title: Golconda

text: Los supuestos beneficios que da la Golconda son o la aceptación de la naturaleza vampírica por lo que el personaje dejaría de necesitar beber sangre, sus disciplinas podrían llegar a nv10 (aunque la generación no le diera para llegar), sería inmune al frenesí y al Rötschreck e incluso algunos rumorean que no estaría maldito a la luz del sol. También se dice que hay otro camino que es el de volver a ser humano y aceptar su mortalidad.


title: Distrito de Sihuas

text: El distrito de Sihuas es uno de los diez que conforman la provincia de Sihuas, ubicada en el departamento de Ancash en el Perú.


title: Distrito de Sihuas

text: Durante el Virreinato integró el partido de Conchucos, Intendencia de Tarma desde 1784. En la época de la Independencia, por un mandato del presidente de Huaylas, Toribio de Luzuriaga y Mejía, en marzo de 1821, surgen Conchucos Alto o Huari y Conchucos Bajo. Sihuas integra Conchucos Bajo, con la denominación de doctrina , equivalente a distrito en la actualidad.


title: Distrito de Sihuas

text: Se ubica en la zona meridional y central de la provincia del mismo nombre y se encuentra atravesado por el río Rúpac. Tiene una extensión de 43,81 kilómetros cuadrados y una población aproximada de 5 163 habitantes.SITIO GEOGRÁFICO: El Cañón de Rúpag.:


title: Distrito de Sihuas

text: AGUAS TERMOMEDICINALES: Los Baños Termales de Rúpaj


title: Distrito de Sihuas

text: - Declarados Patrimonio Cultural de la Nación con RD N.º 824/ INC DEL 10 DE JUNIO DEL 2009: CIUDADELA DE PASHAS O CAMPANARIO (sobre Kerobamba y Siraomarca,) - Cruzhirca o Ventanahirca (Usamasanga)  - Sua Corral y Las Tumbas de Minas en Usamasanga, delimitado por el INC. NOTA: Dentro de la provincia de Sihuas tenemos más de 100 sitios arqueológicos, de los cuales 30 son ciudadelas, siendo Pirurohirca en Huayllabamba el más grande de la sierra Norte de Perú con 209 Ha de construcción además pasa 50 km de camino inca, Inca naani o Qhapaq ñan.


title: Distrito de Sihuas

text: EL QHAPAQ ÑAN, el Tupaq Naani, tramo Huánuco Pampa – Huamachuco (Huánuco, Ancash, La Libertad); el 2 de febrero de 2011 con Resolución Viceministerial N.º 131-11-VMPCIC-MC fue declarado Patrimonio Cultural de la Nación con los monumentos arqueológicos respectivos, en Sihuas se han registrado más de 50 km de Camino Inca, de los cuales aproximadamente 44 km desde Cruz de Acero-San Juan hasta Quinllay Cueva de Ragash es Patrimonio Nacional y 06 km desde Quinllay Cueva-Ragash a Pariachuco es Patrimonio Mundial.  Su capital ubicada a 2 716 msnm es la ciudad de Sihuas, que es también capital de la provincia.


title: Dinastía Jin (266-420)

text: La dinastía Jin (chino tradicional: 晉; Wade-Giles: "Chin"; pinyin: "Jìn") gobernó China desde el año 266 hasta el 420. Fue fundada por la familia Sima (司馬 "Sīmǎ"), descendientes del general y político del reino de Wei, Sima Yi. Como la dinastía Han, los Jin suele ser dividida en dos periodos: Jin Occidental (西晉, 266-316) y Jin Oriental (東晉 317-420), haciendo referencia a la ubicación de sus dos capitales: Luoyang y Jiankang.


title: Dinastía Jin (266-420)

text: Aunque proporcionaron un breve periodo de unión tras conquistar el reino de Wu en el año 280, los Jin no pudieron contener la invasión y el levantamiento de los pueblos nómadas después de la devastadora guerra de los ocho príncipes. En el 311, el emperador Huai fue capturado por las fuerzas del pueblo Yutzu. El reinado posterior del emperador Min duró cuatro años en Chang'an hasta su conquista por el imperio Yutzu en el 316.


title: Dinastía Jin (266-420)

text: Mientras tanto, lo que quedaba de la corte de Jin huyó del norte al sur y restableció el gobierno en Jiankang que se encontraba al suroeste de Louyang y Chang'an y cerca de la actual Nankín, bajo el poder del príncipe de Longya. Las prominentes familias locales de Zhu, Gan, Lu, Gu y Zhou apoyaban la proclamación del príncipe de Longya como el emperador Yuan cuando las noticias de la caída de Chang'an alcanzaron el sur.


title: Dinastía Jin (266-420)

text: Las autoridades militares y las crisis plagaron la corte del gobierno Jin Oriental durante sus 104 años de existencia. En este periodo sufrió diversas rebeliones, como las de Wang Dun y Su Jun. Huan Wen murió en el 373 antes de poder proclamarse emperador. La batalla de Fei dio un resultado victorioso al gobierno Jin a través de una relación de breve cooperación entre Huan Chong, que era hermano de Huan Wen, y el primer ministro (del secretariado imperial) Xie An. Huan Xuan, hijo de Huan Wen, usurpó y cambió el nombre de la dinastía a "Chu", pero su posición le fue arrebatada por Liu yu, que ordenó colgar al reinstaurado emperador An.


title: Dinastía Jin (266-420)

text: El último emperador, un hermano del emperador An, Gong, fue nombrado en el 419. La abdicación del emperador Gong en el 420 en favor de Liu Yu condujo a la Dinastía Liu Song y a las dinastías Meridionales. Mientras tanto, el norte de China quedó gobernada por los Dieciséis Reinos, muchos de los cuales fueron fundados por los Wu Hu, etnia distinta a los chinos Han. La conquista de los Liang del norte por la Dinastía Wei del Norte en el 439 dio como resultado las dinastías del norte.


title: Dinastía Jin (266-420)

text: Pero cualesquiera que sean las dificultades políticas, la corte de Jiankang logró producir una sociedad de cierto brillo cultural. En este periodo vivió el que es considerado el primer gran genio de la pintura de China, Gu Kaizhi (c. 348-409). Otro personaje destacado en esta corte fue Wang Xizhi (c. 303-361), el más grande maestro temprano de la escritura cursiva china. Su hijo, Wang Xianzhi (344–386), se considera superado solo por su padre en este arte. En este periodo también floreció el budismo, ejerció una fuerte influencia durante el periodo Jin.


title: ETOPS

text: ETOPS (acrónimo inglés de "Extended Operations", anteriormente de "Extended-range Twin-engine Operation Performance Standards") es un acrónimo de unas reglas de la Organización de Aviación Civil Internacional que permiten que los diseños modernos de aviones bimotorizados puedan realizar aquellas rutas en las que, en algún momento, la aeronave se encuentra a más de 60 minutos de distancia de un aeródromo adecuado. Esto permite que aviones como el B757, el B767, el B737, el B777, el B787, B747 (único cuatrimotor habilitado con ETOPS, exclusivamente el modelo -8), el A300, el A310, el A318, el A319, el A320, el A321, el A330 el A350 el Tu 204 y el Tu 214 puedan realizar rutas de larga distancia, especialmente aquellas que atraviesan desiertos, océanos o áreas polares, que antiguamente estaban prohibidas para los bimotores.


title: ETOPS

text: En los países de habla inglesa se ha llegado a bromear sobre el significado de ETOPS, convirtiéndolo de hecho en un retroacrónimo, al sustituir su significado por el de " Engines Turn Or Passengers Swim" ("los motores funcionan o los pasajeros nadan").


title: Mónica Naranjo

text: Mónica Naranjo Carrasco (Figueras, 23 de mayo de 1974) es una cantante, compositora, productora musical y presentadora española.


title: Mónica Naranjo

text: En su discografía podemos encontrar estilos tan diversos como la samba, la batucada, el requiem o el dance electrónico. Con su disco "Palabra de Mujer", vendió más de dos millones y medio de copias en su primer año y logrando hacerse con el disco de diamante, convirtiéndose en uno de los discos más vendidos de la historia de la música española. Según acreditan los Productores de Música de España (Promusicae), cuenta con 1 480 000 álbumes certificados como solista en España. A lo largo de su carrera musical se le estiman unas ventas de más de 8 millones de discos en todo el mundo.


title: Mónica Naranjo

text: Entre sus premios y reconocimientos musicales destacan sus tres World Music Awards, lo que la convierte en la cantante española femenina con más premios en esta categoría. Fue premiada en 2012 con el premio "Maguey" a la Diversidad Sexual, en México.


title: Mónica Naranjo

text: Hija de padres andaluces (Francisco y Patricia). Su padre nació en la localidad de Montejaque (Málaga) y su madre en Sevilla. Más tarde emigraron a Cataluña en la década de 1960, Mónica Naranjo nació en Figueras (Cataluña, España) el 23 de mayo de 1974 en el seno de una familia humilde. Es la mayor de tres hermanos (los otros dos se llaman Enrique y Raquel).


title: Mónica Naranjo

text: Desde los cuatro años sintió que la música era a lo que ella realmente quería dedicar su vida, así que a los catorce años su madre decidió apuntarla a una escuela de canto y regalarle una grabadora de voz para que pudiera hacer sus primeras grabaciones. A pesar de ser tiempos difíciles para la familia, su madre siempre apoyó a Mónica en sus decisiones. Según recuerda la artista, su madre trabajaba como asistente en casa de unos médicos que tenían relación con el artista Salvador Dalí, con el que coincidió en varias ocasiones. Recuerda que el artista la miraba con recelo, pero en una ocasión la madre de Mónica le comentó a Dalí que su hija quería cantar. Como consejo, le respondió que lo que debía de hacer era dejarse llevar por la pasión. Consejo que Mónica no comprendió hasta años después.


title: Mónica Naranjo

text: En 1991 se encontró con el compositor y productor musical Cristóbal Sánsano, con el que hizo varias giras promocionales por España; pero no tuvo el éxito esperado, así que decidió emigrar a México. Allí, Mónica Naranjo hizo su debut discográfico a los 20 años de edad, lanzando "Mónica Naranjo" en 1994 con Sony Music. Producido por Cristóbal Sansano, el álbum homónimo generó una serie de sencillos que incluyen "El amor coloca", "Sola", "Sólo se vive una vez", "Óyeme".


title: Mónica Naranjo

text: En 1995 también participó en la banda sonora de la película "La princesa cisne" con la canción "Hasta el final del mundo", junto al cantante Mikel Herzog. El siguiente álbum "Palabra de mujer" lanzado en 1997, nuevamente producido por Cristóbal Sánsano, generó otra ronda de sencillos exitosos que incluyen "Desátame", "Pantera en libertad", "Las campanas del amor" y "Entender el amor".


title: Mónica Naranjo

text: El tercer álbum de Naranjo, "Minage" (2000) fue un tributo completo a la diva italiana Mina Mazzini. Si bien su sello discográfico no estaba especialmente satisfecho con su decisión de lanzar un álbum de este tipo, al igual que algunos de sus seguidores no estaban entusiasmados con su alejamiento del pop comercial, Minage aún vendió más de un millón de copias en todo el mundo, generó algunos éxitos sobre todo "Sobreviviré".


title: Mónica Naranjo

text: En este álbum, Mónica decidió cambiar su imagen: pelo negro largo, y un atuendo mayormente oscuro, con influencias rock y góticas. Ese mismo año (2000) participó en la gala Pavarotti and Friends, cantando un dueto con Pavarotti la canción "Agnus Dei". A principios de 2001 salió a la venta en México su disco recopilatorio "Mónica Naranjo, Grandes Éxitos".


title: Mónica Naranjo

text: En contraste con "Minage", "Chicas malas" (2001), el cuarto álbum de Naranjo, es un álbum dance-pop. Incluye los sencillos "Chicas malas", "Sacrificio", "No voy a llorar" y "Ain't It Better Like This". Ese año también participó en la película "Marujas asesinas".


title: Mónica Naranjo

text: Una versión en inglés de "Chicas malas", "Bad Girls", se lanzó en 2002 a fin de explotar el disco en el mercado anglosajón, con el único sencillo "I Ain't Gonna Cry". Complementariamente grabó la canción de la Copa Mundial de Fútbol 2002 en Corea y Japón; "Santa Señal", y en inglés, "Shake The House".


