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Titolo: Vacuo edonismo contemplativo da teatro terminale...

La frase, attribuibile ad Elvio Giudici, firmatario dell' articolo "La
sfida di Daniel" a pag 31 del N° di Dicembre di Classic Voce
attualmente in edicola prosegue così:
"...fin qui subito da Milano: conflitto di civiltà, generazioni,
sentimenti, antiche regole contro le nuove, Idomeneo è una miniera per
un uomo di teatro. Eccola, la parolina magica: teatro."
E qualke riga + avanti lo stesso anonimo estensore (ma dovrebbe essere
Giudici, autore dell' art principale...) del riquadrato "Prima della
prima" a pag 33 scrive: "il podio del prossimo Sant' Ambrogio
scaligero archivierà la prima strada fin qui pervicacemente,
antistoricamente, noiosamente seguita."
Qualke NGista di buona volontà mi spiega quest' aulico linguaggio?
Vuol dire forse ke con Muti alla Scala si aveva un teatro vekkio e
noioso e ke ora con l' allievo di Abbado si aprirà una nuova felice
era di modernità e vivacità?!?!?...
Intanto si prende atto ke oggi alle 16 ci sarà la prova generale di
Idomeneo, inaspettatamente anticipata di 1 giorno rispetto alla norma
(in genere era il 5 Dicembre). Io nn posso andarci xkè impegnato a
Modena per la prima assoluta della nuova opera di Marco Tutino, su
libretto di Giuseppe Di Leva, La bella e la bestia: cosa sarà + nuovo,
questa o l' Idomeneo?
LUX

A me Harding č piaciuto. Mi chiedevo se ci sarebbero state reazioni da parte 
di qualche vedovo mutiano, ma al contrario il direttore ha riscosso un 
trionfo personale (si č anche sentito levarsi dalla platea un "siamo 
liberi". :-) )
Applausi calorosi per tutti, il regista non č stato buato come mi sarei 
aspettato (si vede che nessuno aveva voglia di rovinare la serata, e meno 
male...), trionfo assoluto per Emma Bell e Harding.
R. 

 Applausi calorosi per tutti, il regista non è stato buato come mi sarei


E' proprio necessario scegliere tra Muti e Harding e schierarsi?
No, ma tra produzioni degne, e non, della Scala sě, IMHO. 
LUX

trionfo assoluto per Emma Bell e Harding.
Addirittura?
Eppure, mi sbaglierò, ma a me questa mi sa tanto di "prima della
Mutua"...
Manca pure il balletto, ke c' era nel 1990: particolare tanto +
delittuoso in quanto il Corpo di Ballo della Scala attraversa un
periodo di gran fulgore.
Tanto per dire l' Idomeneo lo fanno anke a Vienna a Gennaio al Theater
an der Wien ed il cast è: Neil Shicoff - Idomeneo, Angelika
Kirchschlager - Idamante, Genia Kühmeier - Ilia, Barbara Frittoli -
Elettra. Dirige Seiji Ozawa. Nn so se mi spiego...
LUX

Harding ci ha dato una sua tipica lettura mozartiana. Organico ridotto,
grande atletismo direttoriale, tempi stretti e soprattutto niente
vibrato negli archi, in modo da ottenere sonorità taglienti, quali
metalliche.
Uh....immagino gia' che ne scrivera' Isotta ^______^
R.

 Elettra. Dirige Seiji Ozawa. Nn so se mi spiego...
Beh sulla carta il cast vocale sembra sensibilmente migliore, ma poi nella
realta' chissa'....
R.

BTW, ARTE trasmettera' celermente quest'imminente Idomeneo scaligero ->
samedi, 24 décembre 2005 à 22:30
Idoménée, roi de Crète
(Italie, 2005, 170mn)
ZDF
Réalisateur: Tina Protasoni
Costumier: Rudy Sabounghi
Metteur en scène: Luc Bondy
Chef d'orchestre: Daniel Harding
Chorégraphe: Arco Renz
Décors: Erich Wonder
Interprète: Steve Davislim , Monica Bacelli, Francesco Meli, Robin
Legate, Ernesto Panariello, Camilla Tilling, Emma Bell
Lumière: Dominique Bruguière
-----
Vi è qualche tecnologicamente attrezzato NGista che lo registrera' su DVD e
potrebbe far felici almeno un paio di altri NGisti ?
R.

era di modernitą e vivacitą?!?!?...
A proposito di Muti e dei suoi rapporti coi direttori celebri, la
stessa rivista Classic Voice n. 79 di Dicembre 2005 qualke pagg +
avanti, esattamente a pag 31, cade in parziale contraddizione: difatti
nell' intervista di Jacopo Pellegrini a Daniel Barenboim, il grande
direttore/pianista affema:  "Riccardo... mi ha invitato tante volte,
ma non c' era proprio il tempo".
Una cosa analoga, "ero stato invitato da Muti", compare sul Corsera
del 20 Novembre nell' intervista di Laura Dubini ad Esa-Pekka Salonen,
il direttore e compositore finlandese ke sovente nei NG italiani di MC
era stato preso  dagli anti-mutiani viscerali come esempio vivente
dell' ostracismo imposto da Muti alla Scala verso i direttori validi.
Ovviamente tutti sn liberi di pensare ke sia Dubini ke Pellegrini
siano cronisti infedeli, o addirittura  a libro-paga di Muti...
tuttavia ki solo abbia 1 vaga idea di cosa vuol dire avere un incarico
di direttore musicale in importanti istituzioni sinfonike od
operistike come ce li hanno Barenboim e Salonen capisce ke questi
artisti sn liberi, se lo sn..., solo d' estate. Ma d' estate la Scala,
come molti altri teatri (ad Agosto persino il Met..) č kiusa: ci
vorrebbe un Festival estivo a Milano, ma l' unico ke io conosca  in
Europa ke faccia una rassegna pressokč completa di orkestre,
concertisti e direttori (a parte Salisburgo e Bayreuth ke sn piuttosto
settorializzati...), č a Londra e sn i PROMS alla RAH! Difatti lģ mi
capitņ di sentire Salonen.
LUX

 Mutua"...
Però Lissner l'aveva detto perfino in cinese che con pochi mesi di 
anticipo non era concepibile programmare una stagione con i grossi nomi. 
Vedremo se anche con dei nomi non di primissimo piano è possibile 
presentare uno spettacolo di livello.
Ciao
M.


