Newsgroup: it.arti.musica.classica
Titolo: Christopher Hogwood

 
Un altro dei grandi direttori ed interpreti ci ha lasciato proprio oggi 
24 settembre 2014.
 
Christopher Hogwood, soprattutto negli ultimi anni, si era dedicato alla 
pubblicazione di numerosi saggi ed edizioni critiche, ultima quella 
dedicata all'opera omnia di C.P.E. Bach, ancora in via di pubblicazione.
 
Aggiungo solo che la sua grande curiositï¿œ e propensione a scambiare 
opinioni musicali con chiunque, lo rendeva una persona davvero unica. 
Non dimenticheremo mai l'incontro dell'autunno 2006, a Piazza del 
Popolo, che fu un vero e proprio preludio alla nascita della Sala del 
Cembalo!
 
http://www.quotidiano.net/caff%C3%A8/morto-direttore-orchestra-hogwood-1.241956
 
 
Z.
 
-- 
La SALA DEL CEMBALO del caro Sassone
 
http://www.saladelcembalo.org
 
 

 ha scritto nel messaggio 
news:lvv9do$j8i$1...@speranza.aioe.org...


 24 settembre 2014.
 
Un uomo a cui devo molto e che ricorderï¿œ per sempre.
 

 24 settembre 2014.
 
:-(
 
Amatissimo da me!
Un piccolo aneddoto: un maiale, di cui si parla in "Un maiale per amico, 
la storia straordinaria di Christopher Hogwood" aveva ricevuto il suo 
stesso nome perchï¿œ "esiste forse una musica piï¿œ antica del grugnito di 
un maiale?", quando il suo omonimo suino morï¿œ, Hogwood nel pubblicï¿œ il 
necrologio nella sua homepage, un ulteriore conferma di quanto fosse 
unico come persona.
 

L'ho sempre reputato uno dei direttori pi� antimusicali mai esistiti, di 
solito riusciva ad ammazzarti qualsiasi cosa, salvo poi essere capace di 
exploit inattesi e sorprendenti.
Provate ad ascoltare lo scherzo della IX nella sua celebre edizione 
discografica ai primordi dell'era filologica. Io lo trovo straordinario.
 
EF 
 
 

 exploit inattesi e sorprendenti.
 
L'avessi detto ieri, di persona, davanti a me, avresti rischiato uno 
schiaffone in faccia.
 
Come direttore di musica barocca britannica, Hogwood rimane tra i piï¿½ 
gradi di sempre, da Boyce a Handel, da Albinoni, che ï¿½ leggibile in 
inglese come Canaletto, alle trascrizioni di Salomon delle sinfonie di 
Haydn.
 
Negli anni '70, quando Harnoncourt era considerato un innovatore, 
Hogwood dirigeva Geminiani praticamente come lo eseguono oggi. 
Pochissimi anni dopo, il suo Messiah ha cambiato la storia 
dell'interpretazione del capolavoro di Handel, per sempre.
 
Io gli sono grato soprattutto per le sinfonie di Mozart, che lo siano 
anche gli altri non lo pretendo, ma che si dica che ï¿½ uno dei direttori 
piï¿½ antimusicali mai esistiti ï¿½ una cosa abominevole.

< L'ho sempre reputato uno dei direttori piï¿½ antimusicali mai esistiti
 
Qualche esempio concreto?
Perchï¿½ un conto ï¿½ dire che non ti vanno certe sue interpretazioni, un altro
ï¿½ quello che hai affermato.
Ho moltissime cose sue, da Purcell a Vivaldi, da Bach a Handel, da Mozart a
Beethoven, ma pur trovando qua e lï¿½ cose un po' discutibili, nell'insieme lo
colloco tra i grandi direttori che hanno dato grandi lezioni con la musica
barocca (Leonahrdt, Harnoncourt, Bruggen, Koopman, Savall, Kuijken,
Herreweghe, Gardiner,  ecc.)
 
G 
 

 
 
 
Lo sappiamo che sei un violento. Quando ti si legge viene fuori una infinita aggressività da parte tua verso il mal capitato di turno.
 
 


 
Tieni presente che la musica del nord Europa è profondamente diversa da quella del sud Europa e della Germania.
Per rendertene conto prova ad ascoltare le sinfonie di Vaughan Williams, di Sibelius e altri.
 
Quindi i nordici andando a interpretare la musica del lontano passato hanno un approccio diverso da un latino, un Muti per es.
Un Muti non fa altro che esaltarsi continuamente, spingere a fondo per mettere in evidenza i contrasti ecc. Bene, va bene per Beethoven, Rossini e il romanticismo in genere.
Ma PRIMA e dopo non va più bene.
 
Purtroppo noi tutti (io ora non più) siamo vittime del romanticismo. Per musica classica si intende quella dell'Ottocento.
E non a caso Muti ha diretto per una vita sempre e solo quella.
Indubbiamente il romanticismo fu un punto di arrivo. Un culmine di complessità enorme. La linea con congiunge Vivaldi- Scarlatti- Bach-Haydn-Mozart- Beethoven rappresenta questo punto di arrivo.
Tuttavia questo non è stato, ad oggi, l'unico punto di arrivo.
Tralasciando Wagner e le sue innovazioni, possiamo dire che il resto del romanticismo fu un inseguimento di questa linea terminata con Beethoven.
 
