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homme de mœurs très régulières, bien élevé, extrêmement actif et toujours préoccupé de son art. De bonne heure il avait voulu fixer sa vie et se créer un intérieur. Le 22 février 1657, assisté de son père, chez lequel il avait demeuré jusque-là, non loin du port, il faisait dresser par un notaire d'Amsterdam son contrat de mariage avec une jeune fille de dix-neuf ans, Maria Onderkerk, qu'il épousait le 5 avril suivant il n'était âgé lui-même que de vingt et un ans. Les deux époux avaient d'ailleurs toute confiance l'un dans l'autre, car à la date du 13 mai 1659, ils se faisaient par testament une mutuelle donation de leur avoir. Le jeune ménage avait eu plusieurs enfants. Cette souplesse du talent de Van de Velde était extrême et il acceptait toutes les tâches qu'on lui proposait. M. Franken me signale à ce propos une gravure de A. Broucher d'après un dessin d'Adrien représentant deux canons ornés des armes de la Hollande et d'autres attributs. Une inscription latine nous apprend que ces deux canons avaient été offerts aux États généraux par un fondeur de Lübeck, Albert Bennings, auquel ceux-ci avaient fait en 1659 la commande de 137 autres pièces. C'est avec cette gravure en main que les commissaires hollandais réclamèrent en 1713 la remise des deux canons en question qui avaient été en 1704 emportés à Paris mais les pièces avaient déjà été prises par les alliés en 1714. L'une d'elles est conservée à Berlin et l'autre à Vienne. L'APPLICAITION DES CHEVEUX. (D'après le tableau d'Adrien Van de Velde, appartenant à M. Six.) Pierre, baptisé dans l'église de Moïse et Aaron, au début de l'année qui suivit le mariage (15 janvier 1658); puis, après avoir perdu successivement deux enfants en bas âge (1662 et 1665), une petite fille nommée Sara leur était née en mars 1666 et enfin, à la suite de la perte de cette enfant survenue la même année, ils avaient eu une autre fille, Aleida, baptisée le 17 mai 1667. Grâce à sa vie correcte et laborieuse, Adrien, dont la collaboration et les œuvres étaient fort
C'est avec cette gravure en main que les commissaires hollandais réclamèrent en 1713 la remise des deux canons en question qui avaient été en 1704 emportés à Paris mais les pièces avaient déjà été prises par les alliés en 1714. L'une d'elles est conservée à Berlin et l'autre à Vienne. L'APPLICAITION DES CHEVEUX. (D'après le tableau d'Adrien Van de Velde, appartenant à M. Six.) Pierre, baptisé dans l'église de Moïse et Aaron, au début de l'année qui suivit le mariage (15 janvier 1658); puis, après avoir perdu successivement deux enfants en bas âge (1662 et 1665), une petite fille nommée Sara leur était née en mars 1666 et enfin, à la suite de la perte de cette enfant survenue la même année, ils avaient eu une autre fille, Aleida, baptisée le 17 mai 1667. Grâce à sa vie correcte et laborieuse, Adrien, dont la collaboration et les œuvres étaient fort recherchées, devait jouir d'une honnête aisance. Van Gool et Van Eynden disent cependant que malgré son travail incessant, il avait peine à subvenir à l'entretien de sa famille et que, pour l'aider à y pourvoir, sa femme avait été obligée d'entreprendre un commerce de toile. Il nous semble qu'un des ouvrages les plus importants et les plus remarquables de l'artiste contredit cette assertion. Nous voulons parler de cet intéressant tableau de la collection Van der Hoop daté de 1667, où il s'est représenté lui-même avec sa femme, au milieu de la campagne, tous deux dans une tenue d'une élégante simplicité. A gauche, une servante assise sur un tronc d'arbre renversé, porte dans ses bras leur dernière fille et le petit Pierre, alors âgé d'environ neuf ans, tient en laisse un bel épagneul blanc tacheté de roux qui tire vers une fontaine pour y boire. Près de lui, au second plan, un domestique habillé de gris, arrange les harnais de deux beaux chevaux gris-pommelés attelés au char à bancs découvert qui a amené nos promeneurs en ce joli coin où ils ont mis pied à terre. Par cette belle après-midi d'automne, au milieu de ce paysage semé de broussailles, de bois
