title: Implicación

text: Más precisamente, podemos ignorar la diferencia cuando el cálculo tiene una intención "argumentativa" en su contenido semántico. Entonces, partimos de un contenido material afirmado como verdadero, cuya verdad es condición necesaria de la verdad de lo argumentado, como implicación. Esto es lo que podemos denominar una "implicación lógica."


title: Implicación

text: Mientras la implicación trata sobre "hechos" sin requerir una secuencia temporal, la causalidad se enfoca en "eventos en el tiempo." Más precisamente, la relación causal requiere un ordenamiento cronológico creciente, de antecedente hacia consecuente, que la implicación lógica no exige. Entonces, la implicación lógica "no" se debe explicar como una relación causa-efecto, sino como una relación antecedente-consecuente o hipótesis-conclusión.


title: Implicación

text: Por consiguiente, "formula_3 es una causa y formula_2 es el efecto esperado de esa causa" es una interpretación que "solo" se debe utilizar si efectivamente hay causalidad. La interpretación general "formula_2 es una conclusión lógica de formula_3" es la forma correcta y universal de pensar sobre la implicación lógica.


title: Implicación

text: Esta diferencia sutil es casi irrelevante en el día a día, pero importa conversaciones avanzadas sobre estos dos términos.


title: Implicación

text: La siguiente es una proposición de implicación válida, y de valor-verdad verdadero, que no exhibe relación causal.Algunas formas válidas de implicación, incluso con valor-verdad verdadero, pueden parecer redundantes o incoherentes. Eso no significa que no sean formas válidas.Nótese que una implicación de formula_3 en formula_2 es compatible con la implicación de formula_2 en formula_3, en el caso del bicondicional (A⇔B), mientras que una relación causal de formula_3 en formula_2 es incompatible con la relación causal de formula_2 en formula_3.


title: Implicación

text: Importante: Esta sección trata sobre relaciones causales, una visión parcial del objetivo del artículo.


title: Implicación

text: La realidad del mundo no se nos manifiesta como un conjunto de cosas o de hechos aislados. Por el contrario, aparece como un proceso, un conjunto de hechos y de cosas relacionados entre sí de forma que unas cosas "dependen" de otras, unos hechos "suceden" a otros, o suceden "siempre y cuando" se dé un "orden" entre determinadas circunstancias, etcétera. Estas relaciones en las que unas cosas dependen de otras, o unos hechos suceden a otros, solemos comprenderlas, de forma general, bajo la idea de causa.


title: Implicación

text: El conocimiento del mundo lo elaboramos a través de unos datos captados por los sentidos; y lo manejamos conceptual y lingüísticamente y lo comunicamos a los demás según interpretamos la realidad y "creemos" que conocemos el mundo como realidad.


title: Implicación

text: Esta creencia en el modo de conocer el mundo como "relación de causas", la expresamos en el pensamiento y el lenguaje mediante las oraciones condicionales que en lógica se formalizan lingüísticamente, por ejemplo:


title: Implicación

text: Que de forma general vienen a decir que: y cualquier otra expresión o enunciado que establezca como significado "unas relaciones semejantes".


title: Implicación

text: Al percibir algunas cosas o hechos, "esperamos", "creemos", que van a suceder otras; o "suponemos" que estas cosas o hechos suceden porque antes han sucedido otras. En otras palabras, damos por supuesto que unas cosas implican otras y los hechos están implicados unos en otros. Nuestra percepción del mundo en un "momento dado" nos lleva a interpretarlo según unas condiciones pasadas y expectativas de un mundo de posibilidades. Hoy tenemos conciencia de que la pretensión de la comprensión científica del mundo consiste en "construir teorías científicas", es decir:


title: Implicación

text: Esta implicación de las cosas y los hechos del mundo suceden no de forma arbitraria sino de forma legal, conforme a leyes. El mundo se nos manifiesta conforme a unas «leyes naturales» según las cuales las cosas suceden así por "necesidad", porque tienen que ser así, y no de forma arbitraria, "por voluntad de los dioses" o el "azar".


title: Implicación

text: Al expresar nuestro conocimiento por medio del lenguaje, utilizamos unas reglas gramaticales y lógicas que, aunque no las reconozcamos, operan de forma inconsciente y natural. Pero mediante ellas, intuimos que conocemos y expresamos la realidad del mundo.


title: Implicación

text: Pensamos que el conocimiento, cuando es una interpretación adecuada de la realidad, es verdadero. Pero otras veces nos causa admiración cuando sentimos ignorancia.


title: Implicación

text: Cuando reflexionamos sobre el fundamento de nuestro conocimiento y que dicho conocimiento es producto de nuestra interactuación con la realidad, puesto que nosotros somos parte de la misma y del mismo proceso, esta reflexión es el fundamento del pensamiento racional que da lugar a la ciencia y a la filosofía. El conocimiento de la ciencia y de la reflexión filosófica supone una gran depuración del conocimiento vulgar. De ahí que la noción de causa, de implicación, de ley científica, la misma noción de experiencia en el contexto científico y filosófico, aunque tengan el mismo fundamento que la noción corriente, requiere un proceso de depuración o formalización para adecuar las nociones lo mejor posible al contenido experimental (que no es lo mismo que la experiencia) de las mismas


title: Implicación

text: El comprender la realidad del mundo en sus "implicaciones" se hace mediante las "explicaciones" de la ciencia. La ciencia, por su parte, como pensamiento racional, se somete a unas reglas de razonamiento o funcionamiento de la razón, conocidas, elaboradas y formalizadas, que es lo que normalmente entendemos por lógica y método.


title: Implicación

text: En este artículo consideramos la "implicación" en su sentido meramente lógico. Reservando la explicación al ámbito de una lógica empírica, que habla del mundo de la experiencia conforme a un método científico y que es lo que consideramos como ciencia.


title: Implicación

text: En la antigüedad, Filón de Megara, hacia el 300 a. de C. estimaba la condición tal como hoy día se define la función de "condicional" en las tablas de verdad. Por otro lado, Diodoro Cronos en la misma época, no aceptaba más que la condición en el sentido de "implicación". Los escolásticos distinguieron entre proposición «formalmente hipotética», la "condicional", y «materialmente hipotética», la "implicación", y así ha perdurado en la filosofía tradicional.


title: Implicación

text: En el Frege, Peirce, Russell y en general los lógicos matemáticos, aceptaron el sentido de Filón. Pero Clarence Irving Lewis (1883-1964) defendió la postura de Diodoro. Para Lewis la implicación como tal se refiere a la “inferencia” o “prueba”. La condición formal (la condicional), en cambio, únicamente muestra “lo que ocurriría o podría ocurrir si una proposición falsa fuera verdadera”, lo que abre esta problemática a la cuestión de la «modalidad», (necesidad-contingencia, posibilidad-imposibilidad). Esta postura de Lewis dio lugar a la lógica modal, de gran desarrollo actual.


title: Implicación

text: Un ejemplo explica bien lo que se quiere decir. El ejemplo antes citado "Si lo que dices es verdad, yo soy el Rey de Roma" (A → B), lo consideramos como una afirmación con un contenido de verdad realmente débil, y prácticamente sin sentido. Sin embargo "Si hubieras estado aquí, el asunto se habría resuelto" (A → B), tiene la misma forma "sintáctica", pero con firme contenido "semántico" de verdad. Si intentamos encontrar el sentido de verdad contenido en dicha afirmación condicional, observamos:  De la misma forma podemos expresar un contenido semántico de verdad basado en la necesidad, como en el caso del triángulo antes citado, o en la afirmación de un deseo, la afirmación de una prescripción, etc. Tal es el campo de la modalidad y la lógica modal.


title: Implicación

text: La implicación "A" ⇒ "B" puede ser expresada como "si A, entonces B". Si esa proposición es verdadera, se acostumbra nombrar que "A" es condición suficiente para "B", en otros términos, la veracidad de "A", basta para garantizar la de "B". Esto significa que si "A" es verdadera, "B", de igual modo, lo es.


title: Implicación

text: De otra manera, si la implicación "B" ⇒ "A" es verdadera, "A" es condición necesaria para "B", i.e. la veracidad de "B" comporta la de "A". Lo que significa que "B" es verdadera sólo si "A" lo es.


title: Implicación

text: Cuando se satisface la implicación en ambos sentidos, "B" es verdadera si y sólo si lo es "A", caso que se puede denotar "A" ⇔ "B", y significa que "A" es condición necesaria y suficiente para "B".


title: John Evan

text: John Evan (28 de marzo de 1948), fue teclista de Jethro Tull entre los años 1969 y 1980.


title: John Evan

text: Formaba parte del grupo de amigos que darían origen, posteriormente, a Jethro Tull. John Spencer Evans modificó su nombre artístico a "John Evan" cuando su primera banda, The Blades, cambió su nombre al de The John Evan Band.


title: John Evan

text: Abandonó The John Evan Band para estudiar química farmacéutica en Chelsea. Posteriormente volvió con Jethro Tull en 1970, para colaborar en la grabación de su LP "Benefit", y, en junio de ese año, ingresó definitivamente en el grupo.


title: John Evan

text: Grabó con la banda todos los álbumes de la época dorada del grupo, desde "Benefit" (1970) hasta "Stormwatch" (1980).


title: John Evan

text: Su interpretación más famosa dentro del grupo fue la suave y "jazzística" introducción al piano del tema "Locomotive Breath", del álbum "Aqualung" (1971).


title: John Evan

text: Gran amante de la música clásica, siempre incluía en los conciertos de Jethro Tull alguna pieza clásica, especialmente variaciones sobre algún tema de Beethoven. Especializado en el piano, no se adaptaba completamente a los teclados electrónicos, para lo cual se incorporaría posteriormente David Palmer. Tanto John Evan como David Palmer son los dos únicos miembros de Jethro Tull que estudiaron en el conservatorio.


title: John Evan

text: Siempre será recordado, además de por sus dotes pianísticas, por su puesta en escena en las actuaciones del grupo, con su siempre inmaculado traje blanco y su simpatía en el escenario. Muchas veces solía colocar en broma un orinal encima del piano de cola.


title: John Evan

text: Como la mayoría de los miembros de la banda (excepto Ian Anderson y Martin Barre), abandonó el grupo tras la gira mundial de "Stormwatch", en agosto de 1980, y formó un grupo llamado Tallis junto con David Palmer, que también había dejado por entonces el grupo. Tras el poco éxito de la banda, inició un negocio de construcción. Ha aparecido posteriormente en algunas reuniones de Jethro Tull.


title: Tota Alba

text: Dolores Bejarano Alba (Buenos Aires, 5 de marzo de 1914-Madrid, 31 de agosto de 1983), más conocida como Tota Alba, fue una actriz española.


title: Tota Alba

text: Hija de Josefina Bejarano, actriz española emigrada a Argentina, estudió Geografía, Historia y Literatura en ese país. A mediados de los años treinta su familia regresó a España, y Tota inició su carrera teatral en papeles, en general, de tono cómico y desenfadado. Manuel Gómez García anota en su diccionario que su primera representación teatral fue junto a Narciso Ibáñez Menta en "El hombre y la bestia". Por su trabajo habitual en el cuadro de actores de Radio Nacional de España recibió el Premio Especial de Interpretación.


title: Tota Alba

text: Trabajó en las compañías de Lola Membrives, Milagros Leal, Valeriano León y Aurora Redondo. De esa época son sus representaciones de "Déjeme usted que me ría" o "Ni pobre ni rico, sino todo lo contrario", así como en "La Orestíada" (1960), de Esquilo, en el Festival de Teatro Clásico de Mérida.


title: Tota Alba

text: Debutó en el cine en 1955 con la película "Suspenso en comunismo", de Eduardo Manzanos, iniciando una larga trayectoria como actriz secundaria especializada en papeles cómicos, en títulos como "El hombre que viajaba despacito" (1957), con guion de Miguel Gila, "Los tramposos" (1959), de Pedro Lazaga, "Un tipo de sangre", de León Klimovsky, "Mi calle" (1960), de Edgar Neville, "Canción de cuna" (1961), de José María Elorrieta, "Chica para todo" (1963), de Mariano Ozores o "Españolas en París" (1971). En 1964 Fernando Fernán Gómez le permitió mostrar también su capacidad para los papeles dramáticos en "El extraño viaje".


