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du Saint-Sépulcre et du tombeau de Godefroi de Bouillon. Il passe ensuite aux arts de l'Égypte, de la Phénicie, de la Babylonie, de la Médie, de l'Assyrie et de la Perse, fait remarquer l'idéal hiératique de ces pays, l'asservissement de leurs artistes à des formes de convention, et signale comme un problème difficile à résoudre l'alliance de l'art avec les inventions monstrueuses de leurs divinités. Le chapitre suivant est consacré à l'art grec, aux monuments pélasgiques, aux différents ordres d'architecture, à la description de l'acropole d'Athènes et du Parthénon, à l'histoire de la peinture et de la sculpture, aux biographies de Lysippe, de Polyclète et de Phidias, enfin à une dissertation sur le silence de l'âme, reproche adressé à la sculpture grecque par Winckelmann et Lessing, et que M. F. Clément explique par le but que se proposaient les artistes en représentant des divinités auxquelles ils s'efforçaient de donner un aspect plus élevé que l'humanité, par l'alliance presque continuelle de la sculpture et de l'architecture, la distance à laquelle étaient vus les bas-reliefs, et aussi par les mœurs du temps qui ne brillaient pas par la sensibilité. Passant à l'art romain, l'auteur parle de l'art étrusque, décrit les principaux monuments, le Panthéon, l'amphithéâtre Flavien, l'arc de Titus, l'arc de triomphe élevé en l'honneur de Trajan à Bénévent, la Maison Carrée de Nîmes. Il remarque le soin apporté par les Romains dans la construction, dans le choix des matériaux, la composition des mortiers et des enduits, mais il constate que, pendant la première moitié du deuxième siècle, l'art romain devient lourd, réaliste, commun et quelquefois enfantin. Les aqueducs et les ponts sont les seules œuvres remarquables. Il combat l'opinion de M. Viollet-le-Duc, qui considère comme une profanation la place occupée par la statue de Constantin dans le vestibule de Saint-Pierre de Rome ; l'auteur rappelle les services rendus au christianisme par cet empereur, ses nombreuses lois, qui eurent pour but d'améliorer le sort du peuple et de faire cesser plusieurs usages barbares, tels que le supplice de la croix, la marque au front des malheureux condamnés à travailler aux mines et
le Panthéon, l'amphithéâtre Flavien, l'arc de Titus, l'arc de triomphe élevé en l'honneur de Trajan à Bénévent, la Maison Carrée de Nîmes. Il remarque le soin apporté par les Romains dans la construction, dans le choix des matériaux, la composition des mortiers et des enduits, mais il constate que, pendant la première moitié du deuxième siècle, l'art romain devient lourd, réaliste, commun et quelquefois enfantin. Les aqueducs et les ponts sont les seules œuvres remarquables. Il combat l'opinion de M. Viollet-le-Duc, qui considère comme une profanation la place occupée par la statue de Constantin dans le vestibule de Saint-Pierre de Rome ; l'auteur rappelle les services rendus au christianisme par cet empereur, ses nombreuses lois, qui eurent pour but d'améliorer le sort du peuple et de faire cesser plusieurs usages barbares, tels que le supplice de la croix, la marque au front des malheureux condamnés à travailler aux mines et à combattre comme gladiateurs, et la rupture des jambes des esclaves. Il termine par une intéressante description de Pompéi. Il serait trop long de rendre compte de chacun des chapitres de cet ouvrage où il est traité de l'art hindou, de l'art chinois, de l'art américain et des monuments celtiques. L'auteur étudie l'histoire de l'art dans les catacombes de Rome, qui ont servi d'abri aux premiers chrétiens jusqu'au troisième siècle, et de tombeaux aux martyrs ; il énumère les quarante-deux cimetières classés qu'elles contiennent, ceux entre autres de Saint-Pierre au Vatican, de Saint-Paul, de Sainte-Priscille, d'Ostrianus et de Sainte-Domitille, qui appartiennent aux temps apostoliques; il décrit les ornements des tombeaux empruntés au paganisme, les sujets héroïques ou symboliques, gracieux et consolants, qui sont seuls représentés dans ces sombres lieux, tels que des orantes, des vierges en prière, des agapes, image du paradis, Daniel dans la fosse aux lions, et en général des pastorales, des agneaux, des colombes avec des ornements de fleurs, de fruits, de palmes et de couronnes. Il n'y a pas un seul exemple de martyre, à l'exception de celui de la vierge Salomé. Il démontre que c'est dans les catacombes que naît l'iconographie chrétienne, que le Christ
