クイズ問題: その演奏時間は273秒間である、どんなに音楽の経験がない人でも演奏が可能な、ジョン・ケージの楽曲は何でしょう?
答え: 4分33秒

関連するWikipedia記事の抜粋:
title: サイレンス (音楽)
text: 意図的に楽曲内が沈黙で満たされているもっとも有名な例はジョン・ケージの「4分33秒」である。4分33秒何もせず、デイヴィッド・チューダーはピアノのふたを静かに閉めステージを後にした。初演は楽曲が「演奏」されている間怒号やざわめきの嵐だったといわれるが、演奏家は何もしない。音がしないとはどういうことなのか、アメリカ人が西洋人に先駆けて問題提示を行った。
title: ジョン・ケージ
text: ケージの作品で最も有名なもののひとつである『4分33秒』は、曲の演奏時間である4分33秒の間、演奏者が全く楽器を弾かず最後まで沈黙を通すものである。それはコンサート会場が一種の権力となっている現状に対しての異議申し立てであると同時に、観客自身が発する音、ホールの内外から聞こえる音などに聴衆の意識を向けさせる意図があったが、単なるふざけた振る舞いとみなす者、逆に画期的な音楽と評する者のあいだに論争を巻き起こした。この時期には、芸術運動のフルクサスとも関わりをもっている。
title: ジョン・ケージ
text: 1962年には来日公演を果たしている。『0分00秒』の初演は東京の草月ホールでケージ自身により行われた。1963年、ニューヨークにてエリック・サティの『ヴェクサシオン』を上演する。世界で初めてサティの指示どおりに840回の反復を行ない、演奏は18時間にわたった。また、サティの『ソクラテス』から派生したピアノ曲『チープ・イミテーション』(1969年)を作曲している。この作品は『ソクラテス』のリズムだけを残し、音高をチャンス・オペレーションに基づいて新たに作曲したものである。
title: 4分33秒
text: 『4分33秒』(よんぷんさんじゅうさんびょう、4'33”)は、アメリカの音楽家ジョン・ケージ(1912年-1992年)が1952年に作曲した曲である。ケージの作品の中で最も知られており、音楽に対するケージの思想が最も簡潔に表現された作品でもある。
title: 4分33秒
text: ケージは『4分33秒』の続編にあたる作品も発表した。ケージが1962年に初めて来日した際に、同行していた一柳慧とオノ・ヨーコ夫妻のために『0'00”(4分33秒第2番)』を作曲した。この曲の楽譜には「最大限の増幅(フィードバックなしで)ができる状況で、よく鍛錬された行為を行うこと」という1行のみが書かれていた。初演は1962年10月24日に草月ホールでケージ自身によって行われ、ケージが紙に書く音が増幅されてノイズとして響いた。『4分33秒』が人間の聴覚にもとづいて作曲されたのに対し、『0'00”』は電子機器によって聴覚を拡張している。
title: 音楽の定義
text: つぎつぎの音の流れを音楽的に感じ取って、受け入れる感覚の働きであるとされる。したがって、聾唖学校では太鼓の振動や弦の振動を感じるという音楽教育もなされているように、耳で鑑賞するのみでなはない。日本の義務教育では必修鑑賞曲があげられるが、準拠する学校は少ない。現代音楽の試みの中では、ジョン・ケージの『4分33秒』は、演奏者が4分33秒間、一つも音を演奏しない音楽であり、その沈黙の間に聴衆が音楽を見いだすという試みがあった。
title: 耳音響放射
text: 1951年、ジョン・ケージはハーバード大学の無響室で、完全な沈黙を体験しようとしたが、「血液の流れる音」と「神経系統の音」が聞こえた。それによってケージは、人が生きる限り音はあり続け、「沈黙は存在しない」という認識に至った。そのことから、翌年、まったく無音の作品「4分33秒」を制作した。
title: 4分33秒
text: 1948年にヴァッサー大学で行った講演『作曲家の告白』において、ケージはいくつかの新しい欲求を語り、その中に沈黙についての構想があった。それはさえぎられない沈黙の曲を書き、ミューザック社(英語版)に売るというものだった。曲の長さは3分から4分半で、曲名は『サイレント・プレイヤー(Silent Prayer)』である。ミューザック社は1934年設立で、企業にBGMを販売する事業を行っていた。3分から4分半という曲の長さは、ミューザック社も音楽配信に使用していたSPレコードの再生時間が約4分半であったことに由来し、音楽の長さが技術で規定されていることを皮肉ったものである。技術による管理を音楽に持ち込んだミューザック社に「さえぎられない沈黙」を売る、というのがケージのアイデアだった。
title: ネオダダ
text: ネオダダに属する作家たちのうち、ロバート・ラウシェンバーグらは1930年代から1950年代にかけて存在したノースカロライナ州の小さな芸術学校、「ブラック・マウンテン・カレッジ(英語版)」で学んでいた。ここでは美術家のみならず音楽家、詩人、思想家らが教えており、なかでも教鞭をとっていた音楽家ジョン・ケージの、音響を即物的に考えることや偶然性を利用するといった活動から強い思想的な影響を受けている。もともと「何もせずに黙りこくる」という発想はケージのオリジナルではなく、エルヴィン・シュルホフの「五つのピトレスク」で初めて楽譜になったものであり、これをケージが「4分33秒」にしたこと自体がネオ・ダダの発端であった。ヨーロッパで発案されたものがアメリカ流に改良され、理論化されたものがネオダダなのである。
title: ジョン・ケージ
text: ジョン・ミルトン・ケージ・ジュニア(John Milton Cage Jr.、1912年9月5日 - 1992年8月12日)は、アメリカ合衆国出身の音楽家、作曲家、詩人、思想家、キノコ研究家。実験音楽家として、前衛芸術全体に影響を与えている。独特の音楽論や表現によって音楽の定義をひろげた。「沈黙」を含めたさまざまな素材を作品や演奏に用いており、代表的な作品に『4分33秒』がある。
title: 石原隆
text: 「ロングプレイヤー」(Longplayer)は、1000年かけて演奏されるように作られた曲。これは世界一長い曲として知られ(次点は『オルガン2/ASLSP』の639年。「演奏時間の長い曲」も参照)、2000年1月1日に演奏が始まり、予定では反復無しで2999年12月31日まで続き、始めに戻ることになっている。
title: 0分00秒
text: 0分00秒(れいふんれいびょう、0'00\")は、ジョン・ケージが1962年に発表した作品で、初演は東京の草月ホールでケージ自身により行われた。
title: ジョン・ケージ
