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Titolo: Ancora su filologia&regia

Dice Henry David Thoreau: "La mia maggiore abilità è sempre stata aver
bisogno di poco" [Walden, o Vita nei boschi]
Ho comprato "L'opera" di novembre, e volevo semplicemente proporre
ulteriori riflessioni su un tema discusso da poco.
A scorrere le pagine della rivista, si resta incantati dalla bellezza
delle immagini, dai colori vividi, dalla carta patinata, da tutto
quando insomma, dia un tono di spettacolarità. Lungi dal volere
escludere un aspetto tanto importante dal teatro d'opera, è un fatto
però che gran parte di questo splendore è dato dagli architetti più
che dai registi, come se una regia debba passare per il colossale e il
grandioso (a non metterci anche il costoso) per essere riconosciuta
moderna, al passo coi tempi, esattamente il contrario di quel che
succede col teatro d'avanguardia, di norma votato alla "povertà"
	Non diciamoci bugie. È chiaro che il regista ha già immaginato
e progettato tutto, e magari ha una visione precisa di quel che il
pubblico vedrà, ma questo alibi per delegare ad altri la realizzazione
pratica della sua idea, è spesso un odioso atteggiamento demiurgico.
Molto più interessante quando gli stessi attori-agenti realizzano,
insieme al regista la struttura scenica. È chiaro che con il teatro
musicale si tratta di una soluzione a dir poco impensabile, ma allora
si deve ricorrere a un certo talento attoriale che un cantante d'opera
DEVE avere. Non è necessario ricorrere a delle presenze di forte
impatto (mi riferisco, per parlare di attori che operano a pieno
regime, un certo Tommaso Ragno, un certo Maurizio Donadoni, una certa
Valeria Moriconi, una certa Licia Maglietta, un certo Marco Baliani,
ecc. ecc. ecc.), ma già figure come la Gruberova (di qualche anno fa,
però, quando ancora cantava), come la Dessay e, perché non dirlo, come
Cura (una voce diesel, ma pur sempre non così orribile come vogliono
farmi credere), insomma persone che abbiano un senso compiuto del
teatro possono realizzare le idee più ardite e moderne.
	In campo di teatro d'opera si cita spesso Ponnelle, che io amo
molto, che mi somiglia molto (per carità: intendo che realizza
spettacoli molto vicini al mio immaginario, niente più). Ma è chiaro
che non si tratta di un teatro d'avanguardia. E l'avanguardia non è un
diktat, non è indispensabile soggiacervi, ma non si capisce bene che
senso possa avere fare teatro e riprodurre in eterno le cose già
fatte, non si capisce che senso possa avere, soprattutto, continuare a
vedere le cose che si sono sempre viste, che fanno parte, ormai, del
teatro nel teatro, o meglio del teatro nei media: cioè di
quell'immagine di teatro integrato in una concezione passata
dell'agire quotidiano. Non si parla qui della ricostruzione di un
ambiente o, peggio, di uno stato d'animo: si tratta della costruzione
di uno spettacolo, che è cosa diversa.
	Chi va al teatro ci va con delle aspettative: e non sono certo
quelle di non capire, di essere insultati, offesi, violentati ecc. Ma
chi va a teatro per passare una serata tranquilla e pretende ad ogni
costo di passarla non può certo lamentarsi di trovare qualcosa di
diverso se non ha raccolto le necessarie informazioni: va a teatro e
pretende di trovare persone normali? Gli artisti sono tutti pazzi,
devono esserlo (e mi ci metto io per primo, come pazzo più che come
artista, se vogliamo): non di quella pazzia sporca e vantata che è
ormai di moda e dà vita a oggetti enigmatici senza capo né coda, bensì
di quella quasi normalità, di quell'angolo, più o meno ampio,
attraverso cui filtra una realtà diversa e sussultoria, una realtà
immaginifica per abbondanza o per scarnificazione. Quale che sia la
strada che si sceglie per creare uno spettacolo, questo non ha ragione
di esistere se non c'è un pubblico che vi si voglia confrontare. E non
mi si venga a dire che chi va a vedere Valeria Marini a teatro lo fa
con un autentico spirito euristico. Ci può essere quell'odioso piglio
intellettuale che sociologizza sulla funzione catartizzante
dell'immagine fascistoide della donnona tutte curve all'interno di una
comunità votata all'autodistruzione indifferenziata nei caratteri
sessuali primari senza trascurare che…
	Ma non ci può essere un'esigenza. È quella che deve spingere a
teatro, a mio parere, un'esigenza magari irrisolta, cioè ignota anche
a chi la vuol soddisfare, e confesso in prima persona di non sapere
perché io sia tanto vicino al teatro, so solo che non farlo e non
andarci sarebbe per me una grave perdita di identità, di personalità e
di forza. Rubare tempo al teatro è rubare tempo alla mia vita.
	In tutti i laboratori che ho fatto sono stato sempre dei più
motivati, mentre altre persone, per diversi e a loro modo
giustificabilissimi motivi, consideravano la loro un'esperienza come
un'altra, divertente, adrenalinica, ma una tra tante. Magari quella
