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le rôle de Bada et, dans l'acte de Billetdoux, Bourseiller lui-même, touchant jusqu'à l'excès. Tania ou les Fruits de l'Instruction, de Tolstoï, par le Grenier de Toulouse, au Théâtre de France. Fondé dès 1945 par Maurice Sarrazin, devenu Centre Dramatique National en 1949, le Grenier de Toulouse est l'un des pionniers de l'œuvre de décentralisation théâtrale qui s'est développée en France depuis une quinzaine d'années. Un répertoire de 75 pièces, près de 2 500 représentations données jusqu'à ce jour dans 322 villes (dont 103 étrangères) ces quelques chiffres disent l'ampleur de l'effort entrepris; quant à sa qualité, aucun amateur de théâtre parisien ne l'ignore, depuis le mémorable séjour du Grenier à l'Athénée en 1954, où se révéla un nommé Daniel Sorano dans la Mégère apprivoisée. Maurice Sarrazin, dont le nom est familier aux habitués du Festival d'Aix-en-Provence, nous présente aujourd'hui deux spectacles dont le premier est constitué par une comédie peu connue de Tolstoï, Tania ou les Fruits de l'instruction. Il ne s'agit certes pas d'un chef-d'œuvre, mais cet ouvrage qui dépeint les ravages du spiritisme dans la haute société russe des années 1890 est solidement construit et mené sans lourdeur. Outre son intérêt proprement documentaire, qui culmine au troisième acte avec une grande scène prise visiblement sur le vif (c'est une séance de médiumnisme truquée), il oppose à grands traits l'univers égoïste et borné des possédants à la simplicité matoise et au bon sens vigoureux des pauvres, domestiques et paysans. Le sujet n'est pas neuf, on s'en aperçoit, et ne l'était pas davantage au début du siècle, mais il a le mérite de donner une image pittoresque de la Russie pré-révolutionnaire. Le contraste sur lequel il insiste est toutefois trop tranché et la psychologie des personnages trop sommaire pour apporter au spectateur autre chose qu'un divertissement de bon aloi. L'erreur de Maurice Sarrazin a peut-être été de ne pas mesurer à sa juste portée la minceur de la pièce de Tolstoï; il l'a montée avec un grain de solennité de plus qu'il n'aurait fallu, reconstituant avec faste l'intérieur des Zviezdintsev, fignolant le réalisme des scènes situées à l'office, imprimant
acte avec une grande scène prise visiblement sur le vif (c'est une séance de médiumnisme truquée), il oppose à grands traits l'univers égoïste et borné des possédants à la simplicité matoise et au bon sens vigoureux des pauvres, domestiques et paysans. Le sujet n'est pas neuf, on s'en aperçoit, et ne l'était pas davantage au début du siècle, mais il a le mérite de donner une image pittoresque de la Russie pré-révolutionnaire. Le contraste sur lequel il insiste est toutefois trop tranché et la psychologie des personnages trop sommaire pour apporter au spectateur autre chose qu'un divertissement de bon aloi. L'erreur de Maurice Sarrazin a peut-être été de ne pas mesurer à sa juste portée la minceur de la pièce de Tolstoï; il l'a montée avec un grain de solennité de plus qu'il n'aurait fallu, reconstituant avec faste l'intérieur des Zviezdintsev, fignolant le réalisme des scènes situées à l'office, imprimant à l'ensemble un mouvement un peu compassé. On aurait aimé plus de spontanéité et plus de fantaisie dans la conduite de l'action, mais comment ne pas louer l'homogénéité et la précision de cette troupe, son amour du travail bien fait, le brio de Simone Turck, de Bernadette Laffon et de Pierre Taverna, la désopilante composition de Jean Bousquet, l'intelligence enfin de Maurice Sarrazin lui-même? Voilà bien une équipe digne en tous points des meilleures de Paris; la décentralisation, ce n'est rien d'autre que la possibilité donnée à tous les publics de France d'avoir à domicile un théâtre de qualité. Robert ABIRACHED. La saison musicale. La saison musicale de Paris qui, tous les ans, occupe la durée du troisième trimestre scolaire a, cette année, été particulièrement fournie. Au Théâtre des Nations, dont les spectacles ont été très nombreux, se sont ajoutées les manifestations du Festival du Marais et la création de Médée, au Palais Garnier. Il semble que la capitale ait voulu répondre aux programmes souvent modernes des nombreuses troupes étrangères par le charme et la grâce des musiques d'antan, principalement du XVIIIe siècle. Elles furent jouées dans des lieux inhabituels, mais fort beaux, pour montrer tant aux parisiens qu'aux étrangers,
