title: Love Yourself

text: El vídeo musical de la canción fue lanzado en YouTube el 14 de noviembre de 2015 junto con los otros vídeos de "Purpose: The Movement". El clip comienza con Bieber diciendo: «El amor no es hacer esto por mí, y yo voy a hacer esto por ti. Eso no es lo que es el amor. El amor es solo que voy a hacer esto por ti porque quiero hacer esto por ti». Más tarde, el vídeo continua cuenta con la pareja de bailarines Keone y Mari Madrid bailando alrededor de su casa. Luego se ven bailando en las pantallas de sus teléfonos. El vídeo termina cuando la mujer despierta y encuentra una nota en la almohada de su esposo, que dice: «Ámate». Entretanto Tim Byron de "Junkee" declaró que «Si el videoclip de 'Love Yourself' evita imágenes en blanco y negro de un Bieber sin maquillaje usando mezclilla, es sólo porque la gente de Bieber en cambio optó por la ruta de Sia: imágenes de un par de personas haciendo un baile interpretativo, como el videoclip de Sia para 'Elastic Heart' con Maddie Ziegler y Shia LaBeouf».


title: Love Yourself

text: Bieber presentó en vivo por primera vez «Love Yourself» durante la #BieberWeek (semana de Bieber en español), en el "talk show" de Ellen Degeneres, en dicho especial el intérprete concedió entrevistas, participó de juegos, bromas y cantó además «What Do You Mean?» y «Sorry». Seguido a esto, el 18 de noviembre de 2015 se presentó en "Today Show", e interpretó «Love Yourself», así como nuevos temas, «Company», «The Feeling» con Halsey y «No Pressure» con Big Sean. Bieber también incluyó el tema en su repertorio para el Jingle Bell Ball 2015 de Capital FM. Bieber se presentó en la e interpretó el tema, luego se unió a Diplo y Skrillex e interpretaron «Where Are Ü Now».


title: Love Yourself

text: El cantante interpretó una versión acústica de la canción con James Bay en la guitarra antes de interpretar «Sorry» durante los . El 3 de abril de 2016, durante la tercera entrega de los iHeartRadio Music Awards, vistiendo rastas, cadenas de oro y una chaqueta roja suelta, interpretó una versión acústica de la canción, así como el tema «Company». Bieber incluyó el tema en el repertorio de su gira mundial Purpose World Tour. En la actuación, Bieber se acompaña de una guitarra acústica mientras está sentado en un sofá de terciopelo rojo en el centro del escenario. También cantó el tema en un "show" pregrabado de los Radio Disney Music Awards, especial para sus fanes.


title: Love Yourself

text: La cantante canadiense Alessia Cara publicó un vídeo versionando el tema en su canal de YouTube el 14 de noviembre de 2015, en el clip estuvo acompañada de una guitarra. El artista británico Conor Maynard también realizó una rendición del sencillo y lo publicó en su cuenta de YouTube el 17 de noviembre de 2015. La banda danesa Lukas Graham interpretó el tema durante el The Summertime Ball 2016, de Capital FM. La cantante estadounidense Halsey realizó una versión del tema en el estudio Like a Version de la estación de radio australiana Triple J. De esta versión llamó la atención el cambio de «love yourself» por «fuck yourself». Los cantantes británicos Yo Preston y Kelly Kiara se unieron para escribir una respuesta a la canción, llamaron a la versión «Love Yourself vs F**ck Yourself». En su versión, Kiara responde a las letras de Bieber tomando los hábitos de engaño de un muchachos y celos abrumadores. Dicha versión alcanzó los veinte primeros en la lista de sencillos de Australia, en la posición dieciséis.


title: Love Yourself

text: La actriz y cantante Sofia Carson realizó una versión del tema durante su presentación en el Honda Stage de iHeartRadio de 2016, en esa interpretación solo estuvo acompañada de un piano. Ed Sheeran interpretó el tema en la gala de East Anglian Children's Hospic el 30 de noviembre de 2016, el intérprete comentó que «Probablemente nunca la volveré a tocar, pero solo quiero hacerlo una vez». La cantante Lindsay Ell realizó una rendición de «Love Yourself», acompañada de una guitarra acústica, asimismo Hailee Steinfeld. Otras versiones del tema incluyen a Sweet California, The Vamps, Craig David, Leroy Sánchez, Inna, Camila Cabello y Jacob Whitesides, entre otros.


title: Love Yourself

text: Fuente: Notas del disco "Purpose"


title: Robert Saidreau

text: Robert Saidreau (19 de septiembre de 1875 – 5 de diciembre de 1925) fue un director, actor y guionista cinematográfico de nacionalidad francesa, activo en la época del cine mudo.


title: Robert Saidreau

text: Su verdadero nombre era Jean Marie Robert Sordes, y nació en Valence, Francia. Falleció en París, Francia, a causa de una neumonía


title: Isla Trinitaria

text: La Isla Trinitaria es un populoso sector en el sur de la ciudad de Guayaquil, y que pertenece a la parroquia Ximena. Está rodeada por varios ramales del Estero Salado y se divide en cooperativas que cuentan con sus propios presidentes.


title: Esquila (campana)

text: La esquila (del gót. *skĭlla; cf. a. al. ant. scëlla) es una campana pequeña y tosca, generalmente cilíndrica y hecha con chapa de cobre o hierro que se cuelga del cuello de las ovejas y cabras. Es similar al cencerro para las vacas y toros pero más pequeña para que los animales más pequeños lo lleven con facilidad. Al animal que lo lleva se le conoce como esquilero. El sonido de la esquila sirve al ganadero para identificar y localizar al animal que lo porta.


title: Esquila (campana)

text: También se conoce como "Esquila" a las campanas de algunas Iglesias que tienen la capacidad de girar 360 grados y para hacerlo de una manera segura suelen usar un yugo o contrapeso que puede ser de madera o hierro


title: Música popular de Estados Unidos

text: La Música popular estadounidense ha tenido un efecto profundo en la música alrededor del mundo. El país ha visto el incremento de estilos populares que han tenido influencia significativa en la cultura global, incluyendo el ragtime, blues, jazz, swing, rock, bluegrass, country, rythm and blues, doo wop, gospel, soul, funk, heavy metal, punk, música disco, house, techno, grunge y hip hop. Además, la industria musical americana es bastante diversa, apoyando a una variedad de estilos regionales, tales como el zydeco, klezmer and slack key.


title: Música popular de Estados Unidos

text: Los estilos distintivos de la música popular estadounidense surgieron a principios del siglo XIX y fue durante el siglo XX que la industria musical estadounidense desarrolló una serie de nuevas formas de música, utilizando elementos del blues y otros géneros de la música folclórica de Estados Unidos. Estos estilos populares incluían al country, R&B, jazz y rock. Los años 60 y 70 vivieron un importante número de cambio dentro de la música popular estadounidense, incluyendo varios estilos y/o géneros nuevos, tales como el heavy metal, punk, soul e hip hop. Si bien éstos no eran "populares," en el sentido al cual se refiere la palabra "mainstream" (cultura de masas en español), éstos eran comercialmente grabados y se convirtieron en ejemplos de "música popular", en contraposición con el folk o la música clásica.


title: Música popular de Estados Unidos

text: Las primeras canciones que pueden ser consideradas como parte de la "música popular estadounidense," en contraposición con la música folclórica de una región o etnia particular, fueron las canciones sentimentales de parlor, escritas por "Stephen Foster y sus compañeros", así como las canciones de los shows de minstrel, producciones teatrales con música vocal, danza e interpretaciones de comedia. El minstrel incluye instrumentos africanos comunes y danza, así como intérpretes con caras pintadas de color negro, técnica conocida como blackface. A mediados el siglo XIX, las compañías en gira habían llevado su música no solamente a cada parte de los Estados Unidos, sino también al Reino Unido, Europa occidental, África e incluso Asia. Los shows de minstrel eran generalmente anunciados como si la música de éstos perteneciera al estilo afroamericano, si bien esto casi nunca era verdad.


title: Música popular de Estados Unidos

text: Las personas de raza negra habían tomado parte en la cultura popular previa a la época de la Guerra Civil Estadounidense, situada por lo menos en el auge del African Grove Theatre ubicado en la Nueva York de 1820, durante la publicación de la primera música hecha por un compositor negro, Francis Johnson, en 1818. Sin embargo, estos logros aún ocurrieron completamente dentro de las convenciones de la música europea. La primera canción popular de un minstrel fue "Jump Jim Crow" del compositor Thomas "Daddy" Rice, la cual fue interpretada por primera vez en 1832, causando sensación en Londres cuando Rice la ejecutó en 1836. Rice usó un baile que copió de un granjero, con una melodía adaptada de una danza irlandesa. Los elementos africanos incluían el uso del banjo, el cual se cree que derivó de los instrumentos de cuerda de África occidental, así como ritmos acentuados y aditivos. Muchas de las canciones de los shows de minstrel aún son recordadas al día de hoy, en especial aquellas escritas por Daniel Emmett y Stephen Foster, siendo el último, de acuerdo con David Ewen, "el primer gran compositor de Norteamérica, y uno de los autores más sobresalientes del mundo". Las canciones de Foster eran típicas de la era del minstrel en cuanto a su sentimentalismo desvergonzado y su aceptación de la esclavitud. Sin embargo, Foster hizo más que otros compositores del periodo para humanizar a los negros sobre los cuales escribía, tal como se observa en "Nelly Was a Lady", una canción melancólica y dolida sobre un hombre negro lamentando la pérdida de su esposa.


title: Música popular de Estados Unidos

text: El espectáculo del minstrel marcó un inicio a la larga tradición de la música afroamericana que fue apropiada por las audiencias populares, además de ser la primera forma estadounidense de música en obtener aclamación internacional a mediados del siglo XIX. Como Donald Clarke lo ha comentado, el minstrel muestra "esencialmente música negra, mientras que los actos más exitosos eran de blancos, que por otro lado imitaban canciones y danzas de origen negro y a su vez, los intérpretes de esta raza adoptaban aquellas imitaciones, quienes terminaban así imitándose a sí mismos". Clarke atribuye el uso del blackface como parte del deseo de los americanos blancos de glorificar la existencia brutal de los negros (tanto los libres como los esclavos) a través de retratarlos como individuos alegres y despreocupados, más apropiados para la vida de hacienda y la interpretación de canciones simples y jubilosas, las cuales fácilmente atraían a la gente.


title: Música popular de Estados Unidos

text: Los shows del minstrel permanecieron populares hasta finales del siglo XX, desapareciendo gradualmente a principios del siglo XX. En ese tiempo, una forma lujosa y elaborada de teatro llamada "extravaganza" surgió, comenzando por la obra "The Black Crook" de Charles M. Barras. Las extravaganzas fueron criticadas por los periódicos y las iglesias de la época porque los shows eran consideradas como sexualmente provocativas, ya que las mujeres cantaban piezas obscenas vestidas con ropa casi transparente. David Ewen describió esto como el comienzo de la "larga y activa carrera de la explotación sexual" del teatro musical estadounidense y la música popular. Tiempo después, las extravaganzas tomaron elementos de interpretaciones de burlesque, las cuales eran producciones satíricas y paródicas muy populares a finales del siglo XIX.


title: Música popular de Estados Unidos

text: De la misma manera que la extravaganza y el burlesque, el espectáculo de variedades consistía en una producción cómica y atrevida, popular desde mediados hasta finales del siglo XIX, periodo para el cual esta había evolucionado en el vodevil. Esta forma fue creada por productores como Tony Pastor, el cual intentó motivar a mujeres y niños a asistir a sus shows; éstos dudaban a causa de la multitud tosca y desordenada que había tomado el teatro como parte de su dominio por un largo tiempo. Para inicios del siglo XX, el vodevil era ya una forma respetada de entretenimiento para mujeres y niños; por otro lado, compositores como Gus Edwards escribían canciones que eran populares por todo el país. Los shows más populares del vodevil eran, al igual que el "Ziegfeld Follies", una serie de canciones y sketchs que tuvieron una profunda participación en el desarrollo subsecuente del teatro musical de Broadway y las canciones populares de Tin Pan Alley.


