title: Castaño del Robledo

text: Hay que destacar dentro de su riqueza monumental la iglesia parroquial de Santiago Apóstol y la iglesia inacabada. La construcción de la iglesia parroquial de Santiago Apóstol  se atribuye a la iniciativa de Benito Arias Montano. En torno a 1697 se realizaron las obras de construcción de la torre, la Capilla Bautismal y la tribuna destinada a coro alto, dirigidas por Alonso Yáñez Romero, vecino de Castaño. En 1973 se construye la Capilla Mayor y el crucero; en el siglo XVIII, se realizó una ampliación de la primitiva tribuna, con el objeto de colocar el órgano adquirido por la parroquia. A principios del siglo XIX se construyó la actual Sacristía y la zona inmediata a esta destinada a almacén y escaleras de acceso a la planta alta de la misma, obras que concluyeron en 1818. En 1893 fue reconstruida la Capilla Sacramental bajo el patrocinio de  los esposos don Juan Martín Márquez y doña Josefa Martín Sánchez, naturales y vecinos de la villa. La iglesia inacabada, nueva o del cementerio, de estilo neoclásico, comenzó a construirse en la periferia del casco urbano de la localidad debido al notable crecimiento experimentado por la población de Castaño del Robledo durante el siglo  XVIII. José Álvarez determinó las principales características de la construcción, interpretando posteriormente sus ideas y dando las trazas del edificio Antonio Matías de Figueroa,  asumiendo la dirección de las obras Januario José Longuinos Sánchez, vecino de la localidad, con Alonso Sánchez como maestro de obras. Su breve historia constructiva comienza  en 1784, quedando en 1794 paralizadas las obras definitivamente. El edificio quedó sin uso hasta mediados del siglo XIX en que empezó a utilizarse como cementerio, construyéndose  numerosos nichos en las capillas laterales y enterramientos en el suelo. Hacia 1940 se construyó un nuevo cementerio en la localidad, lo que motivó el desalojo del cementerio ubicado en el interior de la iglesia.


title: Castaño del Robledo

text: La localidad debe en parte su existencia al hecho de ser el nexo entre varias poblaciones cercanas, circunstancia que aparece reflejada en su trazado urbanístico, en cuyo casco  confluyen los caminos a Jabugo, Santa Ana la Real, Alájar, Fuenteheridos y Galaroza. Con la conquista del reino de Granada y el descubrimiento de América da principio una época de florecimiento económico generalizado que se deja notar también en el aumento de la  población de Castaño del Robledo, con 76 habitantes ya en 1512. Este inicio de despegue demográfico, que se afianzará durante el resto del siglo XVI, va a significar una transformación del paisaje, produciéndose una paulatina sustitución del robledal existente en torno a la aldea por las plantaciones de castaño. Buena prueba de este momento de bonanza que experimenta Castaño del Robledo es la construcción en la primera mitad del siglo XVI de la iglesia parroquial de Santiago Apóstol.


title: Castaño del Robledo

text: Número de habitantes desde 1857 (Población de Hecho excepto los dos últimos censos donde no figura este dato sino la Población de Derecho):


title: El Cerro de Andévalo

text: El Cerro de Andévalo es un municipio y localidad española de la provincia de Huelva, en la comunidad autónoma de Andalucía. Cuenta con una población de . Se encuentra situada a una altitud de 296 metros y a 80 kilómetros de la capital de provincia, Huelva. Se celebran las fiestas patronales en honor de san Benito el primer domingo de mayo.


title: El Cerro de Andévalo

text: Talleres líticos como el yacimiento de "Las Mingorreras" atestiguan la presencia de habitantes en estas tierras desde, al menos, 3000 años a.C. Serían los romanos quienes en el siglo II-I a.C. darían importancia a este territorio, dentro de la provincia romana de la Bética, por el valor que le otorgarían a la minería en el área del Andévalo, con las explotaciones de Minas como la de Nerón, utilizada por el Imperio romano para la fabricación de monedas, o la del Äguila ,el Lomero y yacimientos como La Plata.


title: El Cerro de Andévalo

text: Tal es la importancia de la minería en la zona que se cree que fue el dios de esta, Endovelico, quien pudo dar nombre a la comarca que hoy conocemos como El Andévalo.


title: El Cerro de Andévalo

text: Los árabes también llegaron a estas tierras, muestra de ello son los yacimientos de Cabeza Andévalo, la Murallas y el Regente.


title: El Cerro de Andévalo

text: Con la Reconquista cristiana, el 15 de junio de 1251, Fernando III de Castilla concedió a la ciudad de Sevilla el privilegio de posesión sobre grandes extensiones de tierras y lugares, entre ellos el Andévalo; hecho que fue ratificado en 1253 por su hijo Alfonso X en los mismos términos y todos sus derechos.


title: El Cerro de Andévalo

text: Pero esta zona del Andévalo era una tierra poco poblada. Hacia 1290 ya existía un primer enclave, como era la aldea de Castillejos y en 1293 Sancho IV ordenó a la ciudad de Sevilla que construyera castillos en Encinasola y Cumbres de Enmedio. Collantes de Terán recoge una noticia de fuentes eclesiásticas donde se dice que dos lugares de la región, El Cerro y La Nava, en 1387, están despoblados. No sería hasta alrededor de 1427 cuando vuelva a tener población e incluso una cárcel.


title: El Cerro de Andévalo

text: En el s. XVII Portugal invade esta zona, a consecuencia de su Guerra de Independencia, lo que marca estos años, algunos pueblos huyen a los bosques (Santa Bárbara), otras son masacrados (Cabezas Rubias)...esta guerra marcó la zona del Andévalo durante los años siguientes. A causa de esta Guerra de Independencia Portuguesa, nace la Romería de San Benito Abad, que conmemora que las tropas lusas no entraron en el pueblo. Pero poco a poco el pueblo se comienza a levantar y a autorregularse, creando un sistema de estratificación social donde los jornaleros superaban a los agricultores con tierras y ganado propio, debido a que los huidos por la guerra regresan. Durante el siglo XVIII las consecuencias de la guerra se van quedando atrás y la población aumenta de forma paulatina, aunque a finales de siglo la escasez de alimentos y las epidemias detiene este crecimiento.


title: El Cerro de Andévalo

text: Los primero años del siglo XIX están marcados por la presencia de tropas francesas y españolas en su propio casco urbano, lo que causa grandes destrozos y cuantiosos gastos de guerra. Con el transcurso del siglo XIX el número de habitantes fue en aumento, debido a que con los avances científicos y médico los nacimientos superan a las defunciones. Esta situación hizo que la villa ganase poder adquisitivo y social. Se inaugura su cementerio municipal en 1837, un privilegio reservado a pocos ya que para 1860, más de 2500 localidades españolas carecían de camposasanto. En el último tercio del siglo XIX, algunas compañías mineras extranjeras descubrieron en el subsuelo del Andévalo manganeso, cobre y pirita, lo que provocó la llegada de población forastera que acude para trabajar en las minas de El Cerro de Andévalo, como La Joya (clausurada en 1975), que tuvieron mucho auge hasta mediados del siglo XX. Este crecimiento de población se concentró en la primera mitad del siglo XX, teniendo su pico más alto en 1940, cuando contaba con 5296 habitantes (según datos del censo). En la segunda mitad del siglo la situación cambia, las minas inician su declive , lo que provoca un gran éxodo rural, la agricultura, la ganadería y la minería ya no dan trabajo a todo el mundo, por lo que se deben trasladar a zonas donde el desarrollo industrial ofrece más oportunidades, como Huelva, Cataluña y País Vasco. En la actualidad este descenso de población sigue su proceso, es una localidad de población envejecida, donde los jóvenes emigran para buscar su futuro en otros sectores distintos a la agricultura y la ganadería, siendo sobre todo el caso de la población femenina. Aunque se trata de un pueblo con una cultura muy arraigada al que sus emigrantes vuelven de forma habitual para vivir sus costumbres y mantenerla viva. En estos últimos años la promesa de la vuelta de la minería, con el inicio de una explotación vecina, está devolviendo la vida a esta zona. Actualmente sigue en paradero desconocidos una de las cruces que se van encontrando por el camino a san benito, realmente eran 3 cruces.


title: El Cerro de Andévalo

text: Número de habitantes en los últimos años.


title: El Cerro de Andévalo

text: Construida por Hernán Ruiz, en el siglo XVI, arquitecto que diseñó el remate de La Giralda de Sevilla, reúne elementos de diferentes estilos. Se trata de un edificio majestuoso, interior y exteriormente, su esbelta torre, permite divisar desde su altura gran parte del campo de El Cerro. De su construcción conserva las dos primeras capillas en las que se sitúan la portada principal y las dos puertas laterales. De estilo renacentista, es un templo de una sola nave. Entre 1732 y 1738, Andrés de Silva, tras derribar la tercera capilla, ábside, torre y sacristía, construye un nuevo presbiterio, sacristía y torre. La última ampliación la realizó Antonio Matías de Figueroa entre 1780 y 1788, que añadiría una nueva capilla ( la Capilla del Sagrario), una voluta barroca al exterior y el coro al interior, sobre la puerta principal.


title: El Cerro de Andévalo

text: Del siglo XVI, fue construida en dos fases, la primera una planta cuadrada con bóveda de horno y la segunda (s. XVIII), una ampliación de alzada más baja y bóvedas de cañón; ambas en muy buen estado de conservación tras su restauración en 1997. En la actualidad no tiene fin religioso y se utiliza como centro de actividades culturales


title: El Cerro de Andévalo

text: La ermita de San Benito data del siglo XV


title: El Cerro de Andévalo

text: Ermita construida en el siglo XVI y en un inicio, consagrada al culto religioso de San Sebastián y San Roque(1588). Ubicada en el Prado de San Sebastián y adosada al cementerio histórico municipal desde el siglo XIX. No será hasta 1801, cuando se le nombra como ermita de “Los Dolores y San Sebastián”. Pocos años después se la conocería, ya definitivamente, como ermita de “Nuestra Señora del Mayor Dolor”. En su frontón triangular, luce letrero extemporáneo. Culto de fuerte penetración social y al que se le profesa una intensa devoción popular que tiene sus momentos de máximo esplendor, en “La Subida”, en la tarde del Jueves y Viernes Santos y en la noche de este viernes hasta la madrugada del sábado, donde se trastoca en “La Soledad de la Virgen”.


title: El Cerro de Andévalo

text: Construido entre 1832 y 1837 por los vecinos del pueblo, se trata del cementerio católico original de la localidad, adosado a la ermita de la Virgen de los Dolores. Un espacio dedicado al arte funerario y el culto a los difuntos desde la idiosincrasia cerreña. Cuenta con varias manifestaciones artísticas y arquitectónicas que han quedado plasmadas en el a lo largo de los siglos. Gran protagonista del Día de Todos los Santos y Fieles Difuntos en las tradiciones del pueblo. Durante la guerra civil española, algunos vecinos fueron ejecutados frente a él y arrojados a una gran fosa común en su interior. Otros muchos fueron ejecutados en Calañas y enterrados allí de igual modo. Sitio web


title: Leopoldo Augusto de Cueto

text: Leopoldo Augusto de Cueto López de Ortega, I marqués de Valmar (Cartagena, 16 de julio de 1815-Madrid, 21 de enero de 1901) fue un escritor, diplomático, investigador y crítico español.


title: Leopoldo Augusto de Cueto

text: Hijo del brigadier de artillería Gonzalo García de Cueto y Enríquez de Luna y de María de los Dolores López de Ortega y Prado. Estudió Filosofía en el Seminario de San Fulgencio de Murcia y se doctoró en Jurisprudencia en Sevilla. Fue agregado de la embajada española en París; allí se casó con María del Amparo Fernández de Cáceres y González de Quintanilla. En 1838 nació en Rouen su hija mayor, Flavia. Escribió crítica literaria en "El Artista", "El Orbe", "El Piloto" y el "Semanario Pintoresco Español". En 1840 fue nombrado secretario de la legación en La Haya. En 1844 secretario de la legación en Lisboa. En 1847 fue nombrado encargado de negocios de la legación en Copenhague, donde llegó a ser nombrado ministro residente. En enero de 1854 estuvo en Washington D.C. como ministro plenipotenciario y tres años después lo fue en Viena y Múnich. En 1881 pidió el retiro como diplomático.


