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Titolo: Festival di Martina Franca: Roma

quest'anno per la prima volta mi sono lasciato convincere e ho trascorso
quanche giorno giù in Puglia, sulla collina di Martina Franca dove
quest'anno si è celebrato il 25° festival musicale.
Ho molto apprezzato il posto, situato in una posizione strategica,
su  un'unica collina che si erge nella grande piuanura del "Tavoliere",
caratterizzata da un'architettura di tipo "spontaneo", prevalentemente di
colore bianco, ma di una eleganza e di un gusto che raramente ho avuto modo
di contemplare. Non c'era una finestra, non un portone, non un balcone che
non fosse adornato da una cornice decorata; il posto migliore dove poter
impiantare un festival che davvero possa pretendere di rivendicare una
valenza internazionale.
Le opere eseguite  sono delle vere e proprie rarità.
Quest'anno è stato il turno di
1) Ippolito ed Aricia di Tommaso Traetta
2) Roma di Jules Massenet.
recensirò proma l'opera di Massenet perchè è quella - lo confesso - che mi
ha incuriosito di più, sebbene il capolavoro del musicista Bitontino abbia
rivelato aspetti di genio puro e di grande espressività.
scene e costumi di Jean Louis Pichonne
direttore d'orchestra: Marco Guidarini
direttore artistico: Sergio Segalini.
non conoscevo prima d'ora il maestro Segalini, vi ho scambiato quattro
chiacchiere alla conferenza di presentazione dell'opera di Massenet; da
subito mi è sembrato una persona estremamente coraggiosa, infatti solo un
pazzo od una persona armata di una pazienza e competenza ferrea potrebbe
pensare di alestire in un festival due opere così complesse e difficili e
macchinose come quelle che ci sono state proposte, e che a conti fatti hanno
avuto una resa davvero fuori del comune.
L'opera "Roma" fu l'ultima composta da Massenet poco prima della morte, nel
1912, ed infatti balza subito all'occhio la novità del titolo costituito non
dal nome di uno dei personaggi dell'opera (Fausta o Manon o Griselidis o
Panurge) o di una vicenda particolare; bensì dal luogo ove l'opera è
ambientata.
Ebbene la ragione si spega analizzando lo scontro perenne, costante che da
questo lavoro traspare tra la "ragion di stato" e gli affetti personali e
familiari.
La vicenda narra di una giovane Vestale, Fausta (Iano Tamar) la quale si
innamora perdutamente di un soldato romano di alto lignaggio, Lentulus
(Warren Mok) il quale entra in scena annunziando la sconfitta della
battaglia di canne e lo sterminio delle coorti romane.
Il tribuno Fabius Maximus, padre di Fausta (Nicolas Rivenq) chiede che sia
interrogato l'oracolo di Apollo ed il gran sacerdote (Francesco Ellero
D'Artegna) rivela che la sconfitta è imputabile al crimine compiuto da una
delle vestali. Al sospetto che Fausta abbia violato il sacro dovere
impostole dall'ufficio di sacerdotessa  Fabius le lascia credere che il suo
amato sia morto ottenendo, così, la prova certa dela sua colpevolezza e
dell'impurità del suo cuore.
Il primo atto si apre con una meravigliosa ouverture che prende le mosse da
perentori squilli di tromba seguiti da frenetiche frasi disegnate sui
violini che preludiano al cuore dell'opera, la frase d'amore, la quale,
dolcissima e delicatissima, come un fremito fa prima capolino tra i violini,
per poi espandersi, variare nella forma della tonalità minore ed esplodere
in un emozionante fortissimo di "tutti orchestrale".
Contemporaneamente i cantanti e le comparse mimano i passaggi principali
della sinfonia.
Il primo atto è uno straordinario affresco corale, in pratica non c'è
un'aria in particolare affidata a questo o quel cantante, ma un'ampia
melodia del coro, a tratti interotti dagli interventi dei solisti.
Nel secondo atto si evince un'aria bellissima, affidata ad un'altra voce
sopranile: Junia (Francesca Rizzato) sensuale e difficilissima, quasi mai
coperta od accompagnata dal suono dell'orchestra, ma sostenuta sempre e solo
da strumenti solisti quale il flauto ed il violoncello, l'aria della giovane
vestale che crede di essere lei la colpevole solo per aver sognato nel bosco
delle vestali la voce di una divinità che la invitava a vivere il fiore
della sua gioventù e a non sacrificarsi oltre per una causa inutile.
Il terzo atto è quello massenetiano per eccellenza, i due protagonoisti ci
vengono alfine presentati nel loro delirio d'amore, Fausta è stata scoperta
e Lentulus vorrebbe portarla via con la complicità degli schiavi Vestapor
(Jean Lagassi) e Galla (Manuelita Mitchell) ; è il momento di una grande
aria, meravigliosa, sensuale, divina perfettamente adatta al testo.
Et les parfums troublants des fleurs
Enivraient de leurs délices
L'amour qui s'éveillait dans l'ombre de nos coeurs!
Soir admirable, je te salue!
Instant mystérieux où je revis encore
Les heures élues quand nos deux âmes
Apprirent par l'Amour à triompher du sort!
Je te salue, soir admirable!
qui Massenet rivela ancora una volta la tecnica delle sue composizioni,
l'aria decolla partendo da frasi declamate, per poi involarsi in momenti di
lirismo puro e poi ricadere in una sorta di recitativo, ripiegandosi quasi
su se stessa, fino, poi, a decollare nuovamente in tutto il suo splendore
accompagnata da accordi orchestrali magnificamente densi e vibranti.
