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Titolo: Les Troyens? Una telenovela....

    Questa almeno sembra essere l'opinione che della monumentale opera di
    Berlioz hanno i responsabili dell'allestimento del prossimo maggio
fioren-
    tino (Zubin Mehta per la parte musicale, Graham Vick per quella
registica).
    Essi hanno infatti concepito quest'opera come se fossero in realtà due
(La
    presa di Troia - Atti 1-2, e i Troiani a Cartagine - Atti 3-4-5): credo
che anche
    l'allestimento scenico sia diverso per le due parti. Il fatto però
rilevante è che
    vengono rappresentate o nella stessa giornata, ma ad orari diversi
(15.30 la
    prima, 20.00 la seconda), o addirittura in giornate diverse (quasi si
trattasse
    della tetralogia wagneriana!): il risultato? O si è abbonati (e si
vedono entrambe),
    o si fa un biglietto cumulativo per entrambi gli spettacoli (con un
certo sconto), op-
    pure si può scegliere se vedere l'uno o l'altro....
    Io credo che questa decisione non possa essere giustificata dalla durata
dell'ope-
    ra (che - anche nella sua versione integrale - supera di poco le 4 ore)
e che vada
    un po' a danno di una concezione unitaria dello stesso lavoro, che credo
lo stesso
    Berlioz avesse concepito come un unicum, anche se poi non è stato sempre
rap-
    presentato integralmente. Mi piacerebbe avere il parere al riguardo di
qualche
    esperto....
    A proposito: nessuno ha il video di quest'opera nell'allestimento del
Met con
    Domingo e (credo) Jessye Norman? E' recensito nel libro del Giudici, ma
    sembra introvabile.......
        Ciao,
                    Giorgio Meucci.

 wrote:

Non entro nel merito della decisione (anche perché essendo parte in
causa non sarebbe opportuno). Mi limito soltanto a rilevare che forse
anche lo stesso Berlioz si rendeva perfettamente conto della difficoltà
che avrebbero avuto alcuni teatri nel rappresentare "Les Troyens" per
intero nella stessa serata. Prova ne sia che scrisse un preludio da
anteporre ai "Troiani a Cartagine" (da eseguire nel caso di
rappresentazioni separate), utilizzando un tema del bellissimo duetto
tra Cassandra e Corebo nel primo atto della "Presa di Troia".
gvit
 

                     Giorgio Meucci.
Proprio quella produzione (Mehta-Vick) l'ho vista a Monaco in luglio.
Ne ho scritto a dismisura sul NG. Ti riporto se ti interessa, qui sotto,
i due post.
Ciao
----
Paolo
I
I Troiani a Monaco - Mehta-Vick
Musica e interpreti.
Dirigeva Zubin Mehta. Non conoscevo l'opera: ho riconosciuto soltanto
la parte strumentale dell'inizio 4 atto (la caccia) e il celebre duetto
Enea-Didone. Pertanto non posso dire chissā cosa. In generale mi sarei
aspettato da Mehta un po' pių di effetti speciali. La partitura,
ricchissima, come tutti sanno, mi č sembrata resa con un po' troppa
prudenza: avrei forse gradito qualche eccesso in pių, qualche contrasto
di volume pių forte. Mi aspettavo un Metha pių trucido, un po' meno
composto.
La parte per me pių nota č quella che mi ha meno convinto: la caccia mi
sembrava un po' poco convinta, come ovattata - č vero che ero distratto
in quel caso dalle scene per me non centrate, dalla coreografia
discutibile, e soprattutto dalle rumorose intemperanze del pubblico,
altrimenti molto silenzioso, che proprio non ha gradito per nulla la
messa in scena di quel quadro, e lo faceva sentire in diretta con ooooh
di disapprovazione e risatazze. Nel duetto celebre Enea-Didone un
inspiegabile scollamento in un passo ternario molto semplice ha mandato
completamente a spasso cantanti e orchestra per una frase. Pensai che
Mehta (che forse era anche stanchino vista la lunghezza dell'opera e
peraltro avendo diretto il Falstaff solo due sere prima, mi dicevano)
aveva perso la concentrazione proprio perché rispetto al resto della
difficile partitura lė era una passeggiata.
Dall'inizio. Per non annoiarmi con le parentesi appongo qui subito un
enorme "secondo la mia modestissima opinione".
