title: Partido Socialista (Argentina)

text: A raíz de estas controversias, el 28 de septiembre de 2008 el Congreso Nacional del Partido Socialista, en Santa Rosa, La Pampa, resolvió la intervención de la federación de la provincia de Bs. As. En 2009 la Comisión Nacional de Ética del PS resolvió la expulsión de los dirigentes bonaerenses Ariel Basteiro y Oscar R. González. En 2010 se llevó adelante una elección interna a nivel nacional para elegir a las nuevas autoridades partidarias, por un lado se presentó la lista de Rubén Giustiniani asociada al gobernador de Santa Fe, Hermes Binner, presentándose en oposición la lista encabezada por Jorge Rivas. El resultado fue alrededor de un 90 % en favor de la lista de Giustiniani y Binner y tan solo un 10 % para la lista de Rivas, quien ya debilitado, comienza junto a su sector interno a planear su salida del PS. En septiembre de 2011 forma una nueva corriente política a la que llamaron Unidad Socialista para la Victoria (USpV), reivindicando la permanencia en el gobierno nacional y en el Frente para la Victoria.


title: Partido Socialista (Argentina)

text: El Partido Socialista ratificó su política de independencia en relación con el gobierno nacional, y mantiene su criterio de respaldar las políticas positivas o reformistas y cuestionar los aspectos regresivos. Así apoyó a iniciativas como la supresión de las AFJP, el matrimonio igualitario, la asignación universal por hijo, la Ley de Medios, etc, aunque en casi todas ellas ha marcado aspectos insuficientes o modificaciones, que no siempre han sido consideradas por el oficialismo. Por otro lado, el socialismo reclama y ha presentado iniciativas parlamentarias en relación a otras cuestiones que considera equívocas o altamente negativas, tales como el sistema impositivo regresivo, la necesidad de transparentar las acciones públicas, el cumplimiento del federalismo, la falta de políticas de vivienda, la necesidad de efectivizar y ampliar derechos sociales, etc.


title: Partido Socialista (Argentina)

text: En 2011 con el socialismo como eje central se formó una alianza con otras fuerzas de centroizquierda denominada Frente Amplio Progresista que llevó como candidato presidencial a Hermes Binner, alcanzando el cuarto lugar en las elecciones primarias y el segundo lugar en las elecciones generales, con porcentajes superiores al 16 %. El FAP ha conseguido en esas elecciones un bloque de más de veinte diputados nacionales, presidido por el socialista Juan Carlos Zabalza, y cinco senadores nacionales.


title: Partido Socialista (Argentina)

text: En 2013 en las elecciones legislativas el PS se presentó en los diferentes distritos en diferentes alianzas, según la realidad de cada provincia. En la provincia de Santa Fe encabezó la lista de Diputados Nacionales Hermes Binner obteniendo 43 % ganando en 18 de las 19 jurisdicciones de la provincia.


title: Partido Socialista (Argentina)

text: El 21 de junio de 2015 el socialista Miguel Lifschitz fue elegido como nuevo gobernador de la Provincia de Santa Fe a partir del 10 de diciembre del mismo año, sumando 584.557 contra 582.781 votos obtenidos por Miguel del Sel, candidato por el partido PRO del presidente Mauricio Macri.


title: Partido Socialista (Argentina)

text: En junio de 2019 se anunció que, en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, el Partido Socialista formaría parte de la alianza Juntos por el Cambio, yendo a contramano de la línea partidaria a nivel nacional.


title: Partido Socialista (Argentina)

text: En 2019, tras doce años de gestión ininterrumpida en la provincia de Santa Fe, el partido socialista perdió la gobernación.


title: Partido Socialista (Argentina)

text: En 2021, tras décadas sin elecciones internas, se presentaron tres listas para conducir el Partido Socialista. Con el apoyo de más de la mitad de los electores, Mónica Fein resultó electa presidenta, siendo la primera mujer en presidir un partido a nivel nacional en Argentina.


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Actualmente el partido está dividido por tres corrientes principales:


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Presidencia: Mónica Fein


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Secretaría General: Jorge Illa


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Secretaría General Adjunta: Marilina Gadpen


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Secretaría de Organización: Carlos Roberto


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Secretaría de Actas: Ana Laura Klug


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Secretaría Gremial: Paolo Etchepareborda


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Secretaría de la Mujer: Ely Fontao


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Secretaria de Prensa y Propaganda: Vanesa Vargas


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Secretaría de Cultura: Gustavo Marchionatti


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Secretaría de Finanzas: Ramiro Tizón


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Secretaría de Relaciones Internacionales: Esteban Paulón


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Secretaría de Derechos Humanos: Julia Martino


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Secretaría de Asuntos Técnicos: Maria Elena Barbagelata


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Secretaría de Cooperativismo: Luis Solana


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Secretaria de Educación: Celina Bustos


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Secretaria de Juventudes Socialistas: Gisel Mahmud


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Secretaría de Movimiento Nacional Reformista: Marianela Pfund


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Secretaria de Movimientos Sociales: Luciano Vigoni


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Secretaría de Gobiernos Locales: Fernando Guevara


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Secretaría de Relaciones Institucionales: Lisandro Viale


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Secretaría de Juventud: Gisel Mahmud


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Secretaria de Ambiente: Eduardo Vargas


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Dirección de Escuela de Formación Política: Erica Hynes


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Secretaría de Diversidad Sexual: Raúl Guajardo


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Secretaría de Asuntos Legales: Roberto Birri


title: Partido Socialista (Argentina)

text: Director de La Vanguardia: Martín Appiolaza Entre los más renombrados socialistas de la Argentina figuran:Sitio web del Partido Socialista - Mendoza


title: Corrido (México)

text: El corrido es un género musical mexicano. Se trata de una narrativa popular concebida para ser cantada, recitada o bailada, la cual se puede encontrar en forma de canción, poesía o balada. Los corridos también son conocidos como "tragedias", "mañanitas", "ejemplos", "versos", "relaciones" o "coplas".


title: Corrido (México)

text: En las canciones conocidas como "corridos" se tratan principalmente temas como eventos políticos, históricos, venganzas y relaciones sentimentales. Aunque durante su época de auge, durante la Revolución mexicana, tuvo un valor noticiero al "narrar batallas, hazañas, muertes trágicas, historias de bandoleros y valentones, asesinatos y ejecuciones, desastres naturales, accidentes, etc".


title: Corrido (México)

text: El coro desempeñó un papel importante en la historia de México, ya que durante las épocas de coyuntura social y política estas composiciones fueron una fuente de información sobre los movimientos, las victorias y las pérdidas que la revolución trajo consigo. Los corridos continúan siendo muy populares hoy en día en México, han evolucionado mucho y se pueden encontrar diferentes subgéneros, por ejemplo el Narcocorrido. Cabe destacar que también Chile ha adoptado elementos del corrido que se escuchan principalmente en las zonas rurales del sur del país, haciéndolo parte de su folclore nacional.


title: Corrido (México)

text: Etimológicamente la palabra "corrido" se remonta hasta el medioevo; tal como lo indica Aurelio González, la palabra es ya utilizada por Miguel de Cervantes Saavedra en una de sus novelas para referirse a algunos poemas hechos para ser cantados y se encuentra en 1729 en el diccionario de autoridades bajo la siguiente definición:


title: Corrido (México)

text: A la hora de hablar del corrido como composición musical y poética se tiene un origen difícil de rastrear, pues desde antes de la conquista hay quienes aseguran, como José María Martínez, que los indígenas ya contaban con expresiones musicales similares, pero no fue sino hasta la llegada de los colonizadores que le asignaron el nombre de "corrido". Por otro lado se considera que el corrido no nace sino hasta finales del siglo XIX con el estallido de la Revolución mexicana, momento en el cual se consolida con una forma épico-lírica. Esta forma adquirida por los corridos lleva a que críticos como Diego Catalán, Aurelio González Ovies y Mercedes Días Roig consideren el corrido mexicano una adaptación del romance español, o de la balada europea, que se empieza a divulgar desde la época de la colonia, pero que no se adscribe en la identidad nacional mexicana sino hasta la revolución.


title: Corrido (México)

text: Las narrativas de hechos en la Nueva España se desarrollaron desde el siglo XVIII, cuyos orígenes se remontan hasta la edad media española. Los primeros corridos se tocaban acompañados de instrumentos de cuerda, como guitarra, bandolón y bajo quinto.


title: Corrido (México)

text: Géneros europeos como la polca y la redova fueron populares, y se usarían para acompañar los corridos. El conjunto norteño adoptaría el acordeón de origen europeo y el bajo quinto y sexto, con origen en el sur de México. Posteriormente se le añaden más instrumentos, como la batería, y se empieza a unir a los relatos mexicanos de esa época, originando el corrido norteño que se conoce hoy en día, que se compone en tiempos de 1/2 o 3/4.


title: Corrido (México)

text: Hasta el arribo y consolidación de los medios electrónicos de comunicación masiva (en la mitad del siglo XX), el corrido se utilizó en México como un medio informativo y educativo de primer orden, incluso con fines subversivos, debido a su simplicidad lingüística y musical, apropiadas para la transmisión oral y la memorización de los cánticos. Tras popularizarse la radio y la televisión, el género evolucionó hacia un nuevo estado, aún en proceso de maduración, aunque la mayoría de los especialistas asegura que está muerto, o por lo menos agoniza desde entonces.


title: Corrido (México)

text: Los primeros corridos mexicanos que se conocen nacen como versiones transculturadas de romances españoles. Por ello se encuentran en ambas formas similitudes temáticas, sobre todo en lo relativo al amor, a la venganza y a los temas religiosos. Y en algunos casos se conservan no sólo los temas, sino también la mayor parte del romance original que se cantó seguramente por los colonizadores al llegar a América y se transmitió de forma oral. Entre estos se incluyen algunos corridos muy conocidos a lo largo del continente americano, como "La Martina", "La Delgadina", "Rosita Alvírez" y "Elena y el francés". Formalmente la relación entre los primeros corridos y el romance es muy clara, pues se escribe en "verso de arte menor", es decir, con versos de ocho o menos sílabas fonéticas agrupadas en estrofas de seis o menos versos y rima asonante.


title: Corrido (México)

text: Durante la Guerra de Independencia (1810-1821), a lo largo de la Revolución mexicana (1910-1921) y las revueltas religiosas de la guerra cristera o cristiada (1926-1929), el género prosperó y adquirió los conocidos tonos "épicos" que tanto se resaltan, así como la estructura narrativa, produciéndose el grueso de los ejemplares vivos, que se refieren a líderes revolucionarios, religiosos o populares, así como a sus hechos o, incluso, su martirologio.


title: Corrido (México)

text: Por esa misma época el corrido mexicano adquirió una función informativa, en la cual primaba el interés periodístico, pues al no existir las tecnologías con las que se cuentan hoy en día la forma más fácil de divulgar un hecho histórico era a través de composiciones populares simples que fueron transmitidas en plazas y ciudades de forma oral. Además, como lo menciona la autora Catalina H. de Giménez, tuvo una enorme eficacia ideológica que ciertamente contribuyó a reforzar la identidad del grupo [participante en el conflicto] o a movilizarlo en los movimientos de resistencia. Esta cualidad fue utilizada por ciertos grupos sociales para afianzar su poder político y económico. Al terminar la revolución, con la toma del poder por parte del ejército norteño, que trae consigo una cultura diferente, se presenta un cambio temático en el corrido, en el que ahora se ensalza "al valiente, al individuo bravucón, al ranchero típico pequeño propietario, a su caballo, sus gallos, etcétera"; con este cambio el corrido da paso a la canción ranchera. Con la consolidación del Presidencialismo y el éxito de los medios electrónicos de comunicación masiva, el corrido perdió mucho de su papel informativo, volviéndose, por una parte, un ingrediente del folclor culto, y por otra parte, la voz de los nuevos subversivos: trabajadores oprimidos, productores y traficantes de drogas, activistas de izquierda, campesinos emigrantes, sobre todo a Estados Unidos, entre otros.


