title: Natalie Clifford Barney

text: "Èparpillements" ("Dispersiones", 1910) fue la primera colección de "pensées" de Barney -literalmente, pensamientos o ideas-. Esta forma literaria se había asociado a la cultura de salón de Francia desde el siglo XVII, cuando el género se perfeccionó en el salón de Madame de Sablé. Las "pensées" de Barney, como las propias "Maximes" de Sable, eran cortas, frecuentemente epigramas de una línea o "bon mots" tales como «Hay más oídos malvados que malas lenguas» y «Estar casada es no estar ni sola ni acompañada».


title: Natalie Clifford Barney

text: Su carrera literaria recibió un espaldarazo tras enviar una copia de "Èparpillements" a Remy de Gourmont, un poeta, crítico literario y filósofo francés que se había vuelto un recluso tras contraer la enfermedad desfigurativa lupus vulgar cuando se encontraba en la treintena.Se sintió lo suficientemente impresionado para invitar a Barney a una de sus reuniones dominicales en su casa, en las que normalmente solamente recibía a un pequeño grupo de viejos amigos. Ella fue una influencia rejuvenecedora en su vida, animándole a salir a pasear en coche por las tardes, a ir a cenar a la Rue Jacob, a un baile de máscaras e incluso a un breve crucero en el Sena. Él transformó algunas de sus conversaciones que tantos temas abarcaban en una serie de cartas que publicó en el "Mercure de France", llamándola a ella "l'Amazone", una palabra francesa que puede significar tanto "jinete" como " Amazona"; posteriormente las cartas fueron recopiladas en formato libro. Remy de Gourmont murió en 1915, pero el sobrenombre que le otorgó acompañaría a Barney toda su vida (incluso su lápida la identifica como "la Amazona de Remy de Gourmont") y sus "Cartas a la Amazona" dejaron a los lectores con ganas de saber más acerca de la mujer que las había inspirado.


title: Natalie Clifford Barney

text: Barney les complació en 1920 con "Pensées d'une Amazone" ("Pensamientos de una Amazona"), su trabajo más abiertamente político. En la primera sección, «Adversidad sexual, Guerra y Feminismo», desarrolla temas feministas y pacifistas, describiendo la guerra como un «suicidio involuntario y colectivo ordenado por el hombre». La forma epigramática hace que resulte difícil determinar los detalles de las opiniones de Barney; se presentan ideas solamente para ser descartadas inmediatamente y algunas "pensées" parecen contradecir otras.. Algunos críticos interpretan que ella dice que la agresión que conduce a la guerra es visible en todas las relaciones masculinas. Sin embargo, Karla Jay argumenta que su filosofía no era tan amplia y que se resume mejor en el epigrama «Aquellos que "aman" la guerra carecen de amor por un deporte adecuado-el arte de vivir».;


title: Natalie Clifford Barney

text: Otra sección de "Pensées d'une Amazone", «Malentendidos, o el juicio de Safo», recopilaba escritos históricos sobre la homosexualidad junto con sus propios comentarios. También cubrió temas como el alcohol, la amistad, la tercera edad y la literatura, escribiendo que «las novelas son más largas que la vida» y que «el Romanticismo es una enfermedad infantil; los que la padecen de niños son los más robustos». Un tercer volumen, "Nouvelles Pensées de l'Amazone" ("Nuevos pensamientos de una Amazona") apareció en 1939.


title: Natalie Clifford Barney

text: "The One Who is Legion, or A.D.'s After-Life" ("Una que es Legión, o La vida después de la muerte de A.D.", 1930) fue el único libro de Barney escrito totalmente en inglés, así como su única novela. Ilustrado por Romaine Brooks, trata de una suicida, conocida solamente como A.D., que vuelve a la vida como un ser hermafrodita que lee el libro de su propia vida. Este libro-dentro-de-un-libro, titulado "The Love-Lives of A.D." ("Las vidas de amor de A.D."), es una colección de himnos, poemas y epigramas, parecido a las otras obras de la propia Barney.


title: Natalie Clifford Barney

text: En 1979 Nathalie Barney tuvo un lugar en la instalación artística de la feminista Judy Chicago, "The Dinner Party".


title: Natalie Clifford Barney

text: Su influencia indirecta en la literatura, a través de su salón y su gran cantidad de amigos literarios es visible en la cantidad de escritores que la han mencionado o retratado en sus obras. "Claudine se va" de Colette (1903) contiene una pequeña aparición de Barney como «Miss Flossie», reutilizando el mote que se le había dado con anterioridad en la novela de Pougy "Idylle Saphique". Renée Vivien escribió multitud de poemas sobre ella, además de una novela simbolista, "Une Femme M'Apparut" (1904), en la cual se la describe con «ojos ... tan afilados y azules como una cuchilla... De ella emanaba un toque peligroso y me arrastró inexorablemente». Remy de Gourmont la mencionó en sus "Cartas a la amazona" (1914) y Truman Capote en su novela inconclusa "Plegarias atendidas" (1975). (


title: Natalie Clifford Barney

text: Según Lillian Faderman, «Seguramente no había ninguna lesbiana en las cuatro décadas entre 1928 y finales de 1960 capaces de leer inglés ni ninguna otra de las once lenguas a las cuales fue traducido el libro que no conociese "El pozo de la soledad"». A pesar de que la autora de la novela, Radclyffe Hall, pretendió que sirviese de argumento para la mayor tolerancia hacia los que ella llamaba «invertidos sexuales», fue criticado a menudo por las lectoras lesbianas por el auto-odio de la protagonista y el uso de términos como «"freak"» o «error de la naturaleza». Barney, al igual que la anfitriona del salón Valérie Seymour, aparece en la novela como símbolo de una actitud distinta. «Valérie, plácida y segura de sí misma, creó una atmósfera de coraje; todos se sentían muy normales y valientes cuando se juntaban en su salón».


title: Natalie Clifford Barney

text: Barney y las mujeres de su entorno social son el tema principal en "El almanaque de las mujeres" (1928) de Djuna Barnes, un "roman à clef" escrito en un estilo arcaico, como el de François Rabelais, junto a las ilustraciones propias de Barnes en el estilo de las xilografías isabelinas. Tiene el papel principal de la obra, Dame Evangeline Musset, «[una] amenaza y una pionera» en su juventud, Dame Musset ha alcanzado «los cincuenta enseñada e ingeniosa»; salva a mujeres consternadas, dispensa sabiduría y en su muerte es elevada a santidad. También aparecen con seudónimos Elisabeth de Gramont, Romaine Brooks, Dolly Wilde, Radclyffe Hall y su pareja Una, Lady Troubridge, Janet Flanner, Solita Solano y Mina Loy. El lenguaje oscuro, chistes internos y la ambigüedad de "Ladies Almanack" ha mantenido a los críticos discutiendo sobre si es una sátira cariñosa o un amargo ataque, pero a Barney misma le encantó el libro y lo releyó varias veces a lo largo de su vida.


title: Natalie Clifford Barney

text: Lucie Delarue-Mardrus le escribió poemas de amor a Barney a principios de siglo y en 1930 la describió en su novela, "L'Ange et les Pervers", en la que dice que «analicé y describí a Natalie a fondo además de la vida en la cual me inició». El protagonista de la novela es un intersexual llamado Marion, que lleva una doble vida, frecuentando salones literarios vestido de mujer, cambiándose de falda a pantalón para asistir a fiestas gay. Barney es Laurette Wells, una anfitriona de salón quien pasa la mayor parte de la novela intentado reconquistar a una examante basada libremente en Renée Vivien. La descripción que da el libro de ella es, a menudo, duramente crítica, aunque es la única persona con quien Marion se siente bien. Él/ella le cuenta a Wells que [ella] es «perversa... disoluta, egocéntrica, injusta, terca, a veces mezquina... [aunque] una rebelde genuina, siempre dispuesta a incitar a los demás a la rebelión... Eres capaz de amar a alguien tal y como es, incluso una furtiva que radica en tu única fidelidad. Por eso tienes mi respeto».


title: Natalie Clifford Barney

text: Después de conocer a Barney en los años 1930, la poetisa rusa Marina Ivanovna Tsvetaeva habló de ella en "Cartas a la amazona" (1934) expresando sus conflictivos sentimientos sobre el amor entre mujeres. El resultado, según Terry Castle, es «una pieza de ensueño críptica, paranoide e irresistible».


title: Natalie Clifford Barney

text: También aparece en dos novelas de escritores que ni siquiera llegaron a conocerla: "Un Soir chez l'Amazone" (2004) de Francesco Rapazzini es una novela histórica que trata sobre el salón de Barney, mientras que "Minimax" (1991) de Anna Livia la retrata a ella junto con Renee Vivien como vampiresas aún vivas.


title: Natalie Clifford Barney

text: En los años 1980 se la comenzó a reconocer por lo que Karla Jay vino a llamar «casi extraña anticipación» de las inquietudes de las escritoras feministas posteriores.


title: Natalie Clifford Barney

text: El 26 de octubre de 2009, Barney fue honrada con una placa histórica en su ciudad natal Dayton, Ohio. Es la primera placa histórica de Ohio en remarcar la orientación sexual del homenajeado. Libros acerca de Barney: Otra bibliografía:


title: The Party (película de 1968)

text: The Party (en España, El guateque; en Hispanoamérica, La fiesta inolvidable) es una dirigida y producida por Blake Edwards, y con Peter Sellers como actor principal. La obra se ha convertido en una película de culto del cine de humor.


title: The Party (película de 1968)

text: Hrundi V. Bakshi (Peter Sellers), un actor sij, ha conseguido un trabajo como extra en varias películas hollywoodienses; pero un día su suerte cambia y es escogido como protagonista del "remake" de una antigua película, con tal mala suerte que en el descanso destroza sin querer el decorado y es despedido, siendo proscripto por el productor para trabajar nuevamente en Hollywood.


title: The Party (película de 1968)

text: La trama se complica cuando recibe por error una invitación a una fiesta que organiza el mismo productor de la película por el cumpleaños de su esposa. Una vez en la fiesta, se verá envuelto en diversos sucesos como una invasión de espuma, un elefante bebé, un camarero borracho, un pollo volador, un grupo de músicos rusos, un loro y un sinfín de situaciones disparatadas.Esta fue la primera película que Peter Sellers rodó en Hollywood.


title: The Party (película de 1968)

text: La naturaleza improvisada del rodaje condujo a que Edwards y Sellers revisaran su trabajo inmediatamente después del rodaje. Edwards tenía un sistema de TV con reproducción instantánea acoplado a una cámara, siendo uno de los primeros directores en usar esta técnica tan común hoy en día.


title: The Party (película de 1968)

text: Sellers presenta por tercera vez al público a su personaje indio, tras "La millonaria", de 1960 (junto a Sofía Loren), y "Dos frescos en órbita" ("The Road to Hong Kong"), de 1962.


title: The Party (película de 1968)

text: Henry Mancini y Don Black compusieron las canciones "Nothing to Lose" y "The Party" para la película.


title: The Party (película de 1968)

text: La filmación fue particularmente tensa por la difícil relación entre Peter Sellers y Blake Edwards en esos momentos. Ambos decidieron no volver a trabajar juntos por varios años. Fue la única vez que realizaron una película en equipo que no perteneció a la saga de "La pantera rosa".


title: Cichorium

text: Cichorium es un género de plantas herbáceas de la familia de las asteráceas, que comprende ocho especies. Varias de ellas, en especial "C. intybus" (la achicoria), la única nativa de Europa, y "C. endivia", se cultivan para uso alimentario.


title: Cichorium

text: Se emplean como verduras de ensalada, con un distintivo sabor amargo, y la raíz de "C. intybus" molida y tostada es un efectivo sucedáneo del café. Se emplean además a efectos ornamentales por su atractiva flor de color azul. Son conocidas comúnmente como lechuguillas.


title: Cichorium

text: Comprende unas 40 especies descritas y de estas, solo 10 aceptadas.


title: Cichorium

text: El género fue descrito por Carlos Linneo y publicado en "Species Plantarum", vol. 2, p. 813, 1753. La especie tipo es "Cichorium intybus" L.  Cichorium: prestado del latín "cǐchǒrǐum, -ǐi", la achicoria, derivado del griego "κιχόρεια". En Plinio el Viejo , "Historia Naturalis" ("20, 74").


title: Peggy Guggenheim

text: Peggy Guggenheim (Nueva York, 26 de agosto de 1898 - Padua, 23 de diciembre de 1979) fue una coleccionista y mecenas estadounidense de arte.


