title: The Band (álbum)

text: No obstante, antes del accidente de Danko, el grupo ya había rechazado ofertas del promotor Bill Graham para promocionar "Music from Big Pink" con una gira bien remunerada. Sin embargo, los miembros de The Band tenían mayor interés en explotar su actividad musical dentro del estudio de grabación. En su autobiografía, Levon Helm comentó: «Estaba contento de no salir de gira y simplemente grabar discos. Debíamos otro álbum a Capitol, y la belleza del otoño en Woodstock estaba inspirando a Richard y a Robbie para componer buenos temas. Incluso teníamos un título de trabajo para el siguiente disco: "Harvest"».


title: The Band (álbum)

text: Otro factor a añadir fue la resistencia a ofrecer entrevistas, lo que les confería una imagen enigmática a un grupo que, a pesar de haber trabajado con Bob Dylan, aún no era conocido en el circuito de la música "rock", si bien varias de sus canciones ya habían sido versionadas por grupos y artistas como Aretha Franklin y The Supremes y habían cosechado un buen éxito en las listas.


title: The Band (álbum)

text: The Band comenzó a trabajar en el sucesor de "Music from Big Pink" en la primavera de 1969. El grupo alquiló un chalé propiedad del cantante Sammy Davis, Jr. y ubicado en Hollywood Hills, y convirtieron la sala de billar en un estudio de grabación improvisado, sellando la chimenea y las ventanas, clavando bafles en la pared exterior y creando un sonido adecuado para el interior. Semanas antes, el productor John Simon viajó a Hawái con Robbie Robertson para planificar las sesiones de grabación. Según Simon: «Antes de empezar en California, fui a Hawái con Robbie, Dominique y su hija, Alexandra. Supuestamente íbamos a trabajar en canciones para "The Band", pero también trabajamos temas para mi primer álbum con Warner Bros. Luego volvimos a Los Ángeles y nos reunimos con el resto del grupo».


title: The Band (álbum)

text: El lugar de trabajo sirvió como estudio de grabación y también como residencia para la familia de los músicos. Al respecto, Simon comentó: «El sitio tenía un recibidor, una cocina, una habitación principal con un glamuroso baño y un armario. El piso superior era como un motel, con cuatro habitaciones. La sala de billar estaba separada del complejo. El piso inferior fue ocupado por Robbie, Dominique (que estaba embarazada), su hija, y Mama Kosh, la madre de Robbie, que cuidaba del bebé. Richard y Jane vivían en la habitación doble del piso superior, y Garth y Rick ocuparon el resto».


title: The Band (álbum)

text: Las sesiones fueron divididas generalmente en tres partes, estando la segunda dedicada a averiguar qué instrumentos eran los más propicios para cada canción y qué sonido era el más adecuado. El productor Simon comentó al respecto: «Tuvimos mucho cuidado con cada instrumento para hacerlo sonar diferente y apropiado en cada canción». La tercera parte de las sesiones fueron destinadas a ensayos, mientras que las canciones eran grabadas en la primera parte del día siguiente. Algunas canciones como «Up on Cripple Creek» y «King Harvest (Has Surely Come)» tomaron más tiempo del habitual para obtener un sonido pulcro y aceptable. Robertson comentó: «Tomó su tiempo para mí sentir que estábamos musicalmente sujetos a la rutina. Estábamos intentando encontrar las canciones, musicalmente hablando».


title: The Band (álbum)

text: Todas las canciones incluidas en "The Band" fueron grabadas en la residencia de Los Ángeles con la excepción de tres temas: «Up on Cripple Creek», «Jemima Surrender» y «Whispering Pines», grabados en los Hit Factory Studios de Nueva York. La sesión de grabación tuvo lugar tras el debut del grupo con el nombre definitivo de The Band el 17 de abril de 1969 en el Winterland Ballroom de San Francisco (California), lugar que sirvió de escenario para su concierto de despedida, "The Last Waltz", siete años después.


title: The Band (álbum)

text: "The Band" fue comúnmente visto como un álbum conceptual tras su publicación, con la gran mayoría de sus canciones enfocadas, de un modo u otro, en personas, lugares y tradiciones asociadas a la sociedad rural de América entre los siglos XIX y XX. Según el propio Robbie Robertson, el concepto del álbum tardó en surgir:


title: The Band (álbum)

text: El crítico musical Greil Marcus sugirió que «King Harvest (Has Surely Come)» era la canción más elaborada de The Band y, según sus palabras, «el mejor ejemplo del enfoque en la composición y en la interpretación. La estructura de la canción es inusual: los coros, cantados por Richard Manuel y Levon Helm, se sitúan escalas por debajo de las estrofas interpretadas por Manuel, más enérgicas. Con el aumento de la desesperación, el narrador -un granjero sin nombre y asolado por la pobreza- detalla la desgracia en la que ha caído: debido a la sequía se estropea su cosecha y se quema su hogar. Un sindicalista aparece con la promesa de cambiar las cosas, diciendo el narrador a su nuevo asociado: "«I'm a union man, now, all the way»" (lo cual puede traducirse al español como: «Soy un sindicalista ahora, hasta la médula»), aunque avergonzado de su estado, le pide que «no le juzgue por sus zapatos». La narración hace referencia a las campañas de organización bajo el sindicato Trade Union Unity League, ligado al Partido Comunista de los Estados Unidos, que se llevaron a cabo en el Sur de Estados Unidos entre 1928 y 1935.


title: The Band (álbum)

text: En ese mismo sentido, la canción «The Night They Drove Old Dixie Down» está ambientada en la Guerra Civil de Estados Unidos y supone uno de los mayores esfuerzos compositivos de Robertson y musicales de The Band. Aunque la canción está acreditada exclusivamente a Robertson, recibió ayuda de Helm a la hora de documentarse sobre historia y geografía para crear una historia verídica. El narrador, un confederado derrotado junto al ejército capitaneado por el general Robert E. Lee en el asedio de Petersburg (Virginia), relata las penurias de una guerra, la muerte de su hermano a manos del ejército yanqui y el hambre que cercena a los hombres sureños tras la última batalla. La voz de Levon Helm, único miembro del grupo nacido en un Estado sureño como Arkansas, ayudó a «dar un mayor énfasis en el sentido de derrota y penuria que trata de emitir la canción sobre la base de un acontecimiento histórico», según escribió el crítico Rob Bowman en el libreto que acompaña la reedición de "The Band". La canción se sitúa a la altura de composiciones clásicas de Robertson con pasajes narrativos complejos como «The Weight», publicada en "Music from Big Pink", o «Acadian Driftwood», publicada seis años más tarde en "Northern Lights - Southern Cross".


title: The Band (álbum)

text: De forma similar a "Music from Big Pink", Manuel también participó en la composición de varios temas, escribiendo junto a Robertson «When You Awake», «Whispering Pines» y «Jawbone». No obstante, la contribución de Manuel en este álbum fue menos significativa y siguió, con el paso de los años, una tendencia decreciente. Acerca de la labor compositiva de Manuel, Robertson destacó: «Richard solía escribir cosas y quedarse atascado, y yo intentaba desatascarlo a menudo. De forma general, solía tener una cosa musical y solíamos terminarla juntos. Encontraba algo que terminaba aquello y luego escribía la letra, pero Richard escribió la mayor parte de la música».


title: The Band (álbum)

text: Por su parte, Levon Helm recibió su primera acreditación como compositor en «Jemima Surrender». En la canción, Levon tocó la guitarra rítmica, Robertson la guitarra principal, Manuel la batería y Hudson el piano. En otras versiones, una de ellas incluida como tema extra en la reedición del álbum en 2000, Levon tocó la batería, Manuel el piano, y Hudson un órgano que fue eliminado de la mezcla final. Robertson dijo sobre la canción: «No podía estar muy satisfecho con la canción. Pero cuando hicimos la última versión, pensé que había algo andrajoso y sórdido de lo que disfruté».


title: The Band (álbum)

text: Del mismo modo que su predecesor, la música que acompaña a las letras usa una amplia variedad de tradiciones musicales del siglo XIX en Estados Unidos, entremezclando el "ragtime" con el "gospel", el "country" o el "blues", y en ocasiones incluyó técnicas que confirieron al álbum un sonido añejo. Así, por ejemplo, «Up on Cripple Creek» presenta una melodía envejecida por el uso de efectos de sonido creados por Garth Hudson con una arpa judía y conseguidos con un pedal "wah-wah" conectado a su clavinet.


title: The Band (álbum)

text: Hudson también contribuyó al sonido de «The Night They Drove Old Dixie Down» añadiendo una melódica Höhner con sonido de acordeón a través de su órgano Lowrey, usado por Hudson en contraposición al órgano Hammond dominante en el sonido de la época. También contribuyó a la canción sobreponiendo una trompeta en la última estrofa.


title: The Band (álbum)

text: En el mismo aspecto, «Rag Mama Rag» es un "ragtime" con un ritmo superior cantado por Helm. Cuando Robertson llevó la canción al estudio de grabación, la música no existía aún. Cambiando los roles habituales de cada miembro, Danko tocó el violín, Hudson contribuyó con el piano, Helm tocó la mandolina y Richard Manuel pasó a la batería. La falta de un bajo se suplió con la aportación del productor John Simon, que improvisó al tocar por primera vez una tuba.


title: The Band (álbum)

text: A diferencia de "Music from Big Pink", el sonido de "The Band" fue dirigido personalmente por Robertson, que marcó el modo en que debían sonar las canciones y comenzó a dominar la dirección musical dentro del grupo. Según Robertson: «Cuando escribes las canciones, las dibujas y las escuchas. Tenía algo en mente, y en ese momento todo era como ir hacia una dirección de gama alta, y queríamos una especie de sonido de madera en el disco. Parecía adaptarse a la naturaleza de la música». El dominio de Robertson en el grupo se consolidó a partir de la grabación, un año después, del álbum "Stage Fright", cuya producción no contó con la ayuda de John Simon.


title: The Band (álbum)

text: Aunque todos los detalles musicales fueron pulidos al máximo durante la grabación de "The Band", el sonido de la batería fue especialmente cuidado. Tal y como relató Helm en su autobiografía, Garth Hudson solía acudir a casas de empeño en las ciudades que visitaba en busca de libros e instrumentos musicales de segunda mano. Poco después de llegar a Los Ángeles, Helm acompañó a Hudson a una casa de empeños en Santa Monica Boulevard, donde compró una batería con chapa de madera y una mandolina de la década de 1930 por 130 dólares, ambas usadas en la grabación del álbum.


title: The Band (álbum)

text: La guitarra de Robertson también jugó un papel importante en algunas canciones, incluyendo por primera vez pequeños solos de guitarra en canciones como «Unfaithful Servant», cantada por Danko, y «King Harvest (Has Surely Come)», cantada por Manuel. La mayor presencia de la guitarra en el sonido de "The Band" está en contraposición con su aporte a "Music from Big Pink", en donde Robertson aportaba pequeños riffs supuerpuestos a otros instrumentos de mayor relevancia en el sonido.


title: The Band (álbum)

text: Desde su publicación el 22 de septiembre de 1969, "The Band" fue aclamado como uno de los álbumes más relevantes de la historia del "rock". El crítico M.E. Cooper definió el álbum como: «Quizás el mejor álbum de cualquier grupo de "rock and roll". Atemporal, conmovedor, sin fisuras». Por su parte, el crítico Rob Bowman escribió para Allmusic: «"Music from Big Pink" había sido un buen debut, incluso superior; "The Band" es una obra maestra. La composición de Robbie Robertson ha crecido a pasos agigantados. Como músicos, los cinco músicos han alcanzado completamente un nuevo nivel de cohesión. La suma era mucho mejor que las partes, y las partes eran tanto mejor como cualquier cosa existente». En los mismos términos, Susan Lyndon escribió para el diario "The New York Times" en octubre de 1969:


title: The Band (álbum)

text: "The Band" obtuvo también un mayor éxito comercial con respecto a su predecesor, "Music from Big Pink", alcanzando el puesto 9 en la lista "Billboard 200" y entrando por primera vez en la lista de éxitos británica en el puesto 25. El primer sencillo extraído del álbum, «Up on Cripple Creek», alcanzó el puesto 25 en Estados Unidos, mientras que «Rag Mama Rag» entró en el puesto 16 de la lista de singles de Reino Unido. La edición remasterizada en 2000 de "The Band", con siete temas extra y un libreto con notas escritas por Rob Bowman, alcanzó el puesto 10 de la lista "Top Internet Albums" de Billboard.


