title: Juan Montalvo

text: Juan Montalvo contrajo matrimonio en su ciudad natal con María Manuela Guzmán, celebrado el 17 de octubre de 1868, del cual procreó dos hijos: Juan Carlos Alfonso Montalvo Guzmán, bautizado el 29 de julio de 1866, y quien falleció a los 7 años. El 8 de mayo de 1869 nació su segunda hija María del Carmen Montalvo Guzmán.


title: Juan Montalvo

text: María Manuela Guzmán, su esposa legítima, murió el 23 de octubre de 1882 a los 42 años de edad.


title: Juan Montalvo

text: Durante su autoexilio en Ipiales mantuvo una relación con una joven de apellido Hernández con quien tuvo dos hijos: Adán y Visitación.


title: Juan Montalvo

text: Durante su último viaje a Europa en París conoció a Augustine Contoux con quien habitó en concubinato durante sus últimos años y tuvo un hijo de nombre Jean Contoux que nació en 1886.


title: Sexo seguro

text: Sexo seguro es la denominación de una serie de recomendaciones y prácticas en las relaciones sexuales con el propósito de reducir el riesgo de transmitir alguna infección de transmisión sexual, como el VIH u otra infección así como el de facilitar el control de la natalidad mediante el uso de métodos anticonceptivos u otras prácticas sexuales.


title: Sexo seguro

text: El concepto "sexo seguro" es recíproco por lo que implica el mantenimiento de relaciones sexuales que no pongan en riesgo la salud de otros. Algunas prácticas de sexo seguro como el uso del preservativo son eficaces para prevenir las enfermedades de transmisión sexual y como métodos anticonceptivos por lo que contribuyen, en las parejas heterosexuales, a evitar embarazos no deseados.


title: Sexo seguro

text: Como en cualquier actividad, no existe una garantía de tener una relación sexual sin riesgo alguno, o "100 % segura"; sin embargo, las circunstancias en las cuales son realizadas las relaciones sexuales puede modificar sustancialmente, incrementando o decreciendo, el nivel de riesgo al contagio de ETS al cual se enfrentan las personas. Algunos dicen que en vez de hablar de "sexo seguro", se debe tener como meta "sexo más seguro" (ingl.: safer sex).


title: Sexo seguro

text: Las ITS principalmente se transmiten por el intercambio de fluidos durante el coito, pues éstas son provocadas por microbios (bacterias, hongos y protozoarios) y virus, los cuales necesitan de estos medios, cada cual de un modo específico, para infectar un nuevo huésped; por tanto, es importante tener en cuenta las regiones (y fluidos) del cuerpo que entrarán en contacto para la evaluación del riesgo de contagio. Típicamente, son las mucosas, el semen y la sangre donde se encuentra la mayor concentración de factores de contagio.


title: Sexo seguro

text: La piel es una excelente barrera para una gran cantidad de infecciones no solo sexuales sino de una sintomatología mucho más diversa. Sin embargo, algunos ectoparásitos como la ladilla ("Phthirus pubis") pueden infectar otro cuerpo por el contacto de la región infectada, en este caso, el pubis.


title: Sexo seguro

text: Las demás regiones de contacto con el exterior, tapizadas por mucosa (como la boca, el ano y la vagina), presentan menor protección frente a infecciones venéreas, según sus características histológicas, fisiológicas y ecológicas. De las mencionadas en este párrafo, solo la vagina está preparada histológicamente para resistir la fricción del coito, mientras que en los demás casos ésta puede provocar la formación de micro-heridas, por tanto imperceptibles, que pongan en contacto la sangre con los fluidos corporales del compañero. Por otro lado, la flora bacteriana del ano es más propicia para las infecciones por constituir la zona de evacuación de las heces, y la función del colon de recuperar agua de las heces, haciéndolas menos líquidas, facilita la introducción de infecciones transmitidas en líquidos (principalmente semen).


title: Sexo seguro

text: Todos estos factores a su vez se articulan con otro tan importante como estos al menos en el caso de las mujeres: la edad biológica. se ha detectado que las adolescentes y las jóvenes (mujeres que han desarrollado caracteres sexuales secundarios recientemente o se encuentran entre los 12 y 21 años) son mucho más vulnerables a infecciones como el virus del papiloma humano.


title: Sexo seguro

text: Un problema en el movimiento hacia el sexo seguro, o más seguro, es el hecho de que algunas prácticas disminuyen el riesgo, pero no lo eliminan. Las autoridades no saben qué aconsejar, y de hecho no dicen nada. Por ejemplo, de hecho, se ha dado un movimiento desde el coito sin preservativo al sexo oral sin preservativo, desde los años 1980, cuando se conoció la existencia del virus sida. Tal cambio de práctica indudablemente reduce sensiblemente el riesgo de transmisión sexual de infecciones. Pero no lo elimina, y el uso de una barrera lo reduce bastante más, y la abstinencia sexual más todavía, al cero. Pero aconsejar la abstinencia como protección de las enfermedades sexuales, como ha ocurrido en los EE. UU. bajo presidentes republicanos, no ha sido eficaz. El concepto de aceptar algún riesgo en el sexo, como se acepta algún riesgo en subir a un coche o avión o simplemente salir de la casa, es general entre los sexólogos y los educadores sexuales, pero no ha recibido respaldo oficial.


title: Sexo seguro

text: Por otro lado, algunas prácticas de quienes mantienen relaciones sexuales pueden incrementar las posibilidades de transmisión de ETS y son calificadas como prácticas de riesgo o sexo inseguro. El riesgo de contagio se incrementa al aumentar el número de encuentros sexuales inseguros.


title: Sexo seguro

text: Por tanto, las consideraciones en cuanto a profilaxis en las relaciones sexuales no solamente debe quedar limitado al plano físico sino además debe tenerse en cuenta el conductual: con quién(es) se íntima, con qué frecuencia, con qué alternancia, en qué condiciones, etcétera.


title: Sexo seguro

text: El empleo de medios físicos adecuados (llamados "de barrera") pueden reducir sensiblemente, según la patología propia del organismo en cuestión, la probabilidad de contagio. Sin embargo, a la actualidad ninguno de estos métodos han logrado evitar completamente el contagio de todas las enfermedades de transmisión sexual, es decir, su empleo no garantiza por completo el no quedar contagiado.


title: Sexo seguro

text: Son prácticas sexuales seguras:


title: Sexo seguro

text: Son prácticas de bajo riesgo, pero mayor que las anteriores:


title: Sexo seguro

text: Son prácticas de alto riesgo:


title: Sexo seguro

text: El rol de la monogamia en la prevención de las ITS es un tema de debate entre especialistas. Así algunos adhieren a la estrategia ABC y otros a la estrategia CAN. La estrategia ABC (Abstinencia, Basarse en la fidelidad y Condones) aconseja a los adolescentes a no tener relaciones sexuales, a los adultos a reducir el número de parejas sexuales en su vida y el condón solo como última opción. La estrategia CAN (Condón, Agujas y Negociación) hace hincapié en el uso del preservativo y de realizar acciones para mejorar la condición de la mujer sus habilidades de negociación.


title: Sexo seguro

text: Los partidarios de la estrategia ABC afirman que entre parejas monógamas, o grupos cerrados, cuyos miembros han sido todos revisados por médicos, para saber que no existe ETS alguna, y que no tienen contacto no protegido con un foráneo, no existe riesgo, y pueden dejar de usarse las barreras, siempre que se tenga seguridad en la conducta correcta de la pareja en esta materia. Este hecho ha dado lugar a un nuevo tipo de unión, la de los fluidos corporales (ingl. "fluid bonding"), en que la monogamia es menos exigente cuando se usa un método de barrera (coito con preservativo, por ejemplo), pero total en cuanto se trata de contacto con fluidos de la pareja.


title: Sexo seguro

text: Los partidarios de la estrategia CAN, advierten que basarse en la fidelidad puede ser un peligro porque deja a las personas sin la capacidad para negociar un modo de protegerse a sí mismas de la infección. Informan que muchas mujeres contraen el virus del VIH dentro del matrimonio y de sus propios maridos. Es más frecuente en unos países que otros, pero realmente no hay país en que no exista. En algunos países la mayoría de las mujeres infectadas de VIH afirma ser monógamas. Incluso informan sobre países en donde la prevalencia disminuye entre los trabajadores del sexo, pero está creciendo rápidamente entre las mujeres casadas.


title: Sexo seguro

text: Los siguientes factores sociales son efectivos en ayudar a prevenir las infecciones de transmisión sexual:


title: Localizador de recursos uniforme

text: Un LRU o localizador de recursos uniforme (más conocido por las siglas URL, del inglés "Uniform Resource Locator") es un identificador de recursos uniforme ("Uniform Resource Identifier", URI) cuyos recursos referidos pueden cambiar, esto es, la dirección puede apuntar a recursos variables en el tiempo. Están formados por una secuencia de caracteres de acuerdo con un formato modélico y estándar que designa recursos en una red como, por ejemplo, Internet.


title: Localizador de recursos uniforme

text: Los URL fueron una innovación en la historia de Internet. Fueron usados por primera vez por Tim Berners-Lee en 1991, para permitir a los autores de documentos establecer hiperenlaces en la "World Wide Web" (WWW). Desde 1994, en los estándares de Internet, el concepto de LRU ha sido incorporado dentro del más general de URI, pero el término URL todavía se utiliza ampliamente.


title: Localizador de recursos uniforme

text: Aunque nunca fueron mencionadas como tal en ningún estándar, mucha gente cree que las iniciales LRU significan "universal" —en lugar de uniform— "resource locator" (localizador universal de recursos). Esto se debe a que en 1990 era así, pero al unirse las normas "Functional Recommendations for Internet Resource Locators" (RFC 1736) y "Functional Requirements for Uniform Resource Names" (RFC 1737) pasó a denominarse "identificador de recursos uniforme" (RFC 2396). Sin embargo, la letra «U» en URL siempre ha significado «Uniforme».


title: Localizador de recursos uniforme

text: El LRU es una cadena de caracteres con la que se asigna una dirección única a cada uno de los recursos de información disponibles en Internet. Existe un URL único para cada página de cada uno de los documentos de la WWW, para todos los elementos de Gopher y todos los grupos de debate Usenet, y así sucesivamente.


title: Localizador de recursos uniforme

text: El LRU de un recurso de información es su dirección en Internet, la cual permite que el navegador web la encuentre y la muestre de forma adecuada. Por ello, el URL combina el nombre de la computadora que proporciona la información, el directorio donde se encuentra, el nombre del archivo y el protocolo a usar para recuperar los datos para que no se pierda alguna información sobre dicho factor que se emplea para el trabajo.


title: Localizador de recursos uniforme

text: Se puede entender que una codice_1


Localizador de recursos uniforme


title: Localizador de recursos uniforme

text: El formato general de un URL es: codice_3


title: Localizador de recursos uniforme

text: También pueden añadirse otro tipo de información:


title: Localizador de recursos uniforme

text: Por ejemplo: codice_5


title: Localizador de recursos uniforme

text: La especificación detallada se encuentra en la RFC 1738, titulada "Uniform Resource Locators".


title: Localizador de recursos uniforme

text: Un URL se clasifica por su esquema, que generalmente indica el protocolo de red que se usa para recuperar, a través de la red, la información del recurso identificado. Un URL comienza con el nombre de su esquema, seguido por dos puntos, seguido por una parte específica del esquema.


title: Localizador de recursos uniforme

text: Algunos ejemplos de esquemas URL:Algunos de los esquemas URL, como los populares "mailto", "http", "ftp" y "file", junto con los de sintaxis general URL, se detallaron por primera vez en 1994 en el "Request for Comments" RFC 1630, sustituido un año después por los más específicos RFC 1738 y RFC 1808.


