Newsgroup: it.sport.calcio
Titolo: ARTE - Il bolognese Annibale Carracci,   cordialità tutte

ANTOLOGICHE
Carracci alla romana
A Roma al Chiostro del Bramante la retrospettiva dedicata al bolognese
Annibale Carracci ma che visse, lavorò e morì nella capitale dove fu
sepolto nel Pantheon, accanto a Raffaello
Roma - Abbagliati dal Caravaggio, dal film di una vita a colpi di
spada, processi, fughe, capolavori rivoluzionari e che facevano
scandalo fra committenti e popolino, ci si dimentica che a Roma, nella
capitale mondiale dell'arte, a fine Cinquecento-inizio Seicento,
esisteva anche l'altra metà del mondo. Una pittura che "incarnava"
classica bellezza e perfezione, chiarezza e verità, esprimeva in una
vitalità monumentale un equilibrio ottenuto con lo studio del vero e
delle opere dei grandissimi, Correggio, Veronese, Tiziano, Raffaello,
Michelangelo, fino a coniare una pittura nuovissima, autonoma, una
"pittura italiana" che superava scuole e geografia. E da Roma quella
pittura che andava oltre la Maniera esaurita del tardo Cinquecento e
preparava la strada al barocco, si diffuse in tutta Europa, come il
caravaggismo. Era il mondo di Annibale Carracci, bolognese, che
debordava dalla volta e dalle pareti della galleria del cardinale
Odoardo Farnese nell'immenso palazzo di Campo dè Fiori. E non solo, se
è vero quello che riferisce il Bellori quando il Caravaggio fu portato
a Santa Caterina dei Funari, a vedere una "paletta con Santa
Margherita" di Annibale. Rimase in silenzio, lui che stroncava tutto e
tutti, poi: "Mi rallegro che al mio tempo veggo pure un pittore". E
alcuni anni più tardi, in un processo del 1603, Michelangelo Merisi, a
verbale, collocava Annibale fra i "valenthuomini" che sanno "dipingere
bene et imitare bene le cose naturali", forse il massimo
riconoscimento del Caravaggio per un collega. I dipinti di tutti e due
sarebbero stati scelti per la cappella Cerasi nella chiesa romana di
Santa Maria del Popolo. E Annibale di fronte a "Giuditta e Oloferne"
del Caravaggio osservò che gli sembrava "un po' troppo naturale", "il
che, da parte d'un pittore, non è certo un biasimo".
Annibale era arrivato a Roma alla fine del 1595 grazie a quello che
aveva dipinto in Emilia (col cugino Ludovico, più grande di cinque
anni, che rimarrà a Bologna, e il fratello minore Agostino). Una
pittura che a Roma, nella galleria Farnese, lui eterno sperimentatore,
avrebbe cambiato "radicalmente impostazione" con "l'ingigantimento del
discorso" e la diretta ispirazione della scultura classica sia pure
passata al filtro della "forma michelangiolesca". Fino ad essere
definito il "nuovo Raffaello".
A Parma Annibale aveva lavorato per la corte dei Farnese, poi a
Reggio, Ferrara e a Bologna, la seconda capitale degli Stati
pontifici, nelle chiese e soprattutto nei cicli affrescati dei palazzi
bolognesi. Il fregio con le storie di Giasone alla ricerca del vello
d'oro e i riquadri con le storie dell'Eneide in Palazzo Fava (secondo
lo storico Malvasia uno lo avrebbe affrescato "di soppiatto"); con le
storie della fondazione di Roma nel salone d'onore del palazzo del
senatore Magnani (intorno al 1590), e in Palazzo Sampieri (tre tele
con Cristo e donne di Palestina). Nelle storie di Roma i tre Carracci
avevano lavorato come un solo artista, con tale "concordia di intenti"
che allora non si riusciva a distinguere i singoli apporti, un
esercizio che neppure in tempo moderno riesce a chiarire tutto. E
infatti Ludovico poteva dichiarare: "Ell'è dè Carracci, l'habbiamo
fatta tutta noi". Forse il raggiungimento più alto dell'Accademia
degli Incamminati fondata dai tre artisti nel 1582 e in cui Ludovico
faceva da "uomo di lettere" mentre Annibale detestava le dispute
teoriche, teologiche o meno.