Lucio, ma come fai ad essere così arbitrario! Almeno vedila prima di dire 
che è una produzione non degna!
E te lo dice uno che ha sempre apprezzato Muti, ha accusato il colpo quando 
rassegnò le dimissioni e viene definito conservatore e di mentalità chiusa. 
Ma tu mi batti sotto ogni fronte!
Poi scommetto che non ti piacerà, ma almeno fai finta di darle una chance! 

Poi scommetto che non ti piacerà, ma almeno fai finta di darle una chance! 
La mia chance costa 24 € ed è fissata per l' 11 Febbr (2a
rappresentazione).
LUX

 ed č fissata per l' 11 Febbr 
Pardon! Volevo dire Dicembre (2005...) !!	:-((
LUX

 potrebbe far felici almeno un paio di altri NGisti ?
...facciamo anche tre!!!! :-)
Attenzione, però: è la vigilia di Natale ed è proprio l'ora nella
quale arriva Babbo Natale.... Speriamo che le renne parcheggiate sul
tetto non impiglino il loro palco di corna nell'antenna del
satellite!!!
Baci,
Lulu

...facciamo anche tre!!!! :-)
Mi associo! Se poi la registrazione fosse su VHS, m' incarico io di
fare DVD per tutti, suddivisa in titoli per ogni Atto!
Mi raccomando di effettuarla con ampio margine di nastro prima e dopo
l' opera, in modo ke si possa intervenire agevolmente con l'
editing!...
LUX

> Uh....immagino gia' che ne scrivera' Isotta ^______^
Et voila' ->
http://www.corriere.it/Primo_Piano/Spettacoli/2005/12_Dicembre/08/isotta.shtml
All'altezza di un grande podio
Non meraviglia la portata del successo conseguito dall'Idomeneo inaugurale
della nuova stagione della Scala, dopo il terremoto che ha rivoluzionato
ogni assetto dello storico teatro. Non meraviglia giacché circostanze
intrinseche ed estrinseche rendevano tutti consci che le cose non sarebbero
potute andare che così, qualsiasi esito musicale e scenico si fosse avuto.
Il critico musicale del Corriere della Sera , che scrive non nell'intervallo
ma a spettacolo terminato, deve dichiarare «sul Tamburo» se tale successo
annunciato e abilmente preparato possegga fondamento in fatto o sia un puro
evento, come si dice, «mass-mediale». Nell'analitica recensione che allo
spettacolo dedicherà domani darà conto di quel che anticipa sinteticamente.
Per il critico del Corriere il tratto imbarazzante era costituito dalla
presenza sul podio del maestro Daniel Harding, avendo esso critico in
recente passato espresso su costui giudizi che gli negavano la stessa
qualifica di direttore d'orchestra. Non bisogna mai temere di disdirsi. Alla
stregua di quanto ascoltato e visto, il Harding ha prodotto un Idomeneo d'un
gusto che non sempre condividiamo, ma scaturito da studio profondo che mette
capo a grande dominio della partitura.
Quest' Idomeneo , a onta di molti difetti, rimarrà sul piano musicale tra i
ragguardevoli. Il maestro Harding possiede uno spedito passo narrativo che
non attenua l'alto tono tragico dell'Opera; e accompagna i Recitativi
orchestrali con elasticità ritmica unita a finezza e meticolosità nel
realizzare i segni dinamici che traducono il gesto retorico del testo. La
sua tecnica di concertatore attende una costituzionale maturazione, come si
vede da qualche sommarietà onde è realizzata la partitura orchestrale.
La scelta della compagnia di canto, posto che di questi tempi esistano
alternative non ai singoli interpreti, ai tipi vocali da loro incarnati,
dimidia la dismisura drammatica della più possente Opera di Mozart.
Il protagonista, Steve Daslim, è un tenore leggiero, «di grazia»; manca
delle caratteristiche tecniche e psicologiche essenziali al personaggio e
canta correttamente con qualche escamotage. La bravissima Monica Bacelli,
insuperabile Cherubino, non può esser l'eroicissimo soprano drammatico di
coloratura richiesto da Idamante. Ilia, Camilla Tilling, è piena di
temperamento: l'intonazione non è perfetta. Elettra, Emma Bell, ha ancor
maggior temperamento, e rende «di forza» le colorature della sua terribile
Aria. È la più applaudita.
Il Coro guidato dal maestro Casoni rimane uno dei punti di forza d'ogni
allestimento scaligero. La parte scenica, dovuta a Erich Wonder per i
bozzetti, a Rudy Sabounghi per i figurini, a Luc Bondy per la regia, i
soliti impermeabili neri brechtiani con cappelli Borsalino, è al di sotto di
qualsiasi giudizio.
Paolo Isotta
08 dicembre 2005

samedi, 24 décembre 2005 à 22:30
Tuttavia oggi al TG 1 delle 13.30 il Dir Gen della RAI Meocci ha detto
ke la RAI l' ha registrato [NdLux: x forza, se l' ha proiettato in
diretta agli Arcimboldi, al Dal Verme ed a Cremona!...] e trasmetterà
presto l' Idomeneo!... Boh, lo faranno sia su Arte ke sulla RAI?'
LUX

 presto l' Idomeneo!... Boh, lo faranno sia su Arte ke sulla RAI?'
Perche' no? Pero' sappiamo quando lo trasmettera' Arte, mentre per quanto
riguarda la RAi chi lo sa?
Magari in qualche notte d'agosto senza preavviso o pubblicita'...
R.