che poteva dar loro l'alibi alla vanità. Quel che però mi ha stupito è
stata la concezione del teatro che avevano i miei compagni di
laboratorio: non avevano idea di quel che è successo nel '900, e mi
riferisco anche al campo drammaturgico. Ionesco, dicasi Ionesco, era
spesso un nome collegato a bizzarrie di cantanti calve ecc. ecc. ecc.
L'idea che attualmente, almeno a Palermo, si ha comunemente di teatro
(quando non è quella di una sorta di cabaret volgare e deprimente
levigato e reso noioso nelle sale ufficiali) è quella da teatro
stabile, in cui predominano Shakespeare e Cechov. Autori immancabili,
a mio parere, nel patrimonio emotivo di un attore e di un regista (per
me soprattutto Cechov, una sorta di sovrastruttura) ma non unici. Si
può discutere (si DEVE discutere) quanto si vuole su Bene, su Testori,
su Moscato, su Silvestri (che a me non par poi questo gran talento, ma
tant'è), ma non si può arricciare il naso di fronte al nuovo. La
poetica della devianza è molto anni '70-'80, ma ha continuato a
filtrare per tutti gli anni '90, perché forse vuol emergere una
concezione della vita che non è quella che si trova fuori dal teatro.
Un teatro che riproduce la vita che riproduce un vecchio modo di far
teatro non mi interessa, voglio una via di fuga, voglio un po' d'aria.
	E quest'aria riesco a darmela nel pensare agli spettacoli. Nel
farli, nel trovare una vita diversa, faticosissimo per chi già fatica
a trovare la propria, per sentire aria fresca che mi rigeneri. Sarò
demodé ma in scena io non voglio nulla. Solo corpi che agiscono, solo
vita che passa e filtra, come un soffio sul palcoscenico freddo (avete
mai letto "Il canto del cigno" di Cechov? No? Leggetelo, splendido),
voglio una vita che fantasticamente si rianimi, sotto gli occhi
stupefatti, incantati del pubblico (e, checché se ne voglia dire, pur
legato a una forma di drammaturgia borghese che certo ora ci è
lontana, lo stesso Stanislavskij non voleva altro). Mi chiedo come mai
se nel teatro non musicale questo è stato possibile, raggiungere la
"povertà" assoluta, dico, nel teatro d'opera ci sia sempre più bisogno
di costruzioni voluminose e metalliche. Non è la tecnologia il segno
che si è al passo coi tempi, semmai, aggiorniamoci, è l'ecologia,
quindi l'economia, il saper servirsi di ogni elemento al massimo, il
saper sfruttare ogni elemento fino in fondo e poi, solo dopo,
aggiungervi dell'altro. Sono dell'idea che un'opera, da Monteverdi a
Thommessen (pare uno dei più dotati autori contemporanei norvegesi, a
quel che dice la rivista "l'Opera") possa funzionare in sé stessa
senza bisogno di troppi mostruosi inspiegabili marchingegni; e allora
quando ci saranno, perché in qualche spettacolo ci devono essere, la
loro stessa presenza sarà significativa, non sarà un enigma, ma
effettivamente un protagonista scenico. Vogliamo forse dire che
l'opera è una forma di spettacolo fortemente codificata per cui ha
bisogno di tutto un apparato scenico che del resto era previsto dagli
stessi autori?
	Via, questi sono alibi: vogliamo mettere in scena l'0pera o i
bozzetti del primo scenografo? Vogliamo fare uno spettacolo nostro,
che ci appartiene e ci coinvolge o riesumare una cosa che ha coinvolto
altri? O ancora montare una scena che coinvolge forzatamente tutti gli
spettatori in uno stesso luogo?… senza che essi si sentano
emotivamente coinvolti? Le concezioni dello spazio di teorici e
registi da Appia (che partì da Wagner, non dimentichiamolo) a Svoboda
e Brook, ma anche il mondo magico di Luzzati, hanno spinto a
teorizzare una topografia violenta di stampo esistenzialista ("Huis
clos" di Sartre, per esempio, ma anche "I costruttori di imperi" di
Vian, solo per fare due esempi, o ancora "La peste" di Camus), o anche
brechtianamente epica, in cui la teatralità diventa una scusa o una
meta piuttosto che un linguaggio sempre nuovo (cosa che non vale per
Weill, a mio parere molto più interessante e profondo della
drammaturgia su cui si appoggiava la sua musica). Il problema è dunque
se il teatro abbia a che fare con la vita o col teatro, se si limiti
alla sala, e allora tutto è concesso, e spero al più presto la sua
morte, o se sulla base di linguaggi sempre nuovi e sempre più
comunicativi e pregnanti strettamente "teatrali" (a ognuno la sua
teatralità) non debba dirci qualcosa, o meglio: farci fare qualcosa,
piuttosto che farcelo dire sulle colonne del giornale o nel foyer, tra
un caffè e una brioche… Quando discutere sarà davvero come agire,
allora anche la critica rinascerà e avrà quel potere analitico,
sintetico, politico che tutti si auspicano da spettatori pagati per
compiacere questo o quel ministro, questo o quel produttore. Questo E
quel ministro, questo E quel produttore.
Albert Herring (Roberto Oddo)
albert....@katamail.com
icq# 59809830
"L'arte più degna è influire sulla qualità del giorno"
H.D.Thoreau, "Walden (o Vita nei boschi)"