title: Mónica Naranjo

text: Debido a la reestructuración que sufría la compañía discográfica, el proyecto "Chicas malas" / "Bad Girls" no obtuvo el éxito mundial esperado a pesar de la inversión realizada. Por su parte, Mónica se encontraba sufriendo momentos personales complicados por el reciente fallecimiento de su hermano Enrique. Según declaraciones recientes, a pesar de que su hermano se encontraba enfermo, la compañía presionó para que terminara el proyecto, e incluso amenazaron con demandarla si no llegaba a buen término. Esto hizo que Mónica se alejara de la industria musical por un largo periodo de tiempo, salvo algunas colaboraciones especiales.


title: Mónica Naranjo

text: Unos años más tarde se lanzó una colección de grandes éxitos, "Colección privada" (2005), con un nuevo sencillo, "Enamorada de ti". A finales de ese año participó en el concierto homenaje a Rocío Jurado, "Rocío... siempre" que daría lugar a un álbum en 2007"," con el dueto de la copla "Punto de partida".


title: Mónica Naranjo

text: En el 2008, siete años después de "Chicas malas", lanzó su álbum "Tarántula", liderado por el sencillo "Europa", que encabezó las listas españolas por seis semanas consecutivas. La gira musical quedó registrada en el CD/DVD "Stage" que salió a la ventas un año después. Este álbum logró situarse en la cabeza de las listas de ventas, permaneciendo más de nueve semanas, logrando un disco de platino. Le siguió una gira sinfónica, que resultó en "Adagio", un lanzamiento en CD/DVD con grabaciones de la gira.


title: Mónica Naranjo

text: En 2011 interpretó la canción "Emperatriz de mis sueños", tema de apertura de la telenovela mexicana "Emperatriz. E"se mismo año se embarca en la Gira "Madame Noir", obra musical basada en el backstage de los años 40-50 del cine negro. También grabó con Brian Cross dos canciones "Dream Alive" y "Crying for Heaven""". En septiembre formó parte del jurado en el programa "Tu cara me suena" y a finales de ese año lanzó el álbum recopilatorio "La más perfecta colección" con sus mejores éxitos, en México .


title: Mónica Naranjo

text: En 2012 Mónica participó como jurado en el programa "El número uno" de Antena 3. Salió el sencillo "Make You Rock". A finales de ese año participa, nuevamente, como jurado en la segunda edición de "Tu cara me suena". Ese año recibe el Premio Maguey a la Diversidad Sexual, que se otorgaba por primera vez en el marco del Festival Internacional de Cine de Guadalajara en México. Su elección recibió críticas por su escasa carrera cinematográfica.


title: Mónica Naranjo

text: En junio de 2013 se embarcó en una nueva gira llamada "Ídolos en Concierto" producida por Hugo Mejuto, donde compartió el escenario con Marta Sánchez y María José. Juntas cantaron """". El 29 de octubre presentó su primer libro titulado "Come y calla" del cual vende cerca de 40.000 ejemplares, confirmado por la propia artista. En 2014, lanzó "4.0". Una colección de "reelaboraciones electrorock", mezclas elaboradas, de algunos de sus éxitos. Con este lanzamiento celebró su aniversario #40 y sus 20 años de carrera artística. Desde marzo de 2014, hasta abril de del mismo año, se estrenó como presentadora de televisión, en el programa de talentos musicales de la cadena Antena 3 "¡A bailar!".


title: Mónica Naranjo

text: El 29 de enero de 2016, la cantante lanzó el álbum "Lubna", que supuso el regreso a la actividad musical tras siete años desde el último lanzamiento de un álbum de estudio. Contó con dos sencillos "Jamás" y "Fin", ambos estrenados en el programa "Qué tiempo tan feliz". El mismo día de su lanzamiento, Mónica empieza la primera de sus cuatro fechas de firma de discos, llegando a estar en una de ellas hasta 14 horas firmando. En menos de una semana ya consiguió el Disco de oro.


title: Mónica Naranjo

text: Ese mismo año fue nombrada como embajadora de LR Health & Beauty Systems, lanzando meses más tarde su primer perfume, "Mónica Naranjo. Eau de perfum". En octubre de 2016 se publicó "Avui Vull Agrair", primer tema cantado por ella en catalán, y que se encuentra en el álbum de "La Marató de TV3". A mediados de noviembre de 2016 salió a la luz un nuevo videoclip "Perdida", este consiguió en las primeras semanas sobrepasar las 200.000 reproducciones, y volvió a aparecer en las listas de ventas junto a su nuevo remix. Poco días después salió a la venta la reedición de "Lubna" que incluye las canciones en modo sinfónico, los nuevos remixes, un DVD en donde se encuentran los videoclips de esta etapa y un libro.


title: Mónica Naranjo

text: En diciembre actuó en la "Gala de los 60 años de TVE", cantando el tema de Camilo Sesto "Vivir así es morir de amor".


title: Mónica Naranjo

text: Entre octubre de 2017 y febrero de 2018 conformó el jurado del programa "Operación triunfo 2017". Ese año por el 18 aniversario de "Minage" se lanzó en Picture Disc el disco. En octubre fue invitada a actuar en Grandiosas Sinfónico junto a las cantantes Marta Sanchez, Ángela Carrasco, Manoella Torres y Dulce. A finales de año se confirmó que tras la separación con su marido comenzó a grabar un programa de sexo titulado "Mónica y el sexo."


title: Mónica Naranjo

text: En 2019 se confirmó su retorno a la música con "Mes Excentricités", varios volúmenes en donde el primero de ellos saldrá a la luz este año bajo el nombre "Mes Excentricités, Vol. 1: “Le Psychiatrique”" y abarcará nuevos sonidos diferentes entre ellos. Este mismo año se ha confirmado el estreno de "Mónica y el sexo" en Mediaset, y una nueva gira, Renaissance Tour, en donde según la artista "se juntarán el pasado, el presente y el futuro". Durante enero y febrero de 2020 presentó en el canal del grupo Mediaset España, Cuatro el programa La isla de las tentaciones.


title: Mónica Naranjo

text: En 1998 se casó con su productor Cristóbal Sánsano, de quien se divorció en 2002.


title: Mónica Naranjo

text: En 2003 comenzó una relación con Óscar Tarruella, cuando él era un "mosso d'Esquadra" (criminalista del cuerpo policial catalán). Ambos se conocieron durante la investigación de un robo ocurrido en la casa de la artista. Tarruella salió voluntariamente del cuerpo de mossos en 2008, para así ocuparse a tiempo completo de las labores de management de Naranjo para su regreso a los escenarios en ese año.


title: Mónica Naranjo

text: Tras quince años de relación, el 9 de julio de 2018 Mónica Naranjo anunció su separación sentimental con Óscar con el siguiente comunicado:


title: Mónica Naranjo

text: Aunque en un principio se comunicó que Tarruella seguiría siendo mánager de la cantante, meses después se supo que también se rompía su relación laboral, disolviendo la agencia de management Alaia Productions que ambos fundaron juntos. Curiosamente, Alaia fue el nombre con el que se bautizaría a la primera hija en común y que nunca llegó.


title: Mónica Naranjo

text: A pesar de no definirse abiertamente bisexual, Mónica Naranjo ha reconocido públicamente haber tenido relaciones sexuales lésbicas ocasionales, además, es una activista internacional por los derechos de la comunidad LGBT.


title: Mónica Naranjo

text: Álbumes de estudio


title: Mónica Naranjo

text: Álbumes en directo


title: Mónica Naranjo

text: Álbumes recopilatorios


title: Mónica Naranjo

text: EPs


title: Ovidi Montllor

text: Ovidi Montllor i Mengual (Alcoy, Alicante, 4 de febrero de 1942 – Barcelona, 10 de marzo de 1995) fue un actor español y cantautor en valenciano que formó parte del movimiento de la "Nova Cançó".


title: Ovidi Montllor

text: Falleció en 1995 en Barcelona a consecuencia de un cáncer de esófago. Militó en el Partido Socialista Unificado de Cataluña (PSUC) y posteriormente en el Partit dels Comunistes de Catalunya (PCC), hasta su muerte.


title: Ovidi Montllor

text: Nació en Alcoy en la posguerra, era el mayor de tres hermanos de una familia de clase obrera. Aprendió a leer gracias a su tío, maestro de escuela que tras la guerra no pudo ejercer debido a su ideología. Posteriormente estudió en la escuela de Ribera y posteriormente en los Salesianos. De carácter enfermizo, aprovechó el tiempo que se vio obligado a estar en cama para leer los libros que su tío había dejado en su casa, desarrollando una afición por la lectura que le acompañaría el resto de su vida. A los 12 años se vio obligado a dejar la escuela y empezar a trabajar para sostener a su familia. Esto supuso un cambio muy profundo, trabajó en 36 oficios diferentes, según sus palabras, y fue a partir de los 18 años que empezó a reflexionar sobre su situación y a tomar conciencia de clase. Sus primeras experiencias como actor tuvieron lugar en 1962 con el grupo teatral "La Cassola" de Alcoy.


title: Ovidi Montllor

text: Con 24 años, tras el servicio militar, Alcoy vivió un período difícil debido a la crisis del sector textil, por lo que al no encontrar trabajo decide emigrar a Barcelona. Allí nada más llegar consigue trabajo en el Hotel Ritz. A partir de entonces entró en contacto con grupos de teatro independientes y asistiendo a conciertos en locales como La Cova del Drac, donde conoció a cantantes como Quico Pi de la Serra o Toti Soler, animándose él también a componer sus primeras canciones. Actuó con grupos de teatro independientes, como el del CICF, y más tarde con las compañías de Nuria Espert y Adrià Gual.


title: Ovidi Montllor

text: En 1968 inició una carrera destacada como cantante, tras participar en enero de ese año, casi forzado por sus amigos Alfred Lucchetti y Joan De Segarra en el segundo Festival de la Canción Universitaria, en el que inesperadamente quedó primero. Tras esto Quico Pi de la Serra le propuso acompañarle al festival de folk de Burg Waldeck, en el que actuó tras pedir vacaciones anticipadas en su trabajo. Esta experiencia le hizo tomarse en serio su faceta de cantante. Conoció a Raimon, quien le propuso grabar un disco con el sello 'Inici', que el propio Raimon había creado tras abandonar Edigsa. Este se publicó en 1968 con cuatro canciones: "La fera ferotge", "La cançó de les balances" –escrita por Josep M. Carandell– "Lliçó de sumes i verbs" y "Cançó de llaurador". Su posición como una de las figuras de la 'Nova Cançó' le llegó definitivamente cuando a finales de ese mismo año cantó en el Palacio de la Música Catalana junto a Pi de la Serra y Raimon.


title: Ovidi Montllor

text: A partir de entonces su carrera fue desarrollándose y en 1969 y 1970 publicó sendos singles, colaborando con músicos como Carlos Boldori, Adrià Font, Yosu Belmonte, Xavier Batllés, Víctor Ammann y especialmente el guitarrista y compositor Toti Soler. Sus composiciones cuentan con música propia sobre textos de Salvador Espriu, Vicent Andrés Estellés, Pere Quart y de él mismo. El 27 de abril de 1975 cantó junto con Toti Soler en el Teatro Olympia de París, y ese mismo año actuó en la película 'Furtivos' de José Luis Borau, con la que se dio a conocer como actor cinematográfico. Su quinto LP se publicó en 1976, dedicado al poeta Salvat-Papasseit e ilustrado por Josep Guinovart. Tras publicar "4.02.42" (el título es su fecha de nacimiento) decidió dedicarse a la actuación, llegando a actuar en unas 50 películas.


title: Ovidi Montllor

text: En 1993 decidió volver a grabar un disco al que titularía "Veri Good", pero comenzó a experimentar problemas de voz que resultaron ser debidas a un cáncer de esófago que le llevó a la muerte dos años más tarde, en 1995.


title: Ovidi Montllor

text: Entre sus piezas musicales más populares destacan:


title: Ovidi Montllor

text: Otro ámbito en el que Ovidi destacó fue el cine. Intervino, entre otras, en las películas siguientes:


title: Elementos del grupo 10

text: Los elementos del grupo 10 son:


title: Elementos del grupo 10

text: A temperatura ambiente todos son sólidos.


title: Elementos del grupo 10

text: Los estados de oxidación más comunes de los elementos de este grupo son 0 y +II. Todos se encuentran en la naturaleza en forma elemental aunque el níquel como el más reactivo de ellos, solamente en forma de aleación en algunos meteoritos.


title: Elementos del grupo 10

text: Todos estos elementos tienen completados los números"d" de su capa de valencia lo que explica su relativa inercia frente a los agentes oxidantes que se hace más patente bajando en el grupo.  Todos son metales importantes en ingeniería aeroespacial y en la industria química dada sus propiedades catalíticas.