wrote:

Il fatto che l'abbia trasmesso non significa che l'abbia registrato.
Non č la stessa cosa, e la RAI per decenni ha trasmesso dirette senza
registrarle, anche perche' per decenni non c'era la
videoregistrazione.
Tecnicamente non ci sono problemi, i problemi sono contrattuali e sono
di enorme portata.
Ma voglio immaginare che sia stata prevista la registrazione, diamine,
un po' di lungimiranza. 
Spero anzi che lo trasmetta alla radio, cosi' non avro' sotto gli
occhi quella bruttura visiva delle scene e costumi.
Quando si parla di riduzione ai fondi degli spettacoli rabbrividisco,
perche' mi pareuna indegnitą. Ma la cosa godrebbe del mio favore se le
riduzioni fossero vincolate alle scene/costumi. Come a dire:
risparmiate sui pastrani a migliaia di euro l'uno e via con dei bei
fondi dipinti e tonachette bianche per tutti.
Almeno alla generale mi avrebbero lasciato godere le orecchie senza
torturarmi gli occhi.
ciao!!!!
mik

Grazie LUX.... che lusso!!! :-)
Baci,
Lulu

 capo a grande dominio della partitura.
imbarazzante retromarcia per onorare il potente di turno
Isotta mai si smentisce, eh?
LOL
Z

torturarmi gli occhi.
Kiaramente nn posso pronunciarmi fino a domani quando la vedrò a
teatro. Il mio ascolto radiofonico della diretta è stato purtroppo
funestato da crepitii continui: per quanto mi sia sforzato, sn
riuscito a trovare una posizione decente di ricezione  x  l' antenna
solo al 3° Atto...	:-((
BTW I NGisti come risolvono a casa loro il problema dell' antenna
radiofonica in FM??
Ma anke se avessi sentito bene, sulla direzione d' ork nn mi
pronuncerei x manifesta incompetenza: come noto x me, anke se dirige
Veronesi, basta ke l' ork fa tutte le note ed i direttori  sn tutti
uguali (solo con Muti mi sembrava ci fosse, spesso, un valore
aggiunto...).
M' han dato fastidio cmq i numerosi tagli ke c' erano: seguivo l'
opera sul libretto ed ogni tanto nn ci capivo + niente ed ero
costretto a saltare delle mezze pagg...  
L' opera in sè poi nn m' è sembrata un capolavoro (forse è noto ke nn
appartengo alle moltitudini ke stravedono x qsiasi cosa scritta da
Mozart...): almeno Harding poteva darne una lettura "filologica"...
Già l' ouverture è molto convenzionale e si riduce ad una serie di
giri armonici nel consueto stile galante... i recitativi secchi poi sn
davvero troppi ed incitano al tedio... grandi arie nn ne ho sentite,
neppure "Tutte nel cor vi sento" di Elettra  Atto I  nè "Zeffiretti
lusinghieri" di Ilia Atto III... anke il Quartetto "Andrò ramingo e
solo" nn m' ha particolarmente commosso... Il passaggio + notevole
dell' opera m' è sembrato il N° 24, cioè il Coro "Oh, voto tremendo!"
ke m' ha ricordato addirittura la scrittura del Requiem.
Anke sulle voci preferisco pronunciarmi dopo domani: cmq da quel poco
ke ho ca(r)pito dalla radio alcune erano querule e la stessa tanto
lodata Emma Bell m' è parsa un po' ingolata: simpatica cmq quando
nella sua 1a aria "Tutte nel cor vi sento" all' n.mo daccapo sul
verso"Ki mi rubò quel core" tradisce la sua origine anglosassone
cantando "Ci mi rubò quel core"...	;-))
LUX

 costretto a saltare delle mezze pagg...
Ma quanto dura il tutto, intervalli compresi?
R.

 Ma quanto dura il tutto, intervalli compresi?
90 minuti il primo e il secondo atto
circa 30 minuti di intervallo
65 minuti il terzo atto
Ciao
Rudy

 settorializzati...), č a Londra e sn i PROMS alla RAH
E Luzern non la mettiamo???
Pensi davvero che un festival estivo nella Milano deserta di Luglio/Agosto 
avrebbe successo?
R. 