Pierre Taverna, la désopilante composition de Jean Bousquet, l'intelligence enfin de Maurice Sarrazin lui-même? Voilà bien une équipe digne en tous points des meilleures de Paris; la décentralisation, ce n'est rien d'autre que la possibilité donnée à tous les publics de France d'avoir à domicile un théâtre de qualité. Robert ABIRACHED. La saison musicale. La saison musicale de Paris qui, tous les ans, occupe la durée du troisième trimestre scolaire a, cette année, été particulièrement fournie. Au Théâtre des Nations, dont les spectacles ont été très nombreux, se sont ajoutées les manifestations du Festival du Marais et la création de Médée, au Palais Garnier. Il semble que la capitale ait voulu répondre aux programmes souvent modernes des nombreuses troupes étrangères par le charme et la grâce des musiques d'antan, principalement du XVIIIe siècle. Elles furent jouées dans des lieux inhabituels, mais fort beaux, pour montrer tant aux parisiens qu'aux étrangers, les ressources inépuisables de Paris. Parmi tous les ballets que nous avons vus cette année au Théâtre des Nations, trois troupes paraissent se distinguer tant par la valeur des sujets que par celle des interprètes. Il s'agit de la troupe de Maurice Béjart (Bruxelles), de celle du Ballet Inbal d'Israël, et du Groupe d'Art populaire de Corée. Maurice Béjart occupa pendant plus de quinze jours le Théâtre des Champs-Elysées avec trois spectacles différents comprenant plusieurs ballets intéressants. Nous n'en commenterons cependant qu'un seul, celui qui fut le plus diversement apprécié, La Dame espagnole et le Chevalier romain. Cet opéra bouffe, sur des musiques de Scarlatti, avec des décors et des idées de Maurice Béjart et de Salvador Dali, est une énorme farce. La vie de Charles Quint lui sert de canevas. Elle est racontée par un "témoignage" habillé de la traditionnelle combinaison de cuir noir des motocyclistes de la police. Les principaux personnages sont l'Empereur, presque toujours présent, mais dont le rôle se réduit souvent à celui d'un simple figurant, puis un chanteur et une chanteuse parodiant des livrets d'opéras en racontant une grotesque histoire de montre. Tout cela n'a aucun sens, car il s'agit d'un véritable charivari, comme on
et du Groupe d'Art populaire de Corée. Maurice Béjart occupa pendant plus de quinze jours le Théâtre des Champs-Elysées avec trois spectacles différents comprenant plusieurs ballets intéressants. Nous n'en commenterons cependant qu'un seul, celui qui fut le plus diversement apprécié, La Dame espagnole et le Chevalier romain. Cet opéra bouffe, sur des musiques de Scarlatti, avec des décors et des idées de Maurice Béjart et de Salvador Dali, est une énorme farce. La vie de Charles Quint lui sert de canevas. Elle est racontée par un "témoignage" habillé de la traditionnelle combinaison de cuir noir des motocyclistes de la police. Les principaux personnages sont l'Empereur, presque toujours présent, mais dont le rôle se réduit souvent à celui d'un simple figurant, puis un chanteur et une chanteuse parodiant des livrets d'opéras en racontant une grotesque histoire de montre. Tout cela n'a aucun sens, car il s'agit d'un véritable charivari, comme on les aimait au XVIe siècle, mélange de ballets, de chants, de danses et de pantalonnades. On y trouve quelques plaisanteries: un aveugle qui regarde la télévision, un machiniste, vêtu d'une veste bleue, venant apporter ou retirer de temps en temps des mannequins destinés à illustrer la conférence du témoin. On y voit une farandole folklorique des personnages de la Commedia dell'Arte: Arlequin, Giglio, Pantalone, le Capitaine, le