title: R297 (Russland)

text: Die Fernstraße R297 ist Teil des Transsibirien-Highways von St. Petersburg nach Wladiwostok.


title: Streptococcus suis

text: Streptococcus suis von lateinisch für "von einem Schwein" ist ein Bakterium aus der Gattung "Streptococcus" und verursacht die Enzootische Streptokokkenmeningitis der Schweine. "S. suis" befällt auch andere Tiere, ist auch humanpathogen und somit ein Zoonoseerreger der Risikogruppe 2. "S. suis" ist grampositiv, rundlich, unbeweglich, fakultativ anaerob und katalasenegativ. Es werden mehrere Serovare unterschieden, die zu den Lancefield-Gruppen R, S, RS und T gehören oder sich in keine Gruppe einteilen lassen. Einige Stämme zeigen β-Hämolyse auf Blutagar, alle zeigen α-Hämolyse.


title: Streptococcus suis

text: "S. suis" ist als Erreger von Zoonosen vor allem in Ländern von Bedeutung, in denen viel Schweinefleisch verzehrt wird und in denen Menschen und Schweine auf verhältnismäßig engem Raum zusammenleben. Das ist vor allem in den nicht-islamischen Ländern Südostasiens der Fall (Südchina, Indochina). In Vietnam erfreut sich "Tiết canh", eine Art Blutpudding mit frischem, ungerinnbar gemachtem Schweineblut, der als Kaltspeise gegessen wird, einer gewissen Beliebtheit. Dies führt jedes Jahr zu Infektionen mit "S. suis", die zum Teil schwer (Bakteriämie, Septikämie, Meningitis) und tödlich verlaufen. 90 Prozent aller schweren Erkrankungsfälle durch "S. suis" werden aus Asien berichtet.


title: Streptococcus suis

text: Die Tonsillen können auch bei klinisch gesunden Schweinen befallen sein. Der Nachweis kann molekularbiologisch mittels PCR erfolgen. Biochemische Tests sollten stets durch serologische Prüfungen abgesichert werden. Der serologische Nachweis kann mittels ELISA erfolgen.


title: Alois Prebeck

text: Alois Prebeck (* 15. Juni 1904 in Nieder-Walting, Bezirk Straubing; † unbekannt) war ein deutscher Jurist.


title: Alois Prebeck

text: An der Universität München studierte er von 1928 bis 1932 das Fach der Rechtswissenschaften. Er erlangte die Promotion zum Dr. jur. Am 1. Mai 1933 wurde er Mitglied in der NSDAP. Innerhalb der NSDAP nahm er Aufgaben als Blockleiter wahr. Mitglied der SA war er in den Jahren 1934 und 1935.


title: Alois Prebeck

text: Im Jahre 1941 wurde er vom Landgericht Regensburg an das deutsche Landesgericht in Prag versetzt. In Prag verrichtete er seinen Dienst im Rang eines Gerichtsassessors. Im Jahre 1942 wurde er zum Landgerichtsrat befördert.


title: Alois Prebeck

text: Am Landgericht Prag war er als Staatsanwalt beim Sondergericht Prag tätig. Dort war er an mehreren Todesurteilen beteiligt. Nach dem Kriege versah er seinen Dienst als Amtsgerichtsrat am Amtsgericht in Amberg. In der Tschechoslowakei wurde er nach dem Kriege als Kriegsverbrecher unter der Kennzeichnung Nr. A-38/85 gesucht.


title: Alois Prebeck

text: International wurde er auf dem "Alphabetic index of war criminals" der United Nations War Crimes Commission aufgeführt.


title: Pierre Daumesnil

text: Pierre Yriex Daumesnil (* 14. Juli 1776 in Périgueux; † 17. August 1832) war ein französischer General.


title: Pierre Daumesnil

text: Daumesnil diente zunächst als Soldat in der Armee Napoleon Bonapartes und stieg dort bis zum Général de brigade auf. In der Schlacht bei Wagram verlor er ein Bein, das durch eine hölzerne Prothese ersetzt wurde und ihm den Beinamen "jambe de bois" (dt. „Holzbein“) einbrachte. Als Kommandant von Vincennes verteidigte er während des Sechsten Koalitionskrieges beim Marsch der Armeen der Koalition erfolgreich das Fort der Stadt.


title: Pierre Daumesnil

text: Am 27. Februar 1831 wurde ihm von König Louis-Philippe I. der Titel Lieutenant-général verliehen.


title: Pierre Daumesnil

text: Sein Name ist am Triumphbogen in Paris in der 8. Spalte eingetragen. Heute erinnert eine überlebensgroße Statue vor dem Rathaus von Vincennes an den General.


title: Stefan Zinnow

text: Stefan Zinnow (* 28. Mai 1980 in Weinheim) ist ein ehemaliger deutscher Fußballspieler.


title: Stefan Zinnow

text: Nach den Jugendstationen FV 09 Weinheim und SV Waldhof Mannheim wechselte Zinnow als 18-Jähriger zu Eintracht Frankfurt. Gegen Ende der Saison 1998/99 machte er sein erstes Bundesligaspiel für die SGE, als er am 4. April 1999 beim 1:0-Sieg gegen den VfL Bochum eingewechselt wurde. Die folgenden zwei Jahre spielte er überwiegend für die Amateurmannschaft der Eintracht in der Oberliga Hessen.


title: Stefan Zinnow

text: Im Sommer 2001 wechselte Zinnow zum SV Waldhof Mannheim in die 2. Bundesliga. 2003 ging er zum VfB Lübeck, 2004 zum SV Wehen. Ab 2006 spielte er bei der SV Elversberg in der Regionalliga Süd. Im Sommer 2008 schloss er sich den Offenbacher Kickers an. Nach zwei Jahren am Bieberer Berg wechselte er zur Saison 2010/11 zum SV Sandhausen. In der Sommerpause 2011 trat er vom Profifußball zurück, löste seinen Vertrag beim SV Sandhausen auf und wechselte in die hessische Verbandsliga zu den Kickers Obertshausen.


title: Wilhelm Ritter (Maler)

text: Wilhelm Ritter (* 24. August 1860 in Nürnberg; † 1948 in Eschenbach bei Hersbruck, Mittelfranken) war ein deutscher Maler und Radierer.


title: Wilhelm Ritter (Maler)

text: Wilhelm Ritter ist der zweitgeborene Sohn des Nürnberger Malers Lorenz Ritter und erlernte die Malerei durch diesen und seinen Onkel, Paul Ritter. Er studierte Malerei und Zeichnen an der Kunstgewerbeschule Nürnberg bei Friedrich Carl Mayer und Carl Jäger, und den Kunstakademien in München und Karlsruhe bei Gustav Schönleber. Mit seinem Karlsruher Lehrer machte er einige Studienreisen nach Oberitalien. Später bereiste er u. a. die Niederlande, Österreich und Südtirol.


title: Wilhelm Ritter (Maler)

text: Ritter führte den historistisch-spätromantischen Stil seines Vaters und seines Onkels weiter. Er malte in Öl und Aquarell. Bekannt wurde er insbesondere durch sein 10 × 15 Meter großes Monumentalgemälde „Der Marktplatz zu Nürnberg“, das auf der Weltausstellung in Chicago 1893 den Stand der Nürnberg-Fürther Industri schmückte. Sein Vater Lorenz fertigte nach dem Bild einen Kupferstich. Wilhelm Ritter reiste selbst zur Weltausstellung nach Chicago. In seinem Spätwerk zeigt er sich stilistisch vom Impressionismus beeinflusst.


title: Wilhelm Ritter (Maler)

text: Zwei seiner Brüder, die beide jung verstarben, Paul Ritter der Jüngere (1859–1888) und Fritz Ritter (1868–1888), waren ebenfalls als Künstler tätig.


title: Wilhelm Ritter (Maler)

text: Anlässlich des 100. Todestags seines Onkels Paul wurde er 2007 gemeinsam mit der Künstlerfamilie von der Gemälde- und Skulpturensammlung der Stadt Nürnberg durch eine Ausstellung im Museum Industriekultur gewürdigt.


title: Henry Hoek

text: Henry William Hoek (, * 17. März 1878 in Davos; † 20. November 1951 in Vaduz) war ein deutscher Geologe, Meteorologe, Bergsteiger, Skifahrer und Schriftsteller. 1901 gewann er als erster Deutscher die deutschen Skimeisterschaften im Langlauf. Er gilt als Skipionier, der mehrere Berge der Alpen als Erster mit Skiern bestieg. Zudem verfasste er zahlreiche einflussreiche Bücher über das Skilaufen und das Bergsteigen.


title: Henry Hoek

text: Als Sohn des am holländischen Königshof tätigen Bankiers Isaac Hermann Jakob Hoek und der Irin Mary Bulkley besuchte Henry Hoek seit 1891 das Berthold-Gymnasium in Freiburg im Breisgau, wurde deutscher Staatsbürger und begann 1896 ebendort ein Studium der Geologie. Nach dem Abschluss des Studiums mit einer Dissertation über das Plessurgebirge verlor er im Zusammenhang mit der weltweiten Wirtschaftskrise sein gesamtes Vermögen. Später widmete er sich ganz dem Schreiben und dem Skifahren. Er gehörte zu den Pionieren des hochalpinen Skilaufs und gewann, nachdem er bei der ersten deutschen Meisterschaft im Skilanglauf auf dem Feldberg noch den dritten Rang belegt hatte, 1901 die 2. Deutsche Skimeisterschaft – als erster Deutscher bei einem international besetzten Teilnehmerfeld. In der Disziplin Dauerlauf (Langlauf) benötigte Hoek für die 23 km lange Strecke vom Belchen zum Feldberg 3:08 Stunden. Er war als Erster im Winter mit Skiern auf dem Finsteraarhorn, Mönch, Dammastock, Strahlhorn und Wetterhorn. Daneben eröffnete er diverse Routen im Gebiet der Aroser Dolomiten. Im Jahre 1908 veröffentlichte er den ersten Skiführer der Welt mit dem Titel: "Skifahrten im südlichen Schwarzwald". Es folgten Tourenführer über das Davos-Parsenngebiet und die Lenzerheide sowie Wanderführer über das Davosertal, Zermatt und das Engadin. Einer seiner Freunde Alfred Graber der bekannte Schriftsteller und Bergsteiger würdigte ihn daher mit dem Prädikat Wintervater der Lenzerheide. Wiederholt unternahm er Forschungsreisen in die bolivianischen Anden bei La Paz. Während des Ersten Weltkriegs leistete er als Leutnant Wetterdienst unter anderem am Feldberg. Zwischen den beiden Weltkriegen war er – nun in Davos – Korrespondent der Frankfurter Zeitung.


title: Henry Hoek

text: Hoek gehört zu den einflussreichsten Alpinschriftstellern seiner Zeit. Er schilderte das Bergsteigen als eine romantische Wanderung nach einem unerreichbaren Ziele, die nichts anderes als umgesetzte Erotik bedeutete. Seine Sammlung "Wege und Weggenossen" (1919) widmete er „jenen Frauen, die ich begehrt und die mich nicht geliebt haben. Alles Streben in die Ferne, alles Wandern in die Fremde ist unerlöste Sehnsucht nach dem Weibe. Hätte ich mehr geliebt, so wäre ich weniger gewandert.“ Hoek gilt ob solcher Äußerungen als „quasi der Chef-Erotiker unter den Alpinisten des deutschsprachigen Raums.“ Als Motto wählte sich Hoek den Spruch „Der Weg ist das Ziel.“ Ihm zu Ehren ist der Hoek-Gletscher in der Antarktis benannt.zahlreiche Artikel in folgenden Periodika (Zeitschriften):


title: Der Gefängnisarzt oder Die Vaterlosen

text: Der Gefängnisarzt oder Die Vaterlosen ist ein Roman in vier Teilen von Ernst Weiß, der 1934 bei Julius Kittels Nachf. in Mährisch-Ostrau erschien. Nach dem Kriege wurde das Werk 1969 bei Claassen in Hamburg verlegt.


title: Der Gefängnisarzt oder Die Vaterlosen

text: Vaterlos sind nicht nur die Brüder Konrad und Rudolf D. durch den Ersten Weltkrieg geworden. Entwurzelt sind auch die spiel- und kokainsüchtigen Kunden in Chiffons Casino.


title: Der Gefängnisarzt oder Die Vaterlosen

text: Der Roman handelt 1918 und 1926 in der großen ostdeutschen Stadt B. und dann noch in Prag. Mit B. könnte Breslau gemeint sein.


title: Der Gefängnisarzt oder Die Vaterlosen

text: 1926 heiraten Manfred von G. und Vera. Seit Jahren duldet die Polizei den Rauschgifthandel des Spielbankbesitzers Manfred, genannt Chiffon. Denn Chiffon ist ein bewährter Polizeispitzel. Im Oktober 1923 zum Beispiel, nach dem Raubmord an dem Makler und Kriegsspekulanten Jakob Zollikofer, genannt Rosenfinger, hatte Chiffon der Polizei mitgeteilt, Rudolf D. sei des Mordes verdächtig. Im November 1918 hatte Chiffon im Hause des Opfers Rudolf kennengelernt. So weit reicht auch der Hass Chiffons gegen Rudolf zurück. Chiffons Gattin Vera liebt Rudolf immer noch.


title: Der Gefängnisarzt oder Die Vaterlosen

text: Chiffon liefert Rudolf aus. Während der Polizeiaktion zur Festnahme des Denunzierten erschießt Rudolf aber den Polizisten Max Birkholz und verletzt einen zweiten Polizisten. Rudolf gelingt die Flucht, weil sich Vera in der Schusslinie zwischen dem Flüchtling und dem Polizeibeamten Steffie aufhält. Immerhin rettet Vera dem zweiten Polizisten das Leben. Steffie war der Jiu-Jitsu-Lehrer Rudolfs.


title: Der Gefängnisarzt oder Die Vaterlosen

text: Der Gefängnisarzt Dr. Konrad D. liebt seinen Bruder Rudolf über alle Maßen. Das Buch kann direkt gelesen werden als Exempel unerwiderter Bruderliebe. Konrad versucht das Menschenmögliche, um Rudolf zu helfen. Der Gefängnisdirektor Peter von Ohr legt aber seinem Untergebenen nahe, bei so einem Bruder den Geburtsnamen seiner Frau Flossie anzunehmen und die Stadt zeitweise zu verlassen. Konrad bleibt.


