title: Matalascañas

text: Las carreteras de acceso a la localidad son muy limitadas debido a la aproximación al parque nacional. Las dos únicas carreteras son:


title: Matalascañas

text: La longitud de la playa urbana es de 5,5 km. La costa de todo el municipio de Almonte consta de 50 km. La playa de Matalascañas ofrece una arena blanca de grano fino, que varía en densidad de ocupación entre las zonas de Torre la Higuera y El Coto (junto al parque nacional de Doñana). Está dotada con instalaciones hoteleras, zonas de ocio y playas semivírgenes, siendo una de las más largas de la Costa de la Luz.


title: Matalascañas

text: Gracias a su calidad medioambiental, la Fundación Europea de Educación Ambiental le ha otorgado 16 banderas azules consecutivas (desde 1994 hasta 2009). El ayuntamiento de Almonte dedicó la "rotonda de la playa" (una rotonda en el centro de Matalascañas) a las banderas azules que había recibido su playa.


title: Matalascañas

text: La urbanización de Matalascañas se divide en barrios llamados "sectores". Estos están nombrados alfabéticamente de oeste a este de la 'A' a la 'T' (excepto la Ñ). Posteriormente, se le asignó a cada barrio una palabra cuya inicial coincidiera con la letra del sector.


title: Matalascañas

text: Al este de Matalascañas se encuentran otros siete sectores que forman la urbanización Caño Guerrero y que se nombran de la 'a' a la 'g'. Están administrados por el Ayuntamiento de Almonte conjuntamente con Matalascañas.


title: Matalascañas

text: Los sectores de Matalascañas y Caño Guerrero:


title: Matalascañas

text: Mapa:


title: Matalascañas

text: Un elemento turístico y motivo de visitas es la Torre de la Higuera (también "Torre la Higuera", "Torre de Almenara" o "la piedra"), una torre almenara mandada construir por Felipe II en el siglo XVI como defensa militar. Hoy en día carece de función militar, sin embargo es el símbolo del pueblo junto al lince ibérico. La torre se ubica en el mar a unos 50 metros de la costa, volcada y reducida a ruinas por el Terremoto de Lisboa de 1755 que afectó a toda la zona creando un tsunami. Está considerada como Patrimonio Histórico Español. Se la conoce también como "El Tapón".


title: Matalascañas

text: El Parque Dunar de Doñana (también conocido como "Dunas de Almonte") consta de 130 hectáreas y se encuentra en una ribera dunar fija. El parque se inauguró en 1992 con el fin de crear un espacio verde, minimizar el impacto de la urbe en Doñana y crear un lugar donde poder realizar senderismo costero. El Parque dispone también de una zona para picnics, camping, aparcamiento, un punto de información y se puede dar un paseo por las desérticas dunas en dromedario (Recorridos por las dunas conocidos como ""Aires Africanos""), así como un centro hípico en el que se reservan paseos a caballo a Doñana. Dentro del parque, se encuentran, aparte del Museo, el club náutico, el faro y el centro CIECEMA (centro de investigaciones medioambientales, ecológicas y biológicas).


title: Maestro

text: Maestro (del lat. "magister") hace referencia a la persona que ha estudiado magisterio y se encarga de enseñar a los alumnos, ya sean de infantil, primaria o secundaria, entre otros, en escuelas, colegios o universidades. Algunos maestros pueden estar destinados en institutos de educación secundaria en programas de garantía social, educación compensatoria o apoyo a alumnos con necesidades educativas especiales, así como en centros de Educación de Personas Adultas.


title: Maestro

text: Un maestro se ocupará generalmente de la educación básica de los alumnos en edad de escolarización básica obligatoria hasta los 3-16 años. Si estos alumnos tienen algún tipo de necesidad educativa extraordinaria dicha edad puede intercalarse.


title: Maestro

text: La titulación que un maestro debe ostentar para el ejercicio de su profesión es la de graduado universitario (dependiendo de los países, entre tres y cinco años de estudios superiores). Hasta hace unos años las escuelas universitarias de Magisterio eran denominadas en España "Escuelas Normales", denominación que todavía se mantiene en Francia y gran parte de Hispanoamérica. El normalismo se originó en EE. UU., y podría afirmarse que fue una solución al intenso analfabetismo existente.A sugerencia de la UNESCO, el Día Mundial de los Docentes o "Día del maestro" se celebra el 15 de mayo. En América el 11 de septiembre se conmemora el "Día Panamericano del Maestro", recordando el fallecimiento de Domingo Faustino Sarmiento, en el año 1888.


title: Maestro

text: En México, los profesores de enseñanza básica (primaria, con alumnos de 6-12 años) y media básica (secundaria, con alumnos de 12 a 15 años) acostumbraban estudiar en la Escuela Normal de Maestros en la Ciudad de México, o su equivalente en otras ciudades de la república. Tanto los que iban a estudiar para maestros de primaria, como para maestros de secundarias, a los 15 años, al salir de la secundaria, se iban a estudiar el bachillerato a la Normal de Maestros y terminaban a los 19 años de edad. Con esto ya podían dar clases en las primarias. Pero si querían dar clases en secundarias, además del bachillerato en la Normal, tenían que estudiar otros cuatro años más para especializarse en el área que querían impartir en la secundaria. Pero hasta hace 10 años aproximadamente, todo eso cambió y ahora los maestros que quieran estudiar para cualquiera de las dos niveles, primero acaban su bachillerato regular, y luego toman la que quieran como carrera universitaria.


title: Maestro

text: En la secundaria, también se puede dar clases teniendo una profesión relacionada. Ejemplo: Un ingeniero químico puede dar matemáticas, o un licenciado en letras, español, o una persona con cursos Teacher's de inglés puede dar esa lengua extranjera. A los maestros que no estudiaron en la Normal, pero trabajan y se ganan la vida dando clases en las educaciones básica y media básica en México, se les conoce como "Maestros de oficio". Se puede estudiar en una escuela normal para maestros 4 años y recibe como licenciado en educación primaria o prescolar., maestra, maestrar y maestrear.


title: Timbre

text: El término timbre puede referirse a:


title: Zumbador

text: Un "'zumbador" es un transductor electroacústico que produce un sonido o zumbido continuo o intermitente de un mismo tono (generalmente agudo). Sirve como mecanismo de señalización o aviso y se utiliza en múltiples sistemas, como en automóviles o en electrodomésticos, incluidos los despertadores.


title: Zumbador

text: Inicialmente este dispositivo estaba basado en un sistema electromecánico que era similar a una campana eléctrica pero sin el badajo metálico, el cual imitaba el sonido de una campana.


title: Zumbador

text: Su construcción consta de dos elementos, un electroimán o disco piezoeléctrico y una lámina metálica de acero o metal. El zumbador puede ser conectado a circuitos integrados especiales para así lograr distintos tonos.


title: Zumbador

text: Cuando se acciona, la corriente pasa por la bobina del electroimán y produce un campo magnético variable que hace vibrar la lámina de acero sobre la armadura, o bien, la corriente pasa por el disco piezoeléctrico haciéndolo entrar en resonancia eléctrica y produciendo ultrasonidos que son amplificados por la lámina de acero o metal.


title: Asbestosis

text: La asbestosis es una enfermedad rara que causa fibrosis pulmonar originada por una contaminación por fibras de asbesto o amianto. Por su etiología se considera una enfermedad profesional.


title: Asbestosis

text: Las fibras de asbesto se utilizaban en diferentes ámbitos antes de 1975 (construcción, minas de asbesto, industria molinera y fabricación de material refractario), hoy en día es menos frecuente esta enfermedad debido a las regulaciones gubernamentales sobre el manejo del asbesto, promulgadas para contener su riesgo sanitario, ya que la enfermedad no sólo es peligrosa y sin cura, sino que además tarda en manifestarse y, por tanto, en conocerse.


title: Asbestosis

text: La asbestosis está causada por la inhalación de fibras de asbesto (también conocido como "amianto" en España), lo cual suele darse en entornos laborales que hayan requerido su manipulación intensa o continuada, favoreciendo su bioacumulación en el organismo, que es incapaz de expulsarlo. Así se origina una intoxicación sin reactividad química pero con agresión mecánica, al ser unas fibras diminutas pero resistentes que producen una erosión abrasiva permanente al tejido pulmonar, mermando la capacidad respiratoria y de esfuerzo.


title: Asbestosis

text: El amianto es una sustancia inorgánica que al acumularse de forma progresiva y continuada produce destrucción y posteriormente cicatrices pulmonares crónicas debido a la incapacidad de las células de defensa pulmonar (macrofagos) de digerir y eliminar adecuadamente este material inorgánico. Estas cicatrices impiden el normal funcionamiento pulmonar (disminución de la expansión pulmonar por fibrosis, intercambio gaseoso), lo que explica los síntomas de la enfermedad.


title: Asbestosis

text: Se produce así una neumoconiosis caracterizada por una fibrosis pulmonar (enfermedad pulmonar intersticial). Está asociada a mesotelioma y carcinoma broncogénico.


title: Asbestosis

text: Aparecen muchos años después de la exposición y su gravedad depende del tiempo y grado de exposición al asbesto:


title: Asbestosis

text: Pueden manifestarse acropaquias (deformidad en dedos en palillos de tambor y uñas en vidrio de reloj).


title: Filigrana (papel)

text: Una filigrana o marca al agua es una imagen formada por diferencia de espesores en una hoja de papel. El término "filigrana" se aplica también a las líneas verticales que se ven en ciertos papeles de embalaje.


title: Filigrana (papel)

text: Se utiliza para evitar la falsificación de documentos (documentos oficiales, por ejemplo), para mostrar la autenticidad del origen de algún papel o impreso, como adorno o como diferenciación entre diferentes fábricas de papel.


title: Filigrana (papel)

text: Filigrana hace referencia a las marcas que se ven a trasluz en distintos tipos de papel. Durante la época de la elaboración tradicional del papel, estas marcas, representadas por símbolos, iconos, escudos o logotipos, distinguían entre sí a los fabricantes. Suponen una información importante en la datación y procedencia de un libro.


title: Filigrana (papel)

text: Actualmente, la filigrana tiene un uso artesanal con el trabajo que se realiza de manera creativa con «tiras» de colores de papel bond. Pueden realizarse tarjetas de felicitación para toda ocasión, figuras ornamentales, bustos o pequeñas esculturas de personajes, en grupo pueden conformarse todo tipo de dioramas.


title: Filigrana (papel)

text: Modernamente y a escala industrial se crea durante el proceso de fabricación, cuando la hoja está todavía húmeda, mediante presión de un rodillo llamado «Dandy roll». El Dandy es un cilindro hueco recubierto por una malla (generalmente metálica), la cual tiene soldada un relieve con los dibujos, letras o insignias que se desean marcar en el papel. Con este rodillo también se puede marcar la «verjura», una serie de relieves horizontales que dan aspecto de papel antiguo.


title: Filigrana (papel)

text: La filigrana de alambre se originó en Bolonia, Italia, en 1282, siendo una característica del papel occidental, ausente totalmente en el oriente. Aun en hasta nuestros días la filigrana continua a ser usada por los artesanos y fabricantes de papel para identificar y dar prestigio a su producto.


title: Filigrana (papel)

text: Las marcas pueden ser desde un dibujo simple o complejo (unas letras, un logotipo) cosido con alambre o adherido al tejido, hasta réplicas de cuadros famosos u otros temas pictóricos obtenidas mediante la deformación en relieve del tejido metálico en el molde de fabricar papel a mano o rodillo Dandy industrial. Esta última técnica, denominada "filigrana de claroscuro", fue usada por primera vez en 1848 e incorpora una escala tonal al papel cuando se ve a trasluz. Para ello se incorpora relieve y una densidad no uniforme en el interior del papel. La alta complejidad de este proceso encuentra utilidad como medida de seguridad contra la falsificación, y es frecuente en los billetes bancarios, certificados de valores, así también con finalidad de expresión artística.


title: Filigrana (papel)

text: La marca de agua de alta seguridad es imposible de falsificar por fotocopia, escáner o impresión, ya que va formada en el papel. La marca de agua de forma redonda es un elemento de seguridad altamente recomendado por Interpol para la autentificación de los documentos (en el Congreso de Interpol de 1992).