Ma in PARALLELO già c'era un'altra linea, quella iniziata con Berlioz poi Wagner fino poi a Mahler e al compimento con Sibelius, Waughan Williams e tanti altri. Qui finalmente si esce dalla linea precedente perché non si fa più musica tonale ma MODALE.
E' questo recupero della modalità che ha dato sviluppo a quel cromatismo wagneriano.
 
Gli stessi sinfonisti americani (Ives, Thomson, Cowell, Ruggles, Piston ecc) arrivano alle stesse conclusioni di Sibelius e altri. Cioè pur mancando la tradizione ecco che gli americani seguono questa stessa linea e cioè la modalità. I risultati sono diversi ma in ogni caso è musica modale che non ha legami con il romanticismo.
Salvo il serialismo e il minimalismo è questa musica modale che ancora oggi si sta sviluppando.
Serialismo e minimalismo sono stati degli eccessi. Quadi a voler sfruttare una tecnica prima ancora che comporre musica.
Quasi una esplorazione a prescindere dal risultato. E sono proprio il serialismo e il minimalismo che hanno fatto passare in secondo piano la musica modale del Novecento.
Questo anche perché il serialismo era la musica dei tedeschi, francesi e italiani, mentre la musica modale era quella dei nord europei e degli americani.
 
Se vuoi approfondire puoi iniziare da qui:
 
http://www.google.com/url?sa=t&rct=j&q=musica%20modale%20storia&source=web&cd=1&ved=0CB0QFjAA&url=http%3A%2F%2Fwww.musicheria.net%2FScaricaFile.asp%3FIDF%3D1565%26Name%3DLa%2520modalit%25C3%25A0%2520nella%2520storia%2520della%2520musica&ei=lqImVPzRFane7AaA9YCIAw&usg=AFQjCNGvw6NH0W8h_v9JiiUaEYkl-7rZbg&sig2=4uQWEsAmIFHazGuqYVMAeQ&bvm=bv.76247554,d.bGQ
 
 

 � quello che hai affermato.
 
In generale il suo Beethoven, ma anche Mozart e quel poco Bach che ho 
ascoltato. Ignoro invece il tanto decantato Handel.
La scelta dei tempi e il fraseggio spesso li trovo insensati, nel senso che 
non riesco a ritrovare una logica musicale. E non credo di essere di strette 
vedute: i barocchisti che citi li apprezzo quasi tutti, ho solo delle 
riserve per Koopman quando si prende troppe libert� trasformando tutto in un 
tira e molla e magari certe legnosit� di Harnoncourt.
 
Poi sapete come si dice: quando nascono sono tutti belli, quando muoiono 
sono tutti buoni, ma in questo modo non si fa certo un favore alla memoria 
del defunto. Un po' di spirito critico da maggior peso alle cose buone che 
ci ha lasciato.
 
EF 
 
 

 tutto in un tira e molla e magari certe legnosità di Harnoncourt.



 
Si tratta di musica suonata con gli strumenti dell'epoca come sai. Noi invece ci siamo formati ascoltando quella musica suonata con gli strumenti di oggi.
Quindi i paragoni vanno fatti tra queste orchestre che usano strumenti dell'epoca.
 
IN questo senso influisce molto più l'orchestra che il direttore a mio parere.
 
Quindi, sarebbe più corretto dire che a te non va bene come suonano:
 
http://it.wikipedia.org/wiki/Academy_of_Ancient_Music
 
 

"Erg Frast"  ha scritto
 
<In generale il suo Beethoven,
 
In parte concordo: ha deciso, per es. nei recitativi della Nona, di seguire 
il metronomo...
 
saluti
G 
 

"Erg Frast"  ha scritto
 
<In generale il suo Beethoven,
 
In parte concordo: ha deciso, per es. nei recitativi della Nona, di seguire
il metronomo...
 
saluti
G
 
PS Il Messia, quando ï¿½ uscito, ï¿½ stato proprio una rivelazione.
Poi, come dice l'einstein, se non si ha l'orecchio abituato al suono degli 
strumenti originali, si puï¿½ avere qualche rifiuto.
A me era capitato coi primi dischi di Harnoncourt: una vera e propria 
ferraglia. 
 

 ferraglia.
 
 
La filologia a tutti i costi produsse anche questo. Al contrario, con i cembali di Leonhardt (in disco) ho sempre goduto a piene coclee, fin dal primo approccio. Come mai? Semplice, suonavano meglio del miglior Steinway.


 
Uno dei motivi è anche dovuto all'accordatura. Quindi non solo siamo di fronte a strumenti diversi, che emettono suono diversi, timbri diversi, dinamiche diverse e TECNICHE di esecuzione diverse per cui cambia la esecuzione e diventa più aderente alle intenzione del compositore.
 
Non solo questo ma anche l'intonazione del LA.
 
E' probabile che chi ha l'orecchio assoluto "soffra" maggiormente certe esecuzioni con strumenti dell'epoca.
 