text: 1951年、ハーバード大学で無響室を体験する。ケージは無響室に入ったときに体内からの音を聴き、沈黙をつくろうとしてもできないこと、自分が死ぬまで音は鳴り、死後も鳴りつづけるだろうと考えた。この体験は作風に大きな影響を与える。1954年に、ストーニー・ポイントで菌類学の勉強をはじめる。1950年代初頭には中国の易などを用いて、作曲過程に偶然性が関わる「チャンス・オペレーション」を始め、貨幣を投げて音を決めた『易の音楽』(1951年)などを作曲。演奏や聴取の過程に偶然性が関与する不確定性の音楽へと進む。やがて、それまでの西洋音楽の価値観をくつがえす偶然性の音楽を創始し、演奏者が通常の意味での演奏行為を行わない『4分33秒』(1952)などを生み出した。
title: BGM (YMOのアルバム)
text: 10曲中、8曲が約4分30秒、残り2曲が約5分20秒と、演奏時間が統一されている。この演奏時間はジョン・ケージの有名な4分33秒と符合するが、細野は「すべて無意識でやっていた」と回想している。
title: 4分33秒
text: 前述のような体験をへて、ケージは1952年に『4分33秒』を作曲した。ケージは偶然性の手法として、『4分33秒』ではタロットカードを使用した。手作りのカードに時間を書き入れてシャッフルし、カードに書かれた沈黙の長さを足して各楽章の長さを決定した。結果的に第1楽章30秒、第2楽章2分23秒、第3楽章1分40秒で合計4分33秒になり、初演の楽譜が完成した。ケージによれば、音がない点をのぞいては曲を作るのと同様に行い、積み上げていったら4分33秒になったと語っている。沈黙の作品を発表することにケージがためらい、作曲の作業がとどこおったため、演奏者のチューダーがケージを急かして完成させたといわれている。
title: 4分33秒
text: コロンビア大学で1951年に演奏した『心象風景第4番(英語版)』では、ラジオ12台を使った。受信する局、音量、流す長さは『易経』で偶然に決めたため、放送していない局につながる時も多く、しばしば無音だった。ケージは、沈黙は音と同じく音楽の一部であると語った。
title: 4分33秒
text: 1962年にケージが初来日した際には、『4分33秒』の続編にあたる『0'00”』が作曲され、草月ホールでケージによって初演された(後述)。
title: 4分33秒
text: ケージの回想によれば、沈黙の曲の始まりは1940年かもしれないとされている。当時のケージは雇用促進局の娯楽部門で働いており、サンフランシスコ病院に来る子供たちを楽しませる仕事をした。患者を邪魔しないために音を立てないという条件があり、これがアイデアの源になった。また、ハンス・リヒターの映画『金で買える夢(英語版)』(1947年)で音楽を担当した時には、2小節の音楽のあとに2小節の沈黙が7回ある曲を作った。
title: 4分33秒
text: 初演後にケージは、この作品に4つの条件を加えた。(1) 演奏者は行為の中断を許可すること。(2) 行為は他人への義務を果たす内容であること。(3) 同じ行為を複数の演奏で使わないこと。(4) 演奏者は自分が置かれている状況に無頓着であること。ケージは、このタイトルが『0分00秒』の他に、『0フィート00インチ』とも読めると気づき、人間が時間や空間ではなく時空連続体に生きているという洞察を得た。無響室の体験で沈黙が存在しないことを知ったように、人間には無活動の状態がなく、時間の計測は重要ではないとも考えた。
title: 4分33秒
text: 芸術自体を問い直す前衛芸術からの肯定的な評価がある。前衛芸術では作品や完成度よりも内在する美学的意味が重視され、既成概念のために見落としている感覚を意識させる。その重要な例が『4分33秒』だとしている。他方で、あらゆる音を素材とするケージの姿勢は、音から意味を取り去るために音が含んでいた社会性が失われる点を批判されてもいる。マイケル・ナイマンは1974年の著作で『4分33秒』をノイズミュージックの始まりだと主張し、ノッティンガム大学のポール・ヘガティ(英語版)教授はノイズミュージックの歴史に関する2007年の著作でナイマンの主張が広く受け入れられていると述べた。さらに、1970年代はノイズミュージックがジャンルとして確立した時期でもあるため、ナイマンは単に学術的な主張を発表しただけでなく、ケージをノイズミュージックの中心人物に押し上げるという役割も果たしたという。
title: 4分33秒
text: 映像作品でも『4分33秒』の演奏が流され、ケージ自身が出演するときもあった。美術家・ビデオアーティストのナム・ジュン・パイクは『ジョン・ケージ讃』(1974年)というテレビ番組を製作し、ボストンのWGBH-TV(英語版)で放送された。この番組ではケージによる『4分33秒』の演奏があり、ニューヨークのハーバード・スクエア(英語版)で学生や乗り物の雑踏に包まれてピアノの前に座っている演奏と、ピアノがなく静かな演奏の2つが撮影されている。
title: 4分33秒
text: 1951年のある日、ケージはハーバード大学の無響室を訪れた。無音を聴こうとして無響室に入ったが、彼は二つの音を聴いた。一つは高く、一つは低かった。エンジニアにそのことを話すと、高いほうは神経系が働いている音で、低いほうは血液が流れている音だという答えだった。無音を体験しようとして入った場所でなお、音を聴いたことに「私が死ぬまで音があるだろう。それらの音は私の死後も続くだろう。だから音楽の将来を恐れる必要はない」と強い印象を受けた。『サイレント・プレイヤー』で、さえぎられない沈黙を構想した時期とは異なり、完全な無音は不可能であるという認識を得た。ケージは以後、沈黙とは意図しない音が起きている状態であると定義する。
title: クラング (シュトックハウゼン)
text: 「クラング」の14時間目から21時間目の8つの作品は、「宇宙の脈動」の派生作品である。「宇宙の脈動」の24層の電子音を低い順に3層ずつ抜粋したものに、それと近い音域の声、または楽器のソロが加わる。奇妙なタイトルは『ウランティアの書』に登場する惑星や銀河の名から採られた。
title: 危機 (イエスのアルバム)
text: アルバムのタイトルソングであり、一曲目に収録されている「危機」の歌詞はアンダーソンとハウの2人によって執筆されている。18分を超える長さの曲であり、アルバム発表当時、イエス史上最長の曲であった。アンダーソンはこの曲の着想を、彼のお気に入りであるジャン・シベリウス作曲の「交響曲第6番 (シベリウス)」と「交響曲第7番 (シベリウス)」を聴きながらJ・R・R・トールキン著の『指輪物語』を読んでいる際に得たとしている。彼の談によれば、「交響曲第7番」が曲の構成を練る上で最も大きな影響を与えたという。得られたアイデアをハウと共有し、休暇中に2人でロンドン中心部のハムステッドにあったハウの家に籠り、「Close to the edge, down by a river」というフレーズが考え出された。これはハウが以前テムズ川河畔のバタシーに住んでいた経験から得られたものだという。
