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Titolo: La Dama di Picche a Firenze

Esistono sicuramente due modi per sviluppare un racconto
cinematografico. Il primo, quello tradizionale, quello del racconto
"diretto". I fatti si descrivono nella cronologia nella quale si
svolgono. Il secondo, il piu' difficile,  quello del racconto "a
rovescio", detto in inglese "flash back", che consiste nel descrivere
i fatti, in forma di ricordo di uno dei personaggi, che giunto alla
fine, si prende la briga di rivivere la vicenda per il piacere del
pubblico.
Questa formula e' evidentemente valida anche per l'opera, almeno
giudicando quello che ho visto ieri sera al Teatro Comunale di
Firenze, all'apertura della stagione del Maggio Musicale Fiorentino
con la Dama di Picche di Ciaikovskij.
Con grande coraggio e con una indiscutibile genialita', il regista Lev
Dodin nato in Siberia nel 44, e lo scenografo David Borovski,
anch'egli russo, nato a Odessa nel 34, hanno tentato questa difficile
operazione con un risultato secondo me, quasi perfetto, ma che da
molti non e' stato apprezzato.
Dico quasi, perche' il racconto alla rovescia impone dei notevoli
cambi alla struttura del libretto, senza per questo  modificare la
musica nella sostanza.  La vicenda e' raccontata da Hermann, che
anziche' suicida come previsto nel racconto tradizionale, finisce
pazzo, dopo essersi ridotto in miseria senza nessuna speranza. Hermann
si scopre, all'inizio dell'opera,  in un letto dell'ospedale Obuhov di
San Pietroburgo. Se lo scenografo Borovski ha voluto rendere con
crudezza lo squallore e la solitudine del luogo di pazzia, c'e'
riuscito fin troppo bene. Occorre dire che l'opera e' stata divisa in
due atti e non in tre come previsto dalla partitura. Non so di chi sia
questa scelta e quali siano i motivi che l'hanno imposta. Fatto sta,
che la gente non ha retto le due ore e passa di musica e di canto,
avendo davanti agli occhi un letto di ferro bianco, che si staglia su
un fondale sempre bianco, che simula una parete circolare, dove anche
le finestre sono murate, e dipinte di bianco, con uno zoccolo di color
verde bottiglia, che serve da praticabile per disporre parte del coro
in piani differenziati.  Immagine opprimente, angosciosa, alla quale
purtroppo si e' legata molto bene la squallida architettura moderna
del Comunale, che se era passata inosservata fino ad oggi, ieri sera
mi e' balzata davanti agli occhi in tutto il suo squallore, quasi
fosse la continuita' naturale della scena.
E' stato per molti, un pugno nello stomaco e i piu' deboli hanno
ceduto. Alla fine dell'atto si sono sentiti i bhu... misti agli
applausi e, Stinchelli ex Barcaccia, che sbraitava ogni tipo di
insulti verso gli esecutori. Era seduto poco distante da me e non l'ho
piu' rivisto nel secondo atto. Deve aver tagliato la corda, perdendo
forse la parte piu' bella dell'opera, il secondo atto. Dopo quelle due
ore di azione teatrale articolata in un mondo di pazzi, dove tutti,
anche il coro sono vestiti da pazzi o da infermieri e come tali si
muovono, il pubblico puo' rischiare anche lui di uscire pazzo .
Ho incontrato Logi nell'intervallo, commentando l'errore della
divisione in  due parti, senza cercar di capire, per amor di patria,
perche' sia stata fatta questa scelta. Ho i miei dubbi, facilmente
intuibili. Per la cronaca ho trovato Logi molto simpatico, piu'
giovane di quanto avessi immaginato e molto toscano, anzi fiorentino
nell'accento.
Ho letto stamani sulla Nazione che c'era anche il procuratore Borrelli
e i suoi commenti sono stati entusiatici nei confronti della
realizzazione.
Tornando all'esecuzione. Il direttore Bychkov non necessita di elogi.
E' gia' di casa a Firenze, dove e' "guest director" del Maggio
Musicale, fin dal 92. Dotato di elevata sensibilita' musicale, sempre
attento ai minimi dettagli e alle minime sfumature, mi ha
letteralmente incantato. Nato anche lui a San Pietroburgo nel 52, ha
gia' fatto una carriera strepitosa, sia in America, dove si trasferi'
nel 75, che in Europa dove ha diretto e dirige le principali
orchestre. Non si poteva immaginare una lettura piu' corretta e piu'
aderente di questa, all'aspetto scenografico e alla regia.
Ha avuto la fortuna di disporre di un tenore come Vladimir Galouzin,
dalla voce stupenda, dotata di un timbro quasi magico, usata con
sapienza per ottenere espressioni aderenti all'interpretazione
richiesta. Voce vigorosa, drammatica con una presenza di centri
pastosi e di note alte prese senza la minima esitazione, tenute quasi
a sorpresa per periodi insospettati. Bravissima anche Liza, Maria
Gavrilova, e la nonna contessa Helga Dernesch, anche se leggermente
inferiore per qualita' vocale ai primi due. Molto buono il resto del
cast, all'altezza della prova richiesta. Il coro si e' mosso come
fosse un corpo di ballo, talvolta anche mimando con efficacia alcune
parti cantate.
Non posso negare che ero prevenuto sia nei confronti del regista che
dello scenografo, essendo gli stessi che hanno allestito Mazeppa alla
Scala e le critiche che ho letto non mi sono parse positive.
Vorrei, per finire, spendere una parola a questo punto su quello che
ho percepito da questa esecuzione e quello che nell'insieme
quest'opera e' stata in grado di comunicarmi.
E' vero. Io amo molto l'opera russa e in particolare Ciaikovskij.
Trovo che in lui ci sia piu' che in ogni altro compositore russo, il
senso del tardo romanticismo, decadente e struggente, espresso sempre
con una abilita' senza pari. Mi e' apparsa chiara la voluta
similitudine con  Don Giovanni, come mai ascoltando la Dama di Picche
