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chez Jouvet. Cette légère déception est due sans doute, à la différence de rythme entre les deux interprétations. La première était peut-être moins fignolée, moins réfléchie que celle-ci, mais plus enlevée, plus primesautière, bref plus près du rythme exigé par la farce. Parmi les créations proprement dites de la Maison de Molière, on attendait beaucoup de Pasiphaé, d'Henry de Montherland, et de la dernière œuvre d'André Obey : Une fille pour du vent. Depuis ses débuts dans les lettres, Montherland a toujours été hanté par le mythe du taureau, mais ce n'est que trente ans après l'avoir écrit que son poème dramatique, Pasiphaé, a été porté à la scène. Le rideau se lève sur un décor sanglant de Mac Avoy. D'un ciel rougeoyant surgit, stylisé, le corps massif de la bête. Debout, côté jardin, vêtu de rouge sur le mur rouge du palais rouge, Julien Bertheau personnifie le chœur. Du palais sort la reine de Crète, Pasiphaé, la passionnée, la brûlante Vera Korène. Et dans une prose olympienne, riche et dure, la reine exprime sans pudeur comme sans faiblesse le trouble de son corps. Le thème de cet amour mythologique et contre-nature pour ce taureau vainqueur exigeait autant de tact que de maîtrise. Grâce à une mise en scène d'une sobriété antique, grâce à des coupures qui ont éliminé tout ce qui n'était pas purement dramatique dans un poème écrit primitivement pour être lu — et qui n'est peut-être d'après une déclaration publique de l'auteur qu'un canular de mandarin — la représentation de Pasiphaé, au Théâtre Français, est une réussite. Le risque était grand car le sujet pouvait prêter à rire ou à scandale. En fait l'un et l'autre n'ont pas manqué. Est-ce pour faire pièce à ses détracteurs que Montherland a déclaré ensuite n'avoir voulu que plaisanter sur un sujet tabou? Quoi qu'il en soit, la pièce laisse sur le spectateur non prévenu une impression de grandeur et de beauté. Autre poète, autre mythe éternel, nous retrouvons l'un et l'autre dans Une fille pour du vent, d'André Obey. Cette fille c'est Iphigénie qui, depuis Euripide en passant par Racine
que de maîtrise. Grâce à une mise en scène d'une sobriété antique, grâce à des coupures qui ont éliminé tout ce qui n'était pas purement dramatique dans un poème écrit primitivement pour être lu — et qui n'est peut-être d'après une déclaration publique de l'auteur qu'un canular de mandarin — la représentation de Pasiphaé, au Théâtre Français, est une réussite. Le risque était grand car le sujet pouvait prêter à rire ou à scandale. En fait l'un et l'autre n'ont pas manqué. Est-ce pour faire pièce à ses détracteurs que Montherland a déclaré ensuite n'avoir voulu que plaisanter sur un sujet tabou? Quoi qu'il en soit, la pièce laisse sur le spectateur non prévenu une impression de grandeur et de beauté. Autre poète, autre mythe éternel, nous retrouvons l'un et l'autre dans Une fille pour du vent, d'André Obey. Cette fille c'est Iphigénie qui, depuis Euripide en passant par Racine et Gluck a, jusqu'à André Obey, inspiré bien des auteurs de drames et d'opéras. La légende grecque est connue; La flotte et l'armée commandées par Agamemnon, en partance pour la guerre de Troie, sont bloquées depuis des semaines dans le port d'Aulis faute de vent favorable; À n'en pas douter les dieux sont contre l'expédition. Le devin Tiresias, se faisant alors l'interprète de la divinité, affirme que celle-ci s'estimera satisfaite si on lui sacrifie une princesse de sang royal. Pour que la flotte puisse lever l'ancre, pour que la guerre de Troie puisse avoir lieu, il faut que la propre fille d'Agamemnon, la tendre Iphigénie, meure. Une fille pour du vent, le marché est monstrueux. C'est cette monstruosité qu'a voulu stigmatiser André Obey, ainsi que l'inutilité d'un sacrifice inhumain, prélude indispensable à des milliers d'autres sacrifices humains provoqués par une guerre stérile. Iphigénie est condamnée malgré les protestations véhémentes de son oncle Ménélas. Elle est conduite au supplice, soutenue par la présence invisible du premier mort de la guerre qui lui révèle l'inanité de la haine. Mais cet holocauste virginal est également inutile car le vent s'est levé avant qu'Iphigénie ne succombât sous le couteau paternel. Dans un décor sombre