L'auteur étudie l'histoire de l'art dans les catacombes de Rome, qui ont servi d'abri aux premiers chrétiens jusqu'au troisième siècle, et de tombeaux aux martyrs ; il énumère les quarante-deux cimetières classés qu'elles contiennent, ceux entre autres de Saint-Pierre au Vatican, de Saint-Paul, de Sainte-Priscille, d'Ostrianus et de Sainte-Domitille, qui appartiennent aux temps apostoliques; il décrit les ornements des tombeaux empruntés au paganisme, les sujets héroïques ou symboliques, gracieux et consolants, qui sont seuls représentés dans ces sombres lieux, tels que des orantes, des vierges en prière, des agapes, image du paradis, Daniel dans la fosse aux lions, et en général des pastorales, des agneaux, des colombes avec des ornements de fleurs, de fruits, de palmes et de couronnes. Il n'y a pas un seul exemple de martyre, à l'exception de celui de la vierge Salomé. Il démontre que c'est dans les catacombes que naît l'iconographie chrétienne, que le Christ est représenté avec un type qui s'est conservé à travers les âges, et qui a persisté jusqu'à nous, que la sainte Vierge et saint Jean sont figurés la tête entourée d'un nimbe, que la tradition se fixe avec les symboles et qu'un art nouveau se crée dans ces sombres demeures pour remonter bientôt à la surface de la terre. L'auteur consacre un chapitre à l'idéal chrétien, et en fait ressortir toute la puissance et la force d'expansion. Il trouve des phrases éloquentes pour montrer l'influence de la doctrine chrétienne, non seulement sur les arts religieux, mais sur tous les arts en général, la supériorité des types chrétiens d'une perfection idéale absolue sur les types imparfaits de l'anthropomorphisme grec, l'absence de réticences, de demi-révélations, d'initiations ténébreuses, enfin l'enseignement donné à tous avec une libéralité qui ne s'était jamais vue. L'architecture romane et ogivale a donné lieu à un mouvement artistique immense et supérieur à celui de la Renaissance. La sculpture du douzième au quatorzième siècle, dont l'histoire est encore à faire, a produit de véritables chefs-d'œuvre, qui sont presque ignorés; la peinture fut aussi en grand usage non seulement sur les murs, mais encore sur les fenêtres qui furent couvertes d'admirables
pour remonter bientôt à la surface de la terre. L'auteur consacre un chapitre à l'idéal chrétien, et en fait ressortir toute la puissance et la force d'expansion. Il trouve des phrases éloquentes pour montrer l'influence de la doctrine chrétienne, non seulement sur les arts religieux, mais sur tous les arts en général, la supériorité des types chrétiens d'une perfection idéale absolue sur les types imparfaits de l'anthropomorphisme grec, l'absence de réticences, de demi-révélations, d'initiations ténébreuses, enfin l'enseignement donné à tous avec une libéralité qui ne s'était jamais vue. L'architecture romane et ogivale a donné lieu à un mouvement artistique immense et supérieur à celui de la Renaissance. La sculpture du douzième au quatorzième siècle, dont l'histoire est encore à faire, a produit de véritables chefs-d'œuvre, qui sont presque ignorés; la peinture fut aussi en grand usage non seulement sur les murs, mais encore sur les fenêtres qui furent couvertes d'admirables vitraux destinés à instruire, à moraliser et à élever les âmes. Mais la Renaissance provoqua une révolte contre l'autorité des dogmes, les préceptes de la morale et les lois politiques et sociales ; elle fit abandonner la tradition, et, sacrifiant tout au naturalisme, produisit une fâcheuse révolution dans les beaux-arts. M. F. Clément passe en revue les