title: Barroco siciliano

text: La suntuosa arquitectura que surgió de este desastre se relaciona con la política de Sicilia en aquella época: la isla se encontraba oficialmente bajo dominación española, pero en la práctica el dominio lo ejercía la aristocracia nativa. Estaba liderada por Giuseppe Lanza, Duque de Camastra, al que los españoles habían designado virrey para congraciarse con la aristocracia, que era numerosa. Se estima que existían más aristócratas por metro cuadrado que en cualquier otro país: en el siglo XVIII, un comentarista de la época sostuvo que había 228 familias nobles, proveyendo a Sicilia de una clase dirigente constituida por 58 príncipes, 27 duques, 37 marqueses, 26 condes, un vizconde y 79 barones.El Libro de oro de la nobleza siciliana (publicado por última vez en 1926) lista a muchos más. Además estaban los herederos de estas familias, con sus títulos nobiliarios de cortesía, o baronazgos.


title: Barroco siciliano

text: No fue la arquitectura el único legado de los normandos. Las leyes sobre el campesinado (no existía una clase media establecida) se encontraban regidas por un sistema feudal, inamovible desde su introducción con la conquista normanda en 1071. De esta forma, la aristocracia siciliana poseía no sólo riqueza sino también poder ilimitado, situación que ya había menguado para entonces en otros sitios de Europa.


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text: La aristocracia compartía su poder únicamente con la Iglesia católica. La Iglesia dominaba por miedo a la condena eterna en la otra vida y a la Inquisición en la presente, y en consecuencia tanto las clases altas como bajas eran tan generosas como podían en todas las grandes festividades religiosas. Muchos priores y obispos eran miembros de la aristocracia. La riqueza de la Iglesia en Sicilia se incrementó por la tradición de presionar a los hijos menores de las familias aristocráticas a ingresar en conventos, en función de preservar las tierras familiares de sucesivas divisiones. Para facilitar el ingreso, era usual pagar una abultada dote, en forma de propiedades, joyas o dinero. Así la riqueza de ciertas órdenes religiosas creció desproporcionadamente en relación a la de cualquier otro sector social de la época. Ésta fue una de las razones por las que tantas iglesias y monasterios del barroco siciliano, como San Martino delle Scale, fueron reconstruidas después de 1693 en forma suntuosa. Una vez que comenzó la reconstrucción, los pobres rehicieron sus hogares de la misma primitiva manera que antes. En contraste, los residentes ricos, tanto seglares como religiosos, cayeron en una manía orgiástica de edificación. La mayoría de los miembros de la nobleza tenían varias residencias en Sicilia. Por algún motivo el virrey español pasaba seis meses del año en Palermo, y el resto en Catania, manteniendo una corte en cada lugar, y obligando a los miembros de la aristocracia a tener un "palazzo" en cada ciudad. Una vez que los "palazzi" en la devastada Catania fueron reconstruidos a la nueva moda, los de Palermo parecían anticuados en comparación, así que debieron también ser reconstruidos. Siguiendo este criterio, a mediados del siglo XVIII, se construyeron villas para el retiro otoñal en el lugar de moda que era Bagheria, como un símbolo de estatus. Este patrón de conducta de repitió, en menor escala, a lo largo de las restantes ciudades de Sicilia, que ofrecían entretenimiento social y una magnética atracción para los aristócratas del interior, aislados en sus propiedades rurales.


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text: El medio rural tampoco escapó a la manía de la construcción. Alas barrocas y nuevas fachadas se adosaron a viejos castillos o villas de campo, incluso reconstruyendo algunas por completo. Así, la histeria colectiva materializada en la creciente fantasía arquitectónica barroca demandada por tantos patrones hedonistas, alcanzó su cenit a mediados del siglo XVIII.


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text: Inmediatamente después del sismo se puso en acción un plan de reconstrucción, no sin tomar previamente algunas decisiones que diferenciarían en forma permanente a muchas ciudades sicilianas de otros desarrollos urbanos europeos. El virrey (Duque de Camastra), consciente de las nuevas tendencias en planeamiento urbano, decretó que la reconstrucción debería prever plazas y anchas avenidas, sobre una trama urbana racionalizada, en lugar de continuar utilizando el sistema medieval de retorcidas y estrechas callejuelas. Toda la distribución urbana tomó formas cuadradas o hexagonales, típicas del planeamiento urbano barroco.


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text: Este concepto todavía era novedoso en la década de 1690, y no abundaban los casos de reconstrucciones urbanas en Europa. El prototipo puede bien haber sido la nueva ciudad de Terra del Sole, construida en 1564. Otra de las primeras ciudades en ser diseñada usando orden y simetría en lugar de una evolución espontánea de pequeñas calles y callejones fue Alejandría, al sur del Piamonte. Poco después, en 1711, esta forma barroca de planificar tuvo su impulso en las colonias de Latinoamérica, especialmente a través de los portugueses en Brasil.


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text: En otras partes de Europa, los intereses y opiniones locales tendieron también a permitir una urbanización radical después de algún desastre natural. En 1666, la ciudad de Londres fue casi completamente destruida por un incendio. La ciudad vieja fue reconstruida sobre su diseño original, pero los ensanches hacia el oeste tuvieron parcialmente como base una grilla en damero. La opinión pública en Sicilia no contaba, por lo que estos conceptos revolucionarios de planificación urbana pudieron ser ejecutados libremente.


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text: La adopción de estos criterios no se tomó en la isla solo por moda o apariencia, sino porque el sistema podía minimizar los daños a las propiedades y vidas ante la eventualidad de nuevos terremotos. En 1693, la construcción hacinada y las calles angostas causaron que muchos edificios colapsaran juntos, como un dominó. Justamente en las áreas de edificación más densa vivían los pobres. Desde el punto de vista estético y arquitectónico, la gran ventaja del nuevo orden urbano fue que a diferencia de muchas ciudades italianas, donde a menudo se encuentra una monumental iglesia renacentista rodeada de un vecindario incongruente, el diseño barroco permite apreciar la arquitectura en un contexto más ordenado, y adecuado a sus proporciones y perspectivas.


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text: Esta ventaja es muy notable en la gran reconstrucción de ciudades como Caltagirone, Militello Val di Catania, Modica, Noto, Palazzolo, Ragusa o Scicli.


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text: Uno de los más bellos ejemplos de esta planificación puede verse en Noto, ciudad reconstruida aproximadamente a 10 kilómetros de su emplazamiento original sobre el Monte Alveria. Las viejas ruinas, conocidas actualmente como "Noto Antica", pueden verse todavía en el estado en que quedaron luego del sismo. El nuevo sitio fue elegido por su topografía menos accidentada, a fin de facilitar el trazado de la trama urbana. Las principales calles corren de este a oeste, beneficiándose con mejor luz y radiación solar. Este ejemplo de planificación urbana se atribuye a un culto aristócrata local, Giovanni Battista Landolina, ayudado por tres arquitectos del lugar. En estas nuevas ciudades, la aristocracia ocupó los sitios más altos, donde el aire era más fresco y las visuales mejores. La iglesia se ubicaba en el centro de la ciudad, para conveniencia de todos y para reflejar la posición social central de la religión. Alrededor de la catedral y el palacio episcopal se construyeron los conventos.Los mercaderes y comerciantes eligieron sus terrenos sobre las anchas calles que conducían a las plazas. Finalmente, se permitió a los pobres edificar sus sencillas casas de mampostería de ladrillo en las zonas que nadie más quería. Abogados, médicos, y miembros de las escasas profesiones incluyendo a los artesanos —es decir, todos aquellos que podían clasificarse en un punto medio entre la clase alta y la plebe— capaces de hacerse de su propio terreno, se instalaron por lo general en la periferia de las áreas comerciales o residenciales de la clase alta, pero también era común que vivieran en casas algo mejores en las áreas pobres. Sin embargo, muchos de los hábiles artistas que trabajaban en la reconstrucción vivían en sectores específicos de las amplias residencias de sus patrones. En este aspecto, la planificación urbana barroca reflejó el esquema vigente de autoridad política, y luego su estilo y filosofía se difundieron hasta lugares tan lejanos como Annapolis, en el estado de Maryland, y Savannah en Georgia, en la América colonial inglesa, o quizá más notablemente en el rediseño de París emprendido por Haussmann en el siglo XIX. El escenario estaba listo para la explosiva difusión de la arquitectura barroca, que predominó en Sicilia hasta principios del siglo XIX.


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text: Luego muchas otras ciudades sicilianas que sufrieron daños menores o no resultaron afectadas por el sismo, como Palermo, fueron igualmente transformadas por el estilo barroco, superando la moda y la búsqueda de opulencia a la mera necesidad de reconstrucción.


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text: Sobre las formas propias del barroco siciliano posteriores a 1693 se ha dicho: Aunque ésta es una acertada descripción de un estilo que parece representar en piedra la "alegría de vivir", es poco probable que sea la razón de la elección estética. Como en todos los estilos arquitectónicos, existe una conexión directa con las modas del momento. El Palacio de Versalles había sido terminado en estilo barroco en 1688, y el nuevo palacio de Luis XIV fue inmediatamente plagiado a lo largo de Europa por cualquier soberano o arístocrata con ansias de riqueza, buen gusto, o poder. Entonces ésta fue la obvia elección de los "ricos sin hogar" de Sicilia, de los que había cientos. Los excesos del estilo barroco aplicado en los "palazzi" y villas rurales sicilianas, sin embargo, dejarían muy pronto a Versalles como un modelo de simplicidad.


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text: Cuando amanecía el siglo XVIII, los arquitectos sicilianos fueron empleados para crear los nuevos "palazzi" e iglesias. Tales arquitectos, a menudo locales, fueron capaces de diseñar en un estilo más sofisticado que los del siglo XVII. Muchos se formaron en la Italia continental, y volvieron con una mejor comprensión del idioma barroco. Su obra inspiró a otros diseñadores que no se habían movido de la isla. Además fueron ayudados por los libros de grabados de Domenico de Rossi, quien por primera vez reemplazó descripciones literarias por dibujos, dando las medidas y proporciones precisas de las principales fachadas renacentistas y barrocas de Roma. De esta forma, el Renacimiento terminó por entrar en Sicilia indirectamente. En esta etapa de desarrollo, el barroco siciliano no mostraba la libertad estilística que finalmente alcanzó. Giovanni Battista Vaccarini fue el principal arquitecto en este período. Había llegado a la isla en 1730 trayendo una fusión de las ideas de Bernini y Borromini, e introdujo un movimiento unificado y un juego de curvas, que hubieran sido inaceptables en la propia Roma. Sin embargo, sus trabajos son considerados de menor calidad que los que luego vendrían. Obras notables de esta época son las alas del Palazzo Biscari y la Iglesia de la Abadía de Santa Ágata, ambas en Catania. En estos edificios Vaccarini copió muy claramente los capiteles que mostró Guarino Guarini en su "Architettura Civile". Es esta frecuente copia de diseños establecidos lo que produjo que la arquitectura del período, aunque opulenta, fuera disciplinada y controlada. El estilo de Vaccarini dominaría Catania durante las siguientes décadas.


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text: Otro obstáculo para que los arquitectos sicilianos pudieran lograr todo su potencial fue el hecho de que en la mayoría de los casos debían sólo reconstruir edificios dañados, con lo que sus ideas tenían que coincidir con la edificación existente. La catedral de San Jorge en Modica es un ejemplo. Resultó muy dañada en el terremoto de 1613, reconstruida en estilo barroco en 1643 aunque manteniendo las formas medievales, y luego dañada nuevamente en 1693. La reconstrucción comenzó otra vez en 1702, por parte de un arquitecto desconocido. Finalmente Rosario Gagliardi supervisó el completamiento de la fachada en 1760, pero el compromiso que debió hacer respetando la estructura existente resulta obvio. Aunque Gagliardi usó las mismas fórmulas que aplicó exitosamente en la Iglesia de San Jorge en Ragusa, aquí en Modica, el edificio parece más pesado, y pierde el toque de brillo y libertad de diseño.


