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notes les plus poussiéreuses pour retrouver les noms de Pierre et Catherine, du Brasseur de Preston et du Fidèle Berger. Pour le reste, consultez les diverses encyclopédies musicales ou autres, vous n'en saurez pas davantage: etiam perierat ruina ; les noms à peine survivent, des musiques il n'est plus question. Le Postillon de Longjumeau date de 1836 (l'année glorieuse entre toutes qui vit naître les Huguenots). Vous plaît-il de connaître la trame du scénario dessiné par MM. Adolphe de Leuwen et Brunswick. Ce n'est ni très fort, ni très compliqué. Un jeune postillon, beau comme les amours, se marie avec une petite paysanne qui l'adore. D'ailleurs, toutes les femmes l'adorent, et c'est lui-même qui prend soin de nous en instruire. Mais comme on achève de célébrer les noces, et au moment où l'heureux époux, qui vient d'ailleurs de manifester, des regrets aussi vifs que déplacés pour sa feuille de vie de garçon, va rejoindre sa conjointe, arrive un seigneur dont la chaise de poste verse au tournant prochain. Il va falloir que le postillon monte en selle dès que Biju, le charron, aura remis la Voiture en état. Mais, en attendant, il chante aux invités de la noce, l'histoire du « Postillon de Longjumeau ». Il se trouve que sa voix possède les plus rares qualités propres à pousser aux sommets de la gloire un ténor d'opéra. Tout justement, le gentilhomme de la chaise est le surintendant des plaisirs de Sa Majesté Louis XV, à la recherche d'un premier rôle pour le théâtre du roi. Il engage séance tenante le galant postillon qui, après s'être fait prier, tout juste autant qu'il convenait, abandonne sa femme, qui ne l'est pas encore tout à fait, et s'en va chercher la gloire à Paris. Dix ans après (fâcheux mépris de la seconde des trois unités), le postillon est devenu le célèbre Saint-Phar ; son épouse s'est métamorphosée (Dieu sait par quel processus !) en une Madame de La Tour (La Tour prend garde... à ta vertu). Ils se rencontrent ; Madeleine n'a jamais cessé d'aimer le beau conquérant que les duchesses se disputent
« Postillon de Longjumeau ». Il se trouve que sa voix possède les plus rares qualités propres à pousser aux sommets de la gloire un ténor d'opéra. Tout justement, le gentilhomme de la chaise est le surintendant des plaisirs de Sa Majesté Louis XV, à la recherche d'un premier rôle pour le théâtre du roi. Il engage séance tenante le galant postillon qui, après s'être fait prier, tout juste autant qu'il convenait, abandonne sa femme, qui ne l'est pas encore tout à fait, et s'en va chercher la gloire à Paris. Dix ans après (fâcheux mépris de la seconde des trois unités), le postillon est devenu le célèbre Saint-Phar ; son épouse s'est métamorphosée (Dieu sait par quel processus !) en une Madame de La Tour (La Tour prend garde... à ta vertu). Ils se rencontrent ; Madeleine n'a jamais cessé d'aimer le beau conquérant que les duchesses se disputent aujourd'hui comme autrefois les gardeuses de dindons. Quant à Saint-Phar, il n'a pas reconnu son ancienne promise dans la pseudo-grande dame, mais il en devient éperdument épris, parce qu'elle lui rappelle imprécisément d'anciens souvenirs assez doux, et aussi parce qu'il s'éprend éperdument avec une extrême facilité. Mme de La Tour joue à la femme vertueuse, elle ne cédera qu'après le sacrement. Saint-Phar qui redoute un procès en bigamie, imagine avec Biju, qui fait aussi partie de la troupe lyrique, un mariage simulé et un ecclésiastique travesti. Mais le surintendant qui jadis découvrit le ténor au village, et qui