title: Tota Alba

text: Estuvo muy presente en TVE durante las décadas de 1960 y 1970, en especial en los elencos de "Estudio 1".


title: Enrique Castro Delgado

text: Enrique Castro Delgado (Madrid, 1907 - Madrid, 2 de enero de 1965) fue un dirigente comunista español. Miembro del Partido Comunista de España (PCE), durante la Guerra Civil Española tuvo un papel destacado y llegó a ser el primer comandante del Quinto Regimiento. Al final de la contienda marchó al exilio, instalándose en la Unión Soviética. Tras su expulsión del partido se convirtió en un ferviente anticomunista y publicó varios libros de memorias muy críticos con sus antiguos correligionarios.


title: Enrique Castro Delgado

text: Nació en Madrid en 1907. Metalúrgico y periodista de profesión, en su juventud se afilió al Sindicato metalúrgico «El Baluarte» de la Unión General de Trabajadores (UGT), y también al PSOE. Posteriormente, en 1925 se afilió al Partido Comunista de España (PCE). Durante los años de la Segunda República participó de forma activa en el Comité Central del PCE. Fue uno de líderes de las Milicias Antifascistas Obreras y Campesinas (MAOC). También trabajó como redactor del periódico del partido, "Mundo Obrero", ocupándose de la sección de noticias de ámbito laboral.


title: Enrique Castro Delgado

text: Durante los primeros días de la guerra civil española, Castro Delgado participó en la creación y organización del Quinto Regimiento, del que fue su primer comandante en jefe. En septiembre de 1936, Castro Delegado sería sustituido al frente del Quinto Regimiento por el comandante Enrique Líster.


title: Enrique Castro Delgado

text: En septiembre de 1936 fue nombrado director general de Reforma Agraria, a las órdenes de su correligionario, el ministro de Agricultura Vicente Uribe. Posteriormente ocupó diversos cargos en el Comisariado político del Ejército Popular de la República; ejerció como comisario-inspector en el frente de Madrid, y en junio de 1937 fue nombrado subcomisario general —en sustitución de Antonio Mije—. Durante el transcurso de la guerra civil destacó como uno de los principales líderes comunistas. Hacia el final de la contienda, en marzo de 1939, Castro Delgado llegó la posición «Dakar» cuando se produjo la sublevación del coronel Casado, donde propuso sin éxito la movilización de efectivos para aplastar el golpe de Casado. Fue uno de los dirigentes comunistas que partieron al exilio desde el aeródromo de Monóvar.


title: Enrique Castro Delgado

text: Se exilió inicialmente en Francia, de donde pasó a la Unión Soviética; tras instalarse en este país, sería el representante del PCE en la Komintern. Posteriormente ejercería como director de Radio España Independiente, en sustitución de Dolores Ibárruri «Pasionaria». Tras el suicidio del secretario general del PCE, José Díaz, se abrió una lucha de poder en el seno del partido por hacerse con la jefatura. En la primavera de 1944, enfrentado con Ibárruri, Castro Delgado acabó perdiendo en favor de «Pasionaria». En mayo de ese mismo año fue separado de su trabajo y a la vez excluido del comité central del PCE. Sometido a un proceso interno, acabaría siendo expulsado del PCE.


title: Enrique Castro Delgado

text: Posteriormente estuvo residiendo en México, donde coincidió con el también expulsado Jesús Hernández. Ambos políticos intentaron formar una nueva formación política, el Movimiento Comunista de Oposición, de escaso éxito. En 1963 regresó a España, gracias a la amistad que había desarrollado con Salvador Vallina López, pasando a colaborar con el régimen franquista. Profundamente desencantado con el comunismo, en esta época publicó varias obras muy críticas con el papel del Partido Comunista y con sus antiguos correligionarios. Falleció en Madrid en 1965.


title: Jeffrey Hammond

text: Jeffrey Hammond-Hammond (30 de julio de 1946) fue el bajista de Jethro Tull entre los años 1970 y 1975.


title: Jeffrey Hammond

text: Amigo de juventud de Ian Anderson, sustituyó al virtuoso Glenn Cornick al bajo. Sorprendentemente, cuando se incorporó al grupo, Hammond no sabía tocar este instrumento y fue Ian Anderson quien tuvo que enseñarle.


title: Jeffrey Hammond

text: Ian Anderson le dedicó tres canciones antes de que Hammond se incorporara al grupo: "A Song for Jeffrey" (del álbum "This Was", 1968), "Jeffrey Goes to Leicester Square" (del álbum "Stand Up", (1969) y "For Michael Collins, Jeffrey and Me" (del álbum "Benefit", 1970).


title: Barriemore Barlow

text: Barriemore Barlow (bautizado Barrie Barlow, 10 de septiembre de 1949, Birmingham) fue el batería de Jethro Tull entre mayo de 1971 y junio de 1980.


title: Barriemore Barlow

text: Fue compañero de colegio de Ian Anderson y formó parte de la banda de música escolar que este último formó. Se unió a Jethro Tull tras la salida de Clive Bunker del grupo.


title: Barriemore Barlow

text: Su apodo "Barriemore" procede del excéntrico humor de Ian Anderson, quien también le cambió el apellido al bajista Jeffrey Hammond, para nombrarlo Jeffrey Hammond-Hammond.


title: Barriemore Barlow

text: Está considerado por los críticos como el mejor baterista que ha pasado por Jethro Tull, y su actuación en directo en el álbum "Bursting Out" es clara prueba de ello"."


title: Barriemore Barlow

text: Tocó en los siguientes álbumes de la banda:Dejó la banda, junto con otros miembros del grupo, en 1980, tras la gira de "Stormwatch" y la muerte -a causa de una dolencia cardíaca- del bajista del grupo e íntimo amigo suyo, John Glascock.


title: Barriemore Barlow

text: Barriemore Barlow, tras su marcha de Jethro Tull, ha colaborado con diversos artistas en la grabación de algunos de sus álbumes:


title: Palacio de Beaumont

text: El palacio de Beaumont , en Oxford, fue un antiguo palacio real hoy completamente desaparecido construido por Enrique I cerca del 1130 para poseer un palacio real cerca del refugio de cacería real en Woodstock (que ahora es parte del parque del palacio de Blenheim). En la calle Beaumont de Oxford, se señala en una piedra asentada en un pilar al lado norte de la misma, cerca de la calle Walton, que lleva la siguiente inscripción: Cerca de este lugar se erguía la casa del rey en la cual el rey Ricardo I nació el 8 de septiembre de 1157. La "Casa del Rey" era el rango del palacio que contenía los alojamientos del rey.


title: Palacio de Beaumont

text: Cuando Eduardo II combatió en la batalla de Bannockburn en 1314, declaró haber invocado a la Virgen María y prometido fundar un monasterio para las Carmelitas para poder escapar a salvo. En el cumplimiento de ese voto, traspasó el palacio de Beaumont a las Carmelitas en 1318. Cuando esta orden religiosa se dispersó en la Reforma Protestante, la mayor parte de la edificación fue desmantelada y la piedra fue reutilizada en la Iglesia de Cristo de Oxford y en la Universidad de San Juan en la misma ciudad. Los últimos restos del Palacio de Beaumont fueron eliminados en el trazado de la calle Beaumont en los años 1820.


title: John Glascock

text: John Glascock (Islington, Londres, Inglaterra, 2 de mayo de 1951 - Londres, Inglaterra, 17 de noviembre de 1979) fue bajista y segunda voz de Jethro Tull desde diciembre de 1975 hasta agosto de 1979, año en que falleció, a los 28 años, como resultado de un defecto congénito del corazón.


title: John Glascock

text: Glascock fue el primer "Bass Master" de carrera que ingresó en Jethro Tull: un músico completamente profesional, procedente de otras bandas. Su proyecto anterior a su incorporación al grupo liderado por Ian Anderson fue Carmen , un innovador conjunto anglo-estadounidense que combinó el rock progresivo con el flamenco. El grupo tuvo un apreciable éxito en sus dos primeros discos, cuya dirección musical corrió a cargo de Tony Visconti, entonces productor de David Bowie. Desde 1973 hasta 1975, con la disolución de la banda , Glascock se ocupó del bajo, las armonías vocales y segundas voces, la guitarra, los teclados (ocasionalmente); y la voz solista en numerosos temas, como "The City", "Dancing On a Cold Wind", "The Horseman" o "High Time" .  Antes de Carmen, con tan solo 11 años había formado parte de The Juniors (1962 - 1964) , donde coincidió con el que sería miembro de los Rolling Stones, Mick Taylor. Posteriormente perteneció a The Gods (1965 - junio de 1967, septiembre de 1967 - febrero de 1969)  -donde compartió protagonismo con los futuros miembros de Uriah Heep, Ken Hensley y Lee Kerslake-, Head Machine (1970), Toe Fat (junio de 1969 - diciembre de 1970) y Chicken Shack (enero de 1971 - marzo de 1972) .


title: John Glascock

text: Glascock ocupó en Jethro Tulll la vacante de Jeffrey Hammond-Hammond (previamente a él, Glenn Cornick fue el primer bajista de la banda). Su ingreso vino propiciado por la participación de Carmen como grupo telonero de Jethro Tull, durante la gira de 1976, titulada War Child, lo que motivó la decisión de Ian Anderson, el líder del grupo, tras un examen de selección. John Glascock participó junto a Jethro Tull en los álbumes ", "Songs from the Wood", "Ring Out, Solstice Bells (EP)", "Heavy Horses", "Bursting Out y "Stormwatch", permaneciendo un total de cuatro años como miembro de la banda y contribuyendo de manera determinante a la redefinición del sonido del grupo.


title: John Glascock

text: Su gran talento y pasión por la música, su fina técnica como bajista y su voz melódica - influenciada por el estilo de Paul McCartney, a quien conoció en su etapa en The Juniors- han sido elogiados abiertamente por músicos del renombre de Ritchie Blackmore , Barriemore Barlow o su compañero en Jethro Tull, el virtuoso maestro de la guitarra Martin Lancelot Barre .


title: John Glascock

text: Glascock fue un músico y cantante de gran personalidad y solvencia, resultando su ingreso un revulsivo estimulante para la música de Jethro Tull por la solidez de su "tempo", su admirable independencia como instrumentista-vocalista (era capaz de tocar partituras de tiempos muy complejos -incluso compases de amalgama- mientras cantaba líneas de solista), su profunda comprensión del concepto de grupo y su dominio de las escalas y los diferentes estilos (que incluían el flamenco, el jazz, el folk y el rock).


title: John Glascock

text: Zurdo cerrado, tocaba sin embargo en posición de bajista diestro (como lo hace el guitarrista Mark Knopfler, por ejemplo), lo que confirió un carácter muy personal a su técnica de pulsación. Además, se ocupaba de la guitarra eléctrica -incluso con técnica de "bottleneck", que dominaba- cuando resultaba exigido por el arreglo de la pieza: es el caso, por ejemplo, de la versión de "Skating Away (On the Thin Ice of the New Day)", del álbum en directo "Bursting Out", en tanto Martin Lancelot Barre se encontraba tocando la marimba .


title: John Glascock

text: Tanto en estudio como en directo, con Jethro Tull utilizó frecuentemente los modelos de bajo eléctrico Fender Precision Bass, Fender Jazz Bass y Music Man Stingray -si bien en su etapa previa con Carmen solía alternar con un Rickenbacker 4003 -, usando un Yamaha acústico cuando era necesario. Sus amplificadores habituales fueron los Martin y los Crown, convenientemente preamplificados. Esporádicamente también trabajó con amplificadores Marshall de válvulas. Glascock era escrupuloso con el cambio constante de las cuerdas de sus instrumentos, buscando un sonido rotundo que explotase al máximo el partido de su magnífica pulsación .