title: Apoteosis

text: Apoteosis (palabra griega que significa ‘contarse entre los dioses, divinizar, deificar’; "apo" ‘idea de intensidad’, "theo" ‘Dios’, "osis" ‘formación, impulsión’) se llamaba a una ceremonia que hacían los antiguos para colocar en el número de los dioses o héroes a los emperadores, emperatrices u otros mortales. Por extensión, se habla de apoteosis cuando se ensalza exageradamente a alguien con alabanzas y honores. Actualmente, en el uso ordinario, se aplica a la escena espectacular con que concluyen algunas funciones teatrales, normalmente de géneros ligeros; y por extensión, a toda manifestación de gran entusiasmo que tiene lugar en algún momento de una celebración o acto colectivo.


title: Apoteosis

text: Esta voz tiene el mismo sentido entre los griegos que el "divus" entre los latinos. El origen de la apoteosis se remonta casi al de la idolatría (gr. "eidolon" ‘imagen, figura’; "latreia" ‘adoración’). Esta ceremonia, originaria de Oriente, de donde pasó a los griegos y después a los romanos, estaba fundada en la opinión de Pitágoras tomada de los caldeos, de que los hombres virtuosos serían colocados después de su muerte en la clase de los dioses. La apoteosis estuvo en uso entre los asirios, los persas, los egipcios, los griegos y los romanos.


title: Apoteosis

text: En primer lugar tributaron homenaje al astro benéfico del que recibían la luz y que con su influencia fecunda la tierra. Luego de que empezaran a vivir en sociedad, su reconocimiento distinguió del común de los hombres a aquellos que se hallaban en estado de gobernarles, de darles leyes, de asegurar su reposo, de aumentar su bienestar y formaron de ellos después de su muerte otras tantas divinidades. Pero así como se abusa de todas las cosas, así la adulación de los pueblos concedió los honores divinos a príncipes despreciables o perversos, y los mismos príncipes, abusando de su poder, colocaron entre los héroes y los inmortales a hombres que no tenían ningún derecho al reconocimiento y respeto de los pueblos. Se sabe que Alejandro, poco satisfecho de los magníficos funerales que había mandado hacer a su amante Hefestión, ordenó que se le rindiesen honores divinos. La locura del emperador Adriano por Antínoo su favorecido, no fue menos notable.


title: Apoteosis

text: La primera apoteosis de que se hace mención es la de Osiris y luego la de Belo. Todas las divinidades de los griegos y latinos son mucho más modernas. Jenofonte asegura que Ciro fue el primero en ser adorado como un dios aún en vida. Cicerón hace mención de la apoteosis de Erecteo y de sus hijos. Plutarco y Diodoro hablan de la de Teseo; san Agustín, de la de Codro; Orígenes, de la de Hércules Tebano, hijo de Alcmena y de Amfiaro.


title: Apoteosis

text: Los griegos, no contentos de hacer a los grandes hombres magníficos funerales y de erigirles soberbias tumbas, les rendían honores divinos, les elevaban altares y les inmolaban víctimas, instituyendo a menudo en obsequio suyo sacrificios y fiestas o juegos anuales que celebraban con la mayor pompa.


title: Apoteosis

text: En tiempos más recientes, Herman Melville, en La Ballena, le dedica el capítulo 23 entero a la descripción precisa del concepto.


title: Apoteosis

text: Las apoteosis o deificaciones pasaron de los griegos a los romanos. Los primeros no concedían estos honores sino por la autoridad de un oráculo y los romanos por un decreto del senado.


title: Apoteosis

text: Este honor, atribuido a Rómulo, se renovó por Augusto a favor de Julio César, el que esparció la voz de que Venus había llevado su alma a la morada de los dioses en el momento en que fue asesinado. Habiendo aparecido durante los siete días en que se celebraban los juegos fúnebres en honor de Julio César un nuevo cometa, "stella crinita", dio esta circunstancia mayor autoridad a su apoteosis y se creyó que aquel astro fuese la residencia de su alma o esta misma. Se edificaron templos al nuevo Dios, se le ofrecieron sacrificios y su estatua fue siempre representada con una estrella sobre la cabeza. Observaron después que en todo el año inmediato a su muerte el Sol estuvo algo pálido y no se dejó de atribuir a la cólera de Apolo, un fenómeno que tal vez fue efecto de alguna mancha solar.


title: Apoteosis

text: Después de César todos los demás emperadores fueron colocados en la clase de los dioses por la desmedida adulación de los romanos. Herodiano, testigo ocular, describe lo ceremonia de la apoteosis de los emperadores romanos del modo siguiente:


title: Apoteosis

text: Esta veneración era tanta, que un hombre hubiese antes faltado al juramento prestado al mismo Júpiter, que al hecho por el genio del emperador. Juraban igualmente por las emperatrices deificadas, siendo Calígula el primero que permitió a las mujeres el jurar por Drusila.


title: Apoteosis

text: En las medallas destinadas a conservar la memoria de un apoteosis por un lado se grababa la cabeza del príncipe coronada de laurel y cubierta con un velo, con el título de "divus" en la inscripción. En el reverso había un templo y otras veces un altar con el fuego ardiendo o bien un águila en actitud de remontarse. A veces el águila se halla sobre un globo o sobre una columna sepulcral.


title: Apoteosis

text: Según Artemidoro, era costumbre antigua el representar las imágenes de los emperadores a quienes se habían hecho los honores del apoteosis, sobre un águila que les conducía por los aires. Esta idea era tomada de la costumbre que había de soltar un águila en el momento mismo en que se prendía fuego a la pira en la que se iba a quemar el cuerpo del emperador.


title: Apoteosis

text: La apoteosis de las princesas está denotado con la silla curul atravesada de una asta o pica, símbolo de Juno y con el ave que le estaba consagrada. Los antiguos gentiles creían que el águila y el pavo conducían las almas al cielo.


title: Apoteosis

text: En Corea del Norte, los fallecidos Kim Il-sung y Kim Jong-il son objeto de un culto a la personalidad semejante en todo al culto a los monarcas divinizados de la antigüedad, que incluye templos, ceremonias pseudorreligiosas, un calendario específico, y otros elementos similares.


title: Apoteosis

text: En el teatro, la apoteosis corresponde a la culminación de alguna escena de manera espectacular.


title: Apoteosis

text: En El Símbolo Perdido de Dan Brown, se habla acerca de la apoteosis del ser humano, y pone de ejemplo la que pretendían hacer los Padres de la Patria de los Estados Unidos con sus ideas masónicas. También se presenta el fresco La Apoteosis de Washington, pintado por Constantino Brumidi sobre el techo de la Rotonda del Capitolio en la ciudad de Washington.


title: Apoteosis

text: En Colombia en la ciudad de Popayán, se Encuentra La Apoteosis de Popayán pintada por Efraim Martínez donde se representa todo cuanto Popayán considera sus más preciadas glorias del pasado.


title: Apoteosis

text: En ciencia ficción de televisión, se han hecho diversas referencias al concepto de apoteosis, algunas más explícitas que otras.


title: Apoteosis

text: En la serie de anime japonés "Neon Genesis Evangelion", como parte esencial de la trama final, se plantea la creación de un dios a partir de la tecnología, los restos de otros seres y la conciencia humana del protagonista, quien tendrá la decisión final de dar vida o muerte a todas las formas de vida del planeta.


title: Apoteosis

text: En la serie de ciencia ficción "Caprica", uno de los temas más importantes de la trama es el apoteosis. En este caso, el término es usado explícitamente por algunos de los personajes principales. Además, el último episodio de la primera temporada se llama "Apotheosis".


title: Apoteosis

text: En el videojuego "God of War (2005)", el personaje principal, que es un exgeneral espartano, se enfrenta durante el transcurso del videojuego a los ejércitos de Ares, el Dios de la Guerra griego, tras realizar un pacto con este, y al final de la trama el personaje principal pasa de un simple mortal a convertirse el nuevo Dios de la Guerra tras derrotar a Ares.


title: Gato Pérez

text: Xavier Patricio Pérez Álvarez (Buenos Aires, 11 de abril de 1951-Caldes de Montbui, Barcelona, 18 de octubre de 1990), conocido artísticamente como Gato Pérez, fue un músico de origen argentino establecido en Cataluña, que destacó especialmente en el género musical de la rumba catalana.


title: Gato Pérez

text: Llegó a Barcelona en 1966 con su madre para unirse al padre que había hecho el viaje antes. Acabado el bachillerato se estableció un tiempo en Londres, con el objetivo de entrar a trabajar en alguna discográfica pero no tuvo suerte y volvió a Barcelona.


title: Gato Pérez

text: Desde principio de los años 1970 su inquietud musical le lleva a la formación, con otros músicos, de distintas bandas como Slo-Blo (country rock, primer grupo que actuó en la sala Zeleste, de Barcelona) y Secta Sónica (jazz rock, proveniente, en parte, del anterior)


title: Gato Pérez

text: En 1977 empieza a experimentar con la rumba catalana y posteriormente publica sus dos primeros álbumes ("Carabruta" y "Romesco"), a los que seguirá el más comercial "Atalaya".


title: Gato Pérez

text: En 1981 Gato Pérez padece un infarto, empieza a tener graves problemas de salud y la fatiga producida por sus problemas cardíacos le obliga a dejar el alcohol. Sus siguientes álbumes los compone, según sus propias palabras, 'bajo los efectos del agua mineral'.


title: Gato Pérez

text: Gato Pérez ha sido reconocido como el renovador de la rumba catalana, precisamente en unos momentos en que pasaba por sus horas más bajas, debido a la pujanza de la muy dinámica movida madrileña. Destacan especialmente la calidad de sus letras y la fusión que logra entre la rumba y otras músicas populares contemporáneas, como el rock, la salsa o incluso el bolero.


title: Gato Pérez

text: Sus problemas de salud no lo abandonarán hasta su muerte, víctima de un infarto de miocardio, en 1990. Posteriormente, su figura ha sido objeto de numerosos homenajes por parte de la profesión musical. Ventura Pons, que ya contó con Gato Pérez para la banda sonora de su película "La rubia del bar", ha dirigido un documental acerca de su vida, titulado "El gran Gato".


title: Gato Pérez

text: Marcos Ordóñez escribió su biografía con el título "Gato Pérez, la rumba como ética" (Júcar, 1987).


title: Gato Pérez

text: Guitarras: Jordi Bonell, Rafael Zaragoza ("Zarita") y Víctor Cortina. Bajo: Javier Patricio "Gato" Pérez. Batería: Toni Arasil y Jordi Vilella.


title: Polisulfuro

text: Los polisulfuros son sales que contienen aniones lineales del tipo S. Se forman por ataque del anión sulfuro sobre el azufre elemental (S) o por oxidación de sulfuros uniéndose de esta manera dos átomos de azufre.


title: Polisulfuro

text: Históricamente los polisulfuros de amonio (NH)S jugaron un papel de cierta importancia en la marcha de los cationes permitiendo la precipitación selectiva de un grupo de metales.


title: Polisulfuro

text: También se ha utilizado la reacción de polisulfulros con cloruros de azufre (por ejemplo, el diclorodisulfano Cl–S–S–Cl) en la obtención de ciclos grandes de azufre (ciclo-S; m > 8).


title: Polisulfuro

text: El color azul del lapizlázuli se atribuye a radicales de polisulfanos.


title: Josep Amat Pagès

text: Josep Amat Pagès (Barcelona, 13 de abril de 1901– 17 de enero de 1991), conocido de joven con el sobrenombre de «Pin». Fue un pintor referente de la pintura catalana del siglo XX, dedicado principalmente al género de los paisajes. Encuadrado en el impresionismo o postimpresionismo, pero una vez fallecido, con la perspectiva de toda su trayectoria, está considerado más independiente y más cercano al fauvismo.


title: Josep Amat Pagès

text: Tras su muerte, Amat ha continuado recibiendo reconocimientos, como ha sido la dedicación por parte del Ayuntamiento de Barcelona en 1997 de una plaza, justo al lado donde había sido su domicilio de la calle Julio Verne, o bien los diversos actos organizados tanto en Barcelona, como San Feliu de Guíxols y Gerona en 2001, con motivo del centenario de su nacimiento.


title: Josep Amat Pagès

text: Nació en Barcelona en la calle Muntaner siendo el tercero de cuatro hermanos. Cursó los estudios primarios en los Escolapios de la calle Diputación y en 1917 comienza estudios de dibujo en el Ateneo Obrero, del que es director Nicanor Vázquez Ubach, en 1920 ingresó en la Escuela de la Llotja.


