title: Idioma manchú

text: El fundador de la identidad nacional manchú y de la dinastía Qing Hung Taiji hizo crear un alfabeto para la lengua, basado en el alfabeto mongol vertical, el cual, por su parte, se deriva del alfabeto arameo a través de los alfabetos antiguos uigur y sogdiano.


title: Idioma manchú

text: El pueblo manchú o yurchen fundó dos de las dinastías que gobernaron China, la dinastía Jin, que gobernó gran parte del norte de China entre los siglos XII y XIII, y la dinastía Qing, la última de las dinastías imperiales chinas. A pesar de que los manchúes adoptaron en gran medida la lengua y los usos chinos en sus labores de gobierno, el yurchen o manchú tuvo históricamente un papel relevante e influyó sobre las lenguas vecinas como el mongol y el propio chino.


title: Idioma manchú

text: La adopción del manchú como lengua oficial, junto con el chino, durante la dinastía Qing, hizo del manchú una lengua de uso habitual en la administración del estado chino. Hasta la caída de la China imperial en 1911, los documentos oficiales se escribían en chino y en manchú. En la actualidad, numerosas inscripciones en manchú pueden verse aún en los palacios de los antiguos emperadores y dirigentes manchúes, como en la Ciudad Prohibida de Pekín, donde las puertas de entrada a los pabellones están presididas por inscripciones bilingües en las dos lenguas. Debido a ese papel de lengua de administración, el manchú es un idioma de trabajo muy importante para los estudiosos de la historia de la dinastía Qing.


title: Idioma manchú

text: Otra razón que le da relevancia es el hecho de que numerosos textos clásicos chinos fueron traducidos al manchú, simplificando así su estudio. En Rusia, Alemania y Japón se le ha prestado particular atención al estudio de esta lengua.


title: Idioma manchú

text: Como ya se ha mencionado, el manchú es una lengua aglutinante. Muchas partículas se utilizan como sufijos dando lugar a un sistema de declinación de sustantivos. Se pueden identificar casos como el nominativo, el acusativo, el genitivo y el dativo, aunque por el carácter aglutinante de la lengua es difícil hacer una lista exhaustiva de estos.


title: Idioma manchú

text: El orden básico de la frase en manchú es Sujeto Objeto Verbo (SOV).


title: Premio Alfaguara de Novela

text: El Premio Alfaguara de Novela en lengua castellana lo creó en 1965 la editorial Homónima (fundada un año antes por el escritor Camilo José Cela, autor de la obra "La familia de Pascual Duarte") y se siguió convocando hasta 1972. Su dotación económica era de 200 000 pesetas.


title: Premio Alfaguara de Novela

text: En 1980, Alfaguara fue adquirida por el Grupo Santillana y, tras veinticinco años de ausencia, en 1998 se volvió a convocar el premio de forma anual, dotado de una cuantía económica de 175 000 dólares y una escultura del artista español Martín Chirino. El galardón se falla en la sede del Grupo en Madrid entre febrero y marzo, y se entrega un mes más tarde.


title: Premio Alfaguara de Novela

text: La obra ganadora se distribuye simultáneamente en España, Latinoamérica y Estados Unidos y esto, junto a la calidad de las obras galardonadas, le ha conferido gran prestigio.


title: Premio Alfaguara de Novela

text: Como dato curioso, el escritor Manuel Vicent ha obtenido este galardón en dos ocasiones, en 1966 con la obra "Pascua y naranjas" y en 1999 con "Son de mar", que fue adaptada al cine dos años más tarde por el director Bigas Luna.


title: Norman Bates

text: Norman Bates es el protagonista de "Psicosis". El personaje está basado en el asesino en serie Ed Gein. Bates fue personificado por Anthony Perkins en la adaptación de Alfred Hitchcock de la novela homónima de Robert Bloch (1960). La actuación de Perkins se considera un icono para las bases de la mitología de los asesinos en serie modernos. Posteriormente fue luego personificado por Vince Vaughn en la versión de Gus Van Sant (1998). Entrando en la conciencia pública como un villano, se desarrolló en las secuelas como un personaje trágico.


title: Norman Bates

text: Bates sufrió abuso emocional (y sutilmente sugerido también, el abuso sexual) de parte de su madre, quien le inculcó que las mujeres y el sexo eran cosas del demonio. Los dos vivían solos en una dependencia emocional insana después de la muerte del padre de Bates. Cuando Bates era adolescente, su madre tuvo un amante; Joe Consedine, lo que lo hizo sumamente celoso. Los asesinó a ambos con estricnina y conservó el cadáver de su madre. Bates desarrolló trastorno de personalidad múltiple, y asumía la personalidad de su madre, reprimiendo su muerte como una forma de escapar de la culpa de haberla matado. Se caracteriza por su frase: ""El mejor amigo para un muchacho es su madre"".


title: Norman Bates

text: Bloch describió las tres personalidades: primero la de "Norman" Bates, el niño pequeño dominado por su madre y que tenía que hacer lo que ella le decía; como "Norma" Bates, vestía las ropas de su madre, imitaba su voz y mataba a cualquiera que se entrometiera entre ella y Norman; y como "Normal" Bates, un adulto (poco) funcional que se hacía cargo de su propio hotel y mantenía la paz entre las otras dos personalidades.


title: Norman Bates

text: Después de asesinar a su tercera víctima, una joven mujer llamada Mary Crane (Marion Crane en el filme) y a Arbogast, un investigador privado enviado a buscarla, fue arrestado y enviado a una institución, donde la personalidad de la madre lo dominó por completo y se "convirtió" en ella.


title: Norman Bates

text: En la novela, Bates es un cuarentón, bajo, obeso, hogareño y más inestable. Norman se convierte en su madre estando ebrio y durante la resaca. La diferencia en la película es que Mary Crane es la primera víctima de la "Madre".


title: Norman Bates

text: En el libro "Psicosis II" de Bloch (1982), Norman mata a Lila Crane y a Sam Loomis cuando huye de la institución. Se entera que van a rodar una película sobre él y va a Hollywood donde misteriosamente empieza a haber asesinatos. Se descubre que el asesino había sido su doctor pues Norman había muerto atropellado en la autopista y su doctor enloqueció ya que el caso de Norman era su fuente de dinero.


title: Norman Bates

text: Norman se muestra como un chico tímido y propietario del Motel Bates. A su motel llega Marion Crane, una mujer que había huido por haber robado dinero. Él se muestra interesado en ella e incluso le cuenta sobre su madre enferma que lo maltrata. Cuando ella le dice que se libere de ella, el le responde que no puede porque es su madre y porque "El mejor amigo de un niño es su madre". Marion va a bañarse a la ducha donde es asesinada por la "Madre". También mata a Arbogast, un detective que la andaba buscando. Se sabe que su madre fue asesinada hace ya mucho tiempo por Norman pero vivía en su mente. Al final es atrapado por la policía y llevado a una institución donde la "Madre" termina por dominarlo completamente.


title: Norman Bates

text: Bates es liberado de la institución 22 años después, aparentemente curado, conoce a Mary Loomis de quien se enamora. Asesinatos empiezan a ocurrir de forma misteriosa junto con mensajes de la "Madre" causando que Norman se confunda y colapse otra vez. Las notas son producto de Lila Loomis, hermana de Marion Crane (la mujer asesinada por Bates en la primera película). Ella quiere hacerlo recaer para que vuelva a la institución puesto que aún no lo ha perdonado. Pero otros asesinatos han sido provocados por la hermana de Norma y tía de Norman, Emma Spool. Antes de que Norman lo sepa, Mary Loomis muere asesinada por la policía cuando ella trató de matar a Norman y Lila es asesinada por Spool. Spool le dice a Norman que ella es su madre. Confundido pero aparentemente creyendo esta historia, la mata y la embalsama mientras la "Madre" vuelve a dominarlo otra vez.


title: Norman Bates

text: Norman intenta liberarse (sin éxito) de la "Madre". De paso se enamora de una monja inestable, Maureen Doyle, pero es asesinada accidentalmente por Norman por culpa de la "Madre". El cuerpo de Emma Spool es descubierto por el músico Duane Duke que Norman mata puesto que Duke trataba de chantajear a Bates. Finalmente Spool es encontrada por la reportera Tracy Venable. La "Madre" ordena a Norman matarla, pero él ataca a la misma "Madre" destrozando el cadáver. Tracy le revela a Norman que Emma Spool era en realidad su tía y que había asesinado a su padre biológico. Emma se había enamorado del padre de Norman pero Norma Bates se lo quitó así naciendo Norman. Emma enloqueció y raptó al niño creyendo que era su hijo. Luego fue recuperado pero él no se acordaba de nada. Norman vuelve a ingresar en el manicomio.


title: Norman Bates

text: En la última película se aclaran muchas dudas (por ejemplo, el padre de Norman realmente murió picado por abejas). Finalmente es liberado de la institución y se casó con una de las enfermeras: Connie. Norman habla en un programa de radio donde cambia su nombre por Ed (una alusión a Ed Gein). Habla de su pasado donde se muestra su infancia cuando murió su padre hasta cuando el mata a su madre. Es mostrado en los recuerdos como un chico torpe y vulnerable. Connie se embaraza de él, sin embargo la lleva hasta la casa de su madre e intenta matarla; Norman no quiere que sea igual de trastornado que él. (La película muestra que Norma Bates padecía esquizofrenia y le pasó la enfermedad a él). Se arrepiente cuando al final Connie le dice que lo ama a pesar de todo. En el proceso es atormentado con alucinaciones de la "Madre" y gente que el (o ella). Logra salvarse y al final es llevado por Connie donde al minuto final se escucha un llanto (su hijo había nacido) así terminando con su enfermedad de una vez por todas.


title: Norman Bates

text: En el piloto de televisión de la serie "Bates Motel", Bates, que seguía en la institución mental, hizo amistad con Alex Kelly, quien asesinó a su padrastro, y le cedió la propiedad del motel antes de morir de vejez. Sin embargo, el piloto nunca progresó como serie y tiene poca relación con las novelas y filmes previos.


title: Norman Bates

text: Serie de televisión producida por Universal Television para la cadena de televisión A&E . La serie narra la vida del joven Norman Bates al lado de su madre, y muestra cómo se va desarrollando la personalidad de este. Si bien la primera intención fue realizar una precuela de la famosa película de 1960, terminó siendo una serie inspirada en esta. La serie, que consta de cinco temporadas de diez capítulos cada uno, inició en 2013 y finalizó en 2017. Durante los cinco años mantuvo altos niveles de audiencia y gozó de una gran aceptación por parte del público.


title: Los Abuelos de la Nada

text: Los Abuelos de la Nada es un supergrupo de rock argentino, importante por contar entre sus diversas formaciones a destacados músicos argentinos, tales como Miguel Abuelo, Daniel Melingo, Pappo, Gustavo Bazterrica, Cachorro López y Andrés Calamaro.


title: Los Abuelos de la Nada

text: La banda fue fundada por Miguel Abuelo en 1967, siendo uno de los pioneros del beat y el rock psicodélico en Argentina. No obstante, al cabo de dos años la banda se separó.


title: Los Abuelos de la Nada

text: La banda tendría una segunda parte a partir de 1981, en la que cosecharía sus mayores éxitos. Para esta segunda etapa Miguel Abuelo reflotó la banda con músicos muy jóvenes que recién estaban dando sus primeros pasos en el rock, y dotó a la banda de un estilo muy humorístico, descontracturado y pop, a tono con el movimiento de la "música divertida" de inicios de los años '80. Rápidamente se volverían uno de los grupos principales del rock nacional de los '80, gracias a sus temas pegadizos y al excelso dúo artístico conformado por Miguel Abuelo y un joven Andrés Calamaro.


title: Los Abuelos de la Nada

text: Entre su repertorio se ubican reconocidos clásicos de la música argentina tales como «Costumbres Argentinas», «Himno de mi Corazón», «Lunes por la madrugada», «Mil horas», «Sin gamulán», «Cosas mías», «No se desesperen», «Tristeza de la ciudad», «Chalamán», «Guindilla ardiente», «Medita Sol», entre otros.