ouvrages les plus importants et les plus remarquables de l'artiste contredit cette assertion. Nous voulons parler de cet intéressant tableau de la collection Van der Hoop daté de 1667, où il s'est représenté lui-même avec sa femme, au milieu de la campagne, tous deux dans une tenue d'une élégante simplicité. A gauche, une servante assise sur un tronc d'arbre renversé, porte dans ses bras leur dernière fille et le petit Pierre, alors âgé d'environ neuf ans, tient en laisse un bel épagneul blanc tacheté de roux qui tire vers une fontaine pour y boire. Près de lui, au second plan, un domestique habillé de gris, arrange les harnais de deux beaux chevaux gris-pommelés attelés au char à bancs découvert qui a amené nos promeneurs en ce joli coin où ils ont mis pied à terre. Par cette belle après-midi d'automne, au milieu de ce paysage semé de broussailles, de bois et de prairies parmi lesquelles serpente un cours d'eau, ce bon ménage aime à jouir avec les enfants de cet air pur et de la courte trêve que l'artiste accorde à son travail habituel; à notre tour, nous aimons à reposer nos yeux sur cette image exquise d'un bonheur si légitime. Cet équipage, ces domestiques, leur tenue, celle de leurs maîtres, tout, on le voit, dans le tableau du Rijks-Museum, indique un état de maison assez large, honorablement acquis par une production incessante. A cette date de 1667, Adrien, aimé de ses confrères et dans la pleine maturité de son talent, voyait ses œuvres très appréciées du public. Il recevait des commandes des princes et des amateurs de son temps. Mais cette vie qui, grâce à son travail, s'annonçait désormais pour lui heureuse et facile, il n'avait plus longtemps à en jouir et, cinq ans après à peine, le 21 janvier 1672, il était inhumé à Amsterdam dans la Nouvelle Église. Ses œuvres datées de 1670 et même de 1671 (Musée d'Amsterdam) nous prouvent que, jusqu'à sa mort, il n'avait pas cessé de peindre. Les tableaux d'Adrien Van de Velde sont aujourd'hui dispersés et la plupart des grandes collections de
légitime. Cet équipage, ces domestiques, leur tenue, celle de leurs maîtres, tout, on le voit, dans le tableau du Rijks-Museum, indique un état de maison assez large, honorablement acquis par une production incessante. A cette date de 1667, Adrien, aimé de ses confrères et dans la pleine maturité de son talent, voyait ses œuvres très appréciées du public. Il recevait des commandes des princes et des amateurs de son temps. Mais cette vie qui, grâce à son travail, s'annonçait désormais pour lui heureuse et facile, il n'avait plus longtemps à en jouir et, cinq ans après à peine, le 21 janvier 1672, il était inhumé à Amsterdam dans la Nouvelle Église. Ses œuvres datées de 1670 et même de 1671 (Musée d'Amsterdam) nous prouvent que, jusqu'à sa mort, il n'avait pas cessé de peindre. Les tableaux d'Adrien Van de Velde sont aujourd'hui dispersés et la plupart des grandes collections de l'Europe en possèdent. Nous avons, au cours de cette étude, cité les principaux. Déjà fort recherchés de son vivant, leurs prix ont toujours été en augmentant, sans qu'ils aient jamais été sujets aux engouements ou aux dépréciations de la vogue. Le grand paysage de l'Émigration de Jacob, vendu avec la collection de la comtesse de Verrue, fut payé 3,000 francs en 1737, et 3,000 florins en 1811. Acheté la même année 24,000 francs à la vente Lebrun, il a été acquis au prix de 50,000 francs par le marquis d'Hertford, à la vente du cardinal Fesch. La Chasse royale, qui appartenait à Mme la baronne de Rothschild, avait été vendue 26,850 francs à M. George, en 1841; enfin, M. Van der Hoop était devenu propriétaire de la PM'«e de chasse au prix de 24,000 francs, et, en 1833, il acquérait à Londres, pour environ 33,000, le beau tableau de l'Armée avec sa femme, qui atteindrait aujourd'hui en vente publique un chiffre bien supérieur. Quant aux dessins d'Adrien, ils avaient, de son vivant même, un tel succès, qu'au lieu de se borner à faire de ses dessins des études pour ses compositions, il cherchait à en tirer parti et les cédait
