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Titolo: Nouvelle Vague

Tratto da:
http://www.novaera.it/cinema/vague/
<cit>
Riflessioni sulla Nouvelle Vague
     Il cinema moderno è una nozione critica che nasce nel dopoguerra, da
quell'importantissimo avvenimento chiamato neorealismo.
     Questo nuovo modo di fare cinema differisce molto dal cinema classico
e dal suo linguaggio. In quest'ultimo infatti, il montaggio era in funzione
della narrazione cioè veniva realizzato in maniera leggibile rispetto alla
storia. Le immagini venivano accostate secondo diversi nessi logici, per
esempio: per identità quando abbiamo più immagini dello stesso soggetto o,
per analogia quando confrontiamo due personaggi o due oggetti. Questi nessi
logici creano un linguaggio sensato, una storia. Il cinema moderno invece,
passa ad un linguaggio più libero, disorientativo e anticonformista. Si
tratta di un cinema che parla di se stesso e dei suoi strumenti, che
diventa autoreferenziale cioè metacinema. Questo nuovo tipo di arte cesserà
di far illudere lo spettatore che si troverà di fronte all'attore della
strada e alla sua logica dell'improvvisazione. Un cinema diverso e attuale,
che si apre all'imprevedibilità, alla strada, alla città e non più alla
logica degli Studios. Si tratta di una nuova arte che nasce con la
predilezione per il movimento e per gli esterni: pensiamo per esempio a
"Ladri di biciclette" di De Sica. Cos'è se non una lunga camminata di un
padre e un figlio per le strade e le piazze romane?
I quattrocento colpi, 1959, Truffaut      La nozione cinematografica di
moderno si colloca alla fine degli anni quaranta. La Nouvelle Vague (nuova
ondata), partendo dagli anni cinquanta, in particolare con il regista
Bresson, esploderà nel '59 in Francia e giungerà a piena maturazione nel
corso degli anni sessanta. Spesso questi film trattano il problema della
meccanizzazione e della tecnologia del mondo di oggi: un esempio e' "Zazì
nel metro'" del '61 di Louis Malle, in cui si passano in rassegna i vari
simboli della tecnologia, in particolare la metropolitana. Il film ha come
protagonista la bambina Zazie, attraverso la quale vengono derisi temi come
droga e sesso, senza dimenticare un certo gusto per la città come
dimostrano le frequenti inquadrature dei monumenti di Parigi. Il tema
dell'industrializzazione viene affrontato quindi da vari autori; ricordiamo
ancora Tati in "Trafic" e il regista Godard in "Week-end" del '65 che
affronta il tema della violenza dell'industrializzazione. Per la sua
esemplarità può concludere questa veloce carrellata di esempi il film
"Roma" di Fellini degli anni settanta quando ci appare sullo schermo una
sterminata fila di macchine in coda sul Raccordo Anulare. I maggiori
registi di questo nuovo modo di fare cinema sono stati prima di tutto
cinefili e appassionati critici. Non a caso il padre della Nouvelle Vague
e' il critico francese André Bazin, morto nel '58 e, se vogliamo,
pigmaglione di François Truffaut. Il movimento artistico deriva il suo nome
dall' "Express", che lo adoperò nell'ambito di una inchiesta giornalistica
sulla gioventù francese degli anni cinquanta ed è legato anche al Festival
di Cannes del '59: Il gran premio venne attribuito a "Orfeo negro" di
Marcel Camus e il premio per la miglior regia a "I quattrocento colpi" di
François Truffaut. Nel '60 usci' inoltre il film scandalo "Hiroshima, mon
amour" di Alain Resnais e il famosissimo "Fino all'ultimo respiro" di Jean
Luc Godard, un'opera dichiarata subito sorpassata legata alla letteratura
francese degli anni trenta. Si tratta di un film antiborghese e
anticapitalistico che ha anticipato quel "cinema saggio" che è stato il
tratto tipico del Godard maturo. In generale infatti, il cinema per gli
autori della Nouvelle Vague era un modo di scrivere analogo al poema, al