title: Leopoldo Augusto de Cueto

text: Poseía la gran cruz de la Orden de Isabel la Católica, la gran cruz de la Orden de Cristo de Portugal, la gran cruz de la Orden de los Santos Mauricio y Lázaro de Italia, la gran cruz de la Orden de San Estanislao de Rusia y la gran cruz de la Orden del Águila Roja. Fue comendador de la Legión de Honor de Francia y de la Orden de Dannebrog de Dinamarca. Murió de un derrame cerebral el 20 de enero de 1901.


title: Leopoldo Augusto de Cueto

text: Fue mayordomo de Palacio, secretario de Estado y senador vitalicio. También miembro de la Real Academia Española (1858), en los cargos añadidos de secretario y tesorero, y de la de Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Desempeñó los puestos de Consejero de Estado (1863) y senador por la Real Academia Española (1878-1880, 1881-1882, 1884-1886, 1891-1894, 1896-1900). Como su hermana mayor, María de la Encarnación, se casó con el Duque de Rivas, fue su cuñado y le dedicó una inteligente crítica con motivo del estreno de "Don Álvaro", "Examen crítico" (1835), y pronunció sobre él un importante "Discurso necrológico" (1866) valorando sus obras. En 1872, pronunció su discurso "El realismo y el idealismo en las artes", en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, haciendo referencia a la existencia y confrontación en España de dos doctrinas filosóficas, materialista y espiritualista, a las que corresponderían las escuelas artísticas, realista e idealista, respectivamente.


title: Leopoldo Augusto de Cueto

text: Cultivó el teatro con el drama histórico "Doña María Coronel o No hay fuerza contra el honor" (1844) y la tragedia clásica con "Cleopatra" (1845), no representada. Reunió su producción literaria bajo el título de "Poesías líricas y dramáticas" (1900). Fue un lírico elegante, cuyos temas fundamentales son el amor, la religión y la patria. También cultivó la historia escribiendo una "Biografía del Conde de Toreno" y fue crítico teatral de "El Piloto" y del "Semanario Pintoresco Español". Pronunció diversos discursos, destacando el dedicado a Quintana en su ingreso en la Academia.


title: Leopoldo Augusto de Cueto

text: Como filólogo y crítico literario sobrevive por dos obras: la edición de "Las Cantigas de Santa María" de Alfonso X el Sabio (1889) y el "Bosquejo histórico-crítico de la poesía castellana del siglo XVIII" (1893), que precedía a la también memorable e incluso todavía útil edición de la misma en tres gruesos volúmenes de la "Biblioteca de Autores Españoles". La primera va acompañada de una introducción donde se estudian las fuentes y se intenta una clasificación argumental, así como de un glosario muy meritorio, si no siempre muy científico. La segunda aporta datos inestimables de autores que conoció, como Alberto Lista o Juan Nicasio Gallego, y exhuma a autores oscuros y olvidados. Contiene juicios moderados, influidos a veces por sus ideas románticas. Utiliza materiales inéditos y resulta, ante todo, un monumento de erudición que aun hoy conserva "status" de referencia obligada en este campo.


title: Corteconcepción

text: Corteconcepción es un municipio español de la provincia de Huelva, Andalucía. En 2019 contaba con 548 habitantes. Su extensión superficial es de 49 km² y tiene una densidad de 12,39 hab/km². Se encuentra situada a una altitud de 572 metros y a 114 kilómetros de la capital de provincia, Huelva. Dentro de su término municipal se encuentra la mayor parte del Embalse de Aracena.


title: Corteconcepción

text: Se conocen indicios de asentamientos que se remontan a cinco milenios de antigüedad, como pone de manifiesto el yacimiento arqueológico encontrado a orillas del embalse, el Dolmen de Monte Acosta, con unas dimensiones de 0,9 metros de alto x 1,6 de ancho y 4,3 de largo. La presencia romana se data debido al hallazgo de un crismón paleocristiano, símbolo muy representativo de esta época, que alude al nombre de Cristo.


title: Corteconcepción

text: Pocos datos se conocen de la Edad Media, sólo se conservan restos de la ermita de Santiago, que fue reconstruida tras la Reconquista cristiana en el siglo XIII y que con el tiempo se convirtió en un molino, ubicado en lo que actualmente son los alrededores de la iglesia de La Concepción.


title: Corteconcepción

text: El pueblo de Corteconcepción como tal se originó a mediados del siglo XV, con la construcción de una quinta habitada por algunas familias que se dedicaban al cultivo y a la cría de ganado. Poco a poco, estas familias fueron edificando otras viviendas y aumentando la población hasta que, a mediados del siglo XVI, se construye la iglesia parroquial de La Concepción (1550).


title: Corteconcepción

text: Durante el siglo XVIII, un vecino llamado Juan Gil se asienta a unos 500 metros de la población y, como consecuencia, da origen al barrio de Puerto Gil. Poco a poco se fueron construyendo nuevas viviendas, enlazando los dos emplazamientos y dando lugar al peculiar camino que se extiende unos 1700 metros en línea recta.


title: Corteconcepción

text: En el siglo XIX, los vecinos de Corteconcepción piden la independencia, cansados de los altos impuestos decretados por Aracena. S. M. El Rey Fernando VII, tras estudiar la situación a la que estaban sometidos los cortesanos y previo pago de una fuerte suma de dinero por parte de ellos, decide concederles la gracia de villazgo el 27 de diciembre de 1816.


title: Corteconcepción

text: Número de habitantes en los últimos años.


title: Tornillo sin fin

text: En ingeniería mecánica se denomina tornillo sin fin a un dispositivo que transmite el movimiento entre ejes que son perpendiculares entre sí, mediante un sistema de dos piezas: el «tornillo» (con dentado helicoidal), y un engranaje circular denominado «corona».


title: Tornillo sin fin

text: Cada vez que el tornillo sin fin da una vuelta completa, el engranaje avanza un número de dientes igual al número de entradas del sinfín. El tornillo sin fin puede ser un mecanismo irreversible o no, dependiendo del ángulo de la hélice, junto a otros factores.


title: Tornillo sin fin

text: La velocidad de giro del eje conducido depende del número de entradas del tornillo y del número de dientes de la rueda. Se puede entender el número de entradas del tornillo como el número de hélices simples que lo forman. En la práctica la mayoría de tornillos son de una sola entrada, por lo que cada vez que este de una vuelta, el engranaje avanza un solo diente.


title: Tornillo sin fin

text: La expresión por la que se rige este mecanismo es similar a la de las ruedas dentadas teniendo en cuenta el número de entradas del tornillo como elemento motor en este caso: formula_1


title: Tornillo sin fin

text: donde:


title: Tornillo sin fin

text: Teniendo en cuenta que formula_4 siempre es mucho menor que formula_6, la relación de transmisión siempre será menor por lo que actuará como un reductor de velocidad. En el caso habitual de una sola entrada (formula_7), el tornillo sin fin se hace equivalente a un engranaje que tuviese un solo diente, siendo la relación de reducción directamente igual al número de dientes del engranaje.


title: Tornillo sin fin

text: Al contrario que en los sistemas de piñón y cremallera, en general (salvo casos especiales) la dirección de la transmisión del movimiento entre los dos ejes no es reversible, especialmente cuando se usan coeficientes de reducción grande con tornillos de una sola espiral: es el tornillo el que hace girar al engranaje, y no al revés. Esto es debido a que la espiral del tornillo es notablemente perpendicular a los dientes de la rueda, dando un momento de giro prácticamente nulo cuando se intenta hacerla girar. Se trata de una ventaja considerable cuando se desea eliminar cualquier posibilidad de que los movimientos de la rueda se transmitan al tornillo. En cambio, en los tornillos de espirales múltiples, este efecto se reduce considerablemente, debiéndose tener en cuenta la reducción del "efecto de frenado", hasta el punto de que el engranaje puede ser capaz de hacer girar al tornillo. Configuraciones del sin fin en las que el equipo no puede transmitir movimientos al tornillo se dice que son "autoblocantes", circunstancia que depende del ángulo de ataque entre engranajes y del coeficiente de fricción entre ambos.


title: Tornillo sin fin

text: Un sin fin dextrógiro es aquel en que las espirales del tornillo se inclinan hacia su lado izquierdo cuando se observa con su eje en posición horizontal, coincidiendo con los criterios habituales usados en física y en mecánica. Dos engranajes helicoidales externos que operen sobre ejes paralelos deben ser de la mano contraria. En cambio, un tornillo helicoidal y su piñón deben ser de la misma mano.


title: Tornillo sin fin

text: Un sin fin levógiro es aquel en que las espirales del tornillo se inclinan hacia su lado derecho cuando se observa con su eje en posición horizontal.


title: Tornillo sin fin

text: En función de la geometría de los dientes del tornillo y del engranaje, hay tres tipos de configuraciones del sin fin:


title: Tornillo sin fin

text: En máquinas de alto rendimiento se ha generalizado el uso del sin fin de «doble garganta». Los otros dos tipos se utilizan en la fabricación de dispositivos más sencillos y de menor coste.


title: Tornillo sin fin

text: En los automóviles de principios del , antes de la introducción de la dirección asistida, el efecto de un plano o un reventón en una de las ruedas delanteras provocaba que el mecanismo de dirección se desviase hacia el lado del neumático pinchado. El empleo de un sin fin en la columna de dirección reduce este efecto. El desarrollo posterior del sistema de husillo de bolas, permitió reducir aún más los rozamientos; mejorando tanto el control del vehículo como la durabilidad y precisión del mecanismo de dirección.


title: Tornillo sin fin

text: El sin fin es un medio compacto para reducir la velocidad y aumentar el par de giro especialmente en motores eléctricos pequeños, que generalmente son de alta velocidad y de bajo par. La adición de un sin fin aumenta notablemente sus posibilidades de aplicación.


title: Tornillo sin fin

text: Tornillos sin fin se utilizan en prensas, laminadores, cadenas de montaje, maquinaria en industrias de explotación minera, en timones de barco y en sierras circulares. Además, en fresadoras y máquinas herramienta sirven para ubicar los útiles de corte en la zona de trabajo con alta precisión, utilizando sistemas de doble tornillo con tolerancias estrictas. También se utilizan en los mecanismos de control de muchos tipos de ascensores y de escaleras mecánicas, debido a su tamaño compacto y a la no reversibilidad del movimiento.


title: Tornillo sin fin

text: En la época de los barcos de vela, la introducción del sin fin para controlar el timón fue un avance significativo. Hasta entonces, el mecanismo utilizado consistía en una cuerda arrollada a un torno. Muchos barcos contaban con dos ruedas de gran diámetro, porque en caso de marejada podían necesitarse hasta cuatro tripulantes para gobernar el timón. Sistemas de tornillo sin fin se han utilizado en algunos automóviles de tracción trasera anteriores a la aparición del mecanismo diferencial. Con posterioridad se vio que su uso tiene la ventaja de poderse ubicar en el punto alto o en el punto bajo de la corona del diferencial. En la década de 1910 era común ver el sinfín colocado en la parte de arriba del diferencial, mejorando la altura útil sobre el terreno de los camiones que se utilizaban para circular por caminos de tierra. En cambio, en la década de 1920 la firma Stutz Motor Company utilizaba este sistema en sus coches, en este caso, para tener un chasis más bajo que sus competidores, por lo que se situaba el engranaje en la parte inferior del diferencial. Un ejemplo de alrededor de 1960 fue el Peugeot 404.


title: Tornillo sin fin

text: Un sin fin formando parte del diferencial, evita que el vehículo retroceda en una pendiente sin necesidad de utilizar el freno. Esta ventaja, sin embargo, no compensaba los problemas ligados a los excesivos coeficientes de reducción de giro resultantes. Una excepción reciente es el Diferencial Torsen, que utiliza engranajes sin fin y engranajes planetarios en lugar del engranaje cónico de los diferenciales abiertos convencionales. Diferenciales Torsen se utilizan en el vehículo militar Humvee y en algunos modelos de Hummer. También los incorporan algunos vehículos de tracción en las cuatro ruedas, como los Audi Quattro. Algunos camiones pesados como los grandes dumpers utilizados en construcción y en minería, a menudo utilizan un sin fin diferencial para transmitir la potencia desde el motor a las ruedas. No es tan eficiente como un engranaje cónico, por lo que estos camiones suelen tener diferenciales voluminosos para alojar la gran cantidad de aceite necesaria para absorber y disipar el calor creado.


title: Tornillo sin fin

text: Así mismo, se utilizan como mecanismo para el tensado de las cuerdas y su afinado en muchos instrumentos musicales, incluyendo guitarras, contrabajos, mandolinas, buzukis y muchos banjos.


title: Tornillo sin fin

text: Mecanismos sin fin de plástico a menudo se utilizan con motores eléctricos pequeños, para obtener una salida con muchas menos revoluciones que el motor, que funciona mejor a una velocidad bastante alta. Este sistema se utiliza a menudo en juguetes y en otros aparatos eléctricos pequeños.