title: Filigrana (papel)

text: En filatelia, la filigrana es una característica clave de la estampilla. La «clásica» filigrana del sello es una pequeña corona y otros símbolos nacionales.


title: Filigrana (papel)

text: Por extensión, en informática se denomina «marca al agua» ("watermark", en inglés) a la incorporación en las imágenes de firmas digitales o información visible o invisible que permitiría demostrar el origen de material sujeto a copyright.


title: Capitel

text: El capitel (del provenzal "capitel", y esta del latín "capitellum", diminutivo de "caput", "capitis" ‘cabeza’) es un elemento arquitectónico que se dispone en el extremo superior de la columna, pilar o pilastra para transmitir a estas piezas estructurales verticales las cargas que recibe del entablamento horizontal o del arco que se apoya en él. Además de esta misión estructural cumple otra de índole compositiva, pues actúa como pieza de transición entre dos partes constructivas tan diferentes como aquellas entre las que se interpone. Hay una enorme variedad de capiteles dependiendo de la época y estilos dominantes.


title: Capitel

text: Los primeros capiteles conocidos proceden del Antiguo Egipto. El capitel egipcio tenía como preferencia formas papiriformes, palmiformes o lotiformes, pero también relativo a cualquier otro tema vegetal. En el Templo funerario de Hatshepsut encontramos el indebidamente conocido como protodórico, que a diferencia de los anteriores no responde a temas vegetales. En Persia se usaron capiteles formados por dos figuras contrapuestas (denominadas bicéfalas) que dejaban entre ellas un rebajo en el que apoyaba el arquitrabe. Pero el desarrollo y masivo empleo del capitel se debe a la arquitectura griega y romana que hicieron de él un elemento clave de sus órdenes arquitectónicos clásicos. Su diseño se corresponde con los respectivos órdenes. Así: el dórico, carente de astrágalo, solo tiene equino y ábaco, ambos lisos y muy sencillos; el jónico se caracteriza por las volutas que configuran sus cuatro esquinas; el corintio, más esbelto que el anterior, tiene todo el tambor decorado por hojas de acanto; el toscano es similar al dórico, incluyendo un collarino; el compuesto es una combinación de jónico y corintio, adoptando las volutas de uno y las hojas de acanto del otro.


title: Capitel

text: La arquitectura medieval, tanto la románica y gótica, en occidente, como la bizantina e islámica, en oriente, siguió haciendo uso generalizado del capitel. El capitel bizantino toma por modelo el corintio, logrando una mayor estilización; de forma troncopiramidal invertida, en ocasiones duplica el tambor montando uno sobre otro. El capitel islámico también deriva del corintio con ligeras modificaciones. El capitel románico es muy variado en formas y temas decorativos. Además de las funciones propias de todo capitel, el románico fue asimismo un instrumento didáctico de primer orden, pues se le confió la tarea de transmitir a los fieles las enseñanzas evangélicas, las del Antiguo Testamento o las de las vidas de los santos, por medio de representaciones figurativas de escenas apropiadas, denominándose capitel historiado. Durante el periodo gótico el capitel fue perdiendo categoría, siendo sustituido por simples molduras, hasta tender a desaparecer en su última fase, a principios del siglo XVI.


title: Capitel

text: Con el Renacimiento y el Neoclasicismo se volvió a la utilización de los capiteles clásicos según los cánones de los órdenes arquitectónicos griegos y romanos.


title: Capitel

text: En la época occidental posterior, la del arte ecléctico, se recuperan los modelos de capiteles medievales.


title: Capitel

text: Aunque hay una gran variedad de capiteles, el estereotipo estaría formado por:


title: Capitel

text: El ejemplo de capitel bizantino más significativo son los de Santa Sofía.


title: Capitel

text: En el Antiguo Egipto se originan los capiteles, como elementos arquitectónicos de transición entre las columnas y los dinteles.


title: Cañizar de Argaño

text: Cañizar de Argaño (Cañizar de los Ajos hasta 1963), es una localidad situada en la provincia de Burgos, comunidad autónoma de Castilla y León (España), comarca de Odra-Pisuerga, ayuntamiento de Isar.


title: Cañizar de Argaño

text: En 2008, contaba con 118 habitantes, situado 6 km al norte del municipio, Isar , en la carretera BU-627 que va de Villanueva de Argaño , en la A-231 nos conduce a Villadiego. Bañado su término por el río Hormazuela que recibe como afluentes los arroyos conocidos como "de la Vega", proveniente de Citores y "de la Laguna" , nacido en el término de Olmos


title: Cañizar de Argaño

text: cuyo alcalde pedáneo es Pablo Delgado.


title: Cañizar de Argaño

text: Lugar que formaba parte, en su categoría de pueblos solos, del Partido de Castrojeriz, uno de los catorce que formaban la , durante el periodo comprendido entre 1785 y 1833, en el Censo de Floridablanca de 1787, jurisdicción de realengo, con alcalde pedáneo.


title: Cañizar de Argaño

text: Antiguo municipio de Castilla la Vieja en el código INE-09069  En el Censo de la matrícula catastral contaba con 48 hogares y 185 vecinos.


title: Cañizar de Argaño

text: Hasta el censo de 1970 se denominaba Cañizar de los Ajos.


title: Cañizar de Argaño

text: Entre el Censo de 1981 y el anterior, este municipio desaparece porque se integra en el municipio 09181 Isar, contaba con una extensión superficial de 1.316 hectáreas , 59 hogares y 206 vecinos.


title: Marca de agua

text: La técnica de marca de agua puede referirse a diversos tipos:


title: Tóner

text: El tóner (del inglés "toner"), también denominado tinta seca por analogía funcional con la tinta, es un polvo fino, normalmente de color negro, que se deposita en el papel que se pretende imprimir por medio de atracción electrostática o magnetografía. Una vez adherido el pigmento, este se fija en el papel, por medio de presión y calor adecuado.


title: Tóner

text: Debido a que en el proceso no intervienen diluyentes, originalmente se le ha denominado xerografía, del griego «"xeros»" que significa «seco» o escritura en seco.


title: Tóner

text: Las partes de un tóner son las siguientes:


title: Tóner

text: Cuchilla dosificadora o "doctor blade":


title: Tóner

text: Esta cuchilla es la pieza del cartucho encargada de regular la cantidades de tóner del cartucho que pasa del depósito de tóner al cilindro imantado.


title: Tóner

text: Además de ser una pieza que se desgasta con el tiempo, es uno de los elementos que genera las rayas diminutas que se observan en la impresión.


title: Tóner

text: Depósito o suministro de tóner:


title: Tóner

text: Es el espacio donde se alberga el tóner que impregna por magnetismo y fija en el papel por la acción del láser.


title: Tóner

text: Cuchilla limpiadora:


title: Tóner

text: Retira el tóner que no ha quedado adherido al papel y lo manda al depósito de tóner de desecho. Esta cuchilla es la que produce mayor desgaste en el cilindro; su instalación requiere de un ajuste muy preciso. Si no se coloca adecuadamente, las hojas podrían salir sucias, por el contrario, si está demasiado ajustada, puede dañar el cilindro antes de tiempo.


title: Tóner

text: Chips del cartucho:


title: Tóner

text: Contienen una memoria que le provee identificación dentro de la impresora y tienen una memoria que permite contar el número de impresiones, por lo que permiten verificar el rendimiento del cartucho, número de páginas impresas y los minutos de trabajo. También inutilizan el cartucho después de su uso e impiden su reciclaje directo, por lo que funcionan como una forma de obsolescencia programada.


title: Tóner

text: Depósito del tóner desperdiciado:


title: Tóner

text: Este recipiente es más pequeño que el del tóner, y su función es recoger el tóner sobrante después de realizada la impresión, ya que este tóner no puede reutilizarse. En ocasiones, este depósito puede ir separado del cartucho (generalmente viene incluido en empaque de la impresora). Si se recicla un cartucho de tóner, es importante vaciar este depósito, ya que si está lleno y no realiza su función pueden salir las copias siguientes manchadas. Algunas impresoras poseen sistemas de detección de llenado de este recipiente, e impiden seguir imprimiendo hasta que este no sea vaciado o sustituido.


title: Tóner

text: Rodillo de carga primaria o PCR:


title: Tóner

text: La función de este rodillo es aplicar una electricidad con carga negativa a la superficie del cilindro OPC para que el láser pueda escribir sobre este. Suele estar hecho con un eje de metal y una cubierta de goma modelada.


title: Tóner

text: Cilindro imantado o "mag roller":


title: Tóner

text: También comúnmente llamado rodillo de alimentación. Es un tubo o cilindro recubierto normalmente de teflón, este se encarga de transferir el tóner del depósito al papel.


title: Tóner

text: Unidad de cilindro OPC (fotoconductor orgánico u "Organic Photo Conductor"):


title: Tóner

text: Es el elemento sobre el que actúa el láser. Suele ser de aluminio, recubierto en sus primeras épocas con compuestos de selenio y en la actualidad de un material orgánico con propiedades fotoconductoras. Se carga de forma negativa con el rodillo magnético, luego el láser crea el dibujo sobre él ("borra" con luz las partes no impresas quitando el tóner innecesario) e impregna el polvo en la hoja o en el cilindro de transferencia.


title: Tóner

text: Esta pieza se puede separar en tres capas esenciales:


title: Tóner

text: El tóner utilizado en impresoras láser y otra maquinaria puede contener diversas substancias tóxicas de alta peligrosidad, entre ellas benceno. Otros tóxicos que contienen los tóneres son: etilbenceno, tolueno, 1,2-diclorobenceno,1,4-diclorobenceno, trimetilbenceno, estireno, o-xileno, tricloroetileno, acetona, acentofenona, acetato de butilo, butanol, 2-etil-1-hexanol, formaldehído, hexanal, dodecano, hexadecano y pentalmetilheptano.


title: Tóner

text: Muchos de los tóxicos señalados son carcinógenos. En concreto, el Departamento de Salud y Servicios Sociales de los Estados Unidos (DHHS) ha determinado que el benceno es un reconocido carcinógeno en seres humanos y otros mamíferos lactantes. La exposición de larga duración a altos niveles de benceno en el aire puede producir leucemia, así como cáncer de colon.


title: Tinta compatible

text: Se denomina tinta compatible al cartucho de tinta o kit de rellenado alternativo al consumible original de las marcas de impresora. Normalmente la tinta de los consumibles originales suele ser bastante cara, se calcula que el litro sale 2000-3000€. Por ello han aparecido fabricantes de tinta que producen tinta a menor coste.


title: Tinta compatible

text: Los fabricantes de impresoras avisan de que pueden causar problemas a la impresora o reducir la calidad de impresión. Los fabricantes de tintas clónicas, también llamadas compatibles, responden que buscando tintas de calidad y no comprando cualquier cosa se pueden obtener buenos resultados ahorrando mucho dinero, y no anulan la garantía de la impresora. El uso de cartuchos compatibles es también un beneficio para el medio ambiente, en tanto que la tinta compatible también se encuentra en cartuchos reciclados o remanufacturados. Además, en el peor de los casos solo puedes estropear el cartucho y sus cabezales, que se van a cambiar con siguiente cartucho de tinta. Otras impresoras que no tienen cabezales intercambiables, sí podrían necesitar una reparación más costosa en el caso de que estos cabezales se estropeasen. Sin embargo, hay líquidos limpiadores de inyectores que suelen solucionar el problema en la mayoría de los casos.


title: Tinta compatible

text: Los cabezales también se pueden estropear por otros motivos tanto con tinta oficial como con tinta clónica: si no se usan de vez en cuando se pueden obstruir debido a la tinta reseca, también si se intenta imprimir cuando no hay tinta, los cabezales se pueden quemar. Por lo general al cabo de unos pocos cartuchos, se acaba compensando el coste equivalente a otra impresora debido a la gran diferencia entre cartuchos clónicos y originales.


title: Tinta compatible

text: También hay un estudio del "Centro de Pesquisas do Instituto Mauá de Tecnologia" (IMT) de Brasil que dedujo que la impresión podía resultar mejor con tintas clónicas. Aunque el estudio fue solicitado por un fabricante de tinta.


