title: John Byron

text: En 1769 fue nombrado gobernador de Terranova, un puesto que ocupó durante los siguientes tres años. Se convirtió en contraalmirante ("rear admiral") el 31 de marzo de 1775, y en vicealmirante el 29 de enero de 1778. Fue nombrado comandante en jefe de la flota británica en las Indias Occidentales en 1778 y 1779, durante la Guerra de Independencia de los Estados Unidos. Atacó sin éxito una flota francesa comandada por el conde d'Estaing en la batalla de Granada en julio de 1779.


title: John Byron

text: El 8 de septiembre de 1748, se casó en Cornualles con Sophia Trevannion, hija de John Trevannion de Carhays, con quien tuvo dos hijos y siete hijas, tres de ellos fallecidos en la infancia. Su hijo mayor, John "Mad Jack" Byron, fue a su vez el padre del poeta, George Gordon Byron, el futuro 6 º Barón de Byron. John Byron fue también abuelo de George Anson Byron, que sería otro almirante y explorador y el 7º Barón de Byron.


title: John Byron

text: En 1768 publicó la historia de su primer viaje, "Account of the Shipwreck of The Wager; and the Subsequent Adventures of Her Crew, 1768", traducido al español como "El naufragio de la fragata "Wager"".


title: Javier García (cantante español)

text: Javier García (n. 24 de septiembre de 1974, Madrid), es un cantante y músico español. Fue miembro del grupo de pop Los Lunes.


title: Javier García (cantante español)

text: Javi, cariñosamente como era conocido por sus amigos, nació en Madrid el 24 de septiembre de 1974, de madre irlandesa y padre pintor cubano, descendiente de una familia española. A los 13 años, fue internado en una escuela glacial de Irlanda donde componía canciones en docenas para matar el aburrimiento y el frío. Un día el director de la escuela lo llamó a su oficina, para decirle que aunque admiraba la música que escuchaba por los pasillos del internado, tendría que dejar la escuela por su indisciplina reincidente.


title: Javier García (cantante español)

text: De la nevera al sol, el músico de cero en conducta, se mudó con su familia a los Estados Unidos instalándose en Miami, Florida. Allí inició su carrera artística y donde más adelante grabó su primer álbum para un sello internacional. Lo lanzó en el mercado hispano de los Estados Unidos, Puerto Rico, Europa, México y Sudamérica.


title: Javier García (cantante español)

text: Su música, obviamente, refleja una fusión de sangres y culturas de su origen. Su primer disco "Tranquila" tuvo un éxito inesperado y se convirtió en disco de oro en al menos tres países sudamericanos. Entre sus éxitos más conocidos son "Tranquila", del mismo álbum discográfico, "Algún día", "Lágrimas negras"; una vieja canción que también fue reeditada por el grupo boliviano Azul Azul en 1999, entre otras.


title: Tisroc

text: En la serie de novelas Las Crónicas de Narnia, de Clive Staples Lewis, el Tisroc es el gobernante de Calormen, un imperio al sur de Narnia. Aparece en el tercer libro de la serie, titulado "El caballo y el muchacho", y se lo nombra varias veces en el último volumen, titulado La última batalla. En "El caballo y el muchacho" se lo representa como un tirano que posee autoridad absoluta sobre su reino y al que sus súbditos consideran descendiente del dios Tash y atribuyen grandes poderes. Cada vez que algún calormeno se dirigía a su persona debía usar cumplidos de vida eterna y veneración y al mencionarlo durante una conversación debían agregar a su nombre, ""que viva para siempre"".


title: Evanescence (EP)

text: Evanescence (o simplemente «EP», como aparece en la página de Bigwig Enterprises), es el primer EP de la banda de rock gótico Evanescence, editado en diciembre de 1998 de forma privada. Solo sacaron una edición limitada de 100 copias que se vendieron íntegramente el mismo día de su lanzamiento en un bar llamado "Vino's" de Little Rock.


title: Evanescence (EP)

text: La canción «"Understanding"» fue la que los llevó a ser más conocidos en Little Rock, a la cual Ben Moody (guitarrista y compositor de la banda) se refiere como “un cursi himno gótico de siete minutos”.


title: Evanescence (EP)

text: Se estima que son desde 2100 copias a 2300 copias mundialmente.


title: Evanescence (EP)

text: Todas las canciones escritas por Lee, A., y Moody, B., excepto So Close, escrita por Boyd, W., Moody B., y Outlaw, M.El álbum incluiría dos canciones más, pero finalmente no fueron incluidas:


title: Sound Asleep

text: Sound Asleep (también llamado oficialmemte «Whisper») es el segundo "extended play" creado por la banda de rock gótico, Evanescence. Fue editado en el año 1999 por Evanescence como iniciativa privada y sin carátula. Su significado es «dormido/a tranquilamente». En ese momento, la banda tan solo estaba formada por Ben Moody y Amy Lee.


title: Sound Asleep

text: Se lanzaron únicamente 50 copias de este CD a nivel local (en Little Rock, Arkansas) y fueron todas vendidas en una sola noche. La canción «"Ascension of the Spirit"» originalmente dura 11 min 48 s y se compone mayormente de silencio; el primer sonido es un clip, que hace referencia a la película My Boyfriend’s Back, de 1993, lo cual sucede por el minuto 2:55. Cuando por internet se comenzaron a vender ediciones falsas del EP, la canción se acortó hasta los últimos 3:16 minutos de la canción, que son los únicos con música (la "versión corta"), siendo falsas el 99,9 % de las copias encontradas en línea. Brad Caviness de Bigwig Enterprises aclara detalles del lanzamiento:


title: Sound Asleep

text: Hay versiones no oficiales del EP que tienen como primera pista la versión instrumental de «"Give Unto Me"» en lugar de la versión original. Esta versión de la pista no es tan común en dichos discos.


title: Sound Asleep

text: Buscando en las páginas viejas de Bigwig Enterprises a través de "Wayback Machine" se puede encontrar una imagen abstracta de color rojo como la carátula de este EP. Ésta es la única forma de tener acceso a la imagen original, cuyo tamaño es de 185 × 185 pixeles. El archivo se llama «goblin.jpg» ("duende" en español) y no se sabe si tiene algo que ver con la imagen y/o con la banda. Esta carátula aparece en la página, pero nunca fue impresa. En 2003 fue reemplazada por una imagen de un CD genérico. La carátula del «duende» nunca fue usada, ya que todas las copias conocidas de Sound Asleep fueron vendidas sin carátula.


title: Ostrea

text: Ostrea es un género de moluscos bivalvos marinos del orden Ostreoida, conocidos popularmente como ostras. Poseen dos valvas casi circulares y desiguales, y están consideradas como uno de los mariscos comestibles más apreciados. Incluye varias especies, siendo "Ostrea edulis" la más conocida. Algunas especies son capaces de producir perlas en el transcurso del tiempo, que se forman a partir de partículas que se sedimentan en la ostra (generalmente partículas de arena) formando con el tiempo una piedra preciosa. Existen diferentes tipos de perla dependiendo del sedimento acumulado.


title: Ostrea

text: Las ostras son organismos filtradores que succionan el agua con el batir de cilios. El plancton y las partículas suspendidas del alimento quedan atrapados en el moco de las papadas y son transportados a la boca, donde se comen, se digieren y se expelen como las heces o pseudofeces. La actividad alimentaria de las ostras es mayor cuando la temperatura del agua está sobre los 10 °C. Las ostras sanas consumen las algas y otros alimentos flotantes, llegando a filtrar cada una de ellas hasta cinco litros de agua por hora.


title: Ostrea

text: Los científicos piensan que la población de ostras de la bahía de Chesapeake, en su apogeo, filtraban históricamente el volumen entero del agua del estuario de exceso de alimentos cada tres o cuatro días. Hoy el proceso tomaría casi un año. Los sedimentos, la materia orgánica que sirve de alimento y las algas pueden causar problemas en las masas de agua. Las ostras filtran estos agentes contaminadores, comiéndolos o formando con ellos paquetes pequeños que se depositan en el fondo, donde resultan inocuos. Las ostras respiran como los peces, usando branquias y la capa externa que las recubre. La capa se alinea con muchos vasos sanguíneos diminutos, de paredes delgadas que extraen el oxígeno del agua y expelen el dióxido de carbono. Un corazón pequeño con tres cámaras, que está oculto debajo del músculo abductor, es el encargado de bombear la sangre descolorida, con su fuente de oxígeno, a todas las partes del cuerpo. Al mismo tiempo dos riñones situados en el superficie inferior del músculo purifican la sangre de cualquier residuo que hayan recogido. Las ostras tienen sexos separados, sin embargo, pueden cambiar el sexo una o más veces durante su vida. Las gónadas, órganos responsables de producir los huevos y el esperma, rodean los órganos digestivos y se componen de gametos, túbulos de ramificación y tejido fino conectivo. No es posible diferenciar los machos de las hembras basándose solo en el examen de sus conchas.


title: Ostrea

text: El escritor satírico irlandés Jonathan Swift dijo que «"el primer hombre que se atrevió a comer una ostra fue valiente"», pero es posible que el consumo de ostras por los humanos pudiera llegar a la prehistoria, quizás por las evidencias de recolectores de ostras encontrados en todas las culturas cercanas al mar. Hay que pensar que las ostras pudieron haber sido una forma de alimento en las áreas costeras, y que junto con la industria pesquera pudieron haber sido una importante fuente de ingresos económicos. Es muy posible que la sobrepesca y la presión de la contaminación hayan hecho que su producción haya disminuido a cantidades casi ridículas para el consumo en algunos lugares; no obstante, sigue siendo popular en algunas ciudades costeras donde se llegan a celebrar incluso los festivales de las ostras.


title: Ostrea

text: Las ostras figuran entre los alimentos exóticos de pocas culturas; no obstante, es un alimento de gusto adquirido, ya que se necesita algún entrenamiento antes de ser apreciado. Desde el punto de vista nutritivo es un alimento rico en zinc, uno de los nutrientes requeridos para la producción de la testosterona.


title: Ostrea

text: Las ostras pueden capturarse en el fondo de los mares tomándolas de sus camas. En las aguas poco profundas se capturan a mano o con pequeños rastrillos. En aguas más profundas se emplean rastrillos con brazos más alargados para poder llegar al fondo. En algunas áreas se realiza de manera mecánica la recolección con una especie de dragado, esta operación aunque requiere de poca mano de obra y permite sacar mayor cantidad de ostras en un intervalo de menor tiempo, es cierto que daña considerablemente el fondo marino. Es por esta razón por la que desde el año 1965 se viene regulando la captura de ostras por dragado del fondo marino. En Chile en general la ostra se recolecta artesanalmente desde el fondo marino. Sin embargo, existen también criaderos donde se cultivan logrando así tener ostras todo el año, incluso en las épocas de veda. En sectores de aguas marinas especialmente escogidas, protegidas de fuertes corrientes y alejadas de la contaminación de poblados cercanos, se emplazan los criaderos de ostras. Se anclan balsas de las cuales se cuelgan grandes racimos de ostras de cholga u otro tipo de conchas grandes. En estas conchas se adhieren las semillas de ostras, las cuales después de 3 años alcanzan el tamaño adecuado para ser cosechadas y comercializadas.


title: María Cristina de Saboya

text: María Cristina de Saboya (Cagliari, 14 de noviembre de 1812 - Nápoles, 21 de enero de 1836) fue la primera reina consorte de Fernando II de las Dos Sicilias.


title: María Cristina de Saboya

text: Fue la cuarta hija, quinta mujer y cuarta sobreviviente del rey Víctor Manuel I y de su esposa, la archiduquesa María Teresa de Austria-Este. Posiblemente su concepción fue el último intento de sus padres en tener un hijo varón, ya que el único que habían tenido había muerto en la infancia. En el diario inédito de su tío y en ese entonces prometido de su hermana mayor María Beatriz, el futuro duque Francisco IV de Módena, describe su nacimiento:


title: María Cristina de Saboya

text: Añadió luego que el bautismo se había celebró a las 17.30 horas en la catedral de Cagliari por el "Deán" Abad Sisternes, con sus tíos el futuro rey Carlos Félix y su esposa María Cristina de Borbón-Dos Sicilias siendo padrinos.


title: María Cristina de Saboya

text: El 21 de noviembre de 1832 en el Santuario de Nuestra Señora de Acquasanta en Génova, se casó con el rey Fernando II de las Dos Sicilias. Mujer muy piadosa, no tuvo una vida fácil en la corte de Nápoles por razones de salud, mas lo soportó todo gracias a su fe cristiana.


