title: Historia del arte

text: El arte del siglo XX experimentó una profunda transformación: en una sociedad más materialista, más consumista, el arte se dirige a los sentidos, no al intelecto. Igualmente, ha cobrado especial relevancia el concepto de moda, una combinación entre la rapidez de las comunicaciones y el aspecto consumista de la civilización actual. Surgieron así los movimientos de vanguardia, que pretendían integrar el arte en la sociedad, buscando una mayor interrelación artista-espectador, ya que es este último el que interpreta la obra, pudiendo descubrir significados que el artista ni conocía. Las últimas tendencias artísticas han perdido incluso el interés por el objeto artístico: el arte tradicional era un arte de objeto, el actual de concepto. Hay una revalorización del arte activo, de la acción, de la manifestación espontánea, efímera, del arte no comercial (arte conceptual, "happening", "environment").


title: Historia del arte

text: La arquitectura ha sufrido una profunda transformación desde las formas tradicionales hasta los movimientos de vanguardia, que han supuesto un nuevo concepto constructivo basado en una idea más racional del espacio, estructurado de forma más depurada y funcional, con especial atención a las nuevas tecnologías y a su ubicación medioambiental. Ha cobrado gran importancia el urbanismo, fomentado por el nuevo aspecto consumista de la civilización occidental, a la vez que el auge de las comunicaciones ha derivado en un desarrollo de los estudios de ingeniería aplicados a la arquitectura.


title: Historia del arte

text: La arquitectura del sigloXX ha tenido un desarrollo independiente del resto de las artes, aunque en ocasiones ha ido en paralelo a algún determinado movimiento artístico. Tenemos así la arquitectura expresionista, caracterizada por el uso de nuevos materiales y su fabricación en masa (ladrillo, acero, vidrio), con nombres como Bruno Taut, Erich Mendelsohn, Hans Poelzig y Fritz Höger. El futurismo también tuvo alguna manifestación arquitectónica, aunque lo utópico de sus formulaciones impidió en muchos casos su realización material; destaca la obra de Antonio Sant'Elia. En el neoplasticismo neerlandés tenemos la obra de Jacobus Johannes Pieter Oud, Gerrit Thomas Rietveld y Truus Schröder. Por último, cabe reseñar la vertiente arquitectónica del constructivismo ruso, donde se inició un programa ligado a la revolución que buscaba una arquitectura funcional que satisficiese las necesidades reales de la población; estuvo representado principalmente por Konstantin Melnikov.


title: Historia del arte

text: Pero la principal tendencia artística del sigloXX ha sido el racionalismo (1920-1950) —también llamado «Estilo Internacional»—, representado fundamentalmente por la Escuela de la Bauhaus. Esta corriente buscaba una arquitectura fundamentada en la razón, de líneas sencillas y funcionales, basadas en formas geométricas simples y materiales de orden industrial (ladrillo, acero, hormigón, vidrio), renunciando a la ornamentación excesiva y otorgando gran importancia al diseño, que es igualmente sencillo y funcional. Entre sus figuras sobresalen: Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe, Le Corbusier, José Luis Sert, Frank Lloyd Wright, Eliel Saarinen, Oscar Niemeyer, Alvar Aalto, etc.


title: Historia del arte

text: Entre las últimas tendencias arquitectónicas se ha producido una gran diversidad de estilos y movimientos, como en el resto de artes plásticas: en los años 1950 surgió el denominado brutalismo en paralelo al expresionismo abstracto, caracterizado por las formas austeras, basadas en la pureza del material, primando la estructura sobre el acabado (Alison y Peter Smithson, Louis Kahn y Anne Tyng); el metabolismo japonés respondía a las necesidades de una sociedad masificada, con grandes escalas, estructuras flexibles y formas orgánicas (Kenzō Tange, Kishō Kurokawa); la arquitectura pop destacó el carácter urbano y las tipologías populares, tomando como referencia los ambientes nocturnos de Las Vegas, con sus luces de neón y su escenografía decorativista (Robert Venturi, Denise Scott Brown); el llamado «diseño científico y estructural» puso énfasis en las nuevas posibilidades de la técnica, especialmente el uso de hormigón y las formas orgánicas (Félix Candela, Pier Luigi Nervi, Frei Otto, Jørn Utzon, Eero Saarinen, Richard Buckminster Fuller); en los años 1960 apareció el "high-tech", basado en las posibilidades otorgadas por las nuevas tecnologías, tanto a nivel práctico como estético (Norman Foster, Richard Rogers, Renzo Piano); entre los años 1960 y 1970 surgió el antidiseño, opuesto al racionalismo y a la primacía del diseño sobre la función social y cultural de la arquitectura, representado por el grupo inglés Archigram y los italianos Archizoom y Superstudio; el neorracionalismo supuso en los años 1970 el retorno a las premisas funcionalistas, representado por el grupo italiano Tendenza y el estadounidense Five Architects; desde 1975 se ha desarrollado la arquitectura posmoderna, que como en las otras artes se basa en el eclecticismo y la reinterpretación de estilos anteriores (James Stirling, Aldo Rossi, Ricardo Bofill, Arata Isozaki); en los años 1980 se dio el deconstructivismo, caracterizado por la fragmentación, el proceso de diseño no lineal y la manipulación de las estructuras (Frank Gehry, Peter Eisenman, Rem Koolhaas). Entre otros arquitectos contemporáneos conviene destacar igualmente a Jean Nouvel, Glenn Murcutt, Peter Zumthor, Jacques Herzog, Pierre de Meuron, Sverre Fehn, Ieoh Ming Pei, Zaha Hadid, Santiago Calatrava, Rafael Moneo, Luis Barragán, Álvaro Siza, etc.


title: Historia del arte

text: En los primeros años del sigloXX se forjaron las bases del llamado arte de vanguardia: el concepto de realidad fue cuestionado por las nuevas teorías científicas (la subjetividad del tiempo de Bergson, la relatividad de Einstein, la mecánica cuántica); también influyó la teoría del psicoanálisis de Freud. Por otra parte, las nuevas tecnologías provocaron que el arte cambiase de función, ya que la fotografía y el cine ya se encargaban de plasmar la realidad. Gracias a las colecciones etnográficas fomentadas por el colonialismo europeo los artistas tuvieron contacto con el arte de otras civilizaciones (africano, asiático, oceánico), que aportó una visión más subjetiva y emotiva del arte. Todos estos factores comportaron un cambio de sensibilidad que se tradujo en la búsqueda de nuevas formas de expresión por parte del artista.Desde la Segunda Guerra Mundial el arte ha experimentado una vertiginosa dinámica evolutiva, con estilos y movimientos que se suceden cada vez más rápido en el tiempo. El proyecto moderno originado con las vanguardias históricas llegó a su culminación con diversos estilos antimátericos que destacaban el origen intelectual del arte por sobre su realización material, como el arte de acción y el arte conceptual. Alcanzado ese nivel de prospección analítica del arte, se produjo el efecto inverso —como suele ser habitual en la historia del arte, donde los diversos estilos se enfrentan y se contraponen, el rigor de unos sucede al exceso de otros, y viceversa—, retornando a las formas clásicas del arte, aceptando su componente material y estético, y renunciando a su carácter revolucionario y transformador de la sociedad. Surgió así el arte postmoderno, donde el artista transita sin pudor entre diversas técnicas y estilos, sin carácter reivindicativo, volviendo al trabajo artesanal como esencia del artista. Por último, hay que remarcar a finales de siglo la aparición de nuevas técnicas y soportes en el terreno del arte: video, informática, internet, láser, holografía, etc. Durante el proceso de colonización iniciado por las potencias europeas en el sigloXIX, y sobre todo en el XX con el auge de los medios de comunicación (radio, televisión, internet) y el proceso de globalización cultural producido a nivel mundial, el arte se ha estandarizado progresivamente hacia la universalización de estilos, conservando en muchos lugares las formas autóctonas y tradicionales, pero adquiriendo un sello estilístico común perceptible en diversos puntos del planeta. Antiguas formas artísticas basadas en materiales y tipologías tradicionales han abrazado las nuevas tecnologías y un nuevo sentido estético dominado por factores como la moda y la rapidez de difusión de los diversos movimientos artísticos.


title: Historia del arte

text: En el continente africano aún perduran ciertas formas tradicionales de arte, si bien la colonización europea introdujo el arte occidental, produciéndose cierta mezcolanza de ambos estilos. En muchas partes de África el arte está marcado por la religión islámica, mientras que en otras es más de signo cristiano, pero aún perduran las antiguas formas animistas. El interés por el arte africano en Europa ha llevado a su producción con fines de exportación, principalmente máscaras y esculturas ornamentales de ébano o marfil. Entre los artistas más destacados se puede citar a Ashira Olatunde (de Nigeria), Nicholas Mukomberanwa (de Zimbabue), Henry Tayali (de Zambia) y Eric Adjetey Anang (de Ghana).


title: Historia del arte

text: En la India, el arte se abrió a mediados del sigloXX a las formas de vanguardia, como se puede apreciar en la intervención de arquitectos extranjeros como Le Corbusier en Chandigarh y Bangalore. Actualmente la India está viviendo un auge en el campo de la creación emergente y las artes plásticas contemporáneas, siendo el artista indio más cotizado el escultor Anish Kapoor, junto al que destacan nombres como Ram Kinker Baij, Sankho Chaudhuri, Ajit Chakravarti y Nek Chand.


title: Historia del arte

text: El fin de la era imperial supuso la modernización de China, que se abrió más a la influencia occidental. El triunfo de la revolución comunista impuso como arte oficial el realismo socialista, si bien recientemente la nueva política aperturista ha favorecido la llegada de las últimas tendencias artísticas, ligadas a las nuevas tecnologías. En 1989 tuvo gran resonancia la exposición "China/Vanguardia", en la Galería Nacional China de Pekín, que mostraba las últimas creaciones del momento, incluyendo tanto obra pictórica como fotografías, instalaciones y performances. Desgraciadamente, los sucesos de Tiananmen provocaron un nuevo retroceso, hasta una nueva apertura en 1992. Los artistas chinos contemporáneos más relevantes son: Qi Baishi, Wu Guanzhong, Pan Yuliang, Zao Wou Ki y Wang Guangyi.


title: Historia del arte

text: En Japón, el período Meiji (1868-1912) supuso una profunda renovación cultural, social y tecnológica, abriéndose más al exterior y empezando a incorporar los nuevos adelantos conseguidos en Occidente. La pintura presentó entonces dos corrientes: una tradicional ("Nihonga"), y otra occidentalista ("Yōga"). En escultura existe igualmente la dualidad tradición-vanguardia. Más recientemente destaca la presencia en el terreno del arte de acción del grupo Gutai, que asimiló la experiencia de la Segunda Guerra Mundial a través de acciones cargadas de ironía, con un gran sentimiento de crispación y una agresividad latente. Artistas destacados del Japón contemporáneo son: Tsuguharu Foujita, Kuroda Seiki, Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara, Isamu Noguchi y Etsuro Sotoo.


title: Historia del arte

text: En el sigloXX las artes decorativas han tenido una rápida evolución, marcada por el uso de nuevos materiales y tecnologías más avanzadas, y con una clara apuesta por el diseño como base creadora, remarcando el aspecto intelectual de estas creaciones frente a la mera realización material otorgada tradicionalmente a la artesanía. La gran revitalización de esta actividad artística provino del "art déco", movimiento surgido en Francia a mediados de los años 1920 que supuso una revolución para el interiorismo y las artes gráficas e industriales. Este estilo se caracterizó por la predilección por la línea curva y el floreado simétrico en artes gráficas, y las formas cuadradas y geométricas en mobiliario y decoración interior. Dirigido principalmente a un público burgués, destacó por la ostentación y el lujo, y se desarrolló notablemente en ilustración publicitaria (Erté) y cartelismo (Cassandre). El "art déco" también se dio en arquitectura (el Chrysler Building de William van Alen) y pintura (Tamara de Lempicka, Santiago Martínez Delgado).


