title: Enjoy the Silence

text: Con dos vídeos promocionales, otro extra para una emisión televisiva, y cuatro proyecciones para interpretaciones en concierto, "Enjoy the Silence" resulta ser el tema de DM al que se le han realizado más versiones visuales. "Enjoy the Silence" fue dirigido por Anton Corbijn y es uno de los más conocidos vídeos de Depeche Mode. En él se muestra al cantante David Gahan ataviado como un rey, quien deambula por valles y montañas con una atemporal silla para playa, encontrando lugares donde sentarse a "Disfrutar el Silencio". En cada corte de escena se ve la rosa de la portada del álbum en efecto negativo pero en diferentes cromados. Después se intercalan imágenes en blanco y negro de los integrantes de DM en una habitación totalmente a oscuras simplemente posando, observando, caminando de frente a la cámara; incluso con una escena suelta de Gahan como rey sosteniendo una cartulina blanca sobre la cual está la rosa de la portada de "Violator" haciendo de algún modo este el tema epónimo del álbum. Por otro lado, en las únicas imágenes en color, las de Gahan vagando por diversos lugares, la película no se limpió, por lo cual resultan en tomas con una apariencia desgastada.


title: Enjoy the Silence

text: Curiosamente, solo en esta versión se adicionó una suave entrada electrónica, la cual en conciertos se reproduce en múltiples distintas formas. El vídeo se haría famoso por su manejo del claroscuro, la sutileza de sus imágenes y la sencillez del concepto como otros de Corbijn.


title: Enjoy the Silence

text: "Enjoy the Silence 04" fue dirigido por Uwe Flade, el primero que realizó para Depeche Mode, con un satisfactorio resultado, lo cual le permitió dirigir después los videos de "Precious" y de "A Pain That I'm Used To" en 2005. El video es en realidad una animación digital en la cual alcanzan a verse en unos monitores imágenes de Depeche Mode tocando "Enjoy the Silence" en vivo durante los conciertos recogidos en las películas "Devotional", "The Singles Tour" (filmado por el canal norteamericano MTV y no disponible en ningún lamzamiento del grupo) y "One Night in Paris". Esta segunda versión tiene una historia sobre una suerte de invasión en un edificio de oficinas por una plaga vegetal que culmina en rosas, hasta que por último en la azotea del edificio se forma la portada de "Violator", manteniendo el motivo de la rosa del vídeo original de Corbijn. Este se incluye en la colección "The Best of Depeche Mode Volume 1" de 2006.


title: Enjoy the Silence

text: El vídeo original de "Enjoy the Silence" se incluye en la colección "Strange Too" de 1990, así como en "The Videos 86>98" de 1998 y en "The Best of Depeche Mode Volume 1" de 2006 en su edición en DVD. Ambos vídeos de "Enjoy the Silence", el original de 1990 y la versión de 2004, se incluyen en "Video Singles Collection" de 2016. Un video promocional para el programa televisivo "Champs-Élysées" con Michel Drucker, fue realizado por la televisión francesa el mismo 1990, el cual muestra a DM tocando el tema en el World Trade Center de Nueva York. Esta sigue siendo una versión audiovisual muy rara de la canción. Adicionalmente Corbijn realizó para la gira Devotional Tour una artística proyección de fondo, en la cual unas tupidas pinturas se desvanecían revelando a cada tiempo el rostro de cada uno de los integrantes. Para la gira Tour of the Universe Corbijn filmó una nueva proyección en la cual aparecieron tres astronautas tomando cada uno el lugar central en donde la esfera común a todas las proyecciones de esa gira sirvió como un amplificador de imagen mostrando que cada uno de los astronautas era uno de los integrantes de DM. Esencialmente dos proyecciones muy parecidas.


title: Enjoy the Silence

text: Para la gira Delta Machine Tour, Corbijn realizó una proyección en la que aparecen cinco chicas desnudas con el cuerpo completamente contorsionado, metidas en las formas piramidales que compusieron la pantalla de esa gira. Posteriormente, para la gira Global Spirit Tour, Corbijn realizó otra peculiar proyección en donde aparecían diferentes animales de granja, como cerdos, perros y borregos.


title: Enjoy the Silence

text: "Enjoy the Silence" ha sido desde su introducción en 1990 de los únicos temas constantes en conciertos de DM, solo con "Never Let Me Down Again" y "Personal Jesus". Así, estuvo presente en el correspondiente World Violation Tour, y los que le han seguido Devotional Tour y Exotic Tour, The Singles Tour, Exciter Tour, Touring the Angel, Tour of the Universe, Delta Machine Tour y Global Spirit Tour.


title: Enjoy the Silence

text: Las variaciones para ejecutarla en el escenario en realidad han sido más bien pocas, en el propio World Violation Tour se presentó con elementos de su versión Bass Line Remix, aunque casi todas han tenido en común la introducción que aparece en su versión audiovisual, o una variante más larga y acompasada, haciendo en algunas ocasiones un inicio prolongado hasta que comienza la base electrónica principal. También, como con "Personal Jesus" se suele hacer un extendido cierre con nuevos solos de guitarra de Martin Gore, unos más rock, otros más pop, incluso en la gira The Singles Tour durante el cierre los tres integrantes de DM cantaban al término de cada tempo del cierre "Enjoy the Silence". Las interpretaciones desde 1993 comenzaron a hacerse en particular largas, de las más largas en cada concierto, en años recientes supera incluso los siete minutos dado los solos prolongados de guitarra y sintetizador que se hacen antes de la última estrofa, lo cual la volvió una de las funciones más emblemáticas de cada concierto y uno de los temas más largos de DM en concierto.


title: Enjoy the Silence

text: En cuanto la interpretación, fue de los primeros temas verdaderamente electroacústicos del repertorio de DM, y siempre se ejecuta igual, excepto que desde 1997 la percusión es de batería acústica por Christian Eigner contra el efecto sintético que se utilizaba en principio. La introducción empleada para el arreglo durante la gira Global Spirit Tour fue en una versión ampliada, con el efecto sintético sostenido por más tiempo pasando de manera más gradual a las primeras notas del tema, lo cual la hizo una función un tanto más prolongada.


title: Enjoy the Silence

text: En escenarios siempre se ha llevado a cabo con solo dos sintetizadores, pues uno es el que pone la melodía y efectos básicos, el segundo solo complementa, y el acompañamiento de la guitarra, la cual después de todo plantea una línea muy simple, repetida una y otra vez.


title: Enjoy the Silence

text: El grupo italiano Lacuna Coil grabó una versión de "Enjoy the Silence" incluida en su álbum "Karmacode" de 2006 e incluso la publicó como sencillo promocional del mismo. Esta versión fue incluida en la lista del New York Times de los 100 mejores covers de toda la historia, en el puesto 88.


title: Barrel of a Gun

text: «Barrel of a Gun» (en español, "Barril de una pistola") es el trigésimo primer disco sencillo del grupo inglés de música electrónica Depeche Mode, el primero de su álbum "Ultra", publicado el 3 de febrero de 1997 en el Reino Unido, aunque desde el 28 de enero en los Estados Unidos.


title: Barrel of a Gun

text: "Barrel of a Gun" es una canción compuesta por Martin Gore y era un tema del cual en su momento se esperaba muy poco, pues tras la salida de Alan Wilder de la banda muchos analistas consideraban que el futuro de Depeche Mode quedaba en suspensión, sin embargo, la canción llenó las más escépticas expectativas, abrió la puerta al discreto impacto del álbum "Ultra" e inauguró el nuevo sonido de Depeche Mode.


title: Barrel of a Gun

text: Como lado B aparece el tema instrumental de más de siete minutos de duración llamado "Painkiller", que reflejaba también parte de la nueva tendencia de la banda, del cual adicionalmente se incluyó una versión condensada de dos minutos oculta en el álbum "Ultra" bajo el título "Junior Painkiller". "Barrel of a Gun" se produjo después de algunos momentos difíciles para la banda y sus miembros. El músico Alan Wilder dejó la banda en 1995 y el cantante David Gahan estuvo a punto de morir mientras estaba en la agonía de la adicción a las drogas. Martin Gore tuvo una serie de convulsiones y Andrew Fletcher había tenido algunos problemas emocionales. A mediados de 1996, Gore trató de encontrar a Gahan y a Fletcher habiendo escrito algunas canciones esperando estuvieran interesados en continuar. Funcionó, y la banda volvió a unirse, excepto que de nuevo como un trío por primera vez desde el álbum "A Broken Frame" de 1982.


title: Barrel of a Gun

text: "Barrel of a Gun" tiene algo de sonido de la música industrial, y es posiblemente la canción más oscura de DM. Gore no estaba seguro si sería un éxito en la radio, por lo que se mostró reacio a recomendar esta canción como el primer sencillo, pero cuando lo hizo resultó que a sus compañeros, a Daniel Miller y al productor Tim Simenon les gustó. Alcanzó el puesto 4 en las listas del Reino Unido en 1997, que en su momento fue su más alta posición en la lista tras "People Are People" de 1984.


title: Barrel of a Gun

text: Como en sus dos anteriores álbumes, DM abría la promoción del disco con un tema por completo diferente a todos los demás anteriores, pero "Barrel of a Gun" se distinguió no por su melancolía o sentido alegórico, al contrario se reveló como un tema directo, pero sobre todo muchísimo muy crudo.


title: Barrel of a Gun

text: Presentado con una musicalización recargada de camas de sonido, intencionalmente sucio, lleno de distorsiones y efectos secos pero paradójicamente sintetizado, el tema fue meramente alternativo. Cuando la crítica y aun el público esperaban otra pieza electroacústica, los teclados eléctricos adquirían un renovado protagonismo enriquecido con los elementos orgánicos e incorporaban tendencias novedosas de su género como el trip hop. Así "Barrel of a Gun" era una función alternativa pero esencialmente retrospectiva para DM, con un sonido mucho menos complaciente pero más lúgubre y punzante.


title: Barrel of a Gun

text: La letra reseña todos los problemas en los cuales se hundió el cantante David Gahan por su adicción a las drogas, llevándose de paso la estabilidad del grupo consigo, y cayendo a estados de estupor tal que incluso le orillaron al suicidio, repitiendo en su cruento estribillo “Lo que sea que haga, estaré bajo el cañón de un arma”. Como curiosidad, igual que en épocas pasadas Martin Gore solo se dedicó a decir que la letra era una metáfora sobre los problemas internos del grupo, aunque claramente fuera una letra tan biográfica para el vocalista. Por otro lado, algunos también han encontrado parte del sonido más industrial del grupo en el tema, como siempre la interpretación, su valoración y clasificación es muy abierta y ambigua.


title: Barrel of a Gun

text: Con la canción llegaba también de algún modo un nuevo sonido, algo más tétrico o quizás solo un poco más adulto, contra las líricas cadenciosas y provocativas de canciones anteriores de DM, no buscando satisfacer a nadie, siendo fieles a la música electrónica tras del experimentalismo de un éxito y sin añorar al miembro que pudo haber mejorado todo un álbum, solo clamando las dificultades que debieron pasar para de nuevo llegar a publicar discos.


title: Barrel of a Gun

text: Realizado para la colección "The Singles Boxes 1-6" de ese año.


title: Barrel of a Gun

text: En este caso, la única edición regular en 7 pulgadas fue solo para los Estados Unidos."Barrel of a Gun" fue dirigido por Anton Corbijn. El vídeo fue realizado en Marruecos en la búsqueda de Corbijn de un escenario antiguo y desgastado por el tiempo, como ya lo era DM para ese momento, y con él se presentó también una especie de nuevo concepto visual para la banda.


title: Barrel of a Gun

text: David Gahan seguía siendo el eterno protagonista de las líricas de DM, como él mismo lo declaró alguna vez, mientras Martin Gore y Andrew Fletcher en lugar de hacer papeles secundarios se convertían más bien en representaciones del estado de ánimo y mental del cantante, y por momentos casi en salvadores en otra referencia directa a sus problemas internos como grupo de música.


