title: Discurso de los Olivos

text: El futurismo generalmente sostiene que todas las grandes profecías no cumplidas se cumplirán durante un tiempo global de la catástrofe y la guerra conocido como la Gran Tribulación, en el que se cumplirán muchas otras profecías durante o después de que el Reino del Milenio de Jesucristo. Según muchos futuristas, muchas predicciones actualmente se están cumpliendo durante la Era de la Iglesia, en la que la anarquía y la apostasía están actualmente plagando la sociedad secular. Esto es visto como una señal importante de la realización inminente de todas las otras profecías durante la tribulación. Dentro del cristianismo evangélico en los últimos 150 años, el futurismo ha llegado a ser el punto de vista dominante de la profecía. Sin embargo, alrededor de la década de 1970, el preterismo evangélico (el polo opuesto de futurismo) fue visto como un nuevo desafío al predominio del futurismo, en particular dentro de la tradición reformada. Sin embargo, el futurismo continúa como la opinión predominante por el momento.


title: Discurso de los Olivos

text: Los futuristas anticipan muchos eventos próximos que darán cumplimiento a toda la profecía escatológica: el período de siete años de tribulación, el gobierno mundial del Anticristo, la batalla del Armagedón, la Segunda Venida de Jesús, el reino milenario de Cristo, el estado eterno, y los dos resurrecciones.


title: Dermatofibrosarcoma protuberans

text: Dermatofibrosarcoma protuberans (DFSP) es un tumor muy raro. Es una neoplasia poco frecuente de la capa de la dermis de la piel, y se clasifica como un sarcoma. Sólo hay alrededor de un caso por millón por año. DFSP es una fibrosarcoma, más precisamente un sarcoma de tejido blando cutánea. En muchos aspectos, la enfermedad se comporta como un tumor benigno, pero en el 2-5% de los casos se puede hacer metástasis, por lo que debe considerarse que tiene potencial maligno. Se presenta con mayor frecuencia en adultos que están por sus treinta años; se ha descrito congénitamente, en los niños y los ancianos. Representa aproximadamente el 2-6% de los cánceres de sarcoma de tejido blando.


title: Dermatofibrosarcoma protuberans

text: El Dermatofibrosarcoma protuberans se diagnostica con una biopsia, cuando se extrae una parte del tumor para su análisis , con el fin de asegurar que suficiente tejido se extrae para hacer un diagnóstico preciso, la biopsia inicial de un presunto DFSP se hace generalmente con una aguja gruesa o una incisión quirúrgica.


title: Dermatofibrosarcoma protuberans

text: El dermatofibrosarcoma protuberans comienza como una zona pequeña y firme en piel y comúnmente tiene un diámetro de 1 a 5 cm. Es un tumor que crece lento y por lo general se encuentra en el torso, pero también se puede encontrar en los brazos, las piernas, la cabeza y el cuello. Alrededor del 90% de DFSPs son sarcomas de bajo grado. Alrededor del 10% son mixtos; que contienen un componente sarcomatoso de alto grado (DFSP-FS); por lo tanto, se considera que son sarcomas de grado intermedio. DFSPs rara vez conduce a una metástasis (menos del 5% se hacen metástasis), pero DFSPs puede recurrir localmente. DFSPs surgen en los pacientes que están en sus treinta años, pero a veces se han visto en niños o ancianos.


title: Dermatofibrosarcoma protuberans

text: Más de 90% de los tumores DFSP tienen la translocación cromosómica t (17; 22). La translocación fusiona el gen del colágeno (COL1A1) con el gen del factor de crecimiento derivado de plaquetas (PDGF). El fibroblasto, la célula de origen de este tumor, expresa el gen de fusión pensando que son los códigos de colágeno. Sin embargo, la proteína de fusión resultante se transforma en el factor de crecimiento derivado de plaquetas madura que es un potente factor de crecimiento. Los fibroblastos contienen el receptor de este factor de crecimiento. Así, la célula "piensa" que está produciendo una proteína estructural, pero en realidad se produce una señal de crecimiento de auto estimulación. La célula se divide rápidamente y se forma un tumor. El tejido es a menudo positivo para CD34.


title: Dermatofibrosarcoma protuberans

text: El tratamiento es principalmente quirúrgico, y a veces se utiliza la quimioterapia y la radioterapia utilizan a veces. La NCCN recomienda CCPDMA o cirugía de Mohs para tener la mejor tasa de curación del DFSP. La cirugía de Mohs puede ser muy eficaz ya que elimina el tumor y todas las células patológicas relacionadas sin la extirpación de toda el área que puede pasar por alto las células del sarcoma que han penetrado el tejido muscular.


title: Dermatofibrosarcoma protuberans

text: El tratamiento estándar para pacientes con DFSP es la cirugía. Por lo general, se realiza la resección quirúrgica completa con márgenes de 2 a 4 cm (recomendado). La adición de radioterapia adyuvante (irradiación) mejora el control local en pacientes con márgenes cercanos o positivos durante la cirugía. Una técnica quirúrgica especial, llamad la "cirugía micrográfica de Mohs" (MMS), puede ser empleado en pacientes con DFSP. MMS es técnicamente posible si el DFSP se encuentra en una zona anatómica confinada. Una alta probabilidad de curación del DFSP puede ser alcanzado con MMS, siempre y cuando los márgenes definitivos son negativos. Los pacientes con DFSP recurrente pueden tener cirugía adicional, pero la probabilidad de efectos adversos de la cirugía y / o metástasis aumenta en estos pacientes. La cirugía de Mohs es de gran éxito.


title: Dermatofibrosarcoma protuberans

text: Imatinib está aprobado para el tratamiento. Como ocurre con todas las drogas medicinales que tienen un nombre que termina en "ib" imatinib es un pequeño inhibidor de la vía molecular; imatinib inhibe la tirosina quinasa. Puede ser capaz de inducir la regresión del tumor en pacientes con DFSP recurrente, DFSP no resecable o DFSP metastásico. Hay evidencia clínica de que el imatinib, que inhibe PDGF-receptores, puede ser eficaz para los tumores positivos para la t (17; 22) de translocación.


title: Amo del Océano

text: El Amo del Océano (Orm Marius) es un supervillano ficticio que aparece en los cómics estadounidenses publicados por DC Comics. Creado por Bob Haney y Nick Cardy, el personaje apareció por primera vez en "Aquaman" # 29 (septiembre de 1966). Es un archienemigo (segundo a Manta Negra) de su medio hermano Arthur Curry, también conocido como Aquaman, y es comúnmente descrito como un adversario de la Liga de la Justicia, el equipo de superhéroes del cual su hermano es miembro fundador.


title: Amo del Océano

text: El personaje ha sido sustancialmente adaptado de los cómics a varias formas de medios, incluyendo la serie de televisión de dibujos animados "Justice League", la película animada "", y varios videojuegos relacionados con DC. Orm hizo su debut en vivo en la película del 2018 de DC Extended Universe, "Aquaman", interpretado por el actor Patrick Wilson, quien repetirá su papel en la próxima secuela "Aquaman and the Lost Kingdom" (2022).


title: Amo del Océano

text: Orm Curry era el medio hermano plenamente humano de Aquaman, el hijo de Tom Curry (el padre de Aquaman) y una mujer llamada Mary O'Sullivan. Creció a la sombra de su heroico medio hermano y resentía el hecho de que no tenía los poderes de Aquaman, siendo plenamente humano, y era ya un delincuente de poca monta cuando fue atacado con amnesia y olvidó todo acerca de su vida anterior, desapareciendo poco después.


title: Amo del Océano

text: Varios años más tarde, el auto-llamado Orm Marius reapareció como el Amo del Océano, un pirata de alta tecnología que inicialmente atacó barcos pero rápidamente pasó a causar desastres naturales a fin de tener al mundo de rehén. Aquaman y Aqualad fueron capturados por Amo del Océano, pero logró escapar. Aquaman fue entonces incapaz de luchar contra Amo del Océano después de haber visto detrás de su máscara y darse cuenta de que era su medio hermano Orm, aunque detuvo su plan.


title: Amo del Océano

text: En sus siguientes apariciones Amo del Océano, creyendo que Aquaman le tenía miedo, había decidido derrocar a Aquaman y usurpar su trono. Incapaz de sobrevivir bajo el agua, hizo un traje especial y un casco para ayudarle a respirar en el océano y se enfrentó con Aquaman muchas veces. Amo del Océano recuperó su memoria cuando Deadman tomó posesión de su cuerpo y desbloqueó los recuerdos de Orm en "Aquaman" #50 (marzo-abril de 1970), pero continuó conspirando contra su medio hermano.


title: Amo del Océano

text: Los orígenes del Amo del Océano cambiaron tras la reinvención de Peter David de Aquaman. Él sigue siendo el medio hermano de Aquaman, pero como Aquaman ya no es el hijo de Thomas Curry, Orm es ahora el hijo de Atlan el mago (el verdadero padre de Aquaman) y una mujer iñupiaq.


title: Amo del Océano

text: Apareció por primera vez en el #3 de la miniserie "Aquaman: Time and Tide" (febrero de 1994), en el que Aquaman registra la historia de su vida. Este contó que uno de sus primeros encuentros con los humanos fue cuando rescató a una niña llamada Kako de un oso polar. Su familia eran todos tradicionalistas, a excepción de su primo Orm, que no tenía tiempo para las viejas costumbres. Cuando Kako y Arthur comenzaron una relación sexual, Orm la atacó en un arranque de celos. Aunque sobrevivió, ella no recordaba lo que le había sucedido.


title: Amo del Océano

text: Orm apareció en su traje de Amo del Océano en la próxima edición, que se ubica al principio de la carrera de Orin como Aquaman y su imperio de la Atlántida. Al igual que en la continuidad pre-Crisis, Amo del Océano desea el trono de la Atlántida, habiendo descubierto que su padre era un mago atlante. En este momento ni él ni Aquaman sabían de su relación, aunque Aquaman haría la conexión mientras registraba los eventos.


title: Amo del Océano

text: Durante la historia "Underworld Unleashed", Amo del Océano comenzó a utilizar poderes místicos cuando vendió su alma a Nerón por un poderoso tridente que le dio un gran poder, pero causaba agonía si lo liberaba. Con esto, él conquistó la Ciudad de los Sueños, una nación de vástagos atlantes. Ha sido encontrado por Aquaman, que buscaba unir a todas las tribus de la Atlántida. Aquaman convenció a Amo del Océano que eran medio hermanos, sin embargo, la presión de esto causó que la mente de Orm se rompa.


title: Amo del Océano

text: Después de esto se unió brevemente a la Banda de la Injusticia de Lex Luthor, una contraparte "repleta de archienemigos" con los "Siete Grandes" de la Liga de la Justicia. También intentó agravar las tensiones entre la Atlántida y el país de la superficie de Cerdia.


title: Amo del Océano

text: Amo del Océano chocó con la LJA de nuevo cuando intentó reclamar los restos de la Atlántida tras la aparente muerte de Aquaman en "Our Worlds At War".


title: Amo del Océano

text: Orm fue visto por última vez después de haber utilizado sus talentos místicos para alterar la realidad para que él fuera Aquaman y Orin fuera Amo del Océano. Como Aquaman, Orm mantuvo Sub Diego bajo su malvado gobierno. Sin embargo, el heroico Amo del Océano fue capaz de derrotarlo.


title: Amo del Océano

text: "Las Crónicas de la Atlántida" sugieren que los hermanos que luchan por la gobernación es un tema recurrente en la historia de la Atlántida.


title: Amo del Océano

text: En "Aquaman: Sword of Atlantis", Amo del Océano ha esclavizado a los atlantes que sobrevivieron a la destrucción del Espectro de la Atlántida, y está usándolos para explotar materiales industriales para el mundo de la superficie.


title: Amo del Océano

text: En "Infinite Crisis", Amo del Océano se convirtió en un miembro de la Sociedad Secreta de Supervillanos.


title: Amo del Océano

text: En "Final Crisis", Amo del Océano va al círculo íntimo de la nueva Sociedad por Libra.


