title: Warsaw Shore

text: La tercera temporada del programa se anunció el 23 de enero de 2015. Se estrenó el 29 de marzo de 2015 y concluyó el 20 de septiembre, constando de 16 episodios. Esta temporada no incluye a Jakub Henke y Malwina Pycka. Incluye a los nuevos miembros Magdalena Pyznar, Damian Zduńcz y Klaudia Stec. Mientras que Paweł Trybała y Eliza Wesołowska fueron miembros recurrentes. Paweł Cattaneo fue despedido durante el final de temporada.


title: Warsaw Shore

text: La cuarta temporada del programa se anunció el 13 de julio de 2015. El rodaje inició el 11 de octubre de 2015 en la ciudad de Łeba, Polonia. En esta temporada no se incluía a la miembros de reparto original Ewelina Kubiak. Esta temporada marca el regreso de Jakub Henke. La temporada se empezó a emitir el 10 de enero de 2016.


title: Warsaw Shore

text: La quinta temporada del programa fue anunciada el 13 de noviembre de 2015. Se empezó a emitir el 28 de febrero de 2016. Esta temporada no consta con la participación de Alan Kwiecińesk, después aparecer por última vez en la cuarta temporada. Esta fue la primera y única temporada que incluyó a los hermanos gemelos Pauly y Piotr Kluk como miembros principales. Esta serie marca el regreso de Ewelina Kubiak. Esta temporada fue filmada en la ciudad de Breslavia, Polonia. Anna Ryśnik abandonó el programa a mitad de temporada.


title: Warsaw Shore

text: La sexta temporada del programa se anunció el 16 de junio de 2016. Comenzó a transmitirse el 28 de agosto de 2016. Ewelina Kubiak no regresó para esta temporada. El 12 de agosto de 2016, se confirmaron dos nuevos miembros del elenco, Aleksandra Smoleń y Piotr Polak. Ewelina Bańkowska se unió al programa luego de la salida de Klaudia Stec.


title: Warsaw Shore

text: La séptima temporada del programa fue anunciada el 20 de enero de 2017. Se transmitió iniciaron el 26 de febrero del mismo año. Aleksandra Smoleń no regresó luego de la temporada anterior. El 14 de febrero de 2017, se anunció el regresó de que tres antiguos miembros del reparto, Alan Kwieciński, Ewelina Kubiak y Klaudia Stec. Antes del estreno se confirmó que la serie se filmaría en Zakopane. Anna Aleksandrzak abandonó la serie durante esta temporada.


title: Warsaw Shore

text: La octava temporada del programa fue anunciada el 14 de julio de 2017. Se empezó a emitir el 3 de septiembre de 2017. Jakub Henke, Alan Kwieciński, Magdalena Pyznar, Klaudia Stec y Ewelina Bańkowska no regresaron luego de la temporada anterior. Esta fue la primera temporada en incluir nueve posibles nuevos miembros del elenco, Anna Papierz, Bartlomej Barański, Ilona Borowska, Jacek Bystry, Jola Mróz, Kamila Widz, Marcin Maruszak, Mariusz Adam y Wiktoria Sypucińska. Jacek, Maruszak, Mróz, Sypucińska, Papierz y Barański fueron elegidos como miembros a tiempo completo, sin embargo, estos dos últimos abandonaron el programa. También presenta el regreso de Anna Aleksandrzak, que había salido la temporada anterior. Antes del estreno se confirmó que la serie se filmaría en Władysławowo.


title: Warsaw Shore

text: La novena temporada del programa se anunció el 13 de noviembre de 2017. Se estrenó el 4 de marzo de 2018. Bartlomej Barański no regresó al programa después de la temporada anterior. El miembro original Wojciech Gola abandonó el programa a mitad de temporada, mientras que Jola Mróz y Jacek Bystry fueron despedidos. Cuenta con las apariciones recurrentes de Alan Kwieciński, Jackub Henke y Mariusz Adam. Más tarde Wiktoria Sypucińska también abandonó el programa.


title: Warsaw Shore

text: La décima temporada del programa fue anunciada en julio de 2018. Se estrenó el 21 de octubre del mismo año, fue filmada en Łeba, Polonia. Esta temporada marcara por segunda vez el regreso de Klaudia Stec. Además incluye a los nuevos miembros del reparto Julia Kruzar, Klaudia Czajkowska, Patryk Spiker y Filip Krzymiński quien participó en la segunda temporada de "Ex on the Beach Polonia".


title: Warsaw Shore

text: Alan Kwieciński, Bartek Barański, Ewelina Bańkowska, Aleksandra Smoleń, Jakub Henke, Kamila Widz y Piotr Kluk estuvieron regresando al programa a lo largo de la temporada, al igual que Wojciech Gola y Wiktoria Sypucińska luego de salir durante la temporada anterior. Paweł Trybała regresa en el papel de Jefe.


title: Warsaw Shore

text: Julia Kruzar y Marcin Maruszak abandonaron el programa.


title: Warsaw Shore

text: La undécima temporada del programa se confirmó el 14 de enero de 2019 y se estrenó el 24 de marzo. Es la primera temporada en incluir a cuatro nuevos miembros del reparto Anastasiya Yandaltseva, Ewa Piekut, Damian Graf y Kasjusz Życiński. Aleksandra Smoleń hizo un breve regreso.


title: Warsaw Shore

text: La duodécima temporada se confirmó en julio de 2019 y comenzó a emitirse el 22 de septiembre de 2019. Fue filmada en Mielno, también se confirmó que Klaudia Czajkowska y Klaudia Stec habían abandonado el programa. Incluye a la celebridad húngara , además de visitas de posibles nuevos miembros del reparto, conformado por Joanna Bałdys, Paweł Hałabuda, Anna Tokarska, Radosław Majchrowski y Aleksandr Muzheiko. En un principio Majchrowski y Bałdys también fueron elegidos como miembros principales. Anna Aleksandrzak, Damian Graf y Damian Zduńczyk abandonaron el programa. Contó con el breve regreso de Jakub Henke y Wojciech Gola.


title: Warsaw Shore

text: La decimotercera temporada del programa se confirmó en enero de 2020. Inicialmente se programó para ser estrenada el 29 de marzo de 2020, pero se pospuso debido a la pandemia de COVID-19. El 27 de julio de 2020 se anunció la fecha de estreno para el 6 de septiembre, transmitiéndose por primera vez dos días a la semana los domingos y miércoles. Incluye a los nuevos miembros del reparto Marceli Szklanny y Milena Łaszek. Cuenta con el regreso de Damian Graf. También con la participación especial de Nathan Henry del programa hermano Geordie Shore. Anastasiya Yandalsava abandonó el programa.


title: Warsaw Shore

text: La decimocuarta temporada se confirmó el 27 de julio de 2020 y comenzó a filmarse a principios de agosto en Varsovia, de conformidad con todas las normas de seguridad relacionadas con la pandemia de COVID-19. Comenzara transmitirse el 15 de noviembre. Gábor Szabó y Marceli Szklanny no regresaron al programa, mientras se unen los nuevos miembros del elenco Daniel Jabłoński, Kinga Gondorowicz y Maciek Szczukiewicz, además los miembros recurrentes Michał Eliszer y Paulina Karbowiak. Jakub Henke regresó al programa como Jefe. Piotr Polak abandonó el programa. Esta fue la última temporada en presentar a la miembro del elenco original Ewelina Kubiak, además de Daniel Jabłoński, Joanna Bałdys, Michał Eliszer y Paulina Karbowiak


title: Warsaw Shore

text: La decimoquinta temporada se confirmó el 4 de enero de 2021 luego de que la página oficial de Instagram del programa anunciara el casting para la nueva temporada. El 16 de marzo del 2021 se anunció el estreno de la temporada para el 28 de marzo de ese año. Fue filmada de conformidad con todas las normas de seguridad relacionadas con la pandemia de COVID-19. Es la primera temporada que no incluye a un miembro del reparto original, además cuenta con los nuevos miembros Dominik Raczkowski, Jeremiasz Szmigiel, Kamil Jagielski, Lena Majewska, Oliwia Dziatkiewicz y Patrycja Morkowska. Jakub Henke vuelve a ser presentado como Jefe. Damian Graf abandonó el programa mientras que Dominik fue expulsado. Los antiguos miembros del reparto Alan Kwiecińskiy, Michał Eliszer y Piotr Polak hicieron breves regresos.


title: Warsaw Shore

text: La decimosexta temporada se confirmó el 25 de mayo de 2021. Fue filmada en julio y agosto de 2021 en Łeba. El 1 de septiembre de 2021 se anunció el estreno para el 19 de septiembre de se año. Jakub Henke vuelve a ser presentado como jefe. Ewa Piekut, Kinga Gondorowicz y Maciek Szczukiewicz no regresaron al programa después de la temporada anterior. Incluye el regreso de la miembro del reparto original Ewelina Kubiak, al igual que Daniel Jabłoński. Presenta por primera vez a Michał Sarnowski como miembro del reparto. También cuenta con los breves regresos de algunos antiguos miembros del reparto, incluyendo a Damian Graf, Damian Zduńczyk y Piotr Polak. Kasjusz Życiński y Lena Majewska abandonaron el programa el programa durante el undécimo y duodécimo episodio.


title: Warsaw Shore

text: En noviembre de 2021 Dradon Head, quien produce el programa, anunció un nuevo proceso de casting para la nueva temporada.


title: Warsaw Shore

text: - Transmitido entre el 19 de junio al 23 de agosto de 2015 por 12 episodios. Los participantes de la primera temporada - Eliza Wesołowska y Paweł Trybała miran y comentan episodios de la tercera temporada. Invitan a los participantes de las ediciones actuales y anteriores a cada episodio.


title: Warsaw Shore

text: "Para la aparición del reparto a lo largo del programa, busque ."


title: Warsaw Shore

text: Además de aparecer en Warsaw Shore , algunos de los miembros del reparto han aparecido en programa de competencia: Negrita indica que el concursante llegó a la final esa temporada.


title: Warsaw Shore

text: Los episodios sin censura están disponibles para verlos en la aplicación MTV Play el día después de la emisión de los episodios. Desde el 28 de febrero de 2016, el programa se transmite en el sitio web de reproducción en polaco - Player.pl.


title: Autonúmero

text: Un autonúmero o número colombiano es un número entero que no puede escribirse como la suma de cualquier otro número entero "n" y los dígitos individuales de "n".  Esta propiedad es específica de la base utilizada para representar tales números enteros; 20 es un autonúmero, en base 10, porque no hay una combinación posible: todo "n" < 15 da como resultado algún número menor que 20 y todos los demás "n" dan como resultado un número mayor que 20; 21 no es autonúmero porque puede escribirse como 15 + 1 + 5 usando "n" = 15.


title: Autonúmero

text: Estos números fueron descritos por primera vez en 1949 por el matemático indio Dattatreya Ramachandra Kaprekar. También propuestos por el matemático colombianoBernardo Recamán Santos.


title: Autonúmero

text: Los primeros autonúmeros en base 10 son:


title: Autonúmero

text: Una búsqueda de los números uno mismo puede aparecer números autodescriptivos, que son similares a los números de uno mismo en ser la base-dependiente, pero muy diferente en la definición y mucho menos en la frecuencia.


title: Autonúmero

text: En general, para bases pares, todos los números impares por debajo del número de base son autonúmeros, ya que cualquier número por debajo de tal número tendría que ser un número de 1 dígito que cuando se añade a su dígito se traduciría en un número par. Para bases impares, todos los números impares son autonúmeros.


title: Autonúmero

text: El conjunto de los autonúmeros en una base dada "q" es infinito y tiene una densidad asintótica positiva; cuando "q" es impar, esta densidad es ½.


title: Museo de Arte Religioso de Santa Mónica

text: El Museo de Arte Religioso Ex Convento de Santa Mónica es un museo de arte sacro ubicado en la Ciudad de Puebla. El edificio, construido en el siglo XVII, fue el Convento de Santa Mónica.


title: Museo de Arte Religioso de Santa Mónica

text: Hasta 1934, el edificio era un convento femenino, pero durante el gobierno de Plutarco Elías Calles las instituciones religiosas fueron suprimidas y perseguidas de acuerdo a las leyes de Reforma. Por esta razón, en 1935 se convirtió en un museo donde se reunieron colecciones de pintura y escultura religiosa de distintos conventos femeninos de la entidad, y en 1940 se incorporó al Instituto Nacional de Antropología e Historia.