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text: Hubo además en esta época otras influencias a considerar. Entre 1718 y 1734 Sicilia fue gobernada personalmente desde Viena por Carlos V, emperador del Sacro Imperio romano-germánico, y como resultado se tejieron fuertes lazos con la arquitectura austríaca. Varios edificios en la isla son imitaciones descaradas de las obras de Fischer von Erlach. Un monje y arquitecto siciliano, Tomasso Napoli, visitó Viena dos veces en los primeros años del siglo, volviendo con una colección de dibujos y grabados. Fue luego el diseñador de dos villas de campo del período barroco temprano, notables por sus muros cóncavos y convexos y el diseño complejo de sus escaleras externas. Una de ellas, la Villa Palagonia, comenzada en 1705, es la más compleja e ingeniosa de todas las construidas en Sicilia durante el Barroco: su doble escalera de alas rectas, con frecuentes cambios de dirección, sería el prototipo de una característica distintiva del barroco siciliano.


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text: Más tarde, una nueva ola de arquitectos, que dominaban el sentimiento barroco, adoptaron el estilo Rococó para los interiores, tendencia que en todos lados comenzó a ganar preponderancia sobre el barroco, y acrecentó la extravagancia y dinámica de los diseños. Estos caracteres son los que simbolizan el concepto de barroco siciliano en la actualidad.


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text: Alrededor de 1730, el estilo barroco comenzó gradualmente a alejarse del definido estilo usado en Roma, y obtuvo un individualismo más fuerte, por dos razones:


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text: Los nuevos arquitectos habían observado la reconstrucción barroca, y estudiado los cada vez más difundidos grabados y libros y tratados de arquitectura importados del continente.Sin embargo, no eran como sus predecesores, estudiosos del estilo de Roma, y en consecuencia, fueron capaces de formular estilos propios fuertemente individualistas. Entre los representantes de esta corriente, puede mencionarse a Andrea Palma, Rosario Gagliardi y Tomasso Napoli. Mientras tomaban en cuenta en barroco de Nápoles y Roma, adaptaban sus diseños a las necesidades y tradiciones locales. El uso que hicieron de los recursos, y el aprovechamiento de la implantación fue a menudo muy creativo. Napoli, y luego Vaccarini promovieron el uso de la escalera exterior, llevándola a una nueva dimensión: las iglesias en la cima de una colina fueron realzadas por fantásticos tramos de escaleras, evocando al mentor de Vaccarini, Francesco De Sanctis en su diseño de la escalinata de Piazza Spagna en Roma.


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text: Las fachadas de las iglesias parecían muchas veces ""tartes de boda"" en vez de lugares de culto, a medida que los diseñadores crecían en confianza, capacidad y estatura. Los interiores, que hasta esa fecha habían sido algo prosaicos, comenzaron a ser decorados, especialmente en Palermo, mediante una profusión de mármoles incrustados, de una amplia variedad de colores. El profesor Antonhy Blunt describe esta decoración como Esta es la clave del barroco siciliano: combinaba idealmente con su idiosincrasia, y por esta razón evolucionó tan dramáticamente en la isla. En ningún lugar es más evidente el desarrollo del nuevo estilo barroco que en Ragusa y en Catania.


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text: Ragusa fue dañada muy seriamente en 1693. La ciudad presenta dos sectores, divididos por un profundo barranco llamado "Valle deL PonI": la ciudad vieja de Ragusa Ibla, y la más elevada Ragusa Superiore.


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text: Ragusa Ibla, la ciudad baja, ostenta un impresionante conjunto de arquitectura barroca, que incluye la iglesia de San Jorge, por Rosario Gagliardi, diseñada en 1738. En el diseño de esta iglesia, Gagliardi aprovechó el difícil terreno accidentado. La iglesia se alza en forma impresionante sobre una gran escalinata de mármol de aproximadamente 250 escalones. Las torres parecen explotar desde la fachada, sensación acentuada por las columnas y pilastras de cantera contra los muros curvos.


title: Barroco siciliano

text: Encima de los portales y vanos de las ventanas, los frontones se desplazan y se curvan con una sensación de movimiento y libertad que hubiera sido impensable para aquellos primeros arquitectos inspirados por Bernini y Borromini. La cúpula neoclásica no fue agregada hasta 1820.


title: Barroco siciliano

text: En un callejón que conecta Ragusa Ibla con Ragusa Superiore se encuentra la iglesia de Santa Maria delle Scale. Esta iglesia es interesante, porque habiendo resultado muy dañada en el terremoto, sólo la mitad fue reconstruida en estilo barroco, y la otra parte se mantuvo en el estilo normando original, con caarcterísticas góticas, demostrando en un solo ejemplo la evolución del barroco siciliano.


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text: El Palazzo Zacco es uno de los edificios barrocos más notables de la ciudad, cuyas columnas corintias soportan balcones con impresionantes forjados, esculturas grotescas que divierten a los paetones. El "palazzo" fue construido en la segunda mitad del siglo XVIII por el barón Melfi di San Antonio. Luego fue adquirido por la familia Zacco. El edificio tiene dos fachadas a la calle, cada una con seis balcones decorados con el escudo de armas de la familia Melfi, un ramo de hojas de acanto, sobre las que descansa un puttino. Los balcones, característicos del "palazzo", son notables por las diferentes ménsulas que los soportan, las que varían entre putti, músicos y figuras grotescas. El punto focal de la fachada principal son los tres balcones centrales, divididos con columnas de capiteles corintios. Aquí los balcones son soportados por imágenes de músicos con caras grotescas.


title: Barroco siciliano

text: La catedral de San Juan Bautista en Ragusa Superiore fue construida entre 1718 y 1778. Su principal fachada, del más puro estilo barroco, contiene bellas esculturas. Tiene un alto campanario siciliano en el mismo estilo. El interior se divide mediante columnatas en tres naves. Ragusa Superiore, la parte más dañada de la ciudad, fue refaccionada después de 1683 alrededor de la catedral, y muestra un fenómeno inusual en el barroco siciliano: los "palazzi"son de sólo dos niveles y muy largos, con la entrada principal enfatizada solamente por un balcón y una arcada que conduce al jardín interior. Esta característica, de origen portugués, se utilizó probablemente para minimizar los daños por eventuales sismos futuros, y difiere notablemente de los edificios similares en Ragusa Ibla, diseñados en el verdadero estilo siciliano.


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text: El Barroco persistió aquí inusualmente hasta ya iniciado el siglo XIX. El último "palazzo" construido lo fue en estilo barroco pero con columnas romanas dóricas y balcones neoclásicos.


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text: La segunda ciudad de Sicilia, Catania, fue la más dañada de todas en 1693, ya que únicamente resistieron el terremoto el castillo Ursino y tres ábsides de la catedral. Por este motivo el rediseño y la reconstrucción fueron completas. El nuevo trazado dividió a la ciudad en cuatro distritos separados por dos avenidas que se cruzaban en la "Piazza del Duomo". La reconstrucción fue supervisada por el obispo de Catania y el único arquitecto superviviente de la ciudad, Alonzo di Benedetto, quien dirigió un equipo de jóvenes arquitectos llamados desde Mesina, los que rápidamente comenzaron la tarea, concentrándose al principio en la plaza de la catedral. En este sector se encuentran tres "palazzi": el Palazzo del Obispo, el Seminario, y otro más. Los arquitectos trabajaron en completa armonía, y es imposible distinguir entre la obra de Benedetto y la de sus jóvenes colegas. El trabajo fue adecuado pero no extraordinario, con mampuestos decorados en el estilo siciliano del siglo XVII, aunque a menudo la decoración del primer piso es superficial. Esto es típico del barroco de la época, inmediatamente después del sismo.


title: Barroco siciliano

text: En 1730, Vaccarini llegó a Catania como arquitecto empleado de la ciudad, e inmediatamente imprimió a la arquitectura con el estilo barroco romano. Las pilastras perdieron su decoración rústica, y soportaron cornisas y entablamentos del tipo romano, o frontones curvos, y columnas exentas sosteniendo balcones. Vaccarini aprovechó así mismo la lava negra local, más como un elemento decorativo que como material de construcción en general, utilizándolo en forma alternada con otros materiales, y espectacularmente en un obelisco sobre el elefante heráldico de Catania en una fuente al estilo Bernini en frente de la nueva municipalidad.


title: Barroco siciliano

text: La principal fachada de la catedral, dedicada a Sant'Agata y también diseñada por Vaccarini, muestra fuertes influencias de España incluso en esta etapa avanzada del barroco siciliano. También se encuentra en la ciudad la Iglesia de la Collegiata, construida alrededor de 1768 por Stefano Ittar. que muestra el barroco siciliano en su expresión estilística más simplificada.


title: Barroco siciliano

text: Los exteriores de las iglesias sicilianas fueron decorados en estilos elaborados desde el primer cuarto del siglo XVII, con profusión de esculturas, estucos, frescos y mármoles. Cuando a fines de la década de 1720 se fue completando la reconstrucción de las iglesias, los interiores comenzaron también a reflejar la decoración exterior, volviéndose menos intensos y más luminosos, con ornamentación esculpida en pilares, cornisas y frontones, a menudo en la forma de puttis, flora o fauna. Una de las características del estilo fueron los mármoles coloreados e incrustados en muros y pisos, formando diseños complejos.


title: Barroco siciliano

text: Estos diseños con sus apliques de pórfido derivan frecuentemente de ejemplos que pueden encontrarse en las catedrales románicas de Europa, demostrando nuevamente los orígenes normandos de la arquitectura siciliana.


title: Barroco siciliano

text: El altar mayor es usualmente el elemento principal. Generalmente es un bloque simple de mármol coloreado, con detalles dorados e incrustaciones de otras piedras como lapislázuli y ágata. Los escalones que llevan al altar se curvan en forma cóncava o convexa y en muchos casos están adornados con incrustaciones de mármol. Uno de los más bellos ejemplos es la Iglesia de Santa Zita en Palermo.


title: Barroco siciliano

text: La construcción de las iglesias sicilianas fue financiada no por órdenes religiosas sino por las familias aristocráticas. Contrariamente a la creencia popular, la mayoría de los nobles sicilianos no elegían guardar sus restos mortales en las catacumbas de los Capuchinos de Palermo, sino que preferían una tumba más convencional en criptas bajo las iglesias familiares.


title: Barroco siciliano

text: Se decía, no sin sarcasmo, que «El funeral de un aristócrata siciliano es uno de los principales momentos de su vida».


title: Barroco siciliano

text: Los funerales llegaron a ser tremendas exhibiciones de riqueza. Una consecuencia de esta ostentación es que las lápidas constituyen actualmente un ajustado barómetro del desarrollo del barroco y de las técnicas de inclusión del mármol para un período determinado. Por ejemplo, aquellos de la primera mitad del siglo XVII son de simple mármol blanco decorado con una bajorrelieve con el escudo de armas, nombre, fecha, etc. A partir de 1650 comienzan a aparecer pequeñas incrustaciones de mármol coloreado, formando diseños que pueden ser estudiados en su desarrollo hasta que, a finales de siglo, el escudo de armas y la caligrafía completa están realizados con tales incrustaciones, que incluyen bordes decorativos. Mucho después de que el estilo hubiese pasado de moda, se continuó usando la decoración barroca para el ritual católico, en lugar del neoclásico pagano.


title: Barroco siciliano

text: La iglesia de San Benedetto en Catania es un bello ejemplo interior del barroco siciliano, decorado entre 1726 y 1762, la época en que el estilo llegó a la cumbre de difusión e individualidad. Los cielorrasos son frescos de Giovanni Tuccari. El ejemplo más notorio de la decoración se encuentra en el Coro de las Monjas (Ilustración 16), diseñado alrededor de 1750, de forma que las voces pudieran ser escuchadas durante los servicios, pero manteniendo a las monjas separadas e invisibles para el mundo exterior.