title: Barrel of a Gun

text: El vídeo muestra a Gahan, aún en deteriorado estado físico, a color aunque en tonos psicodélicos, sobre una cama retorciéndose como un verdadero drogadicto solo por cuestiones mentales, para después pasar a tonos más apagados ante una mesa y seguir con el típico blanco y negro del director en el cual aparecen Gore y Fletcher con el vocalista quien escenifica el estado de persecución al que llevan las drogas.


title: Barrel of a Gun

text: El vídeo se incluye en la colección "The Videos 86>98" de 1998, en "The Best of Depeche Mode Volume 1" de 2006 y en "Video Singles Collection" de 2016.


title: Barrel of a Gun

text: El tema estuvo presente durante la gira The Singles Tour, la cual extraoficialmente fue la que correspondió al álbum "Ultra", y del mismo modo fue de los cinco temas en las dos "Ultra Parties" de 1997. Adicionalmente el instrumental "Painkiller" se utilizó durante toda la gira como intro para los conciertos.


title: Barrel of a Gun

text: En 2013, "Barrel of a Gun" se reincorporó en conciertos de la gira Delta Machine Tour como tema rotativo, posteriormente apareció en principio en todas las fechas del Global Spirit Tour, hasta que para la última parte, los festivales en Europa, salió de la lista de interpretaciones.


title: It's No Good

text: «It's No Good» (en español, "No está bien") es el trigésimo segundo disco sencillo del grupo inglés de música electrónica Depeche Mode, el segundo desprendido de su álbum "Ultra", publicado el 31 de marzo de 1997.


title: It's No Good

text: "It's No Good" es un tema compuesto por Martin Gore que se convirtió en el mayor éxito, y según algunas opiniones la mejor canción, del álbum "Ultra". Como lado B aparece el tema instrumental "Slowblow" también de Gore, el cual fue el último lado B del disco. El instrumental en sí es lento y cambiante.


title: It's No Good

text: Alcanzó el puesto 5 en el UK Singles Chart. De casi todo el álbum "Ultra" fue el tema más sintético, manteniendo mucho de la aspereza que caracteriza algunas otras canciones del disco. Es una diatriba sobre las insatisfacciones en la relación de pareja, sentada sobre una melodía fuerte y cargada, pero sumamente electrónica, y aunque parezca una canción de reclamo a la pareja en realidad es una sentida sentencia de amor tras el estupor de los problemas, cuando los involucrados deben darse tiempo y asumir el papel que siempre les corresponderá.


title: It's No Good

text: Considerando la grave voz de barítono de David Gahan, pareciera un tema francamente machista en su imperioso clamor sentenciando “No digas que me quieres, No digas que me necesitas, No digas que me amas, Está entendido, No digas que estás bien allá fuera sin mí, Porque no está bien”. La musicalización, como otras de DM, está basada principalmente en una melodía bastante dramática y hasta tétrica que de paso lo vuelve un tema oscuro y pesaroso, mientras la letra sin concesiones llena de altivez y soberbia sólo ordena lo que debe ser, aunque no sea lo correcto.


title: It's No Good

text: A diferencia de otras canciones de DM, la letra se distingue por ser llana, directa, arrogante y hasta agresiva. Aunque en esencia es un poema de amor incondicional, en momento alguno no pierde la severidad y la rigidez que conlleva, mientras la música sumamente compuesta sólo le da más pesadez.


title: It's No Good

text: Curiosamente se conservó la guitarra totalmente trastocada por el complemento sintético mientras el efecto de percusión paradójicamente es muy suave, haciéndola una canción electroacústica que sin embargo está muy recargada hacia el lado más artificial de DM.


title: It's No Good

text: En su versión para radio está bastante simplificada contra la del álbum de cerca de seis minutos.


title: It's No Good


title: It's No Good

text: Por segunda ocasión, la única edición regular en 7 pulgadas fue sólo para los Estados Unidos, como con el anterior sencillo.


title: It's No Good

text: "It's No Good" fue dirigido por Anton Corbijn. El vídeo, bajo la pista de su versión para radio, muestra a DM como un trío de músicos de poca monta comenzando por tomar su turno en un cabaret en donde los asistentes acaban de pleito. El vídeo de Corbijn, totalmente a color como no es normal en él, fue como siempre realizado con su particular visión simplista de entender los conceptos del grupo, así David Gahan no tiene sincronía con la pista de la canción, el presentador no sabe pronunciar bien el nombre de la canción, deliberada y aparentemente está todo mal filmado con escenas mal actuadas, vestidos de modo muy pretencioso, en suma como el título de la canción, No Está Bien.


title: It's No Good

text: Martin Gore es el tecladista del trío de perdedores, Andrew Fletcher toca el contrabajo, y cuentan con un par de bailarinas, pero nada parece salirles bien. Después de su malograda presentación, en taxi se pasan al Hotel ULTRA en donde nuevamente tocan pero les roban el poco dinero que llevan sin siquiera darse cuenta. Por último, sin dinero las chicas toman otro taxi dejándoles solos bajo la noche, y caminando se van con sus instrumentos y su ropa a cuestas.


title: It's No Good

text: El video se incluye en la colección "The Videos 86>98" de 1998, en "The Best of Depeche Mode Volume 1" de 2006 y en "Video Singles Collection" de 2016.


title: It's No Good

text: Adicionalmente para la gira "Exciter Tour" Corbijn realizó un cortometraje como proyección de fondo para las ejecuciones del tema en concierto, una suerte de vídeo alterno en el cual Gahan aparece entrando a un pequeño local de comida en donde únicamente atiende una camarera a quien le pide su orden y asume una actitud de querer decirle algo, pero no se atreve, hasta que entran Gore y Fletcher como nuevos clientes y pronto comienzan a flirtear con ella hasta llevársela, dejando a Gahan solo, tristón y meditando. Además en la proyección se alternan tres pantallas de abundante texto remarcando los tres monosílabos que conforman el título de la canción.


title: It's No Good

text: "It's No Good" ha estado presente desde su introducción en la gira The Singles Tour, que extraoficialmente fue gira del álbum "Ultra", aunque desde luego también apareció en las dos "Ultra Parties", después se reincorporó en el Exciter Tour y en el Tour of the Universe, así como en el Global Spirit Tour.


title: It's No Good

text: La interpretación aunque electroacústica revela mucha predominancia de los elementos sintéticos, como pocos temas de DM posteriores a 1993.


title: A Question of Lust

text: «A Question of Lust» (en español, "Una pregunta de lujuria") es el hexadécimo disco sencillo del grupo inglés de música electrónica Depeche Mode, el segundo desprendido de su álbum "Black Celebration", lanzado en 7 y en 12 pulgadas en 1986.


title: A Question of Lust

text: "A Question of Lust" es una canción compuesta y cantada por Martin Gore, la segunda con él en las vocales que se lanzaba como sencillo, y es una balada dulce y cadenciosa que logró éxito entre el público. Como lado B aparece el tema instrumental "Christmas Island", llamado así por una isla con ese nombre y que fue compuesto por Martin Gore y por Alan Wilder.


title: A Question of Lust

text: El siguiente sencillo, del mismo álbum, curiosamente se llama "A Question of Time", pero ambas canciones son diametralmente distintas. Es uno de los temas más románticos de DM, aunque paradójicamente lleno de nostalgia pero sobre todo mucha voluptuosidad. Como curiosidad, la percusión es acústica como habían hecho en los álbumes inmediatamente anteriores, conducida por una serie de modulaciones intermedias y efectos sostenidos otorgándole una particular sonoridad llena de melancólica.


title: A Question of Lust

text: La letra, sencilla, es sobre la relación de pareja y los sentimientos que involucra estar verdaderamente comprometido en ella, el deseo, la confianza, el miedo a la pérdida y la destrucción de lo logrado, la dependencia mutua, bajo una muy trabajada musicalización en la cual resuena todo el tiempo la fuerte percusión, con lo cual extrañamente seguía emparentado a los anteriores temas de inspiración industrial.


title: A Question of Lust

text: Como función lírica-músico-ambiental, la letra es toda una dedicatoria de amor incondicional e integral, en la cual se declara todo lo que siempre debe decirse a la persona querida, inclusive previendo los momentos en que no se esté junto a ella, al tiempo que el acompañamiento musical es armónico y fuerte, aunque sin perder la notación de una verdadera balada.


title: A Question of Lust

text: En conjunto de sus elementos es una pieza triste pero cadenciosa, emotiva pero directa como las relaciones humanas, alternando siempre los sentimientos más desconsoladores con la lujuria y el deseo de algo mejor, como clama en el coro “Es una cuestión de deseo, Es una cuestión de confianza”. Para la colección "The Singles Boxes 1-3" de ese año.


title: A Question of Lust

text: "A Question of Lust" fue el último video de Depeche Mode dirigido por Clive Richardson, quien se encargó de la mayoría de los videos de los primeros años del grupo.


title: A Question of Lust

text: El vídeo mostró una imagen algo más adulta de DM, contra el divertimento juvenil de los primeros años y la confrontación de ideas como concepto visual. Nada más iniciar con una escena de Martin Gore desnudándose en público mientras sus compañeros intentan taparlo reinventaba los tradicionales vídeos del grupo.


title: A Question of Lust

text: Buena parte de las imágenes fueron tomadas en concierto, otorgándole además una apariencia más vívida a DM, alternado con escenas filmadas especialmente con David Gahan en una actitud de completa melancolía percutiendo el pandero, aunque la constante es el rostro de Gore cantando con expresión de tristeza.


title: A Question of Lust

text: El video se incluye en la colección "Some Great Videos" de 1985, aunque sólo en su versión americana. Posteriormente se incluyó en "The Videos 86>98" de 1998 y en "Video Singles Collection" de 2016.


title: A Question of Lust

text: Adicionalmente para la gira "The Singles Tour", el director Anton Corbijn filmó una simplista proyección de fondo para las interpretaciones en concierto del tema, en la cual aparecía el torso desnudo de una robusta mujer que después cambiaba al rostro estoico de cada uno de los integrantes de DM. Para las giras "Devotional Tour" y "Exotic Tour", Corbijn realizó una minimalista proyección de fondo para el tema Judas que se utilizó indistintamente para las interpretaciones de A Question of Lust, para I Want You Now y para Waiting for the Night en la cual aparecían unas velas encendidas, una con forma de corazón y otra en forma de cruz pero corridas de atrás para adelante, de tal forma que en un principio aparecían un par de velas informes que al término acababan con la forma de corazón y cruz, mientras en otra pantalla aparecían simplemente varias veladoras encendidas.


title: A Question of Lust

text: El tema fue presentado desde el correspondiente Black Celebration Tour y desde entonces se volvería frecuente en giras de DM, pues fue reincorporado durante el Tour for the Masses, después en el Devotional Tour, el Exotic Tour, The Singles Tour, así como en la gira Touring the Angel en su forma epónima, y para las cuales la característica percusión la realizó Christian Eigner en la batería acústica.


title: A Question of Lust

text: Durante las giras Tour of the Universe, Delta Machine Tour y Global Spirit Tour, el tema se incorporó como opcional en una versión acústica solo con musicalización de teclado en modo piano por Peter Gordeno.


title: A Question of Lust

text: Adicionalmente el instrumental "Christmas Island" se utilizó durante toda la gira Black Celebration Tour como intro para los conciertos.


title: Never Let Me Down Again

text: «Never Let Me Down Again» (en español, "Nunca me dejes caer otra vez") es el décimo noveno disco sencillo del grupo inglés de música electrónica Depeche Mode, el segundo desprendido de su álbum "Music for the Masses", lanzado en 1987.


title: Never Let Me Down Again

text: "Never Let Me Down Again" es un tema compuesto por Martin Gore que se convirtió en uno de los más exitosos temas de todo el suceso que significó el "Music for the Masses".


title: Never Let Me Down Again

text: El último concierto del "Tour for the Masses", realizado el 18 de junio de 1988, en el estadio Rose Bowl, en la ciudad de Pasadena, California, marcó un punto importante en el tema ya que sobre el cierre del mismo, el cantante Dave Gahan levantó sus brazos y los empezó a mover de un lado para otro. El público sin pensarlo empezó a imitarlo y desde entonces cada vez que se interpreta el tema en un concierto, durante el cierre el cantante agita sus brazos y el público hace lo mismo.


