title: Miguel de Santiago

text: En su obra, considerada una de las más extensas y complejas del barroco americano, Miguel de Santiago representa el espíritu doctrinal de la época en la que vivió, pues en ella se ven representados los mandamientos, sacramentos, vicios y virtudes relacionados al mundo cristiano y su iconografía. Relacionó hábilmente el espacio de su trabajo pictórico con el adoctrinamiento de la iglesia católica, de modo que era asequible para el entendimiento de un público medianamente conocedor.


title: Miguel de Santiago

text: La técnica de trabajo de Santiago, según Juan y Ulloa, está hábilmente resumida también en su obra bajo la siguiente línea: A Miguel de Santiago se le conoce como un hombre de carácter violento, sobre todo debido a ciertas leyendas sobre sus impulsos criminales, entre los cuales se destacan dos: el ataque a su esposa y el popularmente conocido como "El Cristo de la Agonía".


title: Miguel de Santiago

text: El primero cuenta que le encargó a su mujer el retrato terminado de un Oidor de la Audiencia, para que esta lo vigilase mientras él viajaba a Guápulo. Mientras la obra se secaba en el patio de la casa, y durante un momento de descuido de la mujer, un cerdo tumbó el caballete sobre el que descansaba el lienzo y este se ensució; asustada la mujer pidió a Nicolás Javier de Goríbar, uno de los mejores estudiantes de su esposo que lo arreglara. Al regresar Santiago, lo invadió una gran cólera al ver que su obra había sido retocada en el área de la mano; entonces despidió a su discípulo y atacó a su esposa con una espada, cortándole una oreja. Luego de esto llegó el Oidor a retirar su retrato, pero tuvo que marcharse debido a que Santiago tenía intenciones de matarlo también. Según algunas crónicas de la época, este hecho pudo ser cierto, pues Miguel de Santiago pidió asilo en el convento de San Agustín durante un tiempo, para así evitar un juicio que le había planteado su esposa, aunque no se sabe a ciencia cierta si se trató de este hecho.


title: Miguel de Santiago

text: La segunda leyenda, y la más popular, trata sobre un cuadro de Jesús crucificado que le encargaron los agustinos para su iglesia. Obsesionado con lograr una escena lo más realista posible, ató a uno de sus estudiantes a una cruz para copiar sus rasgos, pero no consiguiendo la cara de dolor que buscaba decidió atravesarlo con una lanza por el costado; logrando finalmente la expresión facial que tanto deseaba. Para cuando bajó a su estudiante de la cruz, este ya había fallecido. El cuadro pintado de ese modo, titulado "El Cristo de la Agonía", podría ser según algunos el "Cristo a la columna" del Museo de Arte Colonial, de Quito. Se dice que el asilo que le dieron los agustinos en su convento puede estar más relacionado con este hecho que con el ataque a su esposa.


title: Hertford

text: Hertford () es la capital del condado de Hertfordshire, Inglaterra. En el censo de 2001 la población de Hertford se situó en 24.180 habitantes. Algunas estimaciones recientes elevan esa cifra a unos 28.000 habitantes.


title: Hertford

text: El nombre de la localidad es de origen anglosajón y significa "vado frecuentado por ciervos". También es conocida por ser la ciudad donde se formó el popular grupo de rock Deep Purple, uno de los mejores grupos de rock de la historia.


title: Hertford

text: La ciudad de Hartford, en Estados Unidos, recibió su nombre colonial a imagen del de Hertford.


title: Hertford

text: La ciudad de Hertford está hermanada con las siguientes localidades:


title: Aurel Vlaicu

text: Aurel Vlaicu (Binținți, "actual Aurel Vlaicu", Rumanía, 15 de junio de 1881 — Băneşti, Rumanía, 13 de septiembre de 1913) fue un ingeniero, inventor, constructor de aeronaves y piloto rumano, considerado uno de los pioneros de la aviación mundial.


title: Aurel Vlaicu

text: Aurel Vlaicu nació en Binţinţi (ahora rebautizado como Aurel Vlaicu), Geoagiu, Transilvania entonces perteneciente a Hungría. Asistió a la Escuela Secundaria calvinista en Orastie (que adoptó el nombre de "Liceul Aurel Vlaicu" en su honor en 1919) y terminó su Bachillerato en Sibiu en 1902. Amplía sus estudios en la Universidad Técnica de Budapest y la Technische Hochschule de Múnich en Alemania, obteniendo su diploma de ingeniero en 1907.


title: Aurel Vlaicu

text: Después de trabajar en la fábrica de Opel en Rüsselsheim, volvió a Binţinţi y construyó un planeador que voló en el verano de 1909. Más tarde ese año, se trasladó a Bucarest, en el entonces Reino de Rumania, donde inició la construcción del "Vlaicu II" que voló por primera vez el 17 de junio 1910 sobre el campo de Cotroceni.


title: Aurel Vlaicu

text: Con su modelo Vlaicu II, terminado en 1911, Aurel Vlaicu ganó varios premios sumando 7.500 coronas austrohúngaras (por el mejor aterrizaje preciso, lanzamiento de proyectiles y vuelo cercano alrededor de un poste) en 1912 en el Salón Aeronáutico de Aspern, cerca de Viena, donde compitió contra otros 42 aviadores, incluyendo Roland Garros. La prensa de la época consideró a Aurel Vlaicu el segundo mejor piloto del concurso organizado por al aviador francés Roland Garros.


title: Aurel Vlaicu

text: Presionado por el rumor de que otros dos pilotos rumanos estaban a punto de intentar cruzar la cordillera de los Cárpatos junto con su deseo de asistir a las festividades de ASTRA cerca de Orastie y saludar a los rumanos de Transilvania, Vlaicu no esperó a la finalización de su tercer prototipo "Vlaicu III"- este diseño de los años 1912-1913 iba a ser el primer avión totalmente metálico en el mundo - y optó por el anterior y desgastado "Vlaicu II". Lamentablemente, esta decisión apresurada y poco habitual le costó la vida.


title: Aurel Vlaicu

text: Vlaicu falleció con 30 años en un accidente de aviación el 13 de septiembre de 1913 en Băneşti (Rumanía), en su intento de ser el primero en volar por encima de los Cárpatos con una de sus aeronaves, el Vlaicu II.


title: Aurel Vlaicu

text: Vlaicu fue elegido a título póstumo miembro de la Academia Rumana en 1948.


title: Aurel Vlaicu

text: En honor a sus notables contribuciones al desarrollo de la aeronáutica mundial, el mayor aeropuerto de Bucarest,(en el pasado Bintinti), en el aeropuerto de Baneasa lleva su nombre. Un Airbus A318-111 TAROM registrado YR-ASA también fue nombrado con su nombre.


title: Aurel Vlaicu

text: Un museo se estableció en su casa natal. Casa Memorial de Aurel Vlaicu.


title: Aurel Vlaicu

text: En el billete de 50 lei aparece el retrato de Aurel Vlaicu aviador e inventor, y en el reverso su avión prototipo y una cabeza de águila.


title: Las aventuras de Zipi y Zape

text: Las aventuras de Zipi y Zape es una película española de 1981 dirigida por Enrique Guevara basada en los personajes de José Escobar.


title: Las aventuras de Zipi y Zape

text: Zipi y Zape vuelven a la escuela tras un largo verano. Este año tendrán un nuevo compañero de clase llamado Oliverio. Cuando éste es marginado por los demás niños de la escuela, los gemelos deciden protegerlo y ser sus amigos. Resulta que Oliverio es rico pero huérfano. Vive con su tía en una casa de los barrios más ricos de Barcelona. El Mayordomo de la familia, se ha compinchado con un grupo de gánsters para raptar a Oliverio y saldar sus deudas de juego.


title: Las aventuras de Zipi y Zape

text: Mientras estos intentan raptar al niño sin éxito, Zipi y Zape usarán sus travesuras para que su amigo se divierta yendo al parque de atracciones o la discoteca.Según el libro "El mundo de Escobar" la película es "un cúmulo de disparates mal contados", contiene "innecesarios números musicales" y "es un producto que, de tan malo, casi se podría convertir en objeto de culto". Es valorada por algunos críticos como un despropósito al nivel de las películas de Ed Wood debido a sus numerosos errores técnicos o un reparto muy malo en donde pusieron a dos adolescentes interpretando a los protagonistas (con voz posteriormente doblada), números musicales que no tenían importancia en la trama, que apareciesen personajes arbitrarios como El Increíble Hulk y Sherlock Holmes o que se pintara la cara a una actriz de raza blanca para que interpretase a una negra.


title: Cypseloides lemosi

text: El vencejo pechiblanco ("Cypseloides lemosi") es una especie de ave de la familia "Apodidae", que se encuentra en Colombia, Ecuador y Perú.


title: Cypseloides lemosi

text: Mide ente 14 y 15 cm de longitud. De color uniformemente negro hollín, excepto por una característica mancha pectoral blanca, que es ancha arriba y se reduce formando un ángulo con vértice en el centro del pecho. Cola bifurcada sin rectrices rígidas.


title: Cypseloides lemosi

text: Se encuentra en campo abierto, pastizales y colinas o en áreas erosionadas con suelo desnudo y pastos y arbustos dispersos, entre los 350 y 1.600 m de altitud.


title: Cypseloides lemosi

text: Vuela, generalmente entre los 15 y 25 m de altura, en bandas de 20 a 25 individuos, a veces mixtas, con otras especies de aves. Caza insectos en vuelo.


title: Nepal Ice

text: Nepal Ice es una cerveza nepalí fabricada desde el año 2006 por la empresa Sungold Brewery (Nepal) Pvt. Ltd. Presenta un graduación alcohólica de 5,5%. Es la primera cerveza de Nepal que se comercializó fuera de sus fronteras, exportándose a Japón, Hong Kong y el Reino Unido.


title: Cabanossi

text: Cabanossi (, plural "kabanosy") es una especie de salchicha seca, larga y fina hecha de carne de cerdo, similar a un salami suave, que se originó en Polonia.


title: Cabanossi

text: Está hecho de carne de cerdo y ternera, ligeramente ahumado. Tiene una textura muy seca y un sabor ahumado. Tradicionalmente tiene forma de una salchicha larga y delgada de entre 30 a 60 centímetros de largo, 1-1.5 centímetros de diámetro, y se dobla en dos, lo que le da un aspecto muy característico. Algunas de las variaciones incluyen pollo y pato ("duck cabanossi").


title: Cabanossi

text: El nombre procede de "kaban", que significa ‘cerdo’ (machos jóvenes, engordados con patatas) en el este de Polonia. Su proceso de curación y los excepcionales sabores y aromas resultantes son los rasgos que separan al "kabanos" de otros tipos de salchicha.


title: Cabanossi

text: Esta salchicha destaca por su sabor picante y también porque está lista para consumir directamente (ya viene cocinada).


title: Cabanossi

text: El cabanossi es muy popular en Australia, Nueva Zelanda, Colombia y Perú, siendo una de las salchichas más comunes allí. En Europa tiene un bajo perfil ya que compite con otras variedades de salchichas.


title: Cabanossi

text: Es muy común cortarla en pedazos y comerla cruda como un aperitivo o "snack", a menudo acompañada de dados de queso y "crackers". También se usa como provisión en excursiones porque no se estropea tan rápidamente como otras salchichas.


title: Cabanossi

text: Las cabanossi en rodajas son muy populares en las "pizzas" australianas, neozelandesas y colombianas


title: The Fire (álbum)

text: The Fire es el cuarto álbum de estudio de la banda de post-hardcore Senses Fail, que fue lanzado el 25 de octubre de 2010 en el Reino Unido mediante Hassle Records y el 26 de octubre en el resto del mundo a través de Vagrant. Fue el primer álbum en el que participaba el guitarrista Zach Roach, que había reemplazado a Heath Saraceno. La grabación del álbum comenzó en junio de 2010 y tuvo lugar en los Salad Days Studio de Maryland junto a Brian McTernan.


title: The Fire (álbum)

text: Senses Fail subió una primera canción, "Saint Anthony", en su MySpace el 26 de agosto de 2010, mientras que Vagrant Records hizo lo propio en su canal de YouTube con las canciones "The Fire" y "New Year's Eve". Además, la banda pidió un grupo de voluntarios de entre sus seguidores para aparecer en el videoclip de "The Fire", que fue grabado en Nueva York el 9 y 10 de octubre. El 18 de octubre la banda lanzó el resto de las canciones de "The Fire" en su MySpace.