title: Amo del Océano

text: En The New 52 (el relanzamiento y retcon de 2011 de toda la serie de DC Comics), los orígenes del Amo del Océano son nuevamente revisados. De acuerdo con el asesor de la Atlántida Vulko, la reina de la Atlántida, Atlanna, dejó a su primer hijo, Arthur Curry, para vivir con su padre en el mundo de la superficie, protegiéndolo así de los efectos de la tiranía de la Atlántida. Atlanna es obligada a casarse con un miembro de la Guardia de la Atlántida y da a luz a su segundo hijo, Orm. Doce años más tarde, el padre de Orm es asesinado y Atlanna muere bajo circunstancias desconocidas, convirtiendo a Orm en el nuevo rey. Vulko acusa a Orm de matar a Atlanna, pero deja de producir pruebas y huye. Cuando Vulko es confrontado por Arthur (que está buscando la Atlántida), explica los orígenes de su hermano y le dice que él es el heredero legítimo del trono de la Atlántida, y por lo tanto, debe derrocar a Orm.


title: Amo del Océano

text: Orm es contactado al final por Aquaman, quien sospechaba que Orm es el atlante que contrató a Manta Negra para robar el cetro reliquia, un objeto de la Atlántida del poder de la tumba del Rey Muerto. Cuando el atlante recupera la reliquia, Aquaman cree que Orm está en la nave atlante y exige que se revele, pero la nave atlante escapa. Más tarde, Orm es visitado por Aquaman para preguntar si él tomó el cetro, pero Orm dice que no lo hizo, diciendo que si quería el cetro reliquia se lo pediría a Aquaman. También se revela que Aquaman permitió que Orm siga siendo el rey de la Atlántida, con la condición de que no iba a invadir el mundo de la superficie.


title: Amo del Océano

text: Durante la historia "Throne of Atlantis", alguien sabotea un portaaviones y provoca que ataque la Atlántida. Creyendo estar bajo ataque desde la superficie, Orm lleva soldados atlantes para invadir el transporte y luego desatar la guerra en la superficie. Orm llega a Boston, atacando a los marinos y preguntando por su hermano, Aquaman. Aquaman se enfrenta a Orm e intenta hacerle recobrar el sentido, pero son interrumpidos por la Liga de la Justicia sin previo aviso. Aquaman defiende a su hermano, negándose a hacer que enfrente la extradición. Atacado en múltiples frentes, Orm electrocuta y encarcela a la Liga de la Justicia dentro de los capullos de agua. Él envía a la Liga de la Justicia a la llanura abisal, mientras intenta hundir la ciudad de Boston.


title: Amo del Océano

text: Mientras Orm y sus soldados atlantes ponen bombas en un intento de hundir la ciudad y se enfrentan a los superhéroes que Cyborg llamó como reservas, son atacados por una raza de criaturas marinas conocidas como la Zanja. Después de que la Liga de la Justicia escapa de la llanura abisal, Aquaman se da cuenta de que Orm no usa el cetro reliquia para hundir la ciudad. Ya que la Zanja solo puede recibir órdenes del cetro reliquia, otra persona debe usarlo para manipular la guerra atlante. El cerebro detrás de todo se revela que es Vulko.


title: Amo del Océano

text: La Liga de la Justicia llega a combatir atlantes y la Zanja por igual, mientras Aquaman ataca a su hermano y trata de convencerlo de que Vulko es responsable de la guerra atlante. Sin embargo, Orm se niega a escuchar, creyendo que Aquaman ha sido corrompido por el mundo de la superficie. La Liga de la Justicia logra deshacerse de todos los detonadores de bombas en Boston, pero Orm trata de usar su casco de control para convocar un maremoto. El poder de Mera convierte la ola en agua dura para detenerla. Orm es derrotado por Aquaman, quien reclama el trono y toma el mando de los soldados atlantes engañados. La Zanja vuelve a casa y Vulko es enviado a un juicio atlante. Sin embargo, Orm se remite a Belle Reve por sus crímenes después de abdicar el trono y perder la inmunidad política en el proceso. Mientras es llevado, Aquaman le pide perdón a su hermano.


title: Amo del Océano

text: Después, el renegado atlante, Murk, hace planes para liberar a Orm - ahora conocido por los medios como el "Amo del Océano", un nombre que él desprecia - de Belle Reve. Mientras estaba en prisión, Orm es aconsejado por su abogado que debe declararse culpable de los cargos penales en su contra. Murk y otros atlantes llegan para liberar a Orm, pero regresan a casa cuando reciben un mensaje de que la Atlántida está bajo ataque.


title: Amo del Océano

text: Durante la historia de "Forever Evil", Deathstorm y Power Ring invaden Belle Reve, matando al abogado de Orm. Durante la fuga de prisión de Belle Reve, Orm sale a reclamar su atuendo atlante cuando un guardia de la prisión gravemente herido pide ayuda; viendo que este guardia era el único que le mostró bondad, Orm lo mata para poner fin a su sufrimiento. Luego se encuentra con compañeros fugitivos que están atacando un restaurante de un pueblo pequeño, y aunque en un principio no le preocupa confrontarlos, una vez que dirigen su atención a él, él los elimina. Una empleada del restaurante llamada Erin desesperadamente le suplica a Orm que salve a su joven hijo Tommy, pero él se niega, y en su lugar vuelve al océano. Sin embargo, él cambia de opinión, regresando a mitad de su camino para salvarlo. A raíz del ataque, Orm ahora vive con Erin y Tommy, entreteniendo a este último con historias de la Atlántida. De repente, Orm es confrontado por el rey de Xebel, Nereo, que le ofrece la oportunidad de unirse a él para permitir que los reyes de los Siete Mares gobiernen la Tierra una vez más.


title: Amo del Océano

text: Amo del Océano es un maestro de la manipulación mágica y puede utilizarla para muchos efectos incluyendo pernos mágicos y telepatía.


title: Amo del Océano

text: Después de hacer un pacto con el demonio Nerón, Amo del Océano ahora puede manipular cantidades aún mayores de energía mágica. El precio de esto, sin embargo, es una cara horriblemente desfigurada y recibió un tridente como un foco para su poder. Si Amo del Océano se separa del tridente, sufre un dolor insoportable. También lleva un casco que le permite respirar bajo el agua y una armadura especial que le permite resistir las presiones de las aguas profundas y le ofrece cierta resistencia a los ataques físicos.


title: Amo del Océano

text: En el reinicio de The New 52, se le ve usando un tridente que puede controlar el relámpago (referido como las tormentas) y un casco que le permitió controlar grandes cantidades de agua a los efectos del tsunami, chorros de agua y otros efectos poderosos. Este casco (o corona, como es llamado) fue destruido por Aquaman al golpear a Orm. Él luchó contra Aquaman bastante igual y parecía capaz de respirar bajo el agua como cualquier otro atlante.


title: Amo del Océano

text: En la línea de tiempo alternativa del evento "Flashpoint", Amo del Océano ayuda a su hermano Aquaman en atacar al pirata Deathstroke. Después de que los eliminan, Amo del Océano intenta matar al líder Deathstroke, pero es detenido luego por su hermano, Aquaman, que los obliga a irse ya que tenía otro trabajo que hacer. Sin saberlo Aquaman, también se reveló que Orm fue uno de los responsables de la guerra entre los atlantes y amazonas, ya que había unido fuerzas con Artemis y la hermana de Hipólita, Pentesilea, para evitar la unión de las dos civilizaciones.


title: Amo del Océano

text: La trama terminó con la muerte de Hipólita, la madre de Diana, que recibió el golpe de Artemisa (destinado a Diana) en el día de la boda. Aquaman reasigna a Amo del Océano y Siren para asesinar a Terra en Nueva Temiscira. La misión fracasó, con Siren siendo asesinada por Pentesilea. Amo del Océano se reveló más tarde que había sido capturado por Wonder Woman, después de que ella lo vio besando a su tía, lo que la llevó a descubrir que la guerra entre los atlantes y las amazonas era un ardid planeado por ellos.


title: Amo del Océano

text: Más tarde, ellos dicen que planean detener cada uno de los poderes opuestos, es decir que serán considerados como héroes, y planean dominar el mundo juntos.


title: Even In The Shadows

text: «Even In The Shadows» "—Incluso en las Sombras—" es el tercer sencillo de la cantante irlandesa Enya extraído de su octavo álbum de estudio llamado Dark Sky Island. El sencillo se estrenó el 13 de noviembre de 2015, una semana antes que el mismo álbum.


title: Even In The Shadows

text: Un pequeño extracto de este nuevo tema pudo oírse en un video promocional de 'Dark Sky Island' donde se aprecian todos los temas de la edición estándar del disco. El 12 de noviembre, Enya hizo un anuncio oficial del lanzamiento del sencillo para el día siguiente en todas sus plataformas de redes sociales. Así mismo anunció que "Even In The Shadows" sería transmitida de manera exclusiva y oficial en el programa radial de Ken Bruce en BBC Radio 2 el día 13.


title: Julio Pachón

text: Julio César Pachón (Bogotá, 5 de marzo de 1961) es actor de cine y televisión colombiano. Reconocido por participar por varias telenovelas "La reina del sur" y "Doña Bárbara". Cadete de la Escuela de Cadetes de Policía General Santander y estudio 4 años del pre grado de Derecho en Sede Principal de la Universidad Libre (Colombia) en Bogotá donde conoció teatro y se dedicó exclusivamente.


title: Alberto Vilanova

text: El nombre Alberto Vilanova puede referirse a:


title: Universidad Full Sail

text: La Universidad Full Sail ("Full Sail University" en idioma inglés) es una universidad privada con fines de lucro ubicada en Winter Park, Florida. Fue fundada en 1979 en Dayton, Ohio, como "Taller Full Sail". Full Sail se trasladó a Florida en 1980 y, luego, a su actual campus en 1989, ampliado su programa de estudios para incluir otras áreas relacionadas con los medios de estudio y de entretenimiento. Full Sail comenzó a ofrecer títulos en línea en 2007. Dentro del campus se encuentra el WWE Performance Center, un complejo deportivo propiedad de la promoción de lucha libre profesional WWE, lugar donde se forma el nuevo talento profesional de la compañía y sede de los programas y eventos en vivo de NXT Wrestling, promoción de lucha libre propiedad de WWE.


title: Universidad Full Sail

text: Full Sail fue fundada por Jon Phelps en Dayton, Ohio, en 1979.


title: Universidad Full Sail

text: El campus de la Universidad Full Sail está en Winter Park, Florida.


title: Universidad Full Sail

text: Más de 36,000 alumnos se han graduado de la Full Sail University. El más destacado fue Jean Dávalos el cual se graduó en 2022


title: Paul Ratier Josse

text: Paul Ratier Josse (Lorient, Morbihan; 1832-Santander, Cantabria; 7 de mayo de 1896) fue un pintor francés que vivió y ejerció en España. Fue un afamado retratista, aunque cultivó otros muchos temas en pintura, manteniéndose siempre fiel al academicismo romántico.


title: Paul Ratier Josse

text: Fue acusado de haber sido el autor de las pinturas de la cueva de Altamira, por encargo de su descubridor Marcelino Sanz de Sautuola, rumor alimentado por el hecho de su condición de mudo.


title: Paul Ratier Josse

text: Los padres de Paul se trasladaron a Santander hacia 1842, cuando era un niño, dando sus primeros pasos en el dibujo y en la pintura con los maestros de esa ciudad (Luis Brochetón). Desde bien joven era conocido por sus habilidades como dibujante, realizando cotizadas reproducciones de grabados. Tras su formación inicial como pintor, la evidencia de sus dotes le facilitó su formación en París.


title: Paul Ratier Josse

text: Vuelto a Santander tras su formación académica, cultivó el retrato, así como el bodegón, paisaje, tema animal, escena religiosa y de género.


title: Paul Ratier Josse

text: Era sordomudo.


title: Paul Ratier Josse

text: Tras la acusación de haber sido quien pintó las pinturas de Altamira, Sanz de Sautuola le encargó trabajo, pero al fallecer éste, no tuvo apoyos y murió en la pobreza de tuberculosis (dejando a una hermana también enferma).


