title: Cine de terror

text: Japón, con su especial sensibilidad por lo desagradable y su meticulosidad, merece una sección aparte. Podemos mencionar "Shogun's Sadism" (1976) de Yuji Makiguchi como una película anterior a la explosión del gore japonés. Más adelante, hay que mencionar a cuatro especialistas en el subgénero: Hisayasu Sato, Sion Sono, Shinya Tsukamoto y Yoshihiro Nishimura. Del primero hay que destacar "Himitsu no hanazono" (1987), "Bôkô honban" (1987), "" (1994), "" (1995), "Rampo jigoku" (2005) y "Hanadama" (2014). Del segundo: "El club del suicidio" (2001), "La mesa de cena de Noriko" (2005), "Kimyô na sâkasu" (2005), "Ekusute" (2007) y "Tsumetai nettaigyo" (2010). Del tercero: el mediometraje "Denchu kozo No Boken" (1987), "" (1989), "" (1991), "" (1992), "Tokyo Fist" (1995), "Vital" (2004), "Haze" (2005) y "Tetsuo The Bulletman" (2009). Del cuarto: "Tôkyô zankoku keisatsu" (2008), el mediometraje "63-fun-go" (2009), "Kyûketsu shôjo furanken" (2009), "" (2010), "" (2010), un episodio de la estadounidense-neozelandesa "The ABCs of Death" (2012), la canadiense "The Profane Exhibit" (2013) y "" (2017). También hay que mencionar la saga iniciada con "" (1985) de Satoru Ogura, la película de animación "Miduri" (1992) de Hiroshi Harada y "Grotesque" (2009) de Kôji Shiraishi. Mención aparte merece el maestro en este género y en el de yakuzas Takashi Miike, que se le deben "Audition" (1999), "Bizita Q" (2001), "Ichi the killer" (2001) y "Gozu. El camino a la locura" (2003), entre otras.


title: Cine de terror

text: Como ya hemos mencionado anteriormente, los inicios del cine de terror le deben a Francia gran parte de sus antecedentes con numerosos cortometrajes. Asimismo, aunque sin ninguna explosión, Francia continuó recurriendo al subgénero con filmes como Yo acuso (1919) de Abel Gance, que contó con una versión homónimo en 1938, dirigido por el propio Gance, "La mano del diablo" (1943) de Maurice Tourneur, Las diabólicas (1955) de Henri-Georges Clouzot y Les yeux sans visage (1960) de Georges Franju, entre muchas otras.


title: Cine de terror

text: Ya en los años 1970, dominó el cine de vampiros, temática muy frecuentada por Jean Rollin con: "La violación de la vampira" (1967), "La vampire nue" (1970), "Le frisson des vampires" (1971), "Réquiem por un vampiro" (1973), "Lèvres de sang" (1975), "El castillo de las vampiras" (1979) y ya posteriormente "Las dos huérfanas vampiras" (1997) y "La novia de Drácula" (2002). Dentro del cine de vampiros francés también destaca "Et mourir de plaisir" (1960) de Roger Vadim, "Tendre Dracula" (1974) de Pierre Grunstein, la cómica "Drácula, padre e hijo" (1976) de Édouard Molinaro y la belga "El rojo en los labios" (1971) de Harry Kümel, director que, ya fuera del cine de vampiros pero dentro del género, realizó "Malpertuis" (1971) y la neerlandesa "Repelsteeltje" (1973). Durante los años 1970, 80 y 90 también se estrenarían las interesantes "No nos libres del mal" (1971) de Joël Séria, la coproducción España-Francia "La campana del infierno" (1973) de Claudio Guerín y Juan Antonio Bardem, "Baby Blood" (1990) de Alain Robak y su secuela "Lady Blood" (2008) de Jean Marc Vincent, "Delicatessen" (1990) de Jean-Pierre Jeunet y "Possession" (1981) de Andrzej Zulawski, director que es el responsable de las polacas "El diablo" (1972) y "Szamanka" (1996). Asimismo Jean Rollin también dirigió importantes cintas de terror fuera del cine de vampiros, muchas de ellas dentro del subgénero de los zombis, dan fe de ello: "La rosa de hierro" (1971), la belga codirigida junto a Jesús Franco "La nuit des étoiles filantes" (1973), "Espasmos de muerte" (1978), "Las uvas de la muerte" (1978), "Acoso en la noche" (1980), "Le Lac des Morts Vivants" (1981), "La muerta viviente" (1982) y "Le masque de la Méduse" (2010).


title: Cine de terror

text: Ya en el siglo XXI, apareció una tendencia del cine francés, dispuesta a romper tabúes y explorar el cuerpo humano, tanto en su destrucción, como en su sexualidad. Como dice James Quandt "un cine que repentinamente está decidido a romper cada tabú, a vadear ríos de vísceras y espumas de esperma, a llenar cada fotograma con desnudez, atractiva o arrugada, y someterla a toda forma de penetración, mutilación y corrupción". Es el llamado Nuevo extremismo francés que cuenta con dos corrientes, la exploración de la destrucción del cuerpo humano (unida al cine de terror) y la exploración de su sexualidad (unida al cine erótico). Dentro de la primera corriente, podemos encontrar varios especialistas en el género. Alexandre Aja dirige "Furia" (1999), "Haute tension" (2003), y las estadounidenses "The Hills Have Eyes" (2006), "Mirrors" (2008) y "Piranha 3D" (2010). De Xavier Gens son las películas: "Frontière(s)" (2007), "Aislados" (2011) y la británica "The Crucifixion" (2017). Por otro lado, Alexandre Bustillo y Julien Maury nos legan "Al interior" (2007), "Livide" (2011), "Aux yeux des vivants" (2014) y la estadounidense "Leatherface" (2017) (dentro de la saga iniciada con "The Texas Chainsaw Massacre"). A Pascal Laugier se le debe "El internado" (2004), "Mártires" (2008), que contó con una versión homónimo en 2015: "Mártires" dirigida por Kevin Goetz y Michael Goetz y la canadiense "El hombre de las sombras" (2012). Christophe Gans realiza "El libro de los muertos" (1993), "El pacto de los lobos" (2001) y la canadiense "Silent Hill" (2006). Marina de Van es la responsable de "En mi piel" (2002), "No te retourne pas" (2009) y "Dark Touch" (2013). También es interesante mencionar, aunque no sea de terror, pero sí dentro de la corriente violenta del nuevo extremismo francés, la película de Gaspar Noé, "Irreversible" (2002). También merecen ser mencionadas las películas: "Trouble Every Day" (2001) de Claire Denis, "Sheitan" (2006) de Kim Chapiran, "Ellos" (2006) y "The Eye" (2008) de David Moreau y Xavier Palud, "Vertige" (2009) de Abel Ferry, "La meute" (2010) de Franck Richard, "Mutants" (2009) y la canadiense "Home Sweet Home" (2013) de David Morlet y las belgas "Calvario" (2004), "Vinyan" (2008) y "Alleluia" (2014) de Fabrice Du Welz. Por último, mención aparte merece el español Miguel Ángel Vivas (director del corto "El hombre del saco" (2002), del corto portugués de zombis "I'll See You in My Dreams" (2003)) que en 2010 dirige una película de terror española con claras influencias del nuevo extremismo francés: "Secuestrados", además de que en 2016, es el responsable del remake de "Al interior", titulada "Inside".


title: Tamara de Lempicka

text: Tamara de Lempicka, también conocida como Tamara Łempicka (pronunciado "Uempitsca"), nacida Tamara Rosalia Gurwik-Górska (Varsovia, 16 de mayo de 1898, Polonia – Cuernavaca, México, 18 de marzo de 1980), fue una pintora polaca que alcanzó la fama en Europa, sobre todo en Francia, y en Estados Unidos con sus retratos y desnudos del estilo "art déco".


title: Tamara de Lempicka

text: Nació en un ambiente de lujos y abundancia y fue educada en un entorno femenino por su abuela, su madre y su tía. Durante su infancia viajó, tomó lecciones de arte y aprendió idiomas y buenos modales. En 1918, se casó con Tadeusz Łempicki, con quien se mudó a París, y allí continuó sus estudios de pintura.


title: Tamara de Lempicka

text: Desde sus primeras obras, Lempicka buscó representar la figura humana. Al respecto comentó Germain Bazin: """Un cuadro de Tamara se representa en general como un bajorrelieve de una sola figura de volúmenes poderosos que llena todo el campo del lienzo, hasta el punto en que, a menudo, la cima de la cabeza está cortada por el borde superior""."


title: Tamara de Lempicka

text: Durante los años veinte, Lempicka asistió a clases con Maurice Denis en la Académie Ranson y posteriormente fue discípula del artista francés André Lhote en la Académie de la Grande Chaumière.


title: Tamara de Lempicka

text: Influenciada por el cubismo, Lempicka es considerada una de las mayores representantes del estilo "art déco" en dos continentes. Fue la artista favorita de muchas estrellas de Hollywood y se la denominó "la baronesa con pincel".


title: Tamara de Lempicka

text: Fue la retratista más reconocida de su generación entre las altas esferas sociales. A través de su red de amistades, fue capaz de exponer sus pinturas en los salones de mayor relevancia del momento.


title: Tamara de Lempicka

text: La versión oficial es que nació en Varsovia, aunque se piensa que podría haber nacido en Moscú. Esta lectura de los hechos sustenta que cambió su lugar de nacimiento porque, al ser su padre judío, tuvo la necesidad de mentir sobre sus orígenes para poder salir de Europa en 1939. Incluso se piensa que cambió su fecha de nacimiento.


title: Tamara de Lempicka

text: Nació en el seno  de una familia acaudalada, siendo desde pequeña una niña autoritaria y con carácter. Su madre era Malwina Dekler, una "socialite" judía. Su padre fue un abogado judío de origen ruso que trabajaba para una comercializadora francesa, llamado Boris Gurwik-Górski. Fue la segunda de tres hijos y asistió a un internado en Lausana, Suiza. En 1910, con tan solo 12 años pintó un retrato de su hermana, que sería su primer trabajo. Esto fue a raíz de que su madre pidiera a un famoso artista un retrato de cada uno de sus hijos, pero Lempicka no quedó satisfecha con el resultado porque decía “que no era ella en ese retrato”. Fue en este momento cuando realizó su primera pintura: “Mi madre decidió encargar unos retratos a una mujer famosa que trabajaba con colores pastel. Me senté quieta durante horas, fue una tortura. Más tarde, torturaría a otros que se sentarían para mi. Cuando terminó, no me gustó el resultado, no era preciso. Las líneas no estaban limpias. No era yo. Decidí que yo lo podía hacer mejor. No conocía las técnicas. Nunca había pintado, pero esto no era importante. Mi hermana tenía dos años. La obligué a sentarse y la pinté hasta que finalmente tuve un resultado. Era imperfecto, pero se pareció más a mi hermana que el que la famosa artista hizo de mí.”


title: Tamara de Lempicka

text: Pasó el invierno de 1911 con su abuela en Italia, viaje en el que descubrió su pasión por el arte. Fueron a sitios como Roma, Florencia o Monte Carlo. La visita a los museos de Venecia, Florencia y Roma la llevaron a tener una gran pasión por el arte renacentista italiano, que predomina en sus trabajos durante los años veinte y treinta.


title: Tamara de Lempicka

text: En 1912, sus padres se divorciaron y Lempicka se mudó a San Petersburgo con su tía Stefa, una mujer bien acomodada en la sociedad rusa. Cuando su madre se casó por segunda vez, Tamara decidió irse a vivir por su cuenta y pronto encontró al hombre con el que se casaría: gracias a los contactos de su tío, conoció al abogado polaco Tadeusz Łempicki (1888-1951). La familia de Lempicka le ofreció al abogado una gran dote para que se casara con ella y la boda tuvo lugar en la capilla de los Caballeros de Malta en San Petersburgo en 1916. La pareja llevó una vida lujosa hasta que estalló la revolución de octubre de 1917.


title: Tamara de Lempicka

text: Su marido fue encarcelado por los bolcheviques y Lempicka tuvo que buscarlo en varias cárceles. Con la ayuda del cónsul sueco logra sacarlo de prisión para trasladarse a Copenhague. Posteriormente se mudaron a Londres y finalmente a París, donde también escapó su familia.


