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ensuite saupoudrée de limaille de fer : la limaille se dispose en dessin reproduisant la forme de l'aimant invisible. Ce n'est pas autrement qu'autour de la forme magnétique d'un être, intensément pensé par le peintre, se disposent sur la toile les innombrables limailles de ses touches. Chaos de stries, qu'une idée oriente, groupe, sépare, combine concentriquement à la forme de l'être, c'est-à-dire à l'idée que l'artiste s'en fait, car forme et idée deviennent identiques. Le dessin n'est plus que la disposition décorative des atomes revenant, par un caprice pourtant logique, à l'ordonnance constitutive de la figure. Le fait de peindre n'est plus une imitation, mais un langage. De même qu'une prose peut nous imposer la vision d'un visage ou d'un site par une série de syllabes qui transposent et suggèrent, de même les ocellures dont Ernest Laurent fait usage ne représentent rien en soi mais nous disent, par leur assemblage apparemment arbitraire, l'essentiel de ce que nous aurons à savoir d'une créature. Cette visée l'apparente aux mystérieux intuitifs de son art, à Ricard, à Whistler, à Carrière. Comme ces maîtres, il peint l'effluence. Mais l'étrange est qu'entre ses mains la technique impressionniste, inventée à des fins tout opposées, soit devenue cet instrument de subjectivisme. Certains ne l'ont pu comprendre : Il est singulier, mais immanquable, que les propagateurs d'une technique n'admettent guère qu'on en use. Ils veulent qu'on l'admire et ils la répandent, mais ils crient au pastiche si l'on s'en sert. Ils détestent les « négateurs » qui la refusent et les « suiveurs » qui l'adoptent. Ils tolèrent moins encore qu'on en fasse l'application à un autre idéal. Les partisans de l'impressionnisme ont dit ainsi sur Henri Martin, sur Le Sidaner, sur Ernest Laurent, des choses illogiques. Cependant, l'impressionnisme, en tant que mouvement d'art, est déjà caduc. Ses maîtres fondamentaux sont des vieillards ou des morts glorieux ; ses données, au point de vue de la composition, du caractère, du style, du choix des sujets, sont historiquement liées au mouvement naturaliste de 1870-1885 qui n'émeut plus les consciences et appartient à la critique rétrospective. La part vivante et
cet instrument de subjectivisme. Certains ne l'ont pu comprendre : Il est singulier, mais immanquable, que les propagateurs d'une technique n'admettent guère qu'on en use. Ils veulent qu'on l'admire et ils la répandent, mais ils crient au pastiche si l'on s'en sert. Ils détestent les « négateurs » qui la refusent et les « suiveurs » qui l'adoptent. Ils tolèrent moins encore qu'on en fasse l'application à un autre idéal. Les partisans de l'impressionnisme ont dit ainsi sur Henri Martin, sur Le Sidaner, sur Ernest Laurent, des choses illogiques. Cependant, l'impressionnisme, en tant que mouvement d'art, est déjà caduc. Ses maîtres fondamentaux sont des vieillards ou des morts glorieux ; ses données, au point de vue de la composition, du caractère, du style, du choix des sujets, sont historiquement liées au mouvement naturaliste de 1870-1885 qui n'émeut plus les consciences et appartient à la critique rétrospective. La part vivante et immortelle de l'impressionnisme, une fois close son active série de chefs-d'œuvre, c'est précisément la diversité des applications de ses trouvailles, c'est ce qu'il aura permis de produire, même en opposition à sa conception primitive. La décoration symbolique de Martin, l'intimisme de Le Sidaner, la synthèse d'Ernest Laurent, ce sont des parts d'héritage et des hommages libres. Dans le même sens des envois comme ceux de Simon Bussy au Salon d'Automne dernier sont, en leur claire et subtile beauté, des références sans servilisme : car l'impressionnisme est venu comme une heureuse promesse faite à tous ; et non comme un mouvement clos, jaloux de sa propre gloire, et toutes les esthétiques pourront s'en servir. La meilleure façon de l'honorer, c'est de le montrer mêlé à toutes les modalités de l'art futur, qu'on pense comme Manet, comme Degas, comme Puvis ou comme Gustave Moreau. Ernest Laurent peint une femme dans son intérieur, et ne l'en sépare pas. Tantôt une adorable touffe d'azalées éclôt dans la pénombre, auprès du canapé où rêve, en robe rose, la comtesse L. du Luxembourg avec sa bouche triste et ses yeux assombris. Tantôt de blanches boiseries, des portes de cristal aux croisillons de laque, évoquent les appartements