collection de la comtesse de Verrue, fut payé 3,000 francs en 1737, et 3,000 florins en 1811. Acheté la même année 24,000 francs à la vente Lebrun, il a été acquis au prix de 50,000 francs par le marquis d'Hertford, à la vente du cardinal Fesch. La Chasse royale, qui appartenait à Mme la baronne de Rothschild, avait été vendue 26,850 francs à M. George, en 1841; enfin, M. Van der Hoop était devenu propriétaire de la PM'«e de chasse au prix de 24,000 francs, et, en 1833, il acquérait à Londres, pour environ 33,000, le beau tableau de l'Armée avec sa femme, qui atteindrait aujourd'hui en vente publique un chiffre bien supérieur. Quant aux dessins d'Adrien, ils avaient, de son vivant même, un tel succès, qu'au lieu de se borner à faire de ses dessins des études pour ses compositions, il cherchait à en tirer parti et les cédait à des amateurs. Ces dessins sont généralement exécutés à la plume, avec quelques teintes d'encre de Chine ou de bistre pour indiquer les valeurs et l'effet; leur légèreté, leur transparence, la sûreté et l'aisance avec lesquelles ils sont faits, expliquent assez la faveur dont ils n'ont pas cessé de jouir. Assez récemment encore, en 1858, à la vente Van Cranenburgh à Amsterdam, un hiver a été acheté 1,010 florins pour le Musée Fodor. Cependant, nous préférons de beaucoup à ces compositions destinées à plaire au public, les croquis faits simplement par l'artiste, à la pierre noire ou à la sanguine, en face de la nature, des personnages, pâtres ou bergères pris sur le vif, ou des animaux saisis dans leurs poses familières en pleine campagne. C'est là que Van de Velde excelle et qu'il manifeste le mieux son savoir, la spontanéité et la vivacité de son talent. A ce titre, la collection des dessins du Musée Fodor est particulièrement intéressante et donne bien l'idée de ses rares qualités. Mais, il est temps de prendre, avec Adrien, congé de cette famille d'artistes qui fut associée de si près à l'histoire même de la peinture hollandaise. Nous avons retrouvé en lui, avec
Assez récemment encore, en 1858, à la vente Van Cranenburgh à Amsterdam, un hiver a été acheté 1,010 florins pour le Musée Fodor. Cependant, nous préférons de beaucoup à ces compositions destinées à plaire au public, les croquis faits simplement par l'artiste, à la pierre noire ou à la sanguine, en face de la nature, des personnages, pâtres ou bergères pris sur le vif, ou des animaux saisis dans leurs poses familières en pleine campagne. C'est là que Van de Velde excelle et qu'il manifeste le mieux son savoir, la spontanéité et la vivacité de son talent. A ce titre, la collection des dessins du Musée Fodor est particulièrement intéressante et donne bien l'idée de ses rares qualités. Mais, il est temps de prendre, avec Adrien, congé de cette famille d'artistes qui fut associée de si près à l'histoire même de la peinture hollandaise. Nous avons retrouvé en lui, avec plus de souplesse et d'agrément, l'universalité qu'avait son oncle Esaïas. Comme lui, Adrien sait tout faire, mais il a, de plus que lui, la grâce, le sentiment exquis de l'élégance. En tout il voit le côté aimable des choses. Quand il peint l'hiver, c'est dans ses gaietés et jamais, bien qu'il fut attiré par la mer, il ne nous a montré ses menaces ou ses fureurs. Les impressions violentes ne sont point son affaire; c'est une nature équilibrée, épanouie, heureuse. Sans affectation, sans manière, au moment où déjà les subtilités commencent à prévaloir dans l'école, il dit