title: The Fire (álbum)

text: El álbum contiene, también, un concierto en DVD de la actuación de la banda en Halloween en el Starland Ballroom de Nueva Jersey. El disco contiene alrededor de 90 minutos de material, incluido el concierto y entrevistas con la banda, dirigido por Adam Rothlein. En el DVD aparece el exguitarrista Heath Saraceno, que dejó la banda poco después del concierto.Canción extra en iTunes


title: Greg Antonacci

text: Greg Antonacci (2 de febrero de 1947-20 de septiembre de 2017) fue un director, guionista, actor y productor estadounidense. Creció en el barrio de Hell's Kitchen, Nueva York. Es conocido por sus papeles como en "Los Soprano" (2006-2007) y como Johnny Torrio en "Boardwalk Empire" (2010).


title: 3XL

text: 3XL es un canal de televisión español autonómico en catalán, que formó parte del ente público "CCMA". Su programación estuvo dirigida al público de entre 13 y 25 años y compartió su frecuencia con Canal Super3, emitiendo en la franja nocturna desde las 21:30 hasta las 5:14.


title: 3XL

text: El canal tomó su nombre del programa de televisión "3XL.net" (posteriormente "3XL.cat"), que se estrenó el 15 de mayo de 2000 en la segunda cadena de televisión catalana, Canal 33. Las emisiones de 3XL como cadena independiente comenzaron el 19 de septiembre de 2010, en sustitución del Canal 300. El canal potenciaba a su vez una comunidad virtual dirigida a los jóvenes.


title: 3XL

text: El 1 de octubre de 2012 el canal cesó sus emisiones, dentro de la reducción de costes que hizo la radiotelevisión pública catalana. Parte de su programación pasó a Canal Super3 y El 33.


title: 3XL

text: El 15 de mayo de 2000, Canal 33 estrenó el espacio juvenil 3XL.net. El espacio se articuló no sólo como programa de televisión sino como portal web, que quiso convertirse en referencia para el público joven de habla catalana. Aunque contó con espacios informativos y reportajes para gente joven, su contenido más destacado fueron las series juveniles, y en especial la animación japonesa (anime) que no tenía cabida en el otro bloque de animación de Televisión de Cataluña, el infantil "Club Super3". Sus primeros programas fueron los animes "Bola de Drac", "Quedes detingut", "Utena" y la serie juvenil canadiense "Madison".


title: 3XL

text: Con la división de Canal 33 en dos canales con una misma frecuencia (K3 y El 33), 3XL.net se consolidó como un espacio juvenil de referencia, y continuó estrenando series nuevas como "Detective Conan", "Inuyasha" o "Shin Chan", esta última un éxito de audiencia que trascendió al resto de televisiones de la FORTA. Durante un breve tiempo, el programa contó en la madrugada de los lunes con una edición especial llamada "3XL.nit", donde se estrenó la serie "Neon Genesis Evangelion". A su vez, en 2004 se renovó el portal web para estructurarlo por módulos.


title: 3XL

text: La introducción del dominio .cat motivó un cambio de nombre del programa, que se convirtió en "3XL.cat" en 2007. El programa modificó su logotipo, introdujo nuevas series y renovó por completo su sitio web, dando la posibilidad de crear páginas personales y blogs a los usuarios. Además, se introdujo el espacio televisivo "Codi 3XL", donde jóvenes explicaban lo que hacían o pensaban, y se creó un videojuego en línea, "Espai8". El portal web batió su récord de usuarios registrados, y se consolidó como una de las comunidades virtuales más importantes en idioma catalán.


title: 3XL

text: En el formato televisivo, el número de reportajes se redujo para primar la llegada de nuevas series, tanto en anime (como "One Piece" o "Samurai Champloo") como de imagen real, principalmente producciones europeas y norteamericanas. Cuando desapareció K3 y en su lugar se creó el Canal Super3, 3XL.cat pasó a emitirse en el Canal 300, especializado en series y ficción. Algunas de las series de animación pasaron al Super3, y el programa redujo su duración.


title: 3XL

text: A comienzos de 2010, surgieron distintos rumores sobre la creación de un canal juvenil con el nombre y programas de 3XL, que en los últimos meses había visto reducida su programación. Finalmente, Televisión de Cataluña confirmó en mayo que se estaba gestando el relanzamiento del bloque juvenil como un canal independiente que sustituiría al Canal 300, y estaría destinado a un público entre 16 y 25 años.


title: 3XL

text: El nuevo canal se gestó como un proyecto completamente multiplataforma, donde además de la televisión se había gestado un renovado portal web con una comunidad virtual, servicios interactivos, extras y la posibilidad de ver todos los programas y series a través de vídeo bajo demanda y emisión en directo, disponible en todo el Estado español. 3XL comenzó sus emisiones el 19 de septiembre de 2010.


title: 3XL

text: La programación de 3XL estaba enfocada a un público joven entre los 15 y los 29 años, por lo que contaba con una fuerte presencia de ficción. La mayoría de los programas fueron extranjeros, y entre ellos destacaron series británicas ("The Inbetweeners", "Misfits", "Skins"..), estadounidenses, animación japonesa ("Bleach, Death Note, One Piece, Nana"), programación catalana ("APM?", "L'un per l'altre", "Plats bruts") e incluso ciclos de cine. Las series fueron dobladas al catalán, idioma preferente de las emisiones, aunque también podían verse en su idioma original o con subtítulos.


title: 3XL

text: El canal contaba con producción propia de "Televisión de Cataluña", tanto específicos para el canal como reemisiones de TV3 y El 33. En ese sentido, se emitían reportajes con eventos de interés para su público que se celebren en Cataluña, como el Festival de Sitges o el Salón del Manga de Barcelona, o programas de debate para jóvenes como Dotze+1.


title: 3XL

text: Uno de los aspectos más importantes de 3XL fue su vinculación con internet. En ese sentido, el canal potenció una comunidad virtual a través de su página web, a través de redes sociales e incluso en su programación, con espacios como "Món 3XL" que invitan a los espectadores a sumarse a la comunidad e interactuar. En su portal web también se encontraban sus series desde el primer capítulo. Los programas sólo podían verse desde España, Andorra y el departamento francés de los Pirineos Orientales."Entre paréntesis año de estreno"


title: 3XL

text: "Entre paréntesis el año de estreno" Evolución de la cuota de pantalla mensual, según las mediciones de audiencia elaborados por TN Sofres. Los datos de audiencia se refieren únicamente al territorio de Cataluña.


title: Fumiyuki Hashimoto

text: En 2002, Hashimoto debutó en Toryumon Mexico bajo su nombre real, derrotando a Taiji Ishimori. Al poco Fumiyuki fue transferido a Toryumon X bajo el nombre de SUWAcito, una versión más ligera y pequeña de SUWA componente del stable Mini Crazy MAX. El equipo, compuesto también por Mini CIMA, Small Dandy Fuji y TARUcito, parodiaba a los luchadores de Crazy MAX (CIMA, SUWA, Dandy Fuji & TARU), con quienes formaron equipo en algunas ocasiones. En 2004, Mini CIMA y SUWAcito ganaron el "Yamaha Cup Tag Tournament" tras derrotar a Sailor Boys (Kei Sato & Shu Sato).


title: Fumiyuki Hashimoto

text: Hashimoto debutó en Michinoku Pro Wrestling en la "Futaritabi Tag League 2004" como , usando una máscara. Leopard hizo tag team con Esthetic Jaguar, aunque sin lograr la victoria en el torneo.


title: Fumiyuki Hashimoto

text: En diciembre de 2004, Hashimoto cambió su nombre a , basado en el famoso noble del período Sengoku Uesugi Kagetora. Bajo esta nueva imagen, Hashimoto tiñó su pelo de rojo y empezó a usar una máscara "menpō" durante sus combates, pero la relegó a parte de su atuendo de entrada debido a ser demasiado poco práctica. Kagetora formó ocasionales equipos con Rasse y Shanao, además de competir contra ellos. En marzo, se alió GAINA & Shinjitsu Nohashi para competir en la "Michinoku Trios League", pero no lograron ganar, consiguiendo un número parejo de victorias y derrotas. Poco después, Kagetora compitió en el "Tetsujin Tournament 2005", el cual ganó después de derrotar en la final al principal heel de Pro Wrestling ZERO1, Gamma. A causa de haber ganado el torneo, Kagetora ganó una oportunidad por el MPW Tohoku Junior Heavyweight Championship contra TAKA Michinoku, pero Hashimoto fue derrotado. Después de su fracaso, Kagetora comenzó a formar una estrecha relación con Gamma, quien le sugería que se uniese a él para dominar Michinoku Pro, pero Fumiyuki no respondió. Meses más tarde, Kagetora se alió con Shanao para ganar el "Futaritabi Tag Team Tournament 2005", derrotando en último lugar a Los Salseros Japóneses (Takeshi Minamino & Kesen Numajiro), pero inmediatamente después Kagetora atacó a Shanao. Debido a ello, se estipuló un combate entre ambos en octubre, el cual fue ganado por Kagetora gracias a su nuevo estilo de lucha, más agresivo y artero, y volviendo a atacar a Shanao tras el combate. Ahora en solitario y convertido en un tweener, Kagetora se enfrentó con Kei Sato y Shu Sato, quienes se habían vuelto heels al aliarse con Takuya Sugawara y luego con Gamma, pero su guerra con ellos no duró mucho, ya que Kagetora acabó por definirse heel también y se unió al cuarteto, formando el stable STONED. Tras la ida de Gamma y Sugawara de MPW, Kagetora se convirtió en el líder de la banda, y reclutó a Maguro Ooma como último miembro.


title: Fumiyuki Hashimoto

text: STONED se enfrentó al resto de luchadores de MPW, Michinoku Seikigun, al que se habían unido Shanao (ahora llamado Yoshitsune) y Los Salseros Japóneses (Takeshi Minamino, Mango Fukuda, Pineapple Hanai & Banana Senga) para encarar la nueva amenaza. Kagetora ganó el MPW Tohoku Junior Heavyweight Championship contra Makoto Oishi en un torneo por el título, pero lo dejó vacante al ser forzado a luchar en un torneo por él, que fue ganado por Takeshi Minamino. Tras ello, Kagetora compitió en el "Tetsujin Tournament 2006", pero no logró ganarlo, aunque su grupo protagonizó varios ataques a luchadores durante su desarrollo. STONED duraría como facción dominante en la empresa, hasta que en uno de los eventos de El Dorado, los miembros del grupo -azuzados por el exmiembro Takuya Sugawara-, traicionaron a Kagetora, lo que ocasionó que Hashimoto, ahora sin grupo, volviese a ser face.


title: Fumiyuki Hashimoto

text: Tras eso, restauró su antigua alianza con Rasse y derrotó a Kei Sato & Shu Sato para ganar el MPW Tohoku Tag Team Championship. Además, el dúo derrotó a Hideyoshi & Masamune, de Osaka Pro Wrestling, obteniendo así también el OPW Tag Team Championship. Poco después, Rasse & Kagetora compitieron en el "Futaritabi Tag Team Tournament 2007", en la que fueron eliminados por The Great Sasuke & Yoshitsune; sin embargo, debido a una lesión de Sasuke, Kagetora y su compañero tomaron el lugar de ellos y ganaron la liga. Poco después Kagetora & Rasse fueron derrotados por GAINA & Zero y perdieron el campeonato de la OPW, sufriendo el mismo destino en enero de 2008 ante el equipo de MPW de Sasuke & Yoshitsune. Tras ello, Kagetora se alió con varios luchadores de la empresa para hacer frente al nuevo stable heel Kowloon, que acababa de ser fundado por Hayato Fujita con varios de los antiguos miembros de STONED. Ese año, Rasse & Kagetora compitieron de nuevo en el "Futaritabi Tag Team Tournament", pero fueron derrotados en la final por MEN's Teioh & Shinobu. Poco después, Hashimoto entró en una breve inactividad, antes de ser liberado de su contrato por MPW.


title: Fumiyuki Hashimoto

text: Kagetora y STONED al completo aparecieron en la promoción Dragondoor en 2005, atacando a la facción face de Taiji Ishimori, Kota Ibushi, Little Dragon & Milanito Collection a.t. durante sus combates. Sin embargo, su presencia en Dragondoor, donde el grupo de Taiji y Aagan Iisou eran el tema principal, no fue muy importante, y no realizaron apariciones significativas.


title: Fumiyuki Hashimoto

text: Tras el cierre de Dragondoor, Hashimoto y su grupo comenzaron a aparecer en Pro Wrestling El Dorado, donde cambió su nombre a KAGETORA, escrito en mayúsculas. STONED entró en un feudo con otra gran facción, llamada Aagan lisou, dirigida por Shuji Kondo, con ambos grupos compitiendo por la lealtad de Takuya Sugawara. Al final, Sugawara se unió a los miembros de STONED y todos se volvieron contra KAGETORA.