title: Tinta compatible

text: La administración de EE. UU. lleva usando desde 1998 tinta compatible. En 1998, la ministra española de Medio Ambiente en aquel momento, Isabel Tocino, también inició un plan para que se utilizase tinta clónica en su ministerio.


title: Tinta compatible

text: A veces, el consumo es muy alto y aunque el precio de la tinta sea reducido resulta una molestia tener que rellenar los cartuchos muy a menudo. Para estos casos hay un sistema llamado CISS, que tiene unos depósitos externos de gran capacidad (unos 100ml), que se rellenan fácilmente sin necesidad de jeringuillas.


title: Tinta compatible

text: Hace algunos años y debido a la aparición de gran cantidad de marcas alternativas de cartuchos de tinta, las empresas fabricantes de impresoras decidieron introducir en sus cartuchos unos chips de detección que cuentan la cantidad de caracteres impresos e identifican de manera única el cartucho. Con esto han conseguido:


title: Tinta compatible

text: Las empresas han tenido que claudicar con los gobiernos y deben suministrarles máquinas que no verifican ni el cartucho, ni el número de impresiones, aunque no es así para el resto de usuarios. La letra pequeña de ciertos cartuchos (Lexmark) dice que al romper el sello se está aceptando la prohibición de rellenarlo, con ello ganaron un pleito en la corte suprema.


title: Tinta compatible

text: Para evitar el efecto de este tipo de dispositivos se han creado los cartuchos con "autoreset" y los sistemas de impresión continuos.Cartuchos de tinta compatibles


title: Cowboy Bebop

text: Sus 26 episodios están ambientados en el año 2071; la serie trata acerca de las aventuras, desventuras y tragedias de un grupo de cazarrecompensas que viajan a bordo del "Bebop", su nave espacial. "Cowboy Bebop" explora temas filosóficos como el existencialismo y su vacío, la soledad y las influencias del pasado.


title: Cowboy Bebop

text: La serie fue emitida en Japón por TV Tokyo desde el 3 de abril hasta el 26 de junio de 1998, transmitiéndose solo 12 episodios debido a su controvertido contenido. Más tarde, la serie fue transmitida con todos sus episodios por el canal de pago WOWOW, desde el 24 de octubre hasta el 24 de abril de 1999. El anime fue adaptado a dos mangas que fueron publicados en la revista "Asuka Fantasy DX", de la editorial Kadokawa Shoten. Posteriormente en el año 2001, se realizó una película estrenada a nivel mundial y en noviembre de 2021, se realizó una serie de televisión estadounidense en acción real, contando con actores reales que encarnan a los personajes, la cual es distribuida en la plataforma de "streaming" Netflix.


title: Cowboy Bebop

text: Se convirtió mundialmente en un éxito comercial y de crítica, siendo a menudo considerado como una obra maestra tanto en el mercado japonés como en el internacional (sobre todo en los Estados Unidos).


title: Cowboy Bebop

text: Transcurre el año 2071. La tripulación de la nave "Bebop", inicialmente compuesta por Spike Spiegel y , viaja por todo el sistema solar en busca de recompensas. A lo largo de sus aventuras se incorporan tres nuevos personajes a su tripulación: , Ed y, la mascota, . Durante sus aventuras se desvela la tortuosa relación entre el protagonista Spike y su viejo camarada , lo que conduce al desenlace de la serie. La relación de Spike con los demás coprotagonistas, y sus trasfondos, se dejan entrever en los capítulos intermedios de la serie.


title: Cowboy Bebop

text: En el año 2022 se construyen una serie de puertas hiperespaciales a lo largo del sistema solar, que facilitan la creación de colonias en otros planetas y el comercio entre ellas. Una de estas puertas, muy cercana a la Tierra, sufre cierta inestabilidad que deriva en una explosión de grandes proporciones.


title: Cowboy Bebop

text: Esta explosión destroza literalmente la mitad de la Luna y arrasa la superficie del planeta Tierra, matando a miles de millones de personas. La mayoría de la población opta por emigrar a colonias en otros planetas. Los habitantes que deciden permanecer en el planeta se ven obligados a vivir bajo tierra debido a la caída constante de fragmentos lunares en la superficie de la Tierra.


title: Cowboy Bebop

text: Las colonias son:


title: Cowboy Bebop

text: La moneda universal del sistema solar es el "woolong" (símbolo: ₩, pronunciado "ūron" en japonés). Apenas se usa dinero físico, ya que la mayoría de las personas hacen transferencias con tarjetas de crédito a través de terminales o puntos de intercambio.


title: Cowboy Bebop

text: La serie cuenta con una tripulación con diferentes personajes principales. Inicialmente solo son dos, Spike Spiegel y Jet Black, que trabajan como cazadores de recompensas. A lo largo de la historia la tripulación del Bebop aumenta con la llegada de Faye Valentine, Ed y Ein, la mascota del grupo.


title: Cowboy Bebop

text: El Bebop es la nave, capitaneada por Jet, que da nombre a la serie y que sirve de centro neurálgico de las vidas de Spike, Faye, Ein, Ed y el propio Jet. Es bastante vieja y su vida ajetreada hace que esté cada dos por tres averiada.El Swordfish II, nave pilotada por Spike, es una fusión de avión y nave espacial de alta velocidad que posee las características aerodinámicas de un avión supersónico en el frente, combinadas con una nave de ciencia ficción. La nave posee el motor en la parte posterior y en el centro contiene una cúpula desprendible de forma esférica, esta se puede ahumar o en su defecto transparentar de forma automática dependiendo del ambiente, o manual controlada por el piloto. La cúpula esta hecha de fibra de vidrio reforzada con tres capas, la primera es transparente, la segunda es ahumada y la tercera es una capa antibalas (no muy efectiva). Las tres son herméticas.


title: Cowboy Bebop

text: El aspecto está inspirado en un avión rojo Pointy aerodinámico con las alas largas que se doblan por encima del fuselaje para ahorrar espacio. Para hacer esto posible, cada ala se une con un empalme que resbala de modo que abisagre o encaje en el medio, para así poder ser doblada cerca de un cuarto de vuelta para después ser plegada hacia arriba sobre el cuerpo de la nave; las alas son accionadas por un motor espacial que gira en la parte posterior delantera del motor de la nave y que se maneja manualmente desde afuera por una polea y automáticamente desde la cúpula por medio de un interruptor. Aunque las alas parezcan similares, de hecho son asimétricas en la base; una se dobla 45° hacia adelante mientras que la otra se dobla 45° hacia atrás. Cada extremo del ala está encapsulado con dos grandes timones que están conectados el uno al otro hacia un pilón fino anclado a un cubo; ahí se encuentran los lanzamisiles estilo alas de gorrión y justo debajo una ametralladora con cañones cortos y balas de 110 mm. El timón más bajo en cada ala sostiene un tren de aterrizaje minúsculo encajable (una barra gris parecida a la goma fina moldeada en la rueda). Cada ala tiene una vía de tren de aterrizaje en su cara interior. El tren de aterrizaje posee un pistón que mueve las ruedas. La alas son modelo Underwing de VTOL.


title: Cowboy Bebop

text: El panel posee bastantes líneas y agujeros de remache. Por debajo del fuselaje se encuentra un gran cañón de plasma, capaz de disparar a varios metros de distancia, y su tiempo de carga es de 5,5 segundos. El Swordfish II posee, como uno de sus frenos, un «paracaídas» en la parte del propulsor posterior que se desencapsula por medio de un gancho en la parte superior de la cúpula central cuando es empujado hacia abajo; esto desactiva el seguro de la compuerta y el paracaídas se desprende y detiene lentamente la nave con la fuerza del viento. La nave es extremadamente ligera a tal grado que es posible modificar su trayectoria por medio de movimientos del piloto en la cabina.La Red Tail es un vehículo de ataque extremadamente maniobrable muy parecido a una cápsula submarina con brazos robóticos, armada con dos lanzadores de misiles de alto calibre y dos cañones Vulcan, además de poseer equipos ECM y de supervivencia. Faye puede llamar al Red Tail cuando quiera usando un localizador y un radio control que lleva escondidos en sus joyas. Es de apuntar la similitud en la estructura general con la nave Batwing de la reciente película de Batman (2012) "The Dark Knight Rises".El Hammerhead es una larga, enorme y áspera nave de pescador. Armada con un arpón, esta nave no fue inventada para que pudiese ser usada en combate. Los motores rotantes le permiten ir más rápido a través de las direccionales de enfrente y reversa. El vehículo de elección de Jet es usualmente usado como de remolque o carga sobre todo en el agua, en el aire y en la tierra y pocas veces en el espacio aunque no es aconsejable.


title: Cowboy Bebop

text: La serie ha sido creada por Hajime Yatate, un pseudónimo colectivo que engloba a varios miembros de la compañía Sunrise, estudio encargado de la animación de la serie.


title: Cowboy Bebop

text: Shinichiro Watanabe estuvo a cargo de la dirección, Keiko Nobumoto en el cargo de composición de serie, Toshihiro Kawamoto del diseño de personajes y Yōko Kanno de la composición musical.


title: Cowboy Bebop

text: "Cowboy Bebop" estuvo a punto de no ser emitida en la televisión japonesa. Su primera emisión por TV Tokyo fue cancelada, y se emitieron únicamente los episodios 2, 3, 7–15 y 18 desde abril de 1998, debido a que el contenido no era apto para ser emitido en televisión abierta. A finales de ese mismo año, la emisora vía satélite WOWOW emitió la serie completa hasta abril de 1999.


title: Cowboy Bebop

text: La serie fue doblada al inglés por Animaze y ZRO Limit Productions, autorizada por Bandai Entertainment en Norteamérica, y actualmente por Funimation. Fue autorizada por Beez Entertainment para su emisión en Reino Unido y luego por Anime Limited. Madman Entertainment tiene la licencia para su emisión en Australia y Nueva Zelanda. En septiembre de 2001, "Cowboy Bebop" se emitió en los Estados Unidos a través del bloque Adult Swim de Cartoon Network, y resultó un completo éxito.


title: Cowboy Bebop

text: El canal Locomotion licenció de Sunrise los derechos de transmisión de la serie en la NATPE de 2001 y anunció su emisión para América Latina; el estreno se dio en noviembre de ese mismo año con doblaje al español realizado en México. La serie se reestrenó panregionalmente por I.Sat en el bloque Adult Swim el 9 de enero de 2016, con el doblaje estadounidense y subtitulado, pero por motivos que se desconocen, la serie fue retirada tras el episodio 6. La serie fue licenciada para una edición en DVD para Argentina y Chile por DSX Films en 2012, siendo distribuida por A.V.H. San Luis S.R.L. y Editorial Edisur respectivamente. En 2005 el canal Cuatro la emite íntegramente y en abierto por primera vez en España a nivel nacional, después de haberlo hecho a nivel autonómico en Canal 33 (Cataluña) y Canal 2 Andalucía, donde obtuvo una notable acogida.


title: Cowboy Bebop

text: Existe la publicación de tres volúmenes, aproximadamente 186 páginas cada tomo, con historias que cuentan varias aventuras de los personajes. Estos tres tomos tienen un estilo que logra trasmitir el mismo ambiente que el visto en el anime. El primer y segundo tomo constan de cuatro historias cada uno, mientras que el tercero solamente de dos. Al final de cada tomo hay comentarios finales en los que participan el director, productor y gente que ayudó a la realización de los mangas. Fueron publicados en Japón en el año 2000 por Kadokawa Shoten publishing Co. Ltd. Tokio. Fueron trabajos originales de Yatate Hajime. Las historias de los tres tomos son de Dai Stou y contaron con la colaboración de Watanabe Shinichiro y Sunrise. Fueron publicados en España a mediados de 2004, y también en México a finales de 2005 y principios de 2006.


title: Cowboy Bebop

text: Un videojuego llamado simplemente fue publicado en Japón por la compañía Bandai para la consola PlayStation el 15 de mayo de 1998.


title: Cowboy Bebop

text: El segundo videojuego fue lanzado exclusivamente en Japón el 25 de agosto de 2005 con el nombre de . Fue publicado por Bandai para la consola PlayStation 2. Este sigue la historia original del anime.