simplement ce qu'il veut dire et il le dit en rare perfection. Bon camarade, modeste, avenant, d'humeur facile, il n'est guère de physionomie plus attachante que la sienne, et il n'est pas de vie d'artiste qui montre un accord plus complet entre le talent et le caractère. Sa fin prématurée prête à cette existence, remplie par l'amour de son art et par les affections les plus honnêtes, je ne sais quel charme touchant qui ajoute encore à la sympathie qu'il est si bien fait pour inspirer. EMILE MICHEL. quelques rares morceaux qui s'y trouvaient depuis longtemps, notamment les deux Esclaves de Michel-Ange et
qu'il fut attiré par la mer, il ne nous a montré ses menaces ou ses fureurs. Les impressions violentes ne sont point son affaire; c'est une nature équilibrée, épanouie, heureuse. Sans affectation, sans manière, au moment où déjà les subtilités commencent à prévaloir dans l'école, il dit simplement ce qu'il veut dire et il le dit en rare perfection. Bon camarade, modeste, avenant, d'humeur facile, il n'est guère de physionomie plus attachante que la sienne, et il n'est pas de vie d'artiste qui montre un accord plus complet entre le talent et le caractère. Sa fin prématurée prête à cette existence, remplie par l'amour de son art et par les affections les plus honnêtes, je ne sais quel charme touchant qui ajoute encore à la sympathie qu'il est si bien fait pour inspirer. EMILE MICHEL. quelques rares morceaux qui s'y trouvaient depuis longtemps, notamment les deux Esclaves de Michel-Ange et le bas-relief de la Vierge, en bronze, de Donatello, de quelques œuvres réunies par Napoléon et rapportées par lui d'Italie; enfin de diverses acquisitions et donations ultérieures. Le South Kensington Museum a été plus t. Voy. Gaz. BMMa; 2° période, t. XXXV, p. 204 et 423; t. XXXVII, p. 197 et 472. LA RENAISANCE AU MUSÉE DE BERLIN (CINQUIÈME ARTICLE) On s'est mis à collectionner les peintures de la Renaissance presque dès le temps même où elles ont été peintes et vers le même moment se sont formées partout des collections de sculptures antique. C'est tout récemment, au contraire, que l'on a eu l'idée de collectionner les sculptures de la Renaissance. Une collection de ces œuvres s'est lentement formée au Louvre, parmi lesquelles de heureux encore en profitant d'une occasion qui l'a mis en possession d'une collection complète, très précieuse et très distinguée, qui avait été réunie par le négociant Gigli pour le compte de l'infortuné marquis Campana. Cette collection qui comprend une centaine de sculptures de bronze, de marbre, de terre cuite, etc., œuvres de Donatello, de Michel-Ange, et de presque tous les grands maîtres italiens, a été achetée 159,000 francs, en 1861, par le gouvernement anglais. La formation
et 472. LA RENAISANCE AU MUSÉE DE BERLIN (CINQUIÈME ARTICLE) On s'est mis à collectionner les peintures de la Renaissance presque dès le temps même où elles ont été peintes et vers le même moment se sont formées partout des collections de sculptures antique. C'est tout récemment, au contraire, que l'on a eu l'idée de collectionner les sculptures de la Renaissance. Une collection de ces œuvres s'est lentement formée au Louvre, parmi lesquelles de heureux encore en profitant d'une occasion qui l'a mis en possession d'une collection complète, très précieuse et très distinguée, qui avait été réunie par le négociant Gigli pour le compte de l'infortuné marquis Campana. Cette collection qui comprend une centaine de sculptures de bronze, de marbre, de terre cuite, etc., œuvres de Donatello, de Michel-Ange, et de presque tous les grands maîtres italiens, a été achetée 159,000 francs, en 1861, par le gouvernement anglais. La formation de la galerie de sculptures du Musée de Berlin, alors encore inachevé, a eu pour point de départ l'acquisition d'un petit nombre de travaux des Robbia, en 1828, faisant partie des majoliques de la