title: The Band (álbum)

text: Además, el álbum fue incluido con el paso de los años en varias listas recopilatorias de los mejores discos de la historia del rock, y figura en el puesto 45 de la lista de los , elaborada por la revista musical "Rolling Stone". También se incluye en el puesto 49 de la lista de los 1 000 mejores álbumes de todos los tiempos elaborada por "Virgin", y figura en el libro de Robert Christgau "Rock Library: Before 1980" con los mejores 250 álbumes anteriores a la década de 1980, mientras que los lectores de la revista "Q" colocaron al álbum en el puesto 76 en la lista de los mejores álbumes de todos los tiempos.


title: The Band (álbum)

text: En diciembre de 1991, el álbum fue certificado como disco de platino por RIAA al superar el millón de unidades vendidas. En 1997, la cadena de televisión VH1 emitió un documental sobre la grabación de "The Band", dirigido por Bob Smeaton y publicado un año después en DVD. Desde 2009, "The Band" figura en el Registro Nacional de Grabaciones de Estados Unidos por su «importancia cultural, histórica o estética, e informar y reflejar la vida en los Estados Unidos».


title: The Band (álbum)

text: "The Band" fue publicado por primera vez en formato de disco compacto en 1986 por Capitol Records a nivel internacional, y en 1988 como edición limitada en CD en Japón por Toshiba/EMI. En 2000, el álbum fue remasterizado y reeditado por Capitol junto al resto del catálogo musical del grupo, en una edición con varios temas extra supervisada por Robbie Robertson y con notas escritas por Rob Bowman. La reedición del álbum alcanzó la posición 10 de la lista "Top Internet Albums" de "Billboard".


title: The Band (álbum)

text: En 2008, la discográfica Caroline Records publicó una edición limitada en formato CD en carpeta de cartón, mientras que Capitol publicó una edición en vinilo de 180 gramos. Un año después, Audio Fidelity Records publicó una edición limitada en formato CD fabricado en oro de 24 quilates, con la canción «Get Up Jake» como tema extra.


title: Stage Fright

text: Stage Fright —en español: "Miedo escénico"— es el tercer álbum de estudio del grupo canadiense de "rock" The Band, publicado por la compañía discográfica Capitol Records en agosto de 1970. Grabado en el escenario del teatro Woodstock Playhouse en apenas un mes, "Stage Fright" muestra un punto de inflexión en la carrera de The Band al alejarse del característico sonido "country rock" de sus anteriores trabajos en favor de uno menos elaborado y cercano al "rock and roll".


title: Stage Fright

text: El álbum marcó también el comienzo de varios problemas, tanto de índole personal como profesional, que llevaron a la disolución de The Band al cabo de seis años, e incluyó las últimas canciones compuestas por Richard Manuel, debido al creciente deterioro de su salud a causa de su alcoholismo y drogadicción. Los problemas de Manuel y el creciente desinterés de Rick Danko y Levon Helm en el grupo llevaron a Robbie Robertson a tomar el liderazgo "de facto" como principal compositor, quien contrató a Todd Rundgren como ingeniero de sonido para dar un nuevo enfoque musical al grupo.


title: Stage Fright

text: Aunque la crítica musical lo consideró un trabajo inferior a "Music from Big Pink" y "The Band", "Stage Fright" se convirtió en el mayor éxito comercial del grupo al alcanzar el puesto cinco de la lista estadounidense "Billboard 200" y el quince en la lista británica "UK Albums Chart". Además, la RIAA lo certificó como disco de oro al superar el medio millón de copias vendidas en los Estados Unidos.


title: Stage Fright

text: Tras la publicación en 1969 de "The Band", su segundo trabajo de estudio, el grupo salió de Woodstock para afrontar varios conciertos organizados por el promotor Bill Graham. Su debut bajo el nombre de The Band tuvo lugar el 17 de abril de 1969 en el Winterland Ballroom de San Francisco, pero los nervios tras varios años sin hacer una presentación en directo llevaron a suspender el concierto por problemas de salud de Robbie Robertson. Varios días después, ofrecieron un par de actuaciones en el mismo escenario con mejores resultados y comenzaron una gira que les llevó al Fillmore East de Manhattan y a festivales como el Toronto Pop Festival el 22 de junio, el Mississippi River Rock Festival de Edwardsville el 14 de julio, y el Festival de Woodstock el 17 de agosto, tocando entre Ten Years After y Johnny Winter. Diez días después, The Band tocó junto a Bob Dylan en el Festival de la Isla de Wight, en la que fue la primera aparición pública del músico estadounidense en tres años.


title: Stage Fright

text: Después de un pequeño descanso, el grupo apareció el 2 de noviembre en el programa de televisión "The Ed Sullivan Show" tocando «Up on Cripple Creek», y emprendió una nueva gira de conciertos a través de los Estados Unidos, con una parada el 16 de noviembre en París, Francia. El grupo terminó el año con un concierto el 29 de diciembre en Hollywood.


title: Stage Fright

text: Tras el éxito de crítica de "Music from Big Pink", The Band fue portada de la revista "Time" el 12 de enero de 1970 bajo el titular: «El nuevo sonido del "country rock"». Sin embargo, el paso de tocar en clubes nocturnos a los grandes escenarios desestabilizó progresivamente la cohesión el grupo y jugó un papel importante en las relaciones con los vecinos de Woodstock, donde habían establecido su residencia para evitar a la prensa. Según comentó Robertson: «La gente te limpiaba el polvo cuando no estabas sucio».


title: Stage Fright

text: Otro frente de batalla tuvo lugar tras la publicación de "The Band" y la acreditación de Robertson como principal compositor. Según relató Levon Helm en "This Wheel's On Fire": «Yo veía a Richard Manuel como el compositor y cantante de The Band, y a Rick en un par de canciones, y suponía que tras el trabajo que hicimos en California y Nueva York, los créditos de "The Band" incluirían a Garth y a mí; especialmente a Garth, el alma y genio de nuestro grupo. De modo que cuando apareció el álbum, descubrí que yo estaba acreditado en «Jemima Surrender», y eso era todo. Richard era coescritor de tres canciones. Rick y Garth no aparecían. Robbie Robertson estaba acreditado en las doce canciones».


title: Stage Fright

text: Las drogas también jugaron un papel considerable en el deterioro de las relaciones personales entre los miembros del grupo y en problemas psicológicos. Helm llegó a comentar al respecto: «La heroína estaba por todo Woodstock y por todo Nueva York. Siendo músico, no podías escapar de ella. La gente decía: "Te puedo conseguir algo de esto". Luego comencé a consumir heroína, y la experiencia duró al menos un par de años».


title: Stage Fright

text: A pesar de las disputas con Robertson, Helm reconoció la importancia de su compañero como compositor y catalizador de fuerzas dentro de The Band, y culpó principalmente al representante Albert Grossman de dar demasiado crédito a Robertson como líder de un grupo en el que las responsabilidades eran a partes iguales. Debido al inicio de problemas internos en el grupo, el nivel de colaboración dentro de The Band fue menor, y el proceso creativo se vio severamente interrumpido. Bajo este contexto se grabó "Stage Fright".


title: Stage Fright

text: La grabación de "Stage Fright" en junio de 1970 fue rápida con el fin de ahorrar en los costes de producción. En un primer momento, la idea original del grupo era grabar un concierto en directo en el Woodstock Playhouse, un teatro de la ciudad. Al respecto, Robbie Robertson comentó: «Después del Festival de Woodstock sentimos que ya habíamos hecho algo. En la ciudad te soltaban de forma sutil que nosotros éramos los responsables de lo que estaba pasando en una pequeña colonia artística. Se convirtió en la ciudad pequeña más famosa del mundo y los únicos músicos que vivíamos ahí éramos The Band y Bob. El resto eran pintores o escritores. Para muchos, eso destrozó la calma de la ciudad. Lo entendí. De modo que pensamos: "Bien, hagamos un pequeño concierto y grabemos nuestro nuevo disco en directo como un gesto para nuestros vecinos, para nuestra gente"».


title: Stage Fright

text: Cuando se extendió la noticia de un posible concierto de The Band, hubo más de 3 000 peticiones de entradas para un teatro con solo 600 butacas. Creyendo que el concierto podría traer a un mayor número de personas y crear una situación similar a la del Festival de Woodstock, las autoridades denegaron la posibilidad de ofrecer esa actuación.


title: Stage Fright

text: Tras la prohibición de las autoridades, The Band usó el teatro vacío como estudio de grabación e instaló en la sala de mantenimiento el equipo que Capitol Records envió en un camión. Según Robertson: «Acabamos haciendo el disco en el Woodstock Playhouse sobre un escenario y frente a nadie. A veces hacíamos canciones con el telón abierto, y otras con el telón cerrado. Era como el espectáculo que nadie quería ver. Eso me hizo sentir más cercano a las cosas que estaba componiendo».


title: Stage Fright

text: A pesar de la presencia de John Simon en "Stage Fright", que participó previamente en las grabación de "Music from Big Pink" y "The Band", el control que Robertson comenzó a ejercer sobre la dirección musical del grupo favoreció la entrada de Todd Rundgren, con quien Robertson trabajó anteriormente en el álbum debut de Jesse Winchester. Según Simon: «Yo no produje "Stage Fright" porque para entonces Robbie estaba aprendiendo a manejar el equipo de grabación y trajo a Rundgren, un ingeniero joven que conocía los nuevos sonidos. De modo que estaba en Woodstock mientras grababan y toqué en el álbum, por lo que me incluyeron en el apartado de agradecimientos especiales. Supe que no estaría en el siguiente disco».


title: Stage Fright

text: Al finalizar la grabación, el grupo dejó varias cintas a Todd Rundgren para mezclarlas y mandó una copia a Glyn Johns, un productor musical que trabajó años antes con Led Zeppelin, The Beatles y The Rolling Stones. El primer trabajo de Johns no resultó del agrado del grupo, por lo que el productor viajó a los Island Studios de Londres para repetir las mezclas. Rundgren también realizó, por su parte, dos mezclas diferentes, entre el 25 y el 30 de junio y el 3 de julio. Al final, el grupo optó por las segundas mezclas de Johns en las canciones «The Shape I'm In», «All La Glory» y «The Rumor» y por las últimas de Rundgren para el resto de las canciones.


title: Stage Fright

text: Robbie Robertson planteó la grabación de "Stage Fright" como un álbum menos minucioso y con un mayor enfoque hacia el "rock and roll", situando a The Band en un nuevo camino musical lejos del "country rock" que definió sus dos primeros trabajos. Al respecto, Robertson comentó al periodista musical Rob Bowman: «Después de "The Band", pensé que el asunto se estaba volviendo demasiado serio, de modo que me dije: "Vamos a pasarlo mejor y vamos a hacer un buen disco"».


title: Stage Fright

text: El cambio en la producción, con la ausencia de John Simon y la entrada de Todd Rundgren como ingeniero de grabación, favoreció la adaptación de The Band a un nuevo rumbo musical, más improvisado y sencillo. Según Simon: «Con "Big Pink" íbamos al estudio, hacíamos lo mejor que sabíamos y era un éxito. Eso hizo a "The Band" más difícil. "Stage Fright" fue más sencillo».


title: Stage Fright

text: Sin embargo, las relaciones entre The Band y Tundgren no fueron del todo positivas. La personalidad de Tundgren y su intento por mantener la sencillez a la hora de grabar, siguiendo las directrices de Robertson, no contó con la aprobación de buena parte del grupo, llegando incluso a producirse disputas entre Helm y Rundgren. A pesar de las dificultades, Rundgren mantuvo el ritmo del trabajo y consiguió grabar "Stage Fright" en dos semanas.


title: Stage Fright

text: Además, la intención original de Robertson por crear canciones más sencillas quedó desplazada por canciones sombrías, reflejo de cambios internos en el grupo. Según comentó Helm: «"Stage Fright" es un álbum oscuro que refleja el estado psicológico del grupo. La canción «Stage Fright» trata sobre el pánico escénico, «The Shape I'm In» sobre desesperación, y «The Rumor» sobre paranoia». No obstante, la idea original de Robertson siguió adelante y el álbum consiguió capturar la inmediatez de las canciones al reducir considerablemente el tiempo de grabación, lo que dio una sensación de espontaneidad e improvisación a grabaciones como «Strawberry Wine» y «The W.S. Walcott Medicine Show», entre otras.