No, Secondo me sbagli tutto a porla in questo modo. Non credo di
essere antiquato, credo di sforzarmi solo di ragionare senza correre
dietro come un ebete al greggezz.
La discuzzzione è molto lunga, al proposito qualche anno fa avevo
anche inziiato a  buttar giu' un abbozzo di considerazioni che volevo
pubblicare ma poi ho capito che era un argomento troppo vasto.
Provo a recuperare quegli appunti e vedo se riesco a sbrodolarli qui
dentro, credo che nei NG sia vietato l'uso degli attach, se non lo
posto in un qualche sito.
Vorrei tuttavia delle obiezioni sensate, più che accuse di modernismo
o tradizionalismo (non me la sono mica presa, so scherzare molto
bene), solo che se ci sono argomentazioni contrarie mi piacerebbe
conoscerle, perche' io non ci arrivo su'!!1
ciao!!!
mik
--cut here --
Quando il mondo va in un senso e un singolo nell'altro, vi sono delle
buone ragioni (per lo meno su base probabilistica) che sia il singolo
a sbagliare. Ma vi sono dei campi in cui ho difficoltà a comprendere
perché il mondo va in un certo senso, e non trovo buone ragioni a
sostegno di questa scelta.
E' il caso dell'usanza di porre le opere liriche ovunque eccetto che
nel luogo e il tempo in cui l'autore le ha volute porre.  In altre
parole, trovo che si crei un dissidio insanabile tra la musica
accuratamente rivista, ricostruita e venerata, e le indicazioni
dell'autore che debbano esser per forza calpestate. In altre parole,
se Verdi scrive un si al posto di un do guai a eseguire un do; se
Donizetti ha scritto fortissimo guai a eseguire un pianissimo. Ma se
Verdi desidera che quel si venga cantato da un crociato o da un
egiziano, come minimo occorre trasformare costoro in un borghesotto
ottocentesco o in un occupante nazista. 
Non sono tanto ingenuo da pensare che tutto non debba per forza essere
reinterpretato. Tutto >>è<< sempre e comunque reinterpretato. Sia
nell'ambito musicale che nell'ambito della rappresentazione scenica.
E' chiaro che un accordo o una melodia "suonano" agli occhi di un
contemporaneo (che ha avuto delle esperienze diverse di un antenato)
in modo diverso. Anche solo perché chiunque di noi ha ascoltato del
rock, del jazz, dei generi musicali che non c'erano, e perché viviamo
una situazione del tutto diversa da quella dei nostri antenati che per
la prima volta udirono risuonare la Celeste Aida. Adattando una frase
del Teatro alla Moda, vi è una evidente asimmetria tra i moderni che
conoscono sia gli antichi che la musica contemporanea, e gli antichi
che invece non hanno voluto saperne di scrivere o ascoltare musica
contemporanea.
Ma le strade qui divergono: o ci si limita a chiedere uno sforzo allo
spettatore, lo sforzo di immedesimarsi in quel contesto, oppure  è la
materia rappresentata che può andare incontro allo spettatore stesso,
adattandosi in qualche modo ai suoi mutati gusti, alle sue possibilità
di comprensione, alla mutata situazione e cultura.
Ma se si sceglie (e si sceglie per lo più questo cammino) occorre fare
questa scelta con tutto, con la scena e con la musica. 
In altre parole, che senso ha riproporre gli "zum zum" ottocenteschi a
fronte dei caschi da motociclista? E perché mai una Norma su una
camionetta di nazisti deve cantare come Giuditta Pasta? Se le
tonachette romane sono lontane dalla nostra mentalità, e se più ad
essa si addicono i pastrani nazisti (che dovrebbero esservi più
vicini, per lo meno secondo Sequi), ebbene, allora anche Norma o
Adalgisa dovrebbero cantare come Marlene Dietrich o qualcosa del
genere.
In assoluto, ecco il mio ragionamento: se le tonache di Norma sono da
aggiornare, perché mai non sarebbe aggiornare la musica così diversa
dalla nostra e cosi' smaccatamente ottocentesca? Perché se si aggiorna
la parte scenica per renderla più vicina alla nostra situazione, non
si avvicina a noi anche la musica ponendovi sotto un pum pum nello
stile della house da discoteca? 
Quindi, non mi si prenda per un bacchettone conservatore: in qualche
modo mi vanno bene le attualizzazioni globali, perché globale è la
reinterpretazione, e perché la musica e il teatro musicale sono
comunque interpretati. Ma non capisco perché occorre creare una
schizofrenia da una parte tra il culto di ciascuna semiminima e la
riapertura dei tagli (udendo le quali si comprende perché certe parti
fossero tagliate) e dall'altra la necessità di dover spostare sempre e
tutto nei modi più impensati. Il problema c'è, e non lo si può
disconoscere: agli occhi e alle orecchie di tutti (contemporanei
compresi) è un po' stravagante seguire un Guglielmo Tell con dei
balletti smaccatamente ottocenteschi. Che facciamo? Vestiamo le
ballerine in stile medioevale? No, la cosa giusta è la
rappresentazione dell'evento medioevale, con la musica ottocentesca e
le ballerine in tutu'. Ci si potrebbe allora chiedere perché è
accettabile questa zuppa di contraddizioni (Gugliemo medievale e tutù
ottocentesco) e non quella che vorrebbe Guglielmo Tell vestito da
astronauta? Perché quella è la zuppa che ci ha sfornato Rossini, è
quella che si va vedere a teatro, è quell'insieme di ingredienti che
ha generato il Guglielo Tell, comprese le sue note. 
E' l'idea che aveva Verdi dell'Egitto che ha sfornato al marcia
trionfale, ed è l'idea della Svizzera che aveva Rossini che ha
co-generato le note del Guglielmo.
Le difese di questa usanza ormai universale sono a mio modo di vedere
molto deboli. Sequi sostiene ad esempio che gli spettatori non possono
immaginare la situazione delle Gallie occupate dai Romani, e quindi
propone le Gallie occupate dai Nazisti. Argomento -dicevo- un po'
fiacco. In primo luogo perché non si capisce perché il pubblico non
dovrebbe capire quel che ha capito lui. In secondo luogo, perché
probabilmente è più diffuso il concetto dei Romani in Gallia ( gli
effetti della loro presenza si vedono ancora oggi) di una fugace
occupazione accennata nei testi di storia ma che la maggior parte del
pubblico d'oggi non ha vissuto, non è stata loro contemporanea, come
non lo è stata all'occupazione romana. Ma soprattutto perché
l'occupazione Romana delle Gallie non è sostanza, ma pretesto per la
Norma. E qui usciamo dal caso specifico per fare di nuovo un discorso
di ordine generale: il regista d'opera è spesso ossessionato dal
prendere qualche dettaglio e costituirlo come chiave fondante di
lettura. Ma questo reinterpretare si basa spesso su un aspetto
secondario ingigantito fino a  farlo divenire una chiave che diviene
semplicemente fuoriviante.
La Norma o la Clemenza di Tito non vanno, e non devono essere,
quotidianizzate. Bellini o Mozart quando scelsero il soggetto (o per
lo meno, scelsero di musicarlo) posero la loro mente in un modo
lontano, idealizzato, sfocato nel tempo, dove poter mettere a fuoco le
vicende e le situazioni che allora andavano per la maggiore. Da qui
l'errore anche di porre a Tito o a Norma i panni di Mozart o di
Bellini. Ovvero, vestire i personaggi dell'opera con i panni
dell'epoca in cui è vissuto il compositore anziché dell'epoca voluta
da questo. Certo, è musica del 700 e dell'800, e in qualche modo
tempi, melodie e orchestrazione "chiamano" le parrucche e le marsine.
Ma metter la parrucca a Tito non è l'operazione pensata da Mozart o da
Bellini, che l'anno allontanata su uno sfondo posto all'infinito, che
non si puo' trascinare dietro due secoli di ritardo. Come dire: se si
