title: Silvia Pinal

text: Entre finales de los sesenta y principios de los setenta, Pinal realizó principalmente cintas cómicas. En 1967 actúa en "Estrategia matrimonio", película póstuma del cineasta Alberto Gout y coprotagonizada por Joaquín Cordero. En 1968, Silvia protagoniza "El despertar del lobo", la primera de una serie de cintas cómicas dirigidas por el cineasta René Cardona Jr.. De las cintas más destacadas de Silvia bajo la dirección de Cardona Jr. destacan la cinta episódica "El cuerpazo del delito" (1968), donde compartió estelares con Elsa Aguirre y Angélica María; "La mujer de oro" (1968), "La hermana trinquete" (1968) y "Veinticuatro horas de placer" (1969), donde forma mancuerna con Mauricio Garcés. En 1968 también actúo junto a Julio Alemán en la cinta "Los novios". En 1970, en la cinta "Secreto de confesión", trabaja por primera vez junto a su hija mayor, la actriz Sylvia Pasquel. También trabaja junto a su tercer marido, Enrique Guzmán en la cinta "¡Cómo hay gente sinvergüenza!" (1971). En 1972, trabajó en un pequeño rol en la cinta "Los cacos", de José Estrada.


title: Silvia Pinal

text: En 1977 finalmente protagoniza la polémica película "Divinas palabras" (1977), dirigida por Juan Ibáñez, cinta donde realizó un desnudo integral. En 1978, Silvia protagonizó "Las mariposas disecadas".


title: Silvia Pinal

text: A fines de los setenta y principios de los ochenta, Silvia filmó algunas cintas en España, Italia y Argentina como parte de un proyecto de Televisa de unificar los mercados españoles y latinoamericanos. De este proyecto surgen las cintas "El canto de la cigarra" (1978), "Dos y dos, cinco" (1979), "El hijo de su mamá" (1979) y "Carlotta: Amor es veneno" (1980), que fue co-producción con Italia. En 1982, Pinal actúo con un pequeño rol en la cinta argentina "Pubis angelical". Después de diez años de ausencia en el cine, Silvia regresa en 1992 con la cinta "Modelo antiguo", dirigida por Raúl Araiza. El declive del cine mexicano y la actividad de Silvia en la televisión y otros medios (como la política), hacen que prácticamente se retire de la gran pantalla. En los últimos años, sus apariciones cinematográficas se limitan a las cintas "Ya no los hacen como antes" (2002), de Fernando Pérez-Gavilán, y una breve aparición especial en la cinta "Tercera llamada" (2013), de Francisco Franco.


title: Silvia Pinal

text: En teatro, Pinal hizo su debut en el Teatro de Bellas Artes. Eventualmente realizó trabajos experimentales, para luego trabajar en el Teatro Ideal de la Ciudad de México, en la compañía de la actriz española Isabelita Blanch, donde fue dirigida en numerosos montajes por Rafael Banquells.


title: Silvia Pinal

text: Fuera de esta compañía, en 1950 participa en la obra "Celos del aire", con Manolo Fábregas y Carmen Montejo. En ese mismo año representó a "Doña Inés" en "Don Juan Tenorio", al lado de Jorge Mistral. De sus obras teatrales más destacadas de los inicios de su carrera sobresalen "La loca de Chaillot", al lado de Prudencia Griffel y "El cuadrante de la soledad", de José Revueltas, con decorados del pintor Diego Rivera y dirigida por Ignacio Retes. En 1954, Silvia participa en la obra "La Sed", de Henri Bernstein y William Sieligman con Ernesto Alonso y el actor argentino Pedro López Lagar. En 1955 obtiene el reconocimiento en la escena teatral en el montaje "Anna Christie", junto a Felipe Montoya y Wolf Ruvinskis. En 1955 Silvia escenificó en Chile la obra "Aló, Aló, número equivocado", al lado de Jorge Mistral, que eventualmente protagonizó en el cine en México (con el título de "Desnúdate Lucrecia").


title: Silvia Pinal

text: En 1958, Silvia fue la responsable de producir en México la primera obra musical "Ring, Ring llama el amor", dirigida por Luis de Llano Palmer y representada en el Teatro del Bosque de la Ciudad de México. Por esta obra, Pinal tuvo una oferta para trabajar en Broadway de la mano del representante de Judy Holliday, pero Pinal rechazó cortar de tajo su carrera en México.


title: Silvia Pinal

text: En 1964 realiza la versión mexicana del musical "Irma la dulce", al lado de Julio Alemán y dirigida por Enrique Rambal. José Luis Ibáñez terminará por convertirse en su director teatral de cabecera. Bajo la batuta de Ibáñez, en 1975 Silvia estelariza la obra "Vidas privadas", al lado de Rogelio Guerra. Uno de sus más recordados trabajos en la comedia musical, fue la versión mexicana de "Mame", exitoso musical de Broadway, que gracias a su éxito, Pinal montó en tres ocasiones (1972, 1985 y 1989). En 1976 también protagonizó el musical "Annie es un tiro".


title: Silvia Pinal

text: En 1977, para conmemorara sus veinticinco años de carrera, Pinal montó su propio show de cabaret titulado "¡Felicidades, Silvia!". El show se presentó con gran éxito, primero en el centro nocturno El Patio, y luego en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris de la Ciudad de México.


title: Silvia Pinal

text: En 1978, estelarizó la obra "El año próximo... a la misma hora", junto a Héctor Bonilla. En ese mismo año también protagonizó el musical "Plaza Suite", con José Gálvez y Armando Calvo. La muerte de su hija Viridiana truncó el proyecto teatral "Agnes of God", que protagonizarían juntas en 1982. En 1983, Pinal estelarizó "La libélula", al lado de Héctor Suárez. En ese mismo año, Silvia estelarizó y produjo el montaje mexicano de la obra "La señorita de Tacna", basada en la obra de Mario Vargas Llosa. En 1985, mientras fungía como Primera Dama del estado de Tlaxcala, Pinal remodeló el Teatro Xicohténcatl, mismo que reinauguró con el montaje "Las memorias de la divina Sarah". En 1986, Pinal estelarizó la obra "Anna Karenina", que a pesar del éxito obtenido, no fue del agrado de la actriz, y el montaje solo llegó a 100 representaciones.


title: Silvia Pinal

text: En 1988, en asociación con Margarita López Portillo, Pinal adquirió el Cine Estadio, ubicado en la Colonia Roma de la Ciudad de México, transformándolo en su propio recinto teatral, el Teatro Silvia Pinal, un espacio dedicado principalmente a la comedia musical y en el cual Pinal tuvo la libertad de montar sus propias producciones. El Teatro Silvia Pinal fue inaugurado en 1989 con la tercera representación del musical "Mame", con Pinal al frente del reparto.


title: Silvia Pinal

text: En 1992, Pinal adquirió el antiguo Cine Versalles, ubicado en la Colonia Juárez de la Ciudad de México y lo convirtió en su segundo recinto teatral, el Teatro Diego Rivera. El Teatro Diego Rivera fue inaugurado en 1991 con el montaje "Leticia y Amoricia".


title: Silvia Pinal

text: En 1996, Silvia regresa al teatro musical con la segunda versión mexicana de "¡Qué tal, Dolly!", al lado de Ignacio López Tarso. La última obra que Pinal estelarizó en su teatro anterior fue "Gypsy" (1998), protagonizada junto a su hija, la cantante Alejandra Guzmán.


title: Silvia Pinal

text: Como productora, fue la responsable de realizar las versiones mexicanas de los musicales "A Chorus Line" (1989), "Cats" (1991) y "La jaula de las locas" (1992). En 2000, diversos problemas le ocasionaron a Pinal cerrar el Teatro Silvia Pinal, el cual dejó de funcionar para convertirse en un templo religioso.


title: Silvia Pinal

text: Pinal regresó al teatro en 2002 con el montaje "Debiera haber obispas". En fechas recientes ha participado también en montajes como "Adorables enemigas" (2008) y "Amor, dolor y lo que traía puesto" (2012). En 2014, el Teatro Diego Rivera cambió de nombre para convertirse en el nuevo Teatro Silvia Pinal.


title: Silvia Pinal

text: Pinal incursionó en la televisión desde su aparición en México, a principios de los años 1950s. En 1952, participó en un programa de concursos televisivos con el actor Domingo Soler llamado "Con los brazos abiertos", para eventualmente realizar los llamados televiteatros producidos por Manolo Fábregas. Su primer televiteatro fue dirigido por Rafael Banquells y actuó al lado de María Elena Marqués y Rita Macedo. Eventualmente también participó en las telecomedias "Teatro Bon Soir", uno de los primeros programas musicales de la televisión mexicana, producido por Luis de Llano Palmer. Allí fue donde Pinal introdujo por primera vez el uso del playback en la televisión mexicana.


title: Silvia Pinal

text: A mediados de los 1960s, Silvia estelarizó su propio show cómico-musical en la cadena Televisa titulado "Los especiales de Silvia Pinal". Cuando Silvia se casó con el actor y cantante Enrique Guzmán, ambos produjeron y estelarizaron el programa de variedades titulado "Silvia y Enrique" (un programa cómico-musical en el estilo de "The Sonny & Cher Comedy Hour"), el cual duró con éxito cuatro años al aire (1968-1972). El éxito del show televisivo también llevó a Pinal y Guzmán realizar su propio show en cabaret. Una vez separada de Guzmán, Silvia continuó con su show de variedades titulado "¡Ahora Silvia!", producido por Miguel Sabido.


title: Silvia Pinal

text: En 1985 se convierte en productora y presentadora del programa unitario "Mujer, casos de la vida real". Inicialmente, el programa fue creado para responder casos y necesidades del público enfocados a localizar víctimas del terremoto de 1985. Con el paso del tiempo, el programa fue evolucionando hasta presentar temas de actualidad y de la vida cotidiana que incluyeron desde violencia intrafamiliar hasta temas legales y de salud pública. Esta producción fue todo un éxito y duró más de 20 años. Se transmitió en México, España, Italia y varios países de Latinoamérica. El programa fue cancelado en 2007.


title: Silvia Pinal

text: En 2009, Silvia también participó en un capítulo de la serie "Mujeres asesinas".


title: Silvia Pinal

text: En 1968, Pinal hace su debut en las telenovelas con la telenovela histórica "Los caudillos", inspirada en los eventos de la Guerra de Independencia de México. La telenovela fue producida por Ernesto Alonso. Su segunda incursión en el género fue con la telenovela "¿Quién?" (1973), producida por Guillermo Diazayas y basada en una historieta de Yolanda Vargas Dulché. Su coestrella fue el actor Joaquín Cordero.


title: Silvia Pinal

text: Eventualmente, Silvia decidió producir sus propias telenovelas, siendo su primer éxito "Mañana es primavera" (1982), último trabajo actoral de su hija Viridiana, antes de morir. En 1985 también produjo y protagonizó "Eclipse", junto a Joaquín Cordero, Martha Roth y Ofelia Guilmáin. Eventualmente apareció interpretándose a sí misma en algunos capítulos de los melodramas "Lazos de amor" (1995) y "El privilegio de amar" (1998).


title: Silvia Pinal

text: En 2000, Pinal fue convocada para suplir a Libertad Lamarque, tras su muerte, en la telenovela infantil "Carita de ángel". En 2008, apareció con un pequeño rol en la telenovela "Fuego en la sangre". En 2010, Pinal participa con un rol estelar en la telenovela "Soy tu dueña", junto a la actriz y cantante Lucero. En 2017, Pinal reaparece en las telenovelas en el melodrama "Mi marido tiene familia" (2017). Eventualmente, apareció también en la secuela de esta, titulada "Mi marido tiene más familia" (2018).


title: Silvia Pinal

text: Además de las mencionadas telenovelas que protagonizó, Silvia también produjo los melodramas "Cuando los hijos se van" (1983) y "Tiempo de amar" (1987).


title: Silvia Pinal

text: Silvia también intentó adaptar para la televisión las novelas "Mujeres de ojos grandes", de Ángeles Mastretta y "Las niñas bien", de Guadalupe Loaeza. Por desgracia dichos proyectos no pudieron cristalizarse. También tuvo que desistir en producir la telenovela "La bastarda".