title: Peggy Guggenheim

text: Al nacer (en el seno de una familia de magnates), fue registrada con el nombre de Marguerite Guggenheim. Era hija de Benjamin Guggenheim, hombre de negocios muerto en el naufragio del "Titanic", y de Florette Seligman. El creador de la Fundación Guggenheim, Solomon R. Guggenheim, era tío suyo. El padre de Peggy era de origen suizo-alemán judío y su madre judío-alemana holandesa.


title: Peggy Guggenheim

text: Los padres de Peggy provenían de familias judías que habían emigrado desde Europa y llevaban dos generaciones haciendo fortuna en Estados Unidos. En sus memorias, Peggy recuerda que todos en su familia estaban locos o eran muy extraños. Uno de sus tíos maternos, llamado Washington, "tenía el hábito de mascar carbón, lo que le dejó los dientes negros. Incluso tenía una chaqueta con bolsillos especiales para guardar el carbón y el hielo, que también mascaba. Se suicidó a los cincuenta y seis años dándose un tiro con una pistola." Florette, la madre de Peggy, también tenía sus excentricidades; entre ellas, la costumbre de repetir tres veces todo lo que decía.


title: Peggy Guggenheim

text: A la edad de 21 años, Peggy Guggenheim heredó una fortuna de 2,5 millones de dólares (aproximadamente 20 millones de dólares actuales). El padre de Peggy Guggenheim, Benjamin Guggenheim, falleció en el hundimiento del "Titanic" y no llegó a amasar la fortuna de sus hermanos; por lo tanto, la cantidad que Peggy heredó fue poca, comparada con la gran riqueza de sus primos.


title: Peggy Guggenheim

text: Tras terminar sus estudios, encontró trabajo en una librería vanguardista, donde, guiada por sus compañeras, conoció el arte vanguardista europeo por primera vez. En 1920 se mudó a París, Francia. Una vez allí se volvió amiga de los artistas y escritores de las vanguardias, muchos de los cuales vivían en la pobreza en el barrio de Montparnasse. En París, Peggy recorrió los museos y las calles y quedó maravillada por la ciudad. En 1921, Peggy viajó de vuelta a Nueva York para asistir a la boda de su hermano. En esta misma estancia en Nueva York, Peggy conoció a Laurence Vail, el que sería su primer marido, en casa de Helen y Leon Fleischman. Peggy describiría más tarde el impacto que este hombre le causó:


title: Peggy Guggenheim

text: "Su hermoso, ondulado y dorado cabello se agitaba atrapado por el viento. Yo estaba escandalizada por su libertad y sin embargo también cautivada. Él había vivido en Francia toda su vida, tenía acento francés y arrastraba las erres. Era como una criatura salvaje. No parecía importarle lo que la gente pensaba acerca de él. Sentí, mientras caminaba calle abajo con él, que podía irse en cualquier momento, tenía tan poca conexión con el comportamiento ordinario."


title: Peggy Guggenheim

text: Peggy Guggenheim se casó con Laurence Vail el 10 de marzo de 1922 y juntos pasaron su luna de miel en Roma y Capri.


title: Peggy Guggenheim

text: A través de Laurence, Peggy se hizo amiga de Mary Reynolds (con quien Laurence había tenido un amorío anteriormente), que pronto sería la acompañante de Marcel Duchamp, y de Djuna Barnes (también examante de Laurence), famosa escritora norteamericana. Entre otros artistas, Peggy conoció a Tristan Tzara y varios dadaístas en estos primeros años de su estancia en París.


title: Peggy Guggenheim

text: Los problemas en su relación con Laurence no se hicieron esperar. Peggy se fue dando cuenta de que Laurence era demasiado agresivo, la golpeaba en público y en una ocasión la sumergió dentro de la bañera por tanto tiempo, que Peggy sintió que se iba a asfixiar. Según su biógrafa Mary Dearborn, Peggy Guggenheim tenía un fuerte complejo de inferioridad, que tenía dos causas principales: su nariz aguileña y sus raíces judías. Esto provocó que muchas veces Peggy fuera abusada tanto física como psicológicamente sin que ella hiciera nada para impedirlo.


title: Peggy Guggenheim

text: Poco después de su boda, Peggy se dio cuenta de que estaba embarazada, durante este tiempo pasó sus días en el pueblo de Le Trayas, y compró su primer automóvil de lujo, un Gaubron descapotable que Laurence aprendió a manejar.


title: Peggy Guggenheim

text: El niño nació el 15 de mayo de 1923, y fue bautizado (por los amigos de Peggy y Laurence) como Michael Cedric Sindbad Vail. Tras su nacimiento, el matrimonio fue a pasar el tiempo en Normandía, donde Peggy Guggenheim conoció a James y Nora Joyce y Man Ray, entre otros. Tras esto volvieron a viajar a Capri, y de ahí a Amalfi y Egipto. A su regreso de Egipto, dieron una fiesta en su casa de Montmatre. Este tipo de fiestas aburrían a Peggy, bebía mucho y no se hallaba con los invitados que también estaban borrachos, tampoco le gustaba que las demás personas hicieran el amor en su cama, y eso sucedió más de una vez.


title: Peggy Guggenheim

text: Por esta época Man Ray le tomó las famosas fotos donde ella usa un vestido largo y holgado.


title: Peggy Guggenheim

text: Tras volver de Egipto, el matrimonio volvió a emprender un viaje, esta vez los destinos fueron Venecia y Rapallo, donde visitaron al poeta Ezra Pound. Peggy se volvió a embarazar y durante este tiempo viajó a Nueva York y de regreso se quedó en Suiza, donde nació la nueva creatura, una niña que sería bautizada como Pegeen Vail Guggenheim.


title: Peggy Guggenheim

text: En 1927, mientras estaba en París, Peggy Guggenheim conoció a Isadora Duncan, que pasaba por tiempos difíciles. Probablemente Isadora esperaba que Peggy le ayudara económicamente, pero si era así, Peggy la decepcionó enormemente. A pesar de todo, Peggy hizo una fiesta en honor de Isadora. A esta reunión asistieron Cocteau, Hemingway, Pound, Gide, Natalie Barney y Jules Pascin. A la fiesta también asistió Marcel Duchamp, ahora en una relación con Mary Reynolds.


title: Peggy Guggenheim

text: Los primeros meses de 1928, los Vail los pasaron en el sur de Francia con Emma Goldman. Durante este tiempo las actitudes de Laurence se volvieron más agresivas. En sus memorias, Peggy recuerda una ocasión en que Laurence la hizo meterse al mar y, con la ropa mojada, la obligó a ir al cine. En otra ocasión, ese mismo año, Laurence la arrojó escaleras abajo, quemó uno de sus suéteres y caminó sobre su estómago más de cuatro veces durante la misma tarde. A finales de diciembre de 1928, Peggy Guggenheim abandonó a Laurence, obteniendo, de paso, la custodia de Pegeen, mientras Laurence se quedó con la de Sindbad.


title: Peggy Guggenheim

text: Apoyándola para escapar de Laurence Vail estaba un escritor inglés de nombre John Holms, una vez que Peggy se liberó de Laurence, se enamoró de Holms.


title: Peggy Guggenheim

text: Durante un año, la pareja rentó el Hayford Hall, al que los amigos rebautizaron "Hangover Hall", (Salón de la Resaca) en Devon. Durante este mismo periodo, la escritora Djuna Barnes, que vivió con la pareja durante un tiempo, terminó de escribir su novela "Noche en el Bosque."


title: Peggy Guggenheim

text: Cuando el plazo de la renta de Hayford Hall terminó, la pareja se mudó a Londres. De su relación con Holms, Peggy escribió: "Él sabía que yo era mitad trivial y mitad extremamente pasional, y esperaba poder eliminar mi lado trivial." La muerte de John a causa de un infarto en 1934 fue un duro golpe para ella.


title: Peggy Guggenheim

text: Cercana a los 40 años de edad, la vida privilegiada de Peggy tomó una nueva dirección. En 1937, su madre murió, dejando a Peggy con otros 450,000 dólares de los cuales disponer. Decidió poner una galería, por consejo de sus amigos. En palabras de Peggy: "Alguien sugirió que pusiera una galería o una casa editorial, y yo pensé que una galería sería menos cara. Por supuesto, nunca pensé en las grandes cantidades de dinero que podría llegar a gastar."


title: Peggy Guggenheim

text: Peggy no sabía mucho de arte moderno ("mis conocimientos de arte llegaban hasta el impresionismo"), pero pronto aprendió de Duchamp, que le enseñó la diferencia entre abstracto y surrealismo, entre otras lecciones (más tarde Peggy diría de Duchamp que "fue la persona más influyente en mi vida"). "Tomé consejos de los mejores... escuché y ¡cómo escuché! Así fue como finalmente me convertí en mi propia experta".


title: Peggy Guggenheim

text: Peggy viajó a París para buscar a los artistas que expondrían en su galería. Entre reuniones con pintores y escultores, tuvo un amorío con el escritor irlandés (futuro Nobel) Samuel Beckett, de quien llegó a escribir: "Sus idas y venidas eran completamente impredecibles, cosa que yo encontraba muy excitante, se presentaba a media noche con cuatro botellas de champaña y no me dejaba levantarme de la cama por dos días," sin embargo, Beckett "sufría de horribles momentos de crisis, cuando sentía que se estaba sofocando" cosa que tenía que ver con "sus terribles recuerdos de su vida en el vientre de su madre."


title: Peggy Guggenheim

text: En 1938, la galería de Peggy, Guggenheim Jeune, ubicada en el número 30 de Cork Street (junto a la galería de Roland Penrose y la de E. L. T. Mesens) de Londres fue inaugurada con una exposición de Jean Cocteau. El arte surrealista y abstracto que Cocteau exhibió era desconocido en el Reino Unido. Mucha gente estaba desconcertada, si no es que molesta, por este tipo de "arte nuevo" y pocos compraron los cuadros. En afán de fomentar las ventas y consolar a los artistas, la misma Peggy comenzó a comprar las obras secretamente. "Así fue como comenzó la colección," escribiría más tarde.


title: Peggy Guggenheim

text: La exposición de la obra de Cocteau fue seguida por exhibiciones de Wassily Kandinsky (siendo esta la primera vez que Kandinsky exponía en Reino Unido), Yves Tanguy, Wolfgang Paalen y otros artistas, tanto famosos como emergentes. Peggy Guggenheim convocó a exposiciones de collage y escultura, con la participación de artistas como Antoine Pevsner, Henry Moore, Alexander Calder, Raymond Duchamp-Villon, Constantin Brancusi, Jean Arp, Max Ernst, Pablo Picasso, Georges Braque y Kurt Schwitters. Peggy admiraba también el trabajo de John Tunnard y es acreditada como su descubridora en la historia modernista.


title: Peggy Guggenheim

text: La respuesta negativa del público inglés obligó a Peggy a cerrar la galería en 1939 (tras haber perdido 600 libras) y regresar a París en una nueva misión de compras, esta vez recolectando obras para un museo de arte moderno que pensaba abrir en París, en la Plaza Vendôme. Llevaba consigo una lista elaborada por el filósofo Herbert Read (quien había sido director de su galería en Londres) con varios nombres de escultores, fotógrafos y pintores, cuyas obras debía comprar.


title: Peggy Guggenheim

text: Peggy estaba aún en París cuando la Segunda Guerra Mundial estalló. En lugar de retirarse a la seguridad de Nueva York, Peggy rentó un departamento y comenzó a comprar obras como loca. Su lema era "una pintura al día," y con el ejército alemán entrando por el norte del país, lo que menos faltaba eran vendedores. "Todos sabían que yo estaba en el mercado comprando lo que fuera." Gastó cerca de 40,000 dólares en pinturas y esculturas, a menudo comprando directamente a los artistas a precios de rebaja.


title: Peggy Guggenheim

text: El 12 de junio de 1940, dos días antes de que los alemanes invadieran París, Peggy finalmente huyó a Grenoble, en el sur de Francia. Su colección había sido almacenada en el granero de un amigo en la Francia central para salvaguardarla del pillaje nazi (Peggy estaba furiosa de que el Louvre se hubiera negado a almacenarla, argumentando que era demasiado moderna para guardarla). Pero pronto volvió a las andadas, después de que un grupo de amigos pintores (incluido Max Ernst, que había escapado de un campo de concentración) le pidiera que los ayudara a escapar de Francia. Tras varios meses viviendo en Marsella, donde tuvo un "lujurioso amorío" con Max, Peggy y los artistas rescatados escaparon a Estados Unidos en julio de 1941.


