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grain de l'ivraie. Si j'étais mathématicien, je pourrais, dramatiquement parlant, énoncer un théorème de cet ordre : la valeur d'une saison théâtrale est inversement proportionnelle au nombre des pièces représentées. Ce qui veut dire, en français, que plus les théâtres changent d'affiche, moins les spectacles sont bons. Mais toute règle est relative et ne se confirme qu'à force d'exceptions. L'échec commercial de Robinson, de Jules Supervielle, qui apportait sur la scène une bouffée de poésie comme on n'a que trop rarement l'occasion d'en respirer, et qui, au demeurant, était superbement monté par le théâtre de l'Œuvre, n'honore pas le public parisien qui l'a boudé. De même des Baratins de bas étage et autres Pucelles d'Auteuil durent des années entières. Mais ceci ne relève pas de l'art dramatique, sinon de l'épicerie... De l'examen d'ensemble de cette saison 1952-53 trois constatations essentielles me frappent de prime abord : régression fort nette des sujets d'ordre religieux; importance croissante des reprises de pièces anciennes, surtout de la période 1925-1940; enfin faveur de plus en plus marquée pour les auteurs étrangers. Chacune de ces constatations pourrait déceler une carence certaine de la production théâtrale proprement française. Là encore évitons de tomber dans le piège tentant d'une affirmation et d'une généralisation trop hâtives. Le foisonnement des pièces à thèses religieuses qui avait marqué les précédentes saisons ne pouvait qu'aboutir à une sorte de saturation du public... et par là-même des directeurs. Cela ne veut pas dire que ces problèmes ne touchent plus. J'en veux pour preuve la brillante carrière réalisée — dans ce théâtre de l'Œuvre qui avait été fatal à la poésie de Supervielle — par le drame, tiré du livre de Graham Greene, La Puissance et la Gloire. Par ailleurs, Sur la Terre comme au Ciel et Les Dialogues des Carmélites ont continué d'exploiter un succès qui est loin d'être épuisé. Que dire de La Puissance et la Gloire qui n'ait déjà été excellemment dit dans cette revue? Aussi me garderai-je bien d'attaquer "le fond du problème". On peut discuter sur ce personnage de prêtre, déchu, en qui cependant palpite la grâce divine, transposé
d'une affirmation et d'une généralisation trop hâtives. Le foisonnement des pièces à thèses religieuses qui avait marqué les précédentes saisons ne pouvait qu'aboutir à une sorte de saturation du public... et par là-même des directeurs. Cela ne veut pas dire que ces problèmes ne touchent plus. J'en veux pour preuve la brillante carrière réalisée — dans ce théâtre de l'Œuvre qui avait été fatal à la poésie de Supervielle — par le drame, tiré du livre de Graham Greene, La Puissance et la Gloire. Par ailleurs, Sur la Terre comme au Ciel et Les Dialogues des Carmélites ont continué d'exploiter un succès qui est loin d'être épuisé. Que dire de La Puissance et la Gloire qui n'ait déjà été excellemment dit dans cette revue? Aussi me garderai-je bien d'attaquer "le fond du problème". On peut discuter sur ce personnage de prêtre, déchu, en qui cependant palpite la grâce divine, transposé d'un roman anglais (situé au Mexique) dans les étroites et strictes dimensions d'une scène de théâtre. Le drame de l'homme emprisonné dans un dilemme poignant perd en intensité comme en vraisemblance, ramené ainsi à une série de courts tableaux qui relèvent davantage du découpage cinématographique que de la construction purement dramatique. L'attention se disperse, le contact se renoue de plus en plus difficilement entre les deux côtés de la rampe après chaque changement de décor. Cet éparpillement nuit au sujet. Il lui nuit d'autant plus que le sujet nous remue et nous touche plus profondément. On ne peut pas traiter un drame d'une telle résonance humaine comme une revue de music-hall où la multiplicité des paillettes cache le vide de la pensée. J'ai éprouvé la même gêne — pourquoi ne pas l'avouer? — à la représentation des Dialogues des Carmélites, car eux aussi avaient été conçus par leur auteur pour illustrer les images d'un film. Le rythme du cinéma, son don d'ubiquité lui permet, lui oblige même, à varier les plans, à procéder par touches rapides, à éviter le verbe. Le destin extravagant de Bernanos lui aura donné la gloire cinématographique avec un film, Le Journal d'un curé de campagne,
