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Titolo: Les Troyens a Firenze

E' la seconda volta che vedo quest'opera. La prima volta e' stato alla
Scala nel 1996. Sul podio c'era Colin Davis, la regia era di Luca
Ronconi. In questa occasione del Maggio, il direttore era Zubin Metha, e
la regia era di Graham Vick.
Le due interpretazioni si ispirano a criteri che oserei definire
diametralmente opposti, e il loro confronto, a mio avviso, mette in
evidenza certe contraddizioni di cui, secondo me, quest'opera soffre:
vale a dire contrasti, anche stridenti, fra momenti di grande pomposita'
e episodi di infinita dolcezza, tenerezza, malinconia; o anche contrasti
fra lungaggini e prolissita' di alcune scene, e momenti invece di vera
forza interiore.
Queste prolissita' tradizionalmente fanno ritenere quest'opera "troppo
lunga" (Berlioz stesso soppresse la scena di Sinone - circa 5 minuti di
musica nel primo atto - per rispondere alle critiche di eccessiva
lunghezza). In realta' se prendiamo in considerazione la durata della
musica, essa e' appena inferiore alle quattro ore, cioe' ha una durata
non superiore a quella del Tristano. Ma c'e' una differenza sostanziale:
nei Troyens si richiedono numerosi cambiamenti di scena, e questo, unito
ad alcune vere prolissita', determina una sensazione psicologica di
eccessiva lunghezza.
 Nonostante questo tuttavia devo dire che quest'opera mi affascina, e mi
riporta a quel mondo classico che tanto adoro, sia quello dei poemi
omerici e, in questo caso ancora di piu', quello del poema virgiliano.
Da un punto di vista drammaturgico l'opera e' intesa come un tutt'uno;
tuttavia occorre rilevare che le due parti di cui si compone (primo e
secondo atto, dal sottotitolo "La  presa di Troia";  e terzo, quarto e
quinto atto, dal sottotitolo "I troiani a Cartagine) sono abbastanza
definite in se', tanto da poter essere rappresentate separatamente.
Anzi, sappiamo che Berlioz non assistette mai all'opera nella sua
interezza, e pote' vedere solo la seconda parte rappresentata. Comunque
Berlioz stesso, sia pure obtorto collo, accetto' questa separazione,
componendo un preludio orchestrale all'atto terzo (che in questa
edizione non e' stato eseguito).
A Firenze si e' scelto un compromesso: si e' rappresentata La presa di
Troia al pomeriggio e I troiani a Cartagine la sera. I maligni hanno
attribuito questa scelta non tanto a un criterio di natura
interpretativa, quanto ad un criterio piu' banalmente economico: per
assistere alla due parti occorreva acquistare due biglietti...
Che le due parti siano abbastanza autonome, e' vero. Ma e' anche vero
che la prima parte, che si conclude con l'incendio della citta', il
suicidio collettivo di Cassandra e delle altre donne troiane, e la fuga
di Enea, lascia il discorso in sospeso. Si ha la sensazione che questa
parte di fatto sia il preludio (o l'antefatto) a qualche cosa d'altro
(che e' appunto la seconda parte). E anche la seconda parte, di per se'
sembra rendere necessaria una premessa. Questo mi ha fatto pensare alla
struttura della tetralogia: unitaria nella sua concezione, ma costituita
da opere che possono anche reggere da sole.
Come nella Tetralogia, il collegamento fra le due parti viene realizzato
musicalmente mediante l'impiego di alcuni motivi (azzardato chiamarli
leitmotiv) che sono comuni: la marcia troiana, l'invocazione "Italie", e
poco altro.
Ho detto che le due regie, quella di Ronconi alla Scala e quella di Vick
a Firenze, confrontate, mi hanno permesso di rilevare alcune
contraddizioni insite nell'opera.
La regia di Ronconi ha messo in evidenza soprattutto l'epos, mediante
una scenografia grandiosa, costumi sontuosi, insomma, tutto cio' che la
fantasia puo' immaginare essere il mondo antico popolato di eroi, di re,
di riti, di celebrazioni. Figurativamente era molto bella
La regia di Vick si e' spostata tutta sul versante opposto: da una parte
Vick non ha rinunciato al simbolismo: quindi scene molto scarne con al
centro una struttura di forte significato simbolico:
 nel primo atto un arco romano rovinato a terra e semisepolto (qui il
richiamo alla regia di Kupfer del Penthesila, dove la scena era
costituita dalla enorme statua semisepolta di un guerriero, mi sembra
doveroso) simbolo di eventi grandiosi e distruttivi;
nel secondo atto il simbolo della distruzione va oltre: l'arco si apre
come un libro e mostra una lunga teoria di tombe scoperte, con visibile
il corpo defunto, al centro delle quali si mette in evidenza la tomba di
Ettore, che si illumina e si ricopre di sangue durante il canto
dell'ombra dell'eroe troiano che incita Enea a fuggire e a fondare in
Italia una nuova Cartagine.
