title: Duque

text: Tiene su origen en los cargos tardorromanos y bizantinos del latín dux, plural duces. En latín, dux denotaba el rango militar de general (palabra que, a su vez, deriva su semántica probablemente del verbo "duco ""guiar desde el frente", en oposición a "ago ""guiar desde atrás"). De esta manera, "el que guía desde el frente" denotaría originalmente a un guía militar o caudillo. A raíz de la práctica de conceder tierras a los generales victoriosos, dicho título se utilizó finalmente como una referencia nobiliaria que designa a un miembro de la clase alta. Durante siglos se usaría esa misma forma latina en Venecia, para designar al jefe de la república adriática.


title: Duque

text: Conforme se fueron desarrollando los reinos germánicos tras la caída del Imperio romano, el título fue usado por altos cargos, gobernadores, caudillos, etc. En el sistema social y político llamado feudalismo, que Carlomagno fundó al dividir sus dominios en condados, los duques ocupaban el nivel más alto en la escala nobiliaria, de igual forma ocurrió en los reinos de España y Francia.


title: Duque

text: Posteriormente, con la Capitular de Quierzy se convirtió en hereditario, trasmitiéndose de padres a hijos. Pero, con la abolición de los derechos señoriales en el siglo XIX, perdieron su autoridad y poder, aunque en muchos países se conservó el título por herencia de forma honorífica.


title: Duque

text: Hoy en día, como cualquier otro título nobiliario no tiene más valor que el honorífico y simbólico.


title: Duque

text: El apelativo ""il Duce"" utilizado por el dictador Benito Mussolini es una derivación de la voz "dux". El equivalente germano «"Führer"» (guía o líder) es una traducción del mismo término, así como el de ""Conducator"" usado por varios gobernantes rumanos. El "caudillo", título que se concedió el general Franco (si bien proveniente del latín "capitellum"), es una equivalencia de estos términos, todos ellos originados en el concepto "dux" (duque), «el que guía desde el frente».


title: Duque

text: Existen también las formas de:


title: Duque

text: En la Argentina, las expresiones "ser un duque" y "quedar como un duque" se utilizan para designar a una persona formal y correcta.


title: Duque

text: La vida de distintos duques o duquesas ha sido tema de películas, libros y otras obras como:


title: Americanismo (lingüística)

text: En lengua, se llama americanismo a


title: Americanismo (lingüística)

text: En el idioma español, un caso especial de americanismo es el angloamericanismo: es la expresión que proviene del inglés tal como se habla en los Estados Unidos, como son las palabras básquetbol, jungla, flipar y Óscar (referido al premio cinematográfico), o como se habla en el Canadá.


title: Americanismo (lingüística)

text: Desde el año 1492, con la llegada a América de Cristóbal Colón y sus hombres, hubo un intenso intercambio cultural por el que las lenguas indígenas se enriquecieron con vocablos castellanos y el castellano incorporaba cierto número de nuevos vocablos de las lenguas indígenas sin correspondencia en el Viejo Mundo, ya que designaban fenómenos atmosféricos ("huracán"), animales ("jaguar", "cocuyo", "colibrí", "tiburón"), vegetales ("ceiba", "batata", "tabaco", "caoba"), objetos ("hamaca", "canoa"), costumbres ("barbacoa") e instituciones ("cacique") propios de aquellas tierras recién descubiertas. Muchos de esos vocablos pasaron a su vez desde el español al resto de las lenguas europeas.


title: Americanismo (lingüística)

text: El primer americanismo incorporado al español es la palabra "canoa", utilizada por Cristóbal Colón el 26 de octubre de 1492 en el "Diario del Primer Viaje". El siguiente fragmento es del texto de ese diario tal como fue reconstruido por Bartolomé de las Casas:


title: Americanismo (lingüística)

text: En cuanto a la procedencia de los préstamos, la mayoría de ellos procede de las lenguas ampliamente extendidas que todavía hoy cuentan con un gran número de hablantes: el náhuatl, el quechua, el aymara y el guaraní (junto con otras lenguas tupí-guaraní). Además de estas lenguas, también destacan las lenguas arawak y las lenguas caribes, muy minoritarias hoy en día. Las lenguas mayas, a pesar de su importancia demográfica, aportan relativamente pocos préstamos. En cuanto al tipo de léxico aportado, buena parte corresponde a plantas y animales autóctonos de América, y hay también modismos locales o nacionales de uso general en América, sinónimos provenientes de otras lenguas y palabras que designan objetos domésticos, alimentos preparados y conceptos de la organización social de los pueblos indígenas.


title: Americanismo (lingüística)

text: Muchos de los americanismos fueron tomados del idioma taíno, otrora lengua indígena en las Antillas, las primeras tierras colonizadas por los españoles, así como de los idiomas que se hablaban en las grandes civilizaciones americanas precolombinas, principalmente en las civilizaciones azteca, inca y maya. De la lengua de los pueblos nahuas, provienen: aguacate, zoquete, petaca, malacate, petate, chocolate, cacao, tomate, coyote, hule, tiza, chicle, cacahuate, chile, cuate, guacamole, jícara, mezcal, milpa, mole, nopal, ocelote, papalote, peyote (véase: nahuatlismo).


title: Americanismo (lingüística)

text: Del quechua provienen:   (véase: quechuismo)


title: Americanismo (lingüística)

text: Del taíno provienen los primeros americanismos introducidos en el castellano


title: Americanismo (lingüística)

text: Un cronista contemporáneo, Gonzalo Fernández de Oviedo describe el consumo del tabaco en su "Historia General de las Indias" (1835) como parte de un ritual y describe sus efectos somníferos:


title: Panchatantra

text: El Panchatantra es una colección de fábulas en idioma sánscrito, en prosa y verso, cuyos manuscritos más antiguos datan del siglo XI, pero que se cree compuesto varios siglos antes, entre el siglo III a. C. y el  siglo III d. C. Se atribuye a Vishnú Sharma.El "Pancha-tantra" tiene muchas fábulas en común con las "Fábulas de Esopo" (del siglo VI a. C.).


title: Panchatantra

text: Al escritor tracio Esopo (siglo VII a VI a. C.) se lo considera el padre de todas las fábulas, porque de sus traducciones (del griego) provienen las fábulas del Roman de Renart (1180), varias de las del infante Don Juan Manuel en "El conde Lucanor" y, más tarde, las de Jean de La Fontaine (1621-1695). Sin embargo, La Fontaine publicó "Las fábulas de Bidpai" en 1679, basándose en «el sabio indio Pilpay». Pilpay es generalmente el autor al que se atribuye la obra en la época de La Fontaine, pero su existencia no está establecida porque su nombre aparece en la versión árabe, no en el original indio. Es una especie de legendario Esopo indio para los árabes, como para los propios árabes era su propio Esopo el sabio Locman.


title: Panchatantra

text: Según la historia que se cuenta en el "Hitopadesha" (siglo VII), el rey Sudarshana, preocupado por la educación de sus jóvenes príncipes, le encarga la enseñanza de la moral a un bráhmana (sacerdote) llamado Visnú Sharma (quien es considerado el autor del "Pancha-tantra").


title: Panchatantra

text: El texto consiste en la ilustración antropomórfica de los cinco principios más importantes del "rāja nīti" (‘ciencia política’) a través de los animales.  Los cinco principios ilustrados son:El "Panchatantra" alcanzó su forma actual entre el 300 y el 400 d. C. Hacia el 570 fue traducido al persa, por orden del rey sasánida Cosroes I. Desde el persa pasó al árabe hacia el 850.


title: Panchatantra

text: En el año 570 fue traducida al pahlavi (o persa literario) y pocos años más tarde al sirio. En el siglo VIII el iraní Ibn Al-Muqaffa lo tradujo del persa al árabe.  De allí se creó la colección árabe "Kalila wa-Dimna" (كليلة ودمنة), que se difundió por toda Europa.  Fue exportado en forma oral y escrita a China, Indonesia y el sudeste de Asia por monjes budistas.  Los viajeros llevaron sus historias a Persia, Arabia, y en el siglo IX a Grecia y de ahí al resto de Europa.  En el siglo XII se tradujo al hebreo. Esta traducción se considera fuente de la mayor parte de las versiones europeas.


title: Panchatantra

text: En 1251, el rey español Alfonso X (todavía infante) mandó traducir el texto árabe al castellano: "Calila e Dimna". En 1278, Giovanni da Capua la tradujo al latín con el título "Directorium humanae vitae". En 1313, Raymond de Beziers la tradujo nuevamente al latín y se le ofreció al rey Felipe el Hermoso (1268-1314) con motivo de la caballería de su hijo Luis, rey de Navarra, el futuro Luis el Obstinado (1289-1316). En 1644, Gilbert Gaulmin (bajo un seudónimo) tradujo la versión persa al francés con el título "El libro de la luz o la conducta de los reyes, compuesto por el sabio indio Pilpay y traducida al francés por David Sahid de Isfahán, capital de Persia". En 1666, el jesuita Pierre Poussines la tradujo nuevamente al latín con el título "Specimen sapientiae indorum veterum" (‘modelo de la sapiencia de los antiguos indios’). Por alguna razón, casi todos los traductores nombran a un tal Pilpay como autor, aunque en las versiones persas e indias no se lo nombra.


title: Panchatantra

text: A partir del "Panchatantra", el autor Naraian Pandit produjo una versión libre llamada "Jitopadesha" (siglo XII). Se cree que a Narayana le gustaba tanto ese texto que lo reescribió, mejorando el flujo de historias y agregando varias de su propia creación, por lo que el "Hitopadesha", aunque similar en contenido y estructura al "Pancha-tantra", es más abundante.


title: Mantra

text: Un mantra (मन्त्र en alfabeto devanagari) es una palabra sánscrita que se refiere a sonidos (emitidos como sílabas, palabras, fonemas o grupos de palabras) que, según algunas creencias, tienen algún poder psicológico o espiritual. Los mantras pueden tener o no significado literal o sintáctico.


title: Mantra

text: El término "mantra" proviene de "man-" (‘mente’ en sánscrito) y el sufijo instrumental "-tra", podría traducirse literalmente como "Instrumento mental". Se utiliza ante todo para designar las fórmulas en verso y en prosa que se pronuncian durante las ceremonias litúrgicas; esto no debe sorprender, si se considera que precisamente es en los rituales donde los gestos, palabras y pensamientos adquieren su máxima eficacia.


title: Mantra

text: El recitado y/o canto de un mantra además de considerarse un método de meditación y/o alabanza, se le suele también asignar una función como herramienta espiritual para la obtener un beneficio en particular; sin embargo se indica que no se obtendrá este último efecto solo con el puro hecho de la repetición del mantra, si al realizarlo no se considera y medita sobre el significado profundo de las palabras y/o sonidos y vibraciones que forman el mantra en particular.


title: Mantra

text: Ya en los textos zoroastristas aparece la expresión "haiθīm mathrem" (Yasna 31.6) que está relacionada con la expresión sánscrita "satia mantram".


title: Mantra

text: La primera aparición de la palabra "mantra" se encuentra en el "Rigveda" (el texto más antiguo de la India, de mediados del II milenio a. C.). Allí significaba ―como ‘instrumento del pensamiento’― ‘oración, ruego, himno de adoración, palabra aplastante, canción’. En el budismo tibetano, se considera que cada mantra corresponde a un cierto aspecto de la iluminación. Se recita para identificarse con ese aspecto de la mente iluminada.


title: Mantra

text: Por ejemplo, el conocido "om mani padme hum" corresponde a la compasión. Se traduce: ‘¡Oh, joya en el loto!’, siendo originalmente el célebre mantra "om" el símbolo sonoro correspondiente al Brahman, aunque tal "mantra" pasó a ser parte de una célebre frase budista.


title: Mantra

text: Según la tradición budista pollivetana, un "mantra" no tiene efecto completo si la práctica de su recitación no es autorizada por un maestro ("lama" en tibetano, "gurú" en sánscrito), respaldado a su vez por un linaje de maestros que, en el caso del budismo, supuestamente se remonta hasta el propio Buda.


title: Mantra

text: Según los budistas tibetanos, además de recitarse, un "mantra" se puede dejar escrito o hacer ondear con banderas, en la creencia de que produce el mismo beneficio espiritual que si se pronunciara.