title: Música popular de Estados Unidos

text: Tin Pan Alley fue un establecimiento de la Union Square en la ciudad de Nueva York, el cual se convirtió en el centro más importante para la publicación de música a mediados 1890. Los compositores de esta era escribieron canciones formulaicas, muchas de las cuales eran baladas sentimentales. Durante esta época, un sentido de conciencia nacional se encontraba en desarrollo, dado que los Estados Unidos se convirtieron en una potencia mundial tremenda, especialmente después de la guerra hispano-estadounidense. La creciente disponibilidad y eficiencia de las vías férreas y del servicio postal contribuyeron a difundir las ideas, incluyendo a las canciones populares.


title: Música popular de Estados Unidos

text: Algunos de los más memorables editores de Tin Pan Alley incluyeron a Willis Woodward, M. Witmark & Sons, Charles K. Harris, así como a Edward B. Marks and Joseph W. Stern. Stern y Marks se encontraban entre los compositores más conocidos de Tin Pan Alley; éstos comenzaron escribiendo juntos como aficionados en 1894. Además de las populares baladas y otras canciones de buen parecer, los escritores de Tin Pan Alley se concentraron en temas provocativos y escabrosos. Las "coon songs" (traducido como "canciones negras") eran otra parte importante de Tin Pan Alley, derivadas de las "canciones aguadas" del espectáculo minstrel con su "brío y electricidad" traído de la "asimilación del ragtime". La primera canción negra popular fue "New Coon in town", introducida en 1883, seguida de una ola de "coon shouter" (intérpretes del género) como Ernest Hogan y May Irwin.


title: Música popular de Estados Unidos

text: El comienzo del siglo XX también fue testigo del desarrollo de Broadway, un grupo de teatros especializados en musicales. Broadway se convirtió en una de las locaciones preeminentes del teatro musical en el mundo, y produjo un conjunto de canciones que llevaron a Donald Clarke a llamar la época, la "era dorada de la composición musical." La necesidad de adaptar canciones divertidas a las restricciones del teatro y sus argumentos le permitieron y lo motivaron a crecer en el ámbito de la composición, así como al alza de compositores tales como George Gershwin, Vincent Youmans, Irving Berlin and Jerome Kern. Estos autores escribieron canciones que aún son populares, conocidas al día de hoy como The Great American Songbook (el gran cancionero estadounidense).


title: Música popular de Estados Unidos

text: Las óperas extranjeras eran populares entre la clase media-alta del siglo XIX, mientras que otros musicales de teatro musical incluían a las operetas, óperas de baladas y la ópera bufa. Las operetas inglesas de Gilbert and Sullivan eran particularmente populares, mientras que las composiciones americanas habían tenido problemas para encontrar una audiencia. George M. Cohan fue el primer compositor americano notable del teatro musical y el primero en separarse de la opereta, también memorable en cuanto a su uso de la lengua local en sus obras. A principios del siglo XX, sin embargo, los dramaturgos negros, compositores y músicos estaban siendo parte del impacto del teatro musical, comenzando con los trabajos de Will Marion Cook, James Reese Europe y James P. Johnson; el primer gran hit musical negro fue "Shuffle Along" en 1921.


title: Música popular de Estados Unidos

text: Las operetas importadas y producciones domésticas hechas tanto por blancos, como Cohan, como por negros, como Cook, Europe y Johnson todos tuvieron una influencia formativa en Broadway. Compositores como Gershwin, Porter y Kern hicieron del teatro musical cómico un pasatiempo nacional, el cual contenía un sentimiento distinguidamente americano, el cual no era dependiente de los modelos europeos. La mayoría de estos individuos era judíos, siendo Cole Porter la única gran excepción; todos ellos eran descendientes de inmigrantes del siglo XIX que huían de la persecución del Imperio Ruso, asentados de manera influyente en distintos barrios de Nueva York. Muchos de los primeros musicales fueron influenciados por la música negra, mostrando elementos del primer Jazz, tal con en "In Dahomey;" los compositores judíos de estos trabajos pudieron haber visto conexiones entre las notas de blues afroamericanas tradicionales y su propia música judía folclórica.


title: Música popular de Estados Unidos

text: Las canciones de Broadway fueron grabadas casi al principio del siglo, pero no se fue sino hasta mucho después que se hicieron abiertamente populares fuera del contexto teatral. La canción "They Didn't Believe Me" de Jerome Kern's fue una de las primeras canciones que se hizo famosa por todo el país. Las innovaciones posteriores de Kern incluyeron un argumento más creíble, más allá de historias sin forma construidas alrededor de trabajos anteriores, comenzando con "Show Boat" en 1927. George Gershwin fue quizás el compositor más influyente en Broadway, comenzando por "Swanee" en 1919 y continuando con trabajos futuros para jazz y orquestas. Su composición más duradera podría ser la ópera "Porgy and Bess", una historia acerca de dos personas de raza negra, las cual fueron destinadas por Gershwin a ser una especie de "ópera folclórica", una creación del nuevo estilo del teatro musical americano basado en modismos americanos.


title: Música popular de Estados Unidos

text: El Ragtime fue un estilo de música para bailar basada en el piano, el cual usa ritmos sincopados y cromatismo; el ejecutante y compositor más conocido del género fue indudablemente Scott Joplin. Donald Clarke considera que el ragtime es la culminación de las "coon songs," usadas al principio en los shows de minstrel y después en el vodevil, dando como resultado la filtración de estos ritmos en la cultura popular; él también sugiere que el distintivo sonido del ragtime puede haber venido de un intento de imitar el banjo afroestadounidense al usar el teclado.


title: Música popular de Estados Unidos

text: Dada la naturaleza esencial afroestadounidense del ragtime, es comúnmente considerara como el primer estilo de la música popular americana en ser realmente negra; el ragtime trajo la síncopa y sonido auténticamente negro a la música popular. Las canciones populares de ragtime utilizaban notación y eran vendidas en partituras, pero el estilo en general era ejecutado informalmente en todo el país; estos ejecutantes amateurs tocaban una forma más improvisada del ragtime, el cual, eventualmente, se convirtió en una gran influencia formativa en el jazz.


title: Música popular de Estados Unidos

text: El invento de Thomas Edison del cilindro de fonógrafo marcó el nacimiento de la grabación de música. El primer cilindro en ser lanzando fue "Semper Fidelis", interpretado por la Banda de la Marina de los Estados Unidos. Al principio, los cilindros eran raramente lanzados al mercado, pero conforme aumentaron las ventas también lo hizo su distribución. Estas primeras canciones grabadas eran una mezcla de vodevil, barbershop, marchas, ópera, canciones de novedad, entre otras melodías populares, Muchos de los estándares populares, tales como "The Good Old Summertime", "Shine on Harvest Moon", así como "Over There" provienen de esta época. También hubo algunos primeros hits de jazz, comenzando con las grabaciones en 1917 de la Original Dixieland Jazz Band, seguidas por la banda de jazz de Joe King Oliver, el cual tocó un estilo de jazz auténtico de Nueva Orleans.


title: Música popular de Estados Unidos

text: El Blues había aparecido bastante tiempo antes de que este se volviera parte de la primera explosión de la música popular grabada en la historia estadounidense. Esto sucedió en los años 20, cuando cantantes del blues clásico femenino como Ma Rainey, Bessie Smith y Mamie Smith se hicieron muy populares; el primer hit de este género fue "Crazy Blues" de Mamie Smith. Los cantantes de este blues urbano popular cambiaron la idea de "música popular", pasando de ser canciones simples que podían ser fácilmente interpretadas por cualquiera a obras principalmente asociadas con un cantante solista. Ejecutantes como Sophie Tucker, conocida por "Some of These Days", fue asociada con sus hits, haciendo sus interpretaciones individuales tan importantes como la canción misma.


title: Música popular de Estados Unidos

text: Al mismo tiempo, compañías discográficas como Paramount Records y OKeh Records lanzaron el género "race music," el cual se dirigía principalmente a las audiencias afroestadounidense oyentes de blues. Las bandas más famosas inspiraron mucho del desarrollo posterior del blues y los géneros derivados del blues, incluyendo a Charley Patton, Lonnie Johnson y Robert Johnson.


title: Música popular de Estados Unidos

text: El Jazz es un género musical caracterizado por las notas de blues, síncopas, swing, llamada y respuesta, polirritmias e improvisación. Aunque originalmente una forma de música para bailar, el jazz ha sido ahora "ampliamente considerado un género de música típica o popular (y también se ha) convertido una forma sofisticada de arte que ha interactuado en formas significantes con la música clásica. El desarrollo del jazz ocurrió al mismo tiempo que el ragtime, el blues, la música country, lo cual en conjunto puede ser visto como parte de un continuo con ninguna demarcación clara entre ellos; el jazz fue el más cercanamente relacionado al ragtime, con el cual se puede distinguir por el uso de una improvisación más complicada, a menudo colocando notas lejos del pulso implícito. Las primeras bandas de jazz adoptaron mucho del vocabulario del blues, incluyendo el "bent", las notas de blues, los "gruñidos" instrumentales y otras marcas.


title: Música popular de Estados Unidos

text: Paul Whiteman fue el líder más popular de una banda en los años 20, además de reclamar él mismo el título de "El Rey del Jazz". A pesar de que este contrato a muchos de los mejores músicos blancos de jazz de la era, las generaciones posteriores de fanáticos del género juzgaron frecuentemente a la música blanca de tener poco que ver con el jazz auténtico. Sin embargo, su noción de combinación del jazz con orquestaciones elaboradas ha sido imitada en múltiples ocasiones por compositores y arreglistas de las últimas décadas.


title: Música popular de Estados Unidos

text: Whiteman encargó la pieza "Rhapsody in Blue" a George Gershwin, la cual fue estrenada por la orquesta de Whiteman. La banda de Ted Lewis ocupó el segundo lugar en popularidad, solo por detrás de Paul Whiteman durante los años 20, si bien podría decirse que este tocó un jazz más real y menos pretencioso que el de Whiteman, especialmente en sus grabaciones de finales de la década. Algunas de las otras bandas de "jazz" de la década incluyen a las de Harry Reser, Leo Reisman, Abe Lyman, Nat Shilkret, George Olsen, Ben Bernie, Bob Haring, Ben Selvin, Earl Burtnett, Gus Arnheim, Rudy Vallee, Jean Goldkette, Isham Jones, Roger Wolfe Kahn, Sam Lanin, Vincent López, Ben Pollack y Fred Waring.


title: Música popular de Estados Unidos

text: En los años 20, la música ejecutada por estos artistas era extremadamente popular en su público, y fue calificada como jazz. Al día de hoy, sin embargo, esta música se encuentra desacreditada y etiquetada como "música dulce" por los puristas del jazz. La música que la gente actual considera como jazz tendía a ser ejecutada por minorías. Durante los años 20 y a principios de los 30, sin embargo, la mayoría de la gente escuchaba lo que hoy llamaríamos "música dulce" y jazz puro, categorizado como "música ardiente" o " música racial".