Da wikipedia:
<<Oltre al sistema di accordatura, anche l'altezza del La di riferimento cambia nel corso dei secoli, ed è assai variabile anche geograficamente[25]. Ogni cappella aveva il suo La di riferimento: ancora nel XVIII secolo era frequente che nella stessa città si usassero due La diversi per la musica sacra e per quella profana, a distanza di un tono o più[26][27]. Oggi si è più o meno standardizzato l'uso del La di 415 Hz per la musica barocca; per quella francese, tuttavia, si usa anche il La di 392 Hz (un tono sotto il La moderno) che era effettivamente impiegato in quell'area, mentre per la musica della prima metà del XVII secolo si opta per un La di 440 Hz o talvolta 460 Hz. Il motivo di queste scelte risiede nel diapason fisso della gran parte degli strumenti a fiato dell'epoca giunti fino a noi (gli originali, ma di conseguenza anche le copie utilizzate dalla grandissima parte dei musicisti[28]); ovviamente, questo condiziona il diapason d'esecuzione. Per la musica medievale e rinascimentale ci sono numerose indicazioni che il La fosse spesso sensibilmente più alto di quello odierno, ma non c'è accordo sull'individuazione di uno standard (che in quanto tale non avrebbe alcun valore "filologico"), e sovente si usa il La di 440 Hz anche nelle esecuzioni "storicamente consapevoli>>
 
http://it.wikipedia.org/wiki/Musica_antica
 
 
 
 

 
 
 
Oh, sì, se hai l'orecchietta assoluta senti che magari non è La minore ma La bemolle minore - una tragedia? non direi, dato che lo stai solo ascoltando e per di più suonato in posizione di La minore, ergo è La minore.
 
C'è un problema - che riguarda i temperamenti e accordature antiche - di battimenti semmai, per i quali il discorso credo sia ancora aperto e forse mai discusso veramente a fondo. Tempo fa postai un file con un Frescobaldi "da urlo", nel senso che certi passi erano veramente un supplizio per l'orecchio più o meno temperato; qualcuno mi fece notare che invece era una goduria. Amen.


 
https://www.youtube.com/watch?v=5GsqictzH00
 
 
Secondo me è anche il suono della viola da gamba che può dare fastidio.
Guarda il video linkato sopra per es.
Abbiamo delle corde SOTTILI su uno strumento molto grande.
Quindi hai la vibrazione ad alta frequenza che tende ad espandersi sulla cassa armonica.
 
Spiego meglio:
prendi il violino di oggi, è vero che le corde sono sottili ma sono anche CORTE.
Quindi la vibrazione è ad alta frequenza sia perché la corda è corta sia perché sottile.
La altezza (la nota emessa) la si ottiene sia in base alla lunghezza che allo spessore della corda.
Ora, ed è questo il punto fondamentale da capire bene, se tu vuoi prendere il DO più alto della viola da gamba, hai la possibilità di mettere il dito in diversi punti perché non ci sono tasti.
Cioè diciamo che per es. hai una TOLLERANZA di 4 o 6 millimetri entro i quali puoi mettere il dito e alla fine viene fuori il DO.
Invece sul violino (di oggi) non hai tutta questa tolleranza e se sbagli di appena un millimetro ecco che STONI.
 
Quindi sulla viola da gamba per es. è più facile prendere la nota giusta ma in realtà ogni volta si prendono FREQUENZE DIVERSE. Perché c'è MINORE precisione.
 
Quindi non solo hai uno strumento diverso (corda sottile lunga su cassa grande) ma anche l'esecuzione ne risente.
Il VIOLONCELLO invece ha le quattro corde molto spesse e quindi si va su altezze gravi.
Sulle altezze gravi se anche metti la tolleranza dei 4 o 6 millimetri, ebbene la nota non cambia e la frequenza è praticamente sempre la stessa.
 
 
Cmq io penso che nelle SCUOLE dovrebbero fare ascoltare la musica con gli strumenti dell'epoca e così si è più fedeli all'epoca storica. Poi ovviamente si spiega che le esecuzioni con gli strumenti contemporanei è spesso migliore (Mozart, Beethoven ecc) e si spiegano i motivi e così creare un dibattito. Cioè un dibattito sulla COMPOSIZIONE. In questo modo lo studente capisce che la composizione PERSISTE anche se non viene eseguita mai: vedi serialismo.
 
Qui allora si crea il collegamente tra musica e matematica. In questo modo il dibattito sulla musica filologica non è sterile ma produce una riflessoine sulla natura, l'essenza della musica stessa.
 
Ciao
 
p.s. secondo te se la musica di Allevi per orchestra fosse suonata con gli strumenti del Seicento verrebbe apprezzata di più?:) Fossi in lui mi metterei a comporre musica barocca:)) 
 

 Secondo me è anche il suono della viola da gamba che può dare fastidio.
 
Be', dipende anche dal tipo di stoffa con cui sono fatte le brache del gambista (e pure le calze, se indossa le culottes).
E inoltre, fondamentale, dal numero di noccioline che l'esecutore tiene nella saccoccia posteriore, e dal fatto che siano già sgusciate oppure no.

 
 
 
Bellissimo invece, adoro quel suono con tanti armonici vaganti e risonanti - un po' come il mio pianino S&S nuovo/vecchio i cui smorzi non smorzano alla perfezione e lasciano un fumo aromatico nell'aria...
 
 


 
E allora cosa c'è che non va in queste orchestre barocche? In che senso la musica di Beethoven viene meglio suonata da orchestre contemporanee?
 