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text: Con sólo unas pocas notables excepciones, los interiores de los palazzi fueron desde un comienzo menos elaborados que las iglesias. Muchos fueron terminados sin ornamentación barroca interior, simplemente porque tardaron mucho en ser construidos: para el momento en que estaban a punto para ser decorados, el estilo barroco había pasado de moda, y las principales habitaciones fueron decoradas en el nuevo estilo neoclásico conocido como "Pompeyano". Frecuentemente se puede hallar una mezcla de ambos estilos, como en el salón de baile del Palazzo Aiutamicristo en Palermo, construido por Andrea Giganti en 1763, con frescos en el cielorraso pintados por Giuseppe Cristadoro con escenas alegóricas de motivos barrocos en yeso dorado a la hoja. Este cielorraso ya estaba fuera de moda al ser terminado, y el resto del salón fue decorado en forma mucho más simple. En los últimos 250 años los cambios funcionales de los "palazzi" completaron esta tendencia a simplificar: las plantas bajas son ahora negocios, bancos o restaurantes, y los pisos altos, compartimentados en viviendas, han perdido sus interiores decorados.


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text: La tercera razón para la ausencia de decoración barroca —y la más común— es que la mayoría de las habitaciones no fueron previstas para tal decoración. Muchos "palazzi" eran vastos, aptos para albergar una gran cantidad de gente. La familia de un aristócrata siciliano, comenzando por él mismo, su esposa y muchos hijos, incluía también una colección de parientes pobres y otros miembros lejanos de la familia, todos los cuales tenían apartamentos menores en la casa. También estaban los empleados, incluyendo a menudo un capellán privado o confesor, un mayordomo, gobernantas, secretarias, archivistas, contadores, bibliotecarios, e innumerables sirvientes, más un portero que tocaba una campana un número predeterminado de veces en función del rango del visitante que se aproximara. Frecuentemente las familias de los sirvientes, especialmente los ancianos, vivían en los "palazzi", por lo que eran necesarias muchas habitaciones para albergar a tal "familia".


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text: Todos los lugares de estar diurnos, incluso para los dueños de casa, estaban decorados y amueblados con simplicidad. Se requerían habitaciones adicionales para —según la tradición siciliana— albergar a cualquier visitante. Cualquier huésped foráneo, especialmente inglés, se acogía como un trofeo especial por el prestigio social que generaba. Por lo tanto, el hogar de los aristócratas sicilianos era raramente un sitio vacío o tranquilo. Las habitaciones más bellas y decoradas eran las del piano nobile, reservado para invitados y para el entretenimiento. A ellas se accedía mediante la doble escalinata exterior barroca. Estas habitaciones consistían en una serie de grandes y pequeños salones, con un solo gran salón como sala principal de la casa, a menudo utilizado como salón de baile. Algunas veces se situaban allí los dormitorios para invitados, pero para fines del siglo XVIII, se ubicaban a menudo en un segundo piso superior.


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text: Estas habitaciones eran por lo general profundamente ornamentadas. Las paredes con espejos, empotrados dentro de marcos dorados, a veces alternando con cuadros igualmente enmarcados, más ninfas y pastoras en relieve en los espacios intermedios.


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text: En los cielorrasos destacaban los frescos y los enormes candelabros de cristal de Murano, mientras que flanqueando los espejos, apliques dorados aumentaban la iluminación. Una de las habitaciones más notables en este estilo es la Galería de los Espejos en el Palazzo Gangi, en Palermo. Esta sala con frescos en los cielorrasos pintados por Gaspare Fumagalli, es una de las pocas salas barrocas que quedan en este "palazzo" barroco, que fue ampliado y refaccionado en 1750 por su propietaria, Marianna Valguarnera, adoptando el estilo neoclásico.


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text: El mobiliario durante la época fue coherente con el estilo: ornamentado, dorado a la hoja, y con tapas de mármol. Los muebles se trasladaban entre habitaciones según se necesitaban, manteniendo algunas salas sin ellos. A veces algún amoblamiento era encargado para una sala determinada, por ejemplo para combinar con un panel de seda enmarcado en dorado. Los muebles siempre se acomodaban contra las paredes, nunca en el estilo conversacional posterior que usa el centro de las habitaciones. En el barroco estos "centros" se dejaban siempre vacíos, para mostrar mejor los pisos de mármol o cerámica decorada.


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text: El elemento común de la decoración interior en "palazzi" e iglesias fue la obra de estuco. Éste es un componente importante del diseño y la filosofía barroca, porque combina sensiblemente arquitectura, escultura y pintura en una composición tridimensional. El conjunto de cielorrasos plenos de trampantojos y muros con pintura barroca ilusionista, confunde arte y realidad. Mientras que en las iglesias el estuco representaba ángeles y querubines rodeados de adornos de flores, en una casa privada solían mostrar los alimentos o instrumentos musicales favoritos del propietario.


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text: Como en todos los estilos arquitectónicos, la gente terminó por cansarse del barroco. En algunas partes de Europa se transformó en rococó, pero no en Sicilia. Ya fuera del dominio de Austria, la isla fue gobernada desde 1735 por el rey de Nápoles, Fernando IV, bajo el nombre oficial de reino de las dos Sicilias.


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text: Por lo tanto, Palermo estuvo en relación constante con la capital principal, Nápoles, donde se producía una creciente vuelta a la arquitectura de estilo clásico. Junto con esto, entre muchos de los nobles sicilianos más cultos se puso de moda una obsesión por todo lo francés, desde la filosofía hasta las artes, pasando por la moda y la arquitectura. Varios visitaron París a causa de este interés y retornaron a Sicilia con los últimos grabados y tratados teóricos de la arquitectura francesa.


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text: El arquitecto francés Léon Dufourny estuvo en la isla entre 1787 y 1794, estudiando y analizando los templos de la antigua Grecia. Los sicilianos redescubrieron su antiguo pasado, cuyo lenguaje clásico se convertía ahora en la última moda. El cambio en el gusto no se produjo de la noche a la mañana. El Barroco permaneció popular, pero ahora los balcones barrocos, todavía extravagantes, se construían junto a severas columnas clásicas. Dufourny comenzó a diseñar en Palermo, y su "Templete de ingreso" a los jardines botánicos fue el primer edificio en Sicilia basado en el orden dórico griego. Era pura arquitectura neoclásica, como se inició en Inglaterra a partir de 1760, como signo de lo que se avecinaba.


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text: El gran amigo de Dufourny y colega arquitecto Giuseppe Marvuglia fue el que lideró el declive gradual del barroco siciliano. En 1784 diseñó el Palazzo Riso-Belmonte, bello ejemplo de este período de transición arquitectónica, que combina motivos barrocos y de la arquitectura palladiana en una construcción con arcadas que rodean un patio, pleno de juegos de luz y sombra según la concepción barroca. La fachada principal, articulada por pilastras gigantes, también tiene detalles barrocos, pero sin un horizonte recortado. Las pilastras se diseñaron sin decoración, simples, de orden jónico, sustentando un entablamento también sin decorar. Sobre las ventanas se colocaron frontones clásicos, no recortados. El barroco siciliano se esfumaba.


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text: Otra razón para el declive del barroco en Sicilia, y de la construcción en general, fue la realidad económica; ya no se disponía de tanta riqueza. Durante el siglo XVII la aristocracia había vivido principalmente en sus tierras, cuidándolas y mejorándolas, con lo que también eran buenos los ingresos. Ya en el siglo XVIII, la nobleza emigró gradualmente a las ciudades, especialmente a Palermo y a Catania, para disfrutar de las delicias sociales de la corte del virrey. Sus "palazzi" urbanos crecieron en tamaño y esplendor, en detrimento de sus tierras abandonadas, de donde se suponía que provenían los ingresos. Los encargados de los establecimientos rurales fueron perdiendo eficiencia, aumentando su nivel de corrupción, o ambas cosas a la vez.


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text: La aristocracia tomó préstamos usando los campos como fianza, hasta que el valor de las descuidadas propiedades cayó por debajo del monto de las deudas contraídas. Además, Sicilia perdía estabilidad política en la medida en que su nobleza se endeudaba. Gobernada desde Nápoles por el débil Fernando IV y su dominante esposa, Sicilia declinó hasta un punto sin retorno después e 1798, y nuevamente en 1806 cuando el rey fue forzado por los invasores franceses a huir desde Nápoles a Sicilia. Los franceses fueron alejados de Sicilia por una fuerza expedicionaria de 17.000 soldados británicos, y la isla pasó entonces a ser dominada de hecho, aunque no oficialmente, por Inglaterra. El rey Fernando decretó en 1811 el primer impuesto, ganándose la antipatía de la aristocracia.


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text: El impuesto fue anulado por los ingleses en 1812, y seguidamente impusieron una constitución británica a la isla. Una innovación legal que tuvo particulares consecuencias para la aristocracia, fue que los acreedores, que hasta la fecha habían tenido facultades para forzar pagos dobles de intereses sobre una deuda o hipoteca, podían ahora embargar propiedades. Estas comenzaron a cambiar de manos rápidamente, y en consecuencia, los propietarios burgueses inmediatamente comenzaron a prosperar.


title: Barroco siciliano

text: Las revueltas contra los Borbones de 1821 y 1848 dividieron a la nobleza, cuando el liberalismo ya estaba en el ambiente. Estos factores, en conjunto con la agitación política y social del "Risorgimento" en el siglo XIX, significaron para la aristocracia siciliana convertirse en una clase arruinada. Adicionalmente, a causa de su negligencia sobre el principio de ""nobleza obliga"", esencial en el sistema feudal, el campo fue dominado por bandidos, y las una vez grandes villas rurales fueron decayendo. La manía constructiva de las clases altas sicilianas había terminado. Sin embargo, la influencia inglesa en Sicilia proveería al barroco de su última etapa de prosperidad. Marvuglia, reconociendo el nuevo gusto por todo lo británico, desarrolló un estilo que utilizó por primera vez en el palazzo Riso-Belmonte en 1784, combinando algunos de los elementos más serios del Barroco con motivos palladianos. El barroco siciliano tardío fue similar en estilo al barroco popular en Inglaterra a comienzos del siglo XVIII, popularizado por sir John Vanbrugh, con edificios como el Palacio de Blenheim. Un ejemplo es la Iglesia de San Francisco de Sales diseñada por Marvuglia, que es sumamente inglesa en su interpretación del barroco. De cualquier forma, este fue un éxito temporario, y el estilo neoclásico triunfó rápidamente. Unos pocos aristócratas estaban en condiciones de edificar, así que el nuevo estilo fue usado principalmente en edificios públicos, como aquellos Jardines Botánicos en Palermo. Los arquitectos sicilianos —incluso Andrea Giganti, quien diseñaba anteriormente edificios barrocos— comenzaron a construir en el estilo neoclásico, aunque en este caso se trató del neoclásico de moda en Francia. La Villa Galletti en Bagheria, por Giganti, está claramente inspirada en el trabajo de Ange-Jacques Gabriel.


title: Barroco siciliano

text: Como en los primeros días del barroco siciliano, los nuevos edificios neoclásicos eran a menudo copias o híbridos de ambas corrientes. El palazzo Ducezio, comenzado en 1746, se diseñó con una planta baja llena de arcadas que crean un juego de luz y sombras al más puro estilo barroco. Sin embargo, cuando unos años más tarde se agregó el primer piso, a pesar del uso de frontones recortados barrocos sobre las ventanas, la influencia neoclásica es muy pronunciada, resaltada por el acceso principal curvado. El barroco siciliano fue gradual y lentamente sustituido por el neoclasicismo francés.


title: Barroco siciliano

text: En gran medida, el barroco siciliano es actualmente reconocido como un estilo gracias al trabajo de Anthony Blunt.


title: Barroco siciliano

text: La mayoría de los "palazzi" barrocos se mantuvieron bajo propiedad privada durante el siglo XIX, mientras la vieja aristocracia se casaba con miembros de la clase media rica o caían en bancarrota. Hubo unas pocas excepciones de algunas familias que lograron retener los "palazzi" ancestrales. Gracias a la continua religiosidad y devoción del pueblo siciliano, la mayoría de las iglesias del barroco siciliano mantienen la función para la que fueron construidas.


title: Barroco siciliano

text: Sin embargo, la culpa de la decadencia y ruinoso estado de preservación de muchos "palazzi" no recae sobre propietarios sin voluntad de aceptar el cambio de situación, sino más bien sobre la agenda política de los sucesivos gobiernos socialistas. Algunas de estas hermosas villas y "palazzi", incluyendo el Palazzo del Príncipe de Lampedusa, en Palermo, están todavía en ruinas luego de las incursiones del bombardeo norteamericano en 1943.


