title: Claudio Coello

text: Las desaparecidas pinturas del presbiterio de la iglesia de Santa Cruz, de fecha imprecisa pero de lo primero que pintó, todavía en casa de su maestro según Palómino, pusieron en contacto a Coello con José Jiménez Donoso, retornado de Italia algunos años atrás. Ambos colaboraron en una serie de decoraciones al fresco parcialmente conservadas en las que pusieron en práctica los principios de la quadratura puestos de moda con la llegada a Madrid de Angelo Michele Colonna y Agostino Mitelli. La primera de ellas podría haber sido la decoración de la capilla de San Ignacio en la iglesia del Colegio Imperial, promovida por los Borjas con motivo de la canonización de san Francisco de Borja (1671). Destruida al comienzo de la guerra civil (1936), en el saqueo e incendio de la que entonces era catedral de Madrid, queda tan solo de sus pinturas al fresco en muros y cúpula ovalada algún dibujo preparatorio y la descripción particularmente elogiosa de Antonio Palomino:


title: Claudio Coello

text: También aquí decoraron la bóveda de la sacristía, con historias de la vida de san Ignacio, igualmente destruidas, y Coello en solitario la cúpula y pechinas de la capilla del Santo Cristo, con ángeles pasionarios en la media naranja y medallones con profetas en grisalla en las pechinas, pinturas datadas por Elías Tormo en 1673, estas sí conservadas.


title: Claudio Coello

text: En agosto de 1672 Coello y Donoso contrataron las pinturas de la sala «donde sus Majestades concurrían para ver las fiestas de toros» en la Casa de la Panadería, rehabilitada tras el incendio sufrido ese mismo año, junto con las pinturas de la escalera y la antecámara, estas perdidas. El contrato estipulaba que las pinturas, hechas al temple según Palomino, debían estar concluidas antes de marzo de 1674 y por ellas los pintores recibirían 1000 ducados cada uno. Un boceto del «cielo raso para la Panadería de Madrid» pintado por Coello se conservaba en el Palacio del Buen Retiro, según el inventario de 1794. Lo pintado allí, como salón real, son las armas de la monarquía portadas por las alegorías de las Virtudes cardinales flotando entre ángeles trompeteros en el cielo, al que se abre una arquitectura fingida y medallones pintados en grisalla en los que se representan seis de los trabajos de Hércules, mítico fundador de la monarquía hispánica.


title: Claudio Coello

text: Semejante a este, aunque la arquitectura fingida se abre al cielo en forma ovalada, es el techo del vestuario o sacristía pequeña de la catedral de Toledo, con ángeles niños portando en vuelo el báculo y la mitra, pinturas por las que entre junio y agosto de 1674 cobraron Coello y Donoso 10000 ducados.


title: Claudio Coello

text: El 2 de marzo de 1674 contrató las pinturas del retablo que José Ratés estaba construyendo para la iglesia de San Juan Evangelista de Torrejón de Ardoz. El contrato estipulaba que las pinturas debían estar concluidas en agosto de 1675. Solo unos días después de firmado este contrato, el 14 de marzo, contrajo matrimonio en la iglesia de Santa Cruz con Feliciana de Aguirre Espinosa, hija de un alguacil. El matrimonio resultó desdichado. En noviembre de 1675 falleció Feliciana dejando un hijo de seis meses, Bernardino, que fue enviado a casa de unos parientes en San Sebastián de los Reyes, y en enero de 1678 Coello renunció a su herencia en favor de la madre de la difunta, «considerando los cortos medios con que queda».


title: Claudio Coello

text: El contrato para Torrejón de Ardoz establecía que para el cuerpo central del retablo debía pintar Coello el martirio de san Juan Evangelista en la tina de aceite hirviendo o "San Juan ante Portam Latinam", además de pintar una "Apoteosis de san Juan" de menor tamaño para el cuerpo superior y cuatro pinturas de asunto no especificado para la «custodia grande» y puerta del sagrario. La iglesia ardió en la guerra civil (1936) y con el incendio se perdió el retablo, pero se salvó la gran tela con el martirio del santo (595 x 300 cm) conservada ahora en la reconstruida iglesia. Se conocen además dos estudios previos que ayudan a entender el modo de trabajar de Coello, que comienza por una primera idea dibujada a lápiz con trazo rápido luego reforzado a pluma, con la que al tiempo se sugieren alternativas, hasta alcanzar el modelo definitivo para ser presentado a la aprobación del cliente, sobre el que dibujaba una cuadrícula para facilitar el traspaso al lienzo.


title: Claudio Coello

text: Firmadas en 1676 se conocen dos telas de procedencia ignorada: "Cristo y la Magdalena en casa de Simón" (colección privada), con obvios recuerdos de los venecianos y en especial de Veronés y Tintoretto en las amplias arquitecturas y los detalles anecdóticos que rodean la escena principal, y una de las varias versiones de la "Inmaculada" (Castres, Museo Goya). De 1677 solo una: "La aparición de la Virgen del Pilar a Santiago el Mayor" (San Simeón (California), Hearst San Simeon State Historical Monument). Es posible que en estos años se ocupase también en algunas de las numerosas pinturas que Palomino le atribuye en iglesias madrileñas de las que nada ha llegado, como las pechinas de la capilla de Santa María de los Siete Dolores en el colegio de Santo Tomás, para las que Sebastián de Benavente contrató en 1676 los marcos. También a estos años pueden corresponder los cuadros de "San Ignacio de Loyola" y "San Francisco Javier" pintados para la iglesia de Nuestra Señora de la Asunción de Valdemoro, que Palomino cita «del tamaño del natural», puestos a los lados de la puerta de la sacristía, conservados aunque faltos de documentación para determinar la fecha de su pintura.


title: Claudio Coello

text: Tres acontecimientos importantes en la vida de Coello ocurrieron en 1677: en febrero se vio envuelto en una reanudación del pleito que los pintores de Madrid sostenían contra la Hermandad de Nuestra Señora de los Siete Dolores por la obligación que tiempo atrás habían contraído los miembros del gremio de sacar en procesión la imagen de la Virgen por Semana Santa, lo que una mayoría de pintores acabó interpretando como incompatible con la dignidad de su oficio; en agosto contrajo segundas nupcias con Bernarda de la Torre, que residía en Madrid con unos tíos y aportó al matrimonio una modesta dote de 2000 ducados de vellón; por fin, en noviembre firmó con Pedro de Villafranca carta de pago por valor de 16 500 reales por la restauración de los frescos de la Sala de Batallas del Monasterio de El Escorial, trabajo que obtuvo gracias a la mediación de su amigo Juan Carreño de Miranda y que supuso el primer encargo directo de la corona.


title: Claudio Coello

text: María Luisa de Orleans, primera esposa de Carlos II, hizo su entrada en Madrid el 13 de enero de 1680. Los preparativos para la "joyeuse entrée" comenzaron no más tarde del 31 de agosto del año anterior, cuando se fecha el primero de los contratos, y en ellos participaron numerosos artistas, con una intervención destacada de Coello y de Donoso, a quienes Palomino atribuye haber tomado a su cargo no solo la pintura, sino también «las más trazas de esta función». También por Palomino se sabe que el ayuntamiento de Madrid había proyectado dar a la estampa una relación de los actos festivos, para lo que ya se habían hecho algunos grabados, aunque «por las intercadencias del tiempo y omisión de algunos de los señores comisarios, se fue olvidando». Se conservan, no obstante, dos relaciones impresas anónimas, una de ellas más completa redactada quizá por su impresor, Lucas Antonio de Bedmar y Valdivia, con el título "Descripción verdadera y puntual de la real, magestuosa, y pública Entrada, que hizo la Reyna Nuestra Señora Doña María Luisa de Borbón desde el Real Sitio del Retiro, hasta su Real Palacio, el sábado 13 de Enero deste año de 1680. Con la explicación de los Arcos, y demás Adornos de su memorable Triunfo". Sus descripciones han permitido identificar con esta entrada varios dibujos y cuatro grabados anónimos conservados en la Biblioteca Nacional, algunos de ellos relacionados con Coello: los que representan una parte de la "Galería de Reinos" que recorría la calle del Retiro, y el arco alzado en la Puerta del Sol, cuyo grabado se atribuye a Matías de Torres. Partiendo del Buen Retiro la comitiva se dirigió al Alcázar siguiendo el itinerario acostumbrado por San Jerónimo y Mayor. Hubo arcos en el Prado, Italianos, Puerta del Sol, Puerta de Guadalajara y Santa María y otros ornatos en el Retiro, donde hasta llegar al primer arco se dispuso una calle flanqueada de nichos y fuentes con estatuas que representaban los reinos de la monarquía hispánica y figuras mitológicas, San Felipe, plaza de la Villa y plaza de Palacio. De la intervención de Coello en estos decorados efímeros escribe Palomino: De la "Galería de los Reinos", en la que con Coello y Donoso intervinieron los arquitectos José Ratés y José Acedo, inspirado en los diseños de Rubens para la entrada del cardenal-infante don Fernando en Amberes, además de la estampa a la que aludía Palomino, se conocen dos dibujos de fuentes, "Fuente con dos figuras alegóricas" y "Fuente con Neptuno", ambos en la Biblioteca Nacional, y quizá una "Fuente con Diana" (Academia de San Fernando), desnudo femenino atribuido de antiguo a Coello, inspirado en la "Afodita agachada" de Doidalsas de Bitinia, sobre una taza ornamental de dudoso destino. No se ha conservado en cambio el grabado del arco del Prado, contratado por Coello el 1 de septiembre, pero gracias a la "Descripción" impresa por Bedmar puede reconocerse como perteneciente a él un dibujo de Coello conservado en los Uffizi de Florencia que muestra a "Júpiter sojuzgando a Madrid", amorcillos, una representación del Genio —protector en el mundo clásico de las ciudades y de los matrimonios—, el Alcázar de Madrid y un soneto:


title: Claudio Coello

text: Pintura que figuraba en el lienzo principal de la fachada posterior del arco, dando al convento de los capuchinos, entre esculturas de la Providencia, Camoens, Lope de Vega y una alegoría de las "cuatro partes del Mundo".


title: Claudio Coello

text: Para recibir a la nueva reina se procedió además a redecorar las habitaciones que había de ocupar en palacio, por lo que se encargó a Coello junto con Donoso y Matías de Torres la pintura de la bóveda del llamado Cuarto de la reina, aunque en esta ocasión debían sujetarse a los modelos que, como pintor del rey, les proporcionó Francisco de Herrera el Mozo, cuyos asuntos de desconocen.


title: Claudio Coello

text: Pasados los festejos conmemorativos Coello debió de volver a sus trabajos al óleo y al fresco para iglesias y conventos aunque escasean los documentos y las obras firmadas para estos años. Pudiera estarlo la "Virgen del Socorro" del monasterio benedictino de San Martín Pinario en Santiago de Compostela, aunque la fecha aparente de la firma (1618) se ha interpretado como 1681 o como 1678. En 1682 se fecha el gran lienzo de altar del "Éxtasis de santa María Magdalena" en la iglesia de Santa María Magdalena de Ciempozuelos (Madrid), en el que el pintor parece rendir homenaje al cuadro del mismo asunto de José de Ribera ahora en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. También pudieran corresponder a este momento los perdidos frescos de las iglesias madrileñas de los Trinitarios Calzados y de San Basilio, en colaboración con Donoso, y los óleos de "El martirio de San Plácido" y "El matrimonio místico de santa Gertrudis" pintados para el monasterio bendictino de la Encarnación en Corella (Museo de Arte Sacro de Corella, Navarra), al que se había trasladado la madre Paula Manuela de la Ascensión, que había sido abadesa del convento de San Plácido cuando Coello trabajaba en él. Una "Inmaculada Concepción" conservada en la clausura del convento de Agustinas Recoletas de La Calzada de Oropesa debió de pintarse también en estos años, según se desprende de un documento algo confuso fechado en 1683 por el que Coello, Donoso y Ratés se oponían a la pretensión de la priora del convento que reclamaba el cuadro pintado por Coello, según decía este por encargo de José de Acedo. Lo confirma el testamento de Acedo, fallecido en febrero de 1683, en el que declaraba haber encargado a Coello tres pinturas, dos de ellas por cuenta del convento, que no había terminado de pagar. Su esbelta figura y dinámica silueta es la característica de la abundante producción inmaculadista de Coello, de la que se puede destacar la firmada del Tribunal Supremo.


