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qu'elle joue seule et avec fantaisie. Le vrai Paris donna l'occasion à Saint-Granier de déployer toute sa verve et de montrer son sourire qui entendrait les rires, et sa partenaire Ginda Glenn fut plus briéville que jamais dans ses imitations. Enfin, Charpini et Brancato qui, suivant leur habitude, mirent la salle en joie. À la sortie, une de nos plus fins humoristes nous déclarait : « L'habit ne fait pas seulement le moine, il fait aussi le Parisien ». Puissent les Parisiens en être convaincus. J. DELINI. MARIE DUBAS échappe à un accident Allant de Marseille à Nice après avoir chanté à Montpellier, Mlle Marie Dubas a failli être victime, près de Brignoles, d'un grave accident d'automobile, sa voiture, par suite d'un embarras de la route, étant allée heurter une autre voiture qui venait de s'arrêter brusquement devant elle. Fort heureusement, Mlle Marie Dubas, ainsi que les autres occupants des deux voitures, s'en tirèrent avec quelques légères contusions et la grande fantaisiste put immédiatement reprendre sa route vers Nice. LA CHIMIE EN DEUIL M. Rudolf Wegsollider, membre de l'Académie des Sciences de Vienne et de nombreuses autres sociétés savantes, vient de mourir à l'âge de 76 ans. Il avait représenté l'Autriche au Congrès de la Maison de la Chimie à Paris en 1927. VALERIEN SVETLOFF Grand ami de la Danse par Serge LIFAR. Un grand lettré russe, écrivain et critique éminent, Valentin Svetloff est éteint doucement dans sa 73e année, à l'Hôpital américain de Neuilly. La perte que j'éprouve m'est si pénible que je ne parviens pas à me recueillir, à ordonner le cours de mes pensées. Je ne peux pas, je ne veux pas croire à la mort de celui qui demeurera toujours vivant pour moi. Nous tous, ses proches, ses amis, nous sommes si cruellement atteints par ce deuil que rien ne peut nous consoler, pas même la certitude que son nom survivra ainsi que son œuvre dans l'histoire du développement de la culture intellectuelle et artistique de la Russie et de tout l'Univers. V. Svetoff Itchenko débute dans la vie en tant que modeste officier dans le
l'Autriche au Congrès de la Maison de la Chimie à Paris en 1927. VALERIEN SVETLOFF Grand ami de la Danse par Serge LIFAR. Un grand lettré russe, écrivain et critique éminent, Valentin Svetloff est éteint doucement dans sa 73e année, à l'Hôpital américain de Neuilly. La perte que j'éprouve m'est si pénible que je ne parviens pas à me recueillir, à ordonner le cours de mes pensées. Je ne peux pas, je ne veux pas croire à la mort de celui qui demeurera toujours vivant pour moi. Nous tous, ses proches, ses amis, nous sommes si cruellement atteints par ce deuil que rien ne peut nous consoler, pas même la certitude que son nom survivra ainsi que son œuvre dans l'histoire du développement de la culture intellectuelle et artistique de la Russie et de tout l'Univers. V. Svetoff Itchenko débute dans la vie en tant que modeste officier dans le Caucase. Sa structure spirituelle, si sensible et si délicate, trouve une première expression dans ses contes et nouvelles caucasiens, réunies parues en 1891 à Saint-Pétersbourg qui attirèrent sur lui l'attention du public et lui valurent un succès largement mérité. Mais son œuvre littéraire ne devait pas en rester là. Par la suite le sort éleva à des sommets celui que nous pleurons, en fit un guide et un inspirateur avisé du peuple russe : Svetloff devint rédacteur en chef de la Niva, le seul journal russe qui est une expansion et une importance exceptionnelles, qui ait été lu par toutes les classes et qui ait servi à l'éducation de plusieurs générations. En plus de cette passion littéraire, il avait une autre passion : celle du ballet. Oui, il n'était pas un balantomane — comme ce mot est impropre, appliqué à ceux qui aiment la danse ! — mais un passionné de l'art chorégraphique. Il ne manquait pas une représentation : il est aussi malaisé de s'imaginer Svetloff n'assistant pas à un spectacle de ballet au Théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg, que de se l'imaginer assistant une de nos opérations à l'Opéra en 1934. Il devient donc critique chorégraphique. En 1906, il
