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Titolo: REGISTI E ALLESTIMENTI

Ciao,
nella mia pur ancor scarsa cultura operistica sto ultimamente riflettendo
sui vari allestimenti che ho visto dal vivo, in foto o su dvd vhs.
Volevo sapere da voi che parere avete dei vari registi che vanno oggi ( o
gia' da molti anni ) per la maggiore : Pier Alli, Hugo de Ana, Carsen,
Ronconi, Kokkos.
Domenica ho visto l'allestimento del Boccanegra a Parma di Hugo de Ana e
l'ho apprezzato molto ma avevo come la sensazione di aver gia' visto in foto
qualcosa di molto simile; all' una di notte, ormai a casa, riprendo a
sfogliare il libro sul centenario della morte di Verdi e vedo che
l'allestimento del Trovatore alla Scala l'aveva fatto lui con lo stesso
identico stile.
Secondo voi quanto incide l'allestimento di uno spettacolo sulla riuscita
dello stesso ? Ed e' vero che negli ultimi decenni, complice o colpevole il
cinema, l'aspetto visivo incida sempre di piu' nella valutazione di un'
opera lirica ?
Tutti questi registi hanno poi la capacita' di adattare o comunque
differenziare il loro lavoro in base all'autore della musica e alla musica
stessa o alla storia che sono chiamati a rappresentare o hanno piuttosto
sempre una loro visione delle cose un loro stile che si riconosce e si trova
sempre da uno spettacolo all'altro ?
Personalmente ho trovato molto simili se non identici Il Trovatore e il
Boccanegra di cui sopra, avendo apprezzato molto il Boccanegra mi ha fatto
piacere ma mi chiedo se sia una qualita' o una ripetitivita' del
regista/costumista/scenografo.
Molto mi e' piaciuto anche Carsen (credo sia lui) con le carmelitane e
Kokkos con l'Olandese volante moderni ed essenziali senza essere insensati o
banalmente sensazionalistici come alcune assurde modernita'.
Il tanto famoso e declamato Ronconi non mi ha invece entusiasmato molto ne'
con la Tosca ne' col Moise (opera che invece ho adorato lato musicale).
Scusate se sono stato un po' sconclusionato e perdonate imprecisioni ma
spero di aver dato qualche spunto di riflessione.
La Beatrice di Tenda di Alli mi e' tiepidamente piaciuta lato scene regia
mentre ho trovato molto belli i costumi.
RENOIR
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Inviato via 
http://arianna.libero.it/usenet/

 ha scritto nel messaggio
news:193Z76Z212Z200Y...@usenet.libero.it...


 ha scritto nel messaggio
news:Hd0oc.11513$CP6....@tornado.fastwebnet.it...
<cut>
Non posso che sottoscrivere pienamente il tuo messaggio.
La cosa che mi sembra inquietante per il futuro dell'opera č il dispendio di
energie profuso nel repertorio
e la sporadica e casuale programmazione di nuove produzioni.
La dimensione museale, gli allestimenti sempre piů scadenti ( la situazione
del Teatro Massimo di Palermo potrebbe essere presa a claro esempio)
rischiano di trasformare la scena lirica italiana in un ricco e spendaccione
Museo Grevin.
Meno male che ci restano i DVD :-(((
Gianfranco

 identico stile.
Ho avuto la tua stessa impressione
Stanotte ho acceso la tv e su Rai3 a "prima della prima" hanno fatto vedere
l'allestimento proprio di Simon Boccanegra che tu citi; la prima
inquadratura mi ha fatto pensare che si trattasse del Trovatore scaligero,
sia x i costumi che x la scenografia, poi in realtà ho visto che si trattava
del Simon... e c'era lo zampino di De Ana...
@lm@viv@


Abiti anche tu a Palermo?


 Abiti anche tu a Palermo?
Purtroppo mi verrebbe da dire...

