title: Alejandro Losada Rodríguez

text: En noviembre de 2019 consiguió dos platas en el Ciudad de Pontevedra, individual y junto a Elena Varela, medalla que también consiguió en solitario en el Open de París. En el torneo Vila de Moaña conquistó la medalla de oro de modo individual y la de plata junto a Elena Varela. En el Campeonato de España disputado en Alicante se proclamó campeón, mientras que en parejas fue subcampeón junto a Elena Varela. En el primer Open de Monforte se hizo con el oro individual y en parejas, tanto en técnica como en freestyle, siendo el mejor competidor del torneo. También fue oro en la Copa Junta en Sada (La Coruña). En el campeonato gallego disputado en Monforte obtuvo dos platas, tanto individual como en parejas. En el Open de Madrid consiguió la medalla de oro en trío junto a Carlos Rey y Alejandro Losada, además de conseguir la plata individualmente. En el campeonato de España de selecciones territoriales disputado en Torrelavega (Cantabria) conquistó la medalla de oro y el Consejo Superior de Deportes le otorgó la distinción de deportista de alto nivel. En el Open de Ribeira consiguió la medalla de oro, resultado que lo clasificaba virtualmente para el mundial de Dinamarca, cancelado por la pandemia por coronavirus. Además, también conquistó el oro en las modalidades de trío y freestyle.


title: Michael J. Berman

text: Michael J. Berman es un empresario estadounidense. Fue responsable de la revista "George", fundada junto con John F. Kennedy Jr. en 1995. Debido a la fama de Kennedy, entre otras cosas, la revista fue el mayor lanzamiento de ese año en Estados Unidos. En el momento del lanzamiento, Berman poseía un bufete de relaciones públicas en Nueva York.


title: Michael J. Berman

text: Los dos socios habían ido trabajando tranquilamente en el proyecto durante varios años antes de la oferta a la editorial "Hachette Filipacchi Media", que fue la responsable última de su lanzamiento en 1995. Dos años después, Berman vendió su parte de la revista, pero continuó colaborando con el proyecto y figuró como presidente de "George" hasta el año 1998.


title: Michael J. Berman

text: Berman, que posteriormente ha dirigido varias revistas y proyectos relacionados con los medios de comunicación y empresas de inversión, ha ocupado el puesto de presidente en Novix Media. También ha sido Jefe de operaciones de Hachette Producciones, filial del grupo Hachette Filipacchi, centrada en el cine, la televisión y los medios de comunicación. A partir de 2003, se desempeña como presidente de la Galaxia Empresas.


title: Otón II de Brunswick-Göttingen

text: Otón II de Brunswick-Göttingen (apodado "Otón Cocles" o "Otón el Tuerto"; c. 1380 - 6 de febrero de 1463), un miembro de la Casa de Welf, fue Duque de Brunswick-Luneburgo y, después de la muerte de su padre Otón el Malvado en 1394, gobernó el Principado de Göttingen.


title: Otón II de Brunswick-Göttingen

text: Siendo todavía menor de edad sucedió en el trono. Tuvo que aceptar inicialmente la tutela de su primo Federico I, gobernante del Principado de Brunswick-Wolfenbüttel, hasta que fue declarado mayor de edad por el rey Wenceslao en 1398. Su padre le había dejado un país financieramente y políticamente arruinado. A diferencia de su belicoso padre, Otón permaneció como un gobernante amante de la paz. Logró restaurar el orden político, pero no pudo resolver los problemas financieros. Para el mantenimiento de la ley y el orden, se alió con las ciudades de la región, tales como Uslar, Seesen y Gandersheim, para luchar contra los poderosos barones ladrones. Tuvo éxito en 1407, conjuntamente con los ciudadanos de Göttingen, en asaltar el castillo de Jühnde, y también forzó a los Señores de Adelebsen, Hardenberg y Schwicheldt a respetar la paz pública.


title: Otón II de Brunswick-Göttingen

text: Debido a las permanentes restricciones financieras, tuvo que pedir prestado dinero repetidamente a sus primos de Wolfenbüttel y a cambió les prometió la sucesión en Göttingen ya en 1395. Cuando el Duque Federico I de Brunswick-Wolfenbüttel murió en 1400, Otón tuvo que firmar un tratado de herencia con sus hermanos supervivientes Bernardo I y Enrique el Apacible. No obstante, la situación financiera de Otón se hizo insostenible. Ya en 1435, se retiró de los asuntos de gobierno y dio a las ciudades y los Estados rienda suelta.


title: Otón II de Brunswick-Göttingen

text: Los acuerdos de Otón se encontraron con las reservas de los Príncipes Welf de Brunswick-Wolfenbüttel, Guillermo el Victorioso y su hermano Enrique el Pacífico. Éstos habían compartido el gobierno pero decidieron dividirse su principado en 1432, debido al incremento del número de disputas entre ellos dos. También se dividieron los castillos que Otón les había dado como garantía por sus muchos préstamos. Cuando surgió una disputa entre Enrique y Guillermo sobre la soberanía de Göttingen, Otón retornó de su retiro y se puso del lado de Enrique contra Guillermo. En 1441, ocupó el castillo de Münden. Después de largas negociaciones y la presión ejercida por el rey Alberto II de Alemania, la disputa fue finalmente resuelta en 1442: Otón retuvo la ciudad y castillo de Uslar, y su esposa recibió Münden, Dransfeld y Sichelstein. Seesen y Gandersheim fueron separadas del principado de Brunswick-Göttingen y fueron añadidas a la parte de Enrique en Brunswick-Wolfenbüttel. Guillermo, a su vez, recibió la concesión de Enrique y los Duques de Luneburgo de que podría gobernar Brunswick-Göttingen hasta la muerte de Otón.


title: Otón II de Brunswick-Göttingen

text: El Duque Otón II se retiró a Uslar, donde vivió una vida de reclusión durante más de 20 años hasta su muerte en 1463.


title: Otón II de Brunswick-Göttingen

text: Probablemente en torno a 1408, Otón contrajo matrimonio con Inés (m. 16 de enero de 1471), hija del Landgrave Herman II de Hesse. Él se había prometido con la hermana de ella, Isabel, pero esta murió antes de la boda. Otón y Inés tuvieron dos hijas: Isabel, quien murió joven, y Margarita, quien se casaría con el Duque Enrique de Schleswig en 1425.


title: Otón II de Brunswick-Göttingen

text: Ya que Otón II no dejó heredero varón, la línea de Brunswick-Göttingen de la Casa de Welf se extinguió cuando murió en 1463. El principado de Göttingen pasó a Guillermo el Victorioso y, con efecto desde 1495, lo fusionó con el Principado de Calenberg que a veces fue llamado Brunswick-Calenberg-Göttingen desde entonces.


title: Dallas Hilton

text: El Dallas Hilton, también conocido como Hilton Hotel y que actualmente opera como el Dallas Hotel Indigo, es una estructura histórica ubicada en la esquina de Main Street y S. Harwood Street en el centro de Dallas, Texas ( EE . UU .). El hotel es una propiedad contribuyente en el distrito histórico de Harwood Street y el distrito de Main Street . También se encuentra cruzando la calle desde Main Street Garden Park .


title: Dallas Hilton

text: El Hotel Hilton, construido en 1925 para Conrad Hilton, fue su primer hotel en llevar el nombre " Hilton ". Conrad Hilton operó una de las dos primeras cadenas hoteleras del estado y se convirtió en un operador hotelero líder mundial, con una cadena internacional de hoteles y resorts.


title: Dallas Hilton

text: A diferencia de sus hoteles anteriores, que fueron comprados y renovados pero no construidos por el propio Conrad Hilton, el nuevo hotel en Dallas fue diseñado por Hilton desde cero para ser un destacado hotel de gran altura.


title: Dallas Hilton

text: Para el sitio de construcción, Hilton eligió el punto más alto del centro de Dallas. Hilton contrató al destacado estudio de arquitectura de Lang y Witchell, una de las dos firmas más respetadas de Dallas, para diseñar el nuevo hotel. Diseñaron el hotel como una estructura de mampostería y hormigón armado de 14 pisos en un estilo simplificado sullivanesco con fachadas simétricas y detalles de bellas artes . Su plan de herradura es similar al del Edificio Magnolia y presenta dos torres masivas que se proyectan hacia Harwood Street, que forman una cancha abierta. Las torres estaban unidas en la fachada principal (Harwood) con una entrada de frontispicio y un elaborado puente en el nivel 10.


title: Dallas Hilton

text: El 25 de julio de 1924 se inició la construcción y el edificio se completó poco más de un año después por un costo total de $ 1.36 millones, el segundo rascacielos más costoso de Hilton en Texas. El hotel abrió oficialmente el jueves 6 de agosto de 1925. Hilton maximizó todo el espacio disponible en las áreas públicas del hotel para una variedad de servicios de venta. La presencia del farmacéutico, la tienda de hombres, la peluquería, el servicio de aparcacoches, el salón de belleza, la cafetería, la sastrería, el puesto de cigarros / prensa, la oficina de telégrafos, el comedor y otros se combinaron con el énfasis de Hilton en el servicio, mientras que los alquileres pagados por esos servicios complementaron las finanzas. de la operación. No queriendo vincular el capital en la propiedad de la tierra, Hilton presentó la idea de un arrendamiento de la tierra por 99 años con el Dallas Hilton. El concepto era bien conocido en el Este en 1925, pero era nuevo en los círculos comerciales de Texas.


title: Dallas Hilton

text: Las oficinas privadas de Hilton también se ubicaron en el entresuelo, al igual que siete salas de muestra con camas de pared Murphy. Las 325 habitaciones eran típicamente pequeñas y estaban pintadas en colores gris perla y crema. Las habitaciones y los pasillos estaban alfombrados. La mayoría tenía baños completos, y el resto tenía medio baño. El setenta y cinco por ciento de las habitaciones tenían exposición sur o este para una ventilación máxima; no se ubicaron habitaciones en el oeste.


title: Dallas Hilton

text: La competencia de los lujosos hoteles Adolphus y Baker ubicados a solo unas cuadras obligó a Hilton a formular una estrategia de marketing para atraer a una nueva clientela, "The Average Man", a quien un hotel moderno de diseño atractivo y de precio moderado resultaría atractivo en una ciudad donde Eran pocas alternativas.


title: Dallas Hilton

text: Durante la Gran Depresión, Hilton perdió cuatro hoteles y salvó cinco, uno de los cuales fue el Hilton de Dallas. En 1938, renunció al arrendamiento operativo del Dallas Hilton después de su mudanza a California. George Loudermilk, el propietario, contrató con otro conocido operador hotelero en Texas, AC "Jack" White, en julio de 1938 para administrar el hotel. White cambió el nombre del hotel a White Plaza . También realizó mejoras por un total de $ 150,000, incluidas mejoras en el sistema de aire acondicionado. Las 325 habitaciones se convirtieron en 234, todas con baño privado. Loudermilk residió en el hotel hasta su muerte en 1953.


title: Dallas Hilton

text: En 1961, el edificio fue vendido a Earlee Hotels, pero el hotel continuó con el nombre de White Plaza hasta 1974. Durante estos años, el hotel comenzó a deteriorarse y disminuir su popularidad.


title: Dallas Hilton

text: En 1977, Opal Sebastian, inversor inmobiliario, compró el edificio y cambió el nombre a Plaza . Todos los pisos por encima del cuarto nivel habían estado cerrados por un período de tiempo desconocido, y todas las habitaciones estaban en malas condiciones. Sebastian volvió a abrir los pisos uno por uno a medida que fueron rehabilitados.


title: Dallas Hilton

text: El 15 de febrero de 1985, el hotel fue vendido nuevamente a Dallas Plaza Partners de California, compuesto por Hotel Equity Management y Blackmond, Garlock y Flynn, el comerciante de bienes raíces bancario de San Francisco. Los Dallas Plaza Partners firmaron un contrato con Corgan Architects Associates para restaurar el hotel y Jerry O'Hara para renovar el interior, lo que llevó diez meses. En diciembre de 1985, The Dallas Plaza Hotel abrió sus puertas. Más tarde pasó a llamarse The Aristocrat Hotel of Dallas y fue administrado por Holiday Inn .


title: Dallas Hilton

text: El edificio fue agregado al Registro Nacional de Lugares Históricos y designado como Monumento de Dallas en 1985. También fue designado como Monumento Histórico Histórico de Texas en 1988.


