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les yeux éteints de Phidias et de Praxitèle, de Michel-Ange et de Raphaël, du Titien et de Véronèse, de Rembrandt et de Rubens! Refuser de voir que ceux-là seuls ont été grands qui ont vu les choses et les actions humaines d'une façon directe, sans se préoccuper de l'idéal d'hier! Aller demander aux maîtres leur enseignement et ne pas comprendre que la grande leçon donnée par leurs œuvres est qu'il faut avoir horreur des procédés et, de l'information de seconde main! Quoi! fermer ses fenêtres, tirer ses rideaux pour refuser la lumière, pour ne pas entendre la rumeur qui emplit la rue! dédaigner la vie, si complexe, si changeante, matière première éternelle de toute pensée et de tout art, s'enfermer comme un alchimiste pour combiner l'Antiquité avec la Renaissance et analyser la poussière qui recouvre les chefs-d’œuvre! Quelle aridité intellectuelle! quelle inutilité, l'œuvre qui veut nous raconter le moyen-âge après les sculptures des cathédrales, l'œuvre qui veut nous raconter Florence et Venise après les Florentins et les Vénitiens, ou la Hollande après Rembrandt, ou le dix-huitième siècle français après ses peintres et ses dessinateurs! Il y a des chances pour que les nouveaux venus n'y réussissent pas si bien que leurs prédécesseurs, qui étaient mieux placés, semble-t-il, pour mener à bien la tâche et qui ne s'en sont pas trop mal tirés. Regardez donc autour de vous et faites pour votre pays et pour votre époque ce que les maîtres que vous honorez si maladroitement ont fait pour le sol sur lequel ils étaient nés et pour les hommes au milieu desquels ils vivaient. L'Histoire de l'impressionnisme s'achève par des notices sur Caillebotte et Georges de Bellio qui furent aussi les bienfaiteurs de leurs amis. De Bellio n'était pas peintre « mais il fut tout de même un producteur, à sa façon, puisqu'il fut l'ami de ces artistes, le conseiller, l'aide des mauvais jours » et à ce titre, c'était une œuvre de justice que faire revivre le nom de cet homme de bien dans l'Histoire de l'impressionnisme... C'est sur le nom de M. de Bellio que je termine ces
leurs prédécesseurs, qui étaient mieux placés, semble-t-il, pour mener à bien la tâche et qui ne s'en sont pas trop mal tirés. Regardez donc autour de vous et faites pour votre pays et pour votre époque ce que les maîtres que vous honorez si maladroitement ont fait pour le sol sur lequel ils étaient nés et pour les hommes au milieu desquels ils vivaient. L'Histoire de l'impressionnisme s'achève par des notices sur Caillebotte et Georges de Bellio qui furent aussi les bienfaiteurs de leurs amis. De Bellio n'était pas peintre « mais il fut tout de même un producteur, à sa façon, puisqu'il fut l'ami de ces artistes, le conseiller, l'aide des mauvais jours » et à ce titre, c'était une œuvre de justice que faire revivre le nom de cet homme de bien dans l'Histoire de l'impressionnisme... C'est sur le nom de M. de Bellio que je termine ces pages. Il me semble que ce nom achève en sérénité ce récit qui énumère tant d’activité et de luttes. Qu’il y ait eu, au cours de ce quart de siècle, entre ces hommes qui se rencontrèrent et s’unirent pour une action commune, des méfiances, des animosités, des séparations, des périodes de rupture, c’est probable et il n’y aurait rien là pour étonner. C’est le sort commun. Mais il suffit que quelques-uns se soient restés fidèles, se comptent encore à chaque tournant de route, donnent le même regret aux disparus. Pour eux, l’art n’a pas été seulement une divinité égoïste et dévorace : ils ont suivi et adoré sa beauté, mais ils ont vu aussi qu’ils étaient des hommes passagers, périssables, ils ont compris la grande dispersion des existences et des œuvres, l’évaporation de tous les efforts dans l’infini de l’espace, et ceux qui ont ressenti cela se sont gardés la belle amitié des jours de la jeunesse. Henry Nocque. L’Art et ses Procédés IMPRESSION A LA MAIN DES ESTAMPES JAPONAISES [Un rédacteur du « Studio » a intervenu un amateur Japonais sur les estampes de son pays. Nous extrayons de l’interview les lignes suivantes.] La plus-value des estampes japonaises, dont
