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Titolo: e infine gli yes

da 
http://musiclist.interfree.it/
YES
YES - 6
TIME AND A WORD - 6
THE YES ALBUM - 7
FRAGILE - 8
CLOSE TO THE EDGE - 9
YESSONGS - 7
TALES FROM TOPOGRAPHIC OCEANS - 7
RELAYER - 7
GOING FOR THE ONE - 6
TORMATO - 6
DRAMA - 6
90125 - 6
BIG GENERATOR - 4
UNION - 4
TALK - 4
KEYS TO ASCENSION I - 5
KEYS TO ASCENSION II - 5
OPEN YOUR EYES - 4
THE LADDER - 4
LIVE AT THE HOUSE OF BLUES - 5
MAGNIFICATION - 6
Gli Yes rappresentano il simbolo stesso del rock progressive. Pur non
avendolo inventato, lo hanno portato all'apice, lo hanno ucciso e, come se
non bastasse, hanno tentato di resuscitarlo. Il gruppo nasce nel 1968 ad
opera di Jon Anderson (voce), Peter Banks (chitarre), Tony Kaye (tastiere),
Bill Bruford (batteria) e Chris Squire (basso). I primi due album, composti
in parte da cover rilette in chiave barocca e in parte da canzoni proprie
danno già un'idea di quello che è il gruppo: seppure all'inizio della
carriera risultano abbastanza omogenei e con un'indubbia capacità di
focalizzazione sull'obiettivo di espandere la forma canzone. Alcuni passaggi
strumentali rivelano la bravura dei componenti, sebbene i due lavori
(soprattutto il secondo) risultino un po' vuoti.
In "Time And A Word" (1970) l'orchestra aiuta i cinque, dando un aspetto più
teatrale all'album, ma ciononostante non sembrano esser stati fatti grossi
passi avanti rispetto a "Yes" (1969), e il pubblico non sembra provare
interesse per questa ennesima imitazione di Moody Blues e Procol Harum.
Dopo "Time And A Word", entra in organico Steve Howe, al posto di Peter
Banks. L'anno dopo esce "The Yes Album", che segna una svolta totale: niente
più canzoni, bensì figure sonore espanse e complicate. Lo stesso brano può
ritrovarsi spaccato in varie sezioni, ognuna totalmente indipendente
dell'altra, se non fosse per i collegamenti strumentali: accade in "I've
Seen All Good People" (inizio da ballata folk, conclusione in uno sfrenato
r&b/rockabilly), "Starship Trooper" (inizio da ballata cosmica, intermezzo
acustico da saltarello popolare, finale su riff di chitarra, con crescendo
di batteria e tastiere), "Yours Is No Disgrace" (riff sovrapposti di
chitarra e organo, intermezzi dei più disparati, fra wah-wah, cantati da
ninna nanna e veementi andamenti ritmici), "Perpetual Change" (magistrale
intreccio dei cori, riff solenne di organo, basso distorto, melodia ariosa).
La musicalità colta apportata da Howe, assieme al basso di Squire, domina i
brani, elevandoli in un contesto raffinato ed elegante.
Le suite del gruppo, chilometriche e frastagliate, sfoggiavano di contro
cori west-coast e tratti melodici estremamente abbordabili: di fatto gli Yes
spostarono l'asse degli ascoltatori rock dagli adolescenti ribelli agli
intellettuali di rango. Pur lentamente, l'album ottiene successo, e la band
accompagna i Jethro Tull in tour, destanto forte interesse: intanto Tony
Kaye ha abbandonato ed è stato sostituito da Rick Wakeman (ex-Strawbs).
"Fragile" (1972) è il disco della conferma: la cupa "South Side of the Sky"
regala un andamento androide ed uno straniante intermezzo di piano; mentre
"Heart of the Sunrise" (risposta ai Van Der Graaf Generator di "A Plague Of
Lighthouse Keepers") si impone a perno dell'album. Il brano si snoda in
dieci minuti, fra stasi mistiche, svisate epilettiche e marziali crescendo:
spiccano il mellotron cosmico di Wakeman e il rullare pneumatico di Bruford.