title: Dallas Hilton

text: En 2006, InterContinental Hotels Group, la compañía matriz de Holiday Inn, convirtió el hotel en el Hotel Indigo Dallas Downtown . El interior de la propiedad se sometió a una renovación de 5 millones de dólares que introdujo pisos de madera, baños de invitados tipo spa, un centro de negocios y un gimnasio mejorado. Hoy el hotel contiene de espacio para reuniones y 169 salas.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: La música del Virreinato de la Nueva España se refiere a la producción musical que tuvo lugar en México durante el periodo colonial comprendiendo desde finales del siglo XVI a principios del siglo XIX. Incluye tanto la música sacra, que tuvo su centro en las catedrales con los maestros de capillas como figura central, y la música secular o popular que es más propia de ambiente no religioso o del pueblo.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: Durante gran parte de la Edad media, en Europa predominó en toda la iglesia católica el canto gregoriano, cuya melodía era monódica y sin acompañamiento instrumental. Tuvo gran desarrollo en los monasterios y los monjes se dedicaron a interpretar, componer y difundir por toda Europa, los cantos gregorianos un ejemplo de esto son las antífonas. En el siglo XI surge la polifonía en el norte de Francia, que, a diferencia del canto gregoriano que es unísono, se basaba en la conjunción de varias voces que al unirse crean un nuevo estilo de música que la iglesia introdujo en las celebraciones religiosas. Ya para la época de los reyes católicos, Isabel I de Castilla y Fernando II de Aragón, las composiciones polifónicas eran muy populares y ya tenían definido un estilo español. Los reyes católicos eran muy aficionados de la música instrumental.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: El auge de la música sacra española se da en torno a las catedrales, a manos de los maestros de capilla, que era el músico más importante. Sus obligaciones incluían componer, interpretar, y además transmitir su conocimiento a niños para prepararlos como músicos, que, a su vez, en un futuro emigrarían a otras catedrales para convertirse en maestros de capilla, Los niños entraban a los 14 años y eran entre 7 y 15 por catedral, esta metodología dio sus frutos pues los más grandes músicos del siglo XVI en España surgieron en las catedrales. En la catedral de Sevilla se enlistaban las siguientes obligaciones para aceptar a un maestro de capilla.En general el ambiente musical religioso en España cambio con respecto a la Edad Media, pasando de ser solemne a decorativo y como una herramienta eficaz para atraer a los fieles. En el siglo XVI es cuando la música religiosa española llega a su mayor auge. Tres de los músicos más importantes y conocidos fueron Tomás Luis de Victoria, Cristóbal de Morales que trabajó en las catedrales de Toledo, Marchena y Málaga, y Francisco Guerrero de la catedral de Sevilla.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: Todas las culturas y pueblos de México tenían formas de música, para adorar a deidades o celebrar hazañas de los guerreros. En el México prehispánico no se plasmaba la música de manera gráfica como en Europa por medio de las partituras, los cánticos se trasmitían de manera oral, de maestro a alumno. El Cuicacalli era la escuela donde les enseñaban los cantos a los jóvenes. Los sacerdotes tenían toda una organización dentro de la escuela:Esta organización es un testimonio de la gran importancia que tenía la música en las sociedades prehispánicas, no solo entre los mexicas, los zapotecas, mayas, purépechas también tenían su propia. Los instrumentos eran de percusión, no armónicos como en Europa.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: El aporte musical se manifestó desde un comienzo en América con la música que traían los conquistadores para marcar con sones marciales sus evoluciones guerreras; con aquella que eleva el espíritu en las ceremonias litúrgicas de la iglesia católica.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: En el siglo XII los monjes españoles de Santiago de Compostela habían compuesto el célebre "codex calixtinus" que contiene ejemplos de música polifónica y el primer trozo de polifonía de tres voces, este y el codex Huelgas, del siglo Xlll, prueban que la polifonía española se desarrolló en forma independiente desde muy temprano. al estilo de los monjes medievales, los religiosos que viajaron al nuevo mundo centraron alrededor de la iglesia el saber y el hacer musical de América, a la cual hicieron llegar libros que almacenaban en grandes bibliotecas, permitiendo desarrollar el arte musical al mismo grado de perfección con que se cultivaba en las mejores categorías europeas, seguramente estimulados por la tranquilidad y el recogimiento que se podía obtener, durante la época de la colonia, en la celda, en el claustro o en el retiro de un convento.En el siglo XVI, que abarca los reinados del emperador Carlos V y Felipe II coincide con la llamada época de oro de la música española. España, bajo cuyo dominio se encontraban los países bajos, mantiene en la corte dos capillas de música: una flamenca cuyo estilo y técnica representaban la corriente europea predominante de la época, y una capilla española, donde los polifonistas castellanos, andaluces y catalanes presentan un mundo totalmente desconocido en el ambiente musical sagrado de aquellos días. La música describe un sentimiento místico, dramático y realista.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: Coincide también el siglo XVI con la época de crecimiento del imperio español - que bajo Felipe II se extiende hasta las Filipinas- donde se establece una corriente de influencia de gran vitalidad musical hacia el Nuevo Mundo, especialmente hacia México. Música de intimidad espiritual, que busca el recogimiento y la contemplación.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: Las obras de grandes polifonistas españoles como Cristóbal Morales, Francisco Guerrero y Tomás Luis de Victoria llegaron a la Nueva España casi al mismo tiempo que los impresores las daban a conocer al mundo europeo. Los repertorios de las catedrales de Sevilla y de Toledo se copiaban en su integridad para las catedrales americanas equivalentes de las ciudades de México y Puebla y se difundieron ampliamente en el resto del continente.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: En 1553 ya existía la catedral de Cuzco el primer libro de 16 Misas de Morales publicado en Roma en 1544. Esta misma obra constituye el impreso de música polifónica más antigua que se conserva en Sudamérica, en la biblioteca nacional de Buenos Aires. Actualmente se han perdido para siempre innumerables libros que contenían música de esa época,


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: En México, ya en 1527 se tienen las primeras noticias de actividad musical propia del continente, cuando Fray Juan Caro enseñaba a los indios a cantar leyendo las partes de la música. Tres años más tarde, la escuela de Fray Pedro de Gante - el primer maestro de música europea de la Nueva España- enseñó a un coro de indios que cantaba todos los domingos en la Catedral de México, misma que en 1544 llegó a la Catedral de Puebla, siendo el documento más antiguo de polifonía que existe en archivos mexicanos.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: La iglesia católica ocupaba una posición suprema como fuerza política, social, económica y cultural. Uno de los objetivos principales que la Corona Española perseguía en América, era la evangelización de los pueblos nativos del continente, con esto no solo se buscaba convertirlos al cristianismo, sino también someterlos a la autoridad del rey. por lo que poco después de su descubrimiento llegaron misioneros en un comienzo llegaron los franciscanos, dominicos y agustinos, poco después llegaron los jesuitas, benedictinos, carmelitas, mercedarios, capuchinos. pero los que tuvieron mayor preponderancia fueron sobre todo las órdenes de los Franciscanos y los Jesuitas, estos últimos se desarrollaron más plenamente en América del Sur mientras que los Franciscanos tuvieron mayor impacto en la Nueva España.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: Como parte de la evangelización, la música jugó un rol muy importante, según los relatos de Fray Bernandino de Sahagún y Fray Diego de Duran, quienes describen las enseñanzas que impartían los misioneros para que los indígenas asimilaran la nueva religión. Dentro de las actividades, se les enseñaban:


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: El fraile Juan de Torquemada señala en sus escritos la gran habilidad que poseían los indígenas para la fabricación y ejecución de instrumentos musicales, así como los coros al ser capaces de ejecutar obras polifónicas con gran calidad. Fue tal el número de músicos indígenas que en 1561 Felipe II ordenó la reducción a la mitad de los indígenas que se les permitiera participar en las actividades musicales. En México la Capilla de San José del convento de San Francisco en Texcoco fundado por Pedro de Gante puso especial atención a la formación de coros y músicos indígenas. En varias fuentes se constata la coexistencia de la música de los indígenas y de los españoles, con el tiempo los indígenas llegaron a escribir villancicos y tocar instrumentos procedentes de Europa, si bien perdieron sus cantos originales y sus instrumentos lograron conservar algunas de sus formas rituales propias como las procesiones, danzas ye le uso de atavíos. En el Códice Valdez, procedente de Cacalomacán, contiene plegarias en lengua náhuatl, adema de piezas de Giovanni Pierluigi da Palestrina, Juan Esquivel y Alonso Lobo.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: La catedral era el centro de la vida política y social de una ciudad, al ser la iglesia una parte fundamental en la colonia, se encargaban de la educación y las actividades artísticas e intelectuales. Estaba bajo la autoridad de un arzobispo y un consejo de clérigos llamado cabildo, quienes en conjunto elegían al maestro de capilla y el organista que eran los dos puestos más importantes que la mayoría de las veces eran ocupados por músicos europeos y nombraban a los demás músicos. Dentro de las responsabilidades del maestro de capilla estaban seleccionar el repertorio a ser tocado durante cierta celebración o temporada, dirigir los servicios musicales y debía componer nuevas obras, la creatividad para la composición era uno de los factores que se tomaba en cuenta para su designación. y enseñar al coro de niños. A diferencia de la música misional, en las catedrales no se encargaban del adiestramiento de indígenas para ejecutar indumentos, sino que preparaban músicos profesionales.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: El repertorio de la música catedralicia puede ser dividido en tres categoríasLa música tenía un lugar central dentro de las funciones de la catedral, pues era el deber de los ministros cantar las horas y las misas, pues esto implicaba solemnizar las mismas, el número y la calidad de instrumentos era muy importante, así como el repertorio el cual debía seleccionarse cuidadosamente.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: Fundada en 1528, contó con un coro de indios educados en el colegio de San Francisco que fue fundado y dirigido por Pedro de Gante; este colegio dio frutos y la calidad del canto de los nativos se podía comparar con los de Europa. El primer arzobispo de Fray Juan de Zumárraga hizo mucho por la catedral en el campo musical, contratando músicos europeos y comprando libros de coro, en 1539 nombró a Juan Xuárez como maestro de capilla, en 1556 lo sucedió Lázaro del Álamo quien estudio en la Universidad de Salamanca, sus composiciones no se conservan.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: Hernando Franco fue el primer maestro de capilla relevante y considerado como el más importante del siglo XVI en la Nueva España, sirvió como maestro de capilla de la catedral Metropolitana de 1575 a 1585 año en el que murió. Nacido en Extremadura España, sirvió como niño de coro en la catedral de Segovia, fue maestro de capilla de la catedral de Guatemala. Sus composiciones abarcan salmos, responsorios, himnos y antífonas y se conserva el “Franco Codex” que contiene 16 magníficat, dos por cada uno de los 8 tonos, donde se puede apreciar la maestría que poseía, así como su expresión artística y es considerado de los documentos musicales más valiosos de América Latina. Sus composiciones más destacadas son siete magníficats, además de dos himnos a la virgen en lengua náhuatl