title: María Cristina de Saboya

text: María Cristina tuvo tales virtudes, desde una perspectiva religiosa, que fue querida por todos aquellos que, mientras vivió, la consideraron como una santa, lo que explicaría que más tarde, la Iglesia Católica la contara entre los siervos de Dios primero, y entre los venerables posteriormente. Todo ello seguido del comienzo de su proceso de beatificación, y actualmente del de canonización.


title: María Cristina de Saboya

text: No tuvo la oportunidad de incursionar en otras injerencias políticas: se dedicó principalmente a acciones de bondad hacia los pobres y enfermos. Mujer de gran mansedumbre, se hizo muy querida por todos y también supo reaccionar inteligentemente a las bromas de su marido: cuenta una anécdota que un día, cuando la reina estaba sentada al piano, Fernando echó hacia atrás su silla riendo, oyendo la respuesta: ""Pensé que me había casado con el rey de Nápoles, no con un lazarona"".


title: María Cristina de Saboya

text: Murió a principios de 1836, quince días después de dar a luz al heredero de la corona, el futuro Francisco II. Su viudo contrajo segundas nupcias el 9 de enero de 1837 con la Archiduquesa María Teresa de Austria-Teschen, hija del Archiduque Carlos de Austria, Duque de Teschen.


title: María Cristina de Saboya

text: Su pueblo la apodaba la "Reina Santa".


title: María Cristina de Saboya

text: El 10 de julio de 1872 fue declarada sierva de Dios. El 6 de mayo de 1937 fue declarada venerable y el 3 de mayo de 2013 el papa Francisco firmó el decreto de su beatificación, la cual se llevó a cabo el día 25 de enero de 2014 en la Basílica de Santa Clara, lugar donde se encuentran sus restos. 3 May 2013


title: María Cristina de Saboya

text: Su festividad es el 21 de enero, aniversario de su muerte.


title: María Cristina de Saboya

text: La baronesa Olimpia Savio, la recuerda en sus memorias para el momento de su compromiso:


title: Jacob Obrecht

text: Jacob Obrecht (Gante, 22 de noviembre de 1458-Ferrara, julio de 1505) fue un compositor neerlandés de la escuela holandesa del período renacentista, el más famoso creador de misas europeo a fines del , solo eclipsado por Josquin Des Pres, y que además escribió muchos motetes y canciones.


title: Jacob Obrecht

text: Nació en 1457 o 1458, único hijo del trompetista de Gante Willem Obrecht y de Lijsbette Gheeraerts. Su madre murió en 1460 a los 20 años. Un retrato de Obrecht de 1496, lo menciona como de 38 años, lo que ha permitido establecer el año de su nacimiento.


title: Jacob Obrecht

text: Los detalles de sus primeros años de formación son escasos, aunque se sabe que junto a su padre aprendió a tocar la trompeta, y el arte del contrapunto y la improvisación sobre un canto firme. Es casi seguro que conoció a Antoine Busnois en la corte de Borgoña, por lo menos estaba al tanto de su música, ya que sus primeros trabajos muestran un gran paralelismo con aquel compositor.


title: Jacob Obrecht

text: Obrecht parece haber tenido una sucesión de cortos empleos, muchos de los cuales terminaron en circunstancias poco favorables. Estuvo al menos dos veces en problemas financieros, más que nada por descuido en el registro contable, y existe un interesante registro que muestra la donación que hizo de algunas de sus composiciones a su empleador para salvar una quiebra.


title: Jacob Obrecht

text: Durante esta época, a pesar de ser un empleado poco eficiente, fue mantenido en la más alta estima por sus patrones y sus colegas compositores. Johannes Tinctoris, escritor de Nápoles, lo incluye en una pequeña lista de los mejores compositores del momento, situación muy significativa teniendo en cuenta que Obrecht contaba a la sazón con solo 25 años de edad, y además, vivía en el otro extremo del continente.


title: Jacob Obrecht

text: Aunque la mayoría de las actividades de Obrecht tuvieron lugar en Flandes, hizo al menos dos viajes a Italia, el primero en 1487 por invitación del duque Ercole I de Este de Ferrara, y el segundo en 1505. El duque había escuchado la música de Obrecht, que se sabe fue difundida en Italia entre 1484 y 1484, y al parecer la apreciaba por sobre toda la música de los otros compositores de la época. En consecuencia, invitó a Obrecht a Ferrara por seis meses en 1487.


title: Jacob Obrecht

text: Durante el segundo viaje, el duque muere, con lo que Obrecht queda sin su patrocinador y admirador. Finalmente, muere a finales de julio de 1505 a causa de la peste que azotó la ciudad.


title: Jacob Obrecht

text: Obrecht escribió principalmente música sacra:  28 misas y 27 motetes, más unas pocas obras seculares (chansons), 19 en flamenco y siete en francés que sobreviven hoy.


title: Jacob Obrecht

text: Desde el punto de vista estilístico, Obrecht es un ejemplo del contrapunto extravagante de fines del . Usualmente usa una técnica de "canto firme" para sus misas, pero con una importante cantidad de artilugios que convierten el simple material original en una composición compleja y dinámica. A veces toma el tema original y lo divide en pequeñas frases; a veces usa una completa versión de las melodías en contrapunto retrógrado, en un caso incluso extrae las notas componentes de la melodía y las ordena por el valor de la nota, de las más larga a la más corta, construyendo nuevo material melódico con la secuencia reordenada. Prefiere estructuras episódicas, en las que cada sección usa distintos motivos melódicos, como si cada uno de ellos no pudieran ser suficientemente variados. Sus procedimientos muestran un fuerte contraste con el trabajo de la siguiente generación, por ejemplo Josquin Des Pres, quien favoreció una aproximación unitaria y simple a la composición.


title: Jacob Obrecht

text: Como ejemplo maestro de la técnica del "canto firme", puede escucharse su ""Missa sub praesidium tuum"", que incorpora seis cantos marianos:


title: Jacob Obrecht

text: Además, el número de partes vocales se incrementa de tres en el Kyrie, a cuatro en el Gloria, y así sucesivamente, hasta que aparecen siete voces en el Agnus Dei. El canto del título se escucha claramente en la primera voz a través de toda la obra.  Para su material original, prefirió claramente las canciones populares del momento. Mientras que puede parecer extraño para un oyente moderno pensar en construir una composición sacra sobre fragmentos seculares e incluso profanos, esta costumbre no era considerada impropia o irreverente en la época. Existe por ejemplo una misa de Jean Mouton, la "Missa faulte d'argent" (falta de dinero), basada en una canción de Josquin Des Pres del mismo título, en que un hombre se levanta de la cama con una prostituta, lamentándose por no tener suficiente dinero para pagarle.


title: Jacob Obrecht

text: Aunque fue muy renombrado en su tiempo, Obrecht ha tenido poca influencia en las generaciones siguientes. Simplemente pasó de moda. La inventiva super abundante que muestra su obra tiene una analogía interesante con el estilo contemporáneo de pintura, uno de cuyos más famosos exponentes fue sin duda Hieronymus Bosch, nacido en 1450.


title: Par de arranque

text: Par de arranque: Es el par que va a desarrollar el motor para romper sus condiciones iniciales de inercia y pueda comenzar a operar.


title: Par de arranque

text: Por lo general, las normas de diseño y fabricación de motores eléctricos establecen que un motor trifásico de inducción, que se alimenta al voltaje y la frecuencia nominal, debe soportar durante 15 segundos, sin frenarse y acelerarse bruscamente, un par de arranque igual a 1,6 veces el valor nominal.


title: Par de arranque

text: Otros datos muy importantes para los motores de inducción son el par y la corriente que el motor demanda en el momento de arranque (par y corriente de arranque). Es conveniente aclarar la diferencia entre par máximo y par de arranque. Para aplicaciones especiales (aparatos de tracción, elevadores, máquinas con momento de inercia particular, etc), este dato se considera como parte de la especificación. La ejecución de la prueba se hace siempre por la vía directa con el freno.


title: Hombre de Lauricocha

text: El hombre de Lauricocha existió aproximadamente hacia 10000 a. C., en la sierra central del Perú. Sus restos fueron descubiertos en las cuevas de Lauricocha, por Augusto Cardich, en 1958 y 1959. Se trata de once osamentas humanas, cuatro adultos y siete niños, que se cuentan entre los restos humanos más antiguos del Perú, junto con los de Paiján. También se descubrieron puntas líticas y herramientas de hueso, así como pinturas rupestres.


title: Hombre de Lauricocha

text: La zona de Lauricocha está ubicada en las cabeceras del río Marañón - Amazonas, en el distrito de San Miguel de Cauri, provincia de Lauricocha, departamento de Huánuco, cercano a la laguna Lauricocha. Se halla a una altura que va desde los 3900 msnm en el sector más bajo del valle y 4500 msnm en las cumbres. Hacia el 10.000 a.C., cuando los glaciares se deshelaron, dicha zona se hizo propicia para los asentamientos humanos. En esas alturas o punas es donde se hallan conjuntos de cuevas y abrigos rocosos, escenario del hombre de Lauricocha.


title: Hombre de Lauricocha

text: Entre 1958 y 1959 el arqueólogo peruano Augusto Cárdich, descubrió en esas cuevas once esqueletos humanos, 4 de adultos y 7 de niños; los restos óseos se hallaron incompletos, al parecer mutilados intencionalmente. También se encontró raspadores y lascas líticas, huesos fosilizados de camélidos y cérvidos, raíces y tubérculos, proyectiles y utensilios de hueso y piedra, dibujos rupestres de animales, representaciones de danzas ceremoniales y cacería, etc. con comprobación científica.


title: Hombre de Lauricocha

text: Las tumbas de los adultos son sencillas, sin adornos ni arreglos de ninguna clase; al parecer fueron enterradas superficialmente. Una de las inhumaciones más notables es el denominado “Entierro Nº 6”, con un individuo que presentaba deformación craneana artificial del tipo tabular erecta.


title: Hombre de Lauricocha

text: Las tumbas infantiles, en cambio, muestran un patrón de enterramiento muy distinto. Los cuerpos de los tres niños (Entierros N.º 9, N.º 10 y N.º 11) están cuidadosamente enterrados en medio de un misterioso ritual funerario, habiéndose hallado diversos objetos a manera de ofrendas: cuentas de collar hechas en hueso, turquesa, y en un caso elaboradas de valvas de un molusco marino del género "pecten", así como objetos de sílex y puntas líticas.


title: Hombre de Lauricocha

text: En el caso de la sepultura infantil N.º 11 se aprecia claramente que por encima de la misma se ubicó un fogón, tal vez vinculado a la idea de que de esa forma el cuerpo enterrado pudiera recuperar el calor perdido, y algo muy particular, la presencia de oligisto (óxido de hierro) en polvo cubriendo la osamenta del niño. Es notable también el uso del ocre, de color rojizo en la sepultura N.º 9 y amarillo en la N.º 10.


title: Hombre de Lauricocha

text: Se cree que la diferencia en los patrones de enterramiento entre niños y adultos fue intencionada y corresponde a un rito especial en el que se utilizaron ofrendas de distinto tipo.


title: Hombre de Lauricocha

text: Otra característica resaltante es que casi todos los esqueletos están incompletos; a uno le falta, por ejemplo, una pierna. Se teorizó que probablemente los cuerpos fueron desenterrados y mutilados por animales salvajes, o que fueron resultado de acciones o muertes violentas entre humanos; sin embargo, Cardich ha rechazado estas hipótesis, sosteniendo que se trata más bien de un ritual funerario de mutilación, en el contexto de un sacrificio humano. En cuanto a la posición de los cuerpos, se hallan de costado, con las extremidades ligeramente flexionadas.


title: Hombre de Lauricocha

text: En la zona de Lauricocha y sus cercanías se han hallado varias manifestaciones del arte rupestre, al punto que se pudo establecer una primera secuencia de los estilos de dicho arte para los Andes Centrales del Perú.


title: Hombre de Lauricocha

text: Cardich ha diferenciado dos estilos del arte rupestre del precerámico. Al primero lo llamó el “Estilo de escenas con representaciones seminaturalistas”, que cuenta con representaciones de animales en grupo, escenas de caza, y a veces, de danza. Es el más antiguo y se lo ubica en el periodo Lauricocha I, hacia 10.000 a.C.. El segundo, más tardío, fue denominado “Estilo de dibujos no figurativos”.