romanzo, al saggio. Già nel '48 si era proposta l'utilizzazione della
cinecamera come una penna stilografica. Questi giovani registi si
scaglieranno con i loro articoli, i loro saggi e programmi contro un cinema
letterario e di qualità, fatto da attori sulla scena da trent'anni come
Fernandel. Cercheranno altri modelli d'ispirazione in Renoir, Murnau e
soprattutto Rossellini, per dar vita ad una nuova cultura e ad una nuova
società in continua evoluzione approfondendo tematiche politiche, sociali e
ideologiche. Non sono altri che questi infatti, i fermenti e le idee che
sfoceranno nel sessantotto. Le maggiori personalità della Nouvelle Vague
sono Godard e Truffaut. Jean Luc Godard nasce a Parigi il 3 dicembre del
'30 da una famiglia borghese protestante e fonda nel cinquanta a soli
vent'anni il mensile "La Gazzetta del Cinema" insieme al regista Rohmer, ma
scrive anche sui "Cahiers du cinema", la rivista fondata da Bazin nel '51.
Jules e Jim, 1961, Truffaut      Apro volentieri una breve parentesi sul
regista Claude Chabrol autore di una vasta monografia su Alfred Hitchcock
scritta in collaborazione con Rohmer. E' il primo film di Chabrol "Le beau
Serge", premiato al Festival di Locarno che ha aperto la strada alla
Nouvelle Vague.
     Diversamente da Rohmer ma anche da Truffaut, Godard ha un percorso
artistico più irregolare. Nei suoi primi articoli cinematografici esprime
una sua personale visione del cinema fatta anche di un certo gusto per la
provocazione e il paradosso. Laddove André Bazin nei suoi scritti aderisce
al reale, Godard dichiarava che il cinema era "L'espressione dei bei
sentimenti". Dopo la morte della madre il regista si reca in Svizzera e
lavora come operaio. Il suo primo film è un documentario sui lavori della
diga a cui lavorava. Successivamente gira un piccolo cortometraggio: "Una
donna vanitosa", in cui fa una breve apparizione; notevole è la sua
presenza fisica in molti film degli anni cinquanta. Nel '57 gira un altro
cortometraggio che vince un premio intestato a Jean Vigo ed è in questo
momento che appare il suo gusto per la citazione. Dopo altri due film:
"Charlotte e il suo ragazzo" e "Una storia d'acqua dolce", parte
l'operazione produttiva di "Fino all'ultimo respiro". In questo film si
afferma come attore della Nouvelle Vague Jean Paul Belmondo impegnato nella
storia di un criminale intrecciata con una storia d'amore. Quello di Godard
è un cinema "per gli amici", fatto di citazioni a personaggi, ad altri
film, a romanzi, etc. Continui sono i discorsi dei protagonisti sulla
letteratura, sulla pittura, sulla musica. Spesso la voce del regista si
sostituisce a quella dei personaggi in un cinema dove più che portare
avanti vicende si parla di Godard stesso. La vita e le vicende di
quest'ultimo sono intrecciate a quelle di Truffaut. I due registi si
incontreranno nel '48 per poi allontanarsi l'uno dall'altro negli anni
successivi.
     Mentre il cinema di Godard è prettamente poetico in quanto non è
legato ad alcuna struttura narrativa, quello di Truffaut è pura prosa, è
struttura narrativa ben leggibile a tutti i livelli. A questo proposito è
fondamentale il rapporto tra Truffaut e la letteratura: basta pensare al
film "I quattrocento colpi" tratto dal romanzo di Henry James e a "Jules e
Jim" tratto dal primo romanzo dello scrittore settantaquattrenne Rochet.
Questo regista instaurava un rapporto di passione con la letteratura,
creando un ciclo continuo di film dove il protagonista era sempre lo
stesso: Jeanpierre Leaud. Si tratta di opere in serie nelle quali si
sviluppa crescendo e invecchiando una sola vita: quella dello stesso
autore.
     Il mondo che ci presenta Truffaut nei suoi film appare privo di
angoscia esistenziale mentre è presente invece, un senso struggente di
sconfitta specialmente nelle sue grandi tematiche di fondo: La condizione