title: Claudio Coello

text: El 30 de marzo de 1683 fue nombrado pintor del rey en la vacante que dejaba Dionisio Mantuano, sin gajes, que no percibiría hasta dos años más tarde, pero obligado al pago de la media annata. Ya como pintor del rey firmó la bella "Santa Catalina de Alejandría" del Museo Wellington en la que conjuga modelos y colores de Guido Reni con los de Anton van Dyck. Sin embargo no permaneció mucho tiempo en Madrid. Tras bautizar el 1 de agosto a su hijo Cristóbal Juan marchó a Zaragoza para hacerse cargo de la decoración de la iglesia del colegio de agustinos recoletos de Santo Tomás de Villanueva, conocida popularmente como de la Mantería. Allí trabajó hasta 1685 en la pintura de los muros, de la que nada queda, y en las seis cúpulas del templo, con sus tambores y pechinas, contando con la ayuda del recién regresado de Roma Sebastián Muñoz, que había sido su discípulo antes de marchar a Italia para completar su formación en el taller de Carlo Maratta. Centradas en la figura de santo Tomás de Villanueva y en la exaltación de la Orden de San Agustín entre arquitecturas fingidas, guirnaldas y angelotes, las pinturas han llegado en mal estado de conservación, habiendo sufrido una agresiva restauración en 1950 y el derrumbe de una de sus cúpulas en 2001.


title: Claudio Coello

text: De aceptarse la secuencia cronológica propuesta por Palomino, al volver de Zaragoza «ejecutó el gran cuadro de Santo Domingo, con Nuestra Señora del Rosario, que está en la iglesia del convento de este nombre (que vulgarmente llaman "el Rosarito", en la calle Ancha de San Bernardo de esta Corte) y está colocado en el presbiterio, al lado del Evangelio». El cuadro, ahora conservado en el museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde ingresó en 1818, mantiene algo simplificada la composición en tres niveles de la "Anunciación" de San Plácido, con el santo en posición intermedia, en lo alto de una escalinata por la que asciende el perro con el hachón o vela encendida como atributo del santo, y recibiendo el rosario de manos de la Virgen con el Niño a los que Domingo presenta algunos devotos arrodillados a sus pies. El asunto, desarrollado en un lienzo de enormes proporciones, se organiza en torno a una poderosa línea diagonal, contrarrestada por las líneas verticales de la escalinata y las horizontales del fondo arquitectónico. Para el mismo convento madrileño pintó también según Palomino otros cuatro cuadros para los altares colaterales, aunque ya en su tiempo habían sido desplazados a otras dependencias del convento: "San Jacinto" y "Santa Catalina de Siena", no conservados, y los que llama «colaterales antiguos»: "Santo Domingo de Guzmán" y "Santa Rosa de Lima", ahora en el Museo del Prado en el que ingresaron procedentes del Museo de la Trinidad, formado con obras de los conventos desamortizados. Con un recurso semejante al empleado en la "Virgen del Socorro" de la iglesia de San Martín Pinario, justificado en este caso por tratarse del retrato de una imagen de bulto muy venerada en monasterios benedictinos, Coello coloca a los santos sobre peanas voladizas y con un punto de vista muy bajo, como si de estatuas se tratara, cobijados bajo un tramo de arquitectura abovedada con cortinajes pero abierta al fondo a un paisaje intensamente iluminado con el que rompe la apariencia de nicho y da vida a las monumentales figuras.


title: Claudio Coello

text: En agosto de 1685, a los pocos días de morir Francisco Rizi, se le asignó un salario como pintor del rey. También debió de ser en ese momento cuando se le encomendase la pintura de la "Adoración de la Sagrada Forma" en la que había comenzado a trabajar Rizi con destino a la sacristía del monasterio de El Escorial. No debió de gustar a Coello lo que había empezado su maestro, según cuenta Palomino, pues encontró que el punto de vista era muy elevado, por lo que «hubo de bajarle, y hacer nueva composición, de que hizo un borroncillo admirable». El lienzo es, entre otras cosas, un retrato de grupo con ocasión de la exposición de la Sagrada Forma oficiada por el padre Francisco de los Santos, prior del monasterio, en presencia del rey Carlos II y los miembros de la corte, lo que obligó a Coello a hacer retratos de todos los participantes en la ceremonia. Palomino, que no había hecho ninguna mención anterior a retratos pintados por Coello, dirá por tal motivo que fue un cuadro «de increíble trabajo y estudio». Los retratos de Carlos II, algo idealizado, y del padre Santos en el castillo de Nelahozeves (Chequia), aunque muy acabados, se han interpretado en ocasiones como estudios preparatorios para el cuadro de El Escorial con el que también se relaciona el retrato del duque de Medinaceli del Museo Nacional de Arte de Cataluña, el personaje que en la composición de El Escorial aparece inmediatamente detrás del rey, aunque en el retrato individual se presente ante un fondo de paisaje. El escenario donde se desarrolla la ceremonia es la misma sacristía en la que cuelga el cuadro. Su colocación en el altar de la pared del mediodía supuso el desplazamiento de la "Perla" de Rafael del lugar privilegiado que le había asignado Velázquez. Se identifican algunas de las pinturas que cuelgan de los muros —el "Lavatorio" de Tintoretto y "La Virgen con el Niño entre san Antonio de Padua y san Roque" de Tiziano, ahora en el Prado, y "Cristo y la mujer adultera" de Anton van Dyck, conservada en el Hospital de la Venerable Orden Tercera—, pinturas efectivamente localizadas en su momento en la sacristía escurialense y en los mismos lugares que ocupan en la "Sagrada Forma", pero Coello no intentó crear efectos de perspectiva ilusionista. El "realismo" de la pintura se interrumpe, por otra parte, en su parte superior, donde vuelan las alegorías de la Religión, el Amor Divino y la Majestad Real según la "Iconología" de Cesare Ripa y unos amorcillos juguetean sobre una cortina recogida, como si del telón de un escenario teatral se tratara.


title: Claudio Coello

text: El 31 de diciembre de 1685 juró el cargo de pintor de cámara vacante por muerte de Juan Carreño de Miranda. Si, como dice Palomino, el nombramiento premiaba el retrato del rey hecho durante una visita del monarca al monasterio, ha de tratarse de uno de aquellos estudios previos, de los que se conoce alguna otra copia, pues Coello trabajó en la "Sagrada Forma" hasta 1690, cuando la firmó ya como pintor de cámara. Es en ese cargo cuando se ocupó de pintar algunos retratos y «otras cosas de la obligación de su empleo: como en reparar, y limpiar las pinturas, que estaban muy deterioradas del humo de las luces, y tomadas del tiempo». Consta por Palomino que retrató a la reina madre, Mariana de Austria (Múnich, Alte Pinakothek y Barnard Castle, Bowes Museum) y a Mariana de Neoburgo, segunda esposa de Carlos II (perdido). Por encargo de esta última, a cuya colección perteneció, podría haber pintado el retrato del "Padre Cabanillas", religioso franciscano, de bulto largo (Museo del Prado). El de "Nicolasa Manrique" (Madrid, Instituto Valencia de don Juan), atendiendo a la edad de la retratada, ha de ser 1690 o poco más tarde, momento al que también han de pertenecer, por la moda en el vestuario, el "Retrato de una joven" del Museo Goya de Castres y el retrato de "Doña Teresa Francisca Mudarra y Herrera", esposa de Juan de Larrea, secretario de Estado y del Despacho Universal de Carlos II (Museo de Bellas Artes de Bilbao), con los refinados toques de elegancia y lujo característicos del retrato cortesano del momento.


title: Claudio Coello

text: Como parte de sus funciones de pintor de cámara, en 1686 fue llamado a pintar al fresco los techos del remodelado cuarto de la Reina en la Galería del Cierzo del Real Alcázar. El tema elegido fue el de la fábula de Psique y Cupido. Coello trazó las líneas básicas de la arquitectura fingida y la ornamentación de los marcos y proporcionó los modelos de las historias, pero al poco de empezar retornó a El Escorial para continuar con la pintura de la "Sagrada Forma" dejando a cargo de los frescos a Palomino. En septiembre de 1688 todavía cobró algunas cantidades por estas pinturas, conforme a lo ordenado por la propia reina, María Luisa de Orleans. Pero a su muerte, en febrero de 1689, el proyecto de catafalco para las exequias fúnebres presentado por Coello fue postergado frente al de Churriguera.


title: Claudio Coello

text: Tras la "Adoración de la Sagrada Forma" no se tienen noticias precisas de trabajos hechos para la corte. Aunque unos días después de muerto su viuda cobró por cinco retratos que le había encargado Mariana de Neoburgo, segunda esposa de Carlos II, en los preparativos para su entrada en Madrid no había participado y la llegada a España de Luca Giordano en 1692 para pintar al fresco la escalera del monasterio de El Escorial le causó una profunda decepción.


title: Claudio Coello

text: Por el contrario, no debió de faltarle el trabajo para iglesias y conventos sobre todo de fuera de Madrid. En enero de 1691 escribió al padre Matilla del convento de San Norberto de Madrid disculpándose por haber interrumpido un trabajo, del que no se tiene otra noticia, a causa de su mala salud. También en 1691 fue nombrado pintor de la catedral de Toledo y firmó «» la "Coronación de la Virgen" del remate del retablo mayor de la iglesia parroquial de La Calzada de Oropesa, de formato trapezoidal por adaptarse al cascarón del ábside, flanqueada por otros dos lienzos con ángeles músicos también de su mano. No hay seguridad, sin embargo, de que fuese también suyo el lienzo de gran formato de la "Asunción de la Virgen" que ocupaba el cuerpo principal de ese retablo, incendiado en la guerra civil (1936) y sustituido por una modesta copia a partir de fotografías, que podría haber sido pintado por Donoso. El mismo año firmó el "San Juan de Sahagún" pintado para el desaparecido convento de San Agustín de Salamanca junto con un "Santo Tomás de Villanueva", conservados ambos en la iglesia del Carmen de Abajo de aquella ciudad. Conforme al relato de Palomino, lo último que acabó fue "El martirio de San Esteban" —que a algunos parecía poco martirio— pintado por encargo de fray Pedro Matilla, confesor del rey, para ser colocado en lo alto del retablo mayor de la iglesia de San Esteban de Salamanca, obra de José Benito de Churriguera. Acabado el cuadro, contaba el biógrafo cordobés, con sus brillantes colores se expuso en palacio donde lo vio Luca Giordano, «a quien pareció muy bien; y con razón, porque es excelentísimo cuadro». Testimonio del inmediato éxito de la pintura es también la existencia de una buena copia, pintada probablemente en el propio taller de Coello, en el retablo mayor, también de los Churriguera, de la iglesia parroquial de San Esteban de Fuenlabrada.


title: Claudio Coello

text: Coello otorgó poder a su esposa el 15 de abril de 1693 para que dictase su testamento conforme a lo que tenían hablado y murió cinco días más tarde, siendo enterrado en su parroquia de San Andrés. Dejaba por herederos a sus hijos Bernardino, nacido del primer matrimonio, y Juan Cristóbal, a quien daba tratamiento de don quizá por ser sacerdote, Miguel, Tomás, Juana, Felipa y Manuela, estas dos últimas de tres y un año respectivamente. El inventario que se hizo de sus bienes incluía una colección de pinturas formada por 180 entradas de cuya tasación se encargaron Teodoro Ardemans y Manuel de Castro, discípulos ambos de Coello. Buena parte debían de ser los modelos y bocetos de sus propios cuadros junto a un significativo número de copias de Rubens, Tiziano, Veronés, Van Dyck y Velázquez (retrato de una niña). Pinturas religiosas y retratos estaban bien representadas, pero también guardaba pinturas de géneros de los que no hay constancia que cultivase, como paisajes, bodegones, floreros y pequeños cuadros de asunto mitológico.


title: Cine de terror

text: El cine de terror es un género cinematográfico que se caracteriza por su voluntad de provocar en el espectador sensaciones de pavor, terror, miedo, disgusto, repugnancia, horror, incomodidad o preocupación. Sus argumentos frecuentemente desarrollan la súbita intrusión en un ámbito de alguna fuerza, evento o personaje de naturaleza maligna o celestial, a menudo de origen criminal o sobrenatural. En los cines de terror es donde se produce una sensación de miedo o temor sobre las distintas causas que genera un determinado personaje o actor no profesional.


title: Cine de terror

text: El cine de horror nació junto con el mismo cine. Los hermanos Lumière rodaron en 1896 la cinta L'arrivée d'un train à La Ciotat ("La llegada del tren"). En esta película, como su nombre indica, únicamente se mostraba la llegada de un tren; sólo que, dado que el cine era un invento desconocido para la mayoría de los espectadores, estos creían que el tren se iba a salir literalmente de la pantalla para arrollarlos; los primeros espectadores de la cinta gritaban y escapaban de la sala aterrorizados.