title: Peggy Guggenheim

text: De vuelta en Nueva York, Peggy y Max se alojaron en una mansión en East River, y se casaron en diciembre de ese mismo año. En octubre de 1942, Peggy abrió en Manhattan una nueva galería llamada ""The Art of This Century Gallery"" (Galería el Arte de Este Siglo). La galería estaba dividida en diferentes salas, cada una con un tema artístico, así pues, había una sala para surrealismo y otra para cubismo, además de un espacio para la venta de obras.


title: Peggy Guggenheim

text: En 1943, Peggy Guggenheim estaba buscando nuevos talentos para la exposición del Salón de Primavera que sería exhibida en su nueva galería, y como parte de esta búsqueda de talentos colocó un anuncio en la revista "Art Digest". El anuncio especificaba que cualquier artista norteamericano menor de treinta y cinco años podía presentar muestras de su obra. Los finalistas serían elegidos por un jurado conformado por Peggy Guggenheim, Piet Mondrian, Marcel Duchamp, James Joseph Sweeney y James Thrall Soby.


title: Peggy Guggenheim

text: Uno de los artistas a ser considerados fue Jackson Pollock. El secretario/consejero de Peggy, Howard Putzel, resultó ser un temprano impulsor de Pollock, refiriéndose a él como "genio" y Matta también había recomendado a Pollock. Pero Peggy parecía no poder apreciar el genio de Pollock. Putzel, insistiéndole a Peggy que considerara a Pollock para el próximo Salón de Primavera, fue al estudio de Pollock en la Octava Avenida y llevó una selección de su obra a la "The Art of This Century Gallery" para consideración del jurado. Mientras Mondrian examinaba "Figura Estenográfica" ("Stenographic Figure") (1942) de Pollock, Peggy comentó: "Bastante fea ¿no es así? Eso no es una pintura ¿o sí?" Después de que Mondrian estuviera frente a la pintura por varios minutos, ella continuó su crítica: "Hay una absoluta falta de disciplina en esto," agregando que ella no creía que Pollock fuera admitido para la exhibición. Mondrian respondió, "Peggy, no lo sé. Tengo el sentimiento de que esta puede ser la pintura más emocionante que he visto desde hace mucho, mucho tiempo, aquí o en Europa." Peggy protestó diciendo que no era la clase de cosas que esperaba que fueran del gusto de Mondrian, él respondió que sólo porque fuera diferente de su propia obra no significaba que debía de disgustarle, agregando, "yo no se lo suficiente acerca de este autor como para calificarlo de 'grande', pero sé que me obligó a detenerme y observar. Donde tú ves 'falta de disciplina' yo tengo la impresión de percibir una energía tremenda."


title: Peggy Guggenheim

text: Cuando la exposición fue inaugurada, "Figura Estenográfica" fue incluida. Y los críticos, como Mondrian, estaban emocionados. La exhibición recibió muy buenas críticas de la prensa estadounidense, pero la que realmente enfatizó la inclusión de la obra de Pollock apareció escrita por Jean Connolly (amiga de Peggy) el 29 de mayo en el periódico "Nation" y decía: "Por primera vez el futuro revela un brillo de esperanza," comentaba algunas obras de Matta, Motherwell y otros como "pinturas que sería un placer poseer," y luego agregaba, "hay un gran Jackson Pollack (sic) que, me dijeron, hizo que el jurado entornara las pestañas."


title: Peggy Guggenheim

text: Años más tarde, Peggy Guggenheim diría que: "el descubrimiento de Pollock fue, por mucho, mi más notable logro individual." Pero en años posteriores, Peggy resintió que su asociación con el artista fuera subestimada ("todo lo que hice por Pollock fue minimizado o completamente olvidado"). Cuando ella apoyaba la carrera de Pollock, vendía sus pinturas por no más de 1,000 dólares, hoy en día sus pinturas valen más de 100 millones.


title: Peggy Guggenheim

text: Diariamente, Peggy iba acompañada de sus perros a la galería. De noche, organizaba fiestas salvajes a las cuales asistían invitados del medio artístico. Peggy dijo que, durante cinco años, se fue a la cama en estado de ebriedad. Pollock rara vez era invitado a estas fiestas, ya que "tomaba demasiado y, cuando lo hacía podía llegar a ser incómodo por no decir diábolico." En una ocasión, Pollock, tras dejar en su casa una gran pintura que le habían encargado ("Mural", 1944), fue directo al mini-bar de Peggy y, tras embriagarse con las botellas que allí había, orinó en la chimenea.


title: Peggy Guggenheim

text: En 1943, Max Ernst y Peggy Guggenheim se separaron. En 1947 Peggy Guggenheim cerró su galería Art of This Century. "Estaba exhausta por mi trabajo en la galería, de la cual me había convertido en una especie de esclava."


title: Peggy Guggenheim

text: Peggy decidió regresar a Europa, estableciéndose en Venecia, una de sus ciudades favoritas, donde permanecería por el resto de su vida.


title: Peggy Guggenheim

text: El 30 de septiembre de 1948 la XXIV Bienal de Venecia le dedicó un pabellón exclusivo a algunas obras de la colección de Peggy Guggenheim, entre estas obras se encontraban seis de Jackson Pollock ("Eyes in the Heat", "The Moon Woman" y "Two"). La exposición emprendió una gira por Italia, siendo exhibida en Florencia (febrero de 1949) y Roma (junio de 1949). Peggy escribió una carta a la galerista Betty Parsons fechada el 8 de octubre de 1949: "Aquí en la Bienal, Pollock fue considerado con mucho, el mejor de todos los pintores americanos."


title: Peggy Guggenheim

text: Mientras su colección viajaba por Italia, Peggy compró el Palazzo Venier dei Leoni y lo adecuó a su modo de vida. Lo compartía con sus sirvientes, sus invitados y sus once perros. En 1951 abrió las puertas de su palazzo al público. Tres tardes a la semana, el público podía entrar a ver la magnífica colección (incluso había pinturas en el baño). La bodega del palacio fue convertida en un estudio de artista para los que quisieran trabajar ahí. Su costumbre de organizar fiestas siguió vigente y en su casa se reunían celebridades como Yoko Ono o Truman Capote.


title: Peggy Guggenheim

text: A principios de los años 60 dejó de coleccionar, si bien prestaba sus obras a exposiciones.


title: Peggy Guggenheim

text: En marzo de 1967, su hija, Pegeen, falleció en circunstancias misteriosas en su casa de París. Pegeen, que era una pintora alcohólica y adicta al Valium y a las píldoras para dormir, había intentado suicidarse previamente y fue encontrada tirada en el piso de su habitación por su esposo, el artista inglés Ralph Rumney. Peggy, que fue informada de la muerte de su hija por medio de un telegrama mientras estaba de viaje en México, nunca se recuperó de la pérdida.


title: Peggy Guggenheim

text: En 1962, Peggy fue nombrada ciudadana honoraria de Venecia y podía ser vista con frecuencia recorriendo los canales de Venecia en su góndola privada. En una ocasión escribió a un amigo: "Adoro flotar hasta tal punto que no puedo pensar en nada más hermoso desde que dejé el sexo, o mejor dicho, desde que el sexo me dejó."


title: Peggy Guggenheim

text: Poco antes de morir, Peggy escribió: "Veo hacia atrás en mi vida con gran alegría. Creo que fue una vida muy exitosa. Siempre hice lo que quise y nunca me importó lo que los demás pensaran. ¿Liberación de la mujer? Yo era una mujer liberada antes de que hubiera un nombre para eso."


title: Peggy Guggenheim

text: Marguerite "Peggy" Guggenheim murió a causa de una apoplejía el 23 de diciembre de 1979 en Padua, Italia.


title: Peggy Guggenheim

text: Legó su palazzo y su colección a la Fundación Guggenheim, a condición de que las obras de arte se mantuviesen juntas y expuestas en Venecia (Colección Peggy Guggenheim). Ello explica que no hayan sido trasladadas a Nueva York, salvo para exposiciones temporales.


title: Peggy Guggenheim

text: Peggy Guggenheim fue enterrada en el jardín de su mansión veneciana, cerca de sus queridos perros.En 2000 la actriz Amy Madigan interpretó a la mecenas neoyorquina en el largometraje de Ed Harris "Pollock".


title: Honda en Fórmula 1

text: Honda participó en Fórmula 1 como constructor en dos períodos (- y -), este último formado después de la adquisición del equipo BAR en , y como proveedor de motores en varias oportunidades.


title: Honda en Fórmula 1

text: Honda participó por primera vez en Fórmula 1 en el año 1963, tres años después de haber fabricado el primer vehículo de calle. Comenzaron a trabajar en el monoplaza en el año 1962, al cual le pusieron el nombre de RA271. Honda fue uno de los primeros fabricantes que participaron en la categoría que hasta aquel momento únicamente estaba compuesta por equipos europeos, mientras todo el equipo de Honda era japonés, exceptuando a los dos pilotos estadounidenses Ronnie Bucknum y Richie Ginther. Era uno de los pocos equipos aparte de Ferrari y BRM que construían chasis propios y motor.


title: Honda en Fórmula 1

text: En el segundo año de participación obtuvieron su primera victoria gracias a Ginther en el Gran Premio de México de 1965. La siguiente victoria del equipo fue de la mano de John Surtees en el Gran Premio de Italia de 1967.


title: Honda en Fórmula 1

text: En 1968. el Honda RA301 solo alcanzó el podio dos veces. El equipo japonés desarrolló el Honda RA302 cuyo motor era refrigerado por aire. Solo apareció en el Gran Premio de Francia en donde el piloto francés Jo Schelesser falleció a bordo de ese auto en la segunda vuelta. esta tragedia más la negativa de Surtees de manejar el RA302 motivaron el retiro de Honda a finales de ese año.


title: Honda en Fórmula 1

text: A finales de los años 1990, Honda consideraba seriamente regresar a Fórmula 1 como constructor. yendo tan lejos como la producción de un motor y la contratación de Harvey Postlethwaite como director técnico y diseñador. Además, Honda sacó al ingeniero Kyle Petryshen de HRC para ayudar con el diseño, la implementación y la administración del nuevo motor en el nuevo chasis. Un monoplaza de prueba, el Honda RA099, diseñado por Postlethwaite y construido por Dallara, y probado durante 1999, conducido por Jos Verstappen. El equipo impresionó en las sesiones de prueba, superando a algunos equipos más experimentados y mejor financiados, incluso si estaban en su mayoría en el centro del campo. En una sesión pruebas, Postlethwaite sufrió un ataque cardíaco fatal, el proyecto fue archivado más tarde y Honda decidió simplemente volver a comprometerse como proveedor de motor de tiempo completo para BAR, a partir de 2000.


title: Honda en Fórmula 1

text: En septiembre de 2005, Honda compró el 55% restante del equipo para manejarlo a su gusto y con el objetivo de conquistar el campeonato. Aunque la British American Tobacco, hasta ese momento dueña del equipo, siguió patrocinando el equipo en 2006. Finalmente, se decidió que el equipo se llamaría Honda Racing F1 Team.


title: Honda en Fórmula 1

text: En la temporada 2006, sus resultados no fueron del todo satisfactorios en el comienzo de la temporada. Sin embargo, poco a poco el equipo fue mejorando y en el llegó de nuevo una victoria lograda por Jenson Button, en una carrera llena de incidentes. Aquella temporada, en una brillante recta final, el equipo consiguió un total de tres podios, para acabar con 86 puntos en la cuarta posición en el Mundial de Constructores. Honda parecía estar en el buen camino para volver al éxito.


title: Honda en Fórmula 1

text: A pesar del regreso positivo, en 2007 las cosas no salieron bien. El RA107 no fue nada competitivo y sufrió una primera mitad de año lamentable. A partir del , el equipo estrenó una versión mejorada del coche, cuyo rendimiento mejoró y permitió sumar su primer punto del año de la mano de Jenson Button en esa carrera. Pero Rubens Barrichello completó su primera temporada sin puntuar; mientras que el equipo satélite de Honda, Super Aguri, estuvo a punto de quedar por delante de él. Solo en la recta final de un campeonato para olvidar se pudo superar a la escudería de Aguri Suzuki. Finalmente, Honda acabó en octavo puesto en el mundial de constructores, con solamente 6 puntos en su haber.


title: Honda en Fórmula 1

text: En 2008, con la incorporación del exingeniero de Michael Schumacher en Ferrari Ross Brawn al equipo, se esperaban grandes cosas, pero el inicio del campeonato no fue nada alentador. Honda sumó sus primeros puntos en Montmeló, por mediación del 6º puesto de Jenson Button. Luego, en Mónaco y Canadá, Rubens Barrichello consigue puntuar después de su sequía en 2007. En el caótico Gran Premio de Gran Bretaña, Barrichello consigue un podio para la escudería, el primero desde el Gran Premio de Brasil de 2006. Sin embargo, esos fueron los últimos puntos para el equipo, ya que el pobre rendimiento del Honda RA108 no dio para más resultados y Honda completó otro año decepcionante (9º posición con 14 puntos).