title: Never Let Me Down Again

text: Como lado B apareció la canción "Pleasure, Little Treasure", así como remezclas de "To Have and to Hold" y de la misma "Never Let Me Down Again", los cuales fueron adicionalmente incluidos en la edición en CD del álbum "Music for the Masses".


title: Never Let Me Down Again

text: Es la canción más veces interpretada por DM en su historia con 962 ocasiones. "Never Let Me Down Again" es prácticamente la primera canción apoteósica de Depeche Mode, apenas junto con las posteriores "Enjoy the Silence", "Personal Jesus", "I Feel You" y "Walking in My Shoes".


title: Never Let Me Down Again

text: Comienza con un extraño y característico efecto de guitarra eléctrica distorsionada, como el que posteriormente sería capitalizado en "I Feel You", y que a decir de los propios miembros fue producto de la improvisación pero quedó bien como inicio del tema, para pasar a una lograda base sintética llena de sonidos y efectos fuertes que en conjunto resultan bastante dramáticos, complementados con el teclado de Alan Wilder en su característica notación grave que sólo lo hace oír aún más pesaroso, y una letra simple que ha sido motivo de especulación pues en apariencia habla tan sólo de amistad incondicional, aunque otros la interpretan como un clamor por ayuda en situaciones difíciles, en específico sobre drogas o alcohol pues por aquella época Martin Gore y David Gahan vivían inmiscuidos en excesos y extravagancias producto de sus adicciones.


title: Never Let Me Down Again

text: Como la gran mayoría de temas de DM cantados por David Gahan, en realidad el tema está vocalizado a dueto con Gore más de la mitad de toda su letra, aunque lo que resalta es la fuerza con que cantan los estribillos pues la melodía conduce a que estos suenen como auténticos gritos. Después del puente principal, el cierre del tema está hecho con una base electrónica todavía más dramática que simula momentáneamente ser gritos.


title: Never Let Me Down Again

text: Con independencia de ello, la musicalización es lo que siempre ha llamado más la atención por su contundencia de sonido sin caer en la música industrial, con lo cual el sonido de DM se pulía a lo que posteriormente sería el álbum "Violator", consiguiendo sonidos más acabados producto de la ingeniería en sus sintetizadores creando melodías a partir sólo de mezclar efectos del teclado e incorporando instrumentos acústicos igualmente trastocados por el elemento electrónico.


title: Never Let Me Down Again

text: Los integrantes de DM indistintamente le llaman de manera corta "Never Let Me Down", curiosamente igual que un álbum y tema epónimo del músico inglés David Bowie de ese mismo año. El lado B estándar, es decir el del disco de 7 pulgadas, fue la corta canción bailable "Pleasure, Little Treasure", también de Gore, de apenas un par de minutos de duración, sin embargo en la edición en disco de 12 pulgadas del sencillo aparece una versión extendida bajo la mezcla Glitter Mix, la cual se adicionó a la edición en CD y en casete del álbum "Music for the Masses".


title: Never Let Me Down Again

text: Como curiosidad, si bien el sencillo, "Stripped" fuera el último de DM en tener propiamente versión corta y versión larga, "Pleasure, Little Treasure" fue el último tema del grupo que tuvo tanto versión corta como versión extendida. De hecho, en este caso la versión extendida, la Glitter Mix, fue la que recibió mayor difusión.


title: Never Let Me Down Again

text: Además aparecieron en las múltiples ediciones diversas remezclas, una de ellas la Spanish Taster del tema "To Have and to Hold" del "Music for the Masses". Martin Gore deseaba inicialmente que "To Have and to Hold" tuviera el sonido de esta versión, con un persistente dramático teclado cubriendo toda la letra, pero Alan Wilder tornó el tema en la función siniestra que acabó incluyéndose en el álbum. Por último la más rítmica versión Spanish Taster de Martin Gore apareció en el sencillo Never Let Me Down Again y se adicionó también a la edición en CD y en casete de "Music for the Masses", por lo que no es difícil de encontrar.


title: Never Let Me Down Again

text: "Pleasure, Little Treasure" tuvo adicionalmente una edición como sencillo promocional, en su versión en directo desprendida del álbum "101", sólo para España y Francia.En 1992 se publicó de nuevo en formato digital, como reedición en CD de sencillo. Para 2004 con ese mismo contenido se publicó para incluirlo en la colección "The Singles Boxes 1-6" de ese año.


title: Never Let Me Down Again

text: El vídeo promocional de "Never Let Me Down Again" fue dirigido por el fotógrafo holandés Anton Corbijn, quien imprimió en éste, como en muchos otros que ha realizado para el grupo, su particular visión simplista consiguiendo un cortometraje elocuente y al mismo tiempo lleno de simbolismos. El vídeo está totalmente en blanco y negro, y muestra a David Gahan tomando una carretera en un viejo coche compacto europeo (específicamente un BMW Isetta) mientras en el camino aparecen los otros tres integrantes corriendo y buscándole para “no dejarlo caer”, hasta que el vocalista acaba textualmente apoyado en unas muletas sin poder ponerse de pie.


title: Never Let Me Down Again

text: Como curiosidad, la historia del vídeo está continuada con la del sencillo "Behind the Wheel" del mismo álbum. Este se incluye en "The Videos 86>98" de 1998, en "The Best of Depeche Mode Volume 1" de 2006 y en "Video Singles Collection" de 2016.


title: Never Let Me Down Again

text: El vídeo tiene dos versiones, pues para la colección "Strange" de 1988 se incluyó uno que usa la mezcla de la versión larga Split Mix, con la entrada y el cierre acotados.


title: Never Let Me Down Again

text: Para la gira Devotional Tour, y consecuentemente en su extensión Exotic Tour, tuvo además una proyección de fondo, también dirigida por Corbijn, en la cual aparecía un astronauta flotando en un espacio junto a pirámides; una de las proyecciones de concierto más curiosas de DM. Según se revela en la edición en DVD del concierto "Devotional", la primera mitad de la proyección se extravió irremediablemente.


title: Never Let Me Down Again

text: "Never Let Me Down Again" fue el primer tema de DM que desde su publicación ha sido incluido en cada concierto de cada gira, solo sin considerar dos ensayos en las giras Exciter Tour y Touring the Angel, y otro cancelado también de la gira Touring the Angel, de hecho fue el único tema anterior a 1997 que formó parte de las dos "Ultra Parties".


title: Never Let Me Down Again

text: El récord lo ostenta sólo junto con "Enjoy the Silence" y "Personal Jesus", pero al ser la más antigua de estas se convierte de tal modo en el tema más ocasiones interpretado por Depeche Mode en conciertos, pues con el Global Spirit Tour, de hecho, rebasó las más de 950 ejecuciones en el escenario, por mucho la más tocada de todo el catálogo de DM. Esto debido al propio gusto de los miembros por ella más que a su éxito en sí, pues siempre ha sido particularmente popular sobre todo en el continente europeo, y gracias a que desde darse a conocer demostró ser un tema para conciertos, por la potencia de su sonido, el detalle de las manos del público y el conjunto de sus elementos.


title: Never Let Me Down Again

text: En conciertos se interpretó casi desde su publicación de modo semiacústico, si bien en el World Violation Tour se ejecutó una forma híbrida de sus versiones Split Mix y Aggro Mix, y ya desde 1993 se incorporó batería en lugar del efecto de las cajas de ritmos, mientras desde 1998 se integró la guitarra eléctrica en lugar del sampler, haciéndolo un tema eminentemente electroacústico, además el puente que antecede al cierre en conciertos se torna siempre particularmente largo y en cada gira con un arreglo sintético distinto acentuando su carácter de tema electrónico, con lo cual en escenarios resultaba una de las funciones más prolongadas. Cabe destacar que durante los Devotional y Exotic Tour, la batería fue ejecutada de manera acústica por Alan Wilder, con lo que comenzaba con su etapa más orgánica en escenarios, la cual se volvió permanente desde ese momento.


title: Never Let Me Down Again

text: Amén de las casi mil veces que se ha interpretado en concierto, Dave Gahan e incluso Alan Wilder la han interpretado en sus propios conciertos, lo cual solo incrementa su número de apariciones en vivo.


title: Never Let Me Down Again

text: "Pleasure, Little Treasure", en su versión larga Glitter Mix, se interpretó también durante toda la gira Tour for the Masses. Curiosamente la versión en vivo que aparece en el directo "101" tuvo una edición como sencillo promocional solo en Francia y en España, la cual en realidad fue el único segundo sencillo que generó ese álbum.


title: Hombre-mosquito

text: El Hombre-mosquito es el nombre en español usado para referirse a una criatura mitológica proveniente de las leyendas de algunos nativos sudamericanos de la selva tropical. Ellos creen en la existencia del "hombre-mosquito" como una criatura que se caracterizaría por succionar la sangre de animales con su larga nariz, como un gran mosquito.


title: Hombre-mosquito

text: Al ser una criatura mítica de un folclore anterior a los avistamientos del chupacabras, algunas personas lo asocian como una prueba de la existencia antigua de este mito moderno; ya que presentarían características de alimentación muy simílares.


title: Hombre-mosquito

text: También tiene similitudes con leyendas como "Mothman".


title: A Question of Time

text: «A Question of Time» (en español, "Una pregunta de tiempo") es el décimo séptimo disco sencillo del grupo inglés de música electrónica Depeche Mode, el tercero desprendido de su álbum "Black Celebration", lanzado en 7 y en 12 pulgadas en 1986.


title: A Question of Time

text: "A Question of Time" es una canción compuesta por Martin Gore que aún conserva elementos del sonido industrial de sus dos anteriores discos, pero en este caso fue el único tema del álbum que sonaba como tal. La versión Remix, la presentada como sencillo, va a un tempo levemente más rápido que la que aparece en el álbum "Black Celebration".


title: A Question of Time

text: Como lado B apareció una versión en vivo de la canción "Black Celebration", la cual dio título al álbum y es uno de los más exitosos temas de Depeche Mode que sin embargo no se lanzó como lado A en disco sencillo.


title: A Question of Time

text: El precedente sencillo del mismo álbum curiosamente se llama "A Question of Lust", pero ambas canciones son diametralmente distintas. Es un tema que conserva mucho del espíritu de música industrial que caracterizara a los álbumes inmediatamente anteriores con sus sonidos fuertes y un tanto maquinales, aunque a un ritmo muy rápido, lo cual recordaba canciones como "More Than A Party", "Told You So" y "Something to Do" con una melodía también muy vertiginosa. Sin embargo "A Question of Time" presentó una letra más adulta, casi literalmente, pues es la voz de un padre dirigida a su hija, quien se pueda convertir en sujeto de pasiones de hombres como él mismo.


title: A Question of Time

text: Así, "A Question of Time" tiene un sonido de desesperación, en letra y aún en música, pues es sólo un canto de preocupación a lo que pueda sucederle a las chicas, siempre expuestas por su belleza y sobre todo por su juventud, clamando todo el tiempo que es Una Cuestión de Tiempo.


title: A Question of Time

text: Ciertamente es el tema con más sonido industrial por la dureza de varios de sus sonidos, aunque en su caso un industrial un poco suavizado debido a las notaciones más agudas por las que se optó en este álbum, sin embargo se volvería fundamental y a la postre uno de los temas más duraderos del disco.


title: A Question of Time

text: La mayoría de sus sonidos sintéticos son sostenidos, desde que comienza y durante los puentes, prestándole una muy particular resonancia dura, por ello que no sea plenamente industrial como aquellos anteriores más que en apariencia, mientras alcanza un ritmo en verdad trepidante en su canto de ansiedad y algo de resignación al concluirla con unos gritos de “sería mejor, sería mejor contigo”, con lo cual llega al dramatismo implícito en varios de los temas del álbum "Black Celebration".


title: A Question of Time

text: Para la colección "The Singles Boxes 1-3" de ese año.