title: Mantra

text: Las canciones de mantras, en ocasiones expresadas como música vocal, forman parte de la música budista.


title: Mantra

text: Algunas canciones budistas populares contienen únicamente los mantras en sus letras.


title: Mantra

text: Cuando una canción contiene un mantra corto, como Om, de una sola sílaba, u Om Mani Padme Hum, de seis sílabas, se repite el mantra numerosas veces en la canción.


title: Mantra

text: Cuando se trata de un mantra largo, como el Nilakantha Dharani (Mantra de la Gran Compasión), se repite sólo una o dos veces en la canción, porque el mantra es suficientemente largo para constituir las letras de una canción de varios minutos de duración.


title: Mantra

text: La repetición de mantras es una técnica de meditación en el Yoga y el budismo.


title: Mantra

text: Una técnica de meditación con mantra muy popular es la meditación transcendental, considerada como una de las técnicas de meditación con más practicantes y con más investigaciones científicas realizadas sobre la misma.


title: Mantra

text: El proceso de repetir mentalmente un mantra se llama japa en sánscrito.


title: Mantra

text: Repetir el mantra y tratar de enfocar la atención en él, ayuda a reducir y hasta eventualmente eliminar por completo, o casi por completo, los pensamientos que surgen constantemente en la mente, para lograr un estado de serenidad y claridad mental.


title: Mantra

text: Hay varias técnicas que facilitan la concentración en el mantra durante la meditación. Rolf Sovik dice que el uso de un rosario o mala de 108 cuentas para contar el número de repeticiones puede ser útil para mejorar la concentración.  También sugiere entretejer el sonido de un mantra con el siguiente, para crear un flujo ininterrumpido de sonidos, eliminando el espacio entre las repeticiones.


title: Mantra

text: Yuan Yu Liao dice que para mejorar la concentración con el mantra es necesario coordinar la repetición del mantra con la respiración.  Hay varios niveles de técnicas para la coordinación del mantra con la respiración, desde el más básico hasta el más avanzado.  Como, por ejemplo, iniciar la pronunciación del mantra justamente al empezar la exhalación, continuar el sonido prolongado a lo largo de la exhalación, y terminar el sonido justamente al finalizar la exhalación.


title: Mantra

text: En la psicología, el término "mantra" se utiliza como figura retórica que se repite para reforzar un pensamiento, reafirmando su significado con las repeticiones.


title: José María Blanco White

text: José María Blanco y Crespo (Sevilla, 11 de julio de 1775-Liverpool, 20 de mayo de 1841), más conocido como José María Blanco White, fue un escritor, teólogo, periodista, sacerdote católico secularizado y crítico literario español, uno de los tres grandes heterodoxos españoles conversos al protestantismo del según Marcelino Menéndez Pelayo junto a Luis de Usoz y Río y Juan Calderón. Era hermano mayor del militar Fernando Blanco White (1786-1849).


title: José María Blanco White

text: Tenía ascendencia paterna irlandesa y Felipe V había concedido ejecutoria de hidalguía a su abuelo paterno en 1732. Era hijo de los comerciantes William White y Morrogh, españolizado como Guillermo Blanco (vicecónsul del Reino Unido que se instaló en Sevilla durante el reinado de Fernando VI), y de María Gertrudis Crespo y Neve (1748-1819). Su padre era tan religioso que dedicó su tiempo libre a ayudar en el Hospital General de Sevilla durante treinta años, de suerte que estuvo en dos ocasiones a las puertas de la muerte por haberse contagiado allí; su madre era también religiosa por extremo y orientó a sus hijas a la clausura, en la cual murieron, y a su hijo mayor al sacerdocio; en su "Autobiografía" José María contará cuán profundamente le afectó el sinsentido de esa muerte en vida de sus hermanas. El menor, Fernando, siguió la carrera militar.


title: José María Blanco White

text: José María Blanco Crespo estudió con los dominicos en el Colegio de Santo Tomás y luego fue alumno de la Universidad de Sevilla. Voraz lector, ya en su infancia uno de sus libros favoritos, "Las aventuras de Telémaco" de Fénelon, como cuenta en su "Autobiografía", le indujo a dudar sobre la religión:


title: José María Blanco White

text: Empezó a frecuentar el Oratorio y conoció en 1791 a Manuel María del Mármol, que se convirtió en su tutor cultural "de facto"; obtuvo el título de bachiller en artes y en 1792 se relacionó además con Manuel María de Arjona, José María Tenorio Herrera, Félix José Reinoso y Alberto Lista, con quienes estudia humanidades y forma en 1793 la Academia de Letras Humanas de Sevilla. En 1794 viaja a Sanlúcar y a Cádiz y empieza a sentir las primeras dudas sobre su vocación. En 1795 lee sus primeras poesías en la Academia de Letras Humanas, que se ha granjeado la protección de Juan Pablo Forner, y traduce el "Alexis" del padre Andrés Triz. En 1796 obtuvo el grado de bachiller en Teología y la orden menor del subdiaconado y en 1797 publica algunas de sus obras en "Poesías de una Academia de letras Humanas" junto a las de Lista y Reinoso. En 1798 es colegial de Santa María de Jesús y compone "La belleza", canto didáctico.


title: José María Blanco White

text: El 21 de diciembre de 1799 se ordenó sacerdote pese a sus dudas al respecto y al horror que le producía ver a sus hermanas internadas en conventos de clausura. En 1800 es ascendido a Rector del Colegio mayor de Santa María de Jesús. Previa oposición, fue nombrado el 15 de agosto de 1801 capellán magistral de la Real Capilla de San Fernando e individuo de la Academia de Buenas Letras de Sevilla, donde leyó sus "Reflexiones sobre la belleza universal". Compuso numerosos sermones entre 1801 y 1802 y, coincidiendo con el fallecimiento de su hermana Teresa en 1802, sufrió su primera crisis religiosa, que le hizo abandonar en 1803 el catolicismo sin declararlo públicamente. En ese mismo año su otra hermana, María Fernanda, ingresó en el mismo Convento de los Reyes que Teresa. Por entonces Blanco es nombrado profesor de elocuencia y poesía por la Sociedad Económica de Amigos del País de Sevilla; escribe su "Discurso sobre la poesía" y su oda "El triunfo de la beneficencia". En 1804 profesa su hermana María Fernanda y Blanco publica diversos poemas en "El Correo de Sevilla" entre 1804 y 1806.


title: José María Blanco White

text: En 1805 se fue a Madrid, en donde obtuvo una colocación sin retribuir en la Comisión de Literatos del Real Instituto Militar Pestalozziano y fue designado como preceptor del infante Francisco de Paula por un corto periodo de tiempo gracias al favor de Manuel Godoy. Escribe un ensayo sobre el poema "La inocencia perdida" de su amigo Reinoso y desde 1806 frecuenta la tertulia del poeta liberal Manuel José Quintana. En ese año hizo un viaje de unas semanas a Salamanca, donde conoció a Juan Meléndez Valdés y al obispo Tavira poco antes de que falleciera en enero de 1807. Escribe la "Elegía a Quintana" y otros poemas y en 1807 su "Discurso sobre el método de enseñanza de Pestalozzi".


title: José María Blanco White

text: En 1808 lee en el Instituto Pestalozziano su oda "La verdad" y mantiene relaciones con Magdalena Esquaya. Estalla la guerra de la Independencia y vuelve a mediados de junio a Sevilla, donde se declara patriota; escribe su "Oda a la Junta Central" y su hermano Fernando es hecho prisionero por los franceses en Madrid, sufriendo cautiverio en Dijon durante seis años. Colabora con Isidoro de Antillón y Marzo en la redacción del "Semanario Patriótico" (1808-1809), pero sus críticas hacen que sea considerado "persona non grata" por la Junta Suprema de España. En 1809 nació su hijo Fernando, habido ilegítimamente con Magdalena Esquaya, la cual morirá en 1816. Sin embargo, Blanco no se enteró de su existencia hasta 1812, cuando ya se encontraba en Inglaterra, y mandó recogerlo para reconocerlo y educarlo allí. El 29 de enero de 1810 se traslada a Cádiz y el 23 de febrero embarca para Inglaterra; ya no volverá jamás. Llegó a Londres el 3 de marzo de 1810.


title: José María Blanco White

text: En Londres publica "El Español" (1810-1814), pero la primera Regencia lo prohíbe en España, porque se mostraba crítico con las autoridades españolas y muy comprensivo con los revolucionarios hispanoamericanos que empezaban a levantarse contra España, si bien su posición era la de la autonomía, no la de la independencia absoluta. Juan Bautista Arriaza publica en Londres un folleto contra él y sufre otros ataques en los periódicos gaditanos; incluso en las Cortes de Cádiz, en su sesión del 24 de mayo de 1811, se le ataca. Sus opiniones políticas van pasando de un inicial jacobinismo a un liberalismo más que moderado.


title: José María Blanco White

text: El 4 de octubre de 1812 ingresa en la Iglesia de Inglaterra o Anglicana e inicia un "Diario". En 1813 fallece su hermana María Fernanda. En 1814 recibe en Londres la visita de su hermano Fernando (1786-1849), quien se había escapado del campo de concentración de Dijon y permanecerá con él dos años aprendiendo el idioma inglés para luego enseñarlo en Sevilla. José María suspende la publicación de "El Español" y se hace ministro de su nueva confesión anglicana suscribiendo sus 39 artículos de fe. Imprime anónimamente su abolicionista "Bosquejo del comercio de esclavos" y en 1815 se convierte en preceptor del hijo del hispanista lord Henry Richard Vassal Fox, tercer barón de Holland, en cuyo concurrido salón de Kensington (Holland House) conoce a numerosos intelectuales y escritores; se convertirá después en bibliotecario de lord Holland. Publica en 1817 sus "Observations on the Study of Religion" y revisa las traducciones de la Biblia al español para la Sociedad Bíblica Británica y Extranjera, tanto el texto del "Nuevo Testamento" Reina-Valera (1817), como el de la Biblia traducida por Felipe Scío de San Miguel (1821), contando en este último caso con la colaboración de Andrés Bello. Revisa y traduce también la "Evidencia de la Religión Cristiana" de William Paley y la "Liturgia Anglicana".


title: José María Blanco White

text: Coincidiendo con el fallecimiento de su madre le acomete otra crisis religiosa en 1819, pero la revolución liberal española de 1820 le hace interesarse de nuevo por su país de origen y, por encargo de Thomas Campbell, director de "The New Monthly Magazine", empieza a redactar en español en 1820 antes de traducirlas al inglés las "Letters from Spain" o "Cartas desde España", que fueron apareciendo en 1821 con el seudónimo «Leucadio Doblado» en el "New Monthly Magazine" y llegaron a recogerse en un volumen en 1822. En ellas, al lado de páginas costumbristas como las descripciones de la Semana Santa, de las corridas de toros y de los espectáculos teatrales, critica acerbamente la intolerancia y el atraso de España. Además hace una crítica en profundidad del catolicismo, lo que lo convierte, junto con Luis Gutiérrez en uno de los pioneros del anticlericalismo contemporáneo español, al dar un paso adelante respecto a los ilustrados españoles que se habían limitado a la crítica al clero, abriendo así un nuevo camino hacia la secularización al valorar la conciencia personal y al afirmar la primacía del individuo sobre la sociedad tan característica del liberalismo del .


title: José María Blanco White

text: "Letters from Spain", obra elogiada por el poeta e hispanista Robert Southey, lord Holland, John Stuart Mill y Hemans, consolidó su reputación de escritor en inglés. Traduce obras españolas a esta lengua y colabora en la "Encyclopædia Britannica" y en la "Quarterly Review". Trabaja también como bibliotecario del hispanista Lord Holland y publica importantes artículos sobre literatura española. Muy avanzados para su época eran, por ejemplo, los dedicados a "La Celestina" o a "El Conde Lucanor". Por encargo del editor Rudolph Ackermann aparecieron en 1823, las "Variedades o Mensajero de Londres" (1823-1825), revista que se difundía por Hispanoamérica y en la que publicaron artículos Juan Antonio Llorente y Leandro Fernández de Moratín. En 1825 publica "Practical and internal Evidence against Catholicism", obra teológica. Estudia en la Universidad de Oxford, amistando con Thomas Arnold, John Henry Newman y Richard Whately, y obtiene el título de master of Arts en 1826 y se traslada a vivir allí, llevando una vida de predicador. Por influencia de sus nuevos amigos publicó en 1829 los dos únicos números de "The London Review".


