クイズ問題: 色ガラスを組み合わせて様々な模様を描いた、教会の窓などに用いられるゴシック建築の特徴の1つは何でしょう?
答え: ステンドグラス

関連するWikipedia記事の抜粋:
title: タイル
text: ルネサンス期にはファエンツァでマヨリカ焼きから発展したファイアンス焼き(マヨルカウェア)が「ゴシック・フロラル」と呼ばれる様式を確立し、16世紀にはイタリアの諸都市でマヨルカウェアを模したスズ釉のタイルが作られた。ファイアンス焼きは北、中央ヨーロッパにも波及し、17世紀にオランダで白地に青の釉薬で描かれる中国風のモチーフを取り入れたデルフトウェアへと変化した。17世紀のデルフトウェアのタイルは、メダイヨンと呼ばれる縁飾りで中央のモチーフを囲むデザインや、正方形に4枚組むことで成立するコーナー・モチーフが特徴である。18世紀前半には壁画とも言える特注品の大作が幾つも作られている。
title: グロテスク
text: そこには人、動物、植物などをモチーフとした装飾壁面が施されており、自然法則や本来の大きさを無視して人から植物へ、さらには魚、動物へと連続して変化する奇妙な模様が見られた。盛期ルネサンスの16世紀に、ラファエロがその模様をバチカン宮殿回廊の内装に取り入れ、これが「地中 = 洞窟 (grotto) で発見された古代美術」から「グロテスク装飾」と呼ばれるようになった。また、ラファエロが復興させたグロテスク文様を指して「ラファエレスク文様」とも呼ぶ。グロテスク装飾は、マニエリスムの時代にも多く使われた。
title: 窓
text: ゴシック建築においては、ロマネスク建築の礼拝堂の薄暗さへの不満を解消する画期的な構造技術であるフライング・バットレスが発明され、窓を格段に大きくすることに貢献した。それまで身廊の壁を塞ぐように立っていた高い側廊は、その上部の機能を細いアーチ(フライング・バットレス)に譲ったのである。彩色の豊かなステンドグラスが発達したり、華麗なバラ窓が多く造られたりと、この頃「窓」は大きな躍進を遂げた。
title: バラ窓
text: バラ窓(ばらまど)とは、普通一般に、そして特にゴシック建築において、ステンドグラスで作られた円形の窓で、一般的にマリオンとトレサリーが中央から放射状に伸びている。
title: アズレージョ
text: これはセラミックスの歴史において際立った反響であった。ルネサンス様式の多彩色の上薬をかけたタイル(azulejo renascentista、サン・ロッケ教会に使用された物)、のちにマニエリスム様式のタイル(azulejo maneirista、アマロ礼拝堂に使用された物)などがこの頃の代表作である。アズレージョのほとんどに、寓話やギリシャ神話、聖書の一場面、聖人の生涯や狩猟風景などが描かれた。サン・ロッケ教会には、セビーリャの工房の様式であるダイアモンドを四隅に打ったアズレージョ(ponta de diamante、トロンプルイユ効果とグロテスク装飾を見せるダイアモンドが使われる)が見られる。これら怪奇な表現を含むグロテスク装飾は、18世紀最後までしばしば用いられた。
title: ボカージュ
text: ボカージュは、小さな森、樹葉の装飾要素、粗石積み(英語版)の一種を指すこともあり、ラスティックスタイルに相当する。装飾美術、特に磁器では、人物の上や後ろに広がる、樹葉の背景を指す。大陸起源であるが、18世紀半ばから、チェルシー磁器を中心にイギリスにも見られるようになり、後に大衆向けのスタッフォードシャー陶器(英語版)にも広まっていった。
title: 教会堂
text: ゴシック様式の教会堂は北フランスに生まれ、12世紀後半ごろからヨーロッパ全土へ広がる。リブ・ヴォールト、尖頭アーチ、飛梁(フライング・バットレス)の働きによって、ロマネスク建築の分厚い壁面とは対照的に、壁をできる限り少なくし、ステンドグラスに彩られた光あふれる空間を実現した。ゴシック建築の教会堂は、ステンドグラス・高い天井など最も教会堂らしい形をしていると言える。
title: システィーナ礼拝堂天井画
text: システィーナ礼拝堂の壁画・天井画修復が行われる以前には、ルネッタとスパンドレルの画面はもっとも汚れが激しかった。加えて、これらの窓に近い画面はハリネーション(明るい面に接した暗い面は見えにくくなる効果)により、日中は見えづらいという問題が常にあった。そのため、ミケランジェロの一般公開されている作品の中でも、これらの画面はもっとも知名度の低いものであった。しかし、修復によってオリジナルの画面がよみがえった結果、これらの画面における人間の本質への探求と人物像の革新的な描法が再び注目されるようになった。
title: イスラーム建築
text: 英語で鍾乳石を意味するスタラクタイト、あるいは蜂の巣天井を意味するハニカム・ヴォールトのことをムカルナス(Muqarnas、مقرنس)と呼ぶ。ドームやミナレットがイスラーム以前の建築様式を受け継いできた歴史を持つのに対し、ムカルナスは、イスラーム建築の中で生まれ愛好されてきた。この技法は、鍾乳石状、蜂の巣状に小さな曲面を集合させて、全体として凹曲面を作り出す建築的な装置である。
title: ロココ建築
text: ロココ(Rococo)はフランス語のロカイユ(rocaille 岩)に由来する。バロック時代の庭園に造られた洞窟(グロッタ)に見られる岩組のことであった。それが転じて、1730年代に流行していた、曲線を多用する繊細なインテリア装飾をロカイユ装飾と呼ぶようになった。イタリアの貝殻装飾に由来すると考えられているが、植物の葉のような自由な曲線を複雑・優美に配したものである。ロカイユ装飾が天井周りに多く使われ、壁と天井の境界が明確でなくなるのがロココの特徴である。大規模・重厚なバロック宮殿よりは、小規模なサロンを好む繊細な趣味が基調にある。
title: フェス (紋章学)
text: ミューラル・フェス (mural fess) と呼ばれる城壁のような模様を持つフェスもあり、これはスザンヌ・エリザベス・アルトファーター (Suzanne Elizabeth Altvater) の紋章に見ることができる(スザンヌ・エリザベス・アルトファーターの紋章)。
title: タイル
text: タイルの語源はラテン語で陶製の屋根板を指すテグラ(tegula)に由来すると言われる。テグラは広義には「ものを覆う」という意味があり、近世以降、屋根瓦と建築物の表面を覆う陶製の薄板の双方をテグラと呼ぶようになっている。
title: プレ・ヒアリング