title: A Question of Time

text: "A Question of Time" fue el primer video de Depeche Mode dirigido por Anton Corbijn, lo cual significó el inicio de una larga relación artístico/laboral entre éste y el grupo.


title: A Question of Time

text: El vídeo fue un experimento de Corbijn por hacer una "road movie", o película de carretera, algo que tenía en mente de tiempo atrás y decidió que la desesperada letra de DM era la adecuada para concretar un cortometraje en forma de "road movie", mostrando un concepto básico y simplista como se volvería su estilo.


title: A Question of Time

text: En este se ve a un hombre de cierta edad tomar una moto, en la cual debe recoger a un bebé recorriendo parajes desérticos de los Estados Unidos, hasta que llega con los miembros de DM y les entrega al pequeño.


title: A Question of Time

text: El vídeo está hecho totalmente en blanco y negro, como también es conocida predilección del realizador, y se volvería célebre por lo sencillo de sus ideas y concepto, lo cual haría a Corbijn el director casi único de DM durante algún tiempo.


title: A Question of Time

text: El video aparece en la colección de 1988 "Strange", que de hecho une varios temas de DM formando la buscada "road movie". Se incluyó también en la colección "The Videos 86>98" de 1998, en "The Best of Depeche Mode Volume 1" de 2006 y en "Video Singles Collection" de 2016.


title: A Question of Time

text: El tema fue interpretado desde el correspondiente Black Celebration Tour y se volvería muy frecuente en giras de DM, pues fue reincorporado durante el Tour for the Masses , el World Violation Tour y después en el Exotic Tour así como en las giras The Singles Tour, Touring the Angel, Tour of the Universe y Delta Machine Tour como tema rotativo y en algunas fechas del Global Spirit Tour.


title: A Question of Time

text: La interpretación, casi desde que se publicó, se hizo electroacústica, pues ya desde 1993 Martin Gore llevó a cabo su parte con guitarra eléctrica y Alan Wilder en la batería y, como todos los temas de DM, posteriormente se sustituye el efecto electrónico de percusión por la batería acústica de Christian Eigner, sin muchos cambios en su melodía básica, de hecho el efecto sostenido de entrada siempre se ha conservado y su duración es casi siempre la misma.


title: Dólar beliceño

text: El dólar beliceño (en inglés "Belize dollar" o, simplemente, "dollar") es la moneda de Belice. El código ISO 4217 es BZD. Normalmente se abrevia $, o Bz$ para diferenciarlo del dólar de los Estados Unidos y de otros tipos de dólares. Se subdivide en 100 "cents".


title: Dólar beliceño

text: La primera vez que apareció el dólar en Honduras Británica fue en forma de billetes en 1855. En 1885 sustituyó a la libra esterlina como unidad monetaria de la colonia, con emisión propia de monedas y billetes. El dólar tenía entonces un valor de 4 chelines y 2 peniques, es decir, una libra equivalía a 4,80 $.


title: Dólar beliceño

text: Emitido por el Banco Central de Belice ("Central Bank of Belize"), circulan monedas de 1, 5, 10, 25, 50 cents y de 1 dólar, y billetes de 2, 5, 10, 20, 50 y 100 dólares.


title: Behind the Wheel

text: «Behind the Wheel» (en español, "Detrás del volante") es el vigésimo disco sencillo del grupo inglés de música electrónica Depeche Mode, el tercero desprendido de su álbum "Music for the Masses", publicado en diciembre de 1987; mientras en Estados Unidos apareció hasta 1988.


title: Behind the Wheel

text: "Behind the Wheel" es una canción compuesta por Martin Gore, como lado B apareció una versión de Depeche Mode del tema de Bobby Troup, "Route 66", cantada por Gore y con una musicalización casi idéntica a la de "Behind the Wheel", de hecho existe incluso una versión que mezcla ambas canciones. "Route 66" fue además, después de siete años de existencia, el primer cover que grabara Depeche Mode. "Behind the Wheel" es un tema de inspiración minimalista a base de sonidos complementados sin que ninguno prevalezca sobre los demás, conducido por el sampler de unas cuerdas, en suma un experimento de como realizar una canción con todos y cada uno de sus elementos teniendo el mismo protagonismo, aunque resaltan sobre todo las notas del teclado agudo, una notación lenta de cuatro en tres, con cuerdas de la guitarra eléctrica de Martin Gore al cabo de cada tempo y el acompañamiento de Alan Wilder dándole dramatismo a la introducción, los puentes y el cierre, mientras en las estrofas hace un discreto acompañamiento de efectos.


title: Behind the Wheel

text: La letra es una provocativa propuesta de darle el control al otro disfrazada de función trepidante y vertiginosa, aunque llama la atención el modo en que está armada, son sólo tres estrofas a dueto en su totalidad, sin coros pero con estribillos en la coda. Como curiosidad, la canción está rodeada de la leyenda de que Martin Gore la escribió inspirado en el hecho de que él no sabe conducir.


title: Behind the Wheel

text: En realidad fue uno de los primeros temas de DM en que se acentuaba un modo más rock de música debido a la contundencia de la guitarra que adquiría un mucho mayor protagonismo pese a ocupar secciones muy específicas, mientras relativamente relegaba el elemento electrónico y conservaba un poco la forma de función industrial por la dureza de la percusión y su letra descarada, aunque paradójicamente la base sea sólo minimalista.


title: Behind the Wheel

text: Para la versión como disco sencillo la edición de sonido es distinta, esta es la llamada Remix; empero, sólo la edición de sonidos que aparecen con diferente resonancia, porque todos los elementos, las estrofas y la letra están en el mismo lugar.


title: Behind the Wheel

text: Ese año se publicó por primera vez el sencillo en formato digital de CD. En 1992 se publicó de nuevo en formato digital, como reedición en CD de sencillo. Para 2004 con ese mismo contenido se publicó para incluirlo en la colección "The Singles Boxes 1-6" de ese año. CD sencillo promocional para los Estados Unidos con motivo de la colección "", con la mezcla del tema realizada especialmente por Vince Clarke. "Behind the Wheel" fue dirigido por Anton Corbijn y cuenta con la aparición de la actriz italiana Ippolita Santarelli, aunque existen dos ediciones diferentes, la primera se incluyó en la colección "Strange" de 1988, mientras la segunda aparece en "The Videos 86>98" de 1998, después se incluyó en "The Best of Depeche Mode Volume 1" de 2006 en su edición en DVD y en "Video Singles Collection" de 2016.


title: Behind the Wheel

text: Como curiosidad la historia del vídeo está continuada con la del vídeo de "Never Let Me Down Again" y éste prácticamente comienza en donde se queda aquel, cuando una chica en una compacta moto europea le da un “aventón” a Dave Gahan hasta la ciudad y él sólo le da el control al tiempo que esta se convierte en su manera de acercarse cada vez más a ella. Por lo demás, la pareja llega hasta una taberna, fuera de la cual los esperan los otros miembros de DM, Gahan se convierte cada vez más en un casanova y termina dominando a la chica, o se convierte él en el dominado sin haberse dado cuenta, pues antes tiene que esperar a que ella se cambie. Fácilmente uno de los vídeos más simbólicos de DM.


title: Behind the Wheel

text: El tema ha sido uno de los más consistentes en conciertos de DM, así ha estado presente en el correspondiente Tour for the Masses y después en las giras World Violation Tour, Devotional Tour, Exotic Tour, Touring the Angel, Tour of the Universe y Delta Machine Tour. Desde 1993 se realiza con Martin Gore en la guitarra eléctrica en lugar del sampler original con que la llevaban a cabo.


title: Behind the Wheel

text: La tan característica notación de teclado en tres notas a cuatro tiempos desde siempre la realiza Andrew Fletcher, mientras Martin Gore en la guitarra al mismo tiempo canta, pues se lleva a cabo tal como está en el álbum, a dos voces, en los últimos años Peter Gordeno haciendo el segundo acompañamiento de sintetizador, la parte que hacía Wilder, y Christian Eigner desde que se incorporó al grupo hace la batería acústica contra la caja de ritmos de los primeros años.


title: Behind the Wheel

text: Adicionalmente la versión de Depeche Mode de "Route 66" se interpretó durante el World Violation Tour como cierre de conciertos, pero cantada por David Gahan, aunque de hecho se llevaba a cabo en una versión continuada tras "Behind the Wheel" en referencia/reproducción de la versión híbrida del sencillo.


title: Little 15

text: «Little 15» (en español, "Pequeño 15") es el vigésimo primer disco sencillo del grupo inglés de música electrónica Depeche Mode, el cuarto desprendido de su álbum "Music for the Masses", publicado en 7 y en 12 pulgadas solo en Europa en 1988.


title: Little 15

text: "Little 15" es un tema compuesto por Martin Gore con una muy experimental musicalización minimalista de Alan Wilder. Como lados B aparecieron los temas "Stjarna", también de Martin Gore y una interpretación de Alan Wilder de la Sonata para piano no. 14 de Ludwig van Beethoven. "Little 15" en realidad no se pensó en principio como sencillo, pero un sello francés buscó su publicación al haber sido una popular importación allá y un éxito menor en el Reino Unido, por lo cual terminó optándose por su publicación.


title: Little 15

text: En secuencia, fue el primer sencillo del grupo desde Leave in Silence que no recibió catálogo "Bong", sino solo "Little 15". No es la primera función minimalista de DM, pero si la primera que se publicó como lado A en disco sencillo, siendo una de las decisiones más extrañas en cuanto a criterios comerciales, y con resultados consecuentemente menores, si bien solo se publicó en Europa.


title: Little 15

text: Es un tema con una extraña letra conducida por la frase “Little 15”, Pequeño 15 en español, lo cual ha llevado a la interpretación por algunos de que en realidad está dirigida a un muchacho de 15 años como crítica indirecta a las mujeres que se niegan a aceptar su edad cuando mayores, sin embargo el resto de la letra resulta un poco desigual con esa versión. Por otro lado pareciera una lírica dirigida a la inevitabilidad del inexorable paso del tiempo, la cual es la versión más sólida pues incluso el vídeo promocional apoya esa idea.


title: Little 15

text: La musicalización está hecha con un chocante efecto electrónico como de acordeón repetido durante toda la canción, una base electrónica y el piano por Alan Wilder en secciones específicas solo como puente, el cual se muestra triste y pesaroso. Conforme avanza el tema se torna todavía más tristón, hasta llegar a un puente medianamente rítmico y una última estrofa poco más cargada.


title: Little 15

text: El tema mantiene sobre todo mucho dramatismo, con un asomo de franco fatalismo implícito en letra y en música, y solo al acabar con un sonido operístico parece llevarse todo su pesimismo.Para 1991, "Little 15" se realizó en formato digital dada su inclusión en la colección "The Singles Boxes 1-3" de ese año, con lo que de paso vio por primera vez su publicación en los Estados Unidos. En algunos formatos, el lado B aparece con el título "St Jarna".


title: Little 15

text: "Little 15" fue dirigido por Martyn Atkins. El vídeo por su parte concreta mejor la rara idea del tema, al manejar un concepto sobre tiempo que va agotándose, desde que comienza muestra un reloj marcando la hora e imágenes del frente de un automóvil en movimiento transmitiendo la sensación de falta de tiempo y algo de desesperación por acabar las cosas, así como imágenes de mujeres llegando como siempre a la interpretación sobre la dificultad de las relaciones de pareja.


title: Little 15

text: El vídeo es parecido a los de Anton Corbijn debido a que es en monocromático, pero en lugar de ser claroscuro todo está en color sepia, aumentando de algún modo la sensación de pesimismo.


title: Little 15

text: El video se incluye en la colección "The Videos 86>98" de 1998 y en "Video Singles Collection" de 2016.


title: Little 15

text: Dado su carácter de tema minimalista, "Little 15" hasta ahora ha sido incorporado solo durante la gira "World Violation Tour", en la cual de hecho era una función “acústica” pues únicamente requería la musicalización de Alan Wilder en sintetizador a modo piano, y además era cantado por Martin Gore a diferencia de cómo aparece en el álbum.