title: Hombre de Lauricocha

text: En la cueva N.º 3 de Chaclaragra (zona de Lauricocha) se puede observar el primer estilo. Pintadas en rojo oscuro, representan una fila de camélidos acosados por ambos extremos por cazadores que llevan lanzas; dos de las vicuñas han sido heridas y llevan las lanzas incrustadas en su cuerpo. Estas pinturas atestiguan a la vez el método de cacería del hombre de Lauricocha.


title: Hombre de Lauricocha

text: Los proyectiles líticos encontrados en Lauricocha se asemejan mucho a los ubicados en el Complejo de Ayampitín de la sierra argentina, lo que sugiere que formaron parte de una gran tradición lítica de cazadores avanzados de la cordillera andina. La secuencia cultural, realizada a partir de las herramientas y proyectiles encontrados, posibilitó la periodificación de tres fases:Las cuevas de Lauricocha, que se ubican sobre un antiguo valle glaciar, en las alturas de Huánuco, albergaron a un importante grupo de cazadores-recolectores del Período Arcaico que por miles de años utilizaron las cuevas como refugio natural. La zona fue también asiento de especies muy estimadas para la caza, especialmente cérvidos (taruga) y camélidos (vicuña, guanaco). El registro arqueológico demuestra que al principio los hombres de Lauricocha prefirieron en su dieta a los cérvidos (Lauricocha I) y posteriormente a los camélidos (Lauricocha II). Al parecer, eran suficientes fuentes de proteínas para el hombre, ya que en las cuevas se encuentran escasos restos de aves u de otros animales.


title: Hombre de Lauricocha

text: Estos cazadores vivían en bandas y eran nómadas. Poseían campamentos base donde habitaban y campamentos de caza donde iban para obtener sus alimentos. Realizaban la cacería al modo del "chaco" (cacería colectiva de los incas), según lo atestiguan las pinturas rupestres que se ven en algunas paredes de las cuevas.


title: Hombre de Lauricocha

text: En Lauricocha existía una organización del trabajo y empezaban a aparecer las primeras jerarquías, la defensa colectiva de su círculo de supervivencia y se evidencia ya la práctica funeraria.


title: Hombre de Lauricocha

text: Cardich halló en el periodo Lauricocha II (8000-5000 a. C.) indicios de cierto sedentarismo, lo que pudo haber propiciado la domesticación de plantas y animales.


title: Hombre de Lauricocha

text: Las características principales del hombre de Lauricocha eran:


title: Hombre de Lauricocha

text: Se trata de los restos óseos humanos más antiguos hallados en la sierra del Perú, habiendo sido fechados por el radio carbono con una antigüedad de 9525 años, para unos esqueletos y 9149 para otros. Son once osamentas casi completas, descubiertas en 1959. Solo es superado en antigüedad por los restos óseos de un adulto y un adolescente hallados en Paiján, en la costa norte del Perú. Hasta el descubrimiento del hombre de Paiján, ocurrido en 1975, el hombre de Lauricocha fue considerado como el más antiguo del Perú.


title: Hombre de Lauricocha

text: Sin embargo, la importancia de Lauricocha no solo radica en su antigüedad, sino al hecho de ser un lugar de permanente ocupación humana, al conservar superpuestos los testimonios de todas las edades. En total Lauricocha tiene ocho pisos estratigráficos, seis de los cuales son de ocupación humana, que van desde la época lítica hasta la colonia. También hay que destacar sus pinturas rupestres, las más antiguas de entre los pocos ejemplares de ese arte paleolítico hallados en el Perú.


title: Rasgueado

text: El rasgueado es una técnica de interpretación de la guitarra que ha pasado del lenguaje musical popular (especialmente el toque flamenco) a la música actual. Se trata de una manera de hacer vibrar todas las cuerdas con todos los dedos, que se abren como un abanico.


title: Nikolái Roerich

text: Nikolái Konstantínovich Roerich (en ruso: Никола́й Константи́нович Ре́рих, su apellido se pronuncia «Rérij»; San Petersburgo, 27 de septiembre/9 de octubre de 1874-Kulu, Himachal Pradesh, India; 13 de diciembre de 1947) fue un artista ruso, filósofo, escritor, arqueólogo, viajero y persona pública. Pintó más de 7000 lienzos (muchos de los cuales se encuentran en galerías famosas por todo el mundo) y escribió más de treinta obras literarias. Fue el inspirador del acuerdo internacional sobre la protección de las instituciones artísticas, científicas y los monumentos históricos (el llamado «Pacto Roerich»), y el fundador del movimiento internacional de protección de la cultura. Fundó la "Agni Yoga Society", de inspiración teosófica. Sus ideas han influido en la formación del movimiento New Age en Rusia.


title: Nikolái Roerich

text: «Roerich», traducido del antiguo escandinavo, significa «rico» (rich) «en gloria» (Roe). Los representantes del linaje de los Roerich venían ocupando en Rusia altos puestos militares y administrativos desde los tiempos de Pedro el Grande. El padre de Nikolái, Konstantín Fiódorovich Roerich, fue un notario reputado y conocido en la sociedad de la época. Su madre, María Vasílyevna Kaláshnikova, descendía de una familia de comerciantes. Entre los amigos de la familia Roerich se encontraban personas tan destacadas como D. Mendeléyev, N. Kostomárov, M. Mikeshin y L. Ivanovskiy.


title: Nikolái Roerich

text: Desde una temprana edad Nikolái Roerich demostró un talento precoz y polifacético hacia la pintura, la arqueología, la historia y una inquietud profunda por la rica herencia cultural del Oriente.


title: Nikolái Roerich

text: En 1893, tras sus estudios básicos, Nikolái Roerich se matriculó simultáneamente en la facultad de Derecho de la Universidad de San Petersburgo (graduándose en 1898) y en la Academia Imperial de Bellas Artes. Desde 1885, es alumno del taller del famoso pintor ruso Arjip Ivánovich Kuindzhi. En esa época tiene contactos múltiples con los personajes destacados de la cultura rusa de aquel entonces: V. V. Stásov, I. E. Repin, N. A. Rimsky-Kórsakov, D. V. Grigoróvich, y S. P. Diáguilev. Ya en sus años estudiantiles, Roerich llega a ser miembro de la Sociedad Arqueológica Rusa y realiza muchas exploraciones en las provincias de Petersburgo, Pskov, Nóvgorod, Tver, Yaroslavl, Smolensk. En el año 1904, colaborando con el príncipe Putiatin, Roerich descubrió unas estaciones neolíticas en Valdái (cercanías del lago Piros) que atrajeron la atención de especialistas rusos y europeos.


title: Nikolái Roerich

text: En 1897 N. Roerich se graduó de la Academia de Bellas Artes de Petersburo. Su tesina — el lienzo «Mensajero» — fue adquirida por el famoso coleccionista de obras de arte ruso P. M. Tretyakov. V. V. Stásov, crítico conocido de la época, apreció l"a obra de Roerich: «Indudablemente, tiene Vd. que visitar a León Tolstói…que el mismo gran escritor de la tierra rusa le consagre a pintor»". El encuentro con León Tolstói se hizo providencial para Nikolái Roerich. Dirigiéndose a él, León Tolstói dijo: "«¿Ha podido, por casualidad, cruzar en barca un veloz río? Es menester guiar la barca a un lugar más alto que la meta, o el río se la lleva. Lo mismo pasa en la esfera de las exigencias morales: hace falta guiar la barca hacia lo más alto posible, pues la vida se lo lleva todo. Que su mensajero maneje el volante muy alto, ¡entonces llegará!»"


title: Nikolái Roerich

text: Otras recomendaciones significativas se las dio a Nikolái Roerich un sacerdote que a menudo visitaba la casa de sus padres, el padre Iohánn Kronshtadsky, deseando al niño buena salud: «"¡No te enfermes!, tendrás que hacer buena obra por la Patria"».


title: Nikolái Roerich

text: Nikolái Roerich centró parte de sus creaciones en los temas históricos. En el período inicial de su creación, el artista crea lienzos dedicados a las fuentes históricas de Rusia: «Se reúnen los ancianos» (1898), «El llanto de Yaroslavna» (1893), «El principio de la antigua Rusia. Los eslavos» (1896), «Ídolos» (1901), «Construyendo barcas» y otros. En estas obras se revela el talento específico del pintor y sus búsquedas innovadoras en el arte; de esta primera etapa se ha dicho que «"incluso en los primeros lienzos se verifica el estilo particular de Nikolái Roerich: su enfoque multifacético de la composición, claridad de líneas y laconismo, colores limpios y entonación musical, gran simplicidad de expresión, veracidad y sinceridad"»; "Los cuadros del pintor se basan sobre los principios del conocimiento profundo del material histórico, están penetrados de un contenido filosófico y expresan la sensación del espíritu de la época"".


title: Nikolái Roerich

text: A la edad de 24 años, Nikolái Roerich llega a ser asistente del director del museo adjunto a la Sociedad Imperial Estimuladora de las Artes y, al mismo tiempo, asistente del redactor de la revista artística «Las Artes y la Industria Artística». Tres años más tarde, ocupa el puesto del secretario de la Sociedad Imperial Estimuladora de las Artes.


title: Nikolái Roerich

text: En 1899 Nikolái Roerich conoce a Elena (Helena) Ivánovna Sháposhnikova, y en octubre de 1901 se celebra su boda. Elena se hizo compañera fiel e inseparable de Nikolái y su inspiradora en la aventura y en la obra espiritual. Caminaron juntos a lo largo de la vida, complementándose uno a otro en la creación y en las búsquedas espirituales. En 1902 nace su hijo Yury, futuro científico orientalista, y en 1904, su hijo Sviatoslav, quien también sería reconocido como pintor.


title: Nikolái Roerich

text: En los años 1903 y 1904 Nikolái Roerich y su esposa realizan un viaje por toda Rusia, visitando más de 40 ciudades célebres por sus monumentos históricos. El propósito de ese viaje largo fue el estudio de las raíces de la cultura rusa. El viaje fue coronado con una gran serie de cuadros dedicados a la antigua arquitectura rusa (aproximadamente 90 bosquejos) y varios artículos en los cuales Nikolái Roerich analizó el gran valor artístico que tenían la pintura de los iconos y la arquitectura de la antigua Rusia.


title: Nikolái Roerich

text: Nikolái Roerich también cultivó una pintura monumental y decorativa: realizó frescos, mosaicos y creó también vestuarios y decorados para obras teatrales. En 1906 Nikolái Roerich compone 12 esbozos para la basílica en la hacienda de la familia Gólubev en Parjómovka, cerca de Kíev; en 1910, además, crea esbozos de unos mosaicos para la laura de Pocháyev; en 1913 crea 4 esbozos para la pintura al fresco de una capilla en Pskov; en 1914 crea 12 lienzos para el palacete Livshits en Niza. En 1914 el artista pintó y decoró la iglesia del Espíritu Santo en Taláshkino (composición «la Reina del Cielo» y otras).


title: Nikolái Roerich

text: El talento polifacético y versátil de Nikolái Roerich se reveló también en sus trabajos para los espectáculos teatrales, tales como «Doncella de Nieve», «Peer Gynt», «La princesa Malen», «Valkyrie» y otros. Durante las célebres «Temporadas rusas» de S. Diáguilev en París, Nikolái Roerich actuó como diseñador y decorador teatral de las «Danzas de los pólovtsi» en la ópera «El príncipe Ígor» de Aleksandr Borodín, en la ópera «Pskovityanka» de Rimski-Kórsakov y en el ballet "La consagración de la primavera" de Ígor Stravinski.


title: Nikolái Roerich

text: Nicholas Roerich, fue cocreador del ballet "La Consagración de la Primavera", donde el motivo del ballet surgió de la absorción de Roerich con la antigüedad eslava y sus excavaciones en Rusia, de acuerdo a lo que le escribió en una carta a Diaguilev fue: «La hermosa cosmogonía de la tierra y el cielo.»


title: Nikolái Roerich

text: La época de la Edad de Plata, cuando Nikolái Roerich empezó su camino de creador, fue una época de entusiasmo espiritual, lo cual, indudablemente, influyó en la formación de la personalidad del artista. Una pléyade de pensadores destacados: V. S. Soloviov, E. N. Trubetskói, V. V. Rózanov, P. A. Florenski, S. N. Bulgákov, N. A. Berdiáyev, entre otros, venían aportando a la cultura rusa profundos pensamientos filosóficos, la llenaban de búsquedas intensas de los ideales morales y del sentido de la vida. Se estaba desarrollando el interés especial que tenían los intelectuales rusos por la cultura oriental. Intentando percibir valores universales, Nikolái Roerich, además de la filosofía rusa, se dedica a estudiar la filosofía de Oriente, principalmente las obras de los grandes pensadores de la India: Ramakrishna, Vivekananda y Rabindranath_Tagore.


