title: John Gielgud

text: Nació en South Kensington, Londres, tercero de los cuatro hijos y el menor de los tres varones de Frank Henry Gielgud (1860-1949) y su segunda esposa, Kate Terry-Gielgud, nacida Terry-Lewis (1868-1958). Los dos mayores eran Lewis, que llegó a ser en un alto funcionario de la Cruz Roja y la Unesco, y Val, que posteriormente fue un pionero del drama radiofónico de la BBC; su hermana Eleanor fue la secretaria de John durante muchos años. Por parte de su padre, Gielgud era de ascendencia lituana y polaca; su apellido deriva de Gelgaudiškis, una aldea en Lituania. Los condes Gielgud poseían el castillo de Gielgudziszki, en el río Niemen, pero sus propiedades fueron confiscadas tras su participación en un levantamiento fallido contra el gobierno ruso en 1830 o 1831. Jan Gielgud se refugió en Inglaterra con su familia; uno de sus nietos era Frank Gielgud, cuya abuela materna era una famosa actriz polaca, Aniela Aszpergerowa.


title: John Gielgud

text: Con su matrimonio Frank pasó a formar parte de los Terry, una familia con amplias conexiones teatrales. Su esposa, que estuvo en los escenarios hasta que se casó, era hija de la actriz Kate Terry, miembro de esta dinastía teatral que incluía a Ellen, Fred y Marion Terry, Mabel Terry-Lewis y Edith y Edward Gordon Craig. Frank no tenía ambiciones teatrales y trabajó toda su vida como corredor de bolsa en la City de Londres.


title: John Gielgud

text: En 1912, con ocho años, John ingresó en la escuela preparatoria Hillside en Surrey, como lo habían hecho sus hermanos mayores. Para un niño sin interés en el deporte se desenvolvió razonablemente bien en el críquet y el "rugby" en la escuela. En clase, odiaba las matemáticas, era regular en los estudios clásicos y destacaba en inglés y teología. Hillside alentó su interés en el teatro y desempeñó varios papeles protagonistas en producciones escolares, como el de Marco Antonio en "Julio César" y Shylock en "El mercader de Venecia".


title: John Gielgud

text: Después de Hillside, Lewis y Val habían obtenido becas para ingresar en las prestigiosas Eton y Rugby, respectivamente; al carecer de sus logros académicos, John no consiguió una beca. Lo enviaron como intrno a la Westminster School donde, como dijo posteriormente, tuvo acceso al West End «a tiempo de tocar los flecos del gran siglo del teatro». Vio actuar a Sarah Bernhardt, danzar a Adeline Genée y Albert Chevalier, o a Vesta Tilley y Marie Lloyd actuar en los "music hall". El coro de la escuela cantaba en los servicios que se celebraban en la abadía de Westminster, lo que atrajo su afición por el ritual. Demostró talento en el bosquejo, y durante un tiempo consideró la posibilidad de dedicarse al diseño escénico.


title: John Gielgud

text: Su padre lo llevaba de joven a conciertos, que le gustaban, a galerías y museos «en los que me aburría como una ostra». Sus padres eran unos entusiastas del teatro, pero no animaban a sus hijos a seguir una carrera como actores. Val Gielgud recordaba: «Nuestros padres no veían los escenarios como un medio de subsistencia, y cuando John mostró cierto talento para el dibujo su padre le explicó con detalle las ventajas de la oficina de un arquitecto». Al salir de Westminster en 1921, Gielgud persuadió a sus renuentes padres para que le permitieran tomar lecciones de teatro con el acuerdo de que si no era autosuficiente a los veinticinco años de edad, buscaría un puesto de oficina.


title: John Gielgud

text: A los diecisiete años ingresó en una escuela de teatro privada dirigida por Constance Benson, esposa del actor-director sir Frank Benson. En el primer día del muchacho en la escuela, lady Benson comentó sobre su torpeza física: «Dijo que caminé como un gato con raquitismo. Fue un duro golpe a mi presunción, lo cual fue algo bueno». Antes y después de incorporarse a la escuela actuó en varias producciones de teatro aficionado, y en noviembre de 1921 hizo su debut con una compañía profesional, aunque él no recibió remuneración. Desempeñó el papel de heraldo en "Enrique V" en el teatro Old Vic; solo tenía una línea de diálogo y, recordó más adelante, la dijo torpemente. Se mantuvo como extra durante el resto de la temporada en "El rey Lear", "Wat Tyler" y "Peer Gynt", pero con papeles sin diálogo. El primer compromiso significativo le llegó a través de su familia. En 1922, su prima Phyllis Neilson-Terry lo invitó a hacer una gira en la obra del dramaturgo J. B. Fagan "The Wheel", como suplente, figurante y ayudante de escena, invitación que aceptó. Un colega, reconociendo que el joven tenía talento pero carecía de técnica, lo recomendó a la Real Academia de Arte Dramático (RADA, por sus iniciales en inglés). Le concedieron una beca para la academia y recibió formación allí a lo largo de 1923 por Kenneth Barnes, Helen Haye y Claude Rains.


title: John Gielgud

text: El actor-director Nigel Playfair, un amigo de su familia, lo vio en una presentación estudiantil de la obra de J. M. Barrie "El admirable Crichton". Playfair quedó impresionado y le dio el papel del poeta-mariposa Felix en el estreno británico de "The Insect Play", de los hermanos Čapek. Gielgud dijo más tarde que hizo una mala representación del papel: «Me sorprende que la audiencia no me lanzara cosas.» Las críticas fueron discretas, aunque no hostiles a la obra; no atrajo al público y cerró después de un mes. Mientras continuaba sus estudios en la RADA, Gielgud apareció también en la obra de John Drinkwater "Robert E. Lee". Después de salir de la academia a finales de 1923 actuó una temporada de Navidad como Charley en "La tía de Carlos" en el West End, y luego se unió a la compañía de repertorio de Fagan en el teatro Oxford Playhouse.


title: John Gielgud

text: Estuvo en la compañía de Oxford en enero y febrero de 1924, desde octubre de 1924 hasta finales de enero de 1925 y en agosto de 1925. Desempeñó una gran variedad de papeles en obras clásicas y modernas, aumentando considerablemente su capacidad técnica durante este tiempo. El papel que más disfrutó fue el de Trofimov en "El jardín de los cerezos", su primera experiencia con Chéjov: «Fue la primera vez que salí al escenario sintiendo que quizás, después de todo, realmente podría ser actor».


title: John Gielgud

text: Entre las dos primeras temporadas de Oxford, en mayo de 1924 el productor Barry Jackson le dio el papel de Romeo junto a Gwen Ffrangcon-Davies como Julieta en el Regent Theatre de Londres. La producción no fue un gran éxito, pero los dos intérpretes se hicieron buenos amigos y trabajaron juntos con frecuencia a lo largo de sus carreras. En 1924 Gielgud hizo su debut en la gran pantalla como Daniel Arnault en la película muda de Walter Summers "Who Is the Man?". En mayo de 1925 la producción de Oxford de "El jardín de los cerezos" se trasladó al Lyric Theatre de Hammersmith donde volvió a representar el papel de Trofimov. Su distintiva voz llamó la atención y le permitió conseguir un trabajo para la radio de la BBC, que su biógrafo Sheridan Morley considera «un medio que hizo suyo a lo largo de setenta años.» Ese mismo año Noël Coward lo eligió como su suplente en su obra "The Vortex". Durante el último mes de la temporada del West End, Gielgud se hizo cargo del papel de Coward como Nicky Lancaster, el hijo adicto a las drogas de una madre ninfómana. Fue en palabras del propio Gielgud «un papel nervioso, histérico, que dependió mucho de la emoción». Le resultaba agotador actuar porque todavía no había aprendido a marcarse el ritmo, pero manifestó posteriormente que fue «un compromiso emocionante porque llevó a muchas cosas grandes después.»


title: John Gielgud

text: El éxito de "El jardín de los cerezos" llevó a lo que un crítico llamó un «boom de Chekhov» en los teatros británicos, y Gielgud fue uno de sus principales actores. Como Konstantin en "La gaviota" en octubre de 1925 impresionó al director ruso Theodore Komisarjevsky, que le dio el papel de Tusenbach en el estreno británico de "Las tres hermanas". La producción recibió críticas entusiastas y los grandes elogios que recibió por su actuación mejoraron su reputación como una estrella potencial. Le siguieron tres años de diversa fortuna, con éxitos en las producciones de la periferia, pero el estrellato en el West End era esquivo.


title: John Gielgud

text: En 1926, el productor Basil Dean le ofreció el papel protagonista en una dramatización de la novela superventas de Margaret Kennedy, "The Constant Nymph". Antes de que comenzaran los ensayos, Dean descubrió que Noël Coward, una estrella más importante que él, estaba disponible y le dio el papel. Gielgud tenía una concesión contractual obligatoria del papel, pero Dean tenía grandes influencias en el teatro británico. Intimidado, Gielgud aceptó el puesto de suplente, al tener la seguridad de que se haría con el papel protagonista de Coward cuando este, al que no le gustaba actuar en temporadas de larga duración, se fuera. El caso fue que Coward, que había estado trabajando en exceso, sufrió un colapso nervioso tres semanas después del estreno y Gielgud actuó como protagonista el resto de la temporada; la obra permaneció casi un año en Londres y luego salió de gira.


title: John Gielgud

text: Por entonces ya ganaba lo suficiente como para dejar la casa familiar e instalarse en un pequeño apartamento en el West End. Tuvo su primera relación romántica seria, viviendo con John Perry, un actor sin éxito y más tarde escritor, que continuó siendo su amigo toda la vida cuando finalizó su relación. Morley señala que, al igual que Coward, la principal pasión de Gielgud era el escenario; ambos hombres tenían flirteos ocasionales, pero se encontraban más cómodos como compañeros a largo plazo de «bajo mantenimiento» que no se obstaculizaron su trabajo y ambiciones teatrales.


title: John Gielgud

text: En 1928 hizo su debut en Broadway como el gran duque Alejandro en "The Patriot", de Alfred Neumann. La obra fue un fracaso, cerrando después de tan solo una semana, pero Gielgud gustó en Nueva York y obtuvo reseñas favorables de críticos como Alexander Woollcott y Brooks Atkinson. Tras su regreso a Londres protagonizó una serie de producciones de corta duración, como "Espectros" de Henrik Ibsen junto a Mrs. Patrick Campbell (1928) y "The Lady with a Lamp", de Reginald Berkeley (1929), junto a Edith Evans y Gwen Ffrangcon-Davies. También en 1928, actuó en su segunda película, "The Clue of the New Pin". Esta película, considerada como «la primera británica totalmente "talkie"», era una adaptación de un relato de misterio de Edgar Wallace; Gielgud interpretó a un joven canalla que comete dos asesinatos y casi un tercero antes de que él mismo sea asesinado.


title: John Gielgud

text: En 1929 Harcourt Williams, recientemente nombrado director de producciones del Old Vic, lo invitó a unirse a la compañía para la siguiente temporada. El Old Vic, situado en una zona pasada de moda de Londres al sur del Támesis, fue fundado por Lilian Baylis para ofrecer obras de teatro y óperas a una audiencia mayoritariamente de la clase obrera con entradas a precios económicos. Baylis pagaba a sus actores salarios muy modestos, pero el teatro era conocido por su incomparable repertorio de los clásicos, sobre todo Shakespeare, y Gielgud no era la primera estrella del West End que aceptaba una considerable bajada de sueldo para actuar allí. Fue, en palabras de Morley, un lugar para aprender la técnica de representar a Shakespeare y probar nuevas ideas.


title: John Gielgud

text: Durante su primera temporada en el Old Vic interpretó el papel de Romeo junto a Adele Dixon como Julieta, Antonio en "El mercader de Venecia", Cleonte en "El enfermo imaginario", el papel protagonista en "Ricardo II" y Oberón en "El sueño de una noche de verano". Su Romeo no fue bien recibido, pero como Ricardo II fue reconocido por los críticos como una autoridad indiscutible como actor de Shakespeare. El crítico del "Times" habló de su sensibilidad, fuerza y firmeza y calificó su actuación de «trabajo de auténtica distinción, no sólo en su comprensión del personaje, sino también en su control del lenguaje». Esa misma temporada fue elegido como Marco Antonio en "Julio César", Orlando en "Como gustéis", el césar en "Androcles y el león" y el papel protagonista en "The Man with the Flower in His Mouth", de Luigi Pirandello.