les dieux sont contre l'expédition. Le devin Tiresias, se faisant alors l'interprète de la divinité, affirme que celle-ci s'estimera satisfaite si on lui sacrifie une princesse de sang royal. Pour que la flotte puisse lever l'ancre, pour que la guerre de Troie puisse avoir lieu, il faut que la propre fille d'Agamemnon, la tendre Iphigénie, meure. Une fille pour du vent, le marché est monstrueux. C'est cette monstruosité qu'a voulu stigmatiser André Obey, ainsi que l'inutilité d'un sacrifice inhumain, prélude indispensable à des milliers d'autres sacrifices humains provoqués par une guerre stérile. Iphigénie est condamnée malgré les protestations véhémentes de son oncle Ménélas. Elle est conduite au supplice, soutenue par la présence invisible du premier mort de la guerre qui lui révèle l'inanité de la haine. Mais cet holocauste virginal est également inutile car le vent s'est levé avant qu'Iphigénie ne succombât sous le couteau paternel. Dans un décor sombre et gris dé Georges Wakhévitch, la pièce d’André Obey est fort bien jouée par Jean Marchât, Julien Bertheau, Jean Davy et Annie Ducaux (moins bien par la jeune élève du Conservatoire qui est sensée incarner Iphigénie), mais avec tout le respect que mérite un texte solide, poétique et familier à la fois. Parmi les nombreuses — trop nombreuses — pièces créées cette année sur les théâtres parisiens, je veux détacher particulièrement, en raison de la personnalité de l'auteur, "Sud", de Julien Green, au théâtre de l’Athénée. "Sud" est la première pièce du romancier de "Léviathan" et de "Moira". Elle lui fut commandée en 1935 par Louis Jouvet qui jouait alors le personnage de Mercure dans l'Amphitryon 38 de Giraudoux. Green devait mettre dix-huit ans pour tenir la promesse faite à Jouvet. Mais c'était un autre Mercure (le metteur en scène Jean Mercure) qui devait la porter à la scène. De nationalité américaine, Julien Green est né à Paris. Ses parents originaires du sud des États-Unis, avaient venu vivre en France à la suite d'un revers de fortune. Toute son enfance a été bercée de souvenirs dramatiques ou cocasses que ses parents avaient rapportés du pays natal. Ce sont ces souvenirs
la fois. Parmi les nombreuses — trop nombreuses — pièces créées cette année sur les théâtres parisiens, je veux détacher particulièrement, en raison de la personnalité de l'auteur, "Sud", de Julien Green, au théâtre de l’Athénée. "Sud" est la première pièce du romancier de "Léviathan" et de "Moira". Elle lui fut commandée en 1935 par Louis Jouvet qui jouait alors le personnage de Mercure dans l'Amphitryon 38 de Giraudoux. Green devait mettre dix-huit ans pour tenir la promesse faite à Jouvet. Mais c'était un autre Mercure (le metteur en scène Jean Mercure) qui devait la porter à la scène. De nationalité américaine, Julien Green est né à Paris. Ses parents originaires du sud des États-Unis, avaient venu vivre en France à la suite d'un revers de fortune. Toute son enfance a été bercée de souvenirs dramatiques ou cocasses que ses parents avaient rapportés du pays natal. Ce sont ces souvenirs qui lui ont permis d'être le premier à avoir écrit en français ses romans d'inspiration anglo-saxonne, remplis de cauchemars, d'hallucinations, d'appels venus d'on ne sait où. Parmi les images de sa jeunesse, celles de la guerre de Sécession, à laquelle ses parents assistèrent, occupent une grande part. Lorsque le rideau se lève nous sommes au matin du 12 avril 1861, dans le salon d’un riche planteur de Caroline du Sud : Edouard Broderick. Il a une fille de dix-sept ans, Angeline. Il a recueilli