text: En sus conciertos para piano, Mozart exhibe una enorme habilidad técnica y un dominio completo de los recursos que ofrece la orquesta, creando un amplio abanico de afectos y emociones. Sus conciertos presentan, en líneas generales, un carácter improvisatorio y virtuosístico, sobre todo en los primeros movimientos, que explotan todas las posibilidades técnicas del piano de la época. En la actualidad, se considera que los conciertos para piano de Mozart constituyen la cumbre del concierto clásico y son los más influyentes para la posterioridad. Tres de sus conciertos para piano (números 20, 21 y 23) se hallan entre las obras más grabadas y conocidas del repertorio clásico.


title: Conciertos para piano de Wolfgang Amadeus Mozart

text: La primera edición completa de los conciertos fue la de Richault de alrededor de 1850. Desde entonces las partituras y los autógrafos han resultado asequibles a través de las publicaciones de, entre otros, W. W. Norton, Eulenberg y Dover Publications.


text: En la historia los primeros conciertos para piano fueron escritos, entre otros, por Carl Philipp Emanuel Bach, Johann Christian Bach, Antonio Soler, Georg Christoph Wagenseil, Johann Schobert, Johann Baptist Vanhal y Joseph Haydn. Aún antes, en el "Concierto de Brandeburgo n.º 5" de Johann Sebastian Bach, la parte de teclado es la más prominente entre los instrumentos. Esas obras, con su alternancia de "tutti" orquestales y pasajes solistas virtuosísticos, deben su estructura a la tradición de las arias barrocas, de los que los primeros movimientos de los conciertos para piano de Mozart heredaron sus básicas estructuras ritornélicas. Una estructura similar puede observarse en los conciertos para violín de Antonio Vivaldi, quien estableció la forma, a lo largo del armazón en tres movimientos del concierto; o en Viotti, quien dividía el concierto en seis secciones.


text: Mozart dio importancia a sus conciertos para piano, algunos fueron concebidos para ser interpretados por él mismo en Viena entre 1784 y 1786. Cabe hacer alusión a que el padre del compositor le hizo escribir un «concierto para clavecín» a los cuatro años de edad, pocos meses después de haber iniciado sus estudios de composición. Según Philip Radcliffe, el concierto clásico es quizá el género más próximo a la ópera; por tanto, no es de extrañar que Mozart, uno de los pocos grandes compositores que sintió una gran atracción tanto por la ópera como por la música instrumental, encontrara en el concierto una forma particularmente agradable.


text: Los conciertos para piano y orquesta de Mozart fueron estudiados por Donald Francis Tovey en sus "Essays in musical analysis" (1903), y más tarde, se abordaron como tema principal en los libros de Cuthbert Girdlestone y Arthur Hutchings de 1940 y 1948, respectivamente. Hans Tischler publicó un análisis estructural y temático de los conciertos en 1966, así como Charles Rosen, y Leeson y Robert Levin. En los últimos años, dos de los conciertos (concretamente los números 20 y 21) han sido por primera vez analizados en profundidad en una publicación elaborada por David Grayson y que forma parte de las colecciones del "Cambridge Music Handbook".


text: Los primeros conciertos para piano de Mozart, números 1–4 (KV 37, 39, 40 y 41) fueron arreglos orquestales y para teclado de movimientos de sonatas de otros compositores, y no obras originales. El reconocimiento de este hecho llevó a considerar la numeración de los conciertos como incorrecta, por lo que en algunos libros recientes (por ejemplo, en los de Girdlestone) se hace referencia a los conciertos con numeraciones cuatro unidades más reducidas que sus cifras conocidas y familiares usadas en la actualidad.


text: Mozart también escribió tres arreglos de sonatas para piano de Johann Christian Bach (op 5. n.º 2, en "re" mayor; op. 5. n.º 3, en "sol" mayor y op. 5. n.º 4, en "mi" bemol mayor, todas compuestas en 1766), catalogadas como KV 107/1, KV 107/2 y KV 107/3 respectivamente. Estas obras fueron escritas entre 1771 y 1772, fechas que se han podido obtener basándose en el análisis de la caligrafía de los autógrafos.


text: El primer concierto original de Mozart, en el que introduce nuevo material temático en la primera sección del piano solo, es el n.º 6, KV 238, en "si" bemol mayor que data de 1776. Fue su primer inicio real en el género, y gozó de gran popularidad durante mucho tiempo.


text: Los dos siguientes, números 7 y 8 (KV 242 y KV 246) no son generalmente considerados como obras en las que se produjera un gran avance, a pesar de que el n.º 7, el concierto para tres pianos, sea muy conocido en la actualidad. Sin embargo, nueve meses después de haber escrito el n.º 8, Mozart produjo una de sus primeras obras maestras, el "Concierto «Jeunehomme»", n.º 9, KV 271. Esta obra ofrece un avance decisivo en la organización del primer movimiento; además, presenta ciertos rasgos atípicos, tales como la interrupción dramática del inicio orquestal por parte del piano tan solo después de un compás y medio. El último concierto que escribió Mozart en Salzburgo fue el célebre concierto n.º 10 para dos pianos, KV 365: la presencia del segundo piano altera la estructura "normal" de la interacción piano-orquesta.


text: Finalmente, a esta primera etapa pertenece un fragmento de un concierto para violín y piano, KV A056/315f, iniciado por Mozart en Mannheim en noviembre de 1778 para ser interpretado por sí mismo (piano) y por el violinista Ignaz Fränzl. El proyecto se abandonó cuando el príncipe elector Carlos Teodoro de Baviera trasladó la corte y la orquesta (de la que formaba parte Fränzl) a Múnich.


text: Tras su ruptura definitiva en 1781 con el Príncipe-arzobispo de Salzburgo, Hieronymus von Colloredo, Mozart se estableció en Viena como músico por cuenta propia. Los diecisiete conciertos escritos en esta etapa vienesa ocupan un lugar central en la producción mozartiana. Los compuso en primera instancia como repertorio de sus propios conciertos públicos y procuró que agradasen a toda una multiplicidad de oyentes. Cada uno de los conciertos de Viena es una obra maestra individual; todos juntos evidencian al mejor Mozart.


text: Aproximadamente dieciocho meses después de que llegase a Viena, en el otoño de 1782, Mozart escribió una serie de tres conciertos destinados a ser interpretados por él mismo en sus conciertos por subscripción. Escribió, sin embargo, en la primavera de ese año, un "rondo finale" de sustitución, KV 382, para el n.º 5, una obra que resultó ser muy popular (en octubre de 1782 completó otro rondó, en "la" mayor, KV 386, posiblemente destinado a ser un final alternativo para el KV 414, n.º 12). Este grupo de tres conciertos fue descrito por Mozart a su padre en una famosa carta:


text: Este pasaje apunta a un importante principio de los conciertos de Mozart: que éstos fueron diseñados para entretener al público y no solamente para satisfacer un impulso artístico.


text: Estos tres conciertos son bastante diferentes de cualquier otro concierto mozartiano: son obras relativamente íntimas, a pesar de la burlesca grandeza del último. El n.º 12, KV 414 en "la" mayor, el segundo de la serie, es particularmente sutil: es con frecuencia descrito como «tirolés», y guarda algún parecido con el concierto en "la" mayor, KV 488. El último de estos tres, n.º 13, KV 415, es quizá la obra más ambiciosa de la serie, que introduce el primer tema, de carácter militar, en un canon con un impresionante inicio orquestal: el último movimiento está considerado el mejor. Como el KV 414, es comparado con un concierto posterior en la misma tonalidad, el n.º 21, KV 467.


text: El siguiente concierto, el KV 449 en "mi" bemol mayor, es un nexo de unión con un periodo de gran creatividad que nunca ha sido sobrepasado en la producción de conciertos para piano. Desde febrero de 1784 hasta marzo de 1786, Mozart escribió no menos de once obras maestras, y en diciembre de 1786 prosiguió con el n.º 25 (KV 503). El avance en técnica y estructura desde los primeros ejemplos de Viena está marcado desde el primero de los conciertos de su serie más madura. Escrito para ser interpretado por su discípula Barbara Ployer, el concierto (KV 449) es la primera obra instrumental de Mozart que muestra la profunda influencia de su escritura operística. El n.º 15, KV 450, el siguiente, muestra una vuelta a un temprano estilo galante. Por su parte, el n.º 16, KV 451 es una obra no muy conocida, y con respecto a ella existe diversidad de opiniones entre algunos investigadores actuales: por ejemplo, a Arthur Hutchings parece no haberle agradado particularmente, aunque Girdlestone la valora muy positivamente. El primer movimiento es ampliamente «sinfónico» en estructura y marca un paso más allá en las interacciones entre el piano y la orquesta. Sorprendentemente, Mozart anota que lo completó únicamente en una semana después que el previo, KV 450.


text: Los tres conciertos siguientes, el n.º 17, KV 453, el n.º 18, KV 456 y el n.º 19, KV 459, pueden ser considerados como integrantes de un mismo grupo, puesto que todos ellos comparten ciertos rasgos, tales como el mismo ritmo en el inicio (escuchado también en el KV 415 y en el KV 451). El KV 453 fue escrito para Barbara Ployer, y es célebre en particular por su último movimiento, aunque es en general una gran obra. Del siguiente concierto, en "si" bemol mayor, KV 456, se pensó durante largo tiempo que había sido escrito para ser interpretado en París por la pianista ciega Maria Theresia von Paradis. Se trata de una obra breve, con un delicado movimiento lento. Finalmente, el KV 459, n.º 19, es una composición de carácter alegre, con un excitante final. La producción concertística del año 1785 se caracteriza por el contraste entre el n.º 20 en re menor, KV 466 y el n.º 21 en do mayor, KV 467, de nuevo, sorprendentemente, escritos en el mismo mes (véase una imagen de una página manuscrita de este último en el margen izquierdo). Estas dos obras, una, el primer concierto escrito enteramente en modo menor de Mozart, una composición oscura y tempestuosa, y el otro, de carácter optimista, se encuentran entre las obras más populares que Mozart produjo. El último concierto del año, el n.º 22 en mi bemol mayor, KV 482, es algo menos popular, probablemente porque carece de los llamativos temas de los dos primeros. Mozart no escribió cadenzas para estos conciertos.


text: Mozart se las arregló para escribir dos piezas más en el mes de marzo de 1786. En primer lugar, el n.º 23 en la mayor, KV 488, uno de los más populares de sus conciertos, que se caracteriza por su conmovedor movimiento lento en fa sostenido menor, la única obra que escribió en esta tonalidad. Fue seguido por el n.º 24, KV 491, que Hutchings considera su esfuerzo más sutil: se trata de una obra oscura y apasionante, hecha más sorprendente por su restricción clásica, y el movimiento final, un conjunto de variaciones, es comúnmente considerado como «sublime». La última obra del año, el n.º 25, KV 503, es uno de los conciertos clásicos más extensos, rivalizando con el "Concierto para piano n.º 5" de Ludwig van Beethoven. El KV 503 fue el último de las series regulares de conciertos que Mozart escribió para sus conciertos por suscripción.


text: La siguiente obra, el n.º 26, KV 537, el "Concierto «de la Coronación»", completado en febrero de 1788, se trata posiblemente de la revisión de un concierto más pequeño para orquesta de cámara. Esta composición ha sido objeto de críticas favorables y desfavorables y, a pesar de sus problemas estructurales, se trata de una obra popular. Dos fragmentos de los conciertos para piano, el KV 537a y el KV 537b, en "re" mayor y "re" menor respectivamente, fueron también probablemente iniciados en este mes, aunque quizá antes. Finalmente, el último concierto, el n.º 27, KV 595 fue la primera obra que escribió Mozart en su último año de vida: representa un retorno de Mozart al género. Su textura es escasa, íntima e incluso elegíaca.


text: En las obras de su periodo maduro, Mozart creó una única concepción del concierto para piano, que trataba de solucionar el difícil problema de cómo debe ser tratado el material temático por parte de la orquesta y el piano. Con la excepción de los sutiles conciertos n.º 9, KV 271 ("Concierto «Jeunehomme»") y n.º 12, KV 414 (el «pequeño "la" mayor»), todos sus mejores ejemplos son de sus conciertos de madurez.