parts d'héritage et des hommages libres. Dans le même sens des envois comme ceux de Simon Bussy au Salon d'Automne dernier sont, en leur claire et subtile beauté, des références sans servilisme : car l'impressionnisme est venu comme une heureuse promesse faite à tous ; et non comme un mouvement clos, jaloux de sa propre gloire, et toutes les esthétiques pourront s'en servir. La meilleure façon de l'honorer, c'est de le montrer mêlé à toutes les modalités de l'art futur, qu'on pense comme Manet, comme Degas, comme Puvis ou comme Gustave Moreau. Ernest Laurent peint une femme dans son intérieur, et ne l'en sépare pas. Tantôt une adorable touffe d'azalées éclôt dans la pénombre, auprès du canapé où rêve, en robe rose, la comtesse L. du Luxembourg avec sa bouche triste et ses yeux assombris. Tantôt de blanches boiseries, des portes de cristal aux croisillons de laque, évoquent les appartements de mode récente autour de minces et droites femmes en robes blanches. Une main distraite dérange une écharpe négligée. Simple, est l'attitude, mais une contention intense retient aux lèvres quelque secret. De tels portraits ne se racontent pas. Poèmes gracieux et doucement irisés de nacrures éteintes, âmes tout juste assez incarnées pour apparaître. Constamment requiert le miracle d'une transposition psychique, à ce point que ce qu'on pense du portrait devient tout le portrait lui-même. Un état d'âme s'encadre. Vu dans un appartement — tel qu'il fut peint — un portrait de femme d'Ernest Laurent donne envie de se taire. Sa présence est d'une discrétion obsédante. Sa 'matière' irisée si sable semble varier avec les heures. C'est un reflet de reflets ; dirait-on, sur la personne même qui est là. On dit : banalement de certaines figures peintes qu'elles vont parler. Celles de ce curieux artiste vont plutôt écouter. Elles écoutent même : non ce qu'on dira d'elles, mais leur propre songe. Aussi ces portraits sont-ils parmi les très rares avec qui, me semble-t-il, on pourrait vivre sans ennui, sans gêne, sans révolte. Ce ne sont pas des êtres inquisiteurs dont le regard pèse, ni des créatures figées en une minute
incarnées pour apparaître. Constamment requiert le miracle d'une transposition psychique, à ce point que ce qu'on pense du portrait devient tout le portrait lui-même. Un état d'âme s'encadre. Vu dans un appartement — tel qu'il fut peint — un portrait de femme d'Ernest Laurent donne envie de se taire. Sa présence est d'une discrétion obsédante. Sa 'matière' irisée si sable semble varier avec les heures. C'est un reflet de reflets ; dirait-on, sur la personne même qui est là. On dit : banalement de certaines figures peintes qu'elles vont parler. Celles de ce curieux artiste vont plutôt écouter. Elles écoutent même : non ce qu'on dira d'elles, mais leur propre songe. Aussi ces portraits sont-ils parmi les très rares avec qui, me semble-t-il, on pourrait vivre sans ennui, sans gêne, sans révolte. Ce ne sont pas des êtres inquisiteurs dont le regard pèse, ni des créatures figées en une minute par un geste impatientant. Ce sont des âmes qui vivent leur vie, décoratives, associées au salon intime, à la chambre claire où le peintre les retint, et selon les heures elles sont nouvelles, identiques, jamais monotones, et d'un beau calme. Les dessins de ce spiritualiste affiné sont parmi les choses intéressantes de ce temps, et propres à exciter l'esprit, en ce