title: Música popular de Estados Unidos

text: La compañía discográfica más influyente de la época, The Victor Talking Machine (RCA Victor después de 1928) fue una influencia restrictiva en el desarrollo del "jazz dulce", hasta el salida de Eddie King en octubre de 1926. King fue conocido por su autoritarismo, el cual no permitía cosas como beber en el trabajo o el desapego severo a la música formalmente escrita, a menos que fueran solos aceptables por los estándares populares de la época. Esto irritó a muchos de los artistas de jazz de Victor, incluyendo al trompetista famoso Bix Beiderbecke. Suldhalter, en su obra "Lost in Chords," cita un ejemplo de una grabación de 1927 hecha por las orquesta Goldkette, en el cual se les permitía a los músicos libertades considerables, a la par que remarca que "lo que uno se pregunta es como hubiera sido esta interpretación si Eddie King hubiera esta estado a cargo, en vez de Nat Shilkret, mucho más liberal". Dado que la colección de Victor muestra que no hubo menos de cinco sesiones de grabación entre enero y febrero de 1926, cuando King conducía a la orquesta de Goldkette, se han hecho varias comparaciones disponibles entre el acercamiento de Golkette y King.


title: Música popular de Estados Unidos

text: En 1935, el swing se hizo popular por medio del público y rápidamente colocado jazz como el tipo de música más escuchado (si bien hubo algo de resistencia a este en un principio). La música swing es caracterizada por una predominante sección rítmica, usualmente consistente de un contrabajo y de percusiones, ejecutándose en un tempo moderado o rápido, así como de técnicas rítmicas, tales como la nota swing. El swing es principalmente una forma de jazz de la década de 1930, fusionada con elementos del blues y la sensibilidad popular de Tin Pan Alley. El swing era ejecutado en bandas más grandes que aquellas comunes en otras corrientes del jazz y era dirigido por líderes que arreglaban el material de manera estricta, rechazando la improvisación que hasta el momento había sido una parte integral del jazz. David Clarke llamó al swing el primer "género de jazz (en estar) en el centro de la música popular... opuestamente a la idea de que solo era una forma más de este. A finales de los años 30, los vocalistas se hicieron cada vez más prominentes, llegando a tomar eventualmente el centro del escenario, seguido de la huelga de la Federación Americana de Músicos, el cual hizo que grabar con una banda grande fuera excesivamente caro. El swing vino a ser acompañado por un estilo de baile popular con homónimo, el cual fue muy popular en todos los Estados Unidos, tanto entre audiencias blancas como negras, especialmente las jóvenes.


title: Música popular de Estados Unidos

text: Además del jazz y el swing que escuchaban las audiencias populares en Norteamérica, hubo una variedad de otros géneros que eran populares entre ciertos grupos de personas, por ejemplo, entre audiencias rurales. Comenzando en la década de los 20 y acelerándose en gran medida en los años 40, el blues comenzó a diversificarse rápidamente en un amplio abanico de nuevos géneros. Estos incluyen al rápido y energético estilo llamado rhythm and blues (R&B), a la fusión de blues y de música anglo-celta llamada country, así como a la fusión de himnos y espirituales con estructuras de blues llamadas música gospel. Después de estos otros estilos, en 1940, una fusión de blues, R&B y country eventualmente llamada rock and roll se desarrolló, eventualmente viniendo a dominar la cultura popular americana a principios de los años 60.


title: Música popular de Estados Unidos

text: La música country consiste principalmente en una fusión del blues afroamericano y los espirituales con la música folclórica de los apalaches, adaptada para las audiencias populares, siendo esta popularizada a principios de los años 20. Las melodías, la música para bailar, las baladas y los estilos vocales escoceses e irlandeses fueron particularmente importantes, así como la música nativa americana, la música española, la música alemana, la música francesa y la música mexicana. La instrumentación del primer country fluctuaba entre el violín europeo y el banjo afroamericano, añadiendo más tarde a la guitarra. La instrumentación de la música country utilizaba elementos de la música africana tales como el formato de llamado y respuesta, la improvisación musical y los ritmos sincopados. Aún después, los instrumentos de cuerda como el ukelele y la steel guitar se hicieron comunes debido a la popularidad de la música hawaiana la principios del siglo XX, así como a la influencia de los músicos como Sol Hoopii and Lani McIntyre. El origen de la música country moderna es generalmente encontrado en 1927, cuando el cazatalentos y productor Ralph Peer grabó a Jimmie Rodgers y a The Carter Family. Sus grabaciones son consideradas como la fundación de la música country moderna. Ha habido música popular previa a 1927 que puede ser considerada como country, pero tomando en cuenta lo que Ace Collins señala, estas grabaciones tenían "solamente efectos marginales y muy inconsistentes" en el mercado musical nacional, y eran solo superficialmente similares a lo que en ese entonces se conocía como "hillbilly music". Además de Rodgers y the Cartes, un músico de nombre Bob Wills fue uno de los primeros intérpretes influyentes conocido por un estilo llamado western swing, el cual era muy popular en los años 20 y 30, y fue el responsable de traer una influencia prominente del jazz a la música country.


title: Música popular de Estados Unidos

text: El Rhythm and Blues (R&B) es un género que surgió entre los años 30 y 40, el cual consiste en una forma rápida del blues con una instrumentación más compleja. El autor Amirir Baraka describe el R&B como "unidades grandes de ritmo chocando detrás de los estridentes cantantes de blues (los cuales) tenían que gritar para ser escuchados por encima del estruendo y rasgueo de varios instrumentos eléctricos y secciones rítmicas agitadas. El R&B fue grabado durante este periodo, aunque no extensivamente, por lo cual no fue ampliamente promovido por las compañías discográficas, las cuales sintieron que no gustaba a la mayorías de las audiencias, especialmente a gente de raza blanca de clase media, gracias a las provocativas letras y los inquietantes ritmos. Algunos líderes como Louis Jordan innovaron en el sonido del naciente R&B. La banda de Jordan destacaba por su pequeña sección de metales, así como por sus canciones comunes que contenían temas líricos clásicos del blues. A finales de 1940, este había producido 19 grandes hits, además de haber ayudado a abrir el camino para artistas contemporáneos, Wynonie Harris, John Lee Hooker y Roy Milton.


title: Música popular de Estados Unidos

text: Los espirituales cristianos y la música blues rural fueron el origen de lo que es conocido ahora como música gospel. Comenzando por los años 20, las iglesias afroamericanas presentaron el primer gospel en forma de cantos de adoración proclamando su devoción religiosa (testificando) por medio de un estilo musical frecuentemente improvisado. El gospel moderno comenzó con el trabajo de distintos compositores, entre los cuales destaca Thomas A. Dorsey, el cual "escribió canciones basadas en espirituales familiares e himnos, fusionados con ritmos de blues y jazz" A partir de estas iglesias de principio del siglo XX, la música gospel se expandió a través del país. Esta permaneció asociada casi completamente con las iglesias afroamericanas, en las cuales usualmente se presentaba un coro con uno de los más virtuosos solistas.


title: Música popular de Estados Unidos

text: El Rock and roll es un género de música popular, derivada principalmente del country, el blues y el R&B. Es, sin lugar a dudas, el género más popular de música en el mundo; los orígenes precisos y primeros pasos del rock han sido intensamente debatidos. El historiador de música Robert Palmente ha notado que las influencias del género son bastante diversas e incluyen al "ritmo Bo Diddley" afroamericano, elementos del "big band swing" y la música latinoamericana, como en el caso del son cubano y algunos "ritmos mexicanos ". Georoge Lipsitz declara que el rock surgió en áreas urbanas de Norteamérica, donde se formó una "cultura políglota de la clase trabajadora (donde) los significados sociales se comunicaron por separado por el blues, el country, la polca, el zydeco y la música latina que encontraron una nueva forma de expresión mientras se mezclaban en un ambiente urbano".


title: Música popular de Estados Unidos

text: La mitad de los años 20 presenció un número importante de cambios en la música popular americana. El género pop se desarrolló tremendamente durante este periodo, mientras el precio increíblemente bajo de la música grabada estimulaba la demanda y las grandes ganancias de la industria discográfica. Como resultado, el marketing musical se hizo cada vez más y más prominente, resultando en una variedad de estrellas pop, cuya fama no existía antes. Muchas de las primeras celebridades eran "crooners" (término similar a trovador en español) de origen italiano-americano como Dean Martin, Rudy Vallee, Tony Bennett, Perry Como, Frankie Laine y, el más famoso de todos, el "primer vocalista en generar histeria entre sus fans", Frank Sinatra. La era de la estrella pop adolescente, sin embargo, comenzó en los años 60. Los grupos de Bubblegum pop como The Monkees fueron escogidos a partir de su apariencia y habilidad para vender discos, sin importar su habilidad musical. El mismo periodo, sin embargo, también presenció nuevas formas de música pop que lograron una presencia más permanente en el campo de la música popular americana, incluyendo al rock, el soul y el pop-folk. A finales de los 60, dos eventos habían cambiado a la música pop completamente: el nacimiento de la contracultura, la cual se oponía explícitamente a la música del mainstream, a veces mezclándose con activismo político y social, así como el cambio de compositores profesionales a ejecutantes, los cuales eran lo que se conoce como cantautor.


title: Música popular de Estados Unidos

text: El rock and roll entró a la música popular mainstream a través del género llamado "rockabilly", el cual fusionó con sonido del rock naciente con elementos de la música country. El rock and roll tocado por afroamericanos había tenido éxito limitado, y algunos de los espectadores del tiempo creyeron que un ejecutante blanco que pudiera cantar en un estilo de R&B y country sería un éxito. Sam Phillips, de Sun Records en Memphis, Tennessee, encontró a un músico llamado Elvis Presley, el cual se convirtió en uno de los músicos más vendidos de la historia de la música, y trajo al rock and roll a las audiencias de todo el mundo. El éxito de Presley fue precedido por el de Bill Haley, un intérprete blanco cuyo "Rock Around the Clock" es a veces señalado como el comienzo de la era del rock. Sin embargo, la música de Haley era más "arreglada" y más "calculada" que los "ritmos más sueltos" del rockabilly, el cual también, a diferencia de Haley, no utilizaba saxofones o cantantes en coro.


title: Música popular de Estados Unidos

text: El R&B permaneció extremadamente popular durante la década de los 50 entre las audiencias afroamericanas, pero el género aún no era considerado apropiado para los blancos, o incluso para negros de clase media respetables, dada su naturaleza sugestiva. Muchas canciones populares del R&B fueron interpretadas por músicos blancos como Pat Boone, con un estilo más digerible, el cual se resultó en varios hits de pop. A finales de los años 50, sin embargo, hubo una ola de blues-rock popular y R&B influenciado por el country en la cual sus ejecutantes ganaron fama si precedentes entre los oyentes blancos; estos incluyeron a Bo Diddley y a Chuck Berry. Con el paso del tiempo, los productores en el género se inclinaron gradualmente hacia los músicos del rock como Little Richard y Fats Domino.


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text: El doo wop es una clase de música vocal armónica interpretada por grupos que se hicieron populares en al década de los 50. Aunque a veces es considerada como una especie rock, el doo wop es más precisamente una fusión del R&B vocal, el gospel y el jazz con el blues y las estructuras de pop, si bien fue en los años 60 cuando las líneas que separan al rock del doo wop, al R&B y otros estilos relacionados ya eran muy borrosas. EL Doo wop se convirtió en el primer género de música derivado del R&B en "tomar formar, para definirse a sí mismo como algo que la gente reconocía como nuevo, diferente, extraño, "suyo"". Mientras el doo wop se hacía más popular, más innovaciones eran añadidas, incluyendo el uso del cantante bajo como líder, una práctica que comenzó con Jimmy Ricks de The Ravens. Los ejecutantes del doo wop eran originalmente afroamericanos en su mayoría, aunque unos cuantos grupos de blancos pronto se hicieron populares. Estos incluían a varios grupos con miembros italoestadounidenses como Dion & the Belmonts, mientas que en otros agregaron a mujeres e incluso se llegaron a formar grupos femeninos en el casi universal estilo masculino; estos incluyen a The Queens y The Chantels.


