title: Leprechaun

text: Un leprechaun [ˈlɛprəkɔːn] (Irlandés: "leipreachán") es un tipo de duende o ser feérico —ser de naturaleza dual: material y espiritual— masculino que habita en la isla de Irlanda. Los leprechauns son criaturas que pertenecen al folclore y a la mitología irlandesa, y se dice que habitan en Irlanda junto a todas las criaturas feéricas, los Tuatha Dé Danann y la otra gente legendaria desde antes de la llegada de los celtas.


title: Leprechaun

text: Los leprechauns y otras criaturas de la mitología irlandesa suelen estar asociados con «fuertes de hadas» o «anillos de hadas», que a menudo suelen ser lugares donde se encuentran antiguos —celtas o anteriores a estos— "drumlins" o movimientos de tierra.


title: Leprechaun

text: Suelen adoptar la forma de hombres viejos que disfrutan realizando travesuras. Se dedican a fabricar o arreglar zapatos. Se dice que son muy ricos, ya que custodian muchas vasijas de barro (calderos) llenas de tesoros que fueron enterradas en periodos de guerra. Según la leyenda, si alguien logra fijar la mirada sobre un leprechaun, este no puede escapar, pero en el momento en que se retira la mirada, desaparece.


title: Leprechaun

text: El nombre "leprechaun" proviene de la palabra irlandesa "luprachán". Sin embargo, muchos estudiosos piensan que dicha palabra deriva del gaélico "leith bhrogan", que significa "el que hace un zapato".


title: Leprechaun

text: Hay varias etimologías posibles para el nombre "leprechaun". Una de las teorías más comúnmente aceptada es que el nombre proviene de la palabra irlandesa "leipreachán", definida por Patrick S. Dinneen como "un enano, un duendecillo, un "leprechaun"; para "luchorpán""; Dinnen lo define finalmente como "un enano, un "leprechaun"; una especie de duendecillo acuoso"; esta palabra ha sido interpretada como "de medio cuerpo", o "de cuerpo pequeño". Esta etimología es la que da el "Collins English Dictionary".


title: Leprechaun

text: Las imágenes modernas de los "leprechauns", especialmente las que se ven cuando se acerca el día de San Patricio, suelen mostrar un hombrecillo vestido de verde. Sin embargo, según cuenta la tradición, era posible verlos vestidos con chaqueta roja de brillantes, botones plateados, calzas azules o marrones, zapatos grandes con hebillas gruesas de plata y sombrero tricornio de copa alta.


title: Leprechaun

text: Su estatura varía entre los quince centímetros y algo más de medio metro, y pueden tener cara traviesa y digna a la vez. Muchos tienen barba y fuman en pipa. Cuando están trabajando, suelen usar un delantal de cuero de zapatero y un pequeño martillo con el que fabrican o arreglan pequeños zapatos de talla de hada.


title: Leprechaun

text: Aparentemente, los "leprechaun" no tratan a sus compañeras hadas mucho mejor que a los humanos, ya que solo les hacen un zapato, nunca el par completo.


title: Leprechaun

text: En el norte de España, en las regiones de Galicia, Asturias, Cantabria y León, al "leprechaun" se le identifica con la figura del trasgo, "trasgu" o trasno (que se nombra en el tradicional conjuro de la queimada).


title: Leprechaun

text: Un cuento típico empieza con un viajero que sigue el débil sonido de un martillo, proveniente de un espeso bosque. Cuando el "leprechaun" ve que le han descubierto, suele mostrarse amable hasta que su visitante le pide que le diga dónde esconde el oro. Entonces puede agarrar un berrinche tremendo, niega tener oro y señala un imaginario enjambre de abejas o un árbol a punto de desplomarse, o hace lo que sea para distraer a su captor. En el mismo instante en que el humano le quita los ojos de encima, el "leprechaun" se esfuma. Si falla este truco, le quedan aún muchos recursos. Por ejemplo, puede volverse sorprendentemente generoso y, en un abrir y cerrar de ojos, comprar su libertad con una bolsa repleta de monedas de oro. Pero cuando los "leprechaun" los rocían con el oro, es mejor no endeudarse demasiado pronto, pues su regalo se convierte enseguida en cenizas o desaparece por completo. Se dice que, si el "leprechaun" es recompensado con algún objeto valioso, te dará mucha suerte, en el hogar y durante tu vida si es de buena fe.


title: Leprechaun

text: Este cuento típico sobre el ingenio del "leprechaun" se ha contado en Irlanda durante generaciones: Un granjero se encontraba trabajando en sus tierras cuando descubrió por casualidad a un hombrecillo que se escondía bajo una hoja. Convencido de que se trataba de un "leprechaun", el granjero capturó enseguida al hombrecillo en su mano y le preguntó dónde tenía escondido el oro. El "leprechaun" solo deseaba que le liberasen, por lo que enseguida le reveló que su tesoro se hallaba oculto debajo de un arbusto cercano. Sin soltar a su diminuto cautivo, el granjero se encaminó hacia el lugar indicado, pero resultó que el arbusto estaba rodeado de otros cientos de arbustos idénticos. Como no tenía a mano ninguna herramienta para cavar, se quitó uno de sus calcetines rojos y lo ató a una rama para marcar el arbusto que el "leprechaun" le había señalado. Cuando se dirigía a su casa en busca de una pala, el "leprechaun" le dijo que ya no necesitaba sus servicios para nada y le pidió que le liberara. El granjero accedió, pero no sin antes hacerle prometer que no iría a quitar el calcetín ni a llevarse el oro. Buena idea... pero no resultó como esperaba. Cuando el granjero regresó al campo a los pocos minutos, ¡todos los arbustos estaban marcados con calcetines rojos idénticos!.


title: Leprechaun

text: La gente suele decir que los "leprechauns" son muy pequeñitos, pero el corazón que albergan es enorme y lleno de ganas de hacer travesuras.


title: El repórter Tribulete

text: El repórter Tribulete es un personaje creado por el dibujante de historietas español Guillermo Cifré para la revista "Pulgarcito" en 1946.


title: El repórter Tribulete

text: El nombre completo de la historieta era en su inicio "El repórter Tribulete que en todas partes se mete", pero se acortó posteriormente.


title: El repórter Tribulete

text: Según algunas fuentes, la idea original del personaje sería de Rafael González Martínez, director de Editorial Bruguera, y principal impulsor de su línea de historietas humorísticas. Este es, sin embargo, un dato que no ha podido comprobarse.


title: El repórter Tribulete

text: "El repórter Tribulete" fue la serie más exitosa de su creador, Guillermo Cifré, y continuó publicándose en varias revistas tras su fallecimiento. Otros autores, como Antonio Ayné, se hicieron cargo de la misma hasta la desaparición de Bruguera, en 1986.


title: El repórter Tribulete

text: La historieta trata de forma satírica el ambiente en la redacción de un periódico imaginario, "El Chafardero Indomable", y se centra en las conflictivas relaciones entre el reportero Tribulete y su jefe, el director del periódico, cuyo nombre nunca se menciona. Como es habitual en las historietas humorísticas de Bruguera, el protagonista suele terminar recibiendo golpes de su jefe como castigo por sus tropelías.


title: El repórter Tribulete

text: Tribulete es un personaje de pequeña estatura, de largo flequillo dibujado con unos simples trazos, de rostro afable y sonriente, y con una larga nariz apuntada hacia arriba. Su jefe, mucho más alto y corpulento que Tribulete, es calvo y luce un pequeño bigote. Las diferencias físicas entre ambos refuerzan el antagonismo de los personajes y de sus roles en la historia.


title: El repórter Tribulete

text: En 1995, el autor de cómics español Miguel Ángel Gallardo, en cuya obra son numerosas las referencias a la escuela Bruguera, creó un personaje que parodia a Tribulete, llamado Perico Carambola.


title: Julio González

text: Julio González Pellicer (en catalán Juli González i Pellicer) (Barcelona, 1876-París, 1942) fue un escultor español.


title: Julio González

text: De orígenes castellanos por línea paterna, fue hijo de Concordio González y de Pilar Pellicer. Su abuelo se trasladó a Barcelona para trabajar en un taller familiar de forja y orfebrería con la firma «González e hijos».


title: Julio González

text: Fue uno de los artistas modernos más importantes de la primera mitad del siglo XX. Nacido en Barcelona, una gran parte de su vida transcurrió en París, como contemporáneo y amigo de Pablo Picasso. Sus innovadoras esculturas con inclinaciones cubistas en su mayor parte son referencias a la figura humana, aunque frecuentemente son abstractas. Es uno de los grandes escultores europeos del siglo XX. Dedicó su trabajo, sobre todo, a la escultura en hierro, a menudo de grandes proporciones.


title: Julio González

text: Su obra se encuentra en diferentes museos, como el Museu Nacional d'Art de Catalunya de Barcelona, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Centro Georges Pompidou de París o el IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno de Valencia), que ha dedicado un espacio específico, el Centro Julio González, al escultor catalán a partir de la donación de sus obras efectuada por sus herederas Carmen Martínez y Viviane Grimminger.


title: Muralla de la ciudad de Xi'an

text: La muralla que rodea la ciudad de Xi'an, es la mejor conservada de todas las que defendían las ciudades de China. Fue construida durante la dinastía Ming y hoy en día la totalidad de la muralla sigue en pie. Sigue siendo objeto de estudio ya que es un claro ejemplo de las técnicas militares antiguas.


title: Muralla de la ciudad de Xi'an

text: Tiene forma rectangular y una longitud aproximada de 14 kilómetros. Su altura es de 12 metros y el ancho varía entre los 15 y los 18 metros. Alrededor de toda la muralla se encuentran torres de vigilancia y diversas edificaciones defensivas.


title: Muralla de la ciudad de Xi'an

text: La muralla se construyó entre los años 1374 y 1378 sobre la antigua ciudad prohibida de la dinastía Tang. Con su construcción se quería proteger a la ciudad de los posibles ataques de tribus bárbaras ubicadas al oeste del país.


title: Muralla de la ciudad de Xi'an

text: Con una puerta por cada uno de los puntos cardinales, la entrada principal a la ciudad se realizaba por la puerta sur. Cada una de las puertas tiene tres partes: una parte exterior que servía para defender la ciudad; una parte intermedia que se utilizaba como "trampa" para los posibles atacantes ya que está compuesta por un pequeño patio en la que los asaltantes se quedarían sin posibilidad de refugio; y una parte interna, utilizada para controlar la ciudad.


title: Egipcio demótico

text: El término demótico se refiere tanto a la escritura como al idioma egipcio que surgió en la última etapa del Antiguo Egipto. Para escribirlo se empleaba la escritura ideográfica demótica. Deriva del hierático utilizado en el delta del Nilo. El término fue utilizado por primera vez por el historiador griego Heródoto, para distinguirlo de la escritura hierática y jeroglífica.


title: Egipcio demótico

text: Tras su introducción, el hierático se siguió utilizando por motivos religiosos, mientras que el demótico se usó con fines económicos y literarios. En contraste con el hierático, que solía escribirse en papiros u ostraca, el demótico a veces se grababa en piedra y madera.


title: Egipcio demótico

text: Se comenzó a utilizar alrededor del 660 a. C. y se convirtió en la escritura dominante del Antiguo Egipto hacia el 600 a. C. A inicios del siglo IV fue reemplazado por el idioma griego en los textos oficiales; su último uso conocido fue en el año 452 de nuestra Era, grabado sobre los muros del templo dedicado a Isis, en Filé.


title: Egipcio demótico

text: Por convención, la palabra "demótico" se suele escribir con mayúscula para distinguirla del griego demótico..


title: Egipcio demótico

text: En el antiguo Egipto se desarrollaron tres tipos básicos de escritura:


title: Egipcio demótico

text: El demótico antiguo se concibió en el bajo Egipto durante la última época de la dinastía XXV, figurando en las estelas del Serapeum de Saqqara. Está generalmente datado entre 650 y 400 a. C., aunque la mayoría de los textos escritos en demótico antiguo se fechan en la dinastía XXVI y el periodo de dominación persa, la dinastía XXVII. Después de la reunificación de Egipto bajo Psamético I, el demótico substituyó al hierático en el alto Egipto, particularmente durante el reinado de Amasis cuando se convirtió en la escritura oficial administrativa y legal. Durante este periodo, el demótico fue utilizado solamente en los textos administrativos, legales y comerciales, mientras que el jeroglífico y el hierático fueron reservados para textos ceremoniales. El demótico medio (c. 400 a 30 a. C.) es la etapa de la escritura usada durante el período ptolemaico. A partir del siglo IV a. C., el empleo del demótico crece, como se puede ver por el incremento del uso en textos literarios y religiosos. Hacia el final de III siglo a. C., el idioma griego era ya más importante, pues era la lengua administrativa del país. Los contratos en demótico perdieron la mayor parte de su fuerza legal a menos que hubiera una anotación en griego colocada por las autoridades.