title: Corrido (México)

text: La vertiente más reciente es considerada por los académicos la etapa "decadente" del género, pues tiende a descuidar las características estilísticas y estructurales del corrido tradicional o revolucionario. El narcocorrido es la mayor representación de la decadencia expuesta, pues se trata de un subgénero que se compone de canciones dedicadas a figuras relacionadas con el narcotráfico, muchas veces ordenadas y pagadas por ellas mismas a músicos y compositores. En estas canciones existe sólo un interés temático, lo cual hace que la forma pierda atención y calidad.


title: Corrido (México)

text: El corrido cumplió la función de un medio de divulgación y comunicación de ciertas facciones y como un reproductor del sistema de valores y códigos de la época y afines a determinados grupos, principalmente vinculados a la cultura popular.


title: Corrido (México)

text: Durante la revolución, los corridos se encargaron de fijar una identidad en los soldados, así como también sirvieron como motivación descalificando a los contrincantes y haciéndolos ver ridículos. Un ejemplo citado por Alberto Lira-Hernández habla sobre la intervención estadounidense en tierras nacionales en 1914: "Por ahí vienen los patones, los gringos americanos, diciendo que han de acabar con todos los mexicanos...".


title: Corrido (México)

text: Con un propósito noticiario, destinado a los grupos analfabetos en ese entonces, informaba sobre la muerte de alguna persona importante para el pueblo, la toma de una ciudad o sucesos importantes relacionados con la situación bélica que vivía México. El corrido era para el analfabeto lo que el periódico para los ricos.


title: Corrido (México)

text: Servía para enaltecer o desprestigiar a ciertos caudillos. Debido a la formación de diversas facciones durante este periodo, esta función y la función informativa se unían para hacer propaganda a los líderes. En esta función el autor cita un corrido referente a Venustiano Carranza: "Don Venustiano Carranza tiene palabra de rey, que ha tomado muchas plazas y también a Monterrey. Don Venustiano Carranza reclama ser presidente y por eso cada día se le encarga más la gente".


title: Corrido (México)

text: Enfocado en la formación moral, con el planteamiento de valores por medio de consejos, advertencias e historias contadas a forma de ejemplo. El corrido del "Hijo pródigo" es el ejemplo que pone esta vez el autor: "Recuerda -dijo mi padre- no abandones a tus padres, porque el que es desobediente va como pluma en los aires [...] También me decía mi madre: algún día recordarás y vendrás corriendo a verme y ya no me encontrarás". Tuvo una repercusión y una importancia patente sobre las sociedades en que surgió, pues arrastra una serie de cosmovisiones y expectativas de conducta afín a los códigos de la época y del contexto en el que se transmitían.


title: Corrido (México)

text: Las tres variantes del corrido mexicano, romances transculturados, corridos «revolucionarios» y corridos modernos, están igualmente vivas y siguen siendo cantadas a la par que otros géneros populares narrativos, como la "Valona" de Michoacán, el "Son arribeño" de la Sierra Gorda (Guanajuato), también presente en Hidalgo y Querétaro, entre otros.


title: Corrido (México)

text: Desde la revolución mexicana se inicia la "era sangrienta del corrido", que dura hasta la actualidad, aunque los temas contemporáneos se centran en los enfrentamientos entre distintos carteles mafiosos, mientras que durante el siglo XIX y principios del XX se trató de los enfrentamientos acaecidos en la revolución.


title: Corrido (México)

text: La vitalidad y la flexibilidad que tiene el corrido mexicano, por su naturaleza oral, permite que en la actualidad existan letras originales de corridos interpretadas en géneros musicales extranjeros, como el blues y el ska, e incluso letras que no están en español, como las traducidas o compuestas por las comunidades indígenas de México o por las comunidades "chicanas" en Estados Unidos, en inglés o en "spanglish".


title: Corrido (México)

text: El corrido, al igual que su antecesor literario el romance, presenta gran dificultad para ser clasificado por su amplitud, variación y plasticidad. Muchas veces se encuentra un corrido perteneciente a varias categorías, pero aun así se pueden clasificar en tres ramas principales:


title: Corrido (México)

text: La musicóloga Yolanda Moreno Rivas considera que se distinguen tres grandes periodos del corrido mexicano, que son: Esta es la clasificación que más conflicto genera pues es la que menos luz aporta a la hora de estudiar el corrido mexicano. Resulta difícil homogeneizar los periodos en los cuales se han compuesto los corridos, pues abarcan muchos años y constan de una sorprendente heterogeneidad, por lo que en una misma categoría se encontrarían corridos que no tienen nada en común. Sobre todo se discute el último periodo de esta clasificación, pues en un mismo grupo se incluyen los corridos de la revolución con intenciones, temas y autores muy diferentes a los contemporáneos narcocorridos.


title: Corrido (México)

text: Los corridos villistas hablan de Pancho Villa y sus seguidores, y por lo tanto tratan de la historia y las batallas de la revolución mexicana. Estas composiciones exponen un punto de vista de la revolución y se asocian con el Norte de México. Por ejemplo, el "Corrido de Pancho Villa" dice: “Yo peleo por la justicia, también por la libertad, y la quiero para el pueblo por toda la eternidad. ha vegetado por los grandes oprimidos”, explicando algunas de las posturas políticas, creencias y valores que tenía Villa.


title: Corrido (México)

text: Uno de los corridos más famosos es el de "La cucaracha", que se hizo muy famoso en la revolución mexicana porque mientras celebraba las hazañas del ejército de Pancho Villa, se burlaba de su enemigo Venustiano Carranza. Esta canción tiene mucho simbolismo, algo muy común en los corridos revolucionarios. En esta composición se encuentra, por ejemplo, que la cucaracha representa al presidente Victoriano Huerta, quien era considerado un traidor por haber tomado parte en la ejecución de Francisco I. Madero.“Pancho Villa es, sin duda, uno de los iconos culturales más importantes de México. Una infinidad de corridos cantan su hazañas”, señala la académica Kristín Guðrún Jónsdóttir, quien describe a Pan Villa como un héroe de la gente mexicana que se ha convertido en un símbolo histórico gracias a su gran difusión a través de artículos, películas y canciones.


title: Corrido (México)

text: En el libro "Bandit Nation", de Chris Frazer, el autor dice: “The lower class embedded their ideas into corridos, (popular ballots) that challenge the narrative strategies of the elite, disclosure on outlawry”. Esto significa que los corridos eran usados por la clase baja como un método de escape y por eso los corridos pueden relacionarse más con ellos. El corrido se convierte en la voz de los villistas, a través de la cual expresan sus sentimientos y sus pensamientos. Por ejemplo cantan estos corridos porque quieren defender en el estado de donde vienen aquello que consideran justo. Así mismo, Frazer dice: “An analysis of corridos shows that the rural and urban poor were less concerned about their own readiness for citizenship and more interested in asserting lower-class notions of justice that often defied the authority of the state", argumentando que la autoridad y el poder son ejes centrales del corrido, pues gracias a su popularidad servían como herramientas para forjar un imaginario en la opinión pública.


title: Corrido (México)

text: Los corridos zapatistas representan la memoria colectiva y el sentimientos de la gente de los pueblos del sur. Los seguidores de Emiliano Zapata, o zapatistas, consistieron en campesinos del sur de México, muchos de ellos indígenas, que quisieron su tierra y reclamaron su autonomía política al gobierno durante la revolución mexicana, por eso muchos de estos corridos tienen como tema principal sus deseos y exigencias fundamentales. Los que escribían los corridos zapatistas eran campesinos “semiescolarizados”, por eso el contenido era más importante que la forma, la cual se descuidó un poco. Las ideologías fundamentales que representaban los corridos zapatistas eran sobre la tierra y la libertad.  Estos corridos fueron un símbolo del ejército y de los campesinos de Morelos y fueron muy importantes para contar la historias de la revolución mexicana desde su punto de vista. Varios años después, en la década de los 90 del siglo XX, los corridos zapatistas son retomados por la corriente denominada neozapatista. Los neozapatistas usaron los temas, valores y símbolos (como la selva y el paliacate) impulsados por Emiliano Zapata durante la revolución mexicana. La selva simboliza un santuario para la gente indígena y el centro de la rebelión, mientras que el paliacate representa a los neozapatistas.


title: Corrido (México)

text: Al igual que en la época de la revolución, hoy en día la música del corrido es utilizada para unir a la gente y contar las historias de sus luchas. Muchos de los valores representados en los corridos zapatistas son los mismos que los de la revolución en general, y actualmente estas canciones tienen temas más contemporáneos, como el Tratado de Libre Comercio de América del Norte.


title: Corrido (México)

text: Esta clasificación se realiza observando distintos corridos y analizando el tópico o tema que narran o describen. Se han hecho varias versiones de esta clasificación, y la más aceptada ha sido la de Vicente Teódulo Mendoza, quien considera que si bien es complejo porque un mismo corrido puede estar inscrito en más de una categoría, y al dividirse de esta forma se deja de lado su temporalidad, puede otorgar algunas luces a los investigadores del corrido mexicano. Los corridos se dividen en: históricos, revolucionarios, agraristas, de la revolución cristeros, políticos, líricos, de fusilamientos, de valientes, de bandoleros, carcelarios, raptos, persecuciones, alevosías, asesinatos, parricidios, de maldiciones, de fatalidad, tragedias personales, de accidentes y desastres, de caballos, de toreros, religiosos, bíblicos, morales, de elogio de ciudades y de asuntos varios.


title: Corrido (México)

text: Propuesto por María del Carmen Garza de Koniecki, por un lado los corridos narrativos se dividen en corridos-tragedia y corridos crónica; por otro lado los discursivos se dividen en corridos-crítica y corridos sermón. Dentro de los corridos-tragedia y corridos-crónica, se observan historias contadas por el pueblo para el pueblo, mientras que en los corridos discursivos el contenido está hecho con fines políticos.


title: Corrido (México)

text: Desde el comienzo del género del corrido se tienen mujeres protagonistas de la historia narrada. Esto puede explicarse gracias a su antecedente literario, el romance español, en el cual la mujer desempeñaba un papel crucial. En el romance se tiene una visión maniquea del comportamiento femenino, es decir, la mujer es muy buena o muy mala. En el primer caso, la mujer se asocia con el hogar y el sentimiento amoroso incontrolablemente doloroso. En el segundo caso, la mujer es vista como el ser vengativo que puede lastimar a los demás por sus pasiones desbordadas y que por su baja capacidad de autocontrol no puede retener. En esta dirección apuntan los romances de "Rosita Alvírez" y "La Martina", en los cuales la mujer protagonista muere por su propia culpa, pues desobedece los códigos sociales y morales de la época. Y así mismo está "El corrido de Elena", donde se toca un tópico tradicional de la lírica española, como lo es la malcasada que es infiel por amor y al ser descubierta en su adulterio muere.


title: Corrido (México)

text: Durante la revolución mexicana el papel de la mujer cambió y estas empezaron a ser importantes como soldaderas, campesinas y maestras. Es posible observar la relevancia de esto en los corridos cuyos personajes son femeninos, además que, gracias a la veracidad a la que aspira el corrido, es posible observar en estas canciones cual era la representación que se hacía de ellas en esa época. Algunos de los corridos muestran cómo las mujeres rompieron con el papel tradicional que les asignaba la sociedad y optaron por ejercer roles que antes ejercían exclusivamente los hombres. Sin embargo, la mayoría aborda el tema de la mujer desde el punto de vista que tienen los soldados acerca de sus novias, amantes, esposas o viudas, al igual que lo hacía el romance español, tratando a la mujer desde el punto de vista masculino. De esta época vienen dos de los corridos más famosos, como lo son "La Adelita" y "La Valentina".


title: Mosaico

text: Un mosaico (del latín "(opus) mosaĭcum", traducido como "(obra) relativa a las Musas") es una obra artística elaborada con pequeñas piezas de piedra, cerámica, vidrio u otros materiales, de diversas formas y colores, llamadas teselas, unidas sobre un lecho aún fresco de yeso, cal y polvo de arcilla, cemento u otro aglomerante para formar composiciones decorativas geométricas, figurativas o abstractas.  La obra del mosaico se realiza sobre todo en superficies planas y de tamaño grande, como una pared, un suelo o un techo, pero a veces se adapta también en simples objetos o pequeños paneles. La creación de un mosaico es un arte muy antiguo. En Creta durante la Edad de Bronce ya se desarrollaba esta habilidad. Se han encontrado obras de mosaicos en yacimientos arqueológicos de Mesopotamia (siglo IV al III a. C.), Grecia (siglo III a. C.) y en Mesoamérica. El gran desarrollo se dio en época del Imperio Romano y más tarde, con los bizantinos, islámicos, normandos (en Sicilia, siglo XII), hasta llegar al Renacimiento y a los siglos XIX, XX y XXI.