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text: Los años 50 presenciaron varias novedades musicales breves que terminaron impactando en los futuros géneros populares. Intérpretes como Pete Seeger y The Weavers popularizaron una forma de renacimiento de la old time music de la música angloamerica. Esta corriente se asoció eventualmente con el ala izquierda de la política y el comunismo, llevando a un declive en la aceptación mientras los artistas eran puestos cada vez más en la lista negra y criticados. Sin embargo, esta forma de pop-folk ejerció una gran influencia en la formación del folk-rockade los años 50 y otros géneros relacionados. Junto con el éxito esporádico de la música "anglo folk" vino una serie de novedades en la música para bailar latinoamericana, incluyendo al mambo, rumba, chachachá y el boogaloo. Aunque su éxito fue de nuevo esporádico y breve, la música latina continuó ejerciendo influencia en el rock, el soul y otros estilos, así como en la más reciente música salsa en los años 70.


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text: A mediados de los años 20, un género distintivo llamado primero música "old-timey" o "hillibilly" comenzó a ser transmitido y grabado en el Sur rural y el Medio oeste; los primeros artistas incluían a la familia Carter, Charlie Poole y sus Ramblers de Carolina del Norte, así como a Jimmie Rodgers. La interpretación y divulgación de esta música fue a nivel regional en un principio, pero las variaciones de la población causadas por la Segunda Guerra Mundial la difundieron más. Después de la guerra, hubo un aumento en el interés por los géneros de especialidad, incluyendo lo que había sido conocido como "race" e "hillibilly music"; estos géneros fueron renombrados a Rythm and Blues y Country and Western, respectivamente. Las grandes disqueras habían tenido algo de éxito en promover dos clases de artistas de country: los intérpretes de canciones novedad como Tex Williams y a cantantes como Frankie Laine, el cual mezcló pop y country por medio de un estilo convencionalmente sentimental. Este periodo también fue testigo del ascenso de Hank Williams, un cantante blanco de country que había aprendido blues de músico afroamericano callejero llamado Tee-Tot, en el noroeste de Alabama. Antes de su muerte en 1953, Hank Williams grabó once sencillos que vendieron por lo menos un millón de copias cada uno, y también fueron pioneros del Sonido Nashville.


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text: El Sonido Nashville fue una forma popular de la música country que surgió en los años 50, la cual consiste en una fusión de la popular big band de jazz y swing con el honky tonk country. El éxito comercial de los discos de Hank Williams había convencido a las disqueras de que la música country podía encontrar audiencias en el mainstream. Las compañías intentaron entonces elimininar los elementos ásperos del honky tonk de la música country, removiendo el sonido rural que hizo a Williams famoso. La industria de Nashville reaccionó al ascenso del músico de rockabilly, Elvis Presley, por medio de intérpretes con marketing que cruzaron la barrera entre el country y el pop. Chet Atkins, el director de la división de música country de RCA, hizo lo mejor que pudo para innovar el Sonido de Nashville por medio del abandono de los elementos más rudos del country, mientras Owen Bradley uso técnicas de producción sofisticada e instrumentación que eventualmente se convirtió en el estándar del Sonido de Nashville, el cual también creció para incorporar cuerdas y coros. Durante los primeros años de la década de los 60, el Sonido Nashville era percibido como una versión diluida de muchos intérpretes tradicionales y fanes, de lo cual resultaron varias escenas locales como el Sonido Lubbock y el aún más influyente Sonido Bakersfield.


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text: A lo largo de los años 50, el estilo más popular de la música country fue el Sonido Nashville, el cual era un estilo hábil y orientado al pop. Muchos músicos prefirieron un sonido más crudo, lo cual llevó al desarrollo del Sonido Lubbock y el Sonido Bakersfield. El sonido Bakersfield fue creado en Bakersfield, California entre mediados y finales de los años 50 por intérpretes como Wynn Stewart, el cual usaba elementos del Western swing y el rock, tales como el breakbeat, junto con la técnica vocal del honky. Él fue imitado por intérpretes como Buck Owens y Merle Haggard, los cuales popularizaron el estilo.


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text: La música Soul es una combinación del R&B y el gospel que comenzó a finales de los años 50 en los Estados Unidos. La música Soul es caracterizadas por el uso de técnicas del gospel con un gran énfasis en los cantantes, así como el uso de temas seculares. Los discos de Sam Cooke, Ray Charles de los años 50 junto con los de James Brown son comúnmente considerados como el comienzos de la música soul. Los primeros discos de Solomon Burke para Atlantic Records marcaron las pautas para el estilo y, tal como Peter Guralnick señala, "solo fue a través de la unión de Burke y Atlantic Records que uno pudo ver algo parecido a un movimiento".


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text: La disquera Motown Record Corporation establecida en Detroit, Míchigan se convirtió en exitosa con una cadena de grabaciones de soul fuertemente influenciado por el pop, las cuales eran suficientemente digeribles para los oyentes blancos como para permitir la fusión el R&B y soul dirigida a esta s audiencias populares. Un centro importante de grabación de la música soul fue Florence, Alabama, en donde los FAME Studios operaban. Jimmy Hughes, Percy Sledge y Arthur Alexander grabaron ahí; tiempo después, en los años 60, Aretha Franklin también grabaría en esa área. Los Fame Studios, a menudo también llamados con el nombre de "Muscle Shoals", en referencia a un pueblo vecino de Florence, disfrutaron de una relación cercana con Stax, y muchos otros de los músicos y productores que trabajaron en Memphis también contribuyeron a las grabaciones hechas en Alabama.


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text: En Memphis, la compañía Stax Records produjo discos de los pioneros del soul Otis Redding, Wilson Pickett, y Don Covay. Otros artistas de Stax tales como Eddie Floyd y Johnnie Taylor también hicieron contribuciones significativas a la música soul also made significant contributions to soul music. En 1968, el movimiento de la música soul había comenzado a dividirse, mientras James Brown y Sly & the Family Stone comenzaban a expandir y transformar tanto el soul y el rythm and blues en otros géneros. Guralnick escribió que "más que nada... lo que a mi me parece que llevo a la era del soul a una inquietante y absoluta paralización fue la muerte de Martin Luther King en abril de 1968".


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text: El primero de los géneros más grandes del nuevo rock fue el surf, en el cual fue pionero el californiano Dick Dale. El surf fue ampliamente instrumental, con la guitarra como base para el rock con sonido distorsionado agudo, además de que fue asociado con la cultura juvenil basada en el surf del Sur de California. Dale había trabajado con Leo Fender, desarrollando el amplificador "Showman y... una unidad de reverberación que daría a la música surf su sonido distintivamente confuso".


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text: Inspirados por el enfoque lírico del surf, si no es que por la base musical, The Beach Boys comenzaron su carrera en 1961 con una cadena de éxitos como"Surfin' U.S.A.". Su sonido no era ni instrumental ni basado en la guitarra, pero estaba lleno de "ricas, densas e incuestionablemente especiales" "voces flotantes (con) armonías al estilo de The Four Freshmen que se viajan sobre un estribillo propulsivo". El compositor de los Beach Boys Brian Wilson se volvió cada vez más excéntrico, experimentando con nuevas técnicas de estudio mientras se asociaba con la floreciente contracultura.


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text: La contracultura fue un movimiento juvenil que incluyó al activismo político, especialmente aquel en oposición a la Guerra de Vietnam, así como a la promoción de varios ideales hippie. Los hippies fueron asociados principalmente con dos clases de música: el folk rock y el country rock de artistas como Bob Dylan y Gram Parsons, y por otro lado el rock psicodélico de bandas como Jefferson Airplane y The Doors. Este movimiento estuvo íntimamente conectado a la British Invasion, una ola de bandas del Reino Unido que se hicieron populares a lo largo de los años 60. La invasión británica incluyó inicialmente a bandas como The Beatles, The Rolling Stones, y The Zombies , a los cuales se unirían después bandas como Moody Blues y The Who. El sonido de estas bandas fue un rock bien definido, en el cual The Beatles eran originalmente conocidos por canciones que se parecían a las del rock afroamericano de Little Richard, Chuck Berry, Smokey Robinson, The Shirelles y The Isley Brothers. Tiempo después, mientras la contracultura se desarrollaba, The Beatles comenzó a usar técnicas más avanzadas e instrumentos inusuales, tales como el sitar, así como letras más originales.


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text: El folk-rock se benefició del éxito esporádico del mainstream con grupos como Kingston Trio y Almanac Singers, mientras que Woody Guthrie y Pete Seeger ayudaron a radicalizar políticamente la música folk rural blanca. El popular músico Bob Dylan se convirtió en prominencia a mediados de los 60, fusionando el folk con rock y haciendo que la naciente escena estuviera íntimamente conectada con el Movimiento por los derechos civiles. Después de este aparecieron varias bandas de country rock como The Byrds y The Flying Burrito Brothers, así como otros cantautores de folk como Joan Báez y la canadiense Joni Mitchell. Sin embargo, a finales de la década, hubo poca conciencia social o política evidente en las letras de cantautores de pop como James Taylor yCarole King, cuyas canciones eran profundamente personales y emocionales.


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text: El rock psicodélico fue duro, manejando una especie de rock basado en guitarra, íntimamente asociado con la ciudad de San Francisco, California. Aunque Jefferson Airplane fue la única banda psicodélica de San Francisco en tener grandes hits nacionales, con "Somebody to Love" y "White Rabbit" de 1967, The Grateful Dead, una "jam band" de folk, country y bluegrass, "incorporó todos los elementos de la escena de San Francisco y vino... a representar a la contracultura en el resto del país"; The Grateful Dead también fue conocida por introducir a la contracultura y al resto del país a las ideas de personas como Timothy Leary, especialmente en el uso de alucinógenos como el LSD para propósitos espirituales y filosóficos.


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text: En los años posteriores a los cambios sociales y políticos turbulentos de los años 60 y principios de los 70, la música rock se diversificó. Lo que en un principio se conoció como "rock and roll", un género de música razonablemente discreto, había evolucionado en una categoría general llamada simplemente "rock music", un término que eventualmente incluiría a diversos estilos como el heavy metal, el punk rock y a veces incluso al hip hop. Durante los 70, sin embargo, la mayoría de estos estilos no eran parte de la música mainstream, y fueron evolucionando en la escena musical underground.


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text: Los primeros años de la década de los 70 fueron protagonistas de una ola de cantautores que recurrieron a las introspectivas, personales y profundamente emocionales letras del folk-rock de los 60. Estos incluyeron a James Taylor, Carole King y otros, todos conocidos tanto por sus habilidades líricas como por sus interpretaciones. En el mismo periodo ocurrió el ascenso del Southern rock (similar al blues) y de grupos de country rock como Allman Brothers Band y Lynyrd Skynyrd. El soft rock se desarrolló en los años 70, el cual era una estilo con forma simple, discreta y melodiosa de pop-rock, representada por bandas como America and Bread, la mayoría de las cuales son apenas recordadas al día de hoy; muchas fueron one-hit wonders. Además, las bandas del más duro arena rock como Chicago and Styx también tuvieron gran éxito.


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text: Los primeros años de la década de los 70 presenciaron el nacimiento de un nuevo estilo de música country áspero y con una forma bien definida, el cual se hizo rápidamente la forma más popular de country. Se le conoció como outlaw country, un estilo que incluyó a estrellas como Willie Nelson y Waylon Jennings. El outlaw country estaba muy orientado hacia el rock, que además tenía letras que se enfocaban en lo criminalmente grotesco, especialmente aquello relacionado con drogas y alcohol de sus intérpretes, los cuales dejaban crecer su cabello, vestían de cuero y mezclilla y lucían como hippies, en contraposición a los cantantes bien parecidos de country que pertenecían al Sonido Nashville.


