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Titolo: il mio primo quadro, l'inizio dell'avventura...

> Per rispondere privatamente togli il primo punto dal mio indirizzo. <<

   zdf.
Ciao Zdf,
Allora, per prima cosa, soprattutto per soggetti così delicati, si
dovrebbe particolarmente curare la preparazione del dipinto, ovvero lo
strato di colore destinato a fare da sfondo alla pittura vera e propria.
La preparazione, generalmente considerata irrilevante, in realtà è il
primo atto della pittura. Non ho visto il tuo modello, ma in genere le
preparazioni più adatte sono delle "mezze tinte", come ad es. ocra
gialla+terra d'ombra naturale+una punta di nero o di rosso inglese, il
tutto schiarito con un po' di bianco. Per inmtenderci, l'aspetto finale
dovrebbe avere una tinta un po' "biscottata". Su questa preparazione
puoi dipingere praticamente di tutto, e ti troverai bene.
Un altro modo di preparare, molto usato dalle icone fino al Settecento,
è il cosiddetto Caput mortuum, cioè un colore rosso ossido più o meno
scuro (il colore si chiama proprio così, lo trovi anche nella sfumatura
violetta). Il motivo del suo uso è molto semplice: su questa tinta tutti
i colori, sia chiari che scuri, hanno il massimo risalto (risultano
"vivi" ;-) e si ottengono i migliori grigi ottici per trasparenza, di
una purezza "neutra".
Ovviamente se lavori su una preparazione molto scura dovrai o "coprire"
in più fasi o lavorare con più materia.
Stabilita la tua preparazione, incomincia a tracciare un abbozzo
monocromo, disegnando con un pennello di setole (bue o sintetiche),
utilizzando come medium una miscela di olio di lino e vernice, alla
quale puoi aggiungere eventualmente qualche goccia di essenza di
trementina. Se puoi procurartelo, prova anche il seccativo "Flamand"
della Lefranc, usalo in sostituzione della miscela sopra indicata.
Tieniti leggero e trasparente in tutto il tuo abbozzo, e potrai sempre
aggiungere materia dopo... come tinte, prova un grigio ottenuto
mescolando blu cobalto, nero avorio e una punta di bitume, schiarendo
poi con il bianco. Se le ombre sono molto delicate puoi anche ottenere i
grigi come "grigi ottici", per interferenza del solo bianco col tono
della preparazione. in tal caso bisogna curare molto la pennellata fin
dall'abbozzo e poi aggiungere progressivamente bianco nelle parti in
luce. Un altro sistema è poi misto tra questi due: prima si sfruttano
per i grigi le interferenze con la prpearazione e poi una volta secco
questo abbozzo le ombre vengono rinforzate con velature appropriate,
piccoli tocchi di scuro nelle pieghe dei petali, etc. Se nei chiari il
bianco solo è troppo crudo lo puoi velare o mescolarvi un po' di giallo
ossido trasparente (il migliore è quello della mussini) o in alternativa
un giallo di marte (copre molto, dunque pochissimo).
Per distinguere i petali l'uno dall'altro durante il lavoro, puoi sia
fare una differenziazione luci/ombre sin dall'inizio del lavoro,
evitando le "basi" troppo uniformi, che saranno inevitabilmente troppo
chiare o troppo scure, sia lasciare delle zone "in riserva", come si
dice, cioè delle piccole linee del colore della preparazione tra una
zona e l'altra (trucco usato da Caravaggio e dalla scuola lombarda), sia
ancora tracciare delle linee col manico del pennello o con una piccola
punta di legno nello strato di colore, che ti aiuterà a distinguere le
varie parti l'una dall'altra.
Spero di esserti stato utile e ti auguro buon lavoro
Un cordiale saluto
--
Sinuhe
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Sinuhe
Ciao Sinuhe,
  ti ringrazio moltissimo per la tua risposta, per provare tutto
quanto mi hai detto dovro' triplicare i "quadri"... ho capito che
quello che ho iniziato non sara' un capolavoro :)
Riguardo alle velature, provero' con l'olio di lino e la trementina,
volevo chiederti qual'e' la densita' ottimale del colore e lo spessore
dello strato.
Grazie ancora,


