title: Tales of the Jedi: Sith War

text: El 1 de agosto de 1995, Dark Horse editó en inglés para Estados Unidos el primer volumen de la serie de seis volúmenes que trataban del Periodo de la Antigua República, de la Guerra Sith del universo ficticio de Star Wars. El sexto volumen fue publicado el 1 de enero de 1996 y el recopilatorio fue editado el 1 de julio del mismo año. Seis meses después de lo acontecido en los mandalorianos y los Krath se han aliado con los Sith, que cada día suman más naves, soldados y mundos a su ejército. Al tiempo, muchos Aprendices Jedi se alejan de sus Maestros, voluntariamente o engañados, para volar hacia Yavin 4 en busca de nuevos conocimientos...


title: Tales of the Jedi: Sith War

text: La esperanza está en la descordinación de los Sith y en que Ulic Qel-Droma vuelva al Lado Luminoso. El futuro es muy negro tras los ataques a los centros de la República y de los Jedi: Coruscant y Ossus, y tras la muerte de muchos Jedi: algunos consagrados Maestros...


title: Tales of the Jedi: Sith War

text: Kevin J. Anderson debutó por primera vez como guionista del cómic Star Wars en solitario; a los lápices lo acompañó Dario Carrasco Jr.


title: Hwee Hwee Tan

text: Hwee Hwee Tan (Singapur, 1974) es una escritora singapurense.


title: Hwee Hwee Tan

text: Pasó tres años de su vida en los Países Bajos. Primero estudió en la University of East Anglia, donde se graduó con honores. Tan hizo un máster en literatura inglesa (1500-1660) en la University of Oxford. Tras ganar el New York Times Fellowship en 1997 estudió escritura creativa en la New York University.


title: Hwee Hwee Tan

text: Ha ganado el Singapore Literature Prize, el premio national de las artes de la National University of Singapore, el New York Times Foundation y el British Broadcasting Corporation.


title: Tales of the Jedi: Redemption

text: Con esta serie de cinco cómics basados en el universo de Star Wars, la editorial angloamericana Dark Horse cerró la historia de los Jedi que participaron en las tres series anteriores y abrió la puerta a otros conflictos del Periodo de la Antigua República, que no serían otros que las Guerras Mandalorianas, la Guerra Civil Jedi o las Nuevas Guerras Sith.


title: Tales of the Jedi: Redemption

text: El primer volumen fue publicado en julio de 1998 y los Jedi se parecían ya más a los de las prequelas que a los de la Guerra Sith. El tomo recopilatorio de julio de 2001 mostraba básicamente como había quedado la galaxia tras los últimos conflictos con los Sith desde la perspectiva de los que la vivieron, Nomi Surider o Ulic Qel-Droma, y de los que no, como Vima Sunrider.


title: Tales of the Jedi: Redemption

text: Han pasado diez años desde la Guerra Sith y miles de Jedi se han reunido en la Estación Exis, para reflexionar sobre el pasado, que conserva lo poco que se consiguió rescatar de Ossus antes de su parcial destrucción. Todos quieren escuchar a la gran Maestra Nomi Sunrider. Pero la hija de ésta, Vima, quiere aprender cuanto antes los caminos del Jedi y no está de acuerdo con su madre en seguir esperando.


title: Tales of the Jedi: Redemption

text: Mientras, Ulic Qel-Droma continúa viajando sin destino fijo, habiendo perdido su conexión con la Fuerza. Tras visitar Yavin 4 descubre que su Maestro está atrapado en forma de espíritu allí y decide alejarse de la galaxia: se exilia en el helado planeta de Rhen Var, amargado por sus recuerdos.


title: Tales of the Jedi: Redemption

text: Vima decide buscarlo para entrenarse con él. Mientras Ulic va curando sus heridas del corazón algunos seres, incluidos Jedi, aún lo quieren muerto por sus crímenes de guerra...


title: Tales of the Jedi: Redemption

text: Al guion tenemos a Kevin J. Anderson y a los lápices de nuevo a Chris Gossett.


title: Cataratas Victoria

text: Las Cataratas Victoria, situadas en la frontera de Zambia y Zimbabue, constituyen un salto de agua del río Zambeze.


title: Cataratas Victoria

text: Están ubicadas en el distrito de Livingstone, en la Provincia del Sur, de Zambia y en el distrito de Hwange, en la región de Mashonalandia Occidental, de Zimbabue.


title: Cataratas Victoria

text: Sobre las cataratas se encuentra el puente de las Cataratas Victoria, un antiguo arco de acero terminado en 1905.


title: Cataratas Victoria

text: Las cataratas tienen una anchura aproximada de 1,7 km y 108 m de alto. Se consideran un espectáculo extraordinario debido al estrecho y raro abismo en que el agua cae.


title: Cataratas Victoria

text: David Livingstone, el misionero y explorador escocés, visitó la cascada en 1855 y las bautizó con el nombre de la reina Victoria, aunque son conocidas localmente como Mosi-oa-Tunya, el "humo que truena". La cascada forma parte de dos parques nacionales, parque nacional de Mosi-oa-Tunya en Zambia y el parque nacional de las Cataratas Victoria en Zimbabue, y son una de las mayores atracciones turísticas del África austral.


title: Cataratas Victoria

text: Las cataratas Victoria fueron declaradas Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, en el año 1989, protegiendo un área de 8.780 ha.


title: Cataratas Victoria

text: Desde 2010, están integradas dentro del Área de Conservación Kavango-Zambeze.


title: Cataratas Victoria

text: Las cataratas Victoria están formadas por la caída en picado en una sola vertical de una cima de entre 60 y 120 m de alto, esculpida por sus aguas a lo largo de una meseta de basalto.


title: Cataratas Victoria

text: La profundidad de la cima, llamada Primera garganta, varía entre los 80 m en su parte más occidental hasta los 108 m en el centro.


title: Cataratas Victoria

text: La única salida de la Primera garganta es un espacio de 110 m de ancho a unas dos terceras partes del paso a lo largo de la anchura de las cataratas desde la parte oeste, a través de la cual todo el volumen del río cae en las gargantas de las cataratas Victoria.


title: Cataratas Victoria

text: La meseta por la que discurre el río Zambeze experimenta una estación lluviosa desde finales de noviembre hasta principios de abril; y una estación seca el resto del año. La inundación anual tiene lugar entre febrero y mayo con un pico en abril. El agua pulverizada de las cascadas llega a alcanzar los 400 metros e incluso los 800 dependiendo de la estación.


title: Cataratas Victoria

text: No obstante, durante el periodo de inundaciones no es posible ver el pie de la cascada ni tampoco parte de la cortina de la catarata, además los paseos a lo largo del acantilado resultan ser una ducha constante debido a la abundante agua vaporizada. Cerca del borde del acantilado, el vapor de agua sube como una lluvia invertida, especialmente en el borde de Zambia.


title: Cataratas Victoria

text: Según va entrando la estación seca, las cimas se hacen más anchas y numerosas, desde septiembre a enero más de la mitad de la cara de las cataratas puede llegar a quedarse seca y se puede observar la Primera garganta en casi toda su longitud. En esta estación resulta posible —aunque no necesariamente seguro— caminar a lo largo de algunos de los tramos de las crestas del río.


title: Cataratas Victoria

text: También, es posible caminar desde la parte inferior de la Primera garganta hasta la parte de Zimbabue. El menor caudal sucede en noviembre, y es una décima parte del de abril; esta variación de caudal también es mayor que en otras grandes cascadas y hace que la media anual de caudal de las Victoria sea menor de lo esperado si se compara con la máxima.


title: Cataratas Victoria

text: El tamaño de las cataratas Victoria es casi el doble que las cataratas del Niágara, y más de dos veces el tamaño de las Horseshoe. Solo rivalizan con las cataratas del Iguazú en Argentina y Brasil y con los Saltos del Moconá también en la frontera de Argentina y Brasil.


title: El señor del tiempo

text: El señor del tiempo es una trilogía compuesta por "El Iniciado" (1985), "El Proscrito" (1986) y "El Orden y el Caos" (1987) escritos por Louise Cooper y pertenecientes al género de la literatura fantástica. El libro contiene referencias a un enfrentamiento primigenio entre las fuerzas del Orden y las fuerzas del Caos, de cuyo resultado se generó el mundo en el que viven los protagonistas.


title: El señor del tiempo

text: La trilogía tiene su raíz en una novela previa de Cooper, "Lord of No Time".


title: El señor del tiempo

text: Tarod, un chiquillo con unas capacidades mágicas excepcionales, es llevado junto a los sacerdotes de Aeoris, el sumo dios del Orden, donde es instruido y aprende a dominar su poder. Pasados los años, Yandros, la personificación del Caos se le aparece, revelándole que su destino es ser el vehículo que traerá de nuevo el Caos al mundo.


title: El señor del tiempo

text: Los sacerdotes de Aeoris, frente a la terrible revelación de la verdadera naturaleza de Tarod, deciden ejecutarlo. Tarod viaja en el instante en que la espada del verdugo se cierne sobre su cabeza hasta el mismo foco del Tiempo, donde consigue detener su paso. Tarod se encuentra encerrado entonces en un limbo del que no puede escapar.


title: El señor del tiempo

text: Un warp, una terrible tormenta de Caos, arrastra a Cyllan, una mujer con poderes psíquicos y a Drachea, el heredero de un margraviato hasta el interior del limbo donde Tarod se encuentra prisionero.


title: El señor del tiempo

text: Al regresar el tiempo, Tarod, aún no resignado con su terrible destino, decide presentarse ante el mismo Aeoris. El dios del Orden debe comprender que no es culpable de ser quien es. Tarod, en espera de la redención, se presenta ante el dios, quien le condena por ser un monstruo del Caos. Entonces, le será revelada su auténtica naturaleza, el caos,que precipitará el enfrentamiento de las fuerzas del Orden y del Caos.


title: La fábula de Orfeo

text: La fábula de Orfeo (título original en italiano: "La favola d'Orfeo") es una ópera compuesta por un prólogo y cinco actos con música de Claudio Monteverdi y libreto en italiano de Alessandro Striggio el Joven. Se trata de una de las primeras obras que se catalogaron como ópera. Fue compuesta para los carnavales en Mantua. Se estrenó en la Accademia degl'Invaghiti, en Mantua, en febrero de 1607, y en el teatro de la corte de Mantua el 24 de febrero del mismo año. Se publicó en Venecia, en 1609. En el siglo XX (1904), se reestrenó en una versión en concierto en París. En España, se vio por primera vez el 23 de junio de 1955, en Barcelona, en el Jardí dels Tarongers de la Casa Bartomeu.


title: La fábula de Orfeo

text: En Florencia, en 1600, se celebró la boda de María de Médicis y Enrique IV de Francia, a la que asisten Vincenzo Gonzaga, duque de Mantua y pariente de la esposa, y su corte. Allí tuvo lugar la representación de "Euridice", de Jacopo Peri. Supuestamente, entre los asistentes se encontraba Claudio Monteverdi, miembro de la corte de Gonzaga. Debido al éxito de la obra de Peri, Gonzaga pidió a Monteverdi componer una ópera basada en el mismo mito y siguiendo el estilo musical de la escuela florentina.


title: La fábula de Orfeo

text: "La fábula de Orfeo" o, abreviadamente, el "Orfeo", destaca por su poder dramático y su animada orquestación. Monteverdi utilizó una plétora de instrumentos, poco usual para la época: violas, violines, flautas, oboes, cornos, trompetas, trombones, claves, arpas, dos órganos pequeños. El "Orfeo" es uno de los primeros ejemplos de la asignación específica de ciertos instrumentos a ciertas partes; a pesar de que los compositores de la Escuela veneciana venían ejecutando esta práctica por casi dos décadas, con diferentes niveles de precisión, la instrumentación de esta obra es particularmente explícita. Monteverdi juntó la monodia acompañada con coros, conjuntos vocales renacentistas y con una orquesta de cuarenta instrumentos. Por tanto, esta obra, comparada con las de Peri y de Giulio Caccini, que habían sido los pioneros de la Camerata Florentina, es mucho más destacable tanto por su variedad como por su continuidad y por su interés musical. Para Peri y para Caccini, la ópera era, ante todo, literatura, por lo que la instrumentación no era tan importante.