Docteur, etc. On y sent parfois le désir de désorienter ou même de choquer le public: un groupe de jeunes gens et de jeunes filles, habillés à la moderne, descendent d'un tramway, datant de 1880, entourent Charles Quint toujours en costume de son époque, avec quelques pas de danses, puis piquenique cérémonieusement près de lui. Tout cela alterne avec le dialogue des chanteurs, lesquels se présentent parfois sur des machines volantes faites curieusement avec des cuillères et des fourchettes. Il faut bien sûr abandonner dans ce spectacle tout préjugé et, dès les premières scènes, ne chercher qu'à s'amuser. Une partie du public cependant n'accepta pas ce point de vue et, à la fin de la représentation, les quolibets étaient nombreux. À notre avis ces gens avaient tort, car chacun sait que, si Dali
y voit une farandole folklorique des personnages de la Commedia dell'Arte: Arlequin, Giglio, Pantalone, le Capitaine, le Docteur, etc. On y sent parfois le désir de désorienter ou même de choquer le public: un groupe de jeunes gens et de jeunes filles, habillés à la moderne, descendent d'un tramway, datant de 1880, entourent Charles Quint toujours en costume de son époque, avec quelques pas de danses, puis piquenique cérémonieusement près de lui. Tout cela alterne avec le dialogue des chanteurs, lesquels se présentent parfois sur des machines volantes faites curieusement avec des cuillères et des fourchettes. Il faut bien sûr abandonner dans ce spectacle tout préjugé et, dès les premières scènes, ne chercher qu'à s'amuser. Une partie du public cependant n'accepta pas ce point de vue et, à la fin de la représentation, les quolibets étaient nombreux. À notre avis ces gens avaient tort, car chacun sait que, si Dali possède un grand talent de peintre et de dessinateur, il a des idées et des mœurs excentriques. L'annonce de son nom en gros caractères sur les affiches suffisait pour avertir les spectateurs de l'esprit non conformiste de cet opéra-ballet. Toutes ces pitreries étaient cependant acceptables car l'assise de la pièce était très solide. Les textes, empruntés à l'ouvrage de l'historien Lucas-Dubreton, racontaient la vie de Charles-Quint dans l'ordre chronologique des événements. Ainsi, malgré la bizarrerie des illustrations scéniques, il était impossible de se perdre. La musique de Scarlatti, par son aspect raisonnable et sa construction logique, renforçait enfin l'armature du spectacle qui comportait quelques intéressantes trouvailles, comme un petit ballet classique agrémenté de castagnettes pour indiquer que Charles-Quint voulait unifier l'Europe sous la domination espagnole. Est-ce à dire qu'il faille rejeter tout cela? Non, certes, car on peut bien, pour une fois, admettre que d'excellents artistes s'amusent et nous distraient en transformant la scène d'une salle réputée sérieuse en piste de cirque. Le rire n'est-il pas le propre de l'homme? Le Ballet Inbal se produisit au Théâtre des Nations du 10 au 13 mai dernier, puis, à partir du 24, au théâtre de la Gaîté-Lyrique pour un nombre plus important
était très solide. Les textes, empruntés à l'ouvrage de l'historien Lucas-Dubreton, racontaient la vie de Charles-Quint dans l'ordre chronologique des événements. Ainsi, malgré la bizarrerie des illustrations scéniques, il était impossible de se perdre. La musique de Scarlatti, par son aspect raisonnable et sa construction logique, renforçait enfin l'armature du spectacle qui comportait quelques intéressantes trouvailles, comme un petit ballet classique agrémenté de castagnettes pour indiquer que Charles-Quint voulait unifier l'Europe sous la domination espagnole. Est-ce à dire qu'il faille rejeter tout cela? Non, certes, car on peut bien, pour une fois, admettre que d'excellents artistes s'amusent et nous distraient en transformant la scène d'une salle réputée sérieuse en piste de cirque. Le rire n'est-il pas le propre de l'homme? Le Ballet Inbal se produisit au Théâtre des Nations du 10 au 13 mai dernier, puis, à partir du 24, au théâtre de la Gaîté-Lyrique pour un