title: John Gielgud

text: En abril de 1930 terminó la temporada representando a Hamlet. La producción de Williams utilizó el texto completo de la obra, algo considerado como una innovación radical, ya que lo habitual en producciones anteriores era utilizar textos con numerosos y extensos recortes. La duración de la representación, de casi cinco horas, no disminuyó el entusiasmo del público, de los críticos, ni de los profesionales de los escenarios. La actriz shakespeariana Sybil Thorndike dijo: «Nunca esperé ver a Hamlet actuando como en los sueños de una misma ... He tenido una noche como si mis pies me llevaran a otra vida - mucho más real que la vida en la que vivo y me muevo, conmovida más allá de las palabras». La producción ganó tal reputación que el Old Vic comenzó a atraer a gran número de espectadores del West End. La demanda era tan grande que el reparto se trasladó al Queen's Theatre en Shaftesbury Avenue, en donde Williams llevó la obra con el texto discretamente recortado, con la intención de darle al papel protagonista aún más prominencia. El Hamlet de Gielgud fue muy elogiado por los críticos. Ivor Brown lo calificó «una actuación tremenda ... el mejor Hamlet [que yo he] experimentado». Por su parte, James Agate escribió: «No tengo la menor duda en decir que es el nivel máximo alcanzado en una actuación shakespeariana británica de nuestro tiempo».


title: John Gielgud

text: Hamlet fue un papel con el que se le asoció a lo largo de la década siguiente, y aún más. Al terminar la temporada en el Queen's Theatre, representó el otro papel por el que se hizo conocido, John Worthing en "La importancia de llamarse Ernesto". Su biógrafo, Jonathan Croall, considera que los dos papeles ilustran dos caras de la personalidad del actor: por un lado, el Hamlet romántico y conmovedor y, por otro, el ingenioso y superficial Worthing. El papel de la formidable Lady Bracknell fue interpretado por su tía, Mabel Terry-Lewis. "The Times" observó: «El señor Gielgud y la señorita Terry-Lewis juntos son brillantes ... tienen la suprema gracia de permitir siempre que Wilde hable con su propia voz».


title: John Gielgud

text: Volvió al Old Vic para la temporada 1930-1931, donde se encontró con varios cambios en la compañía. Donald Wolfit, que lo odiaba y que él mismo fue despreciado por sus colegas, fue cesado, al igual que Adele Dixon. Gielgud no estaba seguro de la idoneidad del nuevo y más reputado actor contratado, Ralph Richardson, pero Williams estaba seguro de que después de esa temporada Gielgud se marcharía, y vio a Richardson como un potencial reemplazo. Los dos actores tenían poco en común. Richardson recordó más adelante: «Él era una especie de mariposa brillante, mientras que yo era un tipo de muchacho muy sombrío», y «encontré sus ropas extravagantes, su conversación irreverente. Él era el Nuevo Joven de su tiempo y no me gustó.» La primera producción de la temporada fue "Enrique IV, 1.ª parte", en la que Gielgud, en el papel de Hotspur tuvo las mejores críticas. Las críticas de Richardson y la relación de ambos protagonistas mejoraron notablemente cuando Gielgud, que representaba a Próspero en "La tempestad", ayudó a Richardson con su papel como Calibán:


title: John Gielgud

text: Su amistad y su asociación profesional duró más de cincuenta años, hasta el final de la vida de Richardson. Esa temporada desempeñó otros papeles: Lord Trinket en "The Jealous Wife", de nuevo Ricardo II, Antonio en "Antonio y Cleopatra", Malvolio en "Noche de reyes", Sergius en "Arms and the Man", Benedick en "Mucho ruido y pocas nueces" —otro papel por el que se hizo famoso— y concluyó la temporada como rey Lear, cuya interpretación recibió opiniones encontradas. "The Times" comentó: «Es una montaña de una parte, y al final de la tarde la cima permanece sin escalar»; Sin embargo, en "The Manchester Guardian", Brown escribió que «es un rival para el trueno, y al final toma el camino de Dover con una tranquilidad quebrada que permitió que cada palabra de la agonía del rey fuera clara y conmovedora».


title: John Gielgud

text: De vuelta en el West End protagonizó "The Good Companions", de J. B. Priestley, con adaptación para el teatro de Edward Knoblock. La producción se mantuvo, desde mayo de 1931, durante 331 representaciones; Gielgud la describió como su primer verdadero sabor a éxito comercial. Interpretaba a Inigo Jollifant, un joven maestro que abandona la enseñanza para unirse a una compañía de teatro itinerante. Este éxito entre el público atrajo sin embargo la desaprobación de los críticos más estrictos, que consideraban que Gielgud debía hacer algo más exigente, pero él consideró que representar a un joven convencional conllevaba sus propios retos y le ayudó a mejorar su técnica. Durante la representación de la obra hizo otra película, "Insult" (1932), un melodrama sobre la Legión Extranjera Francesa, y protagonizó una versión cinematográfica de "The Good Companions" en 1933, junto a Jessie Matthews. Una carta a un amigo revela la visión de Gielgud sobre la actuación cinematográfica en general: «Se habla de mi para hacer de Inigo en la película "The Good Companions", que consterna mi alma, pero atrae a mi bolsillo. En su primer volumen de memorias, publicado en 1939, dedicó dos páginas a describir todo lo que detestaba del cine. A diferencia de sus contemporáneos Richardson y Laurence Olivier, hizo pocas películas hasta después de la Segunda Guerra Mundial, y no se afianzó como un actor de cine destacado hasta muchos años después de la guerra. Como dijo en 1994 «fui lo suficientemente estúpido como para sacudir la cabeza y quedarme en el escenario mientras veía a Larry y a Ralph firmar sus lucrativos contratos con Korda». En 1932 se inició en la dirección. A invitación de George Devine, presidente de la Oxford University Dramatic Society, Gielgud se hizo cargo de la producción de "Romeo y Julieta" de la sociedad, y contó con dos estrellas: Peggy Ashcroft como Julieta y Edith Evans como la nodriza; el resto del reparto eran estudiantes, encabezados por Christopher Hassall como Romeo, con Devine, Guillermo Devlin y Terence Rattigan. La experiencia le resultó satisfactoria: disfrutó de las atenciones de los estudiantes, tuvo un breve escarceo con uno de ellos, James Lees-Milne, y fue muy elogiado por su dirección inspiradora y el éxito de sus protegidos con la obra. Ya conocido por sus inocentes deslices cuando hablaba (él los llamaba «Gielgoofs»), en un discurso después de la última representación se refirió a Ashcroft y Evans como «Dos protagonistas, como las que espero no volver a encontrar nunca más».


title: John Gielgud

text: Durante el resto de 1932 actuó en una nueva obra, "Musical Chairs", de Ronald Mackenzie, y dirigió una obra nueva y una clásica, "Strange Orchestra", de Rodney Ackland en el West End, y "El mercader de Venecia" en el Old Vic, con Malcolm Keen como Shylock y Ashcroft como Porcia. Ese mismo año protagonizó "Richard of Bordeaux", de Elizabeth MacKintosh, un nuevo relato con lenguaje moderno de las actividades de Ricardo II, fue considerada como la obra histórica de mayor éxito desde la "Santa Juana" de Shaw nueve años antes, más fiel a los hechos de lo que había sido Shakespeare.] Tras unos inicios inciertos en el West End, rápidamente se convirtió en un éxito de ventas y actuó en Londres y en giras durante los tres años siguientes.


title: John Gielgud

text: Entre las representaciones de "Ricardo II", en 1934 volvió a incorporarse a "Hamlet" en Londres y en giras, dirigiendo y representando el papel protagonista. La producción fue un éxito de taquilla, y los críticos fueron pródigos en elogios. En el "The New York Times", Charles Morgan escribió: «Nunca antes había escuchado el ritmo, el verso y la naturalidad del habla tan suavemente combinados ... Si veo una interpretación mejor de esta obra que antes de morir, será un milagro». Morley escribió que los miembros más jóvenes del reparto, como Alec Guinness y Frith Banbury, se reunían entre bastidores cada noche «para ver lo que parecían ya intuir que iba a ser el Hamlet de su tiempo».


title: John Gielgud

text: Al año siguiente Gielgud representó la que quizás sea su producción más famosa de Shakespeare, un "Romeo y Julieta" que coprotagonizó con Ashcroft y Olivier. Gielgud había visto el potencial de Olivier y le había dado un ascenso importante en su carrera. Durante las primeras semanas de la producción Gielgud representó a Mercucio y Olivier a Romeo, tras lo cual intercambiaron los papeles. Como en Oxford, Ashcroft y Evans representaban a Julieta y a la nodriza. La producción rompió todos los récords de taquilla de la obra, manteniéndose en el New Theatre durante 189 representaciones. Olivier se enfureció al ver las críticas tras el estreno, que elogiaban la virilidad de su actuación, pero criticaban ferozmente su recitado de los versos de Shakespeare, en comparación con el dominio de la poesía de su coprotagonista. La amistad entre los dos hombres fue espinosa, por parte de Olivier, durante el resto de su vida. En mayo de 1936 interpretó a Trigorin en "The Seagull", con Evans como Arkadina y Ashcroft como Nina. El director fue Komisarjevsky, lo que hizo los ensayos difíciles con Ashcroft, con quien había estado viviendo y que acababa de dejarlo. No obstante, escribe Morley, la recepción de la crítica fue eufórica. Ese mismo año Gielgud actuó en su última película de antes de la guerra, "Secret Agent", de Alfred Hitchcock, coprotagonizada por Madeleine Carroll. La insensibilidad del director con los actores puso nervioso a Gielgud y aumentó su aversión al cine. Los dos protagonistas fueron elogiados por sus actuaciones, pero la «preocupación por el incidente» de Hitchcock fue considerada por los críticos el motivo de hacer los papeles principales unidimensionales, y los laureles recayeron en Peter Lorre que actuó como el perturbado asesino asistente de Gielgud.


title: John Gielgud

text: De septiembre de 1936 a febrero de 1937 representó "Hamlet" en América del Norte, empezando en Toronto antes de trasladarse a Nueva York y Boston. Estaba nervioso por actuar como protagonista en Broadway por primera vez, sobre todo cuando se supo que el popular actor Leslie Howard también iba a actuar allí en una producción rival de la obra. Cuando Gielgud estrenó en el Empire Theatre en octubre, las críticas fueron variadas, pero, como escribió el actor a su madre, la respuesta del público fue extraordinaria: «Se quedan al final y gritan cada noche y la puerta del escenario está acosada por los fans». La producción de Howard se estrenó en noviembre; era, en palabras de Gielgud, un fiasco, y la «batalla de los Hamlet» anunciada en la prensa neoyorquina había terminado casi tan pronto como había comenzado. La versión de Howard se cerró en un mes; la representación de la producción de Gielgud batió los récords de las representaciones en Broadway de la obra.


title: John Gielgud

text: Tras su regreso de América en febrero de 1937, protagonizó "He Was Born Gay", de Emlyn Williams. Esta tragedia romántica sobre la realeza francesa después de la Revolución fue muy bien recibida durante su gira previa a su estreno en Londres, pero fue ferozmente criticada cuando llegó al West End. "The Times" dijo: «Esta es una de esas ocasiones en las que la crítica no se dedica a hablar, sino que se frota los ojos y se retira apresuradamente con un rubor avergonzado, incrédulo e incomprensible. Que el Sr. Emlyn Williams escribiera esta obra o el Sr. Gielgud y Miss Ffrangcon-Davies aparezcan en ella es incomprensible.» La obra cerró después de doce representaciones. Este fracaso, tan poco después de sus triunfos con Shakespeare, le llevó a replantearse su carrera y su vida. Su relación con Perry era cómoda, pero no excitante, no veía futuro en una carrera cinematográfica y el Old Vic no podía permitirse organizar a gran escala obras de los clásicos a los que aspiraba. Así que decidió que debía formar su propia compañía para interpretar a Shakespeare y otras obras clásicas en el West End.


