title: Atlanta Hawks

text: En febrero de 2004, los Hawks adquirieron al All-Star Rasheed Wallace, de los Portland Trail Blazers. Wallace solo llegó a disputar un solo partido, pues al día siguiente fue traspasado a Detroit Pistons en un "trade" a tres bandas con los Pistons y los Boston Celtics. En el draft de ese año, los Hawks escogieron a Josh Smith como decimocuarta opción, el que sería una de las piezas claves del equipo en los próximos años. Los Hawks finalmente terminaron la temporada en un mediocre 28-54.


title: Atlanta Hawks

text: En la 2004-05, los Hawks consiguieron el peor récord de la NBA de ese año, y en el draft de 2005, escogieron en la segunda posición a Marvin Williams.


title: Atlanta Hawks

text: En verano de 2005, los Hawks adquirieron a Joe Johnson de Phoenix Suns por Boris Diaw y una primera ronda de draft, así mismo firmaron al georgiano Zaza Pachulia. Junto a esto, Al Horford se destapó como uno de los mejores "rookies" de la NBA .


title: Atlanta Hawks

text: En febrero de 2008, los Hawks firmaron al base Mike Bibby, lo que por fin hacía despertar esperanzas de que el equipo pudiera hacer algo destacable. Los Hawks se clasificaron a playoffs pero fueron eliminados por Boston Celtics, los a la postre campeones. La 2008-09 vio a los Hawks llegar a Semifinales de Conferencia por primera vez desde 1999, siendo eliminados en ellas por Cleveland Cavaliers. En la 2009-10, los Hawks mejoraron su rendimiento y vieron como Horford y Jo-Jo iban convocados al All-Star. En playoffs volvieron a superar la primera ronda pero fueron eliminados en semifinales por Orlando Magic. La 2010-11 supuso un paso atrás para el equipo de los Hawks, con 44 victorias, además de la marcha de Mike Bibby a los Washington Wizards por Kirk Hinrich. En playoffs superaron la primera ronda contra los Magic pero perdieron ante Chicago Bulls en semifinales.


title: Atlanta Hawks

text: Tras el "lockout" de 2011, los Hawks firmaron una gran cantidad de agentes libres: Tracy McGrady, Jerry Stackhouse, Jason Collins, Vladimir Radmanović, Jannero Pargo y Willie Green. Los Hawks terminaron esa temporada terceros en la Conferencia Este, pero fueron eliminados en primera ronda de playoff por los Boston Celtics.


title: Atlanta Hawks

text: En junio de 2012, los Hawks confirman a Danny Ferry como su mánager general, y pocos días después, el que fue el jugador franquicia de los Hawks, Joe Johnson, se marcha a los récien creados Brooklyn Nets a cambio de DeShawn Stevenson, Anthony Morrow, Johan Petro, Jordan Williams y Jordan Farmar, estos dos últimos cortados. Ese mismo día, Marvin Williams es traspasado a Utah Jazz a cambio de Devin Harris. Ese verano, también llegarían libres Louis Williams, Anthony Tolliver y Kyle Korver. A mitad de temporada, los Hawks enviaban a Morrow a Dallas Mavericks por Dahntay Jones.


title: Atlanta Hawks

text: Los Hawks finalizarían con un récord de 44-38 y siendo eliminados en primera ronda de playoffs por Indiana Pacers. Para mayo de 2013 y ya en post-temporada, los Hawks confirmaban a Mike Budenholzer como nuevo entrenador; Budenholzer había sido entrenador asistente de Gregg Popovich en San Antonio Spurs.


title: Atlanta Hawks

text: En el draft de 2013 los Hawks obtenían al base Dennis Schröder. En agosto de ese año, Josh Smith se marchaba a Detroit Pistons, y con el espacio salarial dejado, los Hawks firmaban a Paul Millsap procedente de Utah Jazz, esperando que formara una poderosa pareja interior junto a Al Horford. Pese a una grave lesión de Horford en diciembre, los Hawks consiguieron clasificarse para playoffs con el último lugar en la Conferencia Este con un récord negativo de 38-44. Sin embargo, en los playoffs el equipo fue capaz de llevar al primer clasificado, Indiana Pacers, a disputar el séptimo partido, donde finalmente los Hawks cayeron, pero con honor.


title: Atlanta Hawks

text: En la temporada 2014/2015, los Atlanta Hawks fueron la gran sorpresa de la temporada, consiguiendo algunos hitos como el mejor mes de la historia de la NBA, con un récord inmaculado de 19-0 en enero. Consiguieron que 4 de sus 5 titulares fueron al partido de las estrellas (Jeff Teague, Kyle Korver, Paul Millsap y Al Horford) y lograron el mejor récord en la conferencia este (60-22). Por todo ello, Mike Budenholzer recibió el reconocimiento de mejor entrenador del año.


title: Atlanta Hawks

text: Sin embargo, el desgaste que supuso todos estos logros en una plantilla no destinado para ello, hizo mella en la postemporada. En primera ronda los Hawks consiguieron superar a los Brooklyn Nets en una serie que acabó 4-2, mismo resultado que conseguirian en semifinales ante unos Washintong Wizards mermados por la ausencia de su jugador estrella en algunos partidos, John Wall. El final de esta maravillosa temporada para el conjunto de Georgia llegó abruptamente en finales de conferencia, contra LeBron James y sus Cleveland Cavaliers, que barrieron sin compasión (4-0) a unos Hawks que jugaban con más corazón que cabeza después del desgaste de toda la temporada.


title: Atlanta Hawks

text: Tras esta temporada, el equipo intentó mantener las máximas piezas posibles para los siguientes años, intentado seguir siendo un equipo de zona alta de la tabla en su conferencia. Para la próxima temporada (2015/2016), los Hawks perdieron a su referente defensivo, DeMarre Carroll, con destino Toronto. Esta baja el equipo de Georgia la resolvió dándole el puesto de titular a Kent Bazemore. Los Hawks no consiguieron mantener la dinámica del año anterior, pero siguió haciendo un papel digno. El equipo acabó con récord 48-34, clasificando para los Playoffs en cuarto lugar.


title: Atlanta Hawks

text: En primera ronda se enfrentaron a los Boston Celtics de Isaiah Thomas, a los que superaron por 4-2 jugando a buen nivel ante un equipo que sobre el papel, parecía favorito por calidad de plantilla. Sin embargo, en semifinales de conferencia, volvieron a cruzarse a LeBron James y sus Cavaliers, con el mismo resultado que el año anterior. Los Hawks cayeron 4-0.


title: Atlanta Hawks

text: De cara al año siguiente (2015/2017) los Hawks sufrieron un duro golpe en la agencia libre. Al Horford, una de las caras de la franquicia, firmaba por Boston Celtics, competidor directo de los Hawks en la conferencia este. Los Hawks respondieron a este golpe firmando al pivot Dwight Howard, además traspasar a su base titular Jeff Teague, para apostar por Dennis Schroder como titular. Los Hawks consiguieron hacer un papel similar al año anterior, gracias en gran parte al buen nivel de Paul Millsap. Clasificaron en quinta posición para los playoffs, pero este año sin embargo, no pudieron superar la primera ronda, cayendo por 4-2 ante los Washington Wizards.


title: Atlanta Hawks

text: Tras este duro golpe, los Hawks deciden desarmar el proyecto que les había mantenido en puestos altos de la conferencia este durante más de una década. El equipo podía aspirar a llegar a playoffs, pero no tenía los mimbres necesarios para aspirar a algo más. Dwight Howard fue traspasado a Charlotte Hornets, Paul Millsap firmó por Denver Nuggets y otras piezas como Hardaway Jr también salieron de la franquicia, tocaba reconstruir en Georgia.


title: Atlanta Hawks

text: Para llevar a cabo la reconstrucción, se confió en la figura de Travis Schlenk, que formó parte de la organización de los Warriors a la hora de draftear a Stephen Curry, Klay Thompson y Draymond Green. La primera gran adquisición de los Hawks llegó mediante el Draft. Los Hawks seleccionaron al ala pívot procedente de Wake Forest John Collins con la ronda número 19 del Draft de 2017. Eso fue lo único reseñable de la temporada, porque los Hawks consiguieron un récord de 24-58, quedando en último lugar de la conferencia este.


title: Atlanta Hawks

text: Debido a su mala clasificación, los Hawks consiguieron una ronda alta en el Draft de 2018, en tercer lugar, además de contar con una primera ronda de Minnesota Timberwolves gracias al traspaso de Jeff Teague. Dicha ronda acabó siendo la número 19. Los Hawks con su tercera ronda seleccionaron a Luka Dončić, traspasandolo a Dallas a cambio de Trae Young y la primera ronda de Dallas del draft de 2019. Con el número 19, los Hawks seleccionaron a Kevin Huerter.


title: Atlanta Hawks

text: Los Hawks ya contaban con tres jóvenes prometedores con los que experimentar durante la temporada regular. Los mimbres eran insuficientes pero poco a poco los Hawks veían claridad en su futuro. Los Hawks acabaron la temporada con un récord de 29-53, situándose en la duodécima posición de la conferencia este. Insuficiente, pero los Hawks veían que con las futura adquisiciones en el draft, podrían dar un paso adelante.


title: Atlanta Hawks

text: Para el Draft de 2019 los Hawks contaban con muchos picks, el suyo propio, el de Dallas si no acababa siendo un pick top 5 y el pick nº 17. Tras realizarse la lotería del draft, el pick propio de los Hawks acabó siendo el número 8, y el de Dallas fue el número 10, por lo que cayó en manos de los Hawks. Antes del Draft, los Hawks formaron parte del traspaso que acabó con Anthony Davis en los Lakers. En dicho traspaso los Hawks recibieron la ronda número 4, a cambio de la ronda 8 y la 17, que acabó en mano de los New Orleans Pelicans.


title: Atlanta Hawks

text: En el Draft de 2019, los Hawks seleccionaron con el número 4 a De'Andre Hunter, un alero polivalente de faceta defensiva, que venía de ganar el torneo universitario con Virginia, siendo una de sus caras principales. En el número 10, los Hawks seleccionaron al alero Cam Reddish, procedente de Duke, donde formó un talentoso equipo junto a Zion Williamson y RJ Barret. En esa temporada (2019/2020), los Hawks decepcionaron, se esperaba de ellos pelear al menos por los últimos puestos de playoffs, pero no fue así. Fue una temporada extraña en Georgia, Trae Young era el jugador franquicia junto a John Collins, pero este último fue sancionado 25 partidos por sustancias dopantes. Hunter y Reddish no explotaron en su año rookie, y esto, sumado a la suspensión de la temporada debido a la pandemia de coronavirus, fue determinante. Además, los Hawks fueron uno de los ocho equipos que se quedaron fuera de la burbuja de la NBA, por lo que no volvieron a competir hasta el año siguiente.


title: Atlanta Hawks

text: Los Hawks de cara a la temporada 2020-21 hicieron una gran apuesta, dando un gran salto de calidad a la plantilla mediante la adquisición de jugadores veteranos en la agencia libre. Pudieron asumir varios contratos relativamente altos debido a que sus jugadores jóvenes todavía estaban bajo contratos rookies. Los Hawks se hicieron con jugadores como Danilo Gallinari, Rajon Rondo, Bogdan Bogdanovic y Solomon Hill. Además de contar con Clint Capela, conseguido en febrero del año anterior en un traspaso de 4 equipos. Los Hawks consiguieron a uno de los mejores pívots de la liga a cambio de Evan Turner y una segunda ronda. El equipo terminó con un balance de 41-31, en quinta posición de su conferencia, y clasificándose para playoffs por primera vez desde 2017. En primera ronda se deshicieron de los New York Knicks (4-1), en semifinales de los Philadelphia 76ers en el séptimo partido (4-3), accediendo a finales de conferencia donde caerían eliminados por los Milwaukee Bucks de Giannis Antetokounmpo (2-4).