 Bologna, l'Emilia, Roma. Per questo, la prima mostra monografica
dedicata ad Annibale, dopo Bologna, dove è nato nel 1560, è ora a Roma
(dal 26 gennaio al 6 maggio, al Chiostro del Bramante). Una mostra
rigorosamente senza ospiti (tranne due dipinti di Bartolomeo
Passerotti per il modo ridanciano di trattare i soggetti umili che
Annibale dipingerà con grande rispetto restituendo "dignità agli
ultimi della scala sociale"). Ci sono voluti cinquanta anni esatti per
estrarre Annibale dal gruppo dei Carracci ai quali era dedicata la
mostra "di famiglia" organizzata da Cesare Gnudi nel 1956 quando il
Seicento italiano era ancora lontano dal conquistare dignità e
considerazione fra gli studiosi e Annibale non era ancora il
"caposcuola" riconosciuto del "classicismo naturale".
I due curatori della mostra di Annibale, Daniele Benati ed Eugenio
Riccomini, con un comitato scientifico internazionale (catalogo
Electa), hanno selezionato in tutto il mondo oltre 120 opere di cui
una settantina di dipinti e un corredo indispensabile di disegni, fra
cui molti studi per i dipinti realizzati, disegni che si sono
alternati fra le due mostre per le ferree regole che presiedono alla
loro esposizione. Senza dimenticare sette incisioni e una serie di sei
piccoli rami per la devozione privata, che non sono una bizzarria
perché il rame è "un materiale che accresce l'effetto prezioso dei
dipinti" come il blu elettrico della "Madonna Montalto" o quell'unica
spina della corona nella "Pietà" di Vienna che Annibale carica di un
bagliore di luce bianca. I dipinti su rame diventeranno quasi una
specialità di un grande allievo di Annibale, il Domenichino. Fra le
due versioni della mostra ci sono notevoli differenze dato che a Roma
saranno aggiunti 36 fra dipinti e disegni.
I disegni sono una parte fondamentale perché sono la testimonianza del
"disegnare dal vero ogni cosa", dal "vivo" come Annibale precisava,
chiosando una edizione delle "Vite" del Vasari: attraverso "il filtro
del disegno dal naturale" - osserva Riccomini - passa l'"eletta
memoria" dei maestri del passato e "la lingua che ne risulta non reca
più traccia degli accenti d'origine". Il "vivo" per il pittore "non
deve costituire il punto di partenza, ma quello di arrivo, al termine
di una lunga ricerca e di un lungo studio sul naturale".
I numerosissimi materiali in mostra sono la conferma dell'assiduità di
Annibale nel disegno, per ciascuna situazione. A sanguigna, a
carboncino e gessetto bianco su carta azzurra, penna e inchiostro
bruno con o senza rialzi in biacca, matita nera e bianca su carta blu,
matita rossa su carta bianca ingiallita, carta grigio-azzurra, grigio-
beige, marroncino, bianca nocciola. Col sacro fuoco - come ha scritto
il contemporaneo Giovanni Battista Agucchi - di "congiugnere insieme
la finezza del Disegno della Scuola Romana, con la vaghezza del
colorito di quella di Lombardia".
Per la volta della galleria Farnese sono sopravvissuti un centinaio di
disegni preparatori: questo significa che Annibale "ne eseguì almeno
altrettanti, o parecchi di più". Sono "tutti di altissima qualità",
tenuti in gran conto dai collezionisti antichi e moderni. Riccomini
ricorda che "la fama di Annibale è sempre rimasta intatta fra gli
amatori del disegno, anche quando la sua pittura era meno apprezzata".
E i disegni in mostra vengono dalle collezioni di grafica più
importanti del mondo (insieme all'Albertina di Vienna): quelle reali
inglesi del castello di Windsor e di Hampton Court, e del Louvre.
Disegni indispensabili in particolare per gli affreschi che sono
ancora al loro posto sui muri di due palazzi bolognesi e a Roma a
Palazzo Farnese, sede dell'ambasciata di Francia. Per la galleria
Farnese sono presentati 16 disegni e sette per il camerino Farnese,
altra impresa di Annibale-Agostino nel palazzo.
