Newsgroup: it.arti.varie
Titolo: Prime conclusioni sull'arte: simbolo e tecnica



Per completare l'esempio precedente ci limiteremo ad aggiungere  che
progressivamente, nel corso dei secoli, l'
oro
 ha dovuto dapprima
adattarsi a fare da 
sfondo
 alle rappresentazioni della divinità,
e successivamente, con il decrescere dell'arte sacra, ad essere definitivamente
espunto dalle immagini, restando limitato alla doratura della 
cornice
,
nel frattempo divenuta autonoma rispetto al dipinto.

Vediamo ora di cominciare ad esporre quei "punti fondamentali" dei quali
parlava Simplicio in un precedente messaggio, riferendoci il più
possibile all'arte in generale, ciò a cui abbiamo cercato di avvicinarci
con l'esempio precedente.

Ciò che dà valore all'espressione artistica e le conferisce
la sua validità non è soltanto l'interiorità dell'artista
(da non intendersi in nessun caso come "personalità"), i suoi interessi
personali o unicamente la sua capacità tecnica, ma anche tutto un
mondo, un organico tessuto di legami sociali, culturali, spirituali, nei
quali e attraverso i quali il "soggetto-artista" lavora realizzando l'"opera
d'arte"; opera che consiste dunque in una testimonianza visibile e tangibile
del rapporto dell'uomo con la Natura da un lato, con le altre attività
umane dall'altro. In altre parole, l'opera d'arte è 
simbolo

di un patto, di un'alleanza tra uomo e mondo, come vuole l'etimologia del
termine simbolo, la quale fa esplicito riferimento alla ri-unione di due
parti di una medesima unità.

La maschera funeraria in oro è la testimonianza visibile di
un mondo con le sue conoscenze scientifiche, la sua filosofia, la sua religione,
la sua arte.

Quando tali legami sono spezzati o comunque gravemente compromessi,
gli uomini si ritrovano ad essere non più "cellule" di un organismo,
ma "schegge vaganti" proiettate da non si sa quale esplosione in mille
direzioni differenti, e quel che è più grave senza ormai
riuscire a "sentire" e a valersi di quella 
organicità
 che
un tempo gli aveva permesso di realizzarsi in un essere-nel-mondo, per
usare un'espressione heideggeriana.

Per utilizzare una metafora, l'opera d'arte può esser considerata
come una pianta, che affonda le sue radici nel terreno, vive di scambi
con l'esterno, svolge un ruolo che è il suo nell'equilibrio dell'ambiente
etc.

Privata anche solo di alcuni di questi scambi fondamentali, ad esempio
in assenza di luce, di acqua, e via dicendo, la pianta non potrà
sussistere molto a lungo.

L'
organicità
 è dunque una caratteristica fondamentale
dell'opera d'arte, se non la principale. L'arte infatti imita la Natura,
non solo nel senso che riproduce (o dovrebbe riprodurre) l'aspetto visibile
delle cose presenti in natura, ma anche e soprattutto nel senso che, come
la natura, mira a costituire degli 
organismi
, ovvero ad ordinare
la materia in "funzioni" ed "organi" attraverso un'attività (la
tecnica), o come si direbbe oggi a "strutturare".

La Natura è un 
ordinamento
, dalla cellula fino alla scala
cosmica ("cosmo" infatti in greco vuol dire "ordine"), l'arte che vuole
imitarla cerca di fare altrettanto, ordinando secondo un metro ben preciso
(nelle arti antiche è basilare il concetto di "canone")  e
riferendosi, come abbiamo detto, alla Natura da un lato, alle altre forme
di conoscenza dall'altro.

La 
tecnica
 (i greci non avevano un parola specifica per designare
l'arte, usavano "tekne" per qualunque saper fare) è dunque un'attività
di "organizzazione", di mediazione e armonizzazione tra l'uomo e il mondo
che lo circonda. Da questo punto di vista, tra 
arte
 ed 
artigianato

non solo non vi è una sostanziale differenza, ma al contrario vi
è una evidente identità di fondo. Infatti anche le tecniche
artigianali, quando (e questo accade sempre) testimoniano di un mondo e
del modo di vivere degli uomini in esso, hanno la stessa natura e modo
di funzionamento dei fatti "artistici".