title: Atlanta Hawks

text: "Nota: G: Partidos ganados; P:Partidos perdidos; %:porcentaje de victorias"


title: Atlanta Hawks

text: MVP de la Temporada


title: Atlanta Hawks

text: Mejor Defensor


title: Atlanta Hawks

text: Rookie del Año


title: Atlanta Hawks

text: Mejor Sexto Hombre Jugador más Deportivo


title: Atlanta Hawks

text: Jugador Más Mejorado


title: Atlanta Hawks

text: Mejor Entrenador del Año


title: Atlanta Hawks

text: Ejecutivo del Año de la NBA


title: Atlanta Hawks

text: MVP del All-Star Game


title: Atlanta Hawks

text: Mejor Quinteto de la Temporada


title: Atlanta Hawks

text: Segundo Mejor Quinteto de la Temporada


title: Atlanta Hawks

text: Tercer Mejor Quinteto de la Temporada Mejor Quinteto Defensivo


title: Atlanta Hawks

text: Segundo Mejor Quinteto Defensivo


title: Atlanta Hawks

text: Mejor Quinteto de Rookies


title: Atlanta Hawks

text: Segundo Mejor Quinteto de Rookies


title: Campotéjar

text: Campotéjar es una localidad y municipio español situado en la parte noroccidental de la comarca de Los Montes, en la provincia de Granada, comunidad autónoma de Andalucía. Limita con los municipios granadinos de Montejícar, Domingo Pérez de Granada, Dehesas Viejas e Iznalloz, y con el municipio jienense de Noalejo. Otras localidades cercanas son Venta de Andar, Benalúa de las Villas y la Montillana.


title: Campotéjar

text: Las inmediaciones de Campotéjar están pobladas desde el Neolítico final y la Edad de Bronce como atestigua el yacimiento de la cueva sepulcral del Cerro del Castellón. Además, en las laderas del cerro se ha encontrado cerámica medieval durante labores agrícolas.


title: Campotéjar

text: Durante la Edad Media se trata de un área poco poblada. Cidi Hiaya, personalidad clave de la caída final del reino nazarí de Granada, deja a su muerte a su mujer Elvira de Sandoval, nieta de Diego Gómez de Sandoval, conde de Castrojeriz, las tierras que tenía en Campotéjar, cuyo señorío había adquirido en 1500. Durante el siglo XVI Campotéjar es un poblado sin concejo dentro de la jurisdicción de Granada. Queda integrada en el área de las Siete Villas destinadas a surtir a la ciudad de Granada de cereal, ganado y madera, no pudiendo comerciar nada más que con esta ciudad.


title: Campotéjar

text: En 1609 Don Pedro Granada Venegas Manrique y Mendoza, Caballero de Alcántara, completó las tierras que ya tenía por herencia comprando la jurisdicción y alcabalas sobre la villa de Campotéjar y en 1643 las elevó a Marquesado de Campotéjar.


title: Campotéjar

text: Se beneficia de los impulsos por mejorar la red de carreteras llevados a cabo en el siglo XVIII y desde 1758 está en la ruta que une Madrid con Granada y Almería originalmente por Sierra Morena, Bailén y Jaén y desde 1783 por Despeñaperros.


title: Campotéjar

text: En 1920, al XVIII marqués de Campotéjar le hicieron deshacer de sus posesiones en Andalucía y vendió los pueblos de Campotéjar, Dehesas Viejas y Jayena. En esta venta medió el párroco Juan Francisco Correas y supuso la concentración de las tierras del pueblo en dos propietarios y una gran fragmentación del resto. En los años sucesivos el incremento en la contribución municipal, la bajada de los precios del cereal de secano y la carencia de alternativas productivas por la roturación de los montes, así como posteriormente la postguerra llevaron a la venta de muchas propiedades y a la emigración. En años recientes la implantación del olivar ha mejorado la rentabilidad del campo paliando la recesión de la comarca de Los Montes.


title: Campotéjar

text: Según el Instituto Nacional de Estadística de España, en el año 2019 Campotéjar contaba con 1237 habitantes censados, que se distribuyen de la siguiente manera:


title: Campotéjar

text: Los resultados en Campotéjar de las últimas elecciones municipales, celebradas en mayo de 2019, son:


title: Campotéjar

text: Campotéjar es la primera localidad de Granada en la autovía A-44 desde Jaén. Las principales vías del municipio son:


title: Campotéjar

text: Algunas distancias entre Campotéjar y otras ciudades:


title: Campotéjar

text: Existe un centro educativo en el municipio donde se imparte Educación Infantil, Educación Primaria y el primer ciclo de la Educación Secundaria Obligatoria (ESO): el "C.E.I.P. "Tirso de Molina"". El colegio está incluido en la Red de Centros TIC y en la Red de Centros Escuela Espacio de Paz.


title: Campotéjar

text: El listado completo de centros educativos en el municipio es el siguiente:


title: Campotéjar

text: Campotéjar celebra cada año sus fiestas populares el último fin de semana de abril en honor a la patrona de la localidad, la Virgen de los Remedios. La imagen de la patrona sale procesionada por las calles del pueblo.


title: Campotéjar

text: Cabe destacar la antigua tradición de "los tiradores". Este acto conmemora el reclutamiento por "Don" Alonso de Granada Venegas de un centenar de hombres para combatir a los moriscos. A lo largo de tres días, siempre con un rito que marca perfectamente los pasos, el alabardero, el tamborilero, los tiradores con sus carabinas y las banderas recorren el pueblo. En la procesión de los "tiros" disparan salvas de pólvora con sus armas y protegen a la Virgen de los Remedios —patrona igualmente de las Fuerzas Armadas Españolas—, con cuya imagen hacen la "Carrerilla" durante el tramo, en la que todos los componentes van corriendo durante un buen trecho. Previamente se celebra la procesión de los "hachos", en la que todos los tiradores iluminan el camino por el que pasa la virgen.


title: Campotéjar

text: El Domingo de Resurrección se realiza el "Encuentro" entre la Virgen y el Niño Jesús, portadas sus imágenes en andas por personas de distinta edad —más jóvenes las del Niño—, y ante ambos se quema el muñeco de Judas, que simboliza todo lo malo, ya sea general o particular.


title: Campotéjar

text: Entre sus platos destacan la ropa vieja manchega, elaborada con las sobras del cocido, las gachas, las migas de segador, el guisado de manillas de cerdo y la torta de carda (saladilla). De postre, roscos, nochebuenos (pan de aceite típico granadino y pasas).


title: Corte por arco-aire

text: El corte por arco – aire es técnicamente un proceso de mecanizado por el cual un potente chorro de aire a presión barre el metal de la zona de corte, fundido por efecto de un arco eléctrico provocado con un electrodo situado en la parte delantera de la zona de barrido.


title: Corte por arco-aire

text: El equipamiento es el mismo que el necesario para la soldadura por arco, salvo que el portaelectrodos incluye unos orificios para la salida del aire a presión, y se necesita por tanto un caudal adicional de aire comprimido. Las medidas de seguridad a mantener para el uso y mantenimiento de estos equipos de corte son las mismas que para los de soldadura eléctrica.


title: Corte por arco-aire

text: Los electrodos a utilizar están compuestos en un 90% por grafito y el resto de carbono, recubiertos por una fina capa de cobre cuya misión es facilitar el paso de corriente y evitar la corrosión de la pieza que pudiera ser provocada por el chorro de aire. Este aire tiene que ser completamente seco y muy caudaloso, por lo que se precisa de potentes compresores que lo filtren y proporcionen un volumen de entre 700 y 1000 litros por minuto, lo que mantiene una presión de trabajo de 6 kg/cm2. Se necesita principalmente de corriente continua con polaridad inversa.


title: Corte por arco-aire

text: La primera evidencia de este corte, es que al ser necesario establecer un arco eléctrico, el material a cortar ha de ser necesariamente conductor, lo que reduce su aplicación a la gama de metales empleados en calderería (acero, fundición, magnesio, aluminio). Su principal ventaja es que su naturaleza de arco y gracias a su barrido de aire le convierten en un sistema ideal para realizar limpiezas y levantar cordones de soldadura.


title: Eira barbara

text: El tayra, también llamado viejo de monte, humayro, irará, eirá, Tolomuco, cabeza de mate, cabeza de viejo, manco, sanjool o hurón mayor (Eira barbara) es una especie de mamífero carnívoro de la familia Mustelidae. Habita en selvas tropicales desde las planicies costeras de México hasta el norte de Argentina, incluyendo la isla de Trinidad. Mide alrededor de 70 cm y pesa 5 kg. Tiene la cabeza blanquecina o canosa y es de hábitos arborícolas. Es omnívoro, se alimenta de frutos, insectos, carroña y pequeños vertebrados. En México se considera en Peligro de Extinción.


title: Eira barbara

text: La longitud del cuerpo alcanza de 58 a 75 cm, la de la cola a los 42 cm y pesa en promedio 5 kg. La cabeza es ancha y de tamaño proporcionalmente grande con relación al cuerpo, en comparación con otros mustélidos. Las patas son relativamente largas. El manto es suave de pelo corto y de color sepia, negro o castaño uniforme.


title: Eira barbara

text: La especie está distribuida por Argentina, Belice, Bolivia, Brasil, Colombia, Costa Rica, Ecuador, El Salvador, Guatemala, Guayana Francesa, Guyana, Honduras, México, Nicaragua, Panamá, Paraguay, Perú, Surinam, Trinidad y Tobago y Venezuela.


title: Eira barbara

text: En Argentina se encuentra en Misiones, Formosa, Chaco, Jujuy, Salta y Tucumán. En el año 2018 se observó un ejemplar adulto en Córdoba, Luque, y en el parque nacional Quebrada del Condorito se observó en 4 ocasiones adultos de "Eira barbara" en el año 2017. Otras observaciones en ese país fueron en Catamarca en el año 2016 y 2018 se observaron 4 especímenes, y en Santa Fe en el año 2013 se observó otro ejemplar; esto quiere decir que el "Eira barbara" puede que esté presente en Argentina central.


title: Eira barbara

text: Los ejemplares de "Eira barbara" pueden ser identificados individualmente, gracias a la mancha de pelo que tienen en la garganta.


title: Eira barbara

text: Localizan a la presa principalmente por el olor, teniendo una vista relativamente pobre. Una vez localizada la persiguen hasta que esta se cansa. El irará es un omnívoro oportunista, consumiendo una variedad de frutos, carroña, pequeños vertebrados, insectos y miel. En un estudio de la dieta del irará en Belice se recogieron 31 muestras fecales. El estudio mostró que se alimentan principalmente de frutas (67,7%) y artrópodos (58%). Otras presas incluían aves y sus huevos (19,4 %), zarigüeya común (9,6 %), rata de arroz (22,5%), rata algodonera (32,3%) y la rata negra (29%). Sunquist y otros (1989) analizaron las heces (18) de este mustélido en Venezuela; encontraron que se alimenta de tres especies de vertebrados, la rata espinoza ("Echimys semivillous"), ratas arborícolas ("Rhipidomys") y la iguana ("Iguana iguana"), y cuatro especies de frutas ("Genipa americana", "Zanthozylum culantrillo", "Cuazuma tomentosa", y "Psychotria anceps"). Ambos "Echimys semivillous" y "Genipa americana" se encontraron en el 50% de los estudios. Además, todas las presas eran de hábitats cerrados, apoyando la idea que el irará es un especialista forestal. En Sao Paulo se analizaron 10 muestras fecales e identificaron frutas y roedores, entre los cuales se identificaron Akodon, Oligoryzomys y Calomys, además de aves y insectos (grillos, langostas y hormigas). También se le ha observado alimentarse de frutas de uveña y "Cecropia" sp.


title: Eira barbara

text: A pesar de estos estudios se sabe muy poco de su alimentación y que lugar ocupa en la cadena alimentaria en comparación a otros mesodepredadores, conclusiones hechas por biólogos explican que es un depredador oportunista y que atrapa todo lo que esté a su alcance, aparte es un buen dispersor de semillas y controlador de poblaciones de roedores. Los tayras son activos durante el día, especialmente al amanecer y al atardecer. Generalmente andan solos, aunque se los ha observado en pareja o en pequeños grupos familiares. Son muy ágiles para desplazarse, tanto en el suelo como en lo alto de los árboles, donde utilizan su cola para balancearse, y son capaces de subir y bajar con la cabeza por delante. También son muy buenos nadadores. Viven en sus madrigueras ubicadas en las horquetas, en algún agujero o en la base de los árboles. Estos nidos o madrigueras están cerca uno de otros, por lo que se deduce que no son territoriales.