title: Nikolái Roerich

text: El conocimiento de los sistemas filosóficos de Oriente encontró su reflejo en la obra de Nikolái Roerich. Aunque en los cuadros de su período inicial los temas fundamentales eran la antigua Rusia pagana y las imágenes pintorescas de gesta popular («Construyendo una ciudad», «Los de mal agüero», «Huéspedes de ultramar» y otros), ya desde la mitad de 1905 el artista dedica sus lienzos y esbozos a la India («Lakshmi», «Camino indio», «Krishna», «Sueños de India» etc.). Las antiguas culturas de Rusia y de la India y su fuente común tienen interés especial para Roerich, tanto desde un punto de vista artístico como puramente científico. Dentro de su concepto histórico, son de mayor importancia las categorías temporales de pasado, presente y futuro. A Nikolái Roerich, el futuro le sirve para apreciar el pasado y el presente: "«…cuando llamamos a estudiar el pasado, lo hacemos sólo en pro del futuro»". "«De las preciosas piedras antiguas componed los peldaños del futuro»".


title: Nikolái Roerich

text: Desde 1906, Nikolái Roerich trabaja como profesor al mismo tiempo que dirige la Escuela de la Sociedad Imperial Estimuladora de las Artes. En esta época ya es habitual su participación en exposiciones extranjeras. Muchas ciudades de Europa conocieron su obra: París, Venecia, Roma, Berlín, Bruselas, Viena, Londres. Los cuadros de Nikolái Roerich fueron adquiridos por el Museo Nacional de Roma, por el Louvre y otros museos europeos.


title: Nikolái Roerich

text: Suele marcarse el año 1906 como el inicio de un período nuevo, más maduro, en la creación de Nikolái Roerich. Ahora el enfoque histórico cambia su objetivo: la historia, la mitología y el folclore se convierten en fuentes de las que el artista recoge material para su lenguaje figurativo metafórico. En su arte se combinan el realismo y el simbolismo. En este período se hacen más intensas las búsquedas del maestro dentro del espacio de los colores. Nikolái Roerich relega el óleo casi por completo y pasa a la técnica de temple. Experimentó con la composición de las pinturas, con la superposición de capas de colores y tonos. La personalidad y originalidad de estas indagaciones fueron advertidas por los críticos de arte; de hecho, entre 1907 y 1918 en Rusia y Europa se editaron nueve monografías y decenas de revistas de arte dedicadas a su obra. Leonid_Andréiev, conocido escritor ruso, dio un título metafórico al mundo creado por el artista: lo llamó «"La Potencia de Roerich"».


title: Nikolái Roerich

text: En 1909 Nikolái Roerich fue elegido académico de la Academia de Artes de Rusia y, al mismo tiempo, miembro de la Academia de Reims, en Francia.


title: Nikolái Roerich

text: Desde 1910 Nikolái Roerich encabeza la asociación artística «El Mundo de Arte» que reunía a muchas personas célebres: Alexandre Benois, Léon Bakst, I. Grabar, Valentín Serov, Kuzmá Petrov-Vodkin, Borís Kustódiev, A. Ostroúmova-Lébedeva, Z. Serebriakova y otros.


title: Nikolái Roerich

text: Siendo «El intuitivista más grande del siglo», según la denominación del conocido escritor Maksim Gorki, Nikolái Roerich, en vísperas de la primera guerra mundial, expresó con ayuda de imágenes simbólicas sus presentimientos alarmantes: a esta serie pertenecen los cuadros «Ciudad purísima, saña para los enemigos», «Ángel Último», «Resplandor», «Obras humanas» y otros. En ellos se representa el tema de lucha de dos principios: la luz y la oscuridad (tema que resalta en toda la obra del artista, al igual que el tema de la responsabilidad de la persona por su destino y por todo el mundo). Por entonces Nikolái Roerich no solo crea lienzos de carácter antimilitar, sino que también escribe artículos dedicados a la protección de la paz y la cultura.


title: Nikolái Roerich

text: En 1915 Nikolái Roerich presenta un informe al zar Nicolás II y al Gran Príncipe Nikolái Nikoláyevich, llamándolos a tomar medidas serias a nivel de estado para proteger tesoros de cultura en todo el territorio de Rusia.


title: Nikolái Roerich

text: En 1916, padeciendo por una grave enfermedad pulmonar, Nikolái Roerich es convencido por los médicos de que se traslade a Finlandia (Serdobol), a la costa del lago Ládoga. Allí se marchará con su familia. La proximidad de su residencia a Petrogrado le permitía dedicarse a las actividades de la Escuela de la Sociedad Imperial Estimuladora de las Artes.


title: Nikolái Roerich

text: El 4 de marzo de 1917, un mes más tarde después de la Revolución de Febrero, Maksim_Gorki reunió en su casa a un numeroso grupo de pintores, escritores y actores. Entre los presentes se encontraban Nikolái Roerich, Aleksandr Benois, Iván Bilibin, Dobuzhinski, Petrov-Vodkin, Shchuko, Shaliapin, etc. En esta reunión fue elegida una Comisión para las cuestiones de arte. Maksim Gorki fue nombrado presidente de la Comisión y Aleksandr Benois y Nikolái Roerich lo fueron como asesores. La comisión se dedicaba al desarrollo del arte en Rusia y a la conservación y protección de los monumentos de antigüedad.


title: Nikolái Roerich

text: Después de los acontecimientos revolucionarios de 1917 Finlandia cerró todas las fronteras con Rusia. Nikolái Roerich y su familia se quedaron aislados de su patria.


title: Nikolái Roerich

text: En 1919, habiendo recibido una invitación de Suecia, Nikolái Roerich viaja para exponer por los países de Escandinavia, y en otoño de ese mismo año, teniendo una invitación de Sergéi Diágilev, realiza el diseño teatral, el decorado y el vestuario para las óperas rusas que Modest Músorgski y Aleksandr Borodín estrenarían en Londres.


title: Nikolái Roerich

text: En 1920, Nikolái Roerich recibe una carta del director del Instituto de Artes de Chicago que le propone organizar una gira con exposiciones por 30 ciudades de los Estados Unidos. Entre los 115 lienzos del pintor que se exponían se encontraban los siguientes: «El tesoro de los ángeles» (1905), «Ángel último» (1912), «La hija del vikingo» (1917), «Llamada del sol» (1918), «Éxtasis» (1917), las series de cuadros «La heroica», «Sueños del Oriente», etc. Las exposiciones tuvieron un éxito extraordinario. En América Nikolái Roerich pintó «Sancta», «Nuevo México», «La suite del océano» y «Sueños de la sabiduría» entre otros muchos.


title: Nikolái Roerich

text: En América Nikolái Roerich fundó organizaciones culturales y pictóricas que más tarde serían fuentes de cultura que reunirían a su alrededor a numerosas personas destacadas del arte. En noviembre de 1921 en Nueva York fue inaugurado el Maestro-Instituto de Artes Unidas, cuyo propósito fundamental fue realizar un acercamiento mutuo de los pueblos a través de la cultura y el arte. Determinando las tareas del Instituto, Nikolái Roerich escribió: «El arte unirá a la Humanidad. El arte es uno e irrepartible. El arte tiene muchas ramas y una sola raíz… Cada uno percibe la verdad de la belleza. En la belleza estamos unidos, por la belleza oramos, Con la belleza conquistaremos. Para todos deben ser accesibles y abiertas las puertas de la fuente sagrada. La luz del arte iluminará los innumerables corazones con un amor nuevo. En un principio, este sentido vendrá desapercibido, pero más tarde este sentido limpiará toda la conciencia humana. Cuántos corazones jóvenes están buscando algo bello y auténtico. Dadselo, pues. Dadle el arte al pueblo, que el arte le pertenece.» (Nikolái Roerich, «Sobre el Arte»). Casi al mismo tiempo que el Instituto de Artes Unidas en Chicago, fue fundada la Asociación de pintores «Cor Ardens» («Corazones Ardientes»), y en 1922 apareció el Centro Cultural Internacional «Corona Mundi» («Corona del Mundo»). En noviembre de 1923 fue inaugurado El Museo Nikolái Roerich de Nueva York que poseía una colección muy grande de cuadros del pintor.


title: Nikolái Roerich

text: La venta de sus cuadros, los honorarios por el diseño de los espectáculos teatrales y numerosas publicaciones, así como los beneficios que habían ingresado de las organizaciones sociales, culturales y de ilustración que actuaban en los Estados Unidos de América, le dieron posibilidad a Nikolái Roerich de realizar una expedición científica por Asia Central.


title: Nikolái Roerich

text: El 2 de diciembre de 1923 Nikolái Roerich con su familia llega a la India que le atrae como a pintor tanto como a científico que investiga una serie de problemas relacionados con migraciones de los pueblos antiguos por el mundo y con búsquedas de una fuente única de las culturas eslava e India. Allí empezó la ruta de la expedición por las regiones difíciles de acceso de Asia Central.


title: Nikolái Roerich

text: "«Además de nuestras tareas artísticas en la expedición," — notó más tarde Nikolái Roerich, — "teníamos intención de conocer en qué estado se encuentran los monumentos antiguos de Asia Central, observar la situación actual de la religión, de las costumbres y encontrar huellas de las grandes migraciones de los pueblos. Esta última tarea desde hace mucho me tiene pendiente»."


title: Nikolái Roerich

text: La ruta complicadísima de la expedición pasó por Sikkim, Cachemira, Ladak, China (Sinkiang), Rusia (visitando Moscú), Siberia, Altái, Mongolia, Tíbet, por las regiones no investigadas de Transhimalaya. La investigación duró de marzo de 1925 a mayo de 1928. Haciendo realidad el sueño de Przevalski y Kozlov, la expedición de Nikolái Roerich llegó a ser un triunfo entre las investigaciones rusas del Asia Central. Por lo complicado de la ruta y por lo rico de los materiales coleccionados esta expedición merece un lugar especial entre las expediciones más grandes del siglo XX.


title: Nikolái Roerich

text: Durante los años de la expedición, fueron realizadas investigaciones arqueológicas y etnográficas en las partes no investigadas de Asia, marcadas en los mapas decenas de cimas y puertos en las montañas y precisada su posición; fueron descubiertos manuscritos raros y descritas muchas costumbres locales; así mismo, fueron escritos libros como «Corazón de Asia» y «Altái — Himalaya» y pintados aproximadamente quinientos cuadros que reflejaban el panorama pintoresco de la ruta; además, Nikolái Roerich empezó a crear la serie famosa de sus lienzos «Himalaya» y realizó las series de cuadros «Maytreya», «Camino de Sikkim», «Su país», «Los maestros del Oriente» y otras.


title: Nikolái Roerich

text: El abundante material científico reunido por la familia de los Roerich durante la expedición requería sistematización y procesamiento, así que, terminada la expedición, en julio de 1928 en la Himalaya Occidental, en el valle de Kulu, Nikolái Roerich fundó el Instituto «Urusvati» de Investigaciones Himalaicas, lo que, traducido del sánscrito, significa «Luz del Lucero del Alba». Allí mismo, en el valle de Kulu, pasaría el último período de la vida del pintor. Yuri Roerich, el hijo mayor de Nikolái Roerich, científico orientalista de fama mundial, se hace director del Instituto. Además, efectúa la dirección de las investigaciones etnólogo-lingüísticas y de las búsquedas de monumentos arqueológicos. En el Instituto trabajaban laboratorios de medicina, zoología, botánica, bioquímica y muchos otros.


title: Nikolái Roerich

text: Se realizaba un trabajo muy grande en la Lingüística y filología orientales. Se componían colecciones de fuentes rarísimas de muchos siglos que se traducían a los idiomas europeos, se estudiaban idiomas medio olvidadas. Los especialistas que venían a trabajar por invitación y colaboradores interinos componían colecciones botánicas y zoológicas.


title: Nikolái Roerich

text: Entre los colaboradores del Instituto se encontraban decenas de centros científicos de Asia, Europa y América. Los materiales científicos, saliendo del Instituto de Kula, llegaban a la Universidad de Míchigan, al Jardín Botánico de Nueva York, al Museo de Historia Natural de París, a la Universidad de Pendjab, a la Universidad de Harvard en Cambridge, al Jardín Botánico de la Academia de ciencias de la Unión Soviética. El conocido botánico y genético soviético N. I. Vavílov solicitaba información científica en el centro «Urusvati» y recibía de allí semillas para su colección botánica única. Además, colaboraban con el Instituto científicos destacados como Albert Einstein, L. De Broil, Roberto Milliken, Sven Hedin y otros.