title: Museo de Arte Religioso de Santa Mónica

text: Se trata de un edificio construidos en el siglo XVII, que recibió modificaciones en el XVIII, una intervención mayor en el siglo XIX y principios del XX. Su estilo es barroco poblano, el cual se aprecia en las fachadas del Patio de Profesas por el uso de Talavera poblana y petatillo. Sin embargo, posee otros estilos como el neoclásico.


title: Museo de Arte Religioso de Santa Mónica

text: El museo posee dos patios, Profesas y Novicias, 23 salas de exposición permanente con diversas temáticas relativas a la vida conventual y al arte sacro.


title: Museo de Arte Religioso de Santa Mónica

text: Entre 2006 y 2011, el edificio fue intervenido y restaurado, y se creó una propuesta museográfica nueva para que los visitantes pudieran conocer cómo vivían las monjas agustinas recoletas tomando en cuenta las pinturas, los artículos de cerámica, los libros, objetos litúrgicos entre otros.


title: Museo de Arte Religioso de Santa Mónica

text: Cuenta con obras de autores virreinales, como Juan Correa, Pascual Pérez, Juan de Villalobos, José Patricio Polo, Luis Berrueco, José de Marimón, Miguel Cabrera, Nicolás Rodríguez Juárez, Francisco Castillo, Miguel Jerónimo de Zendejas, Lorenzo Zendejas, Rafael Morante, así como atribuidas a Juan Tinoco.


title: Museo de Arte Religioso de Santa Mónica

text: Debido a las adecuaciones del inmueble, la propuesta museográfica permite conocer la vida cotidiana de las monjas agustinas recoletas, así como los procesos democráticos que tenía su organización para elegir a las novicias y las pruebas que debían realizar las aspirantes para ser aceptadas a la orden.


title: Museo de Arte Religioso de Santa Mónica

text: En 12 salas, se puede apreciar la vida cotidiana de las monjas, desde la cocina, el refectorio, el pasillo de San Agustín, las labores monjiles, entre otros temas. El museo también posee acervo que pertenecía a otros conventos, como el de La Soledad, Capuchinas y Catalinas; también esculturas estofadas, de cera y textiles que elaboraban las religiosas.


title: Museo de Arte Religioso de Santa Mónica

text: En la pinacoteca de la escuela poblana de los siglos XVII y XVIII se pueden apreciar obras de Miguel Cabrera, Luis Barruecos y las pinturas de las monjas coronadas.


title: Franciszek Kleeberg

text: Franciszek Kleeberg (1 de febrero de 1888, Ternópil - 5 de abril de 1941, cerca de Dresde) fue un general polaco. Sirvió en el Ejército austrohúngaro antes de unirse a las Legiones polacas en la Primera Guerra Mundial y más tarde al Ejército polaco. Durante la Invasión alemana de Polonia comandó el (en : "Samodzielna Grupa Operacyjna "Polesie""). Nunca perdió una batalla en la Invasión de Polonia, a pesar de que fue finalmente forzado a rendirse, después de que sus fuerzas huyeran tras agotarse las municiones. Encarcelado en el , murió en el hospital en Dresde el 5 de abril de 1941 y fue sepultado en ese mismo lugar.


title: Franciszek Kleeberg

text: Nació el 1 de febrero de 1888 en Ternópil (en aquel entonces, parte de Imperio Austrohúngaro). Era de ascendencia alemana y sueca en el lado paternal. Su padre, oficial de dragones austríacos, participó en la revuelta polaca de 1863/64 (Levantamiento de enero). Después de la caída de la revuelta, volvió a su hogar, y según la leyenda familiar dijo: "Ahora el país, Polonia, necesitará buenos soldados." "'Franek' Será un" "soldado" Después de graduarse de la escuela vocacional militar en (Mährisch Weißkirchen) en Moravia, Kleeberg continuó sus estudios en la academia militar en Mödling, Baja Austria. Promovido al 2.º Teniente en artillería, sirvió en la capital Viena, donde finalizó sus estudios en la Academia del Estado Mayor ("" "").


title: Franciszek Kleeberg

text: Participó en la Primera Guerra Mundial, primero en el Ejército austrohúngaro, y después en mayo de 1915 como oficial en la Legión polaca. Comandó un regimiento en la Guerra polaco-soviética de 1919-1921. En 1925 completó sus estudios en una escuela militar francesa en París y se convirtió en el comandante de la Escuela Militar Suprema en Varsovia. Después del golpe de estado de 1926, liderado por Jozef Pilsudski, fue destituido de su cargo en 1927 y enviado a dirigir una división de infantería en Grodno.


title: Franciszek Kleeberg

text: Al momento del estallido de Segunda Guerra Mundial era el comandante del IX Cuerpo de Ejército en Brzesc en la zona operacional de retaguardia.Sin embargo, la situación cambiará, en vista de los masivos ataques aéreos del enemigo y el rápido avance de sus tropas blindadas y mecanizadas. El 11 de septiembre de 1939 su cuerpo se transformó en el Grupo de Operaciones Polesie, pero carecía de equipamiento pesado, y por el 14 septiembre estaba ya en combate con las tropas alemanas más avanzadas. El general Kleeberg logró organizar una defensa mediante la retirada de unidades dispersandóse ante los ataques de las fuerzas alemanas, pero gran parte de sus unidades fueron atacadas por el Ejército Rojo. También se las arregló para reagrupar restos del ejército polaco en el este de Vistula y el sureste de Narew en un solo regimiento, con el que intentó echar abajo el asedio de Varsovia. Después de oír de la capitulación de Varsovia, cave sus tropas en, resultando en la batalla de Kock; el 5 de octubre, General Kleeberg decidió rendirse debido a que su ejército se les agotó la munición y la comida.


title: Franciszek Kleeberg

text: General Kleeberg fue encarcelado en el Oflag IV-B Koenigstein, donde quedó ciego y era incapaz de caminar. Falleció en el hospital de campamento y fue sepultado en Dresde. En 1969 sus restos fueron exhumados, traídos a Polonia y vueltos a enterrar en Kock entre los soldados caídos del Grupo de Operaciones Polesie.


title: Museo de Arte Zapopan

text: El Museo de Arte de Zapopan (MAZ) es un museo de arte contemporáneo ubicado en el Centro Histórico (a un costado de la Basílica de Nuestra Señora de Zapopan). Es obra de los arquitectos María Emilia Orendáin y Enrique Toussaint, depende del Ayuntamiento de Zapopan y fue inaugurado en el 2002. Su misión es generar experiencias que animen a la reflexión y al aprendizaje a través del arte contemporáneo, además de favorecer el diálogo entre lo establecido y las nuevas ideas que propicien conocimiento complejo y pensamiento propio.


title: Museo de Arte Zapopan

text: El MAZ cuenta con las siguientes exhibiciones: Entre otro...


title: Museo de Arte Zapopan

text: Andador 20 de Noviembre 166 Zapopan. Ubicado en el Centro Histórico a un costado de la Basílica de Nuestra Señora de Zapopan. Cuenta con varios espacios para realizar todo tipo de presentaciones, rodajes, recepciones, talleres y cursos.


title: Museo de Arte Zapopan

text: El museo cuenta con diversas actividades tales como:


title: Museo de Arte Zapopan

text: ·Ciclo de cine dentro del marco de actividades de la exposición que se encuentre en exhibición, todos los jueves por la noche. ·Día familiar ·Matiné para toda la familia los domingos 12 h ·Visitas guiadas animadas Martes a Domingo de 10:00 a 18:00 horas. Jueves hasta las 22:00 horas.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: El Buch der Lieder –también conocido como "Libro de las canciones" o "Libro de los cantares"– del poeta lírico alemán Heinrich Heine fue publicado por primera vez en 1827 en Hamburgo, bajo la editorial Hoffmann und Campe. Ésta daría a conocer otros trabajos relevantes del poeta años más tarde.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: El libro de Heine fue un éxito comercial en su tiempo, por lo que se volvió famoso y otras editoriales –y en otras ciudades–, décadas más tarde, también imprimieron los poemas. Sin embargo, bajo Hoffmann und Campe se imprimieron trece ediciones del "Buch" en vida del autor, de las cuales sólo cinco fueron supervisadas por él, es decir, hasta 1844, y otras más después de la muerte de Heine, ocurrida en 1856.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: Entre los años 1827 y 1877 el texto se editó 45 veces, sumando un total de 200 000 ejemplares en 50 años. Así, el "Buch der Lieder" resultó ser uno de los libros de poesía más impresos y vendidos del ámbito germanoparlante.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: Al principio Julius Campe, su editor, estaba en contra de la publicación del libro, pero luego se convenció de ello. Heine le cedió todos los derechos por cincuenta "Luis d’or", por lo que este en el futuro no gozaría de las ganancias obtenidas por el libro. Tales, sin embargo, podían haberle ayudado a sobrellevar su mala situación económica durante su exilio en París.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: La edición príncipe del "Buch der Lieder" apareció en 1827 bajo la firma de Hoffmann und Campe e impresa en la ciudad de Hamburgo. La publicación fue en octavo, en papel blanco y grueso de buena calidad, con 372 páginas y su tipografía era gótica de estilo "Fraktur" decimonónico  –como había sido lo usual en las imprentas germanas hasta el siglo XX–, aunque en cada una de las ediciones posteriores los caracteres góticos fueron cambiando, tornándose unas veces más gruesas y/o redondas que otras.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: Al parecer, su encuadernación –la cual fue hecha con hilos– tuvo variantes: se conoce una versión con solapas de cartón, cuya portada es similar a la hoja legal del libro, sin embargo, hay un marco de flores a su alrededor. Otros diseños sugieren que hubo encuadernaciones sencillas en piel, es decir, sin decoraciones en las cubiertas ni en el lomo, pero probablemente eso fue a gusto del propietario del libro. La razón de la sencillez del tomo se debe a dos razones: en primer lugar, porque no se sabía si iba a ser trascendente; y segundo, porque, como Heine dice en una carta, el autor deseaba que fuera asequible.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: La caja del texto es muy reducida, pues al ser poesía lo que se está publicando, el espacio es adecuado al tamaño de los versos, los cuales son muy breves –cuatro líneas por párrafo–. Los márgenes superior e inferior son muy amplios, mientras que los izquierdo y derecho son más reducidos. Algunas páginas están decoradas con elegantes membretes floreados que marcan el inicio y fin de cada uno de los poemas. En suma, el diseño editorial es importante por dos razones: para facilitar la lectura y para otorgarle elegancia al libro. Sólo en algunos casos, en el margen superior aparecen adornos con hojas, mismos que sirven como indicador para diferenciar los apartados entre poemas.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: La portada, en términos generales, es muy austera, pues no tiene marcos exuberantes que lo adornen ni imágenes robustas. El título tiene letras góticas grandes en la parte superior de la hoja y su adecuado tamaño y grosor son muy visibles. Sin embargo, en la portada, el centro de atención es la imagen de una lira adornada con hojas de laurel y unas cintas, misma se encontrará en ediciones posteriores. Debajo de ella, se encuentra el nombre del autor, el cual está abreviado –sólo dice H. Heine– y apenas es perceptible debido a la delgadez de la fuente. En la parte inferior de la hoja aparecen los datos de la edición, es decir, el lugar (Hamburgo), la editorial (Hoffmann und Campe) y el año (1827).  La impresión y el papel provenían de la imprenta de Campe en Núremberg.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: Esta edición se caracteriza por tener tres dedicatorias, cada una dedicada por el autor a: Salomon Heine, su tío paterno; a Friedrike Varnhagen von Ense, una amiga suya; y a otro de sus amigos, Friedrich Merckel.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: las cuales serán suprimidas a partir de la segunda edición por el autor, debido a “razones de espacio”, ya que, según él, ha mejorado algunos de los versos de la primera parte.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: Esta primera edición al principio no tuvo mucho éxito entre los lectores, pues en diez años sólo se vendieron 2 000 ejemplares. La razón se debe a que el estilo irónico de Heine no gustaba al público burgués, ya que pensaban que el autor le había quitado el tono serio y solemne a los típicos sentimientos románticos que sus predecesores habían cultivado.  Sin embargo, el éxito vendría años después, cuando salió al mercado la segunda edición corregida.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: En 1921 apareció una edición facsimilar de esta primera versión organizada por la desaparecida editorial Verlage Oesterheld & Co., asentada en Berlín. El tiraje se limitó a 500 ejemplares enumerados, según se ve en el colofón, y fue imprimida en Leipzig, en la imprenta Spamersche Buchdruckerei.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: La segunda edición, aparecida en 1837, cuenta por primera vez con un prólogo, en el cual el autor da cuenta de la conmemoración de los primeros diez años desde que apareció el "Buch der Lieder." En el prólogo a esta edición, el cual fue escrito en París en la primavera de ese mismo año –es decir, cuando Heine se encontraba exiliado en Francia por razones políticas–, el autor confiesa las trivialidades a las que se enfrentó en la realización de esa entrega. Asimismo expresa su decisión de modificar algunos de sus versos, pues se da cuenta de su madurez –entonces él ya tenía 40 años de edad–:Entrego a los lectores esta nueva edición del libro con cierto azoramiento. Hice de tripas corazón y vacilé casi un año entero antes de decidirme a repasarla someramente. Al verla, se despertó todo aquel malestar que, diez años atrás, me había oprimido el pecho con motivo de su primera publicación. Sólo el poeta o el poetastro que ve impresos sus primeros poemas puede comprender esta sensación. ¡Los primeros poemas! Han de escribirse en hojas sencillas y desvaídas; […] Pero los primeros versos estampados […] han perdido su dulcísimo encanto virgíneo y producen un tremendo disgusto en el autor.El libro nuevamente sería impreso en octavo, con tipografía gótica "Fraktur" con encuadernación sencilla de piel, papel blanco de buena calidad y con tipografía gótica –diseño que conservará durante los siguientes años, hasta la aparición de la versión lujosa en miniatura–, sin embargo, el número de páginas se verá reducido, ya que sólo aparecen 364. Lo anterior se debe a que fueron suprimidas las dedicatorias, como ya se ha mencionado, y en ediciones posteriores se mantendrá más o menos igual ese mismo número. Igualmente, se suprimirían algunos adornos en los membretes que aparecieron en la primera edición.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: A partir de la segunda edición por vez primera el "Buch der Lieder" es concebido como una obra importante, aunque no tanto como se verá después, por lo que es anunciada en otros libros de Heine –y de otros autores– como parte de un index publicitario.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: Asimismo, en la hoja legal se ve un ligero cambio, pues también se publica el domicilio de la editorial –si bien las oficinas estaban establecidas en Hamburgo– en la que se editó el libro, a saber, en “Paris chez Eugéne Renduel rue Christine No. 3”. Cabe mencionar, que es la única edición en la que aparece esa dirección, pues el asentamiento cambia, aunque seguirán establecidos en París.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: La impresión del libro se llevó a cabo en la imprenta de Heinrich Brill, en la ciudad alemana de Darmstadt.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: En cuanto al texto, en la segunda edición hay algunas continuidades de la primera versión, sin embargo, también hay cambios significativos que se mantuvieron permanentemente. El autor hizo modificaciones a varios de los poemas de la primera parte (Junge Leiden), como bien expresa en el prólogo, aunque no son graves alteraciones. A continuación se presentan algunas variaciones como ejemplo:


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: La tercera edición cuenta por primera vez con un prólogo versificado –también es incluido el de la edición anterior–, seguido de unas palabras en prosa, en las que Heine explica que nuevamente ha hecho un retoque a sus versos.  Además, utiliza el recurso retórico de la falsa humildad, dedicándole algunas palabras al dios griego Febo Apolo:"¡Oh, Febo Apolo! Me perdonarás de buen grado si estos versos son malos… pues eres un dios omnisciente y sabes muy bien por qué no he podido dedicarme preferentemente al metro y la consonancia de las palabras. Sabes por qué, de pronto, la llama que antes deleitaba al mundo con brillantes fuegos artificiales había de emplearse para incendios mucho más graves…"El prólogo fue escrito nuevamente en París el 20 de febrero de 1839.  La impresión del texto se llevó a cabo en la imprenta de Phillip Reclam jun. (hijo) en la ciudad de Leipzig.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: Las encuadernaciones empiezan a ser mejor elaboradas, como se aprecia en la imagen de la izquierda, –pastas de cartón con imágenes en bajorrelieve–. Mas eso no afecta el precio del libro, ya que seguirá siendo el mismo (1 tálero, 12 céntimos), como se aprecia en el índice publicitario de la cuarta edición.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: Los cambios físicos en realidad fueron pocos, pero significativos: es agregada por primera vez una página con el título del libro que precede a la hoja legal. Y aunque el libro continuó con el mismo formato físico que las dos ediciones previas –en octavo, papel resistente, encuadernado con hilos, etc.–, su tipografía gótica es más redondeada y gruesa, al igual que la caja del texto. La diferencia en la tipografía puede notarse con claridad en la hoja legal, la cual es estéticamente más armoniosa que las de la primera y segunda ediciones, efecto ocasionado por las curvas en el título y las decoraciones del texto. Por último, el número de páginas es de 362, más otras 13 que contienen los prólogos.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: Esta versión no estuvo al cargo de Heine, y se disculpará por ello en el prólogo de la siguiente edición. El libro no presenta grandes variaciones físicas en comparación con la tercera edición, ni en tipografía ni diseño, tan sólo algunas erratas –por ejemplo en la página 362 el número tiene “262”. Sólo cabe decir que ésta será la última impresión con la lira en la hoja legal, que es idéntica a la de su predecesora.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: Ésta es la última edición a cargo del autor y a partir de entonces, el Buch der Lieder ya no contará con grandes cambios en sus versos en el futuro. Es en ésta en donde Heine hizo algunas modificaciones debido a la censura,  la cual se derivó por la polémica publicación de otra de sus obras importantes en ese mismo año: "Deutschland. Ein Wintermärchen", un poema satírico con fuertes críticas al gobierno prusiano, lo que provocó que sus libros fueran prohibidos en varias partes de Alemania.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: Se incluye un breve prólogo a dicha edición, el cual fue escrito en Hamburgo el 21 de agosto de 1844, en el que Heine se disculpa por no haber dedicado “especial cuidado a la cuarta edición de este libro que se imprimió sin previo aviso.” Asimismo, se da a conocer la aparición de una nueva antología poética titulada "Neue Gedichte" (Nuevas poesías) –igualmente publicada bajo Hoffmann und Campe– que, a juicio del autor, puede considerársele como una segunda parte del Buch der Lieder. Adicionalmente, se incluyen los prólogos de la segunda y tercera ediciones, sumando el libro un total de 377 páginas.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: A partir de esta edición, en la hoja legal deja de aparecer la imagen de la lira que había caracterizado al libro, teniendo en su lugar a una portada más sencilla, la cual seguirá así en las ediciones posteriores, incluso en las ediciones en miniatura. Igualmente ahí se muestra el nuevo domicilio de la editorial, ubicado en “Paris, chez J.J. Dubochet” et Cie, rue de Seine, 33”, el cual aparecerá consecutivamente en las siguientes ediciones.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: Pese a la fama ya consolidada del autor, el libro de Heine no había subido mucho de precio, pues éste costaba 1 tálero con 12 céntimos (1 Reichsthaler, 12 Silbergroschen), como lo muerta el índice publicitario de otras de sus obras, en 1844.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: Entre 1847 y 1855 se publicaron otras ocho ediciones, mismas que el autor ya no supervisó. De ahí en adelante, los siguientes ejemplares, en general, empezaron a tener una mejor presentación para su venta, ya que el Buch der Lieder entonces ya era muy conocido. Basta con ver la aparición de ediciones con miniaturas,  encuadernaciones más finas y con diseños en las cubiertas con el perfil de Heine, liras o adornos florales.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: El texto ya no sería alterado, mas en estas ediciones empiezan a aparecer índices generales de la obra para localizar con mayor facilidad los poemas.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: Si bien ya se había hecho con anterioridad aunque no formalmente, en 1861, una vez que Heine ha muerto, Adolf Strodtmann empieza a hacer por primera vez una compilación legal de las obras completas del autor, cuya tarea concluye en 1863, agrupándolas en 21 tomos. Algunos años más tarde, en los años 1869 y 1884 aparecen dos volúmenes suplementarios con textos inéditos.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: Se tiene registro de la publicación de versiones en miniatura, las cuales empezaron a salir al mercado a partir de la 9ª edición en 1851. Estas ediciones respetaban la integridad del texto de la de la 5ª edición, mas tenían una mejor presentación en la encuadernación en comparación con las versiones más sencillas, o se incluía alguna imagen seguida de la hoja legal. Naturalmente esta presentación era más costosa, pues el Buch der Lieder ya era concebida como una obra de colección.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: El 1 de mayo de 1975 Hoffmann und Campe editó el "Buch der Lieder" en dos tomos como parte de una compilación de obras completas titulada Düsseldorfer Ausgabe (Edición de Düsseldorf), en la que el Buch por primera vez se incluye la versión comparativa de 1844 (5ª edición) y las versiones individuales que fueron publicadas en periódicos durante la juventud de Heine.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: El 14 de febrero de 2015 la empresa Hoffmand und Campe sacó a la venta una edición conmemorativa del "Buch der Lieder" de 320 páginas, encuadernación de hilo, con solapas de pasta dura y  una caja protectora, además de una versión en e-book. Asimismo, dicha versión cuenta con un epílogo escrito por Jan-Christoph Hauschild.


title: Ediciones del Buch der Lieder (Heine)

text: En la portada se usó la imagen de una guirnalda rodeado de cigüeñas que apareció en una de las ediciones en miniatura de la 20.ª edición, en 1861.


title: Museo Arqueológico de Campeche

text: El Museo Arqueológico de Campeche es un recinto representativo de la arquitectura militar de Campeche. Además, fue utilizado primordialmente en las luchas en las que la ciudad de Campeche formó parte a lo largo del siglo XIX. Hoy en día, se exhibe parte de la Arqueología Maya de Campeche con diferentes piezas de distintas áreas mayas, destacando principalmente las de Calakmul.


title: Museo Arqueológico de Campeche

text: En la actualidad el niose dios carlitos de San Miguel alberga el Museo Arqueológico de Campeche, que posee importantes piezas de los vestigios de la civilización maya que se ubicaron en el estado. El fuerte se encuentra en buen estado de conservación. Además es el fuerte más grande de toda la ciudad de San Francisco de Campeche.


title: Museo Arqueológico de Campeche

text: La construcción de la fortificación se inició con el propósito de reforzar la defensa de la Villa de San Francisco de Campeche. Esta construcción estuvo a cargo del Ing. Agustín Crame en el año 1779. Una vez que se edificó, se cambió su traza original por el entonces Coronel de Ingenieros.


title: Museo Arqueológico de Campeche

text: Después, durante el siglo XX, el edificio se utilizó como unidad habitacional para aquellas familias del ejército federal, hasta que después quedó en el abandono durante aproximadamente 10 años.


title: Museo Arqueológico de Campeche

text: Finalmente, el museo se reinauguró con el actual nombre de "Museo de Arqueología Maya - Fuerte de San Miguel" o también conocido como "Museo Arqueológico de Campeche Fuerte de San Miguel".


title: El despertar de Adonis

text: Escultura creada por Auguste Rodin, quien la nombró “"Le réveil d’Adonis"”, y firmó como “A RODIN”. La firma se aprecia en el borde de la base a los pies de los personajes de la escultura. Esta obra se puede apreciar en el museo Soumaya de la Ciudad de México.


title: El despertar de Adonis

text: Rodin muestra en mármol de calidad excepcional, las características de su estilo maduro, particularmente en el contraste entre las áreas de "non finito" (sin terminar), y las superficies muy acabadas, de mayor sensualidad. Aunque ésta y otras obras de del artista, se basan en la mitología clásica, son interpretados de una manera novedosa.


title: El despertar de Adonis

text: En esta obra, Rodin retomó uno de los pasajes de Las Metamorfosis del poeta Ovidio. Venus, al ser herida accidentalmente con una de las flechas de su hijo Cupido, quedó enamorada de Adonis, y para protegerlo de la ira de Apolo (quien más tarde adoptaría la forma de un jabalí salvaje para matarlo), en el inframundo se lo confió a Perséfone. Ésta se enamoró de Adonis, por lo que Zeus decidió imponerle como castigo que la mitad del tiempo viviera en la tierra con Venus y la otra mitad en el inframundo con Perséfone.