title: Localizador de recursos uniforme

text: Todavía son válidos algunos de los esquemas definidos en el primer RFC, mientras que otros son debatidos o han sido refinados por estándares posteriores. Mientras tanto, la definición de la sintaxis general de los URL se ha escindido en dos líneas separadas de especificación de URI: RFC 2396 (1998) y RFC 2732 (1999), ambos ya obsoletos pero todavía ampliamente referidos en las definiciones de esquemas URL.


title: Localizador de recursos uniforme

text: El estándar actual es el STD 66/RFC 3986 de 2005.


title: Localizador de recursos uniforme

text: Un HTTP URL combina en una dirección simple los cuatro elementos básicos de información necesarios para recuperar un recurso desde cualquier parte en Internet:Un URL típico puede ser del tipo:


title: Localizador de recursos uniforme

text: Donde:


title: Localizador de recursos uniforme

text: Muchos navegadores web no requieren que el usuario introduzca http:// para dirigirse a una página web, porque HTTP es el protocolo más común que se usa en navegadores web. Igualmente, dado que 80 es el puerto por defecto para HTTP, usualmente no se especifica. Normalmente solo se introduce un URL parcial, por ejemplo: www.wikipedia.org/wiki/Train. Para ir a una página principal se introduce únicamente el nombre de anfitrión, como www.wikipedia.org.


title: Localizador de recursos uniforme

text: Dado que el protocolo HTTP permite que un servidor responda a una solicitud redirigiendo el navegador web a un URL diferente, muchos servidores adicionalmente permiten a los usuarios omitir ciertas partes del URL, tales como la parte "www.", o el carácter numeral ("#") de rastreo si el recurso en cuestión es un directorio. Sin embargo, estas omisiones técnicamente constituyen un URL diferente, de modo que el navegador web no puede hacer estos ajustes y tiene que confiar en que el servidor responderá con una redirección. Es posible para un servidor web (debido a una extraña tradición) ofrecer dos páginas diferentes para URL que difieren únicamente en un carácter "#".


title: Localizador de recursos uniforme

text: Nótese que en es.wikipedia.org/wiki/Tren, el orden jerárquico de los cinco elementos es: Es decir, antes de la primera barra diagonal «/» se lee de derecha a izquierda, y después el resto se lee de izquierda a derecha.


title: Localizador de recursos uniforme

text: El término URL también es usado fuera del contexto de la WWW. Los servidores de bases de datos especifican URL como un parámetro para realizar conexiones. De forma similar, cualquier aplicación cliente-servidor que siga un protocolo particular puede especificar un formato URL como parte de su proceso de comunicación.


title: Localizador de recursos uniforme

text: Ejemplo de un URL en una base de datos:


title: Localizador de recursos uniforme

text: Si una página web es en forma singular y más o menos permanentemente definida a través de un URL, puede ser enlazada (véase también "permalink", "deep linking"). Este no siempre es el caso, por ejemplo, una opción de menú puede cambiar el contenido de un marco dentro de la página, sin que esta nueva combinación tenga su propio URL. Una página web puede depender también de información almacenada temporalmente. Si el marco o página web tiene su propio URL, esto no es siempre obvio para alguien que quiere enlazarse a ella: el URL de un marco no aparece en la barra de direcciones del navegador, y una página sin barra de direcciones pudo haber sido producida. El URL se puede encontrar en el código fuente o en las propiedades de varios componentes de la página.


title: Localizador de recursos uniforme

text: Aparte del propósito de enlazarse a una página o a un componente de página, puede ocurrir que se quiera conocer el URL para mostrar únicamente el componente o superar restricciones tales como una ventana de navegador que no tenga barras de herramientas o que sea de tamaño pequeño y no ajustable.


title: Localizador de recursos uniforme

text: Los servidores web también tienen la capacidad de direccionar URL si el destino ha cambiado, permitiendo a los sitios cambiar su estructura sin afectar los enlaces existentes. Este proceso se conoce como redireccionamiento de URL.


title: Playa de la Malvarrosa

text: La playa de la Malvarrosa es una playa de Valencia (España).


title: Playa de la Malvarrosa

text: Su nombre, así como el barrio situado junto a ella, data de 1848 y se debe a un jardinero, Félix Robillard, quien por aquel entonces ejercía el cargo de jardinero mayor del Botánico. Félix compró una gran extensión de terreno que por entonces era marjal con la idea de recuperarlo. Para ello, lo desecó y plantó varias especies vegetales, entre ellas el popular geranio malva Rosa. La playa, que en los tiempos antiguos era utilizada para desembarcar la pesca y el intercambio de comercio entre los diferentes poblados próximos a la capital, se fue convirtiendo en lugar de descanso de la burguesía valenciana. Entre sus ilustres veraneantes se encontraban Joaquín Sorolla y Vicente Blasco Ibáñez.


title: Playa de la Malvarrosa

text: En la actualidad, esta amplia y abierta playa presenta un aspecto muy animado tanto en la propia playa, por la cantidad de servicios que ofrece como en el paseo marítimo que la delimita, cuya construcción comenzó en 1990, y que alberga restaurantes y cafeterías. Dispone de puestos de socorrismo y una zona adaptada para el baño de las personas de movilidad reducida.


title: Playa de la Malvarrosa

text: Al norte y separada por un puente que las une, se encuentra la playa de la Patacona. De arena fina y con un amplio paseo marítimo, alberga también restaurantes, chiringuitos y cafeterías. Al sur se encuentra la playa del Cabañal.


title: Playa de la Malvarrosa

text: Por su proximidad y espacio abierto se suelen realizar numerosas actividades.


title: Playa de la Malvarrosa

text: Cada año acoge un festival aéreo, que se celebra frente al paseo, y en el que participan aviones de todas partes de España, internacionales y del ejército del aire. Se congregan multitud de aficionados y espectadores para ver las acrobacias aéreas de los campeones acrobáticos de España, la patrulla águila, los cazas del ejército del aire español, a los que se suman paracaidistas, aviones del aeroclub de València y el CRJ-200 de Air Nostrum, así como aviones clásicos e históricos pertenecientes a la Fundación Aérea de la Comunitat Valenciana.


title: Playa de la Malvarrosa

text: Cada año durante las fallas se hace allí una mascletá napolitana.


title: Floriano

text: Marco Annio Floriano Augusto (), también conocido como Floriano, fue emperador romano entre julio y septiembre de 276. Era el medio hermano materno de su predecesor, Tácito, quien fue proclamado emperador a finales del 275, tras la inesperada muerte del emperador Aureliano. Después de la muerte de Tácito en julio de 276, presuntamente asesinado como consecuencia de un complot militar, Floriano se proclamó emperador, con el reconocimiento del Senado romano y gran parte del imperio. Sin embargo, pronto tuvo que lidiar con la revuelta de Probo, quien se levantó poco después del ascenso de Floriano al trono, con el apoyo de las provincias de Egipto, Siria, Palestina y Fenicia. Probo aprovechó el terreno de las Puertas Cilicias y el clima cálido de la zona, al que el ejército de Floriano no estaba acostumbrado, para socavar su moral y, gracias a ello, el ejército de Floriano se levantó contra él en septiembre de 276 y fue asesinado.


title: Floriano

text: Las fuentes clásicas contienen muy poca información sobre la vida y el reinado de Floriano. En la "Historia Augusta" se menciona varias veces que era hermano del emperador Marco Claudio Tácito Augusto. Sin embargo, un pasaje dice que era su medio hermano, versión preferida por los historiadores actuales, ya que tienen diferentes nombres genéricos. Algunos historiadores, como Ronald Syme, basándose en fuentes griegas, cuestionan la existencia de algún tipo de parentesco entre Tácito y Floriano. La "Historia Augusta" sugiere que Floriano tuvo muchos hijos.


title: Floriano

text: A finales de 275, el medio hermano materno de Floriano, Tácito, fue proclamado emperador de Roma tras la inesperada muerte de Aureliano. Poco después, Tácito nombró a Floriano su prefecto del pretorio. Luego le ordenó que dirigiera tropas hacia Panonia, con el fin de repeler incursiones de los godos. Después de la muerte repentina de Tácito en julio de 276, supuestamente como consecuencia de un complot militar, Floriano se proclamó rápidamente emperador y fue reconocido como tal por el Senado romano y las provincias occidentales. Luego continuó haciendo campaña contra los godos, y como resultado, obtuvo una gran victoria antes de la noticia de la revuelta de Probo, un comandante exitoso que sirvió tanto bajo Aureliano como bajo Tácito, apoyada por las provincias de Egipto, Siria, Palestina y Fenicia.


title: Floriano

text: A pesar de su experiencia militar, Probo se encontraba en una posición precaria, ya que contaba con el apoyo de solo una pequeña parte del Imperio, mientras que la otra gran parte respaldaba a Floriano. Probo también se aprovechó de su control del grano egipcio, que utilizó para cortar rápidamente el suministro de este cereal al resto del imperio. También llevó a sus tropas a Asia Menor para defender las Puertas Cilicias, lo que le permitió utilizar la guerra de guerrillas para librar una guerra de desgaste en lugar de una confrontación directa. Floriano condujo sus tropas a Cilicia y alojó sus fuerzas en Tarso. Sin embargo, muchos de sus soldados, que no estaban acostumbrados al clima cálido de la zona, enfermaron debido a una ola de calor en verano. Al enterarse de esto, Probo lanzó incursiones alrededor de la ciudad, con el fin de debilitar la moral de las fuerzas de Floriano. Esta estrategia tuvo éxito y Floriano perdió el control de su ejército y en septiembre se levantó contra él y lo mató.


title: Floriano

text: En cuanto a la duración del reinado de Floriano, las fuentes contienen ciertas discrepancias. El "Cronógrafo del 354" sugiere ochenta y ocho días, Eutropio alrededor de dos meses y veinte días, y Aurelio Víctor escribió alrededor de uno o dos meses. Los autores de la "Prosopographia Imperii Romani" proporcionan fechas específicas: del 7 de junio al 9 de septiembre de 276.


title: Floriano

text: A pesar de la corta duración del reinado de Floriano, sus monedas sorprenden por su variedad. Algunas contienen imágenes e inscripciones que glorifican el coraje militar que tenía (latín: "VIRTVS FLORIANI AVGusti"). Otras lo nombran el «Pacificador del Mundo» (latín: "PACATOR ORBIS") y el «Libertador del Siglo» (latín: "RESTITVTOR SAECVLI"). Algunas monedas afirman que las victorias siempre acompañaban al soberano (latín: "VICTORIA PERPETVA"). En resumen, podemos decir que las monedas reflejaban la esperanza de una próxima edad de oro que vino gracias al emperador. Una inscripción menciona el consulado de Floriano, fechado en 276, por lo que los informes de la "Historia Augusta" de que a Tácito no se le permitió nombrarle cónsul no parecen fiables.


title: Hipnoterapia

text: Desde el psicoanálisis fue un método curativo consistente en la búsqueda de traumas psíquicos de los pacientes bajo estado hipnótico inducido. Es a través de anclajes, o sugestiones, que el terapeuta pide al paciente que abandone sus síntomas o hábitos. Esta técnica se ha abandonado pues sus resultados aunque son efectivos de forma inmediata, los síntomas regresan pronto, pues el problema no es solucionado. Otra cosa que contribuye al abandono de esta forma de terapia es la falta de conocimiento lo que creó muchos mitos incorrectos acerca de este método.


title: Hipnoterapia

text: El caso más famoso de Hipnoterapia es el de la cantante Fergie que decidió recurrir a esta terapia para terminar con sus adicciones.


title: Hipnoterapia

text: Varios metanálisis recientes y revisiones sistemáticas de la literatura sobre diversas afecciones han concluido que la eficacia de la hipnoterapia "no está verificada", que no hay pruebas de su eficacia, o que las mismas son insuficientes.