title: Tamara de Lempicka

text: Se establecieron en París en 1918, donde nació Kizette, su única hija. La carrera de Tamara de Lempicka comenzaría en 1922. Allí, en París, se relacionó con personas asociadas al movimiento artístico art déco. Poco después de nacer su hija, la familia paso malos momentos económicos, por lo que su hermana Adrienne le sugirió que estudiara pintura. Por lo tanto, y en calidad de refugiada, tomó clases de pintura con Maurice Denis en la "Académie Ranson" y con André Lhote en la "Académie de la Grande Chaumière." Ambos artistas influyeron su trabajo, sobre todo este último. Lo que hizo a Lhote particularmente importante para De Lempicka, como ejemplo y como maestro, fue la aceptación del papel decorativo de la pintura, y también su intento de fusionar los elementos de abstracción cubista y la interrupción de la perspectiva convencional con la tradición figurativa clásica. El estilo de De Lempicka se identificaba como "“"cubismo suave"”". Sus primeras pinturas fueron sobre la vida de su hija Kizette y sus vecinos, así como varios retratos. Vendió estas primeras obras a través de la "Galerie Colette-Weil", lo que le permitió exponer en el "Salon des independientes", "el Salon d'automne" y el "Salon des moins de trente ans". Sin embargo, no empezará a cobrar cierta popularidad hasta 1922, cuando exhibe su trabajo en el "Salon d'automne", aunque no aparecía como mujer en los catálogos, ya que en ese momento firmaba sus cuadros con su patronímico masculino "Lempitzki".


title: Tamara de Lempicka

text: Su éxito comenzó en 1925 con la "Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas", que más tarde dio su nombre al estilo art déco. Expuso sus pinturas en dos de los salones más importantes: el "Salon des Tuileries" y el "Salon des femmes peintres". Sus cuadros fueron vistos por periodistas estadounidenses del "Harper's Bazaar" y otras revistas de moda, y su nombre se hizo conocido. En el mismo año, tuvo su primera exposición importante en Milán, Italia, organizada para ella por el conde Emmanuele Castelbarco. Para esta exposición, De Lempicka pintó 28 nuevas obras en seis meses, un esfuerzo supremo considerando que cada retrato le tomaba cerca de tres semanas de trabajo.


title: Tamara de Lempicka

text: En 1927, De Lempicka gana su primer premio importante, sería el primer premio de la "Exposición Internacional de Burdeos" por su retrato "Kizette en el balcón". En 1929 otro retrato de Kizette en su primera comunión, ganó una medalla de bronce en la "Exposición internacional" en Poznań, Polonia. También en 1929 se divorcia de Tadeusz. Ese mismo año, conoce al barón húngaro Raoul Kuffner de Diószegh (1886-1961), un coleccionista de su obra. Él le encargó pintar a su amante, la bailarina española Nana de Herrera. Lempicka terminó el retrato, aunque no fue nada halagador, y tomó el lugar como la amante del barón. Compró un apartamento en la rue Méchain en París y lo hizo decorar por el arquitecto modernista Robert Mallet-Stevens y su hermana Adrienne de Montaut, con mobiliario de Rene Herbst. Su hogar adquirió cierta fama, ya que los interiores austeros y funcionales aparecieron en varias revistas de decoración.


title: Tamara de Lempicka

text: Viajó a los Estados Unidos por primera vez en 1929 para pintar un retrato de la prometida del petrolero estadounidense Rufus T. Bush y para organizar una muestra de su trabajo en el "Instituto Carnegie" en Pittsburgh. La exposición fue un éxito, pero el dinero que ganó se perdió cuando el banco en el que llevó a cabo la operación económica quebró tras el colapso del mercado de valores de 1929, más conocido como el crack del 29. La carrera de Lempicka alcanzó su punto álgido durante la década de 1930. En 1932, viajó a España y pintó retratos del rey Alfonso XIII y la reina Isabel de Grecia. En esta época, los museos comenzaron a coleccionar sus obras. En 1933, viajó a Chicago, donde se mostraron sus cuadros junto a los de Georgia O'Keeffe, Santiago Martínez Delgado y Willem de Kooning. A pesar de la Gran Depresión, continuó recibiendo encargos y mostró su trabajo en varias galerías de París.


title: Tamara de Lempicka

text: La esposa del barón Kuffner murió en 1933, y De Lempicka no tardó en casarse con él, el 3 de febrero de 1934 en Zúrich. Estaba alarmada por el ascenso de los nazis y convenció a su esposo para que vendiera la mayoría de sus propiedades en Hungría y trasladara su patrimonio a Suiza.


title: Tamara de Lempicka

text: En el invierno de 1939, tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, Lempicka y el barón Kuffner se mudaron a los Estados Unidos, estableciéndose primero en Los Ángeles. "La Galería Paul Reinhard" organizó una muestra de su trabajo, y poco después se mudaron a Beverly Hills, California instalándose en la antigua residencia del director de cine King Vidor. Se organizaron exposiciones de su obra en la "Galería Julian Levy" en Nueva York, las "Galerías Courvoisier" en San Francisco y el "Instituto de Arte de Milwaukee", pero no tuvieron el éxito que esperaba. Su hija Kizette pudo escapar de la Francia ocupada y se unió a ellos en Los Ángeles en 1941. Kizette se casó con un geólogo de Texas, Harold Foxhall. En 1943, el barón Kuffner y de Lempicka se mudaron a la ciudad de Nueva York.


title: Tamara de Lempicka

text: En los años de la posguerra, continuó una vida social frenética, pero tenía menos encargos para los retratos de la sociedad. Su estilo art deco parecía anticuado en el período del modernismo de posguerra y el expresionismo abstracto. Extendió sus temas para incluir bodegones, y en 1960 comenzó a pintar obras abstractas y a usar una espátula en lugar de su suave pincelada. A veces reelaboraba piezas anteriores en su nuevo estilo. Por ejemplo, la nítida y directa "Amethyste" (1946) se convirtió en "Chica rosa con guitarra" (1963). Tuvo una exposición en la "Galería Ror Volmar" en París en mayo y junio de 1961, pero no revivió su éxito anterior.


title: Tamara de Lempicka

text: El barón Kuffner murió en noviembre de 1961. Después de su muerte, Lempicka vendió muchas de sus posesiones e hizo tres viajes alrededor del mundo en barco. En 1963, Lempicka se mudó a Houston, Texas, para estar con Kizette y su familia y se retiró de su vida como artista profesional. Continuó repintando sus trabajos anteriores. Por ejemplo, repitió su conocido "Autorretrato en un Bugatti verde”"(1929) dos veces entre 1974 y 1979; "Autorretrato III" fue vendido. El interés por el art déco volvió a surgir a finales de la década de los 1960, por lo que su trabajo se expuso en la "Galería Luxemburg" en París en 1972 y tuvo buenas críticas.


title: Tamara de Lempicka

text: Poco después de esto, dejó la vida social y en 1974 se trasladó a Cuernavaca, México. En 1979, Kizette se mudó a este mismo lugar para cuidar de su madre. De Lempicka murió el 18 de marzo de 1980. Siguiendo sus deseos, sus cenizas fueron esparcidas sobre el volcán Popocatépetl. La última obra que pintó fue la cuarta copia de su pintura de "San Antonio".


title: Tamara de Lempicka

text: Su producción se centra en retratos femeninos y en desnudos de ambos sexos. Siguiendo la tendencia de la pintura art decó, pintaba mujeres etéreas, con ropajes flotantes y dedos largos, si bien dan una impresión férrea y escultural por la pincelada pulida y los marcados contrastes de luces y sombras. Sus influencias principales son Botticelli, Bronzino, el retrato manierista en general y el cubismo, pero sin llegar al arte abstracto. Curiosamente, Lempicka empleaba este eclecticismo o fusión de estilos antiguos para representar temas actuales, donde las figuras visten ropajes y peinados de moda.


title: Tamara de Lempicka

text: Otro de sus maestros e influencias fue André Lhote, que le enseñó a seguir una forma de cubismo más suave y refinada que no sorprendió al espectador. Su cubismo estaba lejos del de Pablo Picasso o Georges Braque; para ella, Picasso "encarnaba la novedad de la destrucción". Aunque De Lempicka era crítica con las obras de Picasso, tomó algunas influencias de sus creaciones para sus desnudos, especialmente de una obra llamada "Desnudo sentado," pintada en 1923. También tuvo en cuenta a finales de los años 1920 la influencia de Cocteau, generando así unas pinturas en las cuales trataba de englobar lo moderno, lo ilustrativo y lo comercial. Lempicka combinó este suave cubismo con un estilo neoclásico, inspirado en gran parte por Ingres, particularmente su famoso "Baño turco", con sus desnudos exagerados llenando el lienzo. Su pintura "La Belle Rafaëlla" fue especialmente influenciada por este pintor. La técnica de Lempicka, siguiendo a Ingres, era limpia, precisa y elegante, pero al mismo tiempo cargada de sensualidad. Los elementos cubistas de sus pinturas generalmente estaban en el fondo. Las texturas suaves de la piel y los tejidos igualmente lisos y luminosos de la ropa fueron los elementos dominantes de sus obras.


title: Tamara de Lempicka

text: En 1929, Lempicka pinta una de sus obras más conocidas, "Autorretrato en Bugatti verde", para la portada de la revista de moda alemana "Die Dame". El cuadro la mostraba al volante de un coche Bugatti con un casco de cuero y guantes y envuelta en una bufanda gris, un retrato de belleza fría, independencia, riqueza e inaccesibilidad. En esta obra, Tamara de Lempicka recuerda la trágica muerte de la bailarina estadounidense Isadora Duncan, que murió estrangulada en 1927, cuando su largo chal se enredó en una de las ruedas posteriores de su Bugatti. Con este cuadro, De Lempicka quería expresar dos cosas: el auge de las industrias mecanizadas y el coche como símbolo de la emancipación de la mujer.


title: Tamara de Lempicka

text: Aunque sus obras más populares son desnudos, también retrató a su hija Kizette y especialmente a aristócratas ricos de París y Nueva York. Los desnudos son generalmente femeninos, ya sea representados solos o en grupos; "Adán y Eva" (1931) presenta uno de sus pocos desnudos masculinos. Después de mediados de la década de 1930, cuando sus retratos art decó pasaron de moda y "una grave crisis mística, combinada con una profunda depresión durante una recesión económica, provocó un cambio radical en su trabajo", comenzó a pintar temas menos frívolos en el mismo estilo. Pintó varias Madonnas y mujeres con turbante inspiradas en pinturas renacentistas, así como temas más tristes como en "La Madre Superiora" (1935), una imagen de una monja con una lágrima rodando por su mejilla y como en "Escape" (1940), que representa a refugiados.


title: Tamara de Lempicka

text: Lempicka muestra elementos del surrealismo en pinturas como "Mano Surrealista" (1947) y en algunos de sus bodegones, como "La llave" (1946). Entre 1953 y principios de la década de 1960, Lempicka pintó abstracciones que tienen una similitud estilística con el purismo de la década de 1920. Sus últimos trabajos, pintados en tonos cálidos con una espátula, generalmente han sido considerados los menos exitosos.


title: Tamara de Lempicka

text: Su estética ha atraído a estrellas del espectáculo como Barbra Streisand, Jack Nicholson y Madonna, de quienes se dice que coleccionan sus pinturas. Madonna se inspiró en ella para su vídeo musical "Vogue", de 1990. También aparece un cuadro de Tamara en el vídeo musical de la canción "Open Your Heart", de la misma cantante.


title: Tamara de Lempicka

text: En 1990, Pablo Sodor estrena en Argentina "TAMARA (The Living Movie)" que recrea de una forma teatral nunca vista hasta entonces la visita de la pintora a Il Vittoriale degli Italiani, la casa del poeta Gabriele d’Annunzio.


title: Tamara de Lempicka

text: En el año 2018 se organiza en el Palacio de Gaviria de Madrid la primera retrospectiva de la artista en España.


title: Ventdelplà

text: Ventdelplà fue una telenovela catalana producida por Diagonal TV y emitida por TV3. Empezó a emitirse el 14 de febrero de 2005 hasta el 17 de octubre de 2010. El pueblo de Breda, donde se rodó la serie, toma el nombre de Ventdelplà, un pueblo ficticio.


title: Ventdelplà

text: Su autor fue Josep Maria Benet i Jornet. Sus guionistas fueron David Plana, Manel Bonany, Anaïs Schaaf, Xavi Berraondo, Anna Manso, Eulàlia Carrillo, Laia Aguilar, Héctor Lozano, Jordi Calafí, Núria Parera, Eva Baeza y Lara Sendim.