avevo realizzato. Don Giovanni e' in fondo la storia di un
aristocratico libertino, omicida, simbolo di un certo abuso del
potere, che Tirso da Molina e Moliere prima, e Da Ponte dopo, hanno
condito perche' il divino fanciullo potesse vestirlo con il suo genio.
E se si pensa bene cos'altro e' Don Giovanni, se non una sfida fallita
e una vittoria del demonio?  Il commendatore che lo trascina
all'inferno che si apre sotto i suoi piedi, e' in quel momento il
demonio. L'aristocratico punito! Un'assoluta novita' per quel tempo.
La Dama di Picche mi e' apparsa' anch'essa la personificazione del
demonio. Ciaikovskij, nella sua disperazione di un mondo che va verso
radicali cambiamenti, percepisce questo messaggio nel racconto di
Puskin e fa scrivere a suo fratello Modest il libretto dell'opera.
In questa storia non si perdona al giovane ufficialetto mezzo
spiantato, e poco piu' che plebeo, di aspirare a diventare un
aristocratico per poter sposare Liza di cui si e' innamorato. Ed ecco
il demone piu' terribile, piu' subdolo che entra in scena. Il demone
del gioco. Un tema caro alla letteratura russa. Basta ricordare Il
Giocatore di Dostoevskij, per capire l'importanza della suggestione,
poetica e drammatica che ha  scatenato il demone del gioco. Hermann
vende la sua anima al diavolo. Ogni sotterfugio e' buono per carpire
con tutti i mezzi alla vecchia contessa il segreto delle tre carte
vincenti che solo lei detiene. 
Nelle versioni tradizionali che ho avuto modo di vedere, una in
Russia, molti anni fa a Mosca, una in video registrata in diretta al
festival di Glyndbourne, non avevo recepito il messaggio piu'
profondo, nascosto in  quest'opera, che e' sempre stata presentata
come una grande storia d'amore, e che  in realta' e' una soria di
arrivismo, di ambizione, dove l'amore entra come componente, ma non e'
l'elemento predominante. Ieri sera l'esecuzione fiorentina, mi ha
offerto questa nuova lettura.  Hermann non si arresta neppure dinanzi
alla morte. La vecchia sa che dovra' morire appena un uomo le
chiedera' il segreto delle tre carte, e difatti muore, ma senza per
questo che Hermann abbia dei dubbi o remore ad usare la nipote amata,
per carpire il segreto. E invece la vecchia muore senza svelarlo. E
qui' entra in scena il demone punitore. In sogno Hermann, disperato,
crede di vedere la contessa che gli svela le tre carte che lo
trasformerebbero in  uomo ricco, vincitore, con il diritto ad unirsi
alla nipote  Liza.
Ma e' l'ora della resa dei conti. Come gia' fece il commendatore con
Don Giovanni, trascinandolo con se all'inferno. Ho capito benissimo, e
per la prima volta, il perche' dei voluti riferimenti al finale del
primo atto del Don Giovanni, dove si intrecciano il minuetto la danza
e la controdanza. E' il momento di svolta in quell'opera. Il momento
in cui le tre maschere scoprono il volto con quegli accordi in minore
che fanno accapponare la pelle.  Anche qui' nel ballo, che non c'e', e
che e' sostituito da un drammatico e tragico moscacieca fra Hermann,
Liza, la vecchia, gli altri pazzi e gli infermieri, i riferimenti
mozartiani ("venite pure avanti, vezzose mascherette....") e Flauto
Magico, sono eseguiti con una efficacia di rara bellezza, tanto piu'
potente, quanto piu' staccata dalla banalita' e convenzionalita' di un
tradizionale ballo di corte.
E' stato uno dei momenti piu' alti dell'opera. 
Il finale, anziche' col tradizionale colpo di pistola, finisce con un
magnifico coro cantato intorno al catafalco della contessa, mentre
questa, sdoppiandosi, appare immobile sul proscenio, come la statua
del commendatore, in attesa di portarsi all'inferno Hermann dopo
avergli giocato il tiro malvagio di aver volutamente sbagliare il
valore dell'ultima carta. Hermann stramazza impazzito e la fine si
ricongiunge all'inizio.
La qualita' dell'orchestra e della direzione, sono apparse fin
dall'ouverture. Le entrate geniali degli archi lamentosi, tipiche di
Ciaikovskij sono state eseguite da Bychkov con grande maestria. 
Insomma uno spettacolo che definirei di grande classe. Capisco anche
che possa aver scandalizzato i "dinosauri" della tradizione. Il
rischio che potesse diventare una buffonata c'era, ed era grande.
L'abilita' degli interpreti, dei realizzatori e del direttore hanno
proposto un capolavoro. Anch'io in genere sono prevenuto sulle
innovazioni esagerate, quando sono dettate dal puro spirito di "epater
le bourgeois". Ma quando ci si trova davanti a una manifestazione come
quella di ieri sera, mi adeguo umilmente e cerco di apprezzare questa
immensa opportunita' di gioia per lo spirito.
Consiglio vivamente a tutti di andare a vedere una replica,
specialmente a Lucio e a Canaletti, che avendo visto il Mazeppa
potranno forse trovare una ulteriore chiave interpretativa della
musica di Ciaikovskij, in questa realizzazione fiorentina. Possono poi
approfittare del viaggio per comprare il CD del Mazeppa che fu
realizzato al Maggio nel 1954, diretto da Perlea, con la Olivero,
Bastianini e Christoff nel ruolo di Kociubey, il quale, secondo la
critica, ha dato una delle piu' grandi prove di bravura di tutta la
sua carriera. 
Inutile dire che il consiglio e' rivolto anche al ciaikovskiano
pischello, che mi puo' credere, non avra' tanto presto un'altra
opportunita' del genere.
Giampaolo
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" E' piu' facile disintegrare un atomo
  che un pregiudizio "
  Albert Einstein
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nell'accento.
Allora non e' un NG di vecchietti, come qualche tempo fa sembravano
suggerire posts riferiti a matusalemme della rete :-))))))))
Ciao 
Filippo