title: Historia del arte

text: Otro gran adelanto en el terreno del diseño se produjo con la Bauhaus, que frente a la excesiva ornamentación del "art déco" introdujo un concepto de diseño más racional y funcional, más adaptado a las necesidades reales de la gente. Esta institución pretendía romper las barreras entre arte y artesanía, con una clara apuesta por la producción industrial. Su diseño se basaba en la simplicidad, la abstracción geométrica y el uso de colores primarios y de nuevas tecnologías, como se hizo patente en el mobiliario de acero tubular creado por Marcel Breuer, o las lámparas diseñadas por Marianne Brandt. En esta escuela destacaron creadores como László Moholy-Nagy, Oskar Schlemmer, Johannes Itten, Paul Klee, Josef Albers, etc. Igualmente, el grupo neoplasticista "De Stijl" desarrolló un estilo interiorista basado en la simplicidad, las formas geométricas y los colores primarios, como la famosa "silla roja y azul" de Gerrit Thomas Rietveld (1923). Desde entonces el diseño industrial y de interior ha seguido por la vía de la creación intelectual y el diseño funcional, con un progresivo aumento de la experimentación con nuevos materiales (plástico, fibra de vidrio), atendiendo a las necesidades de mercado sin renunciar al proceso de modernización de la sociedad, lo que ha generado una línea llamada "styling" (representada fundamentalmente por Raymond Loewy).


title: Historia del arte

text: En el sigloXX la literatura ha tenido —como el resto de las artes— una gran diversidad estilística, partiendo de premisas anteriores y cánones clásicos en algunos casos, y rompiendo con el pasado y experimentando nuevas formas y estilos en otros. El afán de innovación llevó a la búsqueda de la esencia literaria, de un lenguaje trascendente y metafísico, como es el caso de la denominada «poesía pura» (Paul Valéry, William Butler Yeats, Ezra Pound, T. S. Eliot, Eugenio Montale, Fernando Pessoa, Konstantinos Kavafis). El principal campo de experimentación fue el de las vanguardias artísticas: el futurismo destacó por su afán modernizador, exaltando los adelantos técnicos, la velocidad, la acción, incluso la violencia (tuvo estrechos contactos con el fascismo italiano), defendiendo la destrucción de la sintaxis y la libertad de las palabras; estuvo representado principalmente por Filippo Tommaso Marinetti y Vladimir Maiakovski. El cubismo buscó nuevas formas sintácticas, deshaciendo los poemas y dándoles un aspecto gráfico, con diferentes tipos de letra y aparición de signos extralingüísticos, suprimiendo los signos de puntuación («collage lingüístico»), destacando Guillaume Apollinaire. El dadaísmo introdujo la anarquía en la génesis literaria, buscando deliberadamente un lenguaje caótico y absurdo, que pierde su aspecto lógico y comunicativo, como en la obra de Tristan Tzara. El expresionismo criticó la sociedad burguesa de su época, el militarismo, la alienación del individuo en la era industrial y la represión familiar, moral y religiosa. Ya no se imita la realidad, no se analizan causas ni hechos, sino que el autor busca la esencia de las cosas, mostrando su particular visión. Destacaron Franz Kafka, Gottfried Benn, Alfred Döblin, Georg Heym, Franz Werfel, Georg Trakl y Rainer Maria Rilke. El surrealismo tuvo gran influencia de la psicología freudiana, evocando en sus obras el mundo del inconsciente, de los sueños, de la subjetividad, en un estilo que buscaba la asociación insólita de palabras, de metáforas oníricas y delirantes, que se tradujo en la técnica de la «escritura automática». Destacaron André Breton, Paul Éluard y Louis Aragon. En el ámbito de la narrativa, la amarga experiencia bélica en la contienda mundial provocó una serie de obras de crítica de la guerra, de reflexión, de introspección psicológica, de búsqueda de unos nuevos valores morales, con un lenguaje simbólico y metafórico; así se aprecia en la obra de Marcel Proust, André Gide, François Mauriac, Thomas Mann, Hermann Hesse, etc. Más adelante surgió un mayor compromiso social, con obras de denuncia de los valores burgueses que habían llevado a la guerra; esta corriente está representada por André Malraux, Antoine de Saint-Exupéry, George Orwell y Aldous Huxley. En contraposición, hay una corriente más innovadora, más centrada en la técnica literaria, en el virtuosismo estilístico y la profundización de los personajes, como podemos apreciar en James Joyce, Lawrence Durrell y Virginia Woolf. En Estados Unidos surgió la llamada «generación perdida», caracterizada igualmente por la crítica social y la búsqueda de unos nuevos valores humanos: John Dos Passos, F. Scott Fitzgerald, John Steinbeck, William Faulkner, Gertrude Stein, Henry Miller y Ernest Hemingway.


title: Historia del arte

text: La segunda mitad del sigloXX ha estado marcada por el eclecticismo y la diversidad de tendencias, con un cierto continuismo de estilos anteriores, sobre todo en poesía, donde autores como Jacques Prévert, Dylan Thomas y Wystan Hugh Auden hacen una poesía inconformista e intelectualizada. La narrativa es más innovadora, caracterizada por la preocupación existencial y el compromiso social: Jean-Paul Sartre, Albert Camus, Simone de Beauvoir, Jean Genet, Cesare Pavese, Italo Calvino, Alberto Moravia, etc. En los años 1950 surgió en Francia el "nouveau roman" («nueva novela»), centrado en el análisis frío y objetivo de la realidad (Alain Robbe-Grillet, Nathalie Sarraute). En esos años hay un renacer de la «novela histórica», con Marguerite Yourcenar, Robert Graves y Umberto Eco. En Alemania, aparecieron escritores anticonvencionales como Peter Handke y Günther Grass, mientras que en Estados Unidos surgió la generación "beat" (Allen Ginsberg, William Burroughs, Jack Kerouac), así como una nueva serie de novelistas encabezada por Truman Capote, J. D. Salinger y Norman Mailer. Entre otros grandes autores del sigloXX merecen destacarse igualmente: H. G. Wells, Rudyard Kipling, J. R. R. Tolkien, Salvatore Quasimodo, Nikos Kazantzakis, Halldór Laxness, Pär Lagerkvist, Mika Waltari, Jaroslav Hašek, Boris Pasternak, Mihail Šolohov, Aleksandr Solzhenitsyn, José Saramago, Sholem Asch, Rabindranath Tagore, Jalil Gibran, Naguib Mahfuz, Wen Yiduo, Yukio Mishima, Kenzaburo Oé, Wole Soyinka, Orhan Pamuk, etc.


title: Historia del arte

text: En España, la literatura del siglo XX comenzó con el llamado novecentismo, representado por José Ortega y Gasset, Ramón Pérez de Ayala, Ramón Gómez de la Serna y Eugeni d'Ors. Más adelante surgió la Generación del 27, con un mayor afán vanguardista, que persigue el ideal de «poesía pura», con cierta influencia del surrealismo (Federico García Lorca, Rafael Alberti, Vicente Aleixandre, Pedro Salinas, Jorge Guillén, Dámaso Alonso, Gerardo Diego, Luis Cernuda, Miguel Hernández). Los años de la dictadura producen una escisión: por un lado, una literatura afecta al régimen que exalta los valores nacionales (Luis Rosales, Leopoldo Panero); por otra, una literatura desarraigada, de tono angustioso (Camilo José Cela, Ramón J. Sénder, Miguel Delibes, Gonzalo Torrente Ballester, Carmen Laforet, Ana María Matute). En los años 1950 surgió el realismo social, literatura más comprometida que denuncia la injusticia y la falta de libertad (Blas de Otero, Gabriel Celaya, León Felipe). Desde los años 1970 surge una nueva vitalidad en las letras, con afán reformador (los llamados «Novísimos» en poesía), destacando figuras como Manuel Vázquez Montalbán, Juan Marsé, Antonio Gala, José Hierro, Jaime Gil de Biedma, José Agustín Goytisolo, etc. En el sigloXX se desarrollan la literatura catalana (Josep Carner, Carles Riba, Salvador Espriu, Josep Pla, Mercè Rodoreda, Josep Maria de Sagarra), gallega (Celso Emilio Ferreiro, Ramón Otero Pedrayo, Alfonso Rodríguez Castelao, Álvaro Cunqueiro) y vasca (Esteban Urkiaga, Gabriel Aresti, José Luis Álvarez Enparantza). En Hispanoamérica destacan: Alfonsina Storni, Gabriela Mistral, Vicente Huidobro, César Vallejo, Pablo Neruda, Jorge Luis Borges, Nicolás Guillén, Rómulo Gallegos, Miguel Ángel Asturias, Alejo Carpentier, Juan Rulfo, Carlos Fuentes, Julio Cortázar, Mario Vargas Llosa, Gabriel García Márquez, Octavio Paz, Guillermo Cabrera Infante, Augusto Roa Bastos, Ernesto Sabato, Mario Benedetti, Isabel Allende, etc.


title: Historia del arte

text: El teatro del sigloXX ha tenido una gran diversificación de estilos, evolucionando en paralelo a las corrientes artísticas de vanguardia. Se pone mayor énfasis en la dirección artística y en la escenografía, en el carácter visual del teatro y no solo el literario. Se avanza en la técnica interpretativa, con mayor profundización psicológica (método Stanislavski, Actors Studio de Lee Strasberg), y reivindicando el gesto, la acción y el movimiento. Se abandonan las tres unidades clásicas y comienza el teatro experimental, con nuevas formas de hacer teatro y un mayor énfasis en el espectáculo, retornando al rito y a las manifestaciones de culturas antiguas o exóticas. Cobra cada vez mayor protagonismo el director teatral, que muchas veces es el artífice de una determinada visión de la puesta en escena (Vsevolod Meyerhold, Max Reinhardt, Erwin Piscator, Tadeusz Kantor).


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text: Entre los diversos movimientos teatrales conviene reseñar: el expresionismo (Georg Kaiser, Fritz von Unruh, Hugo von Hofmannsthal); el «teatro épico» (Bertolt Brecht, Peter Weiss, Rainer Werner Fassbinder); el «teatro del absurdo», vinculado al existencialismo (Antonin Artaud, Eugène Ionesco, Samuel Beckett, Albert Camus); y los "Angry young men", de signo inconformista y antiburgués (John Osborne, Harold Pinter, Arnold Wesker). Otros autores destacados son: George Bernard Shaw, Luigi Pirandello, Alfred Jarry, Tennessee Williams, Eugene O'Neill, Arthur Miller, John Boynton Priestley, Dario Fo, etc. En España destacan Federico García Lorca, Miguel Mihura, Alejandro Casona, Antonio Buero Vallejo, Alfonso Paso y Fernando Arrabal.


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text: Desde los años 1960 el teatro ha reaccionado contra la distanciación del teatro épico, buscando una comunicación dramática establecida a través de acciones reales que afecten al espectador (The Living Theatre, teatro-laboratorio de Jerzy Grotowski, acciones de "happening"). Los nuevos directores han agregado a este «teatro de provocación» una conciencia estilística basada en la ceremonia, el divertimento y el exhibicionismo (Peter Brook, Giorgio Strehler, Luca Ronconi). El lenguaje oral queda así doblado por el visual, y el arte dramático recupera en cierta forma su antigua ambición de «teatro total». Esto se pone de manifiesto en varios grupos españoles, como Els Joglars, Els Comediants y La Fura dels Baus, o el grupo canadiense Cirque du Soleil.


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text: En el terreno musical la transición de siglo estuvo marcada por el postromanticismo de Richard Strauss, Gustav Mahler y Aleksandr Skriabin, introduciéndose posteriormente en el ámbito de las vanguardias artísticas: el cubismo tendió a la deshumanización, a la esquematización y a las construcciones lineales, sin ornamentos (Erik Satie); el expresionismo pretendía desligarse de los fenómenos objetivos externos, siendo instrumento únicamente de la actividad creadora del compositor y reflejando principalmente su estado anímico, fuera de toda regla y toda convención (Darius Milhaud, Francis Poulenc, Arthur Honegger); el futurismo experimentó con el ruido y los sonidos de la naturaleza y la vida cotidiana (Luigi Russolo, Edgar Varèse); el neoclasicismo —ligado en Rusia al realismo socialista, también llamado «sinfonismo soviético»— recuperó las formas clásicas, pero reinterpretándolas, y sin renunciar a los nuevos adelantos vanguardistas (Carl Orff, Gustav Holst, Ígor Stravinski, Serguéi Prokófiev, Dmitri Shostakóvich, Serguéi Rajmáninov); el dodecafonismo fue un sistema basado en los doce tonos de la escala cromática, que se utilizaban en cualquier orden, pero en series, sin repetir una nota antes de haber sonado las otras, evitando la polarización, la atracción a centros tonales (Arnold Schönberg, Alban Berg, Anton von Webern); de igual forma, el ultracromatismo amplió la escala musical a grados inferiores al semitono —cuartos o sextos de tono— (Alois Hába, Ferruccio Busoni); la Nueva Objetividad aportó una visión más realista y social de la música, surgiendo el concepto de "Gebrauschmusik" («música utilitaria»), basada en el concepto de consumo de masas para elaborar obras de sencilla construcción y accesibles a todo el mundo (Paul Hindemith, Kurt Weill).