title: José María Blanco White

text: En 1832 se fue a vivir a Dublín, cerca de su amigo el obispo protestante y lógico Richard Whately, y allí estuvo hasta principios de 1835. Marchó después a Liverpool y abandonó el anglicanismo para adscribirse al unitarismo, escribiendo sus "Observations on Heresy and Orthodoxy" (Londres, 1835) donde expone sus dudas religiosas. Escribió además su autobiografía en inglés, "The Life of... written by himself" ("Vida del reverendo J. M.ª Blanco White"), Londres, 1845, traducida y editada por Antonio Garnica, Sevilla, Universidad, en 1975. Escribió además algunas novelas en español con seudónimo, como "Intrigas venecianas o Fray Gregorio de Jerusalén: ensayo de una novela española", publicada por entregas en las "Variedades o Mensajero de Londres", o "Luisa de Bustamante o la huérfana española en Inglaterra" (1840), que dejó inconclusa, y que fue publicada en "Revista de Ciencias, Literatura y Artes" por José Blanco-White y Olloqui, su sobrino. Murió en Liverpool en casa de su amigo William Rathbone el 20 de mayo de 1841. La Iglesia Española Reformada Episcopal (anglicana) lo considera uno de sus precursores.


title: José María Blanco White

text: Repugnaba a Blanco White el fanatismo de la Iglesia católica. Nunca perdonó a esta confesión instituciones como las que veían legítima la reclusión monacal de sus dos hermanas, que lamentó en su autobiografía. En Inglaterra llegó a dominar perfectamente la lengua inglesa, que ya conocía desde pequeño a través de sus tratos comerciales, como cuenta en su "Vida del reverendo J. M.ª Blanco White" (1845). Llegó incluso a destacar como escritor en ese idioma con poemas como el soneto "Night and Death" (1828), que impresionó al mismo Samuel Taylor Coleridge a quien está dedicado y ha pasado a todas las antologías de la literatura inglesa:


title: José María Blanco White

text: Como crítico de la poesía en español le achacaba un anquilosamiento clasicista en forma, estilo y temática. En cuanto a él mismo como poeta lírico en castellano empezó escribiendo anacreónticas y canciones religiosas ("A la Inmaculada Concepción", "El Mesías"). La filantropía ilustrada tuvo su expresión en la oda "El triunfo de la beneficencia", cuya retórica despertó el entusiasmo de Manuel Quintana. Esto le hizo insistir en esta temática con las odas "A Carlos III, restablecedor de las ciencias en España", "A Apolo pidiéndole restablezca sus altares en España", "A las Musas", que imita a Horacio, etcétera. Su mejor obra de este periodo es tal vez "Los placeres del entusiasmo", una exaltación de la imaginación artística que ya puede clasificarse dentro del Prerromanticismo. Los avatares de la Guerra de la Independencia se reflejan en su oda "A la instalación de la Junta central de España", llena de ímpetu pero vacía de inspiración verdadera. Ya en el destierro desarrolla su vena prerromántica con "Una tormenta nocturna en alta mar", traduce una antología, centón o florilegio de pasajes extraídos de los dramas de Shakespeare, medita sobre su patria y sobre sí mismo en "La persecución religiosa" y "La revelación interna" y retorna a cultivar, melancólicamente, estrofas populares de su tierra española, como las seguidillas.


title: José María Blanco White

text: Blanco White ha sido estudiado y editado principalmente por Vicente Llorens y Juan Goytisolo. Un archivo con sus principales documentos se conserva en la Universidad de Princeton.


title: Juan José Arreola

text: Juan José Arreola Zúñiga (Zapotlán el Grande –hoy Ciudad Guzmán–, Jalisco; 21 de septiembre de 1918 - Guadalajara, Jalisco; 3 de diciembre de 2001) fue un escritor, académico y editor mexicano.


title: Juan José Arreola

text: Juan José Arreola fue el cuarto de catorce hermanos. Asistió desde los tres años al Colegio de San Francisco, escuela de monjas francesas, en donde comenzó a tomar gusto por la literatura y por el conocimiento en general. Su infancia transcurrió durante la Revolución Cristera. Trabajaba como encuadernador con José María Silva, un pariente lejano, y posteriormente en la imprenta del Chepo Gutiérrez. Estos fueron sus primeros acercamientos al “mundo editorial, las imprentas y el encuadernado fino”. Cumplidos los 15 años, el joven Arreola ya había leído a autores como Baudelaire, Whitman, Ludwig, Papini y Schwob.


title: Juan José Arreola

text: A la edad de 19 años viajó a la ciudad de México para ir a estudiar en la Escuela Teatral de Bellas Artes, en donde tomó clases con Fernando Wagner. Para costearse las clases, Arreola se desempeñó en diversos oficios, entre ellos el de actor de radionovelas de la XEQ.


title: Juan José Arreola

text: Hacia 1939, trabajó como actor con Xavier Villaurrutia. En el mismo año dejó la Escuela Teatral de Bellas Artes y comenzó a trabajar con Rodolfo Usigli en la compañía Teatro de Medianoche. Tras una fallida gira en Celaya, decidió regresar a Zapotlán, el 8 de agosto de 1940, donde publicó su cuento "Sueño de Navidad" en la revista "El vigía". En este cuento el mismo Arreola encontró influencias del cuentista ruso Leonidas Andreyev.


title: Juan José Arreola

text: En 1941, tras un par de viajes a la Ciudad de México, sufrió una congestión alimenticia y una infección intestinal, lo cual le acarrearía una severa crisis de nervios que sufriría eventualmente durante el resto de su vida. Ya en Zapotlán, formó parte de una compañía teatral, impartió clases en una secundaria y continuó escribiendo. Es por estos años que escribió “Hizo el bien mientras vivió” (1943), el primero de sus escritos reconocidos.


title: Juan José Arreola

text: Viajó a Guadalajara, donde, en 1943 y por recomendación de su primo Enrique, se entrevistó con Jorge Dipp, director del periódico "El Occidental", en donde colaboró escribiendo artículos y como jefe de circulación hasta 1945.


title: Juan José Arreola

text: En 1944, Louis Jouvet llegó a Jalisco invitado por una colonia francesa. Juan José Arreola, declarado admirador del actor, se entrevistó con él, quien le ofreció una beca del Instituto Francés de la América Latina, gracias a la cual, una vez terminada la Segunda Guerra Mundial, el mexicano pudo asistir a diversos espectáculos teatrales en París. Tras una fuerte depresión, la cual, junto con el severo clima de Francia, le trajo mayores malestares en su úlcera, Arreola decidió regresar a la Ciudad de México.


title: Juan José Arreola

text: En 1946, ya instalado en México, trabajó como traductor, redactor y corrector en el departamento técnico del Fondo de Cultura Económica por recomendación de Antonio Alatorre. Tradujo "La isla de Pascua" (1950), de Alfred Mátraux; "El cine: su historia y su técnica" (1950), de George Sadoul; "El arte teatral" (1951), de Gastón Baty y de Chavance; y "El arte religioso del siglo XII al siglo XVIII" (1952), de Émile Male.


title: Juan José Arreola

text: Ahí mismo conoció a Daniel Cosío Villegas, quien publicó "Varia invención" (1949), primer libro de Juan José Arreola editado bajo la colección "Tezontle", cuya portada diseñó Juan Soriano. En un concurso para nombrar una colección de la editorial, Arreola resultó ganador tras proponer el nombre de "Breviarios."


title: Juan José Arreola

text: Simultáneamente trabajó en El Colegio de México, donde permanecería tras ser despedido del Fondo de Cultura Económica. En este período escribió "Confabulario", publicado posteriormente, en 1952, por la editorial Fondo de Cultura Económica en su colección "Letras mexicanas".


title: Juan José Arreola

text: En 1956, Arreola recibió la propuesta de dirigir una compañía teatral que sería patrocinada por Difusión Cultural de la UNAM. Arreola la llamó "Poesía en voz alta" y representan obras de García Lorca, Ionesco, Paz, entre otros. Juan Antonio Rosado describió los objetivos de "Poesía en voz alta" de esta manera: "Tradición y vanguardia se fusionaron en "Poesía en voz alta", cuya intención más importante fue volver a los orígenes del teatro a la palabra hablada, sin hacer a un lado el goce estético pero apartando ciertos rasgos antisolemnes que romperían con el convencionalismo imperante en el teatro nacional".


title: Juan José Arreola

text: Nabor Carrillo, rector de la UNAM, invitó a Arreola a hacerse cargo de La Casa del Lago, la cual se inauguró el 15 de septiembre de 1959, y se convertiría en un importante centro cultural de la siguiente década donde se realizarían lecturas de poesía, audiciones de música y de grupos corales y funciones de cine de arte que contribuyeron a la educación del público interesado, en su mayoría universitario.


title: Juan José Arreola

text: Tras el cambio de rector, Arreola fue destituido de la dirección de La Casa del Lago. Ante esto, se dedicó a impartir clases en la escuela de Teatro del INBA y en el Centro Mexicano de Escritores. Además, fue invitado a Casa de las Américas, en Cuba. En 1992 participó como comentarista de Televisa para los Juegos Olímpicos de Barcelona.


title: Juan José Arreola

text: Víctima de una hidrocefalia que lo aquejó durante sus últimos años, murió a los 83 años en su casa en Jalisco. Le sobrevivieron su viuda, Sara Sánchez (1918-2001), sus tres hijos (Claudia, Orso y Fuensanta) y seis nietos.


title: Juan José Arreola

text: Los textos de Juan José Arreola, influidos por autores como Marcel Schwob, Julio Torri, Franz Kafka, Giovanni Papini, Jorge Luis Borges, Charles Baudelaire, tienen como características principales la brevedad, la ironía y la constante combinación de los recursos de distintos géneros literarios, como el cuento, la poesía y el ensayo.


title: Juan José Arreola

text: Emmanuel Carballo hace hincapié en el sentido irónico de estos textos: “desarrollando contrastes, poniendo ejemplos –fábulas–, saltando de lo lógico a lo absurdo y viceversa, dejando escapar sigilosamente la ironía, Arreola ha venido construyendo un nuevo tipo de cuento”. En otro ensayo, el crítico mexicano continúa: “su trayectoria literaria se podría resumir así: la ingenuidad que deviene sapiencia, la alusión que se convierte en elusión, el plano vertical que se torna plano oblicuo”.


title: Juan José Arreola

text: En cuanto al uso que hace Arreola de la concisión, Seymour Menton menciona que “dentro de esta difícil y compleja brevedad el escritor camina a sus anchas, porque sabe captar la esencia de las personas, las cosas y las acciones, porque no pretende realizar una pintura sino un aguafuerte, un grabado”. El mismo Juan José Arreola, consciente de esta virtud en sus textos, habla de su capacidad de reflejar a la naturaleza humana a través de “anécdotas que ponen en evidencia lo mismo cualidades que defectos. La anécdota viene a ser solamente el pretexto para capturar una partícula del ser humano”.


title: Juan José Arreola

text: En lo que refiere a los temas que abarcan la obra de Arreola, el autor los engloba en el drama del ser individual, incluyendo de esta forma al aislamiento, la soledad, la convivencia y la imposibilidad del amor. De este último, la crítica ha puesto especial atención: “el tema del amor es capital en su obra: va del idealismo adolescente a una visión aterradora y caricaturesca de la mujer, cifra y símbolo de la enajenación, el dolor y la muerte”. La severidad con la que trata el tema de la mujer le ha valido, junto a Julio Torri, la etiqueta de autor misógino.


title: Juan José Arreola

text: A pesar de que la literatura fantástica sufre del prejuicio de estar desentendida de la realidad en la que se desenvuelve el creador, en Juan José Arreola se encuentran diversos cuentos, como “El guardagujas”, en los que “revela que está constantemente preocupado por el verdadero sentido del mundo en que vive”.


title: Juan José Arreola

text: Es una plaquette perteneciente a la Colección Lunes que dirigían Pablo y Enrique González Casanova. Es el primer cuento de Juan José Arreola, en el que dispone un guion de los que se escribirá medio siglo después. Trata acerca de las imaginaciones de un arquitecto alemán en los años hitlerianos, pero predominan los estudios críticos sobre temas literarios, cinematográficos, teatrales y artísticos. Es el primer libro de Arreola cuyo título viene de un soneto de Luis de Góngora “varia imaginación” . En esta obra fluye una devoción por la literatura española del Siglo de Oro, sin embargo, se distingue la herencia de Julio Torri y Efrén Hernández en la creación de muchas voces sonoras provenientes de distintas esferas del lenguaje.