title: オプス・クラヴィチェンバリスティクム
text: 以前は「最も演奏時間の長いピアノ曲」としてギネスブックに掲載されたこともあったが、実際には484ページの手稿と8時間の演奏時間を持つソラブジ後年の作品「交響的変奏曲」や、同等の演奏時間を誇るフレデリック・ジェフスキーの「道」など、更に長大な作品が存在する。また、1980年代までは、「これまでに書かれた中で最も難しいピアノ曲である」と認識されることも多く、難易度と複雑性においては他のどの作品にも引けを取らないとされていたが、現在では楽譜と音源の入手が容易となり、挑戦するピアニストが増加しつつある。
title: ポエム・サンフォニック（100台のメトロノームのための）
text: 100台のメトロノームのためのポエム・サンフォニック(Poème Symphonique for 100 metronomes)は、ハンガリーの作曲家、リゲティ・ジェルジュがフルクサス運動に一時的に関与していた1962年に作曲した楽曲。メトロノームのみで演奏される。
title: DOMMUNE
text: DOMMUNEのアーカイブを用いたサウンド・インスタレーション(英語版)として、ジョン・ケージの『4分33秒』をテーマとした『DJ JOHN CAGE & THE 1000 WORLDWIDE DJS』(2014年、金沢21世紀美術館)がある。DJをするケージを模した人形の背景で総勢1000人のDJプレイを同時再生し、45分の同時再生と4分33秒の沈黙が交互に訪れる。著作物として成立しない同時再生のノイズと、JASRACに著作権登録された『4分33秒』を流すことで、制度への皮肉を表している。
title: ジョン・ケージ
text: 1960年代には、プラスチック板を自由に組み合わせて楽譜を作り演奏する不確定性音楽の『カートリッジ・ミュージック』(1960年)、『0分00秒』(1962年)、チェンバロを録音して変調し更に生のチェンバロと合わせる『HPSCHD』(1969年)などを発表し、著書『サイレンス』を出版した。
title: 4分33秒
text: ケージはこの時期に作曲家・指揮者のピエール・ブーレーズと交流を始めた。1949年にパリでケージとブーレーズは会い、作曲における偶然性について意見を交わすようになり、特に1949年から1952年にかけて多数の書簡を交わした。美学的には異なる2人だが、周囲の音楽環境が旧来の価値観に支配されている中で、互いに刺激を与え合った。また、ブーレーズの作品は、のちに『4分33秒』を初演するデイヴィッド・チューダーと出会うきっかけにもなった。
title: ハインツ・ホリガー
text: 初期の作品はブーレーズからの直接の影響を受けており、『魔法の踊り手』(1963-1965)や『七つの歌』(1966-1967)のような作品は、典型的に60年代の前衛イディオムを取り入れた秀作であった。しかし、ホリガーは前衛イディオムの限界を早期に見極め、オーボエソロのための重音練習曲 (1971)や弦楽四重奏曲(1973)などでは、ホリガーの関心は奏者の呼吸や非日常的な触感の追求に移っていく。管弦楽のための『呼吸の弓/Atembogen』(1974-75)でその成果は頂点に達し、やがてベケットやヘルダーリンのテクストの音楽化もライフワークとなっていく。
title: 平均律クラヴィーア曲集
text: 第2巻の『前奏曲とフーガ ハ長調 BWV870』のグレン・グールドによる演奏の録音は、人類を代表する文化的作品の一つとして、ボイジャーのゴールデンレコードに収録されている。
title: フレデリック・ジェフスキー
text: 「一日のうちに全て聴くことのできないピアノ作品......あるいはピアノのための長編小説だ」と本人も語った「ピアニストのための道」はパート7でいったん終止線が引かれ、エピローグも付された。この時点で全曲が5時間を越えると言われた。その後パート8と題される続編が新たに書かれたが、このパートのみで3時間を越える。こうして世界で最も長いピアノのための作品は2003年に完成。実現不可能と目された全曲世界初演は、ロンドンで作曲者を含む複数のピアニストたちによって10時間かけて2006年に一日で行われた。ピアニストはピアノを弾くほかに、さまざまな演劇的動作を行う必要がある。
title: ヴェクサシオン
text: 繰り返しありで世界一長いピアノ音楽だが、メトロノーム記号によるテンポの指定がないため、全曲で18時間から25時間まで幅がある。ただし、ショパンのマズルカ作品7-5や作品68-4、サティの「スポーツと気晴らし」中の第16曲「タンゴ」のように終わりがなく永遠に繰り返しされる曲や、ジョン・ケージの「ASLSP」のように演奏時間を約639年も故意にかけるものが、楽譜化されたより長い曲として存在する。
title: サンタ・ソフィーア・デピーロ
text: 「マインド・ゲームス」 (Mind Games) は、ジョン・レノンの3作目となるソロ・アルバム『マインド・ゲームス』のタイトル・ナンバー。
title: ジョン・ケージ
text: その他、日本との思想的・精神的かかわりが強調された『Haikai・IとII』や『RENGA』、様々な奏者によって演奏される『龍安寺』、史上最長の演奏時間で知られ、ドイツのハルバーシュタットで機械による演奏が続いているオルガン曲『Organ2/ASLSP』(1987)などがあるが、『ASLSP』は「AS SLOW AS POSSIBLE(できるだけ遅く)」の意味であり、ブキャルディの廃教会にて、2000年から2639年にかけて演奏される予定になっているが、全く聴かない方法もあるため、古典的な意味の長大な楽曲とはとらえられない。
title: ポエム・サンフォニック（100台のメトロノームのための）
text: 可能な限り全ての等拍パルスを聞くというコンセプトは、後の作品「室内協奏曲」などにも確実に影響を与えている。作曲当時は「パルス」でリズムを構成する思考であったために、このような作品の創造を可能にした。これが後に「テンポ」でリズムを構成するコンロン・ナンカロウ的なアイデアに発展する。
title: クラング (シュトックハウゼン)
text: クラング、正確には音―1日の24時間(独:Klang—Die 24 Stunden des Tages)は、最晩年のカールハインツ・シュトックハウゼンが作曲した連作音楽。2004年から2007年にかけて作曲された。
title: スティーヴ・ライヒ