title: Ventdelplà

text: Teresa Clarís es un ama de casa, casada con un abogado de prestigio de Barcelona. Tiene dos hijos, de 15 y 8 años, y la carrera de médico terminada. Su marido pronto le hace dejarlo todo para ocuparse de los hijos y sobre todo de él. Cuando quiere recuperar algo de independencia, todo se complica. Debe huir y refugiarse temporalmente en casa de su tío Gustau, en Ventdelplà. Aunque al principio tiene la intención de vender la casa y volver a Barcelona, se queda en Ventdelplà. La serie narra las vidas de la gente del pueblo.Datos de audiencia media de cada temporada en su estreno en Cataluña por TV3 según TNS.El nombre de Ventdelplà aparece por primera vez, junto con el de Breda, en un documento del año 878. Se trata de un privilegio del rey franco Luis el Tartamudo al obispo Frodoino de Barcelona, concediéndole varias propiedades en la zona del Montseny. El 1038, Guerau de Cabrera y su esposa Ermessenda, vizcondes de Gerona, deciden fundar un monasterio en Breda y pasar largas temporadas en Ventdelplà, dando un impulso definitivo a las dos poblaciones. Desde entonces la historia de Breda y de Ventdelplà corre paralela y las semejanzas entre las dos villas son tan grandes que mucha gente las confunde.


title: Ventdelplà

text: Entre los episodios de la historia común de estas dos villas gemelas destacan los sucedidos el 20 de mayo de 1640, en los inicios de la Sublevación de Cataluña (1640). Aquel día, gente de Ventdelplà, de Breda y de Sant Celoni atacaron a un contingente de unos 800 soldados del tercio de Leonardo Moles, que se retiraban tras haber sido derrotados en Riudarenas y haber incendiado la iglesia de Breda.


title: Ventdelplà

text: Durante Guerra de Sucesión (1701-1713) por la corona española, Ventdelplà y Breda fueron claramente partidarias del archiduque Carlos de Austria, al igual que la inmensa mayoría de las poblaciones catalanas, colaborando con hombres y dinero a la causa. Y en la Guerra de la Independencia Española, la gente de Breda y de Ventdelplà lucharon contra las tropas francesas, integrándose en una compañía de soldados durante el 1809.


title: Ventdelplà

text: La Guerra Civil Española (1936-1939) ha sido la última guerra que han tenido que sufrir Breda y Ventdelplà. Fruto de la violencia incontrolada durante los primeros momentos de la guerra, varios vecinos de Breda y de Ventdelplà fueron asesinados por motivos ideológicos y fueron enterrados en fosas comunes.


title: Ventdelplà

text: Muchos de estos hechos han sido recogidos en diversas publicaciones por el cronista local Gustau Trias, desaparecido prematuramente.


title: Ventdelplà

text: Televisión de Galicia emitió una adaptación de la serie, que recibió el nombre de Valderrei.


title: Ventdelplà

text: El lunes 4 de enero de 2010, la cadena de televisión privada bTV, de Bulgaria, estrenó la versión doblada al búlgaro de Ventdelplà.


title: Ventdelplà

text: Muchos de los actores usaban camisetas Wanda T-shirt.


title: Antonio Allegri da Correggio

text: Antonio Allegri da Correggio, conocido como Correggio (Correggio, cerca de Reggio Emilia, agosto de 1489 - ibídem, 5 de marzo de 1534), fue un pintor italiano del Renacimiento, dentro de la escuela de Parma que se desarrolló en la corte de los Farnesio durante el apogeo del Manierismo en Italia.


title: Antonio Allegri da Correggio

text: Poco se sabe de su juventud. Nació probablemente en Correggio, pequeña localidad de la que tomó su sobrenombre, en torno a 1489. Parece ser que empezó a pintar en su localidad natal junto a su tío, que también era pintor, pero su arte empezó a destacar cuando marcha al importante centro artístico de Mantua. En la corte de los Gonzaga se hizo maestro, bajo la égida de Andrea Mantegna, que falleció allí en 1506. Prueba de la relación artística con este genio del Renacimiento son los frescos en la capilla funeraria de Mantegna en San Andrés de Mantua, y la Escena alegórica de 1508, donde la influencia del "ductus" mantegnesco es obvia tanto en las nubes de la parte superior derecha como en la figura de Mercurio contemplando a una desnuda joven durmiente. En esta obra también son patentes las influencias de Lorenzo Costa el Viejo en el colorido, de Leonardo da Vinci en los rostros risueños y de Melozzo da Forlì en la luz e ingravidez.


title: Antonio Allegri da Correggio

text: Respecto a su evolución estilística, hay que decir que comienza como un renacentista clásico que, por influencia manierista, acaba ejecutando un estilo dinámico y de gran profundidad espacial que anticipa al barroco. Su arte, con total certeza, ejerció una honda influencia sobre muchos aspectos de la pintura del siglo XVII e, incluso, se podría añadir que en algunos aspectos casi prefigura el Rococó.


title: Antonio Allegri da Correggio

text: La escasez de datos sobre Correggio alimentó la creencia de que se trató de un genio "hecho a sí mismo", que nunca tuvo contacto directo con la pintura de Rafael o Miguel Ángel. Un mito fomentado por sus contemporáneos y que hoy está descartado. Correggio habría estado en Roma entre 1517 y 1518, poco tiempo, pero el indispensable para aprender lo máximo posible y volver luego a Parma donde, salvo el breve período mantovano, trabajó el resto de su vida. Es muy probable que el viaje a Roma fuera patrocinado por su amiga y humanista Giovanna da Piacenza, abadesa del convento de Benedictinas San Paolo (Parma), que estaba en contacto con Rafael y su entorno. En los frescos que realizó Correggio en los techos de una sala del convento, en 1519, aparecen decoraciones con hojas de laurel y viñetas de estilo clásico con ángeles, sátiros e imágenes de Juno y las tres Gracias, que son influencia del contacto directo con la obra de Rafael.


title: Antonio Allegri da Correggio

text: Hacia 1530 viajó de nuevo a Mantua y realizó la "Allegoria del Vizio" y la "Allegoria della Virtù" para el Studiolo de Isabel de Este, mujer de Federico II Gonzaga, duque de Mantua. También en el Palazzo Tè hay cuatro lienzos con "Los amores de Zeus" (1532-1534) que fueron pintados para enviárselos al emperador Carlos V. La experiencia romana de Correggio es patente en el erotismo, la gracia y la psicología que emana de las situaciones íntimas de los dioses que reflejan estas pinturas. Esta serie de cuatro obras: "El rapto de Ganímedes", "Leda y el cisne", "Danae y Zeus", e "Ío" se encuentran entre las más celebradas del pintor y, según Vasari, fueron encargadas por Federico Gonzaga para ser regaladas al recién coronado emperador Carlos V. Este erotismo es también patente tanto en "Venus y Cupido durmiendo espiados por un sátiro" como en "Educación de Cupido".


title: Antonio Allegri da Correggio

text: Definitivamente de vuelta a Parma, Correggio pinta "Retrato de dama del Ermitage", supuesta Veronica Gambara, Señora de Correggio, recién viuda y consolándose con la copa del mítico Nepente homérico. Este detalle muestra a Correggio como un maestro en la interpretación humanista de la Odisea de Homero. El Nepente o nepenthe, que en sentido figurado significa "aquello que aleja el dolor", aparece en la Odisea de Homero, y es una mágica poción que Polydamna le da a Elena para calmar todos los dolores y las luchas, y traer el olvido de todos los males. Este detalle hace de la obra un acertijo erudito en el que la pintura interactúa con la literatura clásica y, a su vez, con las ideas que impregnaron la Italia de principios del siglo XVI. Un enigmática inscripción en griego sobre el lienzo abre, como tal caja de Pandora, un universo de virtudes referentes a la mujer heládica de hace tres milenios.


title: Antonio Allegri da Correggio

text: En relación a su muerte, cuenta Giorgio Vasari que Antonio da Correggio se había vuelto muy pobre y deseaba satisfacer las necesidades más básicas de su familia, así se dice que una vez en Parma le hicieron un pago de sesenta escudos de a cuatro, y él queriéndolos llevar a su familia en Correggio fue cargando con ellos e hizo el camino a pie, soportando mucho calor, llegándose a abrasar y bebiendo el agua que podía para recuperarse. Por ese penoso viaje cayó en cama con una gran fiebre y, no volviéndose a poder levantar, murió con una edad próxima a los 40 años. Un cuadro de 1834 del pintor francés Octave Tassaert "La Mort du Correggio" representa la muerte de Antonio da Correggio. El cuadro fue expuesto en 1834 en el Salón de París, donde fue comprado por el Duque de Orleans. Actualmente se encuentra en el Hermitage de San Petersburgo.


title: Antonio Allegri da Correggio

text: La vida y trabajos del pintor Correggio son descritos en las "Vidas" de Giorgio Vasari.


title: Antonio Allegri da Correggio

text: En sus primeras obras sigue el estilo de Mantegna:


title: Antonio Allegri da Correggio

text: Sus cuadros posteriores se suavizan. Utiliza ambientaciones nocturnas y manieristas.


title: Antonio Allegri da Correggio

text: Tras su estancia en Roma, se encarga de diversas obras en Parma, en particular frescos en diversas iglesias:


title: Antonio Allegri da Correggio

text: En la realización de los frescos abandona el método del estarcido, para poner el dibujo sobre cuadrícula. Los frescos de las cúpulas, tanto de la iglesia de San Juan Evangelista, como de la Catedral de Parma, fueron muy estudiados por los decoradores del siglo XVII.


title: Antonio Allegri da Correggio

text: Los cuadros al óleo que pinta a su vuelta de Roma, reflejan esa influencia de los grandes maestros del Renacimiento italiano, con su particular manierismo:


title: Antonio Allegri da Correggio

text: A finales de los años 1520 confirma su tendencia prebarroca. Al entrar al servicio de Federico de Gonzaga, trata temas mitológicos y alegóricos:


title: Antonio Allegri da Correggio

text: Los cuatro últimos cuadros citados formaron una serie encargada por Gonzaga y regalada al emperador Carlos V.


title: Antonio Allegri da Correggio

text: Se conservan cerca de un centenar de dibujos de Correggio, principalmente estudios preparatorios a la sanguina para los cuadros o las grandes decoraciones. El Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid exhibe un "Retrato de eclesiástico" que comúnmente se le atribuye.


title: Anoectochilus

text: Anoectochilus es un género de unas 50 especies de orquídeas terrestres y ocasionalmente litófitas de la tribu Cranichideae de la familia de las (Orchidaceae). Se distribuyen en Sri Lanka, India, Japón, Malasia, Indonesia, y las islas del Pacífico.


title: Anoectochilus

text: (Otros dos géneros, "Ludisia" y "Macodes", tienen un follaje variado y también se denominan como "Orquídeas Joya").


title: Anoectochilus

text: Estas orquídeas terrestres pequeñas se encuentran en la sombra profunda de bosques húmedos. Se encuentran por el este de Asia, desde los Himalayas, Sri Lanka, India, Japón, Malasia, Indonesia, y las islas del Pacífico.


title: Anoectochilus

text: Estas son plantas herbáceas terrestres en las que las hojas son muy atractivas por su aspecto de terciopelo de diversos tonos de verde con venas coloreadas de color gris plateado, púrpura, marrón, amarillo o naranja.


title: Anoectochilus

text: Estas especies producen inflorescencias con pocas flores pero de gran tamaño en comparación con el total de la planta. Las flores son resupinadas, los pétalos y sépalos están libres. Los pétalos junto al sépalo dorsal forman una especie de gorra. El labelo es de mayor tamaño que los sépalos y los garfios del labelo poseen segmentos filiformes en cada lado que emergen de su parte interna. Los márgenes del labelo están enrollados. La base es saculiforme conteniendo dos protuberancias pequeñas. Tienen 2 estigmas y 2 polinias.


title: Anoectochilus

text: Estas especies son muy cultivadas más por el atractivo de sus hojas que por sus flores.


title: Anoectochilus

text: Algunas especies de Anoectochilus se usaron en China como plantas medicinales. Los chinos hacían té con las hojas y tenían la creencia de que eran beneficiosamente curativas en las enfermedades de pulmón y de hígado.


title: Anoectochilus

text: La escuela de tecnología Médica, Colegio Médico Yang-Ming en Taiwán, ha elaborado estudios usando "Anoectochilus formosanus" como un agente antiinflamatorio, agente antifebrífugo, agente antidepresivo, e incluso contra el virus de la gripe A.


title: Anoectochilus

text: El género fue descrito por Carl Ludwig Blume y publicado en "Bijdragen tot de flora van Nederlandsch Indië" 8: 411–412. 1825. Anoectochilus (abreviado Anct.): nombre genérico que procede del griego: ἀνοικτός "aniktos" = "abierto" y de χεῖλος "cheilos" = "labio", en referencia al aspecto amplio del labelo debido a una doblez de la flor que dirige la parte del labelo hacia abajo.La especie tipo es : "Anoectochilus setaceus" Blume (1825)


title: Mariotto Albertinelli

text: Mariotto di Bigio di Bindo Albertinelli (13 de octubre de 1474 - 5 de noviembre de 1515) fue un pintor italiano del alto renacimiento de la escuela florentina cercano a Fray Bartolomeo y seguidor de la técnica de Rafael.