title: El despertar de Adonis

text: En la obra, se observa a Venus desconsolada que se inclina sobre el cuerpo inconsciente de Adonis, quien fue herido de muerte por un jabalí. Rodeado de ninfas que escuchan el latir de su corazón y presencian el renacimiento arquetípico de la nueva estación. Adonis representa a la primavera, dormido en los brazos helados del invierno.


title: El despertar de Adonis

text: El artista plasmó el arrebato de la diosa de la belleza, quien con un beso despierta a su amado, sin importarle que Perséfone durmiera sobre su pecho. Rodin, en una búsqueda de la naturaleza humano, fundió los cuerpos de los dioses en la pasión del mito. Los cabellos de Venus dan paso al rostro de la rival.


title: El despertar de Adonis

text: El hueco del tronco donde descansa el bello Adonis, deja asomar las rodillas de Venus, quien demanda la presencia de Adonis en la tierra. Y el falo evoca el inicio del ciclo de vida, pues cuando el amante está en la condena, comienza el otoño y el frío que impide la plenitud de las cosechas.


title: Elvis Acuña

text: Elvis Eduardo Acuña Medina (Nacimiento, Chile, 4 de febrero de 1991) 1,89 de estatura, futbolista chileno que juega como defensa en Malleco Unido de la Segunda División Profesional de Chile, después de su paso el 2017 por Malleco Unido, Elvis Acuña es fichado para jugar en Suecia en la segunda división Profesional en el equipo Råslätts SK y actualmente en Husqvarnaff.


title: Elvis Acuña

text: Características


title: Elvis Acuña

text: "Jugador se destaca por su juego aéreo"


title: Elvis Acuña

text: Hizo las inferiores en el Club Deportivo Huachipato y debutó en el profesionalismo en el año 2009, donde luego pasó a integrar diversos equipos chilenos como también extranjeros, jugando una temporada en Europa país Rumania, volviendo a Chile tras ser nuevamente citado por Huachipato.


title: Elvis Acuña

text: Disputó la liguilla por el título del Campeonato Nacional de Segunda División 2015-2016, en el cual obtuvo reconocimiento al mejor defensa de la división.


title: Elvis Acuña

text: En sus inicios además jugó por la selección Chilena en la Sub 20, representando al país en diversos partidos.


title: Elvis Acuña

text: Se inició en las divisiones inferiores del cuadro de Club Deportivo Huachipato en el cual demostró mucho potencial lo que le permitió integrarse al primer equipo del elenco acerero a corta edad siendo uno de los más jóvenes en subir al plantel adulto. Debutó profesionalmente el 25 de octubre del 2009 en un partido contra Ñublense jugando de titular todo el partido pero a la vez perdiendo por 3 goles contra cero por la Primera División de Chile . Desde el 2013 dejó la tienda acerera para recaer en equipos de Segunda División y en el 2016 ser parte de Ñublense.


title: Museo de Sitio de Monte Albán

text: El Museo de Sitio de la Zona Arqueológica de Monte Albán está localizado afuera de la zona arqueológica de Monte Alban. Su principal tema es la cultura Zapoteca, abarcando aspectos como escritura, arquitectura, cronología, comercio y prácticas funerarias.


title: Museo de Sitio de Monte Albán

text: El museo está formado por siete salas de temática permanente y 3 salas de exhibición temporal:


title: Museo de Sitio de Monte Albán

text: Expone la historia del descubrimiento de la zona arqueológica a través de exploradores como Guillermo Dupaix, J.B. Carriedo, Johann von Müller, Désiré Charnay y A.F. Bandelier, entre otros.


title: Museo de Sitio de Monte Albán

text: Se presentan las características de las viviendas y construcciones públicas. También se detallan las innovaciones de diseño y dificultades que tuvieron que superar los constructores.


title: Museo de Sitio de Monte Albán

text: Colección de objetos cotidianos y rituales.


title: Museo de Sitio de Monte Albán

text: Se muestran 32 estelas, el primer sistema de escritura de mesoamérica.


title: Museo de Sitio de Monte Albán

text: Los zapotecas establecieron relaciones comerciales de carácter local y con otras regiones, entre ellas Teotihuacán.


title: Museo de Sitio de Monte Albán

text: Se exhibe la colección de restos humanos que se han utilizado para conocer más de los habitantes de Monte Albán, su complexión, padecimientos y prácticas quirúrgicas de deformación.


title: Museo de Sitio de Monte Albán

text: Después que la población abandonó Monte Albán (un poco después de 800 d. C.) La ciudad seguía considerándose sagrada. En esta sala, se encuentra pruebas de los entierros que siguieron teniendo lugar en la ciudad después de su caída.


title: Museo de Sitio de Monte Albán

text: Exposiciones con una rotación de 3 por año, relacionadas con la cultura zapoteca o los lugares aledaños a Monte Albán.


title: Juan Carlos Acevedo Ramos

text: Juan Carlos Acevedo Ramos (Manizales Colombia; 1973), poeta, ensayista y periodista cultural.


title: Juan Carlos Acevedo Ramos

text: Colaborador permanente del dominical Papel Salmón del diario La Patria en Manizales y colaborador ocasional de revistas como Semana, Luna de Locos, Luna Nueva, Clave y de los periódicos Quehacer Cultural, Diario del Otún y Crónica del Quindío. Administra el blog literario Santos Oficios. - Durante varios años participó como asistente al taller de poesía en la fundación “casa de poesia Fernando Mejía Mejía” de Manizales  Dirigido por el poeta Floblert Zapata y posteriormente se convirtió en tallerista de dicha fundación donde inició su trasegar en la poesía.


title: Juan Carlos Acevedo Ramos

text: Sus poemas forman parte de: También se encuentran en las antologías de poesía colombiana: Ha publicado los libros de poesía:


title: Juan Carlos Acevedo Ramos

text: Ha obtenido los Premios Nacionales de Poesía “Descanse en Paz la Guerra” Casa de Poesía Silva y el VI Premio de Poesía Carlos Héctor Trejos.  En 2015 fue finalista el Premio Nacional de Poesía que convoca el Ministerio de Cultura de Colombia.


title: Juan Carlos Acevedo Ramos

text: Se ha desempeñado como Coordinador de Fomento a la lectura para Caja de Compensación familiar de Caldas Confa, Coordinador del Área de Literatura de la Secretaría de Cultura de Caldas, Director Cultural de La Feria del Libro de Manizales, Director del Taller Héroes Literarios en Caldas del Programa RELATA (Red Nacional de Talleres de Literatura del Ministerio de Cultura). Director del Club de Lectura del Banco de la República en Manizales y codirector de las colección de Poesía Tulia Bayer en Caldas. Dirigió por doce años la revista literaria Juegos Florales del Centro de Escritores de Manizales. Dirigió el programa literario Nuestros Maestros, entrevistas a escritores colombianos, para la Emisora Radio Cóndor de la Universidad Autónoma de Manizales.


title: Christian Bustamante

text: Christian Bustamante (Chillán, Chile, 28 de septiembre de 1992) es un futbolista chileno que juega como delantero en Ñublense de la Primera División de Chile.


title: Marie Egner

text: Marie Egner (25 de agosto de 1850-31 de marzo de 1940, Viena) fue una pintora austríaca.


title: Marie Egner

text: Tomó sus primeras lecciones en Graz con Hermann Von Königsbrunn, estudió en Düsseldorf de 1872 a 1875 con Carl Jungheim (1830-1886). En 1882 se mudó a Vienna, donde vivió con su madre pero pasaba los veranos en el castillo de Plankenberg, cercano a Neulengbach, donde tomó lecciones con Emil Jakob Schindler hasta 1887. Posteriormente hizo un viaje de estudios a Inglaterra de 1887 a 1889. Poco después, fue su primera exposición en Viena. También exhibió sus obras en Alemania e Inglaterra.


title: Marie Egner

text: Abrió una escuela de arte para mujeres pero en 1910 decidió cerrarla por cuestiones de salud. Al término de la Primera Guerra Mundial se hizo miembro de la Asociación Austriaca de Mujeres Artistas. En 1926 el grupo auspició una exhibición retrospectiva de su trabajo. Para 1930, comenzó a perder la vista y a desaparecer de la imagen pública.


title: Tom Maden

text: Thomas «"Tom"» Maden es un actor y modelo estadounidense nacido el 21 de agosto de 1991 en Coppell, Texas. Es conocido por interpretar a Jake Fitzgerald en "Scream".


title: Tom Maden

text: Maden nació en Texas pero fue criado en Los Ángeles. Es buen amigo del actor Bobby Campo, a quien conoció en el rodaje de la película "General Education".


title: Tom Maden

text: Maden es miembro del Gremio de Actores de Cine y la Federación Americana de Artistas de Radio y Televisión.


title: Tom Maden

text: Comenzó su carrera en 2004 al participar en el programa de telerrealidad "Endurance", donde terminó en el quinto lugar. Poco después apareció como estrella invitada en series de televisión tales como "7th Heaven", "According to Jim", "Parenthood" y "El mentalista".


title: Tom Maden

text: Su primera gran oportunidad la recibió al ser elegido para interpretar a Rigo durante la tercera temporada de la serie de televisión de la ABC Family "Make It or Break It", así mismo obtuvo el papel de Chad en la película "General Education".


title: Tom Maden

text: Otros créditos de Maden incluyen películas como "Reversión", "Breaking the Press" y "Spilt Milk", así como las series de televisión "Caper" y "Switched at Birth".


title: Tom Maden

text: Maden fue elegido para interpretar de forma recurrente a Jake Fitzgerald en la serie de MTV "Scream", basada la franquicia de películas del mismo nombre.


title: Tom Maden

text: En 2017, hizo apariciones en las series "13 Reasons Why" y "Famous in Love", y en la película "The Assigment" como Adam.


title: Facundo Conta

text: Mario Facundo Conta Gorostiza (San José de Metán, Provincia de Salta, ), conocido comúnmente como Facundo Conta, es un piloto argentino de automovilismo de velocidad. Desarrolló su carrera deportiva profesional, compitiendo en diferentes categorías nacionales del automovilismo de su país. Debutó en 2009 en la Fórmula Renault Argentina, pasando a partir del año 2010 a competir en categorías de turismos. Su debut en esa especialidad fue en la divisional Top Race Junior, donde compitiera entre 2010 y 2012, combinando su agenda con sus participaciones en la Fórmula Renault. En el año 2013 ascendió a la divisional Top Race Series, y al mismo tiempo debutó en el «joven» TC 2000, formando parte de la estructura oficial de la filial de Renault. Tras seguir su participación en la Top Race Series y en el TC 2000, a finales de 2015 fue sellado su ascenso al Súper TC 2000, donde fue contratado como uno de los pilotos oficiales de la escudería Chevrolet YPF.


title: Facundo Conta

text: Entre sus relaciones personales, su padre Walter Conta también es piloto y campeón de categorías zonales como el TC del NOA, mientras que su primo Oscar Ignacio supo acompañarlo durante su paso por el Top Race, siendo compañeros de equipo en reiteradas oportunidades.


title: Museo de la Ciudad de Cuernavaca

text: El Museo de la Ciudad de Cuernavaca es un pequeño museo en el cual durante todo el año hay exposiciones temporales con duración de un mes, de diversos autores conocidos y está ubicado en Av. Morelos 165, Centro Histórico, Cuernavaca, Morelos. Además de sus exposiciones temporales, museo cuenta con colecciones de pintura, fotografía y escultura, entre otras piezas de gran valor artístico y se encuentra al lado de la Iglesia del Calvario.


title: Museo de la Ciudad de Cuernavaca

text: Desde sus orígenes en el siglo XVI, el inmueble tuvo presencia en la vida religiosa, social y cultural de la Ciudad; por lo que ahora es un punto referencial para adentrarse en la historia natural y social de la misma. Exhibe una retrospectiva de la vida del general Emiliano Zapata Salazar y en la planta baja del museo se presentan exposiciones temporales.


title: Museo de la Ciudad de Cuernavaca

text: Por falta de recursos económicos, las instalaciones del Museo de la Ciudad de Cuernavaca (MuCiC) se prestan para obras de teatro y shows de humoristas, a lo que a esta situación, la directora Patricia Jiménez Pons solicitó al Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CNCA) que le autorice ingresos para arreglar el recinto, pues reconoció que les falta conseguir el acervo cultural de Cuernavaca, para que funcione como un verdadero museo.