I costumi dei guerrieri troiani sono costumi militari anonimi
(assomigliano un po' ai costumi delle truppe coloniali francesi); quelli
dei gurrieri greci di colore piu' scuro, ma anch'essi del tutto anonimi.
I costumi delle donne sono semplici veli neri, quelli di Ecuba e di
altri componenti la famiglia reale, sono grottescamente sontuosi, tipo
corte sette-ottocentesca.
Gia' in questo primo atto si vede, secondo me, l'impegno dissacrante di
Vick per la pompa, la sontuosita' con la quale Berlioz descrive le scene
centrali (il corteo di Priamo, il balletto dei "cesti", il corteo con il
quale il cavallo viene fatto entrare nelle mura della citta'). Vick
disegna delle scene grottesche: Ecuba, vestita in modo kitch, che
cammina a stento sorretta goffamente, Priamo nelle vesti di un
imperatore dell'Ottocento, ma con un aspetto di vecchio
arteriosclerotico in gobbito e tremante, e cosi' gli altri personaggi di
una corte macilenta e decadente; tutto cio' in contrasto con la
sontuosita' della musica che accompagna la scena. Anche il balletto del
pugilato: coreografia brutta, movenze caricaturali, brutte a vedersi.
Eppure ad un certo momento, improvvisamente, musica e coreografia del
balletto si interrompono, e la scena assume una immobilita' irreale,
mentre inizia il coro "Andromaque et son fils" e lentamente, avvolta in
neri veli entra la vedova di Ettore con Astianatte. V'e' una palese,
forte emozione nella musica che l'immobilita' della scena rende ancora
piu' percepibile, ancor piu' nello stupendo assolo di clarinetto che
segue il coro e accompagna la scena fino alla fine. Qualcuno ha
criticato il fatto che ad un certo punto Andromaca, dalla iniziale
ieraticita', sia passata ad una forma di espressione di dolore piu'
gridato; ma a me e' sembrato questo un modo per arrivare poi al
commuovente muto abbraccio fra Astianatte e la madre, mentre l'assolo di
clarinetto si dissolve nel nulla.
Anche la scena del corteo che accompagna il cavallo dentro le mura, con
la marcia troiana - marcia molto bella, trascinante - viene realizzata
da Vick in termini antiretorici al massimo. Sulla scena rimane solo
Cassandra, con le sue predizioni, la sua disperazione, mentre corteo,
cavallo e coro sono fuori scena. Al contrario, in Ronconi la scena aveva
una grande sontuosita', ed era dominata dalla gigantesca figura del
cavallo, che transitava lentamente sul fondo. Due modi opposti di
intendere l'epos.
Descrivere dettagliatamente le scene e quella che, secondo me,
rappresenta l'interpretazione che Vick ha dato all'opera, sarebbe lungo
e noioso. Per cui mi limito ad alcuni fatti che ritengo piu'
significativi.
La pompa di Cartagine, viene interptretata da Vick ancora in termini
grotteschi. Il popolo cartaginese e la sua stessa regina vestono tutti
un semplice costume giallo, e movenze, spostamenti etc., tendono a
riprodurre in caratteri caricaturali la societa' cinese. Anche la scena
e' elementare: un piccola piattaforma, due muri di edifici in
costruzione che si contrappongono, sullo sfondo le vette di montagne e
un cielo azzurro. I colori sono stridenti, molto contrastati. Anche in
questo atto balletti, coreografie, movenze sceniche sono brutte,
stridenti. Tutto l'atto e' percorsa da una musica di tipo celebrativo,
compreso l'inno nazionale cartaginese (che viene cantato dal coro con la
mano sul cuoricino, all'americana!)