collection du consul Bartholdy. C'est en 1842 que ce petit commencement devint une véritable collection; Waagen, directeur de la galerie des tableaux, acquit alors à Venise, au cours d'un voyage en Italie durant lequel il avait manqué presque tous les achats projetés de tableaux, la collection de l'architecte Pajaro, et à Florence un certain nombre de bustes et de reliefs appartenant à divers particuliers. Pendant les trente années suivantes la collection ne s'est guère enrichie que de pièces recueillies par hasard et de moindre importance. Depuis une douzaine d'années, nous avons pu, grâce à l'appui de l'administration générale, du gouvernement et notamment du feu roi Frédéric III, protecteur des Musées, élargir notre collection d'une façon instructive et systématique, dans les sens les plus divers. En 1877, ont été achetés les bustes du palais Strozzi de Florence; en 1879, la statue de Saint-Thomas de Cantone, de Michel-Ange, du palais Rosselmini, de Pise, de même que différents bustes venant des familles Ruccellaï, Guadagni, Pepoli, etc. Le Musée s'est
directeur de la galerie des tableaux, acquit alors à Venise, au cours d'un voyage en Italie durant lequel il avait manqué presque tous les achats projetés de tableaux, la collection de l'architecte Pajaro, et à Florence un certain nombre de bustes et de reliefs appartenant à divers particuliers. Pendant les trente années suivantes la collection ne s'est guère enrichie que de pièces recueillies par hasard et de moindre importance. Depuis une douzaine d'années, nous avons pu, grâce à l'appui de l'administration générale, du gouvernement et notamment du feu roi Frédéric III, protecteur des Musées, élargir notre collection d'une façon instructive et systématique, dans les sens les plus divers. En 1877, ont été achetés les bustes du palais Strozzi de Florence; en 1879, la statue de Saint-Thomas de Cantone, de Michel-Ange, du palais Rosselmini, de Pise, de même que différents bustes venant des familles Ruccellaï, Guadagni, Pepoli, etc. Le Musée s'est aussi enrichi d'une précieuse collection de plaquettes et de reliefs en stuc, qui ont pour l'histoire de la plastique italienne une importance restée inaperçue, jusqu'à ces dernières années. Aujourd'hui, le Musée de sculpture de Berlin, récemment arrangé, donne une idée de toutes les époques et des écoles principales de la plastique italienne au temps de la Renaissance. Presque tous les maîtres renommés s'y trouvent représentés par des travaux originaux et remarquables. La collection a également, depuis peu, un catalogue détaillé auquel sont jointes des reproductions de tous les ouvrages exposés. J'ai à parler ici des œuvres d'art de la Renaissance. Aussi ne 1. ~M~C/M~HM ~'JStM~M'~f~)' C/M'M~C/~M~)OC/M~M ~M~OHt~HC/MH JUM~MH zu Berlin (1886). puis-je qu'indiquer en passant les sculptures les plus remarquables antérieures à la Renaissance que possède le Musée de Berlin. Ces pièces sont intéressantes surtout pour deux phases de l'art primitif. L'une comprend les œuvres de l'époque lombarde-romaine, pour la plupart montrant des pièces ornementales, avec un mélange particulier de formes chrétiennes, byzantines, orientales et germaniques. Ces morceaux proviennent, pour la plus grande partie, de Venise ou des environs de Venise, sauf une pièce importante provenant de Rome, et ils appartiennent à la période qui s'étend du VIIIe au XIe