la suite le sort éleva à des sommets celui que nous pleurons, en fit un guide et un inspirateur avisé du peuple russe : Svetloff devint rédacteur en chef de la Niva, le seul journal russe qui est une expansion et une importance exceptionnelles, qui ait été lu par toutes les classes et qui ait servi à l'éducation de plusieurs générations. En plus de cette passion littéraire, il avait une autre passion : celle du ballet. Oui, il n'était pas un balantomane — comme ce mot est impropre, appliqué à ceux qui aiment la danse ! — mais un passionné de l'art chorégraphique. Il ne manquait pas une représentation : il est aussi malaisé de s'imaginer Svetloff n'assistant pas à un spectacle de ballet au Théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg, que de se l'imaginer assistant une de nos opérations à l'Opéra en 1934. Il devient donc critique chorégraphique. En 1906, il fait un recueil de ses articles et de ses remarques sur le ballet, qu'il édite sous le titre de Terpsichore. Ce recueil ne manqua pas d'être aussitôt le livre de chevet des danseurs et des danseuses russes qui, tous, aimaient Svetloff et voyaient en lui un maître sensible et attentif. Nous, les artistes, nous connaissons et nous aimons différemment deux espèces de critiques. Nous sommes reconnaissants aux premiers dont les critiques sévères nous font voir nos erreurs, mais nous aimons vraiment les seconds, ceux qui, par leurs écrits, propagent l'amour de notre art, ceux qui ne prennent la plume que pour partager avec le lecteur et lui communiquer la joie sublime et troublante que leur a donnée notre art, créant une sorte de voie, de pont qui joint la scène au spectateur. V. Svetloff fut un de ces amis : il se réjouissait de nos victoires et était sincèrement accablé lors de nos défaites. En 1911 il publia en collaboration avec Léon Bakst son fameux livre, — le plus fameux, peut-être qui soit paru depuis un quart de siècle : Le ballet contemporain. Lacune impardonnable, ce volume qui n'a rien perdu de son intérêt, ni de son actualité, n'a pas
Nous, les artistes, nous connaissons et nous aimons différemment deux espèces de critiques. Nous sommes reconnaissants aux premiers dont les critiques sévères nous font voir nos erreurs, mais nous aimons vraiment les seconds, ceux qui, par leurs écrits, propagent l'amour de notre art, ceux qui ne prennent la plume que pour partager avec le lecteur et lui communiquer la joie sublime et troublante que leur a donnée notre art, créant une sorte de voie, de pont qui joint la scène au spectateur. V. Svetloff fut un de ces amis : il se réjouissait de nos victoires et était sincèrement accablé lors de nos défaites. En 1911 il publia en collaboration avec Léon Bakst son fameux livre, — le plus fameux, peut-être qui soit paru depuis un quart de siècle : Le ballet contemporain. Lacune impardonnable, ce volume qui n'a rien perdu de son intérêt, ni de son actualité, n'a pas été traduit en français. Après une vie longue, riche de recherches passée en Russie, Svetloff se trouva chassé de son pays par la tourmente révolutionnaire. C'est à Paris que je le rencontrai en 1923. Je fis sa connaissance et nous nous liaâmes aussitôt d'amitié. Il avait déjà dépassé la soixantaine, mais la vie ne l'avait pas lassé et c'était toujours avec la même jeunesse, la même fraîcheur d'esprit qu'il se réjouissait des succès de notre art. À l'époque où je le connus, il préparait son livre célèbre sur Anna Pavlova. J'ai