title: Silvia Pinal

text: Pinal incursionó en el mundo de la política a raíz de su cuarto matrimonio, con el político Tulio Hernández Gómez, quien fue gobernador del Estado de Tlaxcala. Entre 1981 y 1987, Pinal fue primera dama de dicho estado y se desarrolló como presidenta del DIF estatal. Bajo este cargo, Pinal influyó en proyectos culturales, como la restauración del Teatro Xicohténcatl y la zona arqueológica de Cacaxtla. Eventualmente ella se convirtió en miembro del Partido Revolucionario Institucional y fue elegida para diputada federal en 1991. Más adelante, se convirtió en senadora y representante de la Asamblea de Representantes del Distrito Federal de México.  En estos cargos, Pinal tuvo algunos logros. Entre los más destacados se encuentran el conseguir que la Ley Cinematográfica contemplara el derecho de intérprete, trabajó en la Ley de Condominios y en la Ley del Turismo, hizo tareas en favor de la ecología, promovió la difusión de libros de teatro y luchó para que la Secretaría de Hacienda bajara los impuestos al teatro.


title: Silvia Pinal

text: Desde los años cincuentas, Pinal participó activamente en movimientos sindicales de los actores de su país. Fue parte de la planilla "Rosa Mexicano", fundada por Dolores del Río. Entre 1988 y 1995, Pinal se convirtió en dirigente de la Asociación Nacional de Intérpretes (A.N.D.I.) de México. Entre 2010 y 2014, Pinal también fungió como secretaria general de la Asociación Nacional de Actores (A.N.D.A.) de México.


title: Silvia Pinal

text: Silvia Pinal también es la fundadora de la Asociación Rafael Banquells A.C., encargada de brindar ayuda, no lucrativa a los actores que lo necesiten. Como presidenta de la asociación, Pinal es la encargada de la entrega de los Premios Bravo a lo más destacado en música, cine, teatro, radio, televisión, doblaje y realización de comerciales durante el año. Los premios se entregan anualmente desde 1991.


title: Silvia Pinal

text: Pinal tuvo problemas con la justicia en el año 2000 por problemas en su gestión como líder de la Asociación de Productores de Teatro (Protea) a principios de la década de 1990. Por este motivo la actriz vivió algún tiempo en Miami, Estados Unidos. Después de once meses, la actriz fue declarada inocente y volvió a su país.


title: Silvia Pinal

text: Pinal ha estado casada en cuatro ocasiones, y ha procreado cuatro hijos. Su primer matrimonio fue con el actor y director Rafael Banquells, quién fue su primer novio formal y le doblaba la edad. Pinal se casó con Banquells en 1947, y su padrino de bodas fue Cantinflas. Pinal reconoce que su matrimonio a una edad tan temprana se debió en parte para escapar de la represión de su padre. "Cambié de padre por uno más blando que me estimuló en mi carrera". La pareja se divorció en 1952. La hija de ambos, Sylvia Pasquel, más adelante consolidó una destacada carrera como actriz. Su segundo matrimonio fue con el empresario y productor cinematográfico Gustavo Alatriste. Pinal ha revelado en numerosas ocasiones que Alatriste fue el amor de su vida. Silvia conoció a Alatriste en una reunión en casa de Ernesto Alonso cuando él estaba a punto de divorciarse de la actriz Ariadne Welter. Fue gracias a Alatriste que Pinal pudo realizar sus proyectos fílmicos con Luis Buñuel. El matrimonio concluyó en 1967 debido a infidelidades de Alatriste y problemas de negocios entre la pareja. Fruto de su relación con Alatriste nació una hija, la también actriz Viridiana Alatriste (nacida en 1963). Por desgracia, Viridiana falleció trágicamente en un accidente automovilístico al sur de la Ciudad de México en 1982, con tan solo 19 años de edad.


title: Silvia Pinal

text: Su tercer matrimonio fue con el cantante de Rock and roll y actor Enrique Guzmán. Pinal y Guzmán se conocieron cuando él acudió como invitado a un show televisivo conducido por Pinal. Pinal y Guzmán se casaron en 1967 a pesar de cierta resistencia de parte de Pinal al ser 11 años mayor que su marido. Su matrimonio duró nueve años. Trabajaron juntos y procrearon dos hijos: la popular cantante Alejandra Guzmán (nacida en 1968) y el músico y compositor Luis Enrique Guzmán (nacido en 1970). Pinal y Guzmán se divorciaron en 1976, en medio de acusaciones de violencia intrafamiliar.


title: Silvia Pinal

text: Su último matrimonio fue con el político, y entonces gobernador del estado de Tlaxcala, Tulio Hernández Gómez. La pareja contrajo matrimonio en 1982. Fue a través de Hernández que Pinal ingresó en el mundo de la política. Pinal y Hernández se divorciaron en 1995.


title: Silvia Pinal

text: Además de sus matrimonios, en distintos momentos de su vida, Pinal sostuvo diversos romances. En 1954, al filmar "Un extraño en la escalera", Pinal se enamoró de su coestrella, el actor Arturo de Córdova. Otros de sus sonados romances fueron con el empresario mexicano Emilio Azcárraga Milmo, el actor egipcio Omar Sharif, el actor italiano Renato Salvatori y con el empresario estadounidense Conrad "Nicky" Hilton.


title: Silvia Pinal

text: Con el paso del tiempo, Silvia Pinal se ha convertido en cabeza de una de las dinastías artísticas más famosas de Latinoamérica. Sus hijas Sylvia y Viridiana siguieron sus pasos como actriz. La menor de sus hijas, Alejandra, es una de las cantantes más populares de México. Su nieta mayor Stephanie Salas (hija de Sylvia), es actriz y cantante. Su nieta Frida Sofía (hija de Alejandra) ha iniciado una carrera en la música. Sus bisnietas Michelle Salas y Camila Valero (hijas de Stephanie), son modelo y actriz respectivamente.


title: Silvia Pinal

text: En 1954, la cerveza Corona lanzó un anuncio publicitario que incluía una canción en la que se mencionaba a Silvia junto a las divas italianas Gina Lollobrigida, Silvana Mangano y Silvana Pampanini.


title: Silvia Pinal

text: En 1955, Pinal fue inmortalizada en un retrato por el afamado pintor Diego Rivera, el cual ocupa un lugar especial en la residencia de Pinal en la Ciudad de México.


title: Silvia Pinal

text: Además de Rivera, Silvia también ha sido pintada por otros artistas como Oswaldo Guayasamín, Mario Chávez Marión, Sylvia Pardo y el general Ignacio Beteta Quintana, quien la retrató desnuda.


title: Silvia Pinal

text: En 1978, Silvia posó desnuda en una sesión fotográfica de la revista "Interviú".


title: Silvia Pinal

text: Silvia está representada como una de las Siete Musas del Arte en un vitral del Teatro Xicohténcatl de Tlaxcala.


title: Silvia Pinal

text: Cuando su hija Alejandra Guzmán se lanzó como cantante, en 1989, dedicó una polémica canción a su madre, titulada "Bye mamá", e incluida en su disco debut.


title: Silvia Pinal

text: En 2002, Pinal fue reconocida al develarse una estatua en su honor en las inmediaciones del Parque de los Venados de la Ciudad de México. La obra fue realizada por el reconocido escultor Ricardo Ponzanelli.


title: Silvia Pinal

text: En 2006, Pinal fue condecorada en España con la Orden de Isabel la Católica, en el grado de Encomienda, por su contribución cultural al mundo del cine.


title: Silvia Pinal

text: En 2013, Silvia Pinal fue homenajeada por el Museo de Cera de la Ciudad de México, al develar una figura en su honor.


title: Silvia Pinal

text: En 2015, Silvia Pinal publicó su libro autobiográfico titulado "Esta soy yo".


title: Silvia Pinal

text: En 2016, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood eligió a Pinal como una de sus integrantes en reconocimiento a su larga trayectoria y aportación a la industria del cine internacional.


title: Silvia Pinal

text: En algún momento, Matt Casella, cazatalentos de DreamWorks, buscó a Silvia para realizar una serie biográfica sobre su vida. Sin embargo, el proyecto no se concretó.


title: Silvia Pinal

text: En 2018, el Teatro Hidalgo de la Ciudad de México, develó una butaca con el nombre de Silvia Pinal.


title: Silvia Pinal

text: En 2019, Pinal fue interpretada por la actriz Carmen Madrid en la serie de televisión "La Guzmán", serie biográfica sobre su hija, la cantante Alejandra Guzmán, producida por la cadena Imagen Televisión.


title: Silvia Pinal

text: En 2019, la cadena Televisa emite una serie de televisión basada en la vida de Pinal, producida por Carla Estrada. La serie se titula "Silvia Pinal, frente a ti", donde es interpretada por la actriz mexicana Itatí Cantoral.


title: Silvia Pinal

text: Premios especiales TVyNovelas (México) Premios especiales TVyNovelas (México) Por 10 años de permanencia al aire (1996): "Mujer, casos de la vida real"


title: Bit NX

text: NX significa "No eXecute" (no ejecutar). Es una tecnología utilizada en CPUs para separar las áreas de memoria usadas para albergar las instrucciones del procesador (código) y las de almacenamiento de datos. Cualquier sección de memoria designada con el atributo NX significa que sólo se usa para datos, por lo tanto las instrucciones del procesador no pueden ni deben residir ahí. Es una técnica utilizada para prevenir que cierto tipo de software malicioso tome el control de la máquina insertando su código en el área de almacenamiento de datos de otro programa y ejecute su propio código desde dentro de esta sección; esto se conoce como "desbordamiento de búfer", y NX puede prevenirlo.


title: Bit NX

text: Aunque este tipo de mecanismo se ha venido utilizando durante años en otras arquitecturas de procesadores como SPARC de Sun, Alpha de HP, PowerPC de IBM, e incluso la arquitectura IA64 de Intel, el término ha sido acuñado por AMD para su uso en la línea de procesadores AMD64, como el Athlon 64 y Opteron. Parece que se ha convertido en un término común para describir genéricamente tecnologías similares en otros procesadores


title: Bit NX

text: El bit NX se refiere específicamente al bit número 63 (al último bit, si el primer bit empieza en el 0, en enteros de 64 bits) en la entrada de la tabla de páginas de un procesador x86. Si este bit está marcado a 0, entonces el código puede ser ejecutado desde esa página; si está marcado a 1, el código no puede ser ejecutado desde esa página, y todo lo que ahí resida será considerado como datos. Hay que tener en cuenta que estas páginas tienen que cumplir el formato de tabla de páginas PAE (extensión de dirección física), en lugar del formato de tabla de páginas original del x86. Esta característica primero fue implementada en los procesadores AMD64, ya que la arquitectura AMD64 es una extensión directa de la arquitectura x86, pero esta característica no requiere que el procesador funcione en modo 64 bits - también funcionará en modo 32 bits. Como funciona en modo 32 bits, otros fabricantes de x86, como VIA Technologies, Transmeta, y por supuesto Intel están portando esta función a sus últimas implementaciones de x86.


title: Bit NX

text: Intel ha decidido llamarlo XD bit, que significa "Execute Disable" (Deshabilitar ejecución). Sin embargo, está implementado exactamente de la misma manera que el bit NX de AMD, así que realmente es lo mismo.


title: Bit NX

text: Previamente a que esta característica estuviera integrada dentro del hardware, varios sistemas operativos intentaron emularla mediante software.


title: Bit NX

text: Un sistema operativo con la habilidad de emular o tener las ventajas de un bit NX puede prevenir que las áreas de memoria, como la pila (stack) y montículo (heap) sean ejecutables, y puede prevenir que la memoria ejecutable sea escribible. Esto ayuda a impedir que ciertos "exploits" de desbordamiento de búfer tengan éxito, particularmente aquellos que inyectan y ejecutan código, como los gusanos Sasser y Blaster. Estos ataques se basan en que alguna parte de la memoria, normalmente la pila, es tanto escribible como ejecutable; y si no lo es, el ataque fracasa.


title: Kon-tiki (estatua)

text: El monolito Kon-tiki (también escrito Kon-Tiki, Kontiki y Kon Tiki), también llamado Barbado, es una escultura antropomorfa de la ciudad ceremonial de Tiwanaku, en el departamento de La Paz, Bolivia. Está situada en el templete semisubterráneo del recinto arqueológico.


title: Kon-tiki (estatua)

text: Kon-tiki parece ser un antiguo nombre del dios Viracocha.