plastique italienne au temps de la Renaissance. Presque tous les maîtres renommés s'y trouvent représentés par des travaux originaux et remarquables. La collection a également, depuis peu, un catalogue détaillé auquel sont jointes des reproductions de tous les ouvrages exposés. J'ai à parler ici des œuvres d'art de la Renaissance. Aussi ne 1. ~M~C/M~HM ~'JStM~M'~f~)' C/M'M~C/~M~)OC/M~M ~M~OHt~HC/MH JUM~MH zu Berlin (1886). puis-je qu'indiquer en passant les sculptures les plus remarquables antérieures à la Renaissance que possède le Musée de Berlin. Ces pièces sont intéressantes surtout pour deux phases de l'art primitif. L'une comprend les œuvres de l'époque lombarde-romaine, pour la plupart montrant des pièces ornementales, avec un mélange particulier de formes chrétiennes, byzantines, orientales et germaniques. Ces morceaux proviennent, pour la plus grande partie, de Venise ou des environs de Venise, sauf une pièce importante provenant de Rome, et ils appartiennent à la période qui s'étend du VIIIe au XIe siècle. La collection des œuvres des Pisani est moins riche, mais elle est assez complète pour les représenter. Le Musée possède un pupitre de Niccolò Pisano, un autre de Giovanni Pisano, ainsi qu'une statuette de marbre; un vieux crucifix peint, œuvre pleine de noblesse, d'Andrea Pisano; enfin une petite Madone de Mino Pisano, fils d'Andrea. On peut reconnaître dans ces œuvres, caractéristiques des principaux maîtres du temps, le développement et le progrès de la plastique italienne, du milieu du XIe au milieu du XIVe siècle. De l'époque qui précède les Pisani, le Musée possède une grande statue de bois, récemment acquise, la Vierge avec l'Enfant du prêtre Martin, datant de 1199, œuvre parfaitement conservée dans sa peinture et sa dorure, et dont le caractère sérieux la rapproche des peintures de Cimabue; quant au buste de marbre d'une princesse napolitaine, œuvre du XIIe siècle, c'est un des premiers efforts de l'art italien dans le sens du portrait. On place aujourd'hui à l'entrée de la Renaissance Jacopo della Quercia, et il n'est rien de plus juste. Jacopo, antérieur à Ghiberti et à Donatello, pourrait revendiquer ce rang en raison de son âge même mais, en outre, il faut reconnaître que Jacopo est
de Mino Pisano, fils d'Andrea. On peut reconnaître dans ces œuvres, caractéristiques des principaux maîtres du temps, le développement et le progrès de la plastique italienne, du milieu du XIe au milieu du XIVe siècle. De l'époque qui précède les Pisani, le Musée possède une grande statue de bois, récemment acquise, la Vierge avec l'Enfant du prêtre Martin, datant de 1199, œuvre parfaitement conservée dans sa peinture et sa dorure, et dont le caractère sérieux la rapproche des peintures de Cimabue; quant au buste de marbre d'une princesse napolitaine, œuvre du XIIe siècle, c'est un des premiers efforts de l'art italien dans le sens du portrait. On place aujourd'hui à l'entrée de la Renaissance Jacopo della Quercia, et il n'est rien de plus juste. Jacopo, antérieur à Ghiberti et à Donatello, pourrait revendiquer ce rang en raison de son âge même mais, en outre, il faut reconnaître que Jacopo est plus étroitement lié que ses maîtres avec l'art du Trecento par sa façon de traiter les plis et par le naturalisme exagéré de ses figures; d'un autre côté, l'habileté de ses compositions et la grandeur de ses formes le désignent comme le véritable précurseur de la Renaissance. Dans les Musées de South Kensington et de Berlin, et aussi dans quelques collections particulières et chez des marchands, on trouve aujourd'hui un nombre considérable de reliefs en terre cuite ou de reproductions de ces reliefs en stuc, qui portent si vivement la marque caractéristique du Quercia qu'on les a, sans hésiter, attribués à ce maître ou à ses successeurs. Un examen plus approfondi de la question relative à l'origine de ces morceaux, et la constatation de certains indices, me faisaient douter non seulement de leur attribution au Quercia, mais même de leur provenance siennoise. Ces raisons m'ont convaincu que les divers ouvrages en question sont bien plutôt d'origine florentine. Il y avait à Florence, dans les premières années du XVe siècle, divers artistes, plus ou moins distingués, qui s'adonnaient à un genre de sculpture en terre cuite très proche de celle du Quercia et dont l'influence sur le développement de l'art florentin