title: La fábula de Orfeo

text: Las óperas de Monteverdi se han catalogado como barrocas tempranas, o pre-barrocas. Para el momento, la música del norte de Italia transitaba entre el estilo renacentista tardío y el barroco temprano, y compositores vanguardistas como Monteverdi combinaban las tendencias estilísticas que se utilizaban en los círculos musicales más importantes como Florencia, Venecia o Ferrara.


title: La fábula de Orfeo

text: "Orfeo" puede considerarse una obra maestra de la historia de la música, porque consolida la ópera, que se desarrollaría mucho más durante el Barroco. Actualmente es una de las óperas más antiguas del repertorio, aunque no está entre las más representadas; en las estadísticas de Operabase aparece la número 72 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 29.ª en Italia y la primera de Monteverdi, con 55 representaciones.


title: La fábula de Orfeo

text: Entre los presentes en el estreno de "Eurídice" de Jacopo Peri en octubre del año 1600 estaba un joven abogado y diplomático de carrera de la corte de los Gonzaga, Alessandro Striggio, hijo del bien conocido compositor del mismo nombre. No está claro en qué momento Striggio comenzó su libreto de "Orfeo", pero el trabajo ya lo había emprendido evidentemente en enero de 1607. En una carta escrita el 5 de enero, Francesco Gonzago le pide a su hermano, entonces destinado en la corte florentina, que obtuviera los servicios de un castrato de alta calidad de entre el personal del Gran Duque, para una "obra con música" que se preparaba para el Carnaval de Mantua.


title: La fábula de Orfeo

text: Las principales fuentes de Striggio para su libreto fueron los Libros 18 y 15 de la "Metamorfosis" de Ovidio y el Libro Cuarto de las "Geórgicas" de Virgilio. Esto le proporcionó el material básico, pero no la estructura para un drama escénico; los acontecimientos de los Actos I y II están cubiertos por solo 13 versos en las "Metamorfosis". Para ayudar a la creación de la forma dramática, Striggio bebió en otras fuentes—la obra de Poliziano del año 1480, la de Guarini "Il pastor fido", y el libreto de Ottavio Rinuccini para la obra de Peri "Eurídice". El musicólogo Gary Tomlinson señala las muchas similitudes entre los textos de Striggio y Rinuccini, señalando que algunos de los discursos en el "Orfeo" "corresponde estrechamente en contenido e incluso en las palabras a sus correspondientes en la "Eurídice"". La crítica Barbara Russano Hanning escribe que los versos de Striggio son menos sutiles que los de Rinuccini, aunque la estructura del libreto de Striggio es más interesante. Rinuccini, cuya obra había sido escrita para las festividades de una boda Médicis, se vio obligado a alterar el mito para proporcionar un "final feliz", adecuado a la ocasión. En cambio, debido a que Striggio no estaba escribiendo para una celebración formal de la corte, podía ser más fiel al espíritu de la conclusión del mito, en el que Orfeo resulta muerto y desmembrado por enfurecidas ménades o "bacantes". Eligió, de hecho, escribir una versión algo atenuada de este sangriento final, en que las bacantes amenazan con la destrucción de Orfeo pero su destino final se deja envuelto en duda.


title: La fábula de Orfeo

text: El libreto publicado en Mantua en 1607 para coincidir con el estreno incorpora el ambiguo final de Striggio. Sin embargo, la partitura de Monteverdi publicada en Venecia en 1609 por Ricciardo Amadino muestra una resolución totalmente diferente, con Orfeo transportado a los cielos a través de la intervención de Apolo. Según Ringer, el final original de Striggio fue utilizado casi con seguridad en el estreno de la ópera, pero no hay duda de que Monteverdi creía que el final revisado era estéticamente correcto. El musicólogo Nino Pirrotta señala que el final de Apolo formaba parte del plan original para la obra, pero no se representó en el estreno debido a la pequeña habitación que albergó el evento no podía contener la maquinaria teatral que requería este final. La escena de las bacantes fue una sustitución; las intenciones de Monteverdi fueron restauradas cuando esta limitación se eliminó.


title: La fábula de Orfeo

text: Cuando Monteverdi escribió la música para "Orfeo", tenía ya antecedentes sólidos en música teatral. Había estado empleado en la corte de los Gonzaga durante 16 años, gran parte de ellos dedicados a interpretar o arreglar música escénica. Los elementos a partir de los cuales Monteverdi construyó la partitura de su primera ópera - el aria, la canción estrófica, recitativo, coros, danzas, interludios musicales dramáticos- no los creó él, como ha señalado el director Nikolaus Harnoncourt, pero "él mezcló todo ese conjunto de posibilidades nuevas y viejas en una unidad que era verdaderamente nueva". El musicólogo Robert Donington dice, de manera similar: "[La partitura] no contiene elemento alguno que no existiera antes, pero alcanza su completa madurez en esa forma recientemente desarrollada... Aquí hay palabras directamente expresadas en música tal como [los pioneros de la ópera] querían que se expresaran; aquí está la música expresándolas... con la plena inspiración de un genio."


title: La fábula de Orfeo

text: Monteverdi manifiesta las exigencias orquestales al comienzo de su partitura publicada, pero de acuerdo con la práctica de la época no especifica su uso exacto. En aquella época era habitual permitir a cada intérprete de la obra libertad de tomar decisiones locales, basándose en las dotaciones orquestales de las que disponían. Estas podían ser muy diferentes de un lugar a otro. Más aún, como señala Harnoncourt, los instrumentistas podían ser todos compositores y se esperaba de ellos que colaboraran creativamente en cada representación, más que limitarse a interpretar un texto prefijado. Otra práctica de la época era permitir a los cantantes embellecer sus arias. De algunas arias Monteverdi escribió una versión sencilla y otra ornamentada, como es el caso de "Possente spirito" de Orfeo, pero según Harnoncourt "es obvio que donde él no escribió adornos no quería que se cantase ninguno".


title: La fábula de Orfeo

text: Cada acto de la ópera trata de un elemento individual de la historia, y cada uno acaba con un coro. A pesar de la estructura en cinco actos, con dos conjuntos de cambios de escena, es probable que "Orfeo" se adecuara a la práctica estándar de los entretenimientos cortesanos de la época y se interpretara como una entidad continua, sin intervalos o bajadas de telón entre los actos. Era costumbre en aquella que los cambios de escena se produjeran a la vista del público, estos cambios se reflejaban musicalmente a través de cambios en la instrumentación, la clave y el estilo.


title: La fábula de Orfeo

text: Para poder analizarlo, la investigadora Jane Glover divide la lista de Monteverdi en tres principales grupos de instrumentos: cuerdas, metales y continuo, con una serie de artículos adicionales que no son de fácil clasificación. El grupo de cuerdas está formado por diez miembros de la familia del violín ("viole da brazzo"), dos contrabajos ("contrabassi de viola"), y dos violines pequeños ("violini piccoli alla francese"). Las "viole da brazzo" están en dos grupos de cinco componentes cada uno, dos violines, dos violas y un violonchelo. El grupo de metal contiene cuatro o cinco trombones (sacabuches), tres trompetas y dos cornetas. Los instrumentos que realizan el continuo son dos clavecines ("duoi gravicembani"), un arpa doble ("arpa doppia"), dos o tres tiorbas, dos órganos de tubos ("organi di legno"), tres "violas da gamba" graves, y un regales o pequeños órganos de caña. Aparte de estos agrupamientos hay dos flautas dulces ("flautini alla vigesima secunda"), y posiblemente una o más cistros—no incluidos en la lista por Monteverdi, pero sí en las instrucciones en relación con el final del Acto IV. Utilizaba la flauta para acompañar la melodía


title: La fábula de Orfeo

text: Instrumentalmente, los dos mundos representados dentro de la ópera están retratados de una forma distintiva. El mundo pastoral de los campos de Tracia está representado por las cuerdas, los clavicordios, arpa, órganos, flautas dulces y tiorbas. El resto de los instrumentos, principalmente metales, se asocian al Inframundo, aunque no hay una distinción absoluta; las cuerdas aparecen en algunas ocasiones en las escenas Hades. Dentro de este orden general, los instrumentos o combinaciones específicos se usan para acompañar algunos de los personajes principales -Orfeo por el arpa y el órgano, los pastores por el clavicordio y la tiorba, los dioses del Inframundo por trombones y el regal. Todas estas distinciones y caracterizaciones musicales estaban conformes con las tradiciones establecidas de la orquesta renacentista, de las que el gran conjunto de "Orfeo" es típico.


title: La fábula de Orfeo

text: Monteverdi instruye a sus intérpretes en general que "[interpreten] la obra tan simple y correctamente como sea posible, y no con muchos pasajes floridos o extenderse". A quienes tocan instrumentos de ornamentación como cuerdas y flautas les aconseja "tocar noblemente, con mucha invención y variedad", pero les advierte que no exageren, porque entonces "no se oye más que caos y confusión, ofensiva para el oyente." Puesto que no hay un momento en que toquen los instrumentos todos juntos, el número de intérpretes requeridos es inferior al número de instrumentos. Harnoncourt indica que en época de Monteverdi el número de intérpretes y cantantes juntos, y las pequeñas habitaciones en las que se tocaba, a menudo significaban que la audiencia a duras penas superaba al número de intérpretes.


title: La fábula de Orfeo

text: Tras una tocata instrumental de metales en re mayor con carácter estruendoso, aparece la Música, haciendo alabanzas de los presentes e instándolos a guardar silencio, mientras se narra la historia de Orfeo, hijo del dios Apolo y la musa Calíope.


title: La fábula de Orfeo

text: En un prado en medio del campo, ninfas y pastores celebran con alegría el día esplendoroso en que se casarán el mítico cantor de la Tracia, Orfeo, y su amada, la ninfa Eurídice; cantan uno de los pasajes corales más representativos de la época, «Lasciate i monti».


title: La fábula de Orfeo

text: Orfeo relata cómo se enamoró de ella y esta responde con el mismo ardor. Luego va con sus compañeras a recoger guirnaldas de flores. Pastores y ninfas continúan con sus danzas y alegres cantos, mientras reinan el regocijo y la felicidad.


title: La fábula de Orfeo

text: Rodeado por los pastores, Orfeo entona un canto a la naturaleza y cuenta cómo corría por los sombríos bosques antes de haberse enamorado.


title: La fábula de Orfeo

text: La alegría se interrumpe cuando llega la Mensajera, quién le anuncia a Orfeo que una serpiente mordió a su amada Euridice causándole la muerte.


title: La fábula de Orfeo

text: La propia Mensajera lamenta tener que dar semejante noticia. Orfeo decide descender a los infiernos a rescatar a Eurídice (al descenso voluntario al infierno se lo denomina catábasis), entonando un desesperado lamento.


title: La fábula de Orfeo

text: Orfeo llega a la laguna Estigia acompañado por la Esperanza, pero esta le anuncia que no puede llevarlo más allá porque vio grabado en la piedra el texto que cita a la Divina Comedia de Dante: "Abandonad toda esperanza los que entráis".


title: La fábula de Orfeo

text: Caronte se niega a darle paso en su barca, pero Orfeo logra dormir al vigilante con su arpa, y robándole la barca cruza la laguna entrando directamente en el infierno. Mientras, un coro de espíritus infernales celebra al Hombre, esa criatura que no intenta ninguna empresa en vano, y contra el cual la Naturaleza no sabe armarse.


title: La fábula de Orfeo

text: Orfeo ha llegado a los infiernos, y con su canto logra emocionar a Proserpina.


title: La fábula de Orfeo

text: Esta le ruega a Plutón que le permita a Orfeo recuperar a su amada Eurídice, haciendo referencia a su antiguo amor, por el cual él la raptara y la llevó a los infiernos.


title: La fábula de Orfeo

text: El dios reconoce también haberse conmovido con el canto de Orfeo, y finalmente acepta y permite que Eurídice le siga, con la condición de que Orfeo no vuelva la mirada a su amada hasta que hayan salido del infierno.