title: Nikolái Roerich

text: En los años 1934—1935 Nikolái Roerich encabezó una expedición a las regiones de la Mongolia Interior, Manchuria y China, organizada por el Ministerio de Agricultura de los Estados Unidos con el fin de rebuscar semillas de plantas que previenen la destrucción de capas fértiles del suelo. Previendo la amenaza de catástrofes ecológicas, Nikolái escribe en aquellos años: "«Como consecuencia de que el hombre trata los bosques con ignorancia y rapacidad, los desiertos han crecido excesivamente, adquiriendo dimensiones siniestras. Da miedo ver cómo la desaparición de lo verde borra, cada vez más, la superficie protectora y útil de la tierra.»"


title: Nikolái Roerich

text: La expedición se componía de dos partes. La primera ruta incluía la cordillera de Hingán y la meseta Barginskoye (1934), y la segunda, los desiertos de Gobi, Ordos y Holanshan (1935). Las expediciones dieron buenos resultados: fueron encontrados cerca de 300 géneros de plantas resistentes a las sequías, coleccionadas plantas medicinales; además, se realizaron investigaciones arqueológicas y se descubrieron manuscritos antiguos de gran valor científico.


title: Nikolái Roerich

text: En sus ensayos — obras filosóficas y literarias — Nikolái Roerich crea un concepto de Cultura absolutamente nuevo, fundado en las ideas de la Ética Viva. La cultura, según Nikolái Roerich, está ligada estrechamente con los problemas de la evolución universal de la humanidad y es «el gran pilar» de este proceso. «La cultura se apoya en la Belleza y en el Conocimiento» — escribía él. [20] Y repetía, con una pequeña aclaración, la célebre frase de Fiódor Dostoyevski: «La conciencia de la Belleza salvará el mundo». El hombre conoce la Belleza solamente a través de la Cultura, cuya parte integrante es la creación. Este es, también, uno de los temas tratados en los libros de la Ética Viva, en la creación de los cuales han tomado parte activa los Roerich. Doña Elena tomaba nota, y Don Nikolái reflejaba las ideas de la Ética Viva en las imágenes artísticas.


title: Nikolái Roerich

text: En el amplio concepto de Cultura Nikolái Roerich incluía la síntesis de los mejores logros del espíritu humano en la esfera de la experiencia religiosa, ciencia, arte, educación. Nikolái Roerich formuló la diferencia principal entre la Cultura y la civilización. Mientras la Cultura se relaciona con el mundo espiritual del hombre en su autoexpresión creativa, la civilización no es más que organización exterior de la vida humana en todos sus aspectos materiales y civiles. La identificación de la civilización y la Cultura — afirmaba Nikolái Roerich — nos lleva a una confusión de estos conceptos, provoca una infravaloración del factor espiritual en el desarrollo de la Humanidad. Escribía también que «La riqueza de por sí todavía no nos ofrece Cultura. Sin embargo, la ampliación y agudeza del pensamiento junto al sentido de cultura, nos dan aquel refinamiento, aquella altura del espíritu, que siempre marcan a las personas de cultura. Precisamente estas personas pueden construir el futuro luminoso de su país.» Partiendo de eso, la Humanidad no sólo tiene el deber de promover la Cultura, sino también tiene la obligación de protegerla.


title: Nikolái Roerich

text: Nikolái Roerich, en 1929, colaboró con George Chklaver, Doctor en Derecho Internacional y Ciencias Políticas de la Universidad de París, preparando el proyecto del Convenio sobre la protección de los tesoros de cultura (El Pacto Roerich) que fue promulgado de acuerdo a los códigos de derecho internacional. Junto al Pacto, Nikolái Roerich ofrece una señal especial para identificar objetos de protección: la Bandera de la Paz; es una bandera blanca con una circunferencia roja dentro de la cual están tres círculos rojos simbolizando la unidad del pasado, presente y futuro dentro de la eternidad. Por su actividad internacional en la esfera de la cultura y por haber inspirado el Pacto, Nikolái Roerich fue nominado para el Premio Nobel de la Paz. He aquí una cita del llamamiento del Comité Nobel: Desde 1890, Nikolái Roerich con sus libros, conferencias, investigaciones, lienzos y en otras muchas esferas donde se ha revelado su destacada personalidad, venía explicando, de una manera eficaz, la doctrina sobre la Hermandad Internacional. La propaganda de la Paz es aceptada en más de 21 países; su inspirador, profesor Nikolái Roerich, ha sido invitado a participar en numerosas actividades diferentes que confirman el reconocimiento y la influencia de ella.


title: Nikolái Roerich

text: Los cuadros de uno de los pintores más grandes conocidos en nuestra Historia reflejan una gran belleza y luz de espíritu que simbolizan su doctrina.


title: Nikolái Roerich

text: Creemos firmemente que la paz internacional, estable y definitiva, puede ser accesible solamente mediante educación de las personas y mediante una propaganda constante y persuasiva de la Hermandad creada por la cultura, poesía y belleza en todos los aspectos de la vida. La obra de Nikolái Roerich durante los últimos treinta años es un gran llamamiento a todo el mundo para que las personas vivan con amor, que se amen. En 1930, el texto del proyecto del Pacto con una nota complementaria de Nikolái Roerich destinada a los gobiernos y pueblos de todos los países se publica en la prensa y se manda a las instituciones gubernamentales, científicas, artísticas y educativas de todo el mundo.


title: Nikolái Roerich

text: Los párrafos primero y segundo del Pacto rezan así: «Serán consideradas como neutrales y como tales respetadas y protegidas por las partes beligerantes, las instituciones de ciencia, de arte, de educación, de conservación de los objetos de cultura y misiones científicas. Con igual respeto y protección se tratará al personal de las instituciones arriba mencionadas, sus bienes y colecciones.  Las instituciones, colecciones y misiones que se registren a base del Pacto Roerich serán diferenciadas con la bandera distintiva de ese Pacto (la Bandera de la Paz), lo que les otorgará especial protección y respeto por parte de los estados beligerantes y de los pueblos de todos los países signatarios del Pacto.» El Pacto Roerich tiene una importancia educativa muy grande. «El Pacto por la protección de los tesoros culturales no es necesario únicamente como un instrumento oficial, sino, más bien, como una ley de instrucción, que desde los primeros días escolares inspire en la joven generación las nobles ideas sobre la preservación de los valores auténticos de toda la humanidad», — decía Nikolái Roerich.


title: Nikolái Roerich

text: La idea del Pacto fue apoyada por Romain Rolland, George Bernard Shaw, Rabindranath Tagore, Alberto Einstein, Thomas Mann, Herbert George Wells y otros personajes destacados.


title: Nikolái Roerich

text: La firma del Pacto fue un acto solemne y tuvo lugar el 15 de abril de 1935 en la Casa Blanca, Washington, con participación personal del Presidente de los Estados Unidos Franklin D. Roosevelt. El Pacto fue firmado por los representantes de los Estados Unidos y de los 20 países latinoamericanos, miembros de la Unión Panamericana. Más tarde, otros 15 países se adhirieron al Pacto.


title: Nikolái Roerich

text: En 1954, el Pacto Roerich sirvió de base para la «Convención Internacional de la Haya sobre la protección de valores culturales en caso de conflictos armados»; en lo que se refiere a la bandera especial propuesta por Nikolái Roerich, la Bandera de la Paz que marca todos los tesoros de cultura y arte como objetos inviolables, ella, hasta ahora, revolotea en lo alto sobre numerosos centros de cultura y de instrucción en todo el mundo.


title: Nikolái Roerich

text: Las ideas del Pacto quedaron reflejadas, también, en el arte de Nikolái Roerich. Podemos ver el emblema de la Bandera de la Paz en muchos lienzos suyos de los años treinta. En especial, al Pacto está dedicado el cuadro «Nuestra Señora Oriflamma».


title: Nikolái Roerich

text: En su residencia en la India, Nikolái Roerich desde los primeros días de la Segunda Guerra Mundial aprovecha todas las posibilidades para ayudar a Rusia. Con su hijo menor Sviatoslav, organiza exposiciones y ventas de sus cuadros, y todo el dinero obtenido lo envía a la Fundación de la Cruz Roja soviética y al Ejército Rojo. Además, escribe artículos para periódicos, pronuncia discursos en la radio apoyando al pueblo soviético.


title: Nikolái Roerich

text: En aquellos días amenazadores para Rusia, el pintor en su obra creativa vuelve al tema de la Patria. En esa época crea una serie de cuadros: «El príncipe Igor», «Alejandro Nevski», "Los Guerrilleros•, «La Victoria», «Se han despertado los Héroes» — y otros, en los cuales aparecen imágenes de la historia rusa y el autor predice que el pueblo ruso vencerá al fascismo. "… cualquiera que salga a la campaña contra el pueblo ruso, lo sentirá en su propio pellejo. No es una amenaza, es lo que ha dicho la historia milenaria de los pueblos. Se salvaban por pies, rodando, en volandas, diferentes malhechores y avasalladores, mientras el pueblo ruso en sus tierras vírgenes infinitas sacaba arando cada vez nuevos tesoros. Así debe ser. La historia conserva pruebas de la justicia mayor que muchas veces ya ha dicho severamente: «!Fuera! No tocar!» (Nikolái Roerich «!Fuera! No tocar!» 10 de junio de 1940)


title: Nikolái Roerich

text: En las «Páginas del diario» de Nikolái Roerich hay muchas páginas dedicadas a la hazaña militar y laboral del pueblo soviético.


title: Nikolái Roerich

text: En 1942, antes de la Batalla de Stalingrado, Nikolái Roerich recibió en su casa en Kulu a Jawaharlal Nehru, luchador por la libertad de la India, y su hija Indira Gandhi. Los tres juntos comentaron el destino del nuevo mundo en el cual triunfará la tan esperada libertad de los pueblos subyugados. «Hemos hablado de la Asociación Cultural Indo-Rusa, — apuntó en su diario Nikolái Roerich, — es hora de pensar en una colaboración útil, creadora…»


title: Nikolái Roerich

text: Indira Gandhi recordó unos cuantos días durante los cuales había estado con la familia de los Roerich: «Aquella fue una visita inolvidable a una familia talentosa y asombrosa, donde cada uno de ellos fue personalidad notable con una esfera de intereses claramente definidos. Se me quedó grabado en la memoria el mismo Nikolái Roerich, persona de los más vastos conocimientos y de una experiencia enorme de vida, hombre de gran alma y corazón, capaz de penetrar en todo lo que tenía a la vista». Durante esta visita «fueron expresadas ideas y sugerencias sobre el desarrollo de una colaboración más estrecha entre la India y la URSS. Ahora, cuando la India ya ha conquistado la independencia, esas ideas llegan a ser realidad. Y como sabe Vd., hoy en día existen entre nuestros dos países relaciones de amistad y mutua comprensión».


title: Nikolái Roerich

text: Cuando los ejércitos hitlerianos ocuparon muchos territorios de la URSS, Nikolái Roerich solicitó a sus colaboradores que ayudaran y sirvieran a la causa de mutua comprensión entre los pueblos de dos grandes potencias: Rusia y EE. UU. De esta manera, en 1942 en Nueva York fue fundada la Asociación Cultural Americano-Rusa. Entre los colaboradores más activos de la Asociación se encontraban Ernest Hemingway, Rockwell Kent, Charles Chaplin, P. Geddas, Emil Cuper, S. Kusevitsky, V. Tereshchenko. Roberto Milliken y Arturo Compton, científicos de fama mundial, aplaudieron la actividad de la Asociación.


title: Nikolái Roerich

text: El reconocimiento mundial del pintor ruso Nikolái Roerich es confirmado por el hecho de que fue elegido miembro de número y miembro honorífico por más de cien centros docentes, academias, corporaciones científicas e instituciones de cultura en todo el mundo. En la India misma le conocieron personalmente famosos filósofos, científicos, escritores, personas públicas de este país.


title: Nikolái Roerich

text: En la India Nikolái Roerich sigue trabajando en la serie de cuadros «El Himalaya» constituida por más de dos mil lienzos. Para Nikolái Roerich, el mundo de las montañas es una fuente inagotable de inspiración. Los críticos de arte han notado una nueva tendencia en su creación y le nombraron «Maestro de las montañas». En la India fueron creadas las series de lienzos «Shambhala», «Gengis Kan», «Kuluta», «Kulu», «Montañas sagradas», «El Tíbet», «Ashramas» y otras. Numerosas exposiciones de las obras del Maestro tuvieron lugar en diferentes ciudades de la India y las visitó mucha gente.


