title: Relayer

text: 2014 erschien eine von Steven Wilson remixte Version des Albums. Der CD-Version fehlt gegenüber dem 2003-Remaster der Track The Gates of Delirium (Studio run through). Die Blu-Ray-Version enthält die CD sowie die remixte Version in 2.0 und 5.1 und die "Studio run through"-Version in 24 bit/96 kHz, den Original-Mix in 24/192 sowie Bonus-Material wie Needledrops der Original-Schallplatten und einen Instrumental-Mix der drei Haupttracks.


title: Relayer

text: AnmerkungenDas in Grau- und Brauntönen gehaltene Faltcover wurde erneut von Fantasy-Künstler Roger Dean gestaltet. Es zeigt eine steinige Felsenlandschaft, in welcher zwei Reiter, mit einem weiteren Lastpferd, aus einer gotisierenden Felsenfestung kommend, über eine Brücke ziehen. Links unten sieht man einen Teil einer vermutlich überdimensionalen Schlange, deren Körper sich auf der Rückseite fortsetzt. Der Albumtitel und das "Yes"-Logo befinden sich oben zentriert. Im Zentrum der Rückseite befindet sich eine zweite Schlange und auch die Felsenfestung setzt sich in einer Art gotischer Höhle fort. Roger Dean bezeichnet das "Relayer"-Bild als sein gelungenstes Yes-Albumcover.


title: Relayer

text: Auf der linken Innenseite befindet sich oben nochmals das Yes-Logo, darunter ein Gruppenbild, aufgenommen im Garten von Chris Squire, aus welchem ein Schuppen im Hintergrund wegretuschiert wurde. Darunter befindet sich der Albumtitel, die Songtitel und einige weitere Albuminformationen. Auf der rechten Seite findet sich zentriert in der Mitte ein von Roger Deans Cover inspiriertes Gedicht von Donald Lehmkuhl, der bereits zuvor die Texte zum Tourprogramm von "Tales from Topographic Oceans" geschrieben hatte.


title: Relayer

text: 2003 legte das Plattenlabel Rhino Records "Relayer" neu auf. Weil ein DigiPak ein anderes Format als ein LP-Cover hat, wurden einige Teile des ursprünglichen Dean-Bildes an den Rändern hinzugefügt, die auf dem LP-Cover nicht zu sehen sind. Zudem ist nun ein ebenfalls von Roger Dean gezeichnetes Bild einer Biene Teil des Innencovers, das auch für die LP vorgesehen, aber nicht realisiert worden war.


title: Relayer

text: Das Album wurde am 5. Dezember 1974 veröffentlicht. Es erreichte Platz 4 in den englischen und Platz 5 in den amerikanischen Charts. Obwohl strukturell ein Rückschritt in die Tage von "Close to the Edge" (eine einzige, lange Komposition auf der ersten LP-Seite, zwei Lieder auf der zweiten), gilt es als ein Höhepunkt des Schaffens der Band und als Meilenstein des Progressive Rock. Es ist dabei neben "Tales from Topographic Oceans" das anspruchsvollste und am schwersten zugängliche Album der Band: Kein anderes Werk von Yes ist derart aggressiv, und die Band ist mit dem nächsten, zugänglicheren Album, "Going for the One" bewusst einen Schritt zurückgegangen. Insofern ist "Relayer" in jedem Fall ein Wendepunkt in der musikalischen Karriere von Yes, bis heute war keines ihrer Alben je wieder derart konsequent und kompromisslos.


title: Relayer

text: "Relayer" ist durch eine für "Yes" ungewöhnliche Aggressivität gekennzeichnet. Diese äußert sich nicht nur in der scharfen, metallisch klingenden Produktion, sondern auch in vielen kompositorischen Details, wie etwa am Beginn von "Sound Chaser" oder in Steve Howes Gitarrensolo in demselben Stück. Auch die Texte sind für Yes ungewöhnlich. So heißt es im Song "The Gates Of Delirium": "Kill them, Give them as they give us/Slay them, Burn their children's laughter on to hell!". Lediglich im Schlussteil "Soon" und in "To Be Over" gibt es ruhigere Passagen. Der letzte Vers von "To Be Over" lautet denn auch "Be ready to be loved". In diesem Stück spielen sowohl Howe wie Moraz mit spanischen/südamerikanischen und sogar polynesischen Einflüssen, der Titel wird ein musikalisch sehr eigenes, jedoch sich voll in den Geist der frühen 70er einordnendes Meisterstück.


title: Relayer

text: Der Sound von "Relayer" ist umstritten. Trotz vieler verschiedener Pressungen und digitaler Remaster liegt die klangliche Qualität der Songs von "Relayer" weit hinter anderen Veröffentlichungen der Band. Dies äußert sich am stärksten bei "Soon" und "To Be Over". Grund könnte unter anderem das technisch beschränkte Studio-Equipment von Eddie Offord sein, das eigentlich nur für Live-Mitschnitte konzipiert war.


title: Relayer

text: Die Konzerte der "Relayer"-Tour waren meist ausverkauft. Ein Teil des Erfolgs ist sicher Roger Deans Bühnendekoration zuzuschreiben. Mit seinem Bruder Martyn zusammen entwickelte er seit der "Tales from Topographic Oceans"-Tour die Bühnenaufbauten der Band.


title: Relayer

text: Das Konzertprogramm wurde auf das neue Album umgestellt. Der einleitenden "Firebird Suite" folgte "Sound Chaser", daran anschließend "Close To The Edge", "To Be Over," "The Gates Of Delirium" und "And You and I". Vom Vorgängeralbum trat "Ritual" hinzu, "Roundabout" bildete den Abschluss oder die erste Zugabe. Einige weitere Titel wurden immer wieder gewechselt. Ein Konzert wurde für eine spätere Veröffentlichung gefilmt:


title: Relayer

text: Am 10. Mai 1975 gastierten "Yes" vor 25.000 Zusehern im Stadion der Queens Park Rangers in London (Loftus Road). Dieses Konzert wurde als zweite Veröffentlichung nach "Yessongs" gefilmt. Neben dem Standardprogramm wurden "I've Seen All Good People", "Long Distance Runaround", "Clap" und als Zugaben "Sweet Dreams" und "Yours Is No Disgrace" geboten. Dieser Mitschnitt ist auf Video, Laserdisc sowie Doppel-DVD erschienen und dokumentiert die eindrucksvolle Liveband.


title: Relayer

text: Bei den Umfragen der englischen Musikzeitschriften des Jahres 1975 schnitten Yes hervorragend ab. "Relayer" wurde zum zweitbesten Album des Jahres gewählt, Jon Anderson wurde dritter bei den Sängern, Rick Wakeman bester und Patrick Moraz drittbester Keyboarder, Steve Howe zweitbester Gitarrist, Alan White fünfter am Schlagzeug, Chris Squire bester Bassist und Anderson/Howe siegten in der Kategorie "Komponisten". Yes wurden zur besten Musikgruppe gewählt.


title: Relayer

text: In Abstimmung aller Bandmitglieder brachten nun alle Musiker Soloalben heraus, zum Teil mit gegenseitiger Unterstützung. Zunächst veröffentlichten Howe und Squire ihre Alben, gefolgt von Moraz, White und Anderson. Vor allem Patrick Moraz' Album "Story Of I" (oft auch nur "I") und Andersons "Olias Of Sunhillow" fanden große Beachtung.


title: Relayer

text: Die daran anschließende Tour war zu Beginn von diesen Veröffentlichungen geprägt. Jeder Musiker spielte mindestens einen Song von seinem Solo-Werk, später wurde dies zugunsten der Bandkompositionen eingeschränkt, da die Zuschauer auf das Solomaterial nicht mit dem gleichen Enthusiasmus reagierten. Auch diese Tour war sehr erfolgreich und ein Konzert am 12. Juni 1976 brachte 130.000 Personen in das John F. Kennedy Stadium in Philadelphia. Es war weltweit das größte Konzert in diesem Jahr.


title: Relayer

text: Ausschnitte dieser Tour finden sich auf "Yesshows", "Yesyears", "The Word Is Live" und wurden in diversen Radio-Shows gesendet.


title: Relayer

text: Zur gleichen Zeit arbeiteten Yes bereits am Nachfolgealbum "Going for the One" (1977). Bereits im Juli 1975 spielten sie in Philadelphia eine frühe, knapp dreiminütige Fassung von "Awaken" (unter dem Titel "High Vibration") und am 6. Juni 1976 wurde der neue Song "Wonderous Stories" einmalig auf der Solo-Album-Tour (ur)aufgeführt.


title: Relayer

text: Liveaufnahmen von auf "Relayer" enthaltenen Stücken sind unter anderem auf "Yesshows", "Magnification" (Bonus-CD) und "The Word Is Live" zu hören.


title: Fregehaus

text: Das Fregehaus ist ein barockes Kaufmannshaus in der Stadtmitte Leipzigs.


title: Fregehaus

text: Der Kaufmann Gottfried Otto kaufte 1705 das Grundstück in der heutigen Katharinenstraße 11 und ließ das dort befindliche Renaissancehaus (erbaut vermutlich 1535) in den Jahren 1706 bis 1707 vom Leipziger Ratsmaurermeister Johann Gregor Fuchs im barocken Stil umbauen.


title: Fregehaus

text: Das aus vier Flügeln bestehende Gebäude ist um einen rechtwinkligen Innenhof herum angelegt. Die symmetrische Hauptfassade ist von einem mit Fruchtgirlanden verzierten Kastenerker gekennzeichnet. Auf dem steilen Dach mit 62 Grad Neigung sitzen in vier Reihen 16 Gauben. Zu den erhaltenen Teilen des Vorgängerbaus gehören das Kreuzgewölbe der Hofeinfahrt und Portale im Erdgeschoss.


title: Fregehaus

text: Seinen heutigen Namen verdankt das Fregehaus dem Bankier Christian Gottlob Frege II (1747–1816), der es 1782 erwarb. Es blieb bis 1945 Sitz der Privatbank und bis 1976 eines Handelsbetriebes (mit staatlicher Beteiligung) der Familie Frege. Ab 1978 war das Fregehaus der Sitz des VEB Leipziger Denkmalpflege, der das Haus von 1980 bis 1986 sanierte.


title: Fregehaus

text: Als Nachfahren der Familie sind unter anderem der Vetter 2. Grades 3× entfernt von Christian Gottlob Frege II, der erste Präsident des Bundesverwaltungsgerichtes Ludwig Frege und sein Enkel Andreas Frege besser bekannt als Campino, Sänger und Frontmann der deutschen Musikgruppe Die Toten Hosen.


title: Fregehaus

text: Von 1998 bis März 2014 nutzte der gemeinnützige Verein „Europahaus Leipzig e. V.“ das Gebäude, das heute ein Hotel und ein Ladengeschäft beherbergt. Der Innenhof ist frei zugänglich.


title: Midnite Fun

text: Midnite Fun war eine Frankfurter Funkband (1981–1990). Sie wurde gegründet von dem Bassisten Marco Ramazzotto, dem Keyboarder Arman Vardar, dem Gitarristen Peter Niebisch und dem Schlagzeuger Torsten Dechert. Als Vorbild gilt die ebenfalls aus Frankfurt stammende Funkband The Touch, die bereits ein Topact der damals sehr lebhaften Clubszene in Frankfurt war.


title: Midnite Fun

text: Die Musiker von Midnite Fun starteten zunächst als Vier-Mann-Band. In ihrem Repertoire befand sich nicht ein Coversong. Trotzdem kopierte jeder einzelne Musiker sein jeweiliges Vorbild in einer gewissen jugendlichen Hemmungslosigkeit (Ramazotto: Mark King von Level 42, Vardar: George Duke, Dechert: Steve Gadd, Niebisch: George Benson), was aber im Zusammenspiel durchaus originell klang.


title: Midnite Fun

text: 1983 kam der schwarze Sänger Duval und die ebenfalls schwarze Sängerin Kathy Deans dazu. Auch der Bläsersatz war jetzt komplett mit dem Trompeter Matthias Schmidt (Ex-The Touch), den Saxophonisten Gernot Dechert und Michael Schulz und Felix Neunzerling an der Posaune.


title: Midnite Fun

text: Neunzerling übernahm das Management. Das Debüt-Konzert im Frankfurter Cookies war restlos ausverkauft – an einem Montag um ein Uhr nachts. In den folgenden Jahren spielte die Gruppe in Frankfurt und im Rhein-Main-Gebiet durchweg vor vollen Häusern: Sinkkasten, Batschkapp, Cookies, Druckhaus Steinheim, Kuba Hanau.


title: Midnite Fun

text: Ab 1985 tourten Midnite Fun bundesweit. Sie spielten regelmäßig in der Großen Freiheit 36 in Hamburg oder auf dem Haldern-Pop-Festival.


title: Midnite Fun

text: Es gab mehrere Umbesetzungen. So ersetzte Markus Deml den Gitarristen Niebisch ab 1985. Deml ist mittlerweile international bekannt und arbeitete mit Saga, Nena und vielen anderen Acts live und im Studio.


title: Midnite Fun

text: Als Markus Deml 1987 die Band verließ, um am Guitar Institute of Technology (GIT) in LA sein Instrument zu studieren, ersetzte ihn Matthias Hoffmann. An den Keyboards waren nun Ralf Hildenbeutel und Steffen Britzke. Durch diesen Besetzungswechsel änderte sich der Sound von Midnite Fun radikal. Die Arrangements wurden nicht mehr in Sessions gemeinsam erarbeitet. Vielmehr entstanden nun die Songs fertig durchkomponiert aus den Federn einzelner Akteure. In gewisser Weise klang Midnite Fun nun für die damaligen Ohren moderner. Gleichzeitig vermissten Teile der Fans den ursprünglichen organischen Stil der Band.


title: Midnite Fun

text: 1987 verließ Schlagzeuger Torsten Dechert die Band. Es kam Arno Faulhaber.


title: Midnite Fun

text: 1990 gab es noch ein letztes Konzert der Gruppe in der damaligen Frankfurter Music-Hall, wobei Hannes Becher die Gitarre spielte, und Dechert wieder am Schlagzeug saß. Am Keyboard spielte Ralf Hildenbeutel, der als Produzent und Arrangeur u. a. von Sven Väth bald sehr bekannt wurde.