de rupture, c’est probable et il n’y aurait rien là pour étonner. C’est le sort commun. Mais il suffit que quelques-uns se soient restés fidèles, se comptent encore à chaque tournant de route, donnent le même regret aux disparus. Pour eux, l’art n’a pas été seulement une divinité égoïste et dévorace : ils ont suivi et adoré sa beauté, mais ils ont vu aussi qu’ils étaient des hommes passagers, périssables, ils ont compris la grande dispersion des existences et des œuvres, l’évaporation de tous les efforts dans l’infini de l’espace, et ceux qui ont ressenti cela se sont gardés la belle amitié des jours de la jeunesse. Henry Nocque. L’Art et ses Procédés IMPRESSION A LA MAIN DES ESTAMPES JAPONAISES [Un rédacteur du « Studio » a intervenu un amateur Japonais sur les estampes de son pays. Nous extrayons de l’interview les lignes suivantes.] La plus-value des estampes japonaises, dont le prix a tellement augmenté depuis dix ou douze ans, pourrait faire croire que les graveurs japonais ne tirent de leurs planches qu’un nombre restreint d’épreuves. Au contraire, la planche peut donner deux ou trois cents copies, exactement comme ici. Les épreuves les plus estimées sont comprises dans une certaine série : après les dix ou douze premières, les cinquante suivantes sont reconnues les meilleures. La planche s’altère à l’usage, et il est facile à un amateur de reconnaître les premières des dernières épreuves. Qui fait ces impressions ? L’artiste graveur est-il lui-même son imprimeur ? Non, il n'y a chez nous trois personnes pour produire les estampes. Nous n'avois pas de Durer qui grave et imprime lui-même. La méthode est facile à décrire. L’artiste fait un dessin en tenant compte des conditions d’exécution, il le donne au graveur qui taille les lignes, et ensuite à l’imprimeur qui tire une épreuve en noir sur blanc et la soumet à l’artiste. Ce dernier, peint dans cette épreuve la première couleur et la remet au graveur qui grave la planche devant donner cette couleur. La planche retourne à l’imprimeur qui fait une seconde épreuve. On procède de même pour la deuxième couleur.
série : après les dix ou douze premières, les cinquante suivantes sont reconnues les meilleures. La planche s’altère à l’usage, et il est facile à un amateur de reconnaître les premières des dernières épreuves. Qui fait ces impressions ? L’artiste graveur est-il lui-même son imprimeur ? Non, il n'y a chez nous trois personnes pour produire les estampes. Nous n'avois pas de Durer qui grave et imprime lui-même. La méthode est facile à décrire. L’artiste fait un dessin en tenant compte des conditions d’exécution, il le donne au graveur qui taille les lignes, et ensuite à l’imprimeur qui tire une épreuve en noir sur blanc et la soumet à l’artiste. Ce dernier, peint dans cette épreuve la première couleur et la remet au graveur qui grave la planche devant donner cette couleur. La planche retourne à l’imprimeur qui fait une seconde épreuve. On procède de même pour la deuxième couleur. Il y a donc une planche pour chaque couleur, et s’il y a cinq couleurs dans une estampe, le graveur doit tailler cinq planches différentes. Parfois le travail est encore plus divisé. Dans le cas d’un portrait très soigné, la même planche peut passer dans les mains de deux ou trois graveurs, experts chacun dans l’art de traiter certaines parties. Ainsi l’un grave la figure, les mains, les pieds; un autre la racine des cheveux, sur le front !; un troisième les plis de la robe. En général, l’artiste instruit le