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Titolo: [TAORMINA] Da lunedi' a mercoledi'

Riesco a leggervi solo in maniera avventurosa tramite mailgate, cosi' sfrutto 
questa via per mandare un po' di appunti veloci sui film che stanno passando in 
questi giorni. Spero di vedere Tantris nel weekend. Ci si rilegge presto, statemi 
bene tutti!
Alberto-fake
HOUSE!
di Julian Kemp
Le cose cambiano e non sempre per il peggio, anche quando le premesse sono 
nerissime. Sembra questa la tesi di “House!”, presentato dal neoregista Julian 
Kemp come il primo film dedicato al mondo del Bingo -dichiarazione solo 
parzialmente esatta per chi ricorda “Svegliati Ned” appena un paio di stagioni or 
sono. Tutto si svolge attorno al fatiscente locale “La Scala”, un vecchio cinema 
riconvertito da anni a casa dei giochi ma ormai insidiato anche in questa sua 
nuova veste da concorrenti piu’ aggressivi e tecnologici che il nostalgico 
proprietario -italiano ma interpretato dall’inglesissimo Freddie Jones (anche se 
la fitta rete delle citazioni cinefile che percorrono il film fa sospettare che 
sia stato scelto per i suoi trascorsi felliniani in “E la nave va”... e cosi’ 
torniamo in Italia)- non e’ finanziariamente in grado di fronteggiare. La 
soluzione della crisi sara’ insospettabilmente magica, complice il misterioso 
potere divinatorio che la giovane cassiera Kelly MacDonald (gia’ vista e annotata 
in “Trainspotting”) ha ereditato da sua madre. Raccontato col brio e il piacevole 
eccesso di virtuosismo del regista che vuole dimostrarsi all’altezza, e aperto da 
spiritosi titoli di testa che daranno filo da torcere ai seguaci del pan&scan, 
“House!” sorprende quando si rivela l’opposto di un film attaccato alla nostalgia 
per un tempo che una volta superato nessuno rimpiangera’, perche’ la vita 
continua.
NEW YEAR’S DAY
di Suri Krishnamma
Sopravvissuti a un tragico incidente che ha letteralmente spazzato via tutta la 
loro classe, due sedicenni vedono sommarsi alla tradizionale crisi adolescenziale 
la sindrome del sopravvissuto in stile “Il dolce domani”: solo che la loro 
reazione da’ vita a un patto suicida, a un appuntamento con la morte fissato per 
l’anno seguente, non prima di aver compiuto una dozzina di missioni che 
dovrebbero realizzare i sogni espressi dai compagni scomparsi in un video della 
vacanze girato poco prima dell’incidente. Meno compatto del precedente “Un uomo 
senza importanza”, questo secondo film conferma il talento raffinato di Suri 
Krishnamma nella gestione degli attori: ma anche se lo spunto e’ interessante - 
almeno all’inizio sviluppato con un certo rigore, grazie anche a due interpreti 
credibilissimi- si sgrana nella prima parte in una sequenza di prodezze 
superomistiche che abbastanza presto diventa ripetitiva, e verso il finale perde 
un po’ per strada anche l’accuratezza psicologica, dimenticando di motivare certi 
improvvisi cambi di umore del protagonista meno convinto dalla faccenda. Per non 
parlare di una conclusione piu’ che discutibile che sembra davvero voler 
conciliare il tono problematico con un ormai incompatibile lieto fine.
