Pendidikan musik
Pendidikan musik adalah bidang studi yang terkait dengan pengajaran dan pembelajaran musik. Bidang studi ini mencakup semua aspek pembelajaran, termasuk psikomotor (pengembangan kemampuan), kognitif (pemerolehan pengetahuan), dan afektif, termasuk apresiasi musik dan sensitivitasnya. Keberadaan pelatihan musik mulai dari pendidikan prasekolah sampai pascasekunder umum ditemukan di
berbagai negara karena keterlibatan dalam musik dianggap sebagai komponen dasar budaya dan perilaku manusia. Musik, seperti bahasa, adalah pencapaian yang membedakan manusia dengan makhluk lain.
Di sekolah dasar, anak biasanya belajar memainkan instrumen seperti kibor atau perekam, menyanyi dalam paduan suara kecil, dan mempelajari elemen bunyi musik dan sejarah musik. Meski pendidikan musik di berbagai negara secara tradisional menekankan musik klasik Barat, dalam beberapa dasawarsa terakhir para pengajar musik cenderung menyertakan penerapan dan sejarah musik non-barat untuk memberikan pengalaman musik yang penuh dan
mengajarkan multikulturalisme dan pemahaman internasional. Di sekolah dasar dan menengah, pelajar diberikan kesempatan naik panggung dalam bentuk ansambel musik, seperti paduan suara, orkestra, atau band sekolah: band konser, drumben, atau band jazz. Di sejumlah sekolah menengah, kelas musik tambahan juga diberikan. Di sekolah menengah pertama atau sederajat, musik biasanya terus menjadi bagian yang dibutuhkan dalam kurikulum.
Di tingkat universitas, mahasiswa di sebagian besar program seni dan humaniora akan menerima kredit akademik setelah mengambil kursus musik, yang biasanya berbentuk kursus pengenalan sejarah musik, atau kursus apresiasi musik yang berfokus pada mendengarkan musik dan mempelajari berbagai gaya musik. Selain itu, banyak universitas di Amerika Utara dan Eropa memiliki sejenis ansambel musik yang dapat diikuti
mahasiswa dari berbagai bidang studi seperti paduan suara, band konser, drumben, atau orkestra. Banyak universitas menawarkan program sarjana dalam bidang pendidikan musik, sehingga memungkinkan mahasiswa mereka menjadi pengajar ansambel tersertifikasi untuk sekolah dasar dan menengah, serta kelas musik pemula. Program yang lebih tinggi dapat berujung pada bekerja di universitas. Program-program ini terdiri dari
penyelesaian kelas teknik yang bervariasi, instruksi pribadi, berbagai ansambel, dan observasi mendalam mengenai pengajar-pengajar di daerahnya. Departemen pendidikan musik di universitas-universitas Amerika Utara dan Eropa juga mendukung penelitian interdisipliner di bidang-bidang seperti psikologi musik, historiografi pendidikan musik, etnomusikologi pendidikan, sosiomusikologi, dan filsafat pendidikan.
Studi musik seni Barat semakin umum dalam pendidikan musik di luar Amerika Utara dan Eropa, termasuk negara-negara Asia seperti Korea Selatan, Jepang, dan Cina. Pada saat yang sama, universitas dan perguruan tinggi Barat memperluas kurikulum mereka sehingga mencakup budaya non-Barat, seperti musik Afrika atau Bali (misalnya musik gamelan), serta musik rock (lihat pedagogi musik populer).
Pendidikan musik juga terjadi dalam konteks terindividualisasi, belajar seumur hidup, dan masyarakat. Baik musisi amatir dan profesional biasanya mengambil pelajaran musik, sesi singkat pribadi dengan seorang guru. Musisi amatir biasanya mempelajari kerumitan musik dan teknik musik tingkat awal hingga menengah.
Meski strategi instruksional dibatasi oleh guru musik dan kurikulum musik di sekolah mereka, banyak guru yang sangat bergantung pada satu atau banyak metodologi instruksional yang muncul pada generasi-generasi terbaru dan berkembang cepat pada paruh terakhir abad ke-20.
Metode Dalcroze dikembangkan pada awal abad ke-20 oleh musisi dan pengajar asal Swiss, Émile Jaques-Dalcroze. Metode ini dibagi menjadi tiga konsep dasar- pemakaian solfège, improvisasi, dan euritmika. Kadang disebut "gimnastika ritmik", euritmika mengajarkan konsep ritme, struktur, dan ekspresi musik menggunakan gerakan, dan merupakan konsep terkenal dari Dalcroze. Metode ini
berfokus pada memungkinkan pelajar mendapatkan kesadaran fisik dan pengalaman musik melalui pelatihan yang dilakukan dengan semua indra, terutama kinestetik. Menurut metode Dalcroze, musik adalah bahasa dasar otak manusia dan secara mendalam terhubung dengan definisi manusia.
