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Titolo: Il virtuosimo....

Quante volte ci siamo sentiti raccontare della vacuità di certe pratiche
musicali, pratiche che nulla concederebbero al significato,
all'espressività e all'evocazione.
E' il caso, naturalmente, dell'uso della coloratura nel bel canto o dello
stereotipo "galante" del primo settecento.
Io però vorrei soffermarmi al caso della coloratura, per discutere un po' di
quanto questo mezzo sia stato abusato sì, ma soprattutto bistrattato e
frainteso nella sua ragion d'essere.
Basta pensare alle reazioni storiche di Lully, Gluck e Wagner ad una prassi
che da sempre è stata associata alla musica italiana.
Forse un po' avevano ragione, ma non nel negare l'uso di questa pratica,
tutt'al più nel volerne vedere corretto un certo abuso che effettivamente ne
snaturava l'aderenza alla situazione musicale del momento.
Voglio dire che, se la coloratura serviva ad esprimere certe situazioni,
sarebbe stato bene non utilizzare a tutti i costi anche in altri ambiti.
In questo i vari Lully, Gluck e compagnia bella avevano ragione ad averne le
scatole piene!
Resta il fatto che questo mezzo musicale, se usato con dovizia, tuttora
riempie il sottoscritto di sensazioni di vitalità e forza interiore ad ogni
ascolto.
E' bello sentire l'eroe che guizza in alto con la propria ugola nei momenti
più serrati della vicenda.
E' il virtuosismo che con la sua agilità e la sua forza ci descrive la
sicurezza o il  coraggio,  la furia o l'energia vitale di un eroe pronto
all'estremo sacrificio per il proprio amore o la propria patria.
E' un mezzo di vivificazione morale per le nostre figure musicali, che tanto
alimentano il nostro immaginario.
Quante volte ci siamo esaltati ascoltando gli eroi handelliani o rossiniani
piroettare, saltare e correre a destra e a manca con la propria voce
nell'estremo atto di valore, deliziando  il nostro animo ed infondendolo di
un grande senso di sicurezza.
Oppure le valorose figure verdiane, come un Manrico, ad esempio, trillare e
schizzare in alto sul do di petto per andare a salvare i propri affetti più
cari, commuovendoci nella consapevolezza di quanto alto è l'eroismo di chi è
pronto a rischiare l'esistenza per l'altro.
Bene, questo è per me il virtuosismo del belcanto, non una mera esibizione
di bravura del cantante, ma un tramite di valori e sentimenti forti sempre
positivi.
E' un'occasione per ricaricare le pile, nell'isegnamento di questi eroi di
come la vita è piena di momenti alti e di quanto le nostre sventure siano
veramente poca cosa di fronte alle terribili perizie affrontate con ardore e
invincibile coraggio da queste mitiche figure.
Un saluto da
Ottavio.

 scrisse:
->Quante volte ci siamo sentiti raccontare della vacuità di certe pratiche
->musicali, pratiche che nulla concederebbero al significato,
->all'espressività e all'evocazione.
->
->E' il caso, naturalmente, dell'uso della coloratura nel bel canto o dello
->stereotipo "galante" del primo settecento.
->
->Resta il fatto che questo mezzo musicale, se usato con dovizia, tuttora
->riempie il sottoscritto di sensazioni di vitalità e forza interiore ad ogni
->ascolto.
->Bene, questo è per me il virtuosismo del belcanto, non una mera esibizione
->di bravura del cantante, ma un tramite di valori e sentimenti forti sempre
->positivi.
Sono assolutamente d'accordo con te, a patto di limitare il discorso
alle opere dell'Ottocento.
Secondo il mio orecchio, infatti, nelle opere precedenti il 1750
(lascerei fuori Gluck e Mozart) il vocalizzo, il trillo, l'acuto erano
tutte infiorettature dettate dal concetto ILLUMINISTICO dell'arte in
cui l'abbellimento, purche' ci fosse, aveva parte preponderante
rispetto all'espressivita' del brano.
Voglio dire che - a parer mio - l'acuto o il trillo o il vocalizzo
hanno avuto per Handel o Vivaldi ben altro significato che per Bellini
o addirittura Verdi. Per i primi era un "must", con cui "abbellire"
qualsiasi aria, da chicchessia cantata, mentre per Bellini, Donizetti
e Verdi, e' vero, e' un po' come dici tu, anche se come ben sappiamo
anche li le improvvisazioni e le mode "belcantistiche" hanno lasciato
la loro impronta.
Noterei anche un fatto: per gli operisti dell'Ottocento il "buono",
l'"eroe" e' sempre un tenore o una soprano, ossia i due ruoli che
uniscono facilita' di emissione ai fini dell'abbellimento ed
emotivita' per l'ascoltatore
Saluti
Marco
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Marco Marcelli - Genova
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 rispetto all'espressivita' del brano.
Occhio che i passeggi e le diminuzioni erano di gran voga ben
prima dell'illuminismo!!!! (le ricercate di bassano, le arie
passeggiate di Kapsberger e prima ancora le variazioni di van eyck
e prima ancora....)
Sarai mica di quelli che pensano che la musica inizi con il barocco???
(scherzo)
saluti,
Massimo

