Alexandre Colonna Walewski qui serait à l'initiative de ce concours selon Pierre Pinon. Il est confié à ce groupe d'experts la lourde charge d'examiner, en cinq sessions éliminatoires, les dessins des cent soixante et onze candidats.


title: Opéra Garnier

text: Le , Charles Garnier est proclamé vainqueur à l'unanimité : sa proposition esthétique et d'une haute technicité surprend et séduit le plus grand nombre. Il réunit plusieurs styles harmonieusement agencés qui agrémentent aussi bien élévations et décors intérieurs.


title: Opéra Garnier

text: Les principales critiques vont porter d'abord sur l'extérieur et sa succession de volumes distincts qui expriment les emplacements de la salle de spectacle, de la cage de scène et des bâtiments administratifs qui se devinent aisément et le tout s'enchaîne en une composition aussi érudite qu'évidente. Plans, coupes et façades sont d'une grande clarté, et le rapport de grandeur inhabituel entre le volume de la salle et celui de la scène et de ses dispositifs scéniques étonne. A l'intérieur du théâtre, les pourfendeurs du projet s'emportent face aux abondantes dorures du grand foyer et de la salle, les jugeant dispendieuses : " "Trop d'or ! Trop d'or !" " (il s'agit en fait la plupart du temps de peintures dorées et non d'or pur) ; le restaurant du glacier n'existe pas, le pavillon de l'empereur déchu, ses rampes, écuries et remises n'ont plus d'usage, la bibliothèque musicale n'est pas aboutie ; les remarques désobligeantes ne manquent pas.


title: Opéra Garnier

text: Charles Garnier, architecte et auteur, explique dès 1871 les tenants et motivations de son projet dans son livre "Le théâtre". Il publie également en 1878 ses conclusions après l'inauguration et répond aux nombreuses critiques : "Le Nouvel Opéra de Paris" 1878 (vol.1/2) puis en 1881 "Le Nouvel Opéra de Paris" (vol. 2/2). Il publie également "Le Nouvel Opéra de Paris - Estampe" 1/2 et "Le Nouvel Opéra de Paris - Estampe 2/2". Quatre autres publications suivent : "La sculpture ornementale", "Les peintures décoratives", "Statues décoratives" et "Bronzes". Précédemment, en 1869, Garnier avait publié "A travers les arts" . Dès l'inauguration de l'Opéra a paru "Le Nouvel Opéra de Paris Le monument - les artistes". L'archiviste en titre, Charles Nuitter, a fait paraître en 1875 "Le Nouvel Opéra".


title: Opéra Garnier

text: L'architecte Charles Garnier a reçu les décorations de chevalier de la Légion d'Honneur en 1864, officier en 1875, commandeur en 1889 et grand officier en 1896. L'Académie des Beaux-Arts lui rend hommage en 1899.


title: Opéra Garnier

text: Le choix de l'emplacement est proposé, pour la compétition, par le préfet Haussmann ; c'est un terrain destiné à être entouré de hauts immeubles de rapport. Ses dimensions et sa forme très particulière résultent des récents tracés voulus par l'urbaniste. D'importantes contraintes s'imposent ainsi aux différents concurrents puis à l'architecte lauréat.


title: Opéra Garnier

text: La difficulté de concevoir un édifice d'une aussi grande envergure sur une surface en losange et dissymétrique amène Garnier à demander divers aménagements et cela à plusieurs reprises. Mais Haussmann reste intraitable. L'architecte gardera malgré tout l'espoir que les bâtiments alentour seront remplacés par des jardins afin que les Parisiens puissent apprécier une œuvre se suffisant à elle-même.


title: Opéra Garnier

text: Les immeubles voisins font l'objet d'une entorse aux stricts règlements  que le préfet Haussmann a lui-même fixés et dépassent la hauteur autorisée. Les façades de l'opéra risquent donc d'apparaître plus basses que leur environnement . En réaction, le maître d'œuvre décide de modifier ses dessins au dernier moment et de modifier l'étage attique pour que le projet et ses élévations conservent l'aspect prestigieux indispensable à l'édifice. L'attentat de l'opéra Le Peletier incite à imaginer, pour les sorties au spectacle de l'empereur, un itinéraire rapide et sécurisé entre le Louvre et le nouvel Opéra. Le percement de l'avenue de l'Opéra parachèvera ce projet.


title: Opéra Garnier

text: L'architecte Garnier s'entoure de confrères rencontrés pendant ses études et notamment d'autres grands prix de Rome qui le seconderont dans les dessins du projet définitif (plans, coupes, façades, détails de construction et de décoration) et dans l'inspection régulière du chantier. C'est ainsi que Victor Louvet, premier grand Prix de Rome en 1850, devient son adjoint et bras droit.


title: Opéra Garnier

text: Aidé de Louvet, le lauréat du concours supervise le choix des entreprises et des différents artistes et artisans : peintres, sculpteurs, marbriers, staffeurs, stucateurs, mosaïstes, parqueteurs, ébénistes, ferronniers, doreurs, tapissiers et autres ornemanistes.


title: Opéra Garnier

text: Garnier fait construire un bâtiment provisoire dans la rue Neuve des Mathurins, au nord-est du chantier ; ce sera l'agence des travaux qui comprend un rez-de-chaussée, un étage dont l'accès est permis par un escalier et une coursive extérieure. Des dizaines de constructions éphémères sont dressées ; ateliers, hangars, cantines, bureau de contrôle des matériaux, palissades, et logement des gardiens au portail d'entrée.