title: Midnite Fun

text: Als Besonderheit gilt die Tatsache, dass Midnite Fun in der ganzen Zeit ihres Bestehens niemals ein Tonstudio betreten haben, um ihre Musik zu dokumentieren, obwohl eine erhebliche Zahl von renommierten Studiomusikern und Musikproduzenten aus dieser Gruppe hervorging. Außer privaten Aufnahmen auf Tonbandkassette, die sich in Besitz einzelner Bandmitglieder befinden, existiert kein Tondokument dieser damals recht bekannten Szene-Band.


title: Fleher Brücke

text: Die Fleher Brücke, auch "Rheinbrücke Düsseldorf-Flehe," zwischen Düsseldorf und Neuss ist eine 1979 eröffnete Autobahnbrücke (mit Fuß- und Radstreifen parallel der Fahrbahnen) über den Rhein, die die A 46 aus der linksrheinischen Region (Rhein-Kreis Neuss, Städteregion Aachen, Kreis Heinsberg, Belgien, Niederlande) mit dem Bergischen Land (Wuppertal, Solingen, Hagen) und dem Düsseldorfer Süden verbindet. Sie bildet zugleich den südlichen Teil des Düsseldorfer Autobahntangentenvierecks und ist nach dem Ortsteil Flehe der Stadt benannt.


title: Fleher Brücke

text: Das Bauwerk hat drei Fahrstreifen und einen Standstreifen je Fahrtrichtung sowie außen beidseitig einen 2,75 m breiten Geh- und Radweg. Die Brücke überquert den Rhein nicht im rechten Winkel, um das Wassergewinnungsgebiet des alten Wasserwerkes Flehe zu schonen.


title: Fleher Brücke

text: Die Fleher Brücke hat den höchsten Brückenpylon in Deutschland und die größte Spannweite aller deutschen Schrägseilbrücken. Bei ihrer Fertigstellung war sie mit einer Hauptspannweite von 368 m zudem die am weitesten gespannte einhüftige Schrägseilbrücke der Welt.


title: Fleher Brücke

text: Prägend für die Fleher Rheinbrücke, eine einhüftige Mittelträger-Schrägseilbrücke, ist der am linken Rheinufer stehende 146,47 m hohe Stahlbetonpylon, der wie ein auf den Kopf gedrehtes Ypsilon aussieht. In den Stielen des Pylons sind oberhalb der Fahrbahn ein Aufzug und eine Treppenanlage untergebracht. Die Stiele sind in Brückenlängsrichtung nur 6,4 m breit. Sie wurden mit einer Kletterschalung hergestellt.


title: Fleher Brücke

text: Die 368 m weit spannende Hauptöffnung über dem Rhein hat ein 41,7 m breites Brückendeck aus einem 3-zelligen Stahl-Hohlkasten mit einer Bodenplattenbreite von 16,3 m und einer orthotropen Fahrbahnplatte. Dieser Strombrückenteil lagert auf der rechten Rheinseite auf Pendellagern in einem Stahlbetonbauwerk, das zugleich über den dortigen Deichweg führt.


title: Fleher Brücke

text: Die 13-feldrige Vorlandbrücke ist ein Spannbetonbauwerk mit einer Länge von 780 m und Einzelstützweiten von 13 × 60 m. Dabei besteht der Überbau auf eine Länge von neun Feldern aus zwei einzelligen Hohlkästen mit je einer 7,0 m breiten Bodenplatte. Die restlichen vier Felder im 240 m langen Bereich der Brückenabspannungen enden am Pylon; sie haben einen fünfzelligen Hohlkastenquerschnitt mit einer Bodenplattenbreite von 29,5 m.


title: Fleher Brücke

text: Der Stahlüberbau und die Spannbetonbrücke sind am Pylon mit einem in den Pylon eingespannten stählernen Querträger so verbunden, dass ein Durchlaufträger-Gesamtsystem entsteht. Die Konstruktionshöhe des stählernen Brückendecks wie auch der Spannbeton-Vorlandbrücke beträgt einheitlich 3,80 m.


title: Fleher Brücke

text: Die Gesamtkonzeption stammte von Gerd Lohmer, die Vorlandbrücke auf der Neusser Rheinseite wurde von Fritz Leonhardt geplant. Er hatte zudem einen Vorschlag für das Gesamtkonzept erarbeitet, der jedoch nicht umgesetzt wurde. Der Bau der Brücke begann 1976 und kostete 94,6 Mio. DM (2022: ca. Mio. EUR).


title: Fleher Brücke

text: Die Freigabe dieser Brücke am 3. November 1979 bedeutete eine deutliche Entlastung des Südens Düsseldorfs vom Durchgangsverkehr und eine erhebliche Entlastung der damaligen Südbrücke, die bis dahin alleiniges südliches Eingangstor von der linken Rheinseite nach Düsseldorf war. Gleichzeitig war sie Voraussetzung für den Anschluss der A 46 an die linksrheinische A 57. Im "ADAC Generalatlas" war sie 1980 noch nicht verzeichnet, im "ADAC Autoreisebuch" von 1981 fehlte sie. 1991 lehnte das Bundesverkehrsministerium den Einbau von Lärmschutz ab. Im Jahr 2003 wurde bei einer magnetinduktiven Überprüfung festgestellt, dass Rostschäden an den Tragseilen vorhanden waren und 9 der insgesamt 96 Einzelseile mit ihren 325 Einzeldrähten komplett ausgetauscht werden mussten. Diese Maßnahme sollte insgesamt 9,5 Millionen Euro kosten, gleichzeitig sollte für zirka 7,5 Millionen Euro ein verbesserter Rostschutz aufgebracht werden (Zitat: „Laien würden von einer Runderneuerung reden“). Die Arbeiten begannen im Juni 2006 und wurden für die Düsseldorfer Seite bis Anfang 2010 abgeschlossen. Die anschließenden Arbeiten an der Neusser Seite waren im September 2010 beendet. Der Seiltausch kostete ungefähr 9,2 Millionen Euro. Da die Seile in Bündeln saniert und diese jeweils von einer Verkleidung tunnelartig umschlossen waren, konnte witterungsunabhängig gearbeitet werden. Als nächster Bauabschnitt stand die Sanierung des Pylons an, die im Herbst 2011 beginnen sollte. Sie verzögerte sich wegen der im Februar 2012 abgebrannten Autobahnbrücke bei Dormagen, auf deren Ausweichstrecke sich die Fleher Brücke befand, die deswegen nicht wie geplant gesperrt werden konnte.


title: Fleher Brücke

text: Im Oktober 2011 wurden die Aufträge zu Arbeiten für verbesserten Lärmschutz vergeben, die den Anwohnern im Jahr 2010 zugesagt worden waren. Dies geschah jedoch erst, nachdem die "Fleher Bürger-Interessengemeinschaft" einen Anwalt mit ihrer Interessenvertretung beauftragt hatte. Bis Ende 2012 wurde eine 1,50 m hohe Lärmschutzwand errichtet.


title: Fleher Brücke

text: Ab März 2013 konnte dann mit der weiteren Sanierung und der zusätzlichen Verbesserung des Lärmschutzes begonnen werden, für die bis Oktober 2013 die Fahrbahn in Richtung Wuppertal auf jeweils zwei Fahrstreifen reduziert wurde. Zudem wurde die Dehnungsfuge ausgetauscht, was in der anderen Richtung bereits im Jahr 2012 geschehen war. Zudem war die Instandsetzung von Beton geplant, die Abdichtung der Brücke sowie ein Überzug mit neuem Asphalt. Am 6. März 2012 einigten sich die Bezirksregierung, die Stadt Düsseldorf sowie die Polizei auf den Bau einer Geschwindigkeitsmessanlage von Vitronic auf der Brücke. Ende Mai 2013 ging in Richtung Neuss eine Geschwindigkeitsüberwachung der Beschränkung auf 80 km/h zum Lärmschutz der Anwohner in Flehe in Betrieb. Die Anlage sendet die Fotos digital an das Ordnungsamt Düsseldorf. Die Stadt Düsseldorf trug die Kosten für die Errichtung der Anlage. Ab September 2013 wurde auch in Richtung Düsseldorf die Geschwindigkeit überwacht.


title: Fleher Brücke

text: Am 30. Oktober 2014 stellte das Verwaltungsgericht Düsseldorf die Rechtswidrigkeit der Geschwindigkeitsbegrenzung fest: Das Ministerium für Wirtschaft, Energie, Bauen, Wohnen und Verkehr des Landes Nordrhein-Westfalen hatte 2010 die Herabsetzung der Höchstgeschwindigkeit auf 80 km/h wegen der Sanierung beantragt und zusätzlich angefragt, ob sie aus Lärmschutzgründen dauerhaft behalten werden könne. Den Akten ließe sich jedoch nicht entnehmen, ob die erbetene Prüfung einer dauerhaften Geschwindigkeitsbegrenzung stattgefunden hat und welche Ergebnisse sie gegebenenfalls erbracht hatte. Viel mehr teilte das Land mit, dass bislang keine Lärmuntersuchungen an der Brücke stattgefunden hätten. Die Bauarbeiten waren zwischenzeitlich abgeschlossen, und die Sanierung des Brückenpfeilers war erst für die kommenden Jahre geplant, so dass das Gericht das Fortbestehen der Beschränkung als nicht gerechtfertigt ansah. Nach Beendigung der Bauarbeiten waren auf der Brücke nach Recherchen des WDR über 100.000 Geschwindigkeitsüberschreitungen mit Bußgeldverfahren und über 1.400 Fahrverboten festgestellt worden, die nach Auskunft der Bußgeldstelle zu 97–98 % auf die 80 km/h-Beschränkung zurückzuführen waren (Geschwindigkeiten bis 127 km/h, frühere und wiederhergestellte Geschwindigkeitsbegrenzung zzgl. Toleranzwert).


title: Fleher Brücke

text: Die Blitzanlage wurde in der Folge außer Betrieb genommen, weil sich fast alle Autofahrer an die Geschwindigkeitsbeschränkungen von 100 km/h in Fahrtrichtung Wuppertal (99,6 %) und 120 km/h in Fahrtrichtung Neuss (99,3 %) halten.


title: Fleher Brücke

text: Im Mai 2016 begann die Instandsetzung des Pylons, in deren Rahmen der Beton erneuert wird. Bis Ende 2024 wird am Pfeiler gearbeitet, der die Schrägseile der Brücke aufnimmt. Hier werden Risse im Stahlbeton verpresst, die freiliegende Bewehrung entrostet und ein Korrosionsschutz aufgetragen. Am 1. September 2016 wurde die Blitzanlage in Richtung Neuss wieder in Betrieb genommen, da die Baustelle es erfordert.


title: Fleher Brücke

text: Am 18. November 2020 wurde bekanntgegeben, dass die Fleher Brücke trotz bereits erfolgter erheblicher Sanierungsmaßnahmen aufgrund irreparabler struktureller Schäden nicht dauerhaft erhalten werden kann. Sie wird weiter durch Sanierungsarbeiten betriebsfähig gehalten, bis ein Neubau sie ersetzen kann. Dies wird voraussichtlich bis Anfang/Mitte der 2030er Jahre soweit sein. Bis dahin wird zur Entlastung die Autobahn in beiden Richtungen auf zwei Fahrspuren reduziert.


title: (1010) Marlene

text: (1010) Marlene ist ein Asteroid des Hauptgürtels, der am 12. November 1923 vom deutschen Astronomen Karl Wilhelm Reinmuth entdeckt wurde, der am Observatorium auf dem Königstuhl bei Heidelberg tätig war.


title: (1010) Marlene

text: Benannt wurde der Asteroid nach der deutschen Schauspielerin Marlene Dietrich.


title: Eurotrip

text: Eurotrip ist eine US-amerikanische Teenie-Filmkomödie von Debütregisseur und Drehbuchautor Jeff Schaffer.


title: Eurotrip

text: Scott kann sich über seinen Highschool-Abschluss gar nicht richtig freuen, denn zuerst macht seine Freundin Fiona mit ihm Schluss – und dann präsentiert sie auf der Abschlussparty auch noch mit ihrem „neuen“ Freund Donny das Lied "Scotty doesn’t know", durch welches Scotty erfährt, dass seine Freundin ihn betrogen hat.


title: Eurotrip

text: Dummerweise hat er es sich gerade auch noch mit seiner hübschen deutschen Brieffreundin Mieke durch ein Missverständnis verscherzt, weil er aufgrund der amerikanischen Aussprache als "Mike" annahm, sie wäre ein Mann. Da Mieke den Kontakt abgebrochen und seine E-Mail-Adresse blockiert hat, beschließt er kurzerhand, mit seinem Freund Cooper nach Berlin zu fliegen.


title: Eurotrip

text: Doch sie bekommen zunächst nur einen Flug nach London, wo sie auf der Suche nach Alkohol Hooligans von Manchester United treffen. Diese können sie nach Paris mitnehmen, wo sie die Zwillinge Jenny und Jamie aus ihrer Highschool treffen. Auf ihrer Reise nach Berlin kommen sie noch durch Amsterdam sowie wegen eines Missverständnisses beim Trampen durch Bratislava.


title: Eurotrip

text: Sie treffen Roboterimitatoren und einen aufdringlichen, anscheinend homosexuellen Zuggast aus Italien. Cooper gerät auf der Suche nach einem Bordell in die Hände einer Domina, während Jenny und Scott fälschlicherweise annehmen, Hasch-Brownies zu essen. Zudem geraten sie auf einen FKK-Badestrand ohne Frauen und werden, nachdem Jenny sich beinahe auszieht, von nackten Männern verfolgt. Als sie endlich in Berlin angekommen sind, müssen sie feststellen, dass Mieke in den Vatikan verreist ist. Die Reise geht also weiter.


title: Eurotrip

text: Vor Ort kann sich Jamie als Stadtführer beweisen. Cooper bemerkt, dass Jenny ein richtiges Mädchen ist, und Scott kann schließlich Mieke finden und ihr um den Hals fallen.


title: Eurotrip

text: Zurück in Amerika darf er überrascht und erfreut feststellen, dass Mieke seine neue Zimmerpartnerin am College ist, aufgrund einer Verwechslung, da Mieke wiederum für einen Jungen gehalten wurde.


title: Eurotrip

text: Die Berlin-Szenen wurden in Warnemünde gedreht. Weitere Drehorte waren Prag und London. Die Szenen am Strand wurden in Rostock gedreht. Die Produktionskosten des Films betrugen etwa 25 Millionen US-Dollar. In den USA wurden 17,8 Millionen US-Dollar eingespielt.