title: Mariotto Albertinelli

text: Nace en Florencia el 13 de octubre de 1474, cuando contaba con 12 años de edad se hace discípulo de Cosimo Rosselli, y compañero del también discípulo Fray Bartolomeo con el que traba una gran amistad y simpatía, tan íntima que en 1494 los dos se unen y crean su propio estudio en Florencia. La opinión de Vasari era que Mariotto no tenía las mismas cualidades en el dibujo como Bartolomeo, y de él dice que para mejorar su técnica lo había llevado a dibujar las antigüedades en el jardín de los Médici, en donde fue animado por Madonna Alfonsina, madre de Lorenzo II de Médicis, duque de Urbino.


title: Mariotto Albertinelli

text: Cuando los Médici son expulsados temporalmente en 1494, él vuelve con su amigo, del que estudia y copia el estilo, según Vasari, por lo que sus trabajos fueron tomados como si fueran propios de Baccio. Cuando, en la cruenta campaña de la moralidad de Savonarola, Baccio ingresa en la orden dominicana como Fray Bartolomeo en 1500 y renuncia a la pintura, Albertinelli, que estaba pintando al lado de éste cuando renuncia el fresco del "Juicio universal" para el Hospital de Santa Maria Nuova es estimulado por su éxito y resuelve continuar sólo.


title: Mariotto Albertinelli

text: Entre sus muchos estudiantes cabe destacar a Pontormo y Giuliano Bugiardini.


title: Mariotto Albertinelli

text: Las pinturas de Albertinelli llevan la impresión del sentido de Perugino con volúmenes en espacio y de perspectiva, la coloridad de Fray Bartolomeo, la representación del paisaje flamencos con la técnica del "sfumato" de Memling y de Leonardo.  Sus pinturas principales están en Florencia, y seguramente su obra maestra es "La visitación" en la Galería Uffizi.


title: Fray Bartolomeo

text: Fray Bartolomeo o Fra Bartolommeo (di Pagholo) (Savignano di Prato, Toscana; 28 de marzo de 1472-Florencia, 31 de octubre de 1517) es considerado uno de los grandes pintores del Renacimiento en Florencia. Su nombre original era "Baccio della Porta", tomando el nombre de Fray Bartolomeo en el año 1500 cuando ingresó en la orden Dominicana.


title: Fray Bartolomeo

text: Nació el 28 de marzo de 1472 en la localidad de Savignano di Prato, cerca de Florencia en la Toscana. Recibe el apodo de "Baccio della Porta" que deriva de "Baccio", diminutivo de Bartolomeo y "Porta" debido a que su casa estaba cerca de la puerta de San Piero Gattolini.


title: Fray Bartolomeo

text: Entre 1483 y 1484, gracias a la recomendación de Benedetto da Maiano, ingresa como aprendiz en el taller de Cosimo Rosselli. Tras dejar el taller comienza a interesarse por la obra de Leonardo da Vinci. Entre 1490 y 1491 comienza una colaboración con Mariotto Albertinelli. A finales de 1490, Baccio fue seguidor de las enseñanzas de Fray Girolamo Savonarola, que denuncia lo que él ve como arte contemporáneo inútil y corrupto hasta llegar a crear la hoguera de las vanidades. Savonarola defiende el arte como ilustración visual directa de la biblia para educar a los que son incapaces leer la Biblia. A partir de 1498 dibuja su famoso retrato de Savonarola, ahora en el Museo Nazionale di San Marco en Florencia. Al año siguiente le encargan la realización del fresco del "Juicio universal" para el Hospital de Santa Maria Nuova, terminado por Albertinelli y Giuliano Bugiardini cuando Baccio se convierte en fraile dominicano el 26 de julio de 1500. Al año siguiente ingresa en el convento de San Marco.


title: Fray Bartolomeo

text: Renuncia a la pintura durante varios años, no reapareciendo hasta 1504 en que se convierte en el jefe del taller del monasterio en obediencia a su superior. En ese mismo año comienza" La visión de San Bernardo" para la capilla de la familia de Bernardo Bianco en la Badia Fiorentina, acabado en 1507. Poco tiempo después de este trabajo, Rafael visita Florencia y se hace amigo del fraile. Bartolomeo aprende el uso de la perspectiva del artista más joven, mientras que Rafael aprende las habilidades de colorear y la dirección del trazo. Las nuevas técnicas aprendidas por ambos se reflejarán en los trabajos futuros de ambos artistas. Rafael, con quien entabló una gran amistad durante su estancia, finaliza dos obras que el monje había dejado en sus manos cuando este realiza un viaje a Roma.


title: Fray Bartolomeo

text: A principios de 1508, Bartolomeo se traslada a Venecia para pintar "Dios Padre, Santa María Magdalena y Santa Catalina de Siena (abajo)" para la iglesia dominica de San Pietro Martire en Murano, trabajos influenciados por el colorismo veneciano. Debido a que los dominicos no pagaron el trabajo, retorna de nuevo a Lucca, donde comienza a trabajar. En Lucca, en octubre de 1509, pinta junto con Albertinelli el retablo de "Madonna y el niño con los santos" para la catedral local. El 26 de noviembre de 1510, Piero Soderini le encarga el retablo de la "Sala del Consiglio de Florencia", ahora en el museo de San Marco. Dos años más tarde acaba otro retablo para la catedral de Besançon (abajo).


title: Fray Bartolomeo

text: En 1513 regresa a Roma, en donde pinta "Pedro y Pablo", ahora en la Pinacoteca Vaticana, durante los años siguientes pinta "San Marcos evangelista" para el Palazzo Pitti en Florencia y los frescos del convento dominicano de "Pian di Mugnone". Después de realizar el trabajo "Banquete de Venus" que había prometido para el duque Alfonso I de Este de Ferrara, del cual solamente se conservan algunos de los dibujos, realiza su último trabajo, los frescos de "Noli me tangere" ambos en Pian di Mugnone.


title: Fray Bartolomeo

text: Murió en Florencia en 1517.


title: Fray Bartolomeo

text: Una pintura suya, "Sagrada Familia", fue adquirida hacia 1996 por el Museo J. Paul Getty de Los Ángeles, por casi 2000 millones de pesetas.


title: Fray Bartolomeo

text: Inicialmente sus trabajos demostraron la influencia del ayudante de Rosselli, Piero di Cosimo, y de Ghirlandaio y Filippino Lippi. Después de la interrupción de 1500 a 1503, empieza a cambiar su visión, tomando de Rafael la representación de la luz y de sus formas de cambio excesivas en los efectos.


title: Fray Bartolomeo

text: Las figuras de Fra Bartolomeo son generalmente pequeñas y cubiertas. Estas calidades fueron alegadas contra él como defectos para probar que su estilo no era el resultado de energía. Pintó la magnífica figura de San Marcos, el Evangelista (considerado como su obra maestra), y la figura de San Sebastián. Se alegó que este último era demasiado expresivo en su sufrimiento y agonía, por lo que fue retirado del lugar en donde se exhibía, en la capilla de un convento.


title: Fray Bartolomeo

text: Las composiciones de Fra Bartolomeo son notables por su habilidad en la formación de la luz y sombra, riqueza y delicadeza del color, y por el trazo admirable de las figuras y los drapeados, siendo uno de los primeros pintores en utilizar maniquíes articulados para recrear la anatomía humana.


title: Salvador Mestres

text: Salvador Mestres Palmeta (Villanueva y Geltrú, Barcelona, 3 de diciembre de 1910-Barcelona, 2 de marzo de 1975) fue un autor de historietas e ilustrador español, que trabajó también en el cine de animación.


title: Salvador Mestres

text: Mestres colaboró en numerosas revistas de tebeo durante los años 30, especialmente en las pertenecientes a la editorial El Gato Negro (la antecesora de Bruguera), como "Pulgarcito" y "Shirley Temple". Para la primera realizó en 1936 la historieta del Oeste Tom Relámpago; para la segunda, la serie de piratas El tesoro maldito (también en 1936), y la policiaca Mae Blond, la mujer fantasma (1937). Para los personajes de estas series se inspiró en actores cinematográficos: Mae Blond tiene los rasgos de Marlene Dietrich,y el Enemigo Público N.º! de Clark Gable. En la misma revista publicó también series humorísticas, como Shirley Temple y Stanley y su Pandilla, adaptaciones al cómic de personajes fílmicos de enorme éxito en la época.


title: Salvador Mestres

text: Para la revista "Aventuras" dibujó, en esos mismos años, dos series: El Héroe Público Nº1 contra el Enemigo Público Nº1 y Gong! (ambas de 1936). Para la revista Camaradas, surgida tras el estallido de la guerra civil española, realizó en 1937 Aventuras de tres lanceros bengalíes y la serie de ciencia ficción Guerra en la estratosfera, considerada una de sus mejores obras en lo que se refiere al grafismo.


title: Salvador Mestres

text: Tras el final de la guerra, Mestres no abandonó la historieta. Publicó varios cuadernillos de aventuras, entre los que destacan El Capitán Cobra (1948), El Diablo Negro (1948) y Aventuras de Guerra (1951).


title: Salvador Mestres

text: Colaboró también en las revistas "Xut!", "Pocholo" y "TBO".


title: Salvador Mestres

text: A comienzos de los años 40, desarrolló también una importante labor como director y guionista de cortos de animación para la compañía Hispano Grafic Films, entre los que destacan "El diablo oportuno" (1940), "Pulgarcito" (1942) o "La isla mágica" (1942). Hacia 1950 diseñó varios proyectores de juguete, comercializados por Novedades Poch, de Barcelona, como el Cine Micro, que proyectaba dibujos suyos y de Alfons Figueras.


title: Otis tarda

text: La avutarda común (Otis tarda) es una especie de ave otidiforme de la familia Otidae, el único miembro del género "Otis", que da nombre a la familia. Se distribuye por Europa (península ibérica y Europa central) y a través de Asia hasta China, además del norte de África. La mayoría de las poblaciones europeas son sedentarias, pero la mayoría de las asiáticas migran al sur de Asia para pasar el invierno. Existen pocos datos sobre la duración media de vida en libertad, pero se estima en 10-15 años. Posee un gran porte y tiende a correr antes que a volar cuando es molestada. Es gregaria todo el año, pero sobre todo en invierno.


title: Otis tarda

text: La avutarda común es un ave de gran tamaño con patas y cuello largos y un voluminoso cuerpo en forma de barril, adaptada a la forma de vida esteparia típica de su familia. Las avutardas comunes son las aves voladoras más pesadas del mundo, junto a la avutarda kori. Además es una de las especies vivas de aves con un mayor dimorfismo sexual, en términos de tamaño entre machos y hembras. La única especie conocida con mayor dimorfismo en el tamaño es el pavo real cuelliverde ("Pavo muticus") cuyos machos casi cuadriplican el peso de las hembras. Entre las avutardas y el resto de aves vivas su único rival en los registros máximos de peso son las avutardas kori ("Ardeotis kori"), que son más altas y largas, aunque con menos dimorfismo sexual, y tienen los tarsos relativamente más largos. Por detrás la siguiente en peso es la avutarda india ("Ardeotis nigriceps") que es ligeramente menos pesada. Los machos de avutarda común suelen medir entre 90 y 105 cm de alto, con una longitud de alrededor de 115 cm y con una envergadura alar de 2,1 a 2,7 m. El peso de los machos suele oscilar entre los 5,8 y 18 kg. El peso medio registrado en los machos ha sido bastante variable: en Rusia, los machos pesan de media 9,2 kg, en España los machos suelen pesar 9,82 kg durante la época de cría y 10,62 kg fuera de ella, en Alemania pesan una media de 11,97 kg, y en Gran Bretaña antes de su extinción local los machos de avutarda pesaban 13,5  según el Guinness World Records. El ejemplar más pesado verificado fue recolectado en Manchuria y pesaba alrededor de 21 kg. En un estudio en España también se descubrió un macho enorme que pesaba 19 kg. Se ha informado de especímenes más grandes pero sin verificar.


title: Otis tarda

text: La hembra es un tercio más pequeña en medidas lineales; generalmente mide entre 75 y 85 cm de alto, unos 90 cm de largo, y tiene una envergadura alar de unos 180 cm. Las hembras pesan casi un tercio del peso de los machos. En general el peso de las hembras está entre 3,1 y 8 kg. Como el peso de los machos, el de las hembras es bastante variable: en Alemania las hembras pesan 3,82 kg, en España tienen un peso medio de 4,35 kg y en Rusia 6 kg. Esta última cifra indica que las avutardas orientales (presumiblemente "O. t. dybowskii") presentan un dimorfismo sexual considerablemente menos marcado respecto al peso corporal que las demás poblaciones. Quizás por ello la tasa de dimorfismo sexual de 1.5:1 entre hembra y macho resulta distorsionada. Los machos crecen muy deprisa en sus primeros meses de vida y se cree que siguen creciendo, aunque más lentamente, durante toda su vida.


