title: Escultura del Renacimiento en Italia

text: Florencia en 1493, ilustrada en Schedelschen Weltchronik.  El siglo XV estuvo marcado por una serie continua de conflictos políticos y sociales no resueltos poco satisfactorios, y la brecha entre los problemas de la vida y su solución, se ajustan al pensamiento de Hartt; rara vez en la historia ha sido tan profundo como el Renacimiento italiano, y esto es especialmente cierto para el caso florentino. Para el investigador solo el plan óptimo, en su arte y monumentos. Los florentinos conquistaron el equilibrio, la armonía y la dignidad negada por la realidad cotidiana violenta y turbulenta. La evolución de la escultura renacentista fue dividida en cuatro fases principales. La primera, entre el final del siglo XIV y las primeras décadas del siglo XV, cuando se establecieron las bases del sistema de proporciones matemáticas, se definió el carácter y las reglas de la mimesis artística, y consistentemente incorporados en las referencias clasicistas escultura. El segundo, aproximadamente entre 1430 y 1450, fue una consolidación de experimentos previos estilo general más o menos estable y unificado, con un diálogo creativo entre las expresiones ideales y realistas. La tercera fase se produjo una rápida diversificación en el espectro estilístico que afectó incluso a los escultores ya establecido, cuando la influencia de la estética florentina comenzó a extenderse a lugares más distantes, como Venecia y Nápoles. Es posible que el malestar social causado por un brote de peste en 1448 y varios terremotos en la década de 1450, junto con la aparición de un cometa Halley en 1453, cuando los cometas se consideraban anuncios mala suerte y calamidades, y la conspiración Pazzi en 1478 contra los Medici, que resultó en el asesinato de Giuliano de Medici, hermano de Lorenzo, han sido en parte responsable de un cambio en el entorno cultural. Otra característica distintiva de la fase de proliferación fue el tema de la mitología greco-romana, estimulado por una serie de hallazgos en excavaciones arqueológicas, la profundización de los estudios clásicos y el interés en la astrología. La fase final fue el Alto Renacimiento llamada, un rango aproximado entre 1480/90 a 1527, cuando Roma se hizo cargo de la dirección de la vida cultural italiana, la influencia del Renacimiento italiano se extendió masivamente por el resto de Europa y el estilo general se ha desarrollado para mostrar una madurez clasicismo, con formas serenas y majestuosas, desechando el teatro y fuertemente centrado el idealismo. El período posterior a 1527, cuando se produjo el saqueo de Roma, es uno de los más controvertidos historia del arte. Mientras que algunos autores tienen como una continuación natural del Renacimiento, otros lo describen de forma independiente dentro de la definición de manierismo. El problema se complica por la proliferación de escuelas regionales e individualizados por la coexistencia de varias tendencias estéticas muy distintas, y esta diversidad, más el cambio en el ambiente cultural en vista de un político, religioso y social nuevo, parece justificar el estudio de esta fase como un movimiento artístico autónomo.


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text: Uno de los rasgos característicos de la organización de las principales ciudades italianas era su independencia, muchas de ellos eran ciudades-estados autónomos por un gobierno republicano con las leyes, costumbres e incluso dialectos propios, por lo que las escuelas de arte a menudo se desarrollaban muy diferente. Pero más allá de este rasgo en común, su economía también compartió un sistema general; los gremios dominaron prácticamente todos sectores principales productivos de cada uno de ellos, incluyendo el arte, la poseía, y la fuerza política considerable. Los gremios fueron similares a lo que hoy en día se llama a los sindicatos o asociaciones, que regulan las relaciones entre sus miembros y les proporcionan la asistencia, la gestión de la producción, la distribución de bienes de consumo y la organización de la formación profesional en su especialidad. Aunque esto no ocurrió en las escuelas, sino de manera informal; entre el maestro y el discípulo. Sin embargo, a pesar de que los artistas, entre ellos arquitectos, participaron en un clan, nunca fueron uno de los principales, ni en ese momento el arte dio a su profesional de la alta clase el gozo deseado. A veces fueron considerados meros artesanos, aunque más asociados a las operaciones mecánicas que el prestigioso arte liberal, cuyo estudio tenían acceso solo los nobles, los clérigos y los pocos plebeyos ricos, y sus protegidos. A pesar de su posición social relativamente baja, tuvo una activa participación en el renacimiento de la comunidad, y trabajó la mayor parte de las veces en las costumbres, por ser un trabajo raramente producido de manera espontánea. Por otra parte, la práctica era colectiva, es decir, un maestro que conduce un taller de pedidos y realizado con la asistencia de varios empleados, excepto en los casos de obras muy pequeñas, cuando solamente un solo artesano podía hacerlo. Así, el concepto de la autoría de una obra de arte era muy diferente a la de hoy, y el renacimiento más masivo de la producción solo se puede atribuir a un determinado artista como su mentor, pero él personalmente lo ha realizado en su totalidad. En estos talleres se permitió la transmisión del conocimiento de las técnicas artísticas; aprendices entraban bajo la tutela de un maestro en avanzada edad, con menos de diez años, y permanecía allí durante un tiempo variable que puede llegar a diez años de estudio antes de poder trabajar por su cuenta, y se accedía a través de un examen público. La filosofía conservadora reinante era un trabajo muy duro y por medio de la imitación de renombrados maestros podían formar un buen artista, y la eficacia de su metodología se atestiguaba en el nivel general de la alta calidad de las obras, que en ese entonces formaban parte de los artistas. Los talleres también funcionaban como tiendas, donde los clientes recibían el maestro y le ofreció sus servicios. Las mujeres fueron excluidas del aprendizaje, con muy pocas excepciones.


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text: El concepto de arte para el Renacimiento no se basó principalmente en los principios de la estética, y a diferencia de hoy, las obras de arte tenía un carácter muy funcional, sirvió como vehículo de publicidad para filosófico, político, religioso y social definido y establecido previamente por la comunidad. Poco valor se le dio a la interpretación individual de los temas como se entiende actualmente, y solo al final del Renacimiento con la obra de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael, esto originó el concepto de genio como creador independiente, un visionario auto-motivado y original, pero aun así se convirtió en conflictos notorios de Leonardo y Miguel Ángel, principalmente con sus clientes, precisamente por las libertades que tomaron. Gran parte del éxito del artista renacentista se debió a que la élite considera suficientemente confiable, hábil y bien preparado para crear piezas exactamente de acuerdo con los deseos de aquellos que encargó, y porque ciertamente no pondría en cuestión el statu quo con sus puestos de trabajo. Además, los pedidos se rige a menudo por un contrato legal detallado que los materiales discriminados a utilizar, el tiempo de entrega, el tamaño, el tema y el enfoque del trabajo formal. Sin embargo, también es evidente que el artista se esperaba completamente dominado los principios de la estética a la obra que dio lugar hermoso y eficiente, y de hecho, el Renacimiento fue un periodo en el que el arte como una rama de la estética se debatió ampliamente ilustrado por los círculos, y en vista de este período se considera como el punto de partida del arte moderno. Por otra parte, dentro de los límites aparentemente tan duro, aún había mucho espacio para experimentos técnicos y formales.


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text: La orientación social de la producción artística puede ser atestiguado por las inscripciones que mostraron algunos monumentos. En Florencia de los Medici encargó una estatua de Donatello de Holofernes Judit decapitando, cuya base que decía "La salvación del Estado. Médicis Piero de Cosimo hijo dedicó esta estatua de una mujer tanta libertad como la fortaleza, a través del cual los ciudadanos corazón invencible y constante puede volver a la república. Kingdoms caer a través de lujo, las ciudades subir a través de las virtudes. ¡He aquí el orgullo de cuello cortado por la mano de la humildad ". A los pies de David, del mismo autor, un símbolo de la libertad y la identidad cívica de los florentinos, fue inscrito:... " ¡Es ganador el que defiende su patria, Dios abatirá la ira de un enemigo gigante, para hacer ganar a un gran tirano! Venced, ciudadanos ". También en la élite se utiliza el arte para promocionarse, la administración republicana de Medici se comprometió a colaborar con el buen gobernante e ilustró; para sobrevivir a las crónicas de los ciudadanos que hablaban con entusiasmo de los diseños decorativos de la ciudad, parecía que no se preocuparan por el coste de ello, sino, traer la felicidad a la población de manera explícita. A finales del siglo, sin embargo, la opinión pública empezó a preguntarse si estos proyectos eran de hecho ordena al bien común o simplemente por la gloria personal de los Médicis y otras familias poderosas, y por lo tanto justifica la apelación, tanto entre las personas y entre algunos miembros de la élite, la prédica religiosa del monje Savonarola contra el lujo ostentoso, la opresión de los pobres y la decadencia moral que llevó a la destrucción en hogueras públicas numerosas obras de arte hasta que el movimiento fue reprimido con su ejecución, además de una hoguera en la plaza público. Incluso con los cambios ocasionales de este tipo, el sistema de patrocinio público se mantuvo en vigor durante todo el Renacimiento, no solo en Florencia, siendo generalizada. La contemplación de estas obras en los museos modernos, por lo descontextualizar las partes de su ubicación en los primeros palacios, iglesias y plazas públicas, los priva de gran parte de su significación socio-cultural.


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text: Es difícil en los tiempos de hoy en día hacerse una idea de la enorme importancia que el arte tuvo en esos días, pero los relatos históricos confirman que había realmente un intenso entusiasmo despertado en todas las capas de la población, y en particular, por supuesto, entre artistas, mecenas y teóricos. Los documentos describen el calor del debate intelectual en la crítica mordaz, la execración del artista perezoso o no calificado, desbordando en alabanza la obra maestra, la exaltación de la figura y patrón liberal. Para obtener más erudito que era el arte del Renacimiento en sus fundamentos teóricos, y más refinado que se ha convertido en la cuestión formal y técnico, no hay que perder de vista el hecho de que era un arte verdaderamente popular. Las obras más importantes de la época fueron creados para el consumo público y no privado para deleite de unos pocos iluminados, y por lo tanto su lengua debería ser - y ha sido - entendida por todos, al menos en sus principios generales, necesariamente se preserva la capacidad de comunicación completa. con las masas. En el estudio de las bases conceptuales que permitieron que este arte a una circulación y una receptividad tan amplia, André Chastel definido dos ideas clave: Leon Battista Alberti fue una de las grandes figuras de la primera fase del Renacimiento italiano. Humanista multidotado, se dedicó sobre todo a la arquitectura, la filosofía moral y la teoría del arte, pero fue considerado por sus contemporáneos como el prototipo del hombre universal renacentista, que une la brillantez intelectual de las prácticas de los logros más importantes, y llevar una vida éticamente modelado. Sus tratados teóricos ejerció gran influencia durante mucho tiempo, ya partir de sus estudios de Vitruvio revivió uno de los principios centrales del arte clásico, la definición de belleza como armonía entre todas las partes de un objeto. También trabajó el concepto de mimesis, la teoría de las proporciones, las relaciones con la ética del arte y la ciencia, y se invoca una función social para el trabajo del artista en el espíritu de la paideia griega. A través del arte de su tiempo como un deudor de los antiguos, pero considera superior porque se trata de una multiplicidad de nuevos conocimientos científicos que les faltaba. Él creía que el arte tiene el poder para crear un mundo mejor para todos, ya no abandonar su motivación educativa y moral, y juzgado unidad esencial entre la teoría y la práctica. Acerca de la escultura escribió un breve tratado, De statua, y también se refirió a su aedificatoria De re, que reiteró sus principios filosóficos generales, y según Carlos Brandão, proporciona un método y un sistema para la medición de la artista en el que podría moverse en libertad sin perder de vista la universalidad que justifica su trabajo, haciéndose de manera ética para convencer al público de la verdad de su palabra y la acción.