principaux artistes de la Renaissance, Raphaël et Michel-Ange, et explique leurs œuvres par les mœurs du temps et par l'influence des grands et des princes de l'Église. Il ne doute pas que Raphaël n'eût été un continuateur de Giotto et de Fra Angelico de Fiesole, sans la déviation qui le jeta dans un courant opposé. Il ajoute à l'honneur de la France que l'esprit de la Renaissance y fut plus contenu, et qu'il ne fit pas invasion dans les sujets religieux. Pendant le dix-septième siècle, Philippe de Champaigne, Jouvenel, Restout, Puget, Lebrun, Girardon, Poussin et Lesueur contribuèrent plus qu'on ne croit à la conservation des traditions du grand art qui se perdit complètement pendant le dix-huitième. Au dix-neuvième, Chateaubriand rouvrit la voie à l'idéal chrétien ; Lamartine écrivit ses Méditations et ses Harmonies poétiques et religieuses; le comte de Montalembert démontra que la
M. F. Clément passe en revue les principaux artistes de la Renaissance, Raphaël et Michel-Ange, et explique leurs œuvres par les mœurs du temps et par l'influence des grands et des princes de l'Église. Il ne doute pas que Raphaël n'eût été un continuateur de Giotto et de Fra Angelico de Fiesole, sans la déviation qui le jeta dans un courant opposé. Il ajoute à l'honneur de la France que l'esprit de la Renaissance y fut plus contenu, et qu'il ne fit pas invasion dans les sujets religieux. Pendant le dix-septième siècle, Philippe de Champaigne, Jouvenel, Restout, Puget, Lebrun, Girardon, Poussin et Lesueur contribuèrent plus qu'on ne croit à la conservation des traditions du grand art qui se perdit complètement pendant le dix-huitième. Au dix-neuvième, Chateaubriand rouvrit la voie à l'idéal chrétien ; Lamartine écrivit ses Méditations et ses Harmonies poétiques et religieuses; le comte de Montalembert démontra que la France était couverte de monuments artistiques admirables, et H. Flandrin exécuta avec un grand talent des peintures spiritualistes dans les églises de Saint-Séverin, de Saint-Vincent de Paul, de Saint-Germain des Prés, à Paris, et de Saint-Paul, à Nîmes. En ce moment, un idéal chrétien est l'objet des études d'un grand nombre de personnes en France, en Angleterre et en Belgique. Mais M. Félix Clément ne doute pas que, si l'art religieux, soit sous une forme archaïque et traditionnelle, soit sous une forme nouvelle, cessait d'exister, on pourrait considérer l'art profane comme atteint d'une décrépitude irrémédiable. L'auteur examine ensuite l'art byzantin et le style arabe, décrit les églises de Sainte-Sophie, de la Théotokos, à Constantinople, et la cathédrale d'Athènes. Il trace les caractères du style arabe, qui est une négation de toute liberté et l'absence — 63 — de toute idée traduisible à cause de la loi mahométane, qui défend la représentation des êtres animés. Il décrit plusieurs mosquées du Caire, les monuments mauresques de Séville, de Tolède, de Cordoue, de Grenade, et nous en montre les magnificences, en remarquant toutefois combien elles diffèrent par l'uniformité systématique et leurs éléments de l'épanouissement varié des formes d'art qui résulte de notre civilisation
nombre de personnes en France, en Angleterre et en Belgique. Mais M. Félix Clément ne doute pas que, si l'art religieux, soit sous une forme archaïque et traditionnelle, soit sous une forme nouvelle, cessait d'exister, on pourrait considérer l'art profane comme atteint d'une décrépitude irrémédiable. L'auteur examine ensuite l'art byzantin et le style arabe, décrit les églises de Sainte-Sophie, de la Théotokos, à Constantinople, et la cathédrale d'Athènes. Il trace les caractères du style arabe, qui est une négation de toute liberté et l'absence — 63 — de toute idée traduisible à cause de la loi mahométane, qui défend la représentation des êtres animés. Il décrit plusieurs mosquées du Caire, les monuments mauresques de Séville, de Tolède, de Cordoue, de Grenade, et nous en montre les magnificences, en remarquant toutefois combien elles diffèrent par l'uniformité systématique et leurs éléments de