title: John Glascock

text: Su estilo era limpio y preciso, original e innovador (en Carmen llegó incluso a utilizar el efecto de pedal "fuzz" en temas como "Viva mi Sevilla", de 1974, hecho realmente inusual para la época ): vigoroso en el aspecto rítmico y muy expresivo en el melódico, formó una base sumamente eficaz junto a Barriemore Barlow a la batería. De poderosa imagen y presencia escénicas, en directo resultaba especialmente brillante la colaboración de Glascock con el virtuoso guitarrista Martin Lancelot Barre, doblando a menudo sus frases de guitarra, al unísono o mediante armonías -con idéntica velocidad de digitación- y tocando el bajo con acordes, acentuando la riqueza polifónica del grupo y componiendo memorables interpretaciones, por su riqueza musical y su complejidad de ejecución, como la de "Minstrel in the Gallery" (donde resulta destacable, además, su sólido apoyo vocal, al inicio del tema). .


title: John Glascock

text: De técnica elegante y sumamente versátil, acostumbraba a utilizar la púa para tocar, consiguiendo un ataque robusto y muy articulado, especialmente con sus modelos Fender; pero dominaba igualmente la digitación sin plectro, así como el arpegiado con el pulgar, el índice y el corazón (o "fingerpicking"), como por ejemplo en temas como "Velvet Green". El inquieto genio musical de Glascock resultaba especialmente expresivo cuando combinaba diferentes técnicas en estudio, como en el caso de su matizado trabajo en la canción "Journeyman", de "Heavy Horses", en 1978.


title: John Glascock

text: Excelente cantante, con tesitura de barítono ligero, de amplio registro y cálido timbre, desde su entrada en el grupo John Glascock fue la segunda voz del solista Ian Anderson, contribuyendo definitivamente a la redefinición del personal sonido de la banda y a ampliar la riqueza de su tímbrica. Realizaba las armonías -en rango agudo y grave- y, muy frecuentemente, en directo doblaba la línea vocal de su líder al unísono. El sutil y original trabajo vocal conjunto de Ian Anderson y John Glascock en "", "Songs from the Wood" y "Heavy horses"  resultó elogiado unánimemente por la crítica especializada. El dúo vocal ofrecía un empaste sólido y sumamente preciso, que destacaba en directo en temas como "Hunting Girl" (canción en cuyas presentaciones, debido a esta exactitud en su fraseo, Ian Anderson solía bromear con Glascock. Así, por ejemplo, en el concierto del 2 de febrero de 1977 en el Golders Green Hippodrome de Londres, donde alude a él como "The New boy", mientras enarbola una fusta ; o en la versión de "Bursting Out" en 1978, donde la censura emborronó con un pitido la broma de Anderson hacia John: "Laying to rest any rumors that John Glascock is a kinky bastard who likes to be thrashed severely across the bum"). En estudio, el dúo vocal Anderson-Glascock deslumbró, por su calidad y carácter, en el tema "Ring Out, Solstice Bells", un villancico laico que daba título al EP lanzado en 1976 por el grupo en conmemoración del solsticio de invierno


title: John Glascock

text: Los problemas de salud de Glascock -quien arrastraba una severa dolencia de corazón desde su nacimiento- se manifestaron seriamente en 1979 y le impidieron tocar en la gira de promoción del álbum "Heavy Horses", perdiendo de ese modo la oportunidad de participar en una importante emisión radiotelevisiva transatlántica desde el Madison Square Garden de Nueva York (debió ser sustituido, en el último momento, por Tony Williams. El diagnóstico médico fue gravísimo: tenía una válvula dañada, en su ya de por sí muy débil corazón, a causa de una infección. Su última aparición con Jethro Tull en directo fue el 1 de mayo de 1979 en San Antonio, Texas.


title: John Glascock

text: Durante la producción del disco "Stormwatch", ya muy abatido por su enfermedad, John Glascock debió abandonar el estudio y la mayoría de las partes de bajo y segundas voces debieron ser grabadas sin él: sólo tomo parte en los temas "Orion", "Flying Dutchman" y "Elegy".


title: John Glascock

text: Glascock fue sometido a una operación cardiaca, a vida o muerte, en un desesperado intento médico para salvarle. En la gira promocional siguiente, Ian Anderson tuvo que informar a la banda y posteriormente a la prensa de la triste noticia de la pérdida de John Glascock, muy apreciado, tanto en su grupo como en la profesión, por su gran talento y su carácter abierto, amigable, muy afable y afectuoso. Barriemore Barlow, baterista, el más cercano amigo de John Glascock, completamente consternado por el hecho, dejó Jethro Tull al finalizar la gira. Tras la muerte de Glascock y la marcha de Barlow, el grupo sufrió una radical remodelación, quedando solamente -de los miembros originales- Ian Anderson y Martin Lancelot Barre.


title: John Glascock

text: John Glascock fue reemplazado en Jethro Tull por Dave Pegg.


title: John Glascock

text: Ian Anderson, en 2002, en un emotivo gesto, dedicó la remasterización de "" a la memoria del gran músico y amigo prematuramente muerto:


title: John Glascock

text: "Imagination Lady" (1972, Deram)


title: Dee Palmer

text: Dee Palmer (n. Londres, 2 de julio de 1937) fue la segunda teclista de Jethro Tull entre los años 1976 y 1980, directora de los arreglos orquestales de la banda.


title: Dee Palmer

text: Había colaborado con el grupo previamente durante muchos años, hasta que ingresó definitivamente en el mismo tras la grabación de "". Grabó con el grupo todos los álbumes entre "Songs from the Wood" y "Stormwatch", incluidos estos.


title: Dee Palmer

text: Como la mayoría de los miembros de la banda (excepto Ian Anderson y Martin Barre), abandonó el grupo tras la gira mundial de "Stormwatch", en agosto de 1980.


title: Dee Palmer

text: Su participación en la banda, realizando los arreglos orquestales y como segundo teclista (junto a John Evan), al órgano, enriqueció notablemente los temas del grupo.


title: Dee Palmer

text: En 2003, David Palmer cambió su nombre de pila por "Dee" y, en 2004, anunció que se había sometido a una operación de cambio de sexo. El hecho fue publicitado en muchas publicaciones y sorprendió a todos, incluso a sus ex compañeros de Jethro Tull, pues nunca habían conocido sus deseos de ser mujer, y por el hecho de haber estado casado (hasta que enviudó de su mujer), de tener hijos y de haber ofrecido siempre una imagen de hombre barbudo, como los demás miembros de la banda.


title: Dee Palmer

text: Posteriormente, ya como Dee Palmer, ha colaborado como teclista en algunas actuaciones de Ian Anderson.


title: Dave Pegg

text: Dave Pegg (*2 de noviembre de 1947) fue el bajista de Jethro Tull entre los años 1979 y 1995.


title: Dave Pegg

text: Previamente había tocado con Fairport Convention, grupo al que volvió tras su paso por esta banda.


title: Mark Craney

text: Mark Craney (25 de agosto de 1952 - 26 de noviembre de 2005) fue el batería de Jethro Tull entre los años 1980 y 1981. Tocó, además, con Gino Vanelli. Falleció el 26 de noviembre de 2005,producto de unas complicaciones con la diabetes que padecía y una neumonía, a los 53 años.


title: Robert Bork

text: Robert Heron Bork (Pittsburgh, Pensilvania, 1 de marzo de 1927 - Arlington, Virginia, 19 de diciembre de 2012) fue un jurista estadounidense activista en favor de la filosofía jurídica del originalismo. Bork fue procurador general, actuando como fiscal general y juez de circuito de una de las Cortes de Apelaciones de los Estados Unidos. En 1987 fue nominado por el Presidente de los Estados Unidos como Juez Asociado de la Corte Suprema de los Estados Unidos pero no fue ratificada su nominación por el Senado. Hasta la fecha de su muerte, Bork trabajaba como abogado, profesor de Derecho, además de ser un autor de best-sellers y participar en varias organizaciones conservadoras.


title: Robert Bork

text: El padre de Bork fue Harry Philip Bork (1857-1974), un agente de una compañía de acero, encargado de comprar, y su madre fue Elisabeth Kunkle (1898-2004), una profesora de colegio. Contrajo matrimonio con Claire Davidson en 1952; antes de que muriera de cáncer en 1980 tuvieron una hija, Ellen y dos hijos, Robert y Charles. En 1982 contrajo matrimonio con Mary Ellen Pohl, una exmonja católica.


title: Robert Bork

text: Bork obtuvo una licenciatura y el título de abogado de la Universidad de Chicago, donde ingresó a la fraternidad internacional Phi Gamma Delta, y a la Facultad de Derecho de la Universidad de Chicago. Luego de servir en el Cuerpo de Marines de los Estados Unidos, Bork comenzó su práctica privada de derecho en 1954 y luego fue profesor de la Universidad de Yale en su Facultad de Derecho desde 1962 hasta 1975 y luego desde 1977 a 1981. En Yale fue mejor conocido por su libro "The Antitrust Paradox", en el cual explica que el consumidores generalmente se ven beneficiados por las fusiones corporativas, y que muchas de las leyes de antitrust de ese entonces eran económicamente irracionales y no beneficiaban a los consumidores. Los escritos de Bork respecto a las leyes de antitrust, junto con los de Richard Posner y otros pensadores del Derecho y la Economía, influenciaron fuertemente la forma de acercarse la Corte Suprema a las leyes de antitrust desde la década de 1970. Entre sus alumnos estuvo el Presidente de los Estados Unidos Bill Clinton.


title: Robert Bork

text: Bork fue procurador general en el Departamento de Justicia de los Estados Unidos desde 1972 hasta 1977, excepto entre 1973 y 1974 que actuó como fiscal general. Como procurador general, Bork elegó varios casos importantes ante la Corte Suprema en la década de 1970, incluyendo "Milliken v. Bradley" en 1974, donde la opinión de Bork tuvo una fuerte influencia en los Jueces del Estado de Míchigan. El Juez Presidente de los Estados Unidos Warren Burger llamó a Bork como el abogado más efectivo en presentarse ante la Corte durante su período. También Bork contrató a muchos jóvenes para los cargos de Asistentes, quienes luego tuvieron importantes carreras, incluyendo al Juez Danny Boggs, Frank H. Easterbrook y Robert Reich, quien se convirtió en Secretario de Trabajo del Presidente Clinton.


title: Mary Carrillo

text: María Carrillo Moreno, conocida artísticamente como Mary Carrillo (Toledo, 13 de octubre de 1919-Madrid, 31 de julio de 2009), fue una actriz española.


title: Mary Carrillo

text: Considerada una de las grandes actrices de la escena española del siglo XX, debutó en 1936 en la Compañía de Hortensia Gelabert, con la obra "El juramento de la primorosa" y posteriormente en la de Pepita Díaz-Manuel Collado (con quien interpreta "Nuestra Natacha"). Al inicio de la Guerra Civil Española marcha a México y estrena "Prohibido suicidarse en primavera" con la Compañía Díaz-Collado. Allí se casó, con apenas diecisiete años, en el Teatro Nacional de La Habana apadrinada por Alejandro Casona, con el actor Diego Hurtado Álvarez.


title: Mary Carrillo

text: De regreso a España, retoma su carrera teatral y realiza la película "Marianela" (1940), de Benito Perojo, inspirada en la novela homónima de Benito Pérez Galdós. Tras rodar otros tres largometrajes, se aparta de la gran pantalla hasta 1958.


title: Mary Carrillo

text: En teatro, se incorpora primero a la Compañía de María Bassó y Nicolás Navarro y en los primeros cincuenta entró en la Compañía Lope de Vega, dirigida por José Tamayo, donde interpreta lo más importante del teatro español del Siglo de Oro y otros títulos del teatro universal. Con "La vida es sueño", viaja a París y participa en el I Festival del Teatro de las Naciones, en 1954, y consiguió el Premio a la Mejor Interpretación. Ese mismo año propone un texto a Tamayo que había localizado Diego Hurtado, "La Alondra", de Jean Anouilh. También interpretó "La florista de la reina", "La santa hermandad" y "La santa virreina". En 1948, finalmente, forma su propia Compañía. Fue la actriz fetiche del director teatral José Tamayo y del autor Antonio Gala. Una anécdota revela su tremenda calidad sobre las tablas: Edward Albee, autor del texto original de "Quién teme a Virginia Woolf", la vio en España junto a Enrique Diosdado y dirigida por José Osuna y se quedó tan admirado que trató de convencer a la Metro para que la contratara para la película, pero al final se lo quedó Elizabeth Taylor.


