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Marcel André et Gabrielle Dorziat. Direction artistique de Christian Bernard, images de Michel Clavier et musique de Georges Auric. PICASSO OUVRIER Picasso n'a pas créé le son mais s'estimait qu'un moyen industriel soit trouvé de reproduire à volonté le plus grand nombre de ses poteries, argumentant que, "dans notre société", s’il mettait en vente une céramique, "on spéculerait dessus..." ? Raison pour laquelle il a décidé de donner "tout cela, un peu partout, dans les musées..." Sans doute est-ce dans le sens même de sa création que Picasso regrette de devancer l’époque où une pareille œuvre pourra être accessible à tous et devenir vraiment d’usage. Et sans doute aussi sait-il voir l'annonce du rôle social que jouera l'artiste dans la société de demain. Car, dans ces sociétés, l’objet de série ainsi vieira ne saurait contredire l'objet unique, puisque celui-ci sera souvent imposé par certaines techniques qui n'autorisent pas la reproduction multipliée ou indéfinie. La pièce unique, étalonnage nécessaire parfois aussi d’une expérience de l’artiste, tiendra toujours son rôle, un rôle plus haut encore que celui de la pièce de série, à condition que la pièce unique ne devienne pas propriété privée, mais propriété collective. En effet, les grandes collectivités qui s’organisent, dont la richesse laissera loin derrière elle la fortune des actuelles "élites sociales", permettront à la nation tout entière de jouir de ce luxe. Sur les miniatures persanes figurent de charmants objets de céramique, tournés ou modelés, et cuits, pour le plaisir de jeunes princes et de leurs favorites ; les Seldjoukides d’Anatolie étaient des guerriers qui aimaient jouir aussi, par les moyens d’une vaisselle d’usage, des richesses que leur avaient valu le pillage des combats : les potiers musulmans travaillaient pour leurs maîtres privilégiés. Les potiers de demain auront pour maître les peuples. Et c’est dans ce sens que, déjà, l’œuvre de Picasso, somptueuse et magnifique, engage l’avenir. LA grande leçon de cette exposition, outre la fascination qu’elle exerce sur l’esprit et l’admiration qu’elle enfonce dans le cœur de l’homme qui a gardé le goût de vivre, c’est la leçon des sources. Picasso est retourné aux sources, non
s’organisent, dont la richesse laissera loin derrière elle la fortune des actuelles "élites sociales", permettront à la nation tout entière de jouir de ce luxe. Sur les miniatures persanes figurent de charmants objets de céramique, tournés ou modelés, et cuits, pour le plaisir de jeunes princes et de leurs favorites ; les Seldjoukides d’Anatolie étaient des guerriers qui aimaient jouir aussi, par les moyens d’une vaisselle d’usage, des richesses que leur avaient valu le pillage des combats : les potiers musulmans travaillaient pour leurs maîtres privilégiés. Les potiers de demain auront pour maître les peuples. Et c’est dans ce sens que, déjà, l’œuvre de Picasso, somptueuse et magnifique, engage l’avenir. LA grande leçon de cette exposition, outre la fascination qu’elle exerce sur l’esprit et l’admiration qu’elle enfonce dans le cœur de l’homme qui a gardé le goût de vivre, c’est la leçon des sources. Picasso est retourné aux sources, non point comme certains font avec la naïveté de l’ignorance, mais avec la certitude de la connaissance. Ayant acquis la maîtrise de l’œil et de la main, l’artiste est capable de traduire efficacement toutes les transfigurations, et les plus extrêmes, nourries du réel, c’est-à-dire de l’observation, de l’étude, de l’expérience, de ce travail, enfin, qu’élabore une imagination elle-même pétrie de chair et de pensée, de poésie vivante. Si l’œuvre de Picasso prend un sens universel, c’est qu’on ne saurait la détourner de ces sources. En Provence, l’artiste a éprouvé avec la terre et