Query: ¿Quién fue el artista más destacado del Renacimiento?

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Los maestros locales de la pintura y escultura inglesa tardaron mucho en incorporar las innovaciones del Renacimiento, siendo los artistas de la corte Tudor en su mayoría extranjeros, como las destacadas figuras de Hans Holbein el Joven (su principal seguidor local fue John Bettes el Viejo), Antonio Moro, Hans Eworth William Scrots o Federico Zuccaro. También hubo destacados pintores extranjeros cuyo nombre no se ha conservado, como el llamado Claudia "Maestro de los retratos Brandon", el autor del retrato de Enrique VII (en algunas fuentes se identifica con Michael Sittow) o el autor del retrato de Henry Howard.

El artista más importante del Renacimiento alemán es Alberto Durero (1471-1528), especialmente conocido por sus planchas en madera y grabados, que se extendieron por toda Europa, dibujos y retratos pintados. Su obra universal, que ya en vida fue reconocida y admirada en toda Europa, impuso la impronta del artista moderno, uniendo la reflexión teórica con la transición decisiva entre la práctica medieval y el idealismo renacentista.

Entre las artistas del Renacimiento se encuentran Sofonisba Anguissola, Lucia Anguissola, Lavinia Fontana, Fede Galizia, Diana Scultori, Catharina van Hemessen, Esther Inglis, Bárbara Longhi, Maria Ormani, Marietta Robusti (hija de Tintoretto), Properzia de' Rossi, Levina Teerlinc, Mayken Verhulst y Santa Catalina de Bolonia (Catalina Vigri). Es la primera vez en la historia occidental que varias mujeres artistas seglares ganaron reputación internacional. El aumento de las mujeres artistas durante este período se puede atribuir a importantes cambios culturales. Uno de esos cambios surgió a causa de la contrarreforma contra el protestantismo y en favor del humanismo, una filosofía que declara la dignidad de todas las personas, que es clave para el pensamiento del Renacimiento y ayudó a elevar el estatus de las mujeres. Además, en general la identidad del artista individual se consideraba más importante. En este periodo ya no hay prácticamente artistas importantes cuya identidad se desconozca. Dos textos importantes, De las mujeres ilustres y La ciudad de las damas, ilustran este cambio cultural. Boccaccio, un humanista del siglo XIV, escribió De mulieribus claris (título original en latín de De las mujeres ilustres) (1335-59), una colección de biografías de mujeres. Entre las 104 biografías que incluyó estaba la de Thamar (o Thmyris), una antigua pintora de vasijas griega. Curiosamente, en estas ilustraciones manuscritas del siglo XV de De las mujeres ilustres, Thamar fue representada pintando un autorretrato o quizás una pequeña imagen de la Virgen y el Niño. Christine de Pizan, una notable escritora tardomedieval francesa, retórica y crítica, escribió La ciudad de las damas en 1405, un texto sobre una ciudad alegórica en la cual las mujeres independientes vivían libres de la vejación de los hombres. En su trabajo incluyó a mujeres artistas reales, como Anastasia, que fue considerada una de las mejores ilustradoras parisinas, aunque ninguna de sus obras ha sobrevivido. Otros textos humanistas aumentaron la educación de las mujeres italianas.

Alberto Durero era en ese momento, y sigue siendo, el artista más famoso del Renacimiento alemán. Era famoso en toda Europa, y muy admirado en Italia, donde su obra era principalmente conocida a través de sus grabados. Integró exitosamente un elaborado estilo norteño con una armonía y monumentalidad renacentistas. Entre sus obras más conocidas se encuentran "La Adoración de los Reyes", "Adán y Eva", "Melancolía I", los cuatro jinetes de su serie de "Apocalipsis" grabada en madera, y El caballero, la muerte y el diablo. Otros artistas importantes fueron Lucas Cranach el Viejo, la Escuela del Danubio y los Pequeños Maestros.

Trabajó en Valladolid y Palencia. Fue entallador especialista en ensamblaje y talla de ornamentación y en cuanto a formación de retablos se refiere, este artista fue el gran introductor del Renacimiento. Se le considera escultor de transición pues trabajó tanto la talla gótica como la renaciente, con el mérito de ser el primer entallador en estilo renacentista, en el primer tercio del siglo XVI, cuando este arte empezaba a introducirse en España. Es el autor del retablo del Colegio de Santa Cruz de Valladolid. El cardenal Mendoza, mecenas de dicho colegio quiso que el retablo se construyera "a lo romano".