title: Tornillo sin fin

text: Las abrazaderas para tubo utilizan para ajustar su tamaño un tornillo sin fin que encaja en una serie de ranuras.


title: Tornillo sin fin

text: En ocasiones, un sin fin se puede diseñar para funcionar a la inversa, resultando que el eje de salida gira mucho más rápido que el de entrada. Ejemplos de esto pueden verse en algunas centrifugadoras manuales o en el mecanismo regulador de velocidad de las cajas de música.


title: Tornillo sin fin

text: En los tornillos helicoidales en primer lugar se tallan los dientes y posteriormente se ajustan a sus dimensiones definitivas.


title: Francisco Escudero García de Goizueta

text: Francisco Escudero García de Goizueta, también conocido como el "Maestro Escudero" (Zarauz, 13 de agosto de 1912 - San Sebastián, 7 de junio de 2002) fue un compositor español procedente del País Vasco.


title: Francisco Escudero García de Goizueta

text: Nació en Zarauz (Guipúzcoa), el 13 de agosto de 1912. Comenzó sus estudios musicales en la Academia Municipal de Música de San Sebastián con Beltrán Pagola, y los continuó en Madrid, donde fue alumno de Composición de Conrado del Campo. Becado por la Diputación de Guipúzcoa y la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, se trasladó a París, para seguir cursos de perfeccionamiento con Paul Dukas y Paul Le Flem, y después en Múnich como alumno de Albert Wolf.


title: Francisco Escudero García de Goizueta

text: En 1937 obtiene el Premio Nacional de Bellas Artes por su obra "Trío bucólico". Durante la guerra civil española se traslada a Francia, regresando a España al final de la misma.


title: Francisco Escudero García de Goizueta

text: En 1945 se instala en Bilbao, donde es nombrado director de la Coral de Bilbao y organiza la Banda. En 1947 gana el primer Premio del Concurso Homenaje a Falla con su obra "Pinceladas vascas", un concierto para piano y orquesta. En 1948 traslada de nuevo su residencia a Zarauz, donde había pasado su infancia, al obtener la Cátedra de Armonía y composición del Conservatorio de Música de San Sebastián, en sustitución de su antiguo profesor Beltrán Pagola. En 1957 obtiene el Premio Nacional de Música, en una época de su actividad como compositor en que está dedicado a los poemas sinfónicos: "Arantzazu", "Evocación en Itziar". En 1960 crea la Banda Ciudad de San Sebastián. Compone la ópera "Zigor", de tema vasco, que se estrena en Bilbao y luego en Madrid y San Sebastián con gran éxito, obteniendo de nuevo un Premio Nacional de Música.


title: Francisco Escudero García de Goizueta

text: Otras de sus obras más destacadas son: "Concierto para violoncello y orquesta", "Sinfonía sacra", "Tonemas" (para piano solo, compuesta por encargo del Ministerio de Cultura con motivo del centenario del nacimiento de Joaquín Turina), "Fantasía geosinfónica" o la ópera "Gernika", encargo de la Sociedad Coral de Bilbao y estrenada en 1987 durante los actos conmemorativos de quincuagésimo aniversario del bombardeo de Guernica.


title: Francisco Escudero García de Goizueta

text: En los últimos años han estrenado sus obras, entre otras agrupaciones, la Orquesta Sinfónica de Bilbao y la Orquesta Sinfónica de Galicia; la Quincena Musical Donostiarra ha dedicado a este compositor un especial interés, estrenándose obras suyas en las últimas ediciones.


title: Francisco Escudero García de Goizueta

text: Actualmente la familia del compositor está centrada en la labor de publicar las obras anteriormente no editadas, además de gestionar su legado.


title: Francisco Escudero García de Goizueta

text: Según la crítica especializada, la obra de Escudero dispone de los suficientes elementos como para ser considerada una de las más valiosas del siglo XX. La poco propicia situación cultural de España durante años, así como la falta de una cultura musical clásica de peso en el último tramo del siglo, han impedido la mayor difusión de una música que en otros países europeos gozaría de una unánime aceptación e impulso.


title: Francisco Escudero García de Goizueta

text: Dentro de su labor docente, dirigió el Conservatorio Superior Municipal de Música de San Sebastián. Bajo este período, en 1979, fue cuando al histórico conservatorio donostiarra le fue concedida la capacidad de impartir el Grado Superior de los estudios de música. Discípulos suyos son, entre otros, Javier Jacinto, José Luis Marco, Ramon Lazkano, Ángel Illarramendi, Alberto Iglesias y la mayor parte del profesorado del Conservatorio de San Sebastián así como de otros centros musicales de España.


title: Francisco Escudero García de Goizueta

text: Falleció el 7 de junio de 2002. A título póstumo y como homenaje, el Ayuntamiento de San Sebastián dio su nombre a un parque de la ciudad. En 2004 el Conservatorio de Música de San Sebastián cambió de nombre, adoptando el de Conservatorio Francisco Escudero.


title: Memmingen

text: Memmingen es una ciudad de Alemania, ubicada en la región de Suabia, en el oeste del estado federado de Baviera. A su vez, está junto al límite fronterizo de Baden-Wurtemberg. Está situada a orillas del río Iller.


title: Memmingen

text: Se trata de una ciudad medieval, de una arquitectura muy bien conservada, con numerosos edificios patricios y construcciones de estilo barroco, típicas del sur del país. Se encuentra en un cruce de caminos, y es considerada la puerta a la región de Algovia.


title: Memmingen

text: La ciudad está situada en una antigua meseta glaciar, junto al río Illner. Tiene unos suelos arenosos muy fértiles, con zonas arcillosas y de gravas. En algunas zonas del municipio, hay un bajo nivel freático, lo que permite que surjan numerosos arroyos y fuentes de agua.


title: Memmingen

text: Memmingen está situada en una confluencia de caminos. Se encuentra a 50 km al sur de Ulm, y a 115 km al suroeste de Múnich.


title: Memmingen

text: La ciudad tiene un claro clima continental. Se encuentra en una zona húmeda, con abundante precipitación a lo largo del año. Las temperaturas en verano suelen tener una media de 24 °C de máxima y 12 °C de mínima. En invierno, la media está entre los 2 °C de máxima y los -5 °C de mínima. La situación donde está, hace que sea bastante común la formación de densas nieblas, sobre todo en meses de otoño.


title: Memmingen

text: En 1802 durante las guerras Napoleónicas, Memmingen pasa a forma parte de Baviera.


title: Memmingen

text: Tras el final de la Segunda Guerra Mundial en que la región fue severamente bombardeada por los aliados, Memmingen experimentó un rápido desarrollo económico que le permite disfrutar en la actualidad de un elevado nivel de vida.


title: Memmingen

text: Son varias la PYMEs que se han establecido en Memmingen durante las últimas dos décadas gracias al apoyo del gobierno federal y la Unión Europea (UE).


title: Memmingen

text: Memmingen se encuentra en un cruce de carreteras, bien conectado con la región. Así en la ciudad confluye el cruce de autopistas entre la A-7, que conecta Ulm-Füssen-Austria, con la A-96, que conecta Múnich-Lindau-Suiza.


title: Memmingen

text: La estación de Memmingen, recientemente renovada, conecta líneas como la Múnich-Zúrich o la Ulm-Oberstdorf.


title: Memmingen

text: El aeropuerto de Memmingen fue durante décadas una base militar de la Luftwaffe. En el año 2004 se abre una pequeña terminal para vuelos comerciales, sin mucho éxito inicial. A partir del 2007, comienzan a abrir numerosas líneas aéreas de bajo coste, con compañías como TuiFly o Ryanair como principales operadoras. Hoy día mueve casi un millón de pasajeros anuales, con conexiones internacionales a varios países, principalmente España, Italia, Turquía, Suecia o Reino Unido.


title: Banisteriopsis caapi

text: Banisteriopsis caapi es una especie botánica de liana del género "Banisteriopsis", de la familia de las malpiguiáceas. "B. caapi" desarrolla ramas largas y fuertes cuyas hojas son redondas, verdes y puntiagudas. Las palabras "ayahuasca" o "yagé" se refieren tanto a la "B. caapi" como a la decocción psicoactiva preparada por los indígenas en sus rituales.


title: Banisteriopsis caapi

text: Se desconoce el territorio original de la "Banisteriopsis caapi", pero se encuentra en los territorios amazónicos de Colombia, Ecuador, Perú, Bolivia, Brasil y Venezuela, en donde las comunidades indígenas amazónicas la utilizan en ceremonias rituales como ayahuasca, una decocción con una larga historia de uso enteógeno, purgativo y chamánico.


title: Banisteriopsis caapi

text: El yagé es un enorme arbusto trepador que produce tallos leñosos que pueden alcanzar los 30 metros de largo. Es además una planta enredadera que necesita un soporte para encaramarse, como otra planta, un muro o un peñasco.


title: Banisteriopsis caapi

text: El yagé produce una flor pequeña que puede alcanzar una dimensión de 14 centímetros con un número de entre 4 y 5 pétalos que pueden ser blancos o rosados. Las flores están distribuidas en un sistema simpódico de ramificación. Las flores son hermafroditas, raramente unisexuales, radiales de 5 pétalos.


title: Banisteriopsis caapi

text: Drupas o esquizocarpo de una sola semilla, similar a los granos del café y rico en vitamina C. Brotan entre marzo y agosto.


title: Banisteriopsis caapi

text: Se trata de un bejuco de planta de guía o enredadera con tallos elongados y delgados que nunca se sostienen por sí mismos. Cada nudo tiene su respectivo entrenudo y hojas y yemas como un módulo. Todos los módulos de la planta tienen un grosor y funcionalidad más o menos similares, que adaptan al módulo a las condiciones locales. El bejuco puede alcanzar hasta 30 metros de largo.


title: Banisteriopsis caapi

text: Como en malpighiaceae, las hojas son grandes y crecen opuestas y alternas, simples y de márgenes enteros lobulados, con glándulas pluricelulares en el margen y venación pinnada.


title: Banisteriopsis caapi

text: Crece generalmente en la selva tropical en donde es buscada por los indígenas que la utilizan en ritos tradicionales de medicina, aunque algunos grupos pueden cosecharla, pero los conocedores más conservadores prefieren tomarla del ambiente natural al considerar que así es "más potente".


title: Banisteriopsis caapi

text: La planta es endémica de las áreas tropicales y subtropicales de Sudamérica, especialmente en regiones andinas y amazónicas de Colombia, Ecuador, Perú, Bolivia, Brasil y Venezuela. No se encuentra de manera natural en otros continentes del mundo, aunque su creciente popularidad hace que sea trasplantada a otros continentes a manera de cultivo o como planta ornamental, pero no tolera los fríos extremos.


title: Banisteriopsis caapi

text: "Banisteriopsis caapi" fue descrita por Conrad Vernon Morton y publicada en "Journal of the Washington Academy of Sciences 21(20): 486 en 1931."


title: Banisteriopsis caapi

text: El botánico inglés Richard Spruce identificó a la "Banisteriopsis caapi" dentro de la familia de las Malpighiaceae en los estudios que realizó entre 1849 y 1864 en la Amazonía brasileña, venezolana y ecuatoriana en compañía de Alfred Russel Wallace y Henry Walter Bates. Reunieron más de 30 mil especies vegetales entre la Amazonía y los Andes, entre las cuales estaba el yagé del cual describieron que era utilizado por los indígenas del río Vaupés entre Venezuela y Brasil, los cuales le daban el nombre de "caapi" y lo utilizaban en sus rituales. Los indígenas que conocieron los botánicos fueron los tucanos entre Colombia y Brasil e indígenas de Ecuador.Banisteriopsis hace referencia al clérigo y naturista inglés John Banister y el nombre del género botánico de plantas con flores con 136 especies perteneciente a la familia Malpighiaceae y que es originario de las áreas tropicales y subtropicales de las Américas. Generalmente se abrevia como B.


title: Banisteriopsis caapi

text: caapi proviene de la lengua Ñe'engatú de la familia lingüística tupí-guaraní, que era la lengua más extendida en la costa de Brasil y en la amazonia colombiana (río Vaupés) antes del contacto con los europeos, y que siguió siendo extensivamente usada por los colonizadores en el primer período de la colonización portuguesa. Según Spruce, "caapi" traduce "yerba" u "hoja delgada". Se distinguen dos variedades de yagé: "mariri caupuri" que crece más cerca del Ecuador y el "mariri tucunaca" que crece en zonas más frías como el sur del Brasil. Ambas variedades pertenecen a la misma especie, aunque tienen diferencias morfológicas y causan diferentes efectos.