la mer, le soleil et le sang, la violence voluptueuse, le charme somptueux et subtil, l’élégante finesse aussi de cette mythologie méditerranéenne qui n’est que l’expression d’une des plus hautes cultures qui furent : de là ces faunes, ces nymphes, ces centaures, ces oiseaux, ces poissons, ces fleurs qui décorent ou illustrent les formes traditionnelles auxquelles parfois le "coup de poing" du potier, et la magie des couleurs peintes, donnent une vie nouvelle. De là ces variations sur les thèmes éternels de la nature et du folklore, ces diferencias, semblables à celles que les musiciens espagnols inventèrent seuls pour toute l’histoire de la musique à la veille du
ce travail, enfin, qu’élabore une imagination elle-même pétrie de chair et de pensée, de poésie vivante. Si l’œuvre de Picasso prend un sens universel, c’est qu’on ne saurait la détourner de ces sources. En Provence, l’artiste a éprouvé avec la terre et la mer, le soleil et le sang, la violence voluptueuse, le charme somptueux et subtil, l’élégante finesse aussi de cette mythologie méditerranéenne qui n’est que l’expression d’une des plus hautes cultures qui furent : de là ces faunes, ces nymphes, ces centaures, ces oiseaux, ces poissons, ces fleurs qui décorent ou illustrent les formes traditionnelles auxquelles parfois le "coup de poing" du potier, et la magie des couleurs peintes, donnent une vie nouvelle. De là ces variations sur les thèmes éternels de la nature et du folklore, ces diferencias, semblables à celles que les musiciens espagnols inventèrent seuls pour toute l’histoire de la musique à la veille du Siècle d’Or. Et c'est un peu à la façon dont Manuel de Falla fabriquait, grâce à une alchimie retrouvée, des chants populaires non authentiques, que Pablo Picasso refait, par un retour singulier que la maîtrise seule rend possible, des plats qui peuvent prendre place à côté d'une coupe de Rhages ou de Fostât, d'un bol de Syrie, d'un vase de Perse ou de Sultanabad, d'une cruche de Nicée, non moins que de ces poteries de Valence ou de Teruel qui contribuent à l'illustration de l'art espagnol des XIVe et XVe siècles. Je pense par exemple à cette petite coupe de la fabrique de Paterna (Valence), qui est au Louvre, une petite coupe sur fond blanc et à décor vert, ornée d'une tête humaine, de poissons et de rinceaux : la relation d'esprit et de goût de cette pièce étonnante avec certaines céramiques de Picasso est évidente. QUELQUES-UNS ont formulé le regret que, malgré la réussite du décor, certains plats de Picasso, à cause de parties gravées ou en relief, ne répondent pas exactement à l'usage, mais prennent figure d'objets de vitrine, « un plat devant être lisse par définition ». Pour ma part, je ne vois pas en quoi un
ou de Fostât, d'un bol de Syrie, d'un vase de Perse ou de Sultanabad, d'une cruche de Nicée, non moins que de ces poteries de Valence ou de Teruel qui contribuent à l'illustration de l'art espagnol des XIVe et XVe siècles. Je pense par exemple à cette petite coupe de la fabrique de Paterna (Valence), qui est au Louvre, une petite coupe sur fond blanc et à décor vert, ornée d'une tête humaine, de poissons et de rinceaux : la relation d'esprit et de goût de cette pièce étonnante avec certaines céramiques de Picasso est évidente. QUELQUES-UNS ont formulé le regret que, malgré la réussite du décor, certains plats de Picasso, à cause de parties gravées ou en relief, ne répondent pas exactement à l'usage, mais prennent figure d'objets de vitrine, « un plat devant être lisse par définition ». Pour ma part, je ne vois pas en quoi un décor gravé ou en relief pourrait nuire, par exemple, à la présentation de fruits ? Si, indiscutablement, toute vaisselle doit être aussi unie que possible, le reste des objets, en céramique, peut être décoré de reliefs ou de creux. Les exemples abondent. Dans