title: Honda en Fórmula 1

text: El 5 de diciembre de 2008, Honda Motor Co. Ltd anuncia por sorpresa su inminente retirada de la F1 a causa de la crisis económica y la búsqueda de un posible comprador para la escudería. Las diferentes partes implicadas en el proceso (Nick Fry, Ross Brawn, Bernie Ecclestone, entre otros) se mostraban optimistas sobre el futuro de la escudería y creían que estarían en la parrilla de salida de pese a la incertidumbre existente después del fatídico anuncio. Finalmente, tras incontables rumores, el equipo es adquirido por Ross Brawn por una libra esterlina el 6 de marzo de 2009, renombrándose como Brawn GP. Así, la mayoría de miembros del exequipo Honda siguió en la Fórmula 1 en 2009 bajo la denominación Brawn GP. Al final de la temporada, Brawn GP se coronaría Campeón del Mundo en Constructores y en Pilotos con el que iba a ser el Honda RA109 (el Brawn BGP 001, equipado con motor Mercedes).


title: Honda en Fórmula 1

text: Después de que Honda abandonase la categoría, volvió en marzo de 1983 con el anuncio del motor de Fórmula 1 de 1500 c.c. con doble turbocompresor que equiparía a la escudería Williams. En julio, el Spirit-Honda (con chasis y motor fabricados por Honda, pero de manera no oficial) debuta en el circuito de Silverstone. En octubre, el Williams-Honda debuta en el Gran Premio de Sudáfrica y termina quinto. En 1984 llega su primera victoria en el Gran Premio de Dallas y hacia finales de la temporada siguiente obtienen tres triunfos consecutivos (Europa, Sudáfrica y Australia) y se perfilan como favoritos para 1986, temporada en que obtienen el título de constructores que se repetiría al año siguiente, donde del primero al tercer piloto en la clasificación del mundial estuvieron impulsados con motores Honda (El campeón Piquet y Mansell, ambos con Williams y Senna con Lotus). 1988 fue su temporada más exitosa con 15 triunfos sobre de 16 pruebas del campeonato mundial (ocho para Senna y siete para Prost, ambos con McLaren). Entre los equipos que usaron motores Honda se encuentran Lotus, Spirit, McLaren, Tyrrell y Williams. En total, estos equipos obtuvieron seis campeonatos de constructores, y cinco de pilotos, antes de que Honda volviera a marcharse de la F1 en 1992 ante la crisis del sector automotor y el incipiente dominio del equipo Williams-Renault. De las primeras temporadas era un comentario generalizado el recelo con que los japoneses vigilaban todos los secretos que guardaba su revolucionario motor turbo. Incluso en la fábrica Williams había un sector de ensamblaje de motores en el que solo podían entrar los nipones y por contrato, los británicos estaban impedidos de preguntar detalles técnicos. Luego del abandono de 1992, la empresa cercana a Honda pero independiente Mugen Motorsports proveyó de motores a los equipos Footwork, Team Lotus, Jordan, Ligier, Prost y British American Racing, sin el éxito espectacular del pasado, aunque consiguieron algunos podios y victorias con los equipos Ligier/Prost y Jordan. En 1999 el piloto de Jordan-Mugen Honda, Heinz-Harald Frentzen, estuvo en la lucha por el título.


title: Honda en Fórmula 1

text: Honda volvió de nuevo en 2000 como proveedor de motores para el equipo BAR. Además, proporcionó motores al equipo Jordan Grand Prix durante los años 2001 y 2002. Finalmente, Honda quiso volver a la categoría parcialmente, comprando el 45% del equipo BAR en el año 2004, cuando obtuvieron la segunda plaza en el campeonato de constructores.


title: Honda en Fórmula 1

text: Entre y , motorizó nuevamente a McLaren. Desde suministra a Red Bull Racing y a su escudería filial Toro Rosso (AlphaTauri desde ) desde . Dejará de suministrarlos una vez finalizada la temporada .


title: Honda en Fórmula 1

text: La siguiente galería muestra los diferentes modelos utilizados por Honda en Fórmula 1.


title: Kono yo de ichiban tsuyoi yatsu

text: Gohan y Oolong buscan las Dragón Balls y su radar les muestra que las esferas están siendo recolectadas por otro grupo desconocido. Investigan cerca de un gran muro de hielo donde Piccolo está entrenando. Mientras tanto, el científico loco Dr. Kochin, tras haber conseguido reunir todas las esferas, convoca al dragón Shenlong y desea que el laboratorio del Dr. Wheelo se libere del hielo. El hielo se rompe y emerge un edificio y Gohan y Oolong son atacados por los "biohombres" del Dr. Kochin. Piccolo los salva pero es vencido por tres misteriosos guerreros mientras Gohan y Oolong escapan.


title: Kono yo de ichiban tsuyoi yatsu

text: El Dr. Kochin y sus biohombres no tardan en presentarse ante el Maestro Roshi, que se niega a acompañarlos al laboratorio de Wheelo y derrota a los biohombres. El Dr. Kochin secuestra a Bulma para obligar al Maestro Roshi a perseguirlos. En el laboratorio de Wheelo, el Maestro Roshi se ve obligado a luchar contra tres "bioguerreros", pero es derrotado rápidamente. Bulma descubre que la misión del Dr. Wheelo es conseguir el cuerpo del guerrero más fuerte de la Tierra para convertirlo en el anfitrión de su cerebro, que actualmente está separado de su cuerpo fallecido y se mantiene vivo gracias a su avanzada tecnología. Bulma le informa de que Goku vendrá sin duda a rescatarlos y que es mucho más poderoso que Roshi. Mientras tanto, Goku se entera de la situación y llega al laboratorio del Dr. Wheelo y se enfrenta a Misokattsun, Kishime y Ebifurya, los tres esbirros bioguerreros del Dr. Kochin. Goku derrota a Misokattsun, pero es congelado por un ataque de hielo lanzado por Ebifurya. Gohan y Krilin llegan para ayudar pero no son rivales para Kishime. Goku se libera del hielo con su técnica Kaio-ken, derrota a los dos bioguerreros restantes y se enfrenta al Dr. Wheelo. Piccolo, al que el Dr. Wheelo le ha lavado el cerebro, ataca a Goku. Gohan intenta detener a Piccolo, pero no lo consigue, lo que hace que su ira estalle, destrozando el dispositivo de lavado de cerebro del Dr. Wheelo. El Dr. Wheelo está aturdido por el poder de Gohan y desea robar su cuerpo. Rompe su cuerpo robótico para liberarlo de la pared de hielo, haciendo caer al Dr. Kochin por un pozo que lo mata.


title: Kono yo de ichiban tsuyoi yatsu

text: El Dr. Wheelo ataca, abruma a los combatientes y sólo quedan Goku y Piccolo para oponerse a él. Goku lanza al Dr. Wheelo a la atmósfera y comienza a formar una Genkidama. Wheelo le interrumpe antes de que pueda terminar de reunir la energía para ello, lo que requiere que los aliados de Goku distraigan a Wheelo. Goku lanza con éxito la Genkidama y Wheelo muere.


title: Kono yo de ichiban tsuyoi yatsu

text: Los Biomen son un grupo de guerreros creados por el Dr. Cochin y el Dr. Uirō. Son muy parecidos físicamente a los Saibaman y al igual que estos son utilizados como soldados desechables. El Dr. Uirō, "Dr. Willow" en la traducción estadounidense y española, era un brillante doctor, pero debido a sus experimentos era considerado como un científico loco, para evitar la muerte decidió trasladar su cerebro a un cuerpo mecánico. Al inicio de la película fue revivido por el Dr. Cochin ya que llevaba 50 años enterrado bajo el hielo, al regresar a la vida decide tomar el cuerpo del hombre más fuerte del mundo pero es detenido por Gokū y compañía. Muere por una Genkidama lanzada por Goku. Su nombre proviene de un platillo japonés, . El Dr. Cochin era el asistente del Dr. Uirō, fue quien lo revivió utilizando las Dragon Balls. Aunque tiene la apariencia de un anciano es en realidad un androide, su mano se puede transformar en una ametralladora y su bastón dispara energía. Su nombre proviene de una raza de gallina japonesa, . Ebi Fryer es una de las creaciones del Dr. Cochin, es un guerrero musculoso de piel rosa con cabello rojo, tiene la habilidad de emitir un viento congelante. Su nombre proviene de un platillo japonés,  Kishīme es una de las creaciones del Dr. Cochin, es un guerrero color verde con pecas rojas, tiene placas en la espalda como las de un Stegosaurus, su habilidad es de utilizar cargas electricidad a través de unas mangueras que salen de sus brazos, las cuales utiliza como látigo o envolviendo sus brazos para pelear cuerpo a cuerpo. Su nombre proviene de un platillo japonés,  Miso Kattsun es una de las creaciones del Dr. Cochin, es un enorme guerrero amarillo y elástico parecido a Buyon pero no se congela tan fácil como este, también tiene cierto parecido a Dodoria. Su nombre proviene de un platillo japonés,


title: Kono yo de ichiban tsuyoi yatsu

text: Tema de apertura (opening)


title: Kono yo de ichiban tsuyoi yatsu

text: Canción intermedia


title: Kono yo de ichiban tsuyoi yatsu

text: Tema de cierre (ending)


title: TRAC (lenguaje de programación)

text: TRAC (Text Reckoning And Compiling) es un lenguaje de programación desarrollado entre 1959 a 1964 por Calvin Mooers e implementado en un PDP-10 en 1964 por L. Peter Deutsch. Fue uno de los tres "primeros lenguajes" recomendados por Ted Nelson en "Computer Lib". TRAC T64 se usó hasta al menos 1984, cuando Mooers lo actualizó a TRAC T84.


title: TRAC (lenguaje de programación)

text: TRAC es un lenguaje puramente basado en texto, un tipo de lenguaje macro. A diferencia de los macro lenguajes "ad hoc" tradicionales de la época, como los que se encuentran en los ensambladores, TRAC está bien planificado, es consistente y en muchos sentidos completo. Tiene operadores de entrada y salida explícitos, a diferencia de la E/S implícita típica en el nivel macro más externo, lo que lo hace simultáneamente más simple y más versátil que los lenguajes macro más antiguos.


title: TRAC (lenguaje de programación)

text: También difiere de los macro lenguajes tradicionales en que los números TRAC son cadenas de dígitos, con aritmética de enteros (sin límites específicos en valores máximos) proporcionados a través de funciones integradas ("primitivas"). Podría decirse que un aspecto de su integridad es que el concepto de error se limita a eventos como la falta de espacio de archivos y la solicitud de expansión de una cadena más larga que el almacenamiento de trabajo del intérprete; lo que en muchos idiomas se describiría como operaciones ilegales se tratan en TRAC definiendo un resultado (a menudo una cadena nula) para cada combinación posible de cadenas de argumentos de una función.


title: TRAC (lenguaje de programación)

text: TRAC es un lenguaje de procesamiento de texto, también llamado lenguaje de procesamiento de cadenas.


title: TRAC (lenguaje de programación)

text: El énfasis en las cadenas como cadenas es tan fuerte que TRAC proporciona mecanismos para manejar los propios caracteres sintácticos del lenguaje, ya sea en sus roles sintácticos o como cualquier otro carácter, y el código de auto-modificación tiene más la sensación de una consecuencia natural de las técnicas de programación TRAC típicas que de ser una característica especial.


title: TRAC (lenguaje de programación)

text: TRAC es, como APL o LISP, un lenguaje orientado a la expresión (en contraste con los lenguajes orientados a procedimientos más típicos), pero a diferencia de APL, carece por completo de operadores. En la mayoría de los aspectos, es un caso de programación funcional pura.


title: TRAC (lenguaje de programación)

text: TRAC es homoicónico.


title: TRAC (lenguaje de programación)

text: TRAC tiene en común con LISP una sintaxis que generalmente implica la presencia de muchos niveles de paréntesis anidados.


