title: José Losada 'Carrete'

text: En la segunda bienal, la Agencia Andaluza para el Desarrollo del Flamenco produjo un espectáculo en el que se contaba su vida, un espectáculo que llevaba por título 'Yo no sé la edá que tengo', con José Luis Ortiz Nuevo de actor y guionista y los cantaores Juan José Amador y José Valencia entre otros en su elenco. Carrete era la estrella al baile. El espectáculo narraba su vida. Recogió encendidas críticas de todos los lugares donde se hizo. Luego también rodó con este mismo texto teatral en un formato más pequeño bajo el título de 'Carrete, íntimo'. Actuó en Los Jueves Flamencos de Cajasol de Sevilla con un gran éxito de crítica. También se recuerda el muy buen sabor de boca que dejó en su encuentro con Estrella Morente en el ciclo Singulares de Málaga en Flamenco. Luego sería reclamado por el Teatro Lope de Vega de Sevilla para representar de nuevo ‘Yo no sé la edá que tengo’, que causó conmoción en la capital hispalense.


title: José Losada 'Carrete'

text: Tras este sonado éxito ha repetido en varias bienales de la capital andaluza donde cuenta con casi tantos incondicionales como en Málaga. También fue protagonista de un espectáculo propio en el Festival de Jerez de la Frontera y ha ido igualmente llevando el nombre de Torremolinos y Málaga a otras citas de categoría como Mont de Marsan, el Festival de Morón y los más cercanos de La Torre del Cante (Alhaurín de la Torre) o El Palo (Málaga) en los últimos años. En 2015 estrenó en el Teatro Echegaray un espectáculo ideado y coreografiado por él mismo y Paco Roji donde celebraba sus 60 años en activo. En la actualidad sigue dando clases de baile flamenco en Torremolinos, donde vive desde hace más de cuarenta años y es toda una institución viviente.


title: Mina 2

text: Mina 2 es el décimo álbum de la cantante italiana Mina, el cuarto publicado por la discográfica Ri-Fi en noviembre de 1966.


title: Mina 2

text: Este trabajo de estudio se compone principalmente de canciones extranjeras cantadas en el idioma original. Todas son inéditas a excepción de la canción de apertura "Se non ci fossi tu" publicado solo un mes antes como sencillo, y los dos títulos "Lontanissimo" y "Ebb Tide" publicados en álbum de estudio anterior Studio Uno 66 en julio del mismo año.


title: Mina 2

text: Augusto Martelli está a cargo de los arreglos de las canciones y de la dirección de su orquesta.


title: Mina 2

text: Fue el décimo séptimo álbum más vendido en Italia en 1967. Sabato sera - Studio Uno '67, el siguiente álbum de estudio de Mina, ocupó el tercer lugar en la misma clasificación.


title: Mina 2

text: Este álbum ha sido reeditado y remasterizado en diversas ocasiones.


title: Catedral de San José (Avarua)

text: La Catedral de San José (en inglés: "St. Joseph's Cathedral") es el nombre que recibe un edificio religioso perteneciente a la Iglesia Católica que se encuentra ubicado en la ciudad de Avarua al norte de la isla de Rarotonga la isla más grande y más poblada de las Islas Cook un territorio dependiente de Nueva Zelanda en el Océano Pacífico.


title: Catedral de San José (Avarua)

text: El templo sigue el rito romano o latino y es la iglesia madre de la Diócesis católica de Rarotonga ("Dioecesis Rarotongana") que tiene jurisdicción sobre las Islas Cook y Niue y que fue creada como prefectura apostólica en 1922 siendo elevada a su actual estatus en 1966 mediante la bula "Prophetarum voces" del papa Pablo VI.


title: Catedral de San José (Avarua)

text: Esta bajo la responsabilidad pastoral del obispo Paul Donoghue. En su interior destacan sus vitrales en los que se representan escenas y personas de la biblia.


title: So Good (álbum)

text: So Good es el segundo álbum de estudio de la cantante y compositora sueca Zara Larsson, y el primero en ser lanzado mundialmente el 17 de marzo de 2017 a través de las discográficas Epic Records y Ten Music Group. El álbum en principio fue programado para ser lanzado en mayo de 2016 y luego en enero de 2017, sin embargo, se retrasó para poder realizar modificaciones en varias de las canciones. "So Good" fue precedido por el lanzamiento digital de seis sencillos: «Lush Life», «Never Forget You», «Ain't My Fault», «I Would Like», «So Good» y «Symphony» y sucedido por «Don't Let Me Be Yours» y «Only You».


title: So Good (álbum)

text: "So Good" presenta canciones principalmente en un estilo pop, así como también varias canciones rítmicas y de baile incluyendo varias baladas. A la vez incorpora el R&B y tiene influencias del género house tropical.


title: So Good (álbum)

text: Durante una entrevista con "Idolator", Larsson confirmó que trabajó con el Dr. Luke. Durante una entrevista con la revista "Billboard", Larsson reveló que trabajó en el proyecto junto al equipo de Max Martin, declaró: «Trabajé con tantas personas, junto a MNEK hemos escrito muchas otras canciones, con el equipo de Max Martin. No es el propio Max Martin, pero espero que la próxima vez sí, el equipo es realmente bueno, The Monsters & Strangerz, los aprecio tanto ... Y muchos otros compañeros talentosos, como R. City, Justin Tranter, tantas buenas personas. Con quienquiera que te encuentres, son como, acabo de escribir un No. 1 para esto o aquello. Todo el mundo tiene algo que presumir, que es lo que haría si escribiera tan buenas canciones». Larsson también trabajó con Stargate y Charlie Puth. Durante una entrevista con Digital Spy, Zara afirmó que todas las canciones del álbum fueron escritas y producidas por un equipo de producción diferente.


title: So Good (álbum)

text: En general las críticas de So Good fueron positivas de distintas revistas y sitios web, entre ellas AllMusic y The Guardian, mientras que recibió una crítica no tan favorable del sitio web ""Press Play Ok"".


title: So Good (álbum)

text: El reconocido sitio web AllMusic , le otorgó una buena calificación con cuatro estrellas de cinco. (...) "Divertido y atractivo, Larsson hizo uno de los mejores álbumes pop de lo que va el 2017.", y describiendo el álbum como "Divertido y atractivo". Por lo contrario Cailin Russo de ""Press Play Ok"" no vio más allá del álbum, otorgándole solo dos estrellas sobre cinco, argumentando... "So Good, no tiene nada en el que es tan bueno como Lush Life, y sólo hay lo suficiente para que Larsson pueda comandar el pop ´poco tiempo menos". Nick Levine de la reconocida revista NME le otorgó una buena puntuación al álbum dándole cuatro estrellas sobre cinco, comentando: "Al igual que todas las buenas estrellas del pop, Larsson brilla aun cuando su material no llena las expectativas.


title: So Good (álbum)

text: El álbum logró un gran recibimiento comercial en Europa y América del Sur. En Suecia alcanzó la primera posición del "Sverigetopplistan" con 40,000 copias vendidas en su país. En Nueva Zelanda debutó en la cuarta posición del conteo semanal de álbumes superando las 40,780 copias vendidas en su semana de estreno siendo el mejor posicionamiento de entrada en la semana. En Estados Unidos el álbum debutó en el número 26 del "Billboard 200" con 17,000 copias vendidas en este país, también alcanzó el puesto número 15 en el "Digital Albums" con 36,800 descargas digitales y el número 18 del "Top Album Sales" con 9,200 copias puras del álbum.


title: So Good (álbum)

text: El 4 de junio de 2015, Larsson estrenó «Lush Life», el primer sencillo del álbum en Suecia y el 9 de junio del mismo año fue publicado para todo el mundo. El sencillo fue acompañado por dos vídeos musicales, el primer fue dirigido por Måns Nyman, mientras que el segundo fue dirigido por Mary Clerté. La canción se convirtió en un éxito mundial, llegando a posicionarse entre los primeros 10 lugares de las distintas listas musicales de varios países como en el Reino Unido, Australia, Alemania y España.


title: So Good (álbum)

text: Luego del éxito de su primer sencillo, Larsson publicó «Never Forget You» el 22 de julio de 2015 como el segundo sencillo del álbum, encontrándose en Reino Unido en el formato de descarga digital. El vídeo musical del sencillo fue dirigido por Richard Paris Wilson, el cual fue estrenado el 17 de septiembre de 2015. La canción llegó a posicionarse entre los primeros 10 puestos en varios países, incluyendo el Reino Unido, Suecia, Dinamarca y Finlandia. A la vez fue el primer sencillo de Larsson y MNEK en ingresar en la lista "Billboard 200" de Estados Unidos, llegando a alcanzar la posición número 13, en mayo de 2016. La canción recibió cuatro veces la certificación de platino en Suecia y en los Estados Unidos recibió dos veces la certificación de platino.


title: So Good (álbum)

text: El 2 de septiembre de 2016, se lanzó «Ain't My Fault» como tercer sencillo del álbum. Su vídeo musical oficial fue dirigido por Emil Nava, el cual fue estrenado por medio de la cuenta Vevo de Larsson el 30 de septiembre de 2016. El sencillo logró ingresar en las primeras 20 posiciones de varios países como Australia, Reino Unido, Finlandia y Dinamarca. En Suecia logró alcanzar la posición número 1 de la lista musical "Sverigetopplistan".


title: So Good (álbum)

text: En un principio «I Would Like» fue publicado como un sencillo promocional el 11 de noviembre de 2016, pero más tarde se anunció que sería el cuarto sencillo del álbum. El 4 de diciembre de 2016, Larsson interpretó la canción en la versión británica del reality "The X Factor" en su décimo tercera temporada. La canción llegó a alcanzar los primeros 10 puestos en varios países, incluyendo el Reino Unido e Irlanda.


title: So Good (álbum)

text: El 27 de enero de 2017, «So Good» fue lanzado como el quinto sencillo del álbum, el cual es una colaboración con el rapero estadounidense Ty Dolla Sign. El video musical fue dirigido por Sarah McColgan, siendo estrenado el 3 de febrero de 2017 a través del canal Vevo de Larsson. El 7 de febrero del mismo año, ambos artistas interpretaron el sencillo en el programa "The Ellen DeGeneres Show" y repitieron la actuación musical en el programa "The Wendy Williams Show" el 23 de marzo de 2017. El sencillo logró ingresar entre las primeras 10 posiciones de la lista "Sverigetopplistan" en Suecia, donde recibió la certificación de oro por haber alcanzado el puesto número 7 de dicha lista.


title: So Good (álbum)

text: Tiempo después, Larsson realizó un colaboración con Clean Bandit para publicar «Symphony» como el sexto sencillo del álbum, así como también el tercer sencillo del segundo álbum de Cleand Bandit. El video musical fue dirigido por Grace Chatto y Jack Patterson los líderes de la banda, el cual fue estrenado el 17 de marzo de 2017. El 18 de marzo del mismo año, realizaron su primera presentación musical en vivo en la versión británica del reality "The Voice". La canción llegó a las primeras 1o posiciones de distintos países, siendo estos Australia, Finlandia, Alemania e Irlanda. El sencillo alcanzó el puesto número uno en Noruega, el Reino Unido, Escocia y Suecia. Además de convertirse en el quinto número uno de Larsson en su país de origen, también le otorgó a Larsson su primer sencillo número uno en el Reino Unido.


title: So Good (álbum)

text: El 12 de mayo de 2017, «Don't Let Me Be Yours», una canción compuesta por Larsson junto a Ed Sheeran, fue publicada como el séptimo sencillo del álbum. El video musical oficial fue estrenado el mismo día. La canción logró una mediana recepción en las listas musicales de Suecia, a diferencia de su álbum, ya que ambos se encontraban en la misma semana de estreno.


title: So Good (álbum)

text: Finalmente el 11 de agosto de 2017, «Only You» fue publicado como el octavo sencillo de "So Good". La canción llegó a posicionarse entre los primeros 5 lugares en Suecia y logró ingresar entre los primeros 40 lugares en la lista musical de Noruega.


title: Man Enters the Cosmos

text: Man Enters the Cosmos (en español, "Hombre entra al cosmos") es una escultura de bronce hecha por Henry Moore, localizada frente al Lago Michigan, junto al Planetario Adler en el parque Museum Campus, en el centro de Chicago, Cook County, Illinois, Estados Unidos. El planetario, que es considerado Hito Histórico Nacional y se encuentra en el Registro Nacional de Lugares Históricos, se localiza en un área comunitaria en la zona sur de Chicago. La escultura de Moore es un reloj de sol ecuatorial funcional creado en 1980 que mide alrededor de 13 pies (3,96 m). El reloj de sol solía estar localizado a unos cuantos metros dentro de la plaza del Planetario, pero ahora tiene su lugar apuntando directamente hacia el lago. El trabajo es una copia tardía de una composición creada inicialmente en los años 60 para las oficinas del periódico "The Times," en el Printing House Square en Londres, y que, de acuerdo con la Fundación Henry Moore, se titula Sundial 1965-66 .


