title: Matriz mitocondrial

text: La regulación dentro de la matriz está controlada principalmente por la concentración de iones, la concentración de metabolitos y la carga energética. La disponibilidad de iones como el Ca controla varias funciones del ciclo del ácido cítrico. En la matriz activa la piruvato deshidrogenasa, la isocitrato deshidrogenasa y la α-cetoglutarato deshidrogenasa, lo que aumenta la velocidad de reacción en el ciclo. La concentración de intermediarios y coenzimas en la matriz también aumenta o disminuye la tasa de producción de ATP debido a los efectos anapleróticos y catapleróticos. El NADH puede actuar como inhibidor del α-cetoglutarato, la isocitrato deshidrogenasa, la citrato sintasa y la piruvato deshidrogenasa. La concentración de oxaloacetato, en particular, se mantiene baja, por lo que cualquier fluctuación en esta concentración sirve para impulsar el ciclo del ácido cítrico. La producción de ATP también sirve como medio de regulación al actuar como inhibidor de la isocitrato deshidrogenasa, la piruvato deshidrogenasa, los complejos proteicos de la cadena de transporte de electrones y la ATP sintasa. El ADP actúa como activador.


title: Matriz mitocondrial

text: La mitocondria contiene su propio conjunto de ADN utilizado para producir las proteínas que se encuentran en la cadena de transporte de electrones. El ADN mitocondrial sólo codifica unas trece proteínas que se utilizan para procesar los transcritos mitocondriales, las proteínas ribosómicas, el ARN ribosómico, el ARN de transferencia y las subunidades proteicas que se encuentran en los complejos proteicos de la cadena de transporte de electrones.


title: Bernardino Vázquez de Tapia

text: Bernardino Vázquez de Tapia, fue un soldado conquistador español, regidor de la Villa Rica de la Vera Cruz, regidor y alcalde de la Ciudad de México, así como cronista de Indias, originario de Oropesa, Provincia de Toledo, se estima que nació en la última década del siglo XV, fue hijo de Pedro Sánchez Vázquez y Marina Alfonsa de Balboa, a pesar de quedar huérfano a temprana edad, fue respaldado por prominentes familiares:  Viajó al continente americano, estando bajo las órdenes de Pedro Arias Dávila en Castilla de Oro, actual territorio de Colombia y Panamá; regresó a la isla de Cuba participando en las “campañas de pacificación”, por lo que terminadas las actividades militares fue encomendero en la isla.


title: Bernardino Vázquez de Tapia

text: En 1518, participó como alférez general en la expedición capitaneada por Juan de Grijalva a la península de Yucatán, Tabasco y Veracruz. Al año siguiente, en 1519 se unió a las fuerzas armadas de Hernán Cortés, fue nombrado regidor del ayuntamiento de la Villa Rica de la Vera Cruz, y participó en la conquista de Tenochtitlan.


title: Bernardino Vázquez de Tapia

text: Una vez pactada la alianza con los tlaxcaltecas, realizó una inspección de avanzada junto con Pedro de Alvarado cuyo objetivo era determinar la mejor ruta a tomar por los conquistadores españoles hacia Tenochtitlan, pero en la misión cayó enfermo con fuertes calenturas quedándose en un pueblo. Más tarde se reunió nuevamente con el resto de la tropa en Cholula. Vázquez de Tapia fue quién acusó a Pedro de Alvarado de haber torturado a Cacama, rey de Texcoco.


title: Bernardino Vázquez de Tapia

text: Terminada la conquista de México, Vázquez de Tapia tuvo a su cargo las encomiendas de Huitzilopochco, Cuametitlan y Tlapa, las minas de Ayoteco, y el pueblo de Churubusco por lo que su fortuna personal aumentó, Bernal Díaz del Castillo en su Historia verdadera de la conquista de la Nueva España describió a Vázquez de Tapia como ""persona prominente y rica"". Además se integró a la sociedad política del Virreinato de Nueva España, fue regidor del ayuntamiento de la Ciudad de México en 1524, y fue alcalde en 1526, 1541 y 1549.


title: Bernardino Vázquez de Tapia

text: En 1552 fue nombrado "“Alférez Real”" y regidor decano del ayuntamiento (en su relación de méritos dice haber sido regidor por 22 años), durante su vida política tuvo desavenencias con Hernán Cortés y con el virrey Antonio de Mendoza.


title: Bernardino Vázquez de Tapia

text: Siendo aún rey Carlos I, el obispo dominico Bartolomé de las Casas promovió que en las Leyes de Indias se contemplará que los oficiales reales no tuvieran derecho a las encomiendas y que éstas dejaran de ser hereditarias. El rey Carlos I autorizó estas "“Leyes Nuevas”" el 20 de noviembre de 1542 causando una gran controversia en el Continente americano, a tal punto que en el Virreinato del Perú, Gonzalo Pizarro llevó a cabo una rebelión de los encomenderos logrando deponer al virrey Blasco Núñez Vela.


title: Bernardino Vázquez de Tapia

text: En la Nueva España, el virrey Antonio de Mendoza, difirió la entrada en vigor de las "“Leyes Nuevas”" realizando una apelación conjunta con todos los encomenderos quienes aportaron muchísimas relaciones de méritos y servicios.  Este fue el motivo de la redacción de la “Relación de méritos y servicios del conquistador Bernardino Vázquez de Tapia, vecino y regidor de esta gran ciudad de Tenuxtitlan México”, que relata las acciones militares en las que tomó parte el autor, actualmente el documento se encuentra en la Real Biblioteca de San Lorenzo de El Escorial.


title: Bernardino Vázquez de Tapia

text: El 20 de octubre de 1545, el Consejo de Indias derogó las polémicas Leyes Nuevas, tanto por la apelación en el virreinato de Nueva España como por las sublevaciones en el virreinato del Perú.


title: Bernardino Vázquez de Tapia

text: En 1542 Vázquez de Tapia fue miembro y rector de la cofradía que fundó el “Colegio de la niñas de nuestra señora de la caridad”, y adquirió una casa para utilizarla como recinto del colegio, ese inmueble actualmente es el edificio del “Club de banqueros de México”.


title: Bernardino Vázquez de Tapia

text: En ese mismo año se redactó “La probanza de méritos y servicios de doña Marina”, en donde Vázquez de Tapia declaró tener una edad de más de cuarenta años, es por esta razón que se puede hacer un cálculo estimado del año de su nacimiento, actualmente el documento de doña Marina conocida también por el apelativo de “La Malinche” se encuentra en el Archivo General de Indias.


title: Bernardino Vázquez de Tapia

text: Se desconoce la fecha de la muerte de Vázquez de Tapia, pero se sabe que murió de muerte natural.


title: El Triunfo (Chiapas)

text: El Triunfo es una reserva de la biósfera ubicada en las montañas de la Sierra Madre de Chiapas, al sur del estado de Chiapas, México. Fue establecida el 13 de marzo de 1990, en un área de 119.177 hectáreas.


title: El Triunfo (Chiapas)

text: Ubicada en la zona de transición entre las regiones biogeográficas neoártica y neotropical, las montañas de la Sierra Madre de Chiapas capturan las variedades tropicales más norteñas y más sureñas de muchas especies de flora y fauna.


title: El Triunfo (Chiapas)

text: La reserva protege algunas de las últimas extensiones que todavía existen de bosque nuboso de América Central y de bosque perennifolio tropical de la costa del Pacífico y es, literalmente, el último refugio para docenas de especies raras, endémicas y en peligro de extinción, incluyendo aves tales como el resplandeciente quetzal, la tángara celeste ("Tangara cabanisi"), el pavón cornudo ("Oreophasis derbianus"), el tucansillo verde ("Aulacorhynchus prasinus") y mamíferos como el puma y el mono araña. En la reserva se registraron 378 aves, 55 reptiles, 112 mamíferos y más de 2.000 especies de plantas que florecen.


title: El Triunfo (Chiapas)

text: La temperatura fluctúa entre los 12ºC y 18ºC.


title: El Triunfo (Chiapas)

text: Se accede a ella por Jaltenango de la Paz, 150 km al sur de Tuxtla Gutiérrez.


title: El Triunfo (Chiapas)

text: La vida en El Triunfo se debe al bosque de niebla, un tipo de ecosistema sumamente raro y difícil de encontrar, que tiene la mayor biodiversidad por unidad de área, así como la mayor capacidad de obtención de agua por la condensación de la niebla -de ahí su nombre. Esta característica es muy importante porque permite que los árboles recarguen los mantos acuíferos y que la energía eléctrica de las presas La Angostura, Chicoasén y Mal Paso trabajen de forma óptima para servicio de todo el país. Este bosque, también llamado mesófilo, ha perdido más del 90% de su superficie original y hoy en día es el tipo de ecosistema más amenazado en todo el planeta; sus árboles, mamíferos, aves, reptiles, plantas y flores corren peligro de desaparecer para siempre.


title: El Triunfo (Chiapas)

text: Algunas de las especies endémicas de la Reserva de la Biosfera El Triunfo que están amenazadas son: el quetzal, el pavón, el pajuil, el zopilote rey, la tangara azul, la salamandra del cerro, el lagarto orejas de espina, la nauyaca bicolor arborícola, el jaguar, el venado temazte, el ocelote, el yaguarundi, el tapir y muchas más especies que son parte de la riqueza y belleza mexicana, así como parte de los mitos y deidades más ancestrales.


title: El Triunfo (Chiapas)

text: Este ecosistema, como cualquier otro, es vulnerable a los fenómenos naturales como las tormentas tropicales, los incendios forestales o los huracanes -como Stan que pegó en octubre de 2005 y acabó con mucha vida en esta zona-, los cuales pueden causar desastres ecológicos. Si a ello le sumamos la mano del hombre y el mal uso que le da al suelo mediante actividades como la ganadería y agricultura, entonces el peligro que corre El Triunfo es aún mayor. Por fortuna, actualmente existen muchas personas interesadas en proteger este ecosistema, único en su tipo, así como asociaciones civiles que con el paso del tiempo idean más y más proyectos para su conservación.


title: Gomorra (libro)

text: Gomorra - Viaggio nell'impero economico e nel sogno di dominio della camorra es la primera obra del escritor italiano Roberto Saviano. Publicado en 52 países, ha vendido 2.250.000 copias en Italia, y unos 10 millones en el resto del mundo, siendo elegido por la RAI como el "libro del año" de 2008 en Italia.


title: Gomorra (libro)

text: Saviano funde en forma de novela hechos autobiográficos, periodismo de investigación y análisis social para describir a la camorra en sus dimensiones económicas, empresariales, sociales y ambientales.


title: Gomorra (libro)

text: El libro se propone contar los mecanismos con los que el mundo camorrista de la Campania y de la periferia napolitana ha extendido sus horizontes de negocios a nivel internacional, con la complicidad de la clase política y empresarial. En el libro aparecen historias de las principales familias camorrista el Clan Di Lauro, los Nuvoletta, o el Clan dei Casalesi.Los derechos "Gomorra" han sido adquiridos en 33 países, situándose en las listas de superventas en Alemania, Holanda, España, Francia, Suecia y Finlandia, además de estar entre los 10 libros más vendidos en línea.


title: Gomorra (libro)

text: En 2008 se realizó una adaptación cinematográfica, con el mismo nombre, dirigida por Matteo Garrone y producida por la productora "Fandango". La película fue de las más vistas del año en Italia: alcanzó unos ingresos de diez millones de euros aproximadamente y consiguió el gran premio del jurado en el Festival de Cannes.


title: Gomorra (libro)

text: También en 2008 se realizó una adaptación para teatro, por parte del director Mario Gelardi, en la que se profundiza en alguno de los personajes del libro.


title: Gomorra (libro)

text: En mayo de 2014 se estrenó la serie de televisión "Gomorra: La serie", producida por Sky Italia y bajo la dirección de Stefano Sollima.


title: Gomorra (libro)

text: El éxito del libro le ha generado a Saviano numerosas amenazas de muerte provenientes de algunas de las principales redes mafiosas. El propio autor reconoce que el éxito de su novela le ha condenado a muerte. Habitualmente, Saviano es escoltado por cuatro "carabinieri".


title: Homi K. Bhabha

text: Homi K. Bhabha (nacido el 1 de noviembre de 1949) es un teórico del poscolonialismo de origen indio. Ahora enseña en la Universidad de Harvard donde es profesor de literatura inglesa y estadounidense, y director del Centro de Humanidades.