vedere le cose che si sono sempre viste
Volevo rispondere al tuo intervento, ma mi sono reso conto che era troppo
difficile. Richiedeva nozioni e concetti che io non ho, perché di teatro,
anzi di "far teatro" io non so nulla. Non so assolutamente niente di come si
costruisce uno spettacolo, perciò non riuscirei ad apprezzare tutto quello
che il teatro propone come nuovo. Posso solo dire che in 20 anni non ho mai
visto una Traviata, un Trovatore, un Macbeth, un Barbiere, una Lucia,
un'Aida per così dire "tradizionali", solo per rimanere nel campo della
musica. Nel campo drammaturgico ho dovuto vedere diversi Edipo-re e diverse
Medee in mezzo a soldati fascisti, destreggiarsi tra computer(s) e cavi
elettrici, spostare per un'ora e mezza sedie rovesciate sul palcoscenico
nudo. Non ho mai visto una Medea vestita alla greca, né una Traviata che
muoia a casa sua, né un'Aida in mezzo alle piramidi, né i cigliegi in un
giardino nell'omonima opera di Checov. Se qualcuno mi insegnasse il nuovo
nel teatro forse apprezzerei di più tutto ciò che ho visto e sarò ancora
"costretto" a vedere, ma come ho premesso io sono un ignorante, che per
conoscere un'opera preferisce vederla innanzi tutto in modo tradizionale. E
non ci sono mai riuscito!
Se ho risposto, come si dice a Roma, "fischi per fiaschi" perdonami, ma il
tuo intervento non era, come dire, elementare?
Ciao,
Lorenzo
--
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http://www.jactus.it
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" Tutto sarà come al tempo lontano.
   L'anima sarà semplice com'era;
   e a te verrà, quando vorrai, leggera
   come vien l'acqua al cavo de la mano".
(Consolazione - G. D'Annunzio).

...
<> 
<> > E l'avanguardia non è un
<> >diktat, non è indispensabile soggiacervi, ma non si capisce bene
che
<> >senso possa avere fare teatro e riprodurre in eterno le cose già
<> >fatte, non si capisce che senso possa avere, soprattutto,
continuare a

Lo era eccome, elementare, tanto più che non avendo mai fatto la regia
di un'opera ero più dalla parte dello spettatore che non del
produttore.
C'è da dire però una cosa: i computer e la lavastoviglie in scena non
sono avanguardia o rinnovamento, sono sociologia letteraria che a
volte riesce a scavare nella drammaturgia, spesso provoca disastri.
Chi vuole rinnovare non lo fa ostentando e mostrando il rinnovamento
scientifico, ma si trova un suo ambito e un suo linguaggio che si
evolve da spettacolo a spettacolo e nel corso dello stesso spettacolo.
Vedere Medea vestita da greca è molto più vicino all'avanguardia della
"povertà" in scena, all'essenzialità che non il Bronx anni '30 o i
computer. Ciò non toglie che queste costruzioni voluminose e pesanti
possano talvolta incantare, solo ad avere un rapporto più corretto e
profondo con lo spazio. Bisogna far attenziona allo spazio, ce lo
insegna la semiotica e quel particolare ramo della semiotica che è la
prossemica (che del resto è anche un particolare ambito della
geografia). Bisogna far attenzione al corpo, a come si muove, a quali
sono le sue esigenze e dove sta il superfluo, l'inutile, quindi il
dannoso, il noioso. A Palermo ancora, per fortuna, nell'opera e nel
teatro musicale, a parte L'Histoire di Sellars non ho ancora visto di
queste cose di cui leggo nei giornali, sappi però che non mi
convincono e non sono vero teatro per il 90% dei casi, se per teatro
si intende un linguaggio. Gli spettacoli non hanno carattere, solo
volume, e sono noiosi e sbavati. Il colossal va bene in televisione e
per chi ama i do di tette, non per chi vuole conoscere un'opera o
vuole vedere cosa può succedere a metterla in scena piuttosto che
collocarla in scena (la distinzione è di Ruffini, vd. De Marinis,
Semiotica del Teatro, Bompiani, Milano, 1992). Per cui Ponnelle,
adorabile Ponnelle, delizioso Ponnelle, Ponnelle all'antica va
benissimo, molto meglio di Sellars o anche di Scaparro, quando gli va
bene, mediocre regista troppo celebrato che non ha nulla della classe
dei Marcucci, dei De Capitani, ecc. Ma ancora teatro d'opera
d'innovazione, cioè che davvero crei un linguaggio nuovo che si
accoppi alla musica, non ne ho visto né ne ho sentito parlare.