title: Eurotrip

text: "Eurotrip" enthält mehrere Cameo-Auftritte bekannter Filmdarsteller. So hat Matt Damon einen Kurzauftritt als Rocksänger zu Beginn des Films. Er singt den Song "Scotty doesn’t know" (ein Song über seine Beziehung zu Fiona, von der Scott nichts wusste), der in verschiedenen Variationen im Film immer wieder auftaucht. Weitere Kurzauftritte haben unter anderem Vinnie Jones (der nie für Manchester United gespielt hat) als Hooligan, Lucy Lawless als Domina eines SM-Clubs, Jana Pallaske als holländische Fotohändlerin, Dominic Raacke als LKW-Fahrer, Walter Sittler als Vater von Mieke und der singende David Hasselhoff in einer Traumsequenz, außerdem hat Jeffrey Tambor einen Cameo-Auftritt als Scotts unsensibler Vater.


title: Eurotrip

text: Roger Ebert bezeichnete den Film durchweg als Plagiat, da er sich zum größten Teil humoristischer Mittel aus den Filmen "American Pie – Wie ein heißer Apfelkuchen" und "Road Trip" bediene. Außerdem kritisierte er die mehr als konventionelle Regie, das einfach strukturierte Drehbuch und den permanent sexuell orientierten Humor, welcher die Simplizität des gesamten Filmes und seiner Handlung nur unterstreiche. Darüber hinaus schrieb er über Matt Damon, welcher eine kleine Nebenrolle spielt, dass er sich glücklich schätzen könne, dass dieser kleine aber verheerende Auftritt nicht seine Karriere zerstört habe.


title: Eurotrip

text: In der Original-US-Fassung von Eurotrip existieren zwei Szenen, die für die deutsche Version entfernt wurden. In der ersten Szene besuchen Scott und Cooper Miekes Vater in Berlin. Während sich Scott und Miekes Vater unterhalten, ist im Hintergrund Miekes jüngerer Stiefbruder Heinrich zu sehen, der sich mit einem schwarzen Filzstift einen Hitlerbart malt und daraufhin im Stechschritt und mit Hitlergruß durch den Raum marschiert. Dies sieht allerdings nur Cooper, was ihn sehr irritiert. Die zweite Szene ist die, in der Cooper in dem "Vandersexxx Club" in Amsterdam gefoltert wird. Man sieht zwar den Anfang und wie er wieder herauskommt, den eigentlichen Folterteil hat man in der deutschen Version jedoch herausgeschnitten. In der DVD-Fassung ist letztere Szene vorhanden. Die einzige Fassung in Deutschland in der man die Szene mit Heinrich sehen konnte, war die deutsche Kinofassung.


title: Pfeffernuss

text: Die Pfeffernuss ist eine Gebäckspezialität. Die deutsche Küche kennt verschiedene Arten von Pfeffernüssen.


title: Pfeffernuss

text: In dem Gebäck ist Pfeffer meist nicht enthalten, der Teig jedoch in der Regel würzig. Wie bei den Lebkuchen, die auch "Pfefferkuchen" genannt werden, geht die Bezeichnung wohl auf das Mittelalter zurück, als die exotischen Gewürze ganz allgemein als "Pfeffer" bezeichnet wurden.


title: Pfeffernuss

text: Die Außenseite der Pfeffernüsse ist in der Regel mit einem weißen Zuckerguss versehen. In neuerer Zeit findet sich oft auch die glatte Unterseite mit einem zusätzlichen Schokoladenüberzug. Spezielle Pfeffernüsse sind auch mit rosa Zucker bestrichen oder sind zusätzlich mit zuckrigen Liebesperlen verziert.


title: Pfeffernuss

text: Offenbach am Main war seit dem 18. Jahrhundert für seine Pfeffernüsse weltberühmt. Die Stadt wurde im Zusammenhang mit dem Gebäck in Lexika, Messekatalogen, Tagebüchern und Zeitschriften erwähnt. Das Land Hessen ließ sie bis 1980 als hessische Spezialität bei Staatsempfängen servieren. Ab den 1980er Jahren gerieten die Pfeffernüsse zeitweise in Vergessenheit. Bei dem Gebäck handelt es sich um ein helles und weiches Plätzchen, das Gewürze wie Pfeffer, Muskat, Koriander und Zimt enthält. Angeblich kreierte der Offenbacher Zuckerbäcker Philipp Fleischmann 1757 das Rezept. Auch Goethe mochte das Gebäck. Seit 2014 ist dieses wieder erhältlich.


title: Pfeffernuss

text: In Norddeutschland sind sie ein halbkugeliges Gebäck von bis zu zwei Zentimetern Durchmesser und von fester Konsistenz. Parallel dazu werden dort zur Adventszeit auch die weichen "Moppen" angeboten, die auf einem lebkuchenartigen Teig basieren und mit einer Zuckerguss-Glasur versehen sind.


title: Pfeffernuss

text: In Süddeutschland wird der Teig mit Zitronat und Orangeat, oft auch Mandeln, hergestellt. Er muss über Nacht trocknen und hat nach dem Backen idealerweise ein schönes „Füßchen“. Die süddeutsche Backstube kennt die Pfeffernuss als Eiweißgebäck. Sie werden vor allem in der Adventszeit angeboten und gegessen.


title: Pfeffernuss

text: In Sachsen sind es kleine, etwa drei Zentimeter messende, nicht überzogene Pfefferkuchen, welche von einer Teigrolle abgeschnitten und gebacken werden. Dadurch erscheinen die Pfeffernüsse leicht eckig oder mit einer glatten Schnittkante. Sie sind relativ trocken und entfalten ihren unverwechselbaren Geschmack erst während das Kauens (siehe Pulsnitzer Pfefferkuchen).


title: Plassac (Gironde)

text: Plassac ist eine französische Gemeinde mit Einwohnern (Stand ) im Département Gironde in der Region Nouvelle-Aquitaine. Das Dorf gehört zum Arrondissement und zum Kanton L’Estuaire. In Plassac ist eine frühe römische Siedlung zu finden. Die Grundrisse der Gebäude wurden im Dorfzentrum freigelegt.


title: Plassac (Gironde)

text: Der Legende nach solle dort der erste Weinberg der berühmten Weinregion Bordeaux gepflanzt worden sein.Siehe auch: Liste der Monuments historiques in Plassac (Gironde)


title: Sitara

text: Sitara steht für:


title: Sitara

text: Siehe auch:


title: Steven Bradbury

text: Steven John Bradbury (* 14. Oktober 1973 in Sydney) ist ein ehemaliger australischer Shorttrack-Sportler. Er wurde 2002 bei den Spielen in Salt Lake City Olympiasieger über die 1000-m-Strecke. 1991 war er bereits Weltmeister mit der 5000-Meter-Staffel geworden.


title: Steven Bradbury

text: Zum Shorttrack kam Steven durch seinen Vater, der in den 1960er Jahren zu den Besten des Landes gehört hatte. Bald schon gehörte er zu den Besten seines Landes. 1991 gewann er mit der Staffel bei den Weltmeisterschaften eine Goldmedaille, 1992 bei den Olympischen Spielen von Albertville war er jedoch nur Reserveläufer; das Team stürzte im Halbfinale und schied aus. 1993 wurde die Staffel bei den Weltmeisterschaften Dritte, und 1994 konnte sogar eine Silbermedaille errungen werden. 1994 zählte Bradbury daher als Einzelläufer zum Favoritenkreis in Lillehammer 1994, schied jedoch früh aus. Im 5000 m Mannschaftsrennen gewann er mit der australischen Mannschaft wieder eine Bronzemedaille. Es handelte sich dabei um die erste Medaille bei Winterspielen für Australien überhaupt.


title: Steven Bradbury

text: Bei einem Rennen nach den Olympischen Spielen stürzte Steven und erlitt durch die Kufe eines Mitläufers eine so große Schnittwunde am Bein, dass er bereits vier Liter Blut verloren hatte, bevor er ärztlich behandelt werden konnte. Die Wunde musste anschließend mit 111 Stichen genäht werden.


title: Steven Bradbury

text: Auch bei den Spielen in Nagano 1998 blieb Bradbury ohne Medaille. Am 26. November 1999 debütierte er im japanischen Nobeyama im Weltcup, den die ISU erst zwei Jahre zuvor initiiert hatte. In den drei Saisons, während denen er im Weltcup antrat, konnte er sich allerdings keine Podiumsplatzierung sichern. Im September 2000 brach er sich bei einem Trainingsrennen durch einen Sturz in die Seitenbegrenzung einen Halswirbel, überlebte den Unfall aber ohne weitere Spätfolgen.


title: Steven Bradbury

text: 2002 fuhr Bradbury als Außenseiter zu seinen vierten Spielen nach Salt Lake City. Sein Durchmarsch in das Finale über 1000 m stellte ein Kuriosum dar: Seinen Viertelfinallauf beendete er als Dritter, kam aber weiter, weil der zweitplatzierte Kanadier Marc Gagnon disqualifiziert wurde. Im Halbfinale war er bereits letzter seines Laufs, als drei andere Läufer stürzten und Bradbury sich so noch als Zweiter für das Finale qualifizieren konnte.


title: Steven Bradbury

text: Das Finale bestritt, neben Bradbury, u. a. der US-Amerikaner Apolo Anton Ohno, dem die größten Siegchancen zugerechnet wurden. Das „Sturzglück“ blieb Steven Bradbury jedoch treu: In der letzten Kurve des Rennens stürzte ein Läufer und riss alle weiteren Fahrer außer dem inzwischen deutlich abgeschlagenen Bradbury mit sich. Bradbury konnte ungehindert durchs Ziel fahren und bescherte seinem Land die erste Goldmedaille bei Winterspielen überhaupt.


title: Steven Bradbury

text: Bei seiner Rückkehr wurde Bradbury zum Nationalhelden stilisiert. Die australische Post gab, analog zu den australischen Goldmedaillengewinnern der Sommerspiele 2000 in Sydney, eine Sondermarke mit Bradburys Bild heraus. Lange Zeit war ihm dieser Umstand nicht recht. Heute denkt Bradbury anders über seinen Sieg und sieht in ihm den verdienten Erfolg für seine Bemühungen und Verletzungen die Jahre davor. Die Floskel "doing a Bradbury" („einen Bradbury machen“) gilt seither in Australien als Synonym für den Erfolg krasser Außenseiter entgegen allen Erwartungen.


title: Steven Bradbury

text: Nach seinem Sieg löste Bradbury, gemeinsam mit Alisa Camplin, die ebenfalls Olympiasiegerin beim Freestyle-Skiing wurde, einen Wintersport-Boom aus, so dass Australien zu den Spielen nach Turin 2006 seine bisher größte Mannschaft mit 40 Sportlerinnen und Sportlern schicken konnte. Der Heimatclub von Bradbury, das "Roos Brisbane", ist seither Leistungsstützpunkt für Shorttrack.


title: Steven Bradbury

text: Seine Erlebnisse im Shorttrack-Sport hat Steven Bradbury in seiner Biografie "Last Man Standing" verarbeitet, welche sofort ein Bestseller in seiner Heimat wurde. 2006 war Steven Bradbury bei den Spielen in Turin Co-Moderator für das australische Fernsehen.


title: WDR Big Band

text: Die WDR Big Band ist eine Big Band des Westdeutschen Rundfunks (WDR) in Köln.


title: WDR Big Band

text: Der Ursprung der heutigen WDR Big Band liegt bei dem im August 1946 beim damaligen NWDR Köln (dem Vorgänger des heutigen WDR) aktiven „Kölner Rundfunk-Tanzorchester“, das unter der Leitung von Otto Gerdes stand und im Wechsel mit dem Radio-Tanzorchester Hamburg unter Kurt Wege im einzigen Programm des NWDR auftrat.


title: WDR Big Band

text: Bereits im Herbst 1947 wechselte Otto Gerdes als Dirigent zu einem Orchester des Südwestfunks (SWF). An seine Stelle trat Adalbert Luczkowski, der in der Streichergruppe des im Krieg gegründeten „Deutschen Tanz- und Unterhaltungsorchesters“ tätig gewesen war und möglicherweise die Tradition dieser Band in Köln fortsetzen wollte. Man nannte jedenfalls das bestehende Orchester ab jetzt „Kölner Tanz- und Unterhaltungsorchester“ (KTUO). Zu den Solisten dieses Orchesters zählten Heinz Schachtner (Trompete), Erich Well (Posaune) und die Saxophonisten Eddie Reisner und Paul Peuker.


title: WDR Big Band

text: Ende der 1950er-Jahre entdeckte man beim WDR die Liebe zum Jazz. Da das bestehende KTUO dafür aber nicht konzipiert war, wurde Kurt Edelhagen mit dem Aufbau einer Jazz-Bigband beauftragt. 1957 wechselte Kurt Edelhagen vom SWF zum WDR und brachte drei Musiker seiner bisherigen Band mit nach Köln. Alle weiteren suchte er sich in ganz Europa zusammen, und mit Musikern aus acht Nationen war die Band vollzählig. Die Zusammensetzung änderte sich allerdings ständig, da Edelhagen für einen starken „Verschleiß“ von Musikern bekannt war. Das neue „Orchester Kurt Edelhagen“ blieb jedoch eine eigenständige Band unter dem Namen ihres Leiters und war kein „Rundfunkorchester“. Nur Edelhagen hatte einen Werkvertrag mit dem WDR, der jährlich erneuert werden musste. Insofern kann er nur im weiteren Sinne als Vorläufer der „WDR-Big Band“ gelten. Erst nach Auflösung seines Vertrages durch den WDR Ende 1972 und dem damit verbundenen Ende seiner eigenen Big Band hat Edelhagen zwischen 1976 und 1980 Aufnahmen mit dem „WDR-Tanzorchester“ eingespielt.


title: WDR Big Band

text: Adalbert Luczkowski trat zum 1. Januar 1966 in den Ruhestand. Sein Nachfolger wurde 1967 der bisherige Chef der RIAS Tanzorchesters Berlin, Werner Müller. Das Kölner Tanz- und Unterhaltungsorchester unter Leitung von Adalbert Luczkowski und danach Werner Müller spielte zeitweilig parallel mit der Edelhagen-Band beim WDR. Werner Müller fasste zeitweise die Musiker seiner Band mit den Streichern des WDR-Rundfunkorchesters zum „Großen Unterhaltungsorchester des WDR“ zusammen. Mit ihm kam die Bezeichnung „WDR-Tanzorchester“ und später „WDR-Big Band“ auf. Im September 1987 wurde Wolfgang Hirschmann zum Ersten Tonmeister und Produzenten der WDR Big Band berufen; ab 1996 bis Januar 2002 war Hirschmann ihr Orchester-Manager, deren Repertoire er ständig erweiterte. Auf diesem Kurs folgte ihm Lucas Schmid.