title: Homi K. Bhabha

text: Bhabha nació en una familia parsi de Bombay, India. Asistió a la Universidad de Bombay y al Christ Church College de Oxford. Ha ejercido la docencia y la investigación en varias universidades, como Princeton, Pensilvania, Darthmouth College, la Universidad de Chicago, University College de Londres y Harvard, donde actualmente es el profesor "Anne F. Rothenberg" de literatura inglesa y norteamericana. Sus obras críticas más reconocidas son "Nación y narración" (1990) y "El lugar de la cultura" (1994, con correcciones en 2002).The Critical Theory Institute, University of California, Irvine https://web.archive.org/web/20080920150618/http://sun3.lib.uci.edu/~scctr/Wellek/bhabha/index.html


title: Historia de la música folklórica de Argentina

text: La música folklórica de Argentina encuentra sus raíces en la multiplicidad de culturas indígenas originarias. Cuatro grandes acontecimientos históricos-culturales la fueron moldeando: la colonización española y la inmigración africana forzada causada por el tráfico de esclavos durante la dominación española (siglos -); la gran ola de inmigración europea (1880-1950) y la gran migración interna (1930-1980).


text: Aunque estrictamente "el folklore" solo es aquella expresión cultural que reúne los requisitos de ser anónima, popular y tradicional, en Argentina se conoce como "folklore" o "música folklórica" a la música popular de autor conocido, inspirada en ritmos y estilos característicos de las culturas provinciales, mayormente de raíces indígenas y afro-hispano colonial. Técnicamente, la denominación adecuada es música de proyección folklórica de Argentina.


text: En Argentina, la música de proyección folklórica comenzó a adquirir popularidad en los años treinta y cuarenta del siglo XX, en coincidencia con una gran ola de migración interna del campo a la ciudad y de las provincias a Buenos Aires, para instalarse en los años cincuenta, con el «boom del folklore», como género principal de la música popular nacional junto al tango.


text: En los años sesenta y setenta se expandió la popularidad del «folklore» argentino y se vinculó a otras expresiones similares de América Latina, de la mano de diversos movimientos de renovación musical y lírica, y la aparición de grandes festivales del género, en particular del Festival Nacional de Folklore de Cosquín, uno de los más importantes del mundo en ese campo.


text: Luego de ser seriamente afectado por la represión cultural impuesta por la dictadura cívico militar instalada entre 1976-1983, la música folklórica resurgió a partir de la Guerra de las Malvinas de 1982, aunque con expresiones más relacionadas con otros géneros de la música popular argentina y latinoamericana, como el tango, el llamado «rock nacional», la balada romántica latinoamericana, el cuarteto y la cumbia colombiana.


text: La evolución histórica fue conformando cuatro grandes regiones en la música folklórica argentina: la cordobesa-noroeste, la cuyana, la litoraleña y la surera pampeano-patagónica, a su vez influenciadas por, e influyentes en, las culturas musicales de los países fronterizos: Bolivia, sur de Brasil, Chile, Paraguay y Uruguay. Atahualpa Yupanqui es unánimemente considerado como el artista más importante de la historia de la música folklórica de la Argentina.


text: Salvador Canals Frau en su libro "Prehistoria de América", enseña que la música, junto al canto y la danza, posiblemente aparecieron en América junto con los primeros seres humanos que llegaron a ese continente. Entre los primeros instrumentos musicales encontrados en Sudamérica, se encuentran la flauta primitiva y la churinga, está última de gran difusión en Australia y que está especialmente presente en las culturas patagónicas, una de las similitudes tenidas en cuenta por el antropólogo Antonio Méndes Correia, para sostener su hipótesis sobre el origen australiano del hombre americano y su ingreso por el extremo sur del continente.


text: En el actual territorio argentino existieron cuatro grandes áreas de culturas indígenas: la centro-andina, la mesopotámica-litoraleña, la chaqueña y la pampeana-patagónica. Las dos primeras caerían bajo dominio español a partir del siglo XVI, pero las dos segundas se mantendrían independientes hasta fines del siglo XIX. El Instituto Nacional de Musicología Carlos Vega posee una colección de más de 400 instrumentos musicales indígenas y folklóricos, cada uno de ellos con su respectivo análisis organológico, algunos de los cuales pueden ser vistos en el Museo Virtual de Instrumentos Musicales que el mismo mantiene en su sitio web.


text: Las culturas del área centro-andina se caracterizaron por haber desarrollado civilizaciones agrocerámicas sedentarias. Estas culturas han tenido una alta influencia en el folklore argentino «andino», tanto con referencia a los instrumentos, como a los estilos musicales, las líneas estético-musicales, e incluso el idioma, principalmente el quechua. Entre los instrumentos su influencia ha sido decisiva para el desarrollo de los instrumentos de viento, característicos del folklore andino, como el siku, la quena, el pincullo, el erque, la ocarina de cerámica, etc., construidos generalmente en escala pentatónica, así como la caja, que ocupa un papel central en el canto bagualero.


text: Entre los estilos musicales indígenas, aportados al folklore argentino, se destaca la baguala, procedente de la nación diaguita-calchaquí. También el yaraví, antecedente de la vidala, y el huayno, provienen de la civilización andina prehispánica. El carnavalito jujeño, danza prehispánica de gran importancia folklórica, ya se bailaba en la zona norte a la llegada de los europeos. La chaya, que luego caracterizaría al folklore riojano, también proviene del arte diaguita dedicado a celebrar la cosecha.


text: Leda Valladares, especialmente, ha puesto de manifiesto la importancia del canto con caja en la cultura andina.


text: En el área litoraleña, se destacó la cultura agro-cerámica guaraní, de la cual provienen gran cantidad de elementos del folklore actual. Muchos de estos elementos desaparecieron con la conquista, como la mayoría de los instrumentos musicales (congoera, tururu, mburé, mbaracá, guatapú mimby, etc).


text: Durante la colonización española, la cultura guaraní evolucionaría de modo especial en las misiones jesuíticas, creando una cultura musical autónoma, que influiría considerablemente en el folklore litoraleño argentino.


text: A diferencia de las regiones centro-andina y mesopotámica-litoraleña, España no logró conquistar a los pueblos indígenas que vivían en las regiones chaqueña y pampeana-patagónica, los que finalmente resultaron militarmente sometidos por el Estado argentino entre fines del siglo XIX y principios del siglo XX. Por esta razón, en muchos casos, la música indígena en estas áreas es interpretada, aún en el presente, sin fusiones con la música proveniente de otras culturas presentes en Argentina.


text: En el área pampeana-patagónica se instalaron diversas culturas, entre ellas las más antiguas de las que vivieron en el actual territorio argentino. Algunos de estos pueblos son: tehuelche, pehuenche, mapuche, ranquel, yagán, selknam, etc. De todas ellas, la cultura mapuche logró dominar gran parte de la región, a partir del siglo XVII, «mapuchizando» a las culturas patagónicas y pampeanas, con excepción de las fueguinas.


text: La música mapuche aún sigue interpretándose como se hacía antes de la llamada Conquista del Desierto (1876-1880), la guerra mediante la cual Argentina conquistó los territorios pampeano-patagónicos. Se caracteriza por un fuerte componente sacro, en la que el canto a cappella tiene un rol destacado, y el uso de instrumentos musicales de invención propia, como el cultrún, la trutruca, el torompe, la cascahuilla y la pifilca. Entre los estilos musicales origen mapuche se destaca el loncomeo, que incluye una danza grupal al son de cajas y cuernos.


text: Entre los testimonios de música indígena patagónica, se destacan las grabaciones de canciones selk’nam (onas) y yaganes realizadas por Charles Wellington en 1907 y 1908. También constituye un documento de gran valor las canciones interpretadas por Lola Kiepja, conocida como «la última selk’nam», recopiladas por Anne Chapman en dos discos producidos por el Museo del Hombre de París, bajo el título "Selk’nam chants of Tierra del Fuego, Argentina" (Cantos selk’nam de Tierra del Fuego, Argentina), algunas de las cuales pueden escucharse en Internet.


text: En el área chaqueña se asentaron culturas como la guaycurú (abipones, mbayáes, payaguáes, mocovíes, wichís y pilagás), la qom y la avá guaraní. El igual que las culturas pampano-patagónicas, tuvieron en común el haber resistido la conquista española e impedido la colonización.


text: Los indígenas chaquenses utilizaron —y aún siguen utilizando— una gran variedad de instrumentos musicales, como el novike o n’vike, el cataqui o tambor de agua, el yelatáj chos woley (arcos musicales), la guimbarda o trompl, los sonajeros de uñas y de calabaza, el coioc, el naseré, el sereré, y las flautillas chaqueñas.


text: La música de las culturas chaquenses tiende a la interacción del músico con los sonidos naturales. Instrumentos como el naseré, el sereré y el coioc, simulan el canto de los pájaros y provocan la respuesta de estos, que se integran de ese modo a la experiencia musical. Uno de los principales instrumentos de estas culturas, el nobique o n’vike, un instrumento de una cuerda similar al laúd, ha inspirado una leyenda musical, que le atribuye al instrumento haber dado origen al lucero del alba (Venus).


text: Entre los cantos ancestrales que se han preservado se encuentra "Yo ’Ogoñí" (‘el amanecer’), un cántico qom que se realizaba diariamente para cantar al nacimiento del sol.


text: Entre los grupos y artistas que ejecutan música indígena chaquense, se encuentra el Coro Toba Chelaalapi, algunas de cuyas interpretaciones pueden ser escuchadas en Internet.


text: Los africanos llevados como esclavos a Argentina durante el período colonial, y sus descendientes nacidos en el territorio que hoy es Argentina (afro-argentinos), contribuyeron en la construcción de la Nación Argentina y su cultura. No es una excepción la música, y dentro de esta la música folklórica.


text: El candombe fue folklore hasta poco después la caída de Rosas (ver el artículo Candombe). Se sigue interpretando en el presente, en varias de sus versiones (afro-porteño, afro-correntino, etc.); entre ellos destaca el candombe porteño. Además se conservan otros ritmos afro-argentinos como la zemba o charanda, ritmo asociado al culto de San Baltazar que se realiza en el Nordeste argentino, en especial en Corrientes y Chaco.


text: En cuanto al folklore argentino, reconocido como tal desde hace años hasta hoy en día, que tiene influencia africana y afro-argentina, destacan: la chacarera, la payada, la milonga campera, el malambo (danza), y -quizás- el gato (danza). También tienen influencias africanas el tango y la milonga ciudadana. En esta última los afro-argentinos influyeron, sobre todo, en su danza. También la murga porteña, tiene varios ingredientes recibidos por parte de los afro-porteños y su candombe; de modo que al fusionarse estos ritmos con otros no africanos, surgió la murga argentina.


text: Mientras que el origen exacto de la chacarera sigue siendo poco conocido, se cree -y algunos afirman- que tuvo origen en Salavina, (Provincia de Santiago del Estero). Esta danza tiene una clara influencia africana notada en el ritmo ágil, sobre todo en el toque del bombo legüero. Esto se podría comprender, si se tiene en cuenta la gran cantidad de afrosantiagueños que había en los siglo XVIII y XIX en Santiago del Estero; y sabiendo que casi un 70% de la población de Salavina a mediados-finales del siglo XIX (época en la que se gestó la chacarera), era afroargentina. También, el historiador Juan Álvarez, mediante el principio comparativo melorítmico de la escuela de Berlín, estableció (más que posibles) filiaciones afro en estilos musicales como el tango, la milonga bonaerense, el caramba y el marote.


text: De esta manera, la chacarera tendría grandes aportes africanos, al igual que el malambo (danza) (cosa que se ve en el vivaz zapateo, que comparte raíces africanas con los pequeños zapateos afro-peruanos), el tango, la payada, el gato (ritmo que influyó mucho en la chacarera), la milonga campera pampeana, y la danza de la milonga ciudadana.


text: La colonización española aportó los criterios estéticos, técnicas e instrumentos característicos de la música europea. El mestizaje biológico y cultural que caracterizó la colonia, llevó al desarrollo de danzas, instrumentos y técnicas musicales propias (mestizas o criollas), que tendrán una influencia decisiva en el folklore argentino.


text: Entre los aportes europeos más importantes se destacan la vihuela o «guitarra criolla» y el bombo legüero, y un instrumento nuevo, el charango, una guitarrilla europea similar al tiple de las Islas Canarias, fabricado con la caparazón de un armadillo, de gran importancia para el folklore norteño andino.


text: Entre los más antiguos ritmos folklóricos coloniales se destacan la vidala y la vidalita, cantos de honda influencia indígena prehispánica, originariamente sagrados y de proyección cósmica, derivadas de la baguala y el yaraví prehispánicos, acompañadas con la caja andina o el bombo.