title: Mary Carrillo

text: En 1958 vuelve al cine, con "El pisito", de Marco Ferreri. En los años siguientes se suceden una serie de títulos notables, en los que Mari Carrillo despliega su gran capacidad artística especialmente en registros dramáticos: "El crimen de Cuenca", dirigida por Pilar Miró, "La Colmena" y "Los santos inocentes" (1984), de Mario Camus... Pero también en títulos de comedia ("Entre tinieblas", de Pedro Almodóvar).


title: Mary Carrillo

text: En 1982 triunfó con "La enemiga", de Dario Niccodemi. Su última aparición sobre las tablas fue en una representación de "Hora de visita", de José Luis Alonso de Santos. Retirada de las tablas desde 1995, falleció el 31 de julio de 2009.


title: Mary Carrillo

text: Tuvo cuatro hijas, entre ellas las actrices y humoristas Paloma, Teresa y Fernanda Hurtado, conocidas artísticamente como Las Hermanas Hurtado. La mayor de sus hijas era Alicia, que no se dedicaba al medio artístico; trabajaba en la sección de mantenimiento de aviones de la compañía Spantax.


title: Mary Carrillo

text: Mary Carrillo escribió a los 81 años sus memorias en "Sobre la vida y el escenario". Recibió, entre otros, el Premio Nacional de Teatro en dos ocasiones (1949 y 1961), la medalla del Círculo de Bellas Artes (también por dos veces, en 1948 y 1982), el premio Ondas en 1969 como mejor actriz de televisión, el premio Goya en 1995 como mejor actriz de reparto por "Más allá del jardín" y el premio de la Unión de Actores en 1995 por su trayectoria profesional.


title: Mary Carrillo

text: En los últimos años de su vida padeció la enfermedad de Alzheimer.


title: Gerry Conway (músico)

text: Gerry Conway (11 de septiembre de 1947, King's Lynn, Norfolk) fue el batería de Jethro Tull entre los años 1982 y 1987.


title: Doane Perry

text: Doane Ethredge Perry (16 de junio de 1954) es el baterista de Jethro Tull desde 1984 hasta la actualidad.


title: Doane Perry

text: Comenzó a tocar el piano a los 7 años y continuaría hasta los 11 cuando los Beatles llegaron y cambiaron todo. Allí Descubrió la posibilidad, por muy improbable que fuera, de que las jóvenes lo perseguirían por la calle si tomaba los tambores. Cuando tenía 14 años empezó a trabajar los fines de semana con su propia banda en Nueva York y continuo haciéndolo hasta que terminó el bachillerato a los 17 años, aparte de un breve desvío como vendedor de helados de Baskin -Robbins. A los 18 años se convirtió en baterista profesional a pesar de continuar con la escuela, lo que en última instancia creó un serio conflicto (principalmente con la escuela), ya que a menudo viajaba. Esto resultó en una decisión muy difícil, pero Perry eligió la música a tiempo completo. Comenzó a hacer todo lo posible para obtener un fondo musical más amplio que terminó siendo una interesante combinación de trabajo en vivo y estudio que abarcaba una sección de música inusual en Nueva York en ese momento. Partituras de rock, pop, jazz, orquesta, danza, R&B, folk, televisión y cine y todas las músicas étnicas imaginables florecían en ese momento en Nueva York. Fue un momento maravilloso para ser un joven músico. A lo largo de los años tuvo la gran suerte de trabajar con una amplia variedad de artistas y bandas famosas y otras no tan conocidos, aunque sin importar quienes eran, Doane Perry siempre aprendió algo de esos artistas..


title: Doane Perry

text: Algunos de estos artistas son, en ningún orden en particular: Lou Reed, Bette Midler, Teo Macero y su Big Band, Phyllis Hyman, Todd Rundgren, Baird Hersey, Brenda Russell, Dave Mason, Michel Colombier, Peter Allen , Pat Benatar, Jim Messina, Martha y las Vandellas, Peter Cetera, Dweezil Zappa, Stan Getz, Kitaro y Jon Anderson, Fairport Convention, Laura Branigan, Dionne Warwick, Liza Minnelli, Patty Scialfa, Vonda Shepard, Charles Aznavour, Jess Roden, Barry Mann y Cynthia Weil, Bill Champlin, Marc Shaiman, Freda Payne, Jeffrey Osbourne, Diane Warren, Elliot Murphy, Gary USBonds, Maxus, Cazador / Dragón, Tommy Emmanuel, Richard Clapton, Sharon O'Neil, Sharon O'Neil, Jenny Morris, Joey Dee y los Starlighters, Tom Pacheco, Pat Alger y Artie Traum, Adrian Gurvitz, Gary Brooker, Katey Sagal, Debra Holland, Magellan, The Rivets, Scout, Michael Ruff, Marc Cohn, Patty Scialfa, Barnes & Barnes, David Schwartz, James McVay , David Foster, Michael Omartian, Stewart Levine y Paul Rothchild, trabajó en un proyecto de álbum con una joven artista muy talentosa llamada Rachel Hart, un disco homenaje a Emerson, Lake y Palmer (que salió en el invierno del '98), compuso música para una nueva y muy buena serie de televisión poco convencional titulada "Maximum Bob" con Beau Bridges y una nueva película con Walter Matthau y Carol Burnett titulada "The Marriage Fool". Luego trabajó junto a Vince DiCola en el disco "Thread", que salió en la primavera del '99.


title: Peter-John Vettese

text: Peter-John Vettese (15 de agosto de 1956) fue el teclista de Jethro Tull entre los años 1982 y 1985.


title: Maartin Allcock

text: Maartin Allcock (Middleton, Lancashire; 5 de enero de 1957-16 de septiembre de 2018) fue tecladista y guitarrista de Jethro Tull entre 1988 y 1991. Falleció tras padecer cáncer de hígado.


title: Maartin Allcock

text: Estudió música en Huddersfield y Leeds. Su inicio como músico profesional fue en enero de 1976 tocando en bandas musicales y clubes de música "folk". Su primera gira fue en 1977 con Mike Harding como uno de the Brown Ale Cowboys. Regresó a la Gran Bretaña y permaneciendo por un tiempo, más de lo previsto y aprendiendo a cocinar mientras tanto. Regresó a Mánchester para estudiar y certificarse como chef, trabajando en las islas Shetland en 1980.


title: Maartin Allcock

text: En 1981 se unió a Bully Wee Band, un grupo céltico de música "folk", estando once años como el guitarrista principal con música "folk" británica y con la banda de "rock" Fairport Convention de octubre de 1985 a diciembre de 1996, además de cuatro años como tecladista de la banda de "rock" Jethro Tull de enero de 1988 a diciembre de 1991. En el verano de 1991 tocó los teclados para The Mission. A principios de los años 2000 trabajó libremente desde su hogar en la costa oeste de Snowdonia con una sesión y productor de grabación en el idioma galés para el sello Sain.


title: Maartin Allcock

text: En 2018 anunció en su sitio web que le habían diagnosticado que padecía de cáncer de hígado, haciendo su última presentación con vida en dicho año en Cropredy Festival y retirándose posteriormente. Falleció el 16 de septiembre de 2018.


title: Taller (desambiguación)

text: Un taller es el espacio donde se realiza un trabajo manual o artesano. En ocasiones se denomina taller a algunos tipos de fábrica o lugares de reparación y mantenimiento.


title: Taller (desambiguación)

text: Taller o Talleres también puede referirse a lugares donde imparten ciertas charlas, normalmente los temas de los talleres son acerca de talleres.


title: Dave Mattacks

text: David James "Dave" Mattacks (Edgware, Middlesex; 13 de marzo de 1948) es un baterista de "rock" y "folk" inglés, más conocido por su trabajo con Fairport Convention, también trabajó como músico de sesión.


title: Dave Mattacks

text: Fue baterista de Camel en el año 1982, y de Jethro Tull entre los años 1991 y 1992. Ha trabajado con numerosos artistas, entre ellos Nick Drake, Everything But The Girl, Richard Thompson, Elton John, XTC, The Dream Academy, Elkie Brooks, Jimmy Page y Phil Manzanera.


title: Dave Mattacks

text: Desde 1998 reside en Marblehead, Massachusetts (Estados Unidos). Integra la banda Super Genius.


title: Cerámica de figuras rojas

text: La cerámica de figuras rojas es uno de los más importantes estilos figurativos de la cerámica griega. Se desarrolló en Atenas hacia 530 a. C. y fue utilizado hasta el siglo III a. C. Reemplazó al estilo previo predominante de la cerámica de figuras negras al cabo de unas décadas. Su nombre está basado en las representaciones figurativas de color rojo sobre fondo negro, en contraste con el mencionado estilo precedente, de figuras negras sobre fondo rojo.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Las zonas más importantes de producción, además del Ática, estuvieron en la Magna Grecia (Italia). El estilo fue adoptado en otras partes de Antigua Grecia. Etruria llegó a ser un importante centro de producción fuera del ámbito griego.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Los vasos áticos de figuras rojas se exportaron por toda Grecia y más allá del Mediterráneo. Durante mucho tiempo, dominaron el mercado de cerámica de calidad. Solo algunos centros de producción pudieron competir con Atenas en términos de innovación, calidad y capacidad de producción. Más de 40 000 ejemplares y fragmentos de vasos han sobrevivido. Del segundo centro de producción en importancia, la Magna Grecia, más de 20 000 vasos y fragmentos se han conservado.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Desde los primeros que los estudiaron, John D. Beazley y Arthur Dale Trendall, se ha progresado mucho en el estudio en el estilo de este arte, logrando adscribir muchos vasos a artistas o escuelas. Las imágenes representadas proporcionan una evidencia irreemplazable para la exploración de la historia de la cultura, la vida diaria, la iconografía y la mitología griegas.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Alrededor del 530 a. C., en el taller donde trabajaba el Pintor de Andócides, maduraba la innovación tecnológica que iba a imponer el estilo de cerámica de figuras rojas (reservadas a la capa de barniz que cubría enteramente las paredes del vaso), en lugar del tradicional de figuras negras. Andócides reemplazó las figuras negras, excepto en el caso de las ánforas panatenaicas.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Esta nueva técnica permitía una representación más próxima a la realidad, restituyendo a la luz de las imágenes que la antigua técnica definía antinaturalmente con la opacidad de la sombra.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Él, y otros representantes tempranos del estilo, como Psiax, pintaron inicialmente jarrones en ambos estilos, con escenas de figuras negras en una cara y de figuras rojas en la otra. Estos jarrones, como el ánfora panzuda del Pintor de Andoócides (Múnich 2301), se denominan vaso bilingües. Aunque muestran grandes avances frente al estilo de figuras negras, las figuras siguen pareciendo algo rebuscadas y rara vez se superponen. Las composiciones y técnicas del estilo más antiguo siguieron utilizándose. Así, las líneas incisas son bastante comunes, al igual que la aplicación adicional de pintura roja ("rojo añadido") para cubrir grandes áreas[4].


title: Cerámica de figuras rojas

text: Los nuevos pintores de figuras rojas, como el Pintor de Andócides y Psiax que se habían formado en el estilo de figuras negras siguieron utilizando la antigua técnica durante unos treinta años, a menudo empleando ambas en el mismo vaso (cerámica bilingüe) con escenas de figuras negras en una cara y de figuras rojas en la otra, o utilizando incisiones para algunos de los detalles de las figuras rojas, como el pelo, cuyo contorno se grababa sobre el fondo negro. Los vasos bilingües, como el "Ánfora panzuda del Pintor de Andocides" (Múnich, Staatliche Antikensammlungen, número de inventario 2301), aunque muestran grandes avances frente a la técnica de figuras negras, las figuras siguen pareciendo algo rebuscadas y rara vez se superponen. Las composiciones y técnicas del estilo más antiguo siguieron utilizándose. Así, las líneas incisas son bastante comunes, al igual que la aplicación adicional de pintura roja (“rojo añadido”) para cubrir grandes áreas.


