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Titolo: [TAORMINA] Gli ultimi giorni

HOPELESS
La Nuova Zelanda ci ha dato Peter Jackson e -per chi apprezza- Jane Campion, ma 
per il momento non sembra di intravedere figure in grado di completare il 
triumvirato. Difficile soprattutto che vi entri, se si deve giudicare da 
“Hopeless”, il ventisettenne Stephen Hickey, laureato in psicologia e filosofia, 
imprenditore e coautore -prima di questo esordio cinematografico- di una 
commedia teatrale intitolata “The Fridge”. Storia di amori e nevrosi, di 
amicizie che rischiano di diventare qualcos’altro, di invidie e gelosie, 
“Hopeless” mette fondamentalmente in scena una chiacchiera continua che deve 
sicuramente qualcosa a materiale come “Amore e altre catastrofi” (citato quasi 
esplicitamente da un personaggio che annuncia di voler vedere un film i cui 
protagonisti parlino dei loro film preferiti) e ad altri recenti film di sesso e 
sentimenti. Tutto ruota attorno a Ben (l’attore, Phil Pinner, sembra un clone 
kiwi di Hugh Grant e dal modo in cui recita si direbbe esserne stato informato), 
nevrotico romantico deciso a inseguire una attraente brasiliana che gli sfugge, 
tentato dalla migliore amica che e’ in crisi col fidanzato, braccato dalle 
avance continue e inesauste di Trish. I pensieri e le fantasie del protagonista 
sono visualizzati sullo schermo, un effetto che aveva un senso in “Billy il 
bugiardo” ma che in questo contesto sembra poco piu’ di un mezzuccio per dare 
una parvenza di interesse a una storia che ne e’ priva. Qualche sorriso c’e’: 
gli attori sono simpatici e la sottotrama dell’amico complessato dal confronto 
con una specie di uomo perfetto offre qua e la’ qualche appiglio che potrebbe 
anche autorizzare lo spettatore piu’ indulgente a non utilizzare il titolo del 
film per giudicarlo.
SCARFIES
I cosiddetti “scarfies” sono coloro che portano la sciarpa -indumento 
prediletto, se dobbiamo dar credito alle note di produzione, dai tifosi di rugby 
e dalle matricole universitarie. Il nomignolo indica, in questo caso, cinque 
giovani studenti che all’inizio del film si impadroniscono di una casa 
abbandonata e ne fanno la loro residenza attratti dal fatto di non dover pagare 
l’affitto -avendo per giunta l’elettricita’ gratis, visto che per motivi 
inspiegabili i fili non sono stati tagliati. C’e’ sotto qualcosa, naturalmente, 
e lo si scopre coi protagonisti a circa mezz’ora dall’inizio: chiusa da una 
porta blindata, la cantina e’ stata adibita a serra e ospita una lussureggiante 
coltivazione di marijuana che, con qualche discussione, il quintetto decide di 
vendere. Solo che a un certo punto ricompare il legittimo proprietario di casa e 
piantagione, comprensibilimente irritato alla scoperta di cio’ che e’ successo: 
i ragazzi riescono a intrappolarlo nella cantina ormai vuota, ma si trovano poi 
a dover decidere cosa fare di lui. E piu’ o meno gradualmente spunta l’idea di 
sbarazzarsene. Distinto abbastanza nettamente in tre blocchi, “Scarfies” parte 
come commediola universitaria, sterza verso il thriller grottesco quando il 
tizio viene catturato e rivela nell’ultima mezz’ora ambizioni di parabola 
morale: l’ipotesi di condannare a morte lo scomodo intruso viene messa ai voti 
fra i cinque protagonisti, e la sceneggiatura propone abbastanza esplicitamente 
il dubbio che la decisione a maggioranza -piu’ che salvaguardare la 
democraticita’- sia un metodo per dividere il peso della responsabilita’ di una 
scelta difficile. Girato con sorprendente padronanza del mezzo dal ventiseienne 
Robert Sarkies, anche coautore della sceneggiatura assieme a suo fratello 
Duncan, “Scarfies” perde qualcosa a causa di questa indecisione nel tono da 
prendere: ma bisogna ammettere che il dilemma e’ raccontato con partecipazione 
sincera, sfiorando qua e la’ riflessioni tutt’altro che ovvie, e che il finale 
riesce a sciogliere il nodo in modo forse non credibilissimo dal punto di vista 
narrativo ma senza scorciatoie morali.