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text: Desde mediados de siglo ha continuado la experimentación y la diversidad de conceptos musicales, produciendo nuevas técnicas y efectos sonoros, como la música electrónica de Karlheinz Stockhausen; la música concreta de Pierre Schaeffer y Pierre Henry; el serialismo de Olivier Messiaen, Luigi Dallapiccola, Pierre Boulez y Luis de Pablo; el poliestilismo de Luciano Berio; los «ámbitos sonoros» de Luigi Nono; la música aleatoria de John Cage, Charles Ives, Witold Lutoslawski y Cristóbal Halffter; el neotonalismo de Arvo Pärt y Henryk Górecki; la «música estadística» de Iannis Xenakis, Krzysztof Penderecki y György Ligeti; el minimalismo de Philip Glass; y el "new age" de Michael Nyman y Wim Mertens.


title: Historia del arte

text: La ópera en el sigloXX ha mantenido vigente el repertorio anterior, que se continúa representando con éxito en los mejores teatros y auditorios del mundo, mientras que a nivel productivo, si bien ha existido una copiosa y excelente producción, las innovaciones producidas en este terreno no han gozado de gran éxito entre el público mayoritario. A principios de siglo, el verismo italiano continuó en un llamado «posverismo» representado principalmente por Riccardo Zandonai ("Francesca da Rimini", 1914; "Giulietta e Romeo", 1922). El postromanticismo contó con la gran figura de Richard Strauss ("Salomé", 1905; "Ariadne auf Naxos", 1912). El neoclasicismo dejó obras como "Edipo rey" (1925), de Igor Stravinski; "Lady Macbeth de Mtsensk" (1936), de Dmitri Shostakóvich; y "Guerra y paz" (1946), de Serguéi Prokófiev. A nivel vanguardista, destacaron el expresionismo y el dodecafonismo: "Moisés y Aarón" (1926), de Arnold Schönberg; "Wozzeck" (1925) y "Lulú" (1935), de Alban Berg; "Jonny spielt auf" (1927), de Ernst Krenek. Más recientemente destaca la obra de Benjamin Britten, de gran valor dramático ("Peter Grimes", 1945; "El sueño de una noche de verano", 1961; "Muerte en Venecia", 1973). Otros exponentes son: Kurt Weill ("Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny", 1930), George Gershwin ("Porgy and Bess", 1935), Paul Hindemith ("Matías el pintor", 1938), Francis Poulenc ("Les mamelles de Tirésias", 1947), Gian Carlo Menotti ("La médium", 1946; "El teléfono", 1947; "El cónsul", 1950), Alberto Ginastera ("Bomarzo", 1967), etc.


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text: También ha tenido mucha importancia la música popular, que ha generado diversos estilos musicales como el "jazz", el "soul", el "blues", el "rock", el pop, el "heavy", el "punk", el "reggae", el "rap", el "ska", etc. En el sigloXX también han tenido un gran auge los espectáculos musicales, como el "cabaret" y el "music hall", al tiempo que ha cobrado un creciente protagonismo la banda sonora cinematográfica (John Williams, Ennio Morricone, Henry Mancini, Andrew Lloyd Webber, Leonard Bernstein, Maurice Jarre, Vangelis, Nino Rota). El aspecto consumista de la civilización actual, la aparición de nuevas tipologías (radio, hilo musical, video-clip) y la introducción de nuevos soportes de grabación musical (disco de vinilo, casete, disco compacto, formatos informáticos de audio, mp3) han favorecido la popularización de la música, que se ha convertido en un aspecto indispensable del ocio moderno, con la proliferación de conciertos y recitales, y auténticos fenómenos de masas en torno a diversos grupos e intérpretes (Elvis Presley, The Beatles, Rolling Stones, Bob Dylan, Bruce Springsteen, Michael Jackson, Madonna, etc.). En los últimos tiempos, la industria discográfica ha sufrido un progresivo declive debido a las descargas ilegales en internet, hecho que ha generado una fuerte controversia que aún perdura.


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text: La danza contemporánea se inició nuevamente con el liderazgo del ballet ruso adquirido a finales del sigloXIX: Mihail Fokin dio más importancia a la expresión sobre la técnica; su obra "Chopiniana" (1907) inauguraría el «ballet atmosférico» —sólo danza, sin hilo argumental—. Sergéi Diágilev fue el artífice del gran triunfo de los "Ballets Rusos" en París, introduciendo la danza en las corrientes de vanguardia: su primer gran éxito lo obtuvo con las "Danzas polovtsianas" de "El Príncipe Igor" de Borodin (1909), al que siguieron "El pájaro de fuego" (1910), "Petrushka" (1911) y "La consagración de la primavera" (1913), de Stravinski; por último, "Parade" (1917) fue un hito dentro de la vanguardia, con música de Erik Satie, coreografía de Léonide Massine, libreto de Jean Cocteau y decorados de Pablo Picasso. En el grupo de Diágilev destacaron los bailarines Vaslav Nijinsky, Anna Pavlova y Tamara Karsavina. Con la Revolución soviética el ballet ruso pasó a ser un instrumento de propaganda política, perdiendo gran parte de su creatividad, aunque surgieron grandes bailarines como Rudolf Nureyev y Mihail Baryshnikov, y se produjeron obras memorables como "Romeo y Julieta" (1935) y "Cenicienta" (1945), de Prokofiev, y "Espartaco" (1957), de Aram Jachaturián. También alcanzó notoriedad el sistema pedagógico ideado por Agrippina Vagánova.


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text: La danza expresionista supuso una ruptura con el ballet clásico, buscando nuevas formas de expresión basadas en la libertad del gesto corporal, liberado de las ataduras de la métrica y el ritmo, donde cobra mayor relevancia la autoexpresión corporal y la relación con el espacio. Su principal teórico fue el coreógrafo Rudolf von Laban, quien creó un sistema que pretendía integrar cuerpo y alma, poniendo énfasis en la energía que emanan los cuerpos, y analizando el movimiento y su relación con el espacio. Este nuevo concepto quedaría plasmado con la bailarina Mary Wigman. De forma independiente, la gran figura de principios de siglo fue Isadora Duncan, que introdujo una nueva forma de bailar, inspirada en ideales griegos, más abierta a la improvisación, a la espontaneidad.


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text: En el período de entreguerras destacaron las escuelas francesa y británica, así como el despuntar de los Estados Unidos. En Francia, el Ballet de la Ópera de París volvió al esplendor de la era romántica, gracias sobre todo a la labor de Serge Lifar, Roland Petit y Maurice Béjart. En Gran Bretaña destacaron figuras como Marie Rambert, Ninette de Valois, Frederick Ashton, Antony Tudor, Kenneth MacMillan, Margot Fonteyn, etc. En Estados Unidos, donde había escasa tradición, se consiguió en poco tiempo llegar a un alto nivel de creatividad y profesionalización, gracias en primer lugar a pioneras como Ruth Saint Denis, Martha Graham, Doris Humphrey y Agnes De Mille. El ruso George Balanchine —surgido de la compañía de Diágilev— se instaló allí en 1934, donde fundó la School of American Ballet, y produjo espectáculos que lo renombraron como uno de los mejores coreógrafos del siglo. En los años 1950 y 1960 destacó la actividad innovadora de Merce Cunningham que, influido por el expresionismo abstracto y la música aleatoria de John Cage, introdujo la danza basada en la casualidad, el caos, la aleatoriedad ("chance choreography"). Otro gran hito de la época fue el "West Side Story" (1957) de Jerome Robbins.


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text: Con Paul Taylor la danza entró en el ámbito de la posmodernidad, con un manifiesto inicial en su "Duet" (1957), donde permanecía inmóvil junto a un pianista que "no" tocaba el piano. La danza posmoderna introdujo lo corriente y lo cotidiano, los cuerpos ordinarios frente a los estilizados de los bailarines clásicos, con una mezcolanza de estilos e influencias, desde las orientales hasta las folclóricas, incorporando incluso movimientos de aerobic y kickboxing. Otros coreógrafos posmodernos fueron Glen Tetley, Alvin Ailey y Twyla Tharp. En las últimas décadas del siglo destacaron coreógrafos como William Forsythe y Mark Morris, así como la escuela holandesa, representada por Jiří Kylián y Hans van Manen, y donde también se formó el español Nacho Duato. A nivel de bailes populares, en el sigloXX ha existido una gran diversidad de estilos, entre los que se puede remarcar: foxtrot, charlestón, claqué, chachachá, tango, bolero, pasodoble, rumba, samba, conga, merengue, salsa, "twist", "rock and roll", "moonwalk", "hustle", "break dance", etc.


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text: En el siglo XX se extendió notablemente el uso de la fotografía, ya que las continuas mejoras técnicas en cámaras portátiles permitían un uso generalizado de esta técnica a nivel amateur. Su presencia fue esencial en revistas y periódicos, asumiendo los medios de comunicación de masas un papel preponderante en la cultura visual del sigloXX. Durante la Primera Guerra Mundial y la siguiente posguerra nació el periodismo fotográfico, originalmente en Alemania, con revistas como "Berliner Illustrierte Zeitung" y "Münchner Illustrierte Presse", destacando la obra de Erich Salomon y Stefan Lorant, creador del «reportaje fotográfico». Pronto esta forma de fotoperiodismo se expandió por todo el mundo, propiciada por la aparición de una nueva cámara —la Leica (1925)— con objetivos intercambiables y rollos de 36 tomas. En 1947 apareció la Polaroid, de película instantánea. En el sigloXX la fotografía también ha estado muy unida a la moda y la publicidad.


title: Historia del arte

text: La fotografía se integró plenamente a los movimientos de vanguardia: así, los fotógrafos expresionistas alemanes (August Sander, Karl Blossfeldt, Albert Renger-Patzsch) crearon un tipo de fotografía basada en la nitidez de la imagen y la utilización de la luz como medio expresivo, modelando las formas y destacando las texturas. Este tipo de fotografía tuvo una importante resonancia internacional, generando movimientos paralelos como la "photographie pure" francesa y la "straight photography" estadounidense. El futurismo italiano estuvo ligado a la fotografía en movimiento (fotodinamismo), representado por Anton Giulio Bragaglia. En Gran Bretaña surgió el vorticismo, ligado al cubismo, destacando Alvin Langdon Coburn. Con la Revolución soviética, en Rusia se impuso el realismo socialista, con la figura predominante de Aleksandr Rodchenko. En Estados Unidos, Alfred Stieglitz fundó la "Photo-Secession", que mostró la vida urbana con una emotividad artística, y se vinculó a movimientos como el dadaísmo. En este último destacó Man Ray, que llegó a hacer fotografías sin cámara, poniendo objetos sobre la película y exponiéndolos unos segundos a la luz, creando imágenes ambiguas entre la figuración y la abstracción. Otra innovación del dadaísmo fue el fotomontaje, como los elaborados por John Heartfield y Hannah Höch. Por último, el surrealismo introdujo en fotografía el mundo del inconsciente, de los sueños, las imágenes oníricas (Eugène Atget, Jacques-André Boiffard, Raoul Ubac).


title: Historia del arte

text: En el período de entreguerras surgieron una serie de fotógrafos que retrataron la crudeza de la realidad circundante, especialmente tras la crisis económica de 1929, como es el caso de Lewis Hine, Margaret Bourke-White y Dorothea Lange. Desde la Segunda Guerra Mundial la fotografía ha seguido unida al periodismo —especialmente con el auge de agencias como Magnum—, así como a la fotografía documental, predominando el realismo fotográfico. También ha estado fuertemente vinculada a las últimas tendencias artísticas, especialmente el "pop art", el hiperrealismo y el arte conceptual. Entre los más afamados fotógrafos de este siglo destacan: Werner Bischof, Brassaï, René Burri, Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Agustí Centelles, Imogen Cunningham, Robert Doisneau, Robert Frank, Raoul Hausmann, André Kertész, William Klein, Alberto Korda, Jacques-Henri Lartigue, Annie Leibovitz, Dora Maar, Inge Morath, Helmut Newton, Irving Penn, Joe Rosenthal, Sebastião Salgado, Jeanloup Sieff, William Eugene Smith, Emmanuel Sougez, Otto Steinert, Gerda Taro, Spencer Tunick, Edward Weston, etc. Desde 1990, fecha de aparición de la fotografía digital, la creación fotográfica se ha vinculado fuertemente a las nuevas tecnologías, preferentemente en el diseño por ordenador y los programas de retoque fotográfico, como Photoshop.