title: Egipcio demótico

text: Al principio de la época romana de Egipto, el demótico se fue usando progresivamente menos en la vida pública, en beneficio del griego helenístico. Hay, sin embargo, varios textos literarios escritos en demótico tardío (desde aproximadamente 30 a. C. hasta el 452), especialmente en los siglos I y II, aunque la cantidad de textos en demótico disminuyó rápidamente hacia el final del siglo II. Después, el demótico solamente se empleó en algunos ostraca, anotaciones a textos griegos, etiquetas en momias y grafitis. La última inscripción demótica se fecha el 11 de diciembre del año 452 y consiste en un grafiti realizado en los muros del templo de Isis, en File, Egipto


title: Egipcio demótico

text: El egipcio demótico, usado entre los siglos IV a. C. y V d. C., es una variedad de la lengua egipcia, que representa el último estadio lingüístico precristiano, y comparte mucho con la lengua copta posterior, usada entre los siglos V d. C. y XV d. C. En las fases anteriores del demótico, tal como los textos escritos en la antigua escritura demótica, representó probablemente el idioma hablado de la época. Pero, como fue utilizada cada vez más solamente con propósitos literarios y religiosos, la lengua escrita divergió cada vez más de la forma hablada, dando a los últimos textos demóticos un carácter artificial, similar al uso del egipcio medio clásico durante el período ptolemaico.


title: Hágalo usted mismo

text: El concepto «hágalo usted mismo» o «hazlo tú mismo» abreviado como HUM, HTM o DIY (esto último por sus siglas en el idioma inglés "Do It Yourself"), es la práctica de la fabricación o reparación de objetos por uno mismo, generalmente se utiliza para ahorrar dinero, pues así se obtienen múltiples beneficios: se desarrolla una actividad manual interesante y motivadora, y al mismo tiempo se aprende con la práctica, se logran manualidad y destrezas, se combaten el aburrimiento, el malhumor, el tedio, y el cansancio, sin causas aparentes claras, etc.


title: Hágalo usted mismo

text: La ética del "Do It Yourself" en muchos casos se asocia al anticapitalismo, ya que rechaza la idea de tener que comprar las cosas que uno desea o necesita, intentando hacerlas por uno mismo. Se trata de un movimiento contracultural. Hay muchos ejemplos del uso de esta filosofía. Entre otros, se encuentran las reparaciones que alguien hace en su casa sin la necesidad de tener que recurrir a profesionales como fontaneros o electricistas.


title: Hágalo usted mismo

text: Esta práctica ha sido heredada por otros movimientos musicales y contraculturales, tales como en el nacimiento del punk rock y el movimiento punk en los años 70 en Estados Unidos e Inglaterra, el hardcore punk a incio de los años 80 y el indie y contraculturas denominadas germinativas.


title: Hágalo usted mismo

text: Muchos músicos de instrumentos eléctricos (guitarras y bajos principalmente) fabrican sus propios pedales de efectos, amplificadores o incluso sus instrumentos. Otros, en cambio, renuncian directamente a usarlos y se sirven de instrumentos de más fácil adquisición o manejo, por ejemplo acústicos, como ocurre con grupos punk como Jonathan Richman & The Modern Lovers o Violent Femmes.


title: Hágalo usted mismo

text: También se habla de DIY para referirse a aquellos músicos que graban con sus propios medios, con presupuesto reducido, autogestionan sus actuaciones, autopromocionan su música, venden su obra, etc.


title: Hágalo usted mismo

text: Aunque parece que el concepto tiene una gran implicación de autogestión, también ha sido muy promocionado como estrategia para dar salida a otros productos que podrían dejar de venderse o ampliar los mercados de ciertos productos.


title: Hágalo usted mismo

text: El hecho de hacerlo uno mismo también suele tener implicaciones mercantiles, pues muchas materias primas tienen que adquirirse en el mercado aumentando las ventas. Hay dos tipos de consumo: uno industrial y otro casero, con lo que se consigue multiplicar el consumo de manera exponencial.


title: Hágalo usted mismo

text: Como ejemplo evidente, el hecho de fabricar energía propia para no depender de la red eléctrica y tener electricidad propia de forma más o menos artesanal, quiere decir producir más placa, más acumuladores, más inversores, aparte de los de una eventual gran planta de producción para obtener muy poco rendimiento adicional.


title: Hágalo usted mismo

text: Publicaciones y sitios web enfocados en contenido DIY y/o en artesanías, incluyendo:


title: Gregorio Fernández

text: Gregorio Fernández (Sarria, Lugo, abril de 1576 - Valladolid, 22 de enero de 1636) fue un escultor español del Barroco, máximo exponente de la escuela castellana de escultura. Heredero de la expresividad de Alonso Berruguete y Juan de Juni, supo reunir a estas influencias el clasicismo de Pompeyo Leoni y Juan de Arfe, de manera que su arte se liberó progresivamente del Manierismo imperante en su época hasta convertirse en uno de los paradigmas del Barroco español.


title: Gregorio Fernández

text: La colección más importante de su obra se encuentra en el Museo Nacional de Escultura, en Valladolid. Fernández trabajó para las cofradías vallisoletanas, y el museo cede, como un hecho museístico singular, importantes piezas de sus fondos a las cofradías durante la celebración de la Semana Santa.


title: Gregorio Fernández

text: Probablemente hijo de un escultor homónimo que vivió en Sarria al menos entre los años 1573 y 1583 y esculpió un San Lázaro para la parroquia del mismo nombre. Su madre contrajo nupcias dos veces, naciendo él de su primer matrimonio y del segundo su hermanastro Juan Álvarez, quien sería un ayudante muy destacado en su taller.


title: Gregorio Fernández

text: Se trasladó a Valladolid hacia 1600 o 1601 con unos 24 años de edad y práctica en el oficio, entrando en el taller de Francisco del Rincón que era por entonces el escultor más prestigioso de la capital castellana. Aquel taller estaba en la Puentecilla de Zurradores (hoy calle Panaderos). Llegó a ser oficial o asociado. En 1605 abre su propio taller. A la muerte del maestro (16 de agosto de 1608) Fernández tuteló y enseñó el oficio a su hijo mayor, Manuel de Rincón.


title: Gregorio Fernández

text: Se casó con María Pérez Palencia, madrileña, en 1605. Ese mismo año nació Gregorio, su primer hijo, bautizado el 6 de noviembre de 1605, que fallecería a los cinco años de edad. En junio de 1606 vivía en la calle de Sacramento (hoy Paulina Harriet), de Valladolid. Bautizó a sus hijos en la Parroquia de San Ildefonso. En 1607 nació su hija Damiana, que contraería matrimonio sucesivamente con cuatro esposos, dos de los cuales fueron escultores del taller de Gregorio Fernández. En 1615 adquirió las casas donde había vivido Juan de Juni, por el que sintió gran admiración.


title: Gregorio Fernández

text: Asistió en su propia casa a infinidad de desvalidos y hambrientos. Famoso y prestigioso como escultor y venerado por su virtud, fue considerado en vida casi un santo. Antes de trabajar se postraba en profunda oración, ayunaba y se sometía a penitencia. Este misticismo se guiaba por los mismos principios de Bernini o Martínez Montañés; esculpir una imagen religiosa era un compromiso de fe.


title: Gregorio Fernández

text: Sufrió serios y recurrentes problemas de salud desde 1624 hasta que falleció, el martes 22 de enero de 1636. Fue sepultado en el Convento del Carmen Calzado, frente al que vivía y para el que había trabajado, que ocupaba el terreno donde hoy se ubica el antiguo Hospital Militar. Según Floranes (citado en FJ Juárez, 2008), al abrirse la tumba en 1721 para sepultar a sus nuevos propietarios, el cuerpo del escultor estaba entero. La sepultura se ubicaba a la entrada del templo: «En el cuerpo de la iglesia junta a la pila del agua bendita, baxo de una lossa, yace aquel gran varon estatuario Gregorio Hernández, gallego de nación, especialissimo en su facultad, como lo publican tantas hechuras de sus manos como están repartidas en Valladolid y otras provincias». De origen gallego, se instaló en Valladolid, que era entonces la Corte de los reyes de España, entre 1601 y 1606. Tuvo un gran taller con muchos aprendices y colaboradores. Entre ellos, Agustín Castaño (f. 1621), Mateo de Prado, Pedro Jiménez, Pedro Zaldívar, Luis Fernández de la Vega, Francisco Fermín, su hermanastro Juan Álvarez y sus yernos Miguel de Elizalde y Juan Francisco de Iribarne. Era muy conocido y apreciado por todo el norte de España, incluso en regiones más alejadas como Extremadura, Galicia, Asturias y el País Vasco.


title: Gregorio Fernández

text: Da preferencia a la mística sobre la estética, buscando transmitir mucho más dolor y sufrimiento que sensualidad. En su obra prima la espiritualidad y el dramatismo, casi siempre recogido, sobre cualquier otro sentimiento. Elige colores y composiciones de gran naturalidad y detalle anatómico. El tormento a que han sido sometidos sus personajes se manifiesta en todos sus detalles, con profusión de sangre y de lágrimas, que resbalan sobre el relieve corporal con gran credibilidad. Su realismo, un tanto recio pero no vulgar ni morboso, se aprecia en la honda expresión de los rostros, en la forma de destacar las partes más significativas y en los elementos que añade (postizos) para aumentar la sensación de autenticidad. Utiliza en ocasiones ojos de cristal, uñas y dientes de marfil, coágulos de sangre simulados con corcho, o gotas de sudor y lágrimas de resina. Sin embargo, se muestra refinado en el tratamiento anatómico, en la sencillez de sus composiciones y en la contención de los gestos. Es muy característica su forma esquemática de tratar el drapeado de las vestiduras, con pliegues rígidos, puntiagudos y acartonados («plegado metálico»).


title: Gregorio Fernández

text: Fue el creador de modelos fundamentales de la imaginería barroca española, como los Cristos yacentes, las piedades o los crucificados.


title: Gregorio Fernández

text: También fue decisiva su aportación al campo del retablo, creando excelentes conjuntos escultóricos que se alejan de la estética escurialense para acercarse al Barroco pleno. Se trata de uno de los mejores representantes, si no del más importante, de la destacada escuela castellana de escultura. Fue también un gran exponente del espíritu que imperaba en la Contrarreforma que tan profundamente se vivía en España.


title: Gregorio Fernández

text: Gregorio Fernández trabajó estrechamente con las cofradías vallisoletanas desde su instalación en Valladolid como capital de la Corte hasta su muerte, siguiendo los trabajos de Francisco del Rincón, al que muchos consideran su maestro.


title: Gregorio Fernández

text: Fernández recogió un tema iconográfico ya presente en la escultura medieval y renacentista (con ejemplos sobresalientes como los de Gaspar Becerra) y le dio un nuevo tratamiento, más verista y patético, que alcanzó gran difusión y fama, convirtiéndose en uno de sus temas favoritos y uno de los paradigmas de la plástica barroca en España. Entre las muchas versiones que realizó, y que fueron repetidas por discípulos y seguidores, destacan:Valladolid además cuenta con otros tres "yacentes" considerados generalmente de autoría de Fernández: el del convento de Santa Catalina (poco conocido debido a que abre sus puertas únicamente en Jueves Santo); el del convento de Santa Isabel de Hungría (que asimismo sólo se exhibe al público en la iglesia en Jueves Santo) y otro, de tamaño algo inferior al natural, fechado hacia 1627 y que fue encargado para un altar de una de las capillas laterales de la iglesia de san Pablo.


title: Gregorio Fernández

text: Otros "yacentes", que repiten con algunas variantes estos modelos, son el de la Catedral de Segovia, el del convento de Santa Clara de Lerma y el de la misma Orden en Medina de Pomar (Burgos), el del convento de los Capuchinos de El Pardo (Madrid), el del convento de las Franciscanas Descalzas de Monforte de Lemos (Lugo) o el de la Catedral de Astorga (León), en la que además se custodia una Inmaculada realizada por él hacia 1626. La repetición del motivo para lugares tan dispares demuestra la enorme fama que adquirió esta iconografía; la demanda obligó a que algunas de estas tallas fueran ultimadas por su taller o repetidas posteriormente por seguidores y discípulos de Fernández.


title: Gregorio Fernández

text: Otra de las iconografías que Gregorio Fernández cultivó con gran éxito fue el tema de la "Piedad", es decir, Cristo bajado de la cruz en el regazo de su madre. Con antecedentes en la escultura castellana manierista, como las realizadas por Francisco del Rincón o el mismo Juni, Fernández humaniza a la vez que vuelve más monumental el conjunto, insistiendo en la gestualidad un poco teatral de María, los ricos plegados de los mantos, y la correcta anatomía de Cristo. Entre las diferentes versiones, destacan: Otras obras de Gregorio Fernández son las siguientes:La aportación de Gregorio Fernández al desarrollo de la retablística barroca en España fue esencial. Contó para la realización de estas grandes y complejas obras con la colaboración de otros artistas, como Juan y Cristóbal Velázquez, entalladores vallisoletanos, y una numerosa pléyade de pintores y doradores de gran valía que trabajaban estrechamente con el maestro.


title: Gregorio Fernández

text: Sus retablos siguen una ordenación clara, de reminiscencias escurialenses, pero ganando protagonismo los relieves y figuras exentas en detrimento del diseño arquitectónico. Las figuras destacan poderosamentes del marco, por medio de sus gestos, sus dimensiones o por romper ese mismo marco en ocasiones. Las ricas policromías y los dorados aumentan la sensación de verdad idealizada que transmiten las esculturas de Fernández. Algunos de los ejemplares más destacados en este campo son:


title: Virgin Express

text: Virgin Express fue una aerolínea belga de bajo coste (bajo precio), la primera de este tipo en Europa continental. Su base estaba en Bruselas. Operaba aviones Boeing 737 a destinos Europeos. Pertenecía al Virgin Group, un grupo empresarial del Reino Unido, que fue fusionada con SN Brussels Airlines el 25 de marzo de 2007 para formar Brussels Airlines.


title: Juan de Juni

text: Juan de Juni (Joigny, Francia, 1506-Valladolid, 10 de abril de 1577) fue un escultor franco-español.


title: Juan de Juni

text: Junto con Alonso Berruguete, Juni formó la gran escuela de la escultura castellana, con una gran y extensa obra realizada mayormente en los más de treinta años que permaneció en Valladolid. Eso le ha valido su presencia destacada en el Museo Nacional de Escultura, especialmente, y en el Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid, entre otros lugares de la ciudad.


title: Juan de Juni

text: Presentó un gran dominio en los materiales escultóricos como el barro cocido, la piedra y la madera y un perfecto conocimiento de la anatomía humana.


title: Juan de Juni

text: Su oficio fue el de escultor, también denominado como «maestro de hacer imágenes» o como entallador que por misión tenía el hacer los elementos decorativos de fachadas, portadas o retablos, así también se dedicó a la construcción y al montaje de la arquitectura de los retablos a quienes se les llamaba ensamblador y como prueba de su oficio de arquitectura se sabe que realizó en el año 1565, en Valladolid, el Arco para recibir a la reina Isabel de Valois, conservándose aún el diseño de dicha obra.


title: Juan de Juni

text: Juan de Juni se formó en Francia y en Italia, de donde fue llamado por el obispo Pedro Álvarez de Acosta, que era portugués, para construir el palacio episcopal de Oporto; después viajó a España hacia 1533, donde trabajó en León y participó en la realización de la decoración de la fachada del edificio de San Marcos con los relieves del "Descendimiento" y en la parte alta el de la "Resurrección" así como en el claustro con el altorrelieve del "Nacimiento de Cristo" realizado en piedra, también intervino en la obra de la sillería del coro. Se sabe que en el año 1537 estaba modelando unas figuras en barro cocido y policromado para la iglesia de San Francisco de Medina de Rioseco.


title: Juan de Juni

text: En 1540 recibió por parte del obispo de Mondoñedo fray Antonio de Guevara el importante encargo de ejecutar para su sepulcro del Convento de San Francisco de Valladolid, "El Entierro de Cristo". Antes había pasado por Salamanca para ejecutar el sepulcro del arcediano Gutierre de Castro (existente en la Catedral Vieja). Durante su estancia en esta ciudad cuando enfermó e hizo la redacción de su testamento el 26 de octubre de 1540 pero una vez repuesto se trasladó a Valladolid, para trabajar en ese encargo.


title: Juan de Juni

text: En 1545 los canónigos y parroquianos de la iglesia de Santa María de La Antigua le encargaron el retablo mayor que a pesar del largo pleito que sostuvo con el discípulo de Berruguete, Francisco Giralte, finalmente fue realizado y terminado por él. Su fama se fue extendiendo y no le faltaron los encargos ni clientela selecta: la Orden de Santiago para la sillería del coro de San Marcos de León; Pedro Álvarez de Acosta que entre otras obras le encargó el retablo mayor de la catedral de Burgo de Osma; para el obispo de Zamora, Antonio del Águila y Paz, su sepulcro en Ciudad Rodrigo.


title: Juan de Juni

text: A partir de 1577 y por razones de salud fue delegando en su hijo Isaac las funciones del oficio y administración de bienes Dictó su nuevo testamento el 8 de abril de 1577, y cumpliéndose su voluntad recibió sepultura en la iglesia del convento de Santa Catalina de Siena en Valladolid. En el convento hay un libro titulado "Inscripciones de las lápidas que se conservan en el pavimento de la iglesia, debajo del entarimado" en el cual, entre otros, menciona como enterrados a varios familiares de Juni y a él mismo fallecido entre el 9 y el 17 de abril de 1577.


title: Juan de Juni

text: Contrajo matrimonio por primera vez con Catalina de Montoya con quien tuvo una hija, María, a la que declaró heredera en su testamento del año 1540. Ana de Aguirre fue su segunda esposa en 1544, la cual falleció sin descendencia en 1556. Una tercera vez contrajo matrimonio Juni, con María de Mendoza, con la que tuvo el artista varios hijos, y a la que menciona en 1561, como fiadora en la conclusión del retablo de La Antigua. Pero el hijo con quien tuvo más relación y se sabe más de él, es Isaac, hijo natural nacido en León, ya nombrado en el primer testamento, «como hijo natural viviendo en su casa». En su último testamento de 1577 se nombra a Isaac como de treinta y ocho años quien recibió la cuarta parte de los bienes propios del escultor; estos bienes se escogerían entre los que se refirieran al arte de escultura y ensamblaje.


title: Juan de Juni

text: Su estancia en Italia se puede comprobar por la influencia en sus obras, por ejemplo, en el estilo de Jacopo della Quercia, en el concepto de relieve de poco grosor, (uno de los logros del siglo XV en la plástica italiana), en los ropajes que dan un ritmo movido a la escultura, y que se ve con claridad en sus primeros trabajos en León. Se da como segura la estancia de Juni en Bolonia, Módena y Florencia, donde a mitad del siglo XV, se realizó mucha escultura en barro cocido policromada con grandes efectos naturalistas como la inclusión de ojos de cristal.


title: Juan de Juni

text: La obra del "Llanto sobre Cristo muerto" del año 1463 realizada por Niccolò dell'Arca de la iglesia de Santa María de la Vita de Bolonia, es la obra que se encuentra más cercana al El entierro de Cristo de Juan de Juni; consta también de siete figuras en tamaño natural. El sentido del desgarro por el dramatismo del momento es lo que debió de impresionar a Juni y que más tarde él sintetizó en su obra. Como es muy posible la también influencia de Guido Mazzoni con su "Llanto sobre Cristo muerto", de la iglesia de San Juan en Módena, con los mismos personajes y en muy idénticas posiciones. De Miguel Ángel captó la composición, los escorzos, la forma de movimiento de los miembros en las figuras apuntando en varias direcciones. La composición en hélice, muy empleada por Miguel Ángel, se aprecia en la "Purísima" de la capilla de los Benavente en Medina de Rioseco. Otra semejanza se encuentra entre el rostro de Nuestra Señora de las Angustias, obra ya de madurez del artista, aunque posterior a 1561, con la cabeza de "La Aurora" del sepulcro de Lorenzo de Médicis, que sigue como la escultura de la Purísima, con el esquema helicoidal, avanzando el hombro izquierdo, mientras la mano izquierda se encuentra como escondida entre los ropajes, la derecha, destaca sobre su pecho, con un claro recuerdo manierista inspirada también en la "Virgen de los Médicis" de Miguel Ángel; la boca la tiene entreabierta y los ojos dirigen su mirada hacia la cruz donde se encuentra su hijo con una expresión de profundo dolor. De Roma, y por la visión del Laocoonte y sus hijos, la obra de la Antigüedad, más admirada por entonces, trajo la línea "serpentiforme" tan empleada por los manieristas; en la capilla de los Benavente, el cuerpo del demonio se resuelve como una gran serpiente, así como, en el San Juan Bautista del Museo Nacional de Escultura, todo su cuerpo está en un movimiento de torsión, la boca entreabierta y el pecho tenso por la emoción; es donde se puede apreciar más el parecido con el sacerdote Laocoonte.


title: Juan de Juni

text: Su estilo en la imaginería mantuvo el patetismo expresivo del arte borgoñón y sobre todo en la grandilocuencia de los paños de sus esculturas heredado del escultor gótico Claus Sluter, junto a la influencia de Miguel Ángel. Sus figuras son de correcto modelado, opulentas, carnosas, vivamente apasionadas, bien en la expresión de la dulzura, como la Inmaculada de la Capilla de los Benavente en Medina de Rioseco, bien en el acentuado patetismo de sus Dolorosas, tales como la Virgen de los Cuchillos. La intensidad emocional de sus imágenes y el agitado revuelo de sus ropajes han hecho que se le denomine como el padre de la escultura barroca española. Junto con Alonso Berruguete se le considera fundador de la escuela escultórica de Valladolid, que se extiende a lo largo del siglo XVI con estos y otros escultores, del siglo XVII, con Gregorio Fernández a la cabeza, y del siglo XVIII con Luis Salvador Carmona.


title: Juan de Juni

text: Aparece por primera vez nombrado en la ciudad de León, en 1535, época en la que hay una gran actividad arquitectónica con la construcción de San Marcos e importantes obras en la catedral, donde se requiere la profesionalidad de escultores. En esa década se encuentran en la ciudad, varios escultores franceses entre ellos Juni. El historiador Gómez Moreno fue el primero en afirmar la participación de Juni en los medallones de la fachada de San Marcos así como en algunos relieves de este mismo edificio; la mayor parte de los relieves de dichos medallones tienen un mismo estilo con el característico rostro levantado y un poco inclinado, la boca entreabierta y un hombro levantado, lo que hace pensar que si no los realizó todos él, sí estuvieron bajo su dirección. En uno de los dos tabernáculos de la fachada de la iglesia es donde se encuentra el "Descendimiento," relieve en piedra en gran formato. Esta obra tiene un gran dinamismo y los cortes son agudos. Otro relieve, el del "Nacimiento de Cristo," se halla en el interior del claustro con un estilo lleno de elementos clásicos, y la obra más importante en madera fue la realizada en la sillería también para san Marcos junto con Guillén Doncel, (se atribuye a Juni la sillería alta.) Importante es la escultura de San Mateo, actualmente en el Museo de León, en barro cocido de color rojo, con una composición en hélice, de clara influencia de Miguel Ángel.


title: Juan de Juni

text: En la iglesia de Santa Marina, de León, se encuentra la imagen de la "Virgen de las Candelas" realizada para la capilla funeraria de Catalina Pimentel y que se hallaba en el convento de Santo Domingo. Consta de las imágenes de la Virgen con el Niño y San Juan Bautista; tiene un claro sabor italiano, relacionándose con pinturas de Rafael como la "Virgen del jilguero", la " Virgen de la silla" o "La bella Jardinera". Esta escultura se muestra con unas formas dulces y sin dramatismo; a pesar de ser para León, la pieza se debió de ejecutar hacia 1549 cuando ya era vecino de Valladolid.


title: Juan de Juni

text: La Cofradía de Ntra. Señora de las Angustias y Soledad posee dos tallas titulares, ambas de Juan de Juni: "La Virgen de las Angustias", una preciosa piedad; un yacente popularmente llamado "La Urna", al ir dentro de una urna dorada, procesionado en la Procesión del Santo Entierro.


title: Juan de Juni

text: En el año 1537 realizó unas imágenes de san Jerónimo y san Sebastián por encargo del almirante de Castilla para su capilla funeraria en el monasterio de San Francisco de Medina de Rioseco, realizadas en barro policromado y de tamaño natural. El grupo de San Jerónimo está compuesto por el propio santo junto con el león y un árbol seco. San Jerónimo se muestra medio cubierto con una túnica y con una anatomía extraordinaria viéndose los distintos planos musculares y el gesto de su rostro vuelto hacia lo alto con el cabello y la barba serpenteando. Remite sin duda al grupo del Laocoonte. Al lado contrario el grupo de San Sebastián; se encuentra el santo en medio de un soldado romano y un judío en una composición completamente simétrica.


title: Juan de Juni

text: Álvaro Alfonso de Benavente, conocido como Álvaro de Benavente, mandó realizar una gran capilla de enterramiento para su familia en la iglesia de Santa María de Mediavilla conocida como Capilla de la Concepción o Capilla de los Benavente, empezando su construcción en 1544 por el arquitecto Juan de Corral, y la decoración en yeso policromado por su hermano Jerónimo de Corral. A la muerte del propietario de la capilla, faltaba el retablo, por lo que se acudió a Juan de Juni, ya vecino de Valladolid, en 1557, fecha en que se firmó el contrato con el escultor. La obra consta de banco y dos cuerpos:


title: Juan de Juni

text: Una Piedad realizada sobre los años 1575 se encuentra guardada en el Museo de las Ferias de Medina del Campo, procedente de una capilla de la "Casa Blanca", de un retablo que se puede ver documentado en el testamento de Juan de Juni. Por ser una obra de la madurez del artista, se nota que a pesar del dramatismo de la escena y la policromía, las formas respiran tranquilidad, gracias a la composición en trapecio irregular, en vez del esquema clásico piramidal. La figura del Cristo se acopla perfectamente a la madre y los pliegues del ropaje se hacen suaves, la mirada de María hacia su hijo es de tristeza más que de dolor, incluso se puede apreciar esa suavidad en el contacto de las manos entre ellos.


title: Juan de Juni

text: Se trasladó Juni a Salamanca para realizar el sepulcro del arcediano Gutierre de Castro, conservado en el claustro de la Catedral Vieja. Según la descripción de Palomino es: El sepulcro realizado en piedra arenisca policromada, es de tipo arcosolio enmarcado por dos columnas corintias con un entablamento con calaveras entre paños que cuelgan de cabezas de leones, con los escudos del arcediano. El arcosolio es profundo y formado por arco de medio punto. Hay angelotes sosteniendo guirnaldas que bordean toda la arquivolta. En la parte frontal cubre todo el fondo el relieve de la Piedad o Calvario. Todas las figuras están unidas por medio de sus manos: la Virgen ocupa el lugar central, María Magdalena toma una de las manos de Cristo, el cual tiene la cabeza en escorzo inclinada hacia atrás, formando una línea de composición con la cabeza de su Madre y de María Salomé, que a la vez tiene sujeta a la Virgen. Los pliegues son de una gran ductilidad, con ondulaciones suaves. Las esculturas de Santa Ana y San Juan Bautista que habían estado a los lados de este sepulcro, se encuentran en el trascoro de la Catedral Nueva de Salamanca; en las dos se aprecia con claridad la monumentalidad de la tendencia de Juni.


title: Juan de Juni

text: La iconografía del crucificado es una temática de la que hizo una extensa serie. Normalmente, la que más realizó fue con el Cristo muerto, pero también existen algunos ejemplares en el momento de la expiración.


title: Juan de Juni

text: Más tarde también lo fue por Manuel Gómez-Moreno y Juan Agapito y Revilla. Se realizó para la sepultura de Cristóbal de Robles, caballero de la orden de Santiago y de su esposa, pero se sabe con certeza que fueron enterrados en el coro al pie de la reja. De ahí ha surgido la posibilidad de que esté enterrado bajo este Crucifijo el propio Juan de Juni. Se encuentra dentro de un arcosolio con dos pilastras sosteniendo el arco de medio punto, ornamentado en sus lados con serafines, conchas y cruces de Santiago y en el centro del arco un pelícano. El crucifijo representa a Cristo muerto con la cabeza sobre su hombro izquierdo, el vientre muy hundido por el dolor. El paño de pureza se encuentra dorado y con la forma del último período del escultor, por lo que se da como fecha de ejecución hacia 1572-73.


title: Juan de Juni

text: Para la capilla de la Piedad de la Catedral de Segovia, en los años 1570 realizó un retablo con el "Entierro de Cristo". Demuestra un clasicismo en la traza y un concepto escultórico mucho más reposado, de un Juni ya en plena madurez. El retablo carece de banco y tabernáculo. El grupo del "Entierro" en un gran altorrelieve está colocado dentro de un cuadrado central, a cuyos lados se encuentran dos intercolumnios corintios donde se hallan dos personajes con vestimenta militar y esculpidos de pleno bulto. Sobre el frontón del "Entierro" hay una pareja de angelotes desnudos que recuerdan a otros de Miguel Ángel. En la parte central del ático, dentro de un marco redondo, se encuentra un relieve del "Padre Eterno" sobre el cual se lee la fecha de 1571. Palomino lo describe:En el grupo del "Entierro", la Virgen ocupa el espacio central y avanza hacia delante, descansando un brazo de Cristo sobre la rodilla; ambos brazos los tiene abiertos en señal de dolor. Cristo en primer término está colocado casi horizontalmente y se cubre con un pequeño paño, pudiéndose apreciar la magnífica anatomía de su cuerpo. Como en el "Entierro de Cristo" de Valladolid, se encuentran en total siete personajes, San Juan que se halla detrás de la Virgen con muestras de dolor en el rostro, María Magdalena, que aguanta en una mano el frasco de perfume y con la otra sostiene el sudario; a su lado José de Arimatea, sentado, con los símbolos de la pasión, espinas, clavos y tenazas, al otro lado María Salomé que con una mano levanta su toca. Este es un recurso muy empleado en el clasicismo, y junto a ella Nicodemo, que sostiene el cuerpo de Cristo por medio del sudario. A pesar de lo dramático del tema las líneas empleadas son curvas y dulces; toda la escena está colocada sobre el fondo pintado que representa la ciudad de Jerusalén.La Cofradía de Nuestra Señora de las Angustias y Soledad procesiona La Virgen de las Angustias y un yacente, popularmente llamada "La Urna" también de dicho autor. Cristo flagelado de Juan de Juni en el Museo Lázaro Galdiano. Terracota policromada, 21,5 x 12 x 15 cm [inv. 2354]. Se considera uno de los modelos citados en el inventario redactado a la muerte del escultor: "112 piezas de barro todas modelos de su mano...". Bibliografía: Manuel Arias Martínez, "La literalidad de la copia. Sobre composiciones perdidas de Juan de Juni", Boletín Real Academia de Bellas Artes de la Purísima Concepción, 2009, pp. 27-29.


title: ETSI

text: ETSI son las iniciales de:


title: Guillermo Vilas

text: Guillermo Vilas (Buenos Aires, 17 de agosto de 1952) es un extenista profesional argentino.


title: Guillermo Vilas

text: Ganador de 62 torneos de ATP, 4 de los cuales fueron torneos de Grand Slam: triunfó en el Torneo de Roland Garros 1977, en el Abierto de Estados Unidos 1977, el Abierto de Australia 1978, y el Abierto de Australia 1979, además del Masters 1974 (hoy ATP World Tour Finals) y seis Grand Prix Championship (actualmente Masters 1000): Dos Masters de Montecarlo (1976 y 1982), dos Masters de Canadá (1974 y 1976), un Masters de Hamburgo (1978) y un Masters de Roma (1980). También alcanzó otras tres veces la final de Roland Garros, y una vez del Abierto de Australia. El único Grand Slam que no pudo ganar fue Wimbledon en el cual logró llegar a los cuartos de final en 1975 y 1976. Catalogado como el N.º1 y campeón mundial de 1977 por el entonces prestigioso ranking anual de "World Tennis", también finalizó como N.º1 del Grand Prix Tennis Circuit organizado por la FIT (predecesor del actual ATP Tour) en 1974, 1975 y 1977.


title: Guillermo Vilas

text: Es el tenista que posee el récord de mayor número de victorias en una sola temporada con 130 partidos ganados en 1977; además de poseer el récord de mayor cantidad de títulos ganados (16 títulos) en una sola temporada (1977). Además es el único tenista en tener el récord de mayor número de partidos ganados de forma consecutiva con 46 partidos y el único jugador en ganar torneos ATP en cuatro continentes Europa, América (América del Sur y del Norte), África, y Asia en un mismo año (1977). Es el quinto jugador en lograr la en el tour profesional, totalizando 951, solo detrás de Rafael Nadal, Jimmy Connors, Ivan Lendl y Roger Federer. Por último, es el jugador que más tiempo ha permanecido en el segundo puesto de la clasificación del ranking ATP, sin haber alcanzado nunca el primer escalafón, completando 83 semanas. Existen estadísticas que permitirían posicionarlo como N.º1 en 1975, pero esa controversia nunca se resolvió favorablemente para Vilas.


title: Guillermo Vilas

text: Se destacó generalmente por su capacidad de adaptación a todas las superficies, logrando popularizar el tenis en Argentina a punto tal que se habla de un antes y un después de Vilas. Es célebre también por haber creado y popularizado ""la Gran Willy"" que consiste en un golpe que se realiza golpeando la pelota por entre las piernas y de espaldas a la red.


title: Guillermo Vilas

text: En 1980 la Fundación Konex le otorgó el Premio Konex de Platino y un Diploma al Mérito. Luego en 1990 volvió a obtener el Konex, esta vez el Diploma al Mérito como uno de los 5 mejores tenistas de la década 1980-1989. Recibió tres Olimpias de oro (1974, 1975 y 1977) y en 2010 fue premiado con el Olimpia del Bicentenario como el mejor tenista argentino de la historia. En el año 2008 fue premiado por la Federación Internacional de Tenis y el Salón de la Fama del Tenis Internacional con el Premio de Excelencia de la Copa Davis. En 2011, según un polémico estudio realizado por el físico Filippo Radicchi de la Universidad Northwestern, quien analizó a todos los jugadores que disputaron al menos un partido profesional entre 1968 y 2010, posicionó a Vilas como el cuarto mejor tenista de esa etapa. En 2018 la revista estadounidense 'Tennis Magazine' ubicó a Vilas como el 16° mejor tenista masculino de los últimos 50 años, siendo el sudamericano mejor colocado en dicha lista.


title: Guillermo Vilas

text: En el año 1991 fue incorporado al International Tennis Hall of Fame.


title: Guillermo Vilas

text: Es hijo de Maruxa y José Roque Vilas, por lo que como cientos de miles de Argentinos, posee ascendencia gallega. Guillermo nació en la Ciudad de Buenos Aires en el Instituto del Diagnóstico y Tratamiento. Dos días después del nacimiento, los Vilas retornaron a su casa de la Avenida Colón en la ciudad de Mar del Plata, donde sus pequeños hijos Marcela y Guillermo transitaron su niñez y realizaron los estudios primarios y secundarios, en el Instituto Peralta Ramos. Fue un excelente alumno, destacándose sobre todo en Instrucción Cívica.


title: Guillermo Vilas

text: Su padre fue quien lo introdujo en el mundo del tenis cuando tenía solo cinco años. Su primera raqueta fue una "Sarina Children" que don Roque le regaló. Durante los fines de semana, mientras los mayores jugaban en las canchas de polvo de ladrillo del Club Náutico Mar del Plata, Guillermo se quedaba largas horas peloteando en el frontón.


title: Guillermo Vilas

text: A los once años comenzó a ser entrenado por el profesor Felipe Locicero, a quien don Roque le confió la carrera de su hijo. Las extensas jornadas de entrenamiento rindieron sus frutos en poco tiempo. En 1963, Guillermo ganó su primera medalla en el torneo interno del Club Náutico, siendo derrotado en la final. Ya para ese entonces comenzaba a popularizarse el dato de ""un pibe que juega muy bien al tenis"" entre los socios del Club Náutico.


title: Guillermo Vilas

text: Entre los doce y quince años fue sumando logros. Finalista del Campeonato Argentino de Infantiles, Campeón Argentino y Sudamericano de Menores en dobles. En 1967, y a raíz de los éxitos comenzó a viajar a Capital Federal para entrenar en el Buenos Aires Lawn Tennis y jugar Interclubes. Ese mismo año participó en el tradicional Orange Bowl, donde se consagró en dobles con el estadounidense Jeff Austin. En 1968 volvió a disputar el mismo torneo, pero a diferencia del año anterior en el que fue eliminado en Octavos, se impuso en la final ante el mexicano Emilio Montaño por 6-4 y 6-3. En 1969 repitió la conquista, derrotando al local Dick Stockton en el juego decisivo.


title: Guillermo Vilas

text: A los dieciocho años se convirtió en el número uno de Argentina.


title: Guillermo Vilas

text: Estos logros, sumados a la incursión en el circuito internacional de mayores, y el debut en la Copa Davis de 1970, le dieron un giro completo a su vida, puesto que dejó los estudios de abogacía para dedicarse de lleno al tenis.


title: Guillermo Vilas

text: Su primer certamen lo ganó en 1973 en su tierra natal, Buenos Aires, derrotando a Björn Borg, por abandono del sueco tras una caída. Borg fue siempre su ""sombra negra"", el rival más difícil y más motivante para Vilas, al cual siempre le pisó los talones pero nunca pudo superar (si bien ganó algunos partidos contra él). Fue también el jugador argentino con más partidos ganados en dobles del ATP Tour (récord de 16), hasta el año 2021 que fue superado por Horacio Zeballos.


title: Guillermo Vilas

text: Desde su época de jugador, solía hablar de música en las entrevistas y expresaba su fanatismo por Luis Alberto Spinetta. Luego de conocerlo, hacerse amigo (es el padrino de Dante Spinetta), y de que el músico le musicalizara unos poemas (otra gran pasión de Willy), Vilas utilizó sus influencias para que Spinetta grabara un disco en inglés en Estados Unidos (previa firma de un contrato con CBS de ese país) con la intención de que la carrera solista del ex Almendra lograra proyección internacional. El disco ""Only Love Can Sustain" (Solo el amor puede sostener)" fue grabado en 1978 y editado en 1980. No tuvo mucha repercusión pero entrega una joya: "“Children of the bells” (“Niños de las campanas”)", un poema con letra de Vilas. Pasarían 10 años hasta que Willy volviera a la música, esta vez con disco propio "Milnuevenoventa". Este trabajo vio la luz en el año que le da nombre, gracias al Sello ABR S.A propiedad de Bernardo Bergeret, uno de los dueños de la Z95 y el creador/ mánager de varios grupos como "Seducidas y Abandonadas", "Jazzy Mel" y "The Sacados" (el cantante Darío Moscatelli participó en el arreglo de un par de temas). En 1992 formó un grupo llamado Dr. Silva integrado además por dos exmiembros de Plus, un grupo de hard rock de los años 70 (el guitarrista Julio Sáez toca actualmente con el ""Indio"" Solari) con tendencia hard y rock and roll.


title: Guillermo Vilas

text: Vilas también es conocido por su faceta de poeta. En 1974 publicó el libro de poemas "125". En 1981 publicó "Cosecha de Cuatro". En 1976 publicó "Quién soy y cómo juego", una autobiografía donde menciona sus tácticas a la hora de jugar tenis.


title: Guillermo Vilas

text: En 2005 fue distinguido por el vicepresidente de la Nación, Daniel Scioli, con la Mención de Honor "Senador Domingo Faustino Sarmiento", en una ceremonia que se realizó en el Senado de la Nación. La mención de Honor Senador Domingo Faustino Sarmiento es una distinción que instauró el Senado de la Nación para reconocer y estimular a los argentinos emprendedores que se destacan en diversos campos. El acto se realizó en el Salón Azul del Senado y contó con la presencia de los senadores Celso Jaque y Mercedes Oviedo, presidenta de la Comisión de Salud y Deporte, y del diputado Antonio Rattín titular de la misma comisión en la Cámara baja. Al término de la ceremonia, Vilas reconoció que se trataba del "primer reconocimiento" oficial que recibía en su vida, y que "es muy importante" porque creyó que "nunca iba a llegar".


title: Guillermo Vilas

text: ""Uno se transforma en un embajador de su país, pero a veces se siente una gran soledad. Por eso agradezco al Senado, porque ha cumplido con algo que yo necesitaba"", destacó Vilas.


title: Guillermo Vilas

text: Es considerado todavía el mejor deportista de la ciudad de Mar del Plata, de acuerdo a la votación de periodistas especializados.


title: Guillermo Vilas

text: En noviembre de 1969 debutó en el circuito internacional de mayores, disputando el "Grand Prix de Buenos Aires" (sobre polvo de ladrillo), superando al sudafricano Frew McMillan por 7-5, 6-1 y 6-2.


title: Guillermo Vilas

text: En 1972 disputó su primera final, cayendo en Cincinnati (polvo de ladrillo) ante Connors por 6-3 y 6-3.


title: Guillermo Vilas

text: En 1973 se adjudicó el primer título de su carrera, derrotando en la definición de Buenos Aires (polvo de ladrillo), al sueco Björn Borg por 3-6, 6-7, 6-4, 6-6 y retiró por lesión.


title: Guillermo Vilas

text: El año 1974 marcó su gran proyección internacional. Destacadas actuaciones, incluyendo una maratónica semifinal perdida en Roma ante Björn Borg, y las victorias de los abiertos de Gstaad, Hilversum, Louisville, Toronto, Teherán y Buenos Aires, le posibilitaron adquirir una notoria consideración general, y lograr la mejor clasificación para disputar el "Masters de Australia". En el torneo que reunió a los mejores de la temporada jugó a un gran nivel, venció a John Newcombe por 6-4, y 7-6, y a Björn Borg por 7-5 y 6-1 en primera ronda. Ya en la final se impuso al rumano Ilie Năstase, ganador de las últimas tres ediciones, por 7-6, 6-2, 3-6 y 6-4. El triunfo de Vilas en aquel Masters, por la calidad de rivales a los que enfrentó, es considerado por muchos como el mayor de su carrera. Lo llamativo es que haya sido en césped, superficie en la que más incómodo se sentía. Tanto "World Tennis" como Bud Collins ubicaron a Vilas como el segundo mejor tenista de 1974 en sus respectivos rankings, detrás de Jimmy Connors.


title: Guillermo Vilas

text: En 1975 Vilas se consolida como una de las máximas figuras del tenis mundial: llegó a la primera final de un Grand Slam, el Roland Garros, donde fue derrotado por el sueco Björn Borg por 2-6, 3-6, 4-6. De ocho finales alcanzadas ese año, Vilas ganó cinco y perdió tres. Tuvo también la gran oportunidad de llegar a la final del US Open, pero semi lesionado en pleno partido, perdió una histórica semifinal ante Manuel Orantes en 5 sets luego de estar 5-0 en el cuarto y tener 4 puntos de partido a favor. El propio Orantes iba a recordar años después: "Con 5-0 y 40-15 en contra en el cuarto set, más de la mitad del estadio se había empezado a marchar. Decían: "Ya está, la final mañana será Connors contra Vilas". Y al día siguiente, cuando aparecí yo en la pista contra Connors, pillé por sorpresa a todo el mundo, incluido yo mismo".


title: Guillermo Vilas

text: Vilas ganó la temporada del Grand Prix al igual que en 1974, y finaizó como N.º2 del ranking ATP.


title: Guillermo Vilas

text: 1977 fue el gran año de su carrera. En enero pierde su segunda final en un torneo de Grand Slam ante el segundo preclasificado Roscoe Tanner, pero se desquitó el 5 de agosto en Roland Garros, al vapulear a Brian Gottfried por 6-0, 6-3 y 6-0 en lo que fue una de las finales más desparejas dentro de la historia del abierto francés. Jugó 31 torneos y ganó 16, récord absoluto en la era abierta (17 si se incluye el torneo de Rye, no reconocido por la ATP), con 130 victorias y solo 14 derrotas, logrando un altísimo 90,3% de efectividad. También estableció el récord de mayor cantidad de victorias consecutivas con 46 (50 si se tiene en cuenta el torneo de Rye), cayendo en la final de Aix En-Provence ante Illie Năstase, quien utilizó una raqueta de doble encordado, prohibida luego por la ATP; en tanto sobre canchas lentas, desde julio hasta septiembre del mismo año, se mantuvo invicto en 53 partidos, ganó siete títulos consecutivos -Kitzbuhel, Washington, Luisville, South Orange, Columbus, Abierto de los Estados Unidos (Connors en la final) y París, récord batido por Rafael Nadal 29 años después (la marca continúa vigente para una sola temporada; el español consiguió su récord a lo largo de tres años).


title: Guillermo Vilas

text: Por el polémico sistema de porcentajes que utilizaba en ese momento, Vilas terminó como N.º2 en el ranking ATP por debajo de Jimmy Connors (que ganó el masters y otros seis títulos siendo subcampeón en Wimbledon y el abierto de los EE.UU.). En contrapartida, fue el N°1 del Grand Prix por tercera vez, y la revista "World Tennis" (cuyo ranking anual era el más respetado desde 1953) le concedió el N.º1 del mundo, así como también la Agence France-Presse, entre otros rankings especializados de la época. En retrospectiva, un estudio publicado en febrero de 2011 en la revista PLoS ONE(volumen 6, N.º2) analizaron todos los registros de los partidos del año 1977 y llegaron a la conclusión de que Vilas fue el mejor jugador de ese año. Asimismo el portal thetennisbase.com , que realiza su "Ranking TB" con el mismo sistema de puntuación para todas las épocas, le reconoce 39 semanas como N.º1 entre 1977 y 1978.


title: Guillermo Vilas

text: Fue una temporada única e incomparable para Vilas, no obstante años más tarde hizo varias declaraciones respecto a dicho acontecimiento:


title: Guillermo Vilas

text: En 1978 y 1979 se adjudicó el Abierto de Australia. El único torneo de Grand Slam que no pudo ganar fue el tradicional y legendario Wimbledon, donde sus participaciones más destacadas se produjeron en 1975 y 1976, cuando en ambas ocasiones accedió a los Cuartos de Final.


title: Guillermo Vilas

text: En 1980, junto a José Luis Clerc y Carlos Gattiker obtuvo la "Copa Mundial por Equipos" (ex Copa de las Naciones). En la tercera edición del torneo, que se disputó entre el 5 y el 12 de mayo en Düsseldorf, Vilas logró imponerse a Ivan Lendl (6-2, 2-6 y 6-3), Rolf Gehring (6-2 y 6-0), Corrado Barazzutti (6-3 y 6-3), Björn Borg (6-3, 1-6 y 6-1), y nuevamente a Barazzutti (6-3 y 6-2) para consagrarse campeón invicto.


title: Guillermo Vilas

text: De la mano de Guillermo Vilas y José Luis Clerc, la Argentina jugó la primera final de su historia en la Copa Davis en 1981. La serie se jugó en Cincinnati, ante los Estados Unidos de América, que contaba con el liderazgo de John McEnroe, número uno del mundo, y "monstruos" como Jimmy Connors, Roscoe Tanner, y Peter Fleming.


title: Guillermo Vilas

text: En la primera jornada, McEnroe venció a Vilas 6-3, 6-2 y 6-2, pero Clerc le ganó a Roscoe Tanner  7-5, 6-3 y 8-6. Así, el dobles (Vilas y Clerc) pasó a ser clave ante la tremenda dupla norteamericana formada por McEnroe y Peter Fleming.


title: Guillermo Vilas

text: Vilas y Clerc eran, en ese momento, cuarto y quinto en el ranking mundial, pero su jerarquía tenía una contra muy grande: no se hablaban. La relación era pésima; eran dos egos enfrentados. Y durante la serie final no se dirigieron la palabra. Aun así, "Willy" y "Batata" dejaron afuera de la cancha sus problemas personales y estuvieron cerca de ganar, pero finalmente perdieron el dobles, después de casi seis horas de juego por 6-3, 4-6, 6-4, 4-6 y 11-9. En la tercera jornada de la serie, el sueño argentino terminó cuando Clerc cayó ante Mc Enroe por 7-5, 5-7, 6-3, 3-6 y 6-3. Ya no tenía sentido que Vilas juegue contra Roscoe Tanner, sin embargo "Willy" insistió en jugar igual, y el partido fue intensísimo, con Vilas y Tanner peleando denodadamente cada punto, hasta que el "umpire" resolvió suspenderlo luego de que llegaran a 11-10 en el primer set, en una inolvidable demostración de empuje, determinación y vergüenza deportiva de "Willy."


title: Guillermo Vilas

text: En 1982 realiza su última gran temporada a los 30 años de edad, llegando nuevamente a la final de Roland Garrós (derrota ante Mats Wilander) y a las semifinales del US Open (ante Connors). Derrota a Connors en las finales de Róterdam y Milán, y a Ivan Lendl en las de Montecarlo y Madrid. Obtiene siete torneos, finalizando el año como N.º4 del ranking ATP y N.º2 del Grand Prix.


title: Guillermo Vilas

text: Se retiró en 1989, y retornó brevemente en 1992, año en que solo jugó el Abierto de Atlanta y algunos torneos Challengers. Es considerado el mejor tenista de la historia del tenis argentino y unos de los cinco mejores deportistas argentinos del siglo XX, junto a Diego Armando Maradona en fútbol, Carlos Monzón en boxeo, Juan Manuel Fangio en automovilismo y Roberto De Vicenzo en golf.


title: Guillermo Vilas

text: Fue pionero de este deporte en su país, además de popularizar este deporte en Argentina. La prensa mundial lo bautizó como ""el joven toro de las pampas"". Su excelente estado físico, devenido de un entrenamiento obsesivo de hasta 18 horas diarias, y su agresividad de juego le hicieron ganar este mote. Fue uno de los primeros jugadores del circuito junto a Björn Borg en emplear constantemente los golpes con "topspin", que dan a la pelota un efecto que les permite pasar la red a mayor altura y dar un pique más alto. Este tipo de juego es el que más se emplea actualmente de parte de los jugadores de canchas lentas. Su creación, ""la Gran Willy"", sigue siendo utilizada ocasionalmente por parte de tenistas de primer nivel.


title: Guillermo Vilas

text: Ganó 62 títulos en su carrera, hecho que lo ubica 8° a nivel mundial e histórico, detrás de Jimmy Connors, Ivan Lendl, John McEnroe, Roger Federer, Rafael Nadal, Pete Sampras y Björn Borg. Es el jugador argentino con mayor cantidad de victorias totales en Copa Davis para el país (57). También es el dueño de otras marcas: más triunfos en singles (45), cantidad de series disputadas (29), más cantidad de años jugados (14) y el argentino más joven en disputar un partido de esta importante competencia (17 años y 215 días el día de su debut en 1970). En 1991 ingresó junto a Ashley Cooper e Ilie Năstase en el Salón Internacional de la Fama del tenis.


title: Guillermo Vilas

text: En Buenos Aires existe un club llamado "Vilas Club" en su honor. Allí se juega anualmente un torneo challenger válido por el circuito profesional.


title: Guillermo Vilas

text: También es el director del torneo de exhibición que se realiza en Buenos Aires en el mes de diciembre, denominado «Copa Argentina», organizado por el Grupo NOS y la A.A.T.. El certamen, que se juega sobre asfalto en el Buenos Aires Lawn Tennis Club, ha convocado durante más de una década a figuras del tenis moderno, entre ellos, a Carlos Moyá, David Nalbandian, Gastón Gaudio, Mardy Fish, Fernando González, Gael Monfils, Juan Mónaco, Marcos Baghdatis, Mariano Zabaleta, etc.


title: Guillermo Vilas

text: En 2012 se dedica a jugar en el circuito Senior de la ATP, esporádicamente, a impartir clases colectivas de tenis por todo el territorio argentino y además por varios países de América. Pasa gran parte del tiempo en su propio club, el “Vilas Tenis Club”, situado en la localidad de Palmanova, en Calviá (Islas Baleares). También un club de tenis lleva su nombre en Buenos Aires, en el barrio de Palermo, el "Club Vilas", que se encuentra a unos metros del Buenos Aires Lawn Tennis Club. Junto a José Luis Clerc realizó dos partidos de exhibición durante la visita de Roger Federer a Buenos Aires donde jugó 2 partidos con Juan Martín Del Potro en la localidad de Tigre.


title: Guillermo Vilas

text: Llamativamente nunca fue convocado como capitán de la Copa Davis, pese a resaltar varias veces que "está disponible" y estuvo alejado de los altos estamentos organizativos del deporte con quien se enfrentó duramente en su etapa de esplendor como jugador. Esas diferencias con los directivos de la Asociación Argentina de Tenis, que incluyeron, métodos de entrenamientos, reparto de premios, derechos de imagen, televisación, decisiones sobre capitanías, le han pasado factura y por ello, pese a ser el tenista argentino más importante de todos los tiempos no le han designado como capitán de Copa Davis, su único sueño todavía no cumplido. Pero ya en este siglo XXI colabora con el Gobierno de la Provincia de Buenos Aires dando numerosas clínicas de tenis para los niños, siendo una verdadero éxito de público cada una de sus presentaciones.


title: Guillermo Vilas

text: En 2012 y por iniciativa del periodista Eduardo Puppo, una estatua de Vilas engalana los jardines del Club Náutico de Mar del Plata, el lugar que le vio hacer sus primeros pasos en el deporte.


title: Guillermo Vilas

text: En 2020, a sus 67 años, fuentes familiares del mejor tenista argentino de la historia reconocieron que padece un “deterioro cognitivo” compatible con el Alzheimer, alternando momentos de lucidez con otros de desvarío. El ídolo pasa sus días en su residencia de Mónaco, contenido por sus familiares más cercanos (su esposa y sus hijos) y sin realizar apariciones públicas. Esta situación fue confirmada por José Luis Clerc en su participación como invitado al programa televisivo “Almorzando con Mirtha Legrand”, emitido por el Canal 13 de Buenos Aires el día domingo 22 de agosto de 2021. Guillermo Vilas y José Luis Clerc, dos de los máximos exponentes del tenis argentino de todos los tiempos, supieron tener enormes diferencias personales, pero el tiempo facilitó la reconciliación y hoy mantienen un vínculo de mutuo respeto. Clerc, al ser consultado por Juana Viale, la anfitriona en reemplazo de la conductora, sobre Vilas, se emocionó hasta las lágrimas y se le hizo un nudo en la garganta. Incluso, se tomó unos segundos para comenzar a hablar luego de un profundo suspiro. El ex tenista y actual comentarista de la señal ESPN se conmovió al hablar del deterioro cognitivo que sufre su amigo.


title: Guillermo Vilas

text: Si bien Vilas ganó el Grand Prix y 16 torneos en 1977, incluyendo Roland Garros y el US Open, nunca llegó al N.º1 del ranking ATP durante ese año. Dicho ranking por entonces promediaba los puntos y torneos jugados, así fue que Vilas tuvo un promedio inferior al de Connors, quien obtuvo 897 puntos en 15 torneos. Connors promedió 59.80 contra 57.50 de Vilas, que obtuvo 1610 puntos en 28 torneos. No obstante, World Tennis lo reconoció como el Número 1 del año, así también como el Salón de la Fama Internacional del Tenis dice en su página sobre Vilas en 1977 que fue "comúnmente considerado como el real Número 1".


title: Guillermo Vilas

text: A fines de 2014 el periodista argentino Eduardo Puppo junto al matemático rumano Marian Ciulpan entregaron un detallado informe con más de 1200 hojas sobre el período 1973-78, en el que se llega a la conclusión de que el tenista argentino tenía los puntos y el promedio necesarios para ser el Número 1 del viejo ranking ATP durante 5 semanas en 1975 y 2 más en 1976. Dicha investigación no fue desmentida por la ATP, pero no se le oficializó el Número 1 con el argumento de que fue en un intervalo en el cual el ranking no había sido publicado.


title: Guillermo Vilas

text: La controversia fue reflejada en el documental , el cual fue estrenado por Netflix en 2020 con críticas positivas por parte del público.


title: Guillermo Vilas

text: Vilas fue reconocido en innumerables ocasiones por su exitosa trayectoria deportiva. Entre 1998 y 2001 tuvo un museo dedicado a su vida en la ciudad de Mar del Plata. En 2008, fue homenajeado además durante el 80º aniversario del estadio Roland Garros. En Argentina, algunas de las raquetas que utilizó en partidos emblemáticos de su carrera se encuentran exhibidos en el museo deportivo Templo del Otro Partido.


title: Guillermo Vilas

text: En el marco del centenario de la AAT, previsto para septiembre de 2021, la institución anunció en junio de 2020 su intención de "“completar los reconocimientos”" al jugador más destacado en la historia del país, por lo que lo reconoció como "capitán argentino honorario de Copa Davis" y embajador mundial del tenis argentino. La iniciativa fue impulsada por el periodista deportivo Eduardo Puppo, y se aprobó por Consejo Directivo en julio de 2018, pero el anuncio se demoró esperando concretar una visita de Guillermo al país para celebrar los nombramientos en su presencia. Vilas no pudo asistir, primero por su delicada salud y luego por la pandemia de coronavirus. "“Lo acepto y agradezco, no importa si llega tarde o temprano en mi vida, lo que importa es que se acuerden. Siempre traté de comportarme bien mientras representaba al país, haciendo lo mío o por la Copa Davis, una competencia que amé. No son las ironías del destino, para mí es más que simbólico y lo valoro por el respeto con el que me otorgan estas distinciones”", dijo a la distancia el tenista.


title: Guillermo Vilas

text: 2021 Nace el Espacio Vilas


title: Guillermo Vilas

text: El 10 de diciembre de 2021 se inaugura el Espacio Vilas en el Club Náutico Mar del Plata. El lugar que lo vio nacer profesionalmente junto a Eduardo Puppo rinden homenaje al mejor tenista argentino de todos los tiempos con una muestra permanente de los objetos más icónicos de su carrera. El único espacio en el Mundo que expone material de carácter invaluable, historias y fotografías que testimonian y celebran al maestro Guillermo Vilas.


title: Sal Buscema

text: Sal Buscema, también conocido como Our Pal Sal entre los trabajadores de la Marvel Comics, es un historietista estadounidense que ha trabajado sobre todo en Marvel Comics. Buscema empezó su carrera a mediados de la década de 1960 pasando a tinta los dibujos a lápiz de su hermano John Buscema; durante 30 años fue uno de los artistas más prolíficos de la compañía. Sería más corto dar los nombres de los títulos en los que "no" ha trabajado, pero es particularmente conocido por sus temporadas de Capitán América (con el guionista Steve Englehart), Hulk (con los guionistas Len Wein, Roger Stern y Bill Mantlo), Los Defensores (con Wein y Steve Gerber), Thor (con Walter Simonson) y Spider-Man (con Gerry Conway y J.M. DeMatteis). Fue el dibujante y entintador principal de una serie de más de 100 números del 'Spectacular Spider-Man' entre 1988 y 1996.


title: Sal Buscema

text: Desde finales de la década de 1970 solía pasar a tinta sus propios trabajos. A principios de la década de 1990 volvió a trabajar de entintador de una serie de Los 4 Fantásticos dibujada por su hermano John y con guion de Englehart.


title: Sal Buscema

text: Se retiró parcialmente hacia mediados de los años 1990. Recientemente ha entintado los dibujos de Ronz Frenz en la serie 'The Amazing Spider-Girl' desde el número 19 hasta la fecha, trabajando con el guionista Tom DeFalco. Este título está al borde de la cancelación, cosa que solo se ha evitado por la calidad del trabajo.


title: Ilitía

text: En la mitología griega, Ilitía (en griego, Εἰλείθυια "Eileithyia") era la diosa de los nacimientos, los dolores del parto y las comadronas. Hija de Zeus y Hera, en la cueva de Amnisos (Creta) se relacionó con el nacimiento anual del niño divino, y su culto está conectado con Enesidaon (el agitador de la tierra), que era el aspecto ctónico del dios Poseidón. Es posible que su culto esté relacionado con el culto a Eleusis.


title: Ilitía

text: Posiblemente de origen minoico, aparece documentada en las tablillas micénicas en lineal B ("E-re-u-ti-ja"). Hesíodo la describió como hija de Zeus y Hera, con lo que estuvieron de acuerdo Apolodoro y Diodoro Sículo. Sin embargo, Pausanias citaba otra fuente antigua, hoy perdida: «El licio Olén, un antiguo poeta, que compuso para los delios, entre otros himnos, uno dedicado a Ilitía, la describía como “la hábil giradora”, identificándola claramente con el destino, y la hacía más antigua que Crono.»


title: Ilitía

text: Píndaro, un mitógrafo meticulosamente exacto, decía: «Diosa de los nacimientos, Ilitía, criada del trono de la profundas Moiras, hija de la omnipotente Hera, oye mi canción.»


title: Ilitía

text: Para los griegos clásicos, «está estrechamente relacionada con Artemisa y Hera», afirma Burkert, «pero no desarrolla carácter propio alguno.» En el himno órfico a "Prothyraia", la relación de una diosa de los nacimientos como un epíteto de la virginal Artemisa, haciendo a la mortífera cazadora también «la que viene en ayuda de las mujeres en el parto», sería inexplicable en términos puramente olímpicos:


title: Ilitía

text: Así Claudio Eliano se refería en el siglo III a. C. a «Diana Lucina».


title: Ilitía

text: En la "Ilíada", Homero representa a Ilitía sola, o a veces multiplicada como Ειλειθυιαι "Eileithyiai": «La aguda pena del dolor baja sobre la mujer de parto, la amargura que las duras ilitías traen, las hijas de Hera, que ejercen el poder de los amargos dolores de parto.»


title: Ilitía

text: Los pintores de vasijas que ilustraban el nacimiento de Atenea de la cabeza de Zeus mostraban a veces a dos Ilitías ayudando, con sus manos alzadas en un gesto de epifanía.


title: Ilitía

text: Según el tercer himno homérico a Apolo Delio, Hera retuvo a Ilitía, que venía desde la Hiperbórea en el lejano norte, para evitar que Leto pudiese alumbrar a Artemisa y Apolo, pues el padre de ambos era Zeus. Las demás diosas presentes en el nacimiento en Delos enviaron a Iris para que la trajese. En cuanto Ilitía puso pie en la isla, nacieron los dioses.


title: Ilitía

text: Ayudó a Hera, sin embargo, en el nacimiento de Heracles, sentándose con las piernas cruzadas a las puertas de la habitación de Alcmena, para así retrasarlo y que naciera antes su primo Euristeo. La criada de Alcmena, Galantis, se dio cuenta del poder que estaba ejerciendo Ilitía y gritó fingiendo que ya había nacido el bebé, provocando que la diosa se levantara. Al descubrir el engaño, Ilitía la transformó en comadreja. Se cuenta que Hécate se compadeció de ella y se la llevó como su animal sagrado.


title: Ilitía

text: La cueva de Ilitía cerca de Amniso, en la bahía de Cnosos, que se nombra en la "Odisea" en relación con su culto, era considerada su lugar de nacimiento. Tenía estalactitas alusivas al doble papel de la diosa, de traer el parto y retrasarlo, y se han hallado ofrendas votivas a ellas. En ella fue adorada probablemente antes de que Zeus llegase al Egeo y con toda seguridad en época minoica-micénica. La diosa es mencionada como "E-re-u-ti-ja" en un fragmento en lineal B de Cnosos.


title: Ilitía

text: En la época clásica tenía altares a ella consagrados en varias ciudades de Creta (donde fue especialmente adorada), como Lato y Eleuterna, y se cree que se le consagraban cuevas (como la de Inatos), quizá en alusión al canal de los nacimientos. En el continente griego, Pausanias vio en el siglo II d. C., en Olimpia, un arcaico altar con un sótano interior consagrado al salvador-serpiente de la ciudad ("Sosipolis") y a Ilitía, en el que una sacerdotisa virgen cuidaba de una serpiente a la que alimentaba con agua y pasteles de cebada y miel. El altar conmemoraba la aparición de una anciana con un bebé en brazos, en un momento crucial en el que los habitantes de Elis estaban amenazados por los arcadios. El niño, al ser dejado en el suelo entre las fuerzas contendientes, se transformó en una serpiente, echando a volar y haciendo huir a los arcadios antes de desaparecer en la colina. Había antiguos iconos de Ilitía en Atenas, y uno de ellos fue traído de Creta, según contaba Pausanias, quien también mencionaba altares a ella consagrados en Tenea y Argos, siendo el de Egio extremadamente importante.


title: Ilitía

text: Junto con Artemisa y Perséfone, a menudo se mostraba a Ilitía portando antorchas para sacar a los niños de la oscuridad hasta la luz. De hecho, su equivalente en la mitología romana respecto a la ayuda en el parto es Lucina (‘de la luz’). En los altares griegos, pequeñas figuritas votivas de terracota ("kourotrophos") representaban a una inmortal niñera que cuidaba de los infantes divinos, personaje que puede estar relacionado con Ilitía.


title: Sesshōmaru

text: "Sessho" en japonés significa "asesinato"; mientras que "Maru" es un sufijo que se agregaba antiguamente a las palabras para indicar que se estaban utilizando en calidad de sustantivos propios sin alterar su significado original.


title: Sesshōmaru

text: Sesshōmaru ha sido catalogado como un personaje muy apuesto, por su cabello largo, piel blanca y de apariencia suave, sin mencionar sus garras que son en extremo filosas y algunos detalles como su luna de color azul morado y las franjas de color violeta en sus mejillas y sobre sus ojos que en realidad son rasgos permanentes de su piel. Su verdadera forma de demonio es de un perro blanco gigante, llamado Yako, aunque es muy extraño que tome esta forma, ya que en ella libera todo su poder y no encuentra según su opinión alguien digno de una batalla en serio.


title: Sesshōmaru

text: Sesshōmaru lleva un kimono masculino blanco, sobre el cual lleva una armadura de acero con púas, lleva un obi de color amarillo en la cintura en el que porta a Tenseiga, a Tōkijin (antes de ser destruida) y a Bakusaiga; sobre el hombro derecho lleva su "estola" de color blanco (Mokomoko) que es parte de su cuerpo pero no es la cola, como se llegó a pensar. Su función llega a parecerse a la de un escudo.


title: Sesshōmaru

text: Sesshōmaru es un poderoso demonio (daiyōkai, literalmente gran yōkai). Frecuentemente aparece distante e indiferente y raras veces muestra alguna emoción más allá de un pequeño disgusto o insatisfacción. Se considera a sí mismo como un ser superior y es cruel con las demás personas, a pesar de que se muestra protector ante sus seguidores. No le preocupan mucho los demás y piensa en los humanos como simples mortales, en ocasiones repugnantes y sin importancia. Desea convertirse en un ser aún más fuerte de lo que es, aunque ya es bastante fuerte, incluso mucho más que Naraku, el villano principal de la historia. Cree que la lucha es el único modo de supervivencia y desprecia a su medio hermano Inuyasha por ser mitad humano y mitad bestia además que por culpa de su madre humana Izayoi su padre muere tratando de salvarla, lo que lo convierte en un ser débil igual que los humanos. Inuyasha posee la poderosa "Tessaiga" (traducido al castellano como "Colmillo de acero"), una espada hecha con uno de los colmillos de su padre que puede eliminar a 1000 demonios con un movimiento y tiene la habilidad de ser modificada al bañarla con la sangre de sus enemigos (como se ve en varios capítulos) es así que obtiene técnicas como "Bakuryuha" y el "Meido Zangetzuha".


title: Sesshōmaru

text: Aunque Sesshōmaru posee a "Tenseiga" (traducido al castellano como "Colmillo sagrado"), otra espada hecha con uno de los colmillos de su padre, la cual es capaz de regresarle la vida a 1000 personas de un simple movimiento y abrir la puerta al inframundo con una sola blandidura, esta arma es incapaz de herir al oponente en batalla por lo que Sesshōmaru la desprecia. Eventualmente Sesshōmaru utilizó el poder de "Tenseiga" para revivir la cabeza de Goshinki para que Kaijinbo pudiese forjar la malvada espada "Tōkijin" con sus colmillos. "Tokijin" es una espada capaz de matar, con más poder aún que la propia "Tessaiga" de su hermano y por su inmenso poder solo es controlable por el propio "Sesshōmaru" aunque en una pelea contra Moryomaru" Tokijin" se rompe"."


title: Sesshōmaru

text: Después Sesshomaru obtiene una nueva espada llamada Bakusaiga, que recobró junto a su brazo izquierdo perdido anteriormente en batalla contra Inuyasha.


title: Sesshōmaru

text: Al principio de la serie Sesshōmaru busca la "Tessaiga", ya que su padre, un demonio perro de gran tamaño, la ocultó bien de ambos hermanos por algún tiempo y le puso una barrera mágica que rechaza a cualquier ser maligno que la sostenga. Por tal razón Sesshōmaru es incapaz de utilizar el arma. Sin embargo, incluso sabiendo que no la puede tocar, Sesshōmaru aún deseaba arrebatársela a Inuyasha, porque siente que un ser que es solo mitad demonio no merece poseerla. Por esta razón Sesshōmaru se enfrenta contra Inuyasha en la tumba de su padre; cuando este es capaz de transformar la espada por primera vez, logra cortarle el brazo izquierdo a Sesshōmaru. Después de que Sesshōmaru obtuvo la espada "Tokijin", parece haber perdido interés en "Tessaiga".


title: Sesshōmaru

text: Sesshōmaru es acompañado por un pequeño demonio llamado Jaken y más tarde por una pequeña niña llamada Rin (en Latinoamérica se le dio el nombre de Lin), quien por reciprocidad fue devuelta a la vida por Sesshōmaru, utilizando a "Tenseiga". Se cree que Sesshōmaru podría haber salvado a Rin porque le proporcionó comida y agua cuando él se recuperaba de una pelea con Inuyasha, poco tiempo después de haber perdido el brazo, aun cuando él rechazó los alimentos se notaba que se empezó a preocupar por ella (como se nota en algunos episodios).


title: Sesshōmaru

text: También lo sigue un dragón de dos cabezas llamado Ah-Un (阿吽) que frecuentemente carga a Rin. Aun así, Sesshōmaru siempre ha discutido las opiniones sobre su apego a Rin, alegando que solo la resucitó como un experimento para saber las capacidades de su espada, que es ella la que lo sigue y que sus desquites contra quien le haga daño son solo para castigar el atrevimiento de acercarse tanto a él con malas intenciones. Pero a partir del episodio 466 al 471 del manga donde Sesshomaru va al inframundo, el demuestra lo mucho que se preocupa por Rin.


title: Sesshōmaru

text: Aunque Sesshōmaru mantiene una actitud fría, con la que no parece preocuparse por lo que pase, el hecho de que mantenga a Rin cerca de él es prueba de su creciente compasión. No solo tolera a una humana, sino que la salva siempre que su vida corre peligro. Más tarde en la serie Naraku usa a Kagura para secuestrar a Rin en un plan para apoderarse de los poderes de Sesshōmaru. Este plan falló y cuando Naraku intentó escapar, Sesshōmaru, enfurecido, intentó ir tras él, pero al escuchar que la vida de Rin peligraba, lo dejó escapar y rescató a Rin.


title: Sesshōmaru

text: Cuando se dirigía al monte de las animas (Mt. Hakurei) Sesshōmaru salva a Kagome, Miroku y Sango de Mukotsu, un miembro del Shichinintai (七人隊), que utiliza venenos, sin embargo Sesshōmaru solo declaró ""Yo solo eliminé a alguien que se interpuso en mi camino"".


title: Sesshōmaru

text: En los capítulos finales de la serie de anime, se revela que existía una mujer que amó a Sesshōmaru, Sara (la cual no existe en el manga). Ella permitió que cientos de demonios poseyeran su cuerpo para robar la Tessaiga de Inuyasha, ya que creía que la espada era el deseo de Sesshōmaru. Más tarde se dio cuenta de su error, pero los demonios no la dejarían libre y Sesshōmaru utilizando la Tessaiga realizó un viento cortante (Kaze no Kizu) y liberó a Sara de los demonios y luego citó: ""Siéntete libre de seguir tocando tu flauta en la otra vida"".


title: Sesshōmaru

text: Es importante mencionar que en posteriores capítulos de la serie, Kagura, creación de Naraku, parece estar enamorada de él pero bajo las circunstancias ella es eliminada por el propio Naraku al ayudar a Kohaku, hermano menor de Sango. Kagura, a pesar de ser condenada a un inmenso dolor y agonía en el final de su vida, es visitada por Sesshōmaru en su lecho de muerte, quien intenta salvarla con "Tenseiga", lo que le resulta imposible debido al "shōki" que Naraku le había aplicado, y a que Kagura, al provenir de Naraku, no era humana, sino Yōkai. Sin embargo, al momento de desvanecerse y revelar su verdadera naturaleza (una ráfaga de aire y una pluma blanca), Kagura le sonríe con completa sinceridad (y en su mente dice que se siente feliz por verlo una vez más).


title: Sesshōmaru

text: Poco después es visitado por Tōtōsai, herrero creador de Tenseiga y Tessaiga, quien le dice que la espada ha notado cómo "algo" ha cambiado en su interior, la compasión hacia los demás. Y que la propia espada, solo utilizada para acciones buenas, indicaba que ya era hora de convertirse en un arma verdaderamente mortífera.


title: Sesshōmaru

text: Sesshōmaru nunca admite en público que se preocupa por Rin o por Jaken, pero si lo hace en sus pensamientos, y utiliza a Tenseiga para defender "lo que le importa" de manos de Sounga en donde ambos hermanos solo pueden lograr el poder necesario para derrotar a su enemigo uniendo fuerzas y poderes. Cuando la Sounga tiene a InuYasha bajo su control y comienzan masacres, Sesshōmaru trata de correr y salvar a Rin y Jaken antes que InuYasha los cortara, aunque es Kagome la que los salva cuando ella grita a InuYasha ""abajo"". De igual manera se puede observar que durante la batalla final Sounga ataca a Inuyasha y Sesshōmaru, en un acto inconsciente, se arroja sobre él recibiendo el ataque en vez de su hermano.


title: Sesshōmaru

text: Más adelante, (cap. 469 - 471 del manga) cuando Rin muere tras caer en el Infierno, Sesshōmaru entra allí con el propósito de rescatarla y luego, al enterarse de que no puede revivirla otra vez (Tenseiga tiene el poder para revivir a un humano solo una vez), se siente devastado, sus facciones se llenan de ira y dolor (algo muy raro, ya que siempre tiene una expresión de calma). Se da cuenta entonces de que su interés por aumentar el poder de Tenseiga es lo que llevó a ambos al infierno y mató a Rin, por lo que tira su espada a un costado, diciendo que si para aumentar el poder de tenseiga Rin tenía que moría, no la quería a su lado pues nada valía más que la vida de Rin.Tras ver estos acontecimientos, la madre de Sesshōmaru, quien guiaba a su hijo en su búsqueda, pregunta a Jaken si su hijo está triste, a lo que él responde que sí, y que Sesshomaru por su naturaleza no podía llorar, así que él tenía que derramar lágrimas por Sesshōmaru, ya que su posición no se lo permitía. Su madre entonces dice que hará algo por vez única y logra volver a Rin a la vida. Cuando Rin despierta, Sesshōmaru acaricia su rostro, mostrándose completamente feliz al ver a la humana despierta, mientras su madre comenta que se ha transformado como su padre, en el modo más "extraño", implicando su amor por una humana.