title: Bent Larsen

text: Jørgen Bent Larsen (Tilsted, Thisted, 4 de marzo de 1935 - Buenos Aires, 9 de septiembre de 2010) fue un ajedrecista danés, varias veces candidato al título mundial. Fue el mejor jugador de la historia de su país y estuvo entre los diez mejores ajedrecistas del mundo durante quince años.


title: Bent Larsen

text: En 1954, a los 19 años de edad, ganó el Campeonato de Dinamarca, título que revalidó los siguientes diez años, y alcanzó el título de Maestro internacional en 1955.


title: Bent Larsen

text: En 1956 derrotó en un "match" a Friorik Olafsson (4,5-3,5). Ganador del Torneo Internacional de Ajedrez de Gijón de 1956, alcanzó la élite del ajedrez en la Olimpiada de Moscú, donde hizo tablas con Mijaíl Botvínnik y, con 14 puntos de 18 posibles, consiguió la medalla de oro en el primer tablero y el título de Gran Maestro. Sin embargo, después de compartir el primer puesto en el torneo de Hastings con Svetozar Gligoric, frenó su progresión al clasificarse en un pobre 16.º lugar en el Interzonal de Portoroz de 1958, uno de los mayores fracasos de su carrera. Obtuvo sin embargo un buen resultado en Zúrich (1959), quinto solo por detrás de Mijaíl Tal, Gligoric, Bobby Fischer y Paul Keres. En otoño de ese mismo año trabajó como analista de Fischer en el Torneo de Candidatos de Yugoslavia.


title: Bent Larsen

text: En 1960 compartió con Tigran Petrosian el primer puesto en Beverwijk, por delante de Aleksandar Matanović y Salo Flohr, aunque en el Memorial Nimzovich de Copenhague solo consiguió el cuarto lugar a pesar de su victoria sobre Efim Geller. Tampoco consiguió clasificarse para el siguiente interzonal después de su cuarto puesto en el Zonal de Bergendal (1960). Además, el servicio militar dificultaba su participación en competiciones. Aun así, en el siguiente ciclo de candidatos, logró el segundo puesto en el Zonal de Halle (1963), tras Lajos Portisch, y su clasificación para el Interzonal de Ámsterdam (1964). En Ámsterdam consiguió su mayor triunfo hasta la fecha al compartir el primer puesto con Vasili Smyslov, Boris Spassky y Mijaíl Tal, por delante de Leonid Stein y David Bronstein. Con un resultado global de 17 de 23 (+13 =8 -2), se convirtió, junto con Portish y Bobby Fischer, en uno de los pocos jugadores capaces de hacer frente a los grandes maestros soviéticos de la década de 1960.


title: Bent Larsen

text: Clasificado para las eliminatorias de candidatos, su primer rival en cuartos de final (Bled, junio de 1965) fue el GM yugoslavo Borislav Ivkov al que derrotó por un claro 5,5-2,5. En semifinales, a continuación y también en Bled, se cruzó con Tal, un encuentro enormemente tenso dominado por Larsen en su primera mitad, que solo se decidió en la famosa 10.ª y última partida, ganada por Tal tras una combinación que contenía uno de sus típicos sacrificios intuitivos y teóricamente dudosos. Como compensación, derrotó a Geller en el encuentro por el tercer puesto celebrado en Copenhague en marzo de 1966, en lo que se convirtió en la primera derrota en "match" de un gran maestro soviético frente a un extranjero. Después ganó el torneo de Le Havre con dos puntos de ventaja sobre Lev Polugayevski y alcanzó el tercer puesto, tras Spassky y Fischer, en el supertorneo de Santa Mónica, donde venció con un espectacular sacrificio de dama al vigente campeón del mundo, Tigran Petrosian.


title: Bent Larsen

text: Entre sus logros más notables se encuentran los primeros lugares en tres interzonales (Ámsterdam 1964, Sousse 1967, Biel 1976), su participación en los torneos de candidatos de 1965 (perdió en semifinales con Mijaíl Tal), 1968 (perdió en semifinales con Spassky) y 1971 (perdió en semifinales con Fischer por el abrumador tanteo de 6-0), además de sus victorias en La Habana (por encima de Smyslov), Winnipeg (por encima de Spasski y Keres) y Mallorca (por encima de Smyslov, Botvínnik y Portisch) en el año 1967, las que sumadas a su victoria en el interzonal de ese año constituyen su momento cumbre. Fue galardonado con el primer Óscar del Ajedrez en 1967.


title: Bent Larsen

text: En el «"match del siglo"» (URSS contra Resto del Mundo) celebrado en Belgrado 1970, defendió el primer tablero por delante de Fischer, que ocupó el segundo, con un resultado global de 2,5-4, (1,5-1,5 contra Spassky y 1-0 ante Stein).


title: Bent Larsen

text: En 1988 Larsen perdió una partida contra el programa "Deep Thought", también fue el primer gran maestro derrotado por un ordenador en una partida de competición.


title: Bent Larsen

text: Larsen se caracterizó por evitar los caminos trillados, utilizando aperturas no convencionales, antiguas y olvidadas, como la apertura Bird (1.f4) y el ataque Nimzo-Larsen (como homenaje a él y a Aron Nimzowitsch) que comienza con 1.b3.


title: Bent Larsen

text: Falleció en Buenos Aires, el 9 de septiembre de 2010, a consecuencia de un derrame cerebral.


title: Kon-tiki (expedición)

text: Kon-tiki fue el nombre de la balsa utilizada por el explorador noruego Thor Heyerdahl (1914-2002) en su expedición de 1947 por el océano Pacífico desde el Perú hasta la Polinesia. El nombre de la embarcación se debía al dios solar de los Incas, Viracocha, de quien se decía que antiguamente había llevado el nombre de «Kon-Tiki». "Kon-Tiki" es también el nombre del libro que escribió Heyerdahl sobre su experiencia.


title: Kon-tiki (expedición)

text: Heyerdahl sostenía que pobladores procedentes del Perú podrían haber llegado hasta la Polinesia ya en tiempos precolombinos. El propósito de Heyerdahl era demostrar la posibilidad de que el poblamiento de la Polinesia se hubiese llevado a cabo por vía marítima, desde América del Sur, en balsas idénticas a la usada durante la expedición y movidas únicamente por las mareas, las corrientes y la fuerza del viento, que es casi constante, en dirección este-oeste, a lo largo del Ecuador. No obstante, la expedición dispuso de ciertos elementos como una radio, relojes, mapas, sextantes y cuchillos, aunque los mismos no fueron relevantes a la hora de probar que una balsa como la utilizada podía realizar la travesía.


title: Kon-tiki (expedición)

text: La expedición "Kon-Tiki" fue financiada mediante préstamos y contó con donaciones de parte del ejército de Estados Unidos. Heyerdahl viajó tiempo antes al Perú, donde, junto con un pequeño grupo de personas y dentro del espacio provisto por las autoridades nacionales, se dedicó a la construcción de la balsa. Para ello, se emplearon troncos de madera balsa y otros materiales autóctonos como la totora, y se mantuvo el estilo de construcción indígena tal como se observó en las ilustraciones dejadas por los conquistadores españoles.


title: Kon-tiki (expedición)

text: La travesía comenzó el 28 de abril de 1947. Heyerdahl y otros cinco integrantes viajaron durante 101 días a lo largo de casi 7000 km por el océano Pacífico, hasta llegar a un arrecife en el atolón de Raroia, en las islas Tuamotu, el 7 de agosto de 1947. Toda la tripulación llegó a tierra sana y salva.


title: Kon-tiki (expedición)

text: El , que Heyerdahl escribió relatando las peripecias de la expedición, fue un "best-seller" y se tradujo a 66 idiomas, y la película que se filmó ganó un Oscar al mejor documental en 1951.


title: Kon-tiki (expedición)

text: La tripulación de la balsa "Kon-Tiki" estaba integrada por seis hombres, todos ellos noruegos, excepto Bengt Danielsson, que era sueco. Habiendo descubierto que los predecesores de los incas y los antiguos habitantes de ciertas regiones de la Polinesia adoraron a un mismo dios solar, llamado Kon-Tiki, Thor Heyerdahl dedujo que los primeros pobladores de las islas del Pacífico fueron americanos de los tiempos preincaicos. Pero otros investigadores objetaron que en aquella remota época, los aborígenes peruanos solo poseían balsas, con las que era imposible cruzar el Pacífico.  Para demostrar la exactitud de su hipótesis, Heyerdahl hizo construir una balsa, fiel imitación de los modelos antiguos, y, en compañía de cinco camaradas, intentó la experiencia y la llevó a feliz término.


title: Kon-tiki (expedición)

text: La balsa fue construida con nueve troncos de balsa, cada uno de ellos de 13,7 m de largo y 60 cm de diámetro, los cuales estaban unidos entre sí con la ayuda de lazos de cáñamo. Transversalmente a los troncos principales se ubicaron troncos de balsa de 5,5 m de longitud y 30 cm de diámetro, a intervalos de 1 m, con el objetivo de dar soporte lateral. Adicionalmente, se utilizaron tablones de pino en los laterales de la embarcación, así como secciones de 60 cm de largo y 25 mm de espesor del mismo material como quillas.


title: Luminancia

text: En Fotometría, la luminancia se define como la densidad angular, rectangular y superficial de flujo luminoso que incide, atraviesa o emerge de una superficie siguiendo una dirección determinada. Alternativamente, también se puede definir como la densidad superficial de intensidad luminosa en una dirección dada.


title: Luminancia

text: La definición anterior se formaliza con la expresión siguiente:


Luminancia


title: Luminancia

text: donde:La luminancia se puede definir a partir de la magnitud radiométrica de la radiancia sin más que ponderar cada longitud de onda por la curva de sensibilidad del ojo. Así, si L es la luminancia, L representa la radiancia espectral y V(λ) simboliza la curva de sensibilidad del ojo, entonces:


title: Luminancia

text: Se puede considerar que el equivalente psicológico de la luminancia es el brillo o la brillantez. Por ejemplo, considerando el caso de la emisión o reflexión de luz por parte de superficies planas y difusas, la luminancia indicaría la cantidad de flujo luminoso que el ojo percibiría para un punto de vista particular. En este caso, el ángulo sólido que interesa es el subtendido por la pupila del ojo.


title: Alessandro Algardi

text: Alessandro Algardi (Bolonia, 31 de julio de 1595 - Roma, 10 de junio de 1654) fue un escultor italiano del alto barroco, activo casi exclusivamente en Roma, donde durante las últimas décadas de su vida, fue el principal rival de Gian Lorenzo Bernini.


title: Alessandro Algardi

text: Algardi nació en Bolonia, donde a temprana edad entró como aprendiz en el taller de Ludovico Carracci, pintor de tendencia clasicista. Sin embargo, su aptitud para la escultura le hizo trabajar para Julio Cesar Conventi (1577—1640), un artista menor.


title: Alessandro Algardi

text: A los veinte años, en 1608, entró al servicio de Fernando I Gonzaga, duque de Mantua, que comenzó a encargarle obras; también fue empleado de los joyeros locales para que hiciera diseños figurativos. Tras un corto periodo en Venecia, se trasladó a Roma en 1625, con una presentación por parte del duque de Mantua al sobrino del Papa Gregorio XV|último papa, Ludovico Cardinal Ludovisi, quien le empleó durante un tiempo en la restauración de estatuas antiguas.ref Estas estatuas restauradas aún forman el núcleo de la "Colección Bonacorsi-Ludovisi" en el Palacio Altemps. La restauración de esculturas era un trabajo habitual incluso para los escultores más prominentes de la época, incluidos Bernini y Ercole Ferrata.


title: Alessandro Algardi

text: Pero la muerte del duque le dejó en una situación económica precaria. Gracias al mecenazgo de los Borghese y los Barberini, Gian Lorenzo Bernini y su taller obtuvieron la mayor parte de los encargos escultóricos de Roma. Durante casi una década, Algardi luchó porque le reconociera. En Roma le ayudaron amigos, entre ellos Pietro da Cortona y su paisano boloñés, Domenichino. Sus primeros encargos romanos incluyeron retratos con terracota y algunos bustos de mármol, mientras se mantenía a sí mismo con pequeñas obras como crucifijos.