title: Banisteriopsis caapi

text: "Banisteriopsis caapi" o yagé es una planta utilizada esencialmente por comunidades indígenas amazónicas de países como Colombia, Ecuador, Perú, Bolivia, Brasil y Venezuela para la preparación de la ayahuasca, un brebaje que se cocina con otra planta como la "Psychotria viridis", entre otras. En dicho contexto es conocida por los pueblos indígenas como una planta medicinal que llama la atención por sus efectos psicodélicos y porque presenta casos en los cuales pacientes depresivos, adictos, etc, han superado substancialmente sus enfermedades.


title: Banisteriopsis caapi

text: La planta contiene harmina y tetrahidroharmina (THH). Estos alcaloides de la clase beta-carbolina, actúan como inhibidores de la monoamino oxidasa (IMAO), los cuales permiten al componente psicoactivo primario dimetiltriptamina (DMT) entrar en actividad. El DMT proviene de otras plantas como la "Psychotria viridis," también conocida como "chacruna"; la "Diplopterys cabrerana", conocida como "chagropanga" o "chaliponga". El vástago de la planta de yagé contiene 0.11-0.83% de beta-carbolina con harmina y THH como sus mayores componentes.


title: Julio Popper

text: Julius Popper o Julio Popper (Bucarest, 15 de diciembre de 1857 - Buenos Aires, 5 de junio de 1893) fue un explorador e ingeniero y genocida rumano de origen judío, nacionalizado y asentado en Argentina. Fue uno de los principales responsables del exterminio de los indígenas selknams (u «onas») que habitaron Tierra del Fuego.


title: Julio Popper

text: Julio Popper nació el 15 de diciembre de 1857 en Bucarest, capital del Reino de Rumania, perteneciente al Imperio Otomano, hijo de Neftalí Popper -rector del primer colegio hebreo de la ciudad y fundador del diario Timpul, órgano de la colectividad judeo-búlgara- y Peppi (Perla), ambos procedentes de Polonia.


title: Julio Popper

text: A los 17 años dejó la casa paterna para estudiar en París, en la Universidad Politécnica, en la Escuela Nacional de Puentes y Rutas, donde se graduó como Ingeniero en Minas. Manejó varios idiomas: rumano, griego, yídish, francés, alemán, latín y un perfecto castellano.


title: Julio Popper

text: Después de graduarse, Popper viajó a Constantinopla y, de allí, a Egipto, donde tuvo algún tipo de participación en el mantenimiento del canal de Suez. Después de eso, recorrió Medio Oriente, India, China y Japón. En 1881 volvió a Rumania pero su estadía allí duró poco. Rumania, recientemente independizada del Imperio Otomano, tenía una serie de leyes que restringían las posibilidades de los judíos y si había algo acerca de lo que Popper estaba seguro era de que su vida no transcurriría dentro de los estrechos límites de un gueto.


title: Julio Popper

text: A principios de 1881 Popper inició su segundo gran viaje. Desafiando al invierno, atravesó Rusia y Siberia. Desde allí cruzó a Alaska, Canadá y los Estados Unidos. Se radicó durante un tiempo en Nueva Orleans. La siguiente escala fue en México, donde dio los primeros pasos en dos actividades que, con el tiempo, le abrirían muchas puertas: la geografía y el periodismo.


title: Julio Popper

text: En 1885, después de una breve estadía en Brasil, en la que, curiosamente, no participó de ninguna obra, desembarcó en Buenos Aires. Tenía 28 años y un currículum impresionante. Su cultura le permitía disertar sobre ingeniería, antropología, gastronomía, latín o inexistentes viajes a China.


title: Julio Popper

text: Julio Popper llegó a Buenos Aires en 1885, teniendo pleno conocimiento del descubrimiento de oro en el extremo sur continental de Argentina, hoy Provincia de Santa Cruz, más precisamente en la famosa zona de "zanja a pique". Sin perder de vista estas manifestaciones auríferas y por lógica deducción geológica y minera, Popper arribó a la Isla Grande de Tierra del Fuego con un grupo de expedicionarios en septiembre del año 1886, descubriendo en esa oportunidad el más importante yacimiento aurífero que registró la actividad minera en territorios australes sobre el litoral del océano Atlántico, ubicado sobre la espiga que prácticamente encierra por el extremo norte la bahía San Sebastián y que él denominó El Páramo. Durante su viaje exploratorio se encargó de poner nombres (topónimos) a los lugares, ríos y accidentes geográficos que iba encontrando, y registrándolos en sus mapas. El más importante, y que aún hoy tiene vigencia y aceptación, es el de mar Argentino.


title: Julio Popper

text: Popper tenía la visión geopolítica de crear un pueblo como modo de afirmar la soberanía argentina, que llamó "Atlanta", cerca de donde hoy se encuentra la ciudad de Río Grande. Este poblado iba a constituir el puerto de entrada hacia la Antártida en 1890, con todos los servicios que debía tener un puerto. De este proyecto Atlanta, Popper escribió y editó seis ejemplares, numerados y firmados por él, de los cuales el Museo del Fin del Mundo posee el número dos.


title: Julio Popper

text: De regreso en Buenos Aires, en 1887, dio una conferencia en el Instituto Geográfico Argentino el 5 de marzo. Su disertación científica entusiasmó tanto a los presentes que de ella salió como resultado la fundación de la Compañía Anónima Lavaderos de Oro del Sur y, en la primavera de 1887, Julio Popper regresó a Tierra del Fuego con los papeles que lo habilitaban para explotar los yacimientos de arenas auríferas que pudiera encontrar. Además, su disertación tuvo tanto éxito que le valió su incorporación a la Logia Docente, el grupo de intelectuales masónicos más distinguido en la sociedad de Buenos Aires.


title: Julio Popper

text: Una vez concluida la Conquista del Desierto, estancieros, buscadores de oro y particulares se lanzaron sobre la Tierra del Fuego. La fiebre del oro posibilitó una campaña de exterminio contra la población indígena de Tierra del Fuego. A ello contribuyó también la mortandad producto de las nuevas enfermedades introducidas por los colonizadores. Popper fue uno de los «cazadores de indios» que formaron parte de la campaña de exterminio de la población selknam de Tierra del Fuego. Se desconoce la cantidad de indígenas que habría matado, pero las pruebas apuntan a que sí intervino en las cacerías y tomó parte en las mismas. A causa de la proliferación de la industria ganadera los selknam comenzaron a ser desplazados de las tierras que habitaban, las cuales fueron apropiadas por los estancieros y colonos.


title: Julio Popper

text: En este contexto, ocurrió la masacre de la playa de San Sebastián, en noviembre de 1886, en la que el comandante Ramón Lista, al frente de un grupo de marinos, atacó una toldería ona provocando la muerte de 27 de ellos. Tras la masacre, los hombres de Lista se ensañaron con un joven ona al que encontraron escondido tras unas rocas, armado tan solo con su arco y su flecha: lo mataron de 28 balazos.


title: Julio Popper

text: La principal evidencia contra Popper es el álbum fotográfico de la expedición, que es de carácter secuencial (1887); se encuentra en el Museo del Fin del Mundo, en Ushuaia, Argentina, y fue un obsequio de Popper para el presidente argentino Miguel Juárez Celman. En varias fotografías se lo muestra en plena actividad de cacería. Popper mismo la mostró en una exposición en el Instituto Geográfico Militar, donde explicó que en el «enfrentamiento» murieron dos indios.


title: Julio Popper

text: El nombre de Popper aparece frecuentemente mencionado entre los cazadores de indios, junto con el de Alejandro Maclennan y Míster Bond, entre otros.


title: Julio Popper

text: Las fotografías del álbum de la expedición de Julio Popper están dispuestas de manera tal que construyen un sentido. Las primeras 16 desglosan un texto escrito por el autor, que da cuenta de los diversos aspectos de la travesía, que acentúa el carácter científico de la expedición. Comenta su viaje relatando diversos episodios con indígenas y los categoriza de salvajes, de exóticos, descripción que estuvo fuertemente vinculada a los pensamientos de la época, a las ideas más científicas como el darwinismo. Existen también dos mapas de la Tierra del Fuego, inexplorada por entonces. Las hojas restantes presentan las fotografías de su expedición.


title: Julio Popper

text: Hace una descripción bastante precisa de los onas, los describe físicamente, sus modos de vida material, las herramientas que utilizan, las divisiones sexuales frente al trabajo, sus frágiles toldos transportables, su vida nómada de cazador-recolector, entre otras características.


title: Julio Popper

text: Popper tuvo problemas tanto con otros colonos como con el gobierno argentino por conducirse como una especie de dictador autónomo, con guardia uniformada y acuñando su propia moneda, el popper. Fue llevado a juicio pero salió indemne; eso sí, no volvió a la región y empezó a planificar la explotación de la Antártida.


title: Julio Popper

text: En 1891, Popper patentó en la Argentina y varios países del mundo, su «cosechadora de oro», que ―según él― podía lavar 75 t de arena por día, extrayendo 99,6 % de su contenido de oro.


title: Julio Popper

text: El 6 de junio de 1893 Julio Popper fue encontrado muerto en misteriosas circunstancias en el hotel de Buenos Aires donde se hospedaba, lo que derivó en el pedido de una autopsia. Sin embargo, al procederse a exhumar el cuerpo éste había desaparecido. La hipótesis del ataque cardíaco como causa del fallecimiento no fue aceptada unánimemente al tratarse de un hombre joven y vigoroso, de contextura sana y robusta, que contaba solamente 35 años de edad en el momento de su muerte. Algunas voces llegaron a sugerir que el explorador rumano había sido envenenado, entre ellas la del sacerdote salesiano José María Beauvoir. Hay que tener en cuenta que el carácter y la personalidad de Popper le habían granjeado muchos enemigos en su corta existencia. Entre éstos, los dos primeros gobernadores de Tierra del Fuego, Félix Mariano Paz y Mario Cornero. El historiador salesiano Juan E. Belza también señala entre sus adversarios al terrateniente asturiano José Menéndez Menéndez, con quien mantuvo relaciones comerciales y al que llegó a denunciar ante el juez de Punta Arenas (Chile) por vender en sus tiendas artículos robados. A la postre, fue Menéndez quien se quedó con todas las tierras que el gobierno argentino había concedido a Julio Popper en la Tierra del Fuego, donde fundó sus estancias Primera y Segunda Argentina, hoy Estancia José Menéndez y Estancia María Behety.


title: Julio Popper

text: Para mantener su organización, Julio Popper acuñó monedas de oro de 1 y 5 gramos. En un principio, esta acuñación fue realizada en sus propios talleres, de manera casi artesanal. Pero debido a sus contactos, consiguió que la Casa de Moneda de la Nación acuñase 200 piezas de 5 gramos y 1000 piezas de 1 gramo, lo que en cierto modo legalizaba su circulación. La situación fue insólita, ya que en la Argentina, en esa época, en todo el territorio regía el peso moneda nacional, pero en Tierra del Fuego, el popper.


title: Julio Popper

text: Algunos explican esta emisión por las dificultades que se originaban en la gran distancia e incomunicación que tenía la isla, lo que creaba la necesidad de un circulante. En la actualidad, las monedas popper tienen un gran valor numismático. Además de las monedas, emitió un sello de correos de 10 centavos, equivalente a 10 centigramos de oro, que fue diseñado por Rodolfo Scukup y litografiado e impreso por J. H. Kidd y Cia. de B. Aires.


title: Julio Popper

text: La estampilla era una sobretasa de estímulo para los mensajeros que transportaban las cartas entre los diferentes establecimientos de la concesión y a una estafeta de correos oficial. En la estafeta, que podía ser tanto argentina como chilena (en el caso de Punta Arenas), se le agregaba el franqueo oficial correspondiente. El sello era aplicado tanto a la correspondencia que salía como a la que arribaba. Las cartas que circulaban entre los diferentes establecimientos de la concesión eran franqueadas solamente con los sellos de Popper. La estampilla de Tierra del Fuego circuló desde enero hasta agosto de 1891. Hubo obliteraciones en cartas son Auricosta, Carmen Sylva, Colonia Popper, Páramo y San Sebastián.


title: Julio Popper

text: La emisión de un sello de correo propio para ser utilizado en territorio argentino le causó un juicio por parte del Estado del que fue absuelto pues se usaba exclusivamente para la correspondencia transportada por personal propio.


