title: Prisciliano

text: En el año 396 se convoca un Concilio en Toledo, en el que los seguidores de Prisciliano abjuran de sus ideas y declaran "haber abandonado los errores de la secta", pero la constatación de la pervivencia de costumbres priscilianistas (consagración de la eucaristía con leche y uvas, ayuno, la presencia de clérigos con el pelo largo...) obliga a la celebración de un nuevo concilio en Toletum en el año 400. En este sínodo se asegura que once de los doce obispos de la Gallaecia eran priscilianistas. El único obispo no priscilianista era el de la diócesis de Bretoña, no galaica, sino británica. (Entre los siglos IV y V miles de celtas de la provincia romana de Britania bajo el mando del obispo Maeloc cruzan a Armórica, en la Galia, y a Gallaecia, fundando la provincia-obispado de Bretoña. Un par de siglos después será también un monje bretón, Pelagio, el que anuncie el descubrimiento de la tumba del apóstol Santiago). Las actas de ese concilio recogen el testimonio de abjuración de su herejía de Simposio, su hijo Dictinio y el presbítero Comasio. Los obispos Herenas, Donato, Acurio, Emilio y varios presbíteros rehusaron someterse, y repitieron en alta voz que Prisciliano había sido católico y mártir, perseguido por los obispos itacianos. El concilio excomulgó y depuso a los rebeldes, convictos de herejía.


title: Prisciliano

text: Tras la muerte de Máximo, Teodosio se proclama emperador de Oriente y Occidente; pero su muerte en 395 deja de nuevo el imperio dividido entre sus dos hijos. Al mayor, Arcadio, le corresponden los territorios orientales y al joven Honorio, con apenas once años, el imperio occidental, tutelado por Estilicón. El movimiento priscilianista se ha ido transformando en este tiempo, por fuerza de la persecución, en una sociedad secreta, que ejerce el suficiente poder en el noroeste peninsular para que el papa Inocencio I decrete la "Regula fidei contra omnes hereses, maxime contra Priscillianistas" en el año 404. Entre las filas del movimiento priscilianista algunos autores han incluido a Baquiario, un monje itinerante de finales del siglo IV, y a Egeria, autora de la primera crónica de viajes a la tierra santa del cristianismo escrita por una mujer.


title: Prisciliano

text: En el año 409 Honorio define su política decantándose en contra del movimiento priscilianista, condenando a sus seguidores a perder sus bienes y derechos civiles, y llega a imponer multas a los funcionarios civiles remisos a perseguir la herejía.


title: Prisciliano

text: Es el año en que los bárbaros se desbordarán por el imperio, y el priscilianismo sobrevivirá en el noroeste peninsular, sobre todo en el entorno rural, al amparo de la independencia política de Roma. A mediados del siglo V, santo Toribio, obispo de Astorga, se aplicó a arrebatar de manos de los fieles todos los libros priscilianistas y, comprendiendo que todavía este remedio era ineficaz, remitió al papa san León el Magno el "Communitorium", enumeración de los errores consignados en los libros apócrifos, y el "Libellus", donde refutaba el priscilianismo. San León aconsejó que se celebrara un concilio en Toledo, o un sínodo de obispos galaicos, si lo anterior fuese imposible por el estado de independencia política de Gallaecia respecto a Roma y el conflicto generalizado en la Península ibérica. Se convocó el sínodo de Aquis Caelenis (actual Caldas de Reyes), donde los heterodoxos, aún aparentando admitir la "Assertio fidei", perseveraron en sus doctrinas y prácticas, hasta mediado el siglo VI. Finalmente el primer Concilio de Braga (561) vuelve a hacer referencia al problema, condenándose en siete de sus diecisiete cánones las proposiciones priscilianistas.El segundo concilio de Braga, celebrado varios años después, aún refleja en sus actas alusiones a la secta, e incluso aparece una alusión en el IV concilio de Toledo (683), en el que se condena, como lacra "priscilianista", el «delirante pecado» de no cortarse el pelo de la clerecía gallega.


title: Prisciliano

text: Prisciliano fundó una escuela ascética, rigorista, de talante libertario, precursora del movimiento monacal, y opuesta a la creciente opulencia de la jerarquía eclesiástica imperante en el siglo IV. Los aspectos más polémicos, en cuestiones formales, son el nombramiento de «maestros» o «doctores» a laicos, la presencia de mujeres en las reuniones de lectura y su marcado carácter ascético.


title: Prisciliano

text: Durante muchos años, las doctrinas realmente defendidas por Prisciliano no fueron conocidas y solamente se sabía de ellas por los ataques y condenas de sus enemigos. Sin embargo, en 1885 el erudito Georg Schepss encontró en la biblioteca de la Universidad de Wurzburgo un códice de finales del siglo V, que reproduce once textos de Prisciliano o de los priscilianistas:Cuando Schepss examinó estos escritos priscilianistas, encontró que en gran parte sus puntos de vista estaban basados en Hilario de Poitiers, cuyo método alegórico de interpretación de la Biblia siguen y cuya doctrina y frases a veces reproducen. Schepss opinaba que Prisciliano fue la primera víctima de la inquisición española.


title: Prisciliano

text: El teólogo Friedrich Paret, por entonces profesor del Seminario Evangélico de Tübingen, publicó (en alemán) el libro "Prisciliano: un reformador en el siglo IV", en el cual considera que Prisciliano fue un precursor de la reforma protestante.


title: Prisciliano

text: Prisciliano intentó la reforma del clero a través del celibato y la pobreza voluntaria, y posteriormente amplió la reforma a todos los fieles. Abogó por la interpretación directa de los textos evangélicos, planteando el principio del libre examen. Exigió que la Iglesia volviera a unirse a los pobres. Enfatizó el estudio de los símbolos y la superación del literalismo en la interpretación de la Biblia.


title: Prisciliano

text: Sus reuniones, frecuentemente nocturnas, en bosques, cuevas o en "villae" alejadas de las ciudades, y con el baile como una parte importante de la liturgia, incluían tanto a hombres como a mujeres. Sustituyó la consagración oficial con pan y vino por leche y uvas, y también acogió a las mujeres y los esclavos en las sesiones de lectura de textos bíblicos (incluyendo apócrifos).


title: Prisciliano

text: Las fuentes principales que informan de la particular liturgia del priscilianismo son los cánones promulgados en los sucesivos concilios. En el concilio de Caesaraugusta de 380, por ejemplo, se hace referencia a costumbres indeseables como «mujeres que asisten a lecturas de la Biblia en casas de hombres con quienes no tienen parentesco; el ayuno dominical y la ausencia de las iglesias durante la cuaresma; la recepción de las especies eucarísticas en la iglesia sin consumirlas de inmediato; el apartamiento en celdas y retiros en las montañas; andar descalzos ("nudis pedibus incedere")».


title: Prisciliano

text: Menéndez y Pelayo dice de Prisciliano que: Además de los once textos descubiertos por Schepps, hay un libro de Prisciliano, conocido desde antiguo, publicado por el mismo Schepps como "Priscilliani in Pauli Apostoli Epistulas (Canones a Peregrino Episcopo emendati". Se trata de una compilación, de la cual se conocen gran número de códices porque en las antiguas Biblias españolas solían copiarse al frente de las epístolas de San Pablo, lo cual es un indicio del crédito y reputación que todavía tenían obras de Prisciliano, hasta siglos después de haber sido condenada su doctrina. Los Cánones que se conservan no son los genuinos de Prisciliano, sino otros editados y expurgados de acuerdo con la ortodoxia por un obispo de nombre Peregrino. Constituyen un tratado de polémica antimaniquea y una refutación sistemática y enérgica, del dualismo oriental. Los argumento son los de San Pablo y resultan en una enseñanza de la doctrina de la justificación mediante Cristo.


title: Prisciliano

text: Una característica de estos Cánones es el énfasis en la pobreza y pureza de la iglesia apostólica que el autor contrasta críticamente con la iglesia de su tiempo.


title: Prisciliano

text: Aunque los oponentes de Prisciliano hablaban de su movimiento herético como de "priscilianismo", tampoco fueron pocos los que lo consideraban una escuela gnóstica, ya sea implícita o explícitamente. Algunos le llamaron un basilideano, de las primeras corrientes de este pensamiento, mientras que otros se decantaron por acusarle de ser adepto del maniqueísmo, una religión asiática de similares tintes gnósticos. Según estos comentaristas, Prisciliano habría aprendido dichas doctrinas de parte de Ágape y Elpidio, aprendices del predicador Marcos de Menfis (a veces confundido con el Marcos de siglos anteriores que fuera discípulo de Valentín).


title: Prisciliano

text: La realidad de esta situación, sin embargo, es mucho más compleja, ya que no es fácil separar las aserciones genuinas de Prisciliano de las atribuidas a él por sus enemigos, ni de las que posteriormente hicieron distintos grupos que fueron etiquetados como priscilianistas. No obstante, aunque el mismo Prisciliano -en los textos existentes que se conservan de él- condenó siempre tales movimientos y negó ser otra cosa que un cristiano verdadero, la existencia de elementos comunes entre estos y sus creencias parece cierta, dando como resultado una ambigüedad patente.


title: Prisciliano

text: La doctrina de Prisciliano contiene un ascetismo tajante combinado con hábitos literarios libres, un marcado foco en la demonología, una cosmología relativamente dualista y un sorprendente interés por la integración de mujeres en su movimiento. Todas estas características eran propias de los maestros gnósticos, o al menos atribuidas a ellos en tono condenatorio por los autores cristianos. En sus textos, Prisciliano advierte de la influencia de siete demonios cósmicos llamados "...Saclas, Nebroel, Samael, Belzebuth, Nasbodeo y Belial", clara apropiación de los siete arcontes malignos del gnosticismo. Su cosmología posterior, que promulga que solo el camino ascético puede liberar al hombre de la existencia terrena dominada por los demonios y devolverlo a la inmanencia atemporal de Dios, tan solo profundiza las similitudes.


title: Prisciliano

text: Sin embargo, Prisciliano condena el docetismo y el sincretismo, posiciones favoritas de los gnósticos, y no demoniza completamente la creación del mundo material, lo que le aleja de ellos. También promulga la muerte y la condenación para todos los maniqueos, paganos, idólatras y hechiceros, contrastando con las propias acusaciones de magia (delito castigado por la ley romana) arrojadas contra él. En cambio, aunque no expresamente y puede que tampoco intencionalmente, la concepción priscilianista de Dios contiene ciertos tonos monarquianistas contrarios al dogma de la Santísima Trinidad.


title: Prisciliano

text: En suma, parece difícil, si no imposible, determinar el valor gnóstico del priscilianismo en comparación con su cariz cristiano. Lo que los principales autores modernos sí han logrado determinar, empero, es un claro interés por parte de los enemigos de Prisciliano de exagerar su religiosidad menos convencional con el fin de transformarle en un enemigo de la fe cristiana. Menéndez y Pelayo comenta de esto:


title: Prisciliano

text: Un himno tomado de un texto apócrifo, posiblemente gnóstico, era cantado por los priscilianistas y fue atribuido posteriormente al propio Prisciliano:


title: Prisciliano

text: En el año 813 un ermitaño de rito bretón llamado Pelagio comunica a Teodomiro, obispo de Iria Flavia, que en el bosque de su diócesis llamado Libredón se ven unas luces extrañas. El obispo referirá después al rey Alfonso II el Casto que buscando el origen de las luces halló un sepulcro, que no duda en atribuir inmediatamente al apóstol Santiago. La noticia se hace oficial con el papa León III.


title: Prisciliano

text: En el año 1900 el hagiógrafo Louis Duchesne publica en la revista de Toulouse "Annales du Midí" un artículo bajo el título « Saint Jacques en Galice» en el que sugiere que el que realmente está enterrado en Compostela es Prisciliano, basándose en el viaje que sus discípulos hicieron con los restos mortales del hereje hasta su tierra natal. Posteriormente Sánchez-Albornoz y Unamuno se hacen eco de esta hipótesis que ha pasado a convertirse en una hipótesis muy popular, alternativa a la tradición católica.