La prima parte, la Presa di Troia č quella che mi č sembrata pių "unita"
dal punto di vista drammatico. Ho subito un po' la lungaggine del duetto
Corebo-Cassandra, che non mi č sembrato musicalmente abbastanza
affascinante da reggere la debolezza teatrale della situazione e del
personaggio, peraltro massacrato da un Gino Quilico davvero male in
arnese: spero che fosse malato, altrimenti mi chiedo chi č quel pazzo
che l'ha messo nel cast.
L'aspetto pių coinvolgente č il trattamento delle masse corali e
orchestrali, sempre imprevedibile. L'ossessiva ripetizione 'Laocoon' ai
bassi, come una specie di lugubre ritornello rituale, sostenuta da una
strumentazione oscura, mi ha colpito. Nella ricchezza quasi prodiga di
suoni e di motivi, mi č stato difficile seguire il procedimento
dell'elaborazione dei temi nei passi di declamato dei solisti, laddove
con Wagner e con la sua nota tecnica mi sento pių a casa, e lo stesso mi
succede con Strauss. Insomma, non ho capito bene come lavora Berlioz,
faticavo spesso a seguire la direzione del declamato e il rapporto con
il ricchissimo tessuto orchestrale, tendevo talvolta a perdermi, magari
distratto da una sciocchezza o talvolta da una buona idea buttatami lė a
sorpresa dal regista. La Cassandra di Deborah Polaski č stata per me il
segno unificante di questa prima parte, con un'interpretazione
intensissima e vocalmente impeccabile. Non l'avevo mai sentita dal vivo:
lei da sola valeva il viaggio. Credibile in scena, anche se volutamente
imbrigliata in una fermezza statuaria. La difficile parte di Enea č
tutto sommato portata avanti in modo pių che decoroso dal tenore
americano Jon Villars, meglio qui che nel Bacchus dell'Arianna a Nasso
scaligera, per qunto mi riguarda. Un po' inceppato nel declamato
drammatico, nel quale tende a dimenticarsi dell'intonazione e a
lasciarsi andare ad una generica affettazione degli accenti. Quando c'č
da cantare e da legare, allora sa estrasse suoni bellissimi ed un
fraseggio convincente: darā il meglio nella parte 'amorosa' dell'opera e
nel duetto con Didone. Pretendere che sia un bravo attore sarebbe
troppo: per la presenza scenica e per la recitazione ricordava un po'
Gerry Scotti in una vecchia parodia-musical dell'Odissea di Italia Uno -
anche se mancavano i costumi d'epoca, che avrebbero reso la somiglianza
vicina all'identitā.
L'atto successivo, ossia la scena che presenta Didone e il popolo di
Cartagine, contiene bella musica, ma la tensione drammatica č davvero
difficile da sostenere. La presentazione delle arti e dei mestieri, con
relativo balletto, mi č parso un tentativo poco riuscito di musicare la
struttura catalogica tipica dell'epica - che noi moderni fatichiamo a
digerire. Sinceramente tutto l'atto mi č sembrato un antefatto poco
riuscito e mal legato al resto. Ma di buono c'era l'ingresso di Waltraud
Meier nel ruolo di Didone. A me č piaciuta follemente - e pare anche al
resto del pubblico. Un'attrice convincente e mai affettata, espressiva
nei movimenti e nella mimica. Dal punto di vista vocale il ruolo
centrale le stava a pennello: il suo declamato era nobile e ricco di
accenti, la sua pronuncia assolutamente perspicua, sicuri e intonati gli
acuti, fermi e non volgari i bassi. Rimango convinto del fatto che sia
una grande artista  - che magari non dovrebbe cantare Eboli o Leonora,
ma Didone assolutamente sė.
Sorvolo sulla pantomima della caccia di cui giā dicevo, e ricordo gli
ultimi due atti. Nell'effusione lirica del duetto amoroso, nonostante il
breve pasticciaccio, ci sono alcuni dei momenti pių belli della serata,
tanto che ho spesso chiuso gli occhi per non vedere la Meier tra le
braccia di Gerry Scotti. Il tenore italiano nel ruolo dell'aedo Iopas -
purtroppo non mi ricordo il nome - č strepitoso nell'inno a Cerere, che
peraltro termina con un meraviglioso acuto in falsettone di gusto
assolutamente francese.