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text: A mediados de los año 70, la música disco, una estilo orientado al baile, se hizo popular al evolucionar desde los clubs de baile underground para llegar a la cultura popular de América. La música disco alcanzó su apogeo después del lanzamiento de "Saturday Night Fever" y el fenómeno que rodeaba a las películas y soundtracks de The Bee Gees. El tiempo de la música disco fue, no obstante, corto, y en los años 80 fue pronto reemplazada por varios géneros que evolucionaron de la escena del punk rock, con en el caso de la new wave. Bruce Springsteen se convirtió en una gran estrella, primero desde mediados de los 70, y después a lo largo de los 80, con letras densas y misteriosas y también canciones conmovedoras que resonaban en las clases medias y bajas.


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text: A principios de los 70, la música soul fue influenciada por el rock psicodélico y por otros géneros. La agitación social y política de la época inspiró a artistas como Marvin Gaye y Curtis Mayfield para hacer declaraciones en álbumes completos en las cuales había comentarios sociales muy directos. Artistas como James Brown llevaron al soul hacia un estilo más orientado al baile, el cual eventualmente evolucionó en el funk. El funk fue representado por bandas de los años 70 como Parliament-Funkadelic, The Meters, y el mismo James Brown, mientras que algunos grupos más versátiles como War, The Commodores y Earth, Wind and Fire también se volvieron populares. Durante los 70, algunas hábiles bandas comerciales del blue-eyed soul como Hall & Oates (provenientes de Philadelphia) lograron un éxito en la cultura popular, del mismo modo que la nueva generación de grupos vocales armónicos urbanos de soulccomo The Delfonics y los Unifics (de la Universidad de Howard).


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text: A finales los 70, el philly soul, el funk, el rock y la mayoría de los demás géneros fueron dominados por canciones con inflecciones de la música disco. Durante este periodo, las bandas de funk como The O'Jays y The Spinners continuaron lanzando éxitos. Después de la muerte de la música disco en los 80, el soul sobrevivió por un corto tiempo antes de pasar por otra transformación. Con la introducción de influencia de la música electro y el funk, el soul se hizo menos tosco y más producido, resultando en un género de música que fue llamado de nuevo "R&B", usualmente distinguido del primer rhythm and blues identificándose como "R&B contemporáneo".


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text: En los años 60 el término "rhythm and blues" ya no se usa extensamente; en vez de ello, términos como "soul music" eran usados para describir a la música popular de los artistas afroamericanos. En los años 80, sin embargo, "rhythm and blues" de nuevo fue usado, casi siempre en la forma de "R&B", un uso que ha continuado hasta el presente. El R&B contemporÁneo surgió cuanto los cantantes del apasionado funk como Prince se hicieron populares, a la par que lo hacían estrellas de dance pop como Michael Jackson y Madonna.


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text: A finales de los años 80, el pop rock consistía ampliamente de bandas de glam metal transmitidas en la radio, las cuales usaban imágenes derivadas del movimiento glam británico con letras y actitudes de macho, acompañadas de solos virtuosos del heavy metal y hard rock. Bandas de esta época incluyen a Def Leppard, así como a bandas americanas influenciadas por el heavy metal Mötley Crüe, Guns N' Roses, Bon Jovi y Van Halen.


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text: A la mitad de la década también se vio el auge de la popularidad de la música gospel. Una nueva forma de gospel había evolucionado, llamada "Música Cristiana Contemporánea (CCM)."TLa CCM había existido desde finales de los 60, y consistía de un sonido pop/rock con letras ligeramente religiosas. La CCM se había convertido en la forma más popular del gospel de mediados de los 80, especialmente con artistas como Amy Grant, Michael W. Smith, y Kathy Troccoli. Amy Grant fue la cantantes más popular de CCM y gospel de los años 80, y después de experimentar un éxito sin precedentes en la CCM, fusionó su música con el pop mainstream de los años 80 y 90. Michael W. Smith también había tenido éxito considerable en la CCM antes de pasar a una carrera exitosa en la música pop de la misma manera. Grant produciría después el primer éxito popular de CCC número uno ("Baby Baby"), y el muy bien vendido álbum de CCM (Heart in Motion).


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text: En los años 80, las listas principales de la música country eran dominadas por cantantes de pop con influencias apenas notables de la música country, una tendencia que ha permanecido desde entonces. En los años 80 se vio un resurgimiento del honky tonk country a través de la aparición de personas como Dwight Yoakam y los músicos de country neotradiconal, Emmylou Harris and Ricky Skaggs, así como el desarrollo de intérpretes de "alternative country" como Uncle Tupelo. Intérpretes de alternative country posteriores como Ryan Adams(miembro de la banda Whiskeytown) Wilco, ganaron algo de fama en el mainstream.


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text: Durante los años 70, varios estilos diversos aparecieron en completo contraste con la música popular americana. Aunque estos géneros no eran en gran parte populares en el sentido de vender muchos discos a las audiencias mainstream, eran ejemplos de la "música popular" , en contraposición on el folk o la música clásica.TA principios de los años 70, los afroamericanos y puertorriqueños de Nueva York desarrollaron la cultura hip hop, el cual produjo un estilo de música con el mismo nombre. Casi al mismo tiempo, los latinos, en especial los cubanos y puertorriqueños en Nueva York también crearon la música salsa, la cual combinó muchas formas de música latina con R&B y rock. Los géneros punk rock y heavy metal fueron ampliamente asociados con el Reino Unido durante los 70, mientras que otras variantes americanas evolucionaron después en la misma década y también en los años 80. Mientras tanto, en Detroit evolucionaban lentamente una serie de géneros de música electrónica como el house y el techno, los cuales se convertirían en una parte importante de la música alrededor del mundo.


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text: El Hip hop es un movimiento cultural, del cual la música es una parte importante, junto con el grafiti y el breakdance. La música está compuesta de dos partes, el rapping, el cual consiste en la liberación de voces rápidas, rítmicas y líricas, y por otro lado el DJing, el cual consiste en la producción de instrumentación por medio de sampling, instrumentación, "turntablism" o "beatboxing". El Hip hop surgió a principios de los años 70 en The Bronx, Nueva York. EL inmigrante jamaicano DJ Kool Herc es ampliamente reconocido como el progenitor del hip hop; el trajo consigo la práctica del "toasting" (término equivalente a rapear en español) sobre ritmos de canciones populares. En Nueva York, DJs como Kool Herc reproducían canciones populares de funk, música disco y rock. La aparición de los emcees introdujo originalmente las canciones y mantuvo a la multitud emocionada y balando; con el tiempo, los DJs comenzaron a aislar las interrupciones de las percusiones (el clímax rítmico de las canciones), produciendo así un ritmo repetido sobre los cuales los emcees rapeaban.


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text: El Rapping incluía saludos a los amigos y enemigos, invitaciones a bailar y alardes coloridos y a veces humorísticos. A principios de los años 80, habían aparecido canciones populares de hip hop como "Rappers Delight" de Sugarhill Gang y unas cuantas grandes celebridades de la escena, como LL Cool J y Kurtis Blow. Otros ejecutantes experimentaron con letras politizadas y conciencia social, mientras que otros ejecutaban fusiones con jazz, heavy metal, techno, funk y soul. El Hip hop comenzó a diversificarse en los últimos años de la década de los 80. Aparecieron nuevos géneros, tales como el hip hop alternativo su pariente más próximo, el jazz rap, en el cual los raperos De La Soul y Guru sentaron las bases. Los grupos Public Enemy y N.W.A contribuyeron en gran parte durante esta época para llevar el hip hop a la atención nacional; el primer lo hizo con letras cargadas de política, mientras que el último se convertiría después en el ejemplo prominente del gangsta rap.


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text: La música salsa consiste en ritmos diversos, predominantemente caribeños, la cual es popular en muchos países de América Latina. La salsa incorpora variaciones y estilos múltiples; el término puede ser usado para describir a la mayoría de las formas de los géneros musicales originarios de Cuba (como el chachachá y el mambo). De manera más específica, la "salsa" se refiere a un estilo particular que fue desarrollado a mediados de los 70 por grupos de inmigrantes cubanos y puertorriqueños de Nueva York en Estados Unidos, y sus descendientes estilísticos como la salsa romántica de los años 80.


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text: La música salsa siempre tiene un compás de 4/4. La música tiene frases que abarcan grupos de dos compases, usando patrones rítmicos recurrentes, así como el inicio de las frases la letra y los instrumentos. Típicamente, los patrones rítmicos ejecutados en la percusiones son bastante complicados, ya que a menudo se tocan más de uno a la vez. El ritmo clave es un elemento importante que forma la base de la salsa. Aparte de las percusiones, existen una variedad de instrumentos melódicos que son comúnmente usados como acompañamiento, tales como la guitar, trompetas, trombones, el piano y muchos otros, todos dependiendo de los intérpretes. Las bandas se encuentran típicamente divididas en secciones de ritmo y de metales, lideradas por uno o más cantantes ("soneros" or "salseros") .


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text: El punk fue una estilo de música rock rebelde, el cual comenzó en los año 70 como una reacción en contra de la música popular del día (en especial la música disco, la cual era vista como insípida y sin mayor inspiración). El punk se inspiró en bandas americanas que incluían a The Velvet Underground, The Stooges y The New York Dolls.El era fuerte, agresivo y usualmente muy simples, requiriendo poco entrenamiento musical para ejecutarse. Más tarde durante la década, bandas británicas como The Sex Pistols y The Clash obtuvieron fama durante un tiempo corto en su país de origen y, en un grado menor, en los Estados Unidos. Bandas americanas del área incluyeron a los muy famosos The Ramones, así como grupos del estilo de ahe lking Heads, los cuales tocaban de una forma más pretenciosa que se encontraba asociada con el punk hasta antes de evolucionar en pop-new wave. Otras bandas grandes incluyeron a Blondie, Patti Smith and Television. La mayoría de estas bandas tuvieron sus inicios en lo que hoy se conoce como el "ground zero" del punk rock, un club llamado CBGB. El pequeño club en Nueva York llevó a cabo un festival en 1975 para exhibir el "top 40 de las bandas de rock sin discos". Dentro de estas bandas estaban las mencionadas con anterioridad The Ramones, Sex Pistols, blondie y similares.


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text: El Hardcore punk fue la respuesta de la juventud americana a la explosión del punk rock en los años 70. EL hardcore despojó al punk rock y la new wave de sus a veces elitistas y pretenciosas tendencias, lo cual resultó en canciones cortas, rápidas e intensa que apelaban a los jóvenes insatisfechos. El hardcore explotó en las metrópilis americanas de Los Ángeles, Washington, DC, New York y Boston, además de que la mayoría de las ciudades de país tenían ya sus propias escenas locales a finales de los 80.


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text: El rock alternativo es un conjunto de bandas de rock que se desarrollaron ampliamente en América a partir de la escena hardcore en los años 80, en clara oposición a la escena musical mainstream. Los subgéneros del rock alternativo que se crearon durante la década incluyen al indie rock, el Gothic rock, el noise rock, el grunge, y el college rock. La mayoría de las bandas estaban unificadas por su deuda colectiva al punk, el cual abrió el camino para la música underground y alternativa en los años 70. Aunque el género es considerado como rock, algunos estilos fueron influenciados por el folk americano, el reggae y el jazz. Como en el caso del punk y el hardcore, el rock alternativo tenía poco éxito en la cultura popular de los años 80, pero el establecimiento de las bases de la escena indie por medio de giras, radio universitario, revistas y publicidad de boca en boca, las bandas alternativas abrieron el camino para la penetración del género en la conciencia pública americana de la década siguiente.