title: Paul Ratier Josse

text: También realizó las primeras reproducciones de las pinturas prehistóricas de Altamira, a solicitud de Marcelino Sánz de Sautuola, aunque no las firmó, y que las publicó en su obra "Breves apuntes sobre algunos objetos prehistóricos de la provincia de Santander" y el original está en el Museo y Centro de investigación de la cueva de Altamira en Santillana del Mar. Los siguientes pintores que realizaron reproducciones siguieron su modelo.


title: Inhibidor de la cinasa Jano

text: Los Inhibidores de la cinasa Jano, también conocidos como inhibidores de JAK o jakinibs, ] son un tipo de medicamento que funciona mediante la inhibición de la actividad de una o más de las enzimas de la familia de cuinasas Jano (JAK1, JAK2, JAK3, Tyk2), interfiriendo así con la vía de señalización JAK-STAT. Estos inhibidores tienen aplicación terapéutica en el tratamiento de cáncer y enfermedades inflamatorias.


title: Inhibidor de la cinasa Jano

text: Las citoquinas juegan un papel clave en el control del crecimiento celular y la respuesta inmune. Muchas citoquinas funcionan mediante la unión y la activación de los receptores de citocinas del tipo I y del tipo II. Estos receptores, a su vez dependen de la cinasa Jano (JAK) que son de la familia de enzimas para la transducción de señales. Por lo tanto, fármacos que inhiben la actividad de JAK bloquean la señalización de citoquinas.


title: Inhibidor de la cinasa Jano

text: Más específicamente, las cinasas Jano fosforilan y activan los receptores de citoquinas. Estos receptores fosforilados a su vez recluta factores de transcripción STAT que modulan la transcripción de genes.


title: Inhibidor de la cinasa Jano

text: El primer inhibidor de JAK para llegar a los ensayos clínicos fue tofacitinib. El tofacitinib es un inhibidor específico de JAK3 (IC50 = 2 nM) bloqueando así la actividad de la IL-2, IL-4, IL-15 e IL-21. Por lo tanto la diferenciación de células Th2 se bloquea y por lo tanto tofacitinib es eficaz en el tratamiento de enfermedades alérgicas. Tofacitinib en menor medida también inhibe JAK1 (IC50 = 100 nM) y JAK2 (IC50 = 20 nM) que a su vez bloquea IFN-gamma e IL-6 de señalización y por consiguiente de diferenciación celular Th1.


title: Corporación Dinant

text: Corporación Dinant (anteriormente Químicas Dinant) es una empresa hondureña fundada en julio de 1960 por Miguel Facussé Barjum con el apoyo de la banca privada y de la Corporación Nacional de Inversiones (CONADI). En los 70's fundó la Fábrica de jabones Químicas Dinant. En 1990 cambia su nombre a corporación Corporación Cressida de Centro América y en 1999 es vendida en su mayor parte a Unilever pasando a ser Unilever Honduras. Corporación Cressida cambia de nombre en 2005 y pasa a ser Corporación Dinant.


title: Corporación Dinant

text: Miguel Facussé Barjum creó Químicas Dinant de Centroamérica SA en julio de 1960. A fines de la década de 1960, Facussé ganó contratos con Procter & Gamble para producir y distribuir sus productos en Honduras, El Salvador y Guatemala. En 1969, Facussé fue presidente tanto de la Asociación de Industriales de Honduras y la Asociación Industrial de América Central. En ese momento, Facussé era propietaria de Químicas Dinant, una empresa que fabricaba jabones y detergentes.


title: Corporación Dinant

text: En la década de 1970, Facussé creó una pequeña fábrica de detergentes y jabones para Químicas Dinant. Lo hizo con el apoyo de la banca privada internacional y el crédito de la Corporación Nacional de Inversiones (CONADI), creada por el Estado en 1974 como parte de la estrategia de consolidación del nuevo Modelo Industrial Sustituyente de Importaciones (ISI).


title: Corporación Dinant

text: En 1994 comienza a cultivar tierras y a comprar tierras en la zona norte para cultivar palma africana. Dos activistas ecológicos fueron asesinados luego de protestas y marchas contra las actividades de algunas de sus empresas


title: Corporación Dinant

text: El Centro Regional de Entrenamiento Militar (CREM) localizado en Trujillo, Colon, había sido utilizado en 1960 para el entrenamiento de la Contra que combatía en Nicaragua. En 1991 el MCA inició acciones para legalizar 5724 hectáreas de tierra traspasadas de la Procuraduría General de la República al Instituto Nacional Agrario, INA mediante la reforma agraria. En el 2000 700 familias y diferentes organizaciones campesinas como el MCA cultivaban 30 manzanas de pasto y 280 manzanas de palma africana teniendo además una descremadora de leche. Corporación Cressida comenzó a sembrar palma africana en el CREM en 2003, la finca el Tumbador de corporación Cressida ocupaba extensión de 550 hectáreas que eran parte del CREM.


title: Corporación Dinant

text: En 2011, Facussé siguió siendo propietario de Corporación Dinant, que poseía más de 22.000 acres de plantaciones de palma en el Bajo Aguán.


title: Corporación Dinant

text: En 2014 Miguel Barjum cuenta con 4 mil hectáreas de palma africana en la zona del Bajo Aguan en donde desde 2008 se ha llevado a cabo el Conflicto del Bajo Aguán en el que han fallecido 128 personas, de ellos 90 campesinos, 14 guardias privados, 7 empresarios, un militar y un policía.


title: Corporación Dinant

text: En 2019, Dinant se convirtió en miembro provisional de los Principios Voluntarios sobre Seguridad y Derechos Humanos, un punto de referencia reconocido internacionalmente que rige estrictamente cómo las organizaciones examinan, reclutan y capacitan a sus hombres y mujeres de seguridad, y cómo se relacionan con las comunidades locales.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: Las artesanías y arte popular de Tlaxcala provienen del Estado más pequeño de México, localizado en la parte central al Este del país. Las mercancías mejor conocidas son los "canes of Apizaco" (provenientes de San Esteban Tizatlan), alfombras de aserrín y zarapes estilo Saltillo. Sin embargo hay otras artesanías tradicionales como la cerámica, incluyendo la Talavera, cartoneria, siderurgia y trabajo en piedra. El Estado apoya a los artesanos por medio de las actividades del Fideicomiso del Fondo de la Casa de las Artesanía de Tlaxcala.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: Tlaxcala es el segundo estado más pequeño del país y a su vez el más poblado sin tomar en cuenta la Ciudad de México. Una importante parte de la producción de artesanías proviene de pequeños pueblos y comunidades indígenas como Ixtenco, San Isidro Buensuceso y Tetlahnocan. Hay dos mercancías representativas del estado, las alfombras de aserrín para ciertas celebraciones religiosas, especialmente en Huamantla; y los bastones de madera en San Esteban Tizatlán. Sin embargo existe una variedad de artesanías, desde textiles y cerámica hasta trabajo en piedra. Muchas de las cuales no han sido documentadas ampliamente.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: La entidad gubernamental a cargo de preservar las artesanías de Tlaxcala es el Fideicomiso Fondo de la Casa de las Artesanía de Tlaxcala. Esta institución estableció y administra actualmente el Museo Vivo de Artes y Tradiciones Populares del Estado, localizado en un antiguo edificio de oficinas. Su principal objetivo es documentar el desarrollo y estatus de las tradiciones y artesanías del estado. Su colección permanente tiene seis pasillos e incluye al Niño Jesús de ayacahuite en madera, con ojos de vidrio y extremidades articulables; varios artículos para la realización de pulque, trajes tradicionales otomíes, cerámica e instrumentos musicales llamados salterios. También dedica sus actividades a diversas celebraciones y tradiciones.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: The Trust patrocinó algunos concursos para artesanos del estado, como el Concurso Estatal de Arte Popular de Tlaxcala , así como el "Día del Artesano" a finales de junio. También existen exhibiciones anuales en la Feria de Tlaxcala. Santa Ana Chiautempan es el anfitrión de la Feria Nacional del Zarape a finales de julio.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: En 2015, el gobernador del estado viajó a Roma para promover las artesanías del estado en el Vaticano.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: Técnicas de trabajo moderno fueron introducidas por los españoles y junto con muebles un número de pequeños objetos de madera fueron hechos.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: El objeto de madera más conocido es un tipo de bastón que esta hecho en el pueblo de San Esteban Tizatlan. A pesar del origen, estos bastones son conocidos como los "Bastones de Apizaco" debido a la llegada del tren a ese pueblo, que permitió que se hiciera publicidad y se popularizarán en esa ciudad. Una característica de esos bastones es el tallado, que está complementado con diferentes colores de madera y barniz; en algunas ocasiones quemándolo para agregar motivos decorativos que en su mayoría son de origen prehispánico. Hoy, aproximadamente 80 familias dependen del trabajo en madera, pero la popularidad de estos bastones ha hecho que el árbol del cual están hechos ("Amelanchier denticulata") o árbol de taxtil, esté en peligro de extinción. Esto ha provocado un cambio al árbol de sabine (sp."Juniperus)", pero no es tan flexible y requiere que la cabeza sea trabajada por separado del cuerpo. Además de los bastones, el pueblo hace bates de madera decorados con imágenes similares, y objetos de cedar y ayacahuite como juguetes, tableros de ajedrez, abre cartas, muebles, así como figuras para altares religiosos. Otro objeto importante es un tambor llamado teponaxtle, hecho de un tronco hueco.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: En San Pablo Apetatitlán, hay un barrio llamado Tlatempa, que se destaca por hacer figuras religiosas de ayacahuite, con ojos de vidrio y extremidades movibles. También se resalta la fabricación de máscaras tradicionales para Carnaval y otras festividades. Estas máscaras normalmente retratan a los Europeos como carnaval, era un tiempo donde se les permitía a los indígenas hacer burla de los conquistadores. Una familia notable por su trabajo fue la de Pedro Reyes, que hizo estas máscaras por generaciones. Los hombres moldean las máscaras y las mujeres las pintan y decoran. Cada máscara toma aproximadamente 26 horas de trabajo, subiendo su precio por encima de lo que la gente pobre puede pagar. En su mayoría son caras europeas para los bailes de pueblos como los Huehues. Jesús Tlatempan también resalta por fabricar máscaras de carnaval e imágenes religiosas que son pintadas con aceites.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: La capital del estado tiene un barrio llamado Santiago Atlzayanca, en donde se hacen muebles junto con instrumentos musicales de cuerda llamados salterios, un instrumento medieval introducido por los españoles. El barrio de Calpulapan también hace instrumentos musicales, generalmente de ébano, roble, nuez y otras maderas. Los instrumentos más comunes son guitarras, violines, violas y re-quintos.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: Los textiles en el estado tienen una historia que data del periodo prehispánico y que estaba bien desarrollada antes de la llegada de los españoles. Estos textiles tenían diseños complicados y estaban teñidos en diversos colores usando materiales como la cochinilla y un tinte púrpura de caracoles proveniente de Oaxaca. El mejor de estos textiles era generalmente hecho como ofrenda a los dioses. Los españoles introdujeron nuevos materiales como la seda y la lana. A finales del periodo colonial, en la era de las vías de ferrocarril, la producción textil se consolidó en las haciendas y posteriormente en fábricas, algunas de las cuales se hicieron famosas por su trabajo; entre estas se encuentran La Trinidad, San Luis, Santa Elena y La Estrella. Sin embargo el desarrollo de producción textil moderna nunca desplazó completamente los métodos tradicionales.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: Índigo y nuez. Muchos de estos productos son vendidos en playas y otros sitios turísticos en México, así como en el estado. Estas mercancías incluyen zarapes, rebozos, suéteres con diseño de Chiconcuac, chamarras, capas, guantes y sombreros hechos de lana. Las piezas más tradicionales y de más alta calidad son hechas 100% de lana, generalmente realizadas por orden; pero la mayoría de la producción restante se ha deteriorado debido a la substitución por fibras sintéticas. El producto más reconocible es el zarape estilo Saltillo, a pesar de la lejanía del estado con él esta ciudad en el norte. La razón de esto, es que los españoles re-asentaron a muchos indígenas tlaxcaltecas al norte para ayudar con el proceso de colonización. Ambos, Santa Ana Chiautempan y San Bernadino Contla los fabrican y son, generalmente de lana o algodón.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: Un notable artesano fuera de Santa Ana Chiautempan es Guadalupe Ixcotla, quien se especializa no en tejido, si no en la creación de tapices tejidos a mano hechos en marcos verticales. Estos trabajos usualmente tienen imágenes de paisajes.