text: アンテフィクサ(ante-fixae、antefixes)は、屋根を覆うタイルの終端にある垂直なブロックであり、古代ローマ、エトルリア、ギリシアなどで使われた。ラテン語では antefigere で、「前で締める」の意。エンタブラチュアの冠繰形 (cymatium) の代わりとして、神殿のコーニスの端に一定間隔で並んでいた。崇高とされる建築物の石造りのアンテフィクサは複雑に彫刻されており、特にパルメット模様(シュロの葉をかたどった模様)が多い。より一般的な建築物ではテラコッタなどを焼いて固めたアンテフィクサが多く、人物像などの装飾を施したものが特に古代ローマでよく使われた。当時は個人宅も含め、大きめの建物にはアンテフィクサを使ったものが多く見られた。
title: 七宝 (技法)
text: ロンドボス (ronde bosse) とは、金などの立体像の表面全体に、エナメルを施す技法。ルネサンス期のジュエリーなどに多く例を見ることができる。
title: フェリックス・キャンデラ
text: キャンデラの建築では、HPシェル面に大胆に開けられたスリットがトップ・ライトやハイサイド・ライトとして利用され、ことに教会建築においては、それらが魅惑的で幻想的なステンドグラスの光の乱舞となって降り注ぐ内部空間を生み出し、幾重にも重なり合うHPシェルの内壁面が織りなす光と陰の交錯とも相まって、建物の外観からは想像も出来ない程の心躍る劇的な宗教的空間をこの世に現出させている。
title: ロココ
text: ロココはロカイユ(rocaille)に由来する言葉である。ロカイユは岩の意味で、バロック時代のグロット(庭園洞窟)に特徴的な貝殻で装飾された岩組を指したが、そこから転じて、1730年代に流行した、貝殻の曲線を多用したインテリア装飾をロカイユ装飾(ロカイユ模様)と呼んだ。ロカイユ装飾は、イタリアの貝殻装飾に由来すると考えられているが、植物の葉のような複雑な曲線を用いた特有のものである(画像参照)。
title: ミナレット
text: 11世紀の後半から塔の縦方向の境界となるフリンジを付けたミナレットが現れ、塔に取り付けられたフリンジは光、太陽の象徴だと考えられている。また、11世紀のイランで発展したムカルナスの技法はミナレットの軒飾りにも取り入れられている。スペインのコルドバの大モスク(メスキータ)はレコンキスタの後にキリスト教の教会に転用され、16世紀末にモスクのミナレットが嵐によって破損すると、修復工事の際にミナレットの上部にルネサンス様式の装飾が加えられた。
title: 竹島由美子
text: ルネット(仏:lunette)は、壁面の半円形の部分を指し、開口部(窓)になっている場合もある。フランス語で「小さな月」を意味する。アーチの土台となっている柱の上に水平なコーニスを差し渡したとき、その上のアーチとの間にルネットができる。ドアの上に半円形のアーチを形成したときの壁面または窓がルネットとなる。主玄関の上の窪んでいて装飾されたルネットは、ティンパヌムと呼ばれることがある。
title: グロテスク
text: エングレービングを通じ、グロテスク様式の表面装飾はスペインからポーランドまでに至る16世紀ヨーロッパの芸術上のレパートリーとなった。後のマニエリスム、特にエングレービングでは、グロテスクは古代ローマ人やラファエロが用いていた風通しの良い充分に空間を開けた様式と比して非常に密に詰め込まれたものになる傾向があった。グロテスクはすぐに寄せ木細工に、1520年代後半からは(特にウルビーノで生産された)マヨリカ焼きに、さらには書物の挿絵やその他の各種装飾にも出現するようになった。フォンテーヌブロー宮殿では、ロッソ・フィオレンティーノとその弟子たちが、帯飾り(ストラップワーク)の装飾形式とグロテスクを組み合わせ、石膏や木の塑像での革紐の描画をグロテスクの1要素とすることによりグロテスクの語彙を豊かにした。
title: グロテスク
text: グロテスク (grotesque) とは、古代ローマを起源とする異様な人物や動植物等に曲線模様をあしらった美術様式。
title: 祭壇画
text: この三連形式は初期キリスト教美術から発生し、中世以降は祭壇画の標準フォーマットとなった。その地理的範囲は東は東ローマ帝国から、西はイギリスのケルト教会まで。ルネサンス期の画家・彫刻家、たとえばハンス・メムリンクやヒエロニムス・ボスなどが、この形式を使用した。例として、イギリスのスランダフ大聖堂 Llandaff Cathedral、ルーベンスの2作品があるベルギー・アントウェルペンのアントウェルペン大聖堂 Cathedral of Our Lady、そしてパリのノートルダム大聖堂などが挙げられる。あるものは、教会のステンドグラスの構造に形式を真似られたものも見られる。三連形式は現代の画家・写真家たちにも影響を与えているが、彼らの三連形式は必ずしも蝶番で動くわけではない。
title: ステンドグラス
text: その後、ステンドグラスはフランスにおいて発展していく。12世紀頃になるとロマネスク美術に続いてゴシック美術が北フランスから興り、建築技術の向上が見られた。飛梁の発明により天井は高く壁は薄くなり、大きな窓が可能になった。ゴシック様式を採用した教会堂の窓には彩色の施されたステンドグラスが使用されるようになり、教会堂は光のあふれる空間となった。
title: 化粧しっくい
text: 化粧しっくいは装飾だけでなく、壁画と建築意匠の滑らかな連結を実現するのにも使われた。例えばバロックのトロンプ・ルイユ的天井と周囲を繋いだりする。教会では、キリストや聖母マリアや最後の審判を中央に描き、それを周囲の建築物と視覚的に繋げることで荘厳さを醸し出している。化粧しっくいは現実の建築意匠と壁画内の建築意匠を繋げる役目を果たす。
title: ボヘミアガラス
text: ドウボイスチェンカが流行した18世紀には、黒エナメルや金箔で文様を描くロココ・グラスも考案された。あらかじめ多面カットを施したグラスに単色のシノワズリ文様やロココ文様を描く技法で、無色の素地に文様が浮き出すように見える。ロココ・グラスは19世紀初期まで製造されていたが、ドウボイスチェンカと同様に19世紀中に技術が失われる。
title: モザイク
text: イスラム建築では、モザイク技法は複雑な幾何学模様、アラベスクを作るために使われる。中国から伝わった、釉薬で彩ったタイルを用いた手法はモロッコなど北アフリカではゼッリージュ(zillij)、イランなど中東ではカーシャーニ(qashani)またはカーシーと呼ばれる。イスラム文化圏のモザイクは中世の初期にオリエントやイベリア半島でモスクの内外の壁や天井を飾るために用いられることが流行し、その最良の例の一つがイスラム教の支配下にあったイベリア半島にあり、アルハンブラ宮殿などに見ることができる。イスラム文化圏のモザイクは、7世紀から10世紀にかけてはビザンチンから招かれたモザイク師らによって高度に完成された技術が伝えられたものだったが、その後は徐々に幾何学的な形状の小片にカットした色タイルによる壁面装飾が広まり、コンスタンチノープルを経て南インドまで普及した