title: Cowboy Bebop

text: El éxito de la serie dio lugar a la realización de un largometraje denominado "" (en inglés "Knocking on Heaven's Door") en 2001. No obstante, la distribuidora TriStar Pictures acortó el título por "Cowboy Bebop: The movie" debido a problemas legales con el título original.


title: Cowboy Bebop

text: La película fue producida por Sunrise, Bandai Visual y animada por BONES. La trama gira en torno a la tripulación "Bebop", que se entera de una recompensa enorme de 300 millones de "woolongs". Al parecer, alguien está manejando un arma química muy poderosa y las autoridades están perdidas al detenerlo. El criminal es peligroso y la tripulación hace frente a un loco de verdad, el cual quiere liberar un virus.


title: Cowboy Bebop

text: El 22 de julio de 2008 el iF Magazine publicó un artículo según el cual se estaría preparando una película de "Cowboy Bebop" que estaría avalada por la 20th Century Fox, producida por Erwin Stoff y protagonizada por Keanu Reeves como el cazarrecompensas Spike Spiegel.


title: Cowboy Bebop

text: En una entrevista con Collider, el actor Keanu Reeves ha dicho que 20th Century Fox actualmente tiene algo olvidado el proyecto. Esto es porque el costo de producción era demasiado elevado, donde la cifra de presupuesto se acercaba a los 500 millones de dólares.


title: Cowboy Bebop

text: Finalmente en noviembre de 2018, Netflix anunció que prepara una serie de diez episodios basados en el anime. Christopher Lee Yost será el encargado del guion del primer capítulo, mientras que Shinichiro Watanabe cumplirá el rol de consultor principal. La adaptación se estrenó mundialmente el 19 de noviembre de 2021, pero la plataforma Netflix anunció a las pocas semanas de su estreno, y a pesar de que en el final del 10° capítulo había dejado entreverlo, que se cancelaba indefinidamente.


title: Cowboy Bebop

text: Uno de los elementos más destacables de "Cowboy Bebop" es su banda sonora, compuesta por la artista Yōko Kanno e interpretada por la banda The Seatbelts, y demás colaboradores, entre los que se destacan las voces de Mai Yamane, Ilaria Graziano, Steve Conte, entre otros. La mayoría de las canciones son de estilo jazz "bebop", aunque también es posible encontrar blues, pop, música clásica y heavy metal. El contenido es muy prolífico y si bien muchas de las canciones son puramente instrumentales, una buena parte contiene letras en idiomas como el japonés, inglés y francés.


title: Cowboy Bebop

text: La banda sonora fue editada en ocho álbumes:Cabe destacar que el disco doble "Future Blues" y el mini-CD "ASK DNA" componen la banda sonora de la película "".


title: Benvenuto Cellini

text: Benvenuto Cellini (Florencia, 3 de noviembre de 1500-ib., 13 de febrero de 1571) fue un escultor, orfebre y escritor italiano. Se convirtió en uno de los orfebres más importantes del Renacimiento italiano y realizó monedas labradas, joyas, floreros y adornos exquisitos. Su autobiografía es un valioso testimonio de la época, aunque ciertas partes de la misma han sido tachadas de fantasiosas.


title: Benvenuto Cellini

text: Su padre, Giovanni Cellini fue músico y se casó con María Lisabetta Granacci, siendo Benvenuto su tercer hijo. No se le daba bien la música, pero sí el dibujo y la orfebrería, y a los quince años entró como aprendiz del orfebre Antonio Di Sandro, apodado "Marcone". Un año después tuvo que exilarse a Siena a consecuencia de su apasionado temperamento que le hacía verse involucrado continuamente en duelos y peleas, ya que llegó a matar a un hombre.


title: Benvenuto Cellini

text: En Roma (1519) fue discípulo de Miguel Ángel durante corto tiempo y residió allí casi sin interrupción hasta 1540. Trabajó para las principales familias de la aristocracia romana y Clemente VII le nombró maestro de la Ceca en 1529. Participó en las fuerzas de defensa durante el Saqueo de Roma (1527) perpetrado por las tropas del emperador Carlos V y, según cuenta en su "Vida", mató con un arcabuz al mismísimo Condestable de Borbón. Posteriormente vivió en Florencia y Mantua, si bien regresó a Roma y se acogió a la protección del papa Clemente VII.


title: Benvenuto Cellini

text: Tras un breve viaje a Francia, fue encarcelado en el Castillo Sant'Angelo por dos asesinatos, las calumnias de rivales envidiosos, el odio del sobrino del nuevo pontífice Paulo III, Pier Luigi Farnese, y la acusación sin fundamento del robo de joyas del papa durante el Saqueo. Cellini describió sus vivencias en prisión en tono místico. Logró sin embargo evadirse tras estar algún tiempo encerrado, y fue perdonado gracias a la intervención del cardenal Hipólito D'Este.


title: Benvenuto Cellini

text: Entonces el rey Francisco I de Francia lo invitó a ir a París en 1540 y allí realizó el relieve en bronce de la "Ninfa de Fontainebleau" (Louvre, París). También creó para él un elaborado "Salero" de oro y esmalte (1539-1543; Kunsthistorisches Museum de Viena), una de sus obras maestras. El monarca le concedió una pensión anual y le mantuvo ocupado con diversos encargos, pero se vio obligado a marcharse debido a sus discusiones con la amante del rey, Madame d'Étampes, a las rivalidades con los artistas locales y a sus propias excentricidades, así que en 1545 regresó a Florencia.


title: Benvenuto Cellini

text: Allí, bajo el mecenazgo de Cosme I de Médicis, realizó numerosos trabajos en metal, entre ellos un busto en bronce de Cosme I (Museo Bargello, Florencia) y la colosal estatua, también en bronce, de Perseo (1545-1554; Loggia dei Lanzi, Florencia), considerada su mejor obra, en la que se muestran influencias de la escuela florentina, de Miguel Ángel y de Rafael, y cuya accidentada fundición cuenta en su "Vida", pues estuvo a punto de agotarse el bronce y tuvieron que recurrir incluso a bandejas para poder tener suficiente. Poco después le intentaron envenenar, pese a lo cual logró sobrevivir tocado con molestos desórdenes digestivos. Diversas envidias de artistas rivales, las acusaciones de sodomía, prisiones y diversos problemas legales amargaron sus últimos años y contra todo ello escribió su "Vida", como venganza moral contra sus detractores. En 1562, esculpió en mármol el crucifijo de El Escorial , que sería regalado por Francisco I de Médici al rey Felipe II de España en 1576 y se conserva en el trascoro de la Basílica de El Escorial. De belleza natural, como un sabio del Renacimiento, Cristo aparece aquí con una serenidad sobrehumana; muere sin perder su belleza. Los cabellos y la barba impecables, tienen su explicación técnica en el dominio broncista del autor. «"Es la cabeza más bella del Renacimiento italiano"», se dice. Esta escultura expresa también la actitud poco convencional de Cellini, pues se esculpió como desnudo integral, por lo que durante siglos se ha mostrado al público con un paño blanco, que en las fotos en blanco y negro parecía esculpido.


title: Benvenuto Cellini

text: Escribió su "Vida" entre 1538 y 1562, considerada justamente por Óscar Wilde uno de los pocos libros que merecen la pena leerse, pero que solo se imprimió póstuma con el título de "La Vita di Benvenuto di Maestro Giovanni Cellini fiorentino, scritta, per lui medesimo, in Firenze" (Nápoles, 1728) y un "Tratado de orfebrería y escultura". Estas memorias constituyen un más que ameno relato de sus huidas, aventuras e intrigas, así como un testimonio inigualable de lo que era el mecenazgo en la Italia del Renacimiento; son muy valiosas para conocer la vida política, social y eclesiástica del siglo XVI. Se mantuvieron inéditas hasta el siglo XVIII, y en 1945 fueron ilustradas por Dalí en una edición norteamericana. Su obra literaria se completa con cierto número de "Rime" compuestas en diversos momentos de su trayectoria vital.


title: Benvenuto Cellini

text: Cellini ha sido considerado como un prototipo del hombre del Renacimiento y uno de los más conspicuos escultores del Manierismo tanto en mármol, en su desnudo Crucifijo de El Escorial, como sobre todo en bronce. El "Perseo degollando a Medusa", fundido en 1554 a su retorno de Francia, es, no solo por la gallarda actitud del héroe, personificación del triunfo de Cosme I de Médicis sobre sus oponentes republicanos, sino también por el elaborado pedestal marmóreo con arpías y máscaras entre las que se abren cuatro hornacinas con dinámicas y elegantísimas figuras alusivas al mito de Perseo, una de las cimas expresivas del Manierismo maduro, excelso en el relieve de "La liberación de Andrómeda".


title: Quinta de Bolívar

text: La Quinta de Bolívar es una casa museo de estilo colonial situada en la localidad de La Candelaria, que forma parte del Distrito Capital de Bogotá. Además de su interés arquitectónico es relevante desde el punto de vista histórico por haber servido como residencia de Simón Bolívar en la ciudad de Bogotá, capital del Nuevo Reino de Granada, y tras la independencia, de la Gran Colombia.


title: Quinta de Bolívar

text: Ubicada en la calle 21 número 4a-30 al este de la capital colombiana, cerca del cerro de Monserrate y de la Localidad de la Candelaria. Los visitantes pueden disfrutar de una gran construcción colonial y un agradable clima. La Quinta de Bolívar cuenta con espacios amplios y grandes ventanales a través de los cuales se ven los jardines a su alrededor.


title: Quinta de Bolívar

text: Los orígenes de la Quinta de Bolívar se remontan a 1680, cuando el bachiller Pedro Solís de Valenzuela hizo donación de una porción de tierra a la capellanía de la Ermita de Montserrat. De esta propiedad, la Ermita dispuso hasta el 29 de enero de 1800, cuando el presbítero domiciliario y capellán de la misma, canónigo José Torres Patiño, la vendió al acaudalado comerciante José Antonio Portocarrero, contador principal de la Renta de Tabaco en Santafé, quien inició la construcción de la quinta como casa de recreo, pudiendo disfrutar de su obra hasta 1810, cuando falleció. Sus herederos no pudieron efectuar el mantenimiento adecuado de la quinta, debido a que se encontraban en exilio por ser partidarios de la Corona. Para 1819, la quinta se encontraba en un estado de abandono extremo.


title: Quinta de Bolívar

text: Después de la Independencia, la propiedad fue comprada por el nuevo gobierno independiente como regalo para Simón Bolívar. El Libertador la ocupó por primera vez en 1821 y luego en 1826. Durante este período fue ocupada por un pariente de Bolívar, quien la dejó descuidar nuevamente. Luego, en 1827, regresó el Libertador junto con Manuelita Sáenz, quien convirtió la quinta en lugar más amable para la vida y centro de reuniones políticas de los seguidores de Bolívar.


title: Quinta de Bolívar

text: En 1830, la casa, conocida en ese entonces como la Quinta de Portocarrero, fue traspasada a manos de José Ignaciano París, y durante el resto del siglo XIX tuvo diferentes usos: fue sitio de reuniones de grupos políticos conservadores, colegio de señoritas, casa de salud, fábrica de bebidas y fábrica de curtiembres. En 1922, durante la gestión de Miguel Arroyo Diez como Ministro de Hacienca, el Estado la volvió a comprar para su restauración y puesta en funcionamiento de un museo bolivariano, con el apoyo de la Sociedad de Embellecimiento de Bogotá.


title: Quinta de Bolívar

text: El 17 de enero de 1974, el Movimiento 19 de Abril sustrajo la espada del Libertador, con la consigna ""Bolívar, tu espada vuelve a la lucha"".


title: Quinta de Bolívar

text: "Recientemente ha sido restaurada buscando que sus salas y dependencias luzcan como en la época en que el Libertador la habitó. Se pueden visitar los salones de Manuelita, el gran salón, el comedor, el salón de juegos y la alcoba del Libertador. También la despensa, la cocina, los graneros, la alcoba de su ayudante de cámara y fiel servidor, José Palacios, y los bosques, algunos de cuyos árboles, se afirma, fueron sembrados por el propio Simón."


title: Quinta de Bolívar

text: "A partir del año 1998 la Quinta de Bolívar entra en una etapa de reorganización administrativa que se enmarca en la formulación de planes estratégicos con sus respectivos enunciados de misión y visión institucional a corto, mediano y largo plazo así como planes de acción anuales estructurados en áreas estratégicas.