text: En las misiones jesuíticas los guaraníes desarrollaron una música de estilo único, apoyada en el cordófono (arpa) y una especie precursora del acordeón. Los misiones guaraníes fabricaron todo tipo de instrumentos: órganos, arpas, violines, trompas, cornetas, clavicordios, chirimías, fagotes y flautas. Allí aparece el chamamé tradicional.


text: En el sur de la colonia española en el Río de La Plata, en la frontera con el territorio indígena, se desarrolló una música gaucha, de naturaleza individual, con presencia protagónica de la guitarra criolla y el canto solista. Entre las danzas se destaca el malambo, un zapateo masculino, nacido a principios del siglo XVII. De gran importancia fueron las payadas, duelos de guitarra y canto entre gauchos.


text: También en la zona del Río de la Plata, sobre fines del siglo XVIII apareció el candombe, estilo musical y danza creada por los esclavos de origen africano, basada en ritmos de tamboril.


text: La independencia de España trajo consecuencias muy importantes para el desarrollo de la música folklórica argentina, al igual que en los demás países hispanoamericanos. En los años inmediatamente posteriores a la Revolución de mayo de 1810, que dio origen al proceso independentista, aparecen muchas de las danzas y estilos características del folklore argentino, como el cielito, el pericón, el gato, el cuándo, el escondido, el triunfo. En general se trata de estilos vivaces y picarescos, de raíz popular, que contrastaban con los estilos de salón preferidos por la cultura colonial española.


text: «El cielito fue el gran canto popular de la Independencia. Atraído por la revolución, vino de las pampas bonaerenses, ascendió a los estrados, se incorporó a los ejércitos y difundió por Sudamérica su enardecido grito rural». Entre los cielitos patrióticos se destacan claramente los compuestos por el oriental Bartolomé Hidalgo, fundador de la literatura gauchesca. Uno de ellos dice:


text: El pericón adquirió el carácter de una danza patriótica, tanto en la Argentina como en Paraguay y Uruguay —que inicialmente habían permanecido unidos—. También fue llevado a Chile por José de San Martín, en 1817. En 1887, el músico uruguayo Gerardo Grasso compuso el "Pericón nacional", tema que es el que se baila en el presente en ambos países.


text: También el triunfo apareció entonces como danza, para festejar, precisamente, el triunfo independentista. Una de las letras más antiguas dice:


text: Las guerras de Independencia y civiles impulsaron también el ascenso de las vidalitas, rescatadas por «las cholas tucumanas» para el canto de los soldados en campaña, debido a su contenido «excluyente de penas y cargadas de chanzas, contraponiéndose a los lamentos de la vidala». De esta corriente surgieron las vidalitas de las guerras civiles entre unitarios y federales, como la famosa Vidalita de Lamadrid:


text: El bando unitario también ha legado una vidalita histórica:


text: Entre todos los estilos surgidos en este período, fue el gato el que alcanzó la mayor popularidad y se convirtió en el preferido de la cultura gauchesca. El gato, un estilo vivaz y picaresco, introdujo en la década de 1830, también las relaciones, un tipo de coplas humorísticas que los bailarines recitan al detenerse la música, que también se realizaron en el cielito, el pericón y los aires. En las décadas siguientes las relaciones se combinarían con el «aro-aro», característico de la cueca, un grito que pronunciaban los asistentes al baile o los músicos, que tenía la virtud de suspender instantáneamente la música, para dar paso a un momento de brindis o relaciones humorísticas. Esta costumbre de combinar el humor y la música pasaría en la segunda mitad del siglo XIX a la chacarera y el chamamé.


text: De esta época data un personaje legendario, Santos Vega, que es el primer músico popular famoso del folklore argentino. Según la leyenda, Santos Vega era un payador tan extraordinario que se atrevió a payar con el diablo, luego de lo cual desapareció para siempre, sin que volviera a saberse de él.


text: La gran oleada inmigratoria sucedida entre 1880-1950, principalmente europea, influiría en la música popular argentina.


text: Desde entonces, el tango y el folklore aparecieron como formas diferenciadas y hasta encontradas de la música popular argentina: el tango como la «música ciudadana», mientras que el folklore quedó identificado con la música rural. Durante varias décadas el tango se instaló como la música popular argentina, postergando al folklore, que permaneció aislado en los ámbitos locales de cada región.


text: Previamente a este período aparecen algunos géneros fundamentales del folklore argentino, como la chacarera, la zamba, la milonga campera o simplemente "milonga" (décadas antes de la milonga ciudadana) y la arunguita.


text: La chacarera parece haber nacido a mediados del siglo XIX, en Santiago del Estero (se dice que en Salavina), pero su origen histórico se desconoce. En la Chacarera se nota influencia afro, sobre todo en su ritmo, por la población de afrosantiagueños en los siglo XVIII y XIX. La primera partitura de chacarera que se conoce la daría Andrés Chazarreta, 1911.


text: Para fines de la década de 1860 aparece la zamba argentina, estilo nacional argentino por excelencia, diferenciándose de la zamacueca afroperuana, de la cual deriva, ingresada a la Argentina entre 1825 y 1830 a través de Bolivia. La "Zamba de Vargas" es la más antigua de las que se tiene registro y fue posiblemente la primera en aparecer con las características de la zamba argentina. Cabe decir, que la cueca tiene casi el mismo ritmo que la zamba aunque con un tempo más rápido, por lo cual son géneros diferentes


text: Por el oeste, desde Chile, la cueca ingresa en Cuyo y en La Rioja transformándose en cueca riojana. La cueca norteña (o "chilena" a secas), se estableció en Jujuy, expandiéndose a Salta y Tucumán a fines del siglo XIX. Aunque se la conoce en el NOA como "chilena" musical, coreográficamente presenta diferencias con la cueca chilena, ya que es una versión más antigua de la cueca que ingresó a la Argentina desde Perú a través de Bolivia. En general se reserva el nombre de "chilena" para las cuecas bimodales.


text: En la segunda mitad del siglo XIX aparece en el Nordeste el chamamé (adquirió este nombre en la década del '30), como resultado de la fusión de las músicas de los inmigrantes alemanes, polacos, ucranianos y judíos (principalmente la polka y el "shottis") con los ritmos de la cultura indígena guaraní y de las tradiciones afro-rioplatenses. El chamamé y el purajhei o polka paraguaya, serían el eje alrededor del cual se estructuraría la música litoraleña, como una de las grandes ramas de la música folklórica argentina. Al igual que el tango, las danzas litoraleñas adoptaron una coreografía de pareja enlazada con libertad para los bailarines, que se realizaban en "bailantas" populares. Desde entonces el término «bailanta» se extendería por todo el país para designar los bailes populares.


text: A las últimas décadas del siglo XIX corresponden payadores famosos como el porteño afroargentino Gabino Ezeiza o el santiagueño José Enrique Ordóñez (el Zunko Viejo). Por la misma época el circo criollo —aparecido en la década de 1840—, además de dar nacimiento al teatro nacional, solía incluir números de danzas folklóricas.


text: Ya desde fines del siglo XIX había comenzado un esfuerzo por recuperar el folklore como música nacional, impulsado por recopiladores como Ernesto Padilla, Andrés Chazarreta y Juan Alfonso Carrizo, o compositores-cantores como Saúl Salinas, padre de la tonada cuyana. La música folklórica comienza a divulgarse por el norte del país y para los años veinte ya está lista para proyectarse nacionalmente.


text: El resurgimiento nacional del folklore se fue produciendo por etapas. El 25 de agosto de 1906 Andrés Chazarreta realizó un histórico recital de guitarra en el Teatro Cervantes de Santiago del Estero que inició con la interpretación de "Zamba de Vargas", una canción popular anónima, probablemente la primera en tomar forma de zamba argentina, a la que se le ha atribuido haber sido tocada durante la trágica Batalla de Pozo de Vargas de 1867 provocando la victoria santiagueña, y que el propio Chazarreta recopiló tomándola de su entorno familiar. En ese momento se denominaba «música nativa» —el término «folklore» y «música folklórica» para referirse a la música popular inspirada en ritmos pertenecientes al folklore aparecería en los años cincuenta— y el propio Chazarreta formó su Compañía de Arte Nativo del Norte Argentino, que debutó el 19 de junio de 1911 y con la que recorrería el país.


text: Por entonces, Buenos Aires se constituyó en centro para la difusión masiva de la música argentina, debido a la vitalidad de su mundo del espectáculo, a ser la sede de las compañías grabadoras de discos (los primeros discos argentinos para gramófono se grabaron en 1902), y la sede de las principales radioemisoras (Buenos Aires fue la ciudad en la que se realizó la primera transmisión radial de la historia, el 27 de agosto de 1920).


text: Si bien en los años '10 el dúo Gardel-Razzano —que provenían del mundo de la payada y la milonga campera—, integró su repertorio casi con exclusividad con canciones de base folklórica ("El sol del 25", "El moro", "El pangaré"), se considera que el momento clave del resurgimiento del folklore argentino fue la histórica representación que Andrés Chazarreta en Buenos Aires, el 16 de marzo de 1921 en el teatro Politeama, donde con gran éxito expuso sus recopilaciones de canciones populares como "Zamba de Vargas", "La López Pereyra" (compuesta por Artidorio Cresseri en 1901), "La Telesita", etc. En 1925 grabaría para el sello Elektra su primer simple, con "La 7 de abril" y "Santiago del Estero".


text: A partir de mediados de 1930, la ola inmigratoria proveniente de ultramar comenzó a decaer, a la par que se generó una gran ola migratoria interna, del campo a la ciudad y de las provincias (el «interior») a Buenos Aires. Este último proceso llevó el folklore a Buenos Aires, especialmente, y preparó las condiciones para lo que se llamaría el «boom del folklore» en los años cincuenta y sesenta. La escasa importancia concedida a la música folklórica queda de manifiesto en una nota publicada por la revista "Sintonía" en 1935, titulada «Recital indígena por Radio Fénix» en la que realizaba la crónica de la presentación de un joven cantante, Atahualpa Yupanqui: El 1 de octubre de 1937 el sanjuanino Buenaventura Luna "(Sentencias del Tata Viejo)" y su grupo La Tropilla de Huachi Pampa "(Entre San Juan y Mendoza)", del que formaba parte el Dúo Tormo-Canales (Antonio Tormo y Diego Canales) debutaron en Radio El Mundo de Buenos Aires, abriendo camino a la difusión masiva de la música folklórica; el éxito llevó a la emisora a poner en el aire en 1939, el programa folklórico "El Fogón de los Arrieros".


text: En los años cuarenta se destacó el éxito nacional del grupo santiagueño Los Hermanos Ábalos "(Nostalgias santiagueñas", "De mis pagos", "Chacarera del rancho)", surgidos en 1939, y la aparición de una generación de músicos clásicos, que utilizarían en sus composiciones los estilos musicales del folklore argentino, especialmente Carlos Guastavino y Alberto Ginastera. En esta década se generalizaron también los dúos folklóricos, como el ya mencionado Dúo Tormo-Canales, y otros como el Dúo Benítez-Pacheco, el Dúo Hermanos Cáceres, el de las tucumanas Vera-Molina, y conjuntos como el exitoso Llajta Sumac dirigido por el dúo riojano Velárdez-Vergara.


text: En 1942 Los Hermanos Ábalos alcanzaron la fama en todo el país, al aparecer interpretando su "Carnavalito" en la película "La Guerra Gaucha", dirigida por Lucas Demare, con guion del tanguero Homero Manzi —de origen santiagueño—, y Ulyses Petit de Murat. Como precursores de la música litoraleña se destacaron Emilio Chamorro y Osvaldo Sosa Cordero "(Anahí", "Naranjerita)", con actuaciones en Buenos Aires desde los años veinte. El "Tata" Chamorro fundó el conjunto Los Hijos de Corrientes en 1931, definido como «escuela chamamecera», grabó discos para RCA Víctor desde 1935, y aparece en películas como "Cándida" (1939), "Prisioneros de la tierra" (1939) y "Tres hombres del río" (1943). Sosa Cordero logró que su canción "Anahí" fuera incorporada al repertorio escolar de todo el país en 1943 y grabó discos desde 1942 para el sello Odeón, con el conjunto Osvaldo Sosa Cordero y sus Correntinos. En 1942 Ernesto Montiel e Isaco Abitbol fundaron el legendario Cuarteto Santa Ana, aún en actividad, y que fuera el primero en alcanzar un éxito masivo. En los años cuarenta alcanzaría un éxito de difusión el chamamé "Merceditas", interpretada por su autor, Ramón Sixto Ríos; con el paso de los años se convertiría, junto a "Zamba de mi esperanza", en la canción más popular de la historia del folklore argentino.


