クイズ問題: 演劇で、舞台上の役者が相手無しで1人でしゃべるセリフのことを英語で何という?
答え: モノローグ

関連するWikipedia記事の抜粋:
title: 歌のグランド・ショー
text: ヘルパー (Helper)は、ヘルプの動作主名詞(英語版)。
title: オケピ!
text: 舞台上のオケピは、架空の翻訳ミュージカル \"BOY MEETS GIRL\" 本番中の舞台下である。「ボーイがガールにミーツする」というあまり面白くない話で客席はガラガラ、そのためオケピ内の奏者が減らされ、たった13人でオーケストラの音を出しているという設定。
title: 渋谷悠
text: モノローグとは、1人の俳優のみで演じられる劇。演劇や映画などにおいて一人で喋る台詞、いわゆる一人芝居のことである。
title: モノローグ
text: 文学作品、とくに演劇(戯曲)・映画(脚本)で、登場人物が相手なしに一人で独立した台詞をいう演出・表現、およびその台詞自体を指す。「独白」は元来独り言を指す語であった。対義語はダイアローグ、対話。
title: 三原正
text: アドリブ(ad lib., ad lib, ad:lib)はラテン語の「ad libitum」の略であり、「好きなように」を意味する音楽用語。即興演奏・インプロヴィゼーション。以下はこれに由来する。
title: 狂言回し
text: 物語の中の世界にて観客の視点を代行する役割を果たすため、基本的には、物語そのものに関わることはない。また、進行役が語る内容は演者の演技やセリフを補完する演出として行われるため、いわゆる「ストーリーテリング(読み聞かせ)」とは性格を異にする。物語によっては複数の狂言回しが登場する場合もある。
title: パントマイム
text: パントマイム(英語: pantomime)は、台詞ではなく身体や表情で表現する演劇の形態。黙劇(もくげき)、無言劇(むごんげき)とも呼ばれる。
title: コーラスライン
text: 舞台はブロードウェイの劇場で、コーラスラインのオーディションに参加するダンサーたちを描く。「コーラスライン」とは、稽古で舞台上に引かれるラインのことで、コーラス、つまり役名のないキャストたちが、ダンス等でこれより前に出ないようにと引かれる。メインキャストとコーラスを隔てる象徴ともなっている。
title: マイケル・ドゥーハン
text: ダイアローグ(英: dialogue、米: dialog)は、英語で対話を意味する。映画などの脚本における対話の台詞の意味でも用いられる。対義語はモノローグ。
title: 木村佳乃
text: プロンプター(英prompter )とは、舞台芸術や講演などにおいて、台詞や講演内容を失念してしまい混乱することのないよう、あらかじめ配置された人あるいは装置である。
title: モノローグ
text: 他の登場人物がいるにもかかわらず、その人物には聞こえない設定で、観客に向かって語りかける台詞をとくに傍白(ぼうはく)、脇台詞(わきぜりふ)と呼ぶ。
title: 即興演奏
text: 演劇のジャンルの一つである即興劇(インプロ)の劇中では、演劇の内容も台本・打ち合わせが全くないため、BGMも即興で演奏される。主に使われるのはピアノ、キーボード、シンセサイザー、ギターなどであり、舞台のすぐ横、あるいは舞台上に楽器が設置され、専門のプレイヤー(即興ミュージシャンと呼ばれる)が演奏する。場面の展開にあわせて適切なBGMを即興で演奏しなければならないため、演奏者としての技術や音楽の知識のみならず、即興的に対応する能力が必要とされる。
title: コ・メディカル
text: なお、英語には comedical(英語発音: [kəˈmiːdɪk(ə)l] カミーディカル) という、comedy(喜劇、コメディ)から派生した「喜劇的な」を意味する全く別の単語があるそのため、日本で言う「コ・メディカル」を英語の中で用いる場合には、綴りや発音に注意を要する。
title: ミニヤー
text: 訪日外国人や在日外国人の質問に対応する力やおもてなしフレーズを学ぶ講座。スキットドラマという英語寸劇にてキーフレーズが出てきて、それについて使い方や応用の仕方の解説があり、最後に生徒が応用をする。スキットドラマは伏線や謎が多い。
title: スタンダップコメディ
text: スタンダップコメディ(英:Stand-up_comedy)は英語圏でコメディアンが観衆の目前で演じるコメディ(即興話芸)の一つ。スタンダップコミックや単にコミック、スタンドアップと呼ばれることもある。マイクを片手に、立ちながら喋ることからそのように呼ばれるが、必ずしも立ったままで喋るとは限らない。
title: スタンダップコメディ
text: 日本で言う「漫談」と同義とされることも少なくないが、観客の反応を見ながらも、一方的に喋る漫談とは異なり、スタンダップコメディは基本的に観衆との対話形式で進められる(しかしその内容はあくまでも演者のモノローグや一行ジョーク(英語版)などを組み合わせたものである)。スタンドアップコメディアンの中には、小道具、音楽、手品を使用する人もいる。スタンダップコメディは、演じる人の架空の「延長」と見なされる「自由な形のコメディライティング」であると述べられている。