title: TRAC (lenguaje de programación)

text: Mooers registró el nombre TRAC en un esfuerzo por mantener su control sobre la definición del lenguaje, una acción inusual y pionera en ese momento. En un momento, presentó una demanda por infracción de propiedad intelectual contra DEC, alegando que un contrato para entregar una mini computadora con un intérprete de TRAC violaba sus derechos. "El primer número del Dr. Dobb's Journal, una de las primeras publicaciones en el campo de la computadora personal, tiene un editorial vitriólico contra Mooers y su rapacidad al tratar de cobrar a las personas por su lenguaje informático". Sin embargo, la marca registrada (# 72301892) expiró en 1992. Desde entonces, el nombre se ha utilizado varias veces para proyectos de tecnología de la información no relacionados, incluido un sistema actual de gestión de proyectos de código abierto llamado Trac.


title: TRAC (lenguaje de programación)

text: Ha habido varios lenguajes inspirados en TRAC. Para evitar problemas con Mooers, cambiaron el nombre de las primitivas y/o utilizaron diferentes metacaracteres. En el caso de SAM76, se agregaron primitivas, de acuerdo con Claude Kagan, "porque TRAC es una charla infantil". En el caso de MINT, se agregaron primitivas para dar acceso a una sofisticada maquinaria de edición de texto. TRAC fue utilizado por el software FTP en su producto PC/TCP como lenguaje de scripting del marcador de módem.


title: TRAC (lenguaje de programación)

text: TRAC también se usó como front end en el renderizador de Digital Productions Cray para películas, incluido "The Last Starfighter".


title: César Ritz

text: César Jean Ritz (Niederwald, 23 de febrero de 1850-Küssnacht am Rigi, 26 de octubre de 1918) fue un hotelero suizo, considerado el padre de la hostelería moderna, concibió, organizó y dirigió los hoteles de lujo del llamado "ancien régime" turístico, que estuvo en vigor hasta 1914. Durante el último tercio del y hasta el comienzos del puede decirse que fue el animador de la vida elegante de la que fue de alguna forma el maestro de ceremonias, una actividad absolutamente personal por su parte, ya que allí donde él estuviese atraía la presencia de reyes, magnates y figuras mundiales.


title: César Ritz

text: Décimo tercer hijo de una familia de ganaderos, se trasladó en 1867 a París, donde trabajó en el Hotel de la Fidelité, después en un bar y más tarde en un restaurante de precio fijo.


title: César Ritz

text: Hacia 1870, en el inicio de la guerra franco-prusiana, entró en la Casa Voisin, donde aprendió a servir y a conocer a la gran clientela internacional: el príncipe de Gales, el conde Nigra, Sarah Bernhardt, las "vedettes" del teatro y de la vida alegre, porque las mujeres elegantes no iban a los restaurantes.


title: César Ritz

text: En 1872, pasó a trabajar en el Splendide parisino, y luego, en Viena, en el restaurante de los Tres Hermanos Provenzales; y de allí, al Gran Hotel de Niza, donde llegó a ser el encargado del restaurante.


title: César Ritz

text: En 1874 ya era "maître d'hotel" del Righi-Kulm, y conoció al hotelero suizo Pfyffer d’Altishofen, fundador del Gran Hotel Nacional de Lucerna, llegando a ser gerente de su establecimiento.


title: César Ritz

text: Fue el primero en instalar cuartos de baño en las habitaciones y estableció un sistema personalizado de atención al cliente de forma especial, siendo el principio de su meteórica carrera en la industria hotelera, que renovó totalmente.


title: César Ritz

text: Después de abandonar el Nacional de Lucerna, pasó sucesivamente al Roches-Noires de Trouville, al Grand Hotel de Baden-Baden, al Frankfurter-Hof, a las Termas de Salsomaggiore"," a la Villa-Hygeia de Palermo, al August-Victoria de Wiesbaden, al Iles-Britaniques de Menton y, finalmente, al Hotel Savoy de Londres.


title: César Ritz

text: Invitado por el propietario a dirigir el restaurante, Ritz llegó a ser director del hotel en 1889, puesto en el que permaneció hasta 1898. Por su iniciativa se construyeron los hoteles Carlton de Londres y Ritz de París con capitales ingleses. Como culminación de su extraordinaria carrera, se construyeron bajo su dirección hoteles Ritz por todas partes, en Madrid, Barcelona, El Cairo, Johannesburgo.


title: César Ritz

text: Viajó a Alemania en 1899 y empezó con su profesión de hostelería.


title: César Ritz

text: La importancia de Ritz radica en la introducción de un nuevo concepto de hotel como establecimientos de servicio completo y personalizado, fijando los mínimos del alojamiento correcto en términos domésticos: habitaciones de espacio suficiente y decoración cuidada y lujosa —cortinajes, alfombras, polveras y tocadores provistos de jofaina y depósito de agua—, generalizó el cuarto de baño moderno en cada habitación, utilizó la iluminación indirecta y suprimió los papeles pintados para reemplazarlos por pintura; introdujo la atención directa al cliente —servicio de habitaciones—, centralizado en la recepción.


title: César Ritz

text: La importancia que dio a la cocina y a la calidad de los vinos lo llevaron a eliminar los antiguos comedores de huéspedes, que se convirtieron en refinados restaurantes, con mesas reducidas para pocos comensales —su asociación con el gran cocinero Auguste Escoffier fue famosa—; estableció una diferenciación jerárquica en el personal de servicio por medio de uniformes y graduaciones, desde el camarero hasta el "maître".


title: Presentación de María

text: Presentación de María o de la Virgen, o Consagración de la Virgen María, son denominaciones de una festividad litúrgica cristiana (21 de noviembre, particularmente importante en Oriente, al ser una de las "doce fiestas" que marcan el año litúrgico), basada en un episodio de los evangelios apócrifos y la "Vida de María" de Epifanio el Monje; y un tema artístico relativamente frecuente en el arte cristiano.


title: Presentación de María

text: El origen de la piadosa tradición surge del llamado Protoevangelio de Santiago, según el cual la Virgen María fue llevada a la edad de tres años por sus padres, San Joaquín y Santa Ana, al Templo de Jerusalén, junto a otras doncellas. Se describe la entrada de las niñas en el templo, portando lámparas, y la particular recepción de María por el sumo sacerdote (denominado Yodae o Baraquías en la "Vida de la Virgen" de Epifanio el Monje), que profetiza su misión en la redención y la sitúa en un lugar de privilegio ("la tercera grada del altar"), donde la niña baila. La estancia de María en el templo, que se describe como un hecho milagroso (su alimentación "como una paloma" por un ángel -prefiguración de la escena de la Anunciación-), se inicia en un momento distinto en la narración de Epifanio ("regresaron a Nazaret y, cuando la niña tuvo siete años, de nuevo sus padres la condujeron a Jerusalén y la ofrecieron al Señor, consagrada para todos los días de su vida"), pero en cualquier caso se prolonga hasta los doce años; momento en el que, para evitar la contaminación que supondría la presencia de una mujer, el sumo sacerdote, a quien se en esta ocasión se nombra como Zacarías (identificado como hijo de Baraquías en el texto de Epifanio), convoca un concurso para decidir con quién se casará, lo que ya constituye otro episodio evangélico (los Desposorios de la Virgen).


title: Presentación de María

text: El origen de la festividad fue la dedicación de la iglesia de Santa María la Nueva de Jerusalén, en el año 543; conmemorada en Oriente desde el siglo VI, de lo que hay referencias en una Constitución de un emperador Comneno. Un gentilhombre francés, canciller en la corte del rey de Chipre, habiendo sido enviado a Aviñón en 1372, en calidad de embajador ante el papa Gregorio XI, describió la magnificencia con que en Grecia celebraban esta fiesta el 21 de noviembre. Se introdujo entonces en la ciudad papal; posteriormente Sixto V la impuso en todo Occidente.


title: Presentación de María

text: Numerosas órdenes religiosas, congregaciones o instituciones religiosas semejantes se intitulan con ese nombre:


title: Presentación de María

text: La Presentación de la Virgen María es un tema muy presente en la pintura bizantina y en la pintura gótica italiana. La convención del tema permite a los pintores desarrollar una particular variante del paisaje: la representación del entorno arquitectónico (particularmente el que se desarrolla a partir de las "gradas" o escaleras sugeridas por el pasaje protoevangélico) y, con ello, las distintas formas del tratamiento de la perspectiva, que se modificaron intensamente en los últimos siglos de la pintura medieval hasta la imposición del modelo brunelleschiano en el Renacimiento.


title: Presentación de María

text: En muchas ocasiones la escena aparece encuadrada junto con otras en el ciclo de la vida de la Virgen. Con esta advocación hay numerosas iglesias y monasterios (iglesia de la Presentación de María, monasterio de la Presentación de María), especialmente en el Este de Europa.


title: Darling Lili

text: Darling Lili es una película estadounidense de 1970, de los géneros musical y bélico, dirigida por Blake Edwards y con Julie Andrews, Rock Hudson y Jeremy Kemp en los papeles principales.


title: Darling Lili

text: Fue ganadora del premio Globo de Oro 1971 a la Mejor canción original, y candidata en dos categorías más. También fue candidata al premio Grammy 1971 y al premio Golden Laurel 1971.


title: Darling Lili

text: Durante la Primera Guerra Mundial, la cantante supuestamente británica Lili Smith ("Julie Andrews") triunfa en París. En realidad, es una ciudadana alemana llamada Lili Schmidt que trabaja para el espionaje militar alemán. Como pantalla tiene a su "tío Kurt" para protegerla. El "tío" es realmente el coronel Kurt Von Ruger ("Jeremy Kemp"), que también es su contacto con el ejército alemán. Lili recibe la misión de seducir al oficial de aviación William Larrabee ("Rock Hudson"), con el objeto de obtener información. Ella logra seducir a Larrabee, pero también se enamora de él. El coronel Von Rugen se da cuenta de esto y la advierte, pero ella siente que no puede engañar al piloto. Finalmente Larrabee descubre el juego, pero tampoco es capaz de entregar a su amada.


title: Cichorium endivia

text: Cichorium endivia (conocida, según las variedades, como endivia o escarola y en Chile y Cuba como achicoria) es una planta herbácea de la familia de las asteráceas, cultivada por sus hojas amargas utilizada en ensaladas, como febrífugo y estomacal, en especial la variedad llamada amarga. Su raíz tiene también propiedades aperitivas, febrífugas y estomacales.


title: Cichorium endivia

text: Parece que proceden de la achicoria silvestre ("Cichorium intybus"). Son plantas anuales o bianuales que primero forman una roseta de hasta 40 cm de diámetro de hojas enteras, y luego florecen sobre un tallo floral que puede pasar de 1 m de altura con flores azules y forman aquenios como fruto. Las endivias propiamente tales son un cultivo de temporada fría, son mucho más resistentes al frío que la lechuga. Necesitan una buena fertilidad en el terreno pero no son exigentes en las condiciones del suelo y van bien en terreno arcilloso. La siembra se hace en semillero en verano y la cosecha es durante el invierno y primavera. Se atan durante unos días antes de cosechar para que las hojas interiores sean blancas.


title: Cichorium endivia

text: Como cultivo especializado, las endibias se cultivan de una manera muy diferente: en primer lugar se hace el plantel y se llevan al aire libre donde se deja crecer y se aprovechan las raíces; las cuales, llevadas a una cámara subterránea oscura y climatizada, emiten hojas que permanecen completamente blancas. La cosecha se hace separando las hojas de las raíces. Es una técnica desarrollada en Bélgica a partir de 1830.


title: Cichorium endivia

text: Tanto las endivias como las escarolas son hortalizas muy populares en España.


title: Cichorium endivia

text: La endivia de hojas blancas, más popular en Francia , es de relativamente reciente introducción en los mercados españoles. Se consume a menudo con salsas hechas a base de queso roquefort o mostaza .


title: Cichorium endivia

text: "Cichorium endivia" fue descrita por Carlos Linneo y publicado en "Species Plantarum" 2: 813. 1753. Número de cromosomas de "Cichorium endivia" y taxones infraespecíficos : 2n=18 "Cichorium": nombre genérico que es una versión latinizada de un nombre árabe de una de las especies de este género del griego "kichore", que por lo general lleva un nombre común de la achicoria o endivia.


title: Cichorium endivia

text: "endivia": epíteto latino que significa “escarola”. Existen tres variedades principales de "Cichorium endivia":


title: Escarola

text: El término escarola puede referirse, en esta enciclopedia:


title: Lluis Antón González

text: Lluis Antón González (13 de junio de 1955,  Baíña (Mieres)) es un escritor, actor y director de teatro asturiano.


title: Lluis Antón González

text: Miembro del grupo de teatro Telón de Fondo, participó como actor, director y adaptador en diversos montajes del colectivo. Como actor de cine trabajó en numerosas películas hechas en Asturias.