title: Robert Gallo

text: Robert Charles Gallo (Waterbury, Connecticut; 23 de marzo de 1937) es un investigador biomédico de origen estadounidense más conocido por su particular papel en engrandecer la identificación del virus de inmunodeficiencia humana (VIH) como agente responsable del síndrome de inmunodeficiencia adquirida (SIDA), aunque su contribución despierta controversia por decir lo menos, debido a que fue descubierto antes por Luc Montagnier.


title: Robert Gallo

text: Gallo es el director del Instituto de Virología Humana de la facultad de medicina en la Universidad de Maryland en Baltimore, EE. UU.. Junto a dos colaboradores, Robert R. Redfield y William A. Blattner, fundó este instituto en 1996.


title: Robert Gallo

text: Según la película “Y la banda sigue tocando” de 1993, no fue el quien realmente descubre el virus. Según esta aclamada película el simplemente se lleva los créditos de los médicos.


title: Robert Gallo

text: En 2005, cofundó la empresa Profectus BioSciences, Inc., que desarrolla y comercializa tecnologías que reducen las morbilidad y mortalidad causadas por enfermedades virales humanas, incluidos el VIH. La empresa se encuentra situada en Baltimore y Gallo es el presidente del Comité Científico.


title: Robert Gallo

text: Robert Gallo nació en Waterbury, Connecticut en una familia de inmigrantes italianos de clase trabajadora. Obtuvo la licenciatura en Biología en 1959 por la Universidad de Providence y más tarde obtuvo el doctorado en medicina Jefferson Medical College de Filadelfia (Pensilvania) en 1963.


title: Robert Gallo

text: Tras terminar su formación médica e internado en la Universidad de Chicago, pasa a formar parte de la plantilla de investigadores del Instituto Nacional del Cáncer. La elección de esta especialidad, según Gallo, proviene de la temprana muerte de su hermana por leucemia, una enfermedad a la cual dedicó gran parte de su investigación inicial.


title: Robert Gallo

text: Tras escuchar una conferencia del biólogo David Baltimore, Gallo comienza a interesarse por los estudios en retrovirus. En 1974 identifica el primer retrovirus humano: el HTLV o virus humano de leucemia de células T, descubrimiento que le valió el premio Lasker en 1982.


title: Robert Gallo

text: En 1984, Gallo y sus colaboradores publicaron una serie de cuatro trabajos científicos en la revista norteamericana "Science" en las que argumentaban que el HTLV-III, un retrovirus descubierto por ellos y muy similar al LAV que había sido identificado el año anterior en pacientes que padecían sida por Luc Montagnier y sus colaboradores en el Instituto Pasteur de París, era el responsable del sida. Por este motivo consiguió su segundo premio Lasker, convirtiéndose así en la única persona que ha recibido en dos ocasiones este galardón.


title: Robert Gallo

text: Sin embargo, las similitudes entre los primeros dos virus VIH tipo 1 (VIH-1) aislados Lai/LAV (conocido anteriormente como LAv y aislado en el instituto Pasteur) y el Lai/IIIB (conocido anteriormente como HTLV-IIIB y supuestamente aislado de un cultivo en el Laboratorio de Biología Celular del instituto del Cáncer), sugerían la contaminación de las muestras utilizadas por Gallo y provocaron la controversia debido a la alta variabilidad que comenzó a encontrarse en las subsiguientes cepas del virus VIH-1 que se aislaba.


title: Robert Gallo

text: Desde entonces ha sido importante la controversia sobre quién descubrió el virus VIH, incluidas acusaciones de que el laboratorio de Gallo utilizó muestras del VIH producidas en el instituto Pasteur. En noviembre de 1990, el Departamento de Integridad Científica del Instituto Nacional de Salud creó un grupo de investigación en Roche para analizar las muestras archivadas en el Instituto Pasteur y en el Laboratorio de Biología Celular del instituto del Cáncer entre 1983 y 1985. Los análisis retrospectivos mostraron que la contaminación de un cultivo derivado de un paciente BRU por un paciente LAI era el responsable del origen del VIH-1 Lai/LAV; el cultivo contaminado (M2T-/B) fue enviado al Laboratorio de Biología Celular del Instituto del cáncer en septiembre de 1983.


title: Robert Gallo

text: Chang et al. (1993) examinó especímenes archivados y concluyó en un trabajo publicado en la revista "Nature", la detección de 6 nuevas secuencias del virus VIH-1 en los cultivos y ninguno de ellos estaba relacionado con el virus VIH-1 Lai/IIIB. Una muestra derivada del paciente LAI contenía variantes del VIH-1 Lai/IIIB y del VIH-1 Lai/LAV, y una secuencia idéntica a la variante del VIH-1 Lai IIIB fue descartada en la muestra contaminada M2T-/B. Este trabajo concluía que las muestras fueron contaminadas entre octubre de 1983 y principios de 1984 por variantes del virus VIH-1 Lai del cultivo M2T-/B.


title: Robert Gallo

text: Hoy en día es generalmente aceptado que el grupo de Montagnier fue el descubridor del virus del VIH, aunque el grupo de Gallo es reconocido como parte fundamental para que este descubrimiento se llevase a cabo y la demostración de que era la causa principal en el desarrollo del sida. El grupo de Gallo fue igualmente el primero en conseguir el crecimiento de este virus en una línea celular lo que llevó al desarrollo de test sanguíneos para la detección del virus y la posibilidad de crear técnicas de detección para la sangre de donaciones.


title: Robert Gallo

text: Por otro lado, Gallo insistió en que el trabajo de Montagnier para el desarrollo de una técnica de crecimiento de células T en el laboratorio por suplementación de interleuquinas-2 había sido previamente desarrollado por él. Los dos científicos continuaron siendo el centro de una disputa entre Estados Unidos y Francia por los derechos de la patente de los test sanguíneos hasta 1987. En ese año deciden compartir el descubrimiento del virus del VIH y en 1988 le fue concedido el Premio Japón, compartido con Montagnier. El 29 de noviembre de 2002 en una serie de artículos publicados en la revista "Science", Gallo y Montagnier comparten los diferentes roles que cada uno tuvo en el descubrimiento de virus de VIH.


title: Robert Gallo

text: Gallo, Dharam Ablashi y Saira Salahuddin en 1986 describieron el herpesvirus humano 6 (HHV-6), uno de los virus causantes de la roséola. En 1995, Gallo publicó su descubrimiento de que las citoquinas, una clase de compuestos producidos de manera natural por el organismo, podían bloquear el virus y frenar el desarrollo de la evolución del Sida. La publicación en la revista "Science" fue uno de los grandes descubrimiento de aquel año.


title: Robert Gallo

text: El papel que juegan las citoquinas en el desarrollo de la infección por VIH ha influenciado el conocimiento de cómo el sida actúa frente al sistema inmunitario humano y llevó al desarrollo de fármacos para el tratamiento de la enfermedad, los antagonista de citoquinas o inhibidores de entrada. El equipo de Gallo mantiene hoy en día en el Instituto de Cirología Humana un programa de investigación clínica para pacientes con VIH/SIDA, tratando a más de 4000 pacientes en el área de Baltimore y más de 100.000 pacientes en las clínicas que tiene repartidas por África y el el Caribe.


title: Robert Gallo

text: En julio de 2007, Gallo y su equipo fueron premiados con 15 millones de dólares en ayudas por la Fundación Bill y Melinda Gates por su trabajo para el desarrollo de nuevos fármacos para el VIH/SIDA.


title: Robert Gallo

text: Debe mencionarse que en 2008 Montagnier obtuvo el Premio Nobel de Medicina, junto a Françoise Barré-Sinoussi por el descubrimiento del virus de inmunodeficiencia humana (VIH), causante del SIDA (también lo recibió Harald zur Hausen por su descubrimiento del virus de papiloma humano, VPH), con lo cual se interpreta que el Comité de Selección no consideró la participación de Gallo en el descubrimiento del virus.


title: Aguas de Valencia

text: Aguas de Valencia, S.A. (Valencia, España), es una sociedad constituida en 1890 bajo la razón social “Sociedad de Aguas Potables y Mejoras de Valencia, S.A.”, habiendo cambiado dicha denominación a la actual en junio de 1988. Tiene por objeto social la gestión y explotación de los servicios de:Su actividad principal, y la del Grupo Aguas de Valencia, del que la Sociedad es matriz, consiste en la explotación de servicios de abastecimiento de agua potable. A 31 de diciembre de 2004 el grupo era titular o participaba en un total de 170 contratos de concesiones administrativas, o de otro tipo, relativos a su objeto social, del que el más importante es el Servicio de Agua Potable en la ciudad de Valencia, del que tiene la concesión hasta el año 2052.


title: Aguas de Valencia

text: En el ejercicio 2004 la cifra de negocio y el beneficio del Grupo ascendió a 108 millones y 8 millones de euros, respectivamente.


title: Aguas de Valencia

text: Desde 2015, es también el primer accionista del Oceanogràfic de Valencia, dentro del consorcio Avanqua.


title: Sierra Primavera (Jalisco)

text: La sierra de La Primavera está situada en la parte central del estado de Jalisco justo entre la ciudad de Guadalajara (municipio de Zapopan y el municipio de Tala orillas de la ciudad de Zapopan en el estado de Jalisco, México.


title: Sierra Primavera (Jalisco)

text: Existe actividad volcánica mínima, sólo se presentan pequeñas fumarolas y expulsiones de agua termal. La última actividad eruptiva en esta zona fue desde 140 000 años hasta 27 000 años atrás. Su actividad ocurre muy adentro de paredes profundas, sus cámaras magmáticas tienen actividad pero en lo muy profundo del subsuelo. Por eso, su suelo es muy fértil y permite el desarrollo de la agricultura a sus alrededores.


title: Volcán de Tequila

text: El volcán de Tequila es un estratovolcán extinto de unos 2,930 msnm de altitud conformada por microclimas; en su cumbre se puede apreciar una elevación en forma de domo, fabricado por lava situado en las proximidades de Tequila, Jalisco, México. Este volcán fue considerado como "montaña sagrada" por las culturas predominantes en aquel tiempo sobresaliendo la cultura tradición Teuchitlán, debido a que de esta montaña se extraía la piedra sagrada (obsidiana). Su nombre (tequila) viene haciendo referencia a la palabra "obsidiana", piedra conocida en aquel tiempo por el gran filo que poseía; pues la palabra "tequila" significa: Lugar donde se corta". Debido a su altitud (2,930) es la cuarta elevación más importante del estado de Jalisco.


title: Volcán de Tequila

text: El volcán se encuentra ubicado en el municipio de Tequila. En el segundo tramo de la autopista Guadalajara-Tepic a la altura del pueblo cuyo nombre es alusivo pero esta vez a la famosa bebida mexicana. Esta montaña también se encuentra situada cerca de Ameca, Tala, entre otros municipios más y puede ser vista desde la zona metropolitana de Guadalajara.  En el volcán se puede apreciar varios tipos de vegetación climática del estado de Jalisco y algunos [endemismos (especies endémicas)] elementos característicos del Bosque Mesófilo de Montaña. Predominan los encinos (Quercus) de varias especies. En las partes más altas de la montaña es posible apreciar algunas especies de Juniperus y Magnolias. En las faldas del volcán se encuentran gran variedad de agaves y sábilas.


title: Volcán de Tequila

text: El Volcán de Tequila (2) presenta una gran similitud con el Volcán Sangangüey (1) en Nayarit. Ambos se localizan en Faja Neovolcánica Transversal Mexicana a una distancia aproximada de 140 km.


title: Montaña rusa de cuarta dimensión

text: Una montaña rusa de cuarta dimensión es un tipo de montaña rusa en la que los asientos pueden girar según un eje transversal (el que cruza el cuerpo de lado a lado) de una forma predefinida. El nombre puede venir de las tres dimensiones, más el giro de los asientos, que sería la cuarta.