utilement une orpheline venue du Nord, Regina, et il héberge un polonais émigré, Ian Wiérzyński, qui est officier dans l'armée fédérale. Dans quelques heures la guerre va éclater et déjà les opinions se heurtent. Néanmoins le problème de l’esclavage des noirs n’est pas le véritable sujet de la pièce, car il s'agit moins d'un drame historique que d'une tragédie de la passion. Et quelle passion ! Regina aime Ian qui semble la dédaigner. Broderick veut marier sa nièce au fils d’un voisin, Eric Mac Clure; mais la filantique Angeline s’est éprise du jeune Mac Clure que son père destine à sa cousine; C’est alors qu’apparaît Eric. Il a vingt ans et il est pur. Frappé par
se lève nous sommes au matin du 12 avril 1861, dans le salon d’un riche planteur de Caroline du Sud : Edouard Broderick. Il a une fille de dix-sept ans, Angeline. Il a recueilli utilement une orpheline venue du Nord, Regina, et il héberge un polonais émigré, Ian Wiérzyński, qui est officier dans l'armée fédérale. Dans quelques heures la guerre va éclater et déjà les opinions se heurtent. Néanmoins le problème de l’esclavage des noirs n’est pas le véritable sujet de la pièce, car il s'agit moins d'un drame historique que d'une tragédie de la passion. Et quelle passion ! Regina aime Ian qui semble la dédaigner. Broderick veut marier sa nièce au fils d’un voisin, Eric Mac Clure; mais la filantique Angeline s’est éprise du jeune Mac Clure que son père destine à sa cousine; C’est alors qu’apparaît Eric. Il a vingt ans et il est pur. Frappé par sa beauté, le lieutenant Wierzewski le regarde sans mouvement et sans voix. Un sentiment imprévu vient de bouleverser son existence. Désormais nous assistons à la lutte sans espoir de Ian contre ce penchant qui n’ose pas dire son nom. Sans qu’il soit question une seule fois de cette passion trouble, nous en devinons les répercussions car tout cela relève du domaine de l'ineffable sur les protagonistes; Malgré son acharnement à cacher son secret, Ian n'arrivera pas à duper longtemps ni Angeline ni Broderick. Aussi Ian ne voit-il pas d’autre issue à son drame que la mort. Après une scène dans laquelle la vérité se dévoile à chaque mot, Ian Wierzewski provoque Eric Mac Clure. Au cours du duel, Ian ne se défendra pas et au coup de sabre qui achèvera sa destinée répondra, du fort Sumter, le premier coup de canon de la guerre. Une autre tragédie commence. En dépit du succès remporté par cette œuvre particulière auprès du public — et qui va sans doute se poursuivre la saison prochaine — dès que l’on a percé à jour le sentiment profond du héros (et il n'apparaît pas, à la représentation, aussi clairement que je viens de l'exposer) on ne
nous en devinons les répercussions car tout cela relève du domaine de l'ineffable sur les protagonistes; Malgré son acharnement à cacher son secret, Ian n'arrivera pas à duper longtemps ni Angeline ni Broderick. Aussi Ian ne voit-il pas d’autre issue à son drame que la mort. Après une scène dans laquelle la vérité se dévoile à chaque mot, Ian Wierzewski provoque Eric Mac Clure. Au cours du duel, Ian ne se défendra pas et au coup de sabre qui achèvera sa destinée répondra, du fort Sumter, le premier coup de canon de la guerre. Une autre tragédie commence. En dépit du succès remporté par cette œuvre particulière auprès du public — et qui va sans doute se poursuivre la saison prochaine — dès que l’on a percé à jour le sentiment profond du héros (et il n'apparaît pas, à la représentation, aussi clairement que je viens de l'exposer) on ne peut se défendre d’une certaine gêne. Il est évident qu’il est difficile à un spectateur normal de se mettre dans la peau du personnage. Car outre que cette psychologie nous est parfaitement étrangère, les scrupules et les réticences de l’auteur ne font que la rendre plus équivoque. Je me suis un peu étendu sur ce cas épineux car, malgré toutes les réserves que l’on est en droit de formuler, c’est encore l’œuvre originale, en français, qui suscite le plus d’intérêt. À part "La Dame de Trèfle", de Gabriel Arout, comédie de boudoir à prétention philosophique, et "Les aveux les plus doux", pamphlet virulent de Georges Arnaud (l’auteur du "Salaire de la peur") contre les méthodes d’intimidation policière, le reste de la production française n’est guère à signaler dans un bilan aussi sommaire. Cela explique le nombre et l’importance des reprises d’auteurs consacrés ("L'yménée", d’Edouard Bourdet; "Siegfried", de Jean Giraudoux; "Huis-Clos" de Jean-Paul Sartre; sans parler de "La puce à l’oreille", de Feydeau, et autres vaudevilles prestigieux) et surtout la proportion grandissante de pièces étrangères. L’on vous a déjà signalé les qualités d'"Attending Godot", autre pièce écrite directement en français par un étranger résidant à Paris : le romancier anglais Samuel
un peu étendu sur ce cas épineux car, malgré toutes les réserves que l’on est en droit de formuler, c’est encore l’œuvre originale, en français, qui suscite le plus d’intérêt. À part "La Dame de Trèfle", de Gabriel Arout, comédie de boudoir à prétention philosophique, et "Les aveux les plus doux", pamphlet virulent de Georges Arnaud (l’auteur du "Salaire de la peur") contre les méthodes d’intimidation policière, le reste de la production française n’est guère à signaler dans un bilan aussi sommaire. Cela explique le nombre et l’importance des reprises d’auteurs consacrés ("L'yménée", d’Edouard Bourdet; "Siegfried", de Jean Giraudoux; "Huis-Clos" de Jean-Paul Sartre; sans parler de "La puce à l’oreille", de Feydeau, et autres vaudevilles prestigieux) et surtout la proportion grandissante de pièces étrangères. L’on vous a déjà signalé les qualités d'"Attending Godot", autre pièce écrite directement en français par un étranger résidant à Paris : le romancier anglais Samuel Beckett. D'Italie nous est venu "Madame Filoumé", d’Edouardo de Filippo, et "Comme tu me veux", de Pirandello. D’Espagne, "Doña Rosita", de Lorca. D’Angleterre, "Le curé espagnol", œuvre élisabethaine représentée à la Comédie-Française, et même "La puissance et la gloire", d’après Graham Greene; D’Amérique, "Philippe et Jonas", d’Irwin Shaw, et "La Rose tatouée", de Tennessee Williams. Cette œuvre, de l’auteur du "Tramway nommé Désir", nous transporte dans le quartier italien de la Nouvelle-Orléans. L’exubérance italienne, et l’atmosphère étouffante de la Louisiane, donnent un relief insolite au drame, en soi fort simple, de cette veuve inconsolable qui croit rencontrer l'homme qui lui est destiné parce qu’il porte sur la poitrine — comme son défunt — une rose tatouée. Or ce tatouage est de fraîche date, car le galant se l’est fait dessiner à propos. Bien qu’elle ne soit pas dupe, la femme se raccroche à ce symbole pour excuser sa propre défaillance. Lila Kedrova, dans un rôle tout en cris et en gémissements, révèle un tempérament d’actrice extraordinaire. C'est l'Italie, également, qui nous a donné Corruption au Palais de Justice (au théâtre Lancry) et L'Île aux Chèvres (aux Noctambules) d'Ugo Betti. Avec cette dernière surtout, Betti affirme des dons dramatiques qui, si
Rose tatouée", de Tennessee Williams. Cette œuvre, de l’auteur du "Tramway nommé Désir", nous transporte dans le quartier italien de la Nouvelle-Orléans. L’exubérance italienne, et l’atmosphère étouffante de la Louisiane, donnent un relief insolite au drame, en soi fort simple, de cette veuve inconsolable qui croit rencontrer l'homme qui lui est destiné parce qu’il porte sur la poitrine — comme son défunt — une rose tatouée. Or ce tatouage est de fraîche date, car le galant se l’est fait dessiner à propos. Bien qu’elle ne soit pas dupe, la femme se raccroche à ce symbole pour excuser sa propre défaillance. Lila Kedrova, dans un rôle tout en cris et en gémissements, révèle un tempérament d’actrice extraordinaire. C'est l'Italie, également, qui nous a donné Corruption au Palais de Justice (au théâtre Lancry) et L'Île aux Chèvres (aux Noctambules) d'Ugo Betti. Avec cette dernière surtout, Betti affirme des dons dramatiques qui, si la mort n'avait pas récemment interrompu une carrière trop brève, auraient fait de lui l'un des représentants les plus attachants de la jeune génération qui monte, en France comme en Italie. Dans une « île aux chèvres » déserte et torride vivent trois femmes seules. L'une a perdu son mari à la guerre, dans un camp de prisonniers. Il était professeur. Depuis elle s'est retirée dans ce coin désolé avec sa belle-sœur et sa fille. Un homme survient. Il se dit disciple et compagnon d'infortuné du maître. Il est beau parleur. Il est cynique, il est amoral. Tour à tour les trois femmes tomberont dans ses bras. Mais la veulerie du séducteur et le sentiment de leur déchéance fouettent l'amour-propre des femelles, et, l'homme étant accidentellement bloqué au fond d'un puits, elles l'y laissent crever malgré ses supplications déchirantes. L'intrigue est brutale. Le style également; À mon sens L'île aux Chèvres illustre bien la nouvelle orientation du jeune théâtre. On retrouve ce même parti pris de frapper les spectateurs entre les deux yeux, autant par les situations que par les mots eux-mêmes, dans des pièces françaises non négligeables comme Tous contre tous d'Arthur Adamov (sorte de dissection implacable du sentiment
à la guerre, dans un camp de prisonniers. Il était professeur. Depuis elle s'est retirée dans ce coin désolé avec sa belle-sœur et sa fille. Un homme survient. Il se dit disciple et compagnon d'infortuné du maître. Il est beau parleur. Il est cynique, il est amoral. Tour à tour les trois femmes tomberont dans ses bras. Mais la veulerie du séducteur et le sentiment de leur déchéance fouettent l'amour-propre des femelles, et, l'homme étant accidentellement bloqué au fond d'un puits, elles l'y laissent crever malgré ses supplications déchirantes. L'intrigue est brutale. Le style également; À mon sens L'île aux Chèvres illustre bien la nouvelle orientation du jeune théâtre. On retrouve ce même parti pris de frapper les spectateurs entre les deux yeux, autant par les situations que par les mots eux-mêmes, dans des pièces françaises non négligeables comme Tous contre tous d'Arthur Adamov (sorte de dissection implacable du sentiment raciste dans une foule inconsciente) ou encore Candide, de Maurice Clavel où l'horreur de l'histoire racontée est accentuée encore par la sincérité du véritable. Il serait passionnant de rechercher l'origine et les raisons profondes de ce retour intellectuel à la barbarie. L'influence de la littérature américaine est indéniable; Elle n'explique pas tout. Dans un monde où de plus en plus la force règle les rapports entre les hommes, le désespoir guette celui qui n'est plus soutenu par des solides valeurs morales. Peut-être cette outrance cache-t-elle une foi irraisonnée dans le destin de l'individu? Elle dénote plus sûrement un désarroi tragique et une incapacité physique de choisir. Quand l'homme ne peut plus penser, il se réfugie dans la violence. André CAMP. L'ÉCRAN EST-IL UN MIROIR FIDÈLE DU SACERDOCE? Deux films récents, La mort du silence et Le retour de Don Camillo confirment l'intérêt croissant que le cinéma depuis dix ans accorde au prêtre. Il n'en a pas toujours été ainsi. Un panorama du cinéma européen, de ses débuts à la veille de la seconde guerre mondiale, permettrait de constater l'extrême indifférence de la plupart des pays producteurs de films à l'égard de la réalité sacerdotale ou, en mettant les choses au