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text: San Juan Ixtenco se destaca por su bordado pepenado, que consiste en puntos finos arreglados a figuras, especialmente en blusas. Estos pueden estar hechos con o sin adiciones de rosarios, flores o imágenes geométricas.


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text: Huamantla produce bolsas de mano de diversos tipos, cinturones, cubre mesas y rebozos, usualmente de macramé. La ciudad también hace vestidos distintivos para la Virgen de la Caridad, decorados a un estilo bordado llamado "canutillo de oro". Estos vestidos no son para venta, pero pueden verse en el museo dedicado a la virgen.


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text: San Isidro Buensuceso destaca por su bordado a máquina de coser. Otros comunidades productoras de textiles son San Francisco Tetlanohcan, San Francisco Tepeyanco, Zitlaltepec, Panotla y Yauhquemecan.


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text: Las alfombras de aserrín son decoraciones de aserrín de colores, pétalos de flores y algunas veces otros residuos de plantas para crear pinturas decorativas sobre un camino estrecho para preparar una procesión.Es una artesanía de temporada y esta hecha para ser destruida durante el paso de la procesión. Sus orígenes datan del periodo prehispánico, y la creación más famosa del estado es en la ciudad de Huamantla, para el festival de la Virgen de la Caridad. Sin embargo otros pueblos en Tlaxcala también los hacen, como San Vicente Xiloxochitla y San Juan Totolac para el Día de los Muertos.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: Tlaxcala no es uno de los mayores productores de cerámica en México, mucha de la producción es para consumo local. Sin embargo hay una producción notable. Una característica importante de mucha de su producción es que ha mantenido la mayoría de sus características del periodo prehispánico.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: San Sebastián Atlapa hace su cerámica de Ocotlán, como son usualmente vendidas en su pueblo de origen. Es cerámica simple con tonos rojos que provienen del pulido, para hacer figuras de patos, jarros y contenedores de diversos líquidos usando tanto moldes como ruedas de alfarería. Vienen en diferentes formas incluyendo animales y decoración con líneas.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: San Salvador Tzompantepec es famoso por hacer comales, ollas con decoraciones e incrustaciones, floreros, piñatas y más. Esta cerámica se deja en su color natural rojizo de dos tipos barro rojo y barro bruñido. El bruñido es usado principalmente para guardar líquidos. La mayoría de las piezas están hechas ya sea con moldes o de ruedas de alfarería


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text: En San Damian Texoloc se hace cerámica fuertemente influida por las técnicas de Xochitecatl and Cacaxtla.


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text: Hueyotlipan hace tanto mercancía de vidrio como de otro tipo, que normalmente son ollas grandes para cocinar mole, así como otros utensilios de cocina. Lebrillos también hace cristalería y moldes para mole y arroz.


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text: La Trinidad Tenexyecac es conocida por sus trabajos en cristal y por hacer diversos tipos de moldes y utensilios de cocina de todos los tamaños. Estas piezas son llamadas "barro oxidado" debido al color del material. También se fabrican figuras de barro y joyería.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: San Pablo del Monte es conocido por su talavera en platos, tasas, azuejos, tibores, jarrones, urnas y más. Estos productos son hechos en molde y recubiertos con un esmalte blanco de fondo, se pintan en varios colores, siendo está la principal característica que los diferencia de la talavera producida en Puebla.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: Otras comunidades productoras de cerámica son Panotla, Zitlaltepec de Trinidad Santos, Ixtacuixtla de Mariano Matamoros y Tlaxcala.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: El trabajo en piedra es hecho en el barrio de San Miguel llamado San Pablo del Monte, donde se incluyen mármol negro y ónix para hacer figuras de animales como toros, caballos, peces y más. También se usa para hacer figuras humanas, sujeta-libros, joyería, juegos de ajedrez y más. Otras comunidades que realizan trabajos similares son Santa Cruz Tlaxcala, Tetla, Totolac y San Martín Xaltocan. San Martín Xaltocan se especializa en piedra gris, rosa y verde para hacer fuentes, columnas, bases para mesas, vasijas grandes, monumentos y más.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: Varios tipos de no que leas esto comunidades hacen objetos de fibras rígidas. Dos comunidades se destacan por su cestería, las cuales son San Vicente Xiloxochitla y Santa Apolonia Tlacalco. En El Carmen Tequexquitla y San Pablo del Monte se hacen imágenes de popotillo, junto con objetos hechos de palma y chicas con mimbre. Santa Anita Nopalucan hace petates de palma e ixtle.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: En San Juan Ixtenco, se hacen imágenes acomodando frijoles y semillas como maíz, lentejas, arroz y más. Originalmente hechas para hacer imágenes religiosas para colocar en las iglesias en ocasiones especiales, las semillas también son usadas para hacer imágenes seculares como paisajes y hasta retratos de artistas famosos. Este trabajo también se hace en Zitlaltepec de Trinidad Sánchez Santos.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: En la Escuela de Platería en Tlaxco se produce joyería de la época colonial y otros objetos de plata, usando el método de la cera perdida. La joyería puede ser adornada con cuarzo, amatista, coral y otras piedras semi preciosas, con motivos como cruces, aves, llaves y frutas. Rosario Ocotoxco en la municipalidad de Yauhquemecan hace campanas de bronce y otros metales. Tzompantepec candelabros de acero forjado, así como figuras y marcos. Flores de papel son hechas en San Miguel Xochitecatitla para Navidad y son hechas en Panotla. Santa Maria Atlihuetzia hace flores y figurines decorativos. Huamantlahace objetos con papel amate. San Gabriel Popocatla, Tlatempan y Ixtlacuixtla convierten cartoneria en alebrijes, piñatas, máscaras, flores y figuras religiosas y seculares.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: San Cosme Xalostoc, Acuamanala, Panotla y San Antonio Cuaxomulco hacen fuegos artificiales.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: Españita hace productos de cuero, especialmente cinturones y bolsas llamadas toros, usadas para la fermentación del pulque. La comunidad también es conocida por su trabajo con cáscaras de maíz seco, que son usadas para hacer figuras con escenas nativas, muñecas, flores y otras figuras en Españita.


title: Artesanías y arte popular de Tlaxcala

text: Terrenate hace velas con forma de animales, plantas y frutas que usualmente están perfumadas.


title: Wilfried Hannes

text: Wilfried Hannes (Düren, Alemania Occidental, 17 de mayo de 1957) es un exjugador y actual entrenador de fútbol alemán. En su etapa como jugador profesional se desempeñaba como defensa. Actualmente se encuentra sin equipo.


title: Wilfried Hannes

text: Es conocido por su gran carrera a pesar de haber perdido la visión en el ojo derecho debido a un tumor cuando apenas era un niño. Su historia es considerada una de las muestras más grandes de superación en el mundo del deporte.


title: Wilfried Hannes

text: Fue internacional con la selección de fútbol de Alemania Occidental en 8 ocasiones. Formó parte de la selección subcampeona de la Copa del Mundo de 1982, pese a no haber jugado ningún partido durante el torneo.


title: Alexander Aguilar

text: Alexander Aguilar (Choluteca, Honduras; 23 de julio de 1987) es un futbolista hondureño. Juega de mediocampista y su actual equipo es el Vida de la Liga Nacional de Honduras.


title: Alexander Aguilar

text: Hizo su debut con Platense el 21 de octubre de 2007 en un partido contra Olimpia que su equipo perdió 1-3 en el Estadio Tiburcio Carías Andino de Tegucigalpa.


title: Alexander Aguilar

text: Para el Torneo Clausura 2012 reforzó al equipo Marathón de San Pedro Sula. Estando en este equipo disputaría dos partidos internacionales por la Concacaf Liga Campeones 2012-13 ante Caledonia AIA y Seattle Sounders.


title: Alexander Aguilar

text: Durante el Periodo de Transferencias del Clausura 2014, se anuncia su regreso al Platense.


title: Alexander Aguilar

text: El 3 de junio de 2016 fue presentado como refuerzo del Juticalpa F.C.


title: Alexander Aguilar

text: La tarde del sábado 29 de octubre del 2016 quedará para historia para la ‘Ficha’ Aguilar. El exjugador del Platense sólo se tardó 22 segundos para poner arriba a su equipo Juticalpa. En 1979 se anotó el gol más rápido de la Liga Nacional de Honduras y el encargado de hacer eso fue Roberto Valentín “Pirata” Fernández que solo tardó 10 segundos para marcar a favor de la Universidad sobre Motagua.


title: Liga Mexicana de Béisbol 1955

text: La Temporada 1955 de la Liga Mexicana de Béisbol fue la edición número 31. Se mantiene en 6 el número de equipos pero hubo un cambio, los Azules de México se convierten en los Tigres Capitalinos quienes debutaban en la liga. La liga Mexicana entró al béisbol organizado, pasando a formar parte de las Ligas Menores de Béisbol bajo la clasificación Doble A gracias a los esfuerzos de Anuar Canavati de los Sultanes de Monterrey. A partir de esta temporada los equipos de la capital comenzaron a jugar en el Parque del Seguro Social. El calendario constaba de 100 juegos en un rol corrido, el equipo con el mejor porcentaje de ganados y perdidos se coronaba campeón de la liga.


title: Liga Mexicana de Béisbol 1955

text: Los Tigres Capitalinos obtuvieron el primer campeonato de su historia al ganar una serie final contra los Tecolotes de Nuevo Laredo 2 juegos a 0, ya que ambos equipos terminaron empatados en primer lugar con 53 ganados y 47 perdidos, con un juego de ventaja sobre los Diablos Rojos del México y los Rojos del Águila de Veracruz. El mánager campeón fue George "Chuck" Genovese. De esta manera el equipo de Tigres se ganó el mote de "El equipo que nació campeón".


title: Liga Mexicana de Béisbol 1955

text: El Juego de Estrellas de la LMB se realizó el 22 de junio en el Parque del Seguro Social en México, D. F. La selección de Extranjeros se impuso a la selección de Mexicanos 6 carreras a 5.


title: Liga Mexicana de Béisbol 1955

text: Se designó como novato del año a Román Ramos de los Rojos del Águila de Veracruz.