title: Mosaico

text: La palabra griega μoυσα-ης ("mousa-es") significa ‘musa’; μουσειoς-α-oν ("mouseios-a-on"), ‘concerniente a las musas’; μoυσειoν-oυ ("mouseion-ou"), ‘templo de las musas’, ‘lugar donde residen las musas’.


title: Mosaico

text: La palabra μoυσειoν ("mouseion") dio origen al latín "musivus -a -um", que es el antecedente de mosaico. Se dice que los romanos consideraban tan exquisito el arte de hacer mosaicos que pensaban que solo podían crearlo las musas o los favorecidos por ellas.


title: Mosaico

text: La técnica del mosaico proviene de un perfeccionamiento del primitivo pavimento que se hacía con guijarros y se denominaba con el término griego de "lithostrotos" (‘preparado con piedras’). En el mundo europeo fue muy frecuente y desde muy temprano (desde fines del ) el pavimento compuesto por guijas de río (piedrecillas pequeñas que se encuentran en las orillas) de tamaños y de colores distintos. Con estas guijas se hacían dibujos sencillos de temas geométricos. En los pueblos de Castilla y León (en España) han seguido a través de los siglos esta tradición para los patios y vestíbulos de las casas. Es lo que llaman "enguijarrado".


title: Mosaico

text: Este sistema de pavimentación se ha podido ver claramente en las casas de Olinto, antigua ciudad griega de la región de Macedonia en la península Calcídica, que fue destruida por Filipo II de Macedonia en el año 348 a. C., y en las ciudades de Pela y Corinto. Las escenas representadas con estos guijarros suelen ser del mundo marino, del repertorio homérico y del culto a Dioniso y los guijarros son de color blanco, rojo, negro y verde. Este trabajo dio paso a la invención de las teselas con las que se empezaron a confeccionar los mosaicos propiamente dichos a fines del siglo III a. C. Los romanos dieron el nombre de tesela a las pequeñas piezas con que se componía un mosaico. Al principio las teselas eran muy pequeñas pero en la época del imperio se fueron agrandando. Los temas se inspiraban a menudo en cuadros pintados o en cenefas de tejidos. Los temas se repetían bastante aunque a veces eran originales o puntuales como el de "La batalla de Alejandro" encontrado en la casa del Fauno en Pompeya y que se conserva en el Museo Nacional. Este mosaico está copiado o inspirado en un dibujo del pintor Filoxeno de Eretria siguiendo un encargo del rey de Macedonia Casandro.


title: Mosaico

text: El confeccionado de un mosaico comenzaba en un taller. Primero se elegía un dibujo y se preparaban las teselas correspondientes. Estos dibujos o diseños se dividían en piezas independientes de las que se sacaba una plantilla en tela o en papiro. Sobre estas superficies se colocaban las teselas pegando a la plantilla la cara que luego debía verse. Una vez terminado este trabajo se llevaba al lugar definitivo y se componía el rompecabezas. El remate final era pulir la superficie e igualarla con ayuda de piedra pómez, polvo de esmeril, arena y agua. Además se eliminaba la argamasa saliente entre las juntas y las teselas adquirían brillo y color más vivo.


title: Mosaico

text: Todos los pueblos antiguos hicieron incursión en este arte tanto en la antigüedad clásica como en la de Mesoamérica. El testimonio más antiguo que se conoce data del siglo IV a. C. en Mesopotamia en este caso como decoración de paredes donde los mosaicos son unos conos de arcilla cocida que se adhieren con malta y betún. En la antigüedad clásica llegó a ser un producto muy elaborado y de gran lujo con la cultura helenística, en que se empezaron a realizar obras más complicadas con temas complejos y episodios de la vida cotidiana y de la mitología. Los materiales empleados también fueron más ricos (mármol, vidrio, ónice). El arte del mosaico adquiere su difusión en época del Imperio romano; después lo difundió el mundo bizantino y Venecia llegó a ser la capital del mosaico hasta el siglo XVI.


title: Mosaico

text: Casi ningún mosaico conocido hasta el momento lleva la firma del artista pero sí se han encontrado algunos firmados como el que se conserva en el museo de Pérgamo de Berlín procedente del palacio atálida en la acrópolis de Pérgamo (160 a 150 a. C. y que está firmado por el artista musivario Hephaistion.


title: Mosaico

text: A lo largo de la historia de la humanidad el arte del mosaico se ha ido desarrollando y enriqueciéndose, adquiriendo el estilo y los materiales adecuados a cada época, hasta llegar al siglo XXI en que las obras de arte se siguen sucediendo.La civilización sumeria —Tercer milenio a. C.— ya practicaba el arte de los mosaicos y decoraban paredes y columnas con trocitos de arcilla teñida de colores; se conocen los restos testimoniales de paredes decoradas con conos de arcilla cuya base estaba pintada de blanco, rojo y negro. Las puntas de los conos están incrustadas en la pared hecha de ladrillos de barro. y


title: Mosaico

text: En la antigua Grecia se encontraron los primeros mosaicos realizados con guijarros lisos sin demasiado colorido pero ya en época helenística el mosaico evolucionó y se convirtió en obra de arte que sustituía muchas veces a la pintura.


title: Mosaico

text: Los romanos heredaron y aprendieron este arte, lo desarrollaron a su estilo y difundieron por todo su imperio. Pocas eran las casas importantes que no tuvieran uno o varios mosaicos copiados de los maestros griegos, utilizando las teselas como material principal y como elemento esencialmente decorativo que demostraban el lujo y la importancia de sus habitantes. El mosaico como pavimento fue muy frecuente en el siglo III, época del emperador Diocleciano. Su desarrollo continuó en el siglo IV con el emperador Constantino que trasladó la corte a Bizancio y evolucionó en el siglo V al unirse con la tradición oriental. La ciudad de Rávena fue la sede de esta evolución. En ella se dio el gran esplendor de los mosaicos bizantinos. Después y a partir de la IV Cruzada (1202-1204) Venecia asumió el protagonismo y se hizo cargo de los artistas bizantinos, griegos y romanos que recuperaron toda la tradición musiva hasta su declive en el siglo XVI en que los mosaicos fueron sustituidos por el arte de la pintura.


title: Mosaico

text: Con la construcción de basílicas cristianas a finales del siglo IV, se adoptaron mosaicos de paredes y techos para usos cristianos. Los primeros ejemplos de basílicas cristianas no han sobrevivido, pero los mosaicos de Santa Constanza y Santa Pudenziana, ambos del siglo IV, aún existen. Los putti de vinificación en el deambulatorio de Santa Constanza todavía siguen la tradición clásica en el sentido de que representan la fiesta de Baco, que simboliza la transformación o cambio, y por lo tanto son apropiados para un mausoleo, la función original de este edificio. En otra gran basílica constantiniana, la Iglesia de la Natividad en Belén se conserva parcialmente el piso de mosaico original con motivos geométricos típicos romanos. La llamada Tumba de los Julii, cerca de la cripta debajo de Basílica de San Pedro, es una tumba abovedada del siglo IV con mosaicos en las paredes y el techo que reciben interpretaciones cristianas. El Arco de Galerio y la Rotonda de Galerio en Tesalónica, convertido en una iglesia cristiana durante el transcurso del siglo IV, fue adornado con mosaicos de muy alta calidad artística. Solo sobreviven fragmentos de la decoración original, especialmente una banda que representa a los santos con las manos levantadas en oración, frente a complejas fantasías arquitectónicas.


title: Mosaico

text: En el siglo siguiente, Rávena, la capital del Imperio Romano Occidental, se convirtió en el centro del arte del mosaico romano tardío.


title: Mosaico

text: El arte cristiano del mosaico también floreció en Roma, disminuyendo gradualmente a medida que las condiciones se volvían más difíciles en la Edad Media Temprana. Mosaicos del siglo V se pueden encontrar sobre el arco de triunfo y en la nave de la basílica de Santa Maria Maggiore. Los 27 paneles supervivientes de la nave son el ciclo de mosaicos más importante de Roma de este período. Se han perdido otros dos mosaicos importantes del siglo V, pero los conocemos por dibujos del siglo XVII. En el mosaico del ábside de Sant'Agata dei Goti (462–472, destruido en 1589), Cristo estaba sentado en un globo con los doce Apóstoles flanqueándolo, seis a cada lado. En Sant'Andrea en Catabarbara (468–483, destruido en 1686) Cristo apareció en el centro, flanqueado a ambos lados por tres Apóstoles. Cuatro arroyos brotaban de la pequeña montaña que sostenía a Cristo. El mosaico del ábside original del siglo V de la Santa Sabina fue reemplazado por un fresco muy similar de Taddeo Zuccari en 1559. La composición probablemente se mantuvo sin cambios: Cristo flanqueado por santos y santas, sentado en una colina mientras los corderos beben de un arroyo a sus pies. Los tres mosaicos tenían una iconografía similar.


title: Mosaico

text: Los mosaicos eran más importantes para la cultura bizantina que para la de Europa occidental. Los interiores de las iglesias bizantinas generalmente estaban cubiertos con mosaicos dorados. El arte del mosaico floreció en el Imperio Bizantino desde los siglos VI al XV. La mayoría de los mosaicos bizantinos fueron destruidos sin dejar rastro durante las guerras y las conquistas, pero los restos sobrevivientes aún forman una excelente colección.


title: Mosaico

text: Los grandes edificios del Emperador Justiniano como Hagia Sophia en Constantinopla, la Iglesia Nea en Jerusalén y la reconstrucción Iglesia de la Natividad en Belén fueron ciertamente adornados con mosaicos, pero ninguno de ellos ha sobrevivido.


title: Mosaico

text: El último gran período del arte del mosaico romano fue el siglo XII-XIII cuando Roma desarrolló su propio estilo artístico distintivo, libre de las estrictas reglas de la tradición oriental y con una representación más realista de las figuras en el espacio. Obras conocidas de este período son los mosaicos florales de la Basílica de San Clemente, la fachada de Santa Maria in Trastevere y San Paolo fuori le Mura. El hermoso mosaico del ábside de Santa María en Trastevere (1140) representa a Cristo y María sentados uno al lado del otro en el trono celestial, el primer ejemplo de este esquema iconográfico. Un mosaico similar, la Coronación de la Virgen, decora el ábside de Santa Maria Maggiore.


title: Mosaico

text: El apogeo de la fabricación de mosaicos en Sicilia fue la época del reino independiente Norman en el siglo XII. Los reyes normandos adoptaron la tradición bizantina de la decoración de mosaicos para realzar la legalidad algo dudosa de su gobierno. Los maestros griegos que trabajaban en Sicilia desarrollaron su propio estilo, que muestra la influencia de las tendencias artísticas islámicas y de Europa occidental. Los mejores ejemplos del arte del mosaico siciliano son la Cappella Palatina de Roger II, la Martorana iglesia en Palermo y las catedrales de Cefalù y Monreale.


title: Mosaico

text: En partes de Italia, que estaban bajo influencias artísticas orientales, como Sicilia y Venecia, la fabricación de mosaicos nunca pasó de moda en la Edad Media. Todo el interior de la Basílica de San Marcos en Venecia está revestido con elaborados mosaicos dorados. Las escenas más antiguas fueron ejecutadas por maestros griegos a finales del siglo XI, pero la mayoría de los mosaicos son obras de artistas locales de los siglos XII y XIII. La decoración de la iglesia no se terminó hasta el siglo XVI. Ciento diez escenas de mosaicos en el atrio de San Marcos se basaron directamente en las miniaturas del Algodón Génesis, un manuscrito bizantino que fue traído a Venecia después del saqueo de Constantinopla (1204). Los mosaicos se ejecutaron en la década de 1220.