HIGH FIDELITY
di Stephen Frears
Il meccanismo dei romanzi di Nick Hornby e’ sempre quello: la difficile conquista 
della maturita’ da parte di un uomo che si trincera dietro una passione ossessiva 
che gli rende difficili i rapporti con l’altro sesso. Il calcio di “Febbre a 90°” 
qui e’ sostituito dalla musica rock e dalla passione per le liste: il 
protagonista passa il tempo a stilare Top Five di canzoni e di donne, riflettendo 
su quale sia il fattore che fa della sua vita sentimentale un disastro. E intanto 
si fa sfuggire dalle mani Laura -la splendida Iben Hjelja gia’ apprezzata in 
“Mifune” e puntualmente importata dalla Danimarca agli Stati Uniti- che gli 
preferisce un bellimbusto finto zen a cui Tim Robbins presta il volto con 
visibile divertimento. Percorso da cammei inattesi come quello non accreditato di 
Catherine Zeta Jones e quello davvero prestigioso di Bruce Springsteen, “Alta 
fedelta’” consacra il talento di un John Cusack che dopo le notevoli prove di 
“Essere John Malkovich” e “Falso tracciato” si dimostra perfettamente in grado di 
reggere tutto il film sulle sue spalle: sempre in scena, e con un dialogo 
fittissimo che lo fa rivolgere direttamente allo spettatore per mantenere in modo 
originale la voce narrante del libro. Frears mantiene per tutto il film un ritmo 
veloce ma non dimentica mai di valorizzare uno straordinario cast di comprimari: 
ai nomi citati vanno aggiunti Lili Taylor, Joan Cusack -sorella di John nella 
vita- Lisa Bonet e due rivelazioni come Todd Louiso e Jack Black, che nei panni 
dei due assistenti del protagonista danno vita a una coppia comica strepitosa. 
Per Black, gia’ visto piu’ o meno fugacemente in “Mars Attacks”, “Jesus’ Son” e 
“Nemico pubblico”, questo film potrebbe essere un vero trampolino di lancio per 
una carriera alla John Belushi.
NELLA TERRA DI NESSUNO
di Gianfranco Giagni
Anni 80, nel pieno degli anni di piombo. Il rapimento di un importante uomo 
politico da parte di un gruppo di terroristi si e’ risolto con la sua morte per 
infarto ma ha prodotto una videocassetta in cui l’uomo confessa con dovizia di 
particolari una quantita’ di affari sporchi in grado di mettere in crisi tutto il 
sistema. Solo che i suoi rapitori sono stati arrestati e condannati 
all’ergastolo, e dal carcere non sono in grado di recuperare il prezioso 
documento filmato, chiuso in una cassetta di sicurezza. Per recuperare la 
cassetta viene chiamato un avvocato che ha qualcosa da farsi perdonare: ma il 
Sistema e’ all’erta, e in grado di manovrare come burattini tutti i protagonisti 
della storia, che si concludera’ in modo drammatico suggellando l’ennesimo 
mistero irrisolto della storia del nostro paese. Per il suo secondo 
lungometraggio -a tredici anni dall’esordio con “Il nido del ragno”- Gianfranco 
Giagni si rifa’ a un romanzo di Nino Filasto’ a sua volta evidentemente ispirato 
a vidende di politica, terrorismo e criminalita’ come i sequestri Moro e Cirillo: 
tanto che la consueta didascalia finale sulla casualita’ dei riferimenti a fatti 
e persone realmente esistiti suona quasi beffarda. Solo che sullo schermo il 
risultato e’ quello di una fiction senza ritmo ne’ stile, che si srotola sul filo 
di dialoghi che non riescono a suonare significativi, flashback in un bianco e 
nero che ha l’aria di essere stato realizzato semplicemente in fase di stampa, e 
inquadrature che appaiono tirate via quando non addirittura inutilmente retoriche 
(la “quinta” del mitra sull’immagine in campo lungo del cadavere della prima 
vittima delle manovre del Potere). Ben Gazzara presta all’avvocato Scalzi la sua 
bella maschera quasi impassibile, ma non riesce a dissipare il dubbio che il 
disagio disegnato sul suo volto appartenga, piu’ che al personaggio, 
all’interprete.
BORSTAL BOY
di Peter Sheridan
Quattro anni di Borstal, cioe’ di riformatorio, e’ la pena assegnata al sedicenne 
Brendan Behan che -in piena Seconda Guerra Mondiale- e’ sbarcato a Liverpool con 
due candelotti di dinamite IRA destinati agli odiatissimi inglesi. Brendan, che 
si dichiara prigioniero di guerra, e’ un repubblicano appassionato e per niente 
disposto a compromessi, ma l’esperienza lo costringe a una convivenza con il 
nemico da cui alla lunga scaturiscono emozioni all’inizio del tutto impreviste. 
