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évite de croiser les jupons de peur que ses semelles ne soient percées. L’été, pour ces superbistrot, est la plus belle saison. Alors, ils débordent au dehors, ils s’étalent, ils ouvrent des parasols sous lesquels s’abrite une foule étrange venue, entre deux bains de soleil, faire un Paris tour, et qui donne aux Champs-Élysées l’aspect que, peut-être, on avait le moins prévu pour eux : celui d’une plage. Ainsi la vie au grand air s’y trouve, avec l’auto et le cinéma, honorée dignement. Ils en tirent un attrait auquel actuellement tout aide. C’est vraiment là que s’épanouit la jeune vie parisienne. Et c’est pourquoi l’Art Vivant ne pouvait manquer de s’y trouver. TRÉPIDATION Les Champs-Élysées en 1935 Photo Kollar Grand salon ovale chez M. Émile Mathis, au Hohwald. Murs peints en partie, revêtus de sycomore blanc verni. Pilastres, embrasures en miroirs. Sol dallé en travertin brut. Sièges en cuir naturel. Meubles en métal chromé, par Maurice Dufrène. Réalisé par la « Maîtrise » des Galeries Lafayette UN GRAND DÉCORATEUR : MAURICE DUFRÈNE PAR JACQUES GUENNE Il est peu d'hommes qui soient, autant que Maurice Dufrène, responsables de l'évolution du goût français, depuis le début du siècle. Pour jouer un tel rôle dans la société, il ne suffit pas d'être un artiste. Il faut posséder d'abord l'ensemble de ces connaissances qui, au grand siècle, valaient le brevet d'honnête homme, et, de plus, avoir ces qualités du caractère, ces nobles manières enfin, que l'on demande à un ambassadeur. A côté de l'artiste, il y a, en effet, un diplomate chez Maurice Dufrène. L'artiste, nous avons suivi ici fidèlement son œuvre. Nous l'avons montré épris d'un art somptueux, mais empruntant sa grandeur beaucoup plus à une noblesse architecturale qu'au luxe de détails. Nous avons souligné que, si cet artisan infaillible se flattait d’exécuter des meubles parfaits, dignes des beaux travaux d’ébénisterie de jadis, il ne concevait jamais le meuble comme une pièce de précision destinée à être mise sous globe : le meuble étant pour lui inséparable du décor qu'il créait à l’usage d’un homme ou d’une femme de son temps. Les ensembles
rôle dans la société, il ne suffit pas d'être un artiste. Il faut posséder d'abord l'ensemble de ces connaissances qui, au grand siècle, valaient le brevet d'honnête homme, et, de plus, avoir ces qualités du caractère, ces nobles manières enfin, que l'on demande à un ambassadeur. A côté de l'artiste, il y a, en effet, un diplomate chez Maurice Dufrène. L'artiste, nous avons suivi ici fidèlement son œuvre. Nous l'avons montré épris d'un art somptueux, mais empruntant sa grandeur beaucoup plus à une noblesse architecturale qu'au luxe de détails. Nous avons souligné que, si cet artisan infaillible se flattait d’exécuter des meubles parfaits, dignes des beaux travaux d’ébénisterie de jadis, il ne concevait jamais le meuble comme une pièce de précision destinée à être mise sous globe : le meuble étant pour lui inséparable du décor qu'il créait à l’usage d’un homme ou d’une femme de son temps. Les ensembles somptueux retinrent longtemps son attention. Mais Maurice Dufrène était trop passionné de la vie et curieux de l’évolution des mœurs, pour ne pas s’attacher aussi au problème du meuble de prix moyen, pour lequel il a trouvé d’ingénieuses solutions. Directeur de la « Maîtrise », Maurice Dufrène allait être amené à prendre contact avec la clientèle si variée qui est celle d’un grand magasin. Quand je parlais de diplomatie, je songeais à toute l’habileté dont il dut faire preuve, non pas auprès d’une direction éclairée et gagnée à l’art moderne, mais auprès de tous ces auxiliaires qui, dans tous les grands magasins de Paris, (comme me l’ont expliqué plusieurs de ses confrères) furent si longs à accepter le goût nouveau. On ne songe pas assez que tout le goût de notre époque, sans nul doute très évolué, très épuré depuis trente-cinq ans et surtout depuis la guerre, est déterminé en grande partie par ces vastes organisations où nous achetons tous les éléments du décor de notre vie. Le mot « Maîtrise » n’est plus seulement, pour eux, l’indication d’un rayon. Il est devenu un symbole dans l’esprit de ceux qui guident le public, petit à petit, vers les objets de