text: La forma de los primeros movimientos de los conciertos para piano de Mozart ha generado mucha discusión. El análisis de los conciertos para piano de Mozart llevado a cabo por Tovey en sus "Essays in musical analysis" ha sido fuente de inspiración para muchos estudios posteriores. Empleando la terminología de Arthur Hutchings, constan de forma general de las siguientes secciones:Esta estructura es fácil de identificar al escuchar un concierto, particularmente porque los finales de la exposición y la recapitulación suelen estar marcados por la presencia de trinos.


text: Se ha intentado equiparar esta estructura con la forma sonata, pero con una doble exposición, por lo que:Sin embargo, aunque existan grandes correspondencias, esta simple equiparación no hace justicia con el esquema mozartiano. Por ejemplo, el concierto para piano puede perfectamente no incluir un segundo grupo bien definido de sujetos en el preludio; y en particular, no presenta una modulación definitiva a la dominante en esta sección, como sería de esperar en una forma sonata, incluso aunque Mozart se sintiese libre de cambiar el sentido de la tonalidad alrededor de ésta y de otras secciones. La razón para esto, como señala Tovey, es que el propósito del preludio es generar un sentido de expectación que conduzca hacia la entrada del piano; y esto podría venir de la propia música, y no solo del título que tuviese la página. Si se impusiese una forma sonata completa en el preludio, éste podría adoptar cierto carácter autónomo, por lo que cuando el piano entrase, no sería más que un hecho accidental en todo el conjunto de la estructura. Dicho de otra manera, en la forma sonata, el primer grupo de sujetos genera una expectación para el segundo grupo, con el que está vinculado; esto tendería a restarle atención e importancia a la entrada del piano —un efecto que, como observa Tovey, tan solo fue aprovechado por Beethoven. En cambio, en el concepto mozartiano, la entrada del piano es siempre un momento de gran importancia y varía considerablemente de un concierto a otro. La única excepción a esta regla es la dramática intervención del piano en el segundo compás del "Concierto «Jeunehomme»", que es, no obstante, lo suficientemente secundaria como para no perturbar la estructura general. El preludio, más que ser un «medio galope preliminar» de los temas del concierto, tiene el papel de introducir y familiarizar al espectador con el material que se usará en las secciones de "ritornello", de tal forma que experimente una sensación de regreso en cada una de ellas. Técnicamente, por lo tanto, las secciones de "ritornello" solo deben incluir temas presentados previamente en el preludio. En la práctica, sin embargo, Mozart se permite a sí mismo saltarse ocasionalmente esta norma. Por ejemplo, en el "Concierto para piano n.º 19", el primer "ritornello" introduce un nuevo tema, que, no obstante, juega un papel secundario, enlazando las reafirmaciones del primer tema.


text: El preludio es invariablemente rico en material temático, llegando a introducir hasta seis o más temas bien definidos. Sin embargo, podemos clasificar los conciertos en dos grandes grupos, según el tipo de temas que posean:


text: Además del material temático del "ritornello", casi todos los conciertos maduros de Mozart introducen nuevo material temático en la exposición del piano, con las excepciones del KV 488 en "la" mayor y el KV 537. Hutchings los reconoce etiquetando los temas del "ritornello" con las letras mayúsculas por orden alfabético (A, B, C...) y los temas de la exposición con caracteres en minúscula (x, y...). La mayoría de ellos son introducidos en primer lugar por el piano; pero en ocasiones (por ejemplo, el tema 'y' del "Concierto para piano n.º 19") la orquesta juega este papel. A veces, la exposición comienza con uno de esos nuevos temas (en los conciertos para piano números 9, 20, 22, 24 y 25), pero la exposición puede también empezar restableciendo uno de los temas del preludio.


text: Aparte de los temas del preludio y de la exposición, la exposición contiene habitualmente varias secciones libres en las que se luce el piano; pero, al contrario de la concepción popular del concierto para piano, y de su desarrollo durante el siglo XIX, estas secciones no son simplemente exhibiciones vacías, sino breves pasajes que encajan en el esquema general.


text: Las secciones centrales, como ocurre en muchas producciones sinfónicas de Mozart, son normalmente breves, y rara vez contienen el tipo de desarrollo asociado, en particular, a Beethoven. En otras palabras, Mozart normalmente genera sus secciones barajando, condensando y modulando material temático, pero no tomando un tema simple y desarrollándolo realmente en nuevas posibilidades. No obstante, como en el caso de todas las generalizaciones que conciernen a los conciertos para piano, esto puede ser exagerado: así, la sección central del n.º 25, por ejemplo, puede ser descrita como un auténtico desarrollo; en otros conciertos, como el n.º 16, no se hace tal cosa.


text: Los temas de Mozart se emplean con astucia, por lo que encajan juntos de varias maneras. A pesar de los avances formales en el preludio, los temas fueron usados a veces posteriormente en diferentes órdenes, por lo que el esquema de un preludio ABCDE podía más tarde convertirse en ABADA o similar. Algunos de los materiales de "ritornello" del preludio podían no aparecer nunca más, o solo al final. Por ejemplo, en el "Concierto para piano n.º 19" en "fa" mayor, el tema C no aparece de nuevo, mientras que el E y el F solo aparecen para finalizar el movimiento. Esta flexibilidad es de particular importancia en la recapitulación que, aunque comienza con el habitual restablecimiento de un tema del preludio, no es una simple repetición del mismo. Más bien los condensa y varía de tal manera que al oyente no le resulte monótono por reproducción. El genio de los movimientos maduros de Mozart, por tanto, estriba en el hecho de que sea capaz de manipular una masa de material temático sin comprometer la concepción de la tonalidad; y el oyente, más que tener la impresión de que el compositor esté "jugueteando" con todos los temas, siente que Mozart verdaderamente usa «el arte para ocultar al arte».


text: Otro aspecto de gran importancia es la interacción entre el piano y la orquesta. En los primeros conciertos, como el n.º 13 en "do" mayor, así como en sus conciertos para dos y tres pianos, la interacción entre ambos es muy reducida, pero los conciertos posteriores desarrollan las delicadas relaciones entre ellos en un alto grado; por ejemplo, en el n.º 16, KV 451. Sus últimos conciertos se podrían describir verdaderamente como conciertos para "piano y orquesta", en lugar de los conciertos "para piano" del siglo XIX (por ejemplo, los de Edvard Grieg, etc.).


text: Debido a que Mozart estaba desarrollando la forma de sus conciertos mientras que los escribía, sin seguir ninguna "regla" preconcebida (aparte, presumiblemente, de su propio juicio del gusto), muchos de los conciertos contravienen una u otra de las antedichas generalizaciones. Por ejemplo, el KV 488 en "la" mayor carece de nuevo material en la exposición, y simplemente repite el material del preludio; es más, fusiona el primer "ritornello" y la sección central, como hace el KV 449 en "mi" bemol mayor. En varios de sus últimos conciertos no duda en introducir nuevo material en las supuestas secciones del "ritornello", como en el KV 459, el KV 488 y el KV 491, o, en las secciones centrales (KV 453, KV 459, KV 488).


text: Los segundos movimientos de Mozart son variados, pero en general podemos clasificarlos en varias categorías. La mayor parte de ellos están marcados como "Andante", pero al menos en el caso del concierto en "la" mayor (KV 488), Mozart marcó el segundo movimiento como "Adagio", presumiblemente para hacer hincapié en su naturaleza conmovedora. En cambio, el movimiento lento del alegre concierto n.º 19 en "fa" mayor está marcado como "Allegretto", en conformidad con el carácter de todo el concierto. Hutchings ofrece la siguiente lista de tipos de movimiento (ligeramente modificada):


text: KV 175: Forma sonata KV 238: Aria-sonata KV 242: Forma sonata KV 246: Aria KV 271: Aria KV 365: Diálogo binario KV 413: Aria estrófica binaria KV 414: Aria estrófica binaria KV 415: Forma ternaria con coda KV 449: Forma ternaria con coda KV 450: Variaciones con coda KV 451: Rondó KV 453: Aria KV 456: Variaciones KV 459: Forma sonata (pero sin desarrollo) KV 466: Romanza KV 467: Irregular KV 482: Variaciones KV 488: Forma sonata KV 491: Romanza KV 503: Forma sonata sin desarrollo KV 537: Romanza KV 595: Romanza


text: Cuthbert Girdlestone considera que los movimientos lentos de los conciertos para piano de Mozart se clasifican en cinco grupos fundamentales: «galantes», «románticos», «de ensueño», «meditativos» y «menores».


text: Los terceros movimientos de Mozart se encuentran generalmente en la forma de un rondó, estructura ligera y habitual en la época. Sin embargo, dos de sus más importantes finales, el del KV 453, y el del KV 491, están en forma de variaciones, y ambos movimientos están considerados como dos de sus mejores. Además, otros tres conciertos, el KV 450, KV 451 y KV 467 pueden ser considerados como forma rondó-sonata, con el segundo tema modulando a la dominante (si el movimiento está en modo mayor) o al relativo mayor (si está en modo menor).


text: No obstante, la simple estructura estribillo-episodio-estribillo-episodio-estribillo de un rondó no escapa a la atención de Mozart. La dificultad para Mozart con la típica estructura del rondó estriba en el hecho de que es estrófica por naturaleza; "id est", la estructura está dividida en series altamente diferenciadas y en distintas secciones. Sin embargo, tal estructura no se presta a crear una unidad general en el movimiento, por lo que Mozart intenta varias posibilidades para tratar de superar este problema. Por ejemplo, puede concebir complejos primeros temas (KV 595), darles tratamiento contrapuntístico (KV 459), o rítmico y variar el propio tema (KV 449). En general, los terceros movimientos de los concieros para piano de Mozart son tan variados como los primeros, y su relación con un rondó es tan estrecha que poseen una primera melodía (estribillo) que regresa.


text: La interpretación de los conciertos de Mozart se ha convertido en un tema de considerable interés en los últimos años, con varios aspectos a tener en cuenta, como el tamaño de la orquesta y su instrumentación, las cadenzas, el papel del solista y del continuo, y la improvisación de la parte para piano, que son objeto de debate en la actualidad.


text: Los conciertos de Mozart fueron interpretados en vida del compositor en gran variedad de arreglos, y sin lugar a dudas, la orquesta disponible variaría de un lugar a otro, condicionando indudablemente la interpretación. Las obras más profundas, como por ejemplo, el KV 413, el KV 414 o el KV 415, eran ideales para su ejecución en el salón de algún aristócrata amante de la música: el propio Mozart los anunciaba como de posible interpretación "a quattro", "id est", con un cuarteto de cuerda acompañando al piano.


text: En lugares más grandes, como salas o teatros (o incluso, al aire libre), se podían emplear plantillas orquestales más amplias, lo cual era un requisito para los conciertos con una instrumentación más rica, como el KV 503. En particular, los conciertos posteriores poseen una sección de viento-metal que está absolutamente integrada en la música. Un anuario del año 1782 del Burgtheater de Viena, sugiere que, para el teatro, había treinta y cinco miembros de la orquesta; por ejemplo, seis primeros y seis segundos violines; cuatro violas, tres violonchelos, tres contrabajos, pares de flautas, clarinetes, oboes y fagotes, trompas y trompetas, y timbales.


text: Todo los conciertos maduros de Mozart estaban escritos para piano y no para clavecín. Su primeros esfuerzos en el género desde mediados de 1760 eran presumiblemente para clavecín, pero Nathan Broder mostró en 1941 que el propio Mozart no usó el clavecín en ningún concierto desde el n.º 12 (KV 414) en adelante. Aunque los primeros pianos vieneses eran por lo general instrumentos más bien inferiores, los fortepianos fabricados por el amigo de Mozart, Johann Andreas Stein y Anton Walter, instrumentos muy admirados por el compositor, eran mucho más adecuados para los propósitos de Mozart. Por supuesto, los fortepianos de la época eran instrumentos mucho más silenciosos que los modernos pianos de gran cola, por lo que el equilibrio entre la orquesta y el solista resulta difícilmente reproducible en los instrumentos actuales, especialmente cuando se emplean orquestas pequeñas. El incremento del interés en la "interpretación auténtica" en las últimas décadas ha reavivado, no obstante, el uso del fortepiano, existiendo actualmente algunas grabaciones con una reconstrucción aproximada del sonido que el propio Mozart pudo haber esperado.


