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les rangs allemands. Un colonel souabe, président du tribunal de guerre, laisse ce lieutenant révolutionnaire s'échapper et, sans que personne ait appris sa complicité passive, expie cet acte de haute trahison en se suicidant. Un vrai thème de composition d'écolier, la lutte entre deux devoirs. Les spectateurs, bouleversés et versant des larmes patriotiques, applaudirent frénétiquement. Encore une pièce de guerre, dont l'action est déjà plus proche de nous, La bataille de la Marne, dont je ne me rappelle malheureusement plus le nom de l'auteur. Elle aussi eut un certain succès, dû moins à sa valeur littéraire ou dramatique qu'à la façon dont le sujet était traité. On y flattait les sentiments des revanchards allemands conscients ou inconscients, en les instruisant des « vraies » causes de la débâcle allemande. On comprend que le général von Kluck, celui-là-même qui a perdu cette bataille et qui pouvait se voir lui-même en scène, aussi innocenté que possible, ait applaudi frénétiquement! On attendait à Berlin, avec une grande curiosité, la représentation de La marquise, la nouvelle pièce de M. Ferdinand Bruckner, une des figures les plus intéressantes du théâtre allemand contemporain. Mais comme cela arrive souvent en Allemagne, cette belle œuvre a pris d'abord le chemin de la province pour n'atteindre la capitale que bien plus tard. C'est à Darmstadt qu'elle fut créée, mais le scandale que les nationaux-socialistes firent autour d'elle d'ailleurs sans aucune raison obligea le directeur du théâtre d'État de Hesse à en interrompre les représentations et c'est pourquoi la pièce de M. Bruckner (que nous avons pu lire dans les éditions de Fischer) n'a même pas pu atteindre Berlin. En faisant le bilan théâtral de cette saison désastreuse, on s'aperçoit qu'elle a été à Berlin comme en province bien pauvre, en fait de nouvelles pièces allemandes. Si l'on y ajoutait même celles qui furent jouées après les élections du 5 mars, c'est-à-dire après l'avènement définitif de M. Hitler, on n'obtiendrait pas un résultat plus appréciable. Même la pièce raciste qui a fait le plus de bruit, celle de M. Hanns Johst, Schlageter, que trois cents scènes allemandes se sont cru
le chemin de la province pour n'atteindre la capitale que bien plus tard. C'est à Darmstadt qu'elle fut créée, mais le scandale que les nationaux-socialistes firent autour d'elle d'ailleurs sans aucune raison obligea le directeur du théâtre d'État de Hesse à en interrompre les représentations et c'est pourquoi la pièce de M. Bruckner (que nous avons pu lire dans les éditions de Fischer) n'a même pas pu atteindre Berlin. En faisant le bilan théâtral de cette saison désastreuse, on s'aperçoit qu'elle a été à Berlin comme en province bien pauvre, en fait de nouvelles pièces allemandes. Si l'on y ajoutait même celles qui furent jouées après les élections du 5 mars, c'est-à-dire après l'avènement définitif de M. Hitler, on n'obtiendrait pas un résultat plus appréciable. Même la pièce raciste qui a fait le plus de bruit, celle de M. Hanns Johst, Schlageter, que trois cents scènes allemandes se sont cru obligées de jouer, est un produit tout à fait médiocre, aussi bien du point de vue dramatique que du point de vue littéraire. Schlageter fut un des premiers membres du parti national-socialiste, il fut fusillé en 1923, lors de l'occupation de la Ruhr, pour des actes de sabotage. Johst n'a tiré de sa vie que des scènes de reportage la tendance, bien entendu, est de montrer que Schlageter fut le précurseur et le premier martyr du mouvement « naziste ». Son drame ne peut être comparé à aucune autre pièce de ce genre, c'est-à-dire en évoquant un héros se sacrifiant pour la patrie ou pour une idée. Ceux qui, dans leur enivrement naziste, ont essayé de comparer l'auteur de Schlageter à Kleist, ne comprennent pas ou ignorent l'œuvre géniale de cet officier romantique. Ce jugement ne découle nullement d'un point de vue politique opposé à celui de M. Johst. Nous jugeons une pièce non pas d'après les idées politiques qu'elle défend ou rejette, comme le font les hitlériens, mais uniquement d'après sa valeur littéraire et théâtrale, seul critère en matière d'art dramatique. Si l'on examine « Schlageter » sous cet angle, on s'aperçoit bien vite que le talent y fait