suggerire posts riferiti a matusalemme della rete :-))))))))
No ! In realta' il vero matusa sono io :-))))
Ciao


 l'elemento predominante. 
Questo veramento non lo capisco: il profondissimo carattere decadentistico
del dramma evolve gradualmente e si completa nel finale della II scena del
III atto quando Hermann scaccia Liza che poi si lancia nel fiume, non mi
sembra proprio una grande storia d'amore. E comunque se leggi il libretto
_originale_ ti acorgi che le didascalie, fin dalla prima apparizione di
Hermann, tentano di focalizzare l'attenzione sui caratteri macabro/malati
del prsonaggio.
Ciao, Dino (pischello tchajkovskijano che ha seguito il tuo consiglio).

scena del II atto quando compare la contessa al posto della zarina.
Che caspita c'entra la Zarina e il coro trionfante che
l'annuncia???????? Una prova del fatto che l'opera e' una specie di
collage sul quale a posteriori ci divertiamo ad inserire significati.
Per fortuna c'e' Oneghin a sollevare le sorti dell'autore come
operista. E Boris Godunov, la Citta' invisibile etc...a sollevare i
fasti dell'opera russa.
Ciao
Filippo

 fasti dell'opera russa.
Ovviamente e' questione di gusti ma per me la dama e' un capolavoro
assoluto quanto l'Oneghin.
Ciao, Dino.