title: Josep Amat Pagès

text: En 1924 conoció al pintor Joaquim Mir y a partir de entonces pasó algunas temporadas en la casa de Mir en Villanueva y la Geltrú. En 1933 visita por primera vez San Feliu de Guíxols, donde conoció a Isabel Girbau, con quien contrajo matrimonio el 17 de junio de 1936, siendo Joaquim Mir el padrino de bodas. El matrimonio se instaló en una casa del barrio de San Gervasio de Barcelona. En 1938 nació su hija Isabel, en 1940 su segundo hijo, José, y en 1941 su tercer hijo, Juan.


title: Josep Amat Pagès

text: Después de la Guerra Civil, en 1940 comienza a exponer regularment a la Sala Parés de Barcelona donde expondrá regularmente su obra cada dos años hasta el 1988, en que realiza su última exposición. También ha realizado exposiciones en Madrid, Bilbao, París y Bruselas.


title: Josep Amat Pagès

text: En 1962, se trasladó a vivir en 1962 a una casa del Putxet, ya que la casa de San Gervasio tuvo que ser derribada por la apertura de la Ronda del General Mitre. Su esposa Isabel sufrió una caída en Sant Feliu y quedó imposibilitada. En 1970 se jubiló de profesor de la Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge y en 1976 se trasladaron a otro piso del paseo de San Feliu de Guíxols.


title: Josep Amat Pagès

text: En 1978 superó un ataque al corazón, aunque pudo seguir pintando, pero en 1985 una embolia que le afectó el brazo y la pierna izquierda, le redujo la movilidad y le dificultó el poder pintar.


title: Josep Amat Pagès

text: En 1981 Ingressa a la Real Acadèmia Catalana de Belles Arts de Sant Jordi. El discurso de ingreso era sobre el tema «Història del paisatge»; Es presentado por Joan Anton Maragall.


title: Josep Amat Pagès

text: En 1985 sufre una embólia que le afecta casi totalmente el brazo y la pierna izquierdos y ya no se recuperarà. Uns mesos más tarde retorna a su actividad pictórica a pesar de las dificultades de su estado, pintando hasta pocos meses antes de su muerte.


title: Josep Amat Pagès

text: En 1990 falleció su esposa y él murió en Barcelona el año 1991, siendo enterrado en San Feliu de Guíxols.1930 - Es premiado en el concurso «Muntanya de Montserrat».


title: Josep Amat Pagès

text: 1931 - Es premiado en la exposición: «Barcelona vista pels seus artistes».


title: Josep Amat Pagès

text: 1933, 1934, 1935 i 1936 - Es premiado en el: «Saló de Primavera de Barcelona».


title: Josep Amat Pagès

text: 1933 - Es premiado  en la Exposición de desnudos organitzada por el Cercle Artístic de Sant Lluc (Barcelona).


title: Josep Amat Pagès

text: 1934 - Obtiene una medalla de la "Exposició Nacional de Barcelona”


title: Josep Amat Pagès

text: 1940 - Obtiene la 3ª medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid.


title: Josep Amat Pagès

text: 1941 - Obtiene la 3ª medalla a l'Exposición Nacional de Belles Artes de Barcelona.


title: Josep Amat Pagès

text: 1942 - Obtiene un diploma a la l'Exposición Nacional de Bellas Artes de Barcelona.


title: Josep Amat Pagès

text: 1944 - Obtiene el premio « Diputació de Barcelona» en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Barcelona.


title: Josep Amat Pagès

text: 1951 - Obtiene el primer premio de dibujo en la Primera Bienal Hispanoamericana de Arte de Madrid.


title: Josep Amat Pagès

text: 1953 - Premio «José Ramón Ciervo» en la Segunda Bienal Hispanoamericana de Arte de L'Havana (Cuba).


title: Josep Amat Pagès

text: 1955 - Obtiene el Gran Premio «Sant Jordi» de la Diputación de Barcelona.


title: Josep Amat Pagès

text: 1963 - Premio «Ynglada Guillot» de dibujo.


title: Josep Amat Pagès

text: 1981 - Le conceden la Medalla de Oro del Fondo Internacional de Pintura de Barcelona.


title: Josep Amat Pagès

text: 1987 – La Generalidad de Cataluña le concede la cruz de Sant Jordi


title: Medea (Cherubini)

text: Medea (título original en francés, "Medée"; en italiano, "Medea") es una ópera en tres actos con música de Luigi Cherubini y libreto en francés de François-Benoît Hoffmann (Nicolas Étienne Framéry), que se basa en la tragedia con el mismo nombre de Eurípides y "Médée" de Pierre Corneille. Esa tragedia inspiró otras óperas del mismo título de Saverio Mercadante, Giovani Pacini, Mayr ("Medea en Corinto"), Marc-Antoine Charpentier, Tomasini, etc. Luego se repuso en italiano en La Scala de Milán en 1909 bajo el título de Medea.


title: Medea (Cherubini)

text: La ópera se estrenó el 13 de marzo de 1797 en el Théâtre Feydeau, París. Encontró una tibia recepción y no se repuso inmediatamente. Durante el siglo XIX y la mayor parte del XX, se representó normalmente en la traducción italiana como "Medea", con el diálogo hablado reemplazado por recitativos no autorizados por el compositor. Más recientemente, las compañías de ópera han vuelto a la versión original de Cherubini.


title: Medea (Cherubini)

text: Raro ejemplo de la tragedia alternando números cantados y diálogos en alejandrinos, el estilo musical realiza una fusión inédita entre la tragedia clásica de la escuela francesa y el modelo que representa la escuela italiana.


title: Medea (Cherubini)

text: Charpentier, Salomon, Benda y Naumann compusieron una Médée antes de Cherubini.


title: Medea (Cherubini)

text: «"Medée", que nosotros los otros músicos reconocemos como la cumbre del arte lírico» escribió Johannes Brahms. Entre los admiradores de esta ópera, se pueden citar a Beethoven que la escuchó en Viena en 1802, Schubert, Weber, Spohr y Wagner. François-Benoît Hoffman escribió el libreto, antes de que Cherubini compusiera la música. Esta obra está inspirada por la tragedia epónima de Pierre Corneille, de Séneca y de Eurípides.


title: Medea (Cherubini)

text: La ópera se estrenó en París el 13 de marzo de 1797. Conforme era habitual en el Théâtre Feydeau, se representó con los diálogos hablados. El estreno de "Medea" fue recibido con frialdad y la obra no fue repuesta. La versión en traducción al italiano se estrenó en 1802 en Viena el 6 de noviembre. En 1809, la versión abreviada de la traducción italiana se ofreció en Viena, donde Cherubini produjo una versión que omitió alrededor de 500 compases de música.


title: Medea (Cherubini)

text: Sin embargo, ganó popularidad en Alemania, en una nueva versión traducida al alemán el 1 de marzo de 1855. La versión en alemán de Franz Lachner se estrenó en Fráncfort del Meno. Se basaba en la versión acortada de Viena, pero con recitativos compuestos por Lachner que reemplazaron el diálogo hablado. Desde entonces, "Medea" es presenta invariablemente en alemán o en una traducción al italiano.


title: Medea (Cherubini)

text: El estreno en el Reino Unido tuvo lugar en 1865, en italiano, en Her Majesty's Theatre el 6 de junio, con recitativos de Luigi Arditi.


title: Medea (Cherubini)

text: En 1909 se produjo la traducción al italiano de la versión de Lachner, por Carlo Zangarini, para su estreno italiano en el Teatro de La Scala, el 30 de diciembre de 1909, y protagonizada por Ester Mazzoleni. Esta es una versión híbrida que fue revisada en 1953 para Maria Callas.


title: Medea (Cherubini)

text: El personaje de Medea es heroico y requiere un ímpetu y control vocal tremendos. Son poco usuales las intérpretes de este papel. Famosas intérpretes de Medea en el siglo XX fueron Maria Callas, Dame Josephine Barstow, Eileen Farrell, Dame Gwyneth Jones, Magda Olivero, Leyla Gencer, Leonie Rysanek, Anja Silja, Maralin Niska, Marisa Galvany, Montserrat Caballé, Sylvia Sass, Shirley Verrett, Dunja Vejzovic, y, en la versión original restaurada, Phyllis Treigle.


title: Medea (Cherubini)

text: Las interpretaciones de la obra por Maria Callas se extienden desde 1953 a 1962. Quizás la reposición más famosa del siglo XX fue la que interpretó la Callas en 1953 en Florencia, dirigida por Vittorio Gui y diseño escénico por Margarita Wallmann. Callas aprendió e interpretó el papel en una sola semana, para gran aplauso del público. La producción fue tan exitosa que el Teatro de La Scala decidió representar esta ópera durante la semana inaugural de su temporada de 1953-1954, con Leonard Bernstein sustituyendo a un indispuesto Victor de Sabata. En aquella época, el poeta y crítico italiano Eugenio Montale, escribió en el "Corriere d'Informazione":


title: Medea (Cherubini)

text: En 1961 la escenificó en el Teatro de Epidauro. La preparación del personaje llevó a Callas a perder una cantidad dramática de peso; ella quería una barbilla angular, "muy delgada, muy pronunciada", como luego diría ella misma en una entrevista. En 1961, dijo sobre este papel: "Esta ópera no es bel canto sino recitativo y teatro — actuaciones directas, hablar junto a la música. La fuerza de la ópera de Cherubini no está en las arias sino en los recitativos." Callas representó el papel a lo largo de los años cincuenta y principios de los sesenta, cantándola más de treinta veces en nueve ciudades. Posiblemente la producción más famosa fue la de la Ópera de Dallas en 1958, dirigida por Nicola Rescigno (con Jon Vickers como Jasón) y dirigida por el director griego Alexis Minotis. Esta producción viajó hasta la Royal Opera House, Covent Garden, en Londres en 1959, y a La Scala (donde se filmaron unos pocos minutos) en 1961-62. En estas representaciones fue la última aparición de Callas en Italia. Se hicieron grabaciones en Milán (1953 y 1961), Dallas (1958) y Londres (1959).


title: Medea (Cherubini)

text: Maria Callas posteriormente filmó una película sobre el tema dirigida por Pier Paolo Pasolini, pero sin la música de Cherubini.


title: Medea (Cherubini)

text: Entre 1984 y 1996 se produjeron reposiciones de la versión original en francés en el Festival de Buxton el 28 de julio de 1984; en The Royal Opera House, Covent Garden el 6 de noviembre de 1989; y en el Festival della Valle d'Itria el 4 de agosto de 1995.


title: Medea (Cherubini)

text: En 1996 se repuso la versión abreviada de Viena en una traducción al inglés y cantada en inglés por Opera North en Leeds en abril de 1996.


title: Medea (Cherubini)

text: En marzo de 1997, se presentó una producción del Bicentenario por Opera Quotannis presentada en una versión no abreviada (texto y música), con una orquesta de instrumentos de época, de la "opéra-comique" original en el Alice Tully Hall, Lincoln Center, conmemorando el bicentenario del estreno. Bart Folse dirigió la estilizada producción de Brian Morgan, que presentó a Phyllis Treigle (en el rol titular), Carl Halvorson (como Jasón), D'Anna Fortunato (como Néris), David Arnold (como Créon), Thaïs St Julien (como Dircé), y Jayne West y Andrea Matthews (como las Doncellas de Dircé). Peter G. Davis, en la revista "New York", escribió que "Opera Quotannis presenta "Médée" de Cherubini en toda su gloria original... La ocasión demostró que la verdadera "Médée" es de hecho una obra maestra. Su débil hermana, la doctorada "Medea" que hemos estado oyendo todos estos años, debería ahora quedar permanentemente de lado." Newport Classic posteriormente grabó la producción para Compact Discs.


title: Medea (Cherubini)

text: Actualmente esta ópera se representa poco; en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 202 de las óperas representadas en 2005-2010, siendo la 61.ª en Italia y la primera de Cherubini, con 14 representaciones en el período.


title: Medea (Cherubini)

text: "Afueras del palacio del rey Creonte"


title: Medea (Cherubini)

text: Glauce se prepara para su boda con Jasón. Sin embargo, con la ayuda de Medea, él ha robado el vellocino de oro y, al hacerlo, Medea ha traicionado a su familia y establecido una relación con él, y el resultado es que ha tenido dos hijos. Aunque Jasón ha abandonado entonces a Medea, ella reaparece y exige que vuelva a ella. Jasón la rechaza y Medea lo maldice, jurando vengarse.


title: Medea (Cherubini)

text: "Dentro del palacio"


title: Medea (Cherubini)

text: Neris, la esclava de Medea, anima a su desesperada ama a que abandone la ciudad. En ese momento aparece Creonte y ordena a Medea que se marche. Ella le pide otro día más con sus hijos y, después de que el rey accede a su petición, Medea aparenta estar más calmada y le da a Neris dos regalos de boda para su rival.