title: John Gielgud

text: Invirtió 5000 £, la mayor parte de sus ganancias obtenidas con "Hamlet" en América; Perry, que tenía dinero de su familia, puso la misma suma. De septiembre de 1937 a abril de 1938 Gielgud fue el inquilino del Queen's Theatre, donde presentó una temporada que consistió en "Ricardo II", "The School for Scandal" , "Las tres hermanas" y "El mercader de Venecia". Entre los miembros de su compañía estaban Harry Andrews, Peggy Ashcroft, Glen Byam Shaw, George Devine, Michael Redgrave y Harcourt Williams, con Angela Baddeley and Gwen Ffrangcon-Davies como invitadas. Sus propios papeles fueron el rey Ricardo, Joseph Surface, Vershinin y Shylock. Las actuaciones de Gielgud recibieron alabanzas de críticos y colegas. James Agate consideró su Ricardo II «probablemente la mejor actuación de una obra de Shakespeare en el escenario inglés actual». Olivier dijo que el Joseph Surface de Gielgud era «la mejor representación de comedia ligera que he visto, o veré siempre.»


title: John Gielgud

text: La empresa no perdió dinero, pero tampoco hizo mucho, y en julio de 1938 Gielgud volvió a las empresas convencionales del West End, en circunstancias poco convencionales. Dirigió "Spring Meeting", una comedia de Perry y Molly Keane, presentada por el productor Binkie Beaumont, por quien Perry acababa de dejar a Gielgud. De algún modo los tres hombres mantuvieron excelentes relaciones. En septiembre del mismo año actuó en la comedia sentimental de Dodie Smith "Dear Octopus". Al año siguiente dirigió y actuó en "La importancia de llamarse Ernesto" en el Queen's, con Evans interpretando a Lady Bracknell por primera vez. Se sintieron gratificados cuando Allan Aynesworth, que había interpretado a Algernon en el estreno de 1895, dijo que la nueva producción «consiguió la vistosidad y el ambiente correcto de forma precisa. ¡Todo es delicioso!»


title: John Gielgud

text: Al comienzo de la Segunda Guerra Mundial se ofreció como voluntario para el servicio activo, pero los servicios bélicos consideraron que los hombres de su edad (35 años) no serían reclutados durante al menos seis meses. El gobierno rápidamente llegó a la conclusión de que la mayoría de los actores harían un mejor servicio entreteniendo a las tropas y al público en general que sirviendo en las fuerzas armadas.


title: John Gielgud

text: Gielgud dirigió a Michael Redgrave en una producción londinense de 1940 de "The Beggar's Opera" para el Festival de Ópera de Glyndebourne. Resultó ser una producción caótica: la dirección de Gielgud confundió a su estrella, y cuando Redgrave perdió su voz tuvo que intervenir y cantar el papel lo mejor que pudo. Gielgud consideró que era necesario algo serio o incluso solemne durante el Blitz en Londres, donde la mayoría del entretenimiento que se ofrecía era desenfadado. Junto con Harley Granville-Barker y Guthrie reabrió el Old Vic con Shakespeare. Su rey Lear volvió a dividir a los críticos, pero su Próspero fue un éxito considerable; desempeñó el papel de forma muy diferente de su interpretación en la misma obra en 1930: en lugar de un «mago maníaco» su Próspero estaba, según Brown «muy lejos de la mezcla habitual de Papá Noel, un obispo colonial y el presidente de la Unión de Magos ... una imagen clara e impactante de un viril Renacimiento notable». Los críticos destacaron, entre los demás actores, las actuaciones de Jack Hawkins como Calibán, Marius Goring como Ariel, Jessica Tandy como Miranda y Alec Guinness como Fernando.


title: John Gielgud

text: Siguiendo el ejemplo de varios de sus compañeros del mundo del escenario, se unió a giras por campamentos militares. Presentó recitales de prosa y poesía, y actuó en un programa triple de obras cortas, incluidas dos del "Tonight at 8:30" de Coward, pero al principio consideró que actores menos refinados como Beatrice Lillie eran mejores que él a la hora entretener a las tropas. Regresó a la gran pantalla en 1940, en el papel de Disraeli en la película de Thorold Dickinson "The Prime Minister". En esta película moralista, representó la vida de este político entre los treinta y los sesenta años. No apareció en más películas durante los diez años siguientes; rechazó el papel de Julio César junto a Vivien Leigh en la película de 1945 basada en el "César y Cleopatra" de Shaw. Aunque era amigo íntimo de Leigh y Shaw se esforzó en persuadirlo para que desempeñara el papel, Gielgud sentía una gran aversión hacia el director, Gabriel Pascal. Finalmente César fue interpretado por un antiguo profesor suyo en la RADA, Claude Rains.


title: John Gielgud

text: Entre 1941 y 1942 trabajó continuamente: en el "Dear Brutus" de Barrie, en otro "La importancia de llamarse Ernesto" en el West End y de gira con "Macbeth". Volvió de nuevo, esta vez con mayor convicción que antes, a entretener a las tropas, alejándose de su hasta el momento estilo clásico para unirse a Lillie y Michael Wilding cantando un trío cómico. Su reposición de 1943 del "Love for Love" de William Congreve, primero en la gira y luego en Londres recibió elogios de los críticos. En 1944 recibió la visita de Ralph Richardson, a quien los gerentes del Old Vic habían pedido que formara una nueva compañía. No dispuesto a ocupar él solo el puesto, Richardson propuso un triunvirato de gestión formado por Gielgud, Olivier y él mismo. Gielgud declinó: «Sería un desastre, tendrías que pasar todo tu tiempo como árbitro entre Larry y yo». La temporada 1944-1945 para Beamunot en el Teatro Haymarket incluyó un Hamlet que muchos consideraron el mejor de su carrera. Agate escribió: «El señor Gielgud es ahora completamente y con autoridad el maestro de este tremendo papel ... Sostengo que este es, y probablemente siga siéndolo, el mejor Hamlet de nuestro tiempo». También en esta temporada se representaron "El sueño de una noche de verano", "The Duchess of Malfi" y la primera reposición importante de "El abanico de Lady Windermere" (1945). Estas representaciones consiguieron muchos elogios, pero en este momento de su carrera Gielgud estuvo algo eclipsado por sus viejos colegas. Olivier fue célebre por su reciente interpretación en la película "Enrique V" y junto a Richardson (con John Burrell como director en lugar de Gielgud) hicieron del Old Vic «el teatro más famoso del mundo anglosajón» según el crítico Harold Hobson.


title: John Gielgud

text: A finales de 1945 y principios de 1946 hizo una gira para la Entertainments National Service Association por el Medio y el Lejano Oriente con "Hamlet" y el "Un espíritu burlón" de Coward. Durante esta gira desempeñó a Hamlet en los escenarios teatrales por última vez. Hizo de Raskólnikov en una adaptación teatral de "Crimen y castigo", en el West End en 1946 y en Broadway el año siguiente. James Agate consideró que fue lo mejor que Gielgud había hecho hasta entonces, aparte de Hamlet. Entre estos dos trabajos recorrió América del Norte en "La importancia de llamarse Ernesto" y "Love for Love". Edith Evans estaba cansada del papel de Lady Bracknell y se negó a representarla; Margaret Rutherford desempeñó el papel con grandes alabanzas. Gielgud estaba muy solicitado como director, con seis producciones entre 1948 y 1949, entre las que estaba "La heredera" en 1949, cuando lo persuadieron en el último momento para dirigir a Richardson y a Ashcroft, para salvar lo que parecía una producción condenada; se llevaron a cabo 644 representaciones. Su último gran éxito de los años 1940 fue como Thomas Mendip en "The Lady's Not for Burning", que también dirigió. El elenco de Londres incluía a los jóvenes Claire Bloom y Richard Burton, que posteriormente se fueron con Gielgud cuando llevó la obra a los Estados Unidos al año siguiente.


title: John Gielgud

text: En el Royal Shakespeare Theatre de Stratford-upon-Avon hizo méritos para reclamar su posición como líder en la interpretación de obras de Shakespeare. Su frío e insensible Angelo en la producción de Peter Brook de "Medida por medida" (1950) mostró al público una forma nueva y natural de representar el papel. Continuó con otras tres producciones shakespearianas con Brook, que tuvieron una buena recepción. Su trabajo como director en el "Macbeth" de Richardson en el Festival de Stratford en 1952, tuvo mucho menos éxito, con malas críticas para el protagonista y peores para el director.


title: John Gielgud

text: En 1953 hizo su primera aparición en una película de Hollywood, "Julio César", de Joseph L. Mankiewicz, interpretando a Casio. Marlon Brando (Marco Antonio) estaba impresionado con él, y James Mason (Bruto) estaba desalentado por su habilidad, aparentemente sin esfuerzo, al actuar. Gielgud, por su parte, consideró que aprendió mucho de la técnica cinematográfica de Mason. Además disfrutó de su estancia de cuatro meses en California, algo no menos importante, como comenta Morley, por la distendida actitud existente allí respecto a la homosexualidad.


title: John Gielgud

text: De vuelta en Londres en 1953, se hizo cargo de la dirección del Lyric Theatre de Hammersmith, para una temporada clásica con representaciones de "Ricardo II", "The Way of the World" de Congreve, y "Venice Preserv'd" de Thomas Otway, dirigiendo la primera, actuando en la última y ambas cosas en la segunda. Sintiéndose demasiado viejo para Ricardo, le dio el papel al joven Paul Scofield; tanto el actor como la producción fueron un éxito de crítica y comercial. Durante la temporada Gielgud fue nombrado caballero.


title: John Gielgud

text: En la noche del 20 de octubre de 1953, Gielgud, por lo general muy discreto en sus relaciones de sexo ocasional, fue arrestado en Chelsea por "cruising" en un baño público. Hasta los años 1960, la actividad sexual de cualquier tipo entre hombres era ilegal en Gran Bretaña. El ministro del Interior, David Maxwell Fyfe, era un ferviente homófobo e instaba a la policía a arrestar a cualquiera que contraviniera las leyes victorianas contra la homosexualidad. Gielgud fue multado; cuando la prensa informara sobre el incidente, creyó que esta deshonra acabaría con su carrera. Cuando se publicó la noticia estaba en Liverpool con la gira previa al estreno en Londres de una nueva obra, "A Day by the Sea". Según el biógrafo Richard Huggett, Gielgud estaba tan paralizado por los nervios que la perspectiva de subir al escenario como de costumbre parecía imposible, pero sus compañeros de reparto, encabezados por Sybil Thorndike, le animaron:


title: John Gielgud

text: Su carrera estaba asegurada, pero el asunto afectó momentáneamente a su salud; sufrió un colapso nervioso algunos meses después. Nunca habló públicamente sobre el incidente, y fue rápidamente marginado por la prensa y educadamente ignorado por los escritores durante su vida. En privado hizo donaciones a grupos en favor de los derechos de los homosexuales, pero no los respaldó en público. En sus últimos años le dijo al actor Simon Callow: «Admiro a gente como tú e Ian McKellen por declararse homosexual, pero yo no puedo hacerlo».


title: John Gielgud

text: Entre diciembre de 1953 y junio de 1955 se concentró en dirigir y no subió a los escenarios. Sus producciones fueron desde una reposición de "La tía de Carlos" con John Mills hasta "El jardín de los cerezos" con Ffrangcon-Davies y "Noche de reyes" con Olivier. Su regreso los escenarios fue en una producción del "Rey Lear", que se vio muy dificultada por el vestuario y los decorados de Isamu Noguchi, que los críticos encontraron ridículos. Una reposición de "Mucho ruido y pocas nueces" con Ashcroft en 1955 tuvo una acogida mucho mejor; Philip Hope-Wallace en "The Manchester Guardian" la calificó «comedia shakespeariana por fin perfectamente realizada». En 1955 hizo su segunda aparición en una película de una obra de Shakespeare, interpretando a Clarence en "Richard III", dirigida por Olivier.