title: Montaña rusa de cuarta dimensión

text: Los asientos están dispuestos dos a cada lado, sobre una barra giratoria que sobresale a ambos lados del tren. La vía está formada por cuatro rieles, dos de los cuales controlan en movimiento del tren (valles, colinas y demás elementos) y los otros dos controlan el giro de los asientos y sus movimientos, esto lo hacen variando su posición respecto a los otros dos, unos mecanismos en el interior del tren y unos "palpadores", que son unas ruedas, permiten realizar estos movimientos, que son siempre los mismos en cada punto del recorrido, para cualquier asiento, ya que cada eje gira de forma independiente al resto, y está de girado como la distancia de los rieles. Es decir, en este tipo de montaña rusa, además de la altura y velocidad, el recorrido también fija la inclinación de los asientos. Una curiosidad es que si el tren da medio giro, los asientos quedan cabeza abajo todo el recorrido, pero si estos dan otro, quedan cabeza arriba, mirando hacia atrás y viajando de "espaldas".


title: Montaña rusa de cuarta dimensión

text: Este tipo de montaña rusa tiene unos elementos específicos:


title: Ahí está el detalle

text: Ahí está el detalle es una película de comedia mexicana de 1940 dirigida por Juan Bustillo Oro y protagonizada por Cantinflas, Joaquín Pardavé, Sara García, Sofía Álvarez y Dolores Camarillo. Es la primera película en la carrera cinematográfica de Cantinflas en la que tuvo el papel principal. Es considerada una de sus mejores por los críticos de cine mexicanos, así como una de las mejores películas de la Época de Oro del cine mexicano.


title: Ahí está el detalle

text: Cantinflas va a casa de su novia, Paz (Dolores Camarillo) que trabaja como sirvienta en una mansión, a cenar gratuitamente, como lo ha hecho durante mucho tiempo. Mientras espera, otro hombre también llega para entrar en la casa, y deja caer su cartera en el proceso, que Cantinflas recoge cuando entra a la casa. Tras entrar, sin embargo, Cantinflas esta vez tiene que ganarse la cena: Paz le pide que mate al perro de la familia, que está enfermo de rabia. Al ver su vacilación, Paz se mantiene firme: si no mata al perro, no puede comer. Cantinflas está nervioso por la idea, pero finalmente mata al perro con una pistola.


title: Ahí está el detalle

text: El dueño de la casa, Cayetano Lastre (Joaquín Pardavé), sospecha de la infidelidad de su mujer, Dolores del Paso (Sofía Álvarez), y prepara una inesperada llegada a su casa, con policías como testigos, para poder divorciarse. Durante la ausencia del marido, Dolores deja entrar a la casa al individuo que ha estado rondando el exterior: su exnovio de juventud, Bobby Lechuga, un estafador que planea chantajearla a cambio de no mostrar unas cartas sin fecha a su marido que le hagan creer de su infidelidad. Dolores quiere recuperar las cartas, pero el chantajista no se conforma con dinero para hacerlo, buscando renovar su relación con ella. Cuando suben a la recámara, llega Cayetano, en compañía de la policía. Al mismo tiempo, la sirvienta se asusta por la súbita llegada del dueño de la casa, y esconde a Cantinflas en un armario. Cayetano y la policía descubren a Cantinflas escondido en el armario, pero Dolores hace creer a su marido que Cantinflas es Leonardo del Paso, el hermano perdido de ella. Dado que su suegro (el padre de Dolores y Leonardo) necesitaba la presencia de todos los herederos para leer y distribuir su herencia, Cayetano (que tiene problemas de negocios últimamente) comienza a tratar a Cantinflas como un rey para ganarse su confianza y beneficiarse de la herencia de su suegro. Cantinflas aprovecha la situación.


title: Ahí está el detalle

text: Después de haber adoptado a Cantinflas como cuñado, Cayetano publica un anuncio en el periódico para reunir a los herederos y proceder al reparto de la fortuna de su suegro. Este anuncio hace que la concubina de Leonardo, Clotilde Regalado (Sara García) llegue a la casa de Cayetano con todos sus hijos, sin importarle que el supuesto Leonardo del Paso no sea el verdadero. Al saber de la situación civil irregular de Leonardo y su mujer, Cayetano pretende casarlos, pero Cantinflas se salva por la llegada de la policía, que se dispone a arrestarlo pues, al confundírsele con Leonardo, se le busca por el asesinato de Bobby. La confusión surge cuando Cantinflas admite haber matado a «Bobby» (el perro, no el gánster), exacerbado por el hecho de que la cartera de Bobby (que Cantinflas recogió al principio) es encontrada entre sus ropas, por lo que es arrestado y enjuiciado.


title: Ahí está el detalle

text: En una secuencia prolongada en la corte, Cantinflas nuevamente confiesa haber matado a «Bobby», el perro rabioso, pero como casi todos en la corte lo ven como Leonardo descaradamente confesando el asesinato de Bobby el estafador, inevitablemente se lo encuentra culpable y es condenado a la pena de muerte. Al final, se aclara todo el asunto cuando aparece entre el público asistente Leonardo del Paso, el verdadero hermano de Dolores, y explica sobre el chantaje de Bobby y que él mató al extorsionador en defensa propia. Cantinflas es completamente absuelto y vuelve a sus viejas travesuras, esperando afuera de la mansión de Cayetano por el silbido de Paz a la hora de la cena para luego entrar a la cocina a comer.La película se completó en solo tres semanas, con los únicos problemas siendo derivados de la improvisación de Cantinflas sobre lo que él consideraba un guion mal escrito. Cantinflas cambió el sentido del humor convencional del director Juan Bustillo Oro al presentarse tanto lingüísticamente como en su apariencia como un hombre de la gente común, en lugar de usar español de alta sociedad. La última escena de la película se basa en hechos reales relacionados con el juicio del criminal mexicano Álvaro Chapa en 1925, que inspiró la forma de hablar de Cantinflas en esta película, también conocida como «cantinfleada».


title: Ahí está el detalle

text: La película ocupa el lugar número 10 en la lista de las 100 mejores películas del cine mexicano, publicada por la revista "Somos", en julio de 1994.


title: Ahí está el detalle

text: En 1980, la película tuvo una nueva versión como "Vivillo desde chiquillo".


title: Los sobrinetes

text: Los sobrinetes es una historieta de 1988 de los autores españoles Francisco Ibáñez y Juan Manuel Muñoz perteneciente a la serie "Mortadelo y Filemón".


title: Los sobrinetes

text: Mientras Ibáñez y Muñoz realizaron el dibujo de la historieta, el llamado Equipo B se encargó del resto de la misma como se hizo en "La perra de las galaxias" y en "El rescate botarate".


title: Los sobrinetes

text: Mortadelo ha traído a su sobrinito para que vea la T.I.A. Da la casualidad de que Filemón también ha traído a su sobrino. Los sobrinos de los agentes se parecen a sus tíos, pero son muy gamberros y harán travesuras en la T.I.A.


title: Los sobrinetes

text: La T.I.A. ha conseguido pruebas para encarcelar a Anselmo el "Cefalópodo", y éste raptará a los sobrinos de Mortadelo y Filemón y pedirá como rescate que le entreguen esas pruebas. Mortadelo y Filemón deberán rescatarlos.


title: Los sobrinetes

text: El crítico Fernando Javier de la Cruz Pérez valora a la historieta como de "pésima calidad".


title: Performance

text: La performance (o arte de acción) es una disciplina artística creada a través de acciones realizadas por el artista u otros participantes, pudiendo ser en vivo, documentadas, espontáneas o escritas, presentada a un público dentro de un contexto expositivo, tradicionalmente interdisciplinario. La "performance" se ha desarrollado a lo largo de los años como un género propio, cuya obra necesita la presencia y ejecución de propio artista. Esta disciplina juega un papel importante y fundamental en el arte de vanguardia a lo largo del .


title: Performance

text: Tradicionalmente involucra cuatro elementos básicos: el tiempo, el espacio, el cuerpo o la presencia del artista en un medio, y la relación entre el creador y el público. Las acciones, generalmente desarrolladas en galerías de arte y museos, pueden tener lugar en la calle, cualquier tipo de escenario o espacio y durante cualquier período de tiempo. Su objetivo es generar una reacción, en ocasiones con la ayuda de la improvisación y el sentido de la estética. La temática suele estar ligada a procesos vitales del propio artista, a la necesidad de denuncia o crítica social y con un espíritu de transformación.


title: Performance

text: El término "performance" procede de la expresión inglesa "performance art", con el significado de arte en vivo; si bien los términos "performance" y "performance art" solo se usaron ampliamente en la década de 1970, la historia de la "performance" en las artes visuales se remonta a producciones futuristas y cabarets datados en la década de 1910. Los principales precursores y pioneros del arte de la "performance" son artistas como Carolee Schneemann, Marina Abramovic, Ana Mendieta, Chris Burden, Hermann Nitsch, Joseph Beuys, Nam June Paik o Vito Acconci, y los máximos exponentes en la actualidad, artistas como Tania Bruguera, Abel Azcona, Regina José Galindo, Tehching Hsieh, Marta Minujín o Piotr Pavlenski. Disciplina claramente ligada al "happening", al movimiento Fluxus, al arte corporal y, en general, al arte conceptual.


title: Performance

text: La performance es una disciplina artística controvertida en cuanto a definición, contextualización histórica y pedagógica. Una de las desventajas surge desde la definición exacta del término, palabra con origen anglosajón que en su definición literal supone la idea contraria de lo que performance es. En una traducción literal encontraríamos términos símiles a "actuación" o "representación", ambos contrarios a la esencia del arte de la performance, nacida desde una postura antagónica a las artes escénicas, casi crítica. Por lo que no debe entenderse desde su literalidad, ya que únicamente colinda con lo escénico, en algunos códigos como la audiencia o el cuerpo presente, y no siempre es así.


title: Performance

text: El origen del término, en sentido estricto, está relacionado con las tradiciones posmodernistas de la cultura occidental. Según los críticos los orígenes deben datarse a principios del , pero el uso del término no es empleado hasta mediados de los años sesenta a los setenta. Vinculado y derivado en torno a conceptos de arte visual, en lo que respecta al Dadaísmo, los situacionistas, Fluxus, el arte de la instalación y el arte conceptual, el arte de la "performance" tendía a definirse inicialmente como una antítesis del teatro, desafiando las formas de arte ortodoxo y las normas culturales. En la actualidad, artistas como Regina José Galindo, Abel Azcona o Piotr Pavlenski reivindican la potencialidad política y discursiva de la performance, evolucionado la idea inicial en torno a una imagen visual meramente rupturista. El ideal de una obra performativa es crear una experiencia efímera y auténtica para el artista y para el público en un evento sin posibilidad de repetición, capturar o coleccionar.


title: Performance

text: Son muchos los teóricos que han vinculado y desvinculado el arte del performance de las artes escénicas, afirmando que, en su relación con lo escénico, al ser arte muy cercano y que potencia el proceso, sería más cercano a la idea de dramaturgia, que a la de teatro representado. La performance difiere completamente de la idea narrativa, lineal o formal que otras artes escénicas poseen, y no pretende ni surge desde un fin de entretenimiento, más bien de ruptura, interrupción o distorsión.


title: Performance

text: En el campo de la performance surgen artistas con una idea más purista, de vincular únicamente la performance a las bellas artes, lejos de cualquier idea de representación escénica, acercándola a la escultura y la instalación, casi como una experiencia efímera única y sublime. Y otros artistas que abrazan más la idea experimental, donde la performance puede comulgar y ser contaminada de muchas más disciplinas, incluyendo cualquier tipo de arte escénica, como la danza o lo teatral. Normalmente en museos, galerías e instituciones suelen encontrarse performance con la idea más purista y en espacios más híbridos o experimentales, incluida la calle, suelen encontrarse las performances entendidas de una forma más transdisciplinar.