title: Nikolái Roerich

text: Nikolái Roerich siempre quedó patriota de Rusia y su ciudadano, aunque no tuviera más que un solo documento ruso: el pasaporte de Rusia. La idea de volver a la Patria no le abandonó nunca. Inmediatamente después de terminada la Segunda Guerra Mundial, el pintor solicitó el visado de entrada en la Unión Soviética, pero el 13 de diciembre de 1947 falleció sin haber podido saber que el visado soviético le había sido negado.


title: Nikolái Roerich

text: En el valle de Kulu, en el sitio donde había ardido la pira funeraria, fue instalada una piedra grande rectangular, en la cual fue tallada una inscripción: "«Aquí el 15 de diciembre de 1947, fue entregado al fuego el cuerpo de Maharisha Nikolái Roerich, gran amigo ruso de la India. Que haya paz.»"


title: Nikolái Roerich

text: En 1990, el hijo menor de Nikolái y Yelena Roerich, Sviatoslav Roerich, cumpliendo la última voluntad de sus padres, entregó a la Fundación Soviética de los Roerich (actualmente, Centro Internacional de los Roerich) la riquísima herencia de su familia. Gracias a L.V. Sháposhnikova, conocida científica, escritora, miembro de la academia, y a Y.M. Vorontsov, embajador Extraordinario y Plenipotenciario de Rusia, fueron traídos a la Patria más de 400 lienzos, el archivo, la Biblioteca y reliquias de la familia de Roerich. Este patrimonio llegó a ser base para un futuro Museo público Nikolái Roerich. Para ese museo Sviatoslav Roerich prefirió la finca antigua de la familia Lopujín. En ese edificio, el 12 de febrero de 1993 fue inaugurada la primera exposición del museo.


title: Nikolái Roerich

text: En las salas del Museo se celebran anualmente Congresos científicos públicos Internacionales con participación de científicos eminentes y personas públicas de Rusia, Unión de Estados Independientes, Alemania, Estados Unidos, Italia, España, Francia, Canadá, México y otros países; esos congresos se dedican a cuestiones importantes de la cultura y la ciencia. En el Museo también se organizan exposiciones de los pintores-cosmistas modernos, conciertos de la música clásica, concursos de pintura para niños, festivales de las culturas étnicas, exposiciones de artesanía y veladas dedicadas a la vida y obra de los pintores, actores, escritores.


title: Nikolái Roerich

text: Entrega de la Bandera de la Paz que había estado en la estación espacial «Mir», al presidente del parlamento de la India Shri Somnath Chattergy en ocasión al centenario de S.N.Roerich. De izquierda a derecha: Héroe de la Federación Rusa S.Zaletin, V. Afanásyev, Shri Somnath Chattergy, Presidente del Centro Internacional de los Roerich Y.M.Vorontsov.


title: Nikolái Roerich

text: Los especialistas destacados de la Academia de Ciencias Naturales de Rusia, de la Universidad_de_Moscú Lomonósov y los colaboradores científicos del Centro Internacional de los Roerich dan conferencias dedicadas al patrimonio de los Roerich, a la filosofía, historia, cultura y pedagógica. El Centro Internacional de los Roerich colabora de una manera activa con muchas organizaciones de cultura, estatales y públicas, incluidas las internacionales; organiza exposiciones ambulantes de cuadros de Nikolái y Sviatoslav Roerich por los países de la Unión de Estados Independientes.


title: Nikolái Roerich

text: El 17 de junio de 2008 el Centro Internacional de los Roerich firmó un acuerdo de colaboración con el Instituto de Historia de las Ciencias Naturales y de la Técnica S.I. Vavílov de la Academia de Ciencias de Rusia. El acuerdo prevé colaboración dentro de un círculo amplio de temas relacionados con investigaciones de la vida y obra de los Roerich, la Ética Viva y el pensamiento cósmico. Además, el acuerdo comprende colaboración en el tema de los grados académicos: consultas para los aspirantes, presentación de las tesinas y tesis dedicadas a la vida y obra de los Roerich, la Ética Viva y el pensamiento cósmico, en los consejos científicos en el Instituto de Historia de las Ciencias Naturales y de la Técnica S.I. Vavílov de la Academia_de_Ciencias_de_Rusia. La Directora General del Museo Roerich es Liudmila Sháposhnikova, artista emérita de la Federación Rusa, académica de la Academia de Astronáutica K.E. Tsiolkovsky de Rusia, académica de la Academia de Ciencias Naturales y de la Academia de Ecología de Rusia, redactora jefe de la revista «Cultura y tiempos».


title: Nikolái Roerich

text: Según la opinión de Dmitri Lijachov, académico de la Academia de Ciencias de Rusia, «Nikolái Roerich ha sido servidor fervoroso de la cultura a escala mundial». El reconocimiento de la actividad cultural multifacética del artista se confirma por numerosas condecoraciones, con las cuales le han honrado los gobiernos de muchos países del mundo, y títulos honoríficos conferidos por muchas organizaciones públicas y culturales cuyo presidente, fundador, protector o miembro ha sido.El 15 de octubre de 1969 los astrónomos del Observatorio astrofísico de Crimea Nikolái Stepánovich y Liudmila Ivánovna Chernyj descubrieron un nuevo planeta pequeño en el sistema Solar y le dieron el nombre de «Roerich» en honor de esta familia. El planeta está registrado bajo el número 4426.


title: Nikolái Roerich

text: El Observatorio astrofísico de Crimea, participante del programa internacional de observaciones e investigaciones de los planetas pequeños, certifica que el planeta pequeño, descubierto por el Observatorio astrofísico de Crimea y registrado en el Catálogo internacional bajo el número 4426, ha recibido el nombre "Roerich" «en honor de la familia de destacados personajes de cultura rusos» — pone el Certificado de descubrimiento.


title: Nikolái Roerich

text: Pronunciando un discurso en el Museo Nikolái Roerich, comentando ese acontecimiento a escala mundial, N.S.Chernyj dijo: «No son pocos los planetas pequeños que han recibido nombres significativos para nosotros en honor de grandes personajes rusos: devotos, científicos, escritores, pintores — que recordamos con amor. Hace poco apareció el planeta "Roerich". Los planetas pequeños como si fueran monumentos increados eternos. Este planeta llevará el nombre de Roerich para siempre. Dentro de algún tiempo empezará a acercarse a la Tierra  Este nombre fue confirmado por una comisión especial, compuesta por 11 representantes de diferentes países del mundo, de la Unión Internacional de Astronomía. Es de notar que un nombre nuevo se confirma únicamente si es aprobado por unanimidad. La aparición del planeta pequeño "Roerich" es un reconocimiento internacional de la obra y éxitos relevantes de la familia Roerich».


title: Nikolái Roerich

text: El 15 de agosto de 1963, el día de la independencia de la India, un grupo de alpinistas de la ciudad rusa de Tomsk: V. Syrkin, G. Shvartsman, A. Ivánov, V. Petrenko, L. Spiridonov, G. Skriabin, V. Slusarchuk, Y. Salivon, B. Gusev, S. Lobanov — subieron a una cima que aún no tenía nombre y le dieron el nombre de Nikolái Roerich.


title: Tute (humorista)

text: Juan Matías Loiseau, más conocido como Tute (21 de mayo de 1974 en Buenos Aires), es un humorista gráfico argentino. Es el hijo mayor del historietista Caloi (Carlos Loiseau).


title: Tute (humorista)

text: Su nombre es Juan Matías Loiseau. Nació el 21 de mayo de 1974 en Buenos Aires, Argentina. Pasó su infancia en la zona sur del Gran Buenos Aires, en la localidad de José Mármol. Estudió diseño gráfico, humorismo y cine. Tute tiene 2 hijas.


title: Tute (humorista)

text: Desde 1999 publica en el diario "La Nación", una página en su revista dominical y el cuadro diario "Tutelandia" en la contratapa. Sus dibujos también se publican en diarios del exterior (México, Colombia, Perú, Nicaragua, Ecuador, Honduras, Costa Rica, Panamá y Estados Unidos).


title: Tute (humorista)

text: Es el creador de Batu, el personaje de la tira gráfica que ya tiene ocho libros y saltó a la pantalla en micros televisivos ("Paka paka"), y de "Trifonia & Baldomero". Su tira, a pesar de ya no tener personajes fijos, se popularizó como Mabel y Rubén, nombres que utiliza habitualmente. Lleva más de 20 libros publicados en Argentina y algunos en España, Francia, México y Brasil. En 2014 publicó su primera novela gráfica: "Dios, el Hombre, el amor y dos o tres cosas más", con prólogo de Quino, quien destacó a Tute como el mejor humorista gráfico de los últimos años. En 2019 salió su novela gráfica "Diario de un hijo" (Sudamericana), en la que cuenta su historia desde su nacimiento hasta la muerte de su padre (Caloi). También publicó la trilogía de humor sobre psicoanálisis: Tuterapia, Humor al Diván y Superyó (Sudamericana).


title: Tute (humorista)

text: Ilustró los libros "Las venas abiertas de América Latina" y "Amares" de Eduardo Galeano (Siglo XXI).


title: Tute (humorista)

text: Junto al enólogo Marcelo Peleritti lanzó el Malbec Tute (con cápsula y etiqueta íntegramente dibujadas). Y una gran escultura (la psicoanalista y un diván) en la terraza de la bodega Monteviejo, en Valle de Uco, Mendoza.


title: Tute (humorista)

text: Publicó dos libros de poemas (1999 y 2000) y dirigió dos cortometrajes: "El Ángel de Dorotea" (2005) y "Abismos" (2006). Actualmente prepara su primer largometraje (la comedia romántica "Cenizas").


title: Tute (humorista)

text: Fue distinguido con el Premio Konex 2012 y elegido como uno de los 100 argentinos más innovadores por BGH, entre otras distinciones.


title: Tute (humorista)

text: Condujo el ciclo televisivo "Tutelandia" con entrevistas a destacados artistas en UN3TV, distinguido con los premios FUNDTV y ATVC como mejor programa artístico cultural en 2016. Y el programa de entrevistas "Preguntas Dibujadas", un ping pong de preguntas existenciales a personalidades de la cultura, el espectáculo y la política (2020/21).


title: Tute (humorista)

text: Tute también tiene una faceta como autor de canciones. Editó junto al cantor Hernán Lucero el CD "Tangos nuevos" (2010). En 2018 presentó el proyecto audiovisual "Canciones dibujadas", con canciones suyas interpretadas por reconocidos músicos y acompañadas con videoclips de dibujos animados realizados por distintos ilustradores. "Canciones Dibujadas" está en todas las plataformas virtuales y también en vinilo. En 2019 hizo "La Yegua y El Capitán", interpretada por La Bersuit, con dirección y producción musical de Juan Blas Caballero. Actualmente prepara un nuevo disco con canciones suyas.


title: Tute (humorista)

text: También en 2019 se inauguró una escultura en su homenaje, basada en su libro "Diario de un hijo", realizada por el artista Federico Calandria, en el CIPAU, un centro para la atención de adolescentes de la provincia de Mendoza.  Tute fue declarado Personalidad Destacada de la Cultura por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires (2021) y Visitante Ilustre de Trujillo, Perú (2016).


title: Tute (humorista)

text: Tute publicó los siguientes libros de humor gráfico:


title: Walter Ferguson

text: Walter Ferguson, (7 de mayo de 1919, Guabito, Panamá) es un calypsonian costarricense conocido como "Gavitt" (en Cahuita se le conoce también como "Segundo").


title: Walter Ferguson

text: Nació en el pueblo panameño de Guabito, fronterizo con Costa Rica. Su papá fue Melsha Lorenzo Ferguson, un cocinero jamaicano que llegó a Panamá en busca de trabajo, y su madre fue Sarah Byfield Dykin, una costarricense de origen jamaicano que también emigró a Panamá por trabajo. A la edad de dos años, sus padres junto con él se regresaron a Costa Rica, específicamente a Cahuita, un pueblo de pescadores de la provincia de Limón, en donde vivió su niñez y que lo reclama como hijo ilustre.


title: Walter Ferguson

text: Ferguson es el autor de «Cabin in the wata», «Callaloo», «Carnaval Day» y muchos otros calypsos, en los cuales retrata la vida de las aldeas de la vertiente Caribe costarricense con una combinación de humor y tragedia.