title: Barroco siciliano

text: En muchos casos no se ha hecho intento alguno de restaurar o al menos asegurar las ruinas. Otros edificios que sobrevivieron a los bombardeos han sido adaptados a oficinas o departamentos, sus interiores barrocos desmantelados, fraccionados y vendidos.


title: Barroco siciliano

text: Los miembros de la aristocracia siciliana que todavía habitan sus ancestrales "palazzi", se abstienen de llenar sus jardines con animales salvajes, como cebo para que las masas visiten sus hogares (a diferencia de los ingleses, que consideran al barroco un exceso vulgar). Los príncipes, marqueses, y condes de Sicilia que permanecen en la isla, han preferido vivir en espléndido aislamiento, rodeados a menudo por belleza y decadencia. Recién ahora propietarios y gobierno están comenzando a tomar conciencia sobre la necesidad de realizar acciones inmediatas antes de que sea muy tarde para salvar este legado particular de la herencia siciliana.


title: Barroco siciliano

text: Como actualmente Sicilia se está convirtiendo en una sociedad políticamente estable y menos corrupta, los "palazzi" barrocos están muy lentamente comenzando a abrir sus puertas al público ansioso, más norteamericanos e ingleses que italianos. Pocos años atrás, el salón de baile del Palazzo Gangi era el único caso aprovechado como estudio de filmación, pero en la actualidad los salones de baile y otras grandes salas hospedan eventos públicos o corporativos. Algunos "palazzi" están ofreciendo un servicio de estadía y desayuno a visitantes que paguen por ello, así que nuevamente proveen hospitalidad a los visitantes en Sicilia, uno de los fines para los que fueron diseñados.


title: Barroco siciliano

text: En el año 2002, la Unesco incluyó una selección de monumentos barrocos del Valle de Noto dentro de su lista como Patrimonio de la Humanidad, por "proporcionar un testimonio sobresaliente del arte y la arquitectura del barroco tardío", y "representar la culminación y florecimiento final de arte barroco en Europa".


title: Barroco siciliano

text: Otros artistas que colaboraron en la decoración de edificios barrocos:


title: Aula Magna (Universidad Central de Venezuela)

text: El Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela se encuentra dentro de la Ciudad Universitaria de Caracas (la cual fue declarada Patrimonio Mundial de la Humanidad el 30 de noviembre de 2000 por el Comité de Patrimonio Mundial de la UNESCO) y es el auditorio más importante de esta casa de estudio debido a que es el auditorio de mayor aforo de la Ciudad Universitaria con una capacidad aproximada de 2700 personas (existen asientos removibles); siendo además el edificio principal del proyecto de Síntesis de las Artes llevado a cabo por el arquitecto Carlos Raúl Villanueva. En ella se han llevado a cabo eventos académicos, artísticos y políticos; algunos de ellos de gran importancia para el país y que han sido referencia histórica del acontecer nacional.


text: La responsabilidad de la construcción del Aula Magna fue concedida por la compañía “Christiani & Neilsen” y el contrato para su ejecución se celebró el 28 de noviembre de 1952, el cual establecía la culminación de los trabajos estructurales para el 31 de marzo de 1953, es decir, debía concluirse la obra en solo 4 meses. Efectivamente la obra fue culminada en marzo del 53, tal y como lo había exigido el Gral. Marcos Pérez Jiménez. La sala fue bautizada y estrenada el 3 de diciembre de 1953 (en un pequeño acto eclesiástico y protocolar), pero inaugurada oficialmente el 2 de marzo de 1954 con la apertura de la X Conferencia Iberoamericana de Jefes de Estado y Gobierno.


text: Este recinto universitario fue catalogado en la década de los ochenta como una de las cinco salas con mejor acústica del mundo, propiedad que aún conserva gracias a un sistema que combina la tecnología y el arte: los "Platillos Voladores" o "Nubes Flotantes" del Ingeniero y Artista Norteamericano Alexander Calder. Dichas estructuras fueron instaladas en el techo bajo la supervisión de la firma estadounidense "Bolt, Beranek y Newman", mientras una orquesta tocaba en el escenario para calibrar la acústica de forma exacta. Aunque el destino inicial de los platillos no era el interior del Aula (dado que la obra de este artista estaba dispuesta para la Plaza Cubierta) después de enterarse de la complejidad del proyecto Calder planteó la idea de integrar sus paneles al espacio de la sala con un fin artístico, decorativo y acústico.


text: La estructura estos paneles o nubes es una armazón de acero recubierto por una madera contra enchapada de 1/2 pulgada de espesor, el más grande tiene un área de 80m² y un peso de 2,5 toneladas aproximadamente. En total son 31 paneles, 22 en el techo, 5 en la pared lateral derecha y 4 en la pared lateral izquierda. Dichos paneles habían sido construidos en las inmediaciones la plaza Jorge Rodríguez ("Tierra de Nadie") la cual se encuentra adyacente al edificio, siendo entonces introducidos a la sala por la parte posterior del escenario la cual no estaba terminada. Una vez dentro, unos cables metálicos de 3/8 elevaban y sostenían los paneles hasta el techo de la sala dándoles la inclinación y la altura necesaria de acuerdo al diseño y a lo estudiado. El techo real de la sala se encuentra 3 metros por encima del que se percibe desde abajo (que es de yeso), esto obedece básicamente a facilitar el arreglo y cambio de los sistemas de iluminación y los mecanismos de sostén y movimientos de las “nubes”.


text: Cabe destacar que las Nubes Flotantes no son el único elemento que ayuda a proporcionarle su característica calidad de sonido al Aula Magna. Dentro del auditorio la mayoría de los elementos y materiales están diseñados en pro de la acústica y la perdurabilidad. Uno de los ejemplos más interesante de lo anterior es el de las butacas que están forradas por lana de ovejas chilenas, tejida en Inglaterra con un cosido surcado, sistema mecánico retraíble y con agujereado posterior, siendo un diseño que les da la cualidad de contrarrestar las variaciones de sonido generadas por la ausencia de público en la sala. Otro elemento destacable es que todas las puertas de la sala son acústicas y dobles (internas y externas). En Patio las puertas internas son de metal agujereado y rellenas de un aislante, mientras que las externas son de madera, creando entre ambas una especie de vacío que evita la salida del sonido, e ingreso de ruido del exterior. En el Balcón es exactamente igual con la diferencia que ambas puertas –internas y externas- son de madera.


text: Incluso la alfombra original que recubría los pasillos de la sala estaba diseñada especialmente en pro de la acústica y perdurabilidad ante cualquier condición lógica, sin embargo tras años de desgaste constante no pudo ser reemplazada por una de iguales cualidades.


text: El sistema de iluminación es muy variado, cuenta con 2 sistemas de luces superiores o principales (incandescentes y fluorescentes), focos laterales de refuerzo y lámparas de emergencia. Además posee sistemas de iluminación alternos, bombillos sobre las nubes que iluminan el techo resaltando el color de los paneles y cuenta con una serie de instrumentos para la realización de eventos con efectos de iluminación: seguidores, reflectores, focos, proyectores, etc. Lo más interesante de la iluminación del Aula Magna es que la consola principal fue creada en Inglaterra, por un músico que adaptó el sistema de iluminación al teclado de un órgano. Al realizar diferentes combinaciones en las teclas de dicho órgano se logra crear todo un espectáculo de luces. De este tipo de sistema solo existen dos en el mundo, siendo el del Aula Magna el único que aún funciona; el otro de su tipo se encuentra exhibido en un museo de Londres.


text: El sistema principal de video, grabación y reproducción fue donado en 1991 por la República de Japón y la compañía Sony. La consola central de sonido fue comprada en 1997 y es de marca inglesa Arena.


text: En sus orígenes la sala contaba con un sistema de traducción simultánea para eventos y conferencias especiales, el cual estaba disponible en diversos idiomas y accesible a cualquier persona desde su butaca con tal solo conectar unos audífonos a la parte frontal de los apoyabrazos. En la actualidad este sistema está descontinuado y de él solo quedan los rastros: unos carriles metálicos debajo de las butacas y unos cubículos con uso distinto al original.


text: El estilo arquitectónico del Aula Magna está inspirado en el clásico teatro Greco- Romano, con planta de ¼ de círculo y techo en forma de abanico. También incluye elementos innovadores para la época como el Balcón suspendido, un foso para orquesta, proscenio amplio y abierto, entre otras cosas. El área de patio cuenta con 7 entradas principales, junto con dos salidas de emergencia posteriores, así como con 1722 asientos divididos en 6 bloques. Respecto al piso superior, se encuentra dividido en 3 balcones distribuidos de la siguiente manera: Balcón Lateral Izquierdo 391 butacas, Balcón Lateral Derecho 390 butacas y Balcón Central 193 (de los cuales 13 asientos corresponden al Palco de Honor y están restringidos al público). Además, la sala cuenta con numerosos asientos removibles a conveniencia.


text: Lamentablemente, si se toma en consideración el plan original, el Aula Magna nunca fue concluida. Este hecho es notable en algunos ejemplos como lo son las puertas que se encuentran suspendidas a los lados del escenario, que se elevarían por unos gatos hidráulicos. Así mismo, el espacio que hoy es la Galería de Arte estaba destinado a ser un lobby y contener los baños principales para el público de la sala.


text: En las adyacencias del edificio del Aula Magna se pueden apreciar numerosas obras de arte. En la plaza cubierta que la antecede se encuentra ubicada la escultura "Pastor de Nubes", de Jean Arp. Además está rodeada por murales de Mateo Manaure, Victor Vasarely y Pascual Navarro, y diversas esculturas.


title: Los burgueses de Calais

text: Los burgueses de Calais (en francés: "Les Bourgeois de Calais") es una de las más famosas esculturas de Auguste Rodin. Este conjunto escultórico representa a los seis burgueses que en 1347, al inicio de la Guerra de los Cien Años (1337-1453), se ofrecieron a dar sus vidas para salvar a los habitantes de la sitiada ciudad francesa de Calais. Calais encargó a Rodin crear la escultura en 1884, y la obra fue terminada en 1889.


title: Los burgueses de Calais

text: En su crónica sobre el Sitio de Calais, Jean Froissart cuenta sobre los seis burgueses:


title: Los burgueses de Calais

text: Para el rey Eduardo III de Inglaterra, el puerto francés de Calais, sobre el Canal de la Mancha, era de gran importancia estratégica, y en septiembre de 1346, tras la batalla de Crécy, dirigió un sitio de la ciudad. Tras varios intentos de los ingleses de tomar la ciudad y varios intentos fracasados de los franceses de romper el sitio, el rey Eduardo tomó la decisión en febrero del siguiente año de dejar morir de hambre a los habitantes de la ciudad.


title: Los burgueses de Calais

text: Un mes después, cuando los ingleses interceptaron un envío de víveres, quinientos niños y ancianos fueron expulsados de la ciudad para permitir a los demás sobrevivir, pero los ingleses les impidieron el paso y los dejaron morir de hambre justo fuera de los muros de la ciudad.


title: Los burgueses de Calais

text: Cuando el rey Felipe VI de Francia retiró sus fuerzas de la ciudad, el alcalde de Calais ofreció al rey inglés la capitulación de la ciudad con la condición de que los habitantes pudieran salir libres. El rey Eduardo se negó, indignado de que una ciudad que estaba a punto de caer y que le había costado tanto tiempo, hombres y dinero, se atreviera a imponer condiciones. Sin embargo, los propios hombres del rey señalaron que la única culpa de la ciudad fue haber luchado valientemente por su rey. Finalmente el rey se ofreció a respetar la vida de los pobladores de la ciudad si seis hombres notables de la ciudad, en su lugar, se rindieran ante él, junto con las llaves de la ciudad, vestidos en camisón y con una soga amarrada a sus cuellos.El alcalde de Calais hizo sonar las campanas y reunió a los habitantes en la plaza para comunicar las condiciones del rey inglés. La población recibió la orden con un gemido y los concurrentes rompieron en llanto. Al poco tiempo, sin embargo, uno de los hombres más ricos de la ciudad, Eustache de Saint-Pierre, se levantó y dijo:


title: Los burgueses de Calais

text: Finalmente otros cinco de los ciudadanos prominentes le hicieron compañía: Jacques y Pierre de Wissant, Jean de Vienne, Andrieu d'Andres y Jean d'Aire. Se vistieron según los deseos del rey y fueron escoltados por la ciudad hasta sus puertas, donde se despidieron de la multitud afligida de hombres, mujeres y niños. Se abrieron las puertas y el alcalde salió con sus seis ciudadanos y cerró la puerta nuevamente. De ahí acompañó al grupo hasta el campamento inglés y los dejó.