title: Los Abuelos de la Nada

text: Los Abuelos de la Nada recibieron gran aclamación por la crítica: el premió sus canciones «Himno de mi Corazón» (50°) y «Mil horas» (14°); un ranking similar por Rock.com.ar en 2007 les dio los puestos 13° y 77° respectivamente; y otro con las 500 mejores canciones iberoamericanas de rock por la revista estadounidense Al Borde en 2006 les dio los puestos 213° y 38° respectivamente. El ranking de los 100 mejores álbumes del rock argentino por la Rolling Stone Argentina en 2007 premió sus álbumes "Los Abuelos de la Nada" (84°) y "Vasos y besos" (29°); y otro con los 250 mejores álbumes iberoamericanos de rock por la revista estadounidense Al Borde en 2006 premió su álbum "Vasos y besos" (199°). Su álbum en vivo "Los Abuelos en el Ópera" consiguió el puesto 2° en el ranking de los 10 mejores álbumes en vivo de la historia del rock argentino, realizado por la revista Rolling Stone Argentina en 2007.


title: Los Abuelos de la Nada

text: Los Abuelos de la Nada nacieron en 1967, siendo considerada una de las bandas pioneras del rock argentino, junto a La Joven Guardia, Sui Generis, Vox Dei, Almendra, Los Gatos, Manal, entre otros, aunque en los años 60 pasaron desapercibidos. El estilo del grupo fluctuaba entre el folk rock y el rock psicodélico de aquella época.


title: Los Abuelos de la Nada

text: Miguel Abuelo (Miguel Ángel Peralta) relata los comienzos de la banda en el libro "Tanguito, la verdadera historia" de Víctor Pintos de la siguiente manera: En Plaza Francia, donde se juntaban los "hippies" de aquella época, encontraron al baterista Héctor "Pomo" Lorenzo y a los hermanos Micky (guitarra rítmica) y Alberto Lara (bajo). En casa de Pipo se integró provisoriamente el futuro guitarrista de Manal, Claudio Gabis, y más tarde se incorporó Eduardo "Mayoneso" Fanacoa como organista.


title: Los Abuelos de la Nada

text: Hacia marzo de 1968 grabaron un simple con los temas "Diana Divaga" (con Claudio Gabis) y "Tema en Flu sobre el Planeta" (con Pappo). En ese mismo año, formaron parte del Primer Recital de Rock Progresivo Argentino organizado por el sello Mandioca, que reunió a Manal y Cristina Plate. Sin embargo, la histeria de Miguel y la incomodidad producida canción tras canción no cerraron una buena noche, el disco se lanzaría con la firma de Miguel y no del grupo.


title: Los Abuelos de la Nada

text: El año 1969 fue un año muy activo para la banda, que parecía asentarse en el ambiente. El 8 de junio se presentaron en el Ciclo "Beat Baires" realizado en el Teatro Coliseo junto a Engranaje, Litto Nebbia, Manal y Moris, entre otros y un trimestre más tarde en el histórico "Festival Pinap de la Música Beat & Pop" donde actuaron también, Vox Dei, Almendra y La Barra de Chocolate. El líder de La Cofradía de la Flor Solar Kubero Díaz (el mismo que estuvo en la última etapa abuelera) y Miguel Cantilo (futuro fundador del dúo Pedro y Pablo). Sin embargo, Miguel Abuelo se abre de la banda, por diferencias en los estilos musicales con Pappo, quedando este como líder, sin embargo la banda se disuelve producto de la baja popularidad, sin dejar rastros durante los setenta.


title: Los Abuelos de la Nada

text: En los próximos años, Miguel Abuelo emigraría a Francia y junto con otros músicos exiliados argentinos y chilenos formaría en 1973 la banda Miguel Abuelo & Nada. Esta banda duró menos de un año pero llegó a grabar un disco, "Miguel Abuelo & Nada", de marcado sonido más pesado, con géneros como el heavy metal y el hard rock. El disco fue lanzado 2 años después del fin de la banda y sólo para el mercado francés, recién se lanzaría en Argentina en 1999. De modo que el álbum fue ignorado por el público roquero argentino por un largo tiempo, y Miguel Abuelo y sus compañeros se perderían la oportunidad de ser aclamados como los "pioneros del heavy metal en Latinoamérica".


title: Los Abuelos de la Nada

text: Luego de casi una década en Europa, Miguel Abuelo retorna al país casado y con un hijo. Fue en ese instante cuando Los Abuelos de la Nada comenzaron a tejer los cinco años que los plasmarían como uno de los mejores grupos del rock argentino.


title: Los Abuelos de la Nada

text: Miguel Abuelo y Cachorro López son quienes comienzan a armar la banda. Andrés Calamaro llegó a la banda, proveniente del grupo Raíces, para hacerse cargo de los teclados. Calamaro fue recomendado por dos personas a la vez: Pipo Lernoud, amigo de Miguel, y Alejandro Lerner, quien fue convocado para el puesto pero quería dedicarse a su carrera como solista. Miguel en realidad quería a Juan del Barrio, porque tenían una amistad con él, pero Del Barrio estaba tocando con Spinetta Jade. El nuevo súper grupo se completó con un joven saxofonista que venía de tocar con Milton Nascimento llamado Daniel Melingo, Gustavo Bazterrica (guitarrista de La Máquina de Hacer Pájaros y Spinetta) y el baterista Polo Corbella.


title: Los Abuelos de la Nada

text: Se presentaron en diversos escenarios como el Festival Expresiones Vivas de la revista "Pan Caliente" y en el IV B.A. Rock. En 1981 graban unos demos que logran una constante difusión en los medios. Ese mismo año editan los simples "Guindilla ardiente" y "Mundos in mundos" (regrabado en 1983 para “Vasos Y Besos").


title: Los Abuelos de la Nada

text: Charly García les produce su primer álbum homónimo. Las peleas entre Miguel y Charly eran constantes, lo que provocaba situaciones incómodas para la banda. Gracias al éxito en las ventas realizan su primer gran recital en el teatro Coliseo, a fines de 1982. Su primer gran éxito "Sin Gamulán" era compuesto por el joven Andrés Calamaro y tuvo una difusión envidiable.


title: Los Abuelos de la Nada

text: Charly realiza la presentación de su disco "Yendo de la cama al living" en el estadio de Ferro el 25 de diciembre, y Los Abuelos de la Nada junto a naciente banda de Miguel Zavaleta Suéter lo telonean. Los Abuelos siguieron con su mejoría tras una gran recepción del público. Tres de sus miembros (Cachorro, Bazterrica y Calamaro) son convocados para la banda de García, cosa que desestabiliza a la banda, pero luego vuelven a dedicarse plenamente a Los Abuelos.


title: Los Abuelos de la Nada

text: El 4 de junio de 1983 realizan el primer recital en Obras Sanitarias, mezclando los éxitos del primer disco con algunos adelantos del próximo álbum. Más tarde vuelven a tocar en Obras ese mismo año, compartiendo cartel con Rubén Blades, también estuvieron como invitados Charly, Nito Mestre y Leon Gieco.


title: Los Abuelos de la Nada

text: Se edita en aquel año el disco con el cual consiguen la consagración masiva: "Vasos y Besos", presentado en el estadio de Vélez Sársfield el 30 de diciembre de ese año con el show "Descorchando el ’84 con «Vasos y Besos»". Participaron del festival de La Falda, realizaron una gira aún más importante por el interior, llenaron tres veces el Luna Park. La canción "Mil horas", sencillo del disco (y también compuesta por Calamaro), fue un éxito rotundo y es hoy en día una de las canciones más vendidas del rock en español. Luego del éxito, viajan a Ibiza, donde graban su tercera placa "Himno de mi corazón", de allí se destacan la canción homónima y el hit Lunes por la madrugada. Andrés Calamaro ya había lanzado su primer disco solista, y las cosas dentro del grupo empezaban a ponerse difíciles tras la salida de Melingo del grupo, para formar Los Twist junto a Pipo Cipollatti, siendo reemplazado por Alfredo Desiata.


title: Los Abuelos de la Nada

text: Tras una gran cantidad de recitales brindados, planearon para 1985 la grabación de su primer disco en vivo. Antes del proyecto, el grupo sufrió una baja: el guitarrista Gustavo Bazterrica, quien es rápidamente reemplazado por Gringui Herrera, amigo de Andrés Calamaro, a quien corresponde la autoría de "Tristeza de la ciudad" y de "Así es el calor" (compartidas con Calamaro), incluidos en los discos "Los abuelos de la nada" y "Vasos y besos", respectivamente. Con él, entonces, la agrupación grabó durante los días 14 y 15 de junio su cuarto long play titulado "Los Abuelos en el Ópera".


title: Los Abuelos de la Nada

text: De este disco saldría como sencillo una vez más una canción compuesta por Calamaro, que incluso es tocada por este hoy en día en la mayoría de sus presentaciones, "Costumbres argentinas".


title: Los Abuelos de la Nada

text: En octubre de ese año participaron del primer Festival Rock & Pop realizado en el Estadio de Vélez Sarsfield junto a Charly García, Fito Páez, Zas, G.I.T., Virus, Sumo, Juan Carlos Baglietto, Nina Hagen e INXS, entre otros, participando de la primera jornada realizada el día 11. La lluvia (precedida por granizo), el intenso barro, los defectos de sonido y la mala organización contribuyeron en el fastidio del público que llegó a su punto máximo cuando una botella de vidrio impactó en la cara de Miguel Abuelo, quien terminó cantando "Himno de mi corazón" con la cara ensangrentada. A partir de ese recital, la banda comenzaría entonces a transitar un camino denso y sinuoso para su historia, no sin antes obtener un Premio Konex semanas después de ese recital.


title: Los Abuelos de la Nada

text: A fines de ese año 1985 se despidió de la banda Andrés Calamaro y se marcaría con ello el fin de la exitosa carrera que había tenido la banda desde cuatro años atrás. La partida de Calamaro supuso también la salida de Cachorro López y de Gringui Herrera.


title: Los Abuelos de la Nada

text: En diciembre de 1985, la prensa de rock daba como finalizada la banda, lo cual fue confirmado por Abuelo tiempo después.


title: Los Abuelos de la Nada

text: En junio de 1986, se reunieron Miguel Abuelo, Juan del Barrio (que había pasado a ser el tecladista principal con la ida de Calamaro) y Polo Corbella, a los que se les sumaron el guitarrista Kubero Díaz y el bajista Marcelo "Chocolate" Fogo, quedando Miguel y Polo Corbella como integrante original de la banda. Empezaría una nueva etapa, nombrando a la banda Miguel Abuelo en Banda. Con esta formación, comenzaron a grabar desde julio las nuevas canciones que formarían parte del último álbum del grupo, "Cosas mías". Si bien estaba planeado firmar el álbum con el nuevo grupo, Abuelo fue convencido por la discográfica y lo añadió como uno más de Los Abuelos de la Nada. Para el mes de octubre ya estaba a la venta. La canción homónima rápidamente se convirtió en un éxito.


title: Los Abuelos de la Nada

text: El 29 y 30 de noviembre de 1986 realizaron una gira por Perú con un gran concierto junto a Miguel Mateos/ZAS en el Coliseo Amauta de Lima, siendo todo un éxito y a la vez siendo este el primer país conquistado por la banda fuera de Argentina.


title: Los Abuelos de la Nada

text: Decidieron presentar "Cosas mías" oficialmente en los días 18, 19, 20 y 21 de diciembre en el Teatro Ópera, pero ya los nombres no eran los mismos y las canciones no tenían la aceptación de antes. Durante el verano de 1987 decidieron entonces traspasar las fronteras y probar en otros países de Sudamérica: realizan una gira junto al saxofonista Willy Crook que incluyó Uruguay, Perú y Paraguay.


title: Los Abuelos de la Nada

text: Promediando el año, el baterista Polo Corbella se retiró de la actividad. Con la ida de Polo Corbella ya no quedaba ningún integrante, salvo Abuelo, de la primera formación de principios de los ochenta. El ex-Suéter Claudio "Pato" Loza se hace cargo entonces de la batería y, a su vez, Jorge Polanuer reemplazó a Willy Crook en el saxofón.