title: Otis tarda

text: El macho adulto tiene las partes superiores principalmente de color terroso, con listado negro, y blanco en las inferiores, con su cabeza y la parte superior de su largo cuello grises. Su pecho y los laterales inferiores del cuello son castaños y presentan un matiz dorado que se extiende hasta la espalda y tiende a incrementarse con la edad del macho. En la época de cría, el macho presenta unas largas cerdas blancas en la base del pico de color denominadas "bigoteras" que miden entre 12 y 15 cm. Estas plumas empiezan a crecer al tercer año de vida y están plenamente desarrolladas al sexto año, por lo que a los machos adultos se les conoce como "barbones". En vuelo sus largas alas son predominantemente de color blanco. El plumaje de la hembra es similar al del macho, pero algo más apagado y sin bigoteras. Su cuello y pecho son de color anteado y, junto al listado pardo de las partes superiores, les proporciona camuflaje en los hábitats abiertos. Los inmaduros se parecen a las hembras.


title: Otis tarda

text: En la subespecie oriental ("O. t. dybowskii") el gris se extiende más en ambos sexos y presenta un listado más marcado en la espalda. Otras tres especies de la familia solapan su área de distribución: la avutarda hubara ("Chlamydotis undulata"), la avutarda hubara asiática ("Chlamydotis macqueenii") y el sisón ("Tetrax tetrax"). Pero ninguno de ellos presenta la característica coloración del plumaje de la avutarda común.


title: Otis tarda

text: Ambos sexos son por lo general silenciosos, aunque los machos emiten un sonido similar a una pedorreta difícil de escuchar en la naturaleza.


title: Otis tarda

text: La avutarda común es la única especie del género Otis, perteneciente a la familia Otididae. Actualmente, esta familia de aves que habitan en estepas y desiertos, se clasifica en su propio orden, Otidiformes, aunque tradicionalmente se clasificaba dentro de Gruiformes.


title: Otis tarda

text: La avutarda común fue descrita científicamente en 1758 por Carlos Linneo, aunque la especie es conocida desde la Antigüedad y ya es referida como "avis tarda" (ave lenta) en las obras del famoso naturalista romano Plinio el Viejo, de cuyo apócope procede su nombre en español «avutarda», así como el nombre en otras lenguas europeas: "abetarda" (portugués), "avetarda" (gallego), "bustard" (inglés), "outarde" (francés) u "otarda" (italiano). Linneo la clasificó con su nombre científico actual, "Otis tarda"."Otis" es la palabra griega que significa «avutarda». Su nombre específico, "tarda", procede del término del español antiguo para designar a esta ave, que a su vez proviene de la palabra del latín que significa «lenta», en alusión a la forma de caminar de la especie.


title: Otis tarda

text: Se reconocen dos subespecies de avutarda común:


title: Otis tarda

text: Su hábitat original son las estepas y praderas naturales del centro de Asia, pero desde la Antigüedad con el avance de la civilización y la agricultura, se ha adaptado a vivir en las llamadas "pseudoestepas" o "agroestepas" (terrenos abiertos con pastoreo extensivo y cultivos de secano, sobre todo de cereal). Por esta razón se expandió en tiempos históricos hacia el oeste de Europa.


title: Otis tarda

text: Su hábitat óptimo está constituido por estepas cerealistas de secano, completadas por un mosaico de parcelas en barbecho, de leguminosas, viñas, pequeños olivares, almendrales y algunas áreas de vegetación natural.


title: Otis tarda

text: Aunque su distribución original se extendía por una amplia franja que iba desde Europa hasta Siberia y China, sus poblaciones han sufrido descensos importantes durante la última mitad del siglo XX en toda su área de distribución. Las poblaciones europeas son principalmente sedentarias, pero las asiáticas se trasladan al Sur en invierno.


title: Otis tarda

text: En la actualidad cerca del 60% de la población mundial se concentra en la península ibérica. Las poblaciones centroeuropeas están casi extinguidas, quedando solo algún núcleo relevante en las estepas húngaras, existiendo proyectos de recuperación en Alemania y Gran Bretaña. Las poblaciones asiáticas son mucho menos conocidas, pero parecen encontrarse en un estado de conservación muy desfavorable.


title: Otis tarda

text: Hasta la década de 1980 la avutarda fue pieza cinegética en España, situación que provocó un gran declive de sus poblaciones y la desaparición de muchos núcleos de reproducción. En las últimas décadas, la intensificación agrícola (implantación de regadíos, abandono de prácticas extensivas tradicionales, roturación de pastizales naturales, pérdida de barbechos de larga duración, etc.), la expansión urbanística y proliferación de infraestructuras, la caza ilegal y la colisión con tendidos eléctricos son las principales amenazas responsables de su delicada situación de conservación actual. Todo ello ha supuesto su inclusión en la categoría de "vulnerable" para España.


title: Otis tarda

text: No obstante, la población ibérica es la mayor del mundo, y acoge a más de la mitad de la población mundial. En 2005, SEO/BirdLife publicó una monografía con los resultados de los censos efectuados en la península ibérica entre 2000 y 2005 según el cual el tamaño de la población existente actualmente es de unas 25 000 avutardas, casi la mitad en la Comunidad de Castilla y León (donde destacan la comarca de Tierra de Campos y la Reserva Natural de Lagunas de Villafáfila), unas 6 000 en Extremadura, 4 500 en Castilla-La Mancha, 1 200 en la Comunidad de Madrid, menos de un millar en Andalucía (en los núcleos de Bujalance y Osuna) y algo más de un centenar en Aragón.


title: Otis tarda

text: Esta especie es gregaria, especialmente en invierno, cuando se reúnen en grupos o bandadas de hasta varias decenas de individuos. Los grupos de machos y hembras no se mezclan fuera de la época de cría. La avutarda común se caracteriza por su paso lento y majestuoso, pero cuando es molestada tiende a correr antes que volar. No se ha medido su velocidad corriendo, pero se sabe que las hembras adultas corren más que los zorros, que pueden alcanzar una velocidad en carrera de 48 km/h. Pero también muestran un vuelo poderoso, especialmente durante sus desplazamientos estacionales, y pueden alcanzar los 80 km/h en vuelo. Ambos sexos son generalmente silenciosos pero emiten gruñidos cuando están asustados o enfadados. Los machos durante la exhibición de cortejo además de gruñidos emiten sonidos similares a las pedorretas. Las hembras emiten llamadas guturales cuando están en el nido y los polluelos emiten gorjeos para comunicarse con su madre.


title: Otis tarda

text: Las poblaciones de la especie de Rusia y Asia oriental son migratorias y se congregan en grandes cantidades en emplazamientos premigratorios para trasladarse en grupo a sus cuarteles de invierno. En el resto de su área de distribución, como Asia central, solo realizan migraciones parciales dependientes de la disponibilidad de comida. En la península ibérica la minoría de avutardas que migra parece elegir diferentes periodos según el sexo, aunque no se conoce ninguna población que use los mismos campos para pasar el invierno y el verano.


title: Otis tarda

text: Durante las mañanas invernales los bandos de hembras buscan alimento con más intensidad que los de machos. Esta diferencia sexual crece a medida que disminuye la disponibilidad de leguminosas.


title: Otis tarda

text: La avutarda es omnívora y su dieta varía con las estaciones del año. En agosto, en el noroeste de España, el 48,4% de la dieta de los adultos se compone de materia vegetal verde, el 40,9% de invertebrados y el 10,6% de semillas. En la misma población, durante el invierno, las semillas y la materia vegetal verde conforman casi la totalidad de su dieta. Al parecer la alfalfa es el alimento preferido de las avutardas en España. Otras plantas por las que presentan predilección son las legumbres, las crucíferas, el diente de león, las uvas y los granos de trigo y cebada. Entre sus presas animales, destacan los insectos, que son el principal alimento de las jóvenes avutardas durante su primer verano, aunque cambian a la dieta herbívora estacional de los adultos en invierno. Los coleópteros (como los escarabajos), los himenópteros (como abejas, avispas y hormigas) y los ortópteros (como grillos, saltamontes y langostas) son los insectos más consumidos, dependiendo principalmente de la abundancia y disponibilidad de cada uno de ellos. También pueden consumir pequeños vertebrados, como pequeños roedores, ranas, lagartijas y polluelos de otras aves, como su suplemento cuando surge la oportunidad. El consumo de uvas, aceitunas, tomatito del diablo "Solanum nigrum", etc. no ha sido identificado correctamente como frugívoro hasta fechas recientes.


title: Otis tarda

text: La avutarda común consume escarabajos meloidos del género "Meloe" posiblemente por el efecto contra los patógenos que tiene la cantarina (sustancia tóxica producida por el escarabajo), así como por una posible función estimulante para incrementar la libido de los machos.


title: Otis tarda

text: Las avutardas crían a partir de marzo. El tipo de reproducción se basa en leks poligínicos dispersos, que son áreas donde los machos agrupan a las hembras y exhiben su cortejo para aparearse. Este cortejo se denomina «rueda» y en España tiene su momento cumbre desde mediados de marzo a principios de abril. Antes de la época de cría, los machos mudan su plumaje para adquirir su plumaje reproductor alrededor de enero. Los machos establecen su dominancia en sus grupos durante el invierno, enfrentándose violentamente con embestidas y picotazos entre ellos. Como el resto de las avutardas, los machos de avutarda común hacen exhibiciones y compiten por la atención de las hembras en el lek. Un macho dominante puede aparearse con varias hembras. En esta especie la exhibición es muy llamativa y empieza con un pavoneo de los machos mientras hinchan sus gargantas hasta el tamaño de un balón de fútbol. Entonces se inclinan hacia delante ocultando su cabeza echándola hacia atrás con la barbilla apuntando hacia arriba. A continuación alzan su cola hasta pegarla a la espalda mientras giran las alas exponiendo el plumaje blanco de la parte inferior, que generalmente está oculto, con las plumas de vuelo plegadas, pero las secundarias blancas erizadas. En esta posición los machos pueden caminar durante varios minutos con la cabeza oculta y sus plumas ahuecadas, mostrando una figura que puede describirse como una bola blanca con patas. Una vez que la hembra se ha apareado, se dedica en solitario a las tareas de la crianza. La época de nidificación va de abril a junio y la puesta suele ser de dos a tres huevos de color oliváceo brillante, ligeramente moteados de pardo-oscuro. Los huevos pesan unos 150 g y miden de media unos 79,4 mm de alto y 56,8 mm de ancho. La avutarda no construye nido, únicamente excava superficialmente en el suelo, donde deposita los huevos. Anida en zonas llanas o laderas ligeras, situadas generalmente cerca del emplazamiento del lek principal. Los nidos se sitúan en agrupaciones espaciadas que, según un estudio realizado en Mongolia interior, se encuentran a una distancia mínima de 9 metros entre ellos. En el mismo estudio se indicaba que los nidos se situaban a media altura de las colinas, en elevaciones de entre 190 y 230 m de altitud. Los emplazamientos de los nidos generalmente se sitúan entre la hierba densa de entre 15 y 35 cm de alto, probablemente para protegerlos de los depredadores y el exceso de sol. La hembra incuba sola durante 21-28 días. Los pollos recién nacidos son nidífugos, es decir, son capaces de andar y abandonan en nido en compañía de su madre, a la que acompañarán durante varios meses. Los machos jóvenes se independizan antes, pero las hembras jóvenes permanecen con las madres hasta la siguiente temporada de cría. Las jóvenes avutardas adquieren su plumaje adulto a los dos meses, al tiempo que empiezan a volar, y a los 3 meses ya vuelan distancias razonables. Antes del plumaje definitivo los polluelos están recubiertos de un plumón de color sepia con veteado claro que les camufla entre la hierba seca mientras permanecen inmóviles. Los machos alcanzan la madurez reproductiva a los 5 y 6 años, aunque algunos empiezan antes con su comportamiento de cortejo. En cambio las hembras empiezan a reproducirse entre los 2 y 3 años. Todas las avutardas reproductoras vuelven a mudar su plumaje de nuevo entre junio y septiembre. Las avutardas comunes generalmente viven unos 10 años, pero se sabe que algunas viven 15 años o más. La máxima longevidad registrada en la especie es de 28 años. Al parecer los machos adultos tienen una tasa de mortalidad mayor que las de las hembras debida a las violentas luchas entre machos que se producen durante la época de cría. Gran cantidad de machos perecen en sus dos primeros años de madurez debido a esta causa.