title: シェイクスピア・シアター
text: 劇団設立にあたってまったく素人の若者を叩き上げて全37作品を上演しなければならなかった出口は、素人を「プロレベルの役者」までたたきあげる名人でもあった。 もともと黎明期の劇団四季で演出家として多くの戦果をあげていた出口は、きわめて論理的な演技術を役者にたたきこんだ。 シェイクスピアは詩文体でかつ長文であり、ひとりの役者が台本2〜3ページ分しゃべり続けることもざらであり、新劇的な感情主義やうねるセリフでは通用しない。 まず日本語として聞き取り可能であり、そのうえで人間の感情があふれるのだということを出口は徹底した。 その結果として、明晰で自然なセリフ術を体得した多くの俳優・声優がここから巣立っている。 シェイクスピアの長台詞を速射砲のようにしゃべる技術は、この演技メソッドの結実ともいえる。
title: 信頼できない語り手
text: 信頼できない語り手(しんらいできないかたりて、信用できない語り手、英語: Unreliable narrator)は、小説や映画などで物語を進める手法の一つ(叙述トリックの一種)で、語り手(ナレーター、語り部)の信頼性を著しく低いものにすることにより、読者や観客を惑わせたりミスリードしたりするものである。
title: ストーリーテラー (テレビドラマ)
text: ジョン・ハートが演じるストーリーテラー(語り部)が、暖炉の前の椅子で人語を話す彼の犬を相手に昔話をするというのが基本パターンである。
title: ビューティフルドリーマー (2020年の映画)
text: セリフの半分以上はキャスト陣の即興芝居(エチュード、アドリブ)で構成されている。
title: 惑星ピスタチオ
text: 小道具などを一切使わず、パントマイムと膨大な説明科白を駆使して場面描写や登場人物の心情を表現する「パワーマイム」と呼ばれる手法、そして一人多人数役を次々に切り替えながら多くの役をこなす「スイッチプレイ」等、独特の演出法を用いた。
title: S-nery
text: 彼女たちを語る上で欠かせないのがリーディングストーリーと呼ばれる朗読劇である。
title: 録音笑い
text: 録音笑い(ろくおんわらい)ないしラフトラック(Laugh track)とは、テレビ番組・ラジオ番組制作における音声編集の技法の一である。バラエティ番組・コメディ番組などにおいて、収録した映像・音声に笑い声などの声を後から重ね録りすることにより、あたかも番組を見ている観客がリアルタイムで笑っているような臨場感を出し、それにより視聴者の笑いを誘起しようとするものである。エキストラの笑い声バージョンともいえる。
title: LOL
text: LOL または lol は、laugh(ing) out loud(大きな笑い声)またはlots of laughs(多くの笑い声)の頭字語であり、(特に英語圏で)よく使われるインターネットスラングの一つである。日本語における「(笑)」に相当する。元々はネットニュースで使われていた物であるが、後に他の形式のコンピュータを介したコミュニケーション(CMC)や対面(英語版)のコミュニケーションでも用いられるようになった。
title: 狂言回し
text: 端的に言うと「進行役」「語り手」「語り部」に当たる役割である。作品によってその登場頻度には差異があり、全編通して登場する進行役の場合もあれば、物語の冒頭と最後に顔を出し解説を加えるのみだったり、あるいは物語が複雑になった時に現れて観客の理解の手助けをしたり、など、その使われ方は様々である。
title: AD-LIVE
text: AD-LIVE(アドリブ)は、声優の鈴村健一が総合 プロデューサーを務める即興舞台劇である。
title: 四人称
text: 例えば演劇の舞台において、演者たちの間で繰り広げられるコミュニケーションは、一応完結した世界である。そこでは一人称・二人称・三人称の演者たちの世界が繰り広げられており、観客は局外者として覗き見・立ち聞きする存在である。この観客たち(第四人称者)は演者たちのコンテクストとは独立した、独自のコンテクストを形成し、解釈という積極的な行為を行っている。これは文学作品を読む場合の読者も同様である。
title: 台詞
text: 台詞(せりふ、日本語表記揺れ:せりふ、セリフ)とは、演劇や創作物の作中で登場キャラクターが発する言葉である。転じて、日常会話や文章などにおいての「決まり文句(きまりもんく)」、または、会話や言葉そのものをも指す。
title: カプセル兵団
text: 吉久直志がかつて所属していた惑星ピスタチオと同様、小道具などを一切使わず、パントマイムと膨大な説明科白を駆使して場面描写や登場人物の心情を表現する「パワーマイム」と呼ばれる手法、そして一人多人数役を次々に切り替えながら多くの役をこなす「スイッチプレイ」等、独特の演出法が特徴である。
title: 小須田康人
text: また、舞台上でのミスが少ないことから演劇マシーンと呼ばれることもある。
title: コントーション
text: 演者のことをコントーショニスト(英: contortionist)という。