title: ニエロ
text: 15世紀中期のフィレンツェの金細工師たちは、ビュラン(en:burin)で金属を彫刻するという方法で、作品を装飾していたが、その後は、ビュランで作った窪みに、銀・鉛・硫黄から成る黒いエナメルを充たす方法を使い出した。そうして生まれた作品はニエロと呼ばれ、きわめて強いコントラストを持ち、その結果、より目立つものとなった。
title: ステンドグラス
text: ステンドグラス (stained glass) は、エ字形の断面を持つ鉛のリムを用いて着色ガラスの小片を結合し、絵や模様を表現したもの。ガラスに金属酸化物を混入することで着色している。キリスト教の教会や西洋館の窓の装飾に多く用いられる。外部からの透過光で見るため、人の目に非常に美しく映る。装飾を否定するモダニズム建築全盛の時期になるとあまり用いられなくなったが、今日では再びステンドグラスが見直され、公共建築、住宅、教会堂などに採用されている。ガラス工芸として、ランプの傘などにも用いられる。
title: 対称性
text: 右の写真は古代エジプトにおける胸像であるが、シンメトリーによる様式美を保っている事が良く分かる。このような形式は古代エジプトのほかにも、古代ギリシア、古代ローマにも見られる。また古代ギリシア、ローマ文明の復活をかけたルネサンスにおいてもシンメトリーの様式美が復活する。ルネサンスにおいては次第にシンメトリーが捨てられ、解剖学に基づいた活動的な様式へと変化する。これがマニエリスムである。
title: アズレージョ
text: 祭壇正面のアンテペンディアを装飾するのに、貴重な祭壇布のデザインを真似たアズレージョを使うのは、ポルトガルではありふれたことであった。衝立は1つ、もしくは2つか3つの部分で創られていた。これらは16世紀、17世紀、18世紀に使用された。17世紀の幾つかのアンテペンディアは、オリエントの織物(キャラコや更紗)の模様をまねたものである。祭壇布の金の房飾りは、彩色縁取りタイルの黄色いモチーフによってまねられた。優れた例は、リスボンのサンタ・マルタ病院、アルモステル教会、ブサコ修道院の中で見ることができる。
title: イスラム美術
text: その他にイスラーム美術を特徴づける幾何学的パターンとして、特にマグリブではハタムと呼ばれる8回対称の星形のパターンを駆使したタイルを作る。マグリブでカットしたタイルから作るモザイクはゼッリージュ(英語版) と呼ばれる。ゼッリージュは8回対称の星(ハタム)と6角形(サフト)によって骨組を作り、その中をさまざまな形のタイルで埋める。タイルの色は中世では数色だったが、次第に色数が増えていった。
title: 山口朝日放送
text: ティンパヌム(tympanum, (複)tympana、(仏語読み)タンパン)とは、建物入口上にあり、まぐさ(横木、リンテル)とアーチによって区画された装飾的な壁面のことで、半円形か三角形をしている。しばしば彫刻などによって飾られている。ギリシャ・キリスト教建築においては、ティンパヌムには宗教的情景が描かれているのが通例である。
title: フレスコ
text: フレスコ(英語: fresco、イタリア語: affresco)は絵画技法のひとつ。この技法で描かれた壁画をフレスコまたはフレスコ画と呼ぶ。西洋の壁画などに使われる。
title: モザイク
text: モザイク(英語:mosaic、フランス語:mosaïque)は、小片を寄せあわせ埋め込んで、絵(図像)や模様を表す装飾美術の技法。石、陶磁器(モザイクタイル)、有色無色のガラス、貝殻、木などが使用され、建築物の床や壁面、あるいは工芸品の装飾のために施される。この装飾方法は古くから世界的に見られ、宗教画や幾何学模様など様々なものが描かれており、歴史上、カテドラルの内部空間やモスクの外壁などの装飾手法として特に有名である。
title: システィーナ礼拝堂壁画修復
text: 1979年に行われた事前実験の結果から、システィーナ礼拝堂のフレスコ壁画は天井画を筆頭に、すべてロウソクのロウと油煙による煤汚れ(無定形炭素)の層で覆い尽くされていることが分かっていた。通風口の役割を果たす窓上部にあるルネットに描かれたフレスコ画は、屋外から流入する煤煙と排気ガスでとくに汚れており、天井画よりも汚染の度合いが酷かった。システィーナ礼拝堂の建物自体も若干不安定で、ミケランジェロが天井画制作に着手する1508年よりも前から傾いており天井に亀裂が生じていた。とくにユディトが描かれている三角形のペンデンティヴ (en:pendentive) の亀裂は大きく、ミケランジェロがフレスコ画に着手する前に、レンガとモルタルを使用して亀裂の修復作業が行われている。天井天頂部には亀裂だけでなく水漏れも生じており、ミケランジェロにとって絵画制作に適しているとはいえない環境だった。
title: エクトール・ギマール
text: 彼独特の様式についての語彙は、まったく抽象的な意味にとどまるが、特にイメージ喚起的な植物有機体から来ている。刳形(くりがた)や渦巻き模様は、石材にも木材にもつけられている。ギマールは、ステンドグラスに(メザラ邸、1910年)、あるいは陶製パネルに(コワイヨー邸、1898年)、金具類に(カステル・アンリエット、1899)、壁紙に(カステル・ベランジェ、1898年)、布地に(ギマール邸、1909年)、同様の闊達さを付与するような、さまざまな抽象的作品を生み出したのである。
title: 最後の晩餐 (レオナルド)
text: 西洋絵画では、通常、壁画や天井画にはフレスコ画の技法を用いる。しかしこのレオナルドの『最後の晩餐』はフレスコ画ではない。フレスコ画は古代ローマ時代から用いられており、漆喰を塗り、それが乾ききる前に顔料を載せて壁自体をその色にする技法である。この技法で描いた絵画は壁や天井と一体化し、ほぼ永続的に保存される。しかし、漆喰と一体化するため、使用できる色彩に限りがあり、漆喰を塗ってから乾ききるまでの8時間程度で絵を仕上げる必要がある。重ね塗りや描き直しは基本的にできない。
title: ウィグモア・ホール