text: Parece probable, aunque no sea absolutamente seguro, que el piano pudo haber conservado su antiguo papel de bajo continuo en los "tutti" orquestales de los conciertos, y posiblemente, también en otras piezas mozartianas. Que esta fuera la intención de Mozart se seduce de varias líneas de evidencia:Por otra parte, esta visión no está completamente aceptada. Charles Rosen, por ejemplo, opina que la característica principal del concierto para piano es el contraste entre el solo, acompañado, y las secciones de "tutti"; y este drama psicológico podría haberse arruinado si el piano tocase eficazmente todo el tiempo, aunque discretamente. Como apoyo a esta cuestión, Rosen argumenta que el bajo continuo publicado en el n.º 13 (KV 415) fue un error que no se debe a Mozart; que la figuración presente en el n.º 8 (KV 246) había sido ideada por Mozart para orquestas con una plantilla muy reducida (es decir, instrumentos de cuerda sin vientos), y que la instrucción "CoB" era para propósitos de entrada. En cambio, otros estudiosos, entre los que cabe mencionar a Robert D. Levin, han alegado que la auténtica forma en que estos conciertos eran interpretados por Mozart y sus contemporáneos podría haber sido incluso mucho más ornamentada que los acordes sugeridos en la figuración. Un lugar en el que es muy habitual incorporar el piano a la orquesta es en los últimos compases después de la "cadenza", donde la orquesta toca por sí sola hasta el final (excepto en el n.º 24, KV 491), pero en la práctica, los pianistas suelen acompañar a la orquesta.


text: Hasta donde llega la práctica actual, el asunto es complicado, debido a la amplia variedad que existe hoy en día en cuanto a instrumentación. Los primitivos fortepianos producían un sonido más "orquestal", que se acoplaba sin problemas en el fondo de la orquesta, por lo que una discreta parte de continuo podía haber fortalecido la producción sonora de la orquesta sin que se viese perjudicada la estructura ritornélica propia de los conciertos para piano de Mozart. Además, lo corriente en las interpretaciones de la época era que el solista dirigiese además la orquesta, que Mozart seguramente haría, por lo que añadir el continuo podría haber ayudado a mantener la cohesión entre los integrantes de la orquesta. Finalmente, cabría señalar que la inmensa mayoría de las interpretaciones de los conciertos para piano de Mozart se hacen actualmente en vivo, más que en estudios de grabación, en los que se trata de favorecer el sonido del piano ("id est", la perfecta combinación sonora de piano y orquesta es más difícil de lograr en el estudio que en la sala de conciertos); de ahí que la interpretación de la parte de continuo por parte del solista en grabaciones pueda resultar demasiado intrusiva y obvia para muchos gustos.


text: No obstante, la interpretación del continuo ha ido recuperándose tímidamente en las grabaciones modernas con fortepiano. Esta iniciativa ha tenido cierto éxito en la mayoría de los casos o, al menos, no se detecta ningún tipo de intrusión.


text: La fama de Mozart como improvisador (véase sección siguiente) ha llevado a muchos investigadores a pensar que las cadenzas y "Eingänge" fueron en gran parte fruto de sus propias improvisaciones durante la interpretación de los conciertos. Sin embargo, contra esto puede argumentarse que las propias cadenzas de Mozart se conservan en la mayoría de los conciertos, y pudieron haber existido en otros.


text: Por otra parte, las cadenzas no se proporcionaban a los editores como parte del concierto, y sin duda podría esperarse que otros pianistas hubiesen proporcionado las suyas propias. De esta forma, la opinión está claramente dividida, con especialistas, entre ellos Arthur Hutchings, que exhortan al empleo de las cadenzas del propio Mozart cuando estas estén disponibles, y cuando no las haya, usar las que más se asemejen al estilo de Mozart, especialmente en lo que se refiere a la extensión (es decir, cadenzas breves). Los tipos de problemas que existen están ejemplificados en la cadenzas escritas por el joven Ludwig van Beethoven para el mozartiano "Concierto para piano n.º 20" en re menor, que no dispone de cadenzas del propio Mozart; Hutchings se queja de que, aunque estas cadenzas son la mejor opción disponible, el genio de Beethoven brilla en ellas y, en consecuencia, las convierte en una «pieza dentro de otra pieza» que tiende a distraer de la unidad de los movimientos como un todo.


text: En la actualidad, se conservan las cadenzas que el propio Mozart escribió para quince de sus conciertos, la mayoría de ellos pertenecientes a su etapa de madurez. Además de las que se incluyen en la lista siguiente, parece que existieron con toda probabilidad las cadenzas de los conciertos números 20 (KV 466) y 21 (KV 467), perdidas hoy en día.Quizá el aspecto más controvertido de los conciertos es el hecho de que Mozart (u otros intérpretes contemporános) pudieron haber embellecido la parte de piano sobre la marcha en el curso de una interpretación a partir de lo escrito en la partitura. La habilidad del propio Mozart para improvisar era célebre en su época, y en ocasiones llegó a tocar a partir de partes de piano muy esquematizadas en la partitura. Además, hay varias partes "vacías" en las partituras de los conciertos que han llevado a pensar que estaban destinadas a sugerir en el intérprete la improvisación de ornamentos en esos puntos, siendo el más destacado el final del segundo movimiento en "fa" "sostenido menor" del "Concierto para piano n.º 23" en "la" mayor, KV 488 (el final del primer sujeto del segundo movimiento del n.º 24 en do menor, KV 491, es otro ejemplo). El manuscrito evidencia el hecho de que tal ornamentación sugerida debió haber sido improvisada realmente (por ejemplo, una versión ornamentada del movimiento lento del n.º 23, aparentemente obra de su alumna aventajada Barbara Ployer).


text: En 1840, los hermanos Philipp Karl y Heinrich Anton Hoffmann publicaron pruebas de esto. Ambos habían escuchado una de las interpretaciones que Mozart había llevado a cabo de dos de sus conciertos, n.º 19 y n.º 26 (KV 459 y KV 537, respectivamente) en Fráncfort del Meno en 1790. Philip Karl afirmaba que Mozart interpretaba sus movimientos lentos «tiernamente y con buen gusto, unas veces de una forma y otras de otra, de acuerdo con la inspiración de su genio en cada momento», y publicó más tarde, en 1803, las versiones ornamentadas de los movimientos lentos de seis de los últimos conciertos de Mozart (KV 467, KV 482, KV 488, KV 491, KV 503 y KV 595).


text: El propio Mozart escribió a su hermana en 1784 admitiendo que se había perdido una parte del movimiento lento del KV 451, y un fragmento embellecido del pasaje en cuestión se halla en la actualidad en la Abadía de San Pedro de Salzburgo, presumiblemente la parte que él le había enviado a su hermana.


text: Mozart también escribió versiones ornamentadas de algunas de sus sonatas para piano, incluida la "Sonata Dürnitz", KV 284/205b; el movimiento lento de la KV 332/300k; y el movimiento lento de la KV 457. En todas esas obras, los ornamentos aparecen en las primeras ediciones publicadas bajo supervisión de Mozart, lo que sugiere que podrían representar ejemplos de ornamentación para que los siguiesen pianistas menos experimentados.


text: Así, la existencia de esos añadidos de la propia mano de Mozart, y de algunas otras versiones ornamentadas publicadas a principios del siglo XIX sugieren que lo que se esperaba de la interpretación de tales conciertos, especialmente de los movimientos breves, era la ornamentación de los mismos de acuerdo con el gusto y la habilidad del intérprete, por lo que las versiones escuchadas comúnmente en la actualidad no reflejan con total exactitud lo que experimentaban los oyentes de aquellas obras en su época.


text: El desarrollo por parte de Mozart del concierto para piano hizo que desembocase en una compleja forma que nunca llegó a ser superada: de los compositores posteriores (especialmente después de Beethoven, quien tomó nota del procedimieto mozartiano) solo Johannes Brahms puso atención realmente a su clasicismo, como expresó en la estructura formal de esas obras.


text: Su valor musical y su popularidad, naturalmente amplia, no se deben a su estructura formal, sino a su contenido musical. Los conciertos para piano de Mozart muestran pasajes de transición seguros, modulaciones, disonancias, acordes de sexta napolitana y retardos descendentes. Esta habilidad técnica, combinada con un dominio completo de sus recursos orquestales, en particular del los instrumentos de viento-madera en sus conciertos tardíos, le permitieron crear una enorme variedad de afectos, desde el carácter de ópera cómica del final del KV 453, hasta el estado de ensoñación del célebre "andante" del KV 467, o la majestuosa expansividad de su "Concierto n.º 25", KV 503. El propio Mozart dio gran importancia a los conciertos, algunos de los cuales guardó cuidadosamente. Por ejemplo, el n.º 23 fue publicado de forma póstuma, y la partitura fue guardada por su familia y un reducido círculo de amigos a los que pidió explícitamente que no la diesen a terceras personas.


text: Las cualidades de los conciertos para piano, aunque minusvaloradas durante algún tiempo (especialmente durante el siglo XIX), han vuelto a recobrar la estima del público en los últimos cincuenta años; y la larga relación de célebres compositores que han escrito cadenzas para los conciertos avala este hecho. Sin lugar a dudas, Beethoven se sintió impresionado por estos conciertos: su "Concierto para piano n.º 3" está inspirado claramente en el n.º 24 de Mozart; y su producción concertística al completo tiene como punto de partida las concepciones mozartianas.


text: A pesar de su renombre, los conciertos para piano de Mozart no carecen de detractores. Incluso entre los conciertos de su etapa de madurez compositiva, hay ejemplos de movimientos a los que se podría achacar que no están a la altura de su genio creativo. Esto se cumple en especial para algunos de los últimos movimientos, que pueden resultar demasiado ligeros como para equilibrar el contenido dramático de los otros dos movimientos; por ejemplo, el último movimiento del n.º 16. Girdlestone considera que hasta los movimientos más célebres, como el último movimiento del n.º 23, no resuelven satisfactoriamente los problemas estructurales inherentes a la forma rondó, y afirma que no fue hasta el último movimiento de la "Sinfonía «Júpiter»" cuando Mozart logró producir un último movimiento realmente grandioso.


text: De la misma manera, algunos movimientos lentos han sido considerados en ciertas ocasiones como repetitivos. Este el punto de vista de Hutchings acerca de las romanzas en general, y de la del n.º 20 en particular, una valoración que fue discutida posteriormente por Grayson.


text: En la actualidad, al menos tres de los conciertos para piano de Mozart (números 20, 21 y 23) se hallan entre las obras más grabadas y conocidas del repertorio clásico, y la salida al mercado de varias grabaciones de las conciertos completos, entre las que cabe destacar las de las casas Philips y Naxos, ha permitido que algunos de los conciertos menos conocidos hayan incrementado su popularidad.


text: Las partituras autógrafas de los conciertos de Mozart, en manos de su viuda tras la muerte del compositor, fueron puestas a disposición del editor Johann Anton André en 1799, y muchas de ellas pasaron a las colecciones de la Biblioteca Estatal de Prusia de Berlín en 1873. Otros autógrafos acabaron en manos del arqueólogo, filólogo y compositor alemán Otto Jahn, quien las adquirió en 1869. Una parte de la colección de André estuvo circulando por manos privadas durante mucho tiempo; hasta que en 1948 Hutchings recopiló los paraderos de los autógrafos, dos de ellos (las partituras de los números 6 y 21) estaban en posesión de la familia Wittgenstein en Viena, mientras que el n.º 5 pertenecía a F. A. Grassnick en Berlín y el n.º 26 era de D. N. Heinemann en Bruselas; el resto estaba esparcido por varios museos.


text: No obstante, en los últimos cincuenta años, todas las partituras autógrafas existentes han sido llevadas a distintas bibliotecas. La colección de autógrafos de la Biblioteca Estatal de Prusia fue evacuada en su totalidad durante la Segunda Guerra Mundial al frente oriental, donde se le perdió el rastro, dándosela por desaparecida hasta la década de 1970: para entonces, estas partituras reaparecieron en Polonia y, en la actualidad, se encuentran en la Biblioteca de la Universidad Jagellónica de Cracovia. Además, han salido a la luz varias copias usadas por Mozart y su familia.