title: WDR Big Band

text: Chefdirigent ist seit 2016 Bob Mintzer. Zeitgleich wurde Vince Mendoza als neuer „Composer in Residence“ der Band vorgestellt.


title: WDR Big Band

text: Seit 2004 ist mit Karolina Strassmayer (Altsaxophon) erstmals eine Frau Mitglied des Orchesters. Von 2014 bis 2019 verfügte das Orchester mit Shannon Barnett auch über eine Blechbläserin. Die WDR Big Band wurde mehrmals ausgezeichnet.


title: WDR Big Band

text: Am 1. Mai 2020 wurde die WDR Big Band Play Along App für Android und iOS veröffentlicht, mit der Musiker virtuell mit der Big Band spielen können. Die Idee zur App kam u. A. von John Goldsby, entwickelt wurde sie von der DOTW GmbH mit Sitz in Köln. Die App erhielt im Januar 2021 den Preis Innovation 2020 der dt. Orchesterstiftung.


title: WDR Big Band

text: Bisher haben folgende Bandleader die Band geführt:


title: WDR Big Band

text: Die aktuelle Besetzung (2019) besteht aus:


title: WDR Big Band

text: 2007 erhielt die WDR Big Band einen Grammy: Das Album „Some Skunk Funk“, auf den Leverkusener Jazztagen 2003 zusammen mit Will Lee, Randy und Michael Brecker aufgenommen, wurde als bestes Album eines Jazz-Großensembles ausgezeichnet. Michael Brecker erhielt zudem posthum den Grammy für das beste Jazz-Instrumentalsolo für das Stück „Some Skunk Funk“.


title: WDR Big Band

text: Auch bei der 50. Grammy-Verleihung im Jahr 2008 war die WDR Big Band erfolgreich: Die Gemeinschaftsproduktion zwischen der WDR Big Band und der Sängerin Patti Austin, „Avant Gershwin“, wurde zum besten „Jazz Vocal Album“ des Jahres gekürt. Den zweiten Grammy gewann die WDR Big Band gemeinsam mit Vince Mendoza in der Kategorie „Best Instrumental Arrangement“ für das Arrangement „In a Silent Way“, komponiert von dem 2007 verstorbenen Joe Zawinul. Die Aufnahme entstand im Oktober 2005 in Wien, das Stück ist ein Teil der Live-Aufnahmen, die auf dem Doppelalbum "Brown Street" im Jahr 2006 veröffentlicht wurden.


title: WDR Big Band

text: Im Januar 2021 erhielt die WDR Big Band den "Preis Innovation 2020" der Deutschen Orchester-Stiftung für die "WDR Big Band Play Along App".


title: Rendez-Vous (1985)

text: Rendez-Vous ist ein Film des französischen Drehbuchautors und Regisseurs André Téchiné.


title: Rendez-Vous (1985)

text: Die junge Nina, die vom Land nach Paris gekommen ist, versucht sich als Schauspielerin und lässt keine Gelegenheit zu einer Affäre aus. Auf der Suche nach einer Wohnung begegnet sie dem schüchternen Paulot. Zwischen den beiden entwickelt sich eine Freundschaft. Paulot will mehr, doch Nina lässt sich stattdessen auf eine leidenschaftliche Affäre mit Paulots Mitbewohner Quentin ein, einem selbstverliebten Exzentriker, der als Darsteller in Sexshows auftritt.


title: Rendez-Vous (1985)

text: Als Quentin unter rätselhaften Umständen tödlich verunglückt, will Nina mehr über den Mann erfahren, in dessen Bann sie immer noch steht. Sie trifft auf den Regisseur Scrutzler, dessen Tochter zu der Zeit als sie mit Quentin als Romeo die Julia spielte, ebenfalls unter mysteriösen Umständen ums Leben gekommen ist.


title: Rendez-Vous (1985)

text: Nina soll in einer neuen Inszenierung Scrutzlers die Rolle der Julia übernehmen. In der Auseinandersetzung mit der Rolle findet sie neuen Halt, vernachlässigt aber die Freundschaft mit Paulot, der sich schließlich von ihr abwendet.


title: Rendez-Vous (1985)

text: Das "Lexikon des internationalen Films" bezeichnete den Film als „[p]sychologisch und philosophisch überladenes Melodram, bedeutungsschwanger im Anspruch, in der Realisierung jedoch platt und wenig überzeugend.“


title: Rendez-Vous (1985)

text: Bei den Internationalen Filmfestspielen von Cannes wurde André Téchiné 1985 für "Rendez-vous" mit dem Preis für die beste Regie ausgezeichnet. Der Film selbst war für die Goldene Palme nominiert. 1986 erhielt Wadeck Stanczak für seine Darstellung des Paulot einen César als bester Nachwuchsdarsteller.


title: Norman Newell

text: Norman Dennis Newell (* 25. Januar 1919 in Plaistow, London; † 1. Dezember 2004 in Angmering-on-Sea, East Sussex) gehörte zu den bedeutendsten Musikproduzenten der britischen Musikindustrie und war auf dem Sektor der leichten Popmusik maßgeblich verantwortlich für die Karriere von Shirley Bassey. Außerdem war er Texter bekannter Songs, die ausgezeichnet wurden.


title: Norman Newell

text: Newell war mit einer Schwester in ärmlichen elterlichen Verhältnissen aufgewachsen und träumte davon, einmal Schauspieler zu werden. Um seinen Lebensunterhalt zu bestreiten, arbeitete er zunächst bei der London Transport im Upton Park Bus-Depot. Während des Zweiten Weltkriegs freundete er sich mit dem Komiker Bill Waddington an, der ihm nach dem Krieg einen Job beim Musikverlag "Cinephonic Music Company" verschaffte. Während jener Zeit schrieb Newell zusammen mit dem Pianisten Lesley Baguley den Song "Nice to Know You Care" (1949), veröffentlicht im Januar 1950 von Tommy Dorsey, später gecovert von den "Five Dallas Boys" (März 1961).


title: Norman Newell

text: Anfang 1949 wurde er von EMI bei dessen Sublabel Columbia Records als Musikproduzent angestellt. Damit war er der erste von den drei späteren großen Musikproduzenten, die EMI zu Ruhm verhalfen. Sein erster Auftrag war im Juni 1949 für Petula Clark die Produktion von "Put Your Shoes on, Lucy", gleichzeitig die erste Platte für die gerade 17-jährige Sängerin. Insgesamt wurde der Song 1949 sechs Mal gecovert. Er komponierte zusammen mit William Harrison "Our Love Story", dessen Original im März 1949 von Bill Johnson veröffentlicht wird. Zusammen mit Mischa Spoliansky schrieb er "A Song of Capri", das im August 1949 von "The Queen‘s Hall Light Orchestra" unter Leitung von Sidney Torch herauskam. Sein erster Hit war die Produktion von "Les Trois Cloches" für den französischen Männerchor "Les Compagnons de la Chanson" im Dezember 1951.


title: Norman Newell

text: Anfang 1950 entdeckte er den Balladensänger Steve Conway, dessen erster Song "My Thanks to You" aus der Feder Newells stammte und im April 1950 erschien. Das Mädchen-Trio Beverley Sisters erhielt 1951 einen Plattenvertrag mit Columbia und galt als höchstbezahlte Gruppe in England zu jener Zeit. Newell schaffte es jedoch nicht, für die Mädchen größere Hits zu produzieren. 1954 wanderte das Trio zur britischen Decca ab. Als im Januar 1953 der Vertriebsvertrag zwischen dem EMI-Label Columbia und dem unabhängigen US-Label Columbia beendet wurde, ging Newell mit dem US-Columbia-Katalog zum Phillips-Label. Hier arbeitete er erstmals mit Orchesterleiter Geoff Love zusammen – eine Verbindung, die über 20 Jahre lang hielt. Bereits 1954 kehrte Newell nach einem 6-monatigen Aufenthalt in den USA zu EMI-Columbia zurück. Hier entdeckte er den Klavier-Virtuosen Russ Conway, mit dem er im November 1957 dessen ersten Hit "Roll the Carpet Up" produzierte. Er war das Grundmuster für eine Vielzahl pop-orientierter Klavierinstrumentals, häufig als Single unter dem durchnummerierten Titel "Piano-Pops" veröffentlicht (erstmals im Oktober 1957 als "Piano-Pops No. 1"). Höhepunkt dieser Serie war die Single "Side Saddle", die nach Veröffentlichung am 21. Februar 1959 dem Produzenten Newell erstmals den ersten Rang der britischen Hitparade bescherte. Newell hatte 9 Jahre benötigt, um seine erste Nummer eins zu produzieren. Am 4. Oktober 1957 entstand für die britische Jazzband "John Barry & The Seven" der Titel "Zip Zip". John Barry wurde von Newell häufig als Arrangeur bei Musikproduktionen eingesetzt und in den 1960er Jahren zum wichtigen Filmmusik-Komponisten für die James-Bond-Filme. Insgesamt produzierte Newell für John Barry 20 Schallplatten bis 1961. Mit dem erst 13-jährigen Laurie London produzierte Newell am 29. September 1957 für das Parlophone-Label den christlich orientierten Popsong "He’s Got the Whole World in His Hands". An jenem Tag entstand noch mit dem Orchester von Geoff Love als Begleitung "The Cradle Rock", am 11. Dezember 1957 folgte "Handed Down", "I Gotta Robe" wurde am 15. Dezember 1957 für die EP "Laurie London" eingespielt. Das Label entschied sich als Single-Auskopplung für den christlich orientierten Popsong, der auf einem Gospelsong basierte. Nach Veröffentlichung am 8. November 1957 gelangte er in Großbritannien lediglich bis auf Rang 12, doch in den USA kletterte er bis auf Platz 2 der Hitparade und verkaufte eine Million Exemplare. Auch in Deutschland gelangte das Gospelstück bis auf Platz 5. Aus Laurie London hätte ein Star werden können, „doch die Sache ging schief“, bemerkte Newell.


title: Norman Newell

text: Am 17. Januar 1958 wurde Newells Produktion "Heartsick Feeling" von Adam Faith herausgebracht. Es war Newells erste Rock & Roll-Produktion, einem Musikstil, von dem er zugab, nichts davon zu verstehen. Adam Faith wurde für das EMI-Sublabel HMV zum wichtigen Popstar, während Produzenten-Kollege Norrie Paramor gleichzeitig große Erfolge mit Cliff Richard als Rock & Roll-Interpret feierte. Als am 25. September 1959 mit Faith eine Aufnahmesession für "What Do You Want?" anberaumt wurde, wollte Newell diese nicht leiten, weil er das Stück missbilligte. Anstatt dessen nahm sein Assistent John Burgess diesen Job wahr. Auch die folgenden großen Rock-Hits von Adam Faith entstanden unter der Studioregie von John Burgess. EMI sah den Rock & Roll als wichtigen Umsatzfaktor an, doch Balladen und leichte Popmusik bildeten weiterhin das Kerngeschäft. Diese Strategie änderte sich erst 1963, als die Beatles alle Umsatzrekorde des Labels brachen und die Beatmusik zum Kerngeschäft aufstieg. Als am 16. Februar 1957 in England die TV-Pop-Serie "Six-Five Special" anlief, hatte Newell die Idee, ein hierzu passendes Album zu produzieren. Es erschien im Dezember 1957 mit Jim Dale. Diese Idee wurde mit der am 13. September 1958 gestarteten Musikshow "Oh Boy!" wiederholt.


title: Norman Newell

text: 1959 begann eine langjährige Zusammenarbeit mit der Diva Shirley Bassey, die gerade von Phillips zu Columbia gewechselt war. Bassey hatte Phillips mit einem Tophit verlassen ("As I Love You"), und deshalb war der Druck groß, diese Erfolgsbasis beizubehalten. Ihre weitere Karriere wurde überwiegend von Newell bestimmt. Er brachte die stimmgewaltige Sängerin mit John Barry als Arrangeur und dem Orchester Geoff Love erstmals zusammen bei "If You Love Me / Count on Me", das am. 2. September 1959 auf den Markt kam und die Charts nicht erreichte. Er produzierte deren LP "Fabulous Shirley Bassey" (1959) mit dem Orchester von Geoff Love, die allerdings erst im Juni 1961 veröffentlicht wurde und bis auf Rang 12 der britischen LP-Charts vordrang. Enttäuschend war dann das Abschneiden von "With These Hands", das am 8. Februar 1960 entstanden war und lediglich Rang 31 erreichen konnte. Aus verschiedenen Materialien wählte Newell für Shirley Bassey schließlich das am 22. Juni 1960 aufgenommene "As Long As He Needs Me" aus und war sich sicher, dass dies endlich ein Nummer-eins-Hit werden würde. Seine Einschätzung kam der Realität sehr nahe, denn die von Lionel Bart verfasste Ballade kam bis auf Rang 2 der Hitparade. Bis auf Rang 6 gelangte das am 13. April 1961 entstandene "You’ll Never Know", bevor das am 25. Juni 1961 aufgenommene "Reach for the Stars / Climb Ev’ry Mountain" erstmals die Topposition der Charts erreichen konnte. Für die Shirley Bassey-EP "Goldfinger" (kam im Dezember 1962 auf den Markt) trug Newell lediglich "What Now My Love" (aufgenommen am 4. Juli 1962) bei, der titelgebende Song aus dem gleichnamigen James-Bond-Film wurde von Kollege George Martin produziert. Über die Jahre entstanden unter Aufsicht von Newell viele Klassiker mit Shirley Bassey, darunter "Ave Maria" (10. Januar 1962), You’ll Never Walk Alone (24. Januar 1962) oder "What Kind of Fool am I" (30. Mai 1962). Im Juli 1963 bat Shirley Bassey das EMI-Management, ihren Produzenten Newell wegen Streitigkeiten nach 4-jähriger Tätigkeit auszutauschen und wurde Walter J. „Wally“ Ridley zugeordnet; aber bereits im November 1964 kehrte sie zu Newell zurück.