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: Juan Hernández (identificado con Juan de Lienas) fue maestro de capilla desde 1586 a 1620, de este compositor se conservan sesenta páginas en el Carmen Codex en las que se incluyen Misa a 5, una Salve Regina a 4, Lamentaciones a 4 y a 5, un Réquiem incompleto a 5 y un motete Coenantibus autem illis a 4. Su misa posee un equilibrado contrapunto, buena distribución de las voces e igualdad rítmica, corresponde a lo mejor de la tradición de la polifonía española del siglo XVI.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: Fue sucedió por Antonio Rodríguez de Mata quien se desempeñó de 1620 a 1643, Luis Coronado desde 1643 a 1648 y Fabián Pérez Ximeno, de 1648 a 1654. Las obras de Pérez Ximeno seguían el estilo polifónico de Palestrina. Francisco López Capillas fue maestro de capilla desde 1654 hasta 1674, es considerado el autor de misas más prolífico de la Nueva España, dos de los nueve libros en el archivo del coro de la catedral son de su autoría, fungió como organista de la catedral de Puebla antes de ser maestro de capilla en México. En sus obras se ve su competencia como compositor particularmente en su Magníficat a 4 en el Carmen Codex a su muerte la catedral de México contaba con 15 instrumentos diferentes incluyendo violín, viola soprano, viola tenor, rabel, baldosa, cítara, trompeta marina, arpa, clarín, trompeta, trombón, chirimía, fagot, órgano. Lo sucedió José de Loaysa y Agurto, de 1676 a 1688, quien musicalizó algunos de los villancicos escritos por Sor Juana Inés de la Cruz. En 1695 llegó un nuevo órgano de España.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: Antonio de Salazar fue maestro de capilla desde 1688 a 1715, anteriormente había sido maestro de capilla de la catedral de Puebla. Durante su periodo la catedral contaba con un archivo de colección musical organizado con las obras de distinguidos maestros y las suyas propias, escribió notables motetes poli corales y al igual que su antecesor musicalizo algunos de los villancicos de Sor Juana. A partir de 1700 estuvo a cargo de la instrucción musical en las escuelas públicas, entre sus alumnos más destacados esta Manuel de Sumaya.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: Manuel de Sumaya es el primer maestro de capilla nacido en la Nueva España y el más barroco de todos los maestros del siglo XVIII, aprendió composición con Salazar, y a tocar el órgano con José de Idiaques, pronto fue promovido a segundo organista y segundo maestro de capilla, a la muerte de Salazar en 1715 ganó el concurso y fue nombrado como el nuevo maestro de capilla papel que desempeñaría por 24 años de 1715 a 1739. Las numerosas obras de Sumaya se conservan en los archivos de la catedral de México, Puebla, Morelia y Oaxaca, y en el museo del virreinato en Tepotzotlán, se incluyen música de vísperas, salmos, misereres, series de Lamentaciones y muchos villancicos, en su obra de muestra la modernidad al incluir nuevos instrumentos, sus villancicos muestran una clara influencia del barroco italiano. Fue autor de la segunda opera compuesta en América La "Parténope" de la cual por desgracia no se conserva su música. En 1739 se trasladó a la catedral de Oaxaca y permaneció ahí hasta su muerte en 1655.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: Cuando Sumaya se trasladó a Oaxaca el cargo de maestro de capilla estuvo vacío por 10 años, finalmente en 1749 se designó al italiano Ignacio Jerusalem y Stella quien fue el primer italiano en el puesto, hasta 1769. Se le consideró con un talento tan grande como el maestro de capilla de Madrid, su obra incluye doscientas obras latinas, varias misas, magníficats, salmos, míseres, villancicos, arias, pastorales, loas. Durante su periodo predomino la ejecución de cuerdas, tuvo un estilo homofónico, escritura melódica muy rica, se alejó de la tradición barroca para darle un nuevo aire a sus composiciones, tuvo por lo menos tres "crisis" de roces con el cabildo. Los sucedió Matheo Tollis de la Rosa de 1770 a 1791 y Antonio Juanas de 1781 a 1814 siendo este el último maestro de capilla de la catedral de México, ambos tuvieron influencias del estilo italiano de finales del siglo VXIII, la obra de Juanas fue bastante prolífica con cerca de 200 composiciones latinas.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: Es así que en la catedral de la Ciudad de México hubo 14 maestros de capilla por aproximadamente 280 años.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: Fundada en 1541 Puebla de los Ángeles fue otro de los principales centros artísticos de la Nueva España, su catedral llegó a superar a la de México en fortuna y grandeza, para el siglo XVII ya contaba con una treintena de templos, así como con escuelas y la primera biblioteca pública del nuevo mundo. La catedral de Puebla llegó a su máximo esplendor consagrándose como tal en 1649 bajo el mandato del obispo Juan de Palafox y Mendoza que era un protector de las artes y futuro Virrey del Perú. Pedro Bermúdez fue el primer maestro de capilla del cual se conservan sus obras, anteriormente había trabajado en Cuzco y Guatemala donde compuso la mayoría de sus obras polifónicas, entre sus obras más destacadas se encuentran cuatro versiones de la "Salve Regina", un "Domine adjuvandum", misa de bomba, himnos, antífonas, donde se muestran recursos armónicos expresivos y un contrapunto bien equilibrado.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: A su muerte en 1605 lo sucedió el portugués Gaspar Fernandes, quien es mayormente recordado por haber compuesto unos 250 villancicos para la catedral entre 1609 y 1620, que actualmente se encuentran en la catedral de Oaxaca. Los villancicos están escritos en español, portugués e incluso lengua tlaxcalteca, esto muestra la dinámica musical, sus villancicos contienen herencia de la música afroamericana. En 1629 Juan Gutiérrez de Padilla fue nombrado maestro de capilla, y es indudablemente el compositor más importante de la Nueva España en el siglo XVII. Nació en Málaga donde recibió instrucción y posteriormente en 1616 fue maestro de capilla de la catedral de Cádiz, en 1622 es nombrado segundo maestro de capilla y la muerte de Fernandes le sucedió en su puesto el cual desempeñaría hasta su muerte. Logró reunir a su alrededor a muchos músicos muy importantes como López Capillas (futuro maestro de capilla de México). Su extensa obra esta conservada en distintas partes, pero la más grande se encuentra en el Libro de Coro XV de la catedral de Puebla, contiene misas, motetes, himnos, salmos, responsorios, lamentaciones, antífonas, una letanía y una pasión según San Mateo, su música en latín muestra una preferencia por el coro doble, Padilla concibe a cada coro como una de cuatro partes. Durante su época el villancico llegó a la cúspide de popularidad en México y se volvió uno de los géneros más importantes de la música sacra, él mismo musicalizo las series de villancicos de Sor Juana.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: Otro importante maestro de capilla fue Miguel Mateo de Dallo y Lana nombrado en 1688 hasta 1712, sus villancicos se conservan en Puebla y tuvieron tal éxito que llegaron hasta Bogotá, Guatemala, Bolivia y Portugal. Francisco de Atienza y Pineda fue maestro de capilla de 1712 a 1726 y compuso a su vez varias series de villancicos. Finalmente, en el siglo XVIII la catedral de Puebla decae en la creatividad de sus compositores, Manuel Arenzana fue el último maestro de capilla de 1792 a 1821.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: En la catedral de Oaxaca se destaca Juan Matías, quien fue el primer indígena que alcanzó el puesto de maestro de capilla de una catedral, otros maestros fueron Mateo Vallados, Tomás Salgado, Juan Matías de los Reyes, el español Francisco Martínez Costa y Manuel de Sumaya quien sirvió a la catedral de Oaxaca de en los últimos años de su vida y su obra aquí fue tan prolífica como en la catedral de México.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: Francisco Moratilla y José Gavino Leal fueron maestros de capilla de la catedral de la antigua Valladolid cuyo florecimiento se dio cerca del 1720. En Morelia el colegio de Santa Rosa de Santa María fue una escuela de música para niñas fundado en 1738, en él se conservan obras de compositores españoles y locales tales como el antes mencionado José Gavino Leal, Cayetano Perea, José Antonio Ortiz de Alcalá y Juan José de Echeverría, quienes escribieron música para las niñas del colegio.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: La catedral de Durango se rescata el nombre más no la música de José Avella, Nicolas de Cepeda, de Juan de Meraz, de Miguel de Placeres y su hijo José Mariano Placeres, ambos maestros de capilla, Francisco Rueda y Francisco Siria. De las catedrales de Guadalajara y Zacatecas se rescatan Vicente Ortiz de Zarate y Antonio López de Castro y Góngora respectivamente.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: La música secular en América hispana durante el periodo consistía en una actitud carente de contexto religioso piezas que en la mayoría de los casos eran hechas por los mismos músicos de iglesia. La iglesia sostenía la única vida musical verdaderamente bien organizada, se conservo muy poco la existencia de dichas piezas, prestándole más interés a las interpretaciones religiosas mismas que cumplían cierta función que tenía que ver con la eucaristía.  Ejemplo Antonio Sarrier.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: El teatro puramente secular se desarrolló hasta finales del siglo XVII cuando las obras dramáticas de Lope de Vega y Calderon de la Barca y la Zarzuela (género teatral nacional en España) se hicieron conocidos en las colonias. En un principio, esas obras eran presentadas para los círculos cortesanos y aristocráticos de los virreinatos; las canciones y danzas populares mexicanas usadas como interludios, parecen haber representado las únicas contribuciones originales a la música escénica de la época.


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: Durante el siglo XVIII en la provincia de Michoacán se fundó entre (1738 - 1740) la escuela de música en Valladolid (hoy Morelia) como parte de un convento para niñas huérfanas. El colegio de Santa Rosa constituyó un modelo de organización en toda la colonia durante la última parte del siglo XVIII la fama de la escuela se extendió más allá de los límites de la Nueva España, mostrando una vida musical más activa y organizada. Entre los archivos encontrados hay varias piezas de música instrumental:


title: Música en el Virreinato de Nueva España

text: Dos oberturas (sinfonías) para pequeña orquesta de típica instrumentación. settecento (violines 1º y 2º, viola, bajo, oboes 1º y 2º, cornos franceses 1º y 2º) representan las mejores obras del género en las colonias españolas a finales del siglo XVIII. Los compositores identificados en los manuscritos como Antonio Rodil y Antonio Sarrier hacen posible que la música sea integrada a la acción. La obertura en re mayor de Sarrier (Allegro; Andante, Fuga, Presto ) revela no solo una correcta escritura si no también un buen equilibrio estructural.


title: Alessandro Brannetti

text: Alessandro Brannetti (Fermo, 9 de junio de 1980) es un piloto de motociclismo italiano, que compitió el Campeonato del Mundo de Motociclismo entre 1999 y 2006.


title: Alessandro Brannetti

text: Su carrera en el motociclismo internacional se inició con sus participación en el Campeonato Europeo de 1998 en 125cc a bordo de una Honda en la que acaba en la cuarta posición de la general. Su debut en el Mundial se produce en 1999en 125 con una Aprilia con su participación en el Gran Premio de Italia concluyendo en la 21.ª posición.


title: Alessandro Brannetti

text: En la temporada siguiente pasa nuevamente a Honda sin cambiar de categoría y clasificándose en la posición 30.º. En 2001 vuelve a Aprilia, concluyendo en la posición 23.º e interrumpiendo provisionalmente su participación en el Mundial.


title: Alessandro Brannetti

text: A partir del 2002 y el 2004, prueba suerte en el Campeonato de Europa de Superstock 1000 sin resultados destacables. En 2006 corre nuevamente tres grandes Premios en el Mundial en 250 con la Honda, sin obtener puntos. Su carrera prosigue en campeonatos destinados derivados de la categoría Supersport, participando en el campeonato europeo del 2008, el Campeonato Mundial de Supersport desde 2007 hasta 2009.


title: Pandemia de COVID-19 en Goiás

text: Los primeros casos de la pandemia del COVID-19 en Goiás, estado de Brasil, se registraron el 12 de marzo de 2020. Al 23 de octubre de 2020 hay 245.000 casos confirmados y 5.539 fallecidos, según datos oficiales.


title: Pandemia de COVID-19 en Goiás

text: El 12 de marzo, Goiás confirma los primeros tres casos del COVID-19 en el Estado. Uno de los casos correspondió a una mujer de 60 años de Río Verde, que recientemente había regresado de un viaje a España. Los otros dos casos se registraron en la ciudad capital, Goiânia, y correspondieron a dos mujeres que habían regresado de viajes al extranjero, una de ellas a Italia y otra a los Estados Unidos.


title: Pandemia de COVID-19 en Goiás

text: El 26 de marzo, Goiás confirma la primera muerte causada por el COVID-19. Se trata de un residente de Luziânia, de 66 años de edad. Tenía hipertensión, diabetes y enfermedad pulmonar obstructiva crónica.


title: Pandemia de COVID-19 en Goiás

text: El 3 de abril, la capital, Goiânia, registra la primera muerte causada por el COVID-19, la segunda en el estado. La afectada era una paciente de 87 años con enfermedad cardíaca y diabetes.


title: Pandemia de COVID-19 en Goiás

text: Lista de con casos confirmados:


title: Blended Family (What You Do for Love)

text: «Blended Family (What You Do for Love)» es una canción de la cantante y compositora estadounidense Alicia Keys, grabada para su sexto álbum de estudio, "Here". Se lanzó el 7 de octubre de 2016 por RCA Records.