title: Eira barbara

text: Los tayras salvajes no son muy amigos del hombre. Son ariscos y no se dejan ver con frecuencia. Resoplan cuando están asustados; gruñen y chillan si se sienten amenazados o acorralados. Si son sorprendidos, son capaces de subir rápidamente a un árbol, gruñendo y escupiendo, mientras escapan corriendo por las ramas.


title: Eira barbara

text: Las interacciones copulatorias de los adultos ocurren en el día en cautiverio y en la noche en libertad; los machos alcanzan su madurez sexual alrededor del año de vida, pero no se aparean hasta los 18 meses, mientras que las hembras tienen su primer estro alrededor de los 22 meses. El ciclo estral dura 52.2 días en hembras primerizas y 93.9 en experimentadas; las hembras entran es estro varías veces al año en periodos de 3-20 días. La gestación dura entre 63-67 días y las camadas son de 1-3 crías con un promedio de 2. Los machos adultos no permanecen con la madre y los cachorros, los cuales a los 3 meses de edad ya son capaces de cazar pequeños roedores y aves (Presley, 2000). Llegan a vivir hasta 18 años en cautiverio.


title: Eira barbara

text: Las principales amenazas para su supervivencia son la deforestación y desintegración de su hábitat a través de la agricultura, la ganadería y los incendios forestales. También es perseguido y cazado por el hombre ya que se lo acusa de alimentarse de las aves de corral y otros pequeños animales de granja. Sin embargo, y afortunadamente, no es una especie que se encuentre en peligro de extinción, ya que puede sobrevivir tranquilamente en ambientes perturbados cerca del hombre. En muchos lugares incluso se domestica al tayra con el fin de que controle la población de roedores. En Colombia el tayra ataca y mata ardillas por lo cual está prohibido cazarlo ya que controla la población de ardillas.


title: Eira barbara

text: El hurón mayor es principalmente diurno al igual que el yaguarundí, pero evita la competencia con este felino por la alimentación. Mientras que el yaguarundí se alimenta de una gran variedad de roedores y aves pequeñas, el hurón consume principalmente frutas y una gran variedad de animales medianos y pequeños. Konecny (1989) informó además que la diversidad de presas tomadas por yaguarundí y el hurón parecían ser altamente correlacionados. Aunque la proporción en ocurrencia de los elementos presa en la dieta de cada depredador se superponen aproximadamente en un 40%, el autor registró artrópodos en las heces del yaguarundí, un 20% más que en las heces de los hurones. El ocelote y el margay son principalmente nocturnos, aparte de que el ocelote consume una gran diversidad de presas y el margay consume animales arborícolas.  El principal depredador del hurón es el águila harpía, se registró como presa de esta rapaz en Argentina, Brasil, Perú y Guayana Francesa. Se han encontrado esporádicamente en la materia fecal de ocelotes, pumas y jaguares.


title: Beans (MC)

text: Beans (también conocido como Mr Ballbeam) es un MC de Estados Unidos.


title: Beans (MC)

text: Fue uno de los fundadores del grupo de rap alternativo "Antipop Consortium", que se disolvió en 2002. Con Warp Records, Beans ha hecho dos LP y dos EP desde que empezó en 2003 su carrera en solitario: "Tomorrow Right Now" (2003), "Now Soon Someday" (2003 EP), "Down By Law" (2004 EP) y "Shock City Maverick" (2004).


title: Beans (MC)

text: Beans ha actuado en el mismo escenario con Radiohead, Prefuse 73, Missy Elliott y colaborado con Funkstörung y DJ Shadow. Con frecuencia actúa en clubs underground en East Village, un barrio de Manhattan, en Nueva York.


title: Medina de Rioseco

text: Medina de Rioseco es un municipio y localidad española de la provincia de Valladolid, en la comunidad autónoma de Castilla y León. Cuenta con una población de . Perteneciente a la comarca de Tierra de Campos, posee los títulos honoríficos de muy noble y muy leal, así como el de ciudad, y es conocida también por los sobrenombres de la Ciudad de los Almirantes y la Vieja India Chica. Por el término municipal discurre el río Sequillo. La localidad se encuentra situada en el Camino de Santiago de Madrid.


title: Medina de Rioseco

text: Se encuentra en la comarca de Tierra de Campos vallisoletana, muy cerca de la de Montes Torozos y con límites con algunos municipios palentinos. Se sitúa a 41 kilómetros de la capital provincial por la carretera N-601. El pueblo se alza a 732 metros sobre el nivel del mar, a orillas del río Sequillo, afluente del río Valderaduey. El relieve de su territorio es variado, más elevado hacia el este por la presencia de los Montes Torozos (el punto más elevado es un monte llamado Moclín a 841 metros) y más llano en el resto, con algún pequeño monte o páramo aislado, como es característico de la Tierra de Campos. Un exclave del municipio al sureste se encuentra en la comarca adyacente de Montes Torozos.


title: Medina de Rioseco

text: Medina de Rioseco, a pesar de no presentar una precipitación anual promedio muy abundante y a presentar sequía estival, tiene un clima "Cfb" (templado sin estación seca) en transición a un clima "Csa" y "Csb" según la clasificación climática de Köppen modificada. Esta clasificación como un tipo de clima oceánico se debe a que aunque la precipitación en el mes más seco del verano es inferior a 40 mm, no es inferior a 1/3 de la precipitación del mes más lluvioso de la mitad invernal del año.


title: Medina de Rioseco

text: Su escudo es cuartelado, con dos castillos en oro sobre fondo de gules y dos caballos en su color asomados a unas almenas, sobre fondo de plata, rodeado de una guirnalda de hojas de laurel. No tiene corona. Fue concedido por el rey Juan I de Castilla.


title: Medina de Rioseco

text: Desde 2012 cuenta con un himno, compuesto por Godofredo Garabito y Ernesto Monsalve que fue hecho oficial en 2014 con su publicación en el "Boletín Oficial de Castilla y León".


title: Medina de Rioseco

text: Los vestigios más antiguos de Rioseco corresponden a la Edad del Hierro y la época celtibérica. Algunos autores antiguos identificaban esta zona como "Forum Egurrorum" o plaza de los mercados, de época visigótica, teoría que se ha demostrado errónea. De esta época son los documentos que se refieren a la Tierra de Campos como Campos Góticos o "Campii Gotorum".


title: Medina de Rioseco

text: A mediados del y durante todo el esta zona es un territorio de colonización del reino astur-leonés, al que también acuden mozárabes andalusíes. Es quizás de este momento el topónimo de la población: Medina (del árabe = la ciudad).


title: Medina de Rioseco

text: La confluencia de los límites fronterizos entre el Reino de León y el Condado de Castilla sitúa en este espacio los conflictos bélicos entre los dos reinos. Alfonso X el Sabio, en 1258, fijó los límites definitivos con Valladolid quedando para Medina los Montes de Torozos.


title: Medina de Rioseco

text: Durante la Edad Media estaba integrada en la Merindad del Infantazgo de Valladolid (en castellano antiguo citada como: "Meryndat del Infantadgo de Ualladolid") una división administrativa de la Corona de Castilla, cuya descripción figura en el libro Becerro de las Behetrías de Castilla, redactado por las Cortes de Valladolid de 1351, cuando el estamento de los hidalgos solicitó al rey Pedro I la desaparición de las behetrías mediante su conversión en tierras solariegas.


title: Medina de Rioseco

text: Alfonso Enríquez recibió en mayo de 1405 del rey Enrique III de Castilla el título de almirante de Castilla, tras la muerte de Diego Hurtado de Mendoza, que había sido su anterior titular. En 1423 Juan II de Castilla le otorga el señorío de Medina de Rioseco.


title: Medina de Rioseco

text: Su tradicional vocación comercial desde los tiempos medievales va adquiriendo carácter oficial con el paso del tiempo. Ejerciendo el señorío D. Fadrique Enríquez segundo almirante, Juan II le concedió en 1423 el privilegio de realizar una feria anual de veinte días tras el primer domingo de Pascua. En 1427 el mismo monarca concedió una segunda feria más, con la misma duración, al comienzo de la Cuaresma. Bajo el señorío de Alfonso II Enríquez, tercer almirante de Castilla, Enrique IV de Castilla confirmó a la villa la segunda feria anual y en 1465 Enrique IV le otorgaba un jueves semanal franco de impuestos. Este reconocimiento se lo repitieron monarcas posteriores, como los Reyes Católicos, Juana I de Castilla, Carlos I o Felipe II. Todos estos valiosos documentos se guardan hoy en el Archivo Histórico Municipal, uno de los más completos de España en su género.


title: Medina de Rioseco

text: Don Fadrique II, Enríquez de Cabrera, cuarto almirante, inició la construcción del palacio de los almirantes y de la iglesia de San Francisco, fundó el convento de Santa Clara y durante su señorío se construyó la iglesia de Santa María de Mediavilla.


title: Medina de Rioseco

text: El auge que la economía de Medina de Rioseco iba alcanzando llegó a su máximo apogeo durante el . Se construyen los cuatro mayores templos riosecanos, salen hacia América numerosos habitantes que dejan cuantiosos donativos y herencias a la ciudad y sus parroquias. Asimismo el municipio se convierte en el centro de distribución mundial de la plata llegada desde las Indias, a través del puerto de Sevilla y pasa a ser sede de las ferias más importantes del reino, tras las de Medina del Campo. Es el momento en que nacen las cofradías penitenciales, que elevan sus capillas, hospitales, corrales de comedias y comienzan sus procesiones de penitencia y pasión.


title: Medina de Rioseco

text: Fue sitiada por las tropas de don Pedro Girón y sede de los regentes del reino, Fadrique Enríquez, Adriano de Utrech e Íñigo de Velasco, que tuvieron que refugiarse en su castillo (aunque no hay referencias históricas fehacientes de la existencia de tal castillo). Cuentan las leyendas que la situación se resolvió por la vía del entendimiento, gracias a la mediación de la condesa de Modica, esposa del almirante don Fadrique II.


title: Medina de Rioseco

text: Por haber apoyado la causa realista, el emperador Carlos V concedió interesantes privilegios al municipio y el título de Duque de Medina de Rioseco, con Grandeza de España, al hermano de Fadrique II, Fernando Enríquez, heredero del título de almirante de Castilla. Le sucedió Luis Enríquez, sexto almirante y a este Luis II Enríquez.


title: Medina de Rioseco

text: Durante el señorío de Juan Alfonso Enríquez de Cabrera, noveno almirante, Felipe IV concedió a Rioseco el título de ciudad en 1632. Juan Gaspar Enríquez de Cabrera fue el décimo almirante y Juan Tomás Enríquez de Cabrera fue el undécimo y último. A la muerte de Carlos II, durante la Guerra de Sucesión se declaró en contra de Felipe V el cual suprimió el Almirantazgo y en 1725 en que habiendo muerto este, los títulos confiscados, bienes y herencia de los Enríquez de Cabrera, pasaron a su sobrino Pascual Enríquez de Cabrera, excepto el de almirante. Falleció en 1739 y se mantuvo en la familia únicamente la sucesión ducal, hasta el año 1797, en que, muerto el poseedor, revirtió a la Corona. Posteriormente el ducado de pasó a los Osuna.


title: Medina de Rioseco

text: Es un momento de apogeo económico, por las novedades introducidas en las explotaciones agrícolas por los ilustrados. En Medina de Rioseco se funda una Sociedad Económica de Amigos del País y se construye un cuartel de caballería, junto al Arco de Ajújar, a expensas de la ciudad. Se realizan plantaciones de árboles y comienza la construcción y mejora de caminos y fuentes.