   zdf.
Non dimenticare di aggiungere un po' di vernice, se usi solo olio e
trementina lavorerai troppo "fluido" e avrai più difficoltà a
controllare i contorni e le sfumature.
La densità ottimale del colore: in genere i colori ad olio in commercio
contengono troppo olio. Se ti sembra il caso, metti il colore su un po'
di carta scottex perchè assorba l'eccesso di olio, quindi con una
spatola trasferiscilo sulla tavolozza. Pensa che dopo devi aggiungervi
il medium... quando lavori, prendi un coperchio di vasetto che fisserai
con un po' di colla o scotch sulla tavolozza, e mettici dentro solo
qualche goccia di diluente, prendendone poi col pennello una punta alla
volta (in questo modo lo economizzerai anche, perchè ). In linea di
massima: più medium per le fasi iniziali, meno per il colore a pasta, di
nuovo di più per le velature finali.
In genere è necessario tener presente una cosa, sulla quale non mi
dilungo qui: la pittura ad olio risponde - o meglio è stata creata -
sulla base di precise esigenze simboliche, allo scopo cioè di esaltare
la concezione secondo la quale la luce costituisce il principio di
strutturazione e formazione delle cose, a partire dalla materia grezza.
Senza addentrarsi in questa concezione, diciamo che nelle ombre bisogna
tenersi leggeri e trasparenti, salvo a rinforzarle in seguito. Se per le
ombre si fa una base coprente, è bene che sia più chiara del risultato
finale e che il tono finale sia raggiunto per mezzo di velature, che
daranno alle ombre (e a tutta l'immagine) trasparenza e profondità.
In generale lavora sempre con meno materia possibile, potrai sempre
aggiungerne in seguito. Se il dipinto non è troppo piccolo lavora prima
coi pennelli di setole di maiale, "tirando" e stendendo la materia
mentre la disponi secondo le forme. Questo darà un buon abbozzo. Se
invece è molto piccolo, lavora con pennelli di setole morbide, ma di
grandezze differenti, come consigliavano i pittori di miniature, per
evitare la monotonia del segno e della pennellata. Abbozza, ad esempio,
col numero due e rifinisci e disegna col 2/0 o col 5/0.
Buon lavoro e se dovessi aver bisogno di qualcosa...sono qui.
Cordialmente


nuovo di più per le velature finali.
Volevo chiederti se nel frammento didattico del ritratto olandese nel
sito di Chiara fino a questo momento hai utilizzato dei medium
(seguendo quello che mi hai scritto prima) o se questo è un caso
particolare.
Sfortunatamente non ti sto' prendendo in giro, nei libri che ho
comprato c'è pochissimo sui medium (e vernici) ed il loro utilizzo...
invece questo punto è una cosa di cui mi accorgo aver una lacuna
immensa, oltre ad avere l'impressione di stare impazzendo per ottenere
un buon risultato usando l'olio di lino e la trementina in maniera non
consona.
Ciao e grazie,
  Riccardo.