text: La relación de localizaciones de los autógrafos confeccionada por Cliff Eisen en 1997 es:


title: Hiromi Yamakawa

text: En junio de 2008, Hiromi que debutó como actriz protagonizndo el drama "Kitamakura Dobutsuen e Yokoso" (北枕動物園へようこそ). Actuó más cuatro dramas ya durante el 2009.


title: Hiromi Yamakawa

text: Durante los años 2020 y 2021 fue miembro del elenco de "Absolute Youth Chorus Comedy SING!!!", durante su gira por Japón.


title: Acústico (álbum de La Quinta Estación)

text: Acústico es el primer álbum en vivo de la banda española La Quinta Estación, lanzado al mercado el 1 de noviembre del 2005. Contiene éxitos como “Perdición”, “Daría”, “El sol no regresa”, “Algo más” y “Niña”, en versiones acústicas grabadas en vivo. Se editó en dos presentaciones CD+DVD y DVD+CD, que contienen el concierto acústico, fotos exclusivas, biografía de la banda y los vídeos “El sol no regresa”, “Algo más”, “Daría”, y “Niña”. Con este álbum consiguieron el Disco de Platino en México por más de 100 000 copias vendidas y en Estados Unidos consiguieron el Disco de Oro (50 000 copias).


title: Proteraiótita

text: Proteraiótita (en griego "Προτεραιότητα", «Prioridad») es el primer disco de la artista griega Helena Paparizou, a la venta desde el 25 de agosto de 2004 editado por Sony Music Grecia. El primer sencillo del disco, Anapántites klíseis, fue puesto en venta como CD-sencillo antes del lanzamiento del álbum y alcanzó el número 1 en las listas griegas de sencillos.


title: Proteraiótita

text: El álbum fue reeditado dos veces en Grecia, y una vez de manera internacional con el título "My Number One". En total, hay cinco ediciones disponibles del disco. El álbum original tuvo un éxito moderado, sin embargo, tras la victoria de Helena en el Festival de la Canción de Eurovisión 2005, la versión del disco comercializada como "Euro Edition", alcanzó en número uno en las listas de ventas y fue certificado platino. El álbum fue certificado como doble disco de platino a principios de 2006, reconociendo únicamente a las ventas en Grecia de al menos 87.000 ejemplares.


title: Proteraiótita

text: "Proteraiótita" es el primer disco en solitario de Helena Paparizou tras la separación de Antique. Lanzado en agosto de 2004, del disco se extrajeron cinco sencillos: "Anapántites klíseis", "Trelí kardiá", "Katse kalá", "Antithéseis" y "Stin kardiá mou mono thlipsi", que fueron lanzados en radio y como CD-sencillo.


title: Proteraiótita

text: El 31 de marzo de 2005 se re-lanzó el álbum con el título "Protereotita: Euro-Edition". El disco incluye un CD extra que contiene 11 nuevas canciones donde se incluye "My Number One", canción con la que ganó el Festival de la Canción de Eurovisión 2005. "My Number One" fue el segundo sencillo de Helena Paparizou en llegar al número uno en las listas de éxitos de Grecia.


title: Proteraiótita

text: A finales de 2005, se reeditó el disco por tercera y última vez en Grecia y Chipre como "Protereotita: Euro-Edition + Mambo!". Esta edición incluye todas las canciones de "Protereotita: Euro Edition" y todas las canciones del CD-sencillo "Mambo!". "Protereotita" ha conseguido vender más de 100.000 copias, convirtiéndose en un gran éxito comercial para la cantante, teniendo en cuenta que el álbum fue lanzado solo en Grecia y Chipre.


title: Proteraiótita

text: El álbum también fue lanzado internacionalmente con el título "My Number One" en mayo de 2005. "My Number One" incluye la mayor parte de las canciones de "Protereotita: Euro-Edition", y fue lanzado en muchas partes de Europa, incluyendo a Suecia, Turquía, Suiza, Hungría, Finlandia, Eslovenia, Rusia, Dinamarca, Polonia, Países Bajos y España.Disco Uno: "Protereotita"


title: Proteraiótita

text: Disco Dos: "Euro Edition" Disco Uno: "Protereotita"


title: Proteraiótita

text: Disco Dos: "Euro Edition"


title: Proteraiótita

text: Disco Tres: "Mambo!"


title: Grupo de los 15

text: El Grupo de los 15 (G-15) nació en 1989 al término de la IX Conferencia de los países No Alineados realizada en Belgrado. Está integrado por 17 países en desarrollo.


title: Grupo de los 15

text: Los objetivos del G-15 son servir de foro de consultas, con miras a la coordinación de políticas y acciones principalmente en el ámbito económico y del desarrollo; posibilitar un diálogo Norte-Sur para abordar los desafíos del desarrollo de manera constructiva y de beneficio mutuo; e identificar y poner en práctica nuevos esquemas para la cooperación Sur-Sur. Se intentaba establecer un mecanismo del Sur que interactuara con el G-8.


title: Grupo de los 15

text: El órgano principal del Grupo es la Cumbre Anual de Jefe de Estado y/o Gobierno. En esta tiene lugar un intercambio de puntos de vista sobre temas políticos y económicos de la agenda mundial, al cabo del cual se adopta una Declaración Conjunta.


title: Grupo de los 15

text: El Grupo atraviesa por una crisis por no haber cumplido con los objetivos para los cuales fue creado, lo cual le ha hecho perder credibilidad. En los últimos años se incrementaron las críticas al interior del Grupo respecto a la eficacia y utilidad de un Foro en que sus integrantes sostienen posiciones muy difíciles de conciliar.


title: Grupo de los 15

text: El G-15 ha implementado 20 proyectos. Algunos, tuvieron interesantes perspectivas. Por ejemplo, la creación de un “Centro de Intercambio de Datos sobre Inversión, Comercio y Tecnología en el Sur (SITTDEC)” de 1992, coordinado por Malasia, o el de “Transferencia de Tecnología para el Desarrollo” de 1994 coordinado por Senegal. En el presente todos estos proyectos están paralizados por carencia de financiamiento, falta de seguimiento o no envío de información respecto de su ejecución.


title: Grupo de los 15

text: Los países miembros son los siguientes:


title: Braemar

text: Braemar es un pueblo de Aberdeenshire, Escocia, en Gran Bretaña, aproximadamente a unos 58 km al oeste de Aberdeen en las Tierras Altas escocesas. Es el asentamiento más importante situado en la parte superior del curso del río Dee, a una altitud de 339 msnm.


title: Braemar

text: En el gaélico escocés, el término ‘Bràigh Mhàrr’ concretamente se refiere al área superior de Marr, es decir, al oeste de Aboyne, y el pueblo en sí se llama Castleton de Braemar.


title: Braemar

text: Braemar es abordado desde el sur por la carretera A93 proveniente de Glen Clunie y continua al este hacia Cairnwell Pass hasta llegar a Deeside. Se puede llegar a Braemar a pie desde el Oeste a través de Glen Tilt, Glen Feshie, Glen Dee por Lairig Ghru), y Glen Derry por Lairig un Laoigh). Braemar esta a una hora y media de Aberdeen, Dundee, y Perth, Escocia.


title: Braemar

text: El pueblo puede verse desde el noroeste, desde el cerro Carn na Drochaide de 818 m de altura, y desde el noreste por el cerro Creag Choinnich (538 m), al suroeste está el cerro Sgliat Carn na de 690 msnm, y al sudoeste el Morrone, de 859 msnm.


title: Braemar

text: Braemar es el lugar que registra las temperaturas más bajas del Reino Unido, con una media de 6,5 °C. En Braemar se registró dos veces las temperaturas más bajas del Reino Unido, con -27,2 °C el 11 de febrero de 1895 y otra medición similar el 10 de enero de 1982.


title: Braemar

text: Históricamente, el pueblo siempre estuvo en el extremo superior del antiguo Condado de Marr o, literalmente "Braes o' Mar". En el dialecto escocés Gaélico,"Bràigh Mhàrr"(regiones de la montaña de Marr) se refiere a la región en general, más que al pueblo específicamente. El término “Braemar" comienza a referirse específicamente a la localidad alrededor del año 1870. Anteriormente, existían dos aldeas independientes a las orillas del Rio Clunie llamada "la Ribera Occidental", Auchendryne, y en la orilla este, estaba Castleton, nombre que se refiere al Castillo Kindrochit (dentro de la moderna aldea que existe hoy en día) en lugar del Castillo Braemar justo al sur de la villa. Los nombres de Auchendryne y Castleton están claramente marcados en los mapas actuales, debajo del gran poblado de "Braemar". Tradicionalmente, Malcolm III de Escocia llegó con su reina por primera vez a la zona en torno al año 1059, y según la leyenda, celebró una gran reunión en el primer asentamiento original de Doldencha, situado debajo del actual cementerio. También se le atribuye el haber construido un puente de madera a través del arroyo Clunie y el primer Castillo Kindrochit, ubicado estratégicamentre, este castillo sirvió posteriormente para las relaciones bilaterales con los pueblos al otro lado del Monte Grampian.  Las ruinas del Castillo Kindrochit al este del arroyo Clunie, río arriba del puente de Braemar, se considera, que gran parte son pertenecientes al siglo 14, y que sustituyeron la madera de la construcción original. El nombre Kindrochit significa “final del puente”. is the source of the name Castleton being "Bail Chasteil". El 6 de septiembre de 1715, John Erskine, VI conde de Mar, organizó la sublevación jacobita popular de Braemar, produciendo la sublevación Jacobita conocida como “La Rebelión”, contra Jorge I durante la ascensión al trono en Gran Bretaña. En 1795, se construyó en la parte alta, al oeste de Auchendryne, una iglesia católica que recibió el nombre de Capilla de Braewhich, que según Wyness, posteriormente funcionó como una escuela. A principios del siglo XX el pueblo estaba casi totalmente dividido en dos fincas colindantes. La de Mar Lodge Estate, con Auchendryne y el Castillo Invercauld por un lado, y Castleton en la otra parte. En cierta medida, debido a la rivalidad entre las dos propiedades llevó a la construcción de las armas del Hotel de Fife en Auchendryne, y los el edificio de armas Invercauld en Castleton. Curiosamente, el edificio Invercauld fue construido sobre el montículo donde John Erskine, 22avo Conde de Marr planteó el movimiento Jacobitista estándar en 1715. Auchindryne (para usar la pronunciación de Wyness) de"ACH "un droigismo que significa “campo de la espina”, era un predio que pertenecía a la familia Farquharsons hasta que lo remataran después de la sublevación jacobita de 1745. Más tarde ese mismo siglo fue adquirido por William Duff, 1er Conde de Fife. Tradicionalmente el catolicismo siempre ha tenido un papel importante en Braemar, inclusive los huesos de San Andrés descansaban en Braemar antes de ser llevado al lugar ahora conocido como St. Andrews, en julio de 2007. La Iglesia Católica de Braemar fue construida en 1839 como reconocimiento a San Andrés.


title: Braemar

text: En el censo de 1891, el 59,2 % de la población de Braemar hablaba el gaélico como lengua natural, aunque seguramente este porcentaje sería mayor ya que muchos pobladores evitaban usar este dialecto en esa época. El municipio de Inverey ("Inbhir Èidh"), formado por pequeñas explotaciones agrícolas, tenía un 86,3 % de la población de habla gaélica, la mayoría de los no-hablantes eran oriundos de la Baja Deeside. El gaélico hablado en las tierras altas de Aberdeenshire compartía la mayoría de las características en común con el Gaélico de Strathspey y el este de Perthshire. El último habitante nativo de habla gaélica local murió en 1984, aunque todavía hay supervivientes hablantes nativos del dialecto de Strathspey y similares. En el censo realizado en 2001, de un total de 839 habitantes de Crathie y Braemar, solo cinco personas dijeron poder hablar el gaélico.


title: Braemar

text: Conocido coloquialmente como "Los Juegos", y procedentes de relatos antiguos, se cree que fueron celebrados inicialmente por Malcolm III de Escocia. Braemar es titular de los juegos anuales de las Tierras Altas, el primer sábado de septiembre, con la tradicional asistencia de la Familia Real Británica.