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text: En De statua Alberti propuso como todas las artes derivadas de un único principio creador, la naturaleza, y muchos de los conceptos de una forma de arte estaban perfectamente aplicable a la otra. Según su teoría, la naturaleza tiene un doble papel para el artista: él sugiere que es posible crear algo similar a ella, siendo el almacén universal de las formas de espera para que el artista les da significado, y cuando el artista, memorizando estos formas naturales, puede prescindir de imitación directa se convierte en un parámetro de naturaleza correctiva que permita la calidad de la obra de arte juzgados, garantizando que la obra no se desvía demasiado del modelo natural y que les permite distinguir entre lo que es genérico y atemporal y lo que es privado y de pasajeros. La estatuaria era para él especialmente sensibles a los problemas inherentes a la mimesis, mimesis y se distinguió de la pintura y la escultura. Pero eso no fue suficiente para hacer una imitación literal escultura de la naturaleza, era necesario que estaba imbuida de un tamaño ideal y significado veiculasse, es decir, era relevante para la humanidad. Aun así reconoció la dificultad que el artista trabaje de la naturaleza para alcanzar el ideal, ya que no hay manera en el mundo es perfecto, pero siempre imperfecto e impuro, y trató de mantener vigente el rescate de los dos lo universal y lo particular, porque por un lado la trabajo mimético retrata al Hombre, también retrata a varios hombres, que deben ser caracterizadas de acuerdo a sus particularidades. Mediante el uso de estas dos herramientas conceptuales, un establecimiento de un canon de proporciones y formas genéricas y la realidad fija en el esquema abstracto infinitamente reproducibles, el dimensionamiento, y otra que define a las personas, movimientos y posturas particulares, la finitio, la escultura podría constituyen una forma estable que no se encuentra en el mundo perecedero de las formas, una estabilidad que era el fundamento mismo de hacer arte como un medio para conocer y comprender la verdad de las cosas. En el diálogo creativo entre dimensiones y finitio los resultados de las mediciones de mimesis menos real que el deseo de forjar en realidad un principio que rige las diversas circunstancias, y produce un modelo de belleza ideal, capaz de dar forma a la descripción de lo particular sin perder su universalidad, que es la fuerza que transmite a su sentido artístico y la enseñanza ética. En In re aedificatoria dio la escultura de una dimensión más histórica y colectiva que en su otro trabajo, que es el uso más operativa, técnica y privado del escultor. El análisis de los monumentos públicos, Alberti les veía como recuerdos de eventos capaces de infundir en los hombres el ejemplo de la acción virtuosa, curando almas, y para consolidar las generaciones futuras glorias y victorias de las ciudades y sus héroes. Recomendó que la representación de los héroes y personajes sagrados que el artista debe estar guiada por la moderación, sobriedad y dignidad y no ceder a las peticiones extravagantes obras puramente sensoriales. Además, dijo que no todos los sujetos fueron susceptibles a la representación, sino solo aquellos que podían moldear positivamente la conducta de los hombres. Por último, las obras deberán ser de materiales resistentes a la intemperie, porque eso sería un símbolo de la continuidad de la virtud contra los accidentes y las desgracias de la fortuna.


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text: El otro escrito sobre la escultura fue el escultor Lorenzo Ghiberti, en su Comentarii, en tres volúmenes. En la primera parte dibujó un panel sobre la historia del arte basado en la antigua Historia Naturalis de Plinio el Viejo y De architectura de Vitruvio. A partir de estos autores tuvieron un elogio del arte clásico, ha explicado la ciencia contenida en la pintura y la escultura y se coloca como actividades creativas entre los más difíciles artes liberales, ya que requiere un alto grado de conocimiento, y por lo tanto desestimó el artista sin educación. Para él, la práctica de la escultura combinado un dominio teórico de significantes y significados, así como un talento natural ( ingegno ) y un aprendizaje sólido práctico ( disciplina ) con el campo esencial de dibujo y perspectiva. Alberti distinguida como la mimesis de la escultura pictórica, y se esforzó por dar una base científica a su arte, comparable al rigor de las matemáticas, a pesar de reconocer el papel de la invención y la fantasía. En su enfoque de la mimesis demostró estar al tanto de los problemas de la óptica y las inexactitudes de la percepción visual. El trabajo también es interesante traer un montón de citas de autores antiguos y traer su propia autobiografía, la primera de un artista en aparecer en la historia de Occidente. Por desgracia, la tercera parte de Comentarii, donde al parecer el tratamiento de la relación entre la teoría y la práctica, se ha perdido.


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text: El tratado más original fue que la introducción en la discusión teórica sobre el sentido del tacto como uno de los elementos indispensables para la adquisición de conocimientos. La idea no es nueva, de hecho, ya ha sido discutida por Aristóteles en la antigua Grecia, y después de él por Santo Tomás de Aquino, pero volviendo al tema resulta interesante porque el segundo toque se consideró una larga tradición a la baja, más conectado con animales cara del hombre y su sensualidad que al intelecto y el espíritu, que se asociaron fuertemente con la visión. Pero Ghiberti reafirmó su importancia diciendo que el contacto fue capaz de proporcionar conocimientos específicos, inalcanzable por la visión, y animó a sus lectores a explorar táctilmente las esculturas, aunque reconoce que este conocimiento sea realmente vinculado a los temas de sexualidad, en la que varios escritores estuvieron de acuerdo. El tacto inherente a la escultura también entró en el debate acerca de cuál era el arte más noble, una controversia conocida como la cuestión de paragone, que se extendía hacia el interior en el siglo XVI, la participación de Miguel Ángel y Leonardo, pero con resultados no concluyentes.


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text: Todavía debe ser considerado como un gran teórico Leonardo da Vinci, quien trabajó en el Renacimiento tardío. Según Chris Murray, su importancia como escritor radica en su demostración de la potencia intelectual del arte como un método de investigación de la naturaleza, y sus escritos sobre el arte debe ser estudiado en el contexto de su investigación científica de los fenómenos naturales, aunque se ha centrado más en la pintura, sus ideas se difundieron ampliamente en todos los círculos artísticos. A través de extensas observaciones del mundo natural que pretendía extraer leyes que permitan su reconstrucción eminentemente suposiciones sobre el arte, la transformación del arte en una confirmación de las leyes naturales. Su profundo interés en el movimiento le llevó a identificarla como la causa de la vida y relacionarlo con el universo de las emociones. El estudio de la anatomía humana, hecha de conformidad con los procesos de crecimiento y sus implicaciones para la emoción, la acción y la percepción, y concibe al hombre como un espejo de toda la Naturaleza, un microcosmos dentro del macrocosmos. Alabando la visión a través de los otros sentidos, poner la pintura sobre la escultura y su exclusiva combinación de la teoría y la investigación empírica ha reconfigurado el crítico de arte, y un modelo para las generaciones futuras.


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text: En resumen, la teoría se define el arte renacentista como una forma de conocimiento. Participa el dominio de una amplia gama de habilidades y técnicas específicas y más ambiciosos en sus expresiones, destinados a abarcar el dominio de todas las técnicas y habilidades, es decir, un conjunto de todo el conocimiento disponible la formación de un hombre universal. Los teóricos hizo hincapié en la relación del arte con el conocimiento especulativo, el tipo de conocimiento superior, abstracto, pero eran conscientes de que el satisfacer estaba indisolublemente ligado a un estudio metódico de carácter muy cerca de los objetos científicos, naturales y el legado de La edad, la vinculación también a hacer, lo que implica la acción, el movimiento, la total dedicación al trabajo, y por extensión, la conducta asociada social, la disposición general contra el mundo, un modo ideal de actuar en la sociedad, la ética y la estética interrelacionados teoría y la práctica, y la integración de artesano, público, mecenas y crítico en un sistema unificado que tiene como principal justificación de su existencia era su vocación social y educativa, y su mayor fuerza, la capacidad de dar forma a símbolos colectivos valores visibles y eficiente. Grande fue entonces la responsabilidad del artista como el portavoz de su cultura entera, expresando sus ideales y expectativas, la definición de las identidades individuales y colectivas, instruir y educar a su público, y en el caso de la obra sagrada, contribuyendo a la salvación de las almas, ya que el arte sagrado era considerado una interfaz eficaz entre Dios y el hombre. A la vista del hombre del Renacimiento como el centro del universo, las ideas fueron implementadas plásticamente medio de afirmación de la presencia humana en la naturaleza, y, por su conducto, dominarlo, lo critican, coaching ello, organizar y generar cultura sociedad y revelando la esencia divina y el hombre creativo y los poderes de su imaginación y su libertad. Como James Elkins, una nueva concepción del arte que surgió en el Renacimiento está directamente relacionada con una nueva percepción del significado de la representación y el papel del arte como supervisor de toda la capacidad de representación del hombre, tanto como una facultad mental como una práctica social, y como una necesidad absoluta para la supervivencia del hombre como auto-consciente, racional y culturales, diferentes animales. El idealismo presente en gran parte de la escultura renacentista, por otra parte, era tanto un legado del clasicismo obtenido como respuesta a una necesidad de elegir la mejor forma de representación entre todas las posibles, de modo que la vocación social del arte se cumple se incrementará y el bien común. De aquí se deriva la improvisación total y todo idiosincrasia muy personal en su creación fueron suprimidas.


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text: En un momento de creciente interés en el estudio de la Naturaleza, el problema de cómo reconciliar las visiones idealistas con lo observado en el mundo exterior fue sintetizado directamente en el concepto de decoro, que estableció las leyes de la relación entre el idealismo y el realismo de la imagen, lo que permite el orden mundial y el fin del arte entró en un proceso de corrección mutua. Este principio fue similar a la utilizada por los antiguos griegos, pero hasta el Alto Renacimiento, la fase final del período, se mantuvo un interés definido en la caracterización de las emociones y estados mentales, expresó en un tratamiento más realista de fisonomías especialmente cuando el trabajo era un retrato, mientras que el arte clásico antiguo centrado su atención más en la belleza del cuerpo, al no haber desarrollado una tradición en el retrato, pero en el helenismo. son sutiles distinciones, sobre el cual no hay consenso en la crítica moderna, y hay que recordar que no hay soluciones fuertemente unificado, con muchas variaciones entre la producción de varios profesores, algunos se inclina hacia un más idealistas, otros más hacia el realismo, y otras variables siguen haciendo mezclas de ambos, variando en función del tema tratado y las escuelas regionales de muchos. Estas variantes se aclaran en un estudio más detallado de las carreras de algunos de los escultores más destacados del Renacimiento italiano.


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text: De todos modos, eran conscientes del hecho de que toda representación es más que una ficción, pero ningún hecho concreto o idea que desea emular, pero trató de hacer esta ficción era lo suficientemente eficaz para ser un instrumento de acceso La verdad, para el decoro no era un simple recurso ilusionista, pero revelador, algo no mirar hermoso, pero no muestran la verdadera belleza a través de un proceso de purga de impurezas esencialmente éticos. es mejor la esencia del arte esquivo ejemplificado el uso sistemático de la perspectiva, el elemento de estructuración espacio plano más potente y la representación pictórica que se utilizó en los relieves escultura bajo los mismos principios. La perspectiva consiste en la organización de la imagen desde un único punto centralizado de vista, la determinación de las proporciones de las figuras en la disminución de la progresión para los que están más alejados del plano, también guiar el diseño de arquitecturas y paisajes de escenas. El resultado fue un espacio unificado y coherente que subordina todos sus componentes a un principio estructurador único, logrando excelentes resultados que imitaban la percepción visual con éxito ilusionista del observador de una verdadera escena tridimensional. El desarrollo del punto central de la perspectiva, desde la perspectiva de la antigüedad multifocal, fue una de las contribuciones más importantes y seminales para el arte renacentista de Occidente, sigue en uso hoy en día.