title: Der Gefängnisarzt oder Die Vaterlosen

text: Rudolf taucht nachts wieder in Chiffons Spielbank auf und geht mit dem Besitzer nicht zimperlich um. Vera, die einen Raubüberfall vermutet und nicht weiß, dass der Eindringling der Geliebte ist, alarmiert die Polizei. Rudolf landet im Gefängnis. Die Stadt B. ist für Chiffon ein zu heißes Pflaster geworden, denn die Polizeidirektion wurde personell verändert. Bei diesem Kehraus fiel Chiffons Gönner Steffie in Ungnade. Chiffon flieht mit Vera ins Ausland. Rückblende: Am 17. November 1918, sechs Tage nach dem Waffenstillstand, wird Oberleutnant Ludwig D., der heimkehrende Vater Rudolfs und Konrads, auf dem Marsch durch ein Dorf von einem 9-jährigen belgischen Mädchen aus dem Hinterhalt erschossen. Regimentskamerad Hauptmann Peter von Ohr steht dem unehrenhaft Gefallenen in seinen letzten Minuten bei, lässt ihn in belgischer Erde bestatten und überbringt Konrad nach der eigenen Heimkehr die Todesnachricht. Von Ohr wird Gefängnisdirektor in B. Konrad, als neues Familienoberhaupt, sattelt notgedrungen um. Er wird Mediziner und erhält die Stelle des Arztes in v. Ohrs Gefängnis. Konrad nimmt eine Vertrauensstellung ein. Die meiste Arbeitszeit investiert der schlecht dotierte Herr Gefängnisarzt und Gerichtsgutachter in diffizile forensische Gutachten. Als Rudolf am 17. Juni 1926 um vier Uhr morgens bei Chiffon verhaftet und ins Untersuchungs- und Strafgefängnis B. eingeliefert wird, dauert es nicht lange, da erneuert Direktor v. Ohr seine Forderung: Konrad, durch den Bruder gesellschaftlich endgültig isoliert, ist als Amtsarzt in seiner Stellung in B. untragbar geworden und muss die Stadt unbedingt verlassen. Konrad bleibt wiederum. Rudolf ist kokainsüchtig und muss im Gefängnis ein Entziehungskur machen. Konrads Frau Flossie möchte, dass sich ihr Gatte von dem Bruder, diesem abgefeimten Polizistenmörder, lossagt. Konrad, unbeirrt – ja geradezu borniert – hilft Rudolf, die Entziehungskur zu überstehen und pariert die Suggestivfragen des hartnäckigen Untersuchungsrichters zu seinem inhaftierten Bruder mit Bravour. Für Konrad ist Rudolf kein Mörder. Der tödliche Schuss auf den Polizisten geschah in "halluzinatorischer Sinnesverwirrung" unter Kokain. Flossie hält die blinde Bruderliebe des Gatten nicht länger aus und verlässt mit der kleinen Tochter Ottegebe das Haus. Konrad, der stark mit dem Bruder beschäftigte Doktor, der allein gelassene Gatte, sucht seine Frau telefonisch vergeblich. Flossie ist mit dem Kind in das Sanatorium zu Konrads Mutter Lucie geflüchtet. Die Großmutter Ottegebes, nach dem Tode des Gatten Ludwig zunehmend depressiv, wird dort seit drei Jahren behandelt. Für Lucie, die den Sohn Rudolf abgöttisch liebt, erweist sich die quirlige Enkeltochter Ottegebe als die wirksamste Medizin gegen Depression. Es geht mit der Mutter gesundheitlich aufwärts.


title: Der Gefängnisarzt oder Die Vaterlosen

text: Steffie wird verhaftet. Den Mord an Rosenfinger hält er für unerheblich: Vor Verdun seien schließlich Hunderttausende gefallen, erinnert er. Die Polizei ist Chiffon auf der Spur. Er hält sich mit Vera in Prag auf und wird verhaftet, nachdem er Schmuck veräußern wollte.


title: Der Gefängnisarzt oder Die Vaterlosen

text: Das Happyend: Die zum zweiten Mal schwangere Flossie kehrt als treu liebende Frau zu Konrad zurück. Das Ehepaar will sich um Rudolf, der Rosenfinger erwiesenermaßen nicht ermordet hat, kümmern. Man hofft auf ein mildes Urteil. Dass Rudolf – zwar unter Kokain – aber doch einen Polizisten ermordet hat, ist am Romanende vergessen.


title: Der Gefängnisarzt oder Die Vaterlosen

text: Obwohl ab der ersten Seite des Romans ein kapitaler Mord aufzuklären ist, wird dieser Faden fallen gelassen. Es wird am Romanende lediglich angedeutet, dass der Polizeibeamte Steffie den Makler Rosenfinger ermordete und Chiffon sich der Mitwisserschaft schuldig machte; höchstwahrscheinlich sogar Tatzeuge war. Es geht weder um Verdächtige noch um Opfer und Mörder. Der Roman ist vielmehr die breit angelegte Geschichte der Familie D. Daneben werden noch die gerissenen Betrügereien des Gaunerpaares Chiffon und Vera geschildert.Quelle Sekundärliteratur


title: Institut für molekulare Pathogenese

text: Das Institut für molekulare Pathogenese (IMP) ist eine Forschungseinrichtung der Bundesrepublik Deutschland, die als Außenstelle in Jena Teil der rechtlich selbstständigen Bundesoberbehörde Friedrich-Loeffler-Institut ist. Das Institut betreibt in erster Linie Ressortforschung für das Bundesministerium für Ernährung, Landwirtschaft und Verbraucherschutz. Die Forschungsaufgaben des IMP liegen im Gebiet der Veterinärmedizin.


title: Institut für molekulare Pathogenese

text: Das Institut für molekulare Pathogenese und das ebenfalls in Jena ansässige Institut für bakterielle Infektionen und Zoonosen (IBIZ) gehen zurück auf das am 1. Juli 1954 gegründete „Institut für bakterielle Tierseuchenforschung“ (ITSF) der ehemaligen Deutschen Akademie der Landwirtschaftswissenschaften der DDR. Ende der 1950er Jahre wurde mit dem Bau neuer Gebäude für das ITSF am heutigen Standort in Jena-Zwätzen begonnen. Eine Stärke des ITSF bestand darin, die Vertreter der verschiedenen Disziplinen (Tierärzte, Chemiker, Physiker, Biologen, Landwirte) bei der Bearbeitung der Forschungsaufgaben zusammenzuführen.


title: Institut für molekulare Pathogenese

text: Die politische Wende und die deutsche Wiedervereinigung stellten auch für das Jenaer Institut einen entscheidenden Einschnitt dar. Aufgrund einer Empfehlung des Wissenschaftsrats wurde die Einrichtung ab 1. Januar 1992 als Fachbereich „Bakterielle Tierseuchen und Bekämpfung von Zoonosen“ in das Institut für Veterinärmedizin (Robert von Ostertag-Institut) des Bundesgesundheitsamtes übernommen. Nach der Auflösung des Bundesgesundheitsamtes war das Institut in Jena von 1994 an Teil des seinerzeit neu gegründeten Bundesinstituts für gesundheitlichen Verbraucherschutz und Veterinärmedizin (BgVV). Dieses wurde im November 2002 aufgelöst.


title: Institut für molekulare Pathogenese

text: Auch nach der im November 2002 erfolgten Eingliederung als Standort Jena in die „Bundesforschungsanstalt für Viruskrankheiten der Tiere“ (BFAV) konnten wesentliche Teile der angestammten Arbeitsfelder fortgeführt werden. Daneben wurden in verstärktem Maße an aktuellen Problemen orientierte Forschungsprojekte in Angriff genommen und neue Labormethoden eingearbeitet.


title: Institut für molekulare Pathogenese

text: Die Bundesforschungsanstalt BFAV wurde 2004 umbenannt in „Friedrich-Loeffler-Institut“ (FLI) mit der Zusatzbezeichnung „Bundesforschungsinstitut für Tiergesundheit“.


title: Institut für molekulare Pathogenese

text: Das IMP wurde im Jahre 2005 grundlegend reorganisiert. Schwerpunktthemen der durchgeführten Forschungs- und Referenztätigkeiten stellen nunmehr Mykobakterien- und Campylobacter-Infektionen dar.


title: Institut für molekulare Pathogenese

text: Im Mittelpunkt der Forschungstätigkeit der Arbeitsgruppen im IMP stehen wissenschaftliche Untersuchungen zu Wechselwirkungen zwischen Infektionserregern und Wirtsorganismen (Erreger-Wirt-Interaktionen) bei der Entstehung und Verbreitung verschiedener Infektionskrankheiten der Tiere. Dies betrifft nicht nur die oben genannten Schwerpunktthemen, sondern weitere Tierkrankheiten mit zoonotischem Potenzial oder großer ökonomischer Relevanz (zum Beispiel Salmonellen, Chlamydien, Mykoplasmen- oder virale Infektionen). Die Grundlage der wissenschaftlichen Kompetenz des Instituts bilden die auf den Gebieten der Immunologie (Schwerpunkt Geflügel), Pathologie/Histologie, sowie Klinische Physiologie/Pathophysiologie tätigen Arbeitsgruppen unter Einbeziehung einer soliden tierexperimentelle Basis.


title: Institut für molekulare Pathogenese

text: Die erzielten Ergebnisse dienen der Bekämpfung dieser Erkrankungen mit dem Ziel der Schaffung gesunder Tierbestände als Basis für die Erzeugung hochwertiger und gesundheitlich unbedenklicher Lebensmittel.


title: Institut für molekulare Pathogenese

text: Von den Nationalen Referenzlaboratorien (NRL) werden umfangreiche hoheitliche Aufgaben im Sinne der Überwachung sowie der Verbesserung der Diagnostik von anzeigepflichtigen Tierseuchen, meldepflichtigen Tierkrankheiten und Zoonosen wahrgenommen.


title: Institut für molekulare Pathogenese

text: Dem Institut für molekulare Pathogenese sind folgende Nationale Referenzlaboratorien zugeordnet:


title: Donga-Kampf

text: Der Donga-Kampf ist ein Ritual des Surma-Volkes in Äthiopien und im angrenzenden Südsudan.


title: Donga-Kampf

text: Der Donga-Kampf dient einerseits als Sport und Mannbarkeitsritual, andererseits werden damit auch ernsthafte Konflikte ausgetragen. Bei einem Donga-Kampf werden die empfindlichen Körperteile in Gras oder heute auch in allerlei Helme und Schütze aus Zivilisationsabfällen gehüllt, meist jedoch werden die Hände und Ellbogen durch schmale Schilde aus geflochtenem Gras geschützt.


title: Donga-Kampf

text: Mit einem zwei bis drei Meter langen Stock versuchen die Kombattanten, dem Gegner durch Schläge blutige Treffer am Kopf oder an den Beinen zuzufügen oder ihn durch Hebel zur Aufgabe zu zwingen. Ein Gegner, der am Boden liegt, darf nicht mehr geschlagen werden. Wenn der Anlass des Kampfes sportlicher Natur und nicht Streit ist, stehen sich Mann um Mann solange im Zweikampf gegenüber, bis zuletzt nur noch die zwei besten den Sieg unter sich ausmachen. Oft nehmen bis zu 50 Männer an den Zweikämpfen teil. Neulinge, die bereits zu Beginn ausscheiden, werden innerhalb ihres Volkes trotzdem als mutige Krieger anerkannt.


title: Donga-Kampf

text: Darüber, dass ein Kampf nicht tödlich ausgeht, wachen ein Schiedsrichter und die versammelte Männergemeinschaft. Harte Strafen erwarten einen Mann, der seinen Gegner tötet. Die Strafe zieht den Verlust seines ganzen Besitzes sowie die Verbannung des überlebenden Kontrahenten und seiner gesamten Familie nach sich. Todesfälle kommen manchmal vor, Knochenbrüche und Verlust von Körperteilen wie etwa Augen und Fingern sind jedoch häufiger.


title: Donga-Kampf

text: Das Ritual des Donga-Kampfes hat zwei praktische Hintergründe: Zum einen können junge Männer so ihren Aggressionen freien Lauf lassen, ohne den überlebenswichtigen Gruppenfrieden zu gefährden, zum anderen dient der Kampf der Brautwerbung. Vor allem in Monaten nach der Ernte, wenn Nahrung im Überfluss vorhanden und nicht viel Arbeit zu verrichten ist, sind Donga-Kämpfe häufig. Oft treffen sich zwei Dorfgemeinschaften und kämpfen gegeneinander. An den Vorbereitungen für einen Donga-Kampf nimmt jeweils das ganze Dorf teil. Die jungen Männer trainieren schon Tage zuvor und stacheln sich gegenseitig zu Kampfbereitschaft an.


title: Donga-Kampf

text: Die Frauen – vor allem die jungen – putzen sich heraus und schmücken sich, denn der Donga-Kampf dient für junge Leute explizit zum Flirten, ein Grund, wieso die jungen Männer zu Höchstleistungen angespornt werden. Vor dem Kampf mischen die Männer das Holz eines Baumes mit Flusswasser und trinken so viel davon, bis sie erbrechen. Dies dient dazu, den Körper vom Geso (einem dickflüssigen, alkoholischen Mais-Getränk) zu reinigen, das während der Vorbereitungen in großen Mengen konsumiert wird. Danach wird Tierblut getrunken und das ganze Dorf zieht los, bis es am verabredeten Treffpunkt, meist einer Grasebene, auf die Leute des anderen Dorfes trifft. Die jungen bis mittelalten Männer bilden einen großen Kreis, in dessen Inneren manchmal bis zu zehn Kontrahenten gleichzeitig gegeneinander kämpfen, während sie von den anderen angefeuert werden.


title: Donga-Kampf

text: Für die verheirateten Frauen ist ein Donga-Kampf eine Gelegenheit, um Frauen aus anderen Dörfern zu treffen, Neuigkeiten auszutauschen und Geso zu verkaufen. Die jüngeren versuchen, sich aus den Kämpfern einen zukünftigen Ehemann auszusuchen. Die Auswahl ihres zukünftigen Gatten bestimmt eine Surma-Frau selbst. Buhlen Männer in den Donga-Kämpfen um ihre Gunst, entscheidet ihr Handzeichen darüber, ob der Sieger ihr Bräutigam wird oder ob ein weiterer Anwärter um sie kämpfen soll.