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text: El heavy metal es una forma de música caracterizada por sus ritmos agresivos e impulsores, así como por sus guitarras eléctricas distorsionadas, generalmente con letras ambiciosas e instrumentación virtuosa. El heavy metal es producto del desarrollo del blues, el blues rock, el rock y el rock progresivo. Sus orígenes yacen en las bandas de hard rock británico las cuales entre 1967 y 1974 tomaron el blues y el rock y crearon un híbrido con sonido pesado y centrado en guitarras y baterías. La mayoría de los pioneros en el género como Black Sabbath eran ingleses, aunque muchos fueron inspirados por intérpretes americanos como Blue Cheer y Jimi Hendrix.


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text: A principios de los 70, las primeras grandes bandas americanas hicieron su aparición, como en el caso de Blue Öyster Cult y Aerosmith, entre otros músicos como Eddie Van Halen que comenzaban su carrera. El heavy metal permaneció, sin embargo, como un gran fenómeno underground. Durante los años 80, una forma de hard rock basada en el pop con un espíritu de fiesta e influenciado por la estética visual glam (a veces referido como "hair metal") dominó las listas de popularidad, liderado por estrellas como Poison, Bon Jovi, Mötley Crüe, y Ratt. En 1987 el debut de Guns N' Roses, una banda de hard rock cuya imagen reflejó el rasposo núcleo de Sunset Strip, fue por lo menos en parte una reacción en contra de la imagen pulida del hair metal, aunque el gran éxito de la banda fue de muchas maneras el último aliento del hard rock y la escena metalera. A mediados de los 80, mientras el término "heavy metal" se convertía en el objeto de mucha disputa, el estilo se había divido en tantas direcciones diferentes que los fanes, compañías discográficas y revistas crearon nuevas clasificaciones, aunque a veces la diferencia entre varios subgéneros era poco clara, incluso para los artistas que pertenecían a propósito dentro de un estilo dado. El subgénero más notables de los años 80 en Estados Unidos fue el rápido y agresivo thrash metal, iniciado por bandas como Anthrax, Megadeth, Metallica, y Slayer.


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text: Quizás el cambio más importante en la década en cuanto a la música popular fue el ascenso del rock alternativo, a través de la popularidad del grunge. Este fue previamente un conjunto de géneros anti-mainstream que alcanzaron gran fama a principios de los 90. El género fue situado en su mayoría en Sub Pop Records durante sus primeras etapas, una compañía fundada por Bruce Pavitt y John Poneman. Un número significativo de bandas de grunge firmaron con el sello discográfico en donde Green River (la mitad de los miembros de esta banda se convertirían después en los miembros fundadores de Pearl Jam), Sonic Youth (aunque no era una banda de grunge, esta fue influyente para aquellas y, de hecho, fue por la insistencia de Kim Gordon que David Geffen Company le firmó a Nirvana) y Nirvana. El grunge es un subgénero del rock alternativo con un sonido "oscuro, lodoso y basado en la guitarra" , el cual retomó elementos del heavy metal, punk y de otras bandas como Sonic Youth y su uso de "melodías poco convencionales para transformar canciones que de otro modo serían pop estándar en formas irregulares". Con la adición de un "elemento melódico influenciado por The Beatles" al sonido de bandas como Nirvana, el grunge se hizo ampliamente popular por todos los Estados Unidos. El grunge se hizo comercialmente exitoso durante los primeros años de la década, alcanzando la cima entre 1991 y 1994. Las bandas de ciudades del noroeste del pacífico, especialmente Seattle, Washington, fueron responsables de crear el grunge y después hacerlo popular con las audiencias mainstream. La supuesta generation x, la cual apenas había alcanzado la edad adulta mientras la popularidad del grunge crecía, estaba íntimamente asociada con el mismo, cuyo sonido ayudó a "definir la desesperación de (esa) generación". Las bandas de post grunge como Foo Fighters and Creed se convirtieron en una forma popular del rock alternativo porque aún era digerible, a diferencia del primer grunge, de los cuales solo fueron influenciados. las bandas de Pop punk como Green Day y Blink 182 también ganaron popularidad. En la segunda mitad de los 90 el nu metal surgió con bandas como Linkin Park, Korn, Limp Bizkit and Slipknot. La cultura indie permaneció aislada en la escena underground con nuevos géneros como lo-fi (Beck, Sparklehorse, Guided By Voices), math rock (Slint, Shellac) y el post-rock (Mogwai, Explosions in the Sky). El Emocore y el Post-hardcore se hicieron más conocidos con bandas tales como At the Drive-In y Fugazi.


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text: El Gangsta rap es una corriente del hip hop, caracterizado por su enfoque lírico en la sexualidad machista y la imagen criminal física y del peligro. Aunque los orígenes del gangsta rap pueden ser encontrados a mediados de los años 80 en los raps de Schoolly D (de Philadelphia) y de Ice-T (de West Coast), se tiene el conocimiento de que inició en Los Ángeles y en el área de Los Ángeles y Oakland, donde Too Short, NWA y otros encontraron fama. Este escena de West Coast rap pengendró el sonido G-funk de los 90, los cuales se equiparan a la letra del gangsta rap con un tono denso y confuso, usualmente utilizando samples del P-funk de los 70; los autores más conocidos del género fueron los raperos Dr. Dre and Snoop Doggy Dogg.


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text: A finales de los 90 y a principios de los años 2000 la música pop consistía en su mayor parte en una combinación de pop, hip hop y pop teñido con R&B, incluyendo a varias boy bands. Las cantantes femeninas más notables también cimentaron su estatus en la música popular americana y de todo el mundo, tales como Britney Spears, Christina Aguilera, Katy Perry, Lady Gaga y Taylor Swift. También fue notable la influencia de los productores de hip hop en la música popular de la mitad y final de la década, incluyendo a Neptunes y a Timbaland, los cuales hicieron que los sonidos escuchados al principio en los álbumes FutureSex/LoveSounds de Justin Timberlake y Loose de Nelly Furtado fueran imitados por toda la radio con artistas como Madonna, Akon y Lady Gaga. A finales de los años 2000 y a principios de la década de los 2010, la música pop comenzó a moverse hacía la influencia de la escena de la música electrónica para bailar, sentándose las bases en el gremio con productores como David Guetta, Calvin Harris, Swedish House Mafia y Skrillex.


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text: La combinación de Hip hop y pop también comenzó a dominar los años 2000 y los primeros de la década de los 2010. Al principio de esta última, artistas prominentes como Drake, Lil Wayne, 2 Chainz, Kendrick Lamar, Machine Gun Kelly, y Macklemore comenzaron a dominar la escena mainstream.


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text: El sonido predominante de los años 90 en la música country fue el pop, con elementos muy limitados del primer country. Esto incluye a muchos de los artistas más vendidos de los años 90, como Clint Black, Shania Twain, Faith Hill y el primero de estas estrellas de fusiones, Garth Brooks.


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text: Por otro lado, un resurgimiento de la guitarra apareció y levanto a una nueva generación de bandas alternativas, a menudo descritas como post-punk revival o garage rock revival. Las bandas prominentes de EUA en esta generación son White Stripes, The Strokes, yThe Killers. El New Weird America o, a veces también llamado Freak Folk, es un nuevo movimiento que enfatiza la individualidad artística de artistas que fusionan géneros, tales como Antony and the Johnsons, Joanna Newsom, The Dodos, Animal Collective y Cat Power.


title: Música popular de Estados Unidos

text: La música popular americana se ha hecho extremadamente popular internacionalmente hablando. El Rock, el hip hop, el jazz, el country y otros estilos tienen fanes alrededor de todo el mundo. El presentador de la BBC Radio y DJ, Andy Kershaw, por ejemplo, ha notado que la música country es popular a través de prácticamente todo el mundo. De hecho, fuera de "todas las contribuciones hechas por los americanos a la cultura global... (la música popular americana) ha sido tomada (en su mayoría) con amor por todo el mundo". Otros estilos de música popular americana también han tenido un efecto formativo internacional, incluyendo el funk (la base para el Afrobeat de África Oriental), el R&B (una gran fuente de inspiración para el reggae jamaiquino, y el rock, el cual ha influido profundamente en la mayor parte de los géneros de música popular alrededor del mundo. El rock, el country, el jazz y el hip hop se han convertido en una parte atrincherada de muchos países, lo cual ha llevado al auge de variedades locales como la música country australiana, Bongo Flava de Tanzania y el rock ruso.


title: Música popular de Estados Unidos

text: El rock ha tenido un impacto en la formación de la música popular, el cual ha tenido el efecto de transformar "el mismo concepto de lo que la música popular" es. Mientras Charlie Gillett ha discutido sobre como el rock and roll "fue el primer género popular en incorporar el pulso implacable y verdadero volumen de la vida urbana en la música misma".


title: Música popular de Estados Unidos

text: El impacto social de la música popular americana ha sido sentido tanto en los Estados Unidos como en los países extranjeros. Comenzando tan pronto como el siglo XIX con las extravaganzas de finales del mimo, la música popular americana ha sido criticada por ser demasiado provocativa en lo sexual y por motivar a la violencia, el uso de las drogas y el comportamiento inmoral en general.


title: Música popular de Estados Unidos

text: Gilliland, John (1969). "Play A Simple Melody: American pop music in the early fifties" (audio). Pop Chronicles. Digital.library.unt.edu


title: Phyllophryne scortea

text: Phyllophryne scortea es un pez sapo que pertenece a la familia Antennariidae. Esta especie es endémica y habita en Australia. Crece hasta una longitud de 10 centímetros (3,9 pulgadas) TL; es la única conocida de su género.


title: Phyllophryne scortea

text: Fue reconocida por primera vez en 1918, por Allan Riverstone McCulloch y Edgar Ravenswood Waite.


title: San Juan Bautista (Auguste Rodin)

text: San Juan Bautista Predicando es una escultura en bronce realizada por Auguste Rodin entre 1887 y 1888 y su segunda escultura de tamaño natural. En esta obra, que presenta al predicador completamente desnudo, permite recalcar los relieves realistas de un hombre atezado por el desierto.


title: San Juan Bautista (Auguste Rodin)

text: El modelo de la obra fue un campesino de los Abruzos llamado Pignatellique posó de pie con el brazo derecho ligeramente extendido y la mano levantada; los rasgos del rostro son de Danielli, un amigo del escultor. Rodin elaboró varios bocetos a partir de las ideas que su padre Jean-Baptiste Rodin fomentó desde su infancia sobre lecturas bíblicas y su inclusión en la orden de los Hermanos del Santísimo Sacramento como novicio bajo el nombre de hermano Auguste. San Juan Bautista Predicando fue expuesto por primera vez en el Salón en 1880 y es galardonado por este trabajo con una medalla.


title: San Juan Bautista (Auguste Rodin)

text: La pieza en bronce mide 2,03 metros de altura y la fundición fue realizada por la fábrica de fundiciones Alexis Rudier, posiblemente en 1915. Forma parte de la colección de Musée Rodin y cuenta con una versión en pequeño formato en el Museo Soumaya.


title: Agrionoptera

text: Agrionoptera es un género de la familia Libellulidae. Incluye seis especies que se encuentran en India y en el sureste de Asia y del Pacífico:


title: Muchacho (tango)

text: persona a la que se le puede mentir


title: Muchacho (tango)

text: Celedonio Flores (Buenos Aires, 3 de agosto de 1896 - 28 de julio de 1947) fue un poeta argentino, de gran sensibilidad, muy popular letrista de tangos frecuentador de la bohemia porteña. Autor de versos lunfardos y también sentenciosos y moralizantes, entre los que destacaron los tangos "Margot", "Mano a mano", "El bulín de la calle Ayacucho", "Viejo smoking", "Corrientes y Esmeralda" y "Muchacho".


