title: ADME

text: En farmacología, el acrónimo ADME significa Absorción", Distribución", Metabolismo" y Excreción" y se utiliza para describir la disposición de un compuesto farmacéutico en el organismo. Esos cuatro criterios tienen una influencia directa sobre el nivel del fármaco y su farmacocinética al ser expuesto a los tejidos y por tal razón, influencian el rendimiento y actividad farmacológica del compuesto medicamentoso.


title: ADME

text: Ocasionalmente, el potencial o toxicidad real de un compuesto se toma en cuenta (ADME-Tox o ADMET). Cuando la "liberación" del fármaco de sus excipientes o de la forma galénica en que se incluye es también tomada en cuenta se habla del acrónimo LADME. Lógicamente, la inclusión de ambos criterios da lugar al acrónimo LADMET o LADME-Tox Los químicos computacionales se encargan de intentar predecir las cualidades ADME-Tox de los fármacos usando métodos como la "relación cuantitativa de propiedad-estructura" (QPSR, por sus términos en inglés) o la "relación cuantitativa de estructura-actividad" (QSAR, por el mismo motivo).


title: ADME

text: Información más detallada sobre los epígrafes mencionados puede encontrarse en el artículo Farmacocinética, en las referencias bibliográficas o en los siguientes enlaces:


title: Uchkus Inkañan

text: Uchkus Inkañanes un complejo arqueológico ubicado en la comunidad campesina de Uchcus Alto del distrito de Yauli en la provincia homónima de la Región Huancavelica, Perú, a 3,800 msnm en la margen izquierda del río Ichu.


title: Uchkus Inkañan

text: Este "centro arqueológico" es considerado como un observatorio astronómico y centro de experimentación de la Cultura Inca. Comprende tres sectores, cada uno con características propiamente especiales, desde el punto de vista arquitectónico, entre ellos tenemos a Qorimina, Inkañan y Chunkana.


title: Uchkus Inkañan

text: Lomada donde destaca en la falda sur, con 30º de gradiente y andenerías rectangulares, cuadradas y en media luna, está sostenido por muros de 80 cm de altura, distribuidas en cinco plataformas alimentadas de riego a través de un canal principal y dos secundarios, que desembocan en dos piedras grandes Hatun rumi y el Uchuy rumi, dando la apariencia de Baños del Inca. Este conjunto servía para experimentos agrícolas con semillas de tubérculos y cereales, los cuales eran transmitidos a las distintas zonas de cultivo y así obtener resultados positivos.


title: Uchkus Inkañan

text: Ubicado a unos 500 metros de "Qorimina", en el lugar denominado Toculemisa, se observa una construcción alrededor de una cancha principal con cuatro puertas que tienen una orientación de norte a sur y de este a oeste, de estas portadas solo una queda en pie, se trataría de un observatorio astronómico para medir los solsticios de verano y de invierno, aquí se predestinaban los años buenos y malos en la agricultura, ganadería, etc.; al parecer sería como un Palacio Inca o Callanca.


title: Uchkus Inkañan

text: A unos 200 metros del "Palacio Inca" o Callanca, se divisa desde este centro las quebradas y cumbres que rodean a la comunidad de Uchcus, se dice que a través de este centro ceremonial se podía controlar el movimiento de la población, en la cumbre existe una roca regularmente plana de 10 por 30 metros de extensión, donde hay una serie de canales y hoyos de diferentes formas y tamaños, los que presumiblemente servían como espejos de aguas para observar las constelaciones andinas.


title: José Luis Doreste

text: José Luis Doreste Blanco (Las Palmas de Gran Canaria, 18 de septiembre de 1956) es un deportista español que compitió en vela en las clases Star y Finn. Peretenece a una familia de regatistas, en la que han destacado su hermano menor Luis, bicampeón olímpico, y sus hermanos Manuel y Gustavo. Después de su carrera deportiva, ha ejercido en su profesión de médico deportivo.


title: José Luis Doreste

text: Participó en cinco Juegos Olímpicos de Verano, obteniendo una medalla de oro en Seúl 1988 en la clase Finn, el 12º lugar en Montreal 1976 (Finn), el 17º en Moscú 1980 (Finn), el 7º en Los Ángeles 1984 (Star) y el 7º en Atlanta 1996 (Star).


title: José Luis Doreste

text: Ganó tres medallas en el Campeonato Mundial de Finn entre los años 1977 y 1987, y una medalla de oro en el Campeonato Europeo de Finn de 1988. Además obtuvo dos medallas de oro en el Campeonato Mundial de Star, en los años 1982 y 1983, y dos medallas en el Campeonato Europeo de Star, oro en 1982 y plata en 1993.


title: José Luis Doreste

text: Se formó en el Real Club Náutico de Gran Canaria, en clase optimist, aunque posteriormente se trasladó a Barcelona, donde desarrolló la mayor parte de su carrera como regatista.


title: José Luis Doreste

text: Participó en cinco Juegos Olímpicos (, , , y ), consiguiendo la medalla de oro en Seúl 1988 en la clase Finn y diploma olímpico en Los Ángeles 1984 y Atlanta 1996 con dos séptimos puestos en la clase Star.


title: José Luis Doreste

text: También fue campeón del mundo en la clase Star junto con Antonio Goróstegui Ceballos (1982 y 1983) y de Europa (1982). En la clase Finn fue también campeón del mundo (1987) y de Europa (1988).


title: José Luis Doreste

text: Ha formado parte de la tripulación del Bribón, como caña, junto a Juan Carlos I. Tras dejar las regatas ha navegado en clase crucero, logrando varios campeonatos en IMS 500.


title: José Luis Doreste

text: Licenciado en Medicina por la Universidad Autónoma de Barcelona, completó sus estudios en Alemania y Francia, especializándose en Medicina Deportiva en la Universidad Paul Sabatier de Toulouse.


title: José Luis Doreste

text: En 1985 ingresó en el Instituto Dexeus como responsable del Servicio de Medicina del Deporte. En la actualidad es director médico del Instituto Catalán de Traumatología y Medicina del Deporte (ICATME), en el referido hospital.


title: Laser Compact XT

text: El Laser Compact XT fue un compatible IBM PC creado y comercializado por VTech en 1988. Utiliza la misma carcasa del Laser 128, bajo la patente D321173 en Estados Unidos. El equipo viene con 512 KB de RAM y gráficos monocoromo/CGA y es presentado en el CES, con un precio inicial de 599 dólares. Al año siguiente presenta el Laser Compact XTE en el CES de Chicago de 1989. Este segundo equipo viene con 640 KB, un procesador a 10 MHz y gráficos EGA y un precio de 649 dólares.


title: Bendita

text: Bendita (anteriormente conocido como Bendita TV) es un programa de televisión argentino emitido por El Nueve, desde el 13 de noviembre de 2006. La conducción del programa está a cargo de Beto Casella. Se encuentra entre los diez programas más largos de la televisión argentina contando con 17 temporadas ininterrumpidas.


title: Bendita

text: Comenzó el 13 de noviembre del 2006 con la conducción de Beto Casella, y la participación de panelistas que opinan sobre los informes de recortes del día, en donde se recuerda a grandes artistas que se presentan en el programa. Desde el lunes 5 de noviembre de 2007, y durante el resto de ese año, el programa se emitió a las 22:00 por reorganización de los horarios del canal.


title: Bendita

text: El 15 de enero de 2008 a las 21.00 arrancó la tercera temporada del programa.


title: Bendita

text: En 2009, a partir de la cuarta temporada de "Bendita TV" cambia a "Bendita" simplificando el nombre del programa. Ahora los informes narrados por Marito de Candia son de juguetes Playmobil.


title: Bendita

text: El 8 de febrero de 2010, comenzó la 5.ª temporada del programa.


title: Bendita

text: También el 2 de agosto de ese año Beto Casella tuvo reemplazo por una operación láser ocular siendo ese día reemplazado por Viviana Canosa y Ricardo Fort.


title: Bendita

text: A partir de octubre de 2010 se comenzó a emitir desde las 20:30 hasta las 22:00.


title: Bendita

text: El 10 de octubre de 2011, "Bendita" inició sus transmisiones en HD por la señal Canal 9 HD de la TDA (Canal 35.02).


title: Bendita

text: El 4 de febrero de 2013 comenzó la octava temporada del programa, con nuevas secciones, como los sketches de "Los Mazitelli".


title: Bendita

text: Es durante esta década que el programa consigue su pico de rating. El 5 de mayo del 2014 el programa consiguió un rating de 12.0, con picos de 13.8. Le ganó en su competencia directa a "Telefe noticias" y a "Telenoche" y quedó entre los 10 programas más vistos del día.


title: Bendita

text: Durante el verano de 2016, emitió "La previa de Bendita" fue conducido por Edith Hermida, era un resumen del programa de aquella temporada que tomaba descanso a Beto Casella.


title: Bendita

text: El inicio de la temporada 15 comenzó a principios el 9 de marzo de 2020, junto con el regreso de Edith Hermida al programa.


title: Blumenbachia

text: Blumenbachia es un género de plantas fanerógamas perteneciente a la familia Loasaceae.Comprende 38 especies descritas y de estas, solo 7 aceptadas.


title: Blumenbachia

text: El género fue descrito por Heinrich Adolph Schrader y publicado en "Göttingische gelehrte Anzeigen unter der Augsicht der Königl"... 1825: 1705. 1825.  A continuación se brinda un listado de las especies del género "Blumenbachia" aceptadas hasta septiembre de 2014, ordenadas alfabéticamente. Para cada una se indica el nombre binomial seguido del autor, abreviado según las convenciones y usos.


title: Anti Cimex

text: Anti Cimex fue una banda sueca de punk originaria de Gotemburgo formada a principios de los 80. Fueron una de las primeras bandas en definir el estilo D-beat escandinavo. Su segundo 7”, "Raped Ass", es de hecho considerado como la primera grabación que definió dicho estilo.


title: Anti Cimex

text: El nombre de la banda procede de una compañía de control de plagas con ese mismo nombre, mientras, por su parte, el nombre de la compañía procede de la denominación en latín de un tipo particular de parásito, el "Cimex lectularius".


title: Anti Cimex

text: A pesar de no haber realizado un gran número de grabaciones durante su carrera, es considerada una de las bandas más influyentes en el panorama punk underground. Su compromiso con la causa anarquista fue incuestionable durante toda su carrera, aunque no pocos les achacaban sus excesos alcohólicos, más evidentes conforme avanzaban sus grabaciones.


title: Anti Cimex

text: Formados en 1981, la formación original contaba con los siguientes miembros: Jonsson - Bajo, Nillen - Voz, Charlie - Batería, Jocke – Guitarra. Tras varios ensayos, decidieron realizar su primer ep en 7”, titulado "Anarkist Attack". En 1982 expulsaron del grupo a Nillen y Jonsson se encargó de la parte vocal, mientras Conrad hizo lo propio con el bajo. El siguiente ep en 7”, "Raped Ass", fue realizado en 1983. En 1984 realizaron un nuevo ep en 7” bajo el título "Victims of a Bomb Raid". En 1986 grabaron un mini-LP llamado "Criminal Trap" (incluido también posteriormente como bonus en su Cd "Absolut Country of Sweden"). En ese momento, Jocke se cansó de la banda y los miembros pidieron a Cliff que ocupara el lugar de Jocke, pero este respondió negativamente, lo cual terminó resultando en la disolución temporal del grupo.