sens qu'ils sont à la forme ce que la nervure est à la feuille. Ecriture plutôt que dessin, cette recherche de linéaments ramifiés, où tous les traits sont des faux, traits autour d'une forme que suppose et sous-entend l'esprit du peintre qui observe, note, défait et refait. Dessins d'une singulière synthèse, comparables à ces photographies photographies magnétiques, à ces clichés de sensibilité que, dans les laboratoires d'études occultistes, on parvient à obtenir autour d'une surface de chair vivante. On y suit la lente et précautionneuse coagulation des moyens du peintre autour de son idée. Peu à peu s'agrègent les hachures, puis les touches, en tissu cellulaire, autour d'un centre nerveux. L'être évoqué se vêt sans hâte de son apparence. Au lieu que la ressemblance résulte du fait brusque de deux ou trois touches suprêmes et heureuses, après la construction
intéressantes de ce temps, et propres à exciter l'esprit, en ce sens qu'ils sont à la forme ce que la nervure est à la feuille. Ecriture plutôt que dessin, cette recherche de linéaments ramifiés, où tous les traits sont des faux, traits autour d'une forme que suppose et sous-entend l'esprit du peintre qui observe, note, défait et refait. Dessins d'une singulière synthèse, comparables à ces photographies photographies magnétiques, à ces clichés de sensibilité que, dans les laboratoires d'études occultistes, on parvient à obtenir autour d'une surface de chair vivante. On y suit la lente et précautionneuse coagulation des moyens du peintre autour de son idée. Peu à peu s'agrègent les hachures, puis les touches, en tissu cellulaire, autour d'un centre nerveux. L'être évoqué se vêt sans hâte de son apparence. Au lieu que la ressemblance résulte du fait brusque de deux ou trois touches suprêmes et heureuses, après la construction totale de l'effigie, Ernest Laurent semble porter en lui, préalable, la ressemblance de l'être qu'il peint, et l'habiller peu à peu. En cela il s'apparente à Ricard : avant de peindre il apprend, il assimile, il sait par cœur son modèle — et le travail de ses mains n'est plus que le réflexe presque machinal de son idée. Il est bien plus peintre avant la séance que durant le labeur matériel. Il s'achemine ainsi vers une bizarre maîtrise, qui consiste non à accumuler des touches peintes pour en faire jaillir une idée, mais, dirait-on, à parvenir à représenter toute la personne sans voiler l'idée essentielle qu'il s'en était formée, et de façon qu'on ne perçoive qu'elle en oubliant « comment c'est fait ». Et ceci est tout whistlérien, et le contraire de l'impressionnisme. Cet isolé paisible, qui a fait quelques très belles choses, et ce tableau exquis des Relevailles, d'une telle tendresse, et des nus délicieux, cet artiste de touchante mélancolie, dont les envois aux Salons ont l'air de poser un doigt sur des lèvres, ce virtuose du gris perle, de la mordorure, du vieux rose et du blanc de lin s'est placé tout doucement au premier rang et dans
que le réflexe presque machinal de son idée. Il est bien plus peintre avant la séance que durant le labeur matériel. Il s'achemine ainsi vers une bizarre maîtrise, qui consiste non à accumuler des touches peintes pour en faire jaillir une idée, mais, dirait-on, à parvenir à représenter toute la personne sans voiler l'idée essentielle qu'il s'en était formée, et de façon qu'on ne perçoive qu'elle en oubliant « comment c'est fait ». Et ceci est tout whistlérien, et le contraire de l'impressionnisme. Cet isolé paisible, qui a fait quelques très belles choses, et ce tableau exquis des Relevailles, d'une telle tendresse, et des nus délicieux, cet artiste de touchante mélancolie, dont les envois aux Salons ont l'air de poser un doigt sur des lèvres, ce virtuose du gris perle, de la mordorure, du vieux rose et du blanc de lin s'est placé tout doucement au premier rang et dans un des coins les plus défendus de notre art moderne. L'intimisme n'a pas produit