maintenant est amoureux de Mme de La Tour, surprend cette intrigue en écoutant aux portes. Il perdra son rival, en éloignant le faux prêtre qu'on remplacera par un authentique chapelain. Saint-Phar sera bigame, et pendu, comme le prescrit la loi. Naturellement, tout s'arrange, Saint-Phar n'est pas bigame puisqu'il a épousé sa propre femme. Il reconnaît Madeleine et lui jure un amour éternel, qui durera bien une semaine ou deux. A cette petite pochade Louis XV, gentiment rococo et tout à fait sans prétention, se joint une musique faite de couplets, plutôt disséminés, passablement vulgaires, mais parfois assez gais. Castelli-Blaze, parlant de je
joue à la femme vertueuse, elle ne cédera qu'après le sacrement. Saint-Phar qui redoute un procès en bigamie, imagine avec Biju, qui fait aussi partie de la troupe lyrique, un mariage simulé et un ecclésiastique travesti. Mais le surintendant qui jadis découvrit le ténor au village, et qui maintenant est amoureux de Mme de La Tour, surprend cette intrigue en écoutant aux portes. Il perdra son rival, en éloignant le faux prêtre qu'on remplacera par un authentique chapelain. Saint-Phar sera bigame, et pendu, comme le prescrit la loi. Naturellement, tout s'arrange, Saint-Phar n'est pas bigame puisqu'il a épousé sa propre femme. Il reconnaît Madeleine et lui jure un amour éternel, qui durera bien une semaine ou deux. A cette petite pochade Louis XV, gentiment rococo et tout à fait sans prétention, se joint une musique faite de couplets, plutôt disséminés, passablement vulgaires, mais parfois assez gais. Castelli-Blaze, parlant de je ne sais quel air d'Adam, à propos des Hussards de Berchotes, je crois (au fait, c'était peut-être bien Scudo), disait : « Cette musique est franche, mais assez commune ; c'est du meilleur style d'Adam. » Le compliment est d'une extrême galanterie ; je m'y rallie bien volontiers. Le manque de distinction est en effet le caractère dominant de cette mélodie facile, et si l'on excepte les célèbres couplets : « Oh ! oh ! oh ! qu'il était beau le postillon de Longjumeau », le motif « Mon petit mari », le trio « Pendu, pendu », et l'air assez drôle, de la Tourterelle, au second acte (et encore, je fais la part large), cette partition n'est vraiment pas très riche en choses neuves, originales et inspirées. Ce qui m'y plaît surtout, c'est la joyeuse parodie des stupidités italiennes, dans les couplets bouffes : « Combattons, chantons ! » Il y a là un excellent pastiche de l'opéra du genre Spontini-Bellini-Rossini-Donizetti, comparable à ce spirituel second acte du Maître de Chapelle, ou à ces délicieuses parodies dues à Offenbach et qui s'intitulent: Pomme d'api et Monsieur Choufleuri. 11 est seulement regrettable que, percevant si clairement les ridicules des compositeurs
de distinction est en effet le caractère dominant de cette mélodie facile, et si l'on excepte les célèbres couplets : « Oh ! oh ! oh ! qu'il était beau le postillon de Longjumeau », le motif « Mon petit mari », le trio « Pendu, pendu », et l'air assez drôle, de la Tourterelle, au second acte (et encore, je fais la part large), cette partition n'est vraiment pas très riche en choses neuves, originales et inspirées. Ce qui m'y plaît surtout, c'est la joyeuse parodie des stupidités italiennes, dans les couplets bouffes : « Combattons, chantons ! » Il y a là un excellent pastiche de l'opéra du genre Spontini-Bellini-Rossini-Donizetti, comparable à ce spirituel second acte du Maître de Chapelle, ou à ces délicieuses parodies dues à Offenbach et qui s'intitulent: Pomme d'api et Monsieur Choufleuri. 