title: La fábula de Orfeo

text: Orfeo parte de los infiernos seguido por Eurídice. Cuando llegan a la superficie Orfeo mira atrás para ver si Eurídice realmente le sigue, pero al hacerlo a Eurídice todavía le queda un pie dentro del inframundo y se empieza a desvanecer y un espíritu, ministro de Plutón, le amonesta: ”Roto has la ley, e indigno eres de gracia”. Orfeo intenta seguirla, pero es expulsado del infierno. El coro cierra el acto con esta observación: “Venció al infierno Orfeo y fue vencido por sus propias pasiones”.


title: La fábula de Orfeo

text: Orfeo regresa al campo de Tracia lamentando su soledad, vagando sin rumbo y llorando su amor perdido.


title: La fábula de Orfeo

text: El eco repite su lamento trágico y Apolo, dolido por el sufrimiento que aqueja a su hijo, desciende del Olimpo y le dice que lo acompañe al cielo, donde encontrará la bella semblanza de Euridice en el sol y en las estrellas.


title: La fábula de Orfeo

text: Padre e hijo cantan un alegre dúo, mientras ascienden al cielo donde alcanzarán la alegría eterna.


title: Música del Renacimiento

text: La música del Renacimiento o música renacentista es la música antigua escrita durante el Renacimiento, entre los años 1400 y 1600, . Las características estilísticas de la música renacentista son su textura polifónica, que sigue las leyes del contrapunto, y está regida por el sistema modal heredado del canto gregoriano.


title: Música del Renacimiento

text: La música renacentista se caracteriza por una suave sonoridad que deriva de la aceptación de la tercera como intervalo armónico consonante (uniéndose en esta categoría a quintas y octavas, ya admitidas en la Edad Media) y del progresivo aumento del número de voces, todas de igual importancia y regidas por las reglas del contrapunto: independencia de las voces, preparación y resolución de las disonancias, uso de terceras y sextas paralelas, exclusión de las quintas y octavas paralelas, etc.


title: Música del Renacimiento

text: El prototipo de obra musical renacentista es una pieza vocal de textura polifónica, frecuentemente imitativa, escrita para entre tres y seis voces de carácter 'cantabile'; cada línea melódica o "voz" podía ser interpretada indistintamente con voces reales o con instrumentos. Si bien el rango de cada línea supera apenas la octava, la extensión general del conjunto rebasa ampliamente las dos octavas, evitándose el cruce entre las voces (que forzaba a que estas fueran heterogéneas y contrastantes en la polifonía medieval).


title: Música del Renacimiento

text: El sistema melódico utilizado siguió siendo el de los ocho modos gregorianos; las características modales (opuestas a las tonales) de la música del Renacimiento comenzaron a diluirse hacia el final del período con el uso creciente de intervalos de quinta como movimiento entre fundamentales y característica definitoria de la tonalidad.


title: Música del Renacimiento

text: Durante este período la música religiosa tuvo una creciente difusión, debida a la exitosa novedad de la impresión musical, que permitió la expansión de un estilo internacional común en toda Europa (e incluso en las colonias españolas en América). Las formas religiosas más importantes durante el Renacimiento fueron la misa y el motete.


title: Música del Renacimiento

text: La misa cubría el ciclo del ordinario (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus-Benedictus y Agnus Dei) y se le solía dotar de unidad al basarse en material preexistente. Para ello se seguían dos procedimientos de composición principales:Una variante de este tipo de misa es la de paráfrasis, en la que la melodía preexistente es fragmentada y repartida entre las cuatro voces, como ocurre en la "Misa Pange Lingua" de Josquin Desprez.El motete renacentista era una pieza polifónica de texto sacro y en latín. Deudor en un principio del motete medieval, del cual procedía, pronto asumió una continua textura imitativa de voces de igual importancia (en número cada vez mayor: cuatro en el siglo XV, cinco o seis a finales del XVI), con frases musicales imbricadas y nuevos motivos para cada frase textual. En el motete el autor generalmente creaba material puramente original, sin tomar préstamos ajenos como en la misa. En el siglo XVI se desarrollan amplios motetes bipartitos y, en la escuela veneciana, los policorales, para ocho o incluso doce voces. Ejemplos sobresalientes de motete renacentista son el "Ave María" de Josquin o el "Lamentabatur Jacob" de Morales.


title: Música del Renacimiento

text: Un gran número de impresos y cancioneros manuscritos nos han hecho llegar el amplísimo repertorio polifónico profano renacentista. Aquí sí es posible reconocer formas peculiares de cada país:Hacia el final del período aparecen los primeros antecedentes dramáticos de la ópera tales como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio.


title: Música del Renacimiento

text: De modo paralelo a la extensión del rango vocal de la polifonía, los instrumentos ampliaron su tesitura creándose familias completas de cada modelo; cada tamaño era nombrado con el nombre de la voz equivalente: así, por ejemplo, se crean flautas de pico soprano, alto, tenor y bajos de varias tallas, y un proceso semejante siguen instrumentos de cuerda como las violas da gamba, de metal como los sacabuches o de madera como las chirimías.


title: Música del Renacimiento

text: Los instrumentos participaban junto con las voces en la ejecución de la música polifónica; por ejemplo, está perfectamente documentada la presencia regular de ministriles (flautas, cornettos, sacabuches, chirimías y bajones) en las catedrales ibéricas del siglo XVI. Además, mucha música polifónica se ejecutaba de forma puramente instrumental, fuera en conjuntos homogéneos (llamados consorts), en grupos que combinaban instrumentos de diversas familias o sobre instrumentos propiamente polifónicos, como el órgano, el virginal, el arpa, el laúd o, en España, la vihuela.


title: Música del Renacimiento

text: Eran habituales los conjuntos domésticos de instrumentistas aficionados. Frecuentemente esos músicos amateur (e incluso muchos profesionales) eran incapaces de leer la notación musical convencional, por lo que la música instrumental solía escribirse en un sistema de escritura peculiar para cada instrumento, llamado tablatura: hay así tablaturas renacentistas específicas para tecla, laúd, arpa, vihuela, etc. El laúd, derivado del "al'ud" medieval, se convirtió pronto en el instrumento doméstico solista más popular en Europa. De diversos tamaños y forma de pera, se fabricaba con gran diversidad de materiales, tratados con extrema exquisitez artesanal. Tenía una cuerda simple y cinco dobles y el clavijero vuelto hacia atrás; permitía ejecutar acordes, melodías, escalas y gran número de ornamentos, y se utilizaba como instrumento solista, con el canto y en conjuntos de cámara. La vihuela de mano fue su equivalente español.


title: Música del Renacimiento

text: La relativa escasez de fuentes de música específicamente instrumental (por comparación con la abundancia de fuentes vocales, y especialmente considerando el siglo XV) no debe llevar a la errónea conclusión de que su uso fuera poco habitual o su nivel técnico bajo: los primeros tratados de enseñanza de cada instrumento (como los que dedican Ganassi a la flauta de pico y Diego Ortiz a la viola da gamba) denotan un muy alto nivel técnico y musical; sin embargo, la técnica instrumental solía transmitirse oralmente y su música específica era raramente escrita: era habitual la improvisación, fuese directa o sobre material vocal preexistente (disminución). Gracias a los tratados de la época se conocen, también, problemas de afinación, de altura, temperamento u ornamentación. Uno de los primeros libros de este tema aparecidos fue el "Musica getutscht und ausgezogen" (Resumen de la música en alemán), obra de Sebastian Virdung de 1511.


title: Música del Renacimiento

text: Las principales formas instrumentales de la época fueron:


title: Música del Renacimiento

text: Las composiciones del Renacimiento estaban escritas únicamente en partichelas; las partituras generales eran muy raras, y las barras de compás no se usaban. Las figuras eran generalmente más largas que las usadas en nuestros días; la unidad de pulso era la semibreve, o redonda. Como ocurría desde el Ars Nova cada breve (cuadrada) podía equivaler a dos o tres semibreves, que podría ser considerada como equivalente al compás moderno, aunque era un valor de nota y no un compás. Se puede resumir de esta forma: igual que en la actualidad, una negra puede equivaler a dos corcheas o tres que se escribirían como un tresillo.


title: Música del Renacimiento

text: En la misma lógica se puede tener dos o tres valores más cortos de la siguiente figura, la mínima (equivalente a la moderna blanca) de cada semibreve. Estas diferentes permutaciones se denominan tempus perfecto/imperfecto según la relación de breve-semibreve y prolación perfecta/imperfecta en el caso de la relación semibreve-mínima, existiendo todas las combinaciones posibles entre uno y otro. La relación tres-uno se llamó perfecta y la dos-uno imperfecta. Para las figuras aisladas existían reglas que reducían a la mitad o doblaban el valor ("imperfeccionaban" o "alteraban" respectivamente) cuando estaban precedidas o seguidas de determinadas figuras. Las figuras con la cabeza negra (como las negras) eran menos habituales. Este desarrollo de la notación mensural blanca es el resultado de la popularización del uso (sustituyendo al pergamino) del papel, más débil y que no permitía el rasgado de la pluma para rellenar las notas. La notación de la época precedente, escrita en pergamino, era negra. Otros colores, y más tarde, el relleno de las notas (ennegrecimiento) fueron usados para indicar imperfecciones o alteraciones, etc.


title: Música del Renacimiento

text: El ascenso de la burguesía como clase social, las ideas del humanismo (incluyendo la revalorización de las artes como puro disfrute personal) y el invento de la imprenta produjeron una extraordinaria y nueva difusión de la música culta. Esta pasó de ser un privilegio solo al alcance de la nobleza y el alto clero, y ejecutada exclusivamente por profesionales, a ocupar también un lugar en el ocio de las clases medias, que consumían la amplia literatura musical profana publicada en toda Europa para uso casero de aficionados: canciones polifónicas en Francia, libros de vihuela y villancicos en España, madrigales en Italia e Inglaterra... Tocar un instrumento musical pasó de ser tarea propia de menesterosos a refinado pasatiempo de las clases altas, recomendado incluso por Maquiavelo en "El Príncipe".


title: Música del Renacimiento

text: Los dos siglos abarcados por el estilo renacentista suelen ser históricamente divididos en cinco generaciones de compositores.


title: Música del Renacimiento

text: La influencia del nuevo estilo inglés (John Dunstable, Leonel Power), basado en el uso de terceras y sextas como consonancias (practicadas de forma improvisada y sistemática en el fauxbourdon), hizo que fueran desapareciendo los rasgos de la música medieval tardía, tales como la isorritmia y la sincopación extrema, resultando un estilo más límpido y fluido. Si bien se perdió complejidad rítmica, se ganó en vitalidad rítmica y el empuje armónico cadencial se convirtió en un aspecto importante hacia mediados del siglo.


title: Música del Renacimiento

text: Es en esta época cuando fueron gradualmente establecidas las reglas del contrapunto académico, aún hoy de algún modo vigentes en la enseñanza escolástica, tales como la prohibición de quintas y octavas paralelas y la restricción de las directas. Los más notables autores de este tiempo estuvieron en la órbita del ducado de Borgoña (que incluía también tierras de las actuales Holanda, Bélgica y el norte de Francia), como Guillaume Dufay y Gilles Binchois. Sus misas presentan ya voces de similar importancia, texturas a cuatro voces, imitaciones y control de la disonancia; sin embargo en sus chansons podemos reconocer aún ciertos rasgos medievales, como las formas trovadorescas ("rondeau, virelai, ballade"), la textura a tres voces de las que las dos inferiores se cruzan y parecen instrumentales... Incluso sus motetes, como el célebre "Nuper rosarum flores" de Dufay (escrito para la inauguración de la cúpula de la catedral de Florencia de Brunelleschi) presentan aún isorritmia y otros rasgos ya obsoletos.


title: Música del Renacimiento

text: En la generación de Antoine Busnois y Johannes Ockeghem se afianzaron las nuevas reglas del contrapunto, consolidándose la polifonía imitativa en un estilo erudito de frases larguísimas y sofisticadas. Se usaron extensamente las técnicas del canon, convencional o mensural (Ockeghem incluso compuso una misa, la "Prolationum", en la cual todas las piezas se derivaban canónicamente a partir de una sola línea musical), resultando un complejo estilo que se puede quizás correlacionar con el detallismo imperante en la pintura y la arquitectura de la época.