title: Los Abuelos de la Nada

text: Para el 24 de febrero de 1988 tenían arreglada una actuación en el Velódromo Municipal de Buenos Aires, la cual fue suspendida repentinamente por una altísima fiebre que había sufrido Miguel Abuelo. Rumores hablaban de que se encontraba infectado con el Virus de Inmunodeficiencia Humano (VIH). Ese mismo día se retiró definitivamente de la música, viviendo lo que eran sus últimos días de vida.


title: Los Abuelos de la Nada

text: El 26 de marzo de 1988, Miguel Abuelo falleció en la Clínica Independencia de Munro (provincia de Buenos Aires) sólo cinco días después de cumplir cuarenta y dos años de edad.


title: Los Abuelos de la Nada

text: El 9 de mayo de 1998 se reunieron varios músicos de Los Abuelos. Para esta ocasión había sido invitado también Andrés Calamaro, pero llegó tarde porque había estado presentando anteriormente un nuevo tango compuesto junto a Mariano Mores en el Teatro Ópera. Comenzó con la guitarra, cantando "Mil horas" y luego se limitó a hacer los coros y a participar con su «percusión» (un par de palillos). El espectáculo estaba previsto para la una de la tarde, pero comenzó a las dos de la tarde y duró solo una hora.


title: Los Abuelos de la Nada

text: El 21 de abril de 2012, Kubero Díaz y Alberto Lara, ex Abuelos de la última y primera formación respectivamente, se reunieron para programar un recital en Rosario, en un único encuentro en donde presentaron temas que pertenecieron a los Abuelos durante los '80, en la última etapa, durante los '60 y otros que nunca fueron editados en el grupo.


title: Los Abuelos de la Nada

text: En el concierto de Andrés Calamaro en la Ciudad de Buenos Aires el 22 de octubre de 2016 bajo el marco del festival Personal Fest, Calamaro reunió en el escenario a Cachorro López, Daniel Melingo y Gustavo Bazterrica para tocar unas versiones de dos canciones de Los Abuelos de la Nada, "No Te Enamores Nunca de Aquel Marinero Bengalí" y "Costumbres Argentinas". Al terminar las dos canciones, Calamaro dedicó la presentación a Miguel Abuelo.Durante el periodo de actividad de Los Abuelos de la Nada, en sus inicios a fines de los '60, Miguel Abuelo había compuesto 10 sencillos, pero solo dos se llegaron a editar en un disco: Diana Divaga y Tema en Flu sobre el Planeta; mientras que La Estación, el último sencillo hecho por Pappo solo se editó en compilados y se editaría en su futuro grupo. Mientras que de los 7 restantes, algunos serían publicados por Miguel en su banda francesa, Miguel Abuelo & Nada.


title: Los Abuelos de la Nada

text: Los sencillos solo fueron emitidos por radio y nunca se llegaron a editar en un disco de Los Abuelos de la Nada:Y otras fueron grabadas por abuelo como solista:


title: Cayetano de Mergelina y Luna

text: Cayetano de Mergelina y Luna (Sanlúcar de Barrameda, 9 de junio de 1890 - Yecla, 14 de abril de 1962), fue un arqueólogo, catedrático y político español.


title: Cayetano de Mergelina y Luna

text: Estudió bachillerato en Yecla (Murcia) y fue a estudiar Derecho a Madrid, pero cambió los estudios por los de Historia. Militante tradicionalista en su juventud, presidió el círculo y la juventud jaimista de Yecla y en 1913 fue nombrado presidente de la Agrupación Escolar Tradicionalista de Madrid. Discípulo de Manuel Gómez-Moreno, de Antonio Vives y de Elías Tormo, fue catedrático de Arqueología, Numismática y Epigrafía en la Universidad de Valladolid desde el 11 de febrero de 1926.


title: Cayetano de Mergelina y Luna

text: En 1934 organizó, con la ayuda de Elias Tormo y de Antonio Tovar, un crucero a las islas griegas, con alumnos de la Universidad para homenajear a El Greco en Fodele (Creta), donde llevaron una escultura de Mariano Benlliure. Este viaje fue continuación del crucero por el Mediterráneo que Gómez Moreno había organizado, en 1933, con la Universidad de Madrid y con la Junta para Ampliación de Estudios, en el que participó Mergelina.


title: Cayetano de Mergelina y Luna

text: Durante la guerra Civil estuvo comisionado por el gobierno de Madrid en la Junta de Incautación, Salvamento y Catalogación del Tesoro Artístico Nacional, presidida por el arquitecto Roberto Fernández Balbuena, y desempeñó el cargo de director del Museo Arqueológico Nacional de 1937 a 1939. Al terminar la guerra fue nombrado rector de la Universidad de Valladolid, cargo que ocupó hasta 1951, donde tiene un aula dedicada en la Facultad de Derecho.


title: Cayetano de Mergelina y Luna

text: En 1952 concursa y gana la cátedra de Historia del Arte de Murcia donde creó el Seminario de Arqueología. En ese puesto se jubiló en 1960.


title: Cayetano de Mergelina y Luna

text: Ocupó los cargos de Comisario Provincial de Excavaciones en Valladolid y en Murcia.


title: Qntal

text: Qntal es una banda de "electro-medieval" formada en 1991 por Michael Popp, Ernst Horn, y más tarde por la vocalista Syrah (Sigrid Hausen). Tiene sus raíces en Estampie, una banda de género similar pero estilo diferente; Michael Popp y Syrah son los miembros principales. Horn dejó el grupo en 1999, para concentrarse en su otra banda, Deine Lakaien. Más tarde formó Helium Vola en 2001. Philipp Groth se unió entonces a Qntal.


title: Qntal

text: Las letras del grupo se basan, principalmente, de fuentes históricas. En sus primeros tres álbumes las letras, en su parte principal, en latín, alemán medieval, galaicoportugués y algunas otras lenguas europeas. En "Qntal IV" la banda añadió algunas canciones en inglés.


title: Qntal

text: "Qntal" es una palabra inventada que apareció en uno de los sueños de Syrah.


title: Garcilaso (desambiguación)

text: Garcilaso puede referirse a:


title: Estrecho de Juan de Fuca

text: El estrecho de Juan de Fuca (en inglés, "Strait of Juan de Fuca") es un estrecho marino que bordea la isla de Vancouver por el sur y es la principal salida del estrecho de Georgia y el estrecho de Puget, conectando ambos con el océano Pacífico. Forma parte de la frontera internacional entre Estados Unidos y Canadá. Fue nombrado en 1788 por el capitán inglés John Meares, del barco "Felice" en honor de Juan de Fuca, un marinero griego que alegaba haber ido en un viaje con exploradores españoles en 1592 para buscar el fabuloso estrecho de Anián.


title: Estrecho de Juan de Fuca

text: El United States Geological Survey define el estrecho de Juan de Fuca como un canal. Se extiende desde el este, por el océano Pacífico, entre la Isla de Vancouver (en la Columbia Británica) y la península Olímpica (estado de Washington), hasta el estrecho de Haro, el canal San Juan, el estrecho Rosario y el estrecho de Puget. La frontera en el océano Pacífico está formada por una línea entre el cabo Flattery y la isla Tatoosh (en Washington) hasta Carmanah Point (en la isla de Vancouver, en la Columbia Británica). Su frontera norte sigue la línea de la orilla desde la isla de Vancouver hasta González Point, y luego una línea continua que se dirige al este pasando por Seabird Point (en la isla del Descubrimiento, en la Columbia Británica), Cattle Point (en la isla San Juan, en Washington), Iceberg Point y Point Colville (ambos en isla López, y luego por Rosario Head (en isla Fidalgo). La frontera este es una línea continua que se extiende al sur desde Rosario Head a lo largo de la isla Whidbey hasta Point Partridge, dirección sur hasta Point Wilson (en la península Quimper). La península Olímpica, en el estado de Washington, forma parte de la frontera sur del estrecho.


title: Estrecho de Juan de Fuca

text: Debido a que se encuentra expuesto a los vientos generalmente del oeste y a las olas del Pacífico, el mar y el tiempo en el estrecho de Juan de Fuca son, en general, más bravos que en las aguas más protegidas del interior. Un ferry internacional de vehículos cruza el estrecho desde Port Ángeles, Washington hasta Victoria (Columbia Británica) varias veces al día, y varios ferris de pasajeros del sistema de ferris del estado de Washington, así como un ferry privado de alta velocidad, conectan Victoria y Seattle.


title: Estrecho de Juan de Fuca

text: El estrecho continúa sujeto a una disputa de fronteras marinas entre Canadá y Estados Unidos.


title: Estrecho de Juan de Fuca

text: Los condados estadounidenses que tienen costa en el estrecho, todos ellos pertenecientes al estado de Washington, son los siguientes:El único distrito regional canadiense que tiene costa en el estrecho es el Distrito Regional de la Capital, parte de la Columbia Británica.


title: Steel Pulse

text: Steel Pulse (en castellano: "Pulso de Acero") es una banda británica de reggae formada en 1975. Lanzaron doce discos de estudio y ganaron múltiples premios, además de haber vendido millones de álbumes.


title: Steel Pulse

text: Fueron el primer grupo no jamaicano en ganar un premio Grammy a la categoría "Mejor Disco de Reggae". Además, recibieron otras cinco nominaciones.


title: Steel Pulse

text: Cuentan con doce álbumes de estudio, y son una de las bandas más importantes dentro del género


title: Steel Pulse

text: Steel Pulse es la voz orgullosa de los hijos de la emigración caribeña establecida en el Reino Unido. Su música es la crónica y la denuncia de la realidad social de los negros en dicho país europeo. Nacidos en la ebullición estética de finales de los 70 en Inglaterra y contemporáneos al nacimiento del punk, Steel Pulse empezó a abrirse camino con paso firme en Birmingham en una dirección opuesta a la desesperanza punk que vio sus orígenes. David Hinds (voz, coros y guitarra), Basil Gabbidon (guitarra líder y coros) y Ronnie McQueen (bajo) publicaron su primero sencillo en 1975 ("Kibudu, Mansetta And Abuku") en un pequeño sello independiente, Dip, con un notable éxito local, al que siguió "Nyah Love" para Anchor, otro sello independiente, y "Ku Klux Klan" para Island Records. Con este tema dejaron bien clara su militancia antirracista y su ideario firme, que ya les habían ocasionado problemas en sus inicios.  Tras el éxito del sencillo, Island publica su primer disco, "Handsworth Revolution", que devendría un álbum esencial en la historia del reggae hecho en el Reino Unido.


title: Steel Pulse

text: Tras "Tribute To The Martyrs" y "Reggae Fever (Caught You)", sus dos siguientes trabajos, abandonan Island y publican en Elektra uno de sus trabajos más aclamados, "True Democracy" al que siguió el notable "Earth Crisis".


title: Steel Pulse

text: Sin embargo, las presiones de la compañía para decantar su música hacia un reggae-pop bailable y de mensaje tenue, bastante evidente en "Babylon The Bandit", acabaron de alejar a Steel Pulse de Elektra.


title: Steel Pulse

text: A finales de los ochenta y durante todos los noventa, su popularidad ha ido en aumento en Europa y, sobre todo, en Estados Unidos, donde fueron el primer grupo de reggae que actuó en el popular programa televisivo "Tonight".


title: Steel Pulse

text: En este tiempo ficharon para MCA editando varios discos entre los que destacan su debut en el sello, "State Of Emergency" y el directo en el Elyseé Montmarte de París de 1992, "Rastafari Centennial", un homenaje en el centenario del nacimiento del que fue emperador de Etiopía, Haile Selassie.


title: Francisco de Paula Andrade Troconis

text: Francisco de Paula Andrade Troconis (Mérida, Venezuela), 24 de noviembre de 1840–10 de marzo de 1915), ingeniero venezolano encargado del trazado de las calles de Cúcuta, cuando fue reconstruida después del terremoto de 1875. Es el bisabuelo del legendario Alfonso Lizarazo, el Cucuteño.


