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Titolo: TEN-Kiaristami

Nota aggiuntiva al testo:
leggevo ieri su un quotidiano che Ten e' nato da un'idea
che il regista aveva di fare un film sulla condizione delle
donne del suo paese.
Ecco allora che arriva una lettera di una ragazza che propone
degli spunti, spunti che poi verranno sviluppati dalla penna
dell'autore...e l'ispiratrice di queste riflessioni finirà
per diventare la protagonista del film, per intenderci la madre
del ragazzino ripresa ossessivamente in Macchina da presa fissa -
mossa nell'auto.
Quindi questo per dire che il tocco femminile in termini di
sensibilità nel film si sente, eccome se si sente.
Altra cosa il film e' girato interamente in digitale... questo per
dire che un film eccellente non necessità assolutamente della 
pellicola ... il film e' fatto da idee e sensibilità, i supporti
sono solamente strumenti... e' l'anima che conta... anzi in questo
caso l'utilizzo del supporto elettronico diventa addirittura una
cifra stilistica, un linguaggio proprio...
*** * ***
***
un film,TEN e altro ancora … di Abbas Kiarostami.
1
La fine del cinema come principio del cinema.
   L’ultimo film di Kiaristami è un capolavoro.
   1. Macchna fissa, inquadrature lunghissime e fisse, la cinepresa
riprende una donna che parla, un bambino che parla.
   2. Tutto il film è girato all’interno di un’auto, non ci sono nè
campi e nè controcampi.
   3. I dialoghi sono l’essenza di questo film, i dialoghi sono il film.
   Ci sono registi che tutti gli anni fanno almeno un film. Con questo
TEN, ultimo capolavoro del maestro iraniano,  il soggetto che viene
trattato è un soggetto arduo, difficile, complesso... e anche
sofferente. Una donna, una madre... divorziata discute con il piccolo
figlio. Kiarostami ci vuole presentare la diffcile situazione di una
donna, una madre... una signora divorziata che ha deciso di ricominciare
una vita con un altro uomo... in un paese, in una cultura dove una cosa
del genere risulta incomprensibile, difficile, scandalosa. Kiarostami
opta per una scelta ardita (è nel suo stile ricercare sempre la
soluzione piu’ complessa, mi viene in mente Rossellini quando diceva: se
non so da che parte andare scelgo sempre la strada piu’ difficile);
parlando di un argomento di natura social-politica-culturale, si
potrebbe pensare di andare a analizzare il tema sotto il profilo per
l’appunto politico, ma Abbas Kiarostami decide invece di andare a
approfondire la questione in un ambito strettamente familiare, il
conflitto tra un piccolo figlio che non accetta e soprattutto giudica la
madre, la madre che si rifiuta di comportarsi come tutte le donne
iraniane. Lei è una fotografa, una donna colta, emancipata – in un paese
dove essere donne è un delitto, bisogna essere solamente spose, madri...
femmine sottomesse.
   C’è un punto del dialogo tra il bambino e la madre dove a parer mio
risalta tutta la drammaticità  della soluzione. Il figlio dice alla
madre che lei è diversa da tutte le altre donne: lei cucina sempre la
stessa cosa ogni giorno, e questa è una cosa sbagliata – lei per
ottenere il divorzio ha dovuto mentire al processo, ha dovuto dire che
il marito (ovvero il padre del ragazzino) era un drogata. La madre
risponde in maniera secca e convinta, è colpa di questo paese, dove per
ottenere il divorzio bisogna necessariamente mentire, altrimenti non c’è
scelta. Il momento piu’ drammatico di tutto il film, sotto il profilo
concettuale è quando... dopo una serie di giudizi che il figlio esprime
riferendosi alla madre, giudizi maschilisti, che non considerano nella
maniera piu’ assoluta la figura femminile come una donna... ma
necessariamente e esclusivamente come la comparsa di un ruolo culturale
e istituzionale dalla quale volersi togliere è considerato un delitto...
la madre sorpresa e ferita nel sentire quei giudizi misogeni e
maschilisti da parte di un bambino, secca risponde: è impossibile che
tu possa pensare queste cose, tu hai solamente dieci anni, tu sei ancora
un’anima pura...
   Il bambino dice che quei pensieri sono suoi, che il padre (vero,
naturale) in tutta questa storia non centra. Allora qui’ il problema e
Kiarostami lo sa bene, si fa assai piu’ complesso e spaventoso: è
solamente una questione politica o c’è dell’altro?.... E’ la questione
culturale nel senso basso-profondo del termine che realmente interessa
al regista. Qui’ non c’è separazione netta tra bene e male... qui’ è la
complessità della vita a diventare soggetto della vicenda, qui’... è il
terribile paradosso del vivere che diventa problematica assurda. Il
bambino dice di avere solamente dieci anni, e lui non puo’ capire le
ragioni della mamma, lei una donna emancipata, pone la questione in
termini esistenziali e progressisti.... non mi sentivo piu’ donna con
tuo padre, io sono di proprietà di me stessa, anche tu sei proprietà di
te stesso piccolo, se tu stesso non ti ami... non puoi amare niente, io
non mi amavo piu’ come potevi amare gli altri... adesso con quest’uomo
mi sento invece piu’ donna... vera, un essere umano. Il bambino non
capisce perchè non vuole capire, forse perchè non puo’ capire in
un’ambito culturale dove capire è vietato – bisogna solamente subire,
assecondare... essere sconfitti dalle leggi assurde che altri emanano a
discapito di un convivere civile. Allora il bambino se da un lato si
nasconde dietro la barricata della propria infanzia, ho dieci anni non
posso capire, dall’altro lato... invece aggredisce  la madre, lui è come
tutti gli altri, un piccolo uomo che a soli dieci anni ragiona come
tutti quei grandi... che vogliono che le regole seppure assurde...
continuino a leggittimare un’assurdità che si scarica esclusivamente sul
destino e sulla vita delle donne, le vere vittime in una società che nel
secondo millennio ha deciso di restare ferma a comportamenti medioevali
– pavoneggiati da una religiosità che è solo pretesto per mantenere
dominio, lo status quo’... della follia.
2
L'età dell'innocenza?
   Guardando questo film di Kiarostami, mi sono venuti in mente quei
talk show orripilanti di cui, la nostra "bella tv" è quotidianamente e
costantemente assillata: ragazzini che pur di farsi vedere in tv, non
hanno nessuna remora a giudicare e criticare i propri genitori,
semplicemente perchè questi hanno optato per scelte diverse da quelle
consuete. I figli diventano moralisti i genitori interpretano la parte
delle vittime, anche in questo caso i ruoli si sono capovolti - come
dice Beppe Grillo, qui' tutto è al rovescio, e come discorso di fine -
inizio anno, ecco che si fa fabbricare una scenografia digitale tutta
capovolta. Viviamo quindi nel tempo delle assurdità, delle convenzioni
che s'impongono in maniera lancinante sul buonsenso... una restaurazione
"culturale" a tutti gli effetti, e la cosa peggiore è che questo
processo è astutamente pilotato da una situazione di "restaurazione"
politica che non solo sembra progressivamente imporsi nella nostra
Europa, ma in tutto il mondo.