title: John Gielgud

text: Durante la segunda mitad de los años cincuenta, su carrera se encontraba estancada, alejada de las producciones de nuevas obras. El teatro británico se estaba alejando del glamur de las producciones de Beaumont del West End, orientándose hacia obras más vanguardistas. Olivier obtuvo un gran éxito en "The Entertainer", de John Osborne en 1957, pero Gielgud no estaba en sintonía con la nueva ola de escritores. Seguía teniendo demanda como shakespeariano, pero había pocos papeles nuevos adecuados para él. Dirigió y actuó como protagonista en la obra de Coward "Desnudo con violín" en 1956, que fue rechazada por los críticos como pasada de moda, aunque se representó durante más de un año. Hizo dos apariciones en el cine, haciendo un cameo en una escena cómica junto a Coward como candidato a mayordomo en la película de Michael Anderson "La vuelta al mundo en ochenta días" (1956), y como el padre de Elizabeth Barrett Browning en la adaptación de Sidney Franklin de "The Barretts of Wimpole Street" (1957). No consideró convincente su actuación como padre tiránico en la película, y confesó que solo lo hizo por sus elevados honorarios («me mantendrán por un par de años») y para mantener viva su imagen ante el público en América, donde llevaba sin actuar hacía más de cuatro años. En 1957 dirigió "Los troyanos" de Berlioz en el Covent Garden y desempeñó el papel de Próspero en el Drury Lane, pero la producción más importante de su carrera entre finales de los años 1950 y en los años 1960 fue su representación como único actor interpretando monólogos de obras de Shakespeare "The Ages of Man". Apareció por primera vez en 1956 y la representó cada año hasta 1967. Era una antología de soliloquios y sonetos shakespearianos compilada por George Rylands en la que Gielgud, vistiendo ropa moderna en un sencillo escenario, recitaba los versos añadiendo sus propios comentarios. La representó en toda Gran Bretaña, Europa continental, Australasia y los Estados Unidos, incluida una actuación en la Casa Blanca en 1965. Descubrió que actuar solo tenía sus ventajas: «No tienes ni idea de lo fácil que es sin Julieta. Cuando hay una hermosa chica sobre ti en un balcón, o acostada sobre una tumba con velas a su alrededor, naturalmente el público la mira a ella todo el tiempo, y Romeo tiene que realizar pausas para conseguir atención». Su interpretación en Broadway le valió un Premio Tony Especial en 1959, y una grabación sonora de 1979 recibió un . Hizo muchas otras grabaciones, antes y después de esta, incluidas diez obras de Shakespeare.


title: John Gielgud

text: Siguió intentando, sin mucho éxito, encontrar nuevas obras que le convinieran como actor, aunque su dirección de la primera obra de Peter Shaffer, "Five Finger Exercise" (1958), fue aclamada. Mientras estaba en Estados Unidos con la obra Shaffer, representó una reposición de "Mucho ruido y pocas nueces", esta vez con Margaret Leighton como Beatrice. La mayoría de los críticos de Nueva York elogiaron la producción, y todos elogiaron a los dos protagonistas. Hizo sus primeras actuaciones en televisión durante 1959, en la adaptación de "La versión de Browning", de Terence Rattigan, para la CBS, y la de "A Day by the Sea", de N. C. Hunter, para la ITV. En las siguientes cuatro décadas apareció en más de cincuenta obras para la televisión.


title: John Gielgud

text: A principios de los años 1960 tuvo más éxitos como director que como actor. Dirigió la primera representación londinense de la ópera de Britten "El sueño de una noche de verano" (1961) en el Covent Garden que, tanto la música como el reparto, recibieron críticas entusiastas, y "Big Fish, Little Fish", de Hugh Wheeler, en Broadway, obra por la que recibió un en 1961. Su actuación como Otelo en Stratford en el mismo año tuvo menos éxito; la producción de Franco Zeffirelli fue considerada pesada y Gielgud «singularmente falto de intensidad». Como Gáyev en "El jardín de los cerezos" tuvo buenas críticas, pero tanto su coprotagonista, Peggy Ashcroft en el papel de Ranévskaya, como la producción recibieron opiniones encontradas. Al año siguiente dirigió a Richardson en "The School for Scandal", primero en el Haymarket y luego en una gira norteamericana, a la que se unió en el papel de, según sus propias palabras, «el Joseph Surface más viejo del oficio».


title: John Gielgud

text: En 1962 conoció a Martin Hensler (1932-1999), un diseñador de interiores exiliado de Hungría. Era temperamental, y los amigos de Gielgud a menudo lo consideraban complicado, pero se convirtieron en una pareja estable y vivieron juntos hasta la muerte de Hensler. Influenciado por él, Gielgud trasladó su residencia habitual del centro de Londres a Wotton Underwood, en Buckinghamshire.


title: John Gielgud

text: Recibió una nominación al Óscar por su actuación como rey Luis VII de Francia en "Becket" (1964), con Richard Burton en el papel protagonista; Morley comenta: «Un papel menor pero llamativo, que tuvo una importancia considerable y duradera; su inigualable dignidad teatral puede mejorar mucho una película». En 1964 dirigió a Burton en "Hamlet" en Broadway. La actuación de Burton recibió críticas que iban desde cortés a hostil, pero la producción fue un éxito de taquilla y se realizó una película de ella. Finalmente Gielgud comenzó a tomar el cine en serio, por razones financieras y a veces artísticas, y le dijo a su agente que aceptara cualquier oferta cinematográfica razonable. Sus películas de mediados de los años 1960 fueron: como el escritor británico sir Francis Hinsley en "The Loved One", de Tony Richardson (1965), que Croall calificó como un desastre a pesar de la aclamación posterior, y la película de Falstaff de Orson Welles, "Campanadas a medianoche" (1966), que fue un fracaso en el aquel momento, pero desde entonces, según Morley, ha sido reconocida como «uno de las mejores, aunque más excéntrica, de todas las películas shakespearianas».


title: John Gielgud

text: Gran parte de su trabajo en los escenarios teatrales a finales de los años 1960 fue como director: "Ivanov", de Chéjov en el Phoenix Theatre en Londres y en el Shubert Theatre en Nueva York; "Half Way Up the Tree", de Peter Ustinov, en el Queen's Theatre, y "Don Giovanni" de Mozart en el Coliseum. En 1967 un papel potencialmente destacado como actor, el de obispo Nicolás en "The Pretenders" de Ibsen, se canceló en 1967 cuando Olivier, con quien debía coprotagonizar la obra en el National Theatre, se puso enfermo. Desempeñó a Orgón en "Tartufo" y el papel protagonista en la tragedia de Séneca "Edipo" durante la temporada 1967-1968 del National, pero según Croall ninguna resultó satisfactoria. Finalmente encontró un papel en una obra moderna que le convenía en la que podría ser aclamado: el de Director en la primera obra de teatro de Alan Bennett, "Forty Years On" (1968). Las críticas tanto de la obra como del protagonista fueron excelentes. En "The Daily Telegraph" John Barber escribió «Gielgud lo domina con una caricatura inesperada de un pedante remilgado, sus nobles rasgos difuminados con el fin de adquirir la apariencia de un pedante nervioso y fatuo. Del gran jerarca del teatro, una deliciosa creación cómica».


title: John Gielgud

text: Después de haber aceptado finalmente el cine, Gielgud apareció en seis películas entre 1967 y 1969. Su papel más importante fue el de lord Raglan en "The Charge of the Light Brigade", de Tony Richardson. Sus otros papeles, en películas como "Las sandalias del pescador", de Michael Anderson (1968), como papa ficticio, y como Leopold Berchtold en "Oh! What a Lovely War", de Richard Attenborough (1969), fueron papeles secundarios.


title: John Gielgud

text: En 1970 desempeñó otro papel moderno con el que tuvo gran éxito; actuó junto a Ralph Richardson en el Royal Court Theatre de Chelsea en "Home", de David Storey. La obra se desarrolla en los jardines de un asilo para pacientes mentales, aunque esto no está claro al principio. El crítico de la revista "Punch", Jeremy Kingston, escribió: La obra se trasladó al West End y luego a Broadway. En "The New York Times" Clive Barnes escribió: «Los dos hombres, examinando sombríamente el vacío de sus vidas, son John Gielgud y Ralph Richardson ofreciendo dos de las mejores actuaciones de dos carreras que han estado entre las más gloriosas del teatro de habla inglesa». El reparto original grabó la obra para televisión en 1972. En la primera mitad de la década actuó en siete películas y seis dramas televisivos. Morley describe su selección de papeles como aleatoria, pero elogia sus actuaciones en 1974 como viejo cardenal en "Galileo", de Joseph Losey y como el sirviente Beddoes en "Murder on the Orient Express", de Sidney Lumet. En una presentación de la BBC en 1971 de "Hassan", de James Elroy Flecker, Gielgud desempeñó el papel de califa y Richardson el de Hassan. El crítico de "The Illustrated London News" dijo que los televidentes «se estremecerían ante una actuación imponente de Gielgud, como un califa con toda la ronroneante belleza y crueldad de un gran leopardo dorado». En el teatro Gielgud dirigió la obra de Coward "Vidas privadas" y la de Somerset Maugham "The Constant Wife" (1973, Londres y 1974, Nueva York). Su última producción como director fue "The Gay Lord Quex", de Arthur Wing Pinero (1975).


title: John Gielgud

text: Continuó su prolongada asociación con Richardson en la obra de Harold Pinter "No Man's Land" (1975), dirigida por Hall en el National. Richardson interpretó a Hirst, un autor próspero pero aislado y vulnerable y Gielgud fue Spooner, un gorrón oportunista venido a menos. Hall encontró la obra «extremadamente graciosa y extremadamente deprimente». Fue un éxito de crítica y de taquilla y, durante un período de tres años, se representó en el Old Vic, en el West End, en el Lyttelton Theatre del nuevo complejo del National Theatre, en Broadway y en la televisión. Su actuación en la obra de Julian Mitchell "Half-Life" (1977) en el National, fue calurosamente elogiada por los críticos; repitió el papel en el Duke of York's Theatre en el West End en 1978 y en la gira del año siguiente.


title: John Gielgud

text: En la última parte de la década trabajó más para el cine y la televisión que en los escenarios teatrales. Entre su producción cinematográfica se encuentra lo que Morley califica como «su aparición profesional más desconcertante»: "Calígula" (1979), una película con guion de Gore Vidal situada en la antigua Roma, que incluye escenas pornográficas. En sus otras diez películas de este período, su papel más importante fue el de Clive Langham en la película de Alain Resnais "Providence" (1977). Gielgud dijo que fue «de lejos, la película más emocionante que he hecho». Ganó un premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York por su actuación como un escritor enfermo y malhumorado recluido en su habitación «borracho la mitad del tiempo ... arrojando botellas y despotricando un montón de diálogo muy grosero». Entre sus otros papeles están el de director del Eton en la película de Jack Gold "Ases del cielo" (1976) y de Tomlinson en "El factor humano" (1979), de Otto Preminger. Enre sus papeles para la televisión están el de lord Henry Wotton en "El retrato de Dorian Gray" (1976), de Juan de Gante en "Ricardo II" (1978) y como coro en "Romeo y Julieta" (1978).


title: John Gielgud

text: En la década de 1980 apareció en más de veinte películas. Morley destaca como notables sus papeles en "El hombre elefante" (1980), como director del Royal London Hospital, "Chariots of Fire" (1981), como profesor del Trinity College, "Gandhi" (1982), como Lord Irwin (las dos últimas obtuvieron el ), "The Shooting Party" (1984) y "Plenty" (1985), dirigidas por David Lynch, Hugh Hudson, Richard Attenborough, Alan Bridges y Fred Schepisi, respectivamente. "Wagner" (1983), de Tony Palmer, fue la única película en la que Gielgud, Richardson y Olivier representaron escenas juntos. Gielgud hizo breves apariciones en películas de poco mérito, aportándoles distinción sin dañar su propia reputación. Le dijo a un entrevistador: «Me pagan muy bien por dos o tres días de trabajo al mes, así que ¿por qué no? Es muy agradable a mi edad poder viajar por todo el mundo a expensas de otros».


title: John Gielgud

text: Su actuación cinematográfica de mayor éxito de la década fue la comedia de Steve Gordon, "Arthur" (1981), protagonizada por Dudley Moore como un "payboy" autocomplaciente y en la que Gielgud interpretó a Hobson, su mayordomo. Dejó el papel dos veces antes de aceptarlo, nervioso tras la debacle de "Calígula", a causa del lenguaje subido de tono utilizado por el mordaz Hobson. Ganó un y otros premios por su actuación en este papel. No valoraba muchos los premios y evitaba las ceremonias de presentación siempre que podía: «Realmente detesto las tontas felicitaciones mutuas y las odiosas comparaciones que evocan».


title: John Gielgud

text: Durante los años 1980 desempeñó diecinueve papeles para la televisión, como el de Edward Ryder en una adaptación en once episodios de la novela de Evelyn Waugh "Retorno a Brideshead" en 1982; "The Times" dijo que dotó al papel de «una desoladora y calculada maldad que sostiene por sí solo casi los dos primeros episodios». Al final de la década interpretó a un periodista desenfadado, Haverford Downs, en una adaptación de la novela "Summer's Lease", de John Mortimer, papel con el que ganó un tras su difusión en Estados Unidos en 1991.