Annibale non mise limiti ai soggetti della sua pittura secondo il
comandamento che "noi altri Dipintori habbiamo da parlare con le
mani", da cui "emerge un fortissimo senso di appartenenza alla
professione" che, per contraccolpo, provocherà l'avvenimento che
segnerà gli ultimi anni di vita. Col pericolo anche di dispersione? Lo
storico Giulio Mancini lo lodava come "pittore universale, sacro,
profano, ridicolo, grave e vero pittore". Pittura sacra, pittura di
storia, di mito, ritratti, paesaggio (con l'invenzione del paesaggio
ideale), scene di genere "basso" (perché il "vivo" si "coglie nelle
manifestazioni anche più quotidiane e banali dell'esistenza",
mangiare, bere, scherzare con un gatto o una scimmia, il mondo degli
umili, e nei mestieri ritenuti allora infamanti, come il macellaio,
che Annibale tratta con dignità rispetto ad altri artisti). In mostra
c'è anche un foglio di caricature perché le "note acerbe" rientravano
nelle sue corde.
In mostra sono presentati capolavori assoluti e dipinti fra i più
popolari di Annibale. Peccato che a Roma manchi il famosissimo
"Mangiafagioli" della Galleria Colonna, dipinto con pennellate
immediate e corpose e datato al 1584-85, gli anni del laboratorio del
"vivo". Il quadro è venuto meno perché secondo il principe Colonna i
visitatori devono andarlo a vedere nella galleria romana, come la
grande lunetta "Paesaggio con la fuga in Egitto" deve essere vista
nella galleria Doria Pamphilj. La lunetta, commissionata dal potente
cardinale Aldobrandini, appartiene alla supremazia dell'invenzione.
Qui il paesaggio con molti riferimenti alla campagna romana e ai
monumenti antichi (il Pantheon), occupa un inedito, importante ruolo.
Nota Riccomini: "Vi si avverte un sentore di solenne e composta
melanconia arcadica; che lascerà ampia e ben visibile traccia nella
pittura di paese, per un paio di secoli, e più". Annibale aveva fatto
entrare la natura nella pittura, ma tutto questo bisogna solo
immaginarlo.
A Roma manca anche la cosiddetta "Piccola macelleria" da Fort Worth,
Kimbell Museum of Art.
Ci sono invece "Un ragazzo che beve" da Zurigo, Nathan Fine Art (o
meglio ha bevuto, dato che il bicchiere è staccato dalle labbra e il
ragazzo sembra godersi il fondo veramente vuoto, con la preziosità da
parte di Annibale di rendere la porzione di faccia attraverso il vetro
trasparente e luccicante) . "Testa di uomo che ride" dalla Galleria
Borghese: le piccole dimensioni, 43 per 29 centimetri, e lo sfondo
giallo, esaltano il sorriso o ghigno. Curiosamente in un inventario
del 1790 era assegnato al Caravaggio. Fu Longhi a riportarlo ad
Annibale. In un "furioso amore per la vera grande pittura italiana",
l'incontro con Venezia, in particolare la "superba felicità cromatica"
di Paolo Veronese, rientra "Venere e satiro con due amorini" (o "La
baccante", degli Uffizi) che fa da copertina alla mostra. Una delle
più belle schiene e uno dei più bei fondo-schiena della pittura fino a
quando non si viene a sapere che a fare da modello per la schiena fu
il cugino Ludovico. Peggio che al centro di quella bellissima schiena
si scopra facilmente uno "sbrago" ricomposto della tela, lungo una
ventina di centimetri, un'antica offesa forse tardo settecentesca.
Purtroppo la ferita è ancora più visibile secondo certe inclinazioni
della luce. Non si pensa di rimetterci le mani perché il restauro "non
si muove" e un intervento significherebbe anche la ritelatura del
dipinto, operazione sempre con incognite.
Presente anche "Latona e i pastori di Licia" dal Castello episcopale
di Kromeriz: una Latona monumentale con il braccio alzato davanti ai
pastori della Licia. Con l'altro regge i neonati Apollo e Diana. La
gonna rosa, l'avorio del petto e della camicia sprizzano luminosità,
ma non ingannatevi: sta per trasformare i pastori in rane per punirli
di aver intorbidato l'acqua della fonte a cui voleva bere.