l'épanouissement varié des formes d'art qui résulte de notre civilisation chrétienne. Il serait trop long de rendre compte de tous les chapitres qui suivent, sur l'art depuis le cinquième siècle jusqu'à la fin du onzième et sur la période romane et ogivale. Cependant je ne puis passer sur cette dernière sans quelques développements. L'art ogival a pris naissance en France, et l'auteur, qui ne manque jamais de signaler la gloire et la supériorité de notre pays chaque fois qu'il en trouve l'occasion, nous apprend les origines de ce style vraiment français, vraiment chrétien. Il réfute l'erreur qui a fait remonter aux croisades le style ogival et l'explique, par la confusion des époques, par la non-observation des modes de construction, par la répulsion de certains esprits pour les institutions du moyen âge, qui les porte à refuser aux hommes de cette époque l'initiative, l'invention, l'originalité, le talent, le génie, enfin par la routine de renseignement officiel. Il montre en effet que c'est justement au moment des premières croisades que les architectes, sculpteurs, imagiers renoncent à reproduire les plans types, arabesques, lettres, emblèmes et figures géométriques des Byzantins et des Arabes, et que c'est jusqu'à la huitième croisade que l'art ogival a pris son complet développement. Il explique ce mode de construction
et l'auteur, qui ne manque jamais de signaler la gloire et la supériorité de notre pays chaque fois qu'il en trouve l'occasion, nous apprend les origines de ce style vraiment français, vraiment chrétien. Il réfute l'erreur qui a fait remonter aux croisades le style ogival et l'explique, par la confusion des époques, par la non-observation des modes de construction, par la répulsion de certains esprits pour les institutions du moyen âge, qui les porte à refuser aux hommes de cette époque l'initiative, l'invention, l'originalité, le talent, le génie, enfin par la routine de renseignement officiel. Il montre en effet que c'est justement au moment des premières croisades que les architectes, sculpteurs, imagiers renoncent à reproduire les plans types, arabesques, lettres, emblèmes et figures géométriques des Byzantins et des Arabes, et que c'est jusqu'à la huitième croisade que l'art ogival a pris son complet développement. Il explique ce mode de construction nouvelle consistant dans un équilibre de forces, qui, en se neutralisant, maintiennent tout l'édifice, et permettent d'élever des voûtes d'une hardiesse inouïe, et d'une hauteur inconnue jusqu'alors. Il se complaît à nous montrer une esthétique nouvelle dans la richesse de l'ornementation composée de feuilles de chêne, de palmes d'acacia, d'érable, de sapin, de châtaignier, de figures et d'animaux, qui font de l'art ogival un art plus varié et plus magnifique que l'art arabe. Je passe sous silence l'histoire de la construction de nos belles cathédrales de Saint-Denis, de Noyon, de Notre-Dame — 61 — de Paris, de Sens, de Chartres, de Reims, d'Amiens, de Beauvais, de Meaux et de Troyes. Celle de Cologne ne fut construite que cinquante ans après celles d'Amiens et de Beauvais. En très peu d'années, cet art nouveau et national atteignit son plus haut degré de perfection, couvrit notre sol de chefs-d'œuvre et se répandit avec une rapidité extraordinaire sur toute l'Europe, en Italie, en Espagne, en Germanie et en Angleterre. Le chapitre suivant, consacré à la Renaissance et qui n'est pas moins intéressant, est rempli de faits et de descriptions, et contient des biographies détaillées de Michel-Ange, de Raphaël, de Léonard de Vinci, de Titien