title: Cerámica de figuras rojas

text: La persistencia de las figuras negras en el primer periodo de figuras rojas indica que la búsqueda de una nueva forma de pintar fue principalmente una elección de los propios pintores y no una adaptación a las demandas del mercado.


title: Cerámica de figuras rojas

text: La nueva técnica cerámica fomentó un alto grado de especialización entre los artistas. En la época de las figuras rojas, esta se diferenciaban en pintores de vasos y pintores de copas; las firmas plasmadas atestiguan también numerosos movimientos de autores entre los distintos talleres, dentro de los cuales la obra asumía así características más industriales.


title: Cerámica de figuras rojas

text: En los primeros treinta años del sigloV a. C. la técnica alcanzó su máxima expresión en el Ática, y a partir de ese momento inició una fase de decadencia que la condujo a mediados de siglo a un estilo por entonces académico y manierista; el resultado de la guerra del Peloponeso en el año 404 a. C., privó a Atenas de su floreciente mercado en Occidente, y la cerámica ática de figuras rojas terminó su curva descendente hacia el 300 a. C.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Las figuras rojas áticas fueron populares en todo el mundo griego, imitadas y nunca igualadas; sin embargo, solo en Occidente, en el sur de Italia, dieron lugar a producciones independientes (la escuela apulia es la más destacada) en el tercer cuarto del siglo V a. C. por artistas formados inicialmente en la tradición ática.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Crear una pieza de cerámica de figuras rojas requería la estrecha colaboración entre el alfarero y el pintor. El alfarero daría forma a la pieza de arcilla y la entregaba al pintor mientras la arcilla todavía estaba húmeda. El pintor pintaría el vaso usando un instrumento como una bolsa de pastel con una boquilla que accionaba una jeringa de hueso o madera para poner los detalles y colores de fondo.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Las figuras rojas se obtenían, tras un primer boceto inciso, dibujando las líneas externas y los detalles internos en la arcilla. Las partes externas de las figuras estaban cubiertas por un engobe negro, aplicado para «ahorrar» arcilla de los espacios ocupados por las figuras. Al final, el aspecto de estas escenas figurativas se asemejaba más a los relieves escultóricos, en los que las figuras de colores claros o coloreados destacaban sobre fondos oscuros, que a la pintura mural, que se aplicaba preferentemente sobre un fondo claro  Los detalles y contornos de las figuras se trazaban con un pincel y pintura diluida o en relieve; la pintura diluida, más clara, se utilizaba también para colocar los fondos planos. En comparación con la técnica de las figuras negras, las figuras rojas daban un nuevo relieve a la forma del vaso, realzando el contorno con el fondo negro. Las libertades concedidas por la nueva técnica permitieron a los pintores profundizar en el estudio y la representación de la anatomía humana y del cuerpo en movimiento. Tras una primera cocción era posible aplicar otras capas de pigmento blanco o púrpura, que, sin embargo, se utilizó siempre poco, al menos hasta finales del siglo V a. C., cuando una nueva estética introdujo una decoración que hacía un amplio uso del blanco y el oro.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Tanto las figuras negras con las rojas se realizaban mediante la técnica de cocción en tres fases. Las pinturas se aplicaban a las vasos ya modelados pero sin cocer, una vez que se habían secado hasta alcanzar una textura correosa y casi quebradiza. En el Ática, la arcilla normal sin cocer era de color naranja en esta fase. Los contornos de las figuras previstas se dibujaban con un raspador romo, dejando un ligero surco, o con carbón vegetal, que desaparecía por completo durante la cocción. A continuación, los contornos se volvían a dibujar con un pincel, utilizando una arcilla brillante engobe. En ocasiones, el pintor decidía cambiar un poco la escena figurativa. En estos casos, a veces quedan visibles los surcos del boceto original. Los contornos importantes se dibujaban a menudo con un engobe más grueso, lo que daba lugar a un contorno ligeramente sobresaliente (línea de relieve); las líneas menos importantes y los detalles internos se dibujaban con arcilla brillante diluida.


title: Cerámica de figuras rojas

text: En este punto se aplicaban detalles en otros colores, como el blanco o el rojo. La línea de relieve se dibujaba probablemente con un pincel de cerdas o de pelo, mojado en pintura espesa. La sugerencia de que una aguja hueca podría explicar tales características parece algo improbable. La aguja hueca, o jeringa, fue propuesta por Noble (1965). La primera publicación del método del pelo es obra de Gérard Seiterle. La aplicación de los contornos en relieve era necesaria, ya que, de lo contrario, la arcilla brillante, más bien líquida, habría resultado demasiado opaca. Tras la fase inicial de desarrollo de la técnica, se utilizaron ambas alternativas, para diferenciar mejor las gradaciones y los detalles. El espacio entre las figuras se rellenaba con un engobe de arcilla gris brillante. A continuación, los vasos se sometían a una cocción de tres fases, durante la cual la arcilla brillante alcanzaba su característico color negro o negro-marrón a través de la reducción-oxidación, el color rojizo por una reoxidación final. El proceso fue redescubierto y publicado por primera vez por Theodor Schumann. Dado que esta fase final de oxidación durante la cocción se utilizaban temperaturas más bajas, las partes vidriadas del vaso no se volvían a oxidar de negro a rojo: su superficie más fina se fundía (sinterización) en la fase reductora, quedando protegida del oxígeno.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Debido a que la pintura solamente contraía el color una vez la pieza era horneada, el pintor tenía que pintar casi completamente de memoria, incapaz de ver su trabajo previo. Adicionalmente, los colores podían ser aplicados mientras la arcilla todavía estaba húmeda, así que el pintor tenía que trabajar muy rápidamente. En las grandes cráteras pintadas con la técnica de figuras rojas, esto significaba que decenas de miles de líneas habían sido aplicadas, cada una terminaba precisamente en el punto exacto para impedir coincidencias en el intrincado detalle de la obra. A pesar de estas restricciones, los pintores de figuras rojas desarrollaron un estilo intrincado y detallado.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Los pintores que trabajaban en la técnica de figuras negras tenían que mantener sus figuras bien separadas unas de otras y limitar la complejidad de su ilustración; desde que todos elementos del primer plano eran cubiertos con la misma sombra negra, dos figuras que coincidieran podrían resultar indistinguibles. El detalle anatómico más allá del simple esbozo era casi imposible en el estilo de figuras negras, cuando solo un número limitado de colores (principalmente, un blanco crudo) destacaría sobre las figuras negras.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Por contraste, la técnica de figuras rojas permitió la mayor libertad. Cada figura fue silueteada naturalmente contra el fondo negro, como si fuera iluminada por luz teatral, y el más natural esquema de rojo sobre negro, en conjunción con la variedad más grande de colores que el artista podía emplear, permitió que los pintores de figuras rojas retrataran los detalles anatómicos con más exactitud y variedad.


title: Cerámica de figuras rojas

text: La nueva técnica tenía la ventaja principal de permitir una ejecución mucho mejor de los detalles internos. En la pintura de vasos de figuras negras, estos detalles tenían que ser rayados en las superficies pintadas, lo que era siempre menos preciso que la aplicación directa de los detalles con un pincel. Las representaciones de figuras rojas solían ser más vivas y realistas que las de figuras negras. Además, contrastaban mejor con los fondos negros. Ya era posible representar a los seres humanos no solo de perfil, sino también en perspectiva frontal, trasera o de tres cuartos. La técnica de las figuras rojas también permitía indicar una tercera dimensión en las figuras. Sin embargo, también tenía desventajas. Por ejemplo, la distinción del sexo mediante el uso de la barbotina negra para la piel masculina y la pintura blanca para la femenina era ya imposible. La tendencia a representar a los héroes y a las divinidades desnudos y en edad juvenil también hacía más difícil distinguir los sexos a través de las vestimentas o los peinados. En las fases iniciales, también hubo errores de cálculo en cuanto al grosor de las figuras humanas.


title: Cerámica de figuras rojas

text: En la pintura de vasos de figuras negras, los contornos prediseñados formaban parte de la figura. En los jarrones con figuras rojas, el contorno formaba parte del fondo negro después de la cocción. Esto hizo que los jarrones tuvieran figuras muy delgadas al principio. Otro problema era que el fondo negro no permitía representar el espacio en profundidad, por lo que casi nunca se intentaba la perspectiva espacial. Sin embargo, las ventajas superaban a los inconvenientes. La representación de músculos y otros detalles anatómicos ilustra claramente el desarrollo del estilo.


title: Cerámica de figuras rojas

text: El grupo pionero de pintores en particular usó la técnica de figuras rojas para conseguir un naturalismo no visto antes en estilos anteriores. Humanos y animales fueron retratados en poses naturalistas con anatomía esquemática pero exacta, y la técnica del escorzo y perspectiva de ilusionista fue desarrollada para explotar la relativa libertad del método de figuras rojas. Artistas posteriores, explorando los límites de la técnica figuras rojas, reintroducen el blanco como un color de detalle (casi abandonado al final de la técnica de figuras rojas) y el extendido uso del dorado se integró en el estilo de figuras rojas.


title: Cerámica de figuras rojas

text: La cronología absoluta de las primeras figuras rojas áticas está ligada al nombre de Ernst Langlotz y a un trabajo suyo de 1920; desde entonces, a pesar de diferentes intentos de revisión, no ha cambiado. El método seguido por Langlotz fue la comparación estilística con esculturas de los siglos VI y V a. C., lo que le llevó a reconocer la cercanía entre las vestimentas del friso del Tesoro de los sifnios en Delfos (datadas ciertamente por las fuentes literarias en 530-525 a.C.) y las de las figuras de los vasos del Pintor de Andócides, que dieron una primera impronta al estilo.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Pioneros de esta pintura de figuras rojas en las últimas décadas del siglo VI a. C., fueron Eufronio, Eutímides y Fincias, asociados en el arte y en la vida, como se deduce del vivo intercambio de réplicas, como un diálogo entre colegas, que se aprecia en las numerosas inscripciones en sus vasos.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Este grupo, reconocido y definido por los estudiosos del siglo XX, experimentó con las diferentes posibilidades que ofrecía el nuevo estilo. Así, las figuras aparecieron en nuevas perspectivas, como vistas frontales o traseras, y se experimentó con escorzos de perspectiva y composiciones más dinámicas.


title: Cerámica de figuras rojas

text: En tanto que las frecuentes referencias a jóvenes aristócratas sugieren contactos con el ambiente de la juventud dorada ateniense. Eufronio o Eutímides obtuvieron las consecuencias fundamentales en cuanto a diseño y composición con la acentuación del estudio anatómico para una mayor unidad estructural de los cuerpos y un movimiento más realista manteniendo la adherencia a la superficie plana del vaso. Incluso la representación de la ropa se convirtió en este período en un motivo de interés y estudio y los escenarios de la vida cotidiana, en particular los gimnasios y las veladas en los simposios, acompañaron con mayor frecuencia a los de temática mitológica.


title: Cerámica de figuras rojas

text: La trayectoria de Eufronio, cortada demasiado pronto por algún problema visual (es una hipótesis de John Beazley), se caracteriza por la energía con que se enfrenta al escorzo y al análisis de la anatomía masculina, en consonancia con la evolución de la escultura contemporánea, especialmente en los bajorrelieves. Eufronio introdujo la líea de relieve.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Eutímides, por el contrario, es el paradigma de una tendencia sintética, en la que la fluidez del contorno atenúa la crudeza del despiece de la musculatura.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Si los citados pioneros pintan habitualmente sobre recipientes de grandes dimensiones, que exaltan su inclinación por lo monumental, un cálculo estadístico revela que, durante el primer período de las figuras rojas, ocho de cada diez vasos pintados son de tipo kílix, es decir, copas con dos asas cuya decoración comprende no solo las paredes externas, sino que se extiende a la superficie circular interior (el llamado tondo).


