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Titolo: [NAPOLI] Pompei

Il 19 gennaio 2002 sono state aperte, per la prima volta al pubblico, le
Terme suburbane di Pompei.
Il restauro è stato finanziato dalla Compagnia di San Paolo (in
collaborazione con la Würth che ha allestito la copertura della piscina).
Da visitare sicuramente, come tutti gli scavi!
Site all'esterno delle mura, all'ingresso di Porta Marina, le Terme
Suburbane sono un complesso termale pubblico di età augustea, concepite con
un solo settore e uno spogliatoio unico, per uomini e donne, arricchito da
quadretti a tema erotico.
Costruite diversamente dai precedenti edifici termali pompeiani, come le
terme del Foro e le terme Stabiane, ma simili a quelle più recenti - le
terme centrali in via di costruzione al momento dell'eruzione - le Terme
suburbane presentano, oltre allo spogliatoio (apodyterium), gli ambienti in
sequenza con vasca a bagno freddo (frigidarium), una stanza con vasca a
temperatura moderata (tepidarium), un piccolo ambiente per bagni di sudore e
una stanza con vasca per bagno caldo (calidarium).
In seguito, a questa sequenza, fu aggiunto un ulteriore ambiente , con una
grande piscina riscaldata, realizzata (così come in un altro edificio ad
Ercolano) con una tecnica molto innovativa che, attraverso la creazione di
una doppia camera, manteneva la temperatura dell' acqua costante.
All'interno, tra gli elementi decorativi di spicco c'è una fontana a Mosaico
policroma, nell'area della piscina fredda , decorata anche con affreschi
raffiguranti soggetti marini e navi. Nella stanza antistante sono da
segnalare gli stucchi a rilievo.
Lo spogliatoio è invece affrescato con quadretti erotici, complessivamente
sedici, di cui solo otto sono oggi visibili, mentre degli altri otto restano
solo le tracce. Sotto ogni scena erotica c'è il disegno di una cassetta in
legno numerata che richiamava quella in cui si ponevano gli abiti.
Gli otto affreschi visibili presentano varie posizioni e prestazioni
sessuali che, secondo la ricostruzione di alcuni studiosi, erano una sorta
di 'catalogo' del mercimonio che avveniva al piano superiore delle terme.
Tra le particolarità, oltre all'immagine del poeta nudo, c'è anche una scena
di amore tra due donne, unica di amore saffico dell'epoca romana arrivata
sino a noi.
Sulla funzione di questi quadretti ci sono due contrapposte interpretazioni
da parte degli studiosi: un ruolo puramente ornamentale, addirittura
ironico, per rallegrare la clientela delle terme, e quello invece di
'vetrina', una sorta di catalogo di possibili prestazioni offerte dagli
schiavi (uomini e donne) che lavoravano all'interno dello spogliatoio.
L'attività di prostituzione si sarebbe svolta al piano superiore, che
sarebbe stato quindi una sorta di lupanare. Per i sostenitori di
quest'ultima tesi, ( tra cui il professor Guzzo ) i proprietari delle terme
non dichiaravano esplicitamente l'attività di prostituzione per non cadere
nelle sanzioni e nei divieti previsti allora dalla legge, per i quali
sarebbero diventati infames, cittadini 'di serie b' con il divieto di alcuni
diritti, quali il voto o la possibilità di presentarsi alle elezioni.

Stili artistici a Pompei, l'hotrovato molto interessante e soprattutto utile
se qualcuno vuol andare a visitare gli scavi.
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Le case erano dominate dai dipinti parietali che costituiscono l'aspetto più
straordinario di Pompei. La varietà di stili nella decorazione pittorica che
riveste le pareti delle case pompeiane è evidente.
Dalla sobria ripartizione in riquadri colorati, agli scenari architettonici,
talora semplici talora molto complessi, fino alla visione di prospettive
assolutamente fantastiche, alle scene figurate e alla ornamentazione pura.
Inoltre ognuno si renderà facilmente conto di come la decorazione pittorica
fosse considerata essenziale all'abbellimento della parete. Esse cercano di
deliziare e ci riescono, facendo pensare anche che fosse stato raggiunto un
elevato livello di civiltà visiva, ampiamente generalizzata, che si
estendeva fino ai gradini più bassi della scala sociale. Una civiltà mai
superata in alcuna epoca posteriore e sempre sensibilmente superiore a
quanto si possa oggi trovare in una qualsiasi città di dimensioni
paragonabili.