title: Prisciliano

text: Oponiéndose a esta teoría, Monseñor Guerra Campos indica la existencia de un lugar que podría ser el lugar de enterramiento de Prisciliano: Los Martores (en gallego, "Os Martores"), perteneciente a la parroquia de San Miguel de Valga, en la provincia española de Pontevedra. Ahí hay una ermita, dedicada a san Mamede, en cuyo interior han aparecido sarcófagos antropoideos tallados en piedra que bien pudieran pertenecer al siglo IV. La teoría de Guerra Campos se basa en la denominación popular con la que se conoció a los discípulos ajusticiados en Tréveris, hasta mucho tiempo después de su muerte: Los mártires (en gallego: "Os mártires", gallego dialectal "Os mártores"), siendo este el único topónimo de estas características en toda Galicia. Una última teoría, planteada por Celestino Fernández de la Vega, establece el posible lugar de enterramiento de Prisciliano en Santa Eulalia de Bóveda, localidad próxima a Lugo.


title: Prisciliano

text: Los intentos de relacionar la tumba de Compostela con Santiago el Apóstol siguen produciéndose. Otras obras de interés sobre Prisciliano, o que tratan el tema:


title: Christiaan Eijkman

text: Christiaan Eijkman (n. Nijkerk, 11 de agosto de 1858 - m. Utrecht, 5 de noviembre de 1930). Fisiólogo neerlandés. Es conocido por ser el descubridor de la importancia de las vitaminas en la dieta, identificando por primera vez la vitamina B1. Fue galardonado por sus trabajos con el .


title: Christiaan Eijkman

text: En 1875 empezó sus estudios de medicina en la Escuela Médica Militar de la Universidad de Ámsterdam, obteniendo la licenciatura y convirtiéndose en oficial médico militar. De 1879 a 1881, fue asistente de fisiología en dicha universidad. En 1883 se trasladó a Sumatra y, dos años más tarde, a Java, donde fue contagiado de paludismo, lo que hizo que regresara a Holanda. Ya en Europa, trabaja aspectos relacionados con la bacteriología con Robert Koch en la Universidad de Berlín.


title: Christiaan Eijkman

text: Durante su estancia en Java (de 1886 a 1897), descubrió que las gallinas alimentadas con arroz sin cáscara desarrollaban polineuritis (enfermedad similar al beriberi), en tanto que las que lo comían con cáscara permanecían sanas, llegando a la conclusión de que la enfermedad podía deberse a la falta de ciertas sustancias no conocidas, que más tarde serían llamadas vitaminas. Este trabajo de investigación, el primero de los realizados sobre las enfermedades por carencias en la dieta, llevó más tarde al descubrimiento de la vitamina B1 (tiamina).


title: Christiaan Eijkman

text: Por estos descubrimientos, fue galardonado en 1929 con el premio Nobel de Medicina, compartido con sir Frederick Gowland Hopkins.


title: Christiaan Eijkman

text: De regreso a su país, entre 1898 y 1928 fue profesor en la Universidad de Utrecht. Fue el primer presidente de la Sociedad Neerlandesa de Microbiología Médica y llevó a cabo su conocida prueba de fermentación, mediante la cual se puede determinar fácilmente si el agua ha sido contaminada por la defecación humana y animal mediante E. coli.


title: Escuadrones de la muerte (El Salvador)

text: Los escuadrones de la muerte fueron grupos paramilitares de extrema derecha conformados por militares, policías sin uniforme y civiles que ejecutaron acciones en contra de opositores políticos o sospechosos de ser opositores al gobierno y al sistema político vigente en El Salvador durante la guerra civil salvadoreña.


title: Escuadrones de la muerte (El Salvador)

text: Las investigaciones sobre las actividades de los Escuadrones de la Muerte hacen pensar que estas estructuras clandestinas comenzaron como apéndices de los servicios de inteligencia de los cuerpos de seguridad y la Fuerza Armada. El fallecido exmayor Roberto D'Aubuisson, fundador del partido político ARENA, fue acusado de liderar las actividad de estos grupos desde su puesto como director de ANSESAL (Agencia Nacional de Seguridad Salvadoreña). Las actividades de estos grupos se iniciaron a fines de la década de los años 1970s y su acción se generalizó durante la guerra civil de ese país centroamericano en la década de los 1980s y principios de los 1990s (1980-1992), cuando finalizó el conflicto militar con unos acuerdos de paz.


title: Escuadrones de la muerte (El Salvador)

text: La aplicación del método de grupos clandestinos, supuestamente alejados del gobierno y de las fuerzas militares del estado, para no tomar responsabilidad alguna sobre sus acciones, se desarrolló a partir de la estrategia de Estados Unidos para derrotar al movimiento social que era la base de la lucha de la guerrilla en tal período.


title: Escuadrones de la muerte (El Salvador)

text: Cada unidad militar del ejército y de la policía tenía bajo su cargo al menos un escuadrón que tomaba información de los organismos militares y ejecutaba acciones de asesinato, secuestro, extorsión, amenazas y todo tipo de delitos en contra de personas registradas como guerrilleros, sospechosos de apoyar la lucha contra el gobierno o simplemente denunciadas como tales por terceros interesados en causarles daños.


title: Escuadrones de la muerte (El Salvador)

text: Eventualmente cada jefe militar autorizaba la existencia de otros escuadrones de la muerte en su jurisdicción, a cargo de civiles con poder económico que asumían por completo su funcionamiento y existencia, siempre en coordinación con las fuerzas militares del territorio bajo control.


title: Escuadrones de la muerte (El Salvador)

text: Estos grupos "dormían de día y trabajaban de noche" desplazándose en su territorio sin mayor interferencia de las unidades militares o policiales que custodiaban el terreno, pues eran reconocidos como necesarios para hacer ese tipo de trabajo sucio de la guerra civil, a favor del gobiernos sus fuerzas militares y de los grupos sociales ínfimos que se beneficiaban de su existencia y funcionamiento.


title: Escuadrones de la muerte (El Salvador)

text: En palabras de la época del conflicto se trataba de "quitarle el agua al pez" como expresión que significaba quitarle base social a la guerrilla o a cualquier forma de oposición al gobierno y a sus fuerzas, por medio del terror y de acciones terroristas contra la población en general.


title: Escuadrones de la muerte (El Salvador)

text: El resultado de todo ello fue una enorme cantidad de asesinatos de opositores o sospechosos de serlo, sin identidad de sus autores o sin que persona alguna fuera llevada a juicio por los mismos.


title: Escuadrones de la muerte (El Salvador)

text: Se calcula que de esta forma fueron asesinados la mayoría de civiles víctimas de la época del conflicto, que significó unos 75.000 muertos en total. El arzobispo de San Salvador, Óscar Romero se contabiliza como una de sus víctimas.


title: Escuadrones de la muerte (El Salvador)

text: Se sospecha que algunos miembros de escuadrones de la muerte, eran financiados o sostenidos por contribuciones directas de personas con poder económico que los miraban como su protección personal en contra de sus opositores. Las contribuciones eran económicas, facilidades de transporte, infraestructura, coordinación con otros grupos similares y en general, de la protección e impunidad que les era necesaria para su actuación.


title: Escuadrones de la muerte (El Salvador)

text: Si bien los escuadrones de la muerte iniciaron sus acciones en términos de ejecución de una política de contra-insurgencia, teniendo como blanco de sus acciones a sectores populares, rápidamente derivaron hacia una serie de acciones de delincuencia pura y llegando inclusive a secuestrar a empresarios del país, exigiendo rescate para liberarlos.


title: Escuadrones de la muerte (El Salvador)

text: Estas acciones fueron el inicio del desmantelamiento, restricciones o mayor control de los escuadrones de la muerte, pues se habían vuelto un peligro contra sus eventuales financieros de manera directa y ponían en riesgo a aquellos protegidos por el gobierno y sus fuerzas en combate.


title: Mijaíl Glinka

text: Mijaíl Ivánovich Glinka (en ruso: Михаил Иванович Глинка; Novospásskoie, provincia de Smolensk, 1 de junio de 1804-Berlín, 15 de febrero de 1857) fue un compositor ruso, considerado el padre del nacionalismo musical ruso.


title: Mijaíl Glinka

text: Durante sus viajes visitó España, donde conoció y admiró la música popular española, de la cual utilizó el estilo de la jota en su obra "La jota aragonesa". "Recuerdos de Castilla", basado en su prolífica estancia en Fresdelval, «Recuerdo de una noche de verano en Madrid», sobre la base de la obertura "La noche en Madrid", son parte de su música orquestal. El método utilizado por Glinka para arreglar la forma y orquestación son influencia del folclore español. Las nuevas ideas de Glinka fueron plasmadas en “Las oberturas españolas”.


title: Mijaíl Glinka

text: Glinka fue el primer compositor ruso en ser reconocido fuera de su país y, generalmente, se lo considera el 'padre' de la música rusa. Su trabajo ejerció una gran influencia en las generaciones siguientes de compositores de su país.


title: Mijaíl Glinka

text: Sus obras más conocidas son las óperas "Una vida por el Zar" (1836), la primera ópera nacionalista rusa, y "Ruslán y Liudmila" (1842), cuyo libreto fue escrito por Aleksandr Pushkin y su obertura se suele interpretar en las salas de concierto. En "Una vida por el Zar" alternan arias propias del romanticismo europeo con melodías populares rusas. No obstante, la alta sociedad occidentalizada no admitió fácilmente esa intrusión de "lo vulgar" en un género tradicional como la ópera.


title: Mijaíl Glinka

text: Sus obras orquestales son menos conocidas.


title: Mijaíl Glinka

text: Inspiró a un grupo de compositores a reunirse (más tarde, serían conocidos como "los cinco": Modest Músorgski, Nikolái Rimski-Kórsakov, Aleksandr Borodín, Cesar Cui, Mili Balákirev) para crear música basada en la cultura rusa. Este grupo fundaría luego la Escuela Nacionalista Rusa. Es innegable la influencia de Glinka en otros compositores como Vasili Kalínnikov, Mijaíl Ippolítov-Ivánov, y aun en Piotr Chaikovski.


title: Paul Hindemith

text: Paul Hindemith (Hanau, 16 de noviembre de 1895 - Fráncfort del Meno, 28 de diciembre de 1963) fue un compositor, violista y musicólogo alemán. Hindemith está considerado como uno de los compositores más influyentes de la primera mitad del siglo XX; su aportación creadora abarca desde el expresionismo hasta el neoclasicismo, y su enorme catálogo comprende todos los géneros musicales. Ajeno y contrario al espíritu del romanticismo y el culto a la genialidad, Hindemith reivindica la artesanía y la práctica musical: “Es mejor hacer música que escucharla”.


title: Paul Hindemith

text: Hindemith comenzó a tocar diversos instrumentos desde niño, bajo la supervisión de su padre, que tenía formación musical y quería hacer de él un músico de éxito. A causa de la falta de recursos de su familia, tuvo que tocar en teatros, cafés, tabernas y bandas de música para mantenerse y pagar sus estudios en el Conservatorio de Fráncfort, donde estudió violín con Adolf Rebner, y dirección de orquesta, armonía y composición con Bernhard Sekles y Arnold Mendelssohn. En 1914, antes de cumplir los veinte años, fue nombrado violinista en la Ópera de Fráncfort, y ascendido a concertino en 1917; en 1921 funda el Cuarteto Amar, en el que toca la viola, y con el que recorrerá Europa.


title: Paul Hindemith

text: Hacia esa época, Hindemith comienza a ser conocido en los círculos de música de vanguardia, tras presentar algunas obras en la Sociedad Internacional de Música Contemporánea en el Festival de Salzburgo. Desde 1923 trabaja en la organización del Festival de Donaueschingen, donde se estrenan obras de música contemporánea, incluyendo a compositores como Arnold Schönberg o Anton Webern. En poco tiempo, Hindemith se convierte en una de las grandes promesas de la música alemana del período de entreguerras y en el símbolo de la vanguardia musical de la República de Weimar, adquiriendo fama de provocador e iconoclasta. Durante los años 20 se consolida su prestigio como compositor, contrae matrimonio con Gertrude Rottenberg, y es nombrado profesor de Composición en la Escuela Superior de Música de Berlín (1927).