title: Juan José Arreola

text: La obra ha sido reeditada cuatro veces y, en todas, el autor ha cambiado el orden: trasladó a otros libros algunos textos (“Nabónides” pasará en 1966 a "Confabulario"), corrigió y pulió los cuentos. Sobre esta obra escribe el propio Arreola lo siguiente: es "la tentativa de resolver una serie de influencias y de maneras en una fórmula personal. Ésta es, dicho en pocas palabras, la condensación, la poda de todo lo superfluo, que me ha llevado a castigar el material y el estilo hasta un grado que, en dos o tres piezas, puede clasificarse de absoluto. Este afán me ha arrebatado muchas páginas: textos que tenían veinte o diez cuartillas llegaron a tener tres y una. Cuando logré condensar en media página un texto que media varias cuartillas, me sentí satisfecho".


title: Juan José Arreola

text: Incluye: En verdad os digo, El rinoceronte, El guardagujas, Corrido, El discípulo, Pueblerina, La canción de Peronelle, Autrui, Sinesio de Rodas, Epitafio, El prodigioso miligramo, El lay de Aristóteles, El condenado, Una reputación, Los alimentos terrestres, Apuntes de un rencoroso, In memoriam, Prosodia, Baby H. P. y De balística. Incluye: Palindroma: Tres días y un cenicero, Starring all people, Hogares felices, Para entrar al jardín, Botella de Klein, El himen en México. Variaciones sintácticas: Duermevela, Profilaxis, Receta casera, De un viajero, La disyuntiva, Ciclismo, Astronomía, Historia de los dos ¿que soñaron?, Balada, Doxografías. Incluye: Bestiario: El rinoceronte, El sapo, El bisonte, Aves de rapiña, El avestruz, Insectiada, El carabao, Felinos, El búho, El oso, El elefante, Topos, Camélidos, La boa, La cebra, La jirafa, La hiena, El hipopótamo, Cérvidos, Las focas, Aves acuáticas, El ajolote, Los monos.


title: Juan José Arreola

text: El bestiario es heredero de una larga tradición que se remonta desde el filósofo Esopo y que también está presente la idea del bestiario de Jean de La Fontaine, los hermanos Grimm, Hans Christian Andersen, hasta llegar a Jules Renard.


title: Juan José Arreola

text: Ensayo


title: Juan José Arreola

text: "La palabra educación" (1973)


title: Juan José Arreola

text: En este libro, Jorge Arturo Ojeda se ha esmerado en recopilar fragmentos de la prosa oral de Juan José Arreola (charlas informales, entrevistas, párrafos trasladados a la cinta magnetofónica o a la libreta de taquigrafía). En él se puede rastrear la trascendencia de la temática que preocupa a Arreola: vida, cultura, conciencia, los jóvenes, el maestro, la palabra. En esta publicación se expresan los puntos de vista del autor, relacionados con los problemas de la educación, la cultura y la superación del hombre.


title: Juan José Arreola

text: "Y ahora la mujer" (1975)


title: Juan José Arreola

text: "Inventario" (1976)


title: Juan José Arreola

text: Es una selección de los textos que Juan José Arreola escribió para "El Sol de México", por invitación de Benjamín Wong Castañeda, director de dicho periódico. La columna se titulaba “De sol a sol” y apareció diario desde el sábado 8 de febrero de 1975 hasta el 10 de diciembre de 1976.


title: Juan José Arreola

text: El libro contiene 150 textos (la tercera parte de los que publicó Arreola en el diario) con extensión de una cuartilla y media, a los cuales se les omitió la fecha y título con el que aparecieron en la columna original. Los temas son muy diversos, dada la vasta cultura del autor. "Inventario" fue publicado en 1976 por Grijalbo, inmediatamente después de que el jalisciense dejara de escribir en su columna.


title: Juan José Arreola

text: Novela


title: Juan José Arreola

text: "La feria" (1963)


title: Juan José Arreola

text: Única novela escrita por el autor, “resume temáticamente y estilísticamente la obra completa de Juan José Arreola”. Compuesta de 288 fragmentos que pueden leerse independientemente sin dejar de formar parte de la totalidad, en "La Feria" se encuentran motivos costumbristas que denuncian la explotación a través del desfilar de las voces de los diversos personajes del pueblo


title: Juan José Arreola

text: La estructura de "La Feria" tiene sus antecedentes en "Cartucho" de Nellie Campobello y en "Poil de carotte" ("Piel de zanahoria") (1984), de Jules Renard, textos considerados por la crítica como “minificciones integradas”, nombre dado a las “novelas formadas por fragmentos que nunca rebasan el espacio de una página”.


title: Juan José Arreola

text: Revista mensual mexicana fundada por Arreola y Arturo Rivas, cuyo primer número se publica el 30 de julio de 1943. La publicación contaba con el apoyo de Rodolfo González Guevara, Antonio Arendáin y la Universidad de Guadalajara.


title: Juan José Arreola

text: La revista tenía forma de libro y destacaba un tema principal. En los cuatro números aparecieron dos secciones fijas que eran “Notas”, en la cual reseñaban libros de reciente aparición, y “Noticias”, donde publicaban información referente a simposios, estudios, seminarios, mesas redondas, congresos, tanto literarios como culturales.


title: Juan José Arreola

text: El primer número de "Eos" colaboró Arreola con el cuento “Hizo el bien mientras vivió”. El segundo número, 30 de agosto de 1943, destacan las colaboraciones de Noel Rivas Sainz con “El diablo” y una nota a "El luto humano" de José Revueltas. La tercera entrega, 30 de septiembre de 1943, fue dedicada a la memoria de Manuel Martínez Valadez que contaba con seis notas de su obra. La última entrega se realizó el 31 de octubre de 1943. Su trabajo principal fue el cuento “Micaela” de Edmundo Báez, además de que Arreola publicó diez “Décimas” de tono amoroso, constituyendo uno de los raros ejemplos de creación poética de Arreola.


title: Juan José Arreola

text: Se deja de editar por falta de textos de calidad, falta de colaboradores y de recursos económicos. La revista fue importante porque colaboraron escritores reconocidos, además, fue una de las primeras publicaciones donde Arreola se dio a conocer como escritor.


title: Juan José Arreola

text: Revista editada en Guadalajara por Arreola y Antonio Alatorre, de junio a noviembre de 1945. Se considera la revista "Eos" como su antecesora. El primer número fue publicado el 1 de junio de 1945.


title: Juan José Arreola

text: Las publicaciones principales de la revista fueron, en el primer número, la colaboración de “Fragmentos de una novela” por Juan José Arreola, “Reflexiones sobre la forma”, de Arturo Rivas Sainz. En el segundo número, 2 de julio de 1945, Juan Rulfo publica su cuento “Nos han dado la tierra”, el cual impulsó el reconocimiento de Rulfo en el campo de las letras mexicanas. En la entrega número tres, agosto de 1945, Arreola publica “El converso”. En el cuarto número, 1 de septiembre de 1945, se publica un poema inédito de Ramón López Velarde, “El adiós”. El 1 de octubre de 1945 se publica la quinta entrega de la revista, que tiene como texto principal “Carta a un amigo” de Paul Valery. A partir del número seis la edición estará a cargo de Antonio Alatorre y Juan Rulfo porque Arreola viaja a Francia; sin embargo, hay colaboraciones de Arreola, como “Carta a un zapatero que compuso mal unos zapatos” y “Un soneto”; también se publica “Macario”, de Juan Rulfo.


title: Juan José Arreola

text: La revista no contó con suscriptores y anunciantes. Fue auspiciada por particulares de Guadalajara.


title: Juan José Arreola

text: Arreola creó la colección llamada "Los Presentes" (1954- 1957) en memoria del tipógrafo y editor jalisciense Ignacio Cumplido. Arreola buscaba editar la obra de ciertos jóvenes y de ciertos escritores consagrados para brindar un panorama en movimiento de la literatura.


title: Juan José Arreola

text: Dicha colección editó 50 títulos en menos de dos años, entre los que se destacan "Final de juego" de Julio Cortázar, "Práctica de vuelo", de Carlos Pellicer "Lilus Kikus" de Elena Poniatowska. La colección se suspende en 1956.En total aparecieron setenta y un títulos, sesenta dentro de la colección y once fuera de serie.


title: Juan José Arreola

text: Serie de cuadernos editados por Arreola del 28 de junio al 30 de diciembre de 1958. No estaban destinados al comercio, aunque llegaron a venderse en algunas librerías como la Madero y la Porrúa.


title: Juan José Arreola

text: Entre los colaboradores figuran "La sangre de medusa" (1958) de José Emilio Pacheco, "Nocturno de amor" (1958) de Elías Nandino, "La otra hermana" (1958) de Beatriz Espejo. Por otro lado, colaboradores de "Los Presentes" publicaron en esta serie, como Eduardo Lizalde con "Odesa y Cananea", "Las estaciones" de Rafael Solano, "Fábula en mi boca" de Gelsen Gas, "Canto llano a Simón de Bolívar" de Bonifaz Nuño.


title: Juan José Arreola

text: - Los libros del unicornio


title: Juan José Arreola

text: Simultáneo a los cuadernos, Juan José Arreola publicó libros con pie de imprenta de El Unicornio, Cuadernos de ensayo y Libros del Unicornio, también varios títulos fuera de serie. Los cuadernos de ensayo solo tuvieron tres números. Se dieron a conocer dramaturgos de primer nivel como Héctor Azar, Carlos Solórzano, Olivia Zúñiga y Arturo Martínez Cáceres. En estas ediciones, Arreola se interesó de sobremanera por la variedad en el formato y el diseño de los libros. Hubo varios formatos, para plaquetas, otros para cuadernos de ensayo y otro más para los libros de creación.


title: Juan José Arreola

text: Revista del Taller Literario de Juan José Arreola. El primer número apareció en mayo de 1964. En su primer año de vida se publicaba cada trimestre, luego fue perdiendo periodicidad por falta de recursos. En total, fueron doce números que salieron de la revista, el último salió en 1967. Se publicaron autores como Elsa Cross, Elva Macías, Jorge Arturo Ojeda, Andrés González Pagés, José Agustín y Juan Tovar.


title: Juan José Arreola

text: Además de la revista, en Mester, Arreola publicó tres libros: la novela corta "La tumba" (1964) de José Agustín, los cuentos de "La puerta de los clavos" (1966), de Eduardo Rodríguez Solís, así como el poemario "Visitaciones" (1964) de Guillermo Fernández.


title: Juan José Arreola

text: A finales de los 70, Televisa le da un programa con tintes literarios que, sin embargo, tuvo que cancelarse por la baja audiencia. En los años 80 a través del Instituto Mexicano de la Televisión (IMEVISIÓN) conduce y dirige la serie cultural "Aproximaciones" que tuvo gran acogida por la crítica y el público siendo considerado el mejor programa cultural de la televisión mexicana. En 1986 es invitado por Televisa para ser comentarista en el mundial de fútbol [[Copa Mundial de Fútbol de 1986|México 86]. En septiembre de 1990 la empresa Cablevisión invita a Juan José Arreola a realizar el programa de TV "Arreola y su mundo" el cual obtuvo gran audiencia, se llegaron a filmar 119 programas. El programa consistía en largas pláticas donde Arreola hablaba de sus pasiones, de sus escritores favoritos – [[Marcel Proust|Proust]], Borges, [[Ramón López Velarde|López Velarde]]-, de deportes como el ping pong y el ajedrez, de sus ideas sobre la vida, de sus amistades. En 1992 participó como comentarista de Televisa para los [[Juegos Olímpicos de Barcelona 1992|Juegos Olímpicos de Barcelona]].


title: Juan José Arreola

text: En 2018, [[Alonso Arreola]], nieto de Juan José Arreola, creó el proyecto "Arreola por Arreola. Bestias y Prodigios," el cual combina música, poesía, actuación y trabajo plástico. En ese año, el proyecto montó un espectáculo con motivo del 60 aniversario del libro "Bestiario" y en el cual participaron junto a Alonso, su hermano José María Arreola, baterista y escritor José María Arreola; la cantante [[Iraida Noriega]]; y el cineasta Arturo López “Pío".