text: 1974年には、ライヒはライヒを知る大多数の人々から重要であると位置づけられる作品、『18人の音楽家のための音楽』を書き始めた。初期の作品の持つ作風へ戻りつつも、この作品には多くの新しいアイディアが含まれている。曲は11のコードのサイクルを基本としており、それぞれのコードには短い曲がそれぞれ割り当てられ、曲の終わりには元のサイクルへと戻っていく。セクション(楽曲内の区切り)は\"Pulses\"、 Section I-X、再び\"Pulses\"と名づけられている。ライヒにとっては、大人数のアンサンブルのために書いた初の試みであり、演奏家が増えることによって音響心理学的な効果はより大きなものとなり、その効果に夢中になったライヒは「もっとこのアイディアを探求したい」と語っている。また、ライヒはこの作品は過去に書かれたどの作品よりも、最初の5分間に含まれるハーモニーが豊かであるとも語っている。
title: ポエム・サンフォニック（100台のメトロノームのための）
text: リゲティは「ポエム・サンフォニック」以降、この手の実験を繰り返すことは無かったが、その後のリゲティの器楽曲の特徴である「ゆっくりと進展する音風景」に繋がった。リゲティが好んで用いたミクロポリフォニーの片鱗が確認出来る一例である。
title: 4分33秒
text: ケージは「時間の長さの楽曲」や「万物」と呼ばれるシリーズを構想した。1953年当時は、『4分33秒』の他に、『弦楽器奏者のための59分1/2秒』、『ピアノ奏者のための34分46.776秒』、『ピアノ奏者のための31分57.9864秒』、『弦楽器奏者のための26分1.1499秒』、『打楽器奏者のための27分10.554秒』、そして講演『ひとりの話し手のための45分』が含まれていた。これらの作品は二重奏、三重奏、四重奏としても演奏できるようになっていた。
title: ワールド・イン・ユニオン
text: 原曲はグスターヴ・ホルストの組曲『惑星』第4曲「木星-快楽をもたらすもの」の中間部 [Andante Maestoso] をもとにした賛歌「サクステッド」で、チャーリー・スカーベックが新たに独自の歌詞をつけている。「サクステッド」が4分の3拍子に対して、「ワールド・イン・ユニオン」は4分の4拍子に改められている。 「ワールド・イン・ユニオン(団結する世界)」の題名にある通り、歌詞は「夢がある。それは信仰や人種を超えて世界が団結し、分かつことのできない一つものになることという尊い真の夢である。この偉大な運命というべき夢の極みにいたるとき新しい時代が始まっているだろう。そのためにあらゆる障害を乗り越え、歴史に居場所を見出し、尊厳をもって生きていかねばならない。その前には勝敗にかかわりなくすべての人が勝利者である。それが世界が一つになるということである」などという内容になっている。
title: カイホスルー・シャプルジ・ソラブジ
text: 1930年代に、自作が適切に演奏されていないことから、他者による自作の公開演奏と出版を許可しなくなった。この前代未聞の出来事を、ソラブジの特殊性を喧伝するために演奏を「禁止」したと流布されたいたが、これは事実ではなく、Marc-André Robergeの研究では、求められても演奏を許可しなかっただけで禁止はしていないという。以降、作品規模が巨大化し、最も有名な「オプス・クラビチェンバリスティクム」(1930年)以降は4、5時間かかる作品も珍しくない。最も長大な「交響変奏曲(ピアノリダクション版)」(KSS-59, 1935年 - 1937年)は演奏時間が9時間近くに及ぶ。こうした演奏時間の長大さが彼を世界に知らしめることとなった。作品はマイヤベーア、ワーグナー、ブルックナー、マーラー、ブライアン、メシアン、ケージ、フェルドマン、シュトックハウゼンなどと共に列挙されることが多い。
title: 0分00秒
text: ケージは初演の際に、自身の眼鏡や万年筆、また灰皿などにコンタクトピックアップを装着し、タバコを吸ったり水を飲んだりしながら、この0分00秒の楽譜を書いた。そのなにげない行為に伴う微かな音は、電気的に増幅され大音響となって会場を満たした。
title: ア・デイ・イン・ザ・ライフ
text: 本作のオーケストラ演奏のレコーディングは、本作制作のハイライトであり、レノンとマッカートニーがジョン・ケージやルチアーノ・ベリオなど前衛音楽の作曲家に関心を持っていたことが反映されている。空白の24小節を埋めるために、レノンは「オーケストラに一番低い音から最高音までを出してもらうこと」、マッカートニーは「即興で誰とも被らないように音を出してもらうこと」を提案し、ジョージ・マーティンはこの24小節のために緩いスコアを書いた。マーティンによって書かれたスコアは、無調のクレッシェンドであり、オーケストラが決められた枠組みの中で即興演奏することを奨励した。
title: ミレニアム・ドーム
text: 施設内ではジェム・ファイナーが作曲した「ロングプレイヤー」(Longplayer)という、「演奏時間が1000年かかる曲」が2000年1月1日に演奏を開始した。上述のドーム閉鎖中および「The O2」再開業後も継続されており、2999年12月31日に終了する予定である。
title: 4分33秒
text: ケージは1950年代から偶然性を作曲に取り入れるようになり、そのために『易経』をしばしば使った。ケージが音楽を教えた作曲家クリスチャン・ウォルフの両親は出版を仕事にしており、英訳した『易経』を渡されたのがきっかけだった。ケージは『易の音楽(英語版)』(1951年)や『ウィリアムズ・ミックス(英語版)』(1951年-1953年)の作曲に『易経』を使い、偶然性の手法は『4分33秒』の作曲にも取り入れられることになる。ケージはこの手法によって個人の好みや心理、芸術の伝統から自由になった音楽が可能であり、価値判断は作曲・演奏・聴取のいずれにおいても含まれなくなると考えた。ケージは偶然性の手法をチャンス・オペレーションと名付け、非意図的なものの探究とも呼んだ。
title: 管弦楽法
text: 電子音響技術とオーケストラが密接に結びついた例として、IRCAMの研究が挙げられる。演奏行為と密接に結びつく電子音楽の活用の試みが行われており、これをライブエレクトロニクスと称する。初期には4Xというコンピュータが使われ、ブーレーズはこの技術を用いて代表作の一つ『レポン』を作曲している。
title: ジョン・ケージ
text: 初期の作品はシェーンベルクの音楽を継承するかのような、音列処理やリズム処理のある作品が多数を占める。1930年代の『クラリネットのためのソナタ』やピアノのための『メタモルフォーシス』、いまや打楽器のレパートリーである打楽器合奏の為の第1から第3までの『コンストラクション』がこれにあたる。後者ではウォーター・ゴングなどの新しい奏法の発想が芽を出し始めている。
title: クラング (シュトックハウゼン)