title: Museo de la Ciudad de Cuernavaca

text: El Ayuntamiento de Cuernavaca, a través del programa federal PAISE fortalecerá en el 2016 con equipamiento el museo de la ciudad a fin de que lleguen la mayor cantidad de espectáculos en esta materia a la capital morelense y se pueda dar en un futuro con esos ingresos un mayor mantenimiento al museo y así acondicionarlo como tal.


title: Museo de la Ciudad de Cuernavaca

text: El museo se localiza en un edificio colonial de planta cuadrangular de dos niveles cuya construcción es de techos de tejas a dos aguas, también cuenta con seis salas de exposiciones temporales y seis salas de exposiciones permanentes; un gran patio central y elevador.


title: Museo de Sitio de Cantona

text: Después de abrir la zona arqueológica al público en 1994 fue quedado pendiente la construcción del museo de Cantona. A través del tiempo se han encontrado una gran cantidad de materiales, tanto cerámicos como restos óseos, lo cual generó la necesidad de crear un museo para la exposición de los materiales que eran encontrados en la zona arqueológica. Fue hasta 2008 cuando se autorizó una partida presupuestal en el congreso de la unión para la creación del museo del sitio.  Fue hasta 2010 cuando se comenzó con la primera etapa de construcción, tras la ejecución del proyecto arquitectónico diseñado por el INAH.


title: Museo de Sitio de Cantona

text: El museo de sitio de Cantona se encuentra en el municipio de Tepeyahualco de Hidalgo, el cual se ubica en la parte centro-oriente del estado de Puebla, colindando con el municipio de Perote en el Estado de Veracruz.


title: Museo de Sitio de Cantona

text: En el museo de cantona se tratan tres temáticas: la ciudad, la explotación de obsidiana y la cosmovisión de los habitantes de esta región. En la sección sobre la ciudad el museo da una introducción y explicación de la ubicación espacio-temporal de la ciudad, acercando al visitante a las posibles razones por las que los primeros habitantes se asentaron en esta área. Incluye también información sobre la ubicación geográfica de Cantona; su origen y desarrollo cultural; una reseña de los avance tecnológicos de esta sociedad, su vida cotidiana, forma de gobierno y vida política. En la sección sobre la obsidiana se establece cómo y dónde se producían los objetos de obsidiana y finalmente, en el de cosmovisión, se ofrece una panorámica del ceremonial religioso y las actividades relacionadas con los rituales realizados en la zona arqueológica de Cantona.


title: Museo de Sitio de Cantona

text: Entrada de lunes a domingo de 9:00 a 18:00 horas. Entrada general: $45 pesos. Entrada libre para Menores de 13 años, INAPAM y estudiantes. Entrada libre para el público en general el día Domingo.


title: Gilda Castillo

text: Gilda Castillo Baraya (Ciudad de México; 1955), es una artista plástica mexicana. Ha realizado diferentes exposiciones y colaborado en diferentes instituciones en el ámbito editorial.


title: Gilda Castillo

text: Edgar Alejandro Hernández, en un artículo para "El Universal", la describe como: «Pinta a la República Mexicana en rostros; se inspiró en el dolor por la muerte paterna».


title: Gilda Castillo

text: Inició su aprendizaje con el artista plástico Antonio Navarrete, posteriormente con Angelina Grosso antes de ingresar a la Escuela Nacional de Pintura, Grabado y Escultura La Esmeralda donde estudió pintura y grabado, disciplinas que desarrollará a lo largo de su trayectoria."Su amor por la plástica y la literatura es pleno. Uno la salva del otro, la complementan. Porque la libertad que encuentra al dibujar sus mapas que son cuerpo y geografías, se equilibra con el rigor del trabajo editorial que ocupa sus días", Fragmento de la columna de Angélica Abelleyra.


title: Gilda Castillo

text: A la par de sus estudios de pintura, Gilda Castillo estudió Lengua y Literatura Hispánicas en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México, donde también realizó la maestría en Literatura Iberoamericana.


title: Gilda Castillo

text: En 1980, junto con Magali Lara y Emma Cecilia García formó parte del proyecto curatorial para la exposición Pintoras mexicanas que se presentó en el Kunstlerhaus Bethanien, en Berlín, RFA.


title: Gilda Castillo

text: Ha colaborado en diversos proyectos editoriales para varias instituciones como la UNAM, el Instituto Nacional Indigenista, el INAH, en la Dirección de Artes Plásticas del INBA, fue responsable de la edición del boletín trimestral El Alcaraván del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, impulsada por Francisco Toledo. En sus obras usa técnicas mixtas sobre papel, óleo sobre tela de formatos diversos, dibujo, gráfica y libros de artista. Uno de los temas que destaca en su trabajo es el paisaje, que ha abordado de muy diversas maneras pero siempre como una interpretación del espacio, ya sea del territorio nacional, o de su entorno más inmediato


title: Gilda Castillo

text: sin una topografía precisa, en obras como "Mapas, Territorios Circundados, Atrapando al sol, Murmurando de noche y Ensartando relámpagos". Gilda Castillo ha incluido en sus obras una reflexión sobre la patria, vinculada con la muerte del padre. Ha exhibido su trabajo en México y en Estados Unidos, Alemania, Francia, España, Egipto, entre otros. En la década de 1970 formó parte del Grupo Março. Forma parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA.


title: Museo del Ferrocarril Mexicano del Sur

text: El Museo del Ferrocarril Mexicano del Sur es un recinto museográfico ubicado en Oaxaca, Oaxaca, alojado en la antigua estación de ferrocarril de dicha ciudad construida a finales del siglo XIX. Fue reinaugurada como sitio de exhibición en 2003.


title: Museo del Ferrocarril Mexicano del Sur

text: A partir de 1893 funcionó el Ferrocarril Mexicano del Sur, la línea de trenes entre las ciudades de Puebla y Oaxaca. La antigua estación de ferrocarril fue obra de la empresa Read & Campbell y fue localizada en el barrio de Santa María del Marquesado de la capital oaxaqueña. Fue inaugurada por Porfirio Díaz el 13 de noviembre de 1892, siendo a la postre la última vez que Díaz visitaría su estado natal. Al arribo del tren inaugural a la estación iban además de Díaz, su esposa Carmen Romero Rubio, Juan de Dios Peza, Joaquín Baranda y Matías Romero, promotor de la obra.


title: Museo del Ferrocarril Mexicano del Sur

text: La estación fue remodelada a mediados del siglo XX. Para inicios del siglo XXI la estación había perdido su esplendor y estilo original, por lo que fue remodelada con fondos públicos del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes y la colaboración de la Fundación Alfredo Harp Helú Oaxaca. La restauración logró rescatar la arquitectura original del recinto.


title: Museo del Ferrocarril Mexicano del Sur

text: La inauguración del nuevo edificio fue el 3 de marzo de 2017. El complejo cultural alberga al Museo del Ferrocarril Mexicano del sur, el Museo Infantil de Oaxaca y la Biblioteca BS Ferrocarril. Todas sus actividades son gratuitas.


title: Museo Robert Brady

text: El museo Robert Brady se encuentra en el centro de Cuernavaca, estado de Morelos, junto a la catedral de la ciudad. El museo se enfoca en la difusión de la colección personal de alrededor de mil trescientas obras de arte que Robert Brady adquirió a lo largo de su vida.


title: Museo Robert Brady

text: La "casa de la Torre" fue construida en el siglo XVI como parte de un convento franciscano. La torre fue agregada a principios del siglo XX y se la utilizó como observatorio. Robert Brady compró la casa en 1961 y a partir del 18 de febrero de 1990 se convirtió en museo.


title: La Eterna Primavera

text: La Eterna Primavera (o "Céfiro y la tierra" o "Juventud" o "Ideal") es una escultura del artista francés Auguste Rodin, creada a la par del proyecto "La puerta del Infierno""." Fue concebida originalmente para formar parte de este conjunto como una de las representaciones de Paolo Malatesta y Francesca da Polenta, aunque nunca llegó a incluirse debido a que el sentimiento de felicidad que expresan los amantes no parecía apropiado para la temática.


title: La Eterna Primavera

text: El torso de la mujer fue tomado de la postura arqueada del "Torso de Adele" que sí aparece en la esquina superior izquierda del tímpano de "La Puerta". La composición de la silueta femenina se realizó a partir de la modelo de origen italiano Adele Abruzzesi.


title: La Eterna Primavera

text: La creación de esta pieza coincide con la relación que el escultor sostuvo con Camille Claudel de quien, según algunas investigaciones, es posible reconocer su rastro en la mujer de esta obra como en algunas otras de sus figuras femeninas más destacadas en la mitad de la década de 1880.


title: La Eterna Primavera

text: Contrario a "El Beso", en "La Eterna Primavera" es el hombre quien domina la composición sosteniendo el cuerpo arqueado de su amante que se une al suyo en un apasionado beso. La obra fue tan exitosa que se reprodujo varias veces en bronce y mármol, de hecho una versión en mármol rompió un récord al ser subastada por $20 millones de dólares. Rodin hizo una versión en mármol en donde plasmó un tronco para que descansara el brazo del hombre, mientras que su pie derecho yace sobre una roca, esta versión la posee Museo Soumaya.


title: Museo Arqueológico de Mazatlán

text: El Museo Arqueológico de Mazatlán es un inmueble histórico que tiene como propósito exponer la cultura prehispánica de Mazatlán, Sinaloa remarcando todo tipo de costumbres ancenstrales en especial las funerarias y el famoso juego de pelota conocido como "ulama".


title: Museo Arqueológico de Mazatlán

text: La estructura del museo data de finales de siglo XIX a principios del siglo XX y presenta características antiguas y un modelo arquitectónico en forma de "L" a lo que el ingreso a las instalaciones se mantiene por un costado y dicho acceso da cabida a la primera sala de exposiciones y por consiguiente da paso a las demás salas del museo.


title: Museo Arqueológico de Mazatlán

text: A finales de la década de los ochenta se hizo una modificación en las cubiertas de techumbres las cuales en sus inicios eran de materiales de la época de su creación como vigas de madera, doble enlosetado y entortado a lo que se moificó la mitad de las techumbres originales por materiales más ligeros y modernos como vigueta y dovelas.


title: Museo Arqueológico de Mazatlán

text: El museo está integrado por cinco salas de las cuales 4 son permanentes y se exhiben aproximadamente 200 piezas arqueológicas


title: Museo Arqueológico de Mazatlán

text: El museo se encuentra en la calle de Sixto Osuna 76 en el Centro Histórico de Mazatlán en Sinaloa esquina con Venustiano Carranza, a una cuadra de la Avenida Olas Altas.


title: Jeg vet om en gutt

text: «Jeg vet om en gutt» o «Jeg vet om en jente» —en español: «Conozco a un niño/una niña»— es una canción compuesta por Arne Bendiksen, publicada en 1967 e interpretada en noruego por Randi & Torill y Kari & Ivar Medaas. Participó en la séptima edición del Melodi Grand Prix en 1967.


title: Jeg vet om en gutt

text: Esta canción participó en el Melodi Grand Prix de 1967, celebrado el 25 de febrero ese año. Fue presentado por Van Joigt. La canción fue interpretada en tercer y octavo lugar el día del certamen: primero por Randi & Torill con una pequeña banda y luego por Kari & Ivar Medaas con una orquesta, precedidos por Torill Ravnaas y Kirsti Sparboe con «Dukkemann» y seguidos por Per Asplin y Karin Krogh con «Veslefrikk». Finalmente, quedó en cuarto puesto de 10, con 52 puntos.


title: Grigory Gluckmann

text: Grigorij Efimovic Glikman, conocido como Grigory Gluckmann o Grégory Gluckman, (Vitebsk, Bielorrusia, 25 de octubre de 1898 — Los Ángeles, Estados Unidos, 1973) fue un pintor, ilustrador y litógrafo ruso.


title: Grigory Gluckmann

text: Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Moscú; después vivió en Florencia, en París y posteriormente en Estados Unidos, donde se instaló definitivamente.


title: Grigory Gluckmann

text: Su obra se especializó en desnudos, escenas de género, y retratos de personajes de la vida parisina. El artista dio continuidad a la técnica que había aprendido durante su formación moscovita: el trabajo sobre tabla y aplicar varias capas de pintura, una después de que secaba la otra, lo que le permitió lograr veladuras de colores vivos y sugerentes.


