Newsgroup: it.arti.cinema
Titolo: Ultime schede

Recensioni dei film di Amelio, Wenders, Amenabar, Spielberg, e 
altri.
 AltreMuse:
http://xoomer.virgilio.it/altremuse/
-- 
Inviato da Virgilio 
http://newsgroup.virgilio.it
.. molto piu' di un servizio di news via web

 
http://xoomer.virgilio.it/.
..
Ed eccole!
 "Le chiavi di casa" (Gianni Amelio - Italia)
Assente da anni nelle sale, Gianni Amelio ci torna con un film che vanta
un'ispirazione molto generica al libro "Nati due volte" di Giuseppe
Pontiggia: se il tema è rimasto il rapporto tra un padre e un figlio
disabile, il regista ha poi lavorato di sottrazione, affidandosi al suo
istinto e a un cast ridotto all'essenziale. Gianni è un uomo che ha sempre
rifiutato il figlio Paolo, ormai quindicenne, anche perchè la sua nascita
significò la morte della madre. Un doppio trauma (l'handicap e la perdita
della moglie) che lo ha spinto a ricostruirsi una vita a Milano, dove
lavora. Quando però pensa che sia giunto il momento di conoscere Paolo,
allevato da una coppia di amici, l'ansia di essere accettato deve pure fare
i conti con la sua evidente incapacità di approccio al problema
dell'handicap. Paolo è in realtà, paradossalmente, un ragazzino vitale e
simpatico, che comunica perfino con una certa facilità. Siccome è atteso da
un centro specializzato a Berlino, i due hanno modo di conoscersi in un
frangente non proprio allegro. Nei corridoi della clinica, mentre il figlio
segue la sua terapia e si sottopone ai controlli, Gianni conosce una donna
straniera che segue a sua volta una figlia con problemi simili. La donna lo
avverte senza mezzi termini: "loro in fondo sono protetti dalla malattia,
siamo noi che dobbiamo soffrire." Poco a poco, comunque, i due sembrano
legare, e Gianni decide di strappare il figlio alla dura riabilitazione e
di portarlo in Norvegia a cercare una ragazzina conosciuta a distanza. Qui,
di colpo, il padre si accorge che ogni suo progetto dovrà fare i conti con
i problemi del ragazzo, ma anche, soprattutto, con i propri limiti: forse
perché ha sbagliato sin dall'inizio. Il film di Amelio è girato con la
sperimentata semplicità stilistica che ha già fruttato capolavori come "Il
ladro di bambini", e non a caso il soggetto mette ancora di fronte un
adulto e un ragazzo, un dualismo che il regista calabrese ha spesso
affrontato con successo. Con una sceneggiatura di cui fanno parte
integrante i silenzi, il gioco degli sguardi e i gesti minimi, tutto passa
sui volti degli attori a disegnare una geografia di sentimenti in perenne
mutamento: dalla sorpresa alla speranza fino allo smarrimento, ma passando
anche per i buffi dialoghi che Paolo ingaggia con chiunque gli capiti a
tiro (ad esempio con l'ignara signora tedesca s'un tram berlinese), e che
prima disorientano e poi conquistano il preoccupatissimo Gianni.
Paradossalmente, è lo stesso Amelio a farlo notare, è anche un film
divertente, dotato di una certa leggerezza: una sorta di road movie
sentimentale che racconta una difficile ma necessaria riconquista di un
legame fortissimo. Esemplare la prova di Kim Rossi Stuart (Gianni) e
Charlotte Rampling (la donna straniera), intensi nei rispettivi ruoli senza
mai prendere scorciatoie, mentre Andrea Rossi (Paolo) è praticamente
l'anima del film: un adolescente che vive il suo handicap come l'assoluta
normalità. Un aspetto che commuove, ma soprattutto sorprende e fa pensare.
· "Mare dentro" (Alejandro Amenábar - Spagna)
Come se non bastassero titoli precedenti come "Apri gli occhi" e "The
others", Alejandro Amenábar riesce ancora a soprenderci con un film
diverso, apparentemente più impegnativo, ma che lo conferma invece come uno
dei più grandi talenti in circolazione. Il soggetto prende le mosse dalla
vera storia di Ramon, uno spagnolo rimasto tetraplegico dopo un incidente
in gioventù, che per trent'anni chiede invano alla autorità del suo paese
il permesso legale di porre fine ai suoi giorni. Un'avvocatessa, Julia,
rimane colpita dal suo caso e decide di fare il possibile per aiutarlo,
entrando così nella sua vita di infermo. Intorno a Ramon si muove una
piccola corte fedele: il fratello maggiore e la sua famiglia, che lo
ospitano nella vecchia casa di campagna, e altri amici, come la giovane
operaia Rosa, che poco a poco finisce per sfogare con lui tutte le sue
frustrazioni di donna sola che perde il lavoro e ha due figli da crescere.