d'artiste plus attachant. Je ne sais pas si on l'a assez dit. Je ne sais pas s'il le comprend lui-même. Frileusement délicat, et tout entier de son rêve occupé, il ne se pose probablement pas de semblables questions, et les faux traits de la réputation ne sont pas du dessin qui le tente. Mais ce qu'il réalise est durable. Il combine des éléments de musique d'âme avec une patience qui oublie les procédés au fur et à mesure, et l'intuition le possède tout entier. C'est bien un symphoniste. Ses « passages de tons » sont ce qu'on peut imaginer de plus fluide; la façon dont un gris appelle un rose d'un bout à l'autre d'une de ses toiles est ce que la subtilité suggérera de plus insensiblement gradué. Dans ses tonalités ambiguës, troublantes, rien ne se crée ni ne se perd. On resonge aux alliances des mots de Mallarmé. « Cet unanime blanc conflit — d'une guirlande avec la même — flotte plus qu'il n'ensevelit... » C'est la devise qui, extraite d'un des sonnets sibyllins du maître, pourrait se broder aux rubans pâlis dont le flot
semblables questions, et les faux traits de la réputation ne sont pas du dessin qui le tente. Mais ce qu'il réalise est durable. Il combine des éléments de musique d'âme avec une patience qui oublie les procédés au fur et à mesure, et l'intuition le possède tout entier. C'est bien un symphoniste. Ses « passages de tons » sont ce qu'on peut imaginer de plus fluide; la façon dont un gris appelle un rose d'un bout à l'autre d'une de ses toiles est ce que la subtilité suggérera de plus insensiblement gradué. Dans ses tonalités ambiguës, troublantes, rien ne se crée ni ne se perd. On resonge aux alliances des mots de Mallarmé. « Cet unanime blanc conflit — d'une guirlande avec la même — flotte plus qu'il n'ensevelit... » C'est la devise qui, extraite d'un des sonnets sibyllins du maître, pourrait se broder aux rubans pâlis dont le flot négligé palpite contre les plis doux des robes de crêpe virginal que peint Ernest Laurent. Art mystérieux, flottant, racé, qu'effleure parfois un peu de soleil : figures arrêtées sous un éternel bosquet de pénombre, sous un berceau dont les feuillages seraient en dentelle de demi-deuil : tulles jaunis, du blanc jauni des vieilles lettres retrouvées : frisson contenu, qui en suscite un autre : figures pour les derniers poèmes de Rodenbach et les derniers lieder d'Ernest Chausson... L'atmosphère latente de ces portraits si simples est telle, que tout objet y prend des significations de symbole : une fleur, un mouchoir, l'angle d'une console, le miroitement d'un cristal, tout y acquiert un sens de vie silencieuse, une réalité seconde, on ne sait quelle suave et inquiète faculté d'attente indéfinie, un parfum. CAMILLE MAUCLAIR. PORTRAIT DE M" H. M. 161 L'ART ET LES ARTISTES PLAGE DE VALENCE DESSIN AU CRAYON Appartient à M. Pedro Gil APPARITION de Sorolla dans le monde de l'art date d'environ vingt ans. Il est aujourd'hui âgé de quarante-trois ans : il est au moment où les divers moyens d'inspiration et de technique s'équilibrent en une précieuse harmonie, alors que les ardeurs d'une jeunesse passionnée s'agitent encore, mais
jauni des vieilles lettres retrouvées : frisson contenu, qui en suscite un autre : figures pour les derniers poèmes de Rodenbach et les derniers lieder d'Ernest Chausson... L'atmosphère latente de ces portraits si simples est telle, que tout objet y prend des significations de symbole : une fleur, un mouchoir, l'angle d'une console, le miroitement d'un cristal, tout y acquiert un sens de vie silencieuse, une réalité seconde, on ne sait quelle suave et inquiète faculté d'attente indéfinie, un parfum. CAMILLE MAUCLAIR. PORTRAIT DE M" H. M. 161 L'ART ET LES ARTISTES PLAGE DE VALENCE DESSIN AU CRAYON Appartient à M. Pedro Gil APPARITION de Sorolla dans le monde de l'art date d'environ vingt ans. Il est aujourd'hui âgé de quarante-trois ans : il est au moment où les divers moyens d'inspiration et