title: Braemar

text: En 1746 la Ley de proscripción prohibió todas las reuniones del clan en la región, pero tras su derogación en 1782, el entusiasmo por aquellas viejas costumbres regresó. Cerca del año 1826, la Sociedad de Las Tierras Altas de Braemar creó el primer día-moderno de “los juegos” que tuvieron lugar en 1832. El 14 de septiembre de 1844, la reina Victoria del Reino Unido asistió a los eventos en Invercauld. En 1866 el término "Real" fue añadido a "La Sociedad de las Tierras Altas de Braemar" y en 1906 Alexander Duff, 1 º Duque de Fife donó 12 acres de predio en Mar Lodge Estate para la Sociedad y para la creación del Parque en Memoria de "La Princesa Real y el duque de Fife", la actual sede de los "Eventos de Braemar", aun funciona allí. Desde la época de la reina Victoria del Reino Unido la Monarquía siempre estuvo al mando de “La Real Sociedad de las tierras Altas de Braemar” (Braemar Royal Highland Society).


title: Braemar

text: Vistas de los eventos en general


title: Braemar

text: Braemar posee un campo de golf, dos hoteles grandes (El Fife y El Armas de Invercauld), así como muchos pequeños hoteles y casas privadas que ofrecen Cama y servicios de comidas rápidas, con alojamientos de estilo y una gran albergue llamado SYHA. En el extremo sur de la aldea hay también un sitio en caravana. El centro de información turística se encuentra frente al Hotel de Armas Fife. Braemar también tiene una pequeña oficina de correos, además de varias tienda de pueblo y alquiler de bicicletas.


title: Braemar

text: The Reserva Natural Morrone Birkwood es una reserva que se encuentra al salida del pueblo, y se accede a la misma a través de un aparcamiento antes de llegar a la Capilla Brae.


title: Braemar

text: Esta galería de fotos muestra vistas generales de Braemar. Otros artículos de interés local:


title: Ametralladora pesada Tipo 3

text: La Tipo 3 (三年式重機関銃; San-nen-shiki juu-kikanjuu, en japonés), conocida también como la Taishō 14, fue una ametralladora pesada japonesa enfriada por aire.


title: Ametralladora pesada Tipo 3

text: La Tipo 3 fue ideada por el general Kijirō Nambu y estaba basada en el diseño de la Hotchkiss M1914. Aunque la Hotchkiss M1914 empleaba cartuchos 8 mm Lebel, Japón empieza a producirla bajo licencia en 1914, pero usando el cartucho 6,5 x 50 Arisaka.


title: Ametralladora pesada Tipo 3

text: Al igual que la Hotchkiss M1914, era alimentada mediante un peine de 30 cartuchos. Su trípode podía transformarse en uno antiaéreo y se le podían instalar alzas antiaéreas.


title: Ametralladora pesada Tipo 3

text: Aun siendo bastante similar a la Tipo 92, se puede distinguir de esta por el calibre de su cartucho y sus agarraderas. La Tipo 3 tiene agarraderas tipo "mango de pala", mientras que la Tipo 92 tiene agarraderas plegables tipo "manillar".


title: Consejo Jurídico de la Región de Murcia

text: El Consejo Jurídico de la Región de Murcia es el superior órgano consultivo en materia de Gobierno y de Administración de la Comunidad Autónoma de la Región de Murcia, con plena autonomía orgánica y funcional (no está integrado en ninguna Consejería) para garantizar su objetividad e independencia. Precede a los demás órganos e instituciones de la Administración autonómica de Murcia, después del Consejo de Gobierno.


title: Consejo Jurídico de la Región de Murcia

text: Fue creado por Ley 2/1997, de 19 de mayo, del Consejo Jurídico de la Región de Murcia. Tiene su sede en la ciudad de Murcia.


title: Consejo Jurídico de la Región de Murcia

text: El Consejo Jurídico de la Región de Murcia ejerce la función consultiva del ejecutivo autónomo murciano. A tal fin emite dictámenes preceptivos o facultativos, según prevea la normativa en cada caso, velando por la observancia de la Constitución, el Estatuto de Autonomía y el resto del ordenamiento jurídico.


title: Consejo Jurídico de la Región de Murcia

text: Su funcionamiento se rige por el Reglamento de Organización y Funcionamiento, aprobado por Decreto 15/1998, de 2 de abril.


title: Consejo Jurídico de la Región de Murcia

text: Los Consejeros son designados entre juristas de reconocido prestigio con, al menos, diez años de dedicación a la función o actividad profesional respectiva y que ostenten la condición política de murcianos. Son nombrados por el Presidente de la Comunidad Autónoma por un período de seis años, tres por designación de la Asamblea Regional y dos a propuesta del Consejo de Gobierno.


title: Consejo Jurídico de la Región de Murcia

text: El Presidente del Consejo Jurídico es elegido por los Consejeros, de entre ellos, mediante votación secreta. Su mandato dura tres años, pudiendo ser reelegido por dos mandatos más (en total, un máximo de 9 años). Actualmente, ocupa este cargo Antonio Gómez Fayrén, Inspector de Hacienda del Estado, Profesor de la Universidad de Murcia y ex-Vicepresidente, durante dos legislaturas, del Consejo de Gobierno con Ramón Luis Valcárcel Siso.


title: Consejo Jurídico de la Región de Murcia

text: El Letrado-Secretario General es designado por el Consejo, a propuesta del Presidente, entre funcionarios licenciados en Derecho, pertenecientes al Cuerpo Superior de Administradores de la Comunidad Autónoma o cuerpo equivalente de otras Administraciones.


title: Directo desde Madrid

text: Directo desde Madrid es el segundo álbum en vivo de la banda española La Quinta Estación, lanzado al mercado el 28 de octubre de 2008. Contiene la grabación completa de un concierto realizado en Madrid.


title: Chico Percebe

text: Chico Percebe en la versión original "Barnacle Boy", Hombre Percebe actualmente o también en Hispanoamérica Joven percebe/Chico percebe o Niño percebe.


title: Chico Percebe

text: Chico Percebe es humillado y maltratado por su compañero, quien lo llama "Mi joven pupilo" (aunque tiene 82 años). Es humano, idéntico a Calamardo con nariz caída y larga, delgado, algo jorobado y tiene caspa. Su primera aparición es en "Sireno Man y Chico Percebe I" donde se los ve en el asilo de ancianos, ya muy viejos.


title: Chico Percebe

text: También pertenece al espíritu de Neptuno:Chico percebe siempre deseó ser llamado "Hombre Percebe" y comer una Cangreburger tamaño adulto, pero nunca lo logra (irónicamente, cuando una vez lo logró no pudo acabársela debido a su tamaño). Es muy sarcástico y usa un gorro marinero.


title: Ng Mui

text: Ng Mui (chino, 五梅大師; pinyin, Wǔ Méi Dà Shī; cantonés, Ng Mui Daai Si; siglo XVII) fue la creadora del wing chun, arte marcial surgido dentro de las artes del kung-fu.


title: Ng Mui

text: Monja budista y maestra de artes marciales, a causa de la destrucción del monasterio de Shaolín por la dinastía Qing tuvo que huir, siendo una de los cinco ancianos legendarios que sobrevivieron, durante su vejez tuvo que cambiar el sistema de Shaolín por otro sistema más sencillo y fácil de utilizar, de ahí surgió el wing chun.


title: Ng Mui

text: También es reconocida como la fundadora de las artes marciales Wǔ Méi Pài (estilo Ng Mui), Wing Chun, estilo Dragon, White Crane y Five-Pattern Hung Kuen.


title: Ng Mui

text: Ha sido asociada con varios lugares, incluyendo el Templo Shaolin en Henan o Fujian, las Montañas Wudang en Hubei, el Monte Emei en Sichuan, un supuesto Templo de la Grulla Blanca, las Montañas Daliang en la frontera entre Sichuan y Yunnan, y ubicaciones adicionales en Guangxi y Guangdong. Según una historia popular, ella era la hija de un general Ming.


title: Ng Mui

text: Después surgieron discípulos y practicantes tales como Yim Wing-chun, Ip Man, Ip Chun, Bruce Lee, Yuen Kay Shan, Sum Nung, William Cheung, Leung Ting, Donnie Yen, Ip Ching y Sibak Leung Bik.


title: Cyrus Frisch

text: Cyrus Frisch (Ámsterdam, 1969) es un cineasta vanguardista holandés.


title: Cyrus Frisch

text: La revista Filmmaker lo llamó el hombre salvaje de la cinematografía holandesa. Según "Holland Film", Frisch es uno de los cineastas más atrevidos que trabajan actualmente en Holanda. Su primer largometraje, ‘’Perdóneme’’, una crítica a la realidad cultural televisiva, fue premiado en el International Film Festival Rotterdam (2001) y contribuyó a fijar, entonces, su imagen de cineasta polémico. Frisch mismo es el personaje de peso en esa película: finge ser un director diabólico, sin límites éticos, en busca de la película más emocionante de la industria cinematográfica. Utiliza a un grupo de parias sociales (verdaderos) y mentalmente débiles como agentes. Frisch es conocido por ser el primero en rodar un largometraje ficcional con un teléfono móvil, el cual se llamó: ‘’Why didn’t anybody tell me it would become this bad in Afghanistan, lo que le valió reconocimiento en festivales internacionales como el International Film Festival Rotterdam 2007, Tribeca Film Festival 2007, San Francisco Film Festival 2007 y Pesaro 2007, entre otros. Según el periódico holandés Trouw, en esta película, Frisch establece la locura en la que se sumerge la sociedad occidental actual, con claridad similar a la de Roman Polanski en ‘’Repulsión’’ en los años 60.


title: Cyrus Frisch

text: The Guardian escribe que la actividad de Frisch se basa, entre otras cosas, en abordar temas difíciles o tabú. Luego de graduarse en la Academia holandesa de cine, en 1992, lo nominaron para la Grolsch Award, una de las concesiones más prestigiosas de cine de los Países Bajos.


title: Cyrus Frisch

text: En 2009, Frisch termina ‘’Oogverblindend’’, estrenada como Dazzle en Latinoamérica, la cual le tomó 15 años, con la actriz-estrella Georgina Verbaan y Rutger Hauer, su actor fetiche, como personaje de peso. Eric Kohn escribe en IndieWIRE, que ‘’Dazzle’’ es un deslumbrante, estupendo y fresco desafío cinemático, que posee rasgos de una novela de suspenso como Repulsión, de Polanski, rellena con la estética propia de una película Chris Marker.


title: Cyrus Frisch

text: Según el catálogo del Tribeca Film Festival, Frisch ha creado una visión y una versión propia del cine social. Dazzle es, además, el primer film que Hauer realiza en su país en 29 años de carrera.


title: Cyrus Frisch

text: Pese a la distancia geográfica que existe entre Argentina y Holanda, la historia de la original obra de Frisch, producida por Hauer y el director antes citado, interconecta dos realidades a partir de un diálogo telefónico entre dos extraños: un cirujano que reside en Buenos Aires y una joven holandesa que pasa las horas mirando por la ventana. El universo de las palabras se entrelaza con el punto de vista de la mujer generando una trama por donde pasan reflexiones sobre tópicos tan diferentes como el sentido de la vida, la indiferencia ante el prójimo, la racionalización por encima de la emoción, y la apuesta a una segunda oportunidad. Lo que predomina, en definitiva, es la fugaz aproximación entre dos seres solitarios que deciden abrir sus corazones y miserias en la más absoluta intimidad. Sin embargo, detrás de este relato, que se construye a partir de la conversación, emerge otro, que no es más ni menos que un ejercicio consciente de la memoria que cobra sentido a partir de una vuelta de tuerca sorprendente. Cyrus Frisch es también dramaturgo. Sus obras ‘’Gharb’’ y ‘’A short, Sharp Blast of a Play’’ fueron traducidas a diversos idiomas y realizados en Holanda, Francia, Austria e Inglaterra durante el 2004.


title: Madre de Dios (barco)

text: El navío Madre de Dios (Madre de Deus) fue una carraca portuguesa que en agosto de 1592 fue capturado por una flota inglesa en un episodio menor de la guerra anglo-española de 1585-1604; la unión de España y Portugal bajo el reinado único de Felipe II motivó que las naves portuguesas fueran también objetivo de los corsarios ingleses. La captura del "Madre de Deus" tuvo una gran relevancia histórica porque, además de un tesoro importante, a bordo había un derrotero con información crítica sobre las rutas comerciales con las Indias Orientales que los ingleses ignoraban hasta entonces.