nombre plus important de représentations. Bien qu'elle vienne d'Israël, cette troupe est formée d'éléments yéménites. Cette particularité est un gage de l'authenticité de son folklore. On sait en effet que, depuis la diaspora, les juifs de Palestine se sont répartis dans tous les pays du monde. Bien qu'ils se soient souvent rassemblés en communautés, ils ont perdu au contact des étrangers une grande partie de leurs traditions populaires. Au Yémen, cependant, le ghetto est resté un creuset où se sont conservés les chants et les danses bibliques, dans leur forme originale, malgré les inévitables mélanges raciaux et la perte de l'hébreu comme langue courante. On voyait donc, sur la scène, des danseurs d'apparence arabe présenter comme leur un folklore qui ne correspondait pas tout à fait à leur type d'homme. S'il y a des ressemblances entre la musique juive et la musique orientale, celles-ci n'excèdent pas la parenté existant, par exemple, entre les différentes musiques orientales, slaves ou germaniques entre elles. De plus, pour nous autres européens et chrétiens, un élément très net apparaissait. De nombreuses lignes mélodiques faisaient penser au chant grégorien conservé pieusement dans nos abbayes bénédictines même forme de cantilation, mêmes mélismes, empreints cependant d'un peu plus de douceur. Il
communautés, ils ont perdu au contact des étrangers une grande partie de leurs traditions populaires. Au Yémen, cependant, le ghetto est resté un creuset où se sont conservés les chants et les danses bibliques, dans leur forme originale, malgré les inévitables mélanges raciaux et la perte de l'hébreu comme langue courante. On voyait donc, sur la scène, des danseurs d'apparence arabe présenter comme leur un folklore qui ne correspondait pas tout à fait à leur type d'homme. S'il y a des ressemblances entre la musique juive et la musique orientale, celles-ci n'excèdent pas la parenté existant, par exemple, entre les différentes musiques orientales, slaves ou germaniques entre elles. De plus, pour nous autres européens et chrétiens, un élément très net apparaissait. De nombreuses lignes mélodiques faisaient penser au chant grégorien conservé pieusement dans nos abbayes bénédictines même forme de cantilation, mêmes mélismes, empreints cependant d'un peu plus de douceur. Il nous était ainsi donné de vérifier l'opinion de la plupart des musicologues sur l'origine de notre musique sacrée. Les danses, toujours effectuées pieds nus, font appel à une ligne perpétuellement ondulante. Les angles vifs et les figures géométriques seraient d'ailleurs inconciliables avec le costume traditionnel des Hébreux une longue robe chemise descendant en ligne droite jusqu'aux mollets, et dans laquelle se perdraient des mouvements rectilignes. Les pas sont simples et l'allure est paysanne. Il n'y a pas de numéros acrobatiques, les solistes n'ont guère à se mettre en avant. Les réjouissances populaires sont collectives et accessibles à tous les individus jeunes et souples, lesquels semblent pouvoir indifféremment tenir n'importe quel rôle. Le caractère oriental se traduit par une grande exubérance de cris, de gestes et d'attitudes. Le premier des deux ballets qui composaient le spectacle était accompagné d'instruments à percussion, genre de calebasses maniées indifféremment par les hommes ou par les femmes, qui leur imprimaient des rythmes variés et souvent compliqués. Il était assorti également de chants n'exigeant qu'une faible tessiture, ce qui permettait l'unisson. Le second ballet, de facture plus élaborée, faisait appel à des instruments venus en droite ligne de l'Antiquité flûtes à bec et caisses de résonance
chemise descendant en ligne droite jusqu'aux mollets, et dans laquelle se perdraient des mouvements rectilignes. Les pas sont simples et l'allure est paysanne. Il n'y a pas de numéros acrobatiques, les solistes n'ont guère à se mettre en avant. Les réjouissances populaires sont collectives et accessibles à tous les individus jeunes et souples, lesquels semblent pouvoir indifféremment tenir n'importe quel rôle. Le caractère oriental se traduit par une grande exubérance de cris, de gestes et d'attitudes. Le premier des deux ballets qui composaient le spectacle était accompagné d'instruments à percussion, genre de calebasses maniées indifféremment par les hommes ou par les femmes, qui leur imprimaient des rythmes variés et souvent compliqués. Il était assorti également de chants n'exigeant qu'une faible tessiture, ce qui permettait l'unisson. Le second ballet, de facture plus élaborée, faisait appel à des instruments venus en droite ligne de l'Antiquité flûtes à bec et caisses de résonance de forme rustique sur lesquelles étaient tendues des cordes, toujours frappées et utilisées sur toute leur longueur. L'allure vigoureuse du ballet Inbal suggérait assez bien ce que devaient être les divertissements du peuple hébreu à l'époque du Christ, et montrait qu'avec une chorégraphie appropriée la simplicité des éléments n'empêchait pas d'obtenir un résultat appréciable. Les danseurs d'Extrême-Orient et particulièrement les Coréens de Séoul, dont la Troupe d'Art populaire est venue pendant quelques jours au Théâtre Sarah-Bernhardt, possèdent des idées chorégraphiques très différentes des nôtres. Leurs danses, ainsi que l'affirme le directeur de la troupe, consistent dans la combinaison de la beauté et de la gaieté beaucoup plus que dans une démonstration technique; car la priorité est donnée au rythme, créé par le danseur lui-même sur le mouvement. La musique est donc commandée par la danse à l'inverse de ce qui se passe dans les pays occidentaux. Les ballets coréens ont une apparence calme, car la plupart du temps ils cherchent à traduire un état d'âme. Il seagit souvent de quelque chose de simple la joie de voir de beaux paysages à la saison des fleurs; parfois d'une idée plus compliquée le respect des dieux et la soif du bonheur; mais
d'obtenir un résultat appréciable. Les danseurs d'Extrême-Orient et particulièrement les Coréens de Séoul, dont la Troupe d'Art populaire est venue pendant quelques jours au Théâtre Sarah-Bernhardt, possèdent des idées chorégraphiques très différentes des nôtres. Leurs danses, ainsi que l'affirme le directeur de la troupe, consistent dans la combinaison de la beauté et de la gaieté beaucoup plus que dans une démonstration technique; car la priorité est donnée au rythme, créé par le danseur lui-même sur le mouvement. La musique est donc commandée par la danse à l'inverse de ce qui se passe dans les pays occidentaux. Les ballets coréens ont une apparence calme, car la plupart du temps ils cherchent à traduire un état d'âme. Il seagit souvent de quelque chose de simple la joie de voir de beaux paysages à la saison des fleurs; parfois d'une idée plus compliquée le respect des dieux et la soif du bonheur; mais rarement d'un événement ayant un support tangible. Deux jeunes filles jouant avec de petits sabres ne firent pas un simulacre de combat, mais exprimèrent l'esprit sage du chevalier. La danse paysanne cependant se rapproche de nos conceptions européennes. Nantis d'une sorte de trompette, de cymbales, de flûtes et de tambourins, les agriculteurs du village, vêtus de blanc, tournaient en sautillant autour d'un des leurs qui portait sur son chapeau un ruban long de plusieurs mètres. Par d'habiles mouvements de la tête et du cou, cet homme déroulait le ruban, l'agitait, en zébrait l'air, s'en entourait et sautait à l'intérieur du cercle ainsi formé avec une habileté et une désinvolture qui faisaient la joie de tous les spectateurs. Sauf dans les danses paysannes, la musique traduit le goût de la contemplation chère aux peuples d’Extrême-Orient. Elle se réduit généralement à une longue ligne mélodique, de faible étendue ou tessiture, suivant qu’elle est ou non chantée, et d’une architecture assez floue. Il s’agit d’une série d’impressions se répétant plus ou moins au gré des musiciens qui en modifient le rythme de temps en temps. En dehors de la flûte à bec, les instruments de ce pays n’ont aucune parenté avec les nôtres.
les agriculteurs du village, vêtus de blanc, tournaient en sautillant autour d'un des leurs qui portait sur son chapeau un ruban long de plusieurs mètres. Par d'habiles mouvements de la tête et du cou, cet homme déroulait le ruban, l'agitait, en zébrait l'air, s'en entourait et sautait à l'intérieur du cercle ainsi formé avec une habileté et une désinvolture qui faisaient la joie de tous les spectateurs. Sauf dans les danses paysannes, la musique traduit le goût de la contemplation chère aux peuples d’Extrême-Orient. Elle se réduit généralement à une longue ligne mélodique, de faible étendue ou tessiture, suivant qu’elle est ou non chantée, et d’une architecture assez floue. Il s’agit d’une série d’impressions se répétant plus ou moins au gré des musiciens qui en modifient le rythme de temps en temps. En dehors de la flûte à bec, les instruments de ce pays n’ont aucune parenté avec les nôtres. Les cordes ont parfois un son grinçant, dû en grande partie à la façon dont est tenu l’archet. La percussion est assez riche. Certains tambours ressemblent à de gros sabliers et rendent un son très agréable. D’autres ont la forme d’un gong, dégageant des harmoniques nombreuses et puissantes. Une des artistes fit avec neuf d’entre eux une démonstration de premier ordre. On ne peut terminer sans mentionner la splendeur des costumes faits de soies légères finement brochées, aux teintes vives et chaudes, harmonisées avec un goût remarquable. Les danseurs en tiraient grand profit, en les animant de mouvements savamment étudiés qui faisaient chanter ces étoffes sous la lumière des projecteurs. Cela ne formait pas le moindre attrait du spectacle. Médée, dont la première représentation a été retardée pendant près de dix-huit mois par suite de maladie et d’accidents survenus tant au metteur en scène, M. José Beckmans, qu’à la principale interprète, Mlle Rita Gorr, a pu enfin voir le jour à l’Opéra le 1er juin 1962. L’œuvre de Cherubini, représentée pour la première fois au Théâtre Feydeau en 1797, suit d’assez près le thème de la tragédie d’Euripide, elle-même inspirée par la légende de la magicienne Médée, épouse de Jason,
artistes fit avec neuf d’entre eux une démonstration de premier ordre. On ne peut terminer sans mentionner la splendeur des costumes faits de soies légères finement brochées, aux teintes vives et chaudes, harmonisées avec un goût remarquable. Les danseurs en tiraient grand profit, en les animant de mouvements savamment étudiés qui faisaient chanter ces étoffes sous la lumière des projecteurs. Cela ne formait pas le moindre attrait du spectacle. Médée, dont la première représentation a été retardée pendant près de dix-huit mois par suite de maladie et d’accidents survenus tant au metteur en scène, M. José Beckmans, qu’à la principale interprète, Mlle Rita Gorr, a pu enfin voir le jour à l’Opéra le 1er juin 1962. L’œuvre de Cherubini, représentée pour la première fois au Théâtre Feydeau en 1797, suit d’assez près le thème de la tragédie d’Euripide, elle-même inspirée par la légende de la magicienne Médée, épouse de Jason, dont les sortilèges permirent de conquérir la Toison d’or. Répudiée par son mari qui s’est réfugié à la cour de Créon, roi de Corinthe, Médée, bannie de cet État, y revient cependant pour se venger de Dircé, fille de Créon et fiancée de Jason. Elle la tuera, ainsi que Créon et les deux enfants que la magicienne avait eus du chef des Argonautes. Cette tragédie antique était bien dans le goût du public français de la fin du XVIIIe siècle, auquel on présentait régulièrement nombre d’Alceste, d’Iphigénie, d’Orphée, d’Armide, etc. Le sujet même de Médée avait d’ailleurs fait l’objet d’un ballet de Noverre en 1771. La sensibilité, le goût de situations extraordinaires et inextricables, les dénouements fantastiques par un deus ex machina, etc. se satisfaisaient volontiers des sujets mythologiques. Cependant, si Cherubini sacrifiait à la mode de son temps, il témoignait dans son écriture musicale d’une hardiesse peu commune. Avant 1800 en effet, Beethoven composait encore comme Mozart, Méhul et Lesueur adaptaient les harmonies du XVIIIe siècle aux airs militaires, alors que l’auteur de Médée arborait un style déjà voisin de celui de Verdi. Cet important décalage a permis de ressusciter la partition de Cherubini en la traitant comme une