title: Cine de terror

text: La primera cinta considerada de terror fue "La mansión del diablo", dirigida e ideada por Georges Méliès, se estrenó el 24 de diciembre de 1896, en París. Esto dio paso a todo el cine de terror. Durante esta era del cine primitivo, Francia se posicionó como la gran realizadora de antecedentes de este género. Louis Lumière realiza en 1897 "Le squelette joyeux"; Georges Méliès, además de la ya mencionada "La mansión del diablo", dirige "El Diablo en el convento" (1899) y "El diablo negro" (1905); la pionera en cine hecho por mujeres, Alice Guy es la responsable del filme "Faust et Méphistophélès" (1903); a Gaston Velle se le debe "La Peine du talion" (1906); el español aragonés Segundo de Chomón realiza "La casa encantada" (1907), "Satán se divierte" (1907) y "El hotel eléctrico" (1908) entre muchísimos cortometrajes más que se realizaron en Francia. Pero la que muchos consideran como la primera película deliberada de terror fue realizada en 1910 por J. Searle Dawley para los Edison Studios (en Estados Unidos). Se trató de la primera adaptación de la novela de Frankenstein.


title: Cine de terror

text: En esta época del cine mudo, Alemania cultivó una serie de películas tan espeluznantes como artísticas e influyentes en el cine de terror universal, muchas de ellas influenciadas por la pintura expresionista. Podríamos destacar: "El estudiante de Praga" (1913) de Paul Wegener y Stellan Rye; "Homunculus" (1916) de Otto Rippert; "Los ojos de la momia" (1918) de Ernst Lubitsch; "El Golem" (1920) de Carl Boese y Paul Wegener; "El gabinete del doctor Caligari" (1920) de Robert Wiene; "El castillo encantado" (1921) de F.W. Murnau; "Der müde Tod" (1921) de Fritz Lang; "Nosferatu, eine Symphonie des Grauens" (1922) de F.W. Murnau, con Max Schreck en el papel del vampiro; "Las manos de Orlac" (1924) de Robert Wiene; "Fausto" (1926) de F.W. Murnau; y ya a principios del sonoro: "M" (1931) de Fritz Lang; "Vampyr" (1932) del danés Carl Theodor Dreyer y "El testamento del Dr. Mabuse" (1933) de Fritz Lang. Este tipo de cine germánico tendría posteriormente algunos homenajes como la película "" (1979) de Werner Herzog, con Klaus Kinski en el papel de Nosferatu, o la británica "La sombra del vampiro" (2000) de E. Elias Merhige, en la que Willem Dafoe interpreta a Max Schreck en el rodaje de Nosferatu, siendo este un vampiro auténtico. Dentro del cine germánico también sería interesante destacar la sueca "Körkarlen" (1921) de Victor Sjöström y la danesa "Häxan" (1922) de Benjamin Christensen.


title: Cine de terror

text: En los años 20, Estados Unidos gestaría un cine de terror que tendría su explosión en los años 30, del cual podríamos destacar: "Dr. Jekyll and Mr. Hyde" (1920) de John S. Robertson, adaptación de "El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde" de Robert Louis Stevenson, protagonizada por John Barrymore; "El legado tenebroso" (1927), "El teatro siniestro" (1929) y "El hombre que ríe" (adaptación del libro homónimo de Víctor Hugo) (1928) del alemán Paul Leni y "El mago rojo" (1929) del húngaro Paul Fejos (las dos últimas películas nombradas protagonizadas por Conrad Veidt). Lon Chaney se consolidaría en el cine mudo como especialista en interpretar a personajes deformes. Especialmente terrorífica es su interpretación de Quasimodo y del fantasma, respectivamente, en: "El jorobado de Notre Dame" (1923) (adaptación de "Nuestra Señora de París" de Víctor Hugo) de Wallace Worsley y "El fantasma de la ópera" (1925) (adaptación de la obra homónima de Gastón Leroux) de Rupert Julian. Precisamente en esta época empezó con el género uno de los considerados mejores directores del cine de terror: Tod Browning con: "Garras humanas" (1927) y "La casa del horror" (1927) ambas protagonizadas por Lon Chaney. Seguiría su carrera con la obra maestra de la Universal Pictures "Drácula" (1931), "Freaks" (1932), "La marca del vampiro" (1935) y "Muñecos infernales" (1936), todas estas últimas, así como "Garras humanas" y "La casa del horror", de la productora MGM.


title: Cine de terror

text: En los años 30 la Universal Pictures se especializó en cine de terror, especialmente "monster movies" de estilo gótico e influenciado por el cine expresionista. Estas serían algunas de las películas más destacadas de esta corriente:A partir de finales de los años 40 las películas de terror de la Universal entraron en decadencia, prueba de ello es la película paródica de Bud Abbott y Lou Costello "Abbott and Costello Meet Frankenstein", a partir de entonces el cine de terror de la Universal se decantaría bien por parodias del "antiguo" cine de terror gótico con Abbott y Costello, bien por un cine de terror más próximo a la ciencia ficción, como lo demuestran las películas de Jack Arnold, John Sherwood o Virgil W. Vogel. Hay que mencionar obligatoriamente a los tres grandes iconos de la Universal: Béla Lugosi, Boris Karloff y Lon Chaney Jr.


title: Cine de terror

text: El primero reconocido por Drácula, aunque solo ha interpretado ese papel en "Drácula" de Tod Browning y en "Abbott and Costello Meet Frankenstein", aunque sí que ha interpretado a otros vampiros en "La marca del vampiro" y en "El regreso del vampiro" (Columbia Pictures) (1944) de Lew Landers; a Igor en "Son of Frankenstein" y "El fantasma de Frankenstein"; al monstruo de Frankenstein en "Frankenstein y el Hombre Lobo" y otros papeles en "Satanás", "El cuervo", "El castillo de los misterios" (1940) de David Butler, "The Body Snatcher" (1945) de Robert Wise (basado en el cuento "El ladrón de cadáveres" de Robert Louis Stevenson) (estas cuatro, junto con Boris Karloff), "El hombre lobo" y en la película independiente, considerada como la primera película de zombis "White Zombie" (1932) de Victor Halperin. Al final de su carrera actuó en "Glen o Glenda" (1953), "La novia del monstruo" (1955) y "Plan 9 del espacio exterior" (1959) del autodenominado peor director de la historia: Ed Wood.


title: Cine de terror

text: En cuanto a Boris Karloff, ha interpretado al monstruo de Frankenstein en "Frankenstein", "La novia de Frankenstein" y "Son of Frankenstein", a la momia en "La momia", a Fu-Manchú en "La máscara de Fu-Manchú" (1932) de Charles Brabin y otros papeles en "El caserón de las sombras", "The Sea Bat" (1930) de Wesley Ruggles, "Los muertos andan" (1936) de Michael Curtiz y "El terror" (1963) de Roger Corman.


title: Cine de terror

text: Por último, Lon Chaney Jr.  ha interpretado al hombre lobo en "El hombre lobo", "Frankenstein y el hombre lobo", "House of Frankenstein", "La mansión de Drácula" y "Abbott and Costello Meet Frankenstein", así como al monstruo de Frankenstein en "El fantasma de Frankenstein", al conde Drácula en "Son of Dracula", a la momia en "La tumba de la momia", "El fantasma de la momia" y "La maldición de la momia" y otros papeles en "The Haunted Palace" (1963) de Roger Corman. Otros actores no tan icónicos pero destacables son John Carradine (el conde Drácula en "House of Frankenstein" y "La mansión de Drácula") y Glenn Strange (monstruo de Frankenstein en "House of Frankenstein", "La mansión de Drácula" y "Abbott and Costello Meet Frankenstein").


title: Cine de terror

text: No solo la Universal cultivó el cine de terror en los Estados Unidos. La RKO Radio Pictures realizó importantes cintas de terror: "King Kong" (1933) de Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack, la mencionada "El castillo de los misterios", "Cat People" (1942), "The Leopard Man" (1943) y "Yo anduve con un zombie" (1943) de Jacques Tourneur o "The Thing from Another World" (1951) de Christian Nyby. También algunas películas interesantes pertenecen a MGM, Monogram Pictures o a Paramount Pictures.


title: Cine de terror

text: En los años 50, los monstruos clásicos como Frankenstein, Drácula o la momia estaban en decadencia y eran sustituidos por el llamado cine de terror de la Guerra Fría: ciencia-ficción, aliens, mutaciones radioactivas e invasiones catastróficas y apocalípticas. Si bien hubo alguna excepción como "House of Wax" (1953) de André de Toth (remake de "Los crímenes del museo" (1933) de Michael Curtiz) protagonizada por Vincent Price, en general todo indicaba a pensar que las "monster movies" góticas eran un subgénero acabado. La productora británica Hammer Productions, fundada en 1934 por James Carreras, inició su tendencia hacia el terror en 1955 con una película de ciencia-ficción: "El experimento del doctor Quatermass" de Val Guest, si bien no fue hasta 1957 con "La maldición de Frankenstein" de Terence Fisher cuando empezaron a revivir a los monstruos míticos. Gran Bretaña no perdió la virginidad en cine de horror con la Hammer Productions, el país ya había abrazado el género en muchas películas, entre ellas: "" (1936) de George King; "Al morir la noche" (1945) de Robert Hamer, Charles Crichton, Basil Dearden y Alberto Cavalcanti; "La dama blanca (Reina de espadas)" (1949) de Thorold Dickinson y "La noche del demonio" (1957) de Jacques Tourneur. Influenciada por la Universal Pictures y algo más explícita que ésta, debido en parte al uso del color, la Hammer Productions nos legó una serie de magníficas películas, donde destacan las estrellas Peter Cushing y Christopher Lee, interpretando normalmente a protagonista y antagonista respectivamente. Gran parte de las películas de la productora británica son:


title: Cine de terror

text: Claramente podemos observar que los directores más recurrentes en las "horror movies" de la Hammer Productions son Terence Fisher, Roy Ward Baker y Freddie Francis, pero es necesario saber que estos dos últimos no solo trabajaron para la Hammer, también realizaron películas para otra productora inglesa especializada en el género: la Amicus Productions. Freddie Francis realizaría para esta productora: "Dr. Terror's House of Horrors" (1965), "La maldición de la calavera" (1965), "The Psychopath" (1966), "Picadura mortal" (1967), "Invasores del otro mundo" (1967), "Torture Garden" (1967) y "Tales from the Crypt" (1972); mientras que Roy Ward Baker dirigió "Asylum" (1972), "The Vault of Horror" (1973), "And Now the Screaming Starts!" (1973) y "El club de los monstruos" (1980) y al director Kevin Connor se le deben "Cuentos de ultratumba" (1974), "The Land That Time Forgot" (1975), "En el corazón de la Tierra" (1976) y "Viaje al mundo perdido" (1977). Por último, en lo que a cine de terror británico se refiere no estaría de más mencionar la productora Anglo Amalgamated y la película de la British Lion Film Corporation: "The Wicker Man" (1973) de Robin Hardy.


title: Cine de terror

text: En una época más contemporánea, los clásicos vampiros y hombres lobos se han mantenido más o menos vigentes en las pantallas de cine, aunque apartándose normalmente del estilo gótico clásico. Lo demuestran películas como las británicas "The Fearless Vampire Killers" (1967) de Roman Polanski y "El ansia" (1983) de Tony Scott; "Noche de miedo" (1985) de Tom Holland; "The Lost Boys" (1987) de Joel Schumacher; "Drácula, de Bram Stoker" (1992) de Francis Ford Coppola; la mexicana "La invención de Cronos" (1993) de Guillermo del Toro; "Entrevista con el vampiro" (1994) de Neil Jordan; "From Dusk Till Dawn" (1996) de Robert Rodríguez; "Vampiros" (1998) de John Carpenter; las suecas "Låt den rätte komma in" (2008) de Tomas Alfredson y "Vampyrer (Not Like Others)" de Peter Pontikis, del mismo año; la coreana "Thirst" (2009) de Park Chan-Wook; "Yo fui un hombre lobo adolescente" (1957) de Gene Fowler; la británica "La leyenda de la bestia" (1975) de Freddie Francis; "Un hombre lobo americano en Londres" (1981) de John Landis; "Aullidos" (1981) de Joe Dante; la británica "The Company of Wolves" (1984) de Neil Jordan; "Silver Bullet" (1985) de Dan Attias (basada en la obra "El ciclo del hombre lobo" de Stephen King); la canadiense "Ginger Snaps" (2000) de John Fawcett; la británica "Dog Soldiers" (2002) de Neil Marshall y algunas paródicas como la película blaxploitation "Drácula negro" (1972) de William Crain; la hispano-cubana "Vampiros en La Habana" (1985) de Juan Padrón; "Un vampiro suelto en Brooklyn" (1995) de Wes Craven; "" (1995) de Mel Brooks y "Teen Wolf" (1985) de Rod Daniel. En la misma línea que "Drácula, de Bram Stoker", encontraríamos otra nueva versión de un mito importante: "Frankenstein de Mary Shelley" (1994) de Kenneth Branagh con el propio Branagh interpretando al doctor Victor Frankenstein y a Robert De Niro como el monstruo.