   L'età dell'innocenza esiste?
   Kiarostami come dicevo pone l'accento non tanto sul fattore politico,
che già conosciamo, l'Iran non è certo modello e esempio di progresso
nel mondo, ma qui' la questione diventa culturale.
   Come puo' un bambino, ancora innocente (come in una battuta
significativa) dice la madre, avere dei pensieri cosi' lontani... cosi'
trapassati... cosi' orribilmente convenzionai nel senso di una cultura
retrogada e da sempre restauratrice? Puo' e basta... perchè il fattore
culturale è qui' d'importanza pregnante.
   Il bambino non è se stesso, e la madre spesso lo rammenta, tu devi
essere di te stesso, non devi parmettere a nessuno di farti diventare di
"sua" proprietà. Ma la faccenda è ancora piu' complicata.
Meglio essere liberi e soli, non compresi da un'intero sistema sociale
da una cultura... o meglio adattarsi a quello che tutti dicono essere la
verità, la ragione? E' indiscutibile il ragazzino consapevolmente e
inconsapevolmente sceglie la strada piu' semplice, quella che
all'apparenza fa meno male - ma che a lungo andare ti uccide.... ti
uccide l'anima.
   Il ragazzino parla come il padre, parla come il peggiore degli
adulti, e la sua innocenza dov'è che va a finire? Non c'è innocenza
nelle parole del ragazzino... ma Kiarostami che non è affatto un
semplicista, ma è uno di quelli che va in profondità nelle cose ecco che
non si accontanta. Verso il finale del film, c'è il solo momento di vera
intimità tra madre e figlio.... è passato del tempo, ormai il figlio
vive con il padre e con la nuova compagna di questo. La madre fa
l'impossibile per cercare di riconquistare la fiducia e l'amore del
figlio, ma tutto sembra perduto... il figlio non vuole stare con la
madre vuole andare dalla nonna e poi essere riportato il giorno dopo a
casa della sua nuova famiglia. La madre gioca d'astuzia, ti compro un
dolce, facciamo il giro piu' lungo, rimani a dormire da me stanotte...
ma il ragazzino (innocente?) non vuole... e allora ecco che Kiarostami
anche se solamente per qualche istante fa scoccare la scintilla
poetica... la madre ironizza su se stessa, accentua la critiche che il
figlio gli porge, e lo fa per portare la conversazione su un piano piu'
amichevole, simpatico - comico. Il figlio al principio si lascia andare,
e li' la maestria registica tocca livelli altissimi, perchè ci fa capire
che il vero cinema e' quello che scopre gli attimi piu' semplici e piu'
"puri" della quotidianeità, il figlio ride, la madre ride... è in tanta
tristezza ecco che almeno un frammento di felicità (poesia?) accade.
   Ma il tutto non puo' mica durare per troppo tempo, sì... perchè
Kiarostami l'ebrezza istantanea di quella felicità che a volte ti sfiora
(per una madre stare bene con il proprio piccolo è il raggiungimento
della felicità) la carezza solamente per qualche brezza di minuti, ma
egli sa perfettamente che il tutto non puo'  mica durare. Non puo'
durare perchè il lavaggio del cervello al ragazzino già e' stato fatto -
se lui si e' fatto (per cosi' dire) fregare, lo ha fatto perchè per
un'istante si è dimenticato di quella costruzione culturale e sociale
che un sistema senza futuro... gli ha già da millenni cucito addosso,
solamente se egli si scorda di questa razionalità/irrazionale e vive
l'attimo dell'intimità con la madre, ecco che solamente in quel
freammento il ragazzino puo' ritrovare l'innocenza perduta, che forse
mai ha avuto.... che un regime dittatoriale non puo' concedere a nessun
essere, nè adulto e meglio ancora se piccolo, sono i fanciulli il futuro
e se un fanciullo puo' avere il privilegio di cominciare a capire,
d'impararare a ragionare con la propria testa, con il proprio cuore...
ecco che il sistema corre un enorme pericolo.... tutto deve restare
com'è perchè i privilegi restino tali e quali.... nei sistemi di potere
assoluto non c'è spazio per la felicità, l'infelicità è il primo passo
per garantire quel no-future che è tipico di tutte le società distrutte.
Ecco che allora tutto questo Kiarostami ce lo racconta "accenna" con
frammenti, con pochissime parole... ci puo' essere la magia, la madre
che si ricongiunge con il figlio, ma la cosa deve durare pochissimo
tempo, il ragazzino si puo' scordare di tutta quell'operazione culturale
fatta alla sua persona solamente per pochissimo tempo, un soffio di
vento... poi la tristezza, l'ingiustizia, la follia.... devo riprendere
il sopravvento, è solamente così che si puo' garantire la continuazione
dello status quo' e soprattutto dell'infelicità diffusa.
3
Il cinema volutamente non cinema…
   Dialoghi intensi, lunghissimi… volutamente discorsivi, poco
cinematografici.
   Immagine poca ? Curata, nel senso assolutamente non cinematografico.
 
   Assenza di storia, assenza di trama – assolutamente costruzione non
cinematografica.
   Attori poco fotogenici, personaggi comuni, gente comune…
assolutamente non cinematografica.
   Film girato in elettronica – volutamente non cinema ?
   Questo film non é un film – ma proprio per questo é l’essenza del
cinema stesso.
   Facciamo il punto della sitazione, questo film già come si presenta
nelle prime immagini, pare essere piu’ una sorta di documentario
esistenziale, e per niente un film. A partire dall’ossessione con la
quale si dibatte la (non cinepresa) ma telecamera, nel riprendere, nel «
documentare » dei semplicissimi dialoghi. Mai uno stacco (non c’é
praticamente un montaggio) ma solamente un montaggio fatto di piano
sequenze fissi, immobili… statici com’é che é statico quel flusso di
quotidianeità di una cultura quale quella iraniana. La telecamera
(ovvero l’immagine elettrica/elettronica) come ben sappiamo nega la
valenza della profondità di campo… la telecamera fissa – che vorrebbe
essere anche emotivamente fissa, ma in questo fallisce, perché la
profondità dei « semplici-perché veri) dialoghi fallisce in questo
tentativo di asetticità, di oggettività… la telecamera mentre inquadra
ossessivamente quelle figure che parlano…. E parlano infinitamente,
com’é che sono le parole (fiumi) che scorrono di bocca, quando cio’ che
si vuole/deve dire é troppo importante… riesce a creare
un’effetto/contrasto intenso… da un lato la profondità di campo, le
immagini che scorrono fuori dal finestrino nemmeno si riescono a
decodificare, una città che pare assorbita/ossessionata nella nebbia ?
Ovvero il finestrino chiaro, in sovraimpressione dell’auto… auto che
corre in mezzo al traffico, in mezzo a un mondo, che proprio perché
s’intravede sfocatamente, potrebbe essere perché no… anche il nostro
mondo.
   Telecamera fissa.
   Auto sempre in movimento.
   Immagini che scorrono fuori… non chiare.
   Chiarezza di parole – confuse.
   Parole che proprio perché sono confuse… dimostrano quella confusione
interiore… che é chiarezza dell’esistenza…
   Parole di una madre che si difende.
   Parole di un bambino che accusa come fosse un’adulto.
   Amore – relazione confusa e diffcile : la madre adora il figlio… ma
il figlio adora la madre ?
   Nella spontaneità di certo si’… ma qui’ non c’é piu’ tempo per la
spontaneità… forse non c’é mai stato tempo per la spontaneità…
   Anche cosi’… si puo’ perdere l’infanzia.
   Un paese che uccide l’infanzia… non é un paese…
   E’ un assassinio sociale… una strage infima… culturale.
   Tutto questo narrato – senza effetti (speciali).
   Tutto questo in un grande film…
   Che volutamente non vuole essere il cinema (cosi’ come oggi é diffuso
e considerato).
 
4
   Rossellini ha piu’ volte sostenuto che l’essenza del cinema per lui
non era la cinematografia, ma semplicemente la necessità di comunicare.
Successivamente Rossellini ha spostato il proprio interesse dal cinema
alla televisione, pare una cosa a dir poco pazzesca, il regista che piu’
ha influenzato la nuovelle vague (di tutto il cinema moderno) ecco che
snobba il cinema (in maniera prettamente intellettuale) e si schiera
dalla parte della televisione... comincia a realizzare dei film
didattici e porta avanti la convinzione che il mezzo audiovisivo sia
quello piu’ adatto per diffondere pensieri, idee... insomma per
diffondere la cultura a un livello popolare e didattico nel senso piu’
stretto del termine. Qui’ la cultura non è l’apoteosi di una casta che
grazie al sapere si tiene ben saldi i suoi privilegi... qui’ la cultura
è qualcosa che occorre per rendere la gente piu’ cosciente del fatto che
il sapere è un dono, un’opportunità che ci puo’ permettere di vivere
assai meglio... e per essere utopici (e tutti i grandi artisti lo sono),
semplicemente per osare nel cambiere il mondo. In fondo anche un’altro
grande del cinema (forse esattamente il contrario di Rossellini) Orson
Welles quando aveva deciso di realizzare quel progetto ispirato a una
messa in scena “immensa” del lunatico Don Chichotte, aveva optato per il
mezzo della televisione allontanandosi da quel cinema che lo aveva e
tutt’ora lo ha reso il piu’ grande regista di tutti i tempi... con la
telecamera posso riprendere mille volte di piu’ non ho la schiavitu’
della pellicola che mi obbliga a una dipendenza economica... con il
nastro elettronico posso girare e quindi sperimetare con mille
possibilità a disposizione in piu’... e altrimenti non avrebbe potuto
fare per il semplice fatto che quel Don Chichotte prendeva la gente di
un paese, la metteva per strada e la faceva (recitare?) (o semplicemente
viverer) – improvvisare... una delle opere letterarie piu’ affascinanti
e straordinarie  di tutta la storia della fantasia.
   E qui’ ritorniamo a Kiaristami.
   Dicevo poc’anzi che questo film, che di fatto non si puo’ definire un
film (anche tecnicamente perche’ non e’ girato in pellicola ma bensi’ in
elettronica, anche se oggi si deve parlare di digitale) per il semplice
fatto che qui’ non c’è nulla di cinematografico nel senso in cui s’
intende il cinema di portata commerciale mondiale... e non solo, perche’
tutti tendono a scimmiottare le tecniche, gli stili “stupefacenti” di
quella fabbrica dei sogni chiamata Hollywood. E proprio qui’ sta il
punto, nel cinema di Kiaristami il sogno non rappresenta l’evasione
dalla realtà, dalla paura del reale... ma bensi’ esattamente il
contrario, la consapevolezza del reale, per ritrovare – attraverso
l’arte – tematica ardita l’arte, il proprio sogno interiore. Proprio
mentre sto scrivendo queste parole, di tanto in tanto faccio dei balzi
su un sito internet dove ho trovato un’intervista fatta a tre (due piu’
il regista iraniano), e dove il maestro parla del suo stile, della sua
poetica. Un’aspetto è straordinario, Kiarostami viene spesso interrogato
sul suo passato di pittore. E le sue risposte sono sempre diciamo cosi’
poco convenzionali. Si parla di come in questo ultimo lavoro di
Kiarostami vi sia un rifiuto nei confronti dell’estetica  della
spettacolarizzazione, e poi salta fuori che il nostro è un pittore. Le
risposte che lui continua a dare a proposito di quest’attività che se
cosi’ si puo’ definire e’ la radice della sua arte attuale... sono
sempre diciamo cosi’ poco conformi agli atteggiamenti tipici
dell’artista figurativo (premetto che ho seri dubbi su un
interpretazione letterale di cio’ che sto per dirvi perchè il mio
inglese e’ mostruoso), non mi sono mai sentito un pittore, per me la
pittura è qualcosa di personale, quasi un momento d’intimità con lo
stupore della realtà. Insomma a Kiarostami interessa la realtà, la
vita... tutto il resto è conseguenza di tale sensibilità. Qui’ mi viene
in mente Truffaut altro regista che amo alla follia, non a caso grande
amico e estimatore di Rossellini... Truffaut scovava nelle notizie di
cronaca l’ispirazione per trovare soggetti di film di fantasia da lui
scritti, ma anche lui era un dipendente della morale della vita – vera.
   E qui’ il cerchio non poteva non chiudersi, si puo’ essere
interessati all’aspetto formale per trovare quelle tecniche
indispensabili per realizzare dei meccanismi che funzionano, mi vengono
in mente quei giapponesi che affollano le nostre città (le piu’ belle e
piu’ importanti per quanto concerne l’arte) e fotografano le vetrine,
conoscere l’arte per imparare il mestiere, e forse (soprattutto) per
imparare il mestiere.. per fare soldi. Ma si puo’ anche voler, aver
necessità di conoscere l’arte, di diventare artisti per sviluppare una
coscienza\conoscenza morale indispensabile
per andare a cercare la profondità delle cose, con la
volontà\consapevolezza di lasciarsi dietro l’estetica fine a se
stessa... e ecco che allora un pittore fa un film, che all’apparenza
rinnega l’arte – estetica... esterna, e invece una volta aquisita la
conoscenza, ecco che demolisce tutto cio’ per ripartire da zero, per
cercare l’anima di quanto avviene in scena (sia fuori che dentro
l’obiettivo), un film che film non è per il semplice fatto che tutto
avviene in un auto, che non c’è pellicola ma nastro digitale o
elettronico, che le profondità di campo sono inesistenti nella loro
sfocatura, che i dialoghi sono il piu’ istintivi possibile (un poco,
penso io come alla Cassavetas che faceva scrivere – parlando,
improvvisando le scenggiature dai suoi attori), si partiva da un’idea,
un filo conduttore, poi era l’attore, gli attori, l’incontro tra questi,
il relazionarsi tra questi che faceva scaturire la scintilla di un
discorso che veniva rubato alla realtà, e non alla fantasia... per
scimmiottare e sorprendere la realtà. Stessa impressione l’ho avuta
ascoltando il ragazzino che litigava con la madre in auto – in questo
viaggio interminabile, quelle non erano parole scritte da un regista,
quelle erano parole del cuore di una madre e di un bambino, il regista
voleva semplicemente che i suoi personaggi arrivassero fin li’... fino
alla vita... che sebbene nella vita e nella quotidianeità appaiono e si
formano con naturalezza, solamente un rifiuto del cinema canonico poteva
portare al tentativo ardito di arrivare fin li’.
5
   Svuotare, spogliare il cinema della sua stessa essenza, non c'è piu'
spazio nè per i movimenti di macchina, nè per le dissolvenze incrociate,
perfino il montaggio va a s-comparire, e tutto questo avviene perchè il
cinema lancia un'urlo munchiano... c'è bisogno di ritornare all'essenza
delle cose. In una realtà dove finzione e menzogna hanno preso il
sopravvento, Kiaristami ci ricorda che mai come oggi bisogna essere
coraggiosi, e non aver paura delle scelte estreme. Questo è un film
estremo anche se si presenta con una leggerezza apparente. Apparente
perchè dietro quelle parole spontane e tremende del figlio c'è tutto un
mondo che terrorizza... Kiaristami dice che questo è un film dedicato
alle donne (lo dice a Cannes davanti a tutta la platea) e aggiunge che
le donne sono piu' forti e coraggiose di noi. Le donne sono madri... ma
il personaggio di questo film è una donna-madre che non vuole rinunciare
all'essere donna. Se già è complesso per una donna essere/fare la madre
in una società occidentale, dove l'ipocrisia si traveste di modernità,
dove la parità dei sessi diventa una facile bandiera per sentirci a
posto con le nostre mediocri coscienze, immaginate quanto tutto sia
assai piu' follemente incomprensibile e pazzesco in un mondo come quello
iraniano, dove la religione mussulmana - per l'ennesima volta - come
tutte le ipocrisie religiose viene adoperata come strumento di potere e
di barbaria per leggittimizzare la debolezza.
   Questo proprio perchè e' un film sul coraggio delle donne ecco che
diventa anche un film sulla debolezza, sulla codardia degli uomini e
peggio ancora sul futuro - della debolezza di un bambino che diventerà
uomo. I bambini diventano uomini, e dal momento che gli uomini sono i
deboli di quel (questo) mondo che va avanti cosi' con false illusioni...
ecco che il bambino non fa nient'altro che pronunciare quell'essere
tremendo che è l'uomo maschilista, misogeno... di quella cultura, che
poi diventa metafora di tutta una cultura al maschile.
   Quando ho finito di vedere il film non mi sono sentito a mio agio,
cio' che piu' mi ha sconvolto e rattristato e amareggiato è stata la
sconfitta (inevitabile) della madre. La madre perde il figlio e lo perde
a causa del padre... e lo perde a causa di un mondo che è quello dei
padri, degli uomini, e la cosa ancora piu' tremenda e che i figli di
oggi saranno i padri del domani, di un domani che sembra dirci il film
sarà ancora come l'oggi.
   Ma c'è un pero'... questo film trabocca di bellezza, si perchè
Kiarostami è il regista dei dubbi, ma
di quei dubbi... che tutti i giorni ci circondano nella vita. E' il
dubbio del finale del sapore della ciliegia, anche li' non sapremo mai
se l'aspirante suicida al mattino avrà trovato (quello strano coraggio)
di farla finita, oppure avrà ascoltato l'illuminazione di quel compagno
di viaggio che gli rivela il segreto di quella che è stata la sua
salvezza: il piacere, l'incanto, la meraviglia del sapore di una
ciliegia, del sapore gustoso della vita, anche se a volte ci appare
cosi' amara e immeritata. Oppure ancora nel finale di quel film che
parlava di un'altro film - quando il ragazzo, l'operaio, il muratore che
ha sempre fatto l'apprendista, il manovale, e che non lo vuole mai piu'
fare quel lavoro - costruire case, va dalla studentessa di cui è
innamorato... chissà se quei due s'incontreranno, si ameranno.... chissà
com'è che andrà a finire quella storia... anche questo Kiarostami non ce
lo vuole dire, poco importa il lieto o il finale drammatico, questo non
è un film americano, qui' è il percorso, la crescita... la gioia o la
delusione che interessa al regista e che anche noi non possiamo fare a
meno di amare.
   E' incredibile com'è che riesca sempre a essere cosi' moderno questo
regista, sia quando ambienta i suoi film in quelle città che noi
pensiamo essere indietro di secoli e secoli, e che poi invece quando le
vedi raccontate, rappresentate nei suoi film diventano anche le nostre
di città, perchè che cosa cambia? Semplicemente che li' le donne
indossano veli che le nostre donne non si sognerebbero mai di portare, o
che le case sono lasciate a metà... anche nel nostro sud ci sono
infinità di costruzioni lasciate li' a morire... perchè l'attenzione
(quel senso dell'arte di cui parlava Kiarostami pittore) ormai non
esiste piu', interessa solamente l'arte contemporanea di quei quadri che
si vendono, che si fanno far soldi... ma l'arte di un equilibrio, di
un'armonia architettonica... questo sono  cose che vanno bene solamente
per le lezioni alle facoltà di architettura, tutto il resto non conta,
contano le parole (quelle chiare, quelle che hanno un bel suono, quelle
che fanno colpo - quelle che si dicono alla tv in occasione delle feste
di beneficenza), la realtà, la cura e l'amore per il sapore di quella
ciliegia che ci siamo scordati di com'è che si assapora).... queste sono
tutte cose che non vanno piu' di moda, paiono retorica, sono noiose...
proprio com'è noioso questo film dove non capita mai niente.... per me
in questo film capita tutto, l'impossibile e il possibile al tempo
stesso.... e per questo che sono felice che ci sia ancora chi ha il
coraggio di fare un film che non è per niente film, e che proprio per
questo vuole recuperare quel senso di fare cinema che è fare vita - e
che tutti ci stiamo dimenticando.
6
L'assenza del reale... la semplice necessità del reale...
   In un vecchio film di Kiarostami, Close up, possiamo trovare delle
affinità con questo Ten. Close up era uno sconsiderato atto
d'amore/drammatico nei confronti del cinema. In quel caso, l'idea della
sceneggiatura partiva da un fatto di cronaca: un pover'uomo amante del
cinema si fa passare per un noto regista, una famiglia accoglie questa
persona – l’impostore si fa ospitare, si fa prestare del denaro... per
poi truffare la famiglia, e cosi' si rivelerà la reale identità del
pover'uomo... un bugiardo, un disperato. Il regista reale, interessato a
quanto accaduto si recherà successivamente fuori dalla prigione a
accogliere l'impostore.... l'ultima scena (reale) è di una poetica
struggente, l'impostore sarà perdonato dal padre della famiglia a cui
lui aveva mentito. Il film in questione non ho avuto modo di rivederlo,
ma ricordo che quell'ultima scena, rubata con una telecamera nascosta
(la cinepresa oltre che riprendere l'incontro tra i due uomini, rubava
anche le immagini dell'operatore che a sua volta rubava quel momento
d'intensa intimità e civiltà... una scena (di vita) semplicemente
commovente di una potenza che a parole non si puo' descrivere. Tutto
questo per sottolineare per l'ennesima volta l'importanza che ha il
reale, la vita in tutto il cinema del maestro iraniano.
   L'importanza e l'essenza della realtà.
   Kiarostami con i suoi film non fa nient'altro che rammentarci quanto
sia indispensabile avere coscienza e consapevolezza del reale, della
vita anche quando si deve ricorrere alla messa in scena della finzione.
Se di finzione si puo' parlare. Ho trovato dei forti legami tra quel
Close up e questo Ten. In tutti e due i casi il cinema viene messo in
scena, in azione per parlare non solo della potenza, della forza del
cinema.... ma soprattutto della morte del cinema. Che senso ha allora
fare un film? Kiarostami è uno di quei registi alla Truffaut che
realizza, si produce circa un film all'anno... e probabilmente quando
non ha necessari fondi per poter aquistare pellicola non si pone nessun
problema a ricorrere al digitale o al nastro elettronico... per lui fare
cinema significa essenzialmente esprimere, raccontare della vita,
mettere a nudo le emozioni, toccarci il cuore, farci commuovere, farci
vedere la vita com'è che ruota e scorre.... il cinema, la pittura per
lui sono semplicemente dei pretesti.
   Niente musica in tutto il film, come ricordavo niente movimenti di
macchina.... ma una cosa: i sentimenti, espressi con potenza
(espressiva), i sentimenti com'è che realmente si manifestano nella
profondità degli esseri umani.
   In Close up avveniva qualcosa di simile a quello che accade in Ten.
Il cinema è il soggetto del film, l'amore - la paura, la sofferenza per
il cinema. Proprio com'è che accade alla madre divorziata: l'amore, la
sofferenza per un figlio, il voler essere qualcuno che non puo'
essere... la barriera sociale, forse il destino.... infrangono i nostri
sogni e ci deludono, ci uccidono.
   Un giovane guarda un film, questo film gli cambia la vita e lui
decide che il cinema per lui... nella sua vita vuota - diventa tutto, è
la sola speranza, l'ancora di salvezza per andare avanti... e per far
cio' arriva a compiere addirittura un'atto disonesto, si spaccia per chi
non è - ma che vorrebbe essere... si spaccio per il suo sogno, ma il
sogno che si è prefisso, che lo fa illudere è impossibile: essere un
regista è un privilegio, e questo Kiarostami lo sa, lui il regista che
parla della gente, delle persone che vivono una vita comune, normale...
che fa pero' del cinema che lui vorrebbe che questa gente vedesse, ma
cosi' non è, non puo' essere... per saper apprezzare, per avere la
pazienza/attenzione/concentrazione per seguire un film dove non accade
nulla - perchè accade tutto non si puo' essere una persona comune,
bisogna avere una preparazione "intellettuale", Kiarostami è un regista
da Cannes, non è un regista da multiplex... ma ecco che qualcosa
d'inatteso, d'imprevedibile avviene, una persona semplice, un povero
giovane lo vede il film di un regista alla Kiarostami (in quel caso il
film che aveva accecato il giovane non era un film di Kiarostami, ma
questo poco importa), il giovane vede il film e lo capisce il film, lo
capisce piu' di tutti, gli entra piu' nell'anima di qualsiesi
intellettuale, lo porta talmente a una sorta di sconcerto, che lui per
amore arriva a fare qualcosa di disonesto.... ecco che il cinema allora
entra nel reale, o meglio filtra prima nel sogno, nel desiderio del
reale (l'ispirazione, la necessità che sente e vive il giovane) e poi
una volta filtrata quest'esperienza drammatica, fatta di una sofferenza
interiore, di un tormeno, la vergogna che il giovane prova per quello
che ha fatto, essersene approfittato di quella brava gente che lo aveva
accolta a casa sua e che gli aveva dato tutto, il giovane compie
qualcosa di reale, che gli cambia la vita, che gli da una scossa alla
vita... insomma il cinema prende dal reale, il cinema condiziona il
reale, il cinema sconvolge il reale, il cinema drammaticamente fa
crescere, fa soffrire nella vita - e tutto questo (l'essenza del reale),
viene ripreso, viene riraccontato ancora una volta al cinema, per fare
del cinema che per l'ennesima volta non è cinema ma è la complessità
della vita.
7
   Si è parlato di neorealismo nel caso di Kiarostami, ma anche questo
riferimento a parer mio non è corretto. Rossellino con Roma città aperta
e De sica/Zavattini con Ladri di bicicletta sono riconosciuti i
fondatori del neorealismo, ma critici colti hanno parlato del fatto che
già in Francia con la cinematografia del realismo poetico (penso in
primis a Carnè/Prevert) anticipavano quel senso di fare un cinema che
dava uno sguardo su quanto accadeva nelle strade, mettevano a fuoco le
problematiche della vita comune con sfumature di carattere sociale e
politico. Ma in fondo che cos'è stato il neorealismo e prima di esso il
realismo poetico e poi cosa centra tutto questo con il cinema di
Kiarostami? Io credo che lo stesso Rossellini nel periodo del cinema di
Germania anno O, o di Viaggio in Italia cominciava a allontanarsi da
quel senso stretto di avere una definizione precisa nel cinema. Intendo
dire il neorealismo si trasforma, abbandona un certo stile specifico e
comincia a prendere il volo, un volo che condizionerà tutta la
contemporaneità nell'idea d'intendere una maniera della messa in scena.
   Kiarostami come Rossellini sono straordinari perchè capiscono che il
cinema deve andare oltre, deve porsi della problematiche, farsi delle
domande sostenute... deve insomma diventare un'arte che proprio perchè
rifiuta lo schema... la struttura fissa... scova nell'anima.
   Questi autori fanno dei film che sono delle continue domande rivolte
a loro stessi, e una risposta data a ognuno di questi queisiti non è mai
una certezza, è sempre un punto di partenza per farci riflettere.
   - Fare film senza porsi il problema della messa in scena come
questione essenziale del cinema.
   - Riprendere per strada, riprendere la strada.
   - Lavorare con attori che non sono attori ma prima di tutto esseri
umani.
   - Parlare del mondo, parlare della gente del mondo.
   - Entrare nelle problematiche esistenziali degli individui, non fare
cinema politico nel senso stretto politico, ma proprio perchè si parla
di esistenza, non si puo' fare a meno di essere politici.
   - La crisi è sempre il soggetto di tutti questi film.
   - I passaggi, le trasformazioni, i cambiamenti... nel bene o nel
male.
   - Il rifiuto del cinema come forma di allontanamento dalla realtà,
come modo per sfuggire, per non far pensare al reale.
   - Il cinema come strumento didattico che pero' al tempo stesso non è
insegnamento ma esperienza.
   In Ten di Kiarostami vediamo a tratti che la storia tra la madre
divorziata e il figlio si allontana, e la stessa donna invece parla con
un'altra donna - che soffre, perchè il suo uomo non vuole sposarla. Dice
di non amarla piu' o semplicemente non ha voglia di prendersi una tale
responsabilità.... l'uomo ha un'altra donna e la ragazza (a cui la
signora divorziata sta dando un passaggio in auto) soffre, soffre pene
d'amore che la fanno stare male da morire. L'amore è sempre in un certo
tipo di cinema mai risolutivo fonte di gioia ma anche di tremenda
sofferenza. Come diceva Wim Wenders, o meglio come faceva dire il
regista tedesco a uno dei suoi personaggi in un film dei suoi (vecchia
maniera) i film parlano sempre della stessa cosa, della morte e
dell'amore. Ecco che allora Kiarostami che riesce a far universalizzare
la sua Iran, Iran come tutto il mondo, dove la gente - anche se vive,
(forse?) pensa in maniera cosi' diversa da quanto accade da noi....
soffre e gioisce come tutti quanti, la gioia, la felicità, la paura la
soffrenza, sono aspetti che cambiano di forma (di estetica) nei posti
cosi' diversi e distanti del mondo... ma la radice è comune.
   Si è felici, si soffre, ci si innamora, si è amareggiati, si è
delusi.... da tutte le parti alla stessa maniera.
 
   E' vero, in Iran per una donna poter divorziare è quasi impossibile,
ma Kiarostami riesce a farla divorziare questa donna, il figlio a poco a
poco la rinnega... ma guardando questa storia mi è venuto in mente di
una vicenda che è capitata a una persona che conosco. Anche in quel caso
c'è stato un divorzio, ma li' era la madre che aveva (per cosi'
traviato) la figlia con bugie assurde, e questa aveva finito per
rifiutare di vedere il padre....
   Che cosa tremenda, per gelosia, forse per rabbia, forse per sete di
vendetta si arriva al punto che per egoismo dettato da un odio che ti
rode dentro, un essere umano, una madre o un padre, riescono talmente a
condizionare una persona indifesa e ancora poco critica... come un
bambino o una bambina e gli portano via quell'affetto (che gli
spetterebbe di diritto) da parte dell'altro genitore. Si fa diventare
chi dovrebbe amare piu' di chiunque altro quel piccolo essere, come
qualcuno che invece si deve odiare... e cio' capita non solo in Iran ma
putroppo in tutto il mondo.
   Nell'intervista, nelle dichiarazioni fatte di Kiarostami, lui afferma
che questo Ten è un film per le donne. E' vero questo è un film che
parla, che racconta, che sta dalla parte di donne che vivono
l'arretratezza culturale di una società che le ha - le vuole - le
vorrebbe schiave per sempre. Ma questo non è un film che a parere mio
sta solamente dalla parte delle donne, tutti i film di Kiarostami, come
tutti i grandi film stanno dalla parte dei deboli.
   Dalla parte della donna abbandonata dal suo uomo.
   Dalla parte della madre divorziata.
   Dalla parte del bambino che non capisce e proprio perchè non capisce
fa discorsi come una persona che invece pensa, è certo di avere capito
tutto.
   Dalla parte di un uomo che cerca qualcuno che lo seppellisca perchè
vuole morire, e tutto il film è il convincimento di tutelare la sua
morte voluta.
   Dalla parte di un uomo che si spaccia per un regista, perchè un film
gli ha cambiato la vita, perchè non sa piu' dove aggrapparsi.
   Tutti questi personaggi si aggrappano a qualcosa, qualcosa che gli da
la forza per andare avanti, ma i film di Kiarostami non arrivano mai a
un finale, la storia non si chiude mai, ci si aggrappa, si fa un
percorso,  la ruota gira.... qui' le storie non finiscono mai, perchè
Kiarostami non è interessato a chiudere il circolo, lui ci vuole
mostrare solamente il percorso.... farci vedere questi esseri come
reagiscono, come si difendono, come soffrono ma soprattutto come amano.
In un certo senso quello di Kiarostami è un film di pura poetica. Come
diceva Rossellini quando scrivo un film mi fermo sempre nei tratti degli
accordi. La sceneggiatura è fatta di fatti, di percorsi, di storie che
devono funzionare, e tra un fatto, un origine, una conseguenza, ci
devono essere dei legami logici. Rossellini aveva difficoltà proprio a
fermarsi a scrivere questi passaggi, a lui interessava esclusivamente la
poetica, la poetica della vita. Kiarostami fa la stessa cosa: ci mette
due personaggi che a tratti parlano in un auto per piu' di due ore
complessive, e non c'è nessun legame/nesso logico tra quanto accade
prima e dopo, lei e' in macchina con il figlio perchè lo deve portare da
qualche parte, a scuola, in piscina.... lei è in auto con l'amica perchè
tutte e due devono andare da qualche parte.
   Non esiste il fuori, esiste solamente il di dentro di quell'auto.
   Esiste solamente il di/fuori di quell'auto, la strada, che neanche
Kiarostami ci fa vedere, al massimo ce lo fa soltanto sentire....
   Quello che conta è il flusso di parole.....
   I silenzi.
   L'odore della vita fatto dei rumori della strada.
   Qui' la storia è semplicemente il momento (reale - anche in termini
temporali) di un dialogo, tutto quello che procede o anticipa il dialogo
è lasciato sospeso, suggerito dal dialogo stesso.
   Altro che scuole di sceneggiatura dove t'insegnano che tutto
dev'essere spiegato, che se non c'è la storia non c'è il principio del
film, che le regole prima bisogna conoscerle e poi poterle
distruggere.... qui' il cinema è proprio il rifiuto di sottostare alle
regole, ma non come atto estremo, radicale rivoluzionario... nei
confronti del cinema, anzi esattamente il contrario: perchè il cinema
ritorni alle sue origini, parlare della verità (che non c'è mai) delle
cose, e se per far cio' bisogna essere il meno cinematografici
possibili, ben venga la fine del cinema per cominciare a parlare della
vita.
   Come dicevo nei film di Kiarostami non ci sono risposte.
   Ma risposte a domande che fanno scintillare mille altre domande
ancora....
 
8
I segreti dei personaggi di Kiarostami...
   Nei film di Kiarostami tutti i personaggi hanno mille segreti?... da
nascondere, sono segreti che tutti abbiamo, ma in questo contesto
(filmico?) assumono valenza poetica...
   E' un segreto, il desiderio di volersi uccidere da parte dell'uomo
disperato in "il sapore della ciliegia".
   E' un segreto la sofferenza che la madre divorziata prova per il
rifiuto e per il giudizio del figlio?
   E' un segreto l'amore che sente il ragazzino apprendista muratore per
la giovane fanciulla studentessa, in "sotto gli ulivi".
   E' un segreto il sogno, il desiderio nascosto per l'ennesimo
personaggio disperato - che vorrebbe diventare e diventa regista
(spacciandosi per tale) in close up.
   E' un segreto quello della troupe televisiva che va in quel villaggio
sperduto e abbandonato per attenndere  la morte (che poi mai verrà)
dellla pluricentenaria signora anziana....
   Kiarostami è affascinato dai segreti, senza anplificarli troppi, egli
ce li mette sempre nei suoi film e lo fa con raffinatezza, con fascino,
con stile... con bellezza e poesia.
   Kiarosatami anche andando a riprendere situazioni e circostante del
tutto normali, riesce comunque a caricare i propri personaggi di un
alone di mistero. Ma questo non è mistero che tende a eccitare, è un
mistero che invece nemmeno si percepisce, a patto che non si rimanga
colpita dalla potenza estetica e soprattutto morale di tali film. Una
ragazzina studentessa, sa di essere il sogno in amore di un ragazzino
che non appartiene alla sua classe sociale, ma non dice niente,
solamente il regista che si è recato in quel paese (nella reale finzione
del film) per fare un casting comprende tale dramma. Ma questo non è un
dramma triste, è un dramma di bellezza assoluta, perchè il regista
(nella finzione del film) come il regista nella reale finzione del film
che noi stiamo vedendo e che narra della messa in scena di un film,
comprende... che la verità di tutto quel complesso è proprio quel
rapporto:
   Un ragazzino in amore - che si nasconde.
   Una ragazzina (forse?) immatura che percepisce di essere l'amore di
qualcuno e che si nasconde.
   Anche in questo caso Kiarostami, benchè racconta il tutto in un
ambiete retrogrado, abbandonato... riesce a essere moderno, e ci riesce
semplicemente perchè ci parla della realtà complessa della vita, e la
vita - c'è poco da dire, c'è pochissimo da fare - è cosa universale,
universalissima.
   Ecco allora che il regista si sposta, rimane affascinato da quella
spontaneità (l'arte di lavorare con attori non professionisti
giovanissimi, bambini, ragazzi... è cosa di grande responsabilità,
diceva prima Rossellini e poi si e' all'infinito ridomandato Truffauat),
Kiarostami non perde l'occasione per cogliore per l'ennesima volta
l'essenza, la poesia... e la nasconde nella semplicità, la fa diventare
semplicemente una poetica del mistero della normalità.
 
   Che cos'è un mistero?
   L'innamoramento non è forse mistero?
   Lo stesso cinema non è forse mistero?
   La potenza ambigua e poetica, e affascinante dell'ingenuità,
dell'adolescenza.... non sono tanti piccolissimi frammenti di mistero?
   In una scena, quella conclusiva, quella piu' (forse?) bella di tutto
il film in sotto gli ulivi a parer mio questo concetto del mistero
prende forma senza mai dichiararsi, rifiutandosi di essere chiaro, di
definire l'intero IL TUTTO del film.
   Non a caso proprio sotto gli ulivi.
   Campo lunghissimo, musica (per la prima e ultima volta in tutto il
film, che accompagna l'immenso piano sequenza).
   Il ragazzino va sotto gli ulivi per cercare la ragazza.
   La cinepresa lo riprende.
   La cinepresa ci fa vedere tutto - ma al tempo stesso non ci fa vedere
nulla.
   Che cosa accadrà li' sotto gli ulivi? L'amore o l'ennesima delusione
della vita?
   La cinepresa ci accompagna nella percezione ma non ci dice niente,
non ci svela il mistero.
   Lo stesso Kiarostami, regista delle sensazioni, delle emozioni
sospese, non sà cosa accadrà li' sotto gli ulivi.
   Non lo vuole sapere.
   A lui (da grande maestro) interessa solamente caricarci di dubbi.
   Di dubbi poetici.
   E' questa la bellezza.
   Niente piu'... tutto qui'....
   Il reale potere, tutto il resto.... poco importa....
   Il potere è quello della poetica, non quello della distruzione e
della paura, e del timore della poetica....
   Tutto qui'....
   Roba da poco conto no?
9
Quei tempi lunghissimi, indefiniti...
   Non c'è dubbio il cinema feancese soprattutto quello (rivoluzionario)
della nouvelle vague ha condizionato tutto il cinema d'autore moderno. A
sua volta il cinema francese di quel movimento innovativo (che si poneva
in contrasto, in polemica) con il cinema d'evasione, di distanza dal
reale, prendeva ispirazione da taluni autori (in primis Rossellini), che
vedevano nel cinema una forma di linguaggio assai simile alla
letteratura... si parlava di politica degli autori, e di cinepresa come
penna, come strumento di scrittura. Benchè il cinema di Kiarostami
mostri una poetica tutta sua, soprattutto per l'originalità e la
necessità di affrontare temi che sono tipici di una cultura
non-occidentale, Kiarostami è il regista del suo paese, del suo popolo:
ogni suo film è un'atto d'amore/critico che lancia uno sguardo
"un'inquadratura", sulla cultura iraniana. Ma se ci allontaniamo dalla
temetica propriamente politica a antropologica, e andiamo a analizzare
la forma, il linguaggio, la tecnica... Del cinema di Kiarostami, non
possiamo fare a meno di scoprire, che proprio quella nouvelle vague
(soprattutto francese, in quanto è quella che maggiormente ha scosso una
certa evoluzione di tutto il cinema mondiale) è presente nel cinema del
regista iraniano.
 
   In un punto emerge quest'aspetto soprattutto:
   Il piano sequenza.
   Ci sono differenti modi di mettere in scena il piano sequenza.
Prendiamo a esempio un regista come Brian De Palma, li' il piano
sequenza è soprattutto stile, piacere, gusto nel far vedere la cinepresa
che ondeggia, quasi si trattasse di una sensazione di fluidità, di una
sospensione leggera e morbida che alleggerisce la continuità di una
scena. C'è il piano sequenza alla Godard, dove invece il tempo viene
prolungato a dismisura, dove il regista pare divertirsi a irritarci (gli
occhi) in una durata che si prolunga oltra il tempo necessario. Uno dei
piani sequenza piu' belli del cinema degli ultimi anni è quello di
un'altro film francese d'ispirazione "post-nouvelle vague", non sento
piu' la chitarra di P. Garrel; due amici camminano e parlano mentre
scendono una rampa di scala lunghissima, c'è un sole forte e la luce
bianchissima che colora di bianchi e ombre tutto il percorso fa da
scenografia naturale... i due amici parlano di filosofia Spinoza, il
filosofo che piu' è presente in tutto un pensiero de-strutturalista e di
cui la Francia soprattutto dopo gli anni 60, ne è stata prfodondamente
influenzata. C'è il piano sequenza alla Truffaut, dove scene di dialoghi
non eccessivamente lunghe (come nel caso di Godard) vengono attaccate
con stacchi non propriamente morbidi... quasi come a volersi rifiutare
di dare quella continuità, quell'accordo quasi musicale che tanto piace
a De Palma... è poi c'è un altro piano/sequenza che io definirei
volutamante/involontariamente ossessivo e è proprio quello di
Kiarostami, presente in tutti i suoi film, soprattutto negli ultimi.
   In il vento ci porterà via, il regista della troupe documentaristica
spesso si precipita sulla cima di una collina per rispondere o chiamare
al cellulare, perchè solamente li' arriva la chiamata. La prima volta
che questa scena - piano/sequenza in auto, mosso, lunghissimo si
presentava nel grande schermo, il pubblico rimaneva infastidito, troppo
lungo, troppo sporca l'immagine, altro che armonicità e musicalità
dell'immagine "pulita" seppur in movimento alla De Palma, qui' la camera
era mossa in maniera esasperata, l'immagine fissa dell'uomo al volante
che non faceva nulla se non guidare... era infastidita da sbalzi
realisti, la jeep che correva sullo sterrato e tutto ballava. Inoltre
questa sequenza si ripeteva spesso nel film, ogni qualvolta il regista
doveva andare sulla collina, e non passava mai il tempo, insomma ai fini
cinematografici questa scena era del tutto superflua, inutile,
sicuramente irritante per quel tipo di spettatore che invece è abituato
a una calibratura del cinema, dove tutto ha una funzione specifica
legata all'allegerimento della visione. Sta proprio qui' il punto:
Kiarostami se ne frega dell'alleggerimento della visione, una scena che
magari ai fini narrativi concreti puo' essere del tutto inutile, ecco
che in altri termini (astratti - concettuali) diventa per lui
indispensabile.
   Da queste sfumature che caratterizzano lo stile di Kiarostami noi
comprendiamo, che seppur lui non mostri un'autocompiacimento estetico
definito, egli è un regista pittore. Il suo è un cinema concettuale,
com'è la pittura quando si concentra su aspetti puramenti concettuali,
perchè è lo stile (la necessità della tecnica) che fanno diventare il
suo film, un fatto che adopera dei mezzi per arrivare a esprimere
qualcosa che mai dichiara.... mi spiego meglio: perchè quella lunghissma
inquadratura fissa, mossa in auto e quell'auto che spesso nel film
compie quel percorso che è del tutto inutile? Semplice Kiarostami a poco
a poco ci vuole abituare all'importanza della lentezza, della
continuità, della ripetizione. Questa lentezza di Kiarostami è
differente da quella dei film cinesi che spesso vincono il concorso di
Cannes, in questa lentezza di Kiarostami c'è una ripetitività che è del
tutto reale.
 
 
   Prendo l'auto vado li'.... il tempo passa.
   Finisco di fare quello che ho fatto, riprendo l'auto e ritorno da
dove  sono partito.... il tempo passa.
   E cosi' di seguito tutte le volte che è necessario (alla realtà)....
e il tempo passa.
   E il tempo passa di continuo - e la pellicola scorre.
   E che cosa è accaduto?
   Nulla - l'auto ha fatto piu' volte (per parecchio tempo) avanti e
indietro e nulla è accaduto... se non che il tempo (reale?), (filmico?)
è passato.
   Soprattutto nelle videoinstallazioni, nei video che si presentano
nelle galleria d'arte moderna è presente quest'operazione concettuale
della visione.... filmare il tempo, e cosa c'è di meglio di filmare il
tempo, se non facendolo attraverso l'asetticità dello stesso? Il cinema
no.... quello che deve portarci a dimeticarci del fatto che stiamo
vedendo un film, perchè ci deve prendere attraverso la storia, la
trama... quel tipo di cinema si rifiuta di filmare il tempo, altro che
asetticità del tempo. Kiarostami invece opera proprio al contrario.
   Il suo e' un film reale.
   Pero' questo modo di fare cinema reale, è anche e soprattutto cinema.
   Quindi lui ci vuole sempre (quasi in maniera ossessiva) dare la
percezione che noi siamo spettatori.
   Noi stiamo vedendo un film.
   Noi non dobbiamo MAI dimeticarci del fatto che stiamo guardando un
film.
   In questo il suo cinema è a metà strada: da un lato formalmente si
rivolge a quell'esperienza alla nouvelle - vague, dove la scelta tecnica
non è mai una scelta di comodo... ma un linguaggio, una necessità che ha
una valenza concettuale, con tutte le conseguenze che ne derivano.
   Dall'altro lato questo cinema è un cinema di vita, di esistenza, di
percezione profonda del reale, dei sentimenti, della profondità
interiore... sia nel bene che nel male.
   Il cinema di Kiarostami non potrebbe mai essere cosi' profondo,
forte, intenso.... se non avesse alla radice anche una profonda
rielaborazione estetica_concettuale_tecnica... insomma per fare del
cinema cosi' complesso (che in apparenza si mostra invece del tutto
semplice e spontaneo) e' necessario prima di tutto rielaborare tutta una
serie di riflessioni estetiche e morali che non sono dell'esecutore
asettico, ma che sono dell'artista.
   Kiarostami parte da una base immensa e poi lavora sempre a togliere,
il suo cinema a poco a poco si scarnifica, si spolpa per arrivare alla
struttura, alla necessità.....
   Alla necessità di un piano sequenza immenso, infinito, che a prima
vista c'infastidisce, ci disturba... ma che a livello di percezione, di
emozione, di ritmo (mi verrebbe da dire del cuore) ci è indispensabile
per poter accogliere una semplicità visiva cosi' difficile da
realizzarsi.
   E' cinema di un'artista questo.
   Non è cinema di tecnica asettica.
   La tecnica non - tecnica è solamente lo strumento per arrivare al
cuore, per arrivarci fin nel profondo dell'anima.
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 qualcosa di
che ti é successo a questo punto? sei svenuto per il troppo scrivere? :)
comunque sono pd'a con te, "10" é un film incredibile, da vivere
intensamente senza troppo scervellarsi per capire se é "vero cinema" o no.
per me Kiarostami ha spalancato una nuova porta verso un cinema senza
frontiere. é da vedere poi se il suo esempio riscuoterà un certo seguito
anche presso le generazioni future oppure no. per il momento io me lo godo
immensamente per le emozioni che riesce a trasmettere manipolando
un'universo cinematografico composto di una realtà talmente ordinaria da
risultare straordinaria...
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"The only thing worse than losing your mind... is finding it again."
SPIDER
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Inviato via 
http://usenet.libero.it

non e' che sono svenuto e' roba che per puro divertimento ho
scritto tempo fa, quando il film é uscito alla panoramica fatta
a Milano del film in concorso... taglia e attacca... e ci stanno
gli spazi vuoti... comunque interessante questa maniera di fare
film che mi ha ricordato il Kiaristami di Close up, quello 
che preferisco..
