title: Elin Danielson-Gambogi

text: Elin Danielson-Gambogi nació en un pueblo cerca de la ciudad de Pori, al oeste de Finlandia. A los 15 años, tras quedarse huérfana de padre, el cual se había suicidado, y comenzar a tener ciertos problemas económicos, se trasladó a Helsinki y comenzó sus estudios en la Academia de Bellas Artes, y realizaba cuadros por encargos, con los que podía vivir y estudiar decoración de porcelana bajo la dirección de Fanny Sundblad.


title: Elin Danielson-Gambogi

text: En 1878 asistió a cursos en la Academia Adolf Von Becker, donde aprendió a pintar al óleo, estudió pintura de figuras y pintura de bodegones en detalle y aprendió a transponer las cualidades de varios materiales: vidrio, telas, Porcelana, metales - sobre lienzo. Elin logró un excelente dominio de la técnica y fue una de las alumnas estrella de la Academia.


title: Elin Danielson-Gambogi

text: En 1883 Danielson-Gambogi pudo trasladarse a París a estudiar gracias a una beca del Senado de Finlandia (la primera de las otras que recibió entre 1984 y 1988), y allí tomó clases en la Academie Colarossi (bajo Gustave Courtois y Raphäel Collin), y viajó por Bretaña durante el verano, donde se especializó en realizar retratos y naturalezas muertas. A su vuelta a Finlandia vivió con sus parientes en Noormarkku (donde abrió un taller en 1888 y realizó un gran retablo para la iglesia Ahlaisten) y Pori. Durante las décadas de 1880 y 1890 Danielson-Gambogi trabajó como profesora en varias escuelas de arte en Finlandia.


title: Elin Danielson-Gambogi

text: En 1895 volvió a recibir una beca esta vez para estudiar en Florencia, Italia. Mientras estaba residiendo en Italia se trasladó a Antignano, una pequeña aldea donde comenzó a dibujar paisajes marinos y, además, se casó, en 1896, con un pintor italiano Raffaello Gambogi (1874-1943), instalándose en “Torre del Lago”. El matrimonio realizó exposiciones en París (donde también expusieron pinturas en la feria mundial de 1900), Florencia y Milán así como en diversas ciudades finlandesas.


title: Elin Danielson-Gambogi

text: Llamó la atención de los críticos con tres de sus obras: “Levolle”, “Ropa de mañana” y “Limpieza”. Se hicieron muy populares varias de sus obras, especialmente “En la viña”, “Verano” y en 1900, en la Universal de París, tres obras fueron aclamadas: “Pesijätär”, uno de sus Autorretratos, y “Lago di Massaciuccoli”.


title: Elin Danielson-Gambogi

text: En 1911 volvió a Finlandia para exponer su trabajo, iba a ser la última vez que estuviera en su país natal. Volvió a Italia en octubre de 1913; continuó pintando, organizando una exposición colectiva con Rafaello en su propio estudio, y participando en la Bienal de Venecia. Envió así mismo una obra a la Exposición la Sociedad de Arte de Turku. Elin Danielson-Gambogi murió de neumonía en Antagnano y fue enterrada en el cementerio de la Misericordia de Livorno.


title: Lola Rodríguez

text: Lola Rodríguez puede hacer referencia a:


title: Elizabeth Thompson

text: Elizabeth Southerden Thompson, conocida también como lady Butler (Lausana, Suiza, 1846-Irlanda, 1933), nombre que tomó al casarse con el mayor William Butler, fue una pintora y escritora inglesa.


title: Elizabeth Thompson

text: Elizabeth Thompson, nacida en una acomodada familia, pasó parte de su infancia y de su juventud en Francia e Italia, donde estudió arte.


title: Elizabeth Thompson

text: Se afincó en Inglaterra y comenzó a dedicarse plenamente a la pintura especilizándose en cuadros de batallas, temática en la que llegó a ser admirada por artistas e intelectuales de la época, entre los cuales John Ruskin consideraba sus pinturas como unas de las mejores obras prerafaelitas.


title: Elizabeth Thompson

text: Contrajo matrimonio con el mayor William Butler lo que fue un revulsivo a su carrera de pintora, ya que viajó con su marido a las en campañas militares y eso le ayudó a plasmar lo que veía, tanto en Egipto como en Sudáfrica.


title: Elizabeth Thompson

text: Su vejez la vivió en Irlanda, donde siguió pintando hasta su muerte en 1933. Elizabeth Thompson fue una de las pocas mujeres que se dedicaron a la pintura de forma profesional en el siglo XIX, y además fue capaz de ganarse bien la vida pintando obras de gran formato de tema bélico.


title: Elizabeth Thompson

text: Sus primeros cuadros, "Pasando lista tras el combate", que representa a la revista de los soldados tras un enfrentamiento en la guerra de Crimea y "El 28º Regimiento de Quatre Bras", fueron un gran éxito, pero cuando la artista plasmó en ellos el sufrimiento de los soldados, o las derrotas que en ocasiones los ejércitos sufrían, dejaron de tener éxito en la sociedad victoriana.


title: Elizabeth Thompson

text: Su último cuadro lo pintó con 80 años y está basado en la Primera Guerra Mundial. Thompson tiene también una vertiente artística literaria, especializándose sobre todo en temática relacionada con los viajes que realizaba con su marido, por motivos del trabajo de éste.


title: Rodolfo III de Sajonia

text: Rodolfo III (h. 1378 - 11 de junio de 1419), un miembro de la Casa de Ascania, fue y elector de Sajonia desde 1388 hasta su muerte.


title: Rodolfo III de Sajonia

text: Probablemente nació en la residencia de Wittenberg, el hijo mayor del duque Venceslao I de Sajonia-Wittenberg y su esposa Cecilia, hija de Francisco I de Carrara, señor de Padua.


title: Rodolfo III de Sajonia

text: Rodolfo III asumió el gobierno después de la muerte repentina de su padre el 15 de mayo de 1388. Rodolfo estuvo implicado en una disputa que duró mucho tiempo con el arzobispado de Magdeburgo. Donó numerosos regalos a la iglesia de Todos los Santos de Wittenberg.


title: Rodolfo III de Sajonia

text: Como su padre, Rodolfo era un defensor leal de la Casa de Luxemburgo imperial. En 1419, el emperador Segismundo lo envió a Bohemia para aplastar el alzamiento husita que había empezado con la Defenestración de Praga. Murió de camino allí, probablemente después de ser envenenado.


title: Rodolfo III de Sajonia

text: Rodolfo fue enterrado en el monasterio franciscano de Wittenberg. Su ataúd fue trasladado a la cripta de la iglesia de Todos los Santos de Wittenberg en el siglo XIX, y a la tumba familiar durante la Segunda guerra mundial. Había sobrevivido a sus descendientes masculinos, y lo sucedió su hermano menor, Alberto III.


title: Rodolfo III de Sajonia

text: Alrededor de 1387/89 Rodolfo se casó con Ana de Meissen (m. 4 de julio de 1395), una hija del landgrave Baltasar de Turingia, de la Casa de Wettin, y en segundas nupcias en marzo de 1396 con Bárbara (m. 17 de mayo de 1435), hija del duque piasta Ruperto I de Legnica.


title: Rodolfo III de Sajonia

text: Tuvo cinco hijos:


title: Basílica de Nuestra Señora de Sameiro

text: La Basílica de Nuestra Señora de Sameiro o bien Santuario de Sameiro (en portugués: "Basílica de Nossa Senhora do Sameiro"; "Santuário do Sameiro") Es un templo católico con el estatus de Basílica y santuario mariano situado en los alrededores de la ciudad de Braga, Portugal.


title: Basílica de Nuestra Señora de Sameiro

text: , atrayendo a muchos devotos cada año durante las peregrinaciones desde el primer domingo de junio hasta el último domingo de agosto.


title: Basílica de Nuestra Señora de Sameiro

text: Su construcción se inició en el siglo XIX, por el padre Martinho da Silva, en estilo neoclásico. Artísticamente no tiene mucho interés excepto por el tabernáculo de plata que se puede ver en el altar mayor y la imagen del santo patrón, hecha en Roma por el escultor Eugénio Maccagnani y llevada al santuario en 1880.


title: Basílica de Nuestra Señora de Sameiro

text: Es visitada por el hecho de que se tiene allí una de las más amplias panorámicas de la Región, .


title: Basílica de Nuestra Señora de Sameiro

text: Las obras de construcción se iniciaron el 14 de julio de 1863 en la iglesia con cúpula dedicada a «Nossa Senhora do Sameiro». El fundador del santuario fue el vicario de Braga, el padre Antonio Martinho Pereira da Silva. El santuario es el edificio devocional mariano más grande de Portugal, sólo después del Santuario de Fátima.


title: Basílica de Nuestra Señora de Sameiro

text: El Papa Juan Pablo II visitó este santuario mariano el 15 de mayo de 1982.


title: Ana Padrón Barrera

text: Ana Padrón Barrera (Las Palmas de Gran Canaria, 16 de noviembre de 1933), conocida como "la abuela viajera", es una mujer española que ha recorrido el mundo en furgoneta.


title: Ana Padrón Barrera

text: Segunda de catorce hermanos, su familia se trasladó a la isla de El Hierro, de donde era originaria su abuela parterna, quien a principios de siglo XX comenzó un negocio de importación y exportación internacional y también realizó viajes en solitario. Padrón solo realizó estudios primarios y adquirió nociones de inglés y francés.


title: Ana Padrón Barrera

text: Es madre de cuatro hijos y fundó un negocio de ropa infantil hasta que se jubiló a los 63 años y se dedicó de pleno a sus viajes. En 1999 publicó el libro "¿Y tú, a dónde vas? El viaje de Ana Padrón", editado por ella misma y en el que relata sus vivencias, ilustradas por cientos de fotografías.


title: Ana Padrón Barrera

text: Compró en 1985 una furgoneta blanca Mercedes Benz (a la que denominó "Merchibenz") y la acondicionó para viajar en solitario. Hasta su jubilación, aprovechaba sus vaciones para realizar viajes cortos por Europa, inicialmente a lugares que conocía. Describe su etapa viajera como ""los doce años más felices de mi vida"".


title: Ana Padrón Barrera

text: En 1987, su primer destino en furgoneta fue el Vaticano, pasando por Mónaco, Venecia y Roma. Una vez jubilada, en mayo de 1997 inició un recorrido de ocho meses por el continente americano, durante los que visitó Canadá, Estados Unidos, México, Guatemala, Costa Rica, Panamá, Colombia, Ecuador, Perú, Chile y Argentina. Tres años después viajó a África, pasando por Kenia, Tanzania, Botsuana, Sudáfrica, Ghana, Senegal, Marruecos, Túnez y Egipto. En 2002, llegó hasta el Polo Norte, habiendo recorrido Islandia, Reino Unido, Irlanda y los países escandinavos. Asimismo, viajó a Asia Oriental desde Rusia, atravesando Irán, Kazajistán, China, Hong-Kong, Filipinas, Australia, Nueva Zelanda, Singapur, Tailandia, India, Pakistán, Corea del Sur y Japón. A su regreso, pasó por Turquía y Grecia, desde donde tomó un ferri a Italia y siguió conduciendo hasta las costas de Cádiz.


title: Ana Padrón Barrera

text: Sus viajes apenas contaron con planificación previa, sino que Padrón se movía de forma espontánea y apoyándose en la información suministrada por las respectivas embajadas de España en los países que visitaba. En la actualidad, sus viajes los realiza por los pueblos de España.


title: Cynthia Brewer

text: Cynthia ""Cindy"" A. Brewer es una geógrafa, cartógrafa, escritora, y profesora estadounidense.


title: Cynthia Brewer

text: Desarrolla actividades científicas y académicas como profesora de geografía, en la Universidad Estatal de Pensilvania. Ha trabajado como diseñadora de atlas; y, también como asesora en Oficina del Censo de los Estados Unidos, Instituto Nacional de Cáncerl, Centro Nacional de Estadística de Salud y Servicio de Parques Nacionales.


title: Cynthia Brewer

text: Enseña cartografía introductoria y dicta cursos de diseño de cartas. Su especialidad cartográfica relaciona visibilidad y teoría de color. También trabajó en topografía y diseño de cartas, multimapeos escalares. Ha sido influyente como teórica en representaciones de cartas y en sistemas profesionales de información geográfica (GIS).