title: Francisco de Paula Andrade Troconis

text: Fue uno de esos ciudadanos que intervinieron con fervoroso civismo cuando Cúcuta tenía necesidad de la colaboración individual y colectiva.


title: Francisco de Paula Andrade Troconis

text: Nacido en Venezuela en 1840, realizó estudios en el Seminario Santo Tomás de Aquino, de Pamplona, y posteriormente los universitarios en Mérida, Venezuela, hasta obtener el título de Ingeniero Civil. Andrade Troconis murió el 10 de marzo de 1915.


title: Francisco de Paula Andrade Troconis

text: Andrade era hermano del ilustre hombre público General Ignacio Andrade Troconis quien fue presidente de Venezuela.


title: Francisco de Paula Andrade Troconis

text: Era el padre de la poetisa Josefa Andrade Berti, fallecida en Panamá, el 6 de noviembre de 1942.


title: Francisco de Paula Andrade Troconis

text: Tras de la tragedia del terremoto de 1875, el Concejo de Cúcuta le encomendó la elaboración de los planes de la Nueva Cúcuta, habiendo emprendido su labor, y concluyendo el trabajo para hacer entrega al Concejo en la sesión del 9 de enero de 1876.


title: Francisco de Paula Andrade Troconis

text: Luís Febres Cordero no quiso sacrificar una sola línea del plano elaborado por el ingeniero Andrade Troconis, para conservar así la exigente calidad y estética que el ingeniero quiso darle. Su obra como ingeniero, está diciendo presente, y dirá para las generaciones futuras el bello trazado como a cordel de las calles de Cúcuta, y el centro de la ciudad es un ejemplo claro de ello.


title: Francisco de Paula Andrade Troconis

text: Posteriormente a la catástrofe de 1875, fundó el Colegio Zea. Igualmente que ingeniero, educador, periodista y como tal fundó el diario “El Comercio” que circuló entre el 18 de enero y 8 de mayo de 1871, cuyas labores de prensa hubo de suspenderlas con el número 84, por las “causas de no haber conseguido los medios de sostenerlo”, como lo explicaba Andrade en la última entrega del “Diario del Comercio”. Este diario como el semanario político “La Empresa”, que dirigía en esta ciudad la pluma de consagración nacional de Adriano Páez, y de cuya redacción hacia parte Andrade, eran editados en la “Imprenta Cúcuta” de propiedad de Andrade. Bien podría llamarse, a Francisco de Paula Andrade Troconis, padre del diarismo cucuteño.


title: Francisco de Paula Andrade Troconis

text: En compañía de Jaime Fossi y Andrés Berti, constituyó una sociedad para reconstruir el Puente sobre el río Pamplonita denominado “Puente Cúcuta” que en parte había sido demolido por la creciente del río, se hizo cargo de la reconstrucción en 1871. Este puente había sido construido en 1861 por los ingenieros italianos Cherubini y Martelli, al igual que el puente en la Don Juana. Puente “Cúcuta” ha tenido los nombres siguientes: Puente “San Rafael”, y hoy día se le llama Puente “Benito Hernández Bustos” como homenaje al ilustre hombre público.


title: Francisco de Paula Andrade Troconis

text: La reconstrucción del puente fue contratada por Vicente Fronlero, poseedor de derechos adquiridos mediante contrato con el Gobierno del Departamento Nacional de Santander con privilegio de veinticinco años.


title: Sarna (desambiguación)

text: Sarna puede referirse a:


title: Aline Kuppenheim

text: Aline Küppenheim Gualtieri (Barcelona, 10 de agosto de 1969) es una actriz chilena de teatro, cine y televisión, de ascendencia francesa, que ha trabajado también como directora de teatro. Es considerada por la lista "Chile Elige" como la .


title: Aline Kuppenheim

text: Es una de las actrices con más nominaciones al Premio Altazor, con 7 menciones en total, la primera como actriz de reparto en la telenovela "La fiera" de 1999 y la más reciente, en 2014, por su participación en la serie "Ecos del desierto". Cuenta con una dilatada carrera en cine, destacando su participación en "Una mujer fantástica" (2017), ganadora del .


title: Aline Kuppenheim

text: De padre francés y madre chilena, Kuppenheim vivió sus primeros años itinerando por distintos puntos de Europa, como consecuencia del oficio de sus padres -ambos artesanos-. Desde allí nace además su afición por el dibujo, ya que -según propia confesión- solía dibujar con tiza en las calles de París, mientras sus padres trabajaban.


title: Aline Kuppenheim

text: Vuelve a Chile a principias de los años 80, donde cursa sus estudios en la Colegio La Girouette de Las Condes. Posteriormente estudia teatro en la academia-club de Fernando González.


title: Aline Kuppenheim

text: Debuta en telenovelas con la exitosa teleserie "Ellas por ellas" de Canal 13 interpretando a Victoria "Vicky". Después se cambia a TVN donde participa en las teleseries "Trampas y caretas" y "Jaque mate", en esta última obtiene su primer papel importante como una de las protagonistas juveniles de la historia junto a Felipe Camiroaga.


title: Aline Kuppenheim

text: Posteriormente regresa a Canal 13 donde participa en teleseries como "Champaña", "El amor está de moda" (donde debutó como cantante interpretando el tema central de la teleserie), "Marrón Glacé, el regreso", "Eclipse de luna" y "Amándote", para luego cambiarse nuevamente a TVN, donde obtiene su primer papel antagónico en la telenovela "La fiera", protagonizada por Claudia Di Girolamo. Al finalizar esta teleserie, decide irse con su entonces marido, el actor Bastián Bodenhöfer a Francia pues el actor fue designado como agregado cultural de dicho país.


title: Aline Kuppenheim

text: En 2004, regresa a Chile y protagoniza "Destinos cruzados" y "Entre medias", posteriormente es fichada por la productora Roos Film, para protagonizar la adaptación chilena de "Montecristo", finalizando su paso por Mega, con una pequeña participación como actriz invitada en algunos capítulos de "Fortunato", adaptación chilena de una popular tira argentina.


title: Aline Kuppenheim

text: En televisión también ha participado en series como "" y "Cárcel de mujeres 2".


title: Aline Kuppenheim

text: En materia fílmica, participó en "Sangre de Cuba" ("Dreaming of Julia"), cinta en la que compartió créditos con actores como Gael García Bernal y Harvey Keitel. Celebrada fue su actuación en "Machuca", donde personificó con gran solvencia a María Luisa Infante, una acomodada mujer inmersa en los cambios que provocó el golpe de Estado en el Chile de 1973.


title: Aline Kuppenheim

text: Para 2011 participa en "Prófugos" como la "Fiscal Ximena Carbonell."


title: Aline Kuppenheim

text: En 2017 destacó su participación en "Una mujer fantástica", ganadora del premio Óscar a .


title: Aline Kuppenheim

text: En el plano personal, Aline fue pareja de Álvaro Rudolphy y Luciano Cruz-Coke. Posteriormente contrae matrimonio con el actor Bastián Bodenhöfer (con quien tiene un hijo llamado Ian, nacido el año 2000). No obstante esta unión finaliza en 2006.


title: Aline Kuppenheim

text: Posteriormente inició una relación con el italiano Renzo Melai quien falleció el 23 de junio de 2008 luego de que su moto chocara con un camión en Peñalolén. La información, entregada por el diario "La Tercera", señaló que Renzo se desempeñaba como guía de turismo aventura desde que llegó a Chile el año 2000.


title: Estación de Arganzuela-Planetario

text: Arganzuela-Planetario es una estación de la línea 6 del Metro de Madrid situada bajo en el barrio de los Metales, dentro del distrito madrileño de Arganzuela. La estación abrió al público el 26 de enero de 2007.


title: Estación de Arganzuela-Planetario

text: La estación, que suma una longitud de 183 m se construyó dentro de la línea con esta ya en funcionamiento, por lo que fue necesario cortar un tramo de la misma durante el verano de 2006 para acometer la parte más complicada de las obras, que finalizaron en diciembre de 2006 y fueron ejecutadas por Comsa y Ortiz Construcciones. El presupuesto alcanzó los 51 millones de euros.


title: Estación de Arganzuela-Planetario

text: La necesidad de construir esta estación se debía a dos factores fundamentales:


title: Estación de Arganzuela-Planetario

text: Así, el 26 de enero de 2007, a las 15:00, se abrió al público con el nombre de Arganzuela-Planetario, por estar situada junto al Parque Tierno Galván y el Planetario de Madrid en el distrito de Arganzuela; aunque anteriormente se había barajado el nombre "Arganzuela-Bolívar".


title: Estación de Arganzuela-Planetario

text: Vestíbulo Arganzuela-Planetario


title: Premio Azorín

text: El Premio Azorín de novela se inició en 1994, convocado por la Diputación Provincial de Alicante.


title: Premio Azorín

text: La Diputación Provincial de Alicante y Editorial Planeta llegaron a un acuerdo con el ánimo de potenciar este premio que tradicionalmente, desde 1970, otorgaba dicha institución levantina en honor del escritor alicantino Azorín.


title: Premio Azorín

text: En el acuerdo entre ambas entidades, firmado en marzo de 1994, se fijó como primer objetivo de esta nueva etapa del galardón situarlo entre los premios de mayor importancia de habla hispana. Se otorga a novelas originales e inéditas en español.


title: Premio Azorín

text: La dotación del premio se fijó en diez millones de pesetas y la primera edición celebrada en colaboración entre las dos entidades alcanzó un alto nivel de participación, con 135 novelas presentadas. El éxito de convocatoria desde entonces ha ido en aumento y el premio en metálico es de 68.000 € en la edición del 2007.


title: Morton Feldman

text: Morton Feldman (12 de enero de 1926 - 3 de septiembre de 1987) fue un compositor estadounidense, conocido por algunas de sus singulares piezas instrumentales, compuestas por sonidos aislados de muy larga duración y para inusuales agrupaciones de instrumentos (por ejemplo, varios pianos).


title: Morton Feldman

text: Morton Feldman nació en la ciudad de Nueva York, el 12 de enero de 1926. Estudió piano con Madame Maurina-Press (alumna de Ferruccio Busoni) y más tarde, composición con Wallingford Riegger y Stefan Wolpe, al que dedicó posteriormente una de sus más destacadas obras. A pesar del aprecio que sentía hacia sus profesores, discrepaba acerca de sus teorías sobre el arte musical, y solía discutir con ellos durante largas horas. Fue un compositor muy de su tiempo, que sin embargo cultivó un estilo personal y diferente con respecto a la mayoría de los compositores de su entorno.


title: Morton Feldman

text: En 1950, y durante la audición de una sinfonía de Anton Webern a cargo de la filarmónica de Nueva York, conoció a John Cage, una de sus máximas influencias a lo largo de su vida. Los dos llegaron a ser buenos amigos, y a raíz de este encuentro, Morton Feldman comenzó a escribir piezas que se alejaban de las formas musicales clásicas y modernas (como las técnicas seriales, tan en boga por aquellos años). Experimentó con sistemas alternativos de notación musical, como sus “piezas gráficas indeterminadas”, donde solo especificaba los timbres y el registro, dejando el ritmo y las notas a elección del intérprete. En esta época, también trató de aplicar elementos de la teoría de probabilidades a sus composiciones, inspirándose principalmente en obras como "Music of Changes", del citado John Cage. A mediados de los años 50, y por necesidades de precisión en su música, vuelve a la notación tradicional.