 Ronconi, Kokkos.
[etc.]
Ti ringrazio per l'argomento che hai sollevato e che a me sta molto a
cuore.
Io credo che esista un'evoluzione, d'altra parte inevitabile,
nell'intendere l'opera lirica come fatto teatrale. E questo lo si vede
sia nell'aspetto compositivo che in quello interpretativo.
A me sembra evidente che l'opera lirica che faceva perno soprattutto
sulle voci, sul canto, anzi sul "bel canto" stia cedendo il passo ad una
concezione in cui l'aspetto drammaturgico viene sempre piu' messo in
risalto. La regia assume un ruolo nuovo, piu' pertinente. Anzi direi: la
cooperazione fra regia e direzione orchestrale.
Senza entrare nel merito delle infinite discussioni sul ruolo della
regia, vi sono alcuni aspetti che mi sento di sostenere.
Anzitutto la fedelta' alle didascalie del libretto. Io non credo che
siano dei tabu'. L'importante per me e' che la regia (e come tale
intendo anche la direzione orchestrale) sappia cogliere un significato
nell'azione drammatica che viene rappresentata, e che questo significato
interessi l'ascoltatore, cioe' faccia riferimento al suo modo di vivere
la vicenda, di trovarne i nessi con la propria esperienza, col proprio
modo di sentire. Cioe', in una parola, sia vero teatro.
Esempi di questo genere, a mio avviso ce ne sono tanti. Potrei citarne
alcuni, di visione anche recente: il Don Giovanni con la regia di Peter
Brook (direttore Daniel Harding), i Dialoghi della Carmelitane con la
regia Carsen diretti da Muti, o la Tetralogia wagneriana con la regia di
Chereau diretta da Boulez, o il Macbeth diretto da Muti con la regia di
Vick, o il Wozzeck diretto da Sinopoli con la regia di Flimm. Un esempio
particolare di ironia graffiante associato ad un'opera seria e' la regia
di David Alden del Rinaldo (direzione orchestrale di Harry Ticket,
rappresentato a Monaco nel 2001). In questo caso il regista riesce a
legare splendidamente i recitativi secchi con le arie, dando una
vivacita' del tutto inattesa all'opera. Ma accanto a questi nella mia
memoria ci sono moltissimi altri esempi di regie che ho trovato di
grandissimo interesse dal punto di vista drammaturgico (potrei citare
anche l'ultima opera che ho visto, Der Fligende Holländer agli
Arcimboldi con la regia di Kokkos e la direzione di Rodensvenskij)
In secondo luogo, credo che sia sempre molto opportuno sottolineare che
la regia non si limita alla scenografia. Questo aspetto sembra banale,
ma, dato che la scenografia e' l'elemento visivo piu' appariscente, esso
diventa anche il perno sul quale la regia si articola. Ad esempio ci
sono regie con una scenografia sontuosa che ricostruisce nei minimi
particolari l'ambiente. Possiedo in video alcune rappresentazioni del
Metropolitan che definirei hollywoodiane: per esempio l'Aida diretta da
Levine con la regia di Sonja Frisell, oppure la Semiramide diretta da
Colon con la regia di Copley, o la Tetralogia wagneriana nella
interpretazione di Schenk con la direzione di Levine. Tuttavia al di la'
dello sfarzo scenico la regia non offre nulla. I cantanti si collocano
sulla scena come se fossero in una sala da concerto, le movenze sono
stereotipate, i loro rapporti inesistenti, ecc. Ecco questa sono le
regie che, pur nella rigorosa fedelta' alle didascalie, a me non dicono
nulla.
Un terzo aspetto riguarda il tempo storico. Vi sono regie che lo
rispettano, altre che fanno trasposizioni in chiave moderna, altre
ancora che si pongono al di fuori del tempo. Io credo che la scelta del
regista piu' che dipendere dalla fedelta' al tempo, sia interessante se
giustifica la trasposizione per far emergere un aspetto, per trasmettere
un messaggio che egli ravvisa nell'opera come importante. A volte queste
trasposizioni temporali vengono fatte dallo stesso compositore nell'atto
di una revisione dell'opera. Un esempio sono lo Stiffelio e l'Aroldo. La
vicenda e la musica, nelle due opere sono le stesse (a parte piccole
differenze, non essenziali nella musica), ma i tempi sono molto
differenti. Nello Stiffelio il tempo e' l'Ottocento; nell'Aroldo e' il
tempo delle crociate.
Di opere in trasposizione moderna, penso, per esempio, alla Traviata
rappresentata al Festiva di Aix-en-Provence, con la direzione
orchestrale di Sado Yutaka e la regia di Peter Mussbach, oppure alla
Butterfly del festival di Spoleto del 1988 diretta da John Matheson e la
regia di Ken Russel che fa rivivere nella vicenda l'impossibile sogno
americano dei popoli poveri del terzo mondo. Questi sono esempi in cui
la trasposizione temporale porta con se' dei significati di grande
interesse.
Infine un ultimo aspetto riguarda la fedelta' addirittura all'impianto
scenico-musicale. Ho in mente uno spettacolo visto l'anno scorso al
festival di Ravenna: Una Dama di Picche condotta attorno alla
sensualita' della vecchia contessa (che nell'opera era di fatto una
bellissima donna). I personaggi dell'opera erano ridotti all'essenziale
(i tre protagonisti e altri due, giudicati necessari, anche se di
secondo piano), vi erano diversi tagli alla partitura, e alcune
inversioni del canto dei personaggi. Si tratta certamente di operazioni
molto delicate, che possono stravolgere il significato dell'opera. Ma a
volte possono essere condotte con grande intelligenza ed offrire un
taglio che, piu' che adombrare, mette in risalto lo spirito dell'opera
stessa. In quel caso la rappresentazione era opera dell'Helikon Opera di
Mosca, il direttore era Vladimir Plon'kin e il regista era di Dimitrij
Bertman. Lo spettacolo mi e' rimasto molto impresso e ha suscitato in me
molta ammirazione.
In sostanza, tutto questo sta a significare che, oggi piu' che mai,
l'opera va vista a teatro.
Ciao
Rudy