I dipinti a carattere figurativo di Pompei sono quasi sempre copie, di
solito tratte da altre copie di capolavori celebri dell'arte greca. che
purtroppo sono andati perduti. Nei dipinti figurativi si tratta, nella
maggior parte dei casi, di un capitolo marginale, trasferito in Campania,
dell'arte ellenistica o, comunque, di una sua ultima conseguenza. Essa
appare come la proiezione in un ambiente provinciale della corrente
filoellenica presente nell'arte romana. Sono stati fatti molti studi per
decidere se e quali delle pitture di Pompei, Ercolano, Stabiae e Oplontis
possano essere sicuramente considerate come greche, campane e sannitiche. In
effetti esse dovrebbero essere definite come appartenenti a tutt'e tre le
scuole, con la clausola che alcuni tipi in Campania erano conosciuti ancora
prima che venissero introdotti a Roma: anche se, viceversa, la dominazione
romana in seguito doveva esercitare un'influenza stimolante sugli artisti
campani.
La tecnica utilizzata per la realizzazione delle pitture parietali
(affresco)consisteva nell'applicare al muro due o tre strati ben fatti di
intonaco calcareo, mescolato con sabbia e calcite. Quindi si dipingeva prima
il fondo e si lasciava asciugare. Quando il tutto si era ben essiccato, si
aggiungevano le decorazioni. I colori venivano mescolati con calcare,
mentre, per conferire brillantezza alla superfice, si aggiungevano anche
colla e cera (encausto). Con tali mezzi le pitture acquistavano durevolezza
e lucentezza. Tra l'altro, I pigmenti usati nell'antichità erano costituiti
soprattutto da terre colorate come le ocre, da tinte minerali come il
carbonato di rame e, infine, da tinte di origine vegetale e animale .
Non era affatto facile acquistare padronanza della tecnica, ed era
necessaria una grande avvedutezza da parte del pittore, il quale doveva
riuscire a mettere in atto le sue idee con rapidità per ricoprire la massima
superfice nel minor tempo.
Tradizionalmente le pitture delle città vesuviane sono state assegnate a
quattro stili diversi, susseguentisi nel tempo anche se qualche volta si
sono sovrapposti. Oggi si pensa che tale suddivisione sia del tutto
inadeguata a rappresentare la varietà delle tecniche pittoriche; essa però
sarà conservata in questo sito dal momento che l'enorme sforzo di creare un
sistema sostitutivo nonostante i numerosi tentativi potrà dare risultati
solo nel futuro

Quattro sono gli stili pittorici di pompei, credo sia interessante
conoscerli soprattutto se poi ci sono anche commenti tecnici, vero rosverr??
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La prima tecnica che si incontra a Pompei, diffusa negli edifici e in
particolare nelle abitazioni, si verifica a partire dall'età sannitica,
ossia dal 150 a. C. fino aell'80 a.C., consiste in una plastica imitazione
del marmo variegato, dell'alabastro o del porfido: essa è detta "stile
dell'incrostazione" e deve il nome alla voce crusta, che significava anche
"rivestimento con lastre di marmo". Si tratta di imitazioni eseguite con i
colori predominanti rosso e nero con una striscia gialla in basso, che
formano un efficace contrasto di tinte con un giuoco sottile di figurazioni
astratte. A Pompei questo stile si incontra nella Basilica e nel Tempio di
Giove, ma anche in alcune abitazioni private, come la Casa del Fauno.Questa
maniera, regolare ed elementare, di decorare, o meglio di colorare e ritmare
le pareti che troviamo a Pompei,  ha precedenti e manifestazioni pressochè
contemporanee e appena precedenti in tutto il mondo ellenistico. Le tinte
sono intense, in origine certo violente, segno di una sensibilità cromatica
elementare, della quale nella Grecia classica sono una testimonianza
precedente ad esempio i vasi a figure rosse su fondo nero. Questo tipo di
decorazione che in ordine di tempo compare primo nelle città campane, è
stato chiamato dal Mau, lo studioso tedesco che per primo esaminò la pittura
antica in uno studio sistematico, " primo stile pompeiano ". A Pompei ed
Ercolano le pitture di questo stile contengono piccoli elementi
architettonici, quali i pilastri per la divisione verticale delle superfici.