title: Walter Ferguson

text: Durante la mayor parte de su vida, "Gavitt" se dedicó a interpretar su música sin salir casi nunca de su pueblo y valiéndose solamente de una guitarra, tal fue la admiración que causó en los músicos del Valle Central la sencillez y el poder de su interpretación, que alentó una corriente de renovación del calypso limonense entre los músicos urbanos y, gracias a la influencia que ha tenido en otros músicos costarricenses, como Manuel Monestel y la banda Cantoamérica, que ha ayudado a mantener viva la esencia del Calypso en el país.


title: Walter Ferguson

text: Mención aparte merece la particular forma en que Walter Ferguson ha grabado sus composiciones a lo largo de toda su vida. En Cahuita es fama que él mismo se grababa en casetes y en condiciones rústicas para luego vender las cintas a los turistas nacionales y extranjeros que visitaban Cahuita con la idea de conocer al músico legendario de Limón. La historia transcurrió sin cambios hasta la década de los años 1970, en que decidió retirarse de la música, ejecutando desde entonces ocasionales composiciones, pero sin volver a presentarse con la frecuencia y la actividad del pasado.


title: Walter Ferguson

text: Hubo que esperar hasta 1982 para que el musicólogo estadounidense Michael Williams produjera y grabara a Ferguson en un disco de acetato titulado "Mr. Gavitt: Calypso of Costa Rica (cocoa plantation calypso songs sung in english)", lanzado bajo el sello Smithsonian Folkways Recordings, en el cual se recogían algunos de sus temas más famosos. También incluía las letras en inglés y una breve biografía. Esta grabación, sin embargo, es de muy mala calidad, con grillos y ruido de fondo incluidos, y no tuvo difusión en Costa Rica.


title: Walter Ferguson

text: Un segundo disco grabado en 1986 se titulada "Calypsos del Caribe de Costa Rica" e incluía otras canciones, además de una breve biografía de Ferguson escrita por la historiadora costarricense Paula Palmer, más algunas letras en inglés.


title: Walter Ferguson

text: Pero no fue sino hasta el advenimiento de la compañía discográfica costarricense Papaya Music que se le dio la oportunidad a Walter Ferguson de grabar su primer disco compacto de buena calidad, en el año 2002. El primer problema que se le presentó al equipo productor del disco fue que "Mr. Gavitt" se rehusó a desplazarse hasta San José para emprender la grabación del disco, de modo tal que el equipo de grabación debió trasladarse hasta Cahuita, específicamente, hasta el pequeño hotel que su familia posee a la entrada del parque nacional Cahuita, en donde los sonidistas debieron forrar una habitación con colchones y alfombras para aislar las loras y los perros que había en la casa y elevar la temperatura ambiente de modo que se pudieran aislar los sonidos de su voz y su guitarra.


title: Walter Ferguson

text: Finalmente, su trabajo valorado y rescatado, pues con la publicación de "Babylon", la obra de Ferguson se convirtió en un suceso nacional e internacional, no solo por sus ingeniosas letras sino por las sui generis condiciones en que el álbum fue grabado.


title: Walter Ferguson

text: Walter Ferguson ya era una especie de mito en el Caribe Costarricense antes de la publicación de "Babylon", pero con la aparición de este disco y de su segundo álbum "Dr. Bombodee", su estatura musical lo ha sacado del olvido del mito para convertirlo otra vez en un calypsonian.


title: Walter Ferguson

text: En 2017, fue galardonado con el Premio de Patrimonio Cultural Inmaterial Emilia Prieto Tugores.


title: Léon Bakst

text: León (Lev) Nikoláyevich Bakst (; Goradnia, 10 de mayo de 1866 - Rueil-Malmaison, 27 de diciembre de 1924) fue un pintor ruso y diseñador escenográfico y de vestuario que revolucionó las artes en las que trabajó.


title: Léon Bakst

text: León (Lev) Bakst nació, con el nombre de Lev Rosenberg, en Goradnia (actualmente en Bielorrusia) en una familia judía de clase media. Después de graduarse del gymnasium, estudió en la Academia de Arte de San Petersburgo como un estudiante libre, trabajando a tiempo parcial como ilustrador de libros.


title: Léon Bakst

text: En su primera exposición (1889) tomó el apellido de "Bakst" del nombre de su abuela materna Baxter. A inicios de los años 1890 expuso sus obras con la "Sociedad de los acuarelistas". Entre 1893 y 1897 vivió en París, donde estudió en la Académie Julian mientras entonces aún visitaba San Petersburgo. Desde mediados de los años 1890 se hizo miembro del círculo de escritores y artistas formados por Serguéi Diáguilev y Alexandre Benois que vendría a ser el movimiento artístico "Mir iskusstva (Mundo del arte)".


title: Léon Bakst

text: En 1899, co-fundó con Serguéi Diáguilev el influyente revista "Mir iskusstva" (). Su gráficos para el "Mundo del arte" lo hicieron famoso.


title: Léon Bakst

text: Continuó con la pintura al caballete así como realizaba retratos de Filipp Malyavin (1899), Vasili Rózanov (1901), Andréi Bely (1905), Zinaída Guippius (1906). También trabajó como profesor de arte para los hijos del Gran Duque Vladímir Aleksándrovich. En 1902 recibió la orden del zar Nicolás II de Rusia para pintar "Recibimiento de los marinos rusos" en París.


title: Léon Bakst

text: En 1898 mostró sus obras en la "Primera exposición de Artistas Rusos y Fineses" organizada por Diáguilev; en exposiciones del "Mundo del Arte", así como en "Secession" en Múnich, exposiciones de la "Unión de Artistas Rusos", etc.


title: Léon Bakst

text: Durante la Revolución Rusa de 1905 Bakst trabajaba para los magacines "Zhúpel", "Ádskaya pochta", "Satyricón", mientras trabajaba para el magacín de arte "Apollón".


title: Léon Bakst

text: Desde fines de los años 1900, Bakst trabajó sobre todo como diseñador escénico. Bakst diseñó construcciones escénicas para Tragedias griegas, y en 1908 alcanzó notoriedad como pintor escénico para Diáguilev y los Ballets Rusos ("Cleopatra" 1909, "Shajerezada" 1910, "Carnaval" 1910, "Narcissus" 1911, "Daphnis et Chloé" 1912). Todo este tiempo que vivió en Europa debido a que como judío que era no tenía derecho de vivir permanentemente fuera de la zona de asentamiento.


title: Léon Bakst

text: Durante sus visitas a San Petersburgo enseñó en la "Escuela de Zvántseva". Uno de sus estudiantes fue Marc Chagall (1908-1910). En 1910 se separaron. Bakst advirtió a Chagall a que no fuese a París ya que de acuerdo con Bakst sería perjudicial para el arte de Chagall y financieramente probablemente se moriría de hambre. Chagall se fue de todos modos, no murió y sí encontró su estilo.


title: Léon Bakst

text: En 1914 fue elegido miembro de la Academia Imperial de las Artes.


title: Léon Bakst

text: En 1918 terminó su relación con Diáguilev y los Ballets Rusos. Murió en 1924 en Rueil-Malmaison cerca de París por problemas pulmonares.


title: Calypsonian

text: Un Calypsonian es un músico que ha estudiado la cultura y la música calypso y memorizados sus ritmos y estrofas tradicionales. Si bien es cierto que sus temas son tropicales, los más importantes músicos del género pueden improvisar un calipso sobre cualquier tema propuesto.


title: Calypsonian

text: Es importante diferenciar entre un calypsonian y un cantante de calypso, como Harry Belafonte, quien interpreta calypsos pero sin permearse de las bases de la cultura del calypso y, ciertamente, sin componer calypsos.


title: Calypsonian

text: En Trinidad, la cuna del calypso, los calypsonians competían entre sí en sesiones ad hoc desarrolladas durante el carnaval, pero desde los años 1950, las competencias se hacen en competiciones organizadas de calypso. Una forma tradicional de calypso, como lo es el calypso de guerra, se usaba para concluir los espectáculos de calypso y en ella los improvisadores pronunciaban versos para ensalzarse a sí mismos y descalificar a los demás.


title: Calypsonian

text: Durante mucho tiempo, los calypsonians tomaban nombres artísticos extravagantes, aunque esta práctica decayó hasta volverse poco común.


title: Calypsonian

text: Los calypsonians más importantes del siglo XX son Lord Kitchener, Roaring Lion, Lord Invader, Mighty Sparrow (en Trinidad y Tobago) y Walter Ferguson (en Costa Rica).


title: Aleksandr Golovín (artista)

text: Aleksandr Yákovlevich Golovín (1 de marzo calendario juliano; 17 de febrero de 1863, Moscú - 17 de abril de 1930, Détskoye Seló, actual Pushkin en las afueras de San Petersburgo) fue un importante artista ruso y diseñador escénico que realizó puestas escénicas para muchas producciones de Serguéi Diáguilev.


title: Aleksandr Golovín (artista)

text: Golovín inicialmente estudió arquitectura, y luego se cambió a la pintura. También asistió a la Académie Colarossi. Debido a dificultades financieras, antes de su graduación trabajó como pintor y decorador de interiores comercial. También intentó trabajar en diseño de ebanistería. En 1900, tomó parte en el diseño del pabellón de la Rusia Imperial en la Exposición Universal de París (1900) junto con su amigo Konstantín Korovin. En 1901, se trasladó a la región de San Petersburgo desde Moscú. Fue ahí donde logró convertirse en un diseñador escénico, combinando simbolismo y modernismo en producciones operáticas y dramáticas para Diáguilev, Vsévolod Meyerhold y otros. Después de la Revolución Rusa de 1917, Golovín encontró cada vez menos trabajo en el teatro, y así regresó a la pintura y la ilustración gráfica. Murió en Détskoye Seló el 17 de abril de 1930.


title: Aleksandr Golovín (artista)

text: Uno de los escenógrafos y figurinistas más importantes de la historia del teatro, Golovín ha diseñado los decorados y el vestuario para el primer montaje (la ópera "Borís Godunov" de Modest Músorgski) para las "Temporadas Rusas en París" (1908), que a partir de 1909 serían conocidas como los Ballets Rusos.


title: Aleksandr Golovín (artista)

text: Miembro del movimiento "Mir iskusstva" (El Mundo del Arte) y académico de Bellas Artes desde 1912, ocupó en la plantilla de los Teatros Imperiales de San Petersburgo el puesto de "pintor-decorador" jefe. De 1908 a 1917, colaboró con Meyerhold en nueve montajes, entre los que destacan "Don Juan" de Molière (1910) y "El Baile de Máscaras" de Lérmontov (25 de febrero de 1917), un espectáculo cuya preparación duró casi cinco años. En 1927 y 1930, trabajó en dos montajes del Teatro de Arte de Moscú.


title: Aleksandr Golovín (artista)

text: Definidos por sus contemporáneos como "poemas realizados en tejidos", los figurines de Golovín son ejemplares no solo por su calidad artística, precisión en los detalles y conocimiento profundo de las épocas, sino también por la extraordinaria claridad en la expresión. Maestro del color, texturas y acabados, Golovín era capaz de diseñar varias propuestas para un solo montaje, cualquier cantidad de "atrezzo" y unos diez trajes por cada personaje.


title: Método de la velocidad relativa

text: Es un método utilizado para calcular la velocidad de un punto a partir de su velocidad relativa a otro punto de velocidad conocida. Es muy común utilizarlo en cursos de ingeniería mecánica para obtener la velocidad de una barra, pistón u otros elementos de un mecanismo.


title: Método de la velocidad relativa

text: Para calcular la velocidad de un punto A que se mueve con respecto a un punto B, que a su vez se mueve respecto a un referencial dado, podemos usar la siguiente relación:


title: Método de la velocidad relativa

text: donde:


title: Método de la velocidad relativa

text: Quedando la fórmula de la siguiente manera:


title: Método de la velocidad relativa

text: Entonces, para resolver el movimiento relativo entre A y B lo que se hace es expresar la velocidad de A y de B respecto un mismo sistema de referencia o referencial.


title: Método de la velocidad relativa

text: La velocidad relativa no tiene por qué estar asociada movimientos rectilíneos, ya que la trayectoria de las partículas puede ser curvilínea en general.


title: Método de la velocidad relativa

text: Dado el carácter vectorial de la velocidad, es habitual expresar todas las velocidades, tanto la relativa como la de los puntos A y B, mediante sus componentes vectoriales (dos en el movimiento plano y tres en el espacial).