title: Norman Newell

text: Judy Garland nahm unter Newells Aufsicht zwischen dem 2. und 9. August 1960 eine Doppel-LP mit insgesamt 20 Tracks unter dem Titel "Judy in London" auf. Mit Danny Williams spielte Newell die erfolgreichste Version von Henry Mancinis Komposition "Moon River" ein, die im November 1961 veröffentlicht wurde und sich zu einem weiteren Tophit entwickelte. Ab 1962 begann die Zusammenarbeit mit dem Balladensänger Ken Dodd, der jedoch drei Jahre lang nur mittlere Hits ablieferte. Newell ließ sich von John Barry dem britischen Musikblatt New Musical Express zufolge beeinflussen, Rocksänger und Komponist Marty Wilde (Vater von Kim Wilde) bei EMI unter Vertrag zu nehmen (24. August 1962), ebenso wie Tommy Steele (14. Juni 1963). Ganz isoliert von der Beatmusik blieb Newell nicht. George Martin erwähnte, dass Newell zu den Produzenten gehörte, die die Beatles nach einer Probeaufnahme abgelehnt hatten. Im Januar 1964 entdeckte Newell im Londoner "Pickwick-Club" das Pop-Duo Peter & Gordon, das im Close-harmony-Stil der Everly Brothers sang. Bereits am 21. Januar 1964 kümmerte sich Newell um die Produktion des von Lennon/McCartney komponierten Titels "A World Without Love" mit Peter & Gordon und lieferte hiermit gleich einen Tophit ab. Der am 28. Februar 1964 veröffentlichte Song entwickelte sich zum Millionenseller, denn in Großbritannien wurden 550.000 Exemplare und über 400.000 in den USA verkauft. Am 4. März 1965 entstand ein weiterer Hit mit "True Love Ways", von Buddy Holly komponiert, das an Platz 2 notierte und mehr als eine Million Platten verkaufte. Peter & Gordon blieben für Newell die einzigen Interpreten der Beatwelle mit elektrischen Gitarren und lautem Sound.


title: Norman Newell

text: Konsequent lehnte Newell auch trotz der Erfolge von George Martin die Produktion von Beatgruppen ab, zumal er bekennen musste, hiervon zu wenig zu verstehen. Mehr verstand er von Balladen und konnte damit weitere Erfolge verbuchen. Mit Geduld gelang es ihm, für Ken Dodd mit der Ballade "Tears" einen großen Hit zu produzieren. Die mit Intensität vorgetragene Ballade erreichte nach Veröffentlichung im September 1965 Rang 1 für 6 Wochen in den britischen Charts, entwickelte sich – trotz der Erfolge der Beatmusik – zum umsatzstärksten Hits des Jahres und übertraf noch den Plattenumsatz des Beatles-Hits Help!. Im November 1965 wurde die Millionengrenze überschritten, bis August 1966 waren 1,6 Millionen Exemplare umgesetzt worden. Mit "Careless Hands" für Des O’Connor blieb Newell dem Balladen-Genre treu (November 1967, #6),


title: Norman Newell

text: Aus seiner frühen Zeit stammten die Texte zu "I Want to Make my Mother Proud of Me" (November 1951), "Look Down in Mercy" (Februar 1952), "Dreams of Yesterday" (Oktober 1952), "Dreamtime (Melba Waltz)" und "Is This the Beginning of Love?" (1952), "Give All Your Love to Me" (Mai 1953) oder "The Night Belongs to Me" (Juli 1954). Newell textete auch "Portrait of My Love" für Matt Monro unter dem Pseudonym David West (2. November 1960), das dem Produzenten eine weitere Topposition einbrachte. Unter demselben Pseudonym verfasste Newell den englischen Text des deutschen Millionensellers Seemann (deine Heimat ist das Meer) von Lolita. Die englische Version erreichte mit Petula Clark in Großbritannien den ersten Rang der Charts und verkaufte nach Veröffentlichung im Januar 1961 über 250.000 Exemplare. Der Titel war damit der erste Nummer-eins-Hit für die Sängerin. Ebenfalls unter dem Pseudonym David West schrieb Newell den Text zu einer von Udo Jürgens eigens für Shirley Bassey komponierten Melodie, dem Nummer-eins-Hit "Reach for the Stars" (Juli 1961). Von Newell stammt auch der Text für den britischen Eurovisions-Beitrag "Say Wonderful Things" für Ronnie Carroll (März 1963, #6), das mit 28 Punkten Vierter wurde. Im April 1963 verfasste er den englischen Text zu "Ti guarderò nel cuore" (aus dem Kinofilm "Mondo Cane", Premiere in Italien am 30. März 1962; Musik von Nino Oliviero und Riz Ortalani). Als" More" ist es in mindestens 207 Versionen erschienen, am bekanntesten die von Steve Lawrence, Vic Dana und Frank Sinatra (aufgenommen am 12. Juni 1964). Außerdem schrieb er für Bassey "Goodbye Lover, Hello Friend" (LP "The Fabulous Shirley Bassey"; Januar 1965) sowie "Never, Never, Never" (März 1973, #8).


title: Norman Newell

text: Im Januar 1971 unterschrieb Newell mit dem Philips-Label einen Produktionsvertrag. 1975 produzierte Newell die LP "Big Bond Movie Themes" und 12 der bekanntesten James-Bond-Soundtracks mit dem Orchester von Geoff Love, von denen John Barry bei 8 Titeln als Komponist mitgewirkt hatte. Im Juli und August 1984 produzierte er für Shirley Bassey in den Londoner Olympic Studios die LP I Am What I Am mit dem London Symphony Orchestra unter der Leitung von Carl Davies. 1978 übersetzt er das französische "Le Lambeth walk" von Dalida genannte Lied auf englischer Sprache.


title: Norman Newell

text: Während seiner Karriere verwendete er 35 verschiedene Namen (oft auch John Moran). Er hat mindestens 858 Songs produziert, die meisten davon in den Abbey-Road-Studios. George Martin charakterisierte seinen Kollegen „als Texter und Produzenten. Seine Stärke war es jedoch, große Entertainer des Showbusiness richtig zu behandeln.“ Martin spielte auf die Aufnahmen von Musicals an, auf die sich Newell immer wieder konzentrierte. So produzierte er die britische Version des Musicals Kiss Me, Kate am 3. und 6. August 1987 in den Abbey Road-Studios. Newell ging 1990 in Pension.


title: Norman Newell

text: Er wurde mit je einem Grammy und Emmy, 3 Ivor Novello Awards, 6 British Music Industry Awards und einem Golden Globe für "Forget Domani" (aus dem Film "The Yellow Rolls-Royce", Premiere am 31. Dezember 1964) ausgezeichnet. Im Jahre 1999 hatte seine Komposition "A Portrait of My Love" 2 Millionen Airplays erreicht, seine Komposition "More" rangiert auf Platz 12 der BMI-Top 100 Songs des Jahrhunderts. Er erhielt im Februar 2003 den OBE Officer of the Order of the British Empire für seine Verdienste um die britische Musikindustrie, im Jahr danach verstarb er.


title: Patterson-Methode

text: Die Patterson-Methode ist ein Verfahren zur Lösung des Phasenproblems der Röntgenbeugung. Sie geht zurück auf Lindo Patterson (1902–1966), der die Methode 1934 einführte.


title: Patterson-Methode

text: Die Patterson-Methode ist definiert als die Fouriertransformierte der Betragsquadrate der Strukturfaktoren formula_1. Lindo Patterson selbst nannte sein Verfahren deshalb die formula_2-Reihe. Sie liefert dabei nicht direkt die Positionen der Atome in der Elementarzelle, sondern interatomare Vektoren: die Länge des Vektors ist der interatomare Abstand, die Richtung die interatomare Richtung. Die Stärke des Beugungsreflexes hängt ab von der Elektronenzahl der beiden beteiligten Atome: je größer die Elektronenzahl, desto stärker der Reflex.


title: Patterson-Methode

text: In der Kristallstrukturanalyse wird die Patterson-Methode deshalb bevorzugt eingesetzt, wenn die Kristallstruktur aus wenigen Schweratomen und vielen Leichtatomen besteht. Die höchsten Reflexe des Diffraktogramms geben dann die interatomaren Vektoren zwischen den Schweratomen an. Ist die Lage der Schweratome bestimmt, so kann ihr partieller Strukturfaktor ermittelt und vom errechneten Strukturfaktor abgezogen werden. Auf diese Weise kann dann auch die Lage der übrigen Leichatome bestimmt werden.


title: Patterson-Methode

text: mit


title: Patterson-Methode

text: Nach dem Faltungstheorem der Fouriertransformation kann man die Pattersonfunktion auch schreiben als Paarkorrelationsfunktion:


title: Patterson-Methode

text: mitWeil die normale Patterson-Funktion viele unscharfe Reflexe liefert, werden häufig geschärfte Patterson-Funktionen eingesetzt (englisch: "sharpened Patterson functions"), die zu schärferen Reflexen führen. Meistens beruhen diese Verfahren auf normalisierten Strukturfaktoren formula_17. Diese formula_17-Werte sind von den Strukturfaktoren formula_1 abgeleitet, so dass sie Punktatomen bzw. Atomen im Ruhezustand entsprechen; sie enthalten also eine Korrektur der thermischen Bewegung. Die geschärfte Patterson-Funktion wird dann als Fouriertransformation von formula_20 oder besser formula_21 berechnet.


title: Patterson-Methode

text: In der Literatur erscheinen regelmäßig auch andere Methoden, um scharfe Patterson-Reflexe bildlich zu erzeugen.


title: Patterson-Methode

text: Die ursprüngliche Veröffentlichung von Patterson aus dem Jahr 1934 bezog sich auf das trikline Kristallsystem, also die niedrigste Symmetrie.


title: Patterson-Methode

text: David Harker erweiterte das Konzept der Patterson-Methode, indem er die Symmetrieoperationen höherer Raumgruppen einbrachte. Dabei stellte er fest, dass man oft nur ein- oder zweidimensionale Fouriertransformationen durchführen muss, um die relevante Strukturinformation zu erhalten. Dies war in Zeiten ohne elektronische Computer sehr vorteilhaft, weil die dreidimensionale Fouriertransformation sehr rechenintensiv ist.


title: Patterson-Methode

text: Auch heute noch werden bei großen Kristallstrukturen (Proteinkristalle) die eindimensionalen Harkerlinien und zweidimensionalen Harkerschnitte verwendet.


title: Patterson-Methode

text: Wie oben erklärt, eignet sich die Patterson-Methode nur schlecht, wenn die Kristallstruktur ausschließlich aus Leichtatomen besteht, wie z. B. bei organischen Molekülen.


title: Patterson-Methode

text: Wenn jedoch die Molekülstruktur bekannt ist, kann die Fragmentsuche angewandt werden; dabei muss nicht das komplette Molekül bekannt sein, ein großes Molekülfragment reicht aus. Die Molekül(fragment)struktur kann durch quantenchemische Berechnungen erhalten oder von bekannten Molekülfragmenten aus Datenbanken abgeleitet sein.


title: Patterson-Methode

text: Bei der Fragmentsuche wird zuerst die Patterson-Funktion der Röntgenintensitäten berechnet. Danach wird das Molekülfragment (bzw. die intramolekularen Abstandsvektoren des Fragments) solange gedreht und verschoben, bis es optimal in die Patterson-Landkarte passt. Für dieses Verfahren sind verschiedene Computeralgorithmen entwickelt worden.


title: Tales from Topographic Oceans

text: Tales from Topographic Oceans ist ein Doppelalbum der britischen Progressive-Rock-Gruppe Yes. Es ist das siebte Album der Band und das sechste Studioalbum.


title: Tales from Topographic Oceans

text: Ein wesentliches Merkmal von Yes war zur Zeit der Entstehung dieses Albums ein permanenter Wechsel der Musiker. Vor der Aufnahme dieses Albums war der Schlagzeuger Bill Bruford durch Alan White ersetzt worden, nach der Tour zu diesem Album verließ der Keyboarder Rick Wakeman die Band zum ersten Mal. Er sollte jedoch während der Arbeit an dem Album Going for the One im November 1976 zu Yes zurückkehren. Das Album wurde, trotz seines Erfolges, wegen seines äußerst ambitionierten Konzepts von vielen Medien äußerst kritisch gesehen. So machte das britische Musikmagazin "Sounds" mit der Überschrift „Yes: Wishy Washy Tales From The Deep“ auf, und der "Melody Maker" fasste seinen Kommentar mit einem einfachen „NO“ zusammen. Doch war das nicht die einzige Haltung, die in der Musikpresse Öffentlichkeit fand: Das deutsche Magazin POP schrieb: „"Diesem Supererfolg macht "Yes" nun mit "Tales from Topographic Oceans" alle Ehre."“


title: Tales from Topographic Oceans

text: Nach dem Erfolg von Close to the Edge waren sich alle Bandmitglieder einig, dass man als Nächstes ein Konzeptalbum nie dagewesenen Ausmaßes in Angriff nehmen sollte. Jon Anderson hielt seine Mitmusiker dazu an, während der Close-to-the-Edge-Tour über ein Thema für das Album nachzudenken. Tatsächlich war aber er es dann, der die entscheidende Idee für "Tales from Topographic Oceans" hatte. Während einer kurzen Japan-Tournee vom 8. bis zum 14. März 1973 las Anderson die „'Autobiographie eines Yogi“ („Autobiography of a Yogi“, 1950) von Paramahansa Yogananda, die ihm Jamie Muir, der damalige Perkussionist von King Crimson, empfohlen hatte. Paramahansa Yogananda kommt darin in einer Fußnote auf die Shastras („heilige Bücher“), die heiligen Schriften Indiens, zu sprechen.


title: Tales from Topographic Oceans

text: Anderson sprach mit dem Gitarristen Steve Howe über die Idee, das nächste Album auf diesen Schriften basieren zu lassen, und die beiden trafen sich in freien Stunden in ihren Hotelzimmern, um an ersten Ideen für "Tales" zu arbeiten. Die Tour zog in den folgenden Wochen nach Australien und Nordamerika weiter, und Anderson und Howe arbeiteten in etwa einem Monat die ersten beiden, jeweils eine LP-Seite langen Stücke aus. Zwei weitere, ebenso lange Stücke blieben noch skizzenhaft. In einer sechsstündigen Marathonsitzung bis morgens um sieben am 20. April 1973 in Savannah nahmen Anderson und Howe das bisher vorhandene Material auf Kassetten auf und entwarfen Skizzen für die Struktur der vier überlangen Songs.