text: El resurgimiento del folklore se manifestó también en la música clásica, con la aparición de compositores que comenzaron a incorporar ritmos y tonalidades de origen nativo en sus obras. Dos de ellos, Carlos Guastavino y Alberto Ginastera expresaron dos grandes corrientes musicales frente al folklore: el primero encontrando en los ritmos folklóricos un medio para una relación más directa con el gran público; el segundo buscando en los ritmos folklóricos inspiración para experimentar con nuevas formas musicales.


text: Carlos Guastavino, desde fines de los años treinta, desarrolló una notable obra encuadrada en el nacionalismo musical, relacionando íntimamente música clásica y música folklórica. Entre sus obras se destacan "Arroyito serrano" (1939), "La rosa y el sauce" (1942), el ballet "Fue una vez" (estrenado en el Teatro Colón en 1942), "Suite Argentina" (1942), "Tres romances argentinos" (estrenada por la Orquesta Sinfónica de la BBC en 1949), etc. Para "Suite Argentina", Guastavino compuso también la música de una canción clásica del repertorio hispanoamericano, "Se equivocó la paloma", compuesta en 1941 con letra del poeta español Rafael Alberti, por entonces exiliado en Argentina.


text: Alberto Ginastera, desde un estilo menos popular, compuso en la misma época obras de inspiración folklórica, como "Danzas Argentinas op. 2 para piano", "Cinco Canciones Populares Argentinas", "Las horas de una estancia" y "Pampeana nº 1" (1947) y "Ollantay" (1947). Pero fue en especial el estreno de la suite orquestal de su ballet "Estancia", en 1941, la que consagró al músico.


text: En 1948 el simple "Amémonos" (RCA Víctor), interpretado por Antonio Tormo, vendió un millón de placas, superando incluso en ventas a los discos de tango de Carlos Gardel, por entonces líder indiscutido de la música popular argentina. El éxito estaba indicando la popularidad creciente de la música folklórica argentina y anticipaba el "boom del folklore" que se desencadenaría poco después. En 1949 Buenaventura Luna puso en el aire por Radio Belgrano un programa llamado "El canto perdido", con el fin de realizar una «antología bárbara» del «canto perdido en las tradiciones argentinas», con interpretaciones del grupo Los Manseros de Tulum. Al reivindicar «lo bárbaro», Luna se oponía a la dualidad «» que estableció Domingo F. Sarmiento, aceptada como un principio básico de la cultura oficial argentina, incluyendo en la noción de «barbarie» a la cultura folklórica de origen afro-hispano-indígena, y paradigmáticamente la cultura gauchesca.


text: Simultáneamente, en un reportaje radial, Buenaventura Luna ponía de manifiesto el sustrato sociocultural que estaba impulsando la cada vez mayor popularidad de la música de raíz folklórica:


text: Finalmente, el resurgimiento de la música folklórica se manifestó también en la aparición de los estudios e investigaciones sobre el tema, destacándose entre ellos la obra de investigadores como Carlos Vega, Isabel Aretz (1909-2005) y Augusto Raúl Cortázar (1910-1974). Carlos Vega (1898-1966), creó en 1931 el Gabinete de Musicología Indígena en el Museo Argentino de Ciencias Naturales de Buenos Aires, que se organizaría como entidad autónoma en 1948 con nombre de Instituto de Musicología, que llevaría su nombre a partir de 1963. Vega identificó y analizó los instrumentos nativos, y los ritmos y danzas folklóricas de Argentina, difundiendo sus hallazgos en obras fundamentales, como "Danzas y canciones argentinas" (1936), la serie "Bailes tradicionales argentinos" (años cuarenta), "La música popular argentina" (1944), "Música sudamericana" (1946), "Los instrumentos musicales aborígenes y criollos de Argentina" (1946), "Las canciones folklóricas argentinas" (1963), etc.


text: En los años cincuenta se produciría el llamado «boom del folklore», un fenómeno de difusión masiva y gusto por la música popular de raíz folklórica que obedeció a múltiples causas:


text: En 1949, el presidente Juan D. Perón dictó el Decreto 3371/1949 de Protección de la Música Nacional, disponiendo que las confiterías y lugares públicos debían ejecutar un 50% al menos de música nativa, norma consolidada en 1953 con la Ley N.º 14.226, más conocida como Ley del Número Vivo, que ordenaba incluir artistas en vivo en las funciones cinematografícas. Las medidas promovieron una explosión de artistas y grupos folklóricos.


text: En 1950 el cantante mendocino Antonio Tormo lanzó, en disco simple de 78 rpm, la canción "El rancho 'e la Cambicha", de Mario Millán Medina, impulsora del rasguido doble. De la misma se vendieron 5 millones de discos, un récord nunca superado en Argentina, una cantidad que prácticamente implicaba que todos los hogares con tocadiscos habían comprado un ejemplar. De hecho, en aquel 1950 el tango resultó postergado en las ventas, por primera vez, por una canción popular proveniente del folklore.


text: Tormo, llamado «el cantor de los cabecitas negras» y reconocido como el «inventor del folklore de masas», sería prohibido por la dictadura autodenominada Revolución Libertadora que derrocó al presidente Perón en 1955. Ese mismo año Polo Giménez se hizo famoso al estrenar su zamba "Paisaje de Catamarca", grabada en simple y álbum por el conjunto de Carlos Montbrun Ocampo (Nendivei) —en el que Giménez se desempeñaba como pianista—, y difundido en su popular programa "Las Alegres Fiestas Gauchas" en Radio Splendid. El propio Polo Giménez en su libro "De este lado del recuerdo", relata ese momento así:


text: Al mismo tiempo, el pergaminense Héctor Roberto Chavero, mejor conocido como Atahualpa Yupanqui ("Camino del indio", "El arriero", "Luna tucumana", "Criollita santiagueña", "Duerme negrito", "Viene clareando", "Los ejes de mi carreta"), que era perseguido y marginado en Argentina «por comunista y guitarrero», se radicó en Francia, donde alcanzó un éxito rotundo al cantar con Édith Piaf el 7 de julio de 1950. A raíz de eso al año siguiente, grabaría tres discos simples en la discográfica francesa Le Chant du Monde, en los que se destacó la "Baguala de los minores" (sic, por mineros), luego retitulada "Soy minero", antecedente de la canción de protesta latinoamericana, que se extendería en las siguientes dos décadas. A partir de los años sesenta, «don Ata», como se lo llamaba cariñosamente, será reconocido como máximo exponente de la música folklórica argentina de todos los tiempos. Una chacarera con letra del poeta Miguel Ángel Morelli y música de Mario Álvarez Quiroga, llamada precisamente "A don Ata", sintetiza su obra y concluye con el siguiente estribillo:


text: Desde fines de los 1940 se destacaron los autores como los cuyanos Hilario Cuadros, Juan Gualberto Godoy, Eduardo Troncozo, el santafesino Ariel Ramírez, Armando Tejada Gómez, Hamlet Lima Quintana (porteño autor de las letras de varias célebres zambas).


text: En 1956 tres cuartetos fundamentales de la música folklórica argentina lanzan sus álbumes iniciales: "Éxitos de Los Chalchaleros Vol 1", "Los Cantores de Quilla Huasi", y "Canciones de cerro y luna" de Los Fronterizos. En 1957 Jorge Cafrune y Tomás Tutú Campos entre otros forman Las Voces de Huayra.


text: Los Chalchaleros, que habían debutado en 1948 en Salta, no solo incorporaron gran cantidad de temas nuevos al cancionero folklórico popular ("Lloraré", "Zamba del grillo", "Sapo cancionero", etc.), sino que impusieron un estilo musical, a partir de un nuevo modelo de conjunto folklórico básico: cuatro integrantes, con dos barítonos, un tenor y un bajo, que tocan tres guitarras y un bombo.


text: En 1956 Los Chalchaleros lanzan su primer álbum, "Éxitos de Los Chalchaleros (volumen 1)". Impusieron el cuarteto de tres guitarras y bombo como nuevo tipo de conjunto de música folklórica, inspirando la creación de gran cantidad de grupos de estructura similar.


text: Los Chalchaleros se instalaron como uno de los principales conjuntos clásicos del folklore argentino, junto a Los Fronterizos ("El quiaqueño", "Zamba de Anta", "La López Pereyra", Los Cantores del Alba ("La Felipe Varela", "Tonada del viejo amor", "Anocheciendo zambas", "Carpas de Salta"), Los Andariegos ("El cóndor vuelve"), Los de Salta ("Flor de lino", "La compañera"), Los Cantores de Quilla Huasi ("Zamba de la toldería"), Los Tucu Tucu ("Zamba de amor y mar", "Candombe para José"), Los Nocheros de Anta ("Zamba para no morir", "Canción de lejos"), entre tantos otros.


text: El "boom del folklore" también permitió la difusión masiva de músicos y cantantes que en muchos casos ya venían actuando en la escena de la música nativa desde varios años antes, como los virtuosos guitarristas Abel Fleury ("Estilo pampeano") y Eduardo Falú ("Zamba de la Candelaria", "La nochera"), la cantante Margarita Palacios ("Recuerdo de mis valles"), el bandoneonista Payo Solá ("La marrupeña"), el violinista Sixto Palavecino ("La ñaupa ñaupa"), Rodolfo "Polo" Giménez ("Paisaje de Catamarca", "Del tiempo i’mama"), Atuto Mercau Soria y Ariel Ramírez, entre muchos otros. Este último grabaría con Los Fronterizos en 1964 una de las obras culminantes de la música argentina, la "Misa Criolla".


text: En 1965 Tomás Tutú Campos sin dudas una de las voces inigualables que dio el folklore, fundador de dos de los conjuntos más espléndidos de la época, Las Voces de Huayra junto a Jorge Cafrune entre otros, y de Los Cantores del Alba. Tutú es reemplazado en Los Cantores del Alba por Santiago Gregorio Escobar y decide realizar una carrera como sólista donde graba junto a la orquesta de Waldo de los Ríos y también con guitarras de Remberto Narváez y Luis Amaya entre otros, interpretando temas como "Guitarra trasnochada", "Noches isleñas", "El cocherito" y "Llorando estoy" entre otros.


text: En la música litoraleña, en este período también alcanzan el éxito músicos que venían actuando desde los años cuarenta, como Tránsito Cocomarola ("Puente Pexoa", "Kilómetro 11") —en cuyo homenaje se celebra el Día del Chamamé—, y Tarragó Ros ("La guampada" y "A Curuzú") —conocido como el Rey del Chamamé—, a los que se sumaron figuras nuevas como la notable voz de Ramona Galarza ("Merceditas", "Pescador y guitarrero", "Virgencita de Caacupé", "Trasnochados espineles") —llamada la Novia del Paraná. En Entre Ríos, Linares Cardozo realizó una notable obra de preservación del folklore entrerriano, en especial de la chamarrita, además de aportar sus propias obras al cancionero folklórico, como la conocida "Canción de cuna costera" y "Soy entrerriano", considerado el himno de la provincia.


text: En los años sesenta se amplificaría el boom del folklore con el lanzamiento de los grandes festivales de música folklórica como el Festival de Cosquín (1961) y el Festival de Jesús María (1966), pero sobre todo con la aparición y difusión masiva de formas musicales renovadoras, en un proceso de alcance continental que adoptó denominaciones como los de «nueva canción latinoamericana», «proyección folklórica» y «folklore dinámico» o siglas como MPA (Música Popular Argentina), con sus equivalentes en otros países sudamericanos como Brasil (MPB) y Uruguay (MPU).


text: En 1968, el crítico musical Miguel Smirnoff, al presentar el álbum del Cuarteto Vocal Zupay publicado bajo el sugestivo título de "Folklore sin mirar atrás Vol. 2", decía lo siguiente:


text: En 1960, el Chango Farías Gómez formó Los Huanca Huá, un grupo vocal que a partir de la introducción de complejos arreglos polifónicos, renovaría profundamente la música de raíz folklórica en Argentina y América Latina. Los Huanca Hua, en su formación inicial, estaba integrado también por Pedro Farías Gómez —quien asumiría la dirección desde 1966—, Hernán Figueroa Reyes —reemplazado poco después por la notable cantante Marián Farías Gómez—, Carlos del Franco Terrero y Guillermo Urien.