title: Fumiyuki Hashimoto

text: Habiendo perdido a su grupo, KAGETORA recibió invitaciones de varios grupos para unirse a ellos, eligiendo finalmente Animal Planets, un stable face dirigido por Toru Owashi. Animal Planets se enfrentó a Hell Demons durante largo tiempo, así como al grupo de Shuji Kondo, SUKIYAKI. A finales de 2007, KAGETORA se enfrentó a Kota Ibushi por el Independent Junior Heavyweight Championship, pero fue derrotado. Meses más tarde, KAGETORA & Ibushi consiguieron los UWA World Tag Team Championship al derrotar a Tokyo Gurentai (MAZADA & NOSAWA Rongai).


title: Fumiyuki Hashimoto

text: Poco después KAGETORA & Takashi Sasaki compitieron en el torneo conjunto con Big Japan Pro Wrestling "Thanksgiving Day Tag Tournament", siendo derrotados en la final por Daisuke Sekimoto & Shuji Kondo. KAGETORA luchó luego en la "Greatest Golden League 2008" de El Dorado, donde derrotó a Brahman Shu y Kota Ibushi, aunque fue derrotado en la semifinal por Magnitude Kishiwada. Los siguientes meses, KAGETORA compitió en solitario hasta el cierre de la empresa.


title: Fumiyuki Hashimoto

text: Hashimoto comenzó a aparecer en 2006 en HUSTLE como Ki Onigumo, un personaje con aspecto de araña vestido de amarillo y negro capaz de lanzar telarañas para atrapar a sus rivales. Haciendo equipo con Aka Onigumo & Ao Onigumo, Enji fue puesto a las órdenes del ejército heel Monster Army para enfrentarse a los faces de la empresa.


title: Fumiyuki Hashimoto

text: Además, Fumiyuki apareció también como Monster Kamen Black, uno de los miembros del grupo "Super Sentai Series" malvado Monster Kamen Rangers, el cual había sido creado para combatir a HUSTLE Kamen Rangers (HUSTLE Kamen Red, HUSTLE Kamen Blue & HUSTLE Kamen Yellow). Tras un tiempo de actividad, Black y sus secuaces Monster Kamen White, Monster Kamen Purple y Monster Kamen Brown secustraron a Yellow y le realizaron un lavado de cerebro para pasarlo a su bando, obteniendo así ventaja contra HUSTLE Kamen Rangers; sin embargo, en Hustlemania 2006, Yellow se liberó del control y volvió a ser face, lo que ocasionó la derrota de Monster Kamen Rangers y su desaparición de HUSTLE.


title: Fumiyuki Hashimoto

text: El 26 de septiembre de 2005, después de un combate en Real Japan Pro Wrestling con Tatsuhito Takaiwa contra Shinjiro Otani & The Tiger, Otani y Takaiwa afirmaron que Kagetora les había impresionado y le invitaron a su empresa, Pro Wrestling ZERO1. Meses después, Kagetora hizo su debut allí, haciendo equipo con su por entonces compañero de STONED Takuya Sugawara. Sugawara y él tuvieron un feudo con Ikuto Hidaka, intercambiando victorias con él y sus aliados hasta el fin de las apariciones de STONED en la empresa.


title: Fumiyuki Hashimoto

text: Hashimoto fue contratado por All Japan Pro Wrestling a finales de 2006. Fumiyuki debutó como un luchador enmascarado llamado , miembro del grupo Voodoo Murders. En ese momento efrentados con Keiji Muto y sus aliados, Voodoo Mask se enfrentaría a AHII en varias ocasiones, pero sería derrotado en todas ellas.


title: Fumiyuki Hashimoto

text: Las apariciones en AJPW de Hashimoto fueron más bien irregulares, y al poco tiempo dejaría de luchar en ella. El gimmick de Voodoo Mask sería interpretado por dos luchadores más en ese período de tiempo, con Hashimoto dejando de hacerlo a mediados de 2007.


title: Fumiyuki Hashimoto

text: A inicios de 2007, Hashimoto y Takeshi Minamino retomaron sus viejos gimmicks de Como Leopard & Esthetic Jaguar y realizaron apariciones en Dradition Pro Wrestling, enfrentándose a Katsushi Takemura & Kazuhiko Shoda por los Campeonatos en Parejas de la CAW, pero sin lograr la victoria.


title: Fumiyuki Hashimoto

text: En mayo de 2007, KAGETORA & Hercules Senga aparecieron en la "Differ Cup 2007" de Global Pro Wrestling Alliance, pero únicamente consiguieron llegar a la semifinal, donde fueron vencidos por HARASHIMA & Kota Ibushi.


title: Fumiyuki Hashimoto

text: El 17 de mayo de 2008, Hashimoto hizo su debut en Estados Unidos al aparecer en el torneo "DDT4" de Pro Wrestling Guerrilla, donde hizo equipo con El Blazer, el cual sustituía a Kota Ibushi. En la primera noche del torneo, KAGETORA & El Blazer derrotaron a The Dynasty (Joey Ryan & Scott Lost), pero fueron derrotados en la segunda noche por Kevin Steen & El Generico.


title: Fumiyuki Hashimoto

text: A finales de 2008, Hashimoto volvió al sistema Toryumon al comenzar en Dragon Gate, creada a partir de Toryumon Japan. Su primera aparición fue el 19 de diciembre, donde apareció al inicio del programa para presentarse, criticando a Naoki Tanizaki por haber dejado El Dorado y declarando que él mismo y toda Toryumon X dejaron el sistema Toryumon hace mucho, pero que había vuelto para triunfar. Sin embargo, K-ness respondió a su discurso y afirmó a modo de disculpa que habían sido ellos, los veteranos de Toryumon, los que abandonaron Toryumon X a su suerte, y que estaría feliz de ver a antiguos estudiantes como Takuya Sugi y Taro Nohashi de vuelta en Dragon Gate, pero no a "Hashimoto-kun". Tras ello, KAGETORA fue introducido en el stable heel Real Hazard, dirigido por Kenichiro Arai, y derrotó a K-ness y a Akira Tozawa para ganar "Battle Of Tokyo 2009". Junto con el torneo, KAGETORA ganó una oportunidad por el Open The Brave Gate Championship contra Masato Yoshino, pero no logró ganar.


title: Fumiyuki Hashimoto

text: Debido a la derrota, KAGETORA comenzó a ser constantemente insultado y maltratado por Arai, lo que ocasionó que KAGETORA perdiese la paciencia y traicionase al grupo a favor de Susumu Yokosuka & Gamma, quienes ganaron los Open the Twin Gate Championship gracias a él. Tras ello, KAGETORA se unió a Yokosuka, Gamma y CIMA para formar el grupo WARRIORS-5. Junto con CIMA y Gamma, KAGETORA ganó el Open The Triangle Gate Championship contra KAMIKAZE (Dragon Kid, Shingo Takagi & Taku Iwasa), reteniéndolo hasta que meses más tarde lo perdieron ante WORLD-1 (BxB Hulk, Masato Yoshino & PAC). KAGETORA y Yokosuka compitieron en "Summer Adventure Tag League III", pero no lograron ganar, tras lo que Yokosuka abandonó el grupo en enero de 2010 para unirse a Real Hazard; esto ocasionó que KAGETORA comenzase a distanciarse lentamente de sus compañeros, a los que se sumaba ahora Dragon Kid, un antiguo enemigo. Mientras tanto, un extraño personaje enmascarado, Dr. Muscle, apareció entre los miembros de Real Hazard. Sin ánimo para aparecer en los siguientes programas, Hashimoto colgó en su blog que intervendría finalmente el 15 de enero; sin embargo, cuando parecía que KAGETORA no aparecería ese día, Dr. Muscle reveló ser KAGETORA, y volvió ahora públicamente a Real Hazard.


title: Fumiyuki Hashimoto

text: Sin embargo, tiempo después KAGETORA comenzó a desconfiar de sus compañeros en Real Hazard, excepto Takuya Sugawara, y comenzó a arrepentirse de haber vuelto a la facción. El 7 de febrero, KAGETORA visitó a su antiguo enemigo, el más joven pero más experimentado Akira Tozawa, y le preguntó si había hecho bien en volver a Real Hazard, o si debía haberse quedado en WARRIORS-5. Tozawa le respondió que debía encontrar su propia respuesta. Poco después, KAGETORA causó accidentalmente la derrota de Sugawara, lo que ocasionó la estipulación de un combate entre él y el miembro del grupo Kzy en el que el perdedor abandonaría Real Hazard. Tras ello, y tras buscar consejo de Tozawa de nuevo, KAGETORA fue derrotado y expulsado de Real Hazard. Después del combate, Kenichiro Arai y Yasushi Kanda comenzaron a atacarle, siendo puestos en fuga por la intervención de Akira Tozawa. Tozawa intentó reconfortar a KAGETORA, pero este le dijo que quería estar solo y abandonó el ring. Después, el líder de WARRIORS-5 CIMA llegó y sugirió un combate entre su grupo y KAMIKAZE, el grupo al que pertenecía Tozawa, para decidir quién se quedaría con KAGETORA. Después de una larga y caótica lucha el 27 de febrero, KAMIKAZE ganó y KAGETORA fue introducido en la facción, prometiendo a sus compañeros hacerlo lo mejor posible.


title: Fumiyuki Hashimoto

text: En abril, KAMIKAZE (Akira Tozawa, KAGETORA & YAMATO) se enfrentó a Chou Zetsurins (Akebono, Don Fujii & Masaaki Mochizuki), y más tarde a WARRIORS (CIMA, Gamma & Genki Horiguchi), por el Open the Triangle Gate Championship, pero no consiguieron ganar el título. Luego, KAMIKAZE participó en "Summer Adventure Tag League IV", sin lograr la victoria final. Durante el resto del año, KAGETORA continuaría en KAMIKAZE con Tozawa como su mentor, hasta que este dejó la empresa en julio. Después de algunos enfrentamientos con YAMATO en marzo, KAGETORA se negó a hacer equipo con él, lo que los otros miembros resolvieron trayendo a Shingo Takagi. Takagi desplazó el lugar de KAGETORA en la unidad más de lo que este pretendía, por lo que KAGETORA buscó alianzas con Hayato Fujita de Michinoku Pro Wrestling en vez de con ellos. Un mes después, la unidad fue disuelta y YAMATO y él entraron a regañadientes en la nueva facción JUNCTION THREE, dirigida por Masaaki Mochizuki. En diciembre, KAGETORA & Susumu Yokosuka se enfrentaron a Akira Tozawa & BxB Hulk por el Open the Twin Gate Championship, con la estipulación de que si perdían deberían cambiar sus nombres a "Jimmy KAGETORA" y "Jimmy Susumu", respectivamente. Efectivamente, Susumu y KAGETORA perdieron el combate y debieron cambiar sus nombres. Posteriormente, en febrero de 2012, JUNCTION THREE fue desbandada tras perder un combate con el grupo Blood WARRIORS, dirigido por CIMA.


title: Fumiyuki Hashimoto

text: KAGETORA apareció en el "King of Trios 2011" de Chikara, haciendo equipo de nuevo con Akira Tozawa y Super Shisa. El trío fue, sin embargo, eliminado en los cuartos de final por The Osirian Portal.


title: Brian McTernan

text: Brian McTernan es un productor musical que ha trabajado con varias bandas de "rock" independientes. El productor tiene su estudio, Salad Days, en Baltimore, Maryland. Fue cantante de la banda de "hardcore" Battery y guitarrista en Ashes. Sus hermanos también son músicos: Mike McTernan fue el cantante de una banda llamada Damnation A.D. y actualmente es el cantante de When Tigers Fight; su hermano Peter fue el batería de la banda Good Clean Fun.


title: Pop! The First 20 Hits

text: Pop! The First 20 Hits fue lanzado en el pico máximo de popularidad de Erasure. Tras la edición de Abba-esque, Mute tomó la decisión de editar un compilado con los grandes éxitos de la banda. Pero en lugar de elegir los temas de acuerdo a su popularidad, se listaron todos los sencillos editados hasta el momento, incluyendo los temas de difusión de los dos EP: Stop! de Crackers International y Take a Chance on Me del Abba-esque. La estrategia funcionó, ya que de esta manera, los primeros tres sencillos tuvieron la difusión que les faltó al momento de ser editados. El sencillo extraído de este álbum fue Who Needs Love (Like That) - Hamburg Mix, una versión remozada de Who Needs Love (Like That) aquel que fuera el primer sencillo de la banda. Pop! The First 20 Hits se convirtió en el cuarto disco número 1 de Erasure en Inglaterra y fue un éxito en todo el mundo.