title: Paul Hindemith

text: A lo largo de los años 30 se multiplican los compromisos internacionales: además de sus giras como solista de viola, desde 1935 visita Ankara invitado por el gobierno de Mustafa Kemal Atatürk con la tarea de organizar la educación musical en Turquía. Pero su situación es cada vez más complicada en la Alemania nazi: se ve obligado a renunciar a su trabajo docente en Berlín, su música es considerada como “degenerada”, y a pesar de sus esfuerzos por llegar a una situación conciliadora e incluso la intercesión de Wilhelm Furtwängler, los ensayos de su ópera "Matías el pintor" precipitan su salida de Alemania: Hindemith se exilia a Suiza en 1938, y se establece en Estados Unidos en 1940. En su etapa norteamericana, Hindemith da clases en la Universidad de Yale, donde ejerce una importante labor pedagógica; obtiene la nacionalidad estadounidense en 1948, pero desde 1953 vive en Suiza ejerciendo como profesor en la Universidad de Zúrich. Sin abandonar nunca la composición, se dedica también en sus últimos años a la dirección de orquesta y la grabación de discos. En 1962 obtiene el Premio Balzan. Tras un progresivo deterioro de su salud, muere en 1963 a los 68 años.


title: Paul Hindemith

text: Hindemith comenzó a componer bajo la influencia académica de Johannes Brahms y Max Reger, pero si sus primeras obras aún muestran influencia del postromanticismo, como en sus dos primeros Cuartetos de cuerda (1915-1918), con algo del impresionismo, como en las diversas sonatas para violín, viola o violonchelo que forman el op. 11 (1918-1919), pronto se convierte en anti-romántico y rechaza toda música con implicaciones emocionales, evocadoras o sentimentales.


title: Paul Hindemith

text: Durante los años 20 la música de Hindemith puede relacionarse con el expresionismo musical por su empleo de la atonalidad, aunque por su espíritu se convierte en el principal representante musical de la Nueva Objetividad, que rechaza la expresión de estados de ánimo, se centra en la dimensión social y participativa de la música, y emplea como efectos de distanciamiento tanto la parodia y el humor como algunos elementos musicales del jazz o el Cabaré. El carácter provocador de algunos de los libretos empleados por el compositor en esta época será la causa de diversos escándalos, como en el caso de sus tres óperas breves: "Asesino, esperanza de las mujeres" (1919, con libreto del pintor Oskar Kokoschka), "Nusch-Nuschi" (1920) o "Sancta Sussana" (1921), llamadas "óperas expresionistas", por ser quizá sus obras más cercanas a esta corriente. También próximas al expresionismo están dos composiciones para voz y orquesta de cámara, "Die Junge Magd" (La muchacha, sobre poemas de Georg Trakl) y "Des Todes Tod" (La muerte de la Muerte), ambas de 1923, además de los Cuartetos de cuerda números 3 (1920) y 4 (1921). Más cerca de la Nueva Objetividad están la Suite “1922” para piano, el ballet "Der Dämon" (1923) o el Cuarteto de cuerda número 5 (1923).


title: Paul Hindemith

text: El ciclo de canciones "La vida de María" (1923), basado en unos poemas de Rainer Maria Rilke de carácter místico y meditativo, es el punto de inflexión hacia un neoclasicismo que irá dominando la obra de Hindemith en el transcurso de los años 20, si bien en muchos aspectos su música continuará siendo todavía fiel a los principios de la Nueva Objetividad.


title: Paul Hindemith

text: El neoclasicismo de Hindemith debe entenderse en un sentido amplio, abierto hacia toda la música del pasado, especialmente la música medieval, renacentista y barroca; de hecho, Johann Sebastian Bach será la referencia más importante de las creaciones de Hindemith a partir de este momento. Aunque la adopción de las formas y el contrapunto de la música barroca no le impide emplear usualmente motivos de jazz, ni la composición de música utilitaria, sí que hay una tendencia a componer obras más ambiciosas, especialmente en el terreno de la ópera: "Cardillac" (1926), una historia trágica ambientada en el París del siglo XVII, o "Noticias del día" (1930), ópera cómica que alcanzó un gran éxito y que influyó en obras de Arnold Schönberg ("Von heute auf Morgen") y de Alban Berg ("Lulú").


title: Paul Hindemith

text: En el género orquestal, comenzó a escribir cada vez más para grandes conjuntos sinfónicos, con obras como el "Concierto para Orquesta" (1925), que inaugura este nuevo género, o el "Concierto Filarmónico" (1932). Son muy características una serie de obras compuestas entre 1922 y 1930, que aparecen agrupadas en dos series: "Kammermusik" (música de cámara) y "Konzertmusik" (música concertante). Cada una de las obras incluidas en estos dos grupos está escrita para un conjunto instrumental distinto, siendo algunas de estas agrupaciones completamente atípicas; por ejemplo, la "Kammermusik número 6", es un concierto para viola de amor, un instrumento que había caído en desuso desde finales de la época barroca; la "Konzertmusik op.49" (1930), para piano, dos arpas e instrumentos de metal, aporta también una sonoridad muy diferente, y la "Konzertmusik op. 50" (1930), para cuerdas y metal, es una de sus obras más características. También dentro de este periodo, el oratorio "Das Unaufhörliche" (De lo incesante, 1931) anticipa las dimensiones y la trascendencia de las obras de su última época.


title: Paul Hindemith

text: Desde 1933 a 1935 trabajó en su obra más conocida, la ópera "Mathis der Maler" (‘Matías el pintor’), basada en la vida del pintor renacentista alemán Matthias Grünewald, sobre un libreto propio. Es considerada su mayor logro en el terreno de la ópera, y la sinfonía "Mathis der Maler", basada en pasajes instrumentales de la misma, es una de sus obras más apreciadas. "Mathis der Maler", las complejas circunstancias políticas que rodean su composición y estreno, y la plausible identificación de Hindemith con su protagonista, el pintor en la época turbulenta de las revueltas campesinas del siglo XVI, determinan un corte en la trayectoria musical de Hindemith, tras el que el compositor se replantea tanto su lenguaje musical como sus ideas sobre la relación entre el artista y la sociedad.


title: Paul Hindemith

text: A partir de "Mathis der Maler" la tonalidad clásica aparece cada vez con más frecuencia como principio constructivo, en obras como las "Danzas Sinfónicas" (1937), el ballet "Nobilissima Visione" (1938), la "Sonata para piano a cuatro manos" (1938), la "Sinfonía en Mi bemol" (1940), "Los cuatro temperamentos" para piano y cuerda (1940), la "Metamorfosis sinfónica" sobre temas de Carl Maria von Weber (1943) o el concierto para viola titulado "Der Schwanendreher" (1935). La tonalidad aparece ahora considerada como ley natural inevitable en su obra teórica "Arte de la composición musical" (1938). Su importante obra para piano "Ludus Tonalis" (1942) contiene doce fugas, a la manera de Johann Sebastian Bach, conectadas entre sí por un interludio durante el que la música se desplaza desde la tonalidad de la fuga precedente a la de la fuga siguiente.


title: Paul Hindemith

text: Los ataques del compositor contra el dodecafonismo pondrán de manifiesto su abandono de la vanguardia musical, especialmente tras la importancia que cobra el serialismo integral después de la Segunda Guerra Mundial. Aunque algunos consideran que el compositor ha caído en el academicismo y es acusado de conservador y retrógrado, en sus últimos años encontramos en su música una síntesis entre este neoclasicismo tardío y un lenguaje cerebral, trascendente y algo enigmático.


title: Paul Hindemith

text: Entre las obras más destacables de esta época están el Réquiem "When lilac´s last in the dooryard Bloom´d" (La última vez que florecieron las lilas en el huerto, 1946) sobre poemas de Walt Whitman, el ballet "Hérodiade" (1944), concebido como un recitado orquestal, sobre el poema de Stéphane Mallarmé, considerado por el propio Hindemith como una de sus mejores obras, la "Sinfonía Serena" (1946), el Octeto (1958), una de sus obras de cámara más importantes, los dos últimos Cuartetos de cuerda (1943-1946),la sinfonía "Armonía del Mundo" (1953), extraída de la ópera del mismo nombre sobre la vida del astrónomo Johannes Kepler, la "Sinfonía Pittsburg" (1958), o la ópera "La larga cena de Navidad" (1961), sobre un texto de Thornton Wilder.


title: Paul Hindemith

text: A pesar de los cambios estilísticos en la trayectoria de Hindemith, hay una serie de elementos que encontramos en todas las etapas: el carácter contrapuntístico de su música, el empleo de melodías cromáticas y modales, el uso de formas musicales antiguas (variación, pasacalle, fuga, sonata barroca, etc), el rechazo del desarrollo temático, las formas cíclicas y otros recursos formales propios del siglo XIX, el empleo del patrón rítmico conocido como "motorik" de carácter regular y constante, una sonoridad vigorosa y una gran destreza artesanal en el uso de los instrumentos, los grupos de cámara y la orquesta.


title: Paul Hindemith

text: En su primera etapa, la música de Hindemith se caracteriza por la atonalidad ocasional, la investigación rítmica o el uso de la tonalidad y la politonalidad con carácter paródico o burlesco.


title: Paul Hindemith

text: Sin embargo, en su madurez y últimos años, el sistema de Hindemith será tonal aunque no diatónico, empleando la modulación para desplazarse de un centro tonal a otro, pero utilizando las doce notas de la escala cromática. En su "Arte de la composición musical" (1938), justificación teórica de su nuevo sistema, realiza una clasificación de todos los intervalos en función de su tendencia, y aunque Hindemith emplea en su música todos los intervalos, por disonantes que sean, éstos se resuelven siempre de acuerdo con la consonancia tonal. "Ludus Tonalis" (1942) es un ejemplo de este uso de la nueva clasificación de los intervalos.


title: Paul Hindemith

text: El contraste estilístico entre ambas etapas de su producción parece indicar que a lo largo de los años 30 se produjo una ruptura en el desarrollo musical de Hindemith. A partir de este momento la música de Hindemith adquiere un carácter trascendente y conservador que está completamente ausente en su etapa anterior, y que quizá toma como modelo al último Bach. Esta discontinuidad se muestra, además, en la revisión sustancial de muchas de sus obras anteriores más importantes, como sucede con "Das Marienleben" o "Cardillac".


title: Paul Hindemith

text: El interés de Hindemith por la artesanía y la práctica musical le llevan a la creación de "Gebrauchsmusik (música utilitaria)", término empleado por él para designar a la música con una función social definida, como puede ser el propósito pedagógico o la interpretación por grupos de aficionados. Un ejemplo puede ser la cantata "Plöner Musiktag (Jornada musical en Plön)"(1932), compuesta para un campamento infantil en el que las actividades de un día entero se organizan alrededor de la música. Hindemith compone gran cantidad de "música utilitaria" durante su primer período; más adelante Hindemith criticará el empleo de este término y prestará poca atención a sus obras utilitarias, aunque seguirá componiendo con fines pedagógicos concretos.


title: Paul Hindemith

text: Aunque la influencia de Hindemith ha sido considerable, su valoración posterior es aún contradictoria, en parte a causa de los cambios y contradicciones en su evolución artística, y también a causa del elevado número de obras que compuso, lo que dificulta una visión de conjunto.


title: Paul Hindemith

text: A pesar de la gran influencia de Hindemith durante la primera mitad del siglo XX, a partir de la Segunda Guerra Mundial el mundo musical europeo empieza a relegar su obra a un pasado ya superado, a medida que va aumentando la influencia de la Segunda Escuela de Viena, en especial Arnold Schönberg y Anton Webern.


title: Paul Hindemith

text: Por otra parte, a partir de ese momento la crítica musical progresista, asociada primero al dodecafonismo y luego al serialismo integral, tiende a considerar que la producción tardía de Hindemith no está a la altura de sus obras tempranas, o incluso juzga negativamente toda su producción ateniéndose a su evolución final.


title: Paul Hindemith

text: La posición moderada de Hindemith dentro de la vanguardia y su regreso a posturas más tradicionales han perjudicado su valoración posterior, al ser considerado demasiado conservador desde la vanguardia radical, pero también un compositor demasiado complejo y cerebral para convertirse en un clásico. Aunque sólo un pequeño número sus obras se interpreta en el repertorio habitual, en la actualidad hay un creciente interés por su producción operística y orquestal


title: Paul Hindemith

text: Por otra parte, la música de cámara de Hindemith es bien conocida y valorada por los músicos profesionales, en especial por las sonatas compuestas a partir de 1935 para todos los instrumentos de la orquesta y piano, que se interpretan con frecuencia por su exploración de las posibilidades técnicas de cada instrumento dentro de un lenguaje avanzado.


