Newsgroup: it.arti.musica.classica
Titolo: Il Tannhauser alla Scala: riflessioni sull'opera e sulla messa in scena

Aspettavo con grande curiosità questa rappresentazione scaligera del
Tannhauser. Un'influenza maligna ha rischiato di impedirmi di vederla.
Fortunatamente questo non è successo, e sabato puntualmente, alle 18 e
30 ero alla Scala. 
Di tutte le opere di Wagner, il Tannhauser è, secondo me, quella che
meno si presta a una rappresentazione teatrale. È un'opera giovanile,
difficile, nata dall'incrocio di due antiche leggende germaniche: quella
di Tannhauser e Venere nel Venusberg, e quella della tenzone dei
minnesänger sulla Wartburg. Per dare un senso drammaturgico alla storia
così combinata, Wagner ha dovuto tuttavia aggiungere, di propria
invenzione, l'amore di Tannhauser per Elisabetta. L'opera ha avuto una
gestione complicata: composta nel 1846 a Dresda, ha avuto diverse
correzioni, fino a quella più consistente e definitiva del 1960-61 per
la rappresentazione di Parigi. Tuttavia, nonostante queste numerose
correzioni, adattamenti, aggiunte e sottrazioni, l'opera non ebbe mai,
almeno Wagner vivente, un grande successo. E questo, con rammarico del
compositore che, alla fine della sua vita, ne parlò asserendo di "essere
ancora debitore al mondo del suo Tannhauser".
Nelle diverse edizioni che ho avuto modo di vedere (parte a teatro,
parte in riproduzioni in DVD) le messe in scena mi sono apparse non
riuscire a superare una sostanziale staticità della vicenda e della sua
espressione drammaturgica. I personaggi sulla scena più che agire
sembrano raccontare. Anche nei momenti di maggior attività, come nel
primo atto lo scontro fra Tannhauser e Venus, o nel secondo la disfida
dei cantori, le scene si prolungano esageratamente togliendo ogni
vivacità agli episodi.
Carl Dahlhaus definisce il Tannhauser un'"opera" distinguendola così
dalla struttura che viene considerata tipica del teatro wagneriano più
tardo: il Musikdrama. E dell'opera tradizionale manifesta le principali
caratteristiche strutturali: la arie, i duetti, gli insiemi nei finali
di atto, i cori, gli ariosi, i recitativi. È vero che il declamato, la
presenza di motivi conduttori e illustratori di situazioni e di
personaggi (quasi del leitmotiv), fanno preludere al Wagner più maturo;
ma in questo caso la struttura a numeri, anche se non espressamente
manifesta, finisce per condizionare l'evoluzione drammaturgica, che
risulta assai debole. Si pensi, ad esempio la forza drammaturgica di
opere più o meno contemporanee, come l'Ernani, il Macbeth, etc.
La Fura dels Baus. Il mio interesse era (ed è) dovuto soprattutto alla
messa in scena dell'opera da parte di questo gruppo teatrale catalano
del quale ho visto (purtroppo solo in DVD) alcuni allestimenti di opere:
fra queste, La damnation de Faust a Salisburgo nel 1999, il Zauberflöte
al Jahrhunderthalle Bochum nel 2003 , e le quattro opere del Ring nel
2007-09 a Valencia. Quello che mi ha colpito è il grande senso del
teatro espresso da questo gruppo e dai suoi due ispiratori, Alex Ollé e
Carlos Padrissa. Certamente si tratta di messe in scena non
tradizionali, con aspetti provocatori, anche violenti a volte, ma molto
attraenti e soprattutto alla ricerca di forme interpretative non banali.
Insomma si avverte in questi allestimenti la volontà di fare teatro, di
comunicare con gli spettatori, di coinvolgerli nella messa in scena,
attraverso manifestazione visive, basate su scenografia, costumi,
movimenti di singoli e di masse, e in questo Tannhåuser anche
proiezioni, fortemente immaginifici.
C'era quindi da aspettarsi un allestimento nel quale facesse spicco
proprio il movimento teatrale, rappresentativo dei momenti più
coinvolgenti dei sentimenti, delle sensazioni, dei turbamenti, degli
scontri, degli incontri, traducendo la sostanziale immobilità degli
eventi rappresentati, in una fantasmagorica offerta visiva sollecitata
dalla musica. Una musica che, è giusto ricordarlo, pone in conflitto
momenti e situazioni diverse, anzi contrastanti, sulle quali è costruita
tutta l'opera: l'amor profano, erotico, espresso dall'iridescenza
sensuale dei temi del Venusberg, e l'amore sacro, spirituale,
rappresentato da Elisabetta e dal solenne tema dei Pellegrini e del
Perdono. In questo senso l'opera sembra offrire una discontinuità di