title: Mosaico

text: El monasterio de Grottaferrata fundado por monjes basilianos griegos y consagrado por el Papa en 1024 fue decorado con mosaicos italo-bizantinos, algunos de los cuales sobrevivieron en el nártex y el interior . Los mosaicos del arco triunfal retratan a los Doce Apóstoles sentados junto a un trono vacío, evocando la ascensión de Cristo al cielo. Es una obra bizantina del siglo XII. Hay una hermosa Deesis del siglo XI sobre el portal principal.


title: Mosaico

text: Más allá de los Alpes, el primer ejemplo importante de arte en mosaico fue la decoración de la Capilla Palatina en Aquisgrán, encargada por Carlomagno. Fue completamente destruido en un incendio en 1650. Un raro ejemplo de mosaicos carolingios sobrevivientes es la decoración del ábside semi-domo del oratorio de Germigny-des-Prés construido en 805-806 por Theodulf, obispo de Orleans, una figura destacada del Renacimiento carolingio. Esta obra de arte única, redescubierta recién en el siglo XIX, no tuvo seguidores.


title: Mosaico

text: Son escasos los restos que prueban que todavía se utilizaban mosaicos en la Alta Edad Media. La Abadía de Saint-Martial en Limoges, originalmente un importante lugar de peregrinaje, fue totalmente demolida durante la Revolución Francesa excepto su cripta que fue redescubierta en la década de 1960. Se desenterró un panel de mosaico que data del siglo IX. Utiliza de forma un tanto incongruente cubos de vidrio dorado y mármol verde oscuro, probablemente sacados de pavimentos antiguos. Este también podría ser el caso del mosaico de principios del siglo IX encontrado bajo la Basílica de Saint-Quentin en Picardía, donde se copian motivos antiguos pero utilizando sólo colores simples. Los mosaicos de la Catedral de Saint-Jean en Lyon se han fechado en el siglo XI porque emplean los mismos colores simples no antiguos. Se encontraron más fragmentos en el sitio de Saint-Croix en Poitiers que podrían ser del siglo VI o IX.


title: Mosaico

text: Aunque los mosaicos pasaron de moda y fueron sustituidos por frescos, algunos de los grandes artistas del Renacimiento también trabajaron con la técnica antigua. Rafael Creación del mundo en la cúpula de la Capilla Chigi en Santa Maria del Popolo es un ejemplo notable que fue ejecutado por un artesano veneciano, Luigi di Pace.


title: Mosaico

text: Las provincias orientales del Imperio Romano de Oriente y más tarde del Imperio Bizantino heredaron una fuerte tradición artística de la Antigüedad Tardía. Similar a Italia y Constantinopla, las iglesias y los edificios seculares importantes en la región de Siria y Egipto fueron decorados con elaborados paneles de mosaico entre el 5 y el 8 siglos. La gran mayoría de estas obras de arte fueron posteriormente destruidas, pero las excavaciones arqueológicas desenterraron muchos ejemplos supervivientes.


title: Mosaico

text: La pieza más importante del mosaico cristiano bizantino en Oriente es el Mapa de Madaba, realizado entre 542 y 570 como el piso de la iglesia de San Jorge en Madaba, Jordania. Fue redescubierto en 1894. El mapa de Madaba es la representación cartográfica más antigua que se conserva de la Tierra Santa. Representa un área desde Líbano en el norte hasta el Delta del Nilo en el sur, y desde el Mar Mediterráneo en el oeste hasta el Desierto del Este. El elemento más grande y detallado de la descripción topográfica es Jerusalén, en el centro del mapa. El mapa está enriquecido con muchas características naturalistas, como animales, barcos de pesca, puentes y palmeras.


title: Mosaico

text: La artesanía también ha sido popular a principios del pueblo ruso de la Edad Media, heredada como parte de la tradición bizantina. Yaroslav, el Gran Príncipe de la Rus de Kiev construyó una gran catedral en su capital, Kiev. El modelo de la iglesia era Hagia Sophia en Constantinopla, y también se llamó Catedral de Santa Sofía en Kiev. Fue construido principalmente por maestros artesanos bizantinos, enviados por Constantino IX Monomachos, entre 1037 y 1046. Naturalmente, las superficies más importantes del interior estaban decoradas con mosaicos dorados. En la cúpula podemos ver la popa tradicional Pantokrator sostenido por ángeles. Entre las 12 ventanas del tambor estaban los apóstoles y los cuatro evangelistas de las pechinas. El ábside está dominado por un orante Theotokos con una Deesis en tres medallones arriba. A continuación se muestra una Comunión de los Apóstoles.


title: Mosaico

text: Bajo la influencia romana y bizantina, los judíos también decoraron sus sinagogas con mosaicos de suelo clásicos. Se descubrieron muchos ejemplos interesantes en Galilea y el Desierto de Judea.


title: Mosaico

text: Se han descubierto los restos de una sinagoga del siglo VI en Séforis, que fue un importante centro de la cultura judía entre los siglos III y VII y una ciudad multicultural habitada por judíos, cristianos y paganos. El mosaico refleja una interesante fusión de creencias judías y paganas. En el centro del piso estaba representada la rueda del zodíaco. Helios se sienta en el medio, en su carro solar, y cada zodíaco se corresponde con un mes judío. A lo largo de los lados del mosaico hay tiras que representan escenas bíblicas, como la unión de Isaac, así como rituales tradicionales, que incluyen un sacrificio quemado y la ofrenda de frutas y granos.


title: Mosaico

text: Otro mosaico del zodíaco decoraba el piso de la Beit Alfa sinagoga que fue construida durante el reinado de Justino I (518–27). Es considerado uno de los mosaicos más importantes descubiertos en Israel. Cada uno de sus tres paneles representa una escena: el Arca Sagrada, el zodíaco y la historia del sacrificio de Isaac. En el centro del zodíaco está Helios, el dios sol, en su carro. Las cuatro mujeres en las esquinas del mosaico representan las cuatro estaciones.


title: Mosaico

text: En el sur de Arabia se excavaron dos mosaicos en un Qatabanian de finales del siglo III, esas dos placas formaron una formación geométrica y de vides que reflejaban las tradiciones de esa cultura. En la era Ghassanid floreció el arte del mosaico religioso en su territorio, hasta ahora se registraron cinco iglesias con mosaicos de esa época, dos construidas por gobernantes Ghassanid y las otras tres por la comunidad árabe cristiana que escribieron sus nombres y dedicatorias.


title: Mosaico

text: Los azulejos se conocían allí desde hace unos dos mil años cuando el intercambio cultural entre el Imperio sasánida y los romanos influyó en los artistas del Persa para crear patrones de mosaico. Shapur I decoró su palacio con composiciones de azulejos que representaban a bailarines, músicos, cortesanas, etc. Este fue el único ejemplo significativo de figurativo mosaico persa, que quedó prohibido después de la Conquista árabe y llegada del Islam.


title: Mosaico

text: La arquitectura islámica utilizó la técnica del mosaico para decorar edificios religiosos y palacios después de las Conquistas musulmanas de las provincias orientales del Imperio bizantino. En Siria y Egipto los árabes fueron influenciados por la gran tradición del arte del mosaico romano y paleocristiano. Durante la Dinastía Omeya la fabricación de mosaicos siguió siendo una forma de arte floreciente en la cultura islámica y continúa en el arte de zellige y azulejo en varias partes del mundo árabe, aunque tile se convertiría en la principal forma islámica de decoración mural. El primer gran edificio religioso del Islam, la Cúpula de la Roca en Jerusalén, que fue construido entre 688 y 692, fue decorado con mosaicos de vidrio tanto en el interior como en el exterior, por artesanos del Tradición bizantina. Solo sobreviven partes de la decoración interior original. Los ricos motivos florales siguen las tradiciones bizantinas y son "islámicos sólo en el sentido de que el vocabulario es sincrético y no incluye la representación de hombres o animales".


title: Mosaico

text: El trabajo de mosaico islámico temprano más importante es la decoración de la Mezquita Omeya en Damasco, entonces capital del Califato árabe. La mezquita fue construida entre 706 y 715. El califa obtuvo 200 trabajadores calificados del emperador bizantino para decorar el edificio. Prueba de ello es el estilo parcialmente bizantino de la decoración. Los mosaicos del patio interior representan el paraíso con hermosos árboles, flores y pequeños pueblos y aldeas en las colinas al fondo. Los mosaicos no incluyen figuras humanas, lo que los hace diferentes de las obras bizantinas contemporáneas similares. La sección continua más grande sobrevive bajo la arcada occidental del patio, llamada "Panel de Barada" por el río Barada. Se cree que la mezquita solía tener el mosaico de oro más grande del mundo, con más de 4 m . En 1893, un incendio dañó extensamente la mezquita y se perdieron muchos mosaicos, aunque algunos se han restaurado desde entonces.


title: Mosaico

text: En Venecia reapareció la industria de las teselas musivas en el siglo XIX. La empresa Salviati fue la encargada de recuperar este arte y produjo teselas de gran calidad para la decoración de algunos palacios o de edificios públicos. Como ejemplo puede verse el mosaico titulado "Alegoría de Venecia" del artista Victorio Emanuele Bressanim de 1920, conservado en la sede de la Società Salviati de Venecia. La palabra "opus" en latín designa la palabra "obra" para distinguir técnicamente la forma en que se cortan y colocan las piezas del mosaico. Existen diferentes tipos como, entre otros:


title: Valona

text: La valona o balona es una forma musical y literaria popular cultivada en el estado mexicano de Michoacán. Se caracteriza principalmente por: un ácido sentido del humor, sobre todo referido al erotismo (llega a ser explícitamente sexual) y preocupaciones sociales; sus letras se componen en estrofas de diez versos octosílabos; musicalmente, todas las valonas se cantan (de hecho, casi se recitan) con una misma tonada, y llevan un estribillo musical variable.


title: Valona

text: Como género narrativo popular, la valona está emparentada literaria y musicalmente con el corrido mexicano, y por su estilística, es afín a otros géneros mexicanos compuestos en estrofas de diez versos («décimas» o «espinelas»), como algunos huapangos y el son arribeño, así como otros géneros hispanoamericanos como el run-run chileno y las rapsodias de los «payadores» argentinos.


title: Valona

text: En el estado de Michoacán, y especialmente en la depresión del río Tepalcatepec, ha florecido un estilo musical denominado valona, el cual ampara un género lírico-declamatorio que engloba la recitación y el canto. La parte lírica está constituida por versos en forma de décima. El término valona aparece en México a finales del sigl XVIII. Su origen se puede rastrear en dos corrientes históricas que al final confluyen al mismo lugar.


title: Valona

text: Una de ellas estima que la tradición africana de los griot (que procede del Norte de África y del sur del Sahara) pudo haberse mantenido entre diversos grupos de esclavos negros.


title: Valona

text: Se define al griot como el contador de historias, genealogista y diestro instrumentalista en el arpa-laúd , el balafón y los tambores.


title: Valona

text: La otra corriente se sitúa en el tiempo en que llegaron a México los regimientos borbónicos de Flandes, de la Valonia (sur de Bélgica, norte de Francia) en el último tercio del siglo XVIII, que trajeron esa forma recitativa musical de aspecto andaluz. Aquí se encuentra la huella del zéjel moro, que se encuentra también en otros estilos musicales como las malagueñas y canciones.


title: Peter Wilhelm Lund

text: Peter Wilhelm Lund (Copenhague, 14 de junio de 1801-Lagoa Santa, Brasil; 25 de mayo de 1880) fue un paleontólogo, y naturalista danés.


title: Peter Wilhelm Lund

text: En 1818 se graduó en letras y en medicina de la Universidad de Copenhague.