title: Historia del arte

text: Una de las grandes revoluciones artísticas y audiovisuales del sigloXX ha sido el cine: a partir de la invención del cinematógrafo en 1895 por los hermanos Lumière, el cine ha tenido una rápida evolución tanto artística como tecnológica que lo ha convertido en un auténtico fenómeno de masas, siendo rápidamente considerado como el «séptimo arte». El cine es quizá uno de los medios artísticos más completos, ya que aúna imagen con sonido, guion literario, interpretación, decorados, maquillaje, vestuario, etc. Además introduce una nueva dimensión, el tiempo, la sucesión cronológica de los hechos, donde cobra un papel relevante el montaje. En sus inicios el cine era mudo, sin sonido, hecho que no impidió la creación de una auténtica gramática visual que aportó la base principal de la narración cinematográfica. Con la incorporación de elementos tomados del teatro como los decorados y los efectos especiales —proceso iniciado por Georges Méliès—, el cine alcanzó un grado de auténtica artisticidad. De carácter netamente industrial en cuanto a su aspecto productivo, el cine tuvo una primera y rápida implantación en Estados Unidos, donde se forjó una poderosa industria cinematográfica que cristalizaría en Hollywood. Allí surgieron algunos de los primeros genios del cine: Edwin S. Porter, primero en rodar escenas plano-contraplano; David Wark Griffith, que introdujo el montaje narrativo y los efectos de luz; y Charles Chaplin, que aparte de ser iniciador del "star system" hollywoodiense, fue pionero en numerosos aspectos interpretativos y argumentales, como los géneros y los personajes arquetipo, además de introducir la psicología en la interpretación. Los siguientes pasos del cine van en paralelo a las vanguardias artísticas de la época: el cine expresionista alemán introdujo un estilo subjetivista que ofrecía en imágenes una deformación expresiva de la realidad, traducida en términos dramáticos mediante la distorsión de decorados y maquillajes, así como efectos de luz, y la consiguiente recreación de atmósferas terroríficas o, cuando menos, inquietantes. Cabe destacar a Robert Wiene, Friedrich Wilhelm Murnau, Fritz Lang, Georg Wilhelm Pabst, Josef von Sternberg y Ernst Lubitsch. En Francia, tuvieron reflejo cinematográfico tanto el impresionismo como el surrealismo: el primero se tradujo en obras de elevado contenido intelectual y moral, de temática refinada y gran simplicidad estilística, y un naturalismo contrapuesto a la artificiosidad expresionista, con recursos como el "flou" y el "flashback"; estuvo representado por Louis Delluc, Abel Gance y Jean Epstein. El cine surrealista fue un fiel reflejo del carácter onírico de esta corriente, con obras donde predominaba una cierta atmósfera de ensueño, de delirio, sino de locura; fueron sus mejores representantes Salvador Dalí y Luis Buñuel. El cubismo también tuvo su reflejo en la experimentación rítmico-plástica del "Ballet mecánico" (1924) de Fernand Léger. Se llegaron incluso a realizar algunos filmes abstractos, obra de directores como Viking Eggeling ("Sinfonía Diagonal", 1921), Hans Richter ("Rythmus", 1921), Oskar Fischinger ("Composición en azul", 1927) y Germaine Dulac ("Arabesque", 1930). Uno de los grandes aportes al cine mudo fue el del cine soviético: conscientes del valor divulgativo del nuevo arte, los líderes revolucionarios rusos fomentaron la industria cinematográfica, que alcanzaría cotas elevadas con la obra de Sergei Eisenstein, Lev Kuleshov, Dziga Vertov, Vsevolod Pudovkin, Aleksandr Dovzhenko, etc. Es un cine que aúna pureza visual con elegancia estética, renovando el lenguaje cinematográfico a través del montaje, con el que consiguen metáforas visuales de gran impacto y calidad, con un gran componente de introspección psicológica y expresión sentimental.


title: Historia del arte

text: En 1926 se introdujo el sonido, con la película "Don Juan", a la que siguió al año siguiente "El cantante de jazz", ambas de Alan Crosland. Esta nueva particularidad comportó por una parte la mejora de los guiones, que podían ser más ricos en diálogos —lo que llevó a nuevos registros interpretativos por parte de los actores— y, por otro lado, la introducción de la música, que sería primordial para acompañar numerosas escenas. El siguiente avance tecnológico fue la introducción del color en 1935 con "La feria de la vanidad", de Rouben Mamoulian. Fue esta la época dorada del cine estadounidense, con directores como King Vidor, Frank Capra, John Ford, William Wyler, Elia Kazan, George Cukor, Billy Wilder, Cecil B. DeMille, Howard Hawks, Alfred Hitchcock, Michael Curtiz, Raoul Walsh, Orson Welles, etc. En Europa, se sucedieron en esos años diversos movimientos de gran relevancia: en Francia apareció el «naturalismo poético», caracterizado por la simbiosis entre el realismo descriptivo y el lenguaje poético, representado por Jean Vigo, René Clair y Jean Renoir; y la "nouvelle vague", influida por el existencialismo, de signo antiintelectual, surgiendo el llamado «cine de autor» (Claude Chabrol, François Truffaut, Alain Resnais, Jean-Luc Godard). En Italia surgió el neorrealismo, que se nutrió de la estricta realidad, con obras de denuncia social realizadas generalmente en ambientes obreros y rurales; destacan Luchino Visconti, Roberto Rossellini, Vittorio de Sica, Federico Fellini y Pier Paolo Pasolini. En Gran Bretaña se produjo el "Free cinema", caracterizado por una estética realista y temáticas de compromiso social (Lindsay Anderson, Tony Richardson, Karel Reisz). Despuntó el cine nórdico con la obra de Carl Theodor Dreyer, Ingmar Bergman y Victor Sjöström. En España se produjeron las primeras obras de importancia de la mano de Luis García Berlanga, Juan Antonio Bardem, Carlos Saura, etc. A mediados de siglo empezaron a cobrar importancia las cinematografías de países no occidentales, que aportarían nuevas formas de entender el cine y una mayor frescura tanto en temáticas como en particularidades estéticas. En Brasil se produjo una escuela ("cinema nôvo") que aglutinaba el legado folclórico con la denuncia social: Glauber Rocha, Nelson Pereira dos Santos, Ruy Guerra, Vítor Lima Barreto. En Cuba el impulso revolucionario favoreció la creación de una industria de signo documentalista pero gran calidad estética (Humberto Solás, Tomás Gutiérrez Alea). También despuntaron las cinematografías mexicana (Juan Bustillo Oro, Emilio Fernández) y argentina (Hugo del Carril, Leopoldo Torre Nilsson, Mario Soffici). En Japón se aunó la moderna tecnología con la temática tradicional, con un particular sentido estético que otorgaba gran importancia a la lírica visual (Akira Kurosawa, Kenji Mizoguchi, Nagisa Ōshima). Otras cinematografías emergentes son la africana y la islámica (especialmente en Irán con Abbas Kiarostami). En la India se ha generado una fuerte industria cinematográfica que se ha denominado Bollywood —emulando la meca del cine estadounidense pero con B, por Bombay—, con preferencia por el tema mitológico y la presencia de música y danza tradicionales, destacando Satyajit Ray, Raj Kapoor, Farah Khan y Sanjay Leela Bhansali.


title: Historia del arte

text: En las últimas décadas del siglo XX la producción cinematográfica ha oscilado entre el cine comercial y el cine artístico, siendo de remarcar la obra de directores como Woody Allen, Pedro Almodóvar, Adolfo Aristarain, Bernardo Bertolucci, Tim Burton, Mario Camus, Francis Ford Coppola, Constantin Costa-Gavras, Brian De Palma, Clint Eastwood, Miloš Forman, José Luis Garci, John Huston, Stanley Kubrick, Ang Lee, David Lynch, George Lucas, Joseph L. Mankiewicz, Vincente Minnelli, Max Ophüls, Roman Polanski, Sydney Pollack, Otto Preminger, Carol Reed, Arturo Ripstein, Martin Scorsese, Ridley Scott, Steven Spielberg, Oliver Stone, Andréi Tarkovski, Guillermo del Toro, Fernando Trueba, Andrzej Wajda, Wim Wenders, Zhang Yimou, Franco Zeffirelli, Fred Zinnemann, etc. Uno de los últimos movimientos cinematográficos ha sido Dogma 95 (Lars von Trier, Søren Kragh-Jacobsen), cine ascético y libre, en localizaciones exteriores, sin decorados ni más luz que la natural, con sonido directo y color, sin trucajes, géneros ni acción superficial.


title: Historia del arte

text: La historieta —o cómic— es una narración ilustrada por medio de viñetas, que presenta imágenes y —opcionalmente— texto (insertado a través de los llamados «bocadillos» para diálogos, y «cartuchos» para texto al pie de imagen), narrando una historia en sentido argumental y cronológico. Basado en la reproducción en serie, apareció por primera vez en periódicos y revistas, para cobrar autonomía propia en ediciones independientes. Tiene pues su origen en los medios de comunicación de masas aparecidos a finales del sigloXIX y principios del XX. Se suele considerar como primera historieta la de "The Yellow Kid", de Richard Felton Outcault, aparecida en 1896 en el diario "New York World" (la camisa amarilla del personaje dio nombre a la llamada «prensa amarilla»). En 1905 apareció "Little Nemo in Slumberland", de Winsor McCay, que elevó la historieta a grandes cotas artísticas, destacando por su fantasía y creatividad. Posteriormente destacaron Rudolph Dirks, George Herriman, George McManus, etc.


title: Historia del arte

text: Pasada la Primera Guerra Mundial aparecieron los primeros "comic-books" o revistas de historietas, y comenzó la relación del cine con la historieta, que se influyeron mutuamente, destacando la obra de Walt Disney, cuyas películas de dibujos animados se convertirían en auténticos clásicos. En los años 1930 aparecieron algunos de los personajes y autores más reconocidos del mundo de la historieta: "Buck Rogers" de Dick Calkins (1929), Hergé y su "Tintín" (1930), Chester Gould y "Dick Tracy" (1931), Alex Raymond con "Flash Gordon" (1933), "Terry y los piratas" de Milton Caniff (1934), Burne Hogarth y "Tarzán" (1936), Harold Foster con "Príncipe Valiente" (1937), etc. Un gran filón para el cómic fueron los superhéroes, con figuras míticas como Superman (1938), Batman (1939) o el Capitán América (1941).


title: Historia del arte

text: La edad de oro de la historieta fue en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial (1945-1960): en la prensa se impuso la llamada "daily strip" («tira diaria»), con personajes como "Nancy" (1938) de Ernie Bushmiller, "Pogo" (1948) de Walt Kelly, y "Peanuts" (1950) de Charles Schulz, con su mundialmente famoso Snoopy; en el comic-book se alcanzó una gran variedad temática, triunfando los de ciencia ficción, aventuras, terror, romance y western. En esta época aparecieron personajes como "Lucky Luke" de Morris (1946), "Los pitufos" de Peyo (1958), "Astérix el Galo" de Goscinny y Uderzo (1960), etc. Continuó el éxito de los superhéroes, con "Los 4 Fantásticos" (1961) y "Spiderman" (1962), destacando la obra de Stan Lee, Jack Kirby y el sello Marvel. En España, descuella la obra de Francisco Ibáñez, con personajes como "Mortadelo y Filemón" (1958).


title: Historia del arte

text: Entre los años 1960 y 1980 hubo una gran diversificación del medio, con una nueva sensibilidad donde predominaba la estética y el sello de calidad, y comenzaron a abundar los títulos dirigidos a un público más adulto. Destacan personajes como "Barbarella" (1962), "Blueberry" (1963), "Mafalda" de Quino (1964), "Valentina" (1965), el "Corto Maltés" de Hugo Pratt (1967), "Conan" de Roy Thomas y John Buscema (1970), etc. Surgió el cómic erótico (Guido Crepax, Milo Manara), la historieta de autor (Jacques Tardi, Carlos Giménez, Enki Bilal, Vittorio Giardino), y sellos más vanguardistas, como "Métal Hurlant" de Moebius. Desde los años 1980 ha tenido gran éxito el manga japonés, caracterizado por largas epopeyas de gran dinamismo, con abundantes efectos sonoros. Aunque su inicio se vincula a la revista "Manga Shōnen" (1947), de Osamu Tezuka, sería a finales de los 1980 cuando alcanzaría su mayor repercusión, con "Akira" de Katsuhiro Otomo (1982-93) y "Dragon Ball" de Akira Toriyama (1984-95). Por último, las nuevas tecnologías han supuesto grandes innovaciones para la historieta, como el webcómic en internet.