title: John Gielgud

text: Su última actuación en el West End fue en "The Best of Friends" (1988), de Hugh Whitemore, en la que interpretó a Sir Sydney Cockerell, director del Museo Fitzwilliam, en una representación de la amistad entre Cockerell, Bernard Shaw y Laurentia McLachlan, una monja benedictina. Gielgud tuvo problemas para aprender sus diálogos; en una actuación casi se olvidó, momentáneamente distraído al ver en un ejemplar de 1938 de "The Times" que leía su personaje, una crítica de su interpretación de Vershinin en "Las tres hermanas" cincuenta años antes.


title: John Gielgud

text: En 1990 apareció en la película dirigida por James Scott "Strike It Rich", adaptación de una novela de Graham Greene protagonizada por Molly Ringwald y Robert Lindsay. Ese mismo año hizo su última aparición en un papel protagonista, interpretando a Próspero en "Prospero's Books", una adaptación de Peter Greenaway de "La tempestad" de Shakespeare. Las críticas de la película fueron variadas, pero la actuación de Gielgud en uno de sus papeles distintivos fue muy elogiada. Continuó trabajando en la radio, como lo había hecho durante toda su carrera; Croall enumera más de cincuenta producciones rediofónicas de la BBC de las obras de teatro protagonizadas por Gielgud entre 1929 y 1994. Para celebrar su nonagésimo cumpleaños, interpretó a Lear por última vez; para la emisión en la BBC Kenneth Branagh reunió a un reparto que incluyó a Judi Dench, Eileen Atkins y Emma Thompson como hijas de Lear, con actores como Bob Hoskins, Derek Jacobi y Simon Russell Beale en papeles secundarios. Hizo más apariciones apariciones breves en la televisión y el cine en películas como "Hamlet", adaptada, dirigida y protagonizada por Branagh (como rey Priam, 1996), "Dragonheart" (como la voz del rey Arturo, 1996), y "Shine" (como Cecil Parkes, 1996). Su último largometraje fue como el papa Pío V en "Elizabeth" (1999), de Shekhar Kapur. En el 2000 tuvo un papel sin diálogo junto a Pinter en una adaptación al cine de la obra de teatro breve de Beckett "Catastrophe", dirigida por David Mamet.


title: John Gielgud

text: Su compañero, Martin Hensler, murió en 1999, tras lo cual Gielgud entró en un declive físico y psicológico; murió en su casa en mayo del año siguiente, a los 96 años de edad. A petición suya no hubo servicio en su memoria, y su funeral en la iglesia parroquial de Wotton fue privado, solo para la familia y amigos cercanos. Sus cenizas se esparcieron en el jardín de rosas de su casa, donde ya fueran esparcidas, tras su muerte el año anterior, las de su compañero durante cuarenta años, Martin Hensler.


title: John Gielgud

text: Los honores estatales que le concedieron fueron Knight Bachelor (Reino Unido, 1953), Legión de Honor (Francia, 1960), Compañeros de Honor (Reino Unido, 1977) y Orden del Mérito (Reino Unido, 1996). Fue galardonado con títulos honoríficos por las universidades de Saint Andrews, Oxford y Brandeis.


title: John Gielgud

text: De 1977 a 1989 fue presidente de la Real Academia de Arte Dramático (un puesto simbólico) y fue el primer miembro honorario de la academia (1989). En 1996 el Globe Theatre en la avenida Shaftesbury fue renombrado Teatro Gielgud; hacía ocho años que no subía a los escenarios teatrales y se sentía fuera de contacto con el West End: comentó sobre el cambio de nombre del teatro «Por fin hay un nombre en los carteles de la Avenida que realmente reconozco, aunque sea el mío».


title: John Gielgud

text: No estaba interesado en la religión o la política. De niño se había sentido fascinado por los rituales de la abadía de Westminster, pero su breve atracción por la religión se desvaneció rápidamente y, como adulto, fue ateo. Su indiferencia por la política se pudo comprobar en una cena de etiqueta poco después de la Segunda Guerra Mundial cuando le preguntó a otro de los asistentes: «¿Dónde estás viviendo ahora?», sin saber que hablaba con el primer ministro, Clement Attlee, quien respondió: «En el número 10 de Downing Street». En su entrada en el "Who's who" del Reino Unido, Gielgud indicó como sus pasatiempos la música y la pintura, pero su concentración en su trabajo, que Emlyn Williams calificó de fanática, dejó poco margen para las actividades de ocio. Su dedicación a su arte no fue solemne. El crítico Nicholas de Jongh escribió que su personalidad era «una diversión infinita y traviesa», y Cole Lesley, biógrafo de Coward, recordó el placer de la compañía de Gielgud «las palabras saliendo de su boca en una avalancha, con frecuencia limpiando sus propias lágrimas de risa ante la gracia de los desastres que relataba, desastres siempre contra sí mismo».


title: John Gielgud

text: Junto con Richardson y Olivier, fue reconocido internacionalmente como una de «la gran trinidad de caballeros teatrales» que dominaron los escenarios británicos durante más de cincuenta años durante mediados y finales del siglo XX. Por el 95.º cumpleaños de Gielgud, el crítico Michael Coveney escribió:


title: John Gielgud

text: En un obituario en "The Independent", Alan Strachan, que había sido crítico con su trabajo para el cine, la radio y la televisión, concluyó «como escribió al final de "An Actor and his Time" (1979), vio el teatro como 'más que una ocupación o una profesión; para mí ha sido una vida'».


title: Camarzana de Tera

text: Camarzana de Tera es un municipio y localidad española de la provincia de Zamora y de la comunidad autónoma de Castilla y León.


title: Camarzana de Tera

text: Pertenece a la comarca de Benavente y Los Valles y, según los datos oficiales (INE 2019), cuenta con una población de 776 habitantes. El municipio tiene una superficie de 47,62 km²


title: Camarzana de Tera

text: Los vestigios más antiguos del pueblo se remontan a la Edad de Hierro, en la que el pueblo se asentaba en una zona elevada y muy protegida llamada “El Castro”, reiterando con este topónimo su identificación arqueológica. De las excavaciones arqueológicas llevadas a cabo, se han encontrado multitud de vasijas de cerámica y los cimientos de las típicas pallozas celtas, de forma circular. Tipológicamente presenta las características típicas de los asentamientos castreños enclavados en zonas no montañosas y relacionadas con los valles de los ríos, como pueden ser los de “La Corona-El Pesadero” en Manganeses de la Polvorosa, "La Sinoga-Los Cuestos de la Estación” en Benavente o la propia ciudad de Zamora.


title: Camarzana de Tera

text: El castro, como primitiva población, dejó paso a una nueva villa romana asentada a su abrigo. De esta época aún aparecen multitud de fragmentos de mosaicos romanos así como restos de infraestructuras urbanísticas como adoquines de calles o alcantarillado.


title: Camarzana de Tera

text: En la Edad Media, el territorio en el que se asienta Camarzana quedó integrado en el Reino de León, cuyos monarcas habrían emprendido la repoblación del pueblo. En esta época, a través de las crónicas del monasterio de la población vecina de Santa Marta de Tera, tenemos constancia de la existencia de un pujante monasterio llamado "de San Miguel" que tuvo una gran actividad y que sufrió destrozos en el paso de Almanzor hacia Santiago de Compostela. Pero este monasterio no fue abandonado en estas fechas sino unos treinta años más tarde, ya que siguió recibiendo donaciones y la causa de su declive se debe más bien a las revueltas de ciertos personajes influyentes que terminaron expoliando a los monasterios pertenecientes a la diócesis de Astorga, a la cual pertenecía el monasterio de San Miguel de Camarzana. Lo más relevante de este monasterio, es la existencia de un scriptorium, en el que una comunidad de monjes dirigidos por Emeterio (autor del Beato de Girona) se dedicaron al copiado e ilustración de los códices medievales que se prestaban los monasterios, entre los que no faltaba una copia del libro de Beato de Liébana. El colofón que Emeterio hace en el Beato de Girona donde aparecen los nombres de Fernando Flaginiz y Ecta Vitas (personajes vinculados a donaciones al monasterio de Camarzana) es suficiente prueba para pensar que aquí también se escribió, al igual que en San Salvador de Tábara, el Beato de Girona ya que también pudo colaborar la monja Eude con sus ilustraciones.


title: Camarzana de Tera

text: En la Edad Moderna, Camarzana fue una de las localidades que se integraron en la provincia de las Tierras del Conde de Benavente y dentro de esta en la receptoría de Benavente.


title: Camarzana de Tera

text: No obstante, al reestructurarse las provincias y crearse las actuales en 1833, Camarzana pasó a formar parte de la provincia de Zamora, dentro de la Región Leonesa, quedando integrada en 1834 en el partido judicial de Benavente.


title: Camarzana de Tera

text: Integrado en la comarca de Benavente y Los Valles, se sitúa a 71 kilómetros de la capital provincial. El término municipal está atravesado por la autovía de las Rías Bajas A-52 y la carretera nacional N-525 entre los pK 24 y 33.


title: Camarzana de Tera

text: El relieve del municipio es predominantemente llano al estar definido por el valle del río Tera, que discurre por el sur del territorio de oeste a este. La altitud del municipio oscila entre los 785 metros y los 702 metros. El pueblo se alza a 731 metros a los pies de una colina llamada "El Castro" (777 m).  El pueblo dispone de dos zonas claramente delimitadas y ricas en fauna y flora; por un lado el monte, donde predomina la encina con todo su cortejo (retamas, jara, tomillo) y se puede encontrar una gran variedad de pequeños mamíferos, como el conejo o la liebre. Gracias al aislamiento provocado por la construcción de la autopista A-52, los venados de la cercana sierra de la Culebra se han estabilizado en la zona. También se ha recuperado el cernícalo.


title: Camarzana de Tera

text: El bosque de ribera de las orillas del río alberga una flora exuberante de alisos y fresnos unida a un curso de agua cambiante que pasa de tranquilos remansos a pequeños rápidos, para delicia de los oídos. La población de pájaros cantores es abundante y no faltan tampoco poblaciones de patos migratorios.


title: Camarzana de Tera

text: Desgraciadamente, la fauna fluvial está prácticamente extinguida debido a la construcción de varias presas en el curso alto del río, lo que ha ocasionado una alteración antinatural de la temperatura del agua, con la imposibilidad de que los huevos de los peces eclosionen y así, poco a poco, han ido desapareciendo las poblaciones de trucha común, barbos o bogas que no hace muchos años hacían las delicias de todos los pescadores de la zona.


title: Camarzana de Tera

text: La densidad poblacional es de 17,62 habitantes/km². Analizando los datos existentes desde 1900, año en el que Camarzana contaba con 1366 habitantes, la población alcanza su máximo en 1950, cuando llega a los 1788. Desde entonces, siguiendo la tónica general de las zonas rurales en España, la población ha ido descendiendo. Entre 1986 y 2004, el municipio perdió el 26 % de su población. Entre 2004 y 2007 se produjo una leve recuperación, pero que a día de hoy no se mantiene pues el municipio va perdiendo población cada año. (INE).


title: Camarzana de Tera

text: Además de la localidad de Camarzana de Tera, el municipio está formado por otros tres núcleos de población: Santa Marta de Tera, San Juanico el Nuevo y Cabañas de Tera. Fueron municipios independientes hasta mediados del siglo XIX.


title: Camarzana de Tera

text: El actual padrón municipal de habitantes muestra el siguiente resumen numérico de población:La localidad de Camarzana de Tera, sin tener en cuenta las otras localidades de las que está formado el municipio, tiene actualmente 444 habitantes, de los cuales 219 son hombres y 225 son mujeres.


title: Camarzana de Tera

text: Deben destacarse dos elementos arquitectónicos de gran interés: su iglesia parroquial, que aloja en su interior un bello retablo barroco y su ermita de la Trinidad en la que, a pesar del expolio, podemos admirar un bello retablo.


title: Camarzana de Tera

text: Mención aparte merece su arquitectura rural tradicional que aún conserva algunas muestras de casas de adobe y tapial con prácticos balcones de madera en la fachada y corredores también de madera en la parte posterior. En el año 2007 se llevaron a cabo unas excavaciones arqueológicas que descubrieron unos mosaicos romanos en un solar del pueblo. Actualmente estos mosaicos forman parte de la villa romana de Orpheus. Dispone de visitas guiadas diarias de 12 a 14 horas, este horario se amplía en temporada de verano y los fines de semana.