title: Paul Hindemith

text: Entre los discípulos de Hindemith están Harald Genzmer, Lukas Foss, Hans Otte, Norman Dello Joio. La música de Hindemith también influyó en la obra de numerosos compositores como Elliott Carter, Michael Tippett o Walter Piston.


title: Paul Hindemith

text: Dentro de las obras literarias y escritos pedagógicos se destacan "El Arte de la Composición Musical" (The Craft of Musical Composition, 1937), un libro que presenta su visión armónica con gran detalle, "Entrenamiento Elemental para Músicos" (Elementary Training for Musician, 1940), un libro de educación auditiva de gran profundidad técnica, y "Curso Concentrado en Armonía Tradicional: con énfasis en los ejercicios y un mínimo de reglas" (A Concentrated Course in Traditional Harmony: With Emphasis on Exercises and a Minimum of Rules, 1940), un libro con gran cantidad de ejercicios basados en la composición de la armonía tradicional.


title: Frank Billings Kellogg

text: Frank Billings Kellogg (Potsdam, Nueva York, 22 de diciembre de 1856-Saint Paul, Minnesota, 21 de diciembre de 1937) fue un abogado y político estadounidense.


title: Frank Billings Kellogg

text: Su familia se trasladó an 1865 a Minnesota. Comenzó a practicar la abogacía en Rochester, Minnesota, en 1877, siendo fiscal de la ciudad entre 1878 y 1881 y fiscal del condado de Olmsted, Minnesota, entre 1882 y 1887. En este año se trasladó a St. Paul, Minnesota.


title: Frank Billings Kellogg

text: Kellogg fue senador republicano por Minnesota entre 1917 y 1923, perdiendo la reelección en 1922. Fue delegado de la V Conferencia de Estados Americanos, celebrada en Santiago de Chile en 1923, y embajador extraordinario y plenipotenciario de los Estados Unidos ante Gran Bretaña entre 1923 y 1925, cuando dimitió de dicho cargo.


title: Frank Billings Kellogg

text: Entre 1925 y 1929 ejerció como secretario de Estado, en el gabinete de Calvin Coolidge, puesto en el que sucedió a Charles Evans Hughes. Su mayor éxito en este puesto fue la redacción, junto con el ministro francés Aristide Briand, del pacto Briand-Kellogg, por el que quince naciones renunciaban a utilizar la guerra como vía para dirimir controversias internacionales. Este acuerdo, firmado en París el 27 de agosto de 1928, le permitió obtener el premio Nobel de la Paz de 1929.


title: Frank Billings Kellogg

text: Posteriormente, entre 1930 y 1935, desempeñó el cargo de juez asociado de la Corte Permanente de Justicia Internacional.


title: Engelbert Humperdinck

text: Engelbert Humperdinck (Siegburg, Colonia, 1 de septiembre de 1854-Neustrelitz, 27 de septiembre de 1921) fue un compositor, crítico y pedagogo alemán conocido por su ópera "Hänsel y Gretel" (1893) y por haber sido el asistente de Richard Wagner en Bayreuth.


title: Engelbert Humperdinck

text: Estudió música en el conservatorio de Colonia y en la Escuela de Música de Múnich. Desde muy joven ganó becas y premios que le dieron la oportunidad de estudiar y viajar por el mundo. Estos viajes fueron una constante inspiración para él, y en su música encontramos influencias de sonidos e instrumentos de países lejanos.


title: Engelbert Humperdinck

text: Humperdinck fue un seguidor de las propuestas estéticas de Richard Wagner, a quien conoció en Nápoles en 1880. La influencia de Wagner fue muy importante en las composiciones operísticas de Humperdinck. Fue su colaborador y asistente para el estreno del "festival sagrado" Parsifal en el Festival de Bayreuth en 1882. Y Wagner lo nombró su apoderado cuando la familia vacacionó en Italia.


title: Engelbert Humperdinck

text: Humperdinck tuvo una predilección por los temas para niños, como se puede constatar en obras como Los siete Geislein (1895) y Cuatro lieder para niños (1901). También ejerció como pedagogo, llegando a trabajar de 1885 a 1886 en el Conservatorio de Barcelona.


title: Engelbert Humperdinck

text: En 1912 sufrió un derrame que lo dejó paralizado del brazo izquierdo. Volvió a componer con ayuda de su hijo Wolfram pero en 1921 murió de un ataque al corazón.


title: Engelbert Humperdinck

text: Otras óperas:


title: Giacomo Meyerbeer

text: Giacomo Meyerbeer (Yaakov Liebmann Beer) (Tasdorf, desde 1931 barrio de Rüdersdorf cerca de Berlín, 5 de septiembre de 1791 - París, 2 de mayo de 1864) fue un compositor alemán de origen judío, favorito del público parisino por la composición de óperas en el estilo Grand Opéra, del cual fue un de los creadores.


title: Giacomo Meyerbeer

text: Hijo de una acaudalada familia de comerciantes judíos en Berlín, descendiente de una dinastía de banqueros y rabinos, fue niño prodigio y a los 9 años era ya pianista. Discípulo de Muzio Clementi, que sería uno de sus profesores de piano, desde muy pronto manifestó su atracción hacia el teatro. Sin embargo, halló su propio estilo solo gradualmente, tras unos inicios convencionales bajo la influencia de su amigo Carl Maria von Weber.


title: Giacomo Meyerbeer

text: Se le considera el creador del melodrama musical romántico, por lo general basado en un tema histórico y montado de forma grandilocuente, con efectismos teatrales que deslumbraron a sus contemporáneos; se sobrecargaba el escenario de personajes, había escenas de fuerte contraste, desde inundaciones hasta incendios. Es la última variante de la ópera seria: la ópera histórica de vasto aliento conocida como "grand opera". Combina con gran habilidad los estilos francés e italiano con meticulosidad alemana.


title: Giacomo Meyerbeer

text: Ayudó a Richard Wagner durante su estancia en París, si bien el fracaso de este fue evidente ante un estilo hoy considerado encorsetado que nada tenía que ver con la complejidad dramática del drama wagneriano.


title: Giacomo Meyerbeer

text: Entre 1836 y el fin de siglo, Meyerbeer fue una potencia mundial en música, estando considerado como el compositor más importante de la vida musical europea, con cifras astronómicas de representaciones. Sus grandes éxitos fueron "Robert le diable", "Les Huguenots" y "Le Prophete". Se convirtió en Director General de Música en Berlín en 1842.


title: Giacomo Meyerbeer

text: Meyerbeer murió en París el 2 de mayo de 1864 mientras trabajaba en su última gran ópera, "La Africana", que se convertiría en uno de los mayores éxitos de la historia de la ópera.


title: Giacomo Meyerbeer

text: La crítica moderna suele dividir la carrera de Meyerbeer en tres etapas bien diferenciadas. Es una opción viable, y todo un acierto de cara a precisar su verdadera significación musical.


title: Giacomo Meyerbeer

text: Así, la primera de ellas, que podríamos denominar etapa alemana, está especialmente influida por la figura de su amigo Carl Maria von Weber, autor de dos bellísimos conciertos para clarinete, de la famosa "Invitación a la danza" tan bien orquestada por Berlioz, de varias sonatas para piano a las que no se les presta la menor atención, pero sobre todo del inmortal "Freischütz", la primera ópera romántica ("singspiel" realmente), y de "Euryanthe", de "Oberón", un mundo sonoro nuevo al que, sin embargo y por desgracia, Meyerbeer no fue receptivo. No nos detendremos demasiado en estos comienzos sin duda ingratos, en los que el compositor experimentó con varias formas sin hallar, al parecer, un lenguaje personal. Robert Schumann, tan buen crítico musical como músico, estimaba sin embargo las producciones de estos comienzos como “"lo mejor"” creado por Meyerbeer. Como no hemos tenido acceso a ninguna de los obras punteras de esta etapa, como el oratorio "Dios y la naturaleza" o la ópera "Alimelek" (1813), solo las referimos sin ninguna base real, pues a lo mejor ocultan algunas páginas de cuya belleza todavía no se han hecho partícipes sus escasos oyentes.


title: Giacomo Meyerbeer

text: Tras esta primera etapa, y tras tomar contacto con Antonio Salieri, Meyerbeer se trasladaba a Italia. Comienza así su etapa italiana, cuantitativa y cualitativamente más rica que la primera, pero meramente mimética al copiar los modelos de Rossini, de Bellini. Fue sin duda el autor de "Les Danaïdes" el que lo determinó en esta idea quizá un tanto apresurada, en dar este paso tan decisivo para su carrera, que implicaba a su vez “traicionar” de algún modo las pretensiones de Weber, a las puertas ya de terminar el "Freischütz" y de crear por tanto una ópera genuinamente alemana. Comenzó así Meyerbeer a producir varias óperas con la mayor rapidez, "Semiramide riconosciuta", "Emma di Resburgo", "L'esule di Granata"... Escuchemos "L´esule di Granata": el preludio arranca con un bello y lento crescendo de las cuerdas que, tras un breve silencio, vuelve a reexponer el motivo antes de que se incorporen los vientos. A continuación el cuerpo orquestal se agiliza y cobra consistencia: una curva melódica uniforme en la línea de los italianos pronto se redefine hasta culminar en el estruendo de la percusión. Sin apenas transición, irrumpe el coro ("Sempre tacer!"). Toda la obra es una alternancia de arias y escenas, con la inclusión de un quinteto ("Miei pensieri in tal cimento") que poco nuevo aporta a lo ya practicado por Rossini. Los aires son muy convencionales, aunque incluyen una página de la belleza del andante "Cara, il soave istante". Como vemos, Meyerbeer, un profesional de lo más diestro, sigue buscando su propio estilo a través de la mímesis; a esta segunda etapa, valga la evidencia, se le puede reprochar una cierta falta de talento creativo que es suplida por su gran conocimiento de la voz humana, verdadera protagonista de estas óperas, pues la orquesta, en cualquier caso, sigue ocupando un lugar muy secundario, como de mero acompañamiento salvo en las partes puramente orquestales… Esta situación provisional prontamente sería superada: fue sin duda el gran éxito de "Il crociato in Egitto" (1824), su primera obra importante, el que lo llevó a trasladarse a París y a comenzar allí su tercera y última etapa, su etapa francesa. Giacomo Meyerbeer llegó a París, la capital de la música durante el siglo, en el momento preciso, con un puñado de ideas bien dispuestas y grandes ansias de innovación en su intento de redefinir el espectáculo completo, la ópera, desde una nueva perspectiva. El público parisino, de gustos tan impredecibles, acababa de vivir su última gran conmoción con el "Guillermo Tell" de Rossini, que resultaría la despedida de la ópera de este, con tan solo treinta y siete años. Salvo Auber, que no cesaba de producir ópera tras ópera dentro de una regularidad de lo más burguesa, y Halévy, que pronto asestaría su golpe maestro con "La Judía", el panorama musical francés era desolador, un verdadero desierto de talentos. Proliferaban empero unos músicos de tercera fila que fabricaban óperas cómicas a destajo, sin otros propósitos que los meramente lucrativos. Meyerbeer configuró su estilo definitivo gracias al bagaje que cargaba consigo, y para ello aunó los estilos alemán, italiano y francés en uno solo. Esta mezcla explosiva encontró en él al transcriptor perfecto. Más que una hibridación informe, Meyerbeer practicó una síntesis estilística sin precedentes a la búsqueda de un cosmopolitismo muy de la época, y cuya prueba más clara es "Roberto el Diablo" (1831), su primera incursión en la "grand opéra" y, sin lugar a dudas, su primera obra maestra, en la que ya aparecen asentadas las convenciones de la misma: cinco actos muy desarrollados con inclusión de ballet y recitativo; amplios efectivos humanos, en el reparto y en el coro; fastuosos decorados preparados para acoger tanto incendios como inundaciones, así como fuegos de artificio… El éxito de "Roberto el Diablo" fue tal que contribuyó a hacer de Meyerbeer el compositor más importante del momento (privilegio que mantendría hasta su muerte). Al margen de las sorprendentes audacias de su música, buena parte del impacto de esta truculenta y a la par delicada historia gótica se deben al singular Eugène Scribe, dramaturgo de resonancia europea, el más característico libretista de la gran ópera (suyos son los libretos de algunos de los puntales de la misma: "La muda de Portici", de Auber; "La Judía", de Halévy; "La Favorita", de Donizetti; "Las Vísperas sicilianas", de Verdi), que elaboró un libreto con momentos tan irresistibles como la bacanal del tercer acto, con el ballet de monjas malditas que han salido de sus tumbas gracias a la invocación de Bertram, el Rey de los Infiernos. Pero los mejores momentos los encontraremos en la parte vocal, de la que destacaremos dos arias tiempo ha famosas: "Nonnes qui reposez" (Acto III) y, especialmente, la declaración de amor de Isabelle a Robert, "Robert, toi que j’aime" (Acto IV).