title: Blended Family (What You Do for Love)

text: El vídeo musical, filmado en blanco y negro, se lanzó el 11 de noviembre de 2016 y presenta a Keys y ASAP Rocky. En septiembre de 2017, se reveló en IMDb que el vídeo fue dirigido por Hype Williams.


title: Blended Family (What You Do for Love)

text: Fue escrito por Keys, Rocky, John Bush, Brandon Aly, Tish Hyman, Dave Kuncio, Kenneth Withrow y Edie Brickell para su sexto álbum de estudio "Here" (2016), mientras que Keys y Mark Batson dirigieron la producción. La canción se refiere al antiguo matrimonio del esposo de Keys, Swizz Beats y el músico Mashonda Tifrere.


title: República de Kruševo

text: El 3 de agosto de 1903, los rebeldes capturaron la ciudad de Kruševo en el Manastir Vilayet del Imperio Otomano (actual Macedonia del Norte) y establecieron un gobierno revolucionario. La entidad existió solo durante 10 días: del 3 al 13 de agosto, y estuvo encabezada por Nikola Karev. Era un izquierdista fuerte, rechazaba el nacionalismo de las minorías étnicas y favorecía las alianzas con musulmanes comunes contra el Sultanato, además de apoyar la idea de una Federación de los Balcanes.


title: República de Kruševo

text: Entre los diversos grupos etnoreligiosos (millet) en Kruševo, se eligió un Consejo Republicano con 60 miembros, 20 representantes de tres grupos: macedo-rumanos, patriarcas griegos y exarquistas búlgaros. El Consejo también eligió un cuerpo ejecutivo, el Gobierno Provisional, con seis miembros (2 de cada grupo mencionado), cuyo deber era promover la ley y el orden y administrar los suministros, las finanzas y la atención médica. El presunto " Manifiesto Kruševo " fue publicado en los primeros días después de la proclamación. Escrito por Nikola Kirov, describió los objetivos del levantamiento, llamando a la población musulmana a unir fuerzas con el gobierno provisional en la lucha contra la tiranía otomana, para lograr la libertad y la independencia. Tanto Nikola Kirov como Nikola Karev eran miembros del Partido Socialdemócrata de los Trabajadores de Bulgaria, de donde derivaron estas ideas de izquierda.


title: República de Kruševo

text: Sin embargo, surgió un problema de identificación étnica. Karev llamó a todos los miembros del Consejo local ""hermanos búlgaros"", mientras que los insurgentes de IMRO enarbolaron banderas búlgaras, mataron a cinco patriarcas griegos, acusados de ser espías otomanos, y posteriormente atacaron a los musulmanes turcos y albaneses locales. Mientras la ciudad fuera controlada por los komitadjis búlgaros, la mayoría patriarquista era sospechosa y aterrorizada. Excepto por los Vlachs Exarchist, por ejemplo, el revolucionario local Pitu Guli y su familia, que eran Bulgarophiles, mayoría de los miembros de las otras comunidades etnoreligiosas descartaron a la IMRO como pro-búlgara.


title: República de Kruševo

text: Inicialmente sorprendido por el levantamiento, el gobierno otomano tomó medidas militares extraordinarias para reprimirlo. La banda de Pitu Guli (cheta) intentó defender la ciudad de las tropas otomanas que venían de Bitola. Toda la banda y su líder (voivoda) perecieron. Después de feroces batallas cerca de Mečkin Kamen, los otomanos lograron destruir la República de Kruševo, cometiendo atrocidades contra las fuerzas rebeldes y la población local. Como resultado de la artillería, la ciudad fue incendiada parcialmente. Después del saqueo de la ciudad por las tropas turcas y los bashi-bazouks albaneses, las autoridades otomanas hicieron circular una declaración para que los habitantes de Kruševo firmen, declarando que los komitadjis búlgaros habían cometido las atrocidades y saquearon la ciudad. Algunos ciudadanos lo firmaron bajo presión administrativa.  La celebración de los eventos en Kruševo comenzó durante la Primera Guerra Mundial, cuando el área, entonces llamada el sur de Serbia, fue ocupada por Bulgaria . Naum Tomalevski, quien fue nombrado alcalde de Kruševo, organizó la celebración nacional del 15 aniversario del levantamiento de Ilinden. En el lugar de la Batalla de Mečkin Kamen, se construyeron un monumento y una fuente conmemorativa. Después de la guerra, fueron destruidos por las autoridades serbias, que continuaron implementando una política de serbianización forzada. La tradición de celebrar estos eventos fue restaurada durante la Segunda Guerra Mundial en la región cuando ya se llamaba Vardarska Banovina y fue oficialmente anexionada por Bulgaria.


title: República de Kruševo

text: Mientras tanto, los partisanos comunistas macedonios pro yugoslavos recién organizados desarrollaron la idea de algún tipo de continuidad socialista entre su lucha y la lucha de los insurgentes en Kruševo. Además, exhortaron a la población a luchar por la ""Macedonia libre"" y contra los ""ocupantes fascistas búlgaros"". Después de la guerra, la historia continuó en la República Socialista de Macedonia, donde la República de Kruševo fue incluida en su narrativa histórica. Las nuevas autoridades comunistas eliminaron con éxito los sentimientos restantes de Bulgarophile. Como parte de los esfuerzos para demostrar la continuidad de la nueva nación macedonia y los ex insurgentes, afirmaron que los activistas de la IMRO habían sido conscientemente de identidad macedonia. El establecimiento de la entidad de corta duración se ve hoy en el norte de Macedonia como un preludio a la independencia del estado macedonio moderno.


title: República de Kruševo

text: El "Museo de la Revuelta de Iliden" fue fundado en 1953 en el 50 aniversario de la República de Krusevo. Estaba ubicado en la casa vacía de la familia "Tomalevski", donde se proclamó la República, aunque la familia había emigrado hacía mucho tiempo a Bulgaria. En 1974 se construyó un enorme monumento en la colina sobre Kruševo, que marcó la hazaña de los revolucionarios y la ASNOM. En la zona, hay otro monumento llamado Mečkin Kamen.


title: República de Kruševo

text: Los escritos de Nikola Kirov, que se encuentran entre las fuentes primarias más conocidas sobre la rebelión, mencionan a búlgaros, valacos y griegos ( sic: grecomanos ), que participaron en los eventos en Krushevo. Aunque los historiadores comunistas yugoslavos posteriores a la Segunda Guerra Mundial se opusieron a la clasificación de Kirov de la población eslava de Krusevo como búlgara, rápidamente adoptaron todo lo demás en su narrativa de los acontecimientos en 1903 como definitiva. Sin embargo, durante el período Informbiro, el nombre del líder de los insurgentes Nikola Karev fue eliminado del himno de Macedonia, ya que él y sus hermanos eran sospechosos de ser "elementos bulgarófilos". Algunos historiadores macedonios modernos como Blaže Ristovski han reconocido que la entidad, hoy en día un símbolo del estado macedonio, estaba compuesta por personas que se identificaban como "griegos", "Vlachs" y "búlgaros". A principios del siglo XX, Kruševo estaba poblada por una población eslava, aromanianos y albaneses ortodoxos, y los habitantes de la ciudad se dividían etnoreligiosamente entre varios mijos otomanos, con los patriarcas griegos como la comunidad más grande, seguidos por los exarquistas búlgaros y el mijo Vlach (Ullah). Según las estadísticas del etnógrafo Vasil Kanchov basadas en la afinidad lingüística, en ese momento los habitantes de la ciudad contaban: 4,950 búlgaros, 4,000 Vlachs ( Aromanianos ) y 400 albaneses ortodoxos. Cuando el antropólogo Keith Brown visitó Kruševo en la víspera del siglo XXI, descubrió que el dialecto de Aromanian local todavía no tiene forma de distinguir "macedonio" y "búlgaro", y utiliza la designación "Vrgari", es decir "Búlgaros", para ambos grupos étnicos. Esto molestó a las generaciones más jóvenes de macedonios en la ciudad, ya que ser búlgaro ha seguido siendo un estigma desde la época yugoslava.


title: Mary Dignam

text: Mary Ella Dignam, nacida Mary Ella Williams, (Port Burwell, Ontario, 13 de enero de 1857 - Toronto, 6 de septiembre de 1938) fue una pintora, maestra y organizadora de arte canadiense, recordada como la fundadora y primera presidenta de la Asociación de Mujeres de Arte de Canadá (WAAC).


title: Mary Dignam

text: Mary Ella Williams nació en Port Burwell, Ontario, el 13 de enero de 1857. Estudió arte en la Western School of Art and Design en London, Ontario. En 1886 fue a Nueva York para continuar su formación en la Liga de estudiantes de arte, seguida de un tiempo en París, en el taller de artistas dirigidos por Raphaël Collin (1850–1916) y Luc-Olivier Merson (1846–1920).


title: Mary Dignam

text: En 1886, Dignam fundó el Women's Art Club, que más tarde se convirtió en WAAC (Women's Art Association of Canada). Durante su presidencia (1887-1913, 1935-1938), Dignam fue la principal promotora, junto con la historiadora canadiense Matilda Ridout Edgar, Lady Edgar, del Cabot Commemorative State Dinner Service. Se trataba de una vajilla de ocho servicios y 24 piezas, pintada a mano, que representaba temas canadienses y que había sido realizada por miembros de la WAAC para conmemorar el 400 aniversario de la llegada a Canadá del comerciante y navegante genovés Juan Caboto.


title: Mary Dignam

text: Tras su regreso a Canadá en 1891, enseñó en una escuela de arte para mujeres en Toronto y más tarde organizó los primeros estudios de arte del Moulton Ladies' College en la Universidad McMaster. En 1898, Dignam y Lady Edgar, esposa del presidente de la Cámara de los Comunes, consiguieron que los miembros de la Cámara y el Senado suscribieran 1.000 dólares para comprar el servicio, que se presentó formalmente a Lady Aberdeen con motivo de que su esposo terminara su mandato como Gobernador general de Canadá. Más tarde ayudó a organizar la International Society of Women Painters and Sculptors y, en 1900, fundó la primera exposición internacional de arte exclusivamente femenina que convocó a los miembros de la Asociación de Arte Femenino y de Women's International Art.


title: Mary Dignam

text: Dignam fue miembro de la Art Association de Montreal (1886-1931), la Ontario Society of Artists (1883-1912), la Royal Canadian Academy of Arts (1883-1924) y la Toronto Industrial Exhibition (1891-1900). Sus obras fueron exhibidas en Canadá y Nueva York, Londres y París. Dignam expuso su trabajo en el Palace of Fine Arts en la Exposición Mundial Colombina celebrada en Chicago en 1893.


title: Mary Dignam

text: Fue tía de la sufragista y corresponsal de guerra Beatrice Nasmyth, a la que influyó desde la perspectiva feminista. Murió el 6 de septiembre de 1938 en Toronto, Ontario.


title: Lucy Bacon

text: Lucy Angeline Bacon (Pitcairn, 30 de julio de 1857 - San Francisco, 17 de octubre de 1932) fue una artista estadounidense conocida por sus pinturas al óleo impresionistas de flores, paisajes y bodegones de California. Estudió en París con el impresionista Camille Pissarro. Es la única artista californiana conocida que ha estudiado con alguno de los grandes impresionistas franceses.


title: Lucy Bacon

text: Nació en 1857 en Nueva York, y se graduó en 1879 en la Potsdam Normal School de Nueva York. Las principales obras de arte de Bacon fueron "Garden Landscape" y "Path Through the Woods". "Garden Landscape" fue expuesto en el Museo de Bellas Artes de San Francisco. Es una pintura al óleo sobre lienzo. Por otro lado, también pintó "Path Through the Woods", alrededor de 1898 que también es óleo sobre lienzo. Su familia la animó a seguir su carrera artística. Estaba relacionada con Robert K. Vickery, a través del matrimonio de su sobrina Ruth. En la década de 1890, era copropietaria de una galería de San Francisco, Vickery, Atkins & Torrey, la primera galería en exhibir el impresionismo en San Francisco.


title: Lucy Bacon

text: Bacon estudió en la ciudad de Nueva York en la Liga de estudiantes de arte de Nueva York y la Academia Nacional de Dibujo de Estados Unidos. En 1892, se fue a París para continuar sus estudios en la Académie Colarossi. Allí estudió con Camille Pissarro, siguiendo el consejo de la pintora estadounidense Mary Cassatt. Se mudó a Éragny-sur-Epte donde realizó pinturas impresionistas. En 1898, vivía en San José y exhibía pinturas como "A San Jose Garden" en la Asociación de Arte de San Francisco. Se mudó a California con la esperanza de que mejoraran las enfermedades crónicas que limitaban su capacidad para pintar. Enseñó en la escuela preparatoria Washburn en San José y pintó en el estudio instalado en su casa.