title: Medina de Rioseco

text: A comienzos del se escribieron en Medina de Rioseco las páginas de unos hechos que habían de tener gran repercusión sobre la suerte que correría el resto de España durante la guerra de la Independencia, la batalla del Moclín. Un poderoso ejército francés dirigido por el mariscal Jean-Baptiste Bessières se enfrentó en las inmediaciones de Medina de Rioseco, el 14 de julio de 1808, a los ejércitos españoles de Castilla y de Galicia dirigidos por los generales Cuesta y Blake. La batalla de Rioseco fue la primera de importancia en la Guerra de la Independencia, concluyó con una terrible derrota para las tropas españolas y supuso la llave que abrió la puerta al trono español a José Bonaparte. En palabras del propio emperador Napoleón: «la batalla de Rioseco es la segunda batalla de Villaviciosa, ha puesto en el trono de España a mi hermano José». El triunfo del mariscal Bessières le valió para que el emperador Bonaparte le concediera la condecoración del Toisón de Oro.


title: Medina de Rioseco

text: En el , se había construido el canal de Castilla uno de cuyos ramales, el llamado Canal de Campos llegó hasta la ciudad de Rioseco en 1849. Como consecuencia se instalaron gran cantidad fábricas de harina, molinos de papel, y fundiciones siderúrgicas. A la actividad generada por su construcción hay que añadir los beneficios que reportó como sistema de transporte y regadío y que se convertían en la principal fuente de ingresos, desplazando a la tradicional actividad comercial.


title: Medina de Rioseco

text: El desarrollo del ferrocarril vendría a sustituir el uso del canal. El que pasaba por Medina de Rioseco, era el popularmente conocido como «Tren Burra», debido a la escasa velocidad de desplazamiento. La compañía que explotaba estas líneas, que unían Valladolid con Palanquinos y con Villada, era la Compañía de Ferrocarriles Secundarios de Castilla, fusión de otras como la Compañía del Ferrocarril Económico de Valladolid a Medina de Rioseco. Como curiosidad hay que decir que su inauguración fue adelantada en unos meses, por el anuncio de la actuación del torero Frascuelo en las ferias septembrinas de Rioseco.


title: Medina de Rioseco

text: Sede de revueltas sociales continuas, "Motín del Pan", Revolución del 34.


title: Medina de Rioseco

text: Tiene una superficie de 115,43 km² y una población en 2018 de 4716 habitantes, con una densidad de 43,13 hab/km².


title: Medina de Rioseco

text: Situada en el centro de la ciudad, es la principal de las iglesias y se sitúa en la cota más alta de la localidad. Su construcción comenzó a finales del , sustituyendo a otro edificio anterior, cuyos restos se conservan en la Capilla de los Palacios. Su estilo es Gótico tardío, con añadidos renacentistas y barrocos, como la torre, reconstruida en 1700 al venirse abajo la anterior. En su interior se conservan las firmas de los constructores que tomaron parte en la misma.


title: Medina de Rioseco

text: En el interior del templo, destacan la capilla de los Benavente, derroche de exuberancia escultórica. Toda la labor de yesería corresponde a los hermanos Corral de Villalpando y posee un complejo diseño iconográfico. El retablo de la capilla es obra de Juan de Juni y el diseño la reja, de Francisco de Villalpando. En el resto de la iglesia, destacan la reja, obra de Cristóbal de Andino y la sillería barroca, ambas procedentes del convento de San Francisco. Sobre el cancel de entrada se encuentra una piel de caimán, donada en el , desde México, por Manuel Milán, riosecano que llegó a ser alcalde de la ciudad de Puebla. Frente a la entrada principal se encuentra un órgano del y unas puertas renacentistas, antiguamente colocadas en el lado exterior de la entrada norte. El retablo mayor del templo es una excepcional pieza renacentista, obra conjunta de Gaspar Becerra, Juan de Juni y Esteban Jordán.


title: Medina de Rioseco

text: Comenzó a construirse al mismo tiempo que finalizaban las obras de Santa María, en estilo gótico, pero sus trabajos se alargaron hasta el Barroco, momento en que se cerraron las bóvedas. Comenzó a alzarse en 1533 bajo la dirección de Rodrigo Gil de Hontañón pero interviniendo posteriormente diversos arquitectos de distintas épocas. Semejantes cambios en la dirección explica la diversidad de estilos de la iglesia. Como muestra están las fachadas. La portada sur es plateresca y guarda gran similitud con el diseño de la fachada del Colegio Mayor de San Ildefonso de Alcalá de Henares, y, junto con la sacristía, es obra de Gil de Hontañón. La fachada norte pertenece al gótico tardío, y la principal es clasicista, de fuerte impronta herreriana. El interior, con su planta de salón, y tres naves divididas por altísimos pilares, es de estilo gótico, con numerosos añadidos platerescos y clasicistas. Las bóvedas fueron realizadas con labores de yeserías policromadas, durante el Barroco, por Felipe Berrojo. Lo más sorprendente es sin duda el riquísimo y monumental retablo mayor, diseñado por Joaquín de Churriguera, con tallas de Tomás de Sierra.


title: Medina de Rioseco

text: Sus obras comenzaron a finales del , con un diseño de Rodrigo Gil de Hontañón, que por falta de presupuesto no llegó a realizarse. Sustituyó a otro templo anterior, que poseía una torre con un reloj, del que tan sólo se conserva una de las capillas, de estilo gótico primitivo y que se encuentra hoy empotrada en una vivienda del lado izquierdo de la plaza. Sus obras su sucedieron a lo largo del con numerosos avatares. Sus trazas son atribuidas a los maestros canteros cántabros Juan de Nates y Felipe de la Cajiga. La fachada es su elemento más singular; recrea el diseño del arquitecto italiano Jacopo Vignola para la iglesia del Gesù, de Roma, aunque con influjos herrerianos que aportan cierta severidad. El interior sigue los modelos de las iglesias jesuíticas, con la nave central más ancha de toda España y capillas laterales unidas por pasadizos. El interior se encontraba en siglos pasados ricamente adornado con retablos barrocos, una lámpara de grandes dimensiones, enterramientos, etc., convirtiéndose gracias a numerosos riosecanos desplazados a Las Indias, en la parroquia más rica de la ciudad. A finales de los años 1960 sufrió un grave incendio y en 1974 su fachada principal tuvo que ser sujetada con enormes contrafuertes al amenazar con venirse abajo. Esta dolencia ya la venía sufriendo desde siglos atrás, cuando tras el terremoto de Lisboa, tuvo que desmontarse el coro, construir una nueva tribuna para el órgano y cerrar los arcos de las primeras capillas laterales. Al poco de reconstruirse esta fachada (labor durante la cual se eliminó la cruz del remate), la bóveda principal se vino abajo. Su reconstrucción fue llevada a cabo por los arquitectos José Ignacio Linazasoro y Salvador Mata Pérez. En 1996 se restauró el atrio y se eliminaron los antiguos leones de piedra que marcaban el límite jurisdiccional de la parroquia en épocas anteriores, colocándose una lápida con una inscripción errónea en latín. Hoy alberga el Museo de Semana Santa y conserva en su interior varios retablos procedentes del mismo templo.


title: Medina de Rioseco

text: Iglesia conventual edificada en tiempos del almirante de Castilla Fadrique II Enríquez, como segundo monasterio franciscano de la villa, tras el de Valdescopezo, como lugar de enterramiento para los miembros de su familia. Del recinto primitivo, se conserva solamente la iglesia, dedicada a la Virgen de la Expectación, apoyada sobre los restos de la muralla medieval; algunas capillas laterales del claustro, el basamento del mismo, la Sala Capitular y el Refectorio convertido hoy en Capilla de la Residencia de Ancianos. Dentro de esta institución pueden verse la cocina, transformada en capilla secundaria para la Residencia, parte de un segundo claustro, un ala de celdas de los monjes que tiene una escalera barroca, oculta tras unos servicios, y restos de esculturas en piedra y madera, vidrieras, así como parte del antiguo mobiliario. Hoy en día la iglesia y los restos del monasterio han sido convertidos en un museo de arte sacro, el Museo de San Francisco.


title: Medina de Rioseco

text: Aunque los cuatro templos mayores de Rioseco comenzaron a edificarse en intervalos de solo cincuenta años, la iglesia de San Francisco fue la primera en construirse y puede considerarse como la más antigua. La iglesia ofrece al exterior un aspecto sobrio y sencillo, que contrasta con la magnificencia y ostentación del interior. De estilo gótico, el templo es de una sola nave con ocho capillas laterales cubiertas con crucería. De su decoración interior destacan dos retablos platerescos de piedra, las esculturas de los ángeles, las pinturas de la cúpula y dos tribunas de yeso.


title: Medina de Rioseco

text: Fundada hacia 1132. Fue un templo románico demolido por ruinoso en 1861. Estaba situado cerca de la iglesia de Santa María entre las calles Empedrada, Villarramiel y Calzada de San Miguel.


title: Medina de Rioseco

text: Se funda en 1491 bajo la protección del almirante Fadrique II.


title: Medina de Rioseco

text: El convento de las Carmelitas es de estilo clasicista y debe su fundación a una provisión real del 2 de marzo de 1603. Fue diseñado por fray Alberto de la Madre de Dios, uno de los arquitecto más importantes del barroco español, en 1606.


title: Medina de Rioseco

text: Siguiendo por el camino de Castilviejo se encuentra esta ermita construida en el , remanso de paz y frescor.


title: Medina de Rioseco

text: Iglesia del convento de la Orden de los Predicadores, es de estilo clasicista, construida entre los siglos y , con una sencilla fachada.


title: Medina de Rioseco

text: Del antiguo castillo, que se localizaba sobre un cerro, al suroeste de la población, dominando el cauce del río Sequillo, no queda hoy ningún resto. Sus piedras fueron usadas para la construcción de algunos edificios civiles y religiosos de la ciudad.


title: Medina de Rioseco

text: La muralla medieval de la ciudad, conservada en algunos tramos, pero oculta por las viviendas, contaba con un total de ocho puertas, de las que hoy solo se conservan tres:


title: Medina de Rioseco

text: La ciudad aún conserva un interesante conjunto de viviendas construidas siguiendo las normas de la arquitectura popular de Tierra de Campos. La mayoría construidas a base de ladrillos de adobe, que cierran los huecos del entramado de vigas de madera. Con pisos volados sobre canecillos mudéjares lobulados o aquillados, propios de las viviendas de los siglos , y . Algunas residencias de familias más pudientes y los edificios civiles, presentan fachadas de ladrillo y piedra sillar, y las menos lucen blasones en sus fachadas. Destacan las viviendas de la familia Núñez de Monroy, en la calle Misericordia, la de los Pizarro, en la Rúa, la de los Solórzanos en el Corro de San Miguel o la del obispo Caso, en la calle de Los Lienzos.


title: Medina de Rioseco

text: Muchas de ellas poseen soportales, destinados a albergar las mercancías de los mercaderes que acudían a sus famosas ferias. Los conjuntos mejor conservados se sitúan en la calle Mayor, también conocida como "La Rua", la calle de La Sal y la calle de Los Lienzos. El conjunto monumental de los soportales fue declarado Conjunto Histórico —en su día "Conjunto Histórico-Artístico"— en 1965.


title: Medina de Rioseco

text: Lamentablemente, el conjunto ha entrado en los últimos 30 años en un grave proceso de desaparición y de sustitución por viviendas y construcciones contemporáneas.


title: Medina de Rioseco

text: Otros edificios civiles son: Fue un suntuoso palacio mandado construir por el IV Almirante de Castilla Fadrique II Enríquez de Cabrera, conde de Módica. Se encontraba frente a la iglesia de San Francisco fundada así mismo por este almirante y que fue además el panteón familiar.


title: Medina de Rioseco

text: Durante la Semana Santa de Medina de Rioseco se celebran procesiones y actos que constituyen el acontecimiento cultural y turístico más destacado de esta ciudad. La misma fue declarada de "Interés Turístico Nacional" en 1985. En 2009 fue elevada a la categoría de "Fiesta de Interés Turístico Internacional". Cuenta, además, con otros galardones turísticos que reconocen su atractivo y la labor de los habitantes de la ciudad en la preservación de sus tradiciones.