title: Música del Renacimiento

text: Todavía en torno a 1500 los mejores compositores surgen de las actuales Bélgica y norte de Francia, fruto de una larga tradición local que exportaba maestros de capilla a toda Europa, y especialmente a Italia: Compère, Agrícola, Obrecht, Isaac, Mouton, de la Rue... Aparece así uno de los mayores genios de la historia musical, Josquin des Prez, cuyo estilo claro, limpio y elegante se convierte en modelo de estilo polifónico para toda Europa: cadencias claras y frecuentes, secciones a dos o tres voces, pasajes homofónicos que subrayan el texto, clara articulación general de la forma, líneas melódicas equilibradas y de apariencia sencilla... Gracias a su enorme influencia y a la imprenta se consolidará un estilo internacional común en Alemania, Italia, España, Francia e Inglaterra. Entre las muchas obras maestras de Josquin, de todos los géneros, cabría destacar la "Misa Pange Lingua".


title: Música del Renacimiento

text: Durante las décadas de inicio del siglo XVI la convención musical de un "tactus" (pensemos en el moderno compás) de dos semibreves=una breve comenzó a ser tan común como el de tres semibreves=una breve, como había sido habitual hasta entonces.


title: Música del Renacimiento

text: Entrado ya el siglo XVI el estilo internacional (fuertemente influido por Josquin) se impone en la música religiosa, si bien autores como el español Cristóbal de Morales, Nicolas Gombert o Willaert tienden a aumentar el número de voces (típicamente cinco), homogeneizar la textura, alargar frases y ocultar las cadencias, volviéndose de algún modo así a las maneras más complejas y refinadas de Ockeghem.


title: Música del Renacimiento

text: Es en esta época cuando se consolidan los estilos locales de la música profana: aparecen el nuevo madrigal italiano (Festa, Arcadelt, Verdelot), el villancico, la batalla y la ensalada españoles y la chanson parisina (con frecuencia homofónica, y muchas veces onomatopéyica y humorística). En España se publican libros para vihuela que incluyen canciones para voz con acompañamiento (Narváez, Fuenllana, Milán, Mudarra...).


title: Música del Renacimiento

text: Teniendo entonces el oficio de músico (cantor, maestro de capilla, organista, ministril...) una gran dependencia de la Iglesia, la convulsión provocada por la Reforma protestante y la Contrarreforma afectó de lleno al estilo musical. Pasado el peligro de supresión de la polifonía (que sí se ejecutó entre algunos reformistas radicales), el concilio de Trento desalentó la excesivamente compleja polifonía por impedir la comprensión del texto, fomentando la homofonía y en general la claridad. Giovanni Pierluigi da Palestrina vino a cultivar un fluido estilo de contrapunto libre en una densa y rica textura en la cual las disonancias eran seguidas por consonancias en cada pulso, y los ""ritardandos"" eran muy habituales. Este estilo quedó fijado como modelo para la música religiosa de su tiempo (aunque quizás no tanto como ha querido ver la historiografía decimonónica), y desde entonces para la enseñanza del contrapunto académico. Contemporáneos de Palestrina fueron algunos de los polifonistas más reconocidos por la posteridad: Francisco Guerrero, Orlando di Lasso, Tomás Luis de Victoria y William Byrd.


title: Música del Renacimiento

text: En este período, el tactus era generalmente de dos semibreves por breve, con tres por breve para los efectos especiales y las secciones culminantes; se trataba de una revocación casi completa de la técnica que había prevalecido en el siglo anterior.


title: Música del Renacimiento

text: Diversas razones, algunas de origen puramente musical y otras ideológicas (las reformas religiosas, el intento de recreación del teatro griego por los humanistas en la ópera) causaron la progresiva descomposición del estilo musical típico del Renacimiento: la policoralidad, el estilo concertante, la creación de la monodia y la consiguiente aparición del bajo continuo disolvieron la textura polifónica, mientras el cromatismo extremo y las tendencias tonales (como las quintas como movimiento entre fundamentales) rompían el sistema modal diatónico.


title: Música del Renacimiento

text: En Venecia, desde 1534 hasta aproximadamente 1600, se desarrolló el impresionante estilo policoral, que dio a Europa algunas de las más espléndidas composiciones musicales de aquellos tiempos, con los múltiples coros de cantantes, metales y cuerdas en diferentes espacios de la Basílica de San Marcos de Venecia (ver Escuela veneciana). Estas múltiples combinaciones, que contenían ya el germen del estilo concertante, se difundieron por toda Europa en las décadas posteriores, empezando por Alemania y propagándose poco después a España, Francia e Inglaterra, marcando el principio del cambio estilístico que conduciría al Barroco musical.


title: Música del Renacimiento

text: Más comúnmente llamada hoy melodía acompañada, se creó en Florencia, donde hubo un intento de revivir el drama y el estilo musical de la antigua Grecia mediante la monodia, un canto declamado sobre un acompañamiento instrumental simple (similar ya al bajo continuo); el contraste con el estilo polifónico entonces dominante era absoluto. Inicialmente la monodia fue utilizada solo en la música profana. Estos músicos fueron conocidos como la Camerata Florentina.


title: Música del Renacimiento

text: A finales del siglo XVI, acabando el Renacimiento, se desarrolló un estilo manierista radical. En música profana, especialmente en el madrigal, había una tendencia hacia la complejidad y hacia el cromatismo extremo (como se observa en los madrigales de Luzzaschi, Marenzio y Gesualdo). Musica reservata es un término que se refiere a un estilo o a una práctica musical a cappella de la época tardía, principalmente en Italia y el sur de Alemania, asociado al refinamiento, cierta exclusividad y una intensa expresión emocional del texto cantado. Además, en muchos compositores se observa una división en sus propios trabajos entre la primera práctica (observancia de las reglas estrictas del contrapunto) y segunda práctica (música del nuevo estilo) durante la primera parte del siglo XVII.


title: Música del Renacimiento

text: Es esta época tardo renacentista la que ve nacer la llamada Escuela Romana. Muchos de sus compositores tenían una conexión directa con la Santa Sede y con la capilla papal, aunque trabajaron en otras iglesias; los compositores romanos eran estilísticamente más conservadores que los de la Escuela Veneciana. El origen de la Escuela Romana fue Giovanni Pierluigi da Palestrina, cuyo nombre ha sido asociado por más de 400 años con la tranquila, clara y perfecta polifonía.


title: Música del Renacimiento

text: El breve pero intenso florecimiento del madrigal en Inglaterra, sobre todo entre 1588 y 1627, es conocido como la Escuela Madrigalista Inglesa. Los madrigales ingleses eran a cappella, predominantemente ligeros en estilo, y generalmente empezaban como copias o traducciones directas de los modelos italianos. La mayoría fueron escritos para entre 3 y 6 voces.


title: Antonio Puchades

text: Antonio Puchades Casanova, deportivamente conocido como Puchades y apodado "Tonico" (Sueca, Comunidad Valenciana, España, 4 de junio de 1925 - Sueca, Comunidad Valenciana, España, 24 de mayo de 2013), fue un futbolista español. Jugó como centrocampista y desarrolló toda su carrera en el Valencia CF, siendo también internacional por España.


title: Antonio Puchades

text: Siempre jugó como centrocampista defensivo debido a su gran potencia física. No obstante poseía una gran calidad técnica que le permitía armar el juego ofensivo del equipo desde una posición que era clave en su época en que se jugaba con un sistema 2-3-5, ocupando el puesto central de la línea de tres medios. Ha sido uno de los jugadores más destacados en su puesto de toda la historia del fútbol español, siendo una pieza clave en la mejor clasificación de la selección española en un mundial hasta el de Sudáfrica en 2010, con el cuarto puesto logrado en el mundial de Brasil. Se caracterizaba por su gran presencia física que le permitía ser un incansable recuperador de balones. Poseía una aceptable técnica que era empequeñecida por la de su extraordinario compañero en la media del Valencia CF, Pasieguito con el que formó una colosal pareja debido a su gran compenetración y estilos de juego complementarios. Fue fichado muy joven por el Valencia CF del equipo de su localidad natal. Tras apenas un año en el CD Mestalla debutó con el primer equipo con veintiún años durante la temporada 1946-1947. Durante esta temporada apenas disputó cuatro partidos que le sirvieron para madurar y para anotarse la única liga de su palmarés. A partir de la temporada siguiente su presencia en el equipo se incrementó notablemente convirtiéndose en un jugador fijo y fundamental tanto para el Valencia CF como para la selección española.


title: Antonio Puchades

text: Se retiró a la edad de treinta y tres años debido a los problemas de ciática que le aquejaban de manera permanente los últimos años de profesional desligándose totalmente del mundo del fútbol al dedicarse a cuidar las tierras de su familia.


title: Antonio Puchades

text: Tras su retirada, recibió varios homenajes en su ciudad natal de Sueca, donde una calle, así como el estadio municipal de fútbol, llevan su nombre.


title: Antonio Puchades

text: También lleva su nombre el estadio de la Ciudad Deportiva de Paterna del Valencia CF. El 26 de mayo de 2013 en su memoria, se guardó un minuto de silencio en el Valencia CF-Granada Club de Fútbol, se colocó una foto suya junto a dedicatorias y velas en la puerta número 6 del estadio de Mestalla, y en el minuto 6 de partido, se ovacionó y se desplegaron dos grandes pancartas en la curva Nord con las palabras "Tonico Puchades, formes part d´una gran historia que portem al cor", traducido al castellano: "Tonico Puchades, formas parte de una gran historia que llevamos en el corazón".


title: Antonio Puchades

text: Fue internacional con la Selección nacional de fútbol de España un total de veintitrés partidos. Su debut se produjo el 20 de marzo de 1949 ante Portugal en Lisboa con resultado final de empate a uno.


title: Antonio Puchades

text: Fue uno de los jugadores más destacados durante el Mundial de Brasil de 1950, en el que la selección española logró su segunda mejor clasificación al quedar cuartos.


title: Star Wars Caballeros de la Antigua República II: Los Señores Sith

text: Star Wars Knights of the Old Republic II: The Sith Lords es un juego de rol desarrollado por Obsidian Entretainment y publicado por LucasArts. Es una secuela de "" de BioWare y su lanzamiento para Xbox fue el 6 de diciembre de 2004, para Microsoft Windows el 8 de febrero de 2005 y para los sistemas de OS X y Linux 21 de julio de 2015. Como su predecesor, el juego está ambientado en el universo de "Star Wars," 4000 años antes de los eventos que ocurren en la película "" que está basando en el Sistema d20 y fue desarrollado por Wizards of the Coast. El juego utiliza el Odyssey Engine, que originalmente se ha utilizado en la primera entrega de la saga. La historia se comenzó a escribir antes de que el primer título de la saga saliera a la venta y su desarrollo comenzó en octubre del 2003, después de que BioWare ofreciera a Obsidian su licencia de "Star Wars" al estar confiados en el trabajo que harían.


text: "Knights of the Old Republic II" comienza 5 años después del primer juego, y sigue a línea temporal de "El Exiliado", un Caballero Jedi que fue exiliado de la Orden Jedi. Durante este tiempo, la Orden Jedi ha sido exterminada casi en su totalidad por los Sith. El juego comienza con el protagonista despertando en un Crucero de la República. Después de que logra escapar con ayuda de algunos de sus compañeros, encuentran a la persona que los había exiliado hace 10 años, misma que envía al protagonista en una misión para buscar a los Jedi que quedan para luchar contra los Sith.


text: La recepción del juego y las críticas después de su lanzamiento fueron en general positivas, se halagó la historia, los personajes y la narrativa, siendo estos una mejora con respecto a la primera entrega de la saga. Sin embargo, el juego fue criticado por ser demasiado similar a su predecesor en términos de gráficos y sistemas de juego. GameSpy nombró a uno de los personajes principales del juego, Kreia, como el mejor personaje de videojuegos de 2005, y el juego se incluyó en el libro "1001 Videojuegos que debes jugar antes de morir."