La tecnica si configura, così, come attività "oggettiva"
e "soggettiva" insieme: da un lato, cioè, espone, rappresenta e
mette in opera o costruisce (secondo l'efficace espressione tedesca "bildenden
kunste") una visione del mondo, ovviamente fondata su elementi 
oggettivi

(i "fenomeni naturali" + le altre forme di conoscenza); dall'altro, la
tecnica non può esser messa in opera se non da un individuo specifico,
e dunque l'esercizio della tecnica e i suoi risultati dipenderanno dalle
sue capacità 
soggettive
. La prima di queste capacità
essendo, naturalmente, il rendersi conto di cosa sta facendo e del come
deve farlo. Fino ad un certo punto la trasmissione più o meno consapevole
di questo schema di funzionamento, che garantiva poi "in uscita" comunque
una certa qualità alle opere d'arte, è stata garantita dalla
"tradizione".

Ma la "tradizione" non garantisce la conservazione delle 
ragioni

per cui le cose si fanno in un certo modo, né in assenza di queste
sa assegnare nuove modalità operative seriamente fondate. In più,
il crescente divario tra le diverse forme di conoscenza, l'antropocentrismo
esasperato, cominciato come "umanesimo" ma ben presto degenerato in forme
di despotismo, insieme a tanti altri sono fattori che hanno causato una
perdita del concetto di 
organicità
, che in effetti non trovava
più riscontro nello stato delle cose. In mancanza di organicità
anche la tecnica che ne era l'espressione ha degenerato. In assenza o comunque
al decrescere della  componente oggettiva, quella soggettiva subisce
un'anomala ipertrofia: la naturale componente "personale" dello stile all'interno
di una concezione comunque unitaria dell'arte prende ora il sopravvento,
tanto da essere più importante dei contenuti oggettivi dell'opera,
persino il soggetto rappresentato diviene un semplice pretesto per mostrare
il "proprio" modo di dipingere, e ben presto anche il minimo di oggettività
richiesto dal dover rappresentare un oggetto specifico verrà abbandonato,
a vantaggio di un'"opera" interamente soggettiva, nei contenuti e nell'espressione.

"Soggettivo" ormai in questo senso vuol dire 
arbitrario
. Ma
nessuno si è accorto della differenza, o mostra di preoccuparsene.


Caro Gianrico, ho letto con attenzione le tue "prime conclusioni" e
ritengo giusto esprimere la mia soddisfazione per questi primi esiti
della discussione. Naturalmente, come ben sai, la piena comprensione
non può essere immediata e ogni strumento va sperimentato a lungo
prima di poter dare un giudizio sulle sue potenzialità. Comunque il
criterio che proponi mi sembra buono e, per me, sufficentemente nuovo.
Altro fatto positivo è che non esclude categoricamente altre chiavi di
lettura (alle quali sono un poco affezionato).
La maggior parte delle tue affermazioni sono per me condivisibili,
senza per questo essere banali, dato che si inseriscono in un discorso
coerente. Anche il concetto di "ipertrofia" della componente
soggettiva nell'arte moderna, ipertrofia che sfocia decisamente
nell'arbitrarietà, mi sembra efficace. A questo punto però devo
registrare una certa sfumatura di vedute: secondo me questo fatto ha
sì tutto un corollario di aspetti negativi, però ritengo anche che
l'esplorazione, se vogliamo "patologica", di questa soggettività abbia
comunque portato a qualche risultato importante, forse impossibile da
raggiungere nell'ambito di una forte tradizione. Forse la storia
porterà al riformarsi di una autentica tradizione (o tradizioni) e
quindi al riassorbimento di questa anomalia di percorso. Però a me
riesce difficile dare un netto giudizio di valore su questo stato di
cose (che ovviamente non è stato determinato da una cospirazione di
persone malvagie, anzi nella tua stessa ottica il frantumarsi della
tradizione diviene qualcosa di molto significativo) mentre d'altra
parte mi riesce benissimo di biasimare il singolo che sfrutta questa
chance di arbitrarietà per imporre, grazie ai suoi agganci nella
"società", il proprio "nulla" in termini di talento, tecnica ed
autenticità di sentimento. Nella pletora di pseudo-artisti che
scimmiottano furbescamente qualche altro imbecille che "ce l'ha
fatta", riesco a trovare delle eccezioni capaci comunque di
"colpirmi", magari anche solo con una singola opera.
Sarà interessante, se ne avremo la possibilità, approfondire questo
tuo criterio mettendolo alla prova su singoli casi e confrontandolo
con altre chiavi di lettura (e qui invito invito gli altri, se ci
sono, a battere un colpo) così da svelarne potenzialità ed eventuali
limiti, che a questo stadio ovviamente non sono ancora in grado di
cogliere con sicurezza.
Saluti