title: Tales from Topographic Oceans

text: Nach dem Ende der Tour am 1. Mai 1973 stellten die beiden ihre Ideen dem Rest der Band vor. Während Bassist Chris Squire, mit dem Anderson bereits zuvor öfters heftig aneinandergeraten war, lediglich sehr zurückhaltend reagierte, gab Keyboarder Rick Wakeman seinem Missfallen von Beginn an deutlich Ausdruck. Doch Anderson, der zu dieser Zeit gerne „Little Napoleon“ genannt wurde, brachte seine Mitmusiker dazu, sich auf seine Vision und die letztlich vier Monate dauernden Aufnahmesessions einzulassen. Alan White und Chris Squire ließen sich dabei von Anderson und Howe, wenn auch widerwillig, durch die Arbeiten leiten, der Keyboarder Rick Wakeman allerdings war wegen der langwierigen Arbeiten zusätzlich derart frustriert, dass er die Band nach der "Tales"-Tour verließ. Er hatte sich zudem als Christ mit der philosophisch-religiösen Thematik des Albums nicht anfreunden können, umso weniger, als er Anderson nach der Lektüre einer Fußnote nicht gerade als Experten für die shastrischen Schriften ansah.


title: Tales from Topographic Oceans

text: Anderson, der sich an die positiven Erfahrungen bei den Aufnahmesessions zu The Yes Album erinnerte, wollte ursprünglich, wie auch Howe, White und Offord, das Album auf dem Land aufnehmen, wenn möglich nachts und draußen, um die ländliche Atmosphäre, in der dieses Album entstanden war, in größerem, kosmischen Ausmaß auf "Tales from Topographic Oceans" wiedererstehen lassen. Doch Squire und Wakeman wehrten sich erfolgreich, und die Band ging in ELPs Manticore-Studios und danach in die Morgan Studios in London, um an den Stücken zu feilen und das Album aufzunehmen. Immerhin wurde ein Kompromiss gefunden: Anderson ließ, zur Verwunderung seiner Bandkollegen und anderer Beteiligter, Kulissen ins Morgan Studio 3 schaffen, darunter Strohballen, einen hölzernen Zaun und eine Pappkuh (laut Chris Squire soll jedoch der Bandmanager Brian Lane aus einer ironischen Laune heraus dafür verantwortlich gewesen sein). Doch die Extravaganzen des Sängers gingen noch weiter: Als er bemerkte, dass die Akustik in seinem heimischen Badezimmer für den Sound, den er sich für "Tales" vorstellte, perfekt war, ließ er von Michael Tait sein Bad im Studio nachbauen, ein Klangexperiment, das natürlich misslang.


title: Tales from Topographic Oceans

text: Da vieles von Anderson und Howe nur konturenhaft entwickelt worden war, erarbeiteten Yes nun weite Teile des Albums direkt im Studio, eine Arbeitsweise, die Wakeman, der der Überzeugung war, dass diese Arbeit im Proberaum hätte erledigt werden müssen, sehr missfiel. Wenn seine Mitarbeit nicht benötigt wurde, ging er an die Bar oder warf einige Darts im Nebenraum. Wakeman kritisiert bis heute, dass der Mangel an solider Vorbereitung dazu führte, dass das Album an vielen Stellen durch minderwertiges Material auf die jeweils 20 Minuten aufgeblasen wurde. Er hätte eine konzisere Fassung des Materials in vier zehnminütigen Stücken auf einem Einzelalbum wesentlich lieber gesehen. Auch der Toningenieur Eddie Offord war keine große Hilfe in dieser Situation; nahezu ununterbrochen high, warf er gelungenes Material immer wieder versehentlich in den Papierkorb, während Misslungenes und Verworfenes verwendet wurde. Andauernd mussten solche Fehler von seinen Mitarbeitern korrigiert werden, weshalb das fertige Masterband, ähnlich, wie schon bei "Close to the Edge", aus vielen kurzen Schnipseln zusammengesetzt war.


title: Tales from Topographic Oceans

text: Jon Anderson hatte die inhaltliche Inspiration für die vier Stücke von "Tales from Topographic Oceans" aus einem Buch, das ihm Jamie Muir empfohlen hatte. Es handelt sich dabei um "Autobiografie eines Yogi" ("Autobiography of a Yogi." 1950) von Paramahansa Yogananda, des Begründers der "Self-Realization Fellowship." Auf S. 117, in Fußnote 6 im 10. Kapitel, kommt Paramahansa Yogananda auf die Shastras („heilige Bücher“), die heiligen Schriften Indiens, zu sprechen. Der Text der Fußnote lautet im Original:


title: Tales from Topographic Oceans

text: Die Shastras werden also traditionell in vier Gruppen eingeteilt: Shruti, Smriti (nicht „Suritis“, wie im Cover des Albums vermerkt), Purana und Tantra. Analog ist "Tales" in vier Stücke eingeteilt. Deutlich zu sehen ist, dass Anderson die Titel der Stücke direkt aus dem Text der Fußnote nimmt.


title: Tales from Topographic Oceans

text: Die erste Textgruppe, Shruti, umfasst die direkt offenbarten Werke, die Veda (das Wort „Veda“ bedeutet „Wissen“ und ist mit dem deutschen Wort auch verwandt). Entsprechend lautet der Titel des ersten Teils des Albums "The revealing science of god." Die vedischen Texte sind die ältesten Texte indischer religiöser Literatur und stammen in ihren ältesten Teilen aus dem 18. Jahrhundert vor Christus. Bis ins 16. Jahrhundert unserer Zeitrechnung wurden sie lediglich mündlich weitergegeben. Die vedischen Texte sind damit die ältesten Zeugen einer indogermanischen Sprache. Sie umfassen Lieder, Maximen, Aphorismen und auch Prosa, deren älteste aus dem 18. Jh. v. Chr., die jüngsten aus dem 3. Jh. v. Chr. stammen. Sie bestehen aus vier Teilen, Samhitas (Sammlungen) genannt, der Rigveda (religiös-magische Hymnen), der Samaveda (rituelle Gesänge), der Yajurveda (Opferformeln und Mantras) und der Atharvaveda (magische Formeln und Zaubersprüche). Zu jeder dieser Sammlungen gibt es zudem umfassende theologische Erläuterungen (Brahmanas). Die bekanntesten Texte, die in diesen Bereich gehören, sind vielleicht die Upanishaden (Geheimlehren).


title: Tales from Topographic Oceans

text: Die zweite Textgruppe heißt Smriti, das bedeutet „das im Gedächtnis bewahrte Wissen“. Teil 2 von "Tales" heißt entsprechend "The Remembering." Smriti umfasst die berühmten und sehr voluminösen Epen "Mahabharata" (106000 Doppelverse) und "Ramayana" (24000 Doppelverse), die Vedanga (vornehmlich hilfswissenschaftliche Texte zum Verständnis und zur korrekten Überlieferung des Veda) und die Sutras.


title: Tales from Topographic Oceans

text: Die dritte Textgruppe heißt Purana („Allegorien aus uralten Zeiten“, man denke an "The Ancient") und besteht aus 18 meist gleich aufgebauten Teilen, Liedern von Kriegern und Barden aus dem ersten Jahrtausend vor Christus. Von den im "Brahma-vaivartta Purana" genannten 400.000 Puranas werden 18 als Haupt-Puranas angesehen, wiederum unterteilt in drei Gruppen, Brahma, Vishnu und Shiva. Puranas handeln oft von fünf verschiedenen Themen: Kosmogonie, Zerstörung und Neuerschaffung, Genealogie der Götter, Manvantara-Perioden, Genealogie der Könige.


title: Tales from Topographic Oceans

text: Der vierte Teil, Tantra, befasst sich mit Riten und Ritualen (der vierte Teil von "Tales" heißt "Ritual"). Es geht um die praktischen Seiten der Religionsausübung, um Initiationsriten, erotische Riten, magische Formeln und um Yoga. Die tantrischen Schriften sind Offenbarungen Shivas. Auch sie stammen aus dem ersten Jahrtausend v. Chr.AnmerkungenDas Album wurde im Jahr 2003 von Rhino Records remastert und wiederveröffentlicht. Diese Auflage enthält die verlängerte Version von "The Revealing Science of God (Dance of the Dawn)" und zwei Bonustracks:


title: Tales from Topographic Oceans

text: Im Oktober 2016 erschien eine erweiterte und von Steven Wilson neu gemischte Version des Albums. Auf vier Datenträgern (drei CDs und eine Blu-ray oder zwei CDs und zwei DVDs) sind neben diversen Stereo-Versionen hochauflösende 5.1 Abmischungen des Albums und Bonus-Tracks enthalten.


title: Tales from Topographic Oceans

text: "Tales from Topographic Oceans" wurde auf zwei LPs veröffentlicht, die zusammen eine Gesamtspielzeit von fast eineinhalb Stunden haben, und erreichte Platz 1 in den britischen Albumcharts, die Top 10 der US-Charts, und zwar noch bevor je ein "Yes"-Fan das Album zu hören bekam. Es ist das erste "Yes"-Album, das Gold-Status errang. In der Dokumentation "YesYears" berichtet Jon Anderson darüber, dass nach der Veröffentlichung von "Close to the Edge" in einer Zeitung gestanden hätte, das nächste, was Yes angingen, sei eine Vertonung der Bibel. Tatsächlich nahmen sich Jon Anderson und Steve Howe mit den shastrischen Schriften Indiens ein sogar noch ambitionierteres Konzept vor. Dieses Konzept hatte der Viergliederung der shastrischen Schriften entsprechend vier Teile, die auf vier Vinylseiten verteilt wurden. Dabei wurde "The Revealing Science of God (Dance of the Dawn)" von der Band als zugänglichster, am ehesten mit dem Wort „Pop“ in Verbindung zu bringender Teil angesehen. "The Remembering (High the Memory)" ist ein eher gleichmäßiger, passagenweise fast meditativer Teil mit hohen Anteilen an Wiederholung, und damit eines der Stücke, die Rick Wakeman besonders kritisch sah. "The Ancient (Giants under the Sun)" beginnt mit einem etwa 10 Minuten in Anspruch nehmenden rhythmusdominierten Teil, über den Steve Howe auf einer Pedal-Steel-Gitarre improvisiert, endet aber mit einer stillen Songpassage zur akustischen Gitarre. "Ritual (Nous Sommes Du Soleil)" ist neben "The Ancient" der abwechslungsreichste Teil, er umfasst improvisierte Passagen ebenso wie durchkomponierte Songteile, Perkussionteile, während derer jedes Bandmitglied ein Schlaginstrument spielte, und sogar ein Basssolo.


title: Tales from Topographic Oceans

text: Die Parallele zu Beethovens neunter Symphonie, die man bisweilen in der Gliederung von "Tales" zu sehen glaubte, das Zitieren der drei ersten Teile zu Beginn des Vierten (im Bereich von ca. Min 4:00 bis 5:15), besteht letztlich nur in einigen Tönen eines Gitarrensolos, ist also kein wirklich kompositorischer Baustein des Stückes. Abgesehen von kurzen Zitaten wie diesen (es wird vor allem am Beginn und am Ende von "The Ancient" und am Beginn von "Ritual" aus den ersten beiden Teilen zitiert, meist aber nur im Rahmen von Gitarrensoli) sind die vier Stücke jedoch lediglich lose durch ihre Tonalität miteinander verbunden und ansonsten völlig eigenständig. Am ehesten lassen sich Begriffe wie „Sinfonie“ (mit der klassischen Einteilung in vier Sätze), „Suite“ oder „Liederzyklus“ auf das Album anwenden. Auch sind die vier Teile nicht gleich strukturiert, Aufbauschemata reichen von einer überdimensionalen Strophe-Refrain-Struktur ("The Remembering") bis hin zu einer ABC-Einteilung ("The Ancient").


title: Tales from Topographic Oceans

text: Nur die Grundidee von "Tales from Topographic Oceans" geht auf die indische Kultur zurück. Die Musik des Albums ist, auch in den extremsten Passagen ("The Ancient"), vorwiegend westlich geprägt. Züge früher Weltmusik lassen sich aber in der Klanggestalt des Werks aufzeigen, so in den treibenden Rhythmen am Beginn von "The Ancient" oder in den Sitar-Klängen Steve Howes.


title: Tales from Topographic Oceans

text: Das Faltcover greift die Wünsche verschiedener Bandmitglieder auf. Roger Dean kombinierte einige dieser Vorstellungen zu seinem Bildentwurf. Aufgeklappt zeigt das Cover eine Landschaft im Sternenlicht, das nach unten hin einen fremdartig grünen Ton annimmt. Die Sternbilder sind die der fünf Yes-Musiker. In deren Mitte einer grauen und kalten Ebene sprudelt aus einer Felsformation eine kleine Quelle, deren Wasser sich in einen Teich ergießt, der jedoch niemals überzulaufen scheint. Um diesen herum wachsen einige Grünpflanzen. Rechts wird das Bild durch eine hohe Felsgruppe begrenzt, links durch einen runden Stein im Vordergrund und eine weitere Felsengruppe im Hintergrund. Zwischen diesen drei Felsgruppen befinden sich zwei weitere Landmarken: rechts, weit hinten am Horizont, eine Mayapyramide, hinter der soeben eine kalte Sonne untergeht, links ein weiterer einzelner, aufrecht stehender Felsblock.


title: Tales from Topographic Oceans

text: Die Felsformationen stammen sämtlich aus Roger Deans Skizzenbuch, er hat sie nach Postkarten aus der Sammlung von Dominy Hamilton gezeichnet. Es handelt sich um die Brimham Rocks, die letzten Felsen bei Land’s End, den Logan Rock bei Treen sowie um einzelne Steine bei Avebury und Stonehenge. Die Pyramide erinnert an ähnliche Bauten in Mexiko und Guatemala (von Jon Anderson stammte der Vorschlag, eine Pyramide aus Chichén Itzá für das Cover zu verwenden), während eine Petroglyphe vor der Pyramide an die Zeichnungen auf der Nazca-Ebene denken lässt (dieser Vorschlag geht auf Alan White zurück).


title: Tales from Topographic Oceans

text: Von links „schwimmen“ fünf Fische in den Vordergrund, zumindest einer davon ist mittlerweile ausgestorben, ein Knochenfisch. Auf den meisten Ausgaben des Albums ist um die Fische herum eine Wasserblase zu sehen, die auf dem ursprünglichen Bild nicht vorhanden war. Über der Pyramide befinden sich Albumtitel und "Yes"-Logo. Innen zeigen die beiden Seiten zwischen zahlreichen Naturaufnahmen einen Begleittext und die Texte zur Musik.


