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Titolo: I Trovatore scaligero. Mie considerazioni sulla drammaturgia

Hi!
Finalmente ho potuto vedere il Trovatore scaligero, dopo aver letto
tanti post, aver assistito a tante polemiche di varia natura che
riguardavano la scelta se fare o non fare il famoso "do", i tempi, la
direzione di Muti, le voci... e chi piu' ne ha piu' ne metta.
E dopo aver scritto un post su un'opera diametralmente opposta come
l'Anacreon, ora provo a dire anch'io la mia sul Trovatore scaligero.
Ma come e' mio costume cerchero' di non esprimere giudizi analitici
sull'esecuzione (anche perche' non me ne sentirei in grado), ma di
partire da una valutazione di tipo drammaturgico.
E dico subito che l'impianto generale, registico e musicale, mi ha
convinto che il personaggio chiave del Trovatore sia Azucena. E' vero
che dal punto di vista dell'impegno interpretativo gli altri tre
personaggi sono altrettanto se non piu' importanti. Ma il dramma regge
tutto su questa figura centrale: potrei dire che il Trovatore e' il
dramma della vendetta sublimata. Mi e' venuta alla mente un'altra opera,
che ha un taglio drammaturgico simile (anche se la realizzazione e'
molto differente, e direi molto piu' complessa), ed e' la Juive di
Halevy. In questa opera il personaggio centrale e' Eleazar, e anche in
essa tutto il piano drammaturgico converge su una vendetta che ha
caratteristiche quasi identiche a quella del Trovatore: in entrambi i
casi essa e' compiuta dai due personaggi chiave attraverso la morte
della persona da loro piu' amata e la propria morte; ma determina
nell'oggetto della vendetta un dolore piu' grande della perdita della
vita stessa. Una vendetta quindi che, sia pure a prezzi
incommensurabili, colpisce l'oggetto non fisicamente, ma negli affetti,
nel sentimento, e che si dimostra essere infinitamente piu' atroce di
qualsiasi altra punizione.
Questo filone narrativo centrale si sviluppa su un terreno di passioni
umane, possibili o impossibili, che nel Trovatore, ma anche nella Juive,
sono il terreno necessario affinche' la vendetta si compia ed abbia il
senso tragico che sappiamo.
Il libretto del Trovatore e' da punto di vista letterario e
drammaturgico piuttosto scadente, ma la musica di Verdi, ne sa estrarre
gli aspetti decisivi, e sa metterli in evidenza con straordinaria
efficacia. E, tanto per riferirci allo spettacolo scaligero, regia e
direzione d'orchestra hanno saputo cogliere molto bene questo aspetto,
la genialita' verdiana.
La scenografia di Da Ana e' una scenografia rozza, quanto e' rozzo lo
sviluppo musicale dell'opera, che di fatto assegna all'orchestra solo un
ruolo di accompagnamento, mentre attribuisce alla voci tutto il peso
dell'espressione. Ambienti cupi, tetri, costituiti da forme
architettoniche appena accennate, soprattutto colonne ritorte, rozzi
muraglioni, che richiamano l'architettura gotica, e che, spostandosi a
vista e prendendo diversi reciproci rapporti, con l'aggiunta di pochi
altri elementi, disegnano le scene. E' l'espressione visiva della famosa
"tinta" verdiana. De Ana ha una grande sensibilita' visuale, e le sue
realizzazioni sono dal punto di vista dell'immagine, molto raffinate
(anche se questa puo' sembrare una contraddizione con la rozzezza
dell'ambiente descritto). E la sensibilita' visuale di De Ana, secondo
me raggiunge l'apice, anche dal punto di vista drammaturgico, all'inizio
della Seconda parte, col coro degli zingari. La scena richiama da vicino
un quadro che potrebbe essere di Goya. Nei colori prevale un ocra
aranciato, reso mosso dai policromi costumi. Il coro degli zingari, dopo
l'inizio, si ammassa tutto sulla parte destra del palcoscenico, assume
una immobilita' completa, con posture differenti delle singole persone,
mentre sulla sinistra da sola appare la figura di Azucena, che canta
"Stride la vampa". Quest'aria non e' un racconto, ma una visione, un
sogno, un viaggio della mente allucinata della zingara a tempi lontani,
quando si e' consumato il dramma terribile che conosciamo. La stessa
aria ha un andamento allucinato, efficacissimo (per me e' stupenda!).
Ecco, de Ana con questo colpo di teatro, o di regia, se vogliamo, ha
dato il segno della chiave drammaturgica. Azucena e la', sola, unico
personaggio a muoversi in un quadro si assoluta immobilita'. E questa
presentazione viene fortemente ripetuta proprio nell'ultimissima scena,
quando ella, quasi coperta dagli ultimi accordi orchestrali, pronuncia
la frase conclusiva "Sei vendicata o madre!". La sua persona riempie il
palcoscenico, tutto passa in secondo piano, e la zingara viene
illuminata da una luce livida, e non (come spesso accade) dalle becere
"fiamme" che dovrebbero simulare il rogo. Non e' tanto l'orrore del rogo
il punto cruciale dell'opera e della sua conclusione, ma la vendetta, ai
prezzi che sappiamo.
L'unico appunto a questa regia, che non mi vede completamente d'accordo,
e' la scelta di simboleggiare la torre della prigione nell'ultima parte
con una ammasso, un grande cumulo di armi (?), o di corpi di soldati
morti (come a me e' sembrato) nelle posture piu' macabre; cio' mi
ricorda le scene che si vedono nel Macbeth durante il preludio, nel film
da lui diretto. E' un gusto dell'orrido, del macabro che trovo