è andati indietro di mille anni, noi andiamo indietro di due secoli o
(per le menti più calcolatrici) di ottocento anni.
Detto in altro modo, porre lontanissima l'ambientazione della vicenda,
con i suoi sacerdoti Druidi e i suoi laticlavi, vuol dire lasciarle
sempre a fuoco -anzi, in quella regolazione del fuoco tarata
sull'infinito- voluta da Bellini o da Mozart, anche nell'immaginario
di oggi. 
Questo ha ogni tipo di vantaggio: se c'è una mitologia comune (perché
lontana dal reale in modo equidistante) che accumuna lo spettatore del
giorno d'oggi con Mozart e Bellini è giusto questo concetto di aurea
collocazione classica, di scena lontana che è a base ma a pretesto per
le vicende amorose o di valori che vogliono essere evidenziati proprio
perché deprivati dalla collocazione precisa, con gli stimoli
contestuali che li renderebbero meno assoluti. Quotidianizzare
significa tradire quel che è successo nella mente dei loro autori.
Questa considerazione non si sogna di negare che il contemporaneo non
abbia pesato sulle vicende poste lontano. E' arcinota ad esempio
l'interpretazione politica che le emergenze risorgimentali ebbero
sull'opera di Verdi, con l'autore volente o nolente. Ma proprio se e
perché queste rappresentazioni sono una metafora, trasferirle al di
fuori della metafora significa banalizzarle  impoverirle. Come si
snatura (e si rende l'argomentazione meno vivida) una parabola se si
volessero abolire i connotati di esempio, e come si renderebbe
incomprensibile una barzelletta se si esplicitasse l'allusione,
l'equivoco o si appianasse il doppio senso.
A questo punto ci si può chiedere la genesi di questa consuetudine. 
Mi sarebbe facile rispondere che -da qualche tempo- pare che tutti si
sentano in diritto di ritenersi grandi psicanalisti. Ecco che si
buttano su ricerche motivazionali e aspetti del carattere di
Cenerentola o di Elvira, che queste non debbono avere semplicemente
perché non hanno. 
E la moda delle trasposizioni non sarebbe quindi che un desiderio un
po' barocco di stupire e di uscire un po' dalla necessità di fare
sempre delle cose simili. Bella idea. Salvo che uno va a teatro per
seguire quell'opera, e quelle note che chissà perché sono sempre
quelle di Mozart o di Puccini.  La fissazione di ficcare psicanalisi o
analisi piscosociopolitica ovunque non è propria dell'opera. Vediamo
anche altre rappresentazioni (es. film) che peccano su questo
versante. 
Ed essendo che un regista o un costumista non sempre è un grande
scienziato piscosociopolitico, di norma sono operazioni culturalmente
molto modeste. Un imperatore romano ne Il gladiatore non può
permettersi di essere cattivo perché è cattivo, deve essere cattivo
perché suo padre (altro imperatore) non gli è stato vicino da piccolo
essendo sempre in giro a guerreggiare. Una psicanalisi che fa
piangere. 
La scorribanda nel mondo del cinema non è casuale. Perché ci avvicina
a quello che secondo me è stato il motivo vero, il peccato originale
di questa cattiva consuetudine. Vi è stato un periodo che le regie
d'opera iniziarono ad essere affidate (così come per lo più avviene
oggi) a registi che provenivano da altri campi. Dove questa operazione
di attualizzazione o trasposizione secondo me potrebbe essere
legittima. Nel teatro, ad esempio, si usa tradurre e reinterpretare
l'opera teatrale, fino a  stavolgerla del tutto, e questo -sempre
secondo me- non assume necessariamente un aspetto negativo. Perché si
tratta di quella reinterpretazione totale, che io avrei giustificato
anche nell'opera se si fosse aggiornata la musica. In altre parole, il
teatro musicale è caratterizzato dall'esigenza di mantenere fissa la
parte musicale e vocale, e quindi vede una condizione fondamentalmente
differente rispetto a quella di un'opera di Sofocle o di Molière che
può essere reinterpretata, psicanalizzata, reinventata, trasposta, o
congelata attraverso una accurata ricostruzione storico linguistica. 
Perché qui si tratta di un fenomeno del tutto diverso, in quanto non
si ha l'obbligo di cantare in greco esattamente le stesse parole e gli
stessi melismi di Euripide. Ed eccoci al punto: trasportare a Cicago
(Illinois) la vicenda di Tito imperatore romano (vero, caro Pizzi?)
non è come reinventare Edipo rendendolo il direttore di  un
supermercato. E' come ricostruire rigorosamente la fonetica e la
lettera di una tragedia greca in greco, ma trasponendola in un
supermercato. Per carità, operazione che si può fare come esperimento,
ma non può divenire la norma, questa è una cosa sciocca.
Argomento debole è anche quello del fatto che molte ambientazioni
fossero casuali.  Tanto è vero che il Ballo in Maschera si festeggia
disinvoltamente nella reggia del Re di Svezia come a Boston, e Il
Rigoletto si tiene in modo più prudente sulle rive del Mincio che in
una di quelle regge che lo esporrebbero all'intervento dei censori. Ma
questa flessibilità indica che la forza dell'aspetto visivo è
relativamente debole, e non può divenire (come avviene nelle opere
odierne) il fulcro più appariscente, invadente, arrogante al punto da
umiliare la musica e mostrare a chi vuol vederlo il narcisismo e lo
scarso senso di servizio dei registi. 
Vorrei finalmente concludere con un aspetto che ho sfiorato sopra,
quando accennavo al fatto che le ambientazioni si riferiscono all'idea
che aveva di quell'ambiente l'autore, nel suo tempo e  nel suo spazio.
In altre parole, l'Egitto di Verdi non era il nostro, e la maggior
parte delle opere si colloca in situazioni del tutto arbitrarie. Ma se
accettiamo la finzione di un dramma umano che si svolge sul
palcoscenico di un teatro, sul set di un film o altro, anziché nel
mondo reale, ovvero in una casa del centro o della periferia, dobbiamo
poter accettare (e in modo altrettanto naturale) la prospettiva
dell'autore. Quindi, un encomio ad impostazioni come quelle dell'Aida
di Nobili, che la crea in un mondo che è l'Egitto e gli egiziani ma
visti da un ottocentesco, alla maniera che ricorda le figurine Liebig.
Del tutto encomiabili anche le rappresentazioni che rarefanno la
caratterizzazione visiva, la rendono neutra e priva di tempo, perché
non snaturano l'opera e rendono superflua la discussione sull'
ambientazione. In questo senso sono accettabili anche le collocazioni
differenti ma altrettanto lontane da apparire equivalenti ai nostri
occhi; come le memorabili Nozze di Figaro di Visconti ambientate nel
castello di Bomarzo. Perché questo scambio e allontanamento se neutro
e mutuabile con mille tempi e mille regioni resta dignitosamente non
invadente, non vi stordisce al punto da obnubilare la musica. Non
voglio dire neanche che la regia debba esser per forza al servizio
pedissequo della musica. Anzi, l'Opera va rivalutata proprio nella sua
scenicità, essa è musica per il palcoscenico, e come tale chiama
vesti, sfondi e gesti. Ma non può un elemento essere invadente
sull'altro, essendo la musica classica relativamente fragile, portarvi
sopra la violenza visiva che dovrebbe essere accompagnata da una
musica altrettanto violenta, sia essa quella di un musical amplificato
a 10.000 Watt RMS o quella generata da mille effetti elettronici, così
come si usa sui palcoscenici dei concerti rock (o perfino dell'Edipo a
Colono o dell'Amleto ) così come si usano rappresentare al giorno
d'oggi.