nuovo di più per le velature finali.
Volevo chiederti se nel frammento didattico del ritratto olandese nel
sito di Chiara fino a questo momento hai utilizzato dei medium
(seguendo quello che mi hai scritto prima) o se questo è un caso
particolare.
S: Ho seguito la procedura che ti ho descritto e che tu riporti qui sopra.
All'inizio bisogna disporre degli strati leggeri, che permettano di farsi
una prima idea delle forme, di ombre e luci, etc., ma anche di cancellare o
correggere se necessario... dunque poco colore e più medium. Quindi,
accertatici della giustezza del nostro primo abbozzo, è necessario
aggiungere materia nelle parti chiare, e cominciare a definire quelle in
ombra, pur tenendoci più leggeri del risultato finale (dunque più colore e
meno medium). Infine i ritocchi e le velature vengono a perfezionare e
completare tale base, senza però coprirla, ma sfruttandone le proprietà per
trasparenza (di nuovo dunque, poco colore e più medium).
Nel ritratto olandese ho utilizzato il "Flamand" in tubo per le fasi
iniziali e per l'abbozzo intermedio, e sto proseguendo con il "Flamand"
liquido (a base di copale) per le velature finali.
Sfortunatamente non ti sto' prendendo in giro, nei libri che ho
comprato c'è pochissimo sui medium (e vernici) ed il loro utilizzo...
invece questo punto è una cosa di cui mi accorgo aver una lacuna
immensa, oltre ad avere l'impressione di stare impazzendo per ottenere
un buon risultato usando l'olio di lino e la trementina in maniera non
consona.
S: Non ti scoraggiare, agli inizi ci sono un po' di problemi ma con un po'
di pazienza e con la perseveranza si risolve tutto e restano dei solidi
risultati dei quali si può essere soddisfatti. Buon lavoro e se posso
esserti utile... scrivi al ng.
Ciao e grazie,
  Riccardo.
Di niente, è un piacere...
Un cordiale saluto
Sinuhe
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Ciao Sinuhe,
  alla fine sono riuscito a scovare una bottiglietta di siccativo
Flamand, ma che impresa... E' corretto che sia di colore
marrone-rossiccio?
Vorrevo chiederti qual'è la giusta sequenza per disegnare un cielo con
le nuvole (immagino abbozzando la "parte cielo" e quella nuvole in
contemporanea, ma come fare per fondere armoniosamente queste 2 zone
dando un aspetto di vaporosità?) Ti pongo questa domanda sempre per il
quadro della rosa bianca, in alternativa al fondo "cielo" (all'alba
con qulche nuvola) stavo pensando ad un colore neutro sfumato (ma
quale?) Ho provato prima con un verde e poi con un giallo ocra/marrone
(sul primissimo quadro), ma in entrambi i casi il perde in profondità
e naturalezza (e dire questo su quella "crosta" è tutto dire). :(
Sto' leggendo un libro sulla pittura ad olio di Charles Lock Eastlake,
e ci sarebbero un paio di domande che vorrei farti su quanto scritto
in quel libro, se vuoi in un prossimo thread.
Ciao,
  zdf.


Zdf wrote:
Ciao Sinuhe,
  alla fine sono riuscito a scovare una bottiglietta di siccativo
Flamand, ma che impresa... E' corretto che sia di colore
marrone-rossiccio?
S: Sì, è così che dev'essere... è la coppale che conferisce questo colore.
Fammi sapere come ti trovi...
Vorrevo chiederti qual'è la giusta sequenza per disegnare un cielo con
le nuvole (immagino abbozzando la "parte cielo" e quella nuvole in
contemporanea, ma come fare per fondere armoniosamente queste 2 zone
dando un aspetto di vaporosità?)
S: Sfrutta il colore dello sfondo che lascerai trasparire, metti le tinte
più grigio-azzurre, quindi le intermedie più azzurre, infine i bianchicci e
i tocchi di bianco puro delle nuvole. Lavora coi pennelli di setole per
abbozzare, l'insieme sarà più sciolto e ne guadagnerà in freschezza. Alla
fine liscia e sfuma quà e là con un pennello di setole che avrai intinto nel
colore, poi asciugane l'eccesso di colore e quindi spremilo fra le dita per
dargli la forma di un piccolo ventaglio. Sfuma localmente dove ti sembra
opportuno per fondere ed armonizzare, ma non troppo, se no il tutto sembrerà
"leccato", come si dice. Concentrati per piccole zone: il dettaglio che stai
dipingendo dev'essere per te tutto il quadro, in quel momento.
 Ti pongo questa domanda sempre per il
quadro della rosa bianca, in alternativa al fondo "cielo" (all'alba
con qulche nuvola) stavo pensando ad un colore neutro sfumato (ma
quale?) Ho provato prima con un verde e poi con un giallo ocra/marrone
(sul primissimo quadro), ma in entrambi i casi il perde in profondità
e naturalezza (e dire questo su quella "crosta" è tutto dire). :(
S: Se il fiore è bianco potresti, anzichè sul contrasto, puntare sulle gamme
delicate... prova a fare un grigio azzurrino (più o meno bianco, nero avorio
e blu cobalto). Passalo tutto intorno, una volta secco lo potrai velare con
un colore trasparente sfregato con un pennello di setole duro, per creare
una sorta di "vibrazione"...
Altrimenti ci vuole uno sfondo scuro, ma in tal caso dovresti aggiunger
eanche altri elementi che medino, tipo foglie, rami etc., altrimenti il
contrasto bianco/nero sarà troppo violento e appiattirà il tuo modellato.
Sto' leggendo un libro sulla pittura ad olio di Charles Lock Eastlake,
e ci sarebbero un paio di domande che vorrei farti su quanto scritto
in quel libro, se vuoi in un prossimo thread.
S: A tua disposizione...
Ciao,
  zdf.