text: 当時を代表するイギリスの建築家トーマス・エドワード・コルカット(英語版)の手になる擬ルネサンス様式で、内装にはアラバスター(雪花石膏)および大理石が壁面、床面、階段などにふんだんに使用されている。ホール平面形は長方形であり、蒲鉾型というか、凹面形の天井が特徴的である。舞台真上には4分の1球状の凹面ドーム(キューポラ)が配され、ジェラルド・モイラの原画になる、音楽神を中心とする美しい天井画も印象的である。
title: カトリック関口教会
text: 縦使いの2枚のHPシェルの壁面にはさまれたスリット状の側面には無色透明のガラスが嵌められており、外光を取り入れるハイサイドライトとなっている。同様の十字架状のトップライトとともに、コンクリート打放しの壁面に白色の光をもたらし、モダニズム建築の禁欲的なモノトーンの美学を際立たせているが、数段の階段をはさんでやや高くなっている内陣奥の祭壇部分だけは、ステンドグラスの代わりに大理石を薄くスライスしたものが嵌められていて、イエスの受難を象徴する巨大な十字架の後ろから、光背として品格のある重く荘厳な黄金色の光を内部空間に放っている。
title: ピエロ・デラ・フランチェスカ
text: ピエロ・デラ・フランチェスカが巨匠として再評価されるようになるのは20世紀になってからと言われる。代表作『キリストの洗礼』(ロンドン、ナショナル・ギャラリー)に見られる明瞭簡潔な画面構成、人物や樹木の単純明快な形態把握、明るい色彩感覚などには現代美術に一脈通じるものがある。この作品ではサン・セポルクロの周囲の風景がリアリティを持って描かれており、「イタリアのパネル画で初めて、見る者に戸外にいるという感覚を抱かせる」とも評される。
title: 祭壇画
text: 祭壇画(さいだんが)またはアルターピース(altarpiece)は、教会の祭壇飾りのこと。具体的には、宗教的題材を描いた絵もしくはレリーフを、教会の祭壇背後の枠の中に取り付ける。祭壇画はしばしば2つないしそれ以上の分かれたパネルから成り、パネルは板絵(en)の技法で作られる。パネルが2つなら二連祭壇画 、3つなら三連祭壇画、それ以上なら多翼祭壇画と呼ばれる。彫刻群を祭壇の上に置くこともあるし、場合によっては、祭壇そのものを指すこともある。
title: 単板ガラス
text: 現存する世界最古の単板ガラスは、紀元前8世紀頃にイタリアのポンペイで、大浴場の窓に使われていた「鋳造法」によるものとされている。 4~7世紀頃、シリアの「吹きガラス」技法が発展して「クラウン法」(吹き筒を手で回転させ、遠心力で円盤状にする)が生まれ、透明度のある窓ガラスが実現する。 17世紀の末にはフランスのサンゴバンで大がかりな鋳造法が実用化し、大きな磨きガラスが何枚も、ヴェルサイユ宮殿の鏡の間に用いられている。
title: タイル
text: 中世のイスラムのタイルの特徴は六角形や八角形など正方形以外の様々な形がある事と、ラスター彩と呼ばれる金属的な輝きを持つ絵付けである。アラベスクや幾何学紋様、コーランの字句などが主なモチーフとされている。14世紀以降にはクエルダ・セカ様式、クエンカ様式と呼ばれる新しい技法を使ったタイルが急速に広まり、その影響はイベリア半島まで及んでいる。
title: ピエトロ・ダ・コルトーナ
text: ソッティン・スー(sotto in su)(目だまし風)の手法を用いて、二次元平面である絵画と、建築装飾の区別がつかないように見せる手法は1世代前のアンニーバレ・カラッチらも用いていた。カラッチの制作になるファルネーゼ宮殿の天井画は、天井を細かい区画に分けたクァドリ・リポルターティ(擬似額絵)という手法を用いている。一方、このバルベリーニ宮殿の天井画に用いられた手法は一歩進んだ「クァドラトゥーラ」といわれるもので、遠近法と錯視効果を駆使し、絵画と建築装飾の区別がつかないだけでなく、絵画、建築装飾と鑑賞者のいる現実空間との境があいまいになっている。≪神の摂理≫では画面の四隅から立ち上がる装飾付きの柱と、その上のコーニス(柱上の水平材)によって画面は大きく5つに分かれているが、これらの建築部材はすべて平面に描かれたものであり、描かれた登場人物たちはこれらの区画を飛び越えて自在に飛翔している。
title: アズレージョ
text: 17世紀後半から18世紀初頭は、「巨匠の時代」(Ciclo dos Mestres)といわれるアズレージョの黄金時代となった。国内で高まる需要のみならず海外植民地ブラジルでも多くの需要があったため大量生産が開始された。大規模な一点ものの注文は繰り返しパターンを用いた安価なタイルに取って代わられた。教会、修道院、宮殿に加えて住宅でも内壁・外壁はアズレージョで覆われ、その多くは華やかなバロック様式の図案を用いたものであった。
title: 七宝 (技法)
text: バスタイユ (basse-taille) とは、エナメルの半透性を生かし、土台の金属に刻まれた彫刻模様(ギヨシェ)を見せる技法。金属に施された彫刻が主眼となるので、使用されるエナメルは単色。ピーター・カール・ファベルジェの作品に、この技法を使用したものが多い。
title: ドッソ・ドッシ
text: ドッシは自然主義で、デザインに細心の注意を払っていたが、普通ドッシといえば、神話的テーマを扱った絵の中に隠された寓意的な奇想で知られている(博愛主義的なフェラーラ宮廷でそれが好まれたことはコズメ・トゥーラの項目の、スキファノイア宮殿の記事を参照)。フリードバーグはドッシの戯画っぽさ、原始主義、比率のエキセントリックな歪みを表現するのに、スプレッツァトゥーラ(en:sprezzatura。難しいことを簡単に見せること)という言葉を使った。またドッシは、棚飾りに普通は使わない明るい着色を使ったことでも有名である。また『キリスト降架』のようないくつかの作品は、コレッジョの絵を連想させるゆらめくような質感を持っている。
title: コラージュ
text: ダダイストやシュールレアリストの秩序破壊的な活動がある一方で、1914年から1941年にかけてより落ち着いた、とりわけ装飾的な方向へと向いたコラージュの実践も発達した。アンリ・マティスは、たとえばヴァンスのロザリオ教会のステンドグラスなどの大きなガッシュ画を切断して下絵とした。
title: パーム・ジェベル・アリ
text: アカンサスの装飾は、建物内装のクラウン・モールディングに用いられる。中世やルネサンス期に、特に彫塑や木彫、フリーズにも用いられた。
title: アズレージョ
text: 1415年にポルトガルがセウタを攻略した後、彼らはアズレージョ技術を自分たちで伝えるようになった。しかし、16世紀半ばまでは、ポルトガル人は輸入された外国産タイルに頼っていた。ほとんどはスペイン産だが、アントウェルペン産、イタリア産のものもわずかにあった(アレンテージョ地方のヴィラ・ヴィソサにあるヤン・ボゲートによる2つの背障はフランドル産タイルを使用している。また、エヴォラにあるフランシスコ・ニクロソによる被昇天はイタリア産タイルである)。