title: Pop! The First 20 Hits

text: Pop! The First 20 Hits llegó al número 1 en el Reino Unido y fue triple platino. También alcanzó el puesto 12 en Alemania. El sencillo Who Needs Love (Like That) - Hamburg Mix alcanzó el puesto 10 en la lista británico y el 27 en Alemania.


title: Pop! The First 20 Hits

text: Se editaron diferentes versiones de este álbum según el país. La edición de EE. UU., por ejemplo, no incluye Who Needs Love (Like That) - Hamburg Mix. En otros países, como Brasil y Rusia, se hizo una edición con menos cantidad de canciones. En Japón, varios años después se editó un disco adicional con los sencillos aparecidos en álbumes posteriores a la salida de Pop! The First 20 Hits. Esto es decir, los sencillos de I Say I Say I Say, Erasure y Cowboy.


title: Pop! The First 20 Hits

text: Pop! The First 20 Hits es un VHS que contiene los videos de las veinte canciones aparecidas en el álbum del mismo nombre. Diseño de arte por Me Company. Pop! The First 20 Hits sólo omitió el remix de Who Needs Love (Like That) - Hamburg Mix, del cual no se editó el video, con respecto a la edición en CD.


title: George James Allman

text: George James Allman (1812 - 1898, Ardmore, Parkstone, Dorset) fue un eminente naturalista, profesor emérito de historia natural en Edimburgo. Era aborigen de Cork, Irlanda, hijo mayor de James Clugston Allman, de Bandon, comenzando su escolarización en la "Royal Academical Institution de Belfast". Se inició con estudios de derecho, mas lo abandona para seguir Ciencias naturales. En 1843, obtuvo su diploma de medicina en Dublín. Fue nombrado profesor de Botánica en la misma universidad, sucediendo a su tocayo William Allman (1776-1846). Se mantuvo por una docena de años hasta su partida a Edimburgo como profesor de Historia Natural; permaneciendo hasta 1870, cuando razones de salud le hizo renunciar a su cátedra y retirarse al condado de Dorset, donde se consagra su pasatiempo favorito, la horticultura.


title: George James Allman

text: Escribió numerosos artículos científicos. Su trabajo se centró en las principales Hydrozoa, publicando entre 1871 a 1872, a través de la Sociedad de Ray, una monografía exhaustiva, basada principalmente en sus propias investigaciones e ilustrado por excelentes dibujos realizados por él mismo. La Biología le debe numerosos términos de uso al día de hoy, como: endodermo y ectodermo para las dos capas de células de la superficie de Coelenterata.


title: J.J. Perry

text: Jordan Andrew Perry (1965), más conocido como JJ Perry, es un artista marcial, actor y doble de cine estadounidense.


title: J.J. Perry

text: Perry comenzó a practicar artes marciales en 1975 y comenzó a realizar a finales de 1980 después de dejar el ejército. Tiene un quinto grado de cinturón negro en Tae Kwon Do , que se ganó a la edad de doce años, y un segundo grado de cinturón negro en Hapkido .


title: J.J. Perry

text: Comenzó su carrera como actor cuando interpretó a Scorpion, Cyrax, y a Noob Saibot en la película (Chris Casamassa debía repetir como Scorpion, pero estaba trabajando como doble de riesgo en "Batman & Robin"). Actuó en la serie de televisión , esta vez como el principal rival de Escorpión Sub-Zero, además de hacer stuntwork para el personaje principal de Kung Lao . Además de la serie Mortal Kombat, Perry ha hecho stuntwork para varios programas de televisión y películas como "Buffy the Vampire Slayer" ,"El Rey Escorpión" , y "Beowulf" .


title: Función de supervivencia

text: En análisis de la supervivencia se llama función de supervivencia, también conocida en ingeniería como función de fiabilidad, a la función que mide la probabilidad de que un sujeto sobreviva más allá de un periodo de tiempo dado.


title: Función de supervivencia

text: La función de supervivencia es el complementario de la función de distribución.


title: Función de supervivencia

text: Sea "T" una variable aleatoria definida sobre el intervalo [0, ∞) (que suele identificarse con el tiempo). Sea "F(t)" su función de distribución. Entonces se define Función de supervivencia como:


title: Función de supervivencia

text: La función de supervivencia es monótona decreciente, es decir, formula_2 si formula_3. Además, formula_4.


title: Función de supervivencia

text: En muchas ocasiones formula_5, pero puede ocurrir que formula_6 cuando existe una probabilidad de muerte positiva en el momento "t" = 0.


title: Microsoft Flight

text: Microsoft Flight es el título de un simulador de vuelo de Microsoft. El nuevo juego de simulación se presenta como continuación y sustituto de la última versión del célebre Microsoft Flight Simulator. En agosto de 2010, durante la gamescom, Microsoft anunció que estaba desarrollando un nuevo simulador de vuelo sin especificar más detalles sobre el contenido e innovaciones del mismo. Este anuncio llegó tras el cierre en 2009 por parte de Microsoft de Aces Studio, estudio responsable del desarrollo de la familia Flight Simulator para realizar una reorganización de recursos, la compañía indicó que el producto no se había abandonado del todo.


title: Microsoft Flight

text: Desde su lanzamiento, el 29 de febrero de 2012, Microsoft Flight ha obtenido numerosas críticas negativas por parte de los usuarios debido a la gran diferencia existente entre esta versión y las anteriores respecto al modo de funcionamiento, al realismo y a la libertad de vuelo.


title: Microsoft Flight

text: En esta última versión se ofrecen algunos aviones y escenarios en el Bazar xbox live, provistos hasta el momento por microsoft. No está claro un desarrollo de paquetes de terceros, como aeropuertos o aeronaves alternativas.


title: Ascensor de Katarina

text: El Ascensor de Katarina () es una estructura metálica de hierro construida en 1883, demolida en 1933 y reconstruida dos años después. Se accede a él desde la plaza de Slussen, en el barrio de Södermalm de Estocolmo, y eleva 38 metros por encima del puerto para ofrecer una espectacular vista del Barrio Antiguo ("Gamla Stan") y la bahía de la ciudad. El precio del trayecto se abona al ascensorista que se encuentra dentro del cubículo.


title: Ascensor de Katarina

text: Como nota curiosa cabe destacar que sale en una escena de la película de Paul Newman ""El premio"".


title: Ascensor de Katarina

text: Ayuntamiento de Estocolmo


title: Síndrome de Chédiak-Higashi

text: El síndrome de Chédiak–Higashi es una enfermedad genética de transmisión autosómica recesiva que afecta múltiples sistemas del cuerpo y se origina por la mutación en un gen regulador del tráfico lisosomal (LYST). Se presenta en humanos, ganado bovino, tigres, gatos persas y orcas.


title: Síndrome de Chédiak-Higashi

text: El nombre se le puso en honor al médico cubano Moisés Chediak Ahuayda y el pediatra japonés Otokata Higashi.


title: Síndrome de Chédiak-Higashi

text: Afecta el sistema inmune por el defecto en la función fagocitaria debido al fallo en la formación de los fagolisosomas en los neutrófilos, lo que impide la destrucción de las bacterias fagocitadas. Adicionalmente está afectada la función de las células T citotóxicas.


title: Síndrome de Chédiak-Higashi

text: Se presentan grandes vesículas lisosomales en los neutrófilos (patognomónico en el frotis sanguíneo), las cuales tienen una función bactericida, la función anormal incrementa la susceptibilidad a infecciones, anormalidades en la estructura nuclear de los leucocitos, anemia y hepatomegalia.


title: Síndrome de Chédiak-Higashi

text: El diagnóstico se realiza a partir de la observación de extendidos de médula ósea que muestran cuerpos de inclusión gigantes en las células precursoras de los leucocitos. También puede detectarse en la época prenatal mediante una muestra de pelo o sangre fetal.


title: Síndrome de Chédiak-Higashi

text: El síndrome de Chédiak–Higashi es un trastorno autosómico recesivo, causado por la mutación del gen LYST (lysosome trafficking regulator), de ubicación 1q42. Este gen contiene la codificación para la síntesis de la proteína conocida como regulador de tráfico lisosomal. Se cree que esta proteína juega un papel en el transporte de materiales hacia las estructuras llamadas lisosomas. Estos actúan como centros de reciclaje dentro de la célula y usan enzimas para degradar sustancias tóxicas, bacterias y componentes celulares inservibles. A pesar de que se conoce que esta proteína está involucrada en la función normal de los lisosomas, su papel exacto no se conoce.


title: Síndrome de Chédiak-Higashi

text: Es frecuente en ciertas zonas como Asia, Cuba, y en una zona rural de Táchira y Mérida, Venezuela, llamada " Pregonero".


title: Síndrome de Chédiak-Higashi

text: Los pacientes con el síndrome tienen la piel delgada (aspecto plateado o escarchado), albinismo parcial oculo cutáneo, el pelo plateado, de este conjunto de signos la denominación de "Niños Grises", como se los conoce en Venezuela y en otras regiones. Con frecuencia sufren de sensibilidad a la luz solar y fotofobia. Son comunes las afecciones neurológicas e infecciosas. las infecciones afectan las mucosas, piel y tracto respiratorio. Los niños afectados son susceptibles a infecciones por bacterias gram positivas y gram negativas y hongos, siendo "Staphylococcus aureus" el organismo que los afecta con mayor frecuencia. Estas infecciones son muy serias y usualmente amenazan la vida, llegando pocos afectados a la edad adulta. Los problemas neurológicos pueden presentarse, comienzan en la juventud, pueden convertirse en el problema más serio.


title: Síndrome de Chédiak-Higashi

text: El hallazgo hematológico más frecuente es la neutropenia, con los agregados lisosomales patognomónicos en el frotis sanguíneo. También se asocia con enfermedades periodontales de la dentición decidua. Puede existir sangrado por deficiencia plaquetaria. La morbimortalidad se vincula preferentemente a infecciones y/o trastornos linfoproliferativos.


title: Síndrome de Chédiak-Higashi

text: No existe un tratamiento específico para esta patología. El trasplante de médula ósea está siendo comunicado como exitoso en algunos pacientes. Se realiza tratamiento antibiótico de los procesos infecciosos y el drenaje de abscesos cuando la situación lo requiere. Se usan antivirales en fases tardías de la enfermedad, esteroides, ciclofosfamida, y vitamina C que mejora la función inmune y la coagulación en algunos pacientes.


title: Doab

text: Doab (en persa y urdu "dō", "dos" + "āb", "agua" or "río") es un término utilizado en la India y Pakistán para definir una lengua o franja de tierra que se extiende entre dos ríos que confluyen.


title: Doab

text: El Doab, sin la especificación del nombre de ningún río se refiere la franja aluvial llana que se extiende entre el Ganges y el río Yamuna en el oeste y suroeste del estado indio de Uttar Pradesh. El "Doab" se extiende desde Siwalik a la confluencia de dos ríos en Prayagraj. La región tiene un área de unos 60.500 km cuadrados. Su longitud es aproximadamente y su anchura de .


title: Doab

text: El Doab aparece en historias y mitos del Periodo védico, por ejemplo el Mahabharata se sitúa en al "Doab", en torno a la ciudad de Hastinapur.


title: Doab

text: Cada una de las franjas de tierra que yacen en las confluencias de los ríos de la región del Panyab, en India y Pakistán (la cuenca del Indo), tiene un nombre diferente. Se dice que estos nombres fueron acuñados por el rajá Todar Mal, un ministro del emperador mogol Akbar. Esos nombres, a excepción de 'Sindh Sagar', son el resultado de una combinación de las primeras letras (en alfabeto persa), de los nombres de los ríos que delimitan el Doab. Por ejemplo "Jech" es el resultado de 'Je'(Jhelum) + 'Ch'(Chenab). Además, la franja que se extiende entre el río Sutlej y el río Yamuna se conoce en ocasiones como el "Delhi doab", aunque en términos estrictos no es un doab pues los ríos que lo delimitan, el Yamuna y el Sutlej no confluyen.


title: Doab

text: El "Raichur Doab" es la región triangular de los estados de Andhra Pradesh y Karnataka que se extiende entre el río Krishná y su afluente el río Tungabhadra. Este Doab recibe su nombre por la ciudad de Raichur.