title: Medea (Cherubini)

text: "Entre el palacio y el templo"


title: Medea (Cherubini)

text: Neris le lleva a Medea a sus dos hijos. Se oyen lamentos de dentro del palacio y se descubre que uno de los regalos de boda de Medea ha envenenado a Glauce. Se reúne una multitud enfurecida y Neris, Medea y los niños se refugian en el templo. Las dos mujeres reaparecen, Medea empuñando un cuchillo manchado de sangre con el que acaba de matar a sus dos hijos. Medea regresa al templo y este se incendia.


title: Medea (Cherubini)

text: Versión original en francés: Versión de Lachner, en traducción al italiano:


title: Chester Bennington

text: Chester Charles Bennington (Phoenix, Arizona, 20 de marzo de 1976-Palos Verdes, California, 20 de julio de 2017) fue un músico, cantante, compositor y actor estadounidense, conocido por haber sido el vocalista principal y compositor de la banda de rock alternativo Linkin Park, además de otros grupos como Dead By Sunrise, Grey Daze y Stone Temple Pilots.


title: Chester Bennington

text: Bennington ganó prominencia como vocalista luego del lanzamiento del álbum debut de Linkin Park, "Hybrid Theory", en 2000, que se convirtió en un éxito comercial, siendo el álbum debut más vendido de la década, así como uno de los pocos álbumes que alcanzaron tantas ventas. Además de "Hybrid Theory" (2000), Bennington grabó con Linkin Park un total de 7 álbumes de estudio; "Meteora" (2003), "Minutes to Midnight" (2007), "A Thousand Suns" (2010), "Living Things" (2012), "The Hunting Party" (2014) y "One More Light" (2017).


title: Chester Bennington

text: Chester Bennington formó su propia banda, Dead By Sunrise, como un proyecto paralelo en 2005. También fue el cantante principal de Stone Temple Pilots en 2013 hasta 2015. La revista "Hit Parader" lo colocó en el puesto 46 en la lista de .


title: Chester Bennington

text: Falleció quitándose la vida mediante un suicidio por ahorcamiento el día 20 de julio de 2017, en su residencia de Palos Verdes, California, a los 41 años de edad.


title: Chester Bennington

text: Chester Charles Bennington nació el 20 de marzo de 1976 en Phoenix, Arizona. Su madre era enfermera, mientras que su padre era un detective de la policía que trabajó en casos de abuso sexual infantil.


title: Chester Bennington

text: Bennington se interesó por la música a una edad temprana, citando a las bandas Depeche Mode y Stone Temple Pilots como sus primeras inspiraciones, y soñaba con convertirse en miembro de Stone Temple Pilots, lo que logró después, cuando se convirtió en su cantante principal.


title: Chester Bennington

text: Bennington sufrió de abuso sexual por parte de un conocido mayor cuando tenía siete años. Tenía miedo de pedir ayuda porque no quería que la gente pensara que era homosexual o mentía, y el abuso continuó hasta la edad de 13 años.


title: Chester Bennington

text: Sus padres se divorciaron cuando tenía 11 años. El abuso y la situación en el hogar lo afectaron tanto que sintió el impulso de matar personas y huir. Para consolarse, dibujó y escribió poesía y canciones.


title: Chester Bennington

text: Después del divorcio, su padre obtuvo su custodia. Bennington comenzó a abusar del consumo de marihuana, alcohol, opio, cocaína, metanfetaminas y LSD. Fue intimidado físicamente en la escuela secundaria, en una entrevista, dijo que fue ""golpeado como una muñeca de trapo, por ser delgado y parecer diferente"".


title: Chester Bennington

text: A la edad de 17 años, Bennington se mudó con su madre, quien le prohibió salir de la casa al descubrir que era adicto a las drogas. Trabajó en un Burger King antes de comenzar su carrera como músico profesional.


title: Chester Bennington

text: Eventualmente, Bennington pudo superar su adicción a las drogas y luego denunció el uso de drogas en futuras entrevistas. Durante una gira de Linkin Park, comenzó a beber mucho. En 2011, dijo que había renunciado, y señaló: ""Simplemente ya no quiero ser esa persona"".


title: Chester Bennington

text: Bennington empezó su carrera de cantante con una banda llamada Sean Dowdell and His Friends?, lanzando un casete epónimo de tres pistas en 1993. Más tarde, Dowdell y Bennington se mudaron para formar "Gray Daze", una banda post-grunge de Phoenix, Arizona. La banda grabó tres álbumes: "Demo" en 1993, "Wake/Me" en 1994, y "...No Sun Today" en 1997. Bennington dejó Gray Daze en 1998, pero tuvo problemas para encontrar otra banda.


title: Chester Bennington

text: Bennington estaba frustrado y casi listo para dejar su carrera musical cuando Jeff Blue, vicepresidente de artistas y repertorio de Zomba Music en Los Ángeles, le ofreció una audición con los futuros miembros de Linkin Park. Bennington renunció a su trabajo y llevó a su familia a California, donde tuvo una exitosa audición con Linkin Park, que en ese tiempo se llamaba Xero. Logró grabar la canción para su audición en un día, perdiéndose su propia celebración de cumpleaños en el proceso. Bennington y Mike Shinoda, el otro vocalista de la banda, lograron avances significativos juntos, pero no pudieron encontrar un contrato discográfico. Después de enfrentar numerosos rechazos, Blue, ahora vicepresidente de artistas y repertorio en Warner Bros., intervino nuevamente para ayudar a la banda a firmar con Warner Bros. Records.


title: Chester Bennington

text: El 24 de octubre de 2000, Linkin Park lanzó su álbum debut, "Hybrid Theory", a través de Warner Bros. Records. Bennington y Shinoda escribieron las letras de "Hybrid Theory" basadas en algunos materiales pasados. Shinoda señaló las letras como interpretaciones de sentimientos, emociones y experiencias universales, y como "emociones cotidianas de las que hablas y piensas". Bennington luego describió la experiencia de escribir canciones a la revista "Rolling Stone" a principios de 2002, diciendo que "es fácil caer en esa cosa: 'pobre, pobre de mí', de ahí vienen canciones como 'Crawling': no me puedo llevar a mí mismo. Pero esa canción se trata de asumir la responsabilidad de nuestras acciones. No digo "usted" en ningún momento. Se trata de cómo yo soy y la razón por la que me siento así. Hay algo dentro de mí que me deprime".


title: Chester Bennington

text: Bennington se desempeñó como vocalista principal de Linkin Park, pero ocasionalmente compartió el papel con Shinoda. "All Music Guide" describió la voz de Bennington como "aguda" y "emocional", en contraste con el estilo de "hip-hop" de Shinoda. Ambos miembros también trabajaron juntos para escribir las demás letras de las canciones de la banda.


title: Chester Bennington

text: Bennington fue cofundador de Dead By Sunrise, una banda de rock electrónico de Los Ángeles, California, con Amir Derakh y Ryan Shuck, miembros de Orgy y Julien-K en 2005. Dead by Sunrise hizo su debut en vivo en mayo de 2008, interpretando cuatro canciones en la fiesta del 13 ° aniversario de Club Tattoo en Tempe, Arizona.


title: Chester Bennington

text: La banda lanzó su álbum debut "Out of Ashes" el 13 de octubre de 2009.


title: Chester Bennington

text: En febrero de 2013, Stone Temple Pilots se separó del cantante principal Scott Weiland. La banda reclutó a Bennington para reemplazar a Weiland en mayo de 2013. El 18 de mayo de 2013, Bennington subió al escenario en Weenie Roast de KROQ con la banda. El setlist incluía canciones originales de Stone Temple Pilots, así como su primer sencillo con Bennington en la voz llamada "Out of Time", que se estrenó el 19 de mayo y estaba disponible para su descarga gratuita a través de su sitio web oficial. Más tarde, Chester y la banda anunciaron en una entrevista exclusiva con KROQ que él era oficialmente el nuevo líder de Stone Temple Pilots y discutieron la posibilidad de un nuevo álbum y una gira. La canción "Out of Time" aparece en su EP High Rise, que se lanzó el 8 de octubre de 2013.


title: Chester Bennington

text: Bennington reflexionó al unirse a Stone Temple Pilots y dijo: "Cada banda tiene su propio estilo. Stone Temple Pilots tiene un estilo de "rock" más clásico y más sexy. Linkin Park es una banda muy moderna y muy tecnológica. Crecí escuchando a estos chicos. Cuando surgió esta oportunidad, fue como no tener que pensar". Bennington declaró en entrevistas que ser el vocalista en Stone Temple Pilots era su sueño de toda la vida. Dejó la banda en buenos términos debido a sus compromisos con Linkin Park en 2015.


title: Chester Bennington

text: Bennington tuvo un hijo, Jaime (nacido el 12 de mayo de 1996), de su relación con Elka Brand. En 2006, adoptó al otro hijo de Elka Brand, Isaiah (nacido el 8 de noviembre de 1997). Se casó con su primera esposa, Samantha Marie Olit, el 31 de octubre de 1996. Tuvieron un hijo juntos, Draven Sebastian (nacido el 19 de abril de 2002).  La relación de Bennington con su primera esposa fue decayendo durante sus primeros años con Linkin Park, y se divorciaron en 2005. En 2006, se casó con Talinda Ann Bentley, una exmodelo de "Playboy" con quien tuvo tres hijos: Tyler Lee Bennington (nacido el 16 de marzo de 2006) y gemelos, Lilly y Lila (nacidos el 6 de noviembre de 2011).


title: Chester Bennington

text: Bennington y su esposa fueron acosados por un acosador cibernético llamado Devon Townsend (que no debe confundirse con el músico canadiense Devin Townsend) durante casi un año. Townsend fue declarado culpable de alterar el correo electrónico de la pareja, así como de enviar mensajes amenazantes, y luego fue sentenciado a dos años de prisión.


title: Chester Bennington

text: Bennington era un entusiasta del tatuaje. Había hecho trabajos y promociones con Club Tattoo, un salón de tatuajes en Tempe, Arizona. Club Tattoo es propiedad de Sean Dowdell, amigo de Bennington desde la escuela secundaria con quien tocó en dos bandas. Bennington era fan de los Phoenix Suns, Arizona Cardinals, Arizona Diamondbacks y Arizona Coyotes.


title: Chester Bennington

text: Padeció de mala salud durante la realización de "Meteora", y luchó por asistir a algunas de las sesiones de grabación del álbum. En el verano de 2003, comenzó a sufrir dolor abdominal extremo y problemas gastrointestinales mientras filmaba el video musical de "Numb" en Praga. Se vio obligado a regresar a los Estados Unidos para someterse a una cirugía, y filmó el resto del video musical en Los Ángeles.


title: Chester Bennington

text: Sufrió una lesión en la muñeca en octubre de 2007 al intentar saltar de una plataforma durante un espectáculo en Melbourne en el Rod Laver Arena. A pesar de la lesión, continuó realizando todo el espectáculo con una muñeca rota, antes de dirigirse a la sala de emergencias. Recibió cinco puntos de sutura.


title: Chester Bennington

text: En 2011 volvió a enfermarse, y Linkin Park se vio obligado a cancelar tres shows y reprogramar dos del A Thousand Suns World Tour. Se lastimó el hombro durante la gira de la banda en Asia y los médicos le aconsejaron que se sometiera a una cirugía inmediata, cancelando su show final en Pensacola Beach, Florida, y terminando su gira.


title: Chester Bennington

text: Se lesionó el tobillo en enero de 2015 durante un partido de baloncesto. Intentó hacer frente a la lesión y actuar con la ayuda de muletas y un scooter de rodilla. Linkin Park canceló el resto de su gira para permitir que Bennington se someta a cirugía y se recupere.


title: Chester Bennington

text: Bennington era amigo cercano de Chris Cornell. Se hicieron amigos durante una gira que compartieron a mediados de la década de 2000. La "química" entre los dos se había fortalecido durante el Projekt Revolution Tour cuando Bennington se unió a Cornell en el escenario para cantar la canción de Temple of the Dog "Hunger Strike", y luego Cornell se unió a Linkin Park para cantar "Crawling". También fue el padrino del hijo de Cornell, Christopher.


title: Chester Bennington

text: Bennington había comentado sobre la muerte de Cornell en Instagram: "No puedo imaginar un mundo sin ti". Shinoda notó que Bennington estaba muy emocionado cuando la banda interpretó "One More Light" en su honor en " Jimmy Kimmel Live!", y no pudo terminar de cantar la canción porque comenzó a ahogarse durante el ensayo. La banda debía grabar una presentación en vivo de su sencillo "Heavy" en el programa, pero decidió tocar "One More Light" después de escuchar la noticia sobre la muerte de Cornell, porque el La canción trata sobre la pérdida de un amigo. El 26 de mayo de 2017, Bennington cantó la canción de Leonard Cohen "Hallelujah" en el funeral de Cornell en Los Ángeles.