title: Anti Cimex

text: En 1990 decidieron reunirse cuando Cliff estuvo de acuerdo en empezar de nuevo. El álbum de regreso se tituló "Absolut Country of Sweden" (1990). En 1993 grabaron un disco en directo llamado "Made in Sweden" y, más tarde, un nuevo 7” titulado "Fucked in Finland" y un nuevo álbum, "Scandinavian Jawbreaker". Tras la realización de este álbum, la banda se disolvió definitivamente, y algunos de sus miembros empezaron su carrera en otros proyectos como Driller Killer (Cliff) o Wolfpack (Jonsson).


title: Anti Cimex

text: En 2005, "Dead City Records" produjo un recopilatorio tributo ("A Tribute To Anti-Cimex LP") donde participaron numerosas bandas de D-beat y Crustcore de todo el mundo que recibieron la influencia de Anti-Cimex, como Disclose (Japón), Wolfbrigade (Suecia), Ratos de Porão (Brasil), Doom (Reino Unido), entre otras.


title: Friedrich Achleitner

text: Friedrich Achleitner (Schalchen, 23 de mayo de 1930-Viena, 27 de marzo de 2019) fue un poeta, arquitecto, crítico e historiador de arquitectura austríaco. Desde 1958 fue ensayista y escritor independiente. Se ocupó, fundamentalmente, de la poesía concreta y de la moderna poesía en dialecto vienés.


title: Friedrich Achleitner

text: Desde 1955 hasta 1964 fue miembro del Wiener Gruppe, donde trabajó con Hans Carl Artmann, Konrad Bayer, Gerhard Rühm y Oswald Wiener. Fue también coordinador de historia de la arquitectura en la Academia de Bellas Artes de Viena entre 1983 y 1998.


title: Dream Lover

text: Dream Lover es una película estadounidense de thriller psicológico-erótico de 1993 escrita y dirigida por Nicholas Kazan y protagonizada por James Spader y Mädchen Amick. El rol principal de Spader es actualmente considerado como una de sus mejores y más representativas actuaciones.


title: Dream Lover

text: Ray Reardon (James Spader) es un joven, rico y exitoso arquitecto con una admirable situación económica, quien está concluyendo su divorcio con Martha (Kathleen York), por lo que su humor no es de los mejores.


title: Dream Lover

text: Reardon es invitado a una galería de arte para distraerse por su amigo Norman. Allí, por casualidad conoce a una singular, carismática y bella mujer, Lena Mathers (Mädchen Amick), al derramarle un poco de vino en su vestimenta. Ella se molesta por el incidente y se retira. Sin embargo, casualmente se encuentran en un supermarcket y ella se disculpa por su comportamiento, Ray queda intrigado por el carisma de Lena. La atracción de Reardon y Lena es amor a primera vista y en su próxima cita tienen sexo desbordante. Reardon queda obnubilado por Lena quien lo trata dulcemente y es una poderosa vía de escape para Reardon.


title: Dream Lover

text: Pronto el noviazgo se materializa y el dolor por el divorcio que oprimía a Ray es cosa del pasado. Ray le ofrece matrimonio a Lena y ella acepta. Ray no puede de felicidad y la comparte con sus amigos; sin embargo, Norman le hace ver lo precipitado de la relación y que realmente no conoce nada de Lena salvo el sexo. Ray no escucha... por ahora.


title: Dream Lover

text: La convivencia transcurre normalmente para el jubiloso Ray Reardon, los negocios marchan viento en popa y llega el primer hijo; sin embargo pronto el comportamiento errático e inconsistente de Lena va gradualmente cambiando sumiendo a Ray en torrentes de confusión y sospechas sin dirección, y este va cayendo sin sospecharlo en un estado paranoico.


title: Dream Lover

text: Ray empieza a hacer averiguaciones sobre el pasado de la bella Lena y descubre que hay ""algo que no encaja"" ya que descubre que su origen es completamente distinto y no el que ella decía tener. Ray obtiene pruebas de que Lena tiene un pasado de pobreza y de dudosa reputación al conversar con un exnovio que es el mecánico del pueblo y quien se jacta de los atributos de Lena.


title: Dream Lover

text: Lena empieza sutilmente a rechazarlo. Ray, desesperado, una noche pide explicaciones por todo lo averiguado. Lena le hace una fría confesión de que está teniendo relaciones con un amigo de él y que es probable que el no sea el padre biológico del hijo nacido. Lena queda esperando la respuesta de Ray. Ray, súbitamente en un arrebato de furia golpea en la mejilla a Lena, y esta hace llamar a la policía la que aparece casi en el acto para sorpresa de Ray. Es arrestado y sometido a juicio, pero su defensa alega que Ray no está en condiciones normales y demuestra una enfermedad mental paranoica en progreso y el juez ordena que sea internado en un hospital para enfermos mentales. Ray no cabe de estupor por como se están desarrollando las cosas.


title: Dream Lover

text: Mientras está el hospital psiquiátrico, Ray, quien está completamente cuerdo, se entera por una conversación que escucha su amigo Norman a Lena, de que ella ha montado toda la relación y manipulación del estado emocional de Ray y todo lo que le sucede, solo con el objeto de declararlo mentalmente como Interdicto e incompetente y así apropiarse por derecho marital de sus bienes, y lo peor es que a Lena, Ray no le importa ni le ha importado nunca ni un comino y que todo fue producido y premeditado para enriquecerse.


title: Dream Lover

text: Desde su internación, Ray, sumido en el dolor, empieza a tramar su venganza mientras Lena hace todos los trámites para convertirse en dueña de sus riquezas. Ray, por medio de Norman, convence a Lena de que lo visite con motivo de su cumpleaños en el sanatorio. Lena acude solo porque cree que en su plan maestro hay un error indicado sutilmente por Norman y que Ray sabe y ella decide averiguar cuál podría ser ese error.


title: Dream Lover

text: Ray es visitado por Lena y esta, con tono dulce y condescendiente, lo agrede psicológicamente confesando su maquinación, pues considera que Ray se ha convertido en un verdadero enfermo mental. Mientras un paciente del sanatorio con el que Ray se ha vuelto amigo distrae a los guardias, Ray consigue alejarse hacia los jardines con Lena y le dice que su plan tiene un error crucial. Lena se sorprende y le pregunta cuál es. Ray atrapa el hermoso cuello de Lena entre sus manos y mientras la estrangula firmemente le dice que, al matarla, el asesinato no le será tomado en cuenta, pues él es un enfermo mental declarado y legalmente inimputable, y que por lo tanto sólo le darán unos seis meses más de internación y luego lo dejarán salir para recuperar su vida. Esto es lo último que la conciencia de Lena logra captar antes de fallecer.


title: Dream Lover

text: El film fue poco apreciado en su momento y solo un 40% del público comentó positivamente acerca del film en el sitio recopilador de críticas Rotten Tomatoes. No obstante a través del tiempo ha sido revaluado como uno de los mejores films de Kazan y una de las mejores actuaciones de James Spader y de la por entonces emergente actriz Mädchen Amick.


title: Puerto Portals

text: Puerto Portals es un puerto deportivo situado en Portals Nous, núcleo urbano perteneciente al municipio de Calviá, Mallorca (España). EL puerto se encuentra a una distancia de nueve kilómetros del centro de Palma de Mallorca. Puerto Portals es reconocido por ser punto de reunión de empresarios, famosos, personajes de la alta sociedad y de los miembros de la familia real española durante sus estancias estivales en el Palacio de Marivent.


title: Puerto Portals

text: La concesión como puerto deportivo a Puerto Portals, cuya idea inicial procede de 1932, se materializó en 1981, otorgándose la misma a la familia alemana Graf, propietaria de conocidas marcas de electrodomésticos y griferías, a través de la sociedad Puerto Punta Portals, S.A, inaugurándose la marina en el año 1986.


title: Puerto Portals

text: El título concesional, firmado por el consejo de ministros, se concedió por una duración de 50 años.


title: Puerto Portals

text: La dársena de Puerto Portals está constituida por un dique de abrigo de 880 m. de largo y 20 m. de ancho y por un contradique de 240 m. de largo y 45 m. de ancho, abrigando 10,5 ha de agua. Sobre el contradique se sitúa la Torre Capitanía, centro neurálgico del puerto. Adosados al lado abrigado de ambos diques se encuentran sendos muelles, de 575 m. y 190 m. de longitud respectivamente, aptos para el amarre de embarcaciones. El resto de los puntos de amarre se reparten entre seis pantalanes de hormigón armado de longitudes que oscilan entre los 250 y los 145 m. En total el puerto dispone de 670 puntos de amarre para embarcaciones con esloras que van desde los 8 a los 80 m.


title: Puerto Portals

text: En la zona de tierra, que ocupa una superficie de 8,5 ha., el puerto dispone de números servicios técnicos para las embarcaciones así como varios restaurantes, boutiques, hoteles, etc., Algunos de sus restaurantes, entre los que cabe destacar, "Flanigans", "Tristán" y "Tahini" están considerados entre los más exclusivos del Mediterráneo.


title: Puerto Portals

text: Los accesos al puerto son rápidos y cómodos desde la Autovía de Poniente, Ma-1, y desde la carretera de Palma a Andrach, Ma-1C.


title: Santa María de Poyos

text: Santa María de Poyos o, simplemente, Poyos es un pueblo abandonado de la provincia de Guadalajara, hundido desde 1956 bajo las aguas del embalse de Buendía. La mayor parte de sus últimos habitantes fueron trasladados a la localidad vallisoletana de San Bernardo, en el municipio de Valbuena de Duero. Otra parte a la población conquense de Paredes de Melo, donde se les facilitó casa y tierras a la espera de las indemnizaciones por las expropiaciones de terrenos para el embalse. Su término municipal quedó integrado en 1967 al de Sacedón.


title: Santa María de Poyos

text: Al pie de la carretera que bordea el pantano está la pequeña ermita de San Andrés, cerca de donde se hallaba el pueblo.


title: Santa María de Poyos

text: Se estima que en el momento de la construcción del embalse vivían en el pueblo 110 familias, que fueron realojadas en las localidades de:


title: Santa María de Poyos

text: Cada cuarto domingo de septiembre se celebra una romería en honor a la Virgen de la Soterránea junto a la ermita de San Andrés, donde se reúnen los hijos del pueblo. El 22 de septiembre de 2012 se conmemoró el 60 aniversario de la desaparición del pueblo con la asistencia de más de 600 personas.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: La Iglesia de Santa Cruz es un templo católico finalizado en el siglo XVIII. Entre el siglo XVII y el siglo XIX fue la iglesia del convento del Espíritu Santo, de los clérigos menores. En la actualidad es la sede de la parroquia de este nombre.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: Se encuentra en calle Mateos Gago del barrio de Santa Cruz de Sevilla (Andalucía, España). Tiene otro acceso por la plaza de la Escuela de Cristo.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: Es la sede de la Hermandad de Santa Cruz.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: Este barrio fue la antigua judería de Sevilla. En los lugares donde estuvieron las antiguas sinagogas se edificaron las iglesias de San Bartolomé, Santa María la Blanca y Santa Cruz. La iglesia de Santa Cruz se edificó en 1391, por orden del cabildo de la ciudad durante el reinado de Enrique III de Castilla y se convirtió, asimismo, en edificio auxiliar del sagrario catedralicio. En 1682 fue enterrado en esta iglesia Bartolomé Esteban Murillo.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: En 1810 se produjo la invasión francesa de Sevilla. Los franceses clausuraron la iglesia de Santa Cruz para realizar reformas urbanísticas en la zona. En 1811 la parroquia se trasladó a la iglesia del Convento del Espíritu Santo, que había sido exclaustrado en 1810. Tras la expulsión de los franceses, se produjo el regreso de los religiosos al convento en 1813. En 1814 la parroquia se trasladó a la iglesia del hospital de los Venerables Sacerdotes.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: El derribo de la antigua Iglesia de Santa Cruz tuvo lugar en 1814 por parte del asentista Mayer. En este lugar se encuentra la plaza de Santa Cruz.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: El Convento del Espíritu Santo fue desamortizado en 1835. En 1840 la parroquia se trasladó al templo del antiguo convento.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: En 1904 se fundó en esta parroquia la Ilustre y Antigua Hermandad del Santísimo Sacramento y Nuestra Señora de la Paz, Fervorosa Cofradía de Nazarenos del Santísimo Cristo de las Misericordias, Santa María de la Antigua y Nuestra Señora de los Dolores, conocida como Hermandad de Santa Cruz.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: La Orden de Clérigos Regulares Menores fue fundada en Nápoles a finales del siglo XVI. En 1599 fundaron su primera casa en España, en Madrid, y en 1601 en Alcalá de Henares y Valladolid.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: En 1604 recibieron autorización de Felipe III para fundar una casa de la orden en Sevilla. En 1628 los religiosos Pedro de Sousa, Antonio Carmona y Pedro de Viera se trasladaron a la ciudad, instalándose primero en la calle Armas, luego en unas casas en la collación de San Bartolomé y finalmente a una casa en la calle Aire, en la collación de la parroquia del Sagrario de la Catedral de Sevilla. No obstante, el cabildo catedralicio no deseaba la instalación de órdenes religiosas en su collación y los menores debían celebrar sus misas en las iglesias de San Bartolomé, San Nicolás o Santa María la Blanca. En 1626 el arzobispo Luis Fernández de Córdoba les autorizó a instalarse oficialmente en la collación, donde situaron su propia iglesia. El título del convento fue del Espíritu Santo.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: A mediados del siglo XVII en el convento había veintiún religiosos, aunque la epidemia de peste negra de 1649 redujo el número a ocho.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: Aunque la orden empleó una casa aneja para tener más espacio, el lugar de la calle Aire seguía siendo pequeño y debían pagar un alquiler de 500 ducados anuales. Por ello, compraron el corral de Don Juan, en la calle Borceguinería (actual calle Mateos Gago). Con autorización del arzobispo, Pedro de Tapia, se trasladaron a este lugar en 1654. Hacia 1655 trabajó en las obras de este convento Sebastián de Ruesta, que realizó el claustro principal.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: En 1660 el matrimonio de Tomás Andeiro Daza y María de Vargas donaron a la orden unas casas en la collación de Santa Cruz y la huerta de la Flamenca, con cuyos beneficios pudieron construir su nueva sede. A cambio, los donantes tenían derecho a ser enterrados en la capilla mayor del templo. En 1666 se adquirieron dos casas al cabildo catedralicio, que se encontraban detrás del corral. La construcción de la nueva iglesia comenzó en 1655 y ya estaba construida en 1672. En 1701 se aquirieron otros inmuebles anejos en la calle Cruces. La capilla mayor del templo, diseñada por el alarife José Tirado, se construyó entre 1701 y 1728.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: Para ampliar el convento, en 1705 compraron un solar situado entre la calle Borceguinería y la calle Mesón del Moro a la Hermandad de la Misericordia.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: En 1731 se instaló en el templo de esta iglesia la Hermandad de Nuestra Señora del Mayor Dolor, desaparecida en fecha desconocida.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: Entre el 24 de septiembre y el 3 de octubre de 1769 se celebraron en el convento fiestas solemnes por la canonización del fundador de la orden, san Francisco Caracciolo, por el papa Clemente XIV.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: En 1810, durante la invasión francesa de Sevilla, el convento fue exclaustrado. Los religiosos regresaron en 1813. Fue desamortizado en 1835. Desde 1840 la iglesia es sede de la parroquia de Santa Cruz.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: El convento sirvió como cuartel de la Guardia Civil y como casa de vecinos. En la actualidad es la sede del Colegio de San Isidoro. Del antiguo convento se conservan el claustro principal, una escalera y algunas dependencias. El claustro principal fue realizado por Sebastián de Ruesta a mediados del siglo XVII. La escalera fue finalizada en 1728 por el albañil José San Martín.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: En 1791 se fundó en el compás de la Casa Grande de San Francisco la Santa Escuela de Cristo. En 1794 esta escuela se trasladó al convento del Espíritu Santo. En 1798 compraron unas casas anejas al convento a Ximénez de Enciso. En este sitio construyeron una capilla propia, con acceso al claustro del convento. La capilla fue construida por el alarife Fernando de Rosales.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: Todo el conjunto está incluido dentro del Conjunto Histórico de Sevilla por Decreto de 27 de agosto de 1964.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: La fachada principal, de la calle Mateos Gago, estuvo sin finalizar desde el siglo XVIII. Fue finalizada, con estilo neobarroco, por Juan Talavera y Heredia entre 1926 y 1929.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: El interior de la iglesia se compone de una planta de cruz latina de tres naves, la central más amplia y elevada que las laterales, comunicadas entre sí por arquerías de medio punto y discurriendo sobre ellas sendas galerías. Las naves quedan divididas en cuatro tramos con crucero, presbiterio y coro a los pies. El crucero se cubre con cúpula de media naranja sobre pechinas sin tambor y con linterna que apoyan en gruesos pilares, mientras que la cubrición del resto de la iglesia se realiza por bóvedas de diverso tipo.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: Desde su radicación definitiva como parroquia en 1840, la iglesia sufre diversas transformaciones que no alteran su fábrica, salvo en el caso de la nave de la epístola, limitándose a cambios de imágenes de distintos altares.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: La iglesia tuvo un retablo mayor realizado hacia 1735 por Felipe Fernández del Castillo, con esculturas atribuidas a Benito de Hita y Castillo. Se desconocen las imágenes que se encontraban en ese retablo, salvo la Virgen del Mar, que fue donada a los clérigos menores en 1626 por Beatriz Bermúdez y que, tras estar un tiempo en un retablo de la nave del Evangelio, pasó al retablo mayor. Fue titular de una cofradía que ya había desaparecido a finales del siglo XVIII. El retablo estaba situado en un muro con dos vanos laterales, que dividía el presbiterio en dos mitades.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: El antiguo retablo mayor no gustó a los eruditos neoclásicos de la época, como Eugenio Llaguno y Amirola, que propició la retirada del mismo para la instalación de un templete. Para esta instalación se derribó el muro del presbiterio y se colocó una grada de tres escalones de mármol rojo. El templete fue realizado por Blas Molner en 1792. Es de estilo neoclásico, pintado para imitar el color del mármol. La cúpula del templete está coronada por una figura de la Fe.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: En él se encuentra la Virgen de la Paz, que es una Virgen con el Niño atribuida a Jerónimo Hernández. Esta imagen se encontraba en el convento de San Pablo, bajo la advocación de la Virgen del Rosario, y se trasladó a este templo tras la desamortización de 1835.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: Al fondo del presbiterio se encuentra la sillería del coro, realizada entre 1791 y 1800. Es de autor anónimo y estilo neoclásico, y está realizada en pino de Flandes y caoba. Tiene un total de 46 sitiales repartido en dos órdenes, 19 en la sillería baja y 27 en la sillería alta.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: Sobre la sillería, hay una tribuna con un arco escarzano y un antepecho metálico. En la tribuna hay una consola de madera oscura sobre la que se encuentra el órgano. Es del siglo XIX y fue realizado por el maestro organero Antonio Otín Calvete. En la parte superior del órgano hay esculturas alegóricas de la música sacra.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: En el testero del crucero, en la parte de la nave del Evangelio, se encuentra el Cristo de las Misericordias. Es un Crucificado atribuido a Pedro Roldán de 1670.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: El retablo en que se encuentra es de estilo barroco, dorado, y procedente del convento de Nuestra Señora de la Asunción, que estaba en la plaza del Museo esquina a San Vicente, y que fue expropiado por el régimen surgido de la Revolución de 1868. Su ejecución se puede fijar en la segunda mitad del siglo XVII, sabiéndose que su llegada a Santa Cruz fue poco después del año citado.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: En la nave del evangelio, contando desde el crucero, hay cuatro capillas con retablos que albergan las siguientes imágenes:En el testero del crucero se encuentra un retablo del siglo XVII en estilo barroco, restaurado y repintado al gusto neoclásico tras sufrir un incendio en el último cuarto del siglo XIX. En una hornacina a la altura de la mesa de altar se conserva un excelente grupo escultórico en madera policromada representando la transverberación de Santa Teresa de Jesús, atribuible a La Roldana. Dos lienzos representando a San Pedro y San Pablo flanquean la hornacina central en la que se venera la imagen de Ntra. Sra. de los Dolores realizada por Antonio Eslava Rubio En las calles laterales vemos las imágenes de Santo Tomás de Aquino y de Santa Filomena realizadas en madera estofada posiblemente en el tercer cuarto del siglo XVIII, completándose la iconografía de este retablo con una talla de San Felipe Neri fechable en el siglo XVII situada en el ático del retablo; todas estas obras son de autor desconocido.


title: Iglesia de Santa Cruz (Sevilla)

text: En la nave del evangelio, contando desde el crucero, hay cuatro capillas con retablos que albergan las siguientes imágenes:En esta parroquia tienen su sede:


title: Martin Martens

text: Martin Martens (1797 –1863) fue un botánico, químico, y médico belga. Fue profesor de química y botánica en la Universidad Católica de Lovaina, especializándose en el estudio y clasificación de pteridófitas (helechos). Realizó exhaustivas colecciones vegetales en México.


title: Martin Martens

text: Estudió medicina en Lieja, y tras su titulación fue médico en Maastricht, de 1823 a 1835. De 1835 a 1863 es profesor de química en la Universidad de Lovaina.


title: Martin Martens

text: Con Henri Guillaume Galeotti (1814-1858), fue autor binomial de muchas especies botánicas. En 1842, con Galeotti, publicó un importante tratado sobre helechos de México titulado "Memoire sur les Fougères du Mexique, et considérations sur la géographie botanique de cette contrée". También con Galeotti, es coautor de publicaciones sobre las familias Gesneriaceae y Solanaceae.


title: Música de Italia

text: La música de Italia oscila en un amplio espectro de ópera y música clásica instrumental y la música popular extraída de fuentes autóctonas e importadas. La música ha sido tradicionalmente uno de los marcadores culturales de la identidad nacional y étnica italiana, cuenta con una posición importante en la sociedad y en la política. La innovación italiana en las escalas musicales, armonías, notación y el teatro permitieron el desarrollo de la ópera en el siglo XVI y gran parte de la música clásica europea moderna, como la sinfonía y el concierto.


title: Música de Italia

text: La música clásica instrumental y vocal es una parte icónica de la identidad romana, que abarca desde la música de arte experimental y fusiones internacionales hasta la música sinfónica y la ópera. La ópera es parte integral de la cultura musical italiana, y se ha convertido en un segmento importante de la música popular. La canción napolitana ("canzone napolitana") y las tradiciones de los cantautores también son estilos nacionales populares que forman parte importante de la industria de la música italiana, junto con géneros importados como el jazz, el rock y el hip hop. La música popular italiana es una parte importante del patrimonio musical del país, y se extiende por una gran variedad de estilos regionales, instrumentos y bailes.


title: Música de Italia

text: La música italiana se ha mantenido en alta estima en la historia y muchas piezas de la música italiana se consideran como parte de las bellas artes; es generalmente ecléctica, pero única entre la música de otras naciones. Ningún movimiento proteccionista parroquial ha intentado mantener la música italiana pura y libre de la influencia extranjera, [cita Requerida] excepto brevemente bajo el régimen fascista de las décadas de 1920 y de 1930. Como resultado, la música italiana ha adoptado elementos de muchos pueblos que han dominado o influido en el país, entre ellos el francés, alemán y español. Las contribuciones históricas del país a la música también son una parte importante de orgullo nacional. La historia relativamente reciente de Italia incluye el desarrollo de una tradición de la ópera que se ha extendido por todo el mundo; antes del desarrollo de la identidad italiana o un estado italiano unificado, la península italiana contribuyó a innovaciones importantes de la música, incluyendo el desarrollo de la notación musical y el canto gregoriano.