title: Julio Popper

text: En 1956, el escritor chileno Francisco Coloane publicó un libro de cuentos titulado "Tierra del Fuego", que incluye el cuento homónimo ("Tierra del Fuego") donde se menciona la figura de Julio Popper. Años más tarde, en 2000 se estrenó la película "Tierra del Fuego", basada en dicho cuento y en las propias crónicas de Popper. Esta película es dirigida por Miguel Littín, y el guion estuvo a cargo de él mismo, del escritor chileno Luis Sepúlveda y del guionista italiano Tonino Guerra.


title: Julio Popper

text: Julio Popper aparece también en "El corazón a contraluz" del escritor y cantautor chileno Patricio Manns.


title: Julio Popper

text: En marzo de 2014 Les Humanoïdes Associés publicaron el Tomo IV de su serie Cap-Horn (Cabo de Hornos), donde el guionista francés Christian Perrissin y el dibujante italiano Enea Riboldi recrean en una viñeta el asesinato de Julio Popper a través de envenenamiento.


title: Chaturanga

text: El chaturanga (; "caturaṅga") es un antiguo juego originario de India y del cual parece provenir el ajedrez tal como se conoce hoy en día, así como otros juegos como el shōgi, el xiangqi, el janggi y el makruk. La referencia más antigua al chaturanga se encuentra en el "Majábharata" (texto épicorreligioso del siglo III a. C.).


title: Chaturanga

text: En el "Jarsha-charita" (escrito por Baná Bhatta hacia el 640) se encuentra otra mención del juego, refiriéndose a que en la época del rey Jarsha Vardhana comenzó un inédito período de paz, en que las guerras solo se realizaban sobre un tablero de ajedrez:


title: Chaturanga

text: Se cree que la versión moderna del chaturanga se ha jugado desde alrededor del año 600, por lo que se le considera la versión más antigua del ajedrez.


title: Chaturanga

text: El chaturanga es el antecesor directo del shatranj, que fue la forma en la que el ajedrez llegó a la Europa medieval.


title: Chaturanga

text: En su obra "El libro de los reyes", el poeta persa Ferdusí (935-1020) cuenta acerca del origen del chaturanga, donde plantea que el juego se creó debido a una polémica surgida tras una guerra de sucesión al trono entre dos hermanos. Para resolverla, un grupo de sabios decidió reproducir dicha batalla colocando, en un suelo de escaques de buena madera teca oscura y marfil blanco, estatuillas que representaban: dos grupos de infantes en fila, atrás del grupo de infantes se colocaron ordenadamente, el rey, su general, dos elefantes, dos carruajes y dos caballeros con sus respectivos equinos. A cada estatuilla se le atribuyó el papel que habían jugado en la batalla y lo representaron mediante movimientos sobre las casillas así: el general no se podía mantener alejado de su rey más de una casilla, el elefante se desplazaba tres casillas verticalmente, el caballero se desplazaba tres casillas diagonalmente y los soldados de infantería se desplazaban una casilla hacia adelante.


title: Chaturanga

text: El término chaturanga se acuñó de "chatur" (que significa ‘cuatro’ en sánscrito) y "anga" (que significa ‘miembros’), es decir los cuatro miembros que integran un ejército: infantería, caballería, elefantes y carruajes.


title: Chaturanga

text: Por lo antiguo de los escritos de Ferdusí, surge la duda si bien fueron basados en hechos reales o no, lo que importa es que hace muchos siglos en la India se manejaba un juego que representaba una guerra en un tablero.


title: Chaturanga

text: Existe un claro debate si el chaturanga se inició por un esquema de dos o cuatro jugadores por tabla.


title: Chaturanga

text: Duncan Forbes, autor de "The history of chess" expresa de manifiesto que primero se jugaba un esquema de 4 contendientes (chaturaji) para después evolucionar a dos contendientes. Todo esto basándose en los primeros textos indios que hacen referencia al juego de cuatro reyes que datan del año 1030 después de Cristo.


title: Chaturanga

text: Sin embargo, esta teoría fue rechazada con posterioridad, y en la actualidad se cree que el chaturaji fue creado como variación del chaturanga (ver artículo Chaturaji).


title: Chaturanga

text: La teoría sobre la expansión del chaturanga, explica que este juego se expandió en viajes tales como los realizados en la Ruta de la seda; en donde seda, sal, y especias atravesaban desde la India hacia el Oriente y el Occidente; producto que en las caravanas se llevaba siempre un tablero de chaturanga; conociéndose así este juego en la China, Irán, los países árabes, etc.


title: Chaturanga

text: El chaturanga se jugaba en un tablero de 8×8, en el que las casillas eran del mismo color. Este tablero se llamaba "ashtāpada". Algunas casillas del tablero estaban marcadas, pero el significado de estas marcas aún se desconoce. Las marcas no están relacionadas con el chaturanga, pero se hacían por tradición. Algunos historiadores plantean como conjetura que el Ashtāpada se utilizara también para algún otro juego de dados, en el que las marcas tenían sentido. No se conocen las reglas exactas del juego, aunque algunos historiadores del ajedrez creen que eran las mismas o muy similares a las del shatranj. Existe incertidumbre respecto del movimiento del "elefante", el precursor del alfil del ajedrez moderno. En la literatura antigua se describen tres movimientos diferentes:


title: Chaturanga

text: Este movimiento fue descrito por el maestro árabe Al-Adli alrededor del año 840 en una obra que no ha llegado completa hasta nosotros. (La palabra árabe "dabbābah" era el nombre de un artefacto de guerra que se utilizaba durante el asedio y ataque a fortificaciones protegidas por murallas y en la actualidad significa ‘tanque’).


title: Chaturanga

text: Al-Adli también menciona otras dos diferencias del chaturanga con el shatranj:


title: Chaturanga

text: El poema Mâdayân î chatrang, o simplemente Chatrang nâmag, es la primera evidencia literaria que describe las piezas de ajedrez y la llegada del chaturanga a Persia, aunque la datación del texto es polémica - los historiadores estiman que data entre los siglos VII y IX.


title: Chaturanga

text: Hacia el siglo VII otro poema, Xusraw Kawadan ud redag, escrito en idioma pahlavi, menciona el chaturanga, el Ashtāpada y el nard, el predecesor del backgammon. Cosroes fue el Shah de Persia de 531 a 579 y entre las posibilidades existentes, sería la primera en recibir un conjunto de piezas de ajedrez provenientes de la India.


title: Rose McGowan

text: Rose Arianna McGowan (Florencia, 5 de septiembre de 1973) es una actriz y directora estadounidense de cine independiente. Ha trabajado en varios proyectos, su papel más reconocido es Paige Matthews en la serie "Charmed," y también destacan "Scream", "The Doom Generation y" "Jawbreaker".


title: Rose McGowan

text: Rose McGowan nació en Italia y fue criada en las comunas del culto religioso Niños de Dios, del que su padre Daniel era un misionero, siendo también líder de la capilla italiana. Rose se convirtió en modelo infantil a la edad de tres años, ya que su padre tenía muchos contactos en la industria del arte. Apareció en "Vogue Bambini" y muchas otras revistas italianas. Aprendió a leer casi al mismo tiempo que a posar, con tres años, y a los seis ya estaba leyendo clásicos como "The Raven" o "The Tell-Tale Heart".


title: Rose McGowan

text: La familia McGowan se mudó a Estados Unidos cuando Rose tenía diez años. Allí, acabó viviendo en Oregón con su madre. Comenzó a trabajar a los trece años. Tuvo varios trabajos temporales como camarera o acomodadora de cine. Rose se emancipó legalmente de sus padres a la edad de quince años, e incluso se representó a sí misma en el juicio.


title: Rose McGowan

text: De vez en cuando, Rose viajaba a Los Ángeles para visitar a un amigo actor. En 1990, hizo una pequeña aparición en un capítulo de la serie de televisión "True Colors", y en 1992 tuvo un minúsculo papel en la película "El hombre de California" (más conocida como "Encino Man"), como Nora.


title: Rose McGowan

text: Sin embargo, cuatro meses más tarde, un encuentro casual trajo a Rose McGowan una nueva oportunidad, de la mano de "The Doom Generation" y un papel protagonista, el de Amy Blue. Tras el rodaje de "The Doom Generation", McGowan volvió con su padre y su tía a Seattle. Nunca se le pasó por la cabeza ser actriz y vivir de la interpretación. De hecho, utilizó el dinero de "The Doom Generation" para apuntarse en una escuela de esteticismo, sacarse el título y trabajar en el salón de belleza de su tía. Mientras trabajaba con su tía, "The Doom Generation" se estrenó en el Festival de Cine de Sundance, en enero de 1995, y Gregg Araki llevó con él a sus actores para promocionar la película. Poco después, decidió mudarse a Los Ángeles y continuar con la actuación. También tomó clases en la UCLA.


title: Rose McGowan

text: En 1996, tuvo un pequeño papel en "Bio-Dome", como Denise. También interpretó a Jasmine Hoyle en la película "Kiss & Tell". La creciente fama de la actriz atrajo al director de cine Wes Craven, que le dio el papel de Tatum Riley en la película "Scream". En 1997, interpretó a George en el filme "Lewis & Clark & George". En ese mismo año, participó en "Going All the Way", y en la película "Nowhere". Esta cinta le dio la oportunidad de volver a trabajar con Gregg Araki, director de "The Doom Generation", y actúo junto a Shannen Doherty, a la que unos años más tarde sustituiría en una popular serie de televisión. Como último papel en ese año, hizo de Miriam en el cortometraje "Seed".


title: Rose McGowan

text: A finales de 1997 conoció al excéntrico roquero Marilyn Manson, con el que estuvo a punto de contraer matrimonio posteriormente al estreno de la película "Gummo". Manson acababa de mudarse a Hollywood. Además de su vida con Manson, McGowan estaba muy ocupada rodando en 1998 "Phantoms", su primera gran película desde "Scream". Tras esta película vendría "Southie", donde interpretaría a Kathy Quinn. En este mismo año, firmaría como imagen de la marca de ropa estadounidense Bebe y protagonizaría unas campañas para ella. Además, interpretó a la psicópata Debbie Strand en "Devil in the Flesh". McGowan protagonizó el vídeo musical «Coma White», de Marilyn Manson, que también le compuso canciones y pintó retratos sobre ella.


title: Rose McGowan

text: El siguiente gran éxito de Rose McGowan vino de la mano de la comedia negra "Jawbreaker", en 1999, donde interpretaba a Courtney Shayne. "Jawbreaker" le supuso una nominación a los MTV Movie Awards. Ese mismo año tuvo un papel en un cortometraje llamado "Sleeping Beauties", donde interpretaba a Sno Blo.


title: Rose McGowan

text: En el año 2000, rodó cintas como "Ready to Rumble" o "The Last Stop". Estuvo en "Monkeybone" y "The Killing Yard" antes de interpretar su papel más importante en 2000, la vulnerable Moira Kennedy en "Strange Hearts". En enero de 2001, anunció que su relación con Marilyn Manson había terminado. En 2001, The WB le ofreció un contrato de dos años en la serie de televisión "Charmed", como una hermana bruja perdida, Paige Matthews. Aceptó, y lo que empezó como un contrato de dos años se convirtió en cinco años.


title: Rose McGowan

text: A pesar del número de horas de rodaje que implicaba "Charmed", Rose se las arregló para interpretar otros papeles, como en la comedia musical "Stealing Bess" (2002); protagonizó una secuela biográfica de Elvis Presley, junto a Jonathan Rhys Meyers, en "Elvis" (2005), que se emitió por televisión; y participó en la película "La Dalia Negra" (2006), de Brian De Palma. También en 2003 cantó «Superfabulous» para el álbum de BT "Emotional Technology". Mantuvo una relación con David Zinczenko, el editor de la revista "Men’s Health". La relación se prolongó durante tres años, a pesar de que David vivía en Nueva York y Rose en Los Ángeles (a exigencias de rodaje).


title: Rose McGowan

text: Finalmente, el 21 de mayo de 2006 se emitió en Estados Unidos el último capítulo de "Charmed", que les dio un final feliz a las tres hermanas. Concluida su carrera televisiva la actriz regresó a la gran pantalla para rodar "Grindhouse". La segunda parte la completaba "Death Proof", de Quentin Tarantino, en la que también participaba McGowan. Las películas se estrenaron en 2007.


title: Rose McGowan

text: En 2008, sufrió un accidente de tráfico. El impacto del coche provocó que una patilla de sus gafas le cortara la cara. Por miedo a perder su ojo, se sometió a una cirugía a manos de un cirujano plástico provocando su drástico cambio de rostro.


