title: Campaña en el Mediterráneo de 1798

text: La flota francesa partió de Tolón en mayo de 1798 con unos y cientos de barcos. Eran seguidos por una pequeña escuadra británica al mando del vicealmirante Horatio Nelson. La primera parada de los franceses fue en la isla de Malta que estaba gobernada por los caballeros de la Orden de San Juan de Jerusalén, los cuales fueron rápidamente vencidos y Napoleón dejó a algunos de sus hombres haciéndose cargo del puerto de La Valeta antes de continuar camino hacia Egipto. Cuando Nelson se enteró de que los franceses habían capturado la isla, se dio cuenta de que su siguiente objetivo sería Egipto y puso rumbo a Alejandría, a donde llegaron a finales de junio, antes que los galos.


title: Campaña en el Mediterráneo de 1798

text: Incapaz de encontrar a los franceses, Nelson puso rumbo de vuelta hacia Sicilia, la cual alcanzaron el 19 de julio. Mientras tanto, Bonaparte llegaba a Alejandría capturando la ciudad. La flota francesa, bajo el mando del almirante François-Paul Brueys d'Aigalliers, permaneció en línea de batalla en la bahía de Abu Qir, mientras que los soldados marchaban hacia el interior.


title: Campaña en el Mediterráneo de 1798

text: El 1 de agosto Nelson llegó a la Bahía de Abu Qir, e inmediatamente ordenó el ataque a la flota francesa, que fue sorprendida y capturado el poderoso "L'Orient. La batalla, conocida como batalla del Nilo, continuó dos días más, concluyendo en un éxito británico, y dejando atrapado a Bonaparte en Egipto.


title: Campaña en el Mediterráneo de 1798

text: Con la flota francesa vencida, otras naciones tomaron la decisión de unirse a la Segunda Coalición (segunda unión de varios países europeos con el objetivo de contener a la Revolución francesa). Portugal, el Reino de Nápoles, el Imperio Ruso y el Imperio Otomano pusieron a sus tropas rumbo hacia el Mediterráneo. Los rusos y turcos operaron en el mar Adriático, mientras que los portugueses y napolitanos participaron en el asedio de Malta. Por último, el almirante británico John Jervis capturó Menorca, que era una importante base naval francesa.


title: Campaña en el Mediterráneo de 1798

text: Artículo parcialmente traducido de (Wikipedia en inglés).


title: Parasola

text: Parasola es un género de hongos en la familia Psathyrellaceae.


title: Parasola

text: Esta lista esta incompleta.


title: Corso Vittorio Emanuele II (Milán)

text: El Corso Vittorio Emanuele II, antiguamente llamado Corsia dei Servi, es una de las calles más importantes del centro de Milán, Italia. Une la Piazza del Duomo con la Piazza San Babila, y forma parte de una amplia zona peatonal que comprende también la Piazza Mercanti y la Via Dante. Aquí se encuentran numerosas tiendas (sobre todo de ropa), que la hacen una de las principales zonas comerciales de la ciudad.


title: Corso Vittorio Emanuele II (Milán)

text: La calle tiene un origen muy antiguo: en la época romana era la arteria que conducía hacia el noreste. Posteriormente recibió el nombre de Corsia dei Servi (en los siglos XVII y XVIII) y era el primer tramo de la calle que unía la Piazza del Duomo con la puerta oriental. Este nombre se debía al convento de los Siervos de María ("servi di Maria"), que oficiaban la iglesia de Santa Maria dei Servi. Alessandro Manzoni, en "Los novios", basándose en los hechos históricos en los que se inspira el poema, coloca en la Corsia dei Servi el "forno delle Grucce" (en milanés, "el Prestin di Scansc"), asaltado por el pueblo en una revuelta.


title: Corso Vittorio Emanuele II (Milán)

text: La antigua Corsia dei Servi fue regularizada y ampliada en los años veinte y treinta del siglo XIX: las antiguas casas de origen medieval fueron sustituidas por palacios de mayor prestigio de estilo neoclásico. A mitad de la calle se construyó, en torno al 1830, el edificio más monumental, la iglesia de San Carlo al Corso.


title: Corso Vittorio Emanuele II (Milán)

text: Tras las obras, la calle recibió el nombre de Corso Francesco, en honor al emperador y rey de Lombardía-Venecia Francisco y, tras la unificación italiana, se convirtió en el Corso Vittorio Emanuele II, nombre que se mantuvo también durante la república. Los edificios, en gran parte bombardeados, fueron reconstruidos y en muchos casos modificados íntegramente, obteniendo además una doble fila de pórticos. Fue además la primera calle de Milán que fue peatonalizada, a mediados de los años ochenta. En esos mismos años perdió, sin embargo, una de sus características: la concentración de cines. Muchos de ellos han sido sustituidos en la actualidad por tiendas de grandes marcas de moda.


title: Corso Vittorio Emanuele II (Milán)

text: Aproximadamente a la mitad de la calle, bajo los pórticos del lado norte, se encuentra una escultura de mármol de época imperial, llamada "Omm de Preja" («hombre de piedra» en milanés), sobre la cual en los siglos pasados era costumbre colocar composiciones satíricas e ingeniosas sobre las personalidades de la época, al igual que sucedía con el célebre "Pasquino" y el resto de estatuas parlantes de Roma.


title: Corso Vittorio Emanuele II (Milán)

text: En la iglesia de San Carlo al Corso surgió la actividad del centro cultural "La Corsia dei Servi" en torno a figuras dotadas de un fuerte carisma como el padre David Maria Turoldo y Camillo De Piaz, que habían sido referencia para los católicos que participaron en la Resistencia. El mismo compromiso caracterizó la actividad de la posguerra, con el apoyo a las iniciativas de Zeno Saltini, fundador de la comunidad católica de Nomadelfia, en las que participaron siete frailes separados del convento de San Carlo. Sin embargo, la iglesia intervino con rotundidad, obligando a los frailes a volver. Bajo la dirección del padre Camillo De Piaz se continuó brevemente con la actividad, pero posteriormente continuó como una simple asociación privada que se trasladó a otra sede y se hizo llamar "Nuova Corsia dei Servi". El antiguo nombre fue recuperado posteriormente para indicar las actividades culturales católicas realizadas en el convento de los Siervos.


title: Corso Vittorio Emanuele II (Milán)

text: En el lado izquierdo:


title: Corso Vittorio Emanuele II (Milán)

text: En el lado derecho:


title: Corso Vittorio Emanuele II (Milán)

text: El nombre de "Corsia dei Servi" fue recuperado por un espacio abierto público situado en el interior de una manzana frente a la iglesia, propiedad en la época de la Unione Manifatture. En la plaza están los restos de las Termas Hercúleas, de la época imperial romana.


title: Oxalis latifolia

text: Oxalis latifolia es una especie de fanerógama perteneciente a la familia Oxalidaceae conocida por el nombre común de jardín de acedera rosada, acedera y acedera de hojas anchas. Es nativa de México y partes de América Central y del sur.


title: Oxalis latifolia

text: Es una hierba perenne que crece a partir de un sistema de pequeños bulbos y se propaga a través de estolones. No hay vástago. Las hojas surgen en largos pecíolos desde el nivel del suelo, cada uno compuesto por tres hojuelas con forma de corazón de aproximadamente 4,5 cm de ancho. La inflorescencia es un conjunto de varias flores, cada una con cinco pétalos rosados.


title: Oxalis latifolia

text: Es conocido en la mayoría de los otros continentes como una especie introducida, una maleza nociva e invasora, ya que infesta muchos tipos de cultivos agrícolas.


title: Margaret Macdonald

text: Margaret Macdonald, de casada Margaret Macdonald Mackintosh (Tipton, Staffordshire, 5 de noviembre de 1864-Chelsea, 7 de enero de 1933) fue una pintora, ilustradora y decoradora británica perteneciente a la Escuela de Glasgow, un grupo artístico cercano al modernismo y simbolismo. Los otros miembros destacados del grupo fueron su marido, Charles Rennie Mackintosh, su hermana Frances Macdonald y el marido de esta, Herbert MacNair, también conocidos como "The Four" (Los Cuatro). Esta escuela destacó especialmente en arquitectura y artes decorativas, y situó la ciudad escocesa de Glasgow como uno de los epicentros del modernismo internacional —también conocido como "Art Nouveau" en Francia o "Modern Style" en Reino Unido—.


title: Margaret Macdonald

text: Hija de un ingeniero que dirigía una mina de carbón, estudió con su hermana Frances en la Orme Girls' School de Newcastle-under-Lyme. En 1890 su familia se estableció en Glasgow y las hermanas entraron a estudiar artes decorativas en la Escuela de arte de Glasgow. En 1896 crearon la empresa de decoración Macdonald Sisters Studio en 128 Hope Street, Glasgow. En 1900 casó con el arquitecto Charles Rennie Mackintosh, con el pasó a colaborar en estrecha relación, además de con su hermana y el marido de esta, Herbert MacNair, que formaron el núcleo de la llamada Escuela de Glasgow.


title: Margaret Macdonald

text: El grupo se dio a conocer en la Exposición de Artes y Oficios de Londres de 1896. Su objetivo principal era la obra de arte total, para lo que diseñaban con esmero hasta el último detalle de sus obras, desde el diseño arquitectónico hasta la decoración y todos los elementos presentes en sus construcciones (mobilario, papales pintados, vidrios, metalistería, objetos decorativos, etc.). Cada objeto forma parte de un conjunto planificado, fuera del cual pierde sentido.


title: Margaret Macdonald

text: Margaret se dedicó especialmente a la decoración de interiores, como en sus famosas decoraciones para varios salones de té de Glasgow, como la Willow Tea Room (1903). Su estilo decorativo era lírico y estilizado, con tendencia a la fantasía y preferencia por las formas redondas, en el que destacan los elementos vegetales —principalmente brotes y pimpollos de rosa— y unas etéreas figuras femeninas de influencia prerrafaelita. Por otro lado, en algunos de sus diseños se halla un simbolismo de tendencia abstractizante que denota la influencia de Jan Toorop. Otras influencias fueron los modernistas ingleses Aubrey Beardsley y Charles Francis Annesley Voysey, cuya obra conocieron a través de la revista "The Studio", así como el arte celta tradicional.


title: Margaret Macdonald

text: Utilizó preferentemente la acuarela, con un acabado parecido al esmalte, y trabajó a menudo con incrustaciones en madera, gessos, cloisonnés y repujados en oro y plata. También diseñó mosaicos, vidrieras y bordados.


title: Shark Bait

text: Shark Bait (The Reef: Shark Bait en el Reino Unido, Australia y Norteamérica, Pi's Story en Corea del Sur y Movida bajo el mar o Carnada para tiburón en España y Latinoamérica) es una película animada de 2006, producida entre Corea del Sur y Estados Unidos. La trama gira en torno a un pez llamado Pi y su intento de ganarse el corazón de Cordelia, mientras lidia con un tiburón tigre que lo está aterrorizando a él y a los habitantes del arrecife.


title: Shark Bait

text: La cinta, aunque recaudó aproximadamente 14 millones de dólares a nivel internacional, fue un fracaso comercial. Fue criticada principalmente por sus similitudes con películas animadas producidas por otras compañías, como "Buscando a Nemo", "El espantatiburones" y "La sirenita". A pesar de un experimentado y reconocido reparto de voces en el que destacan actores y comediantes como Evan Rachel Wood, Rob Schneider y Fran Drescher, la cinta fue un fracaso de taquilla. Aunque fue una producción compartida entre Estados Unidos y Corea del Sur, el filme no fue exhibido en salas de cine en el país norteamericano, donde fue publicada directamente en formato DVD en 2007.


title: Shark Bait

text: Una secuela, titulada "", fue estrenada en 2012.


title: Shark Bait

text: Pi (Freddie Prinze, Jr.), es un pez de cinco años que vive felizmente con sus padres Pike y Piper en el contaminado puerto de Boston, Massachusetts, hasta que un barco de pesca los saca del mar. Los padres de Pi logran ayudarlo a escapar, pero no pueden salvarse ellos. Años después Pi llega a un arrecife. Mientras trata de establecerse en este nuevo mundo, el dulce y bien intencionado Pi hace buenos amigos en su nuevo hogar, los primeros residentes que se encuentran con Pi son tres ancianos marlines llamados Moe, Jack y Manny, que lo dirigen hacia la casa de Pearl. En su camino allí, Pi se enamora inmediatamente de Cordelia (Evan Rachel Wood), una pececita famosa que apareció en la portada de National Geographic. También conoce a su primo Dylan (Andy Dick), que rápidamente se convierte en su mejor amigo. Aparece en escena Troy (Donal Logue), un peligroso tiburón tigre que se interesa también en Cordelia. Las críticas que recibió "Shark Bait" fueron generalmente negativas. Ha sido considerada como una copia de otras producciones animadas como "Buscando a Nemo", ya que cuenta una historia muy similar a la de la película de Pixar, así como de otras películas como "El espantatiburones" y "Karate Kid". También fue criticada por su mala animación, considerada obsoleta para ser de una película estrenada en el año 2006.