title: 国鉄三大ミステリー事件
text: コロス(古代ギリシャ語: χορός, khoros、 英: chorus)は、古代ギリシア劇の合唱隊のこと。ディテュランボスおよびtragikon dramaから発生したと考えられている。コロスは観客に対して、観賞の助けとなる劇の背景や要約を伝え、劇のテーマについて注釈し、観客がどう劇に反応するのが理想的かを教える。また、劇中の一般大衆の代弁をすることもある。多くの古代ギリシア劇の中で、コロスは登場人物が劇中語れなかったこと(恐怖、秘密など)を代弁する。コロスの台詞は通常、歌の形式を採るが、時にはユニゾンで詩を朗読する場合もある。
title: プロンプター (舞台芸術)
text: プロンプター(英: prompter)とは、舞台演劇において、出演者が台詞や立ち位置、所作を失念した場合に合図を送る(プロンプトを行う)ことを役割とする舞台要員(スタッフ)のこと。
title: 5区 (パリ)
text: 『つきねこラジオ』は、DNEメディアステーションが配信するインターネットラジオ番組である。マチネとは演劇用語で昼公演、ソワレは夜講演、インプロは即興劇。
title: ラ・ママ新人コント大会
text: ライブの間に挟まれている新人ゴングショーコーナー。ライブのチラシに書かれている主要出演者(後述の一本ネタ及び準一本ネタコーナーの出演者)と違い、ネタ披露中に観客(主に会場全体のうち5〜10人)が「つまらない」と判断して手を挙げたら強制的に場内が暗転し、ネタを終了させられてしまう。発足当時は現在のような事前オーディションがなく、素人同然の「キワモノ」的な芸人が多数出演していた。コーナー名は植竹公和がブロードウェイミュージカルの「コーラスライン」を見てそこから取った。なおこのコーナーと準一本ネタコーナーは渡辺だけでなく(格上の)主要出演者も観覧するようになっており、渡辺から、もしくは出演者同士で様々な提案やアドバイスがなされたりもする。
title: 小堺クンのおすましでSHOW
text: 「おすまし」はコメディが主体で、2部構成となっている。バックバンドをステージ後方に配置、「コメディ・トーク・歌」を融合させた、アメリカンスタイルのステージングが行われている。なお小堺らキャストは年に1回、研鑽のためニューヨーク・ブロードウェイの本場のミュージカルを観劇している。
title: 高橋康也
text: サミュエル・ベケット、ルイス・キャロル、シェイクスピアなどを研究対象とし、ノンセンスなどの、文学における言葉遊びに光を当てるとともに、キャロルの少女愛好についてもその全体像を紹介した。「メタフィクション」という用語を日本で一般化させたのは、高橋が筒井康隆などを論じた「メタフィクション覚え書き」(「新潮」1983年5月号)からとされる。また日本演劇についての論文もあり、『橋がかり』に纏められている。晩年はシェイクスピアの『ウィンザーの陽気な女房たち』、『間違いの喜劇』をそれぞれ狂言「法螺侍」、「間違いの狂言」に翻案し、英国など海外でも上演された。特に2003年に出版した「間違いの狂言」の「ややこしや、ややこしや」という台詞は、主演した野村萬斎がテレビ番組「にほんごであそぼ」で用いたことから、子供も口にする流行語となった。
title: シーシャンティ
text: シャンティの形式は柔軟な叙情詩調に代表される。それは実用上の問題で、即興であったり、状況に合わせて曲を長くしたり短くする必要があったためである。その特徴はコールアンドレスポンスであり、ソリストと残りの労働者の間で演じられた。リーダであるソリストはシャンティマンと呼ばれ、その小気味良いセリフと、ウイットの効いた詩、力強い歌声を高く評価された。基本的にシャンティは伴奏なしで演じられ、歴史的に言って、娯楽志向であるというよりはむしろ労働の際に歌われるだけだった。英語で歌われるシャンティが最も顕著ではあったが、他のヨーロッパ言語にも翻訳されたり、創作されたりした。
title: プラカード
text: 些か変わった用途としては、演劇に於いてセリフのない役者が発言する上でふきだしのかわりに利用された例もある。一幕劇『クロックフェール、最後の遍歴騎士』では、1857年の初上演当時に演劇を検閲していたフランス内務省の規則から、セリフのある役者の数が制限されていたが、これを逆手にとって「舌を切り取られて口がきけない騎士」が登場、セリフの替わりにプラカードを利用している。いわゆる漫画表現では登場人物はふきだしでセリフを述べるが、一部擬人化された言葉の喋れない登場キャラクター(主に人間以外)がプラカードでふきだしを代用することもある。
title: 萩本欽一
text: 萩本は後にインタビューでアドリブの重要性について「なんで台本どおりやっちゃいけないかというと、台本には間がないんですよ」「どんなにいい台本でも、ひとたび間を入れると微妙にセリフが変わってくるものだから」と語り、舞台上で重要な間の取り方との関係から、アドリブはコントにおいて必要不可欠であるとしている。また、アドリブについて「台本をやらないんじゃないんだよ。台本どおりやって外すんで、急遽それをカットして取っ替えるんです。でも、取っ替えてでもお客さんに笑ってもらわないと、衣装も小道具もみんな無駄になるし、見てるお客さんもつまらないですから」と語っており、コント演者にとって客を楽しませることこそが最も重要であり、そのためにはアドリブも辞さない姿勢を示している。