fait l'honneur de parler de la danse artistique, avec un tel feu que j'avais peine à croire à son âge avancé. Ses cheveux avaient blanchi, sa sagesse et sa pénétration s’étaient enrichies d’une longue expérience, mais la vivacité de ses impressions n’avait pas été flétrie et c’était avec un esprit perpétuellement jeune, frais et moderne qu’il concevait toutes les nouveautés chorégraphiques. Ce fut avec un tel engouement et un tel amour qu’il m’accueillit : il me donna la joie d’une critique bienveillante et compréhensive. Jusqu’à ses derniers instants il garda sa clairvoyance. Je m’attriste de ne pouvoir lire le volume historique sur le ballet russe, auquel il travaillait ces
mais la vie ne l'avait pas lassé et c'était toujours avec la même jeunesse, la même fraîcheur d'esprit qu'il se réjouissait des succès de notre art. À l'époque où je le connus, il préparait son livre célèbre sur Anna Pavlova. J'ai fait l'honneur de parler de la danse artistique, avec un tel feu que j'avais peine à croire à son âge avancé. Ses cheveux avaient blanchi, sa sagesse et sa pénétration s’étaient enrichies d’une longue expérience, mais la vivacité de ses impressions n’avait pas été flétrie et c’était avec un esprit perpétuellement jeune, frais et moderne qu’il concevait toutes les nouveautés chorégraphiques. Ce fut avec un tel engouement et un tel amour qu’il m’accueillit : il me donna la joie d’une critique bienveillante et compréhensive. Jusqu’à ses derniers instants il garda sa clairvoyance. Je m’attriste de ne pouvoir lire le volume historique sur le ballet russe, auquel il travaillait ces derniers temps et que la mort a brutalement interrompu : De Feltipa à nos jours. Mais qu’est-ce que cela en comparaison de la douleur de ne plus jamais voir son sourire si bon et si clair ? Serge LIFAR, Maître de ballet, premier danseur de l’Opéra. AUX MATHURINS Ce soir, on improvise sur un thème de Luigi Pirandello, adaptation française du scénario par Benjamin Crémieux sous la direction de G. Pitoëff par Pierre SCIZE. Depuis l’inoubliable soirée qui, avec les Six Personnages, nous révéla l’univers pirandellien, on sait, en gros, que Ledit univers est essentiellement cérébral et que son auteur nie jusqu’à l’existence du réel, tant que ce réel n’est pas pensé, c’est là l’idée élaborée par une intelligence. Pirandello estime, je pense, que si la lumière de l’esprit quittait le monde, ce monde ne lui survivrait pas, sombrerait tout entier, aboli, effacé, sans être et sans mémoire. C’est un peu la position du vieux Socrate d’Élée. Face à lui il se trouvera toujours, à l’autre pôle, des Achille prêts à prouver le mouvement, en marchant. Mais enfin, il n’est pas de vue plus poétique, plus idéale, de l’aventure humaine, que la vue pirandellienne. Soutenir que rien n’existe, en dehors
on improvise sur un thème de Luigi Pirandello, adaptation française du scénario par Benjamin Crémieux sous la direction de G. Pitoëff par Pierre SCIZE. Depuis l’inoubliable soirée qui, avec les Six Personnages, nous révéla l’univers pirandellien, on sait, en gros, que Ledit univers est essentiellement cérébral et que son auteur nie jusqu’à l’existence du réel, tant que ce réel n’est pas pensé, c’est là l’idée élaborée par une intelligence. Pirandello estime, je pense, que si la lumière de l’esprit quittait le monde, ce monde ne lui survivrait pas, sombrerait tout entier, aboli, effacé, sans être et sans mémoire. C’est un peu la position du vieux Socrate d’Élée. Face à lui il se trouvera toujours, à l’autre pôle, des Achille prêts à prouver le mouvement, en marchant. Mais enfin, il n’est pas de vue plus poétique, plus idéale, de l’aventure humaine, que la vue pirandellienne. Soutenir que rien n’existe, en dehors de ce que découvre et crée notre cerveau, c’est peut-être de l’orgueil ; on imagine le