title: Camarzana de Tera

text: Merece destacarse la Fiesta de la Trinidad, que se celebra en la ermita de su nombre y que data del siglo XVII; en ella, además de las ceremonias religiosas, los cofrades ofrecen a todos los asistentes el típico pan, queso y de la zona, que es degustado a la sombra de los fresnos y chopos que rodean a la ermita. Se celebra a finales de mayo o principios de junio, dependiendo de la fecha de la Semana Santa.


title: Camarzana de Tera

text: La fiesta patronal de La Asunción, el 15 de agosto, aún conserva algunos vestigios tradicionales del pasado, como la Procesión de la Asunción que recorre el día 15 las calles del pueblo y la de San Roque, al día siguiente, como agradecimiento a la cura de la peste bubónica, que se remonta a épocas medievales.


title: Camarzana de Tera

text: En cuanto a su gastronomía, merecen destacarse algunas recetas tradicionales relacionadas con los productos de la zona y de gran tradición familiar.


title: Camarzana de Tera

text: Una de estas recetas es el hígado de cerdo asado a la brasa: en la matanza del cerdo, una vez que se le extraía el hígado, este era asado en la brasa de la encina, se le rehogaba con aceite de oliva, vinagre y sal y, acompañado de un vaso de vino, se servía como aperitivo antes de la comida tradicional de la matanza.


title: Camarzana de Tera

text: Otra de las recetas asociadas a la matanza es un postre que actualmente resulta un poco fuerte, pero que para otras épocas era muy energético y necesario, dado el duro trabajo que se realizaba: los "cuscarones". Se elaboraban con manteca de cerdo, harina, agua y miel. Se mezclaba el agua y la manteca y cuando estaban muy calientes, se les añadía harina lentamente removiendo constantemente para evitar grumos; una vez que se espesaba se añadía la miel para darle un sabor dulce y se servía el postre muy caliente.Antiguamente con la llegada del verano aparecían una serie de faenas agrícolas relacionadas con los cereales (trigo, cebada o centeno). Esta faena pasaba por varias fases, todas ellas recogidas en la tradición literaria y musical de la zona. Se comenzaba por la siega de los cereales en las tierras, le seguía el acarreo (en carros de madera tirados por vacas) ya en las eras el trigo se disponía en grandes medas hasta que comenzase la trilla en la que se empleaban no solo a las vacas sino también a caballos, mulas e incluso burros. Una vez trillado, se emparvaba y se esperaba a que llegase el viento para limpiar la parva y separar así el trigo de la paja. La faena de la era se terminaba cuando la paja era llevada a los pajares para el sustento de la ganadería o para servir simplemente de cálida cama a los animales en los fríos inviernos.Otra de las tradiciones, aún conservada, es la vendimia. El pueblo dispone de un número considerable de viñas aunque no hay una variedad predominante, por lo que no podemos hablar de un selecto aunque si ecológico y artesanal debido a su composición y elaboración. Antiguamente la vendimia se realizada en talegones de mimbre en los que se recogía la uva que era transportada al lagar de las bodegas excavadas manualmente en los barreros que rodean al pueblo. Una vez extraído el mosto, se introducía en grandes cubas de roble y allí junto con los rabos y casullos de la uva se dejaba fermentar hasta que una vez reposado y perdido su dulzor se comenzaba a consumir como vino joven para alegrar las largas veladas invernales, las felices celebraciones familiares (bodas, bautizos...) así como también estaba presente en las tristes despedidas de los seres queridos (quizás por el dicho de olvidar las penas).Otra de la tradiciones que aún se conserva en Camarzana de Tera es la matanza del cerdo. Esta era una faena que implicaba a todos los miembros de la familia, desde el abuelo hasta el más pequeño y también era un motivo para reunir a todos los familiares ya que no solo participaban los más cercanos sino que también los tíos, primos y parientes. Incluso los vecinos eran invitados a tal esperado festín. Las matanzas comenzaban cuando las primeras heladas hacían su aparición, a mediados de noviembre y se extendían hasta principios de febrero. Una vez que el cerdo era amarrado a un banco de madera y sujetado por los hombres más fuertes, el matarife con su cuchillo cumplía con su función de una manera impecable y la sangre era recogida en un barreño ya que era uno de los condimentos de múltiples platos.


title: Camarzana de Tera

text: Una vez muerto el cerdo, era chamuscado con "encaños" de pajas de centeno que se habían hecho en la época de la trilla; seguidamente se lavaba empleando para ello tejas y agua muy caliente. Por fin el cerdo se abría y se extraía el interior que se guardaba en baldes para proceder a su lavado para conseguir las tripas donde se envasarían los chorizos. El cerdo era expuesto durante 24 horas en un cuarto frío y al día siguiente se le deshacía, separando las diferentes partes para su consumo inmediato o posterior: jamones, espalda, espinazo, orejas, etc. Con la carne se elaboraban los "chichos" con pimentón, ajo, orégano y agua, que servía para envasarlos en tripas y elaborar el tradicional chorizo zamorano. Los jamones se salaban y se consumían llegado el verano. Aún quedaba otra faena que era la de deshacer la manteca, faena que se realizaba en una gran caldereta de cobre colgada, puesta sobre el fuego en la que se añadía parte del tocino del cerdo. Una vez extraída la grasa, ésta se almacenaba en barreños y servía como condimento de la mayor parte de las recetas culinarias tradicionales (desde las sopas de patatas de los desayunos hasta las sopas de ajo de la cena).


title: Camarzana de Tera

text: El alcalde de Camarzana de Tera José Luis Uña del Amo perteneciente al PP. En el ayuntamiento, este partido tiene 4 concejales, el PSOE 3.


title: Camarzana de Tera

text: RESUMEN DEL ESCRUTINIO DE CAMARZANA DE TERA: Escrutado: 100 % Concejales totales: 7 Votos contabilizados: 518 /76,74 %


title: Camarzana de Tera

text: Abstenciones: 157 /23,26 % Votos nulos: 9 /1,74 %


title: Camarzana de Tera

text: Votos en blanco: 5 /0,98 %


title: Camarzana de Tera

text: CONCEJALES,VOTOS Y PORCENTAJE POR PARTIDOS EN CAMARZANA DE TERA:


title: Camarzana de Tera

text: PP 4 / 234 / 45,97 %


title: Camarzana de Tera

text: PSOE 3 / 223 / 43,81 %


title: Camarzana de Tera

text: AHORA DECIDE 0 / 47 / 9,23 %


title: Camarzana de Tera

text: Camarzana de Tera cuenta con varios servicios públicos y privados destacados que lo convierten en un pequeño núcleo de la zona.  Actualmente el pueblo es una comunidad agrícola-ganadera y de servicios que sufre, como todos los núcleos rurales de la zona una despoblación progresiva. Algunos indicios de recuperación económica a través de las subvenciones a ciertos productos agrícolas y ganaderos unidos al turismo de temporada han comenzado a reactivar su economía.


title: Amarguillo

text: Amarguillo es un dulce de repostería, que varía en presentación e ingredientes según el lugar de elaboración. En común disponen de las almendras, así como de los ingredientes básicos en la cocina pastelera como son huevos, y el azúcar.


title: Amarguillo

text: El amarguillo es un postre típico de:


title: Natalie Clifford Barney

text: Natalie Clifford Barney (Dayton, 31 de octubre de 1876-París, 2 de febrero de 1972) fue una escritora, poetisa y novelista estadounidense que vivió como expatriada en París. Fue anfitriona de las reuniones literarias del llamado salón de Barney, que se celebraron durante más de sesenta años en su casa situada en el Rive gauche de París y que congregaron a escritores y artistas de todo el mundo, incluyendo a muchas figuras importantes de la literatura francesa, junto con modernistas estadounidenses y británicos de la llamada «generación perdida». Trabajó para promover a mujeres escritoras y para ello, creó la «Academia de las mujeres» en respuesta a la Academia francesa, compuesta exclusivamente por hombres. Al mismo tiempo brindó apoyo e inspiración a escritores masculinos como Remy de Gourmont y Truman Capote.


title: Natalie Clifford Barney

text: Era abiertamente lesbiana y comenzó a publicar poemas de amor dedicados a la mujer bajo su propio nombre desde 1900, ya que consideraba que el escándalo era «la mejor manera de librarse de las molestias» —refiriéndose a la atención de hombres jóvenes heterosexuales—. Apoyó en su obra el feminismo y el pacifismo. Se opuso a la monogamia y mantuvo al mismo tiempo relaciones de corta y larga duración, que incluyeron romances intermitentes con la poeta Renée Vivien y la bailarina Armen Ohanian y una relación de cincuenta años con la pintora Romaine Brooks. Su vida y sus amores sirvieron de inspiración para muchas novelas, como el "best seller" francés "Idilio sáfico" de Liane de Pougy o "El pozo de la soledad" de Radclyffe Hall, sin duda la novela de temática lésbica más famosa del siglo XX.


title: Natalie Clifford Barney

text: Natalie Barney nació en Dayton, Ohio, el 31 de octubre de 1876; sus padres fueron Albert Clifford Barney y la pintora Alice Pike Barney. Albert era hijo de un rico fabricante de vagones de ferrocarril de ascendencia inglesa, mientras que Alice era de ascendencia francesa, neerlandesa y alemana. Cuando tenía seis años, Natalie y su familia pasaron el verano en el Long Beach Hotel en Nueva York, donde Oscar Wilde dictó una conferencia durante su gira por Estados Unidos. Wilde la levantó en brazos mientras corría junto a él huyendo de un grupo de niños, la llevó fuera de su alcance y luego la sentó en sus rodillas y le contó una historia. Barney relató este incidente en "Adventures of the Mind." Al día siguiente se unió a la niña y su madre en la playa, aquella conversación cambió el curso de la vida de Alice y le inspiró para dedicarse al arte de forma seria, a pesar de la desaprobación de su marido. Tiempo después, Alice Pike Barney estudió pintura con Carolus-Duran y James McNeill Whistler; muchas de sus obras se encuentran ahora en la colección del Smithsonian American Art Museum.


title: Natalie Clifford Barney

text: Al igual que muchas niñas de su tiempo, Natalie Barney recibió una educación carente de organización. Su interés por el francés surgió por una institutriz que le leía en voz alta historias de Julio Verne, por lo que tuvo que aprender rápidamente el idioma para poder entenderlas. Más adelante, junto a su hermana menor Laura Clifford Barney, asistió a Les Ruches, una escuela francesa fundada por la feminista Marie Souvestre a la que asistieron algunas personas destacadas como Eleanor Roosevelt. Al llegar a la edad adulta hablaba francés con fluidez y sin acento americano, y decidió establecerse en París. Casi todas sus obras publicadas fueron escritas en francés.  Cuando tenía diez años, su familia se mudó a Washington D.C. y pasaban los veranos en Bar Harbor, Maine. A menudo era mencionada en los periódicos de Washington por ser la hija rebelde y poco convencional de una de las familias más ricas de la ciudad. Cuando contaba con unos veinte años apareció en los titulares por galopar a través de Bar Harbor montada a horcajadas, en lugar de como una dama, al estilo amazona, de lado con las piernas juntas, mientras conducía al mismo tiempo un segundo caballo que llevaba delante de ella con una correa.


title: Natalie Clifford Barney

text: Barney diría después que se sabía lesbiana desde los 12 años y que estaba decidida a «vivir abiertamente, sin ocultar nada». En 1899, después de ver a la cortesana Liane de Pougy en un salón de baile en París, se presentó en su residencia disfrazada de paje y le anunció que era un «paje del amor» enviado por Safo. Aunque De Pougy fue una de las mujeres más famosas de Francia, constantemente asediada por hombres ricos y con títulos, la audacia de Barney le encantó. Su breve aventura se convirtió en el tema de la novela de Pougy, "Idilio sáfico" ("Idylle Saphique"), un ejemplo clásico de "roman à clef" —término francés para designar una novela que describe la vida real detrás de una fachada de ficción—. Publicado en 1901, este libro se convirtió en la comidilla de París y fue reimpreso al menos 69 veces en su primer año. Era reconocible la figura de Natalie como modelo de uno de los personajes. Para ese entonces habían terminado su relación después de pelear en varias ocasiones por el deseo de Barney de «rescatar» a de Pougy de su vida como cortesana. La literatura sobre relaciones lésbicas era algo común en Francia pero la mayoría de los libros eran escritos por hombres y dedicados a ellos. En general se castigaba a las mujeres por tener inclinaciones “pervertidas”. La obra de de Pougy estaba destinada a que gustara a todo tipo de lectores. Sin embargo, el final es la muerte de la protagonista, que según ella "era necesario en aquellos tiempos para encontrar un editor que quisiera publicar un libro de ese tema”.


