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Steve
CCO: Freddie Francis

 CCO: Freddie Francis
Dagli archivi (catalogo Fantafestival di un po' di anni fa)
Freddie Francis
        Nella filmografia schizofrenica di Freddie Francis i film come
direttore della fotografia sono ampiamente sopravanzati da quelli
firmati come regista, ma i due Oscar conquistati in quarant'anni di
onorata carriera riequilibrano la bilancia in favore della prima
disciplina: nel 1990, trent'anni dopo il premio per le immagini di Figli
e amanti (Sons and Lovers, 1960), l'Academy gli ha consegnato una
seconda statuetta per Glory-Uomini di gloria (Glory, 1989),  un drammone
sulla Guerra Civile americana che -nonostante gli osanna di molta
critica americana- si lascia vedere esclusivamente grazie alla
stupefacente fotografia. 
        La conferma dell'ambitissimo riconoscimento potrebbe aver avuto
un sapore amaro per un autore che per quasi trent'anni ha visto la
critica bistrattare i film da lui diretti. Racchiusa ermeticamente tra
due serate di gloria al Dorothy Chandler Pavillion, la prolifica
attività di Francis regista non ha lasciato traccia nella maggior parte
degli annali cinematografici: colpa certo del tradizionale snobismo che
da sempre emargina il genere orrorifico, di cui Francis è oggi
riconosciuto come un valoroso alfiere; colpa, forse, anche di tanti film
girati in fretta, senza guardar troppo per il sottile; colpa, infine,
anche di un carattere modesto, restio a darsi troppe arie e più incline
a descriversi obiettivamente come uno di quegli onesti artigiani che
costituiscono la vera ossatura della storia del cinema.
        Freddie Francis è nato nel 1917 a Islington, vicino a Londra. La
sua prima vocazione è l'ingegneria, ma già nel 1934 riesce a farsi
assumere come tuttofare negli studi inglesi della Gaumont, iniziando
come apprendista nella produzione di film industriali. Di studio in
studio, lavora a Stepperton ed Elstree per approdare a Pinewood dove
viene promosso sul campo assistente operatore: qualifica perfezionata
durante la guerra, che Francis trascorre nell'Army Kinematograph
Service, il reparto cinematografico dell'esercito. E' un'esperienza di
sette anni (1939-1946) che, alla fine del conflitto, induce Alexander
Korda ad ingaggiarlo come operatore alla macchina per Passione selvaggia
(The Macomber Affair, 1947).  Francis collabora in seguito alla
realizzazione di film come Carnefice di me stesso (Mine Own Executioner,
1947), passando subito dopo nell'equipe di Powell e Pressburger con The
Small Back Room (1949), La volpe (Gone to Earth, 1950), L'inafferrabile
primula rossa (The Elusive Pimpernel, 1950), I racconti di Hoffmann (The
Tales of Hoffmann, 1951). Oltre a Lord Brummel (Beau Brummel, 1954), in
questo periodo va ricordato l'incontro con John Huston che dopo aver
avuto Francis per Moulin Rouge (Moulin Rouge, 1953)  e Il tesoro
dell'Africa (Beat the Devil, 1953)  gli affida la direzione della
fotografia per la seconda unità di Moby Dick (Moby Dick, 1956).
        In questa veste, Francis firma titoli come La casa dei quartieri
alti (Room at the Top, 1958), Sabato sera, domenica mattina (Saturday
Night and Sunday Morning, 1960); la sua particolare sensibilità
cromatica va di pari passo con un uso realistico del bianco e nero che
gli vale un primo Oscar per Figli e amanti. Il premio fa sì che gli
vengano offerte diverse occasioni per esordire nella regia e la sua
prima scelta cade su Due più due fa sei (Two and Two Make Six, 1961),
una commedia abbastanza mediocre. Da questo momento in poi, con l'unica
eccezione di Grande rapina alla Torre di Londra (Traitor's Gate, 1965),
la sua produzione registica è interamente consacrata all'horror ed al
fantastico. La prima esperienza è quella di L'uomo che vinse la morte
(Vengeance, 1962), terza versione cinematografica del racconto di Curt
Siodmak Il cervello di Donovan.
        Dopo aver collaborato anonimamente a Il giorno dei Trifidi (The
Day of the Triffids, 1962), Francis avvia con Il rifugio dei dannati
(Paranoiac, 1963) un proficuo sodalizio con la Hammer Films: benchè
basato su una sceneggiatura assurda e piena di ingenue false piste, il
film rivela tuttavia una certa professionalità nella regia e nella
direzione degli attori (tra i quali spicca Oliver Reed nei panni di un
assassino psicopatico)  distinguendosi anche per una fotografia di
qualità non comune; si tratta comunque di un prodotto derivativo che,
assieme ai successivi (e peggiori) L'incubo di Janet Lind (Nightmare,