title: Muchacho (tango)

text: Edgardo Donato, (14 de abril de 1897, Buenos Aires - 15 de febrero de 1963, Buenos Aires) cuyo nombre completo era Edgardo Felipe Valerio Donato fue un director de orquesta, compositor y violinista argentino considerado una importante figura vinculado al Tango. Como compositor se le recuerda especialmente como autor de la música de los tangos "A media luz" que es una de las tres obras del género más grabadas y difundidas en el mundo y "Julián" que es uno de los pocos con cierto contenido humorístico.


title: Muchacho (tango)

text: Algunas de las grabaciones son las siguientes:


title: El gran golpe de Niza

text: El gran golpe de Niza () es una coproducción española y italiana dirigida por Mario Caiano y protagonizada por Frank Wolff, de género comedia criminal.


title: Are You the One? Brasil

text: Are You the One? Brasil fue un programa de telerrealidad brasileño producido por la Floresta Produções para Televisão y presentado por MTV (Brasil).


title: Are You the One? Brasil

text: El reality está basado en la versión americana de "Are You the One?" producido por Lighthearted Entertainment y presentado la cadena estadounidense de MTV. A causa de la gran audiencia obtenida por las dos primeras temporadas de la versión americana, MTV (Brasil) decidió realizar una versión local del show con la presentación de Felipe Titto. La serie se estrenó el día 1º de febrero de 2015 en MTV (Brasil), con todos los episodios siendo lanzados al aire solamente los domingos a partir de las 19h30, hasta el día 26 de abril de 2015 en el cual fue se presentó el episodio 11 titulado: El Match Final, donde después del término del reality los participantes mostraron al público como quedaron sus rutinas, con quienes estaban teniendo relaciones, entre otros aspectos.


title: Are You the One? Brasil

text: Confirmado pareja perfecta  Sin confirmar pareja perfecta


title: Are You the One? Brasil

text: Una vez que las cabinas de verdad son confirmadas como un match perfecto, esa pareja irá a la suite de luna de miel y será emparejado automáticamente para el resto de las ceremonias.


title: Are You the One? Brasil

text: Durante episodio 6, se encontró que Elisabetta estaba embarazada de una relación anterior con el programa. Por esta razón, dejó el programa y durante el desafío Barbara fue anunciado como su reemplazo.


title: Are You the One? Brasil

text: La tercera temporada estrenó en Brasil el 29 de enero de 2017.


title: Are You the One? Brasil

text: Confirmado pareja perfecta


title: Are You the One? Brasil

text: Sin confirmar pareja perfecta


title: Are You the One? Brasil

text: Thiago tuvo que dejar el programa en el capítulo 1 por problemas de salud, en sustitución llegó Arthur.


title: Are You the One? Brasil

text: Match Perfecto confimardo Match Perfecto no confirmado


title: Are You the One? Brasil

text: Lucas fue expulsado del programa en el capítulo 6 por agredir a Jonas, en su sustitución llegó George.


title: Argences-en-Aubrac

text: Argences-en-Aubrac es una comuna nueva francesa situada en el departamento de Aveyron, de la región de Languedoc-Rosellón-Mediodía-Pirineos. Fue creada el 1 de enero de 2016, en aplicación de una resolución del prefecto de Aveyron del 18 de noviembre de 2015 con la unión de las comunas de Alpuech, Graissac, Lacalm, La Terrisse, Sainte-Geneviève-sur-Argence y Vitrac-en-Viadène, pasando a estar el ayuntamiento en la antigua comuna de Sainte-Geneviève-sur-Argence.


title: Argences-en-Aubrac

text: Los datos parciales entre 1800 y 2012 son el resultado de sumar los parciales de las seis comunas que forman la nueva comuna de Argences-en-Aubrac, cuyos datos se han cogido de 1800 a 2006, para las comunas de Lacalm y Sainte-Geneviève-sur-Argence, y de 1800 a 1999 para las comunas de Alpuech, Graissac, La Terrisse y Vitrac-en-Viadène, de la página francesa EHESS/Cassini. Los demás datos se han cogido de la página del INSEE.


title: Dos toreros de aúpa

text: Dos toreros de aúpa () es una coproducción italiana y española dirigida por Giorgio Simonelli y protagonizada por el dúo cómico Franco Franchi y Ciccio Ingrassia, de género comedia.


title: Marco Fulvio Gilón

text: Marco Fulvio Gilón (en latín, Marcus Fulvius Gillo) fue un senador romano que desarrolló su "cursus honorum" en la segunda mitad del siglo I, bajo Claudio, Nerón y la Dinastía Flavia.


title: Marco Fulvio Gilón

text: Era natural de Forum Novum (Vescovio, Italia), lugar en el que erigió la siguiente inscripción dedicada a sus Penates familiares, señalando su condición de "consul":


title: Marco Fulvio Gilón

text: Su primer cargo conocido fue el "consul suffectus" entre octubre y diciembre de 76, bajo Vespasiano. Culminó su carrera bajo Domiciano como procónsul de la provincia Asia entre 89 y 90.


title: Marco Fulvio Gilón

text: Su hijo adoptivo fue Quinto Fulvio Gilón Bitio Próculo, "consul suffectus" en 99, bajo Trajano.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: El Vultee A-31 Vengeance fue un bombardero en picado estadounidense de la Segunda Guerra Mundial, construido por Vultee Aircraft. Una versión modificada fue designada A-35. El "Vengeance" no fue usado operacionalmente por los Estados Unidos, pero fue operado como avión de primera línea por la Real Fuerza Aérea Británica, la Real Fuerza Aérea Australiana, y la Fuerza Aérea India en el Sudeste de Asia y en el Pacífico Suroeste. El "A-31" permaneció en servicio en unidades estadounidenses hasta 1945, principalmente en tareas de remolcado de blancos.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: En 1940, Vultee Aircraft comenzó el diseño de un bombardero en picado monomotor, el Vultee Model 72 (V-72) para cubrir los requerimientos del "Armée de l'Air" francés. El "V-72" fue construido con dinero de la compañía y estaba destinado a la venta en los mercados extranjeros. El "V-72" era un monoplano de ala baja monomotor con cabina cerrada y dos tripulantes. Un motor radial Wright GR-2600-A5B-5 Twin Cyclone refrigerado por aire y ajustado a 1200 kW (1600 hp) propulsaba al "V-72". Estaba armado con ametralladoras fijas de fuego frontal y en montaje flexible en la cabina trasera, todas de 7,62 mm. El avión también llevaba hasta 680 kg de bombas en una bodega de bombas interna o en soportes alares externos.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: El "Vengeance" fue diseñado únicamente para picar verticalmente, sin que la sustentación del ala empujara el avión lejos del blanco. Para conseguir esto, tenía un ángulo de incidencia de 0º en el ala, para alinear mejor el morro del avión con el blanco durante el picado. Esto resultó en que el avión volaba con una actitud de morro arriba, dando al piloto una pobre visión hacia delante, particularmente durante el aterrizaje. Tenía una poco usual planta alar con forma de “W”. Se debe a un error en el cálculo de su centro de gravedad. Moviendo el ala hacia atrás aflechando la sección central era una solución más simple que rediseñar la raíz alar. Da la impresión de un ala de gaviota invertida vista desde cierto ángulo, cuando de hecho el ala tiene un diedro de lo más convencional en los paneles alares externos.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: Francia emitió una orden de 300 "V-72", con la intención de que las entregas comenzaran en octubre de 1940. La caída de Francia en junio de 1940 detuvo estos planes, pero al mismo tiempo la British Purchasing Comission, impresionada por las prestaciones del Junkers Ju 87 alemán, estaba buscando un bombardero en picado para la Real Fuerza Aérea, y como era el único avión disponible, ordenó 200 "V-72" (llamado "Vengeance" por Vultee) el 3 de julio de 1940, con órdenes de otros 100 ejemplares emplazadas para diciembre. Como la fábrica de Vultee en Downey ya estaba ocupada construyendo entrenadores BT-13 Valiant, los aviones iban a ser construidos en la fábrica de Stinson en Nashville, y bajo licencia por Northrop en Hawthorne, California.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: El primer prototipo del "V-72" voló desde la fábrica de Vultee en Downey, California, el 30 de marzo de 1941. Inglaterra ordenó aviones adicionales en junio de 1941 bajo el formato de Préstamo y Arriendo, otorgándoseles la designación A-31 del Cuerpo Aéreo del Ejército estadounidense.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: Después de que los Estados Unidos entraran en la guerra tras el ataque a Pearl Harbor, una cantidad de aviones "V-72" y "A-31" fue recuperada para su uso por las USAAF. Como las USAAF estaban interesadas en el bombardeo en picado, decidieron ordenar la producción de una versión mejorada del "Vengeance", designada A-35, tanto para su propio uso como para suministrar a sus aliados bajo el programa de Préstamo y Arriendo. Estaba equipado con un motor Wright R-2600-19 Twin Cyclone más potente y armamento mejorado. Los pilotos de pruebas del Ejército estadounidense estaban disgustados por la pobre visibilidad del piloto debida al ala de incidencia cero, siendo esto "corregido" en el "A-35", dándole una mejor actitud en crucero pero perdiendo su precisión como bombardero en picado.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: Cuando la producción del "Vengeance" se completó en 1944, se había producido un total de 1931 aviones. La mayor parte fue producida en la planta de Vultee en Nashville, Tennessee.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: La indecisión acerca de qué modelo de avión lo reemplazaría en la en planta de Vultee, provocó la realización de varios “contratos de trabajo” de aviones "Vengeance", para evitar la dispersión de la mano de obra cualificada. Esto resultó en una sobreproducción de lo que estaba considerado como un avión obsoleto.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: La experiencia operacional con otros aviones de bombardeo en picado de la época, como el Blackburn Skua, Junkers Ju 87 Stuka, Aichi D3A "Val", Douglas Dauntless, Breda Ba.65 y Curtiss SB2C Helldiver, indicaba que el "Vengeance" sería vulnerable a los cazas enemigos. Para ser efectivos, todos estos aviones requerían un entorno de superioridad aérea local y escolta de cazas. La escolta de cazas y la falta de oposición de cazas en los teatros en los que sirvió, combinado con su capacidad de picado vertical, significaron que el "Vengeance" sufriera ligeras pérdidas en combate.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: Las primeras experiencias con el avión mostraron que tenía problemas de refrigeración del motor. En servicio, los británicos se las arreglaron para solventar estos problemas, pero los aviones de la Francia Libre que no habían resuelto estos problemas fueron declarados antieconómicos o no fiables de operar y fueron inmovilizados en tierra.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: El avión fue descrito como estable en vuelo y en picado, con gran control del elevador y del timón, pero con ligero control de los alerones. La visibilidad delantera fue considerada pobre debido al gran motor radial. Hubo una serie de accidentes fatales con el "Vengeance" debido a procedimientos de picado inapropiados y a un problema del centro de gravedad surgido cuando el avión era volado con la cubierta de la cabina trasera abierta, pero sin artillero trasero.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: En combate, el modelo fue considerado robusto, confiable, estable y en general con buen comportamiento. Las fuerzas de la Commonwealth operaron el modelo de mayo de 1942 a julio de 1944. Birmania tendía a ser una baja prioridad para los planes aéreos aliados, y las fuerzas en aquel teatro recibían lo que sobraba. Aviones como el Vickers Wellington y el Hawker Hurricane pasaron sus últimos días en Birmania. El "Vengeance" entró en combate de forma considerable, atacando los suministros, las comunicaciones y las concentraciones de tropas japoneses en Birmania. Su servicio en aquel teatro ha sido descrito como “...muy efectivo...”.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: Peter Smith, autor de "Jungle Dive Bombers at War", escribió que “sus pilotos tenían dificultad en despegar del suelo con una carga completa. En Newton Field usaban toda la longitud de la pista de 6000 pies antes de despegar. Los aviones "Kittyhawk" podían llevar la misma carga de bombas y además hacerse cargo de realizar pasadas de ametrallamiento".