title: Natalie Clifford Barney

text: Barney contribuyó en un capítulo deI "Idilio sáfico" en el que se describió reclinada a los pies de Pougy en un palco de teatro, viendo a Sarah Bernhardt interpretar "Hamlet". Durante el intermedio, Barney —como «Flossie»— compara la situación de Hamlet con la de las mujeres: «¿Qué hay de las mujeres que sienten pasión por la acción cuando el destino implacable dispone de ellas encadenándolas? El destino nos hizo mujeres en un momento en que la ley de los hombres es la única ley que se reconoce». En este libro aparece la traducción del francés al inglés de la cita. También escribió "Lettres à une Connue" ("Cartas a una mujer que he conocido"), su propia novela epistolar sobre el asunto. A pesar de que no pudo encontrar un editor para el libro y que más tarde lo llamó ingenuo y torpe, es notable por su defensa de la homosexualidad, que ella consideraba natural y comparable con el albinismo. «Mi rareza» —dijo—, «no es un vicio, no es deliberada y no perjudica a nadie».


title: Natalie Clifford Barney

text: La más temprana relación íntima de Natalie Barney fue con Eva Palmer. Se conocieron en 1893, durante unas vacaciones de verano en Bar Harbor, Maine. Compartían el interés en la poesía, la literatura y los paseos a caballo. Barney comparaba a Palmer con una virgen medieval, por su cabellera rojiza que le llegaba hasta los tobillos, sus ojos color verde mar y su apariencia. Permanecieron cercanas por varios años; compartieron un apartamento en el 4 de rue Chalgrin en París y posteriormente cada una tuvo su propio espacio en Neuilly-sur-Seine. Barney solicitaba con frecuencia la ayuda de Palmer cuando perseguía románticamente a otras mujeres, por ejemplo, Renée Vivien.


title: Natalie Clifford Barney

text: Finalmente, Palmer dejó a Barney para marcharse a Grecia y más adelante se casó con Angelos Sikelianos. Su relación no sobrevivió a este giro de los acontecimientos, Barney tenía una mala opinión de Sikelianos y esto provocó un intercambio de exaltadas cartas. Años después recuperaron la amistad y fueron capaces de evaluar con madurez el papel que cada una desempeñó en la vida de la otra.


title: Natalie Clifford Barney

text: En noviembre de 1899, conoció a la poeta Pauline Tarn, más conocida por su seudónimo de Renée Vivien. Para Vivien fue amor a primera vista, mientras que Barney se fascinó con ella tras escucharla recitar uno de sus poemas, que describió como «perseguido por el deseo de la muerte». "A Perilous Advantage". Su relación sentimental fue también un intercambio creativo que las inspiró a ambas para escribir. Barney proporcionó un marco teórico feminista que Vivien exploró en su poesía. Adaptaron las imágenes de los poetas simbolistas junto con las convenciones del amor cortés para describir el amor entre mujeres y encontraron también ejemplos de mujeres heroicas en la historia y la mitología. Vivien también creía en la fidelidad, cosa que Barney no estaba dispuesta a aceptar. Mientras Barney estaba visitando a su familia en Washington D.C. en 1901, Vivien dejó de contestar sus cartas. Barney intentó volver con ella durante años, hasta el punto de convencer a una amiga, la mezzosoprano operística Emma Calvé, para que cantase en la ventana de Vivien para poder lanzar un poema —envuelto alrededor de un ramo de flores— hasta su balcón. Tanto las flores como el poema fueron interceptados y devueltos por una institutriz.


title: Natalie Clifford Barney

text: En 1904 escribió "Je me souviens" (Yo recuerdo), un poema en prosa intensamente personal acerca de su relación, que presentó escrito a mano a Vivien en un intento de hacerla regresar. Se reconciliaron y viajaron juntas a Lesbos, donde vivieron felices por un corto tiempo, haciendo planes para crear una escuela de poesía para mujeres como la que Safo, según la tradición, había fundado en Lesbos unos 2500 años antes. Sin embargo, Vivien recibió una carta de su amante Hélène (la baronesa de Zuylen de Nyevelt) y se dirigió a Constantinopla para romper con ella en persona. Tenía previsto reunirse con Barney en París, pero decidió quedarse con la baronesa y esta vez la ruptura fue permanente.


title: Natalie Clifford Barney

text: La salud de Vivien decayó rápidamente poco después. De acuerdo con su amiga y vecina Colette, no comía casi nada y bebía mucho, incluso se lavaba la boca con agua perfumada para ocultar el olor a alcohol. Según Karla Jay, los escritos de Colette han llevado a algunas personas a considerar que Vivien sufría de anorexia nerviosa, pero este diagnóstico aún no existía en la época. Vivien también era adicta al sedante hidrato de cloral. En 1908 intentó suicidarse con una sobredosis de láudano, muriendo finalmente al año siguiente. En sus memorias, escritas cincuenta años más tarde, Barney dijo: «No podía ser salvada. Su vida fue un largo suicidio. Todo se convertía en polvo y cenizas en sus manos».


title: Natalie Clifford Barney

text: Barney practicaba y defendía lo que actualmente se conoce como poliamor. Ya en 1901, en "Cinq Petits Dialogues Grecs," abogaba en favor de las relaciones múltiples y en contra de los celos; en "Èparpillements" escribió «Una es infiel a aquellos que una ama para que su encanto no se convierta en mero hábito». En "A Perilous Advantage, a"unque ella misma podía sentirse celosa, alentaba activamente por lo menos a algunas de sus amantes a ser también no monógamas.


title: Natalie Clifford Barney

text: Debido en parte a la temprana biografía que Jean Chalon realizó sobre ella, publicada en Inglaterra como "Retrato de una seductora," se la conocía principalmente por sus numerosas relaciones más que por sus obras o por su salón. En una ocasión escribió una lista dividida en tres categorías: "affaires", "semi-affaires" y aventuras. Colette era un "semi-affaire", mientras que la artista y diseñadora de muebles Eyre de Lanux, con la que había mantenido una relación intermitente durante varios años, estaba como una aventura. Entre sus "affaires" (las relaciones que ella consideraba más importantes) se encontraban Olive Custance, Renée Vivien, Élisabeth de Gramont, Romaine Brooks y Dolly Wilde. De estas, las tres relaciones más duraderas fueron con de Gramont, Brooks y Wilde; desde 1927, se relacionó con las tres simultáneamente, una situación que terminó solamente con la muerte de Wilde. Sus "affaires" más cortos, tales como con Colette y Lucie Delarue-Mardrus, evolucionaron a amistades para toda la vida.


title: Natalie Clifford Barney

text: Elisabeth de Gramont, la Duquesa de Clermont-Tonnerre, fue una escritora conocida por sus populares memorias. Descendiente de Enrique IV de Francia, creció entre la aristocracia; cuando era una niña, según Janet Flanner, «los campesinos de su granja... le rogaban que no se limpiara los zapatos antes de entrar en sus casas». Echaba la vista atrás a este mundo perdido de riqueza y privilegio con escaso pesar y fue conocida como la «duquesa roja» por su apoyo al socialismo. Estaba casada y tenía dos hijas en 1910, cuando conoció a Natalie Barney; se dice que su marido era violento y tiránico. Con el tiempo se separaron y en 1918 Barney y ella redactaron un contrato matrimonial declarando que «ninguna unión será tan fuerte como esta unión, ni otra afiliación más tierna -ni ninguna relación más duradera-».


title: Natalie Clifford Barney

text: De Gramont aceptó la no-monogamia de Barney (tal vez renuentemente al principio) e hizo todo lo posible por ser cortés con sus otras amantes, incluyendo siempre a Romaine Brooks cuando invitaba a Barney de vacaciones en el campo. La relación continuó hasta la muerte de Gramont en 1954.


title: Natalie Clifford Barney

text: Barney mantuvo su relación más duradera con la pintora estadounidense Romaine Brooks, a quien conoció sobre 1914. Brooks se especializó en retratos y destacó por su uso cromático de la gama de grises, negros y blancos. Durante la década de 1920 realizó retratos de varios miembros del círculo social de Barney, incluyendo a de Gramont y la propia Barney.


title: Natalie Clifford Barney

text: Brooks toleraba los "affaires" esporádicos de Barney lo suficiente para bromear con ella de ellos, y tuvo algunos "affaires" propios a lo largo de los años, pero podía ponerse celosa cuando un nuevo amorío se tornaba serio. Generalmente, se iba de la ciudad, pero llegó a un punto en que dio a Barney un ultimátum: elegir entre ella y Dolly Wilde, pacificándose cuando Barney cedió. Al mismo tiempo, aunque Brooks sentía devoción por Barney, no quería vivir con ella como una pareja a tiempo completo; París no le gustaba, desdeñaba las amistades de Barney, odiaba la constante socialización con la que Barney florecía y sentía que era ella misma cuando estaba completamente sola. Para satisfacer la necesidad de soledad de Brooks, construyeron una casa de veraneo que tenía dos alas separadas unidas por un comedor, que llamaron "Villa Trait d'Union". Brooks también pasaba gran parte del año en Italia o viajando por otras zonas de Europa, lejos de Barney. Permanecieron devotas la una a la otra durante más de cincuenta años.


title: Natalie Clifford Barney

text: Dolly Wilde era la sobrina de Oscar Wilde y la última persona de la familia que portó el apellido Wilde. Era famosa por su ingenio con los epígramas pero, al contrario que con su famoso tío, nunca consiguió aplicar su talento en una obra escrita publicada: su único legado son sus cartas. Realizó algunos trabajos como traductora y fue mantenida frecuentemente gracias a terceras personas, incluyendo a Natalie Barney, a la que conoció en 1927.


title: Natalie Clifford Barney

text: Como Vivien, Wilde parecía obcecada en conseguir autodestruirse. Bebía mucho, era adicta a la heroína e intentó suicidarse varias veces. Barney financió sus desintoxicaciones, que nunca llegaron a ser efectivas: salió de una estancia en una residencia de enfermos con una nueva dependencia a una sustancia que estimulaba el sueño, el paraldehído, que en aquel tiempo se administraba sin receta médica.


title: Natalie Clifford Barney

text: En 1939 se le diagnosticó un cáncer de mama y rechazó la cirugía, buscando tratamientos alternativos. El año siguiente, la Segunda Guerra Mundial la separó de Barney, ella huyó a Inglaterra mientras Barney y Brooks se iban a Italia. Murió en 1941 por causas que nunca llegaron a explicarse del todo, posiblemente por una sobredosis de paraldehído.


title: Natalie Clifford Barney

text: Las posturas de Barney durante la Segunda Guerra Mundial fueron controvertidas. En 1937, Una, Lady Troubridge se quejó de que Barney «hablaba mucho de tonterías a medio hacer sobre la tiranía del fascismo». Barney misma era una octava parte judía y durante la guerra en Italia, pudo ser mandada a un campo de concentración, cosa que evitó solamente porque telegrafió a su hermana Laura para pedir un documento certificado de su confirmación. No obstante, al no tener fuentes de información sobre la guerra, se creyó la propaganda de las potencias del Eje que describían a los aliados como agresores, por lo que el profascismo parecía una consecuencia lógica a su pacifismo. Un memorando no publicado que escribió durante la guerra es claramente profascista y antisemita, citando discursos de Hitler, aparentemente con su consentimiento.


title: Natalie Clifford Barney

text: Es posible que los pasajes antisemitas que aparecen en las memorias fueran usados como evidencia de que no era judía;. Como alternativa, posiblemente estaba influida por las emisiones radiofónicas antisemitas de Ezra Pound. En cualquiera de los casos, sí que ayudó a escapar de Italia a una pareja judía, consiguiéndoles un pasaje de barco a Estados Unidos. Para el final de la guerra su postura nuevamente había cambiado, viendo a los aliados como los libertadores.