text: シュトックハウゼンは「グルッペン」や「ツァイトマッセ」、「至高‐時間」(「日曜日」第5場面)などの作品でポリテンポを追求してきたが、この作品ではほとんどの場面でシンセサイザー(またはオルガン)奏者が右手と左手で同時に異なるテンポを演奏する。ピッチ構造は2オクターヴにまたがる24音からなるセリーによって、リズム構造は16分音符24個分の音価をシステマチックに分割して得た複数のリズム群(作曲者は「リズム・ファミリー」と呼ぶ)によって規定される。概説にもある通り、この作品で用いられたセリーやリズム・ファミリーが以後の作品にも流用された。
title: ポエム・サンフォニック（100台のメトロノームのための）
text: この作品はしばしば、米国のミニマリズム作曲家スティーヴ・ライヒに代表される進行性音楽や、同じく米国の実験作曲家ジョン・ケージの作品に代表される「慣習的な音に無関心な音楽」などと比較される。
title: 時間と言葉
text: 『時間と言葉』(Time and a Word)は、イギリスのプログレッシブ・ロック・バンド、イエスのセカンド・アルバムである。
title: 4分33秒
text: ケージは1952年夏にブーレーズにあてた手紙で、チューダーがブーレーズのピアノ・ソナタ第1番(英語版)を演奏する予定であると書いているが、『4分33秒』の初演は知らせなかった。ケージはブーレーズとの作曲姿勢の違いについて用心していたとされる。
title: 失われたコードを求めて
text: 本作は精神世界の探求をテーマとしたコンセプト・アルバムとみなされており、Edward Macanの指摘によれば、序盤では9時から5時までの生活を描写した「ライド・マイ・シーソー」のように現代社会の物質主義が表現されているが、アルバムが進むにつれて音楽、幻覚剤、超自然的な瞑想といったテーマの曲が登場し、最後の曲「オム」で描写された宇宙意識へ到達する過程が表現されている。また、本作の見開きジャケットの内側にはヤントラ(英語版)の解説及び図が記載された。
title: ブックエンド (アルバム)
text: アルバム前半(LPのA面)の7曲は、アメリカの現実をテーマとした組曲となっており、「ブックエンドのテーマ」のインストゥルメンタル・ヴァージョンと歌入りのヴァージョンに挟まれる形となっている。このような構成にした理由の一つに、「3分というリスナーが1曲に集中できる時間を引き延ばせるようにしたい」というポール・サイモンの思惑があったようである。モーグ・シンセサイザーを使用した「わが子の命を救いたまえ」、ニューヨークやロサンゼルスで録音した老人たちの会話を編集したサウンド・コラージュ「老人の会話」等、実験的な音作りがなされた。
title: テルミン
text: クラシック音楽での使用例は多くないが、この楽器を用いた初期の例としてショスタコーヴィチの映画音楽「女ひとり」、エドガー・ヴァレーズの「エクアトリアル」(実用度の高いオンド・マルトノで代用される場合が多い)、チャールズ・アイヴズの「交響曲第4番」、パーシー・グレインジャーの「フリーミュージック第1番」(4つのテルミンのための)、「フリーミュージック第2番」(6つのテルミンのための)、アニス・フレイハンの「テルミン協奏曲」などが挙げられる。
title: モートン・フェルドマン
text: 1950年、ニューヨーク・フィルハーモニックの演奏会に足を運び、アントン・ヴェーベルンの「交響曲」を聴く。その演奏会場でジョン・ケージと知り合った。ケージに影響されたフェルドマンは、セリー技法や伝統和声の制約といった過去の作曲体系とは全く関係を持たない作品を書くようになる。グリッドを用いたり、一定時間に奏する音符の個数を明記したりするなど、彼が世界で最初に発案したと見られる図形譜を用いた実験を行った。
title: カールハインツ・シュトックハウゼン
text: 「光」を2003年に完成させたシュトックハウゼンは、2004年から2008年の没年まで、1日の24時間を音楽化しようとする24作品からなる連作「クラング - 1日の24時間」(2004年-2007年)の作曲に専念した。1970年代以来のフォルメル技法に代わり、2オクターヴの24音からなるセリーがこの連作の基礎となっている。
title: 弦楽合奏
text: 20世紀には重要な作品が多く、バルトークの『ディヴェルティメント』、ストラヴィンスキーの『ミューズを率いるアポロ』、ブリテンの『シンプル・シンフォニー』などが知られる。ティペットは『2つの弦楽合奏のための協奏曲』を作曲している。
title: ルドルフ・フリムル
text: 1939年11月号のタイム誌上で、フリムルはヴィクター・ハーバートがウィジャボードを使って話しかけてきたと述べている。フリムルが言うには、ハーバートが「5つの音を弾け」と伝えてきたという。フリムルが音を鳴らすとハーバートは「とても素敵だ」と返したのだった。1967年、フリムルはサンフランシスコのカレン劇場(英語版)で行われた特別コンサートの舞台に上がった。彼のコンサートでは常だったようにピアノの即興演奏に始まり、自作曲の編曲や彼に影響を与えた作曲家の作品などを弾いていった。自らの師に捧げるとしてドヴォルザークの『ユーモレスク』も演奏された。1971年にはソングライターの殿堂(英語版)入りを果たしている。
title: 不確定性の音楽
text: ブーレーズのピアノソナタ第3番やシュトックハウゼンのピアノ曲XI、または松平頼則の「蘇莫者」などは、全体がいくつかの断片に分かれており、それをどのような順番で組み合わせて演奏するかが奏者の選択に委ねられている。また、シュトックハウゼンの「ツァイトマッセ」は、「できるだけ速く」や「できるだけ遅く」などの指示により声部相互のリズムの重層に不確定性が導入されている。同者の「ツィクルス」は、16ページある楽譜のどこから演奏を始めても構わない。
title: 4分33秒
text: 『4分33秒』を作っていた1950年代前半のケージは金銭的に苦境にあり、さらには住んでいたロウアー・イースト・サイドのアパートが都市計画で取り壊しが決まった。ケージは1955年にニューヨーク市を去り、郊外のストーニー・ポイント(英語版)に引っ越した。ストーニー・ポイントの森林でキノコ採集にいそしみ、キノコを見分けるときの沈黙で『4分33秒』を演奏した。
title: 交響曲第1番 (ブライアン)
text: 演奏時間に関しては、リチャード・ロジャースの作曲した断片素材をもとにロバート・ラッセル・ベネットがオーケストレーションした交響曲『海での勝利』 (Victory at Sea) が演奏時間13時間と最長であるが、テレビのドキュメンタリー番組のための音楽の「編曲」であり、常軌を逸した長大さであることなどから、「常識的な」作品であり、編曲作品ではなく知名度も高い作品としては、演奏時間が約106分の『ゴシック』が「最長の交響曲」とされている。
title: エリック・サティ