title: Stage Fright

text: La composición de Robbie Robertson también sufrió importantes cambios. Hasta la fecha, Robertson compuso historias de profunda inspiración surrealista, como en «The Weight», o bien narraciones históricas de corte tradicionalista, como en «The Night They Drove Old Dixie Down», creando con gran facilidad personajes ficticios que no ofrecían detalles sobre la vida personal de los miembros del grupo. Sin embargo, en "Stage Fright" profundizó en los temas autobiográficos. Al respecto, Robertson comentó: «Nunca me propuse algo como: «Déjame escribir una pequeña canción sobre lo que me pasó hoy». Siempre me gustó algo como: «Déjame contarte una historia en la que te revelaré cosas que nunca sabrás lo que significan». Me sentía más confortable con eso. Pero en "Stage Fright" de repente todo ese material comenzó a surgir sin que yo quisiese».


title: Stage Fright

text: Uno de los resultados de la desmotivación general y de los problemas personales, especialmente debido al alcohol, fue el parón creativo de Richard Manuel, que dejó de componer, otorgando a Robertson el papel de principal compositor del grupo. Robertson comentó al respecto: «Hice de todo. Le supliqué, le rogué, le ofrecí ser compañero en el tema de la composición. Le saqué a la fuerza el tema de componer. Para mí era un difícil trabajo. Si no viene la inspiración, tienes que trabajar más, tienes que hacerla venir. Y Richard solía decir: «Lo estoy intentando». Y estoy seguro de que lo hacía».


title: Stage Fright

text: En "Stage Fright", Manuel fue acreditado como compositor en dos canciones, «Just Another Whistle Stop» y «Sleeping». La segunda es un ejemplo del modo en que Manuel solía componer elaboradas piezas al piano, en las que alternaba entre compases de 12/8 y de 3/4. Por otra parte, también se acreditó a Levon Helm como coautor de «Strawberry Wine». Según recuerda Robertson, Helm compuso la primera estrofa y el estribillo de la canción en Arkansas, mientras que el resto del trabajo fue conjunto.


title: Stage Fright

text: Dos de las principales narraciones compuestas por Robertson para "Stage Fright", siguiendo el estilo narrativo de canciones como «The Weight» y «The Night They Drove Old Dixie Down», fueron «Daniel and the Sacred Harp» y «W.S. Walcott Medicine Show». El periodista Rob Bowman describió la primera como una alegoría con connotaciones religiosas, en la que se relata el intento de vender el alma por música. En la canción, Helm hace el papel de narrador, mientras que Manuel interpreta el personaje de Daniel. Hudson introduce y cierra la canción con un órgano, mientras que Robertson toca la guitarra acústica y Danko toca el violín, modificando de este modo los instrumentos más frecuentes de cada músico. Por otra parte, «W.S. Walcott Medicine Show» parodia la vida de un trovador de espectáculos itinerantes del Sur, que el propio Helm pudo ver en su Arkansas natal, e incluye el primer solo de saxofón de Hudson en un disco.


title: Stage Fright

text: "Stage Fright" fue publicado el 17 de agosto de 1970 y obtuvo reseñas positivas de la prensa musical, aunque con una menor unanimidad en relación a sus dos anteriores trabajos, "Music from Big Pink" y "The Band". En su reseña del álbum, la revista musical "Rolling Stone" señaló a Levon Helm como el mejor batería de "rock and roll" y a Robbie Robertson como el mejor compositor del álbum. Por otra parte, la revista "Time" escribió una buena crítica del álbum en general y de «Stage Fright» y «The W.S. Walcott Medicine Show» en particular. Sin embargo, Albert Goldman de "The New York Times" definió al grupo como «The Bland», usando un juego de palabras con el nombre del grupo y el adjetivo inglés "bland", que significa «templado».


title: Stage Fright

text: William Ruhlman de Allmusic comparó el sonido del álbum con el de "Music from Big Pink" y "The Band" al emplear «los mismos densos arreglos, con una mezcla de un profundo trasfondo formado por el batería Levon Helm y el bajista Rick Danko, el penetrante trabajo de la guitarra de Robbie Robertson, y el trabajo variado de Richard Manuel al teclado y de Garth Hudson al órgano». Ruhlman concluyó diciendo: «"Stage Fright" parecía ser la respuesta alarmada del grupo, lo que lo convirtió en su confesión más abierta. Era ciertamente diferente de su anterior trabajo, que había tendido hacia canciones históricas en sus comienzos, pero fue apenas menos convincente por eso». Por otra parte, Robert Christgau escribió: «Las melodías son tan brillantes y valientes, y los músicos arriman el hombro con tanta voluntad, que elas banalidades cosméticas de la primera cara [del disco] parecen fuera de lugar en un camino que Delaney & Bonnie, por ejemplo, nunca siguen. Y si la configuración es demasiado compleja para lo que sabe Robbie Robertson, el grupo está demasiado desenfocados para lo que no sabe, ya que los agarres político-filosóficos en la cara B lo hacen dolorosamente claro».


title: Stage Fright

text: A pesar del decreciente interés de la prensa musical en el grupo, "Stage Fright" se convirtió en el mayor éxito comercial de The Band: alcanzó el puesto cinco en la lista estadounidense "Billboard 200" y la posición quince en la lista británica "UK Albums Chart", y entró por primera vez en las listas de discos más vendidos en países europeos como Noruega y Países Bajos. Por otra parte, el primer sencillo promocional de "Stage Fright", «Time to Kill», alcanzó el puesto 77 en la lista "Billboard Hot 100". No obstante, en algunas estaciones de radio de San Francisco sonó con mayor frecuencia una grabación pirata de baja calidad de «Don't Do It», una canción de Marvin Gaye que The Band versionaba frecuentemente en sus conciertos y que no figuró en el álbum. Apenas dos meses después de su publicación, RIAA certificó "Stage Fright" como disco de oro al superar el medio millón de copias vendidas.


title: Stage Fright

text: Capitol Records publicó "Stage Fright" por primera vez en formato de disco compacto en 1989 a nivel internacional. En 1994, DCC Compact Classics publicó una edición limitada en formato CD fabricado en oro de 24 quilates, con las mezclas de Todd Rundgren en lugar de las de Glyn Johns. En 2000, Capitol remasterizó y reeditó el álbum junto al resto del catálogo musical del grupo, en una edición con varios temas extra que Robbie Robertson supervisó personalmente. En 2008, la discográfica Caroline Records publicó una edición limitada en formato CD en carpeta de cartón.


title: Cahoots

text: Cahoots —en español: "Confabulación"— es el cuarto álbum de estudio del grupo canadiense de "rock" The Band, publicado por la compañía discográfica Capitol Records en septiembre de 1971. El álbum, el primero del grupo grabado en los Bearsville Studios de Woodstock, marcó un cambio musical al incluir por primera vez una sección de vientos en canciones como «Life is a Carnival», una técnica repetida en trabajos posteriores como "Rock of Ages" y "The Last Waltz". Debido a la falta de disponibilidad de horarios en Bearsville, el grupo se vio obligado a modificar sus patrones habituales de grabación, normalmente sujeta a horarios más laxos y menos restrictivos. Como resultado, las sesiones fueron tensas y originaron problemas internos que culminaron cinco años después en su disolución.


title: Cahoots

text: Durante la grabación, los problemas de Richard Manuel derivados de su alcoholismo y el cese en su actividad como compositor obligaron a Robbie Robertson a asumir la responsabilidad de componer gran parte del material. Debido a ello, las canciones contienen estructuras, cambios de acordes y arreglos más complejos que las de sus trabajos previos. El álbum contó también con la participación de Bob Dylan, que compuso «When I Paint My Masterpiece», y de Van Morrison, que cantó «4 % Pantomime» a dúo con Manuel.


title: Cahoots

text: Tras su publicación, la prensa musical definió "Cahoots" como un trabajo menor dentro del catálogo musical del grupo, en contraposición con sus tres anteriores discos de estudio. Desde el punto de vista comercial, tuvo también un menor éxito de ventas: alcanzó el puesto veintiuno en la lista estadounidense "Billboard 200" y el 41 en la lista británica "UK Albums Chart", aunque obtuvo mejores resultados en países europeos como los Países Bajos y Noruega, donde alcanzó el puesto dos y veinte, respectivamente.


title: Cahoots

text: Después de publicar el álbum "Stage Fright" a mediados de 1970, The Band emprendió una gira de conciertos por Europa y los Estados Unidos hasta diciembre del mismo año; una vez finalizada, comenzaron a grabar uno nuevo en los Bearsville Studios, un estudio de grabación que Albert Grossman, representante del grupo, creó en la localidad de Woodstock.


title: Cahoots

text: Las sesiones de grabación comenzaron con «Life is a Carnival», una canción de estilo "funk" con Rick Danko al bajo sin trastes y para la que el productor y músico de Nueva Orleans Allen Toussaint dirigió una sección de viento que marcó un significativo alejamiento con respecto al estilo musical dominante en anteriores trabajos: si bien el grupo había trabajado anteriormente con una sección de viento, cuando acompañaban al cantante Ronnie Hawkins en la década de 1960, desde la grabación de "Music from Big Pink" solo utilizaban a lo sumo uno o dos saxofones, como en el caso de «Tears of Rage», o una tuba, como en «Rag Mama Rag». Robbie Robertson comentó al respecto: «Recurrimos a algo que habíamos estado haciendo en años anteriores cuando teníamos una pequeña sección de vientos. Era algo con lo que experimentábamos. Disfrutamos del poder que la sección de vientos nos daba».


title: Cahoots

text: Robertson y Helm mostraron interés en los éxitos que Toussaint había producido en la década de 1960 con artistas como Aaron Neville, Irma Thomas y Jesse Hill, entre otros, y especialmente en los arreglos del álbum de Lee Dorsey "Yes We Can"; esto favoreció un acercamiento entre el productor y el grupo. Tras contactar con Toussaint, Robertson envió la grabación original de «Life is a Carnival» a Nueva Orleans para que compusiera un pasaje de viento atípico y divertido, en consonancia con la canción. Sin embargo, la necesidad de pulir algunos detalles musicales obligó al productor a desplazarse a Nueva York, donde finalmente lo grabaron. Sobre la grabación de «Life is a Carnival», Robertson comentó:


title: Cahoots

text: A pesar de la rápida grabación de «Life is a Carnival», las sesiones del álbum pronto comenzaron a hacerse difíciles por el creciente distanciamiento entre los miembros del grupo y por la restricción de horarios en el estudio. En contraste, la grabación de los dos anteriores trabajos del grupo, "The Band" y "Stage Fright", tuvo lugar en estudios caseros en los que el grupo podía acceder a los equipos de trabajo las veinticuatro horas del día, y el grupo tuvo a su disposición un estudio profesional para ensayar las canciones de "Music from Big Pink" con antelación a su registro. Las obras de acondicionamiento en el estudio, que interferían continuamente con las sesiones de grabación, contituyeron un problema adicional. Al respecto, Robertson comentó en tono jocoso: «La tecnología nunca se interpuso entre nosotros y la música, pero en este caso, menos aun».


title: Cahoots

text: Pese a las dificultades técnicas, se contó la colaboración de músicos ajenos como Bob Dylan y Van Morrison. El primero cedió a Robertson una nueva composición, «When I Paint My Masterpiece», tras visitarle en su hogar de Woodstock y ensayar varias canciones. No obstante, Dylan no llegó a participar en su grabación. Por su parte, Morrison, que residía durante la época en Woodstock, colaboró en la grabación de «4% Pantomime», una canción que compuso durante una visita al hogar de Robertson. Según recordó el músico: «Estaba tocando algo en el piano y Van dijo: "¿Qué es eso?". Yo dije que sólo eran acordes. A medida que los tocaba, él empezó a tararear, se le ocurrieron algunas ideas y comenzó a escribirlas. Se convirtió en una canción donde estábamos lanzándonos ideas el uno al otro». El tema, cuyo título hace referencia a la diferencia en la graduación alcohólica entre el Johnnie Walker Black y el Johnny Walker Red, se grabó en una única toma.


title: Cahoots

text: A nivel musical, las canciones de "Cahoots" mantuvieron el estilo característico del grupo, incorporando los instrumentos habituales de grabaciones previas —una base rítmica de bajo y batería sumada a una guitarra, un piano y un órgano— y las voces de Danko, Manuel y Helm. Del conjunto, solo «Life is a Carnival» introdujo cambios musicales debido al sonido "funk" asociado a la sección de vientos de Allen Toussaint. Robertson planeó también la inclusión de otra sección de vientos dirigida por Gil Evans en «The Moon Struck One»: sin embargo, Evans no entregó su trabajo a tiempo para incorporarlo al álbum, y en su lugar, Garth Hudson sobregrabó una pista con su órgano Lowrey.