title: Shark Bait

text: David Cornelius de "eFilmCritic.com" afirmó: «sin duda una de las películas animadas más baratas y feas jamás producidas», criticando sus efectos de CGI, sus gráficos y su animación. También criticó su trama, afirmando que «el guion repite todos los clichés concebibles para una película infantil». Vince Leo de "Qwipster's Movie Reviews" le dio a la película dos de cinco estrellas posibles, afirmando: «"Shark Bait" ciertamente está probando los límites. Es fácilmente la peor aventura animada por ordenador hasta la fecha». Criticó la animación, refiriéndose especialmente al pobre diseño de los personajes y de los escenarios.


title: Shark Bait

text: En una de las pocas reseñas favorables, la crítica del portal "Urban Cinefile" Louise Keller afirmó respecto a la película: «Se conoce como "Shark Bait" en la mayoría de territorios, pero "The Reef" es un título mucho mejor para este colorido y entretenido cuento animado para toda la familia».


title: Pía Aldana

text: Pía Aldana (Concepción, 1980) es una artista visual y reconocida dioramista en la región del Bio-Bío. Además, es gestora cultural y creadora de la marca de autor “Pájaros en la Cabeza Diseños”. Su trayectoria es vasta, ha exhibido a nivel nacional e internacional, y ha emprendido grandes procesos de obra en torno al coleccionismo doméstico, el patrimonio y la naturaleza.


title: Pía Aldana

text: Es Licenciada en Artes Plásticas con mención Grabado. El año 2008 obtiene el premio Universidad de Concepción. Posteriormente, ingresa al Magíster de Literaturas Hispánicas, en la misma casa de estudios, cuyo programa complementa su mirada y proyecto artístico en torno al coleccionismo. El año 2014, en ese contexto, realiza tesis de Magíster titulada: «"COLECCIONISMO Y RITUALIDAD EN FELISBERTO HERNÁNDEZ, IMÁGENES PARA UNA SACRALIDAD SECULAR»." A partir de 2009 comienza a levantar grandes procesos de obra e investigación artística como : "Relatos de habitación; Espacios de Coleccionismo y Memoria",“Vacíos: Figuraciones de lo inasible”, en conjunto con el escritor Alex Vigore; “Herbolarias. Micro- narraciones de jardines interiores e internos” (2016), “Etnografía de los balcones”(2016) y “Memoria de los Umbrales (2018). Actualmente, trabaja en el proceso de obra “La Fauna, los jardines y la sagrada oralidad” y "Flora y Fauna: Fragmentos de un paisaje endémico, que reúne dioramas pictóricos, ilustración y cerámica.


title: Pía Aldana

text: El año 2005, diseña y difunde la marca de autor, “Pájaros en la Cabeza Diseños”, donde crea en cuatro líneas de trabajo: joyería textil, complementos y accesorios femeninos; papelería y tocados de novia. Pía es reconocida, también, como gestora cultural en la región del Bío-Bío, produciendo eventos de diseño y arte como "“Ventana Creativa”" y “"Fiesta del Diseño y las Artes”" que ya cuenta con siete ediciones. También ha sido invitada a ilustrar revistas de especialidad como Revista RUDA (2014), de Concepción, y "Ritmo: Imaginación y Critica de la Universidad Nacional Autónoma" de México (número 28). El año 2017, asume la dirección creativa del Proyecto NODO de artesanía tradicional, indígena y contemporánea de la provincia de Arauco (Corfo e IRADE). Participó en certámenes de arte escolar, por ejemplo, el concurso de la fundación CMPC, Museo Artequin y el concurso de Artes Visuales de Universidad de Concepción, organizado por la Facultad de Ciencias Oceanográficas, el año 2018. Pía complementa su práctica artística realizando ponencias y charlas de arte contemporáneo e historia del Arte tanto en Universidades como en colegios. Asimismo realiza charlas teórico prácticas para el ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, activando un trabajo colaborativo, por ejemplo, para seminarios, programa de fomento y educación en artes: Acciona, semana de la educación artística, celebraciones del mes del patrimonio o el día de las Artes Visuales, etc.


title: Pía Aldana

text: La obra de Pía Aldana se enmarca y está definida por procesos de obra, de larga duración, investigación acuciosa y construcción plástica consciente. Les atraviesan su interés por el coleccionismo doméstico, la memoria, el patrimonio y su relación con la naturaleza, así como con los seres vivos que con ella se relacionan. Su práctica de forma transversal manifiesta un interés por las derivas del acto de coleccionar, mismo que la RAE define como una acumulación de objetos de una misma especie, pero que, según la artista, cobija aspectos museales, rituales, memoriales, patrimoniales e inclusive ficcionales. Los lenguajes de la ilustración, la pintura, la cerámica, pero sobre todo el oficio de dioramista, han sido soportes claves para situar y compartir su proyecto artístico. Su mirada, en cruce interdisciplinario con la literatura, serán fundamentales para su propuesta artística, sobre todo en una primera etapa y que se proyecta de manera más evidente, por ejemplo, en el proyecto interdisciplinario “Vacíos: Figuraciones de lo inasible”, en conjunto con el escritor Alex Vigore. El diorama es, en esta muestra, el espacio que busca movilizar la poesía a otros soportes y, a su vez, transformar la galería de arte en un libro.


title: Pía Aldana

text: El primer gran cuerpo de obra relacionado con el coleccionismo doméstico a través del diorama es “Relatos de Habitación”. Son 35 dioramas en miniatura que sitúan su propia experiencia como habitante en distintas habitaciones que guarda como relatos de memoria. Recogiendo el texto del muro de la exposición, Pía explica que dicho proceso alude “a la arqueología cotidiana, el coleccionismo y la relicarización secular que en el se produce, sin embargo, intentamos comprender el concepto "relicarización" desde la empatía, algo que solo es posible hacer o comprender…coleccionando. De allí estas miniaturas, que se configuran como una colección de habitaciones, de todas y cada una de mis habitaciones”.


title: Pía Aldana

text: Otro gran proceso, y que definirá su práctica artística es “Herbolarias. Micro- narraciones de jardines interiores e internos” (2016). Se trata de un conjunto de dioramas que indagan, también, en el coleccionismo doméstico; esta vez, de plantas y la configuración de los jardines de interiores desde tres niveles de reflexión: real, lo ficcional y el tránsito/intersticio entre ambos. El lenguaje del diorama miniatura se bifurca en varios niveles, siendo éste una referencia a lo real, el diorama en tela al intersticio; y la pintura en gran formato, una alusión a lo ficcional. Lo testimonial sería fundamental en este proceso de obra, pues Pía realiza una serie de entrevistas a diversas mujeres que compartirían sus experiencias con el mundo vegetal, como “coleccionistas de plantas” y sus espacios, es decir, sus jardines.


title: Pía Aldana

text: El trabajo de campo, en ese sentido, marcaría una metodología o modo de hacer muy característico en su obra y que activaría, también, en su proyecto “Etnografía de los balcones”(2016). Se trata de un corpus de 24 dioramas donde reflexiona de manera más profunda sobre el coleccionismo como gesto patrimonial y evidencia en el proceso el deseo de posicionar el diorama dentro del arte contemporáneo. Relevar el oficio y la técnica, el saber detrás de su manufactura, como espacios válidos e interesantes para construir conocimiento en al campo del arte. “Etnografía de los balcones” se despliega en el espacio museográfico, también, a partir de dos series de óvalos en pared con fragmentos de los dioramas (macetas, trozos de pared, etc) y diversos audios con sonidos identitarios de Concepción (tanto de la urbe como de sus entornos naturales, muchos de los cuales cobijan flora y fauna endémica). En el catálogo a esta investigación y exhibición releva la necesidad de “poner al servicio de la recuperación histórica, el lenguaje del DIORAMA MINIATURA, con toda su complejidad técnica y su vasta riqueza interdisciplinaria”. Por su parte, Paulina Barrenechea, también sitúa dicho oficio, desde el trabajo de la artista, como un espacio de construcción epistémica, que “constituye un lenguaje artístico que claramente no sólo debe ser recibido desde el mero goce estético; sino que sugiere ser entendido como una praxis epistemológica”, expone. En ese sentido, su trabajo devela micro espacios íntimos como objeto de estudio y creación, pero, también, a través de la "techné" implicada, le devuelve a la práctica artística esa esfera de lo cotidiano que es tan sugerente como cruce entre la genealogía femenina y la técnica del oficio.


title: Pía Aldana

text: Un último proceso, a la fecha, es “La Memoria de los Umbrales” (Fondart 2018), donde cruza las nociones de espacio con las políticas de la memoria. La ilustración y el volumen cerámico se unen a los dioramas miniatura y pictóricos, para transformar dicho espacio de estructuras inertes a reservorios sagrados de aquello que somos. Actualmente, está trabajando paralelamente en dos grandes procesos de obra, el primero llamado “Flora y fauna; fragmentos de un paisaje endémico” donde indaga sobre el patrimonio natural. Y el segundo denominado: "La Fauna, los jardines y la sagrada Oralidad" en donde indaga sobre nuestro patrimonio oral traducido en cuentos y leyendas.Concepción.


title: Kalduny

text: Kalduny o kolduny son dumplings rellenos de masa sin levadura propios de la gastronomía de Lituania, Bielorrusia, y Polonia, similares a los pierogi polacos o los pelmeni rusos y los vareniki ucranianos.


title: Kalduny

text: Si bien en lenguas eslavas la palabra significa “hechiceros” o “magos”, no es claro cual es el origen de la asociación de dicha palabra con el platillo. El origen del kalduny es incierto: puede que hayan sido creados o bien en el oeste (Alemania o zona checa) o en el este (traídos por los tártaros -mongoles a través de Siberia y los Urales). El kalduny, son dumplings preparados con masa sin levar rellenos de carne, hongos, u otros ingredientes, los mismos están relacionados con platillos similares en el Este y el Oeste, desde el raviol italiano, el derelye húngaro, y el pirogen judío asquenazí al pelmeni ruso y el manti o chuchvara de Asia Central. El kalduny preparado con relleno de jamón ahumado y hongos ("Kalduny Conde Tyshkevich", denominado en honor a una familia noble de Lahojsk cerca de Minsk en Bielorrusia) fueron considerados por mucho tiempo un platillo distintivo de Bielorrusia, aunque las décadas de dominio soviético casi borraron por completo existencia de la memoria del pueblo y en la actualidad solo son ofrecidos en unos pocos restaurantes. En la actualidad el pelmeni ruso y el vareniki ucraniano son servidos en algunos restaurantes.


title: Kalduny

text: La masa más simple para el kalduny se prepara con harina mezclada con agua, huevos, y una pizca de sal. En algunas recetas la masa del kalduny se mezcla con jugo de cebolla en vez de agua. La masa del kalduny debe ser blanda y elástica, fácil de estirar y sellar formando un bolsillo en torno al relleno. Al igual que otras masas se la debe dejar reposar, cubriéndola con una toalla o trapo para que no se seque. Por lo general los kalduny son hervidos en una gran cacerola a fuego bajo, con agua bien salada. En vez de hervirlos en agua, a veces los kalduny se hierven directamente en una sopa, y se los sirve juntos. Algunas variedades son horneadas o fritas. Los kalduny estilo Polesie, llevan un relleno de pescado de río hervido y huevos duros, y huevo frito. En una variedad rusa denominada "kundumy" () no se hierven los dumplings, en cambio los dumplings rellenos de hongos se cuecen al horno o se fríen. El kalduny se prepara con diversos rellenos:


title: Oenanthe lugubris

text: La collalba abisinia (Oenanthe lugubris) es una especie de ave paseriforme de la familia Muscicapidae propia de África oriental.


title: Oenanthe lugubris

text: Fue descrita científicamente en 1837 por Eduard Rüppell con el nombre binomial de "Saxicola lugubris". Posteriormente fue considerada conespecífica de la collalba núbica.