 l'opera va vista a teatro.
Si' ma non rimane il fatto che l'Opera e' anche ma non sopratutto teatro ?
Grazie per la tua interessantissima risposta.


 modo di sentire. Cioe', in una parola, sia vero teatro.
Io credo che il problema stia ancora più a monte e non nelle
didascalie, ma nella conoscenza vera del libretto.
Ho fatto per anni la comparsa in diversi teatri e da quell'angolo
appartato ho potuto vedere un bel po' di registi all'opera, in regie
tradizionali, moderne, scostumate e in costume, in armamentario e
senza.
Alla fine ciò che ha sempre fatto la differenza è stata la conoscenza
del libretto e la comprensione profonda di ciò che i personaggi si
dicono (o dicono e basta) in quel momento.
Prendi un'Aida, per esempio. Prendi il terzetto del primo atto: è già
tutto scritto. Il regista può vestire i personaggi da gigolò, da
astronauti o da egiziani, ma se non si fa carico del gioco di sguardi
e "letture del pensiero" che si scatena in quell'incontro (Frose
l'arcano amore scoprì che m'arde in core...) non arriva da nessuna
parte.
Questa comprensione, che rimane evidente anche al pubblico, supera di
gran lunga i sovratesti, le astronavi, le lavatrici e le polemiche.
A volte poi, anche i mediocri hanno spunti di genio: il Faust di De
Hana per esempio, nelle scatole di plexiglas era un fuoco di fila di
trovate grandiose.
Enrico