title: Madre de Dios (barco)

text: La nave, de 1600 toneladas, regresaba de las Indias Orientales cargada con joyas y especias valoradas en un millón de libras esterlinas, cuando fue interceptada a la altura de la isla de Flores, en el archipiélago de las Azores, por seis navíos de la armada inglesa que la atacaron y capturaron fácilmente; en los primeros momentos tras su abordaje la carraca fue saqueada por los marineros ingleses, lo que posteriormente motivaría conflictos entre ellos por el reparto del botín. Tras su captura la nave fue conducida a Inglaterra.


title: Madre de Dios (barco)

text: La información contenida en el derrotero del "Madre de Deus" fue instrumental en la formación del Imperio Británico, específicamente a través de la Compañía de las Indias Orientales.


title: Nao (robot)

text: Nao es un robot humanoide programable y autónomo, desarrollado por Aldebaran Robotics, una compañía de robótica francesa con sede en París subsidiaria del grupo Softbank. El desarrollo del robot comenzó en 2004 con el lanzamiento del Proyecto Nao. El 15 de agosto de 2007, Nao sustituye al perro robot Aibo de Sony como la plataforma estándar para la Robocup(""Robot Soccer World Cup""), un concurso internacional de robótica. Nao se utilizó en RoboCup 2008 y 2009, y el NaoV3R fue elegido como la plataforma para el SPL en RoboCup 2010.


title: Nao (robot)

text: La Edición Académica de Nao fue desarrollada para las universidades y laboratorios con fines de investigación y educación. Fue lanzado a las instituciones en 2008, y se puso a disposición del público antes de 2011. El robot ya ha entrado en uso en numerosas instituciones académicas de todo el mundo, incluyendo la Universidad de Tokio, el IIT Kanpur de la India y la Universidad del Rey Fahd de Petróleo y Minerales de Arabia Saudita. En diciembre de 2011, Aldebaran Robotics lanzó la "Nao Next Gen", con software mejorado, una CPU más potente y cámaras de alta definición.


title: Nao (robot)

text: En diciembre de 2011, se liberó Nao Next Gen, con mejoras de hardware y software, tales como cámaras de alta definición, una mayor robustez, sistemas anticolisión y una velocidad al caminar más rápida. Desde 2011, más de 200 instituciones académicas de todo el mundo han hecho uso del robot. En 2012, se utilizaron robots Nao donados a enseñar a los niños autistas en una escuela del Reino Unido; algunos de los niños encontraron a los robots infantiles y expresivos más relacionables que los seres humanos.


title: Nao (robot)

text: Las diferentes versiones de la plataforma del robot Nao tienen como característica de 14, 21 o 25 grados de libertad (DOF). Para la competición Robocup se creó un modelo especializado con 21 DOF y sin manos accionadas. Todas las versiones de Nao Académico ofrecen una unidad de medición inercial con acelerómetro, girómetro y cuatro sensores de ultrasonidos que le proporcionan a Nao estabilidad y posicionamiento en el espacio. Las versiones de las piernas incluyeron ocho resistencias de detección de fuerza y dos topes.


title: Nao (robot)

text: El robot Nao también cuenta con un sistema multimedia a bordo basado en Linux, incluyendo cuatro micrófonos (para el reconocimiento de voz y la localización del sonido), dos altavoces (para la síntesis de texto a voz) y dos cámaras de alta definición (para visión artificial, como el reconocimiento facial y de formas ). El robot viene con un paquete de software que incluye una herramienta gráfica de programación ("Aldebarán Choregraphe"), un software de simulación y un kit de desarrollo de software. Nao también es compatible con el Microsoft Robotics Studio, Cyberbotics Webots y el Gostai Studio (Urbi).


title: Nao (robot)

text: De seis prototipos del Nao se diseñaron:


El Consejo Económico y Social de la Región de Murcia es el órgano colegiado de carácter consultivo del Gobierno de la Región de Murcia en materia socioeconómica y laboral, y constituye el cauce de participación de los agentes sociales y económicos murcianos en la planificación y realización de la política económica de la Comunidad.


Fue creado por Ley 3/1993, de 16 de julio, del Consejo Económico y Social de la Región de Murcia. Está adscrito a la Consejería competente en materia laboral.


title: Consejo Económico y Social de la Región de Murcia

text: Tiene su sede en la ciudad de Murcia.


text: Entre otras funciones, emite dictámenes sobre anteproyectos de Leyes y proyectos de Decretos y Planes Generales del Gobierno murciano en materia económica, social y laboral; y elabora estudios e informes sobre cuestiones sociales, económicas y laborales de interés para la Región de Murcia.


text: El Consejo Económico y Social de la Región de Murcia está integrado por 21 miembros: 7 por las organizaciones sindicales, 7 por las organizaciones empresariales, 1 por las Cámaras de Comercio, Industria y Navegación, 1 por las Asociaciones de Consumidores y Usuarios, 1 por las organizaciones del sector agrario, 1 por el sector de economía social, 1 por la Federación de Municipios de la Región de Murcia y 2 expertos en materia socioeconómica y laboral.


text: El mandato de los miembros del Consejo será de cuatro años, renovable por períodos de igual duración.


text: El Pleno es el órgano supremo de decisión y formación de la voluntad del Consejo y está integrado por todos los miembros del mismo, bajo la dirección del Presidente y asistido por el Secretario General. Mediante acuerdo del Pleno, se pueden crear comisiones de trabajo, con el número de miembros y fines que se consideren convenientes.


text: El Presidente del Consejo Económico y Social es el órgano unipersonal del dirección del Consejo. Es nombrado mediante Decreto del Consejo de Gobierno, a propuesta del Consejero competente en materia laboral. Su nombramiento deberá contar con el apoyo de, al menos, dos tercios de los miembros del Consejo.


text: El Consejo tiene dos Vicepresidentes nombrados por el Consejo de Gobierno tras su elección por el Pleno, a propuesta, cada uno de ellos, de los miembros representantes de los sindicatos y de las organizaciones empresariales, respectivamente. Los Vicepresidentes son a propuesta de Pleno.


text: El Secretario General, nombrado mediante Orden del Consejero competente en materia laboral con el apoyo de, al menos, dos tercios de los miembros del Consejo, dirige y coordina los servicios técnicos y administrativos del Consejo. Asiste a las sesiones del Pleno con voz pero sin voto.


title: Fanera

text: Las faneras (del adjetivo griego "φανέρα", phanérā: manifiesto, aparente) son estructuras complementarias y visibles sobre la piel o que sobresalen de ella. Son faneras las uñas y los pelos en los seres humanos y las plumas, pezuñas, escamas y cuernos en otros animales. Las faneras, junto a la piel, constituyen el sistema integumentario. El término se reintrodujo en francés en 1823 -"phanère"- a partir del griego. Las faneras (o fanereos) están compuestas en un alto porcentaje por la proteína denominada queratina. Esta sustancia es muy rica en azufre y constituye el componente principal de las capas más externas de la epidermis de los vertebrados y de las faneras, órganos derivados del ectodermo.Cada fanera tiene una función determinada. Así las escamas, plumas y pelo sirven básicamente como recubrimiento y protección tanto para evitar agresiones externas -temperatura, humedad, radiación solar- como para mantener estable el interior del cuerpo protegido.


title: Fanera

text: Las glándulas exocrinas secretan sustancias que colaboran en el mantenimiento de la impermeabilización, la temperatura, el grado de humedad y la protección frente a parásitos y agentes externos. Estas glándulas pueden secretar venenos o tóxicos para defenderse de depredadores y también sustancias nutritivas como las glándulas mamarias exclusivas de mamíferos.


title: Fanera

text: Normalmente las faneras cumplen varias funciones, así las plumas no solo protegen sino que son fundamentales en el vuelo de las aves.


title: Fanera

text: Faneras como los cuernos, las garras y las escamas pueden cumplir funciones en la depredación, alimentación, reproducción y defensa.


title: Tau2 Eridani

text: La estrella Tau 2 Eridani es una estrella de la constelación de Eridanus que se encuentra a unos 182 años luz del Sistema Solar. Tiene una magnitud aparente de 4,75 y una declinación de -21º 00,15. Tiene el nombre tradiccional de Angetenar (árabe) y sus coordenadas son J2000.


title: Mended

text: Mended es el séptimo álbum en general y el tercer álbum de estudio en inglés del cantante puertorriqueño Marc Anthony, publicado el 21 de mayo de 2002 por Columbia Records y Sony Discos. Fue relanzado en el año 2003 como "Mended: Bonus Tracks".


title: Mended

text: Después de varios cambios de fecha de publicación, Marc Anthony lanzó "Mended" a mediados del 2002, poco después de lanzar "Libre" el año 2001. "Mended" entrega más de las apasionadas, urgentes canciones de Anthony de amor y traición, destinadas para el consumo masivo. El álbum incluye los éxitos "I've Got You", la versión en español "Te tengo aquí", "Love Won't Get Any Better", así como el bien conocido sencillo "Tragedy". Bruce Springsteen compuso una canción, "I'll Stand By You Always", para Marc Anthony, pero la canción fue omitida del álbum por razones desconocidas.


title: Pinehurst

text: Pinehurst es una villa ubicada en el condado de Moore en el estado estadounidense de Carolina del Norte. La localidad en el año 2000, tenía una población de 9.706 habitantes en una superficie de 38.6 km², con una densidad poblacional de 261.3 personas por km². y fue el sitio de acogida del Abierto de golf de los Estados Unidos en 1999 y 2004, y en 2014.


title: Pinehurst

text: Pinehurst se encuentra ubicada en las coordenadas . Según la Oficina del Censo, la localidad tiene un área total de , de la cual es tierra y (3.89%) es agua.


title: Pinehurst

text: El siguiente diagrama muestra a las localidades en un radio de de Pinehurst. En el 2000 la renta per cápita promedia del hogar era de $58.950, y el ingreso promedio para una familia era de $67.353. El ingreso per cápita para la localidad era de $41.992. En 2000 los hombres tenían un ingreso per cápita de $51.958 contra $32.181 para las mujeres. Alrededor del 2.80% de la población estaba bajo el umbral de pobreza nacional.


title: Land of the Blind

text: Land of the Blind ("Tierra de ciegos") es una película del año 2006 protagonizada por Donald Sutherland, Ralph Fiennes, Tom Hollander y Lara Flynn Boyle.


title: Land of the Blind

text: Esta obra es una sátira política realizada en un tono oscuro pues pretende transmitir una sensación de desencanto. Está basada en varios incidentes históricos en los cuales los gobernantes tiránicos fueron derrocados por nuevos líderes que luego probaron ser tan malos, o incluso peores, que sus inmediatos antecesores. Durante el film se visualizan escenas que remiten, de forma implícita, a tales casos. El título fue tomado del dicho "En la tierra de los ciegos, el tuerto es rey".


title: Land of the Blind

text: "Land of the Blind" tuvo su estreno mundial en competición en el Festival Internacional de Cine de Róterdam, y fue la película de apertura de la Noche de Gala, en 2006, del Human Rights Watch Film Festival en Londres. Su estreno en EE. UU. fue en la competencia en el Tribeca Film Festival de 2006. La película provocó una reacción muy intensa durante su recorrido por festivales, atacada por la izquierda y la derecha, cada uno de los cuales la vio como una crítica de su posición.


title: Land of the Blind

text: Otras referencias históricas en la película son Jean-Paul Marat (desde la Revolución Francesa), Kim Jong-il, Fidel Castro, Benito Mussolini, Augusto Pinochet, Rafael Leónidas Trujillo, François Duvalier, Rudolph Hess, Jean-Claude Duvalier, Lyndon B. Johnson, Julio César (a partir de la obra de William Shakespeare), Robert Mugabe, Idi Amin, Huber Matos, las protestas del IRA Provisional en la prisión de Maze, los prisioneros de guerra estadounidenses en Vietnam el grupo terrorista Weatherman, el Jemer Rojo, la Revolución iraní de 1979 y la posterior Revolución Cultural.


title: Land of the Blind

text: Hollander interpreta a Maximilian II (apodado "Junior"), un estúpido, vengativo y caprichoso dictador de un país llamado "Everycountry". Maximilian tiene dos intereses principales: disfrutar de sí mismo, y la industria cinematográfica. Es director de cine, y ha hecho una secuela llamada "Out For Vengance". Si bien se da a entender que es un sádico, se reconoce que sus excesos están impulsados por el aliento de su bella y cruel esposa Josephine (Boyle) y la lucha contra los terroristas anti-gobierno.