de technique s'équilibrent en une précieuse harmonie, alors que les ardeurs d'une jeunesse passionnée s'agitent encore, mais assagies par le calme éclat d'une virilité réfléchie. Et, en arrivant à cette décade de sa vie, Sorolla peut déjà présenter un catalogue d'œuvres qui est, par son nombre, uniquement comparable à celui des peintres les plus prodigues, les plus doués, non seulement de notre temps, mais du passé. L'exposition de ses tableaux dans les Galeries Georges Petit n'est pas une vaine parade de fécondité, elle est l'affirmation même de cette fécondité qui lui permet de montrer un ensemble superbe de 300 œuvres après triage le plus raffiné, le plus exquis, le plus scrupuleux. ce sens, comme dans bien d'autres, Sorolla rappelle le génie de Goya. L'œuvre de tous deux est complexe et puissante; elle est, surtout et avant tout, profondément espagnole. C'est là le trait caractéristique que nous admirons dans toutes les toiles de ce peintre. Sorolla est, actuellement, le peintre de véritable souche espagnole, il est le plus pur continuateur de la belle tradition des Greco, des Velazquez, des Goya. Mais il importe que cette affirmation n'induise pas en une erreur : rien de plus opposé à l'esprit de Sorolla que le fait historique et le suranné ; rien de plus contraire à son tempérament robuste et palpitant
de ses tableaux dans les Galeries Georges Petit n'est pas une vaine parade de fécondité, elle est l'affirmation même de cette fécondité qui lui permet de montrer un ensemble superbe de 300 œuvres après triage le plus raffiné, le plus exquis, le plus scrupuleux. ce sens, comme dans bien d'autres, Sorolla rappelle le génie de Goya. L'œuvre de tous deux est complexe et puissante; elle est, surtout et avant tout, profondément espagnole. C'est là le trait caractéristique que nous admirons dans toutes les toiles de ce peintre. Sorolla est, actuellement, le peintre de véritable souche espagnole, il est le plus pur continuateur de la belle tradition des Greco, des Velazquez, des Goya. Mais il importe que cette affirmation n'induise pas en une erreur : rien de plus opposé à l'esprit de Sorolla que le fait historique et le suranné ; rien de plus contraire à son tempérament robuste et palpitant que l'attachement aux formules, aux manières, qui ont beau être respectables, même glorieuses, nous disent toujours de grands âges. Cet artiste est d'une actualité véhémence et nous trouvons dans toute son œuvre la vibration de la vie moderne : le travail, ce point grave et humain que la peinture espagnole n'avait pas encore osé aborder. Velazquez représentait des rois, des princes, les grands seigneurs, et si parfois il s'employait à reproduire la laideur basse et roturière des bouffons, ce ne fut pas par un sentiment de sympathique pitié envers les humbles et les roturiers, mais parce que ces idiots ou ces dégénérés étaient les jouets vivants. 162 L'ART ET LES ARTISTES CL. Georges Petit. PORTRAIT DE DECHEGARAY Le célèbre auteur dramatique espagnol L'exposition de ses tableaux dans les Galeries Georges Petit n'est pas une vaine parade de fécondité, elle est l'affirmation même de cette fécondité qui lui permet de montrer un ensemble superbe de 300 œuvres après triage le plus raffiné, le plus exquis, le plus scrupuleux. ce sens, comme dans bien d'autres, Sorolla rappelle le génie de Goya. L'œuvre de tous deux est complexe et puissante; elle est, surtout et avant tout, profondément espagnole. C'est là le trait caractéristique