title: Animación moderna estadounidense

text: La animación moderna estadounidense es el período actual en la historia de la animación de Estados Unidos. Desde 1986 hasta finales de la década de los años 1990, a este período fue denominado como la era renacentista de la animación estadounidense (Renaissance Age of American animation en inglés), durante el cual, muchas de las grandes compañías estadounidenses de entretenimiento reformaron y revigorizaron sus departamentos de animación luego del declive sufrido entre los años 1960 y 1980. Desde la década de los años 2000 hasta la actualidad, la animación tradicional ha ido perdiendo interés contra la animación digital y la Flash, período que recibe el nombre de la era milenaria de la animación estadounidense (Millennium Age of American animation en inglés).


title: Animación moderna estadounidense

text: A mediados de los años 80, la industria de la animación estadounidense había caído en desgracia. Los comerciales de juguetes enmascarados como entretenimiento dominaban los programas de "cartoons" de la tarde y los de la mañana del sábado, y la única experimentación se llevaba a cabo por desarrolladores independientes. Todavía se proyectaban largometrajes animados en los cines ocasionalmente, pero la gloria de los viejos tiempos había desaparecido. Incluso el gigante de la animación Disney, la cual había peleado una adquisición corporativa en los 80, estaba considerando abandonar la producción de largometrajes animados.


title: Animación moderna estadounidense

text: Tanto los entusiastas, la audiencia, los críticos, así como los animadores, fueron tomados por sorpresa cuando el tan esperado "renacimiento" de la animación se inició en la corporación más antigua y conservativa: Disney.


title: Animación moderna estadounidense

text: Disney tuvo un drástico cambio en los 80, su nuevo director Michael Eisner recolocó a la compañía sobre sus pies, devolviéndola a sus raíces y revitalizando sus estudios. Con gran fanfarria, en 1988 el estudio colaboró con Steven Spielberg para producir el largometraje animado "¿Quién engañó a Roger Rabbit?", dirigida por Robert Zemeckis. La película fue un éxito, y le dio a la industria de la animación el empujón tan esperado para aquella época. "Roger Rabbit" no sólo le hizo ganar una pila de dinero a la Disney, sino también encendió la popularidad de la animación clásica que continúa hasta nuestros días. La historia de la animación se volvió de pronto un objeto de estudio (así como sus aficionados). Varios realizadores leyenda del negocio tales como Chuck Jones y Friz Freleng se vieron de repente en el centro de atención, siendo aclamados luego de décadas de haber sido prácticamente ignorados por la audiencia y por los profesionales de la industria.


title: Animación moderna estadounidense

text: Disney continuó el éxito de "¿Quién engañó a Roger Rabbit?" con "La Sirenita" (1989), la primera de una serie de largometrajes animados que parecían recuperar la magia de la época dorada del propio Walt Disney. El estudio invirtió fuertemente en la nueva tecnología de animación por ordenador con "The Rescuers Down Under" (1990) para dichos fines, con la que pudo hacer superproducciones como "La Bella y la Bestia" (1991) y "Aladdín" (1992), que atrajeron audiencias que no se habían visto en décadas, y a la vez proporcionaban un festín visual que no se había superado desde los 40. El pico del éxito de Disney se dio en 1994 cuando su película "El Rey León" sobrepasó todas las expectativas del estudio al convertirse en una de las más exitosas de todos los tiempos. Las siguientes películas de Disney: "Pocahontas" (1995), "El jorobado de Notre Dame" (1996), "Hércules" (1997), "Mulan" (1998), "Tarzán" (1999) y "Fantasía 2000" (1999) también fueron éxitos de taquilla y/o de crítica, aunque modestamente en comparación con los estrenos de Disney de principios de la década de 1990.


title: Animación moderna estadounidense

text: Disney también ha hecho incursiones en el descuidado área de las series animadas para televisión. Con el éxito de series como "The New Adventures of Winnie the Pooh", "Los osos Gummi" y "Patoaventuras", el "nuevo" Disney hizo su marca de dibujos para televisión. A través de la sindicación y la repetición, Disney puede proporcionar animación de alta calidad para televisión. Una serie de gran difusión fue realizada a mediados de los años 1990 con algunos críticos designando a "Gargoyles" como el proyecto de animación de Disney para televisión más ambicioso y mejor realizado artísticamente. Las bandas sonoras de cada uno de estos filmes animados fueron parte importante del éxito obtenido, ya que Disney fue incluyendo en cada uno de estos proyectos a grandes voces del mundo de la música, como por ejemplo, Elton John ("El Rey León"), Luis Miguel ("El jorobado de Notre Dame"), Ricky Martin ("Hercules"), Christina Aguilera ("Mulan"), Celine Dion ("La Bella y la Bestia"), Ricardo Montaner ("Aladdín"), Jon Secada ("Pocahontas"), entre otros.


title: Animación moderna estadounidense

text: Mientras Disney le daba nueva vida a la animación, Steven Spielberg estaba haciendo su propio camino. Aficionado a la animación de toda la vida, Spielberg también estaba interesado en hacer animación de alta calidad, y trabajó con su rival, el productor de animación Don Bluth para producir "An American Tail". El éxito de taquilla de esta y de la siguiente película de Bluth, "The Land Before Time", hicieron que Hollywood se diese cuenta de que Disney no mantenía un monopolio sobre los largometrajes animados. Los otros estudios de Hollywood reanudaron la producción de sus propios largometrajes animados, aunque todavía cayendo en la trampa de tratar de imitar a Disney; la película de 1997 de Don Bluth, "Anastasia", producida por la Fox, es considerada como la que lanzó a los estudios de animación de Fox como rival de Disney; sin embargo, estos estudios no lograron tener éxito luego de "Anastasia" y se cerraron en 2000 tras el fracaso de "Titan A.E.". Al igual que las más exitosas producciones de Disney, Anastasia contó con la participación de Thalía, quien interpretó el tema central de la banda de sonido en sus versiones en español, inglés y portugués.


title: Animación moderna estadounidense

text: Spielberg, entre tanto, cambió a la televisión y trabajó con el estudio de animación de la Warner Bros. para producir "Tiny Toon Adventures", una serie animada de alta calidad que rendía homenaje a los grandes "cartoons" de Termite Terrace. "Las aventuras de los Tiny Toon" tuvieron un buen "rating" gracias a sus jóvenes espectadores, lo que inspiró a la Warner Bros. para resucitar a su moribundo estudio de animación y volverlo nuevamente un contrincante en el campo de los dibujos animados. Los "Tiny Toon" fueron continuados por "Animaniacs" y "Pinky y Cerebro". Estos últimos no sólo atrajeron a nuevos espectadores a Warner Bros., sino que también capturaron la atención de espectadores adolescentes y adultos.


title: Animación moderna estadounidense

text: Aun así, cada nueva pieza de animación no era una mina de oro. Las películas de animación de Disney empezaban a sufrir en calidad a finales de los años 1990, después de que el productor Jeff Katzenberg dejara el estudio y formara equipo con Steven Spielberg y David Geffen para formar Dreamworks. Asimismo, varias películas de animación se estrenaron en los 90 intentando imitar el éxito de Disney, pero como en los años 1930 y los años 1940, las animaciones de la 20th Century Fox y la Warner Bros no pudieron atrapar un considerable segmento del mercado de las películas en el que Disney había sido dominante. En particular, Warner Bros. tuvo una cadena de fracasos en taquilla con sus largomentrajes animados, siendo "Pulgarcita", "Quest for Camelot" y "El rey y yo" los más destacados. Warner Bros también intentó recrear el éxito de "Roger Rabbit" con "Space Jam", un intento de combinar la popularidad de Bugs Bunny con la superestrella del baloncesto Michael Jordan.


title: Animación moderna estadounidense

text: Ralph Bakshi, director de películas de animación innovadoras como "El gato Fritz" y la película original de "El Señor de los Anillos", volvió a la animación después de hacer un pequeño parón a mediados de los 80. En 1985, formó un equipo con el joven animador canadiense John Kricfalusi y la legendaria banda británica Los Rolling Stones para hacer una animación para el vídeo musical de "The Harlem Shuffle", que fue terminado a principios del 1986. Aunque el vídeo musical no dio mucho que hablar, construyó un equipo de producción en Bakshi Animation que continuó con el proyecto de corta vida pero bien acogido las nuevas aventuras de Super Ratón (en inglés "Mighty Mouse"). Bakshi y co. trabajaron en numerosos proyectos al final de los 80, pero el mayor proyecto fue "Cool World", que fue estrenado en 1992. La producción se les fue de las manos y terminó siendo criticada duramente y olvidada por casi todo el mundo.


title: Animación moderna estadounidense

text: La principal razón del aumento de la calidad de la animación americana es la posibilidad de subcontratar el trabajo pesado a casas de animación más económicas en países del Sur y del Sudeste asiático obteniendo un gran número de fotogramas a bajo coste. El guion, el diseño de personajes y el guion gráfico se realiza en las oficinas americanas. Los storyboards, los modelados y las guías de colores se envían por correo al extranjero. Algunas veces causa problemas porque ningún producto final puede verse hasta que los fotogramas completados son devueltos por correo a EE. UU. Aunque los presupuestos se han reducido, las producciones en las casas extranjeras se eligen por episodio, o incluso por escena, dependiendo de la cantidad de dinero disponible en ese momento. Como resultado hay una gran diferencia de calidad de un episodio a otro. Esto es particularmente notable en series como "Gargoyles" y "" donde, a veces, los personajes parecen completamente distintos entre episodios para la consternación de sus directores.


title: Animación moderna estadounidense

text: Durante los años 90, fue indispensable adquirir licencias de libros y comics para llevarlos a la animación televisiva. Nelvana Limited, siendo un estudio canadiense, adquirió un potencial destacado realizando las series animadas de "Pippi Långstrump", "Emily y Alexander", "Las Aventuras de Tintín" o "The Magic School Bus".


title: Animación moderna estadounidense

text: Después de estar cerca del coma durante más de dos décadas, la industria de animación americana experimentó un repentino crecimiento en los 90. Aparecieron varios nuevos estudios con ganas de tomar riesgos, y encontraron un amplio número de mercados donde vender su talento. Junto con las series de televisión animadas, la animación se utilizó en anuncios de televisión, videojuegos y videos musicales. Los pequeños estudios de animación desafiaron a Hanna-Barbera Productions en el mercado de la animación para televisión.


title: Animación moderna estadounidense

text: De hecho, Hanna-Barbera no pudo competir con las nuevas variedades de animación en el mercado. Durante el tiempo en que dominaron todo el espectro de los Saturday-Moorning Cartoons, virtualmente no tenía competencia; lo que causó un deterioro en la calidad de sus series. A comienzos de los 90, el estudio solo podía ofrecer refritos como "Un cachorro llamado Scooby-Doo y Tom and Jerry Kids Show" para competir con Fox Kids y el nuevo WB Television Network de la Warner Bros. El estudio se quedó atrás y terminó siendo comprada por completo por Turner Broadcasting System.


title: Animación moderna estadounidense

text: No sólo Hanna-Barbera tuvo problemas de adaptación a los cambios que se extendían por toda la televisión. Las "Tres Grandes" cadenas (ABC, NBC y CBS) encontraron a su fiel audiencia siendo erosionada por la competencia de las nuevas cadenas, incluyendo las nuevas cadenas de Televisión por cable como Nickelodeon, el Disney Channel y Cartoon Network. Los videojuegos y las películas disponibles en vídeo también ayudaron a cambiar el mercado, hasta el punto que por un tiempo la NBC abandonó los dibujos animados por completo. La ABC fue comprada por Disney, y transformó su parrilla del sábado en una serie de producciones animadas de Disney.