de sapin, de châtaignier, de figures et d'animaux, qui font de l'art ogival un art plus varié et plus magnifique que l'art arabe. Je passe sous silence l'histoire de la construction de nos belles cathédrales de Saint-Denis, de Noyon, de Notre-Dame — 61 — de Paris, de Sens, de Chartres, de Reims, d'Amiens, de Beauvais, de Meaux et de Troyes. Celle de Cologne ne fut construite que cinquante ans après celles d'Amiens et de Beauvais. En très peu d'années, cet art nouveau et national atteignit son plus haut degré de perfection, couvrit notre sol de chefs-d'œuvre et se répandit avec une rapidité extraordinaire sur toute l'Europe, en Italie, en Espagne, en Germanie et en Angleterre. Le chapitre suivant, consacré à la Renaissance et qui n'est pas moins intéressant, est rempli de faits et de descriptions, et contient des biographies détaillées de Michel-Ange, de Raphaël, de Léonard de Vinci, de Titien et de Benvenuto Cellini, qui donnent une grande variété au récit, et expliquent sous une forme nouvelle les tendances de l'esthétique de ces artistes et de leurs contemporains. Les écoles italienne, espagnole, flamande et française sont tour à tour examinées et critiquées avec une science étendue et profonde au point de vue de l'architecture, de la peinture et de la sculpture. Le dix-septième siècle, où les arts comme la littérature de la France ont resplendi d'un grand éclat et ont brillé par la noblesse et la majesté, le dix-huitième, où le style s'est abaissé, le goût s'est dépravé, où la beauté et la grandeur ont fait place à la gentillesse et à des formes maniérées, mais encore charmantes, sont étudiés avec un jugement délicat et une grande autorité. Je regrette de ne pouvoir entrer dans les détails de ces deux chapitres si pleins de réflexions, d'aperçus et de faits historiques. L'auteur n'oublie pas de mentionner l'influence du goût français; mais ce n'est plus comme au moyen âge où notre architecture se répandait sur toute l'Europe avec tant de rapidité. Les artistes étrangers viennent chercher dans notre patrie la consécration et le développement de leur talent. Les Flaman, Flamands d'origine; deviennent
de vue de l'architecture, de la peinture et de la sculpture. Le dix-septième siècle, où les arts comme la littérature de la France ont resplendi d'un grand éclat et ont brillé par la noblesse et la majesté, le dix-huitième, où le style s'est abaissé, le goût s'est dépravé, où la beauté et la grandeur ont fait place à la gentillesse et à des formes maniérées, mais encore charmantes, sont étudiés avec un jugement délicat et une grande autorité. Je regrette de ne pouvoir entrer dans les détails de ces deux chapitres si pleins de réflexions, d'aperçus et de faits historiques. L'auteur n'oublie pas de mentionner l'influence du goût français; mais ce n'est plus comme au moyen âge où notre architecture se répandait sur toute l'Europe avec tant de rapidité. Les artistes étrangers viennent chercher dans notre patrie la consécration et le développement de leur talent. Les Flaman, Flamands d'origine; deviennent des peintres éminemment français. Lulli, Gluck, Mozart et Haydn lui-même semblent à M. Clément avoir subi l'influence du goût français. Rossini Meyerbeer assouplissent leur génie à notre goût et produisent leurs chefs-d'œuvre. Tout le livre est écrit avec une rare élégance, une grande élévation de style; l'intérêt se soutient d'un bout à l'autre, malgré l'aridité apparente du sujet, grâce au point de vue religieux — 65 — auquel l'auteur s'est placé et à la méthode qui en relie toutes les parties, grâce à la variété des questions artistiques et des dissertations de toutes sortes qui s'y développent. Aussi a-t-il plus de portée que la préface ne paraît lui en accorder, et s'adresse-t-il non seulement à la jeunesse, mais encore aux artistes et aux historiens. Je ne puis dire que je partage entièrement toutes les idées de l'auteur, que j'aie le même enthousiasme que lui pour le paysage historique, la même aversion pour le naturalisme et l'art pour l'art. Je suis moins sévère que lui pour le paysage moderne; d'un autre côté, j'admire davantage le talent de Titien; et je serais fort embarrassé s'il me fallait choisir entre Murillo et Velázquez que M. Félix Clément place en seconde ligne. Mais qu’est-ce