title: Morton Feldman

text: Siempre a través de Cage, Feldman conoce a algunas de las más importantes personalidades de la escena artística neoyorkina, en la que por aquellos años destacaban Jackson Pollock, Philip Guston, Frank O’Hara y Samuel Beckett. Especialmente, se sintió fascinado por el primero y sus colegas; sus pinturas, enmarcadas dentro del expresionismo abstracto, se convirtieron en una nueva gran inspiración para él. Señalaba: "La nueva pintura me hizo desear un mundo sonoro, más directo, más inmediato, más físico que todo lo que existía anteriormente. Para mi, mi partitura es mi tela, mi espacio. Lo que intento es sensibilizar esta zona, este espacio-tiempo." A partir de ese momento, intentará extrapolar las pinturas de estos artistas a sus composiciones, tal y como queda reflejado en su siguiente comentario: "Me interesa la dimensión global de Rothko, que anula el concepto de las relaciones entre proporciones. No es la forma lo que permite a la pintura de emerger; el descubrimiento de Rothko ha sido el de definir una dimensión global que sostiene los elementos en equilibrio... Soy el único que compone de esta manera, como Rothko: en el fondo se trata solamente de mantener esta tensión, o este estado, a la vez helado y en vibración." Durante la década de los 70, y casi siempre con esta idea en mente, escribió un buen número de piezas, entre las que destacan "Rothko Chapel" (1971), pieza escrita para ser interpretada en la capilla diseñada por Rothko, "Frank O’Hara" (1973), y la ópera "Neither" (1977), que dedicó a Samuel Beckett.


title: Morton Feldman

text: En su última etapa, Feldman comenzó a producir sus propios trabajos. Quizás sea su periodo más denso y oscuro, donde su música alcanza cotas místicas de irrealidad, con largas composiciones que frecuentemente superaban la hora y media de duración, llegando incluso a las cinco horas en "String Quartet II" (1983). Es esta una de las obras más memorables del compositor, a pesar de que su primera interpretación completa no pudo escucharse hasta 15 años después. "For Philip Guston" (1984) y "Violin and String Quartet" (1985), de 4 y 2 horas respectivamente, fueron otras de sus obras destacadas de esta época. En todas estas piezas, Feldman llevó hasta el extremo las influencias de sus colegas expresionistas abstractos, interpolando temporalmente las grandes superficies de Pollock y Rothko a sus composiciones, lo que explica su larga duración. Ausencia de clímax, disonancia, serenidad y notas prolongadas hasta el infinito son algunos de los atributos comunes que caracterizan a estas piezas, las más recordadas del compositor.


title: Morton Feldman

text: Morton Feldman muere en 1987 en Buffalo (Nueva York) poco tiempo después de su matrimonio con la compositora Barbara Monk.


title: Morton Feldman

text: Morton Feldman comenzó a componer en los años cuarenta, aunque sus trabajos juveniles (muy marcados por la influencia de Aleksandr Skriabin) son muy diferentes a las obras que más tarde compondría, y que lo definirían como una de las grandes figuras de la música dado su lenguaje completamente personal, completamente diferente al de sus contemporáneos.


title: Morton Feldman

text: Fue luego de su encuentro con John Cage cuando Feldman empezó a escribir una música totalmente desligada de las técnicas clásicas e incluso de aquellas en boga en aquellos años (en un modo particular el estructuralismo), utilizando sistemas de notación musical no convencionales (normalmente basados en "redes" u otros elementos gráficos), delegando en el intérprete la elección de determinados parámetros (a veces Feldman determinaba en la partitura solo el timbre y el registro, dejando libre elección de alturas al intérprete, otras veces especificaba solo el número de notas que debían sonar en determinados momentos, sin especificar cuáles).


title: Morton Feldman

text: En aquella época, marcada por su interés en la Alea, Feldman aplicó también elementos derivados del cálculo de probabilidad a sus composiciones, inspirándose sobre todo en muchos trabajos de Cage como "Music of Changes" (donde las notas a efectuar se conocen a través de la consulta del I-Ching).


title: Morton Feldman

text: Desde mediados de los años cincuenta, y definitivamente desde 1967, por necesidad de una mayor precisión en el control de su música, y para evitar que su particular escritura se interpretase como una invitación a la improvisación, volvió a la notación musical tradicional. Por su recurrente uso de repeticiones ha sido considerado un de los precursores del minimalismo.


title: Morton Feldman

text: Encontró una gran fuente de inspiración en el trabajo de pintores relacionados con el expresionismo abstracto, de hecho en los años setenta compuso numerosos trabajos (con una duración de en torno a los 20 minutos) bajo estas precisas influencias (entre las cuales "Rothko Chapel" del 1971, obra escrita para el edificio homónimo que hospeda las obras de Mark Rothko, y "For Frank O'Hara" del 1973).


title: Morton Feldman

text: En 1977 compuso su única opera, "Neither", trabajando con un texto de Samuel Beckett.


title: Morton Feldman

text: A partir de final de los años setenta empezó a producir trabajos de una duración extensa (rara vez inferiores a media hora, y normalmente mucho más largos), generalmente formados por un único movimiento, donde la concepción de la duración se dilata hasta querer incluso eliminar la percepción del tiempo; estos trabajos incluyen "Violin and String quartet" (1985, dos horas aproximadamente), "For Philip Guston" (1984, cuatro horas aproximadamente), hasta el extremo "String quartet II" del 1983, cuya duración supera las cinco horas (sin pausas). La primera interpretación íntegra de la obra fue en el año 1999 en la "Cooper Union" de New York por el "Flux Quartet", quienes hicieron también una grabación de la obra en 2003 (con una duración total de 6 horas y 7 minutos). Como es típico en producción tardía, este trabajo no presenta ningún cambio de humor, manteniéndose así siempre en dinámicas muy reducidas (piano o pianissimo); Feldman declaró en sus últimos años que son los sonidos de baja intensidad aquellos que realmente le interesaban ("quiet sounds").


title: Morton Feldman

text: La mayor parte de sus obras han sido editadas por "Peters" (New York/Lipsia) y "Universal" (Vienna).


title: Gobrias

text: Gobrias (también Gobares, pero menos usual) es la forma helenizada y castellanizada del nombre persa Gaubaruva, conocido también por sus formas acadias Ugbaru y Gubaru.


title: Gobrias

text: Varios personajes históricos persas llevaron este nombre, entre ellos:


title: Antiguo griego

text: Antiguo griego puede referirse a:


title: La tempestad

text: El término La tempestad puede referirse, en esta enciclopedia:


title: Darb Mulay Sharif

text: Darb Mulay Sharif (en árabe, درب مولاي شريف; en la transcripción francesa más habitual, Derb Moulay Chérif) era una comisaría que contaba con un centro secreto de detención y tortura utilizado por el Estado marroquí para la represión política durante los llamados "años de plomo", bajo el reinado de Hasan II. Funcionó como tal entre 1972 y 1990.


title: Darb Mulay Sharif

text: Situado en el barrio Hayy Muhammadiyya de Casablanca, Darb Mulay Sharif era una suerte de casa cuartel de la policía compuesta por las dependencias policiales y las viviendas de los agentes y sus familias. Aparte de su función pública como comisaría, Darb Mulay Sharif contaba con una amplia red de sótanos que servían como centro clandestino de detención y tortura para la represión política. Las personas encerradas en los sótanos del lugar eran por lo general detenidas de forma ilegal, sin que se hiciera constar en registros y sin acción judicial ninguna. A veces se califica a Darb Mulay Sharif de «centro de tránsito de larga duración» en la medida en que no era su función acoger a estas personas indefinidamente sino interrogarlas y derivarlas hacia otros sitios, pero por otro lado los detenidos podían pasar años encerrados en el lugar. Posteriormente se les convertía en detenidos legales, con lo que seguían un proceso judicial que les solía llevar a prisión bajo diversas acusaciones, o bien se les transfería a centros de detención clandestina permanente. Algunos eran puestos en libertad y otros morían durante su estancia en Derb Mulay Sharif.


title: Darb Mulay Sharif

text: Como en otros centros de estas características, los detenidos llevaban los ojos vendados y las manos esposadas permanentemente. Estaban bajo vigilancia constante y tenían terminantemente prohibido hablar o comunicarse de algún otro modo.


title: Darb Mulay Sharif

text: Salah El Ouadie, miembro de la Instancia Equidad y Reconciliación (IER) y antiguo detenido en Darb Mulay Sharif, identificó en 1999 al alto cargo de la seguridad Youssfi Kadour, miembro de la delegación marroquí que afirmó ante la ONU en Ginebra que en Marruecos no existían las torturas, como responsable y principal torturador en Darb Mulay Sharif en la época en que El Ouadie estuvo allí. Fiel a la política de la IER (oficial) de reparar los perjuicios causados a las víctimas sin molestar a los verdugos, El Ouadie no desveló públicamente el nombre de este actualmente alto cargo de la seguridad, aunque le dirigió una famosa carta abierta.


title: Darb Mulay Sharif

text: En la actualidad  Darb Mulay Sharif es sede del gobierno municipal de su distrito.


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: Teatro (del griego: "θέατρον", "theátron" «lugar para contemplar»), o más específicamente, Teatro de la Antigua Grecia, es la cultura teatral que floreció en la antigua Grecia entre 550 a.C. y 220 a.C., época en que las polis griegas comenzaron a caer bajo dominio romano.


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: Todos los grandes teatros se encuentran al aire libre. Así pues, el desarrollo del espectáculo se daba en un espacio al aire libre llamado orchestra, en el que se ejecutaban una gran variedad de espectáculos artísticos (danzas, recitados y piezas musicales), así como eventos cívicos y religiosos. Fue a través del teatro griego que se presentaron, por primera vez, los géneros teatrales (drama, comedia y tragedia), inspirados, principalmente, en aspectos de la sociedad, como las guerras entre las polis, las "guerras médicas", o el conjunto de creencias sobre la mitología griega y los dioses olímpicos.


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: Las construcciones se llevaban a cabo sobre superficies planas y con estructuras que permitiesen la acústica (en griego, ακουστικό, "acusticó"), que, a diferencia de los teatros actuales, permitían una visualización de más de 170°. Dicha disposición acústica y visual permitían la representación de cantos corales mixtos, es decir, interpretaciones musicales, una de cuyas variedades, el ditirambo, fue el progenitor de la tragedia ática.


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: La democracia y el teatro fueron consustanciales con la ciudad de Atenas y, en tal sentido, consta que este último ejerció un papel de verdadero laboratorio político para los ciudadanos de las polis durante el siglo V antes de Cristo. Es verdad que desde la perspectiva moderna la democracia ateniense puede parecer imperfecta e inmadura, y que por otra parte los propios griegos no elaboraron ningún tratado ni manual de teoría política, a pesar de lo que encontramos en Heródoto, en la "Constitución de Atenas" del Viejo Oligarca o en la "Política" de Aristóteles (esta última, por cierto, un estudio "a posteriori"). Pero paradójicamente y aun con sus limitaciones, la antigua democracia ateniense no habría considerado "democrática" a ninguna de nuestras democracias modernas. En tanto que "gobierno del pueblo", la democracia ateniense no aceptaría que decenas de millones de ciudadanos elijan a solo unos pocos representantes y deleguen en ellos las mayores decisiones políticas. Para los griegos, la auténtica forma de gobierno era una democracia directa y no representativa, en la que cada ciudadano (bien es verdad que excluidas las mujeres) participaba directamente en la toma de decisiones en la Asamblea, o se constituían en miembros de un jurado popular o actuaban incluso como presidentes del "consejo de ministros". Al teatro de la antigua Grecia tenía la capacidad para 650 mil personas.


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: Fue el tirano Pisístrato (543 a. C.), cuando la palabra tirano aún no estaba tintada de las connotaciones negativas que para nosotros tiene, quien instituyó los primeros certámenes dramáticos buscando en cierta manera atraerse el favor del pueblo ateniense. Tras las primeras tentativas a cargo de Solón y Clístenes ("c". 500 a. C.), fue perspicacia del estadista Pericles (en pleno Siglo de Oro ateniense) llegar al convencimiento de que el ciudadano de Atenas podía ser educado políticamente mediante el teatro, y fue él precisamente quien ilusionó al pueblo con los ideales de coparticipación en la toma de decisiones y la correponsabilidad en las mismas, esto es, con los conceptos de "igualdad ante la ley" (isonomía) y de "libertad de expresión" (parresía, isegoria). Así, frente a los antiguos ideales aristocráticos de un poeta como Píndaro, que ensalzaban los triunfos de las clases nobles y adineradas, en el teatro se naturaliza el nuevo régimen democrático. Los integrantes del coro dramático son ciudadanos corrientes de Atenas, que reciben un módico salario por participar en los concursos que se celebran como parte de unos festivales igualmente populares. De otro lado, durante las representaciones de las tragedias la ciudad de Atenas se convertía en un auténtico escaparate para el resto del mundo, ya que a ella acudían vecinos de la región del Ática y del resto de las ciudades estado de toda Grecia. En ocasiones el poeta, de acuerdo con los dirigentes políticos y para halagar a los ciudadanos, traslada el escenario de la acción a la ciudad de Atenas. Por ejemplo, las dos primeras piezas de la trilogía de Esquilo, Agamenón y Las Coéforos, se desarrollan convencionalmente en Argos, en un pasado alejado y en relación con aspectos más primitivos del mito; en cambio la tercera pieza, "Las euménides", representa un decorado ateniense, ante unos espectadores atenienses y en defensa de una institución ateniense tan noble como son los nuevos y más humanos tribunales de justicia.