title: Peter Wilhelm Lund

text: En 1825 realizó su primer viaje para formar una colección de vegetales y otra de insectos en Río de Janeiro, Brasil, país al que volvería en 1833 para instalarse definitivamente en "Lagoa Santa", Minas Gerais, pensando que el clima le ayudaría a sobrellevar su enfermedad respiratoria. Durante su viaje encuentra a su compatriota Peter Claussen, quien se encuentra en esa región explorando cavernas calcáreas. Es en esta zona de relieve karstisco donde a su vez Lund explora sistemáticamente las cavernas y compone su colección de más de 12 000 restos fósiles del Pleistoceno y los restos del "Homem de Lagoa Santa", un homínido de características negroides, en la "gruta Lapinha" (1834). Dado que sus investigaciones eran financiadas por la Corona danesa, los huesos del "hombre de Lagoa Santa" fueron enviados al Museo de Zoología de Copenhague. Asimismo descubrió numerosas herramientas líticas y pinturas rupestres.


title: Peter Wilhelm Lund

text: Fue el primer naturalista en describir el "Speothos venaticus", llamado «zorro vinagre», «perro de agua» o «perro de monte» (1842). Postuló además correctamente la existencia de dos (y no una) especies extintas de perezoso gigante, lo que se confirmó siglo y medio más tarde. También estudió los esqueletos de especies extintas de caballos americanos y el tigre "dientes de sable" ("Smilodon populator").


title: Peter Wilhelm Lund

text: En 1844 la salud de Lund se agrava e interrumpe su actividad científica. Se ha sugerido que influyó el impacto que la teoría de la evolución de Darwin (que conoció y citó los trabajos de Lund) y sus propios hallazgos realizaron en su estricta fe luterana.


title: Sondkalle

text: Sondkalle fue un grupo de hip-hop de Barcelona formado por Úrsula (Úrsula López, MC), Mr Guty (José Gutiérrez, MC) y DJ Gely (Ángela Couceiro, DJ).


title: Sondkalle

text: Destaca en la escena por contar con dos componentes femeninos, Ùrsula López y Ángela Couceiro, al que más tarde se unirá Mr Guty. Forman parte de un colectivo conocido como ""La placka"", al que pertenecen además de ellos: Falsalarma, Sucios Socios, Versus, Prome, Demo, Al compás, además de varios productores y dj’s. Algunos de los componentes del grupo también formaban parte de colectivos como La Zeta Gorda o La Mafía del Mono ("CRS").


title: Sondkalle

text: Con la publicación de Skani Skani First in the Guetto en 2002 el grupo pretendía definir su sonido y obtuvieron mucho éxito, lo que atrajo a diversas discográficas. Finalmente, el grupo fichó por el sello Estilo Hip Hop`. En 2002, el grupo participó en una recopilación underground ""Técnica de Cloacas I"" VV.AA. Además aparecieron en el CD de la revista Serie B (n.º 14).  El grupo continua haciendo trabajos en 2003 como el recopilatorio Estilo Hip Hop o Flow Hip Hop. Aparecen en el CD n.º 41 de la revista HHN (Hip Hop Nation). A finales de 2005 el grupo se disuelve por diferencias entre sus miembros además de la formación de un grupo paralelo por parte de Mr Guty, aunque el grupo sigue teniendo contacto.Colaboraciones de Dj Sale, Grosse, Sr Zambrana y Jake al compás. Instrumentales: Blazer, Sr Zambrana, Dues y Zarkon (Sucios Socios). Grabado en El Sótano por Danih. Mezclado y masterizado por Danih y Dycache Santiago en Pieza Clave. Diseño: Deimos.Colaboraciones: Dues y Jake al compás. Instrumentales: Dues, Danih y Sr.Zambrana. Grabado en LeBuque por Soma. Masterizado en Eurosonic por Fernando Álvarez. Diseño y fotografía: Deimos.Colaboraciones: El Santo, El Titó, Al Compás, La niña palangana (Cagaduro) y La Prima. Producciones: Big Hozone, Zonah, El Titó, El Este, El Xarro de las calaveras (OPP) y Dycache Santiago. Masterizado por Fernando Álvarez en 4:40 Studios. Grabado y mezclado por Dycache Santiago en Pieza Clave. Diseño: Ckes Fotografía: Galilea Nin - El tema "Niños Robar" vino acompañado de un videoclip y de un cambio de roles en los que Dj Gely era Dj Saraviva, MrGury era MassimoGuty y Úrsula como Mujer Spectro. Interpretaron el tema en Música 1 y apareció en el CD n.º 52 de HHN donde el grupo fue portada.Canciones:


title: Sondkalle

text: 1 - "Visión"


title: Sondkalle

text: 2 - "Otro Mundo es Posible"


title: Sondkalle

text: 3 - "Deja Vú"


title: Sondkalle

text: 4 - "El Chaval Chamán"


title: Sondkalle

text: 5 - "Nif"


title: Sondkalle

text: 6 - "Almarggen" (con Efrén y Seismo)


title: Sondkalle

text: 7 - "..." (Bonus Track)Canciones:


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text: 01. Intro


title: Sondkalle

text: 02. Nadie hablara de nosotras cuando hayamos muerto


title: Sondkalle

text: 03. La asesina del taladro


title: Sondkalle

text: 04. Vivir de tu boca


title: Sondkalle

text: 05. Reina de la nada


title: Sondkalle

text: 06. Intro (instrumental)


title: Sondkalle

text: 07. Nadie hablara de nosotras (instrumental)


title: Sondkalle

text: 08. La asesina del taladro (instrumental)


title: Sondkalle

text: 09. Vivir de tu boca (instrumental)


title: Sondkalle

text: 10. Reina de la nada (instrumental)


title: Sondkalle

text: 11. Intro (Acapella)


title: Sondkalle

text: 12. Nadie hablara de nosotras (Acapella)


title: Sondkalle

text: 13. La asesina del taladro (Acapella)


title: Sondkalle

text: 14. Vivir de tu boca (Acapella)


title: Sondkalle

text: 15. Reina de la nada (Acapella)


title: Sondkalle

text: Todos los cortes producidos por El Titó, grabado en Hardcore House, mezclado y masterizado en Pieza Clave por Dycache Santiago.Canciones:


title: Sondkalle

text: 02. Queens Team


title: Sondkalle

text: 03. Esperanza Cheaper


title: Sondkalle

text: 04. Malditos Bastardos


title: Sondkalle

text: 05. Chantaje


title: Sondkalle

text: Canciones:


title: Sondkalle

text: 01. Underground


title: Sondkalle

text: 02. Yo misteryosa


title: Sondkalle

text: 03. Cuestión de tiempo


title: Sondkalle

text: 04. Orgullo


title: Sondkalle

text: Todos los cortes han sido producidos por El Titó (Falsalarma), salvo el tema Underground, producido por Baghira. El trabajo está grabado, mezclado y masterizado en Pieza Clave por Dycache Santiago. En diseño y fotografía Missnisha, salvo en el Vol.1, que corrió a cargo de Ose (Panzers).


title: Dario Fo

text: Dario Fo (Sangiano, 24 de marzo de 1926-Milán, 13 de octubre de 2016) fue un actor y escritor de teatro italiano ganador del de 1997.


title: Dario Fo

text: Estudió pintura y arquitectura en la Academia de Bellas Artes de Brera en Milán donde comenzó su carrera teatral como actor y escritor de obras teatrales satíricas. En 1954, Fo se casó con la actriz Franca Rame, con quien fundó en 1959 la compañía teatral «Dario Fo - Franca Rame» en la que montaron numerosos espectáculos en la línea de la Comedia del arte (Commedia dell'Arte), fruto de ese matrimonio nació su hijo Jacopo, también actor, escritor y dramaturgo.


title: Dario Fo

text: El éxito conseguido con la "Cía Fo-Rame" les hizo sentir esclavos de la burguesía y replantearse su actividad en el teatro. Fruto de esta crisis fundaron la compañía teatral autogestionada "Nuova Scena" en 1968 con el ánimo de realizar un teatro auténticamente popular, crítico, social y que fuera políticamente eficiente. En los setenta la compañía se transformó en el "Colectivo Teatral LA COMUNE", independiente y autogestionada, manteniéndose al frente de ella Dario Fo. La compañía fue objeto de un atentado por un grupo fascista en 1978. En los años 60 sus obras para la televisión solían ser censuradas, razón por la cual volvió al mundo del teatro.


title: Dario Fo

text: Situado en el entorno de la izquierda política italiana, Fo ha escrito ácidas sátiras políticas arremetiendo sin piedad contra el poder político, el capitalismo, la mafia y el Vaticano. Entre sus obras más conocidas se citan "Muerte accidental de un anarquista" (1970) y "Aquí no paga nadie" (1974).


title: Dario Fo

text: En 1997 recibió el Premio Nobel de Literatura. En 2002 publicó su autobiografía "El país de los murciélagos". En una de sus últimas obras, "L'anomalo bicefalo" (2003), presenta un retrato irreverente y crítico del primer ministro italiano Silvio Berlusconi.


title: Dario Fo

text: En el 2013 escribió el Mensaje del Día Mundial del Teatro.


title: Dario Fo

text: En los últimos años, no ha dudado en apoyar la revolución política del Movimiento Cinco Estrellas, apoyando públicamente en distintas ocasiones a su amigo y fundador del movimiento, el cómico Beppe Grillo, con quien ha escrito la obra "Il Grillo sempre canta al tramonto", Chiarelettere, 2013, en donde se explican los principios del movimiento y sus objetivos.


title: Dario Fo

text: Fallece el 13 de octubre de 2016 en Milán, a la edad de 90 años.


title: Dario Fo

text: Sus primeros pasos en el teatro los dio junto a unos amigos estudiantes, que montaban espectáculos de sátira política y que tenían gran éxito. Después comenzó actuar junto al cómico y escritor Franco Parenti en pequeños y bohemios locales de Milán. Con el tiempo, decidió que debía profundizar y desarrollar más sus capacidades de interpretación y se preparó con maestros como Jacques Lecoq, una gran figura francesa del mimo, con Giorgio Strehler en el Piccolo Teatro di Milano, o con el Arlequín, Marcello Moretti.


title: Dario Fo

text: Las fuentes del teatro de Dari Fo provenían de sus lecturas de los clásicos de la comedia, Aristófanes, Plauto, Molière, William Shakespeare, Carlo Goldoni, Runzante y Eduardo De Filippo. Sus investigaciones sobre teatro clásico griego–romano y sobre las tradiciones orientales, las reunió en el "Manual minimo dell'atore" (Manual mínimo del actor). En él se puede profundizar sobre los recursos de la Comedia del arte y la influencia que tuvo en el teatro que se desarrolló posteriormente.


title: Dario Fo

text: No debemos olvidar la importancia que tuvo su pareja Franca Rame en su aprendizaje y formación. Franca Rame era hija de artistas cómicos de teatro ambulantes. Darío apuntaba siempre que ella le enseñó el ritmo, el gag, la improvisación, el gesto eficaz y limpio y a gestionar las "gracias", características que nos describen el teatro que Fo desarrolló.


title: Dario Fo

text: Hacia 1952 escribió "Poer Nano e altre storie", a partir de aquí comenzó a escribir obras de comedia de situación como: "Ladri, manichini e donne nude", "Aveva due pistole con gli occhi bianchi e neri" (Tenía dos pistolas con los ojos blancos y negros, 1960), "Chi ruba un piede é fortunato in amore" (Quien roba un pie es afortunado en amor, 1961), las cuales tuvieron un gran éxito pero fueron censuradas en televisión. En estas obras, se observan los rasgos de lo que va a ser el teatro de Fo: la farsa, su gran capacidad para crear situaciones absurdas y su destreza en la construcción dramatúrgica y en la de crear diálogos ágiles y desternillantes. Casi todas rozaban el género vodevil. Fueron representadas en la compañía que habían creado Darío Fo y Franca Rame, "Fo–Rame".