E' il classico momento del brividi dietro la schiena che salgono su per il
collo, ma l'azione non si arresta, non c'è spazio neppure per applaudire o
manifestare il proprio apprezzamento, entra Fausta, acompagnata dallo
schiavo Vestapor, tra i due c'è un rapido scambio di battute, e poi giù uno
dei duetti d'amore più belli che - credetemi ve ne prego - il '900 abbia mai
potuto concepire, l'ho ancora in testa, da giorni, una frase che ti scava
nel profondo dell'animo:
Lentulus e Fausta.
Qu'un mêmes instant tous deux nous livre aux Parques blêmes!
Que l'amour à la mort apprenne à nous unir, que rien ne nous sépare dans
l'Eternel!
Qu'un même instant tous deux nous livre aux Parques blêmes!
Et que dans l'Eternel plus rien ne nous sépare!
Que rien, que rien ne nous sépare
Ma  i due sono interrotti dall'arrivo dei sacredoti, hanno appena il tempo
di fuggire, ma sono catturati e l'atto si conclude con l'uccisione dello
schiavo infedele.
L'opera riserva anche altri momenti di estrema suggestione, il coro del IV
atto, con delle frasi ritmate sulla medesima nota, cantata dai tenori, dai
bassi, ripetutamente, come una sorta di marcia funebre; è il senato che
decide di infliggere l'estremo supplizio a Fausta. la sepoltura da vivi, a
nulla valgono le preghiere di Lentulus, la ragion di stato prevale, Fausta
deve morire.
E' a questo punto che fa la sua comparsa il personaggio chiave dell'opera,
la nonna cieca Posthumia, mezzosoprano, la quale invoca la grazia con
un'aria di struggente ed inimitabile bellezza; inizia grave, severa, dai
tono e dagli accenti tipico della matrona romana di altissima e nobilissima
stirpe, fino a propompere, poi, in lacrime concludendo con "Grace, grace".
Data l'irremovibilità dei presenti, Fausta viene additata come l'onta
dell'Urbe, le viene steso il velo dell'ignominia, ma quando sta per
discendere nella tomba, Posthumia chiede di abbracciare nuovamente la
giovane ed i quel momento conficca una lama nel cuore della nipote, stupore
generale dei presenti i quali si allontanano lentamente.
Sulla scena restano soli Posthumia ed il cadavere di Fausta , pochi accordi
orchestrali su cui prevale di poco una lugubre frase dell'oboe e del
fagotto. ma si sente un fragore in lontananza, un coro festoso si avvicina,
prorompe sulla scena è il grido di gioia, la vittoria di Roma in battaglia.
L'opera si avvia alla conclusione rapidamente, la marcia dei trionfanti
incalza e Posthumia si scosta dal corpo della Nipote morta portando via il
velo del disonore che la copriva. La sua morte aveva decretato la
pacificazione degli Dei.
I momenti belli dell'opera sono infiniti non potrei mai elencarli tutti,
cìoè all'inizio del III atto un interludio orchestrale di grande intensità
elegiaca, che è quasi la reminiscenza della meditazione della Thais, i cori
delle vestali e dei sacerdoti ricordano il canto gregoriano e rispecchiano
forme musicali purissime.
Abbastanza criticata la regia, per la verità un po' piatta che ha ambientato
l'opera non nella Roma Repubblicana ma in uno spazio che ricorda l'EUR, con
al centro un troneggiante "Ercole Farnese", simbolo della potenza e del
totalitarismo che nel periodo in cui Massenet concepì l'opera sepeggiava e
di tanto in tanto faceva capolino in Europa fino a scoppiare negli anni a
venire, è l'opera dello scontro tra grandi passioni, tra lo Stato e
l'individuo ed il sacrificio di quest'ultimo per il bene della collettività.
i costumi erano delle redingote che rievocavano il periodo napoleonico.
Insomma personalmente sono uscito dal cortiile del palazzo ducale con le
gambe che mi tremavano e con un'emozione che quasi mi impediva di parlare, è
un'opera bellissima, ingiustamente negletta come, del resto, gran parte del
repertorio Massenetiano che mano mano che viene tirato fuori dai cassetti,
rivela una imponenza fuori del comune.
Sicuramente verrà messa in disco, ad ogni modo ho avuto cura di farne una
registrazione - la quale è venuta benissimo su DAT - che potrò inviare a
chiunque me ne facesse richiesta.
vi ringrazio della pazienza.
--
Pietro Puca
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Pu...@iol.it
do...@iname.com
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Chiunque giunge presso un tiranno diviene schiavo di lui,
anche se vi sia giunto come uomo libero.
(Eschilo)

vi ringrazio della pazienza.
Complimenti e grazie per la bellissima recensione. So che quest'opera e'
piaciuta anche moltissimo al comune amico Mimi', anche se non coincide
proprio esattamente con i suoi gusti tradizionali. Siccome ho molta stima
per Mimi' che considero uno dei piu' grandi conoscitori d'opera che io
abbia mai incontrato in vita mia, pari forse ad un altro napoletano,
Giangaleazzo Imperiali, debbo dedurre che questa "Roma", deve essere
senz'altro bellissima. Anche se non ho mai amato molto Massent, sono
curiosissimo e mi metto in lista per il CD anche per questa :-)))
Ciao
Giampaolo
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"E' utile che gli Dei esistano, ed essendo
 utile dobbiamo credere nella loro esistenza."
 Ovidio : Ars Amandi
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