title: Oenanthe lugubris

text: En la actualidad de reconocen tres subespecies:


title: Frances Macdonald

text: Frances Macdonald, de casada Frances Macdonald MacNair (Kidsgrove, Staffordshire, 24 de agosto de 1873-Glasgow, 12 de diciembre de 1921) fue una pintora, ilustradora y decoradora británica perteneciente a la Escuela de Glasgow, un grupo artístico cercano al modernismo y simbolismo. Los otros miembros destacados del grupo fueron su marido, Herbert MacNair, su hermana Margaret Macdonald y el marido de esta, Charles Rennie Mackintosh, también conocidos como "The Four" (Los Cuatro). Esta escuela destacó especialmente en arquitectura y artes decorativas, y situó la ciudad escocesa de Glasgow como uno de los epicentros del modernismo internacional —también conocido como "Art Nouveau" en Francia o "Modern Style" en Reino Unido—.


title: Frances Macdonald

text: Hija de un ingeniero que dirigía una mina de carbón, estudió con su hermana Margaret en la Orme Girls' School de Newcastle-under-Lyme. En 1890 su familia se estableció en Glasgow y las hermanas entraron a estudiar artes decorativas en la Escuela de arte de Glasgow. En 1896 crearon la empresa de decoración Macdonald Sisters Studio en 128 Hope Street, Glasgow. En 1899 casó con el pintor Herbert MacNair, con el pasó a colaborar en estrecha relación, además de con su hermana y el marido de esta, Charles Rennie Mackintosh, que formaron el núcleo de la llamada Escuela de Glasgow.


title: Frances Macdonald

text: El grupo se dio a conocer en la Exposición de Artes y Oficios de Londres de 1896. Su objetivo principal era la obra de arte total, para lo que diseñaban con esmero hasta el último detalle de sus obras, desde el diseño arquitectónico hasta la decoración y todos los elementos presentes en sus construcciones (mobilario, papales pintados, vidrios, metalistería, objetos decorativos, etc.). Cada objeto forma parte de un conjunto planificado, fuera del cual pierde sentido.


title: Frances Macdonald

text: Su estilo decorativo era lírico y estilizado, con tendencia a la fantasía y preferencia por las formas redondas, en el que destacan los elementos vegetales —principalmente brotes y pimpollos de rosa— y unas etéreas figuras femeninas de influencia prerrafaelita. Por otro lado, en algunos de sus diseños se halla un simbolismo de tendencia abstractizante que denota la influencia de Jan Toorop. Otras influencias fueron los modernistas ingleses Aubrey Beardsley y Charles Francis Annesley Voysey, cuya obra conocieron a través de la revista "The Studio", así como el arte celta tradicional.


title: Frances Macdonald

text: Utilizó preferentemente la acuarela, con un acabado parecido al esmalte, y trabajó a menudo con incrustaciones en madera, gessos, cloisonnés y repujados en oro y plata. También diseñó muebles, mosaicos, vidrieras y bordados.


title: Frances Macdonald

text: En 1907 entró como profesora en la Escuela de arte de Glasgow.


title: Ecuaciones de Ehrenfest

text: Las ecuaciones de Ehrenfest (nombradas en honor de Paul Ehrenfest) son ecuaciones que describen cambios en la capacidad calorífica específica y derivados de un volumen específico en transiciones de fase de segundo orden. La relación de Clausius-Clapeyron no tiene sentido para las transiciones de fase de segundo orden, ya que tanto la entropía específica como el volumen específico no cambian en las transiciones de fase de segundo orden.


title: Ecuaciones de Ehrenfest

text: Las ecuaciones de Ehrenfest son la consecuencia de la continuidad de la entropía específica y el volumen específico v, que son los primeros derivados de la energía libre específica de Gibbs, en las transiciones de fase de segundo orden. Si uno considera la entropía específica en función de la temperatura y la presión, entonces su diferencial es:: mientras entonces el diferencial de entropía específica también es: donde i = 1 y i = 2 son las dos fases que transitan una en otra. Debido a la continuidad de la entropía específica, lo siguiente se mantiene en las transiciones de fase de segundo orden: ds = ds.


title: Ecuaciones de Ehrenfest

text: Así que, Por tanto, la primera ecuación de Ehrenfest es: La segunda ecuación de Ehrenfest se obtiene de manera similar, pero la entropía específica se considera como una función de la temperatura y el volumen específico: La tercera ecuación de Ehrenfest se obtiene de manera similar, pero la entropía específica se considera como una función de v y P


title: Ecuaciones de Ehrenfest

text: Los derivados de la energía libre de Gibbs no siempre son finitos. Las transiciones entre diferentes estados magnéticos de metales no pueden ser descritas por las ecuaciones de Ehrenfest.


title: Teoría de dominios

text: La teoría de dominios es una rama de las matemáticas que estudia una clase especial de conjuntos parcialmente ordenados llamados "dominios".  La teoría de dominios puede ser por tanto considerada una rama de la teoría del orden. Este campo tiene aplicaciones en las ciencias de la computación, donde es usado para especificar la semántica de los lenguajes de programación, especialmente de los lenguajes funcionales. La teoría de dominios formaliza las ideas intuitivas de aproximación y convergencia de una forma abstracta y general, y tiene relaciones estrechas con la topología. La motivación inicial para el estudio de la teoría de dominios, que fue iniciada por Dana Scott en los años 1960, era la búsqueda de modelos del cálculo lambda. De forma puramente sintáctica, el cálculo lambda permite representar funciones que toman otras funciones como argumento. En particular, permite la representación de "combinadores de punto fijo" (entre los cuales, el más conocido es el combinador Y); un combinador de punto fijo Y, por definición, tiene la propiedad de que f(Y(f)) = Y(f) para cualquier función f.


title: Microrregión Camino Costero Río Paraná

text: La microrregión Camino Costero Río Paraná es una de las microrregiones de la Provincia de Entre Ríos, ubicado al noroeste de esta provincia. Está integrada por seis localidades, de las cuales tres son municipios, una es comuna y dos son junta de gobierno. Si bien se viene trabajando en conjunto desde 2016, en el año 2017 se conformó legalmente, incluyendo a las localidades que actualmente la integran.


title: Microrregión Camino Costero Río Paraná

text: Los objetivos de esta asociación se centran en la generación de mayores oportunidades de desarrollo para las localidades participantes, en este sentido, se trabajan en un conjunto de proyectos que promuevan las capacidades del territorio y se inserten de manera más competitiva en un contexto provincial y nacional. El horizonte de estas propuestas es el arraigo de la población en su lugar de origen, mejorando progresivamente su calidad de vida.


title: Microrregión Camino Costero Río Paraná

text: En este sentido, el proceso de construcción de consensos y proyectos comunes se nutre del aporte de cada uno de los gobiernos locales, sumado al aporte de organismos, universidades y equipos de trabajo provinciales y nacionales.


title: Microrregión Camino Costero Río Paraná

text: Se han comenzado a trabajar las problemáticas de la microrregión y alternativas de abordaje, en las diversas dimensiones de lo local (económica, social, cultural), es decir, un desarrollo integral, incorporando a este trabajo los proyectos e ideas ya en cartera en las diferentes jurisdicciones.


title: Mitch Creek

text: Mitchell "Mitch" Creek (Horsham, Victoria, ) es un baloncestista australiano que pertenece a la plantilla de los South East Melbourne Phoenix de la NBL. Con 1,96 metros de estatura, juega en la posición de escolta.


title: Mitch Creek

text: En 2010, en su debut internacional con la selección australiana sub-19, ganó el prestigioso torneo Albert Schweitzer Tournament pro primera vez para su país, siendo además elegido mejor jugador del mismo.


title: Mitch Creek

text: Comenzó su carrera profesional en la temporada 2010-11 de la NBL australiana, debutando el 3 de diciembre de 2010 ante los Townsville Crocodiles, logrando 7 puntos y 3 robos en 21 minutos en pista. Disputó seis temporadas en la liga de su país, siendo la más destacada la última, la 2017-18, en la que promedió 14,8 puntos y 6,0 rebotes por partido.


title: Mitch Creek

text: El 2 de abril de 2018 fichó por el BG 74 Göttingen de la Basketball Bundesliga para acabar la temporada, disputando siete partidos en los que promedió 11,9 puntos y 2,7 rebotes. El 20 de agosto firmó con los Brooklyn Nets de la NBA un contrato no garantizado para disputar la pretemporada. Tras jugar un único partido de preparación, fue despedido. Diez días después firmó contrato con el filial en la G League, los Long Island Nets.


title: Mitch Creek

text: El 25 de enero de 2019 firmó un contrato por diez días con los Brooklyn Nets de la NBA, debutando al día siguiente ante New York Knicks.


title: Dinora Doudtchitzky

text: Dinora Doudtchitzky Abramson (Odesa, 29 de agosto de 1914-Santiago, junio de 2004) fue una artista, pintora y grabadora de origen judío, nacionalizada chilena.


title: Dinora Doudtchitzky

text: Durante la infancia experimentó graves problemas de salud, que la obligaron a largas convalecencias, durante las cuales puede haberse desarrollado tempranamente su interés por el dibujo. En 1924, debido a la difícil situación de Ucrania tras la Primera Guerra Mundial, su familia emigró a Argentina, donde realizó sus estudios artísticos en la Academia Nacional de Buenos Aires y, posteriormente, en la Escuela Superior de Bellas Artes. Llegó a Chile el año 1939, tras ganar un premio otorgado por sus ilustraciones, iniciándose así su participación en los salones oficiales a partir de 1941. En este país, decidió continuar sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile entre los años 1939 y 1942, participando en los talleres de pintura, grabado y mural. Se le otorgó la nacionalidad chilena en el año 1948.


title: Dinora Doudtchitzky

text: Desde 1957 participó en el Taller 99 —habiéndola invitado a participar en el prestigioso grupo Nemesio Antúnez—, donde profundizó las técnicas de grabado. Junto con otros artistas del Taller 99, como Roser Bru, Pedro Millar, Jaime Cruz y Delia del Carril, exploró las posibilidades técnicas del grabado en metal. Ese año se integró también al grupo de trabajo docente —en grabado— de la Escuela de Arte de la Universidad Católica de Chile. Allí fue nombrada profesora auxiliar de grabado y, a partir de 1962, profesora titular de la misma escuela. En 1982 dejó su labor docente por problemas de salud. Posteriormente dejó también el grabado y comenzó a explorar la técnica de esmalte sobre metal. En este nuevo formato, siguió desarrollando temáticamente la imagen de la ciudad, tema que marcó significativamente su desarrollo anterior en el grabado y está presente a lo largo de toda su obra.


title: Dinora Doudtchitzky

text: Durante sus años de máxima producción, Dinora realizó exposiciones individuales en Chile (Santiago y Concepción) Argentina (Buenos Aires) y Uruguay (Montevideo). También participó en exposiciones colectivas en todo América Latina (Argentina, Chile, Bolivia, Brasil, Colombia, México, Perú, Puerto Rico, Uruguay y Venezuela), así como en Estados Unidos (Nueva York) y Europa (Alemania, Austria, España, Italia, Inglaterra, Suiza, Polonia y Yugoslavia). Participó en gran número de exhibiciones colectivas en Chile y el extranjero, de forma individual o como parte del Taller 99.


title: Dinora Doudtchitzky

text: Dinora Doudtchitzky fue una artista visual multifacética, abarcando en su producción artística pintura, acuarela, dibujo y grabado. Destacan desde un inicio los retratos (especialmente rostros femeninos y de niños), así como también las vistas de ciudades. Su aproximación al grabado se inició siendo ayudante de Nemesio Antúnez en la cátedra de Grabado, en la Escuela de Artes Aplicadas (1953). Posteriormente, Dinora fue su principal colaboradora en la creación del Taller 99, en 1956. Respecto de ella, Nemesio Antúnez señaló: “Dinora, siempre sonrisa y generosidad, en 1956 formamos el Taller 99, donde ella fue cimiento, muro y ventana, lo hizo funcionar (…)". Es en el grabado donde su desarrollo artístico más destaca, exhibiendo creatividad y una búsqueda constante, a través del buril, aguatinta, aguafuerte y la experimentación con el color. Adoptó la manera de entintar y estampar de Stanley William Hayter"," que le dio mayor libertad cromática, siendo pionera en la realización de series con esta modalidad. En referencia a esto, ella misma ha señaló: “Con lo mínimo he logrado buscar lo máximo”, reflejando la síntesis plástica que acompañó su manera de representar y la capacidad creadora que le otorgaron un inconfundible estilo personal.  Un hito conmemorativo se realizó en la exposición retrospectiva de Dinora, que llevó por título "Imaginario persistente" (2012), selección de obras que mostraron la trayectoria de la artista. En este contexto, destaca la insistencia por evocar la memoria del origen, los primeros años en su Odessa natal, la mirada aérea del paisaje, casi onírica, y los "Rostros" que reiteran un imaginario particular. En la serie "Cosmos", por otra parte, cielos, soles y objetos astrales conviven con la selección de sus "Ciudades", visiones reticuladas de la urbe, representaciones de su faceta más compleja y elaborada debido a la fuerte carga simbólica que dichos espacios evocan.