title: Los burgueses de Calais

text: Los ingleses llevaron a los hombres frente a la tienda del rey Eduardo, donde cayeron de rodillas y le entregaron las llaves de la ciudad. El rey los miró con inquina y en silencio por un largo rato antes de dar la orden de que los colgaran. Uno de los caballeros que se encontraba cerca tomó entonces la palabra:


title: Los burgueses de Calais

text: La ira del rey aumentó cuando sus propios caballeros le señalaron el heroísmo de los burgueses y con un gesto hizo salir al caballero. Entonces su esposa, Felipa de Henao, se le acercó llorando y suplicó:


title: Los burgueses de Calais

text: El rey la miró en silencio por un corto tiempo y dijo:


title: Los burgueses de Calais

text: Felipa les retiró enseguida las sogas y los llevó a sus aposentos, donde les ofreció ropajes y una cena. Luego los proveyó de dinero y los condujo en secreto. Pronto se encontraron en diferentes ciudades de Picardía.


title: Los burgueses de Calais

text: Los habitantes de Calais se dirigieron luego a territorio francés, los más ricos tras pagar un rescate. Calais permaneció en manos inglesas hasta 1558.


title: Los burgueses de Calais

text: En el otoño de 1884 la municipalidad de Calais retomó un proyecto que se había gestado varias décadas atrás: la creación del monumento como homenaje a Eustache de Saint-Pierre y los ciudadanos ilustres. El escultor Auguste Rodin recibió en 1885 el encargo de crear este monumento conmemorativo, pocos años después de otro acontecimiento histórico que puso en entredicho la soberanía gala: la guerra franco-prusiana (1870-1871) entre las tropas de Napoleón III y el Canciller de Hierro, Otto von Bismark. Después de casi cuatro años de trabajar en bocetos, la escultura estuvo lista en 1888 con figuras de casi dos metros de altura, para finalmente ser inaugurada en 1895, once años después de que Rodin presentara la primera maqueta. En palabras de John L.Tancock, "logró evitar los estereotipos de la escultura académica, creando un monumento que todavía inspira y conmueve al espectador contemporáneo".


title: Los burgueses de Calais

text: Después de entregar la maqueta, Rodin desarrolló las figuras por separado y utilizó como modelos a hombres de carácter enérgico. Ejecutó innumerables estudios, en distintas escalas y actitudes de los hombres que se sacrificarían. El artista logró plasmar un estado emocional único: Pierre de Wiessant con el dramatismo corporal o Jean de Fiennes desconsolado. Además del logro expresivo de este episodio, Rodin innovó al proyectar el monumento al ras del piso, así puede contemplarse desde la dimensión humana. Rostros trémulos, manos crispadas, gritos y angustia contenidos fueron los derroteros de Auguste Rodin para exaltar el pasaje histórico de la liberación de Calais. El maestro apuntaba: Nunca titubeé en hacerlos lo más delgados y débiles posible. Ellos todavía se cuestionan si tienen la fuerza para asumir el sacrificio supremo [...].


title: Los burgueses de Calais

text: La obra de teatro "Los burgueses de Calais - presentación en tres actos" se desarrolló en una primera versión en 1912 o 1913, inspirada en la ya famosa obra de Rodin, tomando su versión final en 1914. La obra fue puesta en escena el 29 de enero de 1917 en Fráncfort bajo la dirección de Arthur Hellmer. La obra fue un éxito y significó la irrupción artística de Georg Kaiser. Hoy en día es todavía una lectura escolar.


title: Los burgueses de Calais

text: Kaiser espera que la historia de la Guerra de los Cien Años sean familiares. Inicia en la mitad de los hechos y se desvía substancialmente de la crónica de Froissart al final:


title: Los burgueses de Calais

text: El fragmento de tiempo de Kaiser es considerado un documento literario y una obra cumbre del teatro del expresionismo y exhibe el estilo abstracto típico del mismo: el topos de "nuevos seres humanos", la individualización de los personajes, la alta artificialidad del lenguaje simbólico, el incremento patético. El mensaje de que el rescate de la comunidad se alcanzó solo por la autovictimización de un particular en lugar de la resistencia sin sentido de todos corresponde a la crítica usual del expresionismo a la clase media de la época guillermina, que se hacen más rotundos a la vista de las vibraciones sociales y la muerte industrializada de la Primera Guerra Mundial.


title: Transporte público en Cancún

text: El transporte público en Cancún está basado en autobuses y microbuses, y dicho servicio es proporcionado por 4 empresas de transporte público concesionado:Dada la naturaleza de Cancún el transporte público también puede dividirse en 2 zonas:Donde comúnmente la mayoría de las rutas de la zona urbana pasan cerca o desemboca en una ruta que va a la Zona Hotelera


title: Transporte público en Cancún

text: El servicio de rutas que recorren la Zona Hotelera (Hotels Zone) de Cancún solo es proporcionado por Autocar y Turicun y para evitar confusión por parte de los turistas se les ha asignado los números 1 y 2 (R-1 y R-2) aunque también hay sus excepciones. Por parte de Autocar, sus carros los podrá reconocer porque son de color rojo y por Turicun sus carros son de color blanco con una franja verde turquesa a los lados.


title: Transporte público en Cancún

text: En general la R-1 tiene varios orígenes/destinos cuyo recorrido suele coincidir en el Parque Leona Vicario (Mejor conocido como el Crucero) recorren la Avenida Tulum hasta llegar al Cebiche donde inician su recorrido por la Zona Hotelera. Esta suele ser la ruta más conocida de todas.


title: Transporte público en Cancún

text: Las Rutas 1 disponibles son: Esta ruta tiene su base de inicio en un parque conocido como "La Rehoyada", después se dirige al Crucero donde suele cargar el grueso de usuarios que llegan de diferentes unidades habitacionales, regiones, residenciales y asentamientos irregulares para llevarlos a sus destinos de trabajos en la Zona Hotelera. Para distinguir esta Ruta 1 de las otras debe observar que el autobús tenga en sus ventanas frontales las palabras CRUCERO Y DOWNTOWN, es de especial atención que Turicun escribe con letras verdes fosforescentes sus nomenclaturas para distinguir esta ruta de las demás. Esta ruta solo es operada por la empresa Autocar y se diferencia de las demás rutas, porque comienza su recorrido desde la Playa del Niño en Puerto Juárez pasando por el muelle de Ultramar donde salen las embarcaciones que van a Isla Mujeres. Así que debe poner especial atención y ver que en la parte superior del autobús esté escrito la palabra PUERTO JUÁREZ o PTO. JUÁREZ.


title: Transporte público en Cancún

text: La ruta 2 conforma rutas de transporte que salen desde ciertas regiones de Cancún haciendo un recorrido previo por un tramo de zona urbana de acuerdo a la ruta proyectada pasando por los lugares que especifica su letrero ya sea rotulado o electrónico y teniendo como destino la zona hotelera y cobrando la tarifa que se establece como zona hotelera durante todo su recorrido ida y vuelta, saliendo de regreso desde el mirador, o sea, Playa Delfines, a su región establecida al lado de su letrero rotulado.


title: Charlestón

text: El charlestón es una variedad del foxtrot que hizo furor en Estados Unidos durante la década de los 20. Es un baile llamado así por la ciudad-puerto de Charleston (Carolina del Sur), ya que fue popularizado por una melodía de 1923 llamada "The Charleston", del compositor James P. Johnson. Esta melodía formaba parte del espectáculo de Broadway "Runnin' Wild", que fue interpretada entre el 29 de octubre de 1923 y el 28 de junio de 1924 y se convirtió en uno de los éxitos más populares de la década.


title: Charlestón

text: El año pico del éxito del charlestón fue desde mediados de 1926 a 1927.


title: Charlestón

text: Las mujeres usaban faldas o vestidos con listones colgando como si fueran pequeños flecos, para hacer notar el movimiento de las bailarinas.


title: Charlestón

text: Los hombres usaban trajes negros —generalmente con pequeñas rayas blancas— y corbata de lazo o corbata a elegir. según antiguas fuentes.


title: Charlestón

text: El origen de este baile es anterior a su éxito a nivel nacional, ya que parece haberse originado como una danza folclórica de la población de raza negra de los puertos —entre ellos Charleston (Carolina del Sur)— hacia el año 1903. Comenzó a difundirse fuera de ese ámbito en los años 1920, como una forma de diversión y distracción después de la Primera Guerra Mundial.


title: Charlestón

text: El charlestón se convirtió en una moda y tuvo gran importancia también en Europa a raíz de su presentación en el musical negro "Running Wild", en 1923. Fue un ritmo, y también un símbolo, que caracterizó una época de despreocupación. El charlestón llegó a ser tan popular en Europa, que casi el 80 % de la población lo practicaba y disfrutaba.


title: Charlestón

text: El charlestón es una danza bailada en un compás de 4 tiempos, alternando brazos y piernas principalmente, con una gran movilidad en los pies. Se puede bailar acompañado o en solitario, solo que cuando se baila en solitario los movimientos suelen ser más libres y espontáneos. Una de las características principales de este baile es la improvisación y la energía, dado que suele ser duradero y rápido.


title: Single Collection + Nikopachi

text: El álbum fue producido por Yōko Kanno, y casi todas las canciones fueron obras de ella, aunque en este álbum también se aprecia un número mayor de canciones escritas por la misma Maaya. El álbum contiene también varias canciones que están completamente en inglés, y están divididas de forma ecuánime entre los dos idiomas con que la cantante suele actuar. Nikopachi se convirtió en el álbum más exitoso de la cantante principalmente debido al sencillo "Hemisphere", el cual le ha otorgado gran parte de su éxito.


title: Single Collection + Nikopachi

text: En cuanto al título... "Nikopachi" (ニコパチ) es una combinación de dos onomatopeyas japonesas: "niko-niko" y "pachi-pachi" o "pachiri". "Niko-niko" (にこにこ) es usado describir la expresión de alguien con una risa radiante de felicidad en la cara; y "pachi-pachi" (ぱちぱち) o "pachiri" (ぱちり) es usado describir el sonido de alguien aplaudiendo, parpadeando, rompiendo, golpeando. Como se puede ver en la carátula del álbum, Maaya encaja perfectamente las definiciones de estas dos palabras para finalmente crear la palabra inventada de "Nikopachi".


title: Single Collection + Nikopachi

text: Solo un sencillo lanzado con anterioridad fue remejorado para este álbum. El tema "Yubiwa" lanzado originalmente el año 2000 fue mejorado al ser grabado nuevamente por Maaya, aparte de cambiarle ligeramente algunos arreglos para hacer la canción más producida. Otros sencillos como "Hemisphere", "Tune the rainbow" y "Gravity" fueron dejados iguales, en parte ya que no habían sido lanzados hace un tiempo tan extenso como "Yubiwa" antes del lanzamiento del álbum, pero incluso "Vector" (canción que acompañaba a "Yubiwa" como coupling) fue dejado en su versión original. Dos de los sencillos que fueron lanzados desde el año 1999 hasta la actualidad no fueron incluidos en el mismo álbum, como los temas "Hashiru" y "Mameshiba", que no fueron incluidos en el mismo CD de audio pero sí sus vídeos musicales al interior del DVD en la versión edición limitada de la que solo fueron lanzadas 30 000 copias. Los temas que se encargaron de promocionar al álbum para mejorar sus ventas fueron varios principalmente en series de anime para la televisión, a pesar de que no más de 4 sencillos fueron lanzados de manera física. Los temas "Hemisphere" y "tune the rainbow" formaron parte de la banda sonora de la serie animada llamada RahXephon, la primera al interior del anime y la segunda en el largometraje de ésta. El tema "gravity" fue utilizado como ending theme al interior de la serie también animada Wolf's Rain, "Shippo no Uta" fue tema dentro de Napple Tale, y "Yubiwa" fue el tema principal de la película de La visión de Escaflowne llamada en la traducción al español como ""Una joven en Gaia"". Estos fueron los únicos que temas del álbum que también fueron lanzados como sencillos promocionales, y están ordenados desde los más recientes hasta los más antiguos hasta la fecha.