title: Lluis Antón González

text: Militante asturianista, participó desde el principio en el movimiento de recuperación lingüístico e identitario de Asturias. Creó y dirigió la revista de cómics "El Llapiceru" editada por Conceyu Bable-Xixón. En el año 2002 publicó su primer libro, "Antón, el cantu'l cisne" inspirada en la obra de Antón Chéjov. En el año 2017 publica "Una maleta enllena recortes" recopilatorio del historial del grupo Telón de Fondo. Miembro de La Compañía Asturiana de Comedias desde el año 2018.


title: Ritz Development Company

text: Empresa hotelera fundada por el suizo César Ritz a finales del siglo XIX y que supuso el nacimiento de la hostelería clásica. Formó una cadena de hoteles por todo el mundo -de los que el primero fue el establecimiento de la Plaza de Vendôme, en París, en 1889-, basados en premisas de lujo, calidad, atención personalizada de los huéspedes, jerarquización del personal de servicio y fomento de la gastronomía. Fue dirigida por su fundador hasta 1902, quien fue sucedido por su esposa. Al cabo de los años, la cadena hotelera fue disolviéndose y, en la actualidad, la marca Ritz que aparece en numerosos establecimientos por todo el mundo es compartida por diversas empresas, entre las que destaca su principal heredera, el grupo Ritz-Carlton.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: Santa Cruz es un barrio del distrito Casco Antiguo de Sevilla (Andalucía, España). En él se encuentran la catedral, el Archivo de Indias y el Alcázar. En la Baja Edad Media la judería de la ciudad estaba situada en los barrios de Santa Cruz y de San Bartolomé.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: Limita: al norte con las calles Francisco Bruna, Blanca de los Ríos, Francos, Pajaritos, Bamberg, Aire, Fabiola, Cruces y Mariscal; al este con la avenida Menéndez Pelayo; al sureste con la avenida de María Luisa; al suroeste con el paseo de las Delicias; y al oeste con la avenida de la Constitución y la plaza de San Francisco.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: La ciudad de Híspalis, la Sevilla romana, encontraba en esta zona sus límites amurallados en su lado oriental, por la zona de la puerta de la Carne, y, por su lado meridional, por la zona de la plaza del Triunfo. El cardo maximus (o gran vía romana) pasaba entonces por las actuales calles Abades y Don Remondo. Junto al cardo maximus se encontraba un templo del siglo II del que se conservan en el mismo lugar tres columnas del pórtico, en la calle Mármoles. En la Edad Media se conservaban en ese mismo lugar seis columnas. En el siglo XIV Pedro I quiso llevar una al Alcázar pero esta se rompió cuando estaba siendo trasladada. Los trozos estuvieron un tiempo donde se encuentra la calle Mateos Gago. En 1576 dos de ellas fueron trasladadas a la Alameda de Hércules.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: Dentro de los muros del Alcázar se encuentra el patio de Banderas, de uso público. Debe su nombre a unas banderas que había pintadas sobre la puerta de la muralla por la que se accede al mismo. En la década de 1970 se encontraron en el subsuelo restos arqueológicos de una basílica cristiana que pudiera ser del siglo IV, usada en la etapa romana y visigoda.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: En el siglo XI se levantó frente a la alcazaba el palacio de al-Zahir, que estaba fortificado como un castillo y que contaba con altas torres. Más cerca del Guadalquivir se hizo el pequeño palacio de al-Zahi, que contaba con un salón con cúpula llamado Sa'd al-Su'ud. El mayor de todos los palacios de la ciudad fue el de al-Mubarak (que significa "el Bendito"). Todos estos palacios fueron frecuentados por el rey Al-Mutámid. Este último palacio fue el que, siglos después, sería reformado por los cristianos, construyéndose el actual Alcázar. En el siglo XIII Alfonso X aprovechó el espacio del edificio principal para construir el palacio Gótico. Los demás edificios del Alcázar almohade fueron reformados para su posterior uso. En el siglo XIV el rey Pedro I derribó tres edificios palatinos almohades para construir el palacio Mudéjar, que se adosó al palacio Gótico alfonsí.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: En 1248 el rey Fernando III de Castilla reconquistó la ciudad a los musulmanes. Los judíos se instalaron en los barrios de Santa Cruz y de San Bartolomé. El cementerio estaba situado entre la calle Cano y Cueto y el paseo Catalina de Ribera.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: Algunos de los habitantes de la judería de Sevilla fueron muy cercanos a los reyes de Castilla: Solomón ibn Zadok de Toledo, directamente ligado a Alfonso X; Yudah Abravanel de Sevilla, fundador de la conocida familia de los Abravaneles y uno de los personajes más influyentes de la corte de Fernando IV; Yuçaf de Écija, almojarife mayor y hombre de confianza de Alfonso XI; Samuel ha-Leví de Toledo, tesorero mayor de Pedro I que tenía intereses de negocios y familiares en Sevilla; Yusaph Pichón, contador mayor de Enrique II; Samuel Abravanel, contador mayor de Juan I que, tras su conversión, tomó el nombre de Juan Sánchez de Sevilla. Era la segunda comunidad judía más importante de España, tras la de Toledo.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: Fernando III cedió tres mezquitas para que fuesen sinagogas. Alfonso X confirmó esta concesión en 1252. Tras la revuelta antijudía de 1391 estos templos pasaron al uso cristiano. En esos lugares se edificaron las iglesias de San Bartolomé, Santa María la Blanca (en el barrio de San Bartolomé), Santa Cruz. También fue sinagoga el oratorio del convento de Madre de Dios. En 1483 un edicto inquisitorial expulsó a los judíos de las diócesis de Cádiz, Sevilla y Córdoba.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: La invasión francesa de Sevilla de 1810 trajo consigo la clausura de la iglesia de Santa Cruz, que fue derribada en 1814. En su parcela se encuentra la plaza de Santa Cruz. La parroquia de Santa Cruz se trasladó a la iglesia del convento del Espíritu Santo, fundado en el siglo XVII por la Orden de Clérigos Regulares Menores. El convento fue desamortizado en 1835.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: La parroquia de Santa Cruz es sede de la Hermandad de Santa Cruz, fundada en 1904. Junto a la iglesia se encuentra el oratorio de la Escuela de Cristo, que se fundó a finales del siglo XVIII. Tras su desaparición, fue refundada en 1925.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: La plaza de Santa Cruz fue reformada en 1918 por Juan Talavera y Heredia, colocándose en el centro la Cruz de la Cerrajería, del siglo XVII. En la iglesia de Santa Cruz, que estuvo en esta parcela estaba enterrado Bartolomé Esteban Murillo, por lo que la Real Academia de Bellas Artes colocó una placa conmemorativa en este lugar en 1848.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: En una parte de la cercana huerta del Retiro se crearon los jardines de Murillo y la calle Nicolás Antonio entre 1911 y 1917. Otra zona de la huerta del Retiro fue donada por Patrimonio Real en 1862. Fue conocido como paseo del Pino y en 1894 fue rotulado como paseo de Catalina de Ribera.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: Enrique III adjudicó una parcela del barrio a Pedro López de Ayala. Esta fue heredada por Elvira López de Ayala, que le dio nombre al sitio. En este lugar estuvo el corral de comedias de Doña Elvira. En la obra "Don Juan Tenorio" el personaje Gonzalo de Ulloa, padre de Inés, tiene su casa en esta zona. En 1826 el asistente José Manuel de Arjona realizó una plaza en este lugar, demoliendo los edificios de la zona y modificando las calles cercanas. En 1888 la plaza fue reurbanizada. En 1924 la plaza fue reurbanizada de nuevo por Juan Talavera y Heredia y el comisario regio de Turismo, el marqués de la Vega-Inclán.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: La puerta de la Carne fue derribada en 1864.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: En el terremoto de Lisboa de 1755 la misa que tuvo lugar en la catedral debió de trasladarse al exterior del templo. Por no haberse producido daños personales, en la plaza donde se terminó la misa se colocó el monumento del Triunfo en 1757. Este se compone de columna con un templete que alberga a la Virgen del Patrocinio. Por todo ello, el lugar pasó a denominarse plaza del Triunfo.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: En el 1900 el cardenal, arzobispo y beato Marcelo Spínola promovió un monumento a la Inmaculada Concepción. Se encuentra en la plaza del Triunfo y fue finalizado en 1918. Fue realizado por el escultor Lorenzo Coullaut Valera y el arquitecto José Espiau y Muñoz. Consiste en cuatro columnas que sostienen una estatua de la Inmaculada. En cada uno de los cuatro lados de la base del monumento hay una estatua de Juan de Pineda, Murillo, Martínez Montañés y Miguel Cid.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: En el sur del barrio se encuentran la catedral, el palacio arzobispal, el Archivo de Indias y el Alcázar. El palacio arzobispal fue construido en distintas fases entre los siglos XIII y XVII. La portada principal barroca fue finalizada en 1705. Entre la catedral y el palacio se encontraba el corral de los Olmos, donde se reunían el cabildo municipal y eclesiástico. Este corral fue derribado a finales del siglo XVIII. En su lugar se encuentra la plaza Virgen de los Reyes.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: En 1385 se fundó el hospital de Santa Marta en este barrio. El convento de agustinas de la Encarnación se encontraba en el barrio de la Encarnación. Fue derribado en 1810 y, en su lugar, se construyó un mercado de abastos. Las agustinas se trasladaron al edificio del hospital de Santa Marta, abandonado, donde situaron el nuevo convento de la Encarnación.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: En 1575 santa Teresa de Ávila fundó, en la calle Zaragoza, el convento de San José, de carmelitas descalzas. En 1586 fue trasladado por san Juan de la Cruz a la actual calle Santa Teresa, en el barrio de Santa Cruz.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: Entre 1583 y 1646 se construyó, entre la catedral y el Alcázar, la Casa Lonja para los mercaderes. En 1788 se instaló en este edificio el Archivo General de Indias.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: En 1676 se construyó el hospital de los Venerables Sacerdotes. Tras su abandono, fue restaurado en 1991 por la Fundación Focus (creada por Abengoa en 1982) y alberga obras de arte de Sevilla.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: En 1606 finalizó la construcción de la sede de la Real Audiencia de los Grados. En 1970 fue adquirida por la Caja de Ahorros San Fernando. Actualmente es sede de la Fundación Cajasol.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: La calle Mateos Gago fue llamada en el siglo XIII calle Borceguinería, por tener ahí sus locales los fabricantes de zapatos (borceguíes). En el siglo XVI constan también otros negocios, como tintoreros y bodegas. En el siglo XVII constan tabernas y posadas. En 1893 fue nombrada Mateos Gago, como homenaje a ese catedrático. El aspecto actual de la calle se debe a una reforma de ensanche de 1923.


title: Santa Cruz (Sevilla)

text: En la zona de la catedral se han encontrado inscripciones conmemorativas y restos de edificios monumentales de la época romana. En el siglo XII, en la etapa musulmana, se construyó una mezquita aljama. En la década de 1430 se comenzó la construcción en este lugar de una catedral gótica. La obra gótica finalizó en la década de 1520. No obstante, se continuaron realizando obras en el edificio hasta comienzos del siglo XX.


title: Napolitano

text: El término napolitano (relativo o perteneciente a Nápoles) hace referencia a:Y a las siguientes personas:


title: Sólo los Solo

text: Sólo los Solo era un grupo de Hip Hop barcelonés, formado por Griffi (DJ)/(Productor) y Juan Solo (MC). El 17 de febrero de 2009 anunciaron su separación. Eran integrantes del colectivo barcelonés Funkomuna, al que también pertenecen artistas como Tremendo (MC), Quiroga (MC), o Payo Malo, entre otros.


title: Sólo los Solo

text: Juan Solo y Griffi se conocen en 1988 y deciden formar un grupo en común; Juan había estado ya en un grupo anterior, Solo DCP, además de llevar años haciendo grafitis y breakdance, mientras que Griffi llevaba siendo DJ desde los 13 años y en 1994 quedó campeón de España y sexto a nivel mundial en los prestigiosos DMC World DJ Championships. En 1995 forman el colectivo Funkomuna con artistas de Barcelona, Rubí, Tarrasa y San Cugat. Xavi Pérez, músico de jazz y productor barcelonés, les graba una demo en 1996. Esta maqueta llegó a difundirse por programas de radio como "La taberna del llop" o "Siglo 21" de RNE. Gracias a esa fama conseguida, la compañía discográfica Avoid se interesó por ellos para la publicación de su primer maxi "Pues cómo no / Vete con tu puto spot" en 1998. Este maxi era adelanto de su primer LP, Retorno al principio, publicado a finales de ese mismo año. El disco tenía cierto aire flamenco, gracias a las producciones con sonidos de guitarras españolas. De este disco destaca un tema titulado "Somos Sólo los Solo", en el que samplean el tema de Los Chichos "Bailarás con alegría".