di costruzioni voluminose e metalliche.
non è sempre così, in realtà, ma come in tutti gli ambiti la novità
autentica, e l'economia di mezzi sono prerogativa di poche grandi
occasioni riuscite.
citerò un Flauto Magico visto a Parma nel 1995 (dirigecva Gardiner, ma
non ricordo il nome dei responsabili della mess'in scena): in scena
non c'era null'altro che una compagnia di mimi (oltre, naturalmente,
ai cantanti).
mimavano tutto, ed erano bravissimi.
e, sopratutto, sembrava, a vederli, che il Flauto Magico non potesse
essere che così.
uno degli spettacoli più belli della mia vita.
Tito

 essere che così. uno degli spettacoli più belli della mia vita.
idem, anche se a dire il vero ricordo che apprezzai
più l'orchestra dei cantanti ... ricordi come mimavano
la scena del tentativo di auto-impiccagione di Papageno?
L'albero era formato da tre danzatori ... geniale!
ciao
--
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carlo gerelli : 
sof...@libero.it
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"Nella Ciaccona sta il segreto della Vita Bona"
Miguel de Cervantes Saavedra

più l'orchestra dei cantanti
io apprezzai più la messincena ed i Pilobolus di tutto il resto.
ma insomma, si trattò di uno spettacolo che ha lasciato il segno su di
me
Tito

Ecco questo intendevo...
Non c'è bisogno di molto in ogni occasione, e andarsene con un mal di testa
dal teatro è un'occasione sprecata. Si pensi tra l'altro a qaunti soldi fa
risparmiare l'intelligenza e a quanto perde un elemento se abusato o
dissolto in diecimila altri dettagli superflui. Purtroppo sono troppo
giovane per aver visto uno spettacolo che sia stato come "deve essere" ma
quest'idea del fFlauto magico, caspita avrei voluto esserci :-)
--
Albert Herring
albert....@katamail.com
icq# 59809830

 occasioni riuscite.
Sono d'accordo, ma non sul "poche". Cosi' come tu hai citato il Flauto
Magico di Parma, si potrebbe dire la stessa cosa per il Don Giovanni di
Ferrara, diretto da Abbado. Assoluta essenzialita' della scena.
Un ragista che in genere si attiene a questo principio, ad esempio e'
Vick, una di registi piu' intelligenti e geniali di questa epoca. L'ho
visto alla Scala in alcune occasioni, e ho diversi video suoi, fra cui
quello del Rape of Lucretia, o lo stesso Guerra e Pace diretto da
Gergiev al Mariinskij circa 10 anni fa.
Ma io non credo che l'essenzialita' della scenografia sia un valore "di
per se'". E' l'intelligenza, la capacita' di comprendere cio' che
l'opera ha da dire a noi, gente del XX-XXI secolo, che abbiamo alle
spalle una storie, esperienza, anche musicali, che in genere i
compositori di quell'opera non avevano. La scenografia, diventa un
orpello, secondo me, quando e' fine a se stessa, spettacolo nello
spettacolo. Allora, ha ragione Hering, e' discutibile.
Questo vale per l'opera, ma credo anche per il teatro di prosa. Io vidi
due anni fa l'Otello a Milano con Orsini. Non era una messa in scena
essenziale, anche se piuttosto scarna: ma era intelligente.
La stessa cosa potrei dire del Macbeth (Vick), Wozzeck (Flimm), Outis
(Vick), tutte rappresentate alla Scala, che sono le prime che mi sono
venute in mente.
Ciao
Rudy
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If the doors of perception were cleansed every 
thing would appear  to man as it is: infinite.
William Blake
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