stile, attribuibile, secondo molti critici, alla lunga gestione
temporale trascorsa fra la rappresentazione di Dresda e quella di
Parigi. Ma, secondo me giustamente, Carl Dahlhaus, ha tenuto a
sottolineare come questa diversità di stile, lungi dall'essere un
fattore negativo, risponda a una logica drammaturgica ben precisa,
quella del conflitto che si scatena all'interno dall'animo di
Tannhauser, e che quindi finisce per essere la vera soluzione che dà
all'opera la sua unità.
E la Fura mette in scena subito, fin dalle prime note del preludio,
questo conflitto. Per cercare di capire la logica che sottostà
all'allestimento occorre cercare di descriverne, almeno sommariamente,
gli sviluppi, a partire dal preludio, che non viene suonato a sipario
chiuso, ma a scena aperta. La scena è dominata da una gigantesca mano
(che poi si viene a capire che è l'immagine stessa dell'anima di
Tannhauser), mentre su piani diversi del palcoscenico, ottenuti da
leggeri sipari trasparenti, prendono vita proiezioni di varia natura.
All'inizio, in concomitanza con il risuonare del tema dei Pellegrini (o
del Perdono), le immagini che si svolgono sono turbini di tenue colore
azzurro, che danno luogo a forme evanescenti (si immagina, ad esempio un
occhio che si forma, si apre, si annulla), mentre sulla gigantesca mano
posta verticalmente compaiono segni cabalistici che potrebbero essere
quelli che segnano il destino di Tannhauser. Ma con lo slittare della
musica dal tema dei pellegrini all'iridescenza del Venusberg il colore
da azzurro delle proiezioni si accende di rosso, immagini di corpi nudi
aggrovigliati si disegnano sui sipari con effetti tridimensionali,
entrano in scena ballerini che improvvisano balletti aerei su corde che
pendono dall'alto, compare una grande vasca nella quale ballerini
subacquei si accompagnano a ballerine "nude" che li circondano (il canto
delle sirene), per finire con l'ingresso in scena di una grande collina
emisferica, apparentemente sorretta e spinta da una schiera di ballerini
pseudo-nudi. La mano ruota e si pone in alto con le dita piegate verso
il basso a mo' di grinfia. Al vertice della pseudo-collina cantano
Tannhauser e Venus, mentre la schiera dei ballerini sottostanti cerca di
darne un'illustrazione. 
La messa in scena continua in questa direzione, alternando o facendo
coesistere i momenti del canto, arie, recitativi, complessi d'assieme,
tradizionalmente piuttosto statici, con vivacissimi momenti di gioco
collettivo di figure sulla scena (ballerini, pellegrini, cacciatori)
spesso accompagnate da proiezione sui sipari trasparenti e mobili.
Uno degli aspetti che ha atto maggiormente discutere sono stati i
costumi prevalenti nel secondo atto. Si è parlato di Bolliwood, di
ambientazione indiana, considerandola inappropriata al senso dell'opera.
Che i costumi siano di ispirazione indiana, non c'è dubbio, come non c'è
dubbio che arredi di scena rappresentati da statue siano ispirati alle
decorazioni dei templi di Khajuraho. E sembra che questa scelta sia una
specie di omaggio al direttore d'orchestra Zubin Mehta, appunto di
nazionalità indiana. Ma come questi costumi abbiano, secondo molti
critici, snaturato l'opera proprio non lo capisco. Come in altre
occasioni ho detto, un conto è la struttura, che in realtà la messa in
scena rispetta perfettamente (il conflitto interiore di Tanhäuser che si
esprime nel conflitto con gli altri cantori e nella ferita mortale a
Elisabetta); un conto è la sovrastruttura, cioè l'aspetto visuale
attraverso il quale viene trasmessa allo spettatore la struttura. Cosa
cambia esibire costumi indiani invece di costumi dell'Europa medioevale?
Ci si potrebbe immaginare in alternativa anche eventuali costumi
giapponesi, o costumi europei moderni, senza che questo portasse ad
alterazioni della struttura. Non stiamo parlando di verosimiglianza,
come di verosimiglianza in genere in teatro non si deve parlare, ma di
offerta scenica, visiva, teatrale per trasmettere una struttura che,
proprio in quest'opera, è la vera interprete della musica.
Il secondo atto, secondo me, è il più debole dell'opera, proprio dal
punto di vista della realizzazione scenica. L'inizio ci propina una
situazione statica (l'aria di Elisabetta, il duetto con Tannhauser e poi