Successivamente in un aspetto di quel che è noto come il "secondo stile"
(una fase che approssimativamente ricoprì gli ultimi tre quarti del I secolo
a.C.) quest'ultimo tema architettonico prese completamente il sopravvento.
Una serie meravigliosa di dipinti provenienti da una sala della Villa di
Publio Fannio Sinistor, che era una delle numerose abitazioni di campagna
esistenti nei dintorni di Boscoreale, costituisce l'apogeo dell'evoluzione
della tecnica. I riquadri, che ora sono visibili nel Metropolitan Museum of
Art di New York, sono altrettanti capolavori divisi l'uno dall'altro da
snelle colonne che conferivano alla sala l'aspetto di un chiostro, da cui si
godeva la vista di uno scenario ardito e vivace di strade, di case e di
atrii colonnati.
Non v'è dubbio che le pitture non siano altro che imitazioni di scenari
teatrali relativi a rappresentazioni drammatiche di un tipo al quale fa
riferimento anche Vitruvio. Eventuali confronti con la Campania possono
soltanto essere immaginati, ma è sintomatico il fatto che Neapolis fosse un
importante centro di arte teatrale. Per quel che riguarda Roma, Plinio il
Vecchio racconta di uno scenario teatrale che con tutta probabilità non
doveva essere diverso dalle pitture murali in questione. Realizzato da Appio
Claudio Pulcro nel 99 a.C., si diceva che contenesse vedute di tetti di case
così realistiche che perfino gli uccelli tentavano di posarvisi sopra. I
Greci ed i Romani si dilettavano di trompe l'oeil e amavano storielle di
questo genere.
Spesso il paesaggista pompeiano andava più vicino al soggetto e scendeva a
dipingere i particolari dei giardini tanto prediletti dai suoi clienti.
Anche in questo caso, come gia succedeva per i pittori di soggetti
architettonici, sembrava che egli volesse imitare gli scenari teatrali i più
celebri esempi di tale genere di lavoro che siano pervenuti fino a noi
risalgono al periodo tra il 40 ed il 25 a.C. e sono i verdeggianti studi di
argomento silvestre provenienti dalla Villa di Livia a Primaporta e ora
conservati nel Museo Nazionale di Roma. Ma anche a Pompei gli esemplari
dello stesso tipo abbondano, variando dalle scene tranquille scoperte nel
1954 nella Casa del Frutteto, e` che presagiscono gli arazzi francesi e
fiamminghi conosciuti col nome di verdures, fino alle esuberanti visioni di
belve esotiche. In particolare, i giardini delle case, in ossequio al
principio che le pitture dovevano per quanto possibile corrispondere allo
scopo cui erano destinate le stanze o le corti, avevano le pareti ricoperte
con scenari in cui si vedevano fiori, cespugli e animali formanti quasi
un'appendice degli stessi giardini che così si voleva far apparire più
grandi. L'idea di dipingere soggetti naturali è stata ben sfruttata,
ottenendo risultati affascinanti  che conferivano sensazione di freschezza;
essa, però, non era affatto una novità dal momento che le ghirlande di fiori
e di frutti, dipinte o scolpite, erano ben note a Pergamo già nel II secolo
a.C., allorché l'arte di quel regno era nel pieno vigore del suo rigoglio.
Inoltre, un pittore greco di nome Demetrio, figlio di Seleuco, il quale era
stato a Roma nel 164 a.C., venne specificamente chiamato "paesaggista"
(topographos) e fu il primo uomo di nostra conoscenza ad essere così
definito. Come tema letterario, il paesaggio era già stato fatto venire di
moda negli anni dal 270 al 260 a.C. circa dalle poesie idilliche di Teocrito
di Siracusa, il poeta pastorale della civiltà urbana che scriveva per i
cittadini di Coo e di Alessandria mescolando sottilmente sofisticazione e
semplicità, spiritoso realismo e convenzionalità tradizionale.
Fra il fogliame dei quadri saltellano gli uccelli. Si vedono gli aironi fra
i melograni, e nella Casa di Fabio Amandione v'è un gruppo di tre volatili
appollaiati sul bordo di un'alta vaschetta marmorea destinata al loro bagno.
Tali dipinti riproducevano gli uccelli che i giardini effettivamente
contenevano nelle loro uccelliere, e gli artisti che prediligevano il tema
dovevano assomigliare a uno dei personaggi del romanzo di Petronio, cioè a
quel ragazzo che si interessava di due sole cose- degli uccelli e della
pittura.