title: Guerra de los tres Enriques (977-978)

text: La guerra de los tres Enriques fue una breve rebelión de tres líderes germanos, todos ellos llamados Enrique, contra el emperador Otón II, en 977.


title: Guerra de los tres Enriques (977-978)

text: La conspiración se desarrolló en Baviera, mientras Otón estaba acampado contra Boleslao II de Bohemia. Los conspiradores—Enrique I, obispo de Augsburgo; Enrique II, duque de Baviera, quien recientemente había sido desposeído de su título; y Enrique III, duque de Carintia— también tenían el apoyo de la Iglesia. Otón, aliado con Otón I, duque de Suabia y Baviera, marchó primero contra Passau, en poder de los rebeldes. La ciudad se rindió en septiembre gracias a las tácticas de asedio del emperador, que incluía un puente construido con botes sobre el río.


title: Guerra de los tres Enriques (977-978)

text: Durante la Pascua de 978, los tres insurrectos fueron castigados en Magdeburgo. Ambos duques fueron desterrados, y Enrique de Carintia perdió su ducado en favor de Otón I, hijo de Conrado "el Rojo", . El obispo fue encarcelado hasta julio de ese año.


title: Guerra de los tres Enriques (977-978)

text: El principal resultado del conflicto fue la completa sumisión de Baviera: a partir de este momento ya no fue el más grande de los antiguos ducados tribales.


title: Licencia PHP

text: La licencia PHP es la licencia bajo la que se publica el lenguaje de programación PHP. De acuerdo a la Free Software Foundation es una licencia de software libre no "copyleft" y una licencia de código abierto según la Open Source Initiative. Debido a la restricción en el uso del término "PHP", no es compatible con la licencia GPL.


title: Licencia PHP

text: La licencia PHP está diseñada para incentivar la distribución del código fuente. Se permite la redistribución del contenido licenciado en forma de código fuente o binaria siempre y cuando se cumplan los siguientes requisitos:La versión 3 del lenguaje PHP usa una licencia dual: el código fuente de esa versión se encuentra disponible bajo la licencia PHP y la GNU General Public License. A partir de la versión 4 de PHP, esta última dejó de usarse debido a (según los desarrolladores del lenguaje) las restricciones impuestas por el "copyleft" a la reutilización de los contenidos.


title: Licencia PHP

text: De acuerdo a una discusión en la lista Debian legal, aún no se llega a un acuerdo con respecto a aceptar la compatibilidad de la licencia PHP con las directrices de software libre de Debian.


title: Byron Mann

text: Byron Mann (chino : 文峰; pinyin : Wen Feng) (Hong Kong; 27 de enero de 1967) es un actor hongkonés que ha hecho películas en Hollywood y en Asia.


title: Byron Mann

text: Mann actuó en películas como "Red Corner" y "The Corruptor", y en la serie de televisión "Dark Angel", y también ha coprotagonizado en "Catwoman" e "Invincible". Mann se hizo muy popular y conocido por participar en la película "" (junto a Jean-Claude Van Damme y Raúl Juliá) como Ryu. La película se basa en el popular videojuego del mismo nombre.


title: Byron Mann

text: Mann está interesado en los deportes, especialmente en tenis y golf. En un momento dado fue un jugador de tenis de alta clasificación en Hong Kong. También es un Wushu profesional, y ha mostrado sus habilidades en películas como "Invencible" y "Street Fighter".


title: Jardín botánico de la Charme

text: u El Jardín Botánico de la Charme (, también "Jardin botanique de Clermont-Ferrand") es un jardín botánico de 18.000 m² de extensión en Clermont-Ferrand, departamento de Puy-de-Dôme, Auvergne, Francia.


title: Jardín botánico de la Charme

text: El código de identificación del "Jardin botanique de Clermont-Ferrand" como miembro del "Botanic Gardens Conservation Internacional" (BGCI), así como las siglas de su herbario es CLER.


title: Jardín botánico de la Charme

text: Está abierto en los meses cálidos del año todos los días de la semana. La entrada es gratuita.


title: Jardín botánico de la Charme

text: El jardín botánico conoció numerosos emplazamientos a través de su historia.


title: Jardín botánico de la Charme

text: El primer jardín botánico de la ciudad se inauguró el 9 de agosto de 1781.


title: Jardín botánico de la Charme

text: A lo largo del siglo XIX se encontraba en el actual "Jardín Lecoq", que actualmente es un parque en el centro de la ciudad.


title: Jardín botánico de la Charme

text: Desde 1974, se establece en periferia de la ciudad, en la "rue de la Charme" (calle del Encanto).


title: Jardín botánico de la Charme

text: El jardín botánico contiene una colección sistemática donde las plantas se agrupan por familias y se etiquetan según la nomenclatura binomial en latín. También alberga :


title: Jardín botánico de la Charme

text: El conjunto del jardín contiene más de 2600 especies plantas, y la "grainèterie" una colección de granos donde se conservan las semillas recogidas en el jardín durante el año, así como semillas intercambiadas con otros jardines botánicos en el mundo, con más de 2000 muestras de semillas.


title: Marcel Dassault

text: Marcel Dassault, nacido Marcel Ferdinand Bloch (París, 22 de enero de 1892 – †Neuilly-sur-Seine, 27 de abril de 1986) fue un ingeniero, empresario, político y productor de cine francés, considerado un pionero de la aviación, y conocido por ser el fundador y primer director ejecutivo de la compañía Dassault Aviation, hasta que fue sucedido en el cargo por su hijo Serge Dassault.


title: Norte verdadero

text: El norte verdadero (o norte geográfico) es un término de navegación que se refiere a la dirección del Polo Norte en relación con la posición del navegante. Este concepto fue descubierto y reportado por el chino Shen Kuo en el siglo XI.


title: Norte verdadero

text: El " norte verdadero " se compara con el Norte magnético y la red norte (la dirección hacia el norte a lo largo de las líneas de una proyección cartográfica).


title: Norte verdadero

text: La dirección del " norte verdadero " está marcada en el cielo por polo norte celeste. Para la mayoría de los casos prácticos, es la posición de Alfa Ursae Minoris (Polaris). Pero, debido a la precesión del eje de la Tierra, el " norte verdadero " gira en una rotación que tarda alrededor de 25800 años en completarse. En el 2002, Polaris se encontraba en su posición más cercana al polo norte celeste. Hace 2000 años en cambio la estrella más cercana al polo norte celeste era Alfa Draconis (Thuban).


title: Pietro del Donzello

text: Pietro del Donzello (Florencia, 1452 - Florencia, 24 de febrero de 1509) fue un pintor italiano activo durante el Renacimiento.


title: Pietro del Donzello

text: Tanto Pietro como su hermano Ippolito deben su apellido al oficio de su padre, que fue mensajero al servicio del gobierno de Florencia ("donzello dell' signoria"). Ambos figuran en el catastro de 1480 con esta filiación.


title: Pietro del Donzello

text: Pietro comenzó su formación como artista junto a Giusto de Andrea. Después su labor sería en buena parte artesanal; además de pinturas también se encargaba de decorar estandartes y escudos. Su primera obra documentada es precisamente un estandarte con una figura alegórica de "Lombardía" (1483, perdido) para la Sala dell'Udienza del Palacio de la Señoría en Florencia. Es probable que el año 1488 lo pasara en Nápoles trabajando en la decoración de Poggio Reale. También trabajó entre 1503 y 1507 para la Opera del Duomo, para quien realizó diversos estandartes y blasones. Para el refectorio del Ospedale di San Matteo confeccionó los bancos y una de sus pocas obras pictóricas documentadas en Florencia: una "Crucifixión con dos ángeles" (1506, perdida). También es de su mano una "Anunciación" todavía conservada en la Capilla Frescobaldi en el Santo Spirito. Estas obras sugieren a Pietro como un modesto aunque dotado seguidor del estilo de otros artistas de mayor envergadura como Domenico Ghirlandaio o Lorenzo di Credi.


title: Ephebopus cyanognathus

text: La Ephebopus cyanognathus o tarántula de colmillos azules es una tarántula sudamericana de la familia Theraphosidae.


title: Ephebopus cyanognathus

text: La araña fue descrita por primera vez por los naturalistas West y Marshall, en el año 2000, y habita únicamente en Brasil, Guayana Francesa, Guyana y Surinam. Esta araña hábita en túneles semi-subterráneos construidos aprovechando la flora caída en el suelo de la selva protegidos por tela de araña; se alimenta principalmente de grillos, langostas, gusanos, moscas y cucarachas y es de comportamiento agresivo.


title: Museo

text: Un museo (del latín, "musēum" y este, a su vez, del griego, "Μουσείον") es una institución pública o privada, permanente, con o sin fines de lucro, al servicio de la sociedad y de su desarrollo, y abierta al público, que adquiere, conserva, investiga, comunica, expone o exhibe, con propósitos de estudio y educación, colecciones de arte, científicas, entre otros, siempre con un valor cultural, según el Consejo Internacional de Museos (ICOM). La ciencia que los estudia se denomina museología, la técnica de su gestión museografía y la administración de los mismos, museonomía.


title: Museo

text: Los museos exponen colecciones, es decir, conjuntos de objetos e información que reflejan algún aspecto de la existencia humana o su entorno. Este tipo de colecciones, casi siempre valiosas, existen desde la Antigüedad: en los templos se guardaban objetos de culto u ofrendas que de vez en cuando se exhibían al público para que pudiera contemplarlos y admirarlos. Lo mismo ocurría con los objetos valiosos y obras de arte que coleccionaban algunas personas de la aristocracia en Grecia y en Roma; los tenían expuestos en sus casas, en sus jardines y los enseñaban con orgullo a los amigos y visitantes. Fue en el Renacimiento cuando se dio el nombre de "museo" tal y como hoy se entiende a los edificios expresamente dedicados la conservación y exposición de sus colecciones permanentes. Por otra parte están las galerías de arte, donde se muestran pinturas y esculturas, en exposiciones temporales, sin que necesariamente posean colecciones permanentes. Su nombre deriva de las galerías (de los palacios y castillos), que eran los espaciosos vestíbulos de forma alargada, con muchas ventanas o abiertos y sostenidos por columnas o pilares, destinados a los momentos de descanso y a la exhibición de objetos de adorno, muchas veces obras de arte.


title: Museo

text: Después de la Primera Guerra Mundial (1918) surgió la Oficina Internacional de Museos, que articuló los criterios museográficos cuyos programas y soluciones técnicas son vigentes hoy en día. En 1945 nació el Consejo Internacional de Museos (ICOM, por sus siglas en inglés) y en 1948 aparece la publicación periódica "Museum" mediante la cual se difunden hasta hoy en día las actividades de los museos en el mundo.


title: Museo

text: Un museo en la actualidad es un establecimiento complejo que requiere múltiples cuidados. Suele estar dotado de una amplia plantilla de trabajadores de las más diversas profesiones. Generalmente cuentan con un director y uno o varios conservadores, además de restauradores, personal de investigación, becarios, analistas, administradores, conserjes, personal de seguridad, entre otros. Los expertos afirman que el verdadero objetivo de los museos debe ser la divulgación de la cultura, la investigación, las publicaciones al respecto y las actividades educativas. En los últimos años ha surgido la idea de las exposiciones itinerantes en las que museos de distintas ciudades aportan algunas de sus obras para que puedan verse todas reunidas en un mismo lugar.


title: Museo

text: Actualmente existen una gran variedad de museos: museos de arte, museos históricos, museos de cera, museos de ciencias y técnica, museos de historia natural, museos dedicados a personalidades y museos arqueológicos, por nombrar solo algunos.


title: Museo

text: En 1977 la ONU declaró el 18 de mayo como Día Internacional de los Museos.


title: Museo

text: Etimológicamente, el término museo proviene del griego "museion", templo y lugar dedicado a las musas, las divinidades inspiradoras de la música y el arte. Este término designa al primer «museo» construido en Alejandría alrededor del por Ptolomeo I "Sóter", fundador de la dinastía griega de los lagidas en Egipto. Era un conjunto que servía como santuario y centro de investigación intelectual:


title: Museo

text: Los escritores latinos señalan la existencia de un significado adicional de "museo". Todo parece indicar que así llamaban en la antigüedad romana a unas grutas con unas características especiales, y que, situadas dentro de las villas, sus propietarios las utilizaban para retirarse a meditar.


title: Museo

text: Hay incluso museos más antiguos, el museo de Ennigaldi-Nanna, construido por la princesa Ennigaldi al final del Imperio neobabilónico. El sitio data de ca. 530 a.C., y contenía artefactos de civilizaciones mesopotámicas anteriores. Cabe destacar que en el sitio se encontró una etiqueta de tambor de arcilla — escrita en tres idiomas— que hace referencia a la historia y al descubrimiento de un objeto de museo.