title: Animación moderna estadounidense

text: Por otra parte, Cartoon Network se aferró a los elementos de la Era Televisiva para sus producciones originales; algo que todavía sigue destacando al estudio junto a las producciones de Nickelodeon. Mientras las series animadas en las grandes cadenas parecían mediocres, los dibujos de televisión por cable alcanzaron varios éxitos. Nickelodeon hizo ver la luz a éxitos de culto como: "Doug", "Rugrats", "Ren y Stimpy", "La vida moderna de Rocko", "Bob Esponja", "Invasor Zim" y "Los padrinos mágicos". Mientras tanto, el nuevo propietario de Hanna-Barbera Time Warner enfocó el estudio a la creación de nuevos dibujos para la Cartoon Network. Hanna-Barbera tuvo una llegada de sangre fresca y una nueva generación de dibujos de Cartoon-Network nació con dibujos como: "El Laboratorio de Dexter", "Johnny Bravo", "Cow and Chicken", "The Powerpuff Girls" y "Coraje el perro cobarde".


title: Animación moderna estadounidense

text: Además, la tendencia del mercado de los niños continuó durante la década de los 90, casi tan omnipresente como una década antes. Dos grandes fenómenos de juguete dominaron muchos de los programas de niños de las tardes de fin de semana: "Mighty Morphin Power Rangers" a mediados de los 90 y "Pokémon" desde la última mitad de la década de los 90 hasta mediados de la década de los años 2000. Hasta que la animación sufrió un nuevo renacimiento en la década del 2000, un gran acuerdo (y muchos dólares gastados) siguieron gastándose en merchandising.


title: Animación moderna estadounidense

text: En los años 90 apareció una nueva ola de series animadas cuyo objetivo primario eran los adultos, después de una ausencia en el género de más de una década. En 1989, "Los Simpson", basado en un corto animado del "The Tracey Ullman Show", se convirtió en la primera serie animada en Prime time desde "Los Picapiedra" y "Los Supersónicos", y cautivó a una gran parte de la audiencia. Fue la primera serie de gran éxito para la incipiente Fox, causó poca sensibilidad, entrando en la cultura popular y ganando una amplia aceptación hasta finales de los 90. Con la crisis de escritores del 2007 la serie decayo (mas aún de lo que ya lo había hecho por el paso del tiempo) y al 2016 ha perdido mucha calidad, aunque podría sobrepasar a "Gunsmoke" como el programa de ficción durante más tiempo en antena de la historia de la televisión americana. En 2007 han sacado su primera película, titulada "", doblada del español al chino.


title: Animación moderna estadounidense

text: En 1991, Nickelodeon estrenó "The Ren and Stimpy show". "Ren y Stimpy" era una serie desmadrada y excéntrica que violaba todas las restricciones de los tradicionales políticamente correctos dibujos del "sábado por la mañana" y en cambio favorecía el estilo estrafalario de los cortos de la Era Dorada. Es más, el creador de series, John Kricfalusi, que había trabajado como animador durante el "bajón del sábado por la mañana", estaba bastante influenciado por los trabajos clásicos de Bob Clampett.


title: Animación moderna estadounidense

text: Junto a la corriente dominante de la animación de los años 1990 había un movimiento más extraño y experimental. En un festival de cortos de animación en 1989, organizado por Craig "Spike" Decker y Mike Gribble (conocido como "Spike & Mike") y originalmente situado en San Diego. Todo empezó con la representación de una colección de cortos temáticos, conocidos como el Festival Clásico de la Animación, en lugares de reuniones comerciales y no comerciales a lo largo de todo el país.


title: Animación moderna estadounidense

text: Las colecciones estaban compuestas en su mayoría por cortos nominados al Oscar, trabajos de estudiantes del Instituto de las Artes de Californa y trabajos experimentales del "National Film Board of Canada. Los primeros festivales incluyeron trabajos de John Lasseter, Nick Park y Mike Judge. La obra de Judge, "Frog Baseball" marcó la primera aparición de sus personajes franquicia "Beavis and Butt-Head".


title: Animación moderna estadounidense

text: Sin embargo, el festival gradualmente se convirtió en un programa de películas llamadas "Spike and Mike's Sick and Twisted Festival of Animation" y tornó en un movimiento underground de humor adulto y materia temática.


title: Animación moderna estadounidense

text: En 1994, Cartoon Network dio el consentimiento a una nueva serie titulada "Fantasma del Espacio de costa a costa" con un particular giro posmoderno, mostraba entrevistas con celebridades en directo mezcladas con animaciones de Hanna-Barbera parodiadas. La serie dio el salto con el antiguo estudio de Hanna-Barbera, ahora propiedad de Cartoon Network. Fue el principio de una práctica excesiva que utilizaba viejos personajes de Hanna-Barbera para parodiarlos en futuras producciones, como en las surrealistas: "El Show de Brak", "Laboratorio Submarino 2021" y "Harvey Birdman, abogado".


title: Animación moderna estadounidense

text: Además de los grandes archivos de animación antigua y barata, los animadores independientes también empezaron a beneficiarse de las nuevas tecnologías digitales. Un artista con suficientes aptitudes técnicas podía explorar nuevos estilos y formas con mucha más libertad. Las aptitudes de la animación tradicional de dibujar y pintar habían dado paso a la manipulación digital para utilizar técnicas nuevas y agresivas de animación.


title: Animación moderna estadounidense

text: Junto a estos nuevos programas, la audiencia americana —particularmente en las zonas geográficas influenciadas por la fusión con las culturas de la costa del Pacífico— empezaron a adoptar dibujos japoneses, o "anime", en los años 80. Este crecimiento del mercado de videos de anime satisfacía al público adolescente e infantil, con un gran número de series japonesas traduciéndose al inglés. Inicialmente el acceso a los vídeos estaba limitado, pero el anime según se convertía en una corriente dominante encontraba su camino en las grandes tiendas de películas a través de todo EE. UU. Como la animación ocupa un lugar diferente en la cultura japonesa, incluye un rango de temas no abordados por la animación americana. (véase también: manga).


title: Animación moderna estadounidense

text: "Adult Swim" es un bloque de animación para adultos que se emite al principio del primetime en Cartoon Network, lidera el sector de los adultos y posee la tecnología punta en animación. Adult Swim, que originalmente se emitía los domingos por la noche, en 2006 estaba en el aire hasta las 5:00 AM, y se retransmitía cada noche excepto los viernes. Las series, que se producían exclusivamente para "Adult Swim", como "El Show de Brak", "Aqua Teen Hunger Force" y "Tom Goes to the Mayor", tendían a ser surrealistas y bizarras. "Adult Swim" reemitió series como "Futurama" y jugó un papel importante evitando la cancelación de "Padre de Familia". Además, también emite numerosas series populares de anime como "FLCL", "Lupin III", "Inuyasha" o "Shin-Chan".


title: Animación moderna estadounidense

text: Otras cadenas de televisión también experimentaron con dibujos animados para adultos. La MTV ha producido varias series animadas especialmente para audiencia joven y adulta, "Liquid Television" y "Beavis and Butt-Head". Incluso USA Network encontró un programa de culto siguiendo con su "Duckman" show. Pero la serie animada para adultos más exitosa de los años 90 ha sido "South Park" que se estrenó en 1996 como un dibujo animado pirata en Internet.


title: Animación moderna estadounidense

text: Cuanta más animación trepidante e inquietantemente clandestina veía la luz, mayor fuerza dominante en la televisión tenía la animación, llevada hacia un territorio cada vez más frenético, escatológico e incluso sobre-explotado.


title: Animación moderna estadounidense

text: En 2005, el pionero de la animación adulta Ralph Bakshi anunció que trabajaría en otra película, "Los últimos días de Coney Island", que financiaría él mismo y produciría independientemente.


title: Animación moderna estadounidense

text: Todavía otro comodín se añadiría a esta atmósfera multitudinaria y competitiva con la aparición de una nueva oleada de Animación por ordenador. La década de los 90 experimentó una mejora exponencial en la utilización de ordenadores para realzar secuencias animadas y efectos especiales. Esta nueva forma de animación pronto dominó el mundo de los efectos especiales en Hollywood (las películas "" y "Parque Jurásico" incluían impresionantes secuencias animadas por ordenador), y era sólo una cuestión de tiempo encontrar una película producida completamente con ordenadores.


title: Animación moderna estadounidense

text: Una vez más fue Disney el que lideró esta área. Los animadores de Disney habían introducido suavemente secuencias generadas por ordenador en sus películas como a principios de 1991 en "La bella y la bestia". Una alfombra mágica generada por ordenador jugaba un papel significante en "Aladdín". En 1995 Disney junto con Pixar produjeron "Toy Story", la primera película generada completamente por ordenador. La película fue un gran éxito y creó un nuevo movimiento, otros estudios investigaron producir sus propias películas animadas por ordenador (CGI).


title: Animación moderna estadounidense

text: Tal vez por ser desarrollado primero como un nuevo método de crear efectos especiales, la animación por ordenador no se vio como una forma de "entretenimiento infantil". Después de décadas de existencia como industrias relacionadas pero separadas, la barrera entre animación y efectos especiales se eliminó por la popularización de los efectos especiales por ordenador, hasta el punto que la utilización de los ordenadores en las películas de Hollywood ha llegado a ser algo natural. Los mejores efectos especiales son a menudo tan sutiles que pasan totalmente desapercibidos. El ganador del Oscar a los mejores efectos especiales con "Forrest Gump" (1994) dependían fuertemente de efectos especiales por ordenador para crear la ilusión del realismo, hasta el punto que el actor Tom Hanks se le veía estrechando las manos del presidente de EE. UU. John Fitzgerald Kennedy. La película "Titanic" utilizaba imágenes por ordenador para acercar cada escena en sus tres horas, lo que produjo un nivel de realismo que ayudó a la propia película a convertirse en la película más recaudadora en taquilla hasta ese momento.


title: Animación moderna estadounidense

text: La animación por ordenador también ha hecho incursiones en la televisión. Las series del Sábado por la mañana "ReBoot" ganó mucha fama entre los adultos, esta fue la primera de muchas series CGI como los "Beast Wars", "War Planets" y "Roughnecks". La calidad de la animación por ordenador mejoró considerablemente con cada nueva serie. Muchas series de televisión no animadas (especialmente de ciencia ficción como "Babylon 5") invirtieron fuertemente en producciones CGI, produciendo efectos especiales de una calidad más alta de la que sus predecesores podían soñar a un relativamente bajo coste.


title: Animación moderna estadounidense

text: Otros estudios junto a Disney probaron suerte con películas de animación por ordenador y descubrieron sus debilidades ante el monopolio que estaba ejerciendo Disney con sus éxitos animados en taquilla. Mientras Dreamworks con "Antz" y "Pequeños guerreros" palidecían en comparación con las producciones de Disney-Pixar "A Bug's Life" y "Toy Story 2", finalmente consiguieron un gran éxito de números con "Shrek" en 2001. "Shrek" fue un éxito gigantesco en taquilla, atrayendo sl público y dominando sobre la producción veraniega de ese año, "". Incluso la 20th Century Fox sacó petróleo cuando realizó una película animada CGI a principios de 2002 titulada "Ice Age". No todos los estudios tuvieron éxito en taquilla con la animación por ordenador, Paramount con "" estrenada en 2001 no lo hicieron tan bien en taquilla, pero recibieron una nominación de la Academia y posteriormente encontraron el éxito con la serie de televisión basada en la película que fue premiada el año siguiente.


title: Animación moderna estadounidense

text: Pero la verdadera estrella de la revolución del CGI parecía ser Pixar. Incluso antes de "Toy Story" el estudio se hizo un nombre produciendo cortos de animación sorprendentes (su corto "Tin Toy" ganó un Oscar) y cuando Disney intentó crear una película CGI por sí mismo sin Pixar ("Dinosaurio") el resultado fue notablemente desastroso.


title: Animación moderna estadounidense

text: A pesar de este éxito, la animación por ordenador continúa dependiendo de personajes dibujados y estilizados. En 2001 se vive el primer intento de crear un mundo completamente animado utilizando "actores humanos" digitales en "", que encontró un moderado éxito de crítica pero no hizo buena taquilla.


