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Titolo: Simon Boccanegra a Firenze - Riflessioni passate e presenti

Giorgio Strehler, regista della storica edizione del Simon Boccanegra,
diretta da Abbado alla Scala nel lontano 1978, ebbe a dire commentando
il capolavoro verdiano:
"Ogni volta che mi succede di parlare del teatro soprattutto di un
fatto al quale ho partecipato direttamente, ogni volta che devo
spiegare qualcosa, provo una specie di senso di inutilità, perché sono
convinto che il  teatro, come del resto qualsiasi fatto d'arte deve
spiegarsi da solo, deve farsi capire da se stesso e basta. E anche
perché sono sicuro che il pubblico da solo è sempre molto più pronto a
capire e sentire di quello che tanti intellettuali con i loro
commenti a priori e a posteriori.
La prima cosa che mi ha aiutato a capire meglio questo misterioso
Simon Boccanegra, è stato il coraggio di accettarlo così com'è, cioè
appunto, come una cosa piena di mistero. Accettare cioè tutte le
imprecisioni del racconto , la sua nebulosità prospettica. Accettare
anche l'incredibile del racconto, azione e storia e politica e vita
che ne costituiscono la trama, una trama per certi aspetti, forse non
raccontabile anche se è necessario, almeno questa sera,  segnare
alcuni punti di riferimento all'azione, ma saranno soltanto punti di
riferimento, perché il Simon Boccanegra è un grande, complicato,
artisticamente ordinato, disordine. Come la vita insomma, dove risalta
il movimento oscuro della storia in cui le parti , i partiti, le
fazioni si muovono si contrastano, si uniscono per poi dividersi
ancora non in una dialettica semplicistica ma in un continuo scontro
complesso e quasi inafferabile in cui esseri umani vivono le loro
avventure sia come parti della storia di tutti ma anche come attori
della loro vita privata.
Ecco : il pubblico e il privato, mescolati insieme strettamente, la
storia da una parte e l'uomo solo dall'altra, sono questi secondo me,
i veri protagonisti con tutte le loro contraddizioni e le loro
incertezze, del Simon Boccanegra.
Sono nobili e plebei, ricchi e poveri, ieri come oggi che si
contrastano in una Genova che è una città vera ma è anche una città
d'opera e nel medesimo tempo potrebbe essere anche una specie di
palcoscenico ideale della storia di tutti i tempi. Su questo
palcoscenico il potere appare al tempo stesso o come un punto da
raggiungere ma anche come un prezzo altissimo da pagare.
C'è un plebeo, per esempio, innalzato quasi contro il suo volere ad
una carica suprema che vive tutte le contraddizioni del potere e che
soccombe nel gestire questo pesante potere che quasi si simbolizza per
lui nel grande manto regale che l'avvolge e ch'egli abbandona, ch'egli
getta via alla fine, prima di morire, quasi per ritrovare se stesso.
C'è l'odio, c'è molto odio in quest'opera, come c'è molto amore. C'è
un odio antico, un odio duro, un odio fanatico, quello che divide le
famiglie, che divide le fazioni, che divide gli uomini e che separa
senza speranza due uomini giovani e poi vecchi prima che tra di loro
riesca a nascere quella meravigliosa pianta che è la pietà. Ma nasce
quando è troppo tardi. E anche l'amore qui riesce difficile. Persino
l'amore paterno e filiale, perché i padri, e i figli, e le figlie, non
si riconoscono più, non sanno più riconoscersi e quando si riconoscono
e si ritrovano, ormai, il loro tempo è passato.
C'è anche il faticoso tentativo di dare una vita scenica e plastica ad
una democrazia, c'è l'aspirazione vivissima ad una unità nazionale; fu
questo, lo sappiamo, un grande sogno di Verdi.
E nel S. c'è la sete e l'orgoglio del potere, ma anche la grande
stanchezza e il grande senso di inutilità del potere. La ricerca di