Mi viene in mente una frase di un direttore che diceva durante una prova
aperta al pubblico che i grandi teatri si riconoscono non per i grandi
nomi dei protagonisti, ma per il livello altissimo dei piccoli ruoli. Fu
Muti a pronunciare questa sentenza, durante una porva aperta della Forza
del destino forse volendo farsi perdonare Cura.
II
Ed ora vi racconto per filo e per segno lo spettacolo, una cronaca
non-musicale insomma. Sarā lunga perché i Troiani non finiscono mai!
Nuova produzione, regista Graham Vick, scene e costumi non so. Messa in
scena duramente contestata alla prima (applauditissima invece dal punto
di vista musicale), almeno cosė mi dice il Righetti, che, peraltro,
dall'alto della sua esperienza fa notare che in Germania il pubblico
chic fischia sempre la regia di spettacoli importanti, specialmente se
ben fatti, o perché troppo o perché troppo poco innovativi.
Da un regista che nell'ultimo trentennio si accosti ad un'opera di
argomento classico senza voler stupire, ci si aspettano convenzioni
prevedibili come gli elefanti nell'Aida all'Arena anni '50 - cose che di
per sé (a mio avviso) non sono né buone né cattive. Eccole:
- Ironica presa di distanza dal progetto ideologico originario: non si
finge neppure di prenderlo sul serio, poiché l'ideologia e la
drammaturgia sono entrambe inattuali o spregevoli per il gusto odierno,
e si preferisce smitizzarle, renderle in maniera parodistica,
trasformare quello che rischierebbe di essere kitch in voluto ed
autoironico trash. In questo caso gli effetti di straniamento con la
musica danno una gamma enorme di possibiltā espressive ad un regista che
almeno abbia una vaga idea della partitura.
- Scene e costumi volutamente stilizzate e semplici, quasi tristi o da
'dietro le quinte', che sdrammatizzano gli aspetti pių tronfi e
decorativi dell'opera.
- Costumi e allusioni all'epoca in cui visse il compositore.
- Allusioni didattiche o morali o moralistiche all'influenza dell'epoca
dell'autore e della sua storia sul suo modo di intendere il materiale.
- Pillole di insegnamento morale "attualizzante": il regista ci ricorda
bonariamente che gli argomenti che l'opera tratta in maniera ridicola e
vecchia (guerra, amore, ideali politici) sono attuali anche oggi, se
visti dal giusto lato: solitamente questo č ottenuto con inserti
sorprendenti di contemporaneitā (o di cinematografia) a danno delle
noiose e superate indicazioni drammturgiche provenienti dal libretto,
ottenendo di nuovo un effetto di straniamento con il testo cantato.
- Qualche trovata narrativa o effetto sorprendente o anche irritante,
che tiene sveglia l'attenzione dello spettatore nei momenti
drammaticamente pių deboli e pių incredibili: meglio rischiare di
suscitare disaprovazione che noia, meglio un buuu o una risata che uno
sbadiglio.
Tutte queste prevedibili convenzioni c'erano, una dopo l'altra nella
messa in scena di Graham Vick, il quale perō dava l'impressione di
conscere la musica dell'opera messa in scena (e non č mica scontato). Lo
spettacolo nel complesso era buono e stava in piedi, dimostrando che si
puō fare bene anche con una messa in scena cosė "tradizionale" e
convenzionale, perché c'era un'attenzione narrativa continua ai momenti
'chiave' e ai momenti meno convincenti della struttura, ai problemi
reali. Non mi ha convinto del fatto che Les Troiens sia un'opera ben
riuscita, cosa alla quale non crede nanche il regista: credo di essere
d'accordo con lui sul fatto che ci sono cose interessanti affiancate ad
altre discutibili, un mare di idee musicali al momento commoventi (ma il
giorno dopo non te ne ricordi una), situazioni drammaticamente poco
convincenti non sufficientemente sostenute da una declamazione che non
ha l'ėntensitā wagneriana. Perō, dove 'sentivi' che c'era bisogno di
qualcosa, Vick qualcosa metteva. Scene e costumi non mi hanno convinto:
anatema sullo scenografo. La recitazione era curata con una finezza, una
coerenza, ed un credibilitā che di rado ho ritrovato all'opera.
La scena si apriva su di un fondo chiaro. Un grosso arco
romano-imperiale inclinato, abbastanza inclinato all'indietro perché i
personaggi ci camminassero sopra come su di un piano in salita. La
sommitā fungeva da tribuna d'onore per la famiglia regnante di Troia.