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text: Todos estos conceptos teóricos se consolidaron, sintetizado y reinterpretada en el período final, llamado el Alto Renacimiento, aproximadamente entre 1480 y 1530, cuando los artistas comenzaron un proceso de eliminación de su oficio orígenes buscando un alineamiento con el intelectual, el arte comenzó ser vista como un bien en sí mismo, desconectado de sus obligaciones sociales, surgieron las primeras ideas para sistematizar la enseñanza del arte en las academias, muchas otras ciudades han entrado en el actual renacimiento general, y el idealismo parecía predominar. En ese momento Florencia ya no era el centro más importante del Renacimiento, después de haber sido suplantado por Roma, que recuperó su prestigio como sede del papado en el siglo anterior, después de haber sido abandonado por Aviñón y han caído en ruinas. Con el reinado de Sixto IV y sus sucesores iniciaron su recuperación con un gran diseño de los edificios públicos, y hacia 1500 ya se podía decir que era una vez más "la cabeza del mundo". Julio II dio un impulso a la glorificación mayor la ciudad y el papado, afirmando su liderazgo con una filosofía universal del expansionismo territorial y la reafirmación de Roma como heredero directo del Imperio Romano y los papas como sucesores de los dos de San Pedro como Julio César. Los escritores sagrados y los altavoces del momento fue aún más lejos, diciendo que ella era la nueva Jerusalén, la consumación de todo lo que fue prometido por los Patriarcas, la capital de una nueva edad de oro. La ciudad también se convirtió en un importante centro financiero, su patricio bancarrota si recompusera buscando matrimonios entre la clase rica de grandes comerciantes y banqueros, y atrajo a muchos artistas a la vanguardia, fundando una escuela local con sus propias características y dejando allí el conjunto más importante de obras del Alto Renacimiento. Jugó un papel decisivo en la definición de la dirección de la escuela de la iglesia patrocinadora, con un orden de valores muy diferentes de patrocinio secular de Florencia y otras comunas italianas. Además de los papas, gran parte del alto clero se interesó activamente en el art. De acuerdo con el análisis de Arnold Hauser, solo bajo el gobierno papal se podría crear un gran estilo y cosmopolita de verdad, que sintetizó las ideas del antiguo clasicismo e hizo otras escuelas regionales de arte todos parecen parroquial. La obra de Miguel Ángel en Roma, en el área de la escultura siempre que los ejemplos más perfectos de esta síntesis.


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text: Sin ningún tipo de interrupción con las propuestas del siglo XV, el arte de principios del siglo XVI siguió celebrando concepto válido de decoro y un sentido de la fidelidad a la naturaleza, y de hecho parece haberse reducido aún más esta relación, pero el paso del naturalismo Vivaz el Quattrocento florentino por el austero clasicismo, regulada e idealista Cinquecento romano fue realizada por una sociedad aristocrática impregnada de recuerdos de la grandeza del Imperio Romano y los ideales de la caballería en peligro de extinción, que quería evitar cualquier cambio social - una fase en la que Italia tiene estaba siendo invadido por varios puntos de Francia, Alemania y España y la burguesía subió rápidamente - y fue mucho más lejos de las personas que, por ejemplo, el gobierno republicano de Florencia. Esta sociedad cristalizado un código de conducta basado en reclamos artificiales fuera de lugar acerca de su propia dignidad, y traté de vivir, o más bien pretender vivir, de acuerdo con un código ético ficticio, ya que la historia relata la arrogancia de la elite patricia, la los abusos de poder del papado y su belicoso ímpetu e imperialista, el nepotismo en la Iglesia y la sumersión del alto clero de la época en los asuntos mundanos, luciendo un estilo de vida principesco, cosas que estaban entre las causas directas de la reforma protestante.


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text: Por esta aristocrática vida social fue altamente ritualizada y debe regirse por las leyes de la armonía - la moderación, sobriedad, elegancia, autocontrol emocional y la supresión de toda espontaneidad, incluso los gestos - y lejos de todo lo que se consideraba burgués y plebeyos. Incluso los temas trágicos del drama ha sido eliminada, y la tendencia se volvió hacia atmósferas contemplativas e interiorizado, como es evidente en la Piedad de Miguel Ángel. Las esculturas creadas para esta audiencia son los formularios enviados a los principios de economía, la dignidad, la estabilidad, la paz, la nobleza, el equilibrio, dándoles un aura majestuosa, atemporal y que está más allá del alcance de la gente común. Por otra parte, los artistas de este período podría diseñar sus formularios en una marcadamente más coherente e integrado que sus predecesores, el abandono de la tendencia analítica de las fases anteriores, que a menudo daban un aspecto de las composiciones de grupos aleatorios de elementos dispares unidos solo por necesidad y no por una organicidad interna verdadera, revela la tremenda lealtad de alta Escultura del Renacimiento a la Naturaleza, no los detalles de las personas. Sin embargo, su armonía, aunque muy bien hecho en términos plásticos, tenía una motivación utópica y artificial, quieren perpetuar un mundo que ni siquiera existía, un mundo de paz, la alta moral, la dignidad y el equilibrio, sin ningún conflicto. El arte concreto, en este contexto, se convirtió en irrelevante, porque era un arte destinado modelos de pantalla de validez universal, imperecedero e incorruptible, en una medida sin precedentes en el arte italiano. No deja de sorprender el gran éxito de esta propuesta en lo artístico terreno, teniendo en cuenta la corrupción y el cinismo de la sociedad que le dio origen, sino que da testimonio de la fuerza de todo el cuerpo detrás del diseño conceptual y estético, al menos tenía una importancia superlativa, que representa el resultado un proceso continuo de búsqueda de la perfecta unión entre lo natural y lo ideal que era perseguido por siglos. Incluso en el terreno era un perfil de arte sacro profano, fue diseñado para parecerse a un gran espectáculo, y la literatura de la época elogió más gloria, la majestad y el triunfo de la secular martirio y santidad.


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text: En 1527, este mundo sufrió un devastador golpe, cuando Roma fue invadida y saqueada por las tropas del Sacro Imperio Romano en medio de un baño de sangre, que marca un hito en la cultura renacentista. Los críticos modernos no han llegado a un consenso sobre si después de este evento es posible hablar todavía del Renacimiento en Italia, ya que para muchos parece perfectamente claro que el ambiente cultural cambiado dramáticamente, desapareciendo la auto-confianza, el optimismo y la libertad antes, dando lugar a una arte que todavía tenía el clasicismo como una referencia fuerte, interpretarse de otras maneras. Y no solo eso, fue otro golpe a la declaración de cisma protestante, que minó la unidad de la cristiandad, negó la autoridad del Papa y la Iglesia Católica ha adoptado en las medidas de mediados del siglo XVI extensos para el combate, dirigiendo arte religioso para los demás caminos bajo un pesado manto de censura previa. Estos argumentos parecen prevalecer entre los investigadores recientes, por lo que este estudio de la escultura del Renacimiento italiano no penetra en el manierismo.


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text: Muchas veces se asocia al Renacimiento con un proceso de secularización de la sociedad, pero esto es solo en parte es correcto. Como prueban las iglesias y museos de hoy, una enorme cantidad de arte renacentista trató temas religiosos, y la Iglesia Católica fue, con mucho, la mayor clienta individual entre todos los que estaban. Incluso el debate filosófico laico dedicó gran parte de sus esfuerzos para tratar de comprender mejor la relación entre el hombre y Dios, y en ningún momento surgió ningún cuestionamiento serio sobre la verdad de la religión como un todo o de sus dogmas específicos, o el entusiasmo de eruditos por el clasicismo pagano tenían ningún poder para desalojar al cristianismo de su lugar central en esa sociedad. La estatuaria sacra del Renacimiento, como toda arte sacra de la época, fue creada con el propósito de establecer un medio de comunicación mediada con Dios y los ángeles y santos, y como una especie de monumento que pudiese recordar constantemente al devoto los principios esenciales de la fe a través de una compleja red de convenciones simbólicas representacionales, entonces de dominio público, con respecto a actitudes, gestos, posturas y expresiones fisonómicas de las figuras y el carácter general de la composición y de la narrativa. Hablando sobre el abordaje de la estatuaria sacra, Alberti había prescrito que los artistas que prefirieron modos serios y dignos, sin excederse con imágenes grandilocuentes o raras, puesto que parecerían más hijas del furor que de la virtud, e incapaces, por su excesivo sublime, de ser alcanzadas por la comprensión del público común, fallando en su papel pedagógico, aunque fueran capaces de maravillar la vista. Sin embargo, durante el Alto Renacimiento se observó una nítida inclinación hacia la idealización y el sublime. Los santos, apóstoles y mártires ya no podían ser configurados con las facciones del hombre común, como ellos habían sido en realidad y como habían sido retratados en la mayor parte del siglo XV, aunque estas facciones fueran en buena medida generalistas y no específicas, pero se volvieron imágenes augustas, impasibles, graves y solemnes, completamente sobrehumanas, en posiciones altamente ritualizadas.


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text: Aparte de eso, el arte sacro deber analizarse contra la panorámica mayor, como parte de una elaborada política de salvación, de las almas a través del patronazgo de obras devocionales, ya que la salvación en aquella época exigía una combinación de fe con obras piadosas, obras que podían ser de varias formas -la encomendación de misas por los muertos, el costeamiento de embellecimientos de iglesias y las donaciones a los pobres- considerando la caridad como uno de los cimientos sociales. A través de esos actos el devoto ganaba el derecho a la reducción de sus penalidades después de la muerte, permaneciendo menos tiempo en el purgatorio. Con eso fue natural que se utilizaran grandes sumas de dinero en el financiamiento del arte sacro. Siendo las oraciones por los muertos otro medio de obtener alivio en el purgatorio, se volvió una práctica el erigir grandes monumentos fúnebres tanto para hacer eterna la memoria de los fallecidos y atraer la piedad de todos, como para embellecer los templos. Así, el monumento fúnebre fue uno de los grandes mercados para la escultura renacentista, y al contrario que en la Edad Media, cuando se erigían muchos años después de la muerte del homenajeado, en el Renacimiento aún en vida los individuos se preocupaban en crear sus túmulos. La tumba de la élite italiana, que podía darse el lujo de encomendar un monumento caro como ese, era generalmente un construcción bien elevada encima del suelo, ocupando un nicho en una iglesia, con una ataúd para el cuerpo y una estatua, busto o medallón con la efigie del muerto aparte de una variedad de elementos decorativos accesorios, como falsos cortinados, doseles, escudos y estaría, entre ángeles, personajes alegóricos, imágenes de santos o de Cristo y la Virgen.


title: Escultura del Renacimiento en Italia

text: Dentro del aparato litúrgico otras piezas tenían una función prominente, y recibieron tratamiento escultórico, revelando la estrecha asociación entre escultura y arquitectura a lo largo de todo el Renacimiento. Una de ellas era la pila bautismal, por ser donde el recién nacido ingresaba en la vida cristiana por el bautismo, se le eliminaba la mancha del pecado original. En muchos casos la pila estaba localizada en un edificio independiente de la iglesia, como los grandiosos baptisterios de Florencia y Pisa. Otras piezas eran el púlpito, desde donde el sacerdote predicaba la palabra divina, el balcón del coro, donde permanecían los cantores del culto, los tabernáculos para guardar el Santísimo Sacramento, y los altares, que podían tener retablos escultóricos en relieve o estatuaria de bulto completo. Aunque la principal pieza de devoción fuera un cuadro, que era una regla establecida en un gran conjunto de características arquitectónicas, ornamentación muy escultural. Otras partes de la iglesia también tenían adornos en escultura, como las fachadas, los tímpanos de los portales, los capiteles de las columnas, los santuarios de santos y otros detalles.


title: Escultura del Renacimiento en Italia

text: En el ámbito religioso es interesante volver brevemente a la cuestión de la interactividad con las estatuas sagradas, desde la perspectiva de contacto físico como Ghiberti había expuesto en el tacto, que juega un papel apreciable. Después debidamente consagrar una estatua de un santo se convirtió en un medio de comunicación con él, y sobre todo entre la gente era a menudo criticado para recibir las gracias solicitados en las oraciones. Había rituales específicos en los que el contacto directo con las imágenes era una parte integral del servicio, como en las procesiones en honor de los santos y las ceremonias donde el niño Jesús fue tomado de los altares, pasaron a los brazos de varias mujeres y se besaron, y el fervor número emocional generado que desencadenó prohibiciones clero contra el exceso en la mayoría de los casos ningún efecto práctico. También en ese tiempo las mujeres piadosos solían tener en sus hogares estatuas de Jesús niño vestido y los manipulaban como si fueran bebés.