title: Chester Bennington

text: Chester Bennington falleció al suicidarse ahorcándose, en su casa de Palos Verdes, California. Su cuerpo fue descubierto alrededor de las 9 de la mañana hora local, el 20 de julio de 2017.


title: Chester Bennington

text: Bennington se suicidó el mismo día que Chris Cornell habría cumplido 53 años. Una estrecha amistad unía a ambos artistas, siendo Bennington el padrino de los dos hijos de Cornell y cantando en su funeral el "Hallelujah" de Leonard Cohen. Las muertes de ambos, con solo unos meses de diferencia, guardan ciertas coincidencias, pues ambos sufrían una fuerte depresión y se quitaron la vida en similares circunstancias. Bennington se colgó con un cinturón suspendiéndose de una puerta cercana a su habitación y, al igual que el líder de Soundgarden, estaba en plena gira con su banda cuando se suicidó. El funeral de Bennington tuvo lugar el 29 de julio en el South Coast Botanic Garden donde además de amigos cercanos y familiares, asistieron varios músicos que tocaron conjuntamente con "Linkin Park". Su cuerpo fue cremado, y sus cenizas presuntamente fueron resguardadas por su familia, aunque se desconoce el lugar exacto donde estas se encuentran.


title: Chester Bennington

text: En días posteriores a su fallecimiento, varios artistas del mundo musical y de otros medios se expresaron en varias formas sobre la noticia y la pérdida de Chester a través de sus redes sociales, tales como en Instagram, Twitter y en Facebook: Rihanna, Pusha T, Avril Lavigne, Hayley Williams (Paramore), Gerard Way (My Chemical Romance), Oliver Sykes (Bring Me The Horizon), Run the Jewels, Billie Joe Armstrong (Green Day) Ryan Adams, Babymetal, Dwayne Johnson, Fred Durst (Limp Bizkit) entre otros. Así mismo, otros artistas le han dedicado canciones en homenaje durante sus presentaciones; músicos con los que han colaborado previamente en proyectos musicales o en giras, como también los que son fanes de la banda californiana: Avenged Sevenfold, U2, Muse, Jared Leto, Corey Taylor con Stone Sour, Korn, Tongo, Papa Roach, Green Day, Coldplay, Robbie Williams, Ben Dobson de Yellowcard y Aaron Lewis con Sully Erna y en solitario.


title: Chester Bennington

text: Durante dichos eventos, productores de la música electrónica le han realizado varios homenajes en festivales internacionales; Blasterjaxx, Paul van Dyk, Nicky Romero, Don Diablo (DJ), Jetfire, Alesso, Krewella, Steve Aoki y Showtek. E incluso, Markus Schulz, realizó un remix de la canción "In The End", y la dio a conocer durante su dj set en Tomorrowland 2017, misma que Armin Van Buuren usó durante sus giras.


title: Chester Bennington

text: El 27 de octubre de 2017, Linkin Park realizó un concierto en honor a Chester Bennington, conocido como Linkin Park and Friends – Celebrate Life in Honor of Chester Bennington en California, E.E.U.U., el cual fue transmitido a través de la plataforma de YouTube. Tuvo de invitados a cantantes de otras bandas, tales como Jonathan Davis (Korn), Takahiro Moriuchi (ONE OK ROCK), Zedd, Oliver Sykes (Bring Me the Horizon), Alanis Morissette, entre otro.


title: Chester Bennington

text: Bennington poseía un rango vocal de tenor de tres octavas, comenzando en el bajo grave G (G2) y llegando a su pico en el tenor G (G5). Su voz mostró una tremenda durabilidad durante toda su carrera. Altheapi de Rolling Stone escribió: "La voz de Bennington encarnaba la angustia y las amplias emociones de las letras, desde capturar los momentos vulnerables de la vida hasta la furia y la catarsis encontradas en sus gritos con cinturones, que a menudo se movía en un momento. "


title: Chester Bennington

text: Hablando de sus bandas e influencias favoritas, Bennington mencionó a Stone Temple Pilots, Alice in Chains, Arcade Fire, Circle Jerks, Descendents, Deftones, Jane's Addiction, Metallica, Ministry, Minor Threat, Misfits, The Naked and Famous, Nine Inch Nails, Nirvana , Pearl Jam, Refused, Skinny Puppy, Soundgarden y A Tribe Called Quest. Bennington también se consideraba a sí mismo como "un gran admirador de Madonna", atribuyéndole el hecho de que creció queriendo ser músico.


title: Chester Bennington

text: Varias publicaciones han comentado sobre el legado musical que Bennington dejó con las bandas y los proyectos en los que trabajó. Mientras describía el éxito de Bennington y Linkin Park, Andrew Leahey de Allmusic dijo: "Aunque arraigado en el metal alternativo, Linkin Park se convirtió en uno de los actos más exitosos de la década de 2000 al dar la bienvenida a elementos de hip-hop, rock moderno y electrónica atmosférica en su música ... centrándose tanto en la interacción vocal entre el cantante Chester Bennington y el rapero Mike Shinoda ". Al escribir para Billboard, Dan Weiss declaró que Bennington "se volvió universalmente nu-metal", ya que era "claramente un conducto importante para su audiencia de gran alcance".


title: Chester Bennington

text: Jon Caramanica, del New York Times, comentó que la capacidad de Bennington de "combinar la aspereza aserrada con la melodía elegante" lo separó de otros cantantes contemporáneos, y también de los artistas en los que fue influenciado. Caramanica señaló: "Era un simpatizante del emo en un momento en que el heavy metal todavía estaba marcando la agenda del hard rock convencional, y un entusiasta del hip-hop que encontró formas de hacer música informada de hip-hop que se beneficiara de su falta de hip-hop conjunto de habilidades ".


title: Chester Bennington

text: A medida que Bennington adquirió influencias de los actos punk industriales y hardcore, el periodista creía que este era el factor que hizo que Linkin Park sobreviviera al "ascenso y caída precipitada de la era del rap-rock", llamando al músico "un polímamo de la música rock". Mikael Wood, del Los Angeles Times, argumentó: "Quizás más que el sonido influyente de Linkin Park, el verdadero legado artístico de Bennington será el mensaje que transmitió: la tranquilidad que ofreció desde la oscuridad".


title: Chester Bennington

text: Steve Holden de la BBC llamó a Bennington la "voz de una generación", diciendo que su voz era posiblemente el mayor activo de Linkin Park. Jonathan McAloon de The Daily Telegraph comentó: "La muerte de Bennington tendrá un impacto en muchos millennials porque su voz era el sonido de su milenio". Mientras hablaba de la popularidad de Linkin Park, Corey Apar, de AllMusic, comentó: "La voz a menudo torturada de Bennington se convirtió en una de las más distintivas en la escena del rock alternativo". Al escribir para The Guardian, Ben Beaumont-Thomas señaló que "la decisión de Bennington de cantar clara y abiertamente fue, por lo tanto, más radical de lo que se le atribuye, y de hecho más valiosa socialmente". El periodista continuó discutiendo el impacto de Bennington, comentando:Sus cuentos de lucha emocional, bien articulados, le dieron a millones la sensación de que alguien los entendía, y el enorme sonido de su banda a su alrededor magnificó ese sentido, trasladando a los oyentes del espacio psíquico de sus habitaciones a una arena de miles de personas que compartieron su dolor.¡James Hingle hizo eco de este sentimiento, escribiendo para Kerrang! dijo que Bennington "era uno de los vocalistas más honestos en lo que respecta a su salud mental". En el mismo tema, William Goodman de Billboard dijo que Bennington y sus compañeros músicos Chris Cornell y Scott Weiland "ayudaron a definir una generación del sonido hard rock, que estaban unidos artísticamente y personalmente".


title: Chester Bennington

text: El corresponsal de música de The Straits Times, Eddino Abdul Hadi, declaró que Bennington fue una inspiración para muchos artistas en la escena musical de Singapur. Calum Slingerland, editor del periódico canadiense Exclaim !, expresó: "[H] se ha sentido influencia en el mundo del rock, el metal, el rap y más allá".


title: Chester Bennington

text: Después de la muerte de Bennington, su esposa Talinda Bennington lanzó una campaña llamada 320 Changing Direction en honor a su esposo para ayudar a romper el estigma que rodea la enfermedad mental.Chester ha trabajado como actor en varias películas, aunque casi siempre hacía papeles secundarios como en Crank y que actuó con diferentes nombres.


title: Alicia de Larrocha

text: Alicia de Larrocha de la Calle (Barcelona, 23 de mayo de 1923-ibídem, 25 de septiembre de 2009) fue una pianista española reconocida como la de mayor proyección internacional, y una de las mejores intérpretes de piano del siglo XX, especialmente de composiciones de Mozart y del repertorio español. Fue galardonada, entre otros, el Premio Príncipe de Asturias de 1994 y cuatro Premios Grammy. Además, era Académica de Honor de la Real Academia de Bellas Artes de Nuestra Señora de las Angustias de Granada, donde representaba la letra B.


title: Alicia de Larrocha

text: Pianista precoz, empezó sus estudios musicales a la edad de tres años: Descubierta por Frank Marshall, discípulo de Enrique Granados, la incorporó a la prestigiosa Academia Marshall, de la que era continuador. Allí conoció a Arthur Rubinstein, Alfred Cortot, Conchita Badia y otros grandes pianistas de la época. Cuando Marshall abandonó España en 1936 se vio obligada a proseguir sus estudios por su propia cuenta hasta 1939, cuando reanudó el trabajo con su maestro hasta la muerte de este, continuando sus pasos al frente de su academia desde 1959.


title: Alicia de Larrocha

text: Interpretó su primer concierto con seis años, en la Exposición Universal de Barcelona de 1929, y a los once participó en su primer concierto oficial, con la Orquesta Sinfónica de Madrid. A partir de 1939 ofreció conciertos con diferentes orquestas europeas, pero es en 1954 al protagonizar una gira por los Estados Unidos con la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles, invitada por Alfred Wallenstein, cuando empieza su reconocimiento internacional por su impecable técnica al piano. Desde entonces, hasta 2003 (año de su despedida de los escenarios), dio más de 3500 conciertos por los 5 continentes, aunque fue en Norteamérica donde fue más requerida, haciendo tres giras anuales (de tres meses cada una).


title: Alicia de Larrocha

text: Grabó multitud de obras al piano, pero es especialmente reconocida por sus interpretaciones de autores españoles. En particular, de composiciones de Manuel de Falla, Enrique Granados e Isaac Albéniz —autor este último al que estuvo ligada a lo largo de su vida, con sus versiones de "Iberia"— o de ediciones como la de las sonatas de Antonio Soler, en 1967.


title: Alicia de Larrocha

text: En 1950 contrajo matrimonio con el pianista Juan Torra (fallecido en 1982), con quien tuvo dos hijos: Juan Francisco (1957) y Alicia (1959). Solo tuvo una nieta, Claudia (1992).


title: Alicia de Larrocha

text: En 1959, año del fallecimiento de su maestro Frank Marshall, fue nombrada directora de la Academia Marshall, continuadora de la Academia Granados, donde además de supervisar la labor docente del centro impartía, cuando su dilatada agenda concertística se lo permitía, clases magistrales de piano, especialmente de música española.


title: Alicia de Larrocha

text: Falleció el viernes 25 de septiembre de 2009 en el Hospital Quirón Barcelona a los 86 años como consecuencia de la evolución de un proceso cardiorrespiratorio.


title: Alicia de Larrocha

text: Alicia de Larrocha deja una vasta discografía que consta de más de setenta grabaciones entre 1954 y 2002. Sus álbumes han sido editados, entre otros, por Decca, EMI, RCA, CBS, Philips (Eloquence), Sony, Ariola o RTVE. Y han sido reconocidos con 4 Premios Grammy como mejor solista instrumental de música clásica: en 1974 (por "Iberia", de Albéniz), 1975 ("Concierto" de Ravel, y "Fantasía" de Faure), 1985 ("Iberia", "Navarra" y "Suite Española" de Albéniz) y 1991 ("Goyescas" de Granados).


title: Alicia de Larrocha

text: Su trayectoria discográfica ha sido también galardonada con 3 Premios Edison (1968, 1978 y 1989), 2 Grand Prix du Disque (1960, 1974), 2 Record of the Year (1971 y 1974), el Deutsche Schallplattenpreis (1979) y el Premio Franz Liszt (1980). Ha sido la única intérprete española incluida en la recopilación de los 74 grandes pianistas del siglo XX, editada por el sello Philips con la colaboración de diversas compañías discográficas.


