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Titolo: Simon Boccanegra alla Scala. Considerazioni su opera e rappresentazione

Per fortuna venerd� 7 maggio, pur in presenza di tensioni e proclamati
scioperi contro il famigerato decreto Bondi nel mondo dei teatri
musicali, l'ultima rappresentazione del Simon Boccanegra alla Scala c'�
stata. Come in occasione della Lulu di venerd� 30 aprile, prima
dell'inizio dell'opera � stato letto un comunicato dei sindacati che
informavano il pubblico delle motivazioni dell'agitazione, pur
confermando la rappresentazione dell'opera per rispetto agli spettatori
e alla musica. A differenza della Lulu, il comunicato � stato letto a
sipario aperto, presenti tutti i lavoratori (musicisti e maestranze)
schierati sul palcoscenico, che ostentavano un grande striscione contro
il decreto Bondi. Oltre a questa manifestazione, la rappresentazione �
stata caratterizzata dal fatto che tutti, musicisti e maestranze, nel
corso dello spettacolo, portavano sul petto una coccarda gialla per
significare che l'agitazione era in difesa della cultura; e che i
cambiamenti di scena venivano effettuati a sipario aperto, in modo che
il pubblico potesse essere coinvolto anche nel lavoro, meno appariscente
ma altrettanto importante di quello dei musicisti, dei tecnici e degli
operai. La richiesta di solidariet� rivolta al pubblico ha avuto un buon
successo, con applausi ripetuti, anche se qua e l� si sono sentiti dei
segnali di dissenso. Per la cronaca, la coccarda gialla, durante lo
spettacolo era indossata anche da alcuni dei cantanti: Placido Domingo,
Massimo Cavaletti, Ernesto Panariello e Alisa Zinovjeva, oltre che dallo
stesso Barenboim. Non la indossavano Ferruccio Furlanetto, Fabio Sartori
e Anja Harteros.
E ora l'opera: essa �, assieme al Don Carlos, una delle opere
"politiche" della maturit� di Verdi. Come nei romanzi storici che si
rispettano, vicende politiche e vicende private si intrecciano per dar
luogo al dramma che rappresenta la sostanza della vicenda. Ma a
differenza del Don Carlos, il cui libretto � tratto da un importante e
ponderoso lavoro teatrale di Schiller, e quindi si avvale di un
contenuto drammaturgico molto ben strutturato, il Simon Boccanegra,
tratto dal lavoro di un drammaturgo spagnolo "minore", Antonio Garcia
Guti�rrez (lo stesso del Trovatore), presenta degli squilibri e della
contraddizioni che rendono la vicenda in pi� punti oscura. 
Sono note le peripezie dell'opera: composta nel 1857 su libretto di
Franco Maria Piave, e rappresentata a Venezia lo stesso anno, registr�
un fiasco che convinse Verdi a considerare l'opera "persa" ai fini della
propria fama. Nel 1881, tuttavia, su insistenza di Ricordi e con l'aiuto
di Arrigo Boito il compositore vi ritorn� sopra, facendo alcune
modifiche sia nella struttura drammaturgica, sia nella musica. Questa
volta l'opera fu accolta favorevolmente alla Scala; ma il suo vero
grande successo internazionale si svilupp� quasi un secolo dopo, a
seguito della rappresentazione scaligera del 1971 diretta da Abbado, con
la regia di Strehler e le voci di Piero Cappuccilli, Mirella Freni e
Nikolaj Ghiaurov. La cosa pi� strabiliante di quest'opera � che, pur
nelle incertezze del libretto e della narrazione della vicenda, Verdi,
secondo me, � riuscito con una musica densa, intensa, diretta, e con una
appropriata distribuzione delle arie e dei brani d'assieme, a dar luogo
a un lavoro sicuro, coinvolgente, e nel complesso a un'opera di grande
bellezza caratterizzata da una drammaturgia, oserei dire, intensamente
verdiana.