title: Cine de terror

text: El cine de terror de ciencia-ficción, muchas veces ligado al cine catastrófico o apocalíptico o al cine de extraterrestres, se puso de moda en los 50, y (dejando de lado las películas de la Universal Pictures ya vistas, dirigidas por Jack Arnold, entre otros) una de sus principales figuras fue Roger Corman, director de serie B (películas de bajo presupuesto) especializado en la adaptación, libre y colorista, de relatos de Edgar Allan Poe: "La caída de la casa Usher" (1960), "Pit and the Pendulum" (1961), "La obsesión" (1962), "Tales of Terror" (1962), "El cuervo" (1963), "La máscara de la muerte roja" (1964) y "La tumba de Ligeia" (1964); así como de una adaptación de un cuento de H.P. Lovecraft, "El palacio de los espíritus" y de algunas películas de serie B normalmente relacionadas con la ciencia ficción como "It Conquered the World" (1956), "Emisario de otro mundo" (1957), "Attack of the Crab Monsters" (1957), "La mujer avispa" (1959), "El monstruo del mar encantado" (1961) y "El hombre con rayos X en los ojos" (1963). El técnico de efectos especiales Ray Harryhausen fue un personaje imprescindible en lo que al cine catastrófico y de monstruos gigantes se refiere. Influenciado por King Kong realizaría una serie de películas destacables: "El gran gorila" (1949) de Ernest B. Schoedsack, "The Beast from 20,000 Fathoms" (1953) de Eugène Lourié, "It Came from Beneath the Sea" (1955) de Robert Gordon, "Earth vs. the Flying Saucers" (1956) de Fred F. Sears, "La bestia de otro planeta" (1957) de Nathan Juran y la película de dinosaurios "El valle de Gwangi" (1969) de Jim O'Connolly.


title: Cine de terror

text: Otras películas destacadas de la época son: "The Day the Earth Stood Still" (1951) de Robert Wise, "La guerra de los mundos" (1953) de Byron Haskin (basado en la novela homónima de H.G. Wells), "Them!" (1954) de Gordon Douglas y "Invasion of the Body Snatchers" (1956) de Don Siegel. La mixtura de terror y ciencia ficción transitada en literatura por H. P. Lovecraft, reaparece a finales de los 70 con la versión de la última cinta mencionada "Invasion of the Body Snatchers" (1978) de Philip Kaufman y la excelente "" (1979), de Ridley Scott, que narra la terrorífica lucha contra un monstruo extraterrestre indestructible a bordo de un carguero espacial. El filme dio origen a varias secuelas y crossovers. Ya a partir de los ochenta destacarían entre muchas otras "The Thing" (1982) del maestro del cine de terror John Carpenter; la canadiense "Cube" (1997) de Vincenzo Natali y "Señales" (2002) del indio-estadounidense M. Night Shyamalan. Dentro del cine de terror de ciencia ficción, un director conocido como una de las tres "C" del cine de horror: el canadiense David Cronenberg, el rey del cine de ciencia ficción terrorífico de los ochenta. Su contribución al subgénero se constituye de "The Brood" (1979), "Scanners" (1981), la estadounidense "The Dead Zone" (1983), "Videodrome" (1983), la estadounidense "La mosca" (1986) (remake de una película homónima de 1958, dirigida por Kurt Neumann) y "Naked Lunch" (1991).


title: Cine de terror

text: Fenómeno digno de estudio es la filmografía catastrofista y apocalíptica japonesa, que surgió en los años 50, 60 y 70 con motivo de la llamada Guerra Fría, especialmente las películas kaiju (monstruo gigante). "Gojira/Godzilla" (1954) y "Mothra" (1961), del director y especialista en el subgénero Ishiro Honda y "" (1965) de Noriaki Yuasa y todas sus numerosas secuelas y crossovers constituyen lo más representativo del subgénero japonés. Es interesante mencionar la película "Pacific Rim" (2013), donde el mexicano Guillermo del Toro hace un homenaje al subgénero kaiju. Fruto del cine relacionado por la paranoia nuclear y las invasiones surge en 1968, la película "La noche de los muertos vivientes", película con la que aportó la temática de los "zombis" o "zombies", todo un subgénero, creado por el fallecido director de la cinta: George A. Romero. Los "zombies", al igual que el hombre lobo, dentro de la categoría de los no-muertos, como los vampiros, forman parte de la tradición folklórica y las leyendas populares más antiguas, pero no fueron demasiado frecuentados por los autores románticos. El terror contemporáneo, en cambio, tanto en literatura como en cine, aborda a los zombis sin el menor matiz romántico, procurando lograr en el lector o espectador, por medio de la cruda expresión de su monstruosidad exangüe y caníbal, un efecto de terror puro, ancestral (véase Cine de zombis).


title: Cine de terror

text: No hay que olvidarse de un subgénero del cine de terror, puede que sin una época dorada o de explotación, pero sí de una gran vigencia durante muchas décadas y, de hecho algunos grandes hitos del cine de terror pertenecen a esta vertiente. Se trata del cine paranormal, ya sea de entes, fantasmas, demonios, o simplemente hechos paranormales, muchas veces tratado desde el realismo, ya que es frecuente jugar con el escepticismo de los personajes. A diferencia del cine de asesinos en serie o del cine de zombis, suele alejarse de la violencia y el horror visual para centrarse más en el terror a lo desconocido, ya que muchas veces la fuerza maligna de estas películas no suele ser visible o sólo lo es en momentos determinados o cuando invaden el cuerpo de algún personaje inocente, en el caso de los demonios. A pesar de lo comercial que pueda resultar el cine de terror más visceral, desde los años 1960 (época del nacimiento del cine gore, del cine de zombis moderno y de las primeras bases del slasher) hasta la actualidad, hay multitud de ejemplos de películas que se clasifican más en este subgénero del terror que muchos llaman terror psicológico: las británicas "The Innocents" (1961) de Jack Clayton (sobre "The Turn of the Screw" de Henry James) y "The Haunting" (1963) de Robert Wise (sobre "The Haunting of Hill House" de Shirley Jackson); "Carnival of Souls" (1962) de Herk Harvey; "Rosemary's Baby" (1968) de Roman Polanski; la belga "La terrorífica noche del demonio" (1971) de Jean Brismée; la británica "La leyenda de la casa del infierno" (1973) de John Hough; "El exorcista" (1973) de William Friedkin; "La profecía" (1976), de Richard Donner; "Carrie" (1976) de Brian De Palma; "The Amityville Horror" (1979), de Stuart Rosenberg y su secuela "" (1982), de Damiano Damiani; "El resplandor" (1980) de Stanley Kubrick (basada en la novela homónima de Stephen King); la canadiense "The Changeling" (1980) de Peter Medak; "El ente" (1981) de Sidney J. Furie; "Poltergeist" (1982) del fallecido Tobe Hooper; la cómica "House" (1986) de Steve Miner; "Pet Sematary" (1989) de Mary Lambert (basada en la novela homónima de Stephen King); "The Sixth Sense" (1999) y "Devil" (2010) de M. Night Shyamalan; lanzada con astucia por Internet, "The Blair Witch Project" (1999), de los jóvenes Daniel Myrick y Eduardo Sánchez (película que popularizó el llamado el género "falso documental"); las hispano-mexicanas "El espinazo del diablo" (2001) y "El laberinto del fauno" (2006) de Guillermo del Toro; las españolas "Los otros" (2001) de Alejandro Amenábar y "El orfanato" (2007) de Juan Antonio Bayona; "El exorcismo de Emily Rose" (2005) de Scott Derrickson; "1408" (2007) del sueco Mikael Hafström (basado en un relato corto homónimo de Stephen King); "Paranormal Activity" (2007) de Oren Peli; "Insidious" (2010) y "The Conjuring" (2013) del especialista en el género James Wan; "It Follows" (2014) de David Robert Mitchell; "Líbranos del mal" (2014) de Scott Derrickson; la australiana "The Babadook" (2014) de Jennifer Kent y "The Witch" (2015) de Robert Eggers, entre muchas otras.


title: Cine de terror

text: Hay otras películas muy difíciles de clasificar, aunque, ya sea por temática, estilo, estructura o ambientación, el subgénero más adecuado en el que se deben clasificar (si se deben clasificar) es en este. Se trata de los casos, por ejemplo de: la británica "Repulsión" (1965) y la francesa "Le locataire" (1976) del polaco Roman Polanski; o de "It" (1990) de Tommy Lee Wallace.


title: Cine de terror

text: Argentina y México son los dos países iberoamericanos que más han sobresalido en el cine de terror. Aunque también es importante no olvidar la contribución de José Mojica Marins al terror brasileño con películas como: "A medianoche me llevaré tu alma" (1964), "Esta noche poseeré tu cadáver" (1967), "El extraño mundo de Zé do Caixao" (1968), "El despertar de la bestia" (1970), "Exorcismo negro" (1974), "A Estranha Hospedaria dos Prazeres" (1976), "Inferno carnal" (1977), "Delirios de un anormal" (1978) y "Encarnación del demonio" (2008), todas protagonizadas por él mismo. Tampoco está de más mencionar otra película brasileña: "La noche del Chupacabras" (2011) de Rodrigo Aragao.


title: Cine de terror

text: En cuanto a Argentina, se dice que la primera película con tintes de terror fue "El hombre bestia o las aventuras del Capitán Richard" (1934) de C. Z. Soprani, parece ser que inspirada en la película alemana "Ramper, der tiermensch" (1927) de Max Reichmann. Pero que la "primera" película enteramente de terror fue "Una luz en la ventana" (1942) de Manuel Romero y protagonizada por el español nacionalizado argentino Narciso Ibáñez Menta. A ésta le seguiría la "crime film" "Historia de crímenes", del mismo año y con el mismo director y protagonista; asimismo Carlos Schlieper dirige la chilena "La casa está vacía" (1945) y hablando de cine chileno, no menos imprescindible es "La dama de la muerte" (1946), basada en la novela "El club de los suicidas" de Robert Louis Stevenson y dirigida por Carlos Hugo Christensen.


title: Cine de terror

text: En los años cincuenta Román Viñoly Barreto dirige "La bestia debe morir" (1952) y "El vampiro negro" (1954); mientras que el mencionado Carlos Hugo Christensen es el responsable de "Si muero antes de despertar" (1952). El director nacido en Italia Mario Soffici revive a un icono de las "monster movies" de la Universal Pictures y de la literatura gótica (Mr. Hyde) con "El extraño caso del hombre y la bestia" (1951). Ya en los años 1960, 70 y 80 es necesario mencionar a Emilio Vieyra que en sus películas abraza subgéneros tan variados como el vampirismo, la ciencia ficción o el cine de asesinos en serie. La argentina-estadounidense "Extraña invasión" (1965), "Placer sangriento" (1967), "La bestia desnuda" (1967), "La venganza del sexo" (1971), "Sangre de vírgenes" (1974) y "Sucedió en el internado" (1985). La mayoría de sus películas tienen bastantes dosis de erotismo, una peculiaridad muy típica de los 70 y presente también por otros países como España. Por otro lado, a Jorge Carlos García se le deben "Estigma de terror" (1973) y "El bosque de los condenados" (1974). Más recientemente podemos mencionar: "La casa de las siete tumbas" (1982) de Pedro Stocki y "Alguien te está mirando" (1988) de Horacio Maldonado y Gustavo Cova.


title: Cine de terror

text: Por último, destacar las numerosas comedias de terror que se han hecho en Argentina. Influenciado por las parodias de "Abbott y Costello", el peruano-argentino Enrique Carreras (director del tríptico "Obras maestras del terror" (1960)) realiza "El fantasma de la opereta" (1952) y por su parte Francis Lauric nos lega "Las aventuras del Capitán Piluso" (1963). Después de que en los setenta, la película "Los vampiros los prefieren gorditos" (1974) de Gerardo Sofovich diera constancia de que aún existía la comedia de terror, en los ochenta esta vuelve a ponerse de moda y lo demuestra de nuevo Enrique Carreras con "Mingo y Aníbal contra los fantasmas" (1985), "Mingo y Aníbal en la mansión embrujada" (1986) y "Galeria del terror" (1987) (las dos primeras protagonizadas por el dúo cómico formado por Juan Carlos Altavista y Juan Carlos Calabró). Por último, cabe destacar dos películas cómicas de Carlos Galetini: "Los mata monstruos en la mansión del terror" (1987) y "Charly, días de sangre" (1990).