graveur de la manière suivante : il peint la figure, contours et couleurs, la finit pour ainsi dire complètement, il la donne alors à son élève qui trace sur des feuilles différentes les contours de chaque couleur, et d’après ces feuilles, le graveur travaille. Pour imprimer, les Japonais n’emploient pas de presses ; c’est le véritable procédé, bien que l’on ait parfois montré des spécimens de gravures tirées sur une presse très primitive. Le principe européen est de fouler le papier sur la planche ; nous, nous appliquons le papier à la main et sans avoir recours à aucun procédé mécanique, nous appuyons plus ou moins, de façon à
trois graveurs, experts chacun dans l’art de traiter certaines parties. Ainsi l’un grave la figure, les mains, les pieds; un autre la racine des cheveux, sur le front !; un troisième les plis de la robe. En général, l’artiste instruit le graveur de la manière suivante : il peint la figure, contours et couleurs, la finit pour ainsi dire complètement, il la donne alors à son élève qui trace sur des feuilles différentes les contours de chaque couleur, et d’après ces feuilles, le graveur travaille. Pour imprimer, les Japonais n’emploient pas de presses ; c’est le véritable procédé, bien que l’on ait parfois montré des spécimens de gravures tirées sur une presse très primitive. Le principe européen est de fouler le papier sur la planche ; nous, nous appliquons le papier à la main et sans avoir recours à aucun procédé mécanique, nous appuyons plus ou moins, de façon à obtenir les tons fondus, et les dégradations qui sont un des grands charmes de l’estampe japonaise en couleur. L’outillage de l’imprimeur est très simple : il a devant lui deux panneaux de bois comme des planches à dessin, l’un est légèrement penché vers lui, c’est sur celui-ci qu’il travaille, l’autre est une table sur laquelle il mouille les feuilles successivement et les tient prêtes à recevoir la couleur. Les petits pots contenant les couleurs nécessaires, sont rangés tout autour de lui. Il commence par étendre un ton sur les parties du bois laissées en relief par le graveur; il se sert pour cet usage, d’une brosse un peu dure, et le tour de main dans l’emploi de ce pinceau est tout son art ; pour obtenir le ton dégradé que j’ai déjà dit, il prend la couleur d’un côté du pinceau, et trempe l'autre moitié dans l'eau. Il emploie aussi pour étendre la couleur, une mousseline tendue sur un petit cerceau emmanché qui pose la couleur plus régulièrement que la brosse ; cependant celle-ci est plus usitée. La seconde partie de l’opération consiste simplement à appliquer le papier sur la planche et la simple pression des doigts de l’ouvrier sur
est une table sur laquelle il mouille les feuilles successivement et les tient prêtes à recevoir la couleur. Les petits pots contenant les couleurs nécessaires, sont rangés tout autour de lui. Il commence par étendre un ton sur les parties du bois laissées en relief par le graveur; il se sert pour cet usage, d’une brosse un peu dure, et le tour de main dans l’emploi de ce pinceau est tout son art ; pour obtenir le ton dégradé que j’ai déjà dit, il prend la couleur d’un côté du pinceau, et trempe l'autre moitié dans l'eau. Il emploie aussi pour étendre la couleur, une mousseline tendue sur un petit cerceau emmanché qui pose la couleur plus régulièrement que la brosse ; cependant celle-ci est plus usitée. La seconde partie de l’opération consiste simplement à appliquer le papier sur la planche et la simple pression des doigts de l’ouvrier sur le papier suffit à faire absorber la couleur selon qu’il le désire. Très rarement l’imprimeur se sert de tampons, il applique très soigneusement le papier, et ceci demande autant d’intelligence que d’habileté manuelle : l’ouvrier doit être aussi un artiste. Et le charme de ces impressions est dû en grande