A differenza del Don Carlos, gli intrighi privati che si sviluppano
all'interno della vicenda politica non sono prettamente quelli di un
rapporto amoroso. Certamente, una storia d'amore esiste (fra Amelia e
Gabriele Adorno), ma non ha certo l'intensit� e la drammaticit� di
quella fra Don Carlos ed Elisabetta. Gli aspetti privati che si
intrecciano straordinariamente con le vicende politiche nel Simon
Boccanegra riguardano soprattutto il rapporto del padre con la figlia,
di questa con il nonno e dei due uomini fra loro, rappresentanti,
nell'opera, degli interessi contrastanti dei plebei e dei patrizi. E a
seguito di questa contesa, che riguarda la Genova del XIV secolo, la
Genova dei Dogi (Simon Boccanegra � stato proprio il primo doge genovese
eletto a vita), la Genova che ha acquistato una grande forza sui mari,
che contende a Venezia il controllo dei traffici col medio-oriente,
soprattutto i traffici con la Grecia, la Turchia e Costantinopoli, il
mar Nero (proprio all'inizio della seconda scena del primo atto il Doge
ricorda questi eventi al consiglio in seduta plenaria), si sviluppa una
vera e propria guerra civile. 
La pacificazione, obbiettivo principale di Simone, avverr�, nell'opera,
attorno al personaggio di Amelia e al suo riconoscimento e, alla morte
del doge, al passaggio della carica al patrizio Adorno, suo marito.
Naturalmente appare evidente la natura provvisoria di questa
pacificazione. Quando Fiesco proclama al popolo che il nuovo doge sar�
Gabriele Adorno, il popolo risponder� con un grido unanime: Simon
Boccanegra! Cio�, nonostante gli auspici e gli sforzi di Simone, il
solco fra plebei e patrizi rimarr� aperto.
Da un punto di vista del libretto vale la pena di individuare una serie
di elementi di debolezza, nel trasferimento dal lavoro teatrale di
Guti�rrez, che neppure con l'intervento di Boito nel 1881, � stato
possibile correggere.
Anzitutto  vi � un eccessivo numero di colpi di scena. Se ne possono
elencare almeno sei nel corso dell'opera fra i quali il riconoscimento
della figlia da parte di Simone, oppure il riconoscimento in Simone del
padre dall'amata da parte di Adorno proprio nell'attimo in cui sta per
ucciderlo, o alla fine, ancora il riavvicinamento di Simone e Fiesco nel
nome di Amalia-Maria, etc. Credo che un eccessivo numero di colpi di
scena anzich� sostenere e inasprire la tensione drammaturgica, finiscano
per diluirla.
Altro aspetto discutibile nel libretto dell'opera � l'eccessivo ricorso
a racconti per spiegare i fatti. Generalmente l'uso dei racconti ha la
funzione drammaturgica soprattutto per far capire agli spettatori le
vicende degli antefatti. Utilizzarli per spiegare situazioni interne
alla vicenda, non aiuta a chiarire gli eventi, e in questo caso neppure
le molte incongruenze che si osservano nella trama: per esempio, dopo il
reciproco riconoscimento di padre e figlia, la notizia viene tenuta
segreta, inducendo nella gelosia di Adorno un equivoco non
drammaturgicamente giustificato. Cos�, anche, dopo lo scontro che
avviene nel prologo, il rapporto fra Simone e Fiesco inspiegabilmente
cessa per 25 anni, per ricomparire e risolversi solo al momento della
morte di Simone.  Anche le sommosse, che culminano nella guerra fra
patrizi e plebei, emergono senza che nell'opera si cerchi di dare
qualche, anche sommaria, informazione su cause e meccanismi alla base
degli eventi
Come accennavo sopra, tuttavia la musica di Verdi riesce a
caratterizzare in modo straordinario i diversi personaggi, i loro
contrasti, il loro dolore, le loro speranze, e finalmente a intrecciare
le vicende private con lo sfondo degli eventi pubblici.
L'opera � incorniciata da due duetti: due splendidi duetti dei due
personaggi principali: Simone e Fiesco; un baritono e un basso.
All'inizio dell'opera i due protagonisti si scontrano rivelando il loro
carattere, le loro aspirazioni, i loro interessi. Nel duetto nel finale
dell'opera, il cerchio aperto venticinque anni prima, e significativo
della lotta fra patrizi e plebei, si chiude col ritrovamento della
figlia-nipote e l'intreccio familiare che ne deriva. Fiesco � il
patrizio orgoglioso, tenace, strenuo e inflessibile difensore della
famiglia e della classe di appartenenza. Egli, per raggiungere la sua
vendetta rifuggir� dai mezzi meschini offertigli da intriganti
traditori. La vendetta che lo spinge contro Simone � s�, di tipo
familiare (Simone � accusato di avergli sedotto la figlia), ma nello
svolgimento dell'opera si manifesta soprattutto come il revanscismo dei
patrizi sconfitti dall'elezione a Doge del plebeo Simone. 
