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Titolo: Intervista con Goffredo Petrassi

La seguente intervista e' apparsa sulla Stampa di Torino e viene qui
riproposta per puro scopo divulgativo. 
ROMA 
I N un angolo del salotto della casa di Goffredo Petrassi - quella, da
anni, e sempre generosa di ospitalità e curiosità - sta una
quattrocentesca statua lignea di Giovanni Battista. Il braccio destro
alzato, l'indice puntato. "Un indice alato, come stesse per spiccare un
volo, verso l'ignoto".
Il compositore, nato il 16 luglio del 1904 a Zagarolo, a Roma è sempre
vissuto, dopo l'arrivo, leggendario ormai, a bordo di un carretto a
cavallo che portava in città il vino della campagna. Di Roma Petrassi è
rimasto l'ultimo genius loci : ancora partecipe, attento, elegante nella
propria discrezione, utile.
"Sono così vecchio che lei adesso approfitterà dei miei anni per chiedermi
come la musica è cambiata nel Novecento. E' mutato tutto, eppure il
mutamento non è arrivato alle radici. Le radici sono rimaste le stesse: la
necessità per l'uomo di avere la musica, la necessità del suono e della
sua organizzazione. Cambia la crosta dell'uomo, non la sua intima
essenza".
Che cosa ancora chiediamo alla musica?
"Di esprimere un mondo metafisico. Di portarci verso lo spirito attraverso
una dimensione fuori dal reale".
Finzione, sogno?
"No. Un irreale sostanzioso che sostanzia la nostra spiritualità. Mi sono
espresso male, o è chiaro?".
Nelle sue opere, è lampante. La musica è molto cambiata: il Novecento è
stato il secolo che ha creato la riproduzione del suono, i dischi,
l'ascolto passivo.
"Le facilitazioni che consentono l'immediatezza del consumo portano un
indubbio vantaggio materiale, un eccezionale sviluppo del mercato. Ma
portano anche un grande svantaggio per il cervello dell'uomo, che è
favorito nei suoi istinti meno attivi, che può non agire più. Resteremo a
bocca aperta a vedere i pochi altri che fanno. Che cosa considereremo un
valore sul quale valga la pena di impostare la propia vita, cervello,
muscoli e spirito? Basta, detesto parlare da vecchio, in negativo, come
chi ha consumato quanto era consumabile".
Ci sono state anche rivoluzioni linguistiche inaudite. 
"Un alfabeto e una sintassi, il sistema tonale e le sue regole, sono stati
sostituiti da altre logiche compositive, da altre tecniche di scrittura.
Che sono servite da grimaldello per passare da una condizione musicale a
un'altra. Lo studio della tecnica seriale ha preparato quanto è venuto
dopo. Le conseguenze più rilevanti si sono avute con la musica
post-seriale, che profitta di certi meccanismi messi a punto dalla musica
seriale. E' servita da trapasso per condurci verso qualcosa di non
convenzionale, come invece era diventata la musica tonale".
Aveva esaurito le sue possibilità poetiche, espressive?
"Per il gusto del tempo presente sì. Ma tutto può tornare sotto spoglie
diverse".
Che necessità ha oggi la società del compositore?
"Il compositore oggi è imbarazzato: tante sirene, possibilità, direzioni.
Sta a lui decidere, la società lo lascia libero: forse perché ne ha meno
bisogno. Pensa di poterlo sostituire con un disco, con un gran concerto di
musiche di repertorio".
Nel 1978 lei ha ricevuto il Premio Feltrinelli per la Musica
dell'Accademia dei Lincei. Iniziò il suo discorso citando Pasolini:
"Ebbene, ti confiderò, prima di lasciarti,/ che io vorrei essere scrittore
di musica,/ vivere con degli strumenti...". 
"Comporre poesia vivendo tutta la realtà: il vissuto, il sensibile.
Nutrirsi della vita e di tutte le cose, questo Pasolini immaginava fosse
il comporre. E lo è, perfettamente detto. E il primo destinatario della
tua musica sei tu stesso, il tuo alter-ego riflesso nello specchio, la tua
coscienza testimone dei fatti".
Musica colta e musica popolare: il nostro secolo ne ha accentuato la
separazione, nella composizione e nel consumo.
"Meglio le può rispondere un sociologo della musica, o un esperto del
settore vendite. Un ricordo, uno soltanto: a Napoli c'era ogni anno il
Festival di Piedigrotta, che corrispondeva, grosso modo, all'attuale
Sanremo. Ogni edizione, si stampava un fascicolo di nuove canzoni: se ne
vendevano a pile. Quelle canzoni portavano delle firme abbastanza
autorevoli. Non erano cialtroni, c'era gusto, selezione, molte parole
erano belle. Ma non amo questa piega che sta prendendo il discorso: prima
era meglio, ora è peggio. E' indubbio che la grande diffusione di un
prodotto può portare alla semplificazione del messaggio. Per obbedire al
concetto di comunicazione si arriva spesso a spogliarsi dell'intelletto,
della necessità di una creazione, rivolgendosi a tradizioni più spicciole,
più spendibili".
Nessuna nostalgia per un periodo, un luogo? Vivere a Vienna al tempo di
Haydn, Mozart, Beethoven, a Venezia con Vivaldi, a Lipsia con Bach...
"No, no, no! Si fermi. Ho vissuto nel mio tempo, mai avute nostalgie di
questo genere. Lei pensa che un musicista dovrebbe averne?".
Penso alla forza della memoria. Se preferisce: alla deriva dei materiali.
"Naturalmente esiste e ci condiziona. Frescobaldi l'ho particolarmente
amato, ma mai mi è passato in mente di rimpiangere il suo tempo".
Mentre, dalla Spagna di Franco alla Russia di Stalin, l'Europa e l'Italia
subivano le dittature, lei ha scritto "Coro di morti", su versi
leopardiani. Uno sguardo fermo, un mormorio senza speranza sulla disfatta.
"Eppure in quella partitura era presente il pensiero della vita. Che
cos'è, che cosa resta della vita in relazione alla morte che prevale? Le
implicazioni politiche del momento mi erano estranee; non mi interessava
affatto fare un pamphlet antifascista. E' stato un atto diretto e puro,
senza compromissioni. Avevo in testa un'inquietudine per la guerra
dichiarata, cercavo come meglio esprimerla in musica, senza ricorrere alla
protest-music. Avevo cercato qualcosa che sapesse dire i pensieri che mi
agitavano. L'ho trovato in Leopardi".
L'aristocratico Petrassi.
"Sì, lo dicono, forse perché ho scritto poco. Ma ho molto riflettuto, e
anche molto amato. Amavo l'opera che scrivevo, e l'amore non si può
dispensare continuamente".
Alcuni suoi allievi ricordano volentieri una frase che lei ripeteva
durante le lezioni: "Aria, lascia aria tra le parti".
"Il gusto personale mi impediva di attuffare un'idea dentro un'orchestra
che suonasse massiccia. Ho sempre amato una scrittura piuttosto leggera,
dove appunto possa circolare tra gli strumenti, soprattutto fra le idee
musicali, dell'aria".
E' un'idea più mozartiana che beethoveniana.
"Non è mica tra i miei autori preferiti, Beethoven... Trovo che è vero.
Del resto, ognuno si fa la propria tradizione, non bisogna accettarne una
come sacra, ma sceglierla. Tra gli autori della mia personale tradizione,
intesa come riferimento interiore, non c'è Beethoven. Qualche entità ha
stabilito che bisogna venerare Beethoven? Monteverdi mi è sempre stato più
vicino".
Frescobaldi e Monteverdi: lei appartiene alla generazione di compositori
italiani che hanno riscoperto la musica di Cinque e Seicento, prima
sopraffatta dalla tradizione dell'opera lirica.
"Ho vissuto in pieno quella temperie culturale, iniziata verso il 1920. La
ritengo una delle riscoperte più importanti del secolo, soprattutto per
noi italiani. Il ritorno all'antico preparava la modernità".
Guardarsi allo specchio e scoprire - può capitare - che una musica non è
figlia propria, non del tutto...
"Sì, ho avuto molti dubbi: questa partitura di chi è, chi l'ha scritta,
come se non mi riconoscessi. E' doloroso accettare il fatto che,
nonostante una fantasia un po' troppo sbrigliata, potessi non avere dei
punti di riconoscimento personali. Quando capita, bisogna prenderne atto.
Ho sempre predicato che l'artista non deve vivere di rendita. Diceva
Stravinskij: ''I compositori sono dei cani da tartufo''".
E trovano l'originalità? Nella musica, è quasi di moda negarla.
"L'originalità è un modo di essere naturale, non si apprende. Nel suo
lavoro l'artista non può essere sempre impennacchiato, deve stare anche in
pantofole, naturalmente. Voglio confessare un peccatuccio: qualche volta
ho fatto fare da cavia agli allievi. Certi problemi di tecnica ai quali
stavo lavorando e che mi assillavano, li proponevo, senza che lui se ne
accorgesse, a un mio allievo. Serviva a me capire come ne usciva lui.
Spesso occhi più semplici vedono meglio, e chi può ridarci gli occhi
semplici dell'inizio del nostro lavoro di artisti? Ma mi sembrava di
essere un ladro".
Quando si compromette, la semplicità?
"Quando diventi colto. La cultura, la conoscenza, modifica rapporti,
giudizi, sentimenti. In un certo senso può far perdere la purezza dello
sguardo, e bisogna allora trovare degli antidoti per conservare un certo
grado di ingenuità, che è assolutamente necessaria. E' indispensabile
all'artista poter sempre meravigliarsi e saper gestire la meraviglia".
Lei aveva diciassette anni quando ascoltò per la prima volta, a Roma, "Le
sacre du printemps". Rimase sconvolto dalla potenza di quella musica.
"Sì, letteralmente. E ogni volta che lo ascolto, il Sacre rinnova sempre
un'emozione interiore, anche se dopo tanti anni un po' affievolita. A
vantaggio di un'altra partitura di Stravinskij, La Sinfonia di salmi , che
non impallidisce. Emozione vera, consentita anche dal testo sacro e dalla
sua interpretazione. La mia - anch'io ho una certa consuetudine con questi
testi - era piuttosto un'interpretazione realistica, anche un po' barocca,
ridondante. La Sinfonia di Salmi mi ha aperto le orecchie e lo spirito,
consentendo un'interpretazione diversa, più libera. Si può scrivere un
Alleluja in pianissimo, in sordina. Non c'è bisogno delle trombe per il
Laudate Dominum , si può mormorare".
Di carattere sacro è anche la sua ultima composizione, un "Kyrie" per coro
e archi, una pagina che ha voluto dedicare alla memoria di Fedele d'Amico. 
"Appena cinque minuti, ma per me di grande soddisfazione. Il mio congedo,
come compositore, è stato sommesso, intenso, concentrato, tutto
confluisce, precipita su un'unica nota, un re. Non ce n'era alcun bisogno,
solo l'urgenza della fantasia. E' l'unico mio pezzo che sia stato bissato:
dura poco, non ho disturbato troppo".
Altre rivelazioni, dopo il "Sacre" e la "Sinfonia di Salmi"?
"Il Wozzeck di Alban Berg a Roma nel 1942. Un fatto storico, in pieno
nazi-fascismo, fare Wozzeck come dei congiurati. Che coraggio".
I "Pensieri" di Pascal sono sempre a portata di mano?
"Le moi haissable, l'io detestabile. Altro che, ora come sempre".
Il maestro accompagna alla porta, attende che l'ascensore arrivi al piano.
Improvvisamente, prima del saluto, ripensa a quell'indice alato.
"Lo intravedo appena ormai, gli occhi se ne vanno. Ma lo conosco, lo sento
bene. Che cosa vorrà indicare? Cose spaventose che ci attendono, oppure la
salvezza? Io l'ho cercata scrivendo musica".

		[...]
Grazie, Davide, per aver avuto la pazienza di trascrivere (con l'
aiuto dello scanner?) questa intervista. Ovviamente niente di nuovo
per me che ebbi occasione di sentire concerti diretti dal Maestro e
sue musiche negli anni '60 a Roma ed assistere al Conservatorio di
Milano nel 1994 ai festeggiamenti per i suoi 90 anni, ma č importante
che un documento di tale spessore culturale sia in un NG chiamato
it.arti.musica.classica!
Spero di poterti considerare insieme al sottoscritto ed al direttore
di Amadeus Duilio Courir tra i convinti sostenitori della nomina di
Petrassi a senatore a vita: coraggio, continuiamo ad insistere almeno
finchč non compie i 100 anni!
LUX
P.S. Ma 1 indirizzo senza SPAM non ce l' hai?...

riproposta per puro scopo divulgativo. 
Ne approfitto di questo post su Petrassi per chiedere se qualcuno
conosce un'incisione di un suo duetto per flauti... purtroppo non so
dare altri dettagli perchè non conosco il titolo del brano... so solo
che è magnifico.
Lore
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Lorenzo Nencini
Cecina - Italy
nen...@mail.multinet.it