Query: ¿Quién desarrolló el ballet moderno y cuál fue su propósito?

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George Balanchine es, a menudo, considerado como el pionero del ballet moderno por medio del desarrollo del ballet neoclásico. Balanchine utilizó todo su cuerpo para flexionados, posiciones fuera de centro y vestimentas no clásicas (tales como leotardos y túnicas en lugar de tutús) para distanciarse de las tradiciones de ballet clásico y romántico. Balanchine también incluyó a representantes de la danza moderna en su compañía, el Ballet de la Ciudad de Nueva York. Uno de estos bailarines fue Paul Taylor, quien representó la pieza de Balanchine "Episodes" en 1959. Balanchine también trabajó con la coreógrafa de danza moderna Martha Graham, ampliando su exposición a las técnicas e ideas modernas. También durante estos períodos, coreógrafos tales como John Butler y Glen Tetley empezaron a mezclar técnicas modernas y el ballet como experimentación.

Un bailarín que fue entrenado por Balanchine y que absorbió mucho de su estilo neoclásico fue Mijaíl Baríshnikov. Tras el nombramiento de Baríshnikov como director artístico del American Ballet Theatre en 1980, trabajó con varios coreógrafos modernos, en especial, Twyla Tharp. Tharp hizo la coreografía de "Push Comes To Shove" para el American Ballet Theatre en 1976; y, en 1986, creó "In The Upper Room" para su propia compañía de baile. Ambas piezas fueron consideradas innovadoras por su uso de movimientos modernos distintivos acompañados por puntas de ballet y bailarines entrenados clásicamente. Tharp también trabajado con la compañía Joffrey Ballet, fundada en 1957 por Robert Joffrey, realizando la coreografía de "Deuce Coupe" en 1973. Para ello, utilizó música pop y una combinación de técnicas modernas y de ballet. El Ballet Joffrey siguió presentando varias piezas contemporáneas.

Balanchine conoce a Lincoln Kirstein (1907-1996), quien en su proyecto de crear un "ballet estadounidense" invita Balanchine a emigrar a Estados Unidos, llegando a Nueva York en octubre de 1933. Aunque el propósito inicial de su viaje a Estados Unidos era establecer una compañía de ballet en ese país, "con bailarines estadounidenses y que no dependiera del repertorio europeo", Balanchine modificó los planes originales creando primero una escuela: la School of American Ballet (SAB), la cual inicia sus actividades el 2 de enero de 1934. Cabe acotar que parte esencial del éxito del New York City Ballet (NYCB) fue el entrenamiento de sus propios bailarines depurando poco a poco el llamado estilo estadounidense de ballet. Balanchine mismo afirmó en alguna ocasión que la estructura básica del bailarín estadounidense fue responsable de inspirarle algunas de las llamativas líneas de sus composiciones. La primera coreografía que Balanchine crea en el Nuevo Mundo es "Serenata" (1934) con música de Piotr Chaikovski con estudiantes del SAB. Considerado un "ballet abstracto", "Serenata" es descrita como una "trama musical y coreografía" sin intención narrativa, que, sin embargo, sugiere "diversas emociones y situaciones humanas".

George Balanchine desarrolló una de las mejores técnicas en América cuando abrió la escuela en Chicago, y en Nueva York. Adaptó el ballet a los nuevos medios de comunicación, el cine y la televisión. Con esa gran técnica, Balanchine, realizó una nueva coreografía de clásicos como "Lago de los cisnes" y "La Bella Durmiente", así como la creación de nuevos ballets. Él produjo interpretaciones originales de los dramas de William Shakespeare como: Romeo y Julieta, "The Merry Widow" y "A Midsummer Night's Dream".

Un bailarín que tuvo como maestro a Balanchine y absorbió gran parte de este estilo neoclásico fue Mikhail Baryshnikov. Tras el nombramiento de Baryshnikov como director artístico del American Ballet Theatre en 1980, trabajó con diversos coreógrafos modernos, sobre todo con Twyla Tharp. Tharp coreografió "Push Comes To Shove" para ABT y Baryshnikov en 1976. En 1986 creó "In The Upper Room" su propia compañía. Ambas piezas fueron consideradas innovadoras para el uso de movimientos modernos y por el uso de zapatos de punta. Ahora los bailarines estaban utilizando la técnica del "ballet contemporáneo".

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El ballet clásico también experimentó un gran desarrollo, sobre todo gracias al aporte teórico del coreógrafo Jean-Georges Noverre y su "ballet d'action", que destacaba el sentimiento sobre la rigidez gestual del baile académico. Se buscó un mayor naturalismo y una mejor compenetración de música y drama, hecho perceptible en las obras del compositor Gluck, que eliminó muchos convencionalismos de la danza barroca. Otro coreógrafo relevante fue Salvatore Viganò, que dio mayor vitalidad al «cuerpo de ballet», el conjunto que acompaña a los bailarines protagonistas, que cobró independencia respecto a estos.

En 1975 creó la agrupación Ballet Moderno de Cámara junto con Elena Gutiérrez, con la idea de impulsar la danza moderna y desarrollarla al máximo de sus posibilidades como disciplina artística formal.

El Ballet se desarrolló como una forma enfocada en la interpretación del arte en Francia durante el reinado de Luis XIV, quien era un apasionado de la danza. Pierre Beauchamp, profesor de baile personal del rey y su socio favorito en el ballet de cour durante el año de 1650, fue quien creó las seis posiciones de los pies y de los brazos en el ballet. En 1661 el rey Luis XIV, tuvo la determinación de establecer una nueva escuela de baile llamada, Académie Royale de Danse. Beauchamp fue nombrado Compositeur des Ballets du Roi y en 1680 se convirtió en el director de la academia de baile.

Luis XIV favoreció la profesionalización de la danza, para lo que creó la Academia real de Danza en 1661, la primera de esta modalidad en el mundo. En ella desarrolló su labor Pierre Beauchamp, quizá el primer coreógrafo profesional, creador de la "danse d'école", el primer sistema pedagógico de la danza. Beauchamp introdujo el "en dehors" —la rotación de las piernas hacia fuera, uno de los pasos tradicionales del ballet clásico—, así como las cinco posiciones de los pies, que varían en diferentes grados de apertura respecto al eje central del cuerpo. Por otro lado, la Academia favoreció la transformación del ballet en grandes espectáculos donde, además de la danza, destacaban los elementos dramático y musical. Así como el principal referente musical fue, como se ha visto, Lully, a nivel dramático jugó un papel esencial Molière, creador del "comédie-ballet", un género de danza inspirado en la "commedia dell'arte" italiana. Por último, cabría mencionar a Raoul Auger-Feuillet, que en 1700 desarrolló un nuevo sistema de notación de danza, gracias al cual han sobrevivido numerosas coreografías de la época.

El director artístico de los Ballets Rusos fue Léon Bakst, que trabajaba en conexión con Diáguilev desde 1898, cuando el empresario y Alexandre Benois fundaron el grupo "avant-garde" "Mir iskusstva". Juntos desarrollaron una forma de ballet complicada, con elementos vistosos, que intentaba llamar la atención del público en general, y no solo de la aristocracia. El encanto exótico de los Ballets Rusos tuvo efecto en los pintores fauvistas y el recién nacido estilo art déco.