Spiegaci un po' per favore:))
 

 E allora cosa c'è che non va in queste orchestre barocche? In che senso la musica di Beethoven viene meglio suonata da orchestre contemporanee?
 
 
 
mi pare di aver già detto quello che penso e che ho imparato da altri
 
per quanto mi riguarda LvB sinfonico l'ho ascoltato solo da Toscanini, Karajan, Kleiber, Bernstein, Abbado e stop, mi basta e avanza...
 
per il resto posso dire che trovo atroce sia Mozart sul fortepiano che Chopin su un Pleyel della sua epoca - 
 


 
Ma è ovvio che se suoni Beethoven col violino barocco e la viola da gamba ecco che cambia molto.
 
Ma COSA cambia esattamente?
Abbiamo notato che la viola da gamba monta delle corde più sottili del violoncello e questo rende il suono meno stabile. Quindi si passa al violoncello dove la tensione delle corde aumenta. Ma per aumentare la tensione bisogna costruire diversamente lo strumento, con materiali (legni) più robusti. Inoltre si montano corde di maggiore spessore e diverso materiale.
 
Stesso discorso per passare dal violino barocco al violino contemporaneo.
Per quanto riguarda la musica di Mozart, ebbene questa venne concepita per gli strumenti dell'epoca ed è giusto ascoltarla da orchestre barocche.
 
Per Beethoven invece il discorso cambia molto perchè in quel periodo si assiste ad una transizione. Cioè i teatri diventano più grandi e aumenta l'organico orchestrale.
In questo senso allora, anche se Beethoven aveva a che fare con la viola da gamba e il violino barocco, ecco che la sua composizione era già orientata ad una aumento di potenza dell'organico orchestrale.
Quindi la composizione sinfonica di Beethoven è diversa da quella di mozart ed è per questo che Beethoven ci piace di più se suonato con l'orchestra contemporanea e non con quella barocca.
 
Inoltre i primi due concerti per piano di Beethoven sono nella scia di quelli di Moazart, ed è col terzo che c'è il passaggio. Quindi dal terzo in poi bisogna usare il pianoforte al posto del clavicembalo.
 
Che poi, si voglia usare gli strumenti usati dallo stesso Beethoven, si può anche fare e così ci si riporta perfettamente alla sua epoca. Tuttavia Beethoven era SORDO e quindi in che senso ci riportiamo al suo personale ascolto? Inoltre la composizione di Beethoven EVOLVE e tiene conto dell'aumentata potenza richiesta per l'ampliamento dei teatri.
 
Quindi, e concludo, fino a Mozart non ci sono problemi, con Beethoven la cosa è più complessa e bisogna valutare di caso in caso.
 
Ad esempio nel film Io e Beethoven ci sono scelte errate.
Guarda questo video per es:  
 
https://www.youtube.com/watch?v=G6WV0JVOr2A
 
 
D'accordo che la nona è meglio suonarla con l'orchestra contemporanea ma se tu metti Beethoven a dirigerla non puoi usare gli strumenti di oggi a livello di AUDIO e quelli dell'epoca in video.
 
Immagino la faccia che ha fatto all'epoca Hogwood quando ha visto questo film:))
 
 
 

Karajan, Kleiber, Bernstein, Abbado e stop, mi basta e avanza...
 
La terza e la Sesta di Hogwood meriterebbero...
 
<per il resto posso dire che trovo atroce sia Mozart sul fortepiano che 
Chopin su un Pleyel della sua epoca -
 
Di Chopin non so, ma I concerti di Mozart eseguiti da Jos van Immerseel col 
fortepiano e con la sua orchestra Anima Eterna sono veramente magnifici.
http://www.channelclassics.com/complete-piano-concertos-budget-series.html
 
 
Saluti
G 
 


 
Se lo dici tu che sei l'esperto di organologia del ng allora è vero:))

 allora è vero:))
 
Gli è che spesso si trascurano particolari importantissimi, caratteristiche dei materiali che possono influire non solo sul timbro di uno strumento, ma anche sulla sua maggiore o minore capacità di conservare l'intonazione. Così, per esempio, bisogna tenere in considerazione non solo quale e quanta erba ha mangiato, ma anche di che umore è la pecora quando le si levano le budella con cui si fanno poi le corde. Lo sapeva bene anche Shakespeare (Much Ado About Nothing II:3, 56-58).


 
Non solo ci sono contratti discografici miliardari ma gli stessi conservatori (italiani per es.) non riescono a fare quello che hanno fatto gli inglesi con l'accademia di musica antica.
 
Da una parte abbiamo lo star system (le case discografiche, le tv, i mass media, stampa ecc) dall'altra abbiamo le istituzioni nazionali spesso in mano ai partiti politici. Quindi un Hogwood o un Valdes vengono o ignorati o denigrati.
 
Noti che non argomentano, non sono oggettivi, si limitano a denigrare i modo sprezzante. Fanno un uso della dialettica, della retorica per demolire o innalzare.
 
Consiglio di diffidare di coloro che si limitano a dare giudizi personali senza entrare nel dettaglio tecnico.
 
 
 
 

 Karajan ecc ecc.
 