partie au soin précieux de leur exécution ; le repérage est tellement exact qu’il est impossible de voir, même à la loupe, une couleur dépassant sur une autre. L’éclat prodigieux des couleurs est un des rares mérites de l’estampe japonaise : les couleurs sont broyées au moment de s’en servir dans de petits mortiers, et délayées dans de l’eau froide, excepté le violet qui demande de l’eau bouillante ; on y ajoute une petite quantité d’alun et de colle. Pour garantir le brillant des couleurs, il est d’usage de passer sur la planche une petite couche de pâle de riz avant d’étendre la couleur. L’artiste contrôle et dirige tous les procédés de l’imprimeur. La palette est ainsi composée : jaune clair — châtain foncé -— brun rouge — orange clair — mastic — blanc — blanc d’argent — vermillon — violet brillant — noir — laque foncée. Ordinairement, la dernière
partie au soin précieux de leur exécution ; le repérage est tellement exact qu’il est impossible de voir, même à la loupe, une couleur dépassant sur une autre. L’éclat prodigieux des couleurs est un des rares mérites de l’estampe japonaise : les couleurs sont broyées au moment de s’en servir dans de petits mortiers, et délayées dans de l’eau froide, excepté le violet qui demande de l’eau bouillante ; on y ajoute une petite quantité d’alun et de colle. Pour garantir le brillant des couleurs, il est d’usage de passer sur la planche une petite couche de pâle de riz avant d’étendre la couleur. L’artiste contrôle et dirige tous les procédés de l’imprimeur. La palette est ainsi composée : jaune clair — châtain foncé -— brun rouge — orange clair — mastic — blanc — blanc d’argent — vermillon — violet brillant — noir — laque foncée. Ordinairement, la dernière couleur mise, est un pigment dont la préparation est une invention inconnue, comme il arrive fréquemment au Japon, pays des commerces secrets. MOTS D’ARTISTES Eternellement vrai. — Deux artistes (tous deux sont morts aujourd’hui) discutaient un jour non loin de nous dans un musée : « C'est assez curieux, disait l’un, on ne voit plus maintenant dans les musées, toutes ces bonnes têtes de vieux cormorniers qu’on y rencontrait constamment autrefois, quand nous étions jeunes. » L’autre, c’était M. D***, un sculpteur de grand talent et un homme d’esprit, dont plusieurs des mots resteront : « Ah ! oui, quand nous étions jeunes, nous voyions cela ! » répondit-il, « et maintenant nous ne le voyons plus, c’est parce que c’est nous, les vieux cormorniers ! » Autographe : Art et la presse Bonne mesure. Du « Jour » : On a parlé de l’admirable statue de la Misère que le sculpteur Desbois avait envoyée au Salon du Champ-de-Mars ; nos lecteurs se rappellent l’impression de profonde et philosophique horreur qu’excitait la vue de ce corps las et flasque, et l’effroi qui naissait de ce visage décharné, squelettique, dont les yeux caves projetaient des regards allumés par la faim et
l’un, on ne voit plus maintenant dans les musées, toutes ces bonnes têtes de vieux cormorniers qu’on y rencontrait constamment autrefois, quand nous étions jeunes. » L’autre, c’était M. D***, un sculpteur de grand talent et un homme d’esprit, dont plusieurs des mots resteront : « Ah ! oui, quand nous étions jeunes, nous voyions cela ! » répondit-il, « et maintenant nous ne le voyons plus, c’est parce que c’est nous, les vieux cormorniers ! » Autographe : Art et la presse Bonne mesure. Du « Jour » : On a parlé de l’admirable statue de la Misère que le sculpteur Desbois avait envoyée au Salon du Champ-de-Mars ; nos lecteurs se rappellent l’impression de profonde et philosophique horreur qu’excitait la vue de ce corps las et flasque, et l’effroi qui naissait de ce visage décharné, squelettique, dont les yeux caves projetaient des regards allumés par la faim et la fièvre. Jamais peut-être elles n’avaient été