title: Performance

text: Todas las definiciones y acercamientos a la "performance" la tratan como una experiencia visual y conceptual, donde el artista desafía a menudo al público a pensar en formas nuevas y no convencionales, a romper las convenciones de las artes tradicionales y a transformar la idea tradicional y académica definitoria del arte, meramente como una experiencia estética. A lo largo de las décadas, surgen movimientos, ideas y discursos dentro del campo de la performance, como por ejemplo los accionistas vieneses y los neodadaístas, que prefieren emplear términos como «arte vivo», «arte de acción», «accionismo», «intervención artística» o «maniobra» para describir sus obras performativas. Como géneros propios dentro del arte de la "performance" aparecen el arte corporal, el movimiento Fluxus, el "happening o" el arte intermedia.


title: Performance

text: La "performance" es una forma de expresión libre surgida para ser una alternativa de manifestación artística. La disciplina surgió en 1916 de forma paralela al movimiento dadaísta, acogida bajo el paraguas y el nombre de arte conceptual, y fue un movimiento capitaneado por Tristan Tzara, uno de los pioneros de la corriente Dada. Han sido los teóricos de la cultura occidental los que han ubicado los orígenes de la "performance" a principios del , en los constructivistas rusos, futuristas y dadaístas. Dada fue un importante inspirador gracias a actuaciones poéticas lejanas a convencionalismos y los artistas futuristas, especialmente algunos futuristas rusos, podrían identificarse dentro del proceso iniciático de la "performance." El Cabaret Voltaire fue fundado en 1916 en Zúrich (Suiza) por la pareja Hugo Ball y Emmy Hennings. Respondió a fines artísticos y políticos y fue un lugar donde se experimentaron nuevas tendencias. Ubicado en la planta superior de un teatro, de cuyas serias exhibiciones se burlaban en sus espectáculos, las obras interpretadas en el cabaré tenían un perfil claramente vanguardista y experimental. Fue en los diez metros cuadrados que ocupaba el local donde algunos piensan que se fundó el Movimiento Dadá. Además, los surrealistas, corriente que descendía directamente del dadaísmo, solían usarlo como lugar de encuentro. Tras una breve existencia, de apenas seis meses, su clausura fue en el verano de 1916, en la cual se leyó el "Manifiesto dadaísta", y albergó las primeras acciones y "performances" de los dadaístas, presentaciones híbridas en torno a la poesía, el arte plástico, la música y acciones repetitivas, que en una visión global conformaban un concepto. Contaban con la participación además de miembros fundadores como Richard Huelsenbeck, Marcel Janco, Tristan Tzara y Sophie Taeuber-Arp y Jean Arp en eventos no pocas veces provocadores y escandalosos que resultaron fundamentales y base para la fundación del movimiento de arte anárquico conocido como dadaísmo.


title: Performance

text: El Dadaísmo nació con la clara intencionalidad de destruir cualquier sistema o código establecido, hasta el momento, en el mundo del arte. Es un pronunciamiento antiartístico, antiliterario y antipoético, cuestionador de la propia existencia del arte, la literatura y la poesía, no siendo únicamente una forma de crear, sino de vivir, una ideología total. Se posiciona en contra de la belleza eterna, la eternidad de los principios, leyes de la lógica y la inmovilidad del pensamiento y claramente en contra de lo universal. Promueve un cambio, espontaneidad, inmediatez, contradicción, lo aleatorio, y en defensa del caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección, posicionamientos comunes a la idea de "performance". Enarbolan la provocación, el anti-arte de protesta y el escándalo, a través de medios de expresión, muchas veces irónicos o satíricos. Lo absurdo o carente de valor y el caos protagonizan sus acciones rupturistas con la forma artística tradicional.


title: Performance

text: El futurismo fue un movimiento artístico de vanguardia aparecido en 1909, originado como movimiento literario, aunque la mayor parte de sus exponentes fueron pintores. En sus comienzos también abarcaba el campo de la escultura, fotografía, música y cine. La Primera Guerra Mundial puso fin al movimiento, aunque en Italia se prolongó hasta los años 30. Uno de los países donde tuvo más influencia fue Rusia. En 1912 surgieron manifiestos como el "Manifiesto de la Escultura Futurista" y de la "Arquitectura Futurista", y en 1913 el "Manifiesto de la Lujuria Futurista" ideado por Valentine de Saint-Point, bailarina, escritora y artista francesa. Así, los futuristas difundían sus teorías mediante encuentros, reuniones y charlas en espacio públicos, que se acercaban a la idea de una concentración política, poesía, teatro de variedades anticipándose a la idea de la "performance."


title: Performance

text: La Bauhaus, fundada en Weimar en 1919, incluyó un taller de escénicas experimentales con el fin de explorar las relaciones entre el cuerpo, el espacio, el sonido y la luz. El Black Mountain College, fundado en Estados Unidos por instructores de la Bauhaus original en el exilio, exiliados por el Partido Nazi, continuó incorporando estudios escénicos experimentales dentro de la formación de las artes visuales. Veinte años antes de los acontecimientos relacionados con la historia de la performance en los años sesenta. El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "construcción", y Haus, "casa"; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia.


title: Performance

text: En las décadas de 1940 y 1950, la técnica o movimiento del action painting posibilitó a los artistas la libertad de interpretar el lienzo como un espacio en el que actuar, convirtiendo así las pinturas en rastros del proceso de creación del artista en su estudio. Según el crítico de arte Harold Rosenberg, fue uno de los movimientos iniciáticos de la "performance" junto al expresionismo abstracto. El "action painter" por antonomasia es Jackson Pollock, realizando muchas de sus acciones en vivo. A destacar nombres como Willem de Kooning y Franz Kline, con pinturas abstractas y acción.


title: Performance

text: El Nuevo realismo es otro de los movimientos artísticos citados en los inicios de la performance. Movimiento de pintura fundado en 1960 por el crítico de arte Pierre Restany y el pintor Yves Klein, durante la primera exposición colectiva en la galería Apollinaire de Milán. El Nuevo realismo fue, junto con Fluxus y otros grupos, una de las numerosas tendencias de la vanguardia de los años 1960. Pierre Restany creó varios montajes de "performance" en la Tate Modern entre otros espacios. Uno de los máximos exponentes del movimiento es Yves Klein siendo claro precursor de la "performance" con piezas conceptuales como "Zone de Sensibilité Picturale Immatérielle" (1959-62), "Anthropométries" (1960), y obras como el fotomontaje "Saut dans le vide". Todas sus obras tienen conexión con la "performance" al ser creadas desde una acción en vivo, siendo conocidas sus obras pintadas a partir de cuerpos de mujeres. Los miembros del grupo veían el mundo como una imagen, de la que ellos tomarían partes y las incorporarían a su obra. Buscaban unir lo más posible la vida y el arte.


title: Performance

text: Otro de los movimientos anticipadores de la "performance", si no formulado explícitamente, fue el grupo japonés Gutai que realizaban arte de acción o "happening". Nació en 1955 en el entorno de la región de Kansai (Kyōto, Ōsaka, Kōbe). Sus principales miembros fueron Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto, Saburō Murakami, Katsuō Shiraga, Seichi Sato, Akira Ganayama y Atsuko Tanaka. El grupo Gutai nace de la terrible experiencia de la Segunda Guerra Mundial. Rechazan el consumismo capitalista, realizando acciones irónicas, con un sentimiento de crispación, con una agresividad latente (ruptura de objetos, acciones con humo). Influenciaron a grupos como Fluxus y artistas como Joseph Beuys y Wolf Vostell.


title: Performance

text: A finales de la década de 1960, artistas de Land Art tan diversos como Robert Smithson o Dennis Oppenheim crearon piezas ambientales que predicen el arte "performance" de la década de 1970. Obras de artistas conceptuales de principios de los años ochenta, como Sol LeWitt, que convirtió el dibujo mural en un acto de "performance", fueron influenciadas por Yves Klein y también por los artistas de Land Art. El Land art es una corriente del arte contemporáneo en la que el paisaje y la obra de arte están estrechamente enlazados. Utiliza a la naturaleza como material (madera, tierra, piedras, arena, viento, rocas, fuego, agua etc.) para intervenir en sí misma. La obra generada es a partir del lugar en el que se interviene, que algunas veces parece un cruce entre escultura y arquitectura, en otras un híbrido entre escultura y arquitectura de paisaje en donde juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo. Al incorporar el cuerpo del artista en proceso de creación de la obra, se relaciona con códigos similes al inicio de la performance.


title: Performance

text: En los años sesenta, desde la idea de evolucionar la idea generalizada del arte, con principios similares a los originarios en el Cabaret Voltaire o en el Futurismo, una variedad de nuevas obras, conceptos y un creciente número de artistas dieron lugar a nuevos tipos de "performance". Surgieron movimientos claramente diferenciados como el Accionismo vienés, "performance" de vanguardia en Nueva York, arte procesual, la evolución del Living Theatre o los "happening", pero sobre todo la consolidación de los nombres propios precursores de la "performance".


title: Performance

text: El término Accionismo Vienés ("Wiener Aktionismus") comprende un controvertido y breve movimiento artístico del recordado por lo violento, grotesco y visual de sus obras. Se enmarca dentro de la vanguardia austriaca de la década de 1960, con el fin de llevar el arte al terreno de la "performance", y está relacionado con el Fluxus y Body Art. Entre sus máximos representantes se encuentran Günter Brus, Otto Muehl y Hermann Nitsch, que desarrollaron la mayor parte de sus actividades accionistas entre 1960 y 1971. Hermann Nitsch presentó en 1962 su "Theatre of Orgies and Mysteries" (Orgien und Mysterien Theater), precursor del arte "performance", cercano a las artes escénicas.


title: Performance

text: Durante los primeros años de la década de 1960, la ciudad de Nueva York acogió muchos movimientos, eventos e interés en torno al arte "performance". Entre otros, Andy Warhol comenzó a crear películas y videos, y a mediados de dicha década patrocinó The Velvet Underground y escenificó eventos y actuaciones performativas en Nueva York, como el Exploding Plastic Inevitable (1966), que incluía música rock en vivo, luces explosivas y películas.


title: Performance

text: Indirectamente influyentes para el ámbito de la "performance", particularmente en Estados Unidos, fueron las nuevas formas de teatro, encarnadas por San Francisco Mime Troupe y The Living Theatre y exhibidas en los teatros Off-Off Broadway en el SoHO y en La MaMa en la ciudad de Nueva York. The Living Theatre es una compañía de teatro estadounidense, creada en 1947 en Nueva York. Es el grupo de teatro experimental más antiguo que existe en Estados Unidos. A lo largo de su historia fue liderado por sus fundadores, la actriz Judith Malina, que había estudiado teatro con Erwin Piscator con quien aprende las teorías de Brecht y de Meyerhold, y el pintor y poeta Julian Beck; luego de la muerte de Beck en 1985, el miembro de la compañía Hanon Reznikov se convirtió en codirector junto con Malina. Como es uno de los grupos de teatro aleatorio o teatro vivo más antiguos en la actualidad, sirve de modelo al resto. Concebían el teatro casi como una forma de vida y los actores vivían en comunidad bajo principios libertarios. Fue una compañía teatral dedicada a la transformación de la organización del poder dentro de una sociedad autoritaria y de estructura jerárquica hacia una comunidad cooperativa de expresión. The Living Theatre estuvo de gira principalmente en Europa entre 1963 y 1968, y en Estados Unidos en 1968. Una obra de esta época, "Paradise Now" se caracterizó por la participación del público y una escena en la que los actores recitaban una lista de tabúes sociales que incluían la desnudez, mientras se desnudaban. Fluxus, palabra latina que significa "flujo", es un movimiento artístico de las artes visuales en especial, relacionado con música, la literatura y la danza. Tuvo su momento más activo entre la década de los 60 y los 70 del siglo XX. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como un movimiento artístico sociológico. Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978). Este movimiento artístico tuvo expresiones en Estados Unidos, Europa y Japón. El movimiento Fluxus, más desarrollado en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage, no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística, sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico; es decir, pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. El lenguaje no es el fin, sino el medio para una noción renovada del arte, entendido como “arte total“. Al igual que Dadá, Fluxus escapa de toda tentativa de definición o de categorización. Según Robert Filliou, es "antes que todo un estado del espíritu, un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar, de expresar y de elegir. De cierta manera Fluxus nunca existió, no sabemos cuándo nació, luego no hay razón para que termine". Asimismo Filliou opone el Fluxus al arte conceptual por su referencia directa, inmediata y urgente a la realidad cotidiana, e invierte la propuesta de Duchamp, quien a partir del Ready-made, introdujo lo cotidiano en el arte. Fluxus disuelve el arte en lo cotidiano, muchas veces con pequeñas acciones o performances.