title: Alessandro Algardi

text: El primer gran encargo de Algardi se produjo alrededor de 1634, cuando el cardenal Ubaldini (Médici) le encargó un monumento funerario para su tío-abuelo, el papa León XI, el tercero de los papas de la familia Médici, que había desempeñado el cargo durante menos de un mes en 1605. El monumento se empezó en 1640, y estaba acabado en su mayor parte para el año 1644. La composición es análoga a la diseñada por Bernini para la Tumba de Urbano VIII (1627-8), con una escultura central hierática del papa sentado con todos sus atributos y bendiciendo con la mano, mientras que a sus pies, dos figuras femeninas alegóricas flanquean su sarcófago. Sin embargo, en la tumba de Bernini, el brazo alzado con vigor y la postura del papa están equilibrados por el activo drama de la parte inferior, donde las figuras de la "Caridad" y la "Justicia" están o bien distraídas por "putti" o absortas en contemplación, mientras que una "Muerte" esquelética escribe activamente el epitafio. La tumba de Algardi, ejecutada en mármol blanco, es mucho menos dinámica. Las figuras alegóricas de la "Magnanimidad" y la "Liberalidad" tienen una dignidad impasible, etérea. Algunos han identificado la figura con yelmo de la "Magnanimidad" con la de Atenea e imágenes icónicas de la "Sabiduría". La "Liberalidad" se parece a la famosa "Santa Susana" de François Duquesnoy, pero más elegante. La tumba es sombríamente monótona y carece de la agitación policromática que aparta del estado de ánimo elegíaco de la tumba de Urbano VIII.


title: Alessandro Algardi

text: En 1635-38, Pietro Boncompagni le encargó a Algardi una estatua colosal de Felipe Neri con ángeles arrodillándose, para Santa Maria in Vallicella, acabada en 1640. Inmediatamente después de esta obra, Algardi produjo "La Degollación" (o "Decapitación) de San Pablo", considerada una de sus obras maestras, junto al bajorrelieve del papa León y Atila; se trata de un grupo escultórico que representa la decapitación de san Pablo con dos figuras: un santo arrodillado y resignado y el verdugo listo para dar el golpe de espada, para la iglesia de San Pablo de Bolonia (1641-1647). Estas obras crearon su reputación. Como Bernini, a menudo se adecúan a la estética barroca de representar actitudes dramáticas y expresiones emocionales, si bien la escultura de Algardi tiene una sobriedad contenida que contrasta con las obras de su rival.


title: Alessandro Algardi

text: Con la ascensión al papado, en 1644, de Inocencio X, de la boloñesa familia Pamphili, tanto Barberini como su artista favorito, Bernini, cayeron en el descrédito. Algardi, por su parte, fue acogido por el papa y el sobrino del papa, Camillo Pamphilj. Los retratos de Algardi eran muy cotizados, y su severidad formal contrasta con las imágenes de Bernini, más vivaces. Un gran bronce hierático de Inocencio X obra de Algardi se encuentra actualmente en los Museos Capitolinos. Algardi no era conocido por su arquitectura. En 1644 se le encarga la construcción en las laderas del Janículo (una de las colinas de Roma en la orilla derecha del Tíber) de la Villa Doria-Panfili, cuyo plano está inspirado de las villas de Palladio completada con una rica decoración con estucos y relieves exteriores. Ayudó a diseñar la fachada de esta Villa en las afueras de la puerta de San Pancracio, un proyecto en el que dependió de la ayuda profesional del arquitecto-ingeniero Girolamo Rainaldi, mientras que Algardi y su taller ejecutaron las fuentes incrustadas de esculturas y otras obras del jardín, donde aún se conservan muchas de sus esculturas independientes y bajorrelieves.


title: Alessandro Algardi

text: En 1650 conoció a Diego Velázquez, quien le proporcionó encargos desde España, en donde hizo las figuras para la Fuente de Neptuno en Aranjuez, así como dos chimeneas en el mismo Palacio de Aranjuez. El Convento de las Agustinas de Salamanca contiene la Tumba de los Condes de Monterrey, otra obra de Algardi.


title: Alessandro Algardi

text: La "Degollación de San Pablo" y sobre todo el enorme y dramático panel en alto relieve de mármol obra de Algardi representando al "Papa San León deteniendo a Atila"(1646–53) para la Basílica de San Pedro son sus principales obras maestras. Previamente se habían usado grandes relieves de mármol en las iglesias romanas, pero para la mayor parte de los mecenas, los retablos esculpidos en mármol eran demasiado costosos. En este relieve, las dos figuras principales, el papa severo y valeroso y el consternado y atemorizado Atila, surgen y sobresalen del centro hacia las tres dimensiones. Ellos dos son los únicos que ven descender los guerreros angelicales que acuden a la defensa del papa, mientras que el resto se quedan en los relieves del fondo, llevando a cabo sus obligaciones terrenas.


title: Alessandro Algardi

text: El tema era apto para un estado papal que buscaba influencia, puesto que representa la leyenda histórica referente al más grande de los papas llamados León, quien con ayuda sobrenatural, derrotó a los hunos y les impidió saquear Roma. Desde un punto de vista barroco es un momen duda alguna, el mensaje de su patrón sería que se recordaría seriamente a todos los espectadores la capacidad del papa de invocar la retribución divina contra sus ememigos. Existe una réplica a escala reducida de este relieve, en plata, conservada en el Palacio Real de Madrid, y considerada obra autógrafa.


title: Alessandro Algardi

text: Algardi murió en Roma al año siguiente de haber completado este famoso relieve, que fue muy admirado por los contemporáneos. En sus últimos años Algardi controló un gran taller y amasó una gran fortuna. El estilo clasicista de Algardi fue seguido por sus discípulos (incluyendo a Ercole Ferrata y Domenico Guidi). Antonio Raggi inicialmente se formó con él. Los últimos dos completaron su diseño para un retablo titulado la "Visión de san Nicolás" (San Nicola de Tolentino, Roma) usando dos piezas de mármol separadas unidas en un mismo acontecimiento y lugar, y aun así separando con éxito las esferas divina y terrenal. Otros ayudantes de su taller, menos conocidos, fueron Francesco Barrata, Girolamo Lucenti, y Giuseppe Perroni.


title: Alessandro Algardi

text: Algardi fue también conocido por sus retratos que muestran una atención obsesiva por los detalles de una fisionomía que resultaba psicológicamente reveladora en un estilo sobrio pero naturalista, siguiendo así la línea de profundización psicológica, más que la exaltación aparatosa. Prestó una atención minuciosa hacia las ropas y las telas, como puede verse en los bustos de Laudivio Zacchia, Camillo Pamphili, y de Muzio Frangipane y sus dos hijos Lello y Roberto.


title: Alessandro Algardi

text: En temperamento, su estilo estaba más próximo al barroco contenido y clasicista de Duquesnoy que a las emotivas obras de otros artistas de la época. Desde un punto de vista artístico, tuvo gran éxito en esculturas de retrato y grupos de niños, donde estaba obligado a seguir más fielmente la naturaleza. Sus modelos en terracota, algunos de ellos acabadas obras de arte, eran muy apreciados por los coleccionistas.


title: Altichiero

text: Altichiero de Zevio, también llamado Aldighieri da Zevio (Zevio, c.1330 - c.1393), fue un notable pintor italiano de estilo gótico del Trecento.


title: Altichiero

text: Hijo de Domenico de Zevio, fue discípulo del pintor lombardo Turone de Maxio.  Fue seguidor de Giotto. Trabajo en Verona ("Iglesia de Santa Anastasia" y "Palacio de los Scaligeri") y Padua ("Basílica de San Antonio" y "Oratorio de San Jorge").


title: Altichiero

text: Las escasas referencias escritas que se tienen de este artista son a menudo contradictorias. Pero todas ellas lo vinculan con el pintor boloñés, Jacopo Avanzi. La formación Altichiero se produjo en Verona, ligada por entonces a la familia Visconti, gobernantes en Milán. Ello explicaría la fuerte influencia lombarda de su pintura que también se ve relacionada con el espíritu antiguo y prehumanista de las cortes de Verona y Padua, las ciudades donde trabajó. Está considerado como el fundador de la escuela pictórica de Verona.


title: Altichiero

text: La solidez y el volumen de sus figuras confirman la influencia de Giotto. Pero su obra, con rasgos de gran dramatismo y acentos clásicos, muestra una notable complejidad, teatralidad, refinamiento y delicadeza en el tratamiento del espacio que se relaciona con el Gótico de finales del siglo XIV. Destaca también por la elegancia en la descripción del ropaje, en la atención a la fisonomía de los rostros y en los pequeños detalles de la vida cotidiana que se reflejan en todos sus frescos.


title: Altichiero

text: En torno a 1364, pintó al fresco estancias de los palacios de los Scaligeri y de los Da Carrara, en Verona; de lo que hoy, poco se conserva. Hacia 1371, trabajó en Padua decorando la tumba Dotti en los Eremitani —destruida por los bombardeos de 1944—. Al año siguiente, en esta misma ciudad, comenzó los frescos de la Capilla de Santiago de la Basílica de San Antonio. Su última obra parece que fueron los frescos de la capilla de San Jorge de Padua.


title: Giorgio de Chirico

text: Giorgio de Chirico (Volos, Grecia; 10 de julio de 1888 – Roma; 20 de noviembre de 1978) fue un pintor italiano nacido en Grecia de padres italianos. De Chirico es reconocido entre otras cosas por haber fundado el movimiento artístico pintura metafísica.


title: Giorgio de Chirico

text: Su padre era un barone siciliano, perteneciente a una blasonada familia de origen griego, los Kyriko; su madre era greco-genovesa, nacida en Esmirna. Estudió arte en Atenas y Florencia, antes de mudarse a Alemania en 1906, donde ingresó a la Academia de Bellas Artes de Múnich. Allí entró en contacto con las obras de los filósofos Nietzsche y Arthur Schopenhauer, además de estudiar las obras de Arnold Böcklin y Max Klinger. Volvió a Italia en el verano de 1909 para pasar seis meses en Milán. A principios de 1910 se mudó a Florencia nuevamente, donde pintó ""El enigma de una tarde de otoño"", la primera de sus obras de la serie ""Plaza metafísica"", después de una experiencia personal en "Piazza Santa Croce". En Florencia pintó también ""El enigma del oráculo"". Al año siguiente, De Chirico pasó algunos días en Turín, de camino a París, y quedó impresionado por lo que llamó "el aspecto metafísico de Turín" que se apreciaba en la arquitectura de sus arcadas y plazas. De Chirico vivió en París hasta su alistamiento en el ejército en mayo de 1915, durante la Primera Guerra Mundial.


title: Giorgio de Chirico

text: Los cuadros que De Chirico realizó entre 1909 y 1914 son los que le han dado más reconocimiento. Este período se conoce como el "período metafísico". Las obras destacan por las imágenes que evocan ambientes sombríos y abrumadores. A principios de este período, los modelos eran paisajes urbanos inspirados en las ciudades mediterráneas. Gradualmente, la atención del pintor se fue desplazando hacia estudios de cuartos atiborrados de objetos, a veces habitados por maniquíes.


title: Giorgio de Chirico

text: Casi de inmediato, el escritor Guillaume Apollinaire alabó el trabajo de Chirico y le ayudó a presentarlo al grupo que más tarde se dedicaría al surrealismo. En 1922, Yves Tanguy escribió que quedó tan impresionado al ver una obra de De Chirico en un escaparate de una galería, que entonces decidió convertirse en artista, aun sin haber tocado un pincel en su vida. Otros artistas que han reconocido la influencia de Giorgio de Chirico son Max Ernst, Salvador Dalí y René Magritte. Se considera a De Chirico una de las mayores influencias sobre el movimiento surrealista.


title: Giorgio de Chirico

text: De Chirico abandonó posteriormente el estilo metafísico y realizó varias obras más realistas, con un éxito modesto.


title: Giorgio de Chirico

text: De Chirico publicó en 1925 la novela ""Hebdómeros"", de la cual el poeta John Ashbery ha dicho que se trata probablemente de una de las mayores obras literarias del surrealismo. Ha sido traducida al español por César Aira y publicada en Argentina por Editorial Mansalva.


title: Giorgio de Chirico

text: El pintor falleció el 20 de noviembre de 1978, a los 90 años.