title: Cerámica de figuras rojas

text: Entre los contemporáneos del Grupo pionero, los más hábiles son Olto, Epicteto y Escita. Aunque en un principio no está clara la diferencia entre los pintores de copas y los pintores de grandes vasos, los dos primeros deben ser considerados los mejores pintores de copas de la época, responsables de la transición de la copa ática bilingüe, con interior de figuras negras y exterior de figuras rojas, a la verdadera copa de figuras rojas. Olto está dotado de una gran habilidad y tiene un estilo noble heredado del Pintor de Andócides. Epicteto es un dibujante más talentoso dotado de gracia y habilidad natural.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Ya a mediados del siglo VI a. C., el ánfora de perfil continuo había ganado mayor popularidad que las otras formas más angulares, y en la década del 530 a. C., se había generalizado el vaso caracterizado por una sola línea que seguía el perfil del recipiente y del tallo (el vaso de tipo B). Esta tendencia a la suavidad en las formas vasculares crece en el periodo temprano de las figuras rojas y es perceptible en las nuevas formas como el pélice y el estamno.


title: Cerámica de figuras rojas

text: El Grupo pionero inventó nuevas formas de vasoss, lo que se vio favorecido por el hecho de que muchos de los pintores del grupo pionero eran también alfareros. Las nuevas formas incluyen el psíctero y la pélice. Las grandes cráteras y ánforas se hicieron populares en esta época. Aunque no hay indicios de que los pintores se considerar a sí mismos como un grupo en la forma en que lo hacen los estudiosos modernos, hubo algunas conexiones e influencias mutuas, quizá en un ambiente de competencia y estímulo amistoso. Así, un jarrón de Eutimides lleva la inscripción «como Eufronio nunca [hubiera podido]». De forma más general, el Grupo pionero tendía a utilizar inscripciones. La rotulación de figuras mitológicas o la adición de inscripciones kalós son la norma más que la excepción.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Tras las grandes innovaciones en materia de representación anatómica y de movimiento aplicadas en el periodo anterior, las dos primeras décadas del siglo V a. C. condujeron a la mejora de los elementos de detalle y a la estabilización de la técnica. Al contrario que en la escultura contemporánea, que se dirigía hacia el estilo severo, el esquematismo arcaico no fue abandonado totalmente por la pintura sobre jarrones, un arte esencialmente decorativo, y fue en este momento cuando las artes comenzaron a divergir.


title: Cerámica de figuras rojas

text: La división entre los pintores de grandes vasos y los pintores de copas se profundizó. El período de veinte años estuvo dominado por seis artesanos de calidad superior, una generación nacida de la experiencia del Grupo pionero: dos decoradores anónimos de grandes vasos, el Pintor de Cleofrades y el Pintor de Berlín, y cuatro personalidades que se distinguieron principalmente en la decoración de vasos, Macrón, Onésimo, el Pintor de Brigos y Dúrides, dotado de una extraordinaria longevidad artística (del 500 al 460 a. C.).


title: Cerámica de figuras rojas

text: Las ánforas que reproducían la forma típica del ánfora panatenaica u otras pequeñas ánforas simplemente decoradas y llamadas ánforas de Nola sustituyeron en gran medida al ánfora de perfil continuo. Las figuras destacaban aisladas en los vasos pintados en negro, que carecían de bandas y tenían una única decoración como línea base, a menudo un meandro. Otras formas siguieron siendo frecuentes, como el pélice, el estamno y la crátera de diversos tipos. El lécito se hizo popular en la versión de fondo blanco. El kílix más extendido era de perfil continuo con una decoración adaptada a la nueva tipología. El kílix es la forma claramente preferida en las etapas tardoarcaica y severa. Muchos han llegado hasta nosotros gracias a la popularidad que tuvieron en el mercado de exportación a Italia. Especialistas en su decoración son, entre muchos otros, Olto y Epicteto, el Pintor de Panecio y Onésimo (estos dos últimos, de la escuela de Eufronio, pudieran ser tal vez una misma persona en dos fases distintas de su evolución estilística), el Pintor de Brigos y Macrón, más recientes, y Dúrides. Con frecuencia se emplearon formas de vasos nuevas o modificadas, como el ánfora de Nola y los vasos de tipo ascos y dinos. Aumentó la especialización en pintores de vasos y copas por separado.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Una especie de grandiosa recapitulación de la realidad, cotidiana y heroica, individual y colectiva, en todos los registros posibles, desde el violento de la orgía y la guerra hasta el imperturbable de los dioses, discurre por las bandas continuas exteriores y se reinterpreta, con episodios fuertemente alusivos, en la superficie interior de los vasos.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Una de las principales características de este estilo de pintura de vasos áticos de gran éxito es el dominio del escorzo de la perspectiva, que permite una representación mucho más naturalista de las figuras y las acciones. Otra característica es la drástica reducción de las figuras por vaso, de los detalles anatómicos y de las decoraciones ornamentales. En cambio, el repertorio de escenas representadas aumentó. En las representaciones de héroes, Heracles cede la primacía a Teseo, en el clima ideológico de la nueva democracia codificada por el legislador Clístenes.


title: Cerámica de figuras rojas

text: El desnudo masculino, y también el femenino luego, de mano de Onésimo, asume una gran coherencia estructural, exaltada por el gesto atlético; y hasta expresiones propias del anciano y el joven comienzan a manifestarse en la rica gama del Pintor de Brigos.


title: Cerámica de figuras rojas

text: La mejora de la calidad fue acompañada de una duplicación de la producción durante este periodo. Atenas se convirtió en la principal productora de cerámica fina del la cuenca mediterránea, eclipsando a casi todos los demás centros de producción.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Las dos personalidades más representativas de la segunda generación de los pintores de figuras rojas, en las tres o cuatro décadas que van desde la caída de los pisistrátidas a la doble victoria del imperialismo ateniense, son el Pintor de Cleofrades y el Pintor de Berlín, divergentes y complementarios: el primero, quizá corintio, discípulo de Eutímides, que no se cansa de ensayar las posibilidades comunicativas de la narración pictórica, y el de Berlín, un temperamento contemplativo, que con caligrafía nítida y seguridad absoluta de trazo, dibuja en cada lado del vaso una o pocas figuras, aislada de un contexto narrativo jamás explícito pero sobreentendido siempre.


title: Cerámica de figuras rojas

text: A pesar de los avances en la decoración figurativa de los vasos, algunas de las innovaciones introducidas por los grandes pintores del periodo anterior y derivadas quizá de la pintura mural siguieron sin ser aceptadas durante mucho tiempo, como por ejemplo la mueca de dolor de Patroclo en la conocida Copa de Sosias (Berlín, Antikensammlung F2278) o la particular forma compositiva elegida por el Pintor de Cleofrades para la hidria con las escenas de la "Iliupersis". La pintura en vasos había seguido sus propias reglas hasta que en el segundo cuarto del siglo V a. C. aparecieron nuevos esquemas compositivos, dotados de mayor libertad y alejados de la compostura del periodo arcaico. Si la revolución de finales del siglo VI a. C. en el seno de la cerámica ática había sido inducida por las innovaciones relativas a las figuras individuales y que miraban a la escultura contemporánea, los nuevos cambios introducidos por la nueva generación miraban a la pintura mural. La consecuencia de ello fue la pérdida de la búsqueda de la unión entre forma y decoración, al tiempo que se desarrollaron nuevas actitudes y nuevas formas de representar los sentimientos. Las composiciones que imitaban las pinturas murales consistían a veces en grandes figuras colocadas sobre diferentes líneas de fondo (la composición de Polignoto, según Pausanias), frecuentes fueron los temas épicos relacionados temáticamente con las guerras médicas, como las amazonomaquias, y no es casualidad que en estos años se desarrollara la nueva técnica de fondo blanco que hacía que los vasos se parecieran más a las pinturas.


title: Cerámica de figuras rojas

text: En estos años no se produce la creación de nuevas formas mientras que las del periodo anterior son elaboradas y tienden a asumir una elegancia forzada. Las más comunes son el ánfora grande de cuello marcado y la pequeña ánfora de Nola.


title: Cerámica de figuras rojas

text: En el tercer cuarto del siglo V a. C., la pintura de vasos estaba dominada por un ideal de dignidad humana que recuerda a las esculturas contemporáneas del Partenón. La influencia de la decoración escultórica del recién erigido Partenón, es especialmente visible en la representación de las prendas de vestir. La ropa adquirió una cadencia más natural y la anatomía de los cuerpos se hizo aún más precisa. La caída de las telas era más natural y se representaron con más pliegues, lo que condujo a una mayor «profundidad» de la representación. Las composiciones generales se simplificaron aún más. Hubo un mayor uso de las sombras, aunque estas quedaron relegadas a la representación de los objetos y la ropa, mientras que los cuerpos tendieron a mantener una definición lineal. El último de los grandes pintores áticos, el Pintor de Aquiles, fue la principal personalidad vinculada al nuevo estilo monumental y el que fijó el estilo de los populares lécitos funerarios de fondo blanco, con los que la cerámica ática alcanzó la verdadera policromía. El Pintor de la fíala, fue alumno del Pintor de Aquiles y heredó sus figuras alusivas y tranquilas.


title: Cerámica de figuras rojas

text: La característica principal de las figuras de este periodo, es que suelen ser algo más robustas y menos dinámicas que sus predecesoras. Como resultado, las representaciones ganaban en seriedad, incluso en "pathos". La forma de presentar las escenas también cambió sustancialmente. En primer lugar, las composiciones dejaron de centrarse en el momento de un acontecimiento concreto, sino que, con tensión dramática, mostraban la situación inmediatamente anterior a la acción, implicando y contextualizando así el acontecimiento propiamente dicho. Además, algunos de los otros nuevos logros de la democracia ateniense comenzaron a mostrar su influencia en la pintura de vasos. Así, se pueden detectar influencias de la tragedia y de la pintura mural. Dado que la pintura mural griega se ha perdido casi por completo, su reflejo en los vasos constituye una de las pocas, aunque modestas, fuentes de información sobre ese género artístico. Los artistas ponen especial énfasis en la simetría, la armonía y el equilibrio. Las figuras humanas volvieron a su anterior esbeltez; a menudo irradian una serenidad ensimismada y divina.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Entre los pintores de este período, Polignoto tuvo una gran influencia, que no debe confundirse con otros dos pintores de vasos contemporáneos del mismo nombre (conocidos como Pintor de Lewis y Pintor de Nausícaa) y con el conocido pintor de pinturas murales, que continuó el estilo monumental y quizás el taller del Pintor de los Nióbidas. En el lado opuesto, el Pintor de Shuválov y el Pintor de Eretria figuran entre los primeros «manieristas» de finales de siglo, ya activos en el tercer cuarto del siglo V a. C. El primero procedía de la escuela de Polignoto aunque prefería los vasos pequeños y las representaciones, el segundo maduró su propio estilo miniaturista, hacia el 430 a. C., que explotaba las decoraciones en relieve y la arcilla dorada.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Alrededor del año 430 a. C., las figuras rojas áticas fueron producidas en el sur de Italia y en Sicilia por artesanos formados en Atenas, de los que surgió una nueva escuela local que tuvo como primeros modelos al Grupo de Polignoto y al Grupo del Pintor de Aquiles. El nacimiento de las escuelas del sur de Italia tuvo probablemente su origen en la fundación de Turios en el año 443 a. C., una colonia panhelénica impulsada por Pericles, en la que participaron muchos atenienses.


title: Cerámica de figuras rojas

text: A finales de siglo, la escuela de Polignoto, que ya había introducido la atención a la plasticidad fidiana, había alcanzado su segunda generación y contaba en estos años con exponentes influyentes como el Pintor de Cleofonte y el Pintor del dinos, este último, sin embargo, más inclinado a los efectos cromáticos que a los plásticos y más cercano a la manera calimaquea que a la fidiana. Las innovaciones que las fuentes literarias atribuyen a Agatarco no supusieron grandes cambios en la pintura vascular, quizá porque la introducción de un sistema de perspectiva quedó en la época de Agatarco probablemente confinada a las escenas teatrales de tipo arquitectónico.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Se crearon dos tendencias opuestas. Por un lado, se desarrolló un estilo de pintura de vasos fuertemente influenciada por el “estilo rico” de la escultura, representado por los “manieristas” en la pintura de vasos del último cuarto del siglo V a. C.; por otro lado, algunos talleres continuaron los desarrollos del período clásico temprano, con un mayor énfasis en la representación de la emoción, y una gama de escenas eróticas.