title: Cahoots

text: Las composiciones de Robertson comenzaron a reflejar un mayor perfeccionismo musical y cuidado de los detalles en comparación con la espontaneidad buscada en los primeros trabajos del grupo. Sobre este hecho, Hudson llegó a comentar: «Las estructuras, los cambios de acordes y los arreglos eran complejos. Era más complicado para mí encontrar algo diferente para cada canción».


title: Cahoots

text: Por otra parte, canciones como «The Last of the Blacksmiths» y «Thinkin' Out Loud» incorporaron un sonido «estrafalario», según Robertson. El propio músico definió la primera como «un experimento extraño, con Garth tocando una especie de cuernos de elefante», mientras que en la segunda, Manuel tocó la batería y la guitarra "slide", Garth el piano, Robbie la guitarra acústica y Levon el bajo acústico, en lugar de sus instrumentos habituales.


title: Cahoots

text: Otros temas como «Smoke Signal», que introduce las primeras referencias sobre la ascendencia nativa americana de Robertson, «Volcano» y «Shoot Out in Chinatown», incorporaron un sonido más cercano al "rock" de "The Basement Tapes". Según el músico: «En "Volcano" hay varios versos muy cercanos a ese estado de ánimo. Nos estábamos divirtiendo, probablemente a costa de otra persona». Por otra parte, «Shoot Out in Chinatown» incluyó las tres principales voces del grupo, con Danko y Manuel cantando las estrofas y Helm, el estribillo. El álbum finaliza con «The River Hymn», en la que Hudson tocó un piano decimonónico y que contó con la participación de Libby Titus, pareja de Helm, en los coros, que fue la primera aportación femenina a una canción de The Band.


title: Cahoots

text: Los problemas de salud de Richard Manuel, relacionados con el abuso de las drogas, provocaron que el músico dejase de componer durante las sesiones de grabación de "Cahoots". Esta situación propició que Robbie Robertson tomara el control del grupo y compusiera casi todas las canciones del álbum, con la excepción de «Life is a Carnival» y «When I Paint My Masterpiece», escritas por Rick Danko y Levon Helm y por Bob Dylan respectivamente.


title: Cahoots

text: El creciente dominio de Robertson sobre el grupo, sumado a los problemas de Manuel, marcó un mayor distanciamiento entre los miembros de The Band, y especialmente entre Helm y Robertson. Según comentó Helm en "This Wheel's on Fire": «No era un buen tiempo para trabajar juntos. Manuel simplemente dejó de escribir y se retiró». En el mismo sentido, Danko comentó: «Richard parecía demasiado cansado de todo. Levon tampoco estaba interesado. Parece mentira cuánto nos había cambiado el éxito. Nuestro comportamiento se volvió atroz, y era imposible tener a toda la gente en el mismo sitio al mismo tiempo».


title: Cahoots

text: Robertson tampoco se sentía motivado para componer debido a las fricciones internas, tal y como reconoció en una entrevista en 1989: «Era frustrante, un sentimiento horrible. No estaba inspirado para escribir. Estaba empezando a sentirme desilusionado por temas personales y me estaba afectando seriamente». En el plano personal, su mujer Dominique y sus dos hijas pasaban el tiempo entre Montreal y Woodstock, lo que motivó que el músico compusiera gran parte de las canciones lejos de los otros integrantes.


title: Cahoots

text: A pesar de los crecientes problemas internos, la forma de componer las canciones de "Cahoots" fue semejante a la de los álbumes "The Band" o de "Stage Fright". Por regla general, Robertson llevaba al estudio esbozos musicales que el resto del grupo arreglaba sobre la marcha. A continuación, escribía las letras, cuya principal influencia durante el periodo de grabación fue el cine, con una prevalencia de temas relacionados con la «extinción y la tristeza que acompaña la pérdida de objetos que una vez tuvieron un gran valor». Según comentó el propio Robertson:


title: Cahoots

text: Tras su publicación en octubre de 1971, la prensa musical consideró "Cahoots" un trabajo menor dentro del catálogo musical del grupo, en contraposición con sus tres anteriores discos de estudio. En su crítica para Allmusic, William Ruhlmann comentó: «En comparación con sus predecesores, "Cahoots", el cuarto álbum de The Band, podría ser caracterizado como un esfuerzo menor que sin embargo, contiene unos pocos placeres. Estos placeres empiezan con "Life is a Carnival", una canción que continúa con la temática de "Stage Fright" destacando la falsa naturaleza del mundo del espectáculo y su impacto en la realidad.[...] El principal fallo está en la composición: el sonido de The Band es tan bueno como de costumbre. [...] Pero el material no es suficientemente sólido, particularmente en comparación con los tres discos impresionantes que The Band publicó antes». Por su parte, Robert Hilburn de "Los Angeles Times" dijo: «Para otro grupo que no fuese The Band, "Cahoots" sería elogiado como un álbum espléndido. Pero las expectaciones previas rebajan el nivel de entusiasmo. Es el precio que tiene que pagar por grabar dos obras maestras».


title: Cahoots

text: En el mismo sentido, el crítico musical John Alroy opinó en Wilson & Alroy: «Aparentemente, ni los críticos ni el público apreciaron mucho el álbum, que, aunque un nivel por debajo de sus tres primeros trabajos, no es realmente malo. Abre con la extrañamente alegre "Life is a Carnival" y capta tu atención hasta el final». Por otra parte, Jon Landau, en su crítica para la revista musical "Rolling Stone", escribió: «"Cahoots" es más bien un fracaso brillante que una obra maestra defectuosa, pero la distancia entre ambos conceptos puede no importar mucho ahora. Hay una visión del mundo y personal luchando por imponerse en la música de The Band y en las canciones de Robbie Robertson. Se encuentran en proceso de crear una extensión post-adolescente del "rock", capaz de abarcar una gama más amplia de pensamientos, sentimientos, sonidos e imágenes que la producida por muchos de los músicos de finales de la década de 1960. Y con "Cahoots", no tengo ningún reparo en admitir que The Band es una de las pocas unidades funcionales del "rock". Como tal, sus errores y fallos son más atrayentes que los éxitos de docenas de artistas menores. Y sus triunfos, incluyendo los últimos álbumes, están entre lo más interesante de la música».


title: Cahoots

text: Desde el punto de vista comercial, "Cahoots" tuvo menos impacto que los anteriores trabajos de The Band. Alcanzó el puesto veintiuno y estuvo catorce semanas en la lista estadounidense "Billboard 200", mientras que en el Reino Unido alcanzó el puesto 41 en la lista "UK Albums Chart". No obstante, tuvo mejores resultados en las listas de discos más vendidos en varios países europeos como los Países Bajos, donde debutó en la posición dos y estuvo siete semanas, y en Noruega, donde alcanzó el puesto veinte y se mantuvo tres semanas. Por su parte, el primer y único sencillo promocional del álbum, «Life is a Carnival», alcanzó el puesto 72 en la lista "Billboard Hot 100". La discográfica llegó a programar la publicación de «When I Paint My Masterpiece» como segundo sencillo promocional, si bien esto nunca llegó a materializarse.


title: Cahoots

text: Capitol Records publicó "Cahoots" en formato de disco compacto en 1988 a nivel internacional, y diez años después, en una edición limitada para el mercado japonés. En 2000 remasterizó y reeditó el álbum junto al resto del catálogo musical del grupo, en una edición que supervisó Robbie Robertson y que incluyó notas escritas por Rob Nowman y cuatro temas extra registrados durante las sesiones de grabación: tomas descartadas de «Don't Do It» y «Bessie Smith», una versión alternativa de «When I Paint My Masterpiece» y una maqueta de «Endless Highway». En 2008, Caroline Records publicó una edición limitada en formato CD con carpeta de cartón. Un año después, Mobile Fidelity reeditó el álbum en formato SACD.


title: Cahoots

text: Todas las canciones escritas y compuestas por Robbie Robertson y producidas por The Band excepto donde se anota.


title: Tomi Joutsen

text: Tomi Joutsen (nacido el 30 de abril de 1975) es el vocalista de la banda de Death metal Amorphis. También es miembro de otros grupos del mismo estilo, entre ellos Corpse Molester Cult (2008- ), como guitarrista y vocalista secundario, y Hallatar (2017-), como vocalista principal. Anteriormente, fue vocalista en las bandas Käsi / Funeral Jacket (1995-1999) y Nevergreen / Sinisthra (2002-2008) y batería en The Candles Burning Blue y Feelings.


title: Tomi Joutsen

text: Joutsen utiliza una voz «áspera» y también una «limpia», en contraste con la voz del anterior cantante de Amorphis, Pasi Koskinen, más aguda y tradicional dentro del Heavy metal y del Punk. El estilo de voz de Joutsen es muy profundo, similar a las voces de metal gótico de Nick Holmes, de Paradise Lost, y de Peter Steele, de Type O Negative.


title: Matías Arrúa

text: Matías Nicolás Arrúa (Mar del Plata, Provincia de Buenos Aires, Argentina; 16 de abril de 1983) es un exfutbolista argentino. Jugaba como mediocampista ofensivo y su primer equipo fue Quilmes de Mar del Plata. Su último club antes de retirarse fue Ferro de General Pico.


title: Matías Arrúa

text: Comenzó su carrera futbolística en Quilmes de Mar del Plata, que participa en la Liga Marplatense de fútbol. Luego pasó a otro equipo marplatense Alvarado, del Torneo Argentino B. De ahí en adelante, participó en una gran cantidad de clubes nacionales, los cuales jugaban en categorías menores del fútbol argentino, con la excepción de Unión de Santa Fe, de la Primera B Nacional, en el cual vistió su camiseta desde 2007 hasta 2010.


title: Matías Arrúa

text: En 2013, tras sus peripecias en su tierra natal, Arrúa comienza su carrera en el fútbol chileno, firmando por Curicó Unido de la Primera B, consiguiendo extender su vínculo hasta finales de 2014. Después, sus siguientes clubes en el país fueron Deportes Temuco, Unión La Calera, San Marcos de Arica y su actual institución, Ñublense, de la segunda categoría chilena.


title: Rock of Ages

text: Rock of Ages es el primer álbum en directo del grupo canadiense de "rock" The Band, publicado por la compañía discográfica Capitol Records en agosto de 1972. Su grabación tuvo lugar durante cuatro conciertos en el antiguo Academy of Music de Nueva York entre el 28 y el 31 de diciembre de 1971 e incluyó canciones del catálogo musical del grupo, publicadas entre los discos "Music from Big Pink" y "Cahoots", además de canciones inéditas como «Get Up Jake» y versiones de temas antiguos como «Don't Do It», de Marvin Gaye, y «(I Don't Want To) Hang Up My Rock and Roll Shoes», de Chuck Willis.


title: Rock of Ages

text: Tras su publicación, "Rock of Ages" recibió mejores críticas de la prensa musical que con su predecesor, "Cahoots", y sirvió como resumen de los primeros cuatro años de existencia del grupo. A nivel comercial, el álbum alcanzó el puesto seis en la lista estadounidense "Billboard 200", aunque no llegó a entrar en la lista de discos más vendidos del Reino Unido. Pocos meses después de su publicación, la Asociación de Industria Discográfica de Estados Unidos entregó a "Rock of Ages" un disco de oro por superar el medio millón de copias vendidas en el país.


title: Rock of Ages

text: En 2001, Capitol remasterizó y reeditó el álbum junto a parte del catálogo musical de The Band con la supervisión de Robbie Robertson. En 2013, Capitol y Universal Records publicaron la gran mayoría del material grabado durante los cuatro conciertos que el grupo ofreció en el Academy of Music en la caja recopilatoria "Live at the Academy of Music 1971".