title: Museo

text: Fue en el Renacimiento, especialmente en Italia, donde se llamó «museum» a las galerías donde se reunían obras de arte: la palabra museo conservó (en su forma latina, "museum") la idea de lugares habitados por las musas. Pero el significado que renació se volvió más preciso en Italia en la segunda mitad del siglo XV: los príncipes italianos fueron los primeros en considerar la idea de una colección de pinturas y de esculturas, reunidas, ofrecidas a la mirada de los viajeros y artistas en los patios y en los jardines, y después en las galerías (amplios pasillos que conectaban entre sí distintas edificaciones). Asociaron las nociones de obra de arte, de colección y de público (muy limitado al principio porque concernía únicamente a los invitados de los príncipes, o muy a menudo a otros príncipes...), prefigurando el concepto de «museo de las artes».


title: Museo

text: Erasmo en el diálogo "Ciceronianus" (1528) describió los museos de Roma en ese momento: «Si por casualidad te sucediera ver en Roma los «museos» de los ciceronianos, haz un esfuerzo de memoria, te lo ruego, para acordarte dónde podrías haber visto la imagen del Crucificado, de la Santísima Trinidad o de los Apóstoles. Habrás encontrado en cambio en todas partes los monumentos del paganismo. Y en cuanto a las pinturas, Júpiter corriendo en forma de lluvia dorada por el pecho de Dánae capta más los ojos que el Arcángel Gabriel anunciando a la Santísima Virgen su divina concepción».


title: Museo

text: A finales del siglo XVIII, la palabra «museum» fue abandonada en favor de la de «museo» (aunque es de notar que en el caso de Francia, si bien la palabra para «museo» es "musée", la palabra "muséum" ha sido conservada en francés como un sinónimo de «museo de historia natural»).


title: Museo

text: El museo y la colección pública, tal como se conocen hoy, son una invención del siglo XVIII y se pueden considerar como el fruto de la Ilustración. En Francia, además de las varias colecciones reales abiertas excepcionalmente a la visita de los privilegiados, se formó en 1540 una «colección pública» en Lectoure (Gers), hoy Musée Eugène-Camoreyt de Lectoure. Contaba con una veintena de altares taurobólicos y algunas pocas estelas y otros monumentos epigráficos descubiertos cuando se trabajaba en el coro de la catedral y que luego fueron fijados en los pilares del Ayuntamiento desde 1591 hasta 1840. La primera colección pública de antigüedades romanas se presentó en 1614 en el Ayuntamiento de Arlés, seguida del acondicionamiento de la cercana y gran necrópolis de Alyscamps en 1784. Pero hasta 1694 no se inauguró el primer museo público en Francia como tal, establecido así en sus estatutos: será en Besançon (en el Franche-Comté), el Musée des beaux-arts et d'archéologie de Besançon. En el resto del país, fue la Revolución la que realmente estableció los primeros museos modernos, para poner a disposición de los ciudadanos las obras de arte de las colecciones reales o las confiscadas a los nobles y a las congregaciones religiosas. El museo, el lugar oficial de la exposición de arte, se convirtió en el centro de la vida de la ciudad. En París, el palacio del Louvre fue elegido para convertirse en museo en 1793, después de una primera presentación de los "tableaux du roi" en el palacio de Luxemburgo de 1750 a 1779.


title: Museo

text: Institución pública inicialmente, el «museo» pretende hacer accesible todo el patrimonio colectivo de la Nación, la idea de belleza y del conocimiento a través de una selección de objetos. El museo muestra el arte, pero también las ciencias, tecnología, historia y todas las nuevas disciplinas que traían progreso y modernidad.


title: Museo

text: Las primeras colecciones del arte aparecen en los peristilos de los templos antiguos. Delfos, la ciudad de los oráculos, se vanagloriaba de poseer un tesoro de esta especie repartido en tantas salas como pueblos diferentes había: el templo de Juno, en Samos, y la Acrópolis de Atenas estaban llenos de obras maestras del arte. Los sucesores de Alejandro Magno se esforzaron en reunir esculturas de todas clases. Con ellas hacían más ostentosas sus marchas de triunfo y además las empleaban en el embellecimiento de sus capitales: el arte, en estas ocasiones, daba vida y movimiento a la escena.


title: Museo

text: Roma siguió este ejemplo. Las imágenes de los dioses de los pueblos vencidos formaron parte del cortejo del vencedor y llegaban a la vez que los prisioneros. Entre los emperadores romanos, Nerón hizo llegar desde Delfos 500 estatuas para adornar su palacio imperial y aumentar el lujo y la pompa del mismo. Los edificios públicos y los palacios se adornaban con gusto y el arte se mezclaba allí con la naturaleza viva.


title: Museo

text: En la Edad Media, el coleccionismo hizo su aparición, gracias a los tesoros de las iglesias medievales y de los antiguos templos que los reyes y los nobles convirtieron en reservas de materiales preciosos. Sin mencionar los marfiles y los tapices que acompañaban a los nobles de castillo en castillo. Además, los retratos de una burguesía naciente difundieron en Europa el formato del cuadro, y las pinturas históricas de grandes dimensiones comenzaron a adornar las galerías de los castillos que se convirtieron en lugares de representación y poder desde el siglo XV.


title: Museo

text: Al principio del siglo XV, Roma solo tenía cinco estatuas antiguas de mármol y una de bronce. Bien pronto se abrió en Florencia una nueva era para las artes que encabezaron los Médici. Fue en esa etapa del temprano Renacimiento cuando resurgió la idea de museo, un momento en el que se redescubrió la Antigüedad, particularmente a través de los textos de filósofos griegos y romanos (Platón, Aristóteles, Plutarco…). Mientras tanto, se descubrían en el subsuelo italiano materiales de la Antigüedad, incluidos restos de columnas, estatuas, jarrones, monedas, fragmentos grabados... que se comenzaron a coleccionar. Varias familias nobles romanas y del resto de Italia participaron de esta inclinación e instigaron algunas excavaciones que continuaron con perseverancia. En primer lugar los papas que, con Sixto IV, iniciaron las colecciones de los Museos Capitolinos en 1471; luego humanistas y príncipes, como Ciríaco de Anconao Niccolò Niccoli consejero de Cosme el Viejo de Medici, y también familias nobles como los Borghese, los Farnese o los Este; y finalmente, con el transcurso del tiempo, los ricos adinerados amantes de la cultura y la historia. Muchas colecciones de medallas y antigüedades se formaron por toda Italia. Al gusto por las medallas (es decir, monedas) se unió el de las piedras grabadas, y la familia de Este fue la primera que formó un gabinete de piedras grabadas, cuyas inscripciones suscitaban mucho interés y curiosidad. Luego se encapricharon de las estatuas —que permanecieron largo tiempo como adorno en las bibliotecas y salones de los palacios de los príncipes y gustaban aún verlas en parajes abiertos— y finalmente surgió la pasión por los retratos de hombres ilustres, como Paulo Jovio, que fue el primero que decidió mostrar su colección de piezas y de 400 retratos de hombres importantes de su tiempo. En 1521, los presentó en una casa construida para la ocasión en Borgo Vico, cerca de Como. En referencia al "museion" de la Antigüedad, decidió llamar a ese lugar museo. Cosme I de Médici se dedicó a reunir antigüedades y echó así los cimientos de la célebre galería Uffizi, que se inaugurará en 1581. Otro Médici, el papa León X, cuya villa sobre el monte Pincio fue el punto central en que se depositaron esas obras maestras que se encontraban. Luego, otros príncipes se disputaron la gloria de conquistar un nombre protegiéndolas. Las colecciones se multiplicaron y apasionarán a príncipes y otros curiosos. Los museos van a florecer entonces por toda Europa y cada uno veía en ello una muestra de su poder.


title: Museo

text: Desde mediados del siglo XVI hasta el XVIII, con la proliferación de los viajes de exploración, se van a agregar a ellos las colecciones de historia natural, o incluso de instrumentos científicos (como el del Elector de Sajonia en Dresde). Esta fue la edad de oro de los gabinetes de curiosidades. Todas estas colecciones serán organizadas gradualmente por especialidades desde finales del siglo XVII, y se abrirán poco a poco a un público más amplio que el de los príncipes y eruditos. El gabinete de Amerbach en Basilea fue el primero abierto al público en 1671, seguido por el Museo Ashmolean de Arte y Arqueología de Oxford, que abrió sus puertas en 1683, cuando la universidad de dicha ciudad decidió mostrar al público la colección que Elias Ashmole le había legado cuatro años antes. El edificio destinado a alojarla, se convirtió así en el primer lugar de exposición abierto al público de forma permanente.


title: Museo

text: Desde el siglo XVIII y especialmente a principios del siglo XIX, las aperturas al público de las hasta entonces colecciones privadas se multiplicaron por toda Europa: en Roma, donde los Museos Capitolinos fueron abiertos al gran público en 1734; en Londres, con el Museo Británico abierto en 1759; en Florencia, con la Galería de los Uffizi en 1765; en Roma, incluso con el Museo Pio-Clementino en 1771, aun cuando el núcleo inicial de la colección de los museos del Vaticano incluyendo el Laocoonte adquirido por Julio II estuviera expuesto al público desde 1506 en el "patio de estatuas"; en Viena, con el palacio Belvedere, en 1811; en Madrid, el museo del Prado, en 1819; en Ginebra, con el museo Rath, en 1826; en Múnich, con la Alte Pinakothek en 1828 la Gliptoteca de Múnich en 1830; en Berlín, con el Altes Museum, en 1830, uno de los primeros museos que se instalaron en un edificio especialmente diseñado para ese uso; mientras que algunas colecciones principescas durante mucho tiempo accesibles a visitantes privilegiados fueron abiertas al público en general, como en San Petersburgo, con el Palacio de Invierno, en 1852, o en Dresde, con la Galería de los Viejos Maestros, en 1855.


title: Museo

text: En Francia, el Museo de Bellas Artes y Arqueología de Besançon tuvo su origen en el legado, en 1694, de las colecciones y biblioteca del abad Boisot, que las cedió con la condición de que fueran abiertas dos veces por semana al público. Luego, el Cabinet des médailles se abrió al público en 1720, después de su traslado desde Versailles a la Biblioteca Nacional. En 1750 se creó una verdadera galería de pinturas en el palacio de Luxemburgo, en la que se exponía la parte pública de la colección de la corona, que fue cerrada en 1779. Tras la Revolución se vio la apertura del Louvre, el 10 de agosto de 1793. Del mismo modo, el Museo Nacional de Historia Natural de Francia fue creado en ese mismo año (a partir del Real Jardín de las Plantas Medicinales, existente desde 1635), el Conservatorio Nacional de Artes y oficios en 1794 y el Museo de los Monumentos Franceses en 1795.


title: Museo

text: Siguiendo estos ejemplos, también se crearon varios museos de arte en las provincias después de la Revolución, con el objetivo de construir colecciones públicas para la educación de artistas y ciudadanos, como el de Reims en 1794; el de Arras en 1795; el de Orléans, en 1797; o el de Grenoble en 1798, que se inauguró solo en 1800, aprovechando localmente la nacionalización de las propiedades del clero y la confiscación de las de los emigrantes. A medida que la Revolución se extendió en el extranjero, los ejércitos republicanos llevaron de regreso a Francia los tesoros de las colecciones europeas, incluidas las del Renacimiento italiano, siguiendo el tratado de Tolentino suscrito por Bonaparte en 1797. Estas obras se incorporaron al Louvre y algunas fueron parcialmente dispersas por los museos provinciales. Bajo el Consulado, otras creaciones de museos seguirán desde el decreto Chaptal de 1801, con los museos de Bellas Artes de Lyon, Nantes, Marsella, Estrasburgo, Lille, Burdeos, Toulouse, Dijon, Nancy, luego en 1803 Rouen, Rennes y Caen, y también en tres ciudades que se convertirán en francesas, Bruselas, Maguncia y Ginebra, cuya colección iniciada en 1804 sin embargo no estará abierta al público hasta 1826. El Museo de Picardía en Amiens se fundó en condiciones similares en 1802, el Museo Calvet de Aviñón en 1811, o el museo de Nîmes en 1821 en la Maison Carrée. Esta política también inspiró la creación, bajo la Revolución y el primer Imperio, de museos en Bolonia en 1796, en Ámsterdam con el Rijksmuseum en 1798, en Milán con la Pinacoteca de Brera y en Anvers en 1810; o Venecia, incluso galerías fundadas en 1807 de la Academia veneciana no se abrieron al público general hasta 1817.