n'avait pas encore osé aborder. Velazquez représentait des rois, des princes, les grands seigneurs, et si parfois il s'employait à reproduire la laideur basse et roturière des bouffons, ce ne fut pas par un sentiment de sympathique pitié envers les humbles et les roturiers, mais parce que ces idiots ou ces dégénérés étaient les jouets vivants. 162 L'ART ET LES ARTISTES CL. Georges Petit. PORTRAIT DE DECHEGARAY Le célèbre auteur dramatique espagnol L'exposition de ses tableaux dans les Galeries Georges Petit n'est pas une vaine parade de fécondité, elle est l'affirmation même de cette fécondité qui lui permet de montrer un ensemble superbe de 300 œuvres après triage le plus raffiné, le plus exquis, le plus scrupuleux. ce sens, comme dans bien d'autres, Sorolla rappelle le génie de Goya. L'œuvre de tous deux est complexe et puissante; elle est, surtout et avant tout, profondément espagnole. C'est là le trait caractéristique que nous admirons dans toutes les toiles de ce peintre. Sorolla est, actuellement, le peintre de véritable souche espagnole, il est le plus pur continuateur de la belle tradition des Greco, des Velazquez, des Goya. Mais il importe que cette affirmation n'induise pas en une erreur : rien de plus opposé à l'esprit de Sorolla que le fait historique et le suranné ; rien de plus contraire à son tempérament robuste et palpitant que l'attachement aux formules, aux manières, qui ont beau être respectables, même glorieuses, nous disent toujours de grands âges. Cet artiste est d'une actualité véhémence et nous trouvons dans toute son œuvre la vibration de la vie moderne : le travail, ce point grave et humain que la peinture espagnole n'avait pas encore osé aborder. Velazquez représentait des rois, des princes, les grands seigneurs, et si parfois il s'employait à reproduire la laideur basse et roturière des bouffons, ce ne fut pas par un sentiment de sympathique pitié envers les humbles et les roturiers, mais parce que ces idiots ou ces dégénérés étaient les jouets vivants. Je ne commettrai pas l'action déplorablement banale de présenter Goya en faisant l'éternelle apothéose du Tambour de basque et des Castagnettes;
opposé à l'esprit de Sorolla que le fait historique et le suranné ; rien de plus contraire à son tempérament robuste et palpitant que l'attachement aux formules, aux manières, qui ont beau être respectables, même glorieuses, nous disent toujours de grands âges. Cet artiste est d'une actualité véhémence et nous trouvons dans toute son œuvre la vibration de la vie moderne : le travail, ce point grave et humain que la peinture espagnole n'avait pas encore osé aborder. Velazquez représentait des rois, des princes, les grands seigneurs, et si parfois il s'employait à reproduire la laideur basse et roturière des bouffons, ce ne fut pas par un sentiment de sympathique pitié envers les humbles et les roturiers, mais parce que ces idiots ou ces dégénérés étaient les jouets vivants. Je ne commettrai pas l'action déplorablement banale de présenter Goya en faisant l'éternelle apothéose du Tambour de basque et des Castagnettes; en vérité, il existe un autre Goya, raffiné, exquis, mais ordinairement lorsqu'il descendait jusqu'aux basses échelles sociales, c'était pour peindre la plèbe ivre d'oisiveté et de désordre, bien que souvent elle L'ART ET LES ARTISTES SOLEIL DU SOIR tenta de se racheter par des velléités épiques et des convulsions héroïques. C'est parmi nous, et dans Sorolla, que je trouve pour la première fois une conception moderne, noble et profonde, de la vie laborieuse amplement développée. Et je dis amplement, non systématiquement, car ce peintre ne s'est proposé d'autre système que le but d'une grande pureté artistique. Pour définir d'un trait ferme la franche personnalité de Sorolla, il est nécessaire de montrer que durant tout le XIXe siècle la peinture espagnole vécut divorcée de la réalité, se complaisant dans la reproduction pittoresque de scènes historiques, et généralement de l'histoire d'Espagne. Sorolla lui-même, au cours des premières années de sa jeunesse, peignit une de ces grandes machines où l'on prétend surprendre un fragment de l'Histoire avec force appareil d'archéologie théâtrale. Voilà le seul tribut que Sorolla a payé à cette peinture d'histoire qui envahit notre dernier siècle et qui aujourd'hui encombre les salles du Musée de l'art moderne à Madrid. Après l'exécution