title: Música de Italia

text: Italia mantiene un fuerte sentido de la identidad nacional a través de la cultura distintiva - un sentido de la apreciación de la belleza y emotividad, que está fuertemente evidenciado en la música. Las cuestiones culturales, políticas y sociales a menudo también se expresan a través de la música en Italia. La lealtad a la música está incluida de manera integral a la identidad social de los italianos, pero ningún estilo único se ha considerado como el "estilo nacional" característico. La mayoría de las músicas populares son locales, y únicas de una pequeña región o ciudad. El legado clásico de Italia; sin embargo, es un punto importante de la identidad del país, en particular la ópera. Piezas operísticas tradicionales siguen siendo una parte popular de la música y un componente integral de la identidad nacional. La producción musical de Italia sigue caracterizándose por "gran diversidad e independencia creativa junto con una rica variedad de expresión".


title: Música de Italia

text: Con la creciente industrialización que se aceleró durante el siglo XX y 21, la sociedad italiana se movió gradualmente de una base agrícola a un centro urbano e industrial. Este cambio debilitó la cultura tradicional en muchas partes de la sociedad; un proceso similar ocurrió en otros países europeos, pero a diferencia de ellos, Italia no tenía ninguna iniciativa importante para preservar las músicas tradicionales. La inmigración procedente de África del Norte, Asia, y otros países europeos condujo a una mayor diversificación de la música italiana. La música tradicional vino a existir sólo en pequeñas bolsas, sobre todo como parte de las campañas dedicadas a conservar las identidades musicales locales.


title: Música de Italia

text: La música y la política se han entrelazado durante siglos en Italia. Al igual que muchas obras de arte en el Renacimiento italiano fueron comisionadas por realeza y la Iglesia católica, muchas piezas musicales fueron compuesta sobre la base de tales comisiones; por ejemplo, la música incidental de la corte, música para las coronaciones, para el nacimiento de un heredero real, marchas reales y otras ocasiones. Compositores que se alejaban de dichas composiciones corrían ciertos riesgos. Entre los más conocidos de estos casos fue el compositor napolitano Domenico Cimarosa, que compuso el himno republicano a la efímera República Napolitana de 1799. Cuando cayó la república, fue juzgado por traición junto con otros revolucionarios. Cimarosa no fue ejecutado por la monarquía restaurada, pero fue exiliado.


title: Música de Italia

text: La música también jugó un papel en la unificación de la península. Durante este período, algunos líderes trataron de usar la música para forjar una identidad cultural unificadora. Un ejemplo es el coro "Va Pensiero" de la ópera de Giuseppe Verdi, el Nabucco. La ópera se trata de la antigua Babilonia, pero el coro contiene la frase "¡Oh Patria mía", con el pretexto de la lucha de los israelitas, también una sutil referencia al destino de una Italia aún no unida; todo el coro se convirtió en el himno no oficial del Risorgimento, el camino hacia la unificación Italia en el siglo XIX. Incluso el nombre de Verdi era un sinónimo de la unidad italiana porque "Verdi" podría leerse como un acrónimo de Vittorio Emanuele Re d'Italia, Víctor Manuel rey de Italia, el monarca de Saboya, que finalmente se convirtió en Víctor Emanuel II, el primer rey de la Italia unificada; por lo tanto, "Viva Verdi" fue un grito de guerra para los patriotas y a menudo apareció en grafiti en Milán y otras ciudades en lo que entonces era parte del territorio austro-húngaro. Verdi tuvo problemas con la censura antes de la unificación de Italia. Su ópera Un ballo in maschera originalmente estaba titulada como Gustavo III y se presentó en la ópera de San Carlo de Nápoles, la capital del Reino de las Dos Sicilias, a finales de la década de 1850. Los censores napolitanos se opusieron a la trama realista sobre el asesinato de Gustavo III, rey de Suecia, en la década de 1790. Incluso después de que la trama fue cambiada, los censores napolitanos todavía la rechazaron.


title: Música de Italia

text: Más tarde, en la era fascista de los años 1920 y 1930, la censura del gobierno y la interferencia con música aún ocurría, aunque no de manera sistemática. Ejemplos destacados incluyen el famoso manifiesto antimodernista de 1932 y la prohibición de Benito Mussolini de la ópera de G.F. Malipiero "La Favola del figlio cambiato" después de una actuación en 1934. Los medios de comunicación musicales a menudo criticaban la música que se percibía como políticamente radical o insuficientemente italiana. Los medios impresos, como la Enciclopedia Moderna Italiana, tendían a tratar compositores tradicionalmente favorecidos como Giacomo Puccini y Pietro Mascagni con la misma brevedad que a compositores y músicos que no fueron tan favorecidos, modernistas como Alfredo Casella y Ferruccio Busoni, es decir, las entradas de la enciclopedia de la época eran meras listas de los hitos de la carrera de los artistas tales como composiciones y cargos docentes. Incluso el conductor Arturo Toscanini, un opositor declarado del fascismo, recibió el mismo tratamiento neutral y distante con ninguna mención en absoluto de su postura "anti-régimen". Tal vez el episodio más conocido de la música en colisión con la política implica a Toscanini. Él había sido forzado a salir del cargo de director musical de Teatro de La Scala de Milán en 1929 porque se negó a iniciar cada actuación con la canción fascista, "Giovinezza". Por este insulto al régimen, fue atacado y golpeado en la calle fuera de la ópera de Bolonia después de una actuación en 1931. Durante la era fascista, la presión política obstaculizó el desarrollo de la música clásica, a pesar de que la censura no fue tan sistemática como en la Alemania nazi. Se aprobó una serie de "leyes raciales" en 1938, negando así a los compositores y músicos judíos membresía en asociaciones profesionales y artísticas. A pesar de que no había una fuga masiva de judíos italianos de Italia durante este período (en comparación con la situación en Alemania) el compositor Mario Castelnuovo-Tedesco, un judío italiano, fue uno de los que emigraron. Algunos enemigos no judíos del régimen también emigraron-Toscanini, por ejemplo. Otros se quedaron luchando en la resistencia, como el violista y director de orquesta Carlo Maria Giulini.


title: Música de Italia

text: Más recientemente, en la última parte del siglo XX, sobre todo en la década de 1970 y posterior, la música se vio aún más enredada en la política italiana. Un renacimiento de las raíces estimuló el interés en las tradiciones populares, encabezado por escritores, coleccionistas y artistas tradicionales. El derecho político en Italia, vista este renacimiento de las raíces con desdén, como producto de las "clases no privilegiadas". La escena revivalista de este modo se asoció con la oposición, y se convirtió en un vehículo para la "protesta contra el capitalismo de libre mercado". Del mismo modo, la escena de la música clásica de vanguardia, desde 1970, ha asociada con y promovida por el Partido Comunista Italiano, un cambio que se remonta a las revueltas y protestas estudiantiles de 1968.


title: Música de Italia

text: Italia ha sido durante mucho tiempo un centro para la música clásica europea, y a principios del siglo XX. La música clásica italiana había forjado un sonido nacional distintivo que era decididamente romántico y melódico. Como lo mostraron las óperas de Giuseppe Verdi, era música en la que "(...) Las líneas vocales siempre dominan el complejo tonal y nunca se ven opacados por los acompañamientos instrumentales ..." La música clásica italiana había resistido a la "gigante armónica alemana ", es decir, las densas armonías de Richard Wagner, Gustav Mahler y Richard Strauss. La música italiana también tenía poco en común con la reacción francesa a la música alemana, el impresionismo de Claude Debussy; por ejemplo, en que el desarrollo melódico es abandonado en gran medida por la creación del estado de ánimo y la atmósfera a través de los sonidos de acordes individuales.


title: Música de Italia

text: La música clásica europea cambió considerablemente en el siglo XX. La nueva música abandonó gran parte de las históricas escuelas, desarrollados a nivel nacional de la armonía y la melodía en favor de la música experimental, la atonalidad, el minimalismo y la música electrónica, todas las cuales emplean características que se han vuelto comunes a la música europea en general y no de Italia en particular. Estos cambios también han hecho la música clásica menos accesible a muchas personas. Compositores importantes del período incluyen Ottorino Respighi, Ferruccio Busoni, Alfredo Casella, Gian Francesco Malipiero, Franco Alfano, Bruno Maderna, Luciano Berio, Luigi Nono, Sylvano Bussotti, Salvatore Sciarrino, Luigi Dallapiccola, Carlo Jachino, Gian Carlo Menotti, Jacopo Napoli, and Goffredo Petrassi.


title: Música de Italia

text: La ópera se originó en Italia a finales del siglo XVI, durante la época de la Camerata Florentina. A través de los siglos que siguieron, las tradiciones de la ópera se desarrollaron en Nápoles y Venecia; las óperas de Jacopo Peri, Claudio Monteverdi, Alessandro Scarlatti y, más tarde, de Gioacchino Rossini, Vincenzo Bellini y Gaetano Donizetti florecieron. La ópera ha mantenido la forma musical más estrechamente vinculada con la música italiana y la identidad italiana. Esto fue más evidente en el siglo XIX a través de las obras de Giuseppe Verdi, un icono de la cultura italiana y la unidad pan-italiana. Italia mantuvo una tradición musical de ópera romántica en el siglo XX, ejemplificada por compositores de la llamada Giovane Scuola, cuya música fue anclada en el siglo anterior, incluyendo Arrigo Boito, Ruggiero Leoncavallo, Pietro Mascagni, y Francesco Cilea. Giacomo Puccini, que era un compositor realista, ha sido descrito por Encyclopaedia Britannica Online como el hombre que "prácticamente trajo la historia de la ópera italiana a su fin".


title: Música de Italia

text: Después de la Primera Guerra Mundial; sin embargo, la ópera se redujo en comparación con la popularidad de los siglos 19 y principios del 20. Las causas incluyen el cambio cultural general alejado del romanticismo y el surgimiento del cine, que se convirtió en una importante fuente de entretenimiento. Una tercera causa es el hecho de que el "internacionalismo" había traído la ópera italiana contemporánea a un estado en el que ya no era "italiana". Esta fue la opinión de al menos un destacado musicólogo italiano y crítico, Fausto Terrefranca, quien, en un folleto de 1912 titulado Giaccomo Puccini y la ópera internacional, acusó a Puccini de "mercantilismo" y de haber abandonado las tradiciones italianas. La ópera romántica tradicional sigue siendo popular; de hecho, el publicista de la ópera dominante en el siglo XX fue la Casa Ricordi, que se centró casi exclusivamente en óperas populares hasta la década de 1930, cuando la empresa permitió más compositores inusuales con menos atractivo general. El auge de relativamente nuevas editoriales como Carisch y Suvini Zerboni también ayudó a impulsar la diversificación de la ópera italiana. La ópera sigue siendo una parte importante de la cultura italiana; un renovado interés por la ópera a través de los sectores de la sociedad italiana se inició en la década de 1980. Respetados compositores de esta época incluyen a Aldo Clementi, y los compañeros más jóvenes como Marco Tutino y Lorenzo Ferrero.