text: El "folklore coral" ya tenía antecedentes como la sorprendente experiencia precursora del Cuarteto Gómez Carrillo en los años cuarenta y cincuenta, o el conjunto Llajta Sumac, Los Andariegos, el Cuarteto Contemporáneo, el Conjunto Universitario "Achalay" de La Plata, y Los Trovadores del Norte "(Puente Pexoa)", ya en los años cincuenta. Pero sería el éxito de Los Huanca Hua lo que impulsaría la formación de grupos vocales en Argentina. Hasta ese momento la mayoría de los conjuntos trabajaba a dos voces, excepcionalmente a tres voces. Los grupos vocales —íntimamente relacionados con un proceso de desarrollo de los coros menos visible pero de gran alcance— comenzaron a introducir cuartas y quintas voces, contrapuntos, contracantos y en general a explorar las herramientas musicales de la polifonía y de antiguas formas musicales diseñadas para el canto, como el madrigal, la cantata, el motete, entre otras.


text: Siguiendo las posibilidades innovadoras para la música folklórica y popular que abrían los arreglos vocales, se crearon entonces varios grupos vocales como el Grupo Vocal Argentino, el Cuarteto Zupay "(Marcha de San Lorenzo)", Los Trovadores "(Platerito)", el Quinteto Tiempo, Opus Cuatro "(A la mina no voy)", Contracanto, Markama "(Zamba landó)", Huerque Mapu, Buenos Aires 8, Quinteto Santa Fe, Cantoral, Anacrusa, Santaires, De los Pueblos, Intimayu, etc. El movimiento se extendió a otros países de la región, principalmente a Chile en donde de forma casi simultánea al caso Argentino explota el movimiento Neofolklórico, con grupos como Los Cuatro Cuartos, Las Cuatro Brujas, Los de Ramon etc, Por la misma época nace Quilapayún y su obra máxima, la "Cantata de Santa María de Iquique" (1969), de enorme influencia en toda América Hispana.


text: También en 1960, con motivo del 150º aniversario de la Revolución de Mayo, Waldo de los Ríos —hijo de la notable cantante Martha de los Ríos "(La Shalaca)"—, ejecutó y grabó en un álbum su "Concierto de las 14 provincias", dando inicio a una expresión musical que combinaría audazmente la música moderna con los ritmos de raíz folklórica, que se manifestaría más adelante en varios álbumes y el quinteto Los Waldos, destacándose su tema "Tero-tero". Un camino similar seguiría Eduardo Lagos.


text: Poco después, el dúo Leda y María, integrado por María Elena Walsh y Leda Valladares, presentó los espectáculos "Canciones para mirar" (1962) y "Doña Disparate y Bambuco" (1963), que «marcaron un hito en la historia cultural de los años sesenta». De allí surgió una forma mucho más abierta de comprender la música folklórica y, sobre todo, una serie de canciones y personajes infantiles que formaron a varias generaciones, con clásicos como "Manuelita", "La vaca estudiosa" en estilo de baguala, "El reino del revés" con forma de carnavalito, entre muchas otras. Separada ya de María Elena Walsh, Leda Valladares se dedicó a recopilar y recrear el canto ancestral andino —al que años más adelante se referirá como «grito en el cielo»—, para confeccionar el "Mapa Musical Argentino", registrado en once álbumes lanzados en esa década.


text: En 1962 los Huanca Hua ganaron el Premio "Revelación Cosquín" junto al trío Tres para el folklore (Luis Amaya, Chito Zeballos y Lalo Homer), quienes ese mismo año lanzaron el álbum EP "Guitarreando", —incluye una interpretación antológica del clásico paraguayo "Pájaro campana"— renovando profundamente el uso de las guitarras en la música folklórica y que se volvería el modelo a seguir.


text: Casi simultáneamente, un grupo de músicos radicados en Mendoza, encabezados por Mercedes Sosa, Armando Tejada Gómez y Oscar Matus, lanzan el Movimiento del Nuevo Cancionero, reivindicando figuras del folklore argentino que habían permanecido marginadas, como Atahualpa Yupanqui y Buenaventura Luna, la necesidad de terminar con el enfrentamiento tango-folklore, y la propuesta de diseñar un cancionero «nacional» y latinoamericano, abierto a todos los estilos, pero que evitara a su vez la música puramente comercial.


text: Aunque muchos folkloristas no adhirieron estrictamente al Movimiento del Nuevo Cancionero, su impacto genérico renovó completamente la canción argentina, abriendo campo a lo que se denominara "música popular argentina" (MPA), un concepto creado con el fin de superar la antinomia folklore-tango o la oposición música tradicional-música moderna. El Movimiento del Nuevo Cancionero se proyectó también como movimiento musical latinoamericano, formando parte del Movimiento de la Nueva Canción.


text: Entre los muchos artistas que adhirieron expresamente al movimiento del Nuevo Cancionero se encuentran César Isella, Hamlet Lima Quintana "(Zamba para no morir)", Ramón Ayala "(El mensú)", Los Andariegos, Quinteto Tiempo "(Quien te amaba ya se va)", Las Voces Blancas "(Pastor de nubes)", Horacio Guarany "(Si se calla el cantor", "Si el vino viene)", el dúo compositor del Cuchi Leguizamón y Manuel J. Castilla "(Balderrama", "La Pomeña)", los Hermanos Núñez "(Chacarera del 55)", Ariel Petrocelli "(Cuando tenga la tierra)", Daniel Toro "(Zamba para olvidarte)", Chito Zeballos "(Zamba de los mineros)", etc.


text: Otra línea renovadora del folklore, denominada música de "proyección folklórica", tuvo exponentes destacados, como el ya mencionado Waldo de los Ríos y Eduardo Lagos. Lagos, quien ya había expresado su visión renovadora en temas como la chacarera "La oncena" (1956), grabaría en 1969 el álbum "Así nos gusta" (1969), en el que también participa Astor Piazzolla, que influiría fuertemente en las nuevas tendencias musicales del folklore. Lagos, fue también el eje de una serie de reuniones de improvisación y experimentación folklórica informal en su casa, bautizadas humorísticamente por Hugo Díaz como "folkloréishons", que a la manera de las "jam sessions" del jazz, solía reunír a Lagos, Piazzola y Díaz, con otros músicos como Domingo Cura, Oscar Cardozo Ocampo, Alfredo Remus y Oscar López Ruiz, entre otros. Por entonces Lagos escribía:


text: Otros folkloristas destacados del período son el charanguista Jaime Torres, el quenista Uña Ramos, el percusionista Domingo Cura, Jorge Cafrune "(El orejano", "Virgen india)", Carlos Di Fulvio "(Guitarrero)", Los del Suquía "(De Alberdi)", Los Visconti "(Mama vieja)", Los Manseros Santiagueños "(Añoranzas)", el bombista y cantante Chango Nieto "(Zamba a Monteros)", el Chango Rodríguez "(Luna cautiva)", Hernán Figueroa Reyes ("El corralero" de Sergio Sauvalle), Las Voces de Orán "(Zamba del fuellista)", Suma Paz, Los Carabajal "(Un domingo santiagueño)", Los Arroyeños "(Que se vengan los chicos)", Los Indios Tacunau, el músico argentino-paraguayo Oscar Cardozo Ocampo "(Zamba del nuevo día)", el intérprete de armónica Hugo Díaz, Coco Díaz ("Para ti a conta"). El "Cuchi" Leguizamón junto al Dúo Salteño aportan con sus interpretaciones una evolución en cuanto a lo melódico, lo armónico y poético.


text: Entre los intérpretes de música sureña o surera, se destacaron José Larralde "(Herencia para un hijo gaucho)", Argentino Luna "(Mire qué lindo es mi país paisano)", Alberto Merlo "(La Vuelta de Obligado)", Roberto Rimoldi Fraga "(Argentino hasta la muerte)", Omar Moreno Palacios ("Sencillito y de alpargatas"), entre otros. En el canto patagónico se destacaron el poeta Marcelo Berbel ("La Pasto Verde") y sus hijos, los Hermanos Berbel "(Quimey Neuquén)", mientras que en la música litoraleña apareció Cacho Saucedo "(Sapukay de triunfo macho)", María Helena "(Canto islero)", el acordeonista Raúl Barboza y Los Hermanos Cuesta "(Juan de Gualeyán)".


text: En 1964 Jorge Cafrune conoció por medio de Los Hermanos Albarracín una zamba compuesta por un empresario de la construcción mendocino, aficionado al folklore, y decidió incluirla en su segundo álbum. La canción era "Zamba de mi esperanza", de Luis Profili, registrada con el seudónimo de Luis H. Morales, y se convertiría, con "Merceditas", en el tema más popular de la música folklórica argentina, tanto nacional como internacionalmente.


text: En 1965 se estrenó la película "Cosquín, amor y folklore" de Delfor María Beccaglia, con las actuaciones de Elsa Daniel y Atilio Marinelli y la interpretación de temas musicales por los principales artistas del folklore como Atahualpa Yupanqui, Los Chalchaleros, Los Fronterizos, Los Cantores de Quilla Huasi, Los Huanca Hua, Los Trovadores, Eduardo Falú, Ramona Galarza, Ariel Ramírez, El Chúcaro y Norma Viola, Los Cantores del Alba, El Chango Nieto, Jorge Cafrune, Tomás Tutú Campos, Los Arribeños, Los de Salta, etc.


text: En 1968 Coco Díaz y Carlos Carabajal compusieron "El mimoso" que se convertiría en un gran éxito en los 70s: "¿De quién es esa boquita? Tuyita tuyita", se convertiría en un dicho popular. Probablemente uno de los puntos más alto de esa etapa haya sido "Canción con todos" (1969), compuesta por César Isella y Armando Tejada Gómez y cantada por Mercedes Sosa, que se ha convertido virtualmente en el Himno de América Latina.


text: En este período también se produjeron intentos de vincular más estrechamente el folklore con otras manifestaciones de la música popular argentina y latinoamericana. Entre ellos se destacaron los intercambios con el llamado rock nacional, como los que realizaran la banda Arco Iris, liderada por Gustavo Santaolalla, especialmente en su álbum "Sudamérica o el regreso a la Aurora" (1972), Roque Narvaja ("Chimango", 1975), León Gieco y Víctor Heredia.


text: También se destacaron los álbumes de Los Cantores de Quilla Huasi dedicado íntegramente al tango (publicado originalmente en 1972 en Japón bajo el título "La cumparsita" y relanzado en 1975 en la Argentina como "Tangos por Los Cantores de Quilla Huasi)" y de Los Cantores del Alba interpretando canciones mexicanas, en la serie "Entre gauchos y mariachis", lanzados entre 1975 y 1977.En el año 1969 compuso la música de Canción con todos, con letra del poeta Armando Tejada Gómez, declarada “Himno de Latinoamérica” por la Unesco en el año 1990, posteriormente Tejada Gómez sería uno de los cantautores más perseguidos autodenominado Proceso de Reorganización Nacional,


text: En 1972 y 1973, se estrenaron las películas Argentinísima y Argentinísima II, de Fernando Ayala y Héctor Olivera, documentales musical-folklóricos, filmada en escenarios naturales de todo el país, con participación de los principales artistas del folklore argentino. De 1973 y 1974 datan los famosos conciertos en vivo realizados por el músico estadounidense Paul Simon con el grupo Urubamba, integrado por los argentinos Jorge Milchberg (charango), Uña Ramos (quena y siku) y Jorge Cumbo (flauta), y el uruguayo Emilio Arteaga (percusión). El éxito de los mismos llevó la música andina a su consagración mundial e hizo de "El cóndor pasa" la canción más conocida del folklore indoamericano. Los recitales están grabados en dos álbumes: "Paul Simon in Concert: Live Rhymin" con los registros de los dos recitales realizados en el Royal Albert Hall de Londres en junio de 1973, y "Paul Simon in concert live composin' and the Band", grabado en Tokio el 20 de febrero de 1974.


text: En septiembre de 1974 el gobierno de la presidenta María Estela Martínez de Perón secuestró y destruyó el máster y los discos de la "Misa para el Tercer Mundo", interpretada por el Grupo Vocal Argentino Nuevo, con música de Roberto Lar y textos del sacerdote Carlos Mugica, este último asesinado pocos meses antes por la organización terrorista Triple A. La obra se preservó a partir de algunas pocas unidades que habían sido distribuidas y recién volvió a interpretarse en 2007.


text: Algunos de los grandes trabajos de esta etapa son:


text: La dictadura militar que tomó el poder en 1976 afectó fuertemente la producción de la música folklórica argentina, dañada por la censura, las listas negras y las persecuciones a las que fueron sometidos los artistas, muchos de los cuales debieron exiliarse, debido a lo cual muchos discos fueron grabados y difundidos fuera de Argentina (Alemania, España, Francia, México, etc.), pero no llegaron a ser escuchados por el público argentino. En esa época se hizo habitual que los músicos recibieran reiteradamente la misma advertencia telefónica anónima: "«o te callás o sos tierra de cementerio»". Las acciones represivas y listas negras contra artistas e intelectuales a ser secuestrados o censurados, fueron conocidas como Operativo Claridad.