 Grazie per la tua interessantissima risposta.
Grazie a te per avere introdotto l'argomento ed, evidentemente, di
esserne interessato.
Ciao
Rudy

 parte.
Ancora una volta non capisco. Quei versi non mi sembrano affatto un
capolavoro, e se quel libretto lo si dovesse mettere in scena senza
musica credo che ben pochi sarebbero gli spettatori.
Il capolavoro drammaturgico sta nella musica di Verdi, che illumina, fa
comprendere i sentimenti e i contrasti che si agitano nelle tre persone.
E se portiamo l'opera sulla scena, occorrera' pure che i cantanti, con i
loro bei costumi, oltre che cantare, agiscano. O no? E possono agire
come sacchi di patate piantati sul palcoscenico, oppure dare espressione
al canto creando rapporti reciproci. Non si tratta di alzare la manina,
piegare la testolina, inginocchiarsi a mani giunte, o alzare il ditino
per indicare il cielo... si tratta di ricreare sulla scena una vicenda
con i suoi rapporti umani, entrando nella logica di quello che la musica
esprime.
Per esempio, il Don Giovanni di Peter Brook non ha quasi scenografia, o
meglio, la scenografia e' una piano illuminato con pochissimi e
semplicissimi arredi. Eppure i personaggi creano i loro rapporti in tal
modo da farti entrare, come spettatore, nelle loro vicende quasi tu
stesso ne fossi partecipe. E cio' non e' dovuto alle parole di Da Ponte
(anche se queste sono, si', bellissime), perche' la magia che ha creato
Brook allora dovrebbe esserci ogni volta, anche in una esecuzione da
concerto. E questo non e' vero. Ogni allestimento del Don Giovanni ha la
sua caratteristica, e ho assistito a piu' di un Don Giovanni noioso.
Certo, c'e' che afferma che l'opera e' meglio sentirla in forma di
concerto, che tutto il resto che non sia canto (scenografia, regia,
costumi, luci e tutto cio' che ne segue) e' inutile. E' un punto di
vista. In genere non condiviso dai compositori, che si preoccupavano,
come Verdi, fin dei piu' minimi dettagli dell'allestimento. Ma e' un
punto di vista, e come tale rispettabile.
Il mio punto di vista e' invece quello che l'opera e' teatro, e come
tale va allestita. E' drammaturgia, e come tale va interpretata. E' un
complesso di componenti (scenografia, recitazione, musica, canto,
costumi, luci, orchestra, coreografia eccetera eccetera) che si
intrecciano e dovono confluire in uno spettacolo unitario. Anche questo
e' un punto di vista. E cerco di motivarne il senso
Ciao
Rudy

 e' un punto di vista. E cerco di motivarne il senso
Non credo che stiamo dicendo cose troppo diverse. Il mio parere è che
in una regia d'opera, proprio per capire e far muovere personaggi,
luci, scene coreografie e tutto il resto sia essenziale la conoscenza
del libretto, per prima cosa. Non so se è la mia mente distorta a
giocarmi brutti scherzi, ma trovo che i libretti d'opera rappresentino
la migliore letteratura italiana dell'800, tolti ovviamente i tre
giganti che si studiano a scuola. E che è da lì, dal libretto (ricordi
quanto in profondità interveniva Verdi sulla stesura?), che comincia
l'azione drammatica, prima che dalla musica. I personaggi dicono cose,
prima che cantarle. E nella mia esperienza ho potuto osservare che i
registi che conoscono bene i libretti e li amano prima di tutto nella
parola, nel "detto", arrivano a risultati migliori nella condotta
drammaturgica -indipendentemente dalle altre componenti- rispetto a
coloro che li trattano con superficialità.
Il che si potrebbe dire anche dei cantanti. Il che è pure ovvio. E
questo è un post di Catalano. :o)
Enrico

 coloro che li trattano con superficialità.
Anche qui: allora come fanno i registi che mettono in scena opere i cui
libretti sono composti in lingua diversa? La tua idea mi sembra un po'
riduttiva del lavoto del regista.
Io credo che il problema non sia tanto il libretto ma la drammaturgia,
che e' espressa (oltre che dall'arcata che il libretto definisce) dalla
musica che ne e' il linguaggio.
Ciao
Rudy

 musica che ne e' il linguaggio.
 