rire des Olympiens découvrant cette vanité chez leur créature. Mais cette vanité, du moins, fait briller une parcelle d’or pur dans notre limon. Et Pirandello répondrait que les dieux sont les créatures des hommes. Toute cette philosophie tiendrait en peu de mots, n’étaient les exemples dont il en fortifie ses axiomes. Quand Wilde habillant en paradoxe une éternelle vérité première se fut écrié : « La vie imite l’Art », il l’aurait tenu le pirandellisme en quatre mots, — l’Art, étant mis ici, naturellement pour l’esprit, pour l’intelligence. Seul, il y a les exemples ! Une fécondité, une imaginerie, une habileté infinies, Luigi Pirandello, depuis trente ans, ne cesse d’en trouver de nouveaux, plus ingénieux et saisissants les uns que les autres. Ce postulat d’où pouvaient sortir de pesantes digressions, d’ennuyeux discours, le magicien d’Italie l’a illustré avec des contes captivants, des pièces bien agencées, qui ont sur les esprits les plus médiocres une prise directe, qui font penser longtemps après qu’on a fermé le livre ou quitté le théâtre, et qui, tous, nous proposent un jeu, ou pathétique, ou amusant, et où, le
Toute cette philosophie tiendrait en peu de mots, n’étaient les exemples dont il en fortifie ses axiomes. Quand Wilde habillant en paradoxe une éternelle vérité première se fut écrié : « La vie imite l’Art », il l’aurait tenu le pirandellisme en quatre mots, — l’Art, étant mis ici, naturellement pour l’esprit, pour l’intelligence. Seul, il y a les exemples ! Une fécondité, une imaginerie, une habileté infinies, Luigi Pirandello, depuis trente ans, ne cesse d’en trouver de nouveaux, plus ingénieux et saisissants les uns que les autres. Ce postulat d’où pouvaient sortir de pesantes digressions, d’ennuyeux discours, le magicien d’Italie l’a illustré avec des contes captivants, des pièces bien agencées, qui ont sur les esprits les plus médiocres une prise directe, qui font penser longtemps après qu’on a fermé le livre ou quitté le théâtre, et qui, tous, nous proposent un jeu, ou pathétique, ou amusant, et où, le plus souvent se mêlent ces deux genres. On n’insistera jamais trop sur la miraculeuse habileté de cet art, sur ce don de rendre charnelles les plus sèches abstraction. C’est très exactement, je crois, le difficile métier du vaudevilliste — mais du grand, de Feydeau par exemple appliqué à un objet grave et même sérieux. Dans Ce soir on improvise, le prestigieux manipulateur de marionnettes, outre son thème favori, a voulu nous montrer les ficelles de son théâtre. C’est les Six Personnages vus de l’intérieur : une troupe d’acteurs à ce point habités par le drame qu’ils interprètent, que leur personnalité réelle s’abolit, disparaît, et que la fable quitte peu à peu le théâtre pour devenir une surréalité, plus vraie que la vraie. C’est du Pirandello à la puissance dix : du concentré, de l’extrait pour le mouchoir. Il y a deux pièces dans une. La première, celle d’une compagnie de comédiens qui a résolu de jouer sur scénario, en improvisant, « à la cantine » comme disent les acteurs du Théâtre Chichelet, une suggestion de Pirandello. La scène, c’est le drame même qu’ils essayent d’interpréter. Les deux thèmes se mêlent, se coupent, s’enchevrotent. Tantôt nous sommes au théâtre et tantôt