title: Dario Fo

text: Entrados los años sesenta, Darío Fo escribe "Isabel, tres carabelas y un charlatán" (1963), esta obra implicó un giro en su escritura de obras de teatro. Un tema histórico con componentes brechtianos, en la que unos cómicos son condenados a la hoguera por la Santa Inquisición. Se trata de una ácida sátira en tiempos de los Reyes Católicos que muestra lo que implicó la colonización de Las Américas: economía, religión, matanzas... El tipo de estructura que Darío Fo construyó a partir de aquí fue el de teatro dentro del teatro. La madurez que se observa en estas obras exigía que fuera más exigente como director de escena y su teatro deviene más radical y político, más comprometido. En su proceso de transición de un teatro a otro, escribió: "Settimo, ruba un po meno" (Séptimo mandamiento: no robarás… pero un poco menos, 1964), "La colpa é sempre del diavolo" (La culpa es siempre del diablo, 1965), "La Signora é da buttare" (Esta dama no morirá, 1967). Estas obras aún tenían rasgos de su primera etapa, sin embargo "Ci ragione e canto" o "Gran pantomima con bandiere e pupazzi", estarían más en la línea de la segunda etapa. Estos textos ya serían interpretados por la compañía de teatro "Nueva Scena". No participaban en su puesta en escena ni Franca Rame ni Fo. Se trataba de obras en las que había influencias del teatro popular de máscaras, marionetas y muñecos pero no dejaban de realizar un repaso crítico a la política, la economía, la sociedad y la cultura de la Italia de esos años.


title: Dario Fo

text: La compañía "Nueva Scena" responde al momento político y cultural que se estaba viviendo en el mundo (Guerra de Vietnam, Mayo del 68...). Dario Fo y Franca Rame toman partido y transforman su práctica escénica, de ahora en adelante los textos teatrales tendrán total libertad de expresión, serán su plataforma de denuncia y de crítica al poder y su forma de intervenir, rozando el teatro de agitación. "Nuova Scena", la nueva compañía comienza a actuar en los locales del Partido Comunista Italiano (PCI), en la Casa del Pueblo (movimiento obrero), en naves, fábricas o ateneos (Ateneo popular). Para evitar que se colara la policía o reventaran las actuaciones, se requería un carnet de socio del círculo cultural para acceder a las actuaciones.


title: Dario Fo

text: Entrados los años setenta, Italia se encuentra sumida en una de sus épocas más duras tras la Segunda Guerra Mundial. Los grupos fascistas se activan con gran violencia, se dan numerosos atentados y actos muy violentos con consecuencias bastantes graves en locales y personas relacionadas con la lucha obrera o militantes de partidos de izquierda. Hubo varios intentos de golpe de estado que sumados a lo anterior generaron un clima represivo y de caza de brujas. Fo respondió con su teatro, con su mejor arma, creando dos de sus grandes obras: "Mistero buffo" y "Morte accidentale di un anarchico" ("Muerte accidental de un anarquista").


title: Dario Fo

text: En 1970 ocupan un palacete abandonado en la ciudad de Milán que se convertirá en la sede de la nueva compañía "Colectivo Teatral La Comune", nacida de las fricciones internas en "Nuova Scena" y con militantes del PCI. La sede recibiría el nombre de Palazzina Liberty. En la sede se programan actividades relacionadas con la cultura y siempre estaba lleno. En 1978 se produce un atentado por parte de un grupo fascista y en 1979 el ayuntamiento de Milán los desaloja. Artistas, intelectuales y ciudadanos de Milán se pronuncian y dan apoyo a los desalojados de la Palazzina Liberty.


title: Dario Fo

text: Dario Fo escribe textos teatrales durante esta época que reflejan historias que aparecen en prensa como "Morte accidentale di un anarchico" (Muerte accidental de un anarquista) o "Pum Pum Chi é? La polizia!" ("Pum, pum, ¿quién es? ¡La policía!"). En ellas pone de relieve los trapos sucios y las técnicas del Ministerio de Interior y de los Servicios Secretos italianos.


title: Dario Fo

text: Durante esta época, Dario Fo escribió teatro con referentes políticos de otros países, poniendo en relieve la política mundial de su tiempo como: "Feydan" en 1971, en la que un grupo de guerrilleros palestinos cantaban y narraban su Historia o "Guerra di popolo in Cile" en 1973, sobre el golpe de estado de Augusto Pinochet en Chile.


title: Dario Fo

text: Ha sido traducida y representada en varios idiomas, y narra un hecho verídico ocurrido en una comisaría de policía de Milán, en la que fue interrogado un ferroviario anarquista acusado de un atentado con bomba en la plaza Fontana, y misteriosamente "cae" por una ventana de la comisaría. Es una obra en la que pese a su dramatismo, Fo construye una verdadera obra maestra de la farsa con hábiles toques satíricos que recuerdan a William Shakespeare. Su recurso es la analogía histórica, pues introduce la obra diciendo que narra la historia de un anarquista de Nueva York en 1920. Este recurso evitó denuncias y permitió que la obra no fuera censurada. Es una obra que provoca un estímulo crítico en el lector y espectador.


title: Dario Fo

text: En "Pum Pum Chi é? La polizia!" ("Pum, pum, ¿quién es? ¡La policía!"), que fue estrenada en 1972, saca a relucir las conspiraciones y la manipulación de datos e información de los cuarteles del Ministerio de Interior de Italia. Fo nos ofrece una recopilación de las actuaciones llevadas a cabo por estos en aquellos años. Sin embargo en esta obra los nombres y hechos que se citan son reales.


title: Dario Fo

text: Su otra gran obra maestra, que pertenece a esta época, es "Mistero Buffo". En realidad es una investigación exhaustiva que realizó Darío Fo de estudios filológicos. Ha tenido diferentes versiones porque contiene monólogos que Fo, a la hora de llevarla a escena escogía y agrupaba según sus objetivos. Es una especie de recopilación de la Historia transmitida oralmente de generación en generación. Recoge historias medievales o de tradición cristiana como "La resurrezione di Lazaro" (La resurrección de Lázaro) o "Moralitá del cieco e lo storpio" (Moralidad del ciego y el cojo). Darío Fo se pone en el papel de juglar al contar las historias, añadiendo historias inventadas a las auténticas que ha reinterpretado. El estilo está en la línea de las representaciones sacras medievales. Es una obra que no ha dejado de escribir y reescribir. La primera vez que se llevó a escena duraba tres horas, con un solo actor, Darío Fo. Hay quién dice que le sirvió para perfeccionar su mímica y dotes de interpretación, pues representa a numerosos personajes con multitud de registros. Su escenografía es un micrófono, una luz y su mítico jersey negro de cuello alto. Aquí podríamos decir que recoge ciertas pautas de Vladímir Mayakovski. Fo antes de cada historia realizaba una introducción didáctica que comenzaba con una contextualización histórica que se mezclaba con sucesos de actualidad del día en el que se estaba representando la obra. Hay un elemento clave en "Mistero Buffo" y es el lenguaje que utiliza, el "grammelot". Se trata de un lenguaje onomatopéyico utilizado por los cómicos en la Comedia del arte, y que ayudaba a pasar la censura, porque no lo entendían.


title: Dario Fo

text: Se trata de una pieza teatral cómica que narra las peripecias de dos mujeres de obreros que roban comida en supermercados, ocultando lo que roban en sus barrigas de supuestas embarazadas. Es un reflejo de la situación de carestía, precariedad y pérdida del valor adquisitivo en Italia. Aun así Fo proyecta en la obra una gracia y vivacidad que la ha convertido en una de sus obras más representadas en toda Europa.  La primera representación fue el 3 de octubre de 1974 en Palazzina Liberty de Milán.


title: Dario Fo

text: Fo quiso poner de relieve la historia del secuestro del político italiano Aldo Moro, un tema muy controvertido y con una gran repercusión internacional. Sin embargo abandonó la idea en su primer intento de escribirlo por la dureza y porque no se sabía muy bien qué era lo que había ocurrido y sus responsables. Pero en 1981 retoma la obra y la estrena, pero su personaje central es el presidente de la FIAT, Gianni Agnelli. Fo desdobla el personaje mediante el recurso de una operación de cirugía plástica, convirtiendo la pieza teatral en un vodevil. Dario Fo representaba los dos personajes, mostrando toda su capacidad de mímica, improvisación caricaturesca y efectos de lo grotesco.


title: Dario Fo

text: Las obras, o más bien la gran parte de los monólogos escritos durante esta época, que se sitúan entre finales de los 70 y los 90, son monólogos que hablan de la condición femenina. Darío Fo comentaba siempre que si supo llevar a escena el mundo de la mujer, fue gracias al trabajo en equipo con Franca Rame, con quien trabajaba los textos y quién a veces le proponía la idea o un borrador sobre un tema. Fo pensaba cómo interpretarlo y lo discutían hasta que al final tenían el monólogo. Pero ahí no acaba el proceso de creación, Franca se encargaba de representarlo y durante un mes lo trabajaban en escena, es decir, Franca según la respuesta que observaba en el público, aceleraba las transiciones, modificaba ritmos o estructura, y quitaba o añadía frases. Se trataba de un proceso de creación muy propio de Franca Rame y Darío Fo, trabajaban con el público para aproximarse a la realidad humana. Una de las obras escritas por Franca Rame y dirigida por Fo en esta época es "Lo stupro" (La violación), una obra que sirvió a Franca Rame como catarsis y liberación. El texto era su propia historia, la violación y el apaleamiento sufrido por un grupo fascista. En 1980, Dario Fo es también el autor y actor de "Storia della tigre ed altre storie" que se presenta en Francia.


title: Dario Fo

text: Es la primera serie de monólogos de que escribe sobre la mujer. Muestra la cotidianidad de las mujeres, con situaciones a veces absurdas pero que muestran los conflictos, los miedos, y los sueños de toda mujer. De esta serie los más populares son "La donna sola" ("La mujer sola") y "Il risveglio" ("El despertar"). Las obras que completan la serie son: "La mamma fricchettona", "Abbiamo tutte la stessa storia", "Contrasto a una voce sola", "Medea", "Monologo della puttana in manicomi", "Alice nel paese senza maraviglie", "Michele lu Lazone", "Io, Ulrike, grido..." y "Accadde domani".


title: Dario Fo

text: Trata el mundo de una ama de casa burguesa que se siente a gusto siéndolo, pero que hablando con su vecina al estilo "maruja" comienza a sacar a la luz la realidad de su situación: la soledad en la que se siente porque está todo el día encerrada en casa cuidando del hermano de su marido, que es paralítico, que su marido es celoso, que hay un hombre que la acosa por teléfono y que ha tenido una aventura amorosa con un chico bastante más joven que ella.


title: Dario Fo

text: Este monólogo tiene un giro inesperado, vemos a una mujer de clase obrera en un día contrarreloj, levantarse, llevar al bebe a la guardería, acordarse de todo lo que tiene que hacer antes de salir de casa y todo sin perder el ritmo porque no ha de llegar tarde al trabajo.


title: Dario Fo

text: Relata la vida de una pareja "progre" que piensan que son muy liberales y abiertos, pero el único que disfruta de esa libertad es el hombre. Muestra el machismo que se encierra a veces incluso en las parejas más liberales y progresistas. Es una obra llena de gags cómicos y situaciones delirantes, que ayudan a suavizar la obra pero no deja de mostrar una realidad.


title: Dario Fo

text: Un texto marcado por la vida que se sucede en una gran ciudad. Una mujer divorciada que podríamos decir que ha triunfado en su vida profesional pero cuya vida personal está llena de frustración pese a que vive con todas las comodidades que le ofrecen las nuevas tecnologías. Cuando se prepara para filmar su suicidio recibe la llamada de unas mujeres en una situación similar de angustia y desesperación. Está escrita en clave de farsa retratando la neurosis, la incomunicación y el aislamiento que se produce en las grandes ciudades.


title: Dario Fo

text: Es una obra de teatro que proviene de un manual de sexología escrito por el hijo de Dario Fo, Jacopo Fo. Su madre Franca insistía en convertir el manual en una pieza teatral y Fo se resistía a llevarla a escena. Finalmente, entre los tres la adaptaron. En España ha sido representada bajo el título "Tengamos el sexo en paz". Recoge todos los prejuicios, tabúes y desinformación sobre el sexo. En ella se habla del aborto, del sida, de la impotencia, de la frigidez, o del orgasmo con una gran libertad pero con gran respeto y delicadeza. Aun así, fue vetada durante un tiempo en Italia.


title: Dario Fo

text: En 1997 recibe el premio Nobel de Literatura. Su discurso es un reconocimiento a todos los que se han dedicado durante toda la historia de la humanidad al teatro y hacer reír pese a todas las presiones políticas.  Dos años antes de recibir el premio tuvo un derrame cerebral que le dejó sin visión y memoria durante unos días. Una obra de esta época es "Il diavolo con le zinne" ("El diablo con tetas").


title: Joyería

text: Joyería es un término que puede referirse al comercio de joyas, su elaboración o el establecimiento donde se realizan esas actividades, sean tiendas o talleres. Como también a las propias joyas.


title: Joyería

text: Las joyas o alhajas consisten en artículos decorativos que se usan para adorno personal, como broches, anillos, collares, aretes, colgantes, pulseras y gemelos. Las joyas se pueden adherir al cuerpo o la ropa. Desde una perspectiva occidental, el término se restringe a los adornos duraderos, excluyendo las flores, por ejemplo. Durante muchos siglos, el metal como el oro, a menudo combinado con piedras preciosas, ha sido el material normal para la joyería, pero se pueden utilizar otros materiales como conchas y otros materiales vegetales.


title: Joyería

text: La joyería es uno de los tipos más antiguos de artefacto arqueológico, con cuentas de 100.000 años de antigüedad hechas de conchas de Nassarius que se cree que son las joyas más antiguas que se conocen. Las formas básicas de joyería varían entre culturas, pero a menudo son extremadamente longevas; en las culturas europeas, las formas de joyería más comunes enumeradas anteriormente han persistido desde la antigüedad, mientras que otras formas, como los adornos para la nariz o el tobillo, importantes en otras culturas, son mucho menos comunes.


title: Joyería

text: Las joyas pueden estar hechas de una amplia gama de materiales. Las piedras preciosas y materiales similares como el ámbar y el coral, los metales preciosos, las cuentas y las conchas se han utilizado ampliamente, y el esmalte a menudo ha sido importante. En la mayoría de las culturas, la joyería puede entenderse como un símbolo de estatus, por sus propiedades materiales, sus patrones o por símbolos significativos. Se han hecho joyas para adornar casi todas las partes del cuerpo, desde horquillas hasta anillos en los dedos del pie e incluso joyas genitales. En la cultura europea moderna, la cantidad que usan los hombres adultos es relativamente baja en comparación con otras culturas y otros períodos de la cultura europea.


title: Joyería

text: Los seres humanos han utilizado las joyas por varias razones diferentes:La mayoría de las culturas en algún momento han tenido la práctica de mantener almacenadas grandes cantidades de riqueza en forma de joyas. Numerosas culturas almacenan dotes de boda en forma de joyas o hacen joyas como un medio para almacenar o exhibir monedas. Alternativamente, las joyas han sido utilizadas como moneda o bien comercial; un ejemplo es el uso de cuentas esclavas.


title: Joyería

text: Muchos artículos de joyería, como broches y hebillas, se originaron como artículos puramente funcionales, pero evolucionaron hacia artículos decorativos a medida que disminuyeron sus requisitos funcionales.


title: Joyería

text: Las joyas pueden simbolizar la pertenencia a un grupo (como en el caso del crucifijo cristiano o la estrella de David judía ) o el estatus (como en el caso de las cadenas de cargos o la práctica occidental de que las personas casadas usen anillos de boda).


title: Joyería

text: El uso de amuletos y medallas devocionales para brindar protección o alejar el mal es común en algunas culturas. Estos pueden tomar la forma de símbolos (como el ankh), piedras, plantas, animales, partes del cuerpo (como el jamsa) o glifos (como las versiones estilizadas del verso del trono en el arte islámico).


title: Joyería

text: Al crear joyas, a menudo se utilizan piedras preciosas, monedas u otros artículos preciosos, y generalmente se engastan en metales preciosos. Las aleaciones de platino van desde 900 (90% puro) hasta 950 (95,0% puro). La plata utilizada en joyería suele ser plata esterlina o plata fina al 92,5%. En bisutería, a veces se utilizan fornituras de acero inoxidable.


title: Joyería

text: Otros materiales comúnmente utilizados incluyen vidrio, como vidrio fundido o esmalte; madera, a menudo tallada o torneada; conchas y otras sustancias animales naturales como huesos y marfil; arcilla natural; arcilla polimérica; el cáñamo y otros cordeles también se han utilizado para crear joyas que tienen una sensación más natural.


title: Joyería

text: Las cuentas se utilizan con frecuencia en joyería. Estos pueden estar hechos de vidrio, piedras preciosas, metal, madera, conchas, arcilla y arcilla polimérica. Las joyas de abalorios suelen incluir collares, pulseras, pendientes, cinturones y anillos. Las cuentas pueden ser grandes o pequeñas; el tipo de abalorio más pequeño se utiliza para el estilo "tejido" de la joyería con abalorios. Las cuentas de semillas también se utilizan en una técnica de bordado en la que se cosen sobre los forros de tela para crear piezas de cuello anchas y pulseras de cuentas. El bordado de abalorios, un tipo de trabajo manual popular durante la época victoriana, está disfrutando de un renacimiento en la fabricación de joyas modernas. Los abalorios también son muy populares en muchas culturas africanas e indígenas de América del Norte.


title: Joyería

text: Los plateros, orfebres y lapidarios utilizan métodos que incluyen forja, fundición, soldadura, corte, tallado y "unión en frío" (utilizando adhesivos, grapas y remaches para ensamblar piezas).


title: Joyería

text: Los diamantes se extrajeron por primera vez en la India. Plinio el viejo puede haberlos mencionado, aunque existe cierto debate sobre la naturaleza exacta de la piedra a la que se refirió como "Adamas". En 2005, Australia, Botsuana, Rusia y Canadá figuraron entre las principales fuentes de producción de diamantes de gemas. Hay consecuencias negativas del comercio de diamantes en determinadas áreas. Los diamantes extraídos durante las recientes guerras civiles en Angola, Costa de Marfil, Sierra Leona y otras naciones han sido etiquetados como diamantes de sangre cuando se extraen en una zona de guerra y se venden para financiar una insurgencia.


title: Joyería

text: Las joyas de la corona británica contienen el diamante Cullinan, parte del diamante en bruto con calidad de gema más grande jamás encontrado (1905), con 3106,75 quilates (621,35 g).


title: Joyería

text: En el siglo XX y siglo XXI es popular que los anillos de compromiso tengan diamantes, este uso se remonta al matrimonio de Maximiliano I con María de Borgoña en 1477.


title: Joyería

text: Un estilo popular es el solitario de diamantes, que presenta un solo diamante grande montado de manera prominente. Dentro del solitario, hay 3 categorías en las que un anillo se puede clasificar en: púas, bisel y ajuste de tensión.


title: Joyería

text: Muchas piedras preciosas y semipreciosas se utilizan para joyería. Entre ellas se cuentan:


title: Joyería

text: Ámbar El ámbar, una piedra preciosa orgánica antigua , está compuesta de resina de árbol que se ha endurecido con el tiempo. La piedra debe tener al menos un millón de años para ser clasificada como ámbar, y algo de ámbar puede tener hasta 120 millones de años.


title: Joyería

text: Amatista La amatista ha sido históricamente la piedra preciosa más preciada de la familia del cuarzo. Es apreciado por su tono púrpura, que puede variar en tono de claro a oscuro. Esmeralda Las esmeraldas son una de las tres principales piedras preciosas (junto con los rubíes y los zafiros) y son conocidas por su fino color verde a verde azulado. Han sido atesorados a lo largo de la historia, y algunos historiadores informan que los egipcios extraían esmeraldas ya en el 3500 AC.


title: Joyería

text: Jade El jade se asocia más comúnmente con el color verde, pero también puede venir en varios otros colores. El jade está estrechamente relacionado con la cultura, la historia y la tradición asiáticas, y a veces se lo conoce como la piedra del cielo.


title: Joyería

text: Jaspe El jaspe es una piedra preciosa de la familia de la calcedonia que viene en una variedad de colores. A menudo, el jaspe presenta patrones únicos e interesantes dentro de la piedra coloreada. El jaspe de imagen es un tipo de jaspe conocido por los colores (a menudo beiges y marrones) y remolinos en el patrón de la piedra.


title: Joyería

text: Cuarzo El cuarzo se refiere a una familia de piedras preciosas cristalinas de varios colores y tamaños. Entre los tipos más conocidos de cuarzo se encuentran el cuarzo rosa (que tiene un delicado color rosa) y el cuarzo ahumado (que viene en una variedad de tonos de marrón translúcido). Varias otras piedras preciosas, como la amatista y el citrino también forman parte de la familia del cuarzo. El cuarzo rutilado es un tipo popular de cuarzo que contiene inclusiones en forma de aguja.


title: Joyería

text: Rubí Los rubíes son conocidos por su color rojo intenso y se encuentran entre las piedras preciosas más valoradas. Los rubíes han sido atesorados durante milenios. En sánscrito, la palabra rubí es ratnaraj , que significa rey de piedras preciosas.


title: Joyería

text: Zafiro La forma más popular de zafiro es el zafiro azul, conocido por su color azul medio a profundo y su fuerte saturación. También están disponibles elegantes zafiros de varios colores. En los Estados Unidos, el zafiro azul tiende a ser la más popular y asequible de las tres principales piedras preciosas (esmeralda, rubí y zafiro).


title: Joyería

text: Turquesa La turquesa se encuentra solo en unos pocos lugares de la tierra, y la región productora de turquesas más grande del mundo es el suroeste de los Estados Unidos. La turquesa es apreciada por su atractivo color, la mayoría de las veces un azul medio intenso o un azul verdoso, y su herencia antigua. La turquesa se utiliza en una gran variedad de estilos de joyería. Quizás esté más estrechamente asociado con la joyería del suroeste y de los nativos americanos, pero también se usa en muchos estilos elegantes y modernos. Algunas turquesas contienen una matriz de marcas de color marrón oscuro, lo que proporciona un contraste interesante con el color azul brillante de la piedra preciosa.


title: Joyería

text: Algunas piedras preciosas (como perlas, coral y ámbar) se clasifican como orgánicas, lo que significa que son producidas por organismos vivos. Otros son inorgánicos, lo que significa que generalmente están compuestos y se derivan de minerales.


title: Joyería

text: Algunas gemas, por ejemplo, la amatista , se han vuelto menos valoradas a medida que progresan los métodos para extraerlas e importarlas. Algunas gemas artificiales pueden servir en lugar de gemas naturales, como la circonita cúbica , que se puede usar en lugar del diamante.


title: Joyería

text: Las joyas se han utilizado para indicar el estado. En la antigua Roma, solo ciertos rangos podían usar anillos; más tarde, las leyes suntuarias dictaron quién podía usar qué tipo de joyería. Esto también se basó en el rango de los ciudadanos de esa época.


title: Joyería

text: Los dictados culturales también han jugado un papel importante. Por ejemplo, el uso de aretes por parte de los hombres occidentales se consideraba afeminado en el siglo XIX y principios del XX. Más recientemente, la exhibición de joyas corporales, como piercings, se ha convertido en una marca de aceptación o se ha visto como una insignia de valentía dentro de algunos grupos, pero es completamente rechazada en otros. Asimismo, la cultura hip hop ha popularizado el término argot "bling-bling", que se refiere a la exhibición ostentosa de joyas por parte de hombres o mujeres.


title: Joyería

text: Por el contrario, la industria de la joyería a principios del siglo XX lanzó una campaña para popularizar los anillos de boda para hombres, que se popularizó, así como los anillos de compromiso para hombres, que no lo hicieron, llegando a crear una historia falsa y afirmar que la práctica tenía raíces medievales. A mediados de la década de 1940, el 85% de las bodas en los Estados Unidos presentaban una ceremonia de doble anillo, frente al 15% en la década de 1920.


title: Joyería

text: Algunas religiones tienen reglas o tradiciones específicas en torno a las joyas (o incluso las prohíben) y muchas religiones tienen edictos contra la exhibición excesiva. El Islam, por ejemplo, considera que el uso de oro por parte de los hombres es Haram. La mayor parte de la joyería islámica estaba en forma de dotes nupciales, y tradicionalmente no se transmitía de generación en generación; en cambio, a la muerte de una mujer se vendía en el zoco y se reciclaba o vendía a los transeúntes. Las joyas islámicas anteriores al siglo XIX son, por tanto, extremadamente raras.