pas tout. Dans un monde où de plus en plus la force règle les rapports entre les hommes, le désespoir guette celui qui n'est plus soutenu par des solides valeurs morales. Peut-être cette outrance cache-t-elle une foi irraisonnée dans le destin de l'individu? Elle dénote plus sûrement un désarroi tragique et une incapacité physique de choisir. Quand l'homme ne peut plus penser, il se réfugie dans la violence. André CAMP. L'ÉCRAN EST-IL UN MIROIR FIDÈLE DU SACERDOCE? Deux films récents, La mort du silence et Le retour de Don Camillo confirment l'intérêt croissant que le cinéma depuis dix ans accorde au prêtre. Il n'en a pas toujours été ainsi. Un panorama du cinéma européen, de ses débuts à la veille de la seconde guerre mondiale, permettrait de constater l'extrême indifférence de la plupart des pays producteurs de films à l'égard de la réalité sacerdotale ou, en mettant les choses au mieux, leur méconnaissance à peu près complète de la mission du prêtre dans le monde. L'Amérique paraît, au contraire, dès avant 1914, donner dans ses films, une place honorable à l'Église et à ceux qui la représentent, mais ce n'est qu'une apparence; quand la présence du prêtre n'est pas un élément folklorique ou un ressort de mélodrame, elle ne dépasse guère le niveau d'une sorte d'image d'Épinal bien-pensante. En fait, il faut attendre la seconde après-guerre pour voir le cinéma mondial s'enrichir d'une dimension nouvelle. En France, la personne du prêtre n'éveille aucun écho personnel chez les pionniers du cinéma (si l'on excepte Abel Gance, dont les œuvres dégagent une religiosité diffuse). L'agnosticisme latent ou avoué de nos meilleurs metteurs en scène est révélateur du climat de laïcisation qui a envahi le monde intellectuel. Il se poursuivra tout au long de l'entre-deux guerres; et l'on constate encore la même négligence du prêtre chez les cinéastes qui se sont affirmés depuis 1945, comme René Clément, Yves Allégret, Jean Gagnaz, Henri Calef. On surprendrait sans doute bien des créateurs de la qualité d'un Grémillon, d'un Autant-Lara, d'un Yves Allégret, si on leur disait que leur conception du prêtre est demeurée soumise à
élément folklorique ou un ressort de mélodrame, elle ne dépasse guère le niveau d'une sorte d'image d'Épinal bien-pensante. En fait, il faut attendre la seconde après-guerre pour voir le cinéma mondial s'enrichir d'une dimension nouvelle. En France, la personne du prêtre n'éveille aucun écho personnel chez les pionniers du cinéma (si l'on excepte Abel Gance, dont les œuvres dégagent une religiosité diffuse). L'agnosticisme latent ou avoué de nos meilleurs metteurs en scène est révélateur du climat de laïcisation qui a envahi le monde intellectuel. Il se poursuivra tout au long de l'entre-deux guerres; et l'on constate encore la même négligence du prêtre chez les cinéastes qui se sont affirmés depuis 1945, comme René Clément, Yves Allégret, Jean Gagnaz, Henri Calef. On surprendrait sans doute bien des créateurs de la qualité d'un Grémillon, d'un Autant-Lara, d'un Yves Allégret, si on leur disait que leur conception du prêtre est demeurée soumise à une optique qui tient de Voltaire, d'Anatole France et de Léo Taxil. Le contrecoup le plus grave, c'est que les sujets religieux ont été généralement abandonnés, soit aux tâcherons du septième art, soit aux âmes pleines de bonne volonté, mais dont la mollesse de pensée était incapable de se hausser à une notion vigoureuse du tragique chrétien. Dans ces perspectives, la réalisation d'un film comme Monsieur Vincent (1947) marque, sinon du point de vue esthétique, mais en tous cas, sur le plan de la psychologie sociale, une date dans l'histoire du cinéma. Toutefois, on doit reconnaître que le coup décisif ne sera porté que trois ans plus tard, avec le Journal d'un Curé de campagne (1950) dont la qualité plastique et dramatique est égale à celle des plus hautes œuvres de l'écran. Grâce au film de Bresson, le prêtre prend dans le palmarès du cinéma français une place que lui avaient refusée tous les grands classiques de la production nationale. La plupart des pays en sont encore à attendre une œuvre de la même valeur spirituelle et esthétique. Toutefois, la Suède, dont le cinéma a toujours été baigné de mysticisme, a su tracer, avec Là Parole (1943), une esquisse extrêmement