title: Opéra Garnier

text: Le début des travaux a lieu en 1861, mais officiellement la pose de la première pierre se déroule l'année suivante, en 1862. Lors des fouilles et des excavations, destinées à la réalisation des massifs de fondations, les travaux doivent brusquement s'interrompre. Le niveau de la nappe phréatique est rapidement atteint et la situation oblige à la mise en place d'un batardeau  et de pompes à vapeur fonctionnant jour et nuit pendant huit mois, asséchant tous les puits des quartiers alentour. Un cuvelage (ou radier) en béton de grandes dimensions est créé. Bientôt rempli d'eau, ce dernier permet aux infrastructures de résister à la pression sous-jacente des eaux d'infiltration, estimée à 2000 tonnes, et de mieux répartir les charges d'une partie des bâtiments dans un sous-sol de qualité médiocre. Après la construction, il sert de réservoir pour les pompiers en cas de sinistre. Cette particularité donne naissance à la légende d'un lac souterrain alimenté par un cours d'eau portant le nom de « Grange-Batelière », exploité et entretenu par le célèbre roman de Gaston Leroux, "le Fantôme de l'Opéra". En réalité, la rivière coule plus loin, sous le futur emplacement d'un grand magasin.


title: Opéra Garnier

text: La construction s'étend sur près de quinze années, de 1861 à 1875. Elle est soigneusement cachée derrière des échafaudages recouverts de planches et de verrières qui masquent tout particulièrement la façade principale pour que l'effet de surprise soit total, jusqu'à l'inauguration provisoire et partielle de 1867. C'est l'entrepreneur de travaux publics Adolphe Violet qui a la charge de la maçonnerie. L'atelier des photographes Delmaet et Durandelle  est attaché au chantier et réalise de nombreux clichés durant toutes les phases de la construction. Charles Marville , le photographe officiel de la Ville de Paris, photographia sur commande de celle-ci les travaux du percement de l'avenue de l'Opéra. L'opéra Garnier constitue le prototype et la synthèse du « style Second Empire » (ou « style »), qui devient le style ultra-moderne de la période romantique à la fin du .


title: Opéra Garnier

text: Pendant toute la durée du chantier, les fonds accordés ne cessent d'évoluer selon les imprévus d'ordre technique, des aléas dus à des choix de politique intérieure, mais aussi des relations internationales.


title: Opéra Garnier

text: Ainsi, le Conseil des bâtiments civils impose, très tôt, une forte réduction budgétaire en restreignant l'enveloppe globale de moitié : quinze millions de francs-or sont alloués au lieu des vingt-neuf annoncés initialement. Pourtant le chiffre de départ est bientôt dépassé ; les comptes, remis à jour en 1864, aboutissent à une facture nettement plus élevée atteignant la somme de vingt-quatre millions de francs.


title: Opéra Garnier

text: Le chantier est ralenti, voire interrompu à plusieurs reprises. Les crédits indispensables sont parfois réaffectés à des projets jugés prioritaires ou plus populaires, tels que l'Hôtel-Dieu à Paris. Pendant la guerre contre la Prusse, la construction est complètement interrompue. Lors de la Commune de Paris, l'Opéra (comme d'autres monuments parisiens) subit des destructions et doit faire face à des réparations pour un montant de trois cent mille francs-or(un franc de 1850 est évalué à 3,27 euros ).


title: Opéra Garnier

text: À l'avènement de la Troisième République, l'argent nécessaire à la reprise des travaux est attribué avec parcimonie. Ce n'est qu'à la suite de la destruction de la salle Le Peletier, incendiée en octobre 1873, que l'on réunit les sommes indispensables à l'achèvement du gros œuvre et de la décoration intérieure. L'architecte se voit attribuer une dernière rallonge de six millions neuf cent mille francs, sous condition expresse d'achever l'édifice dans un délai d'un an et demi.


title: Opéra Garnier

text: La livraison de l'opéra a lieu le , pour un montant total de trente-six millions de francs-or. Certains lieux restent inachevés comme la rotonde du Glacier et la galerie du Fumoir.


title: Opéra Garnier

text: demande à Haussmann d'aménager une avenue reliant le palais des Tuileries, où il réside, au bâtiment de Garnier. Large et dotée d'un accès direct au pavillon de l'empereur, cette artère permettrait au souverain de circuler sans risque d'un nouvel attentat. L'architecte de l'Opéra, réjoui de voir son œuvre mise en valeur d'une façon aussi spectaculaire, dira que cette entreprise doit avoir l'effet « "d'une trompette que l'on souffle dans la chambre d'un malade" ».


title: Opéra Garnier

text: Mais Garnier s'oppose violemment à l'urbaniste sur un point à ses yeux essentiel : la plantation d'arbres. Rien ne doit venir perturber la perspective et dissimuler son œuvre. Haussmann est obligé de céder. L'avenue de l'Opéra ne s'inscrit pas, à l'origine, dans le plan d'urbanisme devant remodeler Paris. Elle demeure comme le seul percement du baron Haussmann qui n'ait pas de réelle utilité, sinon de préserver la sécurité du prince et de permettre la réalisation d'immeubles de rapport ultra-modernes avec commodités et « gaz à tous les étages ».


title: Opéra Garnier

text: Ce nouvel axe de circulation devait d'ailleurs être baptisé « avenue Napoléon III ». L'inauguration par le maréchal Patrice de Mac-Mahon, se déroule le 19 septembre 1877 au milieu d'échafaudages et des immeubles en construction .