text: また、音楽美学的見地においても彼は多くのあり方を導入したとされ、鑑賞するだけの芸術作品ではない音楽のあり方をも示した。『家具の音楽』に縮約されているように、ただそこにあるだけの音楽という新しいあり方は、ブライアン・イーノやジョン・ケージたちによる環境音楽に影響を与えた。また、『ヴェクサシオン』における840回の繰り返し・『古い金貨と古い鎧』第3曲結尾部における267回の繰り返し・『スポーツと気晴らし』第16曲「タンゴ」や映画『幕間』のための音楽における永遠の繰り返しは、スティーヴ・ライヒたちによるミニマル・ミュージックの先駆けとされている。
title: 4分33秒
text: 無音を音楽として見なす先例として、作家アルフォンス・アレーの『耳の不自由なある偉人の葬儀のために作曲された葬送行進曲』(1897年)があり、いくつかの空白の小節のみが書かれた作品である。また、ダダイスム運動が盛んになった時代には音楽家エルヴィン・シュルホフによる『五つのピトレスケ』(1919年)の第三曲があり、これは全く意味をなさない顔文字と休符で全曲が構成された最初の音楽作品である。これらは楽譜を眺めることによってそこに込められた風刺的、ダダイスト的な意図を読み取ることが目的で、ケージの意図とは必ずしも一致しない。
title: ヴェクサシオン
text: サティによる楽譜には「このモチーフを連続して840回繰り返し演奏するためにはあらかじめ心の準備が必要だろう もっとも深い沈黙と真剣な不動性の姿勢によって」と書かれている。
title: トワイラ・サープ
text: 前衛的な作品の最後のものとされるのは、1970年の『ザ・フーガ』という作品である。登場するダンサーは脚部にマイクを取りつけていて、それを通して聞こえる足音に合わせてステップをさまざまに変容させていくものであった。バッハの『音楽の捧げもの』から想を得たこの作品に登場する個々のフレーズは20カウントの長さで一見して単純なものであるが、対位法的に変容していくステップとリズムを視覚と聴覚を駆使して判別するのは容易ではない。この作品にみられるような、複雑で巧妙な構成が彼女の作風における一貫した特質である。
title: 広島の犠牲者に捧げる哀歌
text: 最も簡単に入手できるのは、Emi ClassicsのMatrix 5 - Krzysztof Pendereckiであり、即日通販サイトより購入できる。この作品が注目されているのは「反戦」エピソードに依る点以外に、次の重要な事象がある。それは当時セリー技法の行き詰まりを模索していた当時に音響作曲法がペンデレツキ、グレツキ、シャローネクなど一連のポーランドの作曲家達によって次々と提唱された。セリー技法が音響作曲法や郡作法に取って代わられた大きな局面を示すものとして、よく大学あるいは高校の教材として使われる。最もよく言及されるのは、1オクターブの24のピッチ(四分の一音をすべて使うため12✕2=24)がすべて鳴り響く曲の最後の完全トーンクラスターである。
title: レボリューション9
text: 1966年よりビートルズは、テープループなどを駆使した実験音楽を制作するようになっていた。同年に発売されたアルバム『リボルバー』には、EMIスタジオに備え付けられたテープ・レコーダーを総動員させ、メンバー自ら作成したテープ・ループを主体とした楽曲「トゥモロー・ネバー・ノウズ」が収録され、1967年にはBBCラジオ3で放送された『リア王』の朗読の断片を取り入れた「アイ・アム・ザ・ウォルラス」が発表された。本作もまたテープループを駆使した実験音楽のひとつで、ビートルズ初のミュジーク・コンクレートとなった。
title: 石原隆
text: 「ロングプレイヤー」は20分20秒の曲の1つをベースにしており、それをコンピュータが簡単なアルゴリズムに基いて処理をする。これが膨大なバリエーションを生み出し、切れ目無く演奏すると1000年かかる。
title: 4分33秒
text: ケージ没後のトリビュートアルバム『Chance Operation: Tribute to John Cage』(1994年)では、フランク・ザッパが演奏した。このCDアルバムは、ケージのチャンス・オペレーションを参考にしてシャッフルでの再生が奨励されており、全収録曲が細かいトラックに分割されている。
title: ナム・ジュン・パイク
text: 1973年、『ジョン・ケージに捧げる』『グローバル・グルーヴ』(WGBHで放送、のちビデオテープ作品として再編集)を制作。
title: 佐藤匠 (格闘家)
text: この映画では、バンドの当時の新曲「エコーズ」の前半と後半を分けて、「コンサート」のオープニングを「エコーズ、パート1」として幕を開けた。その後、「ユージン、斧に気をつけろ」「神秘」「吹けよ風、呼べよ嵐」「マドモアゼル・ノブルス」「太陽讃歌」が演奏され、最後を「エコーズ、パート2」で締めくくった。このライブにおいては「エコーズ」が大きな役割を果たしている。この演奏の中で「吹けよ風、呼べよ嵐」でニック・メイスンがドラムを激しく叩くあまりスティックを勢い余って投げてしまうシーンが確認できる。
title: エマーソン・レイク・アンド・パウエル (アルバム)
text: 火星は、ホルストの組曲「惑星」の最初の曲「火星-戦争をもたらすもの」をアレンジしたものである。この曲は、作者のホルストがオーケストラの編成遵守から部分演奏の禁止まで、様々な制約を規定していることで有名であり、死後も遺族によって意向が守られていたが、本アルバム制作時にはホルストの死後50年が経過しており著作権が切れていたため遺族の許可は必要なかった。
title: 記譜法
text: 現代音楽などで五線による記譜法が不可能な場合に良く用いられる。例としてはブソッティなどの諸作品、アレックス・エッケルトの作品、ペーター・ホッホの作品、モートン・フェルドマンの諸作品、ケージ、シュトックハウゼンの「七つの日々から」、ミヒャエル・フェッターの諸作品、アネスティス・ロゴテティスなどが挙げられる。いずれも五線のような正確な演奏は望めなく、おおよそでやる即興音楽的な性格がとても強い。また、拍節がない分、クロノメトリカルな拍の表現に適している。
title: 電子音楽
text: テープレコーダーが比較的安価になり一般の手にも触れるようになったため、大学や放送局などの研究機関とかかわりのない在野の作曲家たちもテープ音楽の制作に参加できるようになった。スティーヴ・ライヒは、同じ録音で同じ長さのテープループを用い、同時に再生することでわずかな回転数のずれからディレイが生まれ、2つの周期がずれていくことに注目し、「カム・アウト」「イッツ・ゴンナ・レイン」などのテープ作品を生み出した。これがやがてミニマル・ミュージックのアイデアにつながっていく。
title: 狂気 (アルバム)