La musica che lo caratterizza, � una musica solenne, rigida, priva di
sfumature: cos� lo conosciamo nel prologo, quando piange la figlia morta
(bellissima aria accompagnata da un coro triste fino alla disperazione)
e quando inveisce contro Simone e la sua colpa nel duetto iniziale; ma
cos� lo ritroviamo nel duetto finale quando, dopo lo scontro iniziale,
alla rivelazione di Simone che Amalia non � altri che Maria, la nipote
perduta, percepisce come la sua rigidit� di nobile l'ha indotto in un
crudele errore, e rivolgendosi a Simone, sempre con l'orgoglio che non
l'ha mai abbandonato gli confessa: �Sento rampogna atroce fin nella tua
piet�!� Parole che nessun animo meschino avrebbe mai potuto pronunciare.
Simone � il carattere opposto: in lui i sentimenti e gli affetti
svolgono un ruolo decisivo: l'amore per Maria, la figlia di Fiesco; e
l'amore per Amelia-Maria, sua figlia. Ma anche l'amore per il suo
popolo, il popolo di Genova, del quale � Doge, e, per estensione,
l'amore per il popolo italiano. Simone � un vero uomo di stato, che
cerca di conseguire un ideale comune. Far� anche appello a una lettera
del Petrarca (invenzione di Boito, questa) per indurre il popolo alla
pace, e non riuscendoci uscir�, nella grande aria del finale primo,
nell'esclamazione: �Fratricidi! Plebe! Patrizi! Popolo dalla feroce
storia!� concludendola col grido: �E vo gridando: pace! E vo gridando:
amor!�. Questo appello ai sentimenti dominer� anche il suo comportamento
nei due duetti con Fiesco: nel primo Simone non esista a chiedere
perdono, addirittura inginocchiandosi, senza temere umiliazioni; nel
duetto finale, con gioia rivela a Fiesco il ritrovamento della figlia,
che � la condizione per la loro riappacificazione. E in questo suo
cercare il perdono dell'amico-avversario c'� il riflesso dei suoi
tentativi di pacificare i contrasti civili fra le classi, come si �
visto. Anche per Simone, Verdi ha offerto una musica che lo caratterizza
in modo formidabile: la dolcezza o la forza delle sue arie e dei suoi
interventi negli ensemble sono di grandissima eloquenza.
Due personaggi contraggono rapporti fondamentali con i protagonisti per
lo sviluppo degli eventi: uno � un personaggio positivo: Amelia.
L'altro, Paolo, � un personaggio losco, che qualcuno potrebbe paragonare
a Iago. Entrambi i personaggi entrano a diverso titolo, interferendo
nelle vicende private dei due protagonisti, nelle vicende politiche
generali influenzandone il decorso. Amelia � una dolce fanciulla.
Nell'opera ci viene presentata all'inizio del primo atto mentre canta
un'aria di sapore marino nel giardino dei Grimaldi. L'incontro col padre
� commuovente, ma la sua dolcezza non esclude anche una certa forza di
carattere: si schiera col padre, ma non intende rinunciare al suo amore
per Gabriele, nonostante sia un nemico; e quando viene rapita riesce a
liberarsi da sola risolvendo una situazione intricata. La musica ne
descrive bene il carattere. Paolo ci viene presentato subito all'inizio
dell'opera mentre assieme a un altro personaggio, Pietro (anch'esso
losco la sua parte: un capopopolo che vende i voti popolari da lui
controllati al miglior offerente), tesse l'intrigo per far eleggere doge
Simone. Lo troveremo alla fine della prima scena del primo atto, a
tessere un nuovo intrigo (il rapimento di Amelia) sempre in accordo con
Pietro. Paolo per questo suo carattere non ha arie sue: gli � affidato
un racconto nel prologo (la storia di Maria Fiesco tenuta reclusa dal
padre), ed entra soprattutto in brani d'assieme. La musica che lo
descrive ha un carattere poco melodico, soprattutto singhiozzante nei
toni bassi, con una tinta di mistero che descrive molto bene le
intenzioni intriganti dell'uomo.
Gabriele Adorno, l'innamorato di Amelia, il successore (alla fine
dell'opera) di Simone come doge, pur avendo un ruolo musicalmente
importante (ha anche un'aria propria, oltre ai duetti con Amelia e con
Fiesco), drammaturgicamente si colloca come un personaggio di contorno.