title: Performance

text: John Cage fue un poeta, artista y músico estadounidense. Pionero de la música aleatoria, de la música electrónica y del uso no estándar de instrumentos musicales, Cage fue una de las figuras principales del avant garde de posguerra. Los críticos le han aplaudido como uno de los compositores y artistas estadounidenses más influyentes del siglo XX. Fue decisivo en el desarrollo del performance dentro del movimiento fluxus y de la danza moderna, principalmente a través de su asociación con el coreógrafo Merce Cunningham, quien fue su compañero sentimental la mayor parte de su vida.


title: Performance

text: A mediados de los años 60 surge y se denomina como arte procesual (en inglés, "Process art") a un movimiento artístico, dentro del campo de estudio de la "performance", donde el objeto de arte no es el centro de atención principal. El «proceso» en el arte procesual se refiere al proceso de la formación de arte: la búsqueda, clasificación, recopilación, asociación y creación, así como otros conceptos adherentes a la obra, como la efimeridad de la pieza en sí, las críticas o polémicas de la misma, entendidas como parte de la propia creación. El arte procesual está preocupado con el «hacer» real; el arte como "performance." El arte procesual a menudo acarrea una motivación inherente, racional e intencional. Por lo tanto, el arte se ve como un viaje creativo o proceso, más que como el producto acabado.


title: Performance

text: Un "happening" permite al artista experimentar con el movimiento del cuerpo, sonidos grabados, textos escritos y hablados, e incluso olores.Allan Kaprow había acuñado el término "happening" para describir una nueva forma de arte, a principios de la década de 1960. Una de las primeras obras de Kaprow fue H"appenings in the New York Scene", escrita en 1961. En particular, en los "happenings" of Allan Kaprow el público se convierte en intérprete. Aunque el público de "happenings" ha sido bienvenido como intérprete, solo a veces y a menudo sin darse cuenta se convierten en parte activa de una actuación. Otros artistas que crearon "happenings" son Jim Dine, Claes Oldenburg, "Robert Whitman" y Wolf Vostell: "Theater is in the Street" (París en 1958).


title: Performance

text: Las obras de los artistas de "performance" después de 1968 mostraron a menudo influencias de la situación cultural y política acontecida aquel año. Barbara T. Smith con "Ritual Meal" (1969) estuvo a la vanguardia del arte corporal y escénico feminista de los años setenta, que incluía, entre otros, a Carolee Schneemann y Joan Jonas. Estos, junto con Yoko Ono, Joseph Beuys, Nam June Paik, Wolf Vostell, Allan Kaprow, Vito Acconci, Chris Burden y Dennis Oppenheim fueron los pioneros de la relación entre el arte corporal y la "performance", al igual que el colectivo Zaj en España con Esther Ferrer o Juan Hidalgo.


title: Performance

text: Barbara Smith es una artista y activista estadounidense. Es una de las mayores exponentes afroamericanas del feminismo y del activismo LGBT en Estados Unidos. A comienzos de los años setenta se desempeñaba como maestra, escritora y defensora de la corriente del feminismo negro. Ha enseñado en numerosos colegios y universidades por los últimos cinco años. Los ensayos y artículos de Smith han aparecido en gran cantidad de publicaciones de prestigio, incluyendo The New York Times, The Guardian, The Village Voice o The Nation.


title: Performance

text: Carolee Schneemann fue una artista visual estadounidense. La obra de Schneemann es conocida por sus discursos sobre el cuerpo, la sexualidad y de género. Con piezas como "Meat Joy" (1964) e "Interior Scroll" (1975). Schneemann consideró su cuerpo una de las superficies de trabajo. Ella se describió como "un pintor que ha dejado el lienzo para activar el espacio real y el tiempo vivido".


title: Performance

text: Joan Jonas es una artista visual estadounidense y pionera en el arte de performance y vídeo. Emergió a finales de los años sesenta y principios de los setenta. Los proyectos de Jonas y sus experimentos proporcionaron la base sobre la que se basaría gran parte del arte de performance en vídeo. Influyó en el arte conceptual, el teatro, las performances y otros medios visuales. Vive y trabaja en Nueva York y en Nueva Escocia, Canadá. Inmersa en la escena artística neoyorquina de los años sesenta, Jonas estudió con la coreógrafa Trisha Brown durante dos años.


title: Performance

text: Yoko Ono formó parte del movimiento vanguardista de la década de los 60. Era integrante del movimiento Fluxus. Es conocida por sus performances a finales de los años 60, obras como "Cut Piece" donde el público podía intervenir directamente su cuerpo hasta dejarla desnuda. Otra de sus piezas más conocidas es su "Wall piece for orchestra" (1962).


title: Performance

text: Joseph Beuys fue un artista alemán que trabajó con varios medios y técnicas como escultura, performance, happening, vídeo e instalación y perteneció al grupo fluxus. En 1962 comenzó sus actividades con el movimiento neodadá Fluxus, del que llegó a ser el miembro más significativo. Su mayor logro fue la socialización que consiguió hacer del arte, acercándolo a todos los tipos de público. En "Cómo explicar los cuadros a una liebre muerta" 1965 se puso miel y pan de oro en la cabeza y le hablaba sobre su obra a una liebre muerta que tenía entre sus brazos. En esta obra vincula factores espaciales y escultóricos, lingüísticos y sonoros a la figura del artista, a su gestualidad corporal, a su conciencia de comunicador que tenía como receptor a un animal. Beuys asumía el papel de chamán con potestad curativa y salvadora de la sociedad que él consideraba muerta. En 1974 llevó a cabo la acción "Me gusta América y a América le gusto yo" donde Beuys, un coyote y materiales como papel, fieltro y paja, constituyeron el vehículo de su creación. Convivió tres días con el coyote. Apilaba periódicos estadounidenses, símbolo del capitalismo de ese país. Poco a poco el coyote y Beuys se van acostumbrando uno a otro y al final Beuys abraza al coyote. Beuys repite muchos objetos utilizados en otras obras. Objetos que difieren de los ready-made de Marcel Duchamp, no por su naturaleza pobre y efímera, sino por ser parte de la vida del propio Beuys que los “ha puesto ahí” tras convivir con ellos y haberles dejado su huella. Muchos tienen una relación autobiográfica, como la miel o la grasa utilizada por los tártaros que le salvaron durante la segunda guerra mundial. En 1970 realizó asimismo su "Traje de fieltro". En 1970, Joseph Beuys fue profesor de escultura en la Kunstakademie Düsseldorf. En 1979, el Museo Guggenheim de Nueva York exhibió una retrospectiva de su obra desde los años 1940 hasta 1970.


title: Performance

text: Nam June Paik fue un artista de performance, compositor y videoartista surcoreano de la segunda mitad del siglo XX. Estudió música e historia del arte en la universidad de Tokio. Más tarde, en 1956, viajó a Alemania, donde estudió teoría de la música en Múnich, continuando en Colonia y en el conservatorio de Freiburgo. Conoció en un seminario en los Cursos de Verano de Música Nueva de Darmstaat a John Cage, quien influenció profundamente su trabajo. Participó en numerosos grupos Happening y Fluxus. Fue compañeros de Yōko Ono, miembro del movimiento Fluxus.


title: Performance

text: Wolf Vostell fue un artista alemán de los más representativos de la segunda mitad del siglo XX, que trabajó con varios medios y técnicas como la pintura, la escultura, la instalación, el décollage, el videoarte, el happening y el fluxus.


title: Performance

text: Vito Acconci fue un influyente artista de performance, video e instalación, cuya práctica híbrida finalmente incluyó escultura, diseño arquitectónico y paisaismo. Su desempeño fundamental en el campo del videoarte se caracterizó por su "inquietud existencial", el exhibicionismo, la incomodidad, la transgresión y la provocación, a menudo involucraban cruzar fronteras tales como el mundo público-privado, lo consensual-no consensual y el mundo real-artístico . Se considera que su trabajo ha influido en artistas como Laurie Anderson, Bruce Nauman y Tracey Emin, entre otros. Acconci se interesó inicialmente en la poesía radical, pero a fines de la década de 1960, comenzó a crear performances influyentes situacionistas en la calle o para pequeñas audiencias que exploraban el cuerpo y el espacio público. Dos de sus piezas más famosas fueron "La siguiente pieza" (1969), en la que seleccionó a transeúntes aleatorios en las calles de la ciudad de Nueva York y los siguió durante todo el tiempo que pudo, y "El Semillero""(1972)," en la que se masturbaba mientras los visitantes, en una planta contigua de la "Galería Sonnabend", se acercaban y escuchaban los sonidos emitidos. ""


title: Performance

text: Chris Burden era un artista estadounidense que trabajaba con la performance, la escultura y la Instalación. Burden se hizo conocido en la década de 1970 por sus obras de arte de performance, incluido "Shoot" (1971), donde creó una pieza en el que un voluntario le disparara en el brazo con un rifle de pequeño calibre. Como artista prolífico, Burden creó muchas instalaciones conocidas, obras de arte públicas y esculturas antes de su muerte en 2015. Burden comenzó a trabajar en performance a principios de la década de 1970. Hizo una serie de obras controvertidas en las que la idea del peligro personal como expresión artística era central. Su primer trabajo significativo, "Five Day Locker Piece" (1971), fue creado para su tesis de maestría en la Universidad de California, e implicó su encierro en una taquilla por cinco días.


title: Performance

text: Dennis Oppenheim fue un artista estadounidense especializado en performance art, land art, escultura y fotógrafia. La práctica artística temprana de Dennis Oppenheim es un cuestionamiento epistemológico sobre la naturaleza del arte, la creación del arte y la definición del arte: un meta-arte que surgió cuando las estrategias de los minimalistas se expandieron con el fin de enfocarse en el espacio y el contexto. Además de una agenda estética, su obra progresó desde las percepciones de las propiedades físicas del espacio galerístico hasta el contexto social y político, en gran parte en forma de escultura pública permanente en las últimas dos décadas dentro una carrera altamente prolífica, cuya diversidad exasperaba a sus críticos.Yayoi Kusama es una artista japonesa. A lo largo de su carrera, ha trabajado con una gran variedad de medios incluyendo: pintura, collage, escultura, arte performance e instalaciones; la mayoría de los cuales exhiben su interés temático en la psicodelia, la repetición y los patrones. Kusama es una precursora de los movimientos del arte pop, el minimalismo y el arte feminista e influenció a sus contemporáneos, Andy Warhol y Claes Oldenburg. Kusama es reconocida actualmente como una de las artistas más importantes que haya salido de Japón y una voz muy importante del arte de vanguardia.