text: この発売前のライブ演奏とスタジオテイクでは、一部の曲で大幅にアレンジが異なる。まず「走り回って」は「インストゥルメンタル・ジャム」という即興演奏が披露されている。「虚空のスキャット」では聖書の一節を朗読したSEを流し、スタジオ盤と異なるライトのキーボード・メロディを奏でていた。また、当初のライブ演奏では「狂気日食」が無く、「狂人は心に」で終わっていたが、ウォーターズがアルバムのクライマックスを再考し「狂気日食」を新たに書き下ろした。
title: グレン・グールド
text: 1965年、カナダ北部のチャーチルまで旅行する。1967年、カナダ放送協会(CBC)が、グールドの製作したラジオドキュメンタリー「北の理念(The Idea of North)」を放送する。その後も、「遅れてきた者たち」、「大地の静かな人々」といったラジオドキュメンタリーが放送された。1977年、グールド演奏によるバッハの「平均律」第2巻 前奏曲とフーガ第1番ハ長調の録音が、未知の地球外知的生命体への、人類の文化的傑作として宇宙船ボイジャー1号・2号にゴールデン・レコードとして搭載された。
title: イエロー・サブマリン
text: 収録曲は、ビートルズ中期のジョージ・ハリスンの作品を思わせるインド音楽調の「シー・オブ・タイム」、タイトル・トラックのリプライズ「イエロー・サブマリン・イン・ペパーランド」など、ビートルズの過去の作品を参考にしたオーケストラ・アレンジが取り入れられている。また、「シー・オブ・モンスターズ」では、ヨハン・ゼバスティアン・バッハ作曲の「G線上のアリア」の冒頭が加えられているほか、イーゴリ・ストラヴィンスキーのパロディ的要素が含まれている。
title: 愛と自由を求めて
text: 1曲目の「神わが声をきき給う」はオーケストラによる曲で、ハサウェイ自身はクロード・ドビュッシー、モーリス・ラヴェル、エリック・サティといった1800年代末期から1900年代初期の作曲家、それにジョージ・ガーシュウィンからインスパイアされたと記している。「神わが声をきき給う」と「アイ・ノウ・イッツ・ユー」には、当時リターン・トゥ・フォーエヴァーで活動していたスタンリー・クラークが参加した。
title: 土曜映画劇場
text: オープニングは、ケーシー高峰が犬とともに掛けあうものであった。エンディングクレジットの表示中に流れていたテーマミュージックは、グスターヴ・ホルストの組曲『惑星』の「木星」(第4主題)であった。
title: クラング (シュトックハウゼン)
text: 「宇宙の脈動」の第21、20、19層を抜粋した電子音楽にバリトンの独唱が加わる。作品の構造を解説した自己言及的な歌詞が歌われる。演奏時間は約24分6秒。
title: メフィスト・ワルツ
text: 1885年に作曲されたピアノ曲。同年に改訂されている。ただし第2版は作品自体は完全に演奏可能な形で残されていたが、中間部に挿入する意図があったと推定される3ページのスケッチが見つかっており、構想上未完とされる(1978年にレスリー・ハワードが補筆完成)。第1版が1953年、第2版は1956年になってようやく出版された。元々リストは今日「無調のバガテル」として知られる曲を「メフィスト・ワルツ第4番」とする予定であったが、最終的にその題はこの曲に与えられた。
title: ピエール・ブーレーズ
text: シェーンベルクの『室内交響曲第1番』をモデルに書かれたフルートとピアノのための『ソナチネ』、20世紀に作曲された最も重要なピアノ作品の1つである『ピアノソナタ第2番』、『弦楽四重奏のための書』などを経て、メシアンの『音価と強度のモード』の音列を引用した2台のピアノのための『ストリクチュール第1巻』でセリー・アンテグラルの技法に到達する。この作品はセリエルな作曲技法の1つの指標となったが、18楽器のための『ポリフォニーΧ』の場合のように、あまりに厳格なセリーの使用は不毛な音楽をもたらすことに気付き(同作品は結局撤回した)、より柔軟なセリーの運用を模索する。この探求は、アルトと6楽器のための『ル・マルトー・サン・メートル(主なき槌)』(ルネ・シャールの詩による)として実を結んだ。この作品は20世紀の最大傑作の1つであり、ブーレーズの名声を確立する。
title: ロバート・ラウシェンバーグ
text: 1948年秋にアメリカに帰国したのちは、ノースカロライナ州のブラック・マウンテン・カレッジ(英語版)でジョゼフ・アルバースに学んだ。ブラック・マウンテン・カレッジでは、夏期の講師だったジョン・ケージやマース・カニンガムの影響も受けた。ケージもラウシェンバーグの作品に影響を受け、ラウシェンバーグの作品『ホワイト・ペインティング』は、ケージが『4分33秒』(1952年)を作曲するきっかけの一つになった。
title: サイレン
text: また楽器として曲中にも使用されることがある。フランスの作曲家、エドガー・ヴァレーズが作曲した「ハイパープズム(1924年)」、「イオニザシオン(1931年)」、「ポエム・エレクトロニク(1958年)」が有名。ドミートリイ・ショスタコーヴィチの交響曲第2番やヒンデミットの室内音楽第1番にも使用されている。また、ロックにおいても効果音として使用されることがあり、使用例にはザ・スターリンの「ワルシャワの幻想」などがある。
title: ペア・ノアゴー
text: ノアゴーはメロディにおける無限セリーを1959年に発見し、1960年代の自身の作品にその方法を多く取り入れている。しかし、1968年の『黄金の幕への航海』(Voyage into the Golden Screen)や、交響曲第2番(1970年)までは、楽曲全体の構成には無限セリーを取り入れていなかった. また1970年代初頭には、和音における無限セリーとリズムにおける無限セリーを開発し、交響曲第3番(1972年 - 1975年)で初めて、メロディにおける無限セリーを含めた3つの無限セリーが全て用いられた。
title: ピエール・ブーレーズ
text: その後、ジョン・ケージの偶然性の音楽に反発し、楽曲の細部は不確定ながらも全体の構造は作曲者によって制御される「管理された偶然性」を唱える。『ピアノソナタ第3番』やソプラノとオーケストラのための『プリ・スロン・プリ - マラルメの肖像』は、「管理された偶然性」による代表的な作品である。だが、『ピアノソナタ第3番』は2016年現在未だに全曲が公開されておらず、『プリ・スロン・プリ』は複数の改訂を経る過程で不確定的であった箇所が次第に確定されていった。これらの作品は「ワーク・イン・プログレス(進行中の作品)」と呼ばれるが、結局、彼の死により「完結」することとなった。
title: クラング (シュトックハウゼン)