L'ambiente: come si � detto l'opera � definibile come storico-politica;
� comunque rilevante, anche dal punto di vista musicale, che si svolga a
Genova, repubblica marinara per eccellenza: non a caso il primo doge
eletto, Simone, � un corsaro dei mari, responsabile di vittorie contro
vascelli nemici; e il mare, col suo profumo, la sua fresca brezza entra
rievocato per ben due volte nell'opera: all'inizio del primo atto,
nell'aria di Amelia, e nel terzo atto quando Simone, ormai preda del
veleno, esce sulla riva a cercare un po' di refrigerio, prima di
incontrare Fiesco e dar luogo al duetto conclusivo.
L'opera, nonostante le incongruenze drammaturgiche descritte, � molto
bella, e gli intrecci fra vicende private e vicende politiche, le
tensioni che ne risultano, le attese che ci coinvolgono, gli scontri fra
avversari e le soluzioni alle quali si giunge coinvolgono lo spettatore
dall'inizio alla fine.
La rappresentazione. Nel complesso mi � sembrato che la rappresentazione
abbia cercato di valorizzare gli aspetti pi� significativi dell'opera.
La regia � stata soprattutto attenta a una ricostruzione dell'ambiente
che richiamasse sia la natura marinara della repubblica, sia gli aspetti
storici degli eventi narrati. Per quanto riguarda il lato ambientale, ad
esempio nel prologo si muovono marinai alle prese con le gomene che
pendono dagli alberi di alcune navi; nel primo atto, ai lati di Amelia
che canta la sua aria nel giardino dei Grimaldi, vengono agitati teli
azzurri che rappresentano simbolicamente i flutti marini; negli altri
atti, soprattutto nel terzo, gli esterni hanno uno sfondo vuoto di color
azzurro pallido, per dare il senso della distesa che circonda la citt�.
Per quanto riguarda il lato storico, lo si pu� osservare nei costumi,
assai ricchi ed eleganti, con evidenti distinzioni fra gli abiti dei
patrizi e quelli dei popolani; e nel mobilio degli interni, ridotto
all'essenziale ma con chiari riferimenti trecenteschi. I movimenti dei
cantanti e della masse corali seguono abbastanza rigorosamente le
didascalie del libretto. Insomma, quella che ho visto sul palcoscenico
scaligero si potrebbe definire una regia molto tradizionale, con
tendenza alla essenzialit� delle scene.
La direzione orchestrale � stata di buon livello, senza, a mio avviso,
eccedere. Forse mi � sembrata carente sul lato espressivo, affidando
soprattutto alle variazioni della dinamica le tensioni espresse dalla
musica, mentre il ruolo dei timbri e delle intersecazioni armoniche mi �
sembrato un po' appiattito.
Fra i cantanti la star della serata, e l'evento pi� atteso, � stato,
ovviamente, Placido Domingo nel ruolo di Simone. Domingo � un grande
cantante, e il passaggio al ruolo di baritono non mi � sembrato creargli
particolari problemi. La sua voce � brunita come tenore, e tale rimane
come baritono del quale tuttavia non assume fino il fondo la cupezza.
Nei due duetti con Ferruccio Furlanetto le differenze timbriche fra le
due voci sono molto ben avvertibili. Furlanetto � un interprete storico
del ruolo di Fiesco. Forse in questa occasione non ha avuto la
brillantezza che ho visto in altre occasioni in registrazioni video.
Anche la voce mi � parsa un po' deteriorata. Massimo Cavalletti nel
ruolo di Paolo, ha svolto il suo compito con la solita bravura che ha
manifestato in diverse altre occasioni. Molto bene, come c'era da
aspettarsi, ha cantato Anja Harteros, riuscendo a dare ad Amelia quel
ruolo di dolcezza, ma anche di determinazione del quale si � parlato
sopra. Nel ruolo di Gabriele Adorno, ottimo � stato anche Fabio Sartori,
che ha sfoderato una bella voce, chiara, pulita e appassionata l� dove
questo era necessario. Questi ultimi due sono stati i pi� applauditi dal
pubblico.
In conclusione, pur non avendo assistito a una esecuzione epocale, non
ho capito il motivo dei booo che hanno concluso la prima
rappresentazione. In compenso devo dire che l'opera ha confermato,
almeno a me, il suo interesse e la sua bellezza.
Saluti a tutti
Rudy
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rodolfo....@tin.it
http://www.dicoseunpo.it

 stata.
Grazie per la bella recensione.
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turdusmerula
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