title: 高木渉
text: 高木によると「元々不器用なタイプでそんなにポンポン出るタイプではない、本来ならばアドリブは必要ない」「(それを行うのは)アフレコ現場の空気を和ませるためであり、かつ流れを保つためのもの」という。しかし、アドリブは決してふざけてやっているわけではないようで、『ビーストウォーズ』シリーズでは、演技指導を務める音響監督から「『無音のシーンがあったら、とりあえず何かアドリブで埋める』『テストのときにみんなが笑わなかったら、台本に書かれてある台詞に戻ってはいけない』というルールがある。翻訳家が考えた台詞を改変する以上、『面白くないから』との理由で元の台詞に戻したら、翻訳家に失礼だ」「アドリブをやるなら心してやりなさい」という厳しさがあり、鍛えられた。いい現場だった」とのこと。
title: 三月の5日間
text: しかし、劇中では「ミノベ」や「ユッキー」がそのまま登場するわけではなく、彼らから聞いた話を7人の役者が再現するという形で進行する(役名も単に「男優1」「男優2」などと書かれている。なお、以下の特徴は岡田のほかの戯曲とも共通する)。舞台セットもなく、役者たちは現代の若者のいかにもだらだらとした口調そのままで喋り、しばしば途中で曖昧なまま途切れたり、飛躍して意味不明になったりする。そして「これからこういう場面を演じる」ということの断りを観客に対して行う。たとえば冒頭の「男優1」の台詞は以下のように続く。
title: シェイクスピア・シアター
text: 演出家出口典雄はそれに対するアンチテーゼとして、当時の若者のファッションの象徴でもあったGパンを衣装に用い、化粧はさせず、速射砲のように速くセリフをしゃべらせた。 当時の若者の等身大の感性で上演されるシェイクスピアは「Gパンシェイクスピア」として多くの反響を呼び、マスコミにも大いに取り上げられた。
title: ボイスオーバー
text: ボイスオーバー(voice-over、V.O.、VO)とは、映画やテレビなどにおいて、画面に現れない話者の声、ナレーター(語り手による叙述など)を用いる表現手法である。「ヴォイス・オーヴァー」の表記もしばしば映画学の文献などで用いられる。
title: ブタがいた教室
text: 劇中の子供たちのディベートのシーンでは、子役たちは与えられたセリフではなく自分で考えた言葉で話している。台本にはスタッフ・大人の俳優が使う大人用と子役が使う子供用の2種類が用意され、大人用には結末までが書かれているが、子供用にはせりふも結末も何も書かれていない白紙のものしか用意されておらず、監督である前田哲によると、子供たちには演技ではなく素直な気持ちでありのままの姿で議論して自分たちで答えを見つけてほしいとの思いから台本を配らなかったとのこと。実際に子どもたちは撮影前に、食肉センターや養豚場を見学したりして、オーディションから180日間、ブタを飼育したりした。このため、スタッフや大人の俳優は注意しながら演技をしていたとのこと。
title: コールアンドレスポンス
text: 音楽におけるコールアンドレスポンス(英: call and response)とは、音楽における「掛け合い」である。 本来は、例えばメインボーカルとコーラスの歌詞が呼応するなど、複数の演奏者または歌手が、前者の呼びかけに後者が応答する形でフレーズを継承して演奏・歌唱する楽式を意味するが、 また、コンサートなどで、演奏者の呼びかけに対して観客が応えることをも意味する。
title: がや
text: 元々はアニメーションのアフレコや洋画の吹き替えの世界で用いられていた言葉。スタジアムでの客の歓声や学校での運動場の掛け声といった、内容が決められていないその他大勢の「がやがや」した台詞の声を担当することを「がやの仕事」と呼んでいた。
title: ルバーブ
text: 英国では、大勢の俳優が背景音としてガヤガヤと会話を交わすこと(en:walla、がや)を俗に「ルバーブ」と呼ぶ。その際、耳に立ちにくい音の連なりとして実際に「ルバーブ、ルバーブ」と発声することがある。北米では野球の試合中に行われる乱闘や口論を「ルバーブ」と呼ぶ。
title: 喜劇
text: 笑いを題材にした寸劇のこと。日本では、フランス語で「スケッチ」と同意で使われる「コント」と言う言葉が定着しているため、使われることはあまりない。
title: Mr.ビーン
text: ほとんどの場合において会話は滅多に行われず、アトキンソンの表情や動作のみで笑いを誘う「ヴィジュアル・コメディ」のスタイルをとっている。但し、声をネタにしたエピソードが全くないわけではなく、第1話では教会でものみなこぞりてのハレルヤの部分のみを大声で歌うシーンがある。また、アトキンソンではなくゲスト出演の共演者の言動で笑いを取るシーンも存在する。
title: エピローグ