title: Juan José Arreola

text: En 2019, el proyecto presentó un nuevo espectáculo titulado "La Migala. Una lectura suicida", basado en el cuento "La Migala". En esta ocasión participaron Alonso Arreola; [[Denise Gutiérrez]], de la banda [[Hello Seahorse!]]; el cantante [[Torreblanca (banda)|Juan Manuel Torreblanca]], y la bajista y productora Sofía Mora. Además del texto de Juan José Arreola, el montaje incluyó poemas de Jorge Cuesta, [[Jaime Torres Bodet]], [[Teresa Vera]] y [[Antonieta Rivas Mercado]], y música de [[Eugenio Toussaint]], [[INXS]], [[Lucha Reyes (cantante mexicana)|Lucha Reyes]], [[Soundgarden]], [[Nirvana (banda)|Nirvana]], [[Emerson, Lake & Palmer]], [[Elliott Smith]], [[Jeff Buckley]] y [[Joy Division]].La escritora mexicana [[Elena Poniatowska]] (n. 1932), en su novela "El amante polaco" (2019), revela que habría sido víctima de una violación por parte de Juan José Arreola en 1954, durante una de las frecuentes visitas que la joven escritora de 22 años realizaba a la casa del intelectual, con quien mantenía una relación de amistad y era su alumna.Según narra Poniatowska, ella quedó embarazada tras este ataque, y posteriormente de esta violación nació al año siguiente el primer hijo de la escritora, Emmanuel "Mane", que nunca fue reconocido por Arreola. Esta denuncia se suma a la hecha en 1976 por parte de la pianista y poetisa mexicana [[Tita Valencia]] (n. 1938), quien también acusa al escritor de violencia de género. Familiares de Arreola por su parte han tratado de desmentir estas acusaciones mediante cartas de Poniatowska y Valencia hacia Arreola, en donde Poniatowska se dirige a él como "su querido Juan José" y agrega "Ahorita lo que importan son tus hijos grandes, y no el bebé. (...) Que yo estoy bien y estaré bien", en tanto Tita Valencia en una carta le "pide perdón por su actitud cambiante". [[Categoría:Escritores de Jalisco]] [[Categoría:Escritores en español del siglo XX]] [[Categoría:Editores de México]] [[Categoría:Cuentistas de México del siglo XX]] [[Categoría:Alumnado de El Colegio de México]] [[Categoría:Doctores honoris causa de la Universidad de Colima]] [[Categoría:Académicos e investigadores de la Universidad Nacional Autónoma de México]] [[Categoría:Premio Xavier Villaurrutia]] [[Categoría:Premio Internacional Alfonso Reyes]] [[Categoría:Premio Nacional de Periodismo de México]] [[Categoría:Premio Nacional de Ciencias y Artes (México)


title: José Gorostiza Alcalá

text: José Gorostiza Alcalá (San Juan Bautista, hoy Villahermosa, Tabasco, 10 de noviembre de 1901 – Ciudad de México, 16 de marzo de 1973) fue un poeta y diplomático mexicano. Al servicio del Estado mexicano durante la mayoría de su vida en varios cargos gubernamentales o diplomáticas, formó también parte del grupo de la revista literaria "Contemporáneos" (1928-1931) y fue elegido miembro de la Academia Mexicana de la Lengua en 1954.


title: José Gorostiza Alcalá

text: Se trasladó a la Ciudad de México y en 1920 concluyó los estudios de bachiller en Letras. Perteneció al llamado grupo de Los Contemporáneos (1928-1931). Fue profesor de Literatura Mexicana en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México, en 1929; de Historia Moderna en la Escuela Nacional de Maestros, en 1932, y jefe del Departamento de Bellas Artes de la Secretaría de Educación Pública. De 1958 a 1963 trabajó como subsecretario de la Secretaría de Relaciones y como secretario de la misma en 1964. Fue miembro del servicio diplomático como canciller de primera en el servicio exterior, para lo que se trasladó a Londres en 1927. De 1937 a 1939 fungió como segundo secretario de la Legación en Copenhague y como Primer secretario en Roma de 1939 a 1940.


title: José Gorostiza Alcalá

text: En 1944 se desempeñó como ministro plenipotenciario y director general de Asuntos Políticos y del Servicio Diplomático; en 1950 fue asesor del representante de México ante el Consejo de Seguridad de la ONU. De 1950 a 1951 fue embajador de México en Grecia. De 1953 a 1964 participó como delegado en muchas conferencias internacionales y de 1965 a 1970 ocupó la presidencia de la Comisión Nacional de Energía Nuclear.


title: José Gorostiza Alcalá

text: El 14 de mayo de 1954 fue elegido miembro de la Academia Mexicana de la Lengua, correspondiente de la española, y el 22 de marzo de 1955 lo fue de número, en la silla número XXXV, aunque sus biógrafos refieren que no fue un hombre de cenáculo. A pesar de sus dotes no fue un literato prolífico; hay quien opina que sus actividades diplomáticas y políticas no se lo permitieron.


title: José Gorostiza Alcalá

text: Publicó únicamente dos libros: el primero, "Canciones para cantar en las barcas" (1925), se caracteriza por la pureza de su línea y delicadeza de su lirismo. La interrelación de estos elementos le permitió escribir poemas aparentemente simples, pero sumamente complejos en su significación y lirismo.


title: José Gorostiza Alcalá

text: Después de catorce años, durante los cuales sus poemas permanecieron inéditos o dispersos en revistas y antologías, apareció "Muerte sin fin" (1939), uno de los más importantes poemas largos escritos en español del siglo XX; en éste, los versos dejan la simplicidad y, sin abandonar el diálogo entre vida común y expresión exacta, se sumergen en una búsqueda poética exhaustiva del ser, en el mundo y en la muerte.


title: José Gorostiza Alcalá

text: Sus siguientes publicaciones no son obras que haya escrito, sino que son antologías de sus obras.


title: José Gorostiza Alcalá

text: En 1964 apareció "Poesía", libro en el que reúne las obras anteriores, además de poemas y fragmentos bajo el título "Del poema frustrado", y el ensayo "Notas sobre poesía", que había pronunciado como discurso de ingreso en la Academia de la Lengua.


title: José Gorostiza Alcalá

text: Por fin, en 1969 publicó un volumen de "Prosa".


title: José Gorostiza Alcalá

text: Si el nombre de Gorostiza se compara con los nombres de algunos de los mayores poetas universales, es porque en efecto la breve obra de este autor es también la de uno de los más profundos poetas de nuestra época. De espíritu sutil y profundo, se le conoce como "el poeta de la inteligencia". Artista valeroso y exigente, cuyo resultado es la pureza más acendrada de la esencia lírica. Las siguientes son antologías de sus obras, pero no son libros que él publicó:


title: Porto Velho

text: Porto Velho ("Puerto Viejo" en español) es un municipio y capital del estado de Rondonia, Brasil. Se localiza al norte del estado, en la margen derecha del río Madeira (afluente del río Amazonas), estando a una altitud de 85 metros sobre el nivel del mar. Su población estimada en 2010 era de 426 558 habitantes.


title: Porto Velho

text: Posee un área de 34 210 km². Se convirtió en municipio en 1914, cuando todavía pertenecía al estado de Mato Grosso. En 1943, con el municipio de Guajará Mirim pasó a constituir el Territorio Federal de Guaporé, que en 1956 pasó a ser denominado Rondonia, y vino a ser elevado a la categoría de Estado en 1981.


title: Retinoblastoma

text: El retinoblastoma es un tumor canceroso que se desarrolla en la retina causado por una mutación en la proteína Rb, codificada por un gen supresor tumoral denominado RB1. Este tumor se presenta en mayor parte en niños pequeños y representa el 3% de los cánceres padecidos por menores de quince años. Constituye la primera causa de malignidad intra-ocular primaria en los niños y la incidencia anual estimada es de aproximadamente 4 por cada millón de niños.


title: Retinoblastoma

text: El mal puede ser hereditario o no serlo. La forma heredada puede presentarse en uno o ambos ojos y, generalmente, afecta a los niños más pequeños. El retinoblastoma presente solo en un ojo no siempre es hereditario. Cuando la enfermedad se presenta en ambos ojos, es siempre hereditaria. Debido al factor hereditario, los pacientes y sus hermanos deben someterse a examen periódicamente, incluyendo terapia genética, para determinar el riesgo que tienen de desarrollar el cáncer.


title: Retinoblastoma

text: El retinoblastoma tiende a extenderse hacia el cerebro y la médula ósea, y más raramente se disemina por los pulmones. Estos son factores de pronóstico adverso, así como la invasión coroidal y a través del nervio óptico.


title: Retinoblastoma

text: El retinoblastoma es hereditario en el 40% de los casos; estos niños heredan un alelo mutado (primer evento o "hit") en el locus retinoblastoma (RB1) a través de las células germinales. Una mutación somática o cualquier otra alteración en una única célula de la retina da lugar a la pérdida de la función del alelo normal restante, lo que inicia el desarrollo de un tumor. Este trastorno se hereda de manera dominante debido a la presencia de un elevado número de retinoblastos primordiales y su rápida tasa de proliferación, lo cual hace que sea muy probable que se produzca una mutación somática (segundo "hit") en uno o más de los retinoblastos existentes. Dado que las posibilidades del segundo evento en la forma hereditaria son tan elevadas, este evento ocurre con frecuencia en más de una célula, de manera que los heterocigotos para esta enfermedad sufren a menudo tumores múltiples que afectan a ambos ojos. Por otro lado, la aparición del segundo evento es un fenómeno de tipo casual y no ocurre en todos los casos; por lo tanto, la penetrancia del gen del retinoblastoma es elevada aunque incompleta. Debido a que la mutación somática del segundo alelo que produce la pérdida de función ocurre con alta frecuencia, las familias que segregan un alelo mutado de un gen supresor de tumores (como RB1) presentan una herencia autosómica dominante de la predisposición al cáncer.


title: Retinoblastoma

text: El 60% restante de los casos es de carácter esporádico (no hereditario), en este caso ambos alelos RB1 de una célula han sido inactivados de forma independiente. En estos casos, generalmente el retinoblastoma solo se localiza en un ojo. Una diferencia entre los tumores hereditarios y esporádicos es el hecho de que la edad promedio de los pacientes cuando se inicia la forma esporádica pertenece a la primera niñez, es decir, más tarde que la de los lactantes con la forma hereditaria.


title: Retinoblastoma

text: Por tanto, existen dos formas de retinoblastoma: una forma bilateral (en la que aparecen tumores independientes en los dos ojos), familiar, y una forma unilateral (en la que aparece un solo tumor en uno de los ojos), esporádica. Los afectados con el primer tipo tienen una probabilidad 6 veces mayor de desarrollar otros tipos de cáncer durante su vida, sobre todo osteosarcoma. Esto se debe a que en las formas familiares, todos los tejidos somáticos presentan un alelo mutado, por lo que solo necesitan una segunda mutación para provocar la pérdida de función, mientras que en los casos esporádicos hacen falta dos eventos en cada tejido, lo cual ocurre con menor frecuencia. La pérdida de un alelo se puede producir de diversas maneras: En todos los casos, excepto en la mutación independiente, se perderían además todos los marcadores genéticos localizados alrededor de RB1 (y por tanto, ligados a este gen), una situación que se denomina pérdida de heterocigosidad (LOH por sus siglas en inglés, "lost of heterozigosity").


title: Retinoblastoma

text: Un estudio estadístico realizado por el Dr. Alfred G. Knudson y por el Dr. Thaddeus P. Dryja  de los casos de retinoblastoma, para explicar precisamente el mecanismo hereditario de este tumor, permitió definir el modelo de funcionamiento de los genes supresores de tumores e identificar el primero de estos genes, RB1. Knudson ganó el Premio Albert Lasker a la investigación médica por este trabajo.


title: Retinoblastoma

text: Uno de los hallazgos más característicos es la leucocoria; de hecho, es la segunda causa más frecuente de leucocoria en niños tras la catarata congénita. También se presenta estrabismo por afectación del área macular, inflamación del segmento anterior, glaucoma, desprendimiento exudativo de retina y proptosis cuando afecta órbita.