title: Quinta de Bolívar

text: Es por ello que en la actualidad la Quinta de Bolívar se proyecta en su gestión y acciones hacia el año 2010, fecha de conmemoración del Bicentenario de la Independencia y de los 180 años de la muerte del Libertador Simón Bolívar en Santa Marta, Colombia."


title: Albaicín

text: El Albaicín o Albayzín es un barrio del este de la ciudad española de Granada, en la comunidad autónoma de Andalucía. Está situado a una altitud de 700 a 800 m sobre el nivel del mar.


title: Albaicín

text: Se comenzó a poblar en época íbera, y existió poblamiento disperso romano. No hay datos de asentamiento islámico anterior a la llegada de los bereberes ziríes, por lo que se supone que la ciudad se abandonó desde el final del imperio romano hasta la fundación del reino zirí (1013) que fue cuando se rodeó de murallas (Alcazaba Cadima). Según algunos lingüistas debe su nombre actual a los pobladores de la ciudad de Baeza que, desterrados de ella tras la batalla de las Navas de Tolosa, se asentaron en esta zona de Granada fuera de las murallas existentes. Otros lingüistas aseguran que el topónimo viene del árabe "al-bayyāzīn" (en su pronunciación granadina con imala, "al-bayyīzīn"), que significa el arrabal de los halconeros. Sin embargo, el hecho de que en Andalucía existan muchos otros barrios con ese nombre, en Sanlúcar de Barrameda (Cádiz), Alhama de Granada, Salobreña y Huéneja (Granada), Antequera y Villanueva de Algaidas (Málaga), Baena (Córdoba), Porcuna y Sabiote (Jaén), y Constantina (Sevilla), pone muy en duda esa tesis.. También existen barrios con esta denominación en otras partes de España, como en Campo de Criptana (Ciudad Real), fruto de la expulsión de los moriscos tras la Rebelión de las Alpujarras o en Pastrana (Guadalajara), barrio este creado por Doña Ana de Éboli, para acoger a los moriscos del Reino de Granada.


title: Albaicín

text: Lo cierto es que "albaicín" indica siempre un barrio en altura y con un poblamiento peculiar desvinculado del resto de la ciudad.


title: Albaicín

text: El hecho de que en el siglo XXI este barrio no sea propiamente un arrabal no significa que en la Edad Media no fuera considerado como tal.


title: Albaicín

text: Constituye uno de los núcleos antiguos de la Granada musulmana, junto con la Alhambra, el Realejo y el Arrabal de Bib-Arrambla, en la parte llana de la ciudad.


title: Albaicín

text: Antes de la conquista musulmana de la península ibérica, en lo que hoy es la ciudad de Granada y sus alrededores existían tres pequeñas poblaciones: Sin embargo, tras estos enunciados clásicos, la investigación arqueológica actual, sitúa Madinat Ilbira en Atarfe hasta el siglo XI que se traslada la ciudad al Albaicín tras la caída del califato y la situación de inseguridad que genera. Los habitantes de Ilbira se someten como clientes a los sinhaya y a los ziríes y se decide el traslado de la capital de la Cora de Elvira a la colina del Albaicín.


title: Albaicín

text: En el 756 ya están los árabes en la península. Es la época del "Emirato Independiente". La población árabe se manifiesta en dos núcleos: el "Albaicín" y la "Alhambra".


title: Albaicín

text: Este barrio tuvo su mayor influencia en la época de los nazaríes. El Albaicín mantiene la trama urbana del periodo nazarí, con calles estrechas, en una intrincada red que se extiende desde la parte más alta (San Nicolás) hasta el curso del río Darro y de la calle Elvira, que se encuentran en Plaza Nueva.


title: Albaicín

text: El tipo tradicional de vivienda es el carmen, compuesto por una vivienda exenta rodeada por un alto muro que la separa de la calle y que incluye un pequeño huerto o jardín.


title: Albaicín

text: Fue característico de dicho barrio la canalización y distribución del agua potable a través de aljibes; en total se han podido constatar unos 28; de los cuales, una gran mayoría se conservan pero no siguen en uso debido a que sus canalizaciones se han roto con el paso del tiempo.


title: Albaicín

text: En 1994, el Albaicín fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco como ampliación del conjunto monumental de la Alhambra y el Generalife.


title: Albaicín

text: En el Albaicín se encuentran numerosos monumentos y conjuntos monumentales de distintas épocas, fundamentalmente nazaritas y renacentistas:


title: Isoniacida

text: La isoniacida o isoniazida es un fármaco antituberculoso activo frente a "Mycobacterium tuberculosis". Se trata de un fármaco de primera línea en el tratamiento de la tuberculosis, siendo el más importante a nivel mundial para tratar todos los tipos de tuberculosis. En la literatura médica puede ser abreviada como "INH".


title: Isoniacida

text: Sus principales efectos secundarios son la toxicidad hepática y la neuropatía periférica.


title: Isoniacida

text: Fue descubierta de forma casi accidental en 1945. Se sabía de la acción tuberculostática de la nicotinamida (parte de la estructura de la isoniazida). El fármaco fue un intermediario de la síntesis original para producir nuevas sustancias.


title: Isoniacida

text: La isoniacida es un profármaco y necesita ser activado por una catalasa bacteriana. La forma activa actúa inhibiendo la síntesis de ácido micólico en la pared de la micobacteria.


title: Isoniacida

text: Una de las evidencias iniciales de que las catecolaminas podían inducir cambios en el comportamiento emotivo, provino de observaciones sobre los efectos de la isoniacida. Este compuesto es un IMAO, es decir, tiene un efecto inhibidor sobre la monoaminooxidasa. Cuando la isoniacida se utilizó como agente terapéutico en la tuberculosis, se observó que mejoraba notablemente el estado de ánimo de los pacientes, quienes manifestaban una condición de euforia y optimismo, en desacuerdo con su estado físico general y sus perspectivas. Fue el psiquiatra Jean Delay (hoy conocido por haber introducido la clorpromazina en el tratamiento de los trastornos psicóticos) quien describió por primera vez los efectos antidepresivos de la isoniacida en 1952.


title: Isoniacida

text: Aunque esa indicación está en desuso en la actualidad, impulsó en su momento ambiciosas investigaciones acerca del mecanismo de acción asociado con los efectos antidepresivos. Con estos antecedentes, se planteó la posibilidad de que aquellas sustancias que aumentaran la actividad de las sinapsis en las que intervienen las aminas biogénicas, podrían ser eficaces en el tratamiento de los trastornos del ánimo. Se diseñaron modelos teóricos de orden neuroquímico para explicar la depresión. Uno de ellos fue la hipótesis serotoninérgica, que vinculó este tipo de fenómenos con niveles deficitarios del neurotransmisor serotonina en las sinapsis neuronales. Fue esta hipótesis la que sirvió de premisa a los científicos de la firma "Ely Lilli" para avanzar en la síntesis de la fluoxetina, en 1986: el primer fármaco antidepresivo que actuaba como inhibidor selectivo de la recaptación de serotonina.


title: Isoniacida

text: La dosis está entre 3-5 mg/kg/día (max 300 mg diarios). En la prescripción intermitente (dos o tres veces a la semana) la dosis es de (max 900 mg diarios). Los pacientes con metilación lenta (vía acetilación) pueden requerir reducir la dosis.


title: Universidad Åbo Akademi

text: La Universidad Åbo Akademi, en sueco "Åbo Akademi" (abreviatura "ÅA"), es una universidad de lengua sueca, que tiene su sede en la ciudad de Åbo (en sueco) o Turku (en finés), en Finlandia. Fue fundada en 1918. Hoy en día, cuenta con siete facultades y varios institutos de investigación separados. Tiene unos 7200 estudiantes y una plantilla de 1300 personas. La Universidad Åbo Akademi es miembro del Grupo Coimbra de universidades europeas.


title: Universidad Åbo Akademi

text: Para empezar estudios de pregrado se tienen que demostrar conocimientos suficiente de idioma sueco. Maestrías en cambio son ofrecidas en idioma sueco, inglés e incluso alemán. Además la Universidad Åbo Akademi recibé año a año estudiantes de todo el globo. Esto debido a que la universidad es parte de muchos programas de intercambio, inclusive con universidades en Sudamérica.


title: Universidad Åbo Akademi

text: La Universidad Åbo Akademi fue fundada el año 1918, es la más antigua de Turku y además la segunda universidad más antigua fundada en suelo finés. El idioma sueco fue hasta mediados del siglo XIX el idioma más usado por los académicos en Finlandia. Fue recién en el siglo XIX, cuando esto cambió. Poco a poco el finés ganó terreno en la vida académica y el sueco fue consecuentemente perdiendo en importancia. Una reacción de la minoría finesa de lengua sueca fue la fundación de la universidad de lengua sueca Åbo Akademi en la ciudad de Turku (Åbo en sueco). La universidad fue privada hasta 1981, ahora esta en manos del estado finés.


title: Universidad Åbo Akademi

text: Hoy en día existen siete facultades en la Universidad Åbo Akademi, de las cuales dos no están en Turku, sino en Vaasa:


title: Universidad Åbo Akademi

text: La Universidad Åbo Akademi tiene convenio con muchas prestigiosas universidades alrededor del mundo, entre ellas algunas son:


title: Picota (columna)

text: Las picotas son columnas de piedra más o menos ornamentadas, sobre las que se exponía a los reos y las cabezas o cuerpos de los ajusticiados por la autoridad civil.


title: Picota (columna)

text: La pena de exhibición en la picota aparece ya legislada en el siglo XIII, en el libro de Las Partidas, de Alfonso X, considerándose la última de las penas leves a los delincuentes para su deshonra y castigo.


title: Picota (columna)

text: La mayoría de las picotas fueron construidas durante los siglos XVI y XVII, debido a las exenciones otorgadas a los lugares que hicieron aportaciones económicas a la Corona para sufragar los cuantiosos gastos de la guerra.


title: Picota (columna)

text: Aunque se suele llamar picota a todas las columnas de este tipo, algunas de ellas son de más categoría y se denominan rollos, que solo se levantaban en villas e indicaban el régimen al que estaba sometido: señorío real, concejil, eclesiástico o monástico.


title: Picota (columna)

text: Un decreto de las Cortes de Cádiz, de 26 de mayo de 1813, ordenó "la demolición de todos los signos de vasallaje que hubiera en sus entradas, casas particulares, o cualesquiera otros sitios, puesto que los pueblos de la Nación Española no reconocen ni reconocerán jamás otro señorío que el de la Nación misma, y que su noble orgullo sufriría por tener a la vista un recuerdo continuo de humillación".


title: Picota (columna)

text: Como las leyes de las Cortes de Cádiz fueron, en su mayor parte, suprimidas por Fernando VII, este decreto se dejó de aplicar a partir de entonces e, incluso, en 1817 se construyó una en Rioseco de Soria.


title: Picota (columna)

text: Se supone que se destruyeron bastantes ejemplares pero algunos fueron reconvertidos en cruceros para evitar la demolición. Por esto y otros indultos hoy todavía se ven algunos en pie.


title: Picota (columna)

text: Aparte de la acción física de empicotar (poner una cabeza en la picota como escarmiento), la frase «poner en la picota» se usa normalmente en el sentido de «hacer evidentes los defectos de alguien», o «poner en evidencia a una persona delante de los demás», aunque hay autores para los que esta frase habría perdido su connotación negativa y significaría actualmente «ensalzar a alguien hasta lo más alto».