tiré de sa vie que des scènes de reportage la tendance, bien entendu, est de montrer que Schlageter fut le précurseur et le premier martyr du mouvement « naziste ». Son drame ne peut être comparé à aucune autre pièce de ce genre, c'est-à-dire en évoquant un héros se sacrifiant pour la patrie ou pour une idée. Ceux qui, dans leur enivrement naziste, ont essayé de comparer l'auteur de Schlageter à Kleist, ne comprennent pas ou ignorent l'œuvre géniale de cet officier romantique. Ce jugement ne découle nullement d'un point de vue politique opposé à celui de M. Johst. Nous jugeons une pièce non pas d'après les idées politiques qu'elle défend ou rejette, comme le font les hitlériens, mais uniquement d'après sa valeur littéraire et théâtrale, seul critère en matière d'art dramatique. Si l'on examine « Schlageter » sous cet angle, on s'aperçoit bien vite que le talent y fait complètement défaut. L'œuvre de M. Johst, le poète attribué du nouveau régime qui vient d'ailleurs de l'élever à la dignité de président de l'Académie de Prusse (en remplacement de M. Heinrich Mann, dénationalisé), confirme l'impression qui se dégage généralement de tous les produits intellectuels du nationalsocialisme celui-ci n'a inspiré, jusqu'à présent, aucune œuvre littéraire d'une valeur quelconque ni en prose, ni en vers, ni dans le domaine du roman, ni dans celui du théâtre. En résumé, aucun des jeunes auteurs allemands (sauf Chlumberg) n'a laissé une empreinte caractéristique sur l'année qui vient de s'écouler. C'est de nouveau l'ombre du septuagénaire Gerhart Hauptmann qui la domine de très haut. On l'aperçoit sur toutes les scènes non seulement du Reich, mais de langue allemande en général. En Allemagne, en Autriche, en Tchéco-Slovaquie, en Suisse, partout où il y a des théâtres jouant en allemand, on a célébré l'œuvre de M. Hauptmann avec un éclat que jamais peut-être un auteur dramatique n'a connu de son vivant. M. Gerhart Hauptmann, depuis tantôt quarante-cinq ans le maître incontestable et le réservoir intarissable du théâtre allemand, a pu assister à une renaissance de son œuvre qui a rempli de stupeur aussi bien ses détracteurs que ses
présent, aucune œuvre littéraire d'une valeur quelconque ni en prose, ni en vers, ni dans le domaine du roman, ni dans celui du théâtre. En résumé, aucun des jeunes auteurs allemands (sauf Chlumberg) n'a laissé une empreinte caractéristique sur l'année qui vient de s'écouler. C'est de nouveau l'ombre du septuagénaire Gerhart Hauptmann qui la domine de très haut. On l'aperçoit sur toutes les scènes non seulement du Reich, mais de langue allemande en général. En Allemagne, en Autriche, en Tchéco-Slovaquie, en Suisse, partout où il y a des théâtres jouant en allemand, on a célébré l'œuvre de M. Hauptmann avec un éclat que jamais peut-être un auteur dramatique n'a connu de son vivant. M. Gerhart Hauptmann, depuis tantôt quarante-cinq ans le maître incontestable et le réservoir intarissable du théâtre allemand, a pu assister à une renaissance de son œuvre qui a rempli de stupeur aussi bien ses détracteurs que ses admirateurs. Des centaines de scènes ont repris une vingtaine de ses pièces et ce fut partout un triomphe incontestable. C'est M. Karlheinz Martin qui en a commencé la ronde, sur la scène du Deutsche Theater, par Rose Bernd ou Une pauvre fille, selon le titre français. On connaît le sujet de cette pièce. Mais son origine vaut, elle aussi, la peine d'être contée M. Hauptmann, appelé comme juré dans le district silésien qu'il habite, a assisté au procès d'une pauvre fille paysanne qui avait étranglé son enfant naturel. Le procureur avait requis contre elle la peine de travaux forcés et tout le monde était certain que la jeune infanticide serait condamnée. Mais lorsque les jurés se furent retirés dans la chambre des délibérations, M. Hauptmann réussit à les convaincre de l'irresponsabilité de la désespérée et l'accusée fut acquittée à l'unanimité. Rentré chez lui, le juré-poète écrivit en quelques jours cette pièce, et, depuis lors, depuis trente ans, c'est une des œuvres les plus jouées en Allemagne. Au cours des dernières années, j'en ai vu plusieurs reprises à Berlin même, mais jamais elle n'a produit une impression aussi forte, aussi tragique qu'au cours de cet hiver au Deutschen Theater, où elle