title: Giorgio de Chirico

text: La pintura metafísica de Giorgio de Chirico se considera uno de los mayores antecedentes del movimiento surrealista. En su estancia en Alemania recibió la influencia de autores simbolistas y de la filosofía de Nietzsche y Schopenhauer. Ya en París (1911), comienza a realizar obras de imágenes muy sorprendentes, basadas en representar espacios urbanos, en los que predominan los elementos arquitectónicos y la proyección de sombras y en las que la presencia humana suele estar ausente. Además de esta regla arquitectónica, también hay representaciones de interiores, generalmente abiertos al exterior, donde suele situar maniquíes y en algunas ocasiones otras obras (la representación de otras obras dentro de la propia obra, que es una característica propia del surrealismo, ya está presente en el autor). Así logra crear en sus obras un espacio extraño, atemporal, donde parece que se puede encontrar la calma y el silencio. Las imágenes representadas en el espacio pictórico se sacan de contexto y se representan con un tamaño antinatural y desproporcionado. Estas obras, que cuentan con numerosos errores técnicos, tienen como finalidad crear espacios sugerentes en los que el receptor contribuya a crear el sentido definitivo de lo que se representa.


title: Giorgio de Chirico

text: Tras su obra "Piazza souvenir de Italia" (1925), pese a conservar parte de su estilo, su obra cambia hacia un carácter más convencional, ya que en un contexto de posguerra (I Guerra Mundial) la llamada "vuelta al orden" lleva a los artistas a volver a adoptar un carácter realista. El detallismo de su obra lo aleja cada vez de la metafísica, por lo que recibe la crítica de numerosos artistas surrealistas decepcionados con él.


title: Giorgio de Chirico

text: En 1958 De Chirico realizó la obra "Caballos de carrera." Su gusto por los corceles brotó cuando vio un alazán en un cartel publicitario. Para el pintor la experiencia era similar a la aparición de una deidad antigua. En el lienzo aparece en primer plano una dinámica pareja de caballos, protagonistas de la escena. En la disposición de imágenes, se ve arquitectura de fondo: es una torre medieval, una fortaleza, porque para el pintor fue fundamental el sentido arquitectónico en sus composiciones, tomando en cuenta las leyes de la perspectiva. "La arquitectura completa la naturaleza. Fue éste un progreso del intelecto humano en el campo de los descubrimientos metafísicos".


title: Política exterior

text: La política exterior se define como el conjunto de las decisiones y acciones públicas que toma el gobierno de un Estado dirigidas en el ambiente internacional en función de los intereses nacionales. También puede definirse como un área de actividad gubernamental que es concebida entre relaciones del Estado con otros factores. Es la variable externa del proyecto que toda nación define en determinado momento de su desarrollo histórico. Como parte integral de un proyecto nacional que tenga un país, la política exterior debe responder, en primer término, a las aspiraciones de paz y seguridad y a las necesidades de desarrollo político, económico y social del país. Esta refleja la solidez de un Estado, integrado como nación, con un gobierno estable y con una soberanía depositada en los ciudadanos y expresada por sus representantes por medio del interés nacional.


title: Política exterior

text: La política externa de un Estado debe basarse en un profundo conocimiento de la realidad internacional en la que se desenvuelve y sobre la que pretende influir, solo así una Nación puede sacar pleno provecho de las oportunidades y, en lo posible, evitar los riesgos que se le presenten.


title: Política exterior

text: Vista de esa manera, de acuerdo con Andrés Rozental, la esencia de la política exterior es un cálculo político de quienes tienen a su cargo su diseño y puesta en práctica, respecto de la mejor manera de promover los valores y las aspiraciones de paz y desarrollo de las personas de su nación. Por ello, la definición correcta y oportuna de los intereses del país en el escenario mundial, junto con la instrumentación de una estrategia coherente para alcanzar los objetivos marcados, constituyen una de las tareas más complejas y, a la vez, una de las más altas responsabilidades del Estado.


title: Política exterior

text: La política exterior de un país debe tener puntos en común, entre los que se pueden mencionar los siguientes:De esta manera, el conjunto de normas internacionales, acordadas mediante el ejercicio de la soberanía, es parte integrante de la legislación interna de los Estados.


title: Política exterior

text: La política exterior está íntimamente ligada con la política interna de cada Estado y con las decisiones que sus gobernantes tomen para el bienestar general de sus habitantes, influidos por factores históricos, geográficos, etc. que les hacen mantener una política estable que no perjudique a los suyos y que al mismo tiempo gocen de los beneficios que el ámbito internacional ofrece, manteniendo así relaciones pacíficas con los demás sujetos internacionales.


title: Política exterior

text: La política exterior de un país es instrumental para alcanzar ciertos objetivos nacionales, lo que implica que deberá caracterizarse por su adecuada flexibilidad y mantenerse en evolución al desarrollo del sistema internacional para poder servir eficazmente a los intereses de su nación.


title: Política exterior

text: El proceso de toma de decisiones en política exterior implica las fases siguientes:El análisis de la política exterior implica el estudio de cómo el Estado "hace" político y de su comportamiento externo, mediante la identificación de categoríasDesde esta perspectiva el Estado es considerado como el actor principal y básico de las relaciones internacionales. Aun así, dada la cantidad y diversidad de los actores que interactúan en el sistema internacional en la actualidad, este análisis no puede excluir aquellas acciones que están dirigidas a otro tipo de actores. El papel de los Estados en los organismos internacionales, la relación con las Organizaciones No Gubernamentales y las acciones contra el crimen organizado o los grupos terroristas, por ejemplo, también forman parte de la agenda y construcción de la política exterior de los Estados.


title: Política exterior

text: Debido a que el análisis de la política exterior implica tanto el estudio de la política internacional como de los asuntos domésticos, la disciplina académica se localiza e incide en la intersección entre la teoría de las relaciones internacionales y la política pública. La política exterior se nutre de disciplinas como el estudio de la diplomacia, de la guerra (o del conflicto), de las organizaciones a, y de las sanciones económicas, cada una de las cuales cobran una importancia capital por la cual el Estado puede llevar a cabo su política exterior.


title: Política exterior

text: Académicamente hablando, el análisis de la política exterior se encuentra más comúnmente estudiado dentro de la ciencia política y las relaciones internacionales.


title: Política exterior

text: El modelo de actor racional se basa en la teoría de la elección racional. El modelo considera al Estado la unidad primaria del análisis, y a las relaciones interestatales (o relaciones internacionales) como el contexto para su análisis. El Estado se ve como un actor unitario monolítico, capaz de tomar decisiones racionales para posicionarse preferentemente y a maximizar su valor.


title: Política exterior

text: Según el modelo de actor racional, el Estado usa el proceso de toma de decisión racional, un proceso que incluye: El modelo de actor racional ha sido susceptible de críticas. Así, Michael Clarke apunta que "el modelo tiende a descuidar una gama de variables políticas, que incluirían: las decisiones políticas, las decisiones no-políticas, los procedimientos burocráticos, la continuación de políticas previas, y del gran accidente".


title: Pietro da Cortona

text: Pietro da Cortona, cuyo auténtico nombre era Pietro Berettini (o Berrettini) (Cortona, 1 de noviembre de 1596-Roma, 16 de mayo de 1669) fue un pintor y arquitecto italiano.


title: Pietro da Cortona

text: Pietro de Cortona pertenece al período inicial del Barroco. Es conocido fundamentalmente por su trabajo en el terreno de los frescos decorativos y de la pintura. Durante el pontificado de Urbano VIII (de quien hizo un retrato), fue uno de los principales artistas establecidos en Roma, junto a Bernini y Borromini. Se puede decir que representa el máximo exponente del arte decorativo del Barroco pleno, haciendo olvidar a artistas anteriores como Giovanni da San Giovanni y oscureciendo a competidores como Giovanni Lanfranco.


title: Pietro da Cortona

text: Pietro Berrettini fue discípulo del florentino Andrea Commodi hasta 1611, fecha en la que pasó al taller de Baccio Carpi. Se establece en Roma en 1612 y estudia y copia a los grandes maestros (Rafael, Annibale Carracci).Empieza su carrera al servicio de la familia Sacchetti quien le confía en 1623 las obras de la villa de Pigneto.  En 1624 decora el Palazzo Mattei con "El sacrificio de Polissena" y "El triunfo de Baco" (hoy en los Museos Capitolinos de Roma). En el palacio Sacchetti conoce al caballero Marin y al cardenal Barberini, que se convierte en su protector. Gracias a él consiguió su primer gran encargo de pintura, el ciclo de frescos decorativos de Santa Bibiana en Roma (1624-1626), cuya fachada es obra de Bernini. El éxito obtenido le abre una carrera activa: en 1629 pinta "El rapto de las sabinas" que se convierte en el manifiesto de la pintura barroca romana.


title: Pietro da Cortona

text: En 1633-1639, lleva a cabo por encargo del papa Urbano VIII (Maffeo Barberini) su fresco más famoso: "Alegoría de la Divina Providencia" (conocida como "Gloria de los Barberini"), que se encuentra en el techo del gran salón del Palacio de los Barberini, en Roma. Se trata de una alegoría de la Providencia y del poder divino de los Barberini. Este gran fresco tiene mucho movimiento, cuenta con muchos personajes vistos desde un contrapicado extremado (de abajo hacia arriba), que caracteriza sus efectos ilusionistas. Se considera la obra cumbre del Barroco romano de este siglo.


title: Pietro da Cortona

text: Entre 1637 y 1647 decoró numerosas salas del Palacio Pitti de Florencia. En este trabajo contó como discípulo con Pierre Puget. En sus últimos años de vida decoró la Galería de Eneas en el Palacio Pamphili de la Piazza Navona (actual sede de la Embajada de Brasil) y las bóvedas de la nueva iglesia de los Filipenses en Roma.


title: Pietro da Cortona

text: Se convertirá en "príncipe" de la Academia de San Lucas.


title: Pietro da Cortona

text: Una de las mayores consecuciones arquitectónicas del Barroco es la Iglesia de San Lucas y Santa Martina cerca del Foro (1635-1650). Para la forma de cruz griega de esta iglesia tomó como punto de referencia la planta circular de Miguel Ángel en la Basílica de San Lorenzo de Florencia. Acentuó el espacio central, apeando la cúpula sobre columnas enteras, de modo que las capillas posteriores forman divisiones radiales, dejando un deambulatorio continuo. También es obra suya el notable embellecimiento del exterior de Santa Maria della Pace (1656-1667) su obra más completa por su ambientación en un entorno medieval, en la que colaboró con Carlo Fontana, y la fachada de Santa Maria in Vía Lata (hacia 1660) en cuyo pórtico realizó una disposición semejante a la de San Andrés en el Quirinal de Bernini y la Basílica de los Santos Ambrosio y Carlos en el Corso (1668).


title: Pietro da Cortona

text: Pietro da Cortona es el autor de las pinturas de Castel Gandolfo tal y como lo conocemos hoy. De entre sus obras de carácter civil sólo se pueden apreciar los restos de la villa de Pigneto, que edificó cerca de Ostia en 1630 para el cardenal Barberini y el Casino al Pigneto del Marchese Sacchetti.


title: Pietro da Cortona

text: Antes de alcanzar fama como arquitecto, Pietro dibujó láminas anatómicas que no se publicarían hasta un siglo después de su muerte en el año 1741. Las láminas de "Tabulae anatomicae" (Tablas de anatomía) fueron elaboradas con toda seguridad hacia 1618. Las poses dramáticas y finamente estudiadas se encuentran en el estilo de otros artistas de este tipo del Renacimiento y del Barroco, pero son especialmente expresivas.


title: Gentile da Fabriano

text: Gentile da Fabriano ("Gentile di Niccolò di Giovanni Massi"; Fabriano, h. 1370 – Roma, 1427) fue un pintor italiano, uno de los principales exponentes del estilo gótico internacional en Italia. Encarnó en su siglo la típica figura del artista itinerante, que prefería moverse para encontrar las más variadas ocasiones de trabajo ofrecidas por las cortes antes que quedarse establecido en un taller. Su pintura poética y fabulosa, el gusto por la línea y un uso incomparable de los elementos decorativos lo llevaron a la cúspide de la escuela italiana de la época, recibiendo encargos de grandísimo prestigio. Al visitar Florencia, entró en contacto con el naciente Humanismo en el arte y, aunque sin renunciar al estilo propio, inició una consciente transición entre el decorativismo tardogótico y la esencia renacentista.


title: Gentile da Fabriano

text: Gentile nació en o cerca de Fabriano alrededor de los años 1370-1375, en la región de las Marcas, al este de Italia. Gentile quedó huérfano a temprana edad, tras la muerte de su madre en algún momento antes del año 1380 y su padre, Niccolò di Giovanni Massi, que era comerciante de paños, ese mismo año se retiró a un monasterio, donde murió en el año 1385.