title: Cerámica de figuras rojas

text: El representante más importante del manierismo” es el Pintor de Midias. Sus rasgos característicos son las prendas transparentes y los múltiples pliegues de la tela. También aumenta la representación de joyas y otros objetos. Es muy llamativo el uso de colores adicionales, sobre todo blancos y dorados, que representan accesorios en bajorrelieve. Con el paso del tiempo, se produce un marcado “ablandamiento”: El cuerpo masculino, que hasta entonces se definía por la representación de los músculos, fue perdiendo esa característica clave. Los manieristas continuaron en la dirección de un estilo pictórico sinuoso y sensual, con una pintura libre y lírica, frecuentes adiciones accesorias de blanco y oro y una figuración que tiende a la teatralidad. El Pintor de Midias desarrolló un estilo cercano al del Pintor de Eretria. Su taller fue uno de los más grandes e influyentes de Atenas . Sus contemporáneos y activos en grandes vasos son el Pintor de Talos, el Pintor de Pronomo y el Pintor de Suessula.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Los vasos representaban escenas mitológicas con menos frecuencia que antes. Las imágenes del mundo privado y doméstico adquieren cada vez más importancia. Son especialmente frecuentes las escenas de la vida de las mujeres. No está claro qué causó este cambio de tema representado entre algunos de los artistas. Entre las sugerencias se incluye un contexto con los horrores de la gGuerra del Peloponeso, pero también la pérdida del papel dominante de Atenas en el comercio de la cerámica mediterránea (a su vez parcialmente resultado de la guerra). El creciente papel de los nuevos mercados, por ejemplo la Iberia, implicaba nuevas necesidades y deseos por parte de los clientes. Estas teorías se contradicen por el hecho de que algunos artistas mantuvieron el estilo anterior. Algunos, como el Pintor de Eretria, intentaron combinar ambas tradiciones.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Aunque no se abandonaron los temas y asuntos heroicos, la pintura de vasos ateniense de estos años de agotadoras guerras (guerra del Peloponeso) se aplicó a representaciones vinculadas a Afrodita, a Dioniso y a Eros, a una imaginería llena de frondosos jardines y ninfas.


title: Cerámica de figuras rojas

text: La tipología de vasos cerámicos muestra un aumento del número de molduras cerca del pie y del labio; las ánforas son menos utilizadas y el pélice está especialmente extendido, junto con diferentes tipos de cráteras, enócoes, vasos con tallos, lécitos aribalísticos, lécanes, lecánides, lécitos, píxides, enócoes e hidrias.


title: Cerámica de figuras rojas

text: En Atenas, a principios del siglo IV a. C., continuaba la tradición iniciada en el último cuarto del siglo V a. C. con el Pintor de Eretria y el Pintor de Midias. Penalizada por una menor atención por parte de los estudiosos, la cerámica ática del siglo IV a. C. se divide principalmente en grupos. Entre las personalidades aisladas de la primera parte del siglo se encuentran el Pintor de Jenofanto, llamado así por el alfarero que firmó dos lécitos en Leningrado con figuras en relieve, el Pintor de Meleagro, que trabajó en diferentes tipos de vasos, y el Pintor de Jena, principalmente pintor de copas.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Entre las últimas manifestaciones de la cerámica ática de figuras rojas se encuentra el llamado impropiamente estilo de Kerch, que recibe el nombre del lugar de Crimea donde se encontraron algunos ejemplares significativos. En el siglo IV a. C. la distribución de los vasos áticos sufrió una revolución radical, que ya había comenzado desde finales del siglo anterior, y el comercio con esta zona se vio muy reforzado. El Pintor de Marsias es una figura clave dentro del grupo; se caracteriza por un estilo decorativo y un diseño lineal que hace uso del relieve y del dorado para algunos detalles, como las alas o las joyas, así como de diversos colores añadidos, según el estilo que se originó hacia el 420 a. C. y que fue efímero utilizándose durante unos cuarenta años; en el siglo IV a. C., a estas expresiones se unió la influencia de las técnicas de pintura coroplástica, toreútica y de «caballete».


title: Cerámica de figuras rojas

text: Las palabras de Plinio el Viejo parecen sugerir que las sombras sobre los cuerpos femeninos fueron introducidas en el uso pictórico a mediados de siglo por Nicias; por otro lado, la ausencia en los vasos áticos de la decoración floral introducida por Pausias, tan presente en cambio en las figuras rojas del sur de Italia, sugiere una mayor atención de los pintores áticos a la tradición pictórica local ligada a la búsqueda del ilusionismo.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Las figuras mitológicas más representadas eran Dioniso, Afrodita y Eros; la moda de los trajes y temas orientales se extendía. La cerámica ática de figuras rojas había abandonado los temas cívicos y las escenas más representadas eran las domésticas, tomadas del mito o de la vida cotidiana, en las que el papel principal se asignaba a la mujer. El cambio se explica probablemente por un cambio en el mercado: el comercio hacia las colonias griegas occidentales y hacia Etruria estaba en declive, pero la cerámica de figuras rojas seguía formando parte de la escena doméstica. La escasa presencia de cerámica ateniense de figuras rojas en la ciudad griega de Alejandría, fundada hacia el año 331 a. C., indica que la producción ya había llegado a su fin, y entre las razones de este fin debió estar el nuevo mecenazgo de la corte, la mayor riqueza que había desplazado el mercado hacia los productos metálicos, mientras que las vasijas de barro se volvían más simples y menos decoradas.


title: Cerámica de figuras rojas

text: El número de tipología disminuyó; algunas funciones fueron asumidas por recipientes de metal cuya decoración se convirtió en un modelo para la producción de cerámica. Las principales formas de gran tamaño de este periodo son la hidria, la crátera de campana y las pélíces grandes. Las copas se hicieron más pequeñas y muchas pertenecían al tipo sin tallo. En general, se prestó más atención a los detalles, debilitando la arquitectura del conjunto.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Fuera de Ática, algunos pequeños centros de producción pudieron crecer durante los años de la guerra del Peloponeso e inmediatamente después, debido a las dificultades para comerciar con el centro de producción más grande; sin embargo, no pudieron desarrollar sus propias escuelas. En Beocia, la producción ininterrumpida de cerámica de figuras negras declinó, a partir del segundo cuarto del siglo V a. C., por una producción de figuras rojas cuyo potencial estilístico no se comprendía. En Corinto, una docena de alfareros produjeron figuras rojas (para las que se imitaba el color de la arcilla ática mediante recubrimientos rojizos y engobes) y lécitos áticos de fondo blanco en el periodo comprendido entre el 425 y el 350 a. C. Otros centros de producción menor se encontraban en Eubea y Creta.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Al menos desde un punto de vista moderno, las pinturas de vasos con figuras rojas del sur de Italia representan la única región de producción que alcanza los niveles de calidad artística de la cerámica ática. Después de los vasos áticos, los del sur de Italia (incluidos los de Sicilia) son los más investigados. A diferencia de sus homólogos áticos, se producían principalmente para los mercados locales. Solo se han encontrado unas pocas piezas fuera del sur de Italia y de Sicilia. Los primeros talleres fueron fundados a mediados del siglo V a. C. por alfareros áticos. Pronto se formaron artesanos locales y se superó la dependencia temática y formal de los vasos áticos. Hacia finales de siglo, se desarrollaron en Apulia el “estilo ornato” y el "“estilo liso”. Especialmente el estilo ornato fue adoptado por otras escuelas, pero sin alcanzar la misma calidad.


title: Cerámica de figuras rojas

text: En la actualidad se conocen 21 000 vasos y fragmentos del sur de Italia. De ellos, 11 000 se atribuyen a talleres apulios, 4000 a campanos, 2000 a paestanos, 1500 a lucanos y 1000 a sicilianos. Alexander Dale Trendall expone una cantidad de vasos diferente.


title: Cerámica de figuras rojas

text: La tradición de la pintura de vasos de Apulia se considera el principal estilo del sur de Italia. El principal centro de producción estaba en Taras. Los vasos de figuras rojas de Apulia se produjeron entre el 430 y el 300 a. C. aproximadamente. Se distinguen los “estilos liso y ornato”. La principal diferencia entre ellos es que el “estilo liso” favorecía a las cráteras de campana, las cráteras de columnas y los vasos más pequeños, y que un solo vaso “liso” rara vez representaba más de cuatro figuras. Los temas principales eran las escenas mitológicas, las cabezas femeninas, los guerreros en escenas de combate o de despedida y las imágenes de los misterios dionisíacoss. Ela cara de atrás suele mostrar a jóvenes con capa. La característica principal de estos objetos de decoración sencilla es la ausencia general de colores adicionales. Importantes representantes del estilo sencillo son el Pintor de Sísifo y el Pintor de Tarporley. A partir de mediados del siglo IV a. C., el estilo se asemeja cada vez más al estilo ornato. El Pintor Varrese es un artista importante de ese periodo.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Los artistas que utilizaban el estilo ornato tendían a decorar los vasos de gran tamaño, como las cráteras de volutas, ánforas, lutróforos e hidrias. La superficie más grande se utilizaba para representar hasta 20 figuras, a menudo en varios registros en el cuerpo del vaso. Se emplean abundantemente otros colores, sobre todo tonos de rojo, amarillo-dorado y blanco. Desde la segunda mitad del siglo IV a. C., los cuellos y los lados de los vasos están decorados con ricas decoraciones vegetales u ornamentales. Al mismo tiempo, las vistas en perspectiva, especialmente de edificios como el “palacio de Hades” ("naiskoi"), se desarrollan. Desde el año 360 a. C., estas estructuras se representan a menudo en escenas relacionadas con ritos funerarios ("naiskos"). Importantes representantes de este estilo son el Pintor de Iliupersis, el Pintor de Darío y el Pintor de Baltimore. Las escenas mitológicas eran especialmente populares: La asamblea de los dioses, amazonomaquias, la guerra de Troya, Heracles y Belerofonte. Además, estos vasos representan con frecuencia escenas de mitos que solo se ilustran raramente en los vasos. Algunos ejemplares representan la única fuente de la iconografía de un mito concreto. Otro tema desconocido en la pintura de los vasos áticos son las escenas teatrales. Especialmente las escenas de farsas flíacas son bastante comunes. Las escenas de actividad atlética o de la vida cotidiana sólo aparecen en la fase inicial, y desaparecen por completo después del 370 a. C.


title: Cerámica de figuras rojas

text: La cerámica apulia tuvo una influencia formativa en las tradiciones de los demás centros de producción del sur de Italia. Se supone que algunos artistas apulios se establecieron en otras ciudades italianas y aportaron allí sus conocimientos. Además de las figuras rojas, en Apulia también se producían vasos barnizados en negro con decoración pintada (vasos de Gnathia) y vasos policromados (vasos de Canosa).


title: Cerámica de figuras rojas

text: En los siglos V y IV a. C., Campania también produjo vasos de figuras rojas. La arcilla marrón claro de Campania se cubría con un engobe que adquiría un tinte rosa o rojo tras la cocción. Los pintores campanos preferían los tipos de vasos más pequeños, pero también las hidrias y las cráteras de campana. La forma más popular era el ánfora con asas. Muchas de las formas típicas de las vasijas apulias, como las cráteras de volutas, las cráteras de columna, los lutróforos, los ritones y las ánforas "nestórides" están ausentes, los pélices son raros. El repertorio de motivos es limitado. Los temas incluyen jóvenes, mujeres, escenas de tíasos, aves y animales, y a menudo guerreros nativos. Las caras B suelen mostrar a jóvenes con capa. Las escenas mitológicas y las representaciones relacionadas con los ritos funerarios desempeñan un papel secundario. Las “escenas de naiskos”, los elementos ornamentales y la policromía se adoptan después del 340 a. C. bajo la influencia lucana.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Antes de la inmigración de alfareros sicilianos en el segundo cuarto del siglo IV a. C., cuando se establecieron varios talleres en Campania, sólo se conoce el Taller del pilar del búho-pilar de la segunda mitad del siglo V a. C. La pintura de vasos campanos se subdivide en tres grupos principales:


title: Cerámica de figuras rojas

text: El primer grupo está representado por el Pintor de Casandra de Capua, todavía bajo influencia siciliana. Le siguen el taller del Pintor de Parrish y el del Pintor de Colico y el Pintor de Caivano. Su obra se caracteriza por la preferencia por las figuras de sátiros con tirsos, las representaciones de cabezas (normalmente debajo de las asas de las hidrias), las cenefas decorativas de las vestimentas y el uso frecuente de blanco, rojo y amarillo adicionales. Los pintores de Colico y de Caivano parece que se trasladaron posteriormente a Paestum.