con Langravio), che la Fura ha cercato di vivacizzare con alcuni
balletti, senza grande successo. Poi la lunga trafila dell'ingresso dei
nobili inviati ad assistere alla tenzone: musica ripetitiva a suon di
marcia, inaccettabilmente lunga, noiosa, anche qui inutilmente ravvivata
da balletti. È questo il momento più basso dell'opera. La tenzone non ci
offre nulla più di quanto siamo soliti vedere nelle regie tradizionali,
con l'andirivieni nervoso di Tannhauser, le risposte irritate degli
altri cantori, fino alla bestemmia "in diretta" (l'Inno a Venere cantato
in faccia a tutti), le minacce di morte, l'intervento di Elisabetta e
poi del Langravio e la decisione di recarsi a Roma. Niente di nuovo. 
Il terzo atto, aperto dallo splendido preludio e sulla scena dalla
proiezione di cadute di foglie autunnali, ricalca in sostanza il modo di
procedere dei precedenti. La mano, che durante tutto il secondo atto è
stata presente atteggiata ad artiglio sulla scena come una immanente
minaccia, ora appare fratturata lungo la linea della vita, con il
pollice staccato dalle altre dita, simboleggiando il triste destino di
Tannhauser. Tutta la prima parte dell'atto si sviluppa sull'aria di
Elisabetta, il coro dei pellegrini, in modo abbastanza tradizionale. Poi
c'è un'invenzione registica, che alcuni hanno trovato discutibile:
Elisabetta, allontanandosi delusa di non aver trovato fra i pellegrini
perdonati l'amato Tannhauser, viene trasportata verso l'alto, dove
comincia a piangere, e le sue lacrime, veicolate da due canali scendono
al suolo formando un lago che occupa tutta la scena. In questo lago,
alla fine dell'opera, dopo il lungo racconto delle vicende romane e dopo
la sua vittoriosa resistenza alle rinnovate tentazioni di Venus, morirà
Tannhauser finalmente redento e perdonato. 
Indubbiamente questo allestimento del Tannhauser ha arrecato vivacità
allo sviluppo dell'opera. Tuttavia mi sembra di poter fare un paio di
osservazioni. La prima è che la maggior parte delle presenze sceniche
dei protagonisti non è riuscita a sottrarsi completamente
all'immobilismo, ovvero la recitazione mi è sembrata ancora una volta
debole, statica, inutilmente arricchita da movimenti di danzatori,
comparse e proiezioni. La seconda osservazione è l'uso eccessivo delle
proiezioni. Intendiamoci, tutto questo ha contribuito a rendere
piacevole, perfino attraente lo spettacolo, ma, secondo la concezione
che io ho delle messe in scena teatrali, il ruolo più importante, quello
che fa sì che il teatro sia vero teatro, sta proprio nel linguaggio dei
corpi, nella gestualità e, soprattutto, nel rapporto fra gestualità e
intonazione della voce. E questo elemento mi sembra che sia, almeno in
parte, mancato. I movimenti delle comparse, le proiezioni sono aspetti
aggiuntivi, che magari possono distrarre l'attenzione del pubblico dai
protagonisti, ma non sostituire l'elemento cardine: la recitazione.
Dal punto di vista dell'esecuzione musicale, Metha ha condotto l'opera
offrendo, momenti di intensa commozione, soprattutto nei due preludi e
nella musica del Venusberg dove l'iridescenza orchestrale fa veramente
girare la testa. Mi sembra di poter affermare una evidente consonanza
fra la messa in scena e l'esecuzione musicale. Più debole invece mi è
sembrato il cast dei cantanti: Robert Dean Smith ha esibito una voce
molto piccola, offrendo un Tannhauser nel quale il conflitto di
sentimenti non è emerso con quella intensità che mi sembra fosse lecito
attendersi.  La Julia Gertseva nel ruolo di Venere non mi è sembrata
strepitosa. Molto meglio è apparsa l'Elisabetta della Anja Harteros, la
cui voce ha saputo impersonare in modo convincente sia la gioia di un
amore ritrovato, sia il dolore di una ferita subita, sia la disperazione
di una perdita irreparabile. Di discreto ma non eccelso livello Wolfram
(Roman Trekel) e gli altri interpreti secondari
Comunque il pubblico, che a dire il vero ha riempito il teatro, con
applausi intensi e ripetuti ha dimostrato di aver gradito lo spettacolo,
e nei discorsi che si potevano captare durante gli intervalli, si
avvertiva, da parte di molti, il desiderio di voler capire il senso di
una messa in scena certamente non tradizionale e comunque problematica.
Saluti a tutti
Rudy
-------------------
rodolfo....@tin.it
http://www.dicoseunpo.it