simplicio wrote:

Caro Gianrico, ho letto con attenzione le tue "prime
conclusioni" e

ritengo giusto esprimere la mia soddisfazione per questi primi esiti

della discussione. Naturalmente, come ben sai, la piena comprensione

non può essere immediata e ogni strumento va sperimentato a
lungo

prima di poter dare un giudizio sulle sue potenzialità. Comunque
il

criterio che proponi mi sembra buono e, per me, sufficentemente nuovo.

Altro fatto positivo è che non esclude categoricamente altre
chiavi di

lettura (alle quali sono un poco affezionato).

Caro Simplicio,

Innanzitutto ti ringrazio dell'attenzione; certamente sarà opportuno
continuare a discutere, e confrontarsi con altri punti di vista, che si
avvalgono magari di altre esperienze (tecniche differenti dalla pittura,
ad es.).

L'importante secondo me è non escludere nulla "a priori" ma
cercare di riconoscere tutto ciò che può a buon diritto contribuire
a migliorare la nostra comprensione del "fenomeno" arte e all'incremento
del suo "peso" nella nostra vita quotidiana. Quello che <io> posso dire
è il risultato delle <mie> riflessioni condotte secondo la <mia>
esperienza e secondo le <mie> capacità. Anche in questo percorso
vi è molto di soggettivo, dunque bisogna continuamente vegliare
ad essere assolutamente imparziali e a non ricercare che la verità.
Certamente però se altri potessero mostrarmi qualche aspetto che
non li convince o apportare integrazioni o osservazioni che ritengono necessarie,
questo non potrebbe che giovare a me e all'obiettività del discorso.

La maggior parte delle tue affermazioni sono per
me condivisibili,

senza per questo essere banali, dato che si inseriscono in un discorso

coerente. Anche il concetto di "ipertrofia" della componente

soggettiva nell'arte moderna, ipertrofia che sfocia decisamente

nell'arbitrarietà, mi sembra efficace. A questo punto però
devo

registrare una certa sfumatura di vedute: secondo me questo fatto ha

sì tutto un corollario di aspetti negativi, però ritengo
anche che

l'esplorazione, se vogliamo "patologica", di questa soggettività
abbia

comunque portato a qualche risultato importante, forse impossibile
da

raggiungere nell'ambito di una forte tradizione. Forse la storia

porterà al riformarsi di una autentica tradizione (o tradizioni)
e

quindi al riassorbimento di questa anomalia di percorso. Però
a me

riesce difficile dare un netto giudizio di valore su questo stato di

cose (che ovviamente non è stato determinato da una cospirazione
di

persone malvagie, anzi nella tua stessa ottica il frantumarsi della

tradizione diviene qualcosa di molto significativo) mentre d'altra

parte mi riesce benissimo di biasimare il singolo che sfrutta questa

chance di arbitrarietà per imporre, grazie ai suoi agganci nella

"società", il proprio "nulla" in termini di talento, tecnica
ed

autenticità di sentimento. Nella pletora di pseudo-artisti che

scimmiottano furbescamente qualche altro imbecille che "ce l'ha

fatta", riesco a trovare delle eccezioni capaci comunque di

"colpirmi", magari anche solo con una singola opera.