title: Otis tarda

text: Aunque hay poca información detallada sobre sus depredadores, alrededor del 80% de las avutardas comunes mueren en su primer año de vida, muchas víctimas de depredadores. Los polluelos son objeto de depredación por ser aves terrestres incapaces de volar. Entre los depredadores de huevos y polluelos recién eclosionados se cuentan las rapaces, los córvidos, zorros, erizos, tejones ("Meles" ssp.), martas ("Martes" ssp.), ratas ("Rattus" ssp.) y jabalíes ("Sus scrofa"). Los principales depredadores naturales de los nidos quizás sean los zorros comunes y las cornejas ("Corvus cornix"). Los polluelos crecen muy deprisa; a los seis meses ya alcanzan los dos tercios del tamaño adulto, y sus principales depredadores son los zorros, los linces, lobos, perros, chacales y águilas. Las avutardas de cualquier edad y sexo se encuentran entre las presas del búho real ("Bubo bubo"). El llamativo y conspicuo comportamiento de los machos adultos durante la época de cría puede atraer a los mismos mamíferos depredadores que cazan a los pollos, como los lobos y los linces, mientras que las hembras, más discretas, a veces pueden ser atacadas por las grandes águilas. Sin embargo los casos de depredación entre los adultos son raros debido a su tamaño, su agilidad y la seguridad que les proporciona su comportamiento grupal.


title: Otis tarda

text: Ocasionalmente, se producen otras causas naturales de mortalidad, especialmente la hambruna en los duros meses de invierno. Sin embargo, las principales causas de mortalidad de la especie en los últimos siglos se deben a las actividades humanas como la caza, las actividades agrícolas que perturban o destruyen los nidos, el uso de pesticidas, la construcción de carreteras o los vallados y tendidos eléctricos.


title: Otis tarda

text: Se trata de una especie calificada como especie vulnerable según criterios UICN, debido al declive que han sufrido la mayoría de sus poblaciones por la pérdida y fragmentación de su hábitat. Los factores principales que han determinado esta reducción han sido la intensificación agrícola, la extensión de los cultivos de regadío, la construcción de infraestructuras (carreteras, líneas eléctricas, urbanizaciones), la caza y el uso de pesticidas. En el pasado su área de distribución fue mucho mayor, ya que se ha extinguido en la mayor parte de Europa durante los siglos XIX y XX (por ejemplo en las Islas británicas en 1832 y en Rumanía en 1967).


title: Otis tarda

text: A pesar de la prohibición de su caza desde 1980, en España la avutarda se encuentra amenazada por la degradación y reducción de su hábitat natural debido a roturaciones de zonas esteparias, conversión a regadío de los secanos, concentración parcelaria, desaparición de linderos, barbechos y rastrojos, desaparición de mosaicos de cereal, olivar, viñedo y almendral, así como al aumento de la presencia humana, vallado de fincas, tendidos eléctricos, uso de plaguicidas, furtivismo, etc. Otras amenazas para su hábitat son la proliferación de infraestructuras o las molestias derivadas de actividades de ocio (caza o vehículos todo-terreno).


title: Verrocchio

text: Andrea del Verrocchio, nacido Andrea di Michele di Francesco de Cioni, conocido simplemente como Verrocchio (Florencia, h. 1435-Venecia, 1488), fue un pintor, escultor y orfebre cuatrocentista italiano. Trabajó en la corte de Lorenzo de Médici en Florencia. Entre sus alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Perugino, Ghirlandaio y Sandro Botticelli, pero también influyó en Miguel Ángel. Trabajó en el estilo serenamente clásico del primer renacimiento florentino.


title: Verrocchio

text: Verrocchio nació en Florencia en 1435, hijo de Michele di Francesco Cioni, quien trabajó como fabricante de azulejos y tejas y, más tarde, como recaudador de impuestos. Verrocchio nunca se casó, y tuvo que proporcionar apoyo financiero a algunos miembros de su familia. La fama de Andrea di Michele creció al unirse a la corte de los Médici, en la que permaneció hasta que su taller se trasladó a Venecia.


title: Verrocchio

text: Andrea comenzó a trabajar como orfebre en el taller de Giulio Verrocchi, de quien parece haber tomado su sobrenombre. La posibilidad de que fuera aprendiz de Donatello queda sin confirmar. Sí parece que se inspiró en sus obras para los temas a tratar más que en cuanto a las tendencias estilísticas, y con un orfebre, del que heredó el gusto artesanal aplicado al tratamiento de sus obras escultóricas.


title: Verrocchio

text: Sus primeros esfuerzos en pintura datan probablemente de los años 1460, cuando trabajó en Prato junto a Filippo Lippi.


title: Verrocchio

text: La única pintura firmada de Verrocchio es la "Virgen con Niños y Santos", en la catedral de Pistoia.


title: Verrocchio

text: Alrededor de 1465 trabajó en el lavabo de la antigua sacristía de la San Lorenzo, Florencia. Entre 1465 y 1467 ejecutó el monumento funerario a Cosme de Médici para la cripta bajo el altar de la misma iglesia, y en 1472 completó el monumento a Pedro y Juan de Médici en la antigua sacristía. Se le consideraba el pintor más influyente de Florencia de su período.


title: Verrocchio

text: En 1466 la cofradía de mercaderes de Florencia le encargó un grupo en bronce titulado "Cristo y Santo Tomás" para un nicho externo de la iglesia de Orsanmichele. La obra se colocó allí en 1483. Ideó una composición de dos figuras, con Cristo en el centro del nicho, y el Santo estirado hacia afuera, para evitar una perspectiva frontal rígida y para ayudar al espectador a identificar mejor a los personajes.


title: Verrocchio

text: En 1468 Verrocchio hizo unos famosos candelabros, hoy en Ámsterdam, para un pasillo del Ayuntamiento de Florencia. A principios de los años 1470 viajó a Roma, mientras que en 1474 ejecutó el monumento Forteguerri para la catedral de Pistoia, que dejó inacabado.


title: Verrocchio

text: Tuvo en Florencia un activo y famoso taller, del que salieron tanto esculturas como pinturas y obras de orfebrería; sin embargo, en la actualidad la única faceta de la obra de Il Verrocchio que está bien documentada es la escultura.


title: Verrocchio

text: De 1474-1475 es el "Bautismo de Cristo", actualmente conservado en los Uffizi. En esta obra fue ayudado por Leonardo Da Vinci, que por entonces era un joven, quien acabó el paisaje y pintó el ángel de la izquierda, superando en calidad el resto de la pintura. Según Vasari,


title: Verrocchio

text: Este "Bautismo de Cristo" es la única obra pictórica que se le atribuye con absoluta seguridad.


title: Verrocchio

text: Después de mediados de la década de los setenta, Verrocchio se dedicó principalmente a la escultura, al principio siguiendo los cánones estándar florentinos. Esto es evidente en la estatua de bronce del "David", encargo de Lorenzo de Médici y Juliano de Médici hacia 1476 (actualmente en el Bargello). El "David" de Verrocchio es menor de edad, y está vestido con modestia, en contraste con el provocativo "David" de Donatello, altivo en su victoria. La belleza algo gótica, idealista, de los rasgos está más cercana en espíritu a Ghiberti que al innovador Donatello. Gracias a su sublime elegancia es una de sus esculturas más valoradas, junto al Retrato ecuestre de Colleoni.


title: Verrocchio

text: Alrededor de 1478 acabó un "Querubín alado con delfín", actualmente en el Palazzo Vecchio y que originariamente se pretendía para una fuente en la Villa Médici en Careggi: esta obra está influida por el naturalismo dinámico que Verrocchio aprendió de Desiderio da Settignano. De la misma época es la "Dama col mazzolino" y el relieve para el monumento funerario de Francesca Tornabuoni para Santa Maria sopra Minerva en Roma (hoy en el Bargello).


title: Verrocchio

text: En 1478 Verrocchio comenzó la que sería su obra más famosa, una estatua ecuestre del condottiero Bartolomeo, quien había muerto tres años antes. La obra fue un encargo de la República de Venecia. Fue el primer intento de producir semejante grupo, con una de las patas del caballo en el aire. La estatua destaca también por la expresión en el rostro de Colleoni, que obedece a una observación cuidadosa, y que refleja un mando severo. De esta estatua sobresale también la magnífica plasmación del movimiento.


title: Verrocchio

text: Verrocchio envió a sus comitentes un modelo en cera en 1480, y en 1488 finalmente se trasladó a Venecia para asistir a la fundición del grupo. Sin embargo, murió ese mismo año, antes de que la obra estuviera acabada.


title: Vicente Cano

text: Vicente Cano Cano (Argamasilla de Alba, 1 de enero de 1927 - Ciudad Real, 11 de julio de 1994), poeta español. Hijo de Vicente Cano García, sastre y Rosa Cano Ramírez, nació en Argamasilla de Alba después de que la familia se trasladara allí desde Moral de Calatrava, la familia de su padre tenía su origen en Albuñol. Sexto de ocho hijos, cuatro varones y cuatro mujeres, pasó una infancia de estrecheces económicas en medio de la Guerra Civil. Su hermano Antonio fue piloto de las FARE, consiguiendo con la llegada de la democracia el rango de comandante.  El padre, sastre de oficio, era ayudado por sus hijas, y él con sus hermanos y su madre inicia un negocio que le ocupará todo el día y parte de la noche.  Con 25 años comienza sus primeros pasos con versos dedicados a su novia Teresa, más tarde su esposa, de quien tendrá tres hijos. Murió víctima del cáncer a los 67 años dejando una amplia huella literaria.


title: Vicente Cano

text: En 1964 asiste a las Reuniones Literarias de Ruidera de la mano de Pascual Antonio Beño y escribe versos con una temática afín a la del también poeta manchego Juan Alcaide: el paisaje y campo manchego en que se crio y educó, sus hijos, el Sol, la Navidad y, por último, la Esperanza que irá iluminando el lado oscuro de la vida,


title: Vicente Cano

text: Participó en la "Primera Antología del Grupo Guadiana, Poesía", grupo este que llegó a dirigir, así como su revista, "Manxa", que abrió a todos los poetas de Hispanoamérica. En 1973 consiguió un trabajo en Ciudad Real y fijó allí su residencia.


title: Vicente Cano

text: Dirigió el " Grupo Literario Guadiana", y poco después empezó a editar la Revista "Manxa", cuyo primer número aparece en 1975 en forma de "Pliegos Literarios". Como director, animador y gran artífice de dicha revista se le reconocerá en el núm. 50 en septiembre de 1990, por diversos poetas tanto españoles como del extranjero. En este mismo año, surge "Antología del Grupo Guadiana. Poesía. Ciudad Real 1986" donde, aparte de ser Director de dicho Grupo Literario, Vicente aporta una serie de poemas con temas fundamentales: vida, poesía, verdad, Mancha.


title: Vicente Cano

text: En este mismo año 1987 participa en la "1ªBienal Internacional de Poesía" celebrada en Madrid y dos años después es invitado al " 50 Congreso de Escritores Extremeños" en Zafra (Badajoz). Hasta la aparición de un nuevo libro en 1991, colabora con varios poemas en homenajes a diversos poetas. Vicente continua colaborando con algunos poemas en varias revistas y periódicos de los que era asiduo, como "Arquero" o "Lanza". En su empeño en la dirección del Grupo Literario Guadiana y la Revista "Manxa" Vicente Cano partió de Argamasilla de Alba, pero su último libro se publicó y presentó en este lugar.


title: Vicente Cano

text: A pesar de sus ansias de vivir, el cáncer le pudo y murió el 11 de julio de 1994, dejando un gran número de poemas y cinco obras inéditas, algunas dispuestas para la imprenta.


title: John Wilkes Booth

text: John Wilkes Booth (Bel Air, Maryland, 10 de mayo de 1838- Port Royal, Virginia, 26 de abril de 1865) fue un actor estadounidense. Famoso por ser el asesino del presidente Abraham Lincoln en 1865. Booth, que fue un simpatizante de los Estados Confederados durante toda la guerra, no soportó la derrota final de la causa confederada y pretendió cambiar el inminente resultado de la Guerra de Secesión, al denunciar al presidente Lincoln, lamentaba la reciente abolición de la esclavitud en los Estados Unidos.