Il regista Peter Sheridan descrive il film come la storia di un difficle “coming 
of age”, la conquista della maturita’: ma chi non conosce bene la letteratura 
irlandese apprendera’ solo nei titoli di coda che il romanzo cui il film e’ 
“ispirato” e’ l’autobiografia del protagonista, poeta, scrittore e personaggio 
televisivo ucciso dall’alcool ad appena quarantun anni. Nessun presagio di questo 
tragico destino compare nel film, che si concentra sulle esperienze carcerarie, 
sulle amicizie, le rivalita’, i tentativi di fuga e soprattutto i rapporti con 
gli altri ragazzi -con una particolare attenzione alla tentazione, raccolta, 
dell’omosessualita’. Fra molte citazioni di Oscar Wilde (di cui i ragazzi mettono 
addirittura in scena “L’importanza di chiamarsi Ernesto”), le partite di rugby e 
persino un flirt con la bionda figlia del direttore, Borstal sembra piu’ un 
college che un riformatorio da cui voler scappare ad ogni costo: e la 
sceneggiatura se ne vien fuori di tanto in tanto con dialoghi esasperatamente 
letterari sul filo del ridicolo: per lo spettatore non irlandese sarebbe utile 
sapere con un po’ di anticipo che si parla dell’infanzia di un poeta. Ma a 
livello di spettacolo il film funziona abbastanza bene, rovistando con una certa 
perizia fra i cliche’ del genere carcerario, allineando un’ottima squadra di 
giovani attori e dandoci dentro con abbondanza di musica orchestrale.
ABOUT ADAM
di Gerard Stembridge
Ricordate il “Teorema” di Pasolini? Nei primi cinque minuti del film l’Adam del 
titolo conquista l’amore di Lucy, giovane cameriera sgallettata, e la fiducia 
della sua famiglia: poi, senza allentare la presa su di lei, procede a sedurne 
una dopo l’altra entrambe le sorelle -la timida e intellettuale Laura, colpita 
nei suoi affetti letterari, e Alice, sposata senza amore e in cerca di avventure 
piu’ immediatamente fisiche- e perfino il fratello David, che elegge Adam suo 
consulente sentimentale ma scopre con orrore di esserne attratto direttamente. Si 
fa per ridere, naturalmente: “About Adam” e’ una commedia degli equivoci dal 
dialogo brioso e incalzante e in cui gli intrecci amorosi si aggrovigliano uno 
sull’altro sullo sfondo di una Dublino colorata e ben lontana -come afferma con 
ironico orgoglio il regista e sceneggiatore Gerard Stembridge- dall’irlandesita’ 
da esportazione di troppo cinema Eire. Ma al di la’ delle risate che comunque 
suscita spesso e volentieri, il film si fa notare per l’originalita’ della 
struttura narrativa modulare, che sicuramente deve qualcosa al Kubrick di “Rapina 
a mano armata”, magari filtrato attraverso l’esperienza di Tarantino: il film e’ 
diviso in quattro capitoletti successivi ma narrativamente simultanei, ognuno dei 
quali racconta la conquista da parte di Adam di uno dei membri della famiglia. 
Come nel recente e purtroppo misconosciuto “Giorni dispari” del nostro Dominick 
Tambasco, ogni blocco narrativo racconta la storia dal punto di vista di uno dei 
personaggi, e ripropone scene gia’ viste secondo nuove angolazioni che ogni volta 
gettano nuova luce sui comportamenti dei personaggi e sulle loro motivazioni. 
L’abilissimo lavoro di incastro fra le storie non sempre basta a superare quel 
certo senso di meccanico che spesso si accompagna agli arzigogoli della pochade, 
ma il divertimento e’ assicurato.