title: Dinora Doudtchitzky

text: La ciudad fue un tema recurrente en su obra, presentándose tanto en sus oleos de la década de 1950 como en sus últimas obras, en las que trabajó el esmalte sobre metal. "Las ciudades de principios de los 50 son acotadas vistas de paisajes reconocibles: Santiago, donde vivía y trabajaba Dinora, o Coquimbo, donde solía pasar las vacaciones con su familia". Los paisajes urbanos de este periodo destacan por no tener un afán realista y la sencillez de los colores. Los grabados tardíos, en cambio, "presentan una composición más compleja del paisaje, tanto formal como cromáticamente, y conformados por la recolección de variados elementos extraídos de sus propias observaciones, vivencias y recuerdos".


title: Dinora Doudtchitzky

text: Su amigo y colega, Emilio Ellena, comentó sobre su trayectoria:La primera vez que vi un conjunto numeroso de grabados de Dinora fue al llegar a Chile en 1964. En esa oportunidad me impresionó la diversidad temática del conjunto. Tiempo después se producirá una suerte de fusión de todo este hacer en una serie de obras resueltas en distintos medios que en forma genérica denomina ‘sus ciudades’. Comienza allí la aparición de estructuras ortogonales en lo formal, personalizadas por una gran libertad creativa y enriquecida, por la incorporación de sus ‘memorias’. En algunas es posible identificar imágenes que derivan de su niñez; otras, recuerdos más cercanos. Se pueden presentir Valparaísos filtrados por su capacidad imaginativa. Pero siempre son suerte de ciudades universales, que pueden tener puntos cardinales, un cielo relativamente convencional que a veces encierra en la profusión de su invariante ternura


title: Decálogo del perfecto cuentista

text: El Decálogo del perfecto cuentista es un ensayo del escritor uruguayo Horacio Quiroga, publicado por primera vez en la revista bonaerense "Babel", en julio de 1927.


title: Decálogo del perfecto cuentista

text: Se trata de uno de los textos teóricos de Quiroga más conocidos, en el que presenta, a modo de decálogo, una serie de instrucciones destinadas a jóvenes escritores.


title: Decálogo del perfecto cuentista

text: En el decálogo Quiroga deja claras sus principales influencias literarias —Edgar Allan Poe, Guy de Maupassant, Rudyard Kipling, Antón Chéjov—, así como también algunas pautas que definirían su estilo.


title: Decálogo del perfecto cuentista

text: En forma sintética, el decálogo expresa:


title: Decálogo del perfecto cuentista

text: En 1968 la escritora argentina Silvina Bullrich publicó su «Refutación del 'Decálogo del perfecto cuentista' de Horacio Quiroga».


title: Masahito de Hitachi

text: Masahito, príncipe Hitachi (en japonés: 常陸宮正仁親王, "Hitachi-no-miya Masahito Shinnō", nacido el 28 de noviembre de 1935) es miembro de la Casa Imperial de Japón, tío del actual emperador Naruhito y hermano menor del emperador emérito Akihito. Es el sexto hijo, segundo varón, del emperador Hirohito y de la emperatriz Nagako y es el tercero en la línea del Trono del Crisantemo. El Príncipe Hitachi es conocido principalmente por sus actividades filantrópicas y su investigación sobre las causas del cáncer.


title: Masahito de Hitachi

text: Nacido en el Palacio Imperial de Tokio, el príncipe Masahito fue llamado príncipe Yoshi. Recibió su educación primaria y secundaria en la escuela Gakushūin.


title: Masahito de Hitachi

text: En 1958, el príncipe Yoshi se licenció en química por la Facultad de Ciencias de la Universidad de Gakushuin. Posteriormente realizó un posgrado en Facultad de Ciencias de la Universidad de Tokio.


title: Masahito de Hitachi

text: En 1997, el príncipe Hitachi recibió un doctorado honoris causa de la Universidad George Washington en los Estados Unidos y en abril de 2001 recibió otro de la Universidad de Minnesota. En marzo de 1999, se convirtió en miembro honorario de la Asociación Alemana para la Investigación del Cáncer, en reconocimiento a sus importantes contribuciones científicas al campo de la investigación del cáncer.  El 30 de septiembre de 1964, el príncipe se casó con Hanako Tsugaru (nacida el 19 de julio de 1940), cuarta hija del difunto Yoshitaka Tsugaru, un antiguo conde y descendiente del daimyō del dominio Tsugaru. Al día siguiente, el emperador Hirohito le otorgó el título de "Hitachi-no-miya" (príncipe Hitachi), y la autorización para iniciar una nueva rama de la familia imperial en celebración de su boda.


title: Masahito de Hitachi

text: El príncipe Hitachi y la Princesa Hitachi tienen su residencia oficial en un palacio entre grandes jardines cerca de Komazawadori en Higashi, Shibuya. No tienen hijos. El Príncipe Hitachi es el presidente honorario de una amplia variedad de organizaciones caritativas, especialmente aquellas que involucran el intercambio internacional. En octubre de 2005, visitó, junto a su esposa, Nicaragua y El Salvador para conmemorar el 70° aniversario del establecimiento de relaciones diplomáticas de Japón con ambos países. En junio de 2009, el matrimonio visitó Perú, con motivo de la celebración de 110 años desde el establecimiento de una comunidad japonesa en este país.


title: Georges Lacombe (pintor)

text: Georges Lacombe (Versalles, 18 de junio de 1868-Alençon, 29 de junio de 1916) fue un pintor y escultor simbolista francés, miembro del grupo de los Nabis.


title: Georges Lacombe (pintor)

text: Estudió en la Académie Julian de París. Influido por Paul Gauguin y Paul Sérusier, se adscribió al grupo de los Nabis, un grupo de jóvenes artistas que apostaban por la renovación del arte y el alejamiento del rígido arte academicista, entre los que se encontraban Édouard Vuillard, Pierre Bonnard, Maurice Denis, Félix Vallotton y Paul Ranson. Este grupo estuvo influido por el esquema rítmico de Gauguin y destacó por un cromatismo intenso de fuerte expresividad. Estaban interesados en la teosofía y las religiones orientales, y tuvieron una estrecha relación con el ambiente literario parisino, especialmente con Stéphane Mallarmé. Su estilo partió de las investigaciones sintetistas y de cierta influencia del arte japonés para avanzar en un arte cada vez más alejado de premisas académicas, en el que tenía mayor relevancia la investigación cromática, la expresividad del diseño y la voluntad de trasladar las emociones al lenguaje plástico. Se solían reunir en un café del pasaje Brady y, más adelante, en el estudio de Ranson en el Boulevard de Montparnasse, al que llamaban «el templo».


title: Georges Lacombe (pintor)

text: Los Nabis recibieron la influencia, además de Gauguin y el sintetismo, de Georges Seurat, Paul Cézanne, Odilon Redon y Pierre Puvis de Chavannes. Sus principios teóricos se basaban en una firme intención de sintetizar todas las artes, en profundizar en las implicaciones sociales del arte y en reflexionar sobre las bases científicas y místicas del arte. En 1891 realizaron su primera exposición en el château de Saint-Germain-en-Laye, y en diciembre de ese mismo año participaron en la exposición de "Pintores impresionistas y simbolistas" en la Galerie Le Barc de Boutteville (París), donde fueron aclamados como una «segunda generación simbolista». Dentro del grupo, Lacombe era conocido como el «nabí escultor».


title: Georges Lacombe (pintor)

text: Su obra se centró en una temática basada en el ciclo de la vida y la muerte, marcada por una visión esotérica del mundo. Hacia 1905 evolucionó hacia un neoimpresionismo influido por Théo van Rysselberghe.


title: Red Colombiana de Lugares de Memoria

text: La Red Colombiana de Lugares de Memoria (RCLM) es una iniciativa que promueve la reconstrucción y preservación de la memoria histórica de Colombia. Fue establecida en 2015, y desde octubre de 2017 forma parte de la Red de Sitios de Memoria Latinoamericanos y Caribeños (RESLAC) y la Coalición Internacional de Sitios de Conciencia.


title: Red Colombiana de Lugares de Memoria

text: Las actividades de la red se enfocan en crear espacios para que las comunidades intercambien información alrededor de su memoria histórica, cultural y artística. También se ha enfocado en acompañar la implementación de los acuerdos de paz entre el gobierno y las FARC-EP, por medio del apoyo a las actividades de la Comisión para el Esclarecimiento de la Verdad, la Convivencia y la No Repetición.


title: Red Colombiana de Lugares de Memoria

text: La RCLM también se ha pronunciado, por medio de cartas abiertas y comunicados, respecto a la actividad política colombiana en lo relacionado con la memoria histórica del país. En octubre de 2018, la red manifestó abiertamente su oposición al nombramiento del periodista Mario Javier Pacheco como director del Centro Nacional de Memoria Histórica (CNMH), y en noviembre del mismo año pidió al presidente Iván Duque que evite la "monopolización de la memoria histórica" por parte del Estado. Uno de los objetivos de la red al respecto es que las juntas directivas de los lugares de memoria de Colombia y del Museo Nacional de memoria estén conformadas en mínimo un 70% por académicos u organizaciones de víctimas o de derechos humanos, y máximo en un 30% por miembros del gobierno nacional.


title: Red Colombiana de Lugares de Memoria

text: La red incluye 28 lugares de memoria distribuidos por todo el territorio de Colombia. Algunos de esos lugares han trabajado desde hace más de dos décadas en procesos de memoria, verdad y paz.


title: Constanza Piérart Roa

text: Constanza Piérart Roa, conocida como Coco Piérart, es una pintora y escultura nacida en Concepción en 1957. Desde la década de los 90 ha forjado una nutrida carrera, transformándose en una de las artistas contemporáneas más importantes de la región del Biobío. Sus obras recogen las experiencias de sus viajes y espacios habitados, asumiendo un compromiso con las comunidades y sus necesidades. Por ello, actualmente reside en Coliumo, lugar donde realiza diversos proyectos que conjugan arte e intervención social.


title: Constanza Piérart Roa

text: Licenciada en Arte en la Universidad de Concepción. Inicia su trayectoria artística asumiendo los desafíos del complejo escenario político y cultural de los periodos de dictadura y postdictadura. Entre los años 1981 y 1987 reside en Puerto Raúl Marín, región de Aysén, etapa que reúne sus impresiones sobre el paisaje sureño. Tras su regreso a Concepción, incorpora otras técnicas y temáticas que le permitieron montar su primera exposición individual gracias al concurso “Nuevos talentos” impulsado por el Instituto Chileno Alemán de Cultura. Luego de 11 años en Concepción decide vivir en Villarrica, donde recoge las texturas y el paisaje de la región. Resultado de esta experiencia surge la muestra “Máscaras y volcanes”, un trabajo de pintura en tela en pequeño formato y dibujos impresos. A partir de 1990, año en el que se reinstala de manera definitiva en la región, se une al Sindicato de Artistas de Concepción y su obra comienza a ser reconocida, adjudicándose diversos premios que la han llevado a exponer tanto en Chile como en el extranjero. Desde el año 2003, sus trabajos se han exhibido en Francia, Bélgica, Alemania, Estados Unidos, China y Filipinas, reafirmando el potencial y los alcances de su obra artística. En 1993 se integra a la Asociación de Pintores y Escultores (APEC) y decide especializarse en el acrílico y el óleo sobre tela, reforzando y enriqueciendo la multiplicidad de técnicas que utiliza en sus trabajos. Con el fin de potenciar su pintura, decide incursionar, además, en otras actividades realizando, a partir de 1995 a la fecha, diversos talleres con niñas y niños, jóvenes, mujeres y pacientes psiquiátricos. Resultado de estas iniciativas son los proyectos “Desplastificación con bolsas de tela” (2018) trabajo realizado con mujeres de Coliumo. Tomé, proyecto Fondo del libro, modalidad fomento del libro y la lectura y rescate de patrimonio (2018) sobre historias narradas por personas de la tercera edad a niños y niñas de 5°, 6° y 7° de la Escuela Caleta del Medio, “Me gustan los Estudiantes” (2017), homenaje a los 100 años del natalicio de Violeta Parra, Escuela Los Tambores de Tomé y Recuperación de Espacios Públicos, Gobierno Regional y Junta de Vecinos Remodelación Zañartu (2014), entre otros.