title: Historia del arte

text: En el sigloXX ha adquirido gran auge el arte efímero, que por su carácter perecedero y transitorio no deja una obra perdurable, o si la deja —como sería el caso de la moda— ya no es representativa del momento en que fue creada. En estas expresiones es decisivo el criterio del gusto social, que es el que marca las tendencias, para lo cual es imprescindible la labor de los medios de comunicación.


title: Hämeenlinna

text: Hämeenlinna (en sueco: "Tavastehus") fue la capital administrativa de la provincia de Finlandia del Sur hasta 2009 y contaba con 46.914 habitantes (2004). Está situada a 100 kilómetros al norte de Helsinki, la capital finlandesa, y a 73 kilómetros al sur de Tampere, la segunda ciudad del país. La ciudad debe su nombre al castillo (en finés "linna") llamado Castillo de Häme, que data del siglo XIII. Hämeenlinna fue la primera población finlandesa situada en el interior del país que consiguió, en 1639, la categoría de ciudad.


title: Profesor

text: Profesor, docente o enseñante es quien se dedica profesionalmente a la enseñanza, ya sea con carácter general o especializado en una determinada área de conocimiento, asignatura, disciplina académica, ciencia o arte. Además de la transmisión de valores, técnicas y conocimientos generales o específicos de la materia que enseña, parte de la función pedagógica del profesor consiste en facilitar el aprendizaje para que el alumno (estudiante o discente) lo alcance de la mejor manera posible.


title: Profesor

text: Bajo un modelo educativo basado en la teoría conductista, el alumno es un ente pasivo, mientras que en un modelo educativo basado en otras teorías como el cognitivismo y la teoría social, tanto el profesor como el alumno son agentes activos del proceso de enseñanza-aprendizaje. Paralelamente a las funciones docentes, los profesores suelen realizar funciones de investigación (especialmente en el ámbito universitario), de formación permanente (formación del profesorado) y tareas organizativas o directivas en los centros docentes. Una de esas funciones es la denominada función tutorial,que ejerce el profesorado en su función formativa y orientadora. En el caso de la enseñanza primaria y secundaria se centra en los alumnos y sus familias (cuando es realizada por profesores especializados en este ámbito se denomina y en el caso de la enseñanza superior consiste en la dirección de las actividades de investigación a cargo de los estudiantes, como las tesis doctorales (en algunos casos se da la figura del mentor).


title: Profesor

text: "Profesor" procede del latín "professor" (el que "profesa" como experto en algún arte o ciencia, el maestro de mayor rango), que a su vez procede del verbo latino "profiteri" ("declarar pública y voluntariamente", de forma similar al que "profesa" en una orden religiosa, proclamando sus votos y convirtiéndose en "profeso" —"professus"—). "Docente" procede del latín "docentem", participio presente de "docere" ("enseñar"); compartiendo origen con la palabra "doctor". La palabra Docente se refiere a un especialista en dos saberes, de ahí "Docente = Dos Conocimientos". Un conocimiento areal específico y un conocimiento pedagógico. De esta manera, un Docente es alguien preparado tanto en un área de conocimiento específico como así también en Pedagogía, de manera que sea capaz de promover el proceso de enseñanza y aprendizaje. Ejemplo: Docente en Informática. Este conoce tanto de Ciencias de la Computación como así también de Pedagogía de manera que le permite enseñar a otros.


title: Profesor

text: "Enseñante" procede del verbo "enseñar", que a su vez procede del latín "insignare" ("señalar"). Las acepciones de "enseñar", según el DRAE son: "Instruir, doctrinar, amaestrar con reglas o preceptos. / Dar advertencia, ejemplo o escarmiento que sirva de experiencia y guía para obrar en lo sucesivo. / Indicar, dar señas de algo. / Mostrar o exponer algo, para que sea visto y apreciado. / Dejar aparecer, dejar ver algo involuntariamente.


title: Profesor

text: En idioma español recibe el nombre de profesores, los enseñantes de todos los niveles de la enseñanza: la educación infantil, la educación primaria, la educación secundaria y la educación superior. Dependiendo de las distintas legislaciones educativas (que establecen distintas categorías y cuerpos docentes) y el uso local, reciben otras denominaciones, como la de maestro, o diferentes rangos administrativos y académicos (catedrático de universidad, catedrático de Bachillerato, catedrático de Enseñanza Secundaria, profesor titular, profesor agregado, profesor ayudante, profesor visitante, profesor asociado, profesor numerario, profesor no numerario -PNN-, profesor interino, profesor emérito). En los sistemas universitarios anglosajones y nor-europeos (Estados Unidos, Reino Unido, Alemania) se denomina "profesor" exclusivamente a los académicos con posiciones permanentes que enseñan e investigan a nivel universitario (generalmente con títulos de doctorado); utilizándose las expresiones inglesas "Assistant Professor, Associate Professor, Full Professor, Research Professor," "Professor", "Chair", "Regius Professor", "Lecturer", "Fellow Professor", las alemanas "Professor", "Juniorprofessor", "Juniordozent", las francesas "Maître de conférence, Professeur Titulaire, Professeur des universités, Professeur émérite, agrégé, y Professeur des écoles," . Para posiciones de enseñanza de menor rango, se usan "maître assistant", equivalente a "Teaching Assistant".


title: Profesor

text: Profesor su principal tarea es dejar huella en el aprendizaje.


title: Profesor

text: Actualmente, una de las principales tareas y funciones del docente radica en apoyar a los estudiantes a “aprender a aprender” de manera autónoma,  promoviendo su desarrollo cognitivo y personal mediante estrategias  aplicadas  al aprovechamiento de los recursos y la información disponible. Por este motivo, el docente debe prepararse con una perspectiva multidisciplinaria, considerando aspectos propios de su disciplina, como también aspectos filosóficos, pedagógicos, didácticos, epistemológicos, tecnológicos, psicológicos, históricos y lingüísticos entre otros.


title: Profesor

text: El docente de este siglo, debe estar comprometido con su entorno social formado por los valores, el análisis, la reflexión y la construcción de conocimientos y saberes. Rescatando su alto prestigio, el docente debe considerar un código de ética que le permita ser el responsable de construir en los individuos las concepciones de más alto valor social, sustentando valores como: la responsabilidad, la democracia, la justicia social, la tolerancia, la equidad, la solidaridad, la colaboración y la libertad.


title: Profesor

text: El docente debe ser consciente de la responsabilidad y compromiso que tiene de forma individual y a nivel social, reconociendo su papel como eje de transformación de generaciones y sociedades, una vez comprendida la responsabilidad podrán verse de forma clara las funciones para lograr la construcción de individuos reflexivos, críticos, humanistas y responsables.


title: Profesor

text: Por lo anterior, a continuación se presentan algunas funciones del profesor o docente del siglo XXI.


title: Profesor

text: 1. "Una función ética y social", que le permita tener valores, actitudes y otras pautas de conducta que lo apoyen en la vinculación de construcción de un marco de referencia normativo para los estudiantes, tomando en cuenta las necesidades de autorrealización de cada uno de los individuos en formación y de sus demandas de bienestar.


title: Profesor

text: 2. "Una función de gestor", que le permita gestionar el aprendizaje de sus  estudiantes, es decir, que los estudiantes pasen de una concepción  tradicional  de aprendizaje y por tanto memorística a otra más dinámica y significativa en la que ellos mismos desempeñen un papel activo y participativo.


title: Profesor

text: 3. "Una función técnica", que le permita incorporar de forma adecuada  el uso y manejo  de las herramientas tecnológicas.


title: Profesor

text: 4. "Una función didáctica", que le permita un buen saber hacer pedagógico relacionado con el uso de las TICs, es decir, conocer a fondo las estrategias cognitivas que el tratamiento eficaz de la información requiere, ayudando a sus estudiantes a reflexionar acerca de cómo mejorar su propio trabajo no solamente con el conocimiento mismo, sino con las tecnologías disponibles en cada momento para adquirirlo y consolidarlo.


title: Profesor

text: 5. "Una función interdisciplinaria", que le permita trabajar en colaboración con otros profesionistas con nexos educativos.


title: Profesor

text: El docente no solamente podrá ser responsable desde el aula cumpliendo con los objetivos planteados de la asignatura, del programa y del mismo curriculum oculto, sino que también podrá crear  un ambiente de confianza, respeto y tolerancia entre los estudiantes y él mismo, como con los mismos estudiantes que a su vez  se trasladarán  a la comunidad.


title: Profesor

text: Es menester, ver a la práctica docente como una gran oportunidad que nos permite generar cambios, innovando en los ambientes de enseñanza y aprendizaje, en la creación de materiales didácticos, y en las metodologías para el desempeño de una buena práctica.


title: Profesor

text: A sugerencia de la Unesco, el Día Mundial de los Docentes se celebra el 5 de octubre.


title: Profesor

text: En América el 11 de septiembre se conmemora el "Día Panamericano del Maestro", recordando el fallecimiento de Domingo Faustino Sarmiento, en el año 1888.Chehaybar y Kuri, Edith (Coord.). Hacía el futuro de la formación docente en la educación superior.  Colección Educación Superior Contemporánea Serie Mayor. Editorial UNAM. México, 1999.


title: Profesor

text: Sevillano, Ma. Luisa (Coord.) Nuevas tecnologías, medios de comunicación y educación. Formación inicial y permanente del profesorado. Editorial CCS.  Madrid, 2002.


title: Élisée Reclus

text: Jacques Élisée Reclus, más conocido como Élisée Reclus (Sainte Foy la Grande, Gironda, Francia, 15 de marzo de 1830-Torhout, Bélgica, 4 de julio de 1905), también conocido como Eliseo Reclus, fue un geógrafo francés, miembro anarquista de la Primera Internacional, creador de la Geografía social. Sus innumerables trabajos sobre geografía humana y geografía económica están entre los mejor elaborados en la historia de estas ciencias. Segundo de una familia de catorce hijos de un pastor protestante, cuya madre descendía en línea directa de Enrique I de Inglaterra. Los hermanos de Élisée alcanzaron también gran notoriedad: Élie, el mayor, mitólogo y etnólogo, profesor de religiones comparadas en la Universidad Libre de Bruselas; Onésime, geógrafo experto en África; Paul Reclus, notable cirujano, profesor de la Facultad de Medicina de París, Armand, oficial de la Marina francesa, explorador de la zona del Darién y uno de los padres del proyecto del canal de Panamá.


title: Élisée Reclus

text: En 1842, cuando Élisée tenía doce años, abandonó la casa paterna con su hermano mayor Élie para ganarse el pan y conocer el mundo, dirigiéndose a Alemania, donde encontraron en Neuwied (provincias renanas) un puesto en el colegio dirigido por los hermanos moravos. La estadía en ese establecimiento, más bien lánguida, les permite familiarizarse con el alemán y otros idiomas. Los Reclus conocen en ese internado al futuro novelista británico George Meredith. Cuando Élisée regresa a Francia en 1847, se matricula, por indicación de su padre, en la Facultad de Teología de Montauban. En 1848 estalla la revolución en París, acontecimiento que cambia la orientación intelectual de Élisée, que a sus lecturas habituales añade ahora las de Henri de Saint-Simon, Charles Fourier, Auguste Comte. Élie y Élisée se escapan del colegio con otros compañeros, recorriendo las provincias francesas del Mediterráneo, donde se mezclan en agitaciones populares de un marcado carácter socialista. Entonces el padre, que no pierde las esperanzas de contar con otro pastor en la familia, decide enviar a Élisée a estudiar teología a la Universidad de Berlín. Pero ya es tarde. Ha de resignarse a la evidencia de la transformación de su hijo, que desdeña ahora la teología. Élisée cambia las Escrituras por las clases de Carl Ritter, catedrático de geografía de la Universidad de Berlín, autor de "La geografía en sus relaciones con la naturaleza y la historia del hombre", obra inconclusa en diez tomos, publicada entre 1822 y 1859, uno de los trabajos fundamentales de la geografía comparada que, en cierta manera, sería complementado más tarde por la "Geografía universal" de "'Élisée Reclus", al incluir estudios de Europa, América y Oceanía.