L'elemento decisivo per cui Ramon si affida alla nuova legale è la sua
lieve zoppìa, perchè è convinto che la renda più capace di entrare nel suo
universo di quotidiana sofferenza. Inevitabilmente, con queste premesse,
tra i due nasce un'attrazione profonda e quasi dolorosa, nella quale
trovano posto consonanza di sensazioni, alimentate dai versi di Ramon che
Julia decide di far pubblicare, e desideri fatalmente irrealizzabili per
evidenti motivi. Quando l'ennesimo appello alla legge viene respinto, la
donna gli promette che lo aiuterà comunque a realizzare il suo proposito di
eutanasia. Poi invece, l'amore per la vita, e per il marito, hanno il
sopravvento e viene meno al patto. Ramon si decide allora a lasciare la
casa di famiglia e accettare di vivere con Rosa, per portare a termine il
suo disegno. Il soggetto di un tale film, con ogni evidenza, sembrava tale
da legare le mani anche al regista più visionario, ma Amenábar è un talento
vero proprio per come ha saputo aggirare l'ostacolo: la fedeltà alla
vicenda dolente del tetraplegico Ramon non gli ha impedito infatti di farci
vedere anche altro, forse quello che conta davvero. Con straordinaria
eleganza e sapiente uso del suo estro onirico e fantastico, il regista è
riuscito così a portarci dentro il mondo interiore dell'infermo, nel cuore
delle sue fantasie impossibili: raggiungere la donna amata sulla spiaggia e
abbracciarla, oltrepassando ostacoli fisici e mentali, ad esempio. Sequenze
emozionanti che restituiscono, di riflesso, e con una forza non comune, la
pena e l'umiliazione di chi si vede privato della più semplice libertà
umana: alzarsi e rincorrere i propri desideri. Sul tema delicatissimo
dell'eutanasia, un film come questo innesta una suggestione imprevedibile
che scompagina tutti i ragionamenti: quello di un amore per la vita che non
potrà mai compiersi. Grandissima la prova d'attore di Javier Bardem, che
costretto a recitare con la sola mimica facciale riesce a cavare dal suo
personaggio una serie impressionante di sfumature e chiaroscuri. Gli tiene
ottimamente testa però anche Belén Rueda, star televisiva di Spagna, che
dimostra una maturità sorprendente. Un film come "Mare dentro" (titolo che
riprende una poesia dello stesso Ramon) è davvero di quelli da non perdere.
· "The terminal" (Steven Spielberg - USA)
La predisposizione alla favola di certi autori è probabilmente connaturata
al punto da imbrigliare nei suoi confini anche lo spunto potenzialmente più
originale. Succede anche a Steven Spielberg in quest'ultima sua opera.
L'idea è a suo modo geniale: un uomo che arriva all'aeroporto Kennedy di
New York dalla fantomatica Krakhozia e scopre di non potervi uscire più per
mesi interi. E' successo infatti che un improvviso colpo di stato ha
rovesciato il governo del suo paese, così da renderlo al momento un vero
apolide: gli Stati Uniti non possono ancora riconoscere uno stato che non
c'è, e quindi ogni documento, incluso il passaporto del povero krakhoziano,
è privo di ogni valore. Imbarazzati e in parte seccati, i responsabili
della sicurezza dello scalo lasciano il frastornato Viktor Navorski libero
di aggirarsi nel grande terminal dell'aeroporto, in attesa di novità
dall'alto sulla sua posizione. Costretto a sopravvivere nello spazio chiuso
del Kennedy, il nostro sperimenta sulla propria pelle cosa vuol dire non
essere, letteralmente, nessuno. Si arrangia in qualche modo e familiarizza
con alcuni inservienti, imparando come mangiare e come dormire, finchè non
trova perfino l'amore in una bella hostess che lo ha scelto come confidente
per i suoi complicatissimi amori. La prima parte del film è la migliore:
con simpatia seguiamo lo spaesamento e poi le peripezie di Navorski in un
mondo che non lo capisce e che lui è costretto a decifrare per tirare
avanti. Si ride in alcuni momenti indovinati, ad esempio la godibile gag
dei carrelli procura monete, e al tempo stesso si partecipa emotivamente a
un caso molto emblematico di globalizzazione che non funziona, lasciando
l'individuo inerme tra le pieghe di sistemi ed eventi che lo trascendono.