grave et même sérieux. Dans Ce soir on improvise, le prestigieux manipulateur de marionnettes, outre son thème favori, a voulu nous montrer les ficelles de son théâtre. C’est les Six Personnages vus de l’intérieur : une troupe d’acteurs à ce point habités par le drame qu’ils interprètent, que leur personnalité réelle s’abolit, disparaît, et que la fable quitte peu à peu le théâtre pour devenir une surréalité, plus vraie que la vraie. C’est du Pirandello à la puissance dix : du concentré, de l’extrait pour le mouchoir. Il y a deux pièces dans une. La première, celle d’une compagnie de comédiens qui a résolu de jouer sur scénario, en improvisant, « à la cantine » comme disent les acteurs du Théâtre Chichelet, une suggestion de Pirandello. La scène, c’est le drame même qu’ils essayent d’interpréter. Les deux thèmes se mêlent, se coupent, s’enchevrotent. Tantôt nous sommes au théâtre et tantôt dans la vie supérieure du drame. On passe sans cesse de l’un à l’autre plan. Aux instants les plus pathétiques du drame, soudain l’acteur reparaît sous le personnage qu’il joue et intervient « en tant que tel » comme on ne dit plus à Montparnasse. Il en résulte un spectacle incroyablement divers, qui ne se peut raconter, et où le spectateur a l’air d’être en trop, d’être indiscret, (Je me suis fourvoyé à une répétition. Et c’est cela, c’est ce mot venu par hasard sous ma plume, qui explique tout : Répétition. Il règne dans toute l’œuvre ce climat magique des répétitions théâtrales, où s’enchevrotent, à la pièce qu’on travaille, les soucis personnels des Acteurs, où chacun est double, à la fois son personnage et son individu. Climat féerique qui participe un peu de la douce incohérence des rêves et que connaissent, oui les comédiens. Peu à peu, les individus sont dévorés par les personnages. La prestance de l'esprit est la plus forte. Le monde réel s’évanouit. Il n’y a plus de vrai que le monde idéal créé par le poète. Oh cher et grand Pirandello ! ô prodigue ! ô gaspilleur ! Le drame de la jalousie de Enrico
incroyablement divers, qui ne se peut raconter, et où le spectateur a l’air d’être en trop, d’être indiscret, (Je me suis fourvoyé à une répétition. Et c’est cela, c’est ce mot venu par hasard sous ma plume, qui explique tout : Répétition. Il règne dans toute l’œuvre ce climat magique des répétitions théâtrales, où s’enchevrotent, à la pièce qu’on travaille, les soucis personnels des Acteurs, où chacun est double, à la fois son personnage et son individu. Climat féerique qui participe un peu de la douce incohérence des rêves et que connaissent, oui les comédiens. Peu à peu, les individus sont dévorés par les personnages. La prestance de l'esprit est la plus forte. Le monde réel s’évanouit. Il n’y a plus de vrai que le monde idéal créé par le poète. Oh cher et grand Pirandello ! ô prodigue ! ô gaspilleur ! Le drame de la jalousie de Enrico Verri, de la douloureuse Mimi, de ses frivoles sœurs, de leur mère facile, et indulgente, de leur père hébété sentimental, et de leurs compagnons galants et dissolus, eût suffi à tout autre pour nourrir une pièce habile et fortement charpentée. Mais lui ne s’en est point contenté. Ecrire des drames excellents c’est trop facile ! Peut-être. Quand on est Pirandello on écrit le drame du drame, puis celui des interprètes et (peut-être même la comédie de ces drames. Et le miracle c’est que tant de fils entrecroisés, et multicotés, ne viennent jamais brouiller le dessin de chaque partie. Tout nous demeure clair, net, sans bavures. Comme on comprend que cette intelligence adamantine ait. dans un éclair accouché de cette théorie de la primauté du spirituel. C'est l'homme qu'elle se rendait. L'interprétation M. Pitoëff, qui ne figure pas à la Distribution, paraît d'abord sur le proscenium et ses premiers mots sont pour dire : « Ce soir, je ne joue pas. » En langage pirandellien, cela signifie qu'il va au contraire jouer, et beaucoup. En effet, il mène le jeu avec une charmante désinvolte et sa présence à l'écran est aussi nécessaire au drame que l'eau aux poissons. Ce Scapin en