La Universidad de Texas Valle del Río Grande (en idioma inglés y oficialmente The University of Texas Rio Grande Valley, UTRGV) es una universidad pública de Texas, con campus en Edinburg y Brownsville y sedes en Harlingen, McAllen, Rio Grande City, y South Padre Island. Forma parte del sistema de la Universidad de Texas.


title: Universidad de Texas Valle del Río Grande

text: UTRGV es el resultado de la fusión llevada a cabo en 2015 entre la Universidad de Texas–Pan American y la Universidad de Texas en Brownsville.


text: UTRGV participa en las competiciones universitarias organizadas por la NCAA, y forma parte de la Western Athletic Conference.


title: Melotte 15

text: Melotte 15 es un cúmulo abierto esta en el centro de la Nebulosa del Corazón. Contiene varias estrellas de tipo espectral O que son las responsables de ionizar el hidrógeno de la nebulosa y hacer que brille con luz rojiza, entre las que caben destacar HD 15629, y sobre todo HD 15570 -considerada una de las estrellas más masivas y luminosas de la galaxia, con una luminosidad de casi 3 millones de veces la del Sol y posiblemente más de 100 veces más masiva que éste-5 y HD 15558 -un sistema binario masivo formado por dos estrellas de 150 y 50 masas solares, que incluso podría ser triple. La nebulosa está formada por plasma ionizado de hidrógeno y electrones.


title: Música de Madagascar

text: La música muy diversa y distintiva de Madagascar ha sido moldeada por las tradiciones musicales del sudeste asiático, África, Arabia, Inglaterra, Francia y Estados Unidos debido a las sucesivas oleadas de colonos que han hecho de la isla su hogar. Los instrumentos tradicionales reflejan estos orígenes: la mandolina y el kabosy deben su existencia a la introducción de la guitarra por los marinos árabes o europeos, el yembé se originó en África continental y la valiha, la cítara de bambú considerado el instrumento nacional de Madagascar, directamente se desarrolló de una forma anterior de la cítara llevada por los primeros pobladores austronesios.


title: Música de Madagascar

text: La música malgache se pueden dividir en tres categorías: la música tradicional, contemporánea y popular. Estilos musicales tradicionales varían según la región y reflejan la historia etnográfica local. Por ejemplo, en las tierras altas, la valiha y estilos vocales más tenues son emblemáticos de la Merina, la etnia predominante austronesia que ha habitado la zona desde al menos el siglo XV, mientras que entre la población Bara del sur, que remontan su ascendencia al continente africano, sus tradiciones vocales a capella tienen gran parecido con el estilo de canto poliarmónico común en Sudáfrica. Instrumentos extranjeros como la guitarra acústica y el piano se han adaptado localmente para crear una forma única malgache de música. Estilos musicales malgaches contemporáneos como el salegy o tsapika han evolucionado a partir de estilos tradicionales modernizados por la incorporación de la guitarra eléctrica, bajo, batería y sintetizador. Muchos estilos occidentales de la música popular, incluyendo rock, gospel, jazz, reggae, hip-hop y folk rock, también han ganado en popularidad en Madagascar durante la segunda mitad del siglo XX.


title: Música de Madagascar

text: La música en Madagascar se ha desempeñado diversas funciones sagradas y profanas. Además de su desempeño para el entretenimiento o la expresión creativa personal, la música ha jugado un papel clave en las ceremonias espirituales, eventos culturales y funciones políticas históricas y contemporáneas. A finales del siglo XIX, determinados instrumentos y tipos de música se volvieron principalmente asociados con castas o grupos étnicos, aunque estas divisiones han sido siempre fluidas y están en continua evolución.


title: Música de Madagascar

text: La música malgache es muy melódica y se distingue de muchas tradiciones del continente africano por el predominio del cordófono sobre los instrumentos de percusión. Instrumentos de música y estilos vocales que se encuentran en Madagascar representan una mezcla de elementos comunes generalizados y tradiciones muy localizadas. Un estilo vocal común entre los Merina y Betsileo del Reino de Imerina, por ejemplo, no se opone a las diferencias en la prevalencia de determinados tipos de instrumentos (la Valiha entre los Merina y los marovany y kabosy entre los Betsileo). Del mismo modo, la práctica de la tromba (entrar en un estado de trance, generalmente inducido por la música) está presente tanto en las costas este y oeste de la isla, pero los estilos vocales o instrumentos utilizados en la ceremonia varían regionalmente. La música en Madagascar tiende hacia las escalas musicales en modo mayor y escalas diatónicas, aunque la música costera hace uso frecuente de tonos menores, muy probablemente debido a las influencias árabes tempranas en los puertos costeros.La música malgache ha tenido una amplia gama de funciones sociales, espirituales y mundanas a través de los siglos.


title: Música de Madagascar

text: Tradiciones vocales en Madagascar son más a menudo politonales; estilos vocales del sur tienen gran parecido con el canto de Sudáfrica (como se ejemplifica por grupos tales como Salala o Senge), mientras que las armonías de Imerina, fuertemente incluidas en los últimos doscientos años por la música religiosa europea, son más una reminiscencia de las tradiciones vocales polinesios de Hawái u otras tradiciones polinesias. En Imerina, y en particular en el siglo XIX, la interpretación vocal por grandes grupos llamados antsa fue favorecida, mientras que en el sur y las regiones costeras occidentales el canto se realizó con más elaborada ornamentación y en pequeños grupos.La actuación musical en Madagascar a menudo ha sido asociada con funciones espirituales. La música es un componente clave para conseguir un estado de trance en los rituales espirituales de tromba (o bilo) practicados en varias regiones de la isla, ya que se cree que cada espíritu tiene una pieza preferida de música diferente. La asociación entre la música y los antepasados es tan fuerte en la costa oriental que algunos músicos pondrán ron, cigarros u otros objetos valiosos dentro de un instrumento (a través del agujero de tono, por ejemplo) como una ofrenda a los espíritus para recibir sus bendiciones. Del mismo modo, la música ha sido pieza central en la ceremonia famadihana (nuevo entierro periódico los restos de antepasados envueltos en un sudario).


title: Música de Madagascar

text: Los instrumentos en Madagascar fueron traídos a la isla por las sucesivas oleadas de colonos de todo el Viejo Mundo.Hace más de 1.500 años, los primeros pobladores de Indonesia trajeron los instrumentos más antiguos y emblemáticos, como la cítara (valiha) que se desarrolló en una forma de caja (marovany) distintiva de la isla. Colonos posteriores de la península arábiga y la costa oriental de África contribuyeron con los primeros laúdes, silbatos y otros instrumentos que se incorporaron en las tradiciones musicales locales en la mitad del siglo XVI. La influencia de los instrumentos y estilos musicales de Francia y Gran Bretaña comenzaron a tener un impacto significativo sobre la música en Madagascar por el siglo XIX.


title: Música de Madagascar

text: El instrumento más emblemático de Madagascar, la valiha, es una cítara de bambú muy similar en forma a los utilizados tradicionalmente en Indonesia y las Filipinas. La valiha es considerado el instrumento nacional de Madagascar.Las cuerdas son tradicionalmente cortadas y levantadas de la superficie fibrosa de la caña de bambú, aunque una forma contemporánea en su lugar utiliza cables de freno de bicicleta como cuerdas para dar al instrumento un sonido más fuerte.


title: Música de Madagascar

text: Las cuerdas pueden ser tocadas con las uñas de las manos, que se dejan crecer más largas para este propósito. El instrumento fue utilizado originalmente para los rituales y para la expresión artística creativa por igual. Sin embargo, a partir de mediados del siglo XIX, tocar el instrumento se convirtió en la prerrogativa de la aristocracia Merina a tal grado que poseer las uñas largas se convirtió en un símbolo de nobleza. Si bien la valiha tubular es la forma más emblemática del instrumento muy probablemente debido a su popularización por la aristocracia Merina en el siglo XIX, pero también existen otras formas de instrumento en toda la isla. En la región alrededor de la ciudad portuaria oriental de Toamasina, por ejemplo, valiha utilizada en ceremonias tromba puede adoptar una forma de caja rectangular llamada marovany. Mientras que algunas regiones construyen su marovany a partir de madera, cerca de Toamasina la caja está construida de láminas de metal con cuerdas mucho más gruesas y más pesadas que producen un sonido diferente del bambú y a los cables de freno de bicicleta.


title: Música de Madagascar

text: El kabosy (o kabosa) es una simple guitarra con cuatro a seis cuerdas común en la Imerina del sur y este, sobre todo entre los grupos étnicos Betsimisaraka y Betsileo. La caja de resonancia, que es típicamente hoy cuadrada o rectangular, originalmente era de forma circular, primero hecha de un caparazón de tortuga y más tarde a partir de madera tallada en una forma redondeada. Mandolina y gitara son los nombres Antandroy de un cordófono popular similar al kabosy pero con cuerdas de hilo de nylon de pesca y cinco o siete trastes movibles que facilitan la modificación de afinación del instrumento. El voatavo jejy es un cordófono que tradicionalmente cuenta con dos cuerdas de sisal, tres trastes y un resonador de calabaza, aunque las versiones modernas pueden tener hasta once o trece cuerdas, normalmente de acero.Un máximo de cuatro de ellas se encadenan a los trastes, mientras que el resto se encadenan a lo largo a los lados del cuello y se tocan con los dedos en el acompañamiento a la melodía principal que se toca con un arco. Este más elaborado voatavo jejy es especialmente popular entre los Betsileo de la Imerinay los Betsimisaraka del sureste, que lo tocan como acompañamiento a sus poemas épicos cantados, llamados rija. En el Reino de Imerina del siglo XIX, el voatavo jejy fue considerado como un instrumento de esclavos, que se permitió sólo a los hombres maduros tocar. El Lokanga, un jejy evolucionado con la caja de resonancia tallada para asemejarse un violín de tres cuerdas, es muy popular entre los grupos étnicos del sur Antandroy y Bara. La forma más simple de instrumentos de esta familia es la lava jejy (arco musical), se cree que fue traído a Madagascar por colonos procedentes de África continental.


title: Música de Madagascar

text: El piano fue presentado a la corte real de Merina en el siglo XIX por los enviados de la Sociedad Misionera de Londres, y poco después, los músicos locales comenzaron a crear sus propias composiciones para piano basadas en la técnica valiha. Composiciones para piano alcanzaron su pico con el estilo Kalon'ny Fahiny en los años 1920 y 1930 antes de disminuir en la década de 1940. En la actualidad, las composiciones de este período de pianistas compositores teatrales como Andrianary Ratianarivo (desde 1895 hasta 1949) y Naka Rabemananatsoa (1892 -1952) forman parte del canon de la música malgache clásica y aparecen en el repertorio de los estudiantes malgaches de piano.


title: Música de Madagascar

text: Cuando la guitarra acústica moderna se popularizó por primera vez en Madagascar, fue adoptada por las clases bajas que se inspiraron en el estilo de piano Kalon'ny Fahiny pero para quienes la compra de un piano costoso estaba fuera de su alcance.Los primeros guitarristas adaptaron el estilo de piano (basado a su vez en el estilo valiha) a este nuevo instrumento de cuerda para crear un género que llegó a ser conocido como ba-gasy.Poco después, la guitarra fue ampliamente difundida en toda la isla, produciendo una explosión regional de distintos estilos de guitarra malgache inspirados en la música interpretada con instrumentos tradicionales de la zona. Finger picking es la técnica más popular y guitarristas experimentan frecuentemente con afinaciones originales para obtener el rango deseado. Una de las afinaciones más comunes bajan la sexta cuerda de E a C y la quinta cuerda de la A a la G, permitiendo así que el guitarrista capture una gama aproximada a la de un coro vocal.El estilo de la guitarra acústica de Madagascar ha sido promovido a nivel internacional por artistas como Erick Manana y artista Bara pionero Ernest Randrianasolo (más conocido por su nombre artístico D'Gary), que combina los ritmos de tsapiky con afinaciones innovadoras para aproximarse a los sonidos de la Lokanga, valiha y marovany.  La sodina, una flauta que se sopla por un extremo, se cree que es uno de los instrumentos más antiguos de la isla.Existe la sodina corta más común y conocida, alrededor de un pie de largo con seis agujeros para los dedos y uno para el pulgar y otra flauta similar de dos pies de largo con tres agujeros en el otro extremo. Ambos son de composición abierta y se tocan soplando en diagonal a través de la abertura.El maestro de sodina, Rakoto Frah, apareció en el billete de 1000 francos malgaches (200 Ariary) después de la independencia en 1960 y su muerte el 29 de septiembre de 2001 provocó luto nacional.


title: Música de Madagascar

text: La caracola (antsiva o angaroa) es un antiguo instrumento similar que se cree fue traído por los colonos indonesios tempranos. Principalmente tocado por los hombres, cuenta con un agujero lateral al estilo polinesio y por lo general se reserva para usos rituales o espirituales en lugar de crear música para el entretenimiento.La flauta fipple es un aerófono sencillo traído a Madagascar después del 1000 de nuestra era por los inmigrantes de África.El acordeón de dos octavas diatónico (gorodo), popular en Madagascar, se cree que ha sido importado por los colonizadores franceses después de 1896.En el siglo XX, el instrumento se realiza con frecuencia durante las ceremonias tromba de posesión de espíritus en un estilo llamado renitra. En la década de 1970, la renitra fue incorporada para la interpretación de la música salegy electrificada. Esta forma de acordeón también se integró en el desempeño de tsapika, mientras que también inspira el estilo utilizado por los guitarristas en estas bandas. A pesar de que hoy en día el sonido del acordeón es más a menudo replicado por un sintetizador en bandas salegy o tsapika debido al costo y la rareza del instrumento, los acordeones continúan manteniendo un lugar privilegiado en la interpretación de música ceremonial tromba. Artistas como los hermanastros Lego y Rossy han obtenido éxito como acordeonistas. Régis Gizavo trajo el estilo contemporáneo de renitra a la escena musical mundial, ganando varios premios internacionales por su interpretación de acordeón.