title: Animación moderna estadounidense

text: Los efectos especiales CGI se incrementaron hasta tal punto que en 2002 en la película de ciencia ficción "" fue considerada por su director, George Lucas, como la primera película de animación que utilizaba actores reales. De hecho, los efectos CGI se han convertido tan habituales que es difícil distinguir animación por ordenador de la vida real. Un número creciente de películas empiezan a utilizar personajes creados completamente por ordenador que interactúan en la pantalla con partes reales, como Jar Jar Binks en "", Gollum en "" y el personaje principal de "Hulk". Mientras que los personajes generados por ordenador se han convertido en aceptables «actores», a las películas completamente animadas con actores virtuales parecen faltarles unos cuantos años.


title: Animación moderna estadounidense

text: Disney parecía preparado para liderar la disminución de la animación dibujada a mano, a pesar del éxito en taquilla de "Lilo & Stitch", el fracaso veraniego de su exageradamente promocionado "El planeta del tesoro" parecía asegurar que habría más reducciones en el estudio de animación de Disney. La pérdida de Disney fue más dañina cuando en 2002 el Oscar para la mejor Película de Animación fue para el dibujante (a mano) Hayao Miyazaki con "El viaje de Chihiro" infligiendo a Disney su segunda derrota seguida en los premios de la Academia.


title: Animación moderna estadounidense

text: Disney liquidó todos sus escritorios de animación y Dreamwoks también anunció que abandonarían la animación dibujada tradicional y se centrarían exclusivamente en producciones generadas por ordenador desde 2003 en adelante. Mientras la animación tradicional de fotogramas probablemente permanezca sostenida por los dibujos animados para televisión y para anuncios de televisión en un futuro inmediato. Las escuelas de historia de la animación creen que la era del dibujo clásico americano que empezó con la película de Walt Disney "Blancanieves" está a punto de terminar. Otros están en desacuerdo, apuntando un moderado éxito de la película de animación tradicional "Brother Bear", y el hecho de que Pixar haya anunciado que producirá películas de animación tradicional en su propio intento de revivir esta forma de arte.


title: Animación moderna estadounidense

text: En 2004, se estrenó la película "Sky Captain y el mundo del mañana". Cabe destacar que toda la película fue rodada frente a una cortina azul con el fondo generado completamente por ordenador y lo único real fueron los actores. La película de Robert Zemeckis Polar Express protagonizada por Tom Hanks con cinco personajes está realizada completamente con animación CGI, pero utiliza la tecnología de la captura de movimiento para animar a los personajes.


title: Animación moderna estadounidense

text: En julio de 2005, Disney anunció que cerraría sus estudios en Australia en 2006. Ese estudio, responsable de secuelas para vídeo como "El rey león III", era el último bastión de dibujantes a mano de Disney. Sin embargo, en 2006, el jefe creativo de Pixar John Lasseter, dijo en la Revista Time que podría restaurar la unidad de animación tradicional de Disney, declarando que "de todos los estudios que deberían estar haciendo animación 2-D, debería ser Disney."


title: Animación moderna estadounidense

text: La animación ha llegado a estar tan ampliamente aceptada que a principios del Siglo XXI (2001), la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas introdujo el . Los dos principales rivales para el primer año de este premio fueron dos películas CGI: "Shrek" de Dreamworks y "Monsters, Inc." de Disney-Pixar. El premio fue para "Shrek". Sin embargo, hubo quejas que el premio parecía estar orientado más hacia películas familiares que a películas de animación, fue la tercera nominada y no la innovadora y aclamada película para adultos Waking Life, ni la visualmente innovadora "". La película de Hayao Miyazaki aclamada por la crítica "El viaje de Chihiro" triunfó en 2002 y la película de Disney-Pixar "Buscando a Nemo" recibió el premio en 2003.


title: Animación moderna estadounidense

text: Los premios Annie se presentaron en la rama de Los Ángeles de la Sociedad Internacional de Animación, ("Association international du film d'animation" o ASIFA), conocido como ASIFA-Hollywood, cada mes de febrero compitiendo la animación para cine y televisión.


title: Chloranthaceae

text: Las clorantáceas (Chloranthaceae, "nom. cons.") son la única familia de angiospermas del orden Chloranthales. Consta de cuatro géneros con ochenta especies, que se distribuyen principalmente por el sureste de Asia, las islas del Pacífico hasta las Marquesas y Nueva Zelanda, Madagascar, América central y meridional y las Antillas.


title: Chloranthaceae

text: Se encuentran en las selvas húmedas desde los niveles bajos a la alta montaña. Las especies de "Hedyosmum" y "Ascarina" presentan aparentemente polinización anemógama, al carecer las flores de olor y presentar inflorescencias masculinas largas con anteras grandes y estigmas grandes y húmedos. Las especies de "Chloranthus" y "Sarcandra", por el contrario, con flores usualmente olorosas, hermafroditas y de anteras pequeñas, con estigmas pequeños y secos, probablemente son entomógamas. Los frutos parecen presentar ornitocoria.


title: Chloranthaceae

text: Derivados O- y C-glicosílicos de flavonas y flavonoles comunes, cumarina y N-(feniletil)-cinnamoil-amidas presentes. Son característicos de la familia unos eudesmanólidos peculiares denominados cloraholólidos, así como un germanacrólido, un furogermacrolano y un furocadinano. Proantocianidinas ausentes.


title: Chloranthaceae

text: Algunas especies se usan en la farmacopea tradicional local.


title: Chloranthaceae

text: La posición sistemática de esta familia ha sido el sujeto de mucha controversia. En clasificaciones recientes, ha estado colocada en Piperales, Magnoliales o Laurales, pero se considera que, caso de haberla, la mayor relación parece presentarse con Trimeniaceae, sobre la base de diversos caracteres. Se considera que "Sarcandra" y "Chloranthus" están evolutivamente más relacionados entre sí morfológicamente que con los otros dos géneros, que, a su vez, formarían otro par relacionado evolutivamente. Sin embargo, los análisis moleculares preconizan una relación del tipo ("Hedyosmum"("Ascarina"("Chloranthus", "Sarcandra"))). El APW (Angiosperm Phylogeny Website) considera que se trata de la única familia del Orden Chloranthales (cf. AP-website).


title: Chloranthaceae

text: En los sistemas de clasificación modernos, se incluye dentro de las magnólidas o como un clado hermano de las mismas y del siguiente modo:


title: Chloranthaceae

text: Se conservan androceos fósiles del Albiense superior del este de Norteamérica y del Santoniense superior-Campaniense de Suecia meridional ("Chloranthistemon") intermedios entre "Sarcandra" y "Chloranthus". Las cutículas foliares de angiospermas del Cretáceo inferior parecen corresponder a ancestros de las actuales Chloranthaceae. Se han atribuido también a esta familia algunos de los pólenes fósiles conocidos más antiguos (Cretáceo inferior): "Clavatipollenites" del Barremiense, "Asteropollis" y "Stephanocolpites" del Albiense (hace 125 millones de años). La abundancia de "Clavatipollenites" y "Asteropollis" en el Cretáceo inferior medio puede indicar que esos antepasados de las "Chloranthaceae" fueron las primeras angiospermas anemófilas. El polen de "Asteropollis" es asignable a "Hedyosmum".


title: Chloranthaceae

text: Los cuatro géneros de la familia se distinguen como sigue:


title: Pleito insular

text: Se denomina Pleito insular o Insularismo al enfrentamiento que han protagonizado a lo largo de los últimos siglos la burguesía de las islas de Tenerife y Gran Canaria por la hegemonía económica, política, institucional e incluso religiosa dentro del archipiélago canario (España).


title: Pleito insular

text: Dicha disputa se inició en el siglo XIX, al crearse la provincia de Canarias dentro de las reformas liberales y la organización territorial del estado en provincias, pues Canarias quedó como una provincia única con capital en Santa Cruz de Tenerife.


title: Pleito insular

text: Esta decisión no agradó a la sociedad de la isla de Gran Canaria, a pesar de que hasta ese momento, la ciudad que ejercía desde hacía tres siglos como "capital de facto" del Archipiélago Canario era la ciudad de San Cristóbal de La Laguna situada en la propia isla de Tenerife.


title: Pleito insular

text: Con la Ley de Cabildos de 1912 se intentó poner fin a las disputas entre las islas, ya que la administración de cada una de ellas quedaba en manos de sus respectivos cabildos. Sin embargo, el enfrentamiento continuó, pues esto no agradó a los que pedían la división provincial, especialmente desde Gran Canaria, y a los que abogaban por la autonomía regional, mayoritariamente desde Tenerife.


title: Pleito insular

text: Por consiguiente, en 1927 Canarias fue dividida en dos provincias: Casualmente es la única provincia del proyecto de división territorial original de 1833 que se ha dividido tras su creación.


title: Pleito insular

text: A pesar de esto, el pleito continúa en la actualidad y de hecho, es habitualmente fomentado por los medios de comunicación y partidos políticos de ambas islas, aunque también está presente en la actualidad en parte de la sociedad canaria.


title: Pleito insular

text: Algunos de los enfrentamientos históricos han sido por la capitalidad de la comunidad autónoma, la escisión de la Universidad de La Laguna con la creación de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria (la cual llevó incluso a la convocatoria y realización en Tenerife de manifestaciones en contra de la división universitaria), sobre la Patrona de Canarias, la denominación de la Diócesis de Canarias y el deporte.


title: Pleito insular

text: El pleito insular, además de ser objeto de chanzas cuando se encuentran personas de distintas islas, también sale a la luz en los enfrentamientos entre los equipos de fútbol representativos (Unión Deportiva Las Palmas y Club Deportivo Tenerife), así como en las fiestas del Carnaval, donde el pleito insular es una de las estrellas en las canciones de las murgas de ambas provincias.


title: Pleito insular

text: Se considera que la división de Canarias en dos obispados también fue un elemento detonante que desembocó en el Pleito insular. En 1406 el antipapa Benedicto XIII crea la Diócesis de San Marcial del Rubicón (también llamada "Diócesis Rubicense") en el sur de la isla de Lanzarote (por ser ésta la primera isla en ser conquistada). Posteriormente, la sede de dicho obispado sería trasladada a Las Palmas de Gran Canaria en 1483, tras la conquista de Gran Canaria. Esto se debió a que la isla de Lanzarote era constantemente saqueada por ataques piráticos debido a estar poco poblada, y también por los pocos recursos que tenía.


title: Pleito insular

text: Desde Gran Canaria se culminaría la conquista total del archipiélago, empresa siempre acompañada de la evangelización. El nombre de la diócesis fue modificado, pasando a llamarse "Diócesis Canariense-Rubicense", conocida posteriormente como Diócesis de Canarias. Sin embargo, tras su conquista, Tenerife se convirtió rápidamente en la isla más poblada del Archipiélago y la recién fundada Villa de San Cristóbal de La Laguna en el núcleo urbano más importante de Canarias en esta época desde el punto de vista político. Alonso Fernández de Lugo, conquistador de La Palma y Tenerife y fundador de La Laguna, había recibido de los Reyes de España el título de «Primer Adelantado de las Islas Canarias».


title: Pleito insular

text: Fernández de Lugo deseaba que la sede diocesana de Canarias fuera de nuevo trasladada (como recientemente lo había sido desde Lanzarote a Gran Canaria) pero esta vez de Las Palmas de Gran Canaria a San Cristóbal de La Laguna. Sin embargo la idea no prosperó. Posteriormente se intentó compartir la sede diocesana de Canarias entre Las Palmas y La Laguna, pero tampoco prosperó dicha idea, siempre por la oposición del clero grancanario. Posteriormente todos los esfuerzos iríán orientados a constituir una diócesis independiente para las islas occidentales de Canarias, con la oposición constante del Cabildo de la Catedral de Canarias, que tenía su sede en Las Palmas de Gran Canaria.


title: Pleito insular

text: Finalmente la Iglesia católica, dentro de su organización territorial en diócesis, dividió Canarias en dos obispados diferentes, antes incluso de la creación de la Provincia de Canarias. En 1819 el papa Pío VII crea la Diócesis de San Cristóbal de La Laguna (también llamada "Diócesis Nivariense" o "Diócesis de Tenerife") con jurisdicción sobre la mitad occidental de Canarias (las islas de: Tenerife, La Palma, La Gomera y El Hierro), dividiendo en dos la que hasta ese momento era única Diócesis de Canarias, o "Diócesis Canariensis" (que rige hoy la mitad oriental del archipiélago, las islas de: Gran Canaria, Fuerteventura y Lanzarote).