title: Música de Italia

text: Italia, siendo una de las naciones seminales del catolicismo, tiene una larga historia de la música para la Iglesia católica. Hasta aproximadamente 1800, era posible escuchar el canto gregoriano y la polifonía renacentista, como la música de Palestrina (ópera), Lasso (músico), Anerio, y otros. Desde aproximadamente 1800 hasta aproximadamente 1900 fue un siglo durante el cual un tipo más popular, operezco, y entretenido de música de la iglesia se escuchó, con exclusión del canto y la polifonía mencionada. A finales del siglo XIX, el Cecilianismo fue iniciado por músicos que lucharon para restaurar esta música. Este movimiento ganó impulso no en Italia, sino en Alemania, sobre todo en Ratisbona. El movimiento alcanzó su cúspide en 1900 con el ascenso de Don Lorenzo Perosi y su seguidor (y futuro santo), el Papa Pío X. La llegada del Concilio Vaticano II; sin embargo, casi borró toda la música en lengua latina de la Iglesia, una vez de nuevo sustituyéndola con un estilo más popular.


title: Música de Italia

text: El predominio de la ópera en la música italiana tiende a eclipsar el importante ámbito de la música instrumental. Históricamente, este tipo de música incluye la amplia gama de la música sacra instrumental, conciertos instrumentales y música de orquesta en las obras de Andrea Gabrieli, Giovanni Gabrieli, Girolamo Frescobaldi, Tomaso Albinoni, Arcangelo Corelli, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti, Luigi Boccherini, Muzio Clementi, Luigi Cherubini, Giovanni Battista Viotti y Niccolò Paganini. (Incluso los compositores de ópera de vez en cuando trabajaron en otras formas-- el Cuarteto de cuerda en Mi menor de Giuseppe Verdi, por ejemplo. Incluso Donizetti, cuyo nombre se identifica con los inicios de la ópera lírica italiana, escribió 18 cuartetos de cuerdas.) En el siglo XX, la música instrumental comenzó creciendo en importancia, un proceso que comenzó alrededor de 1904 con la Segunda Sinfonía de Giuseppe Martucci, una obra que Malipiero llamó "el punto de partida del renacimiento de música no operística italiana." Varios compositores tempranos de esta época, como Leone Sinigaglia, utilizaban tradiciones folklóricas nativas.


title: Música de Italia

text: El siglo XX también está marcado por la presencia de un grupo de compositores llamado generazione dell'ottanta (generación de 1880), incluyendo a Franco Alfano, Alfredo Casella, Gian Francesco Malipiero, Ildebrando Pizzetti, y Ottorino Respighi. Estos compositores generalmente se concentraban en la escritura de obras instrumentales, en lugar de la ópera. Los miembros de esta generación fueron las figuras dominantes en la música italiana después de la muerte de Puccini en 1924.Las nuevas organizaciones surgieron para promover la música italiana, como el Festival de Venecia de la Música Contemporánea y el Maggio Musicale Fiorentino. La fundación de Guido Gatti del periódico Il Piano y luego La rassegna musicale también ayudaron a promover una visión más amplia de la música que el clima político y social permitían; sin embargo, la mayoría de los italianos prefieren piezas más tradicionales y normas establecidas, y sólo una pequeña audiencia buscaron nuevos estilos de la música clásica experimental.


title: Música de Italia

text: Además, algunos de los intérpretes más importantes del siglo XX son italianos, cómo Arturo Benedetti Michelangeli, Cuarteto Italiano, I Musici, Salvatore Accardo, Maurizio Pollini, Uto Ughi, Aldo Ciccolini, Severino Gazzelloni, Arturo Toscanini, Ferruccio Busoni, Claudio Abbado, Carlo Maria Giulini, Bruno Canino, Oscar Ghiglia y Riccardo Muti.


title: Música de Italia

text: Contribuciones italianas al ballet son menos conocidas y apreciadas que en otras áreas de la música clásica. Italia, sobre todo Milán, fue el centro europeo de la coreografía de la corte desde el siglo XV en la forma de bailes de máscaras rituales. Los primeros coreógrafos y compositores de ballet incluyen Fabritio Caroso y Cesare Negri. El estilo de ballet conocido como los "espectáculos a la italiana" importados a Francia desde Italia tuvieron éxito, y el primer ballet realizado en Francia (1581), Ballet comique de la Royn, fue compuesta por un italiano, Baltazarini di Belgioioso, más conocido por la versión francesa de su nombre, Balthazar de Beaujoyeulx. El ballet temprano fue acompañado por una considerable instrumentación, con el toque de cornetas, trombones, timbales, dulcimers, gaitas, etc. Aunque la música no ha sobrevivido, se especula que los bailarines, por sí mismos, pueden haber tocado los instrumentos en el escenario. A continuación, a raíz de la Revolución Francesa, Italia se convirtió de nuevo en un centro de ballet, en gran medida gracias a los esfuerzos de Salvatore Viganò, un coreógrafo que trabajó con algunos de los compositores más destacados del día. Lo nombraron el balletmaster de Teatro de La Scala en 1812. El ejemplo más conocido de ballet italiano del siglo XIX es probablemente Excelsior, con música de Romualdo Marenco y coreografía de Luigi Manzotti. Fue compuesta en 1881 y es un homenaje fastuoso al progreso científico e industrial del siglo XIX. Todavía fue puesta en escena en fechas tan recientes como el 2002.


title: Música de Italia

text: Actualmente, los principales teatros de ópera italianos mantienen compañías de ballet. Ellos existen para proporcionar el baile incidental y ceremonial en muchas óperas, como Aída o La Traviata. Estas compañías de danza suelen mantener una temporada de ballet independiente y realizan el repertorio estándar de ballet clásico, del cual muy poco es italiano. El equivalente italiano del Ballet Bolshoi de Rusia y empresas similares que existen sólo para realizar ballet, independiente de un teatro de ópera es el Ballet de La Scala, que está bajo la dirección de Federico Olivieri. Desde 1979 ha existido en Italia una compañía de danza moderna, el Aterballetto, con sede en Reggio Emilia. La compañía se presenta en todo el mundo bajo la dirección del coreógrafo Mauro Bigonzetti.


title: Música de Italia

text: La música experimental es un amplio campo, vagamente definido que abarca músicas creadas por el abandono de los conceptos clásicos tradicionales de la melodía y la armonía, y mediante el uso de la nueva tecnología de la electrónica para crear sonidos hasta ahora imposibles. En Italia, uno de los primeros en dedicar su atención a la música experimental fue Ferruccio Busoni, cuya publicación de 1907, Boceto para una Nueva Estética de la Música, discutía el uso de nuevos sonidos eléctricos y otros en la música del futuro. Habló de su insatisfacción con las limitaciones de la música tradicional:


title: Música de Italia

text: "Hemos dividido la octava en doce grados equidistantes ... y hemos construido nuestros instrumentos de tal manera que nunca podemos entrar por encima o por debajo o entre ellos ... nuestros oídos ya no son capaces de cualquier cosa de escuchar ... todavía Naturaleza creado una gradación infinita -infinito! Quién sabe todavía hoy en día? "


title: Música de Italia

text: Del mismo modo, Luigi Russolo, el pintor futurista italiano y compositor, escribió acerca de las posibilidades de la nueva música en sus manifiesto de 1913: El arte de los ruidos y música futurista. También inventó y construyó instrumentos tales como el intonarumori, sobre todo la percusión, que se utilizaron en un precursor del estilo conocido como música concreta. Uno de los eventos más influyentes en la música antigua del siglo XX fue el regreso de Alfredo Casella de Francia en 1915; Casella fundó la Sociedad Italiana de Música Moderna, que promovió varios compositores de estilos dispares, que van desde lo experimental hasta lo tradicional. Después de una disputa sobre el valor de la música experimental en 1923, Casella formó la Corporazione delle Nuove Musiche para promover la música experimental moderna.


title: Música de Italia

text: En la década de 1950, Luciano Berio experimentó con instrumentos acompañados por sonidos electrónicos en cinta. En la Italia moderna, una importante organización que fomenta la investigación en vanguardia y la música electrónica es CEMAT, la Federación de Centros de Música Electroacústica italianos. Fue fundada en 1996 en Roma y es miembro del CIME, la Confédération Internationale de Musique Electroacoustique. CEMAT promueve las actividades del proyecto "Sonora", lanzada conjuntamente por el Departamento de Artes Escénicas, Ministerio de Asuntos Culturales y la Dirección de Relaciones Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores con el objeto de promover y difundir la música contemporánea italiana en el extranjero.


title: Música de Italia

text: La música clásica italiana creció gradualmente más experimental y progresiva en la mitad del siglo XX, mientras que los gustos populares han tendido a seguir con compositores y composiciones bien establecidos del pasado. El programa de 2004 a 2005 en el Teatro Nacional de San Carlos de Nápoles es típico de la Italia moderna: de las ocho óperas representadas, la más reciente fue Puccini. En la música sinfónica, de los 26 compositores cuya música se interpretó, 21 de ellos eran del siglo XIX o antes, compositores que utilizan las melodías y armonías propias de la época romántica. Este enfoque es común en otras tradiciones europeas, y es conocido como el post-modernismo, una escuela de pensamiento que se basa en conceptos armónicos y melódicos anteriores que son anteriores a las concepciones de la atonalidad y la disonancia. [2] Este enfoque en compositores históricos populares ha ayudado a mantener una presencia continuada de la música clásica en un amplio espectro de la sociedad italiana. Cuando la música es parte de una exhibición pública o reunión, que se elige a menudo de un repertorio muy ecléctico que es lo más probable que incluya la música clásica conocida como la música popular.


title: Música de Italia

text: Unos trabajos recientes se han convertido en una parte del repertorio moderno, incluyendo partituras y obras teatrales de compositores como Luciano Berio, Luigi Nono, Franco Donatoni y Sylvano Bussotti. Estos compositores no son parte de una escuela o tradición distinta, aunque sí comparten ciertas técnicas e influencias. Por la década de 1970, la música clásica de vanguardia se había vinculado al Partido Comunista Italiano, mientras que un renacimiento del interés popular continuó en la próxima década, con fundaciones, festivales y organización creada para promover la música moderna. Cerca del final del siglo XX, el patrocinio del gobierno de las instituciones musicales comenzó a declinar, y varios coros de la RAI y orquestas de la ciudad estaban cerrados. A pesar de ello, una serie de compositores ganó reputación internacional a principios del siglo 21.


title: Música de Italia

text: La música folclórica italiana tiene una historia profunda y compleja. Debido a que la unificación nacional llegó tarde a la península italiana, la música tradicional de sus muchos cientos de culturas no presenta ningún carácter nacional homogéneo. Más bien, cada región y comunidad posee una tradición musical única que refleja la historia, la lengua y la composición étnica de ese lugar en particular. Estas tradiciones reflejan la posición geográfica de Italia en el sur de Europa y en el centro del Mediterráneo; influencias celtas, romanas, y eslavas, así como la geografía áspera y el predominio histórico de las pequeñas ciudades-estado, se han combinado para permitir diversos estilos musicales que conviven en las proximidades.


title: Música de Italia

text: Los estilos folclóricos italianos son muy diversos, e incluyen canciones monofónicas, polifónicas, y el canto responsorial, coral, música instrumental y vocal, y otros estilos. El canto coral y las formas de canciones polifónicas se encuentran principalmente en el norte de Italia, mientras que al sur de Nápoles, cantar en solitario es más común, y los grupos suelen utilizar el canto al unísono en dos o tres partes realizadas por un solo intérprete. La balada cantada del norte es silábica, con un tempo estricto e inteligibles letras, mientras que los estilos del sur utilizan un tempo rubato, y un estilo vocal tenso. Los músicos populares utilizan el dialecto de su propia tradición regional. Este rechazo de la lengua italiana estándar en la canción popular es casi universal. Hay poca percepción de una tradición común popular italiana, y la música popular del país nunca se convirtió en un símbolo nacional.