Nell'arco c'era una galleria dalla quale uscivano i personaggi. Immagino
che la scelta di un decoro malmesso e genericamente romano alludesse
alla paccottiglia imperiale e all'idea generica di classicitā che poteva
esserci all'epoca di Berlioz: l'inclinazione e le crepe erano facile
metafora della decadenza di Troia - e della monarchia francese dei tempi
di Berlioz.
I Troiani vestiti da legione straniera, tutto in clima di Francia
coloniale e di presa dell'Algeria - e qui il messaggino era abbastanza
facile per essere capito anche da un americano in grado di riconoscere
dai film le divise dei legionari francesi.
Ovviamente le Troiane erano fasciate in chador neri, che nel momento
dell'esultanza si sarebbero tolte scoprendo vestiti variopinti e adatti
alla danza. L'effetto, di per sé prevedibile, č stato su di me pessimo
per un motivo contingente, perché era identico a quello che avevo
trovato in uno spettacolo di cabaret milanese dei Legnanesi che vidi
quand'ero alle scuole medie... In quello spettacolo le
ballerine-travestiti prima di strapparsi il chador e lanciarsi in danze
sfrenate cantavano: "por tusān, por tusān, siam le figlie dell'Irān",
che significa "povere ragazze etc...". Ma non posso credere che Vick
conoscesse i Legnanesi, e in fondo quando una cosa funziona č difficile
che sia veramente originale.
Cassandra, ieratica e statuaria nei suoi pochi movimenti, in un
sottanone blu genericamente greco-antico-sacerdotale.
L'entrata di Priamo e della famiglia regnante č stata resa come parodia
della decadenza della monarchia francese, e tutto quello che ci
aspettava. I regnanti salivano sulla tribuna tremolando esageratamente
come epilettici e infermi di un film comico, vestiti in uno stile che
stava tra Luigi Filippo e i regnanti d'Inghilterra anni 50 (che in fondo
č quasi lo stesso, i re da cartolina), con evidente intento di parodia
dell'entrata trionfale; Elena, una specie di parodia di principessa
belloccia stile LadyD, era evidentemente zeppa di psicofarmaci, e
continuava a ripetere a sproposito un saluto idiota al popolo, con la
manina alzata. Insomma, ci veniva mostrato, anche ad uso di chi ancora
non lo sa (americani in sala?), di che sangue gronda lo scettro,  che
dietro la realtā del trionfalismo regnante espresso nella musica si cela
il germe della decadenza, che anche i ricchi piangono... Pur
disprezzando la superficialitā e il convenzionalismo dell'idea, trovai
che la scena funzionava teatralmente, e riempiva coerentemente con una
narrazione una struttura musicale-drammatica piuttsto lunga e
impegnativa.
Vick non ha cercato un'attualizzazione o un momento di didattica morale
nell'imbarazzante presenza del cavallo di Troia: temevo un carro armato,
una nave da guerra o qualche boiata simile, e invece il coro guardava
nel vuoto indicando verso il pubblico, fingendo che il cavallo fosse tra
di noi. Effetto facile, rinunciatario quanto si vuole, giā vecchio ai
tempi della nuova Bayreuth, trucco da Aida in teatro di parrocchia in
cui non c'č spazio per la marcia trionfale, si puō dire di tutto - ma
tecnicamente ben risolto e funzionale. Se non ci credi, o smascheri
l'inganno, o fingi benissimo, o taci -  la terza che ho detto, in questo
caso.
Fastidioso invece l'intento moralistico attualizzante e didascalico da
telefilm nella scena di Andromaca, personaggio muto che irrompe in scena
nel trionfo generale piangendo lo sposo morto. Sembrava una scena
commovente, e di fatto stava per esserlo. Ma Andromaca in chador estrae
da una cassetta le lettere dello sposo (guerra del Vietnam? O meglio,
guerra del Golfo?) e le strappa con gesto retorico, il figlioletto
ritira dalle mani del re la bandiera ben piegata e consola la madre,
insomma ci siamo capiti. Per fortuna che il regista non ha libertā di
intervenire nella musica: per un'effetto di suggestione ho cercato di
sentire nell'orchestra la citazione parodistica dell'inno americano -
come nella Butterfly (o storpiato alla Jimi Hendrix?). Ma non c'era, e
la musica era molto bella peraltro.