title: Opéra Garnier

text: Cette percée oblige à la démolition de tout un quartier, et à l'arasement définitif de la butte des Moulins. Les problèmes liés aux nombreuses expropriations gênent considérablement le bon déroulement des travaux et le respect des délais prévus. Ainsi, l'avenue de l'Opéra n'est achevée qu'en 1879, bien après la fin de l'édification du palais Garnier et la chute du Second Empire.


title: Opéra Garnier

text: Une première inauguration a lieu le pour la seule façade principale, achevée jusqu'aux mascarons, guirlandes et bas-reliefs les plus délicats de la frise de l'attique. En effet, à l'occasion de l'Exposition universelle de 1867 et à la demande de l'empereur, ce morceau de bravoure si attendu est inauguré bien avant que le reste de l'ouvrage ne soit terminé. L'impératrice Eugénie commenta : « "Qu'est-ce que c'est que ce style-là ? Ce n'est pas un style !... Ce n'est ni du grec, ni du , pas même du ." » et Charles Garnier de répondre : « "Non, ces styles-là ont fait leur temps... C'est du ! Et vous vous plaignez !" »


title: Opéra Garnier

text: Les travaux sont interrompus en raison de la guerre franco-allemande de 1870. Les bâtiments inachevés sont réquisitionnés pour y entreposer des vivres pour les militaires et de la paille pour les chevaux. La défaite de Sedan, en 1870, provoque la chute de l'Empire, l'occupation militaire de la capitale et conduit à l'épisode de la Commune de Paris de 1871. L'avènement du gouvernement provisoire de Thiers, puis de la Troisième République, ne change rien à la situation. Si, dans un premier temps, les difficultés économiques de la France ne permettent pas de poursuivre les dépenses excessives engagées pour le futur opéra, c'est ensuite et surtout pour le symbole qu'il représente et l'embarras qu'il crée au sein des nouvelles élites que l'on hésite à prendre la décision d'achever la commande d'un régime discrédité. On ne sait que faire, sinon renvoyer Garnier et continuer à utiliser la salle de la rue Le Peletier.


title: Opéra Garnier

text: Le , le vieil opéra de la rue Le Peletier — qui servait d'opéra provisoire à Paris — est détruit dans un incendie. L'architecte est rappelé pour achever le chantier du nouvel Opéra ; mais il peine pour réunir ses collaborateurs dispersés, les entreprises et tous les artisans qui viennent de traverser une période d'incertitude. Des déconvenues surgiront : l'augmentation du coût des matières premières, la disparition d'artistes laissant des modèles inachevés, des plans non respectés entraînant des conséquences décoratives irréparables. L'inauguration a lieu le mardi en présence du président de la République Mac Mahon, du lord-maire de Londres, du bourgmestre d'Amsterdam, de la famille royale d'Espagne et de près de deux mille invités venus de l'Europe entière et d'ailleurs. Le programme comprend :


title: Opéra Garnier

text: Charles Garnier aurait été invité (les sources divergent sur ce point). Il doit payer sa place dans une seconde loge. Cet incident, particulièrement regrettable et d'ailleurs raillé par la presse de l'époque — « "une administration faisant payer à l’architecte le droit d’assister à l’inauguration de son propre monument !" » —, exprime un rejet des nouveaux gouvernants envers ceux qui, de près ou de loin, ont servi l'empereur déchu, mort en 1873, et l'habituelle ingratitude des puissants envers les artistes.


title: Opéra Garnier

text: Le , c'est le bal masqué et travesti de l'Opéra, événement annuel du Carnaval de Paris, il rassemble huit mille participants. La dernière édition de ce bal, créé en 1715, s'y déroulera en 1903.


title: Opéra Garnier

text: En octobre 1896, à l'occasion de leur visite en France, le tsar russe Nicolas II et son épouse Alexandra se rendent à l'opéra, où ils assistent à une représentation en compagnie du président de la République Félix Faure. À leur sortie place de l'Opéra, vers minuit quinze, une foule nombreuse acclame le couple impérial.


title: Opéra Garnier

text: De 1875 à 1900


title: Opéra Garnier

text: La direction du nouvel Opéra est assurée par :


title: Opéra Garnier

text: De 1900 à 1945


title: Opéra Garnier

text: De 1900 à 1945, le palais Garnier connaît trois directeurs. Un statut spécial leur confère, depuis la création de l'Académie royale de musique par le roi Louis XIV en 1669, une gestion artistique et financière entièrement privée, dite « le privilège ». L'État n'apporte alors qu'une subvention relativement maigre pour la conservation du monument et non pour son fonctionnement ou sa programmation.