eccessivo, e soprattutto senza una chiara necessita' drammaturgica.
Il personaggio di Manrico. De Ana e Muti non ne fanno un eroe, ma un
personaggio dolce, completamente avvinto da due affetti: quello per la
madre, e l'amore per Leonora. E' un trovatore, un poeta, un cantante,
non un guerriero. Certo, e' in guerra, ma questo e' sullo sfondo, non
l'aspetto principale. E direi che Muti ha saputo cogliere molto bene
questa sua caratteristica. Il suo canto non e' mai eroico, ma sempre
appassionato. La stessa aria, che tradizionalmente gli viene imposta
come un vestito eroico e guerriero, "Di quella pira", non e' un canto di
guerra, ma un canto di intensissima emozione, di orrore, di dolore, di
rabbia: gli stanno bruciando la madre! L'animo del poeta, che ha cantato
"Deserto sulla terra, col rio destino in guerra", o, un attimo prima
"Amor... sublime amore" ora e' sconvolto e canta "Era gia' figlio prima
d'amarti... Madre infelice, corro a salvarti". C'e' proprio da chiederci
come la conclusione dell'aria sul "do" possa essere coerente con questa
impostazione! E De Ana ha seguito l'impostazione di Muti, facendogli
cantare l'aria (finalmente!!!) senza la spada in pugno. Licitra, secondo
me, ha una bella voce, un tono appassionato nel cantare, ma forse non ha
saputo delineare fino in fondo questo carattere molto bello di Manrico;
e anche con le movenze sceniche (per la verita' piuttosto infelici),
tendeva piu' a risolverne l'aspetto eroico, che non l'aspetto
appassionato. Comunque a me il messaggio e' giunto chiaro e forte.
C'e' da dire che, nel dirigere le movenze, De Ana mi e' piaciuto
moltissimo. In tutta la quinta scena, il rapporto di Manrico con Leonora
e' trattato in modo dolcissimo. L'intenso e tenero amore fra i due (a
differenza di quello del Conte che e' un amore violento) e' reso dalle
movenze di lei, assolutamente studiate e precise, che esprimono affetto,
tenerezza, com-passione per il dolore di Manrico alla notizia orribile,
e che proseguiranno quasi senza soluzione di continuita' all'inizio
della quarta scena, dove tutta l'assurdita' della situazione trova
proprio una giustificazione in cio' che si e' manifestato nella scena
precedente.
Il controllo delle movenze De Ana lo ha esteso praticamente a tutta
l'opera, ed e' apparso notevole, soprattutto nel dirigere i movimenti
delle masse corali, che si spostavano, eseguivano movimenti sempre con
l'intento di creare figure sceniche accuratamente studiate e di
bellissimo effetto.
Leonora e' un personaggio dolce e impaurito (gia' l'errore di persona
che commette nella quarta scena della prima parte ne delinea il
carattere). Leonora ha due momenti cruciali nell'opera: la seconda scena
della prima parte, e  tutta la quarta parte. L'aspetto tenero, dolce,
innamorato, finisce alla fine per far prevalere in lei la decisione piu'
istintiva ma anche meno efficace: salvare il proprio amore al prezzo
della propria vita. Sappiamo come va a finire. E il canto di Leonora ci
rivela proprio questo personaggio.
Il Conte di Luna  nutre per Leonora una passione violenta, ben lontano
dal sentimento delicato che lega Manrico e la donna. Ed e' tuttavia un
sentimento cosi' intenso da fargli rinunciare alla vendetta pur di
poterlo soddisfare. Qui ritorna il tema della vendetta, ma in chiave
speculare rispetto ad Azucena: questa sacrifica tutto, proprio tutto, se
stessa, l'unico grande amore per cui ha vissuto, il figlio (non-figlio),
alla vendetta; il Conte sacrifica la vendetta alla propria passione e
libera Manrico, l'oggetto sul quale vuole vendicare il supposto delitto
di Azucena, la supposta morte del fratello. Il canto del Conte di Luna
e' sempre un canto cupo, mai addolcito, mai sorridente. E' un uomo a una
sola dimensione, truce guerriero.
Ed e' da notare tuttavia come De Ana abbia concesso aspetti guerreschi
solo all'inzio della Terza parte, quando l'esercito del conte e'
schierato per dare l'ultimo assalto al castello di Castellor. E' l'unica
occasione nella quale la guerra viene portata in primo piano, ed e'
l'unica occasione in cui De Ana vi fa riferimento. Non voglio fare
confronti con altre (celebri) esecuzioni da me viste in video, in cui
armature, spade, guerrieri, sono disseminati un po' dovunque per tutta
l'opera, a partire dalla prima scena, rischiando quindi di diluire
l'intensita' dell'intreccio drammaturgico.
Il coro. Potrebbe essere il quinto protagonista, tanti sono i suoi
interventi, che a mio avviso, dal punto di vista drammaturgico, hanno
l'importante funzione di mantenere la tinta cupa, fosca dell'opera, e
musicalmente puo' essere considerato la piattaforma, il terreno sopra il
quale la vicenda sembra poggiare.
L'orchestra. L'orchestra, secondo me, nel Trovatore ha un ruolo
subordinato al canto. Nella maggior parte dei casi ha una funzione di
accompagnamento, o al massimo di sottolineatura. In alcuni casi
raggiunge una certa efficacia espressiva (per esempio, gli archi bassi
quando Ferrando evoca la scena del fantasma della zingara bruciata sul
rogo, oppure l'andamento di un ritmo quasi singhiozzante che accompagna
il canto di Leonora, rivelandone l'intima agitazione, quando ella si e'
resa conto dell'errore di persona a cui e' stata tratta dall'oscurita',
e cerca, nella quinta scena, di spiegarlo a Manrico).
 