title: Lucy Bacon

text: En la primavera de 1902, sus obras fueron exhibidas en el Instituto de Arte Mark Hopkins en San Francisco. En 1905, Bacon renunció a su carrera de pintora y se dedicó a la religión de la Ciencia Cristiana, descubriendo posiblemente que aliviaba sus problemas de salud, aunque continuó enseñando arte. Hacia 1909, vivía en San Francisco. Fue miembro del Indian Fair Committee of the New Mexico Association on Indian Affairs (NMAIA) y de la Eastern Association on Indian Affairs (EAIA) en 1927, que exhibían obras de artistas nativos americanos.


title: Lucy Bacon

text: Murió en San Francisco en 1932.


title: Lucy Bacon

text: Su pintura, "Garden Landscape" realizada entre 1894 y 1896, se encuentra en la colección del Museo de Bellas Artes de San Francisco.


title: Pandemia de COVID-19 en Mato Grosso

text: El primer caso de la pandemia de enfermedad por coronavirus en Mato Grosso, estado de Brasil inició el 20 de marzo de 2020. Hay 44.838 casos confirmados y 1.625 fallecidos.


title: Pandemia de COVID-19 en Mato Grosso

text: El 20 de marzo un residente de la capital, Cuiabá, es el primer caso confirmado de la COVID-19 en el estado. El paciente ya había dado positivo en un examen realizado en un laboratorio privado, pero se recolectó una nueva muestra y se confirmó la enfermedad en el laboratorio central del estado.


title: Pandemia de COVID-19 en Mato Grosso

text: El 3 de abril, Mato Grosso registra su primera muerte debido a la COVID-19. El paciente era un hombre de 54 años, residente de Lucas do Rio Verde, tenía hipertensión y diabetes.


title: Pandemia de COVID-19 en Mato Grosso

text: El 16 de abril Cuiabá, capital del estado, registra la primera muerte debido a la COVID-19, la quinta en el estado (los otros habían estado en Lucas do Rio Verde, Cáceres, Sinop y Rondonópolis). El paciente era un hombre de 79 años.


title: Pandemia de COVID-19 en Mato Grosso

text: Lista de con casos confirmados:


title: Concierto para violín (Gerhard)

text: El Concierto para violín y orquesta es una obra del compositor Robert Gerhard que fue escrita entre los años 1942 y 1945. El estreno se llevó a cabo en Florencia, en mayo del año 1950. Se trata de una obra que presenta un estilo posromántico y que introduce elementos propios del serialismo, en honor a Schönberg.


title: Concierto para violín (Gerhard)

text: A la década de 1940 Robert Gerhard compuso tres partituras de ballet, Alegrías/Flamenco (1941-1943), "Pandora" (1943-44) y "Don Quijote" (1940-50), el "Concierto para violín" (1942-45) y la ópera "The Duenna" (1945-47). Es posible considerarlas un reflejo de las diferentes reacciones a la Guerra Civil Española y de su situación como un catalán exiliado en Cambridge. Gerhard tenía una gran facilidad con los idiomas y, en este periodo, empezó a escribir artículos musicales en inglés, incluyendo algunas colaboraciones a "The Score". En un artículo, titulado "Englans, Spring" (1945), expresó su desacuerdo con las obras que se programaban en los conciertos de la época en contraste con el alto nivel de los intérpretes, y especialmente en los coros y las bandas. Esta situación fue, en parte, una consecuencia de la Guerra. Gerhard, en su caso personal y a pesar de que el problema se intensificaba por sus condiciones debido al exilio, demostró un impulso para el desarrollo de su personalidad musical. De hecho, Gerhard compuso más obras durante los años 1940-47 que en las dos décadas anteriores.


title: Concierto para violín (Gerhard)

text: El "Concierto para violín" tiene tres movimientos:


title: Concierto para violín (Gerhard)

text: I. Allegro cantabile, cono anima, molto vivace, cono spirito


title: Concierto para violín (Gerhard)

text: II. Largo, allegretto placido


title: Concierto para violín (Gerhard)

text: III. Allegro cono brio, presto


title: Concierto para violín (Gerhard)

text: El primer movimiento presenta una forma sonata y utiliza como primer motivo un tema que pertenece a su "Concertino para cuerdas" (1927-1928). El segundo motivo es introducido por el solista: tiene un carácter meditativo y utiliza el arpegio como forma principal. Gerhard escribe una cadencia que va seguida por una recapitulación abreviada, y el movimiento acaba con una sección extensa que funciona como scherzo y coda.


title: Concierto para violín (Gerhard)

text: El segundo movimiento es un tributo al 70º cumpleaños de Schönberg. Empieza con una forma de coral basado en la escala de 12 sueños que aparece en un "Cuarteto de cuerda" de su maestro. Esta cita se alterna con un motivo impresionista que contiene muchos tipos de escalas. Los dos primeros movimientos fueron escritos durante la Segunda Guerra Mundial. Tienen tanto partes propias del serialisme como partes libres, pero esta mezcla de lenguajes se alivia mediante la aparición de transiciones inteligentes e imaginativas.


title: Concierto para violín (Gerhard)

text: El tercero y último movimiento fue compuesto después de la Segunda Guerra Mundial. Es un movimiento completamente libre. Empieza con una cita de "La Marsellesa", que simboliza la libertad y con referencias a temas de danzas catalanas, como por ejemplo melodías y ritmos de la sardana.A la parte central, se llega en su punto culminante y emocional de la obra, produciendo un clímax de un gran virtuosismo para el violín solista. La obra acaba con uno "presto" muy virtuoso técnicamente, donde el solista interpreta una danza española que se enlaza con la coda.


title: Concierto para violín (Gerhard)

text: El Concierto se estrenó al Festival Maggio Musicale de Florencia el 1950, con Antoni Brosa como violín solista y bajo la dirección de Hermann Scherchen. En Cataluña, se estrenó el 7 de febrero de 1964, interepretat por el violinista Xavier Turull con la Orquesta Municipal de Barcelona dirigida por Rafael Ferrer. Era la primera vez que se interpretaba una obra de Gerhard después de la Guerra Civil. Se consideraba un compositor olvidado por dos motivos: porque era defensor de la república y artista a la vegada, de forma que sus obras eran consideradas no adaptadas al conservadurismo franquista. Este "Concierto" consigue reflejar las circunstancias en qué fue compuesto: los dos primeros movimientos fueron escritos durante la Segunda Guerra Mundial.


title: Concierto para violín (Gerhard)

text: El "Concierto" tuvo que esperar casi quince años para ser estrenado en Barcelona y, en general, la programación de la música de Gerhard era mucho discontinua. Los sectores más conservadores del público consideraban que la catalanidad y los antecedentes políticos del compositor no constituían argumentos muy favorables. Cuando finalmente se estrenó, Álvaro Ruibal, crítico del diario La Vanguardia, clasificó Gerhard como un compositor fracasado, víctima de una "inflación superrealista" y tan confundido como su generación, "envejecida y apagón". En cuanto a los otros medios de comunicación, publicaron información que mostraba rechazo hacia el reconocimiento político del exilio del compositor. También juzgaron al violinista Xavier Turull por su eclecticismo y la "frialdad esquemática".


title: Concierto para violín (Gerhard)

text: Por otro lado, pero, otros medios consideraron muy positivamente la obra, valorando la conciencia identitaria y el progresismo intelectual de Robert Gerhard. Sebastià Benet aportó una perspectiva muy diferente: Antoni Noguera, compositor y musicólogo, habló sobre una entrevista que la Asociación "El mundo de la música" hizo a Robert Gerhard en la cual le preguntaron como tendría que ser tocada su música. Gerhard respondió:


title: Enella Benedict

text: Enella Benedict (Lake Forest, Illinois, 21 de diciembre de 1858 - Richmond, Virginia, 6 de abril de 1942) fue una pintora realista y paisajista estadounidense. Enseñó en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago y fue fundadora y directora durante casi 50 años para la Escuela de Arte de Hull House.


title: Enella Benedict

text: Enella Benedict nació en Lake Forest, Illinois, hija del comerciante de telas Amzi y Catherine Walmath Benedict. Amzi Benedict estaba vinculado a la firma Field, Benedict & Company y era miembro del consejo municipal y alcalde de Lake Forest. Sus hermanos menores fueron Caroline, Albert, Sydney y Kate.


title: Enella Benedict

text: Benedict asistió a la Universidad Lake Forest, donde estudió pintura y dibujo y era estudiante de tercer año en 1876.


title: Enella Benedict

text: Estudió arte en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago y la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York. Luego viajó a París, Francia para estudiar en la Academia Julian. A pesar de estar en una prestigiosa academia, como estudiante femenina, recibió una capacitación menos rigurosa y se le cobró más por la matrícula en comparación con los estudiantes varones. Como mujer, a menudo estaba aislada de otros estudiantes.


title: Enella Benedict

text: Enella Benedict realizó pinturas al óleo, retratos, figuras, paisajes y escenas urbanas. El estilo de dibujo y pintura de Benedict estuvo influenciado por el realismo y el impresionismo, por lo que pintaba y dibujaba personas que la rodeaban, como los residentes de Hull House y los campesinos locales, junto con paisajes marinos y paisajes rurales.


title: Enella Benedict

text: En 1892, se convirtió en la fundadora y directora de la Escuela de Arte de Hull House.


title: Enella Benedict

text: En el siglo XIX, un movimiento de mujeres comenzó a promover la educación, la autonomía y entrar en ocupaciones tradicionalmente dominadas por hombres. Las organizaciones dirigidas por mujeres, unidas por la hermandad, se formaron para la reforma social, incluidas las casas de asentamiento en los barrios pobres y de clase trabajadora, como Hull House. Para desarrollar "nuevos roles para las mujeres", las activistas sociales fueron dirigidas y educadas por otras denominadas Nuevas Mujeres.


title: Enella Benedict

text: Benedict vivió en Hull House, al igual que Jane Addams, y apoyó el programa de la Escuela de Arte durante casi 50 años, enseñando modelado en arcilla, dibujo, pintura y litografía. Enella manejó el programa de artista residentes y otros maestros. El programa de arte dirigido por ella, tenía la intención de ofrecer oportunidades educativas y culturales a los residentes desfavorecidos del vecindario, promoviendo algunas profesiones laborales como formas de arte, como los campos textiles. Benedict creó oportunidades para que los artistas exhibieran sus obras, incluido el Instituto de Arte de Chicago. Publicado en "Pots of Promise: Mexicans and Pottery at Hull-House, 1920-40": "En proporción a la matrícula, probablemente ha habido más artistas expositores que comenzaron en sus clases que en la mayoría de las otras escuelas del país".Enella Benedict estaba comprometida con el principio de que el arte no debía ser un lujo para los ricos, que podría usarse como un instrumento para el cambio social. Benedict creía que el arte podía mejorar la vida de los residentes de Nineteenth Ward, agobiados por largos días de trabajo y condiciones difíciles, al proporcionar belleza y ofrecer oportunidades para la expresión creativa. Por tan solo 15 centavos al día, cualquiera podía tomar una clase de arte en Hull House, y muchos estudiantes estudiaron en la Escuela del Instituto de Arte.


title: Enella Benedict

text: — Biografía de Enella Benedict, Universidad de Illinois, Chicago. Mientras estuvo en Hull House, también enseñó en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, Benedict publicó una columna titulada "Ms. Benedict Knows" sobre historias sobre Hull House, lo que le proporcionaba ingresos para poder trabajar por las tardes en Hull House sin cobrar. A menudo viajaba a Europa durante los veranos.


title: Enella Benedict

text: Benedict exhibió su trabajo en el Palacio de Bellas Artes, el Edificio de Illinois y el Edificio de la Mujer en la Exposición Mundial Colombina de 1893 en Chicago, Illinois. Su trabajo fue exhibido en el Art Institute of Chicago impartido por la Art Students League of Chicago y otras exposiciones. Una galería de arte en Hull House se dedicó en su nombre a promover el trabajo de sus artistas. En 1938 se realizó una retrospectiva de su trabajo en la Galería Benedict.