Hogwood si limita a fare quello che �, ovvero l'anglosassone, e come tale � 
profondamente empirista, quindi si diverte un mondo a giocare con questi 
aspetti della tecnica esecutiva.
Questi aspetti della tecnica esecutiva sono solo l'aspetto pi� superficiale 
della pratica musicale, che vive di tante altre cose, ben pi� importanti.
La musica occidentale come la conosciamo storicamente, non � anglosassone e 
non � empirista. Ci viene da altri lidi ed � strutturalmente un'altra cosa, 
diciamo pure che prevalgono le idee, il significato e molto spesso anche la 
forma, ma non come forma empirica, semmai come forma ideale.
Non mi addentro oltre, perch� la cosa non � alla mia portata e lascio la 
parola ad altri pi� attrezzati.
Quanto all'accostamento con Toscanini... lasciamo stare va, che � meglio; mi 
sembra di risentire le filippiche di Egmont sulla superiorit� della scuola 
napoletana e le considerazioni su quel dilettante di Mozart.
 
Saluti rilassati
 
 
EF 
 
 


 
Non ti preoccupare, lo faccio io il paragone tra Toscanini e Hogwood:)
 
http://it.wikipedia.org/wiki/Christopher_Hogwood
 
 
http://it.wikipedia.org/wiki/Arturo_Toscanini
 
 
Prima di tutto propongo di leggere attentamente le voci di Wikipedia linkate sopra che riguardano entrambi.
In questo modo non parliamo di opinioni nostre personali ma di FATTI.
 
Toscanini è un uomo che nasce nell'Ottocento e che diventa massone e direttore d'orchestra. Ti lascio immaginare quindi l'aiuto che avrà ricevuto da queste associazioni per fare carriera.
Ma lasciamo da parte questo aspetto per vedere PERCHE' Toscanini diventa una star.
 
1. Toscanini si rivolge contro il fascismo e perfino contro i nazisti. Infatti dopo l'annessione da parte di Hitler dell'Austria, emigra negli USA.
 
2. Gli americani ovviamente sfruttano le sue capacità (che qui nessuno ha mai messo in dubbio) e gli creano una orchestra tutta per lui, così lo mandano in onda per radio e televisione.
 
3. Toscanini diventa una icona sia perché mandato in onda da radio e tv sia perché viene POMPATO ad arte. Infatti ci troviamo davanti ad un antifascista e antinazista. Sappiamo chi ha vinto la guerra ed è ovvio che questi dovevano essere pompati ad arte.
Un mito insomma creato dallo starsystem PILOTATO dalla politica.
 
ATTENZIONE!
Con questo non si vuole dire che fosse un incapace a dirigere. Non si vuole certo dire che fosse antimusicale. Si vuole dire che Toscanini è stato uno dei tanti bravi direttori d'orchestra del Novecento.
 
 
E ora passiamo a Hogwood.
Questi nel 1973 rifonda l'academy of ancient music. Una istituzione che esisteva gia nel '700.
 
Prima che un direttore d'orchestra Hogwood è un esperto, uno studioso, un musicologo. Un uomo che si sforza di studiare gli strumenti (organologia) insieme ad altri, li fa costruire per risalire agli originali dell'epoca. In questo modo grazie ad Hogwood TU hai potuto ascoltare gli strumenti dell'epoca mentre suonano la musica dell'epoca.
 
Una operazione che non ha nulla a che vedere con le registrazioni di Karajan o Toscanini. Questi si sono limitati a dirigere l'orchestra e punto. CI hanno pensato gli ingegneri, gli scienziati a inventare il grammofono, la registrazione, l'HI FI ecc.
 
Alla storia non passerà Karajan ma gli ingegneri che hanno inventato il CD. E' questa tecnologia che ha fatto la storia. Così come è la tecnologia di radio e tv a passare alla storia e non il Toscanini di turno.
 
Allo stesso modo passerà alla storia il fatto che grazie al grammofono, alla radio, alla televisione, all'HI FI, al CD possiamo ascoltare la musica eseguita nel Novecento.
Ma la tecnologia della registrazione non può fare miracoli. Quindi per ascoltare la musica barocca come veniva eseguita ecco che ci ricorderemo di Hogwood.
 
Hogwood entra nella storia perché fu tra coloro che riuscirono a farci ad ascoltare (e tramite le registrazioni anche per i millenni futuri) la musica così come suonata nelle epoche precedenti.
 
Ovviamente, e sia chiaro, Hogwood non è un compositore, non è un Mozart o un Beethoven. Così come Valdes non è un compositore.
Ma la differenza tra i vari Toscanini, Muti, Abbado e questi, è molto netta.
Da una parte abbiamo uomini che si misurano con la musica del proprio tempo e cercano di interpretarla. Dall'altra abbiamo l'ennesimo direttore che si mette a dirigere il grande compositore.
 
Tra Muti e Valdes io non ho alcun tentennamento nel dire che quest'ultimo fa sforzi per interpretare la musica di oggi. Muti che sforzo fa?
Per una vita si è messo a dirigere Verdi e altra roba dell'Ottocento.
Perché?
Perché questa è roba che si VENDE! La gente va a teatro, compra i dischi ecc.
 
Muti non sarebbe stato capace di seguire la musica contemporanea e dirigerla?
Oppure si tratta di scelte ECONOMICHE?
 