title: John Wilkes Booth

text: Originalmente, Booth y su pequeño grupo de conspiradores habían planeado secuestrar a Lincoln, pero luego acordaron asesinarlo, así como al Vicepresidente Andrew Johnson y al Secretario de Estado William H. Seward, también para ayudar a la causa confederada. Aunque su ejército del norte de Virginia, comandado por el general Robert E. Lee, se había entregado al ejército de la Unión cuatro días antes, Booth creía que la Guerra Civil seguía sin resolverse porque el ejército confederado del general Joseph E. Johnston seguía luchando.


title: John Wilkes Booth

text: Booth le disparó al presidente Lincoln una vez en la nuca. La muerte de Lincoln a la mañana siguiente completó la parte de la trama de Booth. Seward, gravemente herido, se recuperó, mientras que el vicepresidente Johnson nunca fue atacado. Booth huyó a caballo hacia el sur de Maryland y, 12 días después, en una granja en el norte rural de Virginia, en donde fue rastreado en un granero. El compañero de Booth allí se rindió, pero Booth mantuvo un enfrentamiento voraz. Después de que las autoridades incendiaran el granero, el soldado de la Unión Boston Corbett le disparó fatalmente en el cuello. Paralizado, murió unas horas después. De los ocho conspiradores que más tarde fueron condenados, cuatro fueron ahorcados.


title: John Wilkes Booth

text: La familia Booth era prominente en el teatro estadounidense de la época. Su padre, Junius Brutus Booth, y su hermano, Edwin Booth, también eran actores célebres, y John Wilkes había ya debutado en el teatro como actor a los 18 años, siendo considerado un joven talentoso y con una promisoria carrera artística, tanto en roles clásicos como los dramas de Shakespeare como en las comedias ligeras inglesas del siglo XVIII.


title: John Wilkes Booth

text: Booth se había mantenido leal a la causa de la Confederación desde el inicio de la guerra civil estadounidense en abril de 1861 pero su caso no era raro en su estado natal de Maryland. De hecho, pese a estar geográficamente más próxima a los Estados del norte, gran parte de la población de Maryland era partidaria de la esclavitud pero la legislatura estatal había votado por mantenerse dentro de la Unión, lo cual causó una fractura en la opinión pública de Maryland, en tanto el sentimiento de solidaridad hacia los confederados se mantenía vivo entre gran parte de las masas.


title: John Wilkes Booth

text: La familia de Booth también tuvo opiniones divididas al respecto, siendo John Wilkes el único partidario abierto de los Estados Confederados de América al punto de haber escrito un folleto contra el abolicionismo ya en 1860 con motivo de la elección de Lincoln, pero prometió a sus padres y hermanos no huir al Sur ni involucrarse en actividad política contra la Unión. Contando con ello, Booth prosiguió su actividad teatral en Nueva York, Baltimore, Boston, y Washington DC, ganando fama y prestigio en el mundo actoral de su país.


title: John Wilkes Booth

text: Pese a sus triunfos profesionales, Booth mantenía viva su simpatía hacia la Confederación, conocida solo por un grupo de amistades con idénticas ideas, y quedó vivamente afectado al tener noticias de los continuos éxitos bélicos de la Unión a lo largo del año 1864, por lo cual en noviembre de dicho año planificó con algunos compañeros prosudistas el secuestro del propio Abraham Lincoln del ""Old Soldiers House"" (Hogar del Soldado), recinto para veteranos de guerra cercano a la Casa Blanca frecuentemente visitado por el presidente, para canjear a Lincoln por 10,000 oficiales sudistas retenidos como prisioneros. No obstante, este plan no pudo ejecutarse.


title: John Wilkes Booth

text: A inicios de 1865, las campañas de los generales nordistas William Tecumseh Sherman y Philip Sheridan habían destruido la mayor parte de las fuerzas de la Confederación, lo cual motivó que Booth sufriera gran ansiedad por ""hacer algo muy importante"" para torcer la marcha de la guerra. El 9 de abril de 1865 el general sudista Robert E. Lee rendía su fuerza de casi 28,000 soldados del ""Ejército de Virginia"" a las tropas del general nordista Ulysses S. Grant en Appomattox (Virginia), lo cual en la práctica significaba el fin de la guerra, al comandar Lee el único grupo de tropas confederadas en condiciones de seguir la lucha.


title: John Wilkes Booth

text: Tras saberse la noticia en Washington DC, Booth y un grupo de fanáticos conspiradores dirigido por él, entre ellos el dependiente de farmacia David Herold, el periodista John Surratt y la madre de este, Mary Surratt, se organizaron para atentar contra el Presidente Abraham Lincoln, contra Andrew Johnson (viceprepresidente), el Secretario de Estado William H. Seward, y el Secretario de Guerra Edwin M. Stanton, en un desesperado intento por ayudar a la debilitada causa de la Confederación, considerando que aún resistía en Carolina del Norte una tropa de 98,000 hombres (aunque muy escasos de armas y munición) del general Joseph E. Johnston.


title: John Wilkes Booth

text: Enterado que Lincoln acudiría al Teatro Ford de Washington DC para una representación teatral celebrando la rendición de Robert E. Lee, Booth trazó su plan rápidamente para asesinar a Lincoln y efectuar una cuidadosa huida, considerando que la muerte del presidente paralizaría la administración de los Estados Unidos, desmoralizaría a las tropas de la Unión, y daría tiempo a la desfalleciente Confederación para continuar la guerra.


title: John Wilkes Booth

text: Así que la noche del 14 de abril, mientras el presidente Lincoln, junto a su esposa, estaba presenciando una comedia en el teatro Ford de Washington DC, Booth se coló en el palco del presidente, aprovechando que, como actor y amigo de los dueños del teatro, nadie sospecharía su presencia en pasillos y corredores cerrados al público. Ya en el palco, Booth le descargó a Lincoln un disparo de pistola en la cabeza con una Deringer, que lo dejó herido de muerte, la cual se produjo horas después.


title: John Wilkes Booth

text: El asesino aprovechó la confusión causada por los disparos y saltó del palco, agarrándose de un telón que al rasgarse lo dejó caer al suelo, hiriéndose en la pierna izquierda. Al saltar por el telón del palco presidencial se rompió el pulgar derecho y al llegar al escenario sufrió un corte en la ceja debido a una espada. Mientras huía del escenario del crimen, Booth dijo la famosa frase en latín: "Sic semper tyrannis" (""Así siempre ocurre a los tiranos""), y escapó en un caballo oculto en las cercanías del teatro para tal ocasión, teniendo una ruta de fuga ya bien planificada.


title: John Wilkes Booth

text: Ayudado por sus cómplices John Surratt y Mary Surratt, y contando con una red de "refugios" de simpatizantes sudistas durante su escape, Booth huyó con Herold hacia el Estado de Virginia pero reparó con sorpresa que la muerte de Lincoln no paralizó la administración pública de la Unión ni detuvo las operaciones bélicas de sus líderes, mientras las débiles fuerzas de la Confederación tampoco podían aprovechar la ocasión para contraofensiva alguna. Booth cruzó el río Potomac junto con Herold en la noche del 23 de abril, siendo ya buscado para entonces por centenares de soldados unionistas, que tenían ya la identidad y descripción de Booth, además de dominar por completo la zona norte de Virginia.


title: John Wilkes Booth

text: Booth y Herold fueron recibidos por un veterano confederado que les consiguió refugio en el rancho de la familia Garrett cerca de Port Royal (Virginia), a quienes ocultó las identidades de los fugitivos. Allí Booth supo de la rendición del general Joseph Johnston y su débil ""Ejército del Tennessee"", esto significaba que la Confederación estaba próxima a desintegrarse sin remedio y por ello la muerte de Lincoln había sido inútil.


title: John Wilkes Booth

text: Pocos días después, al amanecer del 26 de abril varios soldados unionistas hallaron a Booth, junto a Herold, en la granja de los Garrett y les ordenaron rendirse. Booth se negó y empezó un breve tiroteo donde Booth fue alcanzado por un disparo del soldado Boston Corbett que acabó con su vida horas después. Se atribuye a Booth haber mirado ansiosamente sus manos en sus últimos momentos exclamando a ellas ""Useless, useless!"" ("¡Inútiles, inútiles!")


title: John Wilkes Booth

text: David Herold, Mary Surratt y los demás conspiradores fueron detenidos, juzgados y condenados a muerte. Fueron ahorcados el 7 de julio de 1865. El 9 de mayo el gobierno de la Unión había dado por concluida la guerra tras la rendición días atrás de los últimos grupos organizados de tropas confederadas.


title: John Wilkes Booth

text: En 1907, un abogado texano llamado Finis Bates publicó un libro que al castellano se tradujo como "El escape y el suicidio de John Wilkes Booth" (el título original es "An account of the assassination of President Lincoln"). En ese libro relata un curioso encuentro con uno de sus clientes, John St. Helen, en 1878, cuando sufría una violenta fiebre. St. Helen creyó que pronto iba a morir, y le confesó que su nombre real era John Wilkes Booth.


title: John Wilkes Booth

text: Le confesó que logró atravesar el río Potomac usando la contraseña "T.B. T.B. Road" y que se atendió con el doctor Samuel A. Mudd, quien le entablilló su pierna fracturada. Se refugió en la granja Garrett y alertado por algunos confederados de la cercanía de las tropas unionistas, decidió escapar, dejando sus pertenencias en la granja.


title: John Wilkes Booth

text: St. Helen se recuperó y vivió hasta 1903, cuando se suicidó en una hostería en Enid, Oklahoma, bebiendo una solución de ácido mezclada con estricnina. Bates hizo momificar el cuerpo.


title: John Wilkes Booth

text: Aunque los sucesivos gobiernos han negado terminantemente esta teoría, varios historiadores y un informe realizado en 1931 al cadáver de St. Helen confirmarían que se trataría de Booth. Existen declaraciones juradas de soldados que vieron el cadáver y testimoniaron que la persona a la que habían matado en la granja no era Booth, sino David Boyle, que era buscado por matar a un capitán en Maryland.


title: James Iha

text: James Yoshinobu Iha (伊波吉伸, "Iha Yoshinobu" o ジェームス・イハ, Chicago, Estados Unidos, 26 de marzo de 1968) es un músico de rock y modelo profesional estadounidense de origen japonés. Es mayormente conocido por ser el guitarrista solista y cofundador de la exitosa banda The Smashing Pumpkins e integrante de la banda A Perfect Circle.


title: James Iha

text: Iha, siendo un japonés de segunda generación; se crio como un joven estadounidense promedio, y asistió a la secundaria de Elk Grove Village, en Illinois, el mismo pueblo en que nació el líder de la banda Billy Corgan. Ambos se conocieron muy jóvenes en la ciudad en que vivían, Chicago. Mientras Iha trabajaba en una tienda de discos, éstos comenzaron a componer canciones informalmente, hasta el día en que conocieron a D'arcy Wretzky en un concierto de una banda local (con la que Iha posteriormente se vería envuelto en una relación amorosa aunque se separarían al poco tiempo sin muchas consecuencias). Luego de una discusión, decidieron formar una banda juntos, con Corgan e Iha en las guitarras y D'arcy en el bajo eléctrico. Al principio tocaban con una máquina que hacía las percusiones, hasta que el dueño del Cabaret Metro les presentó al baterista Jimmy Chamberlin. Ese fue el inicio de Smashing Pumpkins. Como su cobandista.


title: James Iha

text: James Iha escribió numerosas canciones para The Smashing Pumpkins. Entre ellas se encuentran "Blew Away" (Pisces Iscariot), "Bugg Superstar" (Vieuphoria), "Take Me Down" (Mellon Collie and the Infinite Sadness), "...Said Sadly", "Believe", "The Boy" y "The Bells" (The Aeroplane Flies High), "Summer" (Perfect Sigle) y por último "Go" en (MACHINA II/The Friends & Enemies of Modern Music). Por otro lado escribió junto con Billy Corgan "I Am One" de Gish, "Soma" y "Mayonaise" en Siamese Dream, "Plume" en Pisces Iscariot, "Farewell and Goodnight" en Mellon Collie and the Infinite Sadness, y "Tribute to Johnny" para The Aeroplane Flies High. Además de interpretar algunos coros, él también fue la voz principal en la versión de The Cure: "A Night Like This" y el de Syd Barrett, "Terrapin".


title: James Iha

text: En 1998, Iha lanzó un moderadamente exitoso álbum Let It Come Down, que representa su único esfuerzo en solitario hasta la fecha. Se produjo un vídeo musical para la canción "Be Strong Now" que fue lanzada como sencillo. El disco resultó una sorpresa al mostrar una faceta acústica y tranquila con tintes melancólicos del guitarrista.


title: James Iha

text: Desde la ruptura de Smashing Pupmkins en el año 2000, Iha se unió a muchos otros proyectos, contribuyendo con artistas como Whiskeytown y Ivy, aunque su mayor noticia fue el ingreso a la formación de A Perfect Circle en julio de 2003, banda en la que lanzó el disco Emotive en 2004.