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: Merced a las representaciones teatrales, tanto de la tragedia como de la comedia, géneros literarios esencialmente ciudadanos y específicos atenienses, el teatro fue un importante vehículo que contribuyó a difundir y hacer enraizar los nuevos ideales democráticos entre el pueblo. Por ejemplo, en una obra tan temprana como "Los persas", puesta en escena por Esquilo en el año 472 a. C. y costeada probablemente por el propio Pericles, se trasladó al pueblo ateniense el sentimiento de honor político/ cívico de la polis, frente a los antiguos, insolidarios y particulares honores y privilegios aristocráticos del siglo anterior. Un breve fragmento de "Los persas" de Esquilo dice así:


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: De modo similar, en el "Prometeo encadenado", Esquilo escenifica entre otros muchos mensajes el tema del ejercicio del poder y lo que cuesta mantenerlo. Hasta al propio Zeus le supuso quebraderos de cabeza conseguirlo de Prometeo. Poco a poco iba calando entre los ciudadanos el profundo significado de la validez de conceptos políticos como son la noción de un cierto orgullo nacional ateniense, la bondad ética de sus nuevas instituciones políticas, el concepto de poder con sus grandezas y miserias, o el respeto moral debido a las "leyes no escritas" y sin embargo enraizadas desde siempre en la conciencia del ser humano. En relación a esto, cabe mencionar y leer un fragmento del famoso discurso fúnebre de Pericles, según palabras del historiador Tucídides, II 37:


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: Y estas palabras en relación con la "Antígona" de Sófocles (vv. 450-460) o con los versos de "Edipo Rey" 863-870:


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: También en Eurípides, el menos involucrado personalmente en la cotidianeidad de la vida política de la ciudad, se encuentran pasajes de educación cívica en los que se ensalza la magnaminidad de Atenas como ciudad hospitalaria y acogedora de suplicantes y exiliados. En Heráclidas (235-288), Atenas da la bienvenida a los desvalidos hijos de Hércules, a quienes persiguen sus enemigos de la ciudad de Argos. El rey de Atenas hace ver que una ciudad libre no recibe órdenes de nadie. Esta es la grandeza de la ciudad que promueve Pericles. La misma idea también en Suplicantes (398-408). El heraldo de Tebas, enviado por Creonte, quiere imponer su voluntad a Atenas para que deniegue auxilio a las madres de los guerreros argivos que habían acompañado a Polinices contra Tebas; mas el rey de Atenas, Teseo, interviene para dejar bien claro cuáles son los usos, normas y prácticas legales por las que se rige una ciudad democrática como Atenas.


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: Ante este trasfondo cívico-político del teatro ateniense, no cabe duda de que su contenido, sus expectativas y sus intereses son algo más que pura propaganda política. El teatro es básicamente un complejo y rico espectáculo de arte auspiciado por la propia ciudad, con motivo de ciertas celebraciones religiosas, para poner en escena piezas de tragedia o de comedia compuestas por algunos autores de éxito. A dichas representaciones asistían buena parte de los ciudadanos atenienses como espectadores, interesados en presenciar, en forma dramático-mimética las aventuras y peripecias vividas y sufridas por los principales héroes de las antiguas sagas épicas, o para reírse y burlarse con los tipos "antiheroicos" que constituían los protagonistas de las comedias. Por otra parte, están los actores, que interpretan los diversos papeles, con sus máscaras y su vestuario; está el coro, integrado normalmente por un grupo de compañeros o amigos del personaje principal de la obra, con sus imponentes cantos corales; están lo que hoy llamaríamos "productores" encargados de la financiación de los ensayos y de los gastos de la puesta en escena; están los propios edificios que dan acogida al espectáculo, y todo el personal secundario que se necesita para la organización del festival (policía y guardias de seguridad, vendedores, etc.); estaba finalmente el jurado encargado de conceder los premios. En suma, toda una rica manifestación cultural, religiosa y festiva, en la que participan los ciudadanos de Atenas.


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: Independientemente de cuál sea la definición que se le dé a la palabra "mito" o "leyenda", puede entenderse que con ella se designa a una serie de antiguos relatos referidos a los héroes e incluso a los dioses, de los que se narran hazañas espectaculares, y en los que el imaginario colectivo posterior de un pueblo ha creado un conjunto de símbolos culturales. La literatura griega está repleta, desde sus más remotos orígenes homéricos, de personajes y sagas míticas locales; así, suele hablarse del ciclo troyano (en torno al cual se agrupan los principales héroes y familias que participaron en la expedición de la Guerra de Troya: Agamenón, Menelao, Electra, Orestes) y del ciclo tebano (en el que aparecen las figuras de Edipo, Antígona, Eteocles y Polinices, los dioses Dionisio, Zeus y el héroe local Heracles, entre otros).


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: No obstante, la postura que han mantenido ante el mito los diversos autores de tragedias dista mucho de ser homogénea. En una progresiva evolución, se observa cómo al principio Esquilo se muestra respetuoso y crédulo ante el mito y la religiosidad tradicional, mientras que no muchos años más tarde Eurípides asumirá una crítica revisionista de los personajes míticos y de las antiguas creencias religiosas. Con ello, este último no hacía sino seguir probablemente los pasos de filósofos y pensadores como Jenófanes de Colofón, quien defendía la idea de que los dioses de Homero no eran sino una pura ficción. De otro lado, si hay una característica singular del mito es su anticanonicidad. No existe una única versión de un mito. En todo caso, para los antiguos griegos no estaba tan nítida como para nosotros la contraposición entre mito e historia o entre pensamiento mítico y pensamiento racional. Sin duda, los antiguos griegos creían que Agamenón fue un antiguo rey que, con toda certeza, había acudido a una antiquísima guerra de Troya, y seguían respetando y venerando las tumbas de los «antiguos héroes» a los que continuaban rindiendo culto como criaturas benéficas, incluso después de muertos, para la comunidad. Incluso cabría recordar que el mito es un producto de una sociedad esencialmente oral, un conjunto de relatos que pueden transmitirse en un formato múltiple: como canto, como recitado poético, como representación plástica e iconográfica. El repertorio mítico entronca por otra parte con los rituales religiosos a los que también desde antiguo estuvo vinculado al teatro como parte de una serie de celebraciones o fiestas religiosas insertas en la tradición de antiguos rituales. Para los antiguos griegos, la base de la religión se encuentra más en el ritual y en el conjunto de creencias, y aquí de nuevo la civilización contemporánea se halla alejada de los griegos. La sociedad ateniense estaba más ritualizada que la europea moderna..De otro lado, entre ritual y teatro antiguo existen una serie de enlaces muy sugestivos que interactúan en uno y otro sentido, del ritual al teatro y del teatro al ritual. Estos son los elementos: el ritual de súplica, los rituales funerarios, la purificación o catarsis de la «oración».


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text: En una sociedad primitiva en la que no está institucionalmente asegurada la protección personal, los ritos del suplicante adquieren una extraordinaria importancia. De hecho se interpreta como un abominable acto no proporcionar derecho de acogida a un suplicante o expulsarlo del santuario donde ha buscado asilo. En el teatro abundan las escenas del suplicante que implora el auxilio del poderoso, y es posible que los propios autores de tragedia aprovecharan la existencia de este ritual de súplica porque encontraron en él un mecanismo de enorme impacto escénico y dramático.


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text: De otro lado, las costumbres y ritos funerarios de los griegos entraron igualmente de lleno en la arquitectura dramática. La persona que muere no encontrará definitivo reposo hasta que le hayan cumplido una serie de ritos religiosos relacionados con su enterramiento. La joven Antígona entiende que debe dar sepultura a su hermano Polinices, a pesar de la expresa prohibición del rey Creonte; en "Las Coéforas" de Esquilo se encuentra a un grupo de personas enviadas por Clitemestra para que viertan libaciones sobre la tumba de Agamenón. Estas y otras prácticas funerarias implican un ritual complicado: las mujeres lloran, se golpean el pecho, se cortan el pelo, se desgarran sus vestidos al tiempo que entonan gritos inarticulados de tipo «ió», «ió», «ai», «ai», «paián», «paián», mientras vierten libaciones y presentan sus ofrendas al muerto. En todo caso, la muerte se presenta al griego como fuente de contaminación "míasma" (gr. μíασμα, de la que tanto el individuo como la colectividad debe limpiarse mediante un ritual de purificación. Así, cuando Orestes llega a Atenas después de haber asesinado a su madre, los atenienses le dan acogida pero no le dirigen la palabra, porque todavía está contaminado por el asesinato. Y nuevamente en el "Edipo Rey" aparece toda una ciudad contaminada porque en ella habita un asesino que aún no se ha sometido al ritual de la purificación. Los ciudadanos acuden al palacio de Edipo como suplicantes con una petición concreta: encontrar al causante de la contaminación y expulsarlo de la ciudad. Es un tipo de súplica a la vez política y religiosa, ya que no se trata solo de lograr que regrese la prosperidad a Tebas, sino que tiene una carga de significación religiosa.


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text: Cabe mencionar que el teatro se consagraba íntegramente a las nueve musas de la inspiración, por su muy estrecha vinculación con el dios Apolo, patrón de las "Bellas Artes". Cada una de ellas representan virtudes artísticas y cognoscitivas, dos de ellas son musas directas del teatro antiguo.


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text: El teatro estuvo en la Antigua Atenas, al igual que en muchas otras culturas, vinculado desde siempre a la celebración de determinados festivales y rituales de carácter religioso. Según las noticias de que se dispone, uno de los más antiguos y concurridos fue el que se celebraba en honor del dios Dioniso en Atenas durante los días 11 al 13 del mes llamado en griego "Antesterion" (mes de las flores) que corresponde aproximadamente a nuestro mes de febrero. Hay un testimonio de Filóstrato, donde se nos afirma que dicho nombre de Antesteria se refiere a un ritual en el que una serie de chicos y chicas atenienses portaban durante una procesión unos ramos de flores una vez llegados a la pubertad. Por su parte, la cerámica griega atestigua algunas representaciones que parecen corresponder a estas celebraciones. Las fiestas duraban cinco días: En cualquier caso, se ha de admitir que estas celebraciones solo tangecialmente se relacionan con los orígenes del teatro griego, aunque sin duda fueron el precedente de otros festivales que se comentan más abajo.


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text: Estas fiestas se celebraban en Atenas durante el mes de Gamelión (el mes de las bodas), que corresponde aproximadamente a nuestro mes de enero, mes que recibía el nombre de Leneo en el ámbito de las ciudades jonias según el testimonio de Aristóteles: Estas Leneas se celebraban en Atenas en un edificio llamado el Leneo, aunque no se tiene noticias claras acerca de dónde pudo estar el emplazamiento, si en la propia acrópolis o en las afueras. Se trata de una institución muy antigua, anterior a la de las Grandes Dionisias, y es probable que al cabo del tiempo su celebración se trasladara (en torno al 440 a. C.) al Teatro de Dioniso. Parece ser que la concurrencia a estas fiestas era solo o mayoritariamente ateniense, sin la numerosa presencia de extranjeros característica de otras celebraciones. Así al menos parece atestiguarlo, entre otros testimonios, el cómico Aristófanes: Las Leneas fueron el principal marco de representación de las comedias de Aristófanes, según se sabe por las noticias ("hipótesis") que anteceden al texto de algunas de sus obras. Así en la «hipótesis» a "Los acarnienses" se lee: «La obra es una de las mejor compuestas e incita a la paz por todos los medios. La hizo representar en las Leneas, a nombre de Calístrato, durante el arcontado de Eucino 426/425 a. C., y quedó la primera». También en la segunda hipótesis a "Los caballeros" encontramos nuevas alusiones a las Leneas: «La obra fue representada a expensas públicas en el arcontado de Estratocles 424/424 a. C. en las Leneas bajo la dirección del propio Aristófanes. Quedó el primero. El segundo premio lo ganó Cratino con "Los Sátiros" y el tercero, Aristómenes con "Los Leñadores"».