O da quellinestricabile insieme.
Bye
Enrico

 il migliore appellativo che raccoglievano dal palco era "cialtrone"
Concordo sul fatto che possano esserci registi che non facciano un buon
lavoro, registi dilettanti, etc. Ma io mi guarderei dal giudicare
"stupida" o "senza idee" una regia che io non capisco o che non mi
piace. A volte il difetto non sta nel fatto che il regista "non abbia
capito", ma nel fatto che io non ho capito cio' che il regista ha
interpretato dell'opera.
Se poi si tratta di un regista molto noto e apprezzato per la sua
attivita' nel campo del teatro di prosa, la mia prudenza diventa ancora
maggiore. Ho sentito criticare personaggi come Flimm, Brook, Vick,
Kupfer solo perche' adottano situazioni che al pubblico sembrano
strampalate. A me questo sembra lo stesso atteggiamento di chi considera
porcherie le pitture di forma astratta o le musiche atonali. Anche i
questo settore ci sono capolavori e porcherie, e non sempre a un primo
approccio e' facile capirne la differenza. Ma poi, se ci si dedica con
la dovuta curiosita', ci si arriva,
Ciao
Rudy

 interpretato dell'opera.
No, assolutamente, non intendevo dire questo. Il regista ha tutto il
diritto di proporci la sua interpretazione, anche prevaricando. Quello
che in genere un palcoscenico non perdona è la genericità e la
mancanza di conoscenza.
Quello che io quando vado a teatro tendo a non perdonare sono i
personaggi incongrui rispetto alla verosimiglianza del detto nel
contesto dell'interpretazione: per rimanere nell'esempio di Aida posso
ammettere ogni tipo di ambientazione e azione; non posso ammettere
(come è successo con la regia di De Hana a Macerata) che nel terzetto
del primo atto i personaggi entrino da luoghi così diametralmente
opposti e siano talmente lontani tra loro da rendere del tutto
inverosimile quello che stanno cantando (il gioco di indagini e di
sguardi). In quel momento potrebbero vocalizzare e l'effetto sarebbe
lo stesso. Queste simpatiche discrasie mi sembrano piuttosto tipiche
di De Hana; purtroppo anche nel Faust che invece per molti altri
aspetti ho trovato veramente geniale.
Enrico

 giudizio.
Si, anche perché la parola scenica è qualcosa di ben diverso dalla parola
scritta. Non aspira per definizione ad una autonomia espressiva. La
creazione a due teste è un sogno da profani, da contesse di salotti o da
impresari mancati. E che sarebbe successo se il massone Goethe avesse
incontrato il massone Mozart? E Se Bellini avesse avuto come librettista
Leopardi? Niente sarebbe successo. Si parla di gente che sapeva il fatto
suo. 
Quello che si può e si deve pretendere dai registi è una decente
preparazione tecnica: non inventare cose che rendono il lavoro impossibile
ai cantanti, tipo posizioni distese o scimmiesche non richieste dal testo;
scene costruite che costringono a cantare a sette metri dalla linea di
boccascena pezzi scritti per il proscenio, ingressi che poi bisogna fare il
triplo salto mortale per arrivare dove si deve, eccetera. Conoscere i
significati della lingua originale del libretto, qualunque sia la lingua
cantata, mi pare una di queste.
Ciao, Fran.

con la Tosca ne' col Moise (opera che invece ho adorato lato musicale).
Per uscire dall'ambito strettamente musicale sono andato allo Strehler
a vedere alcune pieces teatrali con regia di Ronconi, e non mi piace
per nulla: la cantilena con cui fa recitare gli attori la trovo
insopportabile.
Ciao
	Franek