title: Museo

text: El siglo XIX vio un retorno a la Antigüedad, como en la época del Renacimiento; pero esta vez, fue la ruta del Oriente la que los investigadores tomaron (a menudo calificados también de saqueadores). Grecia fue el primer destino: desde 1812, el príncipe heredero del reino de Baviera compró estatuas y otros fragmentos despojados en 1811 del templo de Afaya de Egina. Para protegerlos y exponerlos al público, hizo construir una «gliptoteca» o galería de esculturas, la conocida como Gliptoteca de Múnich, construida entre 1806 y 1830, obviamente, al más puro estilo griego, con un pórtico de columnas acanaladas de orden dórico y que será inaugurada en 1836. Las otras naciones europeas rápidamente tomaron el relevo (y la moda): en 1816, el Parlamento británico compró los mármoles del Partenón de Atenas, que habían sido desmontados y repatriados al Reino Unido por lord Elgin, embajador británico en Constantinopla. Encontraron refugio en el Museo Británico, que acababa de adquirir también los frisos del templo de Apolo de Bassae. Y también sufrirá su transformación en un templo griego en 1823. Y Francia no se quedó atrás: en 1820, el marqués de La Riviere, embajador de Francia en Constantinopla, adquirió la ahora famosa Venus de Milo, que siempre fue la fortuna del Louvre. Anteriormente, su predecesor, el conde de Choiseul-Gouffier había organizado el traslado a Francia del friso de las Panateneas. Después de Grecia, fue Egipto. En 1798, el joven general Bonaparte fue enviado a ese país para socavar el poder de Gran Bretaña en el mar Mediterráneo oriental y las Indias. Lo acompañaron 160 científicos, astrónomos, naturalistas, matemáticos, químicos, pero también pintores, diseñadores o arquitectos responsables de explorar Egipto y conocer mejor la historia, la naturaleza y las costumbres del país. Si la conquista militar resultó ser un fracaso total, la expedición científica fue un tremendo éxito que será el origen de la «egiptomanía», en boga en Europa en la primera mitad del siglo XIX. En testimonio dos magníficas obras, "Le Voyage dans la basse et haute Égypte" de Vivant Denon (que era un miembro de la expedición) y sobre todo la monumental de "Description de l’Égypte", publicada entre 1809 y 1822 en 20 volúmenes. Para testimoniar las riquezas llevadas a Francia se creó en 1826 el museo egipcio del Louvre, dirigido por Jean-François Champollion, que ese mismo año había descifrado los jeroglíficos gracias a la piedra de Rosetta —que ya se exhibía desde 1802 en Londres en el Museo Británico—, que siguió por pocola creación del Museo Egipcio de Turín en 1824. Los productos de las excavaciones egipcias también conducirán a la apertura del Museo Egipcio en El Cairo en 1863, primero ubicado en Boulaq. Finalmente, el último destino de la arqueología oriental de esta primera mitad del siglo XIX fue Mesopotamia. En 1847 se creó en el Louvre el Museo asirio, enriquecido por las excavaciones en Nínive del cónsul de Francia Paul-Émile Botta, así como los de la misión dirigida por Victor Place en Khorsabad entre 1852 y 1854. Entre los objetos expuestos en esta nueva sección del Louvre figuraban los famosos "toros alados de Khorsabad que enmarcan una puerta del museo.


title: Museo

text: Este interés por la arqueología oriental no impidió interesarse en la historia del propio país, incluso de la propia localidad. Así, nacieron muchos museos de investigaciones locales llevadas a cabo por sociedades científicas. Este fue el caso de la Société des antiquaires de Normandie fundada en Caen en 1824, que organizará su propio museo que abrirá al público en 1860. Será un caso repetido en muchas otras ciudades de Francia. También encuentran interés tanto los elementos arquitectónicos como los objetos religiosos, estatuas y monedas; cualquier hallazgo del pasado local fue estudiado y preservado. En relación con la historia nacional, fueron los jefes de estado los que a menudo fueron los instigadores. En Francia, fue Luis Felipe I quien creó la galería de las Batallas del château de Versailles desde 1837. De de longitud, está decorada con 33 pinturas de las grandes batallas militares que conoció Francia, desde Tolbiac (496) a Wagram en 1809, pasando por el año 1792 o la de 1830, sin olvidar la época medieval, donde cinco Sala de las Cruzadas exponen los blasones de las familias que habían defendido la Cristiandad. Se encargaron otras pinturas después de la apertura, recordando la conquista de Argelia o las guerras del Segundo Imperio (Crimea, Italia y 1870-1871). Este museo histórico se supone que manifiesta la unidad y la continuidad nacional. Otros museos, más especializados, también se crearon o evolucionaron durante el siglo XIX. Fue el caso del Museo de los Monumentos Franceses, creado en 1795 durante la Revolución pero que tuvo que cerrar sus puertas en 1816. Será transformado en un museo de la Edad Media en 1844, gracias al coleccionista Alexandre du Sommerard que instaló en el hôtel de Cluny un verdadero bazar de objetos medievales y renacentistas. Otro museo de historia especializada creado durante este siglo, el de las Antigüedades nacionales, fundado en 1862 en el castillo de Saint-Germain-en-Laye en Yvelines por el emperador Napoleón III, dedicará gran interés a la historia de la Galia. Pero la educación artística también tomó otras formas: el museo de arte sirvió de hecho en ese momento como un lugar de formación para estudiantes y artistas. Estos no cesaran, durante todo el siglo, de «copiar» las pinturas de los maestros presentes en los principales museos y especialmente en el Louvre, hasta el punto de tener que establecer reglas: un cuadro no podía ser copiado por más de tres personas a la vez. La copia de las escultura también se puso en marcha: en 1840, el catálogo del taller de fundición del Louvre tenía 300 moldes; en 1885, ya tenía casi un millar y en 1927, el año del cierre del taller, no menos de que fueron donados al "musée de la sculpture comparée" [museo de escultura comparada], creado en 1882 en el Palacio de Trocadero, según un proyecto muy querido por Viollet-le-Duc. El museo, que retomó el nombre de "musée des monuments français" («Museo de los Monumentos Franceses»), como un eco del museo creado bajo la Revolución, ahora es parte de la Ciudad de la Arquitectura y el Patrimonio, instalada en el palacio de Chaillot. Fuera de la capital francesa, los museos de arte se multiplicaron: tras Amiens que había inaugurado un nuevo edificio en 1867, fue el turno de construir nuevos museos en Grenoble, y después en Marsella, Rouen, Lille y Nantes. Lo mismo ocurrió fuera de Europa: en Canadá se fundó el Museo de bellas artes de Montreal en 1860; y en los Estados Unidos, se inauguraron en 1870 el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y el Museo de Bellas Artes de Boston, seguidos por el Museo de Arte de Filadelfia en 1877 y el Instituto de Arte de Chicago en 1879. En Europa se inauguró igualmente el Kunsthistorisches Museum de Viena en 1891, etc.


title: Museo

text: En esta segunda mitad del siglo, no solo los grandes museos atraían al público, sino también las grandes exposiciones. La utilidad social del museo público se convierte así en una suerte de evidencia: «las obras del genio pertenecen a la posteridad y deben salir del dominio privado para ser entregadas a la admiración pública», escribió Alfred Bruyas, amigo y protector de Gustave Courbet cuando en 1868 ofreció su colección a la ciudad de Montpellier. Así, desde la década de 1820, en el Louvre se organizaban exposiciones, y no solo exposiciones de arte. De hecho, en el siglo XIX la industria se desarrolló y los museos podían exponer los productos de la industria francesa. Así nacen las escuelas de dibujo, las exposiciones universales y los museos de arte aplicado. El primero de ellos se abre en Londres en 1852, después de la primera exposición mundial celebrada en esa ciudad un año antes. Henri Cole, empresario y caballero victoriano recibió el encargo de formar una colección permanente mediante la compra, por , de los objetos exhibidos en la exposición universal que acaba de finalizar. Encontró un terreno en South Kensington y rápidadmente el museo, con sus numerosas colecciones, su escuela de arte, su anfiteatro y su biblioteca, se convirtieron en un modelo envidiado. Fue renombrado como Victoria and Albert Museum. En los años siguientes, surgieron muchos otros museos de arte decorativo, desde Viena hasta Budapest, pasando por Estocolmo y Berlín. En Francia, no fue hasta 1905 cuando apareció ese museo en París. Sin embargo, ya en 1856, se decidió un museo similar en Lyon, por iniciativa de la Cámara de Comercio de la ciudad. Al año siguiente, tuvo lugar en Mánchester una de las exposiciones de arte más ambiciosas, "Art Treasures". Quería ser una síntesis del arte antiguo, con una retrospectiva de pinturas antiguas y esculturas, y de arte contemporáneo, con el arte decorativo y una selección de pinturas británicas contemporáneas. El éxito popular fue tal que se fletaron desde Londres trenes especiales. El éxito popular de las exposiciones y de los museos era el reflejo de una política de instrucción y de divulgación que marcó el último cuarto del siglo XIX, especialmente en Francia: «la reorganización del museo es el corolario de la de la escuela» según los términos de una circular ministerial que data de 1881. Las intenciones del gobierno en favor de los museos cantonales se transmiten mediante campañas protagonizadas por asociaciones, como la dirigida por un abogado de Lisieux, Edmond Groult, : «moralizar con la instrucción, encantar con las artes, enriquecer con las ciencias», era el eslogan de este militante de la lección de las cosas, que logró suscitar la creación de una cincuentena de estas pequeñas enciclopedias locales. Otros, más ambiciosos, crearon museos bastante específicos como el industrial Émile Guimet, que, buscando quienes eran los hombres que más felicidad habían procurado a la Humanidad, encontró que eran los fundadores de religiones y de ahí la creación, por primera vez en Lyon (1879) y después en París (1889), de un museo de historia de las religiones de Oriente, que ahora lleva su nombre, Museo Guimet.


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text: El último capítulo sobre los museos en el siglo XIX fue el de los museos etnográficos. Fueron los herederos de los gabinetes de curiosidades enriquecidos por los viajes de exploración y después por la formación de los imperios coloniales. Surgieron cuando la etnografía misma se estaba convirtiendo en una disciplina autónoma, es decir, a mediados del siglo XIX. Por ello, desde 1837, de regreso de un viaje a Japón, el médico y botánico Philip Franz Von Siebold recibió el encargo del rey de los Países Bajos de que organizara en un museo las colecciones de las que había informado. Así nació el museo Voor Volkerkunde de Leiden. El ejemplo se difundió en Alemania, en Leipzig, Múnich y Berlín. En París, justo al día siguiente de la Exposición Universal de 1878, Ernest Hamy, profesor de antropología en el Museo Nacional de Historia Natural de Francia, recibió el encargo de abrir un museo etnográfico en el entonces nuevo palacio del Trocadero. En el Reino Unido, en 1883, la Universidad de Oxford se benefició de la donación del general Pitt-Rivers, que había comenzado a coleccionar armas para seguir sus perfeccionamientos. En ese momento, las innovaciones museográficas llegaron de los países escandinavos: estimulados por un fuerte deseo de afirmación nacional, las investigaciones en etnografía local alentaron la conservación de las evidencias materiales de las tradiciones populares. Así nació en 1873 el Nordiska Museet en Estocolmo, un museo dedicado a todas las comarcas «donde se hable una lengua de origen escandinavo». Los objetos de la vida rural, como los de la vida urbana, se presentaron en ellos «en interiores animados por figuras y grupos que representan escenas de la vida íntima y de las ocupaciones de la vida doméstica». Esta presentación de los interiores tradicionales estaba inspirada en los museos de cera, muy a la moda al mismo tiempo, como el musée Grévin, que se inauguró en París en 1882. En 1884 se abrió una sala de Europa en el Museo del Trocadero, donde se ve un interior bretón compuesto por siete maniquíes de tamaño natural. Finalmente, siempre en el campo de los museos etnográficos, se abrió al público en 1827, el museo de la Marina, en una decena de salas del Louvre. Se exponían en él, por un lado, «las maquetas de los navíos franceses antiguos y nuevos», y por otro lado, las curiosidades etnográficas traídas de tierras lejanas por los navegantes franceses. En la primera sala, se creó una extraña pirámide, formada por restos (campanas, tubos de cañón, piezas de anclaje...) de los buques de La Pérouse, "la Boussole" y "l'Astrolabe", naufragados en 1788 en la isla de Vanikoro, en el océano Pacífico. En 1943, el Museo Nacional de la Marina también se trasladó al Palacio de Trocadero.