11 est seulement regrettable que, percevant si clairement les ridicules des compositeurs transalpins, Adam soit tombé d'une façon à peu près constante dans des vices analogues. Au fond, le Postillon de Longjumeau n'appartient pas à la catégorie de l'opéra comique et ne se rattache pas à la tradition des Boieldieu, des Paer et des Méhul, moins encore à celle des Mozart, des Cimarosa et des Paisiello. Il n'est comparable ni à cette exquise Dame Blanche, ni à cette adorable Gioconda, ni à ce délice qu'est la Serva Padrona. Il est plutôt l'intermédiaire entre la pure buffa italienne (qui est simplement le théâtre de la foire) et l'opérette française du second empire. Il participe abondamment aux défauts des Crispino et des Andrea et médiocrement aux qualités comiques de Tromb-al-'Azrael et de Batz'Calan. Par la lourde bouffonnerie des scènes parlées, par l'insuffisance notoire de sa musique, il sent l'improvisation des arlequinades napolitaines, il se rapproche surtout du vaudeville à couplets que Scribe pondit à la grosse. Nous l'avons entendu comme un avant-goût de la saison d'opérette que l'on annonce au Grand-Théâtre. La comparaison avec les œuvres mêmes de Lecocq, de Serpette ou d'Audran, ne pourra que le faire pâlir. M. Geyre jouait agréablement le rôle du Postillon. Il a fait montre d'une étoffe vocale
Cimarosa et des Paisiello. Il n'est comparable ni à cette exquise Dame Blanche, ni à cette adorable Gioconda, ni à ce délice qu'est la Serva Padrona. Il est plutôt l'intermédiaire entre la pure buffa italienne (qui est simplement le théâtre de la foire) et l'opérette française du second empire. Il participe abondamment aux défauts des Crispino et des Andrea et médiocrement aux qualités comiques de Tromb-al-'Azrael et de Batz'Calan. Par la lourde bouffonnerie des scènes parlées, par l'insuffisance notoire de sa musique, il sent l'improvisation des arlequinades napolitaines, il se rapproche surtout du vaudeville à couplets que Scribe pondit à la grosse. Nous l'avons entendu comme un avant-goût de la saison d'opérette que l'on annonce au Grand-Théâtre. La comparaison avec les œuvres mêmes de Lecocq, de Serpette ou d'Audran, ne pourra que le faire pâlir. M. Geyre jouait agréablement le rôle du Postillon. Il a fait montre d'une étoffe vocale étonnamment ample en comparaison de son ordinaire parcimonie : il a, comme toujours, été parfait dans les demi-tons et les finesses nuancées où il excelle. Enfin, il a joué dans la très bonne tradition de l'opéra comique. Mme Fobis lui faisait très gentiment vis-à-vis dans le rôle de Madeleine. MM. Dubois et Van Laer se sont partagé le surplus des applaudissements, qui eussent été copieux, je pense, si les banquettes eussent été un peu moins tristement dégarnies. La recette du Postillon comptera en effet parmi les plus piteusement lamentables de la saison. EDMOND LOCARD. Le Crépuscule des Dieux. La première représentation du Crépuscule des Dieux, insuffisamment mis au point, ne peut guère compter que comme une répétition générale. Nous attendrons les auditions suivantes pour donner un compte rendu détaillé, que nos lecteurs trouveront dans le prochain numéro. LES CONCERTS Société des Grands Concerts (Sixième concert, 28 mars) Cette soirée de mercredi fut une brillante clôture des concerts de l'abonnement, de la première saison, demi-clôture seulement puisque mercredi prochain, nous pourrons applaudir encore l'orchestre Witkowski dans un concert supplémentaire. Deux belles attractions au programme : une grande œuvre, la symphonie de César Franck ; un grand artiste, le violoniste Jacques Thibaud.
Dubois et Van Laer se sont partagé le surplus des applaudissements, qui eussent été copieux, je pense, si les banquettes eussent été un peu moins tristement dégarnies. La recette du Postillon comptera en effet parmi les plus piteusement lamentables de la saison. EDMOND LOCARD. Le Crépuscule des Dieux. La première représentation du Crépuscule des Dieux, insuffisamment mis au point, ne peut guère compter que comme une répétition générale. Nous attendrons les auditions suivantes pour donner un compte rendu détaillé, que nos lecteurs trouveront dans le prochain numéro. LES CONCERTS Société des Grands Concerts (Sixième concert, 28 mars) Cette soirée de mercredi fut une brillante clôture des concerts de l'abonnement, de la première saison, demi-clôture seulement puisque mercredi prochain, nous pourrons applaudir encore l'orchestre Witkowski dans un concert supplémentaire. Deux belles attractions au programme : une grande œuvre, la symphonie de César Franck ; un grand artiste, le violoniste Jacques Thibaud. Je crois que l'ensemble du public ne fut pas également enthousiasmé par la symphonie de Franck, et je comprends parfaitement l'impression de fatigue légère que plus d'un auditeur a dû ressentir à l'audition de ce chef-d'œuvre. C'est que cette vaste composition n'est pas, comme tant d'œuvrettes anémiques, d'une simplicité extrême ; elle renferme trop de musique, elle en est pour ainsi dire congestionnée, pour être d'une compréhension très facile, et, de telles pages, plusieurs auditions sont nécessaires pour saisir nettement leur développement, pour en percevoir toutes les beautés. Pourtant que de splendeurs ! Le lento du début qui fait entendre la redoutable interrogation du quatuor beethovenien : « Muss es sein? » rencontre imprévue ou cherchée (Vincent d'Indy n'osa jamais demander à son Maître un éclaircissement à ce sujet) ; thème expressif qui deviendra le thème rythmique du allegro ; cet allegro développant la phrase de Beethoven dans un mouvement farouche et s'opposant au thème de foi clamé par tout l'orchestre qu'il semble illuminer d'une clarté éblouissante ; curieux effet de clair-obscur que renouvellent en l'estompant les retours ébauchés du thème au cor, au hautbois, à la flûte. Et ce thème se réduit peu à peu en passant aux différents
; elle renferme trop de musique, elle en est pour ainsi dire congestionnée, pour être d'une compréhension très facile, et, de telles pages, plusieurs auditions sont nécessaires pour saisir nettement leur développement, pour en percevoir toutes les beautés. Pourtant que de splendeurs ! Le lento du début qui fait entendre la redoutable interrogation du quatuor beethovenien : « Muss es sein? » rencontre imprévue ou cherchée (Vincent d'Indy n'osa jamais demander à son Maître un éclaircissement à ce sujet) ; thème expressif qui deviendra le thème rythmique du allegro ; cet allegro développant la phrase de Beethoven dans un mouvement farouche et s'opposant au thème de foi clamé par tout l'orchestre qu'il semble illuminer d'une clarté éblouissante ; curieux effet de clair-obscur que renouvellent en l'estompant les retours ébauchés du thème au cor, au hautbois, à la flûte. Et ce thème se réduit peu à peu en passant aux différents pupitres du quatuor, s'obstine à reparaître en fragments, semble ne pouvoir se décider à disparaître. L'andantino est sans doute la partie la plus facile à suivre : Exposé tranquillement d'abord par la harpe et les pizzicati du quatuor, le thème s'affirme dans sa teinte délicieusement mélancolique en passant au cor anglais qui la répète deux fois. Puis, aux violons naît une agitation imprévue ; le frissonnement des cordes en sourdine rappelle l'enlèvement de Psyché par les zéphirs ; c'est le scherzo qui apparaît pendant que l'allégretto continue son mouvement calme et que le motif mélancolique chante encore aux bois. Sonorité exquise, douceur prenante, originalité extrême. Enfin, le troisième mouvement, chant de triomphe et d'allégresse que traversent des souvenirs des autres parties de l'œuvre, conclusion sonore et éclatante de cette admirable symphonie. Ce qui étonne l'auditeur non préparé, c'est, comme je le disais plus haut, l'excès même de musique : les thèmes sont très nombreux et très divers malgré leur parenté; la mélodie déborde, pleine d'effusion et de lyrisme ; les inspirations les plus suaves et les plus charmantes abondent ; les développements en sont conduits avec une technique extraordinaire, un art prodigieux; le contrepoint en est extrêmement fouillé, parfois trop