text: Los integrantes del grupo Markama cuentan que "los obligaban a cambiar las letras de sus canciones porque ciertas palabras, como «pobre», «libertad» y «pueblo», estaban prohibidas; optábamos por cantarlas igual, pero en lengua quechua".


text: En 1976 Los Andariegos lanzaron su álbum "Madre Luz Latinoamérica", su obra culminante y al mismo tiempo una manifestación crítica, que los haría víctimas de amenazas y finalmente llevados a disolverse y exiliarse en 1978. En aquella oportunidad el grupo había escrito lo siguiente en la contratapa del álbum: En 1977 Mercedes Sosa, censurada, lanzó uno de sus álbumes más logrados, "Mercedes Sosa interpreta a Atahualpa Yupanqui", complemento del que dedicara a las canciones de la chilena Violeta Parra, seis años antes. Ese mismo año, Marián Farías Gómez, también víctima del exilio y la censura, grabó en París, con su hermano, el álbum "Marian + Chango", incluyendo la participación de Kelo Palacios y Oscar Alem; el disco recién pudo editarse en Argentina en 1981.


text: Uno de los momentos más negativos de este período es la muerte del cantante Jorge Cafrune. En enero de 1978 Jorge Cafrune cantó "Zamba de mi esperanza" en el Festival de Cosquín, una tradicional canción que el público le pedía pero que se encontraba prohibida debido a que se refería a la esperanza. Cafrune entonces dijo «aunque no esté en el repertorio autorizado, si mi pueblo me la pide la voy a cantar». Pocos días después, el 31 de enero de 1978, murió atropellado por un automovilista que se dio a la fuga cuando el artista se dirigía a caballo a Yapeyú. Existen serias sospechas de que se trató de un asesinato ordenado por el gobierno militar y ejecutado por el entonces teniente Carlos Villanueva, a quién dos sobrevivientes del centro clandestino de detención La Perla han señalado como la persona que dijo que «había que matarlo para evitar que otros cantantes hicieran lo mismo».


text: Entre los trabajos destacados de este período se encuentra la obra del cantautor Víctor Heredia, quién sufrió la desaparición de una hermana, y compuso canciones emblemáticas para ese momento, como "Todavía cantamos", "Sobreviviendo", "Informe de situación". También se destaca su álbum "Víctor Heredia canta Pablo Neruda" (1977), dedicado íntegramente a musicalizar al gran poeta chileno, cuyas obras eran censuradas por las dictaduras latinoamericanas de entonces. En este período y en el exilio, se desarrolla gran parte de la obra innovadora del ensamble Anacrusa, fundado en 1972, cuya éxito creciente en Argentina fue cortado abruptamente por la dictadura y el exilio. Algo similar sucedió con los primeros álbumes del Quinteto Tiempo, prohibidos en Argentina y difundidos exclusivamente en el exterior.


text: En 1978 César Isella, Cantoral, Ana D'Anna y Rodolfo Mederos, realizaron el notable álbum titulado "Juanito Laguna", sobre el célebre niño villero de la pintura de Antonio Berni, con composiciones de Hamlet Lima Quintana, Cuchi Leguizamón, Iván Cosentino, Jaime Dávalos, Eduardo Falú y Armando Tejada Gómez -bajo el seudónimo de Carlos de Mendoza para eludir las listas negras- y una introducción realizada por el propio Berni. El álbum fue secuestrado por las autoridades y recién sería reeditado en 2005, con el agregado de dos temas de la serie, que no habían sido incluidos en la versión original: un tema de Ástor Piazzolla y Horacio Ferrer y otro cantado por Mercedes Sosa.


text: Por su parte, el Chango Farías Gómez, desde el exilio, constituyó un grupo denominado Cancionero de la Liberación con el fin de actuar contra el régimen militar. El grupo logró el apoyo del presidente de Panamá Omar Torrijos, quien les facilitó el avión presidencial con inmunidad diplomática, que fuera utilizado para sacar del país a opositores perseguidos.


text: En este período aparece Margarito Tereré, un personaje infantil de historieta bajo la forma de un yacaré de cultura litoraleña, creado por el músico Waldo Belloso y su esposa la poetisa Zulema Alcayaga. Margarito Tereré tuvo un programa de televisión, una película (1978) y varios álbumes, donde cantaba con sus amigos canciones folklóricas dirigidas al público infantil. Entre las canciones más memorables se encuentran "Qué se va el cartero" y "El gato de la calesita". La pareja también fue autora del "Himno a Cosquín".


text: En 1978, se grabó en Francia la "Cantata Tupac Amaru", sobre un libro de poemas de Atahualpa Yupanqui ("El sacrificio de Tupac Amaru", 1971) y música de Enzo Gieco y Raul Maldonado, interpretado por la Agrupación Música de Buenos Aires, dirigida por Enzo Gieco con la participación del Coro Contemporáneo de Buenos Aires, dirigido por Jorge Armesto.


text: También en 1978 se creó en México el grupo argentino-mexicano Sanampay, dirigido por Naldo Labrin e integrado originalmente por Eduardo Bejarano, Delfor Sombra, Caíto Díaz, Hebe Rosell y Jorge González. Entre sus obras se destaca "Coral terrestre" (1982), con textos de Armando Tejada Gómez y música del grupo Sanampay.


text: En 1979 el Chango Nieto, acompañado por el bandoneonista Dino Saluzzi grabaron el álbum "El Chango Nieto interpreta a Atahualpa Yupanqui y Homero Manzi", «porque quería romper esa división invisible que existía», según el mismo explicó, aludiendo al tradicional divorcio entre tango y folklore, en la música popular argentina.


text: En 1979 Mercedes Sosa editó en Argentina el álbum "Serenata para la tierra de uno", tomando como mensaje el tema del mismo título de María Elena Walsh: «Porque me duele si me quedo, pero me muero si me voy». Poco después fue detenida en la ciudad de La Plata mientras realizaba un espectáculo, junto con todos los espectadores que habían tomado la decisión de asistir. El hecho la decidió a exiliarse, primero en París y luego en Madrid.


text: En enero de 1982 se produjo el regreso del exilio de Mercedes Sosa a la Argentina y la realización de trece recitales en el Teatro Ópera, luego lanzado como álbum doble bajo el título "Mercedes Sosa en Argentina". En estos recitales, históricos en varios sentidos, Mercedes Sosa rompió con varios prejuicios que eran habituales en la música popular argentina hasta ese momento, incluyendo en su repertorio canciones de rock argentino, junto a Charly García y Fito Páez, así como tangos, como "Los mareados".


text: La guerra de las Malvinas, iniciada el 2 de abril de 1982 tuvo un impacto notable y paradójico, sobre la música argentina, debido a que los medios de comunicación, autorizados por el régimen militar gobernante, comenzaron a difundir música popular argentina en grandes cantidades, con el fin de promover el nacionalismo en la población. Este fenómeno, que también influyó sobre el rock nacional y el tango, permitió que volvieran a difundirse muchos de los artistas prohibidos, algunos de ellos desconocidos por las generaciones más jóvenes, y que resurgiera el interés por el folklore.


text: La cantante Suma Paz, una de las principales intérpretes de Atahualpa Yupanqui, ejemplifica la situación contradictoria generada por la guerra en el siguiente conflicto que mantuvo con una empresa discográfica:


text: En 1983 el Cuarteto Vocal Zupay y el actor Pepe Soriano lanzan el álbum "El inglés", composición musical de Oscar Cardozo Ocampo y Rubén Verna, correspondiente a la obra teatral de Juan Carlos Gené repuesta al regresar del exilio, ambientada en la Primera Invasión Inglesa.


text: La recuperación de la democracia en 1983 permitió la difusión de una nueva generación de folkloristas, como Peteco Carabajal "(Cómo pájaros en el aire)", Teresa Parodi "(Pedro canoero)", Antonio Tarragó Ros "(María va", "Cachito campeón de Corrientes)", Suna Rocha "(Grito santiagueño)", Raúl Carnota "(Grito santiagueño)", el Chango Spasiuk, el Grupo Huancara, la Chacarerata Santiagueña (fundada por Juan Carlos Gramajo), Rubén Patagonia, Los Santiagueños (Peteco Carabajal, Jacinto Piedra y Juan Saavedra), Jorge Marziali ("Los obreros de Morón"),  el "cantor-cuentista" Mario Bofill ("Cantalicio vendió su acordeón", "Viva la Pepa") que alcanzará una enorme popularidad en la música litoraleña.


text: En el verano de 1985, en consonancia con la política cultural de gobierno democrático asumido en diciembre de 1983, el canal estatal de televisión decidió transmitir en directo para todo el país, las dos primeras horas de cada una de las «nueve lunas» del Festival de Cosquín. La importancia de esta medida para la difusión de la música folklórica ha sido resumida por los organizadores del evento del siguiente modo:


text: En 1985 y 1986 León Gieco inició su proyecto "De Ushuaia a La Quiaca", con el que recorrió el país generando y recogiendo estilos y versiones musicales populares. Reflexionando sobre el acontecimiento Gieco ha dicho que «fue posible que el rock y el folklore dejaran de mirarse con desconfianza; hoy ya no es así y con aquella gira todo empezó a cambiar».


text: Simultáneamente, el Chango Farías Gómez, recién vuelto del exilio, formó el grupo Músicos Populares Argentinos (MPA), con Peteco Carabajal, Jacinto Piedra, Verónica Condomí y Rubén Izarrualde, «que transformó el repertorio folklórico en los años ochenta, con arreglos originales y la incorporación de instrumentos eléctricos. MPA fue tan rupturista para la época que le valió a Peteco Carabajal un histórico abucheo en su propia tierra, Santiago del Estero, porque volvía tocando una chacarera con guitarra eléctrica». En el mismo sentido y también en 1985, la banda punk rock argentina Soda Stereo, lanzó la canción "Cuando pase el temblor", en ritmo de carnavalito andino, obteniendo un enorme éxito continental.


text: En 1986 el trío Vitale-Baraj-González (Lito Vitale-Bernardo Baraj-Lucho González), vinculado al rock, actuó en el Festival de Cosquín donde ganaron el Premio Consagración, destacándose con una versión revolucionaria de "Merceditas" que quedó como emblema de la agrupación. Reflexionando sobre el éxito popular del grupo Baraj reflexionaría más tarde diciendo: En 1987, la entrerriana Liliana Herrero (Villaguay, 1948) se lanzó como solista realizando un «folklore supermoderno», incorporando abiertamente el rock. Ese mismo año, Ramón Navarro y Héctor David Gatica grabaron "La Cantata Riojana" y el grupo Sin Límites, dirigido por Oscar Cardozo Ocampo, el álbum del mismo nombre. En la música litoraleña el trombonista Abelito Larrosa Cuevas y el guitarrista Mateo Villalba realizaron el álbum "Juntata linda en el litoral", con participación del acordeonista Isaco Abitbol en dos temas.


text: En 1991, el sikuri Uña Ramos lanzó su álbum "Puente de Madera", con la colaboración de José Luis Castiñieira de Dios y Narciso Omar Espinosa, el primero de una serie de obras de creación propia, que obtuvo el Gran Premio Internacional de Disco de la Academia Charles Cros.


text: En 1993 el grupo de rock Divididos lanza una versión folklórico-roquera del tema tradicional "El Arriero", de Atahualpa Yupanqui, que obtuvo una excelente recepción en el público joven y generó un apasionado debate sobre los límites del folklore.


text: En 1994 Leda Valladares lanzó "Grito en el cielo", volúmenes 1 y 2, en el que recopila bagualas y vidalas cantadas por coplistas de las comunidades rurales andinas y por músicos profesionales de todos los géneros como Suna Rocha, Pedro Aznar, Fito Páez, Liliana Herrero, Oscar Palacios, Raúl Carnota, Federico Moura, Daniel Sbarra, Fabiana Cantilo, León Gieco, Gustavo Santaolalla, Gustavo Cerati, el grupo Mitimaes, entre otros. Ese mismo año, Raúl Mercado, exintegrante de Los Andariegos, compuso la "Cantata a los libertadores" sobre poemas de "Canto general" de Pablo Neruda, estrenándola en la casa de José de San Martín en Boulogne-sur-Mer, en Francia. En 1995 una adolescente de catorce años, Soledad Pastorutti, proveniente del pueblo de Arequito, se destacó en las peñas callejeras que rodean el Festival de Cosquín llevando a los organizadores a invitarla para cantar en el mismo. Sin embargo en el momento de salir al escenario sufrió la frustración de que las autoridades se lo impidieron debido a una ordenanza local que prohíbe que menores de quince años actúen en espectáculos públicos luego de la medianoche. Al año siguiente Soledad, "la Sole", apadrinada por César Isella, volvió para presentarse en el Festival, con cobertura nacional de la televisión, realizando una actuación memorable que cerró cantando a dúo con su hermana Natalia la chacarera "A Don Ata", de Miguel Ángel Morelli y Mario Álvarez Quiroga, y obteniendo el premio Revelación Cosquín 1996. Años después Soledad recordaría ese momento con las siguientes palabras:


text: Inmediatamente después Soledad lanzó su primer álbum, "Poncho al viento", que vendió 800.000 álbumes y se convirtió en uno de los mayores éxitos de la historia del folklore argentino. El éxito explosivo de Soledad abrió una corriente de identificación de los adolescentes y los jóvenes con la música de raíz nativa, que se prolongaría en los años siguientes con nuevos artistas; por el impacto popular los medios de comunicación la bautizaron el Tifón de Arequito.