title: Rose McGowan

text: Tras "Grindhouse", rodó en Irlanda "50 Dead Men Walking", junto a Ben Kingsley, en donde interpretaba a Grace, un miembro del IRA que pertenecía a la jerarquía más alta. También tuvo un papel secundario en la serie "Nip/Tuck", entre 2008 y 2009. Interpretó a Theodora «Teddy» Rowe, una malvada doctora, durante cinco episodios de la sexta temporada. Además de regresar temporalmente a la televisión, tuvo la oportunidad de reencontrarse con Julian McMahon, antiguo compañero de rodaje durante la cuarta y quinta temporada de "Charmed".


title: Rose McGowan

text: Rose también hizo un cameo en la película de Robert Rodríguez "Machete", basada en el falso tráiler que marcaba el comienzo de "Planet Terror". Después de coprotagonizar "Dead Awake" (película rodada en 2009 y estrenada en 2010) el siguiente gran proyecto de McGowan fue "Conan el Bárbaro", una película de Marcus Nispel estrenada en 2011. En el filme, rodado en la primavera de 2010 en Bulgaria, interpretó a Marique, una semibruja malvada. En 2014, apareció en el videoclip «Break the Rules» de Charli XCX interpretando el papel de «The Chaperone». Apareció en numerosos episodios de la serie "Once Upon a Time", en la que interpreta a Cora «la Reina de Corazones».


title: Rose McGowan

text: En 2017 McGowan acusó públicamente al productor de Hollywood Harvey Weinstein de haberla violado a los 23 años y acusó a la industria de mantener una cultura de complicidad y silencio que permitía que sucedieran ese tipo de cosas. McGowan había sido silenciada en el momento mediante un acuerdo de confidencialidad firmado por ella y Weinstein a cambio de una suma de dinero de 100 000 dólares. McGowan fue activista por los derechos de las víctimas de abuso sexual durante muchos años previo a que se descubriera lo sucedido con Weinstein.


title: Rose McGowan

text: McGowan empezó a posar para prestigiosas revistas como "Vogue Bambini" a la edad de tres años, en Italia. Debido a su andrógino aspecto, posaba como un chico. Esas fotos, de los años 70, son muy raras y prácticamente imposibles de conseguir.


title: Rose McGowan

text: Sin embargo, en 1996, McGowan volvió a posar, esta vez para la portada de un disco homenaje a Henry Mancini. Apareció caracterizada como una "femme fatale" de la época, pistola en mano. Y no fue hasta 1999 que McGowan volvió a posar, esta vez para Versace. Apareció en un suplemento especial de la revista "Interview" junto a Donatella Versace, Missy Elliot y Lil' Kim. También fue modelo para una conocida marca de ropa estadounidense, Bebe. Apareció en varios carteles usando sus colecciones, durante 1998 y 1999.


title: Rose McGowan

text: El ajetreo como actriz la obligó a dejar a un lado su carrera como modelo. Sin embargo, en 2009 volvió a posar para la marca estadounidense Bloomingdale's, en el catálogo de una nueva colección. Apareció en varios catálogos, carteles promocionales y en la campaña «Luces, cámaras, moda» ("Lights, Cameras, Fashion"), vistiendo algunos de los vestidos de esa línea de moda. También protagonizó un anuncio comercial que se estrenó en televisión.


title: Rose McGowan

text: En 2010, la cadena de cómics Zenescope Entertainment usó su imagen para el desarrollo del cómic de "Charmed". Basándose en sus medidas y sus rasgos físicos, se construyó el doble de Rose que protagonizaba, cada mes, los cómics de esta serie.


title: Fania All-Stars

text: Fania All-Stars es una agrupación de "salsa" y "música caribeña" que a lo largo de su historia ha experimentado diversos géneros musicales como: el "rock", "jazz", "mambo", "soul", y más; Originaria de la Ciudad de Nueva York (Nueva York), Estados Unidos, fue fundada en 1968 y está integrada por los artistas más conocidos del sello Fania Records, a menudo reforzados por estrellas invitadas procedentes de otros sellos de música latina y de otros estilos.


title: Fania All-Stars

text: La historia de este grupo musical representa la ascensión y difusión de la "salsa" como etiqueta comercial para la música latina, por ello son considerados referentes en la historia de la música latina, en particular de la "salsa". Ellos fueron la primera agrupación latina-tropical en pisar suelo africano participando en el festival de música del recordado evento de box "Zaire 74" organizado por Don King, también participaron el concierto de inauguración del Coliseo Roberto Clemente en San Juan, Puerto Rico para el año 1973.


title: Fania All-Stars

text: El director artístico musical y creativo de las grabaciones de Fania All-Stars fue Johnny Pacheco, músico dominicano y fundador, junto con Jerry Masucci, del sello Fania Records. En 1968 Pacheco y Masucci reunieron, con la gran visión creativa de Pacheco, a una serie de músicos con el fin de brindar una presentación y así poder competir con los artistas del sello "Alegre Records" del empresario Al Santiago, quienes habían formado el grupo Alegre All Stars.


title: Fania All-Stars

text: En las filas de Fania All-Stars estuvieron músicos como Larry Harlow, Richie Ray, Papo Lucca, Mongo Santamaría, Yomo Toro, Bobby Valentín, Ray Barreto, Roberto Roena, Johnny Pacheco, Louie Ramirez y cantantes como Celia Cruz (única mujer), Héctor Lavoe, Willie Colón, Rubén Blades, Cheo Feliciano, Ismael Miranda, Ismael Rivera, Ismael Quintana, Santos Colón, Adalberto Santiago y Pete "El Conde" Rodríguez. Posteriormente han militado algunos de los más importantes músicos de "salsa" y "jazz latino" de los últimos cuarenta años, provenientes tanto de las filas de Fania Records como de otros sellos. Entre las estrellas invitadas procedentes de otros géneros musicales y del mismo, que han colaborado a menudo con Fania All-Stars están Manu Dibango, Jorge Santana (hermano de Carlos), Eric Gale, y Bobby Cruz, entre muchos otros.


title: Fania All-Stars

text: Desde 1966 el sello Fania Records experimentó una gran acogida por parte del público, por lo que en diciembre de 1967, Jack Hooke y Ralph Mercado le propusieron a Jerry Masucci y a Johnny Pacheco propietarios de este sello, presentar en exhibición a todos sus artistas, que ahora incluía a los líderes de orquesta ya establecidos como Ray Barretto y al copropietario de Fania, Johnny Pacheco, junto con la nueva generación de músicos directores: Willie Colón, Larry Harlow, Monguito, Joe Bataan, Louie Ramírez, Ralph Roblés y Bobby Valentín. La idea era grabar una sesión en vivo, que serviría como una vitrina para el sello, utilizando el formato "all-stars" (“todas las estrellas”), que ya había probado ser popular en los sellos "Tico Records" y "Alegre Records", competidores directos de Fania Records.


title: Fania All-Stars

text: En 1968, Masucci y el DJ de música "latina" y "jazz", Symphony Sid, hablaron con el promotor del Red Garter Club, Jack Hooke, con el fin de hacer una serie de presentaciones nocturnas con los músicos de Fania, pero para ampliar la expectativa entre el público asistente a los conciertos y grabaciones, se agregaría al programa un grupo de artistas invitados que incluyó a Tito Puente, Eddie Palmieri, Richie Ray, Bobby Cruz y Jimmy Sabater, miembro del "Sexteto de Joe Cuba". A los artistas invitados se les sumó los representantes del sellos Fania, Johnny Pacheco, Ray Barretto, Larry Harlow, Willie Colón, Joe Bataan, Monguito (Ramón Quian), Bobby Quesada, Louie Ramírez, Ralph Robles y Bobby Valentín incluyendo a los vocalistas Ismael Miranda, Pete “El Conde” Rodríguez, Héctor Lavoe, Adalberto Santiago, La La además de Bobby Rodríguez, Orestes Vilató, Ray Maldonado, Ralph Marzan, Joe Rodríguez y Barry Rogers.


title: Fania All-Stars

text: El primer concierto de la Fania All Stars se dio en el "Red Garter Club" en Greenwich Village, editado en dos volúmenes: "Live at the Red Garter, Vol. 1" en 1968 y "Live at the Red Garter, Vol. 2" en 1969. La mayoría de los temas, tenían letras reducidas a coros donde cada instrumentista desarrollaba sus habilidades y los cantantes sus soneos. Además, hubo varios temas cantados en inglés. A pesar de su carácter experimental, el álbum retrata la espontaneidad y virtuosismo de unos músicos que en aquel momento apenas comenzaban a labrarse un camino artístico. Esta presentación, que tuvo como director de orquesta a Johnny Pacheco, fue un intento de sondear la proyección de los ritmos latinos y tuvo un carácter meramente promocional.


title: Fania All-Stars

text: Tuvieron que pasar tres años para que los artistas del sello Fania Records se vuelvan a reunir. El 26 de agosto de 1971, la Fania All-Stars reestructurada y con artistas de su propio sello, se presentó en el Club Nocturno Cheetah ubicado en la esquina sudoeste de la calle 52 y la avenida 8, este club que Ralph Mercado ayudaba a administrar en los años 60 presentó a artistas de "rock" y "R&B" como Jimmy Hendrix, James Brown y Aretha Franklin.


title: Fania All-Stars

text: Los productores del evento fueron Jerry Masucci y Ralph Mercado, y con Johnny Pacheco como el director musical de la agrupación, se lanzó el concierto que los lanzaría a la fama. La contratación de una mayor cantidad de figuras y cantantes, produjo un trascendental acontecimiento que revolucionó la industria de la "salsa" como género musical, con la presentación del concierto denominado "Fania All Stars at the Cheetah" que fue grabado y filmado en vivo, del cual se hicieron dos álbumes: "Live at the Cheetah, Vol. 1" publicado un año después de su grabación, en 1972 y "Live at the Cheetah, Vol. 2" lanzado en 1974, en su momento fueron los más vendidos.


title: Fania All-Stars

text: Del concierto "Fania All Stars at the Cheetah" se editaron parte de las imágenes de la película ""Our Latin Thing (Nuestra Cosa)"" y un álbum doble donde destacan los temas: «Anacaona» cantada por Cheo Feliciano, «Ahora Vengo Yo» con Richie Ray ejecutando un solo de piano y «Quítate Tú» que constituyó el clímax del concierto en sus más de 16 minutos de duración donde todos los cantantes se retan entre sí con sabrosas inspiraciones. Este disco se convirtió en uno de los discos latinos de mayores ventas grabados en concierto por un solo grupo.


title: Fania All-Stars

text: En 1973, la Fania All Stars parecía imparable. Para el 24 de agosto de ese año y pese a las advertencias de algunos escépticos, Masucci se animó a alquilar el masivo Yankee Stadium de Nueva York para un concierto de salsa que se llevó a cabo en mitad de la temporada regular de béisbol, así que el campo no podía ser utilizado más que para poner una enorme tarima entre primera y tercera base. Los participantes de este concierto fueron algunos grupos de rock latino, La Típica 73, El Gran Combo de Puerto Rico, Mongo Santamaría y La Fania All Stars como cierre de tal concierto.


title: Fania All-Stars

text: Jerry Masucci alquiló el Yankee Stadium por una noche pagando la suma de $280.000. Aparte de eso, los hermanos Masucci (Jerry y Alex) pagaron $50.000 por el campo y $50.000 como depósito, garantizando con su propio dinero que el público no dañaría el césped del Yankee Stadium.


title: Fania All-Stars

text: Antes del evento, Masucci predijo ambiciosamente que: ""este concierto revolucionará el negocio de la música como lo hicieron Los Beatles a comienzos de los 60' y Woodstock en 1969"". El riesgo valió la pena, porque el evento atrajo a unas 45.000 personas, aunque algunas fuentes indican que el concierto solo atrajo a 40,000 asistentes. Lo cierto es que la Fania All Stars demostró que se había convertido en la primera banda latina capaz de llenar un estadio.


title: Fania All-Stars

text: Para ese tiempo, la interna de la Fania no era buena ya que Barreto amenazaba con abandonar la agrupación, al negarse a compartir tarima con Orestes Vilató, miembro estelar de la Fania All Stars y uno de los responsables de que cinco de los músicos más importantes en su orquesta pasaran a formar parte de la Típica 73. Tras esto, Pacheco y Masucci se vieron forzados a retirar del grupo a Orestes Vilató trayendo en su lugar a Nicky Marrero. En solidaridad con Orestes, Adalberto Santiago decide abandonar la Fania a pesar de contar con el visto bueno de Barreto, Pacheco y Masucci para seguir en la orquesta a pesar de no ser solista. Ante esto, la Fania coloca a Ismael Quintana, excantante de Eddie Palmieri que iniciaba como solista, así como a Mongo Santamaría que estuvo en calidad de invitado.