title: Giacomo Meyerbeer

text: Su segunda entrega obtendría un éxito todavía más resonante si cabe. "Los Hugonotes" (estrenada el 29 de febrero de 1836), la ópera más veces representada de la historia (en 1900 ya había alcanzado las mil representaciones en la Ópera de París), es un extraordinario espectáculo de más de cuatro horas duración que encandiló hasta el paroxismo más extremo al público de su tiempo. Algo completamente comprensible tras escuchar tamaño prodigio de extravagancia musical, cuyas mayores inventivas, sin embargo, estaban en la compleja puesta en escena. En el plano argumental, "Los Hugonotes" pone en escena a lo largo de sus cinco actos el día de la masacre de San Bartolomé, acaecido el 24 de agosto de 1572. El libreto de Scribe (escrito a cuatro manos junto a Émile Deschamps) peca en este aspecto de simplista, lo que malbarata hasta cierto punto la sustancia histórica de la obra. Pero como espectáculo es abrumador. Estamos ante una ópera que requiere ser vivida en directo, o cuando menos visionada de modo escénico, ya que la mera escucha no basta para captar lo abrupto de su drama. Los personajes principales que por ella desfilan son Margarita de Valois, Raúl de Nangis, Valentina como la católica enamorada de Nangis, su prometido el Conde de Nevers y el Conde de Saint-Bris, padre de Valentina, entre otros. Durante las cuatro horas que dura "Los Hugonotes" asistimos a un evento político de primer orden. La arbitrariedad de los hechos torna si cabe más subversivo el tono que adopta la obra: la matanza de los hugonotes, protestantes asesinados a manos de los católicos, devendría así producto de un nimio equívoco sentimental acaecido en las “altas esferas”. Lógicamente, esto no fue así, pero Meyerbeer consigue hacer verosímil lo disparatado, por lo que la obra adquiere una lectura universal de la atrocidad del hecho político y sus penosas consecuencias en una situación irrisoriamente extrema. Si musicalmente la obra abusa en exceso de las soluciones de compromiso propias de la gran ópera, sobre todo en las transiciones, la parte vocal se muestra de lo más seductora (comprendemos el cariño que por esta ópera sentían dos astros mayores del canto como Enrico Caruso y Nelly Melba), con joyas como "Une dame noble et sage" (Acto I), "O beau pays" (Acto II), "Je suis seule chez moi" (Acto IV) o "Ainsi je te verrai périr?" (Acto V). La influencia de "Los Hugonotes" ha sido enorme, y la resolución de algunas de sus escenas, entre la elipsis y el subrayado, ha tenido continuidad en otras óperas, algunas de ellas tan notables como los "Diálogos de carmelitas" de Francis Poulenc.


title: Giacomo Meyerbeer

text: Resultado de un largo proceso de elaboración, "El Profeta" (1849), en torno a Juan de Leyde, es, al decir de Joaquín Turina, la ópera más perfecta del autor; se trata de una opinión esquemática que apuntamos solo por la valía de su emisor. Más de sus páginas, hoy en día solo se recuerda un fragmento, la estruendosa y circense "Marcha de la coronación", un episodio vulgar equiparable a la "Marcha triunfal de Tarpeja" de Beethoven, cuyos malabarismos sonoros y tosquedad armónica general dicen muy poco en favor de Meyerbeer. Empero, la trascendencia de este fragmento tan tarareado ha sido tal (al ser lo más conocido de la ópera, llegó a comercializarse la partitura de forma independiente), que de algún modo ha simplificado la visión actual de nuestro hombre, considerándolo un músico de factura militar y poco más.


title: Giacomo Meyerbeer

text: Tras dos obras menores pero igualmente bien recibidas, "La Estrella del Norte" (1854) y "Dinorah" (1859), con "La Africana" (estrenada el 28 de abril de 1865) Meyerbeer decía adiós de forma póstuma al mundo de la ópera al que tanto había contribuido. ¡Y qué decir ante tan nobles páginas salidas de su pluma más firme! "La Africana" es el equivalente meyerbeeriano al "Otello" de Verdi o al "Parsifal" de Wagner, el broche de oro a una carrera prodigiosa, una obra maestra de una riqueza melódica sin parangón y, con toda seguridad y junto a "Los Hugonotes", la ópera decimonónica con el trabajo vocal más exigente jamás escrito tras Wagner y Verdi. Musicalmente es su creación más avanzada. Su refinada orquestación abunda en momentos de gran belleza (destacaremos la obertura, que explora los timbres exóticos sin olvidar la pura melodía de su curva) y dramatismo, aunque la obra quizá se alargue en exceso. Dos páginas sobreviven de tan magna ópera: las arias "Adamastor, roi des vagues" (Acto II), y especialmente "O paradis" (Acto IV), cantadas por el africano Nelusko y Vasco de Gama respectivamente; es ("O paradis") un momento de un lirismo sobrecogedor, y una de las arias más notables de la gran ópera.


title: Giacomo Meyerbeer

text: La tabla siguiente recoge solo las óperas compuestas por Meyerbeer:


title: Giacomo Meyerbeer

text: Otello El texto de 'Evolución musical' ha sido extraído de: Otras referencias destacables:


title: Jacques Offenbach

text: Jacques Offenbach (nacido Jakob Eberst Offenbach, Deutz, Colonia, Confederación Germánica, 20 de junio de 1819-París, 5 de octubre de 1880) fue un compositor y naturalizado francés y de origen judeoalemán. Creador de la opereta moderna y de la comedia musical, compuso casi toda su obra en francés.


title: Jacques Offenbach

text: Nació en el seno de una familia judía. Sus padres fueron el encuadernador, profesor de música y compositor Isaac Juda Eberst y Marianne Rindskopf, quienes poco antes de su nacimiento cambiaron su apellido por el nombre de la ciudad natal del padre, Offenbach del Meno, cerca de Fráncfort.


title: Jacques Offenbach

text: Estudió violonchelo y violín. En 1833 se trasladó a París, donde fue discípulo de Luigi Cherubini en el Conservatorio. Fue violonchelista de diversas orquestas, entre ellas la de la Opéra-Comique.


title: Jacques Offenbach

text: En 1844 hubo de convertirse al catolicismo a fin de poder casarse con la francoespañola Herminia de Alcain —cuyo nombre en francés es Herminie d'Alcain— de 18 años de edad y con la que tuvo 5 hijos. En 1848 huyó de Francia ante los sucesos revolucionarios que se produjeron. Volvió al año siguiente, cuando fue nombrado director de orquesta en el "Théâtre français".


title: Jacques Offenbach

text: En 1855 fundó el teatro «Bouffes Parisiens», donde llevó a escena sus propias obras, que reflejan la "joie de vivre" de su época, con humor e irreverencia. "La Belle Hélène" es una apología del "ménage a trois". También presentó divertidas adaptaciones de otros genios de la música como Gioachino Rossini, cuya ópera "Il signor Bruschino" logró realizar con gran éxito.


title: Jacques Offenbach

text: Con la caída del Imperio de Napoleón III sus gustos se resistieron y creó el Théâtre de la Gaîté, fracasando en él. Dio una gira por Estados Unidos, también sin mucho éxito. Su ascendencia alemana le granjeó enemigos después de la guerra franco prusiana; reflejó con ironía a estos enemigos representándolos en sus operetas, aunque estos personajes fueran de la Antigüedad.


title: Jacques Offenbach

text: Según Karl Kraus, Offenbach «cumple la función de remediar la estupidez, darle un respiro a la razón y estimular la actividad mental». Su obra más seria y ambiciosa fue "Los cuentos de Hoffmann", que no llegó a concluir a causa de su muerte en 1880. Sus restos reposan en el cementerio de Montmartre.


title: Jacques Offenbach

text: Las obras escénicas de Offenbach (con las dos excepciones de las óperas "Die Rheinnixen" y "Los cuentos de Hoffmann") son en general consideradas como "operetas", aunque sólo 16 de ellas son llamadas "opérettes" por el compositor. Offenbach llamó a otras 8 "opérette bouffe," y hay una sola "opérette fantastique". Hay 24 "opéras comiques", y 24 "opéras bouffes", junto con dos "opéras bouffes féeries".


title: Jacques Offenbach

text: Otros subgéneros menores incluyen "opéra bouffon" (5), "bouffonnerie musicale" (3), "saynète" (2) "pièce d'occasion" (2) y "revue" (2). Offenbach inventó nombres para algunas obras individuales: "anthropophagie musicale", "chinoiserie musicale, comédie à ariettes, conversation alsacienne, légende bretonne" y "légende napolitaine". Hay también una de cada una de las siguientes: "fantasie musicale, opéra féerie, tableau villageois" y "valse". También existen obras religiosas como sus "Ave Maria" para soprano y para coro. . .Teatros en países de habla inglesa usaron música de Offenbach para crear pastiches durante los años 1860 y 1870. Muchas de estas piezas fueron realizadas sobre libretos completamente ajenas a Offenbach. Viena también vio ejemplos de reutilización de su música, y la práctica siguió en el siglo XX. Ejemplos de esto es"Le carnaval des revues" y "Les hannetons" incluyen partituras preexistentes pero fueron creados bajo Offenbach e incluyó nueva música compuesta por él.


title: Amilcare Ponchielli

text: Amilcare Ponchielli (Paderno Fasolaro, hoy Paderno Ponchielli, Cremona, 31 de agosto o 1 de septiembre de 1834 - Milán, 16 o 17 de enero de 1886) fue un compositor italiano. Actualmente, su obra más conocida es La Gioconda.


title: Amilcare Ponchielli

text: Comenzó a estudiar con su padre, que era organista. A los nueve años ingresó en el conservatorio de Milán. Fue organista en la iglesia de San Hilario en Cremona, donde también fue profesor de música. Fue maestro director de las bandas municipales de Piacenza y Cremona, y para ellas compuso algunas obras. En 1881 fue nombrado maestro de capilla de Santa María la Mayor en Bérgamo. En 1883 entra como profesor en el Conservatorio de Milán. Entre otros alumnos, tuvo a Giacomo Puccini y Pietro Mascagni. Se casó con la cantante Teresa Brambilla. Falleció de pulmonía.


title: Amilcare Ponchielli

text: Sus óperas, representadas con mucho éxito, son óperas italianas con cierta influencia de la gran ópera francesa: gran número de personajes, ballet y participación del coro.


title: Amilcare Ponchielli

text: Influyó en los compositores posteriores del verismo.El fragmento la "Danza de las Horas" fue utilizado por Walt Disney en su película "Fantasía", para hacer bailar a elefantes, avestruces, cocodrilos e hipopótamos con tutú.