title: Retinoblastoma

text: La elección de tratamiento que haga el paciente dependerá de cuánto se extienda el mal dentro del ojo y más allá de este. El tratamiento de elección es la cirugía, aunque otras opciones de tratamiento con quimioterapia, termo o crioterapia. En un intento de preservar la visión el ojo menos afectado puede tratarse con radioterapia.


title: Retinoblastoma

text: En los últimos años se ha ido desarrollando una técnica conocida como quimioterapia intraarterial supraselectiva que se está extendiendo por todo el mundo debido a sus buenos resultados, su disminución de los efectos secundarios y la mejora en la calidad de vida de los pacientes. Dicha técnica consiste en la introducción de un microcatéter desde la femoral hasta la propia arteria oftálmica, lo que permite aplicar una quimioterapia localizada. De este modo se evitan las repercusiones sistémicas de la quimioterapia tradicional, y además se pueden aumentar las dosis del fármaco quimioterápico hasta niveles que serían mortales si se diesen por vía sistémica.


title: Tonalidad (música)

text: En el ámbito de la música, el término tonalidad puede hacer referencia a dos conceptos diferentes, aunque relacionados:Los conceptos de tonalidad (tono) y la escala diatónica (mayor o menor) expresan ambos el mismo conjunto de sonidos. La leve diferencia es que el concepto de escala diatónica se refiere al movimiento conjunto (ascendente o descendente) dentro de estas notas, mientras que en la tonalidad (de una obra) se refiere a las notas en sí que las forman, junto a sus relaciones: no importa el orden de presentación: pueden presentarse por movimiento conjunto o disjunto, lo cual obedece a los designios del compositor.Se llama grado a cada una de las notas de la escala. Según el concepto de tonalidad, las siete notas o intervalos de una escala diatónica (mayor o menor) tienen cada uno una relación predeterminada entre ellas. Y como se ha mencionado antes, el punto referencial es la tónica (en inglés "key note)". Cada nota o acorde de una tonalidad recibe un determinado nombre o grado musical, según la posición que ocupa cada nota en una escala diatónica. El primer grado (I o tónica) es el más importante de todos, junto al quinto (V o dominante). La combinación de ambos acordes es la base de la música tonal occidental y la que es capaz de crear efectos de tensión (dominante) y reposo (tónica).


title: Tonalidad (música)

text: Los siguientes son los nombres con los que se designan cada uno de esos grados de la escala:La función tonal hace referencia a la función de los acordes dentro de la tonalidad. En el sistema tonal, las notas están organizadas alrededor de una tónica, una nota central soportada de una forma u otra, por todas las demás notas de esta escala. Cada grado de esta escala tiene su parte en el esquema de la tonalidad, su función tonal. Existen al respecto coincidencias en que los grados I, IV y V representan las funciones básicas del Sistema Tonal, es decir Tónica, Subdominante y Dominante, respectivamente. En cambio, las diferencias de criterio entre teóricos y compositores radica no solamente en la clasificación de los demás grados, sino en la necesidad de encuadrarlos sistemáticamente.


title: Tonalidad (música)

text: La armadura de clave o simplemente armadura en notación musical es el conjunto de alteraciones propias (sostenidos o bemoles) que escritas al principio del pentagrama sitúan una frase musical en una tonalidad específica. Su función es determinar qué notas deben ser interpretadas de manera sistemática un semitono por encima o por debajo de sus notas naturales equivalentes, a menos que tal modificación se realice mediante alteraciones accidentales. Los sonidos que se encuentran fuera de la escala básica se denominan «notas extrañas a la tonalidad».


title: Tonalidad (música)

text: El efecto de la armadura se extiende a lo largo de una pieza o movimiento, exceptuando que este sea expresamente cancelado mediante una nueva armadura o bien mediante un signo de becuadro. Además, si una armadura al principio de una pieza indica por ejemplo que la nota "si" debe ser tocada como "si" bemol, incluso las notas "si" de octavas superiores e inferiores se verán afectadas por esta regla. La única excepción será que la nota "si" vaya precedida por una alteración accidental que anule el efecto de la armadura.


title: Tonalidad (música)

text: Cuando un intérprete lee una partitura por primera vez, solo con ver la armadura puede hacerse una idea de la tonalidad en que se encuentra la obra. En principio, cualquier pieza puede ser escrita en cualquier tonalidad con su armadura específica, utilizando luego alteraciones accidentales para corregir individualmente cada nota en la que tal armadura no debería aplicarse. Aunque, por otra parte, no es extraño encontrar una obra musical escrita con una armadura que no coincide con su tonalidad. Por ejemplo, en algunas piezas barrocas o en las transcripciones de melodías modales folclóricas.


title: Tonalidad (música)

text: La convención para el funcionamiento de las armaduras sigue el círculo de quintas. Cada tonalidad mayor y menor cuenta con una armadura asociada que adjudica sostenidos o bemoles como alteraciones propias a determinadas notas en esa tonalidad. Partiendo de "do" mayor ("la" menor) que no tiene alteraciones, existen dos posibilidades:Dicho de otra manera, la secuencia de sostenidos o bemoles en las armaduras suele ser rígida en la notación musical actual. Salvo "do" mayor ("la" menor), las armaduras se presentan en dos variedades: «armaduras de sostenidos» (tonalidades de sostenidos) y «armaduras de bemoles» (tonalidades de bemoles), llamadas así porque contienen solo alteraciones de una u otra índole. En las armaduras con sostenidos el primero se coloca en "fa" y los siguientes en "do, sol, re, la, mi" y "si"; en las armaduras con bemoles el primero se coloca en "si" y los siguientes en "mi, la, re, sol, do" y "fa".


title: Tonalidad (música)

text: Así pues, hay 15 armaduras convencionales para tonalidades mayores y sus respectivas menores con un máximo de siete sostenidos o siete bemoles, incluyendo la armadura "vacía" o sin alteraciones que corresponde a la tonalidad de "do" mayor o cualesquiera de sus variaciones modales; como "la" menor, que es su relativo menor. La tonalidad relativa menor está una tercera menor hacia abajo contando desde la tonalidad mayor, independientemente de si se trata de una armadura de bemoles o de sostenidos.En la música occidental, se utilizan 24 tonalidades diferentes. Las armaduras con siete bemoles y siete sostenidos rara vez se utilizan puesto que tienen equivalentes enarmónicos más sencillos. Por ejemplo, la tonalidad de "do" sostenido mayor, con siete sostenidos, puede ser representada de manera más simple como "re" bemol mayor, con cinco bemoles. A efectos de la práctica actual estas tonalidades son lo mismo en el temperamento igual, debido a que "do" y "re" son enarmónicamente la misma nota. En cualquier caso, hay piezas escritas en estas tonalidades extremas de sostenidos o bemoles. Un ejemplo, es el «Preludio y fuga n.º 3» del libro 1 de "El clave bien temperado" () de Bach, que está en "do" sostenido mayor. Más muestras se encuentran en el musical moderno "Seussical" de Stephen Flaherty y Lynn Ahrens, que también cuenta con varias canciones escritas en estas tonalidades extremas.


title: Tonalidad (música)

text: Para averiguar la tonalidad mayor que corresponde a cada armadura, suele seguirse este razonamiento:Antes del establecimiento de la tonalidad (sistema tonal), prevalecían los Modos Gregorianos (también llamados «antiguos» o «eclesiásticos»), fundamentales en el canto llano, y que a su vez es una herencia de los griegos (modos griegos). Este sistema se componía básicamente de siete modos, pero desde el principio de la música barroca (principios del siglo XVII) hasta el final del posromanticismo (finales del siglo XIX), se desarrolla y prevalece el sistema tonal, basado en únicamente dos modos, el "mayor" y el "menor", derivados de los modos Jónico y Eólico, respectivamente.


title: Tonalidad (música)

text: Desde el comienzo de la tonalidad, se incluían sonidos que no pertenecían a la escala básica, pero con criterios aún muy consecuentes con el establecimiento claro de dicho centro tonal. Con el tiempo, y sobre todo a partir de la segunda mitad del siglo XIX, varios compositores sintieron la necesidad de ir ampliando más y más la frontera de este sistema, incluyendo sonoridades más lejanas, modulaciones y cromatismos, todos recursos o técnicas que alejaban el sentimiento funcional de los acordes y del centro tonal establecido.


title: Tonalidad (música)

text: Durante el siglo XX, muchos músicos comienzan a investigar otras formas de organización (pantonalismo, modalismo, atonalismo, dodecafonismo, politonalidad, polimodalidad, serialismo, etc.). Pero, mientras tanto, la música popular ha seguido usando el Sistema Tonal, los Modos Gregorianos, incluyendo uno en otro, y valiéndose de las herramientas adquiridas en la expansión de la tonalidad, confluyendo en un Sistema Tonal-Modal.


title: Tonalidad (música)

text: A pesar de los intentos académicos de dejar de lado la Tonalidad como forma compositiva, este sistema sigue vigente en las nuevas músicas que se originarán en la América del siglo XX, sobre todo en el Jazz. Como música que muy pronto se transformaría en un estilo musical con amplia repercusión mundial, a nivel interpretativo y compositivo, el jazz creará escuela y sus propios métodos de análisis y arreglos. Aunque basados en la música Europea, el jazz impondrá en muchos casos, su propia visión de la armonía y el concepto de Tonalidad se verá así reinterpretado, al incluir elementos usados en diferentes períodos de la música europea, junto a la improvisación como vehículo expresivo e interpretativo fundamental.


title: Tonalidad (música)

text: Dentro de las técnicas empleadas para ampliar la tonalidad -sin abandonarla- podemos mencionar el intercambio modal y la tonicalización (dominantes secundarias).


title: Tonalidad (música)

text: Los griegos le adjudicaban una personalidad a cada uno de los modos (jónico, dórico, frigio, etc.). Para un oído entrenado, cada modo es distinto y se puede reconocer por sus diferentes intervalos y sonoridad generada. A partir del sistema tonal, se establecen el modo mayor y el modo menor con una clara diferenciación sonora, e incluso en la música popular se reconoce sus personalidades como alegre y triste, respectivamente.


title: Tonalidad (música)

text: Algunos escritores sostienen que el carácter de una composición no puede reducirse al modo ―mayor o menor― utilizado. Se pueden encontrar obras musicales en modo mayor (que deberían ser alegres) que expresan una gran nostalgia, u obras en modo menor (que deberían ser tristes) con una «luminosa esperanza».


title: Tonalidad (música)

text: A partir del Romanticismo se utilizó una convención ―imposible de demostrar en la práctica― que imponía un cierto carácter o personalidad a cada una de las doce tonalidades.


title: Tonalidad (música)

text: Esa convención se pudo utilizar solo hasta fines del siglo XIX, cuando se empezó a popularizar el tipo de afinación llamado temperamento igual (que ―por definición― hizo que todas las tonalidades quedaran iguales, y acabó con las diferencias auditivas entre tonalidades). Es imposible para un oyente común reconocer en qué tonalidad se encuentra una obra. (Solo podrían dilucidarlo las personas con oído absoluto ―una de cada diez mil personas―).


title: Tonalidad (música)

text: Las siguientes adjudicaciones de personalidades a las tonalidades son completamente subjetivas, un ejemplo de ello es el tono La bemol mayor, se encuentra caracterizada con "Gravedad, muerte y putrefacción." cuando una de las obras más dulces de la historia "Liebesträume" ("Sueños de amor"), compuesta por Franz Liszt, se encuentra en esta tonalidad. Hay otros factores muy importantes que pueden dar carácter a una obra: la línea melódica, sus células rítmicas, y principalmente la armonía (la progresión de los acordes de la obra). Este intento de simplificación analítica ha sido criticado por compositores como Edgar Varèse, quien afirmaba que «explicar la música por medio del análisis es descomponer, mutilar el espíritu de una obra».