title: Opéra Garnier

text: Sous la direction de Messager, l'Opéra accueillera les concerts russes de Serge Diaghilev dès 1907, ce qui n'ira pas sans mal avec les musiciens titulaires de l'orchestre. Messager, épris de modernisme, négocie en 1909 avec Diaghilev une représentation extraordinaire des Ballets russes ; le succès est de grande ampleur. L'année suivante, c'est toute la deuxième saison de la troupe du ballet de Diaghilev qui s'est déroulée à l'opéra Garnier, où eurent lieu une dizaine de créations chorégraphiques dont "L'Oiseau de feu" en 1910 avec la musique de Stravinsky et Tamara Karsavina dans le rôle-titre. La plupart des ballets sont toujours au répertoire de l'opéra Garnier. Le succès public phénoménal de la première saison des Ballets russes au théâtre du Châtelet avait apporté un souffle neuf dans les mondes de la chorégraphie, la musique, la peinture des décors et les costumes. Le public d'alors était avide d'art contemporain.Rouché se lie d'amitié avec Diaghilev ; après la mort de ce dernier (1929) et la fin des Ballets russes, il retient les talents de George Balanchine, Serge Lifar et bien d'autres qui apportent à l'Opéra, son corps de ballet et son école, une notoriété mondiale mais aussi des recettes de billetterie qui triplent lors des créations. Les décorateurs Léon Bakst, Alexandre Benois et Natalia Gontcharova inspirent les générations suivantes. Le directeur est un ardent promoteur de la création contemporaine, tant lyrique que chorégraphique. Il connaît une année 1936 difficile : le 6 mars, le rideau de fer ne peut être ouvert car sa machinerie est bloquée avant le début du spectacle, la représentation de "Castor et Pollux" est annulée. Le théâtre est fermé le 30 juin pour effectuer des travaux de rénovation de la salle de spectacle et surtout des modifications structurelles de la cage de scène (installation du gigantesque panorama par l'architecte Joseph Marrast). Les représentations reprennent le au théâtre Sarah Bernhardt (aujourd'hui Théâtre de la Ville), mais un incendie se déclare dans le palais Garnier le 13 septembre vers minuit dans la cage de scène, toutefois maîtrisé en deux heures par les pompiers. Les travaux de réfection se prolongent et l'Opéra se délocalise le 30 novembre au théâtre des Champs-Élysées, où il reste jusqu'au , date de la réouverture du palais avec une représentation de "Lohengrin". En 1938, l'Opéra est l'objet de grands travaux souterrains pour l'installation de son raccordement au réseau de chauffage de la CPCU. Un nouveau système de climatisation est mis en place dans la salle de spectacle.


title: Opéra Garnier

text: Dans le domaine lyrique, Jacques Rouché convie une génération de compositeurs français contemporains à créer pour l'Opéra tout en ouvrant le répertoire aux œuvres étrangères, avec , dont : "Padmâvatî" d'Albert Roussel, "Le Jardin du Paradis" d'Alfred Bruneau, "Le Chevalier à la rose" et "Elektra" de Richard Strauss, "Mârouf, savetier du Caire" d'Henri Rabaud, "Turandot" de Giacomo Puccini, "La Tour de feu" de Vittorio Rieti, "Œdipe" de Georges Enesco, "L'Enfant et les sortilèges" de Maurice Ravel, "Le Marchand de Venise" de Reynaldo Hahn, "Médée" de Darius Milhaud. Cela représente également la création de plus de et . L'Opéra emploie alors plus de mille personnes.


title: Opéra Garnier

text: En raison de la faillite de l'Opéra-Comique en 1932, l'État créa la Réunion des théâtres lyriques nationaux (RTLN) pour assurer la gestion artistique et financière des deux salles, l'Opéra-Comique devenant une succursale de l'Opéra. Jacques Rouché en est le président de 1939 à 1944. Après avoir pris le chemin de l'exode selon les directives gouvernementales, avec une partie de l'orchestre au début de la Seconde Guerre mondiale, Rouché est obligé par le gouvernement de Vichy de revenir à Paris pour se soumettre à l'occupation allemande et, poussé par le nombreux personnel, à garder la direction de l'Opéra. À l'automne 1940, les lois d'exclusion à l'encontre des Juifs l'obligent à se séparer d'une cinquantaine de personnes, mais il maintient leur rémunération jusqu'en décembre 1942. Bien que la Charte du travail d'octobre 1941 ait dissous les syndicats, Jacques Rouché continue à négocier avec eux des indemnités de vie chère, des secours pour les salariés mobilisés, il obtient des cartes de travailleurs de force pour les machinistes afin de leur éviter le S.T.O. Enfin, il aide financièrement plusieurs artistes juifs à quitter l'Europe, notamment Darius Milhaud et Ernest Klausz. Rouché doit se plier à certaines exigences artistiques imposées par les autorités allemandes, comme des concerts donnés par l'orchestre philharmonique de Berlin, mais le théâtre reste en état de marche, dans des conditions très difficiles, comme le rapporte la danseuse Claude Bessy, jeune ballerine, dans ses Mémoires : . En cette période troublée, le chef-tapissier Jean Rieussec s'investit au sein du palais à organiser discrètement une section de la Résistance qui s'étendra aux musiciens de l'orchestre et dans le arrondissement.  À la Libération, les Chambres civiques, instaurées pour mettre en œuvre l'épuration voulue par le gouvernement provisoire, reprochent à Rouché d'avoir entretenu une collaboration avec l'ennemi pendant l'Occupation ; par conséquent, le président de la RTLN et administrateur de l'Opéra est alors révoqué par l'État, bien que les syndicats, tout le personnel et les artistes (avec en tête la danseuse étoile Yvette Chauviré) témoignèrent en sa faveur. Lavé des soupçons de collaboration, il est acquitté par la Justice, mais préfère se retirer définitivement de la vie artistique à Paris. Rouché est resté directeur pendant trente ans en apportant son mécénat personnel qui a été estimé, selon les archives, à de francs-or (environ d'euros). Jean Cocteau dira : . En 1971, la Mairie de Paris a décidé d'honorer ce directeur par la création d'une Place Jacques Rouché à la croisée des rues Halévy, Gluck et Meyerbeer. Ses deux prédécesseurs n'avaient été honorés que par deux salles de répétition portant leur nom.