Era di moda dipingere pure animali morti, tra cui uccelli e pesci che
compaiono, insieme con ortaggi e frutti vari, in una serie straordinaria di
nature morte: soggetto che divenne, e poi tornò nuovamente ad essere, un
tema favorito dei pittori di Pompei. Allora v'era l'usanza di inviare agli
amici doni costituiti da generi da mangiare crudi, il che spiega il
ripetersi di tanti quadri del genere.
Il trattamento del tema, in cui vengono abilmente combinati realismo e
impressionismo, probabilmente doveva qualcosa a un celebre pittore greco
fiorito verso il III Secolo a.C., di nome Pireico, il quale si era
specializzato nel riprodurre soggetti del tutto comuni, come botteghe da
barbiere, banchetti da ciabattino, asini e cibi, e, a un livello leggermente
più rozzo, le svariate insegne dei negozi di Pompei possono in maniera
analoga essere indirettamente addebitate alla sua opera. Ma a Pompei alcuni
pittori del I secolo d.C. raggiunsero eccellenti risultati nelle vaste
composizioni di figure umane. Già si e accennato alle grandi pitture di
soggetto religioso che ricoprivano tre pareti di una stanza della Villa dei
Misteri. Aventi per soggetto i misteri dell'iniziazione bacchica, esse si
rifacevano in larga misura a modelli perduti originari di Pergamo. Ma il
copista, se è questa la parola che si deve usare, era anche un artista di
prim'ordine che è riuscito a conferire alle sue figure fantastiche e
misteriose un alone straordinario di dignità divina, di violento movimento,
di terrore, di magia, di esaltazione.
Nel IV secolo a.C. lo scultore Prassitele era riuscito a dare una realtà
visiva all'essenza di un mondo ideale, creando delle figure che
compendiavano in sé la diversità della natura divina; ed il maestro della
Villa dei Misteri, pur lavorando con una materia difficile quale può essere
l'intonaco di un muro, si rivelò un degno seguace del greco. La complessa
composizione con cui egli decorò le pareti della casa lascia col fiato
sospeso ed è stata giustamente definita come la più grande testimonianza
esistente della pittura antica. Se essa risalga al tempo di Cesare (metà del
primo secolo a.C.), o alla prima parte del regno di Augusto (31 a.C.-14
d.C.) non è stato possibile stabilirlo.

Terzo stile pompeiano, sempre dallo stesso sito..... e pensare che il sito
della sovraintendenza ai monumenti di Pomei lascia molto a desiderare!
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Fu forse sotto Augusto che venne di moda una tecnica pittorica nuova e
diversa, conosciuta come il Terzo Stile, che verosimilmente dal punto di
vista cronologico si sovrappose al Secondo Stile, ma che potrebbe essere
continuata fino all'epoca di Claudio (41-54 d.C.). Gli artisti che aderirono
alla nuova scuola rovesciarono completamente l'apertura tridimensionale
dello spazio che era stata favorita fino a quel momento. Essi tracciarono
sulla parete una struttura rada e inconsistente, simile al bambù, che
riecheggia l'architettura soltanto in qualcosa di superficiale, di non
funzionale e formalizzato: v'è anche una notevole infusione di motivi
dall'Egitto, in seguito alla conquista del paese da parte di Roma avvenuta
nel 30 a.C. mentre sono evidenti i collegamenti religiosi e commerciali con
Pompei. In quel tempo i disegni architettonici degli artisti precedenti
furono totalmente subordinati a un certo effetto piatto e decorativo
reminiscente delle tappezzerie e dei tendaggi che, come rivelano i chiodi e
gli uncini, erano usati per ricoprire le pareti. Le tappezzerie, che
rappresentavano un ricco ramo dell'antica arte della tessitura e la cui
perdita quasi completa costituisce una delle maggiori lacune delle nostre
conoscenze, qualche volta avevano dei pannelli cuciti nel centro, sulla cui
superficie i pittori che avevano adottato il nuovo stile inserivano piccole
scene di argomento diversificato; lo possiamo ancora oggi vedere nei
pannelli delle pareti della Casa di Marco Lucrezio Frontone in cui erano
dipinti paesaggi e ville di campagna.
