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Titolo: Tristan und Isolde alla Scala. Un commento

Affrontata e superata la rabbia per lo sciopero di una sessantina
orchestrali che inopinatamente e senza un serio motivo mi hanno deluso
nell'attesa e privato, come abbonato del turno C, della possibilità di
assistere al Tristano e Isotta scaligero, devo ringraziare, e non
smetterò mai di farlo, Pinuccia e Lux che invece mi hanno restituito
questa possibilità rimediando per me un biglietto per il giorno 28.
Ed effettivamente mi sono reso conto che sarebbe stata una grande
perdita non potervi assistere, anche se l'opera è stata più volte
trasmessa in video da diverse emittenti, sia come registrazione diretta,
sia come diretta-differita. Come da sempre sostengo, la visione in
teatro è molto diversa (e direi l'unica realmente autentica) rispetto
alle diverse forme riproduttive sia in audio che in video; e anche in
questa occasione ne ho avuto conferma.
Il Tristano, credo, è una delle opere, di Wagner, ma anche in assoluto,
più sottoposte ad analisi e a critica da parte di musicologi, critici,
studiosi, e banco di prova di grande complessità per direttori e
registi.
E' quindi operazione di scarso interesse, e comunque presuntuosa al
limite dell'inaccettabile, che un profano, armato solo di passione per
la musica e per il teatro, si cimenti a trovare forme anche solo un po'
originali di interpretazione.
Credo che il motivo centrale dell'opera, come è stato ripetutamente
osservato, sia l'amore in termini assoluti, quello che Wagner pone al
centro del crocevia rappresentato dai binomi giorno-notte, e vita-morte,
situato quindi oltre ogni possibile valutazione morale; e non riuscendo
egli ad esprimerlo con le parole (il valore letterario del libretto mi
sembra modesto), riesce a farlo in modo superlativo, magistrale,
assoluto, con la musica, dove indefinitezza dell'armonia, scomparsa di
ogni punto di attrazione tonale, dilatazione dei temi, fluidità dei
timbri ci accompagnano a ricreare nelle sensibilità di noi ascoltatori
l'emozione di un mistero mai risolto e mai risolvibile: l'amore non come
completamento ma come alternativa alla vita.
E' universalmente accettato che il Tristano apra, non solo nella musica
di Wagner, nuovi orizzonti, che vediamo poi riflettersi nel terzo atto
del Siegfried, nel Götterdämmerung e nel Parsifal. Ma credo che la
peculiarità dell'incontro eloquentissimo fra il motivo che regge l'opera
e la musica che lo esprime, nel Tristano, sia irripetibile. E ciò
rappresenta una sfida che affascina sia il direttore d'orchestra, sia il
regista che l'affrontano, ma anche l'ascoltatore e l'appassionato che la
recepiscono.
La direzione di Barenboim e la regia di Chereau in questa edizione
scaligera erano molto attese: Barenboim è oggi, credo a ragione,
considerato uno dei direttori più attenti e credibili nelle opere di
Wagner, e Chereau ci ha impresso nella memoria la strabiliante
interpretazione del Ring di Bayreuth del lontano 1977. Sul lato opposto,
nell'attesa dell'opera, molti osservatori facevano notare che oggi non
vi siano cantanti dotati di mezzi vocali idonei ad affrontare le
impervie difficoltà che l'opera offre, e che ciò avrebbe potuto
rappresentare un fattore di debolezza della rappresentazione.
Dopo aver potuto finalmente vedere questo Tristano a teatro, devo
sinceramente ammettere di esserne rimasto affascinato. Certo, il mio
giudizio può essere influenzato da vari fattori: innanzitutto è la prima
volta che assisto dal vivo a quest'opera meravigliosa, anche se ho visto
e sentito diverse registrazioni; in secondo luogo, ho una particolare
ammirazione per il direttore e per il regista, basata però solo su
registrazioni di opere wagneriane. Ma la di là di questi fattori che
possono essere strumenti di "pregiudizio", quello che è emerso dopo le
oltre quattro ore di musica e di spettacolo è stato un pieno
coinvolgimento e una grande emozione.
La regia di Chereau, da quello che mi è parso evidente, si è basata
principalmente sulla riconduzione del mito a termini fortemente umani.
Io non ho trovato significati particolarmente "politici", emergere dalla
sua messa in scena. Sì, forse la nave che esce da un buco della storia
(rappresentata dal grande muro di mattoni che copre lo sfondo della