title: Escultura del Renacimiento en Italia

text: Después de la disolución del mundo romano y la creciente influencia del cristianismo, el tema del cuerpo humano salió de la escena del arte. A diferencia de los paganos clásicos, los cristianos no cultivaban los juegos atléticos y hasta tenían una divinidad que requiere la imagen, como se desprende de los Diez Mandamientos que el hombre está prohibida la creación de ídolos. Además, la moral cristiana animó el celibato y la castidad, y el desnudo se convirtió en un símbolo del pecado de la leyenda de la caída de Adán y Eva. Sobre la base de estas ideas, se debe a la destrucción de la Cristiandad la mayor parte de la inmensa colección estatuaria clásica donde el desnudo tuvieron un papel destacado. Después de que el desnudo solo apareció muy esporádicamente, por lo general en imágenes de Adán y Eva , para señalar su vergüenza, la imagen del hombre se ha convertido muy esquemática, el abandono de cualquier conexión con el naturalismo, y la belleza natural del cuerpo humano fue completamente ignorado. Como ya se ha mencionado, desde el siglo XII comenzó el naturalismo del proceso de recuperación de la escultura a través de la educación humanística en las universidades y, algo más tarde, el recalentamiento del estudio de las reliquias escultóricas de la antigüedad, donde el desnudo es presencia constante; por lo tanto, el desnudo renacentista se ha restaurado a una posición de prestigio como símbolo tanto de una reencarnación del clasicismo, y una nueva posición del hombre como centro del universo y como un ser dotado de belleza, mejorando su forma natural como un espejo de su espíritu divino. Pico della Mirandola en 1496 resume esta nueva concepción en su Discurso sobre la dignidad del hombre, donde la invocación de las Escrituras, exaltó el ser humano:


title: Escultura del Renacimiento en Italia

text: Él solo dio forma verbal una tendencia que ya estaba presente en Italia desde el siglo XIII, ya que se percibe en los relieves de Nicola Pisano, ya se ha mencionado, y después de él un gran número de escultores trabajó el cuerpo humano en esta perspectiva muy optimista y magnificado, que estaba vestido o desnudo, aunque el desnudo apareció como un tema particularmente atractivo por su práctica ausencia en los siglos anteriores. Margaret Wertheim dijo que el arte renacentista casi podría resumirse como un largo himno a la forma humana. Margaret Wertheim dice que el arte renacentista podría casi ser resumido en un largo hilo con forma humana. Se pensaba que la nobleza de un cuerpo refleja la nobleza del alma; movimientos del cuerpo hasta el Renacimiento fueron los movimientos del espíritu viviente que lo anima, y sus formas y proporciones se habían establecido por Dios a la perfección, así como el Artista Supremo había ordenado el cosmos a la perfección, con todas sus partes en armonía. Fue para el artista, ya que, utilizando su experiencia y su base teórica, sus propias observaciones de la naturaleza y el ejemplo de los maestros de la antigüedad, trata de acercarse a la escultura lo más posible de la natural. La obra divina se hizo necesario para artistas renacentistas, investigaciones anatómicas detalladas con el fin de comprender mejor el funcionamiento de las articulaciones, la organización de la masa muscular, la estructura ósea subyacente, los movimientos y posturas, la distribución de pesos. Hasta la época de los artistas del Alto Renacimiento estaban en la vanguardia en este campo, el logro de sus estudios de la información más técnica que los médicos y científicos, aunque los cuerpos de la práctica de disección estaba rodeado de tabúes y permanecen generalmente prohibido, y sus observaciones renacentistas, la inspección superficial de modelos desnudos en vivo, registrándoles en dibujos diminutos.


title: Escultura del Renacimiento en Italia

text: La primera estatua desnuda importante plena creado desde la antigüedad fue el bronce David de Donatello (1430-1432). A pesar de que es un hito en la historia del arte y ha causado sensación cuando se muestra, era una reaparición discreta, ya que el trabajo tiene menor escala que natural, pero su juventud, tan bien representada, según Sorabella, es un verdadero símbolo del renacimiento de este género en el arte de Occidente. Una representación de tamaño natural tendría que esperar todavía un tiempo para llevarse a cabo, que se producen con el famoso Lombardo Adam Tullio, tallada entre 1490 y 1495. Una representación en tamaño natural se neceistariía un largo tiempo para realizarla, como la célebre escultura de Tullio Lombardo , esculpida entre 1490 y 1495.


title: Escultura del Renacimiento en Italia

text: El interés por el desnudo se hizo tan grande que apareció en abundancia a la iconografía del Niño Jesús, como parte de la idea de enseñar el devoto tanto su humanidad y su divinidad. Pero no solo el niño Jesús fue representado desnudo, un importante Cristo Redentor en su edad adulta y completamente desnudo fue creado por Miguel Ángel entre 1519 y 1520. No hay evidencia para creer que Miguel Ángel tenía la intención de sorprender al público, y Leo Steinberg sugiere que, además de desnudez completa sea una referencia al concepto de la desnudez heroica de la antigüedad, debe haber sido visto por el autor como un símbolo de carácter redentor de Cristo, que para redimir a la humanidad del pecado eliminado su necesidad de avergonzarse del cuerpo, para la vergüenza nace solo después del pecado original. Su desnudez, en sentido estricto, se ajusta plenamente a la ortodoxia religiosa, porque la cultura del Renacimiento había hecho hincapié en la doctrina de la encarnación del Logos y la humanidad de Cristo y desarrollado una iconografía de demostrarlo. Años después sus genitales expuestos fue cubierto con un manto de bronce, ya que serán considerados ofensiva. El interés en natural, personificado en la búsqueda de la imitación de la aparición de la vida, y la admiración por los logros técnicos y estéticos del arte antiguo, son claros en palabras del humanista Poggio Bracciolini:


title: Escultura del Renacimiento en Italia

text: Este deseo de poder imitar la realidad, dando a la escultura una apariencia de vida, la esencia del concepto de mímesis, el artista y el mecenas del siglo XV estaba íntimamente ligada a la labor de la funcionalidad del arte, lo que le permite cumplir con sus objetivos en diálogo con el público, ya sea estimulando el afecto devocional una estatua sagrada, la capacidad de manera convincente recrear un acontecimiento histórico para despertar el espíritu cívico de los ciudadanos, o bien expresar la belleza pura de un cuerpo humano, una obra maestra de la creación divina, transportando al espectador a la contemplación de la bondad y la maravilla de su propia naturaleza de Dios.


title: Escultura del Renacimiento en Italia

text: El panteón grecorromano fue condenado desde los primeros días del Cristianismo. Se llamó a los antiguos dioses de demonios, y su religión de un engaño del Diablo para perder a la humanidad, pero los modelos formales de la estatuaria clásica, incluida la de culto, continuaron siendo usados por los artistas paleocristianos, y el prestigio de la estatuaria pagana continuó elevado a lo largo de varios siglos. Prudencio, al final del siglo IV, todavía recomendaba que se preservaran las estatuas de los ídolos paganos como ""ejemplos de la habilidad de grandes artistas, y como adorno espléndido de nuestras ciudades"", y Cassiodoro relató cómo todavía se hacían esfuerzos en el siglo VI d.C. para conservar esculturas antiguas como testimonio de la grandeza imperial para la posteridad. Sin embargo, luego la política del papado y del imperio cambió, estimulando una asombrosa ola iconoclasta en todo el imperio que decretó la desaparición de la vasta mayoría del fabuloso acervo de obras de arte acumulado a lo largo de los siglos anteriores. Con la consolidación del cristianismo en toda Europa en los siglos siguientes, el "peligro" pagano fue superado, y sus mitos pasaron a ser vistos más como leyendas curiosas, solo parte de la historia cultural de la humanidad. Entre los siglos X y XI, sin embargo, los mitos comenzaron a ser reinterpretados como alegorías morales, como ya lo habían sido entre los griegos y romanos, lo que en el siglo XII se convirtió en una práctica generalizada, y se llegó al punto de rever la condenación de los antiguos Padres de la Iglesia para encontrar en la mitología una prefiguración de las verdades cristianas, como había sugerido San Agustín. Sin embargo, permanecía en la cultura un folclore negativo acerca de los ídolos paganos, considerándolos imágenes plasmadas bajo la inspiración del Diablo o obra de brujería. En el tiempo de Dante y Petrarca los círculos ilustrados comenzaron a vencer esa aversión, y llegando al siglo XV el interés por las representaciones de los dioses de la Antigüedad había crecido enormemente. Este giro en parte se debe al nuevo interés por el desnudo artístico, y también al esfuerzo de los humanistas en "salvar" la filosofía pagana a través de su interpretación bajo la óptica moralizante cristiana y racional, y de ese modo la mitología pudo ser "salva" en beneficio de la poesía de la obra de arte. Los humanistas, como Cristoforo Landino y Marsilio Ficino, en sus reelaboraciones del Platonismo a través de sus lecturas de Porfirio, Jámblico y Proclo, llegaron a la exquisita y altamente ética visión platónica de las divinidades, y los mitos antiguos se convirtieron en vehículos de pensamiento filosófico renacentista.


title: Escultura del Renacimiento en Italia

text: Más que eso, se descubrió en esos símbolos de elevada sabiduría bajo el disfraz de aquellas historias tantas veces inmorales y violentas, las mismas verdades predicadas por el cristianismo, y de eso se concibió la idea de que todas las religiones son en esencia igualmente dignas, y que la forma de los mitos fue creada para proteger la Verdad de la profanación vulgar. Aunque estas conclusiones no llegaban a las capas del pueblo, entre los letrados florentinos la disolución de las fronteras entre Cristianismo y Paganismo vino a la herejía, aceptando los dogmas de la Iglesia solo en su sentido alegórico y no literal. Pero eso no pasó desapercibido por la Iglesia, que tuvo medios para regular los abusos. Ficino, que decía públicamente que Platón debía ser leído en las iglesias, en 1489 fue acusado de magia ante Inocencio VIII, y tuvo que hacer una completa defensa con la ayuda de un arzobispo para evitar su condenación. Problemas similares enfrentó a Pico della Mirandola con sus "900 tesis", de las cuales algunas fueron consideradas heréticas.


title: Escultura del Renacimiento en Italia

text: Otra parte del rescate de la mitología se debe al interés renacentista por la Astrología, donde los dioses desempeñan un papel fundamental caracterizando tipos psicológicos y los mitos funcionan como modelos de comportamientos y de procesos vitales. Ficino, por ejemplo, imaginó su vida y el trabajo bajo un tránsito de Saturno por Acuario. A través de la Astrología los dioses antiguos prestaron un gran servicio a la cultura del Renacimiento describiendo varios elementos del mundo real hasta entonces sin ninguna explicación disponible. Tanto el pueblo como los nobles e incluso miembros del clero hacían consultas amparadas a astrólogos profesionales, y se tomaban decisiones en función de lo que los astros, cuyos nombres eran nombres de dioses paganos, preveían. Además, como los diversos mitos expresan una amplia gama de situaciones muy cercanas al mundo de los humanos, a diferencia de la religión cristiana y sus ideales de pureza, altruismo, penitencia, renuncia al mundo, caridad y donación de la propia vida en beneficio del prójimo, tantas veces y la utópica e inalcanzable para la experiencia del pueblo común e incluso de la élite, la representación mitológica se ha convertido en un vehículo perfecto para dar voz a lo que aún no tenía una - la infinita paleta de matices de sentimientos específicamente humanos y comunes a todos, que interesaban todos, siendo una fuente inagotable de inspiración y ofreciendo un vasto repertorio de tipos descriptivos de la diversidad humana.


title: Balada Boa

text: «Balada» (el título completo de "Balada (Tche Tche Tchê Tcherere)", también conocido como "Balada Boa") es un sencillo del artista brasileño Gusttavo Lima de su álbum Gusttavo Lima e Você (2011). Escrito por Gusttavo Lima y Sampaio Cássio, fue lanzado el 21 de enero de 2011, en Brasil, a través del sello Som Livre. La canción se convirtió en un éxito en Brasil: alcanzó la 3 ª posición en el Billboard Hot 100 de Brasil.