title: ACOnet

text: Das ACOnet ("Austrian Academic Computer Network") ist ein Hochleistungsnetz für Wissenschaft und Forschung bzw. forschungsnahe Einrichtungen in Österreich, das seit 1992 vom Zentralen Informatikdienst der Universität Wien betrieben wird.


title: ACOnet

text: Der Verein wurde 1986 gegründet, 1990 erhält die Universität Wien erstmals einen Anschluss an das Internet. In der zweiten Jahreshälfte 1990 wird eine gemeinsame, herstellerunabhängige Kommunikations-Infrastruktur für das ACOnet errichtet, in dem das ACOnet die erste Stufe eines privaten X.25 Netzes ist, das Universitäten in Wien, Graz, Leoben, Klagenfurt, Innsbruck, Salzburg und Linz miteinander in einem Ring verbindet.


title: ACOnet

text: Im Jahr 1992 folgte die Umstellung von einem X.25-Rechnernetz auf ein Internet-Protocol-Rechnernetz, dessen Kern aus einem Backbone-Dreieck mit Standorten in Wien, Graz und Linz bestand. Weitere Universitäten wurden an diese Knotenpunkte angeschlossen, um Zugang zum ACOnet zu erlangen.


title: ACOnet

text: Der steigende Bandbreitenbedarf veranlasste das ACOnet allerdings dazu 1994 auf ein Metropolitan Area Network und 1996 auf einen ATM-Backbone umzusteigen.


title: ACOnet

text: Das ACOnet verbindet Hochschulen und Forschungseinrichtungen im Internet miteinander. Betrieben wird das Netzwerk auf einem wellenlängen-transparenten Glasfaser-Backbone vom Zentralen Informatikdienst der Universität Wien. Die verwendete DWDM-Technologie ermöglicht mehrere Übertragungskanäle pro Strecke, die mit 10 oder 100 Gbit/s betrieben werden können. Anschlusspunkte befinden sich in Wien, Linz, Salzburg, Innsbruck, Dornbirn, Klagenfurt, Leoben, Graz und Eisenstadt. 2009 kamen außerdem Anschlussmöglichkeiten in St. Pölten und Krems an der Donau dazu.


title: ACOnet

text: Am 11. März 2011 wurde IPv6 aus dem Pilotbetrieb in den Regelbetrieb überführt und wird seit 2011 als Standardprodukt angeboten.


title: Alimbeg Borissowitsch Bestajew

text: Alimbeg Borissowitsch Bestajew (, ossetisch / , * 15. August 1936 in Zchinwali; † 1988) war ein sowjetischer Ringer. Er war Weltmeister 1957 und Gewinner der Silbermedaille bei den Olympischen Spielen 1956 in Melbourne im freien Stil im Leichtgewicht.


title: Alimbeg Borissowitsch Bestajew

text: Alimbeg Bestajew wuchs in "Ordschonikidse" (heute Wladikawkas) auf und war Ossete. Er begann in Ordschonikidse mit dem Ringen und gehörte schon im Juniorenalter zu den besten sowjetischen Ringern im freien Stil. 1953 wurde er Juniorenmeister der größten Sowjetrepublik, der RSFSR, die im Wesentlichen mit dem heutigen Russland identisch war und 1954 wurde er Juniorenmeister der Sowjetunion.


title: Alimbeg Borissowitsch Bestajew

text: 1955 vertrat Alimbeg Bestajew, nachdem er in diesem Jahre erstmals sowjetischer Meister vor I. Dadaschew und Gabarajew geworden war, die Sowjetunion bei den Weltfestspielen der Jugend in Warschau und belegte dort den hervorragenden 2. Platz im Leichtgewicht hinter dem Polen Jan Kuczynski. Auch 1956 gelangen ihm zwei große Erfolge bei internationalen Meisterschaften. Zunächst siegte er beim World-Cup in Istanbul im Leichtgewicht und dann gewann er bei den Olympischen Spielen des gleichen Jahres in Melbourne die Bronzemedaille im Leichtgewicht. Er unterlag dabei gegen die damaligen Spitzenringer Shigeru Kasahara aus Japan und Imam-Ali Habibi aus dem Iran.


title: Alimbeg Borissowitsch Bestajew

text: Im Jahr 1957 gelang ihm dann in Istanbul mit dem Gewinn des Weltmeistertitels im Leichtgewicht der größte Erfolg seiner Ringerlaufbahn. Er blieb dort in fünf Kämpfen ungeschlagen. Drei Siege und zwei unentschieden verlaufene Kämpfe gegen Musa Aliew aus Bulgarien und Hayrullah Sahin aus der Türkei brachten Alimbek Bestajew diesen Sieg.


title: Alimbeg Borissowitsch Bestajew

text: Dieser Sieg beendete aber schon die kurze, aber sehr erfolgreiche internationale Ringerlaufbahn von Alimbeg Bestajew. In der Sowjetunion war ihm nämlich 1958 in Wladimir Sinjawski ein Konkurrent erwachsen, den er nicht besiegen konnte und der in den Folgejahren die Sowjetunion bei den internationalen Meisterschaften vertrat.


title: Alimbeg Borissowitsch Bestajew

text: Alimbeg Bestajew wurde 1962 noch einmal sowjetischer Vizemeister im Leichtgewicht. Er hatte als Armeeangehöriger aber schon lange vorher ein Sportstudium am Militärinstitut des Sports in Leningrad begonnen, das er 1959 abschloss. Im Anschluss daran arbeitete er bis zu seinem frühen Tode als Ringertrainer.


title: Alimbeg Borissowitsch Bestajew

text: In der Sowjetunion hatte Bestajew die damals üblichen Ehrentitel Verdienter Meister des Sports und Verdienter Trainer des Sports erhalten.


title: Große Achatschnecke

text: Die Große Achatschnecke ("Lissachatina fulica" syn. "Achatina fulica"), auch Ostafrikanische Riesenschnecke genannt, gehört zu den Afrikanischen Riesenschnecken, einer Familie der Landlungenschnecken. Mit einer Gehäuselänge von bis zu 20 cm und einer Körperlänge von bis zu 30 cm ist sie eine der größten Landschnecken der Welt.


title: Große Achatschnecke

text: Das Gehäuse ist in der Grundfarbe braun bis hornfarben und trägt zahlreiche Streifen, die die Zuwachslinien markieren. Unter den Achatschnecken variiert die Gehäusefärbung der Großen Achatschnecke am deutlichsten. So kommen sowohl gestreifte, gefleckte, als auch dunkelbraune und fast schwarze Häuser vor. In Achatschneckenforen werden fünf bis sieben Farbvarianten beschrieben. Die Gehäuseform ist konisch, in der Regel rechtsgewunden und spitz zulaufend. Die durchschnittliche Länge des Gehäuses, gemessen vom Apex bis zur Gehäuseöffnung, liegt zwischen 10 und 12 cm, es konnten aber auch Exemplare mit einer Gehäuselänge von bis zu 20 cm gefunden werden. Bei einer Gehäuselänge von 12 cm hat das Gehäuse einen Durchmesser von ungefähr 5 cm. Der Weichkörper ist hell- bis dunkelbraun und weist einen dunkleren Aalstrich auf.


title: Große Achatschnecke

text: Die Große Achatschnecke ist ein Omnivor (Allesfresser). Sie ernährt sich in der Natur überwiegend pflanzlich, nimmt aber auch zur Verfügung stehende tierische Proteine in Form von Aas auf. Meistens nimmt sie Gemüse und Obst mit wenig Säure zu sich, aber oft werden auch Blätter von Bäumen, Büschen und kleineren Pflanzen gefressen.


title: Große Achatschnecke

text: "Lissachatina fulica" ernährt sich mit Hilfe einer Raspelzunge, der Radula. Die mit tausenden kleinen Zähnen besetzte Zunge dient zur Aufnahme und Zerkleinerung der Nahrung. Mit der Radula raspelt die Schnecke kleine Stücke der Nahrung ab. Danach führt sie diese in den Schlund. Eine Vorverdauung wird dort mit großen Speicheldrüsen durchgeführt. Anschließend wandert die Nahrung weiter in den Körper zur Mitteldarmdrüse, einem relativ großen Organ der Schnecke. Die Mitteldarmdrüse produziert Verdauungssekrete und speichert die Nährstoffe, die aus der Nahrung gewonnen werden konnten. Weiterhin findet dort durch besondere Zellen die Verdauung statt und andere Zellen speichern den Kalk. Kalk ist ein wichtiger Bestandteil der Nahrung der Schnecke. Er wird zum Aufbau und zur Erhaltung des Gehäuses sowie für die Produktion der Eier benötigt.


title: Große Achatschnecke

text: Die Großen Achatschnecken sind Hermaphroditen, sie besitzen sowohl ein männliches als auch ein weibliches Geschlechtsorgan. Die Tiere können sich mit jeder geschlechtsreifen Schnecke ihrer Art fortpflanzen. Bei geringen Populationsdichten ist zur Erhaltung der Art auch Selbstbefruchtung möglich, was aber nur sehr selten vorkommt. Die Paarung findet meist in der Nacht statt und kann sich über mehrere Stunden hinziehen. Paarungsbereite Schnecken berühren sich vor dem Geschlechtsakt längere Zeit gegenseitig mit dem Kopf und den Fühlern. Anschließend werden die Geschlechtsteile, welche sich rechts hinter dem Kopf befinden, ausgefahren und in den Partner eingeführt. Bei der Paarung zweier Schnecken der gleichen Größe kommt es zu einer bilateralen Befruchtung. Es werden also beide Tiere befruchtet. Wenn die Schnecken jedoch deutliche Größenunterschiede aufweisen, dann fungiert nur die Größere als Weibchen. Dies trägt der Tatsache Rechnung, dass die Entwicklung der Eier viel Platz und Energie beansprucht. Die Schnecke kann die Spermien bis zu zwei Jahre lang speichern und sich so die Zeit mit den besten Bedingungen zur Entwicklung ihrer Eier wählen.


title: Große Achatschnecke

text: 2 bis 3 Wochen nach der Befruchtung gräbt die "Lissachatina fulica" eine Erdhöhle und legt dort ihre Eier ab. Die Gelegegröße kann je nach Größe, Alter und körperlicher Verfassung zwischen 100 und 500 Eiern variieren. Nach weiteren 2 bis 4 Wochen schlüpft aus dem 4 mm großen Ei eine Schnecke, deren Gehäusegröße ungefähr der Größe ihres Eies entspricht.


title: Große Achatschnecke

text: Als Hauptverbreitungsgebiete gelten Ost Afrika, auf dem Indischen Subkontinent, Südost-Asien, Ozeanien und die Karibik, seit 2008 auch Brasilien.


title: Große Achatschnecke

text: Das ursprüngliche Verbreitungsgebiet der Achatschnecke liegt an der Ostküste Afrikas. Am weitesten ist sie in Kenia und Tansania verbreitet. Auch auf Madagaskar gibt es viele geeignete Lebensräume für diese Art. Sie bewohnt viele Gebiete, in denen es tropischen Regenwald gibt und die Luftfeuchtigkeit sehr hoch ist. In Blumengärten und auf landwirtschaftlich genutzten Flächen ist sie in großen Mengen zu finden. Mittlerweile wurde sie auch in anderen Teilen Afrikas eingeschleppt. Der Lebensraum erstreckt sich also über nahezu alle Gebiete, die durch Pflanzen bewachsen und durch Regen oder künstliche Bewässerung feucht gehalten sind. Selten ist sie auch dort zu finden, wo es nur wenig regnet und es wenige Pflanzen gibt. An diesen Plätzen vergräbt sich die Achatschnecke für mehrere Monate und hält dort eine Trockenruhe, bei der sie ihre Gehäuseöffnung mit einer harten und dicken Schicht aus Kalk und Schleim verschließt, welche einen optimalen Schutz vor dem Vertrocknen bietet. Diese Schicht, das Epiphragma, ist luftdurchlässig und durch sie kann die Schnecke trotzdem atmen. Wenn es nach einiger Zeit draußen wieder geregnet hat und Pflanzen wachsen können, dann wirft die Große Achatschnecke das Epiphragma ab und kehrt an die Oberfläche zurück, um Nahrung aufzunehmen und sich eventuell fortzupflanzen. Die Schnecke kommt in der Natur auch als Zwischenwirt von Krankheitserregern in Betracht.


title: Große Achatschnecke

text: Auch Asien ist zum Lebensraum der Großen Achatschnecke geworden. Im 18. und 19. Jahrhundert wurde sie durch die Schifffahrt der Kolonisten über Mauritius, Réunion und die Seychellen nach Indien gebracht. Dies dauerte etwa 100 Jahre. Vorerst stoppte hier die Verbreitung, jedoch hat man sie nach einigen Jahren als ein beliebtes Nahrungsmittel in Asien entdeckt. Deshalb wurden viele Große Achatschnecken in großer Zahl gezüchtet und verkauft. Auch die Zucht der albinotischen Form wurde hier betrieben. Dabei gelang natürlich auch einigen Tieren ein Ausbruch und sie konnten sich ungestört verbreiten. 1910 wurde die Malaiische Halbinsel mit den Ländern Thailand, Myanmar und Malaysia erreicht, danach folgte um 1928 Borneo und anschließend Südchina und Japan. Die "Lissachatina fulica" konnte sich auch in anderen Teilen Asiens verbreiten, wobei die Lebensbedingungen in den namentlich genannten Ländern am besten als Habitate geeignet sind. Auch weisen diese ein gutes Nahrungsangebot auf und bieten meist ein Klima, welches optimal erscheint. Ein Beispiel dafür ist Indien, wo die durchschnittliche Temperatur in vielen Teilen des Landes zwischen 23 °C und 28 °C im Jahr liegt und in großen Teilen 7–8 Monate des Jahres ein humides Klima herrscht. Den für sie unwirtlichen Teil des Jahres verbringen die Großen Achatschnecken in der Trockenstarre unter der Erde.


title: Große Achatschnecke

text: Durch die Haltung als Haustier konnte sich die Große Achatschnecke auch in den subtropischen und tropischen Regionen Nordamerikas verbreiten. Auch die Japaner brachten Große Achatschnecken während und nach dem Zweiten Weltkrieg nach Nordamerika. In den Vereinigten Staaten ist sie in den Bundesstaaten Florida, Hawaii, Louisiana und Kalifornien am häufigsten anzutreffen, besiedelt aber auch andere Bundesstaaten und einige Länder Mittelamerikas. Die oben genannten Bundesstaaten weisen ideale Lebensbedingungen für die Große Achatschnecke auf, denn das Klima ist dort sowohl feucht, als auch warm und die Winter sind sehr mild und haben fast ausschließlich Temperaturen über dem Gefrierpunkt. Wie auch in Afrika hält sich die Achatschnecke an feuchten Orten, wie Gärten, Laubwäldern, Parks und landwirtschaftlich genutzten Flächen auf. Zum Teil frisst sie sogar den Putz von Hauswänden, um ihren Kalkbedarf zu decken. Wenn es im Winter zu kühl wird oder im Sommer zu heiß und trocken, verfällt sie auch hier für die Dauer der Hitze- bzw. Kälteperiode in eine Trockenstarre. Die Eier werden überwiegend im Frühjahr abgelegt, weil dann die Bedingungen für den Nachwuchs am besten sind und die Sterberate am geringsten ist. Die Schnecke kommt in der Natur auch als Zwischenwirt von Krankheitserregern in Betracht.


title: Große Achatschnecke

text: "Lissachatina fulica" wurde 2014 in Kuba eingeführt, um afrikanisches religiöses Brauchtum pflegen zu können.


title: Große Achatschnecke

text: In Brasilien ist die Große Achatschnecke als Zwischenwirt des Ratten-Lungenwurms aufgetreten und hat diesen seit 2008 gehäuft auf Menschen übertragen.


title: Große Achatschnecke

text: Die Große Achatschnecke konnte sich wegen Aussetzungen aus verschiedenen Gründen und unbeabsichtigter Einschleppung durch den Menschen in vielen weiteren Ländern verbreiten. Die klimatischen Gegebenheiten dieser Länder sind überwiegend warm mit milden Wintern, bei denen die Temperaturen selten unter 8 °C sinken. Sie besiedelt fast ausschließlich Länder mit tropischer und subtropischer Klimazone, welche auf der Südhalbkugel liegen. Des Weiteren tritt die Große Achatschnecke wegen ihres Bedürfnisses nach Luftfeuchtigkeit zur Befeuchtung ihrer Schleimhaut in großer Anzahl in Küstengebieten und küstennahen Orten, so zum Beispiel auf dem spanischen Mallorca auf. Andere Länder, in denen die Achatschnecke beheimatet ist, sind beispielsweise Brasilien sowie weitere südamerikanische Länder, Griechenland, die Türkei und Indonesien.


title: Große Achatschnecke

text: "Lissachatina fulica" erfährt wegen ihrer Größe Beachtung durch den Menschen.


title: Große Achatschnecke

text: Sie ist, wie fast alle Landschnecken, essbar und wird in verschiedenen afrikanischen und asiatischen Küchen geschätzt, ebenso ihre Schneckengelege. Beispielsweise in Nigeria gelten die Schnecken als Delikatessen. Bevorzugt werden gezüchtete Tiere, gefüttert mit Salat, Hühnerfüßen und geeigneten Küchenabfällen, da sie so als frei vom Krankheitserreger, dem Ratten-Lungenwurm, gelten.


title: Große Achatschnecke

text: In einigen ostafrikanischen Kulturen werden die Schnecken zu religiösen Zeremonien eingesetzt. Aufgrund dieser Riten fanden Große Achatschnecken Verbreitung durch Afroamerikaner in Florida, Brasilien und der Karibik. "Lissachatina fulica" ist bei Nordamerikanern als Terrarientier oder wegen ihrer Größe auch als Haustier beliebt und wurde aus diesem Grund aus ihrem natürlichen Verbreitungsgebiet in andere Regionen verfrachtet, wo sie, soweit das Klima erlaubte, vielfach als Neozoon heimisch wurde.


title: Große Achatschnecke

text: Die Große Achatschnecke ist ein bekannter Zwischenwirt des Ratten-Lungenwurms, der Menschen infizieren und eosinophile Meningitis verursachen kann. Menschen können durch den Parasiten befallen werden – etwa, wenn sie infizierte, nicht durchgegarte Schnecken oder deren Eier essen.


title: Große Achatschnecke

text: Die Große Achatschnecke wird insbesondere in Ost Afrika, auf dem Indischen Subkontinent, in Südost-Asien, in Ozeanien und der Karibik primär als Anbauschädling, teilweise als Krankheitsüberträger und teilweise als invasive Art und Bedrohung heimischer Ökosysteme betrachtet und aktiv bekämpft. Maßnahmen zur Ausrottung der Achatschnecke umfassen etwa den Einsatz von Schneckenkorn auf landwirtschaftlich genutzten Flächen. Teilweise setzte man auch die Rosige Wolfsschnecke, "Euglandina rosea", welche räuberisch lebt und ihre Beute mit Hilfe ihrer besonders gut ausgeprägten Radula tötet, zur Bekämpfung der Großen Achatschnecke ein, indem man sie an betroffenen Stellen auswilderte. Dies war aber erfolglos, da die Rosige Wolfsschnecke kleinere Arten, wie Baumschnecken bevorzugt und auch für das Aussterben mehrerer dieser Arten verantwortlich ist.


title: St. Suitbertus (Düsseldorf-Kaiserswerth)

text: Die ehemalige Stiftskirche und heutige Pfarrkirche St. Suitbertus ist eine flachgedeckte dreischiffige Pfeilerbasilika im Düsseldorfer Stadtteil Kaiserswerth. Die gleichnamige Pfarrei gehört zur Kath. Pfarreien-Gemeinschaft Angerland/Kaiserswerth.


text: An der Stelle des Vorgängerbaus, der Klosterkirche St. Petrus vom Anfang des 8. Jahrhunderts, wurde etwa ab dem Jahr 1050 die Stiftskirche St. Suitbert aus Tuffstein errichtet. Ihre Bauzeit fällt in zwei verschiedene Stilepochen: Das Langhaus ist spätromanisch, während der 1237 geweihte Chor bereits sehr deutlich gotische Elemente zeigt. 1264 wurden die Gebeine der Heiligen Suitbertus und Willeicus († um 726) hierhin überführt, und heute gehört der reich verzierte Suitbertusschrein aus dieser Zeit zu den wenigen Stücken, die vom ehemals umfangreichen Kirchenschatz verblieben sind.


text: Die Basilika bestand ursprünglich aus einem West-Turm, einem Querschiff und drei Apsiden. Im Jahre 1243 wurde der West-Turm aufgrund von kriegstechnischen Gründen abgetragen, aber man versprach, ihn wieder neu aufzubauen.


text: Von da an wurde die Kirche zwei Mal renoviert, einmal im Jahre 1717, wo man aber nur die Beschädigungen, die im Laufe der Jahre entstanden sind, wieder reparierte, und das zweite Mal ab dem Jahre 1870. Die zweite Renovierung dauerte von 1870 bis 1877, wobei man dabei nicht nur die zerstörten Teile wiedererrichtete, sondern auch die Basilika vergrößerte und das Versprechen aus dem Jahre 1243 einlöste und gleich zwei neue West-Türme erbaute.


text: Die Basilika wurde aufgrund ihrer Lage direkt am Rhein mehrmals überflutet, wobei aber keine größeren Schäden entstanden. Im Zweiten Weltkrieg wurden dann die Türme der Basilika zerstört, so dass heute nur noch ein kleinerer Glockenturm vorhanden ist.


text: Auf der Nordseite sind dem Hauptbau eine Vorhalle vom Anfang des 13. Jahrhunderts und die Sakristei angegliedert. Der kleine Glockenstuhl aus Stahl stammt aus dem Jahr 1951. Zwischen 1948 und 1955 gestaltete der in Aachen geborene Künstler Walter Benner die Chorfenster.


text: Die im Zweiten Weltkrieg teilweise zerstörten Türme wurden nicht wiederhergestellt, sondern durch einen Dachreiter ersetzt. Um 1990 wurden dem Chor seine mittelalterlichen Farben aus dem 13. Jahrhundert zurückgegeben.


text: 1967 erhielt die Kirche durch Papst Paul VI. den Ehrentitel Basilica minor. Die Kirche St. Suitbertus war das zweitälteste Mönchskloster in der großen Erzdiözese Köln und einer der christlichen Vorposten gegen das heidnische Sachsenland.


text: Die Orgel auf der Westempore der Suitbertus-Basilika wurde in den Jahren 1975–1976 von der Firma Rudolf von Beckerath Orgelbau (Hamburg) erbaut. Das Instrument hat 39 Register (2712 Pfeifen) auf Schleifladen. Die Spieltrakturen sind mechanisch, die Registertrakturen elektrisch. Angesichts der hervorragenden Akustik in der Basilika lassen sich mit dem Instrument kathedral-ähnliche Klänge erzeugen.


text: Direkt an der Basilika ist das Suitbertus-Gymnasium als koedukative Schule in Trägerschaft des Erzbistums Köln gelegen.


title: Föderaler Öffentlicher Dienst Volksgesundheit, Sicherheit der Nahrungsmittelkette und Umwelt

text: Der Föderale Öffentliche Dienst Volksgesundheit, Sicherheit der Nahrungsmittelkette und Umwelt (Abkürzung "FÖD VSNU", , ) ist das Umweltministerium des Königreichs Belgien. Es ist einer der Föderalen Öffentlichen Dienste (Ministerien) in Belgien.


text: Der FÖD Volksgesundheit, Sicherheit der Nahrungsmittelkette und Umwelt hat seinen Sitz in der Gemeinde Saint-Josse-ten-Noode/Sint-Joost-ten-Node in der offiziell zweisprachigen Region Brüssel-Hauptstadt. Behördenleiter ist der Minister und Vorsitzender des Direktionsausschusses Dirk Cuypers (VLD).


title: Wolfgang Tiessen

text: Wolfgang Tiessen (* 1. Januar 1930 in Königsberg; † 26. Oktober 2017) war ein deutscher Buchgestalter und Verleger und der Herausgeber der Edition Tiessen in Neu-Isenburg.


title: Wolfgang Tiessen

text: Nach dem Besuch von Gymnasien in Königsberg, Berlin und Detmold begegnete Tiessen 1947 in Detmold dem Buchgestalter Gotthard de Beauclair. 1949 bis 1951 machte er eine Schriftsetzerlehre bei Scherpe in Krefeld. 1952 war er Schriftsetzer in der Hausdruckerei der Schriftgießerei D. Stempel AG in Frankfurt am Main und von 1953 bis 1960 Mitarbeiter von de Beauclair für den Insel-Verlag, der D. Stempel und deren Trajanus-Presse.


title: Wolfgang Tiessen

text: 1960 war er für eineinhalb Jahre verantwortlich für die buchkünstlerische Seite des Insel-Verlags während der Zeit, als de Beauclair dessen Verlagsleiter war. 1962 kam es zur Gründung der Versandbuchhandlung „Wolfgang Tiessen. Moderne Buchkunst und Graphik“. Deren Katalog „Rundbrief für Freunde moderner Buchkunst und Graphik“ erschien in insgesamt 36 Ausgaben. 1963 heiratete er Gisela Schwarz van Berk. 1968 folgte der Umzug der Buchhandlung nach Neu-Isenburg; die ersten Bände von „Die Buchillustration in Deutschland, Österreich und der Schweiz seit 1945“ erschienen im selben Jahr. Es folgten weitere vier Bände, der letzte 1989. 1977 erschienen die ersten Bücher der Edition Tiessen, die wie alle folgenden vom Verleger mit der Hand aus der Original-Janson-Antiqua gesetzt wurden. 1987 erschien ein letzter Rundbrief, die Arbeit blieb nun auf den Verlag konzentriert. 1995 erschien der 80. und letzte Druck der Edition Tiessen. 2007 erfolgte die Übergabe des Verlagsarchivs an die Herzog August Bibliothek in Wolfenbüttel. Wolfgang Tiessen lebte in Neu-Isenburg.


title: Christian Philipp Koester

text: Christian Philipp Koester (* 13. Februar 1784 in Friedelsheim in der Pfalz; † 29. November 1851 in Heidelberg; auch "Christian Köster") war ein deutscher Maler und Restaurator.


title: Christian Philipp Koester

text: Koesters Eltern, Philipp Christian Wilhelm Koester (1744–1806) und Maria Charlotte geb. Wernborner (1750–1834), waren wohlhabend, der Vater Gerichtsrat, Notar und Weingutsbesitzer in Friedelsheim. Nach dem Besuch des Gymnasiums (in Mannheim oder Heidelberg, wohin die Familie zwischen 1794 und 1799 wiederholt vor den französischen Revolutionstruppen floh), schrieb er sich an der Universität Heidelberg als Student der „Cameralistik“ (Wirtschafts- und Verwaltungslehre) ein. Sein Interesse für Kunst führte ihn jedoch ins Atelier des Heidelberger Vedutenmalers und Kupferstechers Johann Jakob Strüdt (1773–1807), der ihn in der Landschaftsmalerei unterwies. Das Studium dagegen scheint er bereits nach kurzer Zeit aufgegeben zu haben.


title: Christian Philipp Koester

text: Nach Erlernung der Anfangsgründe bildete sich Koester zwischen 1800 und 1805 auf eigene Faust zum Maler aus. In Mannheim zeichnete er nach der Natur, in München kopierte er Bilder Claude Lorrains, ohne sich an den Kunstakademien beider Orte als Eleve eintragen zu lassen. Auch eine Studienreise in die Schweiz scheint er unternommen zu haben. Für das Jahr 1806 ist er als Hörer der Vorlesung des Heidelberger Altphilologen Karl Philipp Kayser (gest. 1827) über Sophokles’ Ödipus nachgewiesen. 1807 brach er nach Italien auf und verbrachte die kommende Zeit in Rom. Dort gehörte Koester, der auch musikalisch begabt war und sehr gut Klavier spielte, zum Kreis um Wilhelm von Humboldt, wobei er sich als Sänger und Kapellmeister betätigte und die Kinder des damaligen preußischen Gesandten als Musiklehrer unterrichtete. Zurück in Deutschland wohnte er 1809–1813 in seinem Elternhaus in Friedelsheim. Er malte und verkehrte in den akademischen und Künstlerkreisen der Heidelberger Romantik. 1813 lernte er dort die Gebrüder Melchior und Sulpiz Boisserée kennen und beriet sie bei der Wiederherstellung eines altdeutschen Gemäldes, worauf sie ihn als Restaurator für ihre Gemäldesammlung als Nachfolger seines verstorbenen Weggefährtens Friedrich Epp anstellten. Er zog mit Mutter und Schwester nach Heidelberg und restaurierte zwischen 1814 und 1819 eine große Zahl von deutschen Gemälden aus dem Mittelalter und der Renaissance, die die Gebrüder Boisserée erworben hatten, um sie vor dem sicheren Verlust zu bewahren – sehr zum Wohlgefallen Johann Wolfgang Goethes, der die Sammlung 1815 besuchte. Bei dieser Gelegenheit sprach Goethe Koester seine hohe Anerkennung aus. 1819 wurde die Sammlung nach Stuttgart verlagert. Das Angebot von Melchior Boisserée, dort weiter für ihn zu arbeiten, lehnte Koester 1822 ab.


title: Christian Philipp Koester

text: Auch seine musikalischen Neigungen führte der Künstler in Heidelberg fort: 1817 trat er dem Singkreis bei, den der Heidelberger Rechtsgelehrte Anton Friedrich Justus Thibaut zur Pflege alter italienischer und niederländischer Musik und des von den Romantikern wiederentdeckten Schatzes deutscher Volkslieder ins Leben rief. Nach dem Tode Thibauts leitete er diesen Kreis.


title: Christian Philipp Koester

text: Mit seinem Freund und späteren Schwager Jakob Schlesinger (1792–1855), ebenfalls Maler und für die Gebrüder Boisserée tätig, reiste Koester 1821 nach Dresden. 1823 stellte er in Karlsruhe mit Erfolg erstmals eigene Werke aus. 1824 folgte er dem nach Berlin berufenen Schlesinger und erhielt die Stellung eines Restaurators an der Königlichen Gemäldegalerie, für die er Werke der neu erworbenen Sammlung Edward Sollys restaurierte. 1827–1830 erschienen von ihm in Heidelberg die drei Hefte "Ueber Restauration alter Oelgemälde", die heute noch zum Grundbestand der Fachliteratur zählen. Zu der 2001 erschienenen Neuausgabe dieser Schriften in einem Band der Reihe "Bücherei des Restaurators" bemerken die Herausgeber:


title: Christian Philipp Koester

text: 1830 schlug Koester die ihm angebotene Dauerstellung an der Königlichen Akademie aus und begab sich zurück nach Heidelberg, wohl aus Liebe zu seiner Mutter, die er bis zu ihrem Tode betreute. 1833 veröffentlichte er die "Zerstreuten Gedanken-Blätter über Kunst", erstes einer unregelmäßigen Folge von Heften – insgesamt erschienen fünf, das letzte 1848 –, zu welchen auch sein Berliner Freund, der Buchhändler und Antiquar Gustav Parthey (1798–1872) beitrug. Mit Parthey unternahm er 1839 eine Kunstreise in die Niederlande. Auch in Deutschland besuchte Koester viele der Kunststätten, an denen Werke alter Meister ausgestellt waren. Noch in seinen letzten Lebensjahren war er bei der Familie Boisserée in Köln zu Gast und ließ sich von den Freunde in den Dom und die Sammlung Ferdinand Franz Wallrafs führen.


title: Christian Philipp Koester

text: Zu den vielen Schriftstellern und Dichtern, mit denen Koester im Laufe seines Lebens in näherer Beziehung stand, gehören auch Eduard Mörike und Gottfried Keller. Mit Mörike wechselte er 1824–1825 Briefe über jene geheimnisvolle junge Frau, die der zwanzigjährige Dichter liebte und als „Peregrina“ besungen hat. Sie hieß Maria Meyer, führte ein unstetes Wanderleben und hielt sich vorübergehend in Heidelberg auf. Der junge Keller kam studienhalber nach Heidelberg und suchte Koester erstmals im Herbst 1848 auf. Er zeigte Koester seine Gedichte und Zeichnungen und bat ihn um sein Urteil. Die Unterhaltungen, die er mit ihm über Dürers Kupferstich "Melencolia I" führte, regten ihn zu dem 1851 veröffentlichten Gedicht "Melancholie" an. Die folgende, etwas burschikose Beschreibung seines Gesprächspartners gab Keller einem befreundeten Maler: Christian Philipp Koester starb am 29. November 1851, im Alter von 67 Jahren, in seinem Domizil am Heidelberger Jubiläumsplatz. Seine Grabinschrift auf dem Bergfriedhof lautete: „Suchet mich nicht hier, suchet mich in euren Herzen. Findet ihr mich dort nicht, so findet ihr mich auch nicht hier.“


title: Timothy

text: Timothy ist ein männlicher Vorname und Familienname. Es handelt sich um die englische Variante des aus dem Altgriechischen stammenden Vornamens Timotheos (Τιμόθεος). Die lateinische Entsprechung lautet Timotheus.


title: Timothy

text: Der Vorname setzt sich aus dem altgriechischen Verbum τιμάω ("timáo", „schätzen, ehren“) und dem Nomen θεός ("theós", „Gott“) zusammen und bedeutet so viel wie: „der Gott ehrt“ oder „der Gottesfürchtige“.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Die Rotfigurige Vasenmalerei (auch Rotfigurige Keramik, Rotfiguriger Stil) ist einer der bedeutendsten Stile der figürlichen griechischen Vasenmalerei. Sie wurde um 530 v. Chr. in Athen entwickelt und war bis zum Ende des 3. vorchristlichen Jahrhunderts in Gebrauch. Sie löste im Verlauf weniger Jahrzehnte die zuvor vorherrschende Schwarzfigurige Vasenmalerei ab. Ihren modernen Namen erhielt sie aufgrund der figürlichen Darstellungen in roter Farbe auf schwarzem Grund, die sie gegenüber der älteren Gestaltungsweise des schwarzfigurigen Stils mit schwarzen Figuren vor rotem Hintergrund absetzt. Bedeutendste Produktionsgebiete waren neben Attika unteritalisch-griechische Werkstätten. Außerdem wurde der rotfigurige Stil in anderen Gebieten Griechenlands übernommen. Eine bedeutende Produktionsstätte außerhalb des griechischen Kulturraums war Etrurien.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Attische Vasen rotfigurigen Stils wurden nach ganz Griechenland und auch darüber hinaus exportiert und beherrschten für lange Zeit den Markt für Feinkeramik. Nur wenige Produktionsstätten konnten sich mit der Innovationskraft, der Qualität und auch der Produktionskapazität Athens messen. Allein von den in Athen produzierten rotfigurigen Vasen sind heute noch weit über 40.000 Exemplare ganz oder in Fragmenten erhalten. Auch aus der zweiten bedeutenden Produktionsstätte, Unteritalien, sind über 20.000 Vasen und Fragmente überliefert. Seit den Studien von John D. Beazley und Arthur D. Trendall, beginnend im ersten Viertel des 20. Jahrhunderts, ist die Erforschung dieser Kunstgattung weit fortgeschritten. Viele Vasen können bestimmten Künstlern oder Künstlergruppen zugeordnet werden. Die Bilderwelten der Vasen sind für Untersuchungen zur Kulturgeschichte, zu Alltagsleben, Ikonografie und Mythologie der griechischen Antike unentbehrlich.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Die rotfigurige Technik war – vereinfacht gesagt – die Umkehrung der schwarzfigurigen. Die Umrisszeichnungen der Figuren und anderer Teile des Bildes wurden auf die noch ungebrannten, nach einiger Zeit des Trocknens lederharten, fast spröde gewordenen Vasenkörper aufgetragen. Der normale ungebrannte Ton hatte während dieses Produktionsschritts beispielsweise in Attika einen orangeroten Farbton. Die Umrisse wurden entweder mit einem stumpfen Instrument, das leichte Furchen hinterließ, oder mit Holzkohle, die beim späteren Brand verschwand, nachgezeichnet. Anschließend wurden die Konturen mit Pinsel und Glanzton nachgezogen. Manchmal ist dank der Furchen der Vorzeichnungen noch erkennbar, wenn der Künstler sich während des Zeichnens entschloss, die Darstellung etwas zu verändern. Für wichtige Konturen wurde eine leicht erhabene Relieflinie aus aufgetragenem Tonschlicker genutzt, für weniger wichtige Linien und Binnenzeichnungen reichte verdünnter Glanzton. Auch andere Farben wie Weiß oder Rot wurden nun für Details aufgetragen. Zum Auftragen der Relieflinie wurde wahrscheinlich ein Pinsel aus Borsten verwendet. Der kräftige Auftrag als Relieflinie war nötig, da der recht flüssige Glanzton sonst einen zu matten Effekt erzeugt hätte. Nach einer ersten Entwicklungsphase wurden beide Möglichkeiten eingesetzt, um Abstufungen und Details besser darstellen zu können. Der Raum zwischen den Figuren wurde zuletzt mit einem mattgrauen Glanzton abgedeckt. Anschließend wurden die Vasen im Dreiphasenbrand gebrannt. Hierbei erhielt der Glanzton seine charakteristische schwarze bis schwarzbraune Farbe. Die neue Technik hatte den Vorteil, dass nun die Binnenzeichnungen weitaus besser ausgearbeitet werden konnten. Im schwarzfigurigen Stil mussten sie aus dem Farbauftrag herausgeritzt werden, was zwangsläufig weniger genau war als der direkte Auftrag von Zierlinien. Die rotfigurigen Darstellungen waren bewegter und lebensnäher als der schwarzfigurige Silhouetten-Stil. Sie hoben sich außerdem kontrastreicher vom schwarzen Hintergrund ab. Es war nun möglich, Menschen nicht nur im Profil zu zeigen, sondern auch von vorn, von hinten oder in Dreiviertelansichten. Die rotfigurige Technik erlaubte also auch die Vermittlung von Tiefe und Raum. Doch hatte sie auch Nachteile. Die im schwarzfigurigen Stil übliche Unterscheidung der Geschlechter durch Abdecken der weiblichen Haut mit weißer Farbe war nun nicht mehr möglich. Ebenso wurde es schwieriger, die Geschlechter anhand der Gewänder oder Frisuren zu unterscheiden, was unter anderem an der Tendenz lag, viele Helden und Götter jugendlich, also bartlos, darzustellen. Hinzu kamen vor allem in der Anfangszeit des Stils Fehlberechnungen bei der Figurendicke. In der schwarzfigurigen Vasenmalerei gehörten die Umrisslinien zu den freistehenden Figuren. Da die Umrisszeichnungen nun aber in der Farbe des schwarzen Hintergrundes ausgeführt wurden, musste man die Umrisse zum Hintergrund, mit dem sie am Ende verschmolzen, zählen. Deshalb gab es zunächst oft recht dünne Figuren. Ein weiteres Problem war, dass beim schwarzen Hintergrund die Darstellung einer Raumtiefe nicht möglich war. Somit wurde bei der rotfigurigen Vasenmalerei fast nie der Versuch einer perspektivischen Darstellung unternommen. Doch überwogen die Vorteile. Vor allem an Details wie Muskeln oder anderen anatomischen Augenfälligkeiten lässt sich die Entwicklung exemplarisch verfolgen.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Im 7. Jahrhundert v. Chr. wurde in Korinth die Schwarzfigurige Vasenmalerei entwickelt, die zur vorherrschenden Gestaltungsweise im griechischen Siedlungsgebiet werden sollte und sogar darüber hinaus Verbreitung fand. Zwar beherrschte Korinth diesen Markt, doch bildeten sich regionale Produktionszentren und Märkte heraus. In Athen wurde zunächst der korinthische Stil kopiert. Im Laufe der Zeit löste Athen Korinth in der marktbeherrschenden Stellung ab. Die attischen Künstler führten die Technik zu einer bis dahin nicht gekannten Höhe und schöpften im zweiten Drittel des 6. Jahrhunderts v. Chr. ihre Möglichkeiten voll aus. Um 530 v. Chr. wirkte mit dem attischen Maler Exekias der wohl bedeutendste Vertreter des schwarzfigurigen Stils. Auch durch das 5. Jahrhundert v. Chr. hindurch waren die im neuen roten Farbstil produzierten Feinkeramiken aus Attika die dominierenden Produkte in dieser Wirtschaftssparte. Attische Töpferwaren wurden in den gesamten großgriechischen Raum, ja selbst nach Etrurien und ins keltische Mitteleuropa exportiert. Die Vorliebe für diese Töpferwaren führte dazu, dass vor allem in Unteritalien und in Etrurien von der attischen Vasenmalerei beeinflusste Werkstätten und „Schulen“ entstanden, die jedoch ausschließlich für den regionalen Markt produzierten.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Um 530 v. Chr. wurden erstmals Vasen im rotfigurigen Stil produziert. Als Erfinder dieser Technik gilt gemeinhin der Andokides-Maler. Er und andere sehr frühe Vertreter des neuen Stils, wie beispielsweise Psiax, bemalten Vasen zunächst in beiden Stilen, indem sie die Bildfelder der einen Seite in schwarzfiguriger, die der anderen Seite in rotfiguriger Technik ausführten. Derartige Gefäße, etwa die Bauchamphora des Andokides-Malers in München, werden Bilinguen genannt. Zwar waren im Vergleich zum schwarzfigurigen Stil schon große Fortschritte zu erkennen, doch noch immer wirkten die Figuren steif und es gab selten Überschneidungen der Bildinhalte. Viele Techniken des alten Stils wurden noch für ihre Herstellung verwendet. So finden sich nicht selten Ritzlinien oder der zusätzliche Auftrag roter Farbe ("added red"), mit der größere Farbflächen koloriert wurden.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Den Schritt hin zur Ausreizung der Möglichkeiten der rotfigurigen Malerei machten die Künstler der sogenannten Pioniergruppe. Ihre Wirkungszeit wird etwa in die Jahre zwischen 520 und 500 v. Chr. datiert. Bedeutende Vertreter waren Euphronios, Euthymides und Phintias. Diese von der Forschung erschlossene und definierte Gruppe experimentierte mit den verschiedenen Möglichkeiten des Stils. So erschienen die dargestellten Figuren in neuen Körperhaltungen mit Rücken- und Frontalansichten, es gab Experimente mit perspektivischen Verkürzungen und die Kompositionen wurden insgesamt dynamischer. Als technische Neuerung führte wohl Euphronios die Relieflinie ein. Zudem wurden neue Gefäßformen entwickelt, was dadurch begünstigt wurde, dass viele Maler der Pioniergruppe auch als Töpfer arbeiteten. Neu waren etwa der Psykter und die Pelike. Außerdem wurden großformatige Kratere und Amphoren bevorzugt. Obwohl die Gruppe keinen echten Zusammenhalt hatte, gab es sehr wohl Verbindungen zwischen den einzelnen Malern, die sich offensichtlich beeinflussten, sich in einer Art freundschaftlichen Wettstreits befanden und sich gegenseitig anspornten. So prahlte Euthymides in einer Inschrift "„wie [es] Euphronios niemals [gekonnt hätte]“". Überhaupt ist es ein Zeichen der Pioniergruppe, dass sie sehr schreibfreudig war. Kennzeichnungen der dargestellten mythologischen Figuren und Kalos-Inschriften waren eher die Regel als die Ausnahme.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Neben den Gefäßmalern arbeiteten auch einige bedeutende Schalenmaler mit dem neuen Stil. Zu ihnen gehörten Oltos und Epiktetos. Sie verzierten viele ihrer Werke bilinge, nutzten die rotfigurige Technik dann meist für die Innenseite der Schalen.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Die auf die Pioniere folgende Generation von Künstlern der Spätarchaik (etwa 500 bis 470 v. Chr.) führten den neuen Stil zur Blüte. Die auch zu dieser Zeit noch produzierten schwarzfigurigen Vasen erreichten keine vergleichbare Qualität mehr und wurden nahezu völlig verdrängt. Einige der bedeutendsten Vasenmaler wirkten in dieser Zeit. Zu nennen sind bei den Gefäßmalern etwa der Berliner Maler und der Kleophrades-Maler, unter den Schalenmalern ragten Onesimos, Duris, Makron und der Brygos-Maler heraus. Nicht nur die Qualität wurde immer besser, auch die Produktion verdoppelte sich in dieser Zeit. Athen wurde zum beherrschenden Produzenten von Feinkeramik in der Mittelmeerwelt, nahezu alle regionalen Produktionen außerhalb Attikas traten in seinen Schatten.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Kennzeichnend für den Erfolg der attischen Vasen war die nun perfekt beherrschte perspektivische Verkürzung, was die dargestellten Figuren in ihren Körperhaltungen und Handlungen weitaus natürlicher erscheinen ließ. Außerdem setzte eine massive Verringerung des Dargestellten ein. Ornamentale Verzierungen traten stark in den Hintergrund, die Anzahl der dargestellten Figuren wurde deutlich reduziert, ebenso die dargestellten anatomischen Details. Im Gegenzug wurden viele neue Themen in die Vasenmalerei eingeführt. Besonderer Beliebtheit erfreute sich nun der Sagenkreis um Theseus. Neue oder veränderte Gefäßformen wurden von den Malern gern angenommen, darunter etwa die Nolanische Amphora, Lekythen, Schalen des Typus B, Askoi und Dinoi. Es ist zudem eine steigende Spezialisierung von Gefäß- und Vasenmalern festzustellen.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Das besondere Merkmal frühklassischer Figuren war, dass sie nicht selten untersetzter waren als bei früheren Malern und nicht mehr so dynamisch wirkten. Dadurch wirkten die Bilder häufig ernsthaft, manchmal gar pathetisch. Die Faltenwürfe der Gewänder waren hingegen nicht mehr so linear und wirkten nun plastischer. Zudem änderte sich die Art der Darstellung nachhaltig. Zum einen wurde nun häufig nicht mehr der Moment eines bestimmten Ereignisses gezeigt, sondern die unmittelbar davor liegende Situation und damit der Weg zu einer Begebenheit. Zum anderen begannen nun auch andere neue Errungenschaften der athenischen Demokratie ihre Wirkung zu zeigen. So sind Einflüsse der Tragödie und auch der Wandmalerei feststellbar. Da die griechische Wandmalerei fast vollständig verloren ist, sind die Reflexe in der Vasenmalerei ein – wenn auch bescheidenes – Hilfsmittel bei der Erforschung dieser Kunstgattung. Auch beeinflusste beispielsweise der neu geschaffene Parthenon und seine Skulpturenausstattung die Vasenmaler hochklassischer Zeit. Das schlug sich besonders in der Darstellung der Gewänder nieder. Der Fall des Stoffes wirkte nun natürlicher und die Faltenwiedergabe wurde vermehrt, was zu einer größeren Darstellungstiefe führte. Bildkompositionen wurden nochmals vereinfacht. Die Künstler legten besonderen Wert auf Symmetrie, Harmonie und Ausgeglichenheit. Die nun wieder schlankeren Figuren strahlten oft eine in sich versunkene, göttergleiche Ruhe aus.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Bedeutende Künstler der Früh- und Hochklassik von etwa 480 bis 425 v. Chr. sind der Providence-Maler, Hermonax und der Achilleus-Maler, die die Tradition des Berliner Malers fortsetzten. Auch der Phiale-Maler, der als Schüler des Achilleus-Malers gilt, gehört zu den wichtigen Künstlern. Außerdem entstanden neue Werkstatttraditionen. Besonders bedeutend waren dabei die sogenannten „Manieristen“, deren hervorragender Vertreter der Pan-Maler war. Eine weitere Werkstatttradition begann mit dem Niobiden-Maler und wurde von Polygnotos, dem Kleophon-Maler und dem Dinos-Maler fortgesetzt. Die Bedeutung der Schalen nahm ab, wenngleich sie beispielsweise in der Werkstatt des Penthesilea-Malers noch in großen Mengen produziert wurden.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Während der Spätklassik entstanden ab dem letzten Viertel des 5. Jahrhunderts v. Chr. zwei gegensätzliche Strömungen. Zum einen entwickelte sich eine am „Reichen Stil“ der Skulptur orientierte Richtung, zum anderen wurden die Entwicklungen aus der Hochklassik beibehalten. Wichtigster Vertreter des Reichen Stils war der Meidias-Maler. Charakteristische Merkmale sind durchscheinende Gewänder und eine große Anzahl von Gewandfalten. Zudem werden vermehrt Schmuck und andere Objekte dargestellt. Besonders auffällig ist die Verwendung von weiteren Farben, meist Weiß oder Gold, welche im Relief wiedergegebene Accessoires hervorheben. Damit wurde erstmals versucht, eine dreidimensionale Darstellung auf Vasen zu schaffen. Im Laufe der Zeit setzte zudem eine „Verweichlichung“ ein. Der männliche Körper, der bislang vor allem durch die Darstellung von Muskeln definiert wurde, verlor dieses auffällige Darstellungsmerkmal.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Die dargestellten Szenen widmeten sich nun auch seltener mythologischen Themen als zuvor. Bilder aus der privaten Welt gewannen an Bedeutung. Vor allem Darstellungen aus der Lebenswelt von Frauen sind häufig zu finden. Bei mythologischen Szenen dominieren Bilder mit Dionysos und Aphrodite. Warum dieser Wandel in der Darstellungsweise bei einem Teil der Künstler einsetzte, ist nicht genau bekannt. Einerseits wird ein Zusammenhang mit den Schrecken des Peloponnesischen Krieges vermutet, andererseits wird es mit dem Verlust der vorherrschenden Stellung Athens auf dem mediterranen Töpfermarkt zu erklären versucht, was letztlich auch eine Kriegsfolge gewesen wäre. Nun hätten neue Märkte, etwa in Spanien, erschlossen werden müssen, wo die Kundschaft andere Wünsche und Bedürfnisse hatte. Diesen Theorien widerspricht, dass der alte Stil von manchen Künstlern beibehalten wurde. Andere Künstler, wie der Eretria-Maler, versuchten beide Stile zu verbinden. Die besten Arbeiten der Spätklassik finden sich auf kleinformatigen Vasentypen wie Bauchlekythen, Pyxiden und Oinochoen. Ebenfalls beliebt waren die Lekanis, der Glockenkrater und die Hydria.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Um 370 v. Chr. endet die Produktion üblicher rotfiguriger Keramik. Sowohl der Reiche als auch der Schlichte Stil existierten bis dahin weiter. Der wichtigste Vertreter des Reichen Stils war zu dieser Zeit der Meleager-Maler, der des Schlichten Stils der letzte bedeutende Schalenmaler, der Jena-Maler.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Die letzten Jahrzehnte rotfiguriger Vasenmalerei in Athen wurden von den Kertscher Vasen geprägt. Der von ihnen vertretene Stil, der etwa 370 bis 330 v. Chr. bestimmend war, bildete eine Verbindung des Reichen und des Schlichten Stils, wobei der Reiche Stil einen größeren Einfluss hatte. Typisch für die Kertscher Vasen waren überladene Bildkompositionen mit großen, statuenhaften Figuren. Neben den bislang gängigen zusätzlichen Farben kommen nun auch Blau, Grün und andere hinzu. Um Volumen und Schatten zu zeigen, wird verdünnter, verlaufender Glanzton aufgetragen. Manchmal werden ganze Figuren appliziert, das heißt als kleine figürliche Reliefs dem Vasenkörper aufgesetzt. Die Anzahl der verschiedenen Gefäßformen geht stark zurück. Übliche Bildträger waren jetzt Peliken, Kelchkratere, Bauchlekythen, Skyphoi, Hydrien und Oinochoen. Dargestellt wurden in besonders großer Zahl Szenen aus dem Leben der Frauen. Bei mythologischen Bildern herrschte weiterhin Dionysos vor, außerdem Ariadne und Herakles bei den Heroen. Bedeutendster Künstler ist der Marsyas-Maler.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Spätestens um 320 v. Chr. wurden die letzten Vasen mit figürlichen Darstellungen in Athen geschaffen. Danach wurden noch einige Zeit Vasen in dieser Technik hergestellt, die jedoch unfigürlich dekoriert wurden. Letzte fassbare Vertreter sind die Maler der bezeichnenderweise YZ genannten Gruppe.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Das Töpferviertel Athens war der Kerameikos. Hier gab es diverse kleinere und wohl auch größere Werkstätten. 1852 fand man dort bei Bauarbeiten in der "Hermesstraße" die Werkstatt des Jenaer Malers. Die dort gefundenen Artefakte befinden sich heute in der Universitätssammlung der Friedrich-Schiller-Universität Jena. Besitzer der Werkstätten waren nach heutiger Erkenntnis die Töpfer. Von etwa 40 attischen Vasenmalern ist aus Beischriften der Name bekannt. Zum Namen gehörte im Allgemeinen der Zusatz (égrapsen, "hat gemalt"). Dem gegenüber stand die Signatur der Töpfer, (epoíesen, "hat gemacht") die sich mehr als doppelt so oft, nämlich etwa 100-mal fand. Waren die Signaturen schon seit etwa 580 v. Chr. bekannt, steigerte sich ihre Verwendung bis zu einem Höhepunkt während der Pionierzeit. Doch mit einer veränderten, negativeren Einstellung zum Handwerk nahm im Laufe der Zeit, spätestens seit der Klassik, auch die Anzahl der belegten Signaturen wieder ab. Insgesamt sind solche Signaturen jedoch recht selten und da sie häufig auf besonders guten Stücken gefunden wurden, lässt sich daraus sicher der Stolz der Töpfer und Vasenmaler erkennen.Ingeborg Scheibler: "Vasenmaler." In: "DNP." Bd. 12/1, 2002, Sp. 1147 f.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Der Status der Maler bleibt im Vergleich mit den Töpfern manchmal unklar. Da beispielsweise Euphronios und andere Maler später selbst als Töpfer arbeiteten, ist anzunehmen, dass zumindest ein beträchtlicher Teil keine Sklaven waren. Doch deuten manche Namen darauf hin, dass unter den Vasenmalern auch ehemalige Sklaven oder Periöken waren. Zudem sind manche der bekannten Eigennamen nicht eindeutig zu interpretieren. So gibt es mehrere Vasenmaler, die als Polygnotos signiert haben. Wahrscheinlich handelt es sich hier um Versuche, vom Namen des großen Monumentalmalers zu profitieren. Ebenso könnte es sich im Falle anderer Maler mit berühmten Namen, wie Aristophanes, verhalten. Die Karrieren von Vasenmalern sind heute zum Teil recht gut dokumentiert. Neben Malern, die nur relativ kurz arbeiteten, ein bis zwei Jahrzehnte, gab es auch Maler, deren Schaffenszeit sich weitaus länger verfolgen lässt. Zu diesen lange wirkenden Künstlern gehören beispielsweise Duris, Makron, Hermonax oder der Achilleus-Maler. Da mehrfach der Wechsel vom Maler zum Töpfer zu beobachten ist, und des Öfteren unklar ist, ob manche Töpfer auch als Maler und umgekehrt gearbeitet haben, geht man davon aus, dass sich eine Karriere vom Gehilfen, denen beispielsweise die Bemalung der Vasen oblag, bis hin zum Töpfer möglich war. Mit der Einführung der rotfigurigen Malerei veränderte sich das Arbeitsbild der Töpfer und Vasenmaler offenbar jedoch erst zu dieser Arbeitsteilung. Noch während der schwarzfigurigen Periode sind viele attische Töpfermaler bekannt, etwa Exekias, Nearchos oder möglicherweise auch Amasis. Durch die gestiegene Exportnachfrage wurden Umstrukturierungen im Produktionsprozess nötig, Arbeitsteilung wurde üblich und eine nicht immer eindeutige Trennung zwischen Töpfer und Vasenmaler wurde vollzogen. Wie schon erwähnt oblag das Bemalen der Gefäße wohl vor allem den jüngeren Gehilfen. Nun lassen sich dadurch einige Hinweise auf die Möglichkeiten der Handwerksgruppen schließen. So scheint es, als hätten im Allgemeinen mehrere Maler in einer Töpferwerkstatt gearbeitet, weil sich häufig zu ähnlicher Zeit bemalte Werke verschiedener Vasenmaler eines Töpfers finden. So arbeiteten beispielsweise für Euphronios unter anderem Onesimos, Duris, der Antiphon-Maler, der Triptolemos-Maler und der Pistoxenos-Maler. Andererseits konnten auch die Maler zwischen den Werkstätten wechseln. So arbeitete der Schalenmaler Oltos für mindestens sechs verschiedene Töpfer.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Auch wenn Vasenmaler aus heutiger Sicht oft als Künstler angesehen werden und die Vasen dementsprechend als Kunstwerke, entspricht dies nicht der antiken Sichtweise. Vasenmaler waren ebenso wie Töpfer Handwerker, ihre Produkte Handelsgut. Die Handwerker mussten ein angemessenes Bildungsniveau besessen haben, da vielfach auch andere In- und Beischriften zu finden sind. Zum einen handelt es sich um die schon erwähnten Kalos-Inschriften (auch Lieblingsinschriften genannt), zum anderen um Beschriftungen des Dargestellten. Doch konnte wohl nicht jeder Vasenmaler schreiben, wie manche Beispiele sinnlos aneinander gereihter Buchstaben zeigen. Doch ist zu beobachten, dass sich die Schreibkundigkeit seit dem 6. Jahrhundert v. Chr. stetig verbessert. Ob Töpfer und auch Vasenmaler zur attischen Elite gezählt haben, konnte bislang nicht befriedigend geklärt werden: Stellten die Maler bei Szenen aus dem Symposion, einem Vergnügen der Oberschicht, folglich selbst Erlebtes dar, sehnten sie sich nur nach der Teilnahme oder befriedigten sie schlicht einen Warenbedarf? Ein Großteil der produzierten Vasen wie Psykter, Kratere, Kalpis und Stamnos, aber auch Kylixes und Kanthares waren zumindest für diesen Zweck, das Symposion, bestimmt.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Aufwändig bemalte Vasen waren ein gutes, aber nicht das beste Tafelgeschirr, das ein Grieche besitzen konnte. Höher im Ansehen als solche Vasen stand metallenes Geschirr, vor allem natürlich aus Edelmetall. Dennoch waren solche Vasen keine ganz billigen Produkte. Vor allem große Exemplare waren kostbar. So kosteten große bemalte Gefäße um 500 v. Chr. etwa eine Drachme, was dem damaligen Tageslohn eines Steinmetzen entsprach. Andererseits können die keramischen Gefäße auch als Versuch interpretiert werden, Metallgeschirr zu imitieren. Es ist anzunehmen, dass die unteren sozialen Schichten eher einfachere, umfangreich durch Ausgrabungen nachgewiesene Gebrauchskeramiken nutzten. Noch weiter verbreitet war wahrscheinlich Geschirr aus vergänglichen Materialien wie Holz. Trotzdem zeugen zahlreiche Siedlungsfunde rotfiguriger Keramik, wenn auch nicht höchster Qualität, davon, dass diese Gefäße im Alltag genutzt wurden. Ein Großteil der Produktion war allerdings den Kult- und Grabgefäßen vorbehalten. In jedem Fall ist anzunehmen, dass die Herstellung hochwertiger Töpferwaren ein durchaus einträgliches Geschäft war. So wurden beispielsweise Reste eines kostspieligen Weihgeschenkes des Malers Euphronios auf der Akropolis von Athen gefunden. Unzweifelhaft ist, dass der Export der Keramik einen nicht zu unterschätzenden Anteil am Wohlstand der Stadt Athen hatte. So verwundert es auch nicht, dass viele Werkstätten ihre Produktion auf den Export ausgerichtet hatten und beispielsweise Gefäßformen herstellten, die in den Abnehmerregionen gefragt waren. Der Niedergang der Vasenmalerei setzt nicht zuletzt in der Zeit ein, als die Etrusker, wohl die Hauptabnehmer attischer Keramik, im 4. Jahrhundert v. Chr. unter immer größeren Druck durch süditalische Griechen und die Römer kamen. Vor allem seit der Niederlage der Etrusker gegen die Griechen 474 v. Chr. importierten diese viel weniger griechische Keramik und produzierten vermehrt selbst. Danach exportierten attische Händler vor allem innerhalb der griechischen Welt. Hauptgrund für den Niedergang war jedoch der für Athen immer schlechtere Verlauf des Peloponnesischen Krieges, der in der verheerenden Niederlage der Athener im Jahr 404 v. Chr. gipfelte. Von nun an kontrollierte Sparta den Handel mit Italien, ohne die wirtschaftliche Kraft zu besitzen, ihn auszufüllen. Attische Töpfer mussten sich ein neues Absatzgebiet suchen und fanden es am Schwarzen Meer, in Spanien und in Südfrankreich. Diese Vasen sind meist von geringerer Qualität und wurden vor allem wegen ihres „exotischen Flairs“ gekauft. Doch erholten sich Athen und auch die Töpferindustrie nie mehr ganz von der Niederlage und es zog schon im Verlauf des Krieges einige Töpfer und Vasenmaler nach Unteritalien, wo die wirtschaftliche Basis besser war. Bezeichnend für die Ausrichtung der attischen Vasenproduktion auf den Export ist der nahezu vollständige Verzicht auf die bildliche Darstellung von Theaterszenen. Denn Käufer aus anderen Kulturkreisen, etwa Etrusker oder später Abnehmer im heutigen Spanien, hätten die Darstellungen nicht verstanden oder sie nicht interessant gefunden. In der nicht auf den Export ausgerichteten unteritalischen Vasenmalerei hingegen sind Vasen mit Bildern aus dem Theaterbereich keine Seltenheit. Ein weiterer Grund für das Produktionsende figürlich dekorierter Vasen war eine Veränderung des Geschmacks, die mit dem beginnenden Hellenismus einsetzte.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Die unteritalische rotfigurige Vasenmalerei entstammt einem Produktionsgebiet, das aus moderner Sicht als einziges unter künstlerischen Aspekten mit den attischen Produktionen mithalten konnte. Nach den attischen Vasen sind die unteritalischen, zu denen auch die sizilischen gehören, die am besten erforschten. Im Gegensatz zu ihren attischen Pendants wurden sie überwiegend für den regionalen Markt produziert. Nur wenige Stücke fanden sich außerhalb Unteritaliens, dessen Küstenregion zu dieser Zeit von griechischen Städten kontrolliert wurde, die während der griechischen Kolonisation gegründet wurden. Die ersten Werkstätten entstanden in der Mitte des 5. Jahrhunderts v. Chr., gegründet wurden sie von attischen Keramikern. Schnell wurden auch einheimische Handwerker ausgebildet und die thematische und formale Abhängigkeit von den attischen Vasen wurde bald überwunden. Gegen Ende des Jahrhunderts bildeten sich in Apulien die sogenannten "ornate"- und "plain-styles" heraus. Vor allem der "ornate-style" wurde von den anderen festländischen Schulen übernommen, jedoch wurde es dort nie ganz zur apulischen Kunstfertigkeit gebracht.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Heute sind etwa 21.000 unteritalische Vasen und Fragmente bekannt. Davon wurden etwa 11.000 der apulischen, 4000 der kampanischen, 2000 der paestanischen, 1500 der lukanischen und etwa 1000 Stücke den sizilischen Werkstätten zugewiesen.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Die Apulische Vasenmalerei gilt als die führende Gattung der unteritalischen Vasenmalerei. Ein wichtiges Produktionszentrum lag in Tarent. Die rotfigurigen Vasen wurden in Apulien in einem Zeitraum von etwa 430 bis 300 v. Chr. hergestellt. In der apulischen Vasenmalerei wird zwischen dem "plain"- und dem "ornate-style" unterschieden. Die Unterscheidung liegt vor allem darin begründet, dass beim "plain-style", abgesehen von Glocken- und Kolonettenkrateren, kleinere Gefäße bemalt wurden. Auf diesen wurden selten mehr als vier Figuren gezeigt. Schwerpunkt bei der Darstellung waren mythologische Themen, Frauenköpfe, Krieger in Kampf- und bei Abschiedsszenen sowie Thiasos-Bilder aus dem dionysischen Bereich. Auf der Rückseite wurden häufig „Manteljünglinge“ dargestellt. Wichtigstes Merkmal dieser einfach dekorierten und komponierten Vasen ist der weitestgehende Verzicht auf Zusatzfarben. Bedeutende Vertreter waren der Sisyphos-Maler und der Tarporley-Maler. Nach der Mitte des vierten vorchristlichen Jahrhunderts ist eine Annäherung an den "ornate-style" zu beobachten. Wichtigster Künstler war zu dieser Zeit der Varrese-Maler.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Beim "ornate-style" legten die Künstler meist Wert auf großformatige Vasen wie Volutenkratere, Amphoren, Loutrophoren und Hydrien. Die größere Gefäßoberfläche wurde dazu genutzt, bis zu 20 Figuren in zum Teil mehreren Registern auf dem Vasenkörper darzustellen. Zusätzliche Farben, vor allem Rottöne, Goldgelb und Weiß, wurden reichlich eingesetzt. Seit der zweiten Hälfte des 4. Jahrhunderts v. Chr. wurden vor allem in den Halszonen und an den Seiten der Vasen üppige Pflanzen- oder Ornamentdekorationen aufgebracht. Zur gleichen Zeit wurden auch perspektivische Ansichten, vor allem von Gebäuden wie den „Unterweltspalästen“ (Naïskos), dargestellt. Seit etwa 360 v. Chr. wurden solche Bauwerke häufig in Szenen wiedergegeben, die mit dem Totenkult in Verbindung standen (Naïskosvasen). Wichtigste Vertreter dieses Stils sind der Iliupersis-Maler, der Dareios-Maler und der Baltimore-Maler. Beliebt waren vor allem mythologische Szenen: Götterversammlungen, Amazonomachien, der trojanische Sagenkreis, Herakles und Bellerophon. Zudem wurden immer wieder Mythen dargestellt, die man sonst nur selten auf Vasen sieht. Manche Vasen sind die einzige Quelle für die Ikonografie derartiger Mythen. Ein in der attischen Malerei seltenes Sujet sind die Theaterdarstellungen. Vor allem Possenszenen, etwa auf sogenannten Phlyakenvasen, sind nicht selten zu finden. Alltags- und Sportdarstellungen spielten hingegen nur in der Anfangszeit eine Rolle, nach 370 v. Chr. verschwinden sie aus dem Repertoire. Viele der Unterschiede zur attischen Vasenmalerei lassen sich nicht zuletzt auf den Umstand zurückführen, dass die apulischen Gefäße in zunehmendem Maß speziell für Ihre Verwendung am und im Grab gearbeitet wurden.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Die apulische Malerei beeinflusste die anderen Keramikzentren Unteritaliens maßgeblich. Es wird angenommen, dass sich einige apulische Künstler in anderen unteritalischen Städten niedergelassen hatten und dort ihr Können einbrachten. Neben den rotfigurigen Vasen wurden in Apulien auch schwarzgefirnisste Gefäße mit aufgemaltem Dekor (Gnathiavasen) und polychrome Vasen (Canosiner Vasen) produziert.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Auch in Kampanien wurden im 5. und 4. Jahrhundert v. Chr. rotfigurige Vasen geschaffen. Auf dem hellbraunen Ton Kampaniens wurde ein Überzug aufgebracht, der nach dem Brennen einen rosafarbenen bis roten Farbton annimmt. Kampanische Vasenmaler bevorzugten eher kleinere Gefäßtypen, hinzu kamen Hydrien und Glockenkratere. Als Leitform Kampaniens gilt die Bügelhenkelamphora. Viele Gefäßformen, die für die apulische Keramik typisch waren, fehlten, so Voluten- und Kolonettenkratere, Lutrophoren, Rhyta und Nestoriden; Peliken sind selten. Das motivische Repertoire ist begrenzt. Gezeigt werden Jünglings- und Frauengestalten, Thiasos-Szenen, Vogel- und Tierbilder, vor allem auch einheimische Krieger und Frauen. Auf den Rückseiten befinden sich häufig Manteljünglinge. Mythologische Szenen und Darstellungen, die mit dem Grabkult in Zusammenhang stehen, spielen eine untergeordnete Rolle. Naiskos-Szenen, ornamentale Elemente sowie Polychromie werden erst ab etwa 340 v. Chr. unter apulischem Einfluss aufgegriffen.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Vor der Einwanderung sizilischer Keramiker im zweiten Viertel des 4. Jahrhunderts v. Chr., die mehrere Werkstätten in Kampanien etablierten, ist dort nur die Werkstatt der Owl-Pillar-Gruppe aus der zweiten Hälfte des 5. Jahrhunderts v. Chr. bekannt. Die Kampanische Vasenmalerei wird in drei Hauptgruppen gegliedert:


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Die erste Gruppe wird repräsentiert durch die Werkstatt des Kassandra-Malers aus Capua, der noch unter dem Einfluss sizilischer Maler stand. Ihm folgen die Werkstätten des Parrish-Malers und die Werkstatt um den Laghetto-Maler und den Caivano-Maler. Kennzeichnend sind die Vorliebe für Satyrfiguren mit Thyrsos, Darstellungen von Köpfen – meist unter den Henkeln von Hydrien –, Zinnbordüren an den Gewändern und die häufige Verwendung weißer, roter und gelber Zusatzfarbe. Der Laghetto- und der Caivano-Maler scheinen später nach Paestum ausgewandert zu sein.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Die AV-Gruppe hatte ihre Werkstatt ebenfalls in Capua. Besonders wichtig ist hier der Whiteface-Frignano-Maler, der einer der ersten Maler der Gruppe war. Typisch ist für ihn die Verwendung weißer Zusatzfarbe zur Kennzeichnung der weiblichen Gesichter. Besonders in dieser Gruppe wurden heimische Szenen, Frauen und Krieger gezeigt. Mehrfigurige Szenen sind selten, meist wird jeweils nur eine Figur auf der Vorder- und Rückseite gezeigt, manchmal lediglich der Kopf. Die Gewänder sind meist flüchtig gezeichnet.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: In Cumae arbeitete nach 350 v. Chr. der CA-Maler sowie dessen Mitarbeiter und Nachfolger. Der CA-Maler gilt als herausragender Vertreter dieser Gruppe, womöglich der gesamten kampanischen Vasenmalerei. Ab 330 v. Chr. ist ein starker Einfluss der apulischen Vasenmalerei augenscheinlich. Am häufigsten dargestellte Motive sind Naiskos- und Grabszenen, dionysische Szenen und Symposiendarstellungen. Typisch ist zudem die Darstellung von geschmückten Frauenköpfen. Der CA-Maler arbeitete polychrom, verwendete aber manchmal sehr viel Deckweiß bei Architektur- und Frauendarstellungen. Seine Nachfolger konnten seine Qualität nur bedingt halten und so setzte schnell ein Niedergang ein, der um 300 v. Chr. auch im Ende der kampanischen Vasenmalerei mündete.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Die Lukanische Vasenmalerei begann um das Jahr 430 v. Chr. mit den Arbeiten des Pisticci-Malers. Er wirkte wohl in Pisticci, wo ein Teil seiner Werke gefunden wurde. Er stand noch stark in attischer Tradition. Seine Nachfolger, der Amykos-Maler oder der Kyklops-Maler, hatten ihre Werkstatt in Metapont. Sie bemalten als erste den neuen Vasentyp Nestoris. Häufig werden mythische Szenen und Bilder aus dem Theaterleben gezeigt. So zeigte der nach den Cheophoroi des Aischylos’ benannte Cheophoroi-Maler auf mehreren seiner Vasen Szenen aus dieser Tragödie. Zu dieser Zeit wird auch der Einfluss der apulischen Vasenmalerei spürbar. Vor allem die Polychromie und ornamentale Pflanzendekors werden nun Standard. Wichtige Vertreter in dieser Zeit waren der Dolon-Maler und der Brooklyn-Budapest-Maler. Zur Mitte des 4. Jahrhunderts v. Chr. ist eine massive Abnahme der Qualität und der thematischen Vielfalt in den Darstellungen zu beobachten. Letzter bedeutender Vasenmaler Lukaniens war der vom apulischen Lykurgos-Maler beeinflusste Primato-Maler. Nach ihm endet die lukanische Vasenmalerei nach einem kurzen rapiden Niedergang zu Beginn des letzten Viertels des 4. Jahrhunderts v. Chr.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Die Paestanische Vasenmalerei entstand als letzter unteritalischer Stil. Sie wurde um das Jahr 360 v. Chr. von sizilischen Einwohnern begründet. Die erste Werkstatt wurde von Asteas und Python geführt. Es sind die beiden einzigen durch Inschriften namentlich bekannten Vasenmaler Unteritaliens. Es wurden vor allem Glockenkratere, Halsamphoren, Hydrien, Lebetes Gamikoi, Lekaniden, Lekythen und Kannen bemalt, seltener Verwendung fanden Peliken, Kelch- und Volutenkratere. Besonders charakteristisch sind Verzierungen wie Seitenpalmetten, eine als „Asteas-Blüte“ bezeichnete Ranke mit Blütenkelch und Dolde, Zinnenmuster auf den Gewändern und lockiges, angelegtes und über den Rücken hängendes Haupthaar. Ebenfalls typisch sind Figuren, die sich vorbeugen und sich auf Pflanzen oder Steine stützen. Zusatzfarben werden häufig verwendet, besonders Weiß, Gold, Schwarz, Purpur und verschiedene Rottöne.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Die dargestellten Themen sind oft im dionysischen Bereich angesiedelt: Thiasos- und Symposienszenen, Satyrn und Mänaden, Papposilenen und Phlyakenszenen. Zahlreich sind auch weitere mythische Motive vertreten, vor allem Herakles, das Parisurteil, Orestes, Elektra, unter den Göttern Aphrodite und Eroten, Apollon, Athene und Hermes. Es gibt in der paestanischen Malerei nur selten Alltagsbilder, dafür Darstellungen von Tieren. Asteas und Python beeinflussten die Vasenmalerei der Stadt nachhaltig. Dies ist an den Arbeiten ihrer Nachfolger, etwa des wohl aus Apulien eingewanderten Aphrodite-Malers, erkennbar. Um 330 v. Chr. entstand eine zweite Werkstatt, die sich zunächst an den Arbeiten der ersten orientierte. Doch ließen dort Qualität und Motivreichtum der Arbeiten schnell nach. Zeitgleich ist auch der Einfluss des kampanischen Caivano-Malers erkennbar. Lineare Gewandkonturen und konturlose Frauenfiguren waren die Folge. Um 300 v. Chr. kam die paestanische Vasenmalerei zum Erliegen.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Die Produktion sizilischer Vasen begann vor dem Ende des 5. Jahrhunderts v. Chr. in den Städten Himera und Syrakus. Die Werkstätten orientierten sich in ihren Arbeiten stilistisch, thematisch, ornamental und bei den Vasenformen stark an den attischen Vorbildern. Vor allem der Einfluss des attisch-spätklassischen Meidias-Malers ist erkennbar. Im zweiten Viertel des 4. Jahrhunderts v. Chr. begründeten aus Sizilien nach Kampanien und Paestum ausgewanderte Keramiker die dortigen Produktionsstätten und nur in Syrakus blieb eine begrenzte Vasenproduktion bestehen.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Die typische sizilische Vasenmalerei entstand erst um 340 v. Chr. Es lassen sich drei Werkstattgruppen unterscheiden. Eine erste, Lentini-Manfria-Gruppe genannte, war in Syrakus und Gela aktiv, eine zweite Gruppe am Ätna (Centuripe-Gattung) und die dritte Gruppe auf Lipari. Besonders typisch für die sizilische Vasenmalerei ist die Verwendung von Zusatzfarben, ganz besonders von Weiß. Vor allem in der Anfangsphase werden großflächige Gefäße wie Kelchkratere und Hydrien bemalt, jedoch sind kleinere Gefäße wie Flaschen, Lekanen, Lekythen, und skyphoide Pyxiden typisch. Gezeigt werden vor allem Szenen aus der Frauenwelt, Eroten, Frauenköpfe und Phlyakenszenen. Mythische Inhalte sind selten. Wie in allen anderen Gegenden markiert etwa das Jahr 300 v. Chr. das Ende der sizilischen Vasenmalerei.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Neben der attischen und der unteritalischen rotfigurigen Vasenmalerei konnten sich, anders als beim schwarzfigurigen Stil, kaum bedeutende regionale Traditionen, Werkstätten oder gar „Schulen“ entwickeln. In Griechenland entstanden dennoch Werkstätten in Böotien, der Chalkidike, in Elis, Eretria, Korinth und Lakonien.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Die Böotische Vasenmalerei im rotfigurigen Stil hatte ihre Blütezeit in der zweiten Hälfte des 5. und den ersten Jahrzehnten des 4. Jahrhunderts v. Chr. Die Töpfer versuchten durch einen rötlichen Überzug attische Vasen zu imitieren. Das war nötig, da der Ton Böotiens heller, etwa ledergelb, war. Der verwendete Firnis ist braunschwarz. Die Inschriften wurden meist eingeritzt. Den Figuren fehlt die plastische Tiefe der attischen Vorbilder. Zudem gibt es keine echte Entwicklung in der böotischen Malerei, es waren schlicht Versuche, die attischen Darstellungsformen zu kopieren. Wichtigste Künstler waren der Maler des Paris-Urteils, der sich vor allem an Polygnotos und dem Lykaon-Maler orientierte, der Maler der Athener Argosschale, der an den Schuwalow-Maler und den Marlay-Maler erinnert, sowie der Maler des großen Athener Kantharos. Letzterer steht dem attischen Dinos-Maler so nahe, dass er möglicherweise von diesem ausgebildet wurde.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Die rotfigurige Vasenmalerei Korinths wurde 1885 von Adolf Furtwängler erkannt. Die Vasen wurden aus einem Ton hergestellt, der feiner als der Attikas und blassgelblich war. Der matte Firnis glänzt nicht und haftet nur schlecht auf dem Tonuntergrund, weshalb oftmals ein weiterer rötlicher Tonüberzug aufgetragen wurde, auf dem die Farbe besser hielt. In geringem Maße wurden diese Vasen wohl auch außerhalb Korinths gehandelt. Man fand korinthisch-rotfigurige Vasen auch in Argos, Mykene, Olympia und Perachora. Die Produktion setzte etwa um 430 v. Chr. ein und endete etwa zur Mitte des 4. Jahrhunderts v. Chr. Die ersten Bilder wirken noch sehr schlicht, weil die Maler die Technik noch nicht gut genug beherrschten. So gab es Probleme bei der Darstellung anatomischer Details und von Gesichtern in Dreiviertel-Ansicht. Etwa ab 400 v. Chr. beherrschten die korinthischen Maler die Technik auf einem guten Niveau. Anders als ihre attischen Kollegen benutzten sie nie goldene Zusatzfarbe, Deckfarben oder Bildkompositionen mit mehreren Standebenen. Signaturen fanden sich bislang nicht. Derzeit kann man etwa die Hälfte der gefundenen Vasen und Fragmente sechs Künstlern zuweisen. Die drei wichtigsten Maler sind der Peliken-Maler, der Hermes-Maler und der Skizzen-Maler. Es werden Symposien und dionysische Bilder sowie Athleten gezeigt. Mythische Darstellungen und Bilder aus dem häuslichen Bereich sind sehr selten. Unklar ist, warum es etwa 100 Jahre von der Erfindung der rotfigurigen Vasenmalerei bis zu deren Produktionsbeginn in Korinth brauchte. Der Import aus Attika stoppte trotz des Peloponnesischen Krieges nicht. Möglicherweise wurde die Produktion notwendig, da es zu vereinzelten dem Krieg geschuldeten Lieferproblemen kam. Bestimmte Vasen- und Bildformen wurden jedoch im religiösen und sepulkralen Rahmen benötigt und mussten somit jederzeit verfügbar sein.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: In Etrurien, einem der Hauptabnehmer der attischen Vasen, entwickelten sich hingegen eigene Schulen und Werkstätten, die nicht nur für den lokalen Markt produzierten. Allerdings erfolgte eine nachahmende Übernahme des rotfigurigen Stils erst um 490 v. Chr. und somit fast ein halbes Jahrhundert nach seiner Entwicklung. Diese frühen Produkte werden auf Grund ihrer Maltechnik als pseudo-rotfigurige etruskische Keramik bezeichnet. Erst gegen Ende des 5. Jahrhunderts v. Chr. wurde auch die echte rotfigurige Technik in Etrurien eingeführt. Für beide Stilrichtungen konnten zahlreiche Maler, Werkstätten und Produktionszentren nachgewiesen werden. Die Produkte wurden nicht nur für den lokalen Markt produziert, sondern nach Malta, Karthago, Rom und an die ligurische Küste verkauft.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Bei frühen Gefäßen dieses Stils wurde die rotfigurige Maltechnik nur imitiert. Wie bei manchen frühen attischen Vasen wurde auch hier der gesamte Gefäßkörper mit schwarzem Glanzton überzogen und die Figuren nachträglich mit rot oxidierenden oder weißen Erdfarben aufgemalt. Im Gegensatz zur gleichzeitigen attischen Vasenmalerei wurde der rotfigurige Effekt also nicht durch Aussparen des Malgrundes erzielt. Die Binnenzeichnungen wurden dann wie in der schwarzfigurigen Vasenmalerei durch Einritzungen ersetzt und nicht zusätzlich aufgemalt. Bedeutende Vertreter dieser Malweise waren der Praxias-Maler und andere Meister seiner Werkstatt, die in Vulci stand. Trotz offensichtlich guter Kenntnisse der griechischen Mythologie und Ikonografie – die jedoch nicht immer exakt umgesetzt wurden –, gibt es keine Hinweise, dass die Werkstattmeister aus Athen eingewandert waren. Nur beim Praxias-Maler lassen bei vier seiner Vasen aufgemalte Inschriften in griechischer Sprache Vermutungen zu einer Herkunft aus Griechenland anstellen.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Der pseudo-rotfigurige Stil war in Etrurien keine Erscheinung der Frühzeit, wie etwa in Athen. Besonders im 4. Jahrhundert v. Chr. spezialisierten sich einzelne Werkstätten auf diese Technik, obwohl zur gleichen Zeit die echte rotfigurige Vasenmalerei in etruskischen Werkstätten verbreitet war. Zu nennen sind die Werkstätten der Sokra- und der Phantom-Gruppe. Die etwas ältere Sokra-Gruppe bevorzugte Schalen, deren Innenbilder Darstellungen mythischer Themen der Griechen, aber auch etruskische Inhalte boten. Motive der Phantom-Gruppe stellten meist Mantelfiguren in Kombination mit Pflanzen- und Palmettenkompositionen dar. Die zugehörigen Werkstätten beider Gruppen werden in Caere, Falerii und Tarquinia vermutet. Die Phantom-Gruppe produzierte ihre Waren bis ins frühe 3. Jahrhundert v. Chr. Der sich wandelnde Geschmack der Käuferschichten bringt wie für die rotfigurige Vasenmalerei generell auch für diesen Stil das Ende.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: Erst gegen Ende des 5. Jahrhunderts v. Chr. wurde die echte rotfigurige Maltechnik mit ausgesparten tongrundigen Figuren in Etrurien eingeführt. In Vulci und Falerii entstanden die ersten Werkstätten, die in dieser Technik auch für das Umland produzierten. Attische Meister standen wahrscheinlich hinter den ersten Werkstattgründungen, doch lässt sich auch unteritalischer Einfluss auf den frühen Gefäßen nachweisen. Bis ins 4. Jahrhundert v. Chr. beherrschten diese Werkstätten den etruskischen Markt. Meist mythologische Szenen wurden auf groß- bis mittelformatigen Gefäßen wie Krateren und Kannen dargestellt. Im Verlauf des Jahrhunderts begann die faliskische Produktion jene aus Vulci an Umfang zu übertreffen. In Chiusi und Orvieto entstanden neue Zentren der Produktion. Vor allem Chiusi mit seinen Trinkschalen der Tondo-Gruppe, die meist dionysische Themen in der Innenschale darstellten, gewann an Bedeutung. In der zweiten Hälfte verlagerte sich die Produktion nach Volterra. Vor allem Stangenhenkelkratere, sogenannte Keleben, wurden hergestellt und anfangs aufwändig bemalt.


title: Rotfigurige Vasenmalerei

text: In der zweiten Hälfte des 4. Jahrhunderts v. Chr. verschwanden die mythologischen Themen aus dem Repertoire etruskischer Vasenmaler. An ihre Stelle traten Frauenköpfe oder figürliche Darstellungen von höchsten zwei Personen. Ornamente und florale Motive breiteten sich stattdessen auf den Gefäßkörpern aus. Nur ausnahmsweise kehren noch große Kompositionen wieder, etwa die Amazonomachie auf einem Krater des Den-Haag-Funnel-Gruppe-Malers. Die zunächst noch umfangreiche Produktion faliskischer Gefäße verlor ihre Bedeutung an das neu entstandene Produktionszentrum von Caere. Wahrscheinlich von faliskischen Meistern gegründet und ohne eigenständige Tradition, wurde Caere zum dominierenden Hersteller rotfiguriger Vasen Etruriens. Einfach bemalte Oinochoen, Lekythen, Trinkschalen etwa der Torcop-Gruppe und kleine Teller der Genucilia-Gruppe gehörten zum Standardrepertoire ihrer Produktion. Mit der Produktionsumstellung auf Schwarzfirnisvasen am Ende des 4. Jahrhunderts v. Chr., die dem Geschmack der Zeit eher entsprachen, ging auch in Etrurien die rotfigurige Vasenmalerei zu Ende.