L'apparizione dello spettro di Ettore ad Enea č un problema per chi non
solo non crede pių negli spettri, ma non riesce a non ridere di chi li
usa in letteratura. Vick se la cava bene trasformando l'arco in una
specie di oscura catacomba. Lo spettro č il cadavere coperto da un
lenzuolo, che si macchia di sangue al riaprirsi delle ferite, mentre la
voce sembra uscire dal corpo morto. Mi č venuto soltanto da ridere (mea
culpa) quando Enea disse qualcosa come 'i tuoi occhi sono cosė strani',
ma guardando nel, vuoto mentre un lenzuolo candido copriva
completamente il volto e i presunti invisibili occhi della
salma-spettro, ma d'altra parte č una cosa da nulla nell'economia
generale della scena (i sottotitoli peraltro saltarono completamente la
frase): siccome i fantasmi non esistono, č ridicolo sottilizzare su come
siano i loro occhi. Problemi del canto declamato, che nell'intenzione
degli inventori e dei vari riscopritori (e dei cantanti che si affannano
a pronunciarlo bene come prescritto) serve a far capire le parole,
magari sgradite al nostro gusto! - in questo senso un Donizetti
vocalizzato dalla Sutherland senza consonanti e su una vocale indistinta
si piegherebbe meglio all'operazione...
Il finale della presa di Troia č il sucidio generale delle troiane.
Cassandra dā l'esempio con un pugnale, le altre la imitano a suo modo,
come possono: secondo Vick alcune si strangolano da sole con un foulard
(memori di belle donne assassinate con calza di seta nei film?), e
questo mi fa un po' ridere, ma la scena rimane commovente, oscura, con
l'incendio di Troia sul retro e l'irruzione volgare dei soldatacci
greci. Sparsi ovunque drappi rossi - l'interno dei vestiti neri - che
avremmo rivisto alla fine, al suicidio di Didone, una specie di
sottolineatura della struttura anulare che ripete il sacrificio
femminile.
Feci appena in tempo a dire al mio vicino che avrei preferito generiche
tute da ginnastica alla continua didascalia storicistica e fui subito
accontentato! Nell'atto successivo, ambientato nella ricca operosa e
pacifica Cartagine, tutti in una specie di unforme da lavoro giallo
fiammante. L'atto č il pių duro da mandar gių drammaticamente, con la
noiosa lode di Cartagine, la sfilata delle arti e dei mestieri, ma Vick
č bravissimo a tenerlo in piedi. La scena consiste in una specie di
cortile moderno, due enormi pareti ai lati, lievemente inclinate. Sulla
sinistra balconi in stile tardorazionalistico anni 70 sui quali c'č il
coro, in alto fino al soffitto, sulla destra una specie di tribuna dalla
quale si affacciano e scendono Didone e sorella, entreambe in tenuta
gialla. Sullo sfondo, sopra un muro alto, si intravedono un pezzo di
cielo azzurro-Tunisia e colline desertiche. L'idea č quella di una
specie di ricca cooperativa social-utopistica, o di un villaggio
turistico, del quale Didone č la maitresse o la manager stimata e
democratica, che sfiora il paternalismo. Mi convince. E vista
l'ideologia di fondo, mi sembra un modo coerente di attualizzare
Cartagine anche per un americano che non sappia niente di Virgilio,
senza disturbare troppo un europeo che sappia qualcosa di cultura
classica - specie peraltro in estinzione. La parodia č pių sorridente, i
balletti delle arti e dei mestieri sono resi con ironia ma senza
scherno: Didone, la consumata attrrice Waltraut Meier, sembra paziente
ed accondiscendente con la gioia un po' goffa del suo popolo. Bella
(piacque anche all'esigente Righetti) la difficile entrata dei Troiani
naufraghi, sparsi, laceri, che entrano ad uno ad uno, tra il furtivo e
il timoroso. Complimenti a Graham Vick, bravo, 7+ - quello che puō
ottenere un grande chef con ingredienti scadenti.