title: Land of the Blind

text: Maximilian o "Junior" es el sucesor de su padre, Maximilian I (apodado "Papá Max"), igualmente despótico, quien pudo haber sido víctima de un parricidio para así Junior llegar al poder. Junior se hace llamar "presidente vitalicio", título que sólo dura hasta que "Ciudadanos por la Justicia y la Democracia", un grupo terrorista liderado por John Thorne (Sutherland), toma el poder y lo asesinan en su despacho cuando lo encuentran en plena intimidad con su esposa (practicando un juego de sexo escabroso vestido con pañales) y dos esclavos que servían de pantalla mientras se proyectaba una película pornográfica. Thorne le dispara a la pareja luego de realizarse un rápido juicio virtual y se convierte en el gobernante del país, resultando aún peor que el fallecido Maximilian. El nuevo gobernante alienta la quema de libros, entre otras cosas. Las mujeres son obligadas a usar una burka.


title: Land of the Blind

text: Ralph Fiennes interpreta a Joe, un guardia que trabaja en la prisión donde está detenido Thorne al comienzo de la película. Durante este primer período, Thorne está en condiciones deplorables, encerrado en una celda miserable, soportando las frecuentes palizas de los guardias y escribiendo consignas revolucionarias en las paredes con sus propias heces. Joe comienza una relación con Thorne, a quien respeta por su porte e intelecto, y termina aprendiendo mucho de él. Maximilian deja en libertad a Thorne y lo incluye en la nómina del gobierno para tener apoyo popular. Joe va ascendiendo hasta llegar a ser capitán de la guardia presidencial, pasando anteriormente por una unidad de élite secreta llamada "Batallón 6". Después de ser testigo directo de la maldad y locura de Junior, decide traicionarlo y apoyar a Thorne y a su grupo armado, dejándolos entrar al palacio presidencial una noche.


title: Land of the Blind

text: Por su contribución al derrocamiento de Maximilian, Joe es declarado héroe de la revolución por Thorne. Sin embargo, como Joe da cuenta de que su amigo es tan o más cruel y triánico que su predecesor, se niega a aliarse con el nuevo régimen. Por ello, Thorne envía a Joe a un campo de re-educación dirigido por un médico (todos los médicos fueron expulsados de las ciudades y reubicados en otros trabajos). Puede establecerse una similitud entre esto y el caso de Huber Matos en Cuba, que siendo uno de los comandantes de la revolución, se negó a apoyar el rumbo que esta estaba tomando y fue declarado traidor y condenado a veinte años de prisión.


title: Land of the Blind

text: Sometido a numerosos castigos y técnicas de aislamiento, Joe continuamente se niega a firmar el juramento de lealtad. En un momento Thorne visita el campo, pero no reconoce a su amigo, incluso después de que Joe intenta mostrar que es él. Joe también está acusado de ser miembro de una conspiración "oculta" dentro de la propia prisión. Uno de sus ex compañeros de trabajo, Pool (interpretado por Marc Warren), después de haber sido severamente golpeado, admite la veracidad de la conspiración y acusa a Joe de estar involucrado. Joe es llevado a la temida "Sala 12". Es allí donde se produce un giro sorprendente en la trama: Joe es acusado de mentir, se le dice que él no ayudó a Thorne a conquistar el gobierno. Durante esto, Joe parece alucinar en gran medida, sus interrogadores se convierten en personajes vivos y muertos que hemos visto a lo largo de la película (Maximilian, e incluso su esposa, Madeleine). A lo largo de la escena, se sugiere que puede ser sometido a tortura mental o está sufriendo un episodio psicótico o paranoico.


title: Land of the Blind

text: A continuación, Thorne es asesinado en el baño por su concubina y miembro de "Ciudadanos por la Justicia y la Democracia", habiendo una gran similitud con el asesinato de Jean-Paul Marat. El gobierno revolucionario es rápidamente derrotado. El sobrino de Junior, que escapó durante la revolución de Thorne y, luego de haber vivido en el exilio, ha vuelto a restablecer el antiguo gobierno. El jefe del campo vuelve a ser un médico y niega haber participado en las torturas y los excesos que ordenó, mientras que Pool, responsable de que Joe fuera acusado de conspiración, se le da un puesto en el gobierno. Este ex-compañero de trabajo hace una serie de falsas promesas a Joe, de sacarlo del campo tan pronto como el clima político lo permita, pero dice que su confesión de haber ayudado a asesinar a Maximilian lo convierte en un asunto sensible. Joe se muestra como el último de los presos, tal vez el único. 12 años después, nos encontramos con Joe escribiendo sus memorias en una celda semejante a la de una cárcel o un asilo, al parecer ajeno incluso a las visitas de su hija. El fin nunca revela lo que pasó con Joe, si todavía es un preso o fue puesto en libertad, y si su versión de los hechos o la que figura en los interrogatorios es la verdad.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: Víctor Bolívar Galiano (Alcalá la Real, provincia de Jaén, 21 de septiembre de 1962) es un médico y escritor español.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: Polifacético humanista, Víctor Francisco Bolívar Galiano ejerce la Pediatría en Granada, donde desarrolla su labor profesional y artístico-literaria. Nacido en Alcalá la Real, Jaén, el 21 de septiembre de 1962.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: Es miembro de una familia de origen cordobés y jienense, que se trasladó a Granada en 1971, cuya proyección social científica y artística es muy diversa.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: Su padre, José Bolívar Gómez de Urda, (1934-2018) reconocido paleógrafo e investigador genealógico, ha contribuido al conocimiento histórico de Andalucía y de su pueblo natal (ciudad de frontera cristiano árabe) por lo que el Ayuntamiento de Alcalá la Real le brindó un homenajeen 2015. De entre los seis hijos de dicho investigador, además del arquitecto Antonio; la abogada Elisa; y el veterinario Mario -que prosigue la tradición de los veterinarios “Galiano” de la provincia de Jaén-, cabe mencionar por su alcance mediático, a dos hermanos de Víctor: José y Fernando.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: José Bolívar Galiano, abogado y escritor, ha destacado en el campo de la novela, siendo tres veces finalista del Premio Fernando Lara, de editorial Planeta, durante los años 2001 con "La Lechuza. En" 2013 con "La jueza de instrucción" y por tercera vez en 2015 con "La vida secreta de don Quijote."


title: Víctor Bolívar Galiano

text: Y su hermano Fernando Bolívar Galiano, biólogo y catedrático de Restauración en la Facultad de Bellas Artes de Granada, posee una intensa actividad socio cultural como científico y artista (pintor y músico), siendo el fundador del movimiento cultural bautizado como "Ligalismo."


title: Víctor Bolívar Galiano

text: Casado con Marina Arroyo, profesora de Educación Infantil, Víctor es padre de tres hijos (dos de los cuales son médicos -traumatólogo y anestesista- y el tercero estudia Medicina) y tiene cinco nietos.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: Tras realizar entre 1987 y 1990 la especialidad de Pediatría como Médico Interno Residente, en el Centro Materno Infantil del Hospital Virgen de las Nieves, se doctoró en Medicina y Cirugía “cum laude” por la Universidad de Granada en 1991. Premio Nutrición Infantil "Profesor Antonio Galdó" por su trabajo "Valoración del paciente pediátrico sometido a intervención quirúrgica", otorgado en 1991 por la Sociedad de Pediatría de Andalucía Oriental.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: Es miembro numerario de la Asociación Española de Pediatría, de la Sociedad Española de Pediatría y Atención Primaria (SEPEAP). y de la Asociación de Pediatras de Atención Primaria de Andalucía. Siendo Vocal por Andalucía Oriental de la SEPEAP, fue vicepresidente del XX Congreso Nacional, celebrado en Granada en octubre de 2006, y ha participado como moderador o ponente en numerosos congresos y reuniones científicas relacionadas con su especialidad a nivel nacional.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: Perteneció al Consejo de Redacción del Boletín Terapéutico Andaluz (BTA) entre 1994 y 2011; publicación destinada al colectivo de facultativos de Andalucía, coordinada por Centro Andaluz de Información del Medicamento, CADIME de la Escuela Andaluza de Salud Pública (EASP). Y fue articulista de temas médicos en revistas como "Anales Españoles de Pediatría", "Pediatría Integral", "Opinión Médica"y "Mi Pediatra."


title: Víctor Bolívar Galiano

text: Coeditor y coautor del "Tratado de Pediatría Extrahospitalaria", obra encargada por la SEPEAP.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: En 2009, fue acreditado por la Agencia de Calidad Sanitaria de Andalucía con el Nivel de "Experto en Pediatría de Atención Primaria."


title: Víctor Bolívar Galiano

text: En abril de 2019, interviene en el XVII Congreso de Estudiantes Facultad de Medicina de Granada con una ponencia sobre "La Entrevista Clínica," donde realiza una dramatización didáctica con actores de carne y hueso de la compañía teatral "Casi Siempre," valiéndose de su dualidad de médico y dramaturgo para ilustrar a los futuros médicos de Granada.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: Desde 2008 trabaja como médico pediatra titular en el Centro de Salud Gran Capitán, en Granada, dependiente del Servicio Andaluz de Salud, después de haber ejercido desde 1991 en las Zonas de Salud de Santa Fe, Pinos Puente, Chana y Fígares, dentro del Distrito Sanitario Granada.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: Miembro asociado de CEDRO desde 2006 y de SGAE desde 2018. Ha publicado libros en diferentes géneros: poesía, relato, novela (costumbrista, histórica, negra) y teatro. A partir de relatos y canciones propias, ha compuesto numerosas obras teatrales, algunas de ellas musicales, habiendo representado en múltiples escenarios, repetidas veces, desde 2010.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: Autor de cuatro libros de versos "Poemas I", 1976; "Poemas II", 1977; "Cincuenta para hallarte", 1979; y "Colección entre tú y yo," 1983; haciéndose eco de tal actividad juvenil la revista literaria Manxa, del Grupo Guadiana, siendo su primer mentor el poeta manchego Pascual Antonio Beño Galiana y el diario Ideal de Andalucía Oriental, donde ocasionalmente colabora.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: Tras dos décadas dedicado casi exclusivamente a la Medicina (entre 1980 a 2000), reactivó su producción literaria en 2001; estimulado por el reconocimiento literario a su hermano Pepe. En 2002 publicó sus jocosos "Relatos de amor y fango." Posteriormente la primera novela "El tercer nido," una historia de desamor con el Realejo granadino como fondo. De su amor a su tierra, e influido por los conocimientos históricos de su padre, escribió una novela enclavada en la prehistoria andaluza y alcalaína: "Sucaelo, donde nace la memoria." "En 2007" publicó "Autopsia de la novela negra", un manual para escribir género negro, que le fue encargado por la editorial del exministro y editor Manuel Pimentel, quien vio en Bolívar, por su condición de médico y novelista, el autor indicado para explicar los entresijos biológicos y médico-legales de la novela negra.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: Gran aficionado a la música, en su mocedad formó parte de los grupos musicales "Guajiros," "Lantano" y "Melody", conjunto con el que actuó por pueblos de Andalucía durante el verano de 1984, mientras estudiaba 4º de Medicina y cumplía el servicio militar obligatorio en el Hospital Militar de Granada.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: En 2006 fue nombrado Pregonero de las Fiestas Patronales de Alcalá la Real, organizadas por la Cofradía Virgen de las Mercedes.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: En 2009, junto con un grupo de amigos altruistas, fundó la Compañía teatral "Casi Siempre." Como dramaturgo, es autor y director de numerosas obras teatrales.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: Con el musical Casi siempre brilla el sol debutó como autor teatral en enero de 2010. Un guion en el que fusionó dos relatos suyos ("Psicoterapia de grupo" y "El supermercado hundido"), que aderezó con sus primeras canciones de mocedad, sobre la base de un teclado sintetizador Roland, y cuya puesta en escena contó con la colaboración de más de veinte amigos y familiares, que ensayaron desde la Navidad de 2008. La recaudación se destinó en ayuda a las víctimas del terremoto de Haití. Y la obra sirvió de homenaje al voluntariado misionero, como lo fue su profesor marista Servando Mayor, asesinado en el Congo, en las revueltas intertribales de 1996. "Casi siempre brilla el sol" fue tan reconocida y aclamada que supuso el arranque de la singladura teatral, dando nombre a la Compañía con tanta ilusión formada.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: A fines del 2010 estrenó el Musical "Libélula y Pecado," en el Aula Magna de la Facultad de Medicina de Granada, el 16 de diciembre de 2010, dirigiendo a alumnos de 4º curso de dicha Facultad, a beneficio de la ONG Médicos sin Fronteras. Al año siguiente, compuso La noche antes del Día, un musical en honor a San Vicente de Paúl, fundador de "Las Hijas de la Caridad," con motivo del 350 aniversario de su defunción.  Con varias representaciones benéficas, entre ellas para el "Comedor de Transeúntes del Regina Mundi."