title: Opéra Garnier

text: Depuis 1945


title: Opéra Garnier

text: À partir de 1945, une vingtaine de directeurs se succèdent à la tête de l'Opéra : Charles Garnier, tout comme ses devanciers Jacques-Germain Soufflot (opéra de Lyon) et Victor Louis (Grand Théâtre de Bordeaux et salle Richelieu pour la Comédie-Française), déploie une architecture spectaculaire. Il souhaite ériger un monument d'inspiration éclectique, obéissant ainsi à la mode de son temps, les façades de son théâtre lyrique devant offrir un spectacle permanent au piéton de Paris. Son œuvre, qui deviendra l'un des exemples les plus célèbres du style propre à la période , révèle un tempérament aux penchants multiples et une attraction particulière pour l'art baroque. Si l'architecture de Garnier réunit plusieurs styles, c'est pourtant le baroque, très en vogue dans les constructions théâtrales, qui prévaut.


title: Opéra Garnier

text: En fidèle admirateur de Victor Louis et tout en reprenant les caractéristiques essentielles de la salle Le Peletier, les sources d'inspiration de l'architecte sont, en dehors du Grand-Théâtre de Bordeaux, les palais italiens de la Renaissance tardive qu'il a eu le loisir de remarquer durant son séjour à la Villa Médicis. Sa période estudiantine et ses voyages méditerranéens le portent de manière évidente vers le respect des règles et des ordres architecturaux et autres subtilités de l'art du « "Siècle de Périclès" ». Pour Hugues Gall, ancien directeur de l'opéra Garnier, .


title: Opéra Garnier

text: Garnier tient à superviser lui-même la conception des moindres détails des bâtiments. Il dit avoir pensé au parti de Michel-Ange pour le plan de la basilique Saint-Pierre de Rome, concevant et dessinant ses propres plans architecturaux. Le parti obéit à une symétrie rigoureuse à laquelle doivent se plier, dans une grande majorité des cas, les grands programmes traités par les praticiens sortant de l'École des Beaux-Arts de Paris.


title: Opéra Garnier

text: L'ensemble possède une emprise au sol de et une surface dans l’œuvre totale de (la plus grande du monde à l'époque, et ce jusque dans les années 1970), de long, de large et d'élévation. La vaste salle de spectacle peut recevoir environ . Une maquette en coupe longitudinale, (L 5,78m - H 2,40m - P 1,10m, ci-dessous en haut à droite) exposée au Musée d'Orsay a été réalisée en 1986 par Richard Peduzzi qui a choisi de reproduire l'Opéra selon les plans originaux de Garnier.


title: Opéra Garnier

text: L'architecte surprend par la diversité des matériaux utilisés. Il use, en effet, d'une décoration éclectique, parfois chargée, mais toujours fastueuse et élégante. À l'extérieur comme à l'intérieur, le jeu de la pierre d'Euville aux nuances blondes, des marbres de couleur et des parties recouvertes d'or souligne la qualité du dessin et des proportions et offre à l’œil averti une profusion de détails architectoniques. Pour expliquer ce choix d'une grande diversité chromatique, Garnier prétend qu'il veut aller à l'encontre de « "la tristesse de l'urbanisme haussmannien" ».


title: Opéra Garnier

text: Admirateur des techniques utilisées par son devancier Victor Baltard , l'architecte utilise le fer et la fonte partout ; la partie des structures, tels certains piliers, tous les planchers maçonnés et toutes les charpentes sont en métal. Les poutres de longue portée sont composées de métal en lames assemblées par rivetage, mode de construction en plein développement dans la seconde moitié du . Les parquets visibles sont assemblés sur lambourdes scellées au bitume sur des sols incombustibles. La salle de spectacle, contrairement à ce que laisse paraître son habillage, est à la base un volume constitué d'un assemblage métallique qui supporte les charges de ses différents niveaux. Si Garnier reconnaît les possibilités nouvelles apportées par ce matériau, il n'en goûte cependant pas l'aspect et le cache soigneusement sous la pierre, le plâtre, le stuc et tout autre procédé de décoration appartenant à la tradition classique. Il ne se sert du métal que pour les aspects pratiques qu'il peut lui apporter : facilité et rapidité de mise en œuvre, légèreté.


title: Opéra Garnier

text: La pose de câblages et l'électrification intégrale du bâtiment quelques années plus tard est facilitée par les conduites de gaz qui avaient été prévues dès la construction pour alimenter les éclairages (les grandes torchères, par exemple).


title: Opéra Garnier

text: La grande façade, donnant sur la place de l'Opéra et située au carrefour de nombreuses percées haussmanniennes, sert de toile de fond à la perspective de l'avenue qui sera ouverte un peu plus tard. Elle constitue, en quelque sorte, le manifeste de l'artiste. Son tracé et ses proportions savants comme sa riche polychromie expriment, en une synthèse habile, l'essence même de l'architecture éclectique.


title: Opéra Garnier

text: Garnier a choisi lui-même les quatorze peintres, les mosaïstes ainsi que les soixante-treize sculpteurs, dont le célèbre Jean-Baptiste Carpeaux, devant participer à son ornementation.