title: Música de Madagascar

text: Una variedad de aerófonos europeos se introdujeron en el siglo XIX bajo la monarquía Merina. Estos especialmente incluyen cornetas (bingona) y clarinetes (mainty kely), y con menos frecuencia el trombón o el oboe (anjomara). Su uso actual se limita en gran medida a la Imerina y a las bandas gasy hira o mpilalao que tocan en Famadihana (entierros), circuncisiones y otras celebraciones tradicionales. Armónicas de metal y madera armónicas también se tocan.


title: Música de Madagascar

text: Varios tipos de membranófonos, tradicionalmente asociados con ocasiones solemnes, se encuentran en toda la isla. En Imerina, bombos europeos (ampongabe) y farolas introducidos en el siglo XIX han sustituido un tambor (ampongan'ny ntaolo) tradicionalmente tocado para acentuar el discurso de un orador mpikabary durante una gasy hira u otras ocasiones formales donde el arte de oratoria Kabary se practica. Sólo los hombres pueden tocar el ampongabe, mientras que las mujeres y los hombres pueden tanto tocar el tambor langoroana más pequeño. El tambor hazolahy ("madera masculino") produce el sonido más profundo y se reserva para las ocasiones más importantes, como Famadihana, ceremonias de circuncisión y el antiguo festival del baño real.


title: Música de Madagascar

text: Maracas de bamboo (kaiamba) con semillas en el interior son esenciales para la interpertaciñon de tromba en la costa oriental de la isla, a pesar de que elementos modernos, como latas de insecticida vacías o de leche condensada llenas de guijarros toman cada vez más el lugar del bambú tradicional. Maracas de este tipo se utilizan en todo Madagascar, comúnmente en conjunto con tromba y otras ceremonias.Durante la época del comercio de esclavos, otra idiófono -un raspador llamado tsikadraha-fue popularizado en Madagascar después de haber sido importado allí desde Brasil, donde es conocida como un caracacha.


title: Música de Madagascar

text: Las primeras formas de xilófono como el atranatrana se encuentran en toda la isla y se cree que han llegado a través de los colonos indonesios originales.El primero de éstos se toca únicamente por un par de mujeres, una de las cuales se sienta con las piernas extendidas juntas y las barras del xilófono descansando sobre sus piernas en lugar de en una caja de resonancia separada. Cada mujer golpea la atranatrana con un par de palillos, una mantiene el ritmo, mientras que la segunda toca una melodía. Las barras del xilófono, van de cinco a siete en número y están hechos de diferentes longitudes de una madera resistente a la putrefacción llamada hazomalagny. Un xilófono similar llamado katiboky todavía se toca en el suroeste en los grupos étnicos Vezo y Bara.


title: Música de Madagascar

text: La música contemporánea comprende composiciones de hoy en día que tienen sus raíces en estilos musicales tradicionales y han sido creados para fines de entretenimiento, por lo general con la intención de difusión masiva vía de casete, disco compacto, radio o internet. Las formas modernas de la música malgache pueden incorporar innovaciones tales como instrumentos amplificados o importados (guitarra eléctrica, en especial el bajo, sintetizador y batería), mezclar los sonidos de los instrumentos nuevos y tradicionales o utilizar los instrumentos tradicionales de manera innovadora. A medida que artistas contemporáneos adaptan su patrimonio musical en el mercado de hoy, se las arreglan para mantener el sonido melódico, cordofónico que distingue la música malgache tradicional de las tradiciones con percusiones de África.


title: Música de Madagascar

text: En los años 1950 y 1960, una serie de bandas en Imerina(en el área entre y alrededor de Antananarivo y Fianarantsoa) estaban realizando covers de éxitos de Europa y América, o la adaptación de melodías africanas el público local. Madagascar consiguió su primer supergrupo en la década de 1970 con Mahaleo, cuyos miembros mezclaron sonidos tradicionales malgaches con el rock melódico con un gran éxito.Rossy surgió como una superestrella poco después, la adaptación de la instrumentación, ritmos y estilos vocales del gasy hira para crear un sonido radio-amigable claramente malgache. Su apoyo abierto y entusiasta por el entonces presidente Didier Ratsiraka aseguró a su banda presentaciones regulares asociadas con funciones presidenciales, y su banda llegó a definir la era Ratsiraka para muchos.


title: Música de Madagascar

text: Otros músicos contemporáneos importantes de Imerina incluyen Justin Vali y Sylvestre Randafison, ambos interpretadores de Valiha; Rakoto Frah, que podía tocar dos sordinas simultáneamente; Solo Miral, guitarrista en el estilo de valiha; Tarika, una banda de fusión malgache con sede en Inglaterra; Olombelona Ricky, un solista, y Samoela, un artista de raíces cuyas críticas sociales y políticas contundentes impulsaron a su grupo a la popularidad.


title: Música de Madagascar

text: Distintas formas contemporáneas de la música, arraigadas en las tradiciones musicales locales, han surgido en las regiones costeras desde 1960. Principalmente surgieron dos estilos up-tempo de la música de baile que se han vuelto muy populares en todo Madagascar y han logrado el éxito: salegy, un estilo 6/8 que se originó en el noroeste alrededor de Mahajanga y Antsiranana y tsapika, un estilo 4/4 del suroeste de Toliara y Betroka. Otros estilos costeros clave incluyen basesa de Diego-Suarez y la costa noreste popularizado por Mika sy Davis, kilalaky de Morondava y el suroeste interior interpretado por grupos como Rabaza, mangaliba de la región sur Anosy, kawitry del noreste como popularizado por Jerry Marcoss, la tradición poliarmónica beko del sur interpretada por bandas como Senge y Terakaly y kwassa-kwassa y la música sega de la vecina isla de la Reunión y Mauricio.Salegy: Salegy hoy en día, se ha popularizado por los originadores como Jaojoby y Mily Clément o relativamente nuevos Ninie Doniah, Wawa, Vaiavy Chila o el Dr. JB y los Jaguares, es una forma funky, enérgica de la música de baile dominada por las guitarras eléctricas, acordeón ( real o sintetizado), y coros de llamada-y-respuesta polifónicos, propulsados por el bajo eléctrico pesado y una sección de percusión que típicamente incluye un kit de batería, djembe y maracas. Salegy representa una versión electrificada del estilo antsa que era tradicionalmente interpretado en los rituales de Betsimisaraka y Tsimihety por Mamá Sana. [


title: Música de Madagascar

text: Además de sus puntos en común en el tempo, estilo vocal, y la tendencia hacia tonos menores (que algunos atribuyen a la influencia árabe, y que contrasta con el dominio de acordes mayores de la música de Imerina), Salegy comparte la estructura del antsa porque siempre cuenta con una sección central llamada folaka ("roto"), que es principalmente instrumental voz sirve solamente para inducir un baile más energético y durante el cual los cantantes (y el público) realizaran una intrincada poliarmónica de aplausos al ritmo de la música.


title: Música de Madagascar

text: Tsapika: Al igual que el salegy, tsapika (o tsapiky) es una forma energética de la música de baile que se originó a partir de la música tradicional de la región suroeste alrededor de Toliara y que recientemente se ha adaptado a los instrumentos contemporáneos como guitarra eléctrica, bajo y batería. Generalmente, incluso más rápido que el salegy, esta música de 4/4 cuenta con un estilo de interpretación de guitarra inspirado en composiciones marovany tradicionales, pero la influencia de la música de la población sudafricana es evidente tanto en las guitarras y voces poliarmónicas, a menudo realizadas por cantantes femeninas que repiten variaciones en un corto estribillo a lo largo de la canción.La música Tsapika se realiza en todo tipo de ocasión ceremonial en el Sur, ya sea una celebración de cumpleaños, fiesta de la comunidad, o un funeral.[Mientras salegy se había vuelto popular a nivel nacional por mediados de 1980 (algunos dirían la década de 1970), tsapika verdaderamente comenzó a reunir un nivel similar de apreciación generalizada a mediados de la década de 1990. No fue hasta el lanzamiento del 2000 del álbum recopilatorio "Tulear nunca duerme" que el género alcanzó proyección internacional con una disquera importante. Esta compilación, sin embargo, presenta "tradicional" tsapika, como podría haber sido más comúnmente realizado en pueblos rurales hace veinte años, en lugar de las canciones de estilo amplificado, sintetizado y remezclado de las emisoras de radio realizadas por estrellas nacionales como Tearano, Terakaly, Jarifa y Mamy Gotso.


title: Música de Madagascar

text: Hay muchos estilos más regionales de la música contemporánea que aún tienen que alcanzar el nivel de reconocimiento nacional alcanzado por salegy y tsapika así como hay muchos músicos de renombre nacional e internacional que se acercan las tradiciones musicales de las regiones costeras en sus composiciones. Destacan Hazolahy (una banda de raíces acústicas en gran parte del sudeste que toca mangaliba), D'Gary (un guitarrista acústico aclamado desde el Sur, cerca Betroka), y Toto Mwandjani (que popularizó la guitarra congoleña estilo ndombolo, y cuya banda realiza una fusión de estilos de baile malgaches y África Central/ Oriental).


title: Música de Madagascar

text: Una amplia gama de estilos musicales extranjeros se han popularizado en Madagascar, incluida la chanson francesa interpretada por artistas como Poopy, reggae, música gospel y pop rock interpretados por bandas como Greeny AmbondronA. Jazz ha sido popularizado por artistas como Nicolas Vatomanga. Hip hop malagasy se dio a conocer a mediados de los noventa y desde entonces ha disparado a la popularidad a través de artistas como Da Hopp y 18,3. Más recientemente bandas como Oladad están experimentando con la fusión de hip-hop y estilos musicales tradicionales malgaches e instrumentos.


title: Música de Madagascar

text: La música ha servido durante mucho tiempo una variedad de propósitos seculares y sagrados en Madagascar. Canciones pueden acompañar a las tareas diarias, proporcionar entretenimiento, preservar la historia o comunicar mensajes sociales y políticos. La música es igualmente esencial para la experiencia del ritual espiritual entre muchos grupos étnicos y religiosos de la isla.


title: Música de Madagascar

text: Entre algunos grupos étnicos la música ayuda a realizar una tarea repetitiva o ardua. Geo Shaw, un misionero en Madagascar en el siglo XIX, describe observar a los campesinos de Betsileo y Merina cantar en los campos de arroz, "sincronizar la música a los movimientos de su cuerpo, de modo que en cada nota acentuada plantan un tallo." Del mismo modo, las canciones pueden acompañar al remo de canoas en viajes largos.La música también puede acompañar a otra forma de entretenimiento, como canciones coreadas por los espectadores femeninos en los partidos de moraingy, una forma tradicional de lucha de cuerpo completo popular en las regiones costeras.


title: Música de Madagascar

text: La preservación de la historia oral puede lograrse a través de la interpretación musical en Madagascar. Entre los Betsileo, por ejemplo, las historias orales son contadas a través de una forma de interpretación musical llamado rija, que en su forma actual puede representar una combinación de, rija un solo verso original y un poema épico llamado isa. El rija Betsileo se realiza por dos hombres que tocan un jejy mientras cantan en voz muy alta con notas en el rango de los soprano. Otros grupos étnicos del sur también realizan variaciones simplificadas del rija con, por ejemplo, un músico solista que rasguea en vez de usar un arco para tocar su instrumento de acompañamiento y canta en un tono más natural inferior. Mientras que la rija Betsileo puede abordar diversos temas, las realizadas por otros grupos del sur son casi siempre alabar canciones recordando un evento favorable memorable.