excellents c’est trop facile ! Peut-être. Quand on est Pirandello on écrit le drame du drame, puis celui des interprètes et (peut-être même la comédie de ces drames. Et le miracle c’est que tant de fils entrecroisés, et multicotés, ne viennent jamais brouiller le dessin de chaque partie. Tout nous demeure clair, net, sans bavures. Comme on comprend que cette intelligence adamantine ait. dans un éclair accouché de cette théorie de la primauté du spirituel. C'est l'homme qu'elle se rendait. L'interprétation M. Pitoëff, qui ne figure pas à la Distribution, paraît d'abord sur le proscenium et ses premiers mots sont pour dire : « Ce soir, je ne joue pas. » En langage pirandellien, cela signifie qu'il va au contraire jouer, et beaucoup. En effet, il mène le jeu avec une charmante désinvolte et sa présence à l'écran est aussi nécessaire au drame que l'eau aux poissons. Ce Scapin en habit noir, Georges Pitoëff le joue à merveille, tout en ne le jouant pas, mais en le jouant tout de même. C'est le personnage type du directeur-metteur en scène. Vers le milieu de la comédie, ses acteurs le mettent à la porte gentiment, mais fermement. Lui parti, ils poussent un : ouf! de soulagement. -C'est vous dire que ce personnage (qui n'en est pas un), était assez encombrant, (bien que ne figurant pas à la distribution). Le masque de Pitoëff, son sourire, sont le plus mystérieux du monde. Dans la distribution proprement dite, il faut mettre hors de pair quatre acteurs. Ce sont Ludmilla Pitoëff, naturellement, Emile Drain, Samson Fainsilber, Mady Berry. Mme Pitoëff a réalisé dans Mimi un des ordinaires tours de force. À la fois irréelle et véridique, tantôt simple comme la vie, tantôt semblant agir en proie aux transes somnambuliques, elle porte sans fléchir un rôle difficile. Au dernier acte on la maquille en scène, -sous nos yeux : un sourcilleux de poudre au visage, aux cheveux, le carmake des lèvres un peu pâle, et soudain, de la brillante jeune fille qui était là surgit une recluse hagarde, à bout de résistance, vieillie de vingt ans. Aucun
: ouf! de soulagement. -C'est vous dire que ce personnage (qui n'en est pas un), était assez encombrant, (bien que ne figurant pas à la distribution). Le masque de Pitoëff, son sourire, sont le plus mystérieux du monde. Dans la distribution proprement dite, il faut mettre hors de pair quatre acteurs. Ce sont Ludmilla Pitoëff, naturellement, Emile Drain, Samson Fainsilber, Mady Berry. Mme Pitoëff a réalisé dans Mimi un des ordinaires tours de force. À la fois irréelle et véridique, tantôt simple comme la vie, tantôt semblant agir en proie aux transes somnambuliques, elle porte sans fléchir un rôle difficile. Au dernier acte on la maquille en scène, -sous nos yeux : un sourcilleux de poudre au visage, aux cheveux, le carmake des lèvres un peu pâle, et soudain, de la brillante jeune fille qui était là surgit une recluse hagarde, à bout de résistance, vieillie de vingt ans. Aucun grimace n'a jamais pu transformer ainsi un visage. Chez Mme Pitoëff c'est l'âme qui modèle les traits. Sa mort émeut les spectateurs les plus durs : sa mort simulée d'actrice. Et après sa mort, elle feint un évanouissement qui, celui-là, semble si réel qu'en dépit de la gymnastique cérébrale imposée par l'auteur depuis le commencement du jeu, bien des gens s'y sont laissé prendre et ont cru qu'elle était réellement souffrante. Et cela aussi est très pirandellien. Emile Drain joue admirablement le personnage du père et celui d'Emile Drain. Il passe d'un à l'autre, il s'imite lui-même avec beaucoup d'habileté. Sa mort, qui n'est pas sa mort, qui est sa mort telle qu'il aurait pu la jouer si ... oh! ma tête ! est un moment savoureux de la soirée. Samson Fainsilber a de la flamme, un manque farouche, un tempérament qui fait craquer de toute part les personnages modernes qu'il interprète. Il lui faudrait la folie, les oracles, les présages, les Euménides; c'est un tragédien à la mesure d'Eschyle. Je lisais, avant-hier, qu'il n'y en avait plus ! c'est qu'on a pas bien regardé. Son rôle, un peu trop juste pour sa taille, il l'emplit d'un souffle fauve, de