title: Sólo los Solo

text: En el 2000, Griffi publicó un álbum en solitario, "Akay Lama en el funkarreo del 2015", con producciones propias y acompañado de varios artistas al micrófono; entre ellos estaban Payo Malo, Mucho Muchacho, Tremendo (MC) o el propio Juan Solo.


title: Sólo los Solo

text: Al año siguiente (2001), publican un nuevo maxi ("S´taway / Supra B-boy 2015") adelanto de su segundo LP, Quimera, esta vez a través de su propio sello discográfico, Del Palo. Este LP tenía unas producciones más experimentales y en cierto modo demostró la variedad de registros que disponía el grupo. Con este disco obtuvieron el reconocimiento en varias publicaciones como mejor disco y mejor directo nacional (Go Mag), o los premios Micro de Platino, bajo criterio de los lectores de Hip Hop Nation, a la mejor canción y mejor portada.


title: Sólo los Solo

text: Después de ese ritmo frenético de producción, tuvieron que pasar cuatro años hasta que en 2005 publicaron su nuevo LP titulado Todo el mundo lo sabe; vino, como venía siendo habitual, precedido de un maxi de adelanto, "El chico del 9". Será durante este periodo de gira y presentación del disco que la banda alcance su mayor exposición a nivel mediático, destacando la cobertura por parte de medios mayoritarios como MTV España, desde el cual se llevó a cabo una difusión del videoclip que daba título al disco, y participando el grupo en el evento BAM / MTV Music Week 2005, compartiendo escenario con artistas como La Excepción o Saul Williams.


title: Sólo los Solo

text: El 17 de febrero de 2009 el grupo anuncia oficialmente su separación para dedicarse a proyectos en solitario mediante una nota de prensa:


title: Sólo los Solo

text: "Desde Enter Booking, agencia de contratación y management del grupo Sólo los Solo, queremos comunicar que tras una larga carrera que nos ha dejado alguna de las obras cumbres del Hip Hop hecho en este país, su andadura llega a su fin por lo que no habrá nuevas actuaciones de esta formación. "Guiados por la necesidad de abrirse a sus proyectos personales y dar rienda suelta a su creatividad fuera del entorno de Sólo los Solo el grupo ha decidido dar por finalizada su carrera en común.


title: Sólo los Solo

text: "El fin de esta etapa en todo caso no es más que un nuevo comienzo para los dos artistas que ya tienen en marcha nuevos proyectos que mantendrán o incluso superarán ese nivel de excelencia musical a la que nos tenían acostumbrados.


title: Sólo los Solo

text: "Juan Solo prepara nuevo disco, esta vez tomando el control de todos los detalles, desde su nueva faceta en la producción musical con unos beats increíbles que sorprenderán a más de uno, hasta su habitual maestría en el micro y las letras.


title: Sólo los Solo

text: "Griffi sigue adelante al frente de la factoría "Del Palo" y con su proyecto principal Chacho Brodas, del que se encuentra actualmente puliendo los detalles de su nuevo disco de inminente publicación, donde consolida su formación junto a los "Chachos" habituales Tremendo, Aqeel, M´Baka y Quiroga. Un trabajo con el que volverán a la actualidad para reafirmar su posición como una de las propuestas más frescas del panorama nacional."


title: San Cristóbal de Entreviñas (Avilés)

text: San Cristóbal de Entreviñas (en asturiano: "San Cristoba" y oficialmente "San Cristoba / San Cristóbal de Entreviñas") es una parroquia del concejo asturiano de Avilés, en España.


title: San Cristóbal de Entreviñas (Avilés)

text: En sus 4,02 km² habitan un total de 1.848 personas (2011).


title: San Cristóbal de Entreviñas (Avilés)

text: Por la parroquia cruza un ramal del Camino de Santiago.


title: San Cristóbal de Entreviñas (Avilés)

text: Localidades que forman parte de la parroquia:


title: Terence Fisher

text: Terence Fisher (n. Maida Vale, Londres; 23 de febrero de 1904 - f. Londres; 18 de junio de 1980) fue un director de cine británico que trabajó para la Hammer Productions, autor de obras maestras del género como "Drácula" o "El cerebro de Frankenstein".


title: Terence Fisher

text: Fisher fue uno de los más influyentes directores de terror de la segunda mitad del siglo XX. En sus filmes se planteaba un terror explícito que, si bien hoy está buenamente asumido, no tenía precedente en su momento. Fue el primero en realizar películas de terror en Technicolor.


title: Terence Fisher

text: Su primera gran película de terror fue "La maldición de Frankenstein" (1957), la cual catapultó las carreras de las estrellas inglesas Peter Cushing y Christopher Lee. Realizó un gran número de adaptaciones de personajes de terror clásicos, como "Drácula" (1958), "El sabueso de los Baskerville" (1959) y "La momia" (1959).


title: Terence Fisher

text: Sus películas se caracterizan por una mezcla de fantasía, mito y sexualidad. Suele plantear un héroe que vence el poder de la oscuridad con una combinación de fe en Dios y razón, en contraste con el resto de personajes que se mueven por supersticiones o por el más frío racionalismo. A menudo se le ha estigmatizado como un "simple" director de serie B, sólo recientemente se le ha reconocido su merecido valor autoral.


title: Entreviñas

text: Entreviñas puede referirse a:


title: Convención de Seneca Falls

text: Convención de Seneca Falls fue la primera convención sobre los derechos de la mujer en Estados Unidos, realizada del 19 de julio al 20 de julio de 1848 en Seneca Falls (Nueva York). Fue organizada por Lucretia Mott y Elizabeth Cady Stanton. El resultado fue la publicación de la Declaración de Seneca Falls (o "Declaración de Sentimientos", según las propias autoras), un documento basado en la Declaración de Independencia de los Estados Unidos en el que denunciaban las restricciones, sobre todo políticas, a las que estaban sometidas las mujeres: no poder votar, ni presentarse a elecciones, ni ocupar cargos públicos, ni afiliarse a organizaciones políticas, ni asistir a reuniones políticas. La reunión fue convocada en la prensa “para discutir la condición y los derechos sociales, civiles y religiosos de las mujeres” y pretendía formar parte de los movimientos de reforma social que caracterizaban la dinámica política en EE.UU. desde la presidencia del demócrata  (1829-1837) Andrew Jackson hasta la Guerra de Secesión. El texto es considerado el texto fundacional del movimiento feminista.


title: Convención de Seneca Falls

text: En los años 1840, los Estados Unidos vivieron un cambio cultural y económico. En los años entre la Revolución y la Convención Constitucional, las fronteras geográficas de la nación y la población se duplicaron, concentrándose esta última hacia el oeste. Sin embargo, no todos los norteamericanos dieron la bienvenida a estos cambios. En un esfuerzo por recobrar un sentido de la comunidad y control sobre su futuro y el de la nación, los norteamericanos, especialmente las mujeres, formaron y se unieron para reformar el país. La Convención de Seneca Falls forma parte de este período de grandes movimientos sociales y de reforma.


title: Convención de Seneca Falls

text: A lo largo del siglo XIX, las mujeres de los pastores protestantes se van encontrando asociadas al ministerio de sus maridos, desarrollando tareas docentes y sanitarias en su comunidad, así como de cierta dirección espiritual. Ante la carencia de órdenes religiosas también las damas y mujeres célibes van organizándose en agrupaciones.


title: Convención de Seneca Falls

text: Las reformas religiosas de la época, especialmente en el entorno de los cuáqueros, van a otorgar por primera vez un papel a la mujer en los oficios religiosos y en la caridad. Se refuta el dogma de la predestinación y se empiezan a ver como algo más habitual las intervenciones femeninas en aspectos marginales de la vida pública, como por ejemplo las lecturas de las sagradas escrituras.


title: Convención de Seneca Falls

text: En 1834 se fundó la Sociedad Reformista Femenina Neoyorquina, presidida por Lydia Finney. Procuró mantener a mujeres fuera de la prostitución. Otras líderes, como Dorothea Dix, enfocaron sus esfuerzos en la reforma de la prisión en la década de 1830. Durante este tiempo surgió el rol de las mujeres como educadoras. Catherine Beecher fundó varias academias para mujeres. Finalmente, el movimiento abolicionista otorgó a las mujeres otra oportunidad de aliarse fuera de la esfera doméstica.


title: Convención de Seneca Falls

text: De la mano de las preocupaciones sociales van surgiendo las ya más netamente políticas, y dentro de las campañas antiesclavista que se desarrollaron en el protestantismo norteamericano en 1837 se celebró en Nueva York el Primer Congreso Anti-esclavista Femenino, organizado por tres sociedades antiesclavistas femeninas.


title: Convención de Seneca Falls

text: La iniciativa había sido motivada ocho años antes a causa de la marginación de un grupo de mujeres abolicionistas estadounidenses encabezado por Elizabeth Cady Stanton y Lucretia Mott de la Convención Internacional Antiesclavista celebrada en Londres en 1840. En aquel momento se negó la presencia femenina en la sala por entender que tenían "una constitución física que no era apta para las reuniones públicas o de negocios". Las mujeres obtuvieron entonces el apoyo de algunos significativos dirigentes abolicionistas americanos como William Lloyd Garrison que declaró en la Convención "Después de luchar tantos largos años para la liberación de los estados africanos, no puedo tomar parte en una convención que golpea los derechos más sagrados de todas las mujeres". Cady Stanton y Mott tuvieron que seguir la convención antiesclavista escondidas detrás de una cortina en una tribuna. Ante esta discriminación decidieron convocar otra convención para defender los derechos de las mujeres.


title: Convención de Seneca Falls

text: Se celebró en la capilla wesleyana del pueblo textil de Seneca Falls, los días 19 y 20 de julio de 1848 con el objetivo de discutir "la condición social, civil y religiosa de la mujer", de este modo se convirtió en el primer foro público y colectivo de mujeres. La agenda programática fue impulsada por Elizabeth Cady Stanton y Lucretia Mott. Las mujeres intervinieron el primer día mientras que los hombres participaron también en la deliberación del segundo día.


title: Convención de Seneca Falls

text: El 14 de julio de 1848, el Mensajero del Condado de Seneca anunció que el miércoles y jueves siguientes (julio 19 y 20 de 1848) se llevaría a cabo "la convención para discutir la condición y los derechos sociales, civiles y religiosos de las mujeres". La Convención había sido planeada en una reunión unos pocos días antes en Waterloo (cerca de Nueva York), a donde asistieron Lucrecia Mott, de Filadelfia; Elizabeth Cady Stanton, de Seneca Falls; Jane Hunt, de Waterloo, e Isabel McClintock, de Waterloo. La reunión tuvo lugar en el hogar de Jane Hunt. La Convención se celebró en la capilla metodista de Seneca Falls, Nueva York. Si bien la primera sesión, a priori, era solo para mujeres, los hombres que asistieron no fueron expulsados. El segundo día, la Convención aprobó un documento titulado ""La Declaración de Sentimientos de Seneca Falls"".


title: Convención de Seneca Falls

text: Se trata de un texto elaborado a partir de la Declaración de Independencia, en el cual se modifica personas y entidades, a fin de expresar los ideales sufragistas. Por ejemplo, se reemplaza el "Rey Jorge" con "todos los hombres" al ser el agente que oprimía a las mujeres, y se recopila una lista conveniente de quejas, así como los colonizadores hicieron en la Declaración de la Independencia. Estas quejas reflejaron las graves limitaciones en los derechos legales de las mujeres en los Estados Unidos en ese momento: las mujeres no podían votar; no podían participar en la creación de las leyes que ellas tenían que obedecer; su propiedad era tasada. Además, en el caso relativamente excepcional de un divorcio, la custodia de los niños era concedida automáticamente al padre, el acceso a las profesiones y la educación superior estaba cerrado generalmente a las mujeres, y la mayor parte de las iglesias impedían a las mujeres participar públicamente en el ministerio u otras posiciones de la autoridad.


title: Convención de Seneca Falls

text: Un punto importante en la declaración es la aplicación consecuente del principio de legitimidad política, algunas de las presentes hicieron suyo el principio de "no tasas sin representación", heredado de la revolución americana, que animaba a no pagar impuestos mientras las mujeres no pudieran votar.