una giustizia, e quindi anche l'inevitabile incontro con
l'ingiustizia. C'è l'amore e c'è la pena. Insomma, in quest'opera
balenante, quasi alla rinfusa, mi sembra che sono racchiuse molte cose
della vita, che possono parlare ancora a noi uomini d'oggi, perché i
caratteri dell'avventura umana, nel fondo, non mutano, sono di ieri e
di sempre. E poi, al di là di questa storia teatrale, al di là cioè
del libretto, c'è qualche cosa che rileva ogni incertezza, che dà
contorno e carme ad ogni schema nello slancio impetuoso
dell'ispirazione del cuore. E questo qualcosa è la musica. La musica
di un Verdi, qui, quanto mai grande, e quanto mai complesso.
Complesso, ma non complicato. I grandi agiscono sempre per rendere più
limpidi e comprensibili i fatti che sono più oscuri. Sono soltanto i
piccoli che intorbidano e complicano le cose. E qui Verdi con la
massima perentorietà e con la massima semplicità risolve in musica
qualsiasi perplessità, qualsiasi cedimento della parola. Qui Verdi
innalza veramente con la musica la storia e i piccoli e i grandi
uomini che la fanno, ad una misura universale che ancora oggi non può
non scuoterci e non commuoverci.
Ecco allora io, regista di teatro, vorrei dire agli altri, questa sera
di fare alla fine quello che in certe ore d'incertezza sulla trama,
sulle parole, sulle situazioni drammatiche di quest'opera, come di
tutte le opere che ho allestito, ho fatto io, cioè di ascoltare.
Ascoltare semplicemente con amore e con umiltà la musica, e per quanto
mi riguarda, ascoltare cercando di fare il meno possibile, di
disturbare al meno possibile la musica."
Ecco, tutto questo, per quanto l'abbia cercato, mosso dalle migliori
intenzioni, non l'ho trovato nel Simone della prima fiorentina il 16
scorso.
Credo di poter dire di aver asistito a una magnifica esecuzione, e a
un pessimo spettacolo. Abbado, diverso nell'aspetto, da quello del
1978, non ha perso nulla del suo antico smalto. Anzi mi è sembrato
ancor più un gigante capace di superare anche fisicamente, la sua
statura naturale, il suo fragile aspetto ancora sofferente, per creare
una magia di suoni con una orchestra che non erano i Berliner, ma che
poteva benissimo sembrarlo.
L'orchestra del Maggio, è sicuramente una delle migliori d'Italia. Ma
non basta. Non esistono orchestre buone o cattive. Esistono direttori
mediocri e direttori geniali. Abbado è uno di quelli. 
L'ho ascoltata in altre occasioni, diretta da altri, con un risultato
più che mediocre. Nella serie beethoveniana diretta da Abbado a Santa
Cecilia poco tempo fa, il maestrò riaffermò, se mai fosse stato
necessario, le sue immense qualità interpretative. Ed era appena
uscito dalle sofferenze di quel male che ci aveva fatto temere anche
il peggio, ma che non era riuscito a piegare le sue geniali qualità di
direttore.
Oggi il suo aspetto fisico non è molto cambiato, ma la sua forza si.
E' aumentata a dismisura e le sonorità che ha ottenuto dall'orchestra
in questo Simone, mi sono parse staccarsi completamente da quello che
ho dovuto vedere sul palcoscenico. 
Il regista tedesco Peter Stein, lo scenografo Stefan Mayer e i costumi
di Moidele Bickel, non potevano creare situazioni migliori, per
snaturare il capolavoro verdiano.
Dove son finiti i sentimenti, gli aspetti umani, i dolori dei
personaggi, gli scontri delle fazioni, la loro catarsi e il contesto
storico così importante in quest'opera? Io non li ho ritrovati. Mi è
sembrato di veder  cantare un insieme di fantasmi, distaccati da
tutto, in particolare da ciò che la drammaturgia avrebbe dovuto
imporre.
Dove è finito " il  manto regale che avvolge Simone, e ch'egli
abbandona, ch'egli getta via alla fine, prima di morire, quasi per