à prendre contact avec la clientèle si variée qui est celle d’un grand magasin. Quand je parlais de diplomatie, je songeais à toute l’habileté dont il dut faire preuve, non pas auprès d’une direction éclairée et gagnée à l’art moderne, mais auprès de tous ces auxiliaires qui, dans tous les grands magasins de Paris, (comme me l’ont expliqué plusieurs de ses confrères) furent si longs à accepter le goût nouveau. On ne songe pas assez que tout le goût de notre époque, sans nul doute très évolué, très épuré depuis trente-cinq ans et surtout depuis la guerre, est déterminé en grande partie par ces vastes organisations où nous achetons tous les éléments du décor de notre vie. Le mot « Maîtrise » n’est plus seulement, pour eux, l’indication d’un rayon. Il est devenu un symbole dans l’esprit de ceux qui guident le public, petit à petit, vers les objets de goût créés par ce grand animateur. Maurice Dufrène a la vertu de savoir plaire. Aussi a-t-il vu venir à lui, et tout récemment encore — la crise n’existe pas pour lui — une clientèle composée des personnalités les plus brillantes : des comédiens, des hommes de lettres, des journalistes, des industriels, de hauts fonctionnaires. Il est passionnant de voir comment il a répondu aux goûts de chacun, en ne cessant de faire du Maurice Dufrène et en inclinant l’art de 1935 vers des formes plus aimables, vers une ambiance plus chaude, vers un art plus français. Chez M. Pierre Benoit Murs en stuc peint gris pâle. Meubles en palissandre ciré. Tapis gris perle. Rideau blanc bouclé or, par Maurice Dufrène. Réalisé par la « Maîtrise » des Galeries Lafayette Chez Mlle Joséphine Baker Petit salon-bibliothèque en acajou ondé verni. Vitrines en glaces et métal chromé. Siège en satin marron. Rideau en soie rouille et blanche par Maurice Dufrène. Réalisé par la « Maîtrise » des Galeries Lafayette Chez M. Sacha Guitry Boudoir de Mme Jacqueline Delubac. Murs peints blanc neige mat. Sièges de cuir blanc neige. Tapis de laine blanc. Rideaux de satin blanc. Coffre en laque d’or, avec socle
industriels, de hauts fonctionnaires. Il est passionnant de voir comment il a répondu aux goûts de chacun, en ne cessant de faire du Maurice Dufrène et en inclinant l’art de 1935 vers des formes plus aimables, vers une ambiance plus chaude, vers un art plus français. Chez M. Pierre Benoit Murs en stuc peint gris pâle. Meubles en palissandre ciré. Tapis gris perle. Rideau blanc bouclé or, par Maurice Dufrène. Réalisé par la « Maîtrise » des Galeries Lafayette Chez Mlle Joséphine Baker Petit salon-bibliothèque en acajou ondé verni. Vitrines en glaces et métal chromé. Siège en satin marron. Rideau en soie rouille et blanche par Maurice Dufrène. Réalisé par la « Maîtrise » des Galeries Lafayette Chez M. Sacha Guitry Boudoir de Mme Jacqueline Delubac. Murs peints blanc neige mat. Sièges de cuir blanc neige. Tapis de laine blanc. Rideaux de satin blanc. Coffre en laque d’or, avec socle et dessus en marbre noir. Grande glace, par Maurice Dufrène. Réalisé par la « Maîtrise » des Galeries Lafayette Quel devait être l’aspect de Venise, alors que de tels artistes peignaient les murs extérieurs de ses palais ? Se sont-ils conseillés, imités ? Ont-ils collaboré ? Ce témoignage de mutuelle admiration serait d'ailleurs tout à l’honneur de ces deux maîtres de la couleur et de la lumière. Que l’Homme au gant soit de l’un ou de l’autre, qu’importe ? L’œuvre doit compter