dramatique. L'attention se disperse, le contact se renoue de plus en plus difficilement entre les deux côtés de la rampe après chaque changement de décor. Cet éparpillement nuit au sujet. Il lui nuit d'autant plus que le sujet nous remue et nous touche plus profondément. On ne peut pas traiter un drame d'une telle résonance humaine comme une revue de music-hall où la multiplicité des paillettes cache le vide de la pensée. J'ai éprouvé la même gêne — pourquoi ne pas l'avouer? — à la représentation des Dialogues des Carmélites, car eux aussi avaient été conçus par leur auteur pour illustrer les images d'un film. Le rythme du cinéma, son don d'ubiquité lui permet, lui oblige même, à varier les plans, à procéder par touches rapides, à éviter le verbe. Le destin extravagant de Bernanos lui aura donné la gloire cinématographique avec un film, Le Journal d'un curé de campagne, tout intérieur et immobile, anti-cinéma en un mot, et la gloire théâtrale avec un texte écrit pour être filmé. Comme quoi le génie se rit des formules. Je ne voudrais pas quitter le domaine spirituel sans signaler l'apparition d'un nouveau genre dramatique qui ne manquera pas d'intriguer mes lecteurs : je veux parler du "vaudeville clérical". Celui-ci s'est manifesté pour la première fois cet hiver sur la scène des Variétés avec L'Âge canonique, de Christian Lude, présenté par la jeune compagnie du Grenier de Toulouse. Je signale que le texte de L'Âge canonique, qui n'a eu à Paris qu'un nombre limité de représentations, a été publié par la revue théâtrale "L'Avant-Scène", 26, rue Beaujon, Paris, dans son numéro du mois de mars 1953. C'est l'auteur lui-même qui a qualifié sa pièce ainsi et cela n'impliquait chez lui aucune nuance d'irrespect. Au contraire. Son propos était de faire rire en stigmatisant la tyrannie des médiocres tout en s'érigeant en défenseur vigoureux du conformisme. Il s'en est expliqué lui-même dans une avant-première : "Là liberté par le conformisme : c'est quelque chose comme cela qui me tente. Il y a dans l'esprit révolutionnaire plus de parti-pris qu'il me paraît, il y a
je veux parler du "vaudeville clérical". Celui-ci s'est manifesté pour la première fois cet hiver sur la scène des Variétés avec L'Âge canonique, de Christian Lude, présenté par la jeune compagnie du Grenier de Toulouse. Je signale que le texte de L'Âge canonique, qui n'a eu à Paris qu'un nombre limité de représentations, a été publié par la revue théâtrale "L'Avant-Scène", 26, rue Beaujon, Paris, dans son numéro du mois de mars 1953. C'est l'auteur lui-même qui a qualifié sa pièce ainsi et cela n'impliquait chez lui aucune nuance d'irrespect. Au contraire. Son propos était de faire rire en stigmatisant la tyrannie des médiocres tout en s'érigeant en défenseur vigoureux du conformisme. Il s'en est expliqué lui-même dans une avant-première : "Là liberté par le conformisme : c'est quelque chose comme cela qui me tente. Il y a dans l'esprit révolutionnaire plus de parti-pris qu'il me paraît, il y a surtout une manière de se débarrasser par des procédés, fussent-ils doctrinaires, de la libération de l'esprit, tâche jamais satisfaite. Il y a le risque de changer de maîtres... J'ai voulu que ma première pièce, L'Âge canonique, fut une comédie boulevardière, réactionnaire au sens précis du mot, c'est-à-dire en réaction contre certaines recettes de progrès. Plutôt qu'une thèse, j'ai