Il problema è che, a un certo punto, Spielberg sceglie definitivamente lo
scioglimento ottimistico e tutto il potenziale implicito del soggetto viene
via via addolcito e vanificato in una sorta di crescendo sentimentale.
L'amore finisce, è vero, ma finalmente Navorski può uscire dall'aeroporto e
portare a termine la sua misteriosa missione: ottenere da un vecchio
sassofonista l'ultimo autografo mancante alla collezione messa in piedi a
distanza dal padre morto, grande appassionato di jazz. Questo finale,
perfino troppo lineare, sembra voler rimarcare l'inadeguatezza della
burocrazia americana (ma non solo) ad accogliere anche i più innocui
innamorati del suo mito, confusa com'è tra allarmi antiterrorismo e una
tragica incapacità, forse più grave, di capire l'altro senza prima averlo
classificato. Insomma, le osservazioni di spessore non mancano del tutto,
ma sono lasciate sullo sfondo in favore di un tono da commedia umana girata
con la solita classe, e anche con gli interpreti giusti: Tom Hanks
soprattutto è molto bravo, come Catherine Zeta-Jones, eppure resta
l'impressione finale di un film godibile, certo, ma riuscito solo a metà.
· "Te lo leggo negli occhi" (Valia Santella - Italia)
Questo di Valia Santella, regista napoletana al suo esordio, è un film che
mostra il discreto livello medio raggiunto dal cinema italiano di oggi. Da
notare, tra l'altro, che a produrre quest'opera prima presentata anche alla
mostra di Venezia è Nanni Moretti, che appare anche in un fugace cammeo. La
scelta dell'autrice è quella di far ruotare la vicenda intorno alla crisi
psicologica di Margherita, una cantante minata da insicurezze professionali
ma anche sentimentali, che combatte a modo suo contro l'incombente declino
della giovinezza. Il marito e la figlia maggiore, Chiara, non riescono a
interpretare la sua instabilità: credono forse che sia esclusivamente
legata al suo mestiere di cantante che fatica a trovare nuovi contratti di
lavoro, nonostante il suo agente si faccia in quattro per lei. Un malessere
che l'ha costretta in ospedale per qualche tempo, tenendola lontana dalle
scene, accredita presso i familiari questa ipotesi, ma si sbagliano.
Margherita, scopriamo, è alla ricerca di una serie di conferme diverse: ad
esempio perseguita un noto medico napoletano, già anziano, che
evidentemente non può darle di più, e ad un certo punto, dopo una visita a
Roma dalla figlia, che ha alle spalle un matrimonio fallito, sceglie di
prendere con sè la piccola nipote Lucia, di salute cagionevole, in una fuga
impulsiva che getta nel panico Chiara e anche il marito della cantante,
frastornato e impotente. Quando tutti si ritrovano nell'albergo dove
Margherita e il suo gruppo stanno per mettere in scena il suo ritorno alla
musica, e anche le paure per la salute della piccola Lucia vengono
superate, non è comunque facile cancellare del tutto le tensioni e le
distanze che si sono accumulate negli ultimi giorni. E' chiaramente un film
che deve molto agli attori, tutti capaci di una convinta adesione ai propri
personaggi: Stefania Sandrelli è perfetta come donna e diva al tramonto,
vulnerabile e imprevedibile, ma bene reggono il confronto anche Teresa
Saponangelo (sua figlia Chiara) e lo stesso Luigi Maria Burruano, per una
volta fuori dal contesto siciliano e mafioso. Girato con sobria eleganza
tra Roma e Napoli, con poche concessioni al colore, semmai privilegiando i
tratti prosaici e stressanti del quotidiano, "Te lo leggo negli occhi"
agita comunque nel disagio incrociato di madre e figlia il fantasma di una
pienezza che sfugge ai giovani come ai più vecchi. Alla fine, insomma, si
canta anche per dimenticare.
· "La terra dell'abbondanza" (Wim Wenders - Stati Uniti)
A parte l'anomalo episodio di "L'anima di un uomo", riuscito documentario
sul blues, le ultime prove di Wenders avevano lasciato abbastanza delusi.
Con "La terra dell'abbondanza", il regista tedesco sembra in parte aver
ritrovato una certa umiltà dello sguardo, dedicandosi a un tema che invade
molto cinema successivo al tragico 11 settembre 2001. Dichiaratamente
cresciuto nel mito americano, non solo cinematografico ma in senso lato,
Wenders sceglie di raccontare così gli effetti che un tale evento ha
provocato in America, con la sua sensibilità pur sempre radicata nella
vecchia Europa. Da una parte c'è la giovane Lana, che rientra negli States
dopo una lunga permanenza come missionaria laica in Palestina, e cerca di
rintracciare l'unico parente diretto dopo la morte della madre, lo zio
Paul. Quest'ultimo è uno di tanti reduci del Vietnam, ancora dentro i suoi
incubi, che ha organizzato una sorta di osservatorio ambulante per vigilare
sulle eventuali infiltrazioni di elementi terroristici sul territorio
statunitense: gira la città s'un furgone accessoriato di marchingegni
sofisticati per seguire quelle che considera piste interessanti. Si tratta,
come appare presto, di una forma di paranoia piuttosto pericolosa, ma
quello che Wenders sembra volerci dire è che non si tratta affatto di un
caso isolato. Paul collabora ad esempio con una specie di aiutante
tuttofare, specializzato nello scandagliare internet e in altri lavoretti
gregari, e anche la polizia riconosce la legittimità delle sue ronde
quotidiane. Lana, che intanto ha ripreso a lavorare nella missione
cittadina, riesce a entrare in contatto con lo zio solo quando un pakistano
viene ucciso davanti alla missione. Casualmente, si tratta dello stesso
individuo che Paul aveva seguito giorni prima: i due cominciano a
collaborare, anche se per motivi diversi. Lana crede sia suo dovere
cristiano accertare l'identità della vittima, e quindi riconsegnare la
salma al fratello, dopo averlo rintracciato. Paul, offrendosi di
trasportare sul furgone il corpo, mira invece a risalire a una presunta
cellula terroristica. I nodi vengono al pettine nello squallido sobborgo
dove abita il fratello del pakistano: invece che le prove di un disegno
eversivo, Paul e Lana si trovano davanti una delle tante storie di
emigrazione in cerca di fortuna finita tragicamente. Rinunciando per una
volta a sigillare con metafore eleganti ma fredde il suo cinema, Wenders
sfoggia qui una notevole capacità di calarsi nella psicologia di un'America
minore, e leggere le conseguenze devastanti che il lutto delle Twin Towers
ha fatalmente messo in moto. Insicurezza, diffidenza, sospetto e un
rinnovato spirito di malinteso patriottismo che sfocia appunto in una
paranoica ossessione per la sicurezza sono gli effetti più evidenti su
Paul, ma c'è anche il contraltare di Lana: la sua trasparente volontà di
aiutare il prossimo, senza fare sermoni o distinzioni, alla fine indica una
strada alternativa, che fa breccia anche in un uomo visibilmente provato da
paure antiche e nuove ossessioni. Un senso di pietà avvolge i protagonisti
della storia, ma l'indicazione del film stavolta è chiara e senza ombre: la
paura dell'altro genera mostri, si potrebbe dire, non meno che il sonno
della ragione. "La terra dell'abbondanza" è un contributo efficace a
rimarcare l'importanza di capire l'altro da noi prima di costruire
mostruosi castelli ideologici ingenerati dalla paura e l'ignoranza. Molto
bravi e credibili gli attori principali (Michelle Williams e John Diehl) e
indovinata la fotografia crepuscolare di questa malinconica storia dei
nostri giorni senza pace. Un film consigliato.
P.
-- 
It's Frahnkensteen!

 divertente,
Giusto lui poteva trovarlo divertente.
(Grazie come sempre, PP)
-- 
UFV:City of the Lost Souls(DVD)/Spider-Man2/Le chiavi di 
casa/Zombi 2(DVD)/Kramer contro Kramer(DVD)/La vita che 
vorrei - 
http://www.albertofarina.tk

 Giusto lui poteva trovarlo divertente.
:-)
-- 
http://web.tiscalinet.it/corradofarina