title: Joyería

text: Algunas denominaciones cristianas prohíben el uso de joyas tanto por hombres como por mujeres, incluidas las iglesias amish-menonitas y de santidad. El Nuevo Testamento de la Biblia da mandatos contra el uso de oro, en los escritos de los apóstoles Pablo y Pedro, y Apocalipsis describe a "la gran ramera", o sistema religioso falso, como "adornado con oro y piedras preciosas y perlas , con una copa de oro en la mano ". (Apocalipsis 17: 4)


title: Joyería

text: La historia de la joyería es larga y se remonta a muchos años, con muchos usos diferentes entre diferentes culturas. Ha perdurado durante miles de años y ha proporcionado varias ideas sobre cómo funcionaban las culturas antiguas.


title: Joyería

text: Las primeras joyas conocidas en realidad no fueron creadas por humanos (Homo sapiens) sino por neandertales que vivían en Europa. Específicamente, se han encontrado cuentas perforadas hechas de pequeñas conchas marinas que datan de hace 115.000 años en la Cueva de los Aviones, una cueva a lo largo de la costa sureste de España. Más tarde, en Kenia, en Enkapune Ya Muto, las cuentas hechas con cáscaras de huevos de avestruz perforadas datan de hace más de 40.000 años. En Rusia, una pulsera de piedra y un anillo de mármol se atribuyen a una edad similar.


title: Joyería

text: Más tarde, los primeros humanos modernos europeos tenían collares y brazaletes toscos de hueso, dientes, bayas y piedras colgados de trozos de cuerda o tendones de animales, o trozos de hueso tallado que se usaban para sujetar la ropa. En algunos casos, las joyas tenían piezas de concha o nácar. Un colgante grabado decorado (el colgante Star Carr) que data de alrededor del 11.000 AC, y se cree que es el arte mesolítico más antiguo de Gran Bretaña, fue encontrado en el sitio de Star Carr en North Yorkshire en 2015. En el sur de Rusia, pulseras talladas hecho de colmillo de mamut se han encontrado. La Venus de Hohle Fels presenta una perforación en la parte superior, lo que muestra que fue diseñada para usarse como colgante.


title: Joyería

text: Hace unos siete mil años, se vio el primer signo de joyería de cobre. En octubre de 2012, el M"useo de Historia Antigua de la Baja Austria" reveló que habían encontrado una tumba de una trabajadora de joyería, lo que obligó a los arqueólogos a echar una nueva mirada a los roles de género prehistóricos después de que pareciera ser la de una trabajadora de metales finos, una profesión que antes se pensaba que la desempeñaban exclusivamente hombres. Los primeros signos de la fabricación de joyas establecida en el Antiguo Egipto se dieron hace alrededor de 3.000 a 5.000 años. Los egipcios preferían el lujo, la rareza y la viabilidad del oro sobre otros metales. En el Egipto predinástico, las joyas pronto comenzaron a simbolizar el poder político y religioso en la comunidad. Aunque fue usado por egipcios adinerados en vida, también fue usado por ellos en la muerte, con joyas comúnmente colocadas entre los ajuares funerarios.


title: Joyería

text: Junto con las joyas de oro, los egipcios usaban vidrio de colores, junto con gemas semipreciosas. El color de las joyas tenía un significado. El verde, por ejemplo, simboliza la fertilidad. El lapislázuli y la plata tuvieron que importarse desde más allá de las fronteras del país.


title: Joyería

text: Los diseños egipcios eran los más comunes en la joyería fenicia. Además, los antiguos diseños turcos encontrados en la joyería persa sugieren que el comercio entre Oriente Medio y Europa no era infrecuente. Las mujeres llevaban elaboradas piezas de oro y plata que se usaban en ceremonias.


title: Joyería

text: Hace aproximadamente 5.000 años, la fabricación de joyas se había convertido en un oficio importante en las ciudades de la Mesopotamia. La evidencia arqueológica más significativa proviene del Cementerio Real de Ur, donde se desenterraron cientos de entierros que datan del 2900-2300 AC; tumbas como la de Puabi contenían una multitud de artefactos en oro, plata y piedras semipreciosas, como coronas de lapislázuli adornadas con estatuillas de oro, collares ajustados y alfileres con cabeza de joya. En Asiria, hombres y mujeres usaban grandes cantidades de joyas, incluidos amuletos, brazaletes de tobillo, collares pesados de múltiples hilos y sellos cilíndricos.


title: Joyería

text: Las joyas en la Mesopotamia tendían a fabricarse con hojas de metal delgadas y estaban engastadas con un gran número de piedras de colores brillantes (principalmente ágata, lapislázuli, cornalina y jaspe). Las formas preferidas incluían hojas, espirales, conos y racimos de uvas. Los joyeros crearon obras tanto para uso humano como para adornar estatuas e ídolos. Emplearon una amplia variedad de sofisticadas técnicas de trabajo de metales, como cloisonné, grabado, granulación fina y filigrana.


title: Joyería

text: También se han desenterrado registros extensos y meticulosamente mantenidos relacionados con el comercio y la fabricación de joyas en todos los sitios arqueológicos de Mesopotamia. Un registro en los archivos reales de Mari, por ejemplo, da la composición de varios artículos de joyería:


title: Joyería

text: Los griegos comenzaron a usar oro y gemas en joyería en 1600 AC, aunque en épocas anteriores se producían ampliamente cuentas con forma de concha y animales. Alrededor del 1500 AC., las principales técnicas de trabajo del oro en Grecia incluían fundición, torsión de barras y fabricación de alambre. [30] Muchas de estas técnicas sofisticadas fueron populares en el período micénico, pero desafortunadamente esta habilidad se perdió al final de la Edad del Bronce. Las formas y formas de las joyas en la antigua Grecia, como el brazalete (siglo XIII AC.), el broche (siglo X AC.) y los alfileres (siglo VII AC.), también han variado mucho desde la Edad del Bronce. Otras formas de joyería incluyen coronas, aretes, collares y pulseras. Un buen ejemplo de la alta calidad que las técnicas de trabajo del oro podrían lograr en Grecia es la 'Corona de olivo de oro' (siglo IV AC.), que sigue el modelo del tipo de corona que se otorga como premio a los ganadores en competiciones atléticas como los Juegos Olímpicos. Las joyas que datan del 600 al 475 AC. no están bien representadas en el registro arqueológico, pero después de las guerras persas, la cantidad de joyas volvió a ser más abundante. Un tipo de diseño particularmente popular en este momento era un brazalete decorado con serpientes y cabezas de animales. Debido a que estos brazaletes usaban considerablemente más metal, muchos ejemplos se hicieron de bronce. En el año 300 AC., los griegos dominaban la fabricación de joyas de colores y el uso de amatistas , perlas y esmeraldas. Además,aparecieron los primeros signos de camafeos , y los griegos los crearon a partir de Sardonyx indio, una piedra de ágata crema y rosa marrón a rayas. La joyería griega era a menudo más simple que en otras culturas, con diseños y mano de obra simples. Sin embargo, a medida que pasó el tiempo, los diseños aumentaron en complejidad y pronto se utilizaron diferentes materiales.


title: Joyería

text: Las joyas en Grecia apenas se usaban y se usaban principalmente para apariciones públicas o en ocasiones especiales. Con frecuencia se regalaba y las mujeres lo usaban principalmente para mostrar su riqueza, estatus social y belleza. A menudo se suponía que las joyas protegían al usuario del "mal de ojo" o le otorgaban poderes sobrenaturales, mientras que otras tenían un simbolismo religioso. Las piezas de joyería más antiguas que se han encontrado estaban dedicadas a los dioses.


title: Joyería

text: Trabajaron dos estilos de piezas: piezas fundidas y piezas martilladas en chapa. Se han recuperado menos piezas de joyería fundida. Se hacía echando el metal sobre dos moldes de piedra o arcilla. Luego se unian las dos mitades y se colocaba cera, seguida de metal fundido, en el centro. Esta técnica se había practicado desde finales de la Edad del Bronce. La forma más común de joyería era el tipo de hoja martillada. Las láminas de metal se martillaban hasta obtener el grosor deseado y luego se soldaban juntas. El interior de las dos láminas se rellenaba con cera u otro líquido para preservar el trabajo en metal. Luego, se utilizaron diferentes técnicas, como el uso de un sello o el grabado, para crear motivos en las joyas. Luego se pueden agregar joyas a los huecos o verter vidrio en cavidades especiales en la superficie.


title: Joyería

text: Los griegos tomaron gran parte de sus diseños de orígenes externos, como Asia, cuando Alejandro Magno conquistó parte de ella. En diseños anteriores, también se pueden detectar otras influencias europeas. Cuando el dominio romano llegó a Grecia, no se detectaron cambios en los diseños de las joyas. Sin embargo, en el 27 AC., los diseños griegos estaban fuertemente influenciados por la cultura romana. Eso no quiere decir que el diseño local no prosperara. Cerca de Olbia se han encontrado numerosos colgantes de mariposas policromadas en cadenas plateadas de cola de zorro, que datan del siglo I, y solo se ha encontrado un ejemplo en cualquier otro lugar.


title: Joyería

text: Gorgonas, granadas, bellotas, flores de loto y palmeras fueron un claro indicador de la influencia griega en la joyería etrusca. El modelado de cabezas, que era una práctica típica del período severo griego, fue una técnica que se extendió por todo el territorio etrusco. Una evidencia aún más clara de nuevas influencias es la forma introducida en la era orientalizante: las Bullae. Recipiente con forma de pera que se utiliza para contener perfume. Su superficie solía estar decorada con figuras simbólicas repujadas y grabadas.


title: Joyería

text: Gran parte de las joyas encontradas no fueron usadas por los etruscos, sino que fueron hechas para acompañarlos en el más allá. La mayoría, si no todas, las técnicas de los orfebres etruscos no fueron inventadas por ellos, ya que datan del tercer milenio antes de Cristo. Según un estudio de KPMG de 2007, el mercado de joyería más grande era Estados Unidos con una cuota de mercado del 30,8%, Japón, India, China y Oriente Medio cada uno con un 8-9% e Italia con un 5%. Los autores del estudio predecían un cambio dramático en las cuotas de mercado para 2015, donde la cuota de mercado de Estados Unidos habrá caído a alrededor del 25%, y China e India aumentarán la suya a más del 13%. El Medio Oriente se mantendrá más o menos constante en el 9%, mientras que la cuota de mercado de Europa y Japón se reducirá a la mitad y será menos del 4% para Japón, y menos del 3% para los países europeos más grandes, Italia y el Reino Unido.


title: Attichitcuk

text: Attichitcuk es un personaje de la serie de películas "la Guerra de las Galaxias".


title: Attichitcuk

text: Attichitcuk era un líder wookiee de gran transcendecia para su planeta nativo Kashyyyk. Fue el padre del valiente Chewbacca y durante las Guerras Clon luchó para defender su mundo de los separatistas de la Confederación de Sistemas Independientes.


title: Attichitcuk

text: Se conoce como el colonizador de Alaris Prime, un lejano mundo, donde los wookiees florecieron con el paso del tiempo. Los últimos días de su vida, Itchy (Attichitcuk) vivió junto con su nuera (Mallatobuck) y su nieto (Lumpawarrump).


title: Lumpawarrump

text: Lumpawarrump es un personaje de la serie de libros "la Guerra de las Galaxias".


title: Lumpawarrump

text: Nacido en el 1 BBY Lumpawarrump era un wookiee hijo del gran Chewbacca. Vivió toda su vida en el planeta Kashyyyk y nació en la época de las Guerras Clon. Vivía con su madre Malla (Mallatobuck) y su abuelo Itchy (Attichitcuk).


title: Durban

text: Durban () es una ciudad de Sudáfrica en la provincia de KwaZulu-Natal, a orillas del océano Índico.


title: Durban

text: Con 3,5 millones de habitantes es la tercera ciudad más grande del país, después de Johannesburgo y Ciudad del Cabo. El 68,5 % de la población es negra, el 20 % asiática, el 9 % blanca y el 2,5 % es mestiza. Es, además, la más cosmopolita de todas, con el zulú como lengua materna más hablada, seguida por el inglés (primera lengua de comunicación), el afrikáans y el hindi.