title: Medina de Rioseco

text: En febrero se celebran Santa Águeda, con una procesión con la imagen de la Santa y fiesta organizada por la cofradía titular, y los Carnavales, con desfiles, concursos de disfraces y Entierro de la Sardina, aunque sin la espectacularidad que adquirieron en siglos pasados. En abril se celebra San Marcos, patrón de los carniceros, con una fiesta gremial. En mayo y junio se celebra el Corpus, con una procesión celebrada con la custodia de Antonio de Arfe, aunque sin la magnificencia de siglos anteriores, cuando era organizada por la cofradía del mismo nombre. El 24 de junio es la Festividad de San Juan, patrón de los riosecanos, con las fiestas patronales del municipio. En julio se celebran Santa Marta, patrona de los camareros, con una fiesta gremial, y San Cristóbal, patrón de los conductores, con fiesta del gremio de los transportistas. En agosto se celebra la Virgen de las Nieves, con fiestas del barrio titular, en septiembre la Virgen de Castilviejo, patrona del municipio y cuya imagen se conserva en una ermita cercana a la localidad, y en octubre el Santo Cristo de las Puertas, fiesta del barrio del mismo nombre celebrada el segundo domingo del mes, y Santa Teresa de Jesús, fiesta celebrada por la cofradía homónima. En diciembre se celebra San Juan de la Cruz con una fiesta organizada por la cofradía titular.


title: Medina de Rioseco

text: Es tradicional el lechazo de raza churra, junto con otros platos de la zona como la perdiz roja, la liebre, los pichones o el queso elaborado con leche de la misma raza. Repostería y panadería de elaboración tradicional


title: Medina de Rioseco

text: En 1953 se rodó la película "Condenados" y se necesitaron como extras personas de este pueblo que aparecieron con mandiles de carniceros acorralando al protagonista.


title: Lockheed P-80 Shooting Star

text: El Lockheed P-80 Shooting Star fue el primer caza a reacción operativo de Estados Unidos, un diseño bastante convencional aparte del motor a reacción y el ala de flujo laminar. A finales de la Segunda Guerra Mundial, cuatro máquinas estaban en Europa listas para el combate, pero no llegaron a realizar ninguna misión.


title: Lockheed P-80 Shooting Star

text: En 1939, el equipo de diseño de "Kelly" Johnson, en Burbank, California, propuso a las autoridades militares la construcción de un caza a reacción, el L-133, que resultaría anulado por la falta de una planta motriz y la indiferencia burocrática. Pero poco después, presionadas por las exigencias de guerra, las USAAF solicitaron a Johnson que produjese el nuevo diseño XP-80 (Model L-140) en 180 días. A pesar del optimismo con que el equipo comenzó su trabajo, nunca llegaron a sospechar que el producto de la inventiva de Kelly se convirtiese no sólo en el caza F-80, sino también en el "T-33", el entrenador a reacción más difundido de Occidente y en el también formidable interceptador Lockheed F-94.


title: Lockheed P-80 Shooting Star

text: Adelantándose a las exigencias de las USAAF, el prototipo XP-80, pintado en verde espinaca y bautizado "Lulu-Belle", estuvo dispuesto para su primer vuelo sólo 143 días después de comenzado el proyecto. Estaba propulsado por un turborreactor británico Halford H1 de 1360 kg de empuje, y el 8 de enero de 1944, con Milo Burcham a los mandos, se elevó por primera vez del suelo, pero los segundo y tercer prototipos XP-80A (Model L-141), así como el YP-80A de preserie, estuvieron dotados con el General Electric I-40 de 2980 kg de empuje.


title: Lockheed P-80 Shooting Star

text: A finales del conflicto, dos unidades se encontraban en Italia listas para el combate, otras dos habían llegado a Gran Bretaña, y no menos de 16 se hallaban ya en condiciones de vuelo. Pero los primeros accidentes del "P-80" se llevaron las vidas del principal as estadounidense, el mayor Richard Bong, el 6 de agosto de 1945, mismo día del bombardeo atómico sobre Hiroshima, y la del piloto de pruebas Burcham, el 20 de octubre de 1944. No obstante, y a pesar de la intensa actividad del proyecto, la II Guerra Mundial acabó demasiado pronto para que el caza a reacción de Lockheed lograse entrar en combate.


title: Lockheed P-80 Shooting Star

text: No fue hasta la puesta a punto del extraordinario motor turborreactor J33, desarrollado con tecnología británica por General Electric, pero fabricado por Allison, cuando el "Shooting Star" encontró su verdadera dimensión.


title: Lockheed P-80 Shooting Star

text: Las versiones J33-A-11 de 1815 kg de empuje, J33-A-19 de 2360 kg y la J33-A-25 de 2450 kg propulsarían respectivamente a las variantes "P-80A", "P-80B" y "F-80C".


title: Lockheed P-80 Shooting Star

text: En los últimos años del decenio de los cuarenta, una docena de escuadrones operaban con el "F-80" en Estados Unidos y Alaska. Diversos récords de velocidad y distancia habían demostrado la valía de la máquina.


title: Lockheed P-80 Shooting Star

text: El 22 de enero de 1946, el coronel William H. Council voló un "P-80A" de costa a costa en 4 horas y 13 minutos, a una velocidad media de 934,8 km/h y recorriendo una distancia de 3919,9 km entre Long Beach, California, y LaGuardia, en Nueva York. El 19 de junio de 1947, el coronel Albert Boyd voló el P-80R ("Racer") desde el lago seco de Muroc, California, consiguiendo un nuevo récord mundial de velocidad a 1003,88 km/h.


title: Lockheed P-80 Shooting Star

text: Dos años después, el as de guerra coronel Davis Schilling comenzó los autotraslados masivos de cazas "F-80" a través del Atlántico.


title: Lockheed P-80 Shooting Star

text: Este avión era un monoplano de ala baja, con el tren de aterrizaje en configuración de triciclo y una cabina con visibilidad en 360º. La versión "P-80", con un ala mejorada, entró en servicio en enero de 1945, y apenas 45 aviones de esta variante habían sido entregados antes del final de la guerra. Los planes para una producción masiva de 5000 aviones fueron cancelados al final de la guerra, pero el desarrollo de versiones mejoradas elevó las unidades producidas por Lockheed a 5691.


title: Lockheed P-80 Shooting Star

text: La epopeya comenzó con la célula "48-356", un "F-80" "alargado", conocido inicialmente como TF-80C y dotado con un fuselaje de mayor longitud (0,98 m más que la versión monoplaza) para permitir la instalación de un segundo asiento tras el del piloto.


title: Lockheed P-80 Shooting Star

text: Voló por vez primera el 22 de marzo de 1948, con el piloto de la compañía Tony LeVier a los mandos. Estaba propulsado por el ya familiar turborreactor Allison J33-A-35 de 2450 kg de empuje y equipado con depósitos de borde marginal de 870 l de capacidad, y comenzó enseguida a adquirir una excelente reputación y a ganarse el apodo de "T-bird".


title: Lockheed P-80 Shooting Star

text: La producción de este entrenador llegó a totalizar los 6557 ejemplares: a los 5691 construidos por Lockheed hay que añadir los 656 "CL-30 Silver Star" ("T-33A") fabricados por Canadair, propulsados por reactores Rolls-Royce Nene, y los 210 de Kawasaki.


title: Lockheed P-80 Shooting Star

text: Como mínimo, 31 países utilizaron el "T-33" en alguna ocasión, y puede decirse que una parte importante de los pilotos de reactores del mundo aprendieron a volar en él y que continúa siendo apreciado por una u otra razón.


title: Lockheed P-80 Shooting Star

text: Cuando el presidente Truman destacó fuerzas estadounidenses para combatir en Corea, el 25 de junio de 1950, los "Shooting Star" limpiaron rápidamente los cielos de la aviación enemiga, equipados inicialmente con obsoletos aparatos de hélice. Pero al intervenir China en el conflicto, los cazas a reacción MiG, aunque pilotados por inexpertos aviadores recién formados, demostraron que los días de gloria del caza de Lockheed ya habían pasado.


title: Lockheed P-80 Shooting Star

text: A pesar de ello, el primer combate aéreo entre reactores que registra la historia tuvo lugar el 8 de noviembre de 1950 y en su curso, el primer teniente Russell Brown, volando a bordo del "F-80C" "49-737", consiguió, según los partes oficiales estadounidenses, el primer derribo de un MiG-15. Durante el resto del conflicto, y bastante más, lógicamente, el "F-80" fue dedicado a misiones secundarias de ataque al suelo y apoyo a la infantería.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: La escultura de Roma se desarrolló en toda la zona de este país de influencia romana, con su foco central en Roma , entre el siglo VI a. C. y V d.C. El origen derivó de la escultura griega, principalmente a través de la herencia de la escultura etrusca, y luego directamente, por contacto con las colonias de la Magna Grecia y la propia Grecia, durante el periodo helenístico. La tradición griega siguió siendo una referencia constante durante todo el curso del arte escultórico en Roma, pero contradiciendo una creencia antigua y extendida de que los romanos eran solo meros copistas, ahora se reconoce que no solo fueron capaces de asimilar y desarrollar sus fuentes con maestría, sino también aportar una contribución original e importante a esta tradición, visible especialmente en el retrato, género que consiguió un gran prestigio y que dejó ejemplos singulares de gran técnica y de alta expresividad, y en la escultura decorativa de los grandes monumentos públicos, donde se desarrolló un estilo narrativo de gran fuerza y carácter típicamente romano.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Tras la consolidación del imperio romano, otras influencias extranjeras, sobre todo orientales, determinaron una progresiva separación del canon griego hacia una simplificación formal de tendencia abstracta, que estableció las bases del arte bizantino, paleocristiano y medieval. Este proceso, sin embargo, se intercaló con varios períodos de recuperación del clasicismo, que además de fortalecer el vínculo simbólico con el pasado fueron útiles para el mantenimiento de la cohesión cultural y política del vasto territorio. Ni siquiera la cristianización del imperio pudo determinar la exclusión de referencias a la escultura clásica romana pagana, y hasta el siglo V, cuando la unidad política se rompió definitivamente, los modelos clásicos siguieron siendo imitados, pero adaptados a los temas del nuevo orden social, político y religioso que se había instaurado.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: El estudio de la escultura romana ha demostrado ser un desafío para los investigadores por su evolución que es cualquier cosa menos lineal y lógica. Los intentos de imponer un modelo de desarrollo formal como un sistema orgánico sobre la historia de la escultura romana se muestran inexactos y poco realistas. A pesar de algunos desacuerdos entre los especialistas en muchos puntos, ya se tiene una idea más o menos clara sobre las características generales de cada etapa evolutiva, pero, cómo fue su desarrollo y cómo se transforman de una a otra etapa ha demostrado ser un proceso muy complejo y que aún está lejos de entenderse bien. Una tendencia duradera al historicismo y eclecticismo, aún más pronunciada que la observada durante el período helenístico, junto con la presencia de diferentes estilos, en esculturas producidas en el mismo momento histórico para distintas clases sociales, e incluso dentro de una sola clase, atendiendo a las necesidades de cada tema y situación, hacen que su comprensión sea aún más compleja.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Además del gran mérito intrínseco de la producción escultórica romana, el hábito generalizado de copias de obras anteriores griegas y alusiones al clasicismo griego a lo largo de toda su historia, incluso por los primeros cristianos, mantuvo viva una tradición y una iconografía que de otra forma podrían haberse perdido. Gran parte del conocimiento de la cultura y el arte de la Grecia antigua, y más, la escultura romana —junto con la griega— tuvo una importancia fundamental en la formulación de la estética del Renacimiento y el Neoclasicismo, que confirma su vitalidad y significado incluso en los tiempos modernos, y es considerado hoy como uno de los organismos artísticos más importantes de la cultura occidental, como lo demuestra el gran número de estudios especializados de que es objeto y de la fascinación que todavía tiene en el público en general.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Roma era una sociedad muy visual. Con la mayoría de su población analfabeta e incapaz de hablar el latín erudito que circulaba entre la élite, las artes visuales funcionaban como una especie de literatura accesible a las grandes masas, lo que confirma las ideologías y la difusión de la imagen de personalidades eminentes. En este contexto, la escultura disfrutó de una posición privilegiada, que ocupaba todos los espacios públicos y privados y llenaba las ciudades con innumerables ejemplos de diversas técnicas. Gran parte de la escultura producida en Roma pertenece a la temática religiosa o está relacionada de alguna manera. Incluso los retratos a menudo tenían asociaciones con lo sagrado, como en todas las culturas antiguas, Roma no fue diferente en la práctica para producir imágenes de culto, que estaban presentes desde los grandes templos públicos hasta las viviendas más modestas. No solo las grandes esculturas en bronce y mármol se convirtieron en algo común —las estatuas, grandes sarcófagos, relieves arquitectónicos, camafeos grabados en las piedras preciosas—, pero aún más en estatuillas de terracota, placas funerarias sencillas, máscaras mortuorias en cera, cuyo coste estaba al alcance de las clases más bajas, y en las monedas, que pueden ser vistas como una especie de relieve en miniatura y se encontraban circulando entre la masa del pueblo. Jaś Elsner dice:


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Cuando el cristianismo se convirtió en la religión oficial, el papel del arte cambió radicalmente, aunque no había perdido su importancia central. El Dios cristiano no era conocido a través de imágenes, sino a través de las escrituras, de sus profetas y comentaristas. Sin embargo, la escultura y su repertorio de representaciones naturalistas convencionales fue adoptada por la iglesia naciente para la composición de alegorías y continuó siendo practicada como decoración en el ámbito público y privado laico, como registro histórico o para el retrato hasta el final del imperio, incluso como forma de enfatizar la herencia clásica compartida por todos y con el fin de establecer la unidad cultural en un momento en que las periferias empezaban a desarrollar su propia cultura con un alto grado de independencia y se volvía cada vez más complicada la tarea de mantener el territorio unificado.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: El origen de Roma es controvertida, probablemente fue fundada a mediados del siglo VIII a. C. por una mezcla de pueblos itálicos que vivían en la región del Lacio desde el siglo X a. C. Algunos sostienen la tesis de que fue fundada por los etruscos, que vivían en el norte, y un mito dice que su fundación se debe a Rómulo y Remo, descendientes de Eneas, héroe de Troya. Otras evidencias sugieren fuertemente la presencia de grupos de inmigrantes transalpinos, célticos y germánicos, que habrían dejado sus rasgos físicos en algunas familias de la aristocracia romana, como los Flavios (flavio significa rubio, en latín), y sido la causa de la presencia de nombres como Rufos y Rutilios (Rufo, pelirrojo y Rutilio, de cabello rojizo, en latín), en un pueblo de cabello oscuro, básicamente.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Entre los siglos VII a. C. y VI a C. Los etruscos dominaron la parte norte central de la península Itálica, y al menos algunos de los semilegendarios reyes de Roma fueron etruscos. Su arte, que ya estaba en gran medida interpretado del periodo griego arcaico, se convirtió en el arte de los romanos. Así como harían más tarde con el arte griego, los romanos no solo copiaron los modelos etruscos sino que en sus guerras contra ellos, se apropiaron de sus obras de arte para la decoración de su capital. Las primeras esculturas realizadas en Roma de las que hay noticia datan del siglo VI a. C. y su estilo es totalmente etrusco. El famoso Apolo de Veyes, nos da una buena información sobre las tendencias estéticas vigentes en ese momento. Los etruscos eran expertos en diferentes tipos de esculturas, desde la estatuaria fúnebre y sarcófagos hasta los grupos monumentales, y en muchos aspectos se anticiparon a la estética de lo prosaico que los romanos desarrollarían más tarde. Fueron maestros en escenas de género, que representaban la vida común, personajes del pueblo en actividades características, y también en el retrato se mostraron artífices de primer orden. Pero quizás donde habían sido más originales fue en el arte funerario. Desarrollaron una tipología específica para las urnas funerarias, que consistía en una caja decorada con relieves y cerrada por una tapa en la que había un retrato del fallecido de cuerpo entero reclinado, a veces acompañado por su esposa, un modelo que los romanos adoptarían en muchos de sus sarcófagos. El "Sarcófago de los esposos" del Museo Nacional Etrusco, y el "Hipogeo dei Velumni", una cripta en Perugia con varios sarcófagos, son ejemplos bien conocidos. A pesar del progresivo abandono de la tradición etrusca durante la época helenística que vendría después, se encuentran rastros de ella todavía en el momento de la época de Augusto.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Mientras tanto, Grecia evolucionaba hacia su clasicismo, cuyo apogeo ocurrió en el siglo IV a. C. En aquella época Roma inició su expansión hacia el sur, obtuvo la independencia de los etruscos después de casi un siglo de luchas por la supremacía regional, entrando en contacto más íntimo con el arte griego a través de las colonias de la Magna Grecia, cuya cultura sofisticada impresionó a los romanos. Los nobles de Roma empezaron a querer obras griegas en sus palacios, y se contrataban a artistas griegos para que realizaran copias de las composiciones helenas más célebres, a veces pagando precios fabulosos por ellas.


title: Escultura de la Antigua Roma

text: Un poco más tarde, Alejandro Magno, conquistó Grecia y llevó su arte hasta la India pasando por Persia y llegando a Egipto. El impacto de esta expansión tuvo dos significados, uno sobre los pueblos conquistados, definiendo nuevas orientaciones para su cultura y arte, y otro inverso, sobre la propia cultura griega que asimiló una variedad de elementos orientales. Con la fragmentación del imperio alejandrino después de la muerte del conquistador, se formaron varios reinos de raíz local —Bitinia, Galacia, Paflagonia, Ponto, Capadocia, el Egipto de la dinastía Ptolemaica—, que incorporaron nuevas costumbres griegas, evolucionando de manera propia. De esta fusión de influencias orientales y griegas se debe el nombre helenístico. El interés por el pasado fue un rasgo distintivo de la época. Fundaron los primeros museos y bibliotecas, como en Pérgamo y en Alejandría, hubo biografías de los más notables artistas, la crítica de arte se desarrolló y los viajeros describieron la geografía, la historia y costumbres de las diversas regiones que visitaban. El historicismo de la época dio lugar a que varios estilos anteriores fueran emulados en una síntesis ecléctica, pero con un progresivo laicismo en el tema y una preferencia por las obras dramáticas y en movimiento, cuya intensidad expresiva ha sido comparada por algunos con el estilo barroco. La infancia, la muerte y vejez, e incluso el humor, temas casi sin precedentes en el arte griego clásico, fueron introducidos y cultivados. Además, se desarrolló entre las élites de varias zonas el gusto por el coleccionismo de obras de arte, donde los romanos resultarían los más entusiastas.


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text: En 212 a. C., los romanos conquistaron Siracusa, una rica e importante colonia griega en Sicilia, adornada con una profusión de obras de arte helenístico. Todo fue saqueado y llevado a Roma, donde sustituyó la línea de la escultura etrusca que todavía se cultivaba. El saqueo de Siracusa, fue el impulso final para el establecimiento definitivo de la norma griega en el corazón de la República, pero encontró también la oposición.


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text: Catón denunció el saqueo y la decoración de Roma con las obras helénicas, consideró que era una peligrosa influencia para la cultura nativa, y deploró que los romanos aplaudieran las estatuas de Corinto y Atenas, y ridiculizaran la tradición decorativa en terracota de los antiguos templos romanos. Pero todo fue en vano. El arte griego había sometido el gusto etrusco-romano en general, al punto de que las estatuas griegas se encontraban entre los premios más codiciados de la guerra y eran exhibidas durante la procesión triunfal de todos los generales conquistadores. En el triunfo de Lucio Emilio Paulo Macedónico tras la conquista de Macedonia en el 168 a. C. desfilaron doscientas cincuenta carrozas llenas de estatuas y pinturas, y después de la conquista de Acaya en el 146 a. C., que decretó el fin de la independencia griega y su sumisión al Imperio Romano, Plinio dice que Lucio Mumio, literalmente llenó Roma de esculturas.Poco después, en el 133 a. C., el imperio recibió en herencia el reino de Pérgamo, donde había una escuela pujante y original de la escultura helenística. —El enorme Altar de Pérgamo, el "Gálata suicida", o el intensamente dramático grupo "Laocoonte y sus hijos", fueron tres de las creaciones más impresionantes de esta escuela helenística.—


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text: Los artistas griegos se establecieron en Roma después de que Grecia fuera conquistada en el 146 a. C., y muchos de ellos empezaron a producir copias de las esculturas griegas más famosas, que eran populares en Roma. Esta escuela helenística reprodujo los modelos de Praxíteles, de Lisipo y obras clásicas del siglo V a. C. En esta escuela neoática de Roma destacó entre otros el escultor Pasiteles, originario de la Magna Grecia, aunque convertido en ciudadano romano. Fue famosa la recopilación que hizo en un catálogo de las esculturas más famosas del mundo. Como escultor se le atribuyen un Júpiter en oro y marfil y numerosas obras en bronce. La escuela del neoaticismo representa la primera aparición en la historia de un movimiento que legítimamente puede ser llamado neoclasicismo.


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text: Un cambio en la tendencia puramente griega y en la formación de una escuela nacional de escultura en Roma se produjo entre finales del siglo II a. C. o inicios del siglo I a. C. Un buen ejemplo es el "Altar de Enobarbo", considerado un precursor inmediato del gran arte imperial de Augusto. Creado como una ofrenda de Cneo Domicio Enobarbo por el fin de la campaña militar en Brindisi fue instalado delante del templo de Neptuno, que se había construido al mismo tiempo. El altar fue decorado con varios frisos, algunos con escenas mitológicas más o menos convencionales y comunes en la tradición griega. En uno de ellos hay una escena de culto, que representa a un sacerdote preparando un sacrificio, a sus lados se encuentran los soldados y otros asistentes, que ya muestran la evidente transferencia del estilo clásico tradicional hacia un tema narrativo típicamente romano, una crónica de la vida diaria y al mismo tiempo, el éxito de su modelo político. Con Augusto, Roma se convirtió en la ciudad más influyente del imperio, y también el nuevo centro de cultura helenística, como lo habían sido antes Pérgamo y Alejandría, atrayendo a un gran número de artesanos griegos. Así como los sucesores de Alejandro habían contribuido a la supervivencia del arte griego, enriqueciéndola con nuevos temas, ahora, en la era Augusta, Roma quiso dar su propia contribución a la continuidad y la renovación de una tradición que ya había conseguido prestigio durante siglos y había dictado el carácter de todo el arte producido allí. Pero más que la sola transferencia de la atención cultural a Roma, que dio lugar a un cambio en lo que era hasta entonces puramente griego y el surgimiento de una escuela romana, fue la formación de la idea de imperio y la aplicación de la técnica griega para la temática típica de esta nueva Roma. En la consolidación del imperio fue de gran importancia la acuñación de monedas, que son en realidad bajorrelieves en miniatura. Julio César legalizó en Roma la práctica helenística y oriental de impresión de la efigie con el gobernante vivo en las monedas, donde hasta entonces solo había imágenes de dioses o personajes históricos fallecidos, y Augusto dirigió esta práctica con mayor conciencia y pragmatismo político, imponiendo su presencia visual y el mensaje del gobierno en la vida cotidiana de todos los ciudadanos, y que ilustran cómo el arte y la agenda política podían unir esfuerzos para garantizar un sistema de control social a gran escala. Este uso podía ejercer presión sobre la sociedad, corrían historias sobre la inaceptabilidad de las monedas que mostrasen la imagen de emperadores odiados como Nerón. El primer gran monumento de la escultura imperial fue el "Ara Pacis" entre el 13 y el 9 a. C., también obra maestra de la arquitectura romana. Dedicado a la diosa Pax, celebraba el éxito del regreso del emperador Augusto tras sus victorias en las campañas de Galia e Hispania. El monumento está decorado con frisos y relieves escultóricos que muestran procesiones, escenas alegóricas de la mitología y sacrificios. En una escena se representa a Tellus, la Madre Tierra, en una interpretación muy diferente de su homóloga griega, Gea. Aquí se la personifica con una fuerza violenta e irracional de la naturaleza, como se veía en vasijas griegas, pero es una imagen realmente delicada y maternal de protección y nutrición. Otras escenas enfatizan los beneficios de la Pax Augusta, y proporcionan una visión clara de los valores que en ese momento tenían los romanos como verdaderos —una idea afirmada en repetidas ocasiones en la poesía laudatoria de la época—.Además, Strong afirma que en este inmenso altar aparece por primera vez en el arte grupos donde tanto espectadores como protagonistas participan de una misma escena, pero añade:


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text: Si en términos puramente artísticos la madurez tuvo que esperar algún tiempo para desarrollarse, en términos ideológicos, el trabajo estaba bastante adelantado. Augusto demostró ser un gobernante capaz, y que contaba con el apoyo del pueblo. Desde su primer consulado, fue acumulando los honores hasta serle ofrecido el Imperio por el Senado y el estatus de «Augusto» a petición del pueblo. Su reinado fue un período de relativa paz y prosperidad. Organizó su país y fomentó las artes, no sin aprovecharse de ellas para promover su imagen personal, como era un uso generalizado entre los poderosos. Sobreviven muchas de las estatuas del emperador en los museos del mundo, mostrándolo con una variedad de atributos, militares, civiles y divinos. Una de los más famosas es Augusto de Prima Porta, que en realidad es una elaboración sobre el Doríforo de Policleto, demostrando que a pesar de los cambios sensibles en la cultura de su tiempo, la tradición griega seguía siendo venerada y los modelos más antiguos copiados, tanto por sus cualidades intrínsecas como por representar para la cultura romana una paternidad que le donaba mayor dignidad a la nueva condición de la Roma imperial, con la figura del emperador como el mayor de todos los mecenas y héroes.


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text: Otros historiadores consideran a la dinastía Julio-Claudia como un período de grandeza en el arte romano. Los aspectos que Strong considera indicativos de una fase de incertidumbre sobre la estética —el espíritu mismo de la investigación en varios frentes, la búsqueda de nuevos efectos de iluminación y tratamiento de superficies, nuevas formas para crear un sentido narrativo eficaz, estudiando la naturaleza y tratando de resolver los problemas de representación de los grupos en la perspectiva— se registran también como signos de consolidación de una escuela nacional de escultura genuina, se refuerza esta impresión en los logros en el campo de los retratos que se venían sucediendo desde la República. Sin embargo, es cierto que la influencia del neoclasicismo de la Escuela Ática se mantuvo firme, y modelos griegos idealizados siguieron siendo utilizados para la difusión de la majestad imperial, combinados con un gusto por la semblanza estableciendo un modelo innovador que fue seguido aún por muchos años.


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text: En el retrato es donde Roma da su contribución más característica de la tradición fundada por los griegos, una contribución que ha madurado mucho antes que en otros tipos de esculturas y que hicieron que el desarrollo de la escultura en Roma, se dividiera en dos campos, con diferentes patrones de evolución, el retrato y los otros tipos. Desde la época de la República el retrato fue muy bien valorado y con el tiempo osciló cíclicamente entre una tendencia clasicista idealizante y otra de gran realismo, derivada en parte de la expresividad típica del arte helenista. Y entre los retratos, el busto y la cabeza eran las formas más frecuentes. Retratos de cuerpo entero fueron menos comunes, aunque no raros. La preferencia por el busto y la cabeza es un rasgo cultural típico romano que creó un enorme mercado en toda la cuenca mediterránea, y se explica primero, por razones económicas, siendo mucho más barato que una estatua completa, pero también por el convencimiento de una mejor identificación individual que prevaleció entre ellos. Para los romanos era la cabeza y no el cuerpo ni los trajes o accesorios, los atributos del centro de interés en el retrato.


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text: Robert Brilliant afirma:


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text: Con la ascensión de Vespasiano, fundador de la dinastía Flavia, el estilo mixto del idealismo y el realismo practicado por los artistas de la dinastía Julio-Claudia sufrió un cambio, con la reanudación de las formas helenistas y con una gran énfasis en la descripción realista del sujeto, incluso cuando se trataba del emperador. La técnica también se amplió con un uso innovador de perforación, y los retratos femeninos de esta fase están generalmente adornados con peinados muy complicados. Con Trajano, sin embargo, los cambios en este nuevo ciclo se inclinaron hacia la idealización, llevado a un grado aún mayor con Adriano, cuyas preferencias helenistas estaban bien marcadas. Los retratos de Marco Aurelio, también presentan la caracterización realista, mostrando un paso más hacia la descripción, consiguen un alto grado de expresividad y tienen un gran impacto en el arte de todo el imperio. Pero entonces, mediante la influencia oriental y el interés en los elementos geométricos consiguen que los retratos adquieran un aspecto progresivamente más estilizado y abstracto. Con Constantino esta tendencia llega a su punto más alto, junto con una sensación de monumentalidad que recuerda el clasicismo de la época de Augusto. El estilo desarrollado bajo su reinado sería un precursor directo del arte bizantino y representa el final de la edad de oro de la escultura romana.


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text: Mientras que los emperadores utilizaban los retratos principalmente para la reafirmación del poder y su programa político, en la esfera privada se utilizaban en el contexto funerario. Bustos, acompañados de inscripciones, elenco de familiares y amigos del fallecido decoraban altares, tumbas y urnas cinerarias. Esta tradición estaba vinculada a una larga historia de mostrar máscaras mortuorias de cera o terracota de antepasados ilustres en las procesiones funerarias de la élite romana, para celebrar y demostrar su linaje patricio. Estas máscaras estaban orgullosamente guardadas en el santuario familiar, el "lararium", junto con bustos en bronce, terracota o mármol. Se supone que la costumbre de la confección de máscaras mortuorias, que copian con exactitud las características faciales de los muertos, fue una de las causas para el desarrollo del gusto para el realismo de los retratos romanos.


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text: En el caso de la estatuaria cuando representaban los retratos del emperador en estado deificado, especialmente en períodos en que la descripción realista estaba en vigor con más fuerza, se observa de inmediato una incongruencia entre la forma de representación del cuerpo y la cabeza. Mientras que la cabeza se mostraba a menudo con todos los signos del envejecimiento, los cuerpos estaban representados de acuerdo con los antiguos cánones de la escultura clásica griega, idealizados con una eterna juventud y fuerza. Estas obras extrañas, a los ojos modernos, acostumbrados a disfrutar de una estatua como un todo homogéneo, resultan comprensibles cuando se recuerdan las convenciones que regían el arte del retrato antiguo, y cuando sabemos que las estatuas eran para los romanos una especie de simulacro simbólico y no una realidad.


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text: Así, se ha sugerido que en realidad se trataba de un acuerdo entre dos partes diferentes, una para representar el cuerpo en términos simbólicos y otra para la representación descriptiva de la cabeza con el fin de poder identificar claramente al personaje, con un rechazo de la interpretación literal del conjunto. Las mismas convenciones parecían regir la estatuaria privada a la hora de representar el "genio" del sujeto, y en este caso pertenecía al grupo de los monumentos funerarios. Con el mismo propósito se hacía a menudo simplemente sustituyendo la cabeza de una célebre estatua de un dios por la de un patricio romano o del emperador, pero parece no haber existido ninguna dificultad para los romanos en la diferenciación clara entre las estatuas de culto y estatuas simbólicas, entre una estatua de un dios y una estatua de una persona como un dios. Tampoco se dudaba en simplemente quitar la cabeza de una estatua de cualquier otra persona y reemplazarla por otra, cuando se llevaba a cabo alguna "damnatio memoriae". Esta práctica fue comentada de manera natural en la literatura de la época, lo que confirma la independencia entre la cabeza y el cuerpo en el imaginario romano.


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text: Otros tipos de estatuas, decorativas y de culto, en el arte romano no añade nada esencialmente nuevo, y sus ejemplares, aunque muchos de gran calidad, no muestran nada que no hubiese sido experimentado a fondo antes por los griegos clásicos y helenistas, las copias romanas de obras de esta producción seminal continuaron produciéndose hasta el siglo V. Sin embargo, desde el siglo segundo, y con mayor fuerza a partir de Constantino I, la creciente penetración de la influencia oriental determinó una progresiva eliminación, con algunos períodos de recuperación, del canon griego, conduciendo a la formación de un estilo sintético y de abstracción que sería el puente para el establecimiento del arte bizantino.


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text: El uso de los sarcófagos era común entre etruscos y griegos, pero en Roma se usó extensivamente solo desde el siglo II, cuando la costumbre de la cremación de los muertos fue sustituida por el entierro, y se extendió por todo el imperio. Su producción se estableció en tres centros principales —Roma, Ática y Asia— y se dividió en algunos modelos diferentes. Uno, el más común, era una caja decorada con relieves figurativos y con una cubierta más o menos lisa, otro tipo mostraba otra cubierta también decorada, que podrían incluir los retratos escultóricos del cuerpo completo de los fallecidos, como si estuvieran sentados en un banquete, era un modelo que derivaba del arte etrusco. Ambos dieron lugar a los ejemplares decorados con relieves de extraordinaria sofisticación y complejidad. Un tercer tipo, confinado en Roma, tenía una decoración abstracta o floral y cabezas de animales, principalmente leones, en los extremos. De todos modos había mucha variación y la mezcla entre estos modelos y su calidad y riqueza decorativa dependía de la riqueza de la familia que realizara el encargo.


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text: El centro de producción asiático se caracterizaba por una preferencia de cajas de gran tamaño y con formas arquitectónicas, con columnas a su alrededor y estatuas entre ellas, tenía una imitación de puerta en dos de sus laterales con placas ornamentadas, y un techo en forma de prisma con acroteras, simulando una verdadera casa o templo, y algunos podían tener una plataforma para su colocación en alto. Este tipo, a diferencia de los otros, fue decorado con frecuencia por los cuatro costados y podía ser un monumento independiente, instalado al aire libre en cualquier necrópolis, mientras que los otros, aparecían usualmente en nichos de tumbas y su decoración se resumía a las partes que eran visibles. La práctica romana de enterramiento en sarcófagos se continuó en la era cristiana, constituyendo uno de los principales medios para el desarrollo de la iconografía religiosa. En la tradición de los altares monumentales, columnas conmemorativas y arcos triunfales, los relieves decorativos empleados en estas arquitecturas fueron un campo fértil para el desarrollo de un estilo narrativo típico de los romanos. Ejemplos clásicos precursores fueron, el "Altar Enobarbo" y el "Ara Pacis". Otro que merece tenerse en cuenta es el friso de la Basílica Emilia (c. 54-34 a. C.) en el Foro romano, en un estilo helenizante vigoroso, con drásticos escorzos y complementado con escenas de paisajes. De la dinastía Julio-Claudia casi nada sobrevivió, pero una prueba que puede dar una idea del estilo de este período es un friso encontrado en Roma, que muestra una procesión de magistrados y sacerdotes que llevan estatuillas votivas, junto con ayudantes, animales, músicos y otras figuras. Su interés reside en el efecto de la perspectiva aérea producida por la inserción de las figuras en el segundo plano encima de la línea de la procesión, un recurso que más tarde fue ampliamente utilizado en escenas históricas.


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text: La decoración del Arco de Tito (c. 81-82) ha sido considerada como el punto más alto del estilo de Flavio. Los paneles que lo decoran y que muestran el triunfo de Tito tienen excelentes cualidades de estética y demuestran una gran habilidad en el uso del escorzo para la representación de la cuadriga del emperador, donde el carro aparece de frente hacia el espectador pero el artista puede crear la impresión de que está haciendo un giro a la derecha. El otro panel, representa el saqueo de Jerusalén, utiliza el mismo recurso, en otro contexto, y ambos tienen su efecto ilusorio reforzado por el uso racional de la luz y la sombra. Pero sí es difícil hablar de un «estilo flavio», ya que en otros lugares se encontraron relieves más estáticos, de índole bastante clasicista.