Con un solo personaggio l'orchestra assume un ruolo espressivo ben
preciso e molto efficace. E, manco a dirlo, si tratta di Azucena. Il
racconto che ella fa a Manrico "Condotta ell'era in ceppi" ha un
accompagnamento semplicissimo, ostinato, di due note acute (oboe e
violini) che e' un terribile lamento, un singhiozzo interiore che
esprime in modo magistrale l'emozione della zingara al ricordo.
Semplicissimo e geniale. Altre occasioni di intervento eloquente
dell'orchestra si hanno nel corso del racconto della zingara "Quand'ecco
agli egri spiriti" e nell'ultimo suo duetto con Manrico in prigione.
Quando ella, piena di terrore, evoca il rogo, l'orchestra accompagna
questo stato d'animo col riprendere la linea dell'aria "Stride la
vampa", affidata soprattutto ai violini, con grande efficacia
descrittiva del tumulto dei sentimenti che agitano Azucena.
Ma il Trovatore e' un'opera bella? Secondo me si', molto bella, e lo
dico anche se le mie preferenze in genere vanno alle opere nelle quali
l'orchestra ha un ruolo determinante, e non solo quello di
accompagnamento. In questo caso tuttavia il canto ha una tale forza
espressiva, un tal vigore, una tale capacita' di "rapire" l'attenzione,
di commuovere la sensibilita' che l'effetto drammaturgico e' comunque
assicurato.  E in questo gioca, penso, anche una unitarieta' di stile
veramente straordinaria. Io sono del parere che l'esecuzione scaligera
abbia avuto proprio questo merito: di aver saputo fare emergere una
drammaturgia che, proprio per la sua stessa natura, e le natura del
canto che vi svolge un ruolo fondamentale, e' a rischio di essere
travolta o quanto meno trascurata, proprio come purtroppo credo che
succeda spesso.
Saluto cordiale a tutti i pazienti NGisti che sono arrivati fin qui, che
da me ricevano anche i piu' fervidi auguri di Buon Natale e Buon anno.
Rudy
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If the doors of perception were cleansed every 
thing would appear  to man as it is: infinite.
William Blake
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 wrote in message
1elynpb.1i1p6ilpoo3teN%rud...@libero.it...