infantile, la donna e l'amore, raccontare se stesso. Il tema dell'infanzia
è presente in tutti i suoi film. Sicuramente in questa propensione c'è un
residuo biografico ma non dobbiamo leggere l'opera di Truffaut come una
confessione.
     Il film più autobiografico del regista è "I quattrocento colpi" e come
dice egli stesso "è un film sentimentale ma il trattamento è volutamente un
po' secco, come un documentario. Bisogna agire con una certa forma di
distanza" (Truffaut, "Il piacere della finzione").
     "Tristezza senza fine dei film senza donne! Detesto i film di guerra,
eccetto nel momento in cui il soldato tira fuori dalla tasca una fotografia
di una donna da guardare " (ibidem). Scriveva cosi' Truffaut nell' '80 e
l'affermazione deve essergli piaciuta se l'ha ripresa due anni dopo in
"Finalmente domenica!" dell' '82. Le donne per Truffaut sono magiche
secondo una nota battuta di Alphonse in "Effetto notte" dell' '82. I
personaggi femminili di Truffaut sono sensibili e misteriosi, sono donne
che vivono intensamente e commentano le loro vicende. Sono attive,
intraprendenti, fanno scelte importanti e decidono il loro futuro. Sono
personaggi forti e fantasiosi: pensiamo a Barbara in "Finalmente domenica!"
o a Catherine in "Jules e Jim" del '61. E' lei la donna di Truffaut, la
donna che rischia. Colette ("Antoine e Colette" del'62) è un'ulteriore
conferma del primato femminile nelle questioni d'amore. Colette è
indipendente accetta Antoine solo come amico e non come corteggiatore. Lui
è timido, insicuro, ma da vero innamorato cerca di conquistarla
arrendendosi soltanto quando la vede con un altro (che sarà suo marito in
"Baci rubati" del '68). Il finale è lirico e delicato perché trasmette
speranza a tutti gli innamorati delusi: Truffaut mostra coppie di
innamorati di diverse razze ed età, un messaggio di fiducia nel futuro
sentimentale di Antoine Doinel.
     Dal neorealismo alla Nouvelle Vague, gran parte della cinematografia
occidentale, con varie influenze anche nei paesi socialisti, si e' mossa
nel tentativo di contrastare il cinema di puro consumo ma anche retorico,
con eccellenti risultati e con una funzione critica notevolmente
importante. Questo nuovo cinema si è ancorato esclusivamente alla realtà
concreta per rappresentarla in maniera critica e mettendone in discussione
le prassi cinematografiche precedenti.
     I maggiori autori, che abbiamo appena analizzato, hanno sviluppato un
discorso artistico alternativo ispirato alle grandi rivoluzioni avvenute
già da qualche anno in arte e letteratura.
     Bibliografia:
# Gianni Rondolino, "Storia del Cinema", UTET libreria.
# Giorgio Tinazzi, "Il Piacere della Finzione", Marsilio.
</end cit>
-- 
< Nathan > ~ email 
nata...@x-planet.org
 ~
«All I ever wanted - All I ever needed
Is here in my arms - Words are very unnecessary
They can only do harm» (Enjoy the silence, Depeche Mode)


wrote:
[CUT]
Uno che scrive "Pigmaglione" non si merita alcuna attenzione, scusami
:-)
Boris


Nelle abitazioni si sta facendo il cambio di stagione

 Uno che scrive "Pigmaglione" non si merita alcuna attenzione, scusami
Ho trovato l'articolo interessante a prescindere dagli strafalcioni, e cmq
ciò dimostra che l'hai letto, ed è abbastanza.
Ciao.


 sostituisce a quella dei personaggi in un cinema dove piů che portare
< avanti vicende si parla di Godard stesso
appunto.
R.

 R.
Infatti, quello di Godard è un cinema PERSONALE. Aldilà delle
simpatie o antipatie, se si è affascinati dalla
personalità/cinematografia di Godard oppure no, resta un
regista-pietra_miliare, a mio avviso. Ha detto (ma anche non-detto)
molto di più lui di Truffaut. Questo per rinfocolare la sempre viva
diatriba tra i due registi e i loro seguaci.

ciň dimostra che l'hai letto, ed č abbastanza.
Solo fino a "Pigmaglione" :-)
Boris