voulu essayer un certain esprit critique qui serait fait de respect et d'amour. Effectivement, l'Âge canonique est une apologie du conformisme, mais une apologie souriante qui, dans une époque où l'on cherche surtout à frapper les foules par la hardiesse et le scandale, apporte un son original qui semble neuf. Pourtant le sujet ne portait pas à comédie. Deux prêtres partagent le presbytère d'une petite ville de Normandie. Le curé, M. de Villeneuve, représente la tradition de l'Église, faite de prudence et de rigueur. Son vicaire incarne un certain type de prêtre moderne, mi-scout, mi-ouvrier. Il construit des hangars, déborde de compréhension envers les « braves gens », bref se fait rouler par tout le monde. Les deux hommes sont de formation — le curé est pétri de belles lettres alors que le vicaire a nonné le latin — et de conception
certaines recettes de progrès. Plutôt qu'une thèse, j'ai voulu essayer un certain esprit critique qui serait fait de respect et d'amour. Effectivement, l'Âge canonique est une apologie du conformisme, mais une apologie souriante qui, dans une époque où l'on cherche surtout à frapper les foules par la hardiesse et le scandale, apporte un son original qui semble neuf. Pourtant le sujet ne portait pas à comédie. Deux prêtres partagent le presbytère d'une petite ville de Normandie. Le curé, M. de Villeneuve, représente la tradition de l'Église, faite de prudence et de rigueur. Son vicaire incarne un certain type de prêtre moderne, mi-scout, mi-ouvrier. Il construit des hangars, déborde de compréhension envers les « braves gens », bref se fait rouler par tout le monde. Les deux hommes sont de formation — le curé est pétri de belles lettres alors que le vicaire a nonné le latin — et de conception de leur apostolat trop différentes pour ne pas en arriver à se heurter. Le prétexte jaillit en la personne de leur vieille bonne — d'âge canonique — qui pour entrer à leur service leur a caché un passé plus qu'orageux. Le curé apprenant cela veut la renvoyer. Le vicaire croyant à sa contrition sincère veut la garder. Mieux, pour empêcher son supérieur de s'en défaire, il lui lègue la maison qui leur sert de presbytère et dont le vieux prêtre venait de lui faire donation. Moralité, Marie, la bonne, aura le dernier mot. Tandis que M. de Villeneuve mourra d'épuisement et que son vicaire ira faire une retraite salutaire à la Trappe, elle restera seule maîtresse de la cure, dans laquelle elle s'empressera d'installer son ancien amant. On peut, certes, reprocher à l'auteur d'avoir dessiné des personnages un peu schématiques de prêtres. Il a fait la part trop belle au vieux curé. Le jeune vicaire est par trop simpliste et ses raisonnements manquent de force. Sa bonne volonté et la maladie de son supérieur lui font reconnaître ses erreurs avec la même fougue qu'il avait mise à les affirmer. Si le conflit des idées garde une certaine élévation, la pièce
à sa contrition sincère veut la garder. Mieux, pour empêcher son supérieur de s'en défaire, il lui lègue la maison qui leur sert de presbytère et dont le vieux prêtre venait de lui faire donation. Moralité, Marie, la bonne, aura le dernier mot. Tandis que M. de Villeneuve mourra d'épuisement et que son vicaire ira faire une retraite salutaire à la Trappe, elle restera seule maîtresse de la cure, dans laquelle elle s'empressera d'installer son ancien amant. On peut, certes, reprocher à l'auteur d'avoir dessiné des personnages un peu schématiques de prêtres. Il a fait la part trop belle au vieux curé. Le jeune vicaire est par trop simpliste et ses raisonnements manquent de force. Sa bonne volonté et la maladie de son supérieur lui font reconnaître ses erreurs avec la même fougue qu'il avait mise à les affirmer. Si le conflit des idées garde une certaine élévation, la pièce ne quitte pas le ton de la comédie, sans tomber pour cela dans la