title: Cine de terror

text: Pero indudablemente el país hispanoamericano que más ha contribuido al cine de terror es México, llegando incluso a crear subgéneros propios como el cine de luchadores profesionales que hacen frente a hitos de la ficción terrorífica o el cine de terror western. Los años 30 y 40 serían la época de experimentación y consolidación del género. Muchos sitúan como la primera película de terror mexicana a "La Llorona" (1934) de Ramón Peón y a ésta le seguirían "El fantasma del convento" (1934) de Fernando de Fuentes y "El baúl macabro" (1936) de Miguel Zacarías. También hay que dedicarle mención aparte a Juan Bustillo Oro, que con "Dos monjes" (1934), "El misterio del rostro pálido" (1935) y "Nostradamus" (1937) da pie al nacimiento del cine de terror en México. A finales de los 40 la producción había disminuido, siendo representada solamente por "La herencia de la Llorona" (1947) de Mauricio Magdaleno.


title: Cine de terror

text: Los años 50 y 60 cuentan con el director especializado en el género Chano Urueta que ya había tenido algún acercamiento al terror con "Profanación" (1933) y "El signo de la muerte" (1939). Pero fue a partir de los años 50 que se consolidaría como uno de los más grandes directores de cine de terror en México con "La bruja" (1954), "El jinete sin cabeza" (1957), "El barón del terror" (1962), "La cabeza viviente" (1963) e, introduciendo a los luchadores profesionales (concretamente a Crox Alvarado) en el género, "La bestia magnífica (Lucha libre)" (1952), a la que se sumarían en la década siguiente: "Blue Demon, el demonio azul" (1965), "Blue Demon contra el poder satánico" (1966), "Blue Demon contra las diabólicas" (1968) y "Blue Demon contra los cerebros infernales" (1968), con la estrella del cine y de la lucha libre Blue Demon, el cual cuenta con una extensa filmografía en ese ámbito. El otro gran icono, junto con Blue Demon, en lo que a cine de lucha libre se refiere, es El Santo; lo demuestran: "Santo contra el cerebro del mal" (1958) de Joselito Rodríguez, "Santo contra los zombies" (1961) de Benito Alazraki, "Santo contra el rey del crimen" (1962) de Federico Curiel, "Santo contra las mujeres vampiro" (1963) y "Santo en el museo de cera" (1963) de Alfonso Corona Blake, "Santo vs el estrangulador" (1963) de René Cardona, "Santo, el Enmascarado de Plata vs la invasión de los marcianos" (1966) de Alfredo B. Crevenna, "Santo en el tesoro de Drácula" o "Santo en el tesoro de Drácula" (en su versión sin censura) (1968) de René Cardona, "Santo en la venganza de las mujeres vampiro" (1970) de Federico Curiel y "Santo en la venganza de la momia" (1970) de René Cardona, entre muchas otras. También hay algunas películas en las que El Santo y Blue Demon unieron fuerzas, como por ejemplo: "Santo y Blue Demon contra los monstruos" (1969) de Gilberto Martínez Solares, "Las bestias del terror" (1972) de Alfredo B. Crevenna y del director de muchas películas de Cantinflas, Miguel M. Delgado, "Santo y Blue Demon contra Drácula y el hombre lobo" (1972) y "Santo y Blue Demon contra el Dr. Frankenstein" (1974). Otro especialista (ya fuera del cine de luchadores) en el género fue Fernando Méndez, realizador de "Ladrón de cadáveres" (1956), "El vampiro" (1957), "El ataúd del vampiro" (1957), "Misterios de ultratumba" (1959), "El grito de la muerte" (1959) y "Los diablos del terror" (1959). Otras películas de la época destacables, serían: "El hombre sin rostro" (1950) de Juan Bustillo Oro, "El pantano de las ánimas" (1956) de Rafael Baledón, "La maldición de Nostradamus" (1959) de Federico Curiel, "La invasión de los vampiros" (1961) de Miguel M. Delgado y "El mundo de los vampiros" (1960) de Alfonso Corona Blake.


title: Cine de terror

text: En los años 50, 60 y 70 hay que mencionar al actor icónico del género Germán Robles que debutó en "El vampiro" y siguió apareciendo en "El ataúd del vampiro", "El castillo de los monstruos" (1958) de Julián Soler, "La maldición de Nostradamus", "La sangre de Nostradamus" (1962) de Federico Curiel y Stim Segar, "El barón del terror" y muchas películas más.


title: Cine de terror

text: A finales de los 60 se estrena "Hasta el viento tiene miedo" (1968) de Carlos Enrique Taboada, considerado por muchos como el maestro de la época dorada del cine de terror mexicano. Su obra inaugura la década de los 70 con "El libro de piedra" (1969), incursiona en el slasher con "Más negro que la noche" (1975) y culmina su tetralogía clásica con "Veneno para las hadas" (1984). Su obra va desde lo sobrenatural a lo psicológico, mezclando lo cotidiano con lo extraordinario y encaminando a las nuevas generaciones hacia un estilo más crudo y violento. Los años 1970 y 80 en México están claramente influenciados por el giallo italiano y el gore y el slasher estadounidenses, siendo los nombres más representativos Juan López Moctezuma, Gilberto Martínez Solares, René Cardona Jr. y su hijo René Cardona III. Del primero hay que destacar "La mansión de la locura" (1973), "Mary Mary, Bloody Mary" (1975) y "Alucarda, la hija de las tinieblas" (1978). A Gilberto Martínez Solares, que ya se había adentrado en el género desde "La casa del terror" (1959), se le debe "Satánico Pandemonium". René Cardona Jr. realizó "La noche de los mil gatos" (1972), "Tintorera" (1977), "El triángulo diabólico de las Bermudas" (1978) y "El ataque de los pájaros" (1987). Por último mencionar, por una parte, tres películas de René Cardona III: "Vacaciones del terror" (1988), "Alaridos del terror" (1991) y "" (1991); y por otra, "La Tía Alejandra" (1979) de Arturo Ripstein y "El extraño hijo del sheriff" (1982) de Fernando Durán, última gran obra del terror western, subgénero representado por películas como: "El pantano de las animas", "El jinete sin cabeza", "La cabeza de Pancho Villa" (1957) de Chano Urueta, "El zorro escarlata en la venganza del ahorcado" (1958) de Rafael Baledón, "El grito de la muerte", "El pueblo fantasma" (1965) de Alfredo B. Crevenna, "El caballo del diablo" (1975) de Federico Curiel, "El látigo contra Satanás" (1979) de Alfredo B. Crevenna y "El jinete de la muerte" (1980) de Federico Curiel; y que desapareció con la decadencia del western.


title: Cine de terror

text: Durante los años 90 el género quedó estancado, siendo representativos solo algunos títulos: "El sacristán del diablo" (1992) de Jorge Luke, "Sobrenatural" (1996) de Daniel Gruener y "Angeluz" (1998) de Leopoldo Laborde. Pero ya en el siglo XXI, el terror disfrutó de adaptaciones de la maldición de La Llorona: "Las lloronas" (2004) de Lorena Villareal, "J-ok'el" de Benjamin Williams y "Kilómetro 31" de Rigoberto Castañeda (ambas de 2007). También encontraríamos otros remakes o nuevas versiones como "El libro de piedra" (2009) de Julio César Estrada y "Más negro que la noche" (2014) de Henry Bedwell y alguna producción original como "Ahí va el diablo" (2012) de Adrián García Bogliano, "Visitantes" (2014) de Acán Coen y "Somos lo que hay" (2010) de Jorge Michel Grau.


title: Cine de terror

text: Aunque podemos encontrar muchos antecedentes, entre ellos, "El infierno" (1911) de Giuseppe de Liguoro, Francesco Bertolini y Adolfo Padovan y "Rapsodia satánica" (1915) de Nino Oxilia, se puede decir que el cine de terror italiano empieza a florecer con determinadas cintas de Riccardo Freda y Mario Bava. "Los vampiros" (1956), "Caltiki, el monstruo inmortal" (1959), "Maciste en el infierno" (1962), "El horrible secreto del doctor Hichcock" (1962), "Lo spettro" (1963) y "La iguana de la lengua de fuego" (1971) constituyen la mejor aportación de Riccardo Freda al género. Algunas de esas obras cuentan con la dirección de fotografía de Mario Bava, considerado como el padre del terror italiano. Los filmes de Mario Bava van desde lo sobrenatural a la ciencia ficción, lo ejemplifican: "La máscara del demonio" (1960), "Hércules en el centro de la Tierra" (1961), el tríptico "Las tres caras del miedo" (1963), "Terror en el espacio" (1965), "Operazione paura" (1966), "El diablo se lleva a los muertos" (1973) y "Shock" (1977). Independientemente de estas películas, a Mario Bava se le considera el creador del cine "giallo" por una serie de películas que consolidaron las bases de este subgénero que después sería enormemente explotado en los años 1970, gracias en gran parte al trabajo del también considerado maestro, ya no en el subgénero, sino en el cine de terror en general, Dario Argento. Antes de centrarnos en el subgénero, hay que mencionar una figura especial dentro del cine de terror italiano de los 60, el director de serie B Antonio Margheriti, realizador de: "Danza macabra " (1963), "El justiciero rojo" (1963), "Los largos cabellos de la muerte" (1964), "I criminali della galassia" (1965), "La guerra de los planetas" (1966) y "La horrible noche del baile de los muertos" (1971), entre muchas otras. El "giallo" suele considerarse como un híbrido entre el "thriller" y el cine de terror, ya que su trama suele girar en torno a un asesinato y la investigación y descubrimiento de la identidad del asesino, sin embargo, a diferencia del thriller, el peso de una película "giallo" recae muchas veces más en lo estético y visual, destacando sobre todo la estilización de la violencia explícita, cosa muy similar a lo que hace el "slasher", ya que hay que decir que el subgénero italiano fue una de las principales influencias del subgénero estadounidense. También al igual que el "slasher", con el paso de los años ha mostrado una tendencia a dotar a sus asesinos (a priori, humanos) de ciertas características sobrenaturales, normalmente fuerza desproporcionada e invulnerabilidad a los ataques (incluso a veces inmortalidad). De las cuantiosas producciones italianas que se hicieron habría que destacar un puñado de ellas:A principios de los ochenta, por la competencia del "slasher" estadounidense, el subgénero dejó de estar de moda. Aunque, ya sea alejándose del giallo, o permaneciendo dentro de él (si bien muchas veces al estilo slasher), varios directores han legado en la década de los ochenta cintas de terror imprescindibles. Dario Argento ya se había alejado del subgénero con la que muchos consideran su obra maestra: "Suspiria" (1977), con cierta unidad de estilo respecto a sus obras anteriores pero abrazando lo paranormal, como haría con la secuela "Inferno" (1980). Ya a mediados de los ochenta realizaría "Phenomena" (1985) y "Opera" (1987), películas de temáticas bastante similares al giallo. Ruggero Deodato, director de "The House on the Edge of the Park" (1980) (cine de violación y venganza) y el slasher "Camping del terrore" (1987), realiza en 1979 "Holocausto caníbal", película mondo que utilizó la técnica del falso documental de forma magistral al servicio del terror y del gore. Deodato vuelve a tratar la temática caníbal, como ya hizo en la similar "Mundo caníbal" (1977). Las muertes, especialmente detalladas con morbosidad, daban la sensación de ser reales, llegando incluso a confiscarse la película y a arrestar a su director. Por otra parte, el que había realizado varias películas giallo a principios de los 70, Umberto Lenzi, también se adentró en el cine de caníbales con "¡Comidos vivos!" (1980) y la película, muy comparada con la de Ruggero Deodato, "Cannibal Ferox" (1981). Además, Lenzi se adentraría en el cine de zombis con "La invasión de los zombies atómicos" (1980).


title: Cine de terror

text: Sin embargo, el director italiano que más exploró ese terreno (claramente influenciado por las películas estadounidenses del considerado padre del cine de zombis moderno, George A. Romero) fue Lucio Fulci, con "Zombi 2" (1979), "Paura nella città dei morti viventi" (1980), "El más allá" (1981) y "Quella villa accanto al cimitero" (1981). Su preocupación en mostrar con minucioso detalle la violencia y la destrucción del cuerpo humano y su sensibilidad por lo desagradable posicionan a Lucio Fulci como un director cuyas películas son por muchos consideradas como las más violentas jamás realizadas. Muy destacable es también su película slasher, igual de gore que sus películas de zombis, "Lo squartatore di New York" (1982). Muy destacable sería también el polifacético (al igual que su padre) director Lamberto Bava, hijo del mencionado Mario Bava. Sus filmes tocan los subgéneros del cine de vampiros, de zombis, paranormal, ciencia ficción y giallo-slasher. Algunas de sus películas más destacadas serían: "Macabro" (1980), "Cuchillos en la oscuridad" (1983), "El devorador del océano" (1984), "Demonios" (1985), "Demonios 2" (1986), "Morirás a medianoche" (1986), el telefilm "Efectos sobrenaturales" (1987), "Disturbios en el cementerio" (1987), el telefilm cómico "Cena con el vampiro" (1988) y "La máscara del demonio" (1989). Por la misma época, el director Don Coscarelli inicia su pentalogía (él es director de las cuatro primeras) con "Phantasm" (1979).


title: Cine de terror

text: A finales de los ochenta, Michele Soavi revitalizaría el género en Italia con su ópera prima, el slasher "Aquarius" (1987). A ésta le seguirían "Pandemonium" (1989), "La secta" (1991) (tercera y cuarta entrega, respectivamente, de la saga iniciada con "Demonios" de 1985) y "Mi novia es un zombie" (1994). Por otra parte, Dario Argento, siguió cultivando el género, siendo probablemente el mejor ejemplo de la supervivencia del terror italiano: lo demuestran "Trauma" (1993), "El arte de matar" (1996), "El fantasma de la ópera" (1998), "La terza madre" (2007), "Giallo" (2009) y "Drácula 3D" (2012), aunque para muchos, incluso el que fue maestro del terror en los 70 y 80, ha entrado en plena decadencia.


title: Cine de terror

text: El cine de terror en España sufrió durante muchas décadas la represión del ostracismo y la censura, que no dejaba florecer el que con la llegada del tardofranquismo sería uno de los más populares y rentables (a nivel internacional) géneros que existieron en el país ibérico. Hablando de antecedentes es interesante mencionar al aragonés Segundo de Chomón que realizaría en Francia grandes cortometrajes influyentes en la cinematografía mundial posterior. Excepto casos aislados como "El protegido de Satán" (1917) de Joan Maria Codina, "Fue una pesadilla" (1925) de Miguel Ballesteros, el cortometraje paródico "Una de miedo" (1935) de Eduardo García Maroto o la que muchos consideran la primera película de terror española "La torre de los siete jorobados" (1944) de Edgar Neville, el terror no maduraría en España hasta la llegada de Jesús Franco. En 1962 realiza la película que dio pie al crecimiento y consolidación del terror en España: "Gritos en la noche" (1962), film de asesinos en serie. Desde esa fecha hasta su fallecimiento en 2013, Franco realizaría casi dos centenares de películas, con especial predilección por el terror, el cine erótico y pornográfico y el terror erótico. Además, entre su filmografía podemos encontrar películas españolas, francesas, italianas, portuguesas, alemanas, suizas, belgas y de Liechtenstein. Algunos de sus filmes (de terror) destacados son: "La mano de un hombre muerto" (1962), "El secreto del Dr. Orloff" (1964), "Succubus(Necronomicon)" (1968), "Fu-Manchú y el beso de la muerte" (1968), "El castillo de Fu-Manchú" (1969), "El proceso de las brujas" (1970), "El conde Drácula" (1970) (con el icono vampírico británico Christopher Lee), "Las vampiras" (1970), "El diabólico doctor Z" (1971), "El doctor Mabuse" (1972), "Drácula contra Frankenstein" (1972), "La hija de Drácula" (1972), "La maldición de Frankenstein" (1972), "Los amantes de la isla del diablo" (1972), "Los ojos siniestros del Doctor Orloff" (1973), "Al otro lado del espejo" (1973), "La noche de los asesinos" (1976), "Jack el destripador" (1977), "Sexo caníbal" (1980), "El caníbal" (1980), "Colegialas violadas" (1981), "La tumba de los muertos vivientes" (1982), "Gemidos de placer" (1983), "El siniestro doctor Orloff" (1984), "Los depredadores de la noche" (1987), "Killer Barbys" (1996) y "Killer Barbys vs Drácula" (2003). Muchas de sus películas contaban con grandes dosis de erotismo y/o sexualidad. También merece mención aparte Narciso Ibáñez Serrador, hijo de Narciso Ibáñez Menta, al que se le deben dos películas de terror: "La residencia" (1969) y "¿Quién puede matar a un niño?" (1976), por no hablar de su extensa contribución al género en televisión. Pero dejando de lado al director Jesús Franco y a Narciso Ibáñez Serrador, hubo una película en 1968 que podríamos decir que produjo la explosión del cine de terror español en los años 1970 (sobre todo a principios de esa década), "La marca del hombre lobo" (1968) de Enrique L. Eguiluz y que además inició una de las sagas más prolíficas del terror ibérico, el Hombre Lobo, interpretado por el icono más representativo del fantaterror: Paul Naschy (o Jacinto Molina Álvarez). En los 70, el cine de terror español gozaba de prestigio y taquilla internacionalmente, aunque la dictadura de Francisco Franco no mostraba aprecio a ese tipo de películas, de modo que tenían más éxito fuera de su país que en el propio. El fantaterror suele presentar grandes influencias del esteticismo de la Universal Pictures, de la Hammer Productions y de las películas giallo italianas tan explotadas en la misma época, así como del slasher estadounidense, que estaba floreciendo aún en esa época. Del giallo y el slasher adopta el gusto por un esteticismo de la violencia explícita (aunque normalmente, bastante más ligera que los subgéneros italiano y estadounidense). Además, una característica propia del fantaterror es la creciente dosis de erotismo que fueron mostrando los filmes a medida que avanzaba la década, como respuesta al progresivo debilitamiento de la censura y represión franquista. Y así, hay un grupo de películas del género en los años 1970 que merecen un estudio aparte en la historia del cine español. Las más representativas son:A finales de los 70 el género entró en gran decadencia, siendo sustituido por el landismo y la comedia de destape. Sin embargo, desde finales de los 70 hasta la actualidad ha gozado de una buena supervivencia, y resurgiendo con grandes éxitos internacionales a principios del siglo XXI. Analizando el cine de terror español de finales de los 70, años 80 y principios de los 90, por una parte está la carrera que siguió Paul Naschy, que se convirtió en director en "Inquisición" (1976), a la que le siguieron: "El caminante" (1979), "El carnaval de las bestias" (1980), "El retorno del hombre lobo" (1980), "Latidos de pánico" (1983), "La bestia y la espada mágica" (1983) (la primera coproducción España-Japón de la historia) y "El aullido del diablo" (1987). En segundo lugar encontramos la carrera de José Ramón Larraz, que ya había dirigido varias películas en la época dorada del fantaterror. En los 80, nos legó el film sobrenatural "Estigma" (1980), la comedia de terror "La momia nacional" (1981), la demoníaca "Los ritos sexuales del diablo" (1982) y los slashers "Descanse en piezas" (1987), "Al filo del hacha" (1988) y "Deadly Manor" (1990). En tercer lugar es imprescindible hablar del valenciano Juan Piquer Simón que inició su tendencia hacia el terror con "Misterio en la isla de los monstruos" (1981), el slasher "Mil gritos tiene la noche" (1982) (película que, curiosamente, el anteriormente mencionado Jesús Franco parodió pornográficamente en "Mil sexos tiene la noche" de 1984), la película de terror ecológico "Slugs, muerte viscosa" (1987), la película de ciencia ficción "La grieta" (1989), la sobrenatural "La mansión de Cthulhu" (1992) y la demoníaca "La isla del diablo" (1994). Por último, hay que mencionar "Arrebato" (1979) de Iván Zulueta, la catalana "Morbus (o bon profit)" (1982) de Ignasi P. Ferré (película de zombis), "Angustia" (1987) de Bigas Luna, "Tras el cristal" (1987) de Agustí Villaronga, "La luna negra" (1989) de Imanol Uribe y "99.9 La frecuencia del terror" (1997) de Agustí Villaronga.


title: Cine de terror

text: Hasta su fallecimiento en 2009, Jacinto Molina Álvarez siguió interpretando (que ya no dirigiendo) destacados papeles en "" (1996) de Francisco Rodríguez Gordillo, "School Killer" (2001) de Carlos Gil, "Mucha sangre" (2002) de Pepe de las Heras, "Tomb of the Werewolf" (2004) de Fred Olen Ray, "Rojo sangre" (2004) de Christian Molina, "La herencia Valdemar" (2010) de José Luis Alemán y su secuela "" (2011), así como su última película como director, "Empusa" (2010) y "Rottweiler" (2004) de Brian Yuzna, película de la productora Fantastic Factory, creada en 2001 (y desaparecida en 2007) con la intención de producir películas de terror al estilo de la vieja escuela, estilizado y esteticista. Lo consiguieron con la mencionada película con Paul Naschy, además de: "" (2000) de Brian Yuzna, "Arachnid" (2001) de Jack Sholder, "Dagón, la secta del mar" (2001) de Stuart Gordon, "Darkness" (2002) de Jaume Balagueró, "Romasanta. La caza de la bestia" (2003) de Paco Plaza, "Beyond Re-Animator" (2003) de Brian Yuzna, "La monja" (2005) de Luis de Madrid y "Bajo aguas tranquilas" (2006) de Brian Yuzna.


title: Cine de terror

text: Volviendo unos años atrás y aparcando ya el cine de terror español a la vieja escuela, a mediados de los 90 se produjo un renacimiento del cine de terror con la película de Álex de la Iglesia: "Acción mutante" (1993), seguida por "El día de la bestia" (1995). Álex de la Iglesia aunque no se le pueda llamar un especialista en el género, está claro que tiene influencias y cuenta con secuencias que no le tienen nada que envidiar a ninguna película de terror (mencionar también: "La comunidad" del año 2000). Pero si alguien ha dado a conocer al mundo el cine de terror español moderno, es Alejandro Amenábar, con "Tesis" (1996) (que trata sobre las snuff movies), "Abre los ojos" (1997) y la película de fantasmas "Los otros" (2001). Esta última, junto con "El orfanato" (2007) de Juan Antonio Bayona, grandes éxitos comerciales a nivel internacional. Muy exitosas también fueron las hispano-mexicanas "El espinazo del diablo" (2001) y "El laberinto del fauno" (2006) de Guillermo del Toro y "Los ojos de Julia" (2010) de Guillem Morales. Mientras el cine español se decantaba por un terror más sobrenatural y menos explícito, Nacho Cerdà realiza los mediometrajes "Aftermath" (1994) y "Génesis" (1998), más explícitos, aunque en 2006 se uniría al terror sobrenatural con "Los abandonados". Jaume Balagueró y Paco Plaza son considerados la nueva sangre del cine de terror español y ya lo han demostrado con grandes éxitos, el primero con: "Los sin nombre" (1999), "Frágiles" (2005), el telefilm "Para entrar a vivir" (2006) y "Mientras duermes" (2010); el segundo con: "El segundo nombre" (2002) y "Verónica" (2017) y los dos con la película de zombis "Rec" (2007). Por último no está de más mencionar algunas comedias de terror como las que realizó Álvaro Sáenz de Heredia: "Aquí huele a muerto" (1989), "Aquí llega Condemor, el pecador de la pradera" (1996), "" (1997) y "La venganza de Ira Vamp" (2010) y "Sexykiller, morirás por ella" (2008) de Miguel Martí.


title: Cine de terror

text: Este subgénero del cine de terror y del cine de explotación empezó a crear tendencia en los años 1970, si bien muchos colocan como la primera película de Eco-terror, o una de sus grandes influencias, o simplemente una película anterior a la creación del subgénero pero que comparte similitudes, a "King Kong". El Eco-Terror se caracteriza por la presencia antagónica de uno o varios individuos de una especie animal no humana. Las características habituales de estos animales suelen o eliminarse o si es un comportamiento agresivo natural, exagerarse. Se focaliza el miedo en un animal existente y lo intensifican con un aumento de su agresividad, un odio racional o irracional hacia la especie humana, una plaga de esa especie, modificándolo ya sea con una evolución natural o artificial o simplemente mostrando la necesidad de ese animal de alimentarse. A veces, sobre todo en los años 1970 y 80, este subgénero suele presentar elementos del cine gore y una característica muy típica del slasher que consiste en que los protagonistas del filme van muriendo a medida que avanza la cinta, quedando al final solo unos pocos supervivientes que son los que resolverán la situación, normalmente matando al animal o animales beligerantes. Algunas de las películas más conocidas y representativas de esta corriente son: "The Birds" ("Los pájaros," 1962) de Alfred Hitchcock, "Frogs" ("Ranas," 1972) de George McCowan, "Jaws" ("Tiburón," 1975) de Steven Spielberg, "Orca the Killer Whale" ("Orca, la ballena asesina," 1977) de Michael Anderson, "Piraña" (1978) de Joe Dante, "Alligator" (1980) de Lewis Teague, "Cujo" (1983) de Lewis Teague (basada en la novela homónima de Stephen King), la nombrada película italiana "Shark: Rosso nell'oceano", la nombrada película española "Slugs, muerte viscosa", "Anaconda" (1997) del peruano Luis Llosa, "Lake Placid" (1999) de Steve Miner, "Ovejas asesinas" (2006) de Jonathan King y "Sharknado" (2013) de Anthony C. Ferrante, entre muchas otras.