title: Método de la velocidad relativa

text: El movimiento más general del sólido rígido es el movimiento rototraslatorio; esto es, el originado por la superposición de los dos movimientos básicos: el movimiento de traslación y el movimiento de rotación (Figura 1).


title: Método de la velocidad relativa

text: Las velocidades de dos puntos, P y P′, del sólido están relacionadas mediante la expresión  \boldsymbol\omega \times  \overrightarrow{\text{PP}'} La velocidad relativa entre los puntos P y P' viene dada, obviamente, por \mathbf v_{\text{P}'} - \mathbf v_{\text{P}} + \boldsymbol\omega \times \overrightarrow{\text{PP}'}


title: Método de la velocidad relativa

text: siendo ω la velocidad angular del sólido que tiene el mismo valor para todos los puntos del sólido rígido invariante del sistema (primer invariante o invariante vectorial)."


title: Método de la velocidad relativa

text: La expresión [2] nos permite decir que la velocidad que le corresponde a un punto P′ de un sólido rígido es igual a la que le corresponde a otro punto arbitrario del mismo, P, más la velocidad que le correspondería al punto P′ en una rotación instantánea, ω, alrededor de un eje que pasase por el punto P. En definitiva, podemos enunciar:


title: Método de la velocidad relativa

text: El enunciado anterior nos indica que cualquier movimiento del sólido rígido, por complejo que nos parezca, puede reducirse siempre a la superposición de dos movimientos básicos: uno de traslación y otro de rotación. Obsérvese que la velocidad de cualquier punto del sólido queda perfectamente determinada con el conocimiento de la velocidad angular ω del sólido y la velocidad v de un punto cualquiera del mismo; i.e., por los vectores ω y v, a los que denominamos, conjuntamente, grupo cinemático en P.


title: Método de la velocidad relativa

text: En ingeniería mecánica es de interés encontrar la velocidad relativa en puntos de contacto de dos piezas, es decir, A y B son el mismo punto del espacio, pero A se mueve con un sólido y B con otro. Resolviendo la velocidad relativa es posible determinar la aceleración relativa entre un sólido y otro que nos va a determinar las fuerzas que se ejercen entre sí ambos sólidos. En ingeniería es importante conocer a qué esfuerzos están sometidas las piezas para elegir materiales que soporten dichos esfuerzos.


title: Tomis

text: Tomis fue la ciudad capital de Moesia Inferior, en la costa occidental del Ponto Euxino, próxima a Bizancio, y corresponde a la actual Constanza, en Rumanía. Fue una colonia griega fundada por Mileto en el siglo VI a. C.


title: Tomis

text: Su nombre se quiere hacer derivar de la reina Tomiris de los masagetas, uno de los pueblos escitas, pero es más conocida por haber sido el lugar de destierro del famoso poeta romano Ovidio, quien pagó allí con pena de exilio perpetuo la famosa imprudencia del "carmen et error". No se sabe el motivo de su exilio, quizás porque participó en rituales adivinatorios sobre el destino de Augusto o porque conocía los escarceos amorosos de Julia la Mayor, la hija de Augusto. El caso es que allí compuso sus famosas "Tristes" y "Pónticas", falleciendo a los 60 años, en el año 17.


title: Tomis

text: Plinio el Joven enumeró a Tomis entre las ciudades más bellas del Ponto. Pero las descripciones de Ovidio son menos halagüeñas. Habla de ella como una avanzada en los confines del mundo, en una región salvaje y estéril, donde se hiela hasta el mar durante los interminables inviernos y gravita siempre la amenaza de los bandoleros bárbaros, que aprovechan el Danubio helado para sus incursiones. Ovidio fue a Tomis en un momento en que la situación del bajo Danubio era particularmente tensa. La ciudad era todavía modesta y solo adquiriría importancia con la creación de la provincia romana, convirtiéndose en el mayor centro portuario del mar Negro, mientras se obstruía lentamente el embarcadero de Istria, por los depósitos de arena acumulados por el Danubio.


title: Tomis

text: Tomis, en la segunda mitad del siglo III, conoció una fase de declive como consecuencia de las guerras crónicas contra los godos y carpianos (o carpios) que dañaban gravemente la Moesia Inferior.


title: Tomis

text: Pero en el siglo IV era de nuevo una ciudad floreciente, capital de la provincia reorganizada por Diocleciano y centro de un vasto tráfico marítimo.


title: Tomis

text: Tomis no es muy conocida desde el punto de vista urbanístico y monumental, pero su prosperidad está atestiguada por el alto nivel artístico, por los numerosos elementos de decoración arquitectónica y fragmentos epigráficos pertenecientes a edificios públicos, por una floreciente industria del vidrio y por el pomposo título de Metrópoli del Ponto, con la que está indicada en las inscripciones.


title: Tomis

text: De excepcional valor para el conocimiento de la cultura ciudadana ha sido un descubrimiento casual de 1962: un depósito de 22 esculturas de mármol escondidas en el momento en el que el cristianismo se convirtió en religión del Imperio romano, pero esculpidas mucho antes, entre los siglos II y III.


title: Tomis

text: Entre las obras más significativas figura la estatua de le Fortuna de Tomis, una majestuosa diosa con la cornucopia. A sus pies, un viejo con corona torreada que mira hacia ella, apoyándose en una proa de nave, representa la personificación del mar. La obra, barroca en la concepción y en el estilo, muestra la influencia de las tendencias artísticas del Asia Menor.


title: Tomis

text: Singular es una estatua de serpiente con cabeza de perro y cabellera humana que representa al milagroso Glicón, que tuvo en el siglo II un culto muy difundido en Asia Menor, nacido de un increíble fraude: un charlatán había tenido la idea de exhibir una serpiente domesticada, haciéndola pasar por una encarnación de Esculapio.


title: Tomis

text: Del siglo IV data un gran edificio comercial en terrazas, sacado a la luz en el área del puerto, al cual proporcionaba una perspectiva monumental. La primera terraza, que estaba al nivel de los muelles, y la segunda, daban acceso a una serie de estancias abovedadas usadas como depósito de mercancías, que constituían las cimentaciones de la terraza superior. Ésta, situada al nivel del camino, estaba pavimentada en toda su extensión (más de 200 m²) con un mosaico policromado de motivos vegetales y geométricos bastante elaborados, repartidos entre una franja de cornisa y un campo central en registros. El grandioso complejo, frecuentado hasta la invasión ávara del siglo VII, testimonia la acrecentada importancia de Tomis después del traslado de la capital del Imperio a la cercana Bizancio.


title: Distribución geográfica del idioma español

text: El español (también llamado castellano) es una lengua romance originaria de la península ibérica. Se ha difundido a través del mundo, sobre todo en América. Cuenta con aproximadamente 463 millones de hablantes nativos, a los cuales se suman 75 millones de personas con competencia limitada y 22 millones de estudiantes, lo que hace un total de 580 millones de hablantes en todo el mundo. Estos datos hacen del español la cuarta lengua del mundo por número de hablantes después del mandarín, el inglés y el hindi, y la tercera por su uso en la comunicación internacional, producción de información en los medios masivos de comunicación y usuarios de Internet.


text: Al espacio comunicativo del español se lo denomina hispanofonía o hispanoesfera.


text: En la siguiente tabla se muestran los países que tienen al español como una de sus lenguas oficiales, clasificados por número de hispanohablantes. En esta lista se incluyen territorios pendientes de descolonización (según el Comité de Descolonización de las Naciones Unidas) como Puerto Rico y el Sahara Occidental.


text: En la siguiente tabla se puede apreciar la cantidad de hispanohablantes (nativos, como segunda lengua y como lengua extranjera) en 2006, en países donde el español no es lengua oficial.


text: Los países en los que no es oficial, pero es hablado por más de cien mil personas (18) son: Alemania, Francia, Reino Unido, Italia, Rusia, Suecia, Suiza, Marruecos, Israel, Filipinas, Antillas Neerlandesas, Trinidad y Tobago, Estados Unidos, Jamaica, Haití, Canadá, Brasil y Australia. Además, hay dos países en los que es el idioma más hablado pero no es oficial: Belice y Andorra.


text: Finalmente, en otros ocho países o territorios, el español es hablado por más del 10% de la población: Aruba, Bahamas, Islas Caimán, Islas Malvinas, Islas Vírgenes de los Estados Unidos, Turcas y Caicos, Gibraltar y la Ciudad del Vaticano.


text: En Estados Unidos, el español comparte el estatus de lengua oficial con el inglés en el Estado Libre Asociado de Puerto Rico, y en el estado de Nuevo México goza de protección constitucional, reconocida como lengua oficial junto al inglés por la comisión de derechos civiles de EE.UU. En estos territorios el español cuenta con más hablantes maternos en cuanto a su población respectiva. En Texas el español es lengua oficial de facto junto con el inglés, ya que no existe ninguna lengua oficial en ese estado. En Nevada y Arizona, el español es la segunda lengua más hablada y su situación se considera por la cantidad de usuarios. Los estados de California, Florida y Nueva York cuentan también con millones de hispanoparlantes en ellas, minorías oficialmente reconocidas.


text: Las oficinas del censo estadounidense tenían registrada el 1 de julio de 2010 una población de más de 50 millones de hispanoparlantes en Estados Unidos, lo que equivale a más del 15 % de la población total, o casi uno de cada seis residentes en el país (esta cifra no contabiliza los hispanohablantes en situación ilegal, que se calculan en unos 9 millones, con lo que sumados son alrededor de 56 millones). Según un estudio de las oficinas del censo para el 2007, el 12,3 % de la población estadounidense es hispanoparlante nativa (ya que hablan español en su entorno familiar) . Del resto (hasta completar el 15,1 % del 1 de julio de 2007), la mayoría habla español como segunda lengua con mayor o menor conocimiento, sumando un total de más de 40 millones de hispanohablantes.


text: Por otro lado, el español es la lengua más estudiada en Estados Unidos. Según datos facilitados por el Instituto Cervantes, hay más de seis millones de estudiantes, y la cifra de los no hispanohablantes que saben hablar español es todavía mayor.


text: Así ha evolucionado la concentración de hispanohablantes en Estados Unidos, entre 2007 y 2016:


text: Nota: entre estos 18 estados se encuentra el 85,3 % del total de hispanoparlantes de todo EE. UU.


text: En Brasil, donde prácticamente toda la población habla portugués, el español es, actualmente, la lengua extranjera más estudiada después del inglés. En los últimos años, en los que Brasil ha disminuido sus lazos comerciales con EE. UU. y los ha incrementado con sus vecinos hispanoparlantes (especialmente como miembro del Mercosur) y con España, se ha hecho mucho hincapié en la promoción del español en el país. El 6 de agosto de 2005, el Presidente Lula sancionó una ley aprobada en el congreso (la conocida como ley del español), que se encontraba en gestación desde 1991, y que obliga a todos los centros de estudios secundarios del país a ofrecer este idioma como materia escolar, aunque es una asignatura optativa para los estudiantes. El hecho de estar rodeado de siete países hispanohablantes (Venezuela, Colombia, Perú, Bolivia, Paraguay, Argentina y Uruguay) ha despertado un gran interés entre los brasileños por aprenderlo. Dentro de una década, 50 millones de brasileños lo podrán hablar perfectamente y, en veinte años, sobrepasará los cien millones. De hecho, Brasil es el país que más Institutos Cervantes tiene, con seis, y se prevé que en breve llegue a los nueve.


text: El español fue la lengua de los actuales estados de Paraná, Santa Catarina y de Rio Grande do Sul en Brasil, cuando estos territorios eran españoles (después pasaron a Portugal a cambio de Guinea Ecuatorial según el tratado de San Ildefonso de 1777).


text: El panorama educativo de Brasil es el propio de un país emergente, la importancia de otorgada al aprendizaje de lenguas en su sistema educativo, obligatorio solo en la enseñanza media, conoce un importante incremento en los últimos años. Fruto de la cual ha sido la obligatoriedad de la oferta de la lengua española en los centros públicos, sancionada por ley en el 2005. En la enseñanza primaria (Enseñanza Fundamental en Brasil), el español puede ofrecerse a partir del 5º curso. En la enseñanza Secundaria (Enseñanza Media en Brasil), podríamos destacar la implantación del español en los estados del sur y el sureste, así como en algunos estados fronterizos con países de lengua española. En la actualidad, el español es la lengua más solicitada en el "vestibular" (examen de acceso a la universidad). En el año 2000 existían 24 universidades públicas y 24 privadas que ofrecían licenciatura en español y en la actualidad el número de universidades que ofertan la licenciatura en español entre públicas y privadas ascienden a 372.