title: Enella Benedict

text: Benedict era miembro del Palette Club en Chicago. Sus obras se encuentran en las colecciones de Hull House, el Museo de Arte Rockford en Illinois, el Museo Nacional de Mujeres en las Artes y la Institución Smithsonian.


title: Enella Benedict

text: Enella Benedict murió el 6 de abril de 1942 en Richmond, Virginia.


title: Trey Moses

text: Trey Alex Moses (Louisville, Kentucky, ) es un baloncestista estadounidense que pertenece a la plantilla de los Kilsyth Cobras de la NBL1, una liga semiprofesional australiana. Con 2,06 metros de estatura, juega en la posición de ala-pívot.


title: Trey Moses

text: Jugó cuatro temporadas con los "Ball State" de la Universidad Estatal Ball, en las que promedió 8,6 puntos, 6,9 rebotes, 2,2 asistencias y 1,1 tapones por partido. por partido. En 2018 fue incluido en el tercer mejor quinteto de la Mid-American Conference y, previamente, en 2017, lo fue en el mejor quinteto defensivo de la conferencia. Acabó su carrera como el jugador con más partidos disputados de la historia de su universidad, 132, y el segundo con más tapones conseguidos, 139.


title: Trey Moses

text: Tras no ser elegido en el Draft de la NBA de 2019, en el mes de agosto firmó su primer contrato profesional con el equipo búlgaro del BC Beroe. Disputó 16 partidos, en los que promedió 8,0 puntos y 7,7 rebotes. En enero de 2020 llegó a un acuerdo con el equipo para rescindir el contrato.


title: Trey Moses

text: El 12 de febrero de 2020 firmó contrato con el Kilsyth Cobras de la NBL1, una liga semiprofesional australiana.


title: Martín Medina

text: Martín Medina (Asunción; 11 de octubre de 1992) es un presentador de radio y televisión de Paraguay. Conocido por conducir el programa de televisión "Elevados" emitido por Unicanal.


title: Martín Medina

text: Martín Medina nació en la ciudad de Asunción de la República del Paraguay. A sus 18 años, en el 2011, inició su carrera en los medios con el programa "La Venus de Milva" con Milva Gauto en Radio Venus. Luego de la cancelación del programa por parte de los dueños de la radio, el equipo entero, compuesto por Milva Gauto, Juan Torres y Martín Medina fueron contratados por la emisora Radio Urbana de propiedad del Grupo Vierci en el 2013, programa llamado "Milva Imperio Urbano" con una duración de 3 años. Esta incorporación a la empresa fue muy publicitada por el hecho de que los despidos en Radio Venus generaron demandas y prensa hablando del tema.


title: Martín Medina

text: En el 2018 debutó en televisión con la conducción y producción de su propio programa llamado "Elevados" por Unicanal con el cual ya lleva dos temporadas.


title: Manuel Díaz Escobar

text: Manuel Díaz Escobar (Oaxaca, 1919 - Ciudad de México, 10 de septiembre de 2008) alias "El profesor" y "El zorro plateado" fue un militar y funcionario público mexicano. Según investigaciones oficiales conformó, entrenó y dirigió grupos paramilitares como el Batallón Olimpia que actuó en la matanza del 2 de octubre de 1968 y Los Halcones que perpetraron la Matanza del Jueves de Corpus el 10 de junio de 1971.


title: Manuel Díaz Escobar

text: Ingresó al Colegio Militar el 11 de mayo de 1937. Fue uno de los primeros militares mexicanos en ser entrenados en los Estados Unidos. Entre 1951 y 1954 fue agregado militar mexicano en ese país, sitio donde confluiría con otros militares mexicanos anticomunistas como Mario Ballesteros Prieto y Luis Gutiérrez Oropeza.


title: Manuel Díaz Escobar

text: En 1966 fue designado subdirector de Servicios Generales del Departamento del Distrito Federal (DDF) por Alfonso Corona del Rosal, entonces regente de la capital mexicana. Desde ese puesto recibió la encomienda oficial de conformar, entrenar y liderar grupos paramiltares para la represión y persecución de movimientos sociales como los estudiantiles, obreros y campesinos opositores al gobierno de entonces. Muchos de los vinculados a delitos como homicidio, desaparición forzada, tortura y detención arbitraria encabezada por el estado mexicano aparecerían registrados en la nómina a cargo de Díaz Escobar en el DDF como los francotiradores que iniciaron la agresión al Ejército Mexicano el 2 de octubre de 1968 en la llamada Operación Galeana.


title: Manuel Díaz Escobar

text: El funcionamiento de los grupos paramiltares con Díaz Escobar continuó con la gestión de Alfonso Martínez Domínguez en la regencia del DDF. Fotografías publicadas por el diario El Universal en 2004 y 2005 mostraron a Manuel Díaz Escobar vestido de traje negro en el campo de entrenamiento de los Halcones en la zona de San Juan de Aragón. Cometida la masacre el 10 de junio de 1971 por la noche Martínez Domínguez negaría la existencia de los Halcones atribuyendo el nombre a la jerga callejera. Cables oficiales del gobierno de los Estados Unidos desclasificados posteriormente como los de jefe de misión adjunto de la Embajada de Estados Unidos en México confirmaron días después la responsabilidad del gobierno en la existencia de los grupos represivos. Según Jack B. Kubisch en un cable diplomático el 17 de junio de 1971 los "Halcones" eran «un grupo represivo oficialmente financiado, organizado, entrenado y armado, cuyo propósito principal desde su fundación en septiembre de 1968 ha sido el control de los estudiantes de izquierda y antigobierno.» Kubisch también aclaró que la existencia y funciones de los "Halcones" era bien conocida entre el gobierno mexicano.


title: Manuel Díaz Escobar

text: Díaz Escobar fue empleado del DDF hasta 1973, fecha en la que fue enviado como agregado militar a Chile. En 1979 Díaz Escobar fue condecorado por José López Portillo como General de División Diplomado de Estado Mayor por su trayectoria.


title: Las inquietudes de Shanti Andía (película)

text: Las inquietudes de Shanti Andía es una película española de drama estrenada el 3 de febrero de 1947, escrita y dirigida por Arturo Ruiz Castillo, en el que fue su primer largometraje como director. Sus protagonistas en los papeles principales fueron Josita Hernán, Manuel Luna, Jorge Mistral y Jesús Tordesillas.


text: Se trata de un adaptación de la novela homónima de Pío Baroja, incluida en la serie «El mar» y publicada en 1911.


text: La película fue declarada por la Junta Clasificadora de Películas como "de interés nacional".


text: Es de destacar una pequeña aparición del propio Pío Baroja y de su hermano Ricardo, hacia la parte final del filme en la que se interpretan a ellos mismos.


text: Cuando es un niño, Shanti asiste al funeral de su tío Juan de Aguirre, aunque la criada de la casa le advierte en secreto que su tío no ha muerto y que la caja está vacía porque Juan era en realidad un pirata. Esto despierta la fantasía de Shanti y su tío se convierte para él en un personaje cautivador.


text: Muchos años después, ya en su vejez, Shanti recopila los fragmentos de un diario personal escrito en diferentes épocas de su vida, en el que rememora su infancia en el pequeño pueblo vasco de Lúzaro, su juventud en tierras gaditanas y sus venturas y desventuras como capitán de fragata y la investigación, ya de adulto, del fallecimiento (o no) de su tío Juan de Aguirre.


title: Manuel García de la Huerta Pérez

text: Manuel García de la Huerta Pérez (Santiago, 1837-ibíd., 9 de junio de 1889) fue un abogado y político chileno. Ejerció como diputado y senador, fue presidente de la Cámara de Diputados entre 1881 y 1882, y fue ministro de Estado en los gobiernos de Aníbal Pinto y José Manuel Balmaceda.


title: Manuel García de la Huerta Pérez

text: Hijo de Pedro García de la Huerta Saravia y de Perpetua Pérez Mascayano, hermana del expresidente de la República, José Joaquín Pérez.


title: Manuel García de la Huerta Pérez

text: Estudió en el Instituto Nacional y luego Derecho en la Universidad de Chile, jurando como abogado el 6 de mayo de 1861. Ejerció su profesión en Santiago.


title: Manuel García de la Huerta Pérez

text: Se casó con Ceferina Izquierdo Urmeneta y tuvieron tres hijos, Manuel, Pedro y Carlos. Hacia 1885 el matrimonio construyó una residencia en calle Catedral, en el centro de Santiago, que es conocida como Palacio García de la Huerta Izquierdo, y que fue posteriormente heredada por su hijo Pedro. Asimismo fue heredero por parte de su madre de la Hacienda San Nicolás de Tango, ubicada en el sector de Chena, actualmente comuna de San Bernardo. Las casas de la Hacienda fueron declaradas Monumento Histórico en 2018.


title: Manuel García de la Huerta Pérez

text: Desde muy joven integró las filas del Partido Liberal.


title: Manuel García de la Huerta Pérez

text: Fue elegido diputado propietario por Quinchao, por el período 1864-1867. Fue reelecto diputado propietario, ahora por Santiago, por el período 1876-1879. Durante esa legislatura fue primer vicepresidente de la Cámara de Diputados, entre el 17 de noviembre de 1876 y el 6 de noviembre de 1877.


title: Manuel García de la Huerta Pérez

text: Fue nombrado ministro de Guerra y Marina el 27 de octubre de 1877, durante el gobierno de Aníbal Pinto; desempeñó el cargo hasta el 5 de agosto de 1878. Más adelante, durante este mismo gobierno, fue nombrado ministro de Justicia, Culto e Instrucción Pública, cargo que desempeñó desde el 16 de junio de 1880 hasta el 2 de febrero de 1881, con algunos intervalos en que fue reemplazado. Paralelamente, fue ministro subrogante de Guerra y Marina, el 16 de junio de 1880 hasta el 13 de abril de 1881, también con breves intervalos.


title: Manuel García de la Huerta Pérez

text: Paralelamente fue elegido diputado propietario, esta vez por Angol, por el período 1879-1882. Fue presidente de la Cámara, entre el 19 de noviembre de 1881 y el 29 de mayo de 1882. Ese mismo año fue nombrado consejero de Estado.


title: Manuel García de la Huerta Pérez

text: Fue elegido senador propietario por Santiago, por el período 1882-1888. Integró la Comisión Permanente de Gobierno y Relaciones Exteriores y la de Guerra y Marina, y fue miembro de la Comisión Conservadora para el receso 1885-1886. Paralelamente fue nombrado ministro de Guerra y Marina por el gobierno del presidente José Manuel Balmaceda, cargo que sirvió desde el 28 de junio de 1887 hasta el 12 de abril de 1888.


title: Manuel García de la Huerta Pérez

text: Fue reelecto senador propietario por Santiago, por el período 1888-1894. Integró la Comisión Permanente de Gobierno y Relaciones Exteriores. Miembro de la Comisión Conservadora para el receso 1888-1889. Sin embargo, no alcanzó a completar su período senatorial, pues falleció en Santiago, el 9 de junio de 1889.


title: Berlín (escultura)

text: Berlín es una obra del escultor español Eduardo Chillida, creada en 2000. Construida en acero, representa la reunificación de Alemania, y preside la entrada a la Cancillería Federal en Berlín (Alemania).


title: Berlín (escultura)

text: En 1998, el editor alemán Rolf Becker, un seguidor de la obra de Chillida, propuso al escultor la creación de una obra que representara el espíritu de la reunificación alemana que él mismo financiaría y regalaría a la ciudad de Berlín. Becker informó al canciller Gerhard Schröder, que aceptó gustosamente la propuesta.


title: Berlín (escultura)

text: Chillida comenzó entonces la escultura, de 90 t de acero, que fue realizada en la histórica factoría de Sidenor en Reinosa (Cantabria), cuyas forjas fueron puestas al límite de su capacidad.


title: Berlín (escultura)

text: La obra fue inicialmente ubicada en la entrada del museo Chillida-Leku en Hernani, antes de su traslado a Alemania. Fue trasladada en barco desde el puerto de Pasajes hasta Países Bajos, y de ahí por carretera hasta Berlín. Fue inaugurada el 2 de mayo de 2001 en el centro de los jardines de la Cancillería Federal en Berlín, aunque ni Schröder ni Chillida quedaron muy satisfechos con el emplazamiento inicial, pues su proximidad al edificio restaba vistosidad a la obra. Por ello, y a petición de Schröder, en junio de 2002 la escultura fue trasladada unos metros, más lejos del edificio y cerca de la puerta principal, donde podía ser admirada "en todo su esplendor".