El Museo Arqueológico Municipal de Cartagena es la institución dedicada a la conservación, estudio y exposición de los objetos relacionados con la arqueología del municipio de Cartagena de la Región de Murcia (España). Está integrado en la Red Regional de Museos de Murcia.


title: Museo Arqueológico Municipal de Cartagena

text: Fundado por Antonio Beltrán Martinez, en 1943, el Museo Arqueológico Municipal nació de diversas colecciones arqueológicas, fundamentalmente el valioso legado de un numeroso conjunto de epígrafes romanos que la ciudad de Cartagena supo transmitir desde finales del siglo XVI. Su sede inicial estuvo en los bajos del edificio que todavía ocupa la actual Real Sociedad Económica de Amigos del País de Cartagena. Donde, desde finales del siglo XIX, la Sociedad Económica de Amigos del País había reunido una colección arqueológica formada por piezas procedentes, sobre todo, de la zona de la Sierra Minera de Cartagena-La Unión. En 1945, se trasladó a un edificio de la calle Baños del Carmen, hoy plaza de Juan XXIII, para dar cobijo al progresivo aumento de las colecciones que se había ido produciendo desde su inauguración.


text: Con el descubrimiento en 1967 de la necrópolis de San Antón, el director del museo Pedro San Martín planteó al ayuntamiento la construcción de la nueva sede del Museo Arqueológico alrededor del yacimiento para permitir su conservación "in situ".


text: El consistorio gestionaría la posterior adquisición de los terrenos y el coste de las obras de acondicionamiento museográfico de lo que sería el nuevo Museo Arqueológico, inaugurado con bastante retraso en 1982.


text: En la exposición de los materiales se ha seguido un criterio didáctico, catalogando los materiales con un sentido cronológico en la primera planta y otro, monográfico, sobre yacimientos y exposiciones en la segunda, quedando en el centro la necrópolis como yacimiento principal, pudiéndose observar desde todos los puntos del recorrido de la exposición permanente.


text: Los materiales expuestos abarcan desde el Paleolítico Medio hasta prácticamente nuestros días, aunque por tratarse de una ciudad como Cartagena en la que tanto se dejó sentir el proceso de romanización sean precisamente los vestigios pertenecientes a este período los más numerosos y mejor presentados. De ellos destacan la colección de epigrafía latina junto con cerámicas, elementos arquitectónicos, escultóricos, de construcción, minería, comercio, etc., todo ello reflejo de las diferentes etapas históricas del mundo antiguo por las que discurrió la ciudad.


text: Las excavaciones arqueológicas que regularmente se realizan en el casco urbano, bajo el que se encuentra la antigua Carthago Nova nutren no solamente de materiales al museo, sino también de una importante información acerca de la historia de Cartagena. Para cubrir esta importante labor el museo cuenta con unas instalaciones anexas dotadas con salas de trabajo, biblioteca, talleres y laboratorios fotográficos y de restauración. Este museo se encuentra dentro de una ruta llamada, " la noche de los museos ", que se lleva a cabo en la ciudad de Cartagena, donde en dicha noche, se permite el acceso a las instalaciones del museo de una forma totalmente gratuita.


title: Francis Poulenc

text: Francis Jean Marcel Poulenc (París, 7 de enero de 1899 - París, 30 de enero de 1963) fue un compositor francés y miembro del grupo francés Les Six. Compuso música en todos los grandes géneros, entre ellos la música de cámara, el oratorio, la ópera, la música de ballet y la música orquestal. El crítico Claude Rostand, en julio de 1950, en un artículo del "Paris-Presse", describe a Poulenc como «mitad un monje, mitad un granuja» ("Le moine et le voyou"), una etiqueta que se adjunta a su nombre para el resto de su carrera. Poulenc dice: "mi obra es la yuxtaposición de lo profano con lo sagrado".


title: Francis Poulenc

text: Poulenc nació en París en 1899 en una familia acomodada. Su padre farmacéutico le dejó como herencia laboratorios de farmacia. Su madre, pianista aficionada, le enseñó a tocar y la música formaba parte de la vida familiar. Dado que fue un pianista capaz, el piano tomó gran parte en sus primeras composiciones. Asimismo, a lo largo de su carrera, tomó como modelos de composición a Wolfgang Amadeus Mozart y Camille Saint-Saëns. Más adelante en su vida, la pérdida de algunos amigos cercanos, junto con una peregrinación a la Virgen Negra de Rocamadour, le llevó al redescubrimiento de la fe católica y dio lugar a composiciones de un mundo más sombrío y un tono más austero.


title: Francis Poulenc

text: Poulenc era miembro de Les Six, un grupo de jóvenes compositores franceses, Milhaud, Auric, Durey, Honegger y Tailleferre, que también tenían vínculos con Erik Satie y Jean Cocteau. Él abrazó las técnicas del movimiento Dadá, creando melodías que desafiaban lo que se consideraba apropiado para salas de música parisinas. Ya se había identificado con este grupo antes de llevar a cabo su primera formación musical formal, con Charles Koechlin en 1921 y sus estudios de piano con el célebre Ricardo Viñes.


title: Francis Poulenc

text: Poulenc fue un destacado pianista en varias grabaciones, entre ellas algunas de sus canciones (con el famoso barítono Pierre Bernac) y el "Concierto para dos pianos". Sus obras fueron grabadas por RCA Victor y EMI.


title: Francis Poulenc

text: Compuso "Les Mamelles de Tiresias", "Diálogos de Carmelitas", considerada una de las óperas más importantes del siglo XX, y "La voix humaine", monólogo dramático para soprano.


title: Francis Poulenc

text: La última serie de grandes obras de Poulenc es una serie de obras para instrumentos de viento y piano. Fue especialmente aficionado a los instrumentos de viento madera, y tenía previsto una serie de sonatas para todos ellos, sin embargo, sólo vivió para completar cuatro: la sonata para flauta y piano, la sonata para oboe y piano, la sonata para clarinete y piano, y Elégie para trompa.


title: Francis Poulenc

text: Algunos críticos lo consideran el primer compositor abiertamente homosexual de la historia. Su primera relación importante fue con el pintor Richard Chanlaire, a quien dedicó el "Concierto campestre" que le fuera comisionado por Wanda Landowska.


title: Francis Poulenc

text: En 1923, Poulenc entró en depresión después de la muerte por tifus del novelista Raymond Radiguet, amante de Jean Cocteau. Propuso un matrimonio de conveniencia a su amiga de infancia Raymonde Linossier pero ella falleció en 1930.


title: Francis Poulenc

text: Luego en 1936, muy afectado con la muerte de Pierre-Octave Ferroud, amigo, crítico y compositor rival que murió decapitado en un accidente de automóvil, renovó su fe católica con la excursión a la virgen de Rocamadour.


title: Francis Poulenc

text: En 1949, muere su amigo Christian Bérard, para quien compuso el "Stabat Mater" (1950). Años después, la separación de Louis Gautier.en 1957, su último gran amor le motivó poner música al monodrama de Cocteau, "La voix humaine".


title: Francis Poulenc

text: Poulenc falleció de insuficiencia cardíaca en París en 1963. In chronological order:


title: Niño índigo

text: Niño índigo es utilizado en el contexto de la teoría llamada «Corriente de la Nueva Era» o New Age para referirse a niños que representarían un estado superior de la evolución humana. Quienes defienden esta hipótesis señalan dicha evolución como un avance espiritual, ético y mental, sin atender a la definición que diera el científico Charles Darwin (variación y selección por supervivencia diferencial).


title: Niño índigo

text: Según sea la corriente a que adhieran los creyentes en la Nueva Era, así serán los atributos y la naturaleza que se describe de los «niños índigo». Hay quienes sostienen que estos niños poseerían habilidades paranormales, tales como la telepatía o la capacidad de leer la mente, mientras que los más moderados afirman que lo que diferencia a un niño índigo de uno que no lo es son rasgos más convencionales, como una mayor capacidad de empatía o una creatividad incrementada. El adjetivo índigo, referido al color, surge de la creencia de que estos niños tendrían un aura de ese tono de azulado.


title: Niño índigo

text: Fuera de la Nueva Era, este fenómeno es considerado un mito pseudocientífico porque carece de evidencia científica aceptable. La creencia en la existencia de niños índigo se asocia habitualmente a reacciones paternales que surgen frente a la pedagogía y psiquiatría modernas. Una de las causas observadas más frecuentemente es el pánico moral que surge en los padres al tener que enfrentar una terapia psiquiátrica medicada para sus niños. También el detonante podría derivarse del rechazo a diagnósticos de psicopatologías polémicas o de nuevo cuño, cuando éstas son adjudicadas a los hijos, especialmente ante casos de hiperactividad, autismo y síndrome de déficit atencional.


title: Niño índigo

text: En el último tercio del siglo XX se crearon escuelas para la formación de estos niños de aura azulada que, según las teorías teofísicas, debían liderar el cambio a la era espiritual de Acuario.


title: Niño índigo

text: El término compuesto «niño índigo» se origina en el libro del año 1982 "Understanding Your Life Through Color" ("Comprendiendo tu vida a través del color") de Nancy Ann Tappe, una autoproclamada psíquica y sinestésica que afirma poseer la habilidad de percibir el aura de las personas. Según sus escritos, comenzó a notar que muchos niños estaban naciendo con auras de color índigo hacia fines de la década de 1970. A principios del siglo XXI, Tappe afirma que el 34% de los niños menores de 16 años son «índigo». Sin embargo, ningún estudio científico apoya sus afirmaciones.


title: Niño índigo

text: La idea de los niños índigo fue más tarde popularizada por el libro de 1998 "The Indigo Children: The New Kids Have Arrived" («Los niños índigo: los nuevos chicos han llegado»), escrito por el matrimonio formado por el médium Lee Carroll y su esposa Jan Tober. Carroll afirma que el concepto lo obtuvo conversando telepáticamente con una entidad extraterrestre a la que denomina Kryon.


title: Niño índigo

text: Según los creyentes del movimiento de la Nueva Era, los niños índigo poseerían características tales como una mayor intuición, espontaneidad, rechazo a una moralidad estricta y una gran imaginación, añadiéndose frecuentemente también a tales capacidades ciertos dones paranormales, o poderes sobrenaturales como la telequinesis, la clarividencia, la piroquinesis o la capacidad de sanación. El psiquiatra pediátrico Russell A. Barkley sostiene que los diecisiete rasgos más comúnmente atribuidos a los niños índigo son tan vagos que «podrían describir a la mayoría de los niños», y refiere además que podríamos estar ante un fenómeno psicológico conocido como «Efecto Forer».


title: Niño índigo

text: Los creyentes en la existencia de estos niños afirman que poseen un fuerte sentimiento para generar una «diferencia significativa» en el mundo, y se encontrarían naturalmente inclinados a temas relacionados con la espiritualidad, el ocultismo y el esoterismo. Aun así existen místicos que dicen haber trabajado con niños de aura azul (índigos), asegurando que sus características son reales y existen variaciones de estas entre un niño y otro.


title: Niño índigo

text: La psiquiatría y la psicología han desestimado la veracidad de estos niños, ya que no se ha demostrado evidencia terrenal de su existencia. Expertos psiquiatras afirman que los simpatizantes con la Nueva Era, «deberían producir evidencia empírica».


title: TIA-568B

text: ANSI/TIA-568 es un set de estándares desarrollado por la Telecommunications Industry Association referido al cableado comercial para productos y servicios de telecomunicaciones.


title: TIA-568B

text: El estándar ANSI/TIA-568 se publicó por primera vez en 1991, luego en 1995, en 2001 y en 2009 las revisiones A, B y C respectivamente. El estándar actual es la versión ANSI/TIA-568D.


title: TIA-568B

text: Lo más distintivo de esta norma, es la asignación de pines/pares para cable de par trenzado equilibrado de 100 Ω y 8 conductores. Dicha asignación se denomina T568A y T568B.


title: TIA-568B

text: El estándar TIA/EIA-568 se desarrolló gracias a la contribución de más de 60 organizaciones, incluyendo fabricantes, usuarios finales, y consultores. Los trabajos para la estandarización comenzaron en 1985, cuando la “Asociación para la Industria de las Comunicaciones y las Computadoras” (CCIA) solicitó a la “Alianza de Industrias de Electrónica” (EIA), una organización de normalización, que definiera un estándar para el cableado de sistemas de telecomunicaciones. EIA acordó el desarrollo de un conjunto de normas, y se formó el comité TR-42, para desarrollar el trabajo. Este, sigue siendo mantenido por el TR-42, pero EIA ya no existe por lo cual ha sido eliminado del nombre.


title: TIA-568B

text: La primera revisión del estándar, TIA/EIA-568-A.1-1991, se emitió en 1991 y fue actualizada en 1995. La demanda comercial de sistemas de cableado aumentó fuertemente en aquel período, debido a los avances de tecnológicos con respecto a ordenadores personales y redes de comunicación de datos. El desarrollo de cables de par trenzado de altas prestaciones y la popularización de fibras ópticas, llevaron también a actualizaciones significativas en el estándar. Dichos cambios fueron reflejados en la revisión C en 2009 y posteriormente reemplazados con la serie D


title: TIA-568B

text: ANSI/TIA-568 normaliza un sistema de cableado estructurado para edificios comerciales, y para interconectar edificios de un mismo campus. Esto incluye tipos, conectores y terminaciones de los cables, distancias, arquitectura de cableado, rendimiento y características de instalación y métodos de prueba de la misma. El estándar actual, ANSI/TIA-568.0-D define los requisitos generales, mientras que ANSI/TIA-568.C-2 se enfoca en los componentes de los sistemas de par trenzado. ANSI/TIA-568.3-D adiciona los componentes de Fibra Óptica, y ANSI/TIA-568.4-D los de Cable coaxial


title: TIA-568B

text: El propósito de esta norma es el de proporcionar una serie de "prácticas recomendadas" para el diseño e instalación de sistemas de cableado que abarquen una amplia variedad de servicios, tanto existentes como futuros. Los desarrolladores comenzaron con la idea de proporcionar una vida útil de al menos 10 años. Este esfuerzo tuvo éxito hasta el momento, por ejemplo, la definición del cableado de categoría 5 en 1991 satisfizo los requisitos para 1000BASE-T lanzado en 1991.