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text: Noticias similares encontramos también en las hipótesis de "Las avispas" y de "Las ranas", así como en una serie de inscripciones estudiadas por Csapo.


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text: La celebración de estas fiestas tenía lugar durante el mes Posidonio, que equivale más o menos a nuestro diciembre. Se trataba de una procesión en torno a un falo con la que se buscaba propiciar la fertilidad de los campos sembrados durante el otoño. No nos es dado precisar cuándo se produjo la asociación de esta fiesta al dios Dioniso, aunque de acuerdo con el testimonio de Platón parece que existieron diversas celebraciones, ya que había gente que asistía consecutivamente a más de una de ellas: Un nuevo testimonio sobre el contenido de estas fiestas se puede ver en la comedia "Los acarnienses" de Aristófanes, donde el personaje Diceópolis parodia la procesión de la fiesta, mientras entona un canto a Falo, personificación de la fertilidad, a quien su esclavo Jantias lleva como estandarte. Se ha de suponer que pasajes de este tipo son los que debió utilizar Aristóteles cuando en su "Poética" nos habla de que en sus orígenes la comedia se remonta a estas comparsas de cantantes fálicos (Cf. komoi. Especialmente famosas fueron las celebraciones que tenían lugar en el Pireo. Aunque la ciencia epigráfica y filológica dispone de algunas inscripciones halladas en el terreno, el antiguo edificio del teatro del Pireo ha desaparecido por completo. En todo caso parece que las Dionisíacas Rurales tenían un carácter más agrario que los grandes festivales de la ciudad, aunque precisamente por ello es posible que hayan conservado un carácter más marcadamente religioso y primitivo.


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text: Pero las fiestas más célebres, las fiestas atenienses por antonomasia, fueron las llamadas Dionisias Ciudadanas o Grandes Dionisias, instituidas en honor del dios Dioniso, cuya imagen era trasladada desde la ciudad de Eléuteras (Beocia) a Atenas. Se sabe que en época de Pisístrato (siglo VI a. C.), el festival había ya alcanzado notable fama y que su celebración coincidía con nuestro mes de marzo, época en que la navegación y los viajes se hacían más cómodos y seguros con la llegada de la primavera. La ciudad de Atenas se engalanaba para recibir a embajadores y aliados, hombres de negocios y políticos a quienes el Estado condecoraba por algún servicio especial prestado en beneficio de Atenas. La procesión de una estatua de Dioniso recorría las calles de la ciudad, acompañada de un desfile de antorchas que llevaban los jóvenes en edad militar. Al cortejo se sumaban igualmente cortejos de muchachas (canéforas) con ofrendas para diversos sacrificios. Cada una de las diez tribus de la ciudad organizaba un coro de cincuenta chicos y otro coro de cincuenta adultos que participaban en el concurso.


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text: Por lo que se refiere a las representaciones dramáticas que tenían lugar durante estos días, se sabe que Aristóteles se ocupó de registrarlas debidamente por escrito en torno a los años 330 a. C. De parecido tenor son las didascalias, inscripciones halladas en la falda de la Acrópolis, donde quedaron asentados los títulos de las tragedias representadas en las Dionisias, las comedias de las Dionisias y de las Leneas, los nombres de los arcontes, los nombres de los autores de las piezas dramáticas, etc. Una de las principales inscripciones está incompleta, y delante del nombre de Esquilo (cuya primera victoria en los concursos se fecha en el 484 a. C.) faltan unas diez líneas que debían referirse a los autores de tragedia de las Dionisias.


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text: Ha llegado al presente el testimonio extraordinario de una inscripción, conocida como «Marmor Parium», descubierta en la isla de Paros, en la que se han reproducido algunos acontecimientos históricos desde la fundación mítica de la ciudad de Atenas ("c". 1580 a. C.) hasta el 263 a. C. aproximadamente. En ese documento se habla de la presentación de ciertos festivales dramáticos en un espacio de tiempo que va desde el año 580 a. C. al 508 a. C.. El texto dice así: ¿Cuál era, pues, la vinculación de estas fiestas con la celebración de los concursos dramáticos? Durante el siglo V concurrían al certamen de tragedias tres autores, cada uno de los cuales presentaba cuatro piezas, tres tragedias y un drama satírico de acuerdo con el siguiente calendario y programa: el día previo, llamado "proagón", se dedicaba a ultimar los preparativos y los autores hacían la presentación de sus obras en compañía de sus actores. El día siguiente (el primero propiamente hablando) se iniciaba con la procesión y traslado de la estatua del dios Dioniso, que era acompañado por grupos de jóvenes hasta la Acrópolis y en ella intervenía la mayor parte de los ciudadanos, agrupados según las distintas tribus de la ciudad. Atravesando el ágora, finalizaba en el altar que se hallaba en el centro del propio teatro, donde tenía lugar el concurso de ditirambos; el segundo día se representaban cinco comedias; y cada uno de los tres días siguientes se escenificaban tres tragedias y un drama satírico. De este modo, durante los seis días de fiesta de las Grandes Dionisias se ponían en escena un total de diecisiete obras, además de los cantos ditirámbicos del primer día. No obstante, tanto el número de piezas como su extensión estaban regulados por las necesidades del programa diario de representaciones o por especiales circunstancias durante algunos años de la Guerra del Peloponeso (431-404 a. C.). Esquilo fue autor de trilogías (tres obras en torno a un mismo personaje o motivo), mientras que Sófocles abandonó dicha práctica, según atestigua el antiguo léxico Suidas.


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text: En cuanto a la comedia, la organización era distinta. Cada autor presentaba a concurso (fuera en las Leneas o en las Dionisias) una sola obra en cada festival. Esto es lo que se atestigua para el siglo V y probablemente para el siglo IV a. C., aunque tal vez merezca dejar constancia de que Aristófanes pudo presentar en alguna ocasión, de manera excepcional, dos obras. Hay una didascalia que nos habla de que un tal Diodoro obtuvo el segundo y el tercer premio el mismo año, aunque no debe descartarse la posibilidad de que se tratara de dos autores distintos con un mismo nombre. Por otra parte, lo más corriente fue que durante el siglo V participaran cada año en el concurso cinco autores, aunque durante los años de crisis de la Guerra del Peloponeso se redujeron a tres.


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text: El vestuario de una representación griega está compuesta por:


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text: • Máscaras: los actores griegos utilizaban las máscaras o, en su defecto, ocultaban su rostro con barro o azafrán. El ocultar la cara simboliza el vestirse con elementos nuevos y no comunes, necesarios para realizar el rito, era también un ritual.


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text: Más tarde, cuando el teatro fue teatro y no un acto religioso, la máscara era aquel elemento que transformaba al actor en personaje, había máscaras de viejos, de jóvenes, mujeres, etc. Con el tiempo, los artesanos consiguieron verdadero realismo en las caretas.


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text: Además la máscara poseía unas enormes dimensiones para que fuera mucho más visible al público y para, junto con los coturnos (zancos), guardar la proporción entre las diferentes filas de asientos. Por otra parte, las máscaras podían servir de "megáfono" aumentando la voz del actor. Y por último, permitía al actor interpretar varios personajes.


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text: • Los coturnos: son una especie de zapatos de madera con alza que servían para dar altura al actor. Conseguían que los personajes nobles destacasen sobre el coro y dar proporción al actor con la gran máscara. Así el actor era enorme, con lo que el público podía verlo con facilidad. Generalmente solo eran usados en la tragedia.


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text: • Ropas: por lo general, los trajes usados eran túnicas, cortas o medias y mantos. Según los colores de las ropas el personaje tenía más o menos importancia, así, los colores oscuros eran para los personajes tristes, los alegres para los importantes o los colores normales para la gente del pueblo. Los actores usaban unas almohadillas para abultarse, de modo que se siguiese guardando la proporción con el coturno y la máscara. Además podían usar otros elementos como corona en el caso de los reyes.


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text: El término griego antiguo para designar una máscara es prosopon (lit., "cara"), y era un elemento importante en el culto a Dionisio en Atenas, probablemente utilizado en ritos ceremoniales y celebraciones. La mayor parte de las pruebas proceden de unas pocas pinturas en vasos del siglo V a. C., como una que muestra una máscara del dios suspendida de un árbol con una túnica decorada colgando debajo y bailando, y el vaso Pronomos, que representa a actores preparándose para una obra de teatro de sátiros. No disponemos de ninguna prueba física, ya que las máscaras estaban hechas de materiales orgánicos y no se consideraban objetos permanentes, ya que se dedicaban al altar de Dionisio después de las representaciones. No obstante, se sabe que la máscara se utilizaba desde la época de Esquilo y se considera una de las convenciones icónicas del teatro griego clásico.


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text: También se hacían máscaras para los miembros del coro, que desempeñan algún papel en la acción y comentan los acontecimientos en los que se ven envueltos. Aunque hay doce o quince miembros del coro trágico, todos llevan la misma máscara porque se considera que representan a un solo personaje.


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text: Si el actor recitaba y el coro contestaba cantando se daba un diálogo epirremático. En el caso de que ambos actor y coro cantaran se daba la figura del Kommós. El conjunto de diálogos entre actor y coro recibía el nombre de amebeo. A veces un mismo verso era recitado por dos o más actores a eso se le llamaba antilabē.


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text: Los movimientos del coro en la representación eran muy variados, su entrada a escena se llamaba párodo, generalmente precedida por el prólogo. Ya que el coro había entrado en la orquesta iniciaba un canto coral conocido como estásimo el cual poseía versos líricos, a lo largo de la pieza solía haber tres estásimos. Además de esto el coro podía dialogar con los actores.


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text: El coro en la tragedia griega actuaba como intermediario. Los coros se involucraban en la acción, sus cantos eran importantes y explicaban a menudo el significado de los acontecimientos que precedían a la acción.


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text: El coro normalmente iba vestido de negro, se ubicaba de espaldas al público, en la parte delantera de la escena (orquesta) y acompañaba con cantos y danzas la representación. Detrás de la orquesta se desarrollaba el acto teatral (proscenio). En el fondo se encontraba un escenario (skene) en el que había tres aberturas por donde entraban y salían los actores


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text: Es cierto que acudían gentes de otras polis griegas que llegaban a Atenas en esos momentos aprovechando la bonanza marítima de la nueva estación que se acababa de abrir, después del forzado paréntesis invernal. Sin embargo, tal circunstancia sólo se daba al parecer en las Grandes Dionisias, ya que a las Leneas sólo asistían los atenienses, según se desprende de una clara alusión de la parábasis de "Los acarnienses" de Aristófanes.


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text: Resultaba difícil encontrar un asiento e incluso se producía cierta violencia con motivo de la compra de los mismos. Este fue, al parecer, uno de los motivos que impulsaron a Pericles a crear el fondo público destinado a sufragar los gastos de los ciudadanos con menos recursos que se veían claramente marginados. Además, la mayoría de los edificios sufrieron obras de remodelación para ampliar el espacio dedicado a los espectadores.


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text: Existían localidades fijas en las filas destinadas a los magistrados de la ciudad, a los sacerdotes de Dioniso y a aquellos ciudadanos que habían contribuido de forma especial al bienestar público, los cuales recibían como reconocimiento de la ciudad este derecho a ocupar uno de los asientos preferentes (la "proedría"). Los hijos de los caídos en la guerra y los embajadores de otros estados recibían el mismo privilegio. el resto de la cávea estaba distribuido por tribus, de forma que cada una de ellas tenía asignado un sector determinado, pero no parece que esto fuera suficiente para evitar altercados y premuras de última hora. Es muy significativa la importancia que se daba a la concesión de un asiento preferente, aparte del prestigio social que ello confería al destinatario.