GANGSTER N° 1
Va bene che i facili entusiasmi sono sempre da stigmatizzare, ma se si tornasse 
indietro nel tempo non sarebbe bello riconoscere fin da “Il bacio 
dell’assassino” il talento di Stanley Kubrick? Senza escludere la possibilita’ 
di essere smentiti dai film che verranno, vale la pena di azzardare qualche 
paragone illustre per questo Paul McGuigan, anche lui proveniente dalla 
fotografia e impegnato fin dal primo lungometraggio (che in realta’ e’ un’opera 
seconda, dato che segue i tre corti riuniti sotto il titolo “The Acid House”) a 
ridefinire le regole di un genere classico come il gangster movie. Raccontato 
quasi tutto in un lungo flashback, “Gangster N° 1” si presenta come l’ennesimo 
percorso di ascesa e poi caduta di un boss del crimine: salvo poi scivolare con 
progressione impercettibile verso una storia di invidia, emulazione e 
solitudine. C’e’ molto di kubrickiano nel film -checche’ ne dica il regista 
stesso, che ammette solo di aver utilizzato Malcolm McDowell pensando all’Alex 
di “Arancia meccanica” e di aver fatto ricorso al suo sguardo in tralice poi 
ricomparso sui volti di Jack Nicholson e Vincent D’Onofrio: la fascinazione 
anche filosofica della violenza; il ricorso virtuosistico a obiettivi 
deformanti, alla profondita’ di campo e a pan-focus spettacolari -per non dire 
di una scena di tortura sorprendentemente vicina al pestaggio di Patrick Magee 
da parte di Alex Burgess. E la totale assenza nel protagonista di qualsiasi 
genere di empatia fa pensare al protagonista del romanzo “Il profumo”, che 
tento’ a lungo il talento di Kubrick senza mai arrivare alla fase di produzione. 
Ma esaurita l’esegesi delle fonti, “Gangster N° 1” resta in piedi come opera da 
vedere, rivedere e magari studiare: per lo spessore celato dietro la semplicita’ 
solo apparente della trama -tratta, e non ci se ne accorge- da una piece 
teatrale, per le battute fiammeggianti (vogliamo scommettere che tra cinque o 
dieci anni le rileggeremo sulle magliette?), e soprattutto per una capacita’ 
straordinaria di raccontare per immagini. Kubrick se ne e’ andato per sempre, e 
non ci resta che rimpiangerlo: ma questo Paul McGuigan sembra intenzionato a 
fare il possibile per consolarci.
TOBIA AL CAFFE’
Sembra un’oasi felice di sereno oblio, il “Caffe’ delle Palme”, ritrovo elegante 
gestito dal bonario Renato Scarpa e ai cui tavoli serve Giuseppe (Roberto 
Citran), affabile cameriere  nel cui passato si indovinano esperienze criminose 
definitivamente archiviate: il tempo sembra non passare, e da un tavolo 
all’altro si riconoscono sempre i vecchi clienti affezionati e pittoreschi di 
un’epoca agli sgoccioli. E invece il tempo non si ferma, e la realta’ esterna 
inizia a incalzare il rassicurante microcosmo -che nel frattempo e’ diventato 
per il piccolo Tobia uno scudo contro la necessita’ di crescere e maturare, 
affrontando finalmente la vita. Con “Tobia al caffe’”, Gianfranco Mingozzi si 
allontana di un altro passo dal realismo dei suoi esordi nel documentario e 
della sua filmografia, senza pero’ rinunciare al tema del personaggio 
emarginato, o anticonformista, o ribelle: il film punta decisamente al 
simbolismo fiabesco, e procede a contemplare il progressivo decadere del locale 
e il suo aprirsi all’invasione prima di un’orda di giovinastri e infine di 
un’intera squadra di barboni e senzacasa. La contaminazione di questo luogo 
ideale da parte di una realta’ che per Mingozzi e’ minacciosa ma anche prova di 
vitalita’ procede parallelamente all’esistenza di una realta’ fantastica inclusa 
in un quadro affisso nel locale, un quadro in cui Giuseppe, Tobia e Annette -la 
ragazza di cui il giovane si innamora- riescono a entrare per poter comunicarsi 
liberamente le proprie emozioni. Tratto da un racconto di Marco Lodoli, il film 
funziona purtroppo solo a sprazzi, quando riesce a cogliere una certa atmosfera 
sospesa e gentile, quando abbandona le parole per abbandonarsi alla musica -il 
malinconico ballo di Tobia con una cliente del bar e’ un pezzo capace di 
commuovere: ma per il resto i significati simbolici restano in superficie, la 
giovane generazione e’ descritta con un’approssimazione paternalistica che non 
fa onore agli autori, lo sforzo verso la poesia rimane un mesto poeticismo di 
Interesse Culturale Nazionale.