anglais qui la répète deux fois. Puis, aux violons naît une agitation imprévue ; le frissonnement des cordes en sourdine rappelle l'enlèvement de Psyché par les zéphirs ; c'est le scherzo qui apparaît pendant que l'allégretto continue son mouvement calme et que le motif mélancolique chante encore aux bois. Sonorité exquise, douceur prenante, originalité extrême. Enfin, le troisième mouvement, chant de triomphe et d'allégresse que traversent des souvenirs des autres parties de l'œuvre, conclusion sonore et éclatante de cette admirable symphonie. Ce qui étonne l'auditeur non préparé, c'est, comme je le disais plus haut, l'excès même de musique : les thèmes sont très nombreux et très divers malgré leur parenté; la mélodie déborde, pleine d'effusion et de lyrisme ; les inspirations les plus suaves et les plus charmantes abondent ; les développements en sont conduits avec une technique extraordinaire, un art prodigieux; le contrepoint en est extrêmement fouillé, parfois trop chargé; en somme la symphonie en mi mineur peut sembler à quelques personnes trop copieuse et trop nourrissante. Et aussi la symphonie est longue, très longue, surtout dans son premier mouvement : la répétition identique de l'introduction à une tierce mineure d'intervalle est pour beaucoup, dans cette impression : ce retour, reprise dans une tonalité différente, est un peu inutile car l'exposition est assez claire et assez frappante. Il y a aussi beaucoup de musique dans cette œuvre en raison d'une orchestration très chargée. Le contrepoint franckiste veut utiliser continuellement tous les pupitres et l'instrumentation est, de la sorte, généralement lourde; d'autant plus que là, comme dans les autres œuvres de Franck, les basses sont toujours pesantes (le guide-rope de Jean d'Udine!), les parties trop continuellement redoublées ; les cuivres maladroits ponctuent les temps forts avec une insistance fâcheuse, puis chantent des canons sans légèreté, surtout à la fin de l'introduction, canon entre trombones, violoncelles, contrebasses, et trompettes et piano ; les pistons en particulier jettent une note vulgaire à laquelle les compositeurs actuels ont heureusement renoncé. Pourtant quels progrès ne remarque-t-on pas en comparant la Symphonie avec Rédemption ! Malgré ces quelques imperfections, la Symphonie de Franck, avec ses
retour, reprise dans une tonalité différente, est un peu inutile car l'exposition est assez claire et assez frappante. Il y a aussi beaucoup de musique dans cette œuvre en raison d'une orchestration très chargée. Le contrepoint franckiste veut utiliser continuellement tous les pupitres et l'instrumentation est, de la sorte, généralement lourde; d'autant plus que là, comme dans les autres œuvres de Franck, les basses sont toujours pesantes (le guide-rope de Jean d'Udine!), les parties trop continuellement redoublées ; les cuivres maladroits ponctuent les temps forts avec une insistance fâcheuse, puis chantent des canons sans légèreté, surtout à la fin de l'introduction, canon entre trombones, violoncelles, contrebasses, et trompettes et piano ; les pistons en particulier jettent une note vulgaire à laquelle les compositeurs actuels ont heureusement renoncé. Pourtant quels progrès ne remarque-t-on pas en comparant la Symphonie avec Rédemption ! Malgré ces quelques imperfections, la Symphonie de Franck, avec ses merveilleuses qualités, reste une œuvre de premier ordre, la plus grandiose, peut-être, qui ait été écrite depuis Beethoven. Tandis que les compositeurs allemands au cours du siècle dernier, de Mendelssohn à Bruckner, se contentaient de refaire, sans génie, des symphonies d'après Beethoven, Franck sut écrire une œuvre entièrement nouvelle et complètement classique. Magnifique exposé de la forme cyclique, la Symphonie en ré mineur fut un modèle parfait pour tous nos musiciens actuels, d'Indy, Chausson, Magnard, Witkowski, Ropartz, qui développèrent à leur tour, d'après leurs idées personnelles, la forme laissée par leur Maître. Et ce ne sera pas le moindre intérêt du prochain concert que l'audition de la symphonie écrite par un des plus jeunes compositeurs de l'école franckiste. L'interprétation de l'œuvre difficile de Franck fut excellente, à part quelques défaillances du premier cor, bien excusables si l'on remarque la tessiture de sa partie. Witkowski la conduisit avec l'ardeur et l'émotion d'un disciple fervent. Jacques Thibaud, dans le second concerto de Saint-Saëns, fut une douce compensation pour les amateurs qui trouvent trop ardue la Symphonie de Franck. Ce fut pour tout le monde un délice de réentendre le jeune charmeur qui, à vingt-cinq ans, jouit d'une célébrité universelle. Charmeur, Jacques Thibaud
complètement classique. Magnifique exposé de la forme cyclique, la Symphonie en ré mineur fut un modèle parfait pour tous nos musiciens actuels, d'Indy, Chausson, Magnard, Witkowski, Ropartz, qui développèrent à leur tour, d'après leurs idées personnelles, la forme laissée par leur Maître. Et ce ne sera pas le moindre intérêt du prochain concert que l'audition de la symphonie écrite par un des plus jeunes compositeurs de l'école franckiste. L'interprétation de l'œuvre difficile de Franck fut excellente, à part quelques défaillances du premier cor, bien excusables si l'on remarque la tessiture de sa partie. Witkowski la conduisit avec l'ardeur et l'émotion d'un disciple fervent. Jacques Thibaud, dans le second concerto de Saint-Saëns, fut une douce compensation pour les amateurs qui trouvent trop ardue la Symphonie de Franck. Ce fut pour tout le monde un délice de réentendre le jeune charmeur qui, à vingt-cinq ans, jouit d'une célébrité universelle. Charmeur, Jacques Thibaud l'est par toutes ses qualités de virtuose et de musicien : charme d'une sonorité exquise, charme d'un mécanisme facile, d'une technique aisée, charme d'une interprétation toujours musicale, d'un style parfait. Grâce à lui, chacun put écouter avec plaisir le concerto de Saint-Saëns où la facilité et la clarté de l'écriture le disputent à la banalité des idées. (Il ne faut pas oublier que le Maître de Samson et Dalila est le musicien de la Splendeur vide !) J'ai même trouvé délicieux le thème banalement séraphique du troisième mouvement, qui se rappelle Parsifal, de même que d'autres thèmes de la même œuvre se souviennent nettement de motifs entendus un peu partout. Mais surtout Jacques Thibaud se fit apprécier et acclamer avec enthousiasme dans le Prélude et la fugue de la première sonate de Bach pour violon seul, dont il fit ressortir merveilleusement la paradoxale polyphonie, et dans la romance en fa de Beethoven qu'il phrasa avec un charme et une ampleur indicibles. Cet artiste parfait n'a qu'un seul défaut : un usage excessif de ce qu'on appelle, en langage technique, le port de voix, et, en bon français, le degueulando. Mais je vous assure que ce léger défaut, le critique le
le disputent à la banalité des idées. (Il ne faut pas oublier que le Maître de Samson et Dalila est le musicien de la Splendeur vide !) J'ai même trouvé délicieux le thème banalement séraphique du troisième mouvement, qui se rappelle Parsifal, de même que d'autres thèmes de la même œuvre se souviennent nettement de motifs entendus un peu partout. Mais surtout Jacques Thibaud se fit apprécier et acclamer avec enthousiasme dans le Prélude et la fugue de la première sonate de Bach pour violon seul, dont il fit ressortir merveilleusement la paradoxale polyphonie, et dans la romance en fa de Beethoven qu'il phrasa avec un charme et une ampleur indicibles. Cet artiste parfait n'a qu'un seul défaut : un usage excessif de ce qu'on appelle, en langage technique, le port de voix, et, en bon français, le degueulando. Mais je vous assure que ce léger défaut, le critique le plus grincheux le remarque à peine tant on est conquis par les admirables qualités du violoniste. Et aussi, ce qu'il faut remarquer chez Jacques Thibaud, c'est que ce rare virtuose est un vrai musicien qui se refuse complètement à jouer les œuvres mauvaises, dont abusent si souvent les violonistes ; il devrait même, dit-il, exister des lois interdisant l'exécution publique de certaines compositions qu'il qualifie « musiques d'hippodrome ». Le fait est assez peu fréquent pour être signalé. Le concert avait débuté par l'ouverture À Egmont, qui me semble être l'ouverture la plus belle de Beethoven, et avait été terminé par la première audition du ballet du Prince Igor, où, à défaut de Borodine, on trouve du moins des thèmes slaves d'un charme réel et l'orchestration très personnelle et très brillante de Rimsky-Korsakov. LÉON VALLAS. Concert de la "Revue Musicale" La sixième heure de musique moderne de la Société Lyrique de Lyon aura lieu Samedi prochain, à 8 h. 3/4, salle de la rue Vauban. Elle sera entièrement consacrée à un récital de Lieder donné par Mme de Lestang. Au programme : Audience intégrale de L'Amour et la vie d'une femme de Schumann, et de la "Bonne chanson" de Gabriel