title: Cine de terror

text: El "slasher" no nació de un día para otro, incluso podemos encontrar claros referentes y similitudes en muchas películas anteriores a los años 1960, pero, ya que si intentamos averiguar todos los antecedentes no acabaríamos nunca. Vamos a situar su nacimiento sobre dos pilares fundamentales, que muchos consideran las primeras películas "slasher". Se trata de la británica "Peeping Tom" (1960) de Michael Powell y "Psycho" (1960) de Alfred Hitchcock. Estas dos películas crearon tendencia y consolidaron algunas de las características típicas de este subgénero , por ejemplo, la importancia de la figura del asesino (plano subjetivo desde el punto de vista de él mismo) o la estilización de las armas blancas como instrumento predilecto del asesino psicópata. También hay claros referentes en el cine "gore" surgido en los 60 de la mano de Herschell Gordon Lewis y en el cine "giallo" de Mario Bava, Dario Argento y Sergio Martino (entre otros). De estos, recoge la incertidumbre de la identidad del asesino (a veces con el rostro oculto por una máscara, fenómeno masivamente popularizado en los 80), la violencia explícita (estilización de la sangre y las muertes) y el elemento sexual asignado a personajes jóvenes que muchas veces son los protagonistas de este tipo de cine (así como su relación con las drogas). De hecho, la combinación de drogas, sexo y asesinatos es una técnica muy usada por el género "exploitation", que solía explotar estos tres elementos por su rentabilidad y por su aire de renovación y rebeldía hacia un cine regido por una sociedad más tradicional y censora. De este modo, a lo largo de los años 1960 y 70 se creó una tendencia hacia lo que sería el "slasher" con la llegada de los 80 y por lo tanto encontramos alguno que otro film perfectamente clasificable en el subgénero. Es el caso de algunas películas no muy conocidas como: "Silent Night, Bloody Night" de Theodore Gershuny (1972), "Scream Bloody Murder" (1973) de Marc B. Ray, "The Town that Dreaded Sundown" (1976) de Charles B. Pierce y Alice, Sweet Alice (1976) de Alfred Sole y de otras más populares como Dementia 13 (1963) de Francis Ford Coppola, la canadiense "Black Christmas" (1974) de Bob Clark o "The Toolbox Murders" (1978) de Dennis Donnelly, pero sobre todo de The Texas Chain Saw Massacre (1974) de Tobe Hooper.


title: Cine de terror

text: En un apartado de cine "slasher" no puede faltar la figura de John Carpenter, realizador de la película que muchos consideran un antes y un después en el subgénero "slasher" y muchos otros como la primera película verdaderamente "slasher", "Halloween" (1978). Esta película presenta a un asesino demente que lleva una máscara blanca y acecha a unas jóvenes extrovertidas, siendo la introvertida la heroína. Posteriormente haría "La niebla" (1980), una nueva versión de "La cosa" (1982), "Christine" (1983) (basada en la novela homónima de Stephen King), "El príncipe de las tinieblas" (1987), "El pueblo de los malditos" (1995) (remake de la película homónima de 1960), "En la boca del miedo" (1995), "Vampiros" (1998), "Ghosts of Mars" (2001) y "The Ward" (2010).


title: Cine de terror

text: El otro gran director del cine de terror moderno es Wes Craven. Su debut lo realizó con "La última casa a la izquierda" (1972), película muy polémica por su violencia explícita y que es nombrada como referente del nuevo cine de terror, más enfocado en lo visual y en el miedo al daño y la destrucción física. Otro hito influyente en el cine de terror y en el "slasher" fue "The Hills Have Eyes" (1977), que contó con una secuela dirigida por él mismo. Es director además de la adaptación del "comic" de horror "Swamp Thing" (1982). Con "A Nightmare on Elm Street" (1984) revitalizaría el género "slasher" dándole a los crímenes un sentido surrealista. También dirigió los telefilms "Invitation to Hell" (1984) y "Chiller" (1985), las películas "Deadly Friend" (1986), "Shocker, 100.000 voltios de terror" (1989), el telefilm "Visiones nocturnas" (1990) y "El sótano del miedo" (1991), entre otras.


title: Cine de terror

text: Personajes iconos del "slasher" son Norman Bates, de "Psicosis", parcialmente consciente de sus actos, presenta una doble personalidad, siendo la segunda (la de su madre) la que comete los asesinatos, mientras él es reacio a sus actos violentos y con voluntad de solucionarlos para ser una persona socialmente aceptable; Leatherface de "The Texas Chainsaw Massacre", con el rostro oculto por una máscara hecha de piel humana y armado con una motosierra, sufre alguna deficiencia mental y es muy influenciado por su familia, cree que lo que está haciendo está bien porque su familia se lo ordena; Michael Myers de "Halloween" se presenta físicamente como un hombre alto uniformado con un traje de mecánico y el rostro cubierto con una máscara blanca de hule, posee una fuerza descomunal e invulnerabilidad a los ataques (o prácticamente, inmortalidad); usa normalmente un gran cuchillo de cocina, no habla, es inteligente para matar a sus víctimas pero no presenta conciencia sobre lo que está haciendo, se mueve por instinto, su misión es matar y no se plantea el porqué. Este personaje se consolidaría con las exitosas y numerosas secuelas como un villano al nivel del monstruo de Frankenstein o Drácula. Jason Voorhees, de Friday the 13th (1980) de Sean S. Cunningham (película que provocó en gran parte la explosión del "slasher" y que popularizó de forma definitiva los tópicos del subgénero), asesino de tamaño enorme, inmortal, enmascarado con una máscara de hockey y armado con un machete, vive en un bosque cerca de un lago y unas cabañas y mata a cualquiera que se adentre en el bosque, asesino silente al igual que Michael Myers, no presenta conciencia alguna sobre sus actos ni de los conceptos Bien y Mal. En contraposición a los asesinos silentes como Michael Myers o Jason Voorhees encontramos a Freddy Krueger (interpretado siempre (excepto en la versión) por el actor especialista en el género Robert Englund), y a Chucky, de "Child's Play" (1988) de Tom Holland, sádicos y perfectamente conscientes de sus actos, el primero con la cara quemada, vestido con un sombrero y un jersey navideño y armado con un guante con cuchillas, el segundo, un muñeco poseído por un asesino en serie sin arma predilecta; no matan por instinto sino por placer.


title: Cine de terror

text: Las características principales del filme "slasher" suelen ser: un psicópata (muchas veces enmascarado) y normalmente con arma blanca asesina a determinados jóvenes aislados que están envueltos en drogas y sexo, sobreviviendo normalmente solo la llamada "final girl", que suele ser la más inocente. Los adultos (padres, profesores o policías) muchas veces presentan un papel de salvadores de los jóvenes y suelen morir rápidamente para intensificar la tensión, ya que la única salvación que tenían los jóvenes ha sido inevitablemente asesinada. Hay que decir que con la llegada de la decadencia del subgénero y en la actualidad los tópicos del "slasher" se han diluido, existiendo muchas películas con influencias importantes y algunas claves pero abandonando otros tópicos de este. Sin embargo, la explosión iniciada con "Halloween" e impulsada con "Friday the 13th", debe ser digna de estudio, ya que gozó de una popularidad, taquilla, influencias y en algunos casos calidad artística importantes. Algunos de los slashers más populares son (sin contar las secuelas):


title: Cine de terror

text: y las canadienses:


title: Cine de terror

text: A finales de los ochenta los filmes slasher ya no eran tan rentables y su producción disminuyó. Además, muchas películas se anunciaban como películas slasher pero se alejaban mucho del subgénero, como es el caso de "Henry: Portrait of a Serial Killer", "Hellraiser", "Child's Play" o "Candyman". Asimismo existen varias películas que se alejan aún más del slasher, incluso del género de terror, pero marcadas por una época donde dominaba el cine de psicópatas, es el caso de "Frenesí" (1972) de Alfred Hitchcock, "Misery" (1990) de Rob Reiner, "The Silence of the Lambs" (1991) de Jonathan Demme, "Seven" (1995) de David Fincher y la austríaca "Funny Games" (1997) de Michael Haneke, que contó con una versión estadounidense homónimo en 2007, del mismo director.


title: Cine de terror

text: Ya a mediados de los 90, el slasher se limitaba a esporádicas secuelas de los asesinos míticos (Jason Voorhees, Michael Myers y Freddy Krueger), consideradas por muchos críticos de muy baja calidad. Todo indicaba a pensar que los psicópatas que abarrotaron salas en los ochenta eran cosa del pasado. Hasta que en 1996, Kevin Williamson escribió el guion de una película que dirigiría Wes Craven: "Scream". Esta película revivió y renovó el subgénero, jugando con la autoreferencia y la autoconciencia, ya que, por primera vez, los protagonistas de la película, saben de la existencia del subgénero y de sus tópicos y aparece un asesino enmascarado que intenta imitar ese tipo de películas. Kevin Williamson volvió a escribir el guion de un slasher más convencional "Sé lo que hicistéis el último verano" (1997) de Jim Gillespie. A estas dos, les siguieron "Leyenda urbana" (1998) de Jamie Blanks, "Cherry Falls" (2000) de Geoffrey Wright y "Valentine" (2001). El slasher consiguió ser un subgénero que traspasó sus propios tópicos, existiendo películas que rompen con tópicos imprescindibles del slasher pero a la vez tienen claras influencias en este. Es el caso de "Destino final" (2000) de James Wong y "Cabin Fever" (2002) del especialista en el género Eli Roth. Roth volvería a llevar el terror a las pantallas con películas de eclécticas influencias como "Hostel" (2005), "" (2007) o "The Green Inferno" (2013) (remake de "Holocausto Caníbal"). Imprescindible mencionar también la saga iniciada con "Saw" (2004) de James Wan, las británicas "The Descent" (2005) de Neil Marshall y "Eden Lake" (2008) de James Watkins, las películas de Rob Zombie: "House of 1000 Corpses" (2003), su secuela "The Devil's Rejects" (2005) y "The Lords of Salem" (2012). Asimismo, el director de "Leyenda urbana", Jamie Blanks realiza las australianas "Aviso de tormenta" (2007) y "Long Weekend" (2008) (remake de la también australiana "Largo fin de semana" (1978) de Colin Eggleston); y hablando de cine australiano es interesante mencionar también a "Wolf Creek" (2005) de Greg McLean.


title: Cine de terror

text: Una fuerte tendencia de principios de siglo, es la realización de remakes de clásicos del slasher, fenómeno extendido a todo el cine de terror. Encontramos los casos de la objetivamente mediocre "Psicosis" (1998) de Gus Van Sant, "Campamento sangriento" (2000) de Ralph E. Portillo, "The Texas Chainsaw Massacre" (2003) de Marcus Nispel, "Wrong Turn" (2003) de Rob Schmidt, "La masacre de Toolbox" (2004) de Tobe Hooper, "The Hills Have Eyes" (2006) de Alexandre Aja, "When a Stranger Calls" (2006) de Simon West, la canadiense "Black Christmas" (2006) de Glen Morgan, "Halloween" (2007) de Rob Zombie, la canadiense "Prom Night" (2008) de Nelson McCormick, "April Fool's Day" (2008) de Mitchell Altieri, "Viernes 13" (2009) de Marcus Nispel, "Sorority Row" (2009) de Sterward Hendler, "My Bloody Valentine" (2009) de Patrick Lussier, "Children of the Corn" (2009) de Donald P. Borchers, "The Last House on the Left" (2009) de Dennis Iliadis, "A Nightmare on Elm Street" (2010) de Samuel Bayer, "Maniac" (2012) de Franck Khalfoun, "Silent Night, Deadly Night" (2012) de Steven C. Miller, "La maldición de Chucky" (2013) de Don Mancini, "Muñeco diabólico" (2019), de Lars Klevberg.


title: Cine de terror

text: Por otra parte, en el siglo XXI, encontramos algunos slashers originales como la española "El arte de morir" (2000) de Álvaro Fernández Armero, "" (2006) de Scott Glosserman, la franquicia de "Hatchet" (2006) de Adam Green, la noruega "Fritt vilt" (2006), el híbrido slasher-carsploitation "Death Proof" (2007) de Quentin Tarantino, "The Midnight Meat Train" (2008) de Ryuhei Kitamura, "Colinas sangrientas" (2009) de Dave Parker, "Laid to Rest" (2009) de Robert Hall, "The Collector" (2009) de Marcus Dunstan, la paródica canadiense "Tucker & Dale vs Evil" (2010), la mumblecore "You're Next" (2011) de Adam Wingard, "Kristy" (2014), de Oliver Blackburn, "Hush" (2016), de Mike Flanagan, "Tragedy girls" (2017), de Tyler MacIntyre, "Feliz día de tu muerte" (2017), de Christopher Landon, "Igual eres el asesino" (2018), de Brett Simmons, "La casa del terror" (2019), de Scott Beck y Bryan Woods.