2000 AND NONE
A pochi mesi da “Last Night”, ecco un nuovo film canadese centrato sull’idea 
della morte imminente e di come ci si comporta quando si sa di avere i giorni 
contati. Diretto con stile impassibile dall’armeno Arto Paragamian, “2000 and 
none” racconta l’ultimo mese di vita del paleontologo John Turturro che si 
scopre affetto da una malattia misteriosa e incurabile. L’audacia dell’idea di 
base del regista -la cui ambizione dichiarata e’ di ristabilire la naturale 
inevitabilita’ della morte- e’ temperata dalla scelta di raccontare la storia in 
chiave di commedia: in un mondo sempre piu’ impegnato a rimuovere il concetto 
stesso della fine fisica, il povero Turturro si sforza di affrontare la fine 
imminente con umorismo accettando e cercando di farlo accettare all’ex moglie e 
agli amici che vorrebbero ricoverarlo in ospedale per accertamenti ormai 
inutili. Mentre il tempo stringe, il personaggio tenta di togliersi qualche 
sfizio, di ottemperare in modo tragicomico alla promessa mai rispettata di 
riportare in Armenia le ossa dei genitori, di creare qualche enigma inspiegabile 
per i colleghi paleontologi del futuro remoto: il tutto mentre in ogni 
superficie riflettente gli compaiono i flash-back di tutta la sua vita passata, 
filmini in bianco e nero e sempre piu’ accelerati, accompaganti perfino da un 
rumore di proiettore. Alle buone intenzioni non corrispondono certo risultati 
entusiasmanti, anche se Turturro interpreta bene lo spaesamento del 
protagonista: le sue avventure lasciano abbastanza freddi senza riuscire a 
divertire piu’ di tanto, e la morte resta un mistero che il film non riesce ad 
esorcizzare. Troppo sopra le righe per essere preso sul serio, troppe mezze 
misure per arrivare al grottesco.
FOREVER LULU
Diario di una schizofrenica americana, che fugge dall’istituto che la ospita per 
riallacciare i rapporti con l’amatissimo ex -mai piu’ visto ne’ sentito da una 
quindicina d’anni- per andare insieme a trovare un figlio comune di cui lui non 
sa nulla e che alla nascita era stato dato in adozione. Niente da prendere sul 
serio, comunque: esordio nella regia dello sceneggiatore John Kaye, “Forever 
Lulu” e’ un veicolo per due star non proprio di serie A come Melanie Griffith e 
Patrick Swayze e si iscrive senza tanti complimenti nel ritrovato sottofilone 
degli “weepie” -ossia i film da piangere- che con “Le cose che non ti ho detto” 
e “L’uomo che sussurrava ai cavalli” hanno dimostrato recentemente di poter 
rivitalizzare carriere un po’ asmatiche. Con questa debita premessa, il film e’ 
in grado di assolvere egregiamente all’esazione della lacrima facile e ci da’ 
dentro con musica nostalgica, tramonti fiammeggianti e perfino con la citazione 
cinematografica resa d’obbligo da Nora Ephron (il film di turno di cui i due 
protagonisti citano a memoria interi dialoghi e’ “Lo spaccone”). Fra rimpianto 
degli amori passati, le patetiche crisi di paranoia della protagonista, e 
l’incontro difficile col figlio che scopre solo a sedici anni di essere 
adottato, ce ne e’ abbastanza per far fuori decine di fazzoletti, sempre che si 
sia venuti per questo.