FAIL SAFE
di Stephen Frears (TV)
Non sono molti a ricordarlo, ma c’e’ stato un tempo in cui la tecnologia 
televisiva non consentiva la registrazione costringendo a mandare in onda 
esclusivamente programmi in diretta. Questo aveva dato vita allo specifico 
dell’originale televisivo -il TV Play americano: una via di mezzo fra il cinema e 
il teatro in cui la piece veniva recitata tutta di seguito, come sul 
palcoscenico, davanti a dieci o venti telecamere; e l’unico tipo di montaggio 
consentito al regista era il cambio dell’inquadratura, da effettuarsi in diretta, 
senza possibilita’ di errore. Il sistema era rischioso e non appena la tecnica lo 
ha reso possibile e’ stato in gran parte abbandonato a favore di metodi piu’ 
tradizionalmente cinematografici, anche se alcune sitcom hanno continuato a 
ricorrervi in casi di emergenza (come ben esemplificato nella conclusione di 
“Tootsie”) oppure per scelta sperimentale, come e’ avvenuto per un celebre 
episodio di “E.R.”: ed e’ proprio a questa ultima esperienza che probabilmente si 
deve l’iniziativa di George Clooney di produrre questo curioso remake del 
classico “A prova di errore”. Che, non bisogna dimenticarlo, prima di essere 
portato sul grande schermo da Sidney Lumet era stato messo in scena per il tubo 
catodico. Diretto per il piccolo schermo da Stephen Frears, fotografato da John 
Alonzo e costellato di volti cinematografici come lo stesso Clooney, Richard 
Dreyfuss, James Cromwell, Harvey Keitel e Brian Dennehy, “Fail Safe” si propone 
come un’operazione quasi filologica in cui la scelta di un tema datato come la 
minaccia atomica (comunque sempre attuale, come ammonisce implicitamente la 
didascalia finale che elenca gli stati che oggi dispongono di testate nucleari) e 
la stessa ambientazione anni cinquanta funzionano anche come captatio 
benevolentiae per un pubblico oggi abituato a ben altri ritmi narrativi. Almeno 
sulla carta: perche’ il meccanismo infernale del soggetto -in cui l’America, dopo 
aver accidentalmente distrutto Mosca, e’ costretta a offrire come contropartita 
la distruzione di New York- continua a funzionare perfettamente e lo spettatore, 
superata la curiosita’ tecnica iniziale, finisce inevitabilmente per farsi 
catturare lasciando ai critici il gusto di arrovellarsi sulle definizioni: 
televisione, teatro o comunque cinema?
FILM
di Laura Belli
Qualcuno dovra’ pur spiegarlo, a certi aspiranti registi italiani, che fare un 
film a tutti i costi non glielo ha ordinato il dottore; che utilizzare i 
finanziamenti statali per soddisfare la vanita’ di vedere il proprio nome su un 
manifesto e’ immorale e nocivo a chi il cinema lo saprebbe fare; che per giunta 
firmare un’opera non e’ un valore di per se’ e che l’autore di un’opera 
bruttissima sara’ per sempre identificato con un fallimento. Come esempio si 
potrebbe portare proprio questo “Film” (titolo, ahinoi, meno tautologico di 
quello che si potrebbe desiderare), col quale esordisce dietro la macchina da 
presa un’attrice ben nota soprattutto al pubblico della fiction televisivo come 
Laura Belli: e’ vero che gli artifici della retorica sono infiniti, ma se 
qualcuno promettesse un premio in denaro a chi riesce a difenderlo in modo 
convincente potrebbe dormire sonni tranquilli. Gia’ lo spunto di partenza non e’ 
dei migliori: la protagonista Laura Morante e’ una ex attrice, divenuta 
sceneggiatrice e in piena crisi creativa, a caccia di uno spunto per uno script 
da proporre a un concorso. Passi l’autobiografismo, purche’ si abbia qualcosa da 
raccontare: e’ vero che -come dice un personaggio- i film devono parlare della 
vita, ma e’ anche vero che e’ opportuno ispirarsi a una vita almeno un po’ 
interessante. Ma il peggio deve venire perche’ dopo 90 estenuanti minuti in cui i 
tentativi di scrivere sono frustrati dall’invadenza telefonica di un paio di 
amiche in crisi sentimentale, la sceneggiatrice non trova di meglio che 
trascrivere su carta le loro insulse battute e presentarle alla commissione del 
concorso, che inspiegabilmente assegna subito i finanziamenti per iniziare le 
riprese. Il fatto che nella finzione il film, intitolato anch’esso “Film”, sia un 
successo di incassi e’ probabilmente l’elemento piu’ fantastico di un’operazione 
francamente imbarazzante che mette in scena il vuoto di chiacchiere per giunta 
vistosamente scritte a tavolino e ben lontane dalla spontaneita’ che si vorrebbe 
catturata dalla vita reale. Arrampicandosi sugli specchi si potrebbe lodare una 
Laura Morante capace di rendere credibile il suo personaggio nonostante le 
battute che le fanno pronunciare... ma un attore e’ comunque un vaso che deve 
essere riempito di qualcosa che qui, semplicemente non c’e’. Si esce riflettendo 
su quali possano essere i criteri della commissione che assegna i finanziamenti 
alle opere giudicate di Interesse Culturale Nazionale: tautologia per tautologia, 
il titolo sarebbe meglio cambiarlo in “Raccomandazione”.