title: Música de Madagascar

text: Estilos musicales endógenos pueden servir también como una forma de expresión artística, como en el altamente sincopado género ba-gasy de Imerina. El ba-gasy surgió junto con la introducción de la opereta francesa y la posterior aparición del teatro de Madagascar en el Teatro Municipal d'Isotry a finales de los años 1910. El estilo vocal utilizado en ba-gasy se caracteriza por el uso femenino de Angola, una ornamentación vocal con en un tono nasal, compensado por el fasiny (tenor) y una línea de Beno (barítono)cantada por los hombres. Ba-gasy inspiró el estilo musical de dueto Kaolon'ny Fahiny, popularizado en Imerina durante las últimas dos décadas de la época colonial, en la que la sensibilidad vocal ba-gasy se aplica a temas de amor y acompañada de una composición para piano sincopado u ocasionalmente la guitarra.


title: Música de Madagascar

text: Actuación musical en el reino de Imerina asumió un papel netamente político y educativo a través de la hira gasy (hira: Canción; gasy: malgache).El hira gasy es un espectáculo de un día de música, danza, y una forma estilizada de tradicional oratorio conocido como kabary realizado por un grupo o como una competencia entre dos o más compañías. Aunque los orígenes de la hira gasy son inciertos, la historia oral atribuye su forma moderna al del siglo XVIII de Merina Andrianampoinimerina, que al parecer empleaba músicos para reunir al público para los discursos reales y anuncios (Kabary) y para entretenerlos, ya que trabajaban en las obras públicas como la construcción de diques para el riego de los arrozales que rodean Antananarivo.Con el tiempo, estos músicos formaron compañías independientes que utilizaron y continúan utilizando la interpretación no amenazante para explorar temas sociales y políticos sensibles en el espacio público. Las compañías de hira gasy de hoy son los restos de una tradición de músicos de la corte que persistió hasta el final del siglo XIX. Bajo la reina Ranavalona III, la monarca final en la dinastía Merina, había tres grupos oficiales de músicos estatales: uno para la reina, uno para su primer ministro, y otro para la ciudad de Antananarivo. La compañía de la reina constaba de más de 300 músicos. Hasta que se abolió la esclavitud, músicos en estos grupos eran miembros de la clase del esclavo (andevo) dirigido por un Hova (Merina libre). Cada año en Navidad, los directores de cada grupo representarían una actuación ante la reina de una nueva composición original; la reina seleccionaría un ganador entre los tres. Mientras los músicos de la corte (y por tanto las primeras compañías jira gasy) originalmente utilizaban instrumentos tradicionales - principalmente, la sodina, voatavo jejy y tambores - En el transcurso del siglo XIX la influencia europea aumentó llevó a que los músicos de la corte y las compañías hira gasy por igual hicieran uso creciente de instrumentos extranjeros tales como violines, clarinetes, trombones y trompetas. La tradición del músico de la corte se extinguió con la abolición de la monarquía en Madagascar después de la colonización francesa, pero la tradición hira gasy ha continuado prosperando.Los estilos musicales del extranjero se han fusionado con las tradiciones musicales malgaches preexistentes para crear sonidos claramente malgaches con raíces extranjeras. Un ejemplo de esto es la Afindrafindrao, una melodía basada en la contradanza francesa que fue popularizada en la corte de Madagascar en el siglo XIX. Una forma específica de pareja de baile acompaña a esta pieza, en la que los bailarines se forma una larga cadena de parejas hombre-mujer con la mujer en el frente de cada par, mirando ambos hacia adelante de la mano mientras se avanza al ritmo de la música. Desde sus orígenes como una danza cortesana, la afindrafindrao hoy es una tradición por excelencia de Madagascar realizada en el inicio de un evento social o un concierto para dar inicio a las festividades.


title: Música de Madagascar

text: La música es un elemento común de los rituales espirituales y ceremonias en toda la isla. Por ejemplo, los miembros de compañías hira gasy están invitados tradicionalmente para presentarse en las ceremonias de entierro de Famadihana Madagascar central.En las regiones costeras, la música es crucial para ayudar a un médium a entrar en un estado de trance durante un ritual tromba. Mientras se está en un trance, el médium está poseído por un espíritu ancestral. Se cree que cada espíritu prefieré una canción o un estilo particular de la música y no entrará en el médium a menos que la pieza adecuada sea interpretada en la ceremonia.


title: Música de Madagascar

text: Misioneros británicos de la Sociedad Misionera de Londres (LMS) llegaron en Antananarivo en 1820 durante el reinado del rey Radama I. La difusión posterior del cristianismo en Madagascar se acopló con la introducción de solfeo a medida que los misioneros desarrollaron cantos en lengua malgache para su iglesia naciente. La primera ola de misioneros se vio obligado a salir de Madagascar bajo Ranavalona I en 1836, pero los himnos que desarrollaron se convirtieron en himnos para los primeros conversos malgaches perseguidos bajo las políticas tradicionalistas de la Reina. En 1871, un misionero LMS (J. Richardson) mejoró el ritmo y la armonía de estos himnos originales, que fueron influenciados considerablemente por estilos musicales europeos como contradanzas y valses. Originalmente, la música religiosa fue interpretada por esclavos sentados en grupos de cuatro a cinco en el frente de la iglesia. Por la década de 1870 un estilo más europeo de la congregación se había aprobado con todos los miembros de la iglesia poniéndose de pie para cantar juntos.


title: The Browning

text: The Browning es una banda estadounidense de electronicore fundado en Kansas City, Misuri en 2005. La banda es conocida por ser la primera banda pionera en mezclar el EDM y deathcore. Inspirar una ola de nuevas bandas electronicore como Exotype, Tear Out The Heart, I See Stars y entre otros más.


title: The Browning

text: La banda fue formado a principios de 2005, que fue originalmente un proyecto en solitario de Jonny Mcbee (ex-As Blood Runs Black). A principios de 2009, el rapero Matt Keck se une a la banda. Juntos ya produjeron dos demos.


title: The Browning

text: Más tarde en 2010, Matt Keck dejó la banda y se dedica a ser comediante, y apareció en Tosh.0 en un video titulado "I'm a Snake". Viene un cambio en el estilo como baterista Noah Robertson, el guitarrista Brian Cravey, y el bajista Jesse Glidewell, se unen a la banda para trabajar en los dos EP. A finales de 2011, Brian Cravey fue sustituido por Collin Woroniak, y lanzaron su video de "Bloodlust". El primer álbum de la banda, ""Burn This World"", fue lanzado el 3 de octubre de 2011 firmando para Earache Records.


title: The Browning

text: A inicios de 2012, la banda estuvo de gira con Fear Factory y Shadows Fall en el Noise in the Machine Tour. Durante este tiempo, el guitarrista de Drew Ellis se unió a la banda, haciendo su mayor alineación hasta la fecha. También recorrieron con la banda Static-X en Noise Revolution Tour. La banda se presentó con Full Force Festival en Alemania en el verano de 2012 y estuvo de gira en el "Impericon Never Say Die! Tour" Europeo en octubre de 2012.


title: The Browning

text: El 16 de noviembre de 2012, se anunció que Noah Robertson y Jesse Glidewell se retiran de la banda. Drew Ellis cambió al bajo y Cody Stewart (ex-Serpents, ex-The Human Condition) fue invitado a unirse como su nuevo baterista. Jonny McBee es ahora el único miembro original.


title: The Browning

text: El 2 de agosto de 2013, la banda anunció que lanzará un nuevo álbum titulado ""Hypernova"" través de Earache Records, así como el lanzamiento de una nueva canción de ese disco titulado "Gravedigger".


title: The Browning

text: El 27 de enero de 2015, que fue dicho a la audiencia que Alex Maggard sería el quinto miembro de la banda, por lo que la alineación de su más grande desde 2012. La primera gira que apareció en ""The Confessions Tour"", junto con Alesana, Capture the Crown, Conquer Divide, y The Funeral Portrait.


title: The Browning

text: El 26 de julio de 2015, Collin Woroniak anunció a través de Facebook que estaría dejando la banda por razones desconocidas.


title: The Browning

text: Aunque Jonny McBee, originalmente comenzó un proyecto entre crunkcore y rap metal, The Browning actualmente toca como una combinación entre metal con características electrónicas fuertes. Por el lado electrónico incorpora hardstyle, trance, electrónica y dubstep. Y por el otro lado metalero incorpora elementos metalcore y deathcore.


title: Movimiento de protesta social en la Provincia de Corrientes

text: La Provincia de Corrientes atravesó una grave crisis institucional, política, social, cultural y económica en el año 1999, durante el gobierno de Pedro Braillard Poccard por problemas financieros que se produjeron durante los años 1993-1997, gobierno que estuvo a cargo de Raúl Rolando Romero Feris (Tato); el cual provocó el levantamiento de los trabajadores del Estado, hecho que ocasionó un caos institucional en todos los órdenes de la vida de la Provincia de Corrientes.


text: La crisis institucional se dio en todos los sectores del Estado Provincial, siendo el sector de la educación el más afectado y el que encabezó las movilizaciones de reclamos frente al gobierno. Las escuelas permanecían inactivas como consecuencia de la falta de pago de los maestros. Otros sectores que también participaron en las protestas fueron los empleados de salud, empleados de la justicia, policías, establecimientos secundarios y universitarios, abogados, empleados de la legislatura, productores rurales, empleados de la energía eléctrica, entre otros quienes reclamaban el rechazo de la dilapidación de fondos públicos, protestaban por la disminución de las libertades ciudadanas así como también por la corrupción imperante. Durante ese breve, pero intenso período, el sistema político soportó una aguda crítica que abarcó al sistema de representación institucional, el poder, los partidos y los sindicatos. Esto fue el detonante para generar el descontento social contra el gobierno de Pedro Braillard Poccard que culminó con su destitución.


text: El 7 de junio de 1999 comenzaron las primeras movilizaciones en la Plaza de la Dignidad o “Del Aguante” luego del primer atraso en el pago de los sueldos a los empleados públicos. Los objetivos de “La Plaza” refieren a la transformación de la política de la provincia. Aquella popular carpa blanca convocaba a todos los sujetos que querían el cambio en Corrientes. La fuerza social que ellos lograron termina por imponerse en el desarrollo mismo del proceso de enfrentamientos. La trascendencia de la significación de este movimiento puede observarse en la actualidad, tanto por la continuidad de algunas organizaciones surgidas durante la plaza (como, docente autoconvocados, cabildo abierto, entre otras), y por la misma nominación central de la protesta: los autoconvocados.


text: El 10 de diciembre los "Autoconvocados" vuelven a tomar el Puente General Manuel Belgrano y son desalojados el 17 en una acción de guerra de tropas de Gendarmería enviadas por el presidente De la Rúa y su ministro de Interior, Federico Storani. Todo comenzó a las cuatro de la madrugada, cuando la Gendarmería dejó a oscuras al puente General Belgrano y a media ciudad de Corrientes; sin que mediara advertencia alguna, unos efectivos de esa fuerza arremetieron con gases y balas de goma contra los protestantes que se situaban en el puente. Horas más tarde los autoconvocados se reagruparon en la avenida 3 de Abril, y nuevamente se dio un enfrentamiento con gendarmería, dejando dos muertos, y más de 30 heridos de bala.


text: La CGT y el MTA repudiaron la brutal represión, mientras que la CTA convocó a un paro nacional para el lunes 20, día en que Ramón Mestre llegaría como interventor a Corrientes y empezaría a pagar los salarios atrasados a los docentes.


text: Se encontraba en curso una querella contra Gendarmería, el Ministerio, la Secretaría de Seguridad y el Estado Nacional por la represión. La causa ha sido caratulada como “querella criminal y acción civil resarcitoria por la comisión de tentativa de homicidio calificado y abuso de autoridad”.


text: La causa estuvo alrededor de un año demorada por “conflictos de competencia” entre la justicia provincial y federal.


title: Isabel Marant

text: Isabel Marant es una firma francesa de moda fundada en 1994 por la diseñadora Isabel Marant La marca fue lanzada, inicialmente en 1990 bajo el nombre «Twen», antes de ser renombrada Isabel Marant en 1994. Originalmente constó de sólo una línea de suéteres y prendas tejidas. La marca es actualmente más popular por sus zapatos, los cuales han sido usados por muchas celebridades, incluyendo Kate Bosworth, Katie Holmes, Anne Hathaway y Hilary Duff.