title: Víctor Bolívar Galiano

text: Con la comedia Penúltima Navidad en los Cárpatos, estrenada en el colegio "Regina Mundi," participó en el Certamen de Teatro no profesional "Villa de Alhendín" bajo el título  Tu lövly en mis Cárpatos  No obtuvo ningún premio. Pero fue bien aplaudida por el público, de tal manera que el 23 de diciembre de 2016 se repuso a beneficio de la "Fundación Escuela Solidaria" de Sierra Elvira.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: En 2013 estrena, el musical melodramát"ico De la Alhambra al Cielo, en honor a Francisco y Conchita Barrecheguren en la Basílica de Nuestra Señora del Perpetuo Soc"orro., que fue representado en el Teatro "Isabel la Católica" en 2014. En ambas ocasiones a beneficio de la "Asociación para la Solidaridad."  También estrenó en 2013 la comedia espacial Destino a Marte, con actores "astronautas" a bordo, a beneficio de la "Asociación de Familias Adoptantes Multiétnicas" "(AFAM)", en La casa de la Cultura de Albolote. Fue repuesta en La Zubia, Granada, el 28 de marzo de 2014, a beneficio de la "Fundación Hogar San José." Con motivo de la Coronación de la Virgen de la Amargura, también representa dicha comedia en el Centro Cívico del Zaidín, en junio de 2014 a beneficio de la Cofradía conocida por la de "El Huerto de los Olivos"..


title: Víctor Bolívar Galiano

text: En 2015 presenta la didáctica y divertida comedia en verso Siete Fantasmas y Medio, basada en siete personajes históricos enterrados en Granada (Mariana Pineda, Federico G.ª Lorca, Eugenia de Montijo, Mulhacén, "El Gran Capitán," Juana "La Loca," y Ganivet) a beneficio de los pacientes con Ataxia de Friedreich "(ASOGAF)"  que es, poco después, repuesta en el Auditorio "La Rural" para recaudar fondos para la Fundación Hogar "San José" de La Zubia.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: Este mismo año, el 28 de octubre, estrena La viuda de Cástaras, una tragicomedia de posguerra alpujarreñaen Teatro ""Isabel La Católica," también a beneficio de la "Fundación Hogar San José." Un año después se representa en el Auditorio "La Rural" a beneficio de "Asociación para la Solidaridad," para un proyecto edificante en Honduras.. Para esta obra, se contó con relevantes actrices del teatro amateur de Granada, que se incorporan al elenco de "Casi Siempre." Y el 10 de noviembre de 2016 actuó en el "Centro Penitenciario de Albolote," ante una entusiasta población reclusa, mixta y confinada, que aplaudió a los personajes honrados y abucheó a los malvados con independencia del nivel dramático de los actores que los encarnaban.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: En mayo de 2016, poco después de ser abuelo, Bolívar estrena la comedia ¡Empátame... por amor! en el "Teatro Isabel La Católica"  obra muy cómica, sobre una alocada promoción de alumnos que se reúnen a los 25 años en un famoso hotel de Granada, donde van a cotejar el rumbo de sus vidas. Doce días después, se repuso para """ASOGAF con una gran acogida de crítica y público. Entre ambas funciones, imprevisiblemente falleció un querido compañero de la Compañía, el octogenario actor Paco Martín Terreros. El espectáculo debió continuar, por lo que Víctor actuó cubriendo su papel como camarero cantante del hotel.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: En 2017, pre-estrena una obra que escribió en 2014: Fray Leopoldo, El Musical. Con quince actores, ante los presos de la cárcel de Albolote. Contiene trece canciones originales de Bolívar y fue compuesta en honor al famoso -y ya beato- Fray Leopoldo de Alpandeire. Dicho musical fue estrenado en el Auditorio "La Rural" el 23 de marzo de 2017, contándose entre el público con emocionados frailes capuchinos.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: Tal vez fruto de sus funciones altruistas en la cárcel, y con elementos de su "Autopsia de la novela negra", escribió la tragicomedia Cuatro presos para un perdón, presentada el 18 de noviembre de 2016 en "La Rural," para la Fundación "Don Bosco". En esta concienzuda pieza, Víctor Bolívar encarna a uno de los cuatro presos: Andy, el poeta con discapacidad intelectual. Basada en una penitenciaría experimental de los años cincuenta, fue aclamada en el Teatro Isabel "La Católica," , a beneficio de la ONG "El Teléfono de la Esperanza"


title: Víctor Bolívar Galiano

text: El 26 de abril de 2018, completa la docena de obras teatrales estrenadas con No hay pareja perfecta: una sucesión de piezas cortas humorísticas sobre el mundo de la pareja, a beneficio de Manos Unidas. Posteriormente, el 16 de junio, se repuso para un proyecto de acogida a personas sin hogar, de la granadina Casa "Madre de Dios".


title: Víctor Bolívar Galiano

text: En septiembre de 2018 publica el libro "Teatro Casi Siempre," donde recoge los libretos con fotografías de las doce primeras obras estrenadas con la Compañía "CASI SIEMPRE" entre 2010 y 2018.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: En 2019, la compañía "Casi Siempre" repone algunas de sus obras, como Libélula y Pecado, con un elenco renovado, para la Asociación para la Solidaridad. Inmerso en el duelo por su padre, fallecido en noviembre de 2018, inicia la escritura de una trilogía que verá la luz en marzo de 2020 bajo el título “Teatro 2020”. En este libro figuran tres tragicomedias: Otoño Súbito, sobre la madurez de las parejas; Tuya es mi sangre, sobre la enfermedad en el amor; y Más Acá del Allá, donde explora la transición que sigue a la muerte. A pesar de la seriedad de esta trilogía, Bolívar deja su impronta humorística en las tres piezas teatrales.


title: Víctor Bolívar Galiano

text: En abril de 2020, tras el estallido de la pandemia, se tuvo que cancelar el estreno de la obra “Tuya es mi sangre.” Centrado exclusivamente en su labor asistencial en el centro de Salud Gran Capitán y tras superar una hospitalización por neumonía en octubre de 2020, Víctor Bolívar retoma su afición y escribe otras tres comedias -ya suman dieciocho- que recoge en su libro Teatro 2021, publicado en septiembre de 2021: Vecinos de cólera, sobre el brote de cólera que aconteció en la provincia de Granada en 1979; Las Locas de Montepulciano, acerca de unas supuestas últimas internadas en un hospital psiquiátrico, clausurado en "La Toscana" en los años ochenta y cierra esta trilogía ¡Embárcame Noé! que versa sobre una hipotética catástrofe ante la posible caída de un meteorito en el Atlántico; todas ellas en clave de humor. En septiembre de 2021, el diario Ideal de Granada lanza el reportaje que había realizado con motivo del décimo aniversario de la fundación de la Compañía "Casi Siempre." La comedia Vecinos de Cólera se estrenó el 23 de octubre de 2021, con varias reposiciones en otoño.


title: Género celestinesco

text: El género celestinesco, también llamado por Marcelino Menéndez Pelayo y Manuel Criado de Val celestinesca o más extensamente literatura celestinesca, nacido de la comedia humanística, agrupa una serie de imitaciones, adaptaciones, continuaciones y refundiciones de las dos versiones de "La Celestina" de Fernando de Rojas (¿1499 y 1502?) y un anónimo autor desde comienzos del siglo XVI a principios del siglo XVII.


title: Género celestinesco

text: Francisco Márquez Villanueva lo considera solo una temática ("Orígenes y sociología del tema celestinesco", 1993). Pero para Marcelino Menéndez Pelayo ("Orígenes de la novela", 1905-1915) y María Rosa Lida de Malkiel ("La originalidad artística de «La Celestina»", 1962) se trata de un género híbrido entre la tragedia y la comedia (tragicomedia) que desborda el de la comedia humanística, dialogado pero irrepresentable a causa de su extensión, por lo que casi se puede considerar narrativo, así como de un realismo crudamente naturalista y personajes prostibularios. Para el hispanista Keith Whinnom sí es un género, cuyas raíces más remotas son la comedia nueva griega y la comedia latina de Plauto y Terencio, de las que deriva la comedia humanística italiana en latín y lengua vernácula de los siglos XV y XVI, un género que se amplió en Europa y que es tan vario que solo con sonrojo se puede llamar género. Entre los influjos más directos pueden citarse el "Pamphilus de amore", la "Poliscena", la "Margarita poetica" de Albrecht von Eybt y quizás la "Philogenia" de Ugolini Pisani.


title: Macrohaplogrupo L (ADNmt)

text: En genética humana, el macrohaplogrupo L es un paragrupo que equivale a la ascendencia mitocondrial africana de toda la humanidad, se distribuye ampliamente en el África Subsahariana y está relacionado con el origen de los humanos modernos por línea materna a partir de la Eva mitocondrial, por lo cual tendría su origen en África Oriental hace aproximadamente 190 000 años. L es un grupo parafilético de haplogrupos (paragrupo) con relación a los macrohaplogrupos M y N, los cuales representan la expansión humana fuera de África.


title: Macrohaplogrupo L (ADNmt)

text: Los haplogrupos L son predominantes en el África negra, con frecuencias del 96-100 %, salvo en las áreas de difusión de las lenguas afroasiáticas, donde disminuye sensiblemente. Menores frecuencias se encuentran en África del Norte, Arabia y Medio Oriente en general; y en Europa especialmente al Sur. En América, L predomina entre los afroamericanos.


title: Macrohaplogrupo L (ADNmt)

text: Los clados de L son L0, L1, L2, L3, L4, L5 y L6 relacionados filogenéticamente del siguiente modo:


title: Virgen de la Peña (Fuerteventura)

text: Nuestra Señora de la Peña es una advocación mariana que representa a la Virgen María. La Virgen de la Peña, es la Patrona de la isla de Fuerteventura. Se encuentra entronizada en la Ermita de Nuestra Señora de la Peña situada en el Valle de la Vega de Río Palmas (Betancuria).


title: Virgen de la Peña (Fuerteventura)

text: Esta imagen de la Virgen María, de alabastro y de autor anónimo, fue llevada a Fuerteventura por conquistadores de Normandía en el siglo XV, se cree que en torno al año 1402. Se trata de la segunda imagen mariana más antigua que existe en Canarias, tras la imagen de Virgen de las Nieves de la isla de La Palma, que data del siglo XIV. Aunque hasta el siglo XIX la imagen mariana más antigua era la primitiva imagen de la Virgen de Candelaria de Tenerife, que era una talla del siglo XIV o anterior y fue encontrada por dos aborígenes guanches en 1390, desapareciendo en un desgraciado temporal en 1826.


title: Virgen de la Peña (Fuerteventura)

text: La imagen de ""La Peñita"" como es llamada cariñosamente en la isla de Fuerteventura, es una obra maestra de pequeñas dimensiones, es una figura sencilla, de 23 cm de altura con el Infante situado en sus rodillas. Es la imagen más pequeña de entre las patronas insulares de Canarias y fue esculpida siguiendo los cánones del gótico francés. Se cree que fue traída de Francia por Juan de Béthencourt, y fue encontrada hacia 1443 en una pequeña gruta al pie de una peña o pequeña montaña por San Diego de Alcalá y Fray Juan de Santorcaz, frailes franciscanos que residieron en el convento de Betancuria. Se cree que la imagen pudo estar entronizada en la parroquia de Betancuria, de la que hubo de ser salvada y escondida cuando el pirata Xabán Arráez destruyó la Villa de Betancuria, para años después ser descubierta en la cuevita bajo la peña en el lugar conocido como Malpaso. Posteriormente en torno a 1567, la talla sería trasladada al valle de la Vega de Río Palmas en donde actualmente se venera.