title: ペディメント
text: バロック時代になると、ペデイメントは弓形の物や一部欠けたもの(ブロークン・ペディメント)も登場し、ペディメントは本来の形を失っていったが、新古典主義の時代には古代ギリシアの原型に近い形でペディメントが扱われだし、現在に至っている。アメリカ合衆国のホワイトハウスや議事堂などがその例である。
title: アンドレア・デル・カスターニョ
text: このフレスコ画のディテールと自然主義は、カスターニョが初期のスタイルから卒業したことを示している。この絵が描かれた大理石の壁自体が、古代ローマ美術の様式を意識して作られたものであり、柱・彫像も古代ギリシア・ローマの彫刻を思わせる。また、まるで壁の向こうの部屋を見ているようで、トロンプ・ルイユ(騙し絵)の先駆けとも言える。さらに、人物の髪のハイライト、服のたるみ、確実な遠近法などに、さらなる進歩の光明が射している。
title: 聖ヴィート大聖堂
text: 特に興味を引くのは、パルレーシュのネット・ヴォールトである。中欧の後期ゴシックは装飾的で風変わりなヴォールトで特徴付けられるが、これはパルレーシュ自身が聖ヴィート大聖堂のクワイヤで開発したヴォールトが始まりである。別の地域で広まったゴシック様式も、英国ゴシックで垂直様式といい、ヴォールトの設計にすばらしい工夫と装飾が施される。
title: グロテスク
text: バロックではあまり用いられなかったが、新古典主義でグロテスクは再び息を吹き返し、ポンペイやその他のヴェスヴィオ火山周辺の遺跡で発見された古代ローマの作品からさらなる刺激を受けた。グロテスクはその後の帝政様式やヴィクトリア朝時代でもますます重厚になりながら用いられ続け、意匠は16世紀のエングレービングと同じ程に密に詰め込まれ、優美さや幻想性は失われる傾向にあった。
title: リザ (キリスト教)
text: 17世紀ごろまでには、絵画空間全体を覆うタイプのオクラドを目にすることがさらに多くなる。つまり、オクラドの制約を受けないのは顔だけである。そしてこれ以降は、この全面的なオクラドが圧倒的に増えていくのである。中世のルーシ人たちによる端正なバスマー作品にかわって、バロック風の凝ったオクラドが登場しはじめる。そのようなオクラドは次のような手法でつくられている。銀の平板を職人がまず飾り枠にし、その内側で同じようにして聖者の肖像や衣服の細部を整えていく。それを繰り返して、いっそう複雑な構成に近づけていく。また署名はバロック風の一風変わった飾り文字で書かれる傾向が強かった。研究者たちによれば、「そのようなオクラドは、こと表現力において、当時の彫刻作品にひけをとらない」。バロック的な要素はしばらく続き、19世紀にまで及んだ。その凝りに凝られた細部が、ある意味で豊饒さのシンボルとなっていたのである。
title: モザイクタイル
text: 似て非なるものに、石を割ったような形状のテッセラタイル(英語: tessera / abaciscus)があり、これはセラミックテッセラとも呼ばれる。
title: リザ (キリスト教)
text: 初期のオクラドはイコンの背景の一部を覆うものでしかなかった。16世紀にはいって、バスマーと呼ばれる最もシンプルなオクラドが使われるようになったことが分かっている。バスマーとは、薄い金属の板のことであり、模様を型にとって打ち出されたものである。このようなタイプのオクラドはより造りやすく、17世紀の前半にはイコンの製作技術の向上とあいまって一気に普及するようになる。
title: アズレージョ
text: すぐあとに、これらの白い単色タイルは多彩色タイル(enxaquetado rico)に取って代わられた。これはしばしば複雑な構造に使われた(サンタレンにあるサンタ・マリア・デ・マルヴィラ教会のアズレージョ装飾は、ポルトガルで最も顕著なタイルによる室内装飾である)。
title: システィーナ礼拝堂天井画
text: こうした金箔の使用は、天井のフレスコ画と側壁のフレスコ画との間を結び付ける役割をある程度果たしている。側壁の壁画では、金箔が多くの細部においてふんだんに使われている。いくつかの画面、特にペルジーノの作品では、金箔が単に衣服の細部を飾るだけではなく、金色部分の密度によって衣服のひだの微妙な諧調を際立たせるように、巧妙に使われている。ミケランジェロはこうした技法を採用し、さらに一段階進んだものにした。また、側壁の「モーゼ伝」中のボッティチェッリの作品『コラ、ダタン、アビラムの懲罰』に描かれるローマの凱旋門のメダイヨンも参考にされたと思われる。
title: アズレージョ
text: 15世紀の初期のアズレージョは、一連にして乾かしたタイル(cuerda seca)と、ムーア人伝承のazulejos alicatados (タイル・モザイクの衝立)であった。これらは、1503年にセビーリャを訪問したポルトガル王マヌエル1世が、帰国してからセビーリャから輸入した物である。これらは単色の上薬をかけられ、幾何学的な模様で装飾されていた。壁に貼られたり、床に敷き詰めたりされた。シントラ宮殿にあるアラブ風の間が特に知られている。ポルトガル人たちは、ムーア人のhorror vacui (あいた空間の恐怖)の伝統を引き継ぎ、壁をアズレージョで完全に覆い隠した。
title: 並木 (所沢市)
text: スフマート技法が使用されている有名な例の一つに、レオナルド・ダ・ヴィンチが描いた「モナ・リザ」がある。これは、モナ・リザの口の周囲にスフマート技法が施されているためであり、口の周りにある影は微笑んでいる結果現れているものなのか、あるいは陰影をつけた結果微笑のように見えているものなのかがしばしば議論の対象となっている。
title: エンタブラチュア
text: エンタブラチュアは古代建築の重要な要素であり、一般的にはアーキトレーブ、フリーズ、コーニスの部分に分かれる。
title: ヴュルツブルクのレジデンツ
text: 建物内には様々な部屋があるが、中でも有名なのは「階段の間」であり、柱の無い広大な吹き抜けに、画家ティエポロの描いた、世界で一番大きいフレスコ天井一枚画がある。この吹き抜けは、当時としては常識外れの設計で、「設計ミス」「絶対に崩れる」などと酷評されたが、砲術の技官でもあったノイマンは「砲弾を打ち込まれても崩れない」と反論した。事実、第二次世界大戦の空襲でここだけ天井が残った。その頑丈さの理由として、建材に軽くて丈夫で耐火性がある凝灰岩を使ったことが挙げられる。また、レジデンツの裏にはホーフ庭園が広がる。