de cette pièce. Mais son origine vaut, elle aussi, la peine d'être contée M. Hauptmann, appelé comme juré dans le district silésien qu'il habite, a assisté au procès d'une pauvre fille paysanne qui avait étranglé son enfant naturel. Le procureur avait requis contre elle la peine de travaux forcés et tout le monde était certain que la jeune infanticide serait condamnée. Mais lorsque les jurés se furent retirés dans la chambre des délibérations, M. Hauptmann réussit à les convaincre de l'irresponsabilité de la désespérée et l'accusée fut acquittée à l'unanimité. Rentré chez lui, le juré-poète écrivit en quelques jours cette pièce, et, depuis lors, depuis trente ans, c'est une des œuvres les plus jouées en Allemagne. Au cours des dernières années, j'en ai vu plusieurs reprises à Berlin même, mais jamais elle n'a produit une impression aussi forte, aussi tragique qu'au cours de cet hiver au Deutschen Theater, où elle fut menée au triomphe par une jeune Viennoise que M. Karlheinz Martin a fait venir à Berlin. En vingt-quatre heures, mademoiselle Paula Wesseli est devenue la vedette favorite de la capitale allemande. Son succès fut tel qu'elle dut jouer son rôle sur quarante scènes de province. M. Karlheinz Martin monta aux Kammerspiele encore une autre pièce de M. Hauptmann, Michaël Kramer, et le succès ne fut pas moindre. Au Théâtre d'État, M. Jessner mit en scène La chute de Gabriel Schilling; au Théâtre Populaire, Les rats; au Kuenerspiele, sa comédie La peau de loutre, la meilleure comédie de langue allemande sans doute; au Schillertheater, La cloche d'orage, une des pièces de Hauptmann les plus faibles, mais qui, par une fortune étrange, a été le plus souvent traduite en langues étrangères et jouée sur toutes les grandes scènes européennes. J'énumère ici les reprises principales, celles qui – sauf la dernière, il est vrai – constituaient un événement artistique, et j'en passe d'autres. Toutes ces reprises, quelle que soit la scène où elles ont eu lieu, ont fourni aux metteurs en scène de tout acabit et à des centaines d'acteurs, l'occasion de montrer combien ils savent se renouveler et varier leur art,
aux Kammerspiele encore une autre pièce de M. Hauptmann, Michaël Kramer, et le succès ne fut pas moindre. Au Théâtre d'État, M. Jessner mit en scène La chute de Gabriel Schilling; au Théâtre Populaire, Les rats; au Kuenerspiele, sa comédie La peau de loutre, la meilleure comédie de langue allemande sans doute; au Schillertheater, La cloche d'orage, une des pièces de Hauptmann les plus faibles, mais qui, par une fortune étrange, a été le plus souvent traduite en langues étrangères et jouée sur toutes les grandes scènes européennes. J'énumère ici les reprises principales, celles qui – sauf la dernière, il est vrai – constituaient un événement artistique, et j'en passe d'autres. Toutes ces reprises, quelle que soit la scène où elles ont eu lieu, ont fourni aux metteurs en scène de tout acabit et à des centaines d'acteurs, l'occasion de montrer combien ils savent se renouveler et varier leur art, prouvant par cela même la richesse de l'œuvre du grand dramaturge allemand. Ce jubilé a repoussé à l'arrière-plan celui de Goethe, dont le bi-centenaire eut lieu le 28 août 1932. Le Théâtre d'État, après beaucoup d'hésitations, s'est enfin bien après cette date décidé à jouer les deux parties de Faust, ce beau poème allemand qui, jusqu'à ce jour, n'a pas encore trouvé sa véritable expression sur la scène berlinoise. C'est au Burgtheater de Vienne que Goethe fut le plus dignement célébré. La mise en scène en fut confiée non pas à un professionnel, mais à un grand poète, à M. Richard Beer-Hoffmann, qui a fondu les deux parties du Faust en une seule et en a tiré un spectacle inoubliable. Après cette interprétation magistrale (où se distingua M. Raoul Aslan, dans le rôle de Mephistophélès) et cette mise en scène vraiment remarquable de M. Beer-Hoffmann, la représentation du poème goethéen sur la scène d'État de Prusse a paru réellement médiocre. Non seulement la mise en scène de Lothar Muthel déçut profondément, mais les interprètes eux-mêmes furent au-dessous de ceux de Vienne. Et pourtant, ce fut M. Werner Krauss, le plus grand acteur de langue allemande, qui tint le rôle principal.