L'hit "Roundabout" impone Chris Squire fra i grandi creativi del suo
strumento, con un riff di basso talmente distorto da mettere in ombra
persino la chitarra. Squire rende il basso uno strumento creativo,
ripescando a piene mani dagli insegnamenti del jazz, ed adattandoli al rock
tramite volumi assordanti, ma senza dover ricorrere alla cacofonia o alla
dissonanza: pochi bassisti hanno affrontato la missione di evidenziatori
melodici, in maniera tanto completa e originale. A intermezzare queste tre
suite ci pensano piccoli scorci di altrettanta genialità: "Mood for a day"
(squisito solo di Howe alla 12 corde), "Long distance runaround" (pop
jazzato dal ritmo puntiglioso e sbarazzino), "The Fish" (basata su assoli di
basso sovrapposti) e, soprattutto, "We have heaven" (un minuto e mezzo di
ninna-nanna estatica, con l'angelica voce di Anderson che si snoda in mille
labirintici percorsi e sovrasta un'ossessiva ritmica di chitarra acustica e
percussioni).
La copertina è la prima a portare la firma di Roger Dean, d'ora in poi
abituale collaboratore del gruppo.
Uscito a distanza di pochi mesi, "Close to the edge" bissa il successo di
"Fragile" e ne supera il livello artistico. Il primo lato è composto
dall'eponima suite di 18 minuti. Tutto si risolve in un lunghissimo assolo
di ogni tipo di strumento, voce compresa, unito da un filo logico che sembra
non spezzarsi mai. L'introduzione è uno sfogo free-jazz, in cui la chitarra
di Howe produce lamenti e squittii dei più insoliti, sorretta dal basso
impazzito di Squire. Verso la metà il tutto si trasforma in una sorta di
requiem siderale, in cui i cori di Squire e Howe, alternati a quelli di
Anderson, si fondono a meraviglia con l'organo pulsante di Wakeman. Si
procede con un apocalittico assolo di quest'ultimo, lungo oltre due minuti,
aiutato da Bruford che scatena un'incontenibile grandinata batteristica e si
conclude sulla falsariga dell'inizio, con Anderson che canta
paradisiacamente quell'accenno di ritornello tratto dal 'Siddhartha' di
Hesse, facendo commuovere per intensità e incredibile tonalità della voce.
"And you and I" è un immensa ballata che, introdotta da un accenno di Howe
all'acustica, si trasforma in una morbida cantilena prima e in una marcia
trionfale poi, con le tastiere di Wakeman a fornire un crescendo cosmico da
far concorrenza ai Tangerine Dream di "Atem". "Siberian Khatru" comincia con
una inusuale schitarrata di Howe, a cui poi si attaccano tutti gli altri
componenti. Il pezzo continua in una progressione piuttosto accentuata fino
all'inizio della parte cantata, dove si procede con una musica satura di
note, alternata a parti jazzate. Poi uno dei tipici interventi perforanti di
Wakeman (anche al clavicembalo), che cede nuovamente il posto alla chitarra
estremamente progressiva di Howe. La seconda parte si ripete pressapoco
simile alla prima, ma forse più riflessiva e tecnicamente migliorata, con un
coro di voci e chitarra che cerca di rendere l'atmosfera un più tesa.
La voce di Anderson funge da collante fra i vari suoni, fondendoli in un
mastodontico conglomerato: "Close To The Edge" segna il totale sradicamento
degli stilemi che il rock ha imposto al canto. Anderson è il cantante
composto e levigato per eccellenza: mai una sua performance scade in urla,
recitazioni, bozzetti teatrali o gorgheggi grotteschi. La sua linea prosegue
meditante e fissa sulla sua (altissima) tonalità, senza alcuna svisata
emozionale. Intrecci corali, crescendo in falsetto e vocalizzi eterei si
rivelano ben poca cosa di fronte alla resistenza disumana che mostra Jon
nelle sue maratone asettiche ed ipnotiche. Anderson ha stemperato la
profondità della linea cantata per distribuirla sulla lunga distanza,
attraverso tour de force estenuanti, che avrebbero spaventato qualsiasi
cantante per la resistenza e lo sforzo richiesti.