title: Rock of Ages

text: Después de finalizar la grabación del álbum "Cahoots" (1971), The Band comenzó en abril de 1971 una gira por Europa que se extendió a los Estados Unidos en noviembre, una vez publicado el disco. La parte norteamericana de la gira contó con la participación del productor musical John Simon, que tocó la tuba en canciones como «Rag Mama Rag», y la presencia del grupo Taj Mahal como teloneros. Debido al menor éxito comercial y de crítica de "Cahoots", considerado por parte de la prensa musical un trabajo inferior a los tres primeros álbumes de la banda, el distanciamiento entre Levon Helm y Robbie Robertson se hizo más evidente a raíz del creciente control de Robertson sobre el grupo. Según relató Helm en su autobiografía "This Wheel's on Fire": «El dinero entraba, pero teníamos una legión de abogados y contadores que se lo llevaban. Además, éramos poco felices con Albert Grossman porque los acuerdos de publicación eran firmados con diferentes compañías creadas por cada músico, en lugar de con una única compañía con un reparto equitativo para cada uno, como debería haber sido. Sentíamos que Robbie se llevaba más que The Band. El viejo espíritu de todos para uno y uno para todos se había esfumado».


title: Rock of Ages

text: A pesar del menor éxito de "Cahoots" y del creciente distanciamiento en el seno del grupo, continuaron dando conciertos con frecuencia: la gira norteamericana terminó con cuatro conciertos ofrecidos entre el 28 y el 31 de diciembre de 1971 en el antiguo teatro de ópera Academy of Music de Nueva York, que se grabaron para un posible álbum en directo, siguiendo la estela de trabajos como "Wheels of Fire" (1968), de Cream, "Get Yer Ya-Ya's Out!" (1970), de The Rolling Stones y "Live at Leeds" (1970), de The Who. Helm propuso la idea de grabar un álbum en directo durante una cena con Robertson, en la cual también se planteó la posibilidad de que Allen Toussaint colaborase componiendo arreglos de instrumentos de viento para varias canciones del grupo. Robertson comentó al respecto: «Quería hacer algo tanto con Toussaint como con Gil Evans. Eran las dos personas que hacían cosas que sonaban como lo que estaba escuchando. Me contacté con Evans y hablamos sobre eso. Todavía me gustaría hacer algo con él. Creo que es brillante y hace algo que nadie más sabe hacer».


title: Rock of Ages

text: A los pocos días, Robertson se puso en contacto con Toussaint, con quien trabajó previamente en arreglos para la canción «Life is a Carnival», y le pidió que compusiese partituras de una sección de viento para diez canciones que el propio Robertson seleccionó. La idea original era que Toussaint compusiese los arreglos en Nueva Orleans y volase a Woodstock para pasar unos días con el grupo, antes de iniciar los ensayos en Nueva York. Sin embargo, la maleta con las partituras se extravió en el aeropuerto y los planes fueron modificados. Según comentó Toussaint: «En aquel momento parecía catastrófico. Pero pensé que cuando pasan cosas así, puedes silbar una melodía feliz y comenzar de nuevo. Ahora me siento orgulloso de que aquello pasara porque lo que escribí en Woodstock era mejor que cualquier cosa que hice en mi casa. Me sentí mucho mejor estando ahí y viendo a los chicos en aquel entorno».


title: Rock of Ages

text: A pesar de sufrir problemas de oído durante los primeros días debido al frío extremo de Woodstock, Toussaint fue capaz de terminar varias partituras nuevas para canciones como «Baby Don't You Do It», «The Night They Drove Old Dixie Down», «The W.S. Walcott Medicine Show» y «Unfaithful Servant», antes de que The Band viajase a Nueva York para comenzar los ensayos. Rick Danko comentó sobre el modo de trabajar de Toussaint: «Vino a las montañas. Le dejamos en una de nuestras cabañas. Le preguntamos: "¿Qué quieres, un piano?". Él dijo: "No, solo una grabadora y varias partituras". Le dimos una grabadora con auriculares y escribió lo que le salía de la mente. Es un genio».


title: Rock of Ages

text: The Band tocó en el Academy of Music durante cuatro noches seguidas para un público de 3 000 espectadores. Al igual que durante la gira, el grupo dividió los conciertos en dos partes: en la primera, el grupo tocaba las canciones «Up on Cripple Creek», «The Shape I'm In», «The Rumor», «Time to Kill», «Strawberry Wine», «Rockin' Chair», «This Wheel's on Fire», «I Shall Be Released», «The Weight» y «Stage Fright», además de «Get Up Jake», un descarte del álbum "The Band" (1969), y «Smoke Signal», del último trabajo de estudio, "Cahoots" (1971). Tras un pequeño interludio, el grupo volvía al escenario con los cinco miembros de la sección de vientos —los saxofonistas Joe Farrell y J.D. Parron, el trompetista Smooky Young, Howard Johnson en la tuba y Earl McIntyre en el trombón— y tocaban las canciones arregladas entre Robertson y Toussaint, es decir «Life is a Carnival», «King Harvest (Has Surely Come)», «Caledonia Mission», «W.S. Walcott Medicine Show», «The Night They Drove Old Dixie Down», «Across the Great Divide», «Unfaithful Servant» y «Baby Don't You Do It».


title: Rock of Ages

text: La segunda parte comenzaba con una improvisación de Garth Hudson al órgano, titulada «The Genetic Method», y que servía de introducción a «Chest Fever». Tras un nuevo interludio, el grupo volvía al escenario para un "encore" con los temas «Rag Mama Rag» y «(I Don't Want To) Hang Up My Rock And Roll Shoes». En el caso del concierto que el grupo ofreció el 29 de diciembre, la lista de canciones incluyó una versión de «Loving You Is Sweeter Than Ever», con Rick Danko como vocalista principal.


title: Rock of Ages

text: A pesar de servir como promoción de su último trabajo, el grupo solo interpretó dos canciones de "Cahoots" durante la gira de 1971, «Life is a Carnival» y «Smoke Signal», y centró la lista de canciones en material de "Music from Big Pink" (1968), "The Band" (1969) y "Stage Fright" (1970). Robertson comentó acerca de esta decisión: «Las canciones de "Cahoots" eran difíciles de tocar. Eran demasiado experimentales y nunca nos aventuramos a plantear la posibilidad de tocarlas en directo». El mismo criterio se siguió con "The Last Waltz", el concierto de despedida de The Band, que solo incluyó una canción del álbum, «Life is a Carnival».


title: Rock of Ages

text: El 31 de diciembre de 1971, The Band recibió a Bob Dylan como artista invitado. Tras tocar la lista habitual de canciones y cerrar con «Rag Mama Rag», Dylan subió al escenario y tocó cuatro canciones: «Down in the Flood», «When I Paint My Masterpiece», «Don't Ya Tell Henry» y «Like a Rolling Stone». Dos años después, el grupo volvió a actuar como banda de respaldo de Dylan en su primera gira norteamericana desde 1966, tras grabar con él "Planet Waves" (1974).


title: Rock of Ages

text: Tras finalizar la gira, los miembros del grupo se tomaron un descanso, con la excepción de Robertson, que viajó a los Criteria Studios de Miami para mezclar las grabaciones con Phil Ramone como ingeniero de sonido. Sin embargo, a su regreso a Woodstock, tanto Robertson como el resto del grupo no aprobaron el trabajo hecho, y las mezclas tuvieron que volver a realizarse. Según comentó Robertson: «Había algo mal en las mezclas. No podría definir exactamente lo que era, pero estaba mal. Simplemente se perdió». Para ello, Ramone viajó a Woodstock y trabajó en tándem con el ingeniero Mark Harman en los Bearsville Studios de Albert Grossman.


title: Rock of Ages

text: Tras su publicación en agosto de 1972, la prensa musical recibió "Rock of Ages" con reseñas generalmente positivas, y lo consideró un buen cierre de capítulo a la primera etapa de la carrera de The Band. En este sentido, Stephen Thomas Erlewine escribió para Allmusic: «Ciertamente, se exhibe la tensión de The Band como unidad escénica, pero también hay un corazón salvaje, un ruidoso bombeo en el fondo musical, algo que los álbumes de estudio, por lo demás excelentes, no tienen. En pocas palabras, es un placer escucharlo, lo cual puede ser razonable tras el adusto y caótico "Cahoots"; pero incluso fuera de ese contexto, "Rock of Ages" tiene un espíritu distinto a cualquier otro disco de The Band. De hecho, se puede argumentar que capturó el espíritu del grupo en el momento en que ningún otro álbum hizo». En el mismo sentido, Michael Bailey escribió para "All About Jazz": «Desintegrada bajo su propio peso, The Band acabó por desaparecer en la nada. Pero entre finales de los 60 y comienzos de los 70, este grupo de individuos pintaron la vida estadounidense del siglo XIX en mejores canciones que las que había antes. Es casi como si hubieran estado allí todo el tiempo, como una parte ancestral de nosotros en una fotografía en blanco y negro en llamas. "Rock of Ages" no es la representación más precisa de The Band, pero sí la más honesta».


title: Rock of Ages

text: Por otra parte, Wilson y Alroy afirmaron: «Con el respaldo de una sección de viento de cuatro hombres, el sonido es más pulido, más optimista y más actualizado que en los primeros discos de estudio —incluso las voces parecen más fuertes—. Los seguidores que se activaron con aquellos álbumes querrán pasar con el tiempo a éste». Sin embargo, otros periodistas musicales fueron más duros. Al respecto, Robert Christgau comentó: «Es claramente el testimonio de unos artistas que están mirando hacia el pasado, porque el futuro se presenta como un vacío. Un problema que afectó incluso a sus mejores trabajos».


title: Rock of Ages

text: Desde el punto de vista comercial, se convirtió en el mayor éxito del grupo en los Estados Unidos por detrás de "Stage Fright" (1970), al alcanzar el puesto seis en la lista "Billboard 200". Sin embargo, no entró en la lista de discos más vendidos del Reino Unido y supuso el primer disco del grupo en obtener una recepción comercial discreta allí. En los Países Bajos, llegó al puesto tres de la lista "Dutch Album Top 100", mientras que en Canadá alcanzó la cuarta posición en la lista de discos más vendidos. Pocos meses después de su publicación, la Asociación de Industria Discográfica de Estados Unidos (RIAA) certificó "Rock of Ages" como disco de oro al superar el medio millón de copias vendidas en el país.


title: Rock of Ages

text: El primer sencillo promocional, «Baby Don't You Do It», alcanzó el puesto once en la lista canadiense "RPM Singles Chart" y el 34 en la lista estadounidense "Billboard Hot 100". «Baby Don't You Do It» incluyó como cara B «Get Up Jake», un descarte de las sesiones de grabación de "The Band" (1969) publicada por primera vez en el recopilatorio "" (1989). Un segundo sencillo, «Caledonia Mission», fue publicado en febrero de 1973 solo en los Estados Unidos y no entró en ninguna lista de éxitos.


title: Rock of Ages

text: Capitol Records reeditó "Rock of Ages" en 1980 en dos discos de vinilo por separado, titulados "Volume 1" y "Volume 2" respectivamente. La primera edición en disco compacto tuvo lugar en 1987, para la cual se acortó la duración de varias canciones de modo que el material cupiese en un solo disco. En 1990, volvió a publicarse como un álbum doble con las canciones originales.


title: Rock of Ages

text: En 2001, la discográfica remasterizó y reeditó el álbum junto a los discos "Moondog Matinee" (1973), "Northern Lights-Southern Cross" (1975) e "Islands" (1977). La reedición, supervisada por Robbie Robertson, incluyó notas escritas por Rob Nowman y diez temas extra, entre las que figuran las cuatro canciones que el grupo tocó con Bob Dylan en el concierto de Año Nuevo y una versión de «Loving You Is Sweeter Than Ever».


title: Rock of Ages

text: La caja recopilatoria "A Musical History" (2005) incluyó varias canciones de "Rock of Ages" nuevamente remasterizadas, además de canciones inéditas como «Smoke Signal», que el grupo tocó en el concierto del 28 de diciembre. Cinco años más tarde, Mobile Fidelity Sound publicó una versión del álbum en formato SACD. En 2013, Robertson volvió a trabajar en las mezclas del álbum y supervisó la publicación de "Live at the Academy of Music 1971", una caja recopilatoria de cuatro discos y un DVD que incluyó parte de los cuatro conciertos ofrecidos en el Academy of Music. La edición incluyó un ensayo de Robertson y textos de Mumford & Sons y Jim James. Todas las canciones escritas y compuestas por Robbie Robertson excepto donde se anota.


title: Moondog Matinee

text: Moondog Matinee es el sexto álbum de estudio del grupo canadiense de "rock" The Band, publicado por la compañía discográfica Capitol Records en octubre de 1973. Está conformado exclusivamente por versiones de canciones clásicas de "rock and roll", "blues" y R&B de la década de 1960, y está pensado con la idea de versionar temas que el grupo interpretaba con frecuencia en sus primeros años, cuando acompañaba a Ronnie Hawkins.