title: Vims

text: «Vims» —en español: «Exigente»— es una canción compuesta por Arne Bendiksen, publicada en 1967 e interpretada en noruego por Anita Thallaug y Wenche Myhre. Participó en la sexta edición del Melodi Grand Prix en 1966.


title: Vims

text: Esta canción participó en el Melodi Grand Prix de 1966, celebrado el 5 de febrero ese año. Fue presentado por Øivind Bergh. La canción fue interpretada en quinto y décimo lugar el día del certamen: primero por Thallaug con una pequeña banda y luego por Myhre con una orquesta, precedidos por Grynet Molvig y Åse Kleveland con «Intet er nytt under solen» y seguidos por Kirsti Sparboe con «Lørdagstripp». Finalmente, quedó en quinto puesto (último) de 5, con 4 puntos.


title: La meg være ung

text: «La meg være ung» —en español: «Déjame ser joven»— es una canción compuesta por Arne Bendiksen, publicada en 1964 e interpretada en noruego por Odd Børre & The Cannons y Wenche Myhre. Participó en la cuarta edición del Melodi Grand Prix en 1964.


title: La meg være ung

text: Esta canción participó en el Melodi Grand Prix de 1964, celebrado el 15 de febrero ese año. Fue presentado por Odd Gythe. La canción fue interpretada en segundo y séptimo lugar el día del certamen: primero por Børre & The Cannons con una pequeña banda y luego por Myhre con una orquesta, precedidos por ella y Elisabeth Granneman con «God gammel firkantet vals» y seguidos por Inger Jacobsen y Jan Høiland con «Ingen sol finner vei (til min gate)». Finalmente, quedó en tercer puesto de 10, con 57 puntos.


title: Museo de las Artes Universidad de Guadalajara

text: El Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara, también conocido como «MUSA», es un museo ubicado en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, México. Fue inaugurado el 10 de octubre de 1994 y ampliado en 2013. El MUSA es un recinto dedicado a promover la educación y el desarrollo cultural de la sociedad. Su finalidad es la de generar conocimiento, reflexión, inspiración y gozo con las manifestaciones artísticas, cumpliendo así con una de las funciones sustantivas de la Máxima Casa de Estudios de Jalisco.


text: Su sede es un inmueble de valor patrimonial para la ciudad, puesto que en él se encuentran dos murales al fresco —realizados de 1935 a 1937— por el artista José Clemente Orozco. Estos se encuentran dentro del Paraninfo Enrique Díaz de León: "El hombre" "creador y rebelde" —en la cúpula— y "El pueblo y sus falsos líderes" —en los muros del estrado—. Desde su fundación, el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara es patrimonio vivo y cotidiano del acontecer cultural de Jalisco.


text: El MUSA forma parte de la asociación de miembros de la red de museos del ICOM, que está integrada por 40.000 miembros de 141 países.


text: El MUSA nace por el interés de destacar la importancia de contar con dos obras magníficas del Mtro. José Clemente Orozco como parte del patrimonio cultural del Estado y de dar a la comunidad jalisciense un espacio de proyección cultural. El entonces Rector de la Universidad —Lic. Raúl Padilla López— promueve destinar la planta baja del Edificio de Rectoría General al Museo de las Artes.


text: En 1994 se habilitó como museo con 950 m² y una programación de exposiciones de arte contemporáneo nacional e internacional. Desde sus inicios, varios artistas nacionales e internacionales han expuesto su obra. Además de esto, el museo ha integrado una colección de arte propia con el paso del tiempo.


text: En ese periodo inicial, el entonces Coordinador de Extensión Universitaria —Lic. Dante Medina— asigna como primer administrador del recinto a Francisco Barreda, quien dirigió actividades desde octubre de 1994 hasta marzo de 1995, organizando también la integración de la colección del recinto. En marzo de 1995 se nombra a la Lic. María Asunción Ramírez como administradora, y en 1998 se incorpora Carlos Ashida como director del museo, ejerciendo su puesto por tres años. Posteriormente se reincorpora de nuevo como directora María Asunción Ramírez hasta el 31 de mayo de 2013.


text: Fue hasta el 28 de febrero de 2013 cuando el Consejo General Universitario de la Universidad de Guadalajara crea el dictamen que modifica el uso del inmueble conocido como “Edificio de la Rectoría General”, para dedicarlo a fines culturales. Con ello, es oficial el cambio de nombre para pasar a denominarse “Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara”. Con el cambio de uso del inmueble, en junio de 2013 se resuelve nombrar a la Mtra. Maribel Arteaga Garibay como nueva directora, que da inicio a nuevos horizontes para el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara.


text: El MUSA es un espacio abierto a todo público que promueve el arte y la cultura a través de un proyecto expositivo y educativo, con la finalidad de generar conocimiento, reflexión, inspiración y disfrute del patrimonio artístico.


text: Consolidarse como un referente nacional e internacional en materia de experiencias museísticas de calidad por medio de un programa anual de actividades y acciones incluyentes y sustentables que contribuyan a la transformación social.


text: En 1914 se le encomendó al ingeniero Alfredo Navarro Branca el proyecto de dos inmuebles que serían llamados Constitución y Reforma (actualmente el Museo de las Artes), y estarían proyectados para dedicarlos a la enseñanza primaria. La disposición formal y funcional de estos edificios responde a los cánones establecidos por el estilo ecléctico academicista, una corriente arquitectónica que tuvo su máximo exponente en la Francia decimonónica. El ecléctico de la segunda década del siglo XX en Guadalajara es un poco diferente a la del siglo anterior, que era un ecléctico más ortodoxo, aunque se advierten elementos ornamentales relacionados con el ecléctico francés, así como detalles del art nouveau, con elementos propios de este estilo en herrería, cantería, emplomados y argamasas decorativas.


text: El ingeniero Navarro Branca solamente alcanzó a edificar la fachada y una galera interior del edificio Reforma, por lo que en la última etapa de la construcción y remodelación participaron los arquitectos Aurelio Aceves y Rafael Urzúa. El edificio parte de la simetría clásica: cuatro fachadas, provistas cada una de un ingreso, proyectando escalinatas en la pendiente del promontorio y generando en el punto de coincidencia de las simetrías del espacio arquitectónico más importante: una gran cúpula central. La arquitectura universitaria —y de una parte de la ciudad de Guadalajara— es ejemplo de esa tendencia vanguardista en el estado y en el país, en donde se proyectaba la arquitectura del funcionalismo y el racionalismo, además que retomaba características de la arquitectura regional. Existe simetría en la disposición de los espacios y los volúmenes, tanto en las fachadas como en los interiores.


text: El gobierno de Jalisco pensaba trasladar al Congreso del Estado en las instalaciones del Palacio de Gobierno al Edificio Reforma, pero en 1934 esta construcción fue cedida a la Universidad de Guadalajara. En 1936, Urzúa diseñó y construyó una segunda cúpula independiente de la primera. Sobre ella, el extraordinario artista jalisciense José Clemente Orozco pintó los imponentes murales y en el testero del gran salón, que trasladan al lenguaje pictórico la tarea educativa de la Universidad. El 22 de julio de 1937 se establece oficialmente la Universidad de Guadalajara y el 20 de noviembre de ese mismo año el edificio fue oficialmente inaugurado, desde esa fecha sirvió como sede de la Rectoría General. En 1993, se realizan las adecuaciones en la planta baja para albergar al Museo Universitario de Arte (MUSA), se acondicionan salas de exposición, curaduría, el salón de actos Lola Álvarez Bravo y las oficinas administrativas del museo. Para el año 2013, el Consejo General Universitario determinó que el edificio fuera en su totalidad museo de arte. Para tal efecto, se realiza un proyecto conceptual de la utilización de los espacios que deberá contener en principio la mayor área como sala de exposiciones de arte contemporáneo, además de contar con una sala especial, en el ingreso de la entrada principal, para la exposición permanente de los trabajos previos a la pintura mural de José Clemente Orozco en el Paraninfo. Esta exposición estará compuesta por bocetos hechos por el muralista. Se destinará otro espacio a la Galería de Exrectores de la casa de estudios, desde su fundación hasta la fecha; y otro espacio importante para la Sala de Protocolo de la Universidad de Guadalajara, respetando en su totalidad el arte y la arquitectura del Paraninfo, que al día de hoy sigue funcionando como máximo espacio representativo de la institución.


text: En el 2013, después de un periodo de remodelación de 5 semanas el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara se amplía al doble para servir completamente como un museo, doblando su espacio de exposición gracias al traslado de las oficinas administrativas de la Rectoría General y la Vicerrectoría. Actualmente, el edificio del MUSA comprende poco más de 1,435 m². Tiene 14 salas de exposiciones temporales, dos salas para talleres, el auditorio Paraninfo Enrique Díaz de León (con un aforo total de 380 personas), una sala de conferencias, un patio de usos múltiples y una tienda.


text: "El Museo de las Artes fue concebido a partir de los murales que José Clemente Orozco pintó en el  Paraninfo y éstos han sido desde entonces su eje rector."A finales de 1935, el entonces gobernador de Jalisco —Everardo Topete— invita al maestro José Clemente Orozco a realizar murales en diferentes inmuebles relevantes en Guadalajara. Durante su estancia en Guadalajara de 1935 a 1939, realizó tres obras murales emblemáticas: la primera fue la cúpula y los muros del estrado del entonces Palacio Legislativo que se transforma en la sede de la Universidad de Guadalajara, la segunda fue la escalera principal del Palacio de Gobierno y la tercera la del Hospicio Cabañas.


text: Este espacio principal, Paraninfo, fue denominado "Aula Enrique Díaz de León" y era utilizado para llevar a cabo las sesiones del Consejo General Universitario, máximo órgano de gobierno de la Universidad, y como recinto para cátedras y homenajes solemnes. La palabra "paraninfo" es muy particular, pues entre los antiguos griegos el "paranymphos" (del prefijo "para": al lado de, y "nymphe": novia) era padrino de boda, quien ejercía como organizados de la ceremonia y se encargaba de recoger en un carro a la novia, de ahí su denominación. Al final de la Edad Media, cuando las universidades se independizaron de la iglesia, se usó al término paraninfo para designar al maestro de ceremonias, quien abría el cortejo en los actos solemnes. Posteriormente, la denominación pasaría a la sala en la que estos actos tenían lugar.


text: Orozco, pilar del muralismo mexicano, plasmó poderosas alegorías de la educación y la cosmovisión universal del hombre. Sus imponentes murales traducen al lenguaje pictórico la tarea educativa de la Universidad. En la cúpula pueden apreciarse los componentes de esta casa de estudios el maestro, el estudiante, la técnica y el hombre bicéfalo pentafásico (dos cabezas y cinco rostros), que representan el arte y la ciencia, en oposición a lo que representa en el testero: la ignominia de la pobreza y la ignorancia de las masas manipuladas por falsas leyes y líderes espurios. Para la realización de su trabajo, Orozco realizó numerosos bocetos que quedaron como registro de su proceso creativo.


text: El segmento mural de la cúpula aparece en diversas publicaciones con distintos nombres, como "El hombre creador" o "El conocimiento". A Orozco no le importaba realmente bautizar sus obras, y fueron en gran medida sus amigos quienes le atribuían los títulos que les sugerían las imágenes que pintaba. Por ello, no sólo el caso de los murales del Paraninfo, sino en la mayor parte de su producción plástica, observamos en las publicaciones en que aparece su obra nombres distintos para los mismos segmentos murales. Lo que sí se conoce con certeza es que ambos murales dentro del Paraninfo fueron firmados y fechados en 1937.


text: "El hombre creador y rebelde" es el segmento mural que José Clemente Orozco realizó sobre la cúpula del Paraninfo Enrique Díaz de León. El maestro optó por la técnica del fresco y aunque anteriormente había realizado obras murales utilizando dicha técnica, esta fue la primera vez que lo hace sobre una superficie cóncava. La técnica de la pintura mural al fresco es extremadamente difícil puesto que se deben tener conocimientos acerca de los materiales y de sus posibles reacciones químicas. También es necesario prever los tiempos de trabajo y de esta manera ser capaz de dividir el trabajo pictórico en "tareas". Los pigmentos se deben aplicar mientras la superficie está húmeda y se requiere un gran control sobre el cálculo y el trazo ya que resulta imposible hacer cualquier modificación posterior. Para realizar trabajo bajo esta técnica, es necesario preparar la superficie que será intervenida recubriéndola por una o varias capas de un empasto cubierto de cal y arena. Orozco trabajó con una mezcla de una proporción de dos partes de arena de río por una y media de cal viva en piedra. Empleó pigmentos minerales entre los que resaltan: los rojos de Venecia y de la India, el azul cobalto, el blanco de San Juan, el óxido de cromio, tierra verde, entre otros.