title: Cynthia Brewer

text: Administra su web profesional ColorBrewer colors de impresión y de conjuntos de colores, utilizados para numerosos proyectos. Es responsable autorizada, en la aplicación de la versión 2.0 Apache, de ColorBrewer.


title: Cynthia Brewer

text: En 1979, se graduó por la Universidad McMaster (Ontario, Canadá); y, en 1983, por la Universidad de Guelph (Ontario, Canadá). Y, en 1986, obtuvo su maestría en geografía con énfasis en cartografía, por la Universidad Estatal de Míchigan, presentando y defendiendo la tesis ""El Desarrollo de Proceso de Impresión Munsell Gráficos para Seleccionar Colores en Mapas"." Después de un año en la Universidad de California en Santa Bárbara, obtuvo en 1991, su doctorado por la Universidad Estatal de Míchigan. Su disertación fue "Predicción de Cambios en Aspecto de Color de Mapas


title: Cynthia Brewer

text: De 1986 a 1987, fue conferenciante en el Departamento de Geografía, de la Universidad de California en Santa Bárbara. Completó su doctorado, mientras profesora ayudante, durante tres años de 1991 a 1994 en la Universidad Estatal de San Diego. En 1994, trabajó también en el Departamento de Geografía de la Universidad Estatal de Pensilvania; y, fue profesora desde 2007 y Jefa de Departamento desde 2014.Este Programa posee una gran complejidad, escogiendo esquemas de color eficaces para cartas temáticas, (o coropléticos). Debe seleccionarse una secuencia de colores, para representar el dato. Para deciles, deberán seleccionarse, diez colores relacionados. Esos colores pueden ser escogidos según esquemas "secuenciales", o sino "divergentes". Los resultados tienen que considerar el entorno de uso para la carta (p. ej., CRT, LCD, impreso, proyectado, fotocopiado). Hay cinco especificaciones de sistemas de colores con números generalmente escritos en hexadecimales y en decimal.


title: Cynthia Brewer

text: ColorBrewer es una herramienta en línea diseñada para:


title: Cynthia Brewer

text: Fue lanzado en 2002. Está autorizado para utilizar Apache 2.0 similar a CC-BY-SA 3.0.


title: Cynthia Brewer

text: La mayoría de ese trabajo es aplicable al software GIS. A partir del trabajo original, se han hecho investigaciones, a sujetos con diferentes tipos de daltonismo.


title: Cynthia Brewer

text: Otros cartógrafos en este campo incluyen a Gretchen N Petersen y el mentor de Cindy, la Dra. Judy M Olsen.


title: Choi Hong-Hee

text: Choi Hong-Hee es un deportista surcoreano que compitió en yudo. Ganó una medalla de bronce en el Campeonato Asiático de Yudo de 1996 en la categoría abierta.


title: Emily Mary Osborn

text: Emily Mary Osborn (1828-1925) es una de las pintoras más representativas de la época victoriana en Inglaterra, considerada una exponente de la corriente prerrafaelita. Osborn luchó desde niña y persiguió sus sueños, que no eran otros que el de convertirse en una gran pintora.  Se trasladó con toda su familia a Londres en 1842, donde Emily empezó a recibir clases particulares y a asistir a clases nocturnas de pintura. Su primera exposición, en la Royal Academy of Arts la realizó en el año 1851 y desde ese momento no dejó de exponer allí. Pese a que sus obras recibieron en ocasiones críticas, obtuvo el suficiente éxito como para dedicarse durante toda su vida a la pintura. Incluso la reina Victoria tuvo una obra suya.


title: Emily Mary Osborn

text: Osborn falleció a una edad muy longeva en 1925, con 97 años de edad. Fue una mujer independiente durante toda su vida que solo se dedicó a su trabajo y por ello no se casó ni tuvo hijos.


title: Emily Mary Osborn

text: Nació en Kentish Town, London, Inglaterra el 11 de febrero de 1828. Hija mayor del clérigo Edward Osborn (1792 – 1859) y su esposa María (de soltera, Bolland, 1806 – 1868). Osborn pasó casi toda su infancia en un pequeño pueblo llamado West Tilbury, donde la familia se vio obligada a mudarse por el trabajo de su padre. Pasó sus primeros ocho años de vida allí. Durante esta etapa, fue educada por su madre que, además, fue la encargada de motivar y desarrollar las habilidades en pintura de su hija.


title: Emily Mary Osborn

text: Osborn, empezó a pintar y a conocer la anatomía humana gracias a sus ocho hermanos y hermanas quienes le servían de modelos. Su madre luchó para que ella estudiara y se dedicara profesionalmente a la pintura. El 2 de noviembre de 1842 tuvo lugar la última entrada que hizo su padre Edward Osborn en los registros parroquiales de la iglesia de Santiago El Mayor (St. James’ Roman Church), después de lo cual se trasladaron a Londres, lo que ella, con catorce años, veía como una gran oportunidad para convertirse en artista y alcanzar sus sueños profesionales y personales.


title: Emily Mary Osborn

text: En Londres, entró y asistió a clases en una de las escuelas con más prestigio por entonces, llamada Dickeson Academy (Maddox Street, Londres). Uno de sus profesores fue el pintor paisajista John Mogford. Más adelante, tras finalizar sus estudios siguió formándose y desarrollando sus habilidades desde su casa con clases privadas impartidas por un tutor privado que también fue uno de sus profesores mientras estaba estudiando en la escuela, el pintor J.M. Leigh.


title: Emily Mary Osborn

text: Al cumplir los diecisiete años, empezó a mostrar y divulgar sus obras. Uno de sus caminos fue a través de presentarse a las exhibiciones que anualmente se organizaban y mostraban en la Royal Academy of Arts. Se fue presentando año tras año entre 1851 y 1893. Sus primeras pinturas enviadas para la Royal Academy eran retratos y temas costumbristas, o sea escenas cotidianas y de la sociedad de su época.


title: Emily Mary Osborn

text: Dos hechos marcaron la carrera de la artista y que la llevaron a ser internacionalmente reconocida. En primer lugar, en 1854, consiguió vender un cuadro titulado, "Pickles and Preserves", expuesto en la Royal Acadamy a un importante corredor de la bolsa llamado Charles James Mitchell (1815-1854). Con este hecho Emily Osborn fue cada vez más reconocida entre los ciudadanos londinenses y del país hasta el punto que en el año 1855, otro de sus cuadros titulado "My Cottage Door" expuesto también en la academia fue comprado por la misma Reina Victoria de Inglaterra.


title: Emily Mary Osborn

text: En ese mismo año, expuso en la Royal Academy “Retrato de la Señora Sturgis y sus hijos”, que tuvo un gran éxito, y en el que se representan las figuras al aire libre y cuya composición tiene reminiscencias de un cartón de Leonardo da Vinci que se exponía en la Royal Academy desde 1791.


title: Emily Mary Osborn

text: Con el paso del tiempo, uno de sus temas principales fue el reflejo de la mujer en la sociedad victoriana, uno de los más claros ejemplos es su obra más importante y por la que hoy en día, es mundialmente reconocida "Nameless and Friendless" (en español: "Sin nombre ni amigos" (1857). Obras de este tipo, que se centraban en reflejar las dificultades de las mujeres en la sociedad victoriana contemporánea, han ganado a Emily Osborn la designación de "artista proto-feminista." Otras obras destacadas fueron “La institutriz” (1860) o “La fuga del señor de Nithisdale de la Torre” (1861).


title: Emily Mary Osborn

text: Un momento de inflexión en su carrera fue la pérdida de su madre en el año 1868, hasta el punto de no realizar grandes obras durante los dos años siguientes. Emily Osborn, fue una mujer aficionada a viajar, no solo por conocer las ciudades, sino para seguir mejorando y perfeccionando sus conocimientos y su técnica. Por eso, realizó importantes viajes a Venecia o Argelia, así como a otras ciudades dentro del país.


title: Emily Mary Osborn

text: Pertenecía al llamado “Círculo de Langham Place”, junto a otros artistas como Barbara Bodichon, y en él se dedicaba a promover la instrucción y el empleo de las mujeres en la Inglaterra de la época victoriana. Entre 1884 y 1888 realizó varios retratos de Bárbara, quién además de pintora era una de las grandes feministas del momento.


title: Emily Mary Osborn

text: En 1914, una de sus amigas llamada Ellen Sickert escribió una novela bajo el título de ‘Sylvia Saxton: Episodes of a Life’ dedicada a Emily Osborn y a su compañera de casa Mary Elizabeth Dunn. Emily Mary Osborn falleció en esa residencia situada en la plaza Cunningham, en el barrio de St John’s Wood (Londres) donde ambas vivían el 14 de abril de 1925. Murió a muy avanzada edad, con 97 años, nunca se casó puesto que dedicó toda su vida a su carrera profesional como pintora.


title: Emily Mary Osborn

text: La sociedad victoriana y en concreto el mundo artístico estaba dominado por las escuelas, tanto privadas como públicas, y las galerías privadas. En este ámbito, destacó la Real Academia de las Artes (Royal Academy of London) fundada en el año 1768 con el propósito de cultivar y mejorar las artes de la pintura, la escultura y la arquitectura.


title: Emily Mary Osborn

text: A todos los artistas cuyas obras demostraran suficiente talento, se les permitía contribuir en las exposiciones; estas eran anuales y se inauguraban el primer lunes de cada mayo y se clausuraban el primer lunes de cada agosto. A ningún artista se le permitía mostrar más de ocho obras diferentes, no se admitía ningún trabajo expuesto públicamente en Londres con anterioridad y todos los trabajos enviados a la exposición se someten a juicio del Consejo, cuya decisión es definitiva.


title: Emily Mary Osborn

text: Además de estas escuelas y academias, destacando como ya se ha comentado la R.A, también existían otras instituciones que apoyaban al arte y a los artistas. Así pues, había numerosos ejemplos de galerías privadas por todo Londres y por todo el país; como por ejemplo la Galería Dudley en Londres que se fundó en el año 1864 o la Grosvenor Gallery que fue abierta al público por primera vez en el año 1877.


title: Emily Mary Osborn

text: Aunque Emily Mary Osborn tuvo una extensa obra, sin duda alguna, uno de sus cuadros destaca por encima de los demás, el titulado: "Nameless and Friendless" (Sin nombre ni amigos; en español).


title: Emily Mary Osborn

text: En el cuadro, se muestra en un primer plano a una joven vestida de negro y de clase media acompañada de un niño que lleva una de sus obras a la galería de un marchante de arte que examina el cuadro con condescendencia. Todo viene a decir que se trata de una joven pintora que está intentado vender una de sus obras pero la joven parece avergonzada, con la mirada fija hacia el suelo de la tienda, mientras que el niño que la acompaña es el que mira fijamente al vendedor como si fuera el autor de la obra que está tratando de vender. Dos hombres a la izquierda miran de reojo a la mujer que ha entrado en la galería. Cabe destacar que ambos están mirando otra obra, que representa una atractiva bailarina, símbolo del papel de la mujer que en la sociedad victoriana tenía cabida.


title: Emily Mary Osborn

text: Otras obras suyas son:


title: Emily Mary Osborn

text: - Año: 1884 - Hecho: óleo sobre lienzo - Dimensiones: 120 x 97 cm - Conservado en: Girton College, University of Cambridge


title: Emily Mary Osborn

text: - Año: 1880 (¿?) - Hecho: óleo sobre lienzo - Dimensiones: 20 x 70 cm - Conservado en: Stockport Heritage Services - Año: 1870  - Hecho: óleo sobre lienzo - Dimensiones: 71.5 x 91.5 cm - Conservado en: Museo Nacional de Gales  - Año: 1860 - Hecho: óleo sobre lienzo - Dimensiones: 34.9 x 29.2 cm - Conservado en: Centro de Yale para el arte británico, Paul Mellon fondo


title: Emily Mary Osborn

text: - Año: (¿?) - Hecho: óleo sobre lienzo - Dimensiones:  - Conservado en: (¿?)  – Año: 1856, óleo sobre lienzo, 72 x 91.5 cm - Año: 1859


title: Gavina

text: Gavina puede hacer referencia a:


title: María Antonia Amuchástegui Vila

text: María Antonia Amuchástegui Vila (Tona), (Rosario, Argentina, diciembre de 1908), Ciudadana Ilustre (1995) y promotora de actividades culturales de la ciudad de Rosario.