Quello che noi tutti dobbiamo sforzarci di capire è chi DAVVERO apporta contributi che RIMARRANNO per sempre nella storia.
Davvero si aveva bisogno di Toscanini, Muti, Abbado per ascoltare la musica di Mozart e Beethoven? Ci sono una infinità di direttori ignoti che però dirigono come degli illustri sconosciuti. Però la casa discografica deve creare il mito, la star ed ecco che fa CONTRATTI.
 
Di Hogwood invece non si poteva fare a meno perché senza lui TU non avresti potuto ascoltare la musica che veniva acoltata da Mozart e altri dei secoli scorsi. 
Stesso discorso per Valdes. Senza il suo impegno la musica di Jesus Rueda non ci sarebbe stata.
Con questo, ATTENZIONE, non si vuole dire che Abbado o Muti sono antimusicali.
Si vuole solo CLASSIFICARLI per quello che realmente sono e per il loro reale contributo.
 
Il mondo è PIENO di direttori d'orchestra. Sono tanti! Le buone orchestre invece sono poche!
Per questo ogni orchestra si sceglie il direttore che vuole.
Prova a vendere quanti direttori hanno inciso le sinfonie di Beethoven per esempio.
E prova inoltre a vedere quanti le hanno incise in PRIVATO, cioè NON edite da una casa discografica.
Poi prova a vedere quanti hanno inciso le tre sinfonie di Rueda per esempio.
 
Tecnicamente parlando, Muti NON è in grado di dirigere la musica contemporanea. Potenzialmente capace, ma si è specializzato nella musica ottocentesca.
 
Ascolta per esempio come il grande Simon Rattle dirige la musica di Adams:
https://www.youtube.com/watch?v=AUiv0jJl9zU
 
 
Questa è roba degli anni Ottanta del Novecento.
A livello ritmico ci sono forti complessità.
Dubito che Muti o Abbado o altri (viventi o meno) siano in grado di dirigere questa musica bene perché a loro manca l'esperienza sulla musica contemporanea.
 
Leggi tu stesso chi è Rattle:
 
http://it.wikipedia.org/wiki/Simon_Rattle
 
 
Quello che mi sto sforzando di spiegare è che i compositori e i direttori d'orchestra italiani in particolare sono INDIETRO.
I nord europei e gli americani sono avanti perché hanno istituzioni che si sono rinnovate e sono all'avanguardia.
 
L'Europa del centro sud entra in crisi negli anni Trenta e da quella crisi ancora sta cercando di riprendersi. Nel frattempo gli scandinavi, gli inglesi e gli americani portavano avanti la tradizione della musica colta occidentale.
 
Quindi un Muti, un Abbado, al conservatorio hanno studiato fino alla musica di Verdi, Mahler, Schoenberg e punto. Invece gli scandinavi, gli inglesi, gli americani hanno studiato, oltre a questi, anche Sibelius, Vaughan Williams, Ives, Cowell, Carter, Rautavaara. E oggi studiano Adams e tanti altri che ormai sono passati alla storia.
 
E' un caso che in Italia hai Allevi ed Einaudi a rappresentare la composizione del nostro Paese? E' davvero solo colpa di questi due?
Se Allevi fosse nato in Svezia avrebbe imparato davvero solo il serialismo?
Muti, Toscanini, Abbado e altri non sfuggono a questo destino che vede l'Europa centro meridionale diventare PERIFERIA.
Boulez e altri hanno provato ma non sono riusciti. Il serialismo è naugragato, era e rimane mera tecnica di composizione. Stesso discorso per il minimalismo che pure è naufragato e infatti oggi abbiamo il post minimalismo. Adams è post minimalismo e non minimalismo per esempio.
 
E' quella musica modale che i nord europei e gli americani hanno ampliato. Tra la tonalità barocca (Haydn, Mozart ecc) e la atonalità di Schoenberg, sia gli scandinavi che gli americani hanno trovato una via di mezzo nella modalità.
Ed è grazie a loro se si compone ancora oggi musica sinfonica.
 
Se poi tu ti vuoi ascoltare Allevi, fa pure. Ma tieni presente che è roba superata:))
 
 

 
 
 
Una integrale su strumenti del'epoca è sempre interessante - ma come diceva Erg poco fa, la musica è fatta anche di qualcosa d'altro; e il fortepiano su Mozart ci dà solo l'immagine sonora in cui quella musica era sostanzialmente costretta. E' fuori discussione, credo, che le potenzialità di un grancoda moderno offrano al pianista talentuoso una gamma infinita di timbri e colori per dare a WAM quello che la sua musica chiede - certo se poi suoni con la mano da macellaio... qualcuno dirà che ci vuole il fortepiano e che il grancoda va bene per Rachmaninoff.
 
Peraltro, dato che si parlava di musicologia, non convince affatto la tesi musicologica secondo la quale il compositore compone per lo strumento che ha a disposizione, dunque quella musica darebbe il meglio di sé su quello strumento. Vale per Bach e i suoi cembali e organi, non certo per i compositori pianisti fino a metà ottocento, e forse anche oltre.


https://www.youtube.com/watch?v=-ciFTP_KRy4
 
 
Sei in errore! Grazie a queste esecuzioni invece anche TU puoi ascoltare la musica che ascoltava Mozart.
In pratica vieni messo allo stesso livello di Mozart e non te ne rendi conto.
 