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text: El siglo XX vio la modernización de los museos. En los albores del nuevo siglo, y especialmente entre las dos guerras mundiales, la institución del museo fue objeto de muchas críticas: acusada de ser pasadista, académica y de mantener la confusión, parecía de hecho, demasiado conservadora y no seguía la evolución artística en curso. Prueba de ello eran las nuevas tendencias, que como el Impresionismo no estaban apenas presentes en las colecciones. Además del Museo del Luxemburgo, el primer museo dedicado desde 1818 a artistas vivos, pocos de ellos tenían obras impresionistas realmente expuestas. De ahí la idea de algunos de crear verdaderos museos de «arte moderno». La designación hizo fortuna. Venía, entre otros, de la boca de un periodista y dibujante, Pierre André Farcy, más conocido como Andry-Farcy, que realmente iba a rejuvenecer a la institución, creando en 1919 en el museo de Grenoble, donde fue nombrado conservador, la primera sección de arte moderno. Para esto, recibió donaciones de artistas vivos y aún no muy famosos: Matisse, Monet o Picasso. Y coleccionistas como Marcel Sembat le legaron las obras que habían coleccionado. El museo de Grenoble se convirtió rápidamente en un referente en Francia, e incluso se anunciaba a los turistas anglófonos que visitaban la región. E iba a ser emulado, como en París donde igualmente en 1919, el famoso escultor Auguste Rodin impondrá, a cambio del legado de todas sus colecciones, la creación de un museo dedicado a su trabajo, el Museo Rodin; y eso a pesar de un animado debate parlamentario, en el que algunos se sintieron ofendidos por la inmoralidad de sus esculturas y otros negaban que el estado pudiese hacer un museo de un artista vivo.


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text: En 1919 y 1920 las dos ramas del Museo de la pintura occidental moderna de Moscú (MNZJ1 y 2), el primero en el mundo dedicado a este período, la N de su nombre significa moderno en ruso, fue abierto al público con las colecciones nacionalizadas por Lenin de Serguéi Shchukin e Ivan Morozov, cuyas 800 obras se reunieron en 1923 en el palacio de este último para convertirse en el Museo del Estado de arte occidental moderno (GMNZI) hasta 1941. En 1927, Claude Monet eligió la orangerie del jardin de las Tullerías, para acomodar el ciclo de "Les Nymphéas", que el pintor donó al estado en 1920. El Museum Folkwang de Essen en 1927, el Museo de Arte de Lodz en 1930 y el Museo Kröller-Müller en Otterlo en 1938 también se encuentran entre los primeros museos de Europa en abrirse a la vanguardia moderna, mientras que el Musée national d'art moderne, que aunque ya había sido instituido en 1937 e iba a ser inaugurado a finales de 1939, realmente no abrió sus puertas hasta después de la guerra, en 1947. Al mismo tiempo, al otro lado del Atlántico, las cosas también se estaban moviendo. Entre 1929 y 1931, se celebraron en Nueva York una serie de exposiciones dedicadas a artistas modernos: Cézanne, Van Gogh, Gauguin o Seurat. Estas exposiciones se acompañaron, en 1929, con la apertura de un museo permanente dedicado especialmente a estos maestros modernos, europeos y estadounidenses, desde Gauguin hasta la actualidad, el MoMa (Museo de Arte Moderno), que hará escuela. En Francia, no fue hasta la década de 1940 cuando se crearon nuevos museos dedicados a este tipo de arte: en el Palais de Tokyo de París, dos museos de arte moderno se enfrentaron: el del Estado musée national d'Art moderne) y el de la ciudad de París (musée d'art moderne de la ville de Paris). El museo nacional reunirá las colecciones del Museo de Luxemburgo, que se había vuelto demasiado pequeño, con las del Jeu de Paume, una filial del primero dedicada a las escuelas extranjeras desde 1922, donde se encontraban obras de Kandinski, Picasso o Salvador Dalí. Su primer director, Jean Cassou, enriquecerá este nuevo museo con obras de Matisse, Picasso, Braque o Brancusi, todo entonces vivos.


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text: Durante ese período, desde entreguerras hasta la década de 1950, las prácticas museográficas heredadas del siglo XIX fueron profundamente cuestionadas: los amontonamientos en vitrinas de series de objetos repetitivos, las pinturas colgadas borde con borde en dos, tres o cuatro filas superpuestas, las decoraciones de habitaciones sobrecargadas de oro y estuco. Ahora se quería una estética depurada, se buscaba resaltar el objeto en sí mismo: se aligera la presentación aislando más cada objeto, lo que facilita el movimiento de los ojos, se favorece la neutralidad de los fondos y se presta atención a los soportes y a la iluminación Se crean reservas o galerías de estudio, todo de acuerdo con los principios de una nueva escuela de pensamiento, la que defendía la escuela de la Bauhaus en Weimar, Alemania. Esta escuela había sido fundada por Walter Gropius y entre sus profesores impartieron clases allí Itten, Kandinski, Klee, Moholy-Nagy o Schlemmer. Mies van der Rohe, que dirigió la escuela desde 1930 hasta su cierre en 1933, antes de exiliarse en los Estados Unidos. En 1942 dibujó un «proyecto de museo para una ciudad pequeña». Imaginó entonces eliminar las particiones para «abatir la barrera que separa la obra de arte de la comunidad viviente». Pero la innovación arquitectónica no se quedó atrás: en 1943, se construyó en Nueva York la galería de exposiciones del edificio Solomon R del Museo Guggenheim. Terminado en 1959, consiste en una rampa en espiral de , que se desarrolla en cinco niveles y se divide en una cuarentena de «salles». Esta elección de un plano inclinado como lugar de exhibición ha dado lugar a innumerables controversias.


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text: En esta nueva organización del espacio del museo, con frecuencia se disponen salas para las exposiciones temporales, cuya organización se convierte, poco a poco, en un componente natural de la vida de un museo. Para tratar de estas cuestiones, así como de los problemas de arquitectura, conservación y restauración, se organiza a escala internacional la profesión museística. En 1926, bajo los auspicios de la Sociedad de Naciones, se creó la Oficina Internacional de Museos, que publicó la revista "Mouseion". Ocho años después, en 1934, la Oficina organizó en Madrid una conferencia internacional de estudio que convino reglas en el campo de la arquitectura y el desarrollo de los museos de arte, pronto publicadas en un manual de museografía. Y en 1946 se creó una nueva organización internacional para la cooperación museística en el marco de la Unesco: el Consejo Internacional de Museos ("International Council Of Museums", o ICOM). Durante 18 años, de 1948 a 1966, fue dirigido por Georges-Henri Rivière, fundador del Museo Nacional de Artes y Tradiciones Populares. Era partidario de una nueva museología que, en este período de modernización y descolonización, hiciese jugar a los museos, especialmente en la etnografía, un papel de desarrollo social y no solo de preservación del pasado. Fue a partir de estas ideas de la que nacieron los ecomuseos. Herederos de los museos etnográficos locales o al aire libre nacidos en el norte de Europa a finales del siglo XIX, estos «museos de sitio» se dedicaron, desde finales de la década de 1960, tanto al hábitat como al medio ambiente, y a veces al medio industrial. De hecho, fueron parte de un vasto movimiento de proliferación de museos a escala internacional que se desarrolló durante la década de 1970. Estos establecimientos, llamados «centros de interpretación», se querían la expresión de la diversidad cultural, una forma de afirmar la identidad de las comunidades étnicas o sociales que se reconocen en torno a un territorio, a una actividad agrícola o a un patrimonio industrial


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text: En "Le Musée imaginaire", André Malraux se centra en 1947 en analizar el fenómeno museológico:


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text: A partir de 1975, cuando en el mercado del arte se comenzó a competir, una serie impresionante de construcciones, ampliaciones y renovaciones sacudió al mundo de los museos en las metrópolis y las ciudades medias, movilizando a los arquitectos más reconocidos. Es ejemplo, el Centro Georges Pompidou, inaugurado en París en 1977. Los arquitectos, Renzo Piano y Richard Rogers crearon amplias bandejas libres en la periferia en las que se colocaron, visibles en fachada, los dispositivos que aseguraban las funciones técnicas. Este nuevo acondicionamiento de los museos permitía ofrecer la mayor flexibilidad a la exposición de las obras. Otros museos ofrecen la misma disposición: el Museo del Aire y del Espacio en Washington, inaugurado en 1975, o la Ciudad de las Ciencias y la Industria de París, construido a mediados de la década de los años 1980.


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text: Esta década supuso también la voluntad de renovar los viejos monumentos para transformarlos en museos o de rehabilitar los museos construidos en el siglo XIX. Del primer caso, dos ejemplos de París, el Museo Picasso, inaugurado en 1985, ubicado en un hôtel particulier del siglo XVIII en el distrito del Marais, y el Museo de Orsay, inaugurado el año siguiente en los terrenos de la antigua estación de Orsay construida en 1900. Pero otro ejemplo ilustra este caso con el Museo de la Revolución francesa en Vizille, inaugurado en 1984 en el antiguo castillo del duque de Lesdiguières pero también de los presidentes de la República francesa. Del segundo caso, los ejemplos se pueden multiplicar en provincias (Amiens, Ruan, Nantes, Lyon...). En París, el ejemplo más llamativo sigue siendo la rehabilitación de la antigua Galería de Zoología, inaugurada en 1889 pero reconvertida en 1994 en la actual Gran Galería de la Evolución después de estar cerrada durante casi treinta años entre 1965 y 1994.


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text: En 1978, el arquitecto Ieoh Ming Pei construyó la nueva ala de la National Gallery de Washington. Compuesta por dos bloques triangulares organizados alrededor de un patio central, alberga salas de exposiciones y un centro de estudio de las artes visuales. En él se ve el motivo de la pirámide, utilizada como una claraboya, que se encontrará luego en la ampliación del Louvre.


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text: Estos museos, de apariencia moderna o posmoderna, se organizan ahora como centros culturales: además de los espacios expositivos, permanentes o temporales, albergan diversos equipamientos: centros de investigación, de documentación o de restauración de obras, a veces bibliotecas públicas, auditorios, salas audiovisuales, talleres educativos, servicios comerciales, librerías, boutiques, cafés, restaurantes, así como superficies importantes para la recepción, información y orientación de los visitantes. El objetivo es atraer a más visitantes. Para ello los museos ofrecen una amplia gama de actividades, publican libros, producen películas u organizan conciertos o conferencias. De hecho, estos grandes museos se convierten en centros de actividad multifacéticos, anclados en el corazón de la ciudad y característicos de un momento en que lo espiritual y el consumo se entrelazan estrechamente en lo que se denomina «vida cultural».


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text: Pero para eso fue necesario acondicionar esos museos, algunos de gran extensión, como el MoMa en Nueva York, la National Gallery en Washington o el Gran Louvre en París. Estas grandes obras transformaron la visión «clásica» del museo dándole una forma «moderna», a la vez más grande y más acogedora. Éxito que manifiesta el aumento continuo de su asistencia: como ejemplo, la de los 30 museos nacionales franceses, que dieron la bienvenida en 1960 a 5 millones de visitantes, que fueron 6 millones en 1970, más de 9 millones en 1980 y casi 14 en 1993.


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text: El aumento puede explicarse por la apertura de los nuevos edificios y por el aumento de la capacidad de acogida, pero también por el hecho de que la visita al museo recuperó prestigio. Por ejemplo, el Louvre, Versalles u Orsay recibían cada día entre . En efecto en la década de 1980 se comenzó a hablar de industria cultural, de oferta y demanda, de inversión y de rentabilidad. Se empezó a decir que un museo debía de funcionar como una empresa y atraer a sus clientes. Esta lógica comercial fue llevada muy lejos por el Museo del Louvre, que comercializó su marca con franquicias en países prósperos como los Estados Unidos o los países del Golfo. Y eso que continuo recibiendo una gran subvención del Ministerio de Cultura porque, en Francia, el mecenazgo era demasiado débil para reemplazar por completo al dinero público. Los grandes museos se encontraron en una situación de economía mixta y autoridad disputada.


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text: Esta reactivación de los museos en los años ochenta afectó especialmente a los museos de arte contemporáneo, pero también a los museos arqueológicos y a los museos de sitio. Este movimiento general, impulsado y apoyado por el Estado, fue asumido por las autoridades locales que percibieron el valor simbólico de este tipo de equipamiento cultural.