title: Gentile da Fabriano

text: En cuanto a su formación, se cree que conoció el arte de la escuela sienesa y que pudo haber sido aprendiz de algún pintor toscano. Comenzó a pintar dentro de la tradición "fabrianesa" (Allegretto Nuzi, Francescuccio Ghissi...), y no se puede excluir una formación más lejana a la vista de la complejidad y la riqueza de sus obras posteriores, en Milán o en Venecia que eran los grandes centros artísticos del norte de Italia. Desde joven empezó a trasladarse por los centros de las Marcas y Lombardía. No dejó obras en las Marcas, aunque se le atribuye (de manera insegura) una "Virgen con Niño" en la catedral de Sant'Angelo in Vado, cerca de Urbino. Se ha señalado la posibilidad de que se formara en Pavía, centro cultural y artístico en el que existía un importante taller de miniatura, durante la última década del siglo XIV. De esta temporada en Pavía sería muestra la "Virgen con el Niño entre los santos Nicolás de Bari, Catalina de Alejandría y un donante" (1395-1400), ejecutada para la iglesia de San Nicolás en Fabriano y que actualmente se conserva en la Gemäldegalerie de Berlín; las características estilísticas están unidas principalmente a la cultura del gótico tardío lombardo, impuesta sobre tradiciones de Umbría y las Marcas.


title: Gentile da Fabriano

text: Se conoce poco de su carrera temprana, suponiéndose que estuvo en Venecia a partir del año 1405, donde se inscribió en la Scuola dei Mercanti. Se sabe seguro que permaneció allí, al menos, entre el año 1408 y 1414. La prueba de que estaba allí en el año 1408 la proporciona el primer documento seguro sobre Gentile, relativo a un cuadro que había pintado en Venecia para el coleccionista Francesco Amadi y que fue pagada el 27 de julio de 1408. Para la iglesia de Santa Sofía pintó una tabla, perdida. En 1408-1409 le encargaron la decoración mural de la "Sala del Maggior Consiglio" en el palacio ducal, para la cual ejecutó el fresco con la " Batalla entre Otón III y los venecianos", perdida como el resto de los frescos, por culpa del clima veneciano, que tiende a dañar rápidamente los frescos, por lo que se sustituyó en el siglo siguiente por pintura sobre tela. Esta obra la acabó hacia el año 1415 y le reportó gran fama. Aquí conoció seguramente a Pisanello, que fue su asistente entre el año 1415 y 1420 y lo ayudó a pintar los frescos del palacio ducal, y quizá a Michelino da Besozzo.


title: Gentile da Fabriano

text: De su obra veneciana en general, se duda si queda algo o no; algunas fuentes dicen que no queda nada, y otras mencionan una pintura, pero sin identificarla. En Venecia tuvo dos alumnos destacados. Al ya mencionado Pisanello transmitió a Pisanello su estilo refinado y minucioso, con gusto por los metales preciosos. El otro fue Jacopo Bellini, que trabajó en su taller y que con el tiempo fue pintor famoso por derecho propio y patriarca de una familia de pintores notables, con sus hijos Giovanni y Gentile.


title: Gentile da Fabriano

text: En cuanto a clases sociales, sólo la nobleza podía permitirse obras caras. La misma aristocracia alardeaba de poder pagando el elevado coste de la escultura y objetos en oro y plata (platos, copas, joyas y coronas). Esto nos muestra el continuo exhibicionismo. Del mismo modo, los tapices, la obra de arte mueble más cara del periodo. La clase media emergente y en especial los prósperos burócratas de Europa habían de conformarse con pinturas sobre tabla, era belleza que sólo la nobleza podía permitirse.


title: Gentile da Fabriano

text: Del año 1410, aproximadamente, data su "Políptico de Valle Romita" hoy en la Pinacoteca de Brera, tras una de sus estancias en Venecia. De este retablo forma parte un panel con la "Crucifixión".


title: Gentile da Fabriano

text: Se trata de su primera obra maestra, pintada para una ermita franciscana en los alrededores de Fabriano. En esta obra se acentuaron las derivaciones lombardas (colores tenues, atención a los detalles naturalistas, gusto lineal), puestas al día gracias a la obra de Michelino da Besozzo, junto con un mayor equilibrio y solidez formal (los santos apoyan firmemente los pies en la tierra). Sin embargo, la iconografía de la Coronación de la Virgen suspendida en el cielo es típicamente veneciana, mientras que son características que acabarán siendo típicas del artista la elaboración finísima del oro, el preciosismo de los vestidos y la capacidad de representar la consistencia de los materiales (como la pelliza de la Magdalena) gracias a un trazo suave y esfumado que anula los contornos.


title: Gentile da Fabriano

text: Numerosos fueron los traslados en estos años. Se sabe que regresó a las Marcas y trabajó en Umbría y la Lombardía. En los años 1411-1412 estuvo en Foligno, donde ejecutó los dibujos para el ciclo decorativo de frescos del palacio Trinci por encargo de Ugolino III. La ejecución de la pintura correspondió casi por completo a Jacopo Bellini y otros ayudantes de Gentile.


title: Gentile da Fabriano

text: Gentile se trasladó posteriormente a Brescia (enero de 1414-1418, donde estuvo trabajando para los Malatesta. Decoró la Capilla del Broletto, labor casi enteramente perdida. En la primavera de 1420 estaba de nuevo en Fabriano.


title: Gentile da Fabriano

text: La arquitectura fue en el arte dominante en Europa septentrional durante la Edad Media: dotó al románico y al gótico no solo de vocabulario formal, sino también de su orientación estética y espiritual (véase vidrieras y esculturas monumentales como ventanas, columnas y portadas).En el siglo XV, por el contrario, la pintura bidimensional fue la predominante en el Norte de Europa. Esto se debe a la falta de cambio e innovación en el ámbito arquitectónico. Europa septentrional experimentó una profunda transformación a lo largo de los siglos XIV y XV. Estos cambios estaban basados en una observación más cercana del mundo físico por una serie de razones que influyen en ámbitos tan diversos como filosofía, botánica o geografía. La sociedad empezó a pensar que podía y debía dedicar más tiempo a los detalles particulares de su existencia terrenal. Por ello, el realismo visual fue la característica más admirada. Este estilo de pintura fue recibido con un arte innovador (ars nova) por su capacidad para mimetizar sobre una superficie bidimensional los avances de efectos de color y luz apreciables en el mundo visible. El arte del Renacimiento septentrional está basado, en gran medida, en el concepto: el descubrimiento del mundo y del yo.


title: Gentile da Fabriano

text: El 6 de agosto de 1420 está documentado en Florencia, donde se inscribió en el Arte dei Medici e Speziali (21 de noviembre de 1422) como «"Magister Gentilis Nicolai Joannis Massi de Fabriano pictor, habitator Florentiae in populo Sancte Trinitatis"».


title: Gentile da Fabriano

text: En Florencia abrió un taller. Su alumno Jacopo Bellini lo siguió en el año 1423, aunque regresó a Venecia al año siguiente. Gentile pintó en Florencia la que será su pieza más famosa, la "Adoración de los Magos" llamada "Pala Strozzi" (esto es, «Retablo Strozzi», terminada en mayo de 1423); retablo encargado para la capilla familiar de los Strozzi en la iglesia de la Santa Trinidad de Florencia; hoy se conserva en la Galería de los Uffizi. Está considerada una obra maestra, tanto de Gentile como del estilo gótico internacional. En el centro se ve la escena principal que da nombre a la obra: la Adoración de los Magos a Jesucristo recién nacido. Está rodeado de un marco en el que hay gabletes, donde pueden verse Ángeles, Jeremías, Isaías, Moisés, David, Ezequiel y Daniel; en los tondos se ve al Ángel de la Anunciación, en el de en medio al Redentor y a la derecha, la Anunciación de la Virgen. Finalmente, a lo largo de la predela se ven los episodios de la Natividad, la Huida a Egipto y la Presentación de Jesús en el Templo. La obra está construida en perspectiva simbólica, en la que los elementos procuran crear una ilusión de profundidad (el establo y la mesa colocados en diagonal, por ejemplo), el tamaño de los personajes en la lejanía... Una pintura que usa la narración continua con varias escenas figuradas en el cuadro. Desplegó en esta obra el cortejo de los Magos, formando en segundo plano diversos focos secundarios de la acción, no unidos entre sí. El oro de los detalles suntuosos es casi deslumbrante y las figuras, aunque están dispuestas en profundidad, no siguen ninguna perspectiva, sino que simplemente están puestas una al lado de la otra creando un efecto irreal y propio de una fábula mundana. En primer plano los dos grupos (a la izquierda la sagrada familia y a la derecha el cortejo) están separadas de la figura derecha del joven rey; los trucos del género permiten ver la obra desde diversos puntos de vista, sobre los que el espectador es invitado a detener la mirada y a analizar cada detalle en particular en momentos sucesivos.


title: Gentile da Fabriano

text: De mayo de 1425 es el políptico Quaratesi, un séxtuple panel de madera encargado por un miembro de la familia Quaratesi para el altar mayor de la iglesia de San Nicolás Oltrarno ("San Niccolò Oltrarno") en Florencia, firmado y datado. El altar se conservó allí hasta 1830, pero luego fue desmembrado y vendido por partes de manera que está disperso en varios museos. La tabla central, que representa a una "Virgen con Niño", se encuentra en las Colecciones Reales de la Monarquía Británica; en los Uffizi de conservan las tablas laterales con cuatro santos (María Magdalena, Nicolás de Bari, Juan Bautista y Jorge y, finalmente, la predela, con escenas de la "Vida de San Nicolás" de Bari y milagros realizados por él, está principalmente en la Pinacoteca Vaticana, aunque una tablilla se encuentra en la Galería Nacional de Arte de Washington D.C. En esta obra se ve una transición del estilo de Gentile influido por la cultura humanística florentina, que en aquellos años se iba afirmando, con una precisa observación de las esculturas antiguas. Las figuras son calmadas y monumentales, construidas sólidamente, con colores compactos y con un sello muy sobrio, más cercano a las obras de Lorenzo Ghiberti y de Masolino da Panicale.


title: Gentile da Fabriano

text: En la misma iglesia se descubrió en el año 1862 (pero quizá provenía de otro lugar) un segundo políptico de Gentile, especial por el desarrollo horizontal de la estructura, y también por su carácter narrativo, inusual en un retablo. Aquí se representaron la Intercesión de Cristo y María ante el Padre Eterno en el panel central, la Resurrección de Lázaro y el encuentro entre los tres Santos en un contexto urbano en las tablas laterales, y a los santos Luis de Tolosa y Bernardo de Claraval en los paneles de los extremos. La obra acoge muchos motivos estilísticos del Masaccio de la Capilla Brancacci de la iglesia del Carmen, y en particular una representación del espacio y de la realidad bastante distante de las usuales formas de Gentile da Fabriano, pero de la que el artista ya había dado muestras en la predela del Políptico Quaratesi.


title: Gentile da Fabriano

text: Marco Cronológico y Contexto histórico El Renacimiento italiano inició la era del Renacimiento, un período de grandes logros y cambios culturales en Europa que se extendió desde fines del siglo XIV hasta alrededor de 1600. Aunque los orígenes del movimiento aislado principalmente a la cultura literaria, el esfuerzo intelectual y el tutela pueden rastrearse hasta inicios del Siglo XIV. Muchos aspectos de la cultura italiana permanecían en su estado medieval y el Renacimiento no se desarrolló totalmente hasta fin de siglo. La palabra Renacimiento (Rinascimento) tiene un significado explícito, que representa el renovado interés del período en la cultura de la antigüedad clásica, Estos cambios significativos, estuvieron concentrados en las clases altas, y para la gran mayoría de la población la vida cambió poco en relación a la Edad Media.


title: Gentile da Fabriano

text: El renacimiento italiano comenzó en Toscana, con epicentro en las ciudades de Florencia y Siena. Luego tuvo un importante impacto en Roma, que fue ornamentada con algunos edificios en el estilo antiguo, y después fuertemente reconstruida por los Papas del siglo XVI. La cumbre del movimiento se dio a fines del siglo XV, mientras los invasores extranjeros sumían a la región en el caos. Sin embargo, las ideas e ideales del renacimiento se difundieron por el resto de Europa. El renacimiento italiano es bien conocido por sus logros culturales. Políticamente fue un periodo de constantes luchas por el poder, cambios dinásticos, guerras e invasiones extranjeras.