title: TIA-568B

text: Todos estos documentos acompañan a estándares relacionados que definen caminos y espacios comerciales (569-A), cableado residencial (570-A), estándares de administración (606), tomas de tierra (607) y cableado exterior (758).


title: TIA-568B

text: El estándar define las categorías de par trenzado no blindado con distintos niveles de performance de ancho de señal, pérdidas por inserción y paradiafonía. Generalmente, incrementar el número de categoría implica mejores prestaciones (como por ejemplo, mayor velocidad de transmisión de datos). La edición de 1995 define las categorías 3, 4 y 5, excluyendo a las 1 y 2 ya que éstas sólo pueden ser utilizadas para la transmisión de voz y no de datos (referencia). La versión actual incluye: Categoría 5e (100 MHz), 6 (250 MHz), 6A (500 MHz), 7 (600MHz), y 8 (2,000 MHz).


title: TIA-568B

text: Se define una arquitectura jerárquica de un sistema de cableado, en el que una conexión cruzada principal se conecta a través de una red en estrella a través del cableado backbone a conexiones cruzadas intermedias (ICC) y conexiones cruzadas horizontales (HCC) Los diseños de telecomunicaciones tradicionales utilizaban topologías similares, por lo cual es común referirse a los conectores cruzados por sus antiguos nombres, tales como "marcos de distribución" (con las diversas jerarquías llamadas MDFs, IDFs y armarios de cableado). El cableado backbone se utiliza también para interconectar las instalaciones de entrada (como los puntos de demarcación de telecomunicaciones) a la conexión cruzada principal.


title: TIA-568B

text: Las conexiones cruzadas horizontales proporcionan un punto para la consolidación de todo el cableado horizontal, que como ya se mencionó, se extiende en topología estrella a áreas de trabajo individuales como cubículos y oficinas.  Según TIA/EIA-568B, la distancia máxima permitida del cable horizontal es de 90m, ya sea fibra óptica o par trenzado, y no pudiendo superar los 100m de longitud total máxima incluyendo los cables de conexión. Éstos no pueden tener más de 5 m.  Los puntos de consolidación opcional o puntos de transmisión están permitidos en cables horizontales, aunque muchos expertos de la industria desaniman de utilizarlos. En áreas de trabajo, los equipos están conectados al cableado horizontal mediante parches.


title: TIA-568B

text: El TIA/EIA-568 también define características y requisitos del cableado par instalaciones de entrada, habitaciones de equipos y de telecomunicaciones.


title: TIA-568B

text: La terminación T568A, es la adecuada para velocidades de transmisión de la red superiores a 100 Mbps.


title: TIA-568B

text: Tal vez una característica más conocida y discutida del TIA/EIA-568-B.1-2001 es la definición de las asignaciones pin/par para el par trenzado balanceado de 100 ohm para ocho conductores, como los cables UTP de Categoría 3, 5 y 6. Estas asignaciones son llamadas T568A y T568B y definen el "pinout", u orden de conexiones, para cables en RJ-45 ocho pines modulares y jacks. Estas definiciones consumen solo una de las 468 páginas de los documentos, una cantidad desproporcionada. Esto es debido a que los cables que están terminados con diferentes estándares en cada terminación no funcionarán correctamente.


title: TIA-568B

text: El TIA/EIA-568-B especifica los cables que deberían estar terminados utilizando las asignaciones pin/par del T568A, "u opcionalmente, por el [T568B] si fuera necesario acomodar ciertos sistemas de cableado de 8 pines." A pesar de esta instrucción, muchas organizaciones continúan implementando el T568B por varias razones, principalmente asociados con la tradición (el T568B es equivalente al AT&T 258A). Las recomendaciones de Telecomunicaciones Federales de los Sistemas de Comunicación Nacional de Estados Unidos no reconocen T568B.


title: TIA-568B

text: El color primario de los pares es: azul (par 1), naranja (par 2), verde (par 3) y marrón (par 4). Cada par consiste en un conductor de color sólido y un segundo conductor que es blanco con una línea del mismo color. Las asignaciones específicas de pares de pines de conectores varían entre los estándares T568A y T568B.


title: TIA-568B

text: Los estándares 568A y 568B tienen una gran cantidad de casos de uso, pero el estándar 568A parece ser el más común en las redes actuales.


title: TIA-568B

text: Respecto al estándar de conexión, los pines en un conector RJ-45 modular están numerados del 1 al 8, siendo el pin 1 el del extremo izquierdo del conector, y el pin 8 el del extremo derecho. Los pines del conector hembra (jack ) se numeran de la misma manera para que coincidan con esta numeración, siendo el pin 1 el del extremo derecho y el pin 8 el del extremo izquierdo.


title: TIA-568B

text: La asignación de pares de cables son como sigue:


title: TIA-568B

text: Nótese que la única diferencia entre T568A y T568B es que los pares 1, 2, 3 y 6 (Naranja y Verde) están alternados. Ambos estándares conectan los cables "directamente", es decir, los pines 1 a 8 de cada extremo se conectan con los pines 1 a 8, respectivamente, en el otro. Asimismo, los mismos pares de cables están emparejados en ambos estándares: pines 1-2, 3- 6, 4-5 y 7-8. Y aunque muchos cables implementan pequeñas diferencias eléctricas entre cables, estos efectos son inapreciables, de manera que los cables que utilicen cualquier estándar son intercambiables.


title: TIA-568B

text: Además esta norma debe ser utilizada para impedir la interferencia por señales electromagnéticas generadas por cada hilo, de manera que pueda aprovechar el cable a una mayor longitud sin afectar en su rendimiento, es decir a la mayor velocidad; por eso los cables de red deben ser resistentes a la interferencia externa, tales como las ondas electromagnéticas de impresoras, monitores, teléfonos, unidades de aire acondicionado u otros equipos eléctricos. Tal interferencia distorsiona la señal transmitida, ocasionando errores.


title: TIA-568B

text: Por eso también además se catalogan las conexiones bajo las categorías Cat 5, (inferior a 100Mbps) y Cat 6 (superior a 100Mbps); aunque ambos estándares de conexión de los pines, T568A y T568B, se utilizan para Cat 5 y para Cat 6, en ambos se utilizan los pares trenzados del cable para reducir las interferencias, pero el T568A tiene una mayor inmunidad; sin olvidar que el cable Cat 6 utiliza un mejor aislamiento y más vueltas del aislante.


title: TIA-568B

text: Otra fuente importante de interferencia es la señal de los otros hilos, adicional a utilizar la conexión de los pines T568A, el cable Cat 6 reduce esta interferencia separando los pares de cables con una tablilla de plástico que recorre toda la longitud del cable; pero en el conector Cat 6 tipo RJ-45, hay una especie de plantilla plástica para evitar el contacto de los cables dentro del conector, pero hay que tener cuidado tratando de desentorchar lo mínimo posible los pares (el cable), además de quitar el mínimo de forro/aislante necesario/posible.


title: TIA-568B

text: En el servicio T1, se utilizan los pares 1 y 3 y el jack USOC-8 es cableado según las especificaciones del RJ-48C. La terminación en jack Telco es frecuentemente cableada según RJ-48X, que proporciona un bucle de Transmisión-Recepción cuando la conexión está retraída.


title: TIA-568B

text: Los vendedores de cables a menudo cablean pines invertidos, p.ej. los pines 1 y 2 invertidos, o los pines 4 y 5 invertidos. Esto no tiene efecto en la calidad de la señal T1, que es completamente diferencial y utiliza el esquema de señalización AMI.


title: TIA-568B

text: Debido a que el cable 1 se conecta con los pines centrales (4 y 5) del conector RJ-45 en ambos estándares T568A y T568B, estos son compatibles en la primera línea de conectores RJ-11, RJ-14, RJ-25 y RJ-61 que tienen el primer par en el centro de estos conectores.


title: TIA-568B

text: Si la segunda línea de un conector RJ-14, RJ-25 o RJ-61 es usada, esta se conecta con el segundo par (naranja/blanco) de los conectores cableados a un T568A, mientras que el par 3 (verde/blanco) es usado en conectores cableados con el estándar T568B. Esto hace al estándar T568B potencialmente confuso en aplicaciones telefónicas.


title: TIA-568B

text: Si se requiere crear un cable cruzado (cuando las funciones de ambos equipos son iguales), por ejemplo para conectar dos PC punto a punto usamos las dos normas T568A y T568B: la A por un lado del cable y la B por el otro lado del cable.


title: TIA-568B

text: Si se requiere crear un cable directo (cuando las funciones de los equipos a conectar sean diferentes), por ejemplo para conectar un PC a un "hub switch", "router", Radio NanoStation, podemos usar cualquiera de las dos anteriores pero la misma configuración en ambas puntas del cable.


title: TIA-568B

text: La idea original en el cableado de conectores modulares, que se ve ejemplificado en los RJ-45, fue que el primer par iría en las posiciones centrales, el siguiente par en las siguientes y así. También, el blindaje de la señal estaría optimizado alterna


title: Lolita (novela)

text: Lolita es la novela más conocida del escritor de origen ruso, nacionalizado estadounidense, Vladimir Nabokov publicada por primera vez en 1955, que trata sobre la relación de un adulto de 40 años y su hijastra de 12 años.


title: Lolita (novela)

text: No exenta de polémica, es considerada por muchos críticos y académicos como una obra maestra de la literatura universal contemporánea y un clásico moderno.


title: Lolita (novela)

text: Entre los hechos que pudieron influenciar a Nabokov en su novela está el secuestro en 1948 de Florence Sally Horner, de 11 o 12 años, según algunas fuentes (aunque las noticias discrepan acerca de su edad, el apunte manuscrito de Nabokov refiere a la chica cuando fallece en un accidente automovilístico a la edad de 15 años) que fue secuestrada por un hombre de mediana edad.


title: Lolita (novela)

text: Según el escritor Martin Amis, "«Lolita no fue el primer libro en el que Nabokov escribió sobre menores corrompidas. De sus 19 ficciones, por lo menos seis se refieren a la sexualidad de niñas prepúberes.»"


title: Lolita (novela)

text: El libro contiene diferentes niveles de lectura, desde el relato romántico y erótico hasta el retrato de una sociedad autocomplaciente, así como temas sobre la moral y la perversión psicopatológica.


title: Lolita (novela)

text: La novela, publicada por una editorial erótica francesa, fue catalogada de pornográfica porque trata de la relación sexual entre un «depravado» y su hijastra.


title: Lolita (novela)

text: El propio Nabokov participó en la adaptación de la novela para la película homónima (1962) de Stanley Kubrick.


title: Lolita (novela)

text: El psicólogo ficticio John Ray, Jr. explica que recibió un manuscrito titulado «Lolita», o «La confesión de un viudo blanco» que está firmado con el seudónimo de Humbert Humbert, un autor que murió en la cárcel por una trombosis coronaria.


title: Lolita (novela)

text: Humbert es un profesor de literatura francesa que tiene una obsesión sexual por las niñas muchachas púberes. Viaja a los Estados Unidos, donde se casa con Charlotte Haze, viuda, aunque sólo la usa para poder estar cerca de su hija, Dolores (Lolita), de 12 años. Charlotte fallece y él queda a cargo de la menor, con quien entabla una relación de pareja. Durante dos años la mantiene en cautiverio viajando por todo el país, parando en hoteles de mala muerte y sin mandarla al colegio. Ambos mantienen relaciones sexuales durante ese periodo de dos años. Él se aprovecha de que ella está sola y huérfana de padre y madre y depende completamente de él. Ella quiere irse y Humbert amenaza con mandarla a un correccional. Ella se escapa con Quilty y posteriormente empieza a trabajar como camarera y conoce a Richard Schiller, con el que se casa. Al final de la novela, Lolita tiene 17 años y está casada, embarazada y pobre. Humbert la visita y le dice que aún la desea y quiere que deje a su marido por él. Ella se niega. Humbert insiste en saber con quién huyó Lolita años atrás. Esta le informa que fue con Quilty, y Humbert decide asesinarlo. La novela culmina con un episodio de violencia.