title: Música de Italia

text: La música folclórica a veces se divide en varias esferas de influencia geográfica mediante un sistema de clasificación de tres regiones, del sur, central y norte, propuesto por Alan Lomax en 1956. Además, Curt Sachs propuso la existencia de dos tipos muy diferentes de la música popular en Europa: continental y mediterránea, y otros han situado la zona de transición de la primera a la segunda más o menos en el centro-norte de Italia, aproximadamente entre Pesaro y La Spezia. Las partes central, norte y sur de la península comparten ciertas características musicales, y cada uno es distinto de la música de Cerdeña.


title: Música de Italia

text: En los valles del Piamonte y algunas comunidades del noroeste de Italia, la música conserva la fuerte influencia de la antigua Occitania. Las letras de los trovadores de la antigua Occitania son algunas de las muestras más antiguas conservadas de la canción vernácula, y las bandas modernas como Gai Saber y Lou Dalfin preservan y contemporizan la música occitana. La cultura occitana conserva características de la antigua influencia celta, a través del uso de seis o siete flautas agujero (fifre) o la gaita (PIVA). La música de Friuli-Venecia Julia, en el noreste de Italia, tiene mucho más en común con Austria y Eslovenia incluyendo variantes del vals y la polca. Gran parte del norte de Italia comparte con zonas de Europa más al norte el interés en cantar la balada (llamado canto épico lírico en italiano) y el canto coral. Incluso las baladas-generalmente pensadas como vehículo para un solo de voz- pueden ser cantadas en coros. En la provincia de Trento "coros populares" son la forma más común de hacer música.


title: Música de Italia

text: Diferencias musicales notables en el tipo sureño incluyen el uso de cantar parte de intervalo y una mayor variedad de instrumentos populares. Las influencias celtas y eslavas en el canto coral en grupo y voz abierta del norte se contraponen a una monodia estridente con influencias árabes más fuertes, griegas y del norte de África del sur. En algunas partes de Apulia (Grecia Salentina, por ejemplo ) el dialecto Griko se utiliza comúnmente en la canción. La ciudad de Apulia de Taranto es un hogar de la tarantela, una danza rítmica popular en el sur de Italia. Música de Apulia, en general, y la música de Salento, en particular, ha sido bien investigada y documentada por los etnomusicólogos y por Aramirè.


title: Música de Italia

text: La música de la isla de Cerdeña es más conocida por el canto polifónico de los tenores. El sonido de los tenores recuerda las raíces del canto gregoriano, y es similar a pero distintiva del Trallalero de Liguria. Instrumentos típicos incluyen los launeddas, un triplepipe sarda utilizado de una manera sofisticada y compleja. Efisio Melis era un conocido intérprete de launeddas de la década de 1930.


title: Música de Italia

text: Canciones populares italianas incluyen baladas, canciones líricas, canciones de cuna y canciones infantiles, canciones de temporada para los días festivos como Navidad, canciones del ciclo de vida que celebrar bodas, bautizos y otros eventos importantes, canciones de baile, las llamadas de ganado y canciones profesionales, vinculados a profesiones tales como pescadores, pastores y soldados. Baladas (canti epico-Lirici) y canciones líricas (canti lirico-monostrofici) son dos categorías importantes. Baladas son más comunes en el norte de Italia, mientras que canciones líricas prevalecen más al sur. Las baladas están estrechamente ligadas a la forma inglesa, con algunas baladas británicas existentes en correspondencia exacta con una canción italiana. Otras baladas italianas están más estrechamente basadas en modelos franceses. Las canciones líricas son una categoría diversa que consiste en canciones de cuna, serenatas y canciones de trabajo, y se improvisan con frecuencia, aunque basadas en un repertorio tradicional.


title: Música de Italia

text: Otras tradiciones de la canción popular italiana son menos comunes que las baladas y canciones líricas. Estrófica, laude religiosa, a veces en latín, son todavía de vez en cuando interpretadas y canciones épicas también son conocidas, sobre todo las de la celebración de maggio. Cantantes profesionales realizan cantos fúnebres similares en estilo a las otras partes de Europa. El canto a la tirolesa existe en el norte de Italia, a pesar de que es más comúnmente asociado con las músicas populares de otras naciones alpinas. El Carnaval italiano está asociado con varios tipos de canciones, especialmente el Carnaval de Bagolino, Brescia. Coros y bandas de música son una parte de las vacaciones de mitad de Cuaresma.


title: Música de Italia

text: La instrumentación es una parte integral de todas las facetas de la música popular italiana. Hay varios instrumentos que conservan las antiguas formas, incluso mientras que los modelos más nuevos se han generalizado en otras partes de Europa. Muchos instrumentos italianos están ligados a ciertos rituales o celebraciones, como la gaita Zampogna, oído normalmente sólo en Navidad. Instrumentos populares italianos se pueden dividir en las categorías de cuerdas, viento y percusiones. Algunos instrumentos comunes incluyen el organetto, un acordeón más estrechamente asociado con el saltarello; el botón diatónico organetto es más común en el centro de Italia, mientras que acordeones cromáticos prevalecen en el norte. Muchos municipios son el hogar de bandas de música, estos conjuntos se basan en el clarinete, acordeón, violín y pequeños tambores, adornados con campanas.


title: Música de Italia

text: Instrumentos de viento de Italia incluyen una prominente variedad de flautas folclóricas. Estos incluyen conducto, flautas globulares y transversales, así como diversas variaciones de la zampoña. Flautas dobles son más comunes en Campania, Calabria y Sicilia Una jarra de cerámica llamado Quartara también se utiliza como un instrumento de viento, soplando a través de una abertura en el cuello de la botella estrecho; se encuentra en el este de Sicilia y Campania. Varias gaitas populares son bien conocidas, incluyendo la Zampogna de Italia central; nombres dialectales de la gaita varían a lo largo Italy-- beghet en Bérgamo, en Lombardía Piva, Musa en Alessandria, Génova, Pavia y Piacenza, y así sucesivamente.


title: Música de Italia

text: Numerosos instrumentos de percusión son una parte de la música popular italiana, incluidos los bloques de madera, campanas, castañuelas, tambores. Varias regiones tienen su propia forma distinta de sonajero, incluyendo el sonajero raganella y la conocchie calabresa. El sonajero napolitano es la triccaballacca, hecha de varios mazos en un marco de madera. El Tamburello, mientras que parece muy similar a la pandereta occidental contemporánea, en realidad se juega con una mucho más articulada y sofisticada técnica (influenciado por como se toca en el medio oriente), lo que supone una amplia gama de sonidos. El arpa de boca, scacciapensieri, es un instrumento distintivo, que sólo se encuentra en el norte de Italia y Sicilia. Los instrumentos de cuerda varían ampliamente dependiendo de la localidad, con ningún representante nacional prominente. Viggiano es el hogar de una tradición de arpa, que tiene una base histórica en Abruzos, Lacio y Calabria.


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text: Calabria, por sí solo, tiene 30 instrumentos musicales tradicionales, algunos de los cuales tienen características muy arcaicas y están en gran parte extintos en otras partes de Italia. Es el hogar de la guitarra de cuatro o cinco cuerdas llamada battente chitarra, y una de tres cuerdas, frotada con cuerda llamada la lira, que también se encuentra en formas similares en la música de Creta y el sureste de Europa. Un violín de una cuerda llamado torototela, es común en el noreste del país. El área de habla alemana de Tirol del Sur es conocida por la cítara y el ghironda (zanfona) se encuentra en Emilia, Piamonte y Lombardía. Sus raíces y tradiciones generalizadas confirman la producción de instrumentos efímeros hechos de la corteza, caña (Arundo donax), hojas, fibras y tallos.


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text: La danza es una parte integral de las tradiciones populares en Italia. Algunas de las danzas son antiguas y, en cierta medida, persisten en la actualidad. Hay bailes mágico-rituales de propiciación, así como bailes de cosecha, incluyendo los bailes "de la cosecha de mar" de las comunidades pesqueras en Calabria y los bailes de cosecha de vino de la Toscana. Bailes famosos incluyen la tarantella sur; quizás el más emblemático de danzas italianas, la tarantella está en compás de 6/8, y es parte de un ritual popular que pretende curar el veneno causado por picaduras de tarántulas. Bailes populares de la Toscana ritualmente actúan la caza de la liebre, o incluyen el uso cuchillas en las danzas de armas que simulan o recuerdan los movimientos de combate, o usan las armas como instrumentos estilizados de la propia danza; por ejemplo, en algunas aldeas en el norte de Italia, las espadas son sustituidos por medios aros de madera bordados con verde, similar a los llamados "bailes guirnalda" en el norte de Europa. También hay danzas de amor y cortejo, tales como la danza Duru-Duru en Cerdeña.


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text: Muchos de estos bailes son actividades de grupo, la creación en filas o círculos de grupo; algunas danzas implican parejas, ya sea una sola pareja o más. El tammuriata (interpretada con el sonido de la pandereta) es un baile de pareja escenificado en el sur de Italia y acompañado por una canción lírica llamada strambotto. Otras danzas de pareja se conocen colectivamente como saltarello. Sin embargo, hay bailes también en solitario; los más típicos de estos son los "bailes de bandera" de varias regiones de Italia, en el que el bailarín pasa una bandera o gallardete de la ciudad alrededor del cuello, a través de las piernas, detrás de la espalda, a menudo lo arroja en el aire y lo captura de él. Estas danzas también se puede hacer en grupos de bailarines solistas que actúan al unísono, o mediante la coordinación de fallecimiento bandera entre los bailarines. El norte de Italia es también el hogar de la monferrina, una danza que fue incorporada en la música del arte occidental por el compositor Muzio Clementi.


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text: El interés académico en el estudio de la danza desde la perspectiva de la sociología y la antropología, tradicionalmente se ha descuidado en Italia, pero actualmente está mostrando la vida renovada a nivel universitario y de postgrado.


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text: La de música popular más temprana fue la ópera del siglo XIX. La ópera ha tenido un efecto duradero en la música clásica y popular de Italia. Las melodías se propagan a través de bandas de música y conjuntos itinerantes. Canzone Napoletana, o la canción napolitana, es una tradición distinta que se convirtió en una parte de la música popular en el siglo XIX, y fue una imagen icónica de la música italiana en el extranjero a finales del siglo XX.


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text: Estilos importados también se han convertido en una parte importante de la música popular italiana, empezando por el "Café-chantant" de Francia en la década de 1890 y luego de la llegada de jazz estadounidense en la década de 1910. Hasta que el fascismo italiano se convirtió oficialmente en "alérgico" a las influencias extranjeras a finales de 1930, la música de baile americano y músicos eran muy populares; el grande del jazz Louis Armstrong recorrió Italia en fecha tan tardía como 1935 con gran éxito. En la década de 1950, estilos americanos se hicieron más prominentes, especialmente el rock. La tradición cantautora fue un importante desarrollo de la década de 1960. Más tarde, mientras la escena del rock italiano pronto se diversificó en progresivo, el punk, funk y estilos basados en el arte popular.


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text: La ópera italiana se hizo inmensamente popular en el siglo XIX y fue conocida incluso en los sectores más rurales del país. La mayoría de los pueblos tenían producciones de ópera ocasionales, y las técnicas utilizadas en la ópera influenciaban la música folclórica rural. La ópera se propagó a través de conjuntos itinerantes y bandas de música, centradas en pueblos locales. Estas bandas cívicas (communale banda) utilizaban instrumentos para realizar arias de ópera, con trombones o fliscornos para partes vocales masculinas y cornetas para partes femeninas.