etc. cut
Ho appena letto la recensione su tre colonne dell'Osservatore Romano,
giornale che pochi leggono, ma io sono fra questi, obbligato se non
altro dalle onoreficenze che mi sono state appioppate da D'Onofrio (il
volenteroso professo).
L'autore, Antonio Braga, dopo aver raccontato per l'ennesima volta la
trama, se la piglia in maniera violenta col regista, con lo scenografo
e col direttore. Dei cantanti non ne parla. Evidentemente per lui,
come per altri del resto, e' un'elemento questo nell'opera lirica del
tutto irrilevante!
Non sto a riscrivere tutto l'articolo, e siccome non son capace di
scansionare un giornale, riporto appena la parte conclusiva, nella
quale non si riscontrano gli echi romantici di Ciaikowskij, ma le
grida selvagge delle faide di comune.
Dice testualmente:
"Siamo alle solite : un altro regista che vede l'opera come suo
oggetto personale, nel quale spostando epoche e fatti, possa brillare
solo lui, architetto dello spettacolo. E ci chiediamo ancora: E'
lecito farlo? Indubbiamente no, perche' l'opera va eseguita come gli
autori la concepirono. Ed allora qual'e' il ruolo del regista? Quello
di assicurare uno spettacolo nel quale viene presentato integro il
lavoro - o il capolavoro - arricchendolo di particolari scenici che
possano renderlo ancora piu' interessante. Oltre questo limite vi e'
il dovere estetico e morale di non andare: ma, mentre sul versante
strettamente musicale lavorano arduamente cantanti, cori, orchestre e
direttori di grande professionalita', uniti nello sforzo di rendere la
partitura al meglio, su quello visivo si fanno avanti con protervia i
nuovi registi, per nulla interessati ad offrire uno spettacolo che sia
fedele all'opera. E' un atteggiamento orgoglioso e saturo di pericoli.
Questa genia si moltiplica, con la complicita' dei direttori
artistici, dei direttori d'orchestra e di coloro che dirigono gli enti
lirici. <bisogna svecchiare , un'opera non interessa piu' cosi' com'e'
stata ideata e come ce la tramanda la tradizione...>, sembrano
pensare. E' evidente che questo discorso porta molto lontano. E cosi',
nel giro degli ultimi anni, almeno la meta' degli spettacoli lirici
sono apparsi del tutto diversi da cio' che dovevano essere. Chi
fermera' questi barbari, nel nome del buon gusto e del rispetto verso
l'opera d'arte? Per fortuna il pubblico fiorentino ha reagito come si
doveva, bollando questa regia con un doveroso urlo di condanna.
E Ciaikovskij? Dov'e' finito il suo mondo di sogni, o di incubi che
circonda i personaggi? Le sue visionidella campagna russa, il salone
dove si da' una festa con il ballo di sapore mozartiano?...Come si
puo' ammirare la sua musica se diviene il rivestimento di una visione
schizofrenica?...Prolungarsi nei dettagli di questo spettacolo e' come
rigirare il dito in una piaga. Credo che quanto detto basti ai nostri
lettori."
Non posso fare a meno di aggiungere un commento. Ho l'impressione di
essere rimasto l'unico ad aver apprezzato questa produzione
fiorentina. Forse ho sbagliato io, non ho difficolta' ad ammetterlo.
Pero' se ho sbagliato, vuol dire che l'opera non fa piu' per me.
L'opera come la invoca il signor Braga, e gli altri che la pensano
come lui, non mi rappresenta piu' nulla.
A sostegno di questo vorrei ripetere che cosa ho sempre creduto  che
sia il corretto significato  di musica. 
La musica, e', secondo me, una forma d'arte diversa da tutte le altre
arti, nelle quali la creazione coincide e si conclude con
l'esecuzione. Per esempio le arti figurative. Michelangelo prese un
bel pezzo di marmo inerte e ne ricavo' la Pieta'. La creazione di
quell'opera d'arte ha coinciso con la sua esecuzione. 
La gente che ammira la Pieta' percepisce  delle sensazioni, che
elabora secondo la propria sensibilita', cultura, gusto etc. ma non
"assiste" in nessun modo alla creazione dell'opera d'arte in se
stessa. Quindi puo' dire : Com'e' bella la Pieta' di Michelangelo!
oppure : come e' brutta, leziosa, falsa, leccata, irreale etc. la
Pieta' di Michelangelo. La Pieta' e' comunque una realta' completa e
definita dalla mano del suo creatore e non ha bisogno di essere
"eseguita" ogni volta che uno l'ammira per poter poi dire: Come e'
bella la Pieta' di Michelangelo interpretata da Pincopallo, oppure
com'e' brutta la Pieta' nell'interpretazione troppo moderna,
fastidiosa, da pugno nello stomaco di Sempronio.
Nella musica questo discorso non si puo' fare, perche' la creazione, o
composizione e' un momento distinto dall'esecuzione, la quale, e solo
quella, permette all'invenzione di realizzarsi, di diventare una
realta' concreta, nel momento in cui lo spettatore la percepisce. In
quanto espressione artistica la musica e' quindi, sia il momento della
composizione, sia il momento dell'esecuzione.
Acettando questa realta' mi pare che tutto diventi piu' semplice. Non
esiste un canone fisso e uno schema riduttivo per interpretare e
realizzare un'opera lirica. A Firenze ho ascoltato qualcosa, che
basandosi sulla musica scritta su fogli di carta da Ciakovskij, sul
libretto di Modest Ciaikovskij da un racconto di Puskin, e' stata
letta e interpretata da artisti che hanno completato l'opera d'arte
davanti a me, quella sera al teatro comunale di Firenze. Quindi non si
possono fare paragoni e dire, come dice il sig.Braga, dov'e' finito il
ballo di corte, che lui vorrebbe con tutti gli orpelli tradizionali,
perche' il ballo c'e'! Basta saperlo percepire. E non si puo' neppur
dire che l'esecuzione deve rispettare le intenzioni degli autori. E
quali sono le intenzioni degli autori se si concretizzano solo al
momento della realizzazione? E neppure vale invocare la tradizione.
Tradizione di che cosa ? Di interpretazioni di altri venuti prima? E
dove sta scritto che sono quelle giuste?  La musica scritta da
Ciaikovskij e' quella e il libretto e' quello. La realizzazione, e
quindi il momento musicale compiuto, e' stato creato da altri artisti
che credono in una loro realta' realta' risultante da diversa
sensibilita', intuizione e affinita' con il compositore. 
Ecco, a me questa realta' fiorentina e' piaciuta, come mi sono
piaciute altre realta', in altri momenti temporali della Dama di
Picche. Mi e' piaciuta, perche' tutti gli elementi
dell'interpretazione hanno funzionato, dalla regia, alla scenografia,
all'orchestra, al direttore e ai cantanti. E questa in fondo, e' la
vera magia della musica, che si rinnova e si "materializza" ad ogni
nuova esecuzione.
Questo non significa che tutto cio' che viene "letto" sotto una luce
nuova mi piaccia. Se non ci sono i valori di gusto, di sensibilita',
di amore verso quella particolare musica, lo spettacolo, comunque lo
si vesta, sara' un aborto. E purtroppo questo accade sempre piu'
spesso. E' successo a Milano con La Forza del Destino, a Roma con la
Norma, dove come ho gia' detto la barca ha fatto acqua da ogni parte.
Ma ringraziamo Iddio che qualche volta il miracolo accade. E credo sia
bene cominciare ad abituarsi a credere nei miracoli e ad apprezzarli
quando si compiono. Questa e' la molla che mi sospinge ogni volta
verso un teatro. E questo di Firenze, per me, e' stato un vero
miracolo.
Giampaolo. 
_________________________________________________
" Il bagaglio piu' pesante, e' una borsa vuota "
 