title: Alicia de Larrocha

text: de Larrocha ha sido calificada como «la mejor pianista española del siglo XX», «la mejor pianista española de la historia» o «la mejor pianista del mundo» por prensa escrita, músicos o jurados como el de la Fundación Príncipe de Asturias. Asimismo, pianistas y compositores españoles la consideran como referente, la pianista española «más reconocida» y una intérprete que ha llevado por todo el mundo el repertorio español.


title: Alicia de Larrocha

text: Es Doctora "honoris causa" por las Universidades de Míchigan, Carnegie-Mellon, Middlebury College, y Lérida. Y Académica de Honor de las Reales Academias de Bellas Artes de San Fernando de Madrid (1981), de Bellas Artes de Nuestra Señora de las Angustias de Granada (1984), de Bellas Artes de San Jorge de Barcelona (2000), de la Royal Academy of Music de Londres y de la Academia de Bellas Artes de Baviera.


title: Alicia de Larrocha

text: Ha sido condecorada con la Legión de Honor y la Orden de las Artes y las Letras (como Commandeur des Arts et des Lettres) de Francia, la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes, Medalla de Honor de la Fundación Albéniz, Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña y Medalla de Honor del Festival de Música y Danza de Granada.


title: Alicia de Larrocha

text: Entre otros premios internacionales, ha sido galardonada con los de: Músico del año (Nueva York, 1982), Premio Internacional de Música de la Unesco (París, 1995), además de los recibidos por su trayectoria discográfica.


title: Alicia de Larrocha

text: Entre los premios nacionales, además del Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1994), ha recibido el Premio Yehudi Menuhin a la integración de las Artes (2004), dos Premios Ondas (1992 y 2000), el Galardón de la Sociedad General de Autores de España (1983), el Premio Nacional de Música (1984), y de otras instituciones públicas y privadas.


title: Alicia de Larrocha

text: Los homenajes a su figura se han sucedido también en vida de la pianista, como han hecho el Conservatorio Superior Municipal de Música de Barcelona (1999), la Orquesta «Julià Carbonell de les terres de Lleida» (Concierto Homenaje, Auditorio Enrique Granados, Lérida, 2005), el Concurso Internacional de Piano «Premi Zanuy Ciutat de Berga» (XX edición), 2005, la Escuela Superior de Música de Cataluña (2006) o la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid (2009).


title: Airbus A300-600ST Beluga

text: El Airbus A300-600ST ("Super Transporter") o Beluga es un avión de carga, especializado en cargas voluminosas, diseñado por Airbus a partir del avión de línea A300-600, con grandes modificaciones para poder llevar cargas de gran tamaño. Es la competencia directa con el Boeing Dreamlifter, que es de mayor tamaño. El Beluga XL, basado en el Airbus A330 con similares modificaciones y dimensiones, está siendo desarrollado por Airbus para sustituirlo sobre 2020.


title: Airbus A300-600ST Beluga

text: Debido a su historia y estructura, Airbus tiene diferentes centros de producción repartidos por toda Europa, cada uno de los cuales produce una parte del avión, que tiene que ser trasladada para ser unida a otras partes en la cadena final de montaje. Aunque la carga de trabajo de cada centro varía según el modelo, por lo general se distribuyen de la siguiente forma: las alas se fabrican en Gran Bretaña, el estabilizador horizontal y las puertas en España, el fuselaje en Alemania y la sección central y la parte delantera en Francia, las cuales son unidas en Toulouse, Hamburgo, Filton o Sevilla según el modelo y versión.


title: Airbus A300-600ST Beluga

text: Al principio los componentes se llevaban por tierra o por barco, pero el incremento de la producción hizo necesario transportarlas por aire. Para ello Airbus compró en 1972 cuatro Super Guppy (conversiones del Boeing 377), que habían pertenecido al programa espacial Apolo de la NASA. Pero los Super Guppy no dieron el resultado que se esperaba, debido a su antigüedad tenían un alto coste de mantenimiento, además su capacidad no era suficiente para satisfacer la velocidad de producción de las factorías de Airbus. Para solucionar estos problemas se creó el Beluga.


title: Airbus A300-600ST Beluga

text: Existen otros cargueros que pueden transportar cargas mucho más pesadas (como el Antonov An-124, el Boeing B747 o el Lockheed C-5 Galaxy), pero ninguno puede transportar cargas tan grandes y voluminosas como el Beluga. El compartimento de carga del Beluga mide 7,4 m de diámetro y 37,7 m de largo. En total, lleva hasta 47 tn de carga. En 1992 Aérospatiale y DASA, crearon una compañía para desarrollar el sustituto de los Super Guppies. A partir del bimotor de fuselaje ancho Airbus A300 se desarrolló el Beluga. Se mantuvieron las alas, motores, tren de aterrizaje y la parte inferior del fuselaje. La parte superior del fuselaje se sustituyó por una estructura con forma de herradura de 7,4 m de diámetro. Para permitir el acceso a la cabina de carga, la cabina de control se llevó a un nivel inferior al de carga, y se incorporó una puerta de 17 m de alto en la parte frontal del avión. Además se modificó la estructura de la cola, que fue alargada y ensanchada, añadiéndole dos timones verticales adicionales, para mejorar la maniobrabilidad y estabilidad del avión.


title: Airbus A300-600ST Beluga

text: El montaje del avión empezó en septiembre de 1992, siendo el vuelo inaugural en septiembre de 1994.  El modelo obtuvo la certificación de aeronavegabilidad un año después.  En total se construyeron cinco Belugas.  Su tarea principal es llevar los componentes de los aviones Airbus desde los lugares de producción hasta las cadenas finales de montaje, pero además están disponibles para trabajos especiales de carga, como el traslado de componentes de la Estación Espacial Internacional, obras de arte de gran tamaño, maquinaria industrial, o helicópteros enteros.


title: Airbus A300-600ST Beluga

text: Su nombre se debe a que la particular forma de su chasis asemeja al de una beluga, cetáceo que habita los mares en zonas árticas.


title: Airbus A300-600ST Beluga

text: En noviembre de 2014, Airbus anunció un total de 5 aviones más grandes para reemplazar la actual flota de Belugas, la cual dejará de operar en 2025. Este avión se basa en el Airbus A330-200 y comenzara a operar en 2019. La empresa europea ha considerado previamente el A330-300 y el A340-500 para sustituir al Beluga pero estos luego fueron descartados.


title: Rubus

text: El género Rubus agrupa a especies de plantas de la familia de las rosáceas, subfamilia Rosoideae. Comprende 2208 especies descritas y de estas, solo 331 aceptadas.


title: Rubus

text: Las especies del género "Rubus" se caracterizan por poseer tallos aculeados como los rosales y a menudo se les llama zarzas; aunque este nombre es más frecuentemente utilizado para la zarzamora y especies similares que tienen hábitos trepadores, y no para la frambuesa que posee tallos erectos. Sus frutos aunque similares a bayas, no lo son. Los frutos son carnosos y están formados por numerosas drupas muy pequeñas (polidrupa) unidas entre sí. En la nomenclatura botánica un tallo aculeado es aquel que está provisto de aguijones, denominados también acúleos; estos son un tipo especial de espinas que derivan de la epidermis, por ello se separan del tallo con cierta facilidad sin desgarrar sus tejidos y no se consideran verdaderas espinas.


title: Rubus

text: Son arbustos perennes con tallos bianuales, erectos, arqueados o rastreros, frecuentemente aculeados y pilosos y a veces también con glándulas pediculadas o cerdas sin glándulas. Las hojas alternas, ternadas, pedatiquinadas, o pinnadas, estipuladas. Inflorescencias laterales o terminales en los tallos del segundo año, flores solitarias o en corimbos o panículas, cinco sépalos persistentes, cinco pétalos en un disco alrededor de la base del receptáculo, estambres y carpelos numerosos. Fruto una drupa compuesta, 0.5–2 cm de largo, drupéolas carnosas.


title: Rubus

text: El género fue descrito por Carlos Linneo y publicado en "Species Plantarum" 1: 492. 1753. La especie tipo es: " Rubus fruticosus" L.  "Rubus": nombre genérico derivado del latín "rŭbus, -i", zarza en general; evocado en Julio César, De Bello Gallico ("174"), en este sentido y por Plinio el Viejo en Historia naturalis ("16, 180"), Virgilio (Bucólicas, ("3, 89") y Propercio ("3, 13, 28") con el significado de frambueso ("Rubus idaeus").


title: Rubus

text: Algunas de las especies más conocidas del género:


title: Drenaje linfático manual

text: El drenaje linfático manual (DLM) es una técnica de masoterapia que se engloba en los campos de la fisioterapia y la medicina alternativa. Está basado en una hipótesis no comprobada de que se puede estimular el drenaje natural de la linfa, que transporta los productos de desecho de los tejidos hacia el corazón. El drenaje linfático manual utiliza una cantidad específica de presión (menos de 40 gramos por cm cuadrado o aproximadamente 4 kPa) y movimientos circulares rítmicos para estimular el flujo linfático. Está orientado a la "activación del funcionamiento del sistema linfático superficial para mejorar la eliminación de líquido intersticial y de las moléculas de gran tamaño y facilitar su evacuación".


title: Drenaje linfático manual

text: Los estudios clínicos de MLD concluyen que se requiere un estudio adicional de la práctica antes de recomendarla como un tratamiento de salud efectivo. Y aunque es usado como tratamiento complementario en casos de linfedema, no se ha demostrado que tenga efectos significativos.


title: Drenaje linfático manual

text: En el caso de la medicina alternativa, es un tipo de masaje que pretende "desintoxicar" el cuerpo mediante la remoción de "bloqueos" del sistema linfático y como tal no tiene fundamento científico.


title: Drenaje linfático manual

text: La práctica del drenaje linfático manual fue iniciada por los doctores daneses Emil Vodder y Estrid Vodder en la década de 1930para el tratamiento de la sinusitis crónica y otros trastornos inmunes. Mientras trabajaban en la Riviera francesa tratando a pacientes con resfriados crónicos, los Vodders notaron que estos pacientes tenían ganglios linfáticos inflamados.


title: Drenaje linfático manual

text: En la década de 1930, el sistema linfático no era bien comprendido. Sin embargo esto no disuadió a los Vodders y, en 1932, comenzaron a estudiar el sistema linfático, desarrollando una técnica de movimientos ligeros y rítmicos con las manos para promover el movimiento linfático. En 1936, introdujeron esta técnica en París, Francia, y después de la Segunda Guerra Mundial, regresaron a Copenhague para enseñar a otros practicantes a usar esta terapia.


title: Drenaje linfático manual

text: Los terapeutas pueden recibir hoy la certificación a través de clases especiales impartidas por varias organizaciones especializadas en drenaje linfático manual, o mediante un curso completo de certificación de tratamiento del linfedema.


title: Drenaje linfático manual

text: Estudios científicos muestran resultados mixtos con respecto a la eficacia del método en el tratamiento del linfedema y se necesitan más estudios.


title: Drenaje linfático manual

text: Una revisión sistemática de 2013 del drenaje linfático manual con respecto al linfedema relacionado con el cáncer de mama no encontró un apoyo claro para la efectividad de la intervención en la prevención del edema de las extremidades en mujeres en riesgo o en el tratamiento de mujeres para la afección. Otro estudio sobre tratamiento de linfedema no encontró efectos significativos del DLM en la reducción del volumen de la inflamación.


title: Drenaje linfático manual

text: El drenaje linfático manual se encuentra contraindicado en las siguientes condiciones y por lo tanto no debe aplicarse en caso de presentarse alguna de ellas:


title: Peito

text: Peito o Peitho puede hacer referencia a lo siguiente:


title: Bicarbonato

text: Los bicarbonatos son sales ácidas derivadas del ácido carbónico (HCO) que contienen el anión bicarbonato (HCO).


title: Bicarbonato

text: El nombre bicarbonato está aún muy extendido en el comercio y la industria, pero no está recomendado por la IUPAC: se prefiere el nombre antiguo admitido anión hidrogenocarbonato o si es una sal ácida hidrogenocarbonato del metal correspondiente, o mejor aún, el nombre sistemático anión hidrogenotrioxidocarbonato (1-) o si es una sal hidrogenotrioxidocarbonato del metal correspondiente.


title: Bicarbonato

text: El bicarbonato más importante es el bicarbonato de sodio o hidrogenotrioxidocarbonato de sodio, de fórmula NaHCO. Debido a su solubilidad en agua es un intermedio clave en el proceso de obtención del carbonato de sodio según el proceso de Solvay.