ce beau poème allemand qui, jusqu'à ce jour, n'a pas encore trouvé sa véritable expression sur la scène berlinoise. C'est au Burgtheater de Vienne que Goethe fut le plus dignement célébré. La mise en scène en fut confiée non pas à un professionnel, mais à un grand poète, à M. Richard Beer-Hoffmann, qui a fondu les deux parties du Faust en une seule et en a tiré un spectacle inoubliable. Après cette interprétation magistrale (où se distingua M. Raoul Aslan, dans le rôle de Mephistophélès) et cette mise en scène vraiment remarquable de M. Beer-Hoffmann, la représentation du poème goethéen sur la scène d'État de Prusse a paru réellement médiocre. Non seulement la mise en scène de Lothar Muthel déçut profondément, mais les interprètes eux-mêmes furent au-dessous de ceux de Vienne. Et pourtant, ce fut M. Werner Krauss, le plus grand acteur de langue allemande, qui tint le rôle principal. Mais son Faust était trop bavard, et le rythme divin de la langue goethéenne disparaissait complètement. En somme, le bi-centenaire de Goethe n'a inspiré aucun directeur berlinois. Aucun metteur en scène n'a eu à cœur de présenter quelques œuvres du grand poète sous un nouvel aspect. M. Reinhardt lui-même, ce grand magicien qui a rendu à la vie tant de pièces de Goethe, enfermées jusque-là dans les séminaires de philologie germanique, comme des insectes épinglés dans des laboratoires, M. Reinhardt, en lutte avec des difficultés économiques de plus en plus insurmontables, n'a pas pu courir le risque d'une pareille entreprise. On a bien repris Faust, pour quatre jours, avec madame Thimig dans le rôle principal, mais ce n'était qu'un pis-aller, M. Reinhardt lui-même ne s'en mêlant guère. A un moment donné, j'avais espéré pouvoir lui suggérer une reprise de Clavigo, dont l'excellente adaptation de M. Gabriel Boissy eût pu provoquer un nouvel intérêt en Allemagne, cette pièce étant la plus vivante et la plus moderne de Goethe. En outre, j'avais pensé qu'une adaptation française d'une œuvre classique allemande, mise ainsi à la portée de la génération actuelle, provoquerait chez les Allemands une vive curiosité. Hélas! la lutte incessante avec les
grand magicien qui a rendu à la vie tant de pièces de Goethe, enfermées jusque-là dans les séminaires de philologie germanique, comme des insectes épinglés dans des laboratoires, M. Reinhardt, en lutte avec des difficultés économiques de plus en plus insurmontables, n'a pas pu courir le risque d'une pareille entreprise. On a bien repris Faust, pour quatre jours, avec madame Thimig dans le rôle principal, mais ce n'était qu'un pis-aller, M. Reinhardt lui-même ne s'en mêlant guère. A un moment donné, j'avais espéré pouvoir lui suggérer une reprise de Clavigo, dont l'excellente adaptation de M. Gabriel Boissy eût pu provoquer un nouvel intérêt en Allemagne, cette pièce étant la plus vivante et la plus moderne de Goethe. En outre, j'avais pensé qu'une adaptation française d'une œuvre classique allemande, mise ainsi à la portée de la génération actuelle, provoquerait chez les Allemands une vive curiosité. Hélas! la lutte incessante avec les difficultés économiques et politiques ont rendu ce projet irréalisable. Néanmoins, un des traits les plus caractéristiques de cette saison fut l'exploitation plus intense du répertoire classique. C'est ainsi que, en dehors de Faust, le Théâtre d'Etat a encore monté une comédie de Shakespeare et une tragédie de Schiller. Mais ces représentations n'ont rien ajouté à la gloire de ces auteurs, ni à celle du théâtre national de Prusse. En revanche, deux autres pièces classiques eurent, dans