I più antichi paesaggi dipinti sulle pareti talvolta erano molto piccoli, ma
quest'ultimi sono di dimensioni ancora più ridotte e spesso sembrano
miniature adatte a medaglioni: oppure, veduti sul fondo unito, sembrano
quasi piccoli quadri fatti sul cavalletto come ai nostri giorni si vedono di
frequente. Eppure non si trattava di opere da cavalletto, perché in effetti
il quadro veniva dipinto sulla parete in muratura; cioè facevano parte,
parte integrale, dello sfondo murario, per quanto semplice esso potesse
essere. L'avere quadri incorniciati e appesi alle pareti con corde e chiodi,
come usiamo noi, agli antichi sarebbe sembrata cosa illogica, e una
inorganica interferenza con la struttura della stanza. La soluzione da loro
adottata e che più si avvicinava ai nostri gusti era quella di dipingere
piccole scene (pinakes) su un supporto di stucco particolarmente fine per
inserirle in posizione adatta nel modello generale della composizione
pittorica murale. Di questo tipo sono, per esempio, i pannelli inseriti nel
muro della sala da pranzo della Villa della Porta Marina di Pompei. Era
anche usanza quella di realizzare speciali dipinti per pannelli racchiusi;
entro cornici e provvisti di sportelli che si potevano aprire e chiudere. Ma
anche questi quadri non erano destinati ad essere appesi; invece, si usava
collocarli su qualche scaffale e su un sostegno da cui potessero essere
facilmente veduti. Un'altra forma d'arte è stata incontrata nella Villa
della Porta Marina, dove una delle pitture murali rappresenta un'opera
incorniciata del genere accennato, eseguita con la tecnica trompe l'oeil.
Qualche volta i dipinti venivano realizzati su marmo, il Museo di Napoli
possiede un disegno particolarmente grazioso fatto su questo materiale in
cui si vedono delle fanciulle che giuocano ai dadi. La pittura è eseguita su
due piani ed è firmata da un certo Alessandro Ateniese. Se il nome sia
quello dell'autore del disegno, o dell'originale da cui derivato l'esemplare
di Pompei, non possiamo stabilirlo, anche se si tratta evidentemente della
copia fedele di un dipinto che risaliva alla fine del v secolo a.C. (un
modello insolitamente antico). L'ombreggiatura degli abiti delle donne
richiama alla memoria l'asserzione di Plinio, il quale diceva che era stato
proprio in quel tempo, cioè poco prima del 400 a.C., che l'artista ateniese
Apollodoro aveva inventato il disegno sfumato. Un'altra scena pompeiana su
marmo con la rappresentazione dell'uccisione delle figlie di Niobe rivela
uno stile che richiama qualche modello più tardo, dipinto a Pergamo verso la
fine del m secolo a.C.

Quarto stile: e se ci si peQuesta tradizionale definizione diventa poco più
di un inutile impedimento in quanto essa deve comprendere tutta una gamma di
diversi tipi e generi di pittura. Alcuni ebbero inizio prima che terminasse
il Terzo Stile e vennero adottati, simultaneamente o in tempi successivi, da
prima della metà del I secolo d.C. fino alla definitiva distruzione delle
città vesuviane. Erano gli stili in voga prima e dopo il terremoto del 62
d.C., come pure prima e dopo l'erezione a Roma della Domus Aurea di Nerone
(64-8), che alcuni dei dipinti di Pompei e di Ercolano presagiscono e altri
imitano. Dal momento che i dipinti del Quarto Stile appartengono agli ultimi
anni di vita delle città, essi sono giunti a noi in quantità maggiore che
gli esemplari delle maniere precedenti, e pertanto le diverse varietà del
Quarto Stile, vedute nel loro complesso, numericamente superano di gran
lunga tutte le altre messe insieme. Secondo l'opinione di uno studioso, vi
furono almeno diciassette buoni artisti che operavano contemporaneamente; e,
anche se il loro numero fosse alquanto minore, lo studio accurato dei
dipinti di una delle case più importanti, quella dei Dioscuri, per esempio,
dimostra la presenza più o meno contemporanea di molte mani diverse.
Una caratteristica di questi artisti è quella di reagire alle tendenze
architettoniche del Terzo Stile; in altre parole, i nuovi pittori ritornano
alle preferenze architettoniche del Secondo Stile esemplificate da
Boscoreale. Essi, però, seguono soltanto in parte la strada a ritroso, dal
momento che l'architettura da loro immaginata si dissolve nella fantasia. In
verità qualche volta si eseguono studi realistici di città e di edifici,
come è il caso dell' incantevole porto illuminato dal sole veduto da
Stabiae. Ma spesso ammiriamo guizzi brillanti di inventiva architettonica
assolutamente irreale incastonati in tralicci sottili come la filigrana:
strutture inconsistenti magicamente elaborate in un'aerea prospettiva lungo
scorci panoramici a precipizio. Alcuni di tali disegni sono sicuramente
derivati, come i dipinti precedenti, da scenari teatrali.
Uno dei proprietari della Casa di Menandro, forse Quinto Poppeo, che era
imparentato con la moglie di Nerone, Poppea, doveva essere un appassionato
del teatro, dal momento che una stanza contiene un ritratto di Menandro
(drammaturgo morto verso il 290 a.C.), identificato dal nome scritto
sull'orlo dell'abito e sul rotolo che tiene in mano.
Per di più alcune rappresentazioni teatrali-sono effettiva mente raffigurate
su qualche muro. Così nella Casa di Pinario Ceriale, a Pompei, un'intera
parete è occupata da un dipinto che riproduce una scena della tragedia
Ifigenia in Tauride di Euripide su un fondale trattato architettonicamente.
Sebbene ancora una volta temi del genere potessero risalire ad antichi
modelli greci, la loro popolarità nel periodo considerato forse era in parte
dovuta alla passione dell'imperatore Nerone per il canto e per la
recitazione.
Gli antichi miti erano tutt'altro che morti; raggiungevano, anzi, profondi
livelli nel sentimento del conscio e dell'inconscio, e fornivano
innumerevoli temi a un gran numero di artisti di Pompei e di Ercolano. Quei
pittori imitavano originali greci, ma lo facevano con grande libertà di
fantasia, e con il dovuto riguardo per i loro propri scopi e per l'ambiente
specifico in cui si svolgeva la loro opera. La libertà che essi si
prendevano può essere dimostrata quando ci viene concessa l'occasione (come
effettivamente capita qualche volta) di confrontare con l'originale due o
più copie eseguite da uno dei pittori pompeiani; possiamo allora vedere che
le copie differiscono sensibilmente l'una dall'altra.
I modelli greci utilizzati dagli artisti delle città del Vesuvio, e che ad
essi erano noti da raccolte d'arte, da repertori e da libri, generalmente
non venivano derivati dai grandi maestri classici del v secolo a.C., ma
furono preferibilmente ispirati alle opere di artisti di epoca successiva.
Alcuni di questi erano vissuti nel IV secolo a.C., cioè al tempo di
Alessandro Magno (il quale morì nel 323), mentre altri appartenevano almeno
al II secolo, e spesso comprendevano esponenti dell'arte cortigiana di
Pergamo, la quale, come abbiamo veduto, produsse un dipinto delle figlie di
Niobe e, soprattutto, ispirò la possente composizione dionisiaca della Villa
dei Misteri. Grazie a tali prestiti è proprio a Pompei e a Ercolano che noi
andiamo debitori di quasi tutto quello che sappiamo sulle scuole dell' arte
greca che fiorirono successivamente, nel corso degli ultimi quattro secoli
prima dell'avvento dell'era cristiana.
Gli artisti che operarono nelle due città vesuviane copiando e modificando
opere precedenti restano per lo più sconosciuti, in quanto essi appongono la
propria firma assai raramente. Un certo Lucio asserisce di aver dipinto
varie scene, tra cui quella di Piramo e Tisbe, nella casa di Loreio
Tiburtino; ma egli non è dei migliori. Un artista molto più dotato, anche se
condivide il generale anonimato, è quello che dipinse Ercole e Telefo nella
Basilica di Ercolano. Superbamente disegnata e dipinta con un abile giuoco
di luci e di ombre, questa composizione elaborata, ma pur soddisfacente, è
degna di figurare come uno dei capolavori che dall' antichità sono giunti
fino a noi. Nel riconoscimento da parte di Ercole del proprio figlioletto
Telefo, che gli aveva dato una sacerdotessa di Atena di nome Auge, non v'è
scarsità di sentimento, e un particolare commovente è quello del bambino
allattato da una cerbiatta. Ma l'emozione, o il sentimento, è espressa con
classica misura e attraverso una limpida tecnica tridimensionale.