title: Moondog Matinee

text: Al igual que su predecesor, "Cahoots", la grabación de "Moondog Matinee" tuvo lugar en los Bearsville Studios de Woodstock a mediados de 1973, un año y medio después de que el grupo finalizara una gira que culminó con cuatro conciertos en el Academy of Music de Nueva York y con el lanzamiento de "Rock of Ages" (1972). Este periodo coincidió además con una etapa en la que Robbie Robertson, principal compositor del grupo, disminuyó su actividad en este rol y centró su interés en actividades cinematográficas.


title: Moondog Matinee

text: Tras su publicación, "Moondog Matinee" tuvo una repercusión crítica similar a "Cahoots"; no pudo satisfacer al público que el grupo consiguió a raíz del éxito de los álbumes "Music from Big Pink" y "The Band". Desde el punto de vista comercial, el álbum alcanzó el puesto veintiocho en la lista estadounidense "Billboard 200" y el diecinueve en la lista de discos más vendidos de Canadá; un éxito inferior al conseguido con la publicación de "Rock of Ages".


title: Moondog Matinee

text: The Band finalizó el año de 1971 con cuatro conciertos en el Academy of Music de Nueva York entre los días 28 y 31 de diciembre, recopilados posteriormente en "Rock of Ages" (1972), el primer álbum en directo del grupo. A raíz de la peor recepción crítica de los discos "Stage Fright" (1970) y "Cahoots" (1971), decidieron abandonar los conciertos durante un año y medio y no volvieron a juntarse sobre un escenario hasta su reaparición en el festival "Summer Jam at Watkins Glen" en julio de 1973, junto a The Allman Brothers Band y Grateful Dead. Entre comienzos de 1972 y mediados de 1973, los miembros de The Band aprovecharon el intermedio para emprender proyectos paralelos al grupo. Mientras Robbie Robertson trabajaba en las mezclas de "Rock of Ages" junto al ingeniero de sonido Phil Ramone, Levon Helm pasó cuatro meses como estudiante en el Berklee College of Music. Por otra parte, Rick Danko aprovechó para trabajar con el productor musical John Simon en el primer álbum de estudio de Bobby Charles, cuya grabación tuvo lugar en los mismos estudios donde The Band grabó "Cahoots".


title: Moondog Matinee

text: Tras finalizar su trabajo en "Rock of Ages", Robertson pasó gran parte del tiempo viajando entre Woodstock y Montreal, donde su familia había comprado una casa el año anterior. Además, comenzó a elaborar un par de proyectos con la compañía National Film Board of Canada: uno de ellos consistía en componer la música de "Eliza's Horoscope", un largometraje dirigido por Gordon Shepherd, mientras que el segundo proyecto fue «Acadian Driftwood», una canción que el grupo grabó tres años después en el álbum "Northern Lights - Southern Cross" (1975). Robertson llegó a hablar también con el actor Marlon Brando con la finalidad de componer música cinematográfica para la película "Entierra mi corazón en Wounded Knee", aunque el proyecto nunca llegó a materializarse.


title: Moondog Matinee

text: Los intereses cinematográficos de Robertson hicieron que el músico solo compusiera una única canción durante los ocho primeros meses de 1972, «Endless Highway», que el grupo estrenó en el festival "Summer Jam at Watkins Glen", tocó con frecuencia en su gira con Bob Dylan en 1974 y publicó por primera vez en el álbum "Before the Flood" (1974). Entre 1972 y 1973, se centró de forma paralela en un proyecto titulado "Works", una sinfonía vanguardista inspirada en los trabajos del compositor polaco Krzystof Penderecki. Según Robertson: «Era un experimento personal. Pensé que sería bonito hacer una pieza perfecta, sin fisuras. Parte sería como una narración, parte sería instrumental, otra parte relataría la historia a través de la música, y otra parte serían palabras habladas». El músico llegó a componer quince minutos de sinfonía, de los que utilizó fragmentos en trabajos posteriores. Al respecto, incluyó el verso "Lay a flower in the snow" —que en español puede traducirse como: «Deja una flor en la nieve»— en la canción «Fallen Angel», dedicada a Richard Manuel tras su muerte y publicada en el álbum debut de Robertson. Otro proyecto desechado fue un intento de escribir un libro sobre The Band a través de historias y autobiografías realizadas por el escritor Jim Brodey, invitado por el grupo a Woodstock durante más de un año entre 1972 y la primavera de 1973.


title: Moondog Matinee

text: A falta de nuevas canciones, y en un intento por encaminar de nuevo la dirección musical del grupo tras "Rock of Ages" (1972), Robbie Robertson sugirió a sus compañeros grabar varias versiones de canciones antiguas. Según Robertson: «El estado mental del grupo no era serio en ese tiempo. Yo tenía miedo y la gente estaba fuera haciendo sus propios proyectos. Pensé: "¿Qué podemos hacer para divertirnos simplemente sin tener que hacer algo serio y duro?" Estaba intentando encontrar algo que hiciese del proyecto una aventura alegre». Por su parte, Helm comentó en una entrevista en 2002 las razones que llevaron al grupo a grabar un álbum de versiones: «Era todo lo que podíamos hacer en ese momento. No podíamos llevarnos bien, todos sabíamos que la equidad era un montón de mierda. Sabíamos que nos estábamos jodiendo, de modo que no podíamos sentarnos y crear más música. "Up on Cripple Creek" y todas esas cosas habían terminado, cualquier colaboración había terminado, y ese tipo de canciones ("Ain't Got No Home") era lo único que podíamos hacer».


title: Moondog Matinee

text: El grupo grabó "Moondog Matinee" —cuyo título es un homenaje al programa de radio "Moondog Rock 'n' Roll Party", presentado por el "disc jockey" Alan Freed— en los Bearsville Studios de Albert Grossman entre marzo y junio de 1973, y se mezcló en agosto del mismo año. Las sesiones de grabación tuvieron lugar principalmente en el estudio de Grossman, aunque al menos dos canciones, «I'm Ready» y «Share Your Love With Me», se grabaron en los estudios de Capitol Records en Hollywood entre el 24 de marzo y el 2 de abril. Aunque Robertson describió el proyecto como un disco con las canciones que solían tocar durante su etapa como The Hawks, solo llegaron a interpretar en directo en la época «Share Your Love With Me». Aun así, el álbum incluye canciones poco conocidas de artistas que influyeron notablemente en la evolución musical de The Band en su etapa con Ronnie Hawkins, con la excepción de «The Great Pretender», un éxito notable de The Platters al alcanzar el primer puesto en las listas de éxitos de "Billboard" tanto de pop como de R&B.


title: Moondog Matinee

text: «Mystery Train», un tema que Elvis Presley grabó en su etapa con Sun Records en Memphis, constituyó la pieza central del álbum. Debido a la brevedad de la canción original, que figura en el artículo de Greil Marcus «Thirty Songs About America», Robertson añadió varios versos en tres partes de la canción. En la canción, Garth Hudson usó un pedal wah-wah asociado a un clavinet, mientras que Levon Helm tuvo el respaldo de un segundo batería, Billy Mundi, antiguo miembro del grupo de Frank Zappa The Mothers of Invention.


title: Moondog Matinee

text: Además, con la excepción de «Third Man Theme», un tema que Anton Karas compuso para la banda sonora del largometraje de Carol Reed "El tercer hombre" (1949), todas las canciones seleccionadas para "Moondog Matinee" fueron grabadas anteriormente por artistas negros. Según Robertson, la elección no fue deliberada: «Cuando conocimos a Rick, estaba cantando "Bring It On Home To Me" de Sam Cooke. Cuando conocimos a Richard, estaba cantando "Turn On Your Lovelight" de Bobby Blue Bland. Cuando Levon escogía cantar, cantaba canciones de "rock and roll", pero con tendencias de R&B. Probablemente nos apoyásemos más en esa dirección. No había mucha gente que pensase bien de Buddy Holly o de Gene Vincent. Sentíamos que podíamos hacer mejor las canciones de R&B y las versiones blancas ya habían sido hechas».


title: Moondog Matinee

text: A diferencia de trabajos anteriores, la grabación de "Moondog Matinee" no incluyó un proceso de preselección de canciones ni de ensayos: en esta ocasión, cada miembro aportaba ideas sobre qué canción grabar, y en caso de que los primeros intentos por desarrollar la canción dieran buenos resultados, se conectaba la grabadora. Con este proceso, canciones como «Shake A Hand» y «Bring It On Home To Me», de las que se grabaron algunas tomas, quedaron fuera del álbum. También se descartaron canciones como «Slippin' and Slidin'» y «Loving You Is Sweeter Than Ever», que ya habían sido interpretadas en directo con anterioridad. Una versión en vivo de «Loving You is Sweeter Than Ever» aparece como pista adicional en la reedición de "Rock of Ages".


title: Moondog Matinee

text: Tras su publicación en octubre de 1973, "Moondog Matinee" recibió críticas generalmente desfavorables por parte de la prensa musical, que esperaba un acercamiento a la calidad musical de "Music from Big Pink" (1968) y "The Band" (1969). Al respecto, William Ruhlmann escribió para "Allmusic": «[The Band] demostró una experiencia considerable en sus versiones de clásicos del "rock and roll" y del R&B como "Ain't Got No Home", de Clarence "Frogman" Henry, "The Promised Land", de Chuck Berry, y "I'm Ready", de Fats Domino, pero desde luego eso no hace mucho por satisfacer a un público establecido a raíz de su propio material y que, dos años después del desilusionante "Cahoots", estaba esperando algo en la misma línea de sus tres primeros álbumes». Lenny Kaye llegó a la misma conclusión en su crítica para la revista "Rolling Stone": «Es difícil que te disguste "Moondog Matinee", dada su inflexión de baja prioridad y sus modestos objetivos, pero parece que The Band y sus seguidores se merecen algo mejor». No obstante, Kaye valoró de forma más positiva el álbum y comentó: «Al igual que muchos álbumes de clásicos, parte del encanto yace en ver las inspiraciones que The Band sentía que debía resucitar de sus comienzos. En general está bien trazado; se escogieron estilos de "rhythm and blues" que van desde Clarence "Frogman" Henry a The Platters, todo refinado en el ambiente de madera ahumada que envuelve a los ex-Hawks como un zapato amigable». Por su parte, Robert Christgau, que otorgó al álbum una calificación de B+, comentó sobre el álbum en la misma línea: «Aunque nunca esperé que este grupo talentoso de "rock" me guiara a través de las penurias de la vida, mayormente porque hay muchas penurias en su música, considero este álbum no como un revés estético sino como un puñado de viejas canciones bien seleccionadas e interpretadas. No con tan buenas melodías como en "Stage Fright" (1970), te lo garantizo, pero las letras son mejores».


title: Moondog Matinee

text: Wilson & Alroy, por su parte, escribieron una reseña más favorable: «Puede sonar como una receta nauseabunda. Pero lo sacan de ahí: cada tema rezuma sinceridad —conmovedora interpretación de Danko en "A Chaneg Is Gonna Come"—, con algún toque de humor y un leve resplandor de los setenta evitando caer en la pura nostalgia —"Ain't Got No Home", con una sección de vientos y una parte vocal de Levon Helm escamosa; una toma narcótica de "The Third Man Theme", y el híbrido humorístico entre gospel y "rock" de "I'm Saved"—. No está lejos de su propio sonido y dan en el blanco con la recreación increíblemente imaginativa del estándar de Sam Phillips y Junior Parker "Mystery Train"». En una reseña de la caja recopilatoria "A Musical History", Stephen Deusner comentó sobre "Moondog Matinee": «Las versiones son aventureras e irreverentes: se necesita audacia para añadir nuevos versos al tema de Junior Parker "Mystery Train", pero The Band hace que el nuevo material suene como si les perteneciera. Y la entusiasta voz de Helm en la canción de "Frogman" Henry "Ain't Got No Home" revela un buen humor y una fogosidad que contrasta con canciones más sobrias como "It Makes No Difference"».