title: Balada Boa

text: La fama internacional le llegó cuando la popular canción fue lanzado mundialmente el 13 de abril de 2012, a través de la música discográfica Universal. La canción se convirtió en un éxito en la mayor parte de Europa, al igual que la canción Michel Teló el "Ai Se Eu te Pego", convirtiéndose en un gran éxito en los Países Bajos (13 semanas en el número uno en el Top 40 holandés, un nuevo récord), y convertirse en un número uno golpeado en Flandes, Francia, Italia, Luxemburgo, Polonia y Suiza. Eu já lavei o meu carro, regulei o som Já tá tudo preparado, vem que o brega é bom Menina fica a vontade, entre e faça a festa Me liga mais tarde, vou adorar, vamos nessa


title: Balada Boa

text: Gata, me liga, mais tarde tem balada Quero curtir com você na madrugada Dançar, pular até o sol raiar


title: Balada Boa

text: Gata, me liga, mais tarde tem balada Quero curtir com você na madrugada Dançar, pular que hoje vai rolar


title: Balada Boa

text: O tchê tcherere tchê tchê Tcherere tchê tchê Tcherere tchê tchê Tchereretchê Tchê, tchê, tchê Gusttavo Lima e você Tchê tcherere tchê tchê Tcherere tchê tchê Tcherere tchê tchê Tchereretchê Tchê, tchê, tchê


title: Balada Boa

text: Se você me olhar vou querer te pegar E depois namorar, curtição Que hoje vai rolar


title: Balada Boa

text: Gusttavo Lima e você Gata, me liga, mais tarde tem balada Quero curtir com você na madrugada Dançar, pular até o sol raiar Gata, me liga, mais tarde tem balada Tem Gusttavo Lima até de madrugada Dançar, pular que hoje vai rolar


title: Balada Boa

text: Gata, me liga, mais tarde tem balada Quero curtir com você na madrugada Dançar, pular até o sol raiar Gata, me liga, mais tarde tem balada


title: Balada Boa

text: Quero curtir com você na madrugada Dançar, pular que hoje vai rolar Tchê tcherere tchê tchê Tcherere tchê tchê Tcherere tchê tchê Tcherere tchê Tchê, tchê, tchê Gusttavo Lima e você


title: Balada Boa

text: Tchê tcherere tchê tchê Tcherere tchê tchê Tcherere tchê tchê Tchereretchê Tchê, tchê, tchê Gusttavo Lima e você


title: Balada Boa

text: En español


title: Balada Boa

text: Ya lavé mi auto, le subí el volumen a la música Ya preparé todo, ven que la canción está buena Nena, tu casa es mi casa, entra y activa la fiesta Llámame luego, será increíble


title: Balada Boa

text: Gata, llámame, luego habrá una fiesta Quiero pasarla bien contigo hasta la madrugada Bailar y brincar hasta que el sol salga


title: Balada Boa

text: Gata, llámame, luego habrá una fiesta Quiero pasarla bien contigo hasta la madrugada Bailar y brincar, porque hoy algo bueno está por ocurrir


title: Balada Boa

text: Tchê tcherere tchê tchê, Tcherere tchê tchê, Tche rere tchê tchê, Tchereretchê Tchê, tchê, tchê, Gustavo Lima y tú [x2]


title: Balada Boa

text: Si me ves, yo querré acercarte a mi Y luego enamorarte, parrandear Porque hoy algo bueno está por ocurrir...


title: Balada Boa

text: Tchê tcherere tchê tchê, Tcherere tchê tchê, Tcherere tchê tchê, Tchereretchê Tchê, tchê, tchê, Gustavo Lima y tú [x2]


title: Balada Boa

text: Si me ves, yo querré acercarte a mi Y luego enamorarte, festejar Porque hoy algo bueno está por ocurrir...


title: Balada Boa

text: Tras el enorme éxito de "Balada" en el inicio de abril de 2012, y alcanzar # 1 en las listas SNEP en junio de 2012, y solo después de que el único comenzó a descender desde su posición superior en Francia Francia, un nuevo bilingüe Portugués / Español versión fue lanzada en Francia y Estados Unidos, con la nueva versión atribuye a "Gusttavo Lima con Dyland & Lenny", siendo el puertorriqueño de reggaeton artistas Carlos Castillo Cruz (conocido como Dyland) y Julio Manuel González Tavárez (conocido como Lenny).


title: Balada Boa

text: Los gráficos SNEP comenzó acreditar esta versión bilingüe "Gusttavo Lima con Dyland & Lenny" en la tabla fechado semana que finalizó el 30 de julio de 2012, justo después de acreditar Gusttavo Lima en todos los gráficos anteriores.


title: Balada Boa

text: El dúo también ha lanzado anteriormente una versión llamada "Balada Boa" acreditación "Dyland & Lenny con Gusttavo Lima".


title: Balada Boa

text: Descarga Digital


title: The Beatles with Tony Sheridan & Guests

text: The Beatles with Tony Sheridan & Guests era un americano álbum con "Cry for a Shadow", una canción grabada por The Beatles en Hamburgo en 1961, con cinco temas grabados en Hamburgo en 1961, en la que The Beatles siempre pone la mosica de fondo para el vocalista Tony Sheridan , algunos de los cuales habían sido publicados en Alemania bajo el nombre de "Tony Sheridan and The Beat Brothers", porque la palabra "Beatles" sonaba demasiado parecido a "peedles", una palabra grosera en alemán. El álbum se completó con seis grabaciones publicadas anteriormente por el grupo de la sesión estadounidense The Titans. Empaquetado en un intento por capitalizar el éxito de los Beatles, el disco fue un éxito moderado, ya que el álbum alcanzó el puesto # 68 sólo en el Billboard album chart. Fue lanzado por MGM Records , tanto en mono (número de catálogo E-4215) y recanalizada estéreo (SE-4215.) MGM aumentó las seis pistas de Sheridan/Beatles con seis pistas instrumentales de la Davis Danny y The Titans, un grupo de músicos de sesión de Nueva York en torno guitarrista Bill Mure . The Titans también incluyó Don Lomond en la batería, Dick Hickson en trombón bajo, y Milt "The Judge" Hinton en el bajo. Las seis pistas de The Titans habían sido publicadas anteriormente en el álbum "Let's Do the Twist for Adults" publicado por MGM en 1961, . (En la versión original, las canciones "Flying Beat", "Rye Beat", "Summertime Beat" y "Happy New Beat" se titula originalmente, "Flying Twist", "Rye Twist", "Summertime Twist" y "Happy New Year Twist".)


title: The Beatles with Tony Sheridan & Guests

text: Todas las actuaciones son de The Beatles y Tony Sheridan, excepto donde indique lo contrario:  Todas las actuaciones son de The Titans a menos que se indique lo contrario:


title: Luis Aníbal Torrico

text: Luis Anibal Torrico Valverde (Santa Cruz de la Sierra, 14 de septiembre de 1986) es un futbolista boliviano. Juega como defensa y su actual equipo es Nacional Potosí de la Primera División de Bolivia.


title: Autacoide

text: Los autacoides se los denomina comúnmente mediadores celulares ya que este grupo está conformado por moléculas que influyen, a través de sus correspondientes receptores, en una zona cercana y restringida en la cual fueron sintetizadas y liberadas. Su naturaleza química es diversa y aun se continúa intentando descifrarla. Se estima que su función es comunicar información o regular funciones localmente originando respuestas complejas en los órganos en los que actúa, dentro de estas funciones se puede resaltar su importancia en mecanismos de inflamación, reacciones alérgicas, regulación neuroendocrina y secreción de ácido gástrico. Su liberación puede ser sostenida o darse de forma explosiva aumentando el número de mediadores. El término se debe a sir Edward Schäfer (1916) y viene del griego "autos", "mismo", y "akos", "agente medicinal", que significa "automedicamento" o "Autocurativo".


title: Autacoide

text: La diferencia entre autacoide y neurotransmisor radica en que estos últimos son una biomolécula que se une a receptores específicos situados en la membrana neuronal y transmite información de una neurona presináptica a otra neurona postsináptica consecutiva, cambiando su potencial de acción. Se sintetizan directamente en las terminaciones nerviosas por acción de enzimas sintetizadas en el soma, transportadas a estas terminaciones y se almacenan esperando el estímulo para ser liberadas. En cambio, los autacoides son biomoléculas señaladas como hormonas locales debido a que no existen depósitos de ellos en las células, sino que se sintetizan y liberan localmente según la demanda, en el mismo tejido en el cual llevaran a cabo su función y se metabolizan con rapidez por lo que son detectables solo por periodos cortos de tiempo.


title: Autacoide

text: Aunque los farmacólogos discuten diversas hipótesis acerca de la función de los autacoides, se acepta generalmente que cada uno de ellos tiene importancia para el buen funcionamiento del organismo manteniendo la homeostasia.


title: Autacoide

text: Todos los autacoides son agentes que ejecutan diversas funciones tanto en la salud como en la enfermedad y no hay duda al respecto de que forman parte integrante de los fenómenos fisiológicos y patológicos que sirven de base racional a la farmacoterapia y su existencia ofrece numerosas posibilidades de intervención terapéutica mediante el uso de drogas que imitan o antagonizan su acción o que interfieren en una u otra manera en su metabolismo.


title: Autacoide

text: Ahora se ha descubierto que algunos autacoides también se encuentran en tejido nervioso. Estos son:


title: Autacoide

text: 1. histamina


title: Autacoide

text: 2. serotonina (H hidroxitriptamina)


title: Autacoide

text: 3. La prostaglandina


title: Autacoide

text: 4. Palmitoiletanolamida. (P.E.A.) Normast


title: Autacoide

text: En los tejidos nerviosos estos autacoides funcionan como neurotransmisores.


title: Autacoide

text: Así que, en general, ¿cual es la función de los autoacoides?


title: Autacoide

text: Toman parte en:


title: Autacoide

text: 1. Inflamación


title: Autacoide

text: 2. Las reacciones alérgicas


title: Autacoide

text: 3. Las reacciones anafilácticas (no tanto)


title: Autacoide

text: 4. neurotransmisión


title: Autacoide

text: 5. La secreción de ácido gástrico


title: Autacoide

text: 6. regulación neuroendocrina


title: Autacoide

text: En sistema nervioso central, son responsables


title: Autacoide

text: 1.La percepción del dolor


title: Autacoide

text: 2. disminución del apetito


title: Autacoide

text: 3. Control de Temperatura


title: Autacoide

text: 5. La secreción de ADH


title: Autacoide

text: 6. Control de la presión arterialFranklin A. Ahrens (1 October 1996). Wiley-Blackwell, ed. Pharmacology. pp. 45–. ISBN 9780683000856. Consultado o 25 November 2010.


title: Autacoide

text: Keith Parker; Laurence Brunton; Goodman, Louis Sanford; Lazo, John S.; Gilman, Alfred (2006). Goodman & Gilman's The Pharmacological Basis of Therapeutics, 11, New York: McGraw-Hill. ISBN 0-07-142280-3 [1]


title: Eurypegasus

text: Eurypegasus es un género de peces gasterosteiformes de la familia Pegasidae.


title: Eurypegasus

text: Se reconocen las siguientes especies:


title: Rosa Inés

text: Madre Rosa Inés (León, 1914 - Diriamba, 1998) su nombre de nacimiento fue Piedad Medrano Matus fue una religiosa pionera en la poesía mística nicaragüense, perteneció a la congregación de las Religiosas de la Asunción.


title: Rosa Inés

text: Piedad Medrano Matus nació en León, en el año de 1914. Hija del poeta Antonio Medrano y doña Inés Matus de Medrano. Estudio en el Colegio de la Asunción, después de bachillerarse ingresó a la congregación de las asuncionistas, como religiosa tomó el nombre de Rosa Inés. Escritora de poesía mística. Según Francisco Arellano Oviedo los poemas de esta religiosa están inspirados en “los misterios de la fe católica tiene como fuente de inspiración las Sagradas Escrituras y como vivencia su vida religiosa”.


title: Love Is a Battlefield

text: «Love Is a Battlefield» (en inglés: «El amor es un campo de batalla») es una canción escrita por Holly Knight y Mike Chapman, e interpretada por Pat Benatar. Fue lanzada como sencillo del primer álbum en vivo de Benatar, "Live from Earth".