text: "Knights of the Old Republic II" es un juego de rol jugado desde una perspectiva en tercera persona que utiliza un sistema de combate con pausas. El combate y las interacciones con el ambiente y otros personajes no humanos está basado en el sistema d20 como en la primera entrega de la saga. El juego comienza con la pantalla de creación de personaje con algunas opciones para ser tomadas, también existe una opción para que el juego haga esto de manera automática. Existen 30 nuevos poderes de la Fuerza, que son manifestaciones de la misma en esta entrega del juego. Como su predecesor, el juego tiene algunos mini juegos, incluidos la carrera de los pods y un juego de cartas llamado Pazaak. La interfaz ha sido mejorada con respecto al primer juego y la organización de los grupos rediseñada para ser más sencilla; por ejemplo, el jugador ahora puede cambiar entre dos grupos armas seleccionadas en el menú. Como en el primer juego, el jugador puede escoger hacia que lado de la fuerza quiere ir, la luz o el lado oscuro. Escogiendo entre ciertas opciones de diálogo, si decide responder de manera respetuosa y empatía el protagonista recibe puntos de luz, si responde de manera egoísta y malvada recibe puntos del lado oscuro.


text: El combate en "Knights of the Old Republic II" es idéntico a su primera entrega. Algunos tipos de cristales para sables de luz se añadieron al juego. Cada uno de ellos es útil para diferentes situaciones. Por ejemplo, uno es mejor cuando se enfrenta a enemigos con armas láser a distancia, mientras que otro puede ser bueno para recuperarse después de utilizar algún poder de la fuerza. El jugador puede usar una gran variedad de armas de combate cuerpo a cuerpo o a distancia, incluidas espadas y armas de fuego. Pelear desarmado también es una opción. Se agregaron al juego las "clases de prestigio". Estas son habilidades extra de los Jedi que son establecidas en "Star Wars Knights of the Old Republic." Estas permiten al jugador practicar con el sable de luz o poderes de la fuerza, dependiendo de la elección del personaje.


text: El jugador puede viajar hasta con dos miembros de su equipo al mismo tiempo, que ganan experiencia a la misma velocidad que el personaje. El equipo y mejoras para el grupo pueden ser seleccionadas para diferentes efectos estáticos o habilidades. Los jugadores pueden saquear cuerpos y algunos objetos del ambiente. El protagonista también tiene la habilidad de "influenciar" a los miembros de su grupo; al hacer cosas que los impresionen, el jugador aumenta la influencia que ejerce sobre ellos. Dependiendo del nivel de influencia, los miembros del grupo pueden apoyar de manera incondicional al protagonista o ir en su contra. El jugador también puede aprovechar si tiene una gran influencia sobre un personaje para llevarlo al alguna inclinación de la fuerza; luz u oscuridad.


text: El juego toma lugar 5 años después de los events de "Star Wars Knights of the Old Republic" y 4000 años antes del "Episodio I: La amenaza Fantasma," en una época en donde los Jedi están a punto de ser exterminados por los Sith. El personaje utilizado por el jugador, un Caballero Jedi que fue exiliado de la Orden Jedi, es conocido como "El Exiliado" o el "Jedi Exiliado". A lo largo del juego, el Exiliado renueva su conexión con la fuerza, mientras que, con la ayuda de los miembros de su grupo, intenta detener a los Sith. El jugador hace algunas decisiones que lo inclinarán hacia el lado de la luz u oscuro de la fuerza, y viaja a 6 planetas diferentes para ayudar o detener los intentos de la República para traer paz y estabilidad a la galaxia.


text: Los nuevos lugares en donde se puede jugar en "Star Wars Knights of the Old Republic II" incluyen al arrasado Telos después de la guerra, un búnker en Telos, la Estación Citadela en órbita, el puerto de Iziz, Onderon y su luna de jungla Dxun, Nar Shaddaa, el yate en órbita de Goto, Peragus y las naves espaciales "Harbinger" y "Ravager." Malachor V, Korriban y Dantooine son visitadas y aparecen en el juego original, y ambas están destruidas y con problemas mayores. El "Ebon Hawk," la nave del personaje principal en el primer juego también es el medio de transporte en la nueva versión.


text: El regreso del exiliado revela que el personaje servía bajo las órdenes de Revan durante las guerras Mandalorianas y ordenó la activación de un arma devastadora en la importante batalla sobre Malachor V. Las muertes que esto provocó crearon una "herida" en la fuerza que el personaje fue obligado a arreglar para conectar de nuevo todo el poder de la fuerza, y el Concilio Jedi le ordenó al personaje que se exiliara de la Orden Jedi. Mientras el juego avanza, el Jedi Exiliado reconstruye una conexión con la fuerza y crea un lazo inusualmente fuerte con otros personajes y lugares, mientras que inconscientemente desarrolla poderes por su afinidad a la fuerza.


text: Entre los personajes que se unen al Jedi Exiliado esta Kreia, quien actúa como la mentora del Exiliado; el piloto y asesino Sith Atton Rand; el técnico y veterano de guerra Mandaloriano Bao-Dur y su androide remoto; el androide criminal G0-T0 y el aprendiz Sith Visas Marr. T3-M4 y Canderous Ordo (que ahora se hace llamar "Mandalore"), ambos aparecen en el primer juego, también se unen al grupo del Exiliado. Otros personajes se unen al grupo solo bajo ciertas condiciones. , quien aparece en "," se une al grupo si el Exiliado recolecta y utiliza las partes necesarias para reactivarlo. Un Wookiee conocido como Hanharr, que es un caza recompensas, se une al Exiliado si está alineado con el lado obscuro; su competidor Mira, se una si se está en la luz o de forma central. Si el personaje del jugador es hombre, Brianna la doncella de compañía se une al grupo, si es una mujer Mical el discípulo, se une al Exiliado.


text: El juego tiene 3 antagonistas principales: Darth Traya, un misterioso agresor quien permanece en la oscuridad a lo largo del juego; Darth Sion, un Señor Sith muerto viviente con un terrible deseo y odio asesino en contra de los Jedi y , un Lord Sith cuyo cuerpo fue destruido por su gran afinidad a la fuerza.


text: Mientras se esconde en el "Harbinger," un crucero de la República, el Exiliado es sedado por HK-50, un androide asesino que lo entregara a un sindicato criminal llamado el Intercambio, que ha puesto una recompensa a la cabeza del Jedi. Estos dos son rescatados por Kreia, persona con la que tienen un lazo de fuerza y el droide T3-M4 en el "Ebon Hawk" y escapan del "Harbinger" mientras este es atacado y tomado por un grupo de asesinos Sith. Aunque logran escapar, su nave es dañada por las armas del "Harbinger" y eventualmente logran llegar a la zona minera de Peragus. Formando un grupo con el ladrón Atton Rand, el grupo escapa al planeta Telos IV. Mientras se esconden en este planeta, se encuentran con Atris, un superviviente del Concilio Jedi que fue el que dio la sentencia al protagonista de ser Exiliado 10 años atrás. Después de arreglar algunas diferencias acerca del pasado y la sentencia del Exiliado, Atris forma una extraña alianza con el grupo, pidiéndoles que vayan en busca de otros Jedi que sigan con vida para combatir a los Sith. El Exiliado viaja por 4 mundos para encontrar a los maestros Jedi y pedir su ayuda o asesinándolos como venganza de como fue tratado hacía 10 años, dependiendo de las decisiones del jugador. Mientras el Exiliado avanza en su aventura, se encuentra con algunos otros individuos para unirse a su búsqueda.


text: Después de encontrar a todos los maestros Jedi, el Exiliado viaja de regreso a Dantooine y aprende que las incontables muertes en Malachor V resultaron en la pérdida de la conexión con la fuerza, cosa que se convirtió en las nuevas enseñanzas de los Sith. Mientras los maestros Jedi temían que estas nuevas enseñanzas resultaran en la muerte de la Fuerza, se preparan para cortar al Exiliado de su conexión con la fuerza pero Kreia se revela como la líder de los Sith y los asesina a todos en respuesta. Siguiendo los rastro de Kreia hasta Telos, el Exiliado se enfrenta y derrota al corrupto Atris, de quien aprenden que Kreia planea destruir la fuerza al hacer más fuerte la herida que había causado el Exiliado 10 años antes durante las Guerras Mandalorianas; cuando el Exiliado ordenó la activación de la super arma que terminó la batalla, miles de muertes simultáneas provocaron esta herida en la fuerza. Antes de seguir a Kreia a Malachor V, donde esta se reuniría con los Sith como Darth Traya, el Exiliado detiene una invasión Sith en Telos, enfrentándose y venciendo a uno de los aprendices de Darth Traya, Darth Nihilus. En Malachor v, el Exiliado se separa de su grupo y pelea a través de las horas de monstruos que habitan la superficie del planeta, después se enfrenta a los que viven en una academia Sith que sobrevivió al cataclismo. En el último piso de la academia, El Exiliado mata al a Darth Sion y se enfrenta finalmente a Darth Traya en el núcleo de planeta.


text: El Exiliado derrota a Darth Traya quien, antes de morir, habla acerca de una visión profética del futuro del grupo de los compañeros del Exiliado y de los mundos visitados a lo largo de la historia. Dependiendo del alineamiento del Exiliado, se ordena la destrucción de Malachor V, escapando antes de que esto suceda y viajando a regiones desconocidas en busca de Revan (de la luz) o quedándose en Malachor V como nuevo Señor Oscuro de los Sith.


text: "Knights of the Old Republic II" fue desarrollado por Obsidian Entertainment y publicado por LucasArts. Es una secuela al juego de BioWare "Knights of the Old Republic." El juego usa el sistema Odyssey Engine de la primera entrega. BioWare ofreció a Obsidian la licencia de "Knights of the Old Republic" por la familiaridad y buena relación con que se había formado de sus trabajos en conjunto. La versión para PC del juego fue desarrollada al mismo tiempo que la versión para Xbox, que fue lanzada dos meses antes que la versión de PC para arreglar ciertos errores de programación.


text: El desarrollo comenzó en octubre de 2003. La visión general de la historia del juego fue originalmente tomada de "Knights of the Old Republic," después del cual fue revisada y repensada numerosas veces. Para ayudar a escribir "Knights of the Old Republic II," Chris Avellone, el diseñador en jefe del juego, leyó todo lo que pudo acerca del universo de "Star Wars" como le fue posible, incluyendo libros, guías, módulos y novelas gráficas. El equipo de Obsidian también se basó en la historia original de "Knights of the Old Republic" y las películas originales de "Star Wars" para inspiración. Avellone dijo que Obsidian reconoció que una de las cosas que hizo excelente "Knights of the Old Republic" fue la historia y los compañeros del grupo y que intentaron expandir esto al agregarle profundidad a esto.


text: Cuando Obsidian estaba preparándose para presentar "Knights of the Old Republic II" en la E3 2004, intentaron poner tanta información como pudieron, diciendo que serían necesarios 30 minutos ya que serían la única presentación del evento que sería anunciada. A pesar de esto, debido al límite de tiempo, esta presentación fue recortada a una duración de entre 5 y 10 minutos. Durante este tiempo, ninguno de los niveles que había diseñado Obsidian estaban listos para ser mostrados, así que solo se tomaron 3 niveles y fueron presentados para terminar a tiempo. La demostración del juego fue terminada solo unos cuantos días antes del evento, y el juego fue presentado en mayo de 2004. El primer avance cinematográfico de "Knights of the Old Republic II" fue revelado en julio de 2004.


text: "Knights of the Old Republic II" usa el mismo sistema d20 que su predecesor "Knights of the Old Republic" con algunos cambios y el máximo de nivel fue removido. Obsidian puso mucho trabajo en las gráficas del juego, incluyendo la aparición de personajes principales no controlados por el jugador y expandiendo algunas áreas. El artista principal de "Knights of the Old Republic II" fue Aaron Meyers; el decidió quien formaría el equipo de arte después de revisar "miles de aplicaciones, expedientes y demostraciones" y dijo que estaba halagado con la cantidad de gente que quería trabajar para Obsidian. Meyers también se quejó acerca del poco tiempo en el que se tuvo que desarrollar el juego. El COO (Jefe de Operaciones) de Obsidian, Chris Parker, dijo que los tiempos planeados para el equipo de desarrollo fueron "bastante agresivos", y que el equipo sintió mucha presión ya que estaban "desarrollando una secuela al mejor juego del 2003".