title: Moondog Matinee

text: Desde el punto de vista comercial, "Moondog Matinee" alcanzó el puesto veintiocho en la lista estadounidense "Billboard", donde permaneció veinte semanas. La posición del álbum supuso el peor resultado comercial para The Band desde la publicación de "Music from Big Pink". A pesar del revés comercial del segundo, obtuvo el respaldo de la crítica musical y es considerado como uno de los mejores trabajos del grupo e incluso figura en varias listas como uno de los mejores discos de todos los tiempos. En Canadá, el álbum alcanzó el puesto diecinueve en la lista elaborada por RPM, mientras que en el Reino Unido no llegó ni siquiera a entrar en la lista de discos más vendidos. El primer y único sencillo extraído del álbum, «Ain't Got No Home», alcanzó el puesto 73 en la lista "Billboard Hot 100".


title: Moondog Matinee

text: La escasa repercusión comercial del álbum favoreció que la prensa especulase sobre la incapacidad de Robbie Robertson para componer, y que la publicación de "Moondog Matinee" era una estrategia para dar tiempo a grabar otro álbum con nuevas canciones. Al respecto, Robertson llegó a comentar: «Hicimos "Moondog Matinee" para nosotros. Estábamos de humor y era nuestra toma personal de nostalgia. Detrás de eso, no teníamos control sobre si le podía gustar o no a la gente. No competíamos con los originales. Estábamos expandiéndonos y complementándonos a nosotros mismos».


title: Moondog Matinee

text: Tras publicar "Moondog Matinee", el grupo viajó a Santa Mónica para grabar nuevamente con Bob Dylan, quien había firmado un contrato discográfico con Asylum Records. En apenas dos semanas entre el 2 y el 14 de noviembre grabaron "Planet Waves", la última colaboración en estudio entre Dylan y The Band. En enero, compartieron escenario con Dylan en su primera gira en ocho años, posteriormente documentada en el álbum "Before the Flood".


title: Moondog Matinee

text: La portada original de "Moondog Matinee" consistió en una pintura de Edward Kasper, en la que están representados los cinco miembros de The Band en las afueras del Cabagetown Café de Toronto cerca de sus iniciales, rotuladas al lado de cada caricatura bien en el muro del local o bien en la acera. Junto a las iniciales de los miembros del grupo figuran también los nombres de Sonny Boy y de Big Albert, dos de las principales influencias de The Band. En el margen derecho de la portada se puede apreciar un vehículo rosa con la imagen de un halcón sobreimpreso en color negro, en referencia a Ronnie Hawkins, cantante y líder de la primera formación de The Band.


title: Moondog Matinee

text: El fragmento izquierdo del dibujo de Kasper se extiende en la contraportada, donde se representa una sala de billar y una tienda de instrumentos musicales con el nombre de «The Hawk Shop». En las afueras de los locales, se representa un Ford Thunderbird de 1956, que era propiedad de Richard Manuel.


title: Moondog Matinee

text: El diseño original sufrió cambios en la edición australiana y fue sustituido por una portada diferente que muestra el perfil de un perro. Por otra parte, en la reedición del álbum en 2001, Capitol Records sustituyó el dibujo de Kraper, que pasó a reproducirse en las páginas interiores del libreto, por una portada negra con el nombre del grupo y el título del álbum resaltados e imitando luces de neón.


title: Moondog Matinee

text: Capitol Records publicó "Moondog Matinee" por primera vez en disco compacto en 1989 a nivel internacional y nueve años después, una edición limitada para el mercado japonés. En 2001, remasterizó y reeditó el álbum junto a los discos "Rock of Ages" (1971), "Northern Lights-Southern Cross" (1975) e "Islands" (1977). La reedición, supervisada por Robbie Robertson, incluyó notas escritas por Rob Nowman y seis temas adicionales: «Oh, Didn't It Rain», «Crying Heart Blues», «Shakin'», «What Am I Living For», «Going Back to Memphis» y una versión de estudio de «Endless Highway». En 2008, la discográfica Caroline Records publicó una edición limitada en formato CD en carpeta de cartón.


title: Mike Vejar

text: Michael Vejar (25 de junio de 1943, Los Ángeles, California) es un director de televisión con una dilatada carrera a sus espaldas que cuenta con multitud de créditos en títulos de culto que van desde Magnum hasta La Zona Muerta pasando por Babylon 5, las cuatro series modernas de Star Trek o el último episodio de la serie McGyver.


title: Batalla del Sesia

text: La batalla del Sesia se produjo el 30 de abril de 1524, cerca de la población de Romagnano Sesia, durante el cruce del río Sesia por parte de las tropas al servicio de la corona francesa acosadas por las tropas al servicio del Emperador Carlos, durante la Guerra Italiana de 1521-1526. Como resultado, el ejército español, mandado por Carlos de Lannoy venció a los franceses mandados por el Almirante Bonnivet y Francisco I de Saint-Pol, obligando a estos últimos a retirarse a Lombardía.


title: Batalla del Sesia

text: Los franceses, que se hallaban en posesión del ducado de Milán al inicio de la guerra, habían sido forzados a abandonarlo tras la batalla de Bicoca en abril de 1522. En el otoño de 1523, un nuevo ejército francés a cargo de Bonnivet penetró en Lombardía, forzando al ejército imperial a recluirse en Milán. En enero, las tropas mandadas por Carlos de Lannoy como virrey de Nápoles y Carlos, duque de Borbón y lideradas por Fernando de Ávalos, marqués de Pescara, salen de Milán y comienzan a realizar una serie de ataques y toma de plazas fuertes que fuerza al almirante Bonnivet a retirar su ejército al Piamonte, para después cruzar los Alpes y hallar refugio en tierras de Provenza.


title: Batalla del Sesia

text: La retirada del ejército francés se produce bajo el acoso de las tropas imperiales, que finalmente, consiguen, en el momento del cruce del río Sesia, chocar con los soldados de la retaguardia francesa, infligiendo grandes bajas, hiriendo gravemente a Bonnivet, y matando al caballero Pierre Terraill de Bayard, que había sustituido a Bonnivet en el mando del ejército.


title: Batalla del Sesia

text: La marcha de los franceses de Italia fue aprovechada por Lannoy para llevar la guerra a territorio francés, llevando a cabo una campaña en la Provenza en el verano de 1524, que tuvo como culmen el fallido sitio de Marsella.


title: Northern Lights - Southern Cross

text: Northern Lights - Southern Cross —en español: "Luces del norte-Cruz del sur"— es el séptimo álbum de estudio del grupo canadiense de "rock" The Band, publicado por la compañía discográfica Capitol Records en noviembre de 1975. Fue el primer trabajo del grupo con nuevo material en cuatro años desde el lanzamiento de "Cahoots" (1971), tras producir un disco de versiones, "Moondog Matinee" (1973) y respaldar a Bob Dylan tanto en la grabación de "Planet Waves" (1974) como en la primera gira del músico en ocho años.


title: Northern Lights - Southern Cross

text: El álbum, el primero que el grupo grabó en los recién creados Shangri-La Studios tras abandonar Woodstock y trasladar su residencia a Malibú, se caracterizó por un papel más activo de Garth Hudson en el plano musical, quien consiguió crear un sonido «exuberante y panorámico», según Colin Larkin, debido al uso de un magnetófono de veinticuatro pistas y de sintetizadores. Además, fue el primer disco del grupo en el que Robbie Robertson figuró como único compositor de todos los temas, debido a las crecientes disputas internas y al desinterés de los otros miembros en trabajar colectivamente. Los enfrentamientos internos llevaron a la ruptura del grupo apenas un año después, después de ofrecer un concierto de despedida el Día de Acción de Gracias de 1976 en el Winterland Ballroom de San Francisco, filmado por el cineasta Martin Scorsese y publicado en el documental "The Last Waltz".


title: Northern Lights - Southern Cross

text: Tras su publicación, "Northern Lights-Southern Cross" recibió buenas reseñas de gran parte de la prensa musical, que consideró el disco como un retorno a la formalidad y a la calidad de los primeros trabajos del grupo, tales como "Music from Big Pink" (1968) y "The Band" (1969). Desde el punto de vista comercial, el álbum alcanzó el puesto veintiséis en la lista estadounidense "Billboard 200" y el veintisiete en la lista de discos más vendidos de Canadá. A pesar de no alcanzar los niveles de venta de los primeros trabajos del grupo, Levon Helm reconoció "Northern Lights-Southern Cross" como «nuestro mejor trabajo desde "The Band"».


title: Northern Lights - Southern Cross

text: En el verano de 1973, poco después de que The Band ofreciese un concierto en el festival Summer Jam in Watkins Glen, Robbie Robertson abandonó Woodstock y trasladó su residencia a Malibú, cerca del nuevo hogar de Bob Dylan. Según comentó Robertson: «Estaba empezando a cansarme del síndrome de Woodstock. Dejó de gustarme. Sentí que era un mundo extremadamente insano. [...] Cuando me trasladé a Malibú, era muy brillante y soleado. Era justamente el sentimiento opuesto». En octubre del mismo año Rick Danko, Richard Manuel y Garth Hudson siguieron los pasos de Robertson y comenzaron a vivir en Malibú. Por su parte, Levon Helm dividió su tiempo entre Malibú y Woodstock, donde emprendió varios proyectos musicales en solitario: en 1975 fundó con Henry Glover la compañía RCO y produjo "The Muddy Waters Woodstock Album", un disco de Muddy Waters que obtuvo el .


title: Northern Lights - Southern Cross

text: Una vez en Malibú, The Band grabó con Dylan el álbum "Planet Waves" (1974) en apenas seis sesiones entre el 2 y el 14 de noviembre de 1973. Tras su publicación bajo un nuevo contrato discográfico con Asylum Records, el grupo acompañó a Dylan en su primera gira en ocho años durante los dos primeros meses de 1974. Tras finalizar la gira, tomaron un descanso durante un par de meses y mandaron a Rob Fraboni, productor de "Planet Waves", construir un estudio de grabación que Helm describió en "This Wheel's on Fire" como «un club y estudio donde nosotros y nuestros amigos pudiésemos grabar álbumes y polinizar recíprocamente nuestra música». Con el nombre de Shangri-La Studios, en homenaje a la novela de James Hilton "Horizontes perdidos", el estudio se ubicó en el dormitorio principal de una finca cerca de la playa de Malibú.


title: Northern Lights - Southern Cross

text: En marzo de 1975, Helm, Danko y Manuel volvieron a tocar con Dylan en un concierto benéfico en San Francisco, en el que también compartieron escenario con Neil Young. Pocos meses antes, Helm y Danko colaboraron con Young en la grabación de «See the Sky About to Rain» y «Revolution Blues», dos canciones incluidas en el álbum "On the Beach" (1974). Tras el concierto de San Francisco, el grupo entró en los Shangri-La Studios y comenzó a grabar "Northern Lights-Southern Cross".


title: Northern Lights - Southern Cross

text: A pesar de llevar varios meses sin entrar en un estudio de grabación, las sesiones fueron «fáciles y productivas», como relató Rob Bowman en las notas que acompañan la reedición del álbum. Según Robbie Robertson: «Cuando hicimos "Acadian Driftwood", nos quedamos mirando y supimos que estábamos dentro de algo especial. Cuando grabamos "Forbidden Fruit", pensamos que estábamos tocando muy bien. Cuando hicimos "Ophelia", pensamos que estábamos en el paraíso. Era como magia». Esta productividad estuvo en parte motivada por la falta de restricciones al contar con un estudio de grabación propio, a diferencia de lo sucedido varios años antes con la grabación de "Cahoots" (1971), en la que estuvieron sujetos a horarios más estrictos. Según relató Garth Hudson al respecto: «Pudimos disfrutar de tiempo con el estudio en nuestra casa».


title: Northern Lights - Southern Cross

text: Inspirado por el entorno de Malibú, Robertson comenzó a componer nuevamente canciones tras varios meses de no hacerlo. En total creó nueve canciones, de las cuales solo una, «Twilight», no fue incluida en "Northern Lights-Southern Cross", aunque apareció por primera vez un año después en el recopilatorio "The Best of The Band" (1976). Varios temas, en especial «Forbidden Fruit», «Acadian Driftwood» e «It Makes No Difference», se caracterizaron además por ser de larga duración e incluir un elevado número de estrofas.


title: Northern Lights - Southern Cross

text: Robertson compuso las canciones utilizando más de un instrumento: de este modo, mientras que en «Acadian Driftwood», «Ophelia» y «Rags and Bones» utilizó la guitarra para componer, las cinco canciones restantes fueron compuestas al piano. Además, y a diferencia de trabajos anteriores caracterizados por un uso minimalista de la guitarra eléctrica como en "Music from Big Pink" (1968), el álbum incluyó canciones como «Forbidden Fruit» e «It Makes No Difference» con varios solos de guitarra. Según el músico: «Sentía la necesidad de hacerlo. En ese momento pensé: "Quitáos de mi camino, necesito tocar". En algunas de estas cosas hay algún solo musical muy interesante».