title: Vultee A-31 Vengeance

text: En contraste, muchas tripulaciones hablaban bien del "Vengeance": “ciertamente yo no tuve esa experiencia con el Vultee. No recuerdo incidentes de pilotos que tuvieran dificultad en despegar con cargas completas de bombas, y el "Kittyhawk" no podía llevar la misma carga de bombas incluso después de que fuera reforzado su tren de aterrizaje. Recuerdo el Vultee como un avión encantador de volar, un avión que era difícil de que entrara en pérdida y que era totalmente acrobático. Podías hacer cualquier cosa en ellos, toneles, bucles, giros de pérdida, y había suficiente espacio en la cabina para hacer un baile. Me gustaba volarlos, aunque muchos tipos pensaban que eran demasiado incómodos”.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: Por la época en que Inglaterra había recibido grandes cantidades de aviones "Vengeance", su opinión sobre la utilidad de los bombarderos en picado especializados había cambiado. Ya que la Batalla de Inglaterra y las operaciones sobre el norte de África habían demostrado que los bombarderos en picado eran vulnerables al ataque de los cazas, rechazaron el "Vengeance" para su uso sobre Europa Occidental o el Mediterráneo. Se decidió usar el modelo en el Teatro de Birmania para hacerse cargo de operaciones de bombardero en picado en apoyo cercano de las tropas británicas e indias en las junglas.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: Los primeros escuadrones de la RAF (No. 82 y No. 110) recibieron aviones "Vengeance" en octubre de 1942. Las primeras misiones de bombardeo en picado contra las fuerzas japonesas fueron realizadas el 19 de marzo de 1943. Dos escuadrones más de la RAF en Birmania recibieron "Vengeance" (No. 84 y No. 45), junto con dos escuadrones de la Fuerza Aérea India (IAF) (No. 7 y No. 8).


title: Vultee A-31 Vengeance

text: Los "Vengeance" fueron muy desplegados en apoyo de la segunda campaña de Arakan de 1943/44, y en la defensa contra los ataques japoneses a Imphal y Kohima de abril-julio de 1944. Tras la exitosa derrota del ataque japonés, la RAF y la IAF comenzaron a reducir el número de "Vengeance" en favor de cazabombarderos más versátiles y bombarderos ligeros bimotores, siendo realizadas las últimas operaciones del "Vengeance" sobre Birmania el 16 de julio de 1944.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: Tras de servicio en Birmania, un destacamento del 110 Squadron RAF fue enviado a Takoradi en África Occidental vía Oriente Medio, averiándose una cantidad de aviones en ruta. Entre septiembre y diciembre de 1944, once Vultee tomaron parte en pruebas de fumigado contra los mosquitos de la malaria, usando pulverizadores subalares.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: Aunque retirado del servicio en primera línea por la RAF, Inglaterra continuó recibiendo grandes cantidades de "Vengeance", con entregas a granel de aviones del Préstamo y Arriendo (en contra de los comprados directamente por Inglaterra) que acababa de comenzar. Muchos de estos aviones excedentes, incluyendo la mayoría de los "Vengeance Mk.IV", fueron entregados al Reino Unido y modificados como remolcadores de blancos, siendo usados en esta tarea tanto por la RAF como por la Fleet Air Arm (FAA) de la Marina Real. En estas tareas, todo el armamento fue desmontado de los aviones.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: Australia emitió una orden por 400 "Vengeance" como medida de emergencia tras el comienzo de la guerra en el Pacífico, encontrándose con una mezcla de ejemplares de Préstamo y Arriendo y diversiones de las órdenes originales británicas. Mientras que el primer "Vengeance" fue entregado a la Real Fuerza Aérea Australiana (RAAF) en mayo de 1942, los aviones no llegaron en números sustanciales hasta abril de 1943. El primer escuadrón de "Vengeance" de la RAAF, el No. 12 Squadron, voló su primera misión operacional contra la Isla de Selaru en las Indias Orientales Neerlandesas. Los escuadrones equipados con "Vengeance" incluían los No. 12, 21, 23, 24 y 25 Squadrons. De estos, todos, excepto el 25 Squadron, sirvieron brevemente en la Campaña de Nueva Guinea. Los "Vengeance" australianos realizaron sus últimas salidas operacionales el 8 de marzo de 1944, y fueron considerados menos eficientes que los cazabombarderos, al tener un corto alcance y requerir una larga pista de despegue, y fueron retirados para permitir que cazabombarderos más efectivos entraran en el área avanzada. Los escuadrones de "Vengeance" fueron reequipados con bombarderos pesados Consolidated B-24 Liberator.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: La opinión de las limitaciones del "Vengeance" es cuestionada por Peter Smith en "Jungle Dive Bombers at War": “La precisión y habilidad del método del bombardeo en picado... y su clara superioridad sobre la mayoría de los otros métodos de ataque aéreo cuando se realizaba para destruir objetivos pequeños y bien camuflados en un terreno difícil, se probó una y otra vez en las campañas de las junglas asiáticas. Sin embargo, los hombres que alcanzaron estos excelentes resultados, por su economía de esfuerzo y comparativamente pequeñas pérdidas, eran solo un puñado de pilotos que habían sido olvidados en la abrumadora masa de las flotas de bombarderos medios y pesados que estaban golpeando Europa y Asia en 1945”.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: Esta capacidad fue ejemplificada en los ataques de los No. 21 y 23 Squadron de la RAAF en la Bahía Hansay. Smith escribió: “... las colinas cubiertas de selva y las islas de tierras olvidadas o desconocidas se convertirían en el escenario principal de la expresión última de las habilidades del bombardero en picado”. Aunque la RAAF todavía tenía 58 "Vengeance" bajo pedido en marzo de 1944, esta orden fue cancelada y los aviones nunca fueron entregados. Pequeñas cantidades de "Vengeance" permanecieron en servicio en unidades de apoyo y pruebas hasta 1946.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: 33 "V-72" y "A-35" fueron suministrados a Brasil desde 1943, haciéndose cargo de unas pocas patrullas antisubmarinas. Fueron retirados en abril de 1948.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: La Fuerza Aérea de la Francia Libre recibió 67 "A-35A" y "B" en 1943, siendo usados para equipar 3 grupos de bombardeo en el Norte de África. Sin embargo, los franceses, dispuestos a poner el avión en servicio tan pronto como fuera posible, no incorporaron las necesarias mejoras encontradas por Gran Bretaña y Australia, así que sus aviones demostraron ser poco fiables y tener un extremadamente alto consumo de aceite. Por ello, fueron restringidos a realizar operaciones de entrenamiento, siendo finalmente retirados en septiembre de 1944.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: Aunque los Estados Unidos recibieron 243 "V-72" y "A-31" desviados de las órdenes de la RAF, junto con grandes cantidades de "A-35" específicamente construidos para su fuerza aérea, no entraron en combate, siendo usados como equipamiento inicial de los escuadrones de bombardeo ligero que se reequipaban con aviones bimotores antes de desplegar a ultramar, como entrenadores o remolcadores de blancos.


title: Vultee A-31 Vengeance

text: Desde abril de 1944, estuvieron disponibles una cantidad de "Vengeance Mk.IV" de la serie I para la Octava Fuerza Aérea y fueron asignados a realizar vuelos de remolcado de blancos y a estaciones de los Centros de Reemplazo de Tripulaciones de Combate (CCRC). Todo el armamento fue desmontado y fue equipado con un cabrestante de cable ligero en el fuselaje trasero para el remolcado de blancos. Algunos de estos aviones continuaron volando con las insignias nacionales y números de serie británicos. A finales de junio de 1944, había 7 "A-35B" en RAF Cluntoe, 7 en Greencastle, 10 en RAF Sutton Bridge y 6 en RAF East Wretham. Cuando los CCRC fueron disueltos en el otoño, los "A-35B" fueron transferidos a grupos de combate, teniendo la mayoría de los grupos de cazas y algunos de bombardeo uno a mano por algún tiempo durante 1945. Los "A-35B" no mostraron un alto grado de utilidad y, en general, fueron considerados problemáticos de mantener. También fueron designados el RA-35B (R por Restringido) por esa época.


title: Las siete magníficas

text: Las siete magníficas () es una coproducción española, italiana y austríaca dirigida por Gianfranco Parolini, Sidney W. Pink y Rudolf Zehetgruber, de género spaghetti western.


title: Iglesia de Santa Eulalia (Paredes de Nava)

text: La iglesia-museo parroquial de Santa Eulalia es una de las iglesias parroquiales de Paredes de Nava (Palencia, España). Fue declarada Monumento Nacional en 1962. En ella se inauguró, en 13 de septiembre de 1964, el primer museo parroquial de arte sacro fundado en España, y actualmente conviven dos actividades: las celebraciones religiosas y la exposición de arte sacro.


text: El templo fue construido a lo largo de los siglos XII al XVI. Hoy conserva en armonía lo románico, gótico, mudéjar, gótico flamígero, renacentista y, coronado la torre, una pechina piramidal mudéjar del s. XVI, con azulejos esmaltados de colores. Casi 45 metros de altura en la torre y 20 en la bóveda. Además de las famosas tablas de los Reyes de Israel, de Pedro Berruguete, en las salas de museo parroquial se puede contemplar una importante colección de casi 300 obras en pintura, escultura, orfebrería, de estilos románico, gótico, hispano-flamenco, renacentista y barroco.


text: La Iglesia de Santa Eulalia es una de las iglesias parroquiales de Paredes de Nava.


text: Antiguamente fueron un total de cuatro parroquias, dada la gran importancia adquirida por esta localidad a lo largo de los siglos XV, XVI y XVII. Hoy en día es una única parroquia con dos templos parroquiales -Santa Eulalia y Santa María- dedicados a la celebración de los Sacramentos con la comunidad cristiana. Las otras dos iglesias -San Juan y San Martín-, debido a la disminución de población religiosa, las grandes obras que necesitaban y la dificultad de encontrar donativos para su mantenimiento, en el siglo pasado fueron cerradas al culto y, desacralizadas, sus obras artísticas se trasladaron a esta iglesia, conformando así su museo parroquial. De estas dos últimas iglesias, una de ellas -San Martín- se ha rehabilitado como oficina de turismo y Centro de Interpretación de Tierra de Campos, y la otra se mantiene para uso municipal.


text: Esta iglesia de Santa Eulalia fue declarada Monumento Nacional en el año 1962, a la par que se iba gestando el museo parroquial que hoy contiene, inaugurado en el año 1964 y el primer museo parroquial de arte sacro fundado en España. Desde entonces las dos actividades, las celebraciones religiosas y la catequesis-contemplación del arte sacro, han convivido hasta nuestros días.


text: El templo fue construido a lo largo de los siglos XII, XIII, XIV, XV y XVI. El actual gótico sustituyó un anterior templo románico del siglo XII, momento en el cual modificaron su anterior advocación de Nuestra Señora de la Asunción por la de Santa Eulalia de Mérida, dado que los restos de la mártir emeritense del s. III transitaron por estas tierras camino a Oviedo; los fieles conocieron su vida y martirio, y su devoción hacia ella creció tanto que dedicaron esta parroquia bajo su advocación.