title: Berlín (escultura)

text: Durante su inauguración, Gerhard Schröder definió la escultura como "una de las obras más significativas en la trayectoria del artista". "Berlín" tiene unas medidas de 6 m de alto por 6 m de ancho, un peso de 90 toneladas, y su precio fue calculado en unos 174 millones de pesetas. Está formada por dos vigas de acero que representan dos brazos a punto de entrelazarse, como una metáfora de la reunificación alemana.


title: Berlín (escultura)

text: El 19 de octubre de 2012, con motivo del 10.º aniversario de la muerte de Chillida, el gobierno alemán rindió homenaje al escultor vasco durante un acto celebrado junto al monumento, presidido por el ministro de la Cancillería, Ronald Pofalla. Asimismo, el 4 de febrero de 2013, la canciller alemana Angela Merkel y el presidente del gobierno español Mariano Rajoy, rindieron también homenaje a la escultura de Chillida durante una cumbre hispanoalemana celebrada en Berlín.


title: Música garífuna

text: La Música garífuna es un tipo de música originado en Centroamérica, principalmente en el Caribe, la costa de Honduras, Belice, Guatemala y Nicaragua.


title: Música garífuna

text: El principal instrumento musical son los tambores, maracas e instrumentos poco convencionales como las caracolas.


title: Música garífuna

text: El uso de los tambores es un rol muy importante en la música de los garífunas. El principal de ella es el "Segunda" (un tambor de bajo). Estos son elaborados generalmente a mano por los garífunas a base de madera, troncos y piel de antílopes.


title: Música garífuna

text: Hay ciertos tipos de canciones que son asociadas con su trabajo, algunas se tocan, otras se bailan y tienen algunas reservadas para rituales de su cultura. Hay dos estilos principales, la Punta y la Paranda.


title: Música garífuna

text: En cuanto a lo más destacado de la cultura musical garífuna, esta comunidad afro-caribeña gusta los ritmos enérgicos y cautivadores del tambor y su ritmo punta. Naturalmente dotados en lo que respecta a la danza, los garífuna también participan en unos peculiares, y relativamente competitivos, concursos de baile "chumba" y "hunguhungu" en los que la mayoría del movimiento gira en torno a una rotación circular de la cadera. En 2001, la música, danza y el lenguaje de los garífunas fue proclamado como Patrimonio cultural inmaterial de la Humanidad por la UNESCO. Siendo en el 2008 suscrita en la XXXII sesión.


title: Jeanne Henriette Rath

text: Jeanne Henriette Rath (Ginebra,12 de mayo de 1773 - ib. 24 de noviembre de 1856) también conocida como Henriette Rath, fue una retratista, pintora, miniaturista y esmaltadora suiza. Con su hermana fundó el museo Rath.


title: Jeanne Henriette Rath

text: Rath nació el 12 de mayo de 1773 en Ginebra. Hija de Jean-Louis, relojero, y Alexandrine Sarah Rolland. Su hermano, el general Simón Rath, legó una gran fortuna a sus hermanas. Jeanne Henriette y Jeanne Françoise Rath hicieron una donación a la ciudad de Ginebra para la creación del Museo Rath, el primer museo de bellas artes de Suiza que se inauguró el 31 de julio de 1826. Las dos hermanas vivieron cerca de este museo desde 1830.


title: Jeanne Henriette Rath

text: En mayo de 1851, se opuso a que el consejo administrativo de la ciudad de Ginebra asumiera la administración y la dirección del Museo, dado que estos cargos debían seguir en la Société des arts de Genève y les escribió para hacerles saber que esas disposiciones eran ""completamente opuestas a nuestras intenciones fundacionales"".


title: Jeanne Henriette Rath

text: Preocupada por el futuro del museo, estipuló en su testamento "el "disfrute de las salas del Museo Rath por la Sociedad de las Artes de Ginebra a perpetuidad, hasta el momento en que la Sociedad renuncie voluntariamente a su derecho a utilizarlas"" y agrega "le r"ecuerdo que el único y verdadero destino de este establecimiento es dedicarlo, según mi intención y mi voluntad, a las bellas artes, la pintura y la escultura, sin que pueda ser utilizado en otros menesteres"".


title: Jeanne Henriette Rath

text: Murió el 24 de noviembre de 1856 en su ciudad natal.


title: Jeanne Henriette Rath

text: Jeanne Henriette Rath tomó clases de dibujo a la edad de 16 años, después fue alumna de Jean-Baptiste Isabey en París. Éste la presenta a su clientela, en particular a la familia imperial rusa. A su regreso a Ginebra, se ocupó de la supervisión de la Academia de Niñas (escuela de dibujo) de la Sociedad de Artes de Ginebra con Louise-Françoise Mussard, Elisabeth Terroux y Jeanne-Pernette Schenker-Massot. Dio clases a Adrienne Pauline Bacle. En 1801 fue la primera mujer en ser nombrada miembro honorario de la Société des arts de Genève. Se reconoció su talento como miniaturista (en marfil, esmalte, vitela) y consiguió muchos encargos que le permitieron acumular una fortuna importante. Jules Hébert pintó su retrato después de su muerte. Rigaud escribió al respecto: "La "señorita Rath, apasionada por la verdad, siempre procuró reproducir en sus retratos la naturaleza tal como la veía"".


title: Jeanne Henriette Rath

text: El Museo de Arte e Historia de Ginebra tiene diez de sus retratos, incluido el "Retrato de Jean-Baptiste Isabey", el "Retrato de Jean-Jacques Rousseau", el "Retrato de Jeanne-Françoise Rath" y un autorretrato. En 2019, la asociación Escouade colocó carteles temporales en las calles de Ginebra en homenaje a las famosas mujeres de Ginebra. La Rue de la Corraterie se ha rebautizado temporalmente como "Rue Jeanne-Henriette Rath" en el marco de la iniciativa 100Elles.


title: Locomotora Bo-Bo-Bo

text: Una locomotora Bo-Bo-Bo o Bo′Bo′Bo′ (según la clasificación UIC) es un tipo de locomotora con tres bogies independientes de dos ejes cada uno, con todos los ejes accionados por motores de tracción separados. En la clasificación AAR, la notación equivalente se simplifica como B-B-B.


title: Locomotora Bo-Bo-Bo

text: La configuración Bo-Bo-Bo se usa a menudo para cargas por eje reducidas. Permite minimizar las fuerzas laterales resultantes si se compara con una locomotora con dos bogies de tres ejes, lo que hace posible que la locomotora use vías con carriles más ligeros, en particular en el caso de los ferrocarriles de vía estrecha.


title: Locomotora Bo-Bo-Bo

text: En esta categoría pueden encontrarse tanto máquinas de bastidor único (equipadas con dos bogies convencionales, y un bobie central capaz de deslizarse transversalmente), como máquinas con dos bastidores articulados (equipadas con dos bogies convencionales, y un bogie Jacobs central sobre el que se articulan los dos bastidores).


title: Locomotora Bo-Bo-Bo

text: La disposición se usa ampliamente en los ferrocarriles italianos y japoneses. Otros ejemplos incluyen las clases neozelandesas DJ, EW y EF; las locomotoras Eurotunnel Clase 9, que derivaron de la Clase EF de neozelandesas; las suizas FFS SBB-CFF-FFS Re 620 (Re 620); RZhD EP10 y las coreanas Korail Clase 8000. China importó máquinas 6K procedentes de Japón entre 1986 y 1987. El diseño Bo-Bo-Bo se aplicó a la serie SS7, excepto las SS7E.


title: Locomotora Bo-Bo-Bo

text: El Ferrocarril de Nueva Gales del Sur construyó la última de sus locomotoras eléctricas Clase 86 (8650) con disposición Bo-Bo-Bo (llamadas localmente "Tri-Bo"), pero no tuvo éxito y pasó largos períodos fuera de servicio debido a las reparaciones.


title: Locomotora Bo-Bo-Bo

text: Las primeras locomotoras eléctricas italianas de seis ejes, como la E.626, usaban un diseño Bo′BoBo′, donde los dos ejes centrales estaban montados fijos en el bastidor y los dos pares de ejes exteriores eran dos bogies.


title: Locomotora Bo-Bo-Bo

text: Esta disposición de ruedas requiere un marco articulado (convirtiéndose en una disposición Bo+Bo+Bo) o bien un juego lateral significativo en el bogie central. Las locomotoras italianas y la clase EW de Nueva Zelanda están articuladas, mientras que los bogies centrales de las locomotoras EF y DJ de Eurotunnel y Nueva Zelanda tienen mucho juego lateral.


title: Locomotora Bo-Bo-Bo

text: Una disposición similar, pero sin motores de tracción separados para cada eje, sería una disposición B′B′B′ según la notación UIC, indistintamente B-B-B en el sistema AAR.


title: Locomotora Bo-Bo-Bo

text: Esta disposición se utilizó en locomotoras eléctricas con tres bogies monomotores, como la FS Clase E.632 italiana de 1982.


title: Constance Mary Pott

text: Constance Mary Pott (1862–1957) fue una grabadora, escritora y maestra inglesa activa a fines del siglo XIX y el siglo XX. Trabajó muy cerca del maestro y grabador Frank Short.


title: Constance Mary Pott

text: Pott nació en Inglaterra en 1862 y creció en un hogar victoriano de clase media alta con su madre, la Sra. Henry Pott, que escribió el libro "Quite the Gentleman". A mediados del siglo XIX, la demanda de artesanos aumentó a medida que el sector industrial comenzó a crecer. La necesidad de artistas y artesanos estimuló la creación de escuelas de formación. Constance Mary Pott asistió al Royal College of Art (RCA) una de las escuelas de capacitación en diseño industrial. Pott, como muchos de los otros estudiantes que asisten a la escuela, se sintió más atraída por las bellas artes que por el diseño y tomó una clase de grabado con la que comenzó su carrera artística. Su relación profesional con el artista Frank Short comenzó durante su tiempo en el RCA, cuando impartió la clase de grabado en 1891. Poco después de graduarse, la propia Pott comenzó a enseñar en el RCA en 1902 y fue considerada como una excelente maestra por muchos críticos y curadores de la época.


title: Constance Mary Pott

text: El libro "Etched in Memory: The Building and Survival of Artistic Reputation" incluye muchos registros de mujeres artistas entre 1880 y 1930. Examina el renacimiento del grabado y proporciona explicaciones de por qué las mujeres tuvieron más dificultades para construir una reputación y garantizar su supervivencia en comparación con sus contemporáneos masculinos. Pott es analizada en el libro y los autores aportan que su falta de reconocimiento se debió a algunas razones diferentes. Tuvo una educación muy victoriana en la que se desanimó su autopromoción, por lo que no pudo explotar su obra de arte tanto como sus homólogos masculinos.


title: Constance Mary Pott

text: En diciembre de 1885 organizó la primera reunión de la Sociedad Francis Bacon, impresionada por sus propios descubrimientos anteriores. Pott había estado trabajando para descifrar la letra isabelina que se encuentra en el libro de bocetos de Francis Bacon y descubrió que varias ideas y figuras retóricas del Promus también se podían encontrar en las obras de Shakespeare y concluyó que Francis Bacon era su autor secreto. Pott sobrevivió a muchos de sus compañeros y vivió 32 años más allá de la demanda máxima de artistas grabados, por lo que cuando murió, su obra de arte ya no estaba relacionada con la escena artística en ese momento.


title: Constance Mary Pott

text: No llevó un registro de su obra de arte, por lo que los historiadores tuvieron dificultades para hacer un seguimiento de las impresiones que hizo. Por último, nunca se casó y tampoco tuvo hijos, por lo que su familia no pudo transmitir su legado como artista importante de la época. Murió en 1957 y dejó la mayoría de sus pertenencias a sus dos de sus hermanas, y su dinero a Johannes Matthias Daum, un exalumno suyo del Royal College of Art.