title: Northern Lights - Southern Cross

text: Por otra parte, Hudson tuvo un papel muy activo en la grabación de "Northern Lights-Southern Cross". Equipado con un magnetófono de veinticuatro pistas, Hudson sobreprodujo gran parte de las canciones e introdujo una gran variedad de sonidos mediante el uso de instrumentos como un teclado de Rocky Mount, un minimoog y un sintetizador de la marca Lowrey. Al respecto, varias canciones llegaron a incluir hasta nueve pistas con teclados y partes sobregrabadas con saxofón, como el caso de «It Makes No Difference». Junto a estos trabajos, otra diferencia con respecto a grabaciones anteriores fue el hecho de que las voces también fueron sobregrabadas a las pistas instrumentales, en lugar de optar por grabarlas en directo y de forma simultánea a la música.


title: Northern Lights - Southern Cross

text: No obstante, y al igual que en trabajos anteriores, los miembros de The Band alternaron el uso de varios instrumentos en diferentes canciones. Así, en «Ring Your Bell» Robertson tocó la melódica y la guitarra acústica, Danko tocó el bajo y una armónica, y Hudson una combinación de órgano Lowrey, acordeón y sintetizador. En el caso de «Ophelia», Hudson añadió a la canción sintetizadores y arreglos de vientos que dotaron a la canción de un sonido propio de Nueva Orleans, reminiscente de «Life is a Carnival». Robertson comentó sobre «Ophelia»: «Es una canción que podría haber sido escrita en la década de 1930. Creo que era directa al corazón de The Band. Me gustaba cuando podía componer música que ignorara completamente el tempo».


title: Northern Lights - Southern Cross

text: El contenido de "Northern Lights-Southern Cross" siguió el camino de "Cahoots" (1971), el último trabajo del grupo con nuevas canciones, en el cual Robbie Robertson comenzó a componer todas los temas debido a los problemas de Richard Manuel y al creciente desinterés de Rick Danko y Levon Helm en los aspectos relacionados con The Band. Sobre los problemas de salud de Manuel, Helm relató en "This Wheel's on Fire": «Todos mirábamos a Richard con atención, y tenía noches buenas y noches malas. A veces gritaba y escupía las letras de "Tears of Rage" con fervor bíblico, otras veces era doloroso escucharle. Richard podía herirte con su voz».


title: Northern Lights - Southern Cross

text: La temática de las canciones que conforman el álbum se dividen principalmente en dos grupos, entre aspectos autobiográficos y relatos históricos. Dentro del primer grupo se encuentran canciones como «Rags and Bones». Del mismo modo que en «Smoke Signal» Robertson relató aspectos sobre su ascendencia amerindia, «Rags and Bones» está parcialmente inspirada en la herencia judía de su familia. Según comentó el guitarrista: «Tenía un abuelo que era uno de ellos. Un intelectual que hizo su vida en Toronto como un hombre de trapo. Lo recuerdo cuando era pequeño y vivía en Bathurst & Floor. Había un camino detrás de nuestra casa y lo recuerdo viniendo mientras cantaba: "Ropavejero, hierro viejo". Estaba perplejo, por el hecho de que cantara esa canción. Años después encontré que tenía una conexión con mi herencia y me inspiró a escribir esa canción».


title: Northern Lights - Southern Cross

text: Dentro de los relatos históricos, «Acadian Driftwood» describe la expulsión de los acadianos de Nueva Escocia y Nuevo Brunswick en 1750 durante la guerra franco-india y su posterior exilio en Luisiana, donde comenzaron a ser conocidos como cajunes. Robertson se inspiró para componer la canción en la película "Acadie Acadie" y en el poema "Évangéline" de Henry Wadsworth Longfellow. Según el músico: «El poder y la emoción de esta historia me conmovió del mismo modo que me conmovió leer "Las uvas de la ira", donde había gente que tenía que emigrar para encontrar un nuevo hogar. Además, había un paralelismo con mi historia de viajar desde Canadá al profundo Sur. Tomo el partido otra vez del desvalido del mismo modo que hice con "The Night They Drove Old Dixie Down", mirando la historia desde el punto de vista del perdedor».


title: Northern Lights - Southern Cross

text: La canción, en la que Hudson incluyó varias pistas de acordeón, flautín y punteiro, contó con la colaboración de los letristas Marcel Lefebure y Francois Cousineau, que añadieron al final de la canción varios versos en francés: "Sais tu, Acadie, j'ai le mal du pays / Ta neige, Acadie, fait des larmes au soleil / J'arrive Acadie" —en español: «Ya sabes, Acadia, que anhelo el país / Tu nieve, Acadia, crea lágrimas en el sol / Estoy llegando, Acadia»—. La grabación contó también con la participación de Byron Berline tocando el violín.


title: Northern Lights - Southern Cross

text: Otra canción con un trasfondo histórico fue «Jupiter Hollow», la única grabación del grupo que no incluyó una guitarra y en la que Robertson tocó el clavinet. La letra incluye referencias de la mitología griega extraídas de una enciclopedia que el músico leyó durante la época. Según comentó Robertson en una entrevista a la revista "Crawdaddy": «Simplemente surgió. Cuando empecé a escribir canciones para el álbum, esto estaba en mi mente. Pero trata básicamente sobre alguien perdiendo su cabeza».


title: Northern Lights - Southern Cross

text: Tras su publicación en noviembre de 1975, "Northern Lights-Southern Cross" obtuvo críticas generalmente favorables de la prensa musical, que lo comparó con trabajos como "Music from Big Pink" (1968) y "The Band" (1969). Al respecto, Rob Bowman escribió para "Allmusic": «El álbum es de lo mejor de The Band desde su segundo y homónimo trabajo. Con un total de ocho canciones, este trabajo explora nuevos timbres, utilizando por primera vez magnetófonos de veinticuatro pistas y sintetizadores modernos para la época. "Acadian Driftwood" destaca como una de las mejores composiciones de Robertson». En el mismo sentido, David Bowling escribió en Blogcritics.com: «"Northern Lights-Southern Cross" es un álbum muy representativo de The Band. Presenta las alegrías y las tristezas de la vida en el contexto de la forma musical. En el momento de su publicación, 33 años atrás, dejó al público con ganas de más». Robert Palmer de "Rolling Stone" escribió: «Todos los arreglos son excelentes. Camuflan las deficiencias del material con tanto éxito que en un nivel puramente sensual y no cognitivo, "Northern Lights" es vigorizante. Levon es el cantante principal en la mitad de las canciones. Su sutil acento es el complemento ideal para las entregas más histriónicas de Manuel y Danko, y su forma de tocar la batería es tan fresca e incisiva como siempre».


title: Northern Lights - Southern Cross

text: Wilson y Alroy también valoraron positivamente el álbum. Según su crítica: «El sonido es más suave que antes, pero la "funky" "Ring Your Bell" es prácticamente una canción soul de Filadelfia y las interpretaciones son en su mayoría fuertes, con algunas voces buenas —como la de Richard Manuel en la melodramática "Hobo Jungle"— y algunos experimentos interesantes de Garth Hudson —"Jupiter Hollow"— [...] Entre esta cosa y la canción de R&B y Dixieland de Nueva Orleans "Ophelia", el álbum termina siendo una respetable suma al canon del grupo». No obstante, algunos periodistas fueron más críticos con el álbum. En este sentido, Robert Christgau escribió: «Cuando escucho las letras, el enamoramiento se vuelve un afecto leve, ya que lo mejor de estas canciones es el sentimentalismo, y lo peor es el exagerado sentimentalismo. Solo Hudson, que se ha convertido en un sintetizador natural, salva las cosas al final».


title: Northern Lights - Southern Cross

text: Desde el punto de vista comercial, el álbum alcanzó el puesto 26 en la lista estadounidense "Billboard 200", donde estuvo diecinueve semanas y la posición 27 en la lista de éxitos de Canadá, elaborada por la revista "RPM". La mejor posición la obtuvo en los Países Bajos, donde alcanzó el puesto trece en la lista de discos más vendidos. El primer y único sencillo promocional del álbum, «Ophelia», alcanzó el puesto 62 en la lista "Billboard Hot 100".


title: Northern Lights - Southern Cross

text: En verano de 1975, pocos meses después de terminar de grabar "Northern Lights-Southern Cross", el grupo emprendió su primera gira en solitario en dos años, esta vez sin el apoyo de Bob Dylan. La gira finalizó abruptamente en septiembre debido a un accidente en el que Richard Manuel se lesionó el cuello. El accidente de Manuel, unido a las crecientes tensiones internas y a un contrato discográfico que Rick Danko firmó con Arista Records para emprender una carrera en solitario, precipitó los acontecimientos que desencadenaron la grabación de "The Last Waltz" y la disolución de The Band.


title: Northern Lights - Southern Cross

text: Capitol Records publicó "Northern Lights-Southern Cross" por primera vez en disco compacto en 1989 a nivel internacional, y nueve años después en una edición limitada para el mercado japonés. En 2001 remasterizó y reeditó el álbum junto a los discos "Rock of Ages" (1971), "Moondog Matinee" (1973) e "Islands" (1977). La reedición, supervisada por Robbie Robertson, incluyó notas escritas por Rob Nowman y dos temas adicionales: una versión primeriza de «Twilight» y una toma alternativa de «Christmas Must Be Tonight». El grupo consideró la posibilidad de publicar la segunda canción como sencillo en Navidad de 1975; sin embargo, la idea fue descartada y la canción apareció en "Islands" dos años más tarde. En 2008, Caroline Records publicó una edición limitada en formato CD con carpeta de cartón.


title: The Best of The Band

text: The Best of The Band —en español: "Lo mejor de The Band"— es el primer álbum recopilatorio de la banda canadiense The Band, publicado por el sello discográfico Capitol Records en 1976. El álbum, editado en un periodo de fricciones internas en el grupo que culminaron con su disolución apenas un año más tarde, incluye diez canciones extraídas de seis de los seis primeros seis trabajos del grupo, desde "Music from Big Pink" (1968) hasta "Northern Lights - Southern Cross" (1975), además de colaboraciones con Bob Dylan publicadas en el álbum en directo "Before the Flood" (1974) y en "The Basement Tapes" (1975).


title: The Best of The Band

text: El álbum incluyó también «Twilight», una canción inédita grabada durante las sesiones de grabación de "Northern Light-Southern Cross" e interpretada a menudo en directo durante la última gira del grupo, en verano de 1976. La edición británica de "The Best of The Band" incluyó una lista de canciones distinta, con la sustitución de «Tears of Rage», «Don't Do It» y «It Makes No Difference» por «Rag Mama Rag», «Time to Kill», «Ain't ot No Home» y «I Shall Be Released». En 1991, una reedición para el mercado australiano incluyó un total de veinte temas, con la adición de las canciones «Across the Great Divide», «When You Awake». «Rockin' Chair», «The Promised Land» y «To Kingdom Come».


title: The Best of The Band

text: Tras su publicación, el álbum alcanzó el puesto 35 en la lista de éxitos de Canadá y el 51 en la lista estadounidense "Billboard 200". El mismo año, la RIAA lo certificó como disco de oro.


title: The Best of The Band

text: Tras su publicación, "The Best of The Band" obtuvo reseñas favorables de la prensa musical, que lo calificó como un buen resumen de su trayectoria musical. En Allmusic, William Ruhlmann escribió: «En "The Best of The Band", Capitol Records comenzó el proceso inevitable de reenvasar la música de The Band, lo que la compañía hizo sin resolver el problema fundamental de The Band, que a pesar de la calidad de sus canciones individuales, no eran sencillos y son difíciles de resumir en un recopilatorio. Dicho esto, para el verdadero neófito, este álbum de once canciones puede ser mejor que cualquier cosa. Contiene las dos canciones más famosas del grupo, "The Weight" y "The Night They Drove Old Dixie Down", así como su único éxito, "Up on Cripple Creek" y canciones como "Tears of Rage" y "Stage Fright" que probablemente tocaron en cada concierto. Es verdad que si quieres realmente entender a The Band, tienes que escuchar "Music from Big Pink" y "The Band". Pero si sólo quieres una captura, aquí está».