 wrote:
Ho letto con un certo interesse quello che scrivi.
Ti dirò subito che non sono d'accordo con te, non tanto perche' mi senta
allineato a quelle che tu definisci le stravaganze dei registi d'opera,
ma proprio perche' ho trovato il tuo discorso molto generico e fissato
su alcuni punti secondo me del tutto secondari (come tali), come ad
esempio l'ambientazione, o le derive psicanalitiche, e cose simili.
Sono d'accordo con te sulla considerazione che la sensibilità del
pubblico (ma direi anche degli interpreti) di oggi sia molto diversa da
quella del tempo in cui la musica (o, direi più correttamente) l'opera è
stata composta. Mi è piaciuta anche la definizione di "asimmetria" della
sensibilità.
Ma dopo questo, mi sembra che tu non ne abbia tratto le dovute
conseguenze.
E la prima, la più importante di tutte, è che l'Opera è teatro. E la
musica è la forma in cui la drammaturgia nell'opera si esprime.
Il teatro scaturisce da due componenti: dalla materia di cui è
costituito e dalla fantasia (o riflessione) di chi lo mette sulla scena.
La materia è quella che è: nel teatro in prosa si esprime attraverso la
parola; nell'opera attraverso la musica.
Questi contenuti non possono essere cambiati. O lo possono essere solo
attraverso una ricreazione del lavoro, operazione possibile e legittima,
ma con un indirizzo ben preciso. Potrei citare qualche caso di questo
genere cui ho assistito, fra l'altro con molto interesse.
La messa in scena è frutto di una riflessione: nel teatro di prosa del
regista; nell'opera di una riflessione condivisa fra il regista e il
direttore d'orchestra (non sempre, purtroppo, questo accade).
L'opera (in musica o in prosa) puo' funzionare o no. Dipende da ciò che
il regista (e il direttore d'orchestra) hanno pensato, immaginato e
tradotto in una offerta.
Le trasposizioni temporali possono funzionare o no, come può funzionare
o no il rispetto delle didascalie. Di per se' questi non sono valori, ma
solo mezzi espressivi.
Quelle che sono le "intenzioni" del compositore sono solo ricostruzioni
a posteriori, del tutto discutibili, e che comunque non fanno parte dei
due elementi costitutivi del fatto teatrale.
C'e' solo da rilevare che un eccessivo rispetto delle didascalie porta a
rappresentazioni ripetitive (quelle che chiamo fotocopie).
Ogni nuova produzione, ogni nuova messa in scena, in quanto teatro,
dovrebbe svolgere la funzione del teatro: la ricerca di significati che
inducano il pubblico a riflettere.
Poi è vero: certe messe in scena possono essere intelligenti, altre
banali, bislacche, e su ciascuna di esse si potrà esercitare la propria
critica motivata in senso positivo o negativo.
Questo vale per l'opera come per il teatro in prosa.
Che le ambientazioni nell'opera d'arte non siano essenziali te lo dicono
i pittori: e' condizione comune, ad es., che i quadri del 5-600
raffiguranti scene mitologiche siano rappresentate con costumi e
ambientazioni contemporanee.
E nella pittura c'era e c'è discussione su quello che deve essere
l'aspetto figurativo in funzione dell'espressione estetica dell'oggetto.
L'altra cosa su cui ti dilunghi è quello che definisci il
pseudopsicanalismo. Anche qui credo che l'affermazione generica non
aiuti. Dipende da ciò che il regista ha capito e vuol far comprendere.
Certamente ci sono soluzioni banali, come ci sono offerte interessanti e
fonte di riflessione. Poi, puo' intervenire anche il gusto personale, la
capacità personale di condividere o non condividere un discorso.
Cioè, ogni situazione ha una sua logica, ed è giusto e opportuno
riferirsi a quella logica, e criticarla in senso positivo o negativo.
Quello che mi sembra di capire da quello che hai scritto che anche tu
hai il dente avvelenato contro i registi d'opera. E questo, credimi, è
un punto di vista molto comune fra quelli che scrivono in questo e in
altri NG o mailing-list sull'opera.
Ma non è il mio. In questo caso, piuttosto solitario.
Ciao
Rudy