Bravo Rudy,
mi sembra invece che ti intenda anche di musica.Bella la tua analisi.
Però attento, non è proprio vero che il Conte di Luna sia un personaggio ad
una sola dimensione e che il canto non è mai addolcito: il Balen del suo
sorriso è musica invece, dolcissima, e rispecchia un lato del carattere
appassionato, e anche per certi versi "languoroso".
Inoltre la dimensione vendicativa/ appassionata ne fa un personaggio non
sbiadito, ma anzi a forti tinte e la sua importanza drammaturgica lo pone
più volte al centro dell'azione con Leonora e Manrico ( finale Atto I,
concertato atto II, atto IV).
Il Trovatore è opera difficile proprio perchè l'orchestra fa un passo
indietro rispetto al canto e pertanto l'opera necessita di 4 cantanti
co-protagonisti, con una estensione vocale notevole.Per fare un esempio,
pensa che il conte di L. canta con una estensione tenorile, ma anche con
note quasi da basso.
Ricorda anche che i tre dei 4 protagonisti sono molto giovani, circa
ventenni e quindi a quell'età il sangue bolle più forte dell'età adulta.
Per il resto ti posso dire, secondo me, che quella di Muti è una bellissima
interpretazione e riascoltata dopo la prima, dove le cose ancora non erano
del tutto a posto e c'era comprensibile nervosismo, acquista ancora più
valore.Malgrado le critiche che hai visto in questo NG, dove non tutti sono
obiettivi.
Anche Nucci alla prima stentava e Licitra non sempre era intonato, adesso
alle repliche questi due cantano meglio.
Ciao Auguri,
Duccio

 impostazione!
Per la cronaca segnalo su Opera-List un articolo di Albert Innaurato che
riprende e giustifica - partitura alla mano - la tua medesima osservazione.
--
Giuseppe Sottotetti
gso...@libero.it

 appassionato, e anche per certi versi "languoroso".
assolutamente falso:se fai caso peraltro agli arpeggi lugubri del
clarinetto (timbro non scelto casualmente e neanche "mozartianamente")
nell'accompagnamento di quest'aria puoi notare che nell'apparente
dolcezza del brano Verdi invece vuol dare significazione di
ambiguità,di perfidia recondita al personaggio(anche i piani che usa
servono non ad esprimere dolcezza ma diabolicità).La stesso espediente
lo userà nell'Aida (ma anche in altre opere) per la figura di
Amneris,specie nei dialoghi del personaggio con Aida.
buone feste a tutti.
Pamilton
Sent via Deja.com
http://www.deja.com/


Meno male che ci sei tu che sai interpretare alla perfezione Assoluta, il
pensiero, le intenzioni e l'opera di Verdi.........
Scherzi a parte, intendevo dire che, secondo me, i personaggi di Verdi sono
abbastanza sfaccettati, e anche il Conte di Luna personaggio tutto sommato
malvagio, ha comunque qualcosa di positivo ( il suo amore ardente, il suo
attaccamento alla famiglia, il senso dell'onore) anche se tutto ciò è
rivolto alla vendetta, e quindi in negativo e non al senso civico o
cristiano che avrebbe dovuto costituire un valore di un nobile spagnolo di
quel tempo.
Verdi uomo di teatro, come pochi altri si rendeva conto, di questo sono
sicuro, che anche negli uomini malvagi vi sono taluni aspetti positivi,
anche se questi sono impiegati per compiere gesti iniqui.
Sono giuste le osservazioni sulla "tinta" dei personaggi: basta pensare che
Verdi pensava addirittura prima di scrivere le note delle opere, al colore,
alle tinte che doveva avere quell'opera o quel personaggio.
Auguri,
Duccio