title: キアロスクーロ
text: テネブリズムはとくにスペインと、スペインの支配するナポリ王国で流行した。その代表はホセ・デ・リベーラとその弟子たちである。ローマ在住のドイツ人画家アダム・エルスハイマーは主として火と月光によって照らされた夜景の絵を多数制作した。カラヴァッジオと違って、エルスハイマーは暗の部分に非常に細心の注意を払った。カラヴァジオとエルスハイマーの影響を強く受けたのがピーテル・パウル・ルーベンスである。ルーベンスは図で示した『キリスト昇架』などの作品でテネブリズムのアプローチを劇的効果として利用した。
title: システィーナ礼拝堂天井画
text: 天井画に用いられた技法はフレスコ、すなわち、生乾きの漆喰の上に描く壁画制作技法である。ミケランジェロはギルランダイオの工房で修業中にこの技法を経験している。ギルランダイオはフィレンツェにおけるもっとも有能かつ多作なフレスコ画家の一人であり、フィレンツェ市内のいくつかの教会の重要なフレスコ画を制作したほか、システィーナ礼拝堂側壁の壁画制作にも参加している。当初、イントーナコ(上塗り漆喰)の湿り気が多すぎるためにカビが発生し、ミケランジェロはカビを除去してから制作にとりかからねばならなかった。その後彼は、助手の一人であるヤコポ・トルニ(リンダーコ)の考案した、新しい漆喰調合法を試みた。この調合法はカビを寄せ付けず、その後のイタリア建築の伝統に組み入れられるものとなった。
title: 遺産と創造性
text: 遺産と創造性の世界遺産での実践例として、フランスのパリのセーヌ河岸の構成資産であるルーヴル美術館の伝統建築の中にイオ・ミン・ペイによるガラスのピラミッドがある。同じくフランスのカルカソンヌ城でフェリチェ・ヴァリーニが城壁に黄色い渦状のペインティングを施した事例もある。ノートルダム大聖堂の火災で浮上した再建案の中に尖塔だけでも現代建築的な要素を採り入れてはとの意見も、遺産と創造性の発露とされる。
title: 初期フランドル派
text: 祭壇画はとくに高い技能を持った画家が描き、多種多様のバリエーションを持ち、内面、外面ともにあらゆる組合せの祭壇画が大量に制作された。複数の翼(パネル)で構成され蝶番で留められた作品は開閉可能になっている。平日には翼が閉じられて外面に描かれた単調な絵画が姿を見せ、宗教的祝祭日には翼が開いて鮮やかな内面の絵画が現れる。1432年に完成した『ヘントの祭壇画』は絵画が描かれた12枚の外面パネルと14枚の内面パネルで構成された大規模な作品である。翼の開閉の組合せ次第で様々な宗教的意味合いを持たせることが可能となっており、平日、休日、祝祭日でそれぞれ異なった形で展示されていた。
title: 尺丈山
text: 同じタイプのフィビュラが、ローマの長城・リーメスのローマ居住側とバヴァリア居住側の両方から発見されている。 地位を表すようなデザインに見られる文化的な相互作用は、非常に複雑である。 例を挙げると、ローレンス・ニースは「中世初期の芸術」で、スティリコと彼の取り巻きを刻んだ象牙のディプティクに見られるフィビュラについて、こう述べている。
title: 遠近法
text: そのあとすぐフィレンツェのあらゆる画家は幾何学的な透視図法を利用し始めた。中でもドナテッロが「キリストの誕生」で描いた、厩舎のチェック模様の床は特筆されるものである。それは厳密には正確さを欠いていたが、幾何学的な透視図法の基本原則に沿って描かれたものであった。直線はすべて消失点へと収束し、距離によって狭まる直線幅は正確な描画が行われていた。この手法は15世紀西洋美術において不可欠なテクニックとなった。遠近法によって、それまでバラバラな要素の組み合わせだった絵画が、一つの統一された場面を表現できるようになった。
title: 祭壇画
text: ルネサンス期のヨーロッパで多く制作され、主にキリスト教の教会で祭壇を飾るためのもの。小型のものは個人の家にも置かれた。 ヤン・ファン・エイクらによるヘントの多翼祭壇画が有名なもののひとつ。 両翼は扉になっており、写真はそれを開いた状態のもの。
title: 印西市立内野小学校
text: 内部には二階建て吹き抜けのホールが一室存在し、内装には上階はコリント様式、下階はイオニア様式を採用している。正方形を二つを並べた形状をしたホールの天井画はチャールズ1世の依頼によりピーテル・パウル・ルーベンスが描いたものである。装飾はルネッサンススタイルを取り入れたもので、ジャコビアン・イングランドにおける代表作である。
title: ポンペイの壁画の様式
text: 「第一様式」または「漆喰装飾様式」、「外被様式」、「被石様式」などと呼ばれるこの様式は前2世紀から前80年頃にかけて見られる。第一様式は大理石を模してトロンプ・ルイユ的な効果を狙うことに特徴付けられる。大理石のほかにも吊り下げられたアラバスターの円盤が縦に並んだ様子や、黄色い木製の梁や白い支柱や軒を模した例がある。この様式はエジプトのプトレマイオス朝の宮殿を模倣したもので、モデルとなった宮殿では本物の石や大理石が壁に嵌め込まれていた。この時代にローマがギリシアやヘレニズム諸国と交流もしくは征服したことにより広がったヘレニズム文化の広がりを反映している。
title: ネブラスカ州会議事堂
text: メイヤーは大広間およびロタンダの、「生命の進化」を表す白黒の大理石造のモザイクを設計した。また、メイヤーはアレクサンダーと共に1925年夏にシエナ大聖堂を訪れた後、アレクサンダーと協働で、シエナ大聖堂から得たひらめきを描いた。また、メイヤーはシエナ大聖堂から得たひらめきを、「自然、人間、および社会」を表す、この庁舎の玄関内側、大広間、およびロタンダの天井の設計に反映させた。主題についてアレクサンダーに相談したのに加えて、メイヤーは装飾的なティンブレル・ヴォールトを造るにあたって、ニューヨークのラファエル・グアスタビーノとも密接に協働した。このヴォールトは、釉薬をかけた多彩色のものと、ラムフォードと呼ばれる、音響効果を抑制する素焼きのものとの、2種類のセラミックを用いて造られている。
title: ローマガラス
text: 青地に白地のガラスを被せて(きせて)白地の部分を浮き彫り彫刻にした、「カメオ・ガラス」も生産された。これは高級品であった。
title: キューピッドによって結ばれるマルスとヴィーナス
text: 現在の額縁はおそらく1530年から1540年ごろにヴェネツィアで製作されたもので、ポプラ材に彫刻で装飾されている。額縁のモールディングは、フリーズの四隅に配置したアカンサスの葉の装飾の内側に、楕円形の花のメダリオンのレリーフ装飾が施されている。額縁の深い外形はおそらく建築用の天井モールディングとして生まれたことによる。側面には未完成の部分がある。