exprimées avec un art aussi douloureux et impitoyable, les tares dont les souffrances et les maladies souillent la majesté du corps humain. Nous apprenons aujourd’hui que M. le directeur des Beaux-Arts vient de commander à l’artiste l’exécution en bois de la Misère. Grâce à cette admirable substance où, parmi les fibres et les veines, les souplesses et les colorations peuvent se multiplier, se nuancer à l’infini, Desbois, avec son métier si sûr, fera prendre à son allégorie encore plus d’intense grandeur. Et peut-être, grâce à lui, le culte de cette matière, si injustement délaissée par nos artistes contemporains, refleurira-t-il chez nous : elle était si chère aux vieux tailleurs d’images français, si chère aux sculpteurs de l’école dijonnaise, à Ligier Richier qui l’employait pour son incomparable Christ entre les larrons, de Bar-le-Duc. Il faut féliciter l’artiste. Il faut aussi féliciter très chaleureusement M. Henri Roujon pour cette commande qui honore grandement son initiative et son sens artistique. Jean Dampt. Du « Bien Public » de Dijon : Né à Venarey (Côte-d'Or), il y a une quarantaine d’années, j’imagine, Dampt est un élève de cette inépuisable Ecole dijonnaise qui, depuis plus d’un siècle, ne
à cette admirable substance où, parmi les fibres et les veines, les souplesses et les colorations peuvent se multiplier, se nuancer à l’infini, Desbois, avec son métier si sûr, fera prendre à son allégorie encore plus d’intense grandeur. Et peut-être, grâce à lui, le culte de cette matière, si injustement délaissée par nos artistes contemporains, refleurira-t-il chez nous : elle était si chère aux vieux tailleurs d’images français, si chère aux sculpteurs de l’école dijonnaise, à Ligier Richier qui l’employait pour son incomparable Christ entre les larrons, de Bar-le-Duc. Il faut féliciter l’artiste. Il faut aussi féliciter très chaleureusement M. Henri Roujon pour cette commande qui honore grandement son initiative et son sens artistique. Jean Dampt. Du « Bien Public » de Dijon : Né à Venarey (Côte-d'Or), il y a une quarantaine d’années, j’imagine, Dampt est un élève de cette inépuisable Ecole dijonnaise qui, depuis plus d’un siècle, ne cesse de fournir à l’art français des sculpteurs. Et c’est là un caractère bien frappant de la race bourguignonne qui produit cent prosateurs pour un poète, dix sculpteurs pour un peintre, des éloquents à foison, des délicats plus rarement, des hommes de science tant qu’on en veut ; la Côte-d’Or n’est-elle pas un des quatre départements qui donnent le plus d'élèves à cette Ecole polytechnique, créée par des Bourguignons, Carnot, Monge et Prieur de la Côte-d’Or ? Pour en revenir à Dampt, il a été commencé fortement par M. François Dameron, le premier maître de Gascq, un grand prix de Rome d’Auban, retenez ce nom promis à la célébrité, et de bien d’autres. A Paris, il a travaillé sous Jouffroy, son ancien à l’école de Dijon, puis sous M. Paul Dubois, l’auteur des figures héroïques du tombeau de Lamoricière, et du Chanteur florentin, cette équivalence en marbre du Cantant de Coppée. Au salon de 1879, il a une seconde médaille, une première en 1881, pour son Saint-Jean, et le voilà désormais hors concours ; en 1882, il obtient une bourse de voyage, enfin l’exposition universelle de 1889 lui vaut à la fois une médaille d'or et la croix de la