ritrovare se stesso" ?
Il regista Stein, ha inchiodato Simone, immobile, seduto su una scarna
panchina in una scena nuda con un'idea iniziale di mare proiettato su
un fondale a tutto schermo, che poteva anche somigliare a un insieme
di cumuli nembi o di cirri sparsi, che poco dopo svanisce svanisce per
lasciare spazio a un monotono colore verdognolo, che, almeno in
apparenza, può sembrare la vera e unica causa delle sofferenze del
doge e della sua morte, inserito e isolato in  questo deserto. E
Simone canta, per oltre 30 minuti, il finale dell'opera, appoggiato
alla spalla di Amelia, e muore così, quasi senza che lui stesso e il
pubblico se ne rendano conto, come un barbone ubriaco.
Dov'è finito il manto regale di questo ex pirata divenuto doge di
Genova per gli intrighi politici, così come Becket divenne arcivescovo
per volere del suo Re, e finì per credere al suo ruolo fino alla
morte, come Boccanegra. ?
E dove è finita la grade scena del finale del primo atto? Dov'è il
Boccanegra che invoca pace e grida amore, abbracciando dall'alto del
suo trono per due volte, con gesto jeratico, i suoi sudditi? Ho visto
un vecchio che sembrava indossare il camicione di Don Pasquale, come
mi ha fatto notare Arbasino durante il primo intervallo.
Il minimalismo espressionista, tanto per dare una specie di
connotazione più o meno esatta, al "pastiche" scenico che i tre
responsabili (che si son guardati bene dall'apparire alla fine per i
rimgraziamenti), il teatro Comunale non doveva proprio regalarcelo
(fra l'altro a caro prezzo : 175 euro una poltrona di platea). Ci sono
registi anche in Italia, capaci di meglio capire il Simon Boccanegra !
Mi auguro che l'arrivo del nuovo direttore artistico Tangucci, che non
abbiamo avuto  modo di apprezzare bene a Roma, dove ha resistito
"L'espace d'un matin" , possa suggerire a Firenze soluzioni più valide
nel futuro.
I cantanti sono stati formalmente bravi nell'insieme. Hanno dato
ottima prova la Mattila, anche se molto fredda, è che mi piacque nel
ruolo di Elizabetta che cantò  nel Don Carlos dello Chatelet, e
Kostantinos, un ottimo Fiesco.
Meno bene Carlo Guelfi, non tanto per alcuni problemi vocali al limite
anche accettabili, ma per la "castrazione" interpretativa alla quale è
stato sottoposta dalla insensata regia. 
Poco convincente, mi è sembrata la voce e l'interpretazione di La
Scola, il quale ha dato letture migliori nella sua carriera alle virtù
eroiche dei tenori verdiani.
Perciò, mentre Abbado esprimeva e ricreava con l'orchestra ciò che
Strehler ci ha descritto sopra, il canto non riusciva a trasmettere
quasi nulla. Il "minimalismo"  della regia, dei costumi, delle scene
(talvolta ridicolo e macabro come l'idea del mausoleo di Maria, con la
mummia esposta) hanno staccato cantanti e coro, dalla realtà storica,
morale e politica della drammaturgia verdiana. Così, come si sono
mossi e come hanno cantato, avrebbero potuto rappresentare qualunque
altra cosa.
Per concludere, il trionfatore della serata è stato Abbado, com'era
prevedibile. Nella serata della Scala i trionfatori furono tutti.
Abbado, la Freni, Cappuccilli, Ghiaurov e Luchetti, insieme,
ovviamente, a Giorgio Strehler, il più grande forse dei registi che
abbia avuto, almeno negli ultimi 40 anni, il teatro in musica.
E se mai il signor Stein, gettasse un occhio da queste parti, mi
permetto di fargli notare ancora quello che disse Strehler e che
dovrebbe essere considerato la "Bibbia" da ogni regista:
"Ascoltare semplicemente con amore e con umiltà la musica, e per
quanto mi riguarda, ascoltare cercando di fare il meno possibile, di
disturbare al meno possibile la musica."
Saluti
Giampaolo