Seguendo la tua logica faresti cantare il canto gregoriano solo a Pavarotti, Domingo e Carreras:)
 
E' proprio perché quella musica, scritta ha una sua essenza che possiamo farla "vivere" su diversi strumenti.
La forza di questa musica sta anche in questo.
 
Quindi prima di tutto è da preferire esecuzioni su strumenti d'epoca fatte bene ovviamente, da esperti, da gente capace. Poi ovviamente andare oltre e interpretarle sugli strumenti contemporanei che sono oggettivamente migliori.
 
Se a scuola ci avessero fatto ascoltare le composizioni d'epoca e così anche i CD a casa, ecco che oggi neppure staremmo qui a parlarne.
Per es. la musica del XII secolo o del XIII a nessuno viene in mente di suonarla sul pianoforte.
Giusto?
Tu la ascolti sugli strumenti dell'epoca. Giusto?
E neppure ti lamenti. Neppure dici che quella musica era costretta sugli strumenti dell'epoca.
Anzi, sembra che gli strumenti dell'epoca facciano rivivere meglio quella composizione perché si può udire i suoni di quella epoca.
 
Quindi, PRIMA la esecuzione d'epoca, quella VERA e poi tutte le variazioni, interpretazioni che si vuole!
E non il contrario, come stai sostenendo tu:))

 
 
 
Loro non hanno colpe. Tu sì.
 
In ogni caso stai parlando dell'immagine nazional-popolare italiana che della musica classica contemporanea hanno dato i mass media dall'inizio del secolo. Basta scivolare su un canale come Radio3 e l'immagine cambia, e questo nonostante abbiano tentato più volte di annientare radiotre per renderla più fruibile alle masse di ascoltatori lobotomizzati.

 
 
 
E' esattamente quello che ho sostenuto. Sei tu in ERRORE.


 
La musica italiana diventa periferia dopo Scarlatti, Vivaldi ecc.
Come sai molto bene arriva Bach, Haydn, Mozart, Beethoven e questi non abitavano in Italia:)
 
Antonio Salieri soccombe difronte a Mozart. Quel film (Amadeus) dovrebbe insegnarci come andarono le cose.
E' vero che a corte avevano un italiano, è vero che l'opera era nata in Italia. E' vero che grazie alla Chiesa i musicisti italiani erano ben raccomandati e ben visti ecc.
E' tutto vero!
Ma bisogna capire che in quella parte d'Europa si creò una tradizione che andò ad innovare mentre in Italia si davano all'opera lirica dei vari Rossini e Verdi.
Davvero la musica di Rossini e Verdi la vogliamo paragonare a quella di Mozart e  Beethoven?
 
Quindi, sempre in quell'area geografica arriva Wagner che rivoluziona ulteriormente. Poi Mahler e in parallelo Debussy e Ravel in Francia.
Nel frattempo però sia gli inglesi che gli scandinavi riprendono la tradizione della musica modale.
In questo modo, quando i viennesi si votano a quel santo di Schoenberg prima e Webern poi, ecco che gli scandinavi grazie a Sibelius innovano.
In parallelo gli americani grazie a Ives, Ruggles, Cowell, Copland innovano anche loro.
Negli anni Trenta l'Europa centro meridionale diventa TUTTA periferia dal punto di vista musicale e non solo perché i grandi compositori europei emigrano negli Stati Uniti.
 
Come noti, di compositori italiani importanti per tutto l'Ottocento e Novecento non se ne parla.
E questo non perché non ci sia gente capace. Infatti Busoni, Respighi, Petrassi, Rota e tanti altri erano capacissimi. Ma questi alle spalle non avevano la tradizione degli scandinavi e degli americani.
 
Sembra che la tradizione musicale del proprio paese influisca moltissimo prima sul ragazzo che ascolta, poi sui propri studi e poi sulle scelte compositive del compositore adulto.
 
L'Italia insieme alla Francia e alla Germania devastate dalla guerra si riaffaccia con Nono,  Berio e altri a Darmstadt. Ma Darmastadt è un fatto politico più che un fatto musicale.
Quel serialismo di Webern diventa integrale perché in realtà è senza futuro. Il serialismo integrale è un punto di arrivo della crisi, il culmine.
La musica che perde se stessa, la sua essenza sonora, fatta di suoni per diventare puro segno scritto. Più che di musica qui si tratta di matematica e infatti le analogie non mancano.
 
Nel frattempo gli americani si inventano il minimalismo, sviluppano il jazz, inventano il rock. I nord europei invece continuano a sviluppare la loro tradizione seguendo le orme di Sibelius, Nielsen, Vaughan Williams ecc. E quindi ecco che hai un sinfonista come Tippet.
 
Siamo negli anni Cinquanta.
A te che piace la musica atonale non sfuggirà certo Tippet:
 
https://www.youtube.com/watch?v=TkZrhDatLzQ
 
 
E' vero che con il serialismo si voleva OMOLOGARE un po' tutti i musicisti ma la cosa è andata male, e meno male:)
Successe che ad accomunare i diversi grandi compositori era la MODALITA'. Né la tonalità classica né la atonalità della seconda scuola viennese.
 