title: Manierismo

text: El término manierismo es la denominación historiográfica del periodo y estilo artístico que se sitúa convencionalmente en las décadas centrales y finales del siglo ("Cinquecento", en italiano), como parte última del Renacimiento (es decir, un Bajo Renacimiento). Su caracterización es problemática, pues aunque inicialmente se definió como la imitación de la "manera" de los grandes maestros del Alto Renacimiento (por ejemplo, el propio Tintoretto pretendía dibujar como Miguel Ángel y colorear como Tiziano), posteriormente se entendió como una reacción contra el ideal de belleza clasicista y una complicación laberíntica tanto en lo formal (línea "serpentinata", anamorfosis, exageración de los movimientos, los escorzos, las texturas, los almohadillados, alteración del orden en los elementos arquitectónicos) como en lo conceptual (forzando el "decorum" y el equilibrio altorenacentistas, una "violación de la figura"), que prefigura el "exceso" característico del Barroco. Por otro lado, también se identifica el Manierismo con un arte intelectualizado y elitista, opuesto al Barroco, que será un arte sensorial y popular. Considerado como una mera prolongación del genio creativo de los grandes genios del Alto Renacimiento (Leonardo, Rafael, Miguel Ángel, Tiziano) por sus epígonos (como los "leonardeschi"), el Manierismo fue generalmente infravalorado por la crítica y la historiografía del arte como un estilo extravagante, decadente y degenerativo; un refinamiento erótico y una "afectación artificiosa" cuya elegancia y "grazia" no fue apreciada plenamente hasta su revalorización en el siglo XX, que comenzó a ver de forma positiva incluso su condición de auto-referencia del arte en sí mismo.


title: Manierismo

text: El manierismo es considerado subjetivo e inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción. Se prefiere, en escultura sobre todo, la línea o figura serpentinata, en que las figuras se disponen en sentido helicoidal ascendente. Cuando los elementos principales del Renacimiento empezaban a entrar en crisis, el manierismo significó un progresivo abandono de la proporción de las figuras, de la perspectiva espacial, del uso de líneas claras y definidas y de las expresiones mesuradas y dulces de los personajes renacentistas. El concepto de "maniera" significaba un saber hacer, y además sin esforzarse demasiado por hacerlo. Una sofisticación, por así decirlo, pues se trata de un arte exclusivo de la corte.


title: Manierismo

text: El origen del término ""manierista"" proviene del uso de la palabra italiana maniera en ciertos escritores del siglo XVI, como Giorgio Vasari ("Le vite de' piú eccellenti architetti, pittori, et scultori italiani, da Cimabue insino a' tempi nostri", 1550 y 1568), para quien significa "personalidad artística", es decir "estilo" en el más amplio sentido de la palabra, entre otras diversas acepciones ("en la teoría de Vasari, el concepto que representa el elemento individual del arte es la "maniera""); representando áreas estilísticas y fases temporales (la "maniera greca" -"manera griega", la pintura de influencia bizantina-, la "maniera vecchia" -"manera vieja"- y la "terza maniera che noi vogliamo chiamare la moderna" -"tercera manera que queremos llamar la moderna"-). Por último, se calificó de "manieristi" ("manieristas") a los artistas contemporáneos de Vasari, que pintaban "alla maniera di..." ("a la manera de..."), es decir, siguiendo la línea de Leonardo ("maniera leonardesca" -los "leonardeschi"-), Rafael ("maniera rafaelesca") o Miguel Ángel ("maniera michelangelesca" o "maniera grande"), pero manteniendo, en principio, una clara personalidad artística. El uso peyorativo del término comenzó más adelante, con los clasicistas académicos del siglo XVII, para quienes esa "maniera" se entendía como una fría técnica imitativa de los grandes maestros, como un ejercicio artístico rebuscado, en "clichés" reducibles a una serie de fórmulas.


title: Manierismo

text: Como sugiere John Shearman, el Manierismo fue en gran medida una corriente artística que se originó en Italia y que posteriormente fue adoptado en el resto de Europa, siempre a partir de los estándares italianos. Algunos de los factores que permitieron la difusión del Manierismo fuera de Roma y de la península itálica, fueron los viajes de artistas, en gran parte forzados por la plaga de 1522 que azotó la llamada Ciudad Eterna, el pontificado de Adriano VI, quien a diferencia de sus antecesores no fue un gran benefactor de las artes, y el Saco de Roma que tuvo lugar en 1527. Este evento en particular marcó las conciencias y la vida de los ciudadanos y artistas romanos tras la invasión a manos de un ejército constituido principalmente de españoles, italianos y mercenarios alemanes conocidos también como lansquenetes. A partir del 6 de mayo de 1527 inició el asalto a la ciudad, seguido por días de saqueo a manos de las tropas contrarias a la Santa Sede. Esta primera fase de ocupación terminó alrededor de julio del mismo año, una vez que fueron pagadas las indeminizaciones al ejército del Sacro Imperio, pero también en razón de los brotes de peste que surgían en una ciudad en la cual no se enterraban los cadáveres. Una segunda fase de ocupación se dio a partir del mes de septiembre y terminó solamente hacia febrero de 1528. Tales eventos obligaron a un gran número de artistas activos en la escena romana a instalarse en otras ciudades, como fue el caso de Perino del Vaga, alumno de Rafael de Urbino, quien se instalará después del saco en Génova, Giulio Romano quien viajó a Mantua, Polidoro da Caravaggio en Nápoles. Algunos otros artistas italianos continuaron su trabajo en diferentes países europeos, como fue el caso de Rosso Fiorentino y Francesco Primaticcio, quienes estuvieron activos en la Escuela de Fontainebleau en Francia. Este fue también el caso de Giuseppe Arcimboldo, quien realizó durante la segunda mitad del siglo XVI gran parte de su producción artística en las cortes de Viena al servicio de Maximiliano II de Habsburgo y posteriormente en Praga para Rodolfo II de Habsburgo.  Otro factor que permitió la rápida diseminación del Manierismo en el resto de Europa fue la difusión de grabados elaborados por artistas como Parmigianino o a partir de sus pinturas. Dichos grabado volvieron accesibles las obras manieristas en el resto del continente. Por mencionar algunos ejemplos de la influencia de dicha corriente en otras disciplinas artísticas, podemos observar en Francia hacia 1540 algunos trabajos de Jean Goujon, Philibert de l’Orme, Germain Pilon y Jacques Androuet du Cerceau. En el caso de los Países Bajos, podemos encontrar también las influencias manieristas en los grabados y dibujos de Martin van Heemskerck y Hendrick Goltzius.


title: Manierismo

text: En el arte italiano se considera que el inicio del Manierismo parte de un violento acontecimiento histórico: el Saco de Roma de 1527, que puso fin a la centralidad que la ciudad papal tuvo en las primeras décadas del siglo, dispersando a los artistas que hasta entonces habían trabajado en ella por otros centros artísticos (como la escuela veneciana, la escuela parmesana o la escuela veronesa); mientras que algunos de los más importantes que había reunido Julio II en su pontificado (de 1503 a 1513) habían ya muerto (Donato Bramante en 1514, Rafael Sanzio en 1520) y uno de los supervivientes, el longevo Miguel Ángel, evolucionó profundamente en su arte en las décadas que transcurrieron hasta su muerte (1564). En el asedio que mantuvo a Clemente VII dentro de la fortaleza de Castel Sant'Angelo estuvo luchando el artista Benvenuto Cellini, uno de los máximos exponentes del nuevo estilo. También en 1527 el poeta Pietro Aretino y los Sansovino (el arquitecto Jacopo Sansovino y su hijo Francesco Sansovino) se establecen en Venecia, donde contactan con Tiziano, a quien introducen en las novedades del gusto de la Italia central, el "manierismo brutal" de Giulio Romano y el impactante cartón de Rafael ("Conversión de San Pablo", no conservado), que conoce por un cartón propiedad del cardenal Grimani. La época coincide con la extensión de la influencia del Renacimiento italiano por toda Europa occidental, de modo que el Renacimiento español o el Renacimiento nórdico se solapan temporalmente con el Manierismo español y el Manierismo nórdico.


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text: Como reacción al Manierismo, surgió en Italia la "Contramaniera" a mediados del siglo XVI; y en el cambio de siglo el caravaggismo.


title: Manierismo

text: El manierismo se preocupaba por solucionar problemas artísticos intrincados tanto en el contenido (alegorías y simbolismos) como en la forma. El cuerpo humano, tanto vestido como desnudo se representa en toda clase de complicadas posturas, difíciles y artificiosas, de una extraña gracia y elegancia. Las extremidades son raramente alargadas, las cabezas aparecen pequeñas y el semblante estilizado. Los colores no remiten a la naturaleza, sino que son extraños, fríos, artificiales, violentamente enfrentados entre sí, en vez de apoyarse en gamas. El propio Miguel Ángel o el académico Rafael experimentaron en sus últimas obras el placer de la transgresión, desdibujando sus figuras o dejando inacabadas sus obras. La escultura manierista busca "la multiplicidad de las vistas", superando no solo las concepciones altorenacentistas (Leonardo reducía la estatuaria a la "combinación de dos relieves"), sino también la "vista principal ... completa y definitiva" que caracteriza la obra escultórica de Miguel Ángel. Para Cellini "la escultura se empieza todavía con una sola vista, después se empieza a desarrollar poco a poco ... y así se va haciendo esta grandísima fatiga con cien vistas o más, a las que he debido despojar de aquel bellísimo aspecto que tenía la primera vista".


title: Manierismo

text: Entre los artistas de esta época y estilo sigue habiendo artistas completos ("humanistas" que destacan en múltiples ámbitos del arte), como los citados Benvenuto Cellini o Giorgio Vasari; pintores como Andrea del Sarto, Beccafumi, Correggio, Rosso Fiorentino, Pontormo, Bronzino, Parmigianino, Bassano, Tintoretto, Arcimboldo, Veronés, Federico Zuccaro o los Carracci; escultores como Jacopo Sansovino, Baccio Bandinelli, Juan de Bolonia ("Giambologna") o los Leoni; y arquitectos (casi todos ellos también escultores o pintores) como Giulio Romano, Sebastiano Serlio, Jacopo Vignola, Bartolomeo Ammannati, Andrea Palladio, Pellegrino Tibaldi, Giacomo della Porta o Bernardo Buontalenti. Al norte de los Alpes destacaron Karel van Mander (llamado "el Vasari del norte"), los Cranach, Hans Holbein el Joven, Mabuse, Pieter Coecke van Aelst, Pieter Brueghel el Viejo, Hans von Aachen o el escultor Adrian de Vries. En Francia se desarrolló la escuela de Fontainebleau, en la que a partir de maestros italianos surgieron artistas locales, como el pintor François Clouet, los escultores Jean Goujon, Germain Pilon y Pierre Franqueville (Pietro Francavilla) o los arquitectos Pierre Lescot, Jean Bullant y Salomon de Brosse. La influencia italiana en Inglaterra llegó más tarde, desarrollándose en las primeras décadas del siglo XVII (Íñigo Jones). En la España de las décadas centrales y finales del siglo XVI se dieron los estilos denominados príncipe Felipe (también llamado purismo o fase serliana) y herreriano, desarrollándose el ambicioso programa artístico del El Escorial, y se contó con figuras de la talla de Pedro Machuca, Alonso Berruguete, Diego de Siloé, Juan de Juni, Gaspar Becerra, Luis de Morales, Navarrete "el mudo", Juan de Herrera, los Vandelvira o El Greco.


title: Manierismo

text: El "disegno" ("dibujo") se estableció como algo más que una mera función subsidiaria para las obras pictóricas, escultóricas y arquitectónicas. A mediados del siglo XVI ya era considerado un arte con categoría autónoma y los dibujos obras de arte con valor propio, resultado acabado de la tarea de artistas como Pontormo, Parmigianino o Tintoretto. Su importancia en el mercado de arte fue creciendo, aunque todavía no llegaba a la cotización que alcanzó al siglo siguiente. El grabado tuvo una evolución semejante. Incluso sin genios como habían sido años atrás Durero o Mantegna, o posteriormente Ribera o Rembrandt, el oficio se asentó a través de la actividad de figuras menores, que se dedicaban más bien a la copia y reproducción de pinturas que a la creación. Se desarrolló una técnica impecable y una gran sensibilidad en la resolución de las serias dificultades inherentes al género de la copia. Este fue un periodo de extraordinaria actividad grabadora, solamente comparable a los siglos de la Edad Contemporánea. En Italia y los Países Bajos había talleres (los de los Sadeler, los Wierix, los Van de Passe) que eran verdaderas empresas industriales de reproducción de grabados a gran escala, que desarrollaron innovaciones técnicas. En Entre los principales "maestros del trazo" estuvieron Jacques Bellange, Jean Duvet, Bartholomeus Spranger, Hendrick Goltzius, Maarten van Heemskerck, Ugo da Carpi, Battista Franco Veneziano, Giorgio Ghisi, Daniel Hopfer, Sebald Beham o Jacob Matham, entre muchos otros.