title: Single Collection + Nikopachi

text: El tema «Kimi Dori» fue tema de ambientación al interior del videojuego de la consola PlayStation 2 llamado Shira Chuutanken Bu (白中探険部), "Bike" también fue utilizado como tema de ambientación, pero esta vez dentro de la serie animada Earth Girl Arjuna, y por último su tema "Daniel" fue utilizado al interior del dorama japonés llamado Mayonaka wa Betsu no Kao.


title: Canaguaro

text: Canaguaro es una película colombiana de 1981 dirigida por el cineasta chileno Dunav Kuzmanich con la colaboración de Pepe Sánchez, relata la situación vivida en los Llanos Orientales durante la época de La Violencia en Colombia con una mirada crítica a la manipulación de la clase política y la situación social que alimentaría el conflicto armado en Colombia.


title: Canaguaro

text: Este filme es uno de los pocos dentro de la historia del cine colombiano que se preocupó por mostrar los juegos de poder, convirtiéndose en un documento de la situación de violencia vivida en la época asumiendo una posición crítica frente a los hechos políticos y frente a la realidad del conflicto. Existen diferentes elementos dentro de la película, como las canciones que narran las hazañas de los líderes guerrilleros, o las parodias del discurso político, que ponen en evidencia la intención del director por asumir una posición social frente a los hechos planteados, tomando partido frente a los ejes problemáticos cine/violencia, cine/política y cine/realidad. A diferencia de otras películas destacadas dentro de la filmografía colombiana, Canaguaro asumía una postura, intentando retratar los episodios de violencia sucedidos durante la época a la que hace referencia, y asimismo asumiendo una posición política frente a estos.


title: Canaguaro

text: Canaguaro ocupó la posición No. 20 en el listado de "las 50 películas Colombianas inolvidables" que realizó la revista Semana en conjunto con importantes críticos e hizo parte del listado de "100 películas imperdibles del cine colombiano".Además, se considera como una película de culto en la cinematografía colombiana. Luís Alberto Álvarez, el crítico de cine más importante de la segunda parte del siglo XX en Colombia afirmó que "El cine Colombiano es uno antes y después de Canaguaro, dado que Kuzmanich rompió la historia cinematográfica de Colombia en dos y no solo por la temática abordada, sino por el modelo de producción empleado". La película estuvo nominada al "Golden Montgolfier" como mejor película en el . De igual forma, obtuvo una Mención Especial del Jurado en el tercer Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano.


title: Canaguaro

text: Fue estrenada en el marco del 21° Festival Internacional de Cine de Cartagena. Posteriormente, fue exhibida en el teatro Jorge Eliécer Gaitán y duro tan sólo dos semanas después de su estreno. La película tuvo buena acogida del público, pero salió de cartelera debido a censuras extra oficiales. En la edición 57° de ese festival, se realizó una retrospectiva a Dunav Kuzmanich, siendo Canaguaro, la película inaugural.


title: Canaguaro

text: Alberto Jiménez - Canaguaro


title: Canaguaro

text: Hernando Casanova - Profesor


title: Canaguaro

text: Arnulfo Briceño - El músico


title: Canaguaro

text: Álvaro Ruíz


title: Canaguaro

text: Luis Chiappe


title: Canaguaro

text: Alcira Rodríguez


title: Canaguaro

text: Pepe Sánchez


title: Canaguaro

text: Gilberto Puentes


title: Canaguaro

text: Ivan Rodríguez


title: Canaguaro

text: Felipe González


title: Canaguaro

text: Marcelo Romo


title: Canaguaro

text: Rey Vázquez


title: Canaguaro

text: Juan Harvey Caicedo (narrador)


title: Canaguaro

text: El final de la década de los años 1940 en Colombia fue crucial para la historia del país, la política colombiana estaba marcada por la rivalidad entre el liberales y el conservadores. Durante las primeras décadas del siglo XX, esta rivalidad se agravó tras la muerte de Jorge Eliécer Gaitán. Se radicalizó la posición de los liberales, quienes protagonizaron graves hechos de violencia en la capital (Bogotazo), que más tarde harían eco entre los campesinos de diferentes regiones del país que veían en la resistencia civil una manera de protestar por sus derechos. Por otra parte estaba el interés de derrocar al presidente Laureano Gómez, en quien veían un radical enemigo de sus intereses. Esto desataría una violenta guerra entre dos bandos: por un lado los campesinos leales a sus partidos y abrumados por la pobreza y el sometimiento a los terratenientes, y, por otro lado, los opositores y las fuerzas represivas del gobierno.


title: Canaguaro

text: Los Llanos Orientales sería una de las zonas donde más fuertemente se viviría el conflicto, y sería semillero de líderes guerrilleros como Guadalupe Salcedo, líder llanero alrededor del cual se forjaría un fuerte movimiento, que luchó en contra de las atrocidades de los llamados chulavitas y de otras formas de represión oficial. Sin embargo, sería asesinado tras pactar la paz con el gobierno colombiano.


title: Canaguaro

text: Canaguaro estuvo caracterizada por uno de los aspectos más criticados de la película, es la mezcla de sonido, ya que las texturas expuestas a lo largo del filme pueden llegar a ser confusas. Kuzmanich recuerda. "Ahora, en todas las películas con sonido directo algo se daría, un quince o veinte por ciento, que es necesario doblar. Pero, respecto a esto, había una escena muy bonita que era de Hernando Casanova, el profesor, en la cual hablaba con unas señoras en el pueblo y donde se pasaba revista a su pasado. Cada vez que la filmamos pasaron aviones; el sonido quedó mal. Tratamos de doblarla pero nunca quedó bien, nunca se logró la espontaneidad del momento. A pesar de que las mujeres que actuaron no eran actrices, eran las mujeres de Méndez, el lugar donde filmamos, tenían un cierto sabor, una cierta naturalidad, había una verdad en lo que ellas expresaban oralmente. No fuimos capaces de reproducir después esa misma verdad en el estudio de grabación y eso nos obligó a sacar la escena de la película."


title: Canaguaro

text: La Revista Cine señaló que Canaguaro tiene "momentos de buen cine y permite pensar en las capacidades de Dunav Kuzmanich como director, capaz de poner en escena, un estilo personal y maduro." Agregando de igual forma "cierta irregularidad en los logros" de la película añadiendo que "Kuzmanich consigue bellas imágenes como aquella de la loma de las Cruces, un plano general en el cual los guerrilleros conversan ocultos -casi hasta la cintura- por el humo, o imágenes tan molestas como la de la mujer en la hamaca (un picado amplio) recibiendo órdenes de su amante con una voz en primerísimo plano carente de cualquier perspectiva." Además, resaltó la actuación de Hernando Casanova, describiéndola como "original, medida y convincente". Así mismo, respecto a la cinematografía de la película añadió "interesante fotografía nocturna de Carlos Sánchez y la cámara de Fernando Vélez."


title: La flaca (álbum)

text: La flaca es el primer álbum del grupo español Jarabe de Palo que sale a la venta en el año 1996 su sencillo fue "La flaca". En 2009 el grupo incluyó una nueva versión de dicha canción para su disco "Orquesta reciclando".


title: Steve Conte

text: Steve Conte es un guitarrista y cantante estadounidense, nacido en Nueva York, que ha liderado su propia banda, The Contes, además de ser guitarra de las bandas Crown Jewels y New York Dolls.


title: Steve Conte

text: Conte se hizo conocido primeramente dentro de la industria musical con su banda Company of Wolves dentro de Mercury Records, a principios de los noventa. Antes, Steve había trabajado con numerosos artistas dentro del estudio o en presentaciones en vivo, con personajes como Peter Wolf, Willy DeVille, Maceo Parker, Billy Squier, Suzi Quatro, Jill Jones, Paul Simon, Simon & Garfunkel, Phoebe Snow, David Johansen & The Harry Smiths, Chuck Berry, Willie Nile y muchos otros. En 1986 se incorporó a la banda Blood, Sweat & Tears, con la que estuvo unos meses.


title: Steve Conte

text: También ha trabajado con la reconocida compositora japonesa Yōko Kanno y el escritor Tim Jensen, para diversas bandas sonoras de animes entre los que destacan sus trabajos dentro de Wolf's Rain, donde él fue quien cantó el opening de la serie, titulada ""Stray"" otra canción cantada en esta serie por él es "Could you bite the hand" y "Heaven's not enough". Para la banda de sonido de "Escaflowne , la película" grabó una canción junto a la conocida seiyu y cantante Maaya Sakamoto, conocida como ""The Garden Of Everything"", que aparece en el sencillo " Tune the rainbow". Conte también puede ser escuchado en algunos episodios de Cowboy Bebop, más notablemente por los temas "Call Me Call Me", "Words that we Couldn't Say", "No Reply" y la versión del CD de "Rain", cantada por Mai Yamane en la serie. El también canta "Living Inside the Shell", el ending de Ghost in the Shell: S.A.C. 2nd GIG. Otra canción de Steve Conte es "Seven rings in hand", la música del intro de Sonic & the Secret Rings para Wii.


title: Steve Conte

text: Conte lidera actualmente su banda, Steve Conte & The Crazy Truth. Su álbum de debut fue publicado en octubre de 2009.


title: Edificio Altino Arantes

text: El Edifício Altino Arantes (también conocido popularmente como la "Torre del Banespa") es un rascacielos del Centro histórico de São Paulo, Brasil. Construido en 1947, de 150 metros de altura (161,22 metros de altura con la antena incluida) y 36 plantas. Fue el rascacielos más alto del mundo ubicado fuera de Estados Unidos, por lo tanto, el más alto de América Latina en 1947, hasta el año 1956 año que es concluida la construcción de la Torre Latinoamericana.  Actualmente no es el rascacielos más alto de São Paulo, pero si uno de los más prestigiosos y simbólicos por haber sido durante muchas décadas sede de una institución pública muy conocida como fue el Banco del Estado de São Paulo, por tener gran presencia con su arquitectura imponente en el paisaje urbano de una de las zonas más tradicionales y turísticas de la ciudad.


title: Depende

text: Depende es el segundo álbum del grupo Jarabe de Palo que fue lanzado en el año 1998.


title: De vuelta y vuelta

text: De vuelta y vuelta es el tercer álbum del grupo Jarabedepalo que salió a la venta en el año 2001.


title: Bonito (álbum)

text: Bonito es el cuarto álbum del grupo Jarabe de Palo que salió a la venta el 1 de agosto del 2003.


title: William Saroyan

text: William Saroyan (Fresno, California, 31 de agosto de 1908 - Ib., 18 de mayo de 1981) fue un escritor armenio-estadounidense que escribió numerosas obras y cuentos cuyos temas giraban en torno a los primeros años de vida de un hijo de inmigrantes pobres armenios, retratando el universo provinciano del oeste de los Estados Unidos. Sus historias fueron muy populares durante los años de la Gran Depresión.


title: William Saroyan

text: William Saroyan nació en Fresno (California), en pleno Valle de San Joaquín, hijo de inmigrantes armenios que dejaron la ciudad de Bitlis, en el Imperio Otomano, antes del genocidio de 1915. Pero su padre, que había emigrado a Nueva York en 1905 y había predicado en sus iglesias apostólicas armenias, falleció en 1911 a causa de una peritonitis y William (que entonces contaba solo tres años) y sus hermanos tuvieron que vivir en un orfanato en Alameda. Seis años más tarde la familia pudo al fin reunirse con la madre en Fresno cuando esta logró un trabajo estable en una fábrica de conservas.