title: James Iha

text: También colaboró en dos canciones ("Boku ni Utsushite" (ボクにうつして） y "Skirt" (スカート)) con la japonesa Chara, para su álbum Madrigal, de 2001.


title: James Iha

text: Más recientemente, Iha colaboró en la escena musical y de la moda en Japón. Con ayuda de su amigo y mánager Isao Izutsu, empezó la marca de ropa "Vapor" en 2001. También participó en la película japonesa "Linda, Linda, Linda" en el verano de 2005.


title: James Iha

text: En junio de 2005, Corgan anunció sus planes de reunir la banda. El 20 de abril de 2006, se anunció oficialmente en website de la banda que la banda estaba junta de nuevo y escribiendo nuevo material. Tanto Corgan como Chamberlin confirmaron su presencia, no así Iha y Wretzky, cuya relaciones con el líder se creían tormentosas. Una década después, el 26 de marzo de 2016, James Iha reapareció junto a Billy Corgan y Jimmy Chamberlin en un concierto de The Smashing Pumpkins en Los Ángeles. Era la primera vez en dieciséis años que James Iha volvía a actuar con su primera banda, coincidiendo además con el día de su cumpleaños. Con Iha a la guitarra la banda tocó las canciones Mayonaise, Soma, Rocket, Today, Disarm y Spaceboy del álbum Siamese Dream y Whir del álbum Pisces Iscariot. James actuó en varios shows más de esta gira. Aunque no se realizó un comunicado oficial que confirmara a James Iha como miembro permanente en la banda, sí que dejó la puerta abierta a una posible reunión de todos los miembros originales.


title: James Iha

text: Actualmente, James Iha también es el guitarrista de Tinted Windows. Y de forma paralela, James es guitarra rítmica de A Perfect Circle desde su primera aparición en el show Jimmy Kimmel Live el 27 de octubre de 2010.


title: James Iha

text: Como solista:


title: James Iha

text: Con The Smashing Pumpkins:Con A Perfect Circle:


title: Nkosi II de Suazilandia

text: Nkosi II fue un rey de Suazilandia. Nacido en 1580 y fallecido en 1640. Nkosi II fue un rey de Suazilandia. Nacido en 1580 y fallecido en 1640.


title: Nkosi II de Suazilandia

text: Es el antecesor común de las tribus de los Mamaba y de los Hlubi, así como de los Matiwane Ngwane.


title: Mark David Chapman

text: Mark David Chapman (Fort Worth, Texas; 10 de mayo de 1955) es un asesino estadounidense, sentenciado a veinte años de cárcel hasta cadena perpetua por el asesinato del músico y exmiembro de The Beatles, John Lennon, el 8 de diciembre de 1980.


title: Mark David Chapman

text: Cometió el delito mientras Lennon y su esposa Yoko Ono estaban fuera del edificio de apartamentos Dakota, en Nueva York. Chapman disparó cinco veces a Lennon, alcanzándole una de ellas en la espalda provocándole una herida en el pulmón derecho; otra de ellas impactó en el brazo izquierdo de Lennon; otra le impactó en el cuello; la cuarta bala le ocasionó una hemorragia en una arteria del corazón y la quinta bala impactó en la pared. Permaneció en el lugar hasta que fue arrestado por la policía, y se declaró culpable del delito. Fue sentenciado a cadena perpetua, y en la actualidad está encarcelado en el Wende Correctional Facility en Alden (estado de Nueva York) después de haberle sido denegada la libertad condicional en once ocasiones.


title: Mark David Chapman

text: Chapman nació en Fort Worth, Texas en 1955. Su padre, David Curtis Chapman, fue sargento de la Fuerza Aérea de Estados Unidos, y su madre, Kathryn Elizabeth Pease, era enfermera. Su hermana menor, Susan, nació siete años después. Chapman declaró que tenía miedo a su padre cuando era niño, ya que este abusaba físicamente de su esposa e hijo. También fantaseaba con tener el poder de un dios sobre un grupo de «pequeñas personas» imaginarias. Chapman asistió al instituto en el Columbia High School en Decatur, Georgia. A los catorce años de edad tomaba drogas, se saltaba las clases, y una vez huyó de su casa y vivió en las calles durante dos semanas. Chapman declaró que era víctima de acoso escolar debido a que no era un buen atleta. Su banda favorita era The Beatles. En ese momento consumía marihuana, cocaína, ácido, heroína, mezcalina y barbitúricos.


title: Mark David Chapman

text: En 1971, Chapman se convirtió al cristianismo, y distribuía publicaciones religiosas. Conoció a su primera novia, también cristiana, llamada Jessica Blankenship. Comenzó a trabajar como consejero de campamento de verano de la Young Men's Christian Asociation (YMCA); era muy popular entre los niños, que le pusieron como sobrenombre «Nemo». Ganó un premio al mejor consejero y fue nombrado asistente del director. Aquellos que lo conocieron en su trabajo con otras personas le describían como un trabajador excepcional. Un amigo le recomendó el libro de J.D. Salinger "El guardián entre el centeno", y la historia pronto tuvo una gran importancia personal para él, hasta el extremo que declaró que deseaba modelar su vida a imagen de la del protagonista, Holden Caulfield. Después de graduarse en Columbia High School, Chapman se mudó por un tiempo a Chicago; tocaba la guitarra en iglesias y locales nocturnos cristianos, actuando junto a su amigo, que hacía imitaciones. Trabajó también con éxito en Y.M.C.A., con refugiados vietnamitas en un campo de reasentamiento en Fort Chaffe (Arkansas), tras una breve visita al Líbano para el mismo trabajo. Fue nombrado coordinador de área y asistente clave para el director del programa, David Moore, que luego declaró que Chapman se preocupaba profundamente por los niños y trabajaba mucho. Chapman acompañó a Moore a reuniones con funcionarios del gobierno, y el Presidente de los Estados Unidos Gerald Ford le estrechó la mano.


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text: Chapman empezó a estudiar con su novia Jessica en la Universidad Covenant (una universidad evangélica presbiteriana especializada en las artes liberales) en Lookout Mountain, Georgia. Sin embargo, Chapman no permaneció mucho tiempo en sus estudios y se obsesionó con la culpa tras haber tenido una aventura. Comenzó a tener pensamientos suicidas y a sentirse un fracasado. Dejó la universidad y su novia lo dejó a él poco después. Volvió a trabajar en el campo de reasentamiento, pero se fue tras una discusión. Posteriormente obtuvo un trabajo como guardia de seguridad, asistiendo a un curso de una semana que lo cualificaba para portar armas en dicho trabajo. Hizo otro intento de ir a la universidad pero abandonó nuevamente.


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text: En 1977, Chapman intentó suicidarse por envenenamiento con monóxido de carbono; conectó un tubo de aspiradora al escape de su coche y puso el otro extremo dentro, pero la manguera se derritió en el tubo de escape y el intento fracasó. Un psiquiatra lo admitió en el Castle Memorial Hospital por depresión. Tras salir de allí, el hospital lo contrató a tiempo parcial. Tocaba la guitarra para los pacientes y les aconsejaba. Se mudó a vivir con un ministro presbiteriano. Sus padres comenzaron los procesos de divorcio, y su madre se fue con Mark David a Hawái.


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text: En 1978, Chapman realizó un viaje de seis semanas alrededor del mundo, inspirado parcialmente por la película "La vuelta al mundo en ochenta días", visitando lugares como Tokio, Seúl, Hong Kong, Singapur, Bangkok, Nueva Delhi, Beirut, Ginebra, Londres, París y Dublín. Comenzó una relación sentimental con su agente de viajes, una mujer japonesa-americana llamada Gloria Abe. Se casaron el 2 de junio de 1979. Buscando más dinero, Chapman obtuvo un trabajo en Castle Memorial Hospital en la imprenta, con lo que pasó a trabajar solo en lugar de estar con el personal y los pacientes. Fue despedido por Castle Memorial Hospital y vuelto a contratar; posteriormente tuvo una pelea a gritos con una enfermera y renunció. Obtuvo un trabajo como guardia de seguridad por las noches y comenzó a beber. Chapman desarrolló una serie de obsesiones (que incluían aquel libro, "El guardián entre el centeno", música, y en particular John Lennon) y comenzó «a escuchar voces». En septiembre de 1980, le escribió una carta a su amiga, Lynda Irish, en la que decía, «Me estoy volviendo loco», la firmaba como «"The Catcher in the Rye"» («"El guardián entre el centeno"»).


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text: Chapman fue a Nueva York en octubre de 1980 planeando asesinar al ex Beatle, John Lennon y pasar a la historia por ello. Dejó la ciudad durante un corto tiempo para obtener municiones de una amiga suya en Atlanta. Regresó a Nueva York en noviembre pero, después de ir al cine y ser inspirado por la película "Ordinary People", regresó a Hawái y le dijo a su esposa que había estado obsesionado con asesinar a Lennon pero que ya no lo estaba. Concertó una cita para ver un psicólogo clínico, pero en cambio el 6 de diciembre voló de nuevo a Nueva York. Le ofreció cocaína a un taxista.


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text: En el día antes del asesinato, Chapman abordó al cantautor James Taylor. Según Taylor, «el hombre me puso contra la pared y estaba humedecido por un sudor maníaco, decía cosas raras sobre lo que iba a hacer y sus cosas sobre cómo John iba a estar interesado, y que iba a ponerse en contacto con Lennon».


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text: En la mañana del 8 de diciembre de 1980, partió desde el Hotel Sheraton, tras dejar cosas personales en su habitación para que la policía lo encontrara. Chapman compró un ejemplar de "The Catcher in the Rye" ("El guardián entre el centeno"), en que él escribió «Esta es mi declaración», y lo firmó como «Holden Caulfield». Luego pasó la mayor parte del día en la entrada del edificio Dakota donde Lennon vivía con Yoko Ono, su esposa, hablando con otros fanes y con el portero. En un momento dado, un distraído Chapman perdió de vista a Lennon al salir de un taxi y entrar al Dakota durante la mañana. Más tarde pero aún por la mañana, se encontró con el ama de llaves de Lennon, que acababa de sacar a Sean Lennon de 5 años de edad, a dar un paseo. Chapman se acercó para estrechar la mano de Sean y dijo que era un niño hermoso, citando la canción de Lennon, «Beautiful Boy».


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text: Alrededor de las cinco de la tarde, Lennon y Ono dejaron el Dakota para una sesión de grabación en Record Plant Studios. Mientras caminaban hacia su limusina en la acera, Chapman le dio la mano a Lennon y le tendió una copia del nuevo disco de Lennon, "Double Fantasy", para que la firmara. El fotógrafo Paul Goresh estaba presente cuando Lennon le firmó el álbum a Chapman y tomó una fotografía del momento. Chapman declaró: «En ese momento, mi parte buena ganó y quería regresar a mi hotel, pero no podía. Esperé hasta que regresó. Él sabía dónde van los patos en invierno, y yo quería saberlo» (en una referencia a "The Catcher in the Rye", dado que era una pregunta que recurrentemente se hacía el protagonista).


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text: Alrededor de las 10:49 P.M., la limusina de Lennon regresó al Dakota. En la acera, Lennon y Ono salieron del coche, pasaron al lado de Chapman y caminaron hacia el arco de entrada al patio del edificio. Desde la calle que estaba a sus espaldas, Chapman disparó seis balas con un revólver calibre .38 Special, de las cuales cuatro impactaron a Lennon en la espalda y el hombro izquierdo. El certificado de defunción describía la causa de la muerte: «Heridas múltiples en el hombro izquierdo y pecho; pulmón izquierdo y arteria subclavia izquierda; hemorragia externa e interna. "Shock"».


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text: Chapman permaneció en la escena, sacó su copia de "The Catcher in the Rye" y lo leyó hasta que llegó la policía. Miembros del Departamento de Policía de Nueva York fueron los primeros en examinar los disparos; reconociendo que las heridas de Lennon eran severas, decidieron llevarlo a su coche policial al Hospital Roosevelt. Chapman fue arrestado sin ningún incidente. En su declaración a la policía tres horas después, Chapman dijo, «Estoy seguro que la mayor parte de mí es Holden Caufield, el personaje principal del libro. El resto de mí debe ser el Diablo». Lennon fue declarado muerto a las 11:15 P.M. en St. Luke's-Roosevelt Hospital Center.


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text: Chapman fue condenado por el crimen en agosto de 1981, a una pena de veinte años a cadena perpetua. Los veinte años se cumplieron en el año 2000, pese a ello permanece en su celda del Correccional de Attica, puesto que le ha sido denegada la libertad condicional en once ocasiones.