title: Constanza Piérart Roa

text: Sus trabajos transitan entre la cerámica, la pintura, el dibujo y la creación de objetos, cuyos tópicos son, principalmente, el rostro, la máscara y el universo. Ha incursionado, además, en el muralismo utilizando la técnica del mosaico, cuestión que evidencia su interés por recuperar e intervenir el espacio público. De estas preocupaciones surgen durante el 2007 los mosaicos del Hospital Higueras y el mural en palmetas cerámicas esmaltadas del Centro de Salud Familiar Leocán Portus G., Salinas de Talcahuano. Su ir y venir entre la sala de exposición y la calle, la han llevado a utilizar distintas materialidades y variedad de formatos. El uso de objetos cotidianos y materiales reciclados insertos en técnicas de la tradición plástica, dan cuenta de esta necesidad de intervenir y con—jugar con el arte y sus múltiples posibilidades. Así lo refleja en muestras como “La constelación del lechero” (2009), presentada durante el año de la astronomía.La multiplicidad, rasgo distintivo otorgado por la crítica de arte local, la han llevado a participar también en el diseño teatral, destacándose su participación en “Vida y obra de Alfonso Alcalde”. Asimismo, y debido al reconocimiento otorgado por diversos organismos ligados al ámbito artístico-cultural local, fue elegida para diseñar la estatuilla de los Premios Ceres a las Artes de la Región del Biobío.


title: Natascha de Cortillas

text: Natascha de Cortillas (Concepción, 10 de diciembre de 1967) es una artista visual interdisciplinaria y académica de la Universidad de Concepción. Es la actual editora general de la Revista de Creación e Investigación Alzaprima y forma parte del Colectivo Mesa8, cuyo eje de acción es la relación Arte/Comunidades.


title: Natascha de Cortillas

text: Estudió Licenciatura en Educación, Mención Artes Plásticas, en la Universidad de Concepción, Chile (1987-1991) y tiene una Maestría en Artes Visuales, en la Universidad Nacional Autónoma de México (1997). Formó parte del voluntariado de Art Corp en Guatemala, Uaxactun el año 2001. Desde el año 2007, y luego de un recorrido por países como México, Portugal y Guatemala, entrama su trabajo artístico con la docencia en el programa de la licenciatura en Educación, con mención artes plásticas donde se formó. Más tarde, el año 2012, se articula al Magíster en Arte y Patrimonio, de la Universidad de Concepción, comenzando un trabajo de docencia en posgrado impartiendo la asignatura “Arte Urbano: Espacios de valor intangible”. Natascha, en su recorrido, ha logrado construir una presencia dentro de la historia de las artes visuales de la ciudad de Concepción, en diferentes niveles; siendo la formación, la investigación y la asociatividad con sus pares, una tríada permanente y significativa. En ese contexto, es parte del Colectivo Mesa8, donde el eje arte y comunidades, le ha permitido accionar y posicionarse políticamente. Junto a ello, y a nivel de formación de pregrado en la carrera de artes visuales de la Universidad de Concepción, se reconoce su trabajo en red con los y las estudiantes, dotando de sentido crítico y profesional los procesos y proyectos de título.


title: Natascha de Cortillas

text: La práctica artística de Natascha está definida por una toma de posición que no reconoce territorios rígidos y normalizados, sino que ha permitido que la experiencia del viaje le desafíe a pensar su propio entorno desde otros lenguajes y saberes. Efectivamente, su recorrido y estancia en México y Guatemala,  produjo un gran impacto epistémico en su trabajo, que la ha llevado a desplegarse en zonas limítrofes y transdisciplinarias del lenguaje, desde el grabado a la  la fotografía, las acciones y las intervenciones urbanas y culinaria.


title: Natascha de Cortillas

text: Los oficios, las zonas de contacto que se dan en el cruce de lo íntimo a lo colectivo, los saberes que se desprenden de la ritualidad cotidiana y aquellos que se anidan en las prácticas del hacer femenino, los comparte en sus ciclos de intervenciones y ejercicios visuales que tienen como pulsión activar la reflexión sobre las dinámicas neoliberales de producción local y las relaciones entre las artes y las comunidades. Hay tres momentos fundamentales dentro de su trayectoria que marcan indefectiblemente su práctica artística. El primero, gatillado por las experiencias del viaje, le motiva a tomar decisiones en torno a su práctica, lo que la mueve a un rol más mediador y comunitario de las artes visuales. Esto es una deriva que se va definiendo durante su estadía en Guatemala donde la reflexión crítica y activista se vuelve relevante. En ese contexto, explica que “uno de los grandes hitos dentro de mi proceso de transformación es, por ejemplo, dejar de hacer arte. Pasar a estar en una relación social con una comunidad y, definitivamente, perder el objetivo estético de estar produciendo una obra. Comprender al otro desde su esencia e instalarse con el otro”. El segundo hito lo marca el inicio del proyecto “Chile amasa su pan”, ejercicio que se desplaza desde el año 2005, en distintos territorios y a través de la instalación, la fotografía y la performance. Este proyecto le permite, junto a su trabajo en el colectivo Mesa8, dotar de fuerza una voz política y motivarla a una toma de posición frente a los movimientos sociales y ciudadanos actuales. Le posibilita articular un entrepuente mediador y sensible con las coyunturas de las distintas comunidades de su territorio.


title: Natascha de Cortillas

text: Otros grandes procesos lo constituyen “Territorios Culinarios” y “Desterritorializaciones culinarias”. En el primero, adquiere relevancia el proyecto Sobremesa (2014-2018) donde establece una zona de contacto colaborativa que, desde lo relacional, reflexiona en torno al quehacer culinario y las redes afectivas que de él se desprende, problematiza los modelos alimentarios -desde lo biopolítico - y su construcción socio-cultural. En el segundo, aborda desde la práctica culinaria migrante, las redes y zonas de contacto que se desprenden del flujo migratorio, sus impactos e hibridaciones culinarias en nuestro territorio.


title: Natascha de Cortillas

text: La práctica artística e investigativa de Natascha de Cortillas han situado como filamento institutivo la identidad culinaria, interpelando las lógicas capitalistas de producción, sobre todo locales. Como docente de la Universidad de Concepción, además, ha localizado sus intereses en desentrañar los elementos cruzados y vinculantes que definen la escena cultural de Concepción así como la complejidad que implica poder levantar un cuerpo teórico que permita leernos en nuestra construcción cultural.               TERRITORIO CULINARIOS: Dos experiencias colaborativas, Fondo de Creación Artística N.º 20173490, de la Virectoria de Investigación y Desarrollo . UDEC. 2017-2019. Disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=dBcmyhBoajo&t=8s.-


title: Natascha de Cortillas

text: Co-Investigadora del Cuerpo Editorial Diagonal Biobío, No 216.067.036-1.0. DIUCC Artística. UDEC. 2016 – 2019.              Investigadora invitada en Territorio compartido, ciclo de residencias para artistas visuales e investigadores, Casapoli. Fondart Regional No 216837 en el área Creación Artística.Borra las huellas_ Sala Municipal de Valparaíso _no solo de pan. Ejercicio colectivo junto a Bárbara Fernández, Angelina Barbieri, Violeta Olave, Angelina Almendra, Camila Peña. Organiza Ratta Gallery. Curaduría Carola Opazo.


title: Natascha de Cortillas

text: Video No cohabitaras con Animales, Foodcultur day, Suiza.


title: Natascha de Cortillas

text: This in not Chile: historias y prácticas comunes desde Concepción, Proyecto Eriazo, Basilea, Suiza. Organizan Espacio Klingental, Cristian Valenzuela, Louse Mestrallet y Simón Wunderlich.Chile Limita al centro, Museo de Arte Contemporáneo_ Quinta Normal. Curaduría Carolina Lara, Proyecto Traslado, CNCA. Festival internacional de Arte y acción; Mujeres en Ruta; Video Acción "Chile amasa su pan" en Antofagasta 2012. Organiza Conaculta, Querétaro, México .Pan para hoy hambre para mañana; La Pan Galería. Viña del Mar. Chile.40 años sur, Estadio regional, Concepción, Chile.


title: Natascha de Cortillas

text: Exposición 2937 km, Mesa8 Balmaceda arte Jove, Valparaíso – Concepción.


title: Natascha de Cortillas

text: Cultura Culinaria, Cañete. Galería Metropolitana, Universidad de Concepción.Concepción Rebelados; Curatoria Carolina Lara; Proyecto Fondart Colectivo Se Vende, Biblioteca Viva Antofagasta.


title: Natascha de Cortillas

text: UNEATABLE; Video Performance del Chile Reciente, Centro Cultural de España, Santo Domingo. Curatoria: Samuel Ibarra.


title: Natascha de Cortillas

text: NDC; Lanzamiento Catálogo. Balmaceda Arte Joven, Concepción. Residencia Curatoria Forense, Villa Alegre. Chile.http://www.nataschadecortillas.cl


Natascha de Cortillas


title: Leslie Fernández

text: Leslie Fernández Barrera (Concepción, 1971) es una artista visual, docente e investigadora en el campo de la producción artística contemporánea. Ha participado en diversos proyectos de creación, gestión, investigación y difusión, destacándose Móvil (2009-2017), proyecto de difusión cultural, su participación en el colectivo artístico Mesa8 (2008-2015) y la codirección del programa de Residencias CASAPOLI (2010-2017). Actualmente trabaja como docente en el Departamento de Artes Plásticas de la Facultad de Humanidades y Arte y es coordinadora de exposiciones de la Casa del Arte José Clemente Orozco, Universidad de Concepción.


title: Leslie Fernández

text: Entre los años 1989 y 1993 realiza estudios de Licenciatura en Artes Plásticas, mención Pintura en la Universidad de Concepción. En el año 2001 se traslada a México para ingresar a la Maestría en Artes Visuales, mención Pintura de la Academia San Carlos de la UNAM. En este periodo realiza una investigación de corte histórico sobre la relación entre texto y pintura contemporánea, con el propósito de reflexionar sobre su pertinencia y relación con la propia práctica artística. Se gradúa en el 2003 y regresa a Chile, año en el que retoma sus vínculos y exposiciones en la escena local. Es parte de esta etapa “Ciudad y palimpsestos” (Sala Universitaria, Concepción,2003), exposición en la que exhibe gran parte de su trabajo realizado en el extranjero .


title: Leslie Fernández

text: Durante los años posteriores a su retorno realiza trabajos individuales y colectivos, cuyo centro son las preocupaciones en torno a lo cotidiano, el territorio y la descentralización del arte nacional. En dicho contexto forma parte del Polo de Desarrollo del Arte Contemporáneo (2003), orientado a potenciar el arte en la Región del Bio-Bío, a través del fortalecimiento de los actores de la escena local, estimulando la producción artística y el pensamiento crítico . Producto de esta iniciativa surge la exposición colectiva “Entrecruces: Biobío-Paraná”, en la que participan diversos artistas en exposiciones simultáneas en espacios y salas de Concepción y Rosario, Argentina, marcando un precedente para la visibilización de las artes locales. En el 2007 inicia su carrera como docente de pre y postgrado en el Departamento de Artes de la Universidad de Concepción, institución en la que forma parte del equipo editorial de la Revista Alzaprima, orientada a investigación de obras y prácticas artísticas. Su interés en este ámbito, la han llevado a adjudicarse, además, fondos concursables, entre ellos, Fondart Regional 2015 para la realización del proyecto “Artes visuales en Concepción, 1972-1990. Aportes desde lo local a la escena artística nacional”, actualmente en ejecución.


title: Leslie Fernández

text: Su trabajo ahonda en las nociones de obra y autor, a través de propuestas visuales que recuperan y se apropian de objetos de uso diario para desarticular la idea hegemónica de arte. En “Obras cotidianas” (2005), estas reflexiones se materializan a través de manteles y mesas como soportes artísticos que derriban el mito del arte como un acto sublime e ideal . En este ejercicio crítico, se pregunta, al mismo tiempo, por los mandatos y roles de género que condicionan a las mujeres a los llamados espacios domésticos. Como resultado de esta instalación, publica un libro que reúne los montajes realizados. Siguiendo estas preocupaciones, en la muestra “Estética 2008” (2008) se replantea los códigos artísticos y femeninos, otorgándoles un nuevo significado. Así lo explica en los textos que acompañaron la exposición: “Los códigos de la peluquería, lugar de dominio y de obsesión femenina en su constante transformación de imagen, de acuerdo con modas impuestas cultural y socialmente, son tomados como excusa para citar conceptos esenciales dentro de la historia del arte. …Mientras el salón de belleza ofrece estereotipos en la forma, el uso del color, el manejo del volumen; “la academia de arte” (si aún es posible referirse a ella en esos términos), preocupada única y obsesivamente de reproducir esquemas, se desarticula, requiere desenmarcarse y trabajar desde la interacción con otras fuentes, lenguajes y referencias” . A este ímpetu crítico se suman trabajos posteriores, entre ellos, la exposición “Lo relativo de la belleza” (Galería Balmaceda Arte Joven, 2010), a través del cual busca cuestionar la noción de cultura incorporando códigos y referentes de la cultura popular.