title: Tales from Topographic Oceans

text: Es wird deutlich, wie Roger Dean hier typische Themen der 1970er Jahre, wie die Faszination für präkolumbische Kulturen, Astrologie und Natur, mit aus dem Surrealismus stammenden Bildideen zu verknüpfen suchte. Interessanterweise spielt gerade die indische Kultur für die Covergestaltung keine Rolle, was zusammen mit der nicht immer gelungenen Kombination einander fremd bleibender Bildelemente für Kritik, auch für Selbstkritik, gesorgt hat. Dennoch hat das Cover von "Tales from Topographic Oceans" im Progressive-Rock-Bereich und wohl auch im gesamten Rockbereich mittlerweile nahezu ikonischen Status erlangt und es wird immer wieder einmal zum besten Rock-Album-Cover aller Zeiten gewählt.


title: Tales from Topographic Oceans

text: Gitarrist Steve Howe sieht bis heute viele seiner besten Gitarrenstücke auf "Tales". Bassist Chris Squire hebt hervor, dass er auf "The Remembering" zu Höchstform auflief: Er hält seinen Beitrag zu diesem Stück für sein bestes Bassspiel bis zu diesem Zeitpunkt. Dagegen ist er von "The Ancient" bis heute nicht sehr begeistert, während der Schlagzeuger Alan White gerade dieses Stück wegen seines Ethno-Einschlags sehr mag. Rick Wakeman, den die Arbeit an dem Konzeptwerk, an dessen Konzeption er nur am Rande beteiligt war, zeitweilig frustriert hatte, erwähnte später in Interviews, dass er "The revealing science of God" und Teile von "The Ancient" sehr genossen habe, aber nie ein Fan dieses Albums werden würde: Es sei 30 Minuten zu lang, 60 Minuten wären genug. Die Gründe für Wakemans Unzufriedenheit liegen vor allem darin begründet, dass Sänger Jon Anderson und Gitarrist Steve Howe die Kompositionen weitgehend dominierten und den anderen drei Bandmitgliedern kaum Platz zur eigenen Entfaltung ließen. Zudem sieht Wakeman an vielen Stellen Füllmaterial, das man besser weggelassen hätte.


title: Tales from Topographic Oceans

text: Auf der Tour zum Album fand diese Frustration ihre Fortsetzung, denn die Bandkollegen wollten unbedingt das gesamte Album zur Aufführung bringen. Wakeman befürchtete zu Recht, dass die Fans sich von der Fülle an neuem Material (das zu Beginn der Tour viele noch gar nicht kannten) überfordert fühlen könnten. Die Shows wurden wie immer durch einen Ausschnitt aus Strawinskys "Feuervogel"-Suite eröffnet, es folgten "Siberian Khatru", "And You And I" und "Close to the Edge". Daraufhin wurde "Tales" komplett gespielt, es folgte mit "Roundabout" eine einzige Zugabe. Für Wakeman, der vor allem während "The Remembering" nur wenig zu tun hatte, ein großes Ärgernis, das er während eines Konzertes in der Free Trade Hall in Manchester am 28. oder 29. November 1973 durch das Verzehren eines indischen Currygerichts – Anspielung sowohl auf das ambitionierte Konzept von „Tales“ als auch auf die für den Keyboarder wenig anspruchsvollen Passagen während „The Remembering“ – weithin sichtbar kommentierte. Zu Beginn der USA-Tour 1974 wurde zunächst sporadisch, später regelmäßig die zweite Seite "The Remembering" gestrichen und gegen "Starship Trooper" (als zweite Zugabe) ersetzt, später entfielen hin und wieder auch andere Teile. Doch Wakeman hatte bereits beschlossen, die Band zu verlassen. Der Erfolg seines eigenen Soloalbums "The Six Wives of Henry VIII" hatte ihm neue Wege eröffnet, und er plante bereits während der "Tales"-Tour seine Solokarriere.


title: Tales from Topographic Oceans

text: 2002 erschien die 5-CD-Compilation "In A Word", die in einer Auswahl das gesamte Schaffen von Yes dokumentierte. Als Besonderheit wurde für diese Ausgabe das ursprüngliche Intro für "The Revealing Science of God", das nicht auf die Vinyl-Ausgabe gepasst hatte, restauriert und dem Stück vorangestellt (damit wurde dieses auf 22:37 verlängert). Diese verlängerte Version ist 2003 auch auf der CD-Ausgabe von "Tales" bei Rhino Records erschienen.


title: Repack

text: Repack nannten die amerikanischen Mountainbike-Pioniere um Gary Fisher, Joe Breeze unter anderem die Abfahrten mit modifizierten Fahrrädern vom 850 m hohen Mount Tamalpais in Kalifornien, Vereinigte Staaten. Der Name stammt daher, dass die Trommelbremsnaben der Räder bei den Abfahrten durch ständiges Bremsen so erhitzten, dass das Schmiermittel verdampfte und im Ziel wieder aufgefüllt () werden musste.


title: Repack

text: Bei den Rennen wurden die Fahrräder, meist vom Typ Schwinn Cruiser, so weit modifiziert, dass daraus das heute bekannte Mountainbike entstand. Wegen seines Engagements in der Weiterentwicklung dieser ersten umgebauten Räder gilt Gary Fisher heute vielen als "Vater des Mountainbike".


title: Gracie Fields

text: Dame Gracie Fields (* 9. Januar 1898 in Rochdale, Lancashire, England; † 27. September 1979 auf Capri, Italien; eigentlich "Grace Stansfield") war eine britische Sängerin, Schauspielerin und Comedienne und zu ihrer Zeit einer der größten Stars im Film und in der Music-Hall-Szene ihres Heimatlandes. Obwohl sie denselben Nachnamen tragen und beide in Rochdale geboren wurden, ist Gracie nicht mit Sängerin Lisa Stansfield verwandt.


title: Gracie Fields

text: Gracie Fields stand 1905 als Siebenjährige das erste Mal auf einer Bühne. Ihre zwei Schwestern und ihr Bruder haben alle ihr Glück auf den „Brettern, die die Welt bedeuten“ gesucht – aber Gracie war die erfolgreichste der vier. Ihr Profidebüt im Varieté gab sie 1910 im "Hippodrome Theater" in Rochdale, und bald darauf gab sie ihren Job in der örtlichen Baumwollmühle auf.


title: Gracie Fields

text: Sie traf den Comedian Archie Pitt, und die beiden begannen ihre Zusammenarbeit. Pitt wurde ihr Manager; ihre erste gemeinsame Revue 1915 hieß "„Yes I Think So“". Bis 1922 tourten sie durch Großbritannien. In dem Jahr haben sie das Programm "„Mr Tower of London“" auf die Beine gestellt. Mit diesem Programm änderte sich alles, als es ins Londoner West End kam. Die Hauptstädter waren begeistert, Gracie wurde einer breiteren Öffentlichkeit bekannt. Ihre Karriere beschleunigte sich, sie trat nun auch in „normalen“ Theaterstücken auf und begann eine Schallplattenkarriere. Nebenbei heiratete sie 1923 noch ihren Archie.


title: Gracie Fields

text: Eines ihrer erfolgreichsten Programme gaben sie zunächst 1925 im "Alhambra Theatre". Die Show war ein riesiger Publikumserfolg, und Gracie ging mit dem Programm mehr als zehn Jahre lang auf Tournee. Sie trat zehnmal in den "Royal Variety Shows" in London auf (erstmals 1928) und gewann ein ergebenes Publikum mit ihrer Mixtur aus Witzen, mit denen sie sich selbst niedermachte, aus komischen Liedern und Monologen wie auch aus lustigen Songs über die Ära der Weltwirtschaftskrise – alle in einem schnörkellosen Stil präsentiert, der sich an der Arbeiterklasse Nordenglands orientierte.


title: Gracie Fields

text: Ihr berühmtestes Lied, der ihr Erkennungssong wurde, war „Sally“. Dieser wurde extra in den Titel ihres ersten Films "Sally in Our Alley" (1931) eingebaut, der dann auch die Kinokassen klingeln ließ. Sie machte später weitere Filme, zunächst in England, dann in den USA (wo sie ein Rekordhonorar von 200.000 US-Dollar für vier Filme erhielt) – obwohl sie die Filmaufnahmen nie leiden konnte, da sie ihr Live-Publikum vermisste.


title: Gracie Fields

text: Fields wurde einer der bestbezahlten Entertainer in Großbritannien und spielte überall im Lande vor ausverkauften Häusern. Fast alle nannten sie nur noch "„Our Gracie“" („Unsere Gracie“). „Ihre Popularität in den 1930er Jahren war so groß, dass das Parlament eine Sitzung früher beendete, damit die Abgeordneten nach Hause gehen konnten, um eine Radiosendung von ihr zu hören.“


title: Gracie Fields

text: Ende der 1930er Jahre erklomm sie den Gipfel ihrer Popularität. Sie erhielt viele Auszeichnungen; unter anderem den Titel Commander of the British Empire (CBE) für ihre Verdienste im Entertainment. Ihr exklusives Haus in London, aus dem sie sich nie viel gemacht hatte und das sie mit ihrem Ehemann Archie Pitt teilte, schenkte sie einer Geburtsklinik, als ihre Ehe sich dem Ende zuneigte. 1939 wurde sie krank; sie hatte Gebärmutterhalskrebs. Ihre Fans schrieben ihr mehr als 250.000 Genesungskarten, und sie zog sich in ihre Villa auf Capri zurück um sich zu erholen.


title: Gracie Fields

text: Kurz darauf begann der Zweite Weltkrieg, und Gracie, noch nicht ganz genesen, reiste nach Frankreich, um die Truppen zu unterhalten. 1940 heiratete sie nach der Scheidung von Pitt den Filmregisseur Monty Banks. Da Banks jedoch weiter Bürger des Kriegsgegners Italien blieb, somit im Vereinigten Königreich "persona non grata" war und Gefahr gelaufen wäre, in ein Internierungslager gesteckt zu werden, sahen sich Gracie und Monty gezwungen, Großbritannien zu verlassen und nach Nordamerika zu gehen. Obwohl sie weiterhin viel Zeit darauf verwandte, die Truppen zu unterhalten und die britischen Kriegsinteressen außerhalb ihres Heimatlandes auch anderweitig zu unterstützen, so führte dies doch dazu, dass ihre Popularität in Großbritannien schnell geringer wurde – nicht zuletzt, weil die Londoner Presse sie als Verräterin und Deserteurin darstellte.


title: Gracie Fields

text: Nach dem Krieg setzte Fields ihre Karriere auf einem niedrigeren Level fort. In den USA erreichte der Song "„Now Is the Hour“" 1948 Platz 3 der Charts. Im selben Jahr begann sie auch, wieder in Großbritannien aufzutreten, und war Star der Festival of Britain- Feiern. Ihre Popularität nahm wieder zu, ohne jedoch den Status zu erreichen, den sie in den 1930ern gehabt hatte. Sie nahm weiter Schallplatten auf, aber drehte keine Filme mehr. Musikalisch ging sie in eine leicht klassische Richtung, da der Musikgeschmack sich wandelte.


title: Gracie Fields

text: Gracie Fields zeigte viel soziales Engagement und machte Capri zu ihrer Heimatadresse. Monty Banks starb 1950. Fields heiratete zwei Jahre später noch einmal, Boris Alperovici hieß ihr Auserwählter. In Großbritannien konnte sie 1957 (mit „Around the World“, Platz 8) und 1959 („Little Donkey“, Platz 20) noch zwei Singles in die Charts bringen. Seit ihrer dritten Hochzeit arbeitete sie noch weniger, aber wenn sie auftrat, dann waren die Hallen auch ausverkauft, sogar als sie schon in ihren Siebzigern war. Ein Album mit ihren größten Hits ("„The Golden Years“") kam 1975 in die LP-Charts. 1978 eröffnete sie persönlich das "Gracie Fields Theatre" in Rochdale und hatte mit 80 Jahren noch einen Auftritt in der "Royal Variety Show" – ihren letzten Auftritt. Im Jahr danach wurde sie von der Königin zur Dame gemacht. Sie starb im September 1979 in ihrem Haus auf Capri. Ihr Grab befindet sich auf dem "Cimitero Acattolico" auf Capri.


title: Amazing Grace

text: Amazing Grace (deutsch "Erstaunliche Gnade") ist ein englischsprachiges geistliches Lied, das zu den beliebtesten Kirchenliedern der Welt zählt. 1972 kam es in einer Version der Royal Scots Dragoon Guards an die Spitze der britischen Charts.


title: Amazing Grace

text: Amazing Grace verdankt seine Entstehung einem Schlüsselerlebnis seines Autors John Newton, der Kapitän eines Sklavenschiffs war. Nachdem er am 10. Mai 1748 in schwere Seenot geraten und nach Anrufung des Erbarmens Gottes gerettet worden war, behandelte er zunächst die Sklaven menschlicher. Nach einigen Jahren gab er seinen Beruf sogar ganz auf, wurde stattdessen Geistlicher und trat gemeinsam mit William Wilberforce für die Bekämpfung der Sklaverei ein.


title: Amazing Grace

text: Die heute weltweit bekannte Melodie, die sogenannte "New Britain", tauchte erstmals in einem Gesangbuch von 1831, dem "Virginia Harmony", auf. Sie ist pentatonisch und soll ursprünglich auf US-amerikanische oder britische Wurzeln zurückgehen, wird aber auch James P. Carrell und David S. Clayton zugeschrieben. Der ursprünglich zur Melodie gesungene Originaltext ist heute verloren. Der heute üblicherweise gesungene Text von John Newton wird gelegentlich auch mit einer anderen Melodie gesungen, der 1958 in Kentucky entstandenen "Old Regular Baptist".


title: Amazing Grace

text: In ihrer Nachwirkung besonders bedeutsam ist die Harmonisierung, wie sie im Gesangbuch "Southern Harmony" von 1835 geboten wird. Die für dieses , in der die Hauptmelodie in der Mittelstimme liegt und von jeweils einer darüber bzw. darunter liegenden, leiser gesungenen Stimme begleitet wird, findet sich bis heute in US-amerikanischer Musik für Vokaltrios und wurde besonders bekannt durch den Stil der Andrews Sisters.\language deutsch \relative g' \addlyricsIn dem erstmals 1779 in den "Olney-Hymnen" veröffentlichten Text erzählt John Newton von seiner Bekehrung zum Christentum. Er lehnt sich lose an mehrere Bibelstellen an, genannt werden unter anderem die Beschreibung von Gottes Gnade in und die Heilung des Blinden nach .