title: Fania All-Stars

text: Además de Nicky Marrero, Ray Barreto, Ismael Quintana y Mongo Santamaría, el resto del elenco de esa noche fue compuesto por: Willie Colón, Larry Harlow, Roberto Roena, Richie Ray y Bobby Valentín, los cantantes Cheo Feliciano, Bobby Cruz, Justo Betancourt, Héctor Lavoe, Ismael Miranda, Santitos Colón y Pete "El Conde" Rodríguez, Yomo Toro en el cuatro, los trompetistas Roberto Rodríguez, Ray Maldonado y Víctor Paz y los trombonistas Barry Rogers y Lewis Kahn.


title: Fania All-Stars

text: Esa noche, las estrellas de Fania tocarían dos sets de música: uno de "salsa" y otro donde Masucci pretendía demostrar que sus estrellas podían incursionar en la música "soul afroamericana". El primer set se dio y se cantaron los temas: «Mi Debilidad», «Échate Pa'lla», «Hermandad Fania», «Pueblo Latino» y «El Ratón». El segundo nunca se llegó a completar, ya que tras el feroz duelo de congas entre Ray Barreto y Mongo Santamaría en el tema «Congo Bongo», el público volcó las vallas de seguridad, forzando el fin del concierto. El público se fue directo al escenario, se robaron el piano, los timbales y otros instrumentos. Los hombres de seguridad se llevaron a Jerry Masucci cargado.


title: Fania All-Stars

text: Este concierto dio origen a los álbumes: "Latin-Soul-Rock", "Live At Yankee Stadium Vol. I" y "Live At Yankee Stadium Vol. II" publicados recién en 1974, 1975 y 1976 respectivamente. A pesar del título, algunos de los temas que aparecen en "Live at Yankee Stadium Vol. I y II" provienen del concierto en el Coliseo Roberto Clemente de 1973 que resultó tener mejor calidad sonora que el concierto dado en Nueva York, siendo «Pueblo Latino», «Mi Debilidad», «Hermandad Fania» y «Echate Pa'lla» las únicas grabaciones originales del concierto en el Yankee Stadium.


title: Fania All-Stars

text: Los temas que se cantaron en el Yankee Stadium fueron: «Mi Debilidad», «Échate Pa'lla», «Hermandad Fania», «Pueblo Latino», «El Ratón» y «Congo Bongo».


title: Fania All-Stars

text: Después del concierto en el Yankee Stadium, las estrellas de Fania trasladaron su música a Puerto Rico, para que puedan tocar por primera vez en la patria caribeña de la salsa y en el verdadero hogar de muchos de sus músicos. Se presentaron el 17 de noviembre de 1973 en el concierto de inauguración del Coliseo Roberto Clemente en San Juan, Puerto Rico. Al lugar asistieron aproximadamente 11000 personas, a pesar de que el coliseo solo tenía capacidad para 10 000 y además 2,000 se quedaron afuera. El espectáculo contó por primera vez, con las actuaciones en solitario de los artistas vocales de la Fania y el debut de Celia Cruz. Los cantantes, además de Celia Cruz que interpretó los temas «Diosa del ritmo» y «Bemba Colora», fueron Héctor Lavoe quien cantó su primer éxito en solitario, «Mi Gente», Justo Betancourt, Bobby Cruz, Ismael Miranda cantó el tema «Que Rico Suena Mi Tambor», Ismael Quintana interpretó «Mi Debilidad», Pete "El Conde" Rodríguez hizo lo propio con el tema «Pueblo Latino», Santos Colón cantando «Soy Guajiro» y Cheo Feliciano que interpretó «El Ratón» y el tema «Congo Bongó» al lado de Lavoe, todos ellos se reunieron en el escenario para brindar una interpretación inolvidable. Además de la Fania se presentó Roberto Roena y su Apollo Sound, así como Manu Dibango y Mongo Santamaría. Para esos años la Fania salió de gira por Venezuela, República Dominicana, Panamá y México.


title: Fania All-Stars

text: Este concierto sería publicado en 1974 pero no salió porque Masucci creyó que no sería muy comercial, pues de alguna manera, el proyecto de hacer una película y álbumes de la presentación en el Yankee Stadium estaba vigente y resultaba más apetecible.


title: Fania All-Stars

text: El espectáculo "San Juan 73" fue un éxito fenomenal, y el concierto fue todavía mejor que el de Nueva York (Yankee Stadium). Ambos conciertos fueron grabados, pero el del Yankee Stadium fue filmado como la parte principal de la próxima película que Masucci estaba preparando. Es por eso que el título de los discos publicado en 1975 y 1976 se llamó "Live At The Yankee Stadium Vol. I y II". Esta grabación recién se publicó en el año 2009 bajo el nombre "San Juan 73" aunque solo con nueve de los veinte temas que se tocaron esa noche, algunas de las otras canciones aparecen en los álbumes "Live At The Yankee Stadium Vol. I y II".


title: Fania All-Stars

text: De estos conciertos ("Live At Yankee Stadium" y "San Juan 73") surge, además de "Live At Yankee Stadium Vol. I y II", "Latin-Soul-Rock" y la película "Salsa" con su respectiva banda sonora, que como producto cinematográfico no fue un dechado de virtudes, pero que sirvió para dar cobertura al fenómeno de la música "salsa" y promocionar los artistas que formaban parte del sello Fania Records.


title: Fania All-Stars

text: En 1974 se publica "Latin-Soul-Rock" donde se incluyen las canciones grabadas en el Yankee Stadium, «El Ratón» cantada por Cheo Feliciano, con la participación de Jorge Santana en la guitarra y «Congo Bongo», tema que dio fin a dicho concierto; ambos temas no se incluyeron en el álbum del Yankee Stadium. Para este álbum también se incluyó el tema «Soul Makossa» del show en San Juan, una versión del éxito de 1972 del saxofonista camerunés Manu Dibango. La cara “A” de este álbum contiene los cinco temas que debían haber sido grabados en el concierto del Yankee Stadium pero que, por la avalancha de público que se tiró hacia el terreno de juego, hubo de suspenderse. Estos temas, se grabaron posteriormente en "Good Vibration Sound Studios" con el baterista Billy Coham y el guitarrista Jan Hammer, como invitados especiales. Esta parte del disco presentó un estilo musical más orientado al "jazz" y el "rock", que buscaba captar al público anglosajón, esto luego de que la Fania All Stars captó el interés del público americano.


title: Fania All-Stars

text: En 1974, durante el apogeo de la explosión salsera en Nueva York, la Fania All Stars fue invitada a presentarse delante de 80.000 personas en el Estadio Statu Hai (ahora llamado Estadio Tata Raphaël) de Kinshasa como parte del evento "Zaire 74" realizado desde el 22 al 24 de septiembre de ese año.


title: Fania All-Stars

text: Este evento (Zaire 74), presentó la famosa pelea de boxeo entre Muhammad Ali y George Foreman realizada el 30 de octubre en donde asistieron más de 50.000 personas. Pero además de promover la lucha Ali-Foreman (organizada por Don King), el evento "Zaire 74" estaba destinado a presentar y promover la solidaridad racial y cultural entre la gente por lo que 31 grupos de actuación (17 de Zaire y 14 del extranjero) se presentaron en un festival musical hecho con un mes de anticipación, destacando la participación de artistas del género "R&B" y "soul" como James Brown, Bill Withers, BB King, y Las Hilanderas, además de la Fania que fue la primera orquesta tropical en pisar suelo africano.


title: Fania All-Stars

text: Entre las proezas del evento, estuvieron las actuaciones solistas de los cantantes de Fania, y el increíble récord de asistencia de 80.000 personas. Este concierto dio origen a la película “Fania All Stars Live In África”.


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text: "Live In Japan", grabación en vivo publicada en 1976, y el soundtrack de la película “Salsa” fueron otros álbumes que el sello Fania lanzó al mercado. Sin embargo, la fórmula que había funcionado bien, comenzó a declinar por lo repetitivo de la propuesta, por lo que, estos álbumes acusaron bajas ventas y escasa repercusión.


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text: La poca popularidad que causaron los álbumes Live in Japan 1976, y Salsa, llevaron a Jerry Masucci y Johnny Pacheco, gerentes de la disquera a crear el primer trabajo de estudio de Fania All-Stars, desde su creación, 9 años atrás.


title: Fania All-Stars

text: Para 1976, luego de haber dado presentaciones en un número importante de países y publicado varios discos en vivo, la Fania All Stars lanza su primer álbum de estudio "Tribute to Tito Rodríguez", en donde la orquesta le realiza un homenaje a Tito Rodríguez, que llevaba tres años de fallecido. En este álbum, Rubén Blades hizo su debut artístico dentro de la agrupación, con el tema «Los muchachos de Belén»; donde aún se observa en el timbre de su voz y estilo un parecido al de Cheo Feliciano, artista al cual sigue admirando. De este disco también destacan los temas: «Cuando, Cuando, Cuando» cantado por Héctor Lavoe y «Vuela la Paloma».


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text: Para ese entonces, Fania All Stars decide exportar su sonido a Europa y como parte de los ambiciosos planes de Jerry Masucci, firma un contrato con el sello Columbia, parte de la familia CBS (ahora Sony) con miras a penetrar el codiciado mercado anglosajón. La intención fue: fusionar géneros musicales norteamericanos con el sonido latino, logrando álbumes de estudio que serían distribuidos por ambas compañías.


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text: Para este propósito Fania All Stars se redujo a un sexteto: Johnny Pacheco como líder, güiro, flauta y director, sección percusiva con Barreto, Roena y Marrero, Bobby Valentín en el bajo y Papo Lucca al frente de los teclados. Los "Fania Six" grabarían las bases rítmicas, mientras que músicos invitados se encargarían de introducir nuevas ideas ligadas al mundo del "rock" y el "jazz".


title: Fania All-Stars

text: El primer álbum grabado bajo estos parámetros fue el poco memorable "Delicate & Jumpy" (1976), distribuido por Columbia Records en los Estados Unidos. e Island Records en el Reino Unido. La grabación de este disco sirvió para que la Fania All Stars realizara su única presentación en el Reino Unido con un concierto, que fue completamente vendido, en el Lyceum Ballroom de Londres, con Steve Winwood como invitado especial. Sin embargo, desde el punto de vista de los latinos, fue considerado como un álbum que no se ajustaba a la estética tradicional de la orquesta, al punto que, Roberto Roena músico de la banda que gustaba de las descargas instrumentales y las improvisaciones de los cantantes calificó este álbum como: “Música para ascensores”.


title: Fania All-Stars

text: En 1977 se edita el tercer álbum de estudio de la orquesta, titulado "Rhythm Machine" que producido por Bob James y Jay Chattaway y la participación de Louie Ramírez en el vibráfono y arreglos. Este álbum se acerca un poco más que el anterior a la onda de “descarga latina” que se expresa en el tema: «En Órbita». Aparte de este número, los sencillos promocionales fueron «Ella fue» en la onda del crossover y punta de lanza para el mercado anglosajón y, el número que hizo que el público seguidor de la salsa se interesara en este disco, el clásico «Juan Pachanga» de Rubén Blades.


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text: La orquesta oficial de Fania All Stars se mantiene activa y realizando giras alrededor del mundo, ahora con Ismael Rivera integrando el elenco. El debut del eterno ""Sonero Mayor"" con la orquesta estelar, fue en el concierto que se escenificó el 11 de julio de 1977 en el Madison Square Garden, el cual se grabó en vivo y luego se publicó al año siguiente en el álbum "Live" (1978). Entre lo mejor del disco están: la nueva versión de «El Nazareno» de Maelo, con Papo Lucca, luciéndose en el piano; «Felicitaciones» de Cheo Feliciano; el debate de soneros en «Saca Tu Mujer» y la versión en vivo de «Cúcala», interpretada por Celia y Maelo en un memorable e histórico mano a mano.


title: Fania All-Stars

text: Complacido con los resultados y la acogida que tuvo "Rhythm Machine" en el ambiente del "jazz", Masucci le encomienda el próximo proyecto con Columbia a Jay Chattaway denominado "Spanish Fever" (1978). En la producción no se escatimaron esfuerzos y se contrató a músicos de la talla de Maynard Ferguson, Hubert Laws, David Sanborn y Eric Gale. Entre los temas latinos destacados estuvieron «Coro miyare», composición de Pacheco, con gran solo de bongó ejecutado por Roberto Roena; y que eventualmente se convierte en la canción de cierre de la Fania All Stars en sus conciertos regulares. Las otras dos piezas salseras de este álbum son: «Sin Tu Cariño», otro hit compuesto por Blades y Ramírez; y «Te Pareces A Judas» con arreglos de Ray Cohen e interpretada por Ismael Miranda.