 Boh, lo faranno sia su Arte ke sulla RAI?'
Sulla RAI nn l' ho visto comparire...: c'è qcuno ke l' ha registrato
da  ARTE?
LUX

avrebbe successo?
2° me è solo questione di idee: forse a Salisburgo e Bayreuth (x nn
dir di Glyndebourne ed altri ameni posticini esteri...) ci farà pure +
fresco, ma hanno avuto  da tempo immemorabile delle idee ke hanno
rikiamato pubblico e si sn imposte come abitudine c/o certe categorie
e ceti. Se Milano avesse fatto qcosa del genere ai tempi di Toscanini
e De Sabata oggi potrebbe essere in concorrenza con quei Festival (dai
miei sporadici colloqui con spettatori di origine germanica ho potuto
constatare ke tutto sommato anke loro prediligono l' opera italiana,
in particolare Verdi...).
In fondo ai "festival dei poveri" italiani, come li kiamo io, cioè
Spoleto, Ravenna e Pesaro, ci va 1 sakko di gente!
Ma ora c' è da sperare in Parma...
LUX

a 10.000 Watt RMS o quella generata da mille effetti elettronici
Sarebbe interessante una revisione in tal senso del Pelleas di
Debussy...	;-))
Forse andresti d' accordo col parere dell' attuale direttore del
Conservatorio di Milano Taschera, ke in un incontro pubblico aveva
auspicato un aggiornamento delle modalità troppo ritualistike di
fruizione della MC.
Cmq grazie del tuo post kilometrico (e soprattutto x averlo mandato in
IAMCM!).
LUX

altri NG o mailing-list sull'opera.
Insomma, cmq il pubblco oggi è talmente smaliziato ke solo le regie
mancate o sbagliate sn criticate...: i fiski all' Idomeneo Bondy se li
è meritati nn  xkè avesse attualizzato o psicoanalizzato...
LUX

 è meritati nn  xkè avesse attualizzato o psicoanalizzato...
Non sono d'accordo con te. Il pubblico è ancora molto legato alla
tradizione, e si aspetta piu' dal cantante che dalla rappresentazione
teatrale nel suo complesso.
Comunque non sono neppure d'accordo che la regia di Bondy sia stata una
regia mancata. Le tue critiche, quello che ho letto sul NG, si basano su
osservazioni di particolari e possono essere fatte a qualunque regia,
direi ancora di più a quelle tradizionali e rispettose delle didascalie.
Ricordo una critica al Ring diretto da Sinopoli e con la regia di Flimm,
stroncata sul Corriere da Colombo perchè c'erano galline nella capanna
di Mime e Sigfrido! (e proseguiva sghignazzando su diversi altri
particolari sui quali, fuori dal loro contesto, era facile, ma ingiusto,
fare dell'ironia).
Prima di stroncare una regia di Flimm, cercherei di capirla, e non sono
certo galline razzolanti che aprono la mente a capire una tetralogia.
Nell'Idomeneo ti diro' che quello che mi è mancato è stata l'emozione, e
questo lo si deve, secondo me, più al direttore d'orchestra che al
regista. E soprattutto al fatto che l'opera ha una drammaturgia floppa,
e la musica di Mozart, a parte qualche brano, come lo stupendo
quartetto, la trovo relativamente priva di mordente.
La regia non mi e' dispiaciuta. L'ho trovata una regia intelligente, con
alcune ingenuita' (tipo gli zeffiretti lusinghieri che sollevano le
carte). Non tale tuttavia da ravvivare la floppa drammaturgia.
Ciao
Rudy

fruizione della MC.
C'è un fondo di verità, ma naturalmente capisci bene che è una ltro
discorso: la MC è un ambiente particolare, coi suoi riti e
stravaganze, compresi i fanatismi divistici e indignazioni da brivido.
Se questo contesto folkloristico giovi o no sarebbe un nuovo discordo
:-)
ciao
Mik


altri NG o mailing-list sull'opera.
No, non credo d'avere il dente avvelenato per principio. Tanto è vero
che per due registi che cito come generatori di messe in scena
deprecabili (Pizzi e Sequi) ne cito due (Visconti e de Nobili) degni
di grande apprezzamento. E cosi' come dico di deprecare i caschi da
motociclista dico di  apprezzare le (molte) regie rarefatte, direi
impropriamente minimaliste, che non creano dissidio con la musica
ottocentesca o settecentesca. Ma al di la dei nomi e dei modi che
cito, ecco che sì, ebbene sì, molta parte di quello che vedo mi trova
non tanto d'accordo o in disaccordo (come pare preoccupare te ma che a
me  poco importerebbe) ma mi trova perplesso perchè mi pare vi sia una
contraddizione di fondo. 
 E naturalmente mi farebbe solo piacere leggere argomentazioni in cui
mi si dice dove sbaglio,,,
cordialita'
MIk
 