text: En la cúpula de 13.6 metros de diámetro interior y 5.5 metros de altura, logra suspender cuatro figuras humanas de sexo masculino, tres de ellas ascendentes. Estas representan acciones relacionadas directamente con las funciones esenciales de la Universidad como la docencia, la técnica, la ciencia y hasta la rebeldía. La selección de estos significados se da considerando el dominio categórico de Orozco en el manejo de colores y los aspectos psicológicos sobre el significado de ciertos elementos, es decir, el inconsciente colectivo. Se observa que tres de los hombres representados se encuentran desnudos, cuyo significado alude a la pureza física, moral, intelectual y espiritual. En el caso del ahorcado, éste nos remite al concepto de rebeldía, con un hombre que ha sido castigado por una acción y el hombre bicéfalo-pentafásico representa la ciencia con todas sus ramas. Es el personaje más conocido del mural, posee cinco rostros que representan a hombres de edad madura y calvos, remitiendo a una lectura elemental "cada una de esas cabezas y rostros es una manifestación particular de lo uno". La figura elemental aparece desnuda y en su entorno hay varios elementos que indican una diversidad de funciones como los instrumentos de dibujo, escalimetro (mano derecha) y compás (mano izquierda) así como trazos geométricos (verdes y azules) que remiten a las ciencias exactas, con líneas y proyecciones trazadas en blanco. También se identifican elementos anatómicos como el corazón, el aparato digestivo y el pequeño cuerpo en escorzo con el cráneo trepanado representando a la medicina y, por último, unos pliegos de papel que evocan a la literatura y las leyes. Debajo de este hombre pentafásico se encuentra un cuerpo con una disección torácica y trepanación craneana el cual se extiende hasta la base en donde también se encuentra la representación de un aparato digestivo, la entrada a un túnel, trozos de carbón apilados, una cabeza con el cuello expuesto mostrando la yugular, así como la figura de un rostro tuerto.Es un personaje robusto y de pelo cano musculoso que sujeta los controles de una máquina metálica fantástica y poderosa. La interpretación pudiera denotar una aparente oposición ideológica en cuanto a la diferencia que manifiesta el obrero sobre su entorno, pues su mirada fija indica la concentración absoluta en el trabajo. Su extrema verticalidad hace percibir orgullo por su quehacer, sin embargo, a pesar de esa supuesta indiferencia, el enlace que tiene con el rebelde a través de la fusión de su mano y la frente sugiere la espera del momento apropiado para integrarse al cambio, mediante un acto de rebeldía. Se aprecia en el mural a un hombre vestido pulcramente de blanco; en este caso la interpretación no se inclina hacia el ocultamiento de algo al no estar desnudo como los otros, sino que el color de su camisa tiene un significado preciso: es el color del "candidus," esto es, "el candidato que va cambiar la condición"; aspecto correlacionado con la función del personaje que lo porta: el maestro. Levanta el brazo derecho con el dedo índice y su mano izquierda parece fusionarse al brazo del rebelde.Es la única figura que parece caer y está invertida (de cabeza), a través de las manos se une al maestro. El significado de esto al consultar un diccionario especializado de símbolos tiene la siguiente lectura: (...) poner nuestras manos en las de otro es remitir nuestra libertad, o sobre todo, desistir de ella confiándola; es abandonar nuestro poder". Orozco refuerza esta idea a partir de la fusión de ambas manos, ya que parten de una sola muñeca, es por lo tanto un ejercicio estético maduro, producto de su gran capacidad creativa, ya que, originalmente las figuras estaban aisladas (como se puede observar en los bocetos del pintor). Este rebelde ahorcado resulta un ser místico por excelencia. El personaje tiene cubierto su antebrazo izquierdo con un manto rojo, el cual es empuñado por la mano derecha; al consultar el significado de los tres signos: ahorcado-manto-rojo, se tiene que, por un lado, la capa o manto es identificada con la persona que lo lleva. Existe la creencia que este manto tiene una función especial: transmitir los conocimientos de su propietario a la persona elegida. La elección del color (rojo) está asociada al conocimiento esotérico, prohibido a los no iniciados y además simboliza el poder de la regeneración.


text: Este mural está ubicado en el estrado del Paraninfo y se estructura con base en la oposición de líderes y masa. La "masa" son hombres esqueléticos, mudos y ciegos que levantan sus brazos en señal de protesta contra los "líderes", vestidos como obreros (con overoles), de apariencia grotesca, que a su vez repelen el ataque del pueblo enardecido. Está compuesto por tres paneles:Se observa la representación de un miembro del ejército y dos obreros obesos con actitud desafiante, estos portan unos marros y uno de ellos lleva una pistola a la cintura. A sus pies están dispuestos algunos rifles que rivalizan con libros que se encuentran a un lado.En un fondo en llamas —figura recurrente en la obra orozquiana— figuran personajes sosteniendo libros señalando de manera insistente su contenido. Dos de ellos llevan en la mano un serrucho y un cuchillo y este grupo se encuentra contrapuesto a una masa desnuda, famélica y alebrestada.Se encuentra un grupo de personas miserables: dos adultos (uno de rodillas y otro de pie) y a sus pies un niño tendido, posiblemente muerto o enfermo.


text: La Colección MUSA comenzó a reunirse en 1994 para formar un testimonio sobre el florecimiento artístico que Guadalajara experimentó durante los años 80 y los inicios de los 90 del siglo XX. El criterio de selección fue muy específico: las obras tenían que ser de artistas originarios de Jalisco —o radicados en la entidad— que, ya fueran destacados o emergentes, estuvieran activos al momento de la adquisición y que contaran con una producción avalada por su calidad y originalidad. Esta colección que le dio origen surge con un lote de pinturas y esculturas fechadas entre 1981 y 1994. Al paso de los años, a las piezas del acervo fundacional se incorporaron las creaciones de algunos autores nacionales y extranjeros, bajo el criterio de que las obras presenten una excelencia en el dominio del oficio, además de una sensible y creativa propuesta estética. Se han ido incorporando piezas al acervo, ya sea por donación o por adquisición. Uno de los requisitos indispensables es que los autores cuenten con una sólida trayectoria dentro de su disciplina así como de un riguroso conocimiento técnico en su área artística.La colección del Museo de las Artes no pretende erguirse en la verdad absoluta sobre qué vale y trasciende en el arte contemporáneo, sin embargo, tiene la certeza de que sí representa una pluralidad de estilos y tendencias de incuestionable calidad, reconocida por propios y extraños.Actualmente, la colección del MUSA consta de más de 100 piezas y está conformada por obras de distinta técnica y formato de los más significativos artistas jaliscienses o radicados en la entidad y también de artistas nacionales e internacionales. Además de ser una colección en crecimiento, se ha convertido en una valiosa fuente de información para los estudiosos del arte nacional y local, e incluso algunas de sus piezas han formado parte de importantes exposiciones, tanto locales como nacionales, cuyo objetivo ha sido revisar distintas vertientes estilísticas del arte mexicano contemporáneo. Este importante patrimonio universitario que abarca obras de diferentes temporalidades y vertientes del arte está disponible para el disfrute de la población en general.


text: La colección se conforma por obras de artistas como: Abel Galván, Alejandro Colunga, Alejandro Fournier, Alejandro Nava, Alessandra Parachini, Ana Luisa Rébora, Antonio Pinto, Antonio Ramírez, Arnold Belkin, Benitez, Benito Zamora, Carlos Medina, Carlos Pez, Carlos Vargas Pons, Carmen Bordes, Cecilia Márquez, Consuelo Velázquez, Cornelio García, Dagmara Wyskel, Daniel Kent, Davis Birks, Diego Medina Rosas, Dolores Ortiz, Domitila Domínguez, Eduardo Jonquéres, Enrique Rico, Ernesto Flores, Estanislao Contreras, Estela Hussong, Fernando de la Mora, Fernando González Gortazar, Francisco Morales, Francisco Rodríguez "Caracalla", François Dolmtesch, Gabriel Flores, Gabriel Mariscal, Georgina Quintana, Gil Garea, Guadalupe Sierra, Gustavo Pérez, Héctor Nájera, Héctor Navarro, Ismael Vargas, Jaime Tafoya, Javier Arévalo, Javier Campos Cabello, Javier Cárdenas Tavizón, Jorge Martínez, José Fors, José Guadalupe Zuno, Juan José Ávila (Kraeppellin), Judith Gutiérrez, León Chávez Teixeiro, Leticia Tarrago, Lorenza Aranguren, Lucía Maya, Luis Castellanos, Luis Valsoto, Manuel Álvarez Bravo, Manuel Sandoval, Marcos Huerta, Mario Martín del Campo, Mario Medina, Martha Pacheco, Miguel Ángel López Medina, Mohamed Abou El-Naga, Nieto, Paul Nevin, Paulino Cobian, Pedro Escapa, Penelope Downes, Rafael Zamarripa, Ramiro Torreblanca, Renata Petersen, Ricardo Pinto, Roberto Márquez, Roberto Pulido, Roberto Rébora, Rosalba Espinoza, Rubén Méndez, Salvador Rodríguez, Samuel Melendrez, Santino Escatel, Sergio Arau, Sergio de Castro, Sergio Garval, Sergio Telles, Tomás Coffeen, Ulises González Gutiérrez, Víctor Hugo Pérez, Víctor Palomino.


text: Contempla proyectos curatoriales que son resultado de la investigación de la obra tanto de grandes maestros como de artistas emergentes —locales, nacionales y extranjeros—.


text: Desde sus inicios en 2013 hasta 2018, el Museo de las Artes ha tenido más de 50 exposiciones temporales.El MUSA propone a sus visitantes diferentes actividades impartidas por personal capacitado que le permitirán disfrutar de las piezas y obras que se exhiben el museo, al tiempo de brindarle una experiencia significativa y de aprendizaje. Entre las actividades se encuentran:Sitio Oficial


title: Justiniano de Ávila

text: Justiniano fue un religioso hispanovisigodo, que fue obispo de Ávila. Documentado en el año 610, es el primero del que se tiene constancia y datos desde el siglo IV.


title: Justiniano de Ávila

text: Después de las turbulencias del siglo IV entre los prelados hispanos en época de Prisciliano, considerado un obispo intruso, no hay datos ni nombres de obispos de Ávila entre el año 385 y antes del año 600. Además, pocos años antes de aparecer documentado Justiniano la sede estuvo vacante hasta la celebración del III Concilio de Toledo, convocado por el rey Gundemaro en 610. Justiniano es el obispo que asiste, y firma como "Justinianus Ecclesiae Abelensis Episcopus subscripsi"; en otros códices aparece como "Abilensis", en consonancia a como san Jerónimo nombra a Prisciliano: "Abilae Episcopus". En el documento, Justiniano ocupa el penúltimo lugar, y a pesar de que todos los obispos guardaron el orden de antigüedad, Enrique Flórez considera creíble que Justiniano fuera uno de los menos antiguos en su consagración, porque el último de la lista se había consagrado en época del concilio. Murió quizás alrededor de 629, cuando sería consagrado su sucesor Teodoigio.


title: Amor fugitivo

text: Amor fugitivo es una escultura de Auguste Rodin concebida en 1886. Son dos figuras: un hombre y una mujer, quienes se encuentran abrazados de espaldas sobre una roca. Representan a Paolo y Francesca haciendo alusión al .


title: Amor fugitivo

text: La obra se encuentra en las hojas o jambas de la parte derecha de La puerta del Infierno. Aunque tuvo mayor reconocimiento por sí sola, pero el escultor decidió colocar esta escultura.


title: Amor fugitivo

text: En la imagen se nota que el hombre la sostiene queriéndola alcanzar, ella llevada por el viento o el vacío, huye, por eso se le conoce como "amor fugitivo".


title: Amor fugitivo

text: El grupo apareció en la galería de Georges Petit en 1887. En aquella ocasión fue apreciada por el crítico Gustave Geffroy, quien escribió:


title: Amor fugitivo

text: La escultura volvió a presentarse en la galería de Petit en 1889 por la exposición con el artista impresionista Claude Monet. Tuvo mucho éxito, por lo que se reprodujo en bronce y mármol.