title: Leslie Fernández

text: En el año 2009 junto al artista Óscar Concha crean MÓVIL, con el propósito de generar espacios para la difusión de obras de artistas locales. Emulando un dispensador de bebidas y comida, este dispositivo recorrió las calles de Concepción en un claro gesto de interpelar las relaciones arte y comunidad. Los proyectos “Balcón” y “En rodaje”, resultados de esta iniciativa, permitieron llevar el arte al espacio público para repensar su valor político y social. Es también autora de diversos textos en libros y revistas, entre ellos: “Resistencia Cultural desde las Artes Visuales en dictadura y sus vínculos con la Universidad de Concepción” publicado en Arte y política, 2005-2015 (2018). Proyectos curatoriales, textos críticos y documentación de obras, editado por Nelly Richard, Historias Recientes del gran Concepción 1960-1990 (2017), editado por Laura Benedetti y Danny Monsálvez. Participación en el libro Escuelas de arte, campo Universitario y formación artística (2015), coordinado por Carolina Herrera y Nelly Richard. “Lo relativo de la belleza”, Revista 180°, Universidad Diego Portales (2011). “La producción artística desde la diversidad de roles” Revista Alzaprima, Universidad de Concepción (2010), el libro “Balcón”, Móvil (2010) y “Popular pop” en Tráfico doméstico. Arte y pensamiento (2009) editado por Marcelo Sánchez. Ha coordinado, además, los libros Territorio compartido, ciclo residencias para artistas visuales e investigadores, Casapoli (2017), Meissner, Múltiples miradas, premio bicentenario Consejo regional de Cultura y las Artes, Concepción (2011) y En construcción, artistas visuales Concepción 2003-2008, Móvil (2010).


title: Lucía Haristoy

text: Lucía Haristoy Charnay (Concepción, 1986) es una artista visual cuyo lenguaje fundamental es la pintura. Sin embargo, también explora en lo escultórico y en la creación de objetos tridimensionales. Reconocida por su lenguaje figurativo, su paleta de colores, y la atención a los soportes, Lucía, además, complementa su práctica desarrollando talleres y procesos de formación para futuros/as pintores/as.


title: Lucía Haristoy

text: Su investigación pictórica parte a los 13 años de edad, cuando en etapa escolar se encuentra con la Pintura en un Taller extra programático a cargo del profesor César Miller el año 1999. Ese mismo año ingresa a la academia de Pintura de Alexander Afanasiev, en la que estuvo 3 años. Luego ingresa a la carrera de Artes Visuales, el año 2006) en la Universidad de Concepción. Su proyecto artístico ha circulado a nivel nacional e internacional, principalmente, a través de la potencia de las plataformas digitales, canal que ha sido fundamental en su proyección. Ha realizado clases de Pintura desde el año 2006, hasta la actualidad, enseñando principalmente Acrílico, Óleo y Acuarela a niños, adolescentes, adultos y personas mayores. En torno a la pintura, y complementado su trabajo, desde el año 2002 Lucía ha emprendido un cruce disciplinario con músicos/as de la región, así como con proyectos editoriales locales. Por ejemplo, elabora las carátulas de los discos “Bajo la rueda” (2002), “Nueve” (2015) y SOMBRAS/REFLEJOS/INVISIBILIDAD(2017) del cantautor Cantáreman. De álbum EP (2015) de TRAVENTUN y para “El árbol”, de Felipe Schuster (2018). Ilustra la portada de la Revista RUDA, número 19 del año 2018 y elabora máscaras para los videos de Niño Cohete (2013) y Cantáreman (2012); y para Inarbolece y Dulce y Agraz, el año 2016. También crea la propuesta artística para el Festival Internacional de Cine Biobío Cine, los años 2014 y 2015. Actualmente, ha incorporado a su trabajo la ilustración, desarrollando proyectos editoriales como “Gatos siderales para colorear”.


title: Lucía Haristoy

text: Las técnicas del lenguaje pictórico son para Lucía, expresiones indisciplinadas que en el hacer/pensar le permiten desmontar aquellos grandes relatos de la historia moderna. Con un trabajo figurativo, que no le define completamente, pues puede derivar en lo abstracto; construye imágenes, tanto en tela como objetos, que son parte de una narrativa mayor. Un universo de imágenes, tiempos, espacios, objetos, especies animales y botánicas, seres diversos, coexisten de forma indeterminada y libre. “La libertad es algo importante en mi trabajo”, explica en entrevista para RAV (Archivo digital de las artistas visuales de Concepción). Todo este imaginario, presente en cada uno de sus procesos pictóricos, busca develar relatos cargados de erotismo (sobre todo en su obra primera), que tensionan las categorías de género y proponen una nueva relación con la obra como un objeto de deseo. En ese contexto, busca poner especial atención en los soportes, dotándolos de nuevos sentidos y experimentando nuevos formatos que permitan escapar a lo bidimensional.


title: Lucía Haristoy

text: La espiritualidad es un elemento relevante en su trabajo, la influencia de esta queda en evidencia en la selección de la paleta de colores y temáticas. A una primera etapa de su obra (1999 -2011) corresponden la exposición “El Peso de la Noche” (2011), proceso que va de la mano con experiencias relacionadas con su salud, cuya mejoría impactan, luego, en el uso de colores más encendidos, mismos que definen hoy su obra. A partir del año 2011, efectivamente, comienza una nueva etapa, donde relee el concepto de obra y lo releva como objeto fetiche y pieza única. Hacia el 2015, además, pone mayor énfasis, también, en los discursos y mensajes que desea transmitir a través de la pintura. Esta toma de posición frente a su trabajo, se corresponde con un alejamiento de los formatos expositivos convencionales para dar mayor énfasis a los formatos expositivos más libres y masivos como las plataformas virtuales, redes sociales, fotos y registros audiovisuales. Las obras de los años 2016 y 2017, como “Canalización de la gata blanca” y “Sueño en el viaje”, son un buen ejemplo de este último proceso. También el Mural “Ánima Milagrosa”, en homenaje a la santa popular de Concepción Petronila Neira. “Es muy interesante todo lo que ocurre en torno a la figura de Petronila, es una Santa de devoción popular pagana, muy conocida por sus milagros, sobre todo en las personas más antiguas de Concepción. Fue un femicidio brutal, que finalizó la vida de una mujer muy normal y humilde. Pudo ser cualquier mujer, siento que nos representa a todas de cierta manera, a todo el abuso histórico que hay hacia las mujeres, algo que hay que seguir sanando todos/as juntos/as” explica en entrevista para Experimental Lunch.


title: Lucía Haristoy

text: El mural "Cambio de Piel", hecho en Boca Sur, San Pedro de la Paz, Chile.Corresponde a un mural realizado en un centro de rehabilitación de alcohólicos, esta es una de sus obras más recientes (diciembre, 2018).


title: Carcasa (proyectil)

text: La carcasa era un primigenio tipo de bomba incendiaria u obús, destinado a incendiar los objetivos. Consistía en una esfera de hierro fundido, llena con una mezcla muy inflamable y que tenía entre tres a cinco agujeros a través de los cuales la mezcla inflamada ardía. Las carcasas eran disparadas desde obuses, morteros y cañones para incendiar edificios y fortificaciones; al impactar, la esfera se rompía y esparcía su carga incendiaria alrededor del blanco. Los cohetes Congreve también eran equipados a veces con ojivas carcasa.


title: Carcasa (proyectil)

text: Recibieron este nombre porque los agujeros que pasaban de un lado a otro, se parecían a las costillas de un cadáver.


title: Carcasa (proyectil)

text: Los franceses emplearon por primera vez las carcasas en 1672, durante el reinado de Luis XIV. También eran disparadas desde los barcos bombarda.


title: Carcasa (proyectil)

text: La carcasa empleada por la Royal Navy en el siglo XVIII e inicios del siglo XIX, especialmente en el ataque al Fuerte McHenry, era una esfera hueca de hierro fundido que pesaba 89 kg. En lugar de un solo agujero para la espoleta de un obús de la época, la carcasa tenía tres aberturas, con un diámetro de 76 mm cada una. Al ser disparada, su carga incendiaria ardía por 11 minutos. Era especialmente útil durante los bombardeos nocturnos, ya que los proyectiles llameantes ayudaban al apuntamiento del cañón.


title: Carcasa (proyectil)

text: Para la preparación de la mezcla incendiaria empleada en una carcasa, el filósofo del siglo XVIII Christian Wolff indicaba 10 partes de pólvora molida, 2 de salitre, 1 de azufre y 1 de colofonia; o 6 de pólvora, 4 de salitre, 4 de azufre, 1 de vidrio molido, 0,5 de antimonio, 0,5 de alcanfor, 1 de sal amoniacal y 0,25 de cloruro de sodio. Para el proyectil, él empezaba con dos anillos de hierro (otros empleaban planchas), instalando uno a un extremo, cerca de la abertura desde donde se dispararía la carcasa, con el otro en el extremo opuesto. Los anillos iban sujetos con cuerdas a lo largo del proyectil, que se intersectaban con otras cuerdas a lo ancho, haciendo un nudo en cada intersección. Entre los pliegues de las cuerdas, había agujeros, tubos de cobre insertados que se llenaban hasta la mitad con pólvora y balas de plomo, presionándolos con estopa. Se cerraba la abertura del interior del proyectil y después se sumergía la carcasa en una mezcla de 4 partes de brea, 20 de colofonia, 1 de trementina y la cantidad necesaria de pólvora molida para darle la consistencia de una pasta. Después de la inmersión, el proyectil se cubría con estopa y se sumergía nuevamente, hasta obtener el calibre adecuado para el mortero.


title: Carcasa (proyectil)

text: Las carcasas empleadas por la Royal Navy desde el siglo XVIII hasta el siglo XIX, estaban cargadas con una mezcla de salitre, azufre, colofonia, sulfuro de antimonio, sebo y trementina.


title: Witold Pruszkowski

text: Witold Pruszkowski (Bershad, 14 de enero de 1846-Budapest, 10 de octubre de 1896) fue un pintor simbolista polaco.


title: Witold Pruszkowski

text: Nació en Bershad, cerca de Odessa, en Ucrania. Pasó su juventud en Odessa y Kiev. Posteriormente se instaló en París, donde fue alumno de Tadeusz Górecki, y amplió sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Múnich con Alexander von Wagner y en la Academia de Bellas Artes de Cracovia con Jan Matejko. Su obra se centró en los mitos y leyendas del folklore polaco, especialmente en la obra literaria de Juliusz Słowacki.


title: Alejandra Pérez Núñez

text: Alejandra Pérez Núñez (Punta Arenas, 1972) Alias "elpueblodechina" es una artista visual chilena. Actualmente vive y trabaja en Punta Arenas. Ha desarrollado obra en el campo del arte sonoro, experimentando con el "noise" y el registro de sonidos en el paisaje, cartografías sonoras.


title: Alejandra Pérez Núñez

text: La artista realizó estudios en psicología y estética en la Universidad Católica y un master en Diseño de Medios, de la Universidad de Róterdam, en donde aprendió de software libre.


title: Alejandra Pérez Núñez

text: Ha desarrollado obra "Un elemento en común alfa" para la radio del Museo Reina Sofía que consiste en un trabajo de investigación sobre el paisaje invisible, que se combina con un interés por el estudio de la crítica cultural y el derecho al conocimiento libre y abierto.


title: Alejandra Pérez Núñez

text: Ha trabajado basada en los paisajes sonoros de Chile. Durante el año 2009 viajó a la Antártica donde grabó sonidos de baja frecuencia, imperceptibles al oído humano, para construir un banco sonoro en línea, que permitiera cartografiar el territorio Antártico desde lo imperceptible. Luego de esto vino Londres, donde estudió un doctorado en prácticas creativas, con una beca de la Facultad de Media Arte y Diseño de la Universidad de Westminster


title: Universidad Manuela Beltrán

text: La Universidad Manuela Beltrán, también llamada UMB, es una universidad privada y mixta con sede en la ciudad de Bogotá, Colombia. Allí se encuentra su principal campus, y posee además otros dos campus en las ciudades de Bucaramanga y Cajicá.