title: Élisée Reclus

text: En 1851 Élisée y Élie vuelven a Francia, a Orthez, a la casa paterna. En diciembre de ese año se produce el golpe de Estado de Luis Napoleón, presidente de la República, quien ocupa el trono imperial como Napoleón III. La muerte de la joven República suscita olas de protesta y un levantamiento armado en la capital y en las provincias. Mientras Víctor Hugo encabeza la insurrección en París, en Orthez, Élie y Élisée Reclus fracasan en su intento de tomarse el ayuntamiento. El gobierno ordena la deportación de los insurrectos. El 1 de enero de 1852, los dos abandonan Francia. Se instalan en Londres, donde aspiran a desempeñarse como maestros. No lo consiguen, y marchan a Irlanda donde subsisten como peones agrícolas.


title: Élisée Reclus

text: A los 22 años, Élisée Reclus se embarca como ayudante de cocina en el John Howell, velero de tres mástiles que zarpa de Valentia con destino a Nueva Orleans, donde consigue empleo de preceptor en casa de los Fortier, propietarios de extensas plantaciones. Entonces descubre la tragedia de la esclavitud. Su capacidad de análisis y su indignación compasiva le permiten escribir "La esclavitud en los Estados Unidos", serie de artículos publicados por la Revista de dos Mundos en 1860, cuando se inicia la guerra de Secesión. Impelido por su deseo de conocer nuevas tierras, recorre varios países de América Latina y en 1855 llega a la Nueva Granada. En 1867 se afilia a la Internacional de Trabajadores.


title: Élisée Reclus

text: La casa de la calle Feuillantines N.º 71 en París, donde viven Élie, Élisée y Clarisse, su compañera, es centro de reunión semanal de anarquistas y emigrados rusos, polacos, españoles. En 1868 aparece el estudio de Élisée sobre los continentes, que constituye el primer volumen de "La Tierra", y luego sus libros "Historia de un arroyo" e "Historia de una montaña", ejemplos clásicos de geografía viviente. En Francia y en el extranjero, se afianza su fama como geógrafo. Clarisse, hija de senegalesa y de un capitán de la Marina Mercante de Sainte-Fay, muere el 28 de febrero de 1869.


title: Élisée Reclus

text: La guerra Franco-Prusiana estalla en 1870 y Élisée, unido ahora a Fanny Lherminez, ingresa en la Guardia Nacional. Nadar y Reclus crean un servicio de correo postal con globos (con personas y palomas mensajeras a bordo), que tanto alivia el sitio de París. Después de la firma del armisticio con Prusia, con la capital aún sitiada, es proclamada la Comuna de París, en la que Reclus participa. Reclus aboga por la conciliación en un artículo escrito para "El Grito del Pueblo", diario de Jules Vallés. En una salida de las tropas "federadas" (Guardia Nacional), a las cuales se había unido como voluntario, es hecho prisionero por las tropas de Versalles en la explanada de Châtillon.


title: Élisée Reclus

text: Detenido, soporta meses de incertidumbre, hasta que el 15 de noviembre de 1871 es sometido a un consejo de guerra en Saint-Germain-en-Laye, que lo condena a deportación perpetua. Tanto en Brest como en Quélern, prisiones a las que es sucesivamente trasladado, hace gala de admirable entereza. Corrige en las mazmorras las pruebas del segundo volumen de "La Tierra" y organiza cursos de geografía e inglés para los presos que van a ser deportados a Nueva Caledonia. Élie, que durante La Comuna dirige la Biblioteca Nacional, luego de la derrota debe huir para salvar la vida.


title: Élisée Reclus

text: Gracias a la intervención de algunos europeos notables pertenecientes al mundo de la ciencia y de las letras, la sentencia de deportación perpetua es conmutada por diez años de destierro. Entre ellos se encuentra Charles Darwin. Reclus permanece en Suiza desde 1872 hasta 1890. Fanny Lherminez muere en Lugano en 1874 y Élisée, que soporta mal la soledad, se une a la botánica y entomologista Ermance Trignant-Beaumont. Los de Suiza son años de intenso trabajo y en su nueva esposa encuentra una colaboradora invalorable. En 1872 firma con la casa Hachette un contrato para la redacción y publicación de la "Nueva geografía universal": 19 tomos de 800 a 900 páginas cada uno, mil grabados y cuatro mil mapas, obra que se editaría primero en fascículos de 16 páginas. Reclus emplea veinte años en concluirla. Por su trabajo recibe 600 francos mensuales, más dos céntimos por cada fascículo vendido.


title: Élisée Reclus

text: En 1877 conoce a Piotr Kropotkin. El anarquista ruso era también geógrafo y sus trabajos científicos despiertan todavía hoy gran interés. Élisée Reclus muere en Torhout (Bélgica) el 4 de julio de 1905. Se había trasladado a ese país por invitación de la Universidad de Bruselas para dictar un curso de geografía. Diferencias insalvables con las directivas motivaron que el curso no se realizara allí sino en la Universidad Nueva (conocida también como Instituto de Altos Estudios y Universidad Libre), fundada por el propio Reclus y por Guillermo de Greet, para dictar en ella sus clases.


title: Élisée Reclus

text: Reclus llegó a la República de la Nueva Granada en 1855 y la abandonó en 1857. El producto de su experiencia en este país fue su diario de viaje "Voyage à la Sierra Nevada de Sainte Marthe. Paysages de la nature tropicale," publicado en 1861. Según cuenta Reclus en su libro, un proyecto de explotación agrícola y el amor a los viajes le llevaron a América del Sur. Después de una permanencia de dos años en la Nueva Granada, volvió sin haber realizado sus planes de colonización y de exploración geográfica; sin embargo, y a pesar del mal resultado, el geógrafo deja manifiesta la felicidad que le produjo haber recorrido el país. Reclus es otro de los diferentes viajeros europeos que pisaron el país neogranadino, pero su visión sobre el mundo (desde una perspectiva social de la geografía, que lo ubica hoy como uno de los pioneros de dicho pensamiento) hace que sus viajes a América del Sur asuman un lugar distinguido entre las mentalidades de los viajeros que llegaban al continente desde Europa. Las reflexiones que realiza sobre las experiencias en América logran conservar una ideología que pretende resolver la problemática nacionalista vigente en la Europa de aquellos años con lo que él mismo llamaba "la reconciliación final". Dicha "reconciliación" fue pensada por Reclus como el punto definitivo que debía dar a todos los pueblos del mundo la libertad para vivir en una sola y misma nación. En uno de los pasajes del libro se puede leer: "Ese pueblo está compuesto de grupos aún aislados, que se comunican con gran trabajo a través de pantanos, selvas y cadenas de montañas, su estado social es aún muy imperfecto; sus elementos esparcidos están en la primera efervescencia de la juventud; pero está dotado de todas las fuerzas vitales que producen el éxito, porque él ha reunido coma en un haz las cualidades distintivas de las tres razas; descendiendo a la vez de los blancos de Europa, de los negros de Africa, de los indios de América, es más que los otros pueblos, el representante de la humanidad, que se ha reconciliado en él." Lo república neogranadina y sus vecinas son vistas por Reclus como hermanas aún débiles y pobres; pero que indudablemente logrará formarse "entre los imperios más poderosos del mundo". Reclus manifiesta una suerte de fe en el continente, expresando en el prólogo de su diario que "los que hablan con desprecio de la América Latina, y no ven en ella sino lo presa de los invasores anglo-sajones, no encontrarán algún día la suficiente elocuencia para cantar su gloria. Los aduladores se volverán en tropel hacia el sol naciente; séame permitido anticipármeles celebrando los primeros resplandores del albo." Así, la manera en que Reclus ve a América del Sur es como una gran tierra virgen, en soledad, joven, con todas las riquezas materiales para dar origen a la reconciliación entre la diversidad de los pueblos del mundo.


title: Élisée Reclus

text: Durante la primera parte de su itinerario, el recorrido es principalmente por las grandes ciudades portuarias de la Nueva Granada, Colon-Aspinwall, Porto Bello, Cartagena y Santa Marta, y por pequeños pueblos que sirven como puntos de tránsito entre estos poblados, como Sabanilla, La Ciénaga, Mamatoco, etc.  Al hacer un primer contacto con grandes referentes de un esplendoroso pasado colonial, Reclus no puede evitar sentir cierto sentimiento de decadencia, especialmente con la ciudad de Cartagena, que la percibe en ruinas. Anterior a Barranquilla, las otras ciudades no significaron mayor tiempo de estadía para Reclus, sino que avanzaba de acuerdo a la disponibilidad de embarcaciones.  Es significativo para él la experiencia en Barranquilla, que de acuerdo a cierto tipo de activismo comercial podía colocarla en una situación ventajosa con respecto a Cartagena. La entrada a Barranquilla constituye el inicio o la entrada del viajero al mundo de los pantanos, de las aguas putrefactas, los insectos y el hastío del trópico. Sin lugar a dudas, fue una mala experiencia para el autor, según manifiesta en su diario de viaje, llegando a considerar por un momento que iba a ser asesinado en cualquier momento los bogas. Así, contrario a otros viajeros, vemos en Reclus una persona paciente con estos, algo tolerante a sus innumerables siestas durante la travesía. Santa Marta, por otra parte, aparece retratada por él como una ciudad que huele a flores. Es una ciudad donde permanece mucho más tiempo y entra en contacto con los pobladores de la región. Una de las razones para explicar este comportamiento es que Santa Marta es la ciudad que abre las puertas a la Sierra Nevada, el lugar donde al autor tenía pensado realizar su propósito de colonización, razón por la cual estuvo mucho más tiempo residiendo ahí que en otros lugares, pues concentró más tiempo en actividades como exploración del terreno e indagación acerca del mundo de la Sierra.


title: Élisée Reclus

text: La otra cara en esta primera parte del viaje, es la de los pueblos intermedios; aquellos donde viven las poblaciones indígenas y negras, dedicadas a la pesca y al cultivo, y que son la base para nutrir los mercados locales de ciudades como Barranquilla o Santa Marta. Las visitas corresponden a Riohacha, región a la que dedica una descripción cultural de los indios goagiros, mercaderes y pastores indomables que se pueden identificar, por su ubicación y características, como indígenas wayú. En la región de La Guajira, Reclus visita el cabo de la Vela y Gallinas, descubriendo actividades de contrabando, además de hacer referencias a las aspiraciones imperiales de Simón Bolívar en dicha zona.


title: Santuario de San Miguel de Aralar

text: El santuario de San Miguel de Aralar se encuentra ubicado en la localidad de Huarte-Araquil, Navarra, España.


title: Santuario de San Miguel de Aralar

text: Desde el período final del Imperio Romano y, sobre todo, a partir de las noticias relativas a las apariciones de San Miguel en el Monte Gargano (), Roma () y Avranches (), el Occidente europeo contó con numerosos lugares de culto al arcángel. Muchos de ellos fueron erigidos en las alturas, donde se le atribuía el doble ministerio de taumaturgo y protector de los reinos cristianos. También en la evangelización de la tierra de los vascones la devoción a San Miguel tuvo su importancia y llegó a constituir, a partir del siglo X, uno de los cultos mayores impulsados por los reyes de Pamplona, junto al tributado a la Virgen María. Por eso, buena parte de las más antiguas iglesias y ermitas del reino se pusieron bajo la advocación del príncipe de la celestial milicia.


title: Santuario de San Miguel de Aralar

text: De estilo románico, la primera referencia data de 1032, aunque se supone que ya en el siglo IX existía un templo prerrománico. Tras un incendio en el siglo X, se restauró, ampliándolo con dos naves laterales. Visto desde el este, destaca de inmediato el triple ábside con el atrio-refugio adosado al sur y la cúpula coronando el conjunto. En el pasadizo que da acceso a la iglesia se encuentra una sobria portada formada por cuatro arcos de arista viva sobre imposta y pies derechos. Por aquí se pasa a un nártex o pórtico cerrado, cubierto con bóveda de cañón algo apuntado, de la misma anchura que el templo, con el que comunica por tres portadas, sencillas las laterales y más decorada la central.


title: Santuario de San Miguel de Aralar

text: La iglesia del santuario tiene tres naves casi de la misma altura. Está rematado por una cabecera de tres ábsides semicirculares, aunque la central desde fuera sea poligonal. Las tres naves están cubiertas por bóvedas de cañón y la cabecera por bóveda de horno.


title: Santuario de San Miguel de Aralar

text: Los pilares son de planta cruciforme, excepto uno que la tiene circular. No hay capiteles, sino que de una simple imposta arrancan las bóvedas de medio cañón y, en los ábsides, de cuarto de esfera. Carece de toda ornamentación escultórica que pueda distraer la contemplación de la piedra lisa en su función arquitectónica.


