Newsgroup: it.arti.musica.classica
Titolo: Armide alla Scala

Internet, 13.1.97
TO: 
it.arti.mus...@mailgate.pantheon.it
Subject: Armide alla Scala
Riesco solo oggi a raggiungervi, grazie all' essenziale suggerimento di
Vinicio Matteucci!
Noto che l' argomento su cui vi scrivo non è nuovo, tuttavia sia Vi incollo
che Vi allego (x chi vuole godersi il doc nel suo format originale...) le
mie impressioni sullo spettacolo scaligero, già inviate ad RCM (Rete Civica
Milanese).
Grazie & Saluti
LUX
P.S. Armide, non Armida....
26 Dic ‘ 96
Subject: Armide di Christoph Willibald GLUCK al Teatro alla Scala
Opera della piena maturità di quel musicista tedesco noto al volgo come l’
operista preferito di Celentano, è forse l’ unica opera del teatro musicale
ambientata nel mondo dei poemi cavallereschi che abbia raggiunto una certa
notorietà. Naturalmente notorietà per modo di dire in quanto, rappresentata
la prima volta nel 1777 a Parigi, l’ opera ha conosciuto nella ns città una
sola esecuzione nel 1911, data nella quale non solo i nostri padri ma forse
neanche i nostri nonni non frequentavano l’ opera... Circa le
rappresentazioni in altre città, italiane o estere, non è dato sapere
granchè (sembra che a NY sempre verso l’ 11 l’ abbia interpretata anche
Caruso) per lo meno dalla lettura del programma di sala, che nonostante l’
elevato prezzo di Lit 30000 [a proposito, lo sapevate che il costo del
programma di sala è di Lit 20000 solitamente, mentre per quello dello
spettacolo inaugurale è di 30000 perchè c’ è la rilegatura dura? Non essendo
mai andato a vedere la prima opera della stagione non me ne ero mai
accorto...] non riporta come di consueto il resoconto delle rappresentazioni
del passato, italiane ed estere, con elenco dei cast, etc... per allegare
invece ben 57 pagg sulla mostra “Il giardino di Armida” che si terrà in
Piazza Mercanti fino al 23 Febbraio, attinente sì l’ argomento dell’ opera
tratta dal noto episodio della Gerusalemme Liberata, ma non la sua sostanza
musicale, che è davvero tanta! Scarsissima poi la discografia: 2 incisioni
in LP da trasmissioni RAI (chi le possederà?) ed una in CD del 1982; ho
intravisto in edicola un versione ridotta in unico CD allegata al quotidiano
Il Giornale, che, non essendo il mio giornale, ho preferito lasciare dov’
era (forse a torto...). Va dato atto a Riccardo Muti di averla ridestata
dall’ inspiegabile oblio ed averne fatto in collaborazione con l’ Orchestra
(ma ormai si dovrebbe dire “Filarmonica”) ed il Coro del Teatro alla Scala
ed il grande PL Pizzi l’ avvenimento musicale degli ultimi anni nella nostra
città e non solo. Se il cast vocale fosse + convincente e la coreografia
meno risicata ci troveremmo di fronte ad uno spettacolo perfetto...
La musica
Con tutti i pregi e difetti della messa in scena cui abbiamo assistito,
infatti va detto a chiare lettere che già dopo la prima mezz’ ora scarsa di
note ci si rende conto che trattasi di UN CAPOLAVORO MUSICALE ASSOLUTO,
qualcosa tanto per intenderci di livello paragonabile alle Passioni di Bach,
ai Quartetti di Beethoven, agli Oratori di Haydn, o alla Tetralogia, al
Trittico italiano di Mozart ed alla Traviata verdiana tanto per restare nel
campo della lirica. Perchè? E’ difficile per chi come il sottoscritto non
abbia compiuto studi musicali spiegare quest’ impressione, ma ci proverò: la
forza dell’ opera mi pare risieda nell’ instancabile scoperta di armonie
originali presentate con mirabili impasti di suoni dell’ orchestra (ridotta
nell’ organico solo ai principali archi e fiati del periodo barocco) con le
voci trattate come strumenti. L’ orchestra è ridotta rispetto alle nostre
abitudini di “moderni”, ma i colori che Gluck riesce a trarne con sapiente
uso dei suoni armonici son degni del miglior Prokofieff del ‘900. Invano
cerchereste una grande melodia in assolo eleggibile ad aria da canticchiare
mentre ci si rade, pur se l’ autore ci ha lasciato in altra opera quel “Che
farò senza Euridice” che a parere modesto del sottoscritto rientra tra le
prime dieci più belle melodie create da un musicista, tanto per intenderci
insieme al Dal tuo stellato soglio dal Mosè di Rossini, il Lamento di Didone
di Purcell, Casta Diva di Bellini, il Laudate Dominum di Mozart, la
Barcarola di Offenbach ed il leit motiv di Addio giovinezza di Pietri. Ma è
tutto il complesso dell’ opera che si impone in un unicum emozionante, come
appunto avviene solo nelle opere del teatro musicale ben riuscite: un
barocco a scintillanti cadenze come fosse un Bach convertitosi al teatro in
musica.
Il suo approdo improvviso sui ns lidi cittadini sembra aver colto alla
sprovvista anche melomani di lungo corso come immodestamente si considera il
sottoscritto che non l’ avevano onestamente mai sentita nominare prima,
scatenando una febbre per la ricerca del biglietto inaspettata...
Le voci
Tutto positivo allora? No certo. Se orchestra e coro sono stati all’ altezza
dell’ arduo compito non altrettanto si può dire dei cantanti: la stessa
protagonista Antonacci risulta più incisiva nel CD dello Stabat Mater
pergolesiano messo in vendita nello spesso periodo da La Repubblica. Sugli
altri meglio stendere un velo, a parte la rimarchevole ma troppo breve
esibizione di Violeta Urmana nel personaggio dell’ Odio; il tenore poi era
un belante falsettista che sembrava catapultato in una musica di un secolo
dopo quella per cui si era preparato... Chissà come lo faceva Caruso il
personaggio di Rinaldo?... 
Poichè mi capita abbastanza spesso di assistere a saggi di studenti di canto
che sembrano al momento tutti promettenti, mi chiedo che fine facciano
costoro una volta finiti gli studi! Che abbia ragione il sempre polemico
Zecchillo, il cui giornale è stato distribuito agli astanti in coda per il
biglietto prima dell’ inizio dello spettacolo?
Coreografia?
Anche la parte danzata fu deludente; dopo un promettente avvio nel primo
atto dove si sono potute osservare alcune originali movenze da pupi
siciliani nonchè donzelle a guisa di bambole, è scaduta nei pezzi pienamente
dedicati alla danza, che avrebbero dovuto essere i più significativi, in una
sorta di esercitazione mimica da sbadiglio senza il minimo contenuto tecnico
o estetico, indegna del nome di coreografia: perchè diamine il “coreografo”
di nome Heinz Spoerli, fatto venire evidentemente da oltralpe, sia stato l’
unico del cast, oltre a Muti, a meritare la foto nel già citato costosissimo
programma di sala rimane un mistero gaudioso...
Regia e costumi
L’ altro pilastro dello spettacolo oltre all’ orchestra diretta sempre più
impareggiabilmente da Riccardo Muti ed al coro di Roberto Gabbiani che ha
pure parti molto belle, è stato quindi la regia ed i costumi di Pier Luigi
Pizzi: una gioia per gli occhi, che sommata a quella per le orecchie hanno
fatto sensazione e conquistato il pubblico della Scala che sta sempre più
affinando i propri gusti, almeno in apparenza.
Oltre ai costumi da Venezia del ‘700 in uno sfondo che ricordava il palazzo
Ducale, si ricordano le notevoli invenzioni di forme oggettuali portate in
scena: una nave, un baldacchino ed una sorta d’ ampolla che ha sostituito
egregiamente l’ intero fiume in cui si svolge la scena del secondo atto.
Frontali fungenti da secondo sipario basati su quadri del Tiepolo si
alzavano ed abbassavano a seconda delle circostanze.
La vicenda
Senza stare a raccontare l’ intera storia, due succinte parole sulle
caratteristiche delle varie parti in cui si articola l’ opera: il 1° atto è
festaiolo, basato sul trionfo di Armide sui nemici, il 2° è contemplativo /
paesaggistico e narra dell’ amore insorgente in Armide per il cavalier
Rinaldo, nel terzo sale la tensione drammatica fino ai livelli parossistici
in cui Armide cerca di negare il suo amore, il 4° è incentrato su personaggi
secondari, tali Ubaldo e Cavalier Danese alla ricerca di Rinaldo, e forse è
il più debole, mentre il 5° è un crescendo di coinvolgente drammaturgia in
musica culminante con l’ agitazione mediante qualche invisibile marchingegno
di un drappo rosso avvolgente l’intero palcoscenico a simboleggiare
mirabilmente il fuoco purificatore che distrugge il palazzo incantato di
Armide ed offre all’ opera gluckiana un epilogo da Götterdämmerung ante
litteram di quasi un secolo!
Il biglietto
Avendo già chiarito che molti compreso il sottoscritto sono stati colti di
sorpresa (ma meno male che esistono ancora opere poco conosciute valide!),
una volta appurato che gli unici posti disponibili rimanevano in alcuni
palchi laterali a Lit 120000 dove, a parte il costo, ci si sarebbe trovati
insieme a perfetti sconosciuti sicuramente nelle poltroncine più arretrate,
l’ unica rimaneva entrare in lizza per i posti in piedi da Lit 10000 del
giorno stesso della rappresentazione. Mi presento pertanto speranzoso una
prima volta Domenica 15 Dic alle ore 10.00 per lo spettacolo delle 15.00
e... risulto il 229° (i posti a disposizione sono 200 e l’ ultimo è andato
via alle ore 9.10 con gente che è venuta a far la fila fin dalle 7.00!!). Mi
ripresento ciò nonostante alle ore 13.45 per l’ appello finale e
naturalmente devo ritornarmene a casa con la coda tra le gambe perchè 29
assenti nella coda col cavolo che ci sono... Ripeto allora l’ operazione con
più lungimiranza il Sabato 21 Dic (ultima spiaggia perchè è l’ ultimissima
replica per quest’ anno, la N° 7!): stavolta lo spettacolo è alle 20.00, l’
appello è alle 18.45 ed io mi presento alle 8.00 del mattino o giù di lì:
stavolta sono il 17°! La fila gestita da L’ Accordo, l’Associazione di
loggionisti riconosciuta ufficialmente dalla Scala, dà almeno il vantaggio
che una volta che sei in lista nel “sacro registro” te ne puoi andare a casa
e venire per l’ appello finale, così alle 12.15 me ne vado a pranzare a casa
e torno, per sicurezza, alle 17.00 circa: in totale resto quindi impegnato
circa 7 ore per il reperimento del biglietto, più le altre 2 o 3 andate a
vuoto la Domenica prima... (dove c’ è gusto non c’ è perdenza dice la mia
cara keyboardfriend Klely...). La gestione della fila va esattamente come
simpaticamente descritto nel già citato msg “Aita! Armida” che mi precede in
questa Conf (a proposito, ma una Conf solo sulla Lirica non la facciamo?)
dagli amici rcmmini Dicorato / Chizzoni, ma d’ altra parte se non fosse così
come si attribuirebbero i biglietti? In base alla legge del più forte?
Certo ora che ho scoperto dal programma generale del Teatro che è possibile
prenotare con un mese di anticipo telefonicamente anche posti di galleria
ricorrerò a quaesto metodo, tanto a me a dir tanto in tutta la stagione
interesseranno 3 o 4 spettacoli al massimo e non sono di quei maniaci come
ce ne erano in fila l’ altro giorno che la stessa opera se la vedono 2 o 3
volte... Un particolare che mi ha sorpreso è quanto mi han detto i gestori
della fila de L’ Accordo, e cioè che anche tra gli aspiranti a questi posti
di loggione abbondano i bagarini! Che senso ci sia che della gente si metta
in fila alle 7.00 del mattino fino a sera inoltrata per rimediare un
biglietto da Lit 10000 per un solo posto in piedi di galleria da rivendere
poi nella mezz’ ora scarsa di tempo che rimane tra l’ aver acquisito
fisicamente il biglietto e l’ inizio della spettacolo sinceramente mi
sfugge, ma probabilmente non ci sono limiti alla miseria umana morale e
materiale...
Ultima cosa interessante che ho scoperto stavolta è che non è vero che i
posti acquisiti con sì dura tenzone siano interamente all’ impiedi: ci sono
alcune sedie non numerate dell’ ultimo anello laterale della prima galleria
che possono essere occupate dai possessori di questi biglietti: almeno il
disagio fisico di starsene, dopo tutta quella trafila, pure 3 ore in piedi
ad assistere allo spettacolo è attenuato...
Gestione del Teatro alla Scala
Sempre il costoso volume da Lit 30000 costituente il programma di sala già
citato in precedenza riporta che le recite del 1911 furono 12! Come mai al
giorno d’ oggi se ne fanno solo 7?? Non mi si venga a dire che la TV
imperante toglie pubblico alla Scala! Certo a giudicare dal N° di
loggionisti in fila per i posti in piedi che affermavano di aver visto
Armide già 2 o 3 volte si potrebbe pure sospettare che il pubblico sia
costituito fisicamente sempre dalle stesse persone, ma tutte le persone
ragionevoli ritengono che la domanda di posti all’ opera sia tale da
riempire un ben più elevato N° di repliche, solo i responsabili del Teatro
non ne sono consapevoli?
Miraggio pensare alle 200 ¸ 250 recite annuali che sono la norma nei
principali teatri europei, ma le nostre 60 scarse le vogliamo aumentare o
no, Signor Sovraintendente, Signor Direttore Musicale e Signor Direttore
Artistico?
Già si parla di rifare Armide, non ho ben capito se in questa stessa messa
in scena o no, tra 2 anni! Dopo il risultato sorprendente di quest anno
quindi niente ripresa l’ anno prossimo!? O.K., continuiamo a farci del male!...
LUX LUCIS

Ho letto con molto piacere la tua informativa su Armide alla Scala.
Permettimi solo un appunto: accenti, apostrofi e segnali ortografici
vari mi sono giunti in codice, per cui la lettura mi è stata piuttosto
faticosa.
Entro subito nel merito, poichè ho avuto anch'io il grande piacere di
assistere alla rappresentazione. Sicuramente è stato il più grande
avvenimento artistico italiano dell'anno.  Sono stato molto perplesso
nel vedere tanto poco interesse. Forse, se non fosse stato per la
serata inaugurale, ho la sensazione che Armide sarebbe passata quasi
inosservata anche sulla stampa il day after.
E' vero, Armide è una bellissima opera (non mi attirano i confronti o
i paragoni) e la rappresentazione all'altezza. Sono stato incollato
allo spettacolo per tutta la sua durata (e lo rivedrei ancora, anzi mi
piacerebbe che fosse trasmesso in TV per poterlo registrare).
In attesa dello spettacolo ero molto eccitato (ho cercato ovviamente
di documentarmi, per quello che sono riuscito a trovare: scarsissimo
materiale, anche su Internet). Ho ascoltato il CD della EMI,
fortunatamente rimesso in vendita qualche settimana prima, e ho
trovato un video amatoriale di una edizione fatta a Barcellona, con la
Caballè nell'86: video in condizioni disastrose, ma sufficiente per
avere un'idea.
Se ero emozionato prima, figurati dopo, con la voglia di parlarne e di
sentirne parlare. Commenti di Isotta e di Zurleschi favorevoli, ma con
riserva: certamente non interpretavano il mio entusiasmo. Sul
programma di sala, un bellissimo, e da me condiviso, articolo di Paolo
Gallarati. Commenti ne ho anche ricavati dalla registrazione
radiofonica della serata di S. Ambrogio, con uno splendido intervento
di Muti, che mi ha aiutato a capire, un intervento di Pizzi, sul quale
tornerò, un altro intervento di Gallarati, che di fatto riassumeva
l'articolo del programma di sala (interessante il suo richiamo a
Rousseau), un intervento di Bortolotto, lontano le mille miglia dal
mio entusiasmo (lo definirei un intervento "banalizzante").
Quello che mi ha più colpito, dolorosamente colpito, è stato un
articolo del Times, a firma di Rodney Milnes, che diceva
sostanzialmente questo: il giornalista ha passato la prima metà dello
spettacolo a cercare di capire quanto fosse stato speso, e l'altra
metà a cercare di capire perchè. Questa "meditazione", associata al
chiedersi come mai si avesse avuto il cattivo gusto di inaugurare la
stagione della scala con Armide, opera che sarebbe andata bene per un
seminario di fine settimana, ha occupato più di metà dell'articolo.
L'altra metà è stata occupata a criticare (ovviamente) il regista e i
cantanti, tutti tranne la Urmana (che avrebbe volentieri visto al
posto dell'Antonacci) e Vinson Cole (che - osservava malignamente - è
stato "naturalmente" (sic) l'unico ad essere contestato, mentre era
tutta da apprezzare la nobiltà del suo canto). L'unico a salvarsi
sarebbe stato Muti, perchè (testuale) avrebbe ben diretto le danze, ma
tuttavia avrebbe fatto l'errore di dirigere una grande orchestra
romantica (sic!!!) quando l'opera di stile neoclassico (!?) richiedeva
un'orchestra leggera (forse, impegnato com'era a fare i conti, non si
è accorto che l'orchestra era proprio quella richiesta).
Di questo articolo, ne hanno anche accennato i giornali italiani,
senza fare commenti, almeno sulla rozzezza del suo contenuto.
Mi sembra di parlare troppo, ma questo è un argomento che mi sta molto
a cuore.
Nel merito dei contenuti dell'opera devo dire che sono d'accordo con
quanto hai scritto. E' bellissimo quel continuo fluire della musica
che non si frena quasi mai in recitativi di tipo tradizionale, come
non si slancia mai in arie di tipo belcantistico, ma ondeggia
continuamente fra invenzioni melodiche emozionanti, spesso di durata
breve o brevissima, e sottolineature drammatiche o di tensione
dolorosa affidate insieme alle voci e agli strumenti dell'orchestra,
così come si conviene  un vero teatro musicale. Splendidi i timbri
orchestrali (a me sono piaciuti particolarmente gli interventi delle
viole).
Un topico della discussione (prima e dopo la rappresentazione) è il
genere storico cui appartenga Armide.
Pizzi nei suoi interventi, come nella sua regia (per questo da molti
criticata) sostiene che si tratti di una vera Tragedie-lyrique, quindi
di un'opera barocca, e da questo punto di vista ha impostato la sua
regia. Infatti (e qui credo che tu abbia commesso una imprecisione) i
quadri che ricoprivano i siparietti e le quinte appartenevano al
barocco, e per di più a quello italiano secentesco, in primis il
Caravaggio. Nella scena del tentativo di uccisione, nel secondo atto,
si vedeva molto bene Giuditta decapita Oloferne. Anche sulla scena ho
notato riferimenti al Caravaggio (La Haine = La Gorgone; Il coro nel
secondo atto, che compare e scompare dietro le siepi con il capo
coperto da cespugli = Bacco con la testa adornata da foglie di vite),
ma ovviamente, più che ha specifiche immagini di pittori, l'aspetto
visivo, costumi compresi, si richiamava nettamente al barocco in senso
generale (penso anche a Poussin, soprattutto nella prima scena, divisa
in due, con a sinistra Armide in una specie di specola astronomica, e
nel IV atto, la scena del palazzo sullo sfondo). Tutto questo modo di
vedere di Pizzi, si riferisce chiaramente al testo, scritto un secolo
prima, e destinato alla sontuosa corte di Luigi XIV.
La musica di Gluck, anche se perfettamente inserita nella metrica del
linguaggio secentesco, è molto più leggera. Barocca, certo, non
neoclassica, ma si tratta di un barocco leggero, vicino al rococò
francese (per intenderci, Watteau, Fragonard, Boucher: la corte di
Luigi XVI), ma forse ancora di più vicino al Tiepolo. Ho avuto
occasione di vedere proprio qualche settimana prima della
rappresentazione i quadri del Tiepolo sulla Gerusalemme Liberata
(erano alla mostra di Venezia), e mi sono ritornati alla mente: quel
Renaud adolescente, con espressione rapita, ancora al momento
dell'abbandono; le posture dolorose di un'Armide orgogliosa, ma vinta
nel suo orgoglio da un amore irresistibile e per lei vergognoso
("portatemi ai confini del mondo; nessuno mi deve vedere in questo
stato"). La vergogna di Renaud, davanti allo specchio dura un attimo.
Subito ritorna la sua commozione per la sofferenza della sua ex
amante: "Trop malheureuse Armide, helas!" (penso sempre
all'espressione di Rinaldo nel quadro dell'abbandono). E i colori
chiari, luminosi, del Tiepolo, come bene si intonano alla musica di
Gluck!
Per questo non sono d'accordo sulle critiche all'Antonacci e a Cole.
Secondo me l'Antonacci ha saputo esprimere molto bene quel confuso
groviglio di sentimenti che chiamerei l'amore doloroso. La Caballè
certamente ha dato un'interpretazione più aggressiva, più "vincente"
di Armide, e cos“ pure la Palmer (un po' meno per la verità). Ma
Armide è una perdente: il finale della scena dell'Odio lo dimostra,
soprattutto nella musica. Quello della Antonacci è un canto
tormentato, come tormentato è il suo personaggio. Nel suo canto ho
sentito i sentimenti, le struggenze, i dubbi dolorosi, le paure di un
grande impossibile e odiato amore. In sostanza, come ha più volte
sottolineato Muti, Armide, in questa opera (anche se non nel libretto)
è una donna più che una maga, e certamente non un'eroina. Diverso il
tono di Cole, e della Urmana. Entrambi sono personaggi a "una
dimensione", e a una dimensione è stato il loro canto: quello di
Renaud, rapito, soggiogato, ancor prima di addormentarsi sulla sponda
del fiume (o della fontana secondo Pizzi), ancora prima
dell'incantesimo (Rousseau, secondo Gallarati). Come eroe vittorioso,
nell'opera non ha nulla da dire. Il suo falsetto, cantato con nobiltà
ha ben raffigurato questo personaggio. E la Haine è un dio, quindi non
ha sentimenti, se non quelli che impersona. A me è piaciuta molto. Io
ho trovato il complesso molto bello, e molto convincente. Credo che
una impostazione così coerente, dei personaggi, del loro modo di
cantare, e del loro immedesimarsi in una musica estremamente
espressiva, sia il più grande merito di Muti, che ha saputo molto bene
dirigere (oltre l'orchestra) anche proprio questo grande teatro
musicale. Se poi si vuole entrare nell'analisi delle voci, questo lo
lascio fare agli esperti, ma francamente la cosa mi interessa molto
meno. 
Alla fine, si devono considerare valide le critiche fatte a Pizzi, per
aver scelto una messa in scena, tutto sommato, non perfettamente
consona alla musica? A mio parere no. Perchè, al di là di tutte le
considerazioni, diciamo, di carattere intellettualistico, quello che
conta è la riuscita dello spettacolo. E io credo che questa ci sia
stata proprio tutta.
Chiedo scusa a tutti per la lunghezza, spero di non doverlo chiedere
per la prolissità.
Rudy
 Rodolfo Canaletti
lil...@altrimedia.it
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"Ce n'est pas etre sage,
D'etre plus sage qu'il ne faut.".
                    Armide, Acte second
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