title: Amazing Grace

text: Einige Versionen des Liedes beinhalten eine zusätzliche Strophe:


title: Amazing Grace

text: Diese Strophe stammt nicht von Newton, sondern wurde aus dem Roman "Onkel Toms Hütte" von Harriet Beecher Stowe entnommen. Der Protagonist Onkel Tom kombiniert dort die Strophen verschiedener Lieder. Diejenigen, die den Liedtext aus diesem Buch entnommen haben, gingen davon aus, dass die Strophe zum vollständigen Text dazugehört.


title: Amazing Grace

text: Einige Versionen enthalten auch folgende Strophe:


title: Amazing Grace

text: Diese wurde durch Pete Seeger und Arlo Guthrie in ihre Version des Liedes eingefügt. Sie gehört eigentlich zu dem Lied "Am I a Soldier of the Cross?" von Isaac Watts.


title: Amazing Grace

text: Zu dem Lied gibt es auch eine deutsche Nachdichtung mit dem Anfang (Titel) "Oh Gnade Gottes, Wunderbar".


title: Amazing Grace

text: Große Popularität genoss "Amazing Grace" bei beiden Parteien des Amerikanischen Bürgerkriegs sowie bei den Indianern. Den Cherokee gilt es sogar als inoffizielle Nationalhymne, haben sie doch während des berüchtigten Pfades der Tränen 1838 ihre Toten häufig aus Zeitmangel ohne große Zeremonie, sondern nur unter Absingen von "Amazing Grace" beerdigt. Das Lied wird auch heute noch häufig auf Beerdigungen oder Gedenkveranstaltungen gespielt und gesungen, so etwa 2004 anlässlich der Beisetzung des ehemaligen US-Präsidenten Ronald Reagan und 2015 anlässlich der Gedenkfeier an die Todesopfer des Anschlages in Charleston.


title: Amazing Grace

text: Obwohl das Kirchenlied von einem in den Sklavenhandel verstrickten Euroamerikaner stammte, wurde "Amazing Grace" von der afroamerikanischen Spiritual- und Gospelszene übernommen. Es wurde von den Blind Boys of Alabama genauso interpretiert wie von Mahalia Jackson, Aretha Franklin oder dem Montreal Jubiliation Gospel Choir und dem Harlem Gospel Choir. Heute zählt Amazing Grace zu den beliebtesten Kirchenliedern der Welt und wird von Angehörigen unterschiedlichster christlicher Konfessionen gesungen. Daneben gilt das Stück als Protestsong gegen die Sklaverei sowie als Hymne christlicher wie nicht-christlicher Menschenrechtsaktivisten.


title: Amazing Grace

text: In den 1960er Jahren erreichte das ursprünglich fast ausschließlich in den USA verbreitete Lied die britischen Inseln. Dort wurde "Amazing Grace" insbesondere in Dudelsackfassungen populär, auch weil sich Musiker im Zuge des Folk-Revivals verstärkt auf die traditionellen Melodien und Lieder besannen. Daher existieren zahlreiche Instrumentalfassungen insbesondere schottischer Highlanders, von denen die kommerziell wohl erfolgreichste von der Militärkapelle der Royal Scots Dragoon Guards stammt, die 1972 sogar Platz 1 der Verkaufscharts in Großbritannien war.


title: Amazing Grace

text: Bis zum Film "Alice’s Restaurant" 1969 von Arthur Penn war das Lied außerhalb von Kirchen und Folkfestivals eher unbekannt. 1972 gewann es unter dem Titel "Wie das Licht nach der Nacht", gesungen von Siegfried Fietz in freikirchlichen und evangelikalen Gemeinden große Verbreitung mit einer Textübertragung von Renate Wagner.


title: Amazing Grace

text: Im Laufe der Zeit wurde das Lied vielfach bearbeitet und von einer kaum mehr übersehbaren Vielzahl von Künstlern interpretiert. Darunter sind Meryl Streep (1983 in ihrem Film "Silkwood"), Connie Francis, Ray Price, Vera Lynn, Janis Joplin, Elvis Presley, Judy Collins, Hayley Westenra, Johnny Cash, Yes, Rod Stewart, Willie Nelson, George Jones, Groundhogs, Vicky Leandros, Lena Valaitis (1976), Helmut Lotti, Die Flippers (1991), Ireen Sheer, David Hasselhoff, André Rieu, The Priests, Céline Dion, Steve Morse, Nana Mouskouri, Charlotte Church, LeAnn Rimes sowie Katie Melua und Jessye Norman. 1985 eröffnete Joan Baez ihren Beitrag zum legendären Live-Aid-Konzert zugunsten der Hungerhilfe in Afrika mit einer Aufführung von "Amazing Grace". Mike Oldfield verwendete den Text mit neuer Melodie auf seinem Album "The Millennium Bell" und auf dem Konzert an der Berliner Siegessäule zum Jahreswechsel 1999/2000. Weiter gibt es Punk- (Dropkick-Murphys-) sowie Heavy-Metal-Versionen (Stryper). Bei der Trauerfeier für die Opfer des Anschlags in Charleston, bei dem am 17. Juni 2015 neun Afroamerikaner getötet wurden, sang US-Präsident Barack Obama das Lied. Die Hymne „Leuchte auf mein Stern Borussia“ des Fußballvereins Borussia Dortmund basiert ebenfalls auf „Amazing Grace“.


title: Amazing Grace

text: Der Song hat sich auch zu einem Jazzstandard entwickelt. Doch der Titel, den Louis Armstrong in den Jazz einführte und der vor allem bei den Marching Bands des New-Orleans-Jazz und im Dixieland häufig zu hören ist, wird im Modern Jazz selten gespielt. Hier sind Interpretationen von Herbie Mann, Archie Shepp, David Murray und Cassandra Wilson hervorzuheben. Auch Diane Schuur und Gabrielle Goodman haben den Song im Jazzkontext gesungen; der Bassist Victor Wooten hat eine Bass-Version des Titels veröffentlicht. Der Komponist Ben Johnston, ein wichtiger Vertreter der "Extended Just Intonation", gestaltete sein 4. Streichquartett "Ascent. Amazing Grace" als eine große, über zehnminütige Variation in reiner Stimmung über das Lied.


title: Amazing Grace

text: Das Lied wurde von Garth Brooks bei der Amtseinführung von Joe Biden am 20. Januar 2021 vor dem Capitol gesungen.


title: Muhammad Ahmad Mahdschub

text: Muhammad Ahmad Mahdschub (auch Muhammad Ahmad Mahgoub) (* 1908 in ad-Duwaim; † 23. Juni 1976 in Khartum) war Politiker, Anwalt und Schriftsteller. Außerdem war er Premierminister Sudans.


title: Muhammad Ahmad Mahdschub

text: Mahdschub war zuvor von Juli 1956 bis zum Militärputsch im November 1958 Außenminister Sudans. Von 1964 bis zum Mai 1965 war er erneut als Außenminister tätig. Seine erste Amtszeit als Premierminister begann am 10. Juni 1965 und dauerte bis zum 25. Juli 1966.


title: Muhammad Ahmad Mahdschub

text: Seine zweite Amtszeit war vom 18. Mai 1967 und wurde durch einen weiteren Militärputsch am 25. Mai 1969 beendet. Von 1967 bis 1968 war er zugleich zum dritten Mal als Außenminister tätig.


title: Muhammad Ahmad Mahdschub

text: Mahdschub lebte lange Zeit nach seiner politischen Karriere in London, kehrte aber später nach Sudan zurück und starb eines natürlichen Todes in seinem Haus in Khartoum.


title: Altun Ha

text: Altun Ha ist eine Ruinenstadt der Maya. Sie befindet sich etwa 45 Kilometer nördlich von Belize City in Belize und zehn Kilometer westlich des Karibischen Meeres. Es wird vermutet, dass der Name "Altun Ha" so viel wie „Wasser, das aus Felsen kommt“ bedeutet.


title: Altun Ha

text: Erste Spuren der Besiedelung in Altun Ha lassen sich bis um 1000 vor Christus nachweisen. Die Stätte besteht aus zwei Hauptplazas und insgesamt 300 nachgewiesenen Gebäuden, davon mindestens dreizehn Tempel. Der größte Teil der heute sichtbaren Bauten entstand in der sogenannten Klassischen Periode. Die relativ hohe Anzahl von Gebäuden sowie reiche Grabbeigaben weisen darauf hin, dass Altun Ha vom Handelsnetzwerk zwischen der Küste und dem Inland profitierte.


title: Altun Ha

text: Der höchste Tempel in Altun Ha ist etwa 16 Meter hoch. Zu den bedeutendsten Funden gehört ein 15 Zentimeter hoher und 4,5 Kilogramm schwerer Jadekopf, der den Sonnengott K'inich Ajaw darstellt.


title: Urška Rabič

text: Urška Rabič (* 20. März 1985 in Mojstrana) ist eine ehemalige slowenische Skirennläuferin. Ihre stärksten Disziplinen waren die Abfahrt und der Super-G sowie die Super-Kombination. Die sechsfache slowenische Meisterin startete von 2004 bis 2008 im Weltcup und fuhr dabei drei Mal unter die schnellsten 20. Von 2005 bis 2007 nahm sie auch an Weltmeisterschaften und Olympischen Spielen teil, wo sie ebenfalls in drei Wettbewerben unter die besten 20 kam.


title: Urška Rabič

text: Erstmals international auf sich aufmerksam machte Rabič 1998 mit dem Sieg im Riesenslalom des Whistler Cups. Ab der Saison 2000/2001 nahm sie an FIS-Rennen teil, zwei Jahre später gelangen ihr dabei die ersten Siege. Von 2002 bis 2005 nahm Rabič an den Juniorenweltmeisterschaften teil. Allerdings sah sie bei ihren insgesamt neun Starts nur drei Mal das Ziel: Nach einem 19. Platz in der Abfahrt 2003 erzielte sie 2004 den siebenten Rang in der Abfahrt und 2005 den sechsten Platz im Super-G. Im Jahr 2003 wurde Rabič slowenische Meisterin in der Abfahrt, im Super-G und in der Kombination. In den nächsten drei Jahren gewann sie weitere drei nationale Titel.


title: Urška Rabič

text: Ab Februar 2003 startete Rabič auch im Europacup. Dort erreichte sie von Beginn an mehrmals Platzierungen unter den besten zehn. Im Dezember 2004 gab sie in Lake Louise ihr Weltcupdebüt. Platzierungen in den Punkterängen, also unter den besten 30, blieben zunächst aber die Ausnahme. Dies änderte sich in der Saison 2006/07, als sie vermehrt punkten konnte und mit den Plätzen 12 in der Super-Kombination von Tarvis am 2. März und 18 in der Super-Kombination auf der Reiteralm am 15. Dezember ihre besten Weltcupergebnisse erzielte. Im Super-G war ihr bestes Ergebnis der 20. Platz in Tarvis am 4. März und in der Abfahrt der 24. Rang in Lake Louise am 2. Dezember.


title: Urška Rabič

text: Ab 2005 nahm Rabič auch an Weltmeisterschaften und Olympischen Spielen teil. Bei der Weltmeisterschaft 2005 in Santa Caterina wurde sie 24. in der Abfahrt und 32. im Super-G. Im Mannschaftswettbewerb belegte sie mit dem slowenischen Team den neunten und letzten Platz. Ihr einziges Ergebnis bei den Olympischen Winterspielen 2006 in Turin war der 18. Rang im Super-G. In der Abfahrt und der Kombination schied sie aus. Bei der Weltmeisterschaft 2007 in Åre belegte sie Platz 20 in der Super-Kombination, Rang 23 in der Abfahrt und Platz 24 im Super-G.


title: Urška Rabič

text: In der Saison 2007/2008 verschlechterten sich Rabičs Resultate im Vergleich zum Vorjahr deutlich und sie konnte im Weltcup nicht mehr punkten. Wegen fehlender Unterstützung durch den Slowenischen Skiverband beendete sie 2008 ihre Karriere.


title: Alt-Scharnhorst

text: Alt-Scharnhorst ist ein Stadtteil im Dortmunder Nordosten auf einer Höhe von mit 8.822 Einwohnern. Der Stadtteil wird oft in Verbindung mit der Großsiedlung Scharnhorst-Ost als "Scharnhorst" bezeichnet. Heute ist Alt-Scharnhorst ein sehr vielseitiger Stadtteil. Es gibt sowohl hochwertige Einzelhausbebauung (überwiegend am südlichen bzw. südöstlichen Ortsrand), bürgerliche Reihenhaussiedlungen, als auch Siedlungen mit erheblichen sozialen Schwierigkeiten, wie etwa die Siedlung "Wambeler Heide" im äußersten Südwesten des Stadtteils.


title: Alt-Scharnhorst

text: Scharnhorst gehört zu den 13 sozial benachteiligten Stadtteilen.


title: Alt-Scharnhorst

text: Zunächst trug dieser Statistische Unterbezirk die Bezeichnung "Scharnhorst-Alt".


title: Alt-Scharnhorst

text: Der Geschichte des heutigen Dortmunder Stadtteils Alt-Scharnhorst ist eng mit dem Bergbau verknüpft. Nachdem ab 1871 die nach General Scharnhorst benannte Zeche Scharnhorst im damals ländlichen Raum errichtet wurde, entstanden zur Unterbringung der Bergleute ab 1889 im Umfeld mehrere Zechensiedlungen. Die Bevölkerung wuchs von etwa 100 Personen im Jahr 1890 auf 5678 Personen im Jahr 1939. Ein eigener Stadtteil namens Scharnhorst entstand im Jahr 1918 bei der Eingemeindung von Brackel und Wambel nach Dortmund und umfasste die nördlich der Bahnlinie Dortmund–Hamm liegenden Gebietsteile dieser Gemeinden.


title: Alt-Scharnhorst

text: In den Jahren nach dem Zweiten Weltkrieg wurde mit Mitteln des Marshallplans die MSA-Siedlung errichtet. Ab 1954 wurden die ersten von insgesamt 800 Eigenheimen und 521 Mietwohnungen bezogen; letztendlich stieg die Einwohnerzahl auf über 11.000 Personen.


title: Alt-Scharnhorst

text: Aufgrund der großen Wohnungsnot wurde ab 1965 auf dem Gelände östlich der Flughafenstraße eine neue Großsiedlung errichtet, die als Scharnhorst-Ost (Neu-Scharnhorst) bezeichnet wird.


title: Alt-Scharnhorst

text: Struktur der Alt-Scharnhorster Bevölkerung:


title: Alt-Scharnhorst

text: Das durchschnittliche Einkommen in Alt-Scharnhorst liegt etwa 20 % unter dem Dortmunder Durchschnitt.