title: Cine de terror

text: También cabe mencionar la existencia de dos grandes tendencias slasher en el siglo XXI, obviando una continua producción de slashers de serie B. Por una parte, es imprescindible mencionar el subgénero meta-slasher que, bebiendo de los presupuestos de "Scream", ha dado cintas interesantes como "Castigo sangriento" (2011) de Joseph Khan, "The Cabin in the Woods" (2012) de Drew Goddard o "Las últimas supervivientes" (2015) de Todd Strauss-Schulson. Por otro lado, puede subrayarse la asimilación del discurso feminista por parte del género en cintas como el segundo remake de "Navidad sangrienta" (2019), de Sophia Takal, "Hay alguien en tu casa" (2021), de Patrick Brice, o las trilogías de "La calle del terror" (2021), de Leigh Janiak y "Halloween" (2018-2022), esta última de la mano de David Gordon Green. El retorno de la franquicia de "Halloween" ha consolidado la vigencia actual del slasher recuperando el mítico personaje de Laurie Strode, interpretado de nuevo por Jamie Lee Curtis, y motivando a su vez el regreso de una nueva entrega de "Scream", dirigida por Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, que trae también de vuelta al trío original de actores Neve Campbell, Courtney Cox y David Arquette.


title: Cine de terror

text: El cine de zombis cuenta con una amplia representación de películas a lo largo de la historia. Su requisito fundamental es la presencia de los zombis y la lucha de los protagonistas contra estos. Se dice que la primera película de zombis fue "La legión de los muertos sin alma" (1932) de Victor Halperin. Esta película recogía los tópicos que definirían el cine de zombis hasta la llegada de George A. Romero: un villano posee una legión de zombis que trabajan para él y que son su instrumento para sus siniestras intenciones, dicho villano muchas veces es un doctor nazi, un científico loco o incluso extraterrestres. A la película de Victor Halperin le seguirían: "Los muertos andan" (1936) de Michael Curtiz, "Yo anduve con un zombie" (1943) de Jacques Tourneur, "La venganza de los zombies" (1943) de Steve Sekeley, "Invasores invisibles" (1959) de Edward L. Cahn, "Plan 9 del espacio exterior" (1959) de Ed Wood y "La plaga de los zombies" (1966) de John Gilling.


title: Cine de terror

text: En 1968, George A. Romero realiza la obra maestra independiente "La noche de los muertos vivientes". En blanco y negro, con un presupuesto minúsculo y actores amateurs, creó y consolidó los nuevos tópicos del cine de zombis, presentes hoy en día. El subgénero, a partir de 1968, se definiría como películas apocalípticas, en donde el fenómeno zombi deja de ser un problema de una región específica como lo solía ser antaño, para ser una plaga global de la que depende la extinción de la humanidad. Además, nadie controla a los muertos vivientes, son seres sin raciocinio cuya única misión es alimentarse ininterrumpidamente. Individualmente no suelen ser problema, su peligro no reside en su inteligencia, sino en su número y en su voracidad. Por último, uno de los rasgos que más diferencia al cine de zombis moderno del clásico es el gore. La manera en que los zombis tienen de atacar a los humanos (comiéndoselos) ha dado pie a que muchos directores muestren (a veces de forma muy explícita) la alimentación de los zombis, aprovechándose así del potencial económico y artístico del horror explícito. El propio director de "La noche de los muertos vivientes", volvió a tratar la temática en: "Zombi" (1978), "El día de los muertos" (1985), "La tierra de los muertos vivientes" (2005), "El diario de los muertos" (2007) y "La resistencia de los muertos" (2009), películas con una clara preocupación por el análisis sociológico y que se centran tanto o más en el comportamiento de los supervivientes y en sus enfrentamientos y diferencias que en la invasión. Asimismo, Romero se alejaría del cine de zombis pero se mantendría en el cine de terror en películas como: "The crazies" (1973), "Martin" (1977), "Creepshow" (1982), "Los ojos del diablo" (1990) (junto con Dario Argento), "La mitad oscura" (1993) y "El rostro de la venganza (Buried)" (2000).


title: Cine de terror

text: Dejando de lado algunas películas de zombis de la vieja escuela, como "Ondas de choque" (1977) de Ken Wiederhorn y "La serpiente y el arco iris" (1988) de Wes Craven, en general, las películas de zombis más populares posteriores al 1968, siguen los patrones inaugurados por George A. Romero. Es el caso de: "El último hombre... vivo" (1971) de Boris Sagal, la canadiense "Vinieron de dentro de..." (1975) de David Cronenberg, "Re-animator" (1985) de Stuart Gordon (director de "Re-sonator" (1986) y "Un castillo alucinante" (1995)) y su secuela "La novia de Re-animator" (1990) de Brian Yuzna y "El regreso de los muertos vivientes" (1985) de Dan O'Bannon y sus secuelas.


title: Cine de terror

text: El cine de zombis tuvo una popularidad global. Muy destacable es la aportación de Italia al subgénero, sobre todo a principios de los 80, como ya hemos visto en las películas de Umberto Lenzi y Lucio Fulci. Bruno Mattei, realizador de muchas películas de terror, entre ellas: "SS Campo de sexo y violencia" (1977), "Terror en el convento" (1980), "Año 225, después del apocalipsis" (1984), "Ojos sin cara" (1994) y "En la tierra de los caníbales" (2003); realiza en 1980 "Apocalipsis Caníbal". Por otro lado, Andrea Bianchi, director de la británica "Diabólica malicia" (1972) y "Desnuda ante el asesino" (1975); realiza en 1981 "La noche del terror". Asimismo Joe D'Amato, director de numerosas películas de terror, entre las que destaca "La muerte sonríe al asesino" (1973), "Emanuelle y los últimos caníbales" (1977), "Demencia (Buio Omega)" (1979), "Gomia, terror en el Mar Egeo" (1980), "Terror sin límite" (1981) y "Orgasmo negro" (1982); realiza en 1980 "Las noches eróticas de los muertos vivientes". Por último hay que mencionar la película "Zombi Holocausto" (1980) de Marino Girolami. En cuanto a Francia, también aportó la temática zombi, sobre todo de la mano del especialista en el género Jean Rollin. Dos de sus películas más destacadas del subgénero son "El lago de los muertos vivientes" (1981) y "La muerta viviente" (1982). España ya hemos visto que se adentró en no pocas ocasiones en el subgénero (los filmes de Amando de Ossorio, "No profanar el sueño de los muertos", "REC", etc.).


title: Cine de terror

text: En cuanto al cine de zombis en el siglo XXI, es indudable que gozan aún de una inmensa popularidad, puede que incluso mayor que en los 70 y 80, que traspasa las fronteras cinematográficas. Fue de gran ayuda el estreno de la película británica "28 días después" en 2002, dirigida por Danny Boyle, que contó con una secuela en 2007, también británica, titulada "28 semanas después" y dirigida por el español Juan Carlos Fresnadillo. Se la considera la primera película de zombis en la que estos corren, cosa despreciada por especialistas en el subgénero como George A. Romero o Tom Savini. A la película de Danny Boyle le siguió el también muy popular remake de "Zombi" de 1978, "El amanecer de los muertos" (2004) de Zack Snyder. A lo largo del siglo XXI encontramos, entre muchas otras, "Planet Terror" (2007) de Robert Rodríguez, la noruega "Zombis Nazis" (2009) de Tommy Wirkola, la británica "Los muertos" (2010) de Howard J. Ford y Jonathan Ford y la surcoreana "Estación Zombie" (2016) de Yeon Sang-ho. El subgénero en estos últimos años, cuenta con una tendencia muy corriente y rentable, la comedia. Probablemente impulsada por la británica "Zombies Party" (2004) de Edgar Wright. A ésta, le siguieron la canadiense "Fido" (2006) de Andrew Currie, "El ataque de los zombies" (2008) de Jay Lee, "Bienvenidos a Zombieland" (2009) de Ruben Fleischer y la cubana "Juan de los Muertos" (2011) de Alejandro Brugués.


title: Cine de terror

text: Dentro del cine de zombis, así como del cine slasher, es necesario mencionar al artista de efectos especiales y maquillador Tom Savini, que trabajó con George A. Romero en "Zombi", "Creepshow" y "El día de los muertos", además de en los slashers "Friday the 13th", "Maniac" y "El asesinato de Rosemary", entre otras.


title: Cine de terror

text: El cine gore o "splatter" se focaliza en lo visceral y en el miedo a la destrucción del cuerpo humano. Es un subgénero bastante diluido, ya que el Slasher, el Giallo o el cine de zombis, entre otros, presentan muchas similitudes. Se considera cine gore a aquellas películas en las que la violencia explícita, los asesinatos, las torturas y el mutilamiento representan lo más importante del filme. Este tipo de cine, presenta claras influencias en el teatro francés Grand Guignol y podemos encontrar algún antecedente en la película francesa Le systeme du docteur Goudron et du professeur Plume (1904) de Maurice Tourneur y en la primera película de la historia donde se muestra una decapitación, la estadounidense "Intolerance" (1916) de D.W. Griffith. Aunque el nacimiento del cine gore se sitúa en los 60 de la mano de Herschell Gordon Lewis, que lo cultivó y explotó en Blood Feast (1963), "2000 maniacs" (1964) (que contó con una secuela en 2005 titulada "2001 Maníacos" dirigida por Tim Sullivan, con Robert Englund como protagonista), Monster A Go-Go (1965), Color Me Blood Red (1965), A Taste of Blood (1967), "El mago del gore" (1970), The Gore Gore Girls (1972), "" (2002) y "BloodMania" (2016). Hubo películas que siguieron con esta corriente mal vista, como "I Spit On Your Grave" (1978) (cine de violación y venganza) de Meir Zarchi, que contó con una versión en 2010 dirigido por Steven R. Monroe. Mención aparte merecen los directores Sam Raimi y Peter Jackson que cultivaron el llamado "splatstick" (acrónimo de "splatter" y "slapstick") que es una especie de comedia gore. El primero lo hizo con su trilogía formada por: "The Evil Dead" (1981), que contó con una versión homónimo en 2013 dirigido por Federico Álvarez, "Evil Dead 2: Dead by Dawn" (1987) y "Army of Darkness" (1992), si bien la última alejándose del gore. El segundo lo hizo con las bizarras "Bad Taste" (1987) y Braindead (1992). Ya en el siglo XXI, encontramos algunas películas polémicas como la neerlandesa "El ciempiés humano" (2009) de Tom Six y la serbia "Una película serbia" (2010) de Srdjan Spasojevic.


title: Cine de terror

text: Dentro del cine gore, es necesario analizar la cuantiosa contribución de Alemania, que gozó de una explosión de este subgénero a finales de los 80 y que con películas exageradamente gore escandalizó a los ojos menos sensibles. En primer lugar, el director Jörg Buttgereit nos lega el mediometraje "Hot Love" (1985), la polémica por su temática de necrofilia "Nekromantik" (1987) y su secuela "Nekromantik 2" (1991), "Schramm" (1993), "Video Nasty" (2011) y "German Angst" (2015). En segundo lugar, Olaf Ittenbach dirige "Pasado negro" (1989), "The Burning Moon" (1992), "Premutos, el ángel caído" (1997), "Antropophagus 2000" (1999), "La legión de los muertos" (2001), "Beyond the limits" (2003), "El jardín del amor" (2003), "Chain Reaction" (2006), "Dard Divorce" (2007), "No Reason" (2010) y "Savage Love" (2012). En tercer lugar, Andreas Schnaas realizó "Violent Shit" (1989), que contó con varias secuelas, "" (1991), la italiana "Demonium" (2001), "Nikos" (2003), "Don't make the dead" (2008) y "Unrated" (2009), que dirigió junto a Timo Rose, cineasta que también abordó el género en "Mutation 2-Generation Dead" (2001), "Space Wolf" (2003), "Barricade" (2007), "Fearmakers" (2008) y "Timo Rose's Beast" (2009). Andreas Bethmann es el responsable de "Der Todesengel" (1998), donde actúa Timo Rose, "Die Insel der Dämonen" (1998), "Dämonenbrut" (2000), "Exitus interruptus-Der Tod ist erst der Anfang" (2006), que contó con una secuela, "Die Geschichte der Anderen" (2013) y "Terror Creek" (2013). Otras películas a destacar son: "" (2010) y "The Curse of Doctor Wolffenstein" (2015) de Marc Rohnstock, "A Fucking Cruel Nightmare" (2010) de Sebastian Zeglarski, "Mutation" (1999), donde actúa Timo Rose y la cómica "Sky Sharks" (2017) de Marc Fehse.