text: Para la música, el equipo de desarrollo sintió que una orquesta sinfónica sería lo mejor para "Knights of the Old Republic II." Las piezas principales fueron compuestas por Mark Griskey, quien desarrollo temas musicales para algunos personajes y lugares, incluido el tema Jedi, el tema de Darth Sion y Darth Malak, estos últimos teniendo similitudes con la pieza del Emperador en "El regreso del Jedi". También creó la canción del personaje principal, que se puede apreciar cuando entra en conflicto interno. El tema de 70 minutos fue interpretado por la Orquesta Sinfónica de Seattle. El tema de apertura es la versión de John Williams del tema original de "Star Wars" que se grabó para la trilogía de las precuelas.


text: En una entrevista de 2013 a Avellone acerca de "Knights of the Old Republic II," asegura que LucasArts forzó a Obsidian a terminar el juego de entre 14 a 16 meses, lo que resultó en el lanzamiento del juego en un estado "sin terminar". Sin embargo, Avellone dijo que Obsidian fue responsable de esto al no sacar del diseño original del juego algunas partes; asegura que todos los mini juegos debieron ser removidos y que había demasiadas escenas cinematográficas que se unían al juego. El cofundador de Obsidia, Feargus Urquhart, dijo que el juego estaba planeado originalmente para ser lanzado en 2005, pero después se recorrió a diciembre del 2004 después de la E3. Según el Obsidian debía escoger entre "tener un problema o tenerlo hecho".


text: "Knights of the Old Republic II" entró en la categoría de oro el 23 de noviembre del 2004. Se lanzó el 6 de diciembre de 2004 para la consola Xbox y la versión par PC salió a la venta el 8 de febrero de 2005. El juego fue relanzado en agosto de 2012 en la plataforma digital Steam, y e enero de 2015 en GOG.com. El 21 de julio de 2015, salió su versión para OS X y Linux con algunas características extras para la tienda de Steam, como compatibilidad con controles, diferentes estilos de pantalla y mayor resolución.


text: En conjunto con algunos parches oficiales, unos no oficiales hechos por fanes, restauración de contenido eliminado y algunos modelos creados por la comunidad que arreglaban alrededor de 500 errores de sistema, la comunidad que seguía este juego poco a poco implemento cosas que mejoraban la compatibilidad con la compatibilidad de los sistemas de PC modernos.


text: "Knights of the Old Republic II" fue recibido de manera positiva en su lanzamiento; Metacritic lo calificó con un resultado de 85/100 y 86/100 en la versión de PC y Xbox respectivamente, indicando que era "generalmente favorable" según información del sitio. En IGN proclamaron que existía una gran presión involucrada con el desarrollo de la secuela de un juego con un desarrollador diferente que tenía el título de "Juego del año" con la primera entrega de Obsidian. La reseña también señalaban que no decepcionaría a los fanes de la primera entrega de la saga, además de que compartía muchas características en términos de modelos. "GamePro" aclamó ambas partes de "Knights of the Old Republic" y dijo que la segunda parte continua la tradición de la serie de "no arreglar lo que no está roto". GameSpot además de publicar esta declaración, asegura que todas las características que eran buenas en el primer juego están presentes en "Knights of the Old Republic II."


text: GameSpy comparó el juego con "" de la película de la trilogía original de "Star Wars" en cuanto a tener lo mejor en cuanto a historia. También señaló que el juego tiene la mejor historia desde "." 1UP.com escribió que Obsidian superó al juego original de "Knights of the Old Republic" en cuanto a escritura, diciendo que es más consistente, el diálogo es mejor y las decisiones morales tienen un mayor peso. "Eurogamer" dijo que comparado con el juego original, la historia de "Knights of the Old Republic II" es "mucho ma obscura". La reseña también comenta que los planetas están "mejor desarrollados". GameZone escribió que el juego "se debe comprar" para gente que le gustan las historias y personajes bien escritos y desarrollados.


text: El sistema de combate fue recibido de buena manera en general, con algunos críticos comentando que el sistema de combate no ha cambiado en lo absoluto de la primera entrega del juego. GameSpot comparó el combate de la primera entrega con "Knights of the Old Republic II," diciendo que no está bien balanceado en ambos; sin embargo, el crítico comenta que es de mucha ayuda que el combate sigue siendo espontáneo. GameZone dijo que el combate no ha cambiado desde la primera versión, pero que esto es algo bueno porque desde el primero esto era algo que se disfrutaba. IGN halagó la inteligencia artificial del juego, diciendo que era fácil controlar al personaje principal de manera independiente sin controlar a los miembros del grupo. El editor del artículo de GameSpy en contraparte, comento que se encontró algunos problemas con el combate y la inteligencia artificial, haciendo la diferencia con la primera versión del juego.


text: GameSpot criticó las gráficos de "Knights of the Old Republic II" y las llamó "faltas de visión". GameSpy comento que sintió que las gráficos del juego dejaban que desear, llamándolas "un poco fuera de tiempo" y "hechas a la mitad". El editor criticó un poco más los gráficos al comentar que eran iguales a los de la primera entrega, diciendo que estas pudieron ser consideradas buenas solo en el lanzamiento de la primera entrega. GameZone dijo que es una copia a las gráficos del primero y que no se compara con la mayoría de los juegos populares lanzados al mismo tiempo que este juego. GameSpy llamó a la música del juego como "excelente"; sin embargo, notó que algunas de las obras son reutilizadas de la primera versión. El editor de GameSpy comento que la mayoría de los actores de voz son buenos y que en comparación con la primera entrega, los actores de voz que no hicieron un buen papel disminuyeron. GameZone dijo que el "excelente trabajo" de actuación de voz complementa el excelente diálogo del juego, además del buen trabajo en el desarrollo de los sonidos del juego.


text: El juego fue criticado por los glitches, algunos jugadores reportaron problemas de bugs. El editor del artículo de 1UP.com condenó a esta nueva entrega por tener los mismos errores y detalles que en el primer juego, diciendo que su equipo podía hacer uso de estos errores para saltarse niveles y mapas. GameSpy dijo que los errores dentro del juego son "difíciles de perdonar" y que estos problemas no ocurrían dentro de la primera entrega de "Knights of the Old Republic." GameSpy dijo que el juego estaba incompleto y lo atribuye al corto periodo que se tuvo para trabajar.


text: GameSpy proclamó a Kreia como el mejor personaje de 2005, diciendo que ella era "de lejos, el personaje más interesante, enigmático, bien diseñado y complicado de este año". En 2010, el juego se incluyó como uno de los títulos dentro del libro de "1001 Video Games You Must Play Before You Die."


title: Margrave

text: Margrave es el nombre en español dado al título germánico "Markgraf", equivalente a marqués. La esposa de un margrave es llamada margravina o "Markgräfin" en alemán. Equivale al título de marqués o marquesa en Alemania.


title: Margrave

text: Etimológicamente, la palabra 'margrave' (en latín: "marchio", c. 1551) es la forma española y de otras lenguas del título noble alemán "Markgraf" (de "Mark", que significa 'frontera' o 'marca', es decir, tierra fronteriza, y "Graf", que significa 'conde', es decir, "conde de la marca"). Como sustantivo y título hereditario, 'margrave' es común entre diferentes idiomas de Europa, como el español o el polaco.


title: Margrave

text: Margrave fue originalmente el título medieval del gobernador militar asignado para mantener la defensa de una de las provincias fronterizas del Sacro Imperio Romano o de un reino. Ese cargo se convirtió en hereditario en determinadas familias feudales en el Imperio, y el título llegó a ser asumido por los gobernantes de algunos principados imperiales hasta la abolición del Imperio en 1806 (como por ejemplo, , margrave de Baden).


title: Margrave

text: Posteriormente, esos dominios sobre los que tenían jurisdicción, originalmente conocidos como "marcas" ("Mark", en alemán) y más tarde como margraviatos (o marquesados) fueron absorbidos en reinos más grandes o los titulares adoptaron títulos indicativos de soberanía plena. A medida que las provincias limítrofes adquirían importancia, en algunos casos se hacían más grandes que las interiores, consiguiendo los margraves poder sobre los otros gobernantes del reino.


title: Orden de San Agustín

text: La Orden de San Agustín (O.S.A.), en latín "Ordo Fratrum Sancti Augustini", -históricamente conocida como Orden de Ermitaños de San Agustín (O.E.S.A.), en latín "Ordo Eremitarum Sancti Augustini",- es una orden religiosa mendicante establecida por la Iglesia católica bajo el pontificado de Inocencio IV en el año 1244, ante la necesidad de unificar una serie de comunidades de eremitas que habían surgido bajo la experiencia monástica de san Agustín y su Regla del siglo IV. Actualmente tiene presencia en 50 países y la componen la Primera Orden Agustiniana o Padres Agustinos (Religiosos y Sacerdotes), la Segunda Orden Agustiniana (Monjas de Clausura) y la Tercera Orden Agustiniana o Fraternidad Agustiniana (Laicos consagrados).


title: Orden de San Agustín

text: El nacimiento de la Orden de San Agustín se remonta al año 1243 cuando cuatro ermitaños: Esteban de Cataste, Hugo de Corbaria, Guido de Rosia y Pedro de Lupocavo en representación de grupos de eremitas situados en la antigua Tuscia, Lacio superior y zonas limítrofes de Umbría, se dirigieron al papa Inocencio IV para pedirle una regla común y un prior general.


title: Orden de San Agustín

text: Luego de conocida la propuesta, en el primer año de su pontificado, Inocencio IV determinó la creación de una nueva orden mendicante, también llamada orden de pobreza evangélica o de fraternidad apostólica, (la tercera después de los franciscanos y dominicos). "Incumbit nobis" y "Praesentium vobis" fechadas el 16 de diciembre de 1243, sentaron las bases jurídicas de la erección canónica de la Orden de San Agustín. "Incumbit nobis" ordenó que los eremitas de Tuscia, ""exceptis Fratribus S. Guillelmi" (excepto por los hermanos S. Guillelmi)", enviaran uno o dos representantes de cada casa al primer Capítulo General, profesaran “la regla y el género de vida del bienaventurado Agustín”, redactaran sus Constituciones y eligieran un Prior General. El proceso estuvo bajo la dirección del cardenal Ricardo degli Annibaldi por medio de la bula "Praesentium vovis". La reunión tuvo lugar en marzo de 1244, en la ciudad de Roma (en un lugar ahora desconocido) en lo que se llama ahora La Pequeña Unión.


title: Orden de San Agustín

text: La bula "Licet Ecclesiae Catholicae" marcó una segunda fase en el desarrollo inicial de la Orden, conocido como La Gran Unión, ocurrida el 9 de abril de 1256 en una antigua iglesia romana (hoy Basílica de Santa María del Popolo). En esta ocasión se produjo la anexión de otras órdenes de ermitaños situados en las regiones centrales y septentrionales de Italia como los de "Juan Bueno", los "Ermitaños de Santa María de Cesena", los "Ermitaños de Bréttino", los "Ermitaños de Monte Favale" e incluso los "Guillermitas" que profesaban la Regla de San Benito.


title: Orden de San Agustín

text: A la Orden de San Agustín se le han dado ciertos privilegios durante su historia. El papa Alejandro IV liberó a la Orden de la jurisdicción de los obispos e Inocencio VIII, en 1490, concedió a todas las iglesias de la Orden indulgencias similares a las que pueden hacerse en estaciones en Roma.


title: Orden de San Agustín

text: En 1352, el papa Juan XXII decretó que el Sacristán del Palacio Apostólico debería siempre ser un miembro de la Orden cuyas tareas además incluían ser Guardián del Sagrario, confesor del Papa y su bibliotecario (cuando la Biblioteca Vaticana creció y se reorganizó en 1481 se escogió otro bibliotecario). Alejandro VI confirmó esta misión, garantizándola para siempre a un miembro de la Orden mediante una bula promulgada en 1497. Entre los sacristanes destacados se encuentran el Venerable Giuseppe Bartolomeo Malocchio confesor del papa Pío VII y Angelo Rocca, que gracias a la aprobación del Papa Paulo V, fundó la primera biblioteca pública de Roma, la Biblioteca Angelica en el Convento San Agustín.