n’est-elle pas un des quatre départements qui donnent le plus d'élèves à cette Ecole polytechnique, créée par des Bourguignons, Carnot, Monge et Prieur de la Côte-d’Or ? Pour en revenir à Dampt, il a été commencé fortement par M. François Dameron, le premier maître de Gascq, un grand prix de Rome d’Auban, retenez ce nom promis à la célébrité, et de bien d’autres. A Paris, il a travaillé sous Jouffroy, son ancien à l’école de Dijon, puis sous M. Paul Dubois, l’auteur des figures héroïques du tombeau de Lamoricière, et du Chanteur florentin, cette équivalence en marbre du Cantant de Coppée. Au salon de 1879, il a une seconde médaille, une première en 1881, pour son Saint-Jean, et le voilà désormais hors concours ; en 1882, il obtient une bourse de voyage, enfin l’exposition universelle de 1889 lui vaut à la fois une médaille d'or et la croix de la Légion d’honneur. Depuis qu’une scission s'est opérée dans la grande famille des artistes français, il expose au Champ-de-Mars, avec la phalange des chercheurs, des audacieux, des téméraires, si l’on veut, mais de quel nom qu’on les nomme, de tous ceux que l’horreur du convenu et du connu jette éperdument dans les voies vierges de l’idée, de la couleur et de la forme. Cette année, il a exposé un groupe minuscule, en ivoire et acier, Mellisine et le Chevalier, CÉDANT les Expositions et Concours EXPOSITIONS OUVERTES PARIS. — Exposition du groupe néo-impressionniste, 20, rue Laffitte. PARIS. — Concours pour l'admission à l’Ecole de dessin du service géographique de l’Armée. Examens après avis les 16, 17 et 18 août. Conditions d’admission et programme de l’Ecole à l’Officiel du 20 avril. Délais périmés pour les demandes. PARIS. — Galerie Le Rare de Boutteville, 47, rue Le Peletier. Exposition impressionniste et symboliste. PARIS. — La Plume-Salon consacré aux études d’après nature rapportées par les artistes de leurs villégiatures, à partir du 15 juillet (momentanément fermé). PARIS. — Exposition du Livre au Palais de l’Industrie, du 23 juillet à décembre 1894. PARIS. — Ecole des Beaux-Arts, 5 et 7 août. Exposition des Envois d’Architecture du
les voies vierges de l’idée, de la couleur et de la forme. Cette année, il a exposé un groupe minuscule, en ivoire et acier, Mellisine et le Chevalier, CÉDANT les Expositions et Concours EXPOSITIONS OUVERTES PARIS. — Exposition du groupe néo-impressionniste, 20, rue Laffitte. PARIS. — Concours pour l'admission à l’Ecole de dessin du service géographique de l’Armée. Examens après avis les 16, 17 et 18 août. Conditions d’admission et programme de l’Ecole à l’Officiel du 20 avril. Délais périmés pour les demandes. PARIS. — Galerie Le Rare de Boutteville, 47, rue Le Peletier. Exposition impressionniste et symboliste. PARIS. — La Plume-Salon consacré aux études d’après nature rapportées par les artistes de leurs villégiatures, à partir du 15 juillet (momentanément fermé). PARIS. — Exposition du Livre au Palais de l’Industrie, du 23 juillet à décembre 1894. PARIS. — Ecole des Beaux-Arts, 5 et 7 août. Exposition des Envois d’Architecture du Concours de Rome. PARIS. — Ministère du Commerce et de l’Industrie. Concours pour l’emploi de professeur de dessin et de technologie à l’Ecole des Arts et Métiers de Châlons. Adresser les demandes jusqu’au 5 octobre 1894. Ouverture le 8 octobre. PARIS. — Musée Guimet. Exposition d’objets chinois et japonais, appartenant à M. Vapereau. PARIS. — Ecole Boulle, 25, rue de Reuilly. Exposition des travaux des élèves à la fin de leur stage. ANVERS. — Exposition universelle des Beaux-Arts, du 5 mai au 12 novembre 1894. ARCACHON. — Exposition du 15 juillet au 30 septembre dans le Grand Hall de Publicité. BLOIS. — Exposition des Beaux-Arts. BORDEAUX. — Musée des tableaux, galerie Nord. Exposition les 5 et 6 août des esquisses pour la décoration d’un panneau de la salle des mariages. BARBIZON. — Maison Siron. Exposition de peinture jusqu’à fin septembre. BLANKENBERGE (Belgique). — Société royale des Sauveteurs de Belgique. Exposition des Beaux-Arts, du 22 juillet au 15 septembre 1894. BESANÇON. — Société franc-comtoise d’encouragement aux Beaux-Arts et aux Industries d’art. Exposition de broderies et de dentelles d’art, du 26 juillet au 16 août 1894. (Voir Journal des Artistes du 8 juillet). BRUXELLES. — Concours de l'Académie royale (gravure et sculpture).