title: Santuario de San Miguel de Aralar

text: Antes de llegar a la capilla mayor nos encontramos con un pequeño santuario con cubierta a dos aguas, del siglo XII, situado sobre la gruta en la que, según la leyenda, se apareció el arcángel San Miguel. Este santuario alberga la imagen de San Miguel.


title: Santuario de San Miguel de Aralar

text: En el tramo anterior a la capilla mayor hay una linterna octogonal, siendo el foco de luz más importante del interior.


title: Santuario de San Miguel de Aralar

text: El retablo que preside la capilla mayor —en origen, un frontal de altar— es una de las obras maestras que alberga el santuario y el ejemplo más notable de la decoración preciosa del altar cristiano en época románica. Realizado, al parecer, en tiempos del rey Sancho VI el Sabio, a finales del siglo XII, se trata de un conjunto de cobre dorado y esmaltado, formado por 39 piezas de esmalte, placas y medallones, con adorno de pedrería semi-preciosa. El programa iconográfico representa a la Virgen con el Niño, los tetramorfos o símbolos de los cuatro evangelistas, los apóstoles, los reyes magos, la escena de la Anunciación del ángel a María y la figura de San José. Desde que hay constancia de la existencia de esta pieza, sólo ha salido del Santuario en tres ocasiones: en 1765 para ser limpiado en Pamplona (según reza la inscripción del mismo retablo), en 1979 por robo perpetrado por Erik "El belga", y en 2006 para ser exhibido temporalmente en una exposición en Pamplona.


title: Santuario de San Miguel de Aralar

text: Una hipótesis reciente lo supone un regalo de novios de Ricardo Corazón de León (oficialmente comprometido con Aélis de Francia desde 1169) para ratificar su compromiso matrimonial con Berenguela de Navarra, negociado en secreto con Sancho el Sabio entre 1185 y 1188. La propuesta tiene en cuenta, además del patronazgo que los primeros miembros de la dinastía Plantagenet ejercieron en la producción de esmaltes de Limoges la alegoría que implicaría la identificación realizada por Marie Madeleine Gauthier de la escena protagonizada por María y José como una representación de sus Esponsales (el ángel, que da la espalda a la Virgen, sería san Miguel sobre la cumbre de Aralar). Para ratificar esta idea se tiene en cuenta, además, la coincidencia de la vestimenta de San José y uno de los Reyes Magos con otras representaciones de los Plantagenet, que se supone característica de ellos.


title: Santuario de San Miguel de Aralar

text: La imagen titular del Santuario presenta una iconografía muy antigua y peculiar: en lugar de ser representado alanceando al demonio o pesando las almas en una balanza, como es habitual, aparece como el portador de la Santa Cruz, signo de la victoria de Cristo. En su inspiración debieron de influir textos bíblicos, patrísticos y litúrgicos que presentan a San Miguel como el signífero de Dios, el "alférez" de Cristo Rey. La actual efigie de San Miguel in Excelsis es un relicario de plata sobredorada realizado en 1756 para sustituir al anterior. Alberga en su interior los restos de la antigua imagen de madera y un "lignum crucis" o reliquia de la cruz de Cristo. El ángel es centro, también en nuestros días, de una de las corrientes devocionales más populares en tierras navarras y guipuzcoanas. De hecho, año tras año, esta venerada imagen abandona su Santuario el día de Pascua de Resurrección y permanece fuera de él por espacio de tres meses, tiempo en que visita cerca de 280 poblaciones de Navarra. En muchas de éstas la imagen del ángel y sus portadores se alojan en las casas de los miembros de la Hermandad de San Miguel, institución que agrupa a las familias que ofrecen este inestimable servicio. Un cuidado ritual regula la visita del arcángel y su cruz a cada pueblo: bendición de los campos con la imagen y proclamación de los Evangelios a los cuatro puntos cardinales, visita a los enfermos... Entra también en Guipúzcoa el segundo domingo de agosto con la romería a la ermita de Igaratza. Una de las salidas más antiguas es la que el santo arcángel realiza a la ciudad de Pamplona, donde pasa una semana, visitando parroquias, conventos, hospitales, centros educativos, e instituciones públicas, si bien el motivo fundamental de su llegada a la ciudad es la participación en la fiesta de la Dedicación de la Catedral (martes siguiente a la Octava de Pascua).


title: Santuario de San Miguel de Aralar

text: Al santuario de San Miguel subían los matrimonios que querían tener hijos. En él existía una piedra, hoy desaparecida, sobre la cual se colocaba la mujer deseosa de tener descendencia, y allí, sentada, oía la misa, que era celebrada en el altar del santo ángel. En el lado derecho del altar de la capilla central existe un ventanillo u orificio que comunica con un hueco de poco fondo. La gente cree que llega hasta la sima sobre la cual se supone que está construido el santuario. Muchos devotos introducen allí su cabeza y rezan un Credo a fin de verse libres de dolores de cabeza. Práctica semejante es observada en otros huecos existentes en varias ermitas de la región, como en San Pedro de Cegama, San Juan Bautista de Orio, San Esteban de Usúrbil, Nuestra Señora de Zikuñaga de Hernani y en una arqueta de San Formerio (Condado de Treviño). Junto a la puerta meridional de la citada capilla central penden de la pared unos supuestos trozos de cadena del caballero Teodosio de Goñi. Muchos romeros que acuden dan tres vueltas alrededor de aquellos, con lo que también esperan evitar dolores de cabeza. El cerro de San Miguel es también considerado como escenario de algunas hazañas de Roldán.


title: Santuario de San Miguel de Aralar

text: A comienzos del siglo XX y según contabiliza Satrústegui existían varias ascensiones a la cumbre de Aralar: el 25 de abril, Huarte-Araquil; 8 de mayo, Huarte Araquil, Irañeta, Arruazu y Lacunza y algún pueblo más del valle de Arakil, el sábado siguiente a la Ascensión, treinta y cuatro pueblos de Arakil, Barranca-Burunda, Larraún, Basaburúa e Imoz, víspera de Corpus, Ergoyena, Lizarraga Torrano, Unanua y Arruazu. El 29 de septiembre, fiesta del Santo, cerraban las ascensiones veraniegas. La efigie alada del Arcángel suele girar además una visita a varios pueblos de los alrededores. En una de sus visitas (segundo domingo de agosto), la imagen entra en Guipúzcoa posándose en la ermita de Igaratza lo que da lugar a una importante peregrinación .


title: Santuario de San Miguel de Aralar

text: Hay varias poblaciones navarras y vascas que dedican sus fiestas y danzas peculiares a este Arcángel victorioso. Citamos entre las más conocidas a Cortes de Navarra, Oñate, Yurreta y Marquina.


title: Santuario de San Miguel de Aralar

text: En Navarra, antes de existir los reyes de Navarra, vivía en el valle de Goñi un caballero llamado Teodosio, "Buruzagia" de la comarca, casado con Dña. Constanza de Butrón. Poco después de casarse, Teodosio tiene que abandonar su casa para dirigir la lucha contra los árabes.


title: Santuario de San Miguel de Aralar

text: Dña. Constanza quedó sola en su palacio con los padres de Teodosio, a los que tuvo la deferencia de hacerles dormir en la habitación señorial, pasando ella a otra más pequeña. Cuando Teodosio volvía victorioso a su castillo, se le apareció el diablo disfrazado de "Basajaun" ("El Señor de los Bosques") que le hizo creer que su mujer le engañaba con un criado.


title: Santuario de San Miguel de Aralar

text: Teodosio, fuera de sí, se lanza a galope hacia su casa. Al amanecer penetra en su palacio y se dirige decidido y enfurecido a su habitación matrimonial con la daga desenvainada. Entra en la alcoba y apuñala reiteradamente a las dos personas que dormían en su lecho convencido de que eran su esposa y el amante de ésta.


title: Santuario de San Miguel de Aralar

text: Creyendo haber vengado el agravio, sale de casa y sobrecogido se encuentra con su esposa que salía de misa. Aterrado, conoce que quienes dormían en su cama y a quienes había asesinado eran sus padres. Atemorizado por el crimen, va a Pamplona a pedir perdón al Sr. Obispo quien, horrorizado, le envía a Roma para que sea el propio Papa quien le absuelva de su pecado.


title: Santuario de San Miguel de Aralar

text: Teodosio, arrepentido, va de peregrino a Roma y el Papa le absuelve, poniéndole como penitencia el arrastrar unas gruesas cadenas hasta que por un milagro divino se le desprendieran. Esto sería el signo inequívoco del perdón divino.


title: Santuario de San Miguel de Aralar

text: Teodosio, estando retirado en Aralar, un día vio salir de una sima un gran dragón que amenazaba devorarlo. Teodosio, indefenso, cayó de rodillas e imploró la protección de S. Miguel, exclamando ¡San Miguel me valga!.


title: Santuario de San Miguel de Aralar

text: En aquel momento, entre gran estrépito, apareció el Arcángel, quien mostrando la cruz sobre su cabeza venció y mató al dragón al grito de ¡Quién como Dios! "Nor Jaungoikoa bezala!"


title: Santuario de San Miguel de Aralar

text: En aquel mismo momento, Teodosio quedó libre de las cadenas, perdonado por Dios, que le dio una reliquia.


title: Santuario de San Miguel de Aralar

text: Ya libre volvió a su casa de Goñi donde le esperaba su esposa. Y ambos, agradecidos a Dios, erigieron un santuario al Arcángel en lo alto de Aralar, al que llamaron San Miguel in Excelsis.


title: Rovaniemi

text: Rovaniemi ( en sami septentrional: Roavenjárga; en sami de Inari: Ruávinjargâ; en sami de Skolt: Ruäˊvnjargg) es la capital administrativa de la provincia de Laponia, en la República de Finlandia. Se encuentra situada cerca del círculo polar ártico, entre los montes de Ounasvaara y Korkalovaara, en la confluencia del río Kemi y el Ounasjoki. Además de su situación geográfica como "puerta de Laponia" y, por tanto, país de Papá Noel, es una ciudad universitaria que alberga la Universidad de Laponia.


title: Rovaniemi

text: En 1938 Rovaniemi tenía la administración de Laponia. Cuando el 19 de septiembre de 1944 Finlandia y la Unión Soviética firmaron el armisticio, con vista a seguir la guerra como aliados contra el enemigo común, el Tercer Reich, las tropas de la Wehrmacht estacionadas en la zona practicaron una táctica de "tierra quemada" en su retirada, para lo que provocaron la explosión del depósito de municiones, lo que ocasionó un incendio de gran magnitud que arrasó la totalidad de la ciudad de Rovaniemi, en su mayor parte construida en madera.


title: Rovaniemi

text: Después de la Segunda Guerra Mundial se le dio el encargo al arquitecto Alvar Aalto de que el plano de la ciudad tuviera la similitud al asta de un reno. La fundación de la nueva Rovaniemi tiene como fecha de partida el año 1960.


title: Rovaniemi

text: Esta población mantiene su nivel social más alto en la época invernal, cuando se puede disfrutar de la nieve, observar animales como renos y alces, realizar safaris por parques naturales, trineos tirados por perros, pesca en hielo y patinaje. Mantiene durante el curso académico una ferviente vida universitaria y nocturna. Durante la época estival también se pueden realizar safaris y otras actividades.


title: Rovaniemi

text: En la ciudad existe la Santa Claus Village, la residencia oficial de Papá Noel, donde se puede disfrutar de un paseo, conocer personalmente a Santa Claus, o enviar una carta desde la oficina postal central de Papá Noel. Además, la entrada es gratuita. También por este parque pasa la línea del Círculo Polar Ártico, la cual se traspasa al llegar a la ciudad por avión, ya que el aeropuerto, que está a unos 9 km del centro de la población, está dentro del Círculo Polar Ártico.


title: Rovaniemi

text: Además, dispone de varios museos, siendo uno de los más conocidos Arktikum, con exposiciones dedicadas sobre todo a la historia sami, pasando por diferentes épocas y la vida nórdica.


title: Rovaniemi

text: Esta ciudad es donde nació Tomi Putaansuu, líder de Lordi, grupo musical ganador de Eurovision en 2006, lo que queda demostrado tanto en la calle peatonal Plaza Lordi, donde hay una placa con las manos de los integrantes del grupo, y en el restaurante que el cantante tiene en el centro de la ciudad.