title: Performance

text: Zaj fue un colectivo de performance de vanguardia español, creado en 1964 por Juan Hidalgo y Ramón Barce, y por el italiano "Walter Marchetti". Su gestación, en Milán, entre 1959 y 1963, tuvo una importante influencia del neodadaísmo y del zen, así como del pensamiento del compositor estadounidense John Cage, a quien Juan Hidalgo y Walter Marchetti conocieron en Darmstadt en 1958. También se ha vinculado la actividad de zaj a la del grupo internacional Fluxus, existiendo evidentes paralelismos y similitudes. En 1967 se incorporó al grupo la "performer" Esther Ferrer. Entre 1967 y 1972 el grupo se redujo; este último año participó en los Encuentros de Pamplona, tras los cuales decidieron realizar sus actividades fuera de España, debido a las presiones e incomodidades del régimen franquista. Desde ese año, zaj fue de nuevo un grupo circunscrito a tres personas: Juan Hidalgo, Walter Marchetti, y Esther Ferrer. El grupo prolongó su existencia y sus actividades hasta 1996, año en que el Museo Reina Sofía realizó una exposición retrospectiva de su producción.


title: Performance

text: Esther Ferrer es una artista interdisciplinar española centrada en la "performance" y considerada una de las mejores artistas españolas de su generación. En 2008 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas de España y en 2014, el Premio Velázquez de Artes Plásticas que otorga el Ministerio de Cultura.


title: Performance

text: En los años setenta, los artistas que habían derivado hacia obras relacionadas con la performance, evolucionan y se consolidan artistas con la performance como disciplina principal. Derivando hacia instalaciones creadas a través de la performance, video-performance o acciones en colectivo o dentro de un contexto socio, histórico y político. A principios de los setenta se consolidó el uso del formato video dentro de artistas de performance. Por lo que podías encontrar exposiciones de Joan Jonas o Vito Acconci construidas únicamente desde el video, detonadas por procesos performativos previos. En esta década se publicaron varios libros, "Expanded Cinema", de Gene Youngblood entre ellos, sobre el uso de los medios de comunicación y el video y el cine, más concretamente por los artistas de "performance". Uno de los artistas principales en el uso de video y performance, con sus conocidas instalaciones audiovisuales es el artista surcoreano Nam June Paik, quien a principios de los años sesenta ya había sido un intérprete de fluxus hasta convertirse en un artista mediático y evolucionar a las grandes instalaciones compuestas por audiovisual por las que es reconocido. A tener en cuenta también la obra de Carolee Schneemann y "Robert Whitman" de los años sesenta, en cuanto a su relación con el video-performance. Ambos pioneros en el arte de la "performance", convirtiéndose en una forma de arte independiente a principios de los años setenta.


title: Performance

text: La pareja británica Gilbert and George, ya en 1970, había documentado sus acciones en vídeo, y creó su actuación de escultura viva, pintada en oro y cantando "Underneath The Arches" durante largos periodos. Joan Jonas comenzó a incluir el vídeo en sus performances experimentales en 1972, mientras que Bruce Nauman escenificó sus actuaciones directamente para la grabación de vídeo.


title: Performance

text: Bruce Nauman es artista multimedia estadounidense, cuyas esculturas, vídeos, obra gráfica y performances han ayudado a diversificar y extender la cultura a partir de la década de 1960. Sus inquietantes obras de arte hacen hincapié en la naturaleza conceptual del arte y del proceso de creación. Su prioridad es la idea y proceso creativo sobre el resultado final, su arte recurre a la utilización de una increíble variedad de materiales, y en especial a su propio cuerpo. Uno de los más innovadores y provocadores artistas contemporáneos estadounidenses.


title: Performance

text: Gilbert and George (o Gilbert & George) es una pareja de artistas británicos compuesta por el artista italiano "Gilbert Proesch" y el artista inglés "George Passmore", que han desarrollado su labor dentro del arte conceptual, la performance y el body art, siendo conocidos principalmente por ejercer de «esculturas vivientes». Una de sus primeras realizaciones fue "The Singing Sculpture" ("La escultura que canta", 1969), en la que la pareja de artistas bailaban y cantaban "Underneath the Arches", un éxito musical de los años 1930. Desde entonces se han forjado una sólida reputación como esculturas vivas, convirtiéndose a sí mismos en obras de arte, expuestas durante diversos intervalos de tiempo a la contemplación del público. Por lo general suelen aparecer impecablemente vestidos con traje y corbata, adoptando diversas posturas en las que permanecen inmóviles, aunque a veces también se mueven o leen algún texto, y en ocasiones aparecen en montajes o instalaciones de diversa índole. Además de su faceta «escultórica», Gilbert and George también realizan obras pictóricas, collages y fotomontajes, donde a menudo se representan a sí mismos, junto a diversos elementos de su entorno más inmediato, con referencias a la cultura urbana y un fuerte componente reivindicativo, donde abordan temas como el sexo, la raza, la muerte y el sida, la religión o la política, criticando a menudo al gobierno británico y el poder establecido. En ese sentido, su serie más prolífica y ambiciosa ha sido "Jack Freak Pictures", donde tienen una presencia constante los colores rojo, blanco y azul de la bandera británica. Gilbert and George han realizado exposiciones en algunos de los mejores museos y galerías del mundo, como el "Stedelijk van Abbemuseum" de Eindhoven (1980), la "Hayward Gallery" de Londres (1987), la Tate Modern (2007), etc. Han participado diversas ocasiones en la Documenta de Kassel (n 5, 6 y 7), y en 2005 representaron a su país en la Bienal de Venecia. en 1986 fueron ganadores del Premio Turner.


title: Performance

text: A mediados de los setenta, detrás del telón de acero, en capitales de Europa del Este como Budapest, Cracovia, Belgrado, Zagreb, Novi Sad y otras ciudades, artes escénicas de contenido más experimental iban floreciendo. Contra el control político y social, surgieron diferentes artistas que realizaban performance de contenido crítico. A destacar la serie de performances de "Orshi Drozdik", titulada "Individual Mythology" 1975/77 y el "NudeModel" 1976/77. Todas sus acciones eran críticas del discurso patriarcal del arte y del programa de emancipación forzado y construido por el estado igualmente patriarcal. Drozdik mostró un punto de vista pionero y feminista sobre ambos, siendo una de las precursoras de este tipo de arte crítico feminista en Europa del Este. En los años setenta, el arte de la "performance", debido a su relativa fugacidad, tenía una presencia bastante sólida en las vanguardias de los países del bloque oriental, especialmente Polonia y Yugoslavia, donde surgieron decenas de artistas que exploraban el cuerpo siempre de forma crítica y conceptual.


title: Performance

text: La "performance" de resistencia profundiza en el trance, el dolor, la soledad, la privación de libertad, el aislamiento o el agotamiento. Algunas de las obras fundamentadas en el largo paso del tiempo, también conocidas como performances de larga duración. Uno de los artistas precursores es Chris Burden en California desde los años 1970. En una de las obras más conocidas "Cinco Días en una Taquilla" (1971) permanecía encerrado durante cinco días en un taquilla escolar, en "Brote" (1971) fue disparado con un arma de fuego, y habitó durante veintidós días en una cama dentro de una galería de arte en "Pieza de Cama" (1972). Otro ejemplo de artista de resistencia es Tehching Hsieh. Durante una performance creada en 1980–1981 ("La Pieza de Reloj del Tiempo"), donde permaneció un año completo repitiendo la misma acción alrededor de un reloj metafórico, Hsieh además es conocido por sus performance en torno a la privación de libertad, permaneciendo más de un año confinado. En "La Casa con la Vista al Océano" (2003), Marina Abramović vivió silenciosamente durante doce días sin alimentación. Los Nueve Confinamientos o La Privación de Libertad es un obra conceptual, de arte de resistencia y performativa de contenido crítico y biográfico creada por el artista Abel Azcona. Secuencia de performance realizadas entre los años 2013 y 2016. Todas ellas con el nexo en común de la privación de libertad. En el año 2013 Azcona realizó las primeras performance bajo el nombre "Encierro en Busca de la Identidad". En el primer encierro el artista debía permanecer sesenta días, en un espacio construido en el interior de una galería de arte madrileña, con escasos recursos alimenticios y en oscuridad total. El encierro fue interrumpido a los cuarenta y dos días por motivos de salud. El artista crea estas obras como reflexión e interrupción discursiva de su propia enfermedad mental, siendo uno de los temas recurrentes en la obra de Azcona.


title: Performance

text: A mediados de 1976, Ulay y Marina Abramović fundaron el colectivo The Other en la ciudad de Ámsterdam. Cuando Abramović y Ulay comenzaron su colaboración, los conceptos principales que exploraron fueron el ego y la identidad artística. Este fue el comienzo de una década de trabajo colaborativo. Ambos artistas estaban interesados en las tradiciones de sus patrimonios culturales y el deseo del individuo por los ritos. En consecuencia, decidieron formar un colectivo al que llamaron "The Other" ("El Otro"). Se vistieron y se comportaron como uno solo, y crearon una relación de completa confianza. Idearon una serie de trabajos en que sus cuerpos creaban espacios adicionales para la interacción con la audiencia. En "Relation in Space" ("Relación en el espacio") corrían alrededor de la sala, dos cuerpos como dos planetas, mezclando las energías masculinas y femeninas en un tercer componente al que llamaron ""that self"" ("eso mismo"). "Relation in Movement" ("Relación en Movimiento", 1976) tenía a la pareja conduciendo su automóvil dentro de un museo dando 365 vueltas, un líquido negro salía del automóvil formando una especie de escultura, y cada vuelta representaba un año. Después de esto, idearon "Death self" ("La muerte misma"), en la cual ambos unían sus labios e inspiraban el aire expelido por el otro hasta agotar todo el oxígeno disponible. Exactamente 17 min después del inicio de la performance ambos cayeron al piso inconscientes, ya que sus pulmones se llenaron de dióxido de carbono. Esta pieza exploró la idea de la habilidad del individuo de absorber la vida de otra persona, cambiándola y destruyéndola. En 1988, tras varios años de tensa relación, Abramović y Ulay decidieron hacer un viaje espiritual el que daría fin al colectivo. Ambos caminarían por la Gran Muralla China, comenzando cada uno por los extremos opuestos y encontrándose en el centro. Abramović concibió esta caminata en un sueño, y le proporcionó lo que para ella era un fin apropiado y romántico a una relación llena de misticismo, energía y atracción. Cada uno de ellos caminó por uno de los extremos de la Gran Muralla China y se reunieron en el centro. Ulay partió del desierto de Gobi y Abramovic en el Mar Amarillo. Cada uno de ellos caminó 2500 kilómetros, se encontraron en el centro y se dijeron adiós.


title: Performance

text: En 1973, Laurie Anderson interpretó "Duets on Ice" en las calles de Nueva York. Marina Abramović, en la performance "Rhythm 10", incluyó conceptualmente la violación de su cuerpo. Treinta años después, el tema de la violación, la vergüenza y la explotación sexual sería reimaginado en las obras contemporáneas de artistas como "Clifford Owens", "Gillian Walsh", "Pat Oleszko" y "Rebecca Patek," entre otros. Nuevos artistas con actuaciones radicales se consolidan como precursores principales de la performance, como Chris Burden, con la obra de 1971 "Shoot", en la que un asistente le disparó en el brazo izquierdo desde una distancia de unos cinco metros, y Vito Acconci en el mismo año con "Seedbed". La obra de Carolee Schneemann en 1963, "Eye Body", ya había sido considerada un prototipo de arte "performance". En 1975, Schneemann recurrió a innovadoras actuaciones en solitario, como "Interior Scroll", que mostraban el cuerpo femenino como medio artístico.