title: Convención de Seneca Falls

text: La "Declaración de Sentimientos" proclamó que "todos los hombres y las mujeres" fueron creados iguales y que el abajo firmante emplearía todos los métodos que estuvieran a su disposición para combatir estas injusticias. El documento se analizó a fondo durante toda la sesión. Siendo finalmente firmado, con muy pocas modificaciones y publicado como un folleto. Once de las decisiones fueron aprobadas por unanimidad y la número doce, la que hace referencia al voto, por una pequeña mayoría. Aproximadamente 300 personas asistieron a la Convención, de las cuales unas 100 -68 mujeres y 32 hombres- firmaron la Declaración de Sentimientos.


title: Convención de Seneca Falls

text: La firma de la declaración, al igual que la Declaración de Independencia Americana implicaba una emancipación de la autoridad política de la corona inglesa, la declaración de sentimientos proclamaba la independencia de la mujer de su marido o sus padres en caso de ser soltera.


title: Convención de Seneca Falls

text: La Declaración de sentimientos es la primera acción colectiva organizada de mujeres y hombres a favor de los derechos de las mujeres. Tras la convención se celebran encuentros en Rochester (1948), Akron (1851) o Worcester (1851). Estas reuniones siguen sucediendo a lo largo de la siguiente década hasta la llegada de la Guerra de Secesión. Sin embargo, la influencia producida es capaz de crear un eco en los incipientes movimientos feministas de Europa occidental, de forma que sirven a modo de precedente y base para estos.


title: Píndaro

text: Píndaro (en griego Πίνδαρος) es uno de los más célebres poetas líricos de la Grecia clásica. Se cree que nació en Cinoscéfalas, Beocia, hacia el 518 a. C. Según la tradición, pertenecía a una familia aristocrática.


title: Píndaro

text: Se tiene pocas noticias fiables sobre su biografía, a pesar de las seis "Vidas" que han legado autores antiguos. Se cree que nació en Cinoscéfalas, Beocia, hacia el 518 a. C. y que, según la tradición, pertenecía a una familia aristocrática. De hecho,en la V de las "Píticas" él mismo parece afirmar que procede del linaje de los egeidas, por lo que a menudo manifestará en sus obras una especial simpatía por las instituciones dorias.


title: Píndaro

text: Pasa su infancia y primera juventud en Tebas y en Atenas, donde fue discípulo de Agatocles. Muy joven aún, participa en un certamen de poesía en el que es vencido por la poetisa Corina de Tanagra. Fue ella, y en esta ocasión, quien le aconsejó "«sembrar a manos llenas, no a sacos llenos»". La primera oda pindárica es la X Pítica y fue compuesta cuando el autor apenas contaba con veinte años de edad. Pronto se convierte en un renombrado poeta. Como tal, recorre las principales cortes aristocráticas de Grecia: Cirene, Siracusa, etc. Ante la invasión de los persas, adoptó una actitud de transigencia con el enemigo que era la interesada política de su patria tebana. En esta cuestión, Píndaro chocó con otro importante poeta, Baquílides, que había adoptado un punto de vista panhelénico y propugnaba la resistencia enconada ante los persas, que ve como una amenaza sobre el conjunto de toda la Hélade. Píndaro murió en Argos en el año 438 a. C.


title: Píndaro

text: La obra de Píndaro que se conoce se ha conservado en papiros de entre el siglo II a. C. hasta el II d. C. y en algunos manuscritos medievales que proceden de una selección efectuada en el siglo III. En total, han llegado hasta nosotros cuatro libros de epinicios que suman 45 odas y algunos fragmentos sueltos. Los epinicios (ἐπίνικοι / epinikoi) son cantos corales compuestos en honor de los vencedores en alguno de los cuatro certámenes deportivos de los Juegos Panhelénicos que se cantaban al paso de los campeones. Las composiciones de Píndaro suelen utilizar la victoria deportiva como simple punto de partida para loar el valor personal del atleta: su triunfo refleja la victoria de lo Bello y lo Bueno sobre la mediocridad.


title: Píndaro

text: Además de epinicios, Píndaro compuso himnos, peanes, partenios, cantos al vino, trenos, etc.


title: Píndaro

text: El estilo de Píndaro es peculiar y difícil. Se caracteriza por proceder con la materia poética a saltos, estableciendo asociaciones bruscas e imprevistas entre diferentes elementos. El lenguaje, muy elevado, procede de una mezcla artificiosa de diferentes dialectos y se satura de elementos retóricos, en especial de imágenes. La dificultad de la obra pindárica es paradigmática. Si resultaba ya oscura para sus coetáneos, con posterioridad autores que van de Heródoto a Voltaire hablan de lo ininteligible de su poesía. Sin embargo, Goethe o Hölderlin lo erigieron en símbolo de la libertad del genio creador.


title: Julia Volkova

text: Julia Olégovna Vólkova (Moscú; 20 de febrero de 1985) es una cantante rusa, conocida por haber sido integrante del grupo ruso, t.A.T.u..


title: Julia Volkova

text: Desde la infancia, Julia siempre había sabido que quería trabajar en la música. Los padres de Julia la impulsaron a tomar clases de piano y canto con un vecino, después de haber quedado muy impresionado por el talento de Julia. Su nueva profesora animó a los padres de Julia a su inscripción en una escuela de música. Después de graduarse en la escuela de música, Volkova entró en el grupo infantil de canto: Neposedi. Volkova se graduó en Neposedi después de 5 años de clases, ensayos y conciertos profesionales. Fue durante el tiempo que estuvo en Neposedi, cuando Julia conoció a Lena Katina.


title: Julia Volkova

text: Julia fue llamada para un casting. Impresionó a los productores con su capacidad vocal y así fue como Volkova se unió al, hasta el momento, el proyecto sin título. Fue en este momento cuando Julia volvió a coincidir con su compañera de la banda Neposedi, Lena Katina.


title: Julia Volkova

text: Fue la imagen de dos chicas enamoradas, luchando contra el mundo, la que ayudó a incrementar la fama mundial de t.A.T.u.. Su primer sencillo, Ya Soshla S Uma, o ”He Perdido La Cabeza” traducido al español, se convirtió en un gran éxito en Rusia. El videoclip mostraba a dos chicas adolescentes, besándose bajo la lluvia en el patio del colegio, atrapadas tras una valla, mientras la muchedumbre las miraba fijamente con incredulidad. Como resultado, no fueron Julia y Lena las que estaban atrapadas detrás de la valla, sino la muchedumbre, permitiendo a Julia y Lena alejarse libremente de la mano.


title: Julia Volkova

text: Este mensaje aún sigue cerca del corazón de Julia:


title: Julia Volkova

text: Después de su éxito en Rusia y Europa del Este, el grupo comenzó a grabar sus canciones en inglés. Una vez ya encontrándose en Londres, al principio grabaron las versiones inglesas de "Ya Soshla S Uma" y "Nas Ne Dagoniat", las cuales se convirtieron respectivamente en All The Things She Said y Not Gonna Get Us. Ambas canciones tuvieron un enorme éxito para t.A.T.u. y la banda finalmente vendió más de 5 millones de copias de su álbum de debut 200 km/h in the Wrong Lane, consiguiendo que fuera el álbum de debut más vendido de una banda pop rusa en la historia de la música.En "2005" t.A.T.u. demostró que no eran artistas de un solo éxito. Su sencillo All About Us encabezó las listas de Europa y fue disco de platino. t.A.T.u. trabajó con una serie de colaboradores con mucho talento para su segundo disco, Dangerous and Moving, como Sting, Dave Stewart, Richard Carpenter, Trevor Horn y Bryan Adams.


title: Julia Volkova

text: En "2009", el año después del lanzamiento de su álbum Waste Management, Volkova tomó la decisión de dejar t.A.T.u., debido a diferencias creativas con la gestión del grupo. “Una vez que había tomado la decisión, no fue difícil dejar t.A.T.u., quería participar en el proyecto y aportar nuevas ideas.” Durante "2010" Julia empezó a trabajar en el estudio un nuevo estilo musical al que ella llama Sex Rock. Julia explica ”No voy a ir desde el estilo de t.A.T.u. al R&B, me gusta el rock. Va a ser sexy, eléctrico, pero aún no quiero dar todos los secretos.” ”Tengo ganas de actuar y recorrer el mundo entero. Los shows serán diferentes a los de t.A.T.u. Estaré yo sola y un bonito espectáculo con pantallas grandes, en las que habrá en cada una, una diferente película. Quiero que mis fanes participen en estas películas. Quiero ayudarles a que sientan que son parte de algo y parte de mi show, ver que ellos viajan alrededor del mundo conmigo.”


title: Julia Volkova

text: El 20 de noviembre de 2010 abrió su web oficial como solista y declaró que se comenzarán a añadir contenidos en enero de 2011. El día 28 de enero Julia abrió su página web, con mucho contenido personalizado y a la vez, mostrando un avance de una de sus canciones titulada "Woman All The Way Down". El 20 de febrero se presentó en vivo en un pub en Rusia celebrando su cumpleaños, cantando las canciones demo "Woman All The Way Down" y "Rage". El 25 de junio de 2011 se presentaría en el Sao Paulo's Gay Day Experience, donde pondría comienzo a su carrera como solista, y tendría una actuación de 30 minutos, interpretando canciones demo y algunos temas de t.A.T.u.


title: Julia Volkova

text: El día 29 de noviembre anunció su primer video como solista, "All Because of You", el cual tuvo premier el día 2 de diciembre.


title: Julia Volkova

text: En 2012 vuelve a presentarse candidata a representar a Rusia en el Festival de la Canción de Eurovisión 2012, en esta ocasión a dúo con el ganador del festival de 2008 Dima Bilan, con el tema Back to her future.


title: Julia Volkova

text: El 14 de junio anuncio en su sitio web que está trabajando en su nuevo sencillo que tendrá por nombre Didn’t Wanna Do It y una versión rusa titulada ""Давай Закрутим Землю"" (Davai Zakrutim Zemlyu) que fue lanzado a finales del mes de julio junto con el video que se realizó en Cuba.


title: Julia Volkova

text: En ese mismo año se reencontró con Lena Katina para hacer entrevistas y actuar en la voz de Rumanía 2012 en Bucarest.


title: Julia Volkova

text: En 2014, Volkova realizó una serie de actuaciones, como t.A.T.u, con su excompañera Lena Katina que culminaron con una actuación televisiva para los Juegos Olímpicos de Rusia. Un sencillo que habían grabado, "Любовь в каждом мгновении" ("Love in Every Moment"), fue lanzado como una colaboración, más que como una canción de t.A.T.u, que incluyó a los artistas Ligalize y Mike Tompkins. En 2013, Volkova lanzó su propia línea de zapatos, C&C de Julia Volkova.


title: Julia Volkova

text: En 2016, Volkova habló por primera vez sobre su enfermedad y reveló que en 2012 le diagnosticaron cáncer de tiroides. Durante la cirugía para extirpar el tumor, su nervio laríngeo resultó dañado, lo que le hizo perder la voz. Ha buscado tratamientos para recuperar su capacidad de canto.


title: Julia Volkova

text: Actualmente Volkova Sigue con su carrera musical.


title: Partenio

text: El partenio es una composición coral de la lírica griega arcaica. El canto estaba destinado a ser ejecutado por un coro de muchachas ("párthenoi"), guiadas por la más destacada de él, a la que se denominaba corego, y se realizaba en honor a alguna divinidad femenina asociada a la fertilidad y a la juventud. Los partenios tenían un ritmo moderadamente vivo y solían ejecutarse con acompañamiento de música y danza. El cultivador más destacado del género fue Alcmán. También se conservan partenios de Píndaro.


title: Dos hombres contra el Oeste

text: Vida y hechos de dos amigos que conviven en el rancho de Walter Buckman.


title: Lena Katina

text: Elena Serguéievna Kátina (en ruso: Еле́на Серге́евна Ка́тина) (Moscú, Unión Soviética, actual Rusia 4 de octubre de 1984), popularmente conocida como Lena Kátina es una cantante, compositora, productora discográfica, actriz, pianista, activista y psicóloga rusa. Nacida y criada en Moscú, estuvo en diversos grupos infantiles como Avenue y Neposedi. Saltó a la fama en el año 2002 como miembro del dúo t.A.T.u., el primer dúo en la historia de la música rusa que alcanzó éxito internacional más vendido de 40 millones de copias en todo el mundo.


title: Lena Katina

text: Tras la disolución del dúo en el año 2009 dos años después publicó su primer sencillo de su álbum debut This is Who I Am. «Never Forget» la canción original pudo ingresar en las listas de diversos países alrededor del mundo mientras su versión remix se colocó en el puesto número uno en "Hot Dance Club Play" de "Billboard" y "Billboard Grecia", convirtiéndose en la primera artista solista rusa en obtener número uno de la lista 'Billboard".