parodie. L'expérience tentée par le Grenier de Toulouse s'avère donc bien en dépit de l'inexpérience de hauteur — comme particulièrement intéressante. L'un comme l'autre méritent d'être suivis. Quand je dis que les grandes pièces à sujet religieux n'intéressent plus les directeurs de théâtre, je dois faire exception pour Marcel Herrand qui a monté — juste avant sa mort, survenue la veille de la première représentation — La Dévotion à la Croix, drame mystique de l'auteur classique espagnol Pedro Calderón de la Barca; Marcel Herrand avait choisi cet « extravagant chef-d'œuvre » comme l'a qualifié son adaptateur. Albert Camus, pour le IIe Festival d'Art Dramatique d'Angers. De tous les auteurs du Siècle d'Or espagnole Calderón a toujours été celui qui a le plus séduit les novateurs et les grands metteurs en scène. Son théâtre est, de ce fait, mieux connu du public français que celui de Lope de Vega, par exemple, cependant plus accessible à la grande ouïe. Un des inoubliables succès de la carrière de Charles Dullin fut La vie est un songe, qu'il donna pour la première fois au théâtre de l'Atelier et qu'il reprit
religieux n'intéressent plus les directeurs de théâtre, je dois faire exception pour Marcel Herrand qui a monté — juste avant sa mort, survenue la veille de la première représentation — La Dévotion à la Croix, drame mystique de l'auteur classique espagnol Pedro Calderón de la Barca; Marcel Herrand avait choisi cet « extravagant chef-d'œuvre » comme l'a qualifié son adaptateur. Albert Camus, pour le IIe Festival d'Art Dramatique d'Angers. De tous les auteurs du Siècle d'Or espagnole Calderón a toujours été celui qui a le plus séduit les novateurs et les grands metteurs en scène. Son théâtre est, de ce fait, mieux connu du public français que celui de Lope de Vega, par exemple, cependant plus accessible à la grande ouïe. Un des inoubliables succès de la carrière de Charles Dullin fut La vie est un songe, qu'il donna pour la première fois au théâtre de l'Atelier et qu'il reprit vingt ans plus tard à Sarah Bernhardt, ayant changé de rôle entre temps. L'âge l'avait obligé à ce changement d'emploi... Dullin révéla, également, d'autres pièces de Calderón comme Le médecin de son honneur et cette même Dévotion à la Croix. Quant à L'Alcade de Zalamea et au Magicien Prodigieux, préfiguration catholique de « Faust » autour du thème du libre-arbitre, ils sont bien connus des auditeurs de la Radiodiffusion Française. La Dévotion à la Croix célèbre le respect dû à la Croix et la confiance que sa dévotion peut inspirer. Eusebio, le principal personnage, possède une âme violente, fougueuse, indomptée. Il marche de crime en crime. Mais il a été un enfant trouvé au pied d'une croix et en porte le signe sur sa poitrine. Depuis, une protection mystérieuse l'a toujours fait échapper à tous les dangers. Cependant, au milieu de ses forfaits une crainte lui reste, celle de mourir sans confession. C'est encore la Croix qui le délivre miraculeusement de ce péril suprême car, grâce à elle, il trouve un confesseur, reçoit l'absolution avant d'expirer et son âme est sauvée. La thèse de la Dévotion: « La grâce qui transfigure le pire des criminels, le salut suscité par l'excès
catholique de « Faust » autour du thème du libre-arbitre, ils sont bien connus des auditeurs de la Radiodiffusion Française. La Dévotion à la Croix célèbre le respect dû à la Croix et la confiance que sa dévotion peut inspirer. Eusebio, le principal personnage, possède une âme violente, fougueuse, indomptée. Il marche de crime en crime. Mais il a été un enfant trouvé au pied d'une croix et en porte le signe sur sa poitrine. Depuis, une protection mystérieuse l'a toujours fait échapper à tous les dangers. Cependant, au milieu de ses forfaits une crainte lui reste, celle de mourir sans confession. C'est encore la Croix qui le délivre miraculeusement de ce péril suprême