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text: Del reinado de Trajano es la famosa Columna de Trajano, que conmemoraba la campaña en Dacia entre el 101 y 106. Es una gran columna completamente cubierta por un friso continuo que forma una espiral hacia la parte superior, es un ejemplo perfecto del estilo narrativo de los relieves históricos romanos. Los episodios se funden unos en otros sin interrupciones, excepto de vez en cuando con un árbol de separación. Trajano aparece varias veces en diferentes situaciones. En total son casi 2500 figuras talladas, y el nivel técnico se mantiene en todo el conjunto. Una característica innovadora es el abandono de la perspectiva y el uso de figuras desproporcionadas con su paisaje circundante, lo que delata la influencia oriental que penetró por aquel momento. Hoy solo vemos las formas de mármol, pero su efecto cuando fue completada debió de ser sorprendente ya que de acuerdo con la práctica de aquel tiempo, todas las escenas fueron pintadas y adornadas con detalles de metal. Es posible que su autor fuera Apolodoro de Damasco. Poco después se invierte la tendencia por el clasicismo. Destaca el Arco de Trajano en Benevento, en un excepcional estado de conservación —solo las esculturas fueron completadas bajo Adriano— y los once paneles de similar estilo, pero más bien conseguidos, representan al emperador Marco Aurelio en varias escenas. Cuatro de ellos están ahora en los Museos Capitolinos, y los otros fueron reutilizados en la época imperial en la decoración del Arco de Constantino. La Columna de Marco Aurelio es otro gran ejemplo de la prevalencia clasicista en esta etapa, a pesar de que hay una multitud de figuras que se agolpan en la espiral continua del friso que rodea el monumento, conserva un sentido del orden, elegancia, ritmo y disciplina que está ausente en la columna de Trajano.


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text: Este interludio del clasicismo, sin embargo, terminaría con Septimio Severo, cuyo Arco se acerca de nuevo al arte oriental en su sistema de proporciones y el acortamiento de su organización de escenas sueltas, cuatro grandes paneles relatan las campañas en Mesopotamia. El mismo estilo continúa durante todo el siglo IV, como se puede ver en los frisos superiores del norte y del sur del arco de Constantino, que muestran un marcado contraste con los paneles más antiguos, de la época de Marco Aurelio.Los últimos ejemplos significativos de la escultura romana arquitectónica son la base del obelisco de Teodosio I en el Hipódromo de Constantinopla, que ya parece un arte más cercano al universo bizantino que romano.


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text: En estos géneros menores, los camafeos son los más lujosos, limitados a las clases altas y eran usados generalmente como joyas. Tallados en piedra semipreciosa como la ágata, calcedonia, jaspe, amatista y ónix, están considerados esculturas en miniatura desde su apreciación por John Ruskin, cuando hasta entonces se consideraban como una forma de grabado. Esta forma de talla fue introducida en Roma por los griegos helenistas, que fueron los primeros en conseguir un alto grado de refinamiento en este género. Su pequeño tamaño no nos debe inducir a error en cuanto a la pericia requerida para este tipo de trabajo, que requiere una intensa concentración y enorme sensibilidad para trabajar la veta de la piedra y sus diferentes capas para obtener sutiles matices de color y efectos de luz y transparencia. Su datación es muy problemática, y muchas piezas indican que se estaban elaborando en momentos diferentes. Los mejores ejemplares se han convertido en piezas de coleccionista, y entre ellas podemos mencionar la fantástica "Gema Augustea", un gran trozo de ónix bicolor tallada con dos escenas compuestas de varios personajes.


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text: Durante el periodo imperial, los camafeos gozaban de gran prestigio, lo que inspiró a los romanos a inventar un vidrio, que ofrecía la ventaja de permitir un mayor control sobre el color y la transparencia, pero fue aún más difícil, largo y costoso trabajarlo que la piedra, presenta considerables desafíos técnicos, que aún no ha sido totalmente desentrañado por los vidrieros contemporáneos. Sin embargo se llegó a producir recipientes de camafeo de vidrio con decoración entera tallada, como los famosos "Vaso de Portland" y "Vaso de las estaciones".


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text: Los juguetes se encuentran en todas las culturas, y los romanos no fueron una excepción. Referencias literarias abundan a partir del período helenístico, y todo indica que hubo una enorme variedad de objetos destinados al entretenimiento de los niños, desde las tradicionales muñecas hasta los carritos de ruedas, muebles, figuras de guerreros y animales, e incluso casas en miniatura de metal, madera o terracota. Los juguetes son objetos excelentes para el estudio de las condiciones económicas y sociales de la época.


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text: En el ámbito religioso están las estatuillas de culto privado de muchas deidades del panteón romano y de las divinidades familiares y regionales. El hábito del antropomorfismo de los dioses fue heredado de los etruscos y los griegos, prácticamente todas las fuerzas naturales y poderes abstractos tomaron para los romanos un aspecto humano y recibieron culto, aunque su religión no fuese rígidamente organizada el culto privado tuvo un importante papel. Los museos están llenos de estatuillas de culto doméstico, lo que demuestra su amplia distribución por todo el imperio. Su calidad artística es muy variable, y se cree que la consumida por la gente común son poco atractivas, pero hay ejemplos de gran refinamiento. En este campo no era el valor estético lo que tenía valor, sino su eficacia para los romanos como puente de comunicación entre los mortales y lo sobrenatural.


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text: De función similar son las estatuillas-amuleto. En la compleja y polimorfa religión romana la magia tenía un papel nada despreciable, en la que los amuletos encontraron su lugar. Los griegos y los etruscos los usaban, y diversos autores clásicos hablan a su favor, como Plinio y Galeno. Los romanos también la hicieron una costumbre generalizada, especialmente durante la época tardo imperial. Aunque los amuletos eran generalmente objetos pequeños y portátiles y no necesariamente de figuras, han sobrevivido una serie de estatuillas que desempeñaban la misma función, representando a los espíritus protectores de los hogares asociados con los ancestros, los Lares, profundamente venerados en santuarios domésticos, como Príapo, el dios fálico, cuya imagen era considerada un poderoso remedio contra el mal de ojo, la esterilidad y la impotencia, y que estaba colocado en la parte exterior de la entrada de las casas. Los jarrones, vajillas, lucernas, tiradores de puertas y muchos otros tipos de objetos utilitarios con decoración que se aproxima a la escultura propiamente dicha, fue una categoría muy variada de piezas que da fe de la amplia aplicación de la escultura en la antigua Roma. Las lucernas y braseros estaban decorados con imágenes en relieve mostrando escenas religiosas, mitológicas y eróticas, de acuerdo con la ubicación para la que estaban destinados, y podían tener uno o más pies muy ornamentados. Platos, ollas, cuencos y vasos también podían representar relieves, o los cuellos de formas extravagantes. En la cerámica destaca el tipo de la terra sigillata, una especie de vasija decorada con incisiones y relieves, que fue ampliamente difundida por todo el imperio, y las antefijas decorativas instaladas en los bordes de los techos, que podían estar realizadas en formas abstractas o figurativas. Durante los últimos siglos del imperio (siglo III al siglo V) se vio el nacimiento de un contexto cultural totalmente nuevo. A veces esta fase de transformación ha sido vista como una decadencia artística, pero el canon griego fue el resultado de una época y un contexto determinado, y aunque dio forma a los orígenes artísticos de Roma y a gran parte de su trayectoria, los tiempos y el territorio habían cambiado, y el clasicismo estaba empezando a convertirse en una reliquia del pasado y una referencia simbólica o del historicismo en lugar de una realidad viva. Ahora Roma tenía su propia historia, y entraba en un período de intensos intercambios con grandes culturas antiguas del Oriente Próximo, cuyo cuerpo de ideas, religiones, arte y aspiraciones se volvían parte de la cultura romana. Del mismo modo, las numerosas provincias imperiales, que se extendían desde Hispania, Galia y Britania a Persia, Arabia, Cáucaso y Norte de África, desarrollaban estilos sincréticos con sus propias tradiciones locales, creando obras que fueron aceptadas tanto para la visión metropolitana como para la provincial, aunque interpretados de manera diferente para cada lugar. En una época de efervescencia cultural y gran diversidad de principios estéticos, la permanencia de los elementos clásicos en todas las partes, modificados, es cierto, en diversos grados, todavía posibilitaba mantener canales abiertos de comunicación y actuó como una especie de línea franca-artística. El sincretismo fue siempre una característica del arte romano, pero en la época tardo imperial asumió un papel de crucial importancia. Después de la cristianización del imperio, las normas del arte pagano fueron adoptadas por los emperadores cristianos sin dudarlo, aunque adaptadas a las nuevos temas. Cuando Constantinopla se convirtió en la nueva capital, se llenó de alusiones arquitectónicas y artísticas a la «antigua Roma», un deseo declarado de mantener la continuidad de las tradiciones antiguas, aunque fueran reformadas para satisfacer las necesidades de un nuevo contexto. En realidad no fue una permanencia literal del clasicismo, lo que ocurrió fue una continuidad «selectiva». Este proceso fue consciente y voluntario, como la literatura de la época lo confirma. Algunos prototipos oficiales se mantuvieron, mientras que un gran repertorio de otros modelos, simplemente fue condenado al olvido. El enmascaramiento de los rápidos cambios sociales y políticos que tuvieron lugar en las elegidas formas procedentes de la herencia clásica proporcionaron una cohesión cultural importante en un momento en que los elementos del imperio tendían a la diversidad, y cuando la fragmentación del estado se estaba convirtiendo en una amenaza real. La élite siguió recibiendo una educación clásica y se mantuvo conservadora. Leían autores de renombre, y se familiarizaron con la tradición ancestral, desarrollando el gusto por ella. Las ciudades, villas aristocráticas y los teatros estaban decorados con imágenes aún paganas. La conversión de Constantino al cristianismo en el 312 determinó una ruptura con esta tradición, aunque no inmediatamente ni de forma completa.


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text: Según Rachel Kousser:


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text: El prestigio de las estatuas paganas continuo en alza hasta el siglo VI, ni siquiera la aparición del cristianismo y el destierro del antiguo culto por Teodosio I en 391 provocó una inmediata destrucción de las imágenes religiosas y decorativas. Prudencio, a finales del siglo IV de nuestra era, también recomendó mantener las estatuas de los ídolos paganos como «ejemplos de la capacidad de los grandes artistas, y cómo espléndido ornato de nuestras ciudades», y Casiodoro relata cómo se hicieron esfuerzos todavía en el siglo VI de conservar esculturas antiguas paganas como testimonio de la grandeza imperial para la posteridad. Con todo, poco después de la política del papado y del imperio cambió, y los monumentos de la antigüedad comenzaron a ser saqueados con el fin de retirar el material para su uso en otras obras mediante el estímulo de una ola asombrosa de iconoclasia por todo el imperio que decretó la desaparición de la gran mayoría de la fabulosa colección de obras de arte acumuladas durante siglos.


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text: Como complemento del trabajo de la talla de la piedra o el bronce fundido, el efecto final de la pieza de la escultura era modificado con la adición de policromía en la superficie, una práctica heredada de los griegos y realizada comúnmente, como lo demuestran los relatos históricos, y que daba a las esculturas un aspecto diferente de cómo las vemos hoy en los museos, de piedra y bronce solamente. Este hecho histórico, aunque conocido por lo menos hace dos siglos, todavía causa extrañeza, y de hecho dio lugar a una concepción errónea, incluso entre los arqueólogos y conservadores de museos que creían que las obras originales se llevaron a cabo dejando las apariencias del material empleado, error evidente que se perpetuó hasta hace poco y causante de que los artistas renacentistas, barrocos y neoclásicos dejaran también el material tal cual. Este uso de pigmentos decorativos era en realidad un hecho fundamental en el arte antiguo, y no había ninguna estatua, frisos y relieves que no recibieran por lo menos detalles en color, si es que no estaban pintados completos.