title: Lazareto de Milán

text: El Lazareto de Milán () fue construido entre finales del siglo y principios del fuera de la Porta Orientale, como lugar de aislamiento y recuperación de los enfermos durante las epidemias. Demolido a finales del siglo , tenía forma de cuadrilátero de 378 metros de longitud y 370 metros de anchura y ocupaba una zona delimitada por las actuales Via San Gregorio, Via Lazzaretto, Viale Vittorio Veneto y Corso Buenos Aires.


title: Lazareto de Milán

text: Entre 1448 y 1449, durante la República Ambrosiana, se propuso la creación de un lugar para la recuperación de los pobres y de los enfermos primero en Cusago y posteriormente en una construcción junto a la iglesia de San Barnaba, en la zona de Porta Tosa; en esta época los enfermos se recuperaban cerca del Castillo de la Porta Giovia.


title: Lazareto de Milán

text: En 1468, entre junio y julio, con ocasión de la boda entre Galeazzo María Sforza y Bona de Saboya, se tuvo noticia de la difusión de la peste y varios nobles se trasladaron fuera de la ciudad.


title: Lazareto de Milán

text: Ese mismo año, mediante carta del 10 de agosto, el notario Lazzaro Cairati presentó al duque un proyecto para la construcción de un lazareto en Crescenzago, en la zona de la Martesana; las aguas del Naviglio della Martesana rodearían la estructura y permitirían trasladar a los enfermos por vía acuática. Estaba previsto que tuviera una superficie de 400 pérticas cuadradas (unas 26 hectáreas), con doscientas habitaciones cuadradas de ocho brazas de lado.


title: Lazareto de Milán

text: Cada habitación estaría aislada de las otras y tendría dos ventanas, dos agujeros de ventilación, una pequeña chimenea y una letrina; la cama sería de paja, de manera que pudiera ser quemada en el momento de la desinfección. Un edificio anexo estaría destinado a acoger a los casos sospechosos, manteniéndolos separados de los contagiados. Estaban previstas también dos pequeñas iglesias con espacios para las sepulturas y una gran casa para alojar a médicos, barberos y oficiales. En este proyecto algunos han notado la influencia de las ideas de Filarete.


title: Lazareto de Milán

text: El duque remitió el proyecto al Consejo Secreto de Milán, que lo aprobó, pese a algunas protestas de los habitantes de Crescenzago; sin embargo, su construcción fue suspendida, probablemente por falta de fondos.


title: Lazareto de Milán

text: En 1485 la peste volvió a golpear Milán y se volvió a proponer la idea de construir un lugar donde aislar a los enfermos. El 23 de enero de 1486 murió el conde Galeotto Bevilacqua que, siguiendo lo establecido por su tío paterno Onofrio, dejó al Ospedale Maggiore di Milano varias propiedades para que las vendieran y construyeran un lugar para los pobres enfermos de peste. En el legado indicó también que el lazareto se debía construir fuera de la Porta Orientale, cerca de la iglesia de San Gregorio, y estableció que se debía construir en un plazo de dos años desde su fallecimiento. Probablemente la zona fue escogida por Bevilacqua porque ya había en el lugar un albergue vinculado a la iglesia de San Gregorio.


title: Lazareto de Milán

text: Resueltas algunas controversias con los herederos de Bevilacqua, en 1488 el Ospedale Maggiore obtuvo seis mil ducados para la obra; una comisión confirmó la idoneidad del lugar escogido y se descartaron los temores de una posible difusión de la peste mediante el aire o mediante las aguas que rodearían el edificio.


title: Lazareto de Milán

text: Se definió también el proyecto de la estructura. En total ocuparía una superficie de 200 pérticas cuadradas y el acceso sería posible solo a través de un puente levadizo; estaban previstas doscientas ochenta habitaciones, no separadas como en el primer proyecto, sino colindantes. Cada habitación, cuadrada y con un lado de ocho brazas, tendría:


title: Lazareto de Milán

text: En el exterior de cada habitación estaba prevista una pintura sagrada, y en el centro de la estructura se construiría una capilla. Por último, la estructura estaría dividida en cuatro partes: las tres primeras estarían destinadas respectivamente a los enfermos, a los curados y a los sospechosos, mientras que la última, orientada hacia la ciudad, a los médicos, boticarios, barberos y otros empleados. En la entrada estarían esculpidas las insignias ducales y las de las familias Parravicini, Bevilacqua, Borromeo y Trivulzio.


title: Lazareto de Milán

text: El 27 de junio de 1488 se dio inicio a la construcción del llamado «edificio de Santa Maria della Sanità» ("Edificium Sancte Marie Sanitatis") y el 14 de noviembre las obras fueron confiadas oficialmente a Lazzaro Palazzi con una compensación anual de cincuenta liras imperiales. El proyecto probablemente fue continuado principalmente por el notario Lazzaro Cairati, que se definía «autor» e «inventor» del lazareto.


title: Lazareto de Milán

text: La construcción se inició lentamente: en 1497 se completaron los cimientos de la mitad de las habitaciones, mientras que hasta 1505 no se inició la colocación de los azulejos. Buena parte del pórtico fue realizada entre 1507 y 1508, año en el que se empezó a pintar las habitaciones. Palazzi, que enfermó en 1504, murió a finales de 1507 y en 1508 fue sustituido por Bartolomeo Cozzi. Entre 1509 y 1513 se realizaron solo mínimas intervenciones por falta de fondos y parte de la estructura permaneció incompleta; además, el terreno interior fue alquilado.


title: Lazareto de Milán

text: La estructura, que fue tomada como modelo para posteriores proyectos en otras ciudades, estaba constituida por un amplio recinto cuadrado con una única entrada, vigilada por soldados. A su alrededor estaba completamente rodeado por un foso lleno de agua, llamado "Fontanile della Sanità", que aumentaba la idea de aislamiento y separación de Milán.


title: Lazareto de Milán

text: El perímetro interior estaba constituido por 504 arcos, hacia los que daban 288 celdas, de las cuales 280 eran para el internamiento de los enfermos, mientras que las restantes cuatro en las esquinas y cuatro en las entradas estaban destinadas a los servicios. Cada celda tenía una superficie de unos veinte metros cuadrados, con dos ventanas, una chimenea, una letrina y colchones sobre los cuales dormían los enfermos.


title: Lazareto de Milán

text: La aparición de nuevas epidemias de peste hizo necesario que se usara el recinto: entre 1513 y 1516 el lazareto albergó más de doscientas personas cada año entre enfermos y sospechosos. Siguieron la peste de 1524 y la de 1576, que hicieron necesaria la construcción de cabañas en el interior y en el exterior del recinto para poder albergar el gran número de enfermos. A finales del siglo , ante la ausencia de epidemias, el terreno fue alquilado de nuevo y algunas habitaciones fueron tapiadas.


title: Lazareto de Milán

text: En 1629, a causa de la hambruna en el Ducado de Milán, más de tres mil quinientos pobres fueron acogidos en el lazareto para ser ayudados con víveres y su número, según Tadino, llegó a 9715; el hacinamiento provocó una epidemia en el lazareto que causó entre setenta y ciento diez muertos cada día. El lazareto fue cerrado y los pobres que parecían sanos volvieron a casa, pero el contagio se difundió rápidamente en la ciudad y hasta septiembre murieron unas ocho mil quinientas personas.


title: Lazareto de Milán

text: Con la difusión en ciudad de la peste de 1630, el lazareto fue reabierto y organizado de la siguiente manera:


title: Lazareto de Milán

text: El aspecto del lazareto durante la peste se muestra en un grabado del 29 de enero de 1631 realizado por Giovanni Francesco Brunetti, que pasó un tiempo en él y sobrevivió. La leyenda del grabado describe lugares y acontecimientos en el interior y en el exterior del recinto. El lazareto en la época de la peste de 1630 está representado también en un lienzo presente en la Via Laghetto de Milán; se trata de un exvoto de Bernardo Catone, prior del gremio de carboneros, por haberse salvado de la peste. La parte superior representa a la Virgen María con un manto abierto sostenido por dos ángeles; de frente, san Sebastián, san Carlos y san Roque; abajo a la derecha está representado el perfil del cliente. La vista en perspectiva colocada en la parte inferior muestra el lazareto desde el lado occidental, con las murallas de Milán a la derecha y la iglesia de San Gregorio y el cementerio a la izquierda. La vista muestra también treinta y seis tiendas de campaña en el interior del recinto.


title: Lazareto de Milán

text: El uso de tiendas para la recuperación de los apestados está representado también en el cuadro "La comunión del apestado" de Antonio Maria Ruggeri, realizado a finales del siglo .


title: Lazareto de Milán

text: Terminada la epidemia en 1632, se realizó una desinfección y el lazareto fue entregado al Ospedale Maggiore. En los años posteriores la estructura fue utilizada principalmente para fines militares y sufrió varios daños y alteraciones. Se iniciaron también una serie de adaptaciones para diferentes usos: en 1780 se convirtió en sede de la escuela de veterinaria y de la guardia aduanera; en 1790 varias habitaciones fueron adaptadas como casas de trabajo para los pobres.


title: Lazareto de Milán

text: En 1797 el lazareto fue expropiado por Napoleón para la Administración General de la Lombardía. El 9 de julio de ese mismo año, con ocasión de la fiesta de la República, fue rebautizado "Campo della Federazione" y se llevó a cabo una primera alteración del edificio con la creación de veintidós aperturas hacia el exterior para permitir el acceso de la población durante la fiesta y la destrucción de tres habitaciones para el paso de las tropas.


title: Lazareto de Milán

text: El espacio interior fue utilizado para algunos festejos de nuevo en 1798, pero las decoraciones fueron destruidas en mayo de 1799 cuando acamparon las tropas de rusos y cosacos. Con la vuelta de los franceses en 1800 la zona mantuvo su uso militar.


title: Lazareto de Milán

text: En 1812 volvió a ser propiedad del Ospedale Maggiore, que intentó venderlo, pero la subasta quedó desierta. Con el crecimiento de la población de la ciudad, la estructura estaba cada vez más habitada y en 1840 el foso exterior fue cubierto, permitiendo así la instalación de tiendas abiertas hacia la calle. Algunos locales fueron alquilados a trabajadores ferroviarios, jardineros, artesanos, comerciantes, vendedores ambulantes, lavanderos, herradores y fabricantes de hielo.


title: Lazareto de Milán

text: En 1861 la parte septentrional fue cortada por el viaducto ferroviario que conducía a la antigua Estación Central de Milán, cuyo trazado correspondía al actual Viale Tunisia.


title: Lazareto de Milán

text: El 28 de abril de 1881 el complejo fue adquirido en subasta por la Banca di Credito Italiano por 1 803 690 liras y parcelado por el Plano Beruto para la edificación de nuevos edificios populares. Tras la aprobación del plano regulador de la zona, en la primavera de 1882 se inició la demolición.


title: Lazareto de Milán

text: En el momento de su venta, en 1880, el gobierno exigió la conservación de una pequeña parte del inmueble. Inicialmente estaba prevista la conservación de la Porta di San Gregorio (puerta hacia el norte utilizada para el traslado de los muertos a los lugares de sepultura). Sin embargo, a causa de la falta de la decoración original en el tramo exterior del muro, se decidió conservar otro tramo ya adquirido por el ayuntamiento, situado actualmente en la Via San Gregorio.


title: Lazareto de Milán

text: El edificio situado en el número 5 de la calle fue concedido desde 1974 a la iglesia ortodoxa griega y comprende un tramo correspondiente a poco más de cinco estancias originarias, con seis ventanas y cinco chimeneas. En el lado del edificio opuesto a la calle se conserva un tramo del pórtico con diez arcos sobre once columnas. También hay una placa que reza: "O viandante, il passo trattieni ma non il pianto" («Oh caminante, contienes el paso pero no el llanto»).


title: Lazareto de Milán

text: Otra parte del muro se encuentra en el interior del cercano edificio que alberga el Istituto Comprensivo Galvani, que data de 1890. Por otro lado, la parte del pórtico interior correspondiente a la Porta di San Gregorio fue reconstruida por la familia Bagatti-Valsecchi en su villa de Varedo.


title: Lazareto de Milán

text: Se han producido también otras reutilizaciones de parte del pórtico:


title: Lazareto de Milán

text: Desde su construcción, en el centro del complejo se encontraba un altar cubierto, donde eran oficiadas las ceremonias. La capilla estaba dedicada inicialmente a "Santa Maria della Sanità".