title: Universidad Manuela Beltrán

text: La UMB cuenta con 4 campus a nivel nacional, una oferta de 86 programas académicos aprobados por el Ministerio de Educación Nacional en pregrado y posgrado, bajo la modalidad presencial y virtual con más de 40.000 estudiantes en todo el país, en alianza con empresas públicas y privadas.


title: Universidad Manuela Beltrán

text: Para lograr una educación con calidad, está  institución ha venido desarrollando en sus campus 100 laboratorios académicos especializados de alta tecnología, que fomentan la formación teórico-práctica, para que los estudiantes apliquen todos los conocimientos aprendidos en clase.


title: Universidad Manuela Beltrán

text: Desde su inicio, hace 45 años, con personería jurídica otorgada por el Ministerio de Educación Nacional, desde 1992 la UMB, tiene como filosofía, fundamentar sus procesos académicos en el principio científico, tecnológico y con el bienestar colectivo, propiciando el crecimiento de sus estudiantes a través de la implementación de métodos pedagógicos basados en la participación, construcción colectiva del conocimiento y autoevaluación permanente, en áreas de la salud, la ingeniería y el arte.


title: Universidad Manuela Beltrán

text: Con el ánimo de extender su educación a otras regiones del país, La Universidad Manuela Beltrán, creó en 1994, una sede de extensión de programas en la ciudad de Bucaramanga. En Bogotá, la sede se encuentra ubicada en la Av. Circunvalar con calle 60, diseñada como edificio inteligente con aulas y biblioteca virtuales, esto la convierte en una de las primeras universidades del país en desarrollar una infraestructura tecnológica, dotada de laboratorios de punta.


title: Universidad Manuela Beltrán

text: Posterior a ello, el 29 de diciembre de 2004, el Ministerio de Educación Nacional expidió la Resolución No. 4974, por medio de la cual se reconoce a la UMB como Universidad.


title: Universidad Manuela Beltrán

text: En la actualidad es visualizada como la Universidad del Futuro.


title: Universidad Manuela Beltrán

text: Pregrados Posgrados


title: Universidad Manuela Beltrán

text: Maestrías EspecializacionesDoctoradoPregrados Posgrados


title: Universidad Manuela Beltrán

text: Maestrías EspecializacionesPregrados Posgrados


title: Universidad Manuela Beltrán

text: Maestrías EspecializacionesReconocimiento por parte de la Presidencia de la República de Colombia y el Ministerio de Educación Nacional de Colombia en ‘La Noche de los Mejores’ 2020 por su excelencia y calidad en los programas académicos.


title: Universidad Manuela Beltrán

text: En 2019 recibió el premio Excelencia en la Justicia “Mejor Práctica Extrajudicial 2019”, que otorga la Corporación Excelencia en la Justicia.


title: Universidad Manuela Beltrán

text: Ranking DTI-Sapiens 2019, destacó a la Universidad Manuela Beltrán como la mejor institución de educación superior en la categoría de desarrollo tecnológico e innovación en Bogotá.


title: Universidad Manuela Beltrán

text: En 2018 se le entregó el Diploma de reconocimiento del Premio Francisca de Pedraza contra la Violencia de Género.


title: Universidad Manuela Beltrán

text: Reconocimiento del Ministerio de Educación Nacional de Colombia por resultados de las Pruebas Saber Pro 2018.


title: Universidad Manuela Beltrán

text: El 22 de mayo de 2017, recibió un reconocimiento como el mejor Proyecto Inocencia de América Latina por parte del director de la Red Inocente, Doctor Justin Brooks de la Universidad California Western School of Law de Estados Unidos.


title: Reinhold Wilhelm Buchholz

text: Reinhold Wilhelm Buchholz (2 de octubre de 1837, Fráncfort del Óder - 17 de abril de 1876) fue un zoólogo alemán que hizo contribuciones en los campos de la herpetología, carcinología, e ictiología.


title: Reinhold Wilhelm Buchholz

text: Estudió medicina en la Universidad de Königsberg, y en 1872 se convirtió en profesor asociado de zoología en la Universidad de Greifswald. En 1876, fue nombrado profesor titular y director del museo zoológico de Greifswald, pero murió poco después.


title: Reinhold Wilhelm Buchholz

text: Entre 1869 a 1870, participó como científico en la , a bordo de la goleta "Hansa". Desde 1872, con Anton Reichenow, estuvo destinado en el África ecuatorial occidental, donde realizó investigaciones zoológicas en Camerún, Gabón, y Fernando Pó.


title: Reinhold Wilhelm Buchholz

text: Fue autoridad taxonómica o coautoridad de numerosas taxas zoológicas. Así, con el naturalista Wilhelm Peters, describiendo el género africano de sapo "Nectophryne" así como varias especies herpetológicas.  También tiene una serie de especies con su epónimo; dos ejemplos son:


title: Reinhold Wilhelm Buchholz

text: Mientras en África Occidental, también recolectó especímenes botánicos, así en 1886, Adolf Engler lo nombró ee el género "Buchholzia" (familia Capparaceae).


title: Reinhold Wilhelm Buchholz

text: "Buchholzbukta", un ancón en la costa este de Spitzbergen lleva su epónimo en honor.


title: Hospital Español (Montevideo)

text: El Hospital Español Doctor Juan José Crottogini es un hospital público uruguayo ubicado en los barrios del Reducto y La Figurita en Montevideo. Fue fundado por la colectividad española en 1906.


title: Hospital Español (Montevideo)

text: El Hospital Asilo Español, surge por iniciativa de la colectividad española en Uruguay de crear un Asilo de Caridad en beneficio de los residentes españoles en Montevideo y en Uruguay. Iniciativa que comienza a concretarse en mayo de 1886 cuando se convoca a todos los delegados de las asociaciones e instituciones españolas establecidas en el Uruguay para conformar una Junta Directiva pro Hospital Asilo Español. En septiembre de ese mismo año fue realizada la primera asamblea y fueron elegidas las primeras autoridades para dicha institución, siendo Julio de Arellano su primer presidente. Las principales tareas que esta tuvo, fueron la recaudación de fondos para la compra y adquisición del terreno, como también la aprobación de los planos del edificio.


title: Hospital Español (Montevideo)

text: En junio de 1888 fue adquirido un predio con frente a la iglesia del Reducto. Muy cercano a los barrios de la Aguada, Villa Muñoz, la Figurita y Reducto, barrios donde predominaban las familias de obreros y trabajadores, como también de inmigrantes españoles.


title: Hospital Español (Montevideo)

text: Ese mismo año fueron aprobados los planos del futuro edificio a cargo del arquitecto Santías.


title: Hospital Español (Montevideo)

text: El 1° de enero de 1889, fue colocada su la piedra fundamental del edificio y luego de varias dificultades finalmente en 1909 el Hospital Asilo Español fue inaugurado.


title: Hospital Español (Montevideo)

text: Mucho tiempo después, en 1923 acompañado del surgimiento de diferentes instituciones asistenciales y mutualistas los estatutos del Hospital Asilo Español son modificados y se estableció que la institución pasaría a llamarse Hospital Sanatorio Español.


title: Hospital Español (Montevideo)

text: Más allá de convertirse en una institución privada, continuó brindando asistencia gratuita y solidaria a los sectores menos privilegiados del país. Contaba con dos amplias salas de atención sin costo en las cuales se asistieron personas de todas las nacionalidades.


title: Hospital Español (Montevideo)

text: El Hospital Sanatorio Español comenzó a padecer graves problemas financieros en 2000, y los directores se retiraron de la institución en 2003. Una comisión de funcionarios, jubilados y vecinos tomó el control del centro, y logró convertirlo en un hospital público gratuito bajo la tutela de la Administración de los Servicios de Salud del Estado, siendo reinaugurado en 2007 con el nombre del médico y político Juan José Crottogini.


title: Hospital Español (Montevideo)

text: Tras la aparición de los primeros casos de covid 19 en Uruguay. El hospital Español fue destinado a ser un centro de referencia y atención a los pacientes de coronavirus en el país.


title: Alejandra Wolff

text: Alejandra Wolff (Santiago, 16 de mayo de 1971) es una artista visual chilena y doctora en Literatura Hispanoamericana.


title: Alejandra Wolff

text: Nació el 16 de mayo de 1971 en Santiago. Estudió dos años Biología en la Universidad de Chile, y luego ingresó en 1991 a la Universidad Católica, donde obtuvo su licenciatura en Artes, mención pintura, en 1996. Allí fue ayudante de Gaspar Galaz, Mario Soro, Gonzalo Díaz y como asistente de Justo Pastor Mellado, en las dos universidades antes mencionadas.


title: Alejandra Wolff

text: Realizó un Magíster en Artes Visuales en la Universidad de Chile en 1998 y ese mismo año comenzó a trabajar como académica de la Facultad de Arte de la Universidad Católica y luego en la Universidad Pérez Rosales.


title: Alejandra Wolff

text: Actualmente ejerce como académica en la carrera y postgrado de Artes de la Universidad Católica y como directora de Patrimonio y Archivos de la Facultad de Artes UC. Forma parte de la Escuela Joyería Pamela de la Fuente desde el año 2011 y cumple el rol de Coordinadora Académica. Imparte los ramos: Paradigmas Estéticos, Historia de la Joyería Contemporánea y Tutorías de Proyectos. Además se desempeña como editora independiente de exposiciones de arte contemporáneo.


title: Alejandra Wolff

text: Alejandra Wolff comienza explorando la figura humana a través del autorretrato, para centrarse en la representación del cuerpo, la carne y la piel, poniendo énfasis en la enfermedad y la herida. Al contar con estudios de biología, tiene una mirada científica sobre el objeto de estudio (lo médico) y como pintora, extrae sus formas. “Para traducir estos cuerpos, la pintora se guía por fotografías y por un atlas dermatológico”. Sus modelos suelen ser sus propios familiares, a los que pinta sin rostro, dejándolos en el anonimato, como por ejemplo hizo con “Familia II”, un tríptico compuesto por la imagen de un padre, madre y un bebé, expuesta en la Bienal del Mercosur. En aquella oportunidad, “cada figura estaba trabajada por fragmentos, que eran franjas que cruzaban la pintura por lo ancho, las cuales eran trabajadas cada una según una técnica distinta: por veladuras, por pigmentos chorreados, con telas cuadriculadas para seguir el molde, etc. Estas diferentes técnicas producen descalces cromáticos, casi imperceptibles a simple vista, y ciertos desajustes en las figuras, que llaman la atención pero no de develan por completo”. Su trabajo pictórico asume las estrategias narrativas del realismo e incorpora imaginarios domésticos cuyas representaciones giran en torno al cuerpo y la objetualidad en su escenario privado. Sus temas de interés circulan en torno a imaginarios y representaciones del cuerpo y la ciudad, así como los estudios visuales, el arte y la literatura latinoamericana.


title: Alejandra Wolff

text: Selección de exposiciones


title: Janet Toro Benavides

text: Janet Toro Benavides (Osorno, 1963) es una artista visual y performista chilena.


title: Janet Toro Benavides

text: Cursó estudios de Licenciatura en Arte en la Universidad de Chile. En 1983 fue alumna del profesor Luis Lobo. Trabajó 3 años en el taller de pintura escenográfica del Teatro Municipal de Santiago. Realizó talleres de Danza afectiva con Francisco Huneeus Cox y diversos talleres de Terapia Corporal. Estudió Pedagogía en Relajación y técnicas como: Qigong, Eutonía, Relajación muscular progresiva, Autogenes training (Entrenamiento autógeno), en Kommunikatives Bildungswerk, Dortmund, Alemania. También estudió Hatha Yoga con diversos maestros en Chile y en Alemania: Satyananda Yoga y Yoga Nidra con Anup Sihng.


title: Janet Toro Benavides

text: Fue parte de la Agrupación de Plásticos Jóvenes (APJ) entre 1985 y 1987, con quienes realizó acciones de arte callejeras, talleres populares de arte, murales e intervenciones gráficas de resistencia a la Dictadura Militar en Chile. Respecto de su trabajo en las calles en época de dictadura, ha señalado: “Nuestro lenguaje estaba influenciado por la iconografía latinoamericana; dentro de ella, la Brigada Ramona Parra y el grupo CADA. También había una gran influencia del Pop Art, el Dadaísmo, del movimiento Punk. Hacíamos distintas acciones peligrosas en la calle, como pegatina de afiches o grafitis, pero todo siempre relacionado con la contingencia política, en el marco de la dictadura militar (…) La gente de las poblaciones nos escondía en sus casas… Era fuerte, nosotros queríamos irrumpir”. A fines de los ochenta, conforma junto a otros artistas el colectivo de artistas Plástica Social, con quienes indaga en la práctica de la performance en el espacio público.