Non è un caso che i testi dell'opera siano stati adattati, per meglio
potersi prestare alla tonalità che doveva venir cantata in questo o in quel
momento.
Dotata di fascino quasi esotico, e alternando suoni ora incandescenti, ora
glaciali, l'opera si impone fra i perni della musica rock anni 70. Dalla
lunga tournée che seguirà, verrà registrato il triplo (ridotto a doppio
nella versione cd) live "Yessongs", fra i più celebri documenti
concertistici degli annali rock.
Gli Yes vollero a questo punto realizzare la loro opera più grande: "Tales
From Topographic Oceans". Il gruppo era sempre lo stesso, ad eccezione di
Alan White che sembrava non far rimpiangere l'uscita di Bruford, passato ai
King Crimson.
"The Deliverance Science of God" apre l'album in maniera tipicamente
progressive, aumentando pian piano di intensità, con voci sovrapposte che
accompagnano il crescere della musica, su batteria ficcante e basso
effettato. Il finale è una rivisitazione all'indietro dell'inizio. "The
remembering", sembrerebbe una cosa a parte, con un attacco strumentale di
Wakeman dal clima pastorale, che evolve in un coro ben organizzato e
scandito dal ritmo pulsante di Squire. Gradualmente entrano tutti gli
strumenti, facendo capolino dalla nebbia creata dal persistere delle
tastiere scoordinate in sottofondo. Si chiude in un crescendo di cori,
tastiere lancinanti e suoni striduli di chitarra, seguiti da un progressivo
rallentamento della musica ad opera di Wakeman. "The ancient'" è l'oscurità
totale, un'eternità spaventosa, un baratro senza fine: sonorità secche,
stridule e assillanti, sorrette dal ritmo paranoico di White ed appena
mitigate dalle tastiere di Wakeman, che in compenso impregnano il tutto di
un'aura lugubre e spettrale. Si conclude in una specie di dimessa ballata
acustica cantata da un Anderson dai toni incredibilmente sofferenti. Quarta
ed ultima canzone dell'album è "Ritual", introdotta da placidi assoli di
Howe, all'insegna della ricercatezza e del melodismo. Circa a metà però,
tale atmosfera di serenità comincia a frantumarsi, lasciando posto ad un
ritmo sempre più sincopato, con note acute di chitarra e grandioso uso dei
piatti. White si sfoga in una lunga e corrosiva successione di percussioni
di ogni tipo, aiutato dal sintetizzatore irritante di Wakeman. Questa
frenetica parentesi sfocia infine in una nuova parte cantata, prima
mestamente, poi più armoniosamente, in uno sfondo di benessere e pace
interiore (Anderson già da accenno delle sue future fissazioni spirituali).
Considerando che questo disco è succeduto a "Fragile" e a "Close To The
Edge" e che è un'opera di assolutamente non facile interpretazione, appare
evidente il perchè non sia stata gradita dal pubblico.
1974: Wakeman, deluso da "Tales From Topographic Oceans" (in cui, per la
verità, era stato rilegato ad un ruolo minore), lascia gli Yes.
Al suo posto arriva Patrick Moraz, svizzero proveniente dai Refugee. Il suo
stile, più duro rispetto a quello classicheggiante di Rick, si impone in
quella che fu la riconferma degli Yes, "Relayer". L'album, dotato di
tecniche eccelse ed arrangiamenti grandiosi, risulta forse carente di una
certa dose d'umanità: lo si potrebbe paragonare ad una grandiosa cornice
alla quale manca il quadro. Un'ipotesi credibile è che, per poter permettere
il passaggio all'era new-wave, gli Yes abbiano voluto svuotare il contenuto
del disco, concentrandosi così in maniera più efficace, sui nuovi suoni da
eleborare.