1963) e Hysteria (Id., 1964), si inserisce ufficialmente nel filone
thriller scaturito dal successo di Psyco (Psycho, 1960). Lasciano a
desiderare anche i risultati di La rivolta di Frankenstein (Evil of
Frankenstein, 1964): per i due episodi diretti da Terence Fisher, la
Universal aveva costretto la Hammer a reinventare completamente
l'aspetto della Creatura, spingendo indirettamente Fisher ad adottare un
approccio assolutamente originale; ma questa volta un accordo tra le due
case impone un'immagine della Creatura molto simile a quella concepita
da Jack Pierce per l'edizione con Boris Karloff. Ne esce, naturalmente,
un ibrido incapace di restituire tanto l'atmosfera di Whale quanto
l'originalità di Fisher e che per giunta soffre di una sceneggiatura
decisamente mediocre.
        E' probabile che il passaggio di Francis alla Amicus, la più
pericolosa tra le case che facevano concorrenza alla Hammer negli anni
Sessanta, si spieghi con l'insoddisfazione per le pellicole finora
dirette; certo è che la sua carriera ne trae un immediato giovamento
grazie al primo di una lunga serie di film horror ad episodi. In Le
cinque chiavi del terrore (Dr. Terror's House of Horrors, 1964) Peter
Cushing fornisce pretesto e tessuto connettivo a cinque storie imbevute
di humor nero interpretando un sinistro viaggiatore che usa i tarocchi
per predire un tragico destino a ciascuno dei suoi compagni di
scompartimento. L'operazione strizza evidentemente l'occhio ai fumetti
horror della E.C. Comics, sia nei temi scelti (un orrore ambientato per
lo più nel quotidiano) sia per la scansione in brevi storie
autoconclusive; e proprio ai Comic-Book di William Gaines Francis si
ispirerà direttamente per Racconti dalla tomba (Tales from the Crypt,
1972). 
        Costruiti su un impianto più tradizionale, i titoli successivi
sono collegati dal nome di Robert Bloch, autore del racconto che è alla
base di Il teschio maledetto (The Skull, 1965)  e sceneggiatore di La
bambola di cera (Psychopath, 1965), e di Il mistero dell'isola dei
gabbiani (The Deadly Bees, 1966), quasi certamente il peggiore tra tutti
i film di Francis. Nonostante l'apporto di Bloch si limiti al soggetto,
i risultati del primo film sono in effetti decisamente migliori; anche
se realizzato con un budget modesto che consente effetti speciali
piuttosto inefficaci, Il teschio maledetto  ha dalla sua le suggestioni
offerte a Francis dalla scenografia: tutto il film si svolge nel negozio
del protagonista, un antiquario che colleziona maniacalmente ogni tipo
di oggetti bizzarri e legati all'occultismo; infine, una lunga sequenza
praticamente muta chiude il film con un vero pezzo di bravura.
        Dopo la sfortunata esperienza fantascientifica di La morte
scarlatta viene dallo spazio (They Came from Beyond Space, 1966)  un
ottimo esito ha invece Il giradino delle torture (Torture Garden, 1967),
per il quale viene recuperata la formula del film a episodi e si rinnova
la collaborazione con Bloch. Anche questa volta quattro diversi episodi
sono uniti da un tenue filo conduttore: tocca a Burgess Meredith il
ruolo del misterioso dottor Diabolo, che nel suo museo delle cere rivela
a cinque sventurati visitatori quale sarà l'esito tremendo dei loro
desideri nascosti. Al di là del divertimento che scaturisce dalle
trovate felicemente bizzarre della trama, la pellicola vale per gli
esercizi di stile di Francis che dà ad ogni episodio un tono diverso.
Tra gli appassionati di gadget il film  viene ricordato anche per i
pacchettini di "Semi di terrore" distribuiti nei cinema a scopo
promozionale, per gli spettatori che avessero voluto coltivare il loro
proprio "giardino delle torture".
        Dopo questa esperienza, Francis torna con la Hammer per dirigere
Christopher Lee nella sua terza incarnazione del principe dei vampiri:
Le amanti di Dracula (Dracula Has Risen from the Grave, 1968), regge
bene il confronto con Dracula il vampiro (Dracula, 1958)  di Fisher
accentuandone leggermente gli aspetti erotici. Ma l'occasione non vale a
rilanciare il rapporto ormai esaurito tra il regista e la casa di
produzione di Michael Carreras; già per il suo film successivo, il
bizzarro e per noi inedito Mumsy, Nanny, Sonny and Girly (1969) Francis
si rivolge ad un'altra società. Continua però a dirigere un film dopo
l'altro; nel 1970 è la volta di Trog (Trog), che racconta i delitti di
un troglodita strappato ad una ibernazione plurimillenaria. Oltre che
per il fatto di aver chiuso infelicemente la carriera di Joan Crawford
Trog  ha anche il primato di aver a tal punto disgustato un giovanissimo