title: Pleito insular

text: En la creación de la Diócesis de San Cristóbal de La Laguna tuvo un papel importante el presbítero lagunero Cristóbal Bencomo y Rodríguez, confesor del rey Fernando VII de España y Arzobispo titular de Heraclea. Por otro lado la Santa Sede designó patrona de Canarias a la Virgen de Candelaria, título que nunca ha sido revocado. Aún con eso, en el ámbito popular continúa la polémica por el patronazgo entre las advocaciones marianas de la Virgen de Candelaria/Virgen del Pino. Igualmente también existe polémica en el ámbito religioso por la denominación "Diócesis de Canarias", pues esta diócesis ya no incluye a todo el archipiélago.


title: Pleito insular

text: Actualmente la capitalidad de la comunidad es compartida entre Santa Cruz de Tenerife y Las Palmas de Gran Canaria. La sede del Presidente del Gobierno autónomo alterna entre ambas por periodos legislativos. El Parlamento de Canarias está en Santa Cruz de Tenerife, mientras que la sede de la Delegación del Gobierno se ubica en Las Palmas de Gran Canaria. Asimismo, hay un equilibrio entre las dos capitales en cuanto a consejerías e instituciones públicas.


title: Pleito insular

text: El sistema electoral canario determina que, sin atender a su población, Tenerife y Gran Canaria elijan el mismo número de diputados en el Parlamento de Canarias, 15. También existe paridad entre provincias y entre islas mayores y menores. Esto se conoce como "triple paridad".


title: PA512 y LPA512

text: El PA512 (serbio ПА512) fue un controlador lógico programable industrial: una computadora portátil desarrollada por el Instituto Ivo Lola Ribar de Serbia en 1980.


title: PA512 y LPA512

text: Seis años después, se realizó un producto de mejora, el LPA512 (Serbio ЛПА512). Tiene una memoria máxima programable de 16 KiB y cuenta con una puerto serie RS-485. Dispone de una unidad de casete alojada a la derecha del monitor. Fue utilizado por primera vez en la fábrica de coches Maribor de Eslovenia.


title: PA512 y LPA512

text: Funciona por un programador que lo activa y procesa la información al cuerpo que lo utiliza o si se reprograma manualmente.


title: PA512 y LPA512

text: Características técnicas (serbio)


title: Holeas

text: En la mitología griega, Holeas era un rey de Arcadia coetáneo del rey Procles de Esparta.


title: Holeas

text: Sucedió en el trono a su padre, Cípselo, y fue sucedido a su vez por su hijo Bucolión, que continuó la estirpe real de los descendientes de Arcas.


El Museo y Parque Arqueológico Cueva Pintada se encuentra en la ciudad de Gáldar, al noroeste de la isla de Gran Canaria, islas Canarias, España. Es un centro adscrito a la Consejería de Cultura, Patrimonio Histórico y Museos del Cabildo de Gran Canaria. En su interior se encuentra uno de los yacimientos arqueológicos más representativos de Canarias, con unas características que lo hacen único. La Cueva Pintada es considerada la "capilla Sixtina" de los antiguos aborígenes de la isla.


title: Museo y Parque Arqueológico Cueva Pintada

text: La cueva, descubierta en el siglo XIX, es un magnífico ejemplo de las representaciones artísticas de los antiguos aborígenes de Gran Canaria.


text: Se trata de una cueva sobre material volcánico, cuyas paredes están decoradas con motivos geométricos. Los arqueólogos piensan que, debido a la distribución regular de éstas (normalmente en series de doce), podría tratarse de una especie de calendario. También existen restos de casas en cuyo interior se han encontrado todo tipo de utensilios.


text: El enclave, en plena ciudad de Gáldar, juega un papel esencial para comprender la etapa final de la Canarias prehispánica, antes de la conquista e incorporación de la isla a la Corona de Castilla.


text: El museo y parque arqueológico Cueva Pintada de Gáldar fue reabierto el 26 de julio de 2006, tras más de 20 años de trabajos de recuperación del recinto. Hasta ese momento sólo se podía ver una reproducción de las pinturas en el Museo Canario de Las Palmas de Gran Canaria.


text: El Museo y Parque Arqueológico Cueva Pintada persigue: La vocación del centro potenciar las vertientes de conservación, investigación y difusión se concreta en la existencia de unas instalaciones adecuadas para la consecución de estos objetivos.


text: En el aula didáctica se llevará a cabo un programa de actividades al servicio de los centros educativos y de todos aquellos visitantes interesados en profundizar en el conocimiento de sus ancestros.Tanto los laboratorios como la biblioteca hacen posible que investigadores y restauradores desarrollen las tareas que pueden convertir al Museo y Parque Arqueológico Cueva Pintada en un centro de referencia en la producción y difusión del conocimiento científico.


title: Sarcandra

text: Sarcandra es un género que comprende 4 especies de arbustos perteneciente a la familia Chloranthaceae. Se distribuye por Malasia, China, Taiwán, Laos, Tailandia, Vietnam, Camboya, Japón, India y Sri Lanka. Su especie tipo es "S. chloranthoides".


title: Sarcandra

text: Características generales de la familia Chloranthaceae.Las dos subespecies de "S. glabra" se usan en la medicina tradicional oriental y como aditivo para dar sabor al té.


title: Joseph Hayes (autor)

text: Joseph Hayes (Indianápolis, 1918 - San Agustín, 11 de septiembre de 2006) fue un novelista, productor y guionista estadounidense. Se formó en la Universidad de Indiana, trabajando para la radio en Nueva York.


title: Joseph Hayes (autor)

text: Las horas desesperadas fue su obra más importante que fue llevada al teatro en 1954 en Broadway con Paul Newman, George Grizzard y Karl Malden y con la que obtuvo el Premio Tony en 1995. Más tarde la obra fue llevada al cine con guion del propio Hayes con el título "Horas desesperadas", con William Wyler, Humphrey Bogart y Fredric March. Michael Cimino realizó de nuevo un "remake" de la película en 1990. También realizó un guion para Disney para la película "Bon Voyage".


title: Ascarina

text: El género Ascarina J.R.Forst. & G.Forst., 1775 comprende 12 especies de arbustos o arbolitos y pertenece a la familia Chloranthaceae. Su especie tipo es "A. polystachya" J.R.Forst. & G.Forst., 1775.


title: Ascarina

text: Con las caracteres generales de la familia Chloranthaceae.El género se distribuye por las islas del Pacífico, desde Nueva Zelanda y las islas Marquesas a Borneo; una especie morfológicamente aislada en Madagascar.


title: Ascarina

text: Las especies presentan un uso bastante restringido como ornamentales, sobre todo en sus zonas de origen.


title: Bucolión

text: Bucolión es el nombre de varios personajes de la mitología griega:


title: Nacho Uriarte

text: Ignacio Uriarte Ayala, conocido como Nacho Uriarte, (Madrid, 7 de agosto de 1980) es un político español.


title: Nacho Uriarte

text: Es director de Planificación de la Secretaría General Iberoamericana (SEGIB)


title: Nacho Uriarte

text: Fue presidente de Nuevas Generaciones del Partido Popular desde 2006 hasta 2011. Desde 2005 ocupó el puesto de secretario nacional de Política Social y Bienestar de Nuevas Generaciones y miembro del Comité Ejecutivo Nacional del Partido Popular. Fue elegido diputado en el Congreso de los Diputados por Valencia en la IX Legislatura y X Legislatura.


title: Nacho Uriarte

text: Fue elegido por el 76,78% de los compromisarios en el 12.ºCongreso Nacional de Nuevas Generaciones celebrado los días 22, 23 y 24 de septiembre de 2006 en Toledo. Es diplomado en Trabajo Social por la Universidad Pontificia Comillas de Madrid y Master en Cooperación Internacional al Desarrollo por la Universidad Pontificia Comillas ICADE-ICAI. Estudió en el colegio Nuestra Señora del Recuerdo (jesuitas) de Madrid.


title: Nacho Uriarte

text: En febrero de 2010, tuvo un incidente en Madrid mientras conducía con una tasa de alcohol que doblaba la cantidad permitida, a causa de lo cual fue imputado por un delito contra la seguridad vial. Uriarte, hasta el momento vocal de la Comisión de Seguridad Vial del Congreso de los Diputados, reconoció los hechos y dimitió de su cargo dentro de la Comisión, continuando con su labor de diputado.


title: Nacho Uriarte

text: En 2011 volvió a ser elegido como diputado y desempeñó esta labor hasta el 14 de enero de 2015 en el que pasó a la Secretaría General Iberoamericana como director de Planificación.


title: Nacho Uriarte

text: Se casó en julio de 2010 con la aristócrata Ana María Chico de Guzmán, divorciándose al año siguiente. En 2016 se unió en matrimonio con la abogada Violeta Dávila, su pareja actual.


title: Jimmy McGriff

text: James Harrell McGriff, Jr. (Filadelfia, 3 de abril de 1936- 24 de mayo de 2008), Jimmy McGriff, organista estadounidense de jazz, blues, rhythm and blues, y soul jazz y jazz funk. Especialista en el órgano Hammond B-3.


title: Jimmy McGriff

text: Sus padre tocaban el piano y entre sus familiares estaban el saxofonista Benny Golson y el cantante de soul Harold Melvin. Envuelto en la música religiosa de la iglesia de su familia, consiguió sus primeros instrumentos, una batería, a los ocho años. Hacia los diez, tocaba el saxo alto y el bajo acústico, y terminando el instituto aprendió también a tocar el vibráfono, el piano y la batería. Aunque su primer instrumento fue el bajo, pronto se pasó al órgano Hammond tras ver a Richard "Groove" Holmes en un club en Camden, Nueva Jersey. No obstante, entró en el servicio militar y estuvo en la guerra de Corea como policía militar. Una vez de vuelta en Estados Unidos, decidió estudiar para el cuerpo de policía, y tras completar la formación necesaria, trabajó en la policía de Filadelfia durante dos años y medio. Con todo, en ningún momento perdió su interés en la música, y hacia 1955 ya tocaba como músico de bajo acompañando a cantantes como Carmen McRae y, más frecuentemente, a Big Maybelle.


title: Jimmy McGriff

text: Más tarde, en los años 60 y 70, tocó en la banda de Buddy Rich, y a partir de 1986, con el saxo Hank Crawford.


title: Bandera de Guadalupe

text: El término Bandera de Guadalupe puede referirse a los Pabellones de varias localidades del mundo:


title: Chloranthus

text: El género Chloranthus Sw., 1787 comprende 20 especies de arbustos y pertenece a la familia Chloranthaceae. Su especie tipo es "C. inconspicuus" Sw., 1787.


title: Chloranthus

text: Con las caracteres generales de la familia Chloranthaceae.El género se distribuye por el sureste y este de Asia, teniendo su centro de máxima diversidad en China.


title: Chloranthus

text: Algunas especies de este género se usan como aromatizantes para bebidas, en la farmacopea tradicional, como tintes y ornamentales. La siguiente clave permite identificar 13 de las 20 especies citadas arriba.Grupo A


title: Chloranthus

text: Grupo B


title: Escudo de Guadalupe

text: El término Escudo de Guadalupe puede referirse a los blasones de varias localidades del mundo:


title: Chandala

text: En el marco del hinduismo, chandala o chandalá es un término oprobioso, que indica a los parias, menos que esclavos (y excluidos del sistema de castas).Quizá provenga de "cháṇḍam:" ‘violentamente, con ira’, como el "rákshasa" (monstruo antropófago) Chaṇḍa Karman (‘acción violenta’).


title: Chandala

text: Se le dice a alguien descastado, que no se debe tocar (por eso se les llama «intocables»). Deben ejercer las profesiones que los miembros de las cuatro castas hindúes no pueden realizar, debido a que las consideran deshonrosas.