text: 演劇におけるエピローグは、登場人物の一人の俳優または作者の代弁を行う俳優が、劇の終わりに舞台から直接観客に向かって語りかける納めのせりふである。もともとエピローグはギリシャの古代演劇の用語であり、のちにギリシャ劇やエリザベス朝演劇で用いられ、王政復古期演劇において最も盛んに使われた。代表的なエピローグとしては、ジョン・ドライデンやデヴィッド・ガリックの書いた機知に富んだエピローグが有名である。18世紀以降はほとんど姿を消した。
title: ロック・オブ・エイジズ (ミュージカル)
text: このミュージカルはブロードウェイの公演の中でもよりコメディ要素の強いものとされている。公演中、出演者は度々「第四の壁」を突き破り観客に直接語りかけ、自分たちがミュージカルの演者であることを一見忘れている(あるいは演者であることを観客に思い出させる)そぶりを見せる。
title: イッセー尾形
text: 基本的に、芝居はイスや携帯電話など最小限の小道具と衣装だけで行われる。ネタの内容は市井の人物が、誰かと掛け合っているシチュエーションが主で、一種落語的ではあるものの、落語と違って状況説明は一切行われない。演目名さえ劇中では明かされず、終演後に公演劇場のロビーの掲示板などで示されるのみである。つまり、新ネタが演じられると観客は当初、その状況をまったく把握できないわけだが、時間を追うごとにイッセーの演技によって状況が理解できるようになり、そのミステリアスかつ知的にスリリングな展開もイッセーの舞台の大きな魅力となっている。作品の全ては長年、演出家の森田雄三と打ち合わせながら作られてきた。
title: カンパニー (ミュージカル)
text: 筋書き通りのセックスの間、我々はロバートやエイプリルの思考を聞く。彼らの興奮の高まりを表現し映し出す音楽がちりばめられている。この音楽はしばしば(オリジナルブロードウェイ公演のように)キャシーのソロダンスを伴って愛の営みの感情と強弱を表す。これはまたパ・ド・ドゥや合唱、あるいはいくつかの公演ではカットされている。 (\"Tick-Tock”)
title: プロンプター (舞台芸術)
text: あくまで、俳優は脚本をきちんと覚えるのが絶対条件である。俳優がプロンプターを当てにしてしまうことで俳優が台詞を覚えなくなるなど堕落したり、いちいち台詞や所作がもたつくことでテンポやリズムが悪くなり、作品そのものの質も落ちてしまい観客や視聴者を退屈させてしまう等の悪い面がある。また、プロンプターの分の費用も嵩む。したがって、本来であればなるべくプロンプターは用いないことが望ましい。しかし、プロンプターの存在は役者にとって心理的に保険にもなる。現実の舞台公演では、演出上のさまざまな理由から脚本が朝令暮改でめまぐるしく書き換えられることがしばしばあり、そうした状況の中では、プロンプターは個々の俳優にとってのみならず、その公演全体にとっての「命綱」ともなりかねないからである。
title: シュプレヒコール
text: ドイツ語の Sprechchor(英語: speaking choir)から sprechen(「スピーキング」や「話す」などを意味するドイツ語)や choir(「コーラス」または「合唱団」を意味する英語)に由来し、「ドイツ語から日本語への借用」の一つである。シュプレヒコールは「集団で同じ言葉を繰り返す」のが特徴であり、「~やめろ」、「~しろ」、「~せよ」などの命令形のフレーズが多くを占めている。
title: 夜明けのスキャット
text: 「夜明けのスキャット」と「サウンド・オブ・サイレンス」の類似については、社会学者の横山滋も『模倣の社会学』(丸善、1991年)のp.7で言及している。
title: 紙芝居
text: 紙芝居は「絵」と演じ手の「語り」が主体である。これに対して
title: ビバップ
text: 最初に決まったテーマ部分を演奏した後、コード進行に沿った形でありながらも、自由な即興演奏(アドリブ、インプロヴィゼーション)を順番に行う形式が主となる。基本的には、コード構成音や音階に忠実にアドリブ演奏しながらも、テーマのメロディーの原型をとどめないくらい、長めのインプロヴィゼーションが導入された演奏となっていった。そのため、技術的に優れた演奏が多い反面、長いアドリブのために、アドリブ自体が主体になってしまう側面があった。原曲からかけ離れたり、複雑化しライブごとに演奏の出来が大きく異なるといった現象も起こった。また、スウィングのように娯楽のための音楽、ダンスのための音楽から、当事者にとっては演奏することが目的となった音楽、聞く側にとっては踊ることはできず、聴くだけの音楽になってしまったとの批判もあった。
title: コミックリリーフ
text: コミックリリーフ(英語: comic relief)、コメディリリーフ(英語: comedy relief)とは、深刻な物語の中に、緊張を和らげるために現れる、滑稽な登場人物・場面・掛け合いのことである。
title: LOL
text: Shortisは、ROFLは「文章にト書きのような注釈を付ける」手段であることを確認している。Hershockは、演技発話の文脈でこれらの用語を論じる際に、誰かに声を出して笑っていることを「伝える」ことと、実際に大声で笑っていることの違いを指摘する。「後者の応答は簡単な操作である。前者は行動の自己反射的な表現である。私は実際には笑っていないかもしれないが、ユーモアでのあなたの試みに対する感謝の意を伝えるために、'LOL'という言葉づかいを使用するかもしれない。」