text: En 1996 nació la compañía El Sonido de mi Tierra del santiagueno Luis Pereyra quien presenta un despliegue de un folklore total de la Argentina, uniéndo así la cultura y las provincias, hasta el tango con el folklore. Gira con el espectáculo musical desde 2003 por todo el mundo. Trabaja juntos a su esposa Nicole Nau. Presentó parte del espectáculo dentro de los festejos de los 40 años de Argentinisima de Julio Marbiz en el Teatro Astral, luego El Sonido de mi Tierra se presentó en el festival de Cosquín en el 2014. Los instrumentos de la música en vivo son autóctonos. VIDA! su última producción, fue presentada en el 2017 en el Folies Bergére de Paris y sigue aun de gira.


text: Las últimas décadas han mostrado una confluencia de la música popular argentina, tanto de las corrientes provenientes del folklore, como del tango y el rock nacional, con figuras como Soledad, Tamara Castro, Luciano Pereyra, Los Nocheros, Jorge Rojas, Abel Pintos, Facundo Toro, el Chaqueño Palavecino, Raly Barrionuevo, el Dúo Coplanacu, Los Díaz Pasan Volando, Luis Salinas, Daniel Tinte,  Los Tekis, Los Alonsitos, Amboé, Los Hermanos Pachano, Tamara Moreno, Seba Ibarra, Tonolec, Sentires del Alma, Bruno Arias, la vientista Micaela Chauque, etc. Algunos de ellos integran una corriente que ha dado en llamarse "folklore joven".


text: El 28 de enero de 1997 Mercedes Sosa cerró el Festival de Cosquín incorporando a Charly García, uno de los emblemas del rock argentino. El hecho fue motivo de discusiones entre quienes tienen una versión más pautada del folklore y aquellos que tienen una actitud más abierta a otros géneros. Ambos artistas interpretaron "Rezo por vos", "Inconsciente colectivo", "De mí" y la versión "roquera" de García del Himno nacional argentino y recibieron una ovación, conformando una de las noches históricas del festival. Mercedes Sosa por su parte anunció en ese momento su decisión de no volver a Cosquín, agotada por las polémicas.


text: En 1998 Alejandro Dolina lanzó como álbum doble su obra "Lo que me costó el amor de Laura", editada por Querencia, definida por el autor como una "opereta criolla", y se encuentra construida sobre ritmos de tango y folklore. En 2000 la obra fue presentada en el Teatro Avenida de Buenos Aires con gran éxito de público. En el disco la opereta está interpretada por la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por Pedro I. Calderón, mientras que los personajes son interpretados por el propio Alejandro Dolina (Manuel), Julia Zenko (Laura), Juan Carlos Baglietto (El Otro), Joan Manuel Serrat (El Guardián), Mercedes Sosa (La Pitonisa), Sandro (El Seductor), Les Luthiers (Los Hombres Sabios), Ernesto Sabato (El Mozo), Horacio Ferrer (El Vecino), Marcos Mundstock (El Locutor), Los Huanca Hua (La Murga del Tiempo, el Choro del Carnaval Triste), Martín Dolina (El Pibe), Claudia Brant (La Dama del puente), Gabriel Rolón (El Corroborador), Ana Naón y Sonia Rolón (Las Chicas Feas), Carlos Bugarín y Héctor Pilatti (Los Borrachos), Guillermo Stronati (El Pelado), Elizabeth Vernaci (La Morocha).


text: En 2001 Waldo Belloso y Zulema Alcayaga lanzan el álbum "Canciones para argentinitos", al que seguiría un "Canciones para argentinitos (volumen 2)", con canciones propias famosas, muchas de ellas a través de Margarito Tereré, interpretadas por músicos destacados del folklore argentino como Paz Martínez, Yamila Cafrune, Tamara Castro, Santaires, Antonio Tarragó Ros, Ramona Galarza, Gerardo López, entre otros.


text: En 2007 apareció "Argentina folklore", un sitio web creado por el cantante folklórico Gustavo Cisneros para reunir a músicos independientes y permitir la descarga gratuita de sus temas.


text: En 2008 el Festival folklórico de Cosquín incluyó en su programación, por primera vez a un grupo de rock, optando por Divididos debido a que esta banda ha incluido en su repertorio clásicos de la música folklórica. Entre los álbumes lanzados ese año se destaca "Manolo Juárez & Daniel Homer Cuarteto", que registra la reunión de dos de los máximos instrumentistas de la música argentina.


text: En la actualidad, las nuevas generaciones le dan su propio estilo al folklore pero intentando mantener las raíces del mismo, con la incorporación de nuevos instrumentos, nuevos ritmos, expresando formas de pensar que están ligadas a la sociedad y sus problemáticas actuales.


text: La siguiente selección permite escuchar una muestra representativa de la historia del folklore argentino.


title: John Russell

text: John Russell puede referirse a:


title: Intonso

text: Un libro intonso es aquel cuyos cuadernillos son producto del plegado de un pliego de mayor tamaño y sus bordes no son refinados, es decir, no pasan por el proceso de corte que dota a las hojas de uniformidad.


title: Intonso

text: En sentido coloquial se dice que un libro intonso es aquel que conserva cerrados sus pliegos, y que por deducción, nunca fue abierto. Las páginas intonsas son aquellas que mantienen sus bordes sin cortar, y que se entiende que jamás fueron leídas.


title: Intonso

text: Tradicionalmente el libro intonso resulta especial porque las páginas que no han sido separadas bajo procesos de corte mecánico deben ser divididas manualmente mediante el uso de una cuchilla o un abrecartas, detalle por el cual estos libros son considerados un exquisito objeto de gran valor estético, pues emula las ediciones antiguas en las que predominaba el acabado rústico.


title: Intonso

text: Muchas editoriales del mundo utilizan en sus publicaciones este acabado, para situar dos ejemplos muy distantes:


title: Adolfo Bielli

text: Adolfo Alberto Bielli (Ciudad de Buenos Aires, ) es un ex jugador de fútbol argentino; se desempeñó como puntero izquierdo.


title: Adolfo Bielli

text: Surgido de Boca Juniors, solo alcanzó a jugar un partido en el primer equipo, durante el Campeonato de Primera División 1961. Su siguiente destino fue Estudiantes de La Plata, equipo con el que logró buenos rendimientos que lo llevaron a ser convocado a la Selección Argentina; con el "pincha" disputó 66 cotejos y marcó 20 goles.


title: Adolfo Bielli

text: En fue contratado por Rosario Central, que realizó una importante inversión para adquirir las fichas de delanteros destacados, tales como el "Bocha" y los uruguayos José Sasía y Julio César Cortés.


title: Adolfo Bielli

text: Prosiguió su carrera en Liverpool Fútbol Club de Uruguay en 1971, mientras que al año siguiente se integró a las filas del Club Atlético Argentino de Las Parejas, provincia de Santa Fe, con el que se consagró campeón de la Liga Cañadense de Fútbol.


title: Adolfo Bielli

text: En la Selección Argentina disputó 5 cotejos en 1964, marcando un gol. Su debut se produjo en la Copa de las Naciones ante Portugal, en el Estadio Maracaná. Argentina ganó 2-0 con tantos de Alfredo Rojas y Alberto Rendo. Su único gol en la Selección lo marcó el 23 de septiembre en la cancha de River Plate contra Chile por la Copa Carlos Dittborn, triunfo "albiceleste" 5-0 con anotaciones además de Luis Artime (2), Ermindo Onega y Alberto Rendo. También participó en la Copa Rosa Chevallier Boutell versus Paraguay. Argentina obtuvo el título en los tres certámenes, bajo el comando del entrenador José María Minella.


title: Tabaré Viudez

text: Tabaré Uruguay Viudez Mora (Montevideo, 8 de septiembre de 1989) es un futbolista uruguayo. Juega de extremo y actualmente es jugador de Club Atlético Rentistas de la Primera División de Uruguay.


title: Tabaré Viudez

text: Debutó oficialmente en Defensor Sporting de Uruguay el 4 de marzo de 2007 frente al Liverpool en el Estadio Luis Franzini, con el cual, además del campeonato local, disputó la Copa Libertadores y Sudamericana de ese mismo año. En el año 2008 consigue su primer título de Campeón Uruguayo con Defensor Sporting.


title: Tabaré Viudez

text: En agosto de 2008 ficha por el Milan de la Serie A italiana, sin embargo su estadía en el Calcio no fue la que se esperaba por parte del conjunto lombardo, por lo que, en 2009 (al término su contrato con el Milan) el jugador queda libre y regresa a Defensor Sporting.


title: Tabaré Viudez

text: En el 2010 fue adquirido por el Club América de la Liga Mexicana aunque no jugó ni un solo partido por lo que fue cedido a préstamo al Necaxa del mismo país para el Torneo Apertura 2010.


title: Tabaré Viudez

text: En el 2010 fue adquirido por el Necaxa de la Liga Mexicana en calidad de préstamo, en el cual, jugó 15 partidos y sólo dio 1 asistencia.


title: Tabaré Viudez

text: En diciembre del mismo año, tanto el Club Nacional de Football como el Club Atlético Peñarol se interesan por Viudez, quien finalmente fue fichado por los "tricolores" como la primera incorporación de cara al Torneo Clausura 2010, torneo en el cual se coronó meses después, siendo la figura del partido en el que Nacional consiguió dicho campeonato, aportando tres pases de gol espectaculares para que su equipo saliera victorioso con un holgado 3-0. Luego en las finales del Campeonato Uruguayo de Fútbol 2010-11, en un partido ante el campeón del Torneo Apertura 2010, su exequipo Defensor Sporting, marcó el gol de la victoria para su equipo y así coronarse por segunda vez en su carrera como campeón Uruguayo.


title: Tabaré Viudez

text: Luego de finalizar su pasaje por Nacional, en julio de 2012 pidió el pase hacia Atenas de San Carlos (perteneciente a la Segunda División Profesional de Uruguay) con el motivo de realizar un pase puente, recalando finalmente en el Kasimpasa SK de la Superliga de Turquía. Luego de largas y extensas charlas finalmente rescindió contrato con el club e hizo un acuerdo de palabra con el Club Atlético River Plate. Luego de una larga espera para que el colombiano Teófilo Gutiérrez firmara su acuerdo con el Sporting de Lisboa, Tabaré Viudez logra debutar en River Plate el 21 de julio de 2015 en la vuelta de las semifinales de la Copa Libertadores de América contra el club paraguayo Guaraní. Ingresó en el segundo tiempo y asistió al delantero Lucas Alario para convertir el 1-1 con el que River Plate logra avanzar a la instancia final de la copa. Marcó su primer gol oficial con la camiseta de River frente a Colón. En el partido de ida de la final de la Copa Libertadores sufriría una lesión que le impediría disputar el partido de vuelta. Finalmente el conjunto se terminaría consagrando campeón del certamen.


title: Tabaré Viudez

text: En julio de 2016 volvió al equipo "tricolor".


title: Tabaré Viudez

text: Luego de quedar libre de su contrato con el equipo uruguayo, acordó su incorporación al equipo paraguayo.


title: Tabaré Viudez

text: Actualizado el último partido jugado el .


title: Tabaré Viudez

text: Ha sido internacional con la Selección Sub-20 de Uruguay en el Sudamericano Sub-20 de 2009 disputado en Venezuela y en el Mundial de Fútbol Sub-20 del mismo año disputado en Egipto. En este último campeonato, convirtió el primer gol de su selección en el debut frente a Inglaterra rematando con una excelente tijera dentro del área para la victoria de Uruguay 1 a 0. En 2011 formó parte de la delegación Uruguaya que participó de los Juegos Panamericanos Guadalajara 2011, representando al Comité Olímpico Uruguayo y finalizando en el tercer lugar logrando la medalla de bronce.


title: Tabaré Viudez

text: El 9 de julio de 2012 fue incluido en la lista de 18 jugadores que representaron a Uruguay en el Torneo masculino de fútbol en las Olimpiadas de Londres 2012. En el mismo participó del partido ante Senegal(que fue el segundo partido del grupo), ingresando en el segundo tiempo; y participó en el último partido del grupo frente a Gran Bretaña en el que fue titular y fue sustituido en el segundo tiempo. En este torneo Uruguay culminó su participación en primera ronda.


title: Templo de Zeus Olímpico (Olimpia)

text: El Templo de Zeus Olímpico en Olimpia, construido entre los años 470 y 456 a. C., fue el modelo de los templos clásicos griegos de orden dórico. El templo se alzó sobre el santuario más famoso de toda Grecia, que había sido dedicado a las deidades panhelénicas locales y probablemente se había establecido hacia fines del período micénico. Era, en su momento, el Templo Griego más importante de la Grecia Antigua.


title: Templo de Zeus Olímpico (Olimpia)

text: El "Altis", anexo con su arboleda sagrada, los altares al aire libre y el túmulo de Pélope, datan de los siglos X y IX a. C., cuando el culto a Zeus se unió al ya establecido culto a Hera.


title: Templo de Zeus Olímpico (Olimpia)

text: El templo albergaba la estatua de Zeus que fue una de las siete maravillas del mundo antiguo. La estatua criselefantina tenía aproximadamente 13 metros de alto y había sido esculpida por Fidias en su taller de Olimpia.


title: Templo de Zeus Olímpico (Olimpia)

text: El edificio fue construido por el arquitecto Libón, con frisos tallados con metopas y triglifos y frontones llenos de esculturas en el estilo severo, las cuales ahora se atribuyen al Maestro de Olimpia y su escuela.


title: Templo de Zeus Olímpico (Olimpia)

text: La estructura principal del edificio era de la piedra caliza local, que no era vistosa y de calidad muy pobre, por lo que estaba cubierta por una capa delgada de estuco para darle la apariencia del mármol. Toda la decoración escultórica del templo estaba hecha de mármol de Paros, y las tejas del techo eran del mismo mármol del Pentélico que se usó para construir el Partenón en Atenas.


title: Templo de Zeus Olímpico (Olimpia)

text: El tema que unifica la iconografía del templo es la "diké", la justicia basada en las costumbres que representa Zeus, su defensor.


title: Templo de Zeus Olímpico (Olimpia)

text: La rica decoración escultórica del templo de mármol de Paros se remonta al 460 a. C. y es uno de los ejemplos más exquisitos del llamado Ritmo Estricto de la Escultura Clásica Temprana.


title: Templo de Zeus Olímpico (Olimpia)

text: El frontón oriental, atribuido erróneamente a Peonio por Pausanias durante su recuento detallado de las obras del escultor a fines del siglo II a. C., mostraba la mítica carrera de carruajes entre Pélope y Enómao, con Zeus parado en el centro y flanqueado por pares de héroes y heroínas, también de pie, y ambos grupos de carruajes, además de figuras recostadas en las esquinas. Hipodamía y su criada se ubican a la izquierda del Zeus (el norte) y Pélope a su derecha. Se ha descubierto una gran parte de las quince figuras mediante excavaciones; aun así, los eruditos en el tema discuten la ubicación e interrelación de las seis figuras sentadas o arrodilladas dentro de la totalidad, así como sus identidades específicas.


title: Templo de Zeus Olímpico (Olimpia)

text: El frontón occidental mostraba la "Centauromaquia", el enfrentamiento durante la boda de Pirítoo entre lápitas y centauros, quienes habían transgredido la "xenia", las normas sagradas de hospitalidad sobre los que se apoyan las conductas sociales. Apolo se hallaba parado en el centro, flanqueado por Pirítoo y Teseo. Los lápitas representaban el orden olímpico civilizado, mientras que los centauras representaban la naturaleza primitiva de los seres ctónico; el friso también recordaba a los griegos del siglo V a. C. su victoria sobre los persas, la amenaza «foránea» al orden helénico.


title: Templo de Zeus Olímpico (Olimpia)

text: El "pronaos" y el "opistodomos", el pórtico de entrada y el falso pórtico trasero que servía para dar equilibrio al diseño, se construyeron "in antis", con seis metopas en cada extremo, grabados con los doce trabajos de Heracles, donde el héroe derrota a una serie de criaturas y monstruos que amenazan el orden de los justos.


title: Templo de Zeus Olímpico (Olimpia)

text: Luego de saquear Corinto en 146 a. C., el general romano Lucio Mumio consagró veintiún escudos bañados en oro que fueron colgados en las columnas. En 426 d. C., el emperador Teodosio II ordenó la destrucción del santuario; además, los terremotos ocurridos en 522 y 551 devastaron las ruinas y enterraron parte del templo.


title: Templo de Zeus Olímpico (Olimpia)

text: El sitio del antiguo santuario, olvidado hace mucho tiempo bajo derrumbes e inundaciones de légamo, pudo identificarse en 1766. En 1829 un grupo de franceses excavó parte del Templo de Zeus y llevó varios fragmentos de los frontones al Museo del Louvre. Las excavaciones sistemáticas comenzaron en 1875, bajo la dirección del Instituto Arqueológico Alemán; pese a algunas interrupciones, dichas excavaciones continúan en la actualidad.


title: Templo de Zeus Olímpico (Olimpia)

text: El templo de Zeus albergaba la famosa estatua de Zeus, que fue una de las siete maravillas del mundo antiguo. La estatua de oro y marfil era de unos 13 metros (43 pies) y fue creado por Fidias en su taller de Olimpia. Le tomó cerca de doce años completarlo. En la cabeza se colocó una corona de ramas de olivo. En la celebración de su mano derecha una Nike, la diosa de la victoria, también hecha de marfil y oro, y en su mano izquierda, un cetro hecho de muchos tipos de metales, con un águila en la parte superior. Sus sandalias eran de oro, como la túnica. Sus ropas fueron talladas con animales y lirios. El trono estaba decorado con oro, piedras preciosas, ébano y marfil. La estatua fue la obra artística más famosa de Grecia.


title: Roberto Saviano

text: Roberto Saviano (nacido en Nápoles, 22 de septiembre de 1979) es un periodista, escritor y ensayista italiano. En sus escritos y artículos utiliza el reportaje y la literatura para contar la realidad económica, territorial y de empresa de la Camorra en Italia y del crimen organizado en general.


title: Roberto Saviano

text: Principalmente influido por intelectuales como Giustino Fortunato y Gaetano Salvemini, los anarquistas Errico Malatesta y Mijaíl Bakunin, por el poeta Rocco Scotellaro y por otros autores de la cultura tradicional y conservadora como Ernst Jünger, Ezra Pound, Louis-Ferdinand Céline y Carl Schmitt, Saviano saltó a la fama en 2006 con la publicación de su novela "Gomorra", en el que describe los negocios de la Camorra, basándose en hechos reales. La gran repercusión del libro - con más de dos millones de copias vendidas - provocó una reapertura del debate sobre el crimen organizado en Italia y le valió a Saviano amenazas de muerte de camorristas. El Ministerio del Interior italiano le proporciona una escolta permanente al escritor, que ha sido calificado por Umberto Ecocomo héroe nacional. Decidió abandonar Italia después de que la prensa desvelara el 14 de octubre de 2008 que el clan de los Casalesi tenía previsto asesinarlo a él y a sus escoltas en un atentado antes de Navidad. Desde el 13 de octubre de 2006 vive bajo escolta permanente.


title: Roberto Saviano

text: Roberto Saviano en Italia colabora con los periódicos La Repubblica, L'Espresso y The Post Internazionale. En Estados Unidos con The Washington Post y el New York Times, en España con El País, en Alemania con Die Zeit y Der Spiegel, en Suecia con Expressen y en Inglaterra con The Times. En 2013, publica su segundo libro, "CeroCeroCero". La obra, difundida en español un año más tarde por Anagrama, se centra en el análisis del negocio de la cocaína a nivel mundial y el rol que la droga juega en las finanzas internacionales. Desde 2015 está presente en la web con su propio proyecto editorial RSO - Roberto Saviano Online.


title: Roberto Saviano

text: Hijo de un médico de Frattamaggiore (Nápoles), Luigi Saviano y de Miriam Haftar, de familia judía con raíces en la región italiana de Liguria, se educó en Caserta en la escuela Liceo Scientifico Statale "Armando Diaz" y se graduó en filosofía en la Universidad Federico II de Nápoles, en la que fue alumno del histórico Francesco Barbagallo. Empezó su carrera periodística en 2002 escribiendo para numerosas revistas y periódicos, entre ellos: Pulp, Diario, Sud, Il Manifesto, la página web Nazione Indiana y colaborando como investigador para el observatorio sobre la camorra, parte del periódico Corriere del Mezzogiorno. Sus artículos sobre la camorra adquieren tal importancia que las autoridades judiciales, en los primeros meses del 2005, le invitarán a participar en una investigación sobre el crimen organizado.


title: Roberto Saviano

text: En marzo de 2006 publica su novela "Gomorra", inspirada en hechos reales. Es autor, junto con Mario Gelardi del espectáculo teatral homónimo y guionista de la película basada en su novela. El 10 de diciembre de 2009, en presencia del autor italiano Dario Fo, recibe el título de Socio Honorario de la Academia de Brera y el Diploma de Segundo Nivel en Comunicación y Didáctica del Arte honoris causa, el máximo reconocimiento del ateneo, equivalente a una licenciatura. Saviano dedica sus reconocimientos a los meridionales italianos residentes en Milán. El 22 de enero de 2011 la Universidad de Génova le concede un doctorado honoris causa en Derecho "por el aporte importante a la lucha contra la criminalidad y a la defensa del principio de legalidad en Italia". Saviano dedica su reconocimiento a los magistrados de la Fiscalía de Milán que indagan sobre el caso Ruby-gate. Lo que dio lugar a una polémica con Marina Berlusconi, hija de Silvio Berlusconi y presidente de la casa editorial Arnoldo Mondadori.


title: Roberto Saviano

text: El 27 de agosto de 2013, publica una monografía dedicada a Enzo Baldoni, editada por Feltrinelli Editore, en la que se declara ateo.


title: Roberto Saviano

text: En junio de 2018, el Ministro del Interior Matteo Salvini amenazó con levantar su protección policial tras sus críticas al gobierno.


title: Roberto Saviano

text: Saviano debuta «con un cuento imitando al escritor italiano Tommaso Landolfi y enviándolo al escritor Goffredo Fofi, que le hizo entender que aunque escribiera muy bien para la edad que tenía, escribía "gilipolleces"». Le aconsejó que escribiera acerca de donde venía. Saviano le debe mucho a escritores como Fofi o Gustaw Herling-Grudziński, escritores que él define como "combatientes", maestros que usan la pluma como arma.


title: Roberto Saviano

text: En marzo de 2006, como parte de la colección Strade Blu de la casa editorial Mondadori, su primera novela Gomorra - Un viaje al imperio económico y al sueño de poder de la Camorra, un viaje en el mundo de los negocios y del crimen de la Camorra y de los lugares donde esta ha nacido y vive: la región Campania, Nápoles, Casal di Principe, San Cipriano d'Aversa, el agro aversano - un territorio en la provincia de Caserta - lugares en los que el autor creció, de los que da a conocer una realidad inédita a los ojos de los que no son de estos lugares. El libro habla de villas suntuosas de los jefes de la Camorra, de campos preñados de residuos tóxicos eliminados por cuenta de media Europa, de una población que no solo es cómplice con la criminalidad organizada, sino que incluso la protege y aprueba su labor. El autor nos cuenta de un Sistema (este es el verdadero nombre utilizado para referirse a la Camorra) que atrae nuevos jóvenes reclutas, haciéndoles creer que la suya es la única elección de vida posible, de jefes-niños convencidos de que la única manera de morir como un verdadero hombre sea la de morir asesinados, y de un fenómeno criminal influenciado por la espectacularización mediática, en el que los jefes se inspiran en la vestimenta y en los movimientos de las estrellas de cine.


title: Roberto Saviano

text: En agosto del 2009 el libro ha vendido más de 2,5 millones de copias solo en Italia y ha sido traducido en 52 países. En el resto del mundo "Gomorra" ha vendido cerca de 2 millones de copias. Está presente en las clasificaciones de best sellers en Alemania, Países Bajos, Bélgica, España, Francia, Suecia, Finlandia, Lituania, Albania, Israel, Líbano y Austria.