Vedi che se t'impegni scrivi e scrivi "di molto bene"? :-))))))
Aspettavo con ansia la tua recensione di spettatore diretto, regista,
esperto conoscitore di teatro e dei suoi frequentatori doetro e sulle
scene. E l'attesa non e' stata vana!
grazie
Ezio
Giampaolo Lomi wrote:

 disturbare al meno possibile la musica."
C'è da dire una cosa, però.
Che Strhler la musica la conosceva assai bene.
E anche Visconti.
Anche Ponnelle.
E anche Zeffirelli.
Che potrà non piacere cone regista, ma che sa far muovere un palcoscenico
come si deve.
Come tutti i succitati.
Non so Stein.
Però un "buon" regista imho, non bsta per una buona regìa d'opera.
Ci vuole gente che capisca la musica e tutti i problemi connessi ad
un'esecuzione dal vivo.
A.

bellissima recensione !
mi pare quasi di essere tornato ai vecchi tempi di iamc !
tuo abate mitrale
a, am

Ero a Firenze e condivido tutto.Dopo una recensione così sapiente ed
esauriente cosa si può aggiungere? Solo un lungo applauso anche per le tante
critiche mosse con tanta verità e civiltà: "...ecco un'artista!..."
Stiffelio.
--

 un pessimo spettacolo.
Ho ascoltato questo Simone solo per radio. Da quando ho visto a Torino
l'Otello diretto da Abbado e cantato da Cura e Raimondi ho deciso di non
vivere più una sofferenza simile. Anche allora la direzione fu splendida, se
non mitica, indimenticabile. Ma altrettanto indimenticabile fu la sofferenza
nel vedere l'impeto dei Berliner dover rallentare per star dietro
all'arrancamento vocale di Cura e Raimondi con il povero Abbado che faceva
di tutto per colmare le lacune di una vocalità scandalosa . Per non parlare
del coro che stonava nella scena del terzo atto. Da allora mi sono detto: ci
sarà anche il mio direttore preferito ma un'opera lirica non la fa solo lui:
ci vogliono le voci adatte. Ecco, ho l'impressione che lo stesso sia
accaduto anche con questo Simone per quello che ho potuto ascoltare alla
radio. Esecuzione splendida sotto il profilo orchestrale ( forse un tantino
enfatizzata in certe dinamiche) ma totalmente carente sotto il profilo
vocale. A cominciare dal Simone completamente inesistente di Guelfi. Un
cantante che messo in difficoltà dalla partitura "recita" invece di cantare,
una voce molto generica che non rende neppure lontanamente il carattere
plebeo del pirata Simone. Senza scomodare il Simone per eccellezza, cioè
Cappuccilli, basta ascoltare una voce come quella di Gobbi, chiara nel
timbro e nel colore come quella di Guelfi, per rendersi conto dell'abbissale
differenza tra un Simone vero e un succedaneo.Nei duetti con il basso
vociante e stonato Kostantinov, che poi è un bassobaritono corto, sembrava
di sentire Don Giovanni e Leporello anzichè Simone e Fiesco. La Mattila ha
bella voce ma è fissa negli acuti e non è maestra di fraseggio. Passabile.
Facilitato da una parte tenorile tra le più centrali delle opere verdiane,
La Scola se la cava abbastanza bene dimostrando di possedere un  senso del
fraseggio. La tecnica però è pedestre e la voce risulta ingolata e gli acuti
tiratissimi.
Non so se si poteva trovare di meglio. Francamente penso di si. Uno
Scandiuzzi avrebbe stracciato questo Kostantinov, così come una Dessì o una
Cedolinis avrebbero trionfato nella parte di Amelia, anch'essa molto
centrale e adatta alle loro voci. Sono sicuro che una giovane voce come
quella di Vassallo avrebbe cantato un Simone quanto meno intonato e
liricamente più significativo nelle intenzioni introspettive della
direzione. Mha... come Trapattoni per la nazionale anche io ho "usmato" i
soliti inciuci tra direzioni artistiche e business discografico. C'era anche
venti anni fa ma allora almeno gli interpreti li sapevano scegliere.
Quanto alla citazione di Strehler riportata dal caro amico Lomi, mi viene da
sorridere nel ricordare quei tempi in cui ero ragazzetto ed andavo ad
ascoltare il grande maestro nelle sue lezioni alla scuola del Piccolo. Un
epoca d'oro che ricordo sempre con grande nostalgia. Ma ci fa anche capire
come Abbado debba il grande successo di certe produzioni entrate nella
storia anche al genio dei suoi artisti e collaboratori. Quella del Simone
del 76 era un'equipe di specialisti a partire dal sovrintendente per
arrivare al maestro suggeritore passando attraverso il regista ed i
cantanti. L'opera è un lavoro di gruppo e nonostante la splendida direzione
temo che  di questo Simone non resterà grande memoria.
Marco Daverio

 Sono sicuro che una giovane voce come quella di Vassallo
anke a te piace il mio amico Franco?
LUX