title: モノローグ
text: 独演劇(どくえんげき)、モノドラマ(英語: Monodrama)、つまり一人芝居(ひとりしばい)を指すこともある。⇒ モノドラマ(英語版)
title: 台詞
text: 捨て台詞(すてぜりふ)
title: 高見知佳
text: 映画『蒲田行進曲』など、多数の映画やTVドラマ、舞台に出演している。土曜昼の生番組『TVグラフィティ』では、共演の藤村俊二と高見がVTRの前に「かっふん、かっふん、かっふん」と叫ぶ謎の言語(VTRの情報件数に応じて「かっふん」と言いながらマイクのスイッチである\"カフ\"を切った)が名物だった。
title: ハフターラー
text: マフティール(מַפְטִיר mapht‘īr, maftir)とは、「しめくくり役」「ハフターラーの読み手(cf.MAśkīl - HAśkālāh)」のこと。
title: ラーメンガール
text: 全編を通じて日本人キャストは日本語で、アメリカ人キャストは英語で演技している。さらに日本人キャストが英語、アメリカ人キャストが日本語を話すシーンも、演じる俳優の素のままでカタコトで話し、真実味を出している。日本語と英語双方を話せる設定のキャストは、実際に話せる俳優が演じている。アビーと前住の怒鳴り合いはほとんどが西田のアドリブ。当初はアッカーマン監督がアドリブでの日本語の意味をいちいち確認して議論することもあったそうだが、西田がそうした役者だと理解してやめたという。
title: 台詞
text: 渡り台詞(わたりぜりふ)
title: 台詞
text: 「(立ち去る前に発せられる)捨て台詞」の英語表現については、「パルティアンショット#捨て台詞」を参照のこと。
title: ロマンポルシェ。
text: しかし、1990年代より「あらかじめ録音されたバックトラックを使用し、生演奏は一切無しで唄を歌う」ライヴを行うミュージシャンが増加している。このタイプのミュージシャンの場合、毎回のライヴが同じフォーマットに終始し、マンネリに陥る重大な欠点がある。「DELAYと言うリアルタイムのサウンドエフェクト」と「説教による流れの誘導」と言うインタラクティヴ性を導入することにより、「あらかじめ録音されたバックトラックを使用しながらライヴ毎に異なった演奏パフォーマンスを見せること」に成功しているロマンポルシェ。は考えられたバンド形態である。
title: 黒柳徹子
text: 『窓ぎわのトットちゃん』の印税で、アメリカの聾学校の生徒たちによる劇団「デフシアター」の日本公演を経済的に支えたことが知られている。黒柳自身も手話を使うことができ、本人役で特別出演した映画『アイ・ラヴ・ユー』でも手話を披露している。
title: ハビマー
text: ビーマーはシナゴーグの聖書朗読・講義者のための演題、講談、舞台のことを現す一般的な名詞。冠詞 ハー= ha- が付いているので、唯一つの舞台を意味する。
title: ヤヌシュ・パヴウォフスキ
text: 20世紀のアメリカ合衆国の芸能界をリードした人物として知られるベニーは、comic timingや\"Well!\" といった短い言葉だけでも人を笑わせる能力で知られている。
title: ブリッジ (お笑い用語)
text: 元来は放送・舞台用語であり、テレビ・ラジオ番組や舞台劇の中で、2つの場面の間の橋渡しをするための音楽や効果音などを指す。お笑いにおける「ブリッジ」は、この場面のつなぎの音を演者自身がパフォーマンスし発するものを指す。
title: 魔術の殺人
text: 日本語訳の題名『魔術の殺人』は、マープルが事件現場を「マジックショーの舞台」になぞらえて説明するシーンに由来する。原題(They Do It with Mirrors)も劇中のマープルの台詞である「彼ら(マジシャン)のトリックは大抵は鏡(要約)」からきている。
title: 台詞
text: 演劇・戯曲においてせりふは以下に分類される。
title: マノウォー
text: これらの要素に見られるとおり、彼らのライヴは単なる演奏会というより、音響と視覚効果とを綿密に計算しながらの決め台詞・決めポーズなどのお約束と、その上で若干のアドリブを加えた、一種の演劇のようにそれ自体が作品としてステージ上で展開されるところに特徴がある。
title: ファイト・クラブ (映画)
text: 本作は、小説、映画とも主人公の一人称視点で進行するが、主人公の名前は終盤まで明らかにされない。作品の映画版のクレジットでは「ナレーター(Narrator)」と表記されている。便宜上、映画版で主人公が朗読する古本に書かれている人物の名を取って「ジャック」と呼ぶ場合がある。
title: リフ
text: 語源は正確には不明であるが、いくつかの資料はリフとは“リズム音型(RHYthmic Figure)”や“リフレイン(REFrain)”の省略だと説明している。この語はコメディにおいても似た意味で使われ、その話題に対して即座に出される早口の意味である。