Tommaso Campanella ha detto una frase che mostra, secondo me, tutta la
sua statura di pensatore:

"Nessuno sbaglia in maniera tanto generale da non dire anche qualcosa
di vero". Mi piace pensare che non vi siano cose da escludere o contro
le quali battersi, ma che invece la verità sia 
inclusiva

piuttosto che 
esclusiva
. Tutto ciò che si accorda con la
verità è naturalmente incluso nella verità stessa.

Certamente se, come ho detto, la tradizione non era necessariamente

cosciente
 di quel che veicolava e del suo esatto valore e significato,
allora la scomparsa della tradizione ha significato poter guardare con
occhi nuovi temi, significati, tecniche, ruoli sociali, etc. E questo può
certamente tradursi in un grosso vantaggio, se invece di lasciarci coinvolgere
nell'ipertrofia della soggettività, ne facciamo l'occasione per
trovare 
nuove oggettività
 prima impensabili, derivanti dal
fatto che l'arte può ora rivolgere uno sguardo cosciente su se stessa.
È una grande occasione: l'arte ha ora la possibilità di divenire
"autocosciente", e di rendersi conto dei propri metodi e dei propri fini.
Io sono riuscito a farlo per certi temi che ho studiato a fondo, e sono
rimasto soddisfatto dei risultati ottenuti.

Il mio punto di vista non si riduce dunque ad un'"analisi critica"
sfociante in una dichiarazione di impotenza, ma al contrario sono convinto
che vi è molto da fare, a patto di impostare correttamente la questione.

Anch'io trovo che alcuni artisti abbiano fornito indubbiamente degli
spunti interessanti, e mi piacerebbe sapere quali sono gli artisti che
ti hanno colpito, e per quali motivi.

 

Sarà interessante, se ne avremo la possibilità,
approfondire questo

tuo criterio mettendolo alla prova su singoli casi e confrontandolo

con altre chiavi di lettura (e qui invito invito gli altri, se ci

sono, a battere un colpo) così da svelarne potenzialità
ed eventuali

limiti, che a questo stadio ovviamente non sono ancora in grado di

cogliere con sicurezza.

Saluti

Da parte mia sono pienamente disponibile ad un incontro/confronto su questi
ed altri temi riguardanti l'arte,

facendo magari degli esempi specifici, che possiamo scegliere sia antichi
che moderni, oppure anche proporre dei confronti (ad es. naturalismo di
Giotto/naturalismo di Caravaggio/naturalismo di Courbet/il naturalismo
oggi?).

Un saluto

Adelphos

 

 

 