title: システィーナ礼拝堂壁画修復
text: 四隅のペンデンティヴにはそれぞれ暴力的な場面が描かれているが、修復作業によってカーボンブラックが除去された結果、劇的な印象は損なわれている。とくに「ハマンの処刑」のペンデンティヴにこの傾向が顕著である。暗い室内を背景に浮かび上がる劇的な人物表現だったものが、修復作業の結果、モノトーンのパステル画のようになってしまっている。
title: ファサード
text: ファサードは、建物の格式や性格も示し、ゴシック建築のランス大聖堂など内部空間を率直に表現するものや、ルネサンス建築のアルベルティによるセントアンドレア教会など内部空間と有機的なつながりなしに造形されるものがある。側面や背面が装飾的に造形されている場合などもファサードと称する場合がある。
title: シュノンソー城
text: ホールはリブ・ヴォールトで覆われている。ヴォールトのキーストーンが点々と天井を飾っている。籠状の部分は葉、バラ、ケルビム、キマイラ、コルヌコピアで飾られている。1515年作製、フランス・ルネサンス期で最も美しい装飾彫刻のうちの1つである。
title: 木鼓
text: もっと緊密な類比もさらにある。ル・コルビュジエの建物の平滑で平板に表現された表面には、ポストキュビスム絵画の彩色された形態と同じ非・物質性があろう。漆喰の本来の色であると彼が見做した艶消白色壁から特定の壁をもっと大胆に際立たせるため、一九二〇年代中期の彼の絵画にあった暗い色調が、パステルカラーにすぐさま加わってくる。絵画のモチーフにあった曲線さえ、非・耐力壁に用いられた自由曲線形態にその残響を見出している。平面においても、立面においても、彼の建築コンポジションは混乱することがなく、あたかも絵画の額縁に収められたかのように長方形のなかに簡潔に秩序化されているのである。
title: ポンペイ、ヘルクラネウム及びトッレ・アンヌンツィアータの遺跡地域
text: 部屋を飾る壁画は鮮やかな赤地に描かれており、その赤のことが「ポンペイの赤」と呼ばれている。ポンペイの絵画は4つの様式に分類されているが、ポンペイの赤を使った壁画は、その中でも最も美しい様式に属し、色彩には硫化水銀が使用されている。
title: ポルトガル
text: ポルトガルで発達した伝統工芸として、イスラーム文化の影響を受けたタイル・モザイクのアズレージョや、金泥木彫のターリャ・ドラダなどが存在する。
title: 幾何学様式
text: 幾何学様式の陶器は、その表面をいくつかの水平な帯に分けていることを特徴とする。その帯ごとにシグザグ線、三角形、ギリシア雷文、卍などの幾何学模様を描いている。幾何学模様と同時に人間や動物を様式化して描くようになった点がそれ以前の原幾何学様式と異なる。この時代の現存する陶器の多くは葬儀用で、特に貴族の墓の墓標として機能したアンフォラが重要である。中でもディピュロン・マスター (en) と呼ばれる絵付師の手によるディピュロンのアンフォラが有名である。
title: ヴェネツィア派
text: 光の投射による明暗諧調を色彩で表現し、色彩は絵画の伝統の誕生のきっかけとなった。これはラヴェンナのモザイク技術やビザンティンのイコンなどの色彩の影響もみられる。
title: デイヴィッド・ステュアート
text: ステュアートはコパン、パレンケ、ピエドラス・ネグラス、ラ・コロナ、サン・バルトロなどを主に調査している。
title: 兵士と笑う女
text: 鑑賞者は男性の肩越しに観るような構図になっている。人物の明暗が明確なため、2人が光を囲んでいるような効果を与えている。これはカラヴァッジョ風の画家を指すカラヴァジスト(英語版)から続く表現だが、人物が正面から向かい合う配置はフェルメールの作品としては珍しい。
title: システィーナ礼拝堂天井画
text: フレスコ画は、壁の漆喰が生乾きのうちに描き終えねばならないので、毎日、その日に新たに描く壁の面積分(ジョルナータ)だけの上塗り漆喰が塗られる。次の部分を制作する際は、縁のはみ出した漆喰を削り取った上で、その日のジョルナータ分の上塗り漆喰が塗られる。こうした制作法が用いられたことは、天井画よりも祭壇画の『最後の審判』の方でより明白に分かる。ミケランジェロがフレスコ技法を採用したのは、漆喰が完全に乾いた状態で描く(フレスコに対して「セッコ」という)技法では、フレスコ画のような自由な筆遣いがしにくいことと、フレスコの場合と違って、顔料が漆喰と一体化しないことによる。一方、フレスコの欠点は漆喰を新たに塗る際に熱くなり、蒸気を吹き出す点である。
title: 構図
text: 絵画が視点の概念を採用するとき、絵の構成はルネサンスからヨーロッパの芸術において特に重要性を獲得。 他の文脈でも私たちの目は混乱することなく、イメージを通してスムーズにとらえることができ、そして構図概念破綻は起こらない。例えばヨーロッパで描かれた物語のパネルや、極東のローラーで描かれたパネルの場合でも絵の構図の概念は絵のように、一度にとらえることができ、システィーナ礼拝堂、 ミケランジェロやモネの睡蓮のオランジュリーといった、みため構造が非常に難あるものも適用できる。
title: ジャスパーウェア
text: 炻器(ストーンウェア)のひとつで、カメオガラスなど古代ギリシャ、古代ローマ美術の形状や装飾をモティーフとし、J. ウェッジウッドが4年の研究を経て1774年に完成させた。この技法を用いて1790年にウェッジウッドが再現した「ポートランドの壷」が有名。その古典主義的なスタイルは一世を風靡、ヨーロッパ中を席巻し、それまでのロココ的デザインの陶磁器を一掃、大陸の諸窯を衰退させるほどであった。またジャスパーウェアを模倣した陶磁器もさかんに製作された。以後長い間にわたりウェッジウッド社の象徴、主力商品として発展し、現代でもさかんに生産されている。多くは表面に別色のレリーフ装飾が施され、質的には磁器に近く堅牢で実用性と装飾性が両立しており、また工芸品と近代工業製品の双方の要素を併せ持ち、きわめて広範に亘る用途の器物が製作されている。
title: ボヘミアガラス
text: ボヘミアグラスの製法の一つに、18世紀に考案されたドウボイスチェンカ(複層ガラス、英語で「ゴールド・サンドイッチ」)がある。ヘレニズム期から利用されている技法で、密着する相似形の大小のグラスの間に模様を彫刻した金箔や銀箔を挟み込む。1730年代から1750年代にかけて流行したが、19世紀初頭にドウボイスチェンカの技術は消失する。
title: ダナエ (ヤン・ホッサールトの絵画)