title: Tonalidad (música)

text: Antiguamente ―y actualmente a la hora de tocar música antigua―, se utilizaban otros sistemas de afinación, como el Kimberger, la afinación pitagórica y otros, que al guardar unas relaciones muy específicas de altura entre cada sonido, sí podían ser responsables de diferentes "personalidades" de las tonalidades, de modo que un oyente sin oído absoluto pudiera diferenciar de qué acorde se estaba tratando. A modo de ejemplo, si se afina un instrumento de manera no temperada, la quinta "do-sol", por ejemplo, será pura. Esto quiere decir que no es como la afinación temperada actual y sonará diferente, ya que acústicamente las quintas "puras" son más pequeñas que las temperadas. Esto genera una sonoridad diferente en todos los demás intervalos, por lo que en este tipo de afinación no temperada, se pueden apreciar claras diferencias entre las tonalidades, en cuyo caso permitían establecer las diferentes "personalidades" de las tonalidades, siempre desde un punto de vista subjetivo y en ocasiones arbitrario.


title: Tonalidad (música)

text: Una de las razones de mayor peso por la que se dejó de usar esta afinación a nivel general, es porque en un sistema de doce sonidos, si afinamos las quintas en forma pura, la última no llegará a dar cerrar al círculo. Por ejemplo, si empezamos en "fa", luego afinamos "do" en forma de quinta pura, luego vendrán sol, re, la, mi, si, fa# (solb), do# (reb), sol# (lab), re# (mib), la# (sib), y, por último, para que el círculo de las doce notas de nuestro sistema cierre, nos tiene que dar nuevamente "fa". Pero ese intervalo sib-fa es más grande que una quinta justa (y por consiguiente más grande que una quinta pura), y fue llamada históricamente la quinta del lobo. Al temperar en forma igual (Temperamento igual) todas las notas, esto es, dividir la octava en doce partes iguales, se evita ese intervalo, pero también se quita la naturalidad a otros, unificando las relaciones entre los sonidos, con las consecuencias (buenas y malas) que ello trae.


title: Modo menor

text: En teoría musical, la escala musical en modo menor se refiere a tres patrones de escala que tienen como característica más destacada que la distancia entre su primer y tercer grados es de tercera menor (un tono y medio).


title: Modo menor

text: En teoría musical, se considera menor aquella escala cuyo tercer grado está a distancia de un intervalo de tercera menor sobre la tónica. Esta definición incluye diversas escalas: dórica, frigia, eólica o menor, menor melódica, etc. La secuencia de intervalos en la escala menor es: tono, semitono, tono, tono, semitono, tono, tono; exactamente como si comenzáramos la escala mayor desde su sexto grado.


title: Modo menor

text: La correspondencia entre escala mayor y escala menor viene dada por un tono y medio de una respecto de la otra. Por ejemplo: "si" menor es la escala relativa menor de "re" mayor. "Mi" menor es la escala relativa menor de "sol" mayor. Está construida a partir de la relativa de "do" mayor (basada en "do"), que es "la", donde se construyen los intervalos entre grados de la escala. Así, la escala menor de "la" no tiene alteraciones, sobre la misma estructura se construyen las demás escalas cuyas notas se irán alterando para ajustarse al intervalo indicado, como se puede observar en la escala de "si".


title: Modo menor

text: La escala menor natural es equivalente al modo eólico de la escala mayor. La escala menor natural de "la" (que coincide con las teclas blancas del piano al igual que su relativo mayor, "do" mayor) está formada por las notas: "la", "si", "do", "re", "mi", "fa", "sol" y "la".  La tradición musical occidental normalmente ha utilizado esta escala introduciendo una variación para tener mayor estabilidad. Dado que el acorde que se forma sobre el quinto grado de la escala menor natural es menor, históricamente se ha alterado la tercera de este acorde para que la cadencia V-I sonara más conclusiva. Esto nos da como resultado la llamada escala menor armónica.


title: Modo menor

text: Escala menor natural: 1 2 ♭3 4 5 ♭6 ♭7


title: Modo menor

text: Los acordes que se forman en cada grado de la escala menor natural son los siguientes:


title: Modo menor

text: Esta escala es la que se enseñaba tradicionalmente como escala menor en los Conservatorios, según la Teoría de la Música del docente y teórico musical francés para evitar todo equívoco con la escala mayor relativa de la cual procede. La escala menor armónica se forma subiendo un semitono al séptimo grado. El siguiente ejemplo, aclara este método usando la escala de la menor natural:


title: Modo menor

text: Los acordes que se forman en cada grado de la escala menor armónica son los siguientes:


title: Modo menor

text: La escala menor melódica tiene la particularidad de que ―cuando se interpreta con movimiento ascendente― sus grados VI y VII ascienden un semitono, pero ―cuando el movimiento es descendente― se tocan sin cambios, es decir, que permanecen naturales. Combina la escala menor bachiana (al interpretarlo hacia los agudos), y la escala menor natural (al tocarlo hacia los graves).


title: Modo menor

text: Los acordes que se forman en cada grado de la escala menor melódica son los siguientes:En algunos textos de teoría musical, se denomina así a esta escala, en honor al músico y compositor alemán Johann Sebastian Bach, quien usaba los grados alterados de manera ascendente y descendente. Tiene sus VI y VII grados ascendidos, como muestra el siguiente ejemplo:


title: Modo menor

text: Los acordes que se forman en cada grado de esta escala son los siguientes:


title: Modo menor

text: En el sistema occidental, derivado del sistema de modos griegos, la escala principal que incluye la tercera menor es el modo eólico, con la tercera menor también se produce en el modo dórico, el frigio y el locrio. El modo dórico es como el modo menor pero con una sexta mayor. El modo frigio es igual que el modo menor pero con una segunda menor. Dentro de las escalas diatónicas menores existen cuatro modos menores, que corresponden al segundo, tercer, sexto y séptimo grado, siendo este último semidisminuido ya que su quinta es ♭. Las cuatro cumplen con la ♭3 y ♭7 y las variaciones aparecen en las notas, 2 6 5.


title: Modo mayor

text: Las escalas musicales en modo mayor son las que tienen una distancia de tercera mayor entre el primer y el tercer grado, y una tercera menor entre el tercer y el quinto grado.


title: Modo mayor

text: Aquí observaremos los intervalos abarcados entre estas notas. Empezaremos analizando el intervalo que hay entre "do" y "re": desde el "do" al "do" sostenido, hay un semitono, y del "do" sostenido al "re," hay otro semitono. Dos semitonos conforman un tono entero.


title: Modo mayor

text: De esta manera es posible analizar toda la escala mayor completa:


title: Modo mayor

text: O lo que es lo mismo:


title: Modo mayor

text: Como se ve a continuación:


title: Modo mayor

text: De la misma manera, para construir la escala mayor de "re", se debe utilizar los mismos intervalos entre cada grado de la escala, variando las notas para que respeten esos intervalos:


title: Modo mayor

text: Es posible «construir» una escala mayor sobre cualquier nota, simplemente manteniendo la secuencia de tonos y semitonos. Por ejemplo, para hacer una escala mayor a partir de la nota "fa", se comienza por la nota "fa" y se busca la nota siguiente:La escala de "fa" mayor está conformada por las siguientes notas:


title: Modo mayor

text: "fa, sol, la, si, do, re, mi, fa".


title: Modo mayor

text: En el sistema tonal, generalmente se forman acordes por terceras sobre cada grado del modo mayor. Dependiendo del grado por el que se empiece a construir el acorde, cada uno será mayor, menor o disminuido y tendrá una función específica.La escala mayor artificial es una variación de la escala mayor o modo jónico y se diferencia en su VI grado de la escala que se encuentra disminuido un semitono.


title: Modo mayor

text: La estructura de una escala mayor artificial es la siguiente: T T ST T ST T1/2 ST Como podemos observar entre el V y VI grado de la escala se produce una segunda menor y entre el VI y VII una segunda aumentada. El semitono producido entre el quinto y sexto grado produce una mayor tendencia hacia la dominante o quinto grado de la escala.


title: Modo mayor

text: Al modificar una nota de la escala se producen cambios armónicos, como se ha de notar aquí:La reducción del sexto grado de la escala del modo mayor nos permite poder «tomar prestado» el II y el IV grado del modo paralelo menor.


title: Modo mayor

text: Dentro de las escalas diatónicas menores existen dos modos mayores, que corresponden al cuarto y quinto grado. El modo lidio es como la escala mayor pero su cuarta asciende un semitono, mientras que el modo mixolidio desciende su séptima.


title: Macapá

text: Macapá es un municipio brasileño, capital del estado de Amapá, al noreste del estado de Pará. La población estimada en 2017 era de 474.706 habitantes, con una superficie de 6407 km², de lo que resulta una densidad demográfica de 74,09 hab/km².


title: Macapá

text: Sus límites son los municipios de Ferreira Gomes, Cutias y Amapá al norte; el océano Atlántico al este; Itaubal y el delta del río Amazonas al sudeste, Santana al sudoeste y Porto Grande al noroeste. Es la única capital de estado brasileña que no se conecta por carretera con las otras, solamente es posible llegar a ella por avión o barco.


title: Macapá

text: El extremo sur del municipio está cortado por la línea del Ecuador.


title: Jawi

text: El jawi es un alfabeto árabe adaptado para escribir el idioma malayo. Es una de las dos formas de escritura en Brunéi y es usado en menor grado en Indonesia, Malasia, Filipinas, y Singapur, principalmente en contextos religiosos.


title: Jawi

text: El alfabeto jawi ha existido durante muchos siglos en el archipiélago indonésico (). Su desarrollo está vinculado con la llegada del islam. Consiste en su mayoría de caracteres árabes junto con seis caracteres adicionales únicos del jawi: چ , ڠ , ڤ , ݢ , ۏ y ڽ .


title: Jawi

text: El alfabeto jawi es una de las escrituras usadas para escribir el lenguaje malayo. El jawi se ha usado desde la era del Islam Pasai, a la era del reino del sultán Johor y también Aceh en el siglo XVII. Evidencia de esto se encuentra en la tablilla Terengganu (Batu Bersurat Terengganu) que data del año 1303, mientras que el uso más antiguo del alfabeto romano data del siglo XIX.


title: Modo musical

text: El término modo musical se refiere a:


title: Modo musical

text: Una escala musical es una serie ordenada de sonidos —a partir de una primera y última nota del mismo nombre, que dan nombre a la escala— entre los que se mantienen unos determinados intervalos musicales, que dan nombre al tipo de escala.


title: Modo musical

text: El término modo hace referencia a las escalas y reglas compositivas de la melodía usadas en los sistemas musicales antiguos, especialmente a los «modos medievales» utilizados en los cantos llanos (como el canto gregoriano). También puede utilizarse para designar a los «modos griegos», escalas descendentes del sistema musical de la antigua Grecia. En un sentido más amplio engloba también las ordenaciones de alturas utilizadas en la música folclórica, étnica y la proveniente de culturas no europeas. El uso de un modo en una pieza o fragmento musical se conoce como «modalidad». Cuando se utiliza más de un modo simultáneamente se habla de "polimodalidad", como por ejemplo la "polimodalidad cromática".


title: Modo musical

text: En el sistema tonal, los dos tipos de escalas (mayor y menor) son meramente relativos y se pueden aplicar a una escala basada en cualquier altura (por eso se dice "do" mayor, "do" menor, "re" mayor, "re" menor, etc.). En cambio en el sistema modal cada tipo de escala tiene una altura correspondiente. Naturalmente un compositor moderno, al usar un modo antiguo, puede transponerlo a cualquier altura.


title: Modo musical

text: Incluso los compositores medievales descubrieron ese recurso, al tratar de evitar la aparición del "diabólico" intervalo de cuarta aumentada "fa"-"si", pero lo usaron de una manera más limitada, llamada "corda mutabilis" (la deformación de algunos modos mediante el uso del "fa" sostenido y del "si" bemol).


title: Modo musical

text: Debido a una confusión histórica en la transcripción se utilizan los mismos nombres de los modos del sistema modal griego (dórico, frigio, lidio, mixolidio...) para designar los modos usados durante la Edad Media en el sistema modal eclesiástico, que son muy diferentes entre sí. Como regla mnemotécnica, los modos auténticos griegos se crean descendentemente partiendo de las notas "mi, re, do, si". Los modos auténticos medievales se forman ascendentemente a partir de las notas "re, mi, fa, sol".