l'ouvrage célèbre de Rivière sur La Céramique dans l'Art musulman est reproduit le fragment d'un plat de Fustat du IXe siècle où sont représentés, cernés en creux et comportant des traits en relief, trois oies tenant une branche dans leur bec. J'ai eu moi-même en main une coupe persane du Xe siècle, de la collection Potier, à décor d'oiseau gravé, ainsi qu'une coupe du Caire, du XIVe siècle, de la collection Raymond Koechlin à décor gravé, aussi bien intérieur qu'extérieur. Ces remarques me paraissent tout à fait dérisoires en regard de ce monde de couleurs et de formes que Picasso a créé dans la lumière, en redonnant à l'objet son sens original, donc son sens utilitaire. La valeur d'enseignement qu'on y découvre reste exemplaire. Il est à craindre, certes, que de jeunes potiers, ne saisissant que les apparences de cette œuvre, s'épuisent à imiter des formes et des couleurs dont ils n'auront pas compris le procédé. Tant
dans l'Art musulman est reproduit le fragment d'un plat de Fustat du IXe siècle où sont représentés, cernés en creux et comportant des traits en relief, trois oies tenant une branche dans leur bec. J'ai eu moi-même en main une coupe persane du Xe siècle, de la collection Potier, à décor d'oiseau gravé, ainsi qu'une coupe du Caire, du XIVe siècle, de la collection Raymond Koechlin à décor gravé, aussi bien intérieur qu'extérieur. Ces remarques me paraissent tout à fait dérisoires en regard de ce monde de couleurs et de formes que Picasso a créé dans la lumière, en redonnant à l'objet son sens original, donc son sens utilitaire. La valeur d'enseignement qu'on y découvre reste exemplaire. Il est à craindre, certes, que de jeunes potiers, ne saisissant que les apparences de cette œuvre, s'épuisent à imiter des formes et des couleurs dont ils n'auront pas compris le procédé. Tant pis pour eux. Mais je pense que d'autres artistes, et pas seulement des potiers, comprendront la leçon d'un tel maître. Picasso démontre, que la liberté est exactement le contraire de cette anarchie séduisante et facile propre à tant d'artistes d'aujourd'hui, parce que cette liberté c'est rendue possible par la connaissance profonde des nécessités matérielles et spirituelles de toute création artistique et par la conscience aiguë des réalités. La leçon de Picasso est essentiellement une leçon de vie, la manifestation magnifique de la confiance et de l'espoir d'un artiste en l'homme et dans l'avenir. Si d'autres Espagnols, et je pense à Goya et à Lorca, ont comme lui, avant lui, rejeté les entraves qui soumettent les artistes à la classe dirigeante, éprouvé le sentiment de leur indépendance et de leurs responsabilités, opposé leur ardente sincérité à l'hypocrisie bourgeoise, accepté volontiers l'influence des éléments et exprimé leur temps avec violence, aimé à scandaliser (Goya n'opposait-il pas Les Désastres de la guerre à la frivolité de la noblesse, et La Maja (nude) à l'interdit de l'Église sur le nu ?), Picasso, lui, domine cet avant-goût de la mort, ce « nihilisme (un existentialisme avant la lettre) dont Unamuno prétendait qu'il était inséparable de
profonde des nécessités matérielles et spirituelles de toute création artistique et par la conscience aiguë des réalités. La leçon de Picasso est essentiellement une leçon de vie, la manifestation magnifique de la confiance et de l'espoir d'un artiste en l'homme et dans l'avenir. Si d'autres Espagnols, et je pense à Goya et à Lorca, ont comme lui, avant lui, rejeté les entraves qui soumettent les artistes à la classe dirigeante, éprouvé le sentiment de leur indépendance et de leurs responsabilités, opposé leur ardente sincérité à l'hypocrisie bourgeoise, accepté volontiers l'influence des éléments et exprimé leur temps avec violence, aimé à scandaliser (Goya n'opposait-il pas Les Désastres de la guerre à la frivolité de la noblesse, et La Maja (nude) à l'interdit de l'Église sur le nu ?), Picasso, lui, domine cet avant-goût de la mort, ce « nihilisme (un existentialisme avant la lettre) dont Unamuno prétendait qu'il était inséparable de la qualité d'Espagnol ; Picasso, lui, dépasse aussi cet amour « désespéré » de la vie qui caractérisait Lorca. Je n'en retiendrai encore pour preuve que ce chef-d'œuvre de bronze dont la terre fut « montée » par lui en un jour, L'Homme au mouton, cette statue monumentale qui nous accueille sur le seuil de ce monde enchanté et stupéfiant, si près de nous, et si près de tous, ce monde réel que le génie d'un homme offre aux autres dans le partage d'une même joie et d'une même espérance. La terre et le feu, dans les mains de Picasso, c'est pour nous la figuration vivante de la matière et de l'esprit, de leur combat et de leur victoire. Léon MOUSSINAC. LE FEUILLETON THEATRAL D'ELSA TRIOLET CAS D'INCONSCIENCE Théâtre de la Michodière : Les Œufs de l'autruche et Du côté de chez Proust. Comédie-Française (salle Luxembourg) : Les Femmes du Bœuf et Renaud et Armide (reprise). DE qui ririez-vous ? C'est de vous-mêmes que vous ririez ! J'avais écrit cette célèbre phrase du Revisor en tête de mon feuilletton, avant d'aller voir Revisor à l'Atelier (je vous en parlerai la semaine prochaine). Et je l'avais écrite à propos de la
accueille sur le seuil de ce monde enchanté et stupéfiant, si près de nous, et si près de tous, ce monde réel que le génie d'un homme offre aux autres dans le partage d'une même joie et d'une même espérance. La terre et le feu, dans les mains de Picasso, c'est pour nous la figuration vivante de la matière et de l'esprit, de leur combat et de leur victoire. Léon MOUSSINAC. LE FEUILLETON THEATRAL D'ELSA TRIOLET CAS D'INCONSCIENCE Théâtre de la Michodière : Les Œufs de l'autruche et Du côté de chez Proust. Comédie-Française (salle Luxembourg) : Les Femmes du Bœuf et Renaud et Armide (reprise). DE qui ririez-vous ? C'est de vous-mêmes que vous ririez ! J'avais écrit cette célèbre phrase du Revisor en tête de mon feuilletton, avant d'aller voir Revisor à l'Atelier (je vous en parlerai la semaine prochaine). Et je l'avais écrite à propos de la pièce d'André Rousin, Les Œufs de l'autruche. Car on y rit énormément, bien que la salle soit pleine de personnages semblables à ceux de la pièce. On y rit, avec inconscience, à voir l'inconnaissance sérène de personnages vivant dans ce qui est considéré comme l'immoralité complète. Et c'est cette inconscience qui est l'élément comique de la pièce. André Poussin s'est déjà servi de ce même élément dans La Petite Hutte qui fait salle comble pour sa deuxième saison. Mais si, dans La Petite Hutte, l'attitude du « triangle » peut être mise au compte de la situation du naufragé avec ce qu'elle a d'exceptionnel, Les Œufs de l'autruche (pièce incomparablement meilleure) est une véritable peinture de mœurs. Je vous préviens que ce n'est pas là une pièce moralisatrice. Ce n'est pas une fable, dont l'auteur tire la morale pour vous. Ce n'est pas non plus une pièce dont la morale se présente toute seule sur un fond d'immoralité. Non, elle vous dépeint un certain état de chose, et vous n'avez qu'à vous en arranger comme vous pouvez. L'auteur ne montre le bout de l'oreille que dans le titre ; il semble rendre responsable la vieille génération du peu de rigueur
qui est l'élément comique de la pièce. André Poussin s'est déjà servi de ce même élément dans La Petite Hutte qui fait salle comble pour sa deuxième saison. Mais si, dans La Petite Hutte, l'attitude du « triangle » peut être mise au compte de la situation du naufragé avec ce qu'elle a d'exceptionnel, Les Œufs de l'autruche (pièce incomparablement meilleure) est une véritable peinture de mœurs. Je vous préviens que ce n'est pas là une pièce moralisatrice. Ce n'est pas une fable, dont l'auteur tire la morale pour vous. Ce n'est pas non plus une pièce dont la morale se présente toute seule sur un fond d'immoralité. Non, elle vous dépeint un certain état de chose, et vous n'avez qu'à vous en arranger comme vous pouvez. L'auteur ne montre le bout de l'oreille que dans le titre ; il semble rendre responsable la vieille génération du peu de rigueur morale dont font montre ses enfants. Les parents ne regardent pas leurs défauts de crainte de les voir, quitte à s'arracher les plumes, le jour où, de leurs œufs d'autruche éclos, sortent des oiseaux qu'on pourrait traiter de tous les noms. André Roussin a voulu tout son monde parfaitement gentil, ayant du bon cœur, de la délicatesse, de l'amour les uns pour les autres... Le père de famille, Hippolyte Burjas, admirablement joué par Fresnay, vous donne l'étonnante impression du déjà vu mille fois, du monsieur rencontré au café du Commerce, à la tête d'une petite entreprise, à un banquet d'anciens combattants — bien qu'à la guerre, il n'aura jamais été que du train des équipages — au volant d'une traction-avant, promenant sa famille en vacances. Gueulard, ouvre au lait ; en paroles toujours prêtes, à des sottises extrêmes, il n'a, en réalité, jamais fait autre chose que d'apporter la nourriture au nid. C'est une touchante et lâche autruche qui aime sa femme et ses enfants. Il a deux fils : l'aîné Charlot-Lolo, une vraie fille, qui a un petit ami et un grand talent de couturier; le cadet est, à dix-sept ans, entretenu par une comtesse polonaise. Charlot, comme l'Artésienne,
ayant du bon cœur, de la délicatesse, de l'amour les uns pour les autres... Le père de famille, Hippolyte Burjas, admirablement joué par Fresnay, vous donne l'étonnante impression du déjà vu mille fois, du monsieur rencontré au café du Commerce, à la tête d'une petite entreprise, à un banquet d'anciens combattants — bien qu'à la guerre, il n'aura jamais été que du train des équipages — au volant d'une traction-avant, promenant sa famille en vacances. Gueulard, ouvre au lait ; en paroles toujours prêtes, à des sottises extrêmes, il n'a, en réalité, jamais fait autre chose que d'apporter la nourriture au nid. C'est une touchante et lâche autruche qui aime sa femme et ses enfants. Il a deux fils : l'aîné Charlot-Lolo, une vraie fille, qui a un petit ami et un grand talent de couturier; le cadet est, à dix-sept ans, entretenu par une comtesse polonaise. Charlot, comme l'Artésienne, n'apparaît pas en scène, Roger (Clément Thierry), les cheveux roux et le nez en l'air, est un gentil petit gosse tout entretenu qu'il soit. Le père est le seul de la famille à s'indigner de cet état de choses, quand il ne peut plus se le dissimuler. Sa femme (Marguerite Cavalland), une mère aimante et énergique, lui oppose un calme souligné et un agacement latent tout familial. Mais le jour où il se met à crier vraiment trop fort, elle lui reproche de ne pas avoir su élever ses enfants. Maintenant, on n'a plus qu'à les accepter comme ils sont. La belle-mère (Germaine de Fronce), cette sainte femme, est une heureuse nature, et le voit pas le mal, et trouve son gendre, avec son parler « gras », un peu exagéré, mais tellement fait délicieux. Il la fait bien rire ! Tout ça est fort bien joué et fort drôle au théâtre, mais à la sortie, je ne sais demandé ; qu'en pensent, au-delà du rire, les enfants de l'autruche dans la salle ? Quel est le degré de conscience devant ce cas d'inc conscience ? Du côté de chez Proust, l'impromptu en un acte de Curzio Malaparte qui suit
Cavalland), une mère aimante et énergique, lui oppose un calme souligné et un agacement latent tout familial. Mais le jour où il se met à crier vraiment trop fort, elle lui reproche de ne pas avoir su élever ses enfants. Maintenant, on n'a plus qu'à les accepter comme ils sont. La belle-mère (Germaine de Fronce), cette sainte femme, est une heureuse nature, et le voit pas le mal, et trouve son gendre, avec son parler « gras », un peu exagéré, mais tellement fait délicieux. Il la fait bien rire ! Tout ça est fort bien joué et fort drôle au théâtre, mais à la sortie, je ne sais demandé ; qu'en pensent, au-delà du rire, les enfants de l'autruche dans la salle ? Quel est le degré de conscience devant ce cas d'inc conscience ? Du côté de chez Proust, l'impromptu en un acte de Curzio Malaparte qui suit la pièce d'André Roussin, est une sorte de réflexion de Proust. De la littérature faite avec de la littérature. Écho d'écho !.... Les voix sont, en fin de compte, si littéraires, si parfaite ment artificielles, qu'on ne sait plus où elles deviennent si peine intelligibles pour le public venu pour qu'André Roussin le fasse rire, et n'y comptant guère goûté ; quant aux proustiens, ce résumé digeste de leur dieu doit leur retourner les quantités. Pendant que les personnalités féminines de Proust défilent dans la galerie de Robert de Saint-Loup (Jacques Semas), Curzio Malaparte tenté de nous donner de Proust une explication sociale. Yvonne Printemps incarne la grue prolétarienne (expression affreuse) qui, elle, incarne cette série de femmes, à éclats de robes créées par Lanvin, avec une chanson pour chacune des robes. Yvonne Printemps chante avec ce qu'on a coutume d'appeler « sa voix d'Or ». Proust-Fresnay est, peut-être bien, ressemblant. Il dit des pages de Proust, sans alinéas, à toute légèreté, qu'on lit en prenant son temps. Je ne sais pas ce que Curzio Malaparte y a fait, je ne suis pas proustienne, mais Fresnay a le charme équestre voulu, et des moments étonnants, comme, par exemple, la tirade
qu'André Roussin le fasse rire, et n'y comptant guère goûté ; quant aux proustiens, ce résumé digeste de leur dieu doit leur retourner les quantités. Pendant que les personnalités féminines de Proust défilent dans la galerie de Robert de Saint-Loup (Jacques Semas), Curzio Malaparte tenté de nous donner de Proust une explication sociale. Yvonne Printemps incarne la grue prolétarienne (expression affreuse) qui, elle, incarne cette série de femmes, à éclats de robes créées par Lanvin, avec une chanson pour chacune des robes. Yvonne Printemps chante avec ce qu'on a coutume d'appeler « sa voix d'Or ». Proust-Fresnay est, peut-être bien, ressemblant. Il dit des pages de Proust, sans alinéas, à toute légèreté, qu'on lit en prenant son temps. Je ne sais pas ce que Curzio Malaparte y a fait, je ne suis pas proustienne, mais Fresnay a le charme équestre voulu, et des moments étonnants, comme, par exemple, la tirade sur le violoncelle. Si Malaparte, si Proust sont conscients de ce qu'ils font, la « grue » n'est-ce pas consciente d'être « prolétarienne » ni Robert de Saint-Loup de ressembler un exemple « de la décadence de la société française et européenne », qui se produit « sous la pression des masses », comme le programme nous explique, doutant que nous le devinions tout seuls. Et il a bien raison d'en douter, le programme, finalement. À la Comédie-Française, Les Femmes du Bœuf, d'Audibert : cela commence comme une galerie, avec un savoureux accent et une belle exagération du Midi... Le boucher (Louis Ségnier), nommé Bœuf, est immense comme les boeufs pendus aux crochets des Halles, raille et bague. Il a tout fait, sauf trente femmes qui habitent sa maison, et il est déjà trois fois veuf, ayant fait périr ses trois femmes par le seul fait de son existence, de son souffle puissant, de son odeur. Et ce "Bœuf" n'a pour fils (André Fraigneau) qu'une fille, Hortense, passant dans les montagnes faire le berger. Le père est tout honteux de ce fils qui descend des cimes avec une fleur à la main. Il veut en faire quelque chose, au moins