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text: Para el quinto álbum de estudio de las estrellas de Fania (última grabación de la serie con Columbia): "Cross Over" (1979), se apuesta por dos estilos, uno para cada cara del disco. El "lado A" contiene tres de los mejores arreglos de salsa en la historia de la Fania All Stars: «Isadora », sencillo principal del álbum cantado por Celia Cruz, con un buen solo de guitarra de Eric Gale; «Prepara», un son montuno de Rubén Blades con solos de Lucca y Pacheco, y «Los Bravos», una pieza de Louie Ramírez en la onda del "latin-jazz" con un solo de bajo del nuevo integrante Salvador "Sal" Cuevas que en ese entonces era miembro de la orquesta de Willie Colón y que sustituye a Bobby Valentín, quien se dedicó por completo a su banda y sello discográfico Bronco.  Respondiendo al auge del "disco music", para la producción del "lado B", Masucci contrata a Vince Montana Jr., el genio detrás de la famosa "Salsoul Orchestra" y el "sonido Philadelphia”. Las cuatro canciones seleccionadas para integrar esta parte del disco alcanzan un adecuado nivel artístico pero quienes apostaban a la “Fiebre de la música disco” optaron por sus fuentes originales que en ese momento encarnaban los Bee Gees y otras bandas.


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text: "Habana Jam" publicado en 1979 proviene de un concierto histórico grabado el 3 de marzo de 1979 en La Habana, con los "All Stars" junto a Billy Joel, Rita Coolidge, Kris Kristofferson, Stephen Stills, Weather Report y las bandas cubanas Irakere y Orquesta Aragón. El tema que vendió el disco fue la exquisita versión de Pete "El Conde" Rodríguez del tema «Menéame La Cuna» con un solo de tres de Nelson González. Otros temas que se destacaron fueron: una versión de casi 10 minutos del clásico de Luigi Texidor «Nací Moreno», que es su única grabación oficial con la Fania All-Stars y el tema que abre el disco «Descarga a Cuba». En este álbum se presenta el medley «Mi gente/Barbarazo» en las voces de Héctor Lavoe y Wilfrido Vargas.


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text: Para 1980 se publicó "Commitment" que marcó el retorno de la Fania All Stars al mercado salsero, luego de culminado su período "crossover" con Columbia Records. En este álbum se prescindió de las piezas instrumentales y de descarga y el grueso de los temas estuvo a cargo de los cantantes más connotados del sello, con apoyo de arreglos orquestales donde la sección de cuerdas jugó un papel importante. Los arreglos estuvieron a cargo de lo más connotados músicos de la escena salsera de Nueva York lo que se materializó, en cuatro grandes éxitos: «Encántigo», el largo tema de apertura donde destacó el dúo entre Celia Cruz y Pete "El Conde" Rodríguez; «Piano Man», tema escrito por Tite Curet Alonso dedicado a Papo Lucca e interpretado por Ismael Quintana; «Ublabadu», tema destacado por la voz de Héctor Lavoe y el solo de violín de Pupi Legarreta; y el tema cantado por Rubén Blades «La palabra adiós» que fue el sencillo promocional de dicho álbum.


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text: En ese año también se publica "California Jam" que fue un trabajo de cinco números de descarga que los originales ""Fania Six"" (Pacheco, Barretto, Valentín, Marrero, Roena y Lucca) grabaron durante las sesiones de su disco de 1976, "Delicate And Jumpy". En este álbum, los seis de Fania tocaron la sesión de manera libre y espontánea, traduciéndose esto en música que, después de más de 35 años, sigue sonando fresca y de calidad. Este disco sale en plena agonía del boom salsero de los años 70s, por lo que pasó inadvertido por la mayoría del público latino radicado en Sudamérica.


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text: El 21 de julio de ese año, la Fania inició una gira internacional prevista para las ciudades de Nueva York, Chicago, Panamá, Barranquilla, Bogotá, Cali, Caracas y Guayaquil.


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text: La gira internacional inició en el Gimnasio Nuevo Panamá (ahora llamado Arena Roberto Durán), la Fania All Stars, se presentó con 23 músicos, diez canciones y más de dos horas de concierto.


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text: La gira de la Fania All Stars en 1980 se alargó al año siguiente (1981), por dos compromisos que había en París y en Barcelona. Los músicos que integraron la gira 1980-81 fueron: Johnny Pacheco como director, Papo Lucca en el piano, Salvador Cuevas en el bajo, Nicky Marrero en los timbales, Eddie Montalvo en las congas, Roberto Roena en el bongo, Yomo Toro en el cuatro, Pupi Legarreta en el violín. Héctor Zarzuela, Juancito Torres y Puchi Bolough en las trompetas; Ed Burns, Reynaldo Jorge y Leopoldo Pineda en los trombones. Para la gira por Europa, Lewis Kahn relevó a Ed Burns. Los cantantes fueron: Celia Cruz, Santos Colón, Cheo Feliciano, Pete "El Conde" Rodríguez, Adalberto Santiago, Ismael Quintana, Héctor Lavoe, Rubén Blades y Luigi Texidor.


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text: En enero de 1981 se dio la presentación de las estrellas de Fania en el Palacio de los Deportes de Barcelona (siendo esta su primera visita a España) y la empresa Discophon grabó un long play que se agotó de inmediato, en gran medida por el escaso tiraje, este álbum no pertenece al catálogo de Fania Records. Ese álbum solo contiene los temas «Piano Man», «Meneame la Cuna», «Ponte Duro» y «Quitate Tú», a pesar de que se tocaron más de 15 temas, esto fue porque el sonido de grabación no fue muy bueno.


title: Fania All-Stars

text: En 1981 se publicó "Latin Connection", donde la Fania All Stars (FAS) revalidó su hegemonía como la principal constelación de la salsa en el mundo. La producción, conceptualizada por Johnny Pacheco y Jerry Masucci, capitaliza la presencia de las voces más respetadas de las estrellas de Fania: Celia Cruz, Pete “El Conde” Rodríguez, Cheo Feliciano e Ismael Miranda. En este álbum Willie Colón debuta como cantante solista en el tema «Voy a vivir para siempre». Otros temas destacados fueron: «Bilongo» cantado por Ismael Rivera (una de sus últimas grabaciones) y «Semilla de amor» interpretada por Héctor Lavoe.


title: Fania All-Stars

text: "Social Change" (1981) fue el álbum que dio un retorno a la línea del "jazz" comercial que se exploró con éxito en el álbum de 1977 "Rhythm Machine". De los músicos de Fania que trabajan en este disco, se destaca de manera significativa Juancito Torres, quien contribuye con dos solos de trompeta y es el solista principal en el tema «Sausalito». Los invitados para esta sesión fueron el icono del saxofón tenor Gato Barbieri quien se destaca especialmente en la versión del clásico de Santana «Samba Pa Ti», Eric Gale y el grupo vocal de "reggae", Steel Pulse.


title: Fania All-Stars

text: Para 1982, Jerry Masucci intentó una nueva y última aventura: realizar una película (no musical en esta ocasión) con Willie Colón y Rubén Blades. Ahí nace el proyecto ""The Last Fight"". A pesar de las buenas intenciones y las buenas caracterizaciones, la película carecía de un guion coherente, lo cual le restó posibilidades desde el principio. A raíz del fracaso de esta película, Fania Records entra en un período de crisis financiera del que no logran recuperarse, agravándose la situación cuando a mediados de la década muchos de sus artistas principales, entre ellos los propios Willie y Rubén, deciden no renovar sus contratos y probar suerte en otros sellos disqueros. A raíz de esta película, igualmente, Willie y Rubén se envuelven en el mundo del cine y la actuación. Rubén aún se mantiene activo en su faceta como actor.


title: Fania All-Stars

text: Para 1983, muchos de los artistas de Fania Records abandonan el sello, no solo ante la precaria situación financiera de la disquera, sino también en algunos casos molestos por problemas de regalías. De los artistas que se van, muchos de ellos consiguen ofertas de mayor remuneración en otros casas discográficas, otros deciden montarse de manera independiente y otros simplemente optan por retirarse.


title: Fania All-Stars

text: A la salida de Willie y Rubén, se les sumó Cheo Feliciano, Larry Harlow, Louie Ramírez, Justo Betancourt, Ismael Quintana y Roberto Roena, estos dos últimos terminaron de cumplir su contrato con el sello Fania. A pesar de haber dado por finalizado el contrato con Fania Records, casi todos los artistas mencionados, llegaron a participar en futuros álbumes de estudio en calidad de invitados y siguieron presentándose en vivo con la Fania All Stars.


title: Fania All-Stars

text: En 1984, la Fania All Stars publica su décimo álbum de estudio "Lo que pide la gente", ahora los cantantes de Fania, eran Celia, Quintana, Lavoe, Miranda, El Conde, Adalberto y Cali Alemán quien era el colaborador frecuente de Pacheco y para ese entonces miembro de la banda de Ray Barreto. El sencillo que vendió el álbum fue «El Rey de la Puntualidad», número escrito especialmente por Pacheco para Lavoe, quien era famoso por no llegar a tiempo a los conciertos. Los otros temas de este álbum son: «Por Eso Yo Canto Salsa», «Lo Que Pide la Gente», «Usando el Coco» y «La Tierra No Es Pa' la Guerra».


title: Fania All-Stars

text: Al año siguiente (1985), la Fania brinda presentaciones con el fin de promocionar dicho álbum.


title: Fania All-Stars

text: En 1986, la Fania All-Stars celebra sus 20 años de existencia como grupo, publicando tres discos: un álbum de estudio titulado "Viva La Charanga" y dos grabaciones hasta entonces inéditas de dos conciertos: "Live In África", que en realidad fue la banda sonora de un especial de televisión filmado por León Gast durante la presentación de la Fania de 1974 en Zaire, y "Live In Japan", un recuento de su exitoso concierto de 1976 en Japón que fue pobremente ecualizado.


title: Fania All-Stars

text: A partir de "Viva La Charanga", Masucci comienza a utilizar su orquesta estelar para realizar álbumes conceptuales. El concepto para este disco fue un homenaje a la tradición charanguera y, en especial, a la Orquesta Aragón y al legendario flautista cubano José Fajardo, este último bajo contrato en ese entonces con el sello Fania, es invitado a formar parte del proyecto. Héctor Lavoe interpretó tres temas: el primer sencillo promocional, «Isla Del Encanto» (hecha famosa por la "Orquesta Broadway" en los años 1970s), «Me Voy Pa' Morón» y «Guajira Con Tumbao», este último al lado de Ismael Miranda, Pete "El Conde" Rodríguez y Cali Alemán. En este álbum también destaca el número cantado por Celia Cruz, «Hueso Y Pellejo».


title: Fania All-Stars

text: El sábado 30 de agosto de ese año, la Fania All Stars celebró su 20° Aniversario en el Coliseo Roberto Clemente (San Juan, Puerto Rico) por lo que juntaron luego de mucho tiempo a Willie Colón & Héctor Lavoe (la última vez que tocaron junto a las estrellas de Fania fue en el mismo escenario y en el año 1973). La Fania interpretó diversos números, mientras que Lavoe cantó el tema «Mi Gente», terminando con una corta versión de «La Murga».


title: Fania All-Stars

text: La Fania All Stars siguió brindando presentaciones por motivo de su 20° Aniversario en diferentes lugares de Estados Unidos como Nueva York, Filadelfia, Boston y Nueva Jersey, así como Puerto Rico y otros países de Sudamérica, el Caribe y Europa. Para estas presentaciones participaron casi todos los artistas de Fania: Aníbal Vásquez como el maestro de ceremonias, Johnny Pacheco como director musical, Ray Barreto en las congas, Nicky Marrero en los timbales, Roberto Roena en los bongos, Papo Lucca en el piano, Bobby Valentín en el bajo, Yomo Toro el cuatro, las voces de Celia Cruz, Héctor Lavoe, Pete "El Conde" Rodríguez, Ismael Miranda, Ismael Quintana y Cali Alemán, las trompetas de Juancito Torres, Hector "Bomberito" Zarzuela y Tony Barrero, los trombones de Reynaldo Jorge, Lewis Kahn y Leopoldo Pineda, y algunos músicos que se sumaron a diversas presentaciones como Tito Puente y Willie Colón.