title: Bicarbonato

text: Los bicarbonatos se encuentran en equilibrio con carbonatos, agua y dióxido de carbono (CO). Este equilibrio interviene en gran multitud de procesos naturales y artificiales. El cuerpo emplea catalizadores de zinc para que se produzca más rápidamente y facilitar así la respiración.


title: Bicarbonato

text: El hecho de que el bicarbonato de calcio o bis(hidrogenotrioxidocarbonato) de calcio, de fórmula Ca(COH), sea más soluble que el carbonato de calcio, CaCO, (o caliza) es importante en geoquímica y ha conducido a la formación de los sistemas kársticos en las rocas calizas.


title: Bicarbonato

text: Al tratarse de sales de un ácido débil los bicarbonatos solubles tienen carácter básico. Así el bicarbonato de sodio es parte esencial de muchas formulaciones de antiácidos estomacales. El mismo compuesto también se utiliza en los extintores de polvo.


title: Bicarbonato

text: Por el hecho que los bicarbonatos en contacto con ácidos liberan dióxido de carbono se utilizan en levaduras químicas (empleando generalmente tripolifosfato de sodios como ácidos) y en las formulaciones de tabletas o polvos efervescentes (a menudo en combinación con ácido cítrico).


title: Bicarbonato

text: Una de las funciones principales del bicarbonato es transportar el dióxido de carbono.


title: McDonnell Douglas DC-10

text: El McDonnell Douglas DC-10 (actualmente Boeing MD-10) es un avión comercial trimotor a reacción de fuselaje ancho fabricado por la compañía estadounidense McDonnell Douglas. Fue el segundo avión con esas características en entrar en servicio, después del Boeing 727, y poco tiempo antes del Lockheed L-1011 TriStar,y al igual que este último, el DC-10 dispone de una configuración de tres motores.


title: McDonnell Douglas DC-10

text: Dos de los motores están situados en góndolas bajo las alas, mientras que un tercero se halla en la parte trasera del fuselaje, en el estabilizador vertical. Se concibió como sucesor del Douglas DC-8 en las operaciones de largo recorrido, y en las de medio recorrido compitió con el Airbus A300, el Boeing 747 y con el Lockheed L-1011 TriStar, el cual era muy similar al DC-10. Algunos fueron construidos para la Fuerza Aérea de los Estados Unidos como aviones cisterna para reabastecimiento en vuelo, versión conocida como KC-10 Extender.


title: McDonnell Douglas DC-10

text: El DC-10 fue el primer avión de fuselaje ancho de McDonnell Douglas, pensado para ser capaz de volar las mismas rutas que el Boeing 747 pero con un menor tamaño. Voló por primera vez el 29 de agosto de 1970, y entró en servicio en 1971, un año antes que el Lockheed Tristar, que era su principal competidor. A pesar de que la seguridad del modelo es similar a la de otras aeronaves a reacción pesadas, durante los años 70 la Administración Federal de Aviación (FAA) de los EE. UU. les quitó brevemente el certificado de aeronavegabilidad debido a una serie de accidentes muy polémicos.


title: McDonnell Douglas DC-10

text: El DC-10 fue diseñado con puertas de carga que se abren hacia afuera en vez de hacia dentro como la mayoría de los aviones. Esto requirió un complejo mecanismo de cierre que impedía que la puerta se abriese debido a las fuerzas axiales producidas por la presurización del fuselaje. En caso de que el cierre fallase, había muchas probabilidades de que se rompiera toda la puerta. Este problema fue identificado por primera vez en 1972, cuando el Vuelo 96 de American Airlines perdió la compuerta trasera de carga tras haber despegado de Detroit. Afortunadamente la tripulación consiguió realizar un aterrizaje de emergencia sin más complicaciones. La investigación reveló que un empleado del aeropuerto había forzado violentamente la puerta, rompiendo el cierre, lo que produjo la caída de la puerta cuando el avión ganó altura. McDonnell Douglas criticó al empleado, al que llamó analfabeto, desviando las críticas de los fallos de diseño.


title: McDonnell Douglas DC-10

text: La Agencía de Seguridad en el Transporte [[NTSB)]] de EE. UU. recomendó cambios en el diseño de la puerta y que se perforase el suelo de la cabina para permitir una fuga controlada de aire en caso de despresurización violenta. Sin embargo, la NTSB no tiene autoridad para forzar cambios. Solo la FAA puede emitir órdenes. Dado que una orden pública de la FAA hubiera dañado gravemente la reputación del nuevo DC-10, McDonnell Douglas se comprometió en privado a realizar los cambios, evitando el escándalo.


title: McDonnell Douglas DC-10

text: Sin embargo, las mejoras introducidas no fueron tan estrictas como las recomendaciones de la NTSB pedían. Dos años después un accidente idéntico le ocurrió a un modelo de [[Turkish Airlines]] ([[vuelo 981 de Turkish Airlines]]) tras despegar de [[Aeropuerto de Orly|Orly (París)]], muriendo sus 346 ocupantes. Tras este accidente, se obligó a todos los DC-10 a que modificaran sus puertas, pero el avión ya había conseguido mala reputación.


title: McDonnell Douglas DC-10

text: En [[1979]], muchos DC-10 fueron paralizados debido al accidente del [[Vuelo 191 de American Airlines]], que perdió uno de sus motores tras despegar del [[Aeropuerto Internacional Chicago-O'Hare|Aeropuerto Internacional O'Hare]] (en las afueras de la ciudad de [[Chicago]]), lo que dañó los sistemas hidráulicos que provocaron que se perdiera el control del avión. Se descubrió que había sido un error de procedimiento en el mantenimiento. [[American Airlines]], como muchas otras compañías, usaban un procedimiento que no estaba aprobado por Douglas ni por la [[FAA]] que fue el que causó el fallo. Douglas rediseñó el sistema hidráulico añadiendo redundancias para prevenir futuros fallos.


title: McDonnell Douglas DC-10

text: Pero el accidente más famoso ocurrió en 1989, cuando el [[Vuelo 232 de United Airlines]] se estrelló en [[Sioux City]], después de un aterrizaje de emergencia con los sistemas hidráulicos inoperativos, la aeronave quedó completamente destruida, pero sobrevivieron más de la mitad de los pasajeros. El accidente consistió en que una de las piezas rotativas del motor de la cola repentinamente estalló en pedazos, se comprobaría luego, debido a [[fatiga del material]], cuyos fragmentos cortaron partes de los tres sistemas hidráulicos de la nave al salir despedidos en todas direcciones, volviendo completamente inútiles una de las medidas de seguridad más notorias del []DC-10, líneas hidráulicas de asistencia de manejo hidráulicas por triplicado, pues se trata del único avión que puede volar con velocidad muy reducida, sin usar el timón, alerones ni flaps. Tras el fallo del sistema hidráulico los pilotos, maniobrando con los motores de las alas y otras pocas fuentes de control que aún les restaban, fueron capaces de hacer "aterrizar" al avión.


title: McDonnell Douglas DC-10

text: El último DC10 fabricado, el número 446, fue entregado a Nigeria Airways a principios de 1989. A pesar del mal comienzo que tuvo este avión, muchas aerolíneas lo usaron, ya que gustaba mucho a los pilotos y a los mecánicos. Además era muy seguro; de hecho, la vida media sin accidentes de este avión es similar a los de su época. EL DC-10 es considerado como un avión con un historial problemático debido a que desde 1971 ha tenido más de 45 accidentes graves como el accidente de United, de las líneas aéreas turcas y del vuelo 191 de American Airlines


title: McDonnell Douglas DC-10

text: A través de los años, existieron diferentes variantes del DC-10, a saber: Actualmente es muy usado por compañías de carga como FedEx Express. También ha sido parte de las flotas de las principales aerolíneas del mundo, como Alitalia, Japan Airlines, Northwest Airlines, Iberia, LanChile, Air France, Lufthansa, Líneas Aéreas Paraguayas, Pan Am, Spantax, PLUNA, Eastern Airlines, United Airlines, American Airlines, Hawaiian Airlines, British Airways, Swissair, KLM, Continental Airlines, TAESA (ya desaparecida), Mexicana de Aviación (ya desaparecida), Aeroméxico, Avensa (ya desaparecida), AeroPeru (ya desaparecida), Cielos del Perú (ya desaparecida), SBA Airlines (ya desaparecida), Viasa (ya desaparecida), Ecuatoriana de Aviación (desaparecida), TAM, Air Serbia (también desaparecida) entre otras.


title: McDonnell Douglas DC-10

text: Aerolíneas que operan la aeronave a abril de 2020:  Operadores militares de la aeronave a abril de 2020: Las puertas de carga del DC-10 fueron diseñadas para abrirse hacia afuera, a diferencia de las tradicionales, que son del tipo “tapón” o “enchuche”. La ventaja implícita de las primeras es que permiten un aprovechamiento total de la bodega, mientras que las segundas exigen dejar libre y desaprovechado un pequeño espacio de la misma (para que la puerta pueda pivotar). Para asegurarse de que las puertas que se abren hacia afuera no sean víctimas de una descompresión explosiva en pleno vuelo, se confía en fuertes mecanismos de trabas o pestillos. En el caso de una falla completa y total de la puerta, existía el potencial para una descompresión explosiva. Este serio problema fue descubierto en 1972, luego de un incidente de ese tipo a bordo del vuelo 96 de American Airlines, pero después de este tan solo se emitió una "recomendación" de rediseño de la puerta de carga. Solo dos años después, en 1974, debido al accidente del vuelo 981 de Turkish Airlines cerca de París (en el que todos sus ocupantes murieron), se emitió una orden de rediseño de esa compuerta. La puerta de carga del DC-10 fue finalmente rediseñada, agregándosele además un pestillo extra para proveerle una mayor seguridad.


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text: Otro problema del diseño inicial del DC-10 era su falta de un sistema de bloqueo de "flaps", para mantenerlos en su posición en el caso potencial de un fallo hidráulico. Las líneas de los tres sistemas hidráulicos independientes y redundantes casi se juntaban en un punto en la parte trasera del fuselaje, directamente por debajo del motor de cola (el número dos). Los posteriores versiones del DC-10 (y de su heredero, el MD-11) incorporaron fusibles hidráulicos para evitar la catastrófica pérdida de control en el caso de una ruptura de las tuberías o los conductos de fluido hidráulico.


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text: Aunque el diseño de los soportes de los motores "(pylons)" era el adecuado, no habían sido concebidos para permitir un mantenimiento relativamente fácil. El "engorroso" procedimiento original para cambiar un motor consistía en primero desmontarlo de su soporte, lo que era una tarea bastante lenta y tediosa. Debido a la complicación del procedimiento, y para ahorrar tiempo y dinero, tanto American como Continental Airlines comenzaron a utilizar un procedimiento más rápido, instruyendo a sus sendos grupos de mecánicos a que desmontasen cada motor junto a su correspondiente soporte "en una sola pieza", usando autoelevadores para realizar esa tarea. Sin embargo, el propio fabricante McDonnell Douglas "no" recomendaba ese método.No obstante, el defectuoso procedimiento “rápido” empleado fue el principal responsable del accidente del vuelo 191 de American Airlines. En noviembre de 1979, la FAA multó a American Airlines con 500.000 dólares, por haber utilizado ese procedimiento. Por su parte, Continental Airlines también fue multada bajo un cargo similar y fue obligada a pagar una suma menor, de USD 100.000.


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text: Hasta agosto de 2008, el DC-10 estuvo involucrado en 55 accidentes e incidentes de diversa magnitud,incluyendo la pérdida de aeronaves con un total combinado de unas 1.261 víctimas mortales.


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text: El problema de diseño de la puerta de carga (la cual se abre hacia afuera) fue identificado por primera vez el 12 de junio de 1972, cuando el vuelo 96 de American Airlines perdió su puerta de carga trasera mientras ganaba altitud luego de haber despegado desde Detroit (estado de Míchigan). No obstante la tripulación, guiada por el capitán Bryce McCormick, pudo finalmente realizar un aterrizaje de emergencia y evitar un accidente. Todo a pesar de no haber podido usar casi ninguna de las superficies de control de la aeronave (en lo que sería el primero y "no" último uso diferencial del empuje de los motores para aterrizar un DC-10). Antes de que el vuelo 96 hubiese despegado, un empleado aeroportuario había "forzado" el cierre de la puerta, debilitando el pestillo de seguridad, hecho que contribuiría a que aquella sufriese una descompresión explosiva. Tras el incidente, la Administración Federal de Aviación intentó emitir una orden de rediseño de la puerta de carga. Sin embargo, debido a un acuerdo de caballeros, la orden se cambió a recomendación de rediseño.