KIN
di Elaine Proctor
Anna e’ bianca, ma vive in Namibia e adora gli elefanti, che cerca costantemente 
di proteggere dagli attacchi dei bracconieri. Stone e’ nero, fa l’avvocato e non 
desidera altro che tornarsene in America per sentirsi a casa -anche se ritarda la 
partenza perche’ Anna gli sembra un discorso da approfondire. A divampare, questa 
passione annunciata ci mette due terzi dei circa novanta minuti di “Kin”, ma 
bisogna dire che il suo sviluppo e’ ostacolato da una recrudescenza del 
bracconaggio, da certe faccende di pompe e di pozzi d’acqua, e dal fratello prete 
di Anna che nutre per lei un affetto morboso e non poco equivoco. La regista 
Elaine Proctor, sudafricana laureata in cinema in Inghilterra, mira abbastanza 
chiaramente a raccontare un’Africa non da cartolina -vista dal di dentro e 
facendo attenzione alle problematiche contraddittorie della convivenza fra uomini 
ed elefanti, fra ariani e africani, fra culture e mentalita’ diverse- ma il 
risultato convince solo dal punto di vista formale: fotografato benissimo e ricco 
-pur nello stile fortemente accademico della messa in scena- di immagini 
suggestive, “Kin” fatica a seguire i suoi stessi personaggi e accumula spunti 
tematici per dieci film diversi senza saper decidere quale seguire, al punto di 
perdersi per strada interi brani del racconto.
ANIMAL FACTORY
di Steve Buscemi
La cosa migliore di “Animal Factory” e’ che non sta a smenarla tanto per le 
lunghe, e infila tutto il suo messaggio nel titolo: la prigione non e’ altro che 
una fabbrica di animali, in cui si puo’ entrare per futili motivi ma da cui si 
esce trasformati in criminali doc. E’ quello che succede a Edward Furlong, 
giovane di buona famiglia condannato per dare il buon esempio a causa di una 
faccenda di droghe leggere: preso immediatamente di mira per la sua giovanile 
avvenenza, il neocarcerato stringe rapidamente alleanza col capo occulto della 
prigione William Dafoe e impara abbastanza rapidamente tutti i trucchetti 
necessari per farsi rispettare. Tratto da un romanzo di Edward Bunker, che del 
film e’ anche sceneggiatore e interprete in una parte di fianco, “Animal Factory” 
non si distingue in molto dai classici film del filone carcerario: tentativi di 
stupro, piccoli favori e piccole corruzioni, alleanze e vendette trasversali, 
accenni di rivolta e tutto il consueto repertorio. Niente di nuovo, tanto che ci 
si chiede cosa mai in questo materiale abbia tanto attirato Steve Buscemi da 
spingerlo a tornare per la seconda volta dietro la macchina da presa. Percorso da 
una dimenticabile colonna sonora di John Lurie, il film inanella apparizioni di 
attori piu’ o meno in declino come Tom Arnold, John Heard o un ormai 
irriconoscibile Mickey Rourke senza suscitare grandi emozioni: certo l’ora e 
mezza passa senza grandi sofferenze, ma questo non impedisce che quando partono i 
titoli di coda si abbia la sensazione di aver beneficiato di una riduzione di 
pena per buona condotta.
--
Posted from 62.10.154.22 by way of 
ntmail9.lightrealm.com
 [216.122.102.2] 
via Mailgate.ORG Server - 
http://www.Mailgate.ORG

 bene tutti!
albe`,
leggerti e` sempre un piacere. spero di conoscerti di persona, un giorno o
l'altro, in questa vita o nella prossima.
-- 
Genova per noi
e` un'idea come un'altra

 l'altro, in questa vita o nella prossima.
Fa strage di donne, uomini, bambini... tze'!
Vale

Fa strage di donne, uomini, bambini... tze'!
ha preso dal padre... ;-)
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Holden 
fre...@racine.ra.it
http://della.surf.to
"Ricordate: a tu per tu con tu'!"

l'altro, in questa vita o nella prossima.
Grazie, speriamo di non dover aspettare la prossima!

ha preso dal padre... ;-)
:-)