Si comincia con "The gates of delirium". I testi (basati su "Guerra e pace"
di Tolstoy) sanno di epico, soprattutto grazie all'impostazione vocale e
all'accompagnamento burrascoso. L'introduzione ricorda vagamente il caotico
inizio di "Close to the edge", con molteplici suoni striduli di tastiera
sovrapposti in crescendo, a cui si affiancano il potente basso di Squire e
la gibson di Howe dall'atipico suono jazz. White, Moraz e Howe provocano poi
un inferno che cresce senza sosta per più di sei minuti: finita la "guerra"
si ritorna ad una musica decisamente più melodica, ma che rimane sui toni
dello sfacelo appena eseguito. Questa parte, conosciuta anche come "Soon",
vanta suoni estremamente freddi, quasi a metaforizzare una sorta di
desolazione interiore, o peggio ancora, il terribile presagio di un disastro
nucleare e del conseguente inverno totale: s'imporrà di fatto come unico
momento realmente emozionale dell'album.
La cacofonica "Sound chaser" è una dimostrazione di magnificenza tecnica:
organizzata e sincronizzata in ogni dettaglio, è forse la canzone più
estrema degli Yes, che ne ricalca tutta l'esperienza, le volontà artistiche
e le caratteristiche portanti. Terza ed ultima è "To be over" dai testi
misticheggianti, probabilmente voluti da Anderson: un susseguirsi di lente
note di chitarra e organo, in un'atmosfera morbida e avvolgente, con finale
leggermente accelerato, a sfoderare tocchi orientali.
Si decide a questo punto per una momentanea separazione.
Il ritorno avviene nel 1977, con la formazione d'oro:
Anderson-Howe-Wakeman-Squire-White. Il disco è "Going for the one", che
ottiene il prevedibile successo (numero 1 in Gran Bretagna) di pubblico ed è
seguito dal prevedibile tour trionfale. Anderson è in pieno trip new-age: il
suo disco solista ("Olias of Sunhillow"), uscito l'anno prima e fortemente
influenzato da Vangelis e da certo kraut-rock, lo ha portato lontano dai
territori progressive.
"Awaken" si snoda in 15 minuti e, a parte i primi in cui Squire ed Howe si
sbizzarriscono, scivola in una dimensione del tutto inedita per la band, in
cui spiccano tastiere fluttuanti, immaginifiche e magniloquenti. "Awaken" è
di fatto una composizione new-age, di quelle che vent'anni dopo sarebbero
tanto andate di moda. La title-track segna lo spostamento verso il
territorio new-wave: le chitarre di Howe si piazzano al crocevia fra il
free-jazz e il country, il basso di Squire assume una metronomia robotica,
gli intrecci vocali di Anderson assurgono a livelli labirintici. Ma troppe
novità tutte insieme costringono gli Yes anche al ripiegamento su se stessi
e il resto del disco suona ripetitivo e stanco. Il singolo di lancio è una
delle loro composizioni più graziose, ma anche una delle meno originali:
"Wonderous Stories", tenera ballata folk. Anderson sta ricacciando nelle
tenebre tutta l'angoscia che rischiava di schiacciare l'emotività dei
precedenti dischi: "Going For The One" è nel complesso un antidoto a
"Relayer" e, soprattutto, a "Tales From Topographic Oceans".
"Tormato" esce l'anno successivo e segna un'altra svolta: il progressive
ormai non esiste più e gli Yes hanno già imparato a dimenarsi in nuovi
sentieri, prediligendo quello della new-wave. Anche "Tormato" è un opera
totalmente chiusa su se stessa, con svariati ponti strumentali
imbarazzantemente annegati in un'elettronica pacchiana e priva di qualsiasi
sensibilità mistica o atmosferica. Cio' non toglie che "Don't kill the
whale", il singolo di lancio, rimanga un gioiello sonoro pregevole:
l'overdose di sintetizzatori di Wakeman e il battito sbieco della batteria
lo rendono uno degli esperimenti più bislacchi della band.