Al passaggio di Annibale verso un nuovo linguaggio aulico, appartiene
il "Ritratto di suonatore di liuto" (forse identificato con Giulio
Mascheroni) e datato al 1593-94. Dalle collezioni del duca di Modena,
è finito come molti altri dipinti delle collezioni Farnese, nella
vendita a Dresda. Ha sempre colpito "per la sorprendente naturalezza
con cui l'artista coglie lo sguardo e i tratti del volto".
C'è anche la "paletta" di Santa Margherita dei Funari che nel 1599
aveva suscitato l'ammirazione del Caravaggio. "Paletta" per modo di
dire perché si tratta sempre di un dipinto di 2,39 per 1,34.
Nella piccola Annunciazione dal Louvre (1593-1596), Maria è intenta ad
una operazione molto più naturale e verosimile: il cucito, come
dimostra il cestino con il panno rosso, piuttosto che la lettura di un
libro di moltissimi dipinti dello stesso soggetto. Novità anche nella
"Pala di San Giorgio" dalla Pinacoteca di Bologna: Giovannino si è
letteralmente arrampicato sul trono di Maria in una nicchia, e
abbraccia il "cuginetto" Gesù mentre Maria sorride compiaciuta e con
la destra assicura Giovannino nei suoi equilibrismi. Ai piedi del
trono Giovanni Evangelista con i fogli del Vangelo e Caterina
d'Alessandria con la ruota dentata ridotta ad un moncone.
Triplice confronto sull'assunzione della Vergine, fra quella del Prado
con uno spiraglio di luce azzurrina (1590), della Pinacoteca di
Bologna (1592) e di Santa Maria del Popolo (forse 1601-1602) anche lei
solo a Roma. Pure collocata sull'altare della cappella, restaurata
come tutto il resto fra '95 e '97, la pala di Annibale è "schiacciata"
fra i due dipinti laterali del Caravaggio che sono nella testa della
gente anche per la storia del doppio rifiuto (forse operazione di
mercato dello stesso Caravaggio) e che Merisi dovette ri-fare in
diversa versione. La tavola rifiutata con la conversione di Saulo, che
è nella collezione Odescalchi, ha rivelato nel restauro colori
assolutamente sorprendenti. La mostra serve a rendere giustizia ad
Annibale per quella "estasi gioiosa" della Vergine.
La mostra chiude idealmente con un altro triplice confronto su "La
Pietà", il Cristo apparentemente sconfitto dagli uomini, ma trionfante
perché ha vinto il peccato. Forse proiezione di se stesso, mortificato
da un uomo, trionfante nell'arte. Sono "La Pietà" di Capodimonte,
1598-1600, una delle gemme del "classicismo monumentale" di Annibale,
ispirata alla "Pietà" di Michelangelo. Siamo al momento successivo,
alla separazione del gruppo michelangiolesco, quando Maria non ha più
la forza per sostenere il Cristo morto sulle ginocchia e allora il
corpo dal colore livido scivola a terra, sul sudario di un bianco
diverso, e la testa è riversa sulle ginocchia, sul blu della veste. Il
secondo è il gruppo delle "Tre Marie al sepolcro", del 1600 circa,
dall'Ermitage di Pietroburgo. Il terzo, il famosissimo gruppo delle
"tre Marie" dalla National Gallery di Londra, del 1603 circa o 1606
circa che potrebbe essere quindi una delle ultime prove impegnative di
Annibale.