car, grâce à elle, il trouve un confesseur, reçoit l'absolution avant d'expirer et son âme est sauvée. La thèse de la Dévotion: « La grâce qui transfigure le pire des criminels, le salut suscité par l'excès même du mal, l'infinie miséricorde divine assurée par le repentir », n'est sans doute pas conforme en tous points au véritable esprit de l'Évangile. Elle exige de plus du spectateur moderne un bien rude effort. Mais une fois le sujet admis, il est impossible de ne pas admirer le génie de Calderón. Un souffle puissant anime toute l'œuvre et l'intérêt ne faiblit pas. Il faut dire, également, que CHRONIQUE DU THÉÂTRE « l'extravagant chef-d'œuvre » bénéficiait, à Angers, d'un cadre unique — le château de René d'Anjou — et d'une interprétation remarquable qui réunissait Maria Casarès, Serge Reggiani et Jean Marchais. Quant à la mise en scène, qui était celle de Marcel Herrand et qu'Albert Camus avait tenu scrupuleusement à réaliser lui-même, elle utilisait à souhait l'admirable décor naturel. Ce qui faisait dire à un critique éminent (comme tous les critiques...) qu'il s'agissait « de la plus merveilleuse des enluminures qui ait été portée sur le plus précieux des livres d'heures ». On ne saurait mieux dire. Passons; si vous le voulez bien, à des sujets plus profanes et — à tout seigneur tout honneur — aux créations de la Comédie-Française. Une chronique précédente a été consacrée à Mithridate et
de Calderón. Un souffle puissant anime toute l'œuvre et l'intérêt ne faiblit pas. Il faut dire, également, que CHRONIQUE DU THÉÂTRE « l'extravagant chef-d'œuvre » bénéficiait, à Angers, d'un cadre unique — le château de René d'Anjou — et d'une interprétation remarquable qui réunissait Maria Casarès, Serge Reggiani et Jean Marchais. Quant à la mise en scène, qui était celle de Marcel Herrand et qu'Albert Camus avait tenu scrupuleusement à réaliser lui-même, elle utilisait à souhait l'admirable décor naturel. Ce qui faisait dire à un critique éminent (comme tous les critiques...) qu'il s'agissait « de la plus merveilleuse des enluminures qui ait été portée sur le plus précieux des livres d'heures ». On ne saurait mieux dire. Passons; si vous le voulez bien, à des sujets plus profanes et — à tout seigneur tout honneur — aux créations de la Comédie-Française. Une chronique précédente a été consacrée à Mithridate et Roméo et Juliette. Je n'en parlerai pas, pas plus que du Don Juan, de Molière, dont la reprise m'a fort impressionné mais qui sera prochainement joué de nouveau dans la mise en scène de Jean Vilar au Festival d'Avignon. Je pense que l'interprétation de Vilar apportera un élément nouveau au personnage de don Juan, car celle de Jean Debucourt, au Français ne m'a pas convaincu. Accordons-lui donc un sursis... Par contre je n'éprouve aucune gêne à parler de la présentation de la farce, en forme de comédie, de Jules Romains, M. le Trouhadec saisi par la débauche. Je suppose que c'est le succès financier de Donogoo — dû en grande partie au faste d'une mise en scène que ne renierait pas le Châtelet lui-même (maintenant l'Opéra de Paris) — qui a incité la Comédie Française à reprendre cette œuvre illustrée autrefois par Louis Jouvet à la Comédie des Champs-Élysées. M. le Trouhadec a provisoirement délaissé sa chaire de géographie au Collège de France pour une pension de famille de Monte-Carlo. Plus que par la douceur du climat il a été attiré dans la Principauté par la présence d'une ravissante comédienne, Mlle Rolande, qu'il suit depuis Paris et pour laquelle il