la mise en scène de M. Reinhardt, un succès retentissant, le plus grand que le Deutsches Theater ait pu enregistrer au cours de cette année : Prince de Hombourg de Kleist et Le Grand Théâtre Mondial de Calderon. Prince de Hombourg est une des plus belles œuvres du théâtre romantique allemand. Officier lui-même, Kleist y exalte les vertus militaires de discipline, de patriotisme, de devouement au prince régnant. La lutte engagée entre la communauté et l'individu, entre l'autorité du Grand Kurfürst et l'exaltation généreuse d'un jeune officier fougueux, le précédent général de cavalerie prince de Hombourg, est présentée avec un élan merveilleux. J'avoue que certaines scènes, malgré leur ingéniosité, ne disent plus rien au spectateur moderne qui a appris à douter de l'infaillibilité des
représentations n'ont rien ajouté à la gloire de ces auteurs, ni à celle du théâtre national de Prusse. En revanche, deux autres pièces classiques eurent, dans la mise en scène de M. Reinhardt, un succès retentissant, le plus grand que le Deutsches Theater ait pu enregistrer au cours de cette année : Prince de Hombourg de Kleist et Le Grand Théâtre Mondial de Calderon. Prince de Hombourg est une des plus belles œuvres du théâtre romantique allemand. Officier lui-même, Kleist y exalte les vertus militaires de discipline, de patriotisme, de devouement au prince régnant. La lutte engagée entre la communauté et l'individu, entre l'autorité du Grand Kurfürst et l'exaltation généreuse d'un jeune officier fougueux, le précédent général de cavalerie prince de Hombourg, est présentée avec un élan merveilleux. J'avoue que certaines scènes, malgré leur ingéniosité, ne disent plus rien au spectateur moderne qui a appris à douter de l'infaillibilité des chefs de gouvernements ou des chefs militaires. Ainsi, il serait, de nos jours, inimaginable qu'un général ayant voulu et remporté une victoire décisive, malgré la défense du Prince régnant d'engager la bataille, puisse être condamné à mort par ce même prince et que le dit général, après avoir sauvé, grâce à son initiative hardie, et la patrie et le trône du Kurfürst, accepte cette sentence avec stoïcisme. Un stoïcisme particulièrement impressionnant en l'espèce, car le jeune héros refuse la grâce que le Kurfürst lui-même serait prêt à lui accorder, pour ne pas donner l'exemple d'une désobéissance impunie et afin de ne pas affaiblir l'autorité de son Maître! C'est peut-être cynrique, mais monstrueux! Néanmoins, ce spectacle a infiniment impressionné le public et a atteint un nombre de représentations très honorable. Le mérite en revient à M. Max Reinhardt qui a infusé au théâtre classique allemand une vie nouvelle, comme aucun de ses contemporains n'avait réussi à le faire. Le Grand Théâtre Mondial de Calderon fut l'autre grand succès du Deutsches Theater. J'ai eu la bonne fortune de voir la même pièce, peu de semaines après sa création à Berlin, dans la patrie même de l'auteur, au Teatro Español de Madrid, à
à son initiative hardie, et la patrie et le trône du Kurfürst, accepte cette sentence avec stoïcisme. Un stoïcisme particulièrement impressionnant en l'espèce, car le jeune héros refuse la grâce que le Kurfürst lui-même serait prêt à lui accorder, pour ne pas donner l'exemple d'une désobéissance impunie et afin de ne pas affaiblir l'autorité de son Maître! C'est peut-être cynrique, mais monstrueux! Néanmoins, ce spectacle a infiniment impressionné le public et a atteint un nombre de représentations très honorable. Le mérite en revient à M. Max Reinhardt qui a infusé au théâtre classique allemand une