hanno colpito, e per quali motivi.
Uno degli aspetti che maggiormente mi colpiscono nell'ambito del  mio
personale rapporto con l'arte, è la capacità che l'artista talvolta
sembra possedere (anche se a volte solo in via eccezionale) di inviare
per vie traverse, ovvero non affermando esplicitamente ma facendo
intuire per via estetica, un suggerimento  sul senso generale delle
cose, sul valore e il ruolo dell'uomo nell'universo, cosa questa che
penso tutti noi andiamo rimuginando nel corso della nostra vita.
Ora io non saprei dire perchè alcuni artisti riescano ad attivarmi in
questo senso ed altri no. Si tratta di un'eco nel mio animo che
registro e tento di interpretare ma che non controllo nella sua
genesi. In alcuni casi l'aggancio può essere di natura accidentale:
per esempio c'è un particolare (del tutto secondario) in un quadro di
Bosch che ricalca in maniera incredibile la scena e l'atmosfera di un
vecchio sogno il cui ricordo mi e' rimasto indelebile. Quando ci si
aggancia ai sogni, che per me rimangono la fonte delle esperienze
estetiche più forti (sanno toccare certe corde in maniera quasi
diabolica) capirai quale fluorilegio di significati (tutti, ohimè,
poco esprimibili) ne possa uscire.
Nel mio approccio "ingenuo" all'arte (anche se, certo, mi interessa la
storia, le tecniche, e tutto quanto possa servire ad una migliore
comprensione) semplicemente osservo e sto attento a quel che ne esce.
Guardo quindi le singole opere, senza riguardo all'autore e all'epoca.
Tornando alla tua richiesta, Bosch, Goya, De Chirico (ma solo in certi
lavori), Schiele (ma non Klimt), Bacon e persino Giger (anche qui
tagliando molta spazzatura) sono i primi nomi che tenderei a collegare
in questa ipotetica linea. Spero che non mi farai il torto di
ricondurre tutto a una predilezione per gli aspetti orrorifici e le
stramberie: ciò che mi colpisce in un autore non sempre è ciò per cui
e' diventato famoso.
Azzarderei invece una interpretazione filosofica: l'emersione
sotterranea e graduale nell'animo degli artisti, della consapevolezza
nichilistica. Forse è questa la grande frattura che si è venuta a
creare nella tradizione artistica. Come il profeta pazzo della
parabola di Nietzsche, mi stupisco molto di tutta questa gente che si
dichiara gaiamente atea senza sentire il puzzo dell'enorme carogna che
ha creato uccidendo Dio (e me lo spiego con il fatto che a livello
emotivo e inconscio sono tutti ancora profondamente intrisi di
religiosità istintiva; ed infatti fanno talora le corna, una
guardatina all'oroscopo la danno e magari una puntatina a messa, così,
per vedere il duomo...).
Ecco, io tendo a proiettare in certi artisti una consapevolezza
interiore anticipata, e una conseguente sofferta riflessione su
questa, invero orribile, possibilità, che proprio dall'epoca di Bosch
ha cominciato a spifferare fastidiosa dagli stessi buchi che la
scienza incideva nel tessuto della teologia medioevale.
Mi sbilancerò ulteriormente: credo che sia sul bordo di questo limite
invalicabile, inassimilabile, della morte e dell'annullamento assoluto
che il pensiero crea, come sul bordo frattale dell'insieme di
Mandelbrot, i propri ricami e le proprie malinconie più autenticamente
poetiche. Qui dove si lasciano finalmente cadere le naturali e
quotidiane vanità, e ci si trova soli, o talvolta in compagnia
dell'artista, di fronte alla nudità dei fatti, a meditare sui nostri
esorcismi. E' una cosa che ho sentito riecheggiare, tanto per dirne
una, anche nel "karma, stai calma, che tanto non si torna" di
Zucchero, anche se qualche secondo dopo aggiunge (forse per pudore)
"più come prima". 
Saluti
 

 ...................................

Quello al quale ti riferisci mi sembra un punto essenziale, e sono proprio
questi i <fatti> ai quali mi riferivo come base di ogni valida conoscenza
dell'uomo: la base è la coscienza, spesso drammatica e angosciosa, della
propria condizione. Il campo privilegiato delle mie ricerche sono stati, negli
ultimi 12 anni, i temi della vanitas e del memento mori, ovvero gli albori
seicenteschi di questa coscienza di un "vuoto", che al limite si confonde con
quello dell'immagine stessa, e di se stessi. Hai pienamente ragione a mio
avviso a parlare di frattura, e i primi segni evidenti di questa frattura
appaiono già nel medioevo, ma la loro esplosione in un vero e proprio tema
avviene tra '500 e '600, simultaneamente all'apparente splendore del barocco...
infine mi sembra molto indovinato anche il riferimento alla "consapevolezza
anticipata": d'altronde è proprio il tratto che accomuna il profeta, l'artista
e il poeta: l'ispirazione. Ma l'ispirazione può essere anche quella di
Cassandra, alla quale nessuno avrebbe mai creduto, soprattutto quando
annunciava catastrofi.
Il discorso mi sembra molto interessante, e spero che avremo occasione di
ritornarvi, magari con la possibilità di avere delle immagini sotto gli
occhi...
Un saluto
Adelphos

occhi...
Ok. Se vuoi proseguire nell'esposizione (con i ritmi che ritieni più
opportuni ovviamente) io ti ascolto. Noto però che gli interventi (non
pubblicitari) sono nuovamente scemati. Sospetto quindi che non vi sia
la "massa critica" necessaria per alimentare un nuovo ng. 
Ciao.