title: Isabel Marant

text: La primera colección de pasarela fue mostrada en primavera verano de 1995. En 2000, Marant expandió su marca al añadir la línea «Etoile», la cual está diseñada para ser más accesible y casual que la marca principal. La compañía tiene 10 tiendas en todo el mundo: París, Nueva York, Tokio, Hong Kong, Seúl, Los Ángeles, Beijing, Madrid, Beirut, Londres y tiene distribuidores en más de 35 países.


title: Isabel Marant

text: Cuándo Isabel Marant colaboró con una colección de diseño para la gigante de H&M en 2013, la línea agotó sus ejemplares en solo minutos por medio ventas en línea lo que causó que el sitio web fallara. Acerca de su colaboración con H&M, Marant dijo: «Lo bueno acerca de H&M es que no quieren intentar hacer una versión barata de tu propia colección. Realmente respetan el ADN de los diseñadores». La ropa ha sido descrita como «Combinación de chica andrógina y "bohemian nonchalance"». Desde su creación, la marca ha aumentado en 30% sus ventas cada año.


title: Isabel Marant

text: En 2015 Marant fue el centro de una tormenta en Twitter bajo el "hashtag" #MiBlusadeTlahui, el cual señaló la extrema semejanza de algunos de los diseños recientes de Marant con aquellos de diseñadores indígenas mexicanos de Tlauhuitolpec, en Oaxaca, México, quienes han diseñado y hecho sus blusas originales cosidas a mano para encima de 600 años al estilo de los indígenas mixes. El plagio de los diseños por parte de Marant, prácticamente punto por punto del bordado, ha despertado el malestar del pueblo Mixe para quien la fabricación a mano de las camisas, y su venta, es un factor económico y cultural importante. El tema del «plagio» ha perseguido de cerca a Marant, siendo retomado por el diario británico "The Guardián" en junio de 2015 por la periodista Naomi Larsson, quien reportó que otra compañía de diseño, Antik Batik, había ya reclamado derechos sobre el discutido atuendo y citando a la vez a la oficina de Marant admitiendo que el diseño era de Tlauhuitolpec como defensa contra la reclamación. El pueblo Mixe no ha recibido ninguna notificación sobre este reconocimiento según el informe del diario. Nuevamente, en 2020, se vio envuelta en un escándalo de apropiación cultural. Esta vez, Marant plagió el diseño de gabanes del municipio de Charapan, Michoacán, México. La firma tuvo que pedir disculpas luego de que la Secretaría de Cultura de México solicitara una explicación.


title: Kōzō Nakamura

text: La siguiente lista muestra las canciones que fueron creadas por el mismo autor y también con los artistas que trabajó para su elaboración:


title: Juventud en la proa, y placer en el timón

text: Juventud en la Proa, y Placer en el Timón, también conocido como "Risas Justas en la Mañana" y "Juventud y Placer", es una pintura al óleo sobre tela realizada por el artista inglés William Etty, exhibida por primera vez en 1832 y actualmente expuesta en la Tate Britain.


text: Etty había planeado la pintura desde los años 1818–19, y una versión temprana de la obra fue exhibida en 1822. La pieza está inspirada en una metáfora del poema "El Bardo", de Thomas Gray en el que el inicio aparentemente brillante del reinado de Ricardo II de Inglaterra es comparado a un barco dorado cuyos ocupantes permanecen ajenos a la tormenta que se acerca. Etty escogió ilustrar esa metáfora de un modo literal, describiendo una barca dorada llena y rodeada de desnudos y semidesnudos.


text: Etty sentía que su aproximación al trabajo ilustraba un aviso moral sobre la búsqueda del placer, pero su interpretación no fue enteramente exitosa. "El Bardo" trataba sobre una maldición supuestamente lanzada contra la Casa de Plantagenet por un bardo galés cuando Eduardo I de Inglaterra intentó erradicar de Inglaterra la cultura galesa, y los críticos sentían que Etty no había entendido el punto de vista del poema de Gray. Algunos críticos alabaron la pieza, y en particular la técnica de Etty, pero el público de la época apenas comprendió el propósito de la pintura de Etty, y su abundante uso de figuras desnudas hizo que algunos críticos consideraran el trabajo insípido y ofensivo.


text: La pintura fue comprada en 1832 por Robert Vernon para formar parte de su colección de arte británico. Vernon donó su colección, incluyendo "Juventud en la Proa, y Placer en el Timón", a la The National Gallery en 1847, la cual la transfirió a la Tate Gallery en 1949. Continúa siendo una de las obras más conocidas de Etty, y formó parte de las grandes exposiciones organizadas en la Tate Gallery en 2001-2002 y en la York Art Gallery en 2011–2012.


text: William Etty, el séptimo hijo de un panadero y molinero de York, había sido aprendiz en una imprenta en Hull [3]. Tras su aprendizaje de siete años, a los 18 se trasladó a Londres "con unos cuantos lápices de tiza",[4] y la intención de convertirse en pintor de historia en la tradición de los antiguos Maestros clásicos.[5] Matriculado en la Escuela de la Royal Academy of Arts, estudió bajo la tutela del renombrado retratista Thomas Lawrence.[4] Entregó numerosas pinturas a la Real Academia durante toda la década siguiente, todas las cuales fueron rechazadas o recibieron poca atención cuando se exhibieron.[6]


text: En 1821 Etty presentó "La Llegada de Cleopatra a Cilicia" (también conocido como "El Triunfo de Cleopatra") que fue un gran éxito crítico.[6] La pintura mostraba figuras desnudas, y durante los años siguientes Etty pintó desnudos en temas bíblicos, escenas literarias y mitológicas. De las 15 pinturas exhibidas por Etty a lo largo de los años 1820, todas menos una mostraban al menos una figura desnuda.[8]


text: Aunque algunos desnudos existían en colecciones privadas, Inglaterra no tuvo ninguna tradición de pintura con desnudos y la exhibición y distribución de material con desnudos ante el público había sido suprimida desde la proclamación en 1787 del "Acta para el desaliento del Vicio".[9] Etty fue el primer artista británico en especializarse en el desnudo,[10] y la reacción de las clases bajas a estas pinturas causaba preocupación durante el siglo XIX.[11] A pesar de que sus desnudos masculinos eran generalmente bien recibidos, muchos críticos condenaron sus representaciones de desnudos femeninos como indecentes.[8]


text: "Juventud en la Proa, y Placer en el Timón" está inspirado en un extracto del poema de Thomas Gray titulado "El Bardo".[14] El tema de la composición versa sobre la conquista de Gales por el rey inglés Eduardo y la maldición lanzada por un bardo galés a sus descendientes después de que Eduardo ordenase la ejecución de todos los bardos y la erradicación de la cultura galesa.[14] Etty utilizó la imagen de Gray que pretendía simbolizar el inicio aparentemente brillante del reinado desastroso de Ricardo II de Inglaterra, bisnieto de Eduardo I de Inglaterra.[15]


text: Etty decidió mostrar la imagen de Gray literalmente, creando lo que ha sido descrito como "un idilio poético".[10] la "Juventud " y "El Placer" aparecen sobre una pequeña barca dorada. Por encima de la barca, una figura desnuda que representa al Céfiro sopla sobre las velas. El desnudo representando al Placer sujeta un ramo grande de flores y aguanta flojamente la Caña del timón de la barca, dejando que sea la brisa de Céfiro quien la guie. Un niño desnudo sopla burbujas, las cuales el otro desnudo en la proa de la embarcación, representando a la "Juventud", logra atrapar. Varias Náyades, también desnudas, nadan alrededor o se agarran a la barca.[14] A pesar de que las aguas aparecen tranquilas, un torbellino tempestuoso se está formando en el horizonte, con una figura demoníaca dentro de las nubes tormentosas.[14] (el deterioro y una mala restauración hacen que ahora la figura demoníaca sea apenas visible.[14]) Las extremidades entrelazadas de las ninfas acuáticas pretenden evocar la sensación de placer transitoria, así como los apetitos sexuales femeninos atrapando a la juventud inocente,[17] y el poder sexual que las mujeres ejercen sobre los hombres.[10]


text: Etty dijo que con su aproximación al texto esperaba crear "una alegoría general de la Vida Humana, sus vanos placeres vacíos—si no fundados en las leyes de Él quién es la Roca de las Edades."[18] Mientras Etty sentía que su trabajo transmitía un claro aviso moral sobre la búsqueda del placer, esta lección se perdió en gran medida para las audiencias.[10]


text: Cuando Etty exhibió la pintura terminada en la Exposición de Verano de la Real Academia en 1832,[19] la mostró sin título, con los pertinentes seis versos del Bardo sujetos;[14] los escritores contemporáneos a veces se referían a ella por su incipit "Risas Justas en la Mañana".[Superior-alfa 2] Cuando Etty murió en 1849, ya había adquirido su título habitual de "Juventud en la Proa, y Placer en el Timón".


text: La versión final de "Juventud y Placer" estuvo pintada entre 1830 y 1832, pero Etty había ido contemplando una pintura sobre el tema desde 1818–19.[23] La versión temprana exhibida en 1822 en la British Institution la tituló "Un Croquis de una las Odas de Gray (Juventud en la Proa)";[24][25] en esta versión el grupo de figuras en la proa está invertido, y las nadadoras alrededor de la barca ausentes.[23] Otra versión aproximada de la pintura también sobrevive, similar a la de 1832 pero otra vez con las figuras en la proa invertidas.[26] Esta versión estuvo exhibida en una retrospectiva de trabajos de Etty en la Royal Society of Arts en 1849; está datada en 1848 pero esto probablemente puede ser un error de 1828, lo que lo convierte en un estudio preliminar para la pintura de 1832.[26]


text: Un boceto al óleo atribuido a Etty, donado a la Galería de Arte de York en 1952 por Judith Hare, Condesa de Listowel y titulado "Tres Desnudos femeninos", es posiblemente un estudio preliminar de Etty para "Juventud y Placer", o una copia por un estudiante de las tres figuras centrales.[26] La historiadora de Arte Sarah Burnage considera ambas posibilidades improbables, ya que tanto el arreglo de las figuras, como el tema o la serpiente de mar que se acerca al grupo no parecen relacionarse con la "Juventud y Placer" completo, y lo considera más probablemente un esbozo preliminar para un trabajo ahora desconocido.[29]


text: "Juventud en la Proa, y Placer en Timón" conoció una recepción mixta cuando fue expuesta; mientras los críticos generalmente alabaron la capacidad técnica de Etty, había cierta confusión sobre lo que la pintura pretendida de hecho representar y un sentimiento general de que el autor había entendido mal lo que "El Bardo" expresaba.[14] "La Biblioteca de las Bellas artes" sentía que "en el diseño clásico, dibujo anatómico, elegancia de actitud, finura de forma, y la gracia en la agrupación, sin duda el Señor Etty no tiene superior", y mientras "la representación de las ideas en las líneas citadas [del Bardo] está fantásticamente y con exactitud expresada en la tela" consideraron " que la ulterior referencia del poeta [a la destrucción de la cultura galesa y el declive de la Casa de Plantagenet] se perdió totalmente de vista, y que si esto es lo más cercano que el arte se puede acercar en transmitir a los ojos la feliz ejemplificación del tema que Gray pretendía, tememos que debemos renunciar al concurso sobre los méritos de la poesía y la pintura." "The Times" expresó preocupaciones similares, observando que estaba "Lleno de belleza, rico en color, dibujado con valentía y precisión, y compuesto con una fantasía muy elegante; pero el significado de él, si es que tiene alguno, ningún hombre lo puede decir", señalando que a pesar de que pretendía ilustrar a Gray, podría "representar también a casi cualquier otro poeta." "The Examiner", entretanto, se mostró preocupado por el apretado y sobrecargado navío, señalando que los personajes "si bien no exactamente juntos como higos en una cesta, están tristemente limitados por la falta de espacio", quejándose de que la barca en realidad "flota a medias del peso que presiona sobre él."[14]