Zoltán Kodály (1882-1967) adalah pengajar musik dan komponis Hongaria yang menekankan manfaat instruksi fisik dan respon terhadap musik. Meski sebenarnya bukan metode pendidikan, ajaran-ajarannya berada dalam kerangka kerja yang menyenangkan dan mendidik yang dibangun kuat pada teori musik dasar dan notasi musik dalam berbagai bentuk verbal dan tertulis. Tujuan utama Kodály
adalah menciptakan cinta abadi terhadap musik dalam diri pelajar dan merasa bahwa sudah menjadi tugas sekolah anak untuk menyediakan elemen pendidikan yang vital ini. Sejumlah metode pengajaran ciptaan Kodály mencakup pemakaian bahasa tangan solfège, notasi pendek musik (notasi stik), dan solmisasi ritme (verbalisasi). Meski banyak negara memakai tradisi musik
rakyat mereka untuk membangun urutan instruksinya sendiri, Amerika Serikat cenderung memakai urutan Hongaria, padahal musik rakyat Hongaria sangat berbeda ketimbang Amerika Serikat.
Karya Katinka S. Daniel membawa pemikiran Kodaly ke garis depan pendidikan musik di Amerika Serikat. Daniel memperkenalkan kurikulumnya di Konferensi Kodaly Internasional tahun 1973 dan pada tahun-tahun selanjutnya yang berujung pada penerbitan literatur untuk pengajar musik yang menggabungkan lagu rakyat Hongaria dengan lagu rakyat Amerika Serikat dan musik klasik barat. Daniel setuju dengan Kodaly mengenai
kewajaran memakai lagu ringan yang sederhana dari budaya pelajarnya sendiri sebagai dasar pendidikan musik, namun ia kukuh bahwa urutan dimana pola nada diajarkan harus dimulai dengan nada ketiga minor menurun, atau "sol-mi", pola yang merupakan interval paling alami dan sederhana bagi semua anak untuk dinyanyikan. Katina Daniel membuat tugas mengadaptasi karya Kodaly ke pendidikan musik Amerika Serikat tidak lagi menakutkan bagi para pengajar Amerika Serikat.
Carl Orff adalah seorang komponis ternama Jerman. Orff Schulwerk karyanya dianggap sebagai "pendekatan" terhadap pendidikan musik. Pendekatan ini dimulai dengan kemampuan dalam diri pelajar untuk bermain dengan bentuk-bentuk musik yang belum sempurna, menggunakan ritme dan melodi dasar. Orff menganggap tubuh merupakan instrumen perkusif dan pelajar didorong mengembangkan kemampuan musik mereka dengan cara
yang mellintasi perkembangan musik barat. Pendekatan ini mendorong improvisasi dan mengurangi tekanan orang dewasa dan latihan mekanik, sehingga membantu penemuan jati diri pelajar tersebut. Carl Orff mengembangkan sekelompok instrumen khusus, termasuk bentuk modifikasi glockenspiel, silofon, metallophone, drum, dan instrumen perkusi lainnya untuk memenuhi persyaratan kursus Schulwerk.
Metode Suzuki dikembangkan oleh Shinichi Suzuki di Jepang sesaat setelah Perang Dunia II, dan metode ini memakai pendidikan musik untuk memperkaya hidup dan karakter moral para pelajarnya. Gerakan ini berdiri di atas pemikiran bahwa "semua anak bisa menjadi terpelajar" dalam musik, dan bahwa belajar bermain musik pada tingkat tinggi juga melibatkan pembelajaran ciri-ciri dan keutamaan karakter
yang menjadikan jiwa seseorang lebih indah. Metode utama dalam mencapai hal ini terpusat pada menciptakan lingkungan belajar musik yang sama seperti lingkungan seseorang untuk belajar bahasa ibu mereka. Lingkungan 'ideal' ini membutuhkan cinta, contoh berkualitas tinggi, pujian, berlatih menghapal dan mengulang, dan sebuah jadwal yang diatur oleh
kesiapan perkembangan pelajar untuk mempelajari suatu teknik tertentu. Meski Metode Suzuki lumayan terkenal di seluruh dunia, di dalam Jepang sendiri pengaruhnya kurang muncul ketimbang Metode Yamaha, dikembangkan Genichi Kawakami bekerja sama dengan Yamaha Music Foundation.