title: Natalie Clifford Barney

text: "Villa Trait d'Union" fue destruido en un bombardeo. Después de la guerra, Brooks rechazó una invitación a vivir con Barney en París; permaneció en Italia y se visitaban con frecuencia. Su relación siguió siendo monógama hasta mediados de los años 1950, cuando Barney conoció a Janine Lahovary, mujer de un embajador rumano retirado. Lahovary intentó entablar amistad con Romaine Brooks, mientras que Barney le aseguró a Brooks que su relación seguía estando en primer término, con lo cual el triángulo aparentemente era estable.


title: Natalie Clifford Barney

text: El salón literario volvió a funcionar en 1949 y continuó atrayendo a jóvenes escritores que lo veían como un sitio histórico además de un sitio donde conseguir una reputación. Truman Capote lo visitó de forma intermitente durante casi diez años; describió la decoración como «totalmente de finales de siglo» y recordó que Barney le presentó a muchos de los que habían servido de modelos para "En busca del tiempo perdido" de Marcel Proust. Alice B. Toklas fue una habitual después de la muerte de Gertrude Stein en 1946. Los viernes de los años 60 sirvieron para honrar a Mary McCarthy y Marguerite Yourcenar, quien en 1980 (ocho años después de la muerte de Barney) se convirtió en la primera mujer en ser miembro de la Academia de la lengua de Francia.


title: Natalie Clifford Barney

text: Barney no siguió escribiendo epigramas, aunque sí publicó dos volúmenes de sus memorias sobre los escritores que había conocido, "Souvenirs Indiscrets" ("Indiscreet Memories", 1960) y "Traits et Portraits" ("Traits and Portraits", 1963). También buscó un editor para las memorias de Brooks y consiguió colocar sus cuadros en galerías de arte.


title: Natalie Clifford Barney

text: A finales de los años 60 Brooks se tornó cada vez más solitaria y paranoica; se hundió en una depresión y se negaba a ver a los médicos que mandaba Barney. Amargada por la presencia de Lahovary en los últimos años, que ella quería pasar exclusivamente con Barney, finalmente dejaron la relación. Barney continuó escribiéndole, pero nunca recibió contestación. Brooks murió en diciembre de 1970 y Barney el 2 de febrero de 1972 debido a una insuficiencia cardíaca.


title: Natalie Clifford Barney

text: Durante más de 60 años, Barney regentó un salón literario que consistía en una reunión semanal donde la gente socializaba y discutía sobre literatura, arte, música y otros temas de interés. Barney trató principalmente de exhibir obras de mujeres, mientras también hacía sitio a los más importantes escritores varones de su tiempo. Juntó a modernistas expatriados con miembros de la Academia Francesa. Joan Schenkar describió el salón de Barney como «un lugar en el que asignaciones lésbicas y citas con académicos podían coexistir en una especie de animada, fértil y plural disonancia cognitiva».


title: Natalie Clifford Barney

text: En la década de 1900 realizó sus primeras reuniones en el salón de su casa de Neuilly. El entretenimiento incluía lecturas de poemas y teatrillos (en los que en ocasiones actuaba Colette, quien fue una de sus amantes). Mata Hari realizó un baile una vez, entrando en el jardín montada en un caballo blanco con un arnés con cloisonné turquesa haciendo de Lady Godiva.


title: Natalie Clifford Barney

text: La obra "Equivoque" pudo haber motivado a Barney a abandonar Neuilly en 1909. Según un artículo de un periódico contemporáneo, su casero se negó a que realizara una representación al aire libre de una obra de Safo, considerando que «seguía la Naturaleza demasiado de cerca». Canceló su contrato con el casero y alquiló el pabellón de dos plantas de la Rue Jacob 20 del barrio Latino de París, donde mantuvo su salón hasta finales de la década de 1960. Se trataba de una pequeña casa de dos plantas separada en tres lados del edificio principal que daba a la calle. Cerca del pabellón había un jardín grande y exuberante con un «Templo de la Amistad» dórico escondido en una esquina. En este nuevo lugar, el salón creció con una cara externa más correcta, con lecturas de poemas y conversaciones, tal vez porque le habían dicho a Barney que los suelos del salón no soportarían grandes fiestas con bailes. Algunos invitados habituales durante este periodo fueron Pierre Louÿs, Paul Claudel, Philippe Berthelot y el traductor J. C. Mardrus. Durante la Primera Guerra Mundial el salón se convirtió en un refugio para aquellos que se oponían a la guerra. Henri Barbusse leyó en una ocasión su novela anti-bélica "Under Fire" y Barney organizó un Congreso Femenino por la Paz ("Women's Congress for Peace") en la Rue Jacob. Otros invitados al salón durante la guerra incluyeron a Oscar Milosz, Auguste Rodin y el poeta Alan Seeger durante su permiso de la Legión Extranjera Francesa. Ella misma escribiría: “Las mujeres no echarían a perder con tanta rapidez e inutilidad las vidas que gestaron con tanto cuidado y dolor. ¿Por qué deben someterse a la masacre de los inocentes, una generación tras otra… y permitirles que se críen como ganado para el ineludible matadero?”


title: Natalie Clifford Barney

text: A principios de la década de 1920, Ezra Pound era un amigo muy cercano de Barney y lo visitaba a menudo. Los dos planearon crear una institución con el nombre de "Bel Esprit" que concedería dinero a escritores, uno francés y otro inglés,los elegidos fueron Paul Valéry y T. S. Eliot para que pudieran abandonar sus trabajos y concentrarse en escribir, pero Valéry encontró otros mecenas y Eliot rechazó la beca. Pound introdujo a Barney al compositor "avant-garde" George Antheil y aunque su gusto musical se inclinaba más a lo tradicional, organizó los estrenos de la "Sinfonía para cinco instrumentos" y el "Cuarteto de Primera Cuerda" en la Rue Jacob. Fue también en el salón de Barney donde Pound conoció a la que sería su amante por muchos años, la violinista Olga Rudge.


title: Natalie Clifford Barney

text: El número de invitados solía ser de 30 a 35, aunque a veces podían llegar a 50 o 100. En ocasiones especiales, como en 1927 cuando homenajeó a Gertrude Stein llegó a reunir 200 personas en su jardín. En 1927 Barney inició una "Académie des Femmes" (Academia de Mujeres) para honrar a las mujeres escritoras. Se trataba de una respuesta a la influyente Academia Francesa fundada en el siglo XVII por Luis XIII y cuyos 40 «inmortales» no incluían a ninguna mujer en aquel entonces. Al contrario que la Academia Francesa, su Academia de Mujeres no era una organización formal, sino más bien una serie de lecturas que se realizaban como para de los salones regulares de los viernes. Las honradas fueron Colette, Gertrude Stein, Anna Wickham, Rachilde, Lucie Delarue-Mardrus, Mina Loy, Djuna Barnes y de forma póstuma Renée Vivien.


title: Natalie Clifford Barney

text: Otros invitados al salón durante los años 20 incluyeron a los escritores franceses André Gide, Anatole France, Max Jacob, Louis Aragon y Jean Cocteau junto a los escritores en lengua inglesa Ford Madox Ford, William Somerset Maugham, F. Scott Fitzgerald, Sinclair Lewis, Sherwood Anderson, Thornton Wilder, T. S. Eliot y William Carlos Williams y más aún, el poeta alemán Rainer Maria Rilke, el poeta bengalí Rabindranath Tagore (el primer premio Nobel de Asia), el diplomático rumano Matila Ghyka, la periodista Janet Flanner (que marcó el estilo del "New Yorker"), la periodista, activista y editora Nancy Cunard, los editores Caresse y Harry Crosby, la mecenas y coleccionista de arte Peggy Guggenheim, Sylvia Beach (dueña de la librería que publicó la novela "Ulysses", de James Joyce), las pintoras Tamara de Lempicka y Marie Laurencin y la bailarina Isadora Duncan.


title: Natalie Clifford Barney

text: Para su libro de 1929 "Aventures de l'Esprit" ("Aventuras de la Mente") Barney dibujó un diagrama que recogía los nombres de más de cien personas que habían asistido al salón en un mapa aproximado de la casa, jardín y el «Templo de la Amistad». La primera parte del libro contiene recuerdos de trece escritores masculinos que conocía o conoció a lo largo de los años, y la segunda contiene un capítulo para cada miembro de su "Académie des Femmes". Esta estructura basada en el equilibrio de género no se trasladó al embalaje del libro, que nombraba a ocho de los escritores masculinos y luego añadía «...y algunas mujeres».


title: Natalie Clifford Barney

text: A finales de los 20 Radclyffe Hall atrajo a una multitud tras la prohibición de su novela "El Pozo de la Soledad" en el Reino Unido. Una lectura por parte de la poeta Edna St. Vincent Millay llenó el salón en 1932. En otro salón de los viernes en los años 30, Virgil Thomson cantó parte del "Four Saints in Three Acts", una ópera basada en un libreto de Gertrude Stein.


title: Natalie Clifford Barney

text: De los famosos escritores modernistas que pasaron algo de tiempo en París, Ernest Hemingway nunca asistió al salón. James Joyce fue una o dos veces pero no le atraía demasiado. Marcel Proust nunca fue un viernes, aunque sí fue a la Rue Jacob 20 en una ocasión para hablar con Barney sobre la cultura lesbiana mientras investigaba para su novela "En busca del tiempo perdido". Su visita se retrasó en varias ocasiones debido a su mala salud y cuando por fin tuvo lugar el encuentro, se sintió demasiado nervioso para hablar del tema que le había llevado hasta allí.


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text: Barney publicó su primer libro en 1900, una colección de poemas titulada "Quelques Portraits-Sonnets de Femmes" (Algunos retratos-sonetos de la mujer). Los poemas fueron escritos en verso tradicional francés y estilo formal antiguo, ya que no se interesaba por el verso libre. Estos poemas han sido descritos como «trabajo de aprendiz», pero mediante su publicación, Barney se convirtió en la primera mujer poeta en escribir abiertamente sobre el amor entre mujeres desde Safo. Su madre contribuyó con ilustraciones al pastel de los temas de los poemas, sin saber que tres de las cuatro mujeres que posaron para ella eran amantes de su hija.


title: Natalie Clifford Barney

text: Las críticas fueron positivas en general y pasaron por alto el tema lésbico de los poemas, algunos incluso lo tergiversaron. "The Washington Mirror" dijo: «Barney escribe odas a los labios y ojos de los hombres, no como un novato cualquiera». Sin embargo, el titular en un diario de chismes de sociedad gritó: «Safo canta en Washington» y esto alertó a su padre, quien compró y destruyó las existencias restantes de la editorial y las planchas de impresión.


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text: Para escapar del dominio de su padre, publicó su siguiente libro "Cinq Petits Dialogues Grecs" (Cinco pequeños diálogos griegos, 1901), bajo el seudónimo de Tryphé. El nombre vino de la obra de Pierre Louÿs, quien le ayudó a editar y a revisar el manuscrito. Barney también le dedicó el libro. El primero de los diálogos sucede en la antigua Grecia y contiene una amplia descripción de Safo, quien es «más fiel en su inconstancia que otros en su fidelidad». Otro argumenta a favor del paganismo sobre el cristianismo. La muerte de su padre en 1902 le dejó una cuantiosa fortuna, liberándola de cualquier necesidad de ocultar la autoría de sus libros, por lo que nunca volvió a usar un seudónimo.


title: Natalie Clifford Barney

text: "Je me souviens" fue publicado en 1910, después de la muerte de Vivien. Ese mismo año publicó "Actes et Entr'actes" (Actos e interludios), una colección de obras cortas y poemas. Una de las obras, "Equivoque" (Ambigüedad), era una versión revisionista sobre la leyenda de la muerte de Safo: en lugar de tirarse por un acantilado por el amor de Faón —el marinero—, lo hace debido al dolor que le provocó el matrimonio de Faón con la mujer que amaba. La obra incorpora citas de fragmentos de Safo, con notas propias de Barney en griego.


title: Natalie Clifford Barney

text: Barney no se tomaba su poesía tan en serio como Vivien y dijo: «si yo tuve una ambición era convertir mi propia vida en un poema». Sus obras fueron representadas únicamente a través de producciones de aficionados en su jardín. Según Karla Jay, la mayoría de ellas carecían de un argumento coherente y «probablemente confundirían hasta al público más empático». A partir de 1910 escribió la mayoría de los epigramas y las memorias por las que es más conocida. Su último libro de poesía se llama "Poems & Poèmes: Autres Alliances" y se publicó en 1920. Reúne poesía romántica en francés y en inglés. Barney le pidió a Ezra Pound que editara los poemas, pero luego ignoró las detalladas recomendaciones que le hizo.