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text: El Manierismo se ha intentado periodizar, aunque no hay un consenso para determinar en cuántas partes y con qué duraciones. Cuando se establecen tres periodos, se habla de: un Manierismo inicial o fase anticlásica (1515-1530 o 1550), con un nítido contraste frente al clasicismo del Alto Renacimiento o frente a la tradición tardo-gótica (fuera de Italia, donde se desarrollaron estilos híbridos locales); un Alto Manierismo en las décadas centrales del siglo XVI, ya consolidado como estilo dominante (aunque no único) en toda Europa, que acentúa el intelectualismo y el virtuosismo, desatando la originalidad y la "maniera" personal de cada artista para las búsquedas más extravagantes, y acogiendo las drásticas alteraciones que el Concilio de Trento supuso para las obras sacras; y por último un Manierismo final (en Italia desde 1580 o 1590, y prolongado, sobre todo en el resto de Europa, hasta muy avanzado el siglo XVII), en el que se recuperan los valores del clasicismo naturalista rafaelesco (como en la obra de Annibale Carracci y en los inicios de Caravaggio) y gradualmente se termina confundiendo con el Barroco y extinguiéndose.


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text: En historia de la literatura, la literatura manierista se interpreta como un proceso evolutivo que afecta a las formas y a la actitud de los poetas. El cambio que afecta a las formas, por influencia de las artes.


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text: Tanto por época como por ciertos rasgos estilísticos, autores de la talla de Torquato Tasso, Camoens, Shakespeare y Cervantes serían manieristas. También ha sido calificada de manierista "la Pleiáde" francesa de mediados del siglo XVI, la poesía metafísica inglesa de comienzos del siglo XVII y la poesía italiana de Giovanni della Casa o Giambattista Marino.


title: Manierismo

text: Las características formales y conceptuales de la literatura de este grupo de autores muestra el paso de la atmósfera renacentista humanista, idílica y clasicista, a otra que puede calificarse de "manierista" por su melancolía, desencanto, complejidad y "pathos", que apunta ya a los contrastes de la literatura del Barroco. Se acrecienta una nueva dimensión trágica en los héroes, cuya victoria moral se da muchas veces en virtud de su derrota, en una visión sobre el destino que diverge de la clásica. En términos formales, los dramas de Shakespeare y la prosa de Cervantes se realizan con quiebras de continuidad, con un tratamiento libre y desigual de espacio y tiempo (unidades aristotélicas), negando la economía, el orden y la linealidad clásicos, en una continua y extravagante expansión y variación de su material, en la caracterización psicológica inconsistente, ambigua e imprevisible de sus personajes, en la yuxtaposición de recursos altamente formalistas y convencionales con otros sacados de lo prosaico, lo improvisado y lo vulgar. También es un típico recurso manierista valerse de metáforas oscuras y sobrecargadas, de lo mágico y lo fantástico, de antítesis, asonancias y paronomasias, de lo intrincado y lo enigmático, poner en cruda evidencia las debilidades de los héroes, que pueden ser muchas y profundas (antihéroe), y que por eso mismo les hacen, a los ojos modernos, tan reales, vivos y verdaderos.


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text: La música manierista muestra, según Claude Palisca, una tensión «entre el deseo de preservar un elevado nivel de habilidad contrapuntística y el impulso de acompañar las imágenes, ideas y sentimientos» descritos en el texto (música programática). Con todo, el impacto del Manierismo sobre las artes musicales fue menos profundo que en otros campos; y la propia identificación de un estilo musical que pueda denominarse "manierista" es materia de controversia, como otras transferencias de conceptos de las artes visuales o la literatura en la música. Maria Maniates defiende la idea de que se puede definir un manierismo musical para el periodo final del siglo XVI a partir de elementos específicamente musicales: el experimentalismo en el campo de la armonía, la exploración de intervalos incomunes en la línea melódica, ensayos de música microtonal, tentativas de establecimiento de un sistema de temperamento igual y la atribución de nuevos significados para los elementos de retórica musical. Menos problemática es la evidencia de que el periodo presenció el surgimiento de un nuevo estilo musical, dado que los propios músicos de la época estaban envueltos en una fuerte polémica sobre los nuevos rumbos que tomaba su arte y las diferentes sensibilidades percibidas entre las sucesivas generaciones de músicos. En "Compendium Musices" (1552), Adrianus Coclico describía a la generación de Guillaume Dufay (mediados del siglo XV) como "musici mathematici" ("músicos matemáticos"), a la de Josquin des Prez (finales del XV y comienzos del XVI) como "musici prestantissimi" ("músicos admirables"), y a la suya propia como "musici poetici" ("músicos poéticos").


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text: En Italia esa nueva música parece haberse iniciado con Willaert y sus discípulos, cuya "elegante maniera" significaba la creación de piezas con una armonía autónoma y una dramatización del texto cantado en el sentido de ilustrar musicalmente las sutilezas del significado. Fue en el terreno de la música profana cortesana donde hubo mayor receptividad de las sutilezas subjetivas del Manierismo. Los teóricos de la época eran conscientes de que la comprensión de la "mirabil dolcezza" ("dulzura milagrosa") de los estilos enarmónicos y cromáticos era privilegio de pocos. Esos trazos se encuentran especialmente entre los compositores de madrigales, un género poético y musical polifónico que resucitó transformado tras casi un siglo, y conoció una gran difusión, mostrando gran expresividad y llegando a altos niveles de complejidad y refinamiento. Esa nueva asociación tan íntima entre texto y música tenía raíces en el humanismo renacentista, y se desarrolló en el entendimiento de que la poesía y la música tienen naturalezas semejantes, pero se distinguen en jerarquía. Para el madrigalista Luzzasco Luzzaschi, la poesía era hermana gemela de la música, mas esta debía, no obstante, estarle subordinada ("una vez que la poesía fue la primera en nacer, la música la venera y honra como si fuese su señora, en una extensión tal que la música, habiéndose vuelto virtualmente una sombra de la poesía, no osa mover su pie si su señora no la ha precedido ... si el poeta eleva su voz, la música sube su tono, ella llora si el verso llora, ríe si él ríe, corre, se para, implora, niega, grita, enmudece, vive, muere, todos esos afectos y efectos son tan vívidamente expresados por la música que lo que se debería llamar propiamente de semejanza parece casi competición").


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text: Tanto él como Nicola Vicentino, Cipriano de Rore, Luca Marenzio y otros se hicieron célebres por su experimentalismo armónico en el madrigal, aún no llegando a los extremos de Carlo Gesualdo, el más intensamente dramático de todos, cuyos cromatismos avanzados son un caso único en su época y prefiguran en algunos momentos la música moderna. El madrigalismo cromático y expresivo de esos maestros, en parte, conserva la fuerza polémica que generó en su época, y que le proporciona atractivo hasta hoy en día, porque funciona contra el plano de fondo de un sistema sonoro más antiguo, y solamente dentro de un contexto de reconocimiento de los experimentos y desafíos puede ser juzgado y apreciado, al llevan ese sistema a su límite. Otro dato importante en la formulación del Manierismo musical fue un cambio en la teoría en favor del juicio de las consonancias y disonancias a través de las necesidades expresivas, y no a partir de modelos matemáticos preestablecidos, opinión que se insertó en la misma polémica, entre los seguidores del antiguo contrapunto riguroso y los que abogaban por la libertad para la dramatización de una vasta gama de efectos, realización que les parecía imposible dentro de los cánones del sistema antiguo.


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text: Importantes como fueron las conquistas de esa vanguardia profana, que serían seminales para el futuro Barroco musical, en su inicio representaron un fenómeno circunscrito a las pequeñas cortes italianas. La gran escena musical manierista fue básicamente dominada por compositores sacros, como Giovanni da Palestrina y Orlando di Lasso, cuya música se convirtió en un patrón para todo el continente. A pesar de que también se introdujeron innovaciones técnicas, su estilo la mayor parte de las veces en nada evidencia la agitación e inestabilidad que tipifica el Manierismo en otras artes; al contrario, revela una armonía, dignidad y expresividad controlada que tiene su paralelo más bien en las obras plásticas del Alto Renacimiento. Incluso Palestrina fue incluido entre los "modernos" por sus propios contemporáneos por establecer un esquema basado en la simplificación de los antiguos modos. Al final del siglo el estilo descriptivo de los madrigales encontraría un nuevo campo de expresión en el desarrollo del proto-operismo monódico de Giulio Caccini, Jacopo Peri y otros, precursores de Monteverdi en la ópera y en la posterior floración del madrigal.


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text: El concepto de escuela artística como peculiaridad local presupone una continuidad en el tiempo de rasgos característicos de sus integrantes, que puedan distinguirse de los rasgos de otras escuelas o de los comunes a un determinado "estilo internacional" (en los siglos medievales, el Románico y el Gótico -una de cuyas fases se denomina precisamente "Gótico internacional"-). Lo que retrospectivamente llamamos "Renacimiento" o "Manierismo" eran identificados en el siglo XVI como la "maniera italiana", el gusto o estilo "italiano", distinguiéndolo con claridad de las tradiciones "nacionales" locales, que en algún caso se identificaban con la "modernidad": Diego de Sagredo ("Las medidas del romano", 1526) distinguía el estilo "antiguo" (o sea, greco-romano) de lo que para los españoles era el estilo "moderno", el Plateresco (un gótico tardío con sustrato hispanoárabe e influencias hispanoflamencas); mientras que en Inglaterra el predominio del estilo Tudor (el gótico tardío local) se mantuvo hasta el siglo XVII. Mientras tanto, en la propia Italia no había entre las numerosas y deslumbrantes cortes principescas (cada una centro de su propia escuela artística local) ninguna que representara una entidad política capaz de unificar la península, ni siquiera los Estados Pontificios, pues quienes se disputaron la hegemonía fueron Francia y España, con victoria de ésta. De la Monarquía Hispánica también formaban parte los territorios de herencia borgoñona denominados genéricamente "Flandes", el segundo centro artístico en importancia de Europa, que, aunque con fluidos contactos con Italia, mantenía una fuerte personalidad.


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text: Desde los inicios del Antiguo Régimen en la Baja Edad Media, las monarquías autoritarias de Europa Occidental venían construyendo los primeros Estados modernos o Estados nacionales (el reino de Inglaterra, el reino de Francia, el reino de Portugal, la España de los Reyes Católicos). La primera mitad del siglo XVI presenció la disputa de la hegemonía europea entre Carlos V y Francisco I, correspondiendo a Enrique VIII, a los sucesivos papas, e incluso a potencias relativamente menores como la República de Venecia o el Ducado de Saboya, papeles más o menos destacados en el equilibrio entre ambos; al tiempo que las profundas transformaciones socioeconómicas se manifestaban política e ideológicamente en conflictos como la Reforma protestante y la guerra de Esmalcalda en Alemania. En la segunda mitad de siglo, evidenciada la imposibilidad de la idea de Imperio de Carlos V, quedó fijada la alianza dinástica entre los Austrias de Viena (la gran potencia centroeuropea) y los Austrias de Madrid (que ejercían la hegemonía española). En el inmenso imperio de Felipe II (que incluía a Portugal y sus colonias desde 1580) "no se ponía el sol", a pesar de su frustrada relación con Inglaterra (durante un breve periodo fue rey consorte de María Tudor, 1554-1558, para pasar a tener en Isabel I su enemigo) y de la revuelta de Flandes (saco de Amberes, 1576 -de gran trascendencia para el arte-); mientras Francia se desangraba en las guerras de religión (matanza de San Bartolomé, 1572).