title: Performance

text: Uno de los principales nombres propios fue Gina Pane, artista francesa de origen italiano. Estudió en la École des Beaux-Arts en París de 1960 a 1965 y fue miembro del movimiento de la performance en la década de 1970 en Francia, llamado "Art Corporel". Paralelo a su arte, Pane enseñó en la Ecole des Beaux-Arts en Mans de 1975 a 1990 y dirigió un "atelier" dedicado a la performance en el Centre Pompidou de 1978 a 1979. Una de sus obras más reconocidas es"The Conditioning " (1973), en el que se la acuesta sobre un somier de metal sobre un área de velas encendidas. "The Conditioning " fue recreado como homenaje por Marina Abramović, parte de sus "Seven Easy Pieces"(2005) en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York en 2005. Gran parte de sus obras están protagonizadas por el dolor autoinfligido, distinguiéndola de la mayoría de las otros artistas de cuerpo femenino de la década de 1970. A través de la violencia de cortar su piel con cuchillas o apagar incendios con sus manos y pies desnudos, Pane tenía la intención de incitar una "experiencia real" en el espectador, quien se sentiría conmovido por su incomodidad. La naturaleza impactante de estas primeras performance o acciones, como ella prefería llamarlas, a menudo eclipsó su prolífica práctica fotográfica y escultórica. Sin embargo, el cuerpo era la preocupación central en todo el trabajo de Pane, ya sea literal o conceptualmente.


title: Performance

text: Hasta la década de 1980, el arte de la "performance" había desmitificado el virtuosismo, siendo una de las claves. Sin embargo a partir de los ochenta, empezó a adoptar una clara brillantez técnica. En referencia a la obra "Presence and Resistance" de Philip Auslander, la crítica de danza "Sally Banes" escribe: «...a finales de los años ochenta, el arte performance se había vuelto tan conocido que ya no necesitaba ser definido; la cultura de masas, especialmente la televisión, había llegado a proporcionar tanto la estructura como el tema para gran parte del arte performance; y varios artistas de la performance, incluyendo a Laurie Anderson, Spalding Gray, Eric Bogosian, Willem Dafoe y Ann Magnuson, se habían convertido en artistas polifacéticos en el mundo del entretenimiento». Es en esta década donde se definen unos parámetros y tecnicismos construidos con el fin de depurar y perfeccionar la performance.


title: Performance

text: A pesar de que muchas de las performance se realizan dentro del círculo de un pequeño grupo o colectivo cerrado del mundo del arte, RoseLee Goldberg destaca en "Performance Art: From Futurism to the Present" que «la performance ha sido una forma de atraer directamente a un gran público, además de escandalizar al público para que reconsidere sus propias nociones del arte y su relación con la cultura. Por el contrario, el interés del público por el medio, especialmente en los años ochenta, surge de un aparente deseo de ese público de acceder al mundo del arte, de ser espectador de su ritual y de su distinta comunidad, y de ser sorprendido por las presentaciones inesperadas, siempre poco ortodoxas, que idean los artistas». Es en esta década donde surgen publicaciones y recopilaciones sobre el arte de performance y sus artistas más reconocidos.


title: Performance

text: Nuevamente en los ochenta, el contexto político juega un papel clave en el desarrollo artístico y más concretamente en la performance, al ser casi todas ellas obras surgidas desde el discurso crítico y político. Hasta el declive del bloque oriental europeo a finales de los años ochenta, el arte de la "performance" había sido rechazado activamente por la mayoría de los gobiernos. Con la excepción de Polonia y Yugoslavia, en otros países de Europa del Este, estaba más o menos prohibido o muy controlado al ser países donde se temía cualquier evento público independiente. En la República Democrática Alemana, Checoslovaquia, Hungría y Letonia se realizaban performances de forma privada en apartamentos, en reuniones aparentemente espontáneas, en estudios de artistas, en lugares controlados por la iglesia, o cubierto como otra actividad, como por ejemplo una sesión fotográfica. Aislado del contexto conceptual occidental, en diferentes escenarios fue considerado como una protesta lúdica, utilizando metáforas subversivas corporales o mediante la palabra para expresar su desacuerdo con la situación política. Entre las "performances" más notables de contenido político en el mundo del arte de esta década se encuentran las obras de Tehching Hsieh entre julio de 1983 y julio de 1984, "Art/Life: One Year Performance" (Rope Piece).


title: Performance

text: En 1982 se empezó a utilizar de forma conjunta términos como "poesía" y "performance". La poesía en performance surge para distinguir interpretaciones vocales basadas en la palabra de las interpretaciones artísticas, especialmente de las obras de artistas de interpretación escénica o musical, como Laurie Anderson. Los poetas de "performance" se basaban más en la expresión retórica y filosófica de su poética que los artistas de "performance", que surgieron de los géneros de las artes visuales de la pintura y la escultura. Muchos artistas desde John Cage, a Esther Ferrer en España fusionan la performance con una base poética.


title: Performance

text: Desde 1973, el Feminist Studio Workshop en el "Woman's Building" de Los Ángeles tuvo un impacto en la ola de actuaciones con trasfondo feminista, pero hasta la década de los 80 la fusión no fue total. La conjunción entre el feminismo y la "performance", en la última década del , ha sido amplia. En las dos primeras décadas de desarrollo de la "performance" se crearon obras que en lecturas y críticas actuales han sido entendidas como feministas. No obstante hasta 1980 las artistas se autodefinieron de esta forma. Se formaron grupos de artistas donde destacaban las mujeres influidas tanto por el movimiento estudiantil de 1968 como por el movimiento feminista. Esta conexión ha sido tratada en las investigaciones de historia del arte contemporáneo. Algunas de las mujeres que más aportaron de manera innovadora en representaciones o espectáculos fueron Pina Bausch, en 1985 surgieron las Guerrilla Girls en Nueva York. Colectivo artístico anónimo de artistas feministas y antirracistas. Se denominó así por usar en su activismo tácticas de guerrilla entendida como guerrilla de comunicación para denunciar la discriminación de las mujeres en el arte a través de obras políticas y de "performance". Su primera "performance" fue colocar carteles y hacer apariciones públicas en museos y galerías de Nueva York, para denunciar que algunos grupos de personas eran discriminados por motivos de género y raza principalmente. Todo esto lo hicieron de forma anónima, de hecho, en todas y cada una de estas apariciones, cubrieron sus rostros con máscaras de gorila (esto se debía a que la pronunciación inglesa de gorila es muy parecida a la de guerrilla) y, además de eso, utilizaban como sobrenombre el nombre de artistas mujeres ya fallecidas.


title: Performance

text: De los setenta a los ochenta, entre las opciones que retan al sistema y sus estrategias habituales de representación, son las protagonizadas por cuerpos de mujer. Las acciones en la ciudad de Nueva York de Ana Mendieta donde el cuerpo es violentado y maltratado o las representaciones artistísticas desde un discurso más minimalista que surgen desde los finales de los setenta y ochenta de Louise Bourgeois. Mención especial obras creadas a partir de la corporeidad femenina y feminista de artistas como Lynda Benglis y sus acciones performativas fálicas. Reconstruyendo la imagen femenina para no ser únicamente fragmentaria o fetichista. Así mediante las performances feministas el cuerpo pasa a ser un espacio de conformación de todos estos nuevos discursos y significados donde las mueres llegan hasta las más extremas consecuencias, como la artista Eleanor Antin, creadora que en los 70 y 80, trabaja en la línea de revisión de género, raza y clase. Cindy Sherman, en sus primeras obras en los 70 y ya en su madurez artística en los 80, continua la línea crítica de trastocar el yo impuesto y el relato usual y hacerlo desde el cuerpo como objeto de privilegio. Cindy Sherman es una fotógrafa y artista estadounidense. Una de las mayores representantes de la fotografía de posguerra, exhibió más de tres décadas de su trabajo en el MoMA de Nueva York. A pesar de que en la mayoría de sus fotografías performativas aparece ella misma, no las considera autorretratos. Sherman se utiliza a sí misma como vehículo para representar una gran variedad de temas del mundo contemporáneo, como el papel de la mujer o el papel del artista. A través de una serie de diferentes obras, Sherman ha planteado difíciles e importantes preguntas sobre el papel y la representación de las mujeres en la sociedad, los medios de comunicación y la naturaleza de la creación del arte. En 2020 fue galardonada con el Premio de la Fundación Wolf de las Artes.


title: Performance

text: Judy Chicago es una artista y pionera del arte feminista y de performance estadounidense. Chicago es conocida por sus grandes piezas de instalación de arte colaborativo sobre imágenes de nacimiento y creación, que examinan el papel de las mujeres en la historia y cultura. En los 1970’s, Chicago había fundado el primer programa de arte feminista en los Estados Unidos. El trabajo de Chicago incorpora una variedad de habilidades artísticas, como la costura, contrarrestada con habilidades que requieren mucha mano de obra, como soldadura y pirotecnia. El trabajo más conocido de Chicago es "The Dinner Party," que se instala permanentemente en el Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art en el Brooklyn Museum. "The Dinner Party" celebra los logros de las mujeres a lo largo de la historia y es ampliamente considerada como la primera obra de arte épica feminista. Otros proyectos notables de arte de Chicago incluyen "International Honor Quilt", "The Birth Project," "Powerplay," y "The Holocaust Project."


title: Performance

text: En esta década el arte "performance" se fue extendiendo hasta llegar a Latinoamérica a través de los talleres que ofrecían las universidades o programas desarrollados por instituciones académicas. Principalmente se desarrolló en México, en Colombia —con artistas como María Teresa Hincapié—, en Brasil y en Argentina. Ana Mendieta fue una artista conceptual y de "performance" nacida en Cuba y criada en Estados Unidos. Es especialmente reconocida por sus obras de arte y "performances" en el marco del land art. El trabajo de Mendieta era conocido sobre todo en el entorno de la crítica de arte feminista. Años después de su muerte, especialmente a partir de una retrospectiva del Museo Whitney de Arte Estadounidense en 2004 y la retrospectiva en la Galería Haywart en Londres en 2013 es considerada pionera de la "performance" y de otras prácticas asociadas con el arte corporal, el arte terrestre, la escultura y la fotografía. Ella misma describió su trabajo como "earth-body art".


title: Performance

text: Tania Bruguera es una artista cubana especializada en "performance" y arte político. Su obra se centra en su interpretación de temas políticos y sociales. Para definir sus prácticas artísticas ha desarrollado conceptos como el «arte de conducta» con foco en los límites del lenguaje y del cuerpo confrontados a la reacción y comportamiento de los espectadores, asimismo propone un «arte útil» que haga una transformación real a ciertos aspectos políticos y legales de la sociedad. El trabajo de Bruguera revuelve alrededor de temas de poder y control y mucho de su trabajo interroga el contexto presente en su país natal, Cuba. En 2002 creó la Cátedra Arte de Conducta en La Habana. Regina José Galindo es una artista guatemalteca especializada en "performance". Su obra se caracteriza por su explícito contenido político y crítico, empleando su propio cuerpo como herramienta de confrontación y transformación social. Su trayectoria artística está marcada por el conflicto armado de Guatemala que tuvo lugar entre 1960 y 1996 y que provocó un genocidio con más de 200 mil víctimas, muchas de ellas indígenas, campesinos y mujeres y niñas. Con su obra, Galindo denuncia la violencia, el machismo (uno de sus principales temas es el feminicidio), el canon de belleza occidental, la represión de los estados, y el abuso de poder, especialmente en el contexto de su país aunque su lenguaje traspasa fronteras. Desde el primer momento, utilizó solamente su cuerpo, que en ocasiones lleva a situaciones extremas (como en el caso de ""Himenoplastia" (2004)" donde se somete a una reconstrucción del himen, pieza ganadora del León de Oro en la Bienal de Venecia), para posteriormente contar con personas voluntarias o contratadas que interactúan con ella, con lo que pierde el control sobre la acción.


title: Performance

text: Teresa Margolles es una artista conceptual especializada en performance. Su obra artística se centra en explorar las causas sociales y consecuencias de la muerte denunciando la violencia que azota México con el objetivo de posicionar la situación de violencia en el debate público. De 1990 a 2007 trabaja en las morgues. A partir del aumento de asesinatos en 2006 empieza a trabajar en las calles recogiendo los materiales con los que trabajaba de los cadáveres que se encuentran en el espacio público. La muerte forma parte en ese momento de la vida cotidiana de las personas y tiene consecuencias directas en las familias, la comunidad y en la propia vida de las ciudades.