title: Janet Toro Benavides

text: La obra actual de Janet Toro es una reflexión visual, corporal y material acerca de la existencia humana. Cuerpo de obra que surge de la necesidad de profundizar en la vida, y desde ahí generar un ámbito de resistencia y poesía. El trabajo que realiza se caracteriza por el uso de materiales sencillos como harina, papel y telas, los que en palabras de la artista son “materiales simples que pertenecen a la vida cotidiana”. Uno de sus temas de interés se centra principalmente en el vacío: “Yo soy extremadamente sensible. Me gustan los espacios limpios, los necesito, porque estoy llena de imágenes en la cabeza. Así tengo tranquilidad”. A este respecto, también se ha referido a los materiales con que trabaja: “Tiene que ver con la vida económica del artista. Siempre viví al borde, al mínimo. Usaba lo que tenía o lo que me regalaban; piedras, diarios, género… Ahora también tiene que ver con una postura política. Estoy en contra del capitalismo feroz. Yo estoy por una reducción, por reciclar. En esto coincido con el economista social Niko Paech, de la Universidad de Oldemburg (Alemania)”.


title: Janet Toro Benavides

text: Su trabajo reflexiona sobre las políticas del cuerpo a partir de una práctica crítica sobre la experiencia y el lugar de las mujeres en una sociedad patriarcal. Una pregunta que impulsa traspasar los límites entre lo público, lo privado y el efecto del poder sobre el cuerpo individual y social. En palabras de la artista, “Quiero plantear un cuestionamiento visual y corporal acerca de la existencia humana en todos sus ámbitos, desde lo existencial, lo personal, lo social, lo político, entre otros. Me interesa crear un espacio de resistencia y de poesía”


title: Janet Toro Benavides

text: Otro de los temas recurrentes en su obra es la memoria y el dolor como experiencias personales y colectivas. El ciclo de 90 performances e instalaciones bajo el título "El cuerpo de la memoria" (1990) buscó visibilizar las ausencias y huellas que dejó la represión y tortura dictatorial, ""u"na realidad atroz que no debe ser reprimida, ni tampoco olvidada: el dolor y la tortura", explica la autora. Las acciones se desarrollaron en 21 lugares relacionados con la tortura, la detención o daño al cuerpo social durante la dictadura militar en Santiago de Chile, muchos de estos lugares no habían sido reconocidos oficialmente como espacios de tortura. Éstas consistieron en caminatas descalzas desde esos puntos hacia el Museo y desde el Museo hacia ellos, atravesando la ciudad de Santiago. La artista llevó siempre consigo un fragmento de un lienzo blanco manchado con sangre de animal del matadero y ya seco, que usó nueve años antes en la performance "La sangre, el río y el cuerpo" realizada en el Río Mapocho (Santiago, 1990).


title: Janet Toro Benavides

text: Selección de exposiciones e intervenciones realizadas por Janet Toro


title: Janet Toro Benavides

text: 2017 Performance "Este es mi cuerpo", frontis del Museo de Arte Contemporáneo MAC, Santiago, Chile.


title: Janet Toro Benavides

text: 2017 Exposición "Dibujar el límite", videos, dibujos, fotografías. Curadora Soledad Novoa Donoso, Museo de Arte Contemporáneo MAC, Santiago, Chile.


title: Janet Toro Benavides

text: 2015 Performance-Instalación "La tarjeta", serie "In Situ", Museo de la Memoria, Santiago, Chile


title: Janet Toro Benavides

text: 2015 Performance-Instalación "Distopía," serie "In Situ", Museo de la Memoria, Santiago, Chile


title: Janet Toro Benavides

text: 2015 Performance-Instalación "El Velorio del angel", serie "In Situ", Museo de la Memoria, Santiago, Chile


title: Janet Toro Benavides

text: 2015 Performance-Instalación "Nemeln", serie "In Situ", Museo de la Memoria, Santiago, Chile.


title: Janet Toro Benavides

text: 2015 Performance-Instalación El Reflejo, serie In Situ, curador Dr. Ricardo Loebell, Museo de la Memoria, Santiago, Chile.


title: Janet Toro Benavides

text: 2014 Performance-Instalación "Exhumar la memoria," Museo de la Memoria, Santiago, Chile.


title: Janet Toro Benavides

text: 2013 Performance-Instalación "Die Entfernung", Frauenmuseum Bonn, Alemania.


title: Janet Toro Benavides

text: 2013 Performance-Instalación "Die weißen Stunden", serie Dibujar el límite, Galería 0, Köln, Alemania.


title: Janet Toro Benavides

text: 2013 Performance-Instalación "Ama-gi", serie Dibujar el límite, Galería 0, Köln, Alemania.


title: Janet Toro Benavides

text: 2013 Performance-Instalación "Deshojar", serie Dibujar el límite Galería 0, Köln, Alemania.


title: Janet Toro Benavides

text: 2013 Performance-Instalación "Das Fremde", serie Dibujar el límite, Galería 0, Köln, Alemania.


title: Janet Toro Benavides

text: 2013 Performance-Instalación "Blindness", serie Dibujar el límite, Galería 0, Köln, Alemania.


title: Janet Toro Benavides

text: 2013 Performance-Instalación "Carmín", serie Dibujar el límite, Galería 0, Köln, Alemania.


title: Janet Toro Benavides

text: 2012 Performance-Instalación "Anomie", serie Dibujar el límite, Galería 0, Köln, Alemania.


title: Janet Toro Benavides

text: 2011 Instalación y Objetos "Entre líneas", Galería Kunstkontor, Köln (Colonia), Alemania


title: Janet Toro Benavides

text: 2010 Performance "Sacer dolor", Iglesia Martin Luther, Köln, Alemania


title: Janet Toro Benavides

text: 2010 Instalación Sacra sitis (100 m²) Iglesia Martin Luther, Köln, Alemania


title: Janet Toro Benavides

text: 2010 Instalación Sacra fames (25 m²) Torre Martin Luther, Köln, Alemania


title: Janet Toro Benavides

text: 2009 Instalación "Secluded". En la propia casa (38 m²) Köln, Alemania


title: Janet Toro Benavides

text: 2008 Instalación "Farewell". En la propia casa (53 m²). Dortmund, Alemania


title: Janet Toro Benavides

text: 2007 Exposición Extranjero. Galería Camera Obscura, Dortmund, Alemania


title: Janet Toro Benavides

text: 2006 Performance "Desolación". Galería Art- Isotope, Noche de los Museos. Dortmund


title: Janet Toro Benavides

text: 2006 Instalación "Isolation". De la serie Haus Akt. En la propia casa (53 m²)), Dortmund, Alemania.


title: Janet Toro Benavides

text: 2005 Performance "A-Test". Forum Radius 100, Depot, Dortmund, Alemania


title: Janet Toro Benavides

text: 2004 Exposición "Mácula". Bonifatius Kirche, Dortmund, Alemania


title: Janet Toro Benavides

text: 2004 Instalación "Radiografía". De la serie Haus Akt. En la propia casa (53 m²)Dortmund, Alemania.


title: Janet Toro Benavides

text: 2002 Exposición "Humanos". Etage Eins, Galería-Lounge. Dortmund, Alemania.


title: Janet Toro Benavides

text: 2001 Exposición "Perros peleando". Galería Gerda Türke, Dortmund, Alemania.


title: Janet Toro Benavides

text: 2000 Exposición "Las huellas del dolor". Schmerztherepeutisches Zentrums, St.-Marien Hospitals Lünen, Alemania.


title: Janet Toro Benavides

text: 1998 Tres Performances, serie La herida. Santiago, Valparaíso, Chile. Buenos Aires, Argentina.


title: Janet Toro Benavides

text: 1998 Performance "La locura". Centro Experimental Perrera-Arte. Santiago, Chile.


title: Janet Toro Benavides

text: 1998 Dos Performances serie "Ciudad Tóxica". Santiago, Chile.


title: Janet Toro Benavides

text: 1990 Dos Performances, serie: "La sangre, el río y el cuerpo". Río Mapocho, Santiago, Chile


title: Janet Toro Benavides

text: 1986 "Dos Preguntas". Performance. Colaboración de Claudia Winther. Paseo Ahumada, Santiago, Chile


title: Janet Toro Benavides

text: 2017 Exposición (Mujeres Radicales: Arte Latinoamericano 1960-1985) Curadoras Dra. Cecilia Fajardo-Hill y Dra. Andrea Giunta. Hammer Museo, Los Ángeles, California, EE. UU..


title: Janet Toro Benavides

text: 2016 Muestra de 3 videos de "El cuerpo de la memoria" y video de Azogue, en el marco de la exposición del X Encuentro Ex-céntrico, del "Hemispheric Institute de Performance & Política", de New York. Presentada en la Facultad de Economía y Negocios de la Universidad de Chile, Santiago


title: Janet Toro Benavides

text: 2016 Exposición performance Dos preguntas, registro fotográfico, en la exposición, "Poner el cuerpo. Llamamientos de arte y política en los años ochenta en América Latina". Curadoras: Javiera Manzi y Paulina Varas, Museo de la Solidaridad Salvador Allende, Santiago, Chile


title: Janet Toro Benavides

text: 2016 Instalación "El mar, la calle y las sillas," Memoria Viva 1973-2016, Centex del CNCA, Valparaíso.


title: Janet Toro Benavides

text: 2014 Bienal Deformes, Performance "Azogue," Facultad de Teatro de la Universidad de Chile, Santiago.


title: Janet Toro Benavides

text: 2013 Instalación Gang, en el marco del Capítulo 17 "Wir werden", Galería 0, Köln; Alemania


title: Janet Toro Benavides

text: 2012 Video Instalación en "Imágenes extremas de mujeres a través de la combatividad y de la resistencia", curadora Dr. Irene Ballester, en el Centro Matadero, Madrid, España


title: Janet Toro Benavides

text: 2011 Exposición "Line Up! 30 Works" Galería, Köln, Alemania


title: Janet Toro Benavides

text: 2011 Serie de objetos "Entre líneas", Feria de Arte del Museo Frauenmuseum; Bonn, Alemania.


title: Janet Toro Benavides

text: 2011 Objeto "Ego Madona", en el marco de Egotrip, Museo für Verwandte Kunst, Köln, Alemania.


title: Janet Toro Benavides

text: 2011 Instalaciones "Ein-sam". Torre Martin Luther Köln, Alemania.


title: Janet Toro Benavides

text: 2010 Exposición en la Feria de Arte. Taese Art Fair, Köln, Alemania.


title: Janet Toro Benavides

text: 2008 Performance Der Rand. En el marco del Realese de Clownfisch. Kunsthalle Wuppertal.


title: Janet Toro Benavides

text: 2006 Artor-Wand. Instalación Das Spiel. Galería Art- Isotope, Dortmund, Alemania.


title: Janet Toro Benavides

text: 2004 Serie Biografía de mi Cuerpo. Theaterzwang Festival, Depot, Dortmund. Tres nuevas Performances de la serie. Ensemble Kultopia. Director Holger Ziebler (Dortmund) / Uta Püttmann Produktion (Bonn) Dar a luz_Findlinge.


title: Janet Toro Benavides

text: 2004-2003 Instalación Habeas Corpus en el marco de las Huellas del recuedo, IG Metall, Sprockhövel y Berlín, Alemania.


title: Janet Toro Benavides

text: 2003 Performance El ausente. En el marco del evento: Chile. 11 de septiembre de 1973, 30 años después. Museo de Arte de Bochum, Alemania.


title: Janet Toro Benavides

text: 2003 Serie Biografía de mi Cuerpo. Centro Cultural Brotfabrik, Bonn, Alemania.


title: Janet Toro Benavides

text: Tres Performances. Ensemble kultopia (Dortmund) / Uta Püttmann Produktion (Bonn) Dar a luz_Findlinge.


title: Janet Toro Benavides

text: 1999 Serie El Cuerpo de la memoria. 90 Performances e Instalaciones. II Bienal de Arte joven, Ala Sur. Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile


title: Janet Toro Benavides

text: 1998 Performance El Imbunche. En el marco de la muestra Anamorfosis. Museo de Arte Contemporáneo. Santiago, Chile


title: Janet Toro Benavides

text: 1997 Performance La Crucifixión. Museo de Arte moderno de Chiloé. En el marco de un trabajo interdisciplinario junto a Angela Ramírez, Ricardo Loebell, Pablo Aranda y otros.