title: William Saroyan

text: En 1921 William asistió a la escuela técnica para aprender mecanografía y a los quince años abandonó los estudios. Tras ver algunos escritos de su padre que su madre le mostrara, William decidió convertirse en escritor. Logró continuar los estudios con sus propios recursos, obtenidos penosamente de diversos empleos ocasionales y del más estable que tuvo en la Compañía de Telégrafos de San Francisco, donde trabajó como administrador. Algunos de sus primeros artículos fueron publicados en "The Overland Monthly" y sus primeros cuentos aparecieron en la década de 1930, entre ellos "La rueda rota" ("The Broken Wheel"), escrito bajo el seudónimo de Sirak Goryan y publicado en el periódico armenio "Hairenik", en 1933. En febrero de 1934 empezó su meteórica carrera literaria al vender el relato "El joven audaz sobre el trapecio volante" a la revista "Story". Convertido de la noche a la mañana en uno de los escritores más populares de América, probó suerte en el teatro en 1939 y al año siguiente ganó el Premio Pulitzer de teatro con "El momento de tu vida", que rechazó por principios (se oponía al patrocinio del arte por parte de los ricos). Su primera novela larga, "La comedia humana", fue llevada al cine bajo la dirección de Clarence Brown con guion del propio autor, lo que le reportó sesenta mil dólares de la época, que repartió generosamente entre amigos y parientes. Esta adaptación cinematográfica logró un premio Óscar a la mejor historia en 1943 y cuatro nominaciones.


title: William Saroyan

text: Saroyan trabajaba rápidamente, sin apenas corregir sus textos. Introdujo el impresionismo en narrativa y teatro: muchas de sus obras carecen de intriga y se limitan a expresar un estado de ánimo siempre optimista y una característica humanidad a través de una minuciosa y lírica observación de detalles, costumbres y conductas, virtudes que lucen en especial en el género del relato corto. Se inspira con frecuencia en experiencias de la infancia entre los agricultores armenio-americanos del Valle de San Joaquín, o trata el tema del desarraigo del inmigrante y el más general de la condición humana, siempre desde un punto de vista muy cervantino. El libro "Me llamo Aram" (1940) es una colección de estampas sobre pintorescos personajes compuesta por 14 cuentos interconectados sobre el pequeño Aram Garoghlanian y su familia inmigrante, y lo consagró como gran maestro de la narrativa norteamericana contemporánea: un escritor con una sensibilidad poco común para revelar la sustancia íntima de que está formada la vida corriente de todo ser humano.


title: William Saroyan

text: Durante la II Guerra Mundial fue movilizado a Londres y el gobierno le otorgó un permiso para redactar una novela que fomentara las relaciones entre ingleses y estadounidenses; tras varias semanas encerrado con ese encargo en el Hotel Savoy, entregó el manuscrito de "Las aventuras de Wesley Jackson", pero la obra, que contenía sus propias ideas sobre el militarismo y el absurdo de la guerra, no gustó, le negaron la recompensa prometida (viajar a Nueva York para ver a su esposa Carol Marcus y a su hijo recién nacido, Aram) e incluso estuvo a punto de ser sometido a un consejo de guerra por su pacifismo. La novela no se publicó hasta 1946, ya concluido el conflicto y cuando ya se había extinguido la posibilidad de una represalia por parte del ejército estadounidense. Saroyan había desposado a la veinteañera Carol Marcus, de la que tuvo dos hijos, el futuro escritor Aram (1943-) y la futura actriz Lucy (1946-). Pero a finales de los años cuarenta la adicción a la bebida y al juego de Saroyan desunieron a la pareja, que tuvo que divorciarse. Ella se casó de nuevo con el actor Walter Matthau.


title: William Saroyan

text: En sus obras siguientes, "Un tal Rock Wagram" (1951) y "The Laughing Matter" (1953) se inspiró en sus propias experiencias de matrimonio, paternidad y divorcio. Desde 1958 en adelante, Saroyan vivió principalmente en París con "fines impositivos", aunque continuó manteniendo un hogar en Fresno (California), donde había nacido y se había criado. El elemento autobiográfico fue constante a lo largo de todo su trabajo, generalmente disfrazado de ficción; pero algunas de sus memorias posteriores, que consisten en viñetas y breves ensayos escritos principalmente en París y Fresno, poseen su propio valor duradero. Incluyen "Here Comes", "There Goes You Know Who" (1961), "Not Dying" (1963), "Days of Life and Death", "Escape to the Moon" (1971) y "Places Where I've Done Time" (1975). También publicó unas interesantísimas "Memorias", traducidas al español en 1995.


title: William Saroyan

text: Entre sus libros de cuentos destacan "El joven audaz sobre el trapecio volante y otros cuentos", "Tres veces tres", "Me llamo Aram" y "Chiquillos". De sus piezas teatrales sobresalen "La dulce melodía del amor", "Mi corazón está en las montañas", "Nacimiento decoroso en tierra verde" y "Gente maravillosa". En 1979, a los 71 años, publicó "Obituaries" sobre figuras que él había conocido. Más desconocido es su trabajo como dibujante y pintor del expresionismo abstracto. Falleció en el Hospital de Veteranos de Fresno (California) de cáncer y sus cenizas se dividieron entre Fresno y el Panteón de Komitas en Armenia.


title: Jun Matsumoto

text: Jun Matsumoto (松本 潤 "Matsumoto Jun") a menudo llamado MatsuJun, es un actor, cantante, nacido en el 30 de agosto de 1983, en el barrio de Toshima, dentro de Tokio. Matsumoto también es un galardonado actor y es principalmente conocido por su papel en la serie de "Hana Yori Dango", la primera temporada de Gokusen, "Bambino", "Kimi wa Petto", "Smile" , la tercera temporada de "Kindaichi Shonen no Jikenbo" y "shitsuren chocolatier". Matsumoto es un actor famoso en Japón, y Matsumoto ha recibido numerosos premios como actor y ha participado en numerosos dramas.


title: Jun Matsumoto

text: Es muy popular, ya que forma parte de la banda Arashi y además es el miembro más joven. Desde el debut del grupo en el año 1999, ha alcanzando un número de 66 singles, 18 discos de estudio, 1Ep, varios discos compilatorios, durante más de 10 años se han mantenido en las primeras posiciones de los ranking asiáticos y han batido varías veces el récord de ventas en Japón hasta la fecha.


title: Jun Matsumoto

text: Nacido en Tokio, Japón, Matsumoto es el segundo hijo, tiene una hermana dos años mayor, cuyo apoyo de KinKi Kids influyó en su decisión de unirse a Johnny's Entertainment en 1996. Envió su solicitud a la agencia el día de su graduación de la escuela primaria y recibió una llamada telefónica semanas más tarde del propio presidente, Johnny Kitagawa, invitándolo a asistir a un ensayo en lugar de la audición. Debido a esto, Matsumoto es considerado élite dentro de la agencia.


title: Jun Matsumoto

text: Matsumoto inició su carrera en Johnny's Entertainment el 17 de mayo de 1996, con tan solo 12 años, como bailarín de back-up para otros grupos, como la mayoría en la agencia antes de formar Arashi en 1999 con 16 años. Se graduó de Horikoshi Gakuen, una renombrada escuela secundaria conocida por sus muchos alumnos de artes escénicas, a la edad de 18 años con otros contemporáneos como Kyōko Fukada y Ai Kato a quien considera como su senpai de la escuela.


title: Jun Matsumoto

text: Jun entró a los Johnny's en 1996, a la edad de 12 años. Rellenó la solicitud con la que pediría una audición para entrar, pero después de unos días, recibió la llamada de Kitagawa quien le dijo que se reportara ya mismo para empezar a trabajar. Es decir, entró sin necesidad de audicionar.


title: Jun Matsumoto

text: En septiembre de 1999, a bordo del crucero que navegaría por las costas de Honolulu, Hawái, debutó en Arashi, siendo el más joven de los miembros.


title: Jun Matsumoto

text: Jun es conocido por tener habilidades en el plano de la actuación. Desde su debut ha estado altamente conectado con doramas como «Gokusen» y «Kimi Wa Petto» pero su rol más conocido es definitivamente el personaje Doumyoji Tsukasa, basado en el manga, Hana Yori Dango (2005). La serie fue tan exitosa que consiguieron realizar una segunda temporada al año siguiente y en el 2008 estrenaron la película Hana Yori Dango Final, que cerró el ciclo de la serie y fue muy exitosa en taquilla.


title: Jun Matsumoto

text: En el 2004 escribió la canción "La Familia" en honor al 5.º aniversario del grupo y la interpretó en el concierto del Iza, Now!.


title: Jun Matsumoto

text: En el 47o Golden Melody Awards, en Taiwán en el 2006, Jun, vestido con un traje gris, fue frecuentemente referido como "El Príncipe Encantador" por los reporteros taiwaneses. Doscientas fanes estaban en el aeropuerto el día en que llegó para recibirlo, y él dijo algunas cosas en mandarín cuando presentaba el premio al mejor director.


title: Jun Matsumoto

text: En el 2007 participa en Bambino! con el personaje principal, Ban Shogo, ganando con este el premio del 53o television drama academy awards al mejor actor.


title: Jun Matsumoto

text: En el 2008, Matsumoto se convirtió en un GQ Hombre del Año Japonés bajo la categoría de actor.


title: Jun Matsumoto

text: Fuera de su trabajo en Arashi o como actor, también fue coanfitrión de Utawara Hot Hit 10. Ahí presentó a artistas como Janet Jackson pero se hizo popular por sus peleas con Akanishi Jin, de KAT-TUN.


title: Jun Matsumoto

text: Jun es conocido en la banda por ser el que tiene una imagen «cool» y una actitud que aleja a la gente aunque Arashi ha admitido en muchas ocasiones que en realidad él es el más considerado de todos ellos y tiene una personalidad muy amable cuando se trata de sus amigos.


title: Jun Matsumoto

text: El 27 de enero de 2019, se anunció por parte del grupo a través de su agencia Johnny & Associates que Arashi haría un parón de sus actividades grupales a partir de finales de 2020. El grupo tomó esta decisión por petición de su líder Satoshi Ōno. El resto del grupo estuvo de acuerdo en probar diferentes vertientes de sus carreras por separado. Desde la fecha del anuncio hasta finales de 2020 se programó una gira de conciertos y actuaciones como despedida y agradecimiento a sus fanes.


title: Jun Matsumoto

text: El 31 de diciembre de 2019 estrenó la serie de Netflix “arashi’s diary VOYAGE”, donde se muestra a la banda detrás del escenario en todo lo que fue la preparación del anuncio, de la gira por ron 20 aniversario “5x20” y como enfrentó la banda la situación en Japón por el COVID19 que conllevó la cancelación de su programa para 2020, además de los preparativos para el disco “this is 嵐", el concierto en línea “arafes 2020” en el estadio nacional de Japón, y el concierto de despedida que será el 31 de diciembre de 2020.


title: Jun Matsumoto

text: El 3 de noviembre para el aniversario 21 de la banda se realizó de forma online el ARAFES 2020. Ese día la banda realizó una transmisión para su fan club antes del concierto, y lanzaron el disco “this is 嵐".


title: Jun Matsumoto

text: Se anunció además un concierto de despedida para el 31 de diciembre de 2020 en el que Matsumoto trabaja actualmente.


title: Jun Matsumoto

text: Matsumoto fue designado el "Líder de Comedia" de Arashi, pero ha perdido más o menos la imagen que se formó. En cierta época, fue conocido por su franqueza y lengua afilada, y denominado "DoS" ( "sádico extremo") por sus compañeros de banda y admitió abiertamente ser neurótico y metódico. A pesar de ello, todos los de Arashi han declarado que es la persona que más se preocupa por el propio grupo.


title: Jun Matsumoto

text: De pequeño solía desagradarle que lo tildan como el más inaccesible de la banda. Un dato curioso fue revelado por una antigua vecina; ella comentó que él a menudo era confundido con su hermana y eso provocaba que se molestara.


title: Jun Matsumoto

text: Matsumoto es un gran fan de la superestrella americana Janet Jackson. Él también es un fan de los actores de americanos Johnny Depp, Kevin Spacey, Leonardo DiCaprio y Brad Pitt y goza de kabuki. Es miope y generalmente lleva lentes de contacto en el escenario y la pantalla, pero vuelve a las gafas cuando no funciona. Ha expresado una profunda admiración por el presidente de su sello, Johnny Kitagawa, al que describe como la mayor influencia en su vida. También le gusta el surf y conduce por la playa solo cuando tiene tiempo libre.