plus que la signature. Mais comme le portrait de ce jeune homme rêveur aux mains fortes est donc supérieur en puissance et liberté au portrait du Gentilhomme aux yeux glauques (le duc de Norfolk), excellent par les détails du visage, mais dans l’ensemble froid et apprêté ! Encore qu’il soit moins expressif que l’Homme au gant, le Portrait de Tommaso Mosti, de même facture, semblerait être, par sa tête longue au sommet d’étroites épaules, la très lointaine et sobre annonce de révoltes et des trouvailles du Greco, qui, au cours de son voyage studieux à Venise, eut peut-être l’occasion de l’observer dans l’atelier même de Titien. Mais l’Arétin — dont le portrait pompeux est ici, ce portrait qu’il
admiration serait d'ailleurs tout à l’honneur de ces deux maîtres de la couleur et de la lumière. Que l’Homme au gant soit de l’un ou de l’autre, qu’importe ? L’œuvre doit compter plus que la signature. Mais comme le portrait de ce jeune homme rêveur aux mains fortes est donc supérieur en puissance et liberté au portrait du Gentilhomme aux yeux glauques (le duc de Norfolk), excellent par les détails du visage, mais dans l’ensemble froid et apprêté ! Encore qu’il soit moins expressif que l’Homme au gant, le Portrait de Tommaso Mosti, de même facture, semblerait être, par sa tête longue au sommet d’étroites épaules, la très lointaine et sobre annonce de révoltes et des trouvailles du Greco, qui, au cours de son voyage studieux à Venise, eut peut-être l’occasion de l’observer dans l’atelier même de Titien. Mais l’Arétin — dont le portrait pompeux est ici, ce portrait qu’il appelait lui-même « une terrible merveille » — l’Arétin n’a pas tort quand il estime miraculeux le portrait du pape Paul III, de l’homme rusé, aux mains longues, aiguës, pliant le col sous le poids de ce front volontaire, étroit, autant sculpté que peint, au-dessus de cet œil qui épie, de ces joues creuses, de ce nez arqué vers la grande bouche simiesque, perdue dans la barbe. Vraiment, nous sommes ici devant un miracle de recherche, de réalisme et d’habileté dans l’exécution. Habileté : ce mot vient à l’esprit devant presque tous les tableaux de Titien. Cette habileté est prodigieuse, qu’il amoncelle les nuages dans les ciels de ses Apparitions, de ses Ascensions, de ses Résurrections ; qu’il étudie et rende les muscles de son saint Sébastien, du bel athlète frappé par la première flèche du supplice, et qui respire encore ; qu'il peigne les fourrures, les brocarts, les velours, les moires de ses patriciennes, de ses princes, de ses cardinaux, les chairs de ses Belles, de cette Vénus d’Urbin, au geste et au regard distraits, nue et se reposant sur son lit, tandis que deux servantes se penchent sur un coffre pour en tirer les robes magnifiques. Le modèle
de ces joues creuses, de ce nez arqué vers la grande bouche simiesque, perdue dans la barbe. Vraiment, nous sommes ici devant un miracle de recherche, de réalisme et d’habileté dans l’exécution. Habileté : ce mot vient à l’esprit devant presque tous les tableaux de Titien. Cette habileté est prodigieuse, qu’il amoncelle les nuages dans les ciels de ses Apparitions, de ses Ascensions, de ses Résurrections ; qu’il étudie et rende les muscles de son saint Sébastien, du bel athlète frappé par la première flèche du supplice, et qui respire encore ; qu'il peigne les fourrures, les brocarts, les velours, les moires de ses patriciennes, de ses princes, de ses cardinaux, les chairs de ses Belles, de cette Vénus d’Urbin, au geste et au regard distraits, nue et se reposant sur son lit, tandis que deux servantes se penchent sur un coffre pour en tirer les robes magnifiques. Le modèle qui posa pour celle-ci — peut-être une favorite d’un duc d’Urbin, peut-être même une duchesse d’Urbin — est représenté deux fois encore dans les salles du palais Pesaro : c’est la Belle vêtue d’azur et c’est