Eccoci al punto dolente. La pantomima... Certo che rendere un balletto
pompier con scene di caccia non č facile senza far ridere. Vick ci
rinuncia, e decide per l'estrositā e per il trasgressivo facile. Mi pare
forse la parte peggiore dell'intero spettacolo. Fiori stilizzati (calle)
ENORMI, e un prato. Probabilmente nell'intenzione del regista era un
balletto di insetti o di gnomi, di minusocoli esserini dei prati, ed
infatti le coreografie andavano un po' in questa direzione. Il gioco di
colori rosa-colori violacei del cielo, ma anche tutto l'insieme io l'ho
interpretato come una chiara ed espressa citazione della celebre
Pastorale di Beethoven del celebre film disneyano Fantasia, e credo con
questo di aver capito l'intento parodistico del regista. Ballerini e
ballerine in biancheria intima bianca, un po' da ospedale. Una donna
nuda (sdraiata sul fianco ma messa di culo), e un bacio gay tra due bei
ballerini costituivano il momento ovvio di trasgressione regolata e
democratica. Dissensi pesantissimi a scena aperta e botta e risposta di
boooo e di pochi ma insistenti applausi a chiusura del sipario. Io non
sapevo cosa fare, mi pareva con il booo di condannare anche ballerini e
orchestrali che facevano il loro mestiere con serietā.
L'atto che contiene una perla musicale, il famoso duetto d'amore
Enea-Didone, č risolto come una specie di party americano all'aperto
anni-30. Lasciati da parte ormai i francesismi alla Luigi Filippo -
legione straniera, il regista crea un'atmosfera cinematografica generica
e ambienta il tutto in prato inclinato (le calle ci sono ancora ma a
grandezza naturale), una sdraio serve a dar l'idea del cocktail
esclusivo all'aperto per pochi invitati. Didone č una raffinata padrona
di casa, Enea l'ospite venuto da Miami vestito di bianco e kaki che
zampetta a piedi nudi sul prato. Il riferimento č chiaro, la scena
funziona - un po' incoerente con il luigifilippismo precedente, ma
tant'č. Chissā perché, la grassissima Anna, sorella di Didone, a sopresa
si rotola goffamente e inverosimilmente sul prato inclinato, con il suo
bel vestito lungo. Il pubblico, ancora acceso dall'adrenalina del fiasco
precedente, reagisce male e contesta subito con rumore la trovata, della
quale non capisco la funzione, se non quella di pizzicotto ad uno
spettatore sonnacchioso in cui non mi riconoscevo. Il duetto d'amore
reso in senso cinematografico funziona: qui Vick ha tanti modelli cui
attingere, il sesso romantico non gli sembra una cosa ridicola che
necessita di essere attualizzata o derisa, sa bene cosa fare, utilizza
la musica come colonna sonora realista e non straniante del suo film.
Confesso che preso dalla bellezza della musica ogni tanto chiudo gli
occhi e mi distraggo dalla scena, che pure trovo ben fatta. "Visto che
ho ragione ?", direbbe il regista: "le scene che ti piacciono non
tengono desta la tua attenzione come quelle che ti provocano". Cosa gli
risponderei? Che non vedo l'ora di assistere all'Otello di Verdi in
versione da concerto del giorno successivo.
L'atto finale, che prevede l'umiliazione di Didone che supplica Enea di
non partire, č ambientato nel 'dietro le quinte' della scena del terzo
atto (quello con il trionfo della pacifica Cartagine): le pareti con i
balconi giā viste si intravvedono ora da dietro, sostenute da puntelli,
in una specie di scantinato grigio e polveroso: ancora una volta ci
viene detto dallo scenografo, se non lo sapessimo, che non tutto oro č
quello che riluce, di che sangue gronda lo scettro, che le apparenze
ingannano, che anche i ricchi piangono, che Berlioz era un ingenuo uomo
dell'Ottocento che prendeva sul serio le favole di cui giā ridevano gli
alessandrini. Una specie di tribuna spoglia č meta del lento migrare del
coro dei Cartaginesi, che portano pesanti pietre per costruire forse un
rogo su cui si immagine sarā arsa Didone. La recitazione di Didone č
'forte', ma piuttosto naturale e commovente: la regina, o donna manager,
č ormai una donna a pezzi, e non c'č pių traccia di autoritā o di freddo
eroismo. Canta e recita presa da un'allucinazione convincente che non
arriva mai all'eccessivo al ridicolo. Vick lavora bene con Waltraut
Meier. Riappaiono, come dicevo, i drappi rossi che chiudevano la presa
di Troia a suggellare una fine che rimanda ad un'altra. 
 
Cala il sipario, anche su di noi, e per i pių pazienti rimando magari ad
un futuro post qualche giudizio in pių dopo tanta cronaca.
Saluti
Paolo