text: 画家が円柱のために彫り込んで引いた罫線はダナエのエッジを部分的に通過している。線がX線写真に現れないことから下塗りの上に着彩の過程半ばで用いられたと思われる。早い段階でこのような手法を用いることは着彩された形象のエッジと輪郭をくっきりさせる利点がある。軽い着彩によって配置されたストロークは柱身の丸みを強化し、さらにハイライトに注意を惹くためにスタイラスを使っている。画面右の2つの建築物の頂上部分は最終段階で追加された。中央のダナエの頭上の建築物のドームは空が描かれた後に上から描かれ、右の建築物の先端部の構造はフランボワイアン・ゴシック様式(英語版)に変更された。遅い段階でこれらの変更が加えられたのは、当時流行していた様式で建築物を描くことを彼のパトロンかあるいはホッサールト自身が望んだためだろう。
title: ヘントの祭壇画
text: 『ヘントの祭壇画』では光の描写が大きな役割を果たしており、この作品におけるもっとも重要な革新的技法となっている。複雑に踊る光と繊細な陰影描写は、艶のある透明な画肌の表現を可能にした、当時の最新技法である油彩技術の革新によっている。描かれている人物たちが地表に投げかけている斜めの影はごく短い。これについて美術史家ティル=ホルガー・ボルシェルトは「人々が明るい空間にいることを表現しているだけでなく、この光が人知を超えたものであることを意味している」としている。また、「受胎告知」の外装パネルに描かれている影は、画面外からの陽光が礼拝堂内部を照らし出していることを暗示する技法で描かれている。
title: コルヴァイ
text: コルヴァイの建築研究者は、1960年に、正方形の間の床下のゴミを調査する中で、漆喰の塑像断片を発見した。これらは、当初は整理がなされなかった。南東の中間柱の上にあるカロリング朝の壁の発掘後の1992年になってやっとオキシドロート(鉄錆のようなオレンジがかった赤)の彩色が表に出た。赤い線が完全に露出するとチュニックとクラミス(ドイツ語版、英語版)をまとった等身大の人物が描かれていた。この赤い下絵は「ジノピー」と名付けられた。さらなる研究により、他の中間柱の上にも下絵が描かれていたことが判明した。
title: エンブレム
text: ローマ人たちにとって、「エンブレマ(Emblema;複数形:エンブレマタ、emblemata)」という語は、モザイクまたはレリーフの中の装飾を意味し、15世紀以降も建築のtermini techniciに属していた。概念を表した類像的絵画・彫刻・彫刻は家々に添えられ、銘のように建築上の装飾(ornamenta)に属していた。レオン・バッティスタ・アルベルティの『建築論』が出版されてからは、エンブレム(エンブレマ)はエジプトのヒエログリフに関連づけられ、秘密の類像的な言語と見なされるようになった。そのために、エンブレムは古代ギリシア・ローマのみならず古代エジプトまで含めた、ルネサンスの古代の知識に属した。その証拠に、16世紀・17世紀ローマには多数のオベリスクが建設された。
title: 快楽の園
text: 両翼を閉じると両翼外面に描かれた絵画が前面に現れる。緑灰色のみで彩色されたグリザイユで、他の色は使用されていない。単色で描かれている理由は、当時のフランドルの画家たちが描いていた三連祭壇画の様式を踏襲したと考えられるが、キリスト教義でいう天地創造で「大地に光を」の言葉とともに創造される太陽と月が完成する前の地球を描いている可能性もある。当時の初期フランドル派の画家達が三連祭壇画の外面に描くのは単色使いの地味なグリザイユがほとんどで、これは内面に描かれた色鮮やかな絵画をより際立たせるという効果もあった。
title: 市政会館
text: 全体は茶褐色のタイルで覆われ、中央に時計塔を配した線対称のデザインとなっている。垂直性と線上性が強いためゴシック建築に見られがちだが、正確にはゴシックのディテールはまったくなく、ゴシック調アール・デコと呼ぶべき建物である。
title: キアロスクーロ
text: 16世紀のマニエリスム絵画とバロック絵画では、強烈な明暗が人気になった。神の光はティントレットやパオロ・ヴェロネーゼ、それに二人の多くの弟子たちの作品を(隅々までとは言わないが)照らし続けた。暗い物体が、単一でしばしば目に見えない光源から放たれる一条の光によって劇的に照らされるという、この構成的な明暗法を発展させたのが、ウーゴ・ダ・カルピであり、ジョヴァンニ・バリオーネであり、カラヴァッジオであった。とくにカラヴァッジオは、劇的な明暗法が支配的な技法となるテネブリズムの発達に重大な貢献をした。
title: シエナ大聖堂
text: 大聖堂の内部は、白と黒の大理石の象嵌による横縞模様で、たいへん印象的である。フィレンツェに対抗して推進されたシエーナの芸術活動は、ジョットやチマブーエとはまったく違うシエーナ派と呼ばれる芸術を生み出した。また、ミケランジェロ・ブオナローティやジャン・ロレンツォ・ベルニーニらルネサンス、バロックの芸術作品も安置され、大聖堂そのものが宝庫であると言ってよい。現在、大聖堂のほとんどの彫刻はレプリカで、オリジナルは大聖堂美術館に保管されている。 大理石の象嵌によって構成された床も美しい。これは、14世紀から16世紀にかけて、およそ40人の芸術家によって製作された。56個のパネルから構成され、大部分には長方形だが、翼廊には六角形とひし形のものもある。
title: 祭壇画
text: 二連祭壇画(にれんさいだんが、英語:Diptych)は、2枚のパネルでできた祭壇画。二連祭壇画の中には、たとえばウィルトンの二連祭壇画(ウィルトン・ディプティク)のように、小さくて、持ち運びできるものもある。
title: ヘントの祭壇画
text: 受胎告知に描かれている床面はヤンの作品によく見られるタイル張りで、一つの消失点を持つ透視図法で描かれている。受胎告知を構成する4枚のパネルの右下隅にはフレームの影がタイル張りの床に表現されている。この技法が画面外の仮想的空間から光が差し込んでいるような効果をもたらしている。
title: グリザイユ
text: ジョットはスクロヴェーニ礼拝堂のフレスコ画の下列にグリザイユを用い、ヤン・ファン・エイクは『ヘントの祭壇画』などの三連祭壇画の翼の外側(翼は通常閉じられているので、その時は表になる)にグリザイユの人物像を描いた。どちらの場合も、彫刻のイミテーションを意図していた。
title: イコン
text: モザイクイコンはフレスコイコンと相性が良く、同じ聖堂に両様式が混在しているケースも多い。またモザイクイコンは壁面にのみ限定されるものではなく、小さな板の上に用いられることもある。