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text: Otro motivo que explica esta asistencia masiva a las representaciones teatrales es la ausencia de discriminaciones de cualquier clase para el acceso a las mismas, a diferencia de lo que sucedía con otro tipo de acontecimientos como los jurados o las asambleas populares. Respecto a las mujeres, colectivo casi siempre marginado de las actividades principales en la sociedad griega, alguna cuestionan su presencia en el interior del recinto teatral y se ha llegado a suponer que asistían a los espectáculos desde fuera en los caminos que bordeaban la ladera de la Acrópolis sobre la que se ubicaba el teatro ateniense. En algunos pasajes cómicos en los que se alude al auditorio, como "La paz" de Aristófanes, o "El díscolo" de Menandro, no se las menciona en ningún momento. Sin embargo, una serie de testimonios del siglo IV a. C., perfectamente retrotraíbles al período anterior, y ciertas anécdotas procedentes de autores tardíos, parecen indicar lo contrario. Así, en un pasaje de "Leyes" de Platón, se hace alusión a la preferencia de las mujeres educadas por el género trágico. Y en un escolio de Aristófanes se menciona un posible decreto de un tal Espirómaco, que proponía la separación de sexos en el teatro e incluso una separación entre mujeres libres y cortesanas. Por otro lado, una biografía tardía de Esquilo menciona cómo la representación de "Las euménides" provocó tales reacciones de horror entre el auditorio femenino que muchas llegaron incluso a abortar, y en Ateneo se recoge la noticia de la gran admiración que produjo entre hombres y mujeres por igual la entrada al recinto de Alcibíades, en calidad de corego y ataviado con ropas de púrpura.


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: Los jóvenes también asistían al teatro, según se deduce del comentario de Aristóteles en Política sobre la conveniencia de prohibirlo. Además, en "La paz", 50-53, lo confirma Aristófanes.


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: Sobre la asistencia de los esclavos es posible que sólo fuera sirviendo de compañía para sus amos más jóvenes. Resulta ilustrativo que Teofrasto incluya en sus "Caracteres" la figura del desvergonzado, cuya especial hazaña consistía en el teatro a uno de sus esclavos en compañía de sus hijos ocupando asientos que estaban reservados para posibles invitados.


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: Las obras puestas en escena revelan una complejidad de pensamiento y unas sutilezas literarias que no parecen estar al alcance de cualquiera. Los argumentos de los dramas están basados en los pormenores de la leyenda heroica y, a pesar de la difusión que ésta alcanzó gracias a la actividad de los rapsodas y recitadores profesionales, resulta difícil imaginar que todos contasen con un bagaje considerable al respecto, dadas sus múltiples variantes y lo difuso de algunas ramificaciones genealógicas. Los estudiosos albergan serias dudas al respecto. ¿No habría sido el teatro un espectáculo de élite forzosamente compartido con toda la masa social ateniense por las imposiciones políticas y religiosas?. Aristófanes alude en repetidas ocasiones a la ingratitud de los espectadores prestos siempre a silbar a los poetas ancianos y a la volubilidad y mal gusto del público. En "Las aves" se burla de la incapacidad de los asistentes, al no tener alas para escapar del teatro y poder volver en el momento adecuado cuando la comedia terminaba.


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: No hay que sobrevalorar el nivel del público ateniense a partir de las parodias que Aristófanes hacía de algunas tragedias o de sus autores. Muchas de estas alusiones se referían a obras que habían sido puestas en escena hacía poco, o se dirigían más que a pasajes concretos que puedan hacer suponer un cierto conocimiento literario por parte de los espectadores, al estilo general de un poeta, a su tono, que era algo mucho más fácil de retener, especialmente si había repetido sus intervenciones en años sucesivos.


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: A pesar de todo, parece que al menos una parte del público ateniense estuvo a la altura de las circunstancias y adoptó ante las representaciones un alto grado de seriedad e inteligencia. Supo reconocer las grandes figuras, cuyas obras ganadoras de los premios en los certámenes y luego representadas con cierta regularidad, son precisamente las que han sobrevivido.


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: Hay anécdotas sobre las respuestas emocionales excesivas por parte del público ante algunas representaciones como la mencionada de "Las Euménides", o la que se refiere a la prohibición de futuras representaciones de "La captura de Mileto", obra de Frínico, a causa de los sentimientos dolorosos que provocó a los espectadores.


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: En el teatro griego, a diferencia del de Shakespeare, por ejemplo, apenas importa la personalidad de los personajes y son los problemas, la moralidad y las acciones los que alcanzan el primer plano. Es muy probable que dada la variedad del auditorio, en ocasiones los poetas se dirigieran únicamente a un sector más formado, a cuya apreciación irían destinadas ciertas sutilezas poéticas. Hay que mencionar la anécdota que narra cómo se salvaron de una muerte atroz en las latomías de Siracusa aquellos cautivos atenienses que eran capaces de recitar pasajes completos de Eurípides. O bien la noticia de Teofrasto sobre la alta distinción y estima social que alcanzaban quienes eran capaces de recitar parlamentos de tragedias.


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: Existía además un alto grado de propaganda y de concienciación cívica en todos los festejos que rodeaban las representaciones teatrales, tanto al inicio del certamen como una vez finalizado este. La ceremonia de apertura de los festivales se convertía en una gran manifestación del poderío ateniense y en una promoción de los deberes ciudadanos. Se exponía ante los espectadores llegados de todas partes del mundo griego el tributo enviado por los aliados de Atenas, se hacía desfilar a los huérfanos de los caídos por la ciudad, cuya educación y armamento habían sido costeados por la comunidad, y se proclamaban los honores de aquellos que habían beneficiado a la polis de alguna forma.


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: Los principales representantes del estado se sentaban en las primeras filas y debían realizar unas ofrendas al inicio de la celebración. Buena parte de la financiación corría a cargo de un ciudadano rico, que cumplía con un impuesto denominado "liturgia", cuya función era subvenir a las necesidades básicas de la comunidad.


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: La asamblea reunida al principio para determinar el curso de la celebración, debía reunirse también al término de la misma para dictaminar la buena o la mala organización del certamen por parte del magistrado encargado a tal efecto.


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: Los jurados que otorgaban los premios eran seleccionados entre los ciudadanos por un curioso y complicado sistema, y en ocasiones era el público, con su presión sobre los jueces, quien decidía el resultado (Platón alude con desprecio a la "«teatrocracia»" así creada). A pesar de las diferencias de actitud y de respuesta ante las obras representadas, pocos podrían haber escapado a la atmósfera general que rodeaba el acontecimiento: una semana de fiesta pública en la que todos los asuntos se posponían, en la que se glorificaba el orgullo ateniense y en la que la ciudad era dominada por una experiencia singular que todos sus habitantes podían compartir personalmente: el edificio como espacio escénico.


title: Teatro de la Antigua Grecia

text: Se considera a Tespis como el padre del teatro. Tespis viajaba en un carro donde montaba su teatro y representaba obras con temas diferentes al culto de Dionisio. Su innovación principal consiste en añadir un personaje que dialogaba y este fue el protagonista.


title: Teatro griego

text: El término teatro griego puede referirse a:


title: Hamshenis

text: Hamshenis (en turco: "Hemşinliler", en armenio: "Համշենի") es un grupo étnico de la región del Mar Negro de Turquía. Son generalmente musulmanes suníes.


title: Hamshenis

text: Hay tres grupos principales de hamshenis:


title: Hamshenis

text: Existen diferencias importantes en ambos grupos en Turquía. La diferencia principal es lingüística; el grupo occidental habla un dialecto propio de las lenguas túrquicas, en cambio, el del este habla un dialecto antiguo del armenio conocida como Homshetsi ("la lengua de Hamshen").


title: Hamshenis

text: Actualmente existe un renacimiento cultural entre el grupo del este.


title: Upa!

text: Upa! es una banda de "rock" chilena originaria de Santiago y formada en 1985, cuyo estilo era new wave influenciado por el jazz rock. Sus integrantes son Pablo Ugarte (voz y bajo), Sebastían Piga (guitarra, saxofón), Mario Planet (voz y guitarra) y Octavio Bascuñán (batería).


title: Upa!

text: Durante los años 80, Upa! logró no sólo demostrar mayor valor artístico que la serie de bandas que compitieron con ellos durante el llamado "boom" de la época, sino también establecerse como referente de un modo de composición de inequívoco espíritu urbano. A diferencia de sus contemporáneos, Los Prisioneros, el grupo optó por una reflexión social más sutil y metafórica, anclada de modo importante en la new wave inglesa y con timbres novedosos, como el saxofón de Sebastián Piga.


title: Upa!

text: Con canciones como «Ella llora», «Cuando vuelvas» y «La bamba», Upa! se convirtió en uno de los grupos más populares de la década. Su planteamiento intentó mantenerse fiel a tres principios autoestablecidos: "Tocar bien, cantar inteligente y tener un estilo personal". Luego de un largo receso, la banda volvió a los escenarios y la publicación discográfica a fines de los años 1990 y casi con su misma formación original. Desde entonces se reúnen de modo periódico, si bien sus integrantes privilegian sus actividades personales.


title: Upa!

text: A partir de 2016, y con dos nuevos integrantes luego de la partida de Pablo Ugarte, el grupo retoma una actividad sostenida.


title: Upa!

text: De modo conjunto, Pablo Ugarte (bajo y voz), Mario Planet (guitarra, teclado), Sebastián Piga (saxo) y Octavio Tavo Bascuñán (batería) reformularon hacia el año 1985 al grupo Generaciones (parcialmente experimental) para formar un proyecto más ajustado al pop. Upa! fue un nombre elegido, según ellos, por ser "el más ridículo" que pudo ocurrírseles, aunque con el tiempo tomó una lectura optimista:


title: Upa!

text: Debutaron en el céntrico teatro Cámara Negra. Dispuestos a profesionalizar su trabajo, el grupo logró grabar al poco tiempo su primer disco. Su álbum debut homónimo fue editado en el año 1986 y se destacaron singles como «Sueldos» y «Fotonovelas», más algunas reflexiones de amarga reflexión urbana como: «Las masas son gente» y «La nada», casi siempre en torno a la soledad inherente a la vida en Santiago. En ese álbum podía encontrarse además «África», uno de los primeros temas de influencia reggae grabados por un grupo local. El trabajo se publicó también en Uruguay, Perú y Argentina.


title: Upa!

text: Con un sonido sofisticado pero amable, Upa! logró equilibrar las dos dicotómicas tendencias pop de la época, a medias entre la feroz crítica contingente hacia Los Prisioneros y el ansia comercial de, por ejemplo, Cinema. Con estos últimos coincidieron en el XXVIII Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, aunque la experiencia fue contraproducente: el debut a gran escala de Upa! fue recibido con sonoras pifias de un público que aún no conocía sus canciones. El grupo tuvo una merecida revancha unas semanas más tarde, cuando se unió en la misma Quinta Vergara al cartel que tuvo por primera vez a los argentinos Sumo en Chile (también lo hicieron el grupo argentino G.I.T. y los locales Aparato Raro), menos de un año antes del muerte del italo-escocés y posteriormente nacionalizado argentino Luca Prodan.


title: Upa!

text: Para su segundo lanzamiento, "Que nos devuelvan la emoción" (1988), el grupo ya había incorporado a María José Levine (ex Primeros Auxilios) como vocalista y tecladista. Su novedoso cover para el tradicional «Río, río» —también incluido en la banda sonora del filme "Sussi", de Gonzalo Justiniano— y temas como «Ella llora» fueron lo más destacado de un álbum en el que el grupo confirmó su identidad y logró legitimar una lectura más trabajada del pop en español, a través de un cancionero de marcado carácter sentimental, con letras de excepcional sensibilidad para el medio y no pocos versos de amor.