title: Rovaniemi

text: El 1 de enero de 2006 la ciudad de Rovaniemi se fusionó con el extenso pero poco densamente poblado "Rovaniemen maalaiskunta" ("municipio rural de Rovaniemi"), que rodeaba completamente la ciudad. Antes de la unión la población de la ciudad era de unos 35 300 habitantes, su superficie de 94.3 km² y la densidad de población de 374 hab./km².


title: Rovaniemi

text: Debido a su elevada latitud cerca del Círculo Polar Ártico, Rovaniemi tiene un clima subártico (Köppen Dfc) con veranos cortos y agradables, mientras que los inviernos son largos, sumamente fríos y con abundante nieve.


title: Rovaniemi

text: Su ubicación extrema en el norte y en el interior del país, combinada con frecuentes cielos nublados conduce a niveles muy bajos de luz solar en los meses de invierno; diciembre promedia algo menos de seis minutos de sol al día. Los inviernos son algo modificados por el aire marino de la Corriente del Atlántico Norte, que asegura que las temperaturas promedio sean menos extremas de lo esperado para un área del interior en dicha latitud norte.


title: Transoxiana

text: Transoxiana, conocida en las fuentes árabes como Mā Warāʾ an-Nahr (en árabe: ما وراء النهر, – '[lo que está] más allá del río [Oxus]') y en persa como Farā-rūd (en persa:  فرارود, [fæɾɒːˈɾuːd̪]—'más allá del río [Amu Daria]') designa una región histórica del Turquestán, en Asia Central, situada entre el mar de Aral y la meseta del Pamir, actualmente repartida entre los países de Uzbekistán, Kazajistán, Turkmenistán, Kirguistán y Tayikistán. Geográficamente, corresponde a la región entre los ríos Amu Daria (Oxus) y Sir Daria. El área era conocida por los antiguos iranios como Turán, un término usado en la epopeya nacional persa, el "Shāhnāmé," y como Transoxiana (tierra más allá del Oxus) para los romanos. El término árabe "Mā warāʼ an-Nahr" (tierra más allá del río) pasó al uso literario persa y se mantuvo hasta la época posterior a los mongoles.


title: Transoxiana

text: La región fue una de las satrapías (provincias) de la dinastía aqueménida de Persia bajo el nombre de Sogdiana. Se le definió dentro del mundo clásico de Irán para distinguirla de Irán propiamente dicho, especialmente su provincia nororiental de Jorasán—un término que se originó con los sasánidas—aunque los primeros historiadores y geógrafos árabes tendían a subsumir la región dentro del término vagamente definido de "Jorasán", que designa un territorio mucho más grande.Los territorios de Corasmia, Sogdiana, Chaghaniyan y Juttal estaban ubicados en la parte sur de Transoxiana; Chach, Osrushana y Ferganá se ubicaban en la parte norte.


title: Transoxiana

text: Fue el centro del imperio de Tamerlán y la Dinastía Timúrida (siglo XIV y XV).Tenía su capital en la ciudad de Samarcanda. Fue el probable hogar de origen de Zoroastro.


title: Transoxiana

text: Transoxiana fue el término usado por los griegos para denominar a la región situada allende el río "Oxus". Fue denominada Sogdiana por los aqueménidas y fue unificada con Bactriana por Alejandro Magno en una sola satrapía. La ciudad de Ai Khanoum (Alejandría de Oxiana), situada a orillas del río Oxus al norte de Afganistán, permanece como la única ciudad Greco-Bactriana hallada y extensamente excavada. Independizada la satrapía, conformó el reino grecobactriano de Diodoto I, posteriormente invadido por la dinastía kushán, para ser finalmente ocupada por los árabes en el siglo VIII. Allí se desarrolló una buena parte de la ciencia que los árabes legaron a Europa en los siglos posteriores.


title: Transoxiana

text: El explorador chino Zhang Qian, quien visitó las regiones vecinas de Bactriana y Partia además de la Transoxiana en el año 126 a.C, realizó el primer relato chino en chino sobre esta región. Zhang Qian claramente identifica a Partia como una civilización urbana avanzada que cultivaba vides y cereales además de acuñar monedas de plata y elaborar objetos de cuero. Fue gobernada sucesivamente por los Seléucidas, el reino Greco-Bactriano, el imperio parto y el imperio de Kushan antes del dominio Sasánida, momento en el que la región se convirtió en un importante centro cultural debido a la riqueza derivada de la ruta septentrional de la seda.


title: Transoxiana

text: El dominio Sasánida fue interrumpido por la invasión de los Heftalitas que duró desde finales del siglo quinto hasta el año 565. Muchos nobles y terratenientes persas escaparon de la región tras la conquista musulmana de Persia. Estuvo también bajo dominio de los köktürk hasta la conquista árabe entre el 705 y el 715, momento en el que el área pasa a conocerse como "Mā warāʼ al-Nahr" (En Árabe, " Lo que esta más allá del río") a veces referido como "Mavarannahr".


title: Transoxiana

text: Las ciudades y centros culturales principales de Transoxiana son Samarcanda y Bujará, ambas en la parte más meridional de la región aunque al norte del río Amu Daria. Ambas ciudades permanecieron como centros culturales persas tras la conquista islámica de Irán y jugaron un rol crucial en el resurgimiento de la cultura persa con la llegada de la dinastía Samánida. La mayor parte de la región era árida pero contaba con llanuras fértiles.


title: Transoxiana

text: Parte de esta región fue conquistada por Qutaiba ibn Muslim entre el 706 y el 715 y dominada por los Omeyas entre el 715 y el 738. La conquista fue consolidada por Nasr ibn Sayyar entre el 738 y el 740 y continuada bajo el control de los Omeyas hasta el 750, cuando fue reemplazada por los abasíes.


title: Transoxiana

text: En el siglo XIII fue ocupada por el Imperio mongol durante la conquista de Corasmia. Antes de su muerte en 1227, Gengis Kan asignó los territorios occidentales de Asia central a su segundo hijo, Chagatai, pasando esta región a conocerse como el Kanato de Chagatai. En el siglo XIV, Tamerlán, se instaló en Samarcanda, su capital, atrayendo a gentes de todas las artes, profesiones y comercios: griegos, chinos, egipcios, persas, armenios, sirios, etc. La región fue sucesivamente gobernada por diversas ciudades-estado islámicas independientes, hasta el siglo XIX, cuando fue invadida por el Imperio ruso. Hoy es en su mayoría parte de la República de Uzbekistán, independiente desde 1991. Bujará, Samarcanda y Jiva son, probablemente, los exponentes más prestigiosos de la milenaria historia de la Transoxiana.


title: Transoxiana

text: Las notas del historiador Mark Dickens relatan: "La religión preislámica principal de Transoxiana era el Zoroastrismo, sobre todo en manifestaciones locales. Sin embargo, el budismo, el cristianismo, el maniqueísmo y el madzakismo también contaban con muchos seguidores, especialmente en las zonas urbanas. Esta diversidad religiosa inicial desapareció tras la conquista árabe."


title: UTF-16

text: UTF-16, que significa en ISO/IEC 10646:2003 “UCS Transformation Format for 16 Planes of Group 00”, es una forma de codificación de caracteres UCS y Unicode utilizando símbolos de longitud variable. Está oficialmente definida en el Anexo C de la norma ISO/IEC 10646:2003. También está descrita en el Estándar Unicode (versión 3.0 o superior), al igual que en la RFC 2781 de la IETF.


title: UTF-16

text: Sus características principales son:UTF-16 es la evolución de UCS-2, presente en el estándar Unicode hasta la versión 1.1. En UCS-2 cada punto de código se representa por su valor, lo que limitaba su uso al "plano básico multilingüe". En la versión 2.0 del Estándar Unicode, la decisión de ampliar el espacio de códigos por encima del código FFFF supuso la necesidad de incluir un nuevo formato que diese soporte a los nuevos planos, 15 y 16, de uso privado. Sin embargo, el estándar no definió todavía ningún punto de código haciendo uso de este mecanismo hasta la versión 3.1.


title: UTF-16

text: En UTF-16 cada punto de código entre U+0000 y U+FFFF se codifica, sin cambios, utilizando 16 bits. Este rango se corresponde con el "plano básico multilingüe" de Unicode, por lo que la gran mayoría de los caracteres de uso común se codifican con 16 bits.


title: UTF-16

text: Los caracteres de los planos adicionales se codifican mediante 32 bits. La codificación no se hace de forma directa, es decir, el código final no es el valor del punto de código. UTF-16 define un formato de transformación para estos casos denominado "pares subrogados".


title: UTF-16

text: A la hora de valorar el espacio de almacenamiento requerido por un texto utilizando esta codificación, puede asumirse que los caracteres no incluidos en el plano básico son muy poco frecuentes y por lo tanto cada carácter utilizará 16 bits. Esta afirmación es válida también para el caso de las escrituras CJK (chino, japonés y coreano).


title: UTF-16

text: Unicode e ISO/IEC han limitado el espacio asignable a los códigos hasta 10FFFF, por lo que se requiere un máximo de 21 bits para la representación de cualquier carácter. Si se usan dos palabras para representar códigos por encima de FFFF, se tiene un exceso de bits. Aprovechando esta circunstancia, se diseñó el sistema de pares subrogados para representar caracteres fuera del plano básico.


title: UTF-16

text: Se define un par subrogado como dos palabras de 16 bits donde:


title: UTF-16

text: Para poder cumplir el principio de no superposición, el conjunto de valores utilizados como pares subrogados ha sido estandarizado y reservado, por lo que no puede ser utilizado para otros fines.


title: UTF-16

text: El sistema de pares subrogados se añadió en la versión 2.0 de Unicode, ISO 10646:xxxx, y por su diseño minimiza los conflictos que se pudieran presentar con implementaciones anteriores que no hagan uso de ellos.


title: UTF-16

text: Las normas de codificación establecen, por lo tanto, límites a las cadenas que se pueden formar. Según la norma, un intérprete de cadenas debe rechazar como inválidas, y no tratar de interpretar, las cadenas mal formadas.A partir del formato de transformación UTF-16 se definen 3 esquemas de codificación. A pesar de que comparten nombres, no debe confundirse esquemas y formas de codificación. Los "esquemas de codificación" tratan de la forma en que se serializa la información codificada. La seguridad en los intercambios de información entre sistemas heterogéneos requiere la implementación de sistemas que permitan determinar el orden correcto de los bits y bytes y garantizar que la reconstrucción de la información es correcta. Una diferencia fundamental entre procesadores es el orden de disposición de los bytes en palabras de 16 y 32 bits, lo que se denomina "endianness". Los esquemas de codificación deben garantizar que los extremos de una comunicación saben cómo interpretar la información recibida.  Unicode define una marca especial, "Byte order mark" o BOM "(Marca de orden de bytes)", al inicio de un fichero o una comunicación para hacer explícita la ordenación de bytes. Esta marca es el carácter con punto de código U+FEFF. Cuando se encuentra en una posición inicial, puede ser interpretado como BOM dependiendo del contexto de la comunicación. En cualquier otra posición mantiene su semántica original como carácter "ZERO WIDTH NON-BREAKING SPACE". Cuando un protocolo superior especifica el orden de bytes, la marca no es necesaria y puede omitirse, dando lugar a los esquemas de la lista anterior con sufijo "BE" o "LE". En el caso del esquema UTF-16, que admite BOM, si este no se especifica se asume que la ordenación de bytes es "big-endian".


title: Mikkeli

text: Mikkeli (en sueco: "Sankt Michel") es una ciudad finlandesa ubicada en el centro-este del país. Sirve como capital administrativa de la región de Savonia del Sur, y cuenta con 46.532 habitantes (2005). El centro de la ciudad está situado a orillas de la bahía de "Savilahti", que forma parte del sistema lacustre de Saimaa, uno de los lagos más importantes de Finlandia. Además, la parte oriental de la ciudad limita con el sistema lacustre de "Vuoksi", el cual, por su parte, desemboca en el lago de Ladoga en la Carelia rusa.


title: Mikkeli

text: El territorio de Mikkeli cuenta con unos 700 lagos y lagunas, con una extensión de 303,57 km². La densidad de la población es de 35,3 habitantes/km².


title: Mikkeli

text: En los escritos más antiguos que se menciona la región donde se sitúa Mikkeli son los del Tratado de Nöteborg en 1323. La ciudad fue el cuartel general de Carl Gustaf Mannerheim, comandante en jefe del ejército finlandés, durante la Segunda Guerra Mundial. En 1997, Mikkeli se constituyó la capital de la provincia de Finlandia oriental (Itä-Suomen Lääni). Actualmente es un importante centro de comercio de la madera.