Le cose cambiano nel IV atto. Molto brutta la scenografia e la
coreografia della caccia reale e temporale: una piccola isola verde,
circondata dal blu del mare e del cielo. Qualche arbusto, due grandi
calle ai lati del boccascena. Colori vivacissimi e freddi, quasi
acrilici. Brutta coreografia di ninfe e fauni, nessun accenno alla
caccia, ne' a Didone ed Enea. Si passa cosi' al secondo quadro del IV
atto, dove l'isola si configura come un luogo marino di vacanza
borghese: due sedie-sdraio, personaggi che vanno avanti indietro,
fanciulle e giovani che si rincorrono, i balletti (con la solita
bruttissima coreografia), il canto di Iopa, Didone, molto irrequieta che
non sa dove stare, il quintetto dove Ascanio ruba a Didone l'anello di
Sicheo, e infine il settimino. Qui musica e scena entrano gradualmente
nel mondo degli affetti, e la regia di Vick, cosi' dissacrante fino a
quel momento, entra in un momento di grande commozione. Le luci si
attenuano nel crepuscolo della sera, i colori perdono la loro sfacciata
vivacita', i sette personaggi del settimino si distribuiscono, quasi in
ordine geometrico, sulla scena e rimangono in piedi, immobili: inizia
quel brano incredibile che e' il settimino con coro "Tout n'est que paix
et charme autour de nous", una musica e un canto dolcissimi, che
rapiscono lo spettatore. Si arriva cosi' al lungo duetto d'amore "Nuit
d'ivresse et d'extase infinie", mentre la scena si oscura del tutto per
passare appunto nella notte d'estasi. Secondo me (ma credo non solo
secondo me) questa e il settimino sono le parti piu' belle e
coinvolgenti di tutta l'opera, che la regia ha saputo rendere al meglio,
forse proprio perche' la pone in duro contrasto con il grottesco e
l'estraniazione degli altri momenti, quelli pomposi, quelli piu'
retorici o anche solo quelli piu' epici.
Nel quinto atto si ritorna ad un tono piu' drammatico e a una regia piu'
simbolista e straniante. La scenografia rimane la stessa in tutti e tre
i quadri, e quindi raffigura all'inizio il porto con le navi troiane
alla fonda (di fatto una grande tavola inclinata sulla sinistra, alta
quasi tutto il palcoscenico, sorretta da travi oblique: simbologia di
una nave a vela?), e al centro una piattaforma. Sullo sfondo l'orizzonte
nero ad arco rovesciato. sovrastato da un cielo chiaro sul quale sta
tramontando la luna. Tutti i movimenti scenici dei quadri riguardano
appunto lo sfondo, che gradualmente diventa nero nell'ultimo quadro, al
momento della morte di Didone.
Da notare un paio di reminiscenze monteverdiane, come il duetto,
comicizzante, fra due sentinelle troiane, che non vorrebbero lasciare la
terra cartaginese, dove si sono trovati bene, e l'aria di addio di
Didone, che mi ha ricorda l'aria di Addio di Ottavia alla fine
dell'incoronazione di Poppea.
Nell'ultimo quadro, prima della morte di Didone, sulla scena si svolge
una specie di rito, non presente nelle didascalie del libretto, che
sembrerebbe lo svolgersi di un sacrificio umano.
Gli interpreti. Molto brave sono state sia l'inteprete di Cassandra
(Nadja Lichael) sia quella di Didone (la Violeta Urmana, che ha fatto
un'interpretazione veramente incredibile in un ruolo estremamente
pesante). Purtroppo Jon Villars (Enea) ha avuto dei problemi di salute,
annunciati all'inizio dell'opera, e puntualmente verificatisi
pesantemente nell'ultimo atto. Per lui applausi di gratitudine.
Metha ha diretto l'orchestra con grande sensibilita': grande vigore nei
momenti epici, grande commozione in quelli teneri, come il settimino e
il quintetto. Molto bella anche la caccia reale e il temporale (fatta
salva una piccola stecca dei corni).
Insomma, uno spettacolo che ha dato momenti di autentica emozione, ma mi
ha dato anche interessanti spunti di riflessione, che malamente e in
parte ho espresso in questo post.
Ciao a tutti.
Rudy
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If the doors of perception were cleansed every 
thing would appear  to man as it is: infinite.
William Blake
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 wrote in message
1fchnlu.1ms3oei1pyesg0N%rodolfo....@tin.it...
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 e giovedě.
Mercoledi  _AND_ giovedi !?!?!
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Marco Marcelli - Genova
marco_m...@libero.it
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 wrote in message
acb2st$1n4$1...@e3k.asi.ansaldo.it...
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 Ciao (salutami Vittorio C.G. !!)
Argh... perche'...PERCHE' hai voluto rovinarmi la digestione anche
stasera...!?!?!
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Marco Marcelli - Genova
marco_m...@libero.it
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Il lavoro e' il rifugio di coloro
che non hanno nulla di meglio da fare
(O.Wilde)

Guarda che io soffro più di te.....!!!
Saluti
Duccio
Marco Marcelli <
m.mar...@llibero.it
 (attenzione: indirizzo antispam)>
wrote in message 73cG8.87838$5k4.1...@twister2.libero.it...
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