title: Orden de San Agustín

text: En 1929, el papa Pío XI estableció la Pontificia Parroquia de Santa Ana en la Ciudad del Vaticano, poniéndola a cargo de los agustinos cuya iglesia es Sant'Anna dei Palafrenieri. En el mismo año la Parroquia de Santo Tomás de Villanueva en Castel Gandolfo que estaba a cargo de la Orden, fue traspasada a los Salesianos.


title: Orden de San Agustín

text: Hasta 1929, el párroco del Palacio Apostólico era ocupado por el Sacristán Pontificio. El papa Pío XI determinó que el Sacristán también sería nombrado Vicario General de la Ciudad del Vaticano ""con las facultades necesarias, incluso en tiempo de Sede Vacante"". Finalmente, en 1991, el papa Juan Pablo II confió el cuidado pastoral de la Ciudad del Vaticano al Cardenal Arcipreste de la basílica de San Pedro. El último agustino en ejercer el oficio de Sacristán de Vicario del Papa para la Ciudad del Vaticano fue el obispo Pietro Canisio Van Lierde quien ocupó el puesto desde 1961 hasta 1991.


title: Orden de San Agustín

text: Los agustinos aún están a cargo de Sacristía de la Basílica de San Pedro.


title: Orden de San Agustín

text: La naturaleza de la Orden de San Agustín está dada por los elementos integrados en su formación: la herencia monástica de San Agustín, la tendencia contemplativa propia de sus raíces eremíticas, y los principios fundamentales de las órdenes mendicantes.


title: Orden de San Agustín

text: El fin de la Orden de San Agustín está determinado en su propia Regla, escrita por San Agustín a los "Siervos de Dios"; la primera fundación hecha por San Agustín en vida:


title: Orden de San Agustín

text: Este fin es, así mismo, el lema de la Orden


title: Orden de San Agustín

text: que en español significa


title: Orden de San Agustín

text: Para lograr el cumplimento de su fin, la Orden de San Agustín cuenta con varios ideales, entre los que sobresalen:El hábito de la Orden de San Agustín está conformado por una túnica o sayal de color negro que llega hasta los tobillos y está ceñido por un cinturón de cuero negro de una sola pieza que cae hasta el borde de la túnica y, encima de la túnica, una capilla del mismo color recta al frente, hasta los codos y atrás terminada en punta larga. En países de clima tropical está permitido el uso del hábito de color blanco mantaniendo la correa negra.


title: Orden de San Agustín

text: El ideal de vida de los miembros de la Orden de San Agustín aparece claramente expresado en el escudo oficial. Hasta las reformas de los capítulos generales del siglo XX y principios del siglo XXI, el escudo de la Orden de San Agustín carecía de blasón; un libro cerrado y acostado con un corazón "inflamado" (con fuego) y atravesado por un dardo; detrás de este, la correa del hábito, la cruz episcopal, un báculo y sobre el libro una mitra como símbolos de episcopado de San Agustín; debajo del todo una banda blanca con la inscripción "Tolle Lege, Tolle Lege", que fueron las palabras que San Agustín escuchó el día de su conversión antes de leer las Cartas de San Pablo; El escudo aparece decorado con palmas doradas.


title: Orden de San Agustín

text: Posterior a las reformas, el escudo se simplificó aunque nunca se abolió el anterior, y el actual escudo fue adoptado no solo por la Orden sino por las demás órdenes de la Familia Agustiniana; Sobre un libro abierto aparece un corazón atravesado por el dardo de la caridad.


title: Orden de San Agustín

text: La Orden de San Agustín es una orden de fraternidad apostólica. Se trata de una fraternidad porque todos los hermanos que la integran son iguales no existiendo ningún tipo de diferencias originadas en privilegios, títulos y situaciones sociales o económicas.


title: Orden de San Agustín

text: Los frailes agustinos viven en una comunidad fraterna que es la vida en común. A través de ella y unidos en el amor de Cristo, buscan a Dios, se sirven mutuamente, perfeccionan con la ayuda de la Gracia los valores de la persona y trabajan por la comunidad, buscando la salvación propia y de las almas. Los frailes agustinos no poseen bienes propios por su voto de pobreza, sio que todas las cosas que poseen son en comunidad.


title: Orden de San Agustín

text: "Lista completa: "


title: Orden de San Agustín

text: La potestad máxima de gobierno de la Orden de San Agustín recae en el Capítulo General, donde se representa a todos los frailes. El Capítulo General celebrado cada seis años elige a un Prior General. Actualmente el Prior General es Fray Alejandro Moral Antón, elegido en 2013 y sucesor de Fray Robert Prevost, quien había sido elegido el 2001 y reelecto 2007. Cuenta con seis asistentes y un secretario. La curia general de la Orden se Encuentra en Roma, a escasos metros de la Ciudad del Vaticano.


title: Orden de San Agustín

text: La fraternidad de la Orden de San Agustín se refleja en su estructura la cual está formada por tres ramas que se rigen por Regla de San Agustín y sus Constituciones, además están bajo la dirección y cuidado del .


title: Orden de San Agustín

text: Como toda orden mendicante, la Orden de San Agustín está conformada por los frailes agustinos y las hermanas o "sorelas" agustinas.


title: Orden de San Agustín

text: Antiguamente llamada Segunda Orden, hoy conocidas como Agustinas de Vida Contemplativa, la orden agustina también está integrada por muchas religiosas que siguiendo el ejemplo de san Agustín viven en comunidad con "Un solo corazón y una sola alma en Dios". San Agustín les dejó este modelo al crear el primer monasterio de vírgenes consagradas a Dios en África donde fue priora la propia hermana del Obispo de Hipona. A la muerte de la superiora, el monasterio entró en mucho desorden por lo que el Obispo dirigió unas cartas a la nueva superiora; dentro de una de estas cartas anexó su famosa Regla, que ya se vivía en los monasterios de varones, pero de la cual se obtendrá la Regla que vive toda la Orden hoy en día.


title: Orden de San Agustín

text: Con la fundación de la Orden, en 1244, de inmediato junto con los conventos de frailes se erigieron también los conventos de hermanas, de vida contemplativa, buscando grandes espacios de oración y contemplación. Con el Concilio de Trento se dio una mayor importancia a la vida de clausura de las religiosas.


title: Orden de San Agustín

text: Desde el inicio de los monasterios de religiosas, estos han producido grandes mujeres entre las que se conocen a la santa virgen Clara de Montefalco, la santa viuda Rita de Casia y las beatas Magdalena Albrici y María Teresa Fasce.


title: Orden de San Agustín

text: Así hoy en día la Orden Agustina cuenta con muchos monasterios de hermanas consagradas a Dios bajo los votos de castidad, pobreza y obediencia, que viviendo una vida común, dedicadas a la oración y al estudio poseen Estatutos Propios del Monasterio viendo bajo la obediencia de la madre Priora, llamada también en algunos casos Abadesa, pero compartiendo a la vez todos los monasterios las mismas Constituciones de la Orden Agustina bajo la obediencia al Padre General de la misma.


title: Orden de San Agustín

text: Al igual que sus hermanos, las monjas de la Orden de San Agustín visten el hábito negro ceñido a la cintura con un cinturón largo del mismo color, la toca blanca y el velo negro si son de votos solemnes, o blanco, si son de votos simples o novicias. En algunos monasterios, por tradición, las hermanas llevan un escapulario negro o una esclavina o capilla, negra.


title: Orden de San Agustín

text: Al año 2013 la Orden de San Agustín contaba con 2818 religiosos distribuidos en 50 países en cinco continentes y 435 parroquias a su cargo. Además la orden se encuentra asociada a la Organización de las Naciones Unidas (ONU)."Lista completa: Santos y beatos agustinos"


title: Orden de San Agustín

text: Alguno de los más conocidos son: "Lista completa: Centros Educativos Agustinos"


title: Orden de San Agustín

text: En la Orden de San Agustín, además del gran número de centros de educación primaria y secundaria, destacan los siguientes centros de educación superior:La Orden de San Agustín Masculina en España se compone de la Provincia de San Juan de Sahagún, que surge de la unión de las cuatro provincias previas:


title: Orden de San Agustín

text: Su actividad principal se centra en la enseñanza, cada una de las provincias dispone de varios colegios, y la actividad parroquial. Paralelamente desarrollan misiones en América del Sur y Filipinas.


title: Orden de San Agustín

text: También se encuentran varios monasterios de monjas agustinas entre los cuales está el de San Ildelfonso de Talavera de la Reina, fundado por San Alonso de Orozco, el de Nuestra Señora de Gracia de Avila, Madrigal de las Altas Torres (Ávila), o el Convento de Santa Ana (Sant Mateu, Castellón).


title: Agustinos

text: El término agustinos (nombre basado en la figura de San Agustín de Hipona, 354-430), puede aplicarse a grupos separados de institutos religiosos de la Iglesia católica:


title: Todos los fuegos el fuego

text: Todos los fuegos el fuego es el título del cuarto libro de cuentos del escritor argentino Julio Cortázar, publicado en 1966 bajo la Editorial Sudamericana. Considerado uno de los mejores libros de relatos del autor; la obra reúne ocho cuentos de trabajada composición. Es considerado un clásico de la literatura en español y varios de estos títulos son considerados clásicos en la obra del autor.


title: Todos los fuegos el fuego

text: Los cuentos se desarrollan en Cuba, París, Buenos Aires, una isla del Mediterráneo y hasta en la Antigua Roma.En este libro, Cortázar, sin abandonar lo fantástico, relega esa característica de sus cuentos por la dualidad de la que los personajes pueden entrar y salir, coexistiendo como imágenes en un espejo. Vuelve a aparecer el viaje como tema al igual que en otras obras de Cortázar como "Rayuela", "Los premios" y "Los autonautas de la cosmopista".


title: Todos los fuegos el fuego

text: "Todos los fuegos el fuego" consta de los siguientes cuentos:


title: Todos los fuegos el fuego

text: Tras un embotellamiento en una autopista de París, las víctimas empiezan a agruparse y a crear especies de células de organización entre ellos. Así, lentamente la carretera, producto del embotellamiento se va convirtiendo en una de micro-ciudad con sus habitantes. Mientras tanto, el narrador y protagonista del cuento, un ingeniero, se enamora y deja embarazada a «la muchacha del Dauphine», de quien también se enamora. Pasa el tiempo y se prometen comenzar una vida juntos, pero, el embotellamiento empieza a ceder, y las columnas de autos a avanzar: el embotellamiento acaba. Todos parecen haberse olvidado y se preparan para retomar sus vidas de antes.


title: Todos los fuegos el fuego

text: En una familia, uno de los integrantes (de nombre Alejandro) muere, por lo que el resto de la familia elabora un plan para que la madre de Alejandro no se entere de lo sucedido, temiendo qué podría sucederle de enterarse. Todos los integrantes de la familia van creando a través de cartas una historia ficticia en la que Alejandro se ha ido a Brasil y que no volverá por un tiempo. La madre del muerto insiste en querer verlo pero el resto de la familia insiste en lo otro; en que Alejandro no volverá por un tiempo. En el lecho de muerte de la madre, confiesa todo este tiempo haber sabido la verdad, hecho lo cual desconcierta a toda la familia, dado ahora tendrán que avisarle a Alejandro de que su madre ha muerto.


title: Todos los fuegos el fuego

text: Este cuento, ambientado durante lo que parecería ser la Revolución Cubana, narra la historia de un desembarco en una isla; de cómo se divide la formación la cual integra el narrador y el resto de su tropa. Cómo son mojados, vomitados y golpeados tras llegar a ella; cómo cruzan una ciénaga y buscan refugio. El narrador y protagonista tiene asma y dificultades para respirar; junto a sus compañeros especulan sobre la situación del resto del equipo (el cual se dividió en tres) y mascan tabaco. El protagonista tiene alucinaciones en donde recuerda su vida lejos de la guerra y piensa acerca del resto de la formación. Tras reencontrarse con ella y con su amigo Luis, se enfrentan al enemigo y logran escapar. Luis y el narrador hablan del futuro, de los modos de organizar la sociedad luego de la revolución.