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text: La escuela florentino-romana que caracteriza el Alto Renacimiento sufrió una dramática discontinuidad con el saco de Roma de 1527; pero la ciudad pontificia volvió a ser un centro artístico de primer orden con Alejandro Farnese, papa Paulo III, desde 1534 (vuelta de los ya viejos Miguel Ángel y Sebastiano del Piombo, y llegada de artistas jóvenes, como Guglielmo della Porta, Jacopo Vignola o Daniele da Volterra), al igual que la corte de los Médici con Cósimo I, duque desde 1537 (Cellini, Bronzino, Pontormo, Vasari, Giambologna). Entretanto, la vida artística italiana había florecido en múltiples centros artísticos, como Mantua (Giulio Romano) o Génova (Perin del Vaga, Beccafumi, Pordenone). Incorporada a la Monarquía Hispánica, Milán dejó de acoger una corte independiente, con lo que el Manierismo lombardo es dependiente de los centros próximos y del desarrollo de obras concretas, como la catedral de Cremona o la decoración de la iglesia de San Segismundo (Giovanni Demìo, Antonio Campi, Camillo Boccaccino, Bramantino, Gaudenzio Ferrari). Fue muy destacable el Manierismo de Italia central, repartida entre los estados pontificios y aristócratas poderosos, como los Della Rovere y los Farnese; en Parma y Bolonia trabajaron Parmigianino, Pellegrino Tibaldi, Nicolò dell'Abbate y los Carracci. Capítulo aparte merece la escuela veneciana (el viejo Tiziano, Tintoretto, Veronés, Bassano, y arquitectos como Jacopo Sansovino, Serlio o Palladio).


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text: El programa artístico impulsado por Francisco I en torno al palacio de Fontainebleau (escuela de Fontainebleau), singnificó el triunfo en Francia del "gusto italiano", que incorporó tanto los elementos clasicistas del Alto Renacimiento italiano como el Manierismo inicial. A lo largo del siglo XVI, el jardín francés del Renacimiento desarrolla los conceptos que culminarán cien años más tarde en los jardines de Versalles.


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text: Enrique VIII, que confiaba en artistas continentales, como Girolamo da Treviso y Hans Holbein el Joven, introdujo el gusto italiano particularmente en la decoración de su principal proyecto palaciego, el palacio de Nonsuch, en construcción desde 1538 y del que no quedan más que descripciones (que indican su extraordinario coste, y que en él trabajaron artistas italianos, algunos venidos de Fontainebleau, como Nicoletto da Modena). En la mayor parte de las construcciones del siglo XVI se da el estilo Tudor, que es un gótico tardío con fuerte personalidad nacional. El verdadero triunfo de las formas italianas en Inglaterra no se produjo hasta el periodo isabelino.


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text: Aunque desde las abdicaciones de Carlos V en Bruselas (1555-1556) y el establecimiento de la capitalidad de Madrid (1561), quedó evidenciado que Flandes nunca más sería el centro político de la Monarquía Católica, las ciudades flamencas siguieron siendo centros artísticos de primer orden; de hecho el centro del mercado de arte, como lo eran del comercio internacional. El conflicto socio-religioso de la Reforma terminó estallando en una sangrienta guerra civil (la Guerra de los Ochenta Años, 1568-1648) que dividió la zona entre el norte, con predominio calvinista (las Provincias Unidas independientes, lideradas por Holanda), y el sur con predominio católico (los Países Bajos Españoles, que entre 1598 y 1621 fueron gobernados por la hija y el yerno de Felipe II: Isabel Clara Eugenia y Alberto de Austria). El saco de Amberes (1576) y el posterior sitio de 1584-1585 destruyeron la prosperidad económica y cultural de esa ciudad, pasando la centralidad de la región en ambos ámbitos a Ámsterdam, a donde emigraron muchos artistas. También hubo emigración hacia el Palatinado renano, donde se creó la escuela de Frankenthal, enlace entre el manierismo flamenco y el alemán.


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text: La corte de Rodolfo II en Praga (desde 1583) se convirtió en el principal centro artístico al norte de los Alpes (Giuseppe Arcimboldo, Bartholomäus Spranger, intentó traer a Giambologna, cuya obra admiraba, pero al no conseguirlo, contrató a Adriaen de Vries). Su "Wunderkammer" ("cámara" o "cuarto de maravillas"), el más famoso de Europa, reunía objetos artísticos y curiosidades procedentes de todo el mundo. Para etiquetar a algunos pintores de este ámbito, como Hans von Aachen o Joseph Heintz, se utilizan la expresiones "arte rudolfino" y "Manierismo rudolfino" o "Manierismo de Praga".El reino de Polonia (1385-1569) se unió con Lituania en la llamada República de las Dos Naciones. La zona costera del Báltico seguía manteniendo su identidad hanseática. El centro artístico del Báltico en la época manierista fue la ciudad de Danzig, con un programa constructivo municipal (el "Langer Markt" -"mercado largo"-, el "Artushof"). Otro centro importante fue Lemberg (plaza del mercado<


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text: En el reino de Dinamarca se realizó un ambicioso programa artístico manierista con motivo de la remodelación del Castillo de Kronborg.


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text: En el reino de Suecia algunos castillos, como el de Vadstena o el de Kalmar) fueron remozados en la segunda mitad del siglo XVI con criterios renacentistas o manieristas.


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text: La gestualidad es un elemento central del Manierismo en las artes plásticas, que las aproxima a la danza y otras artes escénicas, embrionarias en la época ("commedia dell'arte") y que se desarrollarán en el Barroco. Las poses, complicadas y artificiosas, la posición de la cabeza, la expresión del rostro, la posición y actitud expresada con las manos, con los dedos, con cualquier miembro del cuerpo (los "contrappostos", los escorzos), son resultado de un estudio profundo; y se hacen corresponder tanto con su significado iconográfico como con su relación con la complejidad en la composición y la artificiosidad de la luz y los colores (correspondencia fondo-forma). "En tanto que ese originario gesto manierista apunta hacia Dios, hacia un Dios "impersonal" sin configuración alguna (el Dios de las fuerzas operantes en la Naturaleza de este o de aquel modo) es, pues, mucho más "naturalista" que el más "ingenuo" del clasicista tan "apegado a la Naturaleza", que ve a Dios como figura, todavía más, como hombre, como la más abstrusa pues de las metáforas que han existido".


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text: Aunque dando cada vez más espacio a otros géneros, los del arte religioso siguieron siendo los más demandados por los comitentes (entre quienes destacan las distintas instituciones eclesiásticas) y el mercado de arte. No era extraño que los temas religiosos sirvieran de excusa para la representación de todo tipo de escenas o ambientes (incluyendo paisajes y desnudos), o que fueran las figuras secundarias y los aspectos anecdóticos los que se destacaran; lo que en algunos casos producía una obvia desacralización de las imágenes. En los países católicos, la Contrarreforma vio en el arte un objeto de atención importante. Los cánones del Concilio de Trento y textos como el "Discorso intorno alle immagini sacre e profane" del cardenal Gabriele Paleotti (1582) para pintura y escultura, y "Fabricae et Supellectilis Ecclesiasticae" de San Carlos Borromeo (ca. 1572) para arquitectura, proporcionaron guía doctrinal a los artistas. En los inicios del protestantismo hubo incluso episodios de iconoclasia, y los reformadores preferían la austeridad en la decoración de las iglesias; la devoción privada no se basaba en las imágenes, pero aun así hubo muestras de pintura religiosa.


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text: Tras el desnudo renacentista que aparece en el "Quattrocento" con el "David" de Donatello (ca. 1440) y la "Venus" de Botticelli (1484), y llega hasta el Alto Renacimiento con las Leda y el Cisne de Leonardo (1503-1508) y Miguel Ángel (1530); "el nuevo desnudo manierista era esbelto, lánguido, sofisticado, sensual, nunca heroico o un símbolo de espiritualidad; una forma altamente aristocrática de lo que, en la Florencia del duque Cosimo I, ya nunca más republicana, era precisamente lo que más se necesitaba". No obstante, más allá de su "heroicidad" formal, el concepto de desnudo "heroico", que prestigiaba a un poderoso retratado comparándolo con alguna figura mitológica, sí que tuvo desarrollo a lo largo del siglo XVI ("Andrea Doria como Neptuno" y "Cosme de Médicis como Orfeo", ambos de Bronzino, "Carlos V derrotando el Furor", de Leone Leoni), incluyendo alguno femenino.


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text: No se restringió a ningún género; aparece en las escenas mitológicas y en los retratos, en alegorías e incluso en temas religiosos que de alguna manera lo excusan (Adán y Eva, las hijas de Lot, Susana y los viejos, la Magdalena, martirios femeninos, el Juicio Final, etc.) Para el cambio en el tratamiento formal del desnudo fue muy importante el impacto que tuvo la Venus de Giorgione (1507-1510), como puede verse en la Bacanal de Tiziano (1523-1526), ambas obras situadas cronológicamente en el Alto Renacimiento, o en la Venus de Urbino y las "poesías" del longevo maestro veneciano, ya de mediados del siglo; (exposición "Tiziano" en el Museo del Prado): "Hacia 1551, Tiziano y Felipe II debieron hablar en Augsburgo de las “poesías”, seis obras mitológicas concebidas para deleite de los sentidos que el pintor entregaría al monarca entre 1553 y 1562 y que visualizan aspectos fundamentales de la teoría del arte veneciano como la primacía del color sobre el dibujo. Esta sección, la única no estrictamente cronológica, incluye otras obras, principalmente La Venus de Urbino, que ilustran la decisiva contribución de Tiziano al tratamiento del desnudo femenino tumbado." Esa última obra (de 1538) es considerada por Mark Twain como "la más loca, vil y obscena pintura que posee el mundo" (citado en Brooks -fuente citada en Erotismo#Dibujo y pintura-). Las "poesías" ilustran escenas de "Las metamorfosis" de Ovidio.


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text: Aunque el paisaje no es en esta época un género propio por sí mismo, sino el fondo de las composiciones de otros géneros, en algunos casos (especialmente en la pintura flamenca) cobra un extraordinario valor al suponer la mayor parte de la superficie pictórica. Está muy presente en la pintura mitológica y también en buena parte de la pintura religiosa. Evoluciona hacia el paisaje barroco.


title: Manierismo

text: Es muy significativo el impacto que sobre los pintores flamencos tenía el casi preceptivo viaje a Italia que realizaban tras su aprendizaje en sus talleres locales, llenando sus paisajes de rocas y cumbres escarpadas, de las que su entorno carece. No obstante, el paisaje flamenco es de gran originalidad, caracterizándose por el gusto por el detalle perfeccionista de su escuela y sus tradiciones técnicas (se ha llegado a decir que los cuadros flamencos son miniaturas en grande, mientras que los cuadros italianos son frescos en pequeño). "Se considera a Joaquín Patinir como el primer paisajista. Es el iniciador de la nueva representación panorámica del paisaje. Se sitúa ... como observador elevado y su mirada contempla todo el panorama, de donde viene la expresión "paisaje panorámico". Para subrayar la lejanía, Patinir delimita cromáticamente tres zonas de colores: el pardo en el plano delantero, el verde en la zona media dominante y el azul para el plano posterior lejano donde el horizonte se confunde con el cielo. ... Herri met de Bles, sobrino de Patinir, perpetúa los procedimientos de éste, con una inspiración más onírica. Ofrece una factura más relajada e innova con una gama particular de tonos pardo-rojos y sombríos azules. Lucas Gassel también se inspira directamente en Patinir. Consigue satisfacer su amor sincero por la naturaleza y lo junta con su interés por la geografía, estimulada por los grandes descubrimientos de la época. Se aplica a la topografía de las ciudades, lo que le hace antecesor de los paisajistas urbanos. Cornelis Massys se conforma a las reglas del paisaje panorámico, mostrando la tensión y aridez de las ciudades y la horizontalidad del paisaje. Gracias a este maestro y a partir de estas fechas, hacia mediados del siglo XVI, el paisaje imaginario y panorámico practicado e introducido por Patinir sufre una simplificación. La amplitud y complicación de formas, junto con la inverosimilitud, desaparecen en favor de una representación más fiel de la realidad. Jacob Grimmer casa perfectamente con esta tendencia realista. Gillis Mostaert, que colabora con Grimmer, está animado por la misma búsqueda de verdad objetiva. El carácter excepcional de las obras de El Bosco y de Bruegel se inscribe al margen y a contracorriente de la influencia dominante del Renacimiento italiano sobre la escuela de Amberes, representada por Frans Floris y los manieristas antuertpienses de comienzos del siglo XVI. ... Heredero de los primitivos, los planos lejanos de El Bosco contienen los paisajes más realistas que se hubieran pintado desde Van Eyck."