title: Gentile da Fabriano

text: En el norte de Europa, siglos XV y XVI, que podría denominarse renacentista ya que este término expresa resurgimiento por las culturas clásicas de Grecia y Roma. Al norte y al este, Italia estaba rodeada por el Sacro Imperio, su habla era germana ordenados en condados y unidas por su lealtad a un emperador. Entre Francia y las tierras alemanas se extendía el Ducado de Borgoña (Países Bajos) formaron parte del estado feudal francés. La superficie geográfica y la riqueza de Borgoña eran suficientes como para que esta fuera independiente. Al otro lado del canal de La Mancha, Inglaterra y Escocia guardaban celosos su independencia. Cuando nombramos “Norte” no nos referimos a Escandinavia, Rusia, Polonia, Balcanes… pues eran los estados denominados “periféricos” ya que tenían sus propios problemas así pues no formaban parte de la historia del arte europeo del Renacimiento. La única vinculación con los estados occidentales era la Iglesia católica en algunos casos.


title: Gentile da Fabriano

text: A lo largo de la Edad Media, la Iglesia fue la institución más poderosa de Europa. Dirigían la vida social, política y económica. Más de la mitad de las obras son de tema religioso. En el año 1400, el arte cristiano ya tenía una historia extensa. Pues en la Edad Media, en varias ocasiones, se habían suscitado dudas acerca del abuso de las imágenes religiosas. Se creía que la adoración de las imágenes era un problema que se repetía continuamente. Al igual que las instituciones religiosas que contrataban a los artistas para realizar obras, éstos querían promover la fidelidad popular a la Iglesia.La Iglesia había sido objeto de críticas continuamente (pues había llegado a silenciarlas mediante campañas contra los sublevados o disidentes).  Pero el desprestigio del alto clero en los siglos XIV y XV llegó a ser tan evidente que la lealtad del pueblo frente a la Iglesia travesó una crisis. En consecuencia, el colegio de cardenales intentó limitar el poder absoluto del papado. Con la idea de fortalecerse con alianzas políticas, el Papa hizo concesiones a varios dirigentes europeos como los reyes de Francia y España (el beneficio fue obtener el derecho a nombrar sus propios candidatos para los altos cargos eclesiásticos de sus reinos) La situación de la Iglesia se ve bajo el control de la monarquía. El incremento del poder de los monarcas sobre la Iglesia en estos dos países fueron ejemplos claros de la expansión generalizada que pronto llegaría a todos los estados de Europa occidental. Una característica de la centralización del poder nacional fue la adquisición del monarca de territorios previamente independientes a su reino (así como los Duques de Borgoña vieron como dicho reyes se repartían sus tierras). Las cortes de los grandes gobernantes de Europa, seguían siendo los principales centros artísticos. Ya hemos mencionado que contrataban artistas para realizar obras conmemorativas, decoración efímera y espectáculos teatrales. Con el tiempo, la producción no cortesana fue adquiriendo importancia. El estilo de corte seguía dominado por un extravagante despliegue de materiales caros. Los monarcas trataban de acelerar la decadencia de la nobleza, e iban debilitando a todo noble rebelde para quitárselo de encima y conseguir su poder. Las ciudades mercantiles comunicadas por buenos canales y caminos, eran la clave del poder de la prosperidad flamenca; esto permitió la facilidad de negocios en cuanto a obras de arte se refiere. El orgullo y la identidad local se reflejaron en el gran número de pinturas que reproducían vistas urbanas (he aquí el cambio de temática).


title: Gentile da Fabriano

text: En 1425 abandonó Florencia para marchar a Siena, donde estuvo entre junio y agosto de ese año. Allí pintó para el Palacio dei Notai, en la Plaza del Campo, una "Virgen con Niño" en la fachada, obra perdida. En Siena, ejerció una profunda influencia en Sassetta. Después en los meses entre agosto y octubre, trabajó en Orvieto, donde pintó el famoso fresco de la "Virgen con Niño y Santos" en el interior de la catedral, en el que los cuerpos sólidos se perfilan desde debajo de los paneles y las expresiones se humanizan, abandonando los modos corteses de los primeros años.


title: Gentile da Fabriano

text: En enero de 1427 llegó a Roma, donde recibió un encargo muy prestigioso del papa Martín V: la decoración al fresco de la nave central de la Basílica Lateranense, la catedral de Roma. La muerte, en agosto de ese mismo año, le impidió concluirlos, y la obra fue acabada cinco años después por Pisanello, su ayudante y discípulo que se hizo entonces cargo del taller de Gentile. Este ciclo, cumbre del arte tardogótico en Italia, fue destruido después de las labores de Borromini en la basílica, pero se conocen por un dibujo copiado por el mismo Borromini y algunos fragmentos, sobre los cuales, sin embargo, la crítica no es unánime en cuanto a la procedencia y originalidad.


title: Gentile da Fabriano

text: Con fecha 14 de octubre de 1427 se recordaba a Gentile como ya muerto. En cuanto al lugar de Roma en el que se le enterró, hay dos hipótesis, una, que se le sepultó en la iglesia de Santa María Nova de Roma, actualmente Santa Francesca Romana, y la otra, que fue enterrado en Santa María en Trastévere. En cualquier caso, su tumba se ha perdido.


title: Gentile da Fabriano

text: Gentile da Fabriano es, junto con Lorenzo Monaco, uno de los principales representantes del estilo gótico internacional en Italia. Ello significa que aunó, las enseñanzas de la escuela de Siena de la primera mitad del siglo XIV, con su delicadeza y linealidad, con una representación más realista de la naturaleza, los animales, las plantas y las personas. Se producían así obras refinadas muy adecuadas para expresar el lujo y la fastuosidad de los señores de la época. En sus obras se aprecia la influencia de artistas como Lorenzo Ghiberti, Masolino da Panicale y Michelino da Besozzo.


title: Gentile da Fabriano

text: Gentile es realista y minucioso en su representación de los detalles. Las texturas, especialmente de las telas, está muy lograda. Se trata de un pintor medieval, y ello se aprecia en el rico cromatismo o en el uso del dorado de tradición bizantina. No obstante, hay en él rasgos que prefiguran el renacimiento: intenta dar volumen a sus figuras, modelarlas, y hacerlas expresivas.


title: Gentile da Fabriano

text: Actualmente se pone énfasis en su moderno tratamiento de la luz y también por haber usado el dibujo libre en sus estudios y esbozos. La falta de atención prestada en la pintura sobre tabla, ha sido uno de los principales obstáculos para reconocer su realismo con mayor profundidad. Sus pinturas son creaciones psicológicas y artísticas creadas con extrema sutileza. La imagen está concebida de un modo heráldico: cada objeto o detalle ha sido descrito artísticamente cuidadosamente a modo de emblema, formando parte de un rompecabezas congelado. Poniendo énfasis en la composición espacial, está muy bien estudiada, con el fin de buscar un significado tanto en el plano de la imagen como en profundidad. En apariencia de todas las imágenes hechas en esta época, parecen “de un realismo poderoso” pero esconden una sensibilidad artística que es la que moldea el estilo (el estilo es un elemento que suele resaltarse más frecuentemente en los artistas italianos contemporáneos).


title: Gentile da Fabriano

text: La representación pintada del espacio está definida de forma tan limpia y resplandeciente que parece que éste existiera. Los artistas de pintura de esta época trazan cuidadosamente el espacio con relación a las pinturas estableciendo una firme “jerarquía de orden pictórico”. A la hora de evaluar el realismo visual de las obras de la Europa septentrional, la proporción es el elemento más importante, es decir, no sólo están llenas de diminutos detalles, sino que las mismas obras suelen ser también de dimensiones muy reducidas.  En Italia predomina la pintura mural de carácter público y la pintura sobre tabla con figuras de tamaño natural. Las obras del norte fueron pensadas para ser observadas en la privacidad del hogar; es tentador.


title: Gentile da Fabriano

text: En esta lista de las obras principales de Gentile da Fabriano, salvo que se indique otra cosa, todas las obras son al temple y sobre tabla, y las medidas se dan en centímetros.


title: Gentile da Fabriano

text: Reconstrucción del Políptico Quaratesi


title: Giorgione

text: Giorgio Barbarelli da Castelfranco, más conocido como Giorgione (Castelfranco Véneto, h. 1477/1478-Venecia, 1510), fue un pintor italiano del Alto Renacimiento, representante destacado de la escuela veneciana, cuya carrera quedó interrumpida por su temprana muerte, con poco más de 30 años.


title: Giorgione

text: Giorgione es conocido por la poética calidad de su trabajo, aunque solo seis cuadros se le atribuyen con certeza. Dejó también varios cuadros inacabados, que completaron otros pintores. Esto, unido a la escasez de datos biográficos y las dudas que plantea el significado de algunas de sus pinturas, lo han convertido en uno de los pintores más misteriosos de la historia del arte europeo.


title: Giorgione

text: Junto con Tiziano, que era un poco más joven, y tras Giovanni Bellini, es el iniciador de la escuela veneciana dentro de la pintura renacentista, que logra gran parte de su efecto mediante el color y el ambiente, tradicionalmente opuesta a la preferencia por el dibujo de la pintura florentina.


title: Giorgione

text: Lo poco que se sabe de la vida de Giorgione aparece en las célebres "Vite" (Vidas) de Giorgio Vasari.


title: Giorgione

text: El pintor debió de nacer en el pequeño pueblo de Castelfranco Véneto, 40 km tierra adentro desde Venecia. Pero no quedan datos de su origen familiar. Aparece citado como Zorzi e incluso Zorzo en la documentación de su época (difieren estos nombres según la dicción veneciana), aunque su verdadero nombre era Giorgio. La variante "Giorgione" (o "Zorzon") puede traducirse como "Gran Jorge".


title: Giorgione

text: Paolo Pino, por primera vez, le llama Giorgione en sus "Diálogos de la pintura", nombre con el que hoy es mundialmente conocido. Vasari explica:


title: Giorgione

text: Carlo Ridolfi, en 1648, por el contrario, le hace descender de una familia acomodada y nativa de Vedelago (Provincia de Treviso), en una biografía cuestionada por los estudiosos posteriores, por sus errores y omisiones.


title: Giorgione

text: Conocemos su aspecto físico gracias al supuesto "Autorretrato como David" del museo Herzog Anton Ulrich de Brunswick, parcialmente conservado, que sirvió como modelo para el grabado de la 2ª edición de las "Vidas" de Vasari. Se le atribuye el autorretrato por razones formales pero también debido a que el examen radiográfico demuestra que está pintado sobre una "Virgen con el Niño" de estilo giorgionesco.


title: Giorgione

text: La edad en la que llegó a Venecia también es desconocida, pero las evidencias estilísticas apoyan la tesis de Ridolfi de que fue admitido a la edad de 10 años como aprendiz en el taller de Giovanni Bellini, que era por entonces el pintor más famoso de la ciudad.


title: Giorgione

text: En su estilo se advierten, además de las influencias de su maestro, las de Antonello da Messina, quien había introducido la técnica de la pintura al óleo en Venecia; de Leonardo da Vinci, del que tomó el "sfumato"; e incluso en la actualidad se piensa que recibió alguna indicación de Vittore Carpaccio en sus momentos iniciales.


title: Giorgione

text: Su talento fue pronto reconocido, según los documentos de la época, como demostraría el hecho de que en 1500, cuando sólo tenía veintitrés años (según la cronología que da Vasari), fue elegido para pintar los retratos del dux Agostino Barbarigo y del condotiero Consalvo Ferrante.


title: Giorgione

text: En 1504, le fue encargado un retablo en memoria de otro condotiero, Matteo Constanzo, para la catedral de su ciudad natal, Castelfranco. En 1507 recibió, por orden del Consejo de los Diez, libramiento de pago por un cuadro (hoy perdido) para la decoración de la nueva Sala de Audiencias de Palacio Ducal.