title: Jun Matsumoto

text: Jun Matsumoto, junto con los otros miembros de Arashi dieron una entrevista muy divertida donde preguntaban quien era el que les parecía del grupo el que más seguían las mujeres y todos rápidamente voltearon a ver a Matsujun y este modestamente se levantó.


title: 1 m2

text: 1 m2 (o Un metro cuadrado) es el quinto álbum del grupo Jarabedepalo que salió a la venta el 7 de noviembre de 2004.


title: José Maceo

text: José Maceo, cuyo nombre completo era José Marcelino Maceo Grajales (2 de febrero de 1849, La Delicia, antigua provincia de Oriente, Cuba - 5 de julio de 1896, Loma del Gato, Santiago de Cuba) fue un militar y patriota cubano del siglo XIX.


title: José Maceo

text: José fue el tercero de los vástagos de la familia Maceo Grajales.


title: José Maceo

text: Con solo 19 años comienza su carrera militar en la Guerra de los Diez Años, ascendiendo desde soldado a coronel, grado que se le otorgó tras la Protesta de Baraguá.


title: José Maceo

text: Las personas que le conocieron o combatieron a sus órdenes, lo describían fornido y esbelto, de mirada dura y ceño adusto, con gran prestancia, dulce sonrisa y muy preocupado por el último de sus soldados. Era una persona jovial, sincera, desinteresada, presumida, de gran sensibilidad musical, en especial con la guitarra.


title: José Maceo

text: Sin embargo, otros opinan que a veces era muy temperamental y se enojaba con facilidad, lo que le llevó incluso a un duelo con Guillermón Moncada. En algunas ocasiones masacró a los prisioneros españoles y no escuchó a otros mambises que le pedían actuar de acuerdo a los códigos de honor .


title: José Maceo

text: Muy valiente, siempre el primero en la batalla, pero irascible y escaso de paciencia , fue José uno de los patriotas más contradictorios entre las filas cubanas .


title: José Maceo

text: El uso del fusil, el manejo del machete como arma para defenderse, la agilidad y destreza como jinete, la madurez de su pensamiento, fueron factores influyentes para que muy pronto se convirtiera en un verdadero guerrero. El desarrollo familiar sencillo, en el que la honradez, la honestidad y el amor a la libertad fueron presencia permanente, conformarían su personalidad.


title: José Maceo

text: De los Maceo Grajales fue el único que participó en las tres guerras por la independencia nacional y en ellas acumuló una extensa hoja de servicios y varias cicatrices en su cuerpo.


title: José Maceo

text: Ganó notoriedad y destaque militares, que le hicieron merecer el grado de general en abril de 1895. Como Antonio fue un activo participante en la campaña de Guantánamo y combatió en acciones como Rejendón de Báguanos.


title: José Maceo

text: Permaneció al lado de su hermano Antonio en la Protesta de Baraguá. Ni siquiera descansó su batallar revolucionario durante la llamada "Tregua Fecunda", pues fue de los cubanos que en el exterior no dejó de conspirar por la independencia y así se le vio participando activamente en el Plan de San Pedro Sula, de 1884 a 1886.


title: José Maceo

text: Junto a Antonio desembarcó por Duaba, para reiniciar la guerra necesaria. Nuevamente en la lucha. Sostiene numerosas acciones en la parte oriental de la ínsula.


title: José Maceo

text: Separado de sus compañeros tras el combate de Alto de Palmarito, atravesó maniguas y riachuelos hasta que logró contactar con los mambises guantanameros; se encontró luego con Martí, Gómez y los valientes que habían desembarcado por Playitas. El 25 de abril, batió una columna enemiga en Arroyo Hondo; tres días después, le impusieron las estrellas de mayor general. José y su hermano Antonio Maceo obtuvieron una importante victoria en la Batalla de Sao del Indio, el 31 de agosto de 1895.


title: José Maceo

text: Destierros, prisiones, persecuciones, intrigas, discriminación por el color de la piel le forjaron un recio carácter, que puso a prueba en las tres guerras de independencia donde se destaca su participación en alrededor de 800 combates.


title: José Maceo

text: Por los parajes orientales, bregando con su tropa, se encontraba José Maceo aquel 5 de julio de 1896 cuando se entabló férreo combate con fuerzas españolas. Poco tiempo después de iniciada la lucha, los soldados, estupefactos, vieron como el general se desplomaba de su caballo soltando el revólver que tenía en la diestra.


title: José Maceo

text: Mortalmente herido es atendido por su médico que no da esperanzas de vida. Pocas horas después fallece, dejando un gran vacío en las filas del Ejército Libertador. Tenía al morir 47 años. Por su fiereza en las guerras, fue y es conocido como el "León de Oriente".


title: José Maceo

text: Sus restos se encuentran sepultados en el Cementerio de Santa Ifigenia de la ciudad de Santiago de Cuba.


title: Njazi Kuqi

text: Njazi Kuqi (Kosovo, 25 de marzo de 1983), futbolista finlandés de origen kosovar. Juega de delantero y su actual equipo es el Atromitos FC de la Super Liga de Grecia.


title: Njazi Kuqi

text: Ha sido internacional con la selección de fútbol de Finlandia, ha jugado 9 partidos internacionales y ha anotado 5 goles.


title: Altamira (Tamaulipas)

text: Altamira es una ciudad del estado de Tamaulipas, México, conurbada con Tampico. Forma parte de la Zona Metropolitana de Tampico.


title: Altamira (Tamaulipas)

text: Esta ciudad está localizada al sureste del estado de Tamaulipas, formando parte de la Zona Metropolitana de Tampico, limitando al norte con el municipio de Aldama, al oeste con el municipio de González, al sur con los municipios de Ciudad Madero y Tampico, y al este con el golfo de México.


title: Altamira (Tamaulipas)

text: La ciudad de Altamira es la cabecera del Municipio de Altamira en las coordenadas . La altitud en la plaza principal y la parroquia santiago apóstol es de 8 msnm y cuenta con una extensión territorial de 1,665.53 km². documentada en Periódico Oficial del estado de Tamaulipas el lunes 26 de septiembre de 2016 página 11 del Programa de Ordenamiento Territorial


title: Altamira (Tamaulipas)

text: El municipio tiene una población de 269790 habitantes en el Censo 2020 pero la ciudad solo cuenta con 59.536%, la gran parte de la población del municipio de Altamira vive en Miramar que cuenta con 118.614 habitantes, ya que es la localidad que limita con los municipios de Tampico y Ciudad Madero.


title: Altamira (Tamaulipas)

text: Para el 2017 Existían 297 Asentamientos Humanos Urbanos. Incluye 178 Colonias, 118 Fraccionamientos y el fundo legal de la ciudad. En la zona urbana se ubican 8 ejidos: Laguna de la Puerta, Contadero, Miramar, nuevo Madero,fresnos, Vega de Esteros, La Pedrera, Villa de Altamira y Santa Amalia.


title: Altamira (Tamaulipas)

text: En la zona rural existen 79 Asentamientos Humanos Suburbanos. Se incluyen 35 Colonias, 12 Congregaciones y 32 ejidos, entre otros asentamientos.


title: Altamira (Tamaulipas)

text: El clima del Puerto de Altamira tiene un clima subtropical húmedo con una temperatura al año de un promedio de 24.4ºC, llegando a más de 30ºC durante el verano promedio y acercándose a los 10ºC durante el invierno promedio. La temperatura máxima registrada ha sido de 46ºC durante el 5 de mayo de 1999 y la temperatura mínima registrada ha sido de -4ºC durante el 27 de diciembre de 1983. Con una precipitación pluvial anual media de 1,000 mm.  En el año 1517 Francisco Hernández de Córdova trajo a los primeros grupos de españoles al área, dominada en ese entonces por nativos huastecos.


title: Altamira (Tamaulipas)

text: El crecimiento de la población entre los años 1980 y 1995 fue por encima de la media nacional, de 36,499 subió a 113,810, siendo una tasa de crecimiento anual de 7.87%.Se realizan actividades como la pesca, ganadería, la agricultura y la extracción de sal; la actividad más destacada es la industrial. El Puerto de Altamira, o Corredor Industrial, fue fundado el 1 de junio de 1985. Hoy en día ocupa el 2º lugar a nivel nacional por su manejo de carga y el 1º a nivel nacional en manejo de fluidos petroquímicos.


title: Altamira (Tamaulipas)

text: El Municipio de Altamira es recorrido por la carretera número 81 que cruza por su cabecera municipal. La longitud total de esta carretera es de 181.5 kilómetros. Existen 11 localidades ubicadas sobre la carretera federal y en cada una de estas existe el servicio de paradas oficiales de unidades de transporte de autobuses foráneos, los cuales conectan con el Municipio de Tampico, Victoria y Mante, entre otros.


title: Altamira (Tamaulipas)

text: Altamira se conecta también a través de la red de ferrocarriles de México, ruta Monterrey-Tampico, ésta toca las localidades de Chocoy, Cuauhtémoc, Cervantes, Colonias, y la Ciudad de Altamira con una longitud total dentro del Municipio de 71 kilómetros. La red de comunicaciones está integrada por una retransmisora de microondas denominada Las Palmas y se cuenta con televisión, radio en amplitud modulada (AM), servicio telefónico, administración de correos y telégrafos.


title: Altamira (Tamaulipas)

text: Principales atractivos turísticos:


title: Altamira (Tamaulipas)

text: En Altamira se encuentran las universidades privadas de mayor prestigio de la Zona Metropolitana de Tampico como el Instituto de Estudios Superiores de Tamaulipas (Anáhuac - IEST) de la Red de Universidades Anáhuac y el Tecnológico de Monterrey, Campus Tampico del Sistema Tecnológico de Monterrey, además del centro de investigación más importante del estado, el Centro de Investigación en Ciencia Aplicada y Tecnología Avanzada del Instituto Politécnico Nacional Unidad Altamira


title: Altamira (Tamaulipas)

text: También cuenta con algunas instituciones como:  Dentro de sus festividades sobresalen la conmemoración del aniversario de su fundación el día 2 de mayo y el 25 de julio día destinado al santo patrono de la parroquia "Santiago Apóstol". La música tradicional es el huapango por formar parte de la Región Huasteca. Contaba con un museo de piezas arqueológicas. Hace poco, apareció en sus poblados una cueva con más de 150 años de antigüedad en las cuales se informó desaparecieron la mayoría de las piezas. cuenta con el Instituto Tecnológico de Altamira.


title: Altamira (Tamaulipas)

text: Altamira Fútbol Club o "Estudiantes de Altamira" es un equipo de fútbol mexicano que juega en la Liga de Ascenso de México que tiene base en esta ciudad y juega sus encuentros en el Estadio Altamira. ( sin actividad en el estadio en la actualidad desde el 2019)


title: Shefki Kuqi

text: Shefki Kuqi (nacido el 10 de noviembre de 1976 en Vushtrri, Kosovo, Yugoslavia) es un exfutbolista finlandés de origen albano-kosovar. Él fue un delantero conocido más por su determinación que por su habilidad técnica. Es el hermano mayor de Njazi Kuqi.


title: Shefki Kuqi

text: Ha sido internacional con la selección de fútbol de Finlandia, ha jugado 52 partidos internacionales y ha anotado 6 goles


title: Altin Lala

text: Altin Lala (Tirana, Albania, 18 de noviembre de 1975), es un futbolista albanés. Juega de Mediocampista y su actual equipo es el Hannover 96 de la 1.Bundesliga.


title: Dieta (asamblea)

text: En política, una Dieta es una asamblea de deliberación formal de un Estado. La palabra deriva del latín medieval "dietas", con raíz en "dies" (día). El término es utilizado en este sentido debido a la regularidad con que se reunían tales asambleas.


title: Dieta (asamblea)

text: Las asambleas políticas de determinados países europeos actualmente llamadas Dieta variaron su denominación a lo largo de la Historia. En algunos de estos países, la Dieta reunía a los distintos estratos sociales (nobleza, clero, burguesía, etc.) con el rey, como en los "estados generales" de Francia, o las "Cortes" en Portugal.


title: Dieta (asamblea)

text: Las asambleas del Sacro Imperio Romano Germánico recibían la denominación de "Reichstag" (Dieta Imperial): Dieta de Augsburgo, Dieta de Núremberg, Dieta de Ratisbona, Dieta de Worms.