Attualmente la musica colta in Italia non è rappresentata da Allevi ed è vero, hai ragione. Ma Allevi è pur sempre ALLIEVO di maestri italiani, così come Einaudi.
E questi maestri italiani dove sono? Cosa hanno fatto? Musica seriale?
Insomma, gia negli anni Trenta Webern raggiunge il culmine e qui ancora a parlare di musica seriale.
 
Siamo PERIFERIA! E' difficile rendersene conto perché abbiamo teatri, rappresentazioni, conservatori e mass media che pompano.
Ma è tutta ROBA VECCHIA!!
 
Ad innovare ci sono Einaudi e Allevi.
 
Ciao
 
p.s. ascolta bene le sinfonie di Tippet, così capisci la pochezza di Boulez e compagni:))

 p.s. ascolta bene le sinfonie di Tippet, così capisci la pochezza di Boulez e compagni:))
 
 
 
Cumuli di stronzate. Fatti un giro su Fellucia Blow. ROBA VECCHIA, intendiamoci, ma sempre piaciuta.


A proposito di musica atonale. Conosci KLIXEN? E' una compositrice austriaca.
 
 

ascolto?
 
Gli altri ascoltatori non lo erano.
Comunque il problema della fedelt� filologica � gi� stato trattato in lungo 
e in largo da gente ben pi� competente di noi (Harnoncourt, per es.)
La questione principale � che , pur ammettendo di avere gli stessi 
strumenti, la stessa prassi esecutiva, gli stessi ambienti....   NON CI SONO 
PIU' LE ORECCHIE DI ALLORA!
Noi ascoltiamo l'attacco della Patetica e quegli accordi diminuiti non ci 
fanno pi� n� caldo n� freddo: abbiamo digerito Wagner e Stravinsky e le 
dissonanze non sono pi� un problema.
Per l'ascoltatore di primo 800 quegli accordi dovevano far venire la pelle 
d'oca.
Cos� come non siamo pi� sensibili ai vari temperamenti, mentre l'ascoltatore 
settecentesco poteva appezzare la diversit� delle varie tonalit�.
 
Saluti
G 
 

 
 
Un compositore di oggi è ben oltre Mozart e Beethoven proprio perché è stato esposto a tutta la musica dalle origini fino ad oggi. 
Per questo la musica contemporanea dovrebbe essere maggiormente seguita, perché altrimenti si finisce con il non apprezzarla più per assuefazione.
 
Noi oggi siamo, in quanto ascoltatori, ben più avanti di quelli dei secoli precedenti e possiamo apprezzare molte più cose e goderne e farci venire la pelle d'oca.
Possiamo essere consapevoli dei passi avanti, del progresso, del cambiamento.
Insomma, non mi sembra proprio il caso di invidiare gli ascoltatori dei secoli passati:))
 
ciao

Secondo me dovresti psico-analizzare un po' il tuo rapporto con il mondo 
anglosassone, forse c'è molto da tirar fuori da quel sacco. Viene da se la 
tua propensione per un approccio empirico (anticrociano?) ai problemi e 
quindi la tua personalissima scala di valori, anche musicali.
 
Rattle un po' lo conosco. Un tecnico formidabile, alla testa di un'orchestra 
formidabile che in un concerto a Torino di qualche hanno fa mi annoiò a 
morte nella pur bellissima prima di Shostakovich. Ripeto: per me la musica è 
altro.
Credo che le nostre posizioni siano per certi aspetti inconciliabili, non 
vorrei sembrare troppo polemico e quindi mi fermo qua.
 
Ciao
 
EF
 
 
 

 
 
D'altra parte CI LEGGONO gli altri e quindi è meglio se ti fermi qua:))
 
Cmq io la email che uso sui ng non la leggo MAI in pvt. Anche volendo non riesco a leggerla perché non mi segno la password. E non me la segno proprio per non poterla leggere.
In pratica mi sono imposto di non passare dal ng al privato.
 
Tuttavia, se qualcuno vuole contattarmi in pvt può sempre chiedermi un'altra e mail che leggo. Ma lo deve fare pubblicamente, cioè qui sui ng.
 
Anni fa presi questa decisione perché mi resi conto che le conoscenze nate tramite internet poi in caso di incontri non funzionano. O meglio, qui manca il linguaggio del corpo. In questo senso non ci si conosce e questa mancanza del body Language viene sostituita da immagini mentali.
Cioè si tende in qualche modo a fantasticare sulla persona con la quale parliamo, spesso viene perfino idealizzata.
 
Viste queste dinamiche molto particolari, ecco che ho deciso di avere amicizie classiche, all'antica:) E usare internet solo per chiacchierare e basta senza andare oltre.
Cioè, le persone PRIMA le devo incontrare in carne ed ossa (all'antica), fare così amicizia e poi magari mantenere i contatti anche a distanza.
 
Per questo facebook ha avuto così tanta fortuna. Le amicizie fatte in chat, virtuali non erano solide: erano ambigue e poco considerate. Invece tramite facebook si entra in contatto con persone che GIA si conoscono.
 
 
Ciao
 
 
 
 
 
 
 

 Tu tralasci tutto questo e attacchi parlando di me.
 
Partito per la tangente?
Mangiato pesante?
 
EF
 
 
 
 


E insisti anche!
Ci sono tanti argomenti di cui poter parlare e continui a parlare di me!