personnage de don Juan, car celle de Jean Debucourt, au Français ne m'a pas convaincu. Accordons-lui donc un sursis... Par contre je n'éprouve aucune gêne à parler de la présentation de la farce, en forme de comédie, de Jules Romains, M. le Trouhadec saisi par la débauche. Je suppose que c'est le succès financier de Donogoo — dû en grande partie au faste d'une mise en scène que ne renierait pas le Châtelet lui-même (maintenant l'Opéra de Paris) — qui a incité la Comédie Française à reprendre cette œuvre illustrée autrefois par Louis Jouvet à la Comédie des Champs-Élysées. M. le Trouhadec a provisoirement délaissé sa chaire de géographie au Collège de France pour une pension de famille de Monte-Carlo. Plus que par la douceur du climat il a été attiré dans la Principauté par la présence d'une ravissante comédienne, Mlle Rolande, qu'il suit depuis Paris et pour laquelle il brûle d'une passion secrète. Pour la première fois depuis 1933 (la pièce a été rajeunie et mise à jour), M. le Trouhadec est amoureux. Grâce au dévoué Bénin, son disciple providentiel, le professeur parvient à se faire présenter à la charmante actrice. Mais cette jeune personne semble décidée à n'octroyer son affection qu'en échange de menus cadeaux dont l'acquisition excède de beaucoup les possibilités financières de l'amoureux transi. Heureusement pour celui-ci une veine insolente à la roulette lui permet de combler tous les désirs de Rolande. Pas pour longtemps, car l'argent ainsi gagné fond comme neige au soleil. M. le Trouhadec est désespéré et arrête les détails de son suicide, quand un des habitués de sa pension, à l'âme compatissante, lui fait don d'un coffret à bijoux; Hélas! ce philanthrope n'est qu'un cambrioleur en retraite qui n'a pu résister à la tentation d'une villa inoccupée. Après avoir été ruiné, M. le Trouhadec va-t-il être inculpé de recel et déclaré complètement cité? Non, car l'obligeant Bénin veille. Tout se terminera le mieux du monde et, une fois le danger écarté, M. le Trouhadec prêchera avec beaucoup de naturel et de sincérité la nécessité d'une vertu exigeante. Écrivant sa pièce, Jules Romains
son affection qu'en échange de menus cadeaux dont l'acquisition excède de beaucoup les possibilités financières de l'amoureux transi. Heureusement pour celui-ci une veine insolente à la roulette lui permet de combler tous les désirs de Rolande. Pas pour longtemps, car l'argent ainsi gagné fond comme neige au soleil. M. le Trouhadec est désespéré et arrête les détails de son suicide, quand un des habitués de sa pension, à l'âme compatissante, lui fait don d'un coffret à bijoux; Hélas! ce philanthrope n'est qu'un cambrioleur en retraite qui n'a pu résister à la tentation d'une villa inoccupée. Après avoir été ruiné, M. le Trouhadec va-t-il être inculpé de recel et déclaré complètement cité? Non, car l'obligeant Bénin veille. Tout se terminera le mieux du monde et, une fois le danger écarté, M. le Trouhadec prêchera avec beaucoup de naturel et de sincérité la nécessité d'une vertu exigeante. Écrivant sa pièce, Jules Romains a donné libre cours à sa fantaisie, mais sa formation universitaire en a fait un divertissement de haute école. La comédie s'écoute avec plaisir quoique les rires ne soient plus, salle du Luxembourg, avec la même franchise que lorsque je la vis pour la première fois, bien avant la guerre, chez Jouvet. Cette légère déception est due sans doute, à la différence de rythme entre les deux interprétations. La première était peut-être moins fignolée, moins réfléchie que celle-ci, mais plus enlevée, plus primesautière, bref plus près du rythme exigé par la farce. Parmi les créations proprement dites de la Maison de Molière, on attendait beaucoup de Pasiphaé, d'Henry de Montherland, et de la dernière œuvre d'André Obey : Une fille pour du vent. Depuis ses débuts dans les lettres, Montherland a toujours été hanté par le mythe du taureau, mais ce n'est que trente ans après l'avoir écrit que son poème dramatique, Pasiphaé, a été porté à la scène. Le rideau se lève sur un décor sanglant de Mac Avoy. D'un ciel rougeoyant surgit, stylisé, le corps massif de la bête. Debout, côté jardin, vêtu de rouge sur le mur rouge du palais rouge, Julien Bertheau personnifie le chœur. Du