title: Modo musical

text: En la teoría musical de la antigua Grecia es más apropiado emplear los términos "harmonia" o "tonos" (en plural "harmoniai" o "tonoi"), ya que la palabra «modo» es un término latino posterior.  Los modos griegos antiguos o escalas griegas según la tradición de Aristoxeno de Tarento eran los siguientes:


title: Modo musical

text: La base de la antigua teoría griega era el tetracordo, sucesión conjunta de cuatro notas en sentido descendente comprendidos en el ámbito de una cuarta justa. El dórico o dorio era el tetracordo básico de cuyas notas surgían otros tres. La unión de dos tetracordos iguales constituía el modo. El nombre de los tetracordos y sus nombres son: Dórico -simétrico, Frigio -simétrico, Lidio -simétrico, Mixolidio -asimétrico


title: Modo musical

text: Cada modo tenía una nota fundamental, (tónica, la primera nota de la escala), y una nota dominante (la quinta nota de una escala). La fundamental y la dominante eran las mismas notas en el modo auténtico y en su correspondiente hipo- o plagal. La diferencia era que la escala hipo- empezaba y terminaba con la fundamental y en el modo auténtico empezaba y terminaba con la dominante. Solamente las notas "la', "sol", "fa" y "mi" podían ser fundamentales y "mi", "re", "do" y "si" eran dominantes. El modo dórico era el más importante del sistema.


title: Modo musical

text: Estos ocho modos se clasificaban en dos tipos:


title: Modo musical

text: La teoría musical griega distinguía tres géneros de escalas:


title: Modo musical

text: Durante la Edad Media se llevó a cabo una reorganización del sistema modal, de tal manera que los modos pasaron a ser ascendentes. Se les llama también modos eclesiásticos o gregorianos por ser utilizados en el canto llano litúrgico. Los sonidos que conforman cada uno de los ocho modos son el resultado de tocar sólo las teclas blancas del piano, comenzando en una determinada tecla blanca cada vez y subiendo tecla por tecla. La sucesión de tonos y semitonos en cada uno de los modos es lo que les da su carácter especial. Así, el modo en que está escrita una melodía se caracteriza por su nota final (la nota en la que termina) y su ámbito (desde la nota más grave a la más aguda).


title: Modo musical

text: Estos modos medievales son una copia de los ocho tonos bizantinos y tomaron sus denominaciones de los modos griegos.  La iglesia bizantina desarrolló en sus orígenes un sistema de ocho modos musicales (el "oktōēchos"), que sirvió como modelo para que los teóricos del canto llano medieval europeo desarrollaran su propio sistema de clasificación modal a partir del siglo IX.  El éxito de la síntesis occidental de este sistema con elementos del cuarto libro de la serie "De institutione musica" de Boecio, creó la falsa impresión de que el "oktōēchos" bizantino era herencia directa de la antigua Grecia.  El término fue usado originalmente para designar a una de las "harmoniai" tradicionales de la teoría musical griega y tenía varios significados, entre los que se incluía el sentido de una octava formada por ocho sonidos. Este nombre fue tomado por el teórico Ptolomeo del siglo II junto con otros seis para designar sus siete "tonoi" o tonalidades de transposición.  Cuatro siglos más tarde, Boecio interpretó a Ptolomeo en latín, aún con el sentido de tonalidades de transposición en lugar de escalas. Cuando la teoría del canto llano estaba siendo formulada por primera vez en el siglo IX, estos siete nombres más un octavo, hipermixolidio (más tarde sustituido por hipomixolidio), fueron nuevamente reasignados en el tratado anónimo "Alia Musica". Uno de los comentarios sobre ese tratado denominado "Nova expositio", les dio por primera vez el sentido de "especies de octavas" diatónicas o escalas.


title: Modo musical

text: Son en total ocho modos construidos ascendentemente mediante dos tetracordos. A partir de los cuatro modos auténticos se forman los cuatro modos plagales desplazando el tetracordo superior por debajo de la primera nota del modo auténtico. Cada modo tiene dos notas básicas: la "tenor" (principal nota sobre la que se apoya el canto, que suele actuar a modo de polo o cuerda de recitación), y la "finalis" que es la nota final con la que concluye el canto.


title: Modo musical

text: Los modos se utilizaban en diferentes cantos llanos (como el canto gregoriano). Se utilizan también en composiciones modernas.


title: Bernardino de Sahagún

text: Bernardino de Sahagún (Sahagún, España, "c." 1499 - Tlatelolco, México, 5 de febrero de 1590) fue un misionero franciscano, autor de varias obras en náhuatl y en castellano, consideradas hoy entre los documentos más valiosos para la reconstrucción de la historia del México antiguo antes de la llegada de los españoles. De entre sus escritos destaca la "Historia general de las cosas de la Nueva España", verdadero monumento etnográfico, compuesto de doce libros, que apenas tiene precedentes comparables en ninguna lengua. Sahagún fue, a juicio de Jerónimo de Mendieta, el más experto de todos en náhuatl.


title: Bernardino de Sahagún

text: Su nombre original fue Bernardo de Rivera, Ribera o Ribeira. Hacia 1520 se trasladó a Salamanca para estudiar en su universidad, por entonces un centro de irradiación del Renacimiento en España. Allí aprendió latín, historia, filosofía y teología. Hacia mitad de la década, decidió entrar en la orden franciscana, y probablemente fue ordenado hacia 1527. Dos años después, en 1529, partiría hacia la recién conquistada Nueva España (México) en misión con otra veintena de frailes, encabezados por fray Antonio de Ciudad Rodrigo.


title: Bernardino de Sahagún

text: Sus primeros años en la Nueva España trascurrieron en Tlalmanalco (1530-1532), para luego ser guardián (y probablemente fundador) del convento de Xochimilco (1535). En 1536 y por orden real, el arzobispo de México Juan de Zumárraga funda el imperial Colegio de la Santa Cruz de Tlatelolco. Desde el comienzo, el fraile franciscano enseñará latín allí. El propósito del Colegio era la instrucción académica y religiosa de jóvenes nahuas, fundamentalmente aquellos hijos de "pipiltin" (nobles) sobrevivientes a la invasión de sus tierras. Con algunas interrupciones, fray Bernardino estuvo vinculado al Colegio hasta su muerte. Allí formó discípulos que luego serían sus colaboradores en sus investigaciones sobre la lengua y la cultura nahuas; los nombres de algunos de ellos son conocidos: Antonio Valeriano, de Azcapotzalco; Martín Jacobita y Andrés Leonardo, de Tlatelolco y Alonso Bejarano, de Cuautitlán.


title: Bernardino de Sahagún

text: Pasó luego por los conventos de Xochimilco, Huejotzingo y Cholula; fue misionero en las regiones de Puebla, Tula y Tepeapulco (1539-1558); definidor provincial y visitador de la Custodia de Michoacán (1558). Pero desde 1547 se consagró casi totalmente a la construcción de su obra histórico-antropológica. Obra que habría de traerle no pocos problemas: en 1577 (o 1578) sus trabajos fueron confiscados por orden real, probablemente por temor a que el valor que Bernardino asignaba al estudio de la cultura de los antiguos mexicanos y a que sus métodos misionales que, en cierta medida, respetaban las costumbres ancestrales, pudieran ser un obstáculo para la evangelización.


title: Bernardino de Sahagún

text: Una parte de la campaña en su contra pudo venir de sectores religiosos disconformes con sus métodos misionales, pero no fueron las razones religiosas las más importantes y que llevaron a impedir la publicación de su obra, sino políticas. Esto es demostrado por el hecho que las tres copias que fray Bernardino hizo del trabajo acabasen en la Biblioteca del Palacio Real de Madrid (dos de ellas fueron regaladas por los reyes posteriores), y no en archivos religiosos. La situación de la España de la segunda mitad del siglo XVI era de intolerancia ante el avance protestante. En este clima, no podían ser bien vistas por las autoridades coloniales las investigaciones de Sahagún sobre el mundo azteca, considerado pagano por los europeos.


title: Bernardino de Sahagún

text: Actualmente existe una ciudad industrial en el Estado de Hidalgo que lleva su nombre, Ciudad Sahagún, en su honor.


title: Bernardino de Sahagún

text: Durante su larga vida, fue autor de un gran número de obras en náhuatl, español y latín. La única impresa durante su vida fue "Psalmodia cristiana y Sermonario de los Santos del año, en lengua mexicana, ordenado en cantares o psalmos para que canten los indios en los areytos que hacen en las Iglesias", México, 1583. Este texto se divide en dos partes, En la primera se encuentra una breve doctrina cristiana, haciendo a su vez la función de introducción. En cuanto a la segunda parte que es la más extensa, se encuentran los cantares o salmos ordenados por los meses del año y divididos en estrofas. En este se señalan las fiestas de cristo, la virgen y alguno de los santos, pero de estos últimos no los escoge a todos, sino que fue selectivo. Pues tuvo en cuenta que fueran misioneros en otros lugares cercanos que le servían para formarse.


title: Bernardino de Sahagún

text: Escribió además: "Evangelario en lengua Mexicana"; "Sermonario de dominicas y de santos en lengua mexicana"; "Postillas sobre las Epístolas y Evangelios de los Domingos de todo el año", con la colaboración de sus alumnos de Tlatelolco; "Tratado de la Retórica y Teología de la gente mexicana", también náhuatl; "Coloquios y Doctrina Cristiana con que los doce frailes de San Francisco enviados por el papa Adriano VI y por el emperador Carlos V convirtieron a los indios de la Nueva España"; "Arte de la lengua mexicana, con su vocabulario aprendiz"; "Vida de San Bernardino de Siena", en náhuatl; "Tratado sobre el matrimonio" dentro del "Manual del Cristiano"; un "Calendario"; "Arte adivinatoria;" y un "".


title: Bernardino de Sahagún

text: Pero su obra monumental, que le llevó treinta años de arduo trabajo, son las tres versiones de la "Historia general de las cosas de la Nueva España" que, con loable empeño, y recogiendo la tradición oral que le trasmitían sus alumnos, enviaba al Consejo de Indias para su publicación, el cual lo archivaba por razones políticas. Los tres ejemplares acabaron en la Biblioteca del Palacio Real de Madrid, donde todavía se conserva una. Otra de ellas, compuesta de doce libros es conocida también como "Códice florentino" porque uno de los manuscritos, después de innúmeras peripecias, terminó en la Biblioteca Medicea Laurenciana de Florencia. La obra, escrita al principio en náhuatl y luego traducida por el propio autor al español y que desde el punto de vista indígena es un tesoro de conocimientos etnográficos, arqueológicos e históricos, no se publicó hasta 1829.


title: Bernardino de Sahagún

text: Este escrito consta de 12 libros, cada uno trata de un tema en específico permitiendo que se conociera de la vida de los indígenas de esa época. El primero se basa en los dioses que estos adoraban. El segundo sobre las fiestas, calendarios, sacrificios, entre otros aspectos que dejaban entrever la parte cultural. El tercero es complemento del primer libro, debido a que este se basa en como se dio el inicio de los dioses, es decir, se profundiza más. En el cuarto se cuenta como ellos sabían que días iban a ser buenos y cuales no. El quinto señala los pronósticos que se utilizaban para adivinar el futuro. El sexto cuenta con los términos retórica, teología, filosofía y las virtudes morales. El séptimo, sobre la astronomía y la filosofía pero desde el punto de vista natural. El octavo indica las formas de gobierno y los reyes. El noveno refleja el sistema mercantil que llevaban los nahuas. El décimo relata las enfermedades, los vicios y las partes del cuerpo. El undécimo indica la riqueza natural que estos poseían, como por ejemplo las aves, peces, árboles, flores, hierbas, entre otros. finalmente el libro doce en el cual se expone el proceso de conquista de México desde el punto de vista de los indígenas.


title: Bernardino de Sahagún

text: Por su método de trabajo, basado en la recolección en las fuentes de testimonios de los ancianos, el análisis detallado, y la compilación bilingüe (náhuatl-español), y por los resultados que obtuvo al investigar sobre la cultura de los antiguos mexicanos, eruditos como León-Portilla y Garibay lo han considerado como el primer antropólogo de América.El etnólogo Miguel Acosta Saignes afirma por ejemplo:


title: Bernardino de Sahagún

text: Este juicio de imparcialidad no es unánime: algunos académicos sostienen que Sahagún tuvo su parte en el proceso de demonización de la religión de los antiguos mexicanos, y en la transculturación de los pueblos subyugados. Si bien no hay evidencia de que haya participado en la destrucción física de los monumentos nahuas (como sí lo hizo su colega franciscano Pedro de Gante), como evangelizador contribuyó a la eliminación del antiguo orden indígena.