la Femme à la fourrure, sœur aînée du nu célèbre de Rubens. Duchesse ou courtisane, cette femme est de la plus noble beauté ; le port du visage, la pureté des mains, des pieds et des genoux disent la race sans mélange, le corps parfait dans l’immobilité comme dans le mouvement. Je regrettais, tout à l’heure, l’absence de la Danaé du Prado qui ne serait qu’une réplique de la Danaé de Naples, ici exposée. Par contre, la Flora sur son chevalet une fois encore nous éblouit, comme elle nous éblouissait récemment à Paris, comme elle nous a ébloui et nous éblouira toujours à Florence. Mais est-elle de Florence, de Paris ou de Venise ? Elle est belle, infiniment belle. Pourtant, depuis que le graveur Sandrart en fit la première reproduction, tant de procédés divers, plus ou moins mécaniques, l’ont multipliée que la belle amante de Titien est devenue pour nous comme un obsédant souvenir. Elle n'a plus rien à nous apprendre, nous n’avons plus
courtisane, cette femme est de la plus noble beauté ; le port du visage, la pureté des mains, des pieds et des genoux disent la race sans mélange, le corps parfait dans l’immobilité comme dans le mouvement. Je regrettais, tout à l’heure, l’absence de la Danaé du Prado qui ne serait qu’une réplique de la Danaé de Naples, ici exposée. Par contre, la Flora sur son chevalet une fois encore nous éblouit, comme elle nous éblouissait récemment à Paris, comme elle nous a ébloui et nous éblouira toujours à Florence. Mais est-elle de Florence, de Paris ou de Venise ? Elle est belle, infiniment belle. Pourtant, depuis que le graveur Sandrart en fit la première reproduction, tant de procédés divers, plus ou moins mécaniques, l’ont multipliée que la belle amante de Titien est devenue pour nous comme un obsédant souvenir. Elle n'a plus rien à nous apprendre, nous n’avons plus rien à désirer d’elle. L’œuvre d’art pur doit conserver une partie de son mystère unique ; elle trahit le musée dès qu’elle s’offre, innombrable, dans la boutique. Mais les trahisons de la beauté sont-elles toujours condamnables ? C’est après avoir vu la Danaé de Naples, au Belvédère, en compagnie de Vasari, que Michel-Ange s’étonna que les peintres de Venise, si excellents coloristes, ne fussent pas de meilleurs dessinateurs. Jugement sévère mais que sembleraient confirmer les dessins qui sont ici, où le Maître ne paraît se soucier que de l’effet, sans assouplir le mouvement, sans s’inquiéter de l’exactitude. Mais que de fois n’a-t-il pas fait preuve d’autres qualités, géniales, jamais défaillantes, au cours de cette vie centenaire et laborieuse ? Son coloris, son émotion, sa sensualité, le rayonnement de sa lumière ne sont-ils pas dans chacune de ses œuvres, éclatants et divers, et ne suffisent-ils point à faire de Titien l’un des « phares » de la peinture ? Il y a quelques mois, je quittai le musée du Prado, après un dernier et long arrêt devant la Danaé ; aujourd’hui, je veux emporter et longtemps conserver dans la mémoire le visage le plus inspiré des quatre évangélistes de la Salute,
Vasari, que Michel-Ange s’étonna que les peintres de Venise, si excellents coloristes, ne fussent pas de meilleurs dessinateurs. Jugement sévère mais que sembleraient confirmer les dessins qui sont ici, où le Maître ne paraît se soucier que de l’effet, sans assouplir le mouvement, sans s’inquiéter de l’exactitude. Mais que de fois n’a-t-il pas fait preuve d’autres qualités, géniales, jamais défaillantes, au cours de cette vie centenaire et laborieuse ? Son coloris, son émotion, sa sensualité, le rayonnement de sa lumière ne sont-ils pas dans chacune de ses œuvres, éclatants et divers, et ne suffisent-ils point à faire de Titien l’un des « phares » de la peinture ? Il y a quelques mois, je quittai le musée du Prado, après un dernier et long arrêt devant la Danaé ; aujourd’hui, je veux emporter et longtemps conserver dans la mémoire le visage le plus inspiré des quatre évangélistes de la Salute, le visage douloureux et ravi de saint Jean, entre l’aigle et la plume, du disciple-témoin qui hésite avant d’écrire la Passion de Celui dont l’Esprit déjà le transfigure. André DODERET. 228 Paul Signac. Aquarelle Photo Bernheim |eune PAUL SIGNAC ET FRANTZ JOURDAIN PAR JACQUES GUENNE N on ne peut croire aux effets de la mort, quand elle atteint, quand elle prétend anéantir un homme tel que Paul Signac, dont le nom demeure, pour nous, le symbole de la vie et de la jeunesse. Il est des noms magiques. Prononcer le nom de Corot, c’est évoquer un doux soir d’Île-de-France. Celui de Delacroix rappelle les beaux massacres, où la volupté sait régler la cadence des supplices. Celui de Watteau demeure inséparable des départs incertains vers des amours trop belles. Et celui de Renoir met aux lèvres le goût des baisers rouges. Le nom de Signac claque comme un drapeau. Il est inséparable de ce soleil qu’il osait regarder en face et qui ne l’a jamais aveuglé, de la mer qui, pour lui, semblait n’avoir jamais que des tempêtes de lumière. A-t-il jamais peint autre chose que l’eau et les palais qui s'y reflètent; que les bateaux pavoisés, que les yachts aux
aux effets de la mort, quand elle atteint, quand elle prétend anéantir un homme tel que Paul Signac, dont le nom demeure, pour nous, le symbole de la vie et de la jeunesse. Il est des noms magiques. Prononcer le nom de Corot, c’est évoquer un doux soir d’Île-de-France. Celui de Delacroix rappelle les beaux massacres, où la volupté sait régler la cadence des supplices. Celui de Watteau demeure inséparable des départs incertains vers des amours trop belles. Et celui de Renoir met aux lèvres le goût des baisers rouges. Le nom de Signac claque comme un drapeau. Il est inséparable de ce soleil qu’il osait regarder en face et qui ne l’a jamais aveuglé, de la mer qui, pour lui, semblait n’avoir jamais que des tempêtes de lumière. A-t-il jamais peint autre chose que l’eau et les palais qui s'y reflètent; que les bateaux pavoisés, que les yachts aux voiles blanches gonflées par le vent? Il a montré la perpétuelle fête des éléments, toutes les inventions du soleil, toutes les joies de la lumière. Claude Monet, avant lui, avait fixé ses jeux légers et éphémères. Mais Signac, comme tous ceux qui furent grands et dont l’œuvre atteint à une philosophie: Poussin, Corot, Cézanne, exigeait de sa réflexion et de sa méthode qu’elles vinssent ordonner les effets de la nature. Certains préfèrent, aux compositions de Paul Signac, ces aquarelles où semblent frémir encore les premières impressions d’un merveilleux amant de la nature. Mais il y a, dans ses œuvres plus longuement méditées, une énergie et un calme édifiants. Paul Signac! Je le revois encore, dans les salles glaciales du Grand-Palais, quand il présidait à l’installation du Salon des Indépendants. La barbiche en pointe, les yeux radieux de malice. Il était toujours coiffé du chapeau conventionnel des peintres et portait leur officielle cravate, lui l’ennemi des diplômes et des conventions. J’aimais à discuter avec lui, à combattre tant de principes qui lui étaient chers. Il acceptait si gaiement le combat! Je ne lui cachais pas combien je regrettais ses initiatives concernant le classement par ordre alphabétique, qui avaient fini par écarter
philosophie: Poussin, Corot, Cézanne, exigeait de sa réflexion et de sa méthode qu’elles vinssent ordonner les effets de la nature. Certains préfèrent, aux compositions de Paul Signac, ces aquarelles où semblent frémir encore les premières impressions d’un merveilleux amant de la nature. Mais il y a, dans ses œuvres plus longuement méditées, une énergie et un calme édifiants. Paul Signac! Je le revois encore, dans les salles glaciales du Grand-Palais, quand il présidait à l’installation du Salon des Indépendants. La barbiche en pointe, les yeux radieux de malice. Il était toujours coiffé du chapeau conventionnel des peintres et portait leur officielle cravate, lui l’ennemi des diplômes et des conventions. J’aimais à discuter avec lui, à combattre tant de principes qui lui étaient chers. Il acceptait si gaiement le combat! Je ne lui cachais pas combien je regrettais ses initiatives concernant le classement par ordre alphabétique, qui avaient fini par écarter du glorieux Salon tous les peintres de talent. Il m’opposait que le Salon des Indépendants devait être, avant tout, un symbole, et que toute mesure rappelant, de près ou de loin, le système des hiérarchies, les jurys ou les récompenses, était néfaste. J’osais attaquer devant lui la question du « point ». Je lui disais que le procédé de la division me gâtait toujours le plaisir que je prenais à regarder ses toiles et les chefs-d’œuvre même de Seurat. Il trouvait les raisons les plus brillantes pour me prouver que nulle technique ne servait mieux un peintre soucieux de traduire tous les aspects de l’univers. Cher Signac! Nul plus que lui ne fut l’esclave des théories. Des partisans ont voulu faire un politicien de cet homme, dont l’esprit s’ouvrait inévitablement aux idées les plus généreuses. Je ne sais si notre monde dément pourra jouir longtemps encore de ce libéralisme, dont nous nous sommes gavés, comme d’un mets trop exquis des enfants gourmands... de ce libéralisme, qui permit à Paul Signac d’obéir aux partis extrêmes, en acceptant les honneurs et les charges d’une société bourgeoise. L’époque vient, peut-être, où les impératifs catégoriques ne laisseront plus à un esprit d’artiste la liberté
point ». Je lui disais que le procédé de la division me gâtait toujours le plaisir que je prenais à regarder ses toiles et les chefs-d’œuvre même de Seurat. Il trouvait les raisons les plus brillantes pour me prouver que nulle technique ne servait mieux un peintre soucieux de traduire tous les aspects de l’univers. Cher Signac! Nul plus que lui ne fut l’esclave des théories. Des partisans ont voulu faire un politicien de cet homme, dont l’esprit s’ouvrait inévitablement aux idées les plus généreuses. Je ne sais si notre monde dément pourra jouir longtemps encore de ce libéralisme, dont nous nous sommes gavés, comme d’un mets trop exquis des enfants gourmands... de ce libéralisme, qui permit à Paul Signac d’obéir aux partis extrêmes, en acceptant les honneurs et les charges d’une société bourgeoise. L’époque vient, peut-être, où les impératifs catégoriques ne laisseront plus à un esprit d’artiste la liberté de parcourir les vastes mondes des convictions adverses et le chemin si court qui sépare les extrêmes. Sera-t-il même permis, alors, aux artistes, devenus fonctionnaires, de demeurer fidèles à des théories qui étaient toute la raison d’être d’un indépendant tel que Paul Signac? Dans le même temps où, attristé par la fin de Paul Signac, je cherchais, aux environs de Saint-Briac, les sites qui porteront le nom de ce grand peintre, me parvenait la nouvelle de la mort de Frantz Jourdain. J’aimais les colères de Frantz Jourdain, toujours partisan des actions les plus généreuses, ses indignations, qu’il savait traduire par des expressions pleines de couleur. Et je ne parle pas de son caractère, d’une honnêteté intellectuelle et morale qui font l’admiration de tous ceux qui ont eu, comme moi, l’honneur et la chance de souvent l’approcher. Si extraordinaire que cela puisse paraître, ces deux vieillards étaient, dans nos réunions professionnelles, les plus enthousiastes, les plus courageux, les plus jeunes. Ingres, dont on a fait sottement le plus froid des maîtres, n’a-t-il pas écrit : « L’art vit de hautes pensées et de nobles passions. Du caractère, de la chaleur! On ne meurt pas de chaud, mais on meurt de froid