Gli Yes entrano a questo punto in crisi profonda, con "Tormato" che ha
deluso gran parte dei fan: la band si sbriciola in seguito all'abbandono di
Anderson e Wakeman. Howe, Squire e White reclutano allora Trevor Horn (voce)
e Geoff Downes (tastiere), entrambi ex-Buggles, e incidono "Drama", che esce
nel 1980 e fa gridare allo scandalo i puritani: le atmosfere quasi disco di
"Does it really happen" risultano intollerabili per una band del genere.
Appare anche ovvio che senza Anderson la band non ha respiro: lo
scioglimento definitivo arriva nel 1981, dopo una serie di concerti
tutto-esaurito al Madison Square Garden. Checchè se ne voglia comunque dire,
"Drama" appare un'opera meritevole di un certo interesse.
Nell'inverno 1983, la reunion. Ci sono Anderson, Squire, White e due
soprese: la prima è l'assenza di Howe, rimpiazzato dallo sconosciuto Trevor
Rabin; la seconda è quella di Wakeman, rimpiazzato nientemeno che da Tony
Kaye. Il disco del secondo ritorno è "90125", che ottiene grande successo
mondiale, soprattutto in America, dove il singolo "Owner of a lonely heart"
si piazza in vetta alla classifica e ci rimane per quattro settimane. Il
nuovo sound degli Yes è un pop-rock di coralità vagamente AOR: Rabin, il
nuovo arrivato, è anche colui che firma la maggior parte dei brani,
motivando plausibilmente cotanto rinnovamento. Del disco merita attenzione
soprattutto "Changes", brano dalle atmosfere eteree e suggestive.
Con "Big Generator" (1987), però, la formula comincia già a mostrare la
corda: Rabin non è Howe, e i singoli "Rhythm Of Love" e "Love Will Find A
Way", pur accontentando gli ascoltatori radiofonici, rimangono misere
canzoncine.
Della band si avranno nuove notizie solo nel 1991, dopo periodi di
intemperie legali, quando ricomparve con una formazione espansa a quasi
tutti i membri mai apparsi nella band (Anderson, Howe, Kaye, Rabin, Bruford,
White, Wakeman, Squire). "Union" (1991), "Talk" (1994), "Open Your Eyes"
(1997) e "The Ladder" (1999), che riprenderanno lo schema progressivo dei
primi anni 70, si dimostreranno capitoli posticci, del tutto inutili nella
saga della band (più dignitosi sotto questo punto di vistra i tre live,
usciti nel 1996-1997 e nel 2000): fra i musicisti che si sono aggiunti
all'ensemble negli anni 90, vanno segnalati Billy Sherwood (tastiere,
chitarre) e Igor Koroshev (tastiere). Nel 2001 esce "Magnification"
(registrato con orchestra), che si fa beffe delle atmosfere megalomani dei
patetici predecessori, e si dipana in una dimensiona acustica e dignitosa,
segnando una positiva rinascita.
In sintesi, la carriera del gruppo potrebbe definirsi encomiabile per aver
traghettato nel nuovo millennio alcuni dei più importanti studi
sull'utilizzo della voce all'interno della musica rock. La line-up può
vantarsi di aver posseduto elementi di inarrivabile caratura
tecnico-creativa: tre rivoluzionatori dei propri ruoli (Bruford, Squire e
Anderson) ed almeno tre inarrivabili virtuosisti (Wakeman, White e Howe).

Questa persona dice cose interessanti, ma non mi piace come scrive. Mi
sembra poi eccessivamente magniloquente e un po' pretenziosa.
Credo che sia dannoso basarsi troppo sui suoi giudizi, imho.
Saluti.
--
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Andrea Pavoni
Greenwall
Official Website
http://www.greenwall.it
Greenwall on Vitaminic
http://stage.vitaminic.it/greenwall
"l'autore č l'opera spavalda, il prodotto č l'opera opportuna"
(Pasquale Panella)


Quelle che tu hai descritto mi sembrano le caratteristiche che i
critici musicali di solito attribuiscono al rock progressivo. Si vede
che l'autore era in tema... CIAO !!!

 wrote in message
a5434f44.02100...@posting.google.com...

Si, ma non sono caratteristiche, sono difetti!
In genere unite a mancanza di analisi e di obiettivitą.
Salutoni.