 ha scritto nel messaggio 
news:1jfv9yf.i3vbop1vq60uyN%rodolfo....@tin.it...


 Tannhauser.
... io aspettavo la tua recensione! ^_____^ 

 proiezioni. 
Ho avuto l'impressione di un allestimento che passasse per così dire dal 
bianco/nero al colore e viceversa, come la tv di quaranta anni fa, come 
se la scelta dell'immobilismo, della scomparsa delle proiezioni fosse un 
modo per sottolineare l'arcaicità della sezione di Tannhauser che 
stavamo attraversando, come se insomma si volessero evidenziare le 
fratture stilistiche presenti nell'opera (soprattutto nella versione 
parigina seguita - con l'eccezione della gara di canto - da Mehta). La 
critica che fare alle proiezioni è che esse presupponevano una visione 
centrale e potevano essere godute appieno solo da una fetta 
ristrettissima di pubblico. Solita storia: gli allestimenti pensati per 
la tv - dove comunque il regista televisivo non ha comunque il coraggio 
di fare un'inquadratura fissa in campo lungo (che del resto non viene 
bene nella televisione che per sua natura predilige il dettaglio 
all'insieme).
-- 
Giuseppe Sottotetti
gso...@alice.it
 
http://SottotettiGiuseppe.ilcannocchiale.it/

 all'insieme).
Purtroppo temo che queste proiezioni non facilitino la creazione di un
DVD, e comunque credo che il risultato di una ripresa televisiva sarebbe
moooolto inferiore alla veduta diretta a teatro.
Ciao
Rudy
------------------
rodolco....@tin.it
http://www.dicoesunpo.it

 struttura della trama, e quindi non sono determinanti.
Wagner sottolineava sempre con Cosima che se non era piů possibile 
rappresentare Shakespeare con i personaggi in costume elisabettiano 
anche un'ambientazione storica esatta era comunque insoddisfacente 
perchč trasformava il tutto in una carnevalata. E' possibile che anche 
per le opere di Wagner accada qualcosa di simile per cui un Tannhauser 
conciato come Angelo Branduardi risulta inaccettabile per il nostro 
gusto odierno ma non necessariamente si trovano delle alternative 
ugualmente buone. Una cosa mi pare certa: si č cambiata l'ambientazione, 
ma la vicenda č rimasta invariata.


>da balletti. È questo il momento più basso dell'opera............
Ahi ahi, allora anche tu sei stato vittima della Fura...pensi alla
musica come colonna sonora di un'allestimento quasi cinematografico!
Quella marcia noiosa è un capolavoro di orchestrazione che è tutto
fuorchè noioso, secondo me. Voglio esagerare, io avrei gustato di più
l'esecuzione di Mehta se fosse stata in forma di concerto!  Trovo che
non c'è bisogno di "vivacizzare" la scena apparentemente statica
stravolgendo le precise indicazioni di Wagner; è già la musica che
rende interessante ed assolutamente non noioso neanche un solo minuto;
le abbondanti 4 ore di Tannhauser che ho ascoltato in piedi, devo dire
con mio stupore, sono volate in un attimo.
C'è stato un momento comico quando Giovanni Paolo II scende dall'aereo
Alitalia e si avvicina ad un povero fedele che sembra rimproveri come
se fosse la reincarnazione di Tannhauser...spettacolare...peccato che
le risate che mi sono e ci siamo fatti hanno rovinato le emozioni di
tutt'altra natura che in quel momento l'opera doveva rappresentare.
Ciao
L

 se fosse la reincarnazione di Tannhauser...spettacolare...
Appunto, la tecnica è quella di Striscia la notizia ma a me sembra 
venuto benissimo e mi pare uno di quei dettagli che mostrano quanto 
siano stati aderenti al testo. Certo, è un Tannhauser come avrebbe 
potuto scriverlo Salman Rushdie che del resto è uno di quegli autori che 
sanno mescolare realismo e soprannaturale, fantastico e quotidiano con 
la stessa abilità del primo Wagner.


 fuorch� noioso, secondo me.
Infati. Chiudi gli occhi e ti diverti. Io guardo la scena e mi annoio.
CDD.
Comunque il Bolero � tutta un'altra cosa.
Ciao
Rudy
----------------
rodolfo....@tin.it
http://www.dicoseunpo.it