title: Love Is a Battlefield

text: El sencillo fue disco de oro en Estados Unidos, y es uno de los sencillos discográficos más reconocidos en el país. Estuvo en los primeros lugares del conteo Mainstream Rock Tracks de la revista "Billboard" durante cuatro semanas; en diciembre de 1983 alcanzó el puesto número 5 del Hot 100 de la misma publicación.


title: Love Is a Battlefield

text: En 1984 lideró también el chart de sencillos australiano. La canción fue relanzada en el Reino Unido en marzo de 1985, donde llegó al puesto número 17. En Canadá también fue premiada con el disco de oro.


title: Love Is a Battlefield

text: A pesar de que la canción no se parece en absoluto al trabajo previo de la cantante —introduce elementos propios de la música electrónica, aunque con presencia de guitarras y percusión—, su interpretación hizo que Pat Benatar ganara en 1984 su cuarto Grammy consecutivo a la .


title: Love Is a Battlefield

text: El tema fue interpretado en las series de televisión estadounidenses "Psych" (2006-2014) y "Drop Dead Diva" (2009-2014), y en la comedia "Si tuviera treinta" (2004); también se la escucha al término de la película de ficción "Pequeños guerreros" (1998). En 2014 se utilizó en una versión lenta en la película "Mujeres al ataque" y la serie Glee.


title: Love Is a Battlefield

text: En el videoclip, Benatar representa a una adolescente a quien, al comienzo, se la ve yéndose de su casa, mientras su padre la amenaza con que si se va, puede olvidarse de regresar; su madre observa sin poder intervenir, mientras que su hermano menor mira con tristeza desde una ventana del piso superior. La joven se convierte luego en "taxi dancer", en un club cutre, para subsistir en la ciudad; le escribe a su hermano, contándole de su nueva vida, y su padre parece sentirse culpable por haber sido tan rudo con ella. Más adelante en el video, la joven es testigo del maltrato del proxeneta del club hacia otra bailarina; Benatar sale en su defensa, reúne al resto de las chicas y protagoniza una rebelión en contra del sujeto, momento que da pie a una coreografía de grupo. Luego la cantante y todas las mujeres abandonan el local y, ya de día, Benatar se despide de todas. La escena final muestra a Benatar sentada al fondo de un autobús con destino desconocido.


title: Love Is a Battlefield

text: El video, el primero en el que se implementa el uso del diálogo, estuvo nominado a los MTV Video Music Awards en la categoría Mejor Video Femenino.


title: Luchik y Snezhinka

text: Luchik y Snezhinka ("Лучик и Снежинка") son las mascotas oficiales de los Juegos Paralímpicos de Sochi 2014 que se celebrarán en Sochi en marzo de 2014.


title: Luchik y Snezhinka

text: Luchik (11 de enero de 1998) voló a la Tierra desde un planeta donde siempre estaba caliente. Su viaje estuvo lleno de desafíos. Después de aterrizar se enfrentó a un nuevo y desconocido planeta donde era todo era diferente en comparación a su casa. Todo en la Tierra era nuevo para él: inviernos fríos, la nieve y los vientos, y por supuesto las personas desconocidas que le rodean. Luchik parecía muy diferente de las personas en la Tierra también. Tenía la piel de color ámbar, las chispas en sus ojos grandes y pelo que parecía llamas. Sin embargo, estas diferencias solo fueron externas. Luchik era agradable y amable con todos, y estaba siempre dispuesto a ayudar y apoyar a las personas que lo rodeaban. Muy pronto, la gente entiende que la diferencia entre Luchik y la gente en la Tierra se basa exclusivamente en las apariencias, y que se trataba de las percepciones iniciales de las personas que les había hecho creer que había grandes diferencias. Cuanto más se relacionaban, más descubrían sus similitudes.


title: Luchik y Snezhinka

text: La gente le enseñó esquí alpino, esquí de fondo y biatlón. Y entonces todo el mundo entiende que Luchik tenía habilidades únicas. Pronto Luchik convirtió en un verdadero favorito por todo el lugar.


title: Luchik y Snezhinka

text: Aunque tenía buenos amigos a su alrededor todavía se sentía un poco solo. No había otro estelar como él entre la gente. Por eso miraba hacia el cielo con tanta frecuencia y suspiraba...


title: Luchik y Snezhinka

text: Un día vio una estrella fugaz dejando un hermoso rastro en el cielo nocturno. Era otro espacio extraño Snezhinka (18 de mayo de 1999).


title: Luchik y Snezhinka

text: Ella voló a la Tierra desde un planeta helado. Ella tenía la piel blanca como la nieve, como la primera nieve, y parecía un cristal de nieve. En cierto modo se parecía muy diferente, pero en otros, Snezhinka y Luchik tenía mucho en común.


title: Luchik y Snezhinka

text: Luchik le presentó a sus amigos de la tierra y le dijo acerca de los deportes. Snezhinka también comenzó a practicar el esquí alpino. Juntos inventaron nuevos tipos de deportes - silla de ruedas que se encrespan y hockey. La gente admiraba sus logros increíbles y me encantó este tipo de deportes. Disfrutaron imitando la técnica de Luchik y Snezhinka y todo el mundo quería ser como este par de estrellas.


title: Luchik y Snezhinka

text: Luchik y Snezhinka superó muchas dificultades en su camino a la Tierra a través del espacio cósmico. No fue fácil para ellos adaptarse a un planeta desconocido. Sin embargo, su participación en el deporte ayudó a comprender que, al final, no son diferentes, están unidos a través de sus grandes habilidades deportivas y son buenos y fieles amigos.


title: Luchik y Snezhinka

text: Luchik y Snezhinka se convirtió en la verdadera personificación de la armonía en contraste. Juntos demuestran que todo es posible.


title: La sombra de Piera

text: La sombra de Piera es una telenovela venezolana escrita por Ligia Lezama, dirigida por la productora Progresa S.A. y transmitida por Venevisión en el año 1989. Fue protagonizada por Elluz Peraza (quien realizó doble papel) y Eduardo Serrano, con las actuaciones de Manuel Escolano, Martín Lantigua, Chony Fuentes y Zoe Ducos.


title: La sombra de Piera

text: Piera Cariani (Elluz) está casada con Jonathan ("Manuel Escolano"), pero su matrimonio se ve afectado debido al interés de su esposo en su herencia. Al comienzo de la trama, Jonathan en un ataque de celos asesina a Piera y no sabe qué hacer cuando Giacomo Cariani ("Martín Lantigua") nota la ausencia de Piera, alegando que ha viajado al exterior. Para evitar sospechas, Jonathan y su abuela Francesca ("Zoe Ducos") resuelven obligar a Yamalí (hermana gemela de Piera) a suplantarla, aprovechando que la familia desconocía de su existencia, pues esta vivía en el Amazonas.


title: La sombra de Piera

text: Por su parte, Yamalí se ve en una difícil encrucijada ya que debe dejar a su amor Sebastián (Eduardo Serrano) para irse a Caracas a suplantar a Piera, sin saber que resultaría fuertemente acosada por Jonathan y Francesca, y al final termina descubriendo el complot armado para apoderarse de la fortuna de Don Giacomo, quien se encuentra enfermo y en silla de ruedas.


title: La sombra de Piera

text: Sebastián, quien se había enamorado profundamente de Yamalí termina dándola por muerta al perderla de vista y decide rehacer su vida trasladándose a la capital, sin saber que el destino nuevamente la pondría en su camino, pero esta vez convertida en Piera. El triángulo amoroso resulta evidente entre la nueva Piera, Jonathan y Sebastian, tornando la vida de Yamalí en una tortura y concluyendo la historia en un desenlace inesperado: Piera despierta contrariada, dándose cuenta de que aparentemente todo era un «sueño».


title: Metamorphosis (álbum de The Rolling Stones)

text: Metamorphosis es el undécimo álbum recopilatorio de la banda británica The Rolling Stones, el tercero lanzado por el exmánager Allen Klein de ABKCO Records (quien tomó el control del material que la banda había registrado para Decca/London en 1970) después de que la banda rompiera con Decca y Klein. "Metamorphosis" fue lanzado en 1975 y se centra en tomas descartadas y versiones alternativas de algunas canciones un tanto conocidas grabadas entre 1964 a 1970. La portada del álbum hace alusión al libro de Franz Kafka, "La metamorfosis".


text: Luego del lanzamiento de "Hot Rocks 1964-1971" (1971), un álbum titulado "Necrophilia" fue compilado para ser lanzado y convertirse en el sucesor de "Hot Rocks" con la ayuda de Andrew Loog Oldham, quien aporto mucho material inédito (o, más exactamente, descartado) durante el período que la banda pertenecía a la discográfica Decca/London. Finalmente el proyecto no llegó a materializarse y se optó por lanzar "More Hot Rocks (Big Hits & Fazed Cookies)" dejando de lado las posibilidades de un lanzamiento con material inédito. En 1974, con el fin de dar un aire de autoridad, Bill Wyman se dedicó a trabajar en la recopilación de un álbum que tituló "Black Box". Al mismo tiempo, Allen Klein buscaba más canciones compuestas por Mick Jagger/Keith Richards por razones monetarias y también las versiones que Wyman mantenía inéditas. Finalmente "Metamorphosis" fue lanzado en lugar de "Black Box".


text: La mayoría de las pistas que aparecen en el lado uno del disco de vinilo (todas las pistas hasta "Try a Little Harder", exceptuando "Don't Lie to Me") son canciones demos, escritas por Jagger y Richards. La mayoría de canciones fueron grabadas con músicos de sesión como Big Jim Sullivan en guitarra, Clem Cattini en batería, y Jimmy Page en guitarra, por lo cual los Rolling Stones tenían pensado no publicar estas grabaciones. De hecho, en la mayoría de estos temas el único miembro de los Rolling Stones que aparece en todos los temas es Jagger. Mientras que "Out of Time" y "Heart of Stone" eran canciones conocidas, aparecen interpretaciones diferentes, con músicos de sesión proporcionando el soporte. El lado dos incluye grabaciones inéditas de la banda creadas hasta las sesiones de "Sticky Fingers" en 1970.


text: Lanzado en junio de 1975, "Metamorphosis" salió el mismo día que la compilación autorizada por la banda "Made in the Shade" y también saco provecho del Tour de las Américas que los Stones emprendieron durante el verano de 1975. La reacción de la crítica fue tibia (muchos sintieron que algunas de las canciones era mejor dejarlas inéditas), sin embargo "Metamorphosis" se las arregló para llegar al puesto n.º 8 en las listas norteamericanas, mientras que en el Reino Unido apenas alcanzaría el puesto 45. Los sencillos, "Out of Time" (cuenta con Jagger cantando sobre la misma pista que utilizó Chris Farlowe para su versión de 1966) y la versión de "I Don't Know Why" de Stevie Wonder estuvieron brevemente en las listas de singles.


text: Tras su lanzamiento inicial, "Metamorphosis" fue lanzado con 16 canciones para el Reino Unido, mientras que la edición americana tenía sólo 14 pistas omitiendo "Some Things Just Stick in Your Mind" y "We're Wastin' Time". En agosto de 2002, la versión completa del Reino Unido fue reeditada y nuevamente remasterizada en Compact Disc y SACD digipak por ABKCO Records.


text: Todas las canciones compustas por Jagger/Richards, excepto donde se indique. "Out of Time" – 3:22


text: "Don't Lie to Me" – 2:00


text: "Some Things Just Stick in Your Mind" – 2:25


text: "Each and Everyday of the Year" – 2:48


text: "Heart of Stone" – 3:47


text: "I'd Much Rather Be With the Boys" – 2:11


text: "(Walkin' Thru The) Sleepy City" – 2:51


text: "We're Wastin' Time" – 2:42


text: "Try a Little Harder" – 2:17


text: "I Don't Know Why" – 3:01


text: "If You Let Me" – 3:17


text: "Jiving Sister Fanny" – 2:45


text: "Downtown Suzie" – 3:52


text: "Family" – 4:05


text: "Memo from Turner" – 2:45


text: "I'm Going Down" – 2:52


title: Candleland

text: Candleland es el álbum debut en solitario del cantante Ian McCulloch, publicado a través de Sire Records el 17 de septiembre de 1989. El disco marcó la marcha de McCulloch de la banda Echo & the Bunnymen en 1989. La canción "Candleland" cuenta con la colaboración de la cantante de Cocteau Twins, Elizabeth Fraser. Alcanzó el puesto número 18 en la lista británica de álbumes y el 179 en el "Billboard" 200.