Los pintores más destacados de esta época fueron: en Florencia, Fra Angélico, Masaccio, Benozzo Gozzoli, Piero della Francesca, Filippo Lippi y Paolo Uccello; en Umbría, Perugino; en Padua, Andrea Mantegna; y, en Venecia, Giovanni Bellini. Por encima de todos ellos destaca Sandro Botticelli, autor de alegorías, delicadas "madonnas" y asuntos mitológicos. Su estilo dulce, muy atento a la belleza y sensibilidad femeninas, y predominantemente dibujístico, caracterizan la escuela florentina de pintura y toda esta época. Otros autores del Quattrocento italiano son Andrea del Castagno, Antonio Pollaiuolo, Pinturicchio, Domenico Ghirlandaio, Cima da Conegliano, Luca Signorelli, Cosimo Tura, Vincenzo Foppa, Alessio Baldovinetti, Vittore Carpaccio y, en el sur de la península, Antonello da Messina.

En escultura, la tradición gótica mantuvo su hegemonía durante buena parte del . Los primeros ecos del nuevo estilo corresponden por lo general a artistas venidos de fuera, como Felipe Vigarny o Domenico Fancelli, que trabajó al servicio de los Reyes Católicos, esculpiendo su sepulcro (1517). No obstante, pronto surgieron artistas locales que asimilaron las novedades italianas, adaptándolas al gusto hispano, como Bartolomé Ordóñez y Damián Forment. En una fase más madura del estilo surgieron grandes figuras, creadoras de un peculiar manierismo que sentó las bases de la posterior escultura barroca: Juan de Juni y Alonso Berruguete son los más destacados.

Los contemporáneos de Pietro Vannucci lo consideraron como el más grande entre los protagonistas de aquella renovación del arte italiano en el apogeo del Renacimiento, entre las últimas décadas del siglo XV y principios del XVI. Sus innovaciones y el extraordinario nivel de calidad de su arte fueron bien comprendidos, tanto que a finales del era considerado unánimemente el más grande pintor de Italia. Por ejemplo, Agostino Chigi, en una carta destinada a su padre Mariano datada el 7 de noviembre de 1500, describe al Perugino como «"el mejor maestro de Italia"», y Vasari, en sus "Vidas de artistas" del año 1568 escribió cómo su pintura «"tanto gustaba en su época, que muchos vinieron de Francia, de España, de Alemania y de otras provincias para aprenderla"».

La más notable es "Il Cortegiano", o El Cortesano, del humanista italiano del siglo XVI, Baltasar Castiglione. Esta obra enormemente popular afirma que tanto hombres como mujeres deben ser educados en las artes sociales. Su influencia hizo aceptable que las mujeres participaran en las artes visuales, musicales y literarias. Gracias a Castiglione, este fue el primer período de la historia del Renacimiento en el que las mujeres nobles pudieron estudiar pintura. Sofonisba Anguissola fue la más exitosa de estas aristócratas menores que primero se beneficiaron de la educación humanista y luego pasaron a ser reconocidas como pintoras. Anguissola, nacida en Cremona, fue una pionera y un modelo a seguir para las futuras generaciones de mujeres artistas. Los artistas que no eran de la nobleza también se beneficiaron del auge del humanismo. Además de la temática convencional, artistas como Lavinia Fontana y Catharina van Hemessen comenzaron a representarse en autorretratos, no solo como pintoras sino también como músicas y académicas, destacando así su buena educación. Fontana se benefició de los hábitos culturales de su ciudad natal, Bolonia, cuya universidad había admitido mujeres académicas desde la Edad Media. Junto con el auge del humanismo, se produjo una evolución de la artesanía al arte. Ahora se esperaba de los artistas, a diferencia de los artesanos de épocas anteriores, que tuvieran conocimientos de perspectiva, matemáticas, arte antiguo y del estudio del cuerpo humano. Al final del Renacimiento la formación de los artistas empezó a cambiar del taller del maestro a la Academia, y las mujeres comenzaron una larga lucha, que no se resolvió hasta finales del siglo XIX, para poder acceder plenamente a esta formación. Para estudiar el cuerpo humano había que trabajar con hombres desnudos y cadáveres. Esto se consideraba un segundo plano esencial para crear escenas de grupo realistas. Por lo general, las mujeres tenían prohibido formarse con desnudos masculinos, y por lo tanto no podían crear ese tipo de escenas. Estas representaciones de desnudos eran necesarias para las composiciones religiosas de gran escala, que recibían los encargos más prestigiosos.

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A partir de mediados del siglo destacados imagineros darán continuidad al legado escultórico de Forment, Yoly y Juan de Moreto. Uno de los más prometedores artistas fue Pedro Moreto, aunque su temprana muerte le impidió mostrar todo su valor. Formado con Juan Pérez Vizcaíno, un discípulo de Yoli, estaba destinado a revolucionar el estado de la escultura en Aragón, como muestra su buen trabajo en el sepulcro del arzobispo Hernando de Aragón de La Seo.