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text: La música regional en el siglo XIX también se hizo popular en toda Italia. Notable entre estas tradiciones locales fue la canción napolitana. Aunque hay canciones anónimas documentadas en Nápoles de hace muchos siglos, el término, canzone Napoletena ahora generalmente se refiere a un gran cuerpo de relativamente reciente, música popular con canciones como "'O sole mio", "Torna a Surriento ", y " Funiculi Funicula ". En el siglo XVIII, muchos compositores, entre ellos Alessandro Scarlatti, Leonardo Vinci, y Giovanni Paisiello, contribuyeron a la tradición napolitana utilizando el idioma local para los textos de algunas de sus óperas cómicas. Más tarde otros, el más famoso de ellos Gaetano Donizetti, compusieron canciones napolitanas que tuvieron gran renombre en Italia y en el extranjero. La tradición de la canción napolitana se formalizó en la década de 1830 a través de un concurso anual de composición para el festival anual de Piedigrotta, dedicadas a la Madonna de Piedigrotta, una iglesia muy conocida en la zona de Mergellina de Nápoles. La música se identifica con Nápoles, pero es famosa en el extranjero, después de haber sido exportada en las grandes olas de emigración de Nápoles y el sur de Italia. Aproximadamente, entre 1880 y 1920. El lenguaje es un elemento muy importante de la canción napolitana, que siempre está escrita e interpretada en Napolitano , el idioma de la minoría regional de Campania. Canciones napolitanas típicas suelen utilizar armonías simples, y se estructuran en dos secciones, un estribillo y versos narrativos, a menudo en el contraste de tonalidades mayores y menores relativos o paralelas. En términos no musicales, esto significa que muchas canciones napolitanas pueden sonar alegre en un minuto y melancólicas al siguiente.


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text: La música de Francesco Tosti fue popular a finales del siglo XX, y es recordado por sus canciones expresivas. Su estilo se hizo muy popular durante la Belle Époque y, a menudo se conoce como música de salón. Sus obras más famosas son Serenata, Addio y la canción napolitana popular, Marechiaro, las letras de las cuales son por el destacado poeta napolitano, Salvatore di Giacomo.


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text: La música popular grabada comenzó a finales del siglo XIX, con estilos internacionales que influyeron en la música italiana de finales de los años 1910; sin embargo, el auge de autarchia, la política fascista del aislacionismo cultural en 1922 condujo a una retirada de la música popular internacional. Durante este período, los músicos italianos populares viajaron al exterior y aprendieron elementos de jazz, música latinoamericana y otros estilos. Estas músicas influyeron en la tradición italiana, que se extendió por todo el mundo y más diversificada tras la liberalización después de la Segunda Guerra Mundial.


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text: Bajo las políticas aislacionistas del régimen fascista, que subió al poder en 1922, Italia desarrolló una cultura musical insular. La música extranjera fue suprimida mientras que el gobierno de Mussolini alentó el nacionalismo y la pureza lingüística y étnica. Artistas populares, sin embargo, viajaron al extranjero, y trajeron nuevos estilos y técnicas. El jazz americano era una influencia importante en cantantes como Alberto Rabagliati, que se hizo conocido por un estilo de balanceo. Elementos de la armonía y la melodía del jazz y el blues se utilizan en muchas canciones populares, mientras que los ritmos a menudo provenían de bailes latinos como el tango y la rumba Compositores italianos incorporaron elementos de estos estilos, mientras que la música italiana, especialmente la canción napolitana, se convirtió en una parte de la música popular en toda América Latina.


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text: Entre los más conocidos músicos del pop italiano de las últimas décadas son Domenico Modugno, Mina, Patty Pravo, Mia Martini, Adriano Celentano y, más recientemente, Zucchero, Mango, Vasco Rossi, Irene Grandi, Gianna Nannini y superestrella internacional Laura Pausini y Andrea Bocelli. Los músicos que componen y cantan sus propias canciones se llaman cantautores. Sus composiciones suelen centrarse en temas de relevancia social y son a menudo canciones de protestas: esta ola comenzó en la década de 1960 con músicos como Fabrizio De André, Paolo Conte, Giorgio Gaber, Umberto Bindi, Gino Paoli y Luigi Tenco. Temas sociales, políticos, psicológicos e intelectuales, sobre todo a raíz de la obra de Gaber y De André, se hicieron aún más predominantes en la década de 1970 a través de autores como Lucio Dalla, Pino Daniele, Francesco De Gregori, Ivano Fossati, Francesco Guccini, Edoardo Bennato, Rino Gaetano y Roberto Vecchioni. Lucio Battisti. Lucio Battisti, desde finales de 1960 hasta mediados de 1990, fusionó la música italiana con el rock británico y pop y, últimamente en su carrera, con géneros como el synthpop, rap, techno y eurodance, mientras que Angelo Branduardi y Franco Battiato siguieron carreras más orientadas a la tradición de la música pop italiana.


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text: Entre la música temprana para las películas italianas de la década de 1930 fue obra de Riccardo Zandonai para las películas La Principessa Tarakanova (1937) y Caravaggio (1941). Ejemplos de la posguerra incluyen Goffredo Petrassi con Non c'e pace tra gli ulivi (1950) y Roman Vlad con Giulietta e Romeo (1954). Otro compositor de cine conocido fue Nino Rota cuya carrera de la posguerra incluyen composiciones de las películas de Federico Fellini y, más tarde, la serie de El padrino (película). Otros compositores de banda sonora prominentes son Ennio Morricone, Riz Ortolani y Piero Umiliani.


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text: Italia ha sido un país importante en lo que respecta a la música electrónica, sobre todo desde la creación de italo disco a finales de 1970 hasta principios de 1980. El género, procedente de la música disco, mezclaba "melodías melancólicas" con el pop y la música electrónica, haciendo uso de sintetizadores y cajas de ritmos, que a menudo le daban un sonido futurista. Según un artículo publicado en The Guardian, en ciudades como Verona y Milán, productores trabajarban con cantantes, utilizando sintetizadores hechos en masa y las cajas de ritmos, y los incorporaban en una mezcla de música experimental con una "sensibilidad clásica-pop" que se destinaban para discotecas. Las canciones producidas a menudo eran vendidas posteriormente por compañías discográficas como la Discomagic con sede en Milán. Italo disco influenció varios grupos electrónicos, tales como losPet Shop Boys, Erasure y New Order, así como géneros como el Eurodance, Eurobeat y estilo libre. Por alrededor del año 1988, sin embargo, el género se había fusionado en otras formas de la danza europea y música electrónica, uno de los cuales era el Italo house. El Italo house mezcló elementos del italo disco con la música tradicional de la casa; su sonido hacía fuerte uso de melodías de piano. En la última mitad de la década de 1990, surgió un subgénero del Eurodance conocido como Italo dance. Tomando influencias de Italo disco e Italo house, Italo dance generalmente incluye riffs de sintetizador, un sonido melódico y el uso de codificadores de voz. Con los años, ha habido varios importantes compositores y productores de música de Italo dance, como Giorgio Moroder, que ganó tres premios de la Academia por su música. Se le designó por Allmusic como "Uno de los principales arquitectos del sonido disco".


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text: Durante la Belle Époque, la moda francesa de interpretar la música popular en el "café-chantant" se propagó por toda Europa. La tradición tenía mucho en común con el cabaret, y hay superposición entre café-chantant, café-concert, cabaret, music hall, vaudeville y otros estilos similares, pero por lo menos en su manifestación italiana, la tradición se mantuvo en gran parte apolítica, centrándose en la música ligera, a menudo subidas de tono, pero no indecente. El primer "café-chantant" en Italia fue el Salone Margherita, que se inauguró en 1890 en las instalaciones de la nueva Galleria Umberto en Nápoles. En otras partes de Italia, el Gran Salone Edén en Milán y el Music Hall de Olympia en Roma abrió poco después . "café-chantant" era conocido alternativamente como el italianizado caffè-concerto.Las canciones, por sí mismas, no eran francesas, pero fueron canciones alegres o ligeramente sentimentales compuestas en italiano. Ese estilo de música pasó de moda con la llegada de la Primera Guerra Mundial.


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text: La influencia de las formas emergentes del pop de Estados Unidos ha sido muy fuerte desde el final de la Segunda Guerra Mundial. Números extravagantes de Broadway-show, grandes bandas, el rock and roll e hip hop siguen siendo populares. Música latina, sobre todo la bossa nova brasileña, es también muy popular, y el género puertorriqueño reggaeton se está convirtiendo rápidamente en una forma principal de la música para bailar. No es raro que los artistas pop italianos modernos como Laura Pausini, Eros Ramazzotti, Zucchero, Andrea Bocelli y Romina Arena lancen nuevas canciones en inglés o Español, además de, o en lugar de italiano. Por lo tanto, interpretaciones musicales, que son comunes en la televisión italiana, fácilmente pueden ir, en una sola noche, desde un número de una banda grande con bailarines hasta un imitador de Elvis a o una cantante de pop actual haciendo una interpretación de un aria de Puccini.


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text: El jazz encontró su camino en Europa durante la Primera Guerra Mundial a través de la presencia de músicos americanos en bandas militares con música sincopada. Sin embargo, incluso antes de eso, Italia recibió un indicio de la nueva música del otro lado del Atlántico, en la forma de cantantes criollos y bailarines que actuaron en el Teatro Eden en Milán en 1904; que se consideraban a sí mismos como los "creadores del catewalk." Las primeras orquestas reales de jazz en Italia, se formaron durante la década de 1920 por los directores de orquesta como Arturo Agazzi y disfrutaron de un éxito inmediato. A pesar de las políticas culturales antiestadounidenses del régimen fascista durante la década de 1930, el jazz americano siguió siendo popular .


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text: En los años de la posguerra, el jazz se inició en Italia. Todos los estilos de jazz post-guerra estadounidenses, desde el bebop hasta el free jazz y la fusión tienen sus equivalentes en Italia. La universalidad de la cultura italiana aseguró que los clubes de jazz surgirían en toda la península, que todos los estudios de televisión y de radio tuvieran bandas de jazz, que los músicos italianos entonces comenzaran la promoción de un tipo de jazz casero, basado en formas de canciones europeas , técnicas de composición clásica y música popular. Actualmente, todos los conservatorios de música italianos tienen departamentos de jazz, y hay festivales de jazz cada año en Italia, el más conocido de los cuales es el Festival de Jazz de Umbria, y hay publicaciones prominentes como la revista Musica Jazz.


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text: El pop rock italiano ha producido grandes estrellas como Zucchero, y ha dado lugar a muchos grandes éxitos. Los medios de comunicación de la industria, especialmente la televisión, son vehículos importantes para este tipo de música; el programa de televisión Sabato Sera es característico. Italia estuvo a la vanguardia del movimiento de rock progresivo de la década de 1970, un estilo que se desarrolló principalmente en Europa, pero también se ganó al público en otras partes del mundo. A veces se considera un género aparte, rock progresivo italiano. Bandas italianas como El viaje, Área, Premiata Forneria Marconi (PFM), Arti e Mestieri, Banco del Mutuo Soccorso, New Trolls, Goblin, Osanna, Saint Just and Le Orme incorporaron una mezcla de rock sinfónico y la música popular italiana y eran populares en toda Europa y los Estados Unidos también. Otras bandas progresivas como Perigeo, Balletto di Bronzo, Museo Rosenbach, Rovescio della Medaglia, Biglietto per l'Inferno o Alphataurus permanecieron poco conocidos, pero sus álbumes son considerados hoy clásicos por los coleccionistas. Algunas bandas de rock de vanguardia o artistas (Area, Picchio dal Pozzo, Opus Avantra, Stormy Six, Saint Just, Giovanni Lindo Ferretti) ganaron notoriedad por su sonido innovador. Conciertos de rock progresivo en Italia tendían a tener un fuerte trasfondo político y un ambiente lleno de energía.