 obiettivi.
Anche qui, siamo d'accordo.
Ciao


 anche se questi sono impiegati per compiere gesti iniqui.
 questa è osservazione molto interessante ,ma il fatto che releghi
Verdi nell'olimpo della drammaturgia è del tutto contrario alle mie
idee.
Spontini,almeno 50 anni prima di Verdi riusciva a ricreare nella musica
sviluppi di psicologie che Verdi semplicemente si sognava.Inutile
parlare del carattere di Amazily,ma vorrei invece puntare l'attenzione
sul Sommo Pontefice della vestale,che è appunto un cattivo per
eccellenza:la musica nell'inseguire l'evoluzione psicologica del
personaggio in relazione agli sviluppi della vicenda è a dir poco
incredibile e il personaggio,secondo la musica,viene coinvolto in una
serie di sfaccettature espressive che Verdi mai e poi mai avrebbe reso
ad un "cattivo".Lì,veramente si scruta in profondità l'animo di un
malvagio che,a seconda della situazione,ha paura,si
eccita,trionfa,deride,si incazza,diventa macchina da guerra,trama,si
insinua e così via.E queste sono tutte cose che si deducono dalla
MUSICA che è un vero e proprio fluire incessante di psicologie in
evoluzione,non dal libretto....sembra che ogni nota serva a Spontini
per aggiungere qualcosa di nuovo drammaturgicamente ai suoi
personaggi,anche quando il libretto non lo suggerisce.Cose del
genere,ripeto,Verdi 50 anni dopo se le sognava.
ciao e auguri


 alle repliche questi due cantano meglio.
Su questo devo darti ragione: io che alla prima ero stato uno dei più accesi
stroncatori, alla replica ho notato che molte cose erano andate a posto
(soprattutto Nucci). Devo però dire anche che le repliche i cantanti le
hanno affrontate in modo molto più di tradizione (ascoltare le arie di Nucci
e della Frittoli), un pò come se passata la prima e il rigore (o
testardaggine) Mutiano attenuatasi, il direttore abbia un po' allargato le
redini con il risultato che dal punto di vista canoro le cose sono andate
molto meglio.
Sulla regia invece ho qualche perplessità: cioè De Ana mi è sembrato uno
buon scenografo e un ottimo costumista, come regista ha fatto solo quello
che fanno tutti gli altri. Bella regia, ma che non mi si venga a parlare di
regia innovativa.
Saluti e auguri, Marco

regia innovativa.
Infatti non l' ha detto nessuno (mi pare...).
Poi se x "innovativa" intendi una di quelle modernissime regie
"geniali" alla Vick o alla  Arias con cubi in scena tutto il tempo  o
i pettini ke scendono dal cielo meglio cosě!
Del resto i tedeski non l' hanno definita una regia "all' italiana"?
E non siamo in Italia?...
Cmq far fare all' intero coro degli armigeri dei movimenti lentissimi,
quasi coreutici come quelli preparati da Leda Lojodice, mentre i
protagonisti cantano regolarmente  la loro parte e la musica fluisce
vertiginosa io non l ho mai visto fare da altri registi.
LUX