title: Giorgione

text: De 1507 a 1508 trabajó, junto a otros artistas de su generación como Tiziano, en los frescos de la fachada del nuevo edificio del Fondaco dei Tedeschi, sede de los mercaderes alemanes en Venecia, tras haber realizado trabajos parecidos en el exterior de la Casa Soranzo, en la Casa Grimani allí Servi y en otros palacios venecianos. Muy poco sobrevive hoy de este trabajo. Se conoce el litigio de 1508 entablado para la liquidación de su trabajo pero no los frescos, ya que las fachadas daban al Gran Canal y las inclemencias del tiempo han ido destruyéndolos. En el siglo XVIII, el grabador Antonio María Zanetti realizó sus propias copias, gracias a las cuales conocemos la disposición y la temática; quedan además pequeños restos que representan a una "Mujer desnuda", conservados en la Galería de la Academia de Venecia. También pintó por encargo para coleccionistas privados y en esto se diferencia de otros artistas de su tiempo, que trabajaron sobre todo para grandes instituciones públicas o para la Iglesia.


title: Giorgione

text: Vasari concede mucha relevancia en su biografía del pintor al encuentro con Leonardo da Vinci, en la visita que este realizó a Venecia en 1500, acontecimiento que influyó sumamente en su obra. Todos los relatos coinciden al presentar a Giorgione como persona de encanto distinguido y romántico, gran amante y músico, inclinado a mostrar, a través de su arte, la gracia sensual e imaginativa de la Venecia de su época, con un toque de poética melancolía. También las fuentes antiguas lo presentan como alguien que hizo avanzar la pintura veneciana de manera análoga a lo que hizo Leonardo con la pintura toscana más de veinte años antes; esto es, liberó el arte de las limitaciones de la rigidez arcaica para darle plena libertad.


title: Giorgione

text: A Giorgione se le ha relacionado muy estrechamente con Tiziano, de quien habría sido maestro, según Vasari, aunque Ridolfi afirma que los dos fueron alumnos de Bellini. Trabajaron juntos en los frescos del Fondaco dei Tedeschi y Tiziano debió de terminar algunas pinturas de Giorgione tras su muerte, aunque existen controversias en torno a ello.


title: Giorgione

text: En el otoño de 1510, murió a causa de la peste que asolaba Venecia. Se creía que murió y fue enterrado en la isla de Poveglia en la laguna veneciana, pero un documento de archivo publicado por vez primera en 2011 sitúa su muerte en la isla del Lazzaretto Nuovo, pues ambas se usaban como lugares de cuarentena en tiempos de peste.


title: Giorgione

text: La fecha aproximada de su muerte ha podido establecerse por la carta que, algunos días después de su fallecimiento, la gran mecenas Isabel de Este escribió desde Mantua a Taddeo Albano, su corresponsal en Venecia, para que se asegurara la adquisición de una "Noce" de Giorgione para su colección. Este hecho pone de manifiesto la fama de que Giorgione gozaba en el momento de su prematura muerte. Es significativo también que en su respuesta, un mes después, Albano informase a su señora de que no podía obtener el cuadro, pagase lo que pagase.


title: Giorgione

text: Según la narración recogida en las "Vidas" de Vasari, equivocando la fecha de su fallecimiento, habría sido contagiado por su amante, ignorante de su enfermedad:


title: Giorgione

text: La escasez de noticias sobre su vida y la dispersión de su obra, en su mayor parte de carácter profano y en poder de coleccionistas privados, hará que ya en el siglo XVI se empezase a oscurecer su figura. El hecho de que Tiziano terminara algunas obras trajo mayor confusión.


title: Giorgione

text: En el siglo XVII, las inexactitudes transmitidas por su biógrafos y las falsificaciones (al menos 50) realizadas por Pietro della Vecchia, fomentaron su mitificación, hasta el extremo de que a principios del siglo XIX se llegase a dudar de su existencia.


title: Giorgione

text: A partir de ahí, se realizaron estudios científicos serios sobre el autor. Contribuyeron a esclarecer su figura la publicación a partir de 1800 del anónimo Morelliano, el manuscrito de Marcantonio Michiel, y la correspondencia de Isabel de Este, publicada en 1888.


title: Giorgione

text: A partir de 1925 los museos han hecho análisis radiográficos de los cuadros de Giorgione o a él atribuidos para autentificar su obras. En 1931 se hicieron radiografías de la "Venus", en 1932 de "Los tres filósofos" y en 1939 de "La tempestad".


title: Giorgione

text: Asimismo se celebraron exposiciones antológicas que reunieron en Venecia gran parte de su obra en 1955 y en 1978.


title: Giorgione

text: Su nombre y su obra siguen atrayendo a la posteridad. Pero identificar, entre las obras de su época y escuela, aquellas que realmente le corresponden, y distinguir su estilo del de otros maestros sobre los que pudo influir, es tarea difícil. Si bien ya no hay defensores del "Pan Giorgionismus", que hace un siglo consideraba de Giorgione cada pintura de la época que se pareciera en algo a su estilo, quedan, como entonces, críticos que reducen a media docena la lista de pinturas que están dispuestos a admitir como realmente pertenecientes a este maestro.


title: Giorgione

text: Sus amplios conocimientos le hacían sobresalir con gran maestría tanto en la técnica del fresco como en el empleo tradicional del temple y el óleo sobre tabla, así como en el innovador uso del lienzo. Aunque dominaba el dibujo, no se sometía en la terminación de sus obras al plan inicialmente trazado, que variaba libremente durante la ejecución de la obra.


title: Giorgione

text: Se pueden advertir dos etapas dentro de la evolución de su estilo:Los avances que supuso la figura de Giorgione en la pintura fueron:


title: Giorgione

text: Giorgione también introdujo nuevos temas. Junto a los retablos y los retratos, pintó cuadros sin historia, sea bíblica o clásica, o si pretendían narrar una historia, abandonaba la acción y simplemente personificaba en forma y color estados de ánimo de sentimiento lírico o romántico, como un músico podría encarnarlos en sonidos. Innovando con el coraje y la felicidad de un genio, tuvo por un tiempo una abrumadora influencia en sus contemporáneos e inmediatos sucesores en la escuela veneciana, incluyendo a Tiziano, Sebastiano del Piombo, Palma el Viejo, il Cariani, Giulio Campagnola (y su hermano), e incluso en su ya destacado maestro, Giovanni Bellini. En la tierra firme veneciana, el "Giorgionismo" influyó intensamente en Morto da Feltre, Domenico Capriolo, y Domenico Mancini.


title: Giorgione

text: Aunque murió a los 33 años, Giorgione dejó un legado imperecedero desarrollado por Tiziano y los artistas del siglo XVII. Giorgione nunca subordinó la línea y el color a la arquitectura, ni el efecto artístico a la presentación sentimental. Sin duda alguna fue el primer italiano que pintó paisajes con figuras como cuadros móviles en sus propios marcos sin propósitos devocionales, alegóricos, o históricos — y el primero cuyos colores poseían esa ardiente y brillante intensidad que pronto caracterizaría la obra de toda la escuela veneciana.


title: Giorgione

text: Giorgione representó para la escuela veneciana un avance similar al de Leonardo da Vinci en la Toscana veinte años antes, superando la rigidez arcaica y dotando a la pintura de mayor libertad en colores y temática. Fue la entrada del "cinquecento" en la república veneciana.


title: Giorgione

text: Tuvo enorme influencia en sus contemporáneos y en sus inmediatos sucesores de la escuela veneciana, como Tiziano, Sebastiano del Piombo (quien se formó en su taller), Palma el Viejo, Giovanni Cariani y Domenico y Giulio Campagnola.


title: Giorgione

text: Los apenas 10 años que estuvo en activo hacen que su obra sea escasa. A esto se unen los problemas de identificación de sus cuadros, debido al halo de misterio que rodea la biografía de Giorgione.


title: Giorgione

text: El juicio de Salomón: (c. 1500) cuadro que está en la Galería Uffizi. Representa el relato bíblico del juicio del rey Salomón y las dos mujeres que reclamaban al mismo bebé. Se considera una de sus primeras obras, por presentar vacilaciones en el uso de la luz y el color y la composición un tanto confusa.


title: Giorgione

text: Para su ciudad natal de Castelfranco, Giorgione pintó el Retablo o Pala de Castelfranco: (c. 1505), un retablo en forma de "sacra conversazione": María entronizada con el Niño, flanqueada por dos santos (Liberal y Francisco de Asís) formando un triángulo equilátero. Fue una obra encargada para conmemorar al hijo del condottiero de la ciudad, como retablo del altar donde se enterraría. Es de las pocas obras de Giorgione que siguen en su ubicación original en la iglesia de San Liberal. En esta obra el paisaje del fondo adquiere gran importancia, innovación rápidamente imitada por su maestro Giovanni Bellini y otros. Giorgione utiliza ya un claroscuro muy refinado llamado "sfumato" — el delicado uso de sombras de color para representar la luz y la perspectiva — más o menos en la misma época que Leonardo. Si Vasari acierta o no cuando dice que lo aprendió de la obra de Leonardo es algo que no se sabe, ya que siempre se inclina por atribuir toda innovación a fuentes florentinas.


title: Giorgione

text: Aparte del retablo y los frescos, todas las obras que quedan de Giorgione son pinturas pequeñas diseñadas para sus coleccionistas venecianos; la mayoría tienen menos de 60 cm de ancho o alto. Este mercado había emergido a lo largo de la segunda mitad del siglo XV en Italia, y estaba muy establecida en los Países Bajos, pero Giorgione fue el primer gran pintor italiano que concentró su trabajo de tal manera — de hecho pronto tras su muerte el tamaño de los cuadros empezó a incrementarse con la prosperidad y los palacios de los mecenas.


title: Giorgione

text: La tempestad: (c. 1508) Ha sido llamado el "primer paisaje de la Historia del Arte occidental". El significado de la escena no es claro, pero su maestría es evidente. Representa a un soldado y a una mujer desnuda dando el pecho a un niño, separados por un arroyo. Al fondo se ve una ciudad y en el cielo la tormenta que su título indica. La multitud de símbolos que tiene el lienzo ofrece muchas interpretaciones pero ninguna lo suficientemente satisfactoria. Las teorías que apuestan por la dualidad (hombre - mujer, ciudad-campo) han ido decreciendo al comprobar en un estudio radiográfico, que el hombre era originariamente una mujer desnuda sentada. El tema parece un mero pretexto para la realización de un ejercicio de imaginación creadora; este cuadro, de colores fríos y saturados, ejerció una gran influencia en la pintura posterior.


title: Giorgione

text: Los tres filósofos (1509) es un cuadro igualmente enigmático y su atribución a Giorgione es aún discutida. Las tres figuras permanecen en la boca de una oscura cueva vacía. Sus personajes han sido interpretados como los Reyes Magos o como símbolos ante la cueva de Platón. También como representación de las tres edades del hombre. Aparecen sumidos en el típico sueño giorgionesco, reforzados por un haz de luz, característico de otros paisajes del pintor, como el "Concierto campestre", hoy en el Louvre. El último "revela el veneciano amor por las texturas", porque el pintor "da una apariencia casi palpable de la carne, la tela, la madera, la piedra y el follaje". La pintura carece de contornos marcados y su tratamiento del paisaje ha sido comparado con frecuencia con la poesía pastoral, de ahí el título. La pincelada parece que se oriente casi exclusivamente a la creación de efectos cromáticos.


title: Giorgione

text: Una de las obras destacadas de Giorgione, y típica de su estilo, es la Venus dormida o Venus de Dresde: (c. 1510) Primero atribuida a Tiziano y actualmente reconocida a Giorgione. Fue reconocida por vez primera por Giovanni Morelli, y es ahora universalmente aceptado, que es el mismo cuadro que vio Marcantonio Michiel y más tarde Ridolfi (su biógrafo del s. XVII) en la Casa Marcello de Venecia. Goza de un exquisito y puro ritmo de líneas y contorno, unido a su innovadora presencia al aire libre. La textura de las telas donde yace la diosa y el armonioso paisaje dotan al cuadro del justo equilibrio entre placidez y sensualidad. El uso de un paisaje externo para enmarcar un desnudo es innovador; pero además, para añadirle misterio, está dormida, lo que le priva de toda expresión consciente. Señala Michiel que esta obra quedó inacabada a su muerte, y que el paisaje, con un Cupido que una restauración posterior ha eliminado, fue completada por Tiziano, lo que pudo ser un prototipo de su "Venus de Urbino" y de muchas más por otros pintores de la escuela; pero ninguna de ellas obtuvo la fama del primer ejemplo. El mismo concepto de belleza idealizada es evocada en una "Judith" virginalmente pensativa, del Museo Hermitage, una gran pintura que muestra las especiales cualidades de Giorgione de riqueza de color y paisaje, al mismo tiempo que demuestra que la vida y la muerte son más bien compañeros que opuestos.