scena del primo atto); oppure pacchi di varie dimensioni che coprono la
tolda di una nave inglese che viene dall'Irlanda e che raffigura in
certo qual modo la spoliazione colonialista dei paesi vinti. Ma non mi
sembra che l'aspetto "politico" vada oltre questo, e neppure mi sembra
essere l'elemento chiave di lettura della interpretazione registica.
L'amore esplode come un momento liberatorio dopo la bevuta del filtro.
Quello che era il giorno, o la vita (la lotta fra i regni d'Irlanda e di
Cornovaglia-Inghilterra, le azioni eroiche, gli ideali di onore e
fedeltà, ecc.) si trasforma nella notte-morte. L'attrazione fra i due
esseri, rimasta latente e compressa nelle dimensioni vita-giorno, si
libera con violenza nella dimensione notte-morte, dopo che l'assunzione
del filtro (veleno non nella realtà, ma nella convinzione soggettiva) si
offre loro come l'ingresso alla morte. E il regista ci ha offerto
proprio la violenza del sentimento che ignora e oltrepassa ogni
rimasuglio del giorno e della vita, e si precipita in un amplesso
incurante di tutto ciò che lo circonda, anche della ciurma di marinai
intenti a scaricare il bottino di guerra. Essi, come lo stesso Re Mark
che sale sulla nave a prendere Isolde, appartengono al "polo" vita; la
passione fra i due al "polo" morte.
Tutto ciò, attraverso la lunga e meravigliosa elaborazione musicale del
secondo atto, porta poi alla conclusione nel terzo: Tristan, pur ferito
gravemente, non può morire in assenza di Isolde, e tutto il terzo atto
non è altro che la estenuante attesa che al giorno possa succedere
finalmente la notte e alla vita la morte: e ciò non può accade se non
proprio nel momento in cui Isolde si ricongiunge a Tristan.
Nei particolari con i quali la regia si realizza, prevalgono quelli che
si impongono di fare emergere l'aspetto umano, carnale della vicenda.
Oltre alla violenza dell'amplesso alla fine del primo atto, vale la
drammatica conclusione del secondo (Tristan, contrariamente alla
didascalia wagneriana, si precipita disarmato su Melot e si fa
trafiggere dopo aver chiamato Isolde alla notte eterna del suo castello:
notte quindi come morte), e la dolce malinconia del terzo manifestata
attraverso la struggente melodia del corno inglese e la tenera e
premurosa assistenza di amici e vassalli al corpo gravemente ferito di
Tristan. Scenografia e costumi, come si era già osservato nella sua
regia del Ring del '77, sono privi di un riferimento temporale o di
luogo, ma si offrono come realtà a se stanti, valide per ciò che
"contengono", non in quanto "contenitori".
La direzione orchestrale è stata di altissimo livello, e credo che
questo giudizio sia stato ampiamente condiviso non solo dal pubblico, ma
anche da numerosi critici e osservatori. Barenboim ha saputo rendere al
massimo l'indefinitezza delle armonie e dei timbri orchestrali, servito
da un'orchestra al meglio delle sue capacità esecutive.
Il cast dei cantanti ha dato vita ai personaggi con grande capacità
interpretativa, dando corpo pieno e convincente alle indicazioni
registiche di Chereau. I vociologhi hanno pesantemente criticato la
prestazione vocale di Ian Storey, e espresso qualche dubbio su quella di
Waltraud Meier. Ma, dal mio punto di vista sono critiche che non
intaccano la grande bellezza, e, diciamo, la riuscita finale della
rappresentazione. In particolare Storey, la sera del 28, ha cantato in
condizioni fisiche non perfette, come lo speaker del teatro all'inizio
dell'opera ci ha fatto sapere; e la sua voce aveva uno sgradevole timbro
"da patata in bocca". Ma il suo personaggio di Tristan c'era ed era
reale, e questo è soprattutto, secondo me, quello che importa e va
valorizzato nella sua interpretazione. Sulla Meier non posso dire altro
che è stata una Isolde strepitosa. Splendido anche Matti Salminen nel
doloroso ruolo di Re Mark, e Grochowski in quello di un  Kurwenal rude
ma dolcissimo nell'affetto per il suo amico Tristan. La Michelle de
Young come nutrice ci ha offerto l'immagine speculare di Isolde: il buon
senso dell'età, la calma affettuosa, ma anche lo sgomento di chi,
vissuta sempre nel giorno, non capisce il senso della notte.
Alla fine e dopo ogni atto, grandissimi applausi del pubblico, che mi
sono sembrati pienamente motivati.
Saluti a tutti
Rudy
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rodolfo....@tin.it
 
http://www.dicoseunpo.it

 trafiggere
La Eulenburg riporta:
"Als Melot ihm das Schwert entgegen  streckt, läßt Tristan das seinige  
fallen, und sinkt verwunden in Kurwenals Arme". Ossia: quando Melot gli  
punta contro la spada Tristano lascia cadere la sua e cade ferito nelle  
braccia di Kurwenal. Chereau è dunque stato rispettoso (come molti altri  
del resto) di questa didascalia. E fra l'altro in genere egli è molto  
attento alle indicazioni dell'autore: anche chi fosse totalmente digiuno  
di Wagner capirebbe la vicenda (a differenza di quello che capita con  
certe regie germaniche).
-- 
Giuseppe Sottotetti
gso...@alice.it
http://SottotettiGiuseppe.ilcannocchiale.it

 del resto) di questa didascalia.
No. L'episodio presenta una differenza, rispetto alla didascalia, che
secondo me è sostanziale.
Wagner fa estrarre la spada a Tristano che si getta su Melot
"Chi rischia la sua vita con la mia?"
"Quando Melot gli oppone la spada Tristano abbandona la sua."
In Chereau Tristano non impugna affatto la spada. Si getta disarmato
sulla lancia protesa di Melot per farsi trafiggere.
Quindi Tristano ha deciso di morire fin da subito. Chereau ha dato più
importanza alle parole precedenti di Tristano rivolte ad Isotta
"Dove ora Tristano s'avvia,
vuoi tu seguirlo, Isotta?
Alla terra cui Tristano pensa
la luce del sole non appare:
è l'oscura terra notturna"
Per Chereau quella terra cui pensa Tristano (oltre ad essere il proprio
castello) è la notte-morte. C'è tutto il rapporto fra la sua concezione
del tradimento verso Mark, che egli riconosce apertamente (giorno-vita)
e la sua concezione dell'amore che sta al di là del tradimento
(notte-morte).
Quindi il regista sorvola sulle affermazioni successive
"Chi rischia la sua vita con la mia?"
E, prima di 
"lascar cader la spada"
"Difenditi Melot!"
E' una sfumatura, ma dato che Chereau è un regista estremamente
coerente, nel mio commento ho voluto sottolinearne la coerenza
all'interpretazione basata sul crocevia fra i due binomi in questo
episodio cruciale.
Questo, ovviamente, secondo me.
Ciao
e auguri


 E' una sfumatura,
Hai ragione. Ma è una sfumatura importante su cui fai bene a farmi  
pensare. Sembrerebbe che in Wagner - a differenza di quanto accade in  
Chereau - l'eroe si comporti ancora per un attimo come la società si  
aspetta che lui faccia salvo avere un'improvvisa resipiscenza, una  
folgorazione del tipo "ho trovato il modo per farla finita". In realtà la  
decisione Tristan l'ha già presa. L'ha presa nel primo atto decidendo di  
bere il veleno; l'ha ribadita qualche verso prima (Der ode Tag zum  
letztenmal - Il vuoto giorno _per_l'ultima_volta_) ma si direbbe quasi che  
nel momento in cui impugna la spada ci sia ancora un automatismo, risponda  
ancora il vecchio uomo legato al "giorno" (che sono anche le false leggi  
della società che si è allontanata dalla natura, ritenendo normale che una  
ragazza giovane come Isotta ami un vecchio bacucco come Marke - non  
dimentichiamo che Tristan nasce contemporaneamente alla Valchiria e ai  
Meistersinger, dove è presente il contrasto tra amore secondo natura e  
secondo le leggi false della società). Oppure c'è una finta: Tristano si  
comporta come ci si attende da lui salvo, all'ultimo momento, seguire il  
proprio intimo volere (è un'anticipazione di quello che avverrà nel terzo  
atto dove all'arrivo di Isotta Tristan si lascia morire dissanguato  
anzichè attenderla. Qui c'è anche dell'altro - come con il suo sacrificio  
Siegfried indica a Brunnhilde la strada da seguire, così Tristan ricorda a  
Isotta la loro decisione di morire).
Sia come sia Tristan che impugna e poi fa cadere la spada appare a me  
molto più emozionante sul piano teatrale.


 molto pi� emozionante sul piano teatrale.
Forse era meglio un combattimento alla "Verdi" dove Macduff e Macbeth
nel IV atto:
"(brandiscono le spade e disperatamente battendosi, escono di vista)".
P.

 "(brandiscono le spade e disperatamente battendosi, escono di vista)".
Sempre meglio che vedere gente che finge male di combattere (vedi le  
penose realizzazioni del finale II dei Meistersinger a cui ho assistito).  
Al mio precedente post aggiungerei che ripensandoci bene Tristan _deve_  
impugnare la spada: il codice cavalleresco vieta a Melot di attaccare un  
Tristan disarmato! Quindi Tristan si comporta come se sfidasse Melot a un  
vero duello e Chéreau mostra di non aver capito affatto la situazione. Ma  
ai registi interessa poi qualcosa della coerenza tra il testo e ciò che  
mostrano?