title: María Antonia Amuchástegui Vila

text: Hija de Nicolás Raúl Amuchástegui Peñaloza ( 8 de noviembre de 1880, Córdoba, 12 de diciembre de 1954, Lomas de Zamora) abogado y un actor relevante en la cultura rosarina de los años del Centenario. En 1982 donó bienes familiares al Museo de la Ciudad, entre ellos un daguerrotipo de alrededor de 1860 que retrata a la familia del brigadier Benjamín Virasoro con nodriza de leche.


title: María Antonia Amuchástegui Vila

text: Trabajó como maestra primaria y profesora de letras hasta su jubilación. En su juventud fue cantante lírica.


title: María Antonia Amuchástegui Vila

text: Desde 1953 participó en la dirección de Amigos del Arte, de la que fue presidenta durante largos años, promotora de la realización de un salón anual para artistas plásticos, cuyas obras ganadoras pasaban a integrar el patrimonio de la entidad. También promovió a creadores locales tales como Jorge Riestra, Angélica Gorodischer, Ada Donato o Alberto Laguna y de la música lírica y clásica.


title: María Antonia Amuchástegui Vila

text: Se desempeñó como directora de Cultura de la Municipalidad, en cuatro ocasiones.


title: María Antonia Amuchástegui Vila

text: Por su labor recibió una medalla de oro y diploma otorgado por la Fundación “Astengo”, medalla de oro de la Asociación Cultural El Círculo y un premio de la Asociación “Emilia Bertolé”.


title: María Antonia Amuchástegui Vila

text: Es una Asociación Civil sin fines de lucro fundada en 1944, para fomentar actividades culturales y a los artistas de la región. En 1960, gracias a un préstamo del Fondo Nacional de las Artes, compra y acondiciona la actual sede con sala de conciertos y de exposición. Entre los autores que han pasado con sus conferencias o exposiciones se encuentran Jorge Luis Borges, Augusto Roa Bastos o Jorge Romero Brest.


title: Joanna Mary Boyce

text: Joanna Mary Boyce (Londres 7 de diciembre de 1831 - 15 de julio de 1861) también conocida por su nombre de casada Joanna Mary Wells, fue una pintora británica conocida por sus retratos, escenas de género y paisajes. Tanto ella como su hermano George Price Boyce, también pintor especializado en acuarelas y paisajes, están asociados con los prerrafaelitas. Nació en el seno de una familia relacionada con el arte, su padre, George Boyce, era marchante y su hermano Geroge Price, también fue pintor.


title: Joanna Mary Boyce

text: En un primer momento su inclinación por la pintura la llevó a ser autodidacta no pudiendo iniciar hasta los 18 años su formación artística formal, inicialmente en la escuela de Francis Stephen Cary (en 1849) y posteriormente en la de James Mathews Leigh (en 1852). También fue alumna del pintor y profesor de pintura francés Thomas Couture.


title: Joanna Mary Boyce

text: Durante la primavera del año 1852 visita París con su padre, quien murió al año siguiente, sumiéndola en una gran tristeza. Su primera obra, "Elgiva", el dibujo de una cabeza de mujer, fue exhibida en la Royal Academy of Arts en 1855, y consiguió la alabanza del crítico de arte John Ruskin en su primer folleto de la academia, pese a no saber nada de la artista. Gracias esta primera obra empezó a ser reconocida como una pintora de talento.


title: Joanna Mary Boyce

text: Más tarde, en 1855, vuelve a París y es en ese momento cuando estudia con Couture. En 1857 inicia un viaje por Italia entre 1857 y 1858. Durante su estancia en Roma se casa con el también pintor Henry Tanworth Wells, a quien conoció en 1849, cuando ella estudiaba pintura con el maestro David Cox, en Betws-y-Coed, en el norte de Gales. Su matrimonio no supuso el abandono de su carrera de pintora, de hecho en Roma empezó un cuadro importante, "The Boys' Crusade", y ejecutó varios bocetos y estudios.


title: Joanna Mary Boyce

text: A finales de marzo de 1858 regresó a Inglaterra donde comienza "Peep-bo", una pintura calificada como “deliciosa”. Aprovecha su regreso a Inglaterra para viajar por diferentes lugares del país inspirándose. Así, en otoño de 1858 estuvo en la colina de Hoimbury en Surrey cerca de la colina de Leith, donde pinta su cuadro de "The Outcast" (Los Marginados), después poéticamente titulado "No joy the blowing season gives" (No hay alegría en la temporada de viento), que fue rechazado en la Real Academia y luego expuso en la Exposición de Invierno junto con "Do I like butter?" (¿Me gusta la mantequilla ?), estudio de una niña preguntándose eso mismo.


title: Joanna Mary Boyce

text: En la Exposición de la Academia de este año, tres de sus cuadros ("Peep-Bo!", "Heather-gatherer" y "La Veneziana", todos ellos cuadros de gran tamaño y diversa excelencia), fueron catalogados por los críticos.


title: Joanna Mary Boyce

text: Pese a ser una gran paisajista, con obras destacadas como "Isla de Wight" o la obra costumbrista, "The departuire", el gran número de bustos que pintó hizo que ciertos círculos la calificaran como “pintora de cabezas”.


title: Joanna Mary Boyce

text: Joanna tuvo una muerte temprana, sobrevenida por el postparto de su tercer hijo, el 15 de julio de 1861. Al morir de esta manera tan inesperada dejó obras por terminar como "Cretchen", una pintura que representa a un personaje del Fausto de Goethe, una joven seducida y destruida, con una misteriosa serenidad. En 1935 se realizó una exposición individual de su obra en la Tate Gallery.


title: Joanna Mary Boyce

text: En la actualidad se pueden contemplar muy pocas obras de esta pintora prerrafaelita, ya que sus obras más importantes se destruyeron en los bombardeos al territorio inglés, durante la segunda guerra mundial.


title: Cheimarrichthys fosteri

text: El paanokunoku -en lengua maorí- (Cheimarrichthys fosteri) es una especie de pez actinopeterigio marino y de agua dulce, la única del género monotípico Cheimarrichthys que a su vez es la única de la familia Cheimarrhichthyidae del orden Perciformes. Se distribuye como endemismo por las costas y ríos de Nueva Zelanda, en el suroeste del océano Pacífico.


title: Cheimarrichthys fosteri

text: El pez tiene un cuerpo pesado y una cabeza ancha que se aplana en la superficie ventral; esta cabeza deprimida, su superficie ventral aplastada, combinada con las anchas aletas pectorales y pélvicas, son adaptaciones hidrodinámicas a las corrientes de flujo rápido donde viven de forma demersal. Aleta dorsal con 3 o 4 espinas cortas y aisladas precediendo a la aleta dorsal blanda larga y baja, la aleta anal con 1 espina y 15 radios blandos, las aletas pélvicas están debajo de la cabeza, anterior a las anchas aletas pectorales, la aleta caudal es ligeramente bifurcada. La boca es pequeña y no protráctil, el hocico sobresale de la mandíbula inferior; la línea lateral está presente, con una longitud total máxima es de unos 16 cm, la mayoría de los ejemplares son alrededor de 10 - 12,5 cm.


title: Cheimarrichthys fosteri

text: Se encuentra en los ríos que fluyen a lo largo de la costa de Nueva Zelanda, normalmente en aguas claras de torrentes, ríos que son inestables y su lecho cambia durante las inundaciones; este hábitat hace que esta especie sea difícil de observar y se sabe relativamente poco sobre ellos. La especie puede alcanzar una elevación de 700 metros y penetrar 300 kilómetros tierra adentro desde la costa.


title: Cheimarrichthys fosteri

text: Aparentemente se reproduce en la primavera y tiene una fase larvaria marina, pero el sitio real de desove es desconocido, aunque se sabe que es anfídromo.; los jóvenes ingresan al agua dulce en primavera y pasan el resto de sus vidas allí. Se alimenta de insectos acuáticos, siendo la boca subterminal muy eficaz para la captura de invertebrados de las superficies rocosas.


title: Cheimarrichthys fosteri

text: Esta especie es un escalador deficiente y por lo tanto las barreras a la migración aguas arriba limitan la penetración en el interior de muchos sistemas fluviales a lo largo del rango de esta especie, lo que unido a los cambios en el uso de la tierra que causan una mayor sedimentación de los espacios intersticiales en el sustrato del río son amenazas para esta especie que hace que sea considerada en estado vulnerable.


title: El Noticioso y Lucero de La Habana

text: El Noticioso y Lucero de La Habana fue un periódico publicado en Cuba entre 1832 y 1844, predecesor del "Diario de la Marina". Surgió a partir de una fusión entre "El Noticioso" y "El Lucero" y salía diariamente.


title: El Noticioso y Lucero de La Habana

text: Fue primero publicado en Matanzas y posteriormente se trasladó a La Habana. Surgió a partir de una fusión entre dos publicaciones independientes, "El Noticioso" y "El Lucero". Matutino y diario, cesó en 1844, cuando fue sucedido por el "Diario de la Marina". También usó el título de "Noticioso y Lucero". Llegó a ser una de las publicaciones más importantes de la isla.


title: El Noticioso y Lucero de La Habana

text: Su primer número apareció el 16 de septiembre de 1832, aunque otras fuentes dicen que en 1830, y se publicó hasta 1844, en que se convirtió en el "Diario de la Marina". Durante muchos años se imprimió en la Imprenta del Comercio, en La Habana. El 7 de octubre de 1832 se redujo el tamaño del periódico por falta de papel. El 9 de octubre de 1834 pasó a titularse "Noticioso y Lucero de La Habana". El periódico, cuyo tamaño varió mucho a lo largo del tiempo, comenzó a darse a la luz en una imprenta venida de Estados Unidos que tiraba 1500 ejemplares por hora.


title: El Noticioso y Lucero de La Habana

text: De junio de 1836 a octubre de 1837 fue su único redactor Juan Justo Reyes (Baziloi). Entre sus colaboradores se contaron nombres como los de Nicolás Pardo Pimentel, Juan Antonio Soriano, José María Salas y Quiroga, Ramón Francisco Valdés, Francisco Muñoz del Monte, Tranquilino Sandalio de Noda (Aristo y El Guagiro), Antonio Bachiller y Morales, Francisco Iturrondo (Delio), Ignacio Valdés Machuca, Ramón Vélez Herrera, José Victoriano Betancourt, Francisco Foxa, Tomás Romay, Gaspar Betancourt Cisneros, Ramón de la Sagra, Anselmo Suárez, José Jacinto Milanés, José Policarpo Valdés y Gabriel de la Concepción Valdés.


title: El Noticioso y Lucero de La Habana

text: La mayor parte del texto de esta entrada enciclopédica proviene del artículo "Publicaciones periódicas e imprentas de La Habana entre 1824 y 1845 en los archivos cubanos y españoles", de José María Aguilera Manzano, publicado en 2007 en la revista "Anuario de Estudios Americanos" bajo una licencia CC BY 3.0. Ediciones posteriores del texto y los respectivos contribuidores de Wikipedia se reflejan en el historial de la entrada.


title: Rodríguez Aragón

text: Rodríguez Aragón puede hacer referencia a:


title: Elsi Ribeiro

text: María Elsi Ribeiro (León, 1972), también conocida como María Elsi y Elsi Rider, es una motorista, viajera y aventurera española. Es la segunda mujer del mundo y primera de España que realiza sola una ruta en moto por Irán, país que prohíbe esta práctica a las mujeres.


title: Elsi Ribeiro

text: De ascendencia gallega, ha vivido en Luanco, Gijón y Oviedo, en Asturias. Su pasión por las motos se inició cuando contaba con 12 años. Es economista y restauradora de obras de arte. En 2010, a consecuencia de una negligencia médica, sufrió un fallo multiorgánico por el que casi fallece y que la dejó un mes en coma. Al recuperarse, se planteó el reto de realizar un viaje en moto desde Asturias a la India.


title: Elsi Ribeiro

text: En 2016, su aventura en solitario de viajar desde España a la India en moto, la convirtió en la primera española conocida en atravesar, sola y en este vehículo, el territorio de Irán, país donde las mujeres tienen prohibido conducir motos. Es la segunda mujer, conocida, que realiza esta hazaña, tras la inglesa Lois Pryce en 2013. Recorrió casi 18.000 kilómetros en 50 días sobre su BMW F 700 GS, llamada Lusi en honor a sus dos perras labradoras Luka y Sira y que le hacía tener confianza en el éxito. El viaje se inició el 22 de septiembre de 2016 y concluye al regresar el 11 de noviembre.


title: Elsi Ribeiro

text: Ribeiro inicia la ruta en Gijón, Asturias, viaja hasta la región india de Rajastán y vuelve. Sale en dirección a Barcelona, y de ahí a Italia, Grecia, Turquía, Irán e India, su destino final. Inicialmente, incluía el paso por Pakistán, pero lo descartó por problemas con los visados y por la peligrosidad que implicaba así que tuvo que ir en avión de Irán a la India. Considera que la ventaja de viajar en moto es que, socialmente, se interactúa mucho más y acerca a la gente, que se extraña bastante al ver a una mujer viajando sola. Durante el trayecto es continuamente fotografiada, sobre todo en Irán, dado que en este país es poco habitual ver motos de gran cilindrada, más aún, conducidas por mujeres ya que tienen prohibida esta práctica.Ribeiro llamaba la atención de la población, más en Asia que en Europa. Entre las anécdotas del viaje, Ribeiro relata que, en un control fronterizo en Irán, los funcionarios le preguntaban continuamente dónde estaba su marido. También describe: ""Cuando, ya en el viaje de vuelta, en medio de un temporal de frío y nieve que me sorprendió en las proximidades de la frontera de Irán y Turquía, cerca del Monte Ararat, la moto y yo nos fuimos al suelo en tres ocasiones debido a una capa de hielo de diez centímetros que hacía imposible mantenerse en pie. El resto de conductores pitaba y se burlaba de mí. Sentí tanta impotencia que me di la vuelta y les grité en español 'no porque pitéis más voy a levantar la moto'. Entonces se acerca un señor de esos a los que, por su aspecto, no le pediría ni la hora. Me ayuda a levantar la moto y a llevarla hasta un local donde me invita a tomar té. Era un sitio oscuro de esos a los que tampoco entraría nunca, lleno de hombres que se quedaban mirándome. Me traen té, pero no podía sostener el vaso del frío que tenía. Entonces me derrumbé y lloré como una niña. Ese momento de debilidad fue el único de todo el viaje"." Ribeiro vivió el viaje como una experiencia buena y positiva, con predisposición optimista ante la aventura y por la confianza depositada en su moto. En el camino, únicamente encontró a una pareja española (periodistas de Asturias con quienes coincidió en Irán) y, en cambio, si a mucha población francesa (le llamó la atención una pareja que daba la vuelta al mundo en bicicleta). Con el resto de personas viajeras y nativas, se entendía en "spanglish". "En los 50 días que duró la aventura, mantuve a raya la sensación de soledad y de inseguridad, nunca tuve miedo. Al contrario, encontré gente amable, acogedora y dispuesta a ayudarme en los momentos difíciles, que los hubo". Ribeiro no tuvo problemas con la comida; tampoco con la gasolina, que le pareció buena y barata, lo que le permitió ir más rápido. Su modo conservador de conducir le evitó sustos al volante. En cambio, mientras rodaba, sufrió enormes variaciones climatológicas, con temperaturas de -12 grados celsius en Turquía hasta 47 grados celsius en el Golfo Pérsico.


title: Elsi Ribeiro

text: En su viaje ha descubierto Irán, país que ha recorrido de punta a punta. Destaca sus espectaculares paisajes y la amabilidad de su gente. En cambio, la India le dejó un sabor agridulce: "Quizá porque mis expectativas eran muy elevadas. En realidad, no encontré el misticismo y exotismo que esperaba. Los colores, la puesta de sol... son impresionantes, pero en la zona que yo visité, muy turística, te ven como un dólar con piernas y llega a resultar agobiante".


title: Elsi Ribeiro

text: Al terminar su objetivo de llegar en moto a la India, que se había marcado como reto al salir del coma en 2010, Ribeiro comienza a planificar nuevos retos: prepara un nuevo en viaje en moto, esta vez a Armenia.


title: Elsi Ribeiro

text: En 2017, siguiendo con su forma de ver la vida, tras la terrible negligencia médica, decide cumplir su siguiente sueño, ir a Armenia en su BMW, pero al final fue más allá y recorrió el Cáucaso (Georgia, Armenia y Azerbaiyán), aparentemente una zona poco estable pero que no supuso ninguna dificultad. Una zona de grandes contrastes. Incluso terminó sin darse cuenta en Nagorno Karabaj.


title: Elsi Ribeiro

text: Actualmente continúa colaborando en temas de seguridad vial, sobre todo en colegios y dando conferencias sobre sus viajes, pero con un mensaje motivador: "Cuando tienes un sueño, pones esfuerzo y ganas en hacerlo, termina convirtiéndose en realidad, porque los sueños están para cumplirse o al menos intentarlo".


title: La Lastra (León)

text: La Lastra es un barrio de la ciudad de León, comunidad autónoma de Castilla y León, España. Se localiza al sur de la ciudad, entre la avenida Fernández Ladreda y la unión de los ríos Bernesga y Torío. Se trata de uno de los barrios de más reciente construcción de la capital leonesa, acabando su urbanización parcial en 2007 y finalizando completamente en el año 2011.


title: La Lastra (León)

text: El barrio de La Lastra se encuentra en la zona sur de la ciudad de León, a una altitud de unos 819 msnm. Limita al norte con el barrio de La Chantría, al este con la avenida Alcalde Miguel Castaño y el río Torío, al sur con la confluencia de los ríos Bernesga y Torío y al oeste con el río Bernesga. El territorio sobre el que se asienta está representado en la hoja 161 del Mapa Topográfico Nacional.


title: La Lastra (León)

text: El nuevo barrio de La Lastra se encuentra situado al sur del casco urbano de la ciudad. Ocupa una superficie de 100 hectáreas entre los ríos Bernesga y Torío y en él están previstas 4.627 viviendas. Se articula en torno a tres grandes ejes viarios, el primero de ellos, la prolongación de la avenida José Aguado, que comunica el polígono con el centro de la ciudad y actúa de principal avenida del nuevo barrio, situándose en torno a ella los organismos públicos y las parcelas de mayor densidad constructiva de La Lastra.


title: La Lastra (León)

text: A pesar de lo reciente de su construcción, el barrio de La Lastra ya acoge varios proyectos empresariales, tanto públicos como privados; de este modo, en el barrio ya se encuentra en funcionamiento la sede del Instituto Nacional de Ciberseguridad, está prevista la construcción, por Metrovacesa, de un centro comercial de 20.000 m², de un gran hotel por parte de AC Hoteles, que convertirá en su central de reservas y de la sede del Grupo Agelco, diseñada por Dominique Perrault, actuaciones todas ellas paralizadas.


title: La Lastra (León)

text: Diseñada por Abalos&Herreros, La Lastra supone la culminación de la expansión urbana de la ciudad hacia el sur, completando totalmente el espacio entre la ciudad y los ríos Bernesga y Torío. Conjuntamente al desarrollo del polígono residencial, se prevé la creación de un gran parque fluvial que recupere la ribera del Bernesga y el Torío para los ciudadanos de León.


title: La Lastra (León)

text: La Lastra cuenta con una línea de autobús urbano dentro del barrio, la línea 13. Además, en la cercana avenida Fernández Ladreda cuenta con cinco líneas, las líneas 2, 3, 6, 7C y 9C.


title: Basílica del Santo Cristo de Outeiro

text: La Basílica del Santo Cristo de Outeiro (en portugués: "Basílica de Santo Cristo de Outeiro") es una iglesia y santuario católico en la localidad de Outeiro, en el municipio de Braganza en el país europeo de Portugal.


title: Basílica del Santo Cristo de Outeiro

text: Este importante lugar de peregrinación es un monumento nacional desde 1927 y recibió el 12 de julio de 2014, el título de basílica menor, otorgado por la Congregación para el Culto Divino y la Disciplina de los Sacramentos de la Santa Sede.


title: Basílica del Santo Cristo de Outeiro

text: Comenzó a ser construido después de que se reportara un «milagro» el 26 de abril de 1698, en que la imagen del Santo Cristo, en la capilla anterior habría sudado sangre. Aunque el templo está abierto para el culto desde el día 3 de mayo de 1713, no fue concluido efectivamente hasta 1739.


title: Basílica del Santo Cristo de Outeiro

text: La arquitectura se distingue por la simetría y el equilibrio de las proporciones. Sigue a propósito un estilo barroco inspirado en la arquitectura manuelina, teniendo como fuente de inspiración principal la iglesia del Monasterio de Santa Maria de Belém, en un intento de revivir la época dorada de descubrimiento antes del dominio de la llamada Dinastía filipina.


title: Sonia Macías Román

text: Sonia Macías Román (La Rinconada, Sevilla, 1980) es una atleta española de ultrafondo, "finisher" (atleta que intenta alcanzar unas metas deportivas que desafían los límites de la naturaleza humana) y emprendedora de diversos proyectos relacionados con el deporte.


title: Sonia Macías Román

text: Su primera prueba de larga distancia tuvo lugar en 2012 en la carrera '24 horas solidarias Barbate Xtreme' y participó en otras seis carreras. Al año siguiente, repitió en la Barbate Xtreme y, además de en otras cuatro carreras, participó en el Marathon de Sables, en el que durante seis días se recorren 251 kilómetros por Marruecos, en el desierto del Sahara. Su siguiente desafío importante fue su participación en 2014 en la Transvulcania, una carrera de 73 kilómetros como parte del Campeonato de Mundo de Ultrafondo. En ese mismo año también participó en otras once carreras más.


title: Sonia Macías Román

text: Para reivindicar el papel de las mujeres en el deporte, en 2015 puso en marcha el proyecto ""La princesa del desierto"", y asumió como gran desafío correr 1000 kilómetros seguidos en el desierto de Namibia, algo que logró un año después. En 2016, se convirtió en la primera persona en alcanzar el récord de correr 1.000 kilómetros en 20 días en el desierto de Namibia. En julio de ese mismo año, afirmó en una entrevista que su próximo proyecto, denominado ""La hija del viento"", sería correr 500 kilómetros en cinco días en el desierto de Gobi. También en 2016, la Diputación de Sevilla le concedió la Medalla de Oro en el Día de la Provincia como reconocimiento a su trayectoria.


title: Sonia Macías Román

text: Macías se define a sí misma como: A través de grandes desafíos deportivos, la atleta quiere transmitir un mensaje de superación que cale en la sociedad y transforme la mentalidad de quienes todavía no creen en la fortaleza y capacidad de las mujeres:


title: Sonia Macías Román

text: Por los valores que emanan de su práctica deportiva y por su reivindicación del papel de las mujeres en el deporte ha recibido una Mención Especial de los XVI Premios a la Igualdad de La Rinconada.


title: Juana Ontañón y Valiente

text: Juana Ontañón Valiente (Madrid, 22 de octubre de 1886 – Ciudad de México, 22 de agosto de 1972) fue una maestra española, alumna de la Institución Libre de Enseñanza y cofundadora del Ateneo Pablo Iglesias de Pamplona.


title: Juana Ontañón y Valiente

text: Juana fue la única hembra de los seis hijos de Teófila Valiente y José Ontañón Arias, institucionista y profesor de alemán de la Escuela de Estudios Superiores de Magisterio. Estudió bachillerato, en la opción de libre, en el Instituto Cardenal Cisneros, y al concluirlo emprendió acompañando a su padre, un viaje de estudios por Alemania. A su regreso ingresó en la escuela Superior de Magisterio, teniendo entre sus compañeras a María de Maeztu (que sacaría el número uno de su promoción, y Juana el número 2). Ganó plaza por oposición en la Escuela Superior de Maestros de Cáceres.


title: Juana Ontañón y Valiente

text: En Cáceres conocería a Miguel del Río Guinea, profesor de matemáticas de Instituto, con quien se casa en 1914. Dos años después nace su primer y único hijo Miguel. Al poco tiempo la familia se traslada a Pamplona donde residirán durante casi veinte años. En 1933 Juana y su familia, se trasladan a Madrid, donde ella ejerce como docente en la Escuela Normal. Tras estallar la Guerra Civil española abandonaría la capital de España para continuar su trabajo en Valencia y Barcelona.


title: Juana Ontañón y Valiente

text: Derrotada la República, su hijo, que habiéndose alistado se había separado de sus padres, vuelve a reunirse con ellos en Francia, y desde allí los tres embarcaron para el exilio en el Sinaia, arribando a Veracruz el 13 de junio de 1939.


title: Juana Ontañón y Valiente

text: Una vez instalada la familia, Juana retomó su labor docente en el Instituto Luis Vives, fundado por los exiliados, dentro de la Universidad Femenina; también dio cursos para extranjeros en la Universidad Autónoma de México. Tras la muerte de su marido, se trasladó a Boston, donde daría clases en el Bryn Man College durante el curso 1946-47. Tras este breve inciso regresó de nuevo a Méjico para reunirse con su hijo y sus nietos, país en el que residió hasta su muerte en 1972.


title: Juana Ontañón y Valiente

text: Además de su trabajo como docente, Juana Ontañón trabajó para la editorial mexicana Porrúa, como prologuista de diversas obras de autores como Alarcón, Bécquer, Espronceda, Larra, Valera, Gabriel Miró. También escribió una biografía de Santa Teresa de Jesús, publicada en 1977, cinco años después de su muerte.


title: Terapia de choque con insulina

text: La terapia de choque con insulina, terapia del coma insulínico o cura de Sakel, fue un tratamiento de la esquizofrenia utilizado en psiquiatría y que consistía en la inducción en un coma hipoglucémico del paciente psicótico por medio de la administración de grandes dosis de insulina.


title: Terapia de choque con insulina

text: Fue desarrollada entre 1928 y 1933 por Manfred Sakel, un psiquiatra austríaco, y utilizada ampliamente durante las décadas de 1940 y 1950, hasta que fue reemplazada por los fármacos neurolépticos en la década de 1960. La terapia de insulina, de metrazol y la electroterapia son conocidas colectivamente como las terapias de choques.


title: Terapia de choque con insulina

text: El médico austríaco Manfred Sakel desarrolló la terapia de choque con insulina entre 1928 y 1933. Después de graduarse en 1925, ingresó a trabajar en una clínica psiquiátrica de Berlín, donde comenzó a tratar a los adictos a la morfina con insulina y encontró que pequeñas dosis de esa sustancia podían ayudar en la abstinencia. Sakel también observó que ayudaba a tranquilizar pacientes con delírium trémens y mejoraba su apetito. A inicios de la década de 1930, empezó a a aplicarlo en pacientes psicóticos y en ellos encontró una mejoría con la terapia.


title: Terapia de choque con insulina

text: El 3 de noviembre de 1933, reportó sus hallazgos sobre una nueva terapia para la esquizofrenia a la Sociedad de Médicos de Viena y la llamó terapia de choque con insulina (). Según la teoría de Sakel, la insulina actuaba como antagonista de los «efectos neuronales que ocasionaban los productos del sistema adrenérgico, los causantes del estado del paciente» esquizofrénico. Entre noviembre del año siguiente y febrero de 1935, «publicó trece reportes en los que indicó un índice de mejoría del 88%». En 1936, se introdujo y extendió su uso en los Estados Unidos. Por otra parte, para 1938, la terapia se utilizaba en 31 hospitales de Gales e Inglaterra.


title: Terapia de choque con insulina

text: El tratamiento de choque insulínico se aplicaba usualmente en unidades especializadas y con personal especialmente entrenado. De acuerdo con Doroshow (2007) el único criterio de selección para recibir el tratamiento considerado «de hospital en hospital» era el diagnóstico de esquizofrenia. También se prefería a aquellos con mejor pronóstico y los pacientes crónicos tenían menores probabilidades de recibirlo. No obstante, no existían guías para el tratamiento, cada hospital —incluso cada médico— desarrollaba sus propios protocolos.


title: Terapia de choque con insulina

text: Reguralmente el tratamiento no duraba más de dos meses, aunque podía extenderse a tres. Se administraban de 10 a 20 unidades intramusculares de insulina diariamente, con un aumento gradual de cuatro a ocho unidades para alcanzar un total de 50 o 60. El choque se alcanzaba por lo común con entre 80 y 120 unidades. El coma se mantenía por horas, hasta que los médicos consideraban que se había alcanzando el «máximo beneficio posible de la reducción de la glucosa en el cerebro». Llegado ese momento, se aplicaba una inyección intravenosa de solución glucosada para finalizar el coma. También podían administrarse las soluciones por medio de una sonda nasogástrica.


title: Terapia de choque con insulina

text: Se desconocían los efectos de la terapia con insulina. No obstante, a lo largo de los años, Sakel estableció diversas teorías. Ninguna, sin embargo, fue «bien aceptada». En 1938, señaló que las neuronas eran similares a los motores, en los que la insulina evitaba que el exceso de combustible ocasionara patologías. Veinte años después argumentó que, por medio de los «efectos anabólicos de la insulina», las neuronas «esquizofrénicas» se curaban. Sakel también consideraba necesario aplicar el tratamiento al menos cincuenta o sesenta veces. La terapia se aplicaba hasta que los médicos consideraban curado o incurable al paciente. Dado el riesgo de muerte, la terapia requería de una «diligente» vigilancia del paciente por parte de médicos y enfermeras.


title: Terapia de choque con insulina

text: El tratamiento, antes del coma, ocasionaba diversos síntomas en el paciente: euforia, diaforesis, cansancio, movimientos mioclónicos y «espasmos de torsión». En el coma se observaba una relajación muscular, «abolición de reflejos y rigidez pupilar». Al recuperarse del coma, las respuestas del paciente se mostraba enlentecidas y presentaba una habla similar a la de la ebriedad. Eran comunes las debilidades de extremidades y afasias. Poco después, comían ávidamente —era común que ganaran peso en los meses de tratamiento— y estaban «menos preocupados sobre los delirios y alucinaciones», más calmos y se reducían los pensamientos y ansiedades. Además mantenían un mayor contacto con su familia, tomaban parte de la rutina hospitalaria. Por su parte, Doroshow (2007) asegura que, tras recibir la insulina, los individuos comenzaban a «gesticular y sacudirse, sudar profusamente», quejarse y gritar. Luego del tratamiento, durante el «periodo lúcido» desaparecían los síntomas de los pacientes.


title: Terapia de choque con insulina

text: Los estudios de Sakel reportaban una efectividad del 88% en sus pacientes. Por su parte, Braslow (1997) señala que «los pacientes fallecían a una tasa de uno o dos por ciento a causa de complicaciones tales como encefalopatía hipoglucémica, insuficiencia cardíaca, neumonía por aspiración y hemorragia cerebral». Además, indica que Sakel reportó una remisión total del 70% de los pacientes esquizofrénicos con una duración de la enfermedad menor a los seis meses. Para pacientes con una condición crónica, se reportó un 48% de «recuperación o mejora considerable». Shorter (2005) asegura que «el elemento efectivo en la terapia eran las convulsiones que el tratamiento ocasionalmente inducía y no la insulina».


title: Terapia de choque con insulina

text: A partir de la década de 1950, comenzó a incrementar el número de publicaciones críticas contra la terapia de insulina. Doroshow (2007) aclarar que esta terapia es considerada «ya sea un vergonzoso traspié en el camino de la psiquiatría biológica moderna o un miembro de la larga línea de terapias somáticas utilizadas para tratar enfermedades mentales a medidos del siglo XX». Harold Bourne declaró al respecto: «había una gran preferencia por la insulina. Implicaba que los psiquiatras tenían algo que hacer. Los hacía sentir doctores reales en lugar de simples auxiliares institucionales». Precisamente fue Bourne quien inició estas críticas al tratamiento con la publicación en "The Lancet" de «The insulin myth» (1953). Su artículo fue cuestionado por algunos autores, quienes tuvieron experiencias favorables con esa terapia.


title: Terapia de choque con insulina

text: En 1957, "The Lancet" publicó los resultados de un estudio controlado y aleatorizado en el que se administró a los pacientes la terapia de choque insulínico o se les trató con barbitúricos. Los autores no encontraron diferencia en el resultado de los grupos y concluyeron que «[...] los resultados sugieren que la insulina no es el agente terapéutico específico». Shorter (2005) afirma que fue el estudio comparativo entre la clorpromazina y la terapia insulínica que Fink, Shaw, Gross y Coleman (1958) publicaron en el "Journal of the American Medical Association" el que «condenó a muerte» a la terapia de choque con insulina. En él, los autores concluyeron que «[n]ingún tratamiento afectó el proceso esquizofrénico básico, pero la clorpromazina tuvo la ventaja de ser más segura, fácil de administrar y más adecuada para el manejo a largo plazo». Finalmente, la terapia se abandonó y dio paso al uso de fármacos neurolépticos.


title: Alberto III de Sajonia-Wittenberg

text: Alberto III (en alemán, "Albrecht III."; h. 1375/1380 - antes del 12 de noviembre de 1422) fue el último duque de Sajonia-Wittenberg y elector de Sajonia de la Casa de Ascania. Después de su muerte, el rey Segismundo cedió su ducado y la dignidad electoral sajón al margrave Federico IV de Meissen de la Casa de Wettin.


title: Alberto III de Sajonia-Wittenberg

text: Alberto nació posiblemente en la residencia sajona de Wittenberg, el hijo menor del duque Venceslao I, duque de Sajonia-Wittenberg y su esposa Cecilia, hija de Francisco I de Carrara, señor de Padua.


title: Alberto III de Sajonia-Wittenberg

text: Aparece por primera vez en documentos escritos en 1407. Cuando su hermano mayor, el elector Rodolfo III fue envenenado en 1419, Alberto asumió el gobierno de Sajonia-Wittenberg. También conocido como "Alberto el Pobre", heredó una tierra agotada por la guerra de sucesión de Luneburgo y la contienda, de largo tiempo de Rodolfo con el arzobispado de Magdeburgo. Con el tesoro del estado vacío, a duras penas podía permitirse ningún criado y llevó una vida muy solitaria.


title: Alberto III de Sajonia-Wittenberg

text: Para generar algunos ingresos, controvertidamente impuso el derecho de cargar impuestos de aduanas sobre los mercados en la ciudad de Wittenberg en 1421. Entró en tal conflicto con los ciudadanos que casi llevó a un enfrentamiento armado, pues este derecho perteneció a la ciudad durante generaciones. Finalmente, el elector Hohenzollern Federico de Brandeburgo fue llamado para que arbitrase la disputa. Decidió que el comportamiento de los ciudadanos respecto a su señor fue inapropiado, pero apoyó sus derechos de mercado con la condición de que se pidiera una disculpa a Alberto.


title: Alberto III de Sajonia-Wittenberg

text: En el tercer año de su reinado el príncipe-elector muriera como resultado de un incendio accidental en una granda en el Brezal de Lochau cerca de Annaburg, donde estaba pasando la noche con su esposa durante una caza. El incendio estuvo tan cerca de ellos que él y su esposa, vestidos sólo con su ropa de cama, tuvieron que ser rescatados a través de una ventana. Varios de los criados murieron entre las llamas.


title: Alberto III de Sajonia-Wittenberg

text: El príncipe elector quedó tan imprsionado por este incidente que murió unos pocos días después en Wittenberg. Fue enterrado allí, en la capilla franciscana. Con su muerte, el gobierno ascanio en Sajonia-Wittenberg llegó a su fin.


title: Alberto III de Sajonia-Wittenberg

text: Alberto se casó con Eufemia de Oels, una hija del duque piasta Conrado III el Viejo el 14 de enero de 1420. Este matrimonio no tuvo hijos.


title: Alberto III de Sajonia-Wittenberg

text: En 1422 su viuda recibió el castillo de Liebenwerda como su "wittum" ("Leibgedinge"). En 1432, ella se casó por segunda vez, con el príncipe Jorge I, príncipe de Anhalt-Dessau. Ella murió en 1444.


title: Northlane

text: Northlane es una banda de metalcore procedente de Sídney, Australia; formada en el año 2009. La banda cuenta con los guitarristas Jon Deiley y Josh Smith, el bajista Brendon Padjasek, el batería Nic Pettersen y el vocalista Marcus Bridge, quién reemplazó al vocalista fundador Adrian Fitipaldes a finales de 2014. Northlane Ha publicado cinco álbumes de estudio: "Discoveries" (11 de noviembre de 2011); "Singularity "(22 de marzo de 2013), el cual logró el número 3 en el ARIA Albums Chart; "Node" (24 de julio de 2015); "Mesmer" (2017); y "Alien" (2019), su último trabajo hasta el momento. En los ARIA Music Awards of 2015 el grupo ganó el premio al "Mejor álbum de hard rock o heavy metal".


title: Northlane

text: El estilo musical de Northlane ha sido descrito como metalcore y metal progresivo. Su guitarrista Josh Smith declaró a principios de 2015 que sus influencias incluyen a la banda de metalcore Architects de hecho el nombre de Northlane fue cogido de una canción de esta banda, llamada North Lane; la banda de rock progresiva australiana Karnivool, el artista de metal instrumental Cloudkicker y la banda de rock alternativa Incubus, mientras que algunos de sus otros artistas favoritos son DJ Tiësto, Dirty Loops, Michael Jackson y Tycho, así como Deadmau5 y Bruno Mars, todo del reino de pop y música electrónica. Durante la juventud de Alex Milovic, bajista de la banda, su banda favorita en el metalcore fue Underoath, la del batería, Nic Pettersen es la banda de metal Limp Bizkit, la banda favorita de Marcus Bridge es Fall Out Boy, la del guitarrista Jon Deiley es la banda de funk rock los Red Hot Chili Peppers, y la de Smith, Slayer. Las bandas australianas favoritas de la banda incluyen el metalcore la banda In Hearts Awake y la banda de punk The Living End, así como: Graves, DVSR, Glass Ocean and Endless Heights.


title: Northlane

text: Según Smith, Deiley escribe la mayoría de las pistas/de bajo y guitarra de la banda, y Antes de que Adrian Fitipaldes dejase la banda, escribía la mayor parte de las letras. Ahora las escriben Smith y Marcus mayoritariamente."


title: Remedios Jover Cánovas

text: Remedios Jover Cánovas, de apodo Remedios “La Casera”, conocida también por la Teniente Remedios (Aïn El Turk (Orán) 16 de marzo de 1899), es una de las pocas mujeres que ocuparon, desde prácticamente el inicio la guerra civil hasta su salida al exilio a Francia en febrero de 1939, un cargo oficial con mando en el Ejército de la República.


title: Remedios Jover Cánovas

text: Es un caso muy especial ya que en octubre de 1936, un decreto del Gobierno de Largo Caballero se remitía a las mujeres milicianas a tareas en la retaguardia. Pese a ello Remedios Jover Cánovas, formó parte del Estado Mayor bajo las órdenes del Comandante Manuel Tagüeña Lacorte, hasta los últimos días del éxodo militar y civil de febrero de 1939. Remedios Jover Cánovas nació en Ain El Turk (Orán) el 16 de marzo de 1899, y fue bautizada como Mª Teresa Remedios. Sus padres eran unos emigrantes españoles en Argelia, que trabajaban en este país como mano de obra agrícola. En 1906 la familia vuelve a España y establece su residencia en Novelda (Alicante), ya que eran oriundos del lugar. En el año 1914 encuentran trabajo como encargados o caseros de una de las propiedades del terrateniente alicantino Eleuterio Abad en Petrer, la finca “la Foia”, y establecen allí su residencia. Es este nuevo trabajo de sus padres lo que dará a la familia su apodo de “Les Caseros”.


title: Remedios Jover Cánovas

text: Cuando creció Remedios comenzó a trabajar en una fábrica de lonas en Petrer, propiedad de Vicente Castelló y Compañía. Las continuas movilizaciones de trabajadores contra la explotación, las huelgas y las diversas reivindicaciones sirvieron de aprendizaje para Remedios en contra del capitalismo de principios del siglo XX.


title: Remedios Jover Cánovas

text: En 1921 cierra la fábrica de lonas y Remedios entra a trabajar como aparadora en la fábrica Calzados Luvi S.A.de Petrer. Pese a que se sabe que el padre de Remedios era militante socialista, y pese a constar que Remedios ayudaba a sobrellevar las penurias económicas a los huelguistas de las fábricas, no hay constancia de que estuviera afiliada a algún partido político o sindicato. Lo que sí se sabe es que cuando estalló la guerra Remedios, que era una madre sola (su marido, Miguel Aracil, había desaparecido sin dejar rastro años antes, en el año 1931) con dos hijos, estaba recaudando fondos para apoyar a las familias de los huelguistas, formando parte de en una Filarmónica improvisada que con un carro recorría andando la provincia. Poco después del golpe de estado, Remedios Jover ya estaba integrando el improvisado ejército voluntario que defendía Madrid. Remedios formaba parte, desde agosto del 36, junto a miembros de las Juventudes Socialistas Unificadas, (JSU), como Francisco Beltrán y Bonifacio Mollá, junto con otros amigos y compañeros de la Confederación Nacional de Trabajadores, (CNT) como Vicente Aracil, de la 8ª Compañía del Batallón Octubre 11, bajo las órdenes de Fernando de la Rosa. Destinados en el frente de Guadarrama, vivió unos de los combates más brutales de los primeros meses de la guerra. Su valor en el combate hizo que fuera ascendida el 3 de septiembre a sargento.


title: Remedios Jover Cánovas

text: A finales de septiembre (el 28) volvió a ser ascendida tras ser herida en un combate llevado a cabo en Cabeza Líjar y casi dada por muerta, siendo nombrada teniente, una vez recuperada y dada de alta del hospital de El Escorial; cargo que seguirá manteniendo al finalizar la guerra.


title: Remedios Jover Cánovas

text: Volvió al frente el 31 de octubre, incorporándose a la 30.ª Brigada Mixta perteneciente a la 2.ª División del Ejército del Centro; formada por varios batallones, entre ellos el «Octubre» n.º 11. En esta compañía establece amistad con el reconocido poeta Francisco Mollá Montesinos.


title: Remedios Jover Cánovas

text: Pese a que al tiempo que se certifica su ascenso y valor en el frente, se lleva a cabo su cese en el ejército, ya que la ley excluía a las mujeres del ejército; Remedios continua en las filas del ejército formando parte del Estado Mayor de Manuel Tagüena hasta el final de la guerra.


title: Remedios Jover Cánovas

text: Durante un tiempo estuvo en el sector de El Escorial ocupando un cargo en el abastecimiento de víveres y suministros para la compañía. Durante ese tiempo se trasladaba a Petrer, donde hacía de enlace entre los soldados del frente y sus familiares de Alicante; y donde empezaba a ser popular gracias a una canción sobre ella.


title: Remedios Jover Cánovas

text: En el verano del 37 la nueva División de la Teniente Remedios organizó e instruyó al personal de la zona de Madrid. A principios de diciembre de ese mismo año se forma la División Táctica de Reserva con el Estado Mayor de Tagüeña, y varias Brigadas Mixtas que se convertirán en una Unidad de Choque Especial, que será trasladada al frente de Aragón y cedida al XV Cuerpo de Ejército. A finales de 1938 el ejército se repliega a la retaguardia y en febrero de 1939 los militares del Ejército del Ebro, entre los que se encuentra Remedios, cruzan en retirada la frontera con Francia por el paso de Port Bou.


title: Remedios Jover Cánovas

text: Estuvo recluida durante meses en el campo de concentración de Argelès-sur-Mer, donde conoció al exiliado español Tomás Gómez con quien se casó y tuvo una hija llamada Elisa.


title: Remedios Jover Cánovas

text: Pese a poder haberse exiliado a la Unión Spviética o a Méjico, prefirió quedarse en Francia para estar más cerca de su familia. Al estallar la II Guerra Mundial Tomás Gómez fue alistado forzosamente en las Compañías de Trabajadores que abrían caminos o fortificaban la frontera como la conocida Línea Maginot, y acabó detenido y enviado a Normandía, de donde huyó y se refugió en París, donde fue detenido de nuevo. Cuando la guerra acabó Remedios se ganaba la vida trabajando de limpiadora en colegios y viviendas particulares y no hay constancia de que llevara a cabo ningún tipo de actividad política.


title: Remedios Jover Cánovas

text: En el año 1971 Remedios vuelve a España y se instala en una pequeña vivienda en Petrer, aunque no reside allí constantemente. Murió en 1985 y fue enterrada en His, Francia.


title: Remedios Jover Cánovas

text: En el año 2016 se llevó a cabo un audiovisual sobre La Teniente Remedios. La cinta tenía por guionista y director al historiador de Petrer, Boni Navarro Poveda.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: El arte precolombino de Costa Rica es el conjunto de una serie de manifestaciones artísticas en diversas técnicas y materiales, que fueron elaboradas por los pueblos autóctonos de diferentes culturas que habitaron el actual territorio de Costa Rica, desde su poblamiento hace unos 12.000 años, hasta la llegada de los españoles en 1502.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Las culturas indígenas de Costa Rica produjeron gran abundancia y diversidad artística durante la época precolombina. Los creadores artísticos demostraron un gran derroche de imaginación, que les permitió expresar su mundo interior por medio de diferentes técnicas en la cerámica, la lítica, el jade, el oro, la concha, el hueso, etc, para producir sofisticadas obras de arte que estuvieron reservadas para las grandes élites de las sociedades indígenas, que a través de la posesión y el intercambio ritual, demostraban el poder del gobernante, dándole un poder y autoridad sagrados para regir los destinos de sus pueblos.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Los artistas precolombinos lograron expresar sus conceptos con gran realismo en algunas ocasiones, pero siempre imprimiendo su propia estilización y utilizando gran imaginación. Abundaron las formas geométricas y diseños abstractos, pero también se pueden reconocer formas zoomorfas y antropomorfas, o la mezcla de ambas, para lograr una armoniosa y original obra de arte.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Al ser Costa Rica un país ístmico, los grupos indígenas que ocuparon el actual territorio costarricense fueron un elemento importante de interacción establecida entre las sociedades mesoamericanas, andinas y otras, por lo que el arte incorporó elementos mesoamericanos y suramericanos a su propio desarrollo autóctono, elementos que han podido identificarse a través del tiempo mediante el estudio arqueológico y etnohistórico. En el arte precolombino costarricense pueden descubrirse influencias de los más variadas de las culturas maya, olmeca y de San Agustín.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: No obstante, los antepasados indígenas de los costarricenses crearon su propio estilo con sus cánones, lo que hace que su arte no sea complicado ni tampoco caiga en lo simple. Si bien es cierto que las culturas precolombinas de la actual Costa Rica no construyeron pirámides ni estelas de gran formato como lo hicieron algunas culturas americanas, sus manifestaciones artísticas de pequeño formato, poseen un carácter de monumentalidad, cuyas magníficas formas de exuberante belleza guardan sentido de la proporción y poseen su propia simbología. Los indígenas costarricenses desarrollaron su propia cosmogonía, inspirada en el entorno ecológico en el que vivieron, logrando, mediante su cultura, la cual quedó plasmada en sus manifestaciones artísticas, una relación armoniosa con la naturaleza. La gran capacidad de síntesis lograda por los artistas prehispánicos costarricenses es un sello inconfundible de su arte, lo cual, sumado a su poder para expresar conceptos con una gran vitalidad y delicadeza a la vez, le han dado a este arte un lugar preponderante en la historia del arte universal.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Para su estudio, en el actual territorio de Costa Rica se han establecido tres regiones arqueológicas, basándose en criterios geográficos y culturales.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Ocupa el litoral pacífico de Nicaragua y el Pacífico norte de Costa Rica. El sector costarricense se conoce como subregión sur o Guanacaste. Se corresponde actualmente con la provincia de Guanacaste y la parte norte de los provincia de Puntarenas. Esta región se caracterizó por la cultura de Nicoya, de fuerte influencia mesoamericana.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: La Gran Nicoya fue una subárea con un centro cultural constituido, que floreció al menos por 2000 años. El arte de la Gran Nicoya se destacó por su inigualable cerámica policromada, la cual posee cualidades estéticas sobresalientes con fuerte influencia de Mesoamérica, cuya tradición persiste hasta la actualidad en los artesanos del poblado de Guaitil en Guanacaste. También provienen de esta zona gran cantidad de los jades de Costa Rica, especialmente los dioses-hacha y los pendientes en forma de ave. En la lítica, destacó la elaboración del metate ceremonial nicoyano, esculpido en piedra y caracterizado por la presencia de efigies esculpidas de cabezas de jaguar y guacamaya, lo cual lo hace único en Mesoamérica.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Esta se encuentra en la parte central del país, corresponde al Valle Central, el Pacífico central y la Vertiente Atlántica del país. Se le divide en dos subregiones: Central-Pacífica y subregión Atlántica (Valle de Turrialba, llanuras del Atlántico central y llanuras del norte).


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Esta región destacó principalmente por su lítica en piedra volcánica y su orfebrería. Las sociedades autóctonas de la región Central alcanzaron un alto desarrollo en la estatuaria, manifestada por la creación de guerreros de piedra con cabezas-trofeo y otros temas. El metate trípode de panel colgante fue su manifestación artística más definida, expresión única y sobresaliente de los pueblos aborígenes del Valle Central y el Caribe. En la metalurgia, abundó la animalística y las formas antropomorfas, con fuerte influencia de la cultura Quimbaya de Colombia. Gran cantidad de jades han sido recuperados sobre todo de la subregión Atlántica. Los jarrones trípodes del Caribe Central son la manifestación cerámica más importante de esta región.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Abarca el Pacífico sur de Costa Rica y gran parte de Panamá. El sector costarricense se conoce como subregión Díquis. Es la zona por excelencia de la producción metalúrgica del país, por el hallazgo de abundantes y variadas piezas de oro precolombino. Destacó especialmente por la elaboración de esferas de piedra, muestra del avanzado desarrollo de la escultura, y actualmente consideradas Patrimonio de la Humanidad y símbolo nacional del país.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Las culturas precolombinas costarricenses dominaron las técnicas de las cerámicas en forma similar a las grandes culturas americanas. Para trabajar la cerámica, combinaban distintos tipos de arcillas con materiales orgánicos e inorgánicos, hasta obtener pastas manipulables.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: El artista generalmente utilizó la técnica manual de modelar la arcilla con sus propias manos. También se utilizó la técnica del enrollado, la cual consiste en hacer un rollo y luego otro para sobreponerlo al primero, para ir logrando diversos tamaños y formas.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: El modelado consistía en elaborar un molde con la forma que se quería lograr y así sacar varias reproducciones. Las vasijas ya formadas eran pulidas y decoradas con pintura, líneas incisas, acanaladas o grabadas. Luego, se cocían en un horno.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: La cerámica es la ofrenda ritual mortuoria más frecuente en las tres grandes culturas costarricenses. Su decoración da idea de sus creencias y tradiciones, así como sus conceptos cosmológicos, religiosos y sociales.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: La cerámica nicoyana es el arte más representativo de la cultura de la Gran Nicoya. Por su calidad y acabado llegó a convertirse en un preciado producto de intercambio comercial con otras regiones de Mesoamérica y Sudamérica. La manufactura de la cerámica nicoyana fue una labor especializada en la cual intervenían tanto la sensibilidad del artista como la necesidad de adquirir un bien utilitario. Las principales manifestaciones de esta cerámica se dieron en la elaboración de vasijas de diversos estilos, en la que sobresale la cerámica policromada, con motivos mesoamericanos, a partir de 500 d.C, así como colecciones de instrumentos musicales, incensarios y esculturas antropomorfas hechas de arcilla.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: La elaboración de la cerámica nicoyana tuvo varios periodos. Los más antiguos datan de 500 a.C a 300 d.C y corresponden a cerámica bicroma. Entre 500 y 800 d.C se elaboraron vasijas globulares bicromas que representan figuras humanas. También se elaboraron gran cantidad de incensarios de forma cónica, con el motivo del lagarto sobre la tapa, que recuerda la forma humeante de los volcanes de la cordillera de Guanacaste. Con la llegada de los chorotegas a Guanacaste en el 800 d.C, la región estuvo más vinculada con Mesoamérica, lo cual se nota en los temas decorativos de la cerámica. Aparecen vasijas trípodes decoradas con cabezas de animales como el jaguar, ricamente decoradas con motivos mesoamericanos. También se dio otro tipo de cerámica llamada de estilo Papagayo, con gran cantidad de decoraciones de influencia mesoamericana.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: La elaboración de cerámica nicoyana es un tipo de arte que persiste hasta la actualidad en Guanacaste, en el cual los artesanos la fabrican usando las mismas técnicas de los ancestros nicoyas, por lo que ha sido declarada patrimonio cultural de Costa Rica y un producto con denominación de origen reconocida por la Organización Mundial de la Propiedad Intelectual (OMPI).


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: En la región Central Atlántica, la cerámica se distinguió por ser bicroma. Se destaca especialmente la producción de una serie de jarrones trípodes de arcilla, elaborados en dos fases entre el 300 a.C y el 800 d.C. Estos recipientes tienen forma oval y se encuentran sostenidos por tres patas. Estos soportes de caracterizan por su rico decorado, con motivo de animales o personajes sagrados. Generalmente, estos soportes eran huecos, con el fin de introducir bolas de arcilla que los hicieran funcionar como sonajeros.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Los jarrones trípodes del Caribe Central de Costa Rica tienen una función esencialmente ritual y funeraria. Eran usados durante los enterramientos para calentar bebidas sagradas como la chicha y el chocolate, y luego, se les realizaba un proceso de "matado ceremonial", en el cual eran partidas en dos y enterradas en las tumbas como ofrendas, junto a otros objetos como piezas de cerámica, jade o metates de piedra.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Estos jarrones se clasifican en dos tipos: los Ticabán, jarrones gruesos con soportes altos y sólidos, que representan animales como la martilla, el sapo o la lechuza, y los jarrones tipo África, más alargados y estilizados, con soportes con motivos de chamanes, zopilotes, figuras humanas descarnadas y otros que recuerdan su función funeraria y el tema de la muerte.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Otros tipos de cerámica provenientes de la región Central Atlántica incluyen pequeños sonajeros e instrumentos musicales zoomorfos y antropomorfos de arcilla. Algunas figuras representan seres humanos sedentes realizando el acto sexual, elaboradas en cerámica monocroma o bicroma, conocidas como cerámica de Santa Clara, por haberse encontrado principalmente en esa llanura del Caribe.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: La cerámica de la cultura del Diquís es de tipo monocromo y bicromo. Tiene preferencia por las piezas pequeñas con motivos antropomorfos y zoomorfos, principalmente en elementos de uso doméstico (vasijas, instrumentos musicales). Se caracteriza por la belleza de las piezas, con fuertes expresiones de movimiento y con estética plástica elaborada y estilizada.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Su elaboración inicia entre 2.000 y 300 a.C, que corresponde al periodo más antiguo de uso de la cerámica registrado en Costa Rica. Las muestras más antiguas corresponden a fragmentos de platones de arcilla y budares. Entre 300 a.C y 300 d.C, con la organización tribal de las sociedades autóctonas, la cerámica comienza a caracterizarse por el uso del color rojo y anaranjado, con temas zoomorfos. Las decoraciones son de líneas incisas que forman diseños geométricos.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Entre 300 d.C y 800 d.C, con la consolidación de los cacicazgos complejos, aparecen nuevos tipos de cerámica, caracterizados por dibujos de animales elaborados con línea incisa sobre engobe rojo. Entre 800 a 1.500 d.C, se inicia el uso de la policromía en rojo, negro y crema, motivos bicromos, cerámica galleta y decoración plástica.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Entre el 500 y 700 d.C, los pueblos autóctonos de Costa Rica elaboraron piezas de jade a partir de jadeíta, nefrita, serpentina y otras piedras verdes, utilizando técnicas y motivos autóctonos, aunque con algunas influencias foráneas (olmecas, mayas, Cultura San Agustín). Se usaron como ornamento personal y luego se destinaron como parte del ajuar funerario de los individuos, asociados a individuos con rango social y/o con presencia de elementos mítico-religiosos. Se decoraban usando acción abrasiva con piedras y agua, raspado o esgrafiado, en el cual se realizaban incisiones, calado (acanalado) y pulido. Las figuras representaban chamanes, aves, murciélagos, lagartos y otros. Más tardíamente, el jade sería reemplazado por el oro como símbolo de poder entre 700 y 1502 d.C.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: La mayoría de las piezas del jade precolombino de Costa Rica provienen de la Gran Nicoya y la Región Central Atlántica. Pueden distinguirse tres tipos distintos de jades: los dioses-hacha, el más representativo de Costa Rica, son figuras humanas (generalmente chamanes) ataviadas con atributos animales, en postura hierática, caracterizadas por una cola de base amplia en forma de hacha; los pendientes avimorfos, que tienen figura de ave y cuya función recuerda las habilidades metamórficas del chamán; y los jades en barra, de forma rectangular y suspensión horizontal, más frecuente en la vertiente del Caribe, que representan principalmente al murciélago y los saurios.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Costa Rica posee la colección arqueológica de piezas de jade precolombino más grande del mundo (2500 piezas), resguardadas en el Museo del Jade de la ciudad de San José.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Entre el año 700 d.C y hasta la llegada de los españoles en 1502, en cada región geográfica y cultural de Costa Rica surgieron diversos centros de manufactura de objetos de metal, con el oro y el cobre como principales materias primas. Se han logrado identificar estilos particulares en estas distintas regiones, destacándose especialmente las piezas producidas en la Región Atlántica Central y el Pacífico Sur (Diquís). Las sociedades autóctonas costarricenses utilizaron estos objetos de oro como signos de rango y poder, siendo usados como adornos o insignias por personas que ostentaban cargos importantes en la estructura religiosa y política de estos grupos. También fueron utilizados como piezas de intercambio y como ofrendas funerarias, substituyendo paulatinamente al jade.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Los pueblos indígenas precolombinos de Costa Rica utilizaron diversas técnicas importadas principalmente de Suramérica, como el martillado y la fundición del metal, utilizando la técnica de la cera fundida para moldear las figuras. Mediante estas técnicas de elaboraron pectorales, cuentas de collares, diademas, brazaletes, decorados con elementos y diseños geométricos y figuras de animales. Aunque existe influencia de las regiones del norte colombino y la región andina principalmente, los artistas del oro precolombino de Costa Rica lograron infundir en sus trabajos elementos locales que logran establecer una clara diferenciación de las piezas producidas a nivel local.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Las piezas de oro precolombino de Costa Rica se destacan por representar la riqueza del mundo natural aborigen y su cosmogonía. En ellas se hallan representadas diversas aves como el águila harpía y la guacamaya, felinos como el jaguar y el puma, así como ranas, sapos, lagartos, otros mamíferos y animales de la fauna marina, que se han interpretado como tótemes protectores de los distintos clanes. También existen objetos con un profundo significado simbólico y ritual, que representan especialistas funerarios como chamanes, curanderos y músicos, ataviados con máscaras y características físicas de animales, en conjunción con múltiples significados pertenecientes al universo indígena.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Durante la época de la Conquista española, gran cantidad de las piezas de oro preocolombino de Costa Rica fueron fundidas para su exportación a Europa. Otra gran cantidad de ellas se perdieron en épocas posteriores por el saqueo de las tumbas, y es muy poco el oro que ha logrado preservarse intacto por su estudio arqueológico y etnohistórico. No obstante, muchas piezas de oro precolombino han logrado rescatarse y se encuentran actualmente en custodia de instituciones estatales como el Museo del Oro Precolombino, el Museo Nacional de Costa Rica y el Museo del Jade, siendo consideradas parte del patrimonio cultural de la nación costarricense.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: La escultura en piedra alcanzó una vasta producción, con fino acabado. El material más utilizado fue la andesita, obtenida de los volcanes, y se practicaron técnicas de lasqueado y pulimento, alcanzando a elaborar gran cantidad de piezas como metates ceremoniales, guerreros, chamanes, esclavos, animales, cabezas-trofeo, asientos, lápidas, remates de bastones, etc.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Las tres culturas precolombinas de Costa Rica tuvieron una rica producción estatuaria, principalmente en piedra volcánica.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: En Guanacaste se pueden distinguir varios tipos de estatuas. Las más antiguas provienen de la cultura Corobicí, que precedió a los chorotegas en el ocupamiento del territorio. Los corobicíes elaboraron una serie de estatuas en piedra volcánica, en forma de pilares hechos de ignimbrita, encontrados principalmente en la zona de Cañas y Bagaces. Estos pilares poseen formas antropomorfas y grabados que reflejan sentimientos personales, ceremonias y emblemas de clanes, figuras humanas y de animales como monos, aves, peces y garrobos. Los pilares fueron utilizados como marcadores de territorios y en cementerios, o como ofrendas en las tumbas.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Los artistas indígenas de la Gran Nicoya elaboraron estatuas de arcilla y piedra, que decoraron siguiendo el mismo estilo utilizado para la cerámica policrómica. Las estatuas de arcilla representan principalmente figuras femeninas que representan diosas de la fertilidad. Las figuras pueden sostenerse en pie y llevan pintura corporal. En ocasiones, representan posiciones sexuales, y algunas presentan deformaciones corporales craneales y estrabismo, lo que denota la influencia de la cultura maya. La Región Central Atlántica se destacó por la riqueza de su estatuaria, elaborada en piedra de andesita. Las figuras más representativas son los guerreros de piedra con cabeza-trofeo, figuras antropomorfas que sostienen las cabezas de sus enemigos, pues estas culturas creían que de esta forma absorbían sus poderes, cualidades y energía vital. También fabricaron gran cantidad de cabezas-retrato, altamente detalladas, elaboradas con marcados detalles como la expresión facial y los peinados. Otras figuras aparecen en posición sedente, con las piernas y brazos cruzados, llevando objetos a la altura de su boca, representando chamanes y curanderos. El chamán también fue representado por figuras de pie llevando máscaras con formas de animales, adornados con collares, birretes con decoraciones incisas y cuentas tubulares de jade, mostrando los genitales. Otro motivo de las estatuas de piedra es la mujer, representada generalmente sujetándose los senos mamarios con ambas manos, como diosas de la fertilidad. La mayoría de las figuras se hallan de frente, aunque hay casos en que se han encontrado piezas que rompen esta ley de la frontalidad y la simetría absoluta característica de estas estatuas. Se han hallado también figuras de piedra que representan prisioneros.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: La cultura de Diquís elaboró gran cantidad de estatuas, algunas de ellas monumentales, caracterizadas por su base en forma de espiga, para colocarlas delante de los templos o casas principales, junto a las esferas y barriles de piedra característicos de esta cultura. Las esculturas representan la forma humana de forma sintetizada, en pose ritual y ataviadas con máscaras de animales (las máscaras juegan un papel importante en el acervo cultural de los pueblos indígenas del sur de Costa Rica, aún en la actualidad). También hay estatuas de animales como el búho, el jaguar y el murciélago, los cuales tiene un papel importante en la cosmogonía de estos pueblos aborígenes.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Todas las culturas precolombinas que habitaron el territorio actual de Costa Rica elaboraron metates, los cuales tuvieron primordialmente un uso ceremonial. Estos metates se fabricaron principalmente en piedra volcánica, generalmente andesita, y tuvieron formas variadas que distinguen a cada una de la regiones arqueológicas en las que fueron manufacturados.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Los metates de la región de la Gran Nicoya se caracterizan por un plato rectangular cóncavo y tres patas con los extremos puntiagudos, con una cabeza labrada en forma de jaguar o guacamaya. Cabeza y patas presentan una fina decoración geométrica, con calados en una elaborada filigrana. En el vientre del plato es frecuente observar grabados. El metate ceremonial nicoyano fue una expresión artística única en Mesoamérica.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: En la región Central Atlántica, el metate trípode de panel colgante se distingue como una manifestación cultural única y distintiva de las culturas prehispánicas de Costa Rica. Generalmente trípodes, presenta distintas representaciones simbólicas asociadas a la agricultura, la religión y el dominio de las sociedades indígenas unas sobre otras. Se elaboraron mediante abrasión y pulido, y su uso fue estrictamente ceremonial. Se distinguen porque bajo el plato del metate se encuentra un panel de piedra decorado con escenas y personajes mitológicos con formas antropomorfas y zoomorfas, en conjunción con las creencias religiosas y rituales chamánicas de las culturas de la región central del país.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Los metates de la región del Diquís son platos cóncavos ovalados, que se distinguen de los otros porque tienen cuatro patas en lugar de tres. Generalmente están decorados con cabezas y patas de jaguar. Además de metates, los aborígenes del Pacífico Sur de Costa Rica también elaboraron en piedra una serie de barriles y esferas, que son representativos de esta región arqueológica.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: La manifestación artística por excelencia de la escultura precolombina costarricense son las esferas de piedra. Procedentes en su mayoría de la región del Diquís, son megalitos de gabro o granodiorita, datados entre 300 a.C y 300 d.C. Se han encontrado hasta 200 piezas de distinto tamaño (de pocos centímetros hasta 2.5 m de diámetro) en 34 sitios arqueológicos de todo el país. Se ha determinado que fueron fabricadas con técnicas de abrasión e instrumentos de piedra, aunque aun no se tiene claro del todo cómo se elaboraron.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Se les ha atribuido distintos significados a través del tiempo: símbolos de rango, marcadores territoriales, jardines astronómicos, ayudas de memoria, sin faltar las teorías esotéricas, sobrenaturales y atribución a extraterrestres. La hipótesis más reciente, elaborada mediante reconstrucción etnohistórica, apunta a un significado mítico religioso, asociada con el dios del trueno Tlachque y los dioses del viento y los huracanes (serkes) de la mitología talamanqueña.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: La mayoría de ellas aún se encuentran en la región del Pacífico Sur, mientras que otras fueron trasladas a los museos e instituciones gubernamentales de la capital y a otros museos alrededor del mundo. No obstante, buen número de ellas también fueron destruidas durante el siglo XX, durante la época del saqueo de tumbas por la creencia de que albergaban oro, mientras que muchas fueron sacadas del país mediante el contrabando de bienes arqueológicos.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Las esferas de piedra se consideran un hito del pasado prehispánico costarricense en general, y de la escultura precolombina en particular. Su síntesis formal, la concepción de la esfera como motivo artístico, denota un grado de madurez plástico único en el continente. Por esto, se les considera símbolos nacionales de Costa Rica y han sido declaradas Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: De la Región Central Atlántica provienen gran cantidad de objetos de piedra como asientos labrados en forma de cilindro, con decorados antropomorfos en relieve (generalmente el lagarto), mesas ceremoniales de piedra de forma circular, decoradas con cabezas de jaguar o de difuntos, así como lápidas con motivos zoomorfos. Los asientos eran utilizados por personajes importantes de alto rango dentro de la sociedad indígena, a modo de tronos. De hecho, entre las figuras de oro recuperadas de la región Atlántica, se han encontrado piezas que representan reyes en posición sedente sobre estos asientos.


title: Arte precolombino de Costa Rica

text: Otro elemento destacado son los remates de bastones. Hechos en piedra volcánica, eran mazas labradas con una perforación vertical, confeccionadas para ser montadas sobre bastones probablemente de madera. Estos objetos estaban asociados con el poder y rango o dominación del personaje que lo empleó, simbolizados como armas, aunque este no fue su uso específico. Algunas de estos remates tienen formas zoomorfas, representando al clan al que pertenece el personaje.


title: Río Itni

text: El río Itni, también conocido como río Itne, es un río que atraviesa gran parte de la provincia oeste de Nueva Bretaña de norte a sur, en Papúa Nueva Guinea. Se extiende desde el centro de la isla hasta el cabo Bushing, al oeste de Arawe. Durante la campaña de Nueva Bretaña, el general Julian Cunningham envió una patrulla de infantería en dos LCVPs para investigar su área.


title: Raquel Córcoles

text: Raquel Córcoles (Reus, 31 de diciembre de 1986), más conocida como Moderna de Pueblo, es una ilustradora y autora de cómic española.


title: Raquel Córcoles

text: En 2018, Raquel Córcoles fue una de los 15 ilustradores invitados por el Festival Internacional de Cine La Guarimba para participar en la exposición "Artistas por la Guarimba."


title: Raquel Córcoles

text: Raquel Córcoles nació el 31 de diciembre de 1986 en la localidad de Reus, en la provincia de Tarragona.


title: Raquel Córcoles

text: Estudió la carrera de Publicidad, Periodismo y Comunicación Audiovisual en la Universidad Rovira i Virgili (2005-2007) en Tarragona y una licenciatura de Periodismo en la Universidad Rey Juan Carlos (2007-2009) en Madrid.


title: Raquel Córcoles

text: Su carrera profesional comienza en Nissan Iberia S.A. como ejecutiva de cuentas junior en el año 2007, ha sido redactora de InformativosTelecinco.com dando cobertura nacional a información bursátil y económica, y ha pasado por varias agencias de publicidad como copy o creativo. Su salto como ilustradora de cómic comienza en agosto del año 2011 en la revista "El Jueves" donde publica una página de cómic semanal, y ese mismo año en la Revista "Cuore" con una tira cómica semanal, actualmente sigue colaborando activamente con ambos medios impresos. Además colabora en medios como la revista GQ y el periódico "El País".


title: Raquel Córcoles

text: Decidió dejar a un lado su trabajo como creativa para dedicar todo el tiempo a su proyecto personal, Moderna de Pueblo, donde crea los guiones, es ilustradora de las imágenes que lo componen, además de dirigir los contenidos de la misma. Trabaja conjuntamente en este proyecto con Carlos Carrero (Madrid, 1984) quien dirige y gestiona la parte digital y empresarial de la marca, y que desde el año 2014 se encarga de la tienda oficial en internet de Moderna de Pueblo.


title: Raquel Córcoles

text: El nombre de "Moderna de Pueblo" procede de un personaje creado durante el año 2010, quien da nombre al blog principal de la autora. Este personaje se convirtió en un fenómeno viral con más de 200.000 seguidores en Facebook. En el año 2018 su perfil en Facebook cuenta con más de 600.000 seguidores. Gracias a este blog ganó la beca «Connecta't al còmic» que le permitió publicar su exitoso primer libro, "Soy de Pueblo", junto con la ayuda de la diseñadora gráfica española Marta Rabadán (Cocentaina, 1984).


title: Raquel Córcoles

text: El personaje cuenta sucesos que le han ocurrido a ella o a amigos suyos, si bien la intención es que sea un prototipo reconocible por el lector, con un toque de ironía cómica.Sus historietas tratan sobre una veinteañera que se muda del pueblo para triunfar en la ciudad, parodiando situaciones que buscan conectar con el lector. Sus cómics están protagonizados por una chica rubia con gafas de sol permanentes, Moderna de Pueblo, y diferentes personajes de la cultura urbana, tales como mujeres con problemas cotidianos, jóvenes frustrados, becarios, hipsters o modernos.


title: Raquel Córcoles

text: Todos sus libros se encuentran disponibles en superficies comerciales y librerías. Se publican dos versiones de ellos, una en castellano y otra en catalán, además de la versión en formato e-book.


title: Raquel Córcoles

text: Esta novela gráfica trata sobre cómo sobrevivir en la ciudad siendo de pueblo y conseguir ser una moderna. Como la propia autora lo considera, es un manual de sobrevivencia». Es el primer cómic publicado por Raquel Córcoles, en colaboración con la diseñadora gráfica Marta Rabadán. Es la obra ganadora de la Beca Carnet Jove 2010 Conecta´t al Còmic.


title: Raquel Córcoles

text: Se trata de la segunda novela publicada por Raquel, en ella ilustra de una forma cómica los amores y desamores tras establecerse en la ciudad, en concreto de los prototipos de hombres «capullos» que se ha encontrado en los meses que lleva en la ciudad este personaje de pueblo, y como sobreponerse a ellos.


title: Raquel Córcoles

text: En esta ocasión Raquel presenta a un nuevo personaje de sus novelas, el «cooltureta» o aquel tipo que todo lo sabe, y si no lo sabe lo aparenta. Un hombre que decide mudarse al barrio más de moda de la ciudad y que quiere tener amigos cultos, encontrar el amor en alguien con sus mismos y curiosos gustos, y conocer de primera mano las cafeterías más modernas de la ciudad.


title: Raquel Córcoles

text: El tema principal que trata este libro es el feminismo en la actualidad, conjuntamente con una metáfora del mundo Disney de princesas y príncipes. Con ello, se pretende eliminar los estereotipos de género, se critica y se denuncian los comentarios y actuaciones machistas en diferentes ámbitos como el trabajo, o el sexo.