title: Cerámica de figuras rojas

text: El Grupo AV también tenía su taller en Capua. Destaca el Pintor de la cara blanca de Frignano, uno de los primeros de este grupo. Su característica típica es el uso de pintura blanca adicional para representar los rostros de las mujeres. Este grupo favorece las escenas domésticas, las mujeres y los guerreros. Las figuras múltiples son raras, por lo general solo hay una figura en la parte delantera y trasera del vaso, a veces solo la cabeza. Las vestimentas suelen estar dibujadas de manera informal.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Después del 350 a. C., el pintor CA y sus sucesores trabajaron en Cumas. Está considerado como el artista más destacado de su grupo, o incluso de la pintura de vasos campanos en su conjunto. A partir del año 330 a. C., se aprecia una fuerte influencia apulia. Los motivos más comunes son escenas de naiskos y tumbas, escenas dionisíacas y simposios. También son frecuentes las representaciones de cabezas femeninas enjoyadas. El pintor CA era policromo, pero tendía a utilizar mucho el blanco para la arquitectura y las figuras femeninas. Sus sucesores no fueron capaces de mantener su calidad, lo que provocó una rápida desaparición, que terminó con el fin de la cerámica campana hacia el año 300  a. C.


title: Cerámica de figuras rojas

text: La tradición pictórica de los vasos de Lucania comenzó alrededor del año 430 a. C., con las obras del Pintor de Pisticci. Probablemente estuvo activo en Pisticci, donde se descubrieron algunas de sus obras. Estaba fuertemente influenciado por la tradición ática. Sus sucesores, el Pintor de Ámico y el Pintor de los cíclopes tenían un taller en Metaponto. Fueron los primeros en pintar el nuevo tipo de vaso "nestóride" (véase Tipología de vasos griegos). Son comunes las escenas míticas o teatrales. Por ejemplo, el Pintor de los coéforas, llamado así por "Las coéforas" de Esquilo mostró escenas de la tragedia en cuestión en varios de sus vasos. La influencia de la cerámica apulia se hace palpable más o menos en la misma época. Especialmente la policromía y la decoración vegetal se convirtieron en norma. Entre los representantes importantes de este estilo se encuentran el Pintor de Dolón y el Pintor de Brooklyn-Budapest. Hacia mediados del siglo IV a. C., se produce un descenso masivo de la calidad y la variedad temática. El último pintor de vasos lucanos notable fue el Pintor de Primato, fuertemente influenciado por el Pintor de Licurgo de Apulia. Después de él, se produce una breve y rápida desaparición de la pintura de vasos lucanos a principios del último cuarto del siglo IV a. C.


title: Cerámica de figuras rojas

text: El estilo de pintura paestana de vasos ase desarrolló como el último de los estilos del sur de Italia. Fue fundado por inmigrantes sicilianos en torno al año 360 a. C. El primer taller estaba controlado por Asteas y Pitón. Son los únicos pintores de vasos del sur de Italia conocidos por las inscripciones. Pintaron principalmente cráteras de campana, ánforas de cuello, hidrias, lebetes gámicos, lécanes, lécitos y jarras, más raramente pélices, cráteras de cáliz y cráteras de volutas. Entre sus características se encuentran decoraciones como palmeta en los laterales, un patrón de zarcillos con cáliz y umbelas conocido como «flor de asteas», patrones parecidos a la crestería en las ropas y cabellos rizados que cuelgan sobre la espalda de las figuras. Las figuras que se inclinan hacia delante, apoyadas en plantas o rocas, son igualmente comunes. Se utilizan a menudo colores especiales, sobre todo el blanco, el dorado, el negro, el púrpura y los tonos de rojo.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Los temas representados suelen pertenecer al ciclo dionisiaco: escenas de tíasos y simposios, sátiros, ménades, silenos, Orestes, Electra, los dioses Afrodita y Eros, Apolo, Atenea y Hermes. La cerámica paestana rara vez representa escenas domésticas, sino que favorece a los animales. Asteas y Pitón tuvieron una gran influencia en la pintura de vasos de Paestum. Esto es claramente visible en la obra del Pintor de Afrodita, que probablemente emigró de Apulia. Alrededor del año 330 a. C., se desarrolló un segundo taller, que en principio seguía el trabajo del primero. La calidad de su pintura y la variedad de sus motivos se deterioraron rápidamente. Al mismo tiempo, se hace notable la influencia del Pintor dd Caivano de Campania, con sus obras en las prendas de vestir en que caen de forma lineal y las figuras femeninas sin contorno. Hacia el año 300 a. C., la pintura de vasos paestanos se detuvo.


title: Cerámica de figuras rojas

text: La producción de pintura de vasos en Sicilia comenzó antes de finales del siglo V a. C., en las polis de Hímera y Siracusa. En cuanto al estilo, los temas, la ornamentación y las formas de los vasos, los talleres estaban fuertemente influenciados por la tradición ática, especialmente por el Pintor de Midias del período clásico tardío. En el segundo cuarto del siglo IV a. C., los pintores de vasos sicilianos emigraron a Campania y Paestum, donde introdujeron la cerámica de figuras rojas. Solo Siracusa conservó una producción limitada.


title: Cerámica de figuras rojas

text: El estilo típico siciliano no se desarrolló hasta el año 340 a. C. Se pueden distinguir tres grupos de talleres. El primero, conocido como el Grupo Lentini-Manfria, estaba activo en Siracusa y Gela, un segundo, que fabricaba cerámica de Centuripe alrededor del monte Etna, y un tercero en Lipari. El rasgo más típico de la pintura de los vasos sicilianos es el uso de colores adicionales, especialmente el blanco. En la fase inicial, se pintaban grandes vasos como las cráteras de cáliz e hidrias, pero son más típicos los vasos más pequeños como los frascos, los lécanes, lécitos y píxides escifoideas. Los motivos más comunes son escenas de la vida femenina, erotes, cabezas femeninas y escenas de farsas flíacas. Las escenas mitológicas son poco frecuentes. Como en todas las demás zonas, la pintura de vasos desaparece de Sicilia hacia el año 300 a. C.


title: Cerámica de figuras rojas

text: A diferencia de la cerámica de figuras negras, la cerámica de figuras rojas desarrolló pocas tradiciones regionales, talleres o “escuelas” fuera de Ática y el sur de Italia. Las pocas excepciones incluyen algunos talleres en Beocia (Pintor del gran cántaros de Atenas), Calcídica, Elis, Eretria, Corinto y Laconia.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Solo Etruria, uno de los principales mercados de exportación de los vasos áticos, desarrolló sus propias escuelas y talleres, llegando a exportar sus propios productos. La adopción de la cerámica de figuras rojas, a imitación de los vasos atenienses, no se produjo hasta después del 490 a. C., medio siglo después de que se desarrollara el estilo. Debido a la técnica utilizada, los primeros ejemplos se conocen como pinturas de vasos de figuras rojas. La verdadera técnica de las figuras rojas se introdujo mucho más tarde, hacia finales del siglo V a. C. Se conocen varios pintores, talleres y centros de producción de ambos estilos. Sus productos no solo se utilizaban localmente, sino que también se exportaban a Malta, Cartago, Roma y Liguria.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Los primeros ejemplos etruscos se limitaban a imitar la técnica de las figuras rojas. Al igual que una rara y temprana técnica ática (véase la técnica de Six), todo el vaso se cubría con arcilla negra brillante y las figuras se aplicaban después con colores minerales que se oxidaban al rojo o al blanco. Así, a diferencia de la pintura contemporánea de los vasos áticos, el color rojo no se conseguía dejando zonas sin pintar, sino añadiendo pintura a la capa de imprimación negra. Al igual que en los vasos con figuras negras, los detalles internos no se pintaban, sino que se hacían con incisiones en las figuras. Entre los representantes más importantes de este estilo se encuentran el Pintor de Praxias y otros maestros de su taller de Vulci. A pesar de su evidente conocimiento de los mitos y la iconografía griegos, no hay pruebas que indiquen que estos pintores hayan emigrado del Ática. Una excepción puede ser el Pintor de Praxias, ya que las inscripciones en griego de cuatro de sus vasos pueden indicar que era originario de Grecia.


title: Cerámica de figuras rojas

text: La verdadera pintura de vasos de figuras rojas, es decir, los vasos en los que las zonas rojas se dejaban sin pintar, se introdujo en Etruria cerca de finales del siglo V a. C. Los primeros talleres se desarrollaron en Vulci y Falerii y produjeron también vasos para los alrededores. Es probable que los maestros áticos estuvieran detrás de estos primeros talleres, pero también es evidente la influencia de Italia del Sur. Estos talleres dominaron el mercado etrusco hasta el siglo IV a. C. Los vasos grandes y medianos, como las cráteras y las jarras, se decoraban sobre todo con escenas mitológicas. A lo largo del siglo IV a. C., la producción faleriana empezó a eclipsar a la de Vulci. Se desarrollaron nuevos centros de producción en Chiusi y Orvieto. Especialmente, el Grupo del tondo de Chiusi, que producía sobre todo recipientes para beber con representaciones interiores de escenas dionisíacas, adquirió importancia. Durante la segunda mitad del siglo, Volterra se convirtió en un centro principal. Aquí se produjeron sobre todo cráteras y, sobre todo en las primeras fases, se pintaron de forma muy elaborada.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Durante la segunda mitad del siglo IV a. C., los temas mitológicos desaparecieron del repertorio de los pintores etruscos. Fueron sustituidos por cabezas femeninas y escenas de hasta dos figuras. En lugar de representaciones figuradas, adornos y motivos florales cubrían los cuerpos de las vasos. Las grandes composiciones figuradas, como la de una crátera del Grupo del embudo de La Haya solo se producían excepcionalmente. La producción originalmente a gran escala de Falerii perdió su papel dominante en favor del centro de producción de Caere, que probablemente había sido fundado por pintores falerianos y no puede decirse que represente una tradición distinta. La tipología de vasos estándar de los talleres de Caere incluía enócoes, lécitos y cuencos para beber simplemente pintados del Grupo de Torcop, y los platos del Grupo de Genucuilia. El paso a la producción de vasos de esmalte negro a finales del siglo IV, a. C. probablemente como reacción al cambio de gustos de la época, supuso el fin de la pintura etrusca de vasos de figuras rojas.


title: Cerámica de figuras rojas

text: Se sabe que han sobrevivido alrededor de 65 000 vasos de figuras rojas y fragmentos de vasos. El estudio de la cerámica antigua y de la cerámica griega comenzó ya en la Edad Media. Restoro d'Arezzo dedicó un capítulo ("Capitolo de le vasa antiche") de su descripción del mundo a los vasos antiguos. Consideró especialmente los vasos de arcilla como perfectos en cuanto a forma, color y estilo artístico. Sin embargo, al principio la atención se centró en los vasos en general, y quizá especialmente en los vasos de piedra. Las primeras colecciones de vasos antiguos, incluidas alguns vasos pintadas, se desarrollaron durante el Renacimiento. Incluso sabemos de algunas importaciones de Grecia a Italia en esa época. Aun así, hasta el final del Barroco, la pintura de vasos se vio eclipsada por otros géneros, especialmente por la escultura griega. Una rara excepción anterior a la época del clasicismo es un libro de acuarelas que representa vasos con figuras, realizado para Nicolas-Claude Fabri de Peiresc. Al igual que algunos de sus coleccionistas contemporáneos, Peiresc poseía varios vasos de arcilla.