Altri dipinti creano il loro effetto con mezzi meno diretti. Così, per
esempio, una scena di Perseo e Andromeda, sebbene le forme siano ancora
solide e statuarie, è avvolta in una soffice luminosità che suggerisce una
diversa concezione, comportante la creazione di un'atmosfera romantica
piuttosto che eroica. Altre opere sono ancora più apertamente emotive e
addirittura sensazionali. La Morte di Penteo, dilaniato dalle Menadi,
evidentemente si prestava bene a questo trattamento, e lo stesso può dirsi
di alcune delle scene più drammatiche della guerra di Troia. Il ciclo
omerico, su cui si fondava tutta l'istruzione greca e romana, era
particolarmente caro a Nerone, il quale, oltre a vantare una discendenza
adottiva dalla casa regnante di Troia, scrisse pure un poema sul tema
dell'Iliade, e, secondo quanto si raccontò, avrebbe declamato altri versi di
propria fattura mentre ammirava l'incendio di Roma scoppiato nel 64 d.C. La
scena del Sacrificio di Ifigenia, dalla Casa del Poeta Tragico, è piena di
angoscia e di dramma istrionico, mentre quella di Achille che consegna
Briseide rivela ansia e tensione psicologica. In Ulisse e Penelope si vede
il pellegrino travestito preso da un turbamento quasi incontrollabile alla
vista della moglie. E uno dei dipinti più grandi che siano giunti a noi dal
mondo antico è una scena superbamente colorata proveniente dalla Casa di
Menandro, dove, con una possente economia di particolari, si racconta la
storia dell'introduzione del cavallo nella città di Troia ormai condannata.
La storia costituiva anche il soggetto dei poeti del tempo; e Petronio, che
era poeta oltre che romanziere, è uno di coloro che ne trattano: tipico
della filosofia di Seneca, della sofferenza, della tristezza del fato
immeritato. Su di esso aleggia la sensazione di vago timore e di mistero che
si ritrova nella Farsalia (o La Guerra Civile), il poema epico di Lucano,
che era nipote del filosofo. Il cavallo di legno ha un aspetto sinistro e
scarno. Una luna quasi nascosta dà una debole luminosità spettrale, presaga
di tragedia, cui si aggiunge il tremulo bagliore delle torce tenute da donne
in lunghi abiti raccolte al centro. Per il resto il paesaggio è vago e
oscuro, e così sono pure le torri e le mura che appaiono indistintamente
sull'alto della scena. Ma emergono due forti sequenze di movenza drammatica:
le figure in primo piano tese nello sforzo, cui fanno netto contrasto i
personaggi statici che stanno in penombra più lontano.
In questi dipinti i volumi sono ampiamente abbozzati, i volti ed i
sentimenti sono impressionisticamente suggeriti con pochi, ,audaci colpi di
pennello, ed il mito è stato infuso con una vita nuova e briosa. Il successo
della tecnica, senza alcun dubbio, va originariamente attribuito ai
precursori greci dei pittori vesuviani, e, in particolare, ai Pergameni e ad
altri che per primi si erano cimentati in questo spettacolare sfruttamento
del chiaroscuro e dei sentimenti umani. I pittori di Pompei e di Ercolano
hanno imitato quegli artisti; ma nel farlo evidentemente hanno anche
improvvisato con un'abilità che merita quasi di essere considerata un
risultato originale.
Alcune delle personalità dei dipinti di soggetto mitologico sono state
espresse in maniera assai vigorosa e sottile. Nell'Ercole e Telefo, per
esempio, (un adattamento di una bella pittura Pergamena) si ammira una
straordinaria interpretazione dello stesso Ercole che guarda il figlioletto
con una simpatica aria di sorpresa. E la figura giovanile che nella medesima
scena suona la siringa dietro l'immagine seduta di Arcadia, i cui occhi
guardano nel vuoto, è il satiro per antonomasia: eccellente, anche se
alquanto sinistro, esempio della passione per i ritratti dei fanciulli dei
primi tempi dell' Italia imperiale (medaglioni dipinti raffiguranti
fanciulli e fanciulle sono stati rinvenuti in molti posti di Pompei, anche
se numerosi esemplari sono finiti sbriciolati e distrutti).