cinefilo americano da spingerlo a esprimere in una sceneggiatura la sua
sarcastica riprovazione per un prodotto così smaccatamente costruito
sullo sfruttamento di clichè ormai consunti: il giovane si chiama John
Landis e da quella esperienza nascerà il suo primo film intitolato,
eloquentemente, Slok (Schlock, 1971). In gergo, spazzatura. La
definizione si attaglia bene anche a Mezzo litro di rosso per il conte
Dracula (Gebissen Wir Nur Nachts - Happening Der Vampire, 1971),  quasi
un home-movie  di lusso che il produttore Pier Camminecci commissiona a
Francis come veicolo per le grazie della sua splendida consorte, la Pia
Dagermark che qualcuno ricorderà in Elvira Madigan (Id., 1967). Girato
in Germania, il film ha nel cast anche Ferdy Maine, il vampiro di Per
favore non mordermi sul collo (Dance of the Vampires, 1967) qui
impegnato a girare in un "Bat-copter". Dopo questa eseprienza, Francis
si affretta a tornare in Inghilterra per dirigere Il terrore viene dalla
pioggia (The Creeping Flesh, 1972), per molti il suo capolavoro. La
trama, maliziosamente accusata da qualcuno di essere frutto di un
collage alla Frankenstein di più sceneggiature diverse, ruota attorno ad
uno scheletro gigantesco che si ricopre di carne quando viene bagnato; i
Dioscuri dell'horror britannico, Peter Cushing e Christopher Lee, sono i
protagonisti nei ruoli contrapposti di uno scienziato che inietta alla
figlia un siero ricavato dal mostruoso reperto, ed un fratellastro che
provvede a bagnare lo scheletro trasformandolo in una creatura
innominabile.
        A dispetto dell'impressione che si può ricavare dalla trama, Il
terrore viene dalla pioggia non è solo uno degli horror più godibili di
tutto il decennio, ma anche un'opera che affronta a livello simbolico
tematiche complesse come quella della repressione emotiva imposta
dall'educazione britannica. Come ha scritto il critico Robin Wood, il
film esprime perfettamente "la squallida moralità borghese che affligge
tanta arte popolare inglese (e non solo inglese): e cioè l'equazione tra
il Male e ogni manifestazione di energia, o di aperta sessualità, con la
conseguente implicazione che ogni espressione spontanea di vitalità deve
essere punita senza esitazioni". Il tema delle costrizioni imposte dalle
convenzioni sociali ritorna, sia pure in secondo piano, nel già citato
Racconti dalla tomba, il cui tono già decisamente ludico diventa quasi
umoristico in Delyrious (Tales that Witness Madness, 1973), a tutt'oggi
l'ultimo dei film ad episodi di Francis e la sua ultima regia per la
Amicus.
        La sua filmografia include altri quattro titoli che l'autore non
ricorda volentieri e dopo i quali prende la decisione di dedicarsi
esclusivamente alla fotografia. In questa veste firma il magnifico
bianco e nero di The Elephant Man (Id., 1980), le raffinatissime
sfumature di La donna del tenente francese (The French Lieutenant's
Woman, 1981)  ed i cupi toni di Dune (Id., 1984). Torna alla regia dopo
dieci anni di silenzio con The Doctor and the Devils (1985), una
rivisitazione neoclassica dell'horror gotico basata su una sceneggiatura
scritta da Dylan Thomas nel 1940 (rielaborata da Ronald Harwood). Il
soggetto ricorda da vicino il classico La Jena (The Body Snatcher, 1945)
di Robert Wise, ma la chiave scelta è quella di una rivisitazione dello
stile Hammer ed il pubblico non risponde come sperato. A Francis il
destino riserva invece la trionfale conferma della sua qualifica di mago
delle luci: il secondo Oscar, conquistato con Glory - Uomini di gloria,
esalta ancora una volta il fotografo a scapito del regista. Ma per
quanto sospinto lontano dai riflettori dell'Academy, quest'ultimo può
vantare la sua immensa popolarità tra gli appassionati del cinema
fantastico, meritandosi omaggi affettuosi come quello escogitato da Joe
Dante, che battezza Freddie Francis un personaggio di L'ululato (The
Howling, 1981). Stimato ed onorato dal cinema "di serie A" e da quello
"di serie B", Francis fa da ponte tra l'uno e l'altro. E nessuno può
negargli il privilegio di aver diritto di cittadinanza in due mondi che
solo lo snobismo e la pigrizia si ostinano a voler considerare
incompatibili.

 CCO: Freddie Francis
ma tu sarai mica danilo?
:-(
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Ognuno sta, sul cuor della terra, trafitto da un raggio di sole...
Ed è subito sera.

 No. Cosa c'e'?
Freddie Francis
Steve

 :-(
?
Io sono Luca...
Steve

Steve Carenne wrote:

fiuuuuuuuu!
meno male!
;-))
ciao, Luca

 ciao, Luca
ciao...
ho rischiato qualcosa ?