title: Sesshōmaru

text: En uno de los últimos capítulos del manga (capítulo 518, volumen 52), Sesshōmaru recupera su brazo izquierdo al crear de su propia fuerza una espada (ya que Tenseiga es una herencia de su padre) a la que llama "Bakusaiga", la cual residía en su interior, y no aparecería hasta que se olvidara de Colmillo De Acero. De esta forma, supera a su padre.


title: Sesshōmaru

text: En el capítulo final de Inuyasha (cap. 558 y final; ""Mañana"") Sesshōmaru, a pesar de su nueva compasión, esta visiblemente enojado al ser llamado ""Cuñado"" por parte de Kagome, a pesar de ello, cuando Jaken le sugiere matar a aquella niña que se atrevía a llamarlo así (como una falta de respeto) Sesshomaru solo le dice: cállate o te mato. Dejando claro que le da igual. Además se sabe que Rin ha sido dejada bajo la custodia de Kaede, según Inuyasha, para practicar con los humanos o lo que Rin elija; Inuyasha menciona que cuando llegue el momento, Rin elegirá si se va con Sesshomaru o se queda en la aldea; mientras Sesshōmaru la visita llevando con el algún presente para ella, lo cual indica que sigue estando pendiente de su cuidado.


title: Enrique III de Meissen

text: Enrique III el Ilustre (), Meissen? 1215? - Dresde, 15 de febrero de 1288) tuvo los siguientes títulos:Su padres fueron "Dietrich" III el Asediado y Jutta de Turingia (hija del landgrave Hermann I de Turingia). Estuvo casado con Constanza de Austria (con la que tuvo a Alberto II de Meissen), Inés de Bohemia e Isabel von Maltitz (con quien tuvo a Friedrich Clemm, Hermann).


title: Enrique III de Meissen

text: Fue el hijo más pequeño de Dietrich III de Meissen, que sucedió a su padre en 1221 a los 6 años. Amante de la música, fueron famosos en toda Europa los torneos de juglares ("Minnesinger") que él mismo organizaba y en los cuales incluso participaba, ya que fue trovador en su juventud. Fue un gran promotor de la cultura en sus dominios y también fomentó la fundación de nuevas ciudades en la marca.


title: Enrique III de Meissen

text: Tomó partido por el emperador Federico II Hohenstaufen en sus luchas contra el Papa, durante el periodo de anarquía con el emperador fuera de Alemania. Sin embargo, su tío materno Enrique Raspe fue nombrado rey con apoyo del Papa. La muerte en la batalla de Enrique Raspe, el último de los Ludowinger, en 1247 le permitió adquirir Turingia para la casa de Wettin, así como el condado palatino de Sajonia.


title: Enrique III de Meissen

text: A lo largo de su prolongado reinado aumentó en gran medida los territorios Wettin: en 1243 había añadido el territorio de Pleissnerland con las ciudades de Altenburgo, Zwickau y Chemnitz que recibió como dote por la boda de su hijo Alberto II de Meissen con Margarita de Hohenstaufen, hija del emperador Federico II; en 1249 obtuvo la jurisdicción sobre Weissenfels y en 1263 sobre Leipzig. No obstante, fue repartiendo sus posesiones entre sus hijos antes de morir. Para Alberto II de Meissen el Landgraviato de Turingia, a Dietrich le hizo margrave de Landsberg, a Federico Clemm le dio territorios en torno a Dresde.


title: Abbeyleix

text: Abbeyleix o Abbeylaois ("Mainistir Laoise" en irlandés) es una ciudad del Condado de Laois en Irlanda, que está a unos 14 km de Port Laoise. Está situada en la carretera N8.


title: Abbeyleix

text: Abbeyleix es una población histórica. Fue fundada en el siglo XVIII como una ciudad estado por el Vizconde De Vesci y está situada cerca de un monasterio de la orden del Císter del siglo XII junto al río Nore. Hoy en día, hay una gran cantidad de estructuras históricas que aún están en pie alrededor de la ciudad - antiguas fortalezas en anillo, cementerios, construcción monásticas tempranas, castillos de estilo normanda y medievales, iglesias y casas coloniales. La ciudad tuvo una importante fábrica de alfombras, que produjo algunas de las alfombras usadas en el Titanic.


title: Aguadulce (Sevilla)

text: Aguadulce es un municipio español de la provincia de Sevilla, Andalucía.


title: Aguadulce (Sevilla)

text: El pueblo es fronterizo con los términos municipales de Osuna al oeste donde el río Blanco hace de frontera entre las dos localidades, al Este son los municipios de Gilena y Estepa los que determinan el espacio geográfico de Aguadulce.


title: Aguadulce (Sevilla)

text: Ocupa los terrenos que descienden desde las Sierras de Estepa y Yeguas, al este de la provincia, con una altitud de 265 metros sobre el nivel del mar y a casi 97 kilómetros de la capital provincial. Conforman el municipio tres entidades de población, ya que al núcleo principal, se añaden los caseríos del Cortijo del Marqués y la Huerta del Colegio.


title: Aguadulce (Sevilla)

text: Las alturas más importantes del municipio son el "Cerro Real" al Noreste con 300m, "Las Porqueras" al Sureste con 306m, "Rompesquinas" al sur con 300m, y "La Molina" al norte con 296m.


title: Aguadulce (Sevilla)

text: La población de Aguadulce ha variado considerablemente a lo largo de los años. Pasó de apenas 100 habitantes en el año 1750 a 1000 habitantes un siglo más tarde. De 1850 a 1940 se produce el crecimiento demográfico más amplio, hasta alcanzar los 3500 habitantes, máximo histórico poblacional. Será la Guerra Civil y la posguerra, la que propiciara que numerosas familias marcharan a regiones extranjeras, principalmente a Francia y Alemania, o a otras zonas españolas más prósperas, como Valencia y Barcelona. Comienza así un notable desplome poblacional que solo en la actualidad se está recuperando, reflejando los últimos censos un leve movimiento al alza.


title: Aguadulce (Sevilla)

text: En el "Cerro Real" han sido encontradas algunas hachas de la Edad de Bronce, que se fechan en torno al año 2000 a. C. similares a otras del sureste de la península (Almería, Murcia, y regiones este de Granada). Seguramente son restos de un asentamiento en la colina.


title: Aguadulce (Sevilla)

text: Se especula con la posible relación entre estos asentamientos y la posterior cultura de Tartessos, como indican los restos tartésicos encontrados en la cercana Osuna, que hacen pensar que la sierra sur en general y Aguadulce en particular bien pudieron estar bajo la órbita de este reino. Tras la desintegración de Tartessos en torno al siglo VI a. C., víctimas del expansionismo cartaginés, serán los pueblos íberos y entre ellos los turdetanos (establecidos en el suroeste de la península entre los siglos VI a. C. al siglo II a. C.) los que recojan la herencia de este reino en la región andaluza.


title: Aguadulce (Sevilla)

text: En torno a los cortijos "Barra", "Puerta", "Zorzal", "Corito", "el Indiano", "la Carabinera", y "las Marcas", sitúa Fernández Guerra la "Marruca" turdetana, por los vestigios encontrados en esta zonas. Aguadulce debió poseer ya, una población prerromana.


title: Aguadulce (Sevilla)

text: Andalucía pronto quedó bajo la tutela de Roma, en la región denominada Bética, dividida a su vez en 4 distritos o "conventus", Hispalis, Gades, Corduba y Astigi (Écija]) distrito al cual pertenecía Aguadulce. Son numerosos los objetos de épocas romana encontrados en el término municipal de Aguadulce sobre todo en los aledaños de los cortijos "Zorzal", "las Marcas", "el Indiano", "la Carabinera", "los Molinos", remanentes de las villas romanas, así como en el "Cerro Real". Esta villas debieron depender de la antigua Ipora, ciudad hispanorromana. Se sabe que esta ciudad de dudosa localizacón, (pues bien podría estar también en la zona de Montoro, Córdoba) gracias a menciones de autores clásicos como Heródoto o Plinio el Viejo, así como obras como el "Itinerario Antonino" nos dan pistas sobre las ciudades de la zona. Los restos arqueológicos más importantes encontrados en Aguadulce son:


title: Aguadulce (Sevilla)

text: Un suceso histórico relevante en la zona fue la batalla de Munda, donde Julio César derrotó a los hijos de Pompeyo y decidió el ocaso de la República Romana. Algunas fuentes establecen el lugar del conflicto entre el llano existente entre las localidades del Rubio y la Lantejuela, lo que deja a Aguadulce, posible Ipora, como espectadora de primera fila de esta batalla celebrada el día 17 de marzo del año 47 a. C. y que puso fin a la guerra civil.


title: Aguadulce (Sevilla)

text: A partir del siglo III de nuestra era, con la crisis socioeconómica padecida por todo el imperio romano, en especial la parte occidental del mismo, tuvo lugar un decaimiento de la vida urbana. Tras la desaparición de Ipora, la zona se redujo a una pequeña agrupación de viviendas junto al arroyo, mantenidas por las huertas. Así permaneció Aguadulce tras la conquista de los visigodos y aún durante la época musulmana.


title: Aguadulce (Sevilla)

text: Tras la desaparición de Ipora a partir del siglo III con la crisis socioeconómica padecida por todo el imperio romano, y en especial en occidente, que trajo consigo el debilitamiento del sistema esclavista en que apoyaban la explotación agrícola las poblaciones de este tipo, quedaría una pequeñísima agrupación de viviendas junto al arroyo, mantenida por las huertas tal como permanecía en tiempos de los visigodos y aún durante el dominio árabe en cuya época tomo la denominación de Al-wad-ul que significa Río Bueno, relacionado con la bondad del agua de su ribera.


title: Aguadulce (Sevilla)

text: En esta situación de modesta aldea se hallaría cuando el rey Fernando III el Santo, con la toma definitiva de Estepa, en 1240 desplazó de la comarca a los árabes que ya no retornarían a esta tierra sino en dos ocasiones y de un modo provisional: en 1447 en el que el caudillo Aben Osmín se paseó por ella, y en 1642 en que repitieron la correría obligando a los habitantes de aldeas y casas de campo a correr precipitadamente a refugiarse tras los muros de Osuna y Estepa que no cayeron. Y a la villa de Estepa ligó Aguadulce su historia en lo fundamental, primero formando parte de una encomienda de Santiago, a raíz de la donación que en 1267 hizo el Rey Sabio a aquella orden militar, y después como lugar componente del estado marquesal de Estepa, desde que la princesa Juana de Portugal, en nombre de su hermano el rey Felipe II, vendiera en 1559 la antigua encomienda a Adán Centurión, noble asentista genovés.


title: Aguadulce (Sevilla)

text: Por este último año no pasaba Aguadulce de ser una pequeña agrupación de casas formada en torno a la frondosa huerta y junto al providencial arroyo, origen de ellas.


title: Aguadulce (Sevilla)

text: Con los primeros años del siglo XVII todas estas pequeñas entidades de población experimentaron un notable crecimiento, sucediéndose entonces las concesiones de solares de viviendas hechas por el cabildo estepeño. A esa época debe Aguadulce la construcción de gran parte del norte de la calle grande en su tramo principal o más antiguo, algunas de cuyas casas tienen escrituras que datan de 1615.


title: Aguadulce (Sevilla)

text: A estos años debe también el pueblo su despegar de cortijada a aldea, después de 150 años, en el tercer cuarto del siglo XVIII no tenía sino 33 casas aunque muy bien aprovechadas al dar albergue a 46 familias. Ya para aquel entonces había aparecido en la cartografía e incluido por el célebre geógrafo Tomás López en su Plano del Reino de Sevilla de 1761.


title: Aguadulce (Sevilla)

text: Luego en el siglo XIX vendría un vertiginoso crecimiento poblacional. En cuanto a la denominación del pueblo, el documento impreso más antiguo data del s XVII en el que aparece escrito Aguadulce y en ocasiones en femenino La Aguadulce, quizás en recuerdo de una antigua denominación aún superviviente en 1710 en que se nombra al lugar como Partido de las Aguas Dulces .