Le pitture eseguite durante gli ultimi decenni di vita di Pompei, di
Ercolano e di Stabiae rivelano una stupefacente varietà di colori audaci,
fluenti e abilmente sfumati. Considerando l'arte dell'epoca può darsi che
alla fine, non prima che siano stati fatti molti altri studi, sia possibile
individuare una certa evoluzione della moda. Per esempio, risulta già
evidente che negli ultimissimi anni si andava affermando una forte tendenza
per il nero e il bianco. Così nella Casa di Loreio Tiburtino una delle
ultime opere consiste in una serie di medaglioni delle Stagioni,
misteriosamente sospese su un'architettura evanescente contro grandi
pannelli bianchi. Erano in corso di sperimentazione anche nuove idee
sull'illuminazione, e gli artisti che decorarono la Casa dei Vettii hanno
fatto apparire gli edifici come se si trovassero in un burrone inondato di
luce, fra prospettive immense e profonde. Infondendo fresca animazione nei
tradizionali paesaggi pastorali di alberi e tempietti, le nuove idee
impressionistiche produssero capolavori come l'Ariete perduto, in cui le due
figure dell'uomo e dell'ariete appaiono quali ombre davanti alle leggere
pareti del santuario che ha per sfondo un romantico paesaggio di gole e di
caverne.
A un livello meno ambizioso si incontra una grande quantità di lavoro
decorativo puro e semplice, con un parallelo nei superbi bassorilievi di
stucco che sono un altro elemento caratteristico delle case private, oltre
ad essere stati largamente utilizzati nelle terme pubbliche. Fu riportata
anche in vita e sviluppata un'antica simpatia per i temi dell'Egitto,
sintomo di un gusto particolare per i paesaggi più o meno fantastici di quel
paese. Senza dubbio la moda esisteva anche altrove; ma Pompei, con i suoi
collegamenti egizi, doveva essere particolarmente ricettiva in tal senso, e
possiamo vedere le acque del Nilo in piena, le palme e i sicomori, i pigmei
e le belve. In generale la riproduzione di animali, locali o esotici,
incontrava molto favore, specialmente nei giardini: le Case di Marco
Lucrezio Frontone e di Lucio Ceio Secondo contengono tutta una fantastica
Africa. Inoltre, come si può facilmente verificare facendo una visita al
Museo Vaticano, gli antichi italici eccellevano non solo nel dipingere gli
animali ma anche nello scolpirli: una capra proveniente dalla Villa dei
Papiri, un armonioso maiale di bronzo in corsa, oltre ad alcune teste di
cavallo da Ercolano, costituiscono dei begli esempi di questo genere di
arte. Per di più, come avveniva nei circoli di caccia di tempi successivi,
l'amore per gli animali si mescolava curiosamente al gusto di vedere i
medesimi brutalmente uccisi. La Casa dei Cervi di Ercolano deve il suo nome
attuale a due gruppi di sculture riproducenti cervi assaliti dai cani. Si
tratta di opere fatte con abilità e piene di tensione, ma è difficile essere
d'accordo con l'esperto che li ha definiti ammirevoli esempi di gusto
decorativo.
nsa un po' ci si rende conto che tutte le epoche si somigliano! Intendo
ovviamente alla evoluzione artistica o scientifica....insomma un adato
periodo storico ha uno stile, ne segue un altro che per contro sviluppa
reattivamente stili opposti o contrastanti.... nonc'è niente da fare i
"giovani" si devono far rionoscere sempre!
www.pompeionline.net

 minor tempo. 
-cut-
Infatti le migliori stagioni per pratocare la tecnica del "buon fresco" 
secondo il Cellini sono la primavera e l'autunno.
Le famose mezze-stagioni sono le migliori.
D'inverno il colore si asciuga troppo lentamente e rischia di colare, 
quindi fondersi con gli altri colori.
D'estate l'affresco si asciuga velocemente quindi l'artista non risce a 
dipingere tranquillamente tutta la zona data a "fresco".

 Quarto stile:
-cut-
Questo è il mio preferito!
-- 
http://members.xoom.it/rosverr/index.htm
icq 95039423

 secondo il Cellini sono la primavera e l'autunno.
            ^^^^^^^^
Pardon secondo il Cennini!


 Questo è il mio preferito!
Concordo! :-))
ma tu te li sei dovuta studiare proprio tutti?

Cos'è i tuo amichetti ti hanno imposto di non rispondermi o è una tua
decisione autonoma?

 ma tu te li sei dovuta studiare proprio tutti?
Nooooooo
Li ho studiati per cultura personale e perchè accompagnai un gruppo di 
turisti agli scavi.
La materia pompeana rientrerebbe nell'idirizzo archeologico, mentre io sono 
iscritta a quello storico-artistico.
Però è sempre bello leggere qualcosa riguardante i nostri preziosi e 
inestimabili scavi di Pompei.