LOOKING FOR ALIBRANDI
Un fenomeno ricorrente osservato da chi studia i fenomeni sociolinguistici 
legati all’immigrazione e’ il ricorrere del seguente schema: la prima 
generazione incontra serie difficolta’ di integrazione nella nuova patria e 
cerca di risolvere il problema cercando di far educare i figli nella lingua 
locale -il piu’ delle volte evitando addirittura di parlare la lingua madre 
davanti a loro. Il passaggio si perfeziona coi nipoti, che crescono 
perfettamente indigeni ma a questo punto sentono il richiamo delle radici e 
spesso intraprendono lo studio della lingua originaria della famiglia. E’ questa 
la “Terza generazione” cui allude la traduzione italiana di “Looking For 
Alibrandi”, fenomeno editoriale in Australia -al punto di essere stato 
introdotto nei programmi scolastici come libro di narrativa: ed e’ a questa 
generazione che appartiene l’autrice Melina Marchetta, originaria guarda un po’ 
di Taormina, dove il film e’ stato appena presentato. Data la scelta di affidare 
la sceneggiatura alla stessa autrice del libro, la neoregista Kate Woods deve 
limitarsi a mettere in scena il libro con la massima fedelta’ possibile: ma il 
risultato e’ qualcosa di piu’ che una onesta illustrazione. Se e’ vero che la 
regia e’ prima di tutto scleta e direzione degli attori, bisogna dare credito al 
film di sfruttare bene un cast scelto con attenzione per dare vita a un 
credibile conflitto fra le tre generazioni di donne che si dividono la scena: e 
quindi la piccola protagonista e’ l’italoaustraliana Pia Miranda, sua madre e’ 
Greta Scacchi (nata in Italia ma cresciuta fra Australia e Inghilterra -e dotata 
di un’aura internazionale che rende piu’ credibile certi collegamenti 
narrativi), e la nonna -Elena Cotta- e’ importata direttamente dall’Italia. 
Credibilissimo nei rapporti umani, attento a raccontare la comunita’ italiana di 
Sydney senza cadere nel bozzettismo e nel cliche’ -cosa non facile fra sagre del 
pomodoro e battute in siciliano antico- “Looking For Alibrandi” fa rimpiangere 
solo la scarsita’ delle invenzioni fantastiche utilizzate per visualizzare i 
pensieri della protagonista (immaginette animate, vetrate coi volti dei 
personaggi principali, sequenze girate nello stile dei film di spionaggio). Con 
una piccola spinta sull’acceleratore, invece di un’onesta commedia drammatica 
poteva uscirne qualcosa di memorabile.
CRIME AND PUNISHMENT IN SUBURBIA
Anche se il titolo dostoevskiano, come avvertono le note di produzione, e’ 
assolutamente intenzionale, chi si aspetta una riduzione aggiornata ai giorni 
nostri di “Delitto e castigo” rischia di non trovare pane per i suoi denti: come 
spiega il simpatico neoregista Rob Schmidt -che dopo averlo presentato Sundance 
Film Festival si e’ guadagnato la stima di Jonathan Demme- il film utilizza 
Dostoevskij solo come punto di riferimento ispiratore, in modo non dissimile da 
quanto avvenuto con il “Pickpocket” di Robert Bresson e in senso ancor piu’ lato 
con “American Gigolo” di Schrader. E’ comunque probabile che lo spettatore medio 
pensera’ -piu’ che alla matrice letteraria- alla suburbia raccontata dal 
fortunatissimo “American Beauty”: anche qui i giovani emarginati sono due, una 
protagonista che non sopporta piu’ il padre -ubriacone, fallito e pronto 
all’abuso anche sessuale- e un ragazzo timido che si rifugia dietro la 
fotografia e il collage e nel cui passato spicca una prodezza che costituisce il 
riferimento piu’ diretto al delitto di xxxxxxxxxxx. Il delitto commesso sara’ 
espiato dal colpevole per una sua libera scelta condizionata tuttavia dal 
rischio di vedere condannare un innocente, e il meglio del film sta proprio in 
questo meccanismo di catarsi quasi coatta, attraverso cui l’omicidio si rivela 
una valida via di uscita alla trappola della provincia profonda. Per il resto, 
da segnalare solo lo sforzo di comprendere anche i comportamenti di personaggi 
sgradevoli come quello che il regista affida al bravo Michael Ironside -da 
sempre relegato in ruoli di serie B e, si spera, alle soglie di una svolta 
professionale.
--
Posted from 62.11.121.153 by way of 
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 [216.122.102.2] 
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 LOOKING FOR ALIBRANDI
Ehi! (ma il titolo a cosa si riferisce?)
Van Cleef

Ehi! (ma il titolo a cosa si riferisce?)
:-)
E' il nome della famiglia italoaustraliana a cui appartiene la
protagonista...

riferimento piu’ diretto al delitto di xxxxxxxxxxx.
xxxxxxxxxxx=Raskolnikov, naturalmente

 xxxxxxxxxxx=Raskolnikov, naturalmente
Mi pare che si esageri con 'sta storia degli spoiler...
fffffff
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"E questo libro viene scritto da una macchina di carne in collaborazione
con una macchina di metallo e plastica."
La colazione dei campioni - K. Vonnegut