title: Opéra Garnier

text: Les quatre groupes principaux en façade sont de gauche à droite : Les emmarchements et la galerie couverte à arcades et coupoles plates sur pendentifs soutenant la loggia forment le point de départ, dès l'entrée principale sud, d'un cheminement initiatique dont l'aboutissement n'est autre que la grande salle et le spectacle qui s'y tient. Garnier a conçu la succession des espaces dans le seul but de mettre en condition les futurs spectateurs. Ainsi, les premières marches, situées à l'extérieur du monument, marquent déjà la frontière entre deux mondes ; le premier, celui de la réalité et du quotidien, le second, celui du rêve et de l'imaginaire. Les différentes statues qui encadrent les entrées sont surplombées de médaillons sculptés par Charles Gumery. Ces médaillons représentent les compositeurs Johann Sebastian Bach, Domenico Cimarosa, Joseph Haydn et Giovanni Battista Pergolesi.


title: Opéra Garnier

text: La loggia, soulignée par le portique du premier étage, se présente comme un prolongement du grand foyer donnant sur la place de l'Opéra. Peu utilisé, il est cependant indispensable à l'équilibre du plan comme à celui des élévations frontales et latérales. Cette loggia s'inspire directement des maîtres de la Renaissance italienne tels Vignole, Serlio ou Palladio, de ceux du classicisme des français comme Claude Perrault, Jules Hardouin-Mansart ou Ange-Jacques Gabriel. Quant au goût prononcé pour la polychromie, il est l'expression d'une mode déclenchée par des recherches archéologiques des Grands prix de Rome du pour leurs « envois », de la Villa Médicis, aux membres de l'Académie des beaux-arts. La loggia est surplombée de bustes réalisés par Louis-Félix Chabaud qui représentent les compositeurs Daniel-François-Esprit Auber, Ludwig van Beethoven, Giacomo Meyerbeer, Wolfgang Amadeus Mozart, Gaspare Spontini, Philippe Quinault, Gioachino Rossini et Fromental Halévy.


title: Opéra Garnier

text: Cette élévation est visible depuis les rues Auber et Scribe ainsi que depuis la place Charles-Garnier.


title: Opéra Garnier

text: L'entrée est indiquée par une suite de colonnes de marbre vert dont deux sont surmontées d'un grand aigle impérial en bronze, symbole miraculeusement préservé après le Second Empire. L'entrée était destinée au seul et à ses proches. La double rampe devait leur assurer une circulation sécurisée et abritée des intempéries en permettant aux voitures de s'arrêter à l'intérieur même du pavillon de l'Empereur. Les critiques sont particulièrement acerbes au sujet de la forme et de la disposition de cet accès depuis la future place Charles-Garnier. On juge que l'architecte fait là œuvre de courtisan et non plus de concepteur rigoureux, il a néanmoins respecté le cahier des charges qui lui avait été imposé. Pour ses détracteurs, le dessin de cette rampe contraste de manière trop brutale avec les autres composantes du plan général. L'ouvrage constitue une entorse à la rigueur de la composition et au bon goût le plus élémentaire.


title: Opéra Garnier

text: En raison des événements de 1870, cette partie flanquant la façade ouest de l'Opéra ne fut jamais achevée : encore à ce jour, plusieurs pierres d'appareillage non épannelées témoignent de la brusque interruption du chantier. Prévu pour que et sa suite puissent pénétrer directement au sein de l'édifice et limiter ainsi les risques d'agression, le pavillon de l'Empereur communique directement avec une loge d'avant-scène du côté jardin. Ce sont finalement les présidents de la République qui ont l'usage de cette distribution ingénieuse assurant sécurité et discrétion. Cet élément de la composition est aussi dénommé « pavillon du Chef de l'État ». À la mort de l'architecte Garnier, en 1898, il est décidé d'ériger un petit monument en son souvenir et à sa gloire, qui est inauguré durant l'. On l'installe au pied de la rotonde de l'Empereur et en retrait des grilles qui en protègent l'accès. On peut ainsi découvrir un buste représentant Charles Garnier accompagné, de chaque côté, d'un personnage féminin en pied réalisé également en bronze doré. Cet ensemble sculpté est posé sur un socle de pierre supportant un grand cartouche de métal rectangulaire dont la ciselure représente, en creux et dorée à la feuille, le plan du niveau principal de l'opéra.


title: Opéra Garnier

text: Cette élévation est visible depuis les rues Halévy et Gluck ainsi que depuis la place Jacques Rouché.


title: Opéra Garnier

text: L'entrée est précédée, comme celle située à l'ouest, d'une suite de colonnes de marbre vert. Seules, plusieurs figures féminines en pied, porte-torchères en bronze, marquent la différence avec l'accès opposé.


title: Opéra Garnier

text: Formant le pendant du pavillon de l'Empereur, le pavillon des abonnés est ouvert par sept arcades en plein cintre donnant accès à la descente à couvert, vaste rotonde couverte d'une coupole de de diamètre. Deux paires d'obélisques marquent les entrées de la rotonde au nord et au sud. Ce volume avait été conçu à l'origine pour permettre un accès privilégié aux voitures attelées de la clientèle abonnée qui louait des loges à l'année, assurant une part très importante et régulière du financement de l'Opéra (il y avait par exemple des abonnés à deux ou trois soirs par semaine). Ce rez-de-chaussée conduisait directement à la rotonde des abonnés, et quelques autres locaux leur étant réservés. Ils pouvaient ensuite passer devant le Bassin de la Pythie pour rejoindre l'escalier d'honneur, comme le reste du public. Garnier avait envisagé l'installation d'un restaurant à l'étage dans la rotonde du Glacier, mais pour des raisons budgétaires seul un buffet fut aménagé. En 1973 puis en 1992, deux autres projets furent envisagés dans la rotonde des abonnés et la descente à couvert, mais restèrent sans suite. En 2007, le directeur Gérard Mortier entreprend l'installation d'un restaurant au niveau de la « descente à couvert » qui ne servait plus alors que de lieu de stockage pour les travaux de restauration sur le bâtiment. C'est donc le quatrième projet de restaurant, L'Opéra Restaurant, qui voit le jour le à l'issue de cinq années de travail. Ce projet ultra-moderne conçu par l'architecte Odile Decq, a reçu l'avis favorable de la Commission nationale des monuments historiques le . À l'ouverture en juin 2011, la carte avait été composée par Christophe Aribert. Une autre cuisine est apparue en janvier 2016 avec Chihiro Yamazaki.


title: Opéra Garnier

text: Une cour pavée, ceinte d'un mur circulaire, intègre un portail monumental au tympan sculpté, ainsi que deux autres portails et deux portes secondaires réalisés en ferronnerie. Les entrées de service se trouvent à l'arrière du bâtiment. L'ensemble imposant, du côté nord, est constitué de parties aux formes et reliefs divers ainsi que deux autres parties, à l'est et l'ouest, s'articulant en retour sur les côtés de la cage de scène et jusqu'aux deux pavillons latéraux. Cette partie de l'édifice, nommée l'Administration, abrite les bureaux, les loges des artistes, des magasins utilitaires, des ateliers étagés sur huit niveaux.


title: Opéra Garnier

text: Cette façade d'un style classique sobre est moins décorée que la spectaculaire façade principale mais l'architecte a dirigé l'ornementation sur les toits des cinq blocs dont les deux avant-corps, orientés au nord, qui présentent, symétriquement, une vingtaine de souches de cheminées (totalisant de fumée) ornementées d'étranges masques allégoriques autrefois surmontés de couronnements en fonte cuivrée (disparus vers 1930). Le fronton de la cage de scène comporte un membre principal : une grande arcade (de même dimension que le cadre de scène) qui est surplombée en clef par une des plus grandes sculptures ornementales du palais, un buste de Minerve haut de cinq mètres, bordé de palmes, qui surmonte une grande baie bordée de piédroits ornés des masques de la comédie et de la tragédie. Cette façade nord comprend une rangée d'œils-de-bœuf grillés en fonte cuivrée ou revêtus d'un décor de lyres en mosaïque, au-dessus d'une série de barbacanes qui sont au niveau des troisième et quatrième passerelles de service dans les cintres. L'arrière-corps central comprend, jusqu'au septième niveau : les locaux étagés de la salle de répétition des chœurs, la loge des figurants hommes (autrefois nommés comparses), le Foyer de la danse, le magasin à deux niveaux dit le "central-costumes" (les menuiseries d'origine, en pitchpin, font l'objet d'un classement protégé) bordé d'ateliers pour les couturières et les tailleurs. Deux cours intérieures sont perpendiculaires au mur arrière de la scène. Dans la cour d'entrée, la haute porte des décors ouvre vers un monte-charge d'une capacité de onze tonnes pouvant recevoir des décors longs de douze mètres, livrés au quatrième niveau, à l'étage de la scène.


title: Opéra Garnier

text: Le grand dôme central est couvert de cuivre qui, une fois oxydé, prend une couleur verte. Autrefois, les dômes des deux pavillons étaient également couverts de même, aujourd'hui ils sont en zinc, comme les autres toits de l'édifice. Certaines décorations des dômes couvrant les deux pavillons latéraux sont en plomb. La lanterne du grand dôme est en cuivre repoussé, doré. Garnier avait projeté de dorer les cotes et nervures de ces trois dômes mais cette proposition déjà en cours a été abandonnée à la reprise du chantier en 1870.


title: Opéra Garnier

text: La façade est surmontée par les "Renommées", deux groupes réalisés par Charles Gumery, "l'Harmonie" (à gauche) et "La Poésie" (à droite). Ces statues d'une hauteur de , ont été restaurées et leur structure interne, en fer, a été remplacée par de l'inox. Leur dorure d'origine avait été réalisée par galvanoplastie dans les ateliers de l'entreprise d'orfèvrerie Christofle. L'entablement de l'attique est couronné d'une frise en fonte peinte avec un vernis doré, une suite de masques alternés de guirlandes, œuvre du sculpteur Jean-Baptiste-Jules Klagmann. Le fronton de la cage de scène est orné de deux acrotères (est et ouest) identiques, "La Renommée retenant Pégase" (par Eugène-Louis Lequesne), cependant que le sommet reçoit l'ensemble formé par "Apollon couronnant la Poésie et la Musique", d'Aimé Millet. Ce groupe, haut de et d'un poids de treize tonnes, fait office de paratonnerre ; il est en bronze naturel, seule la lyre étant dorée ; il a été sculpté directement sur le chantier par Millet, puis réalisé en six mois en 1869 par l'atelier Denière, et enfin assemblé en deux mois au sommet de l'Opéra en 1870.


title: Opéra Garnier

text: L'extérieur de l'opéra est entouré par soixante luminaires variés,  qui fonctionnèrent au gaz jusqu'en 1954. L'ensemble comprend : les lampadaires, les cariatides (du jour et de la nuit, selon leur position sur les façades latérales est et ouest, sculptées par Louis-Félix Chabaud), les candélabres, les colonnes pyramidales en marbre fleur de pêcher, les colonnes rostrales et les colonnes impériales en marbre bleu turquin. Certains luminaires n'avaient pas pu être réalisés en bronze, comme le souhaitait Charles Garnier, c'est donc simplement une fonte cuivrée qui en constitue la matière.


title: Opéra Garnier

text: Depuis 1990, certains éléments ont été étayés en raison des fortes vibrations provenant du sous-sol (métro) et de la circulation automobile, puis des socles de pierre ont été changés et des balustrades endommagées ont été entièrement restaurées à l'identique, tout comme les colonnes impériales (dont le marbre provient d'une carrière italienne rouverte pour l'occasion). Cette restauration a été financée par un large mécénat organisé par l'AROP  et célébrée le .


title: Opéra Garnier

text: Les emmarchements et la galerie de l'entrée principale mènent les spectateurs à un premier vestibule voûté en berceau. Quatre sculptures en pierre de grandes dimensions attirent immédiatement le regard. À l'effigie de grands compositeurs des , elles représentent à échelle plus grande que nature et, de gauche à droite, Rameau, Lully, Gluck et Haendel en position assise (chacun représentant la musique d'un pays : France, Italie, Allemagne et Grande-Bretagne). L'endroit assure la billetterie pour le public n'appartenant pas au cercle des abonnés. Les guichets, encadrés de pilastres et de colonnes engagées à dosseret et surmontés chacun d'un fronton sculpté, ont été dessinés par Garnier en personne. Le vestibule abrite également une petite boutique, de fabrication récente, à la fois librairie et lieu de vente de souvenirs.


title: Opéra Garnier

text: Cette galerie intérieure conduit ensuite, après avoir franchi quelques marches, au vestibule du Contrôle puis au grand escalier.


title: Opéra Garnier

text: Espace-tampon entre le grand vestibule et l'escalier d'honneur et séparé d'eux grâce à de larges degrés comprenant seulement quelques marches, il permet le filtrage des entrées avant que les spectateurs, munis de leurs billets, ne puissent accéder à la grande salle et à la représentation.


title: Opéra Garnier

text: Dans le jargon des théâtres, le ou les guichets et comptoirs de ce vestibule se nomment "boîtes à sel" car c'est là qu'on trouvait les flacons de sel à respirer pour ranimer les spectatrices qui s'évanouissaient. Ces "sels de pâmoison" étaient volatils et constitués principalement de carbonate d'ammonium et autres vinaigres. L'habillement féminin avec les corsets en usage au est une des raisons de cet usage dans les lieux publics.


title: Opéra Garnier

text: Le nom de Charles Garnier est caché dans l'ornementation au plafond du vestibule circulaire. Charles Garnier a signé son œuvre dans le médaillon central de la voûte formant le plafond de cette salle sous forme d'arabesques où l'on parvient à lire : .  Au même niveau, au pied du Grand Escalier, on trouve le bassin ou fontaine de La Pythie où un jet d'eau formait, autrefois, un voile brumeux au travers duquel on apercevait la statue de la Pythie, oracle du temple d'Apollon, une œuvre sculptée par « Marcello », nom d'artiste d'Adèle d'Affry, duchesse de Castiglione-Colonna. S'y dressent aussi des cariatides en marbre polychrome dues au ciseau de Jules Thomas.


title: Opéra Garnier

text: D'autres espaces destinés à l'agrément du public précèdent ou accompagnent les foyers, telle la « rotonde du Glacier » placée à l'extrémité de la galerie du bar. Au début du , une sonnette, installée dans toutes les loges de la salle de spectacle, permettait de s'y faire servir directement les boissons commandées. Lieu de distribution de rafraîchissements, il se caractérise par sa luminosité et son plafond peint par Georges Jules-Victor Clairin, une ronde de bacchanales et de faunes. Tout autour est disposée, entre les fenêtres, une série de huit tapisseries d'après des cartons peints par Alexis Joseph Mazerolle. Ces œuvres représentent les diverses boissons que l'on peut commander : « le champagne », « le café », « le thé », « l'orangeade » et autres breuvages, mais aussi « la pêche » et « la chasse ». Achevée bien après l'ouverture de l'Opéra, la rotonde s'approche du style propre à la « Belle Époque » ou aux « années 1900 ».


title: Opéra Garnier

text: Lieux de déambulation et de rencontre entre les spectateurs avant chaque représentation ou au moment des entractes, les foyers sont vastes et la riche décoration ne laisse pas le moindre centimètre carré inutilisé. La mosaïque est omniprésente, notamment dans l'avant-foyer (ou « foyer des Mosaïques »), espace de transition entre le vide du grand escalier et le grand foyer. La voûte en berceau de l'avant-foyer est couverte de tesselles à la mise en œuvre délicate et aux couleurs éclatantes, le tout placé sur un fond doré à la feuille. Une vue plongeante sur le grand escalier agrémente les lieux.


title: Opéra Garnier

text: La conception du grand foyer s'inspire des dispositions et de l'inspiration décorative des galeries des châteaux de la Renaissance française du (château de Fontainebleau) et du (galerie d'Apollon au Louvre, galerie des Glaces à Versailles). Un savant jeu de miroirs et de baies ouvrant sur les rues et façades environnantes vient encore accentuer ses vastes dimensions. Cet endroit est pensé, à l'origine, comme un point de rencontre des spectateurs toutes catégories sociales confondues.