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text: La escena del hip hop italiana comenzó a principios de 1990 con Articolo 31 de Milán, cuyo estilo fue influenciado principalmente por el rap de la Costa Este. Otros intérpretes de hip hop estaban inicialmente orientados normalmente políticamente, como el 99 Posse, quien más tarde llegó a ser más influenciado por el trip hop británico. Más intérpretes recientes incluyen raperos mafiosos como La Fossa de Cerdeña. Otros estilos recientemente importados incluyen techno, trance, y la electrónica interpretados por artistas como Gabry Ponte, Eiffel 65, y Gigi D`Agostino. El hip hop es especialmente característico del sur de Italia, un hecho que algunos observadores han contribuido a la vista de la cultura del sur como más "africano" que "europeo", así como el concepto sureño de rispettu (respeto, honor), una forma de justa verbal; ambos hechos han ayudado a identificar la música del sur de Italia con el estilo hip hop afroamericano. Además, hay muchas bandas en Italia que interpretan un estilo llamado patchanka, que se caracteriza por una mezcla de música tradicional, el punk, el reggae, el rock y letras políticos. Modena City Ramblers son una de las bandas más populares conocidos por su mezcla de música irlandesa, italiana, el punk, el reggae y muchas otras formas musicales.


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text: Italia también se ha convertido en un hogar para una serie de proyectos de fusión mediterránea. Estos incluyen Al Darawish, una banda multicultural basada en Sicilia y dirigida por el palestino, Nabil Ben Salameh. La Orquesta de hipertexto Tarantula Luigi Cinque es otro ejemplo, así como lo es el proyecto TaraGnawa por Peleg y Nour Eddine. Mango es uno de los artistas más conocidos que fusionan el pop con sonidos mundiales y mediterráneos, álbumes como Adesso, Sirtaki y Come l'acqua son ejemplos de su estilo. El popular cantante napolitano, Massimo Ranieri también ha lanzado un CD, Oggi o dimane, de canciones napolitanas con ritmos e instrumentos del norte de África.


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text: Un reciente reporte económico dice que la música italiana generó € 2.3 mil millones en 2004. Dicha suma se refiere a la venta de CD, dispositivos electrónicos de música, instrumentos musicales, y ventas de boletos para eventos en vivo; esto representa un crecimiento del 4.35% a lo largo del 2004. Las ventas actuales de álbumes de música ha decrecido ligeramente, pero ha habido una compensación en las compras de descarga de música por medios electrónicos en sitios aprobados por la industria. En comparación la industria de grabación italiana se posiciona como la octava en el mundo; los italianos poseen 0.7 álbumes de música per cápita, en contraste con los Estados Unidos de América que poseen 2.7 al ser el primer lugar en el mundo. El reporte también menciona incrementos del 20% en pagos de regalías del 2003 al 2004, generado a partir de radio, televisión y música en vivo.


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text: A nivel nacional, hay tres cadenas estatale y tres cadenas de televisión privadas. Todas ofrecen música en vivo al menos una parte del tiempo, dando así trabajo a los músicos, cantantes y bailarines. Muchas grandes ciudades en Italia tienen canales de televisión locales, así, que pueden proporcionar la música folclórica o de dialecto en vivo a menudo de interés solo para el área inmediata. Supertiendas de libros y discos han entrado en el mercado italiano en la última década. La mayor de estas cadenas es Feltrinelli, originalmente una casa editorial en la década de 1950. En 2001, llegó a ser de la altura de Multimedia Store y ahora vende grandes cantidades de música grabada. Hay, a partir de 2006, 14 de esas mega-tiendas en Italia, con más planeadas. FNAC es otra gran cadena, originalmente francesa. Cuenta con seis grandes puntos de venta en Italia. Estas tiendas también sirven como lugares para la interpretación musical, realizando varios conciertos a la semana.


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text: Espacios para la música en Italia incluyen conciertos en los numerosos conservatorios de música, salas sinfónicas y óperas. Italia también tiene muchos festivales de música de renombre internacional cada año, incluyendo el Festival de Spoleto, el Festival Puccini y el Festival de Wagner en Ravello. Algunos festivales ofrecen espacios a jóvenes compositores de la música clásica mediante la producción y puesta en escena las obras ganadoras de competencias. El ganador, por ejemplo, del "Orfeo" Concurso Internacional de Nueva Ópera y Música de Cámara-además de ganar un considerable cantidad de dinero- llega a ver su trabajo musical interpretado en el Festival de Spoleto. También hay docenas de clases magistrales de música con patrocinio privado cada año que ponen en escena conciertos para el público. Italia es también un destino común para orquestas de renombre en el extranjero; casi en cualquier momento dado durante la temporada de mayor actividad, al menos una orquesta importante de Europa o América del Norte está interpretando un concierto en Italia. Además, la música pública puede ser escuchada en decenas de conciertos de pop y rock de todo el año. La ópera al aire libre puede incluso ser oída, por ejemplo, en el antiguo anfiteatro romano, la Arena de Verona. Bandas militares, también son populares en Italia. A nivel nacional, una de las más conocidas de ellas es la banda de la Guardia di Finanza (Policía de Aduanas / frontera italiana); la cual se presenta muchas veces al año.


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text: Muchos teatros también rutinariamente interpretan no solo traducciones italianas de los musicales americanos, sino también la verdadera comedia musical italiana. En italiano, el término "musical" describe una especie de drama musical no nativo de Italia, una forma que emplea el lenguaje americano de pop-jazz y la música basada en el rock y los ritmos para mover una historia a lo largo de una combinación de canciones y diálogos.


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text: La música en rituales religiosos, especialmente católicos, se manifiesta de varias maneras. Bandas parroquiales, por ejemplo, son muy comunes en toda Italia. Pueden ser tan pequeños como de cuatro o cinco miembros a tantos como 20 o 30. Por lo general se realizan en las fiestas religiosas específicas a una ciudad en particular, generalmente en honor de la patrona de la ciudad. Las históricas obras maestras / corales orquestales realizadas en la iglesia por los profesionales son bien conocidos; estos incluyen obras como el Stabat Mater de Giovanni Battista Pergolesi y el Réquiem de Verdi. El Concilio Vaticano II desde 1962 hasta 1965 revolucionó la música en la Iglesia católica, lo que llevó a un aumento en el número de coros de aficionados que realizaban regularmente los servicios; el Consejo alentó también el canto congregacional de los himnos, y un vasto repertorio de nuevos himnos ha sido compuesto en los últimos 40 años.


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text: No hay una gran cantidad de música nativa italiana de Navidad. El más popular villancico italiano es ""Tu scendi dalle stelle"", las palabras italianas modernas las cuales fueron escritos por el Papa Pío IX en 1870. La melodía es una versión en clave mayor, de un antiguo villancico napolitano en una clave menor "Quanno Nascette Ninno ". Aparte de eso, los italianos cantan en gran medida las traducciones de villancicos que provienen de la tradición alemana e inglesa ("Noche de Paz", por ejemplo). No hay música italiana nativa laica de Navidad, lo que explica la popularidad de las versiones en lengua italiana de "Jingle Bells" y "White Christmas". El Festival de la canción italiana (también conocido como el Festival de Música de Sanremo) es un sitio importante para la música popular en Italia. Se ha celebrado anualmente desde 1951 y actualmente se pone en escena en el Teatro Ariston de Sanremo. Se ejecuta durante una semana en febrero, y da a veteranos y nuevos artistas la oportunidad de presentar nuevas canciones. Ganar el concurso ha sido a menudo un trampolín para el éxito en la industria. El festival es televisado a nivel nacional por tres horas cada noche, está organizada por las personalidades de la televisión italianas más conocidas, y ha sido un vehículo para artistas como Domenico Modugno, tal vez el más conocido cantante pop italiano de los últimos 50 años.


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text: Espectáculos de variedades de televisión son el sitio más amplio para la música popular. A menudo cambian, pero Buona Domenica, Domenica, y yo Raccomandati son populares. La emisión musical de más larga duración en Italia es La Corrida, un programa semanal de tres horas de aficionados y aspirantes a músicos. Se inició en la radio en 1968 y se trasladó a la televisión en 1988. La audiencia en el estudio trae cencerros y sirenas y son alentados a demostrar desaprobación con buen carácter. La ciudad con el mayor número de conciertos de rock (de artistas nacionales e internacionales) es Milán, con un número cercano a las otras capitales europeas de la música, como París, Londres y Berlín.


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text: Muchos institutos de educación superior enseñan música en Italia. Alrededor de 75 conservatorios de música ofrecen formación avanzada para los futuros profesionales de la música. También hay muchas escuelas privadas de música y talleres para la construcción de instrumentos y reparación. La enseñanza privada es también bastante común en Italia. Los estudiantes de primaria y secundaria pueden esperar tener una o dos horas semanales de enseñanza de la música, generalmente en el canto coral y la teoría básica de la música, sin embargo las oportunidades extracurriculares son poco comunes. Aunque la mayoría de las universidades italianas tienen clases en temas relacionados, como la historia de la música, la interpretación no es una característica común de la educación universitaria.


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text: Italia tiene un sistema especializado de escuelas secundarias; estudiantes asisten, como quieran, a una escuela secundaria para las humanidades, ciencias, idiomas extranjeros, o el arte y la música (en el "Liceo musicale", donde los instrumentos, teoría musical, composición e historia musical se les enseña como tema principal). Italia tiene ambiciosos programas, los últimos para exponer a los niños a más música. Además, con la reciente reforma de la educación un "Liceo musicale e coreutico" específico (segundo nivel de enseñanza secundaria, edades 14-15 a 18-19) se indica explícitamente por los decretos . Sin embargo, este tipo de escuela no se ha establecido y no es efectivamente operativo. La cadena de televisión estatal ha iniciado un programa para utilizar la tecnología de satélites moderna para difundir la música coral en las escuelas públicas.


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text: Los estudios en el campo de la recolección, preservación y catalogación de todo tipo de música es enorme. En Italia, como en otras partes, estas tareas están distribuidas en una serie de organismos y organizaciones. La mayoría de los grandes conservatorios de música mantienen departamentos que supervisan la investigación relacionada con sus propias colecciones. Este tipo de investigación es coordinada a escala nacional e internacional a través de Internet. Una institución destacada en Italia es IBIMYS, el Istituto di Bibliografia Musicale, en Roma. Funciona con otros organismos a nivel internacional a través RISM, el Répertoire International des Sources Musicales. Además, la Discoteca di Stato (Archivo Nacional de Grabaciones) en Roma, fundada en 1928, posee la mayor colección pública de música grabada en Italia con unos 230.000 ejemplos de la música clásica, música popular, jazz y rock, registrados en todo, desde antiguos cilindros de cera a los medios electrónicos modernos.


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text: El estudio académico de la música tradicional italiana comenzó en 1850, con un grupo de etnógrafos filológicos que estudiaron el impacto de la música en una identidad nacional pan-italiana. Una identidad italiana unificada recién comenzó a desarrollarse después de la integración política de la península en 1860. El foco en ese momento estaba en el valor lírico y literario de la música, en lugar de la instrumentación; este enfoque se mantuvo hasta principios de 1960. Dos revistas folklóricas ayudaron a fomentar el floreciente campo de estudio, la Rivista Italiana delle Tradizioni Popolari y Lares, fundadas en 1894 y 1912, respectivamente. Los primeros grandes estudios musicales fueron acerca de las launeddas de Cerdeña en 1913 hasta 1.914 por Mario Giulio Fara; en la música siciliana, publicado en 1907 y 1921 por Alberto Favara; y los estudios de la música de Emilia Romana en 1941 por Francesco Balilla Pratella.