  Jean Paul Sartre
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 fasti dell'opera russa.
Non azzardo ipotesi su cosa c'entri la Zarina, ma faccio fatica a
trovare un'opera russa dove in qualche verso una zarina ("tzaritza") non
sia citata anche solo in un verso. Nella stessa Dama di Picche la parola
ritorna in almeno tre situazioni diverse.
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Luca Logi - Firenze - Italy        e-mail: 
ll...@dada.it
   Home page: 
http://www.angelfire.com/ar/archivarius
                   (musicologia pratica)

 quell'opera d'arte ha coinciso con la sua esecuzione. 
Io su questo sono sostanzialmente d'accordo, anche se preferisco
distinguere meglio con due tipi d'opera d'arte diversa: la partitura e'
uno (del compositore): puo' essere letta anche senza essere eseguita; la
sua esecuzione e' un altro (dei musicicisti, direttore, cantanti, regista,
etc...).
E ripeto: non ho niente in principio con le
[reinterpretazioni/riambientazioni/revisioni], pero' queste non devono
essere banali (vedi per esempio la contessa al posto della Zarina perche'
Tchaikovskij questa era l'immagine del potere irragiungibile bramato da
Hermann e potrei continuare a lungo con esempi di questo tipo), come gia'
detto non devono togliarci il gusto dell'allegoria esplicitandola o
appiattendola. Non chiedermi cosa bisogna fare perche' io non sono un
artista pero' ultimamente ho visto a Bologna "La Cena delle Beffe"
riambientata da Liliana Cavani e mi e' piaciuta, anche se li non c'erano
grandi idee interpretative. Poi la cosa veramente fondamentale e' che
l'interpretazione registica non perda contatto con la partitura e la sua
esecuzione, perche' questo ci impedisce di degustare al meglio lo
spettacolo.
P.S.: Io ho visto la forza alla Scala, sicuramente ne avrete parlato
moltissimo su questo ng, ma se mi riassumessi le tue posizioni in poche
righe mi interesserebbe molto.
Ciao, Dino.

composizione, sia il momento dell'esecuzione.
Per analogia, oserei dire che la "composizione" é paragonabile all'idea che
Michelangelo ebbe  _prima_ di scolpire quella statua.
L'esecuzione avvenne _durante_ la realizzazione della scultura.
Il riascolto (come quello di un disco) avviene _dopo_ la realizzazione, ovvero
quando il fruitore si trova in corrispondenza dell'opera d'arte.
Per questo, nonostante condivida molti aspetti del tuo discorso, non sono
d'accordo sulle conclusioni: non noto differenze rilevanti tra le due arti, al
di lá della materia e del modo di percepirla.
Due ragionamenti che ne conseguono sono :
1) ha senso "possedere" un'opera d'arte ?
    ha senso attribuire un valore diverso ad un clone indistinguibile ?
    é leggittimo impossessarsene impedendo ai molti di poterne fruire ?
2) ha senso pensare che una composizione musicale sia "congelata" nel
manoscritto originale ?
    quanto contribuisce al valore artistico di una composizione la successiva
interpretazione degli esecutori ?
    e quanto la chiave di lettura e il feed-back degli ascoltatori sugli
esecutori ?
La mia opinione é ovviamente 1) no - no - no  2) no - molto - abbastanza.
Voi che ne pensate?
Allegri !
Claudio Chiani
sito web: 
http://space.tin.it/musica/cchian
clchian AT tin DOT it
=======

A proposito della Dama di Picche, ricordo - a chi ne fosse interessato - che
la prossima uscita in videocassetta della serie "Un Palco all'Opera"
riguarda proprio La Dama di Picche (al momento non e' dato sapere gli
interpreti).
Hello
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Marco Marcelli - Genova
E-Mail1: 
marco.m...@elsag.it
 [ufficio]
E-Mail2: 
marc...@money.it
       [casa]
===============================================
--
Posted from 
igate.elsag.it
 [194.243.48.130]
via Mailgate.ORG Server - 
http://www.mailgate.org

secondo me) di Graham Vick. 
Ce l'ho anch'io. L'ha trasmessa mesi fa un canale satellitare. E'
verissimo. Marusin non e' abbastanza cagnaccio. E' un cagnaccio che
stona dall'inizio alla fine. Il resto e' buono e son belle anche la
regia e le scene.
Pero' col protagonista che stona in quel modo, viva la faccia di
Galouzin, che a Firenze ha cantato, insieme agli altri, in modo
eccezionale.
Le coreografie poi del balletto di Glyndebourne, sono cosi' "deja vu"
che fanno calare il sonno. Meglio il moscacieca dei pazzi.
Vedere per credere :-)))