text: 1977年から27年かけて作曲した大作オペラ「光」の完成後に作曲を開始した。一日の24時間の音楽化を図った作品だが、21時間目まで書いたところでシュトックハウゼンは2007年12月5日に死去したため、連作としては未完の絶筆となってしまった。作曲者はこのほかにも「60分の音楽」や「60秒の音楽」の作曲も予定していたがそれも叶わなかった。
title: 4分33秒
text: 楽譜では4分33秒という演奏時間が決められているが、演奏者が出す音響の指示がない。そのため演奏者は音を出さず、聴衆はその場に起きる音を聴くことになる。演奏者がコントロールをして生み出す音はないが、演奏場所の内外で偶然に起きる音、聴衆自身が立てる音などの意図しない音は存在する。沈黙とは無音ではなくて「意図しない音が起きている状態」であり、楽音と非楽音には違いがないというケージの主張が表れている。
title: 天国への階段 (レッド・ツェッペリンの曲)
text: 曲全体のおおまかな印象は「延々と続く繰り返し」であり、単一の要素を繰り返しながら次第に楽器数が増えてクライマックスに至る構成は、ラヴェルの「ボレロ」がそうであるように、広い意味での変奏曲に似た構成だと考えることができる。詳細に見るならば、
title: 交響曲第2番 (バーンスタイン)
text: レナード・バーンスタインの交響曲第2番『不安の時代』(Symphony No. 2 \"The Age of Anxiety\")は1947年から1948年にかけて作曲された、バーンスタインの2作目の交響曲である。前作と同じく標題を持ち、英国の詩人、W・H・オーデンによる詩『不安の時代』に触発されて作曲された。詩の内容は第二次世界大戦末期のニューヨークで暮らす4人の人間の孤独を描いたものである。各楽章の標題は詩に従い、音楽の内容も詩を描写するものとなっている。
title: ローランド・カーク
text: カークは、循環呼吸(円環呼吸)の理解者にして実践家であった。この呼吸法を用いることによって、単音を自在に引き伸ばすことができるようになっただけでなく、十六分音符のフレーズを高速で、ほとんど際限なく吹き続けることが出来た。カークは循環呼吸の技能を用いて、LP『プリペア・ザイセルフ・トゥ・ディール・ウィズ・ア・ミラクル』の収録曲の「サクソフォン・コンチェルト」を、21分間にわたって息継ぎなしで連続して演奏している。アトランティック・レコードのプロデューサーだったジョエル・ドーンは、カークの特技に対してギネスブックは記録を認定すべきだと考えていた(カークは同盤の録音よりもはるかに長く、ブレスなしで演奏し続けることができた)が、それは実現しなかった。
title: トヨタ・ブレビス
text: 『マインド・ゲームス』(Mind Games)は、1973年に発表されたジョン・レノンのアルバム。当初は『ヌートピア宣言』という邦題だった。全英6位・全米9位を記録した。
title: ウィザーズ・ブレイン
text: ヘイズの『破砕の領域』『虚無の領域』は空気分子を“音”で位置調整して《論理回路》を生成し、時間とともに変化させることでより大きな効果を得ている。
title: インセプション
text: コブ達は夢から現実に戻る際の合図として、エディット・ピアフの『水に流して』(Non, je ne regrette rien)を使用している。コブ達が深い階層にて活動中に印象的な音楽が断続的に鳴るが、これは「水に流して」を低速度で逆回転させた音である。モル役のマリオン・コティヤールが2007年にエディット・ピアフの伝記映画で主演しているが、それより前に脚本で曲を使用することが決まっていた。
title: スローターハウス5
text: 『スローターハウス5』は、ジョージ・ロイ・ヒル監督、マイケル・サックス主演で、1972年に映画化され、カンヌ国際映画祭審査員賞(1972年)とサターンSF映画賞(1972年)ヒューゴー賞映像部門(1973年)を受賞した。グレン・グールドのゴールドベルク変奏曲などが劇中音楽として使用されている。
title: トルネイドース
text: 1962年、トルネイドースとミークに転機が訪れる。同年、テルスター衛星が打ち上げられ、それを記念してミークの手により「テルスター」が作られる。ある夜自宅にいたミークは、突然神様から授かったかのようにメロディーを思いつき、それを忘れないために手元にあった灰皿にメロディーを書き殴り、そのまま自宅のスタジオのテープレコーダーで自らのハミングでメロディーを記録したという。当時、インストゥルメンタル・バンドには珍しい、オルガンが大部分のソロ・パートを担当するだけではなく、極めて機械的でスペーシーな音を出すクラビオリンという楽器が使われている。それに加え、ミークの、時代を超えたミキシングにより、とても1960年代初頭に作られたとは思えない、極めて宇宙的な楽曲を、ミークとトルネイドースは創り上げてしまったのである。後に、スペース・ロックと呼ばれるジャンルをこの曲で作ったのである。
title: サード・イアー・バンド
text: 最初のアルバム『錬金術』は、EMI・ハーヴェスト・レーベルで1969年にリリースされ、BBCのディスクジョッキーであるジョン・ピールがグループを宣伝し、アルバムに収録された1曲では口琴を演奏した。翌1970年セカンドアルバムを発表。「天(Air)」「地(Earth)」「火(Fire)」および「水(Water)」の4曲からなり、ジャケットにはバンド名のみが表記され、その曲名を並べた通称で呼ばれることが多く、邦題も「天と地、火と水」であった。この中から「水(Water)」がハーヴェスト・サンプラー『ピクニック』に収録され、広く知られるきっかけとなった。
title: 自動作曲
text: 総音列技法で作曲されたピエール・ブーレーズの「構造」第1番と第2番は、音高はもとより音価や強弱が全てパラメータとして計算して書かれている。元となる数列とそれを組み立てる数式さえ考えれば、結果としての楽譜は自動的に計算によって導き出されるものであり、これも自動作曲と言える。ただしブーレーズ本人はこれの作曲にコンピュータは用いなかった。つまり紙上での手計算によるものである。このように簡単な筆記具と電卓(または計算尺など)があれば計算できる類の自動作曲としては、他にフランコ・ドナトーニの作風が挙げられる。
title: 遠い呼び声の彼方へ!
text: タイトルは、ジェイムズ・ジョイスの小説『フィネガンズ・ウェイク』の最後のパラグラフ \"Far calls. Coming,far!\" からとられている。武満はダブリン市を流れるリフィー河が海に入る光景のイメージから、「ヴァイオリンが調性の海に流れ込んで行く」音楽を構想した。海を表すモチーフ(Es(=S) - E - A)が重要な役割を果たしており、このモチーフは翌年の『ア・ウェイ・ア・ローン』、『海へ』にも用いられている。『武満徹の音楽』の著者ピーター・バートは本作品について、アルバン・ベルクのヴァイオリン協奏曲からの影響を指摘している。