title: Bathyonus

text: Bathyonus es un género de peces ofidiformes de la familia Ophidiidae.


title: Bathyonus

text: Se reconocen las siguientes especies:


title: Calidina

text: La calidina (o "lisilbradicinina") es un decapéptido (compuesto de 10 aminoácidos). Sus efectos son análogos a los de las otras cininas (quininas). Al igual que otras cininas, se genera tras una lesión tisular, reacciones alérgicas, infecciones por virus y otros trastornos inflamatorios.


title: Calidina

text: Este péptido es un autacoide que actúa localmente y produce dolor, vasodilatación, mayor permeabilidad vascular y síntesis de prostaglandinas. Pertenece a un subgrupo de mediadores que contribuyen a la respuesta inflamatoria.


title: Calidina

text: En 1960 se advirtió que la calidina es la bradicinina (9 aminoácidos) con un residuo extra del aminoácido lisina. Las dos sustancias son polipéptidos con estructuras químicas y propiedades farmacológicas similares y abundantes en la naturaleza. Se le ha dado al grupo el término genérico cininas.


title: Throw (banda)

text: La banda fue creada por el cantautor Al Dimalanta ( líder y cofundador de otras bandas musicales de su país en la década de los años 80, principalmente de género punk Dead) en el 2000 se unió a Dennis Maniego en el bajo, Ojie Arcega en la batería y Bimboi San Pedro en la guitarra. Esto generalmente fue considera el inicio oficial de la banda, a pesar de los intentos anteriores para formar otra banda bajo el mismo nombre. Throw o Lanza, pasó a grabar su primer álbum discgráfico que fue producido de manera independiente un año después en 2001, de una versión denominado hardcore, que fue auto-titulado como "TIRE", que marcó el regreso de Dimalanta a la escena de la música punk.


title: Throw (banda)

text: En algún momento de 2006, Ojie Arcega y Bimboi San Pedro, tuvieron que salir de Filipinas para trabajar en Singapur. Esto dejó que Al y Dennis, que la banda se quedara sin baterista y guitarrista. El fallecido Luis Guiang de Put3Ska, quien había ganado fama por su dedicación y talento en los tambores, cuando formaba parte de Throw. Pues la banda tuvo que buscar otros integrantes para reemplazarlos de forma permanente.


title: Throw (banda)

text: En 2007, Al Dimalanta pasó a ser el líder, vocalista y guitarrista de la banda, Dennis en el bajo, Albert Ascona en la segunda guitarra y Spyk Maniego en la batería. La banda salió con su segundo álbum titulado "Unwavering" o "Inquebrantable" que fue lanzado en 2008.


title: Throw (banda)

text: Después salió su tercer álbum de una producción independiente titulada "Believe". El álbum llegó a ser nominado como uno de los mejores discos del 2010, según la revista "Uno" y "Philippine Star" o "Estrella filipina". De ese mismo modo, la misma revista también las nominó a todos sus temas musicales, siendo las mejores comoposiciones en la década (2000-2010).


title: Snatam Kaur

text: Snatam Kaur Khalsa (panyabí: ਸਨਾਤਮ ਕੌਰ ਖ਼ਾਲਸਾ, nacida en 1972 en Trinidad, Colorado) es una cantante y compositora norteamericana. Kaur interpreta música devocional india, kirtan, y recorre el mundo como activista de la paz. El apellido de "Kaur", que significa "princesa", es compartido por todas las mujeres sijs.


title: Snatam Kaur

text: Su familia se mudó a California cuando Snatam tenía dos años y residió en Long Beach y Sacramento. A los seis años visitó la India con su familia, y su madre aprovechó para estudiar kirtan.


title: Snatam Kaur

text: Snatam vivió en un rancho cerca de Bolinas, California, hasta el 8º grado y en 1986 se mudó a Mill Valley. Durante su infancia practicó kirtan con su madre en los templos y en las ceremonias religiosas sij. Asistió a la escuela "Tamalpais High School", en Mill Valley, donde ejecutó el violín en la orquesta y empezó a componer canciones. Bob Weir, miembro del grupo Grateful Dead, preparó a Kaur y sus compañeros de clase para la interpretación de la canción de Kaur "Saving the Earth," en el Concierto del Día de la Tierra en San Francisco el 22 de abril de 1990.


title: Snatam Kaur

text: En la escuela secundaria Snatam participó activamente en causas sociales y medioambientales, y en el último año presidió el club de acción social ""Estudiantes por la Justicia"". Este club inició programas de reciclaje y de sensibilización medioambiental, además de promover el cambio de nombre de la mascota y de los equipos deportivos, que pasaron a llamarse en los años 1989 y 1990 los "Red Tailed Hawk", tras el discurso que pronunció Sacheen Littlefeather en la escuela.


title: Snatam Kaur

text: Tras su paso por la escuela de Tam, Snatam se matriculó en el "Mills College de Oakland", California, donde terminó licenciándose en bioquímica. Después regresó a la India para estudiar Kirtan bajo la Tutela del maestro de su madre, Bhai Hari Singh. En 1997, Kaur comenzó su carrera como tecnóloga de alimentos con "cereales de Paz" en Eugene, Oregon.


title: Snatam Kaur

text: En 2000, Kaur firma con el sello Spirit Voyage Records, cuyo fundador, Guru Ganesha Singh, se convirtió en su mánager y guitarrista. Colabora también el productor de música New Age, Thomas Barquee.


title: Snatam Kaur

text: Snatam Kaur pasa gran parte del año de gira, cantando y enseñando yoga. Su celebrado "Peace World Tour" incluye actuaciones en escuelas, hospicios, centros de detención de menores, entre otros.


title: Snatam Kaur

text: Kaur es "Embajadora de la Paz" para la "3HO Foundation", ONG (organización no gubernamental) afiliada a las Naciones Unidas desde 1996.


title: Snatam Kaur

text: Kaur lleva a cabo las giras con su antiguo socio musical, Guru Ganesha Singh, que es guitarrista y vocalista; con su esposo, el artista gráfico Sopurkh Singh, y su hija, Jap Preet Kaur.


title: Snatam Kaur

text: Snatam ofrece formación de yoga por medio de los talleres de "Creating Inner Peace through Kundalini Yoga and Meditation". En estas clases proporcionan instrucción en la tecnología de Kundalini, como lo enseñó el controvertido maestro Yogi Bhajan, quien recibió luego de su fallecimiento numerosas denuncias por abusos sexuales, incluidos a menores, denuncias que conmocionaron a sus seguidores. No se conocen al momento declaraciones de Snatam Kaur al respecto. El canto es parte esencial de la práctica de Kundalini Yoga.


title: Snatam Kaur

text: Snatam vive en Santa Cruz (California) (USA) con su marido Sopurkh Singh, con quien se casó en enero de 2006, teniendo una hija llamada Jap Preet Kaur.


title: Abrázame muy fuerte (canción)

text: «Abrázame muy fuerte» es una canción escrita e interpretada por el cantautor mexicano Juan Gabriel. La canción fue producida por Bebu Silvetti y fue lanzada como la sexta canción del álbum del mismo título "Abrázame muy fuerte" (2000). La canción fue la séptima del artista en convertirse en número uno en los lista "Billboard" Top Latin Songs. El álbum se convirtió en un éxito comercial, llegando a estar en el número 2 de la lista Top Latin Albums en los Estados Unidos. El cantautor también recibió una nominación en la celebrada el miércoles 27 de febrero de 2002.


title: Abrázame muy fuerte (canción)

text: Gabriel recibió tres Billboard Latin Music Awards por la canción. La canción también fue usada como tema principal de la telenovela mexicana "Abrázame muy fuerte". En 2010 el cantautor puertorriqueño-estadounidense Marc Anthony grabó una versión de este tema para su álbum "Iconos".


title: Abrázame muy fuerte (canción)

text: Juan Gabriel es uno de los más exitosos cantautores de habla hispana, vendiendo alrededor de 40 millones de copias, y colaborando con más de 300 artistas, en su más de 30 años de carrera, escribió y grabó en 2000 "Abrázame muy fuerte", el cual está incluido en el álbum homónimo. El 31 de julio de 2000, una telenovela, protagonizada por Victoria Ruffo, Aracely Arámbula, Fernando Colunga y Pablo Montero, titulada "Abrázame muy fuerte" empezó a transmitirse en México. Salvador Mejía, el productor, eligió la canción como tema principal. La telenovela, se convertiría en un éxito, y terminaría ganando ocho Premios TVyNovelas en 2001.


title: Abrázame muy fuerte (canción)

text: La canción debutaría en el número 38 del "Billboard" Top Latin Songs chart el 2 de diciembre de 2000, llegaría a posicionarse en el "top ten" 3 semanas después, se posicionaría en lo más alto de esta lista el 27 de enero de 2001, manteniendo esa posición durante 4 semanas, cuando sería reemplazado por "Te quise olvidar" de MDO. pero regresaría a la cima de la lista la semana siguiente. La canción sería sucedida en la cima por "Sólo quiero amarte" de Ricky Martin, cinco semanas más tarde. "Abrázame Muy Fuerte" se mantendría durante nueve semanas en la cima de la lista, y finalizaría el año como la mejor canción latina de 2001. Gracias a la canción, Juan Gabriel ganaría 2 Premios Billboard de la música Latina en 2002 por Canción y Compositor del Año. Bebu Silvetti ganaría la de Productor del Año por su trabajo en la canción.


title: Abrázame muy fuerte (canción)

text: "Abrázame muy fuerte" sería versionada por muchos artistas, tales como Chon Arauza y La Furia Colombiana, Conjunto Amanecer, Hugo Cortes, Emerson Ensemble, Grupo Condesa, Grupo Hanyak, Jaula de Grillos, Juan Manuel Valadez, Jesus Medel y Sus Cantantes, Juan Michel, Ednita Nazario, Oscar y la Fantasía, Proyecto Nuevo, Ritmo Son, Rumbasón Orquesta, Sheyla y Cipriano Alberto, La Sinfonia, Juan Pablo Subirama, Los Suenos Azules, Nelson Tavarez, Trenors, Francisco Ulloa, Marc Anthony, y Mauricio Martínez.


title: Abrázame muy fuerte (canción)

text: En el año 2010, el cantautor puertorriqueño-estadounidense Marc Anthony grabó una versión de esta canción para su álbum "Iconos". Anthony grabó versiones de "Abrázame muy fuerte", "Ya lo sé que tu te vas" y "Te lo pido por favor", escritas por Juan Gabriel. "Abrázame muy fuerte" fue escogida por los fanáticos del cantante como el segundo sencillo del álbum, luego de realizar una votación en su sitio web. Este es el segundo sencillo en el que Marc Anthony hace una versión de una canción de Juan Gabriel, tras la versión que hizo de "Hasta que te conocí" en su álbum "Otra nota" de 1993.


title: My Bonnie

text: «My Bonnie» es el nombre de un sencillo (lanzado en 1961), de un álbum (Este álbum, 1962) y de un EP (1963), que fueron lanzado por Tony Sheridan junto con The Beat Brothers, quienes más tarde serían mundialmente conocidos como The Beatles.