title: Shakespeare (プログラミング言語)
text: 「登場人物」(変数) は演じる前に「舞台」に上がらなければならない。変数を舞台に上がらせるには、Enter (登場) コマンドを使用する。登場人物を退場させるには、Exit (退場) コマンドを使用する。Exeunt (一同退場) コマンドは2名以上の登場人物を退場させるが、登場人物が指定されていない場合は全ての人物が退場する。形式は以下の通り。
title: トーキング・モジュレーター
text: トーキング・モジュレーター(talking modulator)は、楽器の音に人が喋っているようなイントネーションを加えるエフェクターの一種である。トーク・ボックス(talk box)とも呼ばれる。
title: ダブル・ミーニング
text: 『羊たちの沈黙』(1991年)でのハンニバル・レクターの台詞「having an old friend for dinner(ディナーのための旧友を持っている)」もダブル・ミーニングである(「旧友とディナーをとっている」と「ディナーに旧友を食べる」)。
title: 渋谷悠
text: モノローグは、CGやカメラの前での演技など、対象が目の前にいないケースでの演技を養うためのツールとして、世界的には、俳優が基礎として学ぶべきものであり、俳優ならできて当たり前のものとされている。オーディションなどで持ち前のモノローグを演ずるよう求められることもよくある。また、複数の役者を必要とせず、俳優が自分一人でも演技の訓練ができるテキストとして、欧米諸国では数多くのモノローグ本が出版され活用されている。
title: 演劇集団キャラメルボックス
text: 上演中に鳴動する携帯電話の着信音やたまごっちなどによる騒音トラブルが問題化した際、毎回公演前の前説にて製作総指揮の加藤昌史(「前説五郎」と自称)が登場し、爆笑トークを交えながら観劇マナーをアピールした。なお、アピールにあたっては、「携帯の電源を切りましょう」というメッセージをその時々の流行物をパロディにした歌「携帯電話チェックタイムのテーマ」を作成した。後にそれを劇団員が受け継ぎ、ダブルキャストで出演する側でないキャスト達が歌うなど様々に形を変えていった。以降は加藤と新人劇団員が登場して、注意を呼び掛けていた。
title: アイ・ラブ・ルーシー
text: 上記のように観客のリアクションは生であり、当時シットコムで多用されていた録音笑いと違い、より本物の笑いであった。レギュラーの観客の笑い声がいくつかのエピソードで聞こえることもあるが、出演していないシーンでのアーナズの独特の笑い声やボールの実の母の発する独特の「Uh Oh 」という言葉が聞こえることもある。後にCBSは『アイ・ラブ・ルーシー』の観客の声を「録音笑い」にし、観客のいない他の数々の番組で使用した。
title: 地獄のオルフェ
text: 当初この規則に従ったオッフェンバックだったが、1857年2月12日初演の1幕物『クロックフェール、最後の遍歴騎士(英語版)』という作品で、この規則を逆手に取る。それは作品の登場人物の一人を「舌を切り取られて口がきけない騎士」という設定にして、台詞の代わりにプラカードを持たせたのである。台詞を言わなければ4 - 5人までにカウントされないので、6人の人物が舞台に登場することができたのである。さらにオッフェンバックは、親しくしていたモルニー公の助力を受けてこの規則の撤廃を働きかけ、ついに登場人物数、コーラスともに制限無しという条件を獲得することに成功した。1858年3月3日初演の『市場の女達(英語版)』で大人数のコーラスを初めて導入した。
title: ミュージカル
text: ミュージカルは、通常の演劇(ストレートプレイ)の中に演出として劇中歌が入っているものとは異なる。トレヴァー・ナンは「歌詞の言葉は誇張されている。だが、単純な朗唱か歌唱では、単純でつまらなくなる〜パフォーマーは歌詞やメロディを自分たちが創造していると感じるところまで行き着くべきだ」と言っているように、単純に歌、台詞、踊りが含まれているだけの劇をミュージカルとは呼ばない。芝居、歌、ダンスがそれぞれ独立したものでなく、一体となって劇的効果を高めているのがミュージカルの特徴である。
title: レーゼドラマ
text: なお、英語におけるクローゼット・ドラマ(Closet drama)は、ほぼ同義の概念である。また、「書斎劇」という漢字語も存在する。
title: ビーン (映画)
text: 原語版ではビーンは本編中、テレビ版と同様に最後の台詞やほんのわずかな受け答え以外は一切言葉を発さず無音の状態だが、吹き替え版ではどの作品でもビーンの担当声優がそれぞれ無音の演技に独自にアドリブや擬音を入れている。広川太一郎は独自のアドリブを加える広川節をいれ、滝口順平、江原正士は鼻歌を口ずさむといったビーンの行動を誇張する声の演技が入る。
title: 会話術
text: 話を広げるためにはオープンクエスチョンが適している。クローズドクエスチョンは自分の期待を押し付けるような聞き方になる場合がある。
title: ドメスティックバイオレンス