 messo pappagalli e "soldati todeschi" nelle Nozze di Cana...
C'è una importante differenza tra musica, teatro ed arte figurativa:
quest'ultima non ha bisogno di un interprete, rimane lì com'è a
disposizione di chi la vuole vedere senza necessità di qualcuno che la
ricrei tutte le volte che la si vuole fruire (o far fruire a qualcuno).
Nel momento in cui io debbo allestire una rappresentazione teatrale è
evidente che dovrò adattare il testo - immutabile - alle condizioni in
cui opero, alla sensibilità ed alla cultura delle persone per le quali
faccio la rappresentazione. Anche quando mi metto di fronte alla
Gioconda la mia cultura fa da filtro fra me e l'opera d'arte ma questo
è un fatto mio personale, che non coinvolge altre persone. Non ho
bisogno insomma di alcun intermediario che mi  consenta di fruire della
Gioconda (mentre invece ho bisogno di registi, attori, scenografi, ed
anche semplici operai e tecnici per godermi un'Orestea).  Tutto questo
fa sì che - a mio avviso - nel teatro e nella musica il testo sia solo
una parte dell'opera artistica. E ovviamente diventa indispensabile
attualizzare il testo nel senso che questo testo va adattato alla
diversa sensibilità del gusto del pubblico. 
Giuseppe Sottotetti

 mi si dice dove sbaglio,,,
Sbagliare... e' una parola grossa. 
Io non condivido il valore che tu dai a quelle che vengono definite le
"intenzioni" dell'autore. E su questo ho espresso le mie motivazioni.
Trovo che il valore stia in quello che l'autore ci ha consegnato
(l'opera, il lavoro teatrale, etc.) dal quale noi traiamo emozioni,
spunti riflessivi, piacere, etc, attraverso l'interpretazione.
Ambientazione, trasposizione temporale, psicanalisi, etc., sono elementi
interpretativi, sui quali si puo' convenire o meno, ma partendo
dall'opera (musica e parola), non da supposte intenzioni dell'autore,
che possono certamente essere studiate, che possono aiutare a capire
l'opera, ma che non sono la chiave dell'opera.
Ciao
Rudy

 anzi, se mai rafforza la necessità di un'interpretazione.
A me sembra soprattutto che le edizioni critiche mostrino come l'autore
non abbia problema a modificare anche radicalmente la propria opera per
motivi che noi considereremmo futili. Ad esempio, Wagner - avendo a
disposizione un tenore mediocre - non esitò a tagliare la parte di
Walther von  der Vogelweide dalla versione parigina di Tannhauser a
costo anche di menomare lo sviluppo drammatico della scena (che risulta
meno articolata ed in cui è meno chiara l'evoluzione del pensiero di
Tannhauser e il suo scivolare sull'invocazione a Venere - tanto che
normalmente non si dà il secondo atto nella versione parigina).
Certo, rimango colpito dalla cura con cui Hoffmanstahl e Strauss si
preoccupano dei minimi particolari necessari alla comprensione del
corretto senso dei loro lavori (ma anche qui, come mai dopo la prima
Strauss non esitava ad operare tagli a destra e manca?)
Giuseppe Sottotetti


Ok, Ok, allora perche' si attualizza il testo di Euripide e non  le
note del va pensiero?
ciao
Mik


Non possiamo ovviamente cambiare le note, ma possiamo cambiare il modo
di suonarle: anni di esecuzioni filologicamente informate hanno
trasformato radicalmente il modo di percepire la musica del passato, al
punto che c'è gente che trova datato il Bach suonato da Karl Richter.
Un Muti che per esempio elimina il do di petto del Trovatore per
scrupolo filologico a mio avviso attualizza le note di Verdi
adattandole ad una evoluzione del gusto - o dei bisogni di un
ascoltatore  che vuole l'assoluto rispetto del testo lasciato
dall'autore - moderno. Preferire il primissimo Boris Godunov (quello
senza atto polacco) al Boris definitivo o addirittura a quello rifatto
da Rimski-Korsakov è operare una scelta influenzata dalla estetica
corrente. Non è attuale la visione tardoromantica del Boris secondo
Korsakov, mentre invece la barbara ruvidezza dell'originale di
Mussorgskij è decisamente più attuale. Ma anche il Parsifal diretto
da Knappertsbusch è spiritualmente estraneo alla nostra epoca alla
quale forse può essere più congeniale l'approccio bussinessmanlike di
Boulez, attento più a mettere a nudo la struttura del testo wagneriano
che la magmatica magia metafisica dell'ultima fatica wagneriana. (o per
lo meno la nostra epoca non è forse più in grado di esprimere la
spiritualità che trasuda dalla lettura di Knappertsbusch)
Giuseppe Sottotetti

 spiritualità che trasuda dalla lettura di Knappertsbusch)
Sono d'accordo.
Analoghe analisi si potrebbero fare sulla Tetralogia nelle diverse
interpretazioni: semplificando molto, eroico-mitologica quella di
Knappertsbusc, più lirica e "psicologica" quella di Karajan,
Hollywoodiana quella di Levine-Schenk, politica quella di
Boulez-Chereaux, catastrofistica quella di Sawallisch-Lehnhoff,
simbolica quella di Barenboim-Kupfer... e si potrebbe contunuare.
Naturalmente, poi, le interpretazioni sono un po' più complesse e
certamente non riassumibili in una parola. :-))
Ciao
Rudy

m' incarico io di fare DVD per tutti
Allora.
Sn in possesso di un DVD con la registrazione da Artč dell' Idomeneo.
Si tratta della recita del 18 Dic 05 con la Tilling sostituita dalla
Savoia; ci sn i sottotitoli in francese ed il logo Artč sempre
campeggiante.
Ki č interessato ad 1 copia mi mandi il suo indirizzo postale.
LUX