title: Amor fugitivo

text: Como muchas de las obras del artista, "Amor fugitivo" surgió del unir dos piezas. El hombre es "El hijo pródigo." Su rostro trágico es el de Paolo en la escultura Paolo y Francesca.


title: Busto de Maurice Haquette

text: El busto de Maurice Haquette es una escultura hecha por Auguste Rodin, escultor francés del siglo XIX. El bronce mide 53.5 x 26.7 x 41.1 cm y se concibió en 1883.


title: Busto de Maurice Haquette

text: Haquette trabajó y entabló una amistad con Rodin en la fábrica de porcelana de Sèvres, donde le enseña pintura y acuarela. Cuando Rodin presentó la escultura "La edad de bronce" en el Salón de 1877, la calidad de la obra insinuó que el molde había sido tomado directamente del modelo que posó para el escultor y desencadenó una gran polémica. Maurice Haquette atestiguó en defensa del escultor francés quien acababa de llegar a Bruselas. El escándalo ocasionó el reconocimiento de Rodin como el mejor escultor de su generación.


title: Busto de Maurice Haquette

text: En esos tiempos, el Ministerio de la Instrucción Pública y de Bellas artes dirigía el proyecto para construir el Museo de Artes Decorativas de París que se ubicaría sobre los vestigios del Tribunal de Cuentas. Para dicho proyecto se convocó a diversos artistas, y fue así que Haquette le presenta a su hermano Georges Haquette, que conocía a su vez al subsecretario Edmond Turquet, a quien recomiendan y le conceden el proyecto de "La puerta del Infierno."


title: Busto de Maurice Haquette

text: Se piensa que Rodin fundió el busto de Haquette como agradecimiento por el encargo y homenaje a su amistad en el año de 1883. En la parte posterior de la pieza se lee la inscripción: "À mon ami Haquette" (A mi amigo Haquette). La obra pertenece al Museo Soumaya.


title: Corazón gigante

text: Corazón gigante ("Fúsi" en V. O.) es una película dramática islandesa de 2015 dirigida por Dagur Kári y protagonizada por Gunnar Jónsson y Ilmur Kristjánsdóttir. El estreno tuvo lugar a nivel mundial siendo la 65 edición del Festival de Berlín su primera proyección como parte del programa. En cambio, el estreno a nivel nacional tuvo lugar un mes después en las carteleras islandesas.


title: Corazón gigante

text: Fue premiada en el Festival de Cine de Tribeca de 2015 al mejor argumento y mejor actor.


title: Corazón gigante

text: El film cuenta la historia de Fúsi ("Gunnar Jónsson"), un introvertido hombre entrado en sus 40 años que vive con su madre y trabaja como personal de tierra en un aeropuerto cercano. Como principales aficiones, están las de recrear maquetas sobre guerras, escuchar la radio y disfrutar de la comida.


title: Corazón gigante

text: Finalmente rompe con su vida rutinaria tras su 42 cumpleaños después de haber sido apuntado a una clase de danza, donde se enamora y también debe hacer frente a sus bravucones. No obstante, en un momento dado rompe con su novia, a la que intenta ayudar a encontrar la felicidad reformando un viejo vertedero y habilitarlo para levantar una floristería antes de volver al día a día habitual.Stephen Dalton escribió una reseña en The Hollywood Reporter: "Gunnar Jónsson es una "rara avis" como protagonista principal, aunque se deja ver. Tanto su interpretación física como su voz cansada transmiten tormenta interior y pureza de corazón."


title: Corazón gigante

text: Sobre Kristjánsdóttir afirmó: "la actriz irradia un encanto poco convencional, a pesar de que su alicaído personaje anhelante de compasión estaría más en su lugar en una canción country que en la Islandia actual."


title: Corazón gigante

text: Antes de finalizar, Dalton comentó sobre el film: "un retrato ligero de un tema potencialmente serio, la producción de Kári es una grata adición a la carrera del cineasta, aunque demasiado dulce y tierna como para dejar una impresión duradera."


title: Teodoigio

text: Teodoigio fue un religioso hispanovisigodo, que se convirtió en obispo de Ávila según Enrique Flórez, probablemente, como sucesor de Justiniano en 629, y que permaneció en el cargo aproximadamente hasta el 642.


title: Teodoigio

text: Aparece documentado en 633 durante el IV Concilio de Toledo, presidido por Isidoro de Sevilla. Teodoigio fue uno de los participantes en la reunión y firmó los Cánones; aparece en el lugar 37.º de la lista de firmantes, detrás de 25 obispos y 7 vicarios sustitutos de obispos ausentes, algo que, según Flórez, le otorga cierta antigüedad en el cargo. Comparada con la de los demás firmantes, habría sido consagrado obispo abulense en 629, momento en que podría haber muerto el anterior obispo documentado, Justiniano, que aparece después de él en los catálogos de obispos, como el de Gil González Dávila.


title: Hippolyte Boulenger

text: Hippolyte Emmanuel Boulenger (1837–1874) fue un paisajista belga influido por la Escuela francesa de Barbizon, considerado el "Corot" belga.


title: Hippolyte Boulenger

text: Hijo de padres franceses, Hippolyte Boulenger nació en Tournai en 1837. Ahí vivió durante su juventud y después se trasladó a París, donde estudió dibujo entre 1850 y 1853. En ese año se fue a Bruselas para trabajar, mientras que en las noches estudiaba en la Real Academia de Bellas Artes junto a Joseph Quinaux, paisajista.


title: Hippolyte Boulenger

text: Conoció al retratista Camile Van Camp en 1863, quien se convirtió en su mentor y mecenas. Él fue quien mostró su primera pintura en el Salón Bruselas el mismo año. Boulenger fue a Tervuren en 1864, y reunió a su alrededor a un grupo de pintores afines para conjuntarlos en la Escuela de Tervueren, una versión belga de la Escuela de Barbizon, de la cual él se convirtió en líder. Al mismo tiempo, su principal modelo fue Jean-Francois Millet, aunque sus últimos trabajos fueron más cercanos a Corot. Hacia 1866, ya era famoso en varios círculos de arte belga.


title: Hippolyte Boulenger

text: Contrajo matrimonio en 1868 y se trasladó a Zaventem, pero regresó a Tervuren en 1870. Estos fueron sus mejores y más fructíferos años, en los que realizó la pintura "De oude Haagbeukdreef.Tervuren", la cual le mereció la Medalla de Oro del Salón de Bruselas en 1872. Durante este periodo viajó a Bélgica y al extranjero; pintó a lo largo del río Mosa. Fue suya la sugerencia de dejar dirigir la creación de la Sociedad Libre de Bellas Artes, con un círculo de jóvenes artistas belgas, que incluyó a Alfred Verwee, Felicien Rops y Constantin Meunier, junto a miembros honorarios del extranjero como Corot, Millet, Honoré Daumier, Gustave Courbet y Willem Maris.


title: Hippolyte Boulenger

text: Hacia 1869 comenzó a padecer epilepsia. Conjugado con el abuso del alcohol, esta enfermedad lo condujo hacia una muerte temprana en un hotel de Bruselas en 1874.


title: Vertumno y Pomona (Camille Claudel)

text: Vertumno y Pomona es una escultura de la artista francesa Camille Claudel. Concebida en 1886 y elaborada en 1905 en mármol blanco sobre una base de mármol rojo, se encuentra firmada en la parte posterior por la autora. La pieza está en el Museo Rodin en Francia.


title: Vertumno y Pomona (Camille Claudel)

text: En un primer momento, la pieza había sido modelada inspirándose en un texto épico hindú llamado Shakuntalá, en el que se narraba el reencuentro de Shakuntalá con Dushianta, su esposo, después de una larga separación causada por una maldición. De ahí que entonces la denominó "Sakountala", la presentó en el Salón de París en 1888 y recibió por ella una mención honorífica.


title: Vertumno y Pomona (Camille Claudel)

text: En 1905 gracias al apoyo de su mecenas, la condesa de Maigret,Claudel pudo ejecutar la pieza en mármol, llamándola ahora "Vertumno y Pomona".


title: Vertumno y Pomona (Camille Claudel)

text: Esta escultura fue fundida en bronce por Eugène Blot en el mismo año, y presentada en el Salón de Otoño con el nombre de "El abandono". Esta denominación es, para algunos autores, un referente sobre cómo la artista plasmó su vida personal en su obra escultórica.


title: Amphithemis

text: Amphithemis es un género de familia Libellulidae. Incluye tres especies:


title: Lyliana Chávez

text: Lyliana Chávez Chávez (Ciudad de México , 1985), artista multidisciplinaria y activista.


title: Lyliana Chávez

text: De 2010 a 2013, fue integrante del grupo, “Las Sucias”, colectiva feminista de intervención callejera. Ha participado de manera colectiva con artistas para la autogestión como apuesta de vida digna.


title: Lyliana Chávez

text: Actualmente su trabajo creativo versa en torno a la reflexión de lo que implican los encuentros de unxs con otrxs. Tiene formación en artes plásticas, gestión cultural, performance y la vida misma. Considera la labor de tallerista una forma de intercambiar y retroalimentar conocimientos, movimientos, afectos.


title: Lyliana Chávez

text: Ha tomado talleres de performance en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México, así mismo ha hecho estudios en Gestión Cultural y Artes Visuales.


title: Lyliana Chávez

text: En su obra se destaca el activismo social en pro del movimiento lésbico.


title: Lyliana Chávez

text: ""LesbianArte, primer festival y encuentro de arte y activismo lésbico"", 19 al 27 de abril de 2013 en la Ciudad de México


title: Lyliana Chávez

text: ""Arte en movimiento"." Curso-taller de performance, 20 de julio de 2015, Ciudad de México


title: Lyliana Chávez

text: "“Mujeres ¿y qué más?: reactivando el Archivo Ana Victoria Jiménez"", 28 de marzo de 2011.


title: Lyliana Chávez

text: ""Tianguis de C.A.C.A.O"" , 19 al 24 de noviembre, Museo Universitario del Chopo del 19 al 24 de noviembre.


title: Lyliana Chávez

text: "“EstacionARTE”," 2da muestra itinerante de arte contemporáneo, 25 al 29 de abril de 2007.


title: Lyliana Chávez

text: Exposición colectiva de pintura, llevada a cabo en la Estación Chabacano(METRO), año 2004.


title: Lyliana Chávez

text: ""1 a antítesis de Subasta"" y ""Tierras sueltas"" organizadas por ""Galería de Bolsillo"" del proyecto “"Arte y Cultura”" de ""La Verdaloga"", 2006.


title: Lyliana Chávez

text: ""¡A toda madre!"", De archivos y redes, 2 de noviembre de 2012.


title: Lyliana Chávez

text: ""Identidades y políticas lésbico feministas; su relación con procesos creativos. Aproximaciones a un sucio caso"." Tesis de licenciatura Colegio de Arte y Cultura/ Estudios y Gestión de la Cultura, Universidad del Claustro de Sor Juana, 2013.


title: Economía de Tuvalu

text: Tuvalu es un país insular localizado en el océano Pacífico, a medio camino entre Hawái y Australia. La economía de Tuvalu está complicada por su ubicación remota y su carencia de economías de escala. Los ingresos recaudados por el gobierno en gran parte provienen de la venta de su altamente fortuito dominio de nivel superior .tv; ventas de sellos postales y monedas; licencias de pesca (principalmente pagados bajo el "Tratado del atún de Pacífico Sur"); subvenciones directas de donantes internacionales (donantes de gobiernos así como del Banco Asiático de Desarrollo); e ingresos del "Tuvalu Trust Fund" (en español "Fondo fiduciario de Tuvalu", establecido en 1987 por el Reino Unido, Australia, Nueva Zelanda).


title: Economía de Tuvalu

text: El "Tuvalu Trust Fund" fue establecido para el propósito de ayudar a complementar el déficits nacional, cimentar el desarrollo económico, y ayudar la nación conseguir una mayor autonomía financiera. El "Tuvalu Trust Fund", ha contribuido aproximadamente (79 millones de dólares australianos) 15% del presupuesto de gobierno anual cada año desde entonces 1990. Con un valor capital de aproximadamente 2,5 veces el PIB, el "Tuvalu Trust Fund" proporciona un colchón importante para las fuentes de ingreso volátiles de Tuvalu de la pescar y derechos de la venta del dominio .tv.