 regia innovativa.
Non mi e' chiaro che cosa tu intenda per regia innovativa, e soprattutto
non mi e' chiaro il senso di quel termine.
De Ana ha fatto un *regia*, non solo una scenografia. Ha diretto i
movimenti di scena, ha creato ambienti, ha evidenziato stati d'animo, ha
interpretato la drammaturgia musicale, cercando di dare rilievo a
momenti o episodi che drammaturgicamente rivestono, secondo lui (e in
questo caso anche secondo me), importanza.
Per me e' stata un grande regia, nel senso che, oltre ad immagini molto
belle, ha chiarito alcuni aspetti della drammaturgia che molto spesso
(almeno nelle edizioni del Trovatore che ho avuto occasione di vedere)
erano trascurati.
Ad esempio il ruolo di Azucena e la sottolineatura che ne ha fatto nella
scena della vampa. Generalmente questa scena viene risolta con gli
zingari che si affollano attorno a lei per sentire raccontare la storia.
Qui Azucena invece viene messa da sola, contrapposta agli zingari, il
suo canto assume, anche visivamente, l'aspetto di un delirio. Tutta la
scena poi e' di un eleganza favolosa, richiamando le forme di un pittore
visionario quale e' il Goya. E analogamente il finale, che sottolinea
non il supplizio, l'orrore del rogo, ma la vendetta. In altre edizioni
si vedono le fiamme che avvolgono Azucena, o le mannaie che tagliano la
testa di Manrico.
Pure su Manrico, ci sono molte osservazioni da fare, sulle sue posture,
e su quelle di Leonora, nell'espressione di un amore dolce, poetico, che
non viene meno neppure alla notizia della cattura e della minaccia del
rogo alla madre. Il fatto di far cantare Manrico senza spada ha un
significato drammaturgico ben preciso, come la scelta di Muti di non
fargli fare il do.
Altri hanno adottato soluzioni simili? Puo' darsi, come puo' darsi che
altri registi abbiano travestito il Conte di Luna da nazista e Manrico
da partigiano. Non so. Forse sono queste le regie innovative? potrebbero
esserlo, come potrebbero non esserlo. Secondo me non dipende tanto daio
costumi o dall'ambientazione, ma dall'interpretazione drammaturgica.
Tuttavia in quelle edizioni di cui possiedo il video (MET 88 e Firenze
90) la regia e' ben lontana da queste soluzioni, e si dimostra una regia
piatta, priva di sottolineature, veramente quello che si direbbe
solamente una messa in scena.
Quindi, secondo cio' che io conosco delle messe in scena del Trovatore,
quella di De Ana mi e' sembrata proprio una regia innovativa, cme
innovative sono state le scelte musicali di Muti. Poi, certo, qualcuno
mi puo' smentire, esempi alla mano. Ma resta il fatto che De Ana,
secondo me, non ha fatto solo una bella scenografia, ma ha fatto anche
una grande regia.
Ciao


la genialita' verdiana.
Sono xfettamente OK! Di fronte a cotanto risultato  globale passano in
2° piano gli eventuali errori filologici e la imperfezione delle voci,
peraltro stavolta scelte da Muti con grande coraggio tra le migliori e
le + giovani (con la sola eccezione di Nucci, ma a Febbraio ci sarà
Gazale...) sulla piazza.
IMHO x esprimere un giudizio pacato su questo Trovatore bisognerà
aspettare una decina d' anni.
LUX

 Dove lo trovi un altro capace di tanto?
Hai ragione. la debolezza e' soprattutto drammaturgica. I versi,
effettivamente, quelli che hai citato hanno una loro dignita'.
Il problema della vendetta di Azucena e' appunto la sublimazione della
vendetta. Ella non puo' uccidere Manrico, non sarebbe una vendetta,
sarebbe solo autolesionismo, poiche' essa ama Manrico. Deve fare
uccidere Manrico dal fratello. Ma questo non e' un progetto; e' una
situazione che nasce dalle cose, e le cose fanno nascere stati d'animo,
che poi si prolungano ancora una volta nelle cose, etc. Forse nella
Juive il progetto di Eleazar e' definito un po' piu' chiaramente, sia
pure con continui tentennamenti, finche' nella giovane nasce il
desiderio del martirio, che avverra' appunto per opera del padre,
ignaro.
Sono situazioni di grande delicatezza emotiva, oltre che di grande
crudelta', e che, secondo me sono appunto il centro drammaturgivo di
entrambe le opere.
Ciao


libero di fare quello che vuole...
nel film di Carmine Gallone di cui proiettano uno spezzone alla mostra
"D' amor sull' ali rosee" a Palazzo Marino di vampe e fuochi vari ce
n' è a bizzeffe... Forse alla Scala, visti i tempi, temevano un'
incendio...
LUX

 incendio...
O forse era difficile riuscire a fare una fiamma blu?
Saluti, MC

 Ad esempio la Butterfly di Macerata che hanno trasmesso anche in TV.
In Butterfly Svoboda non c'era, anche se in un primo momento doveva essere
coinvolto nel progetto.
In TV passò un Rigoletto di Svoboda (sempre di Macerata), un anno prima del
Rigoletto di Bruson alla Scala.
Ma produzioni da conoscere sono la Traviata (con uno specchio a 45 ° sul
palcoscenico e scene dipinte su tela stese sul palco), e una Lucia, con un
enorme rete che attraversa il palco, che lavora sia in trasparenza che come
schermo per proiezioni.
Confesso di non conoscere le vecchie produzioni di Svoboda, e delle ultime
conosco solo quelle che mi sono passate sotto il naso, appunto a Macerata.