 emotivita' per l'ascoltatore
Ma neanche per sogno.
Questo puo' forse essere vero da Bellini e Donizetti in poi, sicuramente
e' falso per Rossini, addirittura falsissimo in Pacini in cui spesso il
ruolo di cattivo era affidato al tenore! (E Pacini non era certo
l'ultimo operista rappresentato, ne' quello con fama di innovatore,
anzi!)
Rossini scriveva per le voci che si trovava sottomano. E non aveva
nessun problema a passare una parte dal soprano al mezzo, o dal mezzo al
tenore.
Bellini, d'altronde, nel comporre i Puritani allesti' due versioni
contemporaneamente, una in cui la protagonista era un soprano e una in
cui era un mezzo ( o quasi, dipende dalla categoria cui si vuole
attribuire la voce della Malibran), una in cui il cattivo Riccardo era
affidato ad un baritono ed una in cui era affidato ad un tenore.
Inoltre e' nota la predilizione di Rossini per le voci di mezzo, quella
del contralto, ad esempio, cui affida in travesti una grossa parte dei
ruoli da "giovane eroe", disdegnando del tutto il tenore.
La caratterizzazione tramite il timbro vocale e' una cosa che venne col
verismo romantico, e discendeva dall'idea che l'eta' piu' avanzata fosse
associata ad una voce piu' profonda. Per cui madri, padri, streghe, re e
sacerdoti furono affidati alle voci del mezzo, del baritono e del basso,
mentre i giovani innamorati furono collegati ai timbri chiari del
soprano e del tenore.
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Isidoro Ferrante            
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Dipartimento di Fisica      
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 emotivita' per l'ascoltatore
Come tutte le generalizzazioni, e' facile trovare controesempi.
In Macbeth il soprano e' cattivo (e il tenore non conta nulla).
-- 
Luca Logi - Firenze - Italy
ll...@dada.it

 e' falso per Rossini, addirittura falsissimo in Pacini
Ho parlato, infatti, di "Ottocento". Rossini vi appartiene, ma non certo -
almeno a parer mio - come formazione culturale.
E comunque il mio discorso non aveva certo l'aura dell'assolutismo. Se vuoi
riformulo il concetto: *TIPICAMENTE* per gli operisti dell'Ottocento il
"buono", l'"eroe" e' sempre un tenore o una soprano.
Meglio?
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 Meglio?
Ma non certo per ragioni di virtuosismo, che era l'assunto della tua
frase.
Anzi, a parte qualche personaggio femminile, la scrittura di Bellini e
Donizetti e' gia' terribilmente scarna rispetto a quella di Rossini.
Volendo si puo' pensare alla tendenza opposta: man mano che il secolo va
avanti, le sempre piu' pressanti esigenze di realismo portano i
compositori a diminuire la coloratura nella vocalita' e contestualmente
si afferma la caratterizzazione timbrica dei personaggi. 
La scrittura virtuosistica tende invece ad idealizzare i personaggi, per
cui non ha importanza se l'amoroso ha voce di tenore, o di basso, o
persino di donna. 
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 persino di donna.
Non importa, certo, ma forse anche per facilita' tecniche i virtuosismi sono
affidati SPESSO a tenori e soprani.
E poi bisogna vedere cosa si intende per virtuosismo (e qui - per dirla come si
dice a Genova - vengo nel tuo "caruggio"): un ruolo di basso che debba sfiorare
tessiture da tenore e' o non e' virtuosismo?
Marco Marcelli