vie nouvelle, comme aucun de ses contemporains n'avait réussi à le faire. Le Grand Théâtre Mondial de Calderon fut l'autre grand succès du Deutsches Theater. J'ai eu la bonne fortune de voir la même pièce, peu de semaines après sa création à Berlin, dans la patrie même de l'auteur, au Teatro Español de Madrid, à l'occasion du deuxième anniversaire de la jeune république ibérique. M. Rivas Cerf, le directeur infatigable de cette scène nationale, en a fait une représentation extrêmement intéressante, très respectueuse du texte et dont la durée a atteint à peine une heure. Le spectacle qu'en a donné M. Reinhardt dura, sans que le texte fût remanié, plus de deux heures. Pourquoi et comment? C'est ici que nous touchons à l'élément essentiel du génie de M. Reinhardt qui le distingue si profondément des autres metteurs en scène le don d'imagination, cette faculté extraordinaire de recréer l'œuvre d'un poète sans en altérer le texte. Oui, ce n'est pas le texte calderonien (admirablement adapté par le regretté Hugo von Hofmannsthal) qu'il a changé, mais il en a élargi l'action, comme le font les grands peintres illustrant certains passages d'un livre. On connaît le sujet de cette belle pièce espagnole l'Univers distribuant aux âmes qui ne sont pas encore nées à la vie réelle les rôles qu'elles auront à remplir sur terre et les faisant jouer. Déjà au prologue, lorsque l'âme du mendiant se révolte contre le texte qu'on lui remet, on sent tout le tragique de ce qui se passera plus tard, bien que toute
le texte fût remanié, plus de deux heures. Pourquoi et comment? C'est ici que nous touchons à l'élément essentiel du génie de M. Reinhardt qui le distingue si profondément des autres metteurs en scène le don d'imagination, cette faculté extraordinaire de recréer l'œuvre d'un poète sans en altérer le texte. Oui, ce n'est pas le texte calderonien (admirablement adapté par le regretté Hugo von Hofmannsthal) qu'il a changé, mais il en a élargi l'action, comme le font les grands peintres illustrant certains passages d'un livre. On connaît le sujet de cette belle pièce espagnole l'Univers distribuant aux âmes qui ne sont pas encore nées à la vie réelle les rôles qu'elles auront à remplir sur terre et les faisant jouer. Déjà au prologue, lorsque l'âme du mendiant se révolte contre le texte qu'on lui remet, on sent tout le tragique de ce qui se passera plus tard, bien que toute cette souffrance pressentie ne s'exprime que par des gestes muets. Les rôles distribués, M. Reinhardt place les « acteurs » dans des niches d'église où se trouvent d'habitude des sculptures de saints. Chaque fois que le moment arrive de mettre l'un de ces personnages en jeu, la figure figée se réveille de son sommeil de l'au-delà et se met en marche. Les premiers pas sont lourds comme ceux d'une marionnette en bois, puis, l'être naît peu à peu à la vie, on le sent se matérialiser sur la scène même, devenir chair et os, pour disparaître de nouveau, dans le néant, lorsque son destin a été accompli. Par ce jeu muet des personnages isolés ou par la mise en évidence du destin des foules, le texte de Calderon prend une signification de plus en plus symbolique. Le passage de l'homme ici-bas devient l'image de la vie universelle, avec ses problèmes éternels et insolubles, avec ses événements passagers, l'un chassant l'autre, avec ses lois immuables qui régissent le monde au milieu de ses changements incessants révolutions, bouleversements multiples. Le texte ne contient que des allusions, mais quelles images M. Reinhardt en fait surgir! Ainsi, au moment où le mendiant, désespéré, lève