title: Man Enters the Cosmos

text: El reloj de sol tiene dos placas en su base. La de la izquierda es una placa conmemorativa que menciona al beneficiario y el propósito de la escultura. La organización beneficiaria es la fundación de monumentos de B.F. Ferguson, a la cual se le encargaron diversas obras de arte en todo Chicago. La mayoría de los trabajos que se les fueron encargados, como por ejemplo "Fountain of the Great Lakes," están resguardados en el Instituto de Arte de Chicago, o en el parque Grant. El propósito de la comisión era reconocer el programa de exploración espacial. La placa de la derecha es una ecuación de tiempo que sirve para corregir las diferencias de tiempo causadas por la oblicuidad de la eclíptica y la excentricidad orbital. A pesar de corregir la precisión del reloj con esta información adicional, la ecuación no corrige los cambios por el horario de verano.


title: Man Enters the Cosmos

text: Como la mayor parte de los trabajos de Moore después de 1954, la técnica utilizada en esta escultura fue modelado, en lugar de tallado directo. Está compuesta por dos semicírculos de bronce que apuntan diagonalmente hacia arriba, colocados perpendicularmente el uno sobre el otro. También cuenta con una vara de bronce delgada que se extiende entre las dos puntas de uno de los semicírculos y que sirve como el gnomon (indicador). El reloj de sol ecuatorial de "cuerda de arco" deriva su nombre de la apariencia que tiene la sombra que proyecta el gnomon. La sombra de la vara se proyecta dentro del semicírculo interno, que sirve de marcador para indicar el momento del día donde hay suficiente luz para producir sombras.A lo largo del año, diferentes secciones de la vara sirven como manecilla, la cual es parte del gnomon que indica la hora al mostrar su sombra en el marcador. En el solsticio de verano, cuando el Sol está en su punto máximo (más allá del plano ecuatorial), la manecilla está más cercana a la parte superior de la vara, mientras que en el solsticio de invierno, cuando el Sol está en su punto más bajo, está más cercana a la parte inferior. En los equinoccios, cuando el Sol está en el plano ecuatorial, la manecilla está exactamente en el centro de la vara. La manecilla del reloj de sol ecuatorial es paralela al eje de rotación de la Tierra.


title: Man Enters the Cosmos

text: Este tipo de relojes de sol son conocidos como ecuatoriales, debido a que el plano del marcador es paralelo al plano ecuatorial de la Tierra. Dos ejemplos primarios de relojes de sol ecuatoriales modificados son: los ecuatoriales "cuerda de arco" y los armiliares. Ambos pueden ser leídos todo el año sobre la misma superficie, sin importar que el Sol esté arriba o abajo del plano ecuatorial.


title: Man Enters the Cosmos

text: Entre 1997 y 1999, el Planetario Adler añadió una terraza a la arquitectura original de 1930. Cuando lo hizo, las carreteras fueron modificadas y el reloj de sol fue transportado a su ubicación actual. El acto fue realizado por contratistas del Planetario Adler en dos fases. Primero, la escultura fue removida y guardada en una bodega para hacer espacio para la carretera. Fue reubicada hasta después de que la nueva carretera fue construida y la antigua reemplazada por un sendero peatonal. Ahora, una vuelta en U se extiende a través de la antigua ubicación del reloj, que está ubicado en el sendero peatonal que reemplazó a la antigua carretera, que recorría los alrededores del planetario. La nueva ubicación y la vuelta en U pueden ser vistas en el mapa del parque Museum Campus. Esta construcción fue contemporánea al proyecto de 100 millones de dólares por la reconfiguración del tráfico alrededor del parque Museum Campus, mismo que causó que Lake Shore Drive (en castellano, "carretera de la costa del lago") fuera trasladado durante la mitad de los años 90.


title: Man Enters the Cosmos

text: Cuando Moore vivía, se enorgullecía de ver sus esculturas al aire libre. Una vez dijo que hubiera preferido ver sus esculturas en cualquier paisaje abierto que en el más bello de los edificios que conocía. Incluyendo esta, Moore tiene un total de cuatro esculturas públicas en las calles de Chicago que están listadas en el Sistema de Registro de Información del Instituto Smithsoniano (SIRIS, por su nombre en inglés, Smithsonian Institution's Research Information System), todas ellas de bronce. Su obra "Nuclear Energy" está situada en la Universidad de Chicago, en donde tuvo lugar el primer reactor nuclear del mundo, Chicago Pile-1, el cual se encuentra en el Registro Nacional de Lugares Históricos y está listado como Hito Histórico Nacional, así como Hito de Chicago. Otras obras de Moore en Chicago son "Large Interior Form," que se encuentra en el jardín norte del Instituto de Arte de Chicago, y "Reclining Figure," préstamo otorgado a la Universidad de Chicago que se localiza en el patio del centro artístico Cochrane-Woods (Cochrane-Woods Art Center). La fundación Henry Moore enlista muchos otros trabajos en Chicago en el Instituto de Arte de Chicago y el Smart Museum.


title: Eugene Borden

text: Eugene Borden (París; 21 de marzo de 1897 - Los Ángeles, California; 2 de julio de 1971) fue un actor estadounidense, tanto en la era del cine mudo como en la era del cine sonoro. Nació en Francia y posteriormente migró a los Estados Unidos en su adolescencia, entrando a la industria cinematográfica unos años después. Durante su brillante carrera apareció en cerca de 150 películas; también lo hizo en numerosos cortos, series y programas de televisión.


title: Eugene Borden

text: Llamado al nacer Élysée Eugène Prieur-Bardin, nació en París, Francia, el 21 de marzo de 1897, migró a los Estados Unidos a los 17 años de edad. En 1917 ya era parte de la industria cinematográfica, participando en "The Slacker" de Christy Cabanne. En sus más de 43 años de carrera apareció en 160 películas, generalmente era protagonista de papeles de mano de obra, interpretando a carteristas, chóferes y conserjes.


title: Eugene Borden

text: Durante su larga carrera, Borden apareció en diversas filmaciones. Durante la época del cine mudo, fue protagonista de producciones icónicas como "Revelation" de George D. Baker en 1918); "Blue Blood" de 1925, dirigida por Scott R. Dunlap; la versión original de "Gentlemen Prefer Blondes" en 1928), dirigida por Malcolm St. Clair. En este mismo período, Borden también apareció en dos exitosas obras de Broadway: "The Better 'Ole", un musical con más de 350 representaciones entre los años 1918 y 1919; y la comedia musical "The French Maid", con producción musical de George Gershwin y Gus Edwards.


title: Eugene Borden

text: Borden se abrió paso dentro del cine sonoro al aparecer en un gran número de películas donde interpretó papeles protagonistas. Apareció en numerosas películas en los años 1930, entre las cuales están: "Marie Galante", dirigida por Henry King con Spencer Tracy como protagonista; en 1936, participó en la comedia "Wife vs. Secretary", protagonizada por Clark Gable, Jean Harlow and Myrna Loy, a lado de Jimmy Stewart en sus primeras apariciones en la pantalla grande; En 1937 apareció en la comedia romántica "Cafe Metropole", protagonizada por Tyrone Power, Loretta Young y Adolphe Menjou; en la producción de 1938 "Happy Landing", protagonizada por Sonja Heine y Don Ameche; y en la versión de 1939 de "The Three Musketeers", protagonizada por Don Ameche y los Ritz Brothers. Borden continuó con su carrera en los años 1940, apareciendo en varias docenas de filmes, entre los que destacan: "The Mark of Zorro" de 1940, protagonizada por Tyrone Power, Linda Darnell y Basil Rathbone, en la que Borden tuvo un papel importante; la comedia de 1942 "The Lady is Willing", protagonizada por Fred MacMurray y Marlene Dietrich; "The Song of Bernadette" de 1945, protagonizada por Jennifer Jones y un reparto de estrellas de renombre; interpretó al oficial de servicio de intendencia en el clásico de Bogart y Bacall "To Have and Have Not"; en el clásico "The Razor's Edge" de 1946, siendo protagonistas Tyrone Power y Gene Tierney; también en la reconocida participación de Rita Hayworth en "Gilda" in 1946; interpretó a Michael, el propietario de un restaurante francés, en "The Bishop's Wife, junto con" Cary Grant, Loretta Young y David Niven; y participó en 1949 en el musical "On the Town", con el protagonista y director Gene Kelly, junto a Frank Sinatra, Betty Garrett y Ann Miller.


title: Eugene Borden

text: Borden continuó actuando en el cine en los años 1950, así como incursionando en la recién nacida televisión. Una de sus más notables actuaciones tuvo lugar en el musical clásico que se tituló "An American in Paris", en 1951, protagonizada por Gene Kelly, Leslie Caron y Oscar Levant, interpretó al casero de Kelly y Levat, Georges Mattieu. Otras películas en las que participó son "All About Eve" en 1950, protagonizada por Bette Davis y Anne Baxter; la comedia de Bob Hope "My Favorite Spy"; la producción de Howard Hawks "The Big Sky" en 1952, protagonizada por Kirk Douglas; "The Far Country", dirigida en 1955 por Anthony Mann y protagonizada por James Stewart, Ruth Roman y Walter Brennan; "To Catch a Thief" de 1955,protagonizada por Cary Grant y Grace Kelly; otra producción de James Stewart titulada"The Spirit of St. Louis" en 1957, dirigida por Billy Wilder; y el clásico de terror de 1958, "The Fly", protagonizada por Al Hedison y Vincent Price. Borden apareció en diversas películas en los años 1960, pero en este período se dedicó principalmente a las actuaciones en la pequeña pantalla. Entre sus interpretaciones más importantes de esta década figuran: En 1960, "Can-Can", protagonizada por Frank Sinatra, Shirley MacLaine, Maurice Chevalier y Louis Jourdan; "Take Her, She's Mine" en 1963, interpretada por James Stewart y Sandra Dee; y la comedia de Jerry Lewis y Tony Curtis, "Boeing, Boeing" (1965). Su última aparición en la gran pantalla tuvo lugar en 1966 en la producción llamada "Our Man Flint", protagonizada por James Coburn.


title: Eugene Borden

text: Adicionalmente a su trabajo en el cine, Borden apareció en numerosas series de televisión durante los años 1950 y 1960, entre los que se incluyen: "My Little Margie", "Climax!", "The Millionaire", "The George Burns and Gracie Allen Show", "Have Gun, Will Travel", "Perry Mason," "The Twilight Zone", "Combat!", "The Farmer's Daughter" y "Rawhide". La última actuación de Borden en televisión tuvo lugar en 1966 en la serie de televisión "Run for Your Life".


title: Eugene Borden

text: Tras retirarse de la industria cinematográfica, Borden vivió en la comunidad de retiro Motion Picture Home, en Woodland Hills, California. Murió el 21 de julio de 1971 a los 74 años de edad, fue enterrado en el Woodlawn Memorial Cemetery, un cementerio localizado en Santa Mónica.


title: Jon Robin Baitz

text: Jon Robin Baitz (n. 4 de noviembre de 1961) es un dramaturgo, guionista, productor de televisión y actor ocasional estadounidense. Actualmente, Baitz es profesor de la Stony Brook Southamp y de la Nueva Escuela de Nueva York, donde ejerce como director artístico del programa de teatro BFA (Licenciado en Bellas Artes) por sus siglas en inglés. Ha sido dos veces finalista del Premio Pulitzer.


title: Jon Robin Baitz

text: Baizt fue acogido en el seno de una familia judía en Los Ángeles California, hijo de Edward Baitz, un ejecutivo de la Compañía Carnation. Baizt se crio en Brasil y en Sudáfrica antes de que su familia regresara a Los Ángeles, donde asistiría al Beverly Hills High School. Cuando habla acerca de la influencia que ejerció aquel tiempo en su vida y trabajo, Baitz menciona lo siguiente:


title: Jon Robin Baitz

text: "Creo que lo que pasó es que me sentía tan extraño y foráneo que logré adaptarme por medio de la observación. Aprendí un poco de taquigrafía. Porque tú eres un foráneo, un ser extraño, tienes que adaptarte a las costumbres y modales, no solo al lenguaje. Comienzas a sentirte terriblemente excluido, lo que no es para nada bueno y eso al principio tiene efecto en tu escritura. Comienzas este breve diálogo en tu interior sobre el significado de las cosas y de repente tienes veintitantos años y continúas con ese diálogo en un papel".


title: Jon Robin Baitz

text: Después de graduarse de la preparatoria, Baitz no continuó con sus estudios escolares, en vez de eso, el trabajó como empleado en una biblioteca y asistente de dos productores y las experiencias que obtuvo en este lugar forjaron las bases para su primera obra de teatro, titulada "Mizlandsky/Zilinsky" contando con un solo actor. Él diseñó su propio trabajo para su obra de dos actos, "The Film Society," acerca del personal de una escuela preparatoria en Sudáfrica. El éxito que consiguió en 1987 en Los Ángeles lo llevó a participar en la producción de Off- Broadway en compañía de Nathan Lane in 1988, lo que le hizo merecer una nominación al Drama Desk Award en la categoría de Nueva Obra Sobresaliente.


title: Jon Robin Baitz

text: Fue seguido por "The Substance of Fire" en 1991 con Ron Rifkin y Sarah Jessica Parker, y "The End of the Day" de Off- Broadway en los Playwrights Horizons en 1992, personalizando a Roger Rees.


title: Jon Robin Baitz

text: Escribió y dirigió la obra de solo dos personajes "Three Hotels," basada en sus padres, para una presentación en PBS´s "American Playhouse", en marzo de 1991. El elenco fue conformado por Richard Jordan y Kate Nellingan. Después reformuló el material para una obra de teatro, ganando una nominación de los Drama Desk Awards por Nueva Obra Sobresaliente.


title: Jon Robin Baitz

text: En 1993 escribió en colaboración de Howard A. Rodman "The Frightening Fammis" , que fue dirigida por Tom Cruise y fue transmitida por televisión como un episodio de la serie Fallen Angels. Dos años después, Henry Jaglom lo llamó para interpretar a un dramaturgo gay que obtiene éxito a una edad temprana(un personaje inspirado en el mismo Baitz), para la película "Last Summer in the Hamptons." En 1996 participó como un socio de negocios de Michelle Pfeffer en la película de comedia "One Fine Day."


title: Jon Robin Baitz

text: Su semi autobiográfica obra "A Fair Country" fue presentada en Off- Broadway en el Lincoln Center Mitzi E. Newhouse Theater en 1996. La obra fue una de las tres finalistas para el premio Pulitzer en la categoría de Drama en 1996. El comité de nominación mencionó que la obra de Baitz fue "escrita con mesura, diálogos precisos, caracterizada por personajes contundentes contra el entorno internacional de África, Europa y Centroamérica".


title: Jon Robin Baitz

text: Los subsecuentes trabajos de escena incluyeron "Mizlansky/ Zilinsky" o "Schmucks", una versión alterna de "Mizlansky/ Zilinsky," protagonizada por Nathan Lane, y dirigida por el entonces socio de Baizt, Joe Mantello (1998), una nueva adaptación de "Hedda Cabler" del dramaturgo noruego Henry Ibsen(su primera puesta en escena fue en L.A Geffen Playhouse con Anette Bening en 1999, después en el Bay Street theater de Long Island con Kate Burton en el 2000, seguido por una producción de Broadway con la misma actriz el año siguiente"), Ten Unknows ("2001), representada por Donald Sutherland y Julia Margulies, y "The Paris Letter" (2005) con Ron Rifklin y John Glover. Sus guiones incluyen la adaptación de "Substance of fire" (1996) con Tony Goldwyng y Timothy Hutton contando con Rifkin y Parker, los actores originales del elenco, y "People I Know" (2002), que protagonizó Al Pacino.


title: Jon Robin Baitz

text: Su trabajo ocasional para la Televisión lo llevó a escribir series como "The West Wing" y "Alias, que" lo llevaron a la posición de creador y productor ejecutivo de "Brothers & Sisters" un drama de la cadena televisiva ABC TV que se estrenó en septiembre de 2006 y contó con cinco temporadas, culminando en mayo de 2011.


title: Jon Robin Baitz

text: Baitz fue el artista del "New School for Drama" en estancia por el periodo escolar 2009-2010.


title: Jon Robin Baitz

text: Su obra "Other Desert Cities" sirvió e apertura para Off- Broadway en el Mitzi E. Newhouse Theater (Lincoln Center) en Nueva York el 13 de enero de 2011, con la participación de Stockard Channing, Linda Lavin, Stacy Keach, Thomas Sadoski y Elizabeth Marvel.


title: Jon Robin Baitz

text: La obra estaba concebida en primera instancia como "Love and Mercy". La producción fue transferida a Broadway, exhibida en el Booth Theatre el 3 de noviembre de 2011, con Judith Light remplazando a Lavin y Rachel Griffiths sustituyendo a Marvel.


title: Jon Robin Baitz

text: Baitz escribió el guion de la película Stonewalldel año 2015.


title: Jon Robin Baitz

text: De 1990 al año 2000, Baitz estuvo comprometido con el actor y director Joe Mantello."


title: Jon Robin Baitz

text: Baitz es un devoto judío.


title: Berta Frey

text: Berta Frey (8 de noviembre de 1893 - 1 de febrero de 1972) fue una reconocida tejedora neoyorquina quien interpretó y enseñó sobre las técnicas de tejido durante muchos años. Fue una de las fundadoras de la Asociación de Tejedoras a Mano de América, HGA, Heandweavers Guild of America, por sus siglas en inglés.


title: Berta Frey

text: Berta Frey nació el 8 de noviembre de 1893 en Texas. Durante la Primera Guerra Mundial (1914-1918) ejerció como terapeuta ocupacional, es decir, que su profesión la dedicaba a mejorar la vida de personas de cualquier edad o condición física a través de las actividades de la vida cotidiana; especializándose en el trabajo con madera, en el hospital militar Walter Reed en Washington, D.C. Al mismo tiempo, ella aprendió a tejer a mano. Cuando notó que los telares a mano no eran hechos en Estados Unidos, utilizó sus habilidades de carpintería para que, tanto ella como sus pacientes, pudieran fabricarlos. Frey comenzó por tejer diseños alusivos a la Colonia, pero pronto comenzó a probar con otros diseños.


title: Berta Frey

text: Después de la guerra, Frey se mudó a la ciudad de Nueva York con sus padres y trabajó en la industria textil. Eventualmente abrió un estudio de diseño en la ciudad y ahí comenzó a enseñar a tejer. En 1934 Berta Frey ya era conocida por haber innovado las técnicas de tejido a mano y ese verano asistió a la asamblea del Instituto de Tejido de Penland (PWI) Penland Weaving Institute, por sus siglas en inglés; en las Montañas Azules de Ridge (BRE) Blue Ridge Mountain por sus siglas en inglés, en Carolina del Norte. Ella, entre muchas, tuvo la iniciativa para la construcción de un nuevo edificio en una escuela que estaba ampliando sus servicios. Los signatarios se comprometieron a construir una casa de manualidades llamada "Edward F. Craft House", edificio que contaba con salones y dormitorios. Algunos de los estudiantes del Instituto provenían de comunidades locales.


title: Berta Frey

text: Un grupo de estudiantes comenzó a reunirse informalmente cada mes en el estudio de diseño de Berta, el "Berta Frey´s New York Studio". El 11 de noviembre de 1940 se inauguró la Asamblea de Tejedoras de Nueva York NYHG, "New York Guild Handweavers" por sus siglas en inglés. La mayoría de los primeros participantes ya había trabajado en áreas similares a la textil como instructores, diseñadores o terapistas ocupacionales. En 1941 Berta Frey renunció a su puesto en la asamblea y regresó al ejército como terapeuta ocupacional.


title: Berta Frey

text: Después de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945) Berta Frey se convirtió en la encargada del Comité del Programa del Gremio de Nueva York, Chair of the New York Guild's Program Committee. Frecuentemente era ponente de conferencias acerca de diferentes temas, frecuentemente contribuía a la Handweaver and Craftsman, una revista nacional que había sido lanzada en 1940. En mayo de 1946 Frey dirigió una conferencia acerca del tejido en el YMCA en Milwaukee, que fue patrocinada por el Gremio de Tejedores de Milwaukee, Milwaukee Weaver's Guild. Hizo demostraciones sobre como acondicionar la malla al tejido. Años después de que Berta Frey comenzará a enseñar a tejer la escuela de Arrowmount en Gatlinburg, Tennessee; organizó talleres de verano de la Pi Beta Phi en la Universidad de Tennessee. Berta Frey fue instructora en la escuela Fletcher Farm en Vermont. En 1948 publicó una segunda edición de su pequeño libro, "Seven Project in Rosepath". Este fue uno de los primeros libros americanos que funcionaba como guía para tejedores a mano primerizos.


title: Berta Frey

text: El 8 y 9 de abril de 1955, se reunieron 135 asociados del Gremio de los Tejedores de Ontario; que se llevó a cabo en el "Heliconian Club" en Toronto. Berta Frey dio una plática en la que mostró un telar multicolor. El grupo formó un comité supervisor que buscó abrir un organismo distrital que fuera dirigido por la fundación "Ontario Handweavers & Spinners" (OHS) el año siguiente. Regresó a Ontario en 1960 cuando ella era ya la principal oradora de la conferencia del OHS, que estaba organizada por el Gremio de Tejedores del Valle de Ottawa, "Ottawa Valley Weavers Guild". Habló acerca del papel del tejido a mano desde tiempos pasados hasta la actualidad y después mostró como es que los antiguos diseños podían ser utilizados en figuras modernas. En 1967 ella estaba de vuelta en Ontario como parte del jurado en la exhibición "Fashion Fabrics" de la OHS, que se inauguró en Kingston, Ontario en octubre de 1967 y circuló por los próximos dos años.


title: Berta Frey

text: En 1969 Berta Frey fue una de las fundadoras del Gremio de las Tejedoras de América (HGA), Handweavers Guild of America y fungió en el primer ciclo de directores. Al mismo tiempo ella enseñaba a tejer en Woodstock, Nueva York. Murió el 1 de febrero de 1972 a la edad de 78 años en Bearsville, Nueva York justo al oeste de Woodstock.


title: Berta Frey

text: Algunas de las publicaciones de Berta Frey incluyen:


title: Berta Frey

text: Citas


title: Berta Frey

text: Fuentes


title: Navidad en Polonia

text: La navidad es una de las festividades más importantes en Polonia, así como lo es en la mayoría de los países cristianos. Las tradiciones navideñas se desarrollaron con el paso de los siglos, empezando en la época antigua, donde se combinaron antiguas costumbres paganas con religiosas, traídas a Polonia durante la cristianización por la Iglesia Católica. Posteriormente se dieron intercambios entre las tradiciones locales y folklóricas. Los árboles de Navidad son decorados y encendidos en la víspera de Navidad, además se colocan árboles muy pequeños en espacios públicos y muy lejos de las iglesias.


title: Navidad en Polonia

text: En polaco la Navidad es llamada "Boże Narodzenie" (literalmente 'el nacimiento de Dios').


title: Navidad en Polonia

text: Entre las celebraciones llevadas a cabo en el hogar durante el Adviento (la espera para la celebración del nacimiento de Jesús) está la preparación de piernik (pan polaco a base de jengibre preparado en Navidad), y adornos navideños. El pierniki (plural de piernik) es elaborado en diferente formas, tales como: corazones, animales y Papá Noel. Papá Noel no es muy importante el día de la Navidad, sin embargo, es venerado el día de su santo, el 6 de diciembre. Visita en secreto a los niños que se portan bien y les deja regalos.


title: Navidad en Polonia

text: Típicamente los árboles de Navidad son decorados con esferas, guirnaldas y algunos adornos caseros, entre ellos cascarones de huevo pintados, jugosas manzanas rojas, nueces, chocolates de diferentes formas, etcétera. Son encendidos en Nochebuena antes de la Wigilia (cena de Nochebuena). En la punta de cada árbol se coloca una estrella o un ángel. En muchos hogares, luces de bengala son colgadas en los árboles para darle un ambiente invernal. En ocasiones los árboles se dejan hasta el 2 de febrero, día de la Virgen de la Candelaria.


title: Navidad en Polonia

text: Durante el adviento y hasta la Epifanía, o bautismo de Jesús (6 de enero), el “gwiazdory”, o peregrinación de los portadores de la estrella en los pueblos. Algunos cantan villancicos, otros recitan versos o colocan “szopki” (belenes), o “herody” (nacimientos). Las últimas dos tradiciones están inspiradas por el nacimiento de Jesús o “Jaselka”. Una tradición única en Polonia es el compartir “oplatek”, obleas sin consagrar con imágenes religiosas. Antiguamente la gente llevaba estas obleas de casa en casa deseándole a sus vecinos una Feliz Navidad. Actualmente, las obleas son compartidas con la familia y vecinos cercanos antes de la cena de Nochebuena (Wiligia en polaco). Cuando una persona comparte obleas con otra, estos deben perdonarse los daños ocurridos en el año y desearse felicidad en el año venidero.


title: Navidad en Polonia

text: En Polonia, la Nochebuena es un día en el que primero se ayuna, y después hay un festín. El festín de Nochebuena empieza con la aparición de la primera estrella. No se sirve carne, en cambio hay pescado, usualmente carpa. La cena, que incluye muchos platillos y postres tradicionales, en ocasiones puede durar hasta dos horas. Después se hace el intercambio de regalos. Al otro día, el día de Navidad, se acostumbra ocuparlo para visitar amigos. En las tradiciones polacas, la gente combina religión y cercanía familiar durante Navidad. Sin embargo el obsequiar regalos es muy importante en la celebración, aunque se da mayor importancia a la preparación de platillos y a la decoración.


title: Navidad en Polonia

text: En la noche de la víspera de Navidad, es muy importante la aparición de la Estrella de Belén, que se le ha dado el nombre de “pequeña estrella” o Gwiazdka (la contraparte femenina de Papá Noel). En la tarde de ese día, los niños miran el cielo esperando ansiosamente gritar: “¡La estrella ha llegado!” Solamente hasta que aparece, los miembros de la familia se pueden sentar en la mesa.


title: Navidad en Polonia

text: De acuerdo con la tradición, se esparce un poco de paja debajo del mantel como recordatorio de que Cristo nació en un pesebre. Otros colocan dinero debajo del mantel de cada invitado para desearles prosperidad en el año venidero. Algunos superticiosos sientan a solo una cantidad de personas alrededor de la mesa. En muchos hogares un asiento vacío es dejado simbólicamente en la mesa para el Niño Jesús, o para un vagabundo que pueda necesitar comida, o para un familiar fallecido que pueda venir y deseé compartir la cena.


title: Navidad en Polonia

text: La cena comienza con la ruptura del oplatek (obleas). Todos en la mesa rompen una pedazo y lo comen en señal de su unión con Cristo. Después comparten una pieza con cada integrante de la familia. Existe una tradición entre algunas familias de servir doce platillos diferentes en Wiligia para simbolizar a los doce apóstoles, o tal vez, un número impar de platillos para la buena suerte (usualmente cinco, siete, o nueve).


title: Navidad en Polonia

text: Una cena tradicional de Wigilia incluye carpa frita y barszcz (sopa de betabel) con uszka (ravioles). En Polonia el pez carpa es fundamental en la cena de Nochebuena; filete de carpa, àspic de carpa, etc. Las comidas polacas más comunes en Navidad son el Pierogi y también algunos platos a base de arenque y para el postre, Makowiec o tallarines con semillas de amapola. Habitualmente, se elabora una compota de frutos secos para las bebidas.


title: Navidad en Polonia

text: En lo que resta de la noche se cantan y cuentan historias alrededor del árbol de Navidad. En algunas partes del país, a los niños les dicen que “La pequeña estrella” trae los regalos. Mientras los regalos son desenvueltos, los coristas van de casa en casa recibiendo dulces durante el camino.


title: Navidad en Polonia

text: La Nochebuena termina con Pasterka, la misa de media noche en la iglesia local. La tradición conmemora la llegada de los tres reyes magos a Belén, su muestra de respeto y atestiguamiento del nacimiento del mesías. La costumbre de la misa en Nochebuena fue introducida en las iglesias cristianas después de la segunda mitad del quinto siglo. En Polonia esas costumbres llegaron a la par de la cristiandad. El siguiente día (25 de diciembre) empieza con misas matutinas seguidas de misas a lo largo del día. De acuerdo a las escrituras, en el día de Navidad las misas son intercambiables, permitiendo una gran flexibilidad al momento de elegir los servicios religiosos para los creyentes.


title: Navidad en Polonia

text: Los villancicos en Polonia son entonados hasta que inicia la misa de Navidad, llamada Pasterka celebrada entre el 24 y 25 de diciembre, y después de ésta. La temporada navideña usualmente dura hasta el 2 de febrero. Los antiguos himnos cantados en la Iglesia Católica fueron traídos a Polonia por la Orden Franciscana en la edad media. La antigua música navideña era de origen latino. Cuando las letras y melodías polacas comenzaron a popularizarse, se incluyeron nuevos seculares pastorales, estas no fueron escritas, más bien enseñadas de memoria entre las personas. Notablemente, la canción Bóg się rodzi (Dios ha nacido) con letra escrita por Franciszek Karpiński, en 1972 durante la corte del Rey Esteban I Báthory se convirtió en el Himno Navideño de Polonia. Muchos de los antiguos villancicos fueron recolectados en 1838 por Rev Mioduszewski en un libro llamado Pastorałki i Kolędy z Melodiami (Pastorales y villancicos con melodía).


title: Navidad en Polonia

text: Polonia produce algunas de las más finas decoraciones navideñas en vidrio soplado de Europa. Las familias y coleccionistas valoran estas decoraciones por su gran calidad, trabajo artesanal, y diseños únicos.


title: Navidad en Polonia

text: Las decoraciones navideñas de vidrio soplado polacas son fabricadas generalmente en invierno. Las tiendas modernas de vidrio y fábricas tienden a estar localizadas en las regiones sur de Polonia.


title: Henry Zvi Lothane

text: Henry Z'vi Lothane, M.D., es un psiquiatra americano, psicoanalista, educador y autor. Lothane Es actualmente Profesor Clínico en Escuela Icahn de Medicina en Monte Sinai, Ciudad de Nueva York, especializando en el área de psicoterapia. Es el autor de alrededor de ochenta artículos y revisiones en varios temas en psiquiatría, psicoanálisis e historia de la psicoterapia, así como el autor de un libro en el famoso caso Schreber, titulado "En Defensa de Schreber." "Asesinato de alma". En este libro examina la vida y trabajo de Daniel Paul Schreber en relación al trasfondo de la psiquiatría y psicoanálisis del siglo XIX y de principios del XX.


title: Henry Zvi Lothane

text: Lothane Nació en Lublin, Polonia en 1934, en una familia judía. Con la división de Polonia entre los alemanes y los soviéticos en 1939, la familia huyó a la parte oriental de Polonia, que entonces estaba bajo control ruso, donde vivieron de 1939 a 1941. Poco antes de la invasión alemana de Rusia en 1941, el padre de Lothane se ofreció de voluntario para emigrar a Rusia y así salvar a su familia de la aniquilación. En 1946, la familia regresa a Lublin, donde acude a la escuela primaria. Asiste a la preparatoria hasta 1950, cuando la familia emigra a Israel. Lothane se graduó del instituto Ohel Shem en Ramat Gan, Israel. Habiendo demostrado un talento innato para los idiomas, Lothane trabajó como traductor militar durante su servicio en las Fuerzas de Defensa del Israel. Después de su baja en las Fuerzas de Defensa, Lothane estudió en la Escuela Médica Hadassah de la Universidad hebrea en Jerusalén, de la que se graduó con un doctorado en 1960. Después de completar su internado en el Hospital Beilinson en Petach Tikwa en 1962, Lothane empezó su residencia en el Talbieh Hospital Psiquiátrico de Jerusalén, al mando de psiquiatra y psicoanalista Heinrich Winnick. En 1963 emigra con su mujer e hija a los Estados Unidos y completó su residencia en el Strong Memorial Hospital en Rochester NY, presidido por el Prof. John Romano. Lothane fue Jefe de Unidad en el Hospital Psiquiátrico Hillside en Nueva York, de 1963 a 1969. De 1966 a 1972, Lothane estudió psicoanálisis en el Instituto Psicoanalítico de Nueva York.


title: Henry Zvi Lothane

text: Desde 1969, Lothane ha sido un miembro de la facultad en el Escuela Icahn de Medicina en Monte Sinai, de Nueva York, donde ha ostentado el rango de Profesor Clínico de Psiquiatría. En su práctica privada, Lothane trabaja como psiquiatra, psicoterapeuta y psicoanalista. A principios de 1994, Lothane trabajó para el consulado alemán en Nueva York como experto en psiquiatría, evaluando las reclamaciones de restitución de supervivientes del Holocausto, incluyendo aquellos de Auschwitz (cuya celebración del 70.º aniversario de su liberación había sucedido recientemente). Lothane es un Socio distinguido de la Asociación Psiquiátrica americana y un miembro de la Asociación Psicoanalítica americana así como la Asociación Psicoanalítica Internacional. Anteriormente fue Presidente de la Sociedad Americana de Médicos Psicoanalistas.


title: Henry Zvi Lothane

text: Las publicaciones de Lothane abarcan un número de temas en psiquiatría, psicoanálisis, y psicoterapia. Entre las áreas importantes en qué Lothane ha publicado es (1) la historia del psicoanálisis (incluyendo estudios de Sigmund Freud, Carl G. Jung, Daniel Paul Schreber, Sabina Spielrein, y psicoanálisis bajo el nazismo), (2) metodología, técnica clínica y psicoanálisis contemporáneo, (3) amor y sexo, y (4) "dramatología" una aproximación a la técnica y trabajo clínicos qué Lothane ha desarrollado. En muchos casos, las publicaciones de Lothane han abarcado más de uno de estos temas. Por ejemplo, Lothane frecuentemente trabaja en su búsqueda histórica con el objetivo de corregir conceptos erróneos de Freud en discusiones contemporáneas de técnica psicoanalítica.


title: Henry Zvi Lothane

text: Daniel Paul Schreber era un juez alemán quién fue recluido en hospitales psiquiátricos tres veces en su vida (1884, 1893, y 1907). El segundo episodio, durante el cual fue declarado legalmente demente, se convirtió un libro publicado en 1903, "Denkwürdigkeiten eines Nervenkranken" (""Memorias de un Enfermo de Nervios""), publicado en inglés en 1955 bajo el título "Memoirs of My Nervous Illness." Extrañamente, la traducción inglesa omitió el subtítulo "¿En qué circunstancia puede una persona considerada loca ser detenida en un asilo contra su voluntad declarada?" Así dejándolo fuera del título argumentando que Schreber únicamente buscaba recuperar su libertad. Gracias al innovador análisis de que Freud hizo sobre el libro de Schreber en 1911, el "Caso Schreber" se convirtió en una constante en la literatura psicoanalítica, en uno de los cuales Freud destacó, que el segundo episodio de enfermedad mental de Schreber, especialmente su llamada paranoia, fue causada por deseos homosexuales pasivos hacia su primer psiquiatra, Paul Flechsig.


title: Henry Zvi Lothane

text: El caso Schreber se volvió famoso nuevamente en 1959 con la publicación del ensayo "Schreber: padre e hijo," por el psicoanalista norteamericano W.G. Niederland. Niederland argumentó que Schreber fue maltratado de niño por su padre Moritz por utilizar prácticas sádicas durante su crianza mediante el uso de aparatos ortopédicos torturantes, al cual, según Niederland, Schreber refirió en Capítulo XI de su libro. Morton Schatzmanargumentó esencialmente la misma tesis que Niederland en su best seller de 1973 Soul Murder. Persecution in the Family"." En contraste, en la biografía de Han Israels 1989 sobre la familia de Schreber, argumentó que Moritz Schreber fue injustamente demonizado en la literatura. En aquel mismo año (1989), la primera publicación de Lothane sobre Schreber apareció, centrado en el registro histórico de la relación entre Schreber y sus doctores. La investigación de Lothane fue una revisión exhaustiva de la biografía y la interpretación de la vida y trabajo de Paul Schreber, en parte porque fue basada en nuevas investigaciones archivísticas e históricas, centrado particularmente en las brechas ignoradas por Freud y Niederland. Por ejemplo, el estudio de Freud careció de menciones acerca de la madre o la esposa de Schreber, excepto en la medida de las especulaciones acerca de los últimos roles que tomó Schreber que pudo derivar en un "dramatis personae" en su vida, especialmente desde un punto de vista psicoanalítico. Parece que, tanto en los trabajo de Freud y Niederland no se le puso mucho esfuerzo en averiguar sobre las relaciones reales de Schreber con Flechsig, ya que los dos especularon mucho sobre las fantasías que tenía Schreber respecto de Flechsig, material que consta en varios archivos. La investigación de Lothane respecto Scheber, incluido en el libro "En Defensa de Schreber", y algunos treinta artículos y revisiones publicadas entre 1989 y 2014 añadieron datos nuevos y, consecuentemente, nuevos análisis desconocidos para Freud, Niederland y otros investigadores, no sólo sobre el propio Schreber, sino sobre las principales figuras de su vida. Tal vez el elemento más original del enfoque de Lothane es el respeto a que muestra al propio Schreber, como pensador valioso por derecho propio y como un maestro impartiendo importantes lecciones a psiquiatras y psicoanalistas.


title: Henry Zvi Lothane

text: "En Defensa de Schreber" provocó aproximadamente 40 revisiones, variando de muy positivos a muy negativos. Por ejemplo, psiquiatra Richard Chessick habla positivamente del libro como corrección a "errores históricos innumerables": "Lothane en su laboriosa investigación histórica nos proporciona una comprensión profunda del estado de la psiquiatría en su momento y con un conocimiento de lo que Schreber tuvo que soportar con su mujer y otras figuras de autoridad." Otros revisores fueron más negativos, por ejemplo, Gerd Busse sobre la versión de 1992 del libro y Ernst Falzeder sobre su revisión de 2004. Algunas de las interpretaciones únicas de Lothane del caso Schreber aparecen en la película Shock Head Soul de 2011, una película sobre el caso Schreber.


title: Henry Zvi Lothane

text: Sabina Spielrein fue una psiquiatra y psicoanalista un de ascendencia rusa-judía y la segunda mujer en unirse al círculo freudiano en Viena. En 1904, a la edad de 19 años, Spielrein viajó a Suiza para estudiar en la Universidad de Zürich. Poco después de su llegada, Spielrein tuvo un colapso nervioso y fue admitida en el hospital psiquiátrico de Burghölzli como paciente del director Eugen Bleuler y su adjunto C. G. Jung, entonces de 29 años de edad. Spielrein se convirtió en un recluso único, participando en los experimentos de la Asociación de Palabra de Jung y Franz Riklin y matriculándose como estudiante de medicina en la Escuela de Medicina de Zúrich donde, en 1911, logró el doctorado, escribiendo la primera investigación psicoanalítica de una paciente esquizofrénica como su disertación. Después de años de práctica como psicoanalista en Europa, Spielrien regresó a la Unión Soviética en 1923 donde enseñó psicoanálisis y trató a adultos y niños, hasta que el psicoanálisis fue prohibido bajo el régimen de Stalin. Después de la invasión alemana en 1942, Spielrein y sus dos hijas fueron asesinadas y enterradas en una fosa común. Los documentos recopilados de Spielrein se publicaron en Alemania, el más famoso de los cuales trataba sobre la destrucción como causa del devenir, un artículo que inspiró la teoría de Freud del instinto de muerte.


title: Henry Zvi Lothane

text: En 1906, Jung reportó a Freud que estaba tratando a una estudiante femenina sin nombre, un caso difícil que se hizo más difícil hasta su clímax dramático en 1909. Este hecho pasó desapercibido hasta 1980, cuando el analista junguiano Aldo Carotenuto publicó su libro A Secret Symmetry. Sabina Spielrein entre Jung y Freud (versión inglesa 1982), basada en el diario alemán de Spielrein y las cartas intercambiadas con Jung y Freud. Como resultado de ese libro, se aceptó ampliamente que Spielrein, como paciente, y Jung, mientras todavía su psiquiatra, se involucró en una relación sexual. Esto significaría una mala conducta profesional de parte de Jung, junto con un posible escándalo y deshonra, ya que Jung sospecharía que Spielrein de propagar rumores sobre él. Esta historia también implica que Jung y Freud conspiraron para silenciar el supuesto escándalo.


title: Henry Zvi Lothane

text: En 1999, Lothane llamó la atención sobre fuentes primarias desconocidas para autores ingleses, p. El diario de Spielrein en ruso y las cartas que Spielrein escribió a su madre (que Lothane puso a disposición en su traducción al inglés). Éstas fuentes llenaron los detalles significativos y previamente desconocidos sobre Spielrein como estudiante y sobre Jung como su profesor en escuela de medicina. El análisis de Lothane de las cartas argumentó que Jung mintió a Freud diciendo que Spielrein seguía siendo un paciente a partir de 1906 en adelante. Spielrein misma informó a Freud que el tratamiento terminó en 1905 y Jung confirmó que él "la trató" gratuitamente. Mientras que en las cartas a Freud, Jung se refirió a problemas en su matrimonio y a las tentaciones adúlteras, Jung siguió la charada del tratamiento para ocultar estos problemas reales y Freud decidió no comentar sobre ellos. Además, argumenta Lothane, Spielrein resuelve el enigma de su relación con Jung en una carta a su madre, llamando a su amistad de tintes eróticos con Jung como "poesía": "Hasta ahora hemos permanecido al nivel de la poesía que no es peligroso, y permaneceremos en ese nivel... " Ya sea que se hayan involucrado en sexo "peligroso", más allá de tales tentaciones es un hecho que sólo conocen ellos. La evidencia existente, argumenta Lothane, no confirma la historia de que ellos participaron en una relación sexual.


title: Henry Zvi Lothane

text: En varios artículos, Lothane critica la literatura que sigue al libro de Carotenuto, que por regla general asume la mala conducta sexual de Jung y el encubrimiento de un escándalo público. Lothane sostiene que, incluso si Jung y Spielrein hubieran consumado su relación sexual aun estando como profesor y estudiante de medicina, esa situación seguiría siendo muy diferente de la mala conducta psiquiátrica y, por ejemplo, no sería motivo para reclamar daños y perjuicios. Lothane sostiene que, las interacciones de Spielrein con Jung, eran dramáticas y a veces melodramáticas, inspiradas por el motivo de las óperas de "Liebestod" de Wagner, aunque la evidencia sugiere que para Jung y Spielrein esto era metafórico: tales estados de ánimo estimularon ideas creativas en ambos y una reminiscencia nostálgica para Spielrein. Spielrein quería casarse con Jung y ser madre de su hijo, a quien llamaba Siegfried. Para Jung seguía siendo una musa, no una amante. Sexual o no sexual, su vínculo era de apoyo mutuo, amistad y "gran amor" (véase más adelante). En inglés, Lothane señala que hay una diferencia entre amar y gustar, pero "en otras lenguas el amor se refiere a 1) el amor escrito en grande, llamado agape, caritas, philia, sympathia, o 2) lujuria, es decir, libido, por lo tanto "amor" que abarca tanto el amor como el deseo sexual y el placer sexual, y el amor como apego"


title: Henry Zvi Lothane

text: A partir de 1982, Lothane publicó una serie de artículos sobre lo que él llamó "amor escrito en grande": el amor como un sentimiento, una emoción y una actividad, y por lo tanto como el fundamento de las relaciones interpersonales entre parejas y entre personas en grandes encuentros sociales y contextos. Para Lothane, el amor y su antagonista, el odio, que se manifiesta como agresión en el habla y la violencia en los actos, no son meramente sentimientos, sino también son las acciones, comportamientos o conductas más importantes en las relaciones interpersonales. El amor ha sido un tema descuidado y mal entendido en escritos psiquiátricos y psicoanalíticos, según Lothane


title: Henry Zvi Lothane

text: Esta visión llevó a Lothane a destacar una división significativa en Freud: (1) por una parte, empíricamente, a partir de 1890, primero en su práctica de sugestión y después como psicoterapeuta, Freud reconoció el papel del amor interpersonal y (2) por otra parte, teóricamente, en los Tres Ensayos Sobre la Teoría de la Sexualidad de 1905, Freud redujo el amor a la libido, postulando que la amistad y el amor son derivados del instinto sexual. Es como resultado de esta última teoría que Freud ha sido castigado por una serie de críticos por carecer de un enfoque interpersonal. Por ejemplo, al ver el "psicoanálisis relacional". Lothane ha argumentado la tesis opuesta, alegando que hay un "Freud interpersonal" que ha permanecido en gran parte no reconocido en la tradición psicoanalítica. Mientras que Lothane sostiene que Freud es monádico, es decir, centrado en las experiencias intrapersonales del paciente, en sus teorías del desorden, en su método psicoanalítico Freud es consistentemente diádico, es decir, interpersonal.


title: Henry Zvi Lothane

text: En 1892, Freud compuso un ensayo sobre la psicoterapia (publicado en 1905), en el que el amor se discutió como un componente del tratamiento. En 1893-1895, en Estudios Sobre la Histeria, el amor siguió desempeñando un papel en el tratamiento, como lo hizo en su segunda obra de época, La Interpretación de los Sueños. Lothane elaboró sobre los enfoques interpersonales de Freud a los trastornos traumáticos, el papel del humor en la psicoterapia y el método y la técnica de asociación libre en varios artículos. En estos textos, Lothane prefirió Harry Stack el uso de Sullivan del plazo "interpersonal" en contraste a "relacional" porque, Lothane argumentó, uno puede tener relaciones no sólo con personas pero con objetos y animales; de ahí "las relaciones interpesonales" no es una redundancia pero es una modificación operacional.


title: Henry Zvi Lothane

text: Según Lothane, fue Sandor Ferenczi, más que ninguna de las otras figuras importantes de la tradición psicoanalítica, quienes más contribuyeron a investigar el amor en su amplitud y en su significado para el psicoanálisis. En cuanto a la amplitud del concepto, Ferenczi entendió que el "amor" conoce cualquier número de sentimientos positivos y que son fundamentales para la práctica analítica, tales como la empatía, simpatía y procesos interpersonales emocionalmente positivos. Éstos son centrales al proceso analítico porque son centrales a la vida humana y social en general. En cuanto al significado del amor, Lothane conviene en principio que (1) con Ferenczi el amor y la ternura corporal incluyen la sexualidad pero no son reducibles a ella; (2) con Michael Balint, el seguidor más prominente de Ferenczi, que unificó el amor primario y la técnica psicoanalítica para el "amor o amor primario" (en la frase de Balint), es la levadura necesaria ... el verdadero motor del proceso terapéutico que hace la exploración subyacente de la frustración y el conflicto, y su eventual superación, posible".


title: Henry Zvi Lothane

text: Comenzando en 1982 y continuando a lo largo de su carrera, Lothane publicó numerosos estudios sobre el método clínico de psiquiatría y psicoanálisis. Por ejemplo, en 1982 Lothane argumentó contra la definición de las alucinaciones y delirios como trastornos de la percepción, más que como fenómenos asociados con el sueño, el ensueño y la fantasía (tal como Eugen Bleuler argumentó contra Emil Kraepelin y Karl Jaspers). Gran parte del trabajo metodológico de Lothane intenta aclarar la naturaleza de la asociación libre y su papel fundamental en el psicoanálisis clínico. Desde el principio, Lothane utilizó conceptos de técnica elaborados por dos seguidores directos de Freud: la "escucha con el tercer oído" de Theodor Reik y el "instrumento de análisis" de Otto Isakower, que Lothane rebautizó como "asociación libre recíproca" con el fin de subrayar su estado operacional más que metafórico. Continuando el trabajo de sus predecesores, al referirse a la libre asociación como "recíproca", Lothane busca hacer hincapié en que: (1) no es sólo el analizante sino también el analista quien se asocia libremente en la situación clínica; (2) existe una dinámica interpersonal entre analista y analizado, de tal manera que el material que emerge de las asociaciones de uno evoca asociaciones en el otro y viceversa, a través de un proceso recíproco e interpersonal. Esta idea se remonta al capítulo de 1895 de Freud sobre la psicoterapia de la histeria, en sus casos de Estudios Sobre la Histeria y su definición del paciente en La Interpretación de los Sueños. Freud complementa estas ideas tanto para el paciente como para el médico en sus artículos de 1912-1915 sobre la técnica. En el trabajo del psicoanalista Mark Blechner, en el concepto del "tercio analítico" del psicoanalista Thomas Ogden y en la noción de "sueño asociativo" del Jungista August Cwik, se puede encontrar cierta similitud con las ideas de Lothane, aunque el concepto de Lothane parece enfatizar la dinámica entre los participantes Más que Ogden o Cwik.


title: Henry Zvi Lothane

text: Lothane conserva sus raíces explícitas en Freud y en la tradición psicoanalítica clásica, al mismo tiempo que enfatiza el carácter interpersonal de la vida y de la situación clínica, en contraste con muchos psicoanalistas relacionales contemporáneos. Esto es posible porque Lothane ve muchos más elementos interpersonales en la tradición psicoanalítica clásica que los psicoanalistas relacionales tienden a. Lothane sostiene que los teóricos contemporáneos psicoanalíticos han tendido a pasar por alto las dimensiones expresamente interpersonales de Freud. Desde la perspectiva interpersonal de Lothane, tanto el lenguaje como los actos de habla, así como el amor y las acciones de amor, son los fenómenos globales en los dramas de la vida, el desorden y la terapia. La consideración de estos factores llevó a Lothane a desarrollar su concepto de "Dramatología".


title: Henry Zvi Lothane

text: Lothane introdujo la noción de dramatología como una forma de conceptualizar e ilustrar tanto la interacción humana en general como la naturaleza de la interacción terapéutica en particular. "Dramatología", término que todavía no se encuentra en los diccionarios estándar, es diferente de la dramaturgia, el arte de la composición dramática y su representación en el escenario o en el cine. La "dramatología" comparte objetivos y valores con la teoría del dramatismo propuesta por el crítico literario Kenneth Burke. Sin embargo, la dramatología difiere del dramatismo ya que representa un nuevo paradigma para la psicoterapia en particular y la interacción humana en general. Lothane acuñó el término "dramatología" como contraste y complemento al ya existente término "narratología", es decir, la conceptualización del estudio de las interacciones humanas en términos de narración


title: Henry Zvi Lothane

text: Los dramas son acontecimientos que ocurren "aquí y ahora", mientras que las historias se crean después de los acontecimientos y siempre en alguna medida para servir a las necesidades personales, históricas, culturales o políticas del narrador(es) en cuestión. Lothane observa que, tradicionalmente, el psicoanálisis veía como su material principal, las narrativas de un pasado recordado dicho al terapeuta. En contraste, Lothane sostiene que, si bien las historias son acerca del pasado, el acto de contar la historia al terapeuta es un evento en el aquí y ahora, por lo tanto una comunicación actual, escuchada por el terapeuta como en cualquier conversación cotidiana. Cuando la escucha es aumentada por la asociación libre recíproca, el proceso abarca no sólo el contenido consciente, sino también aprovecha sus conexiones inconscientes y ramificaciones para producir un recuerdo de las cosas pasadas que es a la vez más completo y perspicaz. El proceso de asociación libre se relaciona entonces con la función de la imaginación como un proceso que se basa en la aparición espontánea de imágenes mentales, que también desempeña un papel esencial en la comunicación. En palabras de Lothane, "Propongo el término «dramatología» ... como paradigma que se refiere a (1) dramatización en el pensamiento: imágenes y escenas vividas en sueños y fantasías, y (2) dramatización en acto: en diálogos y comunicación no verbal, tales como las expresiones faciales y los gestos entre "dramatis personae" involucrados en la trama de amor y odio, la fidelidad y la traición, la ambición y el fracaso, el triunfo y la derrota, el miedo y el pánico, la desesperación y la esperanza". Lothane Refiere a esto como la "acción de lengua" más que "lenguaje de acción," tal como Bromberg enfatiza en un artículo sobre la técnica en análisis relacional.


title: Henry Zvi Lothane

text: Así, la dramatología completa la narratología. El paciente y el terapeuta alternan en su papel de hablante y oyente y en los procesos de asociación libre recíproca, evocando continuamente las imágenes, que se combinan en actos de interpretación y confrontación, lo que a su vez crea la percepción. En la vida real, la persona que acude a un psiquiatra o psicoanalista se presenta como un individuo único en apariencia física, vestimenta, casta e identidad cultural y que se comunica en un estilo individual a través de palabras y emociones, tono de voz, postura y gestos de cara, cuerpo, extremidades y más. La historia que la persona cuenta, diferente de una historia escrita, es en sí misma el comienzo de una relación dramática continua. Si todos los comportamientos de la persona son traducidos por el psiquiatra en síntomas, síndromes y sistemas, y moldeados en diagnósticos, por ejemplo, de una orientación kraepeliniana o jaspersiana, el resultado puede ser que la singularidad del individuo se pierda en el proceso de abstracción y generalización. El psicoanalista, además de lo anterior, puede formular los comportamientos individuales de la persona como la dinámica de la transferencia, más que el despliegue de un drama personal e interpersonal.


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text: Mientras que la dramatización interpersonal inspirada en la dramatología respecto de la importancia de los diagnósticos y de las fórmulas dinámicas interpretativas en el discurso científico y en otros lugares, se esfuerza por hacer contacto con la realidad viva de la persona en el encuentro terapéutico más allá de las etiquetas diagnósticas y las interpretaciones estructuradas por una fórmula ya conocida, usando la observación del participante. (Harry Stack Sullivan), la empatía, la asociación libre recíproca y la confrontación como algunas de sus herramientas básicas. En el proceso de terapia de drama interpersonal, los llamados síntomas del trastorno se convierten de nuevo en eventos en la historia de vida del paciente, de los cuales estos síntomas se derivan en manifestaciones derivativas.


title: Henry Zvi Lothane

text: En 2011, Duncan Reyburn se refirió a la dramatología, en relación con la filosofía de G. K. Chesterton, como un enfoque hermenéutico "dramatúrgico" que está arraigado en una "comprensión dramática de la naturaleza del ser".


title: Henry Zvi Lothane

text: Freud hizo historia con su ensayo de 1921 sobre psicología de masas (perdido en la traducción inglesa, como psicología del grupo). al destacar la dinámica interpersonal entre un líder y las masas dirigidas por él. Citando a Le Bon "el individuo que forma parte de una multitud adquiere un sentimiento de poder invencible, el sentimiento de responsabilidad desaparece por completo por el contagio, es una criatura que actúa por instinto con la violencia, la ferocidad, el entusiasmo y el heroísmo de los seres primitivos", a lo cual añadió Freud: "en el grupo, el individuo rechaza las represiones de sus impulsos inconscientes, todo lo que es malo en la mente humana, la desaparición de la conciencia, el sentido de la omnipotencia por las relaciones amorosas (o, para usar una expresión más neutral, como lazos emocionales) también constituyen la esencia de la mente de la masa, la cabeza - Cristo, el Comandante en Jefe -- ama a todos con un amor igual como una especie de hermano mayor, como su padre sustituto; se invoca la semejanza con la familia: el individuo abandona su ideal del yo y lo sustituye por el ideal grupal que encarna el líder la necesidad de un jefe fuerte".


title: Henry Zvi Lothane

text: Los principales análisis del fenómeno nazi se han centrado principalmente en la persona, el carácter y la biografía de Adolf Hitler y sólo en un grado limitado al carácter de las masas que le siguieron y la interacción entre Hitler y las masas. En contraste, Lothane estudió la psicología de masas del nazismo uniendo las ideas de Freud a la psicología de masas del fascismo de 1933 de Wilhelm Reich para iluminar el surgimiento de la tiranía nazi, la persecución de los médicos judíos-alemanes, psiquiatras, psicoanalistas y el Holocausto. Lothane también ha notado la implicación de su análisis del nazismo para entender el reciente surgimiento de los fundamentalismos religiosos violentos y militantes.


title: Henry Zvi Lothane

text: Lothane Actualmente está trabajando en estudio sobre Sabina Spielrein.


title: Henry Zvi Lothane

text: También ha sido el Presidente de Union of Concerned Psychoanalysts and Psychotherapists. Es un miembro activo de la Asociación Psicoanalítica Internacional, y es miembro honorario de Asociación Psiquiátrica de Polonia


title: Henry Zvi Lothane

text: De 1985 a 2004 fue Director de Ciencias de la Revista Psicoanalítica; Desde 2005 forma parte del Consejo Editorial de la Revista del "Journal of Social Distress and the Homeless", desde el año 2000 forma parte del Consejo Editorial del Foro Internacional de Psicoanálisis; desde 2005 es editor corresponsal de la Revista Europea de Psicoanálisis


title: El tío Cyp y la Tía Sap Brasfield

text: Laurence Lemarr Brasfield (1° de marzo de 1898 - 9 de septiembre de 1966) y Neva Inez Fisher Brasfield (14 de marzo de 1889 - 19 de marzo de 1980), mejor conocidos como el Tío Cyp y la Tía Sap, fueron una pareja norteamericana de comedia country cuyas carreras comenzaron a finales de segunda década del Siglo XX. abarcaron el género de comedia Vodeviil en las cadenas de televisión. Lurence actuó en Broadway, la pareja casada tuvo papeles estelares en cientos de actuaciones dramáticas y de comedia en los escenarios de las carpas del sur y medio oeste antes de unirse a la cadena ABC-TV en "Ozark Jubilee" de 1955–1960.


title: El tío Cyp y la Tía Sap Brasfield

text: Laurence Brasfield nació en Smithville, Mississippi y citó el humor de su madre Nonnie, como una gran influencia para convertirse en comediante. En 1912, a la edad de 14 años se unió al Circo Mighty Haag como monta carpas. Al siguiente año hizo comedia "blackface" en un espectáculo de caballos en fila, más tarde se unió a una empresa de Nueva Orleans, Louisiana. Pronto viajó con la carpa Redpath Chautauqua donde compartió escenario con William Jennings Bryan. Recién iniciada su carrera, adoptó el apodo de Boob.


title: El tío Cyp y la Tía Sap Brasfield

text: Durante los siguientes diez años, Brasfield apareció en Broadway y en los programas de éxito de las compañías rodantes. En 1920, tuvo un papel en "Miss Lulu Bett", fue director de escena en "Enter Madame" donde tuvo una carrera de dos años. En 1922, se convirtió en el director de escena para el mega éxito "Abie’s IrishRose" en el Teatro de la República.


title: El tío Cyp y la Tía Sap Brasfield

text: Neva I. F. Greevi nació en Luther, Míchigan, asistió tres años al Colegio Baptista de Ouachita (Ouachita Baptist College) en Arkadelphia, Arkansas. Trabajó como cajera antes de casarse con Brasfield, siendo él nueve años más joven, en 1919. Ella era la actriz principal en el espectáculo de la carpa W. I. Swain.


title: El tío Cyp y la Tía Sap Brasfield

text: Comenzando a mediados de las década de 1920, los Brasfields se presentaron con (Jess) de los Comediantes de Bisbee, una compañía de carpa popular con sede en Memphis, Tennessee, que formaba parte de los Espectáculos Dramáticos de Bisbee. Boob interpretó un papel en "Toby" un personaje de campo, fue conocido como el Rey de Tobys por sus rápidas improvisaciones y sus expresiones faciales tan cómicas. Brasfield era el mejor pagado de la compañía de Bisbee; escribió, dirigió y apareció en la mayoría de sus obras. Su hermano menor, el comediante Rod Brasfield, se unió a él y juntos se presentaron, siendo Rod el hombre recto de Boob.


title: El tío Cyp y la Tía Sap Brasfield

text: En 1933, después de que una carpa cayera en Lewisburg, Kentucky, donde él era el presentador, Brasfield organizó un grupo para su compañía, los actores del siglo. Se establecieron en Centerville, Tennessee durante el invierno de 1933-34 y se presentaron en las escuelas de las ciudades cercanas incluyendo Little Lot, Bon Aqua y Hohenwald. Por las noches en Centerville de donde era Minnie Pearl. Boob era dueño de una compañía, desde 1939-42 actuaron en el Teatro Gadsden Theatre en Gadsden, Alabama.


title: El tío Cyp y la Tía Sap Brasfield

text: Brasfield adoptó el personaje del Tío Cyprus, acortado a Cyp, comenzó a aparecer en programas de radio junto a su hermano Rod a mediados de los años 40. Neva se convirtió en su compañera apareciendo con mayor frecuencia como la Tía Sap. Los personajes fueron creados por Rod y sus rutinas de residentes ficticios en su ciudad adoptiva Hohenwald, Tennessee. Cyp y Sap eran una pareja mayor, casada y que constantemente se burlaban de asuntos cotidianos, siendo Cyp un esposo mandilón. Continuaron recorriendo el país durante la década de 1940, haciendo espectáculos en carpas y espectáculos cortos. Boob también escribió Grand Ole Opry actos para Rod y Minnie Pearl, entre otros. A principios de los años 50, decidieron retirarse en su rancho, llamado Rancho Pocito en el Vale del Río Grande cerca de Edinburg, Texas. Ambos fueron coronados de Kentucky, un título de gran honor otorgado por el governador del estado.


title: El tío Cyp y la Tía Sap Brasfield

text: En 1955, Red Foley un viejo amigo, los convenció de volver al negocio de los espectáculos en la ABC-TV's "Ozark Jubilee" en Springfield, Misuri. Se convirtieron en el pilar de los pocos artistas con una carrera tan larga. La pareja a menudo aparecía en "Turquía en la paja", por lo general realizaban actos cortos de comedia, teniendo algunas veces invitados en sus programas. El tío Cyp actuó en solitario; o con Foley, Bill Ring, el presentador Joe Slattery e incluso Brenda Lee. Tuvieron una hija llamada Bonnie Inez Brasfield, quien ocasionalmente aparecía en sus rutinas. Rod también apareció en el programa con Cyp en 1957. Boob apareció en otros programas de televisión, incluido "El programa de Ed Sullivan" en 1956.


title: El tío Cyp y la Tía Sap Brasfield

text: En enero de 1958, reportaron que los Brasfield y ROd habían comenzado el rodaje de 52 programas de comedia de quince minutos para la distribución sindicalizada. Durante el verano de 1958, la pareja viajó con los Comediantes de Bisbee en Kentucky y Tennessee, volaron a Springfield en varios sábados para aparecer en el "Jubilee." El 29 de agosto de 1959, el tío Cyp fue el anfitrión del espectáculo; y en octubre de 1959, Boob sufrió lesiones menores debido a una caída tras bambalinas durante su presentación en Cotton Bowl junto a Foley y el equipo de "Jubilee" en la feria estatal de Texas.


title: El tío Cyp y la Tía Sap Brasfield

text: Después de que "Jubilee" fuera cancelado en 1960, los Brasfields en un nuevo espectáculo, "Five Star Jubilee", en 1961; y Boob viajó con Foley a través 22 estados durante ese verano. La pareja se retiró del negocio de los especáaculos por última vez y regresaron a Texas. El tío Cyp apareció en 1963 en Decca LP, "The Red Foley Show" (DL-4341).


title: El tío Cyp y la Tía Sap Brasfield

text: Boob Brasfield murió en Raymondville, Texas el 9 de setiembre de 1966 a la edad de 68 años por cáncer de pulmón; su viuda Neva, murió el 19 de marzo de 1980 en Raymondville a los 91 años. Fueron sepultados juntos en el cementerio de Raymondville..


title: Beñat Urretabizkaia

text: Eizmendi, llamado Urretabizkaia II, nacido en Ikaztegieta (Guipúzcoa) el 25 de diciembre de 1992, es un  español de pelota vasca en la modalidad de mano. Su padre fue manista profesional.


title: Estereotipo de la sandía

text: El estereotipo de la sandía es un estereotipo sobre los afroestadounidenses, según el cual estos tienen un apetito inusualmente grande por comer sandías. Este hecho prevalece en la cultura estadounidense incluso en el siglo XXI.


title: Estereotipo de la sandía

text: Cuando los esclavos estadounidenses obtuvieron su emancipación durante la Guerra de Secesión en la década de 1860, los negros libertos cultivaban, comían y vendían sandías, por lo cual el fruto pasó a ser un símbolo de su libertad. Los blancos del sur, amenazados por la recién obtenida libertad de los negros, respondieron transformando al fruto en un símbolo de lo que ellos consideraban la falta de aseo, pereza, ingenuidad y presencia no deseada en público de los negros. Se cree que la primera caricatura de negros festejando junto a sandías fue publicada en 1869 en el "Frank Leslie's Illustrated Newspaper". Los defensores de la esclavitud usaban el fruto para describir a los afroestadounidenses como personas simples que eran felices cuando se les ofrecía una sandía y un poco de descanso. El disfrute de la sandía por parte de los esclavos también era visto por los blancos sureños como una señal de su supuesta benevolencia.


title: Estereotipo de la sandía

text: Las sandías han sido vistas como un importante símbolo en la iconografía del racismo en los Estados Unidos.


title: Estereotipo de la sandía

text: El estereotipo fue perpetuado en los espectáculos minstrel, que frecuentemente describían a los afroestadounidenses como ignorantes y perezosos, dados al canto y al baile, y ávidos por comer sandía.


title: Estereotipo de la sandía

text: Por varias décadas, desde fines del siglo XIX hasta mediados del siglo XX, el estereotipo fue promovido a través de caricaturas impresas, películas, esculturas y música, siendo un usual tema decorativo en artículos para el hogar. Incluso durante la campaña presidencial de Barack Obama de 2008 y sus gobiernos, fueron empleadas imágenes de sandías por parte de sus detractores.


title: Estereotipo de la sandía

text: Se ha puesto en tela de juicio la veracidad del estereotipo; una encuesta realizada entre 1994 y 1996 mostró que los afroestadounidenses, representando en aquel entonces el 12,5% de la población del país, solamente representaban el 11,1% del consumo total de sandías en Estados Unidos.


title: Estereotipo de la sandía

text: La relación entre los afroestadounidenses y las sandías pudo haber sido promovida en parte por minstrels afroestadounidenses que cantaban canciones populares tales como ""The Watermelon Song"" (La canción de la sandía), "y "Oh, Dat Watermelon"" (Oh, "hesa" sandía) en sus espectáculos, cuyas letras fueron impresas en la década de 1870. La Exposición Mundial Colombina de 1893 realizada en Chicago, tenía planeado incluir un ""Colored People's Day"" (Día de la gente de color) con presentaciones de artistas afroestadounidenses y sandías gratis para los visitantes afroestadounidenses, con las cuales los organizadores de la exposición esperaban atraerlos. Resultó ser un fracaso, ya que la comunidad afroestadounidense boicoteó la exposición, junto a muchos de los artistas que se presentarían en el Día de la gente de color.


title: Estereotipo de la sandía

text: A fines del siglo XIX existió un subgénero cinematográfico llamado ""watermelon pictures"" (películas de la sandía), que consistía en caricaturas cinematográficas sobre la vida de los afroestadounidenses, que mostraban supuestos hábitos típicos como comer sandías, bailar el cakewalk y robar pollos, con títulos tales como "The Watermelon Contest" (El concurso de la sandía, 1896), "Dancing Darkies" (Negritos bailarines, 1896), "Watermelon Feast" (Festín de sandía, 1896), y "Who Said Watermelon?" (¿Quién dijo sandía?; 1900, 1902). Los personajes afroestadounidenses eran inicialmente interpretados por actores negros, pero desde alrededor de 1903 en adelante, fueron reemplazados por actores blancos que usaban blackface.


title: Estereotipo de la sandía

text: Muchas de estas películas representaban a los afroestadounidenses con un virtualmente incontrolable apetito por las sandías; por ejemplo, en "The Watermelon Contest" y "Watermelon Feast" se incluyen escenas de negros consumiendo frutas a tal velocidad que escupían pulpa y semillas. Novotny Lawrence sugirió que esas escenas tenían el subtexto de retratar a la sexualidad masculina del negro, en la cual los hombres negros "aman y desean la fruta de la misma manera en la que aman el sexo... En resumen, los hombres negros tienen un 'apetito' por la sandía y siempre tratan de ver 'quién puede comer más' con la fuerza de este 'apetito' representado por hombres negros frenéticamente devorando sandías".


title: Estereotipo de la sandía

text: Las tarjetas postales de inicios del siglo XX representaban con frecuencia a los afroestadounidenses como criaturas animalísticas, "contentas por no hacer nada más que comerse una sandía" - un intento por deshumanizarlos. Otras ""Coon cards"", como eran popularmente conocidas, mostraban a los afroestadounidenses robando, peleándose, y transformándose en sandías. Un poema de inicios del siglo XX (arriba, a la derecha) decía:


title: Estereotipo de la sandía

text: En marzo de 1916, Harry C. Browne grabó una canción titulada ""Nigger Love a Watermelon Ha!, Ha!, Ha!"" (El negro ama a la sandía, ¡Ja!, ¡Ja!, ¡Ja!). Ese tipo de canciones eran populares durante aquel periodo y muchas hicieron uso del estereotipo de la sandía. El guion de la película "Gone with the Wind" (1939, Lo que el viento se llevó) contenía con una escena en la cual la esclava de Scarlett O'Hara, Prissy, interpretada por Butterfly McQueen, comía sandía, pero la actriz se rehusó a actuar dicha escena. El uso de este estereotipo murió alrededor de 1970, a pesar de que su prevalencia como estereotipo se puede reconocer en ciertas películas, tales como "Watermelon Man" (Hombre Sandía, 1970), "The Watermelon Woman" (La mujer sandía, 1996), y "Bamboozled" (2001). El estereotipo sirvió para varios chistes raciales a inicios del siglo XXI.


title: Estereotipo de la sandía

text: Frecuentemente aquellos que protestan en contra de los afroestadounidenses, entre otras cosas, sostienen en alto sandías; durante la campaña presidencial de Barack Obama, sus oponentes políticos distribuyeron imágenes racistas de Obama consumiendo sandía a través de correos electrónicos y las imágenes se volvieron virales. Después de su elección, se siguieron creando y distribuyendo imágenes de Barack Obama con sandías.


title: Estereotipo de la sandía

text: En febrero de 2009 Dean Grose, el alcalde de Los Alamitos, California, presentó su renuncia (aunque fue temporal) después de enviar a la Casa Blanca un correo electrónico que fue considerado racista. El mensaje mostraba una imagen del jardín de la Casa Blanca sembrado con sandías. Grose afirmó que no estaba consciente del estereotipo de la sandía. En Kentucky, una estatua de Obama sosteniendo una sandía fue muy criticada; el dueño de la estatua sostuvo que la sandía estaba ahí porque "[la estatua] puede tener hambre estando ahí parada."


title: Estereotipo de la sandía

text: El 1 de octubre de 2014, el "Boston Herald" publicó una caricatura editorial que mostraba a un intruso preguntando si Obama ha probado pasta de dientes con sabor a sandía, la cual creó mucha controversia.


title: Estereotipo de la sandía

text: En la ceremonia de los "National Book Awards" de noviembre de 2014, el escritor Daniel Handler hizo un comentario controversial después que Jacqueline Woodson recibiese un premio a la literatura juvenil. Woodson, que es negra, ganó el premio por su libro "Brown Girl Dreaming". Durante la ceremonia, Handler dijo que Woodson es alérgica a la sandía, una referencia al estereotipo racista. Sus comentarios fueron criticados de inmediato; Handler se disculpó a través de Twitter y donó $10.000 a We Need Diverse Books, prometiendo hacer donaciones de hasta $100.000. En una op-ed del "New York Times" publicada poco después, "The Pain of the Watermelon Joke", Jacqueline Woodson explicó que "haciendo luz de esta profunda y problemática historia" con su broma, Daniel Handler llegó desde un lugar de ignorancia, pero resaltó la necesidad de su misión para "dar a las personas un sentido de la brillante y brutal historia de este país, para que nadie piense que puede caminar en un escenario una tarde y reirse del frecuentemente demasiado doloroso pasado de otros".


title: Estereotipo de la sandía

text: El 7 de enero de 2016, el caricaturista australiano Chris Roy Taylor publicó una caricatura del jugador de críquet jamaiquino Chris Gayle con una sandía entera en su boca. Gayle también ha sido noticia por hacer controversiales comentarios sugestivos a una reportera durante una transmisión en vivo. En una noticia sin relación alguna, la imagen de un niño comiéndose una sandía entera - con cáscara y todo - en la tribuna de un terreno de críquet durante un partido se viralizó. La caricatura mostraba a un miembro de Cricket Australia preguntándole al niño si le podía "prestar" la sandía por un momento, de modo que Gayle no pudiera ser capaz de responder. Taylor dijo que no era consciente de la existencia de tal estereotipo, y la caricatura fue retirada.


title: Estereotipo de la sandía

text: El 22 de octubre de 2017, el programa matutino "Fox & Friends" del canal "Fox News" visitió a un niño latinoamericano, que muchos reporteros lo confundieron con un afroestadounidense, con un disfraz de sandía, provocando reacciones airadas en las redes sociales: "¿Racismo evidente, racismo ridículo o racismo asolapado? Escoge, aún sigue siendo racismo."


title: Festival Igogo

text: El festival de Igogo es un festival Yoruba llevado a cabo en la ciudad Owo, en el estado Ondo, Nigeria. Es llevado a cabo cada año en septiembre para honrar a la reina Oronsen, la mítica esposa de Rerengejen. Durante el festival, los titulares de Olowo of Owo y los altos jefes del reino de Owo se visten como mujeres con collares y vestidos con cunetas y el cabello trenzado, esto con el fin de imitar la apariencia de la reina. El uso de sombreros y gorras, así como el redoble del tambor y el disparar de las armas, están prohibidos durante los festivales. Los gongs de metal (Agogo) son utilizados y de ahí es de donde proviene el nombre "Igogo".


title: Festival Igogo

text: El festival de Igogo empezó hace 600 años durante el reino de Olowo Rererengejen. El monarca se casó con Orosen, una hermosa y adinerada reina quien, sin el conocimiento del rey, tenía super poderes. Enriqueció al moraca y ella era amada por el monarca. La reina tenía ciertos tabús. Ella insitía que nadie debía moler Okra en su presencia, o regar el jardín. Además, cualquiera que llegara de la granja no podía amontonar la leña. El rey Rerengejen cuidaba que sus otras esposas no hicieran alguna de estas actividades. Un día la reina tuvo una discusión con las otras esposas del rey. Ellas conspiraron en contra de la reina, con la intención de violar las reglas referentes a sus tabús, mientras el rey no se encontraba en el palacio. Como las reglas no fueron respetadas, huyó del palacio.


title: Festival Igogo

text: Mientras estaba huyendo, los guardias y jefes del palacio corrieron detrás de ella con el fin de traerla de vuelta, pero su esfuerzo fue en vano.  Después de un rato, la reina se cansó y esperó en un lugar llamado "Ugbo Laja", donde fue alentada a regresar al palacio. Su negación frustró a los guardias al nivel de quererla capturar en contra de su voluntad, pero ella corrió hacia "Igbo Oluwa", donde desapareció. Actualmente este es considerado como un bosque sagrado, dejando su turbante (oja) en "Ugbo Laja", el cual los guardias regresaron al rey Rerengejen. "Ugbo Laja" es ahora un bosque sagrado. La escultura de la reina Oronsen en "Igbo Oluwa", hecha por Ekpo Eyo, fue colocada a distancia para informar a la gente de Owo que nada la traería de regreso al palacio, pero que cada año debían sacrificar doscientos objetos de diferentes ámbitos, como pescado seco, kolanut, pimienta de cocodrilo, cola amarga (orogbo u orobó) y demás para el ritual (Igogo). Siendo esto así, en agradecimiento la reina prometía proteger el reino.


title: Festival Igogo

text: El fesitval de Igogo dura 17 días y empieza con los actos Upeli, hechos por los jefes Lloro. Los jefes son guiados por "Akowa" conocidos como "Lloro de Akowa", líderes de los jefes Lloro. Durante este festival, personas de todos los trabajos de vida se reúnen para presenciar el festejo anual, el cual se vuelve una temporada de unión para la gente del reino.


title: Festival Igogo

text: La procesión Upeli tiene una duración de 12 días y combina ciertas actividades como Utegi, Ugbabo, Uyanna y Ugbate. Es también un periodo para la celebración de nuevas batatas. Durante esta procesión el redoble de los tambores, ya sea hecha por una persona o por asociaciones está prohibido, también el uso de gorros en hombre y turbante en las mujeres de rango cercando al de un monarca de Owo, para Olowo of Owo está prohibido. El festival lleva a cabo el baile de los hombres semidesnudos, a los cuales los jefes Lloro llamaron Ighares. Usualmente usan gorras blancas con dos cuernos de búfalo. Los cuernos los hacen chocar entre sí mientras bailan alrededor de la ciudad, visitando los lugares sagrados.


title: Festival Igogo

text: Durante este ritual, cada animal que cruza entre ellos, automáticamente se vuelve un manjar. El jefe trenza su cabello y baila alrededor de la ciudad, tocando de puerta en puerta, visitando a sus seres queridos quienes abren sus puertas bailando y a cambio les dan un regalo. El monarca normalmente se viste como mujer y de igual manera, baila alrededor del pueblo. Bailar en el supermercado es también uno de los rituales llevado a cabo en este festival.


title: Festival Igogo

text: En los tres últimos días del festival en Owo, habrá muchos colores, la mayoría de los jefes, parecerán con cabello trenzado y cuentas alrededor de su cuello, de igual manera irán de puerta en puerta con un gran multitud, la mayoría de ellos llevan la música y bailan.


title: Tichborne Dole

text: El Subsidio Tichborne (Tichborne Dole) es un festival internacional tradicional inglés de caridad el cual es celebrado en el pueblo de Tichborne, Hampshire, durante el Banquete de la Anunciación. El festival se centra en entregar donaciones de harina, bendecida por el párroco local, proveniente del frente de la Casa Tichborne.


title: Tichborne Dole

text: El festival data del Siglo XII (aproximadamente de 1150) y fue iniciado por Lady Mabella Tichborne quien, en su lecho de muerte, ordenó que cada año se hiciera una donación de la producción de la granja a los pobres. Hoy en día, las políticas del subsidio estipulan que los ancianos de la parroquia de Tichborne y Cheriton tienen derecho a reclamar 1 galón de harina, y los niños medio galón cada uno.


title: Tichborne Dole

text: De acuerdo con la tradición local, el esposo de Lady Tichborne, Sir Roger Tichborne, no aprobaba su organización de beneficencia pero estuvo de acuerdo en apoyarla con la condición de que el Subsidio consistiera únicamente de los productos provenientes del terreno que ella fuera capas de abarcar mientras cargaba una antorcha en llamas en su mano. Se dice que Lady Tichborne, quien estaba delicada de salud, se arrastró exitosamente por un terreno de 23 acres (93 077,69766 m²) antes de que la antorcha se apagara. El terreno que, según se dice, ella logró recorrer es conocido localmente como "the Crawls" (las Arrastradas).


title: Tichborne Dole

text: La historia del Subsidio dice que Lady Tichborne lanzó una maldición para asegurarse que su obra nunca fuera abandonada. De acuerdo con la maldición, si el Subsidio fuera detenido, la familia Tichborne tendría siete hijos, luego siete hijas, que conducirían a la pérdida del nombre de la familia y a la destrucción de la casa.


title: Tichborne Dole

text: El Subsidio continuó desde la muerte de Lady Tichborne hasta 1796, cuando los disturbios, durante la distribución de Subsidio causaron que los oficiales locales ordenaran suspenderlo. El "Baronet" (rango de nobleza inglés) de ese tiempo, Sir Henry Tichborne, 8º Bart (corto para "Baronet"), era el más grande de los siete hijos. Tuvo siete hijas pero ningún barón. De cualquier forma, su hermano Edward sí tuvo un hijo, Henry, que nació en 1829 pero murió en 1836 a la edad de seis años. En este punto, temiendo que la maldición se cumpliera, el Subsidio fue restaurado. Edward se convirtió en el 9º Baronet, pero no tuvo hijos. Otro de los siete hermanos, James, se convirtió en el 10º Baronet. Tuvo dos hijos, Roger, quien nació en 1829 (antes de que el Subsidio fuera restaurado) y Alfred, que nació en 1839 (después de la restauración del Subsidio). Roger naufragó y se perdió en el océano (1854) y Alfred eventualmente se convirtió en el 11º Baronet cuando falleció su padre en 1862. Sir Alfred murió en 1866 dejando a su esposa embarazada de un varón, Sir Henry Doughty-Tichborne, el 12º Bart.


title: Tichborne Dole

text: El Subsidio y la maldición prepararon el terreno para el infame juicio "Tichborne Claimant" del Siglo XIX.El Subsidio fue el tema de una película muda de 1926 escrita por George Banfield y dirigida por Hugh Croise, y de una pintura de 1671; llamada "The Tichborne Dole" por Gillis van Tilborch.


title: Rosemary Edna Sinclair

text: Rosemary Edna Sinclair (17 de noviembre de 1936), también conocida como Rosemary Fenton, es una ambientalista y activista por los derechos de los niños de nacionalidad australiana. Está involucrada en el enfoque administrativo relacionado con las acciones de desarrollo. Ganó el título de Miss Australia en 1960. Ha tenido diversos papeles protagónicos en Telecom Australia. En 2002, fue representada en el Grupo de Consulta de Banda ancha del Gobierno Federal, también fue delegada para la Sesión Especial de las Naciones Unidas sobre los niños (Nueva York). En noviembre de 1988, en asociación con Christine Stewart, fundó la Asociación Nacional para la Prevención de la Negligencia y Abuso Infantil, (NAPCAN) por sus siglas en inglés, para abordar adecuadamente problemas relacionados al abuso infantil. También trabaja como Directora General de Telecomunicaciones Australianas (ATUG). Rosemary Fenton nació en la Isla Lord Howe el 17 de noviembre de 1936. Su padre, Stanley Fenton, trabajó como operador de radio en el Departamento Civil de Aviación de la isla. Estudió en el Colegio Presbiteriano para mujeres, un internado, en Sídney hasta que se matriculó. También realizó un curso en enfermería. Tras el falleciemineto de su madre en 1952, regresó a la isla Lord Howe para cuidar de su padre y dos hermanos menores; su hermano Stan y hermana Robyn. Mientras se encontraba estudiando fuera de la isla, solía visitar a su familia dos veces al año. Sus pinturas adornaban las paredes de la casa de su padre.


title: Rosemary Edna Sinclair

text: Sinclair quiso competir en el concurso de belleza Miss Australia. Mientras cuidaba la casa de su familia en la isla, confeccionaba su propia ropa basándose en catálogos que conseguía en Sídney. Usaba a su hermana de 12 años, Robyn, como modelo. Ganó el título de Miss Australia en noviembre de 1960 y fue muy modesta por haber ganado la corona. Poco después se fue en el tour, que se ganó en el concurso, a Hong Kong, Tokio, Honolulu, San Francisco y muchos otros lugares. Poco después trabajó como modelo.


title: Rosemary Edna Sinclair

text: Tiene licenciatura en Arte, Derecho y Negocios; además tiene una maestría en Comercio.


title: Rosemary Edna Sinclair

text: Sinclair adoptó las causas ambientales de su lugar de origen, la isla Lord Howe, en 1982, cuando fue considerado como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. A pesar de que los habitantes de la isla se encontraban complacidos por el estatus patrimonial que se le había otorgado a la isla; Sinclair estaba molesta con muchas de las acciones de planificación y gestión iniciadas por el gobierno de Australia para conservar el nuevo patrimonio, pues afectaban los derechos básicos de los habitantes. Se opuso a la tala de los pinos plantados durante el siglo XIX; consideraba que esos árboles (aunque no eran indígenas) eran parte del patrimonio de la isla. Cuando iban a talar los árboles, amenazaba con acostarse entre de los árboles para detener la tala. Su argumento era que esos árboles sumaban a la belleza estética de la isla. También se opuso al abandono del mantenimiento de los terraplenes que fueron construidos para extender el aeropuerto de la isla, pues los terraplenes se estaba erosionando. Objetó que la basura que estaba siendo vertida en la laguna de la isla, por la erosión de los terraplenes, era causante de riesgos para la salud. El plan de gestión propuesto por el gobierno para preservar el patrimonio de la isla contemplaba la restricción de alojamiento para turistas a 400 y limitación de carros en la isla a 100, a lo cual se opuso por la razón de que limitaba las oportunidades de los habitantes que llevaban viviendo en la isla muchos años. Otra de sus protestas fue por la creación de una reserva acuática en la isla. Consideraba esta acción perjudicaba los derechos de pesca de la población local que había pescado en la zona durante varios años. Todas sus objeciones ayudaron a que el Ministerio de Planificación y el Medio Ambiente acordara abordar los problemas que Rosemary había planteado. En 1967 trabajó en el Departamento del Primer Ministro, se ocupó de las relaciones públicas y facilitó la Exposición de Montreal.


title: Rosemary Edna Sinclair

text: En 1980, Sinclair se convirtió en Directora General del Grupo de Usuarios de Telecomunciaciones Australianas (ATUG), una Organización no gubernamental dedicada a proteger los derechos de los usuarios de productos en Australia en el campo de las telecomunicaciones.


title: Rosemary Edna Sinclair

text: Algunos de los principales puestos ejecutivos que Sinclair ha tenido son en Telecom Australia como "Gerente General Nacional - Cuentas de la Industria de las Comunicaciones; Directora de Desarrollo Estratégico en ABC; y como Directora, Educación, Nuevos Medios y Exportación en Scholastic Australia". En 2002, fue representada en el "Grupo Asesor de Banda ancha" del Bobierno Federal. También es miembro del Foro Australiano de la Industria de las Comunicaciones (ACIF), del Comité Asesor de Teletrabajo de Australia (ATAC), de la Fuerza de Trabajo, de la Alianza Nacional de la Industria de las TIC y del Grupo de Trabajo del Programa de Banda Ancha para la Salud.