Ma il vero finale della mostra è nelle vite parallele, solo umane,
Caravaggio-Annibale. Tutti e due della pianura padana, tutti e due di
vita molto corta. Caravaggio 37 anni, Annibale 49. Tutti e due
morirono malamente, il primo forse per una febbre, il secondo per le
conseguenze di una malattia nervosa. E Carracci esattamente un anno
prima del Merisi, il 15 luglio 1609. Caravaggio, prepotente,
arrampicatore sociale, si buscò una condanna a morte papale, ma fino
all'ultimo ebbe protettori potenti e complici che si disputavano i
dipinti. Annibale rispettoso della legge, noncurante di se stesso,
solo pittore fino al midollo, ebbe un protettore più padrone che
mecenate, il cardinale Odoardo Farnese. "Avido, avaro", miope,
incontentabile, quasi infantile, sfrutta Annibale come un "pittore di
corte d'altri tempi". Dalla fine del 1595 per una decina d'anni
Annibale dipinge per il cardinale quadri da stanza e pale d'altare,
copie, imitazioni, mentre procede, aiutato da Agostino e allievi,
nella progettazione e decorazione degli affreschi della grande
galleria, con una pittura mai prima vista a Roma dopo Michelangelo e
Raffaello. Tema l'unione dell'Amore celeste e dell'Amore terreno (con
al centro della volta il corteo del trionfo di Bacco e Arianna,
circondato da riquadri con grandi scene del mito), a celebrazione
differita delle nozze fra Ranuccio, fratello del cardinale, e
Margherita Aldobrandini, nipote di papa Clemente VIII. C'è
un'interruzione nei lavori della galleria? Annibale e Agostino possono
affrescare un ambiente più piccolo, il "camerino". Non ci sono pale da
fare, allora Annibale può dipingere paramenti sacri, decorare
stoviglie (e in mostra ci sono l'acquerello per una "pianeta" e la
"Tazza Farnese"). Annibale è ospite a Palazzo Farnese? In una
"stanzetta alli tetti", buona per i geloni di inverno e come forno per
l'estate.
Una lettera del 1599 ci fa scoprire che "Annibale Carrazzi non altro
ha del suo che scudi dieci di moneta al mese". Eppure "tira la
carretta tutto il dì come un cavallo, e fa loggie, camere e sale,
quadri, e ancone, e lavori da mille scudi, e stenta e crepa e ha poco
gusto di tale servitù". Ma tutto può cambiare con gli affreschi della
galleria . Nel maggio 1601, con notizia di poco posteriore
sull'"Avviso di Roma", viene completata la volta che è inaugurata, a
quanto sembra, alla presenza del cardinale Aldobrandini.
Gli affreschi proiettano Annibale al colmo della notorietà. Gli fanno
piovere complimenti dei personaggi che contano (come appunto il
cardinale Aldobrandini che gli assegna un "lauto premio" per il
piccolo dipinto del "Quo vadis?"), complimenti dei letterati (che
dettano mode e iconografie), dei colleghi artisti e commissioni,
commissioni, pubbliche e private. Tutto cambia, ma in peggio perché il
compenso di Odoardo Farnese ad Annibale, alla conclusione della volta
e poi delle pareti di una galleria lunga 20 metri, deve essere stato
misero, insultante. Secondo Giovanni Baglione 500 scudi. Allora il
mondo crolla letteralmente su Annibale che se ne stava fiducioso del
suo riscatto e che invece si sente umiliato nel valore di artista,
annichilito nell'unico lavoro in cui crede. Probabilmente Odoardo
Farnese ricattava Annibale autorizzandolo o no per le numerose,
lucrose, commissioni esterne. Per queste e per la galleria Annibale
aveva organizzato una potente, affiatata bottega con allievi come
Sisto Badalocchio, Lanfranco, Domenichino, Albani che diventeranno dei
grandi (mentre nel 1602 muore improvvisamente Agostino).
Anche Annibale crolla. Allora si chiamava malinconia, oggi
depressione, senso di inutilità esistenziale. I primi segni del male
si manifestano a fine 1604 costringendolo ad affidarsi
progressivamente alle mani degli allievi (e questo è un affascinante
"scavo" dei dipinti degli ultimi anni) fino all'abbandono. Nel 1608 si
impegna a lavorare in bottega almeno "dui ore ogni dì". Tutto finisce
nel 1609, a Roma. A tutti fu naturale che riposasse nel Pantheon.
Accanto a Raffaello.
di Goffredo Silvestri
Notizie utili - "Annibale Carracci". Dal 26 gennaio al 6 maggio. Roma.
Chiostro del Bramante, via Arco della Pace. Promossa dal Comune di
Bologna e dal Comune di Roma. A cura di Daniele Benati e di Eugenio
Riccomini. Catalogo Electa.
Orari: da martedì a venerdì 10-20; sabato 10-23; domenica 10-21 (la
biglietteria chiude un'ora prima). Pasqua domenica 8 aprile, lunedì
dell'Angelo, 25 aprile, 1° Maggio 10-21.
Biglietti: intero 9 euro; ridotto (martedì per tutti) 7; gruppo oltre
le 15 persone 7; ridotto scuole 4,50. Informazioni 06-68809035, fax
06-68213516
(24 gennaio 2007)  Torna su