title: My Bonnie

text: Sobre la visita de los Beatles primero en Hamburgo , Alemania , en 1960, se encontraron con Rock and Roller de Tony Sheridan, y se hicieron amigos de él. En su segunda visita, en 1961 (ahora menos Stuart Sutcliffe ), The Beatles respaldados por Sheridan en una serie de representaciones teatrales. A veces se dice que el agente alemán Bert Kaempfert de Polydor vio personalmente a Sheridan con The Beatles, pero otros dicen que un amigo de Kaempfert sugirió que los trajesen a hacer algunas grabaciones. De cualquier manera, se produce el material con la ingeniería de Karl Hinze. Mientras que grabaron varias canciones juntos (así como solo), algunos de ellos en realidad lo hicieron en el álbum, con Sheridan re-grabaron muchos de ellos. The Beatles son conocidos por aparecer en "My Bonnie" y "The Saints" (este par también fue lanzado como un solo ver, a continuación). La versión de " Swanee River "en el álbum ha dicho a veces que cuentan con The Beatles, sin embargo, que la versión es, de hecho, no se incluyen aquí, y no se sabe si la grabación original todavía existe. La leyenda dice que, en 1961, Raymond Jones, un joven de Liverpool, hizo una solicitud de una copia de "My Bonnie", el único, que reunió a The Beatles a la atención del entonces récord gerente de la tienda Brian Epstein , y puso en marcha el eventos que lo llevan a convertirse en su mánager. Después de que The Beatles se convirtieron en éxito, las ocho pistas de The Beatles trabajaron en algúnotro material, fueron emitidas en un álbum en 1964 titulado The Beatles' First.


title: My Bonnie

text: En 2001, el LP de My Bonnie fue editado en CD por Polydor, con 10 canciones mas:


title: My Bonnie

text: My Bonnie (Sencillo) Las sesiones de grabación con Tony Sheridan dio lugar a una serie de singles, tres de los cuales no fueron liberados hasta que The Beatles se había ganado la fama, y creció el interés en el material inédito. "My Bonnie"/"los santos" (acreditado a Tony Sheridan y The Beat Brothers) fue lanzado por primera vez en octubre de 1961, y alcanzó el número 5 en el Hit Parade . En el Reino Unido el sencillo fue lanzado el 5 de enero de 1962 (acreditado a Tony Sheridan y The Beatles). En Estados Unidos , la liberación de 4 de abril de 1962 (Decca 31382) fue cancelada, pero cuando el material fue puesto en libertad el 27 de enero de 1964, MGM K-13213 como The Beatles con Tony Sheridan , que llegó al # 26 en la Billboard . Después de que The Beatles ganaron fama, también " "Ain't She Sweet"/"Nobody's Child", recibió un comunicado, el primero de los cuales incluye sólo The Beatles, mientras que los otros rasgos Sheridan sobre la voz principal. Luego vino "Sweet Georgia Brown"/"Take Out Some Insurance On Me, Baby", en la que a veces se disputó el crédito, ya que no se ha comprobado si The Beatles juegan en esta versión de ""Sweet Georgia Brown"". Sin embargo, "Take Out Some Insurance On Me, Baby" se sabe que cuentan con The Beatles, y se registró en el mismo período de sesiones como "Ain't She Sweet". Por último, ""Why"/"Cry for a Shadow"" fue puesto en libertad, en la que "Why" se llevó a cabo Sheridan, con The Beatles en la copia de seguridad, y "Cry for a Shadow" era de Harrison/Lennon instrumental, el único acreditado en de esta manera. Numerosas compilaciones de estas grabaciones tempranas han sido liberados al público, tanto oficial como extraoficialmente, más concluyente de la Bear Family Records box set Beatles Bop – Hamburg Days.


title: My Bonnie

text: My Bonnie fue lanzado como un EP el 12 de julio de 1963 en el Reino Unido por Polydor Records. También lanzado en el Reino Unido ese mismo día por Parlophone era el EP de The Beatles Twist and Shout.


title: My Bonnie

text: Lado uno Lado dos


title: Iglesia de San Príapo

text: La Iglesia de San Príapo (Francés: Église S. Priape) es una religión norteamericana fundada en la década de 1980 que se centra en el culto al falo.


title: Iglesia de San Príapo

text: La Iglesia de San Príapo fue fundada en Montreal, Quebec, por D.F. Cassidy y es seguida principalmente por hombres homosexuales en Canadá y en los Estados Unidos. La iglesia, cuyo nombre proviene del dios griego Príapo, enseña que el falo es la fuente de vida, belleza, alegría y placer.Para adorar al falo, deben cumplir una variedad de actos sexuales, incluida la masturbación en grupo También se venera el semen y su consumo es un acto de adoración.


title: Al Dimalanta

text: Alfred Martín Alcantara Dimalanta (Manila, 3 de septiembre de 1969), conocido artísticamente como Al Dimalanta, es un cantautor, músico, escritor, fotógrafo profesional de relaciones públicas y profesor de música filipino. Es uno de los artistas más reconocidos en su país de origen, por ser uno de los mejores compositores y co-fundadores, en volver a refundar a famosas bandas legendarias filipinas de género punk ya desaparesidas entre los años 1985 y 1996. Formó parte como líder y vocalista de bandas musicales como Dead Ends y Throw, en este último en la que se mantiene aún activo y además considerado como uno del género punk contemporáneo.


title: Al Dimalanta

text: Al Dimalanta inició su carrera musical, abarcado y rescatando diferentes estilos musicales de otras bandas ya desaparesidas que marcaron éxito hacia varias décadas. Su incursión en el punk rock, hardcore y rock acústico, ha dejado un legado indeleble en la escena musical de Filipinas.


title: Al Dimalanta

text: Al y su medio hermano llamado Jay Dimalant, fundaron una banda musical que se llamaría Dead Ends en 1985, junto al baterista Rouen Pascual. La banda grabó cuatro álbumes de género punk de 1985 a 1995, así como una edición especial de su quinto álbum de grandes éxitos en 2003. Dead Ends, tuvo varios cambios de formación, aunque Al (voz y guitarra) y Jay (en el bajo) se mantuvo en el núcleo de la banda.


title: Al Dimalanta

text: Cuando Dead Ends se disolvió tras la muerte de su medio hermano Jay en 1996, Al entró en un receso musical durante cuatro años y se centró en su labor en la comunicación y marketing, en la Universidad de Santo Tomás.


title: Al Dimalanta

text: En 2000, Al Dimalanta refundó la banda Throw como vocalista y compositor rincipal de la banda, con Dennis Maniego en el bajo, Ojie Arcega en la batería y Bimboi San Pedro en la guitarra. Este era el comienzo oficial de la banda. Throw, grabó su primer disco producido de manera independiente un año después en 200), con un álbum discográfico titulado (TIRE,) que marcó el regreso de Dimalanta a la escena musical del género punk local.


title: Al Dimalanta

text: En algún momento de 2006, Ojie Arcega y Bimboi San Pedro se retiraron de la banda y se fueron a residir a Singapur para trabajar en empresas de arquitectura. Eso dejó a Al y Dennis sin baterista y guitarrista. Durante un tiempo, el fallecido Luis Guiang de Put3Ska, uno de los famosos y reconocidos músicos experto en los tambores, su banda buscó para reemplazos de forma permanentes.


title: Al Dimalanta

text: En 2007, Thoow que había sido reformado por el mismo Al Dimalanta en guitarra y voz, Dennis Maniego en el bajo, Albert Ascona en la segunda guitarra y Spyk Maniego en la batería. Pues la banda salió con su segundo álbum titulado "Unwavering" o "Inquebrantable", que fue lanzado en julio de 2008.


title: Al Dimalanta

text: Como escritor, Al ha incursionado en la literatura, el periodismo y la escritura de negocio. Ha escrito cuentos, piezas de flash ficción y poemas, que fueron publicados en las editoriales más prestigiosas como en "Philippines Graphic" y la revistas UST. La mayor parte de sus obras permanecen inéditas. Sin embargo, sólo puede ser visitados y vistos en el Al's online blogs. Con esto Al ha dado un proceso de ofrecer una colección de obras de ficción y poesía.


title: Al Dimalanta

text: Al es también es columnista de Interaksyon, en la que ha sido publicado en la red televisiva de TV5, una de las cadenas de televisión más importantes de Filipinas. También escribió para la sección "Infotech", un portal de noticias desde 2011 y en su mayoría en audio digital, fotografía digital, redes sociales y SEO, y medios de comunicación en marketing. También trabajó como asesor editorial de las empresas de diseño gráfico y ha escrito informes anuales de algunas grandes empresas locales. Al Actualmente trabaja como gerente de control de calidad en un local de BPO, un equipo de escritores de contenido y de blogueros.


title: Mysterio (álbum)

text: Mysterio es un álbum de estudio del cantante británico Ian McCulloch, publicado el 17 de marzo de 1992. Es el segundo disco de McCulloch después de su marcha de Echo & the Bunnymen en 1989. Contiene una versión de la canción "Lover, Lover, Lover" de Leonard Cohen, además de una colaboración de Elizabeth Fraser de Cocteau Twins en la canción "Heaven's Gate". Alcanzó el puesto número 46 en la lista británica de álbumes y el 39 en el "Billboard Top Heatseekers".


title: Victims

text: «Victims» es un sencillo de la banda británica Culture Club, incluido en su álbum "Colour by Numbers", publicado en 1983. Como en la mayoría de los sencillos de Culture Club, la canción trata acerca de la relación entre Boy George y el baterista de la banda Jon Moss.


title: Victims

text: Aunque la anterior sencillo "Karma Chameleon" había sido un gran éxito único en muchos países, "Victims" sólo logró ingresar en las listas musicales del Reino Unido, Irlanda, Australia y Alemania. Alcanzó el puesto # 3 en la lista de sencillos del Reino Unido. En Irlanda alcanzó el puesto # 2, y en Australia alcanzó el puesto # 4.


title: Victims

text: El sencillo no fue lanzado en países como Estados Unidos, Canadá y Japón, donde lanzaron "Miss Me Blind" en su lugar. La discográfica Epic consideró que la canción era demasiado deprimente para editarla en un sencillo.


title: Victims

text: Su cara B era la pista inédita "Colour by Numbers", canción que lleva el mismo título del álbum, pero no está incluida en él. Una versión instrumental también se publicó en el 12", renombrada como "Romance Revisited". Las dos pistas adicionales están disponibles en la versión de "Colour by Numbers" remasterizada en 2003.


title: Victims

text: Una versión demo anterior de la canción fue lanzada y re-titulada "Shirley Temple Moment" incluida en una caja recopilatoria "Culture Club" lanzada en 2002. La canción es una visión sincera de las relaciones dentro de la banda, ya que argumentan difíciles situaciones entre ellos.


title: Victims

text: Boy George volvió a grabar la canción como solista, en un arreglo folk y con su voz más edad, en 2002. Esa versión se puede encontrar una caja recopilatoria "Culture Club" lanzada ese mismo año.


title: Slideling

text: Slideling es el tercer álbum de estudio del cantante y compositor británico Ian McCulloch, publicado por Cooking Vinyl el 28 de abril de 2003. Contiene colaboraciones del cantante de Coldplay Chris Martin, quien hace coros y toca piano en "Sliding" y piano en "Arthur"; el guitarrista de Coldplay Jonny Buckland, quien toca la guitarra en "Sliding" y "Arthur", y la colaboración del actor John Simm, quien toca la guitarra en "Sliding".


title: Parque nacional de Aiguebelle

text: El Parque nacional de Aiguebelle (en francés: "Parc national d'Aiguebelle") es un parque nacional en la provincia de Quebec, Canadá. Se encuentra en la región turística de Abitibi-Témiscamingue y a una distancia de unos 50 kilómetros de Rouyn-Noranda. Es un área de 268,3 kilómetros cuadrados. El parque fue creado en 1985 y se sometió a una revisión de sus límites de 1998. Su misión es proteger una muestra representativa de lugares como las colinas de Abijévis.


title: Lenguas de Albania

text: Teniendo en cuenta su posición estratégica en los balcanes, Albania posee gran variedad de lenguas (La mayoría no oficiales, como el griego, arrumano, macedonio, etc), además de contar con dos dialectos del albanés (Tosco y Guego, con una amplia diferencia tanto léxica como gramatical).


title: Lenguas de Albania

text: Debido a esto, gran parte de su población tiene un nivel elevado o aceptable tanto de Griego como de macedonio y serbio.


title: Lenguas de Albania

text: Lista de lenguas habladas:


title: Tour de Hangzhou

text: El Tour de Hangzhou es un proyecto de carrera ciclista profesional china que se disputaría en Hangzhou y sus alrededores, en el mes de octubre poco después del Tour de Pekín.