bout à l'autre, malgré l'aridité apparente du sujet, grâce au point de vue religieux — 65 — auquel l'auteur s'est placé et à la méthode qui en relie toutes les parties, grâce à la variété des questions artistiques et des dissertations de toutes sortes qui s'y développent. Aussi a-t-il plus de portée que la préface ne paraît lui en accorder, et s'adresse-t-il non seulement à la jeunesse, mais encore aux artistes et aux historiens. Je ne puis dire que je partage entièrement toutes les idées de l'auteur, que j'aie le même enthousiasme que lui pour le paysage historique, la même aversion pour le naturalisme et l'art pour l'art. Je suis moins sévère que lui pour le paysage moderne; d'un autre côté, j'admire davantage le talent de Titien; et je serais fort embarrassé s'il me fallait choisir entre Murillo et Velázquez que M. Félix Clément place en seconde ligne. Mais qu’est-ce que ces divergences dans un ouvrage d’une si vaste étendue ? Ce livre contient 150 gravures qui en font l’ornement et aident puissamment à l’intelligence du texte. Le succès qu’il a obtenu à si juste titre fait prévoir une nouvelle édition, où le nombre des illustrations sera, dit-on, augmenté et viendra lui donner encore plus d’intérêt et d’importance. Le dernier chapitre contient une histoire de la gravure en médailles, de la gravure sur bois, de la gravure à l’eau-forte, de la gravure à la manière noire et à l’aqua-tinte. Enfin, M. Félix Clément, qui, dans cette Histoire des beaux-arts, ne s’est appliqué qu’aux arts plastiques et s’est abstenu de parler de la musique, qui exige des notions spéciales pour être approfondie dans ses transformations, a cependant terminé son livre par une nomenclature des auteurs anciens et modernes qui peuvent servir à l’histoire de l’art musical, et parmi lesquels il figure lui-même par un grand nombre d’ouvrages importants sur la musique, sur le plain-chant, sur l’histoire de la musique et des musiciens. EMILE LABORNE. RAPPORT DE M. A. COCHIN SUR LE VOLUME DE POÉSIES FRUITS D’AUTOMNE PAR M. ALPHONSE SAGE. Messieurs, Chargé par vous, à notre dernière séance, de présenter un
viendra lui donner encore plus d’intérêt et d’importance. Le dernier chapitre contient une histoire de la gravure en médailles, de la gravure sur bois, de la gravure à l’eau-forte, de la gravure à la manière noire et à l’aqua-tinte. Enfin, M. Félix Clément, qui, dans cette Histoire des beaux-arts, ne s’est appliqué qu’aux arts plastiques et s’est abstenu de parler de la musique, qui exige des notions spéciales pour être approfondie dans ses transformations, a cependant terminé son livre par une nomenclature des auteurs anciens et modernes qui peuvent servir à l’histoire de l’art musical, et parmi lesquels il figure lui-même par un grand nombre d’ouvrages importants sur la musique, sur le plain-chant, sur l’histoire de la musique et des musiciens. EMILE LABORNE. RAPPORT DE M. A. COCHIN SUR LE VOLUME DE POÉSIES FRUITS D’AUTOMNE PAR M. ALPHONSE SAGE. Messieurs, Chargé par vous, à notre dernière séance, de présenter un rapport sur le recueil de poésies intitulé : Fruits d’automne, que nous avait offert notre collègue M. Alphonse Sage, un des plus anciens membres de la Société libre des Beaux-Arts, et aussi l’un des plus zélés, je me suis hâté de remplir cette agréable tâche; cela m’était d’autant plus facile que je connaissais ainsi que vous les principales pièces de ce recueil; elles nous avaient été lues par leur auteur, et beaucoup d’entre elles avaient été chaleureusement applaudies aux séances publiques de la Société; je les ai néanmoins relues avec plaisir et j’ai de nouveau constaté les sérieuses qualités qu’elles renferment: élégance et pureté de style, et surtout respect de leur auteur pour les règles que nous ont tracées les maîtres, règles qui ne sont pas l’effet d’un caprice, mais bien l’une des conditions essentielles de la poésie. Je sais que l’on pourra citer quelques auteurs généralement admirés et qui s’en sont parfois affranchis; mais c’est que les traits de génie qui éclatent dans leurs œuvres font oublier ces imperfections, et leurs pâles imitateurs, n’ayant pas leurs qualités, croient pouvoir leur ressembler en copiant leurs défauts, ignorant ou ne mettant pas en pratique ces deux vers si justes de Molière: