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condamné à l'exil et à la fuite, n'a plus aucune illusion sur la conduite de la cité. Il a vu tous les seigneurs dont il était le poète attitré se trahir l'un l'autre. Lui fait du théâtre pour renoncer aux affaires de l'Etat Corneille pour s'y immiscer. » La superbe langue cornélienne, qui remplit à ras bord les poumons de l'esprit, trouve en Tristan un écho « baroque », éclatant et brisé. D'une part, la grandeur infiniment naturelle d'un génie maître de son art, au souffle continu, contenu, déployé. Comme cette langue est belle quand elle est parlée sans emphase et telle que Molière préconisait sa diction ! D'autre part, les fièvres, les ruptures, les éclairs d'un esprit passionné (le seul Français qui a pu voir jouer les pièces de Shakespeare à Londres presque de son vivant), aimant les situations provocantes, les surprises, les arrêts de scènes en plein dérapage, et usant d'un dialogue plus réaliste, bref et brutal jusqu'à la crudité, avec des inflexions d'une cruauté racinienne « Je crois qu'elle me hait parce que vous m'aimez. » Un très beau décor de Carlo Tommasi (« décor à la française selon le goût italien », dit-il !), à la fois grandiose et simple, laisse entrevoir, à travers la perspective d'un palais, d'autres palais, le Forum, tout le paysage immense du passé. Il sert pour les deux pièces, certains détails le modifiant, le colorant avec une sorte de poésie violente. Les costumes sont habilement empruntés à un XVIe siècle imaginaire, notamment pour Cinna, où Corneille met en scène une Rome également imaginaire, et cela recrée l'atmosphère, les personnages de la Fronde. Emilie devient la blonde, étincelante duchesse de Chevreuse, à la haine enthousiaste et presque chevaleresque. Cinna, c'est Condé, joué avec les grâces flexibles, l'élégante duplicité d'un grand seigneur au cœur double et fuyant. Mais la vraie trouvaille c'est le choix de Michel Vitold pour le rôle d'Auguste. Grand acteur, étranger à la tradition du Français, et qui a joué dans beaucoup de pièces du répertoire moderne, Vitold apporte à son personnage une force et une humanité saisissantes. Les alexandrins,
fois grandiose et simple, laisse entrevoir, à travers la perspective d'un palais, d'autres palais, le Forum, tout le paysage immense du passé. Il sert pour les deux pièces, certains détails le modifiant, le colorant avec une sorte de poésie violente. Les costumes sont habilement empruntés à un XVIe siècle imaginaire, notamment pour Cinna, où Corneille met en scène une Rome également imaginaire, et cela recrée l'atmosphère, les personnages de la Fronde. Emilie devient la blonde, étincelante duchesse de Chevreuse, à la haine enthousiaste et presque chevaleresque. Cinna, c'est Condé, joué avec les grâces flexibles, l'élégante duplicité d'un grand seigneur au cœur double et fuyant. Mais la vraie trouvaille c'est le choix de Michel Vitold pour le rôle d'Auguste. Grand acteur, étranger à la tradition du Français, et qui a joué dans beaucoup de pièces du répertoire moderne, Vitold apporte à son personnage une force et une humanité saisissantes. Les alexandrins, dans sa bouche, se chargent de faiblesse et de majesté, d'une espèce de fatigue au sein même de la grandeur. C'est là un tyran vieilli qui se juge, se surpasse, lucide, désabusé, tenté par la clémence dans un mouvement qui confond le découragement, la ruse et la générosité, percevant aussi que le pardon est politique. Toute la soirée on respire sur les hauteurs. Dans La Mort de Sénèque, Fontana compose un prodigieux Néron, frénétique et frôleur, histrion, charmeur, hypocrite, puant, sadique toujours au bord de la crise ou de l'évanouissement. Il mélange les rythmes de jeu avec une confondante dextérité. Et Claude Mathieu, dans le rôle d'Epicharis, ancienne « affranchie », devenue l'âme de la conjuration, se révèle de nouveau comme une immense tragédienne tous les mouvements de l'âme deviennent possibles, deviennent visibles dans un corps habité ainsi par un souffle souverain. C'est magnifique. Hubert Gignoux enfin, pour sa première apparition au Français, compose un admirable Sénèque, tout d'intériorité, de force calme et de silence. Avec une économie qui est le comble de l'art, il suggère, il impose une présence sans pareille. On ignore trop que ce comédien (qui a longtemps dirigé à Strasbourg la Comédie de l'Est et tenu
que le pardon est politique. Toute la soirée on respire sur les hauteurs. Dans La Mort de Sénèque, Fontana compose un prodigieux Néron, frénétique et frôleur, histrion, charmeur, hypocrite, puant, sadique toujours au bord de la crise ou de l'évanouissement. Il mélange les rythmes de jeu avec une confondante dextérité. Et Claude Mathieu, dans le rôle d'Epicharis, ancienne « affranchie », devenue l'âme de la conjuration, se révèle de nouveau comme une immense tragédienne tous les mouvements de l'âme deviennent possibles, deviennent visibles dans un corps habité ainsi par un souffle souverain. C'est magnifique. Hubert Gignoux enfin, pour sa première apparition au Français, compose un admirable Sénèque, tout d'intériorité, de force calme et de silence. Avec une économie qui est le comble de l'art, il suggère, il impose une présence sans pareille. On ignore trop que ce comédien (qui a longtemps dirigé à Strasbourg la Comédie de l'Est et tenu à Etudes, après la guerre, la chronique de théâtre !) est l'un des plus grands de sa génération. Bravo à toute l'équipe Nous attendons, maintenant, sans patience, que Villégier, sous l'égide de Vincent, monte nos trésors méconnus Rotrou, Hardy, et bien sûr toutes les pièces du dernier Corneille, comme les comédies de sa jeunesse. La Compagnie Jean-Laurent Cochet au Théâtre Hébertot Je veux signaler le travail de cette Compagnie qui a présenté tout au long de la saison dernière vingt spectacles en alternance avec une qualité toute professionnelle et un grand succès. Nous les retrouverons cette année. La cohérence de ce groupe vient, bien sûr, de son animateur, Jean-Laurent Cochet, qui a formé beaucoup d'excellents comédiens et possède à l'évidence le théâtre au corps. L'idée majeure est de jouer dans un seul décor, simple et intelligent, un éventail de pièces classiques et modernes, allant de Molière à Sacha Guitry, en passant par Musset, Tchekhov et Jules Renard, avec quelques soirées de poésie axées sur un « thème » la foi dans l'homme (Claudel, Péguy, Brel), ou les femmes dans la poésie et la chanson française, ou l'œuvre d'un poète Récital Francis Jammes. L'ensemble est juste, modeste, enlevé (sans modernité excessive
comédies de sa jeunesse. La Compagnie Jean-Laurent Cochet au Théâtre Hébertot Je veux signaler le travail de cette Compagnie qui a présenté tout au long de la saison dernière vingt spectacles en alternance avec une qualité toute professionnelle et un grand succès. Nous les retrouverons cette année. La cohérence de ce groupe vient, bien sûr, de son animateur, Jean-Laurent Cochet, qui a formé beaucoup d'excellents comédiens et possède à l'évidence le théâtre au corps. L'idée majeure est de jouer dans un seul décor, simple et intelligent, un éventail de pièces classiques et modernes, allant de Molière à Sacha Guitry, en passant par Musset, Tchekhov et Jules Renard, avec quelques soirées de poésie axées sur un « thème » la foi dans l'homme (Claudel, Péguy, Brel), ou les femmes dans la poésie et la chanson française, ou l'œuvre d'un poète Récital Francis Jammes. L'ensemble est juste, modeste, enlevé (sans modernité excessive !), avec des réussites inégales. Il y a des soirées très solides L'Oncle Vania, par exemple, dont la mise en scène ne craint pas de mettre en lumière l'aspect comique du génie de Tchekhov (que celui-ci revendiquait avec insistance), ou les deux pièces de Jules Renard Monsieur Vernet et Le Pain de ménage c'est là du bon travail artisanal avec du matériau inusable. On savoure l'absence de prétention et le métier sûr, ce qui est reposant au milieu de tant de délires organisés. Toutefois, le domaine contemporain est bien maigre ou franchement décevant, par exemple Revenu de l'Étoile, d'André Obey, faible imitation de Our Town, de Thornton Wilder, dont le théâtre a pris de rides. Que dire alors des vieilles audaces du brave Obey ? C'est dans la comédie légère que Cochet est le plus à l'aise son abattage et sa rondeur irrésistible y font merveille. J'ai bien ri (au moins au 1er Acte) à voir Le Nouveau Testament de Sacha Guitry, dont la mousse pétille encore. Mais il y a un monde entre cet esprit (typiquement « parisien ») et le génie de Bernard Shaw qui s'attaque de façon plus corrosive et profonde, dans Mariage, à la même institution
Pain de ménage c'est là du bon travail artisanal avec du matériau inusable. On savoure l'absence de prétention et le métier sûr, ce qui est reposant au milieu de tant de délires organisés. Toutefois, le domaine contemporain est bien maigre ou franchement décevant, par exemple Revenu de l'Étoile, d'André Obey, faible imitation de Our Town, de Thornton Wilder, dont le théâtre a pris de rides. Que dire alors des vieilles audaces du brave Obey ? C'est dans la comédie légère que Cochet est le plus à l'aise son abattage et sa rondeur irrésistible y font merveille. J'ai bien ri (au moins au 1er Acte) à voir Le Nouveau Testament de Sacha Guitry, dont la mousse pétille encore. Mais il y a un monde entre cet esprit (typiquement « parisien ») et le génie de Bernard Shaw qui s'attaque de façon plus corrosive et profonde, dans Mariage, à la même institution sociale (cf. Etudes, février 1984). Le Cirque Enchanteur (Lanterna Magica) par le Théâtre National de Prague au Théâtre du Rond-Point Cette troupe célèbre a inventé un spectacle qui mérite bien le surnomme de magique. Jean-Louis Barrault l'a invitée trop brièvement dans son théâtre, mais elle fait le tour du monde, et vous la rencontrerez peut-être un jour au détour d'un chemin. Entrez alors les yeux fermés. Vous les ouvrirez sur votre enfance, l'enfance de l'art, un raffinement suprême. L'originalité de Lanterna Magica est d'unir de façon unique le théâtre et le cinéma, de multiplier les corps de chair et de sang par les images, de les faire fonctionner et bouger ensemble à l'intérieur d'un récit qui conduit les métamorphoses. Prenons un exemple, emprunté à la Présentation. Un immense écran emplit la scène sur lequel sont projetés simultanément un film muet en noir et blanc et un film sonore en couleur. Dans le film en noir et blanc une femme cache dans une armoire son amant. Effrayée par l'arrivée de son mari, elle pousse l'armoire hors de sa chambre dans le film en couleur, où une chanteuse ébahie la regarde passer, avant que l'armoire ne se matérialise sous nos yeux sur
et vous la rencontrerez peut-être un jour au détour d'un chemin. Entrez alors les yeux fermés. Vous les ouvrirez sur votre enfance, l'enfance de l'art, un raffinement suprême. L'originalité de Lanterna Magica est d'unir de façon unique le théâtre et le cinéma, de multiplier les corps de chair et de sang par les images, de les faire fonctionner et bouger ensemble à l'intérieur d'un récit qui conduit les métamorphoses. Prenons un exemple, emprunté à la Présentation. Un immense écran emplit la scène sur lequel sont projetés simultanément un film muet en noir et blanc et un film sonore en couleur. Dans le film en noir et blanc une femme cache dans une armoire son amant. Effrayée par l'arrivée de son mari, elle pousse l'armoire hors de sa chambre dans le film en couleur, où une chanteuse ébahie la regarde passer, avant que l'armoire ne se matérialise sous nos yeux sur le plateau même du théâtre, et qu'en sorte l'amant satisfait. On devine la précision exigée par ces tours de force, qui deviennent l'expression même du merveilleux si on les utilise dans une histoire semblable à nos rêves. Le Cirque enchanteur nous offre à foison des enchantements où concourent l'eau, l'air et le feu, les apparitions et disparitions, ou plutôt les perpétuels passages dans les différents règnes du monde, avec une telle aisance qu'il nous semble être nous-mêmes délivrés de notre corps. Bien sûr, les acteurs doivent être acrobates et mimes, car ce sont les mêmes sur le théâtre et dans la profondeur de la toile où ils continuent leurs mouvements pour débouler de nouveau parmi nous sur le même rythme. La matière ici, comme le voulait Meliès, est vraiment enchantée. Et l'on perçoit, en plus, comme un écho cristallin du passage d'Ariel. La Surprise de l'Amour de Marivaux par le Théâtre de La Balance au Théâtre des Quartiers d'Ivry La jeune troupe de La Balance nous a offert, avec peu de moyens, une exemplaire leçon de théâtre. Une toile évoquant un ciel lumineux, un sol sablé, un banc, un tabouret. Un grand texte. Réinventé sans changer une syllabe avec l'intelligence
et le feu, les apparitions et disparitions, ou plutôt les perpétuels passages dans les différents règnes du monde, avec une telle aisance qu'il nous semble être nous-mêmes délivrés de notre corps. Bien sûr, les acteurs doivent être acrobates et mimes, car ce sont les mêmes sur le théâtre et dans la profondeur de la toile où ils continuent leurs mouvements pour débouler de nouveau parmi nous sur le même rythme. La matière ici, comme le voulait Meliès, est vraiment enchantée. Et l'on perçoit, en plus, comme un écho cristallin du passage d'Ariel. La Surprise de l'Amour de Marivaux par le Théâtre de La Balance au Théâtre des Quartiers d'Ivry La jeune troupe de La Balance nous a offert, avec peu de moyens, une exemplaire leçon de théâtre. Une toile évoquant un ciel lumineux, un sol sablé, un banc, un tabouret. Un grand texte. Réinventé sans changer une syllabe avec l'intelligence la plus fine, la plus gaie, la plus profonde. Elisabeth Chailloux, responsable de la mise en scène (et qui joue aussi la Comtesse) a eu l'idée de situer la pièce de Marivaux vers 1925, dans une sorte de station balnéaire déserte et délicieusement rétro. Les années folles commencent à passer, nous allons du côté de 1930, et d'ailleurs Paris est loin de cette campagne retirée. Les costumes ont été étudiés (par une tête bien féminine !) avec un raffinement plein d'humour qui éclaire singulièrement les personnages. Non seulement celui de la Comtesse, du Baron, de son ami Lelio, mais encore la jupe à la fois longue et moulante de la voluptueuse Colombine (qui ressemble à une amie un peu délurée plus qu'à une dame de compagnie !) et la tenue astucieusement négligée d'Arlequin sur quoi tranche le « modernisme » de Jacqueline et Pierre, les deux jeunes domestiques amoureux. Dès leur premier échange (qui ouvre la pièce), où éclate le jargon savoureux que Marivaux prête à ses paysans, se fait jour le petit miracle de l'entreprise. (Il faut les voir, assis par terre, l'un en jeans, l'autre en mini-jupe de coton) Pierre : Tais-toi, Jacqueline, t'as une verve qui me
nous allons du côté de 1930, et d'ailleurs Paris est loin de cette campagne retirée. Les costumes ont été étudiés (par une tête bien féminine !) avec un raffinement plein d'humour qui éclaire singulièrement les personnages. Non seulement celui de la Comtesse, du Baron, de son ami Lelio, mais encore la jupe à la fois longue et moulante de la voluptueuse Colombine (qui ressemble à une amie un peu délurée plus qu'à une dame de compagnie !) et la tenue astucieusement négligée d'Arlequin sur quoi tranche le « modernisme » de Jacqueline et Pierre, les deux jeunes domestiques amoureux. Dès leur premier échange (qui ouvre la pièce), où éclate le jargon savoureux que Marivaux prête à ses paysans, se fait jour le petit miracle de l'entreprise. (Il faut les voir, assis par terre, l'un en jeans, l'autre en mini-jupe de coton) Pierre : Tais-toi, Jacqueline, t'as une verve qui me fâche. Parbleu ! encore faut-il dire parole aux gens. Jacqueline : Mais qu'est-ce qu'il te faut donc ? Tu me veux pour ta femme, eh bien est-ce que je recule à cela ? Ce langage, déjà complètement « décalé » dans un théâtre du XVIIIe siècle, devenait dans la bouche de deux jeunes des années quatre-vingt à la fois irréel et puissamment chargé d'émotion et de vie. Celui de leurs maîtres, d'un raffinement inimitable (et Colombine parle encore à Arlequin avec des nuances imperceptibles dans l'élégance et la désinvolture), révélait la part universelle du « jeu » amoureux, ce point central que Marivaux a atteint, attisé jusqu'à l'incandescence, et qui brûle d'autant plus fort d'être mis à l'épreuve d'un changement de monde et d'apparences. Certes, c'était bien vu d'avoir choisi les années de la première après-guerre pour cette intrigue qui vit le jour en un siècle où tout bougeait. Et le léger décalage entre 1925 et nous créait la « distance » nécessaire à l'artifice du théâtre. Mais notre stupeur vient de ce que ce langage et ce qu'il véhicule de charmant, de cruel, d'exquis, d'ambigu, révélait des terres interdites bien que familières, des mouvements du cœur humain que nous
de deux jeunes des années quatre-vingt à la fois irréel et puissamment chargé d'émotion et de vie. Celui de leurs maîtres, d'un raffinement inimitable (et Colombine parle encore à Arlequin avec des nuances imperceptibles dans l'élégance et la désinvolture), révélait la part universelle du « jeu » amoureux, ce point central que Marivaux a atteint, attisé jusqu'à l'incandescence, et qui brûle d'autant plus fort d'être mis à l'épreuve d'un changement de monde et d'apparences. Certes, c'était bien vu d'avoir choisi les années de la première après-guerre pour cette intrigue qui vit le jour en un siècle où tout bougeait. Et le léger décalage entre 1925 et nous créait la « distance » nécessaire à l'artifice du théâtre. Mais notre stupeur vient de ce que ce langage et ce qu'il véhicule de charmant, de cruel, d'exquis, d'ambigu, révélait des terres interdites bien que familières, des mouvements du cœur humain que nous ne faisons que semblant d'oublier. C'était du Marivaux pur, c'est-à-dire drôle et troublant, clair et ténébreux, inflexible et raffiné. C'était le théâtre à l'état pur, car nulle autre forme de spectacle n'aurait pu nous donner ce plaisir et cet éclairage. Le Prince (Arthur Rimbaud) par la Compagnie Vicky Messica au Théâtre Les Déchargeurs Je n'ai pas encore eu l'occasion de signaler l'activité du Théâtre Les Déchargeurs, lieu un peu secret, mais intense et chaleureux. Animé par l'infatigable Vicky Messica, on est sûr d'y trouver toujours des spectacles de qualité, enclos dans une scène minuscule. Il s'agit, cette fois, d'un récital Rimbaud qui sort vraiment de l'ordinaire. Il faut souhaiter qu'il soit repris, parce qu'il offre, sous une forme vivante et théâtrale, la meilleure introduction qui soit à l'œuvre du poète. (Je le dis avec d'autant plus de plaisir que je ne suis pas féru de ce genre d'entreprise où la Poésie laisse toujours des plumes !) Une idée simple, au départ incarner Rimbaud en deux personnages, masculin et féminin. Vicky Messica joue l'un, et une étonnante jeune comédienne, Katia Bielli, l'autre. (En face de la grande silhouette, souple et massive, un petit bout de femme, électrique, insaisissable, aux multiples apparences.)
Théâtre Les Déchargeurs Je n'ai pas encore eu l'occasion de signaler l'activité du Théâtre Les Déchargeurs, lieu un peu secret, mais intense et chaleureux. Animé par l'infatigable Vicky Messica, on est sûr d'y trouver toujours des spectacles de qualité, enclos dans une scène minuscule. Il s'agit, cette fois, d'un récital Rimbaud qui sort vraiment de l'ordinaire. Il faut souhaiter qu'il soit repris, parce qu'il offre, sous une forme vivante et théâtrale, la meilleure introduction qui soit à l'œuvre du poète. (Je le dis avec d'autant plus de plaisir que je ne suis pas féru de ce genre d'entreprise où la Poésie laisse toujours des plumes !) Une idée simple, au départ incarner Rimbaud en deux personnages, masculin et féminin. Vicky Messica joue l'un, et une étonnante jeune comédienne, Katia Bielli, l'autre. (En face de la grande silhouette, souple et massive, un petit bout de femme, électrique, insaisissable, aux multiples apparences.) Que représentent-ils ? Animus et Anima, bien sûr. Mais encore l'Homme et l'Enfant, le voyou et le voyant, le paysan et le poète, le révolté et le mystique, sans qu'on puisse jamais fixer une étiquette définitive sur l'un et l'autre. La petite silhouette profère parfois les paroles les plus ordurières ou blasphématoires d'Arthur-le-Rebelle, comme ses prières ou ses élans les plus purs. De cette ambiguïté naît la beauté de la soirée. Le choix des textes est superbe, tient compte de l'œuvre entière, et le montage (qui ne suit pas l'ordre chronologique) d'une très subtile intelligence. On est sans cesse surpris, ému, dérangé, ébloui par la redécouverte de textes que l'on sait pourtant par cœur. Les deux corps se déplacent légèrement, comme les voix, bondissantes ou calmes, furieuses, fantasques, rêveuses, déchirées. « J'ai de mes ancêtres gaulois l'œil bleu blanc, la cervelle étroite et la maladresse dans la lutte. » Oh ! là ! là que d'amours splendides j'ai rêvées ! « On n'est pas sérieux quand on a dix-sept ans. » Je suis le saint en prière sur la terrasse. » « Mais ce Prince décéda dans son palais à un âge ordinaire. Le prince était le Génie. LE GÉNIE
ou blasphématoires d'Arthur-le-Rebelle, comme ses prières ou ses élans les plus purs. De cette ambiguïté naît la beauté de la soirée. Le choix des textes est superbe, tient compte de l'œuvre entière, et le montage (qui ne suit pas l'ordre chronologique) d'une très subtile intelligence. On est sans cesse surpris, ému, dérangé, ébloui par la redécouverte de textes que l'on sait pourtant par cœur. Les deux corps se déplacent légèrement, comme les voix, bondissantes ou calmes, furieuses, fantasques, rêveuses, déchirées. « J'ai de mes ancêtres gaulois l'œil bleu blanc, la cervelle étroite et la maladresse dans la lutte. » Oh ! là ! là que d'amours splendides j'ai rêvées ! « On n'est pas sérieux quand on a dix-sept ans. » Je suis le saint en prière sur la terrasse. » « Mais ce Prince décéda dans son palais à un âge ordinaire. Le prince était le Génie. LE GÉNIE ÉRAIT LE PRINCE. » Nous le voyons soudain, il est là, il est partout, il est vivant. Il murmure avec une douceur plus perçante que la trompette. Elle est retrouvée. Quoi? — L'Éternité. C'est la mer allée Avec le soleil. Comme cet enfant prodige le désirait, voici que le temps et l'espace ont disparu. Ivanov de Tchekhov à la Comédie Française Voici un spectacle dont on ne sort pas indemne, à partir de la pièce peut-être la plus désespérée de Tchekhov. Elle peint (dans cette société russe mourante qui précède la Révolution) la vie d'un homme qui se sent de plus en plus. C'est un thème familier de la littérature russe (Tourgueniev, notamment, l'a creusé avec tendresse en plusieurs histoires), et qui sera repris de façon différente en France, à la fin de la deuxième guerre mondiale. Inutile de mettre des noms. Regy, comme toujours dans ses mises en scène, a joué sur la mort, la complaisance à la mort. La scène est pratiquement vide jusqu'au fond de l'immense plateau sans décor, où quelques meubles çà et là permettent aux acteurs, séparés par de grands vides, de s'asseoir, de s'appuyer. L'intensité des voix, des gestes, des situations est presque intolérable.