title: Draft de la BAA de 1949

text: El Draft de la BAA de 1949 fue el tercer draft de la Basketball Association of America (BAA), que posteriormente se convirtió en la National Basketball Association (NBA). El draft se celebró el 21 de marzo de 1949 antes del comienzo de la temporada 1949-50.


title: Draft de la BAA de 1949

text: En este draft, once equipos de la BAA junto con Indianapolis Olympians, que se unió a la liga, seleccionaron a jugadores amateurs del baloncesto universitario. El draft consistió de ocho rondas y dos elecciones territoriales, con un total de 75 jugadores seleccionados. Fue el último draft de la BAA antes de que la liga se renombrase a NBA en agosto de 1949, antes del comienzo de la temporada 1949-50.


title: Draft de la BAA de 1949

text: Howie Shannon, de la Universidad Estatal de Kansas, fue seleccionado en la primera posición por Providence Steamrollers. Sin embargo, Ed Macauley y Vern Mikkelsen fueron seleccionados antes del draft como elecciones territoriales de St. Louis Bombers y Minneapolis Lakers respectivamente. Tres jugadores de este draft, Vern Mikkelsen, Ed Macauley y Dick McGuire, fueron posteriormente incluidos en el Basketball Hall of Fame.


title: Draft de la BAA de 1949

text: La siguiente lista incluye otras elecciones de draft que han aparecido en al menos un partido de la BAA/NBA.


title: La tostadora valiente al rescate (película)

text: La tostadora valiente al rescate es la segunda película de la trilogía de "La tostadora valiente". Esta película no está basada en la novela de Thomas M. Disch al contrario que la primera y la segunda. El título original de la película y la obra es "The Brave Little Toaster To The Rescue".


text: Esta película trata de que Tostadora, Kirby, Manti, Lampi y Radio viven en la universidad con su dueño y con animales que él tiene que estaban sufriendo antes de que Rob los encontrara. Pero una mala amistad quiere venderlos a un laboratorio químico para ganar dinero. El grupo quiere averiguar como salvarlos y descubren un super-ordenador sucio y muy viejo además de roto y con un virus. Si consiguieran encontrar un tubo de vacío muy antiguo e introducirlo en el ordenador se podría arreglar y así encontrar información del plan de la mala persona para evitar que se lleve a cabo.


title: South Western Main Line

text: South Western Main Line es una línea ferroviaria británica que comienza en la Estación de Waterloo, en Londres, y termina en la Estación de Weymouth, en Weymouth, Dorset. Es una importante línea ferroviaria que conecta varias grandes ciudades, tales como Southampton y Bournemouth. Atraviesa los condados de Gran Londres, Surrey, Hampshire y Dorset.


title: Spurs Engine

text: Spurs Engine es un microprocesador producido por Toshiba que usa la tecnología del Chip Cell, aplicada a ordenadores personales. En lugar de usar un procesador principial y 8 secundarios a 3.2 Ghz, usa un procesador principal y 4 secundarios a 1.5 Ghz. Actualmente no hay muchas ordenadores con este chip. El portátil "Qosmio G45" lo incorpora.


title: Fuerte Nothe

text: El Fuerte Nothe (en inglés: "Nothe Fort") es un fuerte localizado en Weymouth, Dorset, Inglaterra. Está ubicado en la salida del puerto de esa localidad, junto al rompeolas septentrional del Puerto de Pórtland. Fue construido en 1872 para proteger aquella última estructura, que se estaba convirtiendo en una base importante de la Marina Real Británica. Tuvo un importante papel durante la Segunda Guerra Mundial cuando el Puerto de Pórtland fue utilizado por las marinas británica y estadounidense.


title: Fuerte Nothe

text: En 1956 fue abandonado, y en 1961 fue comprado por el Consejo local. Actualmente es un museo que expone maquetas y recuerdos de la Segunda Guerra Mundial, así como también cañones y armas de fuego originales y vehículos americanos y británicos utilizados en dicho conflicto bélico. En 2002, el museo recibió 12 042 visitantes.


title: Modelo de diátesis-estrés

text: El Modelo de diátesis-estrés es una teoría psicológica que explica la conducta como un resultado tanto de factores biológicos y genéticos (lo "innato") como de experiencias vitales (lo "adquirido"). Esta teoría a veces se usa para describir la aparición de trastornos mentales como la esquizofrenia, que se producen por la interacción de una predisposición hereditaria vulnerable, con sucesos que precipitan la aparición del trastorno procedentes del ambiente. Esta teoría se introdujo originalmente como un medio de explicar algunas de las causas de la esquizofrenia.(Zubin & Spring, 1977).


title: Modelo de diátesis-estrés

text: En el modelo de diátesis-estrés, una vulnerabilidad genética o predisposición (diátesis) interactúa con el ambiente y con los sucesos vitales (estresantes) para desencadenar conductas o trastornos psicológicos. Cuanto mayor sea la vulnerabilidad subyacente, menos estrés se necesita para desencadenar la conducta/trastorno. Y a la inversa, cuanto menor sea la contribución genética será mayor el estresante necesario para producir un resultado particular. Incluso así, alguien con una diátesis que le lleve a un trastorno no tendrá necesariamente que desarrollar el trastorno. Tanto la diátesis como el estrés son necesarios para que esto suceda.


title: Modelo de diátesis-estrés

text: El modelo de diátesis-estrés ha sido reformulado en los últimos 20 años bajo la forma de un modelo de estrés-vulnerabilidad-factores protectores, en particular por el Dr. Robert P. Liberman y sus colegas del campo de la rehabilitación psiquiátrica.


title: Modelo de diátesis-estrés

text: Este modelo tiene profundos beneficios para las personas que tienen enfermedades mentales severas y persistentes. Esto ha estimulado la investigación sobre los estresantes comunes que experimentan los pacientes con trastornos como la esquizofrenia. Y lo que es más importante, también ha estimulado la investigación y el tratamiento de cómo mitigar este estrés y por tanto reducir la expresión de la diátesis desarrollando factores de protección. Entre estos se encuentran una psicofarmacología rigurosa y llena de matices, adquisición de competencias (en especial la resolución de problemas y competencias en comunicación básica) y el desarrollo de sistemas de soporte para las personas que padecen estas enfermedades. Y lo que es más importante, el modelo de estrés-vulnerabilidad-factores de protección ha permitido que los trabajadores de la salud mental, las familias y los clientes creen un perfil personal sofisticado de lo que ocurre cuando la persona tiene un funcionamiento pobre (la diátesis), qué es lo que le afecta (los estresantes) y qué es lo que le ayuda (factores de protección). Esto ha producido intervenciones más humanas, eficaces, eficientes y autorizadas.


title: NDISwrapper

text: NDISwrapper es un encapsulador o envoltura ("wappper") libre de controladores de dispositivos, que permite el uso de la mayoría de las tarjetas de red inalámbricas en sistema operativo GNU utilizando la API del kernel de Windows, enlazando de forma dinámica el controlador de Windows a esta implementación.


title: NDISwrapper

text: Este proyecto es de gran importancia ya que muchos fabricantes no distribuyen controladores para Linux en sus tarjetas de red inalámbricas. También se encuentra disponibles un proyecto equivalente bajo FreeBSD y NetBSD denominado Project Evil, que funciona de manera similar a NDISwrapper. Project Evil no se encuentra disponible en OpenBSD.


title: NDISwrapper

text: La mayoría de la distribuciones GNU/Linux proveen NDISwrapper, tanto por defecto o a través de su sistema de gestión de paquetes, que es la opción más cómoda y recomendada para usuarios no iniciados.


title: NDISwrapper

text: Instalar NDISwrapper a partir del código fuente puede ser un poco complicado, pero en el sitio web de NDISwrapper se proporcionan instrucciones para su instalación manual. Sin embargo, antes de proceder con este tipo de instalación, el usuario debería tener cierta experiencia y conocimientos sobre administración básica de red y compilación de paquetes en entorno Linux.


title: NDISwrapper

text: Existen interfaces gráficas para NDISwrapper, como son Ndisgtk y NdisConfig, que permiten que se instale NDISwrapper utilizando una interfaz gráfica de usuario, en lugar de los comando de consola.


title: Ulk

text: Ulk (16 de septiembre de 1932-6 de septiembre de 1942) fue el nombre del perro gran danés que tuvo el presidente chileno Arturo Alessandri Palma durante su segundo gobierno (1932-1938), y que se transformó en un símbolo de este; incluso apareció en una de las fotografías oficiales del mandatario, siendo considerado el «primer perro presidencial de Chile».


title: Ulk

text: El perro se hizo conocido en el segundo gobierno de Alessandri, puesto que acompañaba a su amo durante sus diarias caminatas por el centro de Santiago, y en sus visitas a la Confitería Torres. Se cuenta que durante una de esas ocasiones, unos agricultores quisieron jugarle una broma y llevaron a otro gran danés. Ambos perros comenzaron a pelear y tuvieron que ser separados con un balde de agua.


title: Ulk

text: También se relata que Ulk tenía gran presencia en el Palacio de La Moneda, llegando incluso a interrumpir ceremonias oficiales de la Presidencia:


title: Ulk

text: Ulk falleció en 1942 y fue embalsamado. Su cuerpo fue depositado en el Museo Nacional de Historia Natural y en 1984 fue trasladado al Museo Histórico Nacional, donde se encuentra en exhibición.


title: Mandy Musgrave

text: Amanda Marie Musgrave, más conocida como Mandy Musgrave, nació en Orlando, Florida el 19 de septiembre de 1986. Saltó a la fama como Ashley Davies, la chica rica, rebelde y desenfrenada de buen corazón que enamoró a Spencer Carlin en la ficción de South of Nowhere. También interpretó a Chelsea Benson en la famosa serie de TV Days of our lives y participó como invitada en los shows de TV y The king of queens.


title: Mandy Musgrave

text: Mandy Moo, como la llaman sus allegados, nació el 19 de septiembre de 1986, en Orlando, Florida. Sus padres se divorciaron cuando ella tenía tan solo 2 años y ambos volvieron a casarse cuando ella tenía 4 años de edad, actualmente mantiene una estrecha relación con sus 2 padres. Tiene 2 hermanas, una gemela llamada Jamie y una mayor, Brianna. Se graduó en la escuela secundaria en 2004.


title: Mandy Musgrave

text: Mandy siempre ha sentido una inmensa pasión al actuar pero nunca lo tomó en serio como posible carrera a seguir hasta la escuela secundaria donde se unió al club de drama. Empezó a cantar en la iglesia con su madre, quien es cantante/compositora de una banda de Folk/Rock cristiano en Orlando llamada ChriStill, la primera vez que cantó con su madre en la iglesia recibió una gran ovación.


title: Mandy Musgrave

text: Estando decidida a realizarse como actriz y siguiendo los pasos de su abuela, la actriz, Rosita Thompson decidió irse a vivir sola a Los Ángeles a la temprana edad de 17 años e intentar triunfar en el mundo artístico para probarse a sí misma, para devolverle todo el apoyo a su familia, especialmente a su madre quien siempre creyó en ella, y para todos aquellos que no creyeron que tendría éxito.


title: Mandy Musgrave

text: Hoy en día no solo se consagró como actriz, donde ya obtuvo varias nominaciones e incluso ganó un premio, sino que también demuestra sus privilegiados dotes vocales.


title: Mandy Musgrave

text: En cuanto a su vida amorosa ha tenido varios romances, algunos con hombres pertenecientes a la farándula como el acto r Kellan Lutz, pero actualmente se encuentra en pareja con Evan Matthew Cohen, compañero suyo en South of Nowhere con el que se casó el 18 de mayo de 2011.


title: Mandy Musgrave

text: Comenzó en la multipremiada serie Days of our lives y mientras tanto realizaba papeles secundarios en series como The king of queens y , hasta que participó en el casting de South of Nowhere, donde si bien intentó audicionar para el papel de Spencer Carlin, representado por su amiga y colega Gabrielle Christian, obtuvo el papel de la conflictiva Ashley Davies. Su papel en la serie South of Nowhere, que trata temas controversiales como la homosexualidad, la discriminación racial y el abandono de los padres (entre otros), es el de una adolescente de 16 años rebelde y bisexual. Su rol ha sido muy cuestionado y aclamado a la vez, ya que en él debe interpretar escenas lésbicas con su amiga y compañera de show Gaby, sin embargo desempeña este personaje de manera excelente.


title: Mandy Musgrave

text: Actualmente reside en Burbank, California, donde vive en un departamento con su mascota André y se halla descansando, después de haber terminado las grabaciones de la segunda parte de la tercera temporada de South of Nowhere.


title: Lázaro Cárdenas (estación)

text: Lázaro Cárdenas es una estación del Metro de Ciudad de México, recibe su nombre del Eje Central Lázaro Cárdenas el cual cruza el Eje 3 sur a esa altura. Lázaro Cárdenas del Río fue presidente de México de 1934 a 1940. Es famoso por ser quien expropió las compañías extranjeras que extraían el petróleo mexicano (Expropiación Petrolera). También fue el presidente que ayudó a los españoles refugiados durante la Guerra Civil Española. El símbolo de la estación representa la silueta de Lázaro Cárdenas del Río.


title: Rod Serling

text: Rodman Edward "Rod" Serling (25 de diciembre de 1924-28 de junio de 1975) fue un guionista y productor de televisión estadounidense, conocido principalmente por ser el escritor principal y anfitrión de la serie televisiva de antología de ciencia ficción "The Twilight Zone" y la posterior serie "Galería Nocturna".


title: Rod Serling

text: Existe una entrevista realizada poco antes del estreno de "The Twilight Zone", de sumo interés, en la que Serling combate, siempre desde la prudencia, la censura televisiva, un problema que supo evitar con éxito ya que la serie estuvo cinco temporadas en antena pese a su evidente intención de ser crítica con la política, la sociedad y la moralidad de su época.


title: Rod Serling

text: Serling fue nombrado en la revista "TV Guide" de agosto de 2004 como el número 1 entre las «25 leyendas más grandes de la ciencia ficción».


title: Rod Serling

text: Serling fue «resucitado digitalmente» en 2005 para un episodio de la serie de televisión "Medium" que fue filmado parcialmente en 3D. Serling aparece al inicio del episodio como anfitrión, en forma similar a como lo hacía en los episodios de "The Twilight Zone" y "Galería Nocturna". Este efecto fue logrado utilizando material filmado del episodio de "The Twilight Zone" "The Midnight Sun" y manipulando el movimiento de la boca de Serling para hacerlo coincidir con nuevo diálogo hablado por el imitador Mark Silverman.


title: Rod Serling

text: Cuando Rod Serling falleció el 28 de junio de 1975, a los cincuenta años de edad, tenía realizados tantos logros a lo largo de su vida como para llenar la vida de una docena de hombres talentosos. Tras su sombra dejó un legado único: una colección de brillantes dramas televisivos, una voz y un estilo ampliamente imitado y una galería de extraños y maravillosos personajes, que se convirtieron en parte del folclore norteamericano: el cansado ejecutivo de mediana edad que escapa de sus presiones diarias hacia el pueblo de su niñez... el convicto condenado a años de aislamiento en un planetoide remoto, cuya única compañía es un robot... el soldado que puede reconocer cuando uno de sus camaradas está por perder la vida en el campo de batalla... el charlatán compulsivo que remueve sus cuerdas vocales con el propósito de ganar una apuesta de que no es capaz de callarse la boca por un año... la mujer hermosa despreciada como abominable por un mundo de seres monstruosos... el viajero del tiempo de nuestros días que intenta prevenir a Abraham Lincoln de su asesinato... el hombre que maltrata a las máquinas hasta que un día ellas se rebelan... el vendedor callejero que engaña a la Muerte... el inquietante niño que atemoriza a su familia y vecinos a causa de sus enormes poderes psíquicos... el astuto bibliotecario que es condenado a morir al considerársele inútil por un déspota gobierno futurista... el millonario enfermo que antes de morir desea darle una lección a su codiciosa familia usando sus máscaras antiguas... el viejo profesor que es despedido y jubilado de la escuela donde imparte clases antes de tener profundas charlas con las memorias de sus antiguos alumnos... el Santa Claus borrachín de una tienda de juguetes que una noche de Navidad se convierte en un Santa verdadero... y literalmente cientos más.


title: Rod Serling

text: Serling también dejó una frase que para los norteamericanos de todo tipo de clases, se ha convertido en sinónimo del dominio de la imaginación: La Dimensión Desconocida. Entre 1959 y 1964, en más de 150 episodios memorables, Rod Serling fue nuestro guía a través de esta Quinta Dimensión donde la realidad se asocia con los sueños. Él expandió nuestro universo.


title: Rod Serling

text: La imaginación de Serling transformó sus memorias infantiles en la idealizada Norteamérica de "Walking Distance," "A Stop at Willoughby," y otras historias. Su hija Anne lo recuerda como «de muchas maneras, un muchacho. Él tenía esa rara cualidad de estar capacitado de aferrarse a las cosas que usualmente nos pasan desapercibidas. Ese fue su costado suave, una tierna intensidad. Él tenía una caja llena de viejas cartas de sus amigos de la infancia, sus padres y su hermano, la que miraba con un estado de ánimo siempre nostálgico. No se si él sería capaz de dejarla por completo. Esto se evidencia en muchas historias suyas que tratan el tema del "regreso"».


title: Rod Serling

text: En el libro inédito "The Making of the Twilight Zone", Marc Scott Zicree hace un relato de esos años: Rodman Edward Serling nació en Syracuse, New York, el 25 de diciembre de 1924. ("Fui un presente de Navidad que fue regalado sin ningún envoltorio," diría mucho después.) Al poco tiempo, Rod y su familia -su hermano Bob, siete años mayor, y sus padres, Samuel Lawrence Serling y Esther Cooper Serling- se mudaron a Binghamton, un pueblito al norte de Nueva York donde, a lo largo de toda su niñez, vio crecer su imaginación sin límite. "Rod fue tan extrovertido como tu puedes esperar ser", dice Bob Serling, también escritor de superventas ("The President's Plane Is Missing", "Wings"). "Fue un muchacho bien parecido, y lo sabía. Muy popular, muy estructurado, muy sincero. No era arrogante. "Nosotros fuimos bastante compañeros de niños, y jugábamos juntos a todo, a pesar de la diferencia de edad. Ambos acostumbrábamos leer "Amazing Stories", "Astounding Stories, "Weird Tales", todas revistas de pulp. Si nosotros veíamos una película junto"s, íbamos a casa e interpretábamos todos los papeles nosotros dos. Nuestras bicicletas se convertían en aeroplanos con ametralladoras. Siempre estábamos haciendo de cowboys. Rod no era pedante de ninguna manera: él era sociable, entusiasta, amaba ser el centro de la reunión, y cambió poco cuando entró en la segunda década de su vida. "Él siguió ese camino durante todo el colegio, según puedo recordar," Bob explica. "Fue líder de su clase, siempre encantado por la representación. Él trató por todos los medios, fue como alguna especie de compulsión que nadie más tenía. Y luego fue reclutado en las tropas paracaidistas durante la Segunda Guerra Mundial.


title: Rod Serling

text: El día que se graduó de la secundaria, se enlistó en la 11º División Aerotransportada. Durante el entrenamiento básico, tomó también los guantes y fue boxeador, combatiendo como peso pluma. Tuvo una racha de 17 combates victoriosos. En la siguiente pelea, un boxeador profesional que le rompió la nariz en dos pedazos y lo noqueó en el tercer asalto, lo convenció de abandonar para siempre el ring. Anteriormente un periodista del regimiento lo había alabado haciendo notar que él llevaba "el ring en la sangre". Después Serling recordaría ese episodio de su vida diciendo que, en realidad, "¡dejé bastante de mi sangre en varios rings!"


title: Rod Serling

text: Habiendo finalizado su entrenamiento básico, Rod marchó al Pacífico como parte de un comando de asalto y demolición. En 1945, mientras combatía en las Filipinas, su padre murió de un ataque cardíaco a la edad de 52. "Le avisamos a a través de la Cruz Roja norteamericana", recuerda Bob, que estaba fuera del ejército. "Él solicitó un permiso pero le fue negado." Cuando Rod finalmente pudo regresar a Binghamton, fue a un hogar que carecía de la seguridad y estabilidad que supo conocer cuando niño.


title: Rod Serling

text: Si no hubiera sido por la Segunda Guerra Mundial quien sabe si Serling se hubiera convertido en escritor. El conflicto ensanchó su experiencia y lo ubicó bajo una presión emocional que demandaba una catarsis. "Fui seriamente herido con los paracaídistas" - varias metrallas de granada lesionaron su muñeca y rodilla, requiriendo hospitalización - "y quedé muy lleno de resentimiento contra todos y todo cuando quedé fuera del servicio. Pienso que me convertí en escritor para desahogarme."


title: Rod Serling

text: Después de ser licenciado del ejército en 1946, Rod se enroló en el Antioch College en Yellow Springs, Ohio, "Realmente no sabía que demonios buscaba en mi vida... me especialicé en Educación Física porque estaba interesado en trabajar con chicos." Pero esta actividad no cumplimentó las necesidades de auto-expresión de Rod. Pronto cambió su especialidad al lenguaje y la literatura y buscó una salida creativa. La radio pareció un medio propicio, así que se convirtió en encargado de la radio del instituto, y escribió, dirigió y actuó semanalmente en producciones radiales que fueron emitidas a través de WJEM, Springfield. Durante 1948 y 1949 los libretos fueron enteramente originales. Más adelante Rod llamaría a estas invenciones "material bellamente deficiente", pero él se dedicaba con invaluable disciplina y capacidad. (Sobre estos primitivos guiones Serling dijo: "el estilo algunas veces lo desarrollamos copiando el estilo de algún otro que escribe bien. Por un rato estamos haciendo una imitación barata. Yo mismo fui un imitador de Hemingway. Todo lo que escribía comenzaba con "fue cálido").


title: Rod Serling

text: Al final de 1946 Rod conoció a Carolyn Louise Kramer, una atractiva, intelectual y juiciosa joven de 17 años que estudiaba para psicología. Serling tenía 21 años. Carol dice sobre su primera cita: "Él me impresionó con un maravilloso sentido del humor. Y eso fue algo de lo que me fascinó. Nunca antes había conocido a nadie tan seguro de sí mismo."


title: Rod Serling

text: Aquí Carol Serling levantó su historia. Ambos, aun estando en el colegio, se casaron en el verano de 1948. Había poco dinero al principio y tenían que vivir en uno de los albergues estudiantiles de la Universidad, que era un tráiler excedente de la guerra que no tenía agua corriente. En 1949 sin embargo, la suerte cambió: un guion que Rod envió a un concurso auspiciado por el programa de radio del Dr. Christian ganó un segundo premio, lo cual significaron 500 dólares y un viaje a Nueva York para dos. "Ir de ese trailer al Savoy Plaza, fue como un sueño", recuerda la sra. Serling. "El periódico del Colegio tituló la noticia como 'Serling gana el Premio Christian'. En Nueva York nosotros también conocimos a otro de los ganadores, Earl Hamner, que más adelante trabajaría con Rod en la Dimensión Desconocida - antes de ser el creador de la serie Los Walton. "Pienso que esta experiencia fue una de las razones por las que Rod tuvo la posibilidad de relacionarse tan bien con los muchachos del colegio a quienes instruía; él supo que tan importante fue aquel primer reconocimiento." Le tomó mucho trabajo duro, también. Pues este triunfo inicial fue seguido de docenas de rechazos; en rigor, los Serling tapizaron su cuarto de baño con esos papeles. Cuando Rod hizo su primer trabajo profesional que logró vender, hizo 150 dólares, estaba tan orgulloso que mantuvo el cheque durante tres meses antes de ir a retirarlo al banco, porque necesitábamos el dinero. "Fue una circunstancia increíble," dijo, hablando en una entrevista a Writer's Yearbook. "Por primera vez en tú vida un escrito tuyo tenía valor, y comprobado valor, porque alguien dio dinero por las palabras que tu escribiste. Y esto tiene una importancia terrible. Es un regalo tremendo para el ego, para tu sentido de la auto-estima y para tu sentimiento acerca de tu propio talento."


title: Rod Serling

text: Graduado en Antioch en 1950, Rod comenzó a trabajar en una radioemisora de Cincinnati y luego para una emisora de TV en la misma ciudad. Al mismo tiempo se empeñaba en escribir más guiones. Hacia 1952, cuando tenía 28 años, fue capaz de dejar su trabajo y mantener a su familia (que ya contaba con dos hijas, Jodi y Anne) dedicándose a escribir guiones por encargo. En 1954 la familia Serling se mudó a Westport, Connecticut, para estar más cerca de la industria televisiva. Rod comenzó a vender guiones a cada serie de antología dramática que había en el aire: Lux Video Theatre, Armstrong Circle Theatre, Studio One, y Ford Theatre. Y fue la emisión de Patterns en el Kraft Television Theatre, el 12 de enero de 1955, que le acarreó una atención general del público. Una lucha de poderes dentro del seno de una empresa, Patterns se convirtió en el primer episodio de una serie que se volvió a emitir a petición del público. Rod ganó el primero de sus seis premios Emmy, por mejor guion dramático.


title: Rod Serling

text: El éxito acarreó más éxito. Rod tuvo solo en 1955 unos veinte dramas televisados, incluido The Rack en U.S. Steel Hour, y el siguiente año ganó otro premio Emmy por Requiem for a Heavyweight , lo cual asentó su reputación. Emitido por Playhouse 90, fue el primer episodio de una serie jamás escrito para TV que duraba noventa minutos. The Comedian (también ganador del Emmy) siguió en 1957, The Time Element (un episodio de una hora antecesor de La Dimensión Desconocida) en 1958, y The Rank and File en 1959 - junto con muchos otros.


title: Rod Serling

text: "Mi padre tenía solamente 31 años cuando recibió el Emmy por Patterns," recuerda Anne Serling, "y Requiem un año después. Aún el éxito nunca lo había empañado. Era un hombre caritativo a quien realmente le importaban las cosas y que odiaba el prejuicio y la falta de equidad. Sus historias ofrecen más que entretenimiento. A menudo nos fuerzan a examinar el lado duro y oscuro de la vida. Sus historias hacen que demostremos real interés. " Cuando escribía sobre temas sociales Rod no podía creer la repercusión que ellos tenían. Time lo convirtió en "un hombre que sirvió a la TV con algunas de las historias más estrechamente construidas y agudas líneas de diálogos jamás pronunciadas." Pero no todos estaban felices. "Inicialmente el personal creativo tenía más control, pero la televisión se convirtió en un gran negocio y las riendas fueron tomadas por otras manos," destaca la sra. Serling. "Algunos de los guiones de Rod fueron totalmente cambiados a causa de las presiones de los auspiciantes de las cadenas de TV. Fue su ira y frustración contra la censura que, según ella, lo lanzó, casi literalmente en La Dimensión Desconocida. "Como él contó en una entrevista, 'Las cosas que no pueden ser dichas por un republicano o un demócrata, pueden ser dichas por un marciano.' Y Rod sintió que haciendo una serie ambientada en el espacio exterior o en algún lugar totalmente imaginario podía tener libertad creativa.


title: Rod Serling

text: Ciertamente, como creador de La Dimensión Desconocida, - y por la naturaleza metafórica de la serie - Rod se dio el gusto de tener un inusual control artístico. En él cayó la responsabilidad de vender los episodios a toda la escéptica industria televisiva; y fue él quien apareció como anfitrión y quien escribió el grueso de los episodios. Esta última tarea fue realmente formidable, pero el escribir siempre fue fácil para él. "Cuando su mirada parecía estar atormentada sobre el proceso creativo, Rod se levantaba cada mañana diciendo, 'Déjame contarme una historia.' Esa fue su insignia, su confianza y su llave maestra dentro de nuestras vidas.


title: Rod Serling

text: "La Dimensión Desconocida" fue cancelada en 1964, el mismo año que el filme Seven Days in May, con guion de Serling fue estrenado. Más guiones cinematográficos siguieron, entre ellos "The Doomsday Flight" (1967) y "El Planeta de los Simios" (1968) conjuntamente firmado por Michael Wilson. Después los telefilmes ocuparon su tiempo: A Storm in Summer, emitido en el espacio de Hallmark Hall of Fame, ganó otro Emmy en 1969; Night Gallery (Galería Nocturna - 1970) un telefilme, se convirtió en otra serie exitosa un año después, y The Man apareció en 1972. Sus energías no limitaron sus pasatiempos; la década final de su vida también la dedicó a la educación, alentando específicamente a jóvenes escritores. Sus giras lo llevaron por docenas de universidades cada año, y, entre 1968 y 1975, dio seminarios de escritura de guiones el Ithaca College de Nueva York. En sus guiones, en sus clases, en su influencia sobre un nuevo medio - y desde su propia vida como ejemplo - Rod Serling inspiró a otros para vivir superándose a sí mismos. Ese también fue su legado.


title: Spinefarm Records

text: Spinefarm Records es un sello discográfico ubicado en la ciudad de Helsinki, Finlandia que se centra principalmente en el heavy metal. En 1999 un sub-sello titulado Spikefarm Records fue creado por Sami Tenetz de Thy Serpent. Desde 2002, Spinefarm forma parte de Universal Music Group, pero funciona como una empresa independiente..


title: Mixiuhca (estación)

text: Mixiuhca es una de las doce estaciones de la Línea 9 (la octava de poniente a oriente, la quinta de oriente a poniente) del Metro de la Ciudad de México, y recibe su nombre por el pueblo de La Magdalena Mixiuhca, donde se encuentra situada. El símbolo representa a una mujer con un niño, ya que en náhuatl la palabra "Mixiuhca" significa "lugar de parto".


title: Francisco Estrada Soto

text: Francisco «Paquín» Estrada (Navojoa, Sonora, México; 12 de febrero de 1948-Ciudad Obregón, Sonora, México; 9 de diciembre de 2019) fue uno de los beisbolistas mexicanos más exitosos. Es considerado uno de los mejores receptores (cácher) en la historia de la Liga Mexicana de Béisbol. Participó en Liga Mexicana de Béisbol, Liga Mexicana del Pacífico y en un juego de Grandes Ligas de Béisbol.


title: Francisco Estrada Soto

text: Su gran carrera de treinta años como receptor y veintiocho como mánager, lo tienen en el Salón de la Fama del Béisbol Mexicano. Ganó títulos en la Liga Mexicana de Béisbol y Liga Mexicana del Pacífico, compartió la marca de más Series del Caribe dirigidas con siete, de más Series del Caribe ganadas con dos y fue mánager de México en el primer Clásico Mundial de Béisbol.


title: Francisco Estrada Soto

text: En Grandes Ligas llegó a participar en un juego con los Mets de Nueva York, en 1971.


title: Francisco Estrada Soto

text: Francisco Estrada tuvo su primera aparición en el béisbol mexicano en 1964, con tan solo 16 años de edad, debutó con el equipo de Mayos de Navojoa, participó durante 30 temporadas consecutivas hasta la campaña 1993-94, durante esos años estuvo con cinco diferentes equipos: Mayos de Navojoa, Yaquis de Ciudad Obregón, Venados de Mazatlán, Tomateros de Culiacán y Águilas de Mexicali.


title: Francisco Estrada Soto

text: Como jugador obtuvo 2 campeonatos, ambos con Tomateros de Culiacán en la temporada 1982-83 y 1984-85.


title: Francisco Estrada Soto

text: Francisco Estrada inicio a su carrera en LMB en 1966 con los Diablos Rojos del México en donde jugó por 26 temporadas, durante esos años estuvo con 5 diferentes equipos: Diablos Rojos del México, Ángeles de Puebla, Piratas de Campeche, Bravos de León y Petroleros de Minatitlán.


title: Francisco Estrada Soto

text: Estrada fue integrante de equipos campeones, en 1968 con Diablos Rojos del México y en 1979 con los Ángeles de Puebla.


title: Francisco Estrada Soto

text: Obtuvo un campeonato en la Serie del Caribe, en 1986 como jugador con las Águilas de Mexicali, en este último equipo como refuerzo en la serie del Caribe de 1986, dando el hit con el que se coronó México campeón en Maracaibo Venezuela en 1986.


title: Francisco Estrada Soto

text: Inició su carrera como mánager (aun siendo jugador) en 1982, en la Liga Mexicana del Pacífico con los Tomateros de Culiacán, obtuvo su primer campeonato ese mis año, luego manejó a los Águilas de Mexicali, Mayos de Navojoa, Naranjeros de Hermosillo y Yaquis de Ciudad Obregón.


title: Francisco Estrada Soto

text: En la Liga Mexicana del Pacífico ha obtenido siete campeonatos, seis con Tomateros de Culiacán y uno con los Águilas de Mexicali.


title: Francisco Estrada Soto

text: Ha obtenido dos campeonatos en la Serie del Caribe, en 1996 y 2002, dirigiendo a los Tomateros de Culiacán.


title: Francisco Estrada Soto

text: En Liga Mexicana de Béisbol inició su carrera como mánager (aun siendo jugador) en 1983, con los Piratas de Campeche, luego manejó a los Osos Negros de Toluca, Bravos de León, Petroleros de Minatitlán, Pericos de Puebla y Langosteros de Cancún.


title: Francisco Estrada Soto

text: Ha sido campeón en 1983 y 2004 con los Piratas de Campeche y en 1990 con los Bravos de León.


title: Francisco Estrada Soto

text: Es miembro del Salón de la Fama del Béisbol Mexicano desde el año 2000 como jugador.


title: Francisco Estrada Soto

text: Falleció tras pasar varias semanas ingresado en el hospital IMSS (Instituto Mexicano del Seguro Social) en Cd. Obregón, Sonora, como consecuencia de complicaciones cardíacas a los setenta y un años.


title: Vuelo 38 de British Airways

text: El vuelo 38 de British Airways fue un vuelo programado entre el Aeropuerto Internacional de Pekín (China) y el Aeropuerto de Londres-Heathrow (Reino Unido), que sufrió un incidente a las 12:42 hora local del 17 de enero de 2008 al aproximarse al aeropuerto inglés. Era operado por un Boeing 777-236ER de matrícula G-YMMM perteneciente a la compañía aérea británica British Airways.


title: Vuelo 38 de British Airways

text: El avión realizó un aterrizaje de emergencia, dejando cerrada la pista sur del aeropuerto de Heathrow.


title: Vuelo 38 de British Airways

text: Las investigaciones de la AAIB (agencia de investigación británica) determinaron que el sistema anticongelamiento del combustible (FOHE) actuó en forma insuficiente, no pudiendo impedir la interrupción del flujo de combustible en el crucial momento del aterrizaje.


title: Vuelo 38 de British Airways

text: Rolls Royce modificó el sistema anticongelante del combustible y la Agencia Europea de Seguridad Aérea (EASA) obligó a replicar esa modificación en todos los motores con fecha límite 1 de enero de 2011 (en inglés)


La Torre de telecomunicaciones de Stuttgart () es la primera torre de radiodifusión del mundo construida de hormigón, siendo desde entonces el prototipo para el resto de torres de esta clase que se han construido posteriormente en el planeta.


title: Torre de telecomunicaciones de Stuttgart

text: Está ubicada en la colina "Hoher Bopser", y pertenece al distrito de Degerloch de Stuttgart. Después de un período de construcción de 20 meses entró en funcionamiento el 5 de febrero de 1956, por "Süddeutscher Rundfunk" (hoy: "Südwestrundfunk" - SWR). La torre difunde varias emisoras de radio como también la red de TV ARD de Alemania. Aunque fue inicialmente polémica, rápidamente pasó a ser un símbolo reconocido de Stuttgart y una nueva atracción turística. De las dos cubiertas de observación hay una vista panorámica de Stuttgart, de los bosques y viñedos del valle del Neckar, la Jura de Suabia y la Selva Negra.La torre está equipada con 3 faros rotativos de 1600 W de potencia y con las balizas rojas habituales, que se encienden de noche y los días de mal tiempo, siendo visibles desde un radio de 50 km.


text: La torre puede ser visitada mediante el transporte público de Stuttgart (ver enlaces externos de Stuttgart) y está abierto para visitantes de 9:00 a 23:00.


title: Hatchan

text: El término Hatchan puede referirse a:


title: Hellbound: Hellraiser II

text: Hellbound: Hellraiser II es una película británica de terror de 1988 escrita por Clive Barker y dirigida por Tony Randel. Es una secuela del film "Hellraiser", que se basa en gran medida y se hizo con gran parte del mismo elenco y equipo de la primera parte.


title: Hellbound: Hellraiser II

text: "Kirsty Cotton" ha sido enviada a un hospital psiquiátrico tras la masacre causada por su madrastra y su tío al provocar a los cenobitas. Aún la persiguen las heridas emocionales y las visiones del horror que destruyó a su familia. Cuando el doctor "Channard" y su asistente "Kyle MacRae" la entrevistan, ella les cuenta lo que pasó con su familia y les suplica que destruyan el colchón ensangrentado donde murió su madrastra asesina, "Julia", explicando que el lugar donde muere una víctima de los cenobitas es una puerta potencial para que regrese pero MacRae es el único que parece creer en ella y por lo tanto obtiene un diagnóstico negativo y es internada. Durante su estancia en el hospital, Kirsty tiene una visión de un hombre sin piel que débil y postrado en el piso escribe con su sangre en la pared "Estoy en el infierno, ayúdame" y asume que es su padre pidiendo que lo salve.


title: Hellbound: Hellraiser II

text: Aunque asegura no creer la historia de Kirsty, el doctor Channard ha buscado durante años la Configuración del lamento, puerta de entrada al mundo de los cenobitas. Después de escuchar la historia de Kirsty, Channard lleva el colchón al sótano de su casa, acuesta a uno de sus desquiciados pacientes sobre él y le entrega una navaja con la que se corta a sí mismo, intentando sacarse los gusanos que ve en sus alucinaciones. El consiguiente derramamiento de sangre libera a Julia de la dimensión cenobita, aunque su forma física está incompleta, faltando su piel. Channard, seducido por los encantos de Julia, lleva más enfermos mentales a su casa para "alimentarla". MacRae, que ha entrado a la casa del doctor Channard para investigar los reclamos de Kirsty, es testigo de esta horrible escena y vuelve al hospital psiquiátrico para avisarle a la joven. Los dos deciden regresar a la casa del doctor Channard, ya que Kirsty quiere la caja para intentar salvar a su padre. Una vez ahí, Kyle se encuentra con Julia quien lo seduce y lleva al interior del sótano donde lo ataca, alimentándose de su sangre para reponer su propia carne. Mientras tanto Kirsty revisa las investigaciones del doctor Channard sobre los cenobitas encontrando una vieja foto de un oficial militar británico la cual guarda, ya que reconoce al soldado como la versión humana de "Pinhead", posteriormente se encuentra con Julia quien la deja inconsciente de un golpe.


title: Hellbound: Hellraiser II

text: "Tiffany" (Imogen Boorman), una joven paciente que no ha hablado durante años y que demuestra una sorprendente aptitud para los rompecabezas, ha sido elegida por el doctor Channard para abrir la caja. Usando a Tiffany como apoderada, Channard y Julia desbloquean el cubo y entran al mundo de Pinhead y los cenobitas, un reino dominado por su dios "Leviatán", quien se manifiesta como un gran diamante dorado flotando en el cielo.


title: Hellbound: Hellraiser II

text: Viendo las puerta del otro mundo abiertas Kirsty entra junto con Tiffany y en una habitación del laberinto se topa con los cenobitas, quienes todavía están dispuestos a darle "la experiencia de su carne", ya que sienten que posee una deuda con ellos por abrir anteriormente la caja. Ella los amenaza con el cubo, pero Pinhead le muestra que de ese lado de la puerta es él quien escribe las reglas, por lo que transforma el cubo en la "Configuración de Leviathan", imitando la forma del diamante flotante. Kirsty escapa y recorre el laberinto de pasillos, finalmente encuentra la casa de su familia y entra pensando que verá a su padre pero allí encuentra a "Frank", quien le había escrito el mensaje con sangre. Frank ha estado atrapado en una habitación con figuras femeninas que lo provocan y desaparecen al quitar las sábanas que las cubren. Este es su infierno, ya que no es capaz de saciar su lujuria.


title: Hellbound: Hellraiser II

text: Julia traiciona al doctor entregándolo a Leviatan para que lo convierta en un cuerpo cenobita que poseer y luego parte en busca de las muchachas. Mientras, Kirsty se las arregla para escapar prendiendo fuego una imagen de Frank, que causa que el también se incendie. Julia aparece y Frank, ansioso por algunos placeres carnales (o simplemente para escapar de su infierno), le ordena que vaya con él pero Julia, que no había olvidado su traición, le arranca el corazón por la espalda, mientras Kirsty huye con Tiffany. En uno de los pasillos hay un vórtice que succiona todo lo que entra en su alcance y amenaza con absorber a las tres, Tiffany intenta salvar a Julia tomando su mano pero su piel se desprende y es absorbida.


title: Hellbound: Hellraiser II

text: Kirsty y Tiffany continúan, sólo para volver a encontrar a Pinhead y sus secuaces, que ahora tienen la intención de "experimentarla". Kirsty revela la vieja foto de Pinhead cuando era hombre, vestido como un soldado británico y este se detiene comenzando a recordar su vida humana. El doctor Channard reaparece, transformado en el nuevo cuerpo de Leviathan. Pinhead y los otros lo atacan intentando proteger a las muchachas, pero los destruye fácilmente. Tras morir, uno a uno recuperan su forma humana. Finalmente Pinhead es el último sobreviviente y a pesar de que Leviathan le arrebata sus poderes lo enfrenta como humano para dar ventaja en la huida a Kirsty antes de morir.


title: Hellbound: Hellraiser II

text: El doctor Channard deja el dominio cenobita y comienza una espiral de muerte en el hospital mental, matando a los pacientes y al personal que han abierto las otras cajas que Channard poseía. Tiffany recupera la caja original y la manipula tratando de cerrar la puerta de enlace. Channard ataca nuevamente, pero se detiene cuando ve lo que él cree que es Julia (en realidad es Kirsty llevando la piel de la fallecida Julia). Tiffany tiene la oportunidad de volver a ordenar la Configuración del Lamento en forma de cubo. Leviatán se transforma en una caja, destruyendo al doctor Channard, causando estragos en toda la zona y permitiendo a las dos niñas regresar a su hogar justo cuando la puerta entre los dos mundos se cierra.


title: Hellbound: Hellraiser II

text: La película finaliza con un epílogo en que dos hombres eliminan las pertenencias de la casa de Channard. Uno de ellos pasa sobre el colchón manchado de sangre y es descuartizado por las cadenas de Pinhead que brotan desde ahí. Cuando el otro hombre llega encuentra que ha surgido un pilar del colchón, donde se ven esculpidos con claridad los restos de Pinhead, los otros cenobitas y la cabeza de un hombre de aspecto asiático y barba (el demonio disfrazado de vagabundo visto en la primera parte) que exclama: ""¿Que se le ofrece, señor?"".


title: Arte de Japón

text: El es una expresión de la cultura japonesa, desarrollado a lo largo del tiempo en diversos períodos y estilos que se han ido sucediendo de forma cronológica, en paralelo al devenir histórico, social y cultural del pueblo japonés. La evolución del arte nipón ha estado marcada por el desarrollo de su tecnología, siendo una de sus señas distintivas el uso de materiales autóctonos. Como en el arte occidental, las principales manifestaciones artísticas han tenido su origen en la religión y el poder político.


title: Arte de Japón

text: Una de las principales características del arte japonés es su eclecticismo, proveniente de los diversos pueblos y culturas que han arribado a sus costas a lo largo del tiempo: los primeros pobladores instalados en Japón –conocidos como los Ainu– pertenecían a una rama caucásica procedente del norte y este de Asia, llegados posiblemente cuando Japón aún estaba unido al continente. El origen de estos pobladores es incierto, barajando los historiadores diversas hipótesis, desde una raza uralo-altaica hasta un posible origen indonesio o mongol. En todo caso, su cultura parecía corresponder al paleolítico superior o mesolítico. Posteriormente arribaron a las costas japonesas —al tiempo que a Corea y diversas zonas de China— varios grupos de raza malaya procedentes del sudeste asiático o islas del Pacífico, que se fueron introduciendo paulatinamente desde el sur, desplazando a los Ainu hacia el norte de Japón, mientras que en una posterior oleada llegaron a Japón varios grupos de la misma etnia procedentes de China y Corea. A esta mezcolanza racial se debe añadir la influencia de otras culturas: debido a su insularidad, Japón ha estado aislado buena parte de su historia, pero a intervalos ha ido recibiendo la influencia de las civilizaciones continentales, sobre todo de China y Corea, especialmente desde el siglo V. Así, a la cultura ancestral nipona derivada de las sucesivas oleadas inmigratorias se añadió la influencia foránea, forjando un arte ecléctico y abierto a la innovación y el progreso estilístico. También cabe destacar que gran parte del arte producido en Japón ha sido de tipo religioso: a la religión sintoísta, la más típicamente japonesa, formada alrededor del siglo I, se añadió el budismo en torno al siglo V, forjando un sincretismo religioso que aún hoy perdura, y que también ha dejado su reflejo en el arte.


title: Arte de Japón

text: El arte japonés es pues reflejo de estas distintas culturas y tradiciones, interpretando a su manera los estilos artísticos importados de otros países, que asumen según su concepto de la vida y el arte, reinterpretando y simplificando sus características peculiares, como los elaborados templos budistas chinos, que en Japón sufrieron un proceso de reducción de sus elementos superfluos y decorativos. Ello da muestra del carácter sincrético del arte japonés, por lo que siempre ha asumido con naturalidad cualquier innovación procedente de otros países.


title: Arte de Japón

text: El arte tiene en la cultura japonesa un gran sentido introspectivo y de interrelación entre el hombre y la naturaleza, representada igualmente en los objetos que le envuelven, desde el más ornado y enfático hasta el más simple y cotidiano. Esto se pone de manifiesto en el valor otorgado a la imperfección, al carácter efímero de las cosas, al sentido emocional que el japonés establece con su entorno. Así, por ejemplo, en la ceremonia del té los japoneses valoran la calma y la tranquilidad de ese estado de contemplación que consiguen con un sencillo ritual, basado en elementos simples y en una armonía proveniente de un espacio asimétrico e inacabado. Para los japoneses, la paz y la armonía están asociadas a la calidez y la comodidad, cualidades a su vez que son fiel reflejo de su concepto de la belleza. Incluso a la hora de comer, no importa la cantidad de alimentos o su presentación, sino la percepción sensorial de la comida y el sentido estético que otorgan a cualquier acto. De igual manera, los artistas y artesanos japoneses tienen un elevado grado de vinculación con su obra, sintiendo los materiales como parte esencial de su vida y de su comunicación con el ambiente que les rodea.


title: Arte de Japón

text: El arte japonés, como el resto de su filosofía –o, simplemente, su forma de ver la vida– es propenso a la intuición, la falta de racionalidad, la expresión emocional y la sencillez de actos y pensamientos, expresados a menudo de forma simbólica. Dos de sus características distintivas son la simplicidad y la naturalidad: las manifestaciones artísticas son reflejo de la naturaleza, por lo que no requieren una elaborada producción, sino que se basan en una economía de medios que otorga al arte una gran trascendencia, como reflejo de algo más elevado que queda tan solo esbozado, sugerido, siendo posteriormente interpretado por el espectador. Esta simplicidad provocó en pintura una tendencia hacia el dibujo lineal, sin perspectiva, con abundancia de espacios vacíos, que sin embargo se integran armoniosamente en el conjunto. En arquitectura, queda plasmada en diseños lineales, con planos asimétricos, en una conjunción de elementos dinámicos y estáticos. A su vez, esta simplicidad está relacionada con una innata naturalidad en la relación entre el arte y la naturaleza, que para los japoneses es reflejo de su vida interior, y la sienten con un delicado sentimiento de melancolía, casi de tristeza. En especial, el transcurrir de las estaciones les provoca una sensación de transitoriedad, viendo en la evolución de la naturaleza lo efímero de la vida. Esta naturalidad se refleja especialmente en la arquitectura, que se integra de forma armoniosa en su entorno, como se denota en la utilización de materiales naturales, sin trabajar, mostrando su aspecto rugoso, áspero, inacabado. En Japón, naturaleza, vida y arte están indisolublemente unidos, y la realización artística es un símbolo de la totalidad del universo.


title: Arte de Japón

text: En Japón, el arte pretende conseguir la armonía universal, yendo más allá de la materia para encontrar el principio generador de vida. La estética japonesa busca encontrar el sentido de la vida por medio del arte: belleza equivale a armonía, a creatividad; es un impulso poético, un camino sensorial que lleva a la realización de la obra, que no tiene finalidad en sí, sino que va más allá. La belleza es una categoría ontológica, que remite a la existencia: consiste en alcanzar el sentido con el todo. Como dijo Suzuki Daisetsu: «la belleza no está en la forma exterior, sino en el significado que expresa». El arte no está basado en las cualidades sensibles, sino en las sugestivas; no ha de ser perfecto, sino expresar una cualidad que lleve a la totalidad. Se pretende captar lo esencial a través de la parte, que sugiere la totalidad: el vacío es un complemento de aquello que existe. En la filosofía oriental hay una unidad entre materia y espíritu, predominando la contemplación y comunión con la naturaleza, por vía de adhesión interior, de intuición. En Japón, el arte ("gei"), tiene un sentido más trascendente, más inmaterial que el concepto de arte aplicado en Occidente: es cualquier manifestación del espíritu –entendido como energía vital, como esencia que insufla vida a nuestro cuerpo–, haciendo que éste se desarrolle y evolucione, consiguiendo una unidad entre cuerpo, mente y espíritu. El sentido del arte se ha ido desarrollando en la estética japonesa a lo largo del tiempo: las primeras reflexiones sobre el arte y la belleza provienen de la antigüedad, cuando se forjaron los principios creadores de la cultura japonesa y surgieron las principales obras épicas de la literatura japonesa: el "Kojiki" ("Relatos de cosas antiguas"), el "Nihonshoki" ("Anales de Japón") y el "Man'yōshū" ("Colección de diez mil hojas"). En esta época predominó el concepto de "sayakeshi" («puro, claro, fresco»), que hacía referencia a un tipo de belleza caracterizada por la simplicidad, el frescor, una cierta ingenuidad, perceptible en el uso de materiales ligeros y naturales, como la tierra cocida de las estatuillas "haniwa" o la madera en arquitectura. Buen ejemplo de ello es el templo sintoísta de Ise, construido en madera de ciprés, y que se reconstruye cada veinte años desde el siglo VIII para preservar su pureza y frescura. De este concepto se desprende una de las constantes del arte japonés: el valor otorgado a la belleza efímera, transitoria, fugaz, que evoluciona con el tiempo. En el "Man'yōshū" el "sayakeshi" queda reflejado en los sentimientos de fidelidad y honestidad, así como en la descripción de elementos naturales como el cielo y el mar, que inspiran una sensación de grandiosidad que sobrecoge al hombre. El "sayakeshi" está ligado al concepto de "naru" («devenir»), donde se valora el tiempo como una energía vital que confluye en el devenir, en la consumación de todos los actos y todas las vidas.


title: Arte de Japón

text: Posteriormente, durante los periodos Nara y Heian, la estética japonesa evolucionó rápidamente gracias a su contacto con la cultura china, así como a la llegada del budismo. El principal concepto de esta época fue el "aware", un sentimiento emotivo que sobrecoge al espectador y le lleva a una profunda sensación de empatía o piedad. Está ligado a otros términos como el "okashi", aquello que atrae por su alegría y carácter agradable; el "omoshiroshi", propiedad de las cosas radiantes, que llaman la atención por su brillo y claridad; el "yūbi", concepto de gracia, elegancia; el "yūga", calidad de refinamiento en la belleza; el "en", la atracción del encanto; el "rei", la belleza propia de la calma; el "yasashi", la belleza de la discreción; y el "ushin", el sentido profundo de lo artístico. Un hito en la cultura japonesa de esta época fue la "Historia de Genji" de Murasaki Shikibu, que plasmó un nuevo concepto estético denominado "mono-no-aware" –término introducido por Motōri Norinaga–, que transmite un sentimiento de melancolía, de tristeza contemplativa derivada de la transitoriedad de las cosas, de la belleza efímera, que dura un instante y perdura en el recuerdo. Es un estado de recreación derivado de la fugacidad de las cosas y de una agridulce tristeza a su paso, equivalente en cierta medida al "pathos" griego y al término virgiliano "lacrimae rerum" («lágrimas de las cosas»). En palabras de Kikayama Keita: «es el sentimiento profundo que nos embarga al contemplar una hermosa mañana de primavera, y también la tristeza que nos sobrecoge al mirar un atardecer otoñal. Pero, ante todo, es un sentimiento de delicada melancolía que puede derivar en una profunda tristeza al sentir hondamente la belleza caduca de todos los seres de la naturaleza». Esta idea de una búsqueda ideal de la belleza, de un estado de contemplación donde se unen el pensamiento y el mundo de los sentidos, es característica de la innata sensibilidad japonesa para la belleza, y queda patente en la fiesta del "Hanami", basada en la contemplación de los cerezos en flor. Durante la Edad Media japonesa (periodos Kamakura, Muromachi y Momoyama), en paralelo al militarismo de la sociedad feudal japonesa, se impuso el concepto de "dō" («vía»), que ponía énfasis en el proceso creativo del arte, en la práctica ceremonial de los ritos sociales, como se pone de manifiesto en el "shodō" (caligrafía), el "chadō" (ceremonia del té), el "kadō" o "ikebana" (el arte de los arreglos florales) y el "kōdō" (ceremonia del incienso). En estas prácticas no importa el resultado, sino el proceso evolutivo, el devenir en el tiempo –nuevamente el "naru"–, así como el talento demostrado en la perfecta ejecución de los ritos, que denota destreza, así como un empeño espiritual de búsqueda de la perfección. En estos nuevos conceptos tuvo una influencia decisiva una variante del budismo llamada "zen", que hacía hincapié en unas determinadas «reglas de vida» basadas en la meditación, donde la persona pierde la conciencia de sí mismo. Así, cualquier labor cotidiana trasciende su esencia material para significar una manifestación espiritual, la cual queda reflejada en el movimiento y el paso ritual del tiempo. Este concepto queda reflejado igualmente en la jardinería, que llega a un grado tal de trascendencia donde el jardín es una visión del cosmos, con un gran vacío (mar) que se llena con objetos (islas), plasmados en arena y rocas, y donde la vegetación es evocadora del paso del tiempo. La ambivalencia zen entre el carácter sencillo y la profundidad de una vida trascendente imbuyó de un espíritu de «elegancia sencilla» ("wabi") no solo al arte, sino al comportamiento, las relaciones sociales y los aspectos más cotidianos de la vida. El maestro Sesshū decía que «el zen y el arte son uno». El zen se basa en siete principios estéticos: "fukinsei" (asimetría), forma de negar la perfección para conseguir el equilibrio presente en la naturaleza; "kanso" (austeridad), eliminar lo innecesario y superfluo para descubrir la simplicidad de la naturaleza; "kokō" (dignidad solitaria), cualidad que las personas y objetos adquieren con el paso del tiempo y les proporciona una mayor pureza de su esencia; "shizen" (naturalidad), que está ligada a la sinceridad, lo natural es auténtico e incorruptible; "yūgen" (profundidad), esencia verdadera de las cosas, que trasciende su mera materialidad, su aspecto superficial; "datsuzoku" (desapego), libertad en la práctica de las artes, cuya misión es liberar el espíritu, no controlarlo –así, el arte prescinde de todo tipo de normas y reglas–; "seiyaku" (serenidad interior), estado de quietud, de sosiego, necesario para que fluyan los seis principios anteriores.


title: Arte de Japón

text: Especialmente significativa es la ceremonia del té, donde se sintetiza de forma magistral el concepto japonés del arte y lo bello, creando una auténtica religión estética: el «teísmo». Esta ceremonia representa la adoración de lo bello en oposición a la vulgaridad de la existencia cotidiana. Su filosofía, tanto ética como estética, expresa la concepción integral del hombre con la naturaleza. Su simplicidad relaciona las cosas pequeñas con el orden cósmico: la vida es una expresión, y los actos reflejan siempre un pensamiento. Lo temporal es igual a lo espiritual, lo pequeño a lo grande. Este concepto queda igualmente reflejado en la sala del té ("sukiya"), construcción efímera debida a un impulso poético, despojada de ornamentación, donde se da culto a lo imperfecto, y siempre se deja algo inacabado, que completará la imaginación. Es característica la ausencia de simetría, por la concepción zen de que tiene más importancia la búsqueda de perfección que la propia perfección. La belleza solo puede descubrirla quien mentalmente completa lo incompleto.


title: Arte de Japón

text: Por último, en época moderna –iniciada con el período Edo–, aunque perduran los conceptos anteriores se introducen algunas nuevas categorías estéticas, relacionadas con las nuevas clases urbanas que surgen a medida que Japón se va modernizando: el "sui" es una determinada finura de corte espiritual, hallada principalmente en la literatura de Osaka; "iki" es una elegancia honesta y directa, presente sobre todo en el teatro "kabuki"; el "karumi" es un concepto que ensalza la ligereza como cualidad esencial bajo la cual se alcanza lo «profundo» de las cosas, reflejada especialmente en la poesía "haiku"; el "shiori" es una belleza nostálgica; el "hosomi" es una delicadeza que llega hasta la esencia de las cosas; y el "sabi" es la belleza simple, despojada, sin adornos ni artificios, ensalzando valores como la pobreza y la soledad. Esta última entroncó con el concepto anterior de "wabi", creando una nueva noción llamada "wabi-sabi", la trascendencia de la simplicidad, donde la belleza reside en la imperfección, en lo incompleto, basada en la fugacidad e impermanencia. En todos estos conceptos subyace nuevamente la idea del arte como proceso creativo, y no como realización material. Okakura Kakuzō escribió que «sólo los artistas persuadidos de la imperfección congénita a su alma son capaces de engendrar la verdadera belleza».


title: Arte de Japón

text: Para su estudio, el arte de Japón se divide en grandes períodos en términos de producción artística y desarrollos políticos importantes. La clasificación suele variar dependiendo del criterio del autor, además de que muchos de ellos pueden ser subdivididos. Por otro lado, también existen divergencias en cuanto al principio y final de algunos de estos periodos. La clasificación realizada por el arqueólogo Charles T. Keally es la siguiente:


title: Arte de Japón

text: Durante el mesolítico y el neolítico Japón se mantuvo aislado del continente, por lo que toda su producción fue autóctona, aunque de escasa relevancia. Eran sociedades semisedentarias, que habitaban en pequeñas aldeas con casas excavadas en la tierra, obteniendo sus recursos alimentarios principalmente del bosque (ciervos, jabalíes, frutos secos) y del mar (peces, crustáceos, mamíferos marinos). Estas sociedades tenían una elaborada organización del trabajo, y estaban preocupadas en la medición del tiempo, como lo demuestran diversos restos de disposiciones circulares de piedras en Oyu y Komakino, que actuaban como relojes solares. Al parecer, tenían unidades de medida estandarizadas, como dan fe diversos edificios construidos según determinados patrones.


title: Arte de Japón

text: En los diversos yacimientos Jōmon se han hallado instrumentos de hueso y piedras pulimentadas, cerámica y figuras antropomorfas. Cabe señalar que la cerámica Jōmon es la más antigua producida por el ser humano: los primeros restos de una rudimentaria alfarería datan del 11.000 a.C., en pequeños recipientes trabajados a mano, de lados pulidos e interiores amplios, con un sentido funcional y decoración austera. Estos vestigios corresponden a un período denominado «prejōmon» (11000-7500 a.C.), al que sucedió el «Jōmon arcaico» o «temprano» (7500-2500 a.C.), donde se elabora la más típica cerámica Jōmon, hecha a mano y decorada con incisiones o impresiones de cuerda, sobre una base de un tipo de vasos profundos en forma de jarra. La decoración básica consistía en impresiones hechas con cuerdas elaboradas con fibras de plantas, que se presionaban sobre la cerámica antes de cocerla. En diversas zonas estas incisiones llegaron a un elevado grado de elaboración, con bordes perfectamente cincelados, dibujando una serie de signos de corte abstracto de gran complejidad. En pocas ocasiones se han hallado restos de escenas figurativas, generalmente dibujos antropomórficos y zoomórficos (ranas, serpientes), destacando una escena de caza presente en un vaso hallado en Nirakubo, al norte de Honshū. Por último, en el «Jōmon tardío» (2500-400 a.C.), los recipientes vuelven a ser de formas más naturales, menos elaboradas, con boles y vasijas de fondo redondeado, ánforas de cuello estrecho y cuencos con asas, a menudo con pie o base elevada. Los principales yacimientos de cerámica Jōmon son: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Natsushima, Kamo y Okinohara en la isla de Honshū; Sobata en la isla de Kyūshū; y Hamanasuno y Tokoro en la isla de Hokkaidō.


title: Arte de Japón

text: Aparte de vasos, se construyeron en cerámica diversas figurillas en forma humana o animal, construidas por partes, por lo que se han hallado pocos restos de piezas enteras. Las de forma antropomórfica pueden tener atributos masculinos o femeninos, y también se han hallado algunas de signo andrógino. Algunas presentan un vientre abultado, por lo que posiblemente estaban ligadas al culto a la fertilidad. Es de remarcar la precisión en los detalles que muestran algunas figuras, como peinados elaborados, tatuajes y vestidos decorativos. Parece ser que en esas sociedades tenía gran relevancia el adorno corporal, principalmente en las orejas, con pendientes de cerámica de diversa manufactura, decorados con pigmentos rojos. En Chiamigaito (isla de Honshū) se han encontrado más de 1000 de estos adornos, lo que hace suponer un taller local de elaboración de estos productos. También datan de esta época diversas máscaras que denotan un trabajo individualizado de los rostros. Igualmente, se elaboraban diversos tipos de abalorios de jadeíta verde, y conocían el trabajo de la laca, como demuestran varias horquillas halladas en Torihama. También se han hallado restos de espadas de marfil, hueso o astas de animales.


title: Arte de Japón

text: Esta época supuso la implantación definitiva de la sociedad agrícola, que comportó la deforestación de amplias zonas del territorio. Esta transformación conllevó una evolución de la sociedad nipona en los terrenos tecnológico, cultural y social, con una mayor estratificación social y especialización del trabajo, y supuso el aumento de los conflictos bélicos. El archipiélago nipón estaba jalonado de pequeños estados formados en torno a clanes ("uji"), entre los que prevaleció el de Yamato, que dio origen a la familia imperial. Apareció entonces el sintoísmo, religión de corte mitológico que hacía descender al emperador de Amaterasu, la diosa del sol. Esta religión propició el sentido original de pureza y frescura del arte japonés, con predilección por los materiales puros, sin decorar, con un sentido de integración con la naturaleza ("kami" o supraconciencia). Desde el siglo I a. C. empezó a introducirse la civilización del continente, a causa de las relaciones con China y Corea.


title: Arte de Japón

text: La cultura Yayoi apareció en la isla de Kyūshū en torno al 400-300 a.C., pasando a Honshū, donde fue desplazando progresivamente a la cultura Jōmon. Durante este período se difundió un tipo de sepulturas de gran tamaño con cámara y túmulo ornamentado con cilindros de terracota con figuras humanas y de animales. Los poblados estaban cercados por zanjas, y aparecieron diversos utensilios relacionados con la agricultura (especialmente una herramienta de piedra en forma de media luna usada para la cosecha), así como diversas armas, como arcos y flechas con punta de piedra pulida. La cerámica se producía con torno, principalmente tarros de cuello ancho, botes con tapa, platos anchos, tazas con asas y botellas de cuello estrecho. Eran de superficie pulimentada, con decoración simple, principalmente de incisiones, punteados y serpentinas en zig-zag. La principal modalidad fue un vaso con forma de jarra denominado "tsubo".


title: Arte de Japón

text: Destacó el trabajo con metales, principalmente el bronce, como las campanas denominadas "dotaku", que servían de objetos ceremoniales, decoradas con espirales ("ryusui") en forma de agua que fluye, o bien animales en relieve (principalmente ciervos, pájaros, insectos y anfibios), así como escenas de caza, pesca y trabajos agrícolas, especialmente los relacionados con el arroz. El ciervo parece ser que tenía una especial significación, quizá ligada con alguna divinidad: en muchos yacimientos se han encontrado multitud de omóplatos de ciervo con incisiones o marcas hechas con fuego, por lo que estaría ligado a algún tipo de ritual. Otros objetos decorativos hallados en yacimientos Yayoi son: espejos, espadas, diversos abalorios y "magatama" (piezas de jade y ágata en forma de anacardo, que servían de joyas de la fertilidad).


title: Arte de Japón

text: Esta era supuso la consolidación del estado central imperial, que controlaba los principales recursos, como el hierro y el oro. La arquitectura se desarrolló preferentemente en el terreno funerario, con unas características tumbas de cámara y de corredor llamadas "kofun" («tumba antigua»), sobre las que se elevaban túmulos de tierra de grandes proporciones. Destacan las grandes sepulturas de los emperadores Ōjin (346-395) y Nintoku (395-427), donde aparecieron diversas joyas, armas, sarcófagos de piedra o terracota, cerámica y unas figuras antropomórficas de terracota llamadas "haniwa", formadas por un pedestal cilíndrico y un medio busto. Estas estatuillas eran de unos 60 centímetros, sin apenas expresión, tan solo unas hendiduras en los ojos y la boca, aunque constituyen una muestra de gran relevancia del arte de esta época. Según su vestimenta y utensilios se distinguen diversos oficios en estas figuras, como granjeros, soldados, sacerdotisas, cortesanas, músicos y bailarines. A finales de este período también aparecieron figurillas de animales, especialmente ciervos, perros, caballos, jabalís, gatos, pollos, ovejas y peces. Se han hallado gran variedad de armas (equipos de arqueros, coronas con joyas "matagama", estribos de bronce), lo que denota la importancia del estamento militar en esta época, cuyos rasgos estilísticos están emparentados con la cultura Silla de Corea, al igual que un tipo de cerámica denominada "Sueki", oscura y de gran finura, con accesorios tintineantes. La diferenciación social comportó el aislamiento de las clases dirigentes en recintos exclusivos dentro de las ciudades, como en Yoshinogari, para acabar segregándose definitivamente en recintos aislados como el de Mitsudera o los complejos palaciegos de Kansai, Ikaruga y Asuka-Itabuki. En cuanto a arquitectura religiosa, los primeros templos sintoístas ("jinja") fueron en madera, sobre una plataforma elevada y paredes desnudas o tabiques corredizos, con pilares que sostienen el techo, que es inclinado. Uno de sus elementos característicos es el "torii", arco de entrada que señala el acceso a un lugar sagrado. Cabe destacar el santuario de Ise, que se reconstruye cada veinte años desde el siglo VIII. Comprende dos complejos, el occidental (Naikū), dedicado a Amaterasu (diosa del sol), y el oriental (Gekū), dedicado a Toyouke no Ōmikami (diosa del vestido, el alimento, la vivienda, la agricultura y la industria), con un total de unos 125 santuarios. El edificio principal ("Shoden") es de planta alzada y tejado a dos aguas, sobre nueve columnas, al que se accede por una escalera exterior. Es de estilo "shinmeizukuri", que refleja el estilo Shintō tardío, previo a la llegada del budismo a Japón. El santuario es centro de peregrinación ("o-ise-mairi"), ya que, según la tradición, los practicantes del Shintō deben acudir al santuario al menos una vez en su vida.


title: Arte de Japón

text: Otro templo mítico de origen incierto es el Izumo Taisha, cerca de Matsue, fundado legendariamente por Amaterasu. Es de estilo "taishazukuri", considerado el más antiguo entre los santuarios, caracterizado por la elevación del edificio sobre pilastras, con una escalinata como acceso principal, y acabados sencillos de madera sin pintura. Según las crónicas, el santuario original tenía una altura de 50 metros, pero debido a un incendio fue reconstruido con una altura de 25 metros. Sus edificios principales son el "Honden" («santuario interior») y el "Haiden" («santuario exterior»). A esta época pertenece igualmente el Kinpusen-ji, el templo principal del "shugendō", una religión ascética que combina el sintoísmo, el budismo y creencias animistas. En su estructura destaca el templo principal o "Zaōdō", que es la segunda construcción de madera más grande de Japón, solo superada por el "Daibutsuden" de Tōdai-ji; junto a la Puerta de Niō, ha sido catalogado como Tesoro Nacional de Japón.


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text: En este período encontramos las primeras muestras de pintura, como en el enterramiento real de Ōtsuka y las tumbas en forma de dolmen de Kyūshū (siglos V-VI), decoradas con escenas de caza, guerra, caballos, pájaros y barcos, o bien con espirales y círculos concéntricos. Eran pinturas murales, elaboradas con rojo hematites, negro carbón, amarillo ocre, blanco caolín y verde clorito. Uno de los dibujos representativos de esta época es el llamado "chokkomon", compuesto de líneas rectas y arcos trazados sobre diagonales o cruces, y presente en paredes de tumbas, sarcófagos, estatuas "haniwa" y espejos de bronce.


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text: El estado de Yamato forjó un reino centralizado siguiendo el modelo chino, plasmado en las leyes de Shōtoku-Taishi (604) y la Taika de 646. La llegada del budismo produjo en Japón un gran impacto a nivel artístico y estético, con fuerte influencia del arte chino. Fue especialmente fructuoso para el arte el gobierno del príncipe Shōtoku (573-621), que favoreció el budismo y la cultura en general. La arquitectura, en forma de templos y monasterios, se ha perdido en su mayoría, suponiendo la sustitución de las líneas sencillas sintoístas por la magnificencia proveniente del continente. Como edificio más destacable de este período hay que mencionar el templo de Hōryū-ji (607), representante del estilo Kudara (Paikche en Corea). Se construyó en el recinto del templo Wakakusadera, erigido por Shōtoku e incendiado por sus enemigos en 670. Construido con una planimetría axial, está formado por un conjunto de edificios donde destacan la pagoda ("Tō"), el "Yumedomo" («salón de los sueños») y el "Kondō" («salón dorado»). Es de estilo chino, utilizándose por vez primera un tejado de azulejos de cerámica. Otro ejemplo característico es el Santuario Itsukushima (593), construido sobre el agua, en el Mar Interior de Seto, destacando entre el conjunto de sus edificios el "Gojūnotō" («pagoda de los cinco niveles»), el "Tahōtō" («pagoda de los dos niveles») y varios "honden" (edificios con altares). Fue nombrado Patrimonio de la Humanidad en 1996. La escultura, de tema budista, era en madera o bronce: las primeras imágenes de Buda fueron importadas del continente, pero luego se instalaron en Japón gran número de artistas chinos y coreanos. Proliferó la imagen de Kannon, nombre japonés del "bodhisattva" Avalokiteśvara (llamado "Guanyin" en chino), como el "Bodhisattva Kannon", obra del coreano Tori; el "Kannon" situado en el "Yumedomo" del templo de Hōryū-ji; y el "Kannon de Kudara" (siglo VI), realizado por un artista desconocido. Otra obra de relevancia es la "Tríada de Sâkyamuni" (623), en bronce, obra de Tori Busshi instalada en el templo de Hōryū-ji. En general, eran obras de un estilo severo, anguloso y arcaizante, inspirado en el estilo coreano Koguryŏ, como se aprecia en la obra de Shiba Tori, que marcó el «estilo oficial» del período Asuka: "Gran Buda Asuka" (templo Hoko-ji, 606), "Buda Yakushi" (607), "Kannon Guze" (621), "Tríada Shaka" (623). Otro artista seguidor de este estilo fue Aya no Yamakuchi no Okuchi Atahi, autor de los "Cuatro Guardianes Celestes" ("shitenno") del Salón Dorado de Hōryū-ji (645), que pese al aire arcaico presentan una evolución volumétrica en las formas más redondeadas, con rostros más expresivos.


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text: La pintura seguía los patrones chinos, en tinta o pigmentos minerales sobre seda o papel, en rollos de pergamino o colgando de la pared. Denota un gran sentido del dibujo, con obras de gran originalidad, como el relicario de "Tamamushi" (Hōryū-ji), en madera de alcanfor y ciprés, con bandas de filigrana de bronce, presentando varias escenas en óleo sobre madera lacada, en una técnica denominada "mitsuda-i" procedente de Persia y relacionada con la pintura china de la dinastía Wei. En la base del relicario se muestra un "jataka" (relato sobre las vidas anteriores de Buda), que muestra al príncipe Mahasattva ofreciendo su propia carne a una tigresa hambrienta. En esta época empezó a cobrar relevancia la caligrafía, a la que se otorgó el mismo nivel de artisticidad que a las imágenes figurativas. También destacaron los tapices en seda, como el "Mandala Tenjukoku" dedicado a Shōtoku (622). La cerámica, que podía ser esmaltada o no, tuvo escasa producción local, valorándose más la de importación china.


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text: Durante este período se estableció la capital en Nara (710), primera capital fija del "mikado". En esta época tuvo su apogeo el arte budista, continuando con gran intensidad la influencia china –los japoneses veían en el arte chino una armonía y perfección similares al gusto europeo por el arte clásico grecorromano–. Los escasos ejemplos de arquitectura de la época son construcciones de aire monumental, como la Pagoda del Este de Yakushi-ji, los templos de Tōshōdai-ji, Tōdai-ji y Kōfuku-ji, y el almacén imperial Shōso-in de Nara, que conserva multitud de objetos de arte de la época del emperador Shōmu (724-749), con obras procedentes de China, Persia y Asia central. La ciudad de Nara se construyó según una planimetría reticular, siguiendo el modelo de Chang'an, la capital de la dinastía Tang. Se otorgó igual importancia al palacio imperial que al monasterio principal, el Tōdai-ji (745-752), construido según un plano simétrico en un gran recinto con dos pagodas gemelas, y donde destaca el "Daibutsuden", el «gran salón de Buda», con una gran estatua de bronce del Buda Vairocana ("Dainichi" en japonés), de 15 metros, donada por el emperador Shōmu en 743. Reconstruido en 1700, el "Daibutsuden" es el edificio de madera más grande del mundo. Otro importante recinto del templo es el "Hokkedō" («salón del loto», también llamado "Sangatsudō", «salón del tercer mes»), que cuenta con otra magnífica estatua, el "Kannon Fukukenjaku", un "bodhisattva" de ocho brazos realizado en laca, de cuatro metros de altura e influencia Tang, perceptible en la serenidad y placidez de los rasgos faciales. En cambio, la Pagoda del Este de Yakushi-ji supuso el intento de los arquitectos japoneses de buscar un estilo propio, alejándose de la influencia china. Destaca por su verticalidad, con una alternancia de tejados de distinto tamaño, dándole la apariencia de un signo caligráfico. En su estructura destacan los aleros y balcones, formados por barras de madera entrelazadas, en colores blanco y marrón. En su interior alberga la imagen del "Yakushi Nyorai" («Buda de la Medicina»). Está inscrito como Patrimonio de la Humanidad bajo la denominación de Monumentos históricos de la antigua Nara. Igual grado de asimilación nacional tuvo el Tōshōdai-ji (759), que muestra un claro contraste entre el "Kondō" («salón dorado»), de una solidez, simetría y verticalidad de influencia china, y el "Kodō" («salón de conferencias»), de una mayor simplicidad y horizontalidad que denotan la tradición autóctona. Otro exponente fue el Kiyomizu-dera (778), cuyo edificio principal destaca por su enorme baranda, sostenida por cientos de pilares, que sobresale de la colina y ofrece impresionantes vistas de la ciudad de Kioto. Este templo fue uno de los candidatos en la lista a Nuevas Siete Maravillas del Mundo, aunque no salió elegido. Por su parte, el Rinnō-ji es famoso por el "Sanbutsudō" («Salón de los Tres Budas»), en donde se encuentran tres estatuas laminadas en oro de "Amida", "Senjūkannon" (Kannon de los mil brazos) y "Batōkannon" (Kannon con cabeza de caballo). Como santuario sintoísta destacó el Fushimi Inari-taisha (711), dedicado al espíritu de Inari, especialmente conocido por los miles de toriis rojos que delimitan el camino por la colina en la cual se encuentra situado el santuario. Obtuvo gran desarrollo en escultura la representación de Buda, con estatuas de gran belleza: "Sho Kannon", "Buda de Tachibana", "Bodhisattva Gakko" de Tōdai-ji. En el período Hakuhō (645-710), la destitución del clan Soga y el afianzamiento imperial comportó el fin de la influencia coreana y su sustitución por la china (dinastía Tang), produciéndose una serie de obras de mayor magnificencia y realismo, con formas más redondas y gráciles. Este cambio es perceptible en el grupo de estatuas de bronce dorado del Yakushi-ji, compuesto del "Buda sedente" ("Yakushi") flanqueado de los "bodhisattvas" "Nikko" («Luz de Sol») y "Gakko" («Luz de Luna»), que muestran un mayor dinamismo en su postura de contrapposto, y una mayor expresividad facial. En cambio, en Hōryū-ji continuó el estilo Tori de origen coreano, como en el "Kannon Yumegatai" y la "Tríada Amida" del "Relicario de la señora Tachibana". En el templo de Tōshōdai-ji se encuentra una tríada de estatuas de tamaño colosal, hechas de laca seca hueca, destacando el "Buda Rushana" central (759), de 3,4 metros de altura. Se encuentran también representaciones de espíritus guardianes ("Meikira Taisho"), reyes ("Kamokuten"), etc. Son obras en madera, bronce, arcilla cruda o laca seca, de gran realismo.


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text: La pintura está representada por la decoración mural de Hōryū-ji (finales del siglo VII), como los frescos del "Kondō", que muestran similitudes con los de Ajantā en la India. También surgieron diversas tipologías como el "kakemono" (‘pintura colgante’) y el "emakimono" (‘pintura en rollo’), historias pintadas en un rollo de papel o seda, con textos que explican las distintas escenas, llamados "sutras". En el Shōso-in de Nara existe una serie de pinturas de tema profano, con diversos géneros y temáticas: plantas, animales, paisajes y objetos de metal. A mediados del período se puso de moda el estilo pictórico de la dinastía Tang, como se vislumbra en los murales de la tumba Takamatsuzuka, de alrededor del año 700. Por el decreto "Taiho-ryo" de 701 el oficio de pintor quedó regulado en gremios artesanales controlados por el Departamento de Pintores ("edakumi-no-tuskasa"), dependiente del Ministerio del Interior. Estos gremios eran los encargados de la decoración de palacios y templos, y su estructura perduró hasta la era Meiji. La cerámica evolucionó notablemente gracias a diversas técnicas importadas de China, como el empleo de colores brillantes aplicados sobre la arcilla.


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text: En este período se produjo el gobierno del clan Fujiwara, que implantó un estado centralizado inspirado en el gobierno chino, con capital en Heian (actual Kioto). Surgieron los grandes señores feudales ("daimyō"), y apareció la figura del "samurái". En esta época surgió la escritura "hiragana", que adaptó la caligrafía china al lenguaje polisilábico japonés, utilizando los caracteres chinos para los valores fonéticos de las sílabas. La ruptura de las relaciones con China produjo un arte más típicamente japonés, surgiendo junto al arte religioso un arte seglar que sería fiel reflejo del nacionalismo de la corte imperial. La iconografía budista tuvo un nuevo desarrollo con la importación de dos nuevas sectas del continente, "Tendai" y "Shingon", basadas en el budismo tántrico tibetano, que incorporaron elementos sintoístas y produjeron un sincretismo religioso característico de esta época.


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text: El "Shingon" era un tipo de budismo esotérico centrado en la relación entre materia y espíritu, que se reflejó en los "mandalas", imágenes pictóricas o esculpidas que se centraban en el "Diamante" (mundo espiritual) y el "Seno Materno" (mundo material), así como representaciones del "Dainichi Nyorai" (el «Gran Sol»). Por su parte, el "Tendai" se centró en la salvación del hombre, con una cierta moralidad de origen confuciano y un gran sincretismo con la religión sintoísta. Otorgó gran relevancia al arte, llegándose a afirmar que el "Tendai" convertía «la religión en arte y el arte en religión». Uno de sus principales cultos fue al "Paraíso Occidental de la Tierra Pura de Amida", del que se realizaron numerosas imágenes. Una de las que más prosperaron fue la imagen del "raigo-zu", Buda transportando almas al Paraíso, que proliferó en numerosas pinturas, como el panel central del "Tríptico de Amida" en Hokkeji (Nara).


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text: La arquitectura sufrió un cambio en la planta de los monasterios, que se erigían en lugares apartados, pensados para la meditación. Los templos más importantes son el Enryaku-ji (788), el Kongōbu-ji (816) y el santuario-pagoda de Murō-ji. El Enryaku-ji, situado en el entorno del monte Hiei, forma parte del conjunto de Monumentos históricos de la antigua Kioto, declarados Patrimonio de la Humanidad en 1994. Fue fundado en 788 por Saichō, que introdujo la secta budista "Tendai" en Japón. Enryaku-ji llegó a tener unos 3000 templos, y fue un enorme centro de poder en su época, siendo destruidos la mayoría de sus edificios por Oda Nobunaga en 1571. De la parte que sobrevivió destacan hoy día el "Saitō" («salón del oeste») y el "Tōdō" («salón del este»), donde se encuentra el "Konpon chūdō", la construcción más representativa de Enryaku ji, donde se conserva una estatua de Buda esculpida por el propio Saichō, el "Yakushi Nyorai". En arquitectura civil destacó la construcción del Palacio Imperial, de puro estilo japonés. Durante el período Fujiwara (897-1185), el templo volvió a situarse en la ciudad, siendo centro de reunión de las clases dirigentes. La arquitectura religiosa imitó a la de los grandes palacios, con una decoración muy desarrollada, como en el monasterio de Byōdō-in –también llamado del "Fénix"–, en Uji (fundado en 1053). En este templo destaca el "Hōōdō" («Salón del Fénix»), situado al borde de un estanque que le proporciona una apariencia lírica y espiritual, con unas líneas dinámicas y elegantes donde destacan los tejados de esquinas curvilíneas, que otorgan un aire ascensional al conjunto. Este salón conserva una imagen del Buda Amida («Señor de la Luz Infinita), de 2,5 metros, en madera lacada, obra del maestro Jōchō.


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text: La escultura sufrió un ligero descenso en comparación con las épocas anteriores. De nuevo destacan las representaciones de Buda ("Nyoirin-Kannon"; "Yakushi Nyorai" del templo de Jingo-ji en Kioto; "Amida Nyorai" en el monasterio de Byōdō-in), así como algunas diosas sintoístas ("Kichijoten", diosa de la felicidad, equivalente de la Lakshmī india). La excesiva rigidez de la religión budista limitaba la espontaneidad del artista, que se veía circunscrito a rígidos cánones artísticos que mermaban su libertad creativa. Entre 859 y 877 se produjo el estilo "Jogan", caracterizado por figuras de una severidad casi intimidatoria, con cierto aire introspectivo y misterioso, como el "Shaka Nyorai" de Murō-ji. Durante el período Fujiwara cobró preeminencia la escuela fundada por Jōchō en Byōdō-in, con un estilo más grácil y esbelto que la escultura "Jogan", logrando unas perfectas proporciones anatómicas y un gran sentido del movimiento. El taller de Jōchō introdujo las técnicas "yosegi" y "warihagi", consistentes en dividir la figura en dos bloques que posteriormente se unían para tallarlas, evitando así su posterior resquebrajamiento, uno de los principales problemas de las figuras de gran tamaño. Estas técnicas permitían igualmente un montaje en serie, y se desarrollaron con gran éxito en la escuela Kei del período Kamakura. La pintura al inicio de este período estaba poco desarrollada, con poca libertad creativa y ausencia del concepto de espacio. La aparición de la escuela de "yamato-e" («pintura japonesa») supuso la independencia de la pintura japonesa de la influencia china. Se caracteriza por su armonía y su concepción diáfana y luminosa, con colores vivos y brillantes, líneas simples y decoración geométrica. Las obras principales se encuentran en los monasterios budistas (Byōdō-in, Kongōbu-ji). Son de remarcar los murales del Salón del Fénix del Byōdō-in, cuyos paisajes sintetizan por primera vez el gusto estético más propiamente japonés, con su sentido de melancólica emotividad. Se sustituyen los elementos típicos chinos por otros de gusto nipón, como los cerezos en flor en vez de los ciruelos nevados de moda en la pintura Tang, o los arrozales en vez de las elevadas cumbres montañosas chinas. Junto a otros elementos como glicinas, orquídeas, peonías, bambú, la luna, la niebla, el mar, la lluvia, etc, se creó en esta época la más típica imaginería paisajística japonesa. Igualmente, la composición asimétrica, el espacio vacío, el ambiente etéreo, el movimiento ondulado, los detalles anecdóticos, la aplicación del color más por manchas que en pinceladas, el carácter lírico y emotivo del conjunto serán típicos de la pintura japonesa, tanto mural como en grabados y biombos. Pese a ello, la influencia china continuó en edificios públicos y oficiales, ya que estaba ligada al prestigio funcionarial. Denominada "kara-e", la pintura china prosperó en el círculo imperial, como se percibe en obras como el "Biombo de los sabios" y el "Biombo del lago Kunming".


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text: La pintura "yamato-e" se desarrolló notablemente en los rollos manuscritos denominados "emaki", que conjugaban las escenas pictóricas con la elegante caligrafía "katakana". Estos rollos narraban pasajes históricos o literarios, como la "Historia de Genji", novela de finales del siglo X de Murasaki Shikibu. Mientras que el texto era obra de reputados calígrafos, las imágenes fueron ejecutadas generalmente por cortesanas de la corte, como Ki no Tsubone y Nagato no Tsubone, suponiendo una muestra de estética femenina que tendría gran relevancia en el arte japonés. Surgió entonces una distinción entre pintura femenina ("onna-e") y masculina ("otoko-e"), que marcaba una distinción perceptible entre el mundo público, considerado masculino –cuyo arte mantenía la influencia china– y el privado, de carácter femenino y estética más propiamente nipona. En "onna-e", además de la "Historia de Genji", destacó el "Heike Nogyo" ("Sūtra del loto"), encargado por el clan Taira para el Santuario Itsukushima, con un total de 33 rollos sobre la salvación de las almas pregonada por el budismo. El "otoko-e" era más narrativo y enérgico que el "onna-e", más lleno de acción, con más realismo y movimiento, como en los rollos "Shigisan Engi", sobre los milagros del monje Myoren; el "Ban Danaigon E-kotoba", sobre una guerra de clanes rivales en el siglo IX; y el "Chōjugiga", escenas de animales de signo caricaturesco y tono satírico, criticando a la aristocracia.


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text: En esta época, la cerámica no tuvo una especial relevancia, destacando en cambio las obras en laca –generalmente cajas para cosméticos– y los objetos de metal, donde destacan los espejos. En laca surgió la técnica "maki-e", consistente en espolvorear polvo de colores, oro y plata sobre la laca húmeda, creando dibujos de gran finura y sutil tonalidad. A veces incluía incrustaciones de nácar ("raden"). También adquirieron relevancia los abanicos, decorados con textos de los "sutras" budistas y con escenas de género.


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text: Tras diversas disputas entre los clanes feudales, se impuso el de los Minamoto, que instauraron el shogunato, un tipo de gobierno de corte militar. En esta época se introdujo en Japón la secta zen, que influiría poderosamente en el arte figurativo. La arquitectura era más sencilla, funcional, menos lujosa y recargada. La influencia zen provocó el llamado estilo "Kara-yo": los monasterios zen seguían la planimetría axial china, aunque el edificio principal no era el templo, sino la sala de lectura, y el lugar de honor no lo ocupaba una estatua de Buda, sino un pequeño trono donde el abad enseñaba a sus discípulos. Destacan el conjunto de cinco grandes templos de Sanjūsangen-dō, en Kioto (1266), así como los monasterios Kennin-ji (1202) y Tōfuku-ji (1243) en Kioto, y Kenchō-ji (1253) y Engaku-ji (1282) en Kamakura. El Kōtoku-in (1252) es famoso por su estatua de bronce del Buda Amida, de 13 metros de alto y un peso de 93 toneladas, siendo el segundo Buda más grande en Japón después del de Tōdai-ji. En 1234 se construyó el templo de Chion-in, sede del budismo "Jōdo shū" («Secta de la Tierra Pura»), que destaca por su colosal puerta principal ("Sanmon"), que es la estructura más grande de su tipo en Japón. Uno de los últimos exponentes de este período fue el Hongan-ji (1321), formado por dos templos principales: el Nishi Hongan-ji, que incluye los salones "Goei-dō" («salón del fundador») y "Amida-dō" («salón del Buda»), junto a un pabellón de té y dos escenarios de teatro "nō", uno de los cuales presume de ser el más viejo que se conserva; y el Higashi Hongan-ji, donde se encuentra el famoso el jardín de Shosei-en.


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text: La escultura adquirió gran realismo, encontrando el artista mayor libertad creativa, como se denota en los retratos de nobles y militares, como el de "Uesugi Shigefusa" (de artista anónimo), un militar del siglo XIV. Las obras zen se centraron en la representación de sus maestros, en un tipo de estatua llamada "chinzo", como la del maestro "Muji Ichien" (1312, de autor anónimo), en madera policromada, que representa al maestro zen sentado en un trono, en actitud de relajada meditación. Cobró especial importancia por la calidad de sus obras la escuela Kei de Nara, heredera de la escuela Jōchō del período Heian, donde destacó el escultor Unkei, autor de las estatuas de los monjes "Muchaku" y "Seshin" (Kōfuku-ji de Nara), así como imágenes de los "Kongo Rikishi" (espíritus guardianes), como las dos colosales estatuas situadas en la entrada del templo Tōdai-ji (1199), de 8 metros de altura. El estilo de Unkei, influido por la escultura china de la dinastía Song, era de gran realismo, captando a la vez el más detallado estudio fisonómico con la expresión emotiva y la espiritualidad interior del individuo retratado. Se llegó incluso a incrustar cristales oscuros en los ojos, para dar mayor expresividad. La obra de Unkei supuso el inicio del retratismo japonés. Continuó su obra su hijo Tankei, autor del "Kannon Senju" para el Sanjūsangen-dō. La pintura se caracterizó por un mayor realismo y por su introspección psicológica. Se desarrolló principalmente el paisajismo ("La catarata de Nachi") y el retratismo ("El monje Myoe en contemplación", de Enichi-bo Jonin; conjunto de retratos del templo Jingo-ji de Kioto, obra de Fujiwara Takanobu; retrato del emperador Hanazono, de Goshin). Continuó el estilo "yamato-e" y la pintura narrativa en rollos, algunos de hasta 9 metros de longitud. Estos rollos reflejaban aspectos de la vida cotidiana, escenas urbanas o rurales, o bien ilustraban acontecimientos históricos, como la guerra de 1159 en Kioto entre ramas rivales de la familia imperial. Se presentaban en escenas sucesivas, siguiendo un orden narrativo, con una panorámica elevada, como a vista de pájaro. Destacan los "Rollos ilustrados de los sucesos de la era Heiji" ("Heiji monogatari") y los rollos "Kegon Engi", de Enichi-bo Jonin. La pintura relacionada con la secta zen era de influencia más directamente china, trazada en sencillas líneas de tinta china siguiendo la máxima zen de que «demasiados colores ciegan la visión».


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text: En esta época se inició la producción de la que sería la cerámica más típicamente japonesa, destacando la figura de Toshiro. Creció la artesanía destinada a la vida militar, especialmente armaduras y espadas ("katana") confeccionadas con dos capas de hierro y acero sometidas a ignición e inmersión, con una característica marca templada al vapor denominada "ni-e".


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text: Durante este periodo el shōgunato fue ostentado por los Ashikaga, cuyas luchas internas favorecieron el creciente poder de los "daimyō", que se repartieron el territorio. La arquitectura era más elegante y típicamente japonesa, destacando las mansiones señoriales, monasterios como el de Zuiho-ji, y templos como los de Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji o Pabellón de Oro (1397) y Ginkaku-ji o Pabellón de Plata (1489), en Kioto. El Kinkaku-ji fue construido como villa de descanso del "shōgun" Ashikaga Yoshimitsu, como parte de su propiedad llamada Kitayama. Su hijo transformó el edificio en un templo de la secta Rinzai. Es un edificio de tres plantas, con las dos superiores recubiertas con hojas de oro puro. El pabellón funciona como un "shariden", guardando las reliquias de Buda. También contiene varias estatuas de Buda y figuras de "bodhisattvas", y en el techo está ubicado un "fenghuang" o «fénix chino» dorado. También posee un magnífico jardín adyacente, con un estanque llamado "Kyōko-chi" («espejo de agua»), con numerosas islas y piedras que representan la historia de la creación budista. Por su parte, el Ginkaku-ji fue construido por el "shōgun" Ashikaga Yoshimasa, quien buscaba emular el Kinkaku-ji construido por su abuelo Yoshimitsu, pero lamentablemente no pudo recubrir el edificio con plata tal y como lo había planeado. También es característica de la arquitectura de esta época la aparición del "tokonoma", habitación reservada a la contemplación de una pintura o un arreglo floral, en consonancia con la estética zen. De igual forma, se introdujo el "tatami", un tipo de alfombra confeccionada con paja de arroz, que hizo más agradable el interior de la vivienda japonesa. En esta época se desarrolló notablemente el arte de la jardinería, sentando las bases artísticas y estéticas del jardín japonés. Surgieron dos principales modalidades: "tsukiyama", alrededor de una colina y un lago; y "hiraniwa", jardín plano de arena rastrillada, con piedras, árboles y pozos. La vegetación más habitual consiste en bambú y diversos géneros de flores y árboles, ya sean de hoja perenne, como el pino negro japonés, o de hoja caduca, como el arce japonés, siendo igualmente valorados elementos como helechos y musgos. Otro elemento típico de la jardinería y el interiorismo es el "bonsái". A menudo los jardines incluyen un lago o estanque, diversos tipos de pabellones (generalmente para la ceremonia del té) y linternas de piedra. Uno de los rasgos típicos del jardín japonés –como en el resto de su arte– es el aspecto imperfecto, inacabado, asimétrico. Hay diversos tipos de jardines: de «paseo», que se contemplan caminando por un sendero o en torno a un estanque; de «aposento», que se disfrutan desde un lugar fijo, generalmente un pabellón o cabaña tipo "machiya"; de «té» ("rōji"), alrededor de un camino que conduce a la casa de té, con baldosas o piedras para marcar el camino; y de «contemplación» ("karesansui", «paisaje de montaña y agua»), que es el más típico jardín zen, que se contempla desde una plataforma ubicada en los monasterios zen. Un buen ejemplo es el denominado "Paisaje sin agua" del jardín de Ryōan-ji, en Kioto, obra del pintor y poeta Sōami (1480), que representa un mar –hecho con arena rastrillada– plagado de islas –que son rocas–, elaborando un conjunto que aúna realidad e ilusión y que invita a la quietud y la reflexión.


title: Arte de Japón

text: También floreció la pintura, enmarcada dentro de la estética zen, que recibió la influencia china de las dinastías Yuan y Ming, reflejada principalmente en el decorativismo. Se introdujo la técnica de la aguada, perfecta trascripción de la doctrina zen, que pretende reflejar en los paisajes lo que significan, más que lo que representan. Surgió la figura del "bunjinso", el «monje intelectual» creador de sus propias obras, estudiosos y seguidores de las técnicas chinas en tinta monocroma, en pinceladas breves y difusas, que reflejaron en sus obras elementos naturales como pinos, juncos, orquídeas, bambúes, rocas, árboles, pájaros y figuras humanas inmersas en la naturaleza, en actitud de meditación. Algunos de estos monjes-artistas fueron: Mokuan Reien, Gyokuen Bompo, Ue Gukei, etc. En Japón, esta técnica con tinta china recibió el nombre de "sumi-e". Basado en los siete principios estéticos del zen (véase el apartado "Teoría y estética"), el "sumi-e" («pintura a tinta») pretendía reflejar las más intensas emociones interiores por medio de la sencillez y la elegancia, en líneas simples y modestas que trascienden su aspecto externo para significar un estado de comunión con la naturaleza. Para los monjes zen, el "sumi-e" era una vía ("dō") para buscar la paz interior, la realización espiritual. Las propiedades tonales de la tinta, sutiles y difusas, permitían al artista captar la esencia de las cosas, en una impresión sencilla y natural, pero a la vez profunda y trascendente. Es un arte espontáneo y de rápida ejecución, imposible de retocar, hecho que lo vincula con la vida, donde es imposible volver al pasado. Cada pincelada expresa la energía vital ("ki"), ya que es un acto de creación, donde se pone el espíritu en acción, y donde importa más el proceso que no el resultado.


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text: Los principales artistas del "sumi-e" fueron: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei y, sobre todo, Sesshū Tōyō, autor de retratos y paisajes, primer artista que pintó del natural. Sesshū era un "gaso", un monje-pintor, que viajó a China entre 1467 y 1469, donde estudió el arte y el paisaje natural. Sus paisajes están compuestos por estructuras lineales, iluminados por una luz súbita que refleja el concepto zen del instante trascendental. Son paisajes con presencia de elementos anecdóticos, como templos en la lejanía o pequeñas figuras humanas, enmarcados en parajes recónditos como acantilados.