title: Todos los fuegos el fuego

text: Pablo, es un adolescente que se encuentra hospitalizado para ser tratado de apendicitis. (Tras cada punto o coma durante el cuento, la narración va variando de personaje en personaje; poniéndonos en el punto de vista de la madre de Pablo, de la enfermera de él, de nombre Cora, del doctor de Pablo y así). Él siente vergüenza y una atracción creciente hacia una de las enfermeras la cual lo atiende. Este sentimiento se agudiza tras cada interacción que tiene con ella y tras cada interacción que su madre mantiene con el doctor respecto a la enfermera. A medida que el tiempo pasa y la operación se realiza, Pablo no mejora. Entre eso su relación con la «Señorita Cora» (la enfermera) da varias vueltas pero termina por afianzarse en un mutuo sentimiento. Cora lo ayuda y consciente cada vez más, mientras Pablo lucha por afirmar su autonomía, queriendo demostrar que ya no es un niño. Él empeora e incluso llega al punto de confundir a Cora con su madre. Un tiempo antes de morir, Cora besa a Pablo.


title: Todos los fuegos el fuego

text: En un vuelo, Marini, un steward italiano, al mirar por la ventanilla del avión divisa en la distancia una isla griega dorada, con colinas y playas; ella se encuentra ubicada en el mar Egeo y es descrita como «pequeña y solitaria». Con el tiempo, el protagonista no demuestra interés en hacer su trabajo, porque se desconcentra mirando la isla. Registra que puede verla justo al mediodía. Tras una ardua investigación y varias hipótesis, el narrador descubre que la isla tiene el nombre de «Xiros» y que está fuera del circuito turístico. El deseo por ver la isla al mediodía persiste. Tras una posibilidad de poder cambiar su vuelo, y poder evitar así ver la isla (es decir: acabar con esa obsesión), decide no hacerlo. Fantasea con entrar desnudo al mar de la isla, trepar los árboles de la misma y pescar pulpos en los mares de ella. Al llegar el día de sus vacaciones, toma una lancha de pescadores y, después de unos días de viaje, llega a la isla. Se contacta con los habitantes de allí y se entiende por sonrisas o gestos. Camina solo, se mete al mar, se siente invadido por la isla, gozoso. Sabe que no se irá de ese lugar; que va a quedarse allí para siempre. Sube a una colina, se desprende de su reloj pulsera y piensa en cómo matar al «hombre viejo» que era, a su antigua versión, trabajadora y frustrada. En ese momento, escucha el ruido de los motores de un avión, el mismo en el que él trabajaba. Percibe el cambio del ruido de las turbinas y ve cómo el avión se hunde en el mar. Baja la colina, corriendo, hacia el agua, se lanza al mar y encuentra una mano llamándolo. Ayuda al hombre a salir; se aferra a él y lo lleva hasta la orilla. Ve que tiene una enorme herida en la garganta. Tras ello los pescadores de la isla se le acercan, lo rodean y ven solo al hombre herido. Se preguntan cómo ha tenido fuerzas para nadar hasta la orilla. Están solos con ese cadáver en la playa.


title: Todos los fuegos el fuego

text: Rice, el narrador, entra al teatro Aldwych de la ciudad de Londres. Al finalizar el primer acto de la misma, Rice se aburre y comenta que la obra es mediocre. En el intervalo, un hombre se acerca a su butaca y le pide que lo acompañe tras bastidores. Rice lo sigue, sin entender qué quiere. El hombre le dice que no tienen mucho tiempo, y que le explicará brevemente su papel. Rice no entiende qué está sucediendo. El hombre le informa que debe interpretar a John Howell, esposo de Eva, que lo engaña con Michael. Le ponen una peluca y unos anteojos. Rice cede pasivamente, desconcertado; dice que no es un actor. El hombre alto le contesta que, precisamente, no es un actor, sino Howell. Le dicen que en escena, haga lo que quiera. Rice vuelve a preguntar qué está sucediendo pero otra vez no le dan respuestas. Se siente amenazado por los hombres. Lo empujan hacia el escenario y se levanta el telón. Se siente nervioso e intenta retroceder cuando Eva le tiende la mano y comienza el segundo acto. Eva se acerca a su oreja y le susurra: «No dejes que me maten». Cuando cae el telón, los dos hombres lo llevan al camarín y le dan vasos de whisky, a la vez que le dan las instrucciones para el tercer acto. Ya en escena, Rice hace caso omiso a las instrucciones, yendo en contra de la corriente. Los demás actores intentan hacerlo volver al plan. Él piensa en la mejor manera de ayudar a Eva, que le susurra nuevamente al oído que se quede con ella hasta el final. El hombre alto, desde afuera del escenario, le hace gestos de enojo y cuando baja el telón lo echa a patadas del teatro. Rice entra al teatro, nuevamente, para asistir al último acto como espectador. Descubre que otro actor aparece interpretando a Howell; es el mismo que el del primer acto. Tras proseguir viendo la obra y con los pedidos de ayuda de Eva en su mente, comienza a correr para salir del teatro; huye hacia Kean Street. Le parece ver un bulto que lo sigue, unos pasos que lo acompañan. Se pregunta por qué está huyendo y no logra contestarse la pregunta. Cruza un puente sobre el río. Sigue pensando en Eva y en cómo no la ha ayudado. Descubre que los pasos que lo seguían eran de Howell. Corren a la par y Howell le pregunta por qué siempre ocurre lo mismo, y le dice que no puede vivir así, siempre huyendo, sin saber por qué.


title: Todos los fuegos el fuego

text: Irene, mujer de un procónsul romano, está enamorada de Marco, un gladiador. Mientras tanto, Marco comienza la pelea que ha orquestado el procónsul. Más tarde en el relato, aparece Roland Renoir, habitante del París del siglo XX, fumando un cigarrillo y hablando por teléfono. En la línea se escuchan comunicaciones cruzadas: alguien dicta cifras. Roland habla con Jeanne, que le explica que Sonia acaba de irse. Marco, en el coliseo, mira al palco, donde están el procónsul e Irene. El procónsul ha organizado este evento para humillar a su mujer. Marco se enfrenta a su adversario, un reciario nubio. Irene sufre por dentro y sonríe por fuera, controlando sus emociones. Vuelta en París, sigue la conversación entre Roland y Jeanne. Ella acaricia un gato y repite: «Soy yo». Se nombra un tubo de pastillas que Jeanne tiene cerca. Roland prende un cigarrillo y ella lo escucha, visualizándolo. Simultáneamente, Marco intenta hurtar el cuerpo enemigo hacia la red. Irene piensa que está perdido. Roland le pide a Joanne que se decida. Se sigue escuchando el dictado de números. Roland busca el frasco de coñac y le dice a Jeanne que lamenta que Sonia se lo haya dicho. Marco es herido con un tridente en la pierna. El procónsul siente celos porque Irene desea al gladiador. Mientras tanto, Roland intenta calmar y consolar a Jeanne. Ella le responde ofendida y angustiada. Se sugiere que Jeanne toma el tubo de pastillas y se suicida. Se menciona que su mano tiembla y comienza a enfriarse. Marco es gravemente herido, pero logra lastimar también al adversario. En el palco del procónsul comentan que no es común que ambos gladiadores mueran. Sonia llega a la casa de Roland y él le dice que ha sido un error. En simultáneo, la multitud ovaciona a los gladiadores e Irene desea salir de ahí. Roland y Sonia se acuestan y buscan cigarrillos. Ella se duerme y él tiene que sacarle el cigarrillo de la boca. Él también se duerme y sus cigarrillos, todavía prendidos, incendian un pañuelo de gasa, luego la alfombra y el alcohol del coñac. Se incendia el departamento de Roland junto con el circo romano, el cual también tiene un lienzo prendido fuego, que envía chispas hacia el público y calienta el aceite que luego se hierve. El humo invade ambos espacios y los personajes mueren abrasados por las llamas o ahogados por el humo.


title: Todos los fuegos el fuego

text: El narrador protagonista explica cómo puede pasar fácilmente de un espacio a otro. Expresa sus ganas de retornar a su barrio preferido y de olvidarse de sus preocupaciones y encontrarse con Josiane. Se lamenta por lo aburrida y rutinaria que es su vida con Irma. Relata cómo sale a vagabundear a los pasajes y las galerías porteñas. Nombra al Pasaje Güemes y recuerda los olores y sonidos. Abruptamente, pasa a describir la Galerie Vivienne de París, y amalgama su descripción con la del Pasaje Güemes. Se lamenta porque su novia Irma encuentra inexplicable su deseo por vagar de noche por el centro. Él la describe como una mujer muy buena y generosa. Narra su primer encuentro con Josiane. Se entera de que Josiane anda con cuidado por los crímenes que ha cometido un tal Laurent, asesino de mujeres. El narrador explica que algo de ese terror se transforma en deseo. Ella se aprieta contra él mientras miran una revista la cual narra los asesinatos de Laurent. En un bar ven a un hombre al cual apodan «el sudamericano». Se trata de un joven muy alto y un poco encorvado. Se encuentran en el bar con el patrón de Josiane, Kikí y Albert a beber. Se preguntan si «el sudamericano» no será el asesino, pero el patrón de Josiane dice que no; Laurent tiene que tener la fuerza suficiente para estrangular a sus víctimas con una sola mano, y este hombre es muy flaco y débil. Se enteran de que Laurent mata a otra mujer en la rue Beauregard. El narrador se pregunta si no debería quedarse en París. Un nuevo epígrafe divide a la historia en dos. La madre encuentra al narrador desmejorado y sus suegros lo invitan a pasar unos días en una isla en el Paraná, pero vuelve rápidamente a la ciudad y al Pasaje Güemes. De nuevo desea encontrarse con Josiane, pero intenta tranquilizar a Irma, para que no sospeche que él prefiere estar en otro lado. Vuelve a deambular a la ciudad y aparece en París y se reencuentra con el terror en los ojos de la gente. El clima de guerra y miedo generalizado afecta su relación con Josiane. La madre lo vuelve a encontrar desmejorado. Irma le tiene paciencia. Él tiene ganas de quedarse allí pero no logra renunciar a la esperanza de su retorno a una París sin la amenaza de Laurent. Vuelve a París y se entera de que Laurent ha sido capturado, de que se llama Paul y es marsellés. Josiane está feliz y quiere festejar. Se entera de la muerte «del sudamericano» y su enfermedad repentina. Retorna a la bolsa porteña, en plena guerra mundial (1945), y se casa con Irma. Le cuesta volver a París por los compromisos que tiene que atender en Buenos Aires. Vaga en el Pasaje Güemes cuando tiene tiempo. Piensa que, quizás, las muertes de Laurent y «del sudamericano» lo han matado a él. Su mujer espera un bebé para diciembre.


title: Derivados del almidón

text: Los derivados del almidón provienen de la generación artificial de compuestos con algunas de las propiedades del almidón, éste es un aditivo alimentario fundamentado en sus propiedades de interacción con el agua y, muy especialmente, en la capacidad de formación de geles, muchas veces relacionado con la propiedad de aglutinante culinario. Existe en los alimentos amiláceos tales como los cereales y patatas y de ellos se puede extraer fácilmente.


title: Derivados del almidón

text: Este tipo de derivados se suele presentar mezclado para obtener las propiedades aglutinantes del almidón, sin sus desventajas. Los almidones modificados se emplean en la fabricación de salsas espesas como las empleadas en la cocina china, conservas, helados, etc.


title: Derivados del almidón

text: El empleo y la cantidad de este tipo de aditivo suele limitarse. En España se controla el uso de los almidones modificados sólo en la elaboración de yogures y de conservas vegetales. En el resto de casos el límite se deja la buena práctica de la industria de fabricación de conservas.


title: NoWayOut

text: No Way Out fue una banda de "rock" española, originaria de Sardañola del Vallés, Barcelona, fundada en 1998, que estuvo en activo hasta 2012.


title: NoWayOut

text: En 1998, el grupo Legalizit se separa, y tres de sus miembros (Xavi, Japo y Tole), siguen juntos, formando NoWayOut, tras incorporar a otro guitarra: Txosse. A principios de 1999, Tole abandona el grupo y Jordi se incorpora como batería al grupo. En marzo del mismo año, graban su primera maqueta, llamada "Having fun at last!", con nueve canciones que marcarían la línea que tomó el grupo posteriormente.