title: Lolita (novela)

text: Nabokov terminó "Lolita" el 6 de diciembre de 1953, cinco años después de comenzar la novela.


title: Lolita (novela)

text: Debido a su tema, Nabokov intentaba publicar la novela bajo un seudónimo (aunque el personaje anagramático de Vivian Darkbloom hubiera podido alertar a los lectores), pero el manuscrito fue rechazado por Viking, Simon & Schuster, New Directions, Farrar, Straus, y Doubleday. Después de estos rechazos se publicó en Francia por Maurice Girodias, el dueño de Olympia Press en París, pero la mayoría de los libros publicado por Olympia eran pornográficos. Sin saber esto, Nabokov firmó un contrato con Olympia bajo su nombre verdadero y a pesar de los avisos de Morris Bishop, su amigo en la Universidad de Cornell donde Nabokov trabajaba como profesor. Esta edición fue prohibida en Inglaterra y Francia.


title: Lolita (novela)

text: Se publicó por primera vez en los Estados Unidos en 1958 por G. P. Putnam's Sons. Nabokov también tradujo Lolita al ruso y fue publicada por Phaedra en Nueva York en 1967.El término "lolita" se ha popularizado para referirse a adolescentes consideradas muy seductoras, especialmente si son menores de edad. En el mercado de la pornografía, el término "lolita" se usa para describir niñas o adolescentes. El mismo Nabokov describía a Humbert como «una persona odiosa». En Japón se ha desarrollado el término "lolicon", para referirse al complejo de lolita y la obsesión por las niñas jóvenes, sobre todo en la ficción.


title: Lolita (novela)

text: El nombre de Lolita fue utilizado para llamar a la ropa interior, las copas de Martini y hasta un tipo de consolador.


title: Lolita (novela)

text: "Lolita" ha sido llevada a la pantalla grande en dos ocasiones, en el año 1962 por Stanley Kubrick (con James Mason, Shelley Winters, Peter Sellers y Sue Lyon) y en el año 1997 por Adrian Lyne (con Dominique Swain, Jeremy Irons y Melanie Griffith); aunque en la primera, debido a la censura de la época, elevando la edad de Lolita al inicio de la historia de 12 a 14 años.


title: Lolita (novela)

text: La cantante estadounidense Lana Del Rey hizo varias referencias en algunas de las canciones de su álbum Born To Die, estas fueron "Carmen", "Off To The Races", e inclusive hay una en especial que lleva el nombre "Lolita".


title: Lolita (novela)

text: El primer sencillo de la cantante francesa Alizée titulado Moi... Lolita está inspirado en la novela, en este caso, cantado desde el punto de vista de la menor. La letra de la canción habla de como es percibida como una joven sensual, rebelde y problemática y se excusa diciendo que "no es culpa suya si ella entiende todo lo que pasa a su alrededor". En el videoclip, la propia cantante (que por aquél entonces tenía 15 años de edad) es perseguida por un hombre adulto que proclama que la ama, y luego baila provocativamente en un club nocturno.


title: Bomba termobárica

text: Puede ocurrir una explosión aire-combustible accidentalmente a consecuencia de una Explosión de Vapor en Expansión por Líquido en Ebullición (BLEVE); por ejemplo, en la explosión de un tanque de gases licuados de petróleo. También son comunes las explosiones aire-combustible en silos de harinas vacíos, donde los restos de harina finamente pulverizada en suspensión pueden provocar una explosión.


title: Bomba termobárica

text: El término "termobárico" deriva de las palabras griegas “calor” y “presión”: "thermobarikos" (θερμοβαρικός), de "thermos" (θερμός), calor + "baros" (βάρος), peso, presión + sufijo "-ikos" (-ικός), sufijo "-ico".


title: Bomba termobárica

text: Algunos expertos hacen una distinción entre "arma termobárica" y "explosivo aire-combustible", estos últimos denominados panclastitas y usados en la Segunda Guerra Mundial. Basándose en los efectos principales deseados en cada caso, "termobárico" haría referencia a la convección de zonas cerradas o al desplazamiento de aire como objetivo principal del ingenio. Por otra parte, los explosivos "aire-combustible" se usarían como "limpiadores de zona", mediante un paradigma explosión-combustión, jugando un papel similar al de la bomba de racimo. Otras fuentes emplean el término "aire-combustible" aplicado al caso general, restringiendo "termobárico", según lo ya explicado, mientras que otros autores usan ambos términos indistintamente.


title: Bomba termobárica

text: La explosión puede aniquilar equipos y edificios reforzados; mata y daña a las personas próximas. El efecto antipersona de la onda explosiva es más letal en refugios excavados en el suelo, sobre personas con algún tipo de armadura o protección corporal y en espacios cerrados "rígidos", como cuevas, edificios y búnkeres.


title: Bomba termobárica

text: La sobrepresión ejercida en el interior de la explosión puede alcanzar los tres megapascales (3 MPa) (430 PSI) y la temperatura puede oscilar entre los 2500 ºC y los 3000 ºC. Fuera de la nube, la onda explosiva viaja a más de 3 km/s. Esta onda, al pasar, deja tras de sí el vacío. Este vacío es capaz de arrancar objetos que no estén sujetos. Sin embargo, como efecto más serio, el vacío arrastra el combustible no explosionado pero aún en combustión, causando una penetración del mismo en todos los objetos no herméticos dentro del radio de la explosión y produciendo su incineración instantánea. Pueden presentarse daños internos y asfixia en las personas que hayan quedado fuera de la zona de mayor efecto de la explosión; por ejemplo, en galerías o túneles profundos, a consecuencia de la onda explosiva, el calor y la subsiguiente extracción del aire debida al vacío.


title: Bomba termobárica

text: Los efectos producidos por explosivos aire-combustible (alta presión prolongada en el tiempo e impulso de calor) a menudo se asemejan a los de un arma nuclear de baja intensidad, pero sin los efectos colaterales causados por la radiación ionizante --aunque no es totalmente así; en todos los modelos actuales y previstos de armas nucleares con potencias por debajo del kilotón, predominan los efectos posteriores de las radiaciones, produciendo un calentamiento secundario-- una mínima cantidad de la carga nominal realmente se traduce en la explosión. Sin embargo el daño significativo ejercido por cualquiera de estas armas sobre la población objetivo es grande.


title: Bomba termobárica

text: Algunos de los combustibles empleados, tales como el óxido de etileno y el óxido de propileno, son altamente tóxicos. Un ingenio que utilice tales combustibles es muy peligroso incluso dándose el caso de que el combustible no llegara a encenderse, en cuyo caso se habría convertido básicamente en un arma química.


title: Bomba termobárica

text: El uso del lanzallamas en la guerra de trincheras durante la Primera Guerra Mundial podría constituir el primer uso de una "bomba de vacío" primitiva, ya que podía asfixiar a los soldados que se protegían de los efectos directos del arma dentro de un búnker o refugio. Otros efectos similares se observaron en el bombardeo de Dresde en la Segunda Guerra Mundial.


title: Bomba termobárica

text: Un explosivo aire-combustible muy común es el cóctel molotov, un arma incendiaria originaria de la guerra civil española, usada por el bando sublevado para atacar los tanques republicanos de origen soviético. El cóctel molotov es considerado una bomba termobárica de baja intensidad.


title: Bomba termobárica

text: En su forma actual, estos ingenios (luego llamados munición aire-combustible) se habrían desarrollado en la década de 1960 para ser empleados por los Estados Unidos durante la guerra de Vietnam, para destruir la red de túneles del Viet Cong, "despejar" zonas de jungla para el aterrizaje de helicópteros y "limpiar" campos minados. Sin embargo, no está claro que esto haya sido todo; particularmente la enorme bomba BLU-82 apodada "Daisy cutter" (en español cortamargaritas) que se lanzaba en paracaídas, bomba usada con este propósito, hace sospechar que haya sido tal arma, pero los detalles publicados al respecto indican que no lo era (aparentemente estaba cargada con una mezcla de nitrato de amonio y combustible de cohetes). Las bombas aire-combustible ciertamente existen en la literatura publicada en inglés, ya a mediados de la década de 1970.


title: Bomba termobárica

text: Las fuerzas armadas de la URSS también desarrollaron armas aire-combustible, incluyendo cabezas termobáricas para granadas propulsadas por cohete utilizables desde lanzadores manuales de campaña (RPO-A Shmel "Bumblebee"). Las fuerzas rusas cuentan con una gran cantidad de estas armas y consta que las utilizaron contra fuerzas de China en el conflicto fronterizo en 1969. Asimismo las han usado en Afganistán y en Chechenia.


title: Bomba termobárica

text: Israel ha desarrollado un sistema aire-combustible dirigido a la desactivación de campos minados. El sistema usa una pequeña carga termobárica transportada en un cohete que explota sobre el campo minado y activa las minas que están expuestas o enterradas. El sistema se ha diseñado para contextos de combate y misiones de paz. Debido a sus limitados efectos, no produce daños colaterales.


title: Bomba termobárica

text: En 2003, el Ejército de los Estados Unidos usó la versión termobárica de su sistema de asalto multipropósito (Shoulder-Launched Multipurpose Assault Weapon o SMAW-NE), en la invasión de Irak. Un equipo de infantería informó de que había destruido un gran edificio de albañilería de un perímetro de unos 91 metros. El explosivo termobárico usado en esta arma, PBXIH-135 o una variante, fue desarrollado en el Naval Surface Warfare Center (NSWC). Previamente se habían usado bombas con paracaídas BLU-118/B contra las fuerzas de Al-Qaeda y los talibán en Afganistán a primeros de marzo de 2002.


title: Bomba termobárica

text: Introducida en el conflicto de Afganistán, la granada de 40 mm XM1060 es tal vez la primera arma termobárica portátil desarrollada por Estados Unidos. Desarrollada y presentada en cinco meses por el Picatinny Arsenal, la XM1060 se entregó a las fuerzas estadounidenses en Afganistán el 30 de abril de 2003. La granada se diseñó para utilizarse en poco tiempo por escuadrones terrestres que estaban desplegados en el campo de batalla.


title: Bomba termobárica

text: En septiembre de 2007, Rusia hizo explotar satisfactoriamente la mayor bomba de vacío construida hasta la fecha, arrasando un bloque de apartamentos con un poder destructivo similar a una bomba nuclear. Rusia llamó a esta bomba el "Padre de todas las bombas" en respuesta a los desarrollos de los Estados Unidos de su bomba "Massive Ordinance Air Blast" (MOAB) que fue conocida como la "Mother Of All Bombs-Madre de Todas las Bombas", un arma de largo alcance guiada por satélite y que previamente se había presumido como el arma no-nuclear más poderosa de la historia. La bomba fue lanzada desde un bombardero Tu-160.


title: Bomba termobárica

text: A partir de 1983 se desarrolló en España un programa de investigación militar en el que colaboraron el Ministerio de Defensa (Dirección General de Armamento y Material, DGAM), Explosivos Alaveses (EXPAL) y Explosivos Río Tinto (ERT), con el objeto de desarrollar la BEAC (bomba explosiva de aire-combustible).


title: Bomba termobárica

text: El ministro de Defensa, Narcís Serra (en 1990) no descartó que España pudiera poseer una bomba explosiva aire-combustible (BEAC). Según informaciones periodísticaslos prototipos desarrollados habrían sido probados en una zona desértica de un tercer país (en Chile).Todavía esta en duda cuantas unidades podría tener España pero algunos generales del ejército creen que entre 30 y 80.


title: Bomba termobárica

text: La bomba termobárica brasileña TROCANO es un arma de destrucción masiva tan poderosa como una pequeña arma nuclear, pero sin contaminación radiactiva posterior.


title: Bomba termobárica

text: Brasil es el único país de América Latina que domina la tecnología de bombas termobáricas. Como la famosa y temida bomba FOAB rusa y la estadounidense MOAB, se lanza montada sobre un palé y empujada por la puerta trasera de un avión C-130 Hercules. Un paracaídas separa el palé, de modo que la bomba puede caer libremente. La bomba entonces se acelera rápidamente hasta llegar a su velocidad terminal.