text: DVでは、加害者は一方的に押しつけるモノローグを発し、被害者は自分の声を発することができなくなっており、その関係を修復する上でオープンダイアローグの手法を応用できる。ただし、暴力による家族員のダメージが大きい場合、安全な対話の場を設定することの工夫や準備が必要となる。
title: 倒語
text: 米軍キャンプなどを営業で回るジャズバンドのバンドマンにおいて、逆さ読みが流行した。この言語現象を、ズージャ語と呼ぶ。
title: マザー・グース
text: ダン・レノ(英語版)は、ヴィクトリア朝時代後期における大英帝国の音楽ホールを代表するコメディアンでミュージカルシアターの俳優であるが、オールド・マザー・グースとはまた違った人物としてのマザー・グースを多く演じたことでもよく知られている。
title: セカンド・シティ
text: 劇団のコメディのスタイルは時代ごとに変わっているが、即興演劇に影響を受けたポール・シルズが築いた演出のフォーマットは基本的に変わっていない。セカンド・シティのレヴューは、脚本のある演劇と、脚本にない会話などを即興で創作する即興劇(インプロヴィセーション)との混合であり、2幕目以降の場面は観客の反応を受けて創作されてゆく。また劇団は音楽も即興的に演奏することがある。
title: 自作自演 (インターネット)
text: 本来は芝居などで自分が脚本を書いた作品に出演すること。自分で想定した「脚本」どおりに、通常は他人であるべき賛同者などの「役」を演ずることをそれになぞらえたと思われる。英語では、靴下で作る腕人形になぞらえて、「ソックパペット(sock puppet)」と呼ばれる。自分と反対の視点でわざと悪意のある発言を繰り返し、敵対する意見を悪く見せるストローマン・ソック・パペットなどの亜種もある。フランス語では「付け鼻(faux-nez)」と表現される。中国語では、台湾では「分身ID」「免洗ID」、中国では「馬甲」(马甲、ある芸人が披露した笑い話から)、香港では「分身」などと称される。
title: 狂言回し
text: 狂言回し(きょうげんまわし)とは、物語において、観客(あるいは読み手などの受け手)に物語の進行の理解を手助けするために登場する役割のこと。場合によっては物語の進行役も務める。狂言廻しとも書かれる。狂言の世界から生まれた言葉で、今ではあらゆる分野のフィクション全般で広く使われる。
title: こうもり (オペレッタ)
text: 約2時間半(各50分、60分、40分)、これはごく普通の上演で台詞付きであるが、スコアには台詞はほとんど書かれていないで、演出家のその時の演出で行われ、しばしばアドリブも追加される。音楽は自由に挿入(couplets)されたり省略されたりする。他のウィンナ・ワルツから追加されることもよくある。これはオペレッタ一般の共通事項である。お笑いが必要なため、特に台詞はその都度お客を笑わせるために良く工夫される。レコード用セッションにはセリフを一切省略した音楽演奏だけの全曲盤も存在する(クレメンス・クラウス盤など)が、この場合で90分程度、これにラジオドラマ風にセリフを加えた録音(カラヤン旧盤など)で110分程度(第3幕冒頭のフランクの一人芝居などはオーケストラ伴奏つきなので音楽に含まれる)。ただ、舞台ではここまでセリフをシンプルに切り詰めることは難しいため、大幅に長くなる。
title: バラモンジン
text: スケッチコメディー(Sketch comedy)は、「スケッチ」と呼ばれる一連の短いシーンまたはビネットで構成されるコメディーで、通常は1〜10分の長さ。舞台上で、またはラジオやテレビなどのオーディオまたはビジュアルメディアを介して、コミック俳優またはコメディアンのグループによって実行される。多くの場合、スケッチは最初に俳優によって即興で作成され、これらの即興セッションの結果に基づいてスケッチされる。ただし、そのような即興は必ずしもスケッチコメディーに関係しているわけではない。
title: ミセス・ヴァンデビルト
text: 冒頭の早口言葉はイギリスのコメディアン、チャーリー・チェスターのキャッチフレーズ \"Down in the jungle living in a tent, better than a bungalow, no rent\"(ジャングルの中でテント暮らしさ、家賃無いだけバンガローよりまし) を引用している。また最後の笑い声もチェスターのショウでの観客の笑いを模している。
title: 語り手
text: 語り手(かたりて)とは、ある物語を語る、物語内の存在(人物など)である。また、小説でいうところの「地の文」の語り手である。ナレーター (Narrator)、語り部(かたりべ)とも称する。映画・ドラマ・演劇・小説など、あらゆる種類のストーリーテリングにおいて、作者・読者と並び重要な存在である。
title: ザッツ・エンターテインメント
text: 本作において特筆されるべきは、プレゼンターのフレッド・アステアとジーン・ケリーが、アンソロジー・ピースをつなぐ